SOCIAL
E L L I B R O D EETTRRÁÁSS D E U N A P O RTA RTADDAA.. En las últimas décadas el libro en concreto su formato, ha sido foco de reflexiones en un sector que alcanzó los 2.319 millones de euros en 2017, una cifra ligeramente superior a la del ejercicio precedente, según el informe de Comercio Interior del Libro 2017.
a Biblioteca Nacional muestra una amplia representación de las cubier tas de vanguardia de un variado elen co de libros del siglo XX. Según el Observatorio del libro, aunque nos decantamos más por el papel, la compra de libros digitales sigue creciendo. Un formato el digital que parece que se está asen tando como un complemento, más que como un competidor del libro en papel. En este formato impreso adquirimos cada vez más libros de tapa dura y menos en formato bolsillo y la librería tradicional continúa siendo el lugar favorito para la compra de los libros. Y ¿quién no se ha comprado alguna vez un libro solo por la portada? Seguro que hay más de uno. John Updike dijo que, «una buena cubierta debe ser recesiva en su representación, diri giendo el paso hacia el interior del libro (…) para este fin, la seducción es la táctica más exitosa». Además de ser una seducción para el lector, las cubiertas de los libros pueden llegar a ser tam bién ese modo de representación de un modelo cultural y social determinado. Una ventana de diseño que en un contexto concreto representa un estilo y una época. El libro nace hace unos seis mil años, en Meso potamia, bajo la forma de tabletas de arcilla, generalmente conservadas en cajas de cuero o de madera; las primeras cubiertas remontan apenas al siglo V de nuestra era cuando el códi ce de hojas plegadas empezó a remplazar casi por completo los engorrosos rollos de papiro. Para los primeros lectores de códices, como para los lectores de nuestros textos electró
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nicos, sólo el contenido del libro era tenido en cuenta: la cubierta poco importaba. Si bien hay ejemplos de cubiertas decoradas en los siglos V y VI, la costumbre de dar a la cubierta su pro pio valor estético no se estableció hasta siglos después. En la alta Edad Media, y sobre todo en el Renacimiento, las cubiertas transformaron al libro en objeto de lujo, y la encuadernación fue reconocida como un arte en sí mismo, a medio camino entre la orfebrería y la alta costura». Una exposición en la que podemos disfrutar y poner en común los diferentes movimientos de vanguardia que revolucionaron «la concepción del arte en una apuesta decidida por nuevos lenguajes que rompen con los moldes del pa sado. A ellos se adhieren los artistas que tra bajan en España y esta renovación del lenguaje plástico queda reflejada en las cubiertas de los libros que se encargan de ilustrar. De esta forma, las cubiertas se convierten en un recur so más de extraordinaria importancia para la difusión de las nuevas concepciones artísticas». Esta exposición que se presenta en la Sala de las Musas del Museo de la Biblioteca, pre tende reivindicar y poner en valor, por un lado, el trabajo de tantos y tan excelentes artistas españoles volcados en abanderar la renova ción cultural en España, y por otro, el esfuerzo realizado por los editores que comparten con ellos el mismo propósito. La exposición muestra una amplia representación de las cubiertas de vanguardia en los primeros años del siglo xx en España. Una muestra significativa de ese renacimiento cultural, denominado por el his toriador José Carlos Mainer como La Edad de Plata, que quedó truncado por el estallido en 1936 de la Guerra Civil.
