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WARP.la

warpmagazine WARP MAGAZINE (55) 5280 7365 | (55) 5280 0243 | hellowarp@warp.com.mx

Founder & Publisher ALEJANDRO Chief Editor SAMANTHA

FRANCO

ARCHIBALD

sarchibald@warp.com.mx

Contributors:

PHOTOS MELISSA CARTAGENA CÉSAR VERA

Music Editor

DIOVANNY GARFIAS

diovanny@warp.com.mx

ALFREDO DE STEFANO VAN EROTICA

Art + Design Director OSCAR

SÁMANO

INTERVIEWS OLIVIA STEELE

Creative Writing KAERI

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TARA MCPHERSON SANTIAGO ARAU

Editor CRISTINA

OROZCO

FANTASTIC TWINS NULL + VOID

Web Editor OSCAR ADAME

MINT FIELD MIGUEL RODARTE

Editorial Assistants EDUARDO

MARTÍNEZ CAROLINA ESPOSITO

Audiovisual Producer SAULO

BARRERA

DIEGO SOBRINO ALEJANDRO GUTIERREZ

WORDS LUIGI JIMÉNEZ

Digital Manager EDUARDO

SALINAS

MARCELA VIEJO SAM REYES H

Sales CELIA

MARÍA FERNÁNDEZ

ALEJANDRO ESCOBEDO MICHELLE APPLE

Finances DIANA

MANJARREZ

Photography

SERGIO GÁLVEZ, VIDAL CRUZ

© WARP Marca Registrada ®. Año IX No. 87. Revista editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Temístocles 34-3, Polanco, Mexico City, México. Tel. +52 (55) 5280 0243. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio.

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WARP: [ wa-wrp ] verb

1. to bend or twist out of shape, especially from a straight or flat form. 2. cause to become abnormal or strange; have a distorting effect on. "your judgment has been warped..." synonyms: corrupt, twist, pervert, deprave, lead astray3. a culture magazine submerged into music, art and the lifestyle around it.

WA R P

e are proud to present our spring issue #88.

ll about the beauty behind making content. We hope you enjoy reading this content as much as we enjoyed making it.

eading, you will notice a strong voice in what it means to be a woman today, as one of our specials is a collective interview with St. Vincent, where women from creative industries expressed themselves about diverse issues of the music business today. ublished in this issue are photographs of David Bowie by the Mexican photographer César Vera, who made the tour book for 1989’s album Tin Machine.

We want you to know the people who inspire us, through interviews, articles, editorials and the exposure of their projects. We’re also talking about events that awaken consciousness by drawing more people together through music, art and photography. As part of Grupo Sentido Común we also produce audiovisual content, so make sure to visit our YouTube channel...

Samantha Archibald

Chief Editor

Available wherever books & magazines are sold Also available digitally in iTunes Store & issuu.com

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TABLE OF CONTENTS | SPRING / SUMMER 2018 #88

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PRIUS C

LA EXPRESIÓN DE UN ESTILO DE VIDA INTELIGENTE

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oyota tiene 20 años produciendo híbridos y no deja de mejorar día con día su tecnología de propulsión alternativa. Hoy, más de 10 millones de propietarios de híbridos Toyota en el mundo comprueban todos los beneficios de tener un vehículo con estas características.

Promoviendo un estilo de vida inteligente y una experiencia de manejo ecológica, sin cambiar los hábitos de manejo del conductor (ya que no necesita conectarse), Prius C forma parte de la tecnología innovadora cuidadosa del medio ambiente y de tu seguridad. Promueve un estilo de vida inteligente, una experiencia ecológica sin complicaciones para el conductor. Prius C se une a la familia Híbrida de Toyota en México, lanzando este híbrido subcompacto, hatchback de ágil y práctico manejo en México. El trabajo en sinergia de ambos motores hacen de Prius C un vehículo eficiente, por su excelente rendimiento de combustible, puede trabajar con el motor eléctrico al 100 %, sin consumir gasolina en situaciones de tráfico y embotellamiento, ya que funciona con la batería de níquel-hidruro metálico. Además del modo de manejo normal, el Prius C activa el modo ECO para aprovechar al máximo la energía del bloque eléctrico y utilizar al mínimo el de combustión, y el modo EV para circular por completo con el motor eléctrico cuando la carga de las baterías lo permita. Prius C es un automóvil moderno con tecnología de punta responsable de la protección del medio ambiente. Tu auto habla de ti, realiza tu sueño, disfruta de la comodidad y la seguridad que solo el Híbrido Prius C de Toyota te garantiza. Prius C es el auto que mejor se integra a tu vida.

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ANTONIO SÁNCHEZ,

EL BAD HOMBRE ROMPE EL SILENCIO Por Eduardo Salinas / Foto: Sergio Gávez

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ntonio Sánchez es un artista capaz de transformar el sonido de la batería en una voz. Un visionario del sonido que consiguió romper las barreras entre los bateristas y la composición y, que a sus 46 años, pone el nombre de México en alto.

Tras el éxito que obtuvo con el score de Birdman y luego de interpretarlo en el Teatro Metropólitan en 2016, este año está por presentar su obra en el Auditorio Nacional, un escenario importante de México, una experiencia única en sus propias palabras:

Uno de los papeles más importantes la carrera de Antoniofue realizar el score para la cinta ganadora del Premio de la Academia a Mejor Película, Birdman (2014), un trabajo musical en el que las emociones generales de la película aumentan con un toque sofisticado de locura y misterio, mientras el músico marca el ritmo de cada escena. De esto derivó su gusto por el tema audiovisual:

Es algo increíble. He tocado en muchos auditorios alrededor del mundo, pero el Auditorio Nacional tendrá un impacto especial para mí, ya que siempre ha sido un sueño presentarme en ese legendario recinto. Hace algunos años toqué ahí con Wynton Marsalis y con la Lincoln Center Jazz Orchestra, pero gracias a Birdman debo ser el único baterista en el mundo que ha tenido el privilegio de presentarse en este tipo de escenario. Nunca imaginé que tendría este tipo de oportunidades, por lo cual, le estoy muy agradecido a Iñárritu por haberme permitido ser parte de este proyecto, a Alejandro Franco y a todo el equipo de WARP por tener fe en mí, va a ser una experiencia inolvidable y tendré algo especial preparado para el público mexicano que es mi favorito.

Hice dos películas después de Birdman. El documental español Política (2016) y una película inglesa, El Hipopótamo (2017), también estuve creando la música para una serie de televisión que se llama Get Shorty (2017) basada en un film de los 90 con Danny Devito y John Travolta que ahora es serie. Grabé la primera temporada y vamos por la segunda.

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RATED R R

ated R es una serie de eventos tributo a las influencias musicales y formativas de Mauricio Rebolledo, DJ, productor y copropietario del sello Hippie Dance y parte del proyecto Pachanga Boys junto al productor, y, músico alemán, Aksel Schaufler (Superpitcher). Se trata de un recorrido de Rebolledo a través del trabajo de algunas figuras emblemáticas de la escena electrónica en el mundo. En la primera Rated R, Rebolledo se presentará al lado de Michael Meyer, uno de los DJs y productores más importantes de la escena dance del

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techno alemán. Con más de 20 años de carrera el originario de Colonia, Alemania, cuenta con más de 20 años de trayectoria y es parte del sonido que definió a la disquera Kompakt Records. En esta ocasión Mayer celebrará junto a Rebolledo los 15 años de Fabric 13 (2003), uno de los más importantes en su trayectoria por incluir tracks icónicos de las pistas de baile. La gira comienza el 17 de mayo en Kinkin, Guadalajara, el 18 de mayo en Foro Normandie, en CDMX y concluye el 19 de mayo, en Topaz Deluxe, Monterrey.


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B J Ö R K D I G I TA L MÚSICA Y REALIDAD VIRTUAL Por Paulina de la Paz y Ana del Castillo

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oy, más que nunca, el uso de tecnologías en el arte está presente. En la actualidad el interés por este tipo de exploraciones ha crecido significativamente, consolidando la experiencia museográfica como un nuevo ejercicio de interactividad, en el cual, el observador está en un diálogo constante con la pieza y, el contenido, se convierte en un vinculo entre el artista, sus herramientas y el público.

Björk Digital. Música y Realidad Virtual es una propuesta ambiciosa, que incluye una serie de experiencias inmersivas entre contenidos 360°, uso de apps (Biophilia), video y de realidad virtual (RV), en la cual, la artista islandesa hila, a través de seis piezas la música de su álbum Vulnicura, vinculadas con sus propias emociones a través de momentos definitivos de su vida personal y profesional. Vulnicura, el álbum lanzado en 2015, octavo en la carrera de Björk, sirve como una expresión profunda y conmovedora de un proceso de autocuración, luego de la separación de su esposo Matthew Barney, suceso que la llevó a crear este asombroso disco como catarsis funcional e inspirador. La propuesta de Björk permite que un mayor número de personas tengan un encuentro con múltiples posibilidades expresivas, narrativas y educativas que se abren en el cruce entre las tecnologías digitales y el arte. El encuentro se puede dar en diferentes niveles de interacción: por un lado, el espectador se puede quedar en la narrativa visual y musical, la que predomina en la experiencia, la parte del entretenimiento y el espectáculo. Por otro lado, explora a profundidad la posibilidad de apropiarse de la narración a nivel personal, incluso si profundizamos lo suficiente, se llega a reflexionar acerca de la misma realidad y a comprender los cruces entre ciencia, tecnología y el arte como un proceso vivo.

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¿Qué pasa cuando tomamos las experiencias inmersivas como punto de partida para abrir un espacio de reflexión y exploramos desde una mirada más crítica lo que nos ofrecen estas tecnologías? La virtualidad es un concepto que no se contrapone a lo real. Es otro tipo de realidad, una que todavía no se manifiesta. Así, la RV parece una idea contradictoria, pero, de hecho, podemos pensarla como un tipo de realidad que se está construyendo continuamente, una realidad que no está nunca terminada, sino que se mantiene flexible y, maleable, donde por supuesto el espectador es una pieza clave de la definición de esa realidad al interactuar con ella. Como Frank Rose escribe en su libro, The Art of Immersion: Usamos historias para dar sentido al

mundo y compartir el entendimiento con los demás. Son la señal dentro del ruido. Bjork Digital. Música y realidad virtual hace exactamente eso de esta experiencia. Caminamos con Björk a través de sus momentos más íntimos y oscuros, estamos inmersos en sus luchas, sus pensamientos internos y su vida. En esta experiencia podemos comprender quién es realmente Björk: un ser humano como nosotros. Esta es la clave para entender la importancia de la experiencia, historias como las de Björk se vuelven universales en su significado, pues encontramos patrones reconocibles con los que nos relacionamos. Sin embargo, hay un valor agregado en la forma en que se cuenta esta historia en particular, aunque las historias en sí son universales, la forma en las que elegimos

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contarlas se transforma con la tecnología disponible. Con la RV, el espacio digital permite una serie de interacciones simuladas, una versión expandida de la realidad que potencializa la experiencia en la que podemos ser cualquier cosa dentro de este campo expandido. Asímismo, las narrativas que están presentes en la RV cuestionan el modo en que se construye la experiencia misma, por un lado, el conocimiento de la realidad, por el otro, las que posibilitan un sin fin de cruces entre las disciplinas que, de otro modo, en los sistemas de conocimiento tradicionales no serían posibles. Básicamente, en las experiencias inmersivas de RV se puede invertir el proceso de aprendizaje, es decir: en vez de partir de una codificación del conocimiento que se transmite para que el individuo lo aplique y construya una experiencia, en la RV, se parte de la experiencia y de un tipo de interacción flexible con la realidad digital que puede reconstruirse como conocimiento. Así, proyectos como el de Bjork Digital. Música y realidad virtual buscan construir un pensamiento no lineal: una experiencia, en la cual, por el cruce de diversas disciplinas, el individuo formula sus propias reflexiones.

Los artistas se interesan cada vez más por la capacidad que tienen las tecnologías digitales de generar espacios de reflexión, que se comportan de manera flexible, que generan nuevos cruces entre conocimientos y vivencias, que verdaderamente posibilitan una expansión de la experiencia. La compleja propuesta visual y narrativa de Bjork Digital. Música y realidad virtual invita a involucrarnos de un modo muy completo en el universo de la Realidad Virtual y a otros entornos digitales. Esto nos lleva mucho más allá al no solo conocer las emociones, las canciones y las historias nacidas en la vida y mente de Björk, nos lleva a entender y reflexionar sobre las muchas realidades en las que hoy habitamos, las consecuencias en nuestra percepción del mundo y de nosotros mismos.

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HOLA HOU STON!

@holahouston holahouston.com

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ouston es una ciudad texana famosa por el rodeo, los barbecues, por ser sede de eventos mundiales del deporte, del arte, del comercio y la tecnología. Hoy, el destino también se ha colocado como uno de los preferido de los mexicanos y de otras naciones, donde incluso se han establecido y han hecho su vida, enriquenciendo la diversidad cultural de la cuarta ciudad más grande de los Estados Unidos. Esto se refleja en sus festivales, gastronomía, exhibiciones, shopping, you name it; Houston lo tiene todo. Hay una gran cantidad de bares y restaurantes que elegir en la ciudad, principalmente en Downtown, Montrose, Washington Avenue, Rice Village y Midtown; como el Armadillo Palace de Goode Co., ubicado en 5015 Kirby Drive, es un bar honky tonk, restaurante de comida local y a la vez, un museo de la historia de Texas con dance floor y entretenimiento en vivo.

ENCUENTRO DE LA CULTURA CON LA HISTORIA En Houston y sus alrededores te esperan varias atracciones para que puedas hacerte uno con el espíritu tejano. Si eres fan del baseball, no te puedes perder un partido de los famosos Houston Astros, en el Minute Maid Park en Downtown. Los amantes del arte deben ir al Museum Of Fine Arts, uno de los 10 museos de arte más grandes de Estados Unidos, su colección enciclopédica cuenta con más de 65 mil obras que datan de la antigüedad hasta el presente.

Si los festivales son lo tuyo, Houston te ofrece una gran variedad esta temporada como el Bayou City Art Festival, compuesto de arte al aire libre, al cual asisten más de 300 artistas nacionales para presentar sus obras. También es hogar del Day For Night Festival, el evento de arte más disruptivo de Estados Unidos, nombrado en el 2017 como el mejor festival. Ofrece un espacio que fusiona la tecnología de artes visuales y líderes del arte digital. El look & feel del evento apela a mostrar la relación entre la tecnología y el sonido y cómo los espectadores lo viven, por medio de piezas multidimensionales, interactivas, sin olvidar el discurso social con charlas sobre la libertad de expresión y la equidad. Este festival presenta a músicos cuyos actos referencían a la tecnología, como Thom York, Nine Inch Nails, Jamie XX, St. Vincent, Pussy Riot, James Blake, Justice y muchos más. In Bloom es un ecléctico festival que presenta propuestas musicales clásicas, este año presenta a Beck y Queens Of The Stone Age, Incubus y nuevos talentos como Wolf Alice, Cigarettes After sex y Birthday Club. Otro de los principales atractivos en Houston es el Space Center que cuenta con más de 400 artefactos espaciales y con exhibiciones sobre los todo lo relacionado al futuro y al pasado del mundo espacial en la historia del Universo. No te pierdas todo lo que Houston tiene para ofrecerte siguiendo @holahouston y holahouston.com

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Houston Bridges Project

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Hobby Airport

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NASA Space Launch System and Orion Capsule

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PAP E R PLANES AEROPASS: LO NUEVO PARA LOS VIAJEROS FRECUENTES DE AEROMÉXICO

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i gran parte de tu vida te la pasas volando de ciudad en ciudad, de aeropuerto en aeropuerto, te tenemos extraordinarias noticias: es momento que conozcas el nuevo AEROPASS DE AEROMÉXICO, un lanzamiento que premia a sus viajeros frecuentes y sagaces, con rutas entre México y Estados Unidos. Viaja a Houston, San Antonio, Dallas, Austin y Miami con amplia disponibilidad en vuelos operados por AEROMÉXICO y DELTA AIRLINES, que expanden las probabilidades de que reserves vuelos en los horarios que mejor se adecúen a tu estilo de vida. AEROPASS es la tarjeta virtual de prepago, cuenta con atención especializada 24/7 en la reserva y compra de vuelos. Te ofrece hasta dos cambios sin cargos y descuentos adicionales. La tarjeta AEROPASS MAX incluye cuatro personas adjuntas al propietario y una alta bonificación de millas premier equivalente a viajes redondos. La tarjeta AEROPASS LIGHT admite a dos personas adicionales con los mismos beneficios. AEROMÉXICO te da la bienvenida. Pronto recibirás una invitación vía correo electrónico, o pregunta a tu asesor de Aeroméxico sobre cómo puedes adquirir tu tarjeta AEROPASS que te reafirmará como un viajero frecuente y sagaz.

Contacto: Mexico 5133 4094 / USA 1800 800 99 99 opción 2.

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DISCOVER LA CA LIFO R N IA @dineLA | @discoverLA

Los Angeles es uno de los destinos favoritos de WARP, y bueno, porque no decirlo, del mundo. Es donde llegan cazadores de sueños grandes y como destino turístico es nominado, por esta revista, como el destino ideal para vacacionar, pues le ofrece al turista de todas edades y estilos la mejor experiencia que pueda desear.

OU TDOOR S R AN YO N CA N YO N NAT IO NA L PA R K Situado en una zona residencial de Hollywood, los cañones

ART DI ST R I CT

de naturaleza árida son un espacio para escalar y en la cima

Recorrer el ART, es una experiencia im-

ofrecen una vista espectacular de la ciudad y del letrero em-

perdible, es vivir el arte en su máxima ex-

blemático Hollywood.

presión. Siente el arte urbano muralista y el graffiti, entra a las galerías donde expo-

MA RI N A D EL RE Y H A R B O R

nen su obra grandes artistas irreverentes,

El sitio preferido de deportistas y aficionados al agua, una experien-

sensibles y elegantes.

cia acuática con surfers, water paddling y ¡yoga sobre la tabla de surf! Te recomendamos que sigas a @AquaYoga para una experiencia de

Para saber todo de la escena del arte en

concentración intensa durante una práctica zen sobre el agua.

LA sigue @cartwheelarttours + @cartwheelart

BOA RDWA LK O F V E NIC E B E AC H Pasea en bici, patina, o lleva tu scooter motorizado, disfruta los columpios o siéntate a leer un buen libro, todo, sobre el boardwalk de Venice Beach que llega hasta Malibu, mientras admiras el bello paisaje de la playa y las artesanías de la generación Beat.

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STAY

SHO P PIN G ABBOT KINEY

THE ERWIN HOTEL, VENICE BEACH

En la zona de Venice, Abbot Kiney, irradia una vibra única en

#1697, Pacific Ave, Venice, CA, 90291

ventas de arte, muebles, joyería y diseños originales, pues es el

@HOTELERWIN

sitio de artistas locales y diseñadores que presentan una mez-

El Hotel Erwin es un establecimiento emblemático en Venice

cla de chic moderno con old-school vintage.

Road Beach con una vista privilegiada de la avenida. Este lugar

en parte es galería de arte, casa de playa y mirador. Aquí podrás comer, nadar y caminar, además ofrece el ambiente ideal

DOWNTOWN: ROW DTLA

para vacacionar con la familia o para trabajar.

787 Alameda St., Los Angeles, CA 900021

@rowdtla LATerminal Market, hoy conocido como ROW DTLA se

LOEWS HOLLYWOOD HOTEL, HOLLYWOOD

construyó entre 1917 y 1923, y se ubica junto a Sounthern

#1755 N Highland Ave, Los Angeles, CA, 90028

Pacific Railroad. Hoy en día es una entorno único y cotiza-

@LOEWSHOLLYWOOD

do que reúne inquilinos, minoristas, restaurantes y crea-

Situado en el corazón de Hollywood, este hotel mezcla lujo con

dores de marcas.

comodidad y recrea el estilo relajado por el cual Los Angeles es

famoso. Desde aquí puedes admirar las mejores vistas al letrero de Hollywood desde cualquier ángulo. Loews Hotel te ofrece

HOLLYWOOD: WESFIELD CENTURY CITY

una alberca en la azotea, gimnasio 24 horas al día, SPA y para

Santa Mónica Blvd, Los Angeles, CA

el paladar exigente Preston’s, H2 Kitchen & Bar and Speck. La

@westfieldcenturycity

proximidad con el Dolby Theater, lugar donde se realizan múl-

Con una extensión de 120,773.952 pies cuadrados, este centro

tiples eventos de cine, hacen que los huéspedes quieran vivir el

comercial es la casa de las mejores experiencias de lujo. Serás

glamour de la industria cinematográfica por el que Hollywood

invitado a visitar el lounge de turistas para conocer al con-

es principalmente conocido.

cierge, guardar equipaje y recibir ofertas especiales por ser

turista. Solían ser los estudios Fox que vendieron para hacer la película de Cleopatra.

