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No.58

RISKY BUSINESS

QUEENS OF THE STONE AGE Featuring

MILES KANE | PORTUGAL. THE MAN | GLASTONBURY Y +


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editorial

ARRIESGAR O MORIR

Por: Marc Dorian

Este número de WARP Magazine plantea un tema recurrente del que, desde mi punto de vista, hoy en día se habla poco: el riesgo en el arte, la capacidad —y acaso el deber— de un artista para salir de su zona de confort, tomando el lance de hacer algo distinto (incluso lo contrario) a aquello que se esperaba de él. Se me ha planteado que hable de mi propia experiencia al respecto, como miembro de Dorian, pero antes permítanme que haga un poco de historia. Desde hace mucho, la industria discográfica no ha cesado en su empeño de controlar el proceso creativo de los artistas; su mayor arma, casi siempre, ha sido el contrato discográfico, jeroglífica patraña diseñada y perfeccionada, década tras década, para atrapar y subyugar la voluntad del artista o de la banda entera. Incluso el indomable Frank Sinatra quedó atrapado, en Capitol, a causa de un contrato, a principio de los años sesenta. Sin embargo, por fortuna, siempre ha habido artistas dispuestos a romper las normas, escapando así del éxito fácil y autocomplaciente. Entre los casos más conocidos están, sin duda, The Beatles en la etapa Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band o el Nirvana de In Utero. Paul McCartney ha hablado de cómo se frotaba las manos cuando leía en la prensa que a The Beatles se le habían acabado las ideas meses antes de editar uno de los discos que lo cambiarían casi todo en el mundo de la música popular. Y ahí estaba Nirvana, grabando y produciendo In Utero con el sonido más crudo y sucio posible, tras haber despachado más de nueve millones de copias de Nevermind. Pero qué decir del Soda Stereo de Dynamo o de casi toda la carrera de Kraftwerk, por ejemplo. Por suerte, para quienes nos tomamos la música como una forma de vida y un modo de actuar ante la misma, estos casos son numerosos. Mi experiencia personal en Dorian me ha enseñado que, en materia de composición, siempre hay que dejarse llevar por el instinto o por las primeras impresiones. Es inútil forzar las cosas. Hay que escuchar la canción que se está componiendo porque, si es buena, casi siempre le irá susurrando a uno la

dirección que quiere seguir, la forma que desea adoptar. Forzar el proceso creativo es casi siempre contraproducente y tiende a desembocar en lugares comunes, en melodías mil veces cantadas y arreglos mil veces escritos. Hace años, en España, una canción de Dorian titulada ‘Cualquier Otra Parte’ llegó a sonar sin cesar en radio, clubes y festivales sin el apoyo de ninguna gran compañía discográfica ni más promoción que MySpace, el boca-oreja, los conciertos en vivo y la inestimable ayuda de una multitud de DJs que la adoptaron como eje central de muchos de sus sets. ¿Cuál fue el secreto de esa canción? Una letra escrita con las tripas, unos arreglos que mezclaban percusiones electrónicas desencajadas con guitarras new wave y una melodía redonda que salió de una experiencia vital francamente complicada. Nadie sabe de dónde surgen las canciones, pero lo que sí les puedo decir es que las buenas canciones se crean por medio de estados de ánimo alterados y de experiencias fuertes, viscerales, auténticas. Por eso una banda no debe caer nunca en la autocomplacencia; bien al contrario, es importante seguir buscando la ola para surfearla, ese latido que siempre está ahí cuando se tienen 18 años, pero que luego la vida va apagando. Cuando editamos el siguiente álbum de Dorian, todo el mundo nos preguntaba: “¿Habrá otra canción como ‘Cualquier Otra Parte’?” La respuesta siempre fue “No”. Buscar repetir esa espontaneidad es un error y, una vez más, hay que empezar de cero, dejarse llevar; así surgió, entre otras, ‘La Tormenta De Arena’, una canción que no se asemeja a ‘Cualquier Otra Parte’, aunque se hizo conocida en España, México y Chile, llegando incluso a países de habla no hispana como Grecia y Rusia, y acumulando más de 10 millones de reproducciones en YouTube. Finalmente, cuando nos disponíamos a publicar La Velocidad Del Vacío la pregunta era: “¿Habrá otra ‘Tormenta De Arena’ en este álbum?”. Pero ustedes ya saben la respuesta…

> Marc Dorian es miembro fundador de la banda española Dorian, que actualmente promociona La Velocidad Del Vacío, su más reciente material.

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Presentan las Coberturas Internacionales WARP 2013 y te llevan a los Festivales: Festival en San Francisco, California / USA. 09 al 11 de agosto.

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silencio por favor

Placebo

Loud Like Love/ Por: Karina Luvián/ Fotos: Cortesía Placebo

A

cuatro años del lanzamiento de Battle For The Sun, Placebo reaparece con su séptimo material de estudio. Es así que en los últimos meses de 2012 Brian Molko, Stefan Olsdal y Steve Forrest entraron a los RAK Studios, en Londres, para crear las piezas que ahora conforman el álbum titulado Loud Like Love, producido por Adam Noble quien ya había colaborado con la triada inglesa en la realización del EP B3. Uniéndose a la ampliación de oferta en cuanto a formatos se refiere, la banda lanzará este nuevo disco en cuatro formatos físicos, incluyendo una versión Super Deluxe que contendrá Loud Like Love, un DVD y el arte hecho por Julian House en edición 3D. Como carta de presentación, el tema ‘Too Many Friends’ ha sido lanzado como sencillo, con un video grabado en Los Angeles, bajo la dirección de Saman Keshavarz.

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“HICIMOS EL DISCO DE ATRÁS PARA ADELANTE. GRABAMOS LA PRIMERA MITAD, LA MEZCLAMOS DURANTE EL TOUR Y LUEGO REGRESAMOS A ESCRIBIR Y GRABAR LA OTRA MITAD.” -BRIAN MOLKO


THE MAIN REVIEW

RIGHT THOUGHTS, RIGHT WORDS, RIGHT ACTION

FRANZ FERDINAND Sony Music México

Franz Ferdinand estuvo de gira durante varios meses de 2012, tocando en los escenarios de los más importantes festivales a nivel mundial. Lo curioso es que no lo hizo para alargar la vida de su trabajo de 2009, Tonight: Franz Ferdinand, por el contrario, el propósito fue que la experiencia resultante de derrochar energía frente a miles de gargantas, y al mismo tiempo recibirla, les sirviera para dotar de una vibra diferente a su nuevo vástago Right Thoughts, Right Words, Right Action. El resultado queda manifiesto en cuanto uno da play y empiezan a correr los 10 tracks que conforman la placa; en otras palabras, estamos frente a una de las bombas sonoras de la segunda mitad del año. Aún estando al tanto de que la banda encabezada por Alex Kapranos se distingue por dotar de dinamismo sus composiciones y revestirlas de frescura y un sentimiento arty, en esta ocasión el experimento fue más allá. Cada corte cuenta con vida y personalidad propia aunque, al mismo tiempo, conforman una entidad sonora, hasta cierto punto, compleja. Que cada una de la canciones cobre vida y desate a un monstruo viceral no quiere decir que en esta ocasión Franz Ferdinand abandone sus brillantes raíces dance, por 010

8.9

el contrario, las comprende de una mejor manera y aprovecha los recursos comprendidos en su ADN para lograr un equilibrio casi perfecto. Si tomamos en cuanta que el álbum fue producido por los cuatro integrantes de la banda, no es de extrañar que acabemos de entender que el concepto sónico alrededor su cuarto álbum haya nacido en los primeros acordes y notas de cada canción: lograr una placa que se pudiera interpretar en su totalidad en vivo. ‘Love Illumination’ es un gran referente del disco, se mantiene fiel a la personalidad de Franz Ferdinand, pero también nos muestra un sonido de avanzada que si bien le conocemos, sólo habíamos obtenido esbozos en otras oportunidades –‘Lucid Dreams’, por ejemplo, de su referido Tonight: Franz Ferdinand-, ‘Evil Eye’ es, por su parte, un ejemplo de cómo llevar un recurso como el sintetizador al límite, mientras que ‘Bullet’ hace honor a su nombre, un tema hecho para sonar a gran volumen en un auto a toda velocidad. De los regresos de 2013, sin lugar a dudas, el de Franz Ferdinand es uno de los más acertados y celebrados. -Diovanny Garfias


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reviews ARRE KRISHNA

ELECTRIC

BAM BAM

PET SHOP BOYS

Arts & Crafts México/ 2013

Sony Music México/ 2013

Dos años después de su aclamado Futura Vía, la agrupación regiomontana vuelve para presentarnos un EP producido, de nueva cuenta, por el sueco Martin Thulin (Los Fancy Free), con cinco canciones llenas de distorsión y sicodelia. ‘Tirando Pa’ Fuera’ abre la placa, plasmando en pocos segundos que, lo que nos espera, será épico; ‘ROD’ tiene todo el potencial de convertirse en un clásico, gracias a un frenético espectro sonoro, mientras ‘Traga Mis Lágrimas, Dijo El Policía’ conecta con suavidad y armonía el cambio que están por experimentar nuestros oídos. Con ‘¡Regocíjate, Hermano! Sólo Metatrón Tiene El Poder Fantástico’ la fórmula alcanza uno de sus puntos más altos, gracias a sonidos que parecen salidos de alguna cinta de ciencia ficción. Para cerrar, ‘Líjate Bien’, con sus más de 11 minutos, atrapan por completo para dejarnos con ganas del próximo disco. -Fernando González Bastida

7.6

7.8

Si hay una luz al final del túnel, es probable que la acompañe la voz de Neil Tennant. Con la bendición de Cumbre Tajín, un sello propio y la producción de Stuart Price (Scissor Sisters, Madonna) el álbum de estudio número doce del dueto británico es otra promesa de tiempos mejores. La retromanía persiste y el single ‘Axis’, con su video esotérico, es un indicio de que la fiesta que iniciaran en los años ochenta está lejos de terminar. El segundo sencillo, ‘Vocal’, y su respectivo video, lo dejan en claro: hay que bailar. Esta entrega matiza la pista con una versión a ‘The Last To Die’, de Bruce Springsteen, sin dejar de mostrar su discurso extramusical con temas como ‘Love Is A Bourgeois Construct’, tan PSB. Este es un disco clásico de Pet Shop Boys que se confunde en una era que, al parecer, extraña como nunca antes los sonidos del pasado. -Alfredo Quintana Garay

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7.0 PURA VIDA CONSPIRACY

GOGOL BORDELLO

Arts & Crafts México/ 2013

Bajo el título de Pura Vida Conspiracy, llega el nuevo álbum de Gogol Bordello que, luego de dos años de intensas giras tras el lanzamiento de My Tsyganiada (2011), marca el regreso de Eugene Hütz y su banda de gitanos al estudio. Pura Vida Conspiracy es un disco de celebración que, como era de esperarse, cuenta con algunos elementos de ideología política subversiva, que a la vez experimenta con géneros como el folk y el punk, sin dejar de lado el espíritu balcánico —claro está— que ha caracterizado el sonido de esta banda originaria de Nueva York a lo largo de su historia. En este álbum Gogol Bordello se atreve a explorar sonidos con los que normalmente no se identifica, logrando su integración de manera homogénea. Pura Vida Conspiracy podría describirse como una amalgama de folk, música de Europa del Este y punk que, gracias a la madurez que la banda ha adquirido, cuenta con una gran dosis de coherencia. -Raúl Arce

012


reviews SLOW FOCUS

SEQUEL TO THE PREQUEL

FUCK BUTTONS

ATP Recordings/ 2013

VICTORIA MÍSTICA

BABYSHAMBLES

8.1

Hay una cualidad siniestra en los mantras sicodélicos de este dúo. El sencillo ‘The Red Wing’, con sus casi ocho minutos, no tiene el punch energético de aquel single maravilloso de 2009, ‘Surf Solar’, pero posee la misma sonoridad hipnótica y un ritmo sutil de trip hop de los nativos de Bristol. En el track inicial, ‘Brainfreeze’, una percusión que recuerda el tema ‘Pornography’, de The Cure, reposa bajo capas de sintetizadores, samplers modificados y un flujo de sonidos que evita el ruido blanco para comenzar un soundtrack que se antoja espacial. Un tema como ‘Sentients’ muestra al dueto preocupado por construir piezas en las que la acumulación de recursos sonoros ha dejado de privilegiar el trance y el ruido directo, sin dejar de motivar el movimiento. Estos son siete temas para desplazarse siniestramente, con los ojos atemperados, por el futuro. -AQG

Warner Music México/2013

7.0

Desde el título, Sequel To The Prequel, Doherty sentencia su deseo de continuar con lo que alguna vez logró en sus momentos más lúcidos de composición, al lado de su excompañero Carl Barat. Lamentablemente, el disco se queda sólo en un deseo de revivir las viejas glorias y nada más. Lejos están las letras poéticas, con sentimientos de abandono por parte de Doherty. Se extrañan las guitarras punk y se respira cierto aire de complacencia en las composiciones de todo el material. Se nota que Pete y compañía se esmeraron más que nunca en cuidar la producción, logrando algo de alta calidad, pero que, sin lugar a dudas, termina siendo diferente a lo que les conocíamos. Aun así hay cosas rescatables: temas como ‘Dr. No’ y ‘Minefield’ son los únicos remanentes del sonido crudo que caracterizaba a la banda, ambos con posibilidad de convertirse en nuevos clásicos para Babyshambles pero sobre todo, para los fans, que ya los necesitaban. -Alejandro Altamirano

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO Arts & Crafts

México/ 2013

7.3

Han pasado 3 años desde que la agrupación gallega editó su disco Año Santo, producción que terminó de catapultar su carrera, consolidándolos como una de las propuestas independientes más interesantes de la península ibérica. Al parecer, los de La Coruña pretenden seguir en el tenor de lo espiritual, ya que en la cubierta de Victoria Mística decidieron utilizar una distorsionada reproducción de la pintura de Rubens titulada Lucha De San Jorge Y El Dragón. En cuanto al sonido, la banda no optó por un cambio radical con respecto a sus discos anteriores, pero sí propone un noise pop-rock sumamente íntimo y personal que por momentos logra hipnotizar, gracias al manejo de la voz de Isabel Cea y a las guitarras disonantes que llenan cada espacio del disco. Nueve tracks que marcan el afortunado regreso de un proyecto que ha dejado de ser promesa para convertirse en realidad. -RA

YEEZUS

KANYE WEST

Def Jam Records/2013

8.7

El sexto álbum de Kanye West es un parteaguas para la carrera de este rapero-productor-fashionista, quien en esta ocasión le dio una vuelta de tuerca al género hip hop, sacándolo de su lugar común. El rap se basa en la capacidad y calidad poética del proceso de crear rimas en una base sincopada y, bajo este precepto, Kanye no es precisamente el mejor, aunque su talento en la consola de producción funciona como un gran contrapeso en todos sus trabajos; si a esto le sumamos que sabe rodearse de gente talentosa, no es de extrañar que Yeezus tenga colaboraciones de Daft Punk, RZA, Lupe Fiasco, Frank Ocean y Keef Chief, haciendo de esta placa una pieza única en cada canción. Seamos fans de Kanye o no, desde ‘One Sight’ hasta ‘Bound 2’ este es un trabajo que vale la pena escuchar una y otra vez, siendo un infaltable de este verano. -Joseph Guillén

014


hot hot hit

ZZ WARD Por: César Morales

Foto: Dana Chapman

Desde pequeña, la norteamericana Zsuzsanna Eva Ward tuvo la oportunidad de estar involucrada en la música. A los 12 años se unió a la banda de blues de su padre y tras sumergirse en ese mundo descubrió que su vida tenía un rumbo. Años después sería conocida como ZZ Ward y sus composiciones llamarían la atención de distintos personajes de la industria; de hecho, su álbum debut Til The Casket Drops (2012) incluye la colaboración de Kendrick Lamar, Ryan Tedder (OneRepublic), Pete Rock (Pete Rock & CL Smooth) y Fitz, de Fitz And The Tantrums, entre otros. Su música plagada de suaves arreglos de blues y soul con sutiles toques hip hop hacen de esta artista una propuesta sumamente fresca.


Babasonicos LA LANZA Por: Paco Sierra

Foto: Cortesía Babasonicos

Esa inquietud por descifrar la música parece que nunca detendrá a la agrupación argentina Babasonicos, que en 2013 regresa a la disquera que los vio dar sus primeros pasos, Sony Music y que con Romantisísmico buscarán retomar esas inquietudes… las mismas que los llevaron a formar una banda hace más de dos décadas. Desde lo más alto de Manhattan, Nueva York platicamos con Adrián Dárgelos y Diego Tuñon apenas un día después de finalizar la masterización de su nuevo álbum. Empecemos con los romances que es lo más importante… Adrián: Y es de lo que trata el disco, básicamente el disco habla del romance como una institución y va delimitando diferentes unidades ministeriales para atender lo morboso del romance y son como si fuesen el ministerio del goce, economía de besos, aduana de palabras, burócratas del amor, ahí tienes todo eso, claro, economía de te quiero, porque tiene todo a su vez, el romance como construcción de instituciones morales, como si hicieses... por que viste que lo romántico también es lo ideal pero no la situación ideal, sino el espíritu épico de luchar por algo que no contingente que no tiene sustancia que es la idea del romanticismo de 1800 una campaña épica más allá de la voluntad humana. ¿Qué tanta diferencia existe entre este disco y los anteriores? Diego: Son cómo un millón de ideas concretadas en 12... A: Nosotros somos de la idea de primero, al ser una banda, es la suma de siete voluntades mayor al carisma de una sola persona, entonces eso nos da un peso enorme, hablamos con la voz del ejército, con la voz de una persona, entonces yo represento a una cosa que se llama Babasonicos que habla de su imaginario. Otra cosa, nosotros desdeñamos algo que tenían nuestros discos de los noventa que eran temáticos, pero eclécticos, y este es súper ecléctico también, lo que desdeñamos ahora que tener un tema como idea a seguir un motivo entonces decir voy a describir la vida de Tura Satana entonces una cosa muy tangible sujeta a una crítica muy especifica porque sabes de que estoy hablando.


