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e d i t o r i aa ll D
amos la bienvenida a todos nuestro lectores en este primer número de MUTE del 2019. Esperamos contar con su preferencia durante todo este año, porque seguiremos trabajando para darles a conocer noticias de interés al diseño, publicidad, marketing y muchas novedades. MUTE, es una revista de Diseño Gráfico y Artes Visuales dirigida a jóvenes creativos, estudiantes de arte y otras carreras afines. Este material busca ser un recurso de apoyo y a la vez informativo. Un material de rápida adquisición y de fuente confiable: que compartirá artículos de interés, que invitando al lector a conocer las diferentes facetas del diseño y las artes visuales. Busca destacar la importancia del arte visual y gráfico además de mostrar nuevas técnicas en su desarrollo. En esta primera edición conoceremos sobre el land art o earthwork, una corriente del arte contemporáneo en la que el paisaje y la obra de arte están estrechamente enlazados. Utiliza a la naturaleza como material (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.) para intervenir en sí misma. La obra generada es a partir del lugar en el que se interviene, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. Con esta primera edición buscamos satisfacer sus necesidades de comunicación visual y a su vez queremos compartir este espacio, invitándolos a enviarnos sus sugerencias, quejas, comentarios en general sobre los contenidos de nuestras futuras ediciones o con los temas aún no publicados. estamos esperando sus comentarios, pues sabemos que con su participación podemos mejorar cada vez, pues el diseño es de y para ustedes. El correo es: comrevista@mute.com.pe
staff Diagramación: Raiza Reaño A. Yara Benancio R. Jacqueline Orahulio B. Dirección. Ana Lozada C Silvia Fonseca F. Colaboradores: Alice B-B, David Calvillo, Alastair Campbell, Nick Carvell, Liat Clark, María Contreras, Jonathan Goodair, Devin Gordon, Benjamin Hanse. MUTE PERÚ. The Office Centro de Negocios. Av. Emilio Cavenecia 264, San Isidro 15073 Lima, Perú.. 3
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MARIO 6-7 Mini noticias
Machu Picchu a un paso de tener un set oficial de LEGO de 511 piezas 7 tipografías gratuitas y versátiles para 2019 El arte peruano, invitado especial en ARCOmadrid 2019
8-9 Tipografía
Psicología de los tipos de letra.
10-13 Entrevista Eiko Ojala
14-15 Crónica
La historia del color rojo
16-19 Crónica
La ilustración a lo largo de la historia.
20-23 Internacional Premio Nobel
24-29 Especial Land Art
30-31 Nacional
Diseño, confecciones e industria textil.
32-33 Diseño social
El libro como objeto denominador social y cultural
34-36 Miselaneo
Arte cinetico Lumínico
38-40 Sostenibilidad
Diseño ecologíco vs Diseño sostenible
41-43 Portafolio Lima Art
46 Capacitaciones cursos y diplomados
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MINI NOTICIAS
Machu Picchu a un paso de tener un set oficial de LEGO de 511 piezas.
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l peruano Diego Baca viene participando en un concurso de la marca LEGO que, según la cantidad de votos del público, eligirá los nuevos modelos que lanzará la compañía. El joven que es principal UX design manager en Microsoft, ha presentado un set oficial de la ciudadela de Machu Picchu que ya ha pasado una primera votación tras alcanzar los cinco mil votos hasta febrero del presente año. Ahora necesita 10 mil. “Como aficionado, me sorprendió que no hubiera modelos oficiales de América del Sur. La Unesco calificó a Machu Picchu como ‘una absoluta obra maestra de la arquitectura y un testimonio único de la civilización Inca’, haciendo de Machu Picchu el modelo perfecto para construir, aprender y explorar. ¡Sin duda, Machu Picchu es el candidato perfecto para un gran Lego set!”, señaló Baca. El modelo a micro escala de Machu Picchu incluye piezas que representan el Templo del sol, así como otros paisajes como el Intihuatana, el Templo de las tres ventanas, el Templo del Cóndor, la piedra sagrada, el río Urubamba y la montaña Huayna Picchu. Se trata de 511 piezas y mide 20.8 x 19.2 x 11,5 centímetros.
7 tipografías gratuitas y versátiles para 2019
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a tipografía es uno de los elementos en una composición gráfica que pueden conseguir captar la caprichosa y saturada atención de los consumidores, por lo que es la herramienta insustituible y esencial para desarrollar cualquier tipo de diseño gráfico. Con el objetivo de ayudar a a aquellos diseñadores que quieran reforzar el mensaje del diseño en el que están trabajando, presentamos esta recopilación de 7 tipografías gratuitas que harán brillar y destacar los próximos diseños de 2019.
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Morganite.ttf
MINI NOTICIAS
El arte peruano, invitado especial en ARCOmadrid 2019
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a 38 edición de ARCOmadrid contó con Perú como país invitado. Sharon Lerner, comisaria de arte contemporáneo del Museo de Arte de Lima, elaboró un profundo trabajo curatorial a partir de la obra de 23 destacados artistas (como Mariella Agois, Fernando Bedoya, Fernando Bryce, Teresa Burga, Alberto Casari, Johanna Hamann, Elena Tejada, Ricardo Wiesse y Sergio Zevallos, entre otros) para ofrecer a los visitantes una visión integral de la cultura plástica peruana en sus diversas facetas. Además de esta presencia, la escena artística del país también estuvo reflejada en las conversaciones del Foro Perú —que analizaron las particularidades del arte contemporáneo peruano y los retos culturales y sociales a los que se enfrenta—, y a través de una serie de exposiciones que tenían el desarrollo del arte peruano como hilo conductor, como “Nasca. Buscando huellas en el desierto”, una cultura precolombina de una plástica sorprendente en el Espacio Fundación Telefónica; la muestra “Redes de vanguardia: Amauta y América Latina, 1926-1930”, sobre el movimiento intelectual latinoamericano con artistas del indigenismo que acogió el Museo Nacional Reina Sofía; “Amazonías”, una novedosa
exposición de arte amazónico contemporáneo en Matadero Madrid, a la que da entrada un mural Kenné; la selección “Video-translaciones: “Miradas x Espacios”, en el Centro Cultural Conde Duque, y la muestra de fotografía “Estratos de un paisaje” de la colección Jan Mulder, en Casa de América, que con 108 obras de 35 artistas, es la más ambiciosa muestra de fotografía contemporánea peruana expuesta en España.