ACE HOTEL DTLA, DOWNTOWN

#506 S Grand Ave, Los Angeles, CA, 90071 @ACEDTLA

L.A.: GRAND CENTRAL MARKET

El Ace Hotel en el centro de Los Angeles abrió sus puertas en el

317 S. Broadway, Los Angeles, CA

2014 en el histórico edificio de United Artists. Fue construido

@grandcentralmarketla

por los estudios de cine Maverick en 1927, este edificio es un

Desde sus inicios en 1917, el mercado refleja la cambiante comu-

monumento para un grupo de artistas americanos que buscan

nidad del centro y puedes encontrar a vendedores que ofrecen:

crear su arte y forma parte del renacimiento moderno del dis-

flores, café y comida, entre otros productos.

trito de cine de Broadway.

Tokyo Bike, ROW DTLA

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EAT & DR IN K ROSÉ CAFÉ 220 Rose Ave, Venice, CA, 90291 Venice ofrece el mejor servicio a turistas y gente de la localidad desde 1979. El chef Jason Neroni perpetúa las tradiciones del café, que lo ha convertido en un lugar excepcional, sin perder de vista la cocina de temporada. El menú contiene comida estilo sur californiano de influencia internacional, mientras que su panadería lo remonta a los sabores clásicos de América sin olvidar las nuevas recetas y ténicas del arte de hacer pan en estos tiempos. —

AUTHENTIC TWAINESE 3809 Grand View Blvd, Los Angeles, CA 90066 @littlefattyla, 310.574.7610 En Little Fatty el menú hace homenaje a los platillos chinos clásicos como el pollo kung pao, pork belly y camarones con cacahuates y comida Taiwanesa. —

BEAUTY AND ESSEX 1615 Cahuenga Blvd, Los Angeles, CA 90028 @beautyandessexla

Boardwalk, Venice Beach

Beauty and Essex se encuentra en el Hotel Dream Hollywood, tiene una tienda en la entrada donde puedes encontrar piezas de joyería de colección y es el preámbulo de un restaurante con una propues-

LOST SPIRITS DISTILLERY

ta ecléctica, que incluye desde dumplings de queso derretido y sopa

1235 E 6th St, Los Angeles, CA 90021

de tomate, poke de atún y tacos wonton hasta chilaquiles.

@lostspiritsdistillery

En Lost Spirits los invitados se embarcan en un bote con un tour por la destilería muy elegante, como ninguna otra en la

EATLY MARKET!

ciudad. Mezclando ciencia, innovación y arte con ron y whis-

SANTA MÓNICA: LUNCH AT EATALY

key ganadores de premios, Lost Spirits lleva a los visitantes

10250 Santa Monica Blvd. Los Angeles, CA 90067

en un singular viaje.

@eatalyla, 213.210.8000

La meta de Oscar Farinetti al abrir en Torino en 2007 era crear un lugar para comer, comprar y aprender sobre comida de alta calidad, todo bajo el mismo techo. Fue inspirado por los mercados mediterráneos, aunque es el Eataly #39, este lugar sigue fiel

GUELAGUETZA

a su concepto original: comer, comprar y aprender.

3014 W Olympic Blvd, Los Angeles, CA

@laguelaguetza @poroaxaca

ROSSOBLU

Desde 1994, Guelaguetza ofrece las mejores recetas fami-

1124 San Julian St, Los Angeles, CA

liares y se mantiene fiel usando ingredientes auténticos de

@rossoblula

Oaxaca. Guelaguetza es un restaurante ganador del James

Después de años de cocinar en algunos de los restaurantes más

Beard Award por mostrar la verdadera cultura oaxaqueña

famosos de Italia y LA, el Chef Steve Samson abrió Rossoblu en

en Los Angeles.

el verano de 2017. Su concepto une cocina italiana moderna inspirada en Los Angeles, con un toque de su infancia en la ciudad italiana de Bolonia. El menú consta de múltiples pastas hechas a mano, con una basta selección de vinos italianos.

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SKYSPACE LA 633 W 5th St, Los Angeles, CA @skyspacela Es el punto de observación más alto al aire libre de la ciudad. Estarás a 1,000 pies sobre el centro de los Angeles, cerca de la cima de la torre de US Bank donde podrás tener una vista perfecta de LA en 360 grados, así como un Skyslide que es una resbaladilla de vidrio donde bajas del piso 70 al 69 para los más aventureros. Cuenta con una nueva programación la cual incluye mente, cuerpo y alma en la azotea de Skyspace, a 305 metros arriba del centro de LA, donde puedes meditar, hacer yoga de distintos tipos y pilates. También puedes proponer matrimonio con la experiencia “una terraza para dos” la cual incluye una cena, un cuarteto de cuerdas, un tour privado en helicóptero sobre LA, fotógrafo privado, flores y mucho más.

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FLYING HIGH: LA CIUDAD DE MÉXICO DESDE EL AIRE

HELITOUR LLEVA LA EXPERIENCIA DEL TURISMO A LA CIMA

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orque México no es solo una gran metrópoli, sino una metrópoli grande, HELITOUR, te invita a conocer los sitios más significativos en helicóptero. La forma de hacer turismo agarra aires. Imagina la aventura de sobrevolar zonas históricas, culturales y arqueológicas. Planear sobre el Ángel de la Independencia y la Torre Latinoamericana, volar sobre la Plaza de Toros de México, El Bosque y Castillo de Chapultepec, atisbar con vista de pájaro el Centro Histórico, Bellas Artes, el World Trade Center y el Paseo de La Reforma. En fin, realizar un vuelo de ensueño sobre la Ciudad, moderna y antigua, que yace entre montañas, valles y volcanes.

HELITOUR, ofrece opciones de rutas con un guía bilingüe, fotografía digital y viajes compartidos o exclusivos de la Ciudad de México, Teotihuacán, Querétaro y sobre los Viñedos La Redonda y Peña de Bernal. Asimismo, sugiere rutas románticas como Celebrate in the Sky y Romance in the Sky, Cumpletour, Sunset in the sky, Jardines de México, Nocturno Romance in the night. Además, ofrece sus servicios para vuelos de Querétaro a San Miguel de Allende, a la Sierra Gorda y a la Huasteca Potosina. En sus tres años de trabajo, HELITOUR fue tres veces galardonado, en 2015 obtuvo el Premio POCHTECA como el Producto Tecnológico más innovador para la Capital de la República. En 2017 TripAdvisor les otorgó el Certificado de Excelencia y por último, obtuvo, el Premio turístico de la CDMX. Sé parte de la aventura turística que Helitour pone a tus pies.

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HOTEL EL GANZO

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os Cabos es un gran destino, pero ninguno con la propuesta que tiene El Ganzo. Los propietarios crearon en esa parte de la península un lugar que celebra la diversidad, la creatividad, el arte y la sustentabilidad. El espacio ideal para descansar.

cias crean sus piezas alrededor del hotel y se inspiran dentro de éste, a la vez que los músicos componen en #elganzosessions; en ambos casos se le da a los huéspedes la oportunidad de ver de cerca el desarrollo de una mente creativa. Sin duda este hotel no es algo ordinario.

El Ganzo ofrece tratamientos en el spa, la cocina estilo gourmet alimenta al cuerpo, mientras que la música y el arte alimentan el alma. Los artistas que hacen residen-

Este paraíso californiano, cuenta con 70 habitaciones y cada una es distinta al resto, ya que fueron curadas por diferentes artistas y cuentan con temas diversos entre sí.

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El hotel creó un centro comunitario para la gente de Los Cabos, donde cultivan verduras orgánicas y dan clases de arte a niños como agradecimiento a la ciudad. El Ganzo te ofrece la mejor experiencia según sea tu gusto: andar en bicicleta, montar a caballo, remar en canoas o hacer yoga junto al mar de Cortés, hay muchas actividades. El mejor ambiente para salir de la rutina y gozar de tus próximas vacaciones se encuentra en Los Cabos, en el hotel El Ganzo.


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JULIA MICHAELS Por Michelle Apple

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l magnetismo de una estrella con la capacidad de llenar estadios y la habilidad para componer complejas piezas instrumentales, esas son algunas de las cualidades de Julia Michaels. La originaria de Davenport, Iowa, en los Estados Unidos empezó a crear canciones durante sus primeros años de primaria, logrando desarrollar su talento como músico, durante su adolescencia compuso el tema ‘Fire Starter’ para Demi Lovato y ‘Miss Movin’ On’ para Fifth Harmony, dando el banderazo oficial a su carrera. Al día de hoy, Julia sigue mostrando su talento con su más reciente Ep, Nervous System (2017), el cual le valió ser nominada como Nuevo Artista del Año en los Premios Grammy y a Mejor Canción del Año por su corte ‘Issues’. Julia Michaels es una de las promesas que, sin duda, seguirán dando de qué hablar en los años por venir y a las que habrá que seguirle los pasos muy de cerca.

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YONAKA Por Eduardo Salinas

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n un mundo en el que los sonidos son los que le exigen al músico y no al revés, y la mezcla de géneros nos ha superado, encontramos a Yonaka, un proyecto de Brighton, Inglaterra, que fusiona pop, rock, metal y hip hop al unísono, de manera tan potente, que se queda en la memoria, casi instantaneamente, al escucharlo. La banda emergió de la agitada escena musical de la ciudad costera y va forjando su camino, ferozmente, con un sonido apoyado en riffs cargados de intensidad y la voz enérgica de su vocalista, Theresa Jarvis. La banda la integran Theresa, George Edwards (guitarrista), Alex Crosby (bajo y teclado) y Robert Mason (baterista). Cuatro amigos que se juntaron para sacudirse la curiosidad que les producía la música y, sin pensarlo, se encontraron con un sonido que funcionó, casi de un día a otro, dando de qué hablar. A pocos años de haberse formado ya están de gira alrededor del mundo y cada uno de sus espectáculos es digno de recordarse. En el 2017 lanzaron Heavy, su primer EP, producto de la combinación de dos visiones musicales, Jarvis y Crosby, la luz y la oscuridad. Un disco que no está interesado en pisar ligeramente, sino que llegó a conquistar con poder y agresividad.

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Un texto de Marcela Viejo

EL SUEÑO DE L ANZ ARSE SOLO

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uando era niña no sabía que terminaría siendo músico a pesar de que toda mi vida se basa en ello. Me pasaba el día leyendo las letras de los discos, analizando ritmos, melodías y buscando, obsesivamente, música nueva. No sabía que mi talento crecía, a la par que mi cuerpo, la evidencia era notable cuando me subía de la mesa después de comer, a cantarle a mi familia, todos me decían que terminaría siendo ese sueño una realidad, aunque no era consciente de nada, lo que me guió fue el instinto.

La música es mi religión, muy personal y se funda en mis ídolos, ellos me mostraron sentimientos y pensamientos nuevos, me aclararon ideas oscuras y me hicieron sentir la magia. Desde que tengo uso de razón nada me interesó más que esto, a pesar de que no soy un músico de conservatorio, la vida se encargó de enseñarme lo suficiente para valerme por mí misma, con esfuerzo y valentía aprendí todo lo que sé y que me ha llevado hasta dónde estoy hoy.

Hoy, en una industria tan limitada como la mexicana, los músicos independientes tenemos que ser empresarios, leer e investigar todo lo que se requiere en el negocio para hacer buena promoción, saber bien hacia dónde vamos o hacia dónde queremos ir y pensar en las estrategias personalizadas de promoción. Esto, sin mencionar que debemos hacer tiempo y guardar energía para realizar nuestro trabajo: tocar y componer.

No ha sido fácil, comprendí que cuándo el sentimiento es real y se escriben las canciones desde el corazón, el sueño sucede, toda la pasión impresa en cada nota lo convierte poco a poco en realidad. Hoy, sé que es el tiempo de creer en nosotros mismos, trabajar duro para sobresalir del montón, proponer originalidad y calidad en nuestro proyecto.

En el fondo esto es lo que buscaba, aunque resulte pesado ser la responsable de mis decisiones al 100%, del trabajo del día y del show en vivo. Creo que no hay algo más satisfactorio que lograrlo por mí misma. La satisfacción de cada pequeña victoria me deja un buen sabor de boca. Lo mejor es que soy dueña de mi propio tiempo, no dependo de nadie.

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Para mí, componer canciones que la gente adoptó en su vida y que los han acompañado en las buenas y en las malas vale la existencia, porque en cada canción, melodía e imagen de mi arte, veo una autobiografía, un pedazo de mí se va. Esta es mi historia y, aunque es una profesión de locos e incomprendidos no la cambiaría por nada, sin la música no le encuentro sentido a la vida.


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D E S D E C O LO M B I A

PROYECTO DÓCIL

MELISSA CARTAGENA 1 00 MUJE RE S . LUZ N AT URA L. N O PHOTOSHO P.

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elissa Cartagena es la creadora de Proyecto Dócil, que retrata a 100 mujeres para formar un collage a gran escala que a su vez retrata el rostro de una mujer. La fotógrafa nos describe su técnica y la intención que la inspiró a crear este proyecto visual. Mi intención fue exaltar en el espectador el sentimiento de la mujer respecto a su propio cuerpo. La mujer fuente de inspiración que expone su sensualidad para vivirla con libertad y sin tabúes. Dócil es un homenaje a la mujer, a la sensualidad, a la sexualidad como objeto de disfrute para sí misma, no satisface una cultura ni pertenece a un círculo determinado. Decidí dedicar este proyecto a mi madre, mi principal inspiración, a mis tías y a las mujeres que marcaron mi vida.

Mi afición por la fotografía inició con una pequeña Kodak que mi padre me obsequió a los 16 años. Nací en el pueblo costero de Antioquia, Colombia, me fui muy joven de casa a la ciudad debido a las pocas oportunidades. Mi obra fotográfica no se funda en una técnica específica, sino en función de aquellos pequeños detalles que capturo mediante aquel instante decisivo que se vuelve único y se convierte en arte. Uso una técnica natural. Los encuadres y la luz las genero a partir del espacio y la cámara. Ninguna de las fotografías está intervenida no tienen ninguna clase de edición que altere la imagen. Mi intención es lograr que la imagen comunique y transfiera la belleza que yo capturé en ella: todo tiene que ver con la magia del instante. Todo conspira entre sí haciendo de la cotidianidad y la naturalidad una herramienta de trabajo.

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B ONDAG E @thevanerotica vanerotica.com

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ondage es un término que proviene del francés que significa cautiverio. Es una práctica estético-erótica basada en la inmovilización del cuerpo. Se lleva a cabo como praxis sexual o elemento ritual en ceremonias de elevación espiritual a través del éxtasis sexual producido por la inmovilización o la suspensión. Las ataduras pueden hacerse en una parte del cuerpo o en su totalidad, utilizando cuerdas, cintas, telas, cadenas, esposas o cualquier otro elemento que pueda servir como inmovilizador. Para la mente, el componente excitante del bondage reside en la liberación mental proveniente de la cesión de la responsabilidad y el ejercicio de la vulnerabilidad. La persona inmovilizada le confía a otra la acción de su cuerpo. Esta sensación de tranquilidad provocada

por la inhibición del control, sumada al deseo provocado por la dominación, permite a la persona inmovilizada dejarse llevar, pudiendo ejercer así el abandono de su cuerpo. En la excitación física interviene también sensaciones como la presión de la cuerda, el roce con ciertas zonas erógenas o incluso la abrasión producida por la cuerda al desplazarse sobre la piel. VanErotica se dedica a la fotografía erótica, arte desnudo y bondage. Radicado en Vancouver, Canadá, este performer y educador ha estado involucrado en la escena de las cuerdas por más de 10 años y regularmente entrena con instructores top de kinbaku de todo el mundo. Para VanErotica la cuerda es el conector a la experiencia entre él y la pareja, su estilo se basa en el Shibari japonés y a su instinto fotográfico creativo.

Peek-a-boo Cute (Model: @skin_and_sin)

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Put to Bed (Model: The_Dreamcatcher)

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Captured Dread (Model: @redinrope)

Braided Beauty (Model: anonymous)

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Patient Posture (Model: homemadecircus)

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After the Fall (Model: GirlOnFire)

VanErotica is a professional erotic, art nude and rope bondage photographer; accomplished rigger, rope performer & educator from Canada. He's been involved in the rope scene for 10 years and regularly trains with top kinbaku instructors from around the world. Rope to VanErotica is a very connected experience between him and his bottom. For him, it's really all about the connection in the scene, where the rope is just the tool to help provide that connection. VanErotica's style is grounded in Japanese shibari, but he also adds his own creative flair especially for photography.

Dreadly Inversion (Model: @redinrope)

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CÉSARVERA

EL FOTÓGRAFO MEXICANO QUE CAPTURÓ EL SONIDO DE UNA ÉPOCA Por Samantha Archibald

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ésar Vera siempre supo lo que le apasionaba: el arte, la fotografía y la música y se ha destacado en hacer de sus aficiones un modo de vida.

El primer contacto que tuvo con la música y la fotografía fue por suerte, ya que creció en una familia que apreciaba el arte. Su mamá era académica, pero su pasión fue la fotografía; su papá trabajaba para la industria textil, pero su afición fue la música: Mi mamá era la fotógrafa de la casa y filmaba en película Super 8. Mi papá tenía sus bocinas grandes, amplificadores y ponía jazz a todo volumen, mis hermanos mayores ponían The Beatles y The Doors, y a mi papá le gustaban. Se prendía con The Doors, sobre todo con 'Light My Fire', decía que era como una improvisación. Cuando le preguntaron a qué quería dedicarse llegó el momento de tomar la decisión. Dijo que quería ser músico o fotógrafo. Era lo que me gustaba. Me decían "No. Hablamos de carreras en serio".

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Pues, ser músico o fotógrafo, no era considerado una profesión, lo veían como un pasatiempo. Decidí estudiar la carrera de Sociología por disciplina y establecerme como fotógrafo. La música la he hecho siempre, está en mi vida, me estimula, hasta formé bandas. Me gusta tocar el bajo, estudié con Eugenio y Enrique Toussaint. Más tarde, aprendí guitarra y piano, pero mi instrumento es el bajo. Los resultados de sus proyectos creativos son increíbles, por lo cual, le pregunté si imaginaba el producto final con base a la música: En una sesión fotográfica la música la crea el ambiente y he tenido suerte en Nueva York y aquí. Tengo mi playlist, bailo y me divierto. Creo un ambiente alrededor de esto, a la imagen de la foto. Si vamos a hacer un comercial, la música es muy importante y me involucro. Algunas veces para mantener el ambiente pongo música urbana, pero más armónica y de buenos beats como Tyler, The Creator y No Name, siempre hay elementos que puedes repetir y sí, el mood de la música ayuda a la proyección.


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Julio Cortazar, September, 1983, Paris, France. He passed away in January 1984. This was the last portrait taken of him.

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La tecnología fotográfica habla sobre dos procesos: lo análogo y lo digital, sobre esto, Cesar opinó: Soy categóricamente análogo. Recuerdo a mis compañeros alemanes con quienes compartí estudios y les presumía que yo sabía más. En ese tiempo, la cuestión análoga era sólida, pero empezó a llegar lo digital y hubo una vertiente que todavía no me convencía hasta que se aceleró el internet, entonces ya todo era mucho más rápido para entregar. Eso me cambió la jugada. Pero no dejo de hacer cosas análogas. Hoy en día, amigos hablan sobre una Face One de 100 Mpx, hay que invertirle 30 mil dólares y para manejar esos archivos pesados se requiere de una súper computadora, se escala digitalmente y es demasiada inversión. En eBay, conseguí una Mamiya de 6x7, me costó cerca de 1500 dólares y cinco rollos de 40 dólares, el revelado más el escáner, súmale otros 40 dólares y no me llevo los 200 por el shoot. Total, no tengo que invertir 80 mil dólares para trabajar, la gente está optando por esto. César cuenta que las oportunidades que le abrieron las puertas del éxito comenzaron cuando estudió en el Goldsmith College en Londres. Enseñaban lo que quería aprender de fotografía, era un posgrado enfocado a la comunicación visual. Así, podría establecerme pero abarcando otros temas y tuve la oportunidad de viajar. Me relacioné con amigos que les gustaba mi trabajo. Un día, conocí a una periodista que me facilitó el contacto con escritores que vivían en París, me propuso un proyecto y ese verano tuve el honor de fotografiar a Julio Cortázar, a Juan Soriano y a otros genios de las letras. Con este proyecto de retratos se empezaron a abrir las oportunidades, fue mi big break. En Londres exhibí y colaboré con Ian Jeffrey, escritor de fotografía y tuve la suerte de fotografiar a (Manuel) Álvarez Bravo, tomé su retrato para la exhibición.