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¿Es cómo un filtro? A: Claro... eso no me lleva a encontrarme a mí... salimos a la búsqueda de algo pero ahí no hay una búsqueda, ahí ya tenemos el objeto, lo encontramos, entonces necesitamos describirlo. D: No existía rock en base a este tipo de personajes o voces. A: Los discos eran muy en tercera persona, entonces narraban personajes, todo estaba plagado de temas que teníamos en mente y lo hacíamos por figurando. Ahora, cuando hacemos discos estamos vacíos, partimos de la tabula raza de la página en blanco y lo que hacemos es ir todos los días a la cueva del dragón, esperando a que salga. Una vez que vemos algo, vemos un perfil y empezamos a tirar de la cuerda para ver qué va saliendo: un montón de certezas, desisitudes, ausencias que vamos narrando. Y entonces vemos... ¡Uy, mira, yo no sabía que iba hablar de esta situación! Pero mira cuál es el tema de la canción, al final lo encontré. Esta canción tiene un tema, es algo trascendente y transmite eso, pero me era desconocido en el momento en el que la empecé, sólo fue apareciendo, lo que es maravilloso porque entonces no importa saber de qué queríamos hablar, ni a qué estilo queríamos llegar. D: Bueno, es algo como psychobilly con caja de ritmos... qué sé yo. A: ...Ves, eso no tiene nombre entonces. Lo genial es eso, salimos al encuentro de algo que no esperábamos. ¿Dirían que mantienen muchos de los recursos que han abrazado en los últimos años? A: Los abrazamos y los soltamos, porque no los podemos mantener.

A: Yo me reúno con los tres que hacen el escenario, imágenes, luces, con las dos personas que hacen el vestuario, con el que hace sonido, con todos tenemos que tener reuniones donde me tienen que inventar entre ellos y el campo imaginario que nosotros traemos a esta tierra. A la vez somos unos cables que conectan la imaginación en estado bruto, le dan un orden como lo que dije hoy, que básicamente lo invente en ese momento. ¿Les gusta la época actual, después de tantas cosas recorridas como banda? A: Es que tampoco me gustaba la de antes... D: A mí me gusta el momento donde tenemos 22 años de banda y mucha experiencia, es una orquesta que sabe cómo encontrar el silencio del otro, entonces ha concretado y tiene una experimentación hecha que me parece que se puede concretar en muchísimas cosas; ahora teniendo un estudio propio, todo me parece muy excitante. A: Sí, más que recordar el pasado me emociona lo que viene... ¿La promoción y planeación de una gira es siempre emocionante, como hace 22 años tal vez? A: Sí, para eso hacemos música, para representarla, no hay mucho más misterio. El que hace música para quedarse en su casa para qué la muestra, que no se la muestre a nadie… ¿Cómo recordarán o podrían bautizar de alguna forma, no el disco... A: ... el disco tiene nombre [risas].

Eso habla de quiénes son ustedes musical y anímicamente... A: Habla de la inestabilidad y la experimentación, pero, sí, bueno, somos de la idea de que las certezas llevan a la comodidad, la comodidad al aburguesamiento, el aburguesamiento no genera expectativa y la no expectativa hace algo aburrido para nosotros, entonces nosotros tenemos que ir por terrenos inseguros, equivocarnos, llegar hacia donde no creíamos que podíamos, representarnos y después representarlo, para eso tenemos ahora una compleja tarea, que es vestir estos nuevos personajes, pero literalmente generarle vestuario a la música que hicimos, porque nuestra música evoluciona en imagen permanentemente.

¡Ya sé pero no me lo pueden decir! (en ese momento no lo podían revelar)… Esta etapa actual ¿cómo la bautizarían? A: Bueno... delirio y trascendencia. Nuestra entrega contiene algo, no quiero insultarlo y llamarlo mensaje, pero contiene algo que va a emocionar. Hoy escuchaste las canciones, tienen pequeñas partículas de emoción, decantación, pero de sólidos.

...Justo a eso me refería D: Ahora estamos pensando un show mucho más dinámico, más moderno.

Y estamos en la misma sala donde estuvo David Bowie hace poco… A: No sé si creerlo, porque él sólo va a Londres... me dijeron [risas].

Nueva York siempre es reconfortante, ¿no? Tiene mucha fuerza... A: Nosotros hicimos un disco acá, tocamos en Central Park, pero nunca estuvimos tan alto, nunca usamos el mismo baño que Bob Dylan.


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Sensual Harrasment Por: Javier Cuellar Foto: Cortesía SH

Se ha retomado el gusto, a últimas fechas, no sólo por escuchar buena música proveniente de las tornamesas de DJs, sino también por bailarla. Como ejemplo tenemos toda esa música con reminiscencias a New Order, The Cars, The Clash, Depeche Mode y, por supuesto, a lo más reciente de Daft Punk. Con estas referencias no sorprenderá conocer a una banda como Sensual Harrasment... o tal vez sí. La agrupación proviene de Williamsburg, Brooklyn, y a través de su música es evidente la influencia que tienen de los proyectos citados y de algunos más; de hecho, definen su propuesta como “new wave/pyscho-pop/disco”.

Sensual Harrasment ha tenido éxito en festivales como SXSW y Northside Festival, de su natal Brooklyn, y han compartido escenario con bandas como Friends, Delphic, Das Racist y Blondes en algunos festivales más. Sin lugar a dudas, su propuesta ha sido bien aceptada por medios algo ajenos a la propia industria y ese es un buen indicio de que su trabajo apunta hacia las alturas. Con un EP de nombre Escape From Alpha Draconis, su música es un obligado para todos aquellos ávidos del sonido de los ochenta.

LINKS: sensualharassment.com | soundcloud.com/sensualharassment | @sensualh


Sábado 21:00 Hrs México por Sony Spin Canales Dish: 240 | Cablevisión: 253 Sky: 222 | Totalplay: 227


OMD

KISSING THE MACHINE Por: Michelle Apple

Foto: Sergio Gálvez para WARP

Hablar de la historia de la música electrónica es hablar de esos pioneros que, al final del siglo XIX, ya se encontraban experimentando con dispositivos mecánicos que produjeran sonoridades diferentes a las conocidas hasta entonces. Sin embargo, también es reconocer momentos clave en los que el género se convirtió en algo común en nuestro día a día. Uno de estos, sin duda, está marcado por el debut del tema ‘Enola Gay’, de Orchestral Manoeuvres In The Dark (OMD), el 26 de septiembre de 1980. Desde entonces, OMD se convirtió en parte de la historia musical colectiva, formando parte de la avanzada synthpop inglesa. Tras tomar un descanso de 10 años —efectivo a partir de 1996—, el proyecto renació en una década en la que su trabajo era más que apreciado y citado, alicientes suficientes para componer música de nueva cuenta. Así nació History Of Modern (2010). Tres años después, Andy McCluskey y Paul Humphreys están de vuelta con un nuevo esfuerzo de estudio, esta vez titulado English Electric. WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con la dupla durante su paso por México, desmenuzar su música, recordar los años ochenta y dar un vistazo a lo que llamamos hoy “escena electrónica”.


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¿Qué hay en English Electric que no haya en otro de sus discos? Paul Humphreys: Creo que regresamos a nuestras raíces, que sonamos más electrónicos. Hacer este disco nos llevó a redescubrir nuestros primeros cuatro álbumes y la forma en la que los creamos. En ese entonces no teníamos ninguna regla porque no teníamos ningún entrenamiento musical, por eso creo que la manera en la que terminamos armando las canciones en estos cuatro discos —los arreglos y la manera en la que organizamos los instrumentos, los coros— fue algo inusual. Así que decidimos regresar a ese tipo de elementos: más melodías synth, más electrónico, más simple, una paleta pequeña de sonidos, etc. Ningún sonido está allí sin razón, así que es un disco mucho más simple. Tienen una amplia carrera a cuestas pero, en todo este tiempo, ¿qué tanto ha evolucionado su proceso de producción? Andy McCluskey: Siempre escribimos canciones basándonos en ideas y sonidos, nunca nos sentamos al piano a escribir coros o estructuras, por el contrario, todo ha sido un experimento, un viaje de descubrimientos. No sólo dejamos que las canciones suenen como experimentos, al contrario, las trabajamos mucho y les añadimos melodías y vocales, por eso la gente piensa que somos una banda pop, pero de hecho empezamos el proceso de una manera muy experimental, lo que nos ha ayudado a encontrar nuestro propio sonido, volviéndolo más interesante para nosotros. La verdad nunca quisimos ser una banda pop, fue algo que pasó de forma accidental. Iniciamos con esta especie de proyecto de arte cuando éramos adolescentes, empezamos a escribir música interesante y nadie se sorprendió más que nosotros cuando vendimos millones de discos. Era el concepto del proyecto y quisimos volver a eso en este disco, tratamos de olvidarnos de los últimos 30 años en los que nos volvimos más conservadores y convencionales, y tratamos de regresar a nuestras raíces. PH: Así es. Creo que muchas de las bandas synth de hoy en día usan la tecnología que nosotros solíamos utilizar hace 30 años; lo curioso es que nosotros ya no la utilizamos en lo absoluto, ahora usamos sintetizadores digitales. Hablando justamente de sus primeros álbumes, Architecture & Morality (1981) permanece como uno de esos álbumes que ayudaron a construir el concepto que hoy entendemos como “música electrónica”. ¿Qué les parece ese álbum a más de 30 años de haberlo lanzado? AM: Empezamos nuestra carrera con canciones muy simples, principalmente porque no teníamos dinero para más equipo. Muchas de las cosas que teníamos, como artefactos que hacían sonidos electrónicos, las fabricó el mismo Paul. Así que el primer álbum fue básicamente de un garage-punk synthpop muy minimalista. El siguiente fue algo más gótico y oscuro; además, tenía ‘Enola Gay’, que terminó por convertirse en un hit masivo. Pero volviendo a nuestro ideal, queríamos experimentar y hacer

algo diferente, así que para el tercer álbum cambiamos las reglas: el concepto sonoro de Architecture & Morality básicamente eran coros de música religiosa y percusiones militares. Si piensas en ‘Joan Of Arc’, por ejemplo, es muy orgánica, y aunque la gente piensa que es un álbum electrónico, hay coros, violines, baterías reales e incluso usamos el mellotrón, lo que sucedió fue que los arreglos son muy extraños. PH: Cierto, cuando pusimos todos esos sonidos juntos fue bastante inusual... AM: ... De hecho, creo que no sonaba a nada que hubieras escuchado en 1981, aún ahora suena diferente [risas]. En ese entonces no sólo era difícil crear un disco, además era muy costoso producirlo y grabarlo. ¿Cuál es su opinión respecto a la manera en la que la tecnología ayuda actualmente a muchos músicos? PH: Creo que ayuda a hacer un álbum que le suene bien a la gente que no tiene mucha idea, pues puede “sonar bien”, “técnicamente profesional”, pero no hay ninguna idea. Cuando empezamos tenías que escribir buenas canciones, ahora puedes usar la tecnología para componer algo que “suene bien”… AM: Sí, puedes componer algo que “suene” como una canción. PH: Exacto, pero “eso” es todo menos una canción [risas]. AM: Al final la música es una expresión personal, ya sea que te ayude a comunicar una idea, un sentimiento o un concepto, y siempre ha sido así. Hay muchos que siguen la corriente, pero hay sólo un pequeño grupo de creadores e innovadores y tenemos el suficiente ego para pensar que nosotros pertenecemos a él. ¿Cómo ven la escena electrónica hoy en día? PH: Aún hay gente haciendo música interesante. Creo que Robyn hace cosas buenas y en Escandinavia están pasando muchas cosas. En general, la música electrónica siempre da de qué hablar. Creo que el hecho de que a mitad de la década del 2000 hubiera más bandas electrónicas destacando nos permitió existir una vez más como OMD. Muchas de esas bandas —como LCD Soundsystem, The xx, The Killers— nos citaron como influencia, eso nos permitió volver. AM: La música más interesante siempre usa tecnología; si te quedas estancado en la guitarra, el bajo y la batería es difícil hacer algo nuevo, algo que nunca se haya escuchado y que te destaque como individuo, pero cuando empezamos esta cruzada no fue porque el sintetizador fuera la cosa más importante en el mundo, fue porque queríamos hacer cosas diferentes, interesantes y nuevas. PH: La electrónica te da esa amplia paleta de sonidos que una banda de rock no tiene… AM: ... Por eso los años noventa, con el grunge y el britpop, fueron tan depresivos. Recuerdo que queríamos gritar: “¡Al monstruo del rock le creció la cabeza de nuevo! ¡Pasamos los últimos 20 años tratando de cortársela y le creció de nuevo!”

> Michelle Apple colabora en WARP e investiga el fenómeno OVNI en su ratos libres, puedes leer su entrevista con Ella Y El Muerto en WARP #57.


columna -023-

RADIOGRAFÍA Por: Sr. Flavio / @SrFlavioOficial

Saludos, amables lectores de la columna vertebral silvertape-literaria-alokada que me comanda a escribir la jefatura libertaria de WARP Magazine macrocosmos. Soy el Sr. Flavio, león del ritmo-serpiente-new wave de Mar del Plata, Buenos Aires, ArGeNtinA. Les digo que días atrás fui a hacerme una radiografía y, cuando me la entregaron, pudo verse lo siguiente: Mar del Plata, Eddie Cochran, Los Lobos, The Dead Kennedys, Kurt Vonnegut, Twin Peaks, Los Laxantes, Galeano, Madness, Elvis, El Vez, Perros Pit Bull, Drácula, Blue Demon, Gardel, The Trashmen, playa Las Toscas, Amardcore, Tinto Brass, Los Fabulosos Cadillacs, Rimbaud, Matadero 5, Playa Popular, Sturgeon, Juan Filloy, Dani Umpi, Erre Ache, The Squezzes, Clifton Chennier, The Buzzcocks, Charlie Feaders, El Personal, Sabines, GG Allen, John Cale, Velvet Underground, Reverend Horton Heat, Washington Cucurto, The Clash, Frida Kahlo, Diego Rivera, Tin-Tan, Negro Olmedo, Sandro, Botellita De Jerez, Stray Cats, La Perla, Theodorakis, Baudelaire, Beastie Boys, Chuk Berry, Henry Chinaski, Serge Gainsbourg, Dick Dale, Ventures, Nino Bravo, Alfonsina, La Ventana Indiscreta, The Texas Chain Saw Massacre, Las Monjas Hardcore, Trece Al Diablo, Adolescents, Rebecca, Una Mujer Inolvidable; Solaris de Tarcovsky, Bride Of Frankestein, Jean Coteau, Coteau Twins, Birthay Party, Vampirella, Betty Page, Félix El Gato, Quadrophenia, H. P. Lovecraft, E. A. Poe, Misterio, Burt Bucharach, Malviccino, El Soul Es Una Droga Vol. 3,

Symarip, The Specials, 101’ers, Tamla Motown, Ese Obscuro Objeto Del Deseo, Federico García Lorca, Sam Sheppard, Trópico De Cáncer, Trópico De Capricornio, Pandemonium Satánico (La Sexorcista), Frank Sinatra, Black Flag, Edith Piaf, Poláco Goyeneche, Jody Foster Army, Agent Orange, The Who, Blade Runner, El Necronomicon, Necromantics, Los Casanovas, The Jam, Los Kahunas, Los Tigres Del Norte, Los Saikos, Los Yorks, Los Teen Tops, Los Twist, Cezanne, Bob Moog, Dagnasty, Sugar, Van Gogh, Henry Rollins, Hermética, V8, Rey Misterio, Sun Recordings, Curtis Mayfield, Ottis Redding, Carlos Viso Y La Conección Nº 5, Rosas Muérdago, vampiros mexicanos, vampiros marplatenses, Rosario Smowing, Shabbatones, Vivir Y Dejar Morir, Sábato, James Bond, El Perfume, Patricia Highsmith, Janie Jones, Gotic, Góticos De La Lagunilla, Pp Lobo Rekords, San Pascualito Rey, Caifanes, Los Pillos, Lord Byron, Joy Division, Havanna 3 A.M., Mano Negra, Playa Grande, Los Diamantes Son Eternos, Suspiria, Thomas Mackfumo, Fela Kuti, Crumb, Marvin Gaye, Azteca Agogo, Xóchitl, La Flor De Tu Sonrisa, Muertos Vivos, Nerds Revenge, Fishbonne, Calavera, Rigo Tovar, Jhonny Tedesco, El Club Del Clan, Adán Buenosayres, Krass, Gbh, La Dama Eléctrica, Marcelo Kohen, Marechal, Marcelo Poca Vida Y Los Viagra Boys, Tepito, Los Closh, Flavio Mandinga Project, Carrie, Gandhi, Loquillo Y Los Trogloditas, Baires Hot’n’ Lounge, Colonia Condesa, El Vértice, Los Gatos Acelerados, Lokos Salvajes A Gogó, Rockotitlán, Foro Alicia, Faro De Oriente, Delegación Iztapalapa, Esta Noche Hasta El Viento Tiene Miedo, Hugo El Niño De Piedra, zombis, Dios…

> Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.