Rostro con peces, Shipibo Conibo, Iquitos, de Javier Silva. Estratos de un paisaje, en Casa de América
El Río que fluye dentro, de Cecilia Paredes. Estratos de un paisaje, en Casa de América.
El Retrato, de la serie Agua Dulce, de Adrián Portugal. Estratos de un paisaje, en Casa de América
Serico.ttf
Anodina.ttf
Big John, Slim Jone.ttf
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PSICOLOGÍA TIPOS DE LOS
DE LETRA
¿Eres de los que piensa que da igual leer un artículo en Arial que en Times New Roman? ¿Que la letra de los paquetes no influye en la elección de tus galletas o barras de chocolate? En este articulo te explicamos todo lo que no eras conciente.
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uede que no seas del todo consciente de la psicología detrás de la tipografía, pero Sarah Hyndman -autora de Why Fonts Matter (“Por qué importa la tipografía”) lo tiene claro: la forma en que aparecen las palabras, el tipo de letra que se elige para expresarlas, es sumamente importante.
“Como consumidores, podemos absorber ese tipo de letra subliminalmente, pero recopilamos una gran cantidad de información de la fuente elegida”, dijo Hyndman en un programa de radio de la BBC de la serie Word of Mouth.
“Es como el lenguaje no verbal, puedes leer algo en ella”, dijo Hyndman, entrevistada para la serie Word of Mouth de BBC Radio 4.
Aunque no lo creas, los tipos de letra también influyen en la forma que percibimos los sabores. Efectivamente, hay tipos de letras que reflejan valores, como el prestigio, y otras que asociamos con los productos caros. Y hay otras que incluso nos provocan una sensación en el paladar…
“Y las marcas también deben entender ese conocimiento subliminal”, agrega Hyndman.
TIPOGRAFÍA
DIME QUÉ QUIERES VENDER… Y TE DIRÉ QUÉ TIPO DE LETRA USAR Las marcas alimentarias no son las únicas que se preocupan por la tipografía. Hay una serie de asociaciones que las firmas y negocios deben tener en cuenta si quieren llegar al consumidor. Aquí te presentamos algunas de ellas: LOS “SABORES” DE LA TIPOGRAFÍA Aunque no lo creas, los productos alimentarios son algunos donde más puede influir la tipografía. Es a lo que Sarah Hyndman se refiere como “sabores” de la tipografía. Algunos tipos de letra parecen más apetitosos que otros, apelando a nuestros deseos con sus formas curvilíneas y profundidad. ¡Pero ojo! Esos son los estilos asociados con opciones de alimentos menos saludables y más procesados. Y es que instintivamente asociamos los tipos de letra de forma redondeada y robusta con sabores dulces -especialmente si el color usado es rojo-, explicó la experta. Mientras, las formas más anguladas se asocian con sabores más agridulces. ¿Te viene algún otro ejemplo a la mente?
Tu cerebro confunde el proceso de lectura con respecto a lo que estás leyendo, por lo que un tipo de letra fácil de leer probablemente te convencerá de que esos muebles que acabas de comprar serán más fáciles de ensamblar. Un tipo de letra más difícil de leer se sentirá como si la tarea en cuestión requiere más habilidades. Así, si se trata del menú de un restaurante, es probable que asumas que el chef es más talentoso. Estilos como el Didot, con contraste y líneas finas se asocia con la calidad, lo caro y la elegancia. No es casualidad que haya sido la elegida para cabeceras de revistas como la Vogue y la Harpers Bazzar, asociadas con la moda…
Por otro lado, los estilos en negrita y redondeados con poco contraste generan la idea de barato. Confías en un tipo de letra según el contexto en el que lo veas. En un experimento con The New York Times, el tipo Baskerville se consideró más creíble que Helvetica o Comic Sans, pero Helvetica está clasificada como la más confiable de las tres en una señal de tráfico. Comic Sans puntúa como la más creíble para anunciar fiesta escolar. Los estilos con letras minúsculas grandes y circulares, como “o” y “a”, se consideran idealistas, optimistas y abiertos. Los ejemplos son Lubalin Graph y Avant Garde.
Avant Garde Lubalin Graph
TIPOGRAFÍA Y POLÍTICA Los tipos de letras también pueden ser muy políticas. De hecho, la misma psicología que aplica para las compañías que venden productos puede aplicarse también a la venda de ideas políticas y estilos de vida.
“Al utilizar un estilo de tipo tan diferente, la campaña de Obama comunicó el cambio y el pensamiento progresivo, y la sensación de avanzar en muchos niveles... No fue de élite, aunque una fuente serif puede sugerir academia y prestigio literario, la fuente sans serif de Obama fue un todo incluido”. Y tú, ¿aún crees que el tipo de letra en el que lees ese artículo, novela o correo electrónico no importa?
Un ejemplo efectivo que destaca como un cambio muy estratégico nos remite a la primera campaña de Barack Obama. En 2008, el panorama político tipográfico en Estados Unidos consistía en tipos tradicionales que habían existido durante siglos. Pero Obama se separó de esto, utilizando un trazo simple, audaz y claro. Ese tipo de letra de Obama es Gotham, diseñado por Tobias Frere-Jones, un gran fan de la arquitectura de mediados del siglo XX en Nueva York. Es lo que se conoce como una fuente sans-serif o de “palo seco”, pues no tiene los “remates” o “gracias” (en inglés, serif) típicos de fuentes como la Times New Roman o la Didot. Y, para Hyndman, la Gotham “combina el sentimiento de modernidad del sans serif, con un sentimiento de nostalgia y atemporalidad que se asocia a los años 50. ¿Pero fue efectiva?