Sting, 1991. Castle in Tuscany, Italy. During the shooting of Soul Cages.

De este lado del Río Bravo y en Estados Unidos, trabajé con Whitney Houston, B.B. King, Etta James, hice un poco de pop con Jonas Brothers; fue inolvidabl, trabajar con Phil Collins cuando se reunieron para Genesis. También en otros géneros musicales, del jazz trabajé con Paquito Rivera, Chico O´Farril, con Cachao, en un proyecto que hicimos sobre el jazz, con Arturo Sandoval, trompeta y en México con Rocío Dúrcal, Manuel Mijares, Emmanuel y otros. Otra buena oportunidad llegó en Milán, conocí al agente de Vanity Fair, alguien le comentó que Sting estaba grabando en un castillo cercano. Rápidamente me ofrecí a tomar las fotos, el agente accedió. A veces se dan las cosas por mera coincidencia.

Fly on the Wall B.B. King,1993, Memphis, Tennesse. Candid Photo, during Blues Summit album, of MCI Records. Candid Photograph.

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Aunque César vivió 27 años en Nueva York, hoy, está de regreso en México: Por lo general, trato de pasar los veranos en Nueva York, aunque por ahora me motiva estar en México. El país pasa por un momento crítico, pero soy optimista y veo que hay una gran atracción. Aunque puedo hacer muchas cosas en Estados Unidos, allá, soy uno más. Sin embargo, en México me siento significativo, puedo capitalizar, regresar y corresponder de algún modo lo que he aprendido. Necesitamos entender que nuestra perspectiva histórica nos revalora. Como parte de mi trabajo estoy haciendo un homenaje a grandes fotógrafos mexicanos. Estoy desarrollando una serie pequeña de televisión sobre arte y me interesa la cultura urbana que está generándose por la música. Sobre cómo y de qué país elige a sus colaborades dijo: Cuando me abría paso fui un poco diverso ya que la competencia en Nueva York está por todos lados y lo mejor es aliarte. Así, tuve la suerte de aprender algo y por cuestiones técnicas es mejor compartirlo. A mis asistentes mexicanos, ambos excelentes fotógrafos, Javier Ortega y Dulce Pinzón, les comparto lo que sé.

Polaroid Photo for InFashion Magazine, 1990.

Sobre los fotógrafos que le inspiran mencionó: En Inglaterra me gustaba el trabajo de David Bailey, por su estilo fotográfico y su estilo de vida, él salió en la película Blow Up. De origen estadounidense, Irving Penn, los clásicos siguen siendo mi inspiración. Para concluir, hablamos sobre el tema del entorno social-político internacional. Cómo perciben a México los artistas americanos: La idea es contextualizarlo un poco. Vivimos ocho años de la Administración de Barack Obama en temas culturales y de integración, hubo un avance extraordinario, por eso, la música como la de Tyler, The Creator logra sonar en el Festival Panorama y es mainstream. Es una gran incursión, por eso el rap no es agresivo sino poético, ahí está la evolución. Imposible que llegue Trump y la desaparezca. Los asuntos migratorios siempre han sido un tema sensible. Obama deportó a cientos de miles, creo que no se habla suficiente sobre lo que aportamos los mexicanos legales que vivimos en Estados Unidos. La realidad es que apoyamos a grupos de inmigrantes y valoramos más a México.

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Polaroid Photo Mila Jovovich, for Fashion Fest in New York, 2014.


Portrait, Bowie and crew.

Signed Polaroid Portrait John Leguizamo.

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CÉSAR VERA

THE MEXICAN PHOTOGRAPHER WHO CAPTURED THE SOUND OF AN ERA By Samantha Archibald

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ésar Vera always knew what he was passionate about: art, photography and music, he stands out by making his hobbies a lifestyle. The first contact that he had with music and photography was growing up in a family that appreciated art. His mom was an academic, her passion was photography; his dad worked for the textile industry, but his hobby was music: "My mom was the photographer of the family and she filmed in Super 8 film. And, my dad had his big speakers, amplifiers and he used to play Jazz music at full volume, my older brothers used to play The Beatles and The Doors, my dad liked them as well. He got excited with The Doors, especially with the song 'Light My Fire', he used to say that it was like an improve. When his parents asked him what career path he’d take, it was time to make a decision: musician or photographer: "We are talking about serious careers- they would say. Because, being a musician or a photographer wasn’t considered a profession, it was seen as a hobby. I’ve always made music, it’s in my life, it stimulates me, I even formed bands. I play the bass; I studied with Eugenio and Enrique Toussaint. Later, I learned to play the guitar and piano, but my favourite instrument is the bass." The results of his creative projects are amazing, because of it, we asked him if he imagined the final product according to the music: "In a photographic session, the music sets the mood and I’ve been lucky in New York and in here. I have my playlist, I dance and I have fun. I create the mood around this, the image of the photo and if I’m making a commercial, the music is very important and I involve myself. Sometimes to keep the mood I put urban music, but more harmonic with great beats like Tyler The Creator and No Name, or classic songs like Walking On The Side, there’s always elements that you can repeat and yes, the mood of the music helps with the projection." The photographic technology talks about 2 processes, the analogue and the digital, about this, César said: "I’m, categorically, analogue. I remember my German classmates with whom I studied and I showed off that I knew more, back then, analogue was solid, but then digital came

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and there was a slope that I wasn’t convinced by, until the internet made everything much faster to deliver. That changed everything for me. But I’m still doing analogue stuff. Nowadays, friends of mine talk about a Face One of 100 Mpx, you need to invest 30 thousand dollars, and to manage those heavy files you need a super computer, it’s digitally scaled and is a really big investment. On eBay, I got a Mamiya of 6x7 that cost over 1500 dollars, and 5 rolls of 40 dollars, the processing and scan another 40 bucks and I don´t spend even 200 for the shoot. In the end, I don’t need to invest 80 thousand dollars to work, people are opting for that." César tell us that the opportunities that opened the doors to his success, started when he studied in Goldsmith College in London: "They had just what I wanted to learn about photography, it was a postgraduate focused in visual communication. Like that, I could establish myself, but including other subjects and I had the opportunity to travel. I found myself with friends that liked my work, one day, I met a journalist that gave me the contact with some writers that lived in Paris, they proposed me a project and, that summer, I had the honour of photographing Julio Cortázar, Juan Soriano and other geniuses with words. With this project of portraits, I had new opportunities, it was my big break. In London I exhibited and collaborated with Ian Jeffrey, writer of photography and, I had the luck to photograph (Manuel) Álvarez Bravo, I took his portrait for the exhibition." "Another great opportunity was when I was in Milán, I met the Vanity Fair agent, someone told him that Sting was recording in a castle nearby. Rapidly, I offered to take the pictures, the agent accepted. Sometimes things happen like that, by mere coincidence. From this side of the Bravo River and in The United States, I've worked with Whitney Houston, B.B. King, Etta James, I made a little of pop with The Jonas Brothers, but it was unforgettable, working with Phil Collins when they reunited for Genesis. And, other music genres, like Jazz I got to work with Paquito Rivera, Chico O’Farril, with Cachao, in a project that we made about Jazz, with Arturo Sandoval, trumpeter and, in Mexico with Rocío Dúrcal, Manuel Mijares, Emmanuel and others."

When talking about his relationship with Mexico, after living 27 years in New York, he answered: "I try to spend summers in New York, but, now I want to be in Mexico, it is a critical moment, but I’m optimistic and I see there’s a great attraction. Even though I can make a lot of stuff in the U.S., I’m just one more in the crowd. However, in Mexico I feel significant, I can capitalize, come back and reciprocate in some way everything I’ve learned here. We need to understand that out history adds value to us. Another project coming soon, I’m making a tribute to great Mexican photographers. I’m also developing a little television series, about art and I’m interested in the urban culture that is generating itself by music." How he chooses his collaborators, I asked him if he gives opportunities to mexicans or people from other countries: "When I was starting, it was more diverse due to the competition in New York, it comes from everywhere so the best thing to do is make allies. So, I had the luck to actually learn something, and in technical matters it’s better to share what you know, I do, to my mexican assistants, both excellent photographers, Javier Ortega and Dulce Pinzón." About the photographers that inspire him he mentioned: "In England I like the work of David Bailey, his photographic style and lifestyle, he was part of the movie Blow Up. And, from The US, Irving Penn, the classics are still my inspiration." To conclude, we talked about the social, political and international environment, about how American artists perceive Mexico: "We have to contextualize a little: We lived 8 years under the Administration of Barack Obama, in cultural and integration matters, there was an extraordinary progress, because of it, music like Tyler The Creator, gets to sound at the Panorama Festival and it’s mainstream. Is a great incursion therefore rap is not aggressive but poetic and, there’s the evolution. It’s impossible for Trump to arrive and have that disappear. In migration matters, it’s always been a sensible subject. Obama deported thousands of hundreds; I believe that people don’t talk enough about what the legal mexicans that live there contribute to the United States."


[ ENGLISH F E AT U R E ]

In this edition of WARP, Cesar shares with us inedited pictures of David Bowie, asking him how this opportunity came to life he answered: There have been opportunities almost magical, I’ve just got in New York, I worked with super models and I didn’t know what a super models was. It was a series of events, coincidences, and recommendations by my portfolio and, just like that, I got the opportunity of working with Bowie. The plan was to photograph him while he was making a music video with Julian Temple. I was very impressed with his human quality: there was a large table where we worked and there was food, in line, my friend John Wells and I, were ready to help, suddenly, David Bowie was in the same line waiting, “Hey, David”, the produced spoke to him and, Bowie answered: --“No, I respect the waiting line” --. In 2 occasions David Bowie sat with us to eat, and talk with the rest of us. He knew everyone’s names and he always said memorable phrases.

During the destruction of the set. WARP S PRING / S U M M ER

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UNDERTHEGOD CÉSAR VERA COMPARTE FOTOS INÉDITAS DEL TOUR BOOK PARA LA GIRA MUNDIAL DE TIN MACHINE, 1989

En esta edición de WARP, Vera nos comparte fotografías inéditas del tour book de Tin Machine de David Bowie. Algunas de estas se utilizaron como portadas de singles en vinyl y CD; 'Prisoner Of Love' fue una de ellas. Vera también participó en la producción y asistencia de la foto final que se utilizó como portada para el álbum Tin Machine por Sakita, fotógrafo Japonés. Al preguntarle sobre cómo se dio ésta respondió: Fueron oportunidades mágicas, desde que llegué a Nueva York ocurrieron una serie de sucesos, coincidencias, recomendaciones por mi portafolio y simplemente me dieron la oportunidad de trabajar con Bowie. El plan era fotografiarlo mientras hacia el video de Tin Machine con Julian Temple. Me impresionó mucho su calidad humana; había una mesa larga donde trabajábamos y a la vez ahí se servía la comida. Estaba haciendo fila con mi amigo John Wells, de pronto, se paró David Bowie y quedó entre nosotros, el productor lo llamó: “Hey, David”, para alguna cosa y contestó: “No, yo respeto la fila para comer”. En ocasiones David Bowie se sentó con nosotros a conversar como si nada. Se sabía los nombres de todos y decía frases memorables.

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Portrait of a bleeding Bowie. WARP S PRING / S U M M ER

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"I'd never wanted to be in a band until we got together... It took a week or so of actually being in the studio and working, and then I think we fully realized the potential, musically, for what we were doing and wanted to stick with it." -David Bowie

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Part of scene of Tin Machine Video.

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Heaven's In Here.

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"Make some new computer thing That puts me on the moon Not this psycho-time-bomb planet Poised to meet its maker Shake a leg" De la canciรณn 'Tin Machine'

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The Ritz, 1989, New York.

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FEMININE ARCHETYPES

E M P O D E R A M I E N T O

I N D I V I D U A L

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C O L E C T I V O

Por siglos, las estructuras sociales y patriarcales sofocaron al género femenino para tener acceso a su consciencia. En cada mujer habitan los arquetipos que nutren y mantienen el equilibrio. Las similitudes que existen entre mujeres tiene un impacto en su formación individual y a la vez, es parte del inconsciente colectivo. De tal modo, la consciencia se regula a sí misma en modelos comunes de conducta. Estos son los arquetipos que encontramos en la mitología griega, la consciencia para descifrar el significado de nuestra experiencia como mujeres.

Entra a WARP.la para acceder a contenidos especiales de cada arquetipo y el video de Making Of de esta sesión.

FOTÓGRAFO: CÉSAR VERA @CÉSARVERANYC

MODELO: TATIANE REIS @TATIANEREISOFICIAL

AGENCY: SHOCK MODELING @SHOCKMODELING

MAKE-UP: MARIA DE AGÜERO @MARIADEAGUEROMAKEUPSTUDIO

HAIR STYLING: EMILIANA PEREZ @EMILIANAPEREZHAIR

ACCESORIES: ROMO HERRERA JOYERIA @ROMOHERRERA_MX

RETOQUE DIGITAL: CLAUDIA COLIN

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The Maiden LA DONCELLA 0 82

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PURE INNOCENT EMOTIONAL

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MINDFULNESS B R A V E R Y C O N F I D E N T P E R S U A S I V E P R O T E C T I V E The Warrior LA GUERRERA 0 84

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S Y T E E

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The Wild Woman LA SALVAJE

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The Lover LA AMANTE

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DIVINE

WORTH BEING WORSHIPED

SACRED LIFE

The Goddess LA DIOSA 0 90

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[ ENGLISH F E AT U R E ]

TRANQUILITY BASE HOTEL AND CASINO

A N I N T E RV I E W BY A L E JA N D RO F R A N CO W I T H A L E X T U R N E R THE FIRST TIME I LISTENED TO ARCTIC MONKEYS, IT WAS UNDER THE PREMISE THAT THEY WERE “THE NEXT BIG THING IN THE UK”, ONE OF THE FIRSTS SUCCESS STORIES ON MYSPACE, AND YOUNG AS HELL. TODAY, ALEX TURNER IS A 32-YEAR-OLD MAN, WITH A CONSOLIDATED BAND IN THE MUSIC INDUSTRY, WHO APPARENTLY IS STILL MAKING MUSIC FOR THE RIGHT REASONS. I´M IN ONE MY FAVORITE SPOTS IN LA, THE 101 COFFEE SHOP, WHERE A TOFU BASED PLATTER CALLED ‘NO HUEVOS RANCHEROS’, HAS MADE ME QUESTION MY MEXICAN STANDARDS TOWARD AN ALMOST NATIONAL DISH. CRAZIEST THING, IS THAT FOR THE FIRST TIME I’M NOT HERE TO EAT TOFU, (WHICH WILL SURELY HAPPEN LATER) BUT TO MEET MR. TURNER, NOT IN THE DINNER, BUT IN A JUST BESIDE UNDERGROUND BAR CALLED THE MINIBAR, WHERE HE MAKES USUAL VISITS AT NIGHT FOR A DRINK OR TWO. IT WAS A RAINY MORNING IN LA, VERY BRITISH IN THE MOOD BY THE WAY, AND HERE HE COMES WITH A SEVENTIES BEIGE SUITE, AND A PERFECT PRONUNCIATION OF MY NAME: “ALEJANDRO”, AS WE HAPPEN TO BE “TOCAYOS” AS WE CALL IT IN MÉXICO WHEN YOU SHARE THE NAME WITH SOMEONE. WE ARE READY TO TALK ABOUT “TRANQUILITY BASE HOTEL & CASINO”, ARCTIC MONKEY´S FIRST NEW ALBUM IN MORE THAN FIVE YEARS… NO PRESSURE AT ALL, RIGHT?

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You moved to LA in 2012, it seemed like a smart move from the outside, how was the transition? The way I remember it…is that we came here, did Home Bug and Suck It and See. And after that we really just never went back. There were a few reasons that arrived at the same time, that led us to make the decision to stay here, in my memory, we just stayed around. Once we started to make some friends, it just opened up, it changed for us, really enjoying spending time here. Also, at that time the four of us weren’t living in the same place, and we all came to LA before that AM Record, and lived in the same neighborhood, Mathew and I even in the same house, so in a way it was the beginning again, because we were all living in the same neighborhood again, so that was part of the appeal. I suppose that excitement that comes with the idea of new chapter. I feel somehow it’s related to this new album; the small house, the studio, you playing the piano… Definitely. I remember when the last album came out, there was discussion about the idea that the songs are set in places that seem very L.A. , which I don’t know, if I completely subscribe to, but in this one, it is. I think America even gets mentioned a few times, I don’t think I’ve done that before, but the distinction that I make of this album, is that, it’s the first time I’ve started to write and record in isolation, at home, in Los Angeles. With a Tascam Recorder, using the recording device as a writing tool, and it’s the combination of that with the piano, and a couple of keyboards I have in there. A lot of the vocals we hear on the record are from the takes when I was still writing the original ones.

WHEN YOU’RE IN THAT MOMENT BEFORE EVERYTHING IS THOUGHT OUT, YOU HAVE THIS OPPORTUNITY, TO CAPTURE SOMETHING YOU DON’T GET TO DO AGAIN, AND THAT SEEMED TO HAPPEN IN THIS RECORD MORE THAN I COULD HAVE EVER IMAGINED.

expected to completely change, and when I came back around, it just seemed to be where it was supposed to be, and that happened two or three times. Even if the lyric wasn’t quite right, there was something about the performance and the feel, that I attribute to often being the only person in the house at the time. My only focus seemed to be on; press record and rewind, there wasn’t much analysis given to it. And it doesn’t work every time, there are few vocals I recorded in France, like The Ultracheese, that last track, which that tune benefitted from. How did the title of the album come, is there a concept behind it? The title is taken from the song, of the same title, the lyric was put in there really to have an excuse. The way I imagined Marc, he was there first, and I put him in the hotel, on a future moon colony, it gave me a setting for some scenes in the record, that allowed me to find the poetry in places that I haven’t been able to go before. I had reached but not opened this idea of science fiction and all that surrounds it. There’s nowhere else to go. So the album started in L.A and then you post produced it in France… In a studio called Electro Box, is where we recorded some of the drums and base, there’s an incredible collection of keyboards at this place, where we added the electrics, the orchestra, the wobbly string sound, the vibraphone, and then in France, was where we recorded some of the songs we hadn’t recorded yet. The way I see it is that the piano and vocals were at the house, the electrics, were at Electro Box, and the energy of it was at the Hollywood session. In France, is when we were all together, for five weeks, staying in the building where we were working, it seemed like a long time ago that it had happened, and we had the most enjoyable time together, a lot of laughter. Was it your first time really involved with the piano?

Because sometimes you have these amazing demos then everything changes in the, recording studio, and you lose something right? I certainly say, I found this to be the case. We replaced all the drums, kept most of the vocals from home, there was another session we did in Hollywood, where we added some interesting sounds, and we kept that energy of the band, that was the kind of material that came over of the tapes from home. When I didn’t even think the lyrics were complete, and then I came back, trying to sing them again, and it wasn’t even close. Whatever that was captured there, was left months ago. So it’s a ‘different approach’ album for you guys, adding new sounds, the lyrics are also very specific, and are almost original recordings? There are more instances of that being the case in this album, than I could have ever imagined, like a first line, that I certainly

It was, yeah. As a child, when I was about 8 years old, I had piano lessons, that’s when I realized I had some sense of pitch, but I never became interested in playing music, to the point I didn’t even take music in High School, it wasn’t until I got a guitar that I really got interested in playing a musical instrument. But I could always play a little bit of piano, and whenever I was around one, I’d jump on it, I had one growing up. My dad is a Saxophone and Trumpet player, and everyone could play piano so I think I often tried to play the types of things that he would play, he’s more into jazz than I am. The reason, I feel that I play whatever I play when I touch a piano, is a result of him listening to The Gap Band , to the point that in this record, every time I play a moment of a turn around, I think of my dad, it’s the kind of move he would make, it makes me feel like I’m in a room next to him playing the piano.

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But I never expected that to evolve into a composition in an album. When I finally got this piano of my own, that’s exactly what happened.