CSS

FAITH IN LOVE Por: Raúl Arce

Foto: Mariana Juliano

A principio de 2006, el mítico sello norteamericano Sub Pop publicó el álbum homónimo de la banda originaria de São Paulo, Cansei De Ser Sexy, a veces conocida como CSS. Uno de los primeros sencillos que pudimos escuchar fue ‘Let’s Make Love And Listen Death From Above’, un tema que mostraba un sonido fresco y bailable, que circuló intensamente dentro de los sets de algunos de los DJs más importantes de la década pasada como Diplo, Simian Mobile Disco y Calvin Harris.


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Desde entonces han pasado siete años, cuatro discos de estudio y la salida de algunos integrantes de la banda (ahora sólo son chicas). Sin embargo, la esencia permanece en esta agrupación carioca y este año CSS regresa con Planta, un álbum ligeramente más oscuro y cerebral que sus trabajos anteriores, aunque conserva el espíritu festivo de las de São Paulo. Producido por el muy solicitado Dave Sitek (TV On The Radio), la placa representa un paso más dentro de la carrera de CSS, luego de que Adriano Cintra, quien fuera productor y creador de muchas de las canciones de los álbumes anteriores, dejara el proyecto en 2012. Con motivo del lanzamiento, WARP Magazine platicó con Ana Rezende, guitarrista de la banda, quien detalló los pormenores de todo el proceso de creación y producción. Esto fue lo que nos compartió… La Liberación se lanzó en 2011. ¿Qué ha pasado desde entonces? Estuvimos de gira durante mucho tiempo y al principio de este año decidimos ir a Los Angeles, para escribir nuevas canciones todas juntas. Queríamos vivir la experiencia de compartir una casa, tú sabes: llegar juntas y, al final, irnos como un grupo unido. Originalmente nos íbamos a quedar dos meses, pero terminamos quedándonos casi ocho. ¡Y vaya que la pasamos bien! Por ello preferimos quedarnos y grabar el disco allí. De repente, nos dimos cuenta de que finalizamos el álbum mucho más rápido de lo que habíamos esperado y, de hecho, lo terminamos el año pasado, por lo que tuvimos muy buen tiempo para preparar su lanzamiento. Ahora nos estamos alistando para irnos de gira nuevamente. ¿Cómo fue el proceso de producción de Planta, en Los Angeles? Cuando terminó la gira de La Liberación queríamos empezar a trabajar en un nuevo disco. Nuestro primer álbum fue grabado en Brasil, por lo que queríamos hacer algo nuevo, así que decidimos ir a Los Angeles. No teníamos planeado grabarlo en ese momento, la idea era escribir nuevas canciones; sin embargo, no estábamos muy seguras de qué queríamos hacer. Creo que el tiempo que pasamos en Los Angeles fue muy productivo, pero sobre todo inspirador. Nos gustó tanto estar allá que pasamos casi todo el año en esa magnífica ciudad. Escribimos muchas canciones y terminamos conociendo a Dave Sitek, de TV On The Radio. Fuimos a su estudio para grabar una canción, como experimento, sólo para ver si nos llevábamos bien y si podíamos trabajar juntos y, al final, nos terminamos haciendo amigos y todo fluyó bastante bien, así que grabamos todo el disco en tan sólo un mes, entre octubre y noviembre. Fue muy lindo, todo lo que hicimos lo logramos sin tener grandes expectativas al respecto y terminó siendo un método muy productivo. Así que pudimos grabar todo el disco en un periodo de tiempo mucho menor al que esperábamos.

Hablando del sonido, ¿consideras que el hecho de haber trabajado con Dave modificó el sonido de la banda? Bueno, creo que sí, pero al final eso es lo que siempre hace un productor. Llegamos con nuestras canciones y se las mostramos. El proceso de grabar fue bastante agradable y, sobre todo, muy libre, fue una suerte que el estudio estuviera en su casa, pues cocinábamos y comíamos juntos todos los días. Nos divertimos y trabajamos a la vez, así que no había una sensación de presión y, en general, se percibía una vibra bastante tranquila. Considero que lo mejor de trabajar con Dave fue que entendió perfectamente lo que queríamos hacer y, a la vez, tenía muy claro lo que iba a aportar a cada canción. Creo que esa es su mejor cualidad como productor: es capaz de combinar su visión con las ideas de la banda. ¿Encuentras muchas diferencias entre La Liberación y Planta? Me parece que sí. En primer lugar, porque Adriano dejó la banda y él solía escribir muchas de las melodías; además fue el productor de La Liberación. Así que, de entrada, esta vez tuvimos a un productor externo. Por otro lado, el proceso de escritura de las canciones fue completamente diferente y, obviamente, la grabación y la producción del disco cambiaron bastante. También está el elemento del ambiente en el que grabamos, ya que fue totalmente relajado y creo que, al final, eso se refleja en el sonido de Planta. La banda se formó en São Paulo. ¿Cuéntanos cómo es la escena independiente en Brasil? Para ser honesta, debo decir que nos fuimos de São Paulo hace mucho tiempo, creo que fue cuando empezaron las giras, allá por 2006, y la verdad no regresamos muy seguido. Tampoco tocamos allí tanto como quisiéramos, así que no te podría decir a ciencia cierta cómo es su escena, pero lo que he escuchado es que la favorable situación económica que actualmente vive el país ha impactado de manera positiva en las expresiones artísticas, entre ellas la música, por lo que la escena underground ha crecido mucho. Cuando vivíamos allá era imposible para nosotros vivir de la música; de hecho, teníamos que conseguir trabajos adicionales. Creo que ahora es posible estar en una banda y vivir de ello, ahora es un mejor lugar para la música. Ahora que Planta ya está en las tiendas, ¿qué sigue para CSS? Nos vamos a una gira de cinco semanas por Estados Unidos, habrá algunos festivales en agosto y una gira europea en otoño. También tenemos planeado ir a algunos países de América Latina, probablemente en noviembre de este año o principio de 2014, porque aunque ya hemos tocado en México, Chile y Brasil, nunca lo hicimos en una gira por Latinoamérica en forma, así que buscaremos ir a más lugares de la región.


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ASK AMANDA

Por: Amanda Palmer @amandapalmer

Tu presentación en el salón de conciertos Crowell, de la Universidad de Wesleyan, fue un éxito total. ¿Te gustaría repetir la experiencia en otra universidad? Eduardo Santiago Desde luego que sí. Presentarse en una universidad es raro, totalmente diferente a un concierto de rock, aunque supongo que esto depende de la audiencia. Sea como sea, me gusta hacer cosas raras. Sólo hazme la invitación. Interactuar con los jóvenes siempre es refrescante, de alguna manera. ¿Consideras que has aprendido algo de este tipo de audiencia? Abraham Rodríguez Por supuesto. Cuanta más edad tengo más extraña es la perspectiva que tengo sobre los “viejos” y los “jóvenes”; ahora no creo en eso tanto como solía hacerlo. Lo siento por los corazones jóvenes atrapados en cuerpos viejos, ya que la gente juzga por el número de arrugas que se nos ven en el rostro y los seres humanos son tan interesantes: crees saber lo que está pasando detrás de la carne, pero, en realidad, la historia podría ser cualquiera. Disfrutamos de tu plática TED: The Art of Asking. ¿Tienes planeado

hacer una nueva? ¿De qué tema podría tratarse? Daniela Spindola Una plática TED es suficiente por ahora, fue un montón de trabajo. Pero voy a volver este año sólo para escuchar, aprender y visitar. Si tuviera que hacer otra, probablemente hablaría de lo extraño que es Internet y la manera en que nuestras vidas, debido al yo que proyectamos en las redes sociales, están siendo afectadas. Me parece que este tema es fascinante. Tal vez sorprenda a todos y hable de las ballenas asesinas y cómo están aprendiendo a usar teléfonos celulares. Has comenzado a usar Vine recientemente. ¿Cuál es la característica de esta aplicación que ha llamado tu atención? ¿Qué tipo de cosas vamos a ver en tu cuenta de Vine? Artemisa Rivero Me gusta la idea de utilizar las nuevas plataformas de un modo creativo. Vine es como una fotografía ampliada: me gusta ver cómo mi cerebro juzga mi medio ambiente y trata de decidir qué poner y en dónde. ¿Qué es una fotografía? ¿Qué es un video de fotografía de formato corto? ¿Qué no debo fotografiar? ¿Debo tirar mi iPhone a un barranco? Tal vez sí pero, si lo hago, ¿cómo pondría la imagen en Twitter?

> Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra.


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The Vaccines Foto: Cortesía TV

Formada en 2010, la banda originaria de Londres occidental, The Vaccines, sorprendió la escena musical independiente con What Did You Expect From The Vaccines?, su álbum debut, que logró colocarse rápidamente en los conteos de medios como NME y BBC Sound Of The Year. En 2012, la agrupación londinense publicó Come Of Age, una producción que reflejó su madurez sin restarle nada de ese lado divertido que la caracteriza. Fue precisamente su segunda producción la que les permitió llevar su sonido a distintas latitudes, incluyendo la Ciudad de México en dos ocasiones. Durante su última visita al Distrito Federal, WARP Magazine tuvo la oportunidad de conversar con Árni Árnason y Justin Hayward-Young, bajista y vocalista respectivamente, quienes, entre otras cosas, compartieron las canciones que actualmente suenan en sus reproductores. 1. Ted Lucas – ‘Bebe Where You Are’

6. The Police – ‘Message In A Bottle’

2. Caitlin Rose – ‘Own Side’

7. R.E.M. – ‘Orange Crush’

3. Fuck Chocolate – ‘Armor’

8. Jay Jay Pistolet – ‘Vintage Red’

4. Total Control – ‘Henge Beat’

9. Cayucas – ‘Cayucos’

5. Wire – ‘Time Lock Fog’

10. The Vaccines – ‘Teenage Icon’


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Yokozuna EL MANUAL DE LA REVOLUCIÓN Por: Alejandro Altamirano Foto: Sergio Gálvez para WARP

A pesar de lo difícil que aún puede resultar en nuestro país sobrevivir siendo una banda de rock independiente, Yokozuna sigue de pie, demostrando que aunque se pueden perder algunas batallas, la guerra continúa. Los hermanos Arturo y José Antonio Tranquilino regresan con nuevo material de estudio titulado Quiero Venganza (2013), un llamado a la acción y al despertar colectivo. En entrevista para WARP Magazine, el dúo nos platica sobre lo que estuvieron haciendo antes de editar su nuevo disco y qué hacen además de librar luchas bajo el nombre de Yokozuna. ¿Qué hicieron durante el periodo que comprende la salida de su disco anterior y la creación de su más reciente material, Quiero Venganza? Arturo Tranquilino: Lo último que hicimos fue un EP, disponible sólo en iTunes, llamado Ribete. Incluía seis canciones y fue producido por Arturo Castañón. Todo lo hicimos nosotros, rentamos un estudio y lanzamos dos sencillos, de los cuales el más sonado fue ‘Caliéntame’. Eso nos sirvió para dar el salto y estar en Vive Latino 2011. Durante todo ese tiempo estuvimos buscando un sonido diferente para el siguiente material, entonces llegó Pablo Romero, guitarrista y cantante de Árbol, que además de haber sido productor de Miranda vino de Argentina buscando bandas mexicanas y se encontró con nosotros. Empezamos a hacer algunas cosas y nos dijo que quería hacer el nuevo disco de Yokozuna. Y, bueno, Pablo cayó como anillo al dedo porque fue un cerebro más, logrando que el sonido de la banda fuera más pesado, llevó las letras por otros lados, cambiamos algunas texturas y regresamos un poco más al blues. ¿Cuál es el concepto de Quiero Venganza? AT: Fue muy curioso: nos sentamos con Pablo y decidimos que iban a ser ocho canciones, nos metimos a grabar y cuando regresó el disco del master, Pablo reacomodó el orden de los temas, lo quemó y nos sentamos a escucharlo de principio a fin. Nos encantó cómo lo acomodó, porque aparte no fue pensado como un disco conceptual, pero cuando lo escuchamos nos dimos cuenta de que había una especie de historia, la cual parte de ‘Quiero Venganza’. El tema está inspirado en un cuento de Jack London, pero la gente lo tomó como un canto de guerra. La hemos tocado en vivo y la gente ya se sabe la

canción completa, la toman como una especie de estandarte. El disco parte de una necesidad de cambio, de más acción por parte de la gente. Creemos que estamos en un punto crítico, no sólo como país sino también como humanidad y, si no hacemos un cambio de conciencia, no habrá vuelta atrás. Estamos llevando todo al límite del consumismo y cada día nos acercamos más a esa especie de infierno apocalíptico de película de los ochenta. ¿Cuál sería la “venganza perfecta”? José Antonio Tranquilino: Yo asocio la venganza en este disco con la acción y la indiferencia hacia las cosas. Quizá se pueda percibir un tinte político, pero una de las ventajas de nosotros como músicos es la ambigüedad y podemos ser interpretados de distintas formas por parte del público. Para mí va más enfocado a tomar acción sobre las cosas y dejar de vivir en la apatía, la cual, de alguna manera, nos afecta a todos. Hay personas que no compran un disco o no van a un concierto y aun así exigen muchas cosas. De igual manera pasa en la política y en lo social: esa persona apática es la misma que no hace absolutamente nada por cambiar su entorno, esa persona que se encuentra en su zona de confort parece que no le afecta nada, pero en el momento en que sale de allí y algo le afecta, entonces sí quiere hacer algo. Si realmente queremos un cambio sobre las cosas, primero debemos dejar de lado la apatía. El disco completo tiene una denotación distinta: cuando lo escuchó de principio a fin, lo veo como una especie de manual-línea del tiempo de una revolución.

> Alejandro Altamirano es Asitente Editorial de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Silverio en WARP #55.


calendario -033-

Agosto 2013 All That Remains Lunario del Auditorio Nacional, México, DF

8 Illya Kuryaki And The Valderramas José Cuervo Salón, México, DF

2-4 Lollapalooza

24 y 25 FYF Fest

Grant Park, Chicago, IL

State Historic Park, Los Angeles, CA

28 Mala Rodríguez El Plaza Condesa, México, DF

9-11 Outside Lands

30 Los Amigos Invisibles El Plaza Condesa, México, DF

Golden Gate Park, San Francisco, CA

3 Los Ángeles Azules

10 Mad Professor José Cuervo Salón, México, DF

El Plaza Condesa, México, DF

31 Carla Morrison & Enjambre Palacio de los Deportes, México, DF

23 Yo La Tengo El Plaza Condesa, México, DF

6 Alt-J El Plaza Condesa, México, DF


gigs Sebatien Tellier\

Polyforum Cultural Siqueiros Foto: Franccel Hernรกndez para WARP


Guns N’ Roses


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Beach House

THE GOVERNORS BALL NYC MUSIC FESTIVAL 2013 Texto y fotos: Paco Sierra para WARP

Día 1 El primer día de The Governors Ball quedará para la historia tanto del festival como de la misma ciudad de Nueva York. Lluvia constante y fuertes vientos fue lo que nos dejaron las reminiscencias de la tormenta Andrea. En un principio todo corrió de acuerdo al calendario, siendo St. Lucia el primer acto esperado por WARP, con un show que incluyó ‘All Eyes On You’ y ‘Closer Than This’. En el You’re Doing Great Stage, con fuertes bajos y la cautivadora voz de Channy Leaneagh, Poliça inundó con su sonido a un público que disfrutó de ‘Dark Star’ y ‘Amongster’, entre otras. El festival se fue convirtiendo lentamente en un encuentro de

ponchos multicolor —aunque no faltaron los vestidos primaverales— y para Of Monsters And Men fue el escenario perfecto. Al inicio de Local Natives, por cinco radiantes minutos, dejó de llover, lo que hizo que se disfrutara más de su música. El final se acercaba, la lluvia arreciaba y el show de Beach House se atrasó demasiado, aunque miles esperaron y disfrutaron un corto pero emotivo set: “Aunque no se la estén pasando de lo mejor, nunca olvidarán esto”, aseguraron desde el escenario… Y lo cumplieron. De pronto llegó el anuncio oficial: “Debido a los fuertes vientos y las condiciones inseguras, se cancela el resto de la jornada”.