La Historia de las cubiertas es mucho más reciente que la historia del libro. (Escritor Alberto Mangel / Diario El País)
Los principales movimientos artísticos de entreguerras —cubismo, dadaísmo, futu rismo, expresionismo, surrealismo— influ yeron decisivamente en el desarrollo grá fico del lenguaje y, por consiguiente, en los mecanismos y soportes de la comunicación visual. El libro se entiende «ahora» como un eficaz marco y soporte para la transmisión y difusión de los manifiestos artísticos, ideoló gicos y estéticos propuestos por las distintas técnicas creativas. Todo ello permite incorporar al escenario de la ilustración de cubiertas de libros nuevas fuentes y recursos gráficos, como el collage y el fotomontaje, la abstracción, las teorías del color y, como no, la tipografía, confirmando el diseño gráfico como la disciplina estrella con la que poder mo dernizar transversalmente las normas y los usos tradicionales de la comunicación visual. Sin olvidar la aportación de la psi cología de la Gestalt, enfocada hacia el modo y la forma en que la percepción y el pensamiento codifican el mundo —el hombre dispone de los sentidos para tomar conciencia y descubrir lo— y de la Bauhaus con su apuesta por las formas esenciales». Comenta Mónica Carabias Álvaro. A lo largo de todos estos años, las cubiertas han cambiado, multiplicado sus estilos, volviendóse más complejas o más discretas, más comerciales o más exclusivas. Siguen ciertos movimientos artísticos (las efusiones neogóticas de William Morris o los inventos tipográficos del Bauhaus), se pliegan a voluntades comerciales, pero sobre todo a partir de los finales del siglo XIX potencian el libro como objeto a través de su diseño, y la portada es la mejor arma de las edito riales frente a la versión electrónica. Las mesas de novedades de las librerías son la escena de un espectáculo que ahora se enriquece y aumenta. su observación redime al lector que, obnubilado por la cantidad de títulos que impúdicamente se le ofrecen des de los escaparates de las librerías, se deja seducir por aquellos con las cubiertas más vistosas o más ori ginales, más elegantes o más au daces. Para quien nada sabe de un cierto libro (título misterioso, autor desconocido, editor ignoto) la cubierta ilustrada insinúa el contenido, como en una suerte de adivinanza iconográfica ofrecida a la perspicacia del lector».
Movimientos artisticos: Cubismo
Movimientos artisticos: Dadaísmo
Movimientos artisticos: Futurismo
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EL ARTE EN MOVIMIENTO
PorJulio Le Parc 34
Por Gianni Colombo
Por Manifartcontemp.blogspot
Por Dilan Flavin
MISCELANEO FOLIO
ARTE CINÉTICO Y LUMÍNICO COMO CONJUNTO oy en día se conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un ejemplo pueden ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico. El Arte Cinético se presenta bajo dos modalidades: la del movimiento espacial, denominada cinetismo, con una modificación espacial perceptible por el espectador, y la lumínica, espacial o no, llamada luminismo, que se caracteriza por el cambio de color, de la luminosidad, de la trama, etc. Se trató de una tendencia que surgió a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, alcanzando su máxima notoriedad en 1967, con motivo de la exposición “Lumière et Mouvement” que tuvo lugar en París
¿QUÉ ES EL ARTE CINÉTICO O CINETISMO? Los artistas vanguardistas y contemporáneos trabajan con luz artificial en las artes cinéticas organizando estructuras complejas que causen al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban. La evolución de muchos artistas ópticos fue de transición a las modalidades cinético-lumínicas, donde la selección del repertorio remite al movimiento real. Al mismo tiempo muchas obras cinéticas pueden considerarse ópticas, ya que sus movimientos reales producen numerosos efectos ópticos. Es la forma de crear que se basa en el movimiento de los elementos que componen la obra o que se disponen en el espacio de la representación gráfica. No representa el movimiento como tal, lo que le interesa es el movimiento mismo incorporado a la obra de arte. Le integra las sensaciones tradicionales de forma y color que existen en ellas una nueva sensación de movimiento.
Bresia Museo
Me gusta más el arte como pensamiento que como trabajo. Lo he afirmado siempre. (…) Es una proclamación: el arte es pensar. Dan Flavin
Dato curioso: El término de “cinético” viene del griego kinesis = movimiento y kinetiko = móvil.