IT’S NOT A LOUNGE RECORD, OR A JAZZ RECORD BY ANY MEANS, -IT’S ARCTIC MONKEY SONGS WITH PIANO- IT’S ALL IT REALLY IS! I THINK IT’S DIFFERENT FROM THE LAST ONE, BUT YOU WHEN ARRIVE IT SOUNDS LIKE THE SAME BAND. So, will this change the live performance? It does playing the new songs, but we’re configured differently to do that, with a lot of keyboards,and guitars, so for instance; Tom Rowley who came on the road with us in the AM Record and play keys live, we finally got him in the studio for the first time, I was really excited about it, he’s a friend we’ve known for a long time, and a really good guitar player, and he’s doing these electric prunes, release of an ORF kind of solo, which nobody else is going to able to play but him, so he’s doing that on the show, which means we have to configure around that. The album starts with you saying- “I just wanted to be one of The Strokes”…this may be one of the most important lines for a generation, because it happened, suddenly in the 2000’s rock came back. It’s definitely truthful, it’s something I expected to change, but when I came back around to change it, it seemed like it was to blunt to resist leaving as it was, and I think it’s important to know where the rest of the lyric goes on from that, and also the sound of the music underneath is where that idea came from. But to me, every time I sing it, makes me think of how time seems to have passed so quickly, I think that part of the reasons I was affected to leave it as it was. And it took you four or five years between the last AM Record, and this one? I thought it was four years, until yesterday when someone informed me, I was also informed that I’ve been in the band half of my life, since I’m thirty-two now, and have been in the band since I was 16. Do you remember a moment surrounded by this music listening to the Strokes or whoever, when you though, -we can do this-… That was a really exciting time, with The Strokes, and the White Stripes, and we had friends that would play covers of their songs, I think that was when I thought we could do this, have our own band and play in the pub and see where it goes from there.

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ARCTIC MONKEYS TRANQUILITY BASE HOTEL AND CASINO

U N A E N T R E V I S TA D E A L E J A N D R O F R A N CO CO N A L E X T U R N E R

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a primera vez que escuché Arctic Monkeys, fue bajo la premisa de que eran “the next big thing in the UK”, una de las primeras historias de éxito en Myspace y que eran muy jóvenes. Hoy, Alex Turner es un hombre de 32 años, con una banda consolidada en la industria de la música, que aparentemente sigue haciendo música por las razones correctas. Estoy en uno de mis lugares favoritos en Los Ángeles, el 101 Coffee Shop, en una mañana lluviosa en Los Ángeles, y aquí viene él, con un traje beige de los setenta, y una pronunciación perfecta de mi nombre: "Alejandro". Estamos listos para hablar sobre Tranquility Base Hotel & Casino, el primer álbum de Arctic Monkey en más de cinco años. Fue como un movimiento inteligente mudarse a LA, ¿cómo fue la transición? Recuerdo que vinimos aquí, hicimos Homebug (2009) y Suck It And See (2011) y después de eso nunca nos fuimos. Una vez que comenzamos a hacer amigos todo cambió. Además, no estábamos viviendo en el mismo lugar y los cuatro llegamos a Los Angeles antes de grabar AM (2013). Vivíamos en el mismo vecindario, Matt y yo en la misma casa, por lo que de alguna manera fue un comienzo, fue parte del atractivo. Supongo que la emoción vino con la idea de un nuevo capítulo. Siento que de alguna manera está relacionado con este nuevo álbum; la casa, el estudio, tú tocando el piano... Seguro. Recuerdo cuando salió el último álbum, hubo una discusión sobre la idea de que las canciones están ambientadas en lugares que parecen muy de LA, no sé si estoy completamente de acuerdo, pero en este caso, sí. Es la primera vez que empiezo a escribir y grabar de forma aislada, en casa, en Los Angeles, con una Tascam, usándola como herramienta de escritura; la combinación de eso con el piano y un par de teclados que tengo. Muchas de las voces que escuchamos en el disco vienen de tomas de cuando estaba escribiendo los demos. Cuando estás en ese momento tienes la oportunidad de capturar algo que no puedes hacer otra vez y eso sucedió en este disco, más de lo que imaginé. Entonces, el álbum comenzó en LA y luego lo produjeron en Francia... En LA grabamos en un estudio llamado Electro Box, hicimos algunas baterías y el bajo, en este lugar hay una increíble colección de teclados, así que agregamos elementos electrónicos, la orquesta, el sonido de cuerdas, el vibráfono. Luego en Francia grabamos algunas de las canciones que faltaban. Como lo veo es que el piano y la voz estaban en mi casa, lo electrónico en Electro Box y la energía en la sesión de Hollywood. En Francia estuvimos todos juntos durante cinco semanas, nos quedamos en el edificio en el que trabajábamos, era algo que no pasaba desde hace tiempo y lo pasamos muy bien juntos, muchas risas. ¿Fue tu primera vez realmente involucrado con el piano?

Si. Cuando era niño, como a los ocho años, tuve clases de piano, fue cuando me di cuenta que tenía cierto sentido y oído musical, pero nunca me interesé por tocar, ni siquiera tomé clases de música en la preparatoria. No fue hasta que conseguí una guitarra que realmente me interesó tocar un instrumento. Pero siempre tocaba un poco el piano, cada vez que estaba cerca de uno lo tocaba. Mi papá es saxofonista, trompetista y podía tocar el piano, así que a menudo trataba de tocar los tipos de cosas que él tocaría, él está más interesado en el jazz que yo. La razón por la que siento que toco el piano como lo hago, es el resultado de que él escuchaba The Gap Band, al punto que en este disco, cada vez que toco, en un momento de cambio, pienso en mi papá, es el tipo de movimiento que él haría, me hace sentir como si estuviera en una habitación a su lado, tocando el piano. Pero nunca esperé que evolucionara a una composición en un álbum. Aunque cuando finalmente conseguí mi propio piano, eso fue exactamente lo que sucedió. No es un disco lounge, ni un disco de jazz de ninguna manera, son canciones de Arctic Monkeys con piano, ¡eso es en realidad! Creo que es diferente del último álbum, pero cuando le llegas, suena a la misma banda. El álbum comienza diciendo: “Solo quería ser uno de los Strokes”... esta puede ser una de las líneas más importantes para una generación, porque sucedió de repente en el 2000, el rock regresó. Definitivamente, es cierto, es algo que esperaba cambiar, pero cuando volví para cambiarlo, parecía que era contundente como para dejarlo como estaba y creo que es importante saber dónde sigue el resto de la letra. También el sonido de la música vino de esa idea. Pero para mí, cada vez que lo canto, me hace pensar en cómo el tiempo parece haber pasado tan rápido, creo que por esa razón me afectó como para dejarlo como estaba. ¿Por qué pasaron entre cuatro o cinco años entre el último disco y este? Pensé que eran cuatro años, hasta ayer que alguien me informó lo contrario, también me dijeron que he estado en la banda la mitad de mi vida y he estado desde que tenía 16, ahora que tengo 32. ¿Recuerdas escuchar a The Strokes o a alguna de estas bandas y pensar “podemos hacerlo”? Ese fue un momento realmente emocionante, con The Strokes y The White Stripes. Teníamos amigos que tocaban covers de sus canciones, creo que fue cuando pensé que podíamos hacer esto, tener nuestra propia banda y tocar en el pub y ver a dónde íbamos desde allí.

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SANTIAGO

ARAU

FOTOGRAFÍA AÉREA DE LA CIUDAD MÁS POBLADA DE LATINOAMÉRICA Por Samantha Archibald

La luna sobre Santa Fe 10 0

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ientras 22 millones de personas en la Ciudad de México recorren, viven y trabajan en construir sus sueños, SANTIAGO ARAU va a lo suyo, pero a más de 100 metros de altura. Por medio de la fotografía aérea ofrece una mirada del horizonte, que ha maravillado a una gran cantidad de personas que aprecian ver la ciudad y paisajes desde la posición de Arau. Su manera de volar el dron al tiempo que toma fotografías genera perspectivas nunca antes vistas de la Ciudad de México. Arau nos describe el vuelo como la sensación de pilotear una ave. En esta conversación conocerás el discurso detrás de las fotografías del hombre capaz de captar la esencia de las alturas con los pies en la tierra.

[ E N G L I S H F E AT U R E ]

W

hile 22 million people live day by day in Mexico City, SANTIAGO ARAU does his own thing, over 100 meters high. Through his photographs he offers a fresh perspective of the horizon over one of the greatest cities in

the world.

Santiago describes the feeling like channeling the flight of a bird. And I can’t help but relate him with a Mexican eagle. In this conversation you’ll get to know the speech behind the photographs of the man capable of capturing the essence of the heights of Mexico with his feet on the ground.

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Valle de Chalco

EL 19 DE SEPTIEMBRE, 2018, SE ESTREN ARÁ EL DOCUMENTAL DE SANTI AGO ARAU; 'UN A CRÓNICA AÉREA DEL 19-S 2017'. M Á S I N F O E N @sa n t i ago_arau 10 2

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EN QUÉ SE HA CONVERTIDO LA CIUDAD DE MÉXICO Mi trabajo de fotografía lo realizo desde el aire y la tierra. Lleva una carga, un discurso emanado de una demanda que veo constantemente. Me resulta abominable y triste ver en lo que se ha convertido la Ciudad de México. Lo que he leído en libros de historia y crónicas sobre la ciudad que describió Hernán Cortés era una de ensueño. Desde el mismo lugar donde él estuvo, siento y veo el paso de la historia y observo que la Ciudad de México es caótica. La gente dice que mis fotos son imágenes como de Blade Runner y sí, eso parecen. Construimos una ciudad de concreto, se secó el lago, el aire está contaminado, nada queda del paisaje que fue la región más transparente del mundo, donde había azules y vegetación, hoy parece que vivimos en escenas de una película surrealista.

[ W H AT H A S T H E C I T Y B E C O M E ] People say that my photos are like stills from Blade Runner and yes, that’s what they look like indeed. We built a concrete city; the lake dried up; the air is polluted; nothing remains of the landscape that was the most transparent region of the world, filled of vegetation and blue rivers, nowadays looks like we live in a surreal movie scene.

LOS PINOS En la residencia oficial del Presidente de la República no sabían que volaba un drone tan pequeño como un celular de tan solo 200 gramos, a una altura de 100 metros resultaría imposible verlo. Me decían: “Estás loco, la guardia presidencial lo va a tumbar y te van a apresar”. Conozco la legislación, tengo un permiso para volar en la zona, un trabajo que hacer y una licencia para volar drones. Presenté la fotografía, los ignorantes del tema nos atacaron, pues viven atemorizados del gobierno por lo que circula entre la gente, los medios de comunicación, las desapariciones de personas y por la violencia. Esto causa paranoia. Fue una denuncia, no pretendo enseñarle a la gente que metan un drone y atenten contra el Presidente, estoy en contra de la violencia. Lo que quiero exhibir son los tiempos que vivimos como parte del trabajo que realizo, utilizando la fotografía aérea para contrastar la diferencia social, desgraciadamente, el tema se desvió por la foto. Prefiero que no estén de acuerdo con lo que hago a que mi trabajo pase desapercibido por intrascendente. Por esto, marco mi punto de vista, digo lo que pienso y aclaro, mi trabajo no se relaciona a partidos políticos.

[ LO S PINO S ] At the official residence of the President of Mexico, they didn’t know I was flying a drone as small a cell phone, weighing only 200 grams, at a 100 meter height; it was impossible to see it. It was a denuncement; I don’t pretend to show people that they can to put a drone and attempt against the president, I’m a person against violence. What I want to shed light on, is the times we live in, as a part of my work is to shoot social contrast. Unfortunately the matter deviated because of the photo. I prefer people don’t agree with my work, than going by unnoticed for being inconsequential. This is why I express my point of view, I say what I think and, I want to make it clear, that my work is not related to political parties.

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Atardecer Torre Latino 10 4

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CONTRASTES Esta es una ciudad de fuertes contrastes, caminas por una calle y al cruzar cambias de ambiente. Están muy marcadas las colonias, de la Condesa a la Roma, sientes diferencia de la Cuauhtémoc a la Doctores y te encuentras con la Merced y es otro mundo. Si caminas por Reforma a la altura del Ángel, parece un espacio de primer mundo y de pronto al dar vuelta en una calle estás en un barrio que lo contrasta en la infraestructura y en la gente. La verdad, soy pesimista del futuro y en todos los ámbitos, veo que temas como el feminismo, la ecología, o la equidad no avanzan, al contrario, retroceden.

Peñon Viejo 10 6

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[ CONTRASTS ] This is a city of immense contrasts, you’re walking down the street and in one turn you the neighborhoods change drastically, from Condesa to Roma; you feel the difference from Cuahtemoc and Doctores; and then there in Merced it seems like it’s another world. If you walk down Reforma near the Angel of Independence, it looks like you are in the first world and suddenly you make a turn on another street you are in a neighborhood that contrasts in infrastructure and people. Honestly, I’m pessimist of the future. I see the goals like feminism, ecology and equity that aren’going forward, but on the contrary, going backwards.

Ángel de la Independencia WARP S PRING / S U M M ER

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[ T H E C I T Y B U I LT O N W AT E R A N D S U R R O U N D E D B Y V O L C A N O E S ] I climbed the Xitle volcano, and camped inside a crater: Imagine being inside of the crater of a volcano, located in the center of a city.

realized that inside lived children and families, who were officiating a church ceremony in front of a cross, I felt and saw another world.

Inside, you don’t hear anything, you shelter from the cold, while, you are aware that an infinity of lights surrounding the mountain. People warned me, that it was crazy to do this, with that in mind, I was scared, but when I got there and

What I intend to do with these excursions is to invite people, to take care of the environment, I want people to give themselves the opportunity to know their own country.

Volcán Paricutin

LA CIUDAD FUNDADA SOBRE EL AGUA Y RODEADA DE VOLCANES Escalé el volcán Xitle para acampar dentro del cráter: Imagina estar dentro del cráter de un volcán, pero ubicado en medio de una ciudad. Dentro, no escuchas nada, te guareces del frío mientras sabes que afuera existe un infinito de luces. Me decían que era una locura y con ese desánimo me aventuré, pero cuando llegué a la cima y bajé, me di cuenta

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que había niños, familias y ancianos, celebraban una misa frente a una cruz. Me sentí en otro mundo. Lo que pretendo con estas excursiones es invitar a la gente, que salgan a estos espacios naturales, que la gente conozca y cuide el medio ambiente. Deseo que la gente se dé la oportunidad de ir a conocer su país.


HABITAR LA CIUDAD DE MÉXICO Odio estar sentado en un medio de transporte. Yo camino a todos lados, es un momento de desconexión, pongo música y me arranco, aunque camine por horas. La Ciudad de México me envolvió con el tema del territorio y de la fotografía aérea, pero no es algo a lo que me quiera dedicar por siempre. Existe el boom del drone y sé que en algún momento se va a acabar.

Al principio me dedicaba a la televisión y hacer comerciales, hoy, sigo el tema cultural a visiones y miradas pájaro o aéreas. Trabajé en publicidad, luego inicié Sasiem, una casa productora de servicios de cultura y fotografía. Vamos por lugares increíbles de México y trato con gente que quiere invertir en buena fotografía.

[ LIVING IN MEXICO CITY ] I hate siting in public transport. I walk everywhere. It’s a moment of paused, of disconnecting for me, I listen to my music and walk, for hours. Mexico City has wraped me up in territory and dron photography, but it's not something I want to do forever. The drone boom will eventually come to an end; the drone will become a tool and nothing more.

Now people hire me for cultural and commercial projects. At the beginning I worked in television and making commercials, nowadays, I’m on the cultural matter. I’ve worked in publicity, then I started “Sasiem”, a production agency of culture and photographic services, a co-worker takes us in incredible spots in Mexico, and it he gets in touch with the people who want to invest in great photography.

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Cuesta de las Comadres 11 0

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LA ESPERANZA Tengo la esperanza en el cambio. Las cosas deben ser distintas para vivir mejor, por eso hago lo mío. Creo que hay algo que nos va a poder salvar como raza humana. Si no creyera en una transformación, tomaría mis cosas y me iría a Yucatán, a un pueblo remoto donde el tiempo se concibe de manera distinta, a estar tranquilo, a ver las estrellas y olvidarme de todo esto, es una posibilidad.

[ HERE’S HOPE ] I have hope in change. Things have to be different to be better that’s why I do what I do. I believe there’s something that could save us a human race. If I didn’t believe in a transformation, I would take my stuff and move to Yucatan, in a remote town where times goes by differently, to be at peace, see the stars and forget about all this, it’s always a possibility.

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TAK E YO U R F I LT H Y H AN D S O F F M Y D E S E R T: L A N D M A S S E S T H A T P R E S E R V E T H E H I S T O R Y O F T H E P L A N E T A VISUAL JOURNEY THROUGH THE DESERTS OF THE WORLD AND THE PEOPLE LIVING IN THEM

By Cristina Orozco

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lfredo De Stefano, is considered one of the most important contemporary and conceptual photographers. Born in Monclova, Coahuila, a city situated in the northeast of MĂŠxico, in the middle of the desert. His passion; landscapes, specifically those he has travelled infinite times, with camera in hand along with his vision revealing magnificent scenes of diverse elements.

Ring Of Fire Iceland 11 2

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[ ENGLISH F E AT U R E ]

Within his photographic series: De parajes sin futuro (1992), Vestigios del paraíso (1996), Habitar el vacío (2002) y Breve crónica de luz (2006), he simply excelled. Since 2008, he’s worked on a new series, Tormenta de luz, which takes place in emblematic deserts around the world. He has presented his work in more than ninety exhibitions, including individual and collective displays, and his work has been presented throughout the five continents and the largest cosmopolitan

cities in the world: Mexico, Paris, Sao Paulo, New York, Washington, Madrid, Bogota, Lima, Buenos Aires to name a few. His photographs have appeared in numerous books and magazines and, his work is in public and private collections in Mexico and abroad. Since 2008 Alfredo is a member of the National System of Creators. He is a cultural manager and director of the contemporary photograph contest in Mexico, as well as the International film festival of photography (NL-Photo).

Mongol Circle Gobi WARP S PRING / S U M M ER

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Below The Volcano Atacama

Centinels Gobi

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The Healer Arizona

Nazca Line Nazca

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DOCUMENTARY FEATURE: EL VIENTRE YERNO At the end of 2013 the film director, Everardo González, started a journey with the specialized desert photographer, Alfredo De Stefano Farias, with the means of recording the details that occur behind the scenes of the film. This photographic project includes the most emblematic deserts around the world Including: Gobi Desert - Mongolia Sahara Desert - Morocco Thar Desert - India. Atacama Desert - Chile Gibson Desert - Australia Namibia Desert - Namibia Chihuahua Desert – Coahuila, México Arizona, Utah y New México Deserts – USA Nazca Desert - Peru During the journey, Everardo, simultaneously, films the reflection of the life of the habitants during the expedition, this uncovers a different relationship between geography and life itself. The filming process of this project is nearing an end; although it may continue in deserts located in the North of Mexico and in the southern part of United States. Both countries share the largest geographical deserts of North America, but culturally there are differences. The idea, behind this project, is to reflect about what the desert means to human culture. This will be a story that brings human beings together based on introspections, of myths and legends, regarding the conception of life and death. Women, men and children showing us the mundaneness of a hostile land. You will meet the habitants of remote locations, illustrating their customs which are similar, based on the fact of living in arid zones, be it an Asian desert, African or American.