038

Cut Copy

Animal Collective

Alt-J

Día 2 El segundo día estuvo lleno de contrastes musicales, con mucha más gente y Randall’s Island convertido en un auténtico lodazal; sin embargo, esto no impidió el disfrute con un plus en el programa, pues Kings Of Leon logró acomodar su show cancelado un día antes. Todo comenzó con Icona Pop en el Skyy Vodka Tent, para después ver a Dirty Projectors, impecable, en el You’re Doing Great. Alt-J, por su parte, salió decidida a conquistar con su disco An Awesome Wave y, a las 17:00 hs., continuó la fiesta con Cut Copy. Poco después, el regreso de Kings Of Leon arrancó suspiros al sonar ‘Radioactive’; además, esa tarde, la banda debutó ‘Super Soaker’ y ofreció un final épico que incluyó ‘Sex On Fire’ y ‘Black Thumnail’. En el Honda Stage, Kendrick Lamar convocó espectadores ansiosos por rapear con él; aquello fue un espectáculo de manos levantadas al compás de ‘Swimming Pools’. El cierre del You’re Doing Great Stage fue con Animal Collective, que empezó con ‘Did You See The Words’ y, al no haber hecho soundcheck, enfrentó errores en ‘The Purple Bottle’. Al final, la sorpresa de muchos fue tener a Guns N’ Roses minutos antes de lo programado, con un Axl Rose extremadamente feliz. La nostalgia llegó con ‘Welcome To The Jungle’, ‘It’s So Easy’ y su cover a ‘Live And Let Die’ con explosiones en el escenario incluidas. Las esperadas ‘Don’t Cry’ y ‘November Rain’ siguieron tras ‘Knockin On Heavens Door’ y ‘Paradise City’, aderezadas con confeti y pirotecnia.

Kings Of Leon


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Día 3 El tercer día de Governors Ball fue perfecto: sol, menos lodo y mucho disfrute. Portugal. The Man impresionó con canciones de su nuevo disco, Evil Friends. Por su parte, en el You’re Doing Great Stage, Deerhunter llegó con distorsiones y energía para satisfacer a los presentes y, de regreso al escenario principal, Foals comprobó que es una de las bandas más enérgicas en vivo. En tanto, Beirut se presentó con sus característicos instrumentos de viento, mientras que Bloc Party fue la encargada de cerrar el Skyy Vodka Tent y encantar a los presentes. Con las emociones a flor de piel, The xx brindó un set emotivo y nostálgico en el que ‘Heart Skipped A Beat’, ‘VCR’ y ‘Angels’ fueron parte del soundtrack. Entonces, el acto más esperado del festival llegó: Kanye West dio cátedra con su escenario, su setlist y una energía impresionante. Debutó ‘Black Skinhead’, ‘New Slaves’, ‘I Am God’ y un par más de su álbum Yeezus. Además, ‘Power’, ‘Jesus Walks’ y ‘Diamonds From Sierra Leone’ —con un sampleo de ‘Diamonds’, de Rihanna— fueron acompañadas por el público. Cada movimiento de Kanye fue ovacionado; luego, para el cierre, eligió ‘Runaway’ y ‘Black Skinhead’ nuevamente. Excelente festival esta edición del Governors Ball, el cual, quitando la horrorosa tormenta y el lodo, es un evento que en tres años ha tenido logros como pocos; lo que era de esperarse, pues la ciudad de Nueva York se merece un evento de esta categoría. Bien por Gov Ball NYC.

¡Hasta el próximo año!

Beirut

The xx

Foals


La cobertura de Glastonbury 2013 es presentada por la HP Envy X2 con Windows 8. #WARPenGlasto


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#WARPenGlasto Por: Samantha L贸pez Fotos: Samantha L贸pez y Camila Jurado para WARP

La cobertura de Glastonbury 2013 es presentada por la HP Envy X2 con Windows 8. #WARPenGlasto


Tame Impala

The Hives

DÍA 1

Algunos rayos de sol despertaron a los habitantes temporales de Glastonbury y, aunque el lodo de las lluvias de los días anteriores seguía haciendo estragos, eso no impidió que el festival más grande del mundo, de manera potente, arrancara en su 42ª edición: una muy especial, al ser el único festival (hasta ahora) en el que The Rolling Stones accedió a tocar en su gira de aniversario. Para empezar, cerca de las 12:00 horas, The Other Stage estalló con The Hives quienes, vestidos de mariachi, no pararon de agradecer y de decir, entre risas, que ese sería el mejor momento de todo el evento. Por su parte, en el escenario John Peel, los americanos de Local Natives enamoraron a la audiencia con su impecable interpretación y, aunque en un principio el público que no los conocía estaba distante, la gente no paró de tararear y bailar con ellos. Después de esto, las buenas bandas no pararon de presentarse y, corriendo de un escenario a otro, pudimos ver a The Lumineers, uno de los highlights de la tarde. Tame Impala —que tocó en The Other Stage casi a la par de la presentación de The

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Arctic Monkeys

Vaccines en The Pyramid Stage— no dejó de sorprender con la peculiar voz asexual de Kevin Parker y esa mezcla de guitarras acústicas y eléctricas, rodeadas de sicodelia. The Vaccines, por su parte, es una de las bandas más fuertes en vivo, por lo que cada reef vibró sin error sobre el escenario más grande. Sin embargo, nada mejor para el atardecer que uno de los más esperados del momento, Alt-J, que demostró por qué está catalogado así, después de interpretar absolutamente cada melodía con genialidad. La noche comenzaba a caer y, para acompañar esto, las perfectas guitarras de Foals llevaron al público de The Other Stage a un estado de emoción que no dejó de fluir. Para trasladar esta energía a un punto totalmente distinto, este escenario tuvo el honor de ser cerrado por Portishead, quienes cantaron casi todos sus éxitos y dejaron al público extasiado. Mientras tanto, en el escenario principal, una gran cantidad de los asistentes esperaban a Arctic Monkeys, que con unas gigantescas “A” y “M” salieron a cantar a máxima potencia cada uno de sus temas.


The Rolling Stones

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DÍA 2

Las actividades comenzaron en punto de las 11:00 horas, con la música ecléctica de Rokia Taore, en el Pyramid Stage, mientras The Other Stage empezaba a llenarse para ver a The Staves, seguida de The 1975 y Dry The River. En ese momento, la gente se preguntaba quién sería el TBA (to be announced, por sus siglas en inglés) del John Peel, ya que este indicativo siempre trae buenas sorpresas (la anterior, por cierto, fue Liam Gallagher, quien abriera The Other Stage la primera mañana del festival). El grupo esperado, así, fueron los enérgicos MS MR, recién llegados de Nueva York, y como lo dijeron ellos mismos, sobre el escenario se mostraron muy emocionados por estar en “el mejor festival del mundo”.

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Alabama Shakes

De vuelta a los escenarios grandes, Noah And The Whale hizo bailar al público de The Other Stage y demostró, como siempre, tener virtuosismo en los instrumentos, aunque se extrañó la voz de Laura Marling. Uno de los más esperados, sobre todo por el público más adulto, fue el mítico Elvis Costello, quien aunque en un principio tuvo problemas con el audio en el escenario principal, le recordó a la gente, cantando la mayoría de sus éxitos, por qué es tan grande. Para seguir calentando motores con un poco de rock-blues, Alabama Shakes interpretó sobre The Other Stage su disco Boys & Girls, seguido del inconfundible sonido de Two Door Cinema Club, perfecto para el ambiente generado por el soleado día de Glasto. La tarde seguía bastante caliente y The Park —uno de los escenarios más alejados del festival—, reunía a una

cantidad impresionante de gente para ver a Rodríguez, quien tras el documental Searching For Sugarman ha tenido más tocadas que nunca. Sobre el escenario principal, justo antes de The Rolling Stones, tocaba el turno de Primal Scream, que presentó su álbum More Light, incrementando su poder de interpretación hasta explotar junto al público. A las 21:30 casi todos los asistentes del festival se encontraban en The Pyramid Stage para ver salir, entre gritos y desmayos, a Ronnie Wood y Charlie Watts, seguidos de Keith Richards y Mick Jagger. Y saltando de un lugar a otro, los Stones tocaron de manera magistral cada uno de sus éxitos. Aunque se rumoraba la visita de varios invitados especiales —entre ellos, David Bowie—, esta vez la banda tocó en solitario y no les falto nada. La agrupación viva más famosa del mundo abrió con ‘Jumping Flash Jack’, seguida de ‘Paint It Black’, ‘Wild Horses’ y ‘Brown

Rodríguez

Primal Scream

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Elvis Costello

Sugar’, entre muchas otras. El concierto, que duro poco más de dos horas, fue coreado y admirado por toda la granja, y cerraron con broche de oro, ayudados por el London Youth Choire, con ‘You Can’t Always Get What You Want’ y la esperadísima ‘Satisfaction’, acompañada de fuegos artificiales.

Vampire Weekend

Two Door Cinema Club


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Portishead

Mumford & Sons

DÍA 3

Después de la noche con The Rolling Stones, los primeros escenarios de la mañana estaban bastante vacíos, ya que la gente seguía dormida. Sin embargo, poco a poco, las ganas de más música fueron levantando el ánimo. Un poco más alejados, pero con la misma potencia, los canadienses Suuns agrupaban, en el John Peel, gente que sin conocerlos, se acercaba al escenario para ver de dónde provenían aquellos peculiares sintetizadores. Cambiando radicalmente de estilo de un escenario al otro, justo a la hora de la comida, llegaba Rufus Wainwright al Pyramid Stage. Mientras tanto, en The Other Stage, llegaba la banda islandesa de indie folk Of Monsters And Men, quienes se sorprendieron al ver la cantidad de público que los esperaba. La siguiente banda en ese escenario fue Editors, quienes juntaron aún más gente. En The Pyramid Stage, Nick Cave & The Bad Seeds envolvían al público con sus movimientos animales y la profunda voz que caracteriza al cantante australiano. Al caer la noche, sin embargo, las cosas se intensificaron cada vez más y sobre The Other Stage tocó The Smashing Pumpkins, quienes generaron olas de gritos y empujones para llegar lo más cerca posible del escenario. En el John Peel, James Blake, nominado al Mercury Prize en 2011, abrió con mucha más fuerza de lo que se esperaba y no decepcionó en ningún momento a la gente que lo acompañaba sobre el pequeño escenario. Las opciones para cerrar el festival eran muchas y todas muy

The Lumineers

La cobertura de Glastonbury 2013 es presentada por la HP Envy X2 con Windows 8. #WARPenGlasto

Kenny Rogers

buenas. Por una parte, la gran banda francesa Phoenix tocaba en el John Peel y los asistentes, que no cabían en la carpa, en ningún momento pararon de bailar. Mientras tanto, en The West Holts, el mítico Bobby Womack tocó su mejor blues, trayendo al piano a un invitado de lujo que enloqueció a la gente: Damon Albarn acompañó a Womack en varios de los temas. Other Stage, por su lado, tuvo el lujo de tener a The xx quienes, en otras ediciones del festival, han tocado ya en varios escenarios. Por último, en The Pyramid Stage, el cuarteto inglés Mumford & Sons hizo vibrar hasta el último árbol del recinto con su potente e impecable folk-rock, pues entre los cuatro tocaron al menos quince instrumentos, pasando de uno a otro entre canción y canción, dedicando el concierto y la felicidad de estar en Glastonbury a su bajista, Ted Dwane, quien una semana antes estuvo al borde de la muerte por un sangrado cerebral, aunque ahora se encuentra en perfecto estado y tocando de nuevo. Finalmente, el momento cumbre de la noche llegó cuando, al final del concierto, el creador de la banda Marcus Mumford invitara a amigos a cantar una canción para cerrar el festival. Instantes después, algunos de los integrantes de Vampire Weekend, The Vaccines, The Staves y First Aid Kit entraron al escenario para cantar ‘With A Little Help Of My Friends’, de The Beatles. Y así, con miles de voces coreando, concluyó la épica 42ª edición de Glastonbury.


Es inevitable: Todos, en algún momento de nuestras vidas, nos encontramos con un obstáculo, una muralla que nos impide seguir avanzando, evolucionando. A veces este impedimento no es tangible, aunque el hecho de que no pertenezca al mundo físico no quiere decir que sea más fácil de superar; de hecho, en muchos de los casos son estos frenos inmateriales los que hacen que la voluntad decaiga a tal grado, que parece más digno abandonar la proeza. Sin embargo, son los problemas colosales aquellos que demandan genialidades como solución; y no sólo eso: exigen, implícitamente, que abandonemos los límites que rigen nuestra íntima existencia, como si se tratara de una invitación formal para saltar al vacío sin la promesa, desde luego, de que nuestro cuerpo no se vuelva una masa sangrienta al besar el suelo. Curiosamente, la única forma de abandonar ese cuarto oscuro llamado incertidumbre, es avanzando hasta lo más negro de sus profundidades para, después, hallar la áspera puerta de salida y abrirnos camino hacia nuevas empresas que seguramente sobresaldrán por ser potencialmente riesgosas. Y en la música —fiel espejo del mundo que nos rige— las cosas no son muy diferentes: los autores se enfrentan con obstáculos creativos e incluso momentos de incertidumbre en los que parece más fácil acabar con los instrumentos y olvidarse de plasmar los sonidos que invaden sus mentes. Pero, una vez más, son precisamente estas situaciones las que dan pie a que el talento explote y, de vez en cuando, conozcamos esfuerzos sonoros que destacan entre todos los demás. En WARP Magazine reconocemos algunos de los esfuerzos musicales que en 2013 se han ganado nuestra atención porque, de una u otra forma, significan una victoria del riesgo sobre la razón. Así, desde Reino Unido, Peace levanta la mano con In Love, su debut: una propuesta de rock que no debemos perder de vista. Los norteamericanos de Portugal. The Man, por su parte, hacen válida su calidad de hombres atómicos apoyados por Evil Friends, su séptimo trabajo de estudio, mientras Miles Kane sigue sin perder la tradición de las guitarras inglesas, afianzándose en la escena con Don’t Forget Who You Are, su segundo álbum. Finalmente, en exclusiva, Josh Homme, líder de Queens Of The Stone Age, platica con WARP Magazine, revelando los detalles de ...Like Clockwork, el disco que hizo al músico reevaluar su carrera musical y su vida personal. Sean todos bienvenidos a una cita con el peligro.


SUGARSTONE

Por: Elsa Núñez Cebada / Foto: Cortesía Peace

NO TENEMOS UNA CIFRA EXACTA DEL NÚMERO DE CHARLAS QUE HEMOS PUBLICADO EN LAS PÁGINAS DE WARP MAGAZINE; LO QUE SÍ HEMOS PENSADO ES EN TODAS LAS BANDAS QUE HAN PASADO POR ESTAS PÁGINAS Y LA SITUACIÓN EN LA QUE LAS CONOCIMOS: ALGUNAS NO PASARON DE UN EXTRAORDINARIO DEBUT, OTRAS LAS HEMOS VISTO CRECER Y UNAS CUANTAS MÁS SIGUEN ESCALANDO PELDAÑOS EN LA ESCENA MUSICAL, ESFORZÁNDOSE POR MANTENERSE PROPOSITIVOS Y SORPRENDENTES. Hemos vivido la evolución del sonido de la música contemporánea de la mano de sus protagonistas, así que cuando escuchamos In Love, la producción discográfica con la que Peace se da a conocer, nos vienen muchas dudas a la mente. Este disco regresa al garage y al grunge en un momento en el que la sicodelia parece estar apoderada de nuestros oídos, así que platicamos con Dominic Boyce, baterista de la banda, sobre el largo camino que estos músicos originarios de Birmingham, Inglaterra, apenas comienzan a recorrer. Tal vez es una pregunta tonta, pero, ¿por qué decidieron formar una banda? Realmente no lo sé [risas]. Nos conocimos por la música, fui a la preparatoria con Doug (guitarra) y creo que lo que nos hizo amigos fue nuestro amor por la música. Ya en la universidad conocí a Harry (guitarra/voz), estudiamos música y después las cosas se dieron solas. Creo que fue algo natural: todos queríamos tocar y divertirnos teniendo una banda.

¿Qué escuchaban entonces que los haya influenciado en su sonido? Creo que todos crecimos escuchando a Led Zeppelin en nuestras casas; de ahí generalmente vienen las influencias y los gustos de cada músico. Además, escuchamos mucho rock setentero, clásico. Escuchamos mucha música, pero considero que jamás hemos estado realmente conscientes de ser como cualquiera de esas agrupaciones: estamos lejos de ellos y nuestro estilo es diferente. Son una banda muy joven. ¿Te acuerdas de su primer show? Creo que fue aquí, en Birminghan, abriéndole a Tame Impala. Fue maravilloso ser un proyecto nuevo y de pronto tener la oportunidad de estar tocando con ellos, que son tan buenos; eso fue hace unos dos años y medio. Nos invitaron y simplemente respondimos: “¿por qué no?”. Y estando allí realmente nos dimos cuenta de la oportunidad que teníamos: fue un debut bastante bueno. Digamos que fue el primer show en forma de Peace.