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DIGITAL
POR EIKO OJALA
PAPERCUT - Teamweek 2018
Este diseñador e ilustrador domina las luces y sombras al nivel de lograr crear trampantojos de papercut digitales.
Ilustración para The New York Times, An Olympic Catastrophe
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ENTREVISTA
FREELANCER iko Ojala ha trabajado para clientes como National Geographic, The New Yorker, The New York Times, HBO, Le Monde, The Washington Post, etc. También ha conseguido numerosos premios como el «YNC professional Award» en 2013, el bronce en los New Zealand Best Design Awards de 2016 por «Wellington Summer City», el premio al mérito por el Art Directors Club Illustration de 2017 por su obra «Olympic Catastrophe» y muchos más. Ha presentado sus obras en numerosas exhibiciones de Reino Unido, Estonia, Grecia, Emiratos Árabes, Estados Unidos… Finalmente, ha colaborado en libros como «Directory of Illustration 33» de 2016, «Creative Pool Annual» de 2016, «Papercut Cut» de 2014, «Paradise of Paper Art» de 2013, etc. Para llevar a cabo estas elaboradas ilustraciones en papercut, Eiko Ojala se sirve de la fotografía, el papel o el 3D. Durante este trabajo, lleva a cabo un intenso estudio de las formas y sus estructuras, así como también de la luz y la sombra, fundamentales en toda su obra. No obstante, a pesar de la gran cantidad de detalles minúsculos con los que cuenta cada ilustración, es capaz de mantener un efecto minimalista en sus dibujos.
Mi proceso de trabajo consiste más en deshacerme de las cosas que en agregarlas. Eiko Ojala
Las obras de Eiko Ojala a primer golpe de vista dan la impresión de estar hechas con recortes de papel. En cambio, si nos fijamos o investigamos sobre el artista, descubrimos que en realidad lo que predomina en sus ilustraciones es la técnica digital. Gracias a programas como Photoshop consigue dar este aspecto a sus obras, haciéndolas lo más realistas posible. En la distancia, muchas veces podemos pensar que en sus ilustraciones hay un único elemento. En cambio, si prestamos atención a la imagen, cada vez encontraremos más detalles que nos permitirán descubrir nuevos matices y significados ocultos en sus obras.
Mapas de parques en Toronto, Canadá para Live Green Toronto.
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SÉ QUE AMAS LA NATURALEZA Y PASAS MUCHO TIEMPO CAMINANDO, NAVEGANDO Y HACIENDO TREKKING. ¿QUÉ PAPEL JUEGA LA NATURALEZA EN TU TRABAJO DE ILUSTRACIÓN?
Illustración para Affina Hotel Manhattan lobby.
Es realmente importante Para poder hacer un gran trabajo necesito estar vacío de cosas y pensamientos que no necesito. Luego tengo más espacio para las ideas, la inspiración, etc. Senderismo, vela y trekking son actividades que me llevan a lugares donde puedo descargar estos pensamientos y tensiones innecesarios.
TAMBIÉN HAS TRABAJADO COMO DISEÑADOR GRÁFICO. ¿CÓMO INFLUYE ESO EN LO QUE HACES COMO ILUSTRADOR?
Ha influido bastante en mi trabajo de ilustración. Ha mantenido mi trabajo lo más simple y preciso posible. Mi proceso de trabajo consiste más en deshacerme de las cosas que en agregarlas.
EDITORIAL
Portada para The New York Times
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Ilustración de la portada de “Illustration Now! 5 ”encargado por los libros de TASCHEN.
Ilustración de portada para el libro “Langenud tähtede hõõg” del escritor estonio Mihke Vasar.
ENTREVISTA
COMO FREELANCER, ¿CÓMO TE MANTIENES DISCIPLINADO?
Creo que es realmente personal. No hay ninguna herramienta para mantenerse disciplinado. Mi motivación no es la fecha límite. Es más como terminar las cosas unos días antes de la fecha límite, así que tendría un poco más de tiempo para hacer cambios y agregar nuevas ideas. Esto me hace feliz.
H AS SAC A D O M U C H O S P R OY EC TO S PERSONALES. ¿CÓMO SE PRODUCEN? ¿TIENES UN CONCEPTO EN MENTE CUANDO EMPIEZAS A CREAR?
Ilustración del personaje de Eustace Tilley para la edición del aniversario de The New Yorker.
Normalmente lo hago Y estos conceptos vienen con tanta energía que tengo que detener todos los demás proyectos. Pero sé que estos proyectos personales son semillas para algunos proyectos más grandes o proyectos comerciales.
CUANDO UN CLIENTE SE LE ACERCA, ¿QUÉ TIPO DE INFORMACIÓN NECESITA PARA HACER EL MEJOR TRABAJO POSIBLE? Realmente depende del proyecto. Pero lo más importante que me gusta averiguar es qué tipo de estado de ánimo o sentimiento tiene el cliente después . ¿Es serio, irónico o simplemente divertido?
¿QUÉ DESEARÍAS QUE PUDIERAS ENSEÑARTE A TI MISMO CUANDO TENÍAS 20 AÑOS? Aprende a soñar. Entonces los sueños se hacen realidad. Portafolio Oficial: http://ploom.tv/
Master logo for Wired Magazine.
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CRÓNICAS DE UN COLOR PRIMARIO Por Mymodernmet
El rojo es más que uno de colores primarios; data de la prehistoria y fue uno de los primeros colores usados por los artistas. Al ser atractivo y cálido por naturaleza, ha tenido un significado especial para muchas culturas.