Berebere Rug Sahara WARP S PRING / S U M M ER

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The Prophets Puna

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Bleeding Tree Namibia

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Red Mummy, White Sesert Sahara

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TARA MCPHERSON N O S TA L G I A R O M Á N T I C A E N E L A R T E Por Oscar Adame

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lo largo de las últimas dos décadas Tara McPherson se convirtió en una ilustradora única gracias a su tierno, aunque violento imaginario. Bajo paletas brillantes, el mundo de Tara se compone de personajes extravagantes que muestran sorpresa a través de sus gigantescos ojos, animales y extrañas creaturas de características fantásticas. El lindo trazo de sus dibujos contrasta con las violentas situaciones en las cuales se encuentran involucrados sus personajes, que destilan un sentir de melancolía y soledad frente a un futuro cálido y amoroso. Es por ello que platicamos con ella durante su visita a México, en Gurú Galería, que se pintó de colores pastel y se llenó de brillantina para dar la bienvenida a Tara y a sus vibrantes creaciones. ¿Cómo te ha tratado el amor y cómo lo vemos reflejado en tu obra? Tomé muy malas decisiones en mis veintes. A veces actuar con tu corazón es peligroso, pero bueno para el crecimiento del alma, te permite tener experiencias importantes en la vida, si todo fuera perfecto y dulce no habría balance, ayuda a navegar por nuestra existencia. Dentro de mi trabajo quiero expresar ambos polos. En psicología se habla de ‘nostalgia romántica’, describe lo que sientes cuando ves algo que te recuerda a una situación de la infancia que te entristce. Creo que mucha gente

lo siente cuando ve mi arte, sobre todo con mis personajes femeninos que tienen el corazón removido. Algo terrible les pasó, pero se les ve con fuerza y esperanza que las mantiene a flote. Quiero que al fin del día digan estoy triste, pero soy fuerte y persevero. Creo que caricaturas como Adventure Time y la manera en que conectan con seguidores adultos son un ejemplo de lo que pasa con tu arte: la tristeza de los personajes, que conservan un lindo diseño, como si hubieran sido ideados para niños. Hay pinturas que son elegantes y que cargan con una estética linda que bien podría ser apropiada para caricaturas. Hay gente que compra mi arte para adornar los cuartos de sus hijos. Me gusta jugar con ambos mundos, trabajar con temas obscuros y de adultos, pero mezclándolos con cosas brillantes, simples y divertidas. Es algo cool y adoro Adventure Time. ¿Cómo describes tu presente anivel emocional? Abrumador, pero de una forma positiva. Tengo mucho trabajo y proyectos cool que no puedo dejar y soy mamá de dos niños pequeños súper lindos. ¿Has dibujado a tus hijos? Sí, lo he hecho, aunque son obras que no he dado a conocer. Son unas cuantas pinturas pequeñas sobre ellos, esperaré a tener algo más trabajado antes de venderlo.

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¿La experiencia de trabajar en el programa de televisión Futurama cambió la forma en cómo dibujas ahora? Aprendí mucho sobre animación y diseño de personajes. Fue mi mejor escuela, una experiencia hermosa, mi trabajo cambió, me refiné, empecé a dibujar líneas más delicadas. No logré trabajar directamente con Matt Groening, no lo conocí, pero fue muy divertido colaborar. Tus carteles musicales son muy populares, ¿cuál es tu favorito? Si tuviera que elegir uno me quedaría con el de los Yeah Yeah Yeahs, trabajé con ellos y fue genial. Me gusta el de Father John Misty y el de The Breeders. Me encanta trabajar con bandas y músicos, amo la música y combinar ese mundo con mi arte es muy divertido. Siempre he sentido que tus personajes tiene una historia, ¿alguna vez has escrito sobre ellos? Sí, aún no lo tengo bien desarrollado pero está en mis planes empezar a producir una serie animada, dar una historia al mundo y a los personajes que he creado. Mi segunda serie de mini figuras con Kid Robot se llama Stellar Dream Scouts, creo podría ser traducido directamente a animación. Tengo a los protagonistas, los antagonistas y una historia en mi cabeza, es algo que se hará, se tiene que hacer.

Entrevista en video @WARPMagazine YouTube Channel.

Dont Forget To Remember WARP S PRING / S U M M ER

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¿Cuál crees que sea el reto más complicado para una mujer al entrar a la industria de las artes visuales? Es una industria dominada por los hombres y he tratado de atraer a más chicas para que se involucren. Estoy muy orgullosa de ser una mujer, me interesa inspirar y aconsejar a cualquier chica a crear arte y darlo a conocer.

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Electric Lola


The Safety of Water

¿Escuchas a alguna banda para trabajar? Me gusta el indie rock, la samba, jazz, viejas grabaciones de tropicalia, gangsta rap, metal y música melancólica. Mis favoritos son T. Rex y David Bowie, aunque adoro a Devendra Banhart, entre otros.

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[ ENGLISH F E AT U R E ]

TA R A M C P H E R S O N THE ART OF ROMANTIC NOSTALGIA By Oscar Adame

T

hroughout the last two decades, Tara McPherson has turned into one of the most followed illustrators due to her tender, but violent imagery. Under shiny colored palettes, the world created by Tara is one of strange characters with gigantic eyes, animals and bizarre creatures with fantastic features. The soft stroke of her drawings make contrast on the violent situations on which her characters are involved, they show a feel of melancholy and solitude in front of a warmer and more loving future. We had a chat with her in Mexico City, where the walls of Gurú Galería, filled itself with to welcoming Tara and her vibrating creations. Is your relationship with love something that is reflected on your work? Like anyone I made bad decisions in my twenties. I think that sometimes acting with your heart is dangerous, but that it’s necessary for the growth of the soul, it allows you to have more meaningful experiences in life. If everything’s perfect and sweet there wouldn’t be balance, I think balance helps us to navigate life. I think that relates with my art. There’s a term in psychology called ‘romantic nostalgia’, it describes the feeling of seeing something that makes you remember your childhood; provoking a sense of sadness at the same time. I love that theory, it’s so beautiful, I think that it is something that people can feel seeing my art, specially with my female characters that have their heart removed. Something terrible happened to them but they look powerful, I want them to have an attitude that says I am sad, but I’m strong and I persevere. The link that cartoons like Adventure Time that have adult followers are a great example of your art: because of their themes, the sadness that their characters carry and, at the same time, the curtness of their design, as if they were created to be for little kids. I think that there are some paintings that are elegant and that carry the cute aesthetics appropriated for a cartoon. People have bought my art to decorate their children’s rooms. I like both worlds, working with dark themes, but mixed them with shiny, simple and fun stuff. That’s cool and I adore Adventure Time. If your present were a state of mind, how would you describe it? So overwhelmed, but in a good way. I have lots of work and cool projects on I’m working on, but it’s good to be busy. Also I have two little boys who are sweethearts. So, for me right now is like go go go go go!

Which do you think is the biggest challenge for a woman to enter on the industry of visual arts? It’s a man dominated industry and I’ve tried to attract more women to be involved. I’m very proud of being a woman, I’ve always been interested in inspiring women and giving tips to anyone who wants to create art. Your artistic career started when you began an internship on Futurama. Does that experience change the way on which you draw? Absolutely, when I was there I learned lots of things about animation and character design in there. It was my best school, an amazing experience, my way of drawing changed since I entered there, I refined my stroke, I started to draw more delicate lines. Matt Groening wasn’t there, I didn’t get to meet him, but it was very fun to work for him. The posters that you have made for musicians and bands are really popular. Do you have a favorite one? It’s hard to decide because there’s lots of them. I would say that the Yeah Yeah Yeahs poster, I worked one by one with them and it was really cool. I’ve worked with so many great bands. I also love the ones that I’ve made for Father John Misty and the one from The Breeders. I love to work with musicians because I love music so much and being able to combine that world with my artwork is very fun. What music do you listen to while working? I listen to lots of music. I like indie rock, samba, jazz, old tropicalia records, gangsta rap, metal and melancholy music. My favorites are T.Rex and David Bowie, but I also think Devendra Banhart is really cool, I mean, there’s too many to name. I’ve always felt that your characters have a story-line. Have you ever written a story for them? Yeah, it’s not something that I have well developed, but I’m planning to produce an animation, give a story and world to characters I’ve created. Talking about it, my second series of Kid Robot mini figures, called Stellar Dream Scouts, have a story that could be directly translated to animation. Where you have all the characters living a lot of adventures, you have the protagonists, the antagonists and I think it’s getting there. The cartoon is something that will happen, it’s something that has to be made.

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OLIVIA STEELE IN MEXICO By Samantha Archibald Interview @MAIA Contemporary, Mexico City

@steeleism oliviasteele.com

“ M Y AR T I S N O T A B O U T W H AT I S E E … I T’ S AB O U T W H AT I I N V I T E YO U T O S E E ”.

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teele uses walls, found objects and natural landscapes to present her punctuated truths in neon phrases that mirror the ingenuity or malaise of the digital age. The reactions her work provoke to the viewer are anything but indifferent – true to her belief that “Contrast is the greatest teacher.”

BURNING MAN AWAKENED THE ARTIST

Olivia was born an artist. In school, she excelled in arts, crafts and creativity. But she didn’t answer her true calling until she turned 24. After being a couple of years out of college she got her master degree in lighting.

Going to Burning Man changed my perspective of what’s possible for human nature and creativity. Creating just for the sake of creating, seeing a scale of reality that wasn’t a possibility to me inspired me to start a pop-up restaurant, that became an art gallery and an event space with my boyfriend at the time. We, then got into very unique locations such as: empty skyscrapers, and underground tunnels, abandoned buildings that we completely transformed and used as a canvas to start my art. So, it wasn´t until I had a wall that I started to make art.

She was born in Nashville, Tennessee, in 1985, although she recognizes that now Nashville is a really cool place, but as she was growing up wasn´t at all - “There wasn’t shit to do but to get in trouble, so I got in trouble when I was young and I was sent away to the wilderness and three boarding schools, I was rebelious. I lost my integrity but I found my identity”- All this emotional work was the core of building self-reliance. Her appreciation for wisdom, words, and learning to acknowledge, truth and value, empower her. Home is everywhere she goes, she does not live attach to anything, but is connected to everything. She travels everywhere with Patron, her adorable vigilant dog, Cavalier King Charles. She says he’s like her little ‘abuelito’.

B R AV E RY. I H AD T O ‘ F I N D A WAY’ O R ‘ FA D E AWAY’, S U R R E N D E R AN D S A C R I F I C E T H I N G S IN ORDER TO FREE MYSELF; FREEDOM IS P R I C E L E S S AN D, I N T H E E N D, U S UAL LY PAY S O F F. I D I D T H I S B Y M Y S E L F, O F C O U R S E I H AD H E L P F R O M M Y F R I E N D S. N O B O D Y P U T M E H E R E B U T M Y S E L F, AN D N O B O D Y C A N TAK E I T AWAY.

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ENERGY TRANSLATED TO ART Conceiving and producing my art is a natural connection, I don’t really think about it. Actually, its hard to explain, because I don’t really know why I do it. It just instinctively comes to me, I let it flow through me. I just know that I need to get it out of my system. I learn a lot through the process. The interesting part is the process of installing it and seeing it in its completion, it’s a kind of a reflection of what I’m going through at the moment subconsciously as I’m not really conscious while doing it.

OAXACA In Oaxaca, I’ll be making another large scale installation in an agave field for the Mezcal Amores Experience, adding another layer to it with with a collaboration with Mexican light artist Paolo Montiel consisting of two massive lasers that create a very trippy endless laser effect. We brought up the big kit this year to document it with drones and will produce a cool video around it, which I’m excited about. Oaxaca is a very special place for me as I am a partner of another brand of mezcal called Gem & Bolt. It’s an all-female brand of mezcal, infused with damiana which is kind of the secret ingredient. Damiana is an herb used in homeopathy as an antidepressant because it’s a mood stabilizer and aphrodisiac, so mixed with the pure spirit of agave, its very seductive. It definitely seduced me to invest and it’s been a wonderful journey. I never looked back.

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Olivia Steele @zonamaco

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MIRRORING FEELINGS I am both a reflection and a generator. I like to mirror certain contrasts and contradictions that reflect the viewer perfectly. Regarding relationships, I don’t believe in marriage, I think its irrational and stunts evolution. I have my own way of loving without codependency, and committing to “trust the process.” By capturing a moment, a moment and sentiment we can all relate to, and forming those words in neon glass, giving light to it, you are forced into a moment of reflection. A feeling that was important enough to blow in glass, cement and stone says a lot. The juxtaposition of the illuminated words with a jarring natural environment it’s placed in is magic to me. “I Often Think of You” in a cemetery of trees, or “This Must Be The Place” nestled in the pink waters of a lagoon, where it’s beautiful, whimsical and surreal creates a very unique and powerful imagery.

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WE DON’T OWN THE LAND, WE BELONG TO IT I live in Berlin and Tulum. Tulum is a wonderful place and it has embraced me and it’s been a huge part of my healing, it’s fostered a lot of growth. However, there’s a lot of greed and irresponsible development taking over right now which i will not support, so I’ve chosen so redirect my energy elsewhere this season. We don’t own this land, we belong to it. As temporary guardians of this land, we have to take care of it. It took many years to make that jungle and those mangroves, you can’t just destroy it like that. Wherever I am, I make art. Last year i focused on my global initiative “Public Display of Awareness” which saw 21 road signs installed along the roads and highways of Tulum:

STAY PRESENT CONTROL YOURSELF LOVE YOURSELF IF NOT NOW WHEN? YOU ARE EXACTLY WHERE YOU NEED TO BE OBSERVE YOUR DISTRACTIONS YOU ARE YOUR ONLY LIMIT These universal truths are for everyone; street art and public art in it’s purest form. I’ve gotten a lot of wonderful feedback from people which is very reassuring. It is great that people get it, because everything I make has a purpose, is not just making cool stuff. This is conscious art with a purpose, it has an intention.

ART’S IMPACT ON THE WORLD Art has a unique ability to show the world’s decay and artists have the responsibility and the ability to show that it is changeable, that things can get better and to give hope. My work is to share wisdom and give light to universal turths and concepts that aren’t thought in school in the form of illuminated truisms, mantras, road signs, and simple reminders that can be quite powerful and quite profound. The wonderful thing about my art is that it can catch you in an unexpected moment of awareness and possibly trigger something positive in you.

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INSPIRATION Every insertion has a different story, so many things come to me through conversations or experiences with people and situations. Life is my teacher and canvas.

PERFECTION I believe there is a wonderful perfection in imperfection but I aim to a high standard in precision within installation. I know perfection is not attainable but we can get very close.

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UNIQUE INSTALLATION One of the biggest part of my work is the installation process, I can confidently say that nobody can install like I do. That’s part of my gift, my uniqueness. The ability to put neon, where it normally doesn’t belong- on tricky surfaces and daring environments, and how I do it, in very meticulous and sometimes dangerous ways, always prioritizing the aesthetics, is what sets me apart from other neon artists from a technical side. How I bend the neon is also quite different from conventional signage and neon art, it’s very technical, very detail oriented and not so easy to put into words, if you are not from the field but let’s say that makes the difference, to say the least.

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SOCIAL MEDIA IS DEMOCRATIZING ART SELLING Social media, especially instagram, has been a huge force in freeing artists to sell their own work. Galleries are having to really adapt their business model now because artists have more power, and less dependency on the galleries so this has created a new paradigm in the art world. I do a lot of my own sales; but I have a couple galleries and dealers I work with and I have a great relationship with them. The art world is changing because of the accessibility; through Instagram you can contact the artist directly. I also think that cryptocurrency is something to watch, it’s something I’m working on accepting, but is going to disrupt some things. I think great art is a currency itself.

ART THAT YOU CAN SEE FROM SPACE I think this world is changing at a rapid pace, evolution in technology and human behavior as a result of is dramatically faster in the last 10 or 20 years. My ultimate goal is to have a visible piece of art from space. We’re working on it now, in collaboration with a project called “Constellation” which will go around the world and collect the dreams of billion people. Space X is set to send a group to space next year, with a couple celebrities in tow, and on their return to planet earth, they will be able to see the proposed installation. I’m thinking, maybe it won’t be text, it has to be a symbol, and i will connect it with the collection of dreams. We might be communicating with aliens, I mean we probably already are, but, this is like we are making art for them, I would love to speak to “the others”, so I’ll be working on symbolism, trying something new.

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FA N TA S T I C TWINS ELECTRONIC DANCE WITCHCRAFT Entrevista: Diovanny Garfias Texto: Eduardo Salinas

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demás de dar vida al proyecto, Fantastic Twins, Julienne Dessagne es una de las principales exponentes de la música club en Europa y una figura en la cultura electrónica underground.

Se involucró con la música al tiempo que estudiaba y frecuentaba fiestas, colaborando en la organización de eventos. Fue una casualidad que entrara al estudio y sin más, empezó a crear tracks. A la fecha, la productora francesa cuenta con una amplia gama de lanzamientos que presentó bajo distintos seudónimos y sellos discográficos como Hippie Dance y Optimo Music. También formó parte de Saschienne, proyecto de dance experimental con su esposo, el músico y productor Sascha Funke. El año pasado produjo dos piezas discográficas, una de ellas fue The New You, material pensado para el dancefloor, hecho a base de capas y melodías que invitan a buscar pista y, la otra, Obakodomo, un disco que se aparta del sonido convencional e invita a un viaje sónico, digno de película de ciencia ficción. Conversamos con Julienne durante su visita a México y esto fue lo que nos contó. ¿Cómo fue el primer contacto que tuviste con la música? Creo que fue cuando viví en Glasgow. Estudiaba y en ese entonces Optimo Music hacía fiestas cada domingo a las que yo no faltaba. Quedé encantada con la música, sentí una conexión con los diferentes estilos. Después trabajé en un club de Londres y aprendí mucho pero hasta que me mudé a Berlín me concentré en lo mío. ¿Cómo fue que te acercaste a Pachanga Boys? Trabajaba con Pachanga Boys en pequeñas cosas para sus discos. Un día entré a su estudio y sin pensar en nada hice mi primer track, solo probaba el equipo. Cuando Superpitcher y Rebolledo lo escucharon les gustó, me impulsaron a seguir produciendo y a trabajar juntos. Fue con ellos que pude lanzar mi primer EP a través de Hippie Dance Records. ¿Cómo fue trabajar junto Superpitcher como productor? Bueno, él es alemán y yo francesa, así que… [risas]. Es muy organizado, tiene un modo de trabajo muy profesional y es libre en lo que hace, es divertido y aprendí mucho de él.

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Hablando de Obakodomo (2017) ¿Cómo fue que diste con este tipo de sonido tan experimental? Este disco fue un proyecto que hice para una muestra de danza contemporánea en el 2015. El coreógrafo me pidió hacer la música que además era una historia para niños. Fue muy inspirador porque pude explorar algo diferente a lo que estaba acostumbrada. Nunca pensé en lanzarlo, pero mi disquera insistió. Es muy experimental y completamente alejado de la pista de baile, pero es una parte de mi amor por la música y no sólo por la de club. Estoy contenta de explorar diferentes sonidos, es liberante y divertido. ¿Seguirás creando música de este tipo o regresarás al sonido dance de The New You (2017)? Por ahora trabajo en algo similar y de nuevo es un soundtrack para danza. Estoy creando música y acabando algunas canciones que escribí hace años. Me gusta hacer las dos cosas, pero en el futuro quiero tomar otra ruta. Estoy cansada del patrón de la música club, quiero ver hasta donde me lleva experimentar. Es la diversidad lo que me apasiona así que quiero mantener las puertas abiertas. ¿Cómo fue el trabajar junto a Sascha Funke en Saschienne, tomando en cuenta que es tu esposo? Trabajar con él es difícil, especialmente, por ser mi esposo [risas]. Creo que desde el primer momento en que empezamos a producir tuvimos una dinámica muy fuerte y una clara idea de hacia dónde queríamos llegar. Todo fue espontáneo e instintivo. Después hubo una etapa en la que me sentí frenada. Estaba componiendo música para el proyecto y me asociaron con la mujer de los vocales, no me gustó. Me sentí atrapada así que me dediqué a trabajar por mi cuenta. ¿Cuál es tu opinión sobre la escena electrónica en la Ciudad de México? No es un movimiento tan grande como en Berlín o Londres, pero cuenta con productores a nivel internacional y un fanbase que va en aumento. La escena no era tan grande hace cinco años como ahora, sobretodo en un lugar como México. La gente es muy alegre, le gusta bailar, a veces en Europa el público es demasiado pasivo y otras veces aburrido. Creo que tiene mucho que ver con que la escenaelectrónica hoy en día, es popular en el mundo entero y lo que considerábamos underground ya no lo es. La música evoluciona y es genial que las cosas cambien. Hace 10 años en Francia no había lo que hoy existe para escuchar música como clubs y fiestas. Creo que es bueno que la gente se interese en esto y lo que me gusta de México es que, aunque las fiestas no duran tres o cuatro días como en mi país, en el lapso entre las 11:00 p. m. y las 5:00 a. m. lo dejan todo en la pista.