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¿En aquel momento imaginaron que su música se escucharía por todos lados y que los llevaría a viajar por todo el mundo? En realidad no imaginamos nada cuando empezamos a tocar, porque simplemente queríamos que nos escucharan; y no con la consigna de que esto sucediera. No entiendo realmente cómo es que esto sucedió; es raro y, a su vez, agradable que la gente en México, por ejemplo, nos conozca. Ahora hemos estado muy ocupados con la gira, presentándonos en todos lados y seguimos sintiendo que todo esto es extraño… ¡Y nos encanta! Tal vez el proceso de grabar un primer disco sea complicado… ¿Cómo les fue en el estudio? ¿Hubo algún momento que recuerdes en particular? Grabamos en un estudio de Lanchester, al noreste de Inglaterra, en la campiña. Nos encontrábamos a unos 12 kilómetros de la tienda más cercana, así que fue muy agradable estar alejados de todo durante seis semanas. Y de ninguna manera hubiera sido lo mismo si lo hubiéramos hecho en Londres, por ejemplo. El momento que más recuerdo del estudio fue casi al final del proceso: estábamos un poco borrachos y el ingeniero agarró una guitarra y terminó tocando de rodillas; creo que fue muy divertido [risas]. Fue lo mejor: esas personas, de mediana edad, divirtiéndose tanto, se quedaron en mis memorias de la grabación. El título de su disco suena increíble. ¿Por qué lo llamaron In Love? Sinceramente no estuvimos pensando en nombres, conceptos o videos; creo que salió sobre la marcha. Simplemente tuvimos que usar uno y, después de millones, muy malos, que se nos ocurrieron, salió este, que se le ocurrió a Harry. Al principio no nos gustó, pero terminamos pensando que no era tan malo; en lo que sí coincidimos siempre, fue en lo de llamarnos Peace, porque si hubiéramos elegido War… [risas]. Además, “peace in love” cambia su sentido dependiendo del tono en el que lo digas. ¿Tienes alguna canción favorita en este álbum? No estoy seguro, pero tal vez sea ‘Delicious’: me encanta que el sonido de la batería sea fuerte y, hasta cierto punto, neurótico. Me recuerda ‘Paint It Black’. ¿Creen que las redes sociales les han facilitado el trabajo de darse a conocer? Definitivamente creo que, con estas herramientas, es más fácil llamar la atención de la prensa, por ejemplo. Pero las bandas nuevas seguimos sintiendo la misma tensión al tirar nuestra música

a todo el mundo: todos necesitamos la ayuda de alguien que nos dé a conocer. Es obvio que si hubiéramos debutado hace 20 años nos hubiera resultado más difícil, pero lo que sigue igual es el hecho de que todos los músicos debemos trabajar muy duro. ¿Qué tal fue la reacción de la gente en el primero de los festivales a donde fueron invitados? Le estuvimos abriendo los shows de la gira europea a los Manic Street Preachers y apenas teníamos bien montadas unas

“Cuando empiezas en esto, no piensas: Tengo un contrato y ahora voy a ir de gira por todo el mundo.” cuatro o cinco canciones; fue muy raro. Cuando empiezas en esto, no piensas: “Tengo un contrato y ahora voy a ir de gira por todo el mundo” [risas]. Es muy diferente ir de gira con una banda importante a salir tú solo. A mí me aterraría ver a toda esa gente vuelta loca… A mí me sigue poniendo nervioso, pero creo que es muy agradable: uno se acostumbra y es más fácil cuando se trata de escenarios pequeños. Pero los festivales son realmente una locura a la que terminas acostumbrándote y lo único que te queda es salir a hacer lo tuyo lo mejor que puedas. Vienen al Corona Capital, a la Ciudad de México. ¿Qué tanto les han dicho sobre el público local? ¿Les emociona? Muchísimo. Nunca hemos estado en México y el show será un día antes de mi cumpleaños; así que combina el show y la fecha. ¡Sé que será una gran celebración! Nunca he estado en un lugar como México y estoy seguro de que será muy bueno. Muchos de los que estaremos en Corona Capital no los hemos visto en vivo. ¿Qué podemos esperar? Esperen lo peor para que los sorprendamos [risas]. Y les pido que vayan preparados para bailar: en nuestras presentaciones siempre hay gente bailando. Y tómense unas cervezas antes, para que estén relajados y listos.

> Elsa Núñez Cebada es periodista musical, puedes leer su entrevista con Kashmir en WARP #56.


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LA ODISEA DE

BRIAN WILSON Por: Eduardo Guillot / Foto: Cortesía BB

FUE EL DISCO QUE CAMBIÓ LA HISTORIA DE THE BEACH BOYS. HOY ES UN CLÁSICO, PERO CUANDO SE PUBLICÓ FUE RECIBIDO CON MUCHAS RESERVAS, AUNQUE MARCÓ UN GIRO DECISIVO EN LA CARRERA DEL GRUPO. EL LIBRO WOULDN’T IT BE NICE. BRIAN WILSON Y LA GRABACIÓN DE PET SOUNDS, DE CHARLES L. GRANATA, QUE POR FIN SE PUEDE DISFRUTAR EN ESPAÑOL, DESMENUZA LA CREACIÓN DE UNA DE LAS GRANDES OBRAS MAESTRAS DE LA HISTORIA DE LA MÚSICA POPULAR. Entre octubre de 1962 y diciembre de 1964, The Beach Boys grabó ochos álbumes, llegando seis de ellos al Top 10 de las listas de ventas, y es que su sonido estaba claramente perfilado y funcionaba de manera incontestable a nivel comercial. Pero Brian Wilson quería más: no le bastaba con las soleadas melodías surf que habían conquistado al público adolescente americano. Era un gran admirador del muro de sonido perfeccionista de Phil Spector y del trabajo de The Beatles en Rubber Soul, y deseaba producir un disco que pudiera competir con ellos, aunque en realidad su gran ambición era superarlos. Había dejado de actuar en directo con el grupo, así que mientras sus compañeros viajaban por el país de un escenario a otro, él se encerró en el estudio de grabación y se puso a trabajar en su próximo álbum. Entonces no podía imaginar que el resultado sería Pet Sounds, uno de los discos más importantes de la historia del pop, su obra cumbre y también su final artístico. Todo el proceso aparece relatado en Wouldn’t It Be Nice. Brian Wilson Y La Grabación De Pet Sounds: un ensayo editado originalmente en inglés, en 2003, que ahora se publica en español. El productor e historiador musical, Charles L. Granata, es el responsable de un trabajo apasionante que recoge declaraciones de la mayoría de los implicados en el proceso de realización del álbum: desde los propios miembros de la banda, hasta algunos de los músicos de estudio, ingenieros de sonido y letristas que participaron, en particular Tony Asher, responsable de la mayoría de las canciones que contiene el disco.

El objetivo de Granata es centrarse en los argumentos musicales. Así, comienza situando al grupo en el contexto adecuado, explicando el camino que habían recorrido desde sus inicios: una carrera meteórica, marcada por la figura autoritaria del padre de los Wilson y la identificación del grupo con imperecederos himnos surf. Muy pronto, sin embargo, el libro se zambulle en Pet Sounds. La composición, las maquetas previas, las primeras grabaciones, las voces y, en fin, cada página, mete al lector en la cabina del estudio, desmenuzando los cortes con minuciosidad, analizando arreglos, estructuras, ritmos e instrumentación, así como sus fuentes. El objetivo era lograr un disco que hiciera historia y Wilson lo consiguió, revolucionando de paso el concepto de producción pop, aunque también le acabó costando el equilibrio emocional, afectado por su carácter obsesivo y el consumo de drogas, que dañarían su cerebro hasta el punto de inhabilitarlo durante años. Pero que Pet Sounds figure siempre entre los discos más importantes de la historia del rock no significa que, como se recuerda en el libro, se entendiera en su momento (fue el primer álbum de estudio de The Beach Boys que no alcanzó el disco de oro), igual que le ha ocurrido a tantas otras obras maestras adelantadas a su tiempo, pues sólo a partir de su reivindicación británica (no es ningún secreto que fue decisivo en la confección de Sgt. Pepper’s...) comenzó a recibir la atención que merecía. Toda una lección.

> Eduardo Guillot es periodista y crítico musical español con una trayectoria de más de 25 años. Actualmente colabora en la revista Rockdeluxe.


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SEA OF AIR

Por: Karina Luvián / Fotos: Cortesía PTM

CREAR. ESTRUCTURAR. COMPONER Y RECOMPONER. ENTRAR A UN ESTUDIO Y DEDICAR TU VIDA A CREAR MÚSICA QUE TE MUEVA Y QUE PRODUZCA EL MISMO EFECTO EN TERCEROS ES UNA EMPRESA, POR SÍ MISMA, COMPLICADA. UNA VEZ LOGRADO EL OBJETIVO NO TIENES OTRO CAMINO QUE REPETIR LA HAZAÑA; SIN EMBARGO, LA DIFICULTAD SE ELEVA EXPONENCIALMENTE CON CADA PLACA REALIZADA Y ES ENTONCES CUANDO LA MISIÓN TOMA TINTES SUICIDAS, PUES UN PASO EN FALSO Y TODO LO LOGRADO PODRÍA TERMINAR SEPULTANDO A CUALQUIER CREADOR QUE SE JACTE DE SERLO. Portugal. The Man ha llegado a su séptima producción discográfica y lejos de amedrentarse lanza un material sólido, bien logrado y atractivo que logra amalgamar su sello sonoro con destellos de innovación en su trabajo, teniendo como guía a una de las figuras más importantes en cuanto a ámbitos de producción se refiere: Danger Mouse. Pero, ¿cómo es que esta banda tan joven a logrado escalar siete escalones y no flaquear en cada uno de ellos? Para Zachary Carothers, bajista y miembro fundador, la clave se encuentra, quizá, en su procedencia y en la experiencia que esta hermosa labor les ha regalado: “No sé exactamente por qué pasa esto. John (Gourley) y yo iniciamos la banda y ambos somos de Alaska, donde la gente, sin importar la actividad que realice, es muy trabajadora y dedicada, así sea en labores como la pesca o trabaje en un pozo petrolero, todas las personas ponen mucho empeño en lo que hacen. Creo que lo que ocurre con la banda, específicamente, es que no damos nada por sentado, aunque lo cierto también es que no nos falta inspiración, viajamos mucho alrededor del mundo y eso nos ayuda mucho a crear. En estos viajes también hemos conocido a gente muy interesante y a diario nos despertamos con ideas. De cualquier manera nosotros ponemos nuestro mayor esfuerzo en todo lo que hacemos, ya sea ofreciendo shows en vivo o creando en el estudio; todos somos personas muy trabajadoras.”

Luego de escuchar dicha respuesta a través de un altavoz por demás viciado, es imposible no preguntarse qué ocurre entre el lanzamiento de un disco y otro, ¿es que existe un momento de respiro en el que la vida vaya más allá de la música y fluya fuera de un estudio de grabación? “En el momento en que terminamos un disco empezamos a hablar acerca de ideas para crear el siguiente. El año pasado íbamos a lanzar dos álbumes y trabajamos por un rato en un estudio ubicado en la frontera con México, en El Paso. Sin embargo se atravesaron diferentes compromisos en marzo, incluso nuestra visita a su país, y terminamos dejando esos planes de lado. Lo que hicimos entonces fue tomar nuestras ideas y empezar a jugar con ellas de manera muy natural, y ya para este disco comenzamos a escribir canciones juntos. La verdad es que fue un proceso en el que todos colaboramos mucho. Así que, sí, al terminar un disco tomamos una o dos semanas para hacer otras cosas, pero por lo regular es casi inmediato el que empecemos a idear el siguiente material.” Sin duda, cada disco es distinto, no sólo por su textura final sino por el momento en que fue gestado, las situaciones que lo vieron nacer y aquellas que lo deformaron hasta derivar en lo que finalmente escuchamos. Evil Friends no es la excepción y, en entrevista para WARP Magazine, el músico aseguró que éste surgió en un momento complicado para la banda.


“La verdad, al trabajar este disco ya estábamos muy frustrados entre nosotros -algunos vivimos juntos- e incluso hubo problemas financieros. Definitivamente fue un año difícil y supongo que eso terminó influenciando al disco. El proceso de grabar un álbum nuevo siempre es muy difícil para nosotros, emocionalmente hablando y, aunque comparado con otras producciones éste fue más sencillo de grabar, terminó siendo agotador a nivel emocional. Quizá por eso es que hubo muchos cambios para este disco, de hecho integramos a tres músicos que nunca habían tocado con la banda. Finalmente conseguimos lo que queríamos: cambiar en cada placa y seguir en la búsqueda de crecimiento.” Pero como no hay tormenta que sea eterna, la calma llegó de la mano de Brian Joseph Burton, Danger Mouse, quien sirvió como bálsamo y cuerda de seguridad, a la vez que poderosa propulsión de riesgos y atrevimientos, un encuentro descrito con la simpatía de Carothers como algo totalmente inesperado… “Siempre creí que él era el tipo ideal para producir el disco. En mi opinión, es uno de los productores más importantes de los últimos diez años, tiene un estilo y un gusto increíble, pero debido a lo solicitado que es nunca lo consideramos como una opción. Todo empezó cuando estábamos de gira por Europa con The Black Keys, en una ocasión Patrick (Carney)

nos dijo: ‘¿Están haciendo un nuevo disco, verdad?, deberían hablarle a Danger Mouse’; él es muy amigo de Dan y Patrick. Honestamente, en ese momento pensamos: ‘¡No inventes, él es intocable ahora, no trabaja con cualquiera!’, pero resultó que teníamos amigos en común, lo llamamos y quedamos de vernos. No quiero exagerar, pero fue un cambio radical. Mira, estábamos grabando el disco en El Paso y la verdad no la pasábamos bien, pero cuando llegó Brian todo fue diferente, empezó a fluir. Él y John comenzaron a pasar mucho tiempo juntos y recuerdo que una de las primeras cosas que él le dijo a John fue: ‘No me interesa trabajar en otro disco de rock, para eso tengo a The Black Keys, quiero hacer algo diferente’. Creo que eso le quitó mucha presión a John, y le permitió explorar más sonidos. Al final nos llevamos muy bien y eso permitió que esto funcionara.” ¿Y el resultado? “Creo que aportó muchas cosas musicalmente hablando, pero pienso que lo principal es la conexión que logró con la banda, tanto a nivel artístico como personal. Este es un disco que habla mucho de nosotros como individuos y el hecho de que sigamos juntos, a pesar de tantas cosas que hemos pasado, así que me siento muy orgulloso de él.” Contentos y expectantes de lo que vivirán al visitar la Ciudad de México el próximo mes de octubre, como parte del


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“La verdad, al trabajar este disco ya estábamos muy frustrados entre nosotros.”

festival Corona Capital, Zach asegura que, ahora que el disco ya está en las manos de aquellas personas para las que fue hecho, para ese público que los ha arropado desde hace casi diez años, ya no se sienten presionados, dejan de imaginar reacciones y se dedican a disfrutar sobre diversos escenarios, muchos de ellos nuevos: “Queríamos que todo mundo escuchara el disco ya —de hecho por eso lo pusimos en streaming antes de su lanzamiento—. La verdad es que cuando sacamos un disco nos ponemos muy ansiosos, y era importante para nosotros que la gente lo escuchara de una vez, pues nos ayuda a liberar un poco el estrés que la espera nos genera. Una vez que el disco es publicado ya no hay tensión, porque está fuera de nuestras

manos y se convierte en un ente propio, individual, ya no tenemos control sobre él. Le guste a la gente o no, ya no podemos hacer nada, así que tratamos de relajarnos y enfocarnos en salir de gira. Vamos a estar en festivales en los que nunca hemos tocado y lo que puedo asegurarte es que estamos muy emocionados por regresar a México. La primera vez que estuvimos allá fue hace unos meses y la pasamos muy bien. Aún tenemos fresco el recuerdo de la gente. Supongo que esta vez será diferente, pero en un sentido positivo.” Si la historia sirve de prueba, nada podrá negar que Portugal. The Man seguirá probando y, por tanto, arriesgando, en pos de la creación y la música misma, esa que los regresa repetidamente al estudio de grabación y no los abandona nunca.

> Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Antonio Muñohierro en WARP #57.