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TIPOS DE ARTE CINÉTICO Existen diferentes tipos de obras de arte cinético de acuerdo con la manera que producen sensación de movimiento: •
Las estables: son aquellas obras cuyos elementos son fijos, dispuestos de tal manera que el espectador deba rodearlos para percibir el movimiento.
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Los móviles: son obras que producen un movimiento real debido a diferentes causas cambiando su estructura constantemente.
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Los penetrables: generalmente las obras es un ensamblaje en un espacio real que requiere que el espectador entre en ella para poder percibirla a medida que la recorre.
¿QUÉ ES EL ARTE LUMÍNICO? Es el uso de la luz como herramienta de creación artística. Este arte fue llamando light art (arte de luz). Sus primeras manifestaciones fueron en el año 1940. Los artistas trabajan con luz artificial interviniendo en el espacio público para que este se convierta en un espacio de experiencia, participación y no simplemente un lugar de paseo para que los visitantes puedan cruzarlo. La evolución de muchos artistas ópticos fue de transición a las modalidades cinético-lumínicas, donde la selección del repertorio remite al movimiento real. Al mismo tiempo muchas obras cinéticas pueden considerarse ópticas, ya que sus movimientos reales producen numerosos efectos ópticos. Fue empleado por primera vez en el Manifiesto Realista de Gabo Nagy y Pevsner -1920- y desde 1960 se han sucedido varias exposiciones cinéticas en su sentido amplio. La documenta de Kassel en 1964 y la bienal de Venicia en 1966 consagra la tendencia. Algunos de los representantes del arte cinético son: DAN FAVIN Pionero en la utilización de luces fluorescentes como instrumento artístico. Las nuevas tecnologías industriales le permitieron al artista incorporar y cambiar las luces incandescentes por fluorescentes, creando así esculturas de luz, transformadoras de la atmósfera en las que fuesen instaladas, dándole vida y un nuevo uso a un objeto cotidiano. Los colores base en el trabajo fueron: rosa, azul, rojo y amarillo. La mezcla de estos colores permitía crear efectos ópticos que enfatizaron los estados de ánimo reflejados en el diseño de la iluminación.
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Por Dilan Flavin
Por Gianni Colombo
GIANNI COLOMBO Estrella de renombre internacional del Arte cinético o programado. Experimentó con nuevas estructuras de la percepción a través de los juegos de la luz, creando obras utilizando proyecciones de luz de espejos colocados en la vibración, formas y movimientos virtuales aparentes, con estructuras en movimiento rápido, imágenes producidas por el flash rítmica, trabajó en el movimiento para la intervención del espectador o animación, los ambientes que involucran el comportamiento del espectador y su impacto en la postura.
JULIO LE PARC Es uno de los nombres clave del arte contemporáneo y uno de los pioneros del arte cinético. Uno de los artistas argentinos más importantes del siglo XX. La obra de Le Parc fueron vanguardista, audaz, innovadora, dentro de las obras, el artista intenta involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra, para esto recurre a la iluminación artificial, efectos especulares, reflejos y movimientos.
Por Gianni Colombo
Jamás hablo de obras de arte, las llamo experiencias Julio Le Parc
PorJulio Le Parc
PorJulio Le Parc
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DISEÑO ECOLÓGICO vs DISEÑO SOSTENIBLE Lo ECO está de moda. Conceptos como sostenibilidad, ecología o responsabilidad social se utilizan a menudo en el mundo del diseño sin entender bien qué les une y qué les diferencia. Por este motivo hemos decidido dedicar este post a repasar qué son el diseño ecológico y el diseño sostenible que tanto nos gustan.