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TELEFON TEL AVIV THE STRANGE RETURN Por Diovanny Garfias

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l principio, estaba asustado, recuerdo el primer show de Telefon Tel Aviv después de muchos años, en abril del 2016, mientras subía al escenario pensé: “Dios mío, que estoy haciendo, es la peor idea de la historia, cómo voy a hacerlo, va a ser horrible, todos lo van a odiar”, 10 minutos después estaba tocando y me dejó de importar si la gente lo iba a odiar o no, fue muy natural; supe que era exactamente el lugar donde necesitaba estar. Es imposible pasar por alto el resfriado de Josh Eustis, el músico ofreció un show apenas hace unas horas y está por salir hacia el aeropuerto. Sin embargo, el músico está contento de ofrecer algunas entrevistas, está consciente del amor que el público mexicano le tiene: Anoche no estaba al 100 y la gente se portó increíble… fue un sueño. Amo tocar aquí, de verdad me identifico con la audiencia porque de niño viví en un vecindario mexicano, en Louisiana, escuchaba a la gente hablar a español diario en mi casa y me encanta México. Telefon nació en 1999 como una dupla de electrónica experimental (IDM para los otodoxos), formada por Eustis y Charles Cooper, para 2001 su álbum debut Fahrenheit Fair Enough (2001) se convirtió en uno de los más aclamados por la crítica, su sonido se diferenciaba de otros por la manera en que llevaban sus máquinas al límite, sin perder un grado de genialidad humana o el siempre buscado elemento sorpresa. Para cuando Immolate Yourself vio la luz en 2009 el dúo ya contaba con un estatus de notoriedad en la escena global, sin embargo, apenas a dos días después del lanzamiento, Josh posteó a través del entonces popular Myspace un terrible mensaje: Cooper había fallecido (más tarde se revelaría que una combinación accidental de píldoras para dormir y alcohol habrían sido la causa): El tour y el futuro de la banda es incierto. Sin embargo, aunque su espíritu estaba lacerado por la terrible perdida, Josh encontró la forma de lidiar con sus demonios y mantenerse creativo, siempre apoyado en la música; así, durante los siguientes años dio vida en múltiples proyectos como Sons of Magdalene y Second Woman, incluso ayudó a Maynard James Keenan (Tool, A Perfect Circle) trayendo a la vida a Puscifer y se integró a la alineación de Nine Inch Nails para la gira de 2013, al respecto Josh recuerda: Maynard es más alivianado que Trent para ese tipo de cosas; Maynard te dice que dejes de trabajar, que ya terminaste a las 8 pm y te hace de cenar. Trent te deja trabajar entre 60 y 100 horas a la semana, no te va a decir que pares; pero en general Trent es más crítico y si haces algo bien, te lo hará saber, es brutalmente honesto, aunque a veces la honestidad brutal puede ser difícil de escuchar.

Para 2016 presentó The Black Queen, banda en la que junto a Greg Puciato (The Dillinger Escape Plan) y Steven Alexander (técnico de TDEP, NIN y Kesha) adoptó una personalidad sonora más orgánica, alejada de su tradicional sello electrónico, sin perder la magia que impulsó a Telefon, la influencia de su proyecto seminal estaba presente: Es difícil expresar como un proyecto influenció a otro, porque todos se complementan de cierta manera. Pero definitivamente van de la mano. Eran un tipo de escapes para no tener que lidiar con Telefon Tel Aviv, pero The Black Queen terminó siendo algo más grande de lo que creí. No pensamos que a alguien le importaría, el proyecto de tres amigos que terminaron haciendo un álbum, saliendo de gira y tocando shows. Fue The Black Queen quien terminaría por poner de nuevo en el mapa las esperanzas de Josh por revivir Telefon, en gran parte por el hecho de no tener que cargar con toda la responsabilidad sonora: Fue algo muy cool, conocí a Greg y a Steven y empezamos a trabajar juntos, primero fui el productor y después terminé escribiendo con los dos, aunque al final me guié más por su instinto, además no quisiera tomar el crédito porque ellos escribieron la mayoría. Terminé tocando el teclado y ayudé con ciertas partes, arreglando canciones y cosas así. Para 2013 Josh estaba listo para traer a su hijo pródigo a los escenarios. Hoy, tras una gira por distintos puntos del planeta Eustis finalmente está listo para mostrar el nuevo material de Telefon: Llevo haciéndolo como dos años y aún le falta la mitad, tal vez estará listo… cuando esté listo [risas]. No sé, voy a hacer el álbum y después saldré de gira, supongo [risas], creo que eso es lo que pasará, espero. Sí todo sale bien, este año escucharemos el nuevo material de Telefon Tel Aviv, para continuar uno de los proyectos más importantes de la historia contemporánea de la música electrónica y, aunque ya no se trata del mismo hombre que fundó un concepto transgresor e innovador para su época, hoy, Josh es un músico destacado por la variedad sónica que ha marcado su carrera, consciente del momento que vive la escena que un día lo vio nacer: Está evolucionando y creo que es algo genial, cada vez hay más mujeres, gente de color, los “white boys” están siendo forzados a hacerse a un lado y dejar que pasen los demás, es lo mejor que le ha pasado a la música electrónica desde que comenzó. Así que me encanta, ahora tenemos música variada, especialmente la underground. Hay más trabajo por hacer, pero ya empezó y creo que continuará, va a salir mucho arte de esto.

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NULL + VOID SOUND TRANSCENDING D I S TA N C E S Entrevista: Diovanny Garfias Texto: Eduardo Salinas Foto: Rainer Hosch

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urt Uenala es el productor suizo detrás de Null + Void, proyecto de synth pop y new wave experimental. A partir de su álbum debut, Cryosleep, de 2017, sobresalió en la escena neoyorquina debido a su estilo oscuro, sus acertadas colaboraciones y su distinguida producción. Fue para este material que Kurt dedicó tiempo en trabajar un sonido diferente y tomar en serio su futuro como solista, dejando atrás la música que creó bajo el seudónimo de Kap10Kurt, con el cual, consiguió fama gracias a su himno de new wave underground ‘Die Sleeping’ (2009). Para él, la vida es simple. Se trata de crear, romper los paradigmas y dedicarse a lo apasionante. De joven encontró en la música un instrumento para plasmar sus ideas y satisfacer su creatividad. Fue en esta etapa que el panorama se amplió al involucrarse en los procesos de producción, composición y al trabajar con artistas como Moby, Björk y The Kills. Con el tiempo, Kurt se convirtió en el ingeniero de audio de Depeche Mode y se involucró en la composición de algunos de sus temas. Dave Gahan, líder de la agrupación, encontró en Uenala a un artista impulsivo, completo y que le exigía ser mejor en el estudio, por lo cual, lo invitó a ejecutar el bajo en ‘Poison Heart’ y ‘No More (This Is The Last Time)’, ambos temas de Spirit (2017). Al día de hoy, Kurt tiene en su repertorio un álbum elogiado por la crítica, un trabajo que refleja lo frío de su subconsciente con atmósferas oscuras inspiradas en la evolución electrónica y la ciencia ficción. Cryosleep cuenta con la voz de Gahan en el tema ‘Where I Wait’, una colaboración alucinante que deja entrever la conexión de ambos músicos a pesar de haber trabajado a distancia. Componer con Gahan es apasionante. Él llega y canta con todas sus fuerzas. Es impresionante como plasma su talento en el escenario, en el estudio y al grabar el videoclip. Prefiero trabajar solo y aprovechar al máximo la tecnología. Cada uno tiene sus procesos, algunos prefieren la interacción y entrar juntos al estudio. Para mí las cosas son diferentes, prefiero hacerlo en mí espacio, mi mundo, componer, enviar mails y listo. Eso me funciona y también le funcionó a Gahan.

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Uenala se forjó un camino sólido con sus proyectos en solitario, pero no fue hasta el 2017 con su más reciente material discográfico que el productor se detuvo a reflexionar sobre lo que le deparaba la música y se centró en forjar su identidad sonora. Por alguna u otra razón no podía concretar mi propio trabajo. Después pasó lo del disco de Depeche Mode y fue más difícil. Es ahora cuando las cosas están más tranquilas para ponerme a hacer lo mío. Encontré a un excelente manager, una buena compañía discográfica en Alemania con quienes comparto la misma visión y todo se acomodó para poder concentrarme en crear el sonido que me apasiona. Su ópera prima también cuenta con colaboraciones de músicos como The Big Pink en ‘Take It Easy’, Shannon Funchess de Light Asylum en ‘Hands Bound’ y Black Rebel Motorcycle Club en el tema de apertura ‘Falling Down’, un abanico de estilos musicales que desenmascaren al artista multifacético detrás de su apariencia introspectiva. Pensé en BRMC porque somos amigos. Conocí a Leah Shapiro y a Peter Hayes cuando estaba de gira y a pesar de que no consumo rock, con ellos sentí una conexión. Shannon es una antigua amiga, la conocí en Islandia. Fue muy gracioso, ella estaba tocando en una fiesta, pero no lograba conectar sus audífonos, las entradas eran diferentes, así que alcé la mano entre la multitud, curiosamente tenía un adaptador en el bolsillo y le salvé la vida. De ahí en adelante hicimos click para hacer música. Por ahora Null + Void se dedica a hacer shows alrededor del planeta y a contagiar la escena con la oscuridad de sus sintetizadores. Esto no implica que haya dejado el estudio y, seguramente, escucharemos una nueva pieza de su trabajo en algún punto de este año. En este momento estoy concentrado en tocar en vivo, comienzo mi gira en las próximas semanas y parece que será algo grande, quizá haya oportunidad de visitar Sudamérica. De cualquier manera, trabajo en algo nuevo que podría lanzar pronto, tal vez no sea un disco entero porque eso me llevaría más tiempo, pero sí un EP.


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TONIGHT ALIVE T H E A R T O F L O V I N G U N C O N D I T I O N A LY Por Oscar Adame

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a adolescencia de Jenna McDougall bien podría tener similitudes con un video desprendido del primer álbum de Avril Lavigne, solo que se desarrolló en Sydney, Australia. Llena de tensiones románticas, mucho rímel negro y decenas de discos de My Chemical Romance, Eye Set To Kill y Aiden, sobre las sábanas de su cuarto. Aquella época pasó, Jenna dejó la preparatoria, más su pasión por la música no cesó y con el tiempo se unió a otros cuatro chicos oriundos de Sydney, amantes de la música. Así se originó Tonight Alive. Su más reciente disco, Underworld (2018), recibió elogios de la crítica y del público gracias a que Jenna se animó a hablar sobre sus relaciones amorosas. Esto es lo que la cantante nos comentó cuando conversamos con ella. ¿Qué es lo que quieres expresar con tu música? Quiero emanar el punk de inicios de la década de los dosmiles no a un punk común, más bien al emo punk. En verdad queremos capturar la misma energía de los discos que amamos durante la secundaria y agregar algo de valor a su sonido. Son una banda interesante, suenan a lo que fue popular hace 10 años. ¿Crees que ustedes hubieran sido más exitosos en aquellos años? Creo que queremos direccionar nuestro sentimiento y estilo a lo que nos gusta, a la energía y a la cultura de la cual formamos parte. Es interesante, porque hay chicos de 20 o 21 años que han expresado su interés en la subcultura emo gracias a nuestra música. Es divertido, porque hoy en día se ha convertido en algo completamente distinto y más selecto. Cuando éramos jóvenes bandas como My Chemical Romance, Green Day, Sum 41 y Fall Out Boy eran masivas y las tocaban todo el tiempo en la radio. Hoy, no es posible, hubiera sido hermoso iniciar como banda hace unos 10 años. Nos lanzamos en 2008 y parecía una locura empezar a hacer este tipo de música porque no la producía nadie nuevo. No existen las mismas oportunidades que en el pasado. ¿Cómo fue tu experiencia al colaborar con Corey Taylor de Slipknot en 'My Underworld'? Lo más divertido de esa colaboración fue que nunca

antes nos habíamos visto hasta que le envié la solicitud de trabajar en la canción. La terminé de escribir y de grabar al momento de enviársela. Él reaccionó de una forma hermosa, emocionado de aparecer en el track, y me envió su parte. Mantuvimos comunicación por correo electrónico, hasta que nos juntamos en Sídney. Fue una gran experiencia porque siempre lo he admirado, mucho. Es una canción muy especial y agradezco el haber tenido esa oportunidad. En tu música hablas sobre las relaciones y el rechazo: ¿Qué ha sido lo más extraño que has hecho por amor? Nunca me habían preguntado eso y tengo un montón de historias extrañas. En el disco hay una canción que se llama ‘For You’, habla respecto a la sensación de que todo es perfecto gracias al amor. Canto sobre sentir que puedo volar tan alto y sin alas, que podría llegar a la luna. Creo que lo más hermoso que puedes hacer es amar a alguien incondicionalmente y esa es la locura más grande que he cometido. Es una locura dedicar una parte de tu vida a otra persona, tu crecimiento y felicidad. Este es uno de los primeros discos en los que, verdaderamente, hablo de amor. Cuando hablas de que el amor es incondicional me parece que es algo muy difícil de alcanzar… Lo es, sobre todo si no te amas a ti lo suficiente. Si eres complicado o disfuncional es difícil llegar a amar a alguien de forma saludable y es difícil encontrar a alguien que lo sea. En una relación hay que buscar la oportunidad para que ambos crezcan y se sientan felices por el simple hecho de hacerlo. En una relación saludable te sientes responsable de hacer crecer al otro siendo la mejor versión de ti mismo. El amor incondicional es el amor que no espera nada y es lo más bello que alguien puede recibir. Tienen muchos fans en México y nunca han venido. ¿Tienen intenciones de hacerlo pronto? Nos encantaría ir este mismo año ¡Nunca me había entrevistado un mexicano! Es genial que estés al tanto de lo que hacemos y me emociona que haya más gente así en el país. Tener una banda desde hace 10 años y sin la oportunidad de visitar un país, en específico Mexico, es triste y vamos a corregirlo.

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U N A E N T R E V I S TA C O L E C T I VA D E M U J E R E S M E X I C A N A S Por Samantha Archibald

La tejana, Annie Clark, mejor conocida como St. Vincent, ha creado colores y figuras en forma de sonido, proyectando el pop desde un nuevo ángulo para todo el mundo. Clark es reconocida mundialmente por su discurso feminista, por lo cual, con la aportación de mujeres destacadas del medio creativo, conformamos un cuestionario para Clark y aprovechamos su paso por el festival Ceremonia en México, para conocer su visión y pronuncionamiento ante las estructuras sociales actuales. Su más reciente álbum, Masseduction ( 201 7) , se centra en temas relevantes de la sociedad actual: el poder, el sexo, las drogas, la tristeza, las relaciones tóxicas y la muerte. Su discurso es un llamado a la evolución de la sociedad y al lugar que ocupan las mujeres en el mundo. El disco es el resultado de años de escritura, notas de voz, mensajes de texto y clips de melodías que hizo mientras viajaba. Al respecto Annie nos contó: Cada álbum que hago tiene un arquetipo femenino: Strange Mercy era Housewives on Pills (Doncellas en medicamento); St. Vincent era Near-Future Cult Leader (Guerrera); Masseduction es diferente, está en primera persona. No se pueden corroborar los hechos, pero si quieres saber sobre mi vida escucha este disco. Compuesto con guitarra, piano, sintetizadores, cuerdas y batería, el álbum se podría definir como una mezcla de pop futurista, electro, glam rock, new wave, ambient rock y techno de tintes industriales, al tiempo que incorpora rock psicodélico, rock electrónico y dream pop.

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Samantha Archibald. Directora de WARP. Canadiense/mexicana. Comprometida con difundir contenido original editorial y comercial que pongan en alto el nombre de México. Hablando de tu audiencia, ¿A qué género crees que llega? Contando los números en Spotify, sé que el género está en medio, mis oyentes son jóvenes, viejos, homosexuales, heterosexuales, transexuales, masculinos, femeninos, todo en medio, como yo, estoy en todos lados y es algo que me emociona mucho. El momento del álbum MASSEDUCTION es muy oportuno con el discurso político y el reclamo social feminista. ¿Cuál es el discurso general del álbum? El álbum trata del poder. Del poder de la sustancia y de personas que están sobre uno, del gobierno y las instituciones. Creo que hay un ajuste de cuentas, entre la nueva y la vieja estructura de poder y que el futuro será mejor para todos. Algunos argumentos sobre el feminismo se tornaron divisorios y parece que los intereses de la mujer están en desacuerdo con los del hombre. ¿Crees que esta evolución debería llevarse gradualmente o en un movimiento rotundo? Creo que necesitamos de ambas, es decir, el cambio está sucediendo, gradualmente, pero eso no significa que no participaría en un movimiento grande, fuerte y poderoso para ser catalizador de ese cambio.

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Ana Rizo. Músico originaria de Michoacán, México, con una mente creativa única que después de haber estudiado ingeniería y producción musical, crea sonidos con tonalidades del rock pop y arreglos con sintetizadores. Fusionaste la moda con tu música, especialmente, en tus dos últimos álbumes. ¿De dónde viene la inspiración para crear un concepto de tu imagen? Cuando pienso en la música, pienso en el color y la textura, es un ‘todo en uno’, me gusta la idea de que cada álbum sea de un tono y así es como creo estas personalidades en colores.

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Corina Lutski. Modelo mexicana, que ha colaborado con Michel Domit, y Fashion Week México, además de ser nutrióloga. ¿Crees que el pensamiento radical puede distanciarte de tus objetivos? No. Creo que el pensamiento radical es necesario para lograr tus objetivos para mejorar creativa y profesionalmente. Tienes que ser un sociópata en tu propia grandeza para lograrlo, tener confianza en ti mismo, en lo que haces y lo que tienes que decir para convencer a otras personas, así que es valioso te escuchen. Considero que esto es pensamiento radical. ¿Crees que el uso excesivo de las redes sociales afecta, de algún modo, la autoestima de los usuarios? Cuando era pequeña no era tan consciente de mi propia imagen. No soy una de esas personas que piensa que una cosa es mejor que otra y creo que la nostalgia es un poco una maldición, así que diría que existen ventajas y desventajas sobre esto.

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Estefani Brolo. Originaria de Guatemala, cantante de la banda costarricense Patterns, compositora y DJ en su proyecto FELA. Se envuelve en el arte de la música en todos los sentidos. ¿Cuál ha sido el mayor obstáculo que has superado en la industria de la música? Aprender a usar mi tiempo de manera sabia y canalizar mi energía para obtener creatividad, evitar actuar como un caballo de batalla.

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Amor Amezcua. Hija de Ramón Amezcua (Bostich de Nortec Collective), originaria de Tijuana y parte de la banda Mint Field, la cual se ha presentado en Coachella y SXSW. ¿Cómo fue la experiencia de ofrecer un show sin banda en la presentación del disco? Quería hacer una pieza teatral, cuestionar: ¿qué es y qué puede llegar a ser un espectáculo de rock? Estamos en una etapa temprana del proceso de gira, presentar a la gente este álbum que no era sobre otras personas en escenario tocando música, sino más sobre una experiencia multimedia, visual y energética en el show. La banda regresó, es algo que hice por única vez.

Mariana H. Conductora de radio y televisión desde hace más de 15 años en Grupo Imagen, se desarrolla en el área de música, recomendaciones literarias y de entretenimiento en general. ¿Por qué crees que no hay más hombres involucrados en la búsqueda de igualdad para las mujeres con las que tienen relaciones? Lo ves en cada grupo, en cada tipo de persona o grupo de personas que tuvieron privilegios durante años. No están dispuestos a renunciar al privilegio porque nunca lo percibieron como un privilegio, simplemente como algo heredado. Lo ves en todo el mundo, no solo en los Estados Unidos, donde el ajuste de cuentas ocurre a pesar de los privilegios. Creo que hay muchos aliados masculinos, pero hay hombres que están en proceso de transición y educación. Las personas tardan en cambiar, pero lo harán.

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Luciana Villegas. Poeta y escritora originaria de México, que ha mezclado sus habilidades para enfocarse en sus proyectos personales como el libro de poemas, La Selva (O El Gran Desorden, Confusión Y Asunto Complejo). ¿Qué entiendes por el concepto de Era? No como una mujer creativa, sino como ser humano que se desenvuelve con éxito entre cambios, desarrollos y acceso a la información. Cuestionarnos sobre las formas en las cuales vivimos y las doctrinas que dicen qué es correcto, lo qué es o no es aceptable y, quién tiene el poder. Cuando realmente tenemos el poder de decidir, qué es el poder y cómo es. Creo que estamos viendo una curva completamente reinventada del poder, que será mejor para todos.

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Mariana Del Valle. Chief Digital Office en MCsaatchilanga. Publicista digital, sumamente apasionada por crear y desarrollar experiencias y herramientas de marketing digital. ¿A quién consideras como mentor dentro de la industria de la música? A mi nuevo manager, John Sola, es un gran mentor. También recuerdo que cuando cumplí 34 años tomé el té con Tory Englason, ella fue la persona más generosa, encantadora e interesante con quien hablé. Fue generosa con su tiempo y muy amable conmigo. ¿Qué música nueva escuchas? Hay excelente música por todas partes, Kendrick Lamar, aunque no es nuevo es maravilloso. También me gusta King Krule es grandioso.