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BRINGING IT ALL BACK HOME Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

A falta de ferrocarril que partiera el Medio Oeste de arriba a abajo, el pueblo de Joplin, en 1891, todavía era una tolvanera perdida en la triple frontera de Kansas, Missouri y Oklahoma: tenía una sola tienda de víveres, una sola barbería, un solo establo, un solo hotel, un solo salón de putas y su cárcel tenía una sola celda; el pueblo entero era apenas una docena de edificios plantados al azar a ambos lados de su única calle. Sin embargo, su oficina diligencias hacía de Joplin un punto estratégico entre las planicies del Norte y del Sur. Holdrege Clint llegó un jueves al pueblo de Joplin, en la diligencia de las 02:00 de la tarde, procedente de Duluth, Minnesota; estaría en el pueblo menos de 20 horas: el viernes, al mediodía, continuaría su viaje hasta Hope, al Suroeste de Arkansas, donde se ofrecía alguna recompensa por unos cuatreros. Ahora, ya no muy alto y algo encorvado, su piel tan pálida podía hacer creer que se trataba de un hombre hecho de papel antiguo, pero si sus ojillos azules, debajo de sus párpados caídos, miraban de frente, al más duro se le helaba la sangre en las venas. De talante aburrido —con la certeza de estar más allá del bien y del mal—, Holdrege Clint arrojó una moneda al sombrero de un mendigo que tocaba la pandereta y entró al hotel de Joplin sin mucho aspaviento; su texana blanca, de peculiares alas al cielo, y su mano izquierda, sin embargo, lo delataron: pasaba de los 70 años pero, de Luisiana a California o de Texas a Dakota del Norte, no se sabía de otro hombre vivo, veterano de la Batalla de El Álamo y de la guerra por los territorios de California y Nuevo México. Holdrege Clint, además, había sufrido la mítica Batalla de Antietam, como coronel confederado, donde perdió el anular y el meñique de la mano izquierda. Lo último que se contaba sobre él, era su participación en captura del apache Gerónimo, en la Sierra Madre, pocos años atrás. Así, para las 04:00, cuando Holdrege Clint se asomó por el salón para tomar un trago, la noticia de su visita había volado hasta los ranchos vecinos: la barra, las mesas y hasta las escaleras que conducían arriba, a las habitaciones licenciosas, estaban atestadas de hombres, mujeres y niños, multitud que al mirar a Holdrege Clint, quedó en silencio impúdico. Holdrege Clint se recargó en la barra, ordenó un bourbon y, hasta entonces, el salón de Joplin volvió la vida. Baby Blue se acercó a él de inmediato. —¿Me invitas una copa? —murmuró y, aunque Holdrege Clint no respondió, le hizo un ademán al cantinero para que atendiera a la chica. Y fue hasta que Baby Blue se mojo los labios de whiskey, que Holdrege Clint abrió la boca: —¿Crees que haya una partida póquer por aquí? ¿Una que sea decente? Baby Blue estiró el cuello, hurgó entre las mesas y dirigió a Holdrege Clint hasta la mesa de Tim Wilson, el jugador del pueblo, quien los domingos gustaba de despelucar a los rancheros que se acercaban a Joplin a surtirse de víveres y a

los viajeros de la diligencia, los jueves por la tarde. Sentados con Wilson estaban Jay Gregg y Teddy Boone, quienes se levantaron para recibir al invitado. Holdrege Clint se sentó con ellos y, sin más trámite, pidió cartas. Varios de los presentes se acercaron a mirar y, en menos de media hora, presenciaron cómo Teddy Boone se levantaba totalmente seco. Tim Wilson buscó a alguien que completara la mesa y la mala fortuna atrajo a Bill Burdock, un muchacho petulante, al que apenas le asomaba la barba, pero que afirmaba haber acabado con tres hermanos, él solo, en Tulsa. —¿Es verdad? ¿Usted es el que le ganó las espuelas a “Wild Bill” Hickock, en el ’59, en una partida de póquer? —fue el saludo de Bill Burdock para Holdrege Clint— Eso cuentan… —No me preguntes nada sobre nada, muchacho —respondió Holdrege Clint en seco—, si no quieres que te cuente la verdad… Hijo de inmigrantes ingleses, Bill Burdock se sentía de la realeza: amedrentaba a los niños y era insolente con los mayores, lo que molestaba a más de uno en Joplin. En 20 minutos, sin embargo, se retiró Jay Gregg, ya sin dinero: Bill Burdock le había ganado. —¿Alguien más? —gritó el muchacho— ¿Nadie? Quedamos tres en esta mesa, señores —dijo y ordenó otro bourbon. Tim Wilson repartió, pero se estaba quedando sin fichas. —Pero, cuénteme, Clint… —dijo el chico Burdock, en la apuesta abierta, con dos cincos en la mano, luego de recibir el tercero— ¿Es cierto que Wyatt Earp le escribió pidiéndole apoyo con el asunto de Tombstone? —Tercia de ochos —fue toda la respuesta de Holdrege Clint, quien reclamó el dinero del centro de la mesa. —¡Hoy soy como Jesse James! —gritó Bill Burdock, justo después de echar la silla atrás y llevarse la diestra a su reluciente Webley 11.5 mm, aunque Holdrege Clint ya había disparado su vieja Colt .44 del ’69. Holdrege Clint tomó el dinero y, mientras se retiraba a su habitación del hotel, del brazo de Baby Blue, escupió: —A mi me pareces más un pusilánime Robert Ford… Esa tarde ayudé a cargar al chico Burdock hasta la barbería, a que Jack Flipp le sacara la bala del estómago. El viernes, el legendario Holdrege Clint —el viejo que parecía de papel— abandonó Joplin para siempre en la diligencia del mediodía, justo cuando la señora Burdock llegaba hasta la barbería de Jack Flipp a ver a su bebé. —Está bien, mamá, sólo es un poco de sangre… —lloraba Billy Burdock, con hemorragia de color negro, apretando las muelas.

Bringing It All Back Home Bob Dylan Columbia 1965


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MISERY WAITS IN VAGUE HOTELS Por: Paul Stokes/@stokesie / Traducción: Jorge Rodríguez

UN DISCO ACÚSTICO NO SUENA COMO ALGO QUE DEBERÍA SER ARRIESGADO. LA MAYOR PARTE DEL TIEMPO ÉSTOS SON ELABORADOS PARA CUMPLIR CON UN CONTRATO, O PARA CONVENCER A LOS FANÁTICOS DE COMPRAR UN LANZAMIENTO CON LO MEJOR DEL ARTISTA. AL FINAL, ESTOS DISCOS UNPLUGGED SE CLASIFICAN SÓLO COMO ALGO “SEGURO” PARA EL ARTISTA. Claro que con Beck nada entra en lo que entendemos como común. Publicado en 1998, Mutations, un disco acústico en su mayoría, disparó incertidumbre y controversia tras su salida. Originalmente tenía como intención ser un recurso provisional en el que su disquera independiente incluiría material acumulado durante años, aunque terminó marcando la llegada de Beck bajo un sello discográfico grande como Geffen, después de que una intervención ejecutiva de último minuto originara que el músico tomara acción legal para evadir sus contratos. Era claro que este disco no era otro lanzamiento acústico para ganar dinero seguro. Naturalmente, el riesgo se manifestó artísticamente. Después de una década de discos bien recibidos pero pobremente vendidos —a excepción del éxito repentino de ‘Loser’— Beck finalmente pudo salir de su cascarón con Odelay. Esta vez los sencillos sí salieron en la radio y los discos se acabaron en las tiendas, siendo éste el disco con el que las masas reconocieran el talento del músico, además fue un triunfo entre los críticos y se llevó varias menciones como disco del año. Hacer un sucesor para esa sinfonía de sampleos y rapeos que fue Odelay con un disco acústico, lleno de blues, resulta una decisión poco obvia. Aún así, Mutations incluía esa sombra para el universo que su predecesor había marcado. Lleno de guitarras confortantes y armónicas chillantes, las raíces countries y blues del disco conectaban los puntos de las influencias de Beck entre Beastie Boys y Bob Dylan. ‘Nobody’s Fault But My Own’ funciona como un bizarro folk sicodélico

con influencias de la India, mientras que el desafinado ‘Bottle Of Blues’ encuentra a Beck aullando desde la esquina de un bar de mala muerte como los grandes. ‘Sing It Again’ es un lamento de amor y arrepentimiento directo del corazón y el alma, ya que por primera vez Beck no está intentando reinventarse ni pintarse con nuevos colores. En su lugar, Mutations es un cuidadosamente considerado y delicado disco que da una honesta y poco mediada impresión de su creador. Probó ser un movimiento arriesgado y valiente, pero uno que funcionó. Cualquiera que hayan sido las ramificaciones legales —difícilmente es una fuente confiable, pero Wikipedia sugiere que la disputa por el contrato desencadenada por el lanzamiento del disco nunca fue resuelta— Mutations no sólo fue exitoso, sino que también permitió que la personalidad musical de Beck saliera a la luz. No más lanzamientos de discos informales. Discos de folk extraño nunca más volverían a ser enterrados y sustituidos por sus endemoniadas contrapartes de funk llevado al exceso. En cambio, Sea Change fuertemente influenciado por Nick Drake, podría salir y oponerse a los ritmos electrónicos de Güero, mientras que Modern Guilt cómodamente mezclaba ritmos de hip-hop y producción por parte de Danger Mouse con algo de blues. Con el siguiente y muy esperado disco de Beck en camino (más tarde este año) rumorado para ser otro lanzamiento inclinado a lo acústico, Mutations sigue demostrando que más que ser un riesgo y camino sin salida para Beck, fue una prueba afirmando que los genes del artista son superiores.

> Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna Like Carrers In Combat en WARP #57.


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OUT OF CONTROL Por: Raúl Arce / Fotos: Cortesía MK

NACIDO EN LA PENÍNSULA DE MIRRAL, EN EL NOROESTE DE INGLATERRA, MILES KANE SE HA ABIERTO CAMINO DENTRO DE UNA MUY COMPETITIVA ESCENA MUSICAL BRITÁNICA. DESDE SUS INICIOS, EN BANDAS COMO THE LITTLE FLAMES O THE RASCALS, E INCLUSO SU TRABAJO CON ALEX TURNER EN THE LAST SHADOW PUPPETS Y, POR SUPUESTO, EN SU PROYECTO COMO SOLISTA, MILES KANE HA DESARROLLADO UN ESTILO PROPIO, QUE SI BIEN RETOMA ELEMENTOS DE LA VIEJA ESCUELA DEL ROCK INGLÉS, POSEE UNA FRESCURA QUE LE HA VALIDO EL RECONOCIMIENTO DEL PÚBLICO Y DE UN IMPORTANTE SECTOR DE LA CRÍTICA ESPECIALIZADA. Después del éxito conseguido con The Colour Of The Trap (2011), su disco debut, Kane lanzó, el pasado mes de junio, Don’t Forget Who You Are, un trabajo más personal, en el que colaboró con el productor Ian Broudy. Este nuevo álbum quizá no representa un cambio radical en el sonido del británico, pero sí una evolución de Kane como músico y frontman. WARP Magazine tuvo la oportunidad de conversar con Miles, quien no sólo habló de su nuevo disco, también compartió su gusto por el futbol. Ha pasado algún tiempo desde que Colour Of The Trap salió a la luz. ¿Qué has hecho desde entonces?

Ha sido un año y medio de andar de gira sin parar. Creo que me encontré a mí mismo y, a la vez, encontré lo que quería hacer. En Colour Of The Trap hallé el camino y, en el disco nuevo, lo que hago es recorrer ese camino. Quería hacer un álbum de rock and roll y eso fue precisamente lo que hice. ¿Crees que tu sonido es diferente en Don’t Forget Who You Are, tu álbum más reciente? Yo no emplearía la palabra “cambio”; creo que “evolución” sería más adecuada. El sonido de este disco es más pesado y directo. Te puedo decir que este es un disco en el que me veo reflejado: es muy personal y no podría describirlo de otra manera.


“Este es un disco en el que me veo reflejado: es muy personal y no podría describirlo de otra manera.”

Hablando del sonido, en tu disco anterior trabajaste con productores de la talla de Dan The Automator y Gruff Rhys, de The Super Furry Animals. ¿Con quién trabajaste en Don’t Forget Who You Are? En este álbum trabajé con Ian Broudie, productor de bandas como Echo & The Bunnymen, The Fall, The Coral y The Zutons. ¿Y el cambio de productores afectó en algo el disco? Creo que Ian Broudie es el mejor productor con el que he trabajado; creo que estamos en el mismo nivel y nos sentimos bien en el estudio: entiende lo que quiero hacer con mi música y eso es lo más importante. ¿Sigues un proceso en específico para escribir cuando se trata de crear nueva música? No, realmente no; es cosa de escribir cuando sientes la vibra. A veces pasa y a veces no. En ocasiones surgen preguntas, pero lo cierto es que siempre está en tu cabeza; siempre estás consciente de ello. Para mí es así: necesito escribir para dar salida a algunos sentimientos. Por momentos tienes un estilo muy retro. ¿Podrías mencionar a algunos de los músicos que te inspiran a crear cosas nuevas? Hay tantos músicos que me han inspirado. Ahí están Marc Bolan, de T-Rex: uno de los que más me han inspirado. También está Jack White, a quien admiro por su ética respecto al trabajo; su álbum en solitario es buenísimo; y su manera de tocar la guitarra y de cantar, la manera en que actúa, me vuela la cabeza… ¡Es uno de mis artistas favoritos de todos los tiempos!

¿En qué momento decidiste que querías dedicarte a la música? Cuando vivía con mi madre, aunque a veces pienso que desde que nací. Siempre lo quise, siempre soñé con esto. Desde que era un niño solía regresar de la escuela y cantar frente al espejo canciones de Oasis o de The Strokes; pretendía que tocaba con The Beatles o que era Jimmy Page. Y no me da pena admitirlo: pasaba horas en mi habitación haciendo eso. ¿Hay planes de colaborar más con Alex Turner? Claro, aunque no son “planes” como tal: son sólo ideas. Y es que tenemos que encontrar el momento adecuado para los dos. Nos conocimos cuando teníamos 17 años; ahora tengo 27; y dejando a un lado la música, somos los mejores amigos y nos queremos. Vamos a ser los mejores amigos siempre. Sabemos que te gusta mucho el futbol. ¿Consideras que hay una conexión entre este deporte y el rock? Yo creo que sí; y también con la moda. Música, fútbol y moda. Si eres un chico, eso es lo que te gusta. Y eso es lo que a mí me gusta. ¡Y por supuesto las mujeres! Eso es todo, no se necesita nada más. Nos dijeron que eres amigo personal de Leighton Baines, pero él juega de lateral izquierdo en el Everton y tú eres fanático del Liverpool. ¿Cómo funciona su amistad en medio de tanta rivalidad entre estos equipos? Él es un buen amigo; uno de mis mejores amigos; de hecho, está aquí con nosotros: vamos todos a Glastonbury. Es un gran jugador de futbol y es muy buena onda. El empezó jugando en la derecha, pero su entrenador lo cambió de posición a la otra banda.


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Siempre que tenemos la oportunidad de hablar con alguien de Reino Unido, le pedimos que nos recomiende alguna banda. ¿Qué es lo que estás escuchado hoy en día? He estado escuchando mucho a un cantante norteamericano llamado Charles Bradley; suena mucho a James Brown; ha lanzado dos discos hasta ahora y de verdad creo que deberían escucharlo. Es fantástico. El Reino Unido se ha caracterizado, entre otras cosas, por ser un país en el que hay grandes bandas de rock. ¿A qué crees que se deba esto? ¡Debe ser algo en el agua! [risas] No lo sé, hay mucha competencia; debes trabajar duro para ser el mejor. Yo me concentro en lo que me gusta hacer, y es que vivo y respiro para la música. Cuando me levanto, lo único que quiero hacer es tocar la guitarra y cantar. En octubre vienes a la Ciudad de México, al Festival Corona Capital. ¿Has estado antes en nuestro país? No, no he ido, pero estoy muy emocionado por esta visita. De verdad quiero ir y no busco hacerlo sólo una vez. Quiero ir y ofrecer el mejor concierto de rock que jamás haya hecho; y no pretendo dar el mejor concierto que ustedes hayan visto y que canten cada una de mis canciones, pero pretendo construir una conexión con el público mexicano dando un gran concierto y, posteriormente, regresar en una gira: ese es mi objetivo.

¿Qué has escuchado acerca del público mexicano? He escuchado que son muy apasionados y muy entusiastas. Y espero ser recibido así. Quiero festejar y que la gente cante y enloquezca. ¿Cómo le describirías un concierto tuyo a aquellos que no han tenido la oportunidad de vivirlo? Es eléctrico: el público pierde la cabeza y yo siento eso muy de cerca. Cada concierto es diferente, siempre en el límite, siempre emocionante. No hay nada como la respuesta del público y yo vivo para eso: entre más ruidosos sean ustedes, les prometo que yo me pondré más salvaje. En el Festival Corona Capital también va a tocar The Arctic Monkeys. ¿Crees que haya posibilidad de que toques con ellos? Yo creo que sí, aunque… ¡Sólo si tienen mucha suerte y se portan bien! [risas] ¿Vas a seguir promocionando el Don’t Forget Who You Are en el corto plazo o vas a dedicarte a escribir más canciones? El plan es seguir tocando: tenemos conciertos hasta Navidad pero, aunque disfruto tocar en vivo, la realidad es que siempre hay que seguir escribiendo. Pero ahora simplemente la paso bien tocando mis canciones y disfrutando de la vida.

> Raul Arce es Editor de Contenidos de Gamebox.la, puedes lees su entrevista con Empire Of The Sun en WARP #57.