OCRE ROJO n varias regiones del mundo, el rojo simboliza alegría y buena suerte. En muchos países asiáticos, las novias usan prendas rojas el día de su boda, ya que representa fertilidad y fortuna. En Europa, el rojo se relacionó con los aristócratas y el clero. Su asociación con la sangre de Cristo lo hizo especialmente importante para la iglesia católica, tanto que el título de cardenal proviene del color que usaban tradicionalmente los cardenales católicos romanos. En la actualidad, la cultura occidental suele asociar este color con el amor.
LOS MATICES DEL ROJO Presente en el arte y los textiles desde tiempos inmemoriales, el color rojo es poderoso y elegante. Echemos un vistazo a algunos de los tonos más importantes presentes en el arte y aprendamos más sobre la fascinante historia de este color.
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Una de las formas más antiguas del rojo proviene de la arcilla, dada la tonalidad roja de este mineral. El rojo, junto con el blanco y el negro, fue uno de los tres colores utilizados por los artistas en la era del Paleolítico, pues era fácil de obtener en la naturaleza. Las pinturas rupestres prehistóricas en Altamira, España, que datan entre 15000 y 16500 a.C., son uno de los ejemplos más antiguos de pinturas con ocre rojo.El rojo también fue importante en la antigua China. Este color aparece en piezas de cerámica negra y roja que datan entre 5000 y 3000 a.C.. También se han encontrado rastros de ocre rojo en la paleta de un pintor dentro de la tumba del rey Tut en Egipto.
Dato: En el antiguo Egipto, el ocre rojo era usado por las mujeres para darle color a sus labios y mejillas. Durante las celebraciones, las personas pintaban sus cuerpos con este pigmento, ya que en la cultura egipcia, el rojo se asociaba con la vida, la salud y la victoria.
CRÓNICA
El rojo aumenta nuestra reacción física porque lo consideramos una señal de peligro.
CARMÍN
CINABRIO Los tonos de este rojo van de un brillante escarlata a un ladrillo profundo. El cinabrio recibe su nombre del mineral con el que está hecho: un sulfuro de mercurio altamente tóxico que fue utilizado desde la época de los egipcios. El brillante color fue el preferido de los antiguos romanos, quienes lo usaron extensivamente para la decoración, como aún puede verse en los murales de Pompeya. Desde el siglo XII, el cinabrio también se usó en lacas talladas de China.
El carmín está hecho de material orgánico, que provienen de minerales. Este pigmento está hecho de grana cochinilla, un pequeño insecto que vive en los nopales y tunas (cactus). Llegó a Europa en la primera mitad del siglo XVI, después de que los colonizadores españoles se encontraran con el rojo brillante usado por los aztecas. El carmín es un hermoso y profundo rojo que fue utilizado por prácticamente todos los grandes pintores de esa época, como Rembrandt, Vermeer y Velázquez. El pigmento debe ser usado con cuidado, ya que el tono puede cambiar si es expuesto a la luz.
ROJO DE CADMIO Gracias a su solidez, el rojo de cadmio se volvió popular en el siglo XX, y se comercializó desde 1910. Henri Matisse era un admirador este brillante pigmento, y fue el primer pintor reconocido en usarlo en sus obras. El rojo de cadmio sigue siendo muy común en las paletas de muchos artistas. ROJO CHINO
BERMELLÓN Se cree que los chinos fueron los primeros en producir bermellón sintético, probablemente desde el siglo IV A.C. El pigmento resultante, llevado a Europa por alquimistas árabes, fue usado por los pintores del Renacimiento. En particular, las capas de este brillante color destacan en la obra de Tiziano. Si bien esta pintura suele ser de color rojo anaranjado, uno de sus defectos es que tiende a oscurecerse con el tiempo, convirtiéndose en un marrón púrpura oscuro. El bermellón siguió siendo el pigmento rojo más popular durante el siglo XX, hasta que su toxicidad y su costo hicieron que la mayoría de los artistas empezaran a utilizar el rojo de cadmio.
CARMESÍ Este intenso color rojo, que se inclina hacia el púrpura, está hecho de cuerpos secos de kermes hembras. Estos pequeños insectos, que se alimentan de la savia de los robles de hoja perenne, fueron criados comercialmente para producir tintes y pinturas.
Dato: El carmesí también recibe el nombre de “carmesí natural”.Después, el carmesí comenzó a ser producido con Alizarin, el primer pigmento rojo de origen sintético.
PLOMO ROJO (MINIUM) El plomo rojo, o minium, es otro material altamente tóxico que habría sido fabricado por primera vez en China durante la dinastía Han. De hecho, se considera que el plomo rojo es uno de los primeros pigmentos sintéticos, ya que se obtiene al tostar pigmento de plomo blanco. Cuanto más tiempo pase el plomo blanco sobre las brasas, más se acercará a un tono rojo naranja. Al ser menos costoso que el pigmento hecho de cinabrio, fue ampliamente utilizado en manuscritos medievales, así como en pinturas en miniatura de Persia y la India. A Vincent van Gogh le gustaba el plomo rojo, por lo que usó ampliamente en su obra. Desafortunadamente, este pigmento se desvanece con el tiempo si se expone a la luz, por lo que el rojo en sus pinturas ha perdido intensidad.
Muchos tonos de rojo han sido parte de la historia de la en la moda, pero el diseñador Christian Louboutin hizo de un tono específico su sello distintivo: el rojo chino. En 1992, presentó sus zapatos con suelas rojas, que rápidamente se convirtieron el elemento distintivo de su marca. Este tono (Pantone 18-1663 TPX) se convirtió en un emblema de la marca, por lo que Louboutin lo ha convertido en una marca registrada en varios países. Ahora, los zapatos con suelas rojas de este diseñador son vistos como un símbolo de lujo y elegancia, y son usados a menudo por la élite de la moda y las celebridades en eventos exclusivos.
Dato: Louboutin descubrió su característico rojo por accidente. Mientras trabajaba en un prototipo, sintió que faltaba algo en su diseño. Fue entonces que notó a una de sus asistentes pintando sus uñas de rojo, y decidió usar ese color para la suela de sus zapatos.