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A LO E B L AC C

EL IDIOMA UNIVERSAL ES LA MÚSICA Por Alejandro Franco en WFM por W Radio Podcast available at WRADIO.COM.MX

MACGILLIVRAY FREEMAN FILMS, BRAND USA Y SPONSORING PARTNERS ANUNCIARON EN MÉXICO EL LANZAMIENTO DE TRAVESÍA MUSICAL, UN NUEVO DOCUMENTAL IMAX® NARRADO POR EL FAMOSO GUITARRISTA Y COMPOSITOR MEXICANO JAVIER BÁTIZ Y LO PROTAGONIZA EL CANTANTE Y COMPOSITOR NOMINADO AL PREMIO GRAMMY, ALOE BLACC.

La película utiliza el lenguaje universal de la música para dar la bienvenida a mexicanos que visiten las ciudades emblemáticas de Estados Unidos. Brand USA, organización de comercialización de destinos para Estados Unidos y MacGillivray Freeman Films se unieron con el patrocinador mundial Expedia para presentar a los espectadores mexicanos su segunda película en pantalla gigante: Travesía Musical (America’s Treasures). El estreno de Travesía Musical fue en la Ciudad de México, en el Papalote Museo del Niño. Fueron invitados a la celebración músicos y cineastas, entre otros personajes del medio quienes disfrutaron de la actuación en vivo de Aloe Blacc. La película se proyectará en algunos cines IMAX®, en pantallas gigantes de la Ciudad de México, Monterrey, Tijuana y Mexicali entre otras ciudades. En la película acompañas a Aloe Blacc en un trayecto por el tiempo y el espacio en busca de las raíces musicales de Estados Unidos, los escenarios culturales y los paisajes te cautiván. Es una experiencia fascinante, recorrer con Blacc las ciudades cuna de la música por las que anduvo Louis Armstrong, Nueva Orleans, Louisiana; Chicago, Illinois, Nueva York, Nashville Memphis, Tennessee, Miami, Florida, entre otras. Travesía Musical explora el encuentro de culturas que dieron origen a géneros musicales estadounidenses como el jazz, blues, country, rock and roll y hip-hop.

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Estás en la Ciudad de México promoviendo el proyecto documental sobre la música en América del Norte, Americas Treasures. Lo llevamos a toda América, trabajamos sobre la percepción errónea de que América solo es Estados Unidos. México es parte de Norteamérica y quiero que todo el mundo lo sepa. Mi esposa nació en Baja California, tengo familia mexicana y mis padres son de Panamá. Yo soy del área de Los Angeles, crecí en Orange County. Caminar por las calles de LA me recuerda un poco a la Ciudad de México. En Travesías Musicales, soy el guía y hablo de la música con otros artistas, músicos e innovadores emblemáticos que están moldeando la cultura estadounidense, incluyendo a Jon Batiste, líder de la banda y director musical de The Late Show with Stephen Colbert, Gloria y Emilio Estefan, el director nominado al Academy Award®, Greg MacGillivray y muchos más. Sigo los pasos de Louis Armstrong, originario de Nueva Orleans, quien en una migración de afroamericanos llegó a Chicago y comenzó a expandir el entendimiento de la música Jazz a todo el mundo, lo cual, lo convirtió en embajador de Estados Unidos a través de la música. Además, fue un pilar importante en la lucha de los derechos civiles, él es nieto de personas que fueron esclavas y, a través de generaciones, pudo hacer un cambio en el mundo, generó un reconocimiento al ser humano.

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El idioma universal es la música... Es atemporal. No tiene raza ni discrimina. Solamente es música, eso es amor puro. Por eso la música es el idioma universal. Cuando te adentras en las historias y condiciones detrás de la creación de la música, te das cuenta que debes agradecer por aquello que pasaron los antepasados para poder entregar lo que escuchamos hoy. El significado real de la música es mucho más profundo de lo que en realidad percibimos. Porque hubo lugares en los que Armstrong no pudo tocar, solo le permitieron entrar por la puerta de atrás y esa fue su realidad. Pero al final, todo mundo aceptó su música. Porque al final el arte está encima de todo… Me encanta esa frase: “El arte está por encima de todo”, creo que es una excelente idea ¡Voy a escribir una canción sobre eso! ¿Qué tipo de música escuchaban en tu casa? Mis padres escuchaban una gran variedad de música. Me encantaba la salsa, por ejemplo la canción 'Severa', de Ismael Rivera, que está en mi álbum de 2016. Hice un cover porque me parecía muy divertida. Este cantautor es una de mis grandes influencias, me demostró que puedes expresarte, ser crítico, activista y al mismo tiempo, ser parte del entretenimiento. También Michael Jackson, muchos lo siguen porque les gusta


como baila, pero cuando escuchas su lírica, habla de algo progresivo, socialmente da un mensaje. Por ejemplo, en Beat It y Bad habla acerca de la vida de las pandillas. Cuando fue a Brasil y habló acerca del estado de las personas negras en América y de las favelas le dijo al mundo "Vean, esta es la gente que está siendo olvidada". Son temas universales, esperemos que, algún día, no tengamos que hablar de esto como problema, las nuevas generaciones de jóvenes ya lo superaron. "Parte de lo que hace que la humanidad sea más grande es el hecho de que podamos encontrar caminos en común y cruzar fronteras, religiones y razas, esto hace que todo sea más fuerte…" ¿Crees que la tecnología actual es buena para la música? Para los músicos no, pero si es buena para la música porque la hace disponible, es un servicio, no un producto, pero para el músico hace que parezca como si no tuviera validez. Cualquier cosa que llega a tu cuerpo, cerebro y oídos te hace lo que eres, construye tus caminos. Todo lo que escuchas, literalmente, crea conexiones neuronales. Por ejemplo, los niños de cero a siete años están en una etapa importante para exponerlos a todos los idiomas y a la música, porque todo lo que experimentan construye puentes neurológicos que, al paso del tiempo utilizarán en situaciones inimaginables.

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THE DRUMS

"Este disco me dio la oportunidad de dejar de apuntar el dedo hacia fuera; para este nuevo álbum, todo se trataba de mirar hacia dentro, y cada canción era como una sesión de terapia, sanándome de verdad. Para el final del disco, surgí sintiéndome feliz, en verdad, más satisfecho de lo que me había sentido antes." -Jonathan Pierce

SESIONES

CON ALEJANDRO FRANCO

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lo largo de ocho temporadas SesioneS con Alejandro Franco ha sido un escaparate para los proyectos musicales más importantes de todo el mundo, quienes, a su vez, han compartido las canciones más emblemáticas de su discografía. El concepto detrás del show es sencillo, capturar la interpretación de una banda, sumando una íntima conversación con el conductor y fundador del proyecto: Alejandro Franco. Con una historia de casi una década de transmisiones y cientos de bandas en su

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haber, SesioneS volvió en 2018 con una nueva forma de presentar la música en vivo y un concepto que nos llevó a conocer los espacios más representativos de la Ciudad de México, mientras disfrutamos de grandes actuaciones sonoras. SesioneS con Alejandro Live From México City, incluyó la colaboración del fotógrafo Santiago Arau, quién sumó su ojo crítico para mostrarnos una nueva perspectiva de la CDMX, con tomas imposibles de la gran urbe que llevaron el show hacia otro lugar visual.

Sin embargo, la música como dicta la costumbre, ostentó el protagonismo a lo largo de estos ocho capítulos, ofreciendo un lineup estelar con bandas de diversos puntos del planeta. The Drums, Mogwai, Soja, Titán, Rhye, Cigarettes After Sex, The National y Morrissey se sumaron a los actos que se convirtieron en parte de la larga lista de familiares del show. A continuación, presentamos una galería con los mejores momentos plasmados a lo largo de las grabaciones, un testimonio visual de los instantes que definieron la temporada nueve.


MORRISSEY

El inglés pasó por SesioneS con Alejandro Franco Live From México City para entregar un set lleno de su característico romanticismo, sin olvidar su poder interpretativo.

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MOGWAI

"A veces sentimos que no vamos a ningún lado, pero solo tienes que seguir adelante, muchas de las canciones se descartan y las que parecen buenas ideas, las seguimos desarrollando y después también las desechas. A veces todo es prueba y error, en realidad." - Stuart Braithwaite

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THE NATIONAL

"Creo que mucho de la Era de Trump expondrá y seguirá exhibiendo las verdades de Estados Unidos, que siempre han estado ahí y no han sido confrontadas, como el racismo, y el sexismo." - Matt Berninger

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RHYE

"Para mí la música no es acerca de las ganancias, es acerca de crear algo realmente especial y mágico, después, dejar a la disquera encargarse de hacer dinero. Soy artista, no necesito ser el de los negocios." -Mike Milosh

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CIGARETTES AFTER SEX

"Nunca logro un buen sonido en un estudio, hay un tipo de magia que se pierde. Me encanta capturar el sonido de una locaciรณn, nos hace tocar diferente, nos relaja." -Greg Gonzalez

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SOJA

"Llevamos 20 años juntos, la mayoría de las bandas han parado, o se disuelven a estas alturas, así es que nos considero muy afortunados, nunca lo planeamos así y me doy cuenta de lo afortunados que somos de hacer esto." -Jacob Hemphill

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TITÁN

"Con Elevator giramos por todos los festivales de Europa… nos volvimos mejores músicos, peores personas." -Julián Lede

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J U L I A H O LT E R P O P B A R R O C O PA R A L A S M A S A S Por Diovanny Garfias | Fotos: TonjeThilesen

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s complicado redefinir a un género tan prominente como el pop, darle un nuevo sentido sonoro y en el proceso hacer de éste algo distinto, al menos lo suficiente para destacar en la homogeneidad musical que parece rodear la industria musical actualmente.

en la casa), así que me compraron un teclado Casio y después, cuando cumplí 8 años, me dieron un piano de verdad, fue increíble. Empecé a tomar clases de piano y estaba tan clavada que básicamente eso me ha mantenido a la música desde entonces.

Sin embargo, Julia Holter es la prueba viviente de que la proeza es posible y que, de hecho, cuando se trata de expresar un nuevo sentir sónico, la célebre regla de moda, “menos es más”, se aplica también a la música. La cantante, originaria de Los Angeles, California, descubrió en los teclados orquestales, el piano y clavecín la manera de llevar su música a un nuevo lugar, donde el ambiente, el barroco y el folk conviven acompañados de la idea de lo que entendemos por pop.

Así que fue la idea de tocar la que te enganchó a la música… Creo que fue mi experiencia con el sonido, el acto físico de tocar el piano, lo que me involucró más que alguna referencia cultural. Aunque estoy segura de que he tenido inspiración formativa, estén o no relacionadas con lo que hago ahora, en especial cuando era más joven. Joni Mitchell, The Beatles, Billie Holiday, Tori Amos y Fiona Apple. Los sigo teniendo, por supuesto, aunque no estoy segura de cómo, supongo que junto a un poco del millón de excelentes músicos que he escuchado en toda mi vida.

Julia visitó por primera vez la Ciudad de México para ofrecer un concierto en el Ex Convento de San Hipólito, un lugar idóneo para compartir su obra y celebrar Have You In My Wilderness, su exitoso álbum de 2015. Aprovechamos la ocasión para platicar con la talentosa intérprete y descubrir un poco de la historia detrás de su propia reinvención del pop. Cuéntanos, ¿cómo te involucraste en lo música, tienes algún recuerdo en específico del momento exacto en que ésta te cambió la vida? Creo que fue cuando era niña y supe que quería aprender a tocar el piano (inicialmente era la batería, pero estoy segura de que mi mamá no quería tener un montón de tambores

¿Cuál es tu pieza de equipo favorito, esa que tienes que llevar a todos lados? No soy una persona de equipo, pero parece que mi teclado Nord Stage se me pegó desde 2012 en grabaciones y shows. Es mágicamente versátil, algo ideal para mí. Have You in My Wilderness es un disco con un sonido muy particular, se siente muy calculado y de estudio… Sí, buscaba un sonido expansivo al estilo del pop clásico –lo que sea que eso signifique–, tal vez como un el gran sonido pop de una cálida balada de los 60.

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¿Y cómo fue tomar canciones de éste y montarlas para el nuevo tour? Primero fue terrorífico, pero después muy divertido. Siempre trato que las que las actuaciones sean una cosa completamente distinta a la grabación y viceversa, las dejo correr libres, que los músicos hagan lo suyo y que prueben diferentes arreglos e ideas. Por alguna razón odio ensayar, lo encuentro realmente aterrador e inquietante, pero me encanta actuar. Cada vez que estoy ensayando con los músicos pienso: Oh Dios, no puedo hacer esto, no sé cómo comunicarlo. Pero de alguna manera todo sucede y cada vez que hay un show me sorprende lo que acaba de suceder. A veces piensas que no estás listo y descubres que cuando actúas, tu cuerpo sabe qué hacer. ¿Cuéntame de la experiencia de grabar In The Same Room, tu álbum en vivo, ¿qué te llevó a buscar registrar el tour en un disco? Estábamos en medio del tour de 2016 y, honestamente, muy cansados [risas], paramos en Londres por unos días para grabarlo, estábamos emocionados de poder oír lo que llevábamos, pero en un buen estudio. Para mí, especialmente, fue lindo escuchar mis canciones y lo que los músicos con los que tocaba hacían en el escenario; regularmente me concentro en lo que hago, así que es hermoso escuchar todo tan claro. ¿Crees que la experiencia de grabar este disco influirá en tu próximo trabajo? Fue algo enriquecedor y emocionante de manera diferente a cuando trabajo en un disco; cuando lo hago tiendo a querer controlar todo, aunque sé que tengo que ceder y esto se sintió como un proyecto colaborativo con otros músicos. Quedé muy impresionada de los músicos con los que trabajé, lo que hicieron fue mágico y me dio el tiempo y el espacio para sentarme y apreciar nuestras actuaciones en su totalidad, sin adornos y sin capas, de una manera ligeramente diferente a un álbum normal, sin toda la producción y lo que implica. Así que sí, definitivamente estoy trabajando en música nueva que tendrá algo que ver con lo que hicimos en In The Same Room.

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AN EVENING WITH MURDOC AND NOODLE Por Oscar Adame

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inalmente llegué al oeste de Londres, me dirigía a entrevista con la banda llamada Gorillaz (integrada por 2-D, Murdoc, Noodle y Russel), quienes se encontraban promocionando su más reciente disco de estudio, Humanz (2017). Desde el exterior parecía una linda calle de los suburbios, no muy distinta a cualquier otra, pero la casa en la que fui citado se veía terriblemente descuidada y el olor que la rodeaba me hacía sentir enfermo. Repentinamente la puerta se abrió por sí misma y me di cuenta que no había nadie dentro, un sentimiento de inseguridad me invadió. Estaba temblando, pero sabía que tenía que mantenerme fuerte. Mi jefe me había advertido que esta sería la entrevista más peligrosa que haría en mi vida: Ese tipo, Murdoc Niccals, es un maldito lunático, debes de tener especial cuidado con él, dijo, sacudiéndome con sus manos sudorosas. En otras circunstancias no te enviaría con este tipo de gente, pero Warner dijo que nunca tendremos una exclusiva con Ed Sheeran si no aceptamos esta entrevista y tú sabes cuánto lo amo, por favor haz esto bien por mí. Pensé que me estaba haciendo una prueba, pero estando ahí se mostró evidente que esa casa sólo podía ser el hogar de un verdadero psicópata, del tipo de persona a quien debería de temer. Me quedé parado ahí hasta que alguien me gritó: Hey, entra de una buena vez, no seas tan pinche cobarde. Seguí la voz al interior de la casa, la cual resultó ser

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mucho más desagradable que el exterior. Las paredes se estaban resquebrajando y había largas pilas de basura sobre el piso, algunas eran bastante grandes y contenían desde instrumentos musicales rotos hasta condones usados y todo tipo de drogas. Mi interior empezó a revolverse: No lo hagas, gritó la misma voz, ¿Quién crees que limpiará tu desastre si vomitas?, continuó. Entonces, me di cuenta de dónde provenía, había un refrigerador en la cocina, uno largo, pero oxidado, en cuanto llegué a él lo abrí sin poder contener mis emociones, la luz me cegó y tras unos segundos de ver sólo obscuridad, ahí estaba él, un hombre verde, largo y delgado, tratando de devorar un pollo aún con vida: …hummm mmm, espera un minuto, dijo antes de salir corriendo de la cocina. Mis piernas no paraban de temblar, al poco tiempo tendría que volver a ver esa aterradora cara, la misma que rodeaba con sus afilados dientes, la emplumada ala de una pobre gallina viva. Tras pocos minutos lo sentí, los pasos venían hacia mí, él se mostró con su larga nariz y olor a mierda, venía acompañado por una bella chica. Se veía relajado, caminando con una extraña convicción hacia el refrigerador y el silencio reinó. Buscaba más comida. La chica se quedó parada a su lado, viéndome con curiosidad hasta que el sujeto se acercó al lugar en donde yo estaba sentado, mi corazón empezó a palpitar más fuerte y mi sangre corría cada vez más caliente, no quería hacerle frente: ¿Qué pedo güey?, dijo el tipo verde. Y así es como empezó la entrevista. Todos los miembros de Gorillaz han mostrado cambios físicos bastante aterradores a lo largo del tiempo. Desde su tono de piel hasta dimensiones distintas de la realidad, incluso la forma de sus cráneos ha cambiado. ¿Cómo lo hacen? ¿Acaso eso duele? Murdoc: A eso se le llama crecer, amigo. Una gran revelación para tus lectores: 2D ahora tiene el pubis marcado.

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¿Cuál fue su primera impresión de México cuando tocaron por primera vez en el país? Noodle: Lo amé. México es como un gran y cariñoso cactus sin espinas, con lentes de sol de diseñador y una sonrisa tan grande como el Sol. Es el centro del universo y la cima del mundo. Murdoc, tú fuiste arrestado en México poco después del lanzamiento de su disco debut, te sentenciaron a 20 años de prisión, pero de alguna forma lograste escapar ¿Cómo te sentiste cuando regresaste después de tantos años, no te aterró la idea de que tu estatus de fugitivo podría meterte en problemas con las autoridades mexicanas? M: Tienes un país hermoso, pero estar en una prisión mexicana no es un paseo por el parque. Para ser justo, ninguna prisión es como un parque, de otra manera las prisiones serían bastante inútiles. Pero las mexicanas son extra especiales y debes de saberlo. Si hubiera un Trip Advisor para presos yo sería un puto experto nivel platino. Afortunadamente, mi equipo legal me aseguró que todo estaría bien con sus autoridades, por lo menos hasta lograr pasar la prueba de drogas. Entonces, humm… El disco más exitoso de Gorillaz es Demon Days, el cual tú, Noodle, iniciaste, involucrándote a un punto en el cual lo dirigiste por completo. ¿Cómo tomó esto Murdoc, quien previamente ha tomado todos los créditos creativos de la banda como suyos? N: No puedes creer siempre en lo que el hombre verde dice. Juzga los libros por su portada y todos podrán ver la mía claramente. ¿Qué le sucedió a Mike, el mono mascota que los seguía a todos lados durante quella época? N: Lo último que oí fue que Mike se transformó en Michaela y que formó una agrupación de ska llamada Queens Of The Swingers, conformada únicamente por monas araña. Ella tocaba el kazoo eléctrico. Tristemente Mike murió y ahora está disfrutando en el eterno festival de los cielos.

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Siendo el único miembro femenino de la banda, ¿sientes algún tipo de necesidad por mostrar el empoderamiento femenino? N: No necesito representar al empoderamiento femenino. Abunda en todos los rincones del mundo. No podemos mantener la mirada abajo y todo mundo sabe eso. ¿Cuál es su opinión acerca de aquella banda tributo a Gorillaz que Damon ‘el molesto’ Albarn formó? M: Trato de tomar como un cumplido cada que un cantante quiere honrar a mi arte con un acto tributo. Es la maldición que Elvis y yo tenemos que cargar. Jesús tenía el mismo problema. Todos esos payasos declarando ser la segunda venida de Cristo. Les pasa a todos quienes somos mesías musicales o de cualquier otro tipo. Finalmente, nos acostumbramos. Noodle, es gracioso que no hablabas ni una palabra en inglés durante la primera fase del grupo, lo cual seguro te llevó por todo tipo de situaciones interesantes. ¿Recuerdas alguna en especial? N: El inglés es un lenguaje misterioso, pero me he especializado en ello. Murdoc no es un muy buen profesor, me di cuenta en cuanto aprendí que a la mayoría no les gusta que se dirijan a ellos como “pendejos”. Entre los seguidores de Gorillaz es una creencia popular que tú y 2D han mantenido una relación romántica. ¿Es esto cierto? N: Las únicas naves que navego son las espaciales. Existe una teoría que dice que todas sus acciones son controladas por un hombre llamado Jamie Hewlett, ¿qué tienen que decir respecto a esto? M: ¿El caricaturista? [risas]. Esa es una muy buena, amigo. Nadie controla a Murdoc. Bueno, si no tomamos en cuenta los jueves de 3 a 5, cuando visito a Madame Flesche, mi dominatrix. Todo termina en el segundo en el cual digo la palabra de seguridad: Clementine.