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PERHAPS… …PERHAPS, PERHAPS. Por: Alejandro Franco / Foto: Anton Corbijn

COMO TODO EN ESTA VIDA, EL MUNDO DE LA MÚSICA ESTÁ LLENO DE MOMENTOS DE INFLEXIÓN, ETAPAS DEFINITORIAS QUE LO MISMO PUEDEN REDIMIR POR SIEMPRE A UN ARTISTA O HUNDIRLO EN EL ABANDONO TOTAL, PRUEBAS DE VIDA QUE DETERMINAN SI SEGUIR CON UNA INERCIA ES UN CAMINO SEGURO O SI EL CAMBIO RADICAL ES LA ÚNICA VERTIENTE A SEGUIR SI SE QUIERE SOBREVIVIR. Aceptemos primero que hay zonas de confort, al mismo tiempo de que la única constante en esta vida es el cambio. El primer concepto es parte de la naturaleza del ser humano y el segundo de la naturaleza del universo en sí. Ninguno se puede evitar del todo y la vida se nos convierte, al paso de los años, en todo lo que queda en medio de la estabilidad y la turbulencia del cambio. Claro que hay cambios programados, controlados pues, que no se sienten tan vertiginosos como los que llegan sin que nadie lo espere. Es aquí donde la sensibilidad y talento de un artista pasan su etapa más complicada y donde los grandes se separan de los que no arriesgan. Ejemplos hay muchos, unos más afortunados que otros, algunos más peligrosos y otros viviendo en la modestia. Brian Wilson y su primera separación de The Beach Boys, debido a la falta de entendimiento mutuo alrededor del siguiente nivel del sonido de la icónica banda. Mientras Wilson quería ser una rata de laboratorio experimentando nuevos sonidos, el resto del grupo prefería seguir de tour. La historia le dio la razón a Wilson y aunque hace poco se unieron para facturar su regreso, sus caracteres e intereses propios los volvieron a separar, quizá para siempre. Metallica y sus constantes cambios de sonido, que en un tiempo le hicieron entrar al mainstream con The Black Album pero luego los dejó en una posición extraña con los fans de

antaño, por lo que han intentado disco tras disco conjuntar esos dos mundos de seguidores que hoy los hacen una banda muy grande; los fans de su época más pura metalera y los que los siguen por ser una banda popular. Han tenido catástrofes y aciertos. El disco “experimento” con Lou Reed llamado Lulu entra en la fila de las decepciones obviamente. Y, así, la lista es interminable. The Beatles, Led Zeppelin, Radiohead y varios grandes más son ejemplo de cómo correr riesgos y salirse casi siempre con la suya (“Take the money and run…” reza Radiohead en ‘Idioteque’), pero también grupos actuales como Foals o Vampire Weekend hacen lo propio. Aunque sin lugar a dudas el ejemplo más claro, hoy en día, se llama Daft Punk, un proyecto que viene de la increíble época al final de los noventa, donde la música electrónica tuvo el primer boom mundial (hoy vivimos el segundo más importante), que parecía vendrían con un disco alrededor de los sonidos actuales del EDM (Electronic Dance Music) pero que por el contrario, llegaron con una producción comercial, basada enteramente en los fundamentos de la música bailable, particularmente en la música disco y house, como dando una suerte de lección al fenómeno dance en la actualidad y tomando un riesgo muy acertado en lo que todos esperábamos escuchar. Hoy, son el proyecto musical más importante de 2013 y la incertidumbre no existirá más, como en todos los casos, hasta el próximo disco.

> Alejandro Franco es conductor del programa WFM de W Radio, escúchalo de lunes a viernes a las 21:00 hrs., a través de wradio.com.mx


FAR BEYOND THE DESERT ROAD Por: Diovanny Garfias / Fotos: Chapman Baehler, Nora Lezano y Cambria Harkey

SI HABLAMOS DE LA MÚSICA CREADA POR JOSH HOMME, BIEN PODEMOS COMPARARLA CON UNA DESCARGA DE ADRENALINA; Y ES QUE LA MANERA EN LA QUE LA MENTE DEL ARTISTA SE EMPEÑA EN HILAR RITMOS, MELODÍAS Y ARMONÍAS, INCREMENTA LA FRECUENCIA CARDÍACA Y HACE DEL SISTEMA NERVIOSO UN CAMPO MINADO, LO QUE PARECE MÁS UN ACTO AUTOMATIZADO QUE UNA DECISIÓN CONSCIENTE. CURIOSAMENTE, AL IGUAL QUE LA HORMONA, SU MÚSICA FÁCILMENTE PODRÍA CONTRARRESTAR CUALQUIER ARRITMIA EN NUESTRO IRRIGADOR DE SANGRE.


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Sin embargo, en el arte de Homme siempre ha habido espacio para el sosiego sonoro, la reflexión oral y la armonía espiritual, como si un diazepam intangible alcanzara nuestro ser. Es decir: lo que el líder de Queens Of The Stone Age (QOTSA) ha logrado a lo largo de su discografía, es crear una presencia musical que se define por la diversidad de su sonido, aunque hablar de ...Like Clockwork, la sexta placa de la banda, es hablar de un trabajo que va más allá de los lugares visitados por Homme y sus esbirros en el pasado: es enfrentarnos a un reboot del proyecto en sí mismo, donde la idea sónica parece la misma, pero la ruta a recorrer es tan versátil que termina desembocando en terrenos vírgenes con resultados de alto interés, una práctica poco común de bandas que ya tienen un lugar en la industria. Partiendo de lo anterior, no es de extrañar que a Homme le haya tomado casi seis años revivir a su hijo pródigo y llevarlo al estudio. Tampoco es de extrañar que WARP Magazine haya buscado al músico, a mitad de su gira europea, para platicar con él y conocer sus impresiones respecto al cobijo que la prensa ha vertido repentinamente sobre su banda y, claro, develar los detalles escondidos en la realización de su nuevo material. Al final, tras varias falsas alarmas, Josh toma nuestra llamada en algún punto geográfico entre Francia y Alemania y, con su característica seriedad, pide a su servidor que se acerque más a la bocina: quiere escuchar con claridad cada pregunta y, tras aclarar la garganta, el músico se dispone a responder…


Parece que pasamos mucho tiempo sin tener noticias de QOTSA; fue un descanso largo, ¿eh? Estuve haciendo música durante los últimos 14 años, trabajando sin parar, y me di cuenta de que era tiempo de descansar mi cuerpo y mi mente: algo que nunca había necesitado. Hice un disco con Them Crooked Vultures, otro con Eagles Of Death Metal y después empecé a trabajar en lo nuevo de QOTSA, pero eso fue hasta 2012. ¿Cuándo empezaste a escribir canciones para el nuevo álbum? Escribí algunas en 2011, aunque mi cabeza no estaba lista para digerirlas, así que tuve que parar. No fue sino hasta el final del verano de 2012 que en realidad empecé a escribir; y aunque me tomó unos seis meses escribir todas las canciones, al final tenía mucha música, como 19 canciones, y sobraron varias que nunca se terminaron de hacer como se debían. Había mucho material para terminar un disco y aún así tomó algo de tiempo completarlo…

Recuerdo que, en algún momento, me reuní con los muchachos, pero no estaba listo para entrar al estudio; y te aseguro que titubear así no fue lo mejor: estaba esperando a que llegara un científico para que arreglara todo y grabara. El tiempo se nos empezó a escapar. Aun así parece que aprovechaste al máximo el estudio y probablemente este sea el disco de QOTSA con más colaboraciones: están Dave Grohl, Alex Turner, Trent Reznor y Elton John, por mencionar algunos. ¿Cómo funcionó trabajar con tanta gente? Quitando a Elton John, el resto son todos mis amigos y, como el disco fue algo difícil de hacer, creo que fue como levantar la mano y pedir algo de ayuda a quienes les tienes confianza; fue una especie de vacaciones compartidas [risas]. Trabajábamos todo el día en el estudio y cuando alguien se iba era casi trágico. Me parece que las colaboraciones son grandiosas; y sé que quizá no son tan fáciles de digerir, pero lo que hicimos a nivel mental, como grupo, significó mucho para mí.


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“No tenía ganas de hacerlo (el disco), ni siquiera estaba seguro de si quería grabar algo más en la vida.” Se dice que Trent Reznor jugó un papel importante durante la grabación de este álbum… Así es; Trent y yo platicamos antes de hacer el disco y me ayudó antes de empezar a grabarlo; y es que no tenía ganas de hacerlo, ni siquiera estaba seguro de si quería grabar algo más en mi vida, ¿sabes? Para mí fue un momento extraño, una situación en la que nunca había estado. Así que le llamé y empezamos a hablar; conversamos respecto a la música en general y llegamos a ese punto en el que redescubrí que para crear música tienes que estar inspirado. Durante un rato me sentí como un tonto. ¿Cómo fue mezclar de nueva cuenta a Nick Oliveri y a QOTSA en un estudio? Nick y yo hemos sido amigos durante mucho tiempo; de hecho, grabó su disco anterior en mi estudio. Y aunque la gente percibe que hay tensión entre Nick y yo, la verdad me parece algo tonto, así que es un tema que prefiero evitar. Cada uno de tus discos tiene un sonido muy específico y este no es la excepción. ¿Qué estabas buscando con ...Like Clockwork? Quería que la batería sonora duro, pero también con cierto vacío, con eco; pero creo que no es tan importante el sonido que buscaba en general. Lo más significativo era que las canciones representaran las historias que cuentan las letras. Y sí, fue complicado encontrar la manera en la que iba a representar sonoramente a cada personaje. Uno de esos personajes es un vampiro; incluso, la portada del disco está influenciada por la publicidad creada para la cinta Drácula, de 1931. ¿Cuál es tu concepto de “vampiro”? En realidad yo veo más la portada como alguien usando una máscara, aunque el concepto de vampiro para mí es… Bueno, la canción de la que hablas se llama ‘The Vampyre Of Time And Memory’ y para mí tiene más que ver con algo que te drena el tiempo, aunque te llene la memoria de buenos recuerdos. Lo entiendo como el proceso de lo que hace un vampiro en tan sólo una mirada a un momento de su vida. Algunas personas me entenderán muy bien; seguramente tienen amigos que les roba mucho el tiempo [risas]. Así que la canción tiene más que ver con la pérdida de tiempo que con alguien tratando de chuparte la sangre: es algo menos caricaturizado. ¿Cómo hiciste al final para empatar la música del disco con los personajes de las letras? Tienes que encontrar el sonido adecuado para cada uno, el que mejor le quede, el que mejor le acomode; no tiene que ser perfecto, pero debe ser el correcto; debe de vestir al personaje correctamente; de lo contrario es como si le pusieras la ropa de otro, y si te pones la ropa de otra persona, no te sentirás como tú mismo. Así pasa con cada canción: debe de ser representada como lo que es.

...Like Clockwork parece tu disco mejor logrado a nivel producción. ¿Fue difícil tomar el rumbo sonoro que se escucha? No es tan difícil escoger, lo difícil es… A veces se siente como que tienes una gama muy extensa de sonidos y quizá todos funcionen, y todos encajen de maravilla; pero sólo hay uno que es el indicado y lo es por una razón en particular, pero eso no lo puedes saber hasta que escuchaste todos, ¿me explico? Trabajaste como productor en el Humbug, de Arctic Monkeys, y el resultado fue muy bueno, en parte porque les ayudaste a darle otra cara a su sonido. ¿Te gustaría trabajar produciendo a otras bandas en el futuro cercano? Claro, hay algunas personas con las que me encantaría trabajar, pero me da miedo decir con quienes, porque lo podría echar a perder. Si hablo de algo, ten por seguro que no será respecto a lo que estoy por hacer. Tiene sentido, ¿cierto? Todo el sentido. Hablar de lo que “creo” que voy a hacer, me parece algo tonto; primero hazlo y luego lo presumes. Al menos así funcionan las cosas para mí. A nivel industria y medios, a este álbum le ha ido increíble. ¿Cómo te sientes acaparando la atención de la prensa especializada y encabezando las listas de popularidad? Trato de no pensar en eso; lo único que quiero es hacer música honesta y no creo que eso me haga alguien fantástico. Quiero hacer cosas que se sientan reales; y a veces es el momento indicado para algunos; pero es algo que debemos hacer sin importar nada. ¿Has leído reseñas de ...Like Clockwork? Trato de no leer cosas respecto a la banda, porque creo que no es muy sano para mí; prefiero concentrarme en hacer música. Ganar tanta atención ha puesto a QOTSA a la cabeza de festivales y a tocar en diferentes partes del mundo. ¿Qué le dirías a la gente que verá por primera vez a tu banda en vivo? Es parte de lo que te decía; ofrecer algo real: eso es algo que le prometo a quienes vayan a nuestros conciertos. ¿Qué tanto disfrutas las presentaciones en este momento? En lo personal nunca es lo mismo; el sentimiento cambia todo el tiempo: cada noche es diferente a la anterior, pero hago todo lo que puedo para mantener ese sentimiento vigente; no sé qué tan importante sea para otras personas, pero es importante para mí. Uno de esos lugares en los que verán por primera vez a QOTSA es México: vienes a encabezar el festival Corona Capital. ¿Cómo te sientes de visitar al fin nuestro país? La espera ha sido larga: hemos tratado de ir a México durante años, pero por una u otra razón la visita se ha retrasado. Vamos a México muchos años después de lo que debíamos.


¿Fue complicado llevar las nuevas canciones al escenario? Cuando tratas de trasladar tu trabajo del estudio al escenario, siempre lo es y lleva su tiempo; y tocarlo en vivo por primera vez deja al descubierto cada parte. Y tomó tiempo, pero hoy las canciones se sienten muy bien: digamos que “estamos listos”. Eres un hombre que, a los 40 años, es un músico reconocido en todo el mundo, tienes una banda exitosa, pero además tienes una familia que te ama. ¿En qué momento de tu vida dirías que te encuentras en este momento? Ahora mismo estoy en medio de la nada: es algo abrumador [risas]. Ya en serio, en este momento quisiera estar con mis hijos y mi mujer, pero a la vez me siento feliz de seguir trabajando y me siento bendecido; es algo que me hace trabajar más duro, porque estoy en una posición privilegiada y es algo que no quisiera desperdiciar. Pero indudablemente, ahora mismo, quisiera estar con mi familia.

> Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista con Soundgarden en WARP #57.


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“Trato de no leer cosas respecto a la banda, porque creo que no es muy sano para mí; prefiero concentrarme en hacer música.”


WARP TV P73. TECHNOLOGIC World War Gaming P74. LUST IN THE MOVIES. Amat Escalante P76. FASHION NUGGET. Party Monsters P80. ART BRUT. Herbert Baglione


technologic

World War Gaming

WARP TV

Por: Alejandro Escobedo

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a industria de los videojuegos es muy peculiar en cuanto a las variables, que juegan papeles cruciales en el desarrollo de la misma y en ninguna otra industria con dotes mediáticos la retroalimentación de la gente que consume es tan importante como en esta. Lo mejor y más interesante es que la misma pelea entre las grandes compañías se vuelve todo un espectáculo, cada año, en la Electronic Entertainment Expo, mejor conocida como E3, llevada a cabo en Los Angeles. La E3, en sí misma, no es lo más interesante, sino lo que se define a partir de un evento así: este año, en lo particular, se trata de la siguiente generación de consolas de videojuegos que inundarán el mercado desde diciembre próximo, pues son productos de los que vamos a hablar sin parar durante la siguiente década. La guerra de consolas es dura: todos los participantes llevan años preparando su gran momento, en especial las dos grandes de la presente generación con sus sólidas apuestas: Sony con PlayStation 4 y Microsoft con Xbox One, sucediendo al PlayStation 3 y al Xbox 360, respectivamente. En presentaciones anteriores de estas consolas, el diferenciador había sido la potencia gráfica o las nuevas formas de mover brazos y piernas frente a tu televisor; este año, sin embargo, la potencia gráfica no juega un papel tan importante y parece que el juego kinestésico ha pasado a segundo plano pues,

definitivamente, el diferenciador que siempre ha definido a una compañía de otra son los juegos: al final del día, la filosofía de la compañía nipona, Nintendo, es la que prevalece: el software vende hardware. Microsoft pensó que podía salirse con la suya e imponer restricciones absurdas a los jugadores, como el requerimiento de estar conectado a Internet en todo momento para poder jugar y una política de préstamo y compra-venta de juegos en extremo restrictiva; su estrategia estaba hecha para agradar a empresas y corporativos, en vez de atender las necesidades de los consumidores, y cuando tocó la hora de que Sony jugara sus cartas, todo cambió, pues era totalmente contraria y más bien parecida a lo que actualmente experimentamos al comprar, vender y prestar juegos, así como al jugar con o sin conexión a Internet. Y esa es la cuestión: en realidad, el PlayStation 4 “ganó” al no presentar nada nuevo, sino más bien reafirmando que todo permanecería igual. De nuevo, sólo en una industria como la de los videojuegos pasan este tipo de cosas y por eso nos encanta: al final, unas semanas después, Microsoft cambió sus políticas restrictivas y se alineó con Sony, dejando vislumbrar lo caótico que es este ramo del entretenimiento, mismo al que le cuesta mucho trabajo tomar rumbos estables, pero que sabe que el que manda y tiene la última palabra es el consumidor.

> Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y colaborador de WARP, puedes leer su columna respecto a Tesla Motors en WARP #57.