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DE LA PIEDRA
AL PAPEL
Si bien las ilustraciones pueden ser mapas, planos, diagramas o elementos decorativos, generalmente se trata de representaciones de escenas, personajes u objetos. Por Blog Mareas y Cristina Hinojosa Lecaros
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CRÓNICA
LA ILUSTRACIÓN A LO LARGO DE LA HISTORIA os orígenes de la ilustración son tan antiguos como los de la escritura. Las raíces, tanto de la ilustración como del texto, se encuentran en los pictogramas (símbolos que representan palabras o frases) y en los jeroglíficos (imágenes de objetos que representan palabras, sílabas o sonidos) desarrollados por culturas antiguas como los egipcios, los mayas, los olmecas o los hititas, entre otros.
ÉPOCA CLÁSICA (1000 al 450 aC)
ORÍGENES
Grecia: Utilizaron muros y losas de terracota o mármol y, con menos frecuencia, marfil, cuero, pergamino y lino donde ilustrar escenas mitológicas, leyendas y batallas históricas, abundantes tablas votivas, retrato, caricatura y escenas de paisaje y de la vida cotidiana (escenas eróticas incluidas) y bodegones, encargos privados de pinturas de género y de estilo decorativo (cornucopias, guirnaldas…) que irían ganando popularidad durante la última de las etapas del arte griego.
PREHISTORIA (30.000 al 10.000 aC.) Paleolítico y Neolítico: Las ilustraciones mas antiguas que se conocen se remontan a la pintura rupestre del paleolítico realizadas con carbón, arcilla y otros materiales, encontradas en cuevas de Francia -Chauvet y Lascaux- y de España -Altamira- y que representan escenas del entorno natural.
En Europa, durante la época clásica, las primeras ilustraciones se hicieron para textos científicos. Aristóteles, hacía referencia a las ilustraciones, perdidas en la actualidad, que acompañaban a sus escritos. El siguiente paso fueron las ilustraciones en forma de retratos del autor, seguidas por ilustraciones de textos literarios como la Iliada y la Odisea. Roma: La pintura romana tuvo como precedentes los frescos de las cámaras funerarias etruscas y la pintura griega, alcanzando un gran desarrollo. Se realizaba sobre las paredes de las casas de los adinerados, generalmente “al fresco”, y “sobre tabla”.
Según Arnold Hauser (1982) la Pintura era primordialmente utilitaria y la intensión artística estaba en un segundo plano, no mostraba un disfrute de la vida, ni pretendía generar goce estético. Eran representaciones formales estilizaciones de la vida, que toman y preservan las cosas en “su ser natural”. Posteriormente en el Neolítico la pintura se estiliza, se hace geométrica y llega a ser simbólica, transmite abstracciones, se centra en la comunicación de ideas, conceptos, es decir sigue siendo utilitaria en otro modo. mundo y al mundo del más allá. Muestra un mundo idealizado.
ÉPOCA EGIPCIA (3100 aC al 332 aC) Antes de la invención de la imprenta, los libros (manuscritos) se ilustraban a mano. La muestra de libro ilustrado más antiguo que se conserva es un papiro egipcio de alrededor del año 2000 a.C. En el antiguo Egipto se ilustraba el Libro de los muertos, que se colocaba en las tumbas para que los difuntos pudieran utilizarlo en la otra vida.
Ilustración por Cristoph Niemann
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ÉPOCA MEDIEVAL: Los artistas de la Europa medieval ilustraban los textos de los manuscritos miniados, con miniaturas, iniciales con ornamentos o decoraciones al margen. En el mundo islámico, los artistas persas y mogoles ilustraban los libros de poesía e historia con delicadas pinturas semejantes a joyas. Al igual que los manuscritos, las ilustraciones sólo podían duplicarse copiándolas a mano. 1.
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Siglo XV dC: Uno de los tipos más comunes de arte cristiano primitivo producido durante la Edad Media fue el texto religioso ilustrado o manuscritos iluminados, escritos dentro del scriptoria de los monasterios irlandeses, británicos, franceses,espñaoles, a mano, en latín, sobre pieles de animales y luego decorados con arte bíblico, incluyendo imágenes de la Sagrada Familia y los Apóstoles. (Ver realización de manuscritos iluminados). Los manuscritos ilustrados más antiguos que aún perduran son del período 400-600 d. C., elaborados principalmente en Irlanda, Italia, España y otros lugares del continente europeo. En el primer milenio, la mayoría fueron Evangelios. El período románico vio la creación de muchas enormes Biblias –en Suecia, una requirió tres bibliotecarios para levantarla. Muchos libros de salmos también fueron profusamente ornamentados en los períodos anteriores y en el período gótico. Finalmente, el Libro de Horas, el libro devoto personal de los más adinerados, fueron a menudo ilustrados en el período gótico. Otros libros, litúrgicos o no, continuaron siendo ilustrados en todos los períodos. El mundo bizantino también continuó produciendo manuscritos en este estilo, versiones que se expandieron a regiones orientales cristianas y ortodoxas. El período gótico, se aprecia un incremento en la producción, también vio muchas obras centenarias tales como crónicas y obras de literatura ilustrada. La gente rica comenzó a promover sus propias bibliotecas; por ejemplo, Felipe II de Borgoña, en el S XV tenía la biblioteca personal más grande de su época (alrededor de 600 manuscritos ilustrados). 1. Pinturas de la cueva de Altamira. 2. Libro de los Muertos. 3. Aquiles y Agamenon - La Iliada 4. Mosaico Romano de la Villa del Camino 5. Villa Romana de la Olmeda
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CRÓNICA
Siglo XX dC: Aparición de las vanguardias y como estas no solo expandieron el universo de técnicas ilustrativas, sino que, además, establecieron por primera vez la creación de mundos antes que la re- creación (o representación) de mundos. • Mitad del siglo XX En este punto se asienta el concepto de diseño, quedando la ilustración entre ambos ámbitos: diseño y arte. Siglo XVI dC: La caricatura nació a principios del siglo XVI en la ciudad italiana de Bolonia. Allí, en la escuela de pintores de la familia Carracci, los alumnos se entretenían dibujando a los visitantes bajo la apariencia de animales u objetos inanimados. Siglo XVIII dC: La primera reproducción mecánica de ilustraciones se hizo por medio de matrices de madera. Se dibujaba la ilustración sobre la superficie lisa del bloque y se vaciaba la madera a ambos lados de las líneas del dibujo. La imagen en relieve resultante era untada con pigmento o con tinta y se estampaba sobre el pergamino o el papel. En algunos casos se utilizaba una única matriz para tallar la página completa de un libro, texto e ilustraciones; los libros realizados con esta técnica se llaman libros xilográficos. El grabado al humo, también conocido como manera negra, que se realiza bruñendo una lámina de cobre y que consigue sutiles gradaciones de luz y sombra, se desarrolló en el siglo XVIII, al igual que el aguatinta que permite simular el efecto de la pintura a la acuarela. A finales de siglo se perfeccionó la técnica de la xilografía que consiste en grabar, con un buril metálico, sobre la madera cortada a la testa, consiguiendo imágenes de gran delicadeza que, en muchos casos, aparecen en blanco sobre un fondo oscuro.