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diseño ecológico o ecodiseño es una metodología que trata de identificar, desde el momento en el que se proyecta un producto o servicio, los impactos ambientales que pueden derivar de cada una de las fases de su ciclo de vida, con el fin de intentar reducirlas lo máximo posible y siempre sin menoscabar la calidad final. El diseño ecológico está íntimamente ligado al diseño sostenible, si bien sólo tiene en cuenta la sostenibilidad medioambiental en su filosofía. El ecodiseño entiende la vida de un producto mucho más allá de su fabricación y venta, ampliando su visión a una concepción plenamente global. Así, intenta reducir el impacto negativo sobre el ecosistema disminuyendo el consumo (de energía, agua, materias primas, etc.), las emisiones y contaminaciones, siempre desde la adquisición de las materias primas hasta su evolución a desecho. Este ciclo de vida incluye así diferentes fases como la fabricación, transporte, distribución, embalaje, uso, reparación, reciclado y reutilización. Hay empresas que ya ofrecen servicios post-venta. Como valor añadido incluyen la reparación gratuita y recogen el producto cuando haya finalizado su vida útil. Ya sea para reutilizar los materiales o para deshacerse de ellos de forma responsable. En cualquier caso, los consumidores podemos darle una segunda vida a lo que ya tenemos y no usamos, reutilizándolo, alargando así su vida útil. Está claro que ser manitas facilita esta tarea, pero no serlo no es excusa. Cuando no podemos hacer ninguna de las dos cosas (reparar o reutilizar) nos quedará reciclarlo o desecharlo.
¿A QUÉ SE APLICA EL ECODISEÑO?
En contra de lo que pudiera parecer a simple vista, no se aplica solamente al mero diseño del producto (aunque también). No solo tiene que ver con el tipo de materiales utilizados o con un diseño de producto que haga más fácil la separación de los mismos cuando el producto llega a su fase de residuo. También tiene que ver con la optimización de los medios de producción, la reducción de las emisiones o el uso de energías renovables en la producción del producto. Así pues, el ecodiseño es una concepción global que afecta no solo al producto en sí, sino a todas y cada una de las áreas involucradas en su producción, recogida y eventual reciclaje.
El diseño ecológico es uno de los 3 pilares del diseño sostenible.
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DISEÑO SOSTENIBLE O SUSTENTABLE El diseño sostenible, por su parte, es una metodología de diseño cuyos principios son la sostenibilidad económica, social y medioambiental. Así, la ecología forma parte fundamental de su filosofía, pero no es la única condición necesaria.
El diseño sustentable, además de ser ecológico, debe atender a los principios de sostenibilidad económica y social. Es decir, la ecología es una parte fundamental de su filosofía, pero no es la única.
El diseño sostenible nace para poner en marcha un desarrollo sostenible que permita satisfacer las necesidades del presente sin comprometer las necesidades de las futuras generaciones. Se basa así en un desarrollo armónico y equilibrado a lo largo del tiempo y el espacio, pensando en el futuro pero también en el presente de las personas en todas las partes del planeta.
Trata de buscar un desarrollo equilibrado y armónico en el espacio y el tiempo y busca satisfacer las necesidades del presente, sin comprometer la de las generaciones futuras.
Como el diseño ecológico, entiende el ciclo de vida de todo producto o servicio desde una perspectiva de 360 grados, pero teniendo en cuenta otros conceptos más allá del medioambiente como los derechos humanos, el desarrollo local, el comercio justo, el consumismo de lo efímero, etc. Se convierte así en un diseño donde responsabilidad y ética son fundamentales.
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El diseño sostenible tiene en cuenta el ciclo de vida del producto desde una perspectiva global. A las condiciones del diseño ecológico, se suman ahora conceptos como: derechos humanos, comercio justo o desarrollo local.