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Amat Escalante El creador inc贸modo que sacudi贸 Cannes Por: Karina Luvi谩n/ Foto: Sergio G谩lvez para WARP

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lust in the movies WARP TV

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on 34 años de edad y más de la mitad de ellos dedicados a plasmar historias en celuloide, Amat Escalante tiene el privilegio de presumir que, hoy por hoy, es el mejor director de cine en el mundo… o al menos lo es para el jurado del Festival de Cannes 2013, uno de los eventos más importantes en la industria a nivel global. “He intentado hacer cine desde los quince años, cuando decidí que quería dirigir, por lo que tomé la decisión de salirme de la secundaria”, asegura un hombre que, si bien no tiene pudor en mostrar imágenes crudas en la pantalla, se muestra un tanto contraído al momento de platicar de su carrera y obra. Y no es que sea un tipo falto de discurso, es más bien una carencia de habilidad oratoria que se compensa por completo al momento de crear historias. Prueba de ello es Heli, cinta que le valió el mencionado reconocimiento en Francia y por medio de la cual comparte preocupaciones y conflictos generados por la violencia y la corrupción inmersa en la guerra contra el narcotráfico en México… “Heli nace de una inquietud, una preocupación por lo que vivimos en México desde hace varios años. Quise hacer algo sobre lo que creo que está ocurriendo aquí, la violencia, la desigualdad, pero no respecto al narcotráfico en específico. Me han preguntado: ‘¿Por qué haces una película sobre gente, supuestamente, de otro estrato social?’. Heli, específicamente, no es sobre un estrato social, para mí es sobre la manera en que la mayoría de los mexicanos viven, ni siquiera me planteé hacer una película sobre gente de escasos recursos: no lo vi desde ese ángulo. Especialmente fuera de México, siempre la describen como una película sobre gente muy pobre, pero yo trato más bien de hablar de gente que no es de algún extremo socioeconómico, por eso en Heli dos de los personajes tienen trabajo, su casa tiene agua potable, electricidad y viven como me parece que lo hacen la mayoría de mexicanos. A mí no me interesa hacer una película de personas que viven en la colonia Condesa o Roma, yo no vivo allí y no me identifico; de hecho, yo vivo a 10 minutos de donde filmé la película y tres o cuatro veces a la semana paso por allí; es un lugar al que a veces voy a pensar, a crear ideas.” Si bien el tercer largometraje de Amat se presenta desolador e inasequible para espectadores lejos de la realidad mexicana, se trata, lamentablemente, de hechos con escalofriante cotidianeidad en numerosas entidades de nuestro país: “La reacción en Cannes fue parcial, porque sólo fue vista por prensa y gente del medio. En general hubo mucho rechazo a la manera en que filmé las escenas fuertes; de hecho, en el estreno hubo una señora que se desmayó y fue sacada por paramédicos. Para críticos y reporteros fue algo similar e incluso calificaron las escenas fuertes como un exceso, pues rompió una especie de tabú. Eso es algo que de cierta forma me gustó, que me emociona, porque cuando hago una película

quiero mostrar cosas que no se hayan visto. Ahora, al jurado del festival le gustó mucho Heli, tan es así que decidieron premiarme como Mejor Director, lo cual sorprendió a mucha de la prensa. Aún no sé bien por qué me lo dieron, pero me dio gusto que los colegas, por lo menos, sí la apreciaran.” Con tópicos que transcurren de la repetición monótona, cuasi básica, de la vida de una familia integrada por un padre obrero, su hijo cuya vida marital inicia a partir de un embarazo no deseado y una adolescente, casi niña, que se involucra con alguien igual o más ignorante que ella, Heli —nombre del personaje principal— se presenta a través de personas con estudios mínimos de actuación, algo que refiere, inevitablemente, a su relación cercana con Carlos Reygadas, también ganador del reconocimiento como Mejor Director en Cannes gracias a Post Tenebras Lux: “Lo conocí a partir de su película Japón, la vi y fue una revelación para mí, porque fue hecha en México por alguien joven que expresaba el lenguaje cinematográfico que a mí me tocaba más y que nunca había visto en un mexicano desde, tal vez, Los Olvidados (1950). Lo contacté por correo electrónico, le platiqué de mi película Sangre y de ahí surgió la relación. Luego, siendo asistente en Batalla En El Cielo, nos hicimos más cercanos y creo que su influencia en mi trabajo llega a partir de lo que aprendí en el rodaje, donde percibo la forma de transmitir la realidad en el cine; porque no es sólo salir con una cámara y filmar, hay una manera de visualizar los hechos plasmados en pantalla. Esto no quiere decir que no trabajara las películas de la forma en que lo hago ahora; lo que ocurrió es que cuando vi Japón me identifiqué por completo con algo que yo también estaba intentando hacer. La verdad es que nos gustan muchas de las mismas películas, varias de ellas nos han influenciado y entre nosotros nos ayudamos mucho. Sin duda, su opinión es importante para mí y en esta ocasión, específicamente, trabajé en sus nuevos estudios en Tepoztlán, durante seis meses; allí fue donde terminé Heli. Pero, ¿qué tan difícil ha sido la historia como creador de Amat Escalante? Según él, no tanto, pues ha tenido la fortuna de encontrarse con personas que lo han apoyado incondicionalmente. “Todas mis películas, afortunadamente, han estado en la selección oficial de Cannes y eso luce bien frente a instituciones como el Imcine, lo que ha ayudado a conseguir dinero, así que es difícil para mí quejarme. Además, Jaime Romandia, mi productor, ha podido conseguir el dinero que he necesitado, aunque nos tardemos mucho tiempo. Ahora, aunque hay muchos estímulos fiscales con los que se están haciendo películas año con año, éstas se quedan enlatadas. Muchos jóvenes están empezando a hacer cine en México y eso es bueno, pero es triste que sus trabajos no vean la luz. Colocar una película como Heli es realmente complicado e incluso suele ser más fácil hacerla que lograr que llegue al público. Ojalá que se encontraran nuevos canales para apoyar la difusión. 075


Party Monsters Leigh Bowery, still alive!

Fotografía: Observatorio Estudio Modelo: Cassie @ WANTED Model Management Coordinación de Moda: Carlos Ruíz Manjarrez Asistente de coordinación de moda: Psykhe Tovar Peinado: E-lee Pe Se Maquillaje y Dirección de Arte: Chëla Olea

Collar y Vestido: Malafacha


fashion nugget WARP TV

Él: Pantalón y camisa Malafacha Ella: Vestido Malafacha, top Lua Pretto, zapatos Jeffrey Campbell

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Falda y chaleco Malafacha, top Lua Pretto


fashion nugget WARP TV

Top y collar Malafacha, pantal贸n American Apparel

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Herbert Baglione Streetlight Manifesto

Por: Chëla Olea/ Fotos: Cortesía HB

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uando hablamos de Herbert Baglione no sólo nos referimos a uno de los artistas callejeros más famosos de Brasil, sino a uno de los más multifacéticos de nuestros días, quien además no se ha separado del verdadero concepto de lo que es un mural, pero tampoco de la gente que lo admira ni de las historias que se cuentan. Y es que por allí dicen que Baglione no nada más pinta en la calle, sino también con la calle. En varias entrevistas ha compartido la manera en que tan sólo estar en lugares singulares de Sao Paulo le hace latir el corazón de manera diferente. Es por ello que se ha identificado tan bien con las calles de la Ciudad de México, haciéndolo venir más de una vez. En 2011 hizo varios murales en nuestra ciudad y hace pocas semanas nos visitó nuevamente con su obra más reciente, Obituary, presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, en agosto de 2012. Este obituario —o “aviso de muerte”, como lo llama el artista— es una exposición en proceso que integra piezas inspiradas por la muerte, la imperfección humana y el renacer. En la muestra se exhiben fotografía, instalación, dibujo y pintura, además de algunas piezas realizadas con la propia sangre del artista. Por su parte, la colaboración con el fotógrafo italiano Fabio Stachi, Projeto Negro, es una serie de imágenes en la que se establece una relación con el mito y la moda, usando como soporte el cuerpo femenino. Hace unos días, Herbert Baglione formó parte del MULAFEST 2013 (El Festival de Tendencias Urbanas de Madrid), donde se reúnen los mejores artistas del tatuaje, del arte urbano y de movimientos independientes de todas partes del mundo.

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art brut WARP TV

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warp.la l @laGUARP

Queens Of The Stone Age


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Queens Of The Stone Age Far beyond the desert road

By Diovanny Garfias / Translation: Jorge Rodríguez

If we talk about Josh Homme’s music, it would be easy to compare it to an adrenaline rush; the way that the artist strings together rhythms, melodies and harmonies, increase the heart rate and make a minefield out of the nervous system, which seems more of an automized act than a conscious decision. Curiously, just like the hormone, his music could easily counter any arrhythmia in our blood irrigator.

Regardless, there has always been a space in Homme’s art for sonic calmness, oral reflection and spiritual harmony, as if an intangible Diazepam suddenly showed its effects. What the Queens of the Stone Age (QOTSA) leader has achieved throughout his discography, is to create a musical presence that is defined by the diversity of their sound. Although to talk about …Like Clockwork, the sixth album of the band, is to talk about a piece of work that goes beyond any place visited by Homme and his band in the past: it’s a reboot of the project itself, where the sonic idea remains very similar, but the road leading to it is so versatile that it inevitably leads to unexplored terrains with interesting results; this being an uncommon practice for bands that already have an established place in the industry. 084

Therefore, it isn’t strange that Homme took almost six years to bring back to life his prodigy child and take it to the recording studio. It also isn’t strange that WARP Magazine sought an opportunity to speak with the musician, in the middle of his european tour, to discuss his impressions regarding the shelter that the press has suddenly put around his band, and of course, reveal hidden details about the realization of this new material. Finally after several false alarms, Josh was able to take our call from some geographic point between France and Germany, where with his characteristic seriousness he asked me to get closer to the speaker: he wants to hear each question clearly, and after clearing his throat, the musician begins answering…


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It seems like we had to wait a long time before we could have any news from QOTSA; it was a long break, wasn’t it? I was making music for the past fourteen years, working nonstop, and I realized it was time to rest my body and mind: something that I’d never needed before. I made an album with Them Crooked Vultures, another with Eagles of Death Metal and then I started working in the new QOTSA, but that wasn’t until 2012. When did you start writing songs for the new record? I wrote some in 2011, although my head wasn’t ready to digest them, so I had to stop. It wasn’t until the end of the summer of 2012 that I really started writing; and even though it took me six months to write all of the songs, at the end I had a lot of music, around 19 songs, and there still are a few leftovers that were never finished properly. And yet you took advantage of all the time you had in the studio, this is probably the QOTSA record with the biggest number of collaborations, there’s Dave Grohl, Alex Turner, Trent Reznor and Elton John, among others. How was it working with all these characters? If you remove Elton John, the rest of the collaborators are friends of mine, and as the record was difficult to make, I think putting them together was like raising my hand asking for help to those who I trust; it was kind of a shared vacation [laughs]. We worked all day in the studio and when someone had to leave it was almost tragic. I think the collaborations turned out great, and I know they may not be easy to digest but what we did on a mental level, as a group, meant a lot to me. It has been said that Trent Reznor played an important role during the recording of this album… That’s right, Trent and I had a talk before making the record and he helped me from that point on. I didn’t even feel like making it, I wasn’t even sure I wanted to record anything ever again, you know? It was a strange moment for me, a situation in which I had never been before. So I called him and we started talking, about music in general and we reached a point where I rediscovered that you have to be inspired in order to make music. For a while there I felt dumb. Each of your records has a unique sound and this is not an exception. What were you looking for with …Like Clockwork? I wanted the drums to be loud, but also to sound empty, with an eco; but I don’t think the sound is what I was looking for. The most significant thing was that the songs represented the stories that the lyrics told. And yes, it was complicated finding a way to represent each character sonically. What did you do in the end to tie the music of the record with the characters of the lyrics? You have to find the adequate sound for each of them, the one

that fits and accommodates them best. It doesn’t have to be perfect, but it must be correct; it has to dress the character in the right way, otherwise it’s as if you put him in the clothes of another person, and if you do that, he won’t feel well with himself. That’s what happens with every song: it must be represented as what it really is. You worked as the producer of Humbug by Arctic Monkeys and the result was very good, in part because you helped them give a different face to their sound. Would you like to work producing other bands in the near future? Of course, there are some people that I would love to work with, but I’m afraid to say who, because I might ruin it. If I say something, you can be sure that it won’t be in regards to what I’m about to do. Does that make sense? It makes a lot of sense. I think talking about what I will do is silly: do it first and brag about it later. At least that’s how things work for me. In terms of the industry and the press, this album has had some incredible reception, how do you feel about holding all this attention with the press and being on top of the popularity lists? I try not to think about it, all I want to do is make honest music and I don’t think that makes me a fantastic person. I want to make things that feel real, at times it’s the right moment for a some of those, but I think it’s something that we must do no matter what. How much are you enjoying performing right now? Personally, it’s never the same, the feeling changes all the time: every night is different from the last one, but I do everything to keep that feeling present; I don’t know how important it is for other people, but it is important for me. One of those places where QOTSA will play in for the first time is Mexico: you’re coming to headline the Corona Capital festival. How do you feel about visiting our country? It has been long overdue, we’ve tried to go to Mexico for years, but for one or another reason we had delayed it. We’re coming to Mexico many years after we should have. You are a man who, in his forties, is a recognized musician all over the world, you have a successful band, but besides that, you have a loving family. What stage would you say you’re in right now? Right now I’m in the middle of nowhere: it’s quite overwhelming [laughs]. Seriously though, in this moment I would love to be with my kids and wife, but at the same time I feel happy to continue working and I feel blessed; it’s something that makes me work harder, because I’m in a privileged position and it’s something that I wouldn’t want to waste. Either way, without a doubt I wish I could be with my family right now. 085


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Ask Amanda By Amanda Palmer / @amandapalmer

Your performance in the Crowell Concert Hall at Wesleyan University was a total success. Would you like to repeat the experience at another university? Eduardo Santiago Sure. Performing at universities is weird - totally unlike a rock gig. Well, I guess it depends on the audience. But whatever, I like doing weird things. Get me an invitation. Interacting with young people is always somehow refreshing. Do you consider that you learned something from this kind of crowd? Abraham Rodríguez Yes, of course. The older I get the more strange perspective I get on “old” and “young” - and I don’t believe in it quite as much as I used to. I feel sorry for young people trapped in old bodies and I feel bad for old people trapped with young hearts - because people judge only from the outside skin and how many wrinkles they see. Human beings are so interesting, that way. You think you know what’s going on behind the flesh but actually...the story could be anything. We enjoyed your TED: The Art of Asking. Are you planning to make a new one? What topic would it be about? Daniela Spindola One TED talk is enough for now...it was a LOT of work. But I’ll be going back this year just to listen and learn and visit. If I had to do another I’d probably talk about how strange the internet is, and how our lives are being affected by the personae we project into social media. I find this topic fascinating. Or maybe I’d surprise everyone and talk about killer whales, and how they’re learning to use cell phones. You’ve started using Vine recently. What was the characteristic of this app that caught your eye?; What are we going to see in your vine account? Artemisa Rivero I like the idea of using new platforms in a particularly-creative and particular-to-amanda kind of way. Vine is like an extended photograph - I like watching how my brain judges the environment and tries to decide what to put where. What’s a photograph? What’s a short-form video photograph? What should I not photograph? Should I throw my iPhone off a cliff? Maybe I should just throw my i Phone off a cliff. But if I threw my iPhone off a cliff, how would I twitter the picture?? 086


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Misery waits in vague hotels By Paul Stokes /@stokesie

As it stands an acoustic record shouldn’t be risky. Often a contract filling release, or a reason to encourage hardened fan to buy a Best Of, records of the supposedly unplugged variety are usually the definition of safe. Of course with Beck do nothing is ‘usual’. Released in 1998 the largely acoustic Mutations triggered uncertainty and controversy on its emergence. Originally intended as an indie label stop gap featuring material accumulated over several years, the album’s emergence as part of Beck’s major label deal with Geffen after a last minute executive intervention actually caused the singer to instigate legal proceedings as he tried to void contracts. A safe, acoustic cash in, this was not. Naturally though the real risk came artistically. After a decade of well-received but poorly selling records - save for the firework-like blow up of Loser - Beck had finally broken through the glass with Odelay. Another critical triumph notching up albums of the year around the globe, this time its singles played on the radio and with actually records leaving the shops, here was the record that saw a wider audience recognize his talent. Following that symphony of samples and scratched out raps with a bluesy acoustic album is clearly not exactly an obvious move. Yet Mutations added the shade to the universe outlined by its predecessor. Full of warm guitars and howling mouth organs, the album’s bluesy and country roots connect the dots between Beck’s Beastie Boys and Bob Dylan inclinations. Nobody’s ‘Fault But My Own’ is eerie Indian-tinged folk

psych, while the detuned ‘Bottle Of Blues’ has Beck rasping with the best of ‘em in the corner of some dive bar. ‘Sing It Again’ is straight from the heart lament of love and regret straight from the soul as for once Beck isn’t trying to reinvent the wheel, or even paint in some striking new colours. Instead Mutations is a carefully considered, delicate record that gives an honest, unmediated account of its creator. It proved a bold move, but one that worked. Whatever the legal ramifications – hardly the journal of legal record, but Wikipedia suggests the contract dispute caused by the album’s release was never resolved – Mutations was not only successful, but it allowed Beck’s musical personalities to finally come together in broad daylight. No ghettoised released schedules any more. Strange folky records no longer had to be dripped out in the shadow of commercially scaledup funk demons. Instead the Nick Drake-like Sea Change rubs shoulders with the earthy electro rhythms of Guero, while Modern Guilt comfortably merges hip hop rhythms and production courtesy of Danger Mouse with some perky blues. With Beck’s next, much anticipated album (due out later this) rumoured to also be an acoustic-leaning release, far from an evolutionary cul-de-sac the risk of Mutations proved Beck’s genetic material was of superior stock. 087


encore THE ROLLING STONES Glastonbury 2013 Pilton, Somerset, England Pic by Samntha L贸pez for WARP

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WARP Magazine 58  

Risky Business Featuring: Queens of the Stone Age, Miles Kane, Portugal. The Man, Glastonbury and +

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