Siglo XXI dC: En la actualidad, la tecnología digital ha propiciado que la ilustración adquiera múltiples matices y cobre una importancia artística nunca antes vista en la que los artistas pueden hacer uso de un sinfín de técnicas, soportes y medios de especialización para lograr sorprendentes creaciones en las que su trabajo se ve enriquecido con propuestas extraídas del Cubismo, Surrealismo, Expresionismo y Arte Pop; sin duda vivimos una segunda época dorada de la ilustración. Pablo Garzón En el año 1919
Pintado por Kandinsky
Ilustración por Cristoph Niemann
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El premio Nobel estrena nueva identidad visual, ahora mĂĄs sofisticada y accesible - RediseĂąada por Stockholm Design Lab.
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INTERNACIONAL
stablecido en 1895 por voluntad del químico, ingeniero, inventor, empresario y filántropo sueco Alfred Nobel, el Premio Nobel –otorgado por primera vez en 1901–, honra a aquellos seres humanos que han entregado el mayor beneficio a la humanidad. Este diciembre, coincidiendo con la ceremonia anual, The Nobel Prize presentó su nueva identidad visual –ahora más personalizada, elegante y accesible–, rediseñada por Stockholm Design Lab. Como admite el estudio de diseño, The Nobel Prize es una marca global fuerte con gran integridad y credibilidad mundial. Para manifestar su herencia y, al mismo tiempo, preparar la marca para el futuro, el Premio Nobel necesitaba una nueva y clara estrategia de diseño para crear sinergias e impulsar a todas las organizaciones participativas en una misma dirección.
El trampolín para el desarrollo de la identidad visual, según explican desde Stockholm Design Lab, fue la medalla de oro de estilo Art Nouveau que se entregó por primera vez en 1902. De ahí surgió el nuevo logotipo, las fuentes personalizadas –Alfred Sans, Alfred Serif y Alfred Regular– y el actualizado sistema de colores. El resultado es una identidad más coherente que aumenta las posibilidades de reconocimiento y comunicación más efectivos del Premio Nobel. El logotipo antiguo consistía en una fuente de estilo Times New Roman y una versión difusa de la medalla. El nuevo logo es muy simple y minimalista –como se suele decir súper funcional–, pero, al mismo tiempo, es majestuoso, digno y sofisticado, sin perder su conexión con el notorio legado del Premio Nobel. Este logotipo no es de carácter pretencioso, por lo que el uso de mayúsculas sin serifa funciona perfectamente, refrescando la imagen de la marca y situándola en el entorno actual.
La solución requería una identidad de marca holística que sirviera como una base sólida, que pudiera ser manejable y suficientemente flexible como para trabajar en diferentes organizaciones, con especial énfasis en presencia digital, redes sociales y eventos públicos
Stockholm Design Lab 21
Trabajo tipográfico La tipografía del logotipo, Alfred Regular, tiene su origen en las letras grabadas en la medalla de oro. Como también es la fuente principal de la marca The Nobel Prize, gana reconocimiento en cualquier punto de contacto. Alfred Sans fue desarrollada en paralelo con la fuente secundaria, Alfred Serif. Ambos tipos de letra están diseñados para encajar y complementarse entre sí –tanto funcional como estéticamente– para garantizar la mejor legibilidad y, por lo tanto, aseguran su uso a largo plazo.
Presentación de la nueva identidad diciembre, 2018
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En cuanto al nuevo sistema de story telling visual, la paleta de colores ha presentado un nuevo color para acentuar los detalles más importantes. «Si alguna marca puede reclamar el oro como su color natural, es, sin ninguna duda, el Premio Nobel», afirman los diseñadores.Con su clara conexión con los elegantes sistemas de color de principios de siglo pasado, la actualizada paleta de colores se combina bien con el oro. Este color majestuoso, como aseguran desde Stockholm Design Lab, refleja el legado histórico del premio y permite una presencia efectiva en el contexto digital.
INTERNACIONAL
Water is essential to the survival of humanity
Cartel de presentación
En modo de conclusión, la nueva identidad visual del Premio Nobel –una armonía entre excelencia y accesibilidad– está formada para establecer una profunda comunicación entre las organizaciones y marcas de hoy y de mañana, pero sin romper la conexión con el gran respeto por el legado cultural y científico del premio. UN ELEMENTO ORIGINAL DE LA CEREMONIA, LA GÉNESIS DEL NUEVO DISEÑO El punto de partida para desarrollar la identidad ha sido la medalla de oro, de estilo Art Nouveau, creada para otorgar el primer premio en la ceremonia de 1902, de la que han surgido el logotipo, las tipografías - Alfred Sans, Alfred Serif y Alfred Regular - y la paleta de colores.