El diseño sostenible es siempre un diseño ético y responsable
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PORTAFOLIO. EDICIÓN LIMA ART : Movimiento cultural articulado desde Art Lima que promueve el acercamiento del público al arte contemporáneo que ofrecen las principales galerías de arte e instituciones, durante un fin de semana en Lima. Con una propuesta inclusiva permite también la participación de proyectos autogestionados de artistas en sus circuitos. Presentando a los artistas Martín López de Romaña y Sair Garcia, junto a sus grandes obras las cuales fueron expuestas este Abril 2019
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PORTAFOLIO
MARTÍN LÓPEZ DE ROMÁÑA ació en Arequipa, Perú, en 1975. Es escritor y artista plástico. Estudió filosofía y teología y pertenecó durante catorce años a una congregación católica peruana. En el año 2008 abandonó la vida consagrada para poder dedicarse por entero al arte y la literatura. Ha publicado cuatro libros. El más reciente se llama: El descubrimiento del ruido (Estruendomudo, 2011). En el 2012 quedó fascinado con las infinitas posibilidades de intervención que tienen las fotografías y las imágenes en general. Desde entonces no ha parado de cortar y recortar diversos tipos de materiales impresos. Al año siguiente hizo una exposición en la galería Dédalo, en Lima, cuyo nombre fue Shortcuts. Actualmente trabaja de manera preferente con fotografías impresas en vinilo. VIDA EN CUADROS CIUDADES INVISIBLES
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PENSAMIENTO LINEAL
CIRCULOS VICIOSOS
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SAIR GARCIA
Barrancabermeja, Colombia, 1975. Sair García estudió Artes plásticas en la Universidad Antonio Nariño de Bucaramanga y en la Universidad Nacional De Colombia. “Los ríos tanto en Colombia como en gran parte de Latinoamérica han sido copartícipes del acontecer de los países en todos sus períodos, especialmente como medio de transporte y comunicación. En las últimas décadas han sido también testigos silenciosos de injusticias e infaustos acontecimientos, especialmente el río Grande de la Magdalena, cuyo sólo nombre es sinónimo de dolor y de arrepentimiento, y alrededor del cual gira la obra de Sair García.
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SERIE MAGDALENA “Los ríos tanto en Colombia como en gran par te de Latinoamérica, han sido copartícipes del acontecer de los países en todas sus períodos, especialmente como medio de transporte y comunicación, pero en las últimas décadas han servido también como testigos silenciosos de injusticias y de infaustos acontecimientos, especialmente el río Grande de la Magdalena en Colombia, cuyo sólo nombre es sinónimo de dolor y de arrepentimiento, alrededor del cual ha girado primordialmente mi obra. Mi trabajo, sin embargo, en vez de explícito ha sido sugerente, y a pesar de registrar padecimientos y suplicios, los testimonia de manera sutil y evocativa a tra vés de la representación de escenas y lugares que los evidencian. En esta ocasión presento unas pinturas que replican el devenir del río, sus sinuosidades y aparentemente plácido fluir, y se hace empleando acero como soporte, un metal que no sólo resulta reminiscente de sus aguas por su color y su textura, sino que por su índole dúctil, por su facultad como conductor, como transmisor, hace manifiesto un atributo que comparte con el río en su función de demarca ción mental y física que complementa elocuente y coherentemente la metáfora.”
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CURSOS Y DIPLOMADOS CURSO: “Creando negocios de éxito” el evento de Idat ideal para emprendedores Este evento se realizará este jueves 11 de abril a las 6:30 p.m. en la Av. Petit Thouars 315 – auditorio, piso 11.
DIPLOMADO: ISIL Educación Ejecutiva lanza diplomado en Coaching para Desarrollar Equipos de Alto Rendimiento Este evento se realizará en el campus Miraflores (Av. Benavides 778), inicia el 20 de marzo y tiene una duración de 4 meses.
CURSO: Toulouse Lautrec ofrece jornada de capacitación para profesionales “Networking Creativo” Este evento se realizará el 16 de abril de 6:30 pm a 9:00 pm., en el Centro Empresarial Real 8, San Isidro; y contarán con la participación de expertos.
CURSO: “Creando negocios de éxito” el evento de Idat ideal para emprendedores Este evento se realizará este jueves 11 de abril a las 6:30 p.m. en la Av. Petit Thouars 315 – auditorio, piso 11.
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