La paleta de colores está definida por el color distintivo del premio: el dorado. Con un claro guiño a los elegantes sistemas de color de principios de siglo, toda la paleta combina con este color. El oro, según Stockholm Design Lab, es capaz de reflejar el legado histórico del premio así como fija su presencia en el entorno digital. Nueva idxentidad visual en applicaicón web
Letras y colores que aúnan elegancia, personalidad y accesibilidad La tipografía del logotipo, la Alfred Regular, tiene su origen en las letras grabadas en la medalla de oro y como fuente primaria, será fácilmente reconocida en todas las comunicaciones de la institución. La Alfred Sans ha sido desarrollada en paralelo junto la fuente secundaria, Alfred Serief. Ambas tipografías se han diseñado para que encajen y se complementen de forma estética y funcional, planteadas para garantizar su legibilidad y su uso a largo plazo.
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LA NATURALEZA COMO LIENZO ARTĂ?STICO
Por Nicolas Rivas
Por Christo Vladimirov Javacheff y y Jeanne-Claude
Por Martin Hill
25 Arte libre
ESPECIAL
a valoración de las obras de arte se ha visto influenciada por los temas representados. Durante gran parte de la historia del arte, el paisaje ha sido una temática con una valoración inferior a otras; siendo necesario el uso de diferentes recursos para justificar este tipo de representaciones. Sin embargo, no es hasta la llegada del Romanticismo y, posteriormente durante las primeras vanguardias, con la del Impresionismo cuando se revaloriza esta categoría que había sido rechazada tras un largo período de tiempo. No obstante, con la formación de otros movimientos y sus respectivas investigaciones, el paisaje queda nuevamente relegado como temática o representación. Entre otras corrientes que cuestionan la materialidad de la obra de arte, surge el Land Art en torno a la década de 1960 y 1970, buscando una vía de escape y ante el cuestionamiento del comercialismo que se estaba produciendo sobre las obras de arte contemporáneo.
¿QUÉ ES EL LAND ART?
Por esa razón el Land art se documenta con filmaciones, fotografías, mapas durante la creación, construcción y finalización de la obra. Concediéndole un enorme valor al proceso constructivo de la obra frente al resultado final, se valora el cómo se hace de igual forma que la obra resultante. Es la interacción entre la obra, el entorno y el usuario que la experimenta; la mayoría de estas obras se conciben para ser vistas desde múltiples perspectivas, incluyendo en su recorrido las vistas aéreas y peatonales. Las primeras obras se realizaron en desiertos de Estados Unidos a finales de los años sesenta, pero la obra que más popularidad ha tenido es, probablemente la Spiral Jetty creada en abril de 1970 en Utah por Robert Smithson (fotografía principal). En esta obra, el artista trabajó con rocas, tierra y algas para formar una larga espiral que sobresale de la tierra adentrándose en el Gran Lago Salado. Muchas obras de esta corriente artística han necesitado máquinas industriales por el peso de los materiales para ser construidas.
El Land Art es un movimiento de arte contemporáneo que promueve la reflexión sobre la importancia de preservar el medio ambiente mediante majestuosas intervenciones que transforman paisajes en obras de arte.El paisaje pasa de ser un elemento de representación, que aparece como protagonista o elemento secundario en la obra, a elemento fundamental y soporte sobre el que intervenir directamente. El Land Art tiene sus orígenes entre Estados Unidos e Inglaterra, con una extensión al resto de Europa tras su popularización El movimiento busca sacar el arte de los museos, llevando las obras al exterior. La mayoría de obras de Land Art son provisionales, su carácter efímero se basa en su exposición al entorno y los elementos naturales que las rodean, como la lluvia, la erosión, el viento o cualquier variación natural del escenario donde se desarrolla. Por Simon- Seilfmen
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OTRAS FORMAS DE LAND ART
Por Juarez 2017
En un comienzo el Land Art se trabajó en los mismos espacios naturales con sus mismos elementos que se encontraban ahí mismo. Luego lograron hacer estas esculturas en espacios cerrados como galerías y también en espacios abiertos urbanos o en otros naturales. También se ha recurrido al cuerpo como base fundamental agregando elementos naturales en sus expresiones artísticas. Han llevado también los elementos naturales a objetos, cuadros, y otros elementos. Por lo anterior últimamente se han tenido fuertes críticas y cuestionamientos por el comportamiento artístico que se alejó del propósito fundamental del land art. LOS MATERIALES USADOS PARA CADA FORMA SON LOS SIGUIENTES:
1.
Empleo de materiales de la naturaleza como Tierra, maderos, troncos, Piedras, amontonamientos, túmulos.
2.
Artificio y como contraste o resalte de la naturaleza, por ejemplo: Telas, pararrayos, aparatos, máquinas, móviles en los que intervienen las fuerzas naturales tales como el fuego, el agua o el aire.
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Por Martin Hill
Redescubrimiento y puesta en escena del orden cósmico y de las fuerzas naturales como: Orientaciones solsticios y equinoccios, El viento a través de la fuerza eólica, el fuego, la luz y los reflejos y el agua: corrientes de agua, restos que deposita un río o el mar
Por Nicola Kaluga
Por Nicolas Rivas
Por Mud Maid
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¿QUÉ PRETENDEN LOS ARTISTAS DEL LAND ART?
Por Nicolas Rivas
Ellos buscan Concientizar a las personas sobre la naturaleza y su importancia, la relación del ser humano con la tierra, el medio ambiente y concientizar sobre el deterioro de la naturaleza por causas humanas. También buscan que a través de sus obras que el tiempo y el medio ambiente transforman ya sea por el viento, el clima, la erosión, el sol, la lluvia, etc. Las personas sientan sensaciones por los efectos que pasa no solo en la construcción de un nuevo ambiente con la obra sino con su transformación hasta desaparecer. PRINCIPALES REPRESENTANTES: Robert Morris, Dennis Oppenheim, Robert Smithson, James Turrell, Walter De Ma Michael Heizer, Richard Long, Nancy Holt, Michael Heizer, Alan Sonfist, Christo & Jeanne Claude, Dennis Oppenheim, James Turrel, Walter de María. Algunos de ellos :
Por Christo & Jeanne-Claude:
CHRISTO & JEANNE-CLAUDE Se caracterizan por sus típicos embalajes. Sus trabajos son a gran escala. Este matrimonio se caracterizaron por sus instalaciones artísticas de gran tamaño y por utilizar tela para cubrir extensas áreas públicas o envolver grandes edificios. En alguna ocasión cubrieron el puente Nuevo en París, también forraron el edificio Reichstag en Alemania, el Running Fence fue la construcción de una una cortina de 39 kilómetros de largo en la comuna Francesa de Marín, pero entre sus últimos trabajos fué el llamado The Gates en donde instalaron 7.503 marcos metálicos en el Central Park de Nueva York.
¨Todos nuestros proyectos tienen como tema la libertad”
Por Nils Udo
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Por Wind Sltak
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Por Mehmet Ali Uysal
WALTER DI MARIA: Fue un artista estadounidense, escultor, ilustrador y compositor. Vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York. La práctica artística de Walter de Maria está conectada con el arte minimalista, el arte conceptual y el land arte de la década de 196. Sus trabajos fueron ampliamente aclamados en Europa y Japón. Trabajaba con la luz, el agua, la tierra, los espacios de modo que el espectador se conectara con la naturaleza y según él, sus trabajos apuntaban a que el espectador reflexionara sobre la conexión entre la Tierra y el universo. También hizo numerosas obras en entornos urbanos. Rio, es parte de la obra.
“El terreno no es el escenario, es parte de la obra” ROBERT SMITHSON Fue un artista contemporáneo estadounidense, uno de los más importantes del land art. Comenzó a trabajar en lugares suburbanos, empleando para sus trabajos el término Earthworks (obras de tierra). Sus construcciones, esculturales sin ninguna función utilitaria, son así obras efímeras. Sus obras son gigantescas, construidas con la ayuda de máquinas industriales, lejos de la población. Su obra más conocida posiblemente sea la Spiral Jetty creada en abril de 1970 en el Gran Lago Salado en Utah. Sus intervenciones sobre el paisaje, y esto es algo que comparte con sus compañeros del land art, se producen a menudo en lugares remotos e inaccesibles y son visibles tan sólo para un puñado de espectadores, son obras condenadas a desaparecer por la acción de los elementos, por lo que solo existen en registro fotográfico, videos, planos, y demás.
El mundo necesita carbón y autopistas pero no necesitamos los residuos de una explotación a cielo abierto ni los de la construcción de la vía […] El arte puede convertirse en un recurso que medie entre la ecología y la industria» Robert Smithson 29
NACIONAL
ARTE
DE LA
AMAZONÍA INDÍGENA “El dueño de ishanga”, de Lastenia Canayo.
Singulares representaciones de la historia y tradición amazónica llegan a la sexta edición de PARC. Las pinturas y cerámicas de 17 artistas se expondrán desde este 25 de abril en la Casa Prado
on la muestra “Amazonías”, que se exhibe en el espacio cultural Matadero como parte de ARCOmadrid, y los 80.000 visitantes que hasta el momento la han disfrutado, el arte de la selva peruana está cobrando la relevancia internacional que merece. Este reciente y exitoso antecedente hizo que Diego Costa Peuser, organizador de PARC Lima, se interesara en poner en vitrina nacional el trabajo de varios de los artistas que participaron en la feria de la capital española. Así se dispuso, por primera vez en la feria, la creación de un espacio destinado al arte amazónico del Perú. Bajo la curaduría de Gredna Landolt, responsable junto a Sharon Lerner de lo expuesto en ARCO, se seleccionó a 17 artistas provenientes de los pueblos indígenas shipibo, bora, awajún, tikuna, asháninka y wampis. La representación de la historia, tradiciones y mitos de estas comunidades se verán reflejadas en “Arte de la Amazonía indígena”, exhibición de pinturas y cerámicas abierta al público del 25 al 28 de abril en la Casa Prado. HACEDORES DEL ARTE Para la muestra se eligieron trabajos de artistas contemporáneos “que tienen una obra representativa y genuina”, afirma Landolt. “No todos son conocidos ni tienen una gran trayectoria, pero la mayoría se ha ido afirmando en la escena artística local”, agrega. Entre los pintores que ya gozan de reconocimiento figuran Brus Rubio, Rember Yahuarcani y Roldán Pinedo, quienes han paseado su arte en el exterior e inclusive han sido invitados a realizar talleres y residencias. Algunos de los que esperan mayor difusión de su trabajo, comenta la curadora, son Norberto Fernández, un fantástico pintor tikuna, o el investigador y artista asháninka Enrique Casanto. En el caso de los ceramistas, se exponen los
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trabajos de siete mujeres y sus comunidades. Maestras alfareras de los pueblos shipibo, como Petronila Cauper, Celia Vásquez y Guillermina Sánchez, serán homenajeadas a través de sus apreciadas tinajas adornadas con iconografías propias de su cosmovisión y el diseño kené. Una constante en la obra de todos los artistas de esta muestra es la presencia de la naturaleza y la espiritualidad. Según Landolt, estudiosa de estas culturas, “en la mayoría de los pueblos indígenas amazónicos la realidad está conformada por varios espacios, no perceptibles a nuestra vista, habitados por diversos seres con los cuales interactúan a través de los chamanes. Así establecen alianzas para preservar la natu-
raleza y asegurar el equilibrio del cosmos”. Se espera que esta impactante exhibición en PARC se convierta en el espaldarazo que necesitan los creadores amazónicos. Y, como dice Landolt, “que despierte el interés no solo del público sino también de los galeristas”. Más información: Lugar: Casa Prado. Dirección: Av 28 de Julio 878, Miraflores. Fecha: del 25 al 28 de abril. Entradas: Teleticket.