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GORILLAZ

AN EVENING WITH MURDOC AND NOODLE By: Oscar Adame

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travelled to London only to interview a band called Gorillaz, they were promoting their last record, Humanz (2017). The house, where the appointment was, seemed nice, it was located in a suburban street, but as you got closer the smell surrounding it was sicking. Suddenly the door opened by itself. Soon I realized no one was there to greet me, and an unsafe feeling got over me. I was shaking, but I knew I must be strong. My boss told me that this was going to be the most dangerous interview I will ever have to do. —That guy, Murdoc Niccals, is a fucking lunatic, you must take your precautions, he’s one of a kind —he said, shaking me sweaty hands—. In other circumstances, I will never put you through that kind of experience, but Warner said that we won’t get an exclusive interview with Ed Sheeran if we don’t accept this one. You know how much I like him, please do this for me. I thought that he was testing me. Being there became clear that this house can only be of a psycho, the type of guy I must be totally scared of.

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[ ENGLISH F E AT U R E ]

I stood there until someone said: — Hi there, come in, don’t be such a pussy —. So, I followed the voice through the house, which was far more disgusting than the outside. The walls were broken down and there were piles of garbage on the floor, broken musical instruments, used condoms and all kind of drugs remains, my stomach, started to turn and growl. —¡Don’t dare! —said the same voice— Who will end up cleaning your mess?

be a fucking platinum level expert. Fortunately, my legal team assures me everything will be fine with the authorities, so long as I can pass a drugs test. So, mmm… The most successful album by Gorillaz so far has been Demon Days, which you, Noodle, directed and appear in. How did Murdoc, who previously claimed all creative credits of the band, take it? Noodle: You can’t always believe what the green one says. Judge every book by its cover and everyone can see my cover clearly.

Then, I realized the voice was coming from a large and oxidized fridge in the kitchen, as soon as I opened it, the light blinded me, after a few seconds I was able to see, and there he was, a tall and skinny green dude trying to eat a chicken alive.

What happened to Mike, the pet monkey that followed you around during that time?

—hum mm, wait a minute —he said— before leaving in a hurry.

Noodle: The last I heard, Mike had become Michaela and formed an all-girl spider monkey ska band, Queens of the Swingers. She plays the electric kazoo. If only, sadly Mike died and is now at the big eternal festival in the sky.

My legs trembling. Soon after, I had to face him again, I heard his steps coming towards me. He showed himself to me with his large and pointy nose and his stinky smell, a really pretty girl followed him. He seemed utterly relaxed, looked inside the fridge again, while the girl stood at his side, looking at me as if I were an alien. All of a sudden, the guy closed the fridge, took a couple of steps toward where I stood speechless, my heart started to beat louder and louder, the blood inside me flowed hotter, making me sweat like a pig, I didn’t want to see him at all. — What’s up buddy? — the green man said in a gentle voice—. And that’s where it all began... Each member has displayed staggering physical changes throughout the years, which have noticeably shown in each album, these changes have spanned from various skin tones, to dimensional reality, even the shape of your very own skull. How do you do this? Murdoc: It’s called growing up, mate. Big reveal for your readers: 2D’s got pubes now. What was your first impression of Mexico back then when you played your first show? How would you describe our country? Noodle: I loved it. Mexico is like a huge, cuddly cactus with no spikes, designer sunglasses and a smile as wide as the sun. It is the centre of the Universe. Murdoc, you were arrested in Mexico soon after the release of your first album, you were sentenced to 20 years of prison but you somehow managed to escape. How does it feel coming back after all this time? Weren’t you afraid that perhaps your fugitive status might get you in trouble with Mexican authorities? Murdoc: You’ve got a beautiful country, but a Mexican prison is not a walk in the park. To be fair, no prison is a walk in the park, otherwise it would be a pretty useless prison. But the Mexican ones are extra special, and I should know. If there was a TripAdvisor for lockups, I’d

Being the only female member in the band, would you agree that you must portray female empowerment? Noodle: I don’t need to portray female empowerment. It’s abundantly evident everywhere in the world. We can’t be kept down and everyone knows that. What’s your opinion on the Gorillaz tribute band that Damon “pesky” Albarn has formed? Murdoc: If some crooner wants to honour my art in a tribute act, I try to take it as a compliment. It’s the burden both Elvis and I have to bear. Jesus had the same problem. All those jokers claiming to be the second coming of Christ. It goes with the territory of being a messiah, musical or otherwise. We’re used to it. Noodle, it’s funny that during Phase One you did not speak a single word of English, which must have led to all sorts of interesting situations, do you recall your strangest or funniest incident as a result of the language barrier? Noodle: English is very much a mystery language but is also my cup of tea. Murdoc is not a good teacher, as most people don’t want to be addressed as ‘wanker’. It’s popular belief among the Gorillaz fanbase that you, Noodle, and 2-D were at some point romantically involved, what’s your opinion on this? Noodle: The only ships I sail are spaceships. There’s a theory that suggests your every action is controlled by a man named Jamie Hewlett, what do you have to say about it? Murdoc: The cartoonist? (laughter) That’s a good one, mate. Nobody controls Murdoc. Well, apart from 3-5pm on Thursdays, when I visit Madame Flesche, my dominatrix. And it all stops the second I say my safety word. Clementine.

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MINT FIELD EL ARTE DE CRECER CON L A MÚSICA Por Oscar Adame

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a primera vez que escuché ‘Ciudad Satélite’ tenía 19 años. Es una canción preciosa que llegó justo a tiempo para acompañarme en una de las etapas más complicadas de mi vida. La voz cálida de la vocalista de Mint Field, Estrella Sánchez, me impregnó con el dolor adolescente de cuando te das cuenta que lo que llenaba de ilusión tu mundo, es mentira. La peor sensación de desamor llega al darte cuenta que el mundo no está formado alrededor del amor utópico que nos mostraron por años en las películas de Disney. Hoy mis ojos ya cansados de tanto buscar, mis fantasías me hacen daño, no te voy a encontrar…", canta la vocalista de Mint Field, tratando de dar significado a la pérdida de ilusiones sobre una instrumentación fría que dicta que lo conocido son arquetipos inventados para dar sentido a la vida, en la cual no hay ningún sentido a menos que tú se lo des. Se llama Ciudad Satélite debido a que mi padre, es de allá, me decía que es muy parecido a Playas, el lugar en donde viví de niña, por ser tranquilo y lento. El título es una metáfora al lugar donde yo vivía, declaró Estrella, en un homenaje nostálgico a su pasado inocente y lleno de frustración por no ser capaz de dar con aquello que las historias prometieron durante años. La canción progresa a lo largo de los siguiente cinco minutos, liberándose de las mentiras y lidiando con la realidad: quisiera sacar de mí mirada, grita, acompañada de guitarras cargadas de feedback. Esta fue la primera canción que el dúo presentó en su carrera y terminó siendo parte de su álbum debut El Pasar de las Luces (2018), un disco de 13 cortes en los cuales Amor Amezcua (ba-

tería) y Estrella, un par de chicas de 21 años de Tijuana, México, muestran su proceso de madurez artístico y personal. Todo cambió, teníamos una idea de qué eran las canciones más viejas como ‘Ciudad Satélite’, pero fueron transcurriendo con nosotras a lo largo de los últimos dos años y evolucionaron. La última vez que grabamos esa canción, tratamos de que las guitarras sonaran más fuertes, es una canción muy linda y melancólica, pero ahora suena más madura, declaró Amor. Creo que la meta en este disco fue lograr que sonara como lo hace, que era como queríamos. Estrella y Amor muestran los sentimientos más profundos que experimentaron a lo largo de los dos años que les tomó grabar el material, con instrumentaciones basadas en efectos de guitarra y experimentos con voces procedentes del shoegaze, bajo estructuras in-crescendo típicas del post-rock y ganchos pop que recuerdan lo realizado por Sigur Rós en Takk… (2005). El grupo se definió cuando eramos unas niñas y, bueno, todavía lo somos, pero ahora sabemos un poco más, recalcó Amor mientras profundizó que a lo largo de estos años ambas se interesaron en procesos técnicos de producción y en la incorporación de nuevos instrumentos para acompañar a la música de Mint Field, proyecto que desde sus inicios causó un gran furor dentro de la industria independiente del país y se posicionó rápidamente como una de las propuestas mexicanas más prometedoras, cuando en el Festival de Coachella, en Indio, California, les abrió las puertas. Estuvo muy padre, fue algo que no nos esperábamos para nada. Estábamos comiendo juntas

cuando nos enviaron una invitación, vía correo electrónico, tres semanas antes del festival creíamos que era broma, no nos la creíamos, dijo Estrella, con los ojos bien abiertos. Estábamos brincando en el restaurante, agregó Amor entre risas previo a agregar con una mayor seriedad, Nos sirvió demasiado, como experiencia, sobre todo, para darnos cuenta de a dónde podríamos llegar y qué no queremos ser. Ambas vivían en Playas de Tijuana. Se conocían de vista, pero no hablaron hasta la secundaria, cuando se dieron cuenta de que tenían los mismos gustos musicales. Entonces un día me contó que tocaba la guitarra. Yo estaba componiendo una canción electrónica y la invité para que pusiera teclados, pero no funcionó, entonces decidimos crear nuestra propia banda y empezamos a juntarnos para tocar todos los días, todo el día, declaró Amor. Al escuchar El Pasar De Las Luces (2018), resulta ridículo pensar que este par de chicas aprendieron a tocar sus instrumentos mientras el proyecto avanzaba, y así fue. Amor tomó el puesto de la batería porque su hermano ya la tocaba, Estrella la guitarra y las voces por conveniencia, era lo que se sentía natural. Hubo muchos cambios en el transcurso de Mint Field y nosotras caímos en el reto de tener que hacer todo solas. Nuestro tiempo libre se fue a componer y tocar, hubo un día en el cual Amor empezó a tocar el theremin y me dijo: "Quiero tocar esta canción en un show en vivo", sucedió sin haberlo ensayado. Lo único que queríamos hacer era explotar lo que podíamos hacer. Estrella concluyó diciendo que le da curiosidad lo próximo que éste dúo tan abierto a la experimentación y a compartir su ser nos pueda entregar en el futuro.

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“A VECES OLVIDO QUE MI PADRE MURIÓ LITERALMENTE DOS DÍAS DESPUÉS QUE TERMINÉ EL ÁLBUM… PERO BUENO, ESE ES EL REGALO QUE ME HIZO, DARME CUENTA DE LA IMPORTANCIA DE TU TIEMPO EN EL CÍRCULO DE LA VIDA.”

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M A R I L Y N M A N S O N S O M E O N E E L S E W I L L PAY FOR YOUR SINS Por Diovanny Garfias

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e joven no estaba contento con quién era, por eso que me convertí en Marilyn Manson, que no es solo un trabajo, Manson se convirtió en parte de quién soy, es un nombre y es una forma de describirme. Escogí el nombre cuando era periodista, imaginé que necesitaba escribir un artículo sobre una banda, así que comencé a pensar en la banda de Marilyn Manson, describiendo lo buena que era la música y cómo crearon algo que no existía, descubrí que a la gente le gustó y así comencé… y ahora henos aquí.

El próximo año Brian Warner no solo cumplirá 50 años de edad, también celebrará el 30 aniversario de Marilyn Manson, la personificación de todo aquello que idealizó cuando era un niño, cuando soñaba con ser un rockstar y batir a punta de lonchera al bully de su clase. A través de tres décadas el músico, pintor, actor y escritor adoptó diversos ropajes sonoros para convertirse en la persona que necesitaba ser: ya fuera con el sonido industrial que Trent Reznor le acuñó en Antichrist Svperstar (1996), el rock glam que Michael Beinhorn le obsequió en Mechanical Animals (1998) o con el blues rock que encontró con el productor Tayler Bates en The Pale Emperor (2015), Manson bien podría escribir un todo un tratado (prologado por David Bowie, por supuesto) sobre cómo cambiar sónicamente y reinventarse una y otra vez en la industria del entretenimiento.

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Generalmente me gusta vestirme como me siento y eso me hace feliz, para mí no es una tarea disfrutar mi imagen, a veces me cuesta trabajo lavarme la cara, pero creo que las personas realmente exageran el concepto de mi maquillaje, sobre todo cuando me comparan con KISS. Uso maquillaje como alguien que lo robó de la farmacia, de hecho, solía hacer eso, robaba delineador negro, a veces aún lo hago, pero por diversión [risas]. Aunque siempre trato de diferenciar la manera en que me veo diario y como me veo en el escenario. Ya sea de política, religión, ocultismo, la farándula hollywoodense o las redes sociales, Manson siempre tiene la necesidad de hablar del mundo en el que vive, vomitar con su música lóbregas representaciones de lo que para él es la realidad, incluso si esto implica hablar de la muerte, algo con

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lo que el músico ha lidiado en los últimos años, primero con la partida de su madre, Barbara J. Warner en 2014 y el año pasado, tras el fallecimiento de su padre, Hugh Warner. Con lo anterior como referencia inmediata nació Heaven Upside Down (2016) su décima placa de estudio. En el disco Manson buscó alejarse del sonido convencional que logró con Born Villain (2012) para rencontrarse a nivel musical con ese personaje llenó de ira y ferocidad de sus primeros álbumes. Sin llegar a los mencionados extremos, el disco se convirtió en un clásico moderno de su discografía, con rock, punk y una pequeña dosis de electrónica; a nivel lírico el dolor de la pérdida de su papá dotó al artista de mucha perspectiva y sobre todo, de claridad creativa.


“CON PALE EMPEROR REGRESÉ A MI ESTILO, PORQUE NO ME SENTÍA EN MIS ESTÁNDARES PROPIOS, NI EMOCIONAL NI MUSICALMENTE Y QUERÍA DISFRUTAR LO QUE ESTABA HACIENDO, TAMBIÉN QUERÍA RETARME A MÍ MISMO.”

Platiqué con Manson poco antes de que iniciará su gira 2018, misma que lo llevará a diversos puntos del mundo, incluyendo una parada en el festival Hell & Heaven en México. Heaven Upside Down, no solo se colocó en varias listas entre lo mejor del año, también fue uno de los más vendidos. ¿Cómo te sientes sabiendo que tu arte y tu música sigue alcanzando grandes audiencias cuando hablas de temas como violencia o el lado obscuro de la condición humana? Estoy muy orgulloso, me encantó saberlo ya que a veces olvido que mi padre murió literalmente dos días después que terminé el álbum, a veces quisiera mandarle un mensaje y llamarlo, ¿sabes? Es algo que quisiera poder compartir con él, estaría muy contento. Pero bueno, ese es el regalo que él me hizo, darme cuenta de la importancia de tu tiempo en el círculo de la vida. ¿De qué manera influyó la muerte de tu padre a la creación del disco? Cuando lo terminé quería que sirviera para explorar el hecho de su muerte, quería ver lo que saldría, pero descubrí que el álbum no hubiera representado correctamente lo que es en sí mismo y que no funcionaría, la historia que había creado con su final, mi final. ¿Qué historia querías contar con Heaven Upside Down? Quería que fuera como una película, que cada canción funcionara como una escena, que si te gustaba el principio la vieras hasta el final para entender cómo avanza la trama. Tyler (Bates) y yo discutimos durante algún tiempo el título, porque de ello dependerían los detalles de la historia y la música. La música tenía que ir de la mano con el dialogo, el cual sería la letra de mis canciones. ¿Alguna vez has sentido curiosidad por formar una familia?, tener hijos, una esposa, ¿o no es algo que necesitas en tu vida? Claro que lo he sentido, sobre todo ahora que no tengo una familia inmediata, pero no quisiera tener hijos si no estoy ahí para ellos por mi trabajo, ya sabes, salir de gira y llevar este estilo de vida, no me gustaría descuidarlos o no estar ahí para guiarlos correctamente.

¿Qué clase de papá serías? Creo que sería un padre no convencional [risas]. Creo que todavía no estoy listo para tomar una decisión al respecto, así que es algo que tendré que contestar en otra ocasión, supongo [risas]. Volviendo a la música, trabajaste con Tyler en la producción de The Pale Emperor y ahora en Heaven Upside Down, ¿qué te motivó a hacer equipo con él de nueva cuenta? Cuando conocí a Tyler tuvimos una unión musical automática, fue algo orgánico respecto al rock and roll, creo que eso cementó nuestra conexión y permitió que siguiéramos haciendo cosas juntos. Él entendió mi forma de ser y me deja desenvolverme cuando escribimos una canción, nuestra amistad permite que podamos crear una canción incluso si mi inspiración viene de un sueño. Creo que hay varias similitudes temáticas y sonoramente entre Antichrist Svperstar y Heaven Upside Down, ¿crees que ambos discos surgieron del mismo lugar a nivel creativo? Tuve una razón similar para hacer este álbum, no puedo explicar exactamente de dónde vino, pensarías que es por las drogas y todo el ambiente alrededor de la producción, sin embargo, creo que proviene de mí, de cosas que había soñado o que había visto. Cuando hice Antichrist Svperstar me basé en mis sueños, no digo que estuviera bien, pero así pasó, fue parte de mi proceso, basarme en mi vida. Así pasó con Heaven Upside Down, tuve una gran cantidad de sueños lúcidos, pero no me sentía satisfecho porque no los podía retratar tal y como habían sido. Comencé a tener muchos sueños lúcidos igual que cuando hice Antichrist y eso me hizo conectar con algo más grande y oscuro, algo que crearía caos, algo que podría distraerte de tu día a día en el mundo. Así que pensé que podría regalarle algo al mundo, diversión, o inteligencia común, todo lo que hace que yo disfrute hacer música. Todo lo que hago lo quiero disfrutar con la esperanza de que las personas lo disfruten y quieran ser parte de ello.

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REVIEWS MY DEAR MELANCHOLY THE WEEKEND REPUBLIC RECORDS

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Desde sus primeras señales de vida a través de YouTube en el 2010, estaba claro que el canadiense quería darle un aire nuevo al R&B que se producía en ese entonces, crear algo desde cero e inyectarle los sentimientos que le agobiaban. Desde entonces The Weeknd ha lanzado tres discos de estudio y un material recopilatorio compuesto por tres partes, todos ellos con excelentes críticas y millones de reproducciones, sin mencionar el inagotable número de colaboraciones que tiene en su haber. Este año, Abel Makkonen Tesfaye lanzó un nuevo material que lleva por nombre My Dear Melancholy, un EP de corta duración que llega por sorpresa y que cuenta con un sonido contundente y la esencia del mismo The Weeknd de siempre: irreverente y sin censura. Las seis can-

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ciones que conforman el EP muestran el perfil más honesto, oscuro y frágil del canadiense que se rinde ante el dolor en busca de sanarse. El viaje comienza con ‘Call Out My Name’ el tema de apertura, acompañado por la melodía de un piano escuchamos el falsete propio del artista que grita a la vida por el dolor de un desamor. Podría decirse que el tema central del disco es la pena y el sufrimiento que ocasiona una ruptura; el añorar al otro y saberlo perdido. ‘Try Me’ es una canción que continúa con el trabajo que Tesfaye viene realizando, un sonido desafiante guiado por una lírica que invita a dejar todo y vivir el momento. Lo mismo ocurre con ‘Wasted Times’ la cual hace que el EP sea vuelva por cerca de cuatro minutos un poco más atrevido.

El disco cuenta con la colaboración de Gesaffelstein en dos temas. El primero ‘I Was Never There’ que continúa con la tesis central, seguido por ‘Hurt You’ en donde ahora se le da la oportunidad al otro de volver, porque tampoco puede dejar de pensar en el objeto de su amor. ‘Privilege’ cierra una pieza que no se coloca por encima de Starboy (2016) ni de Beauty Behind The Madness (2015). No por esto My Dear Melancholy (2018) decepciona, este EP es la muestra de que el canadiense puede hacer buena música en todos los formatos y concretar un trabajo corto de buena calidad, con un sonido potente y con una propuesta alternativa.

-Eduardo Salinas


AMERICA THIRTY SECONDS TO MARS UNIVERSAL MUSIC

6.5 A lo largo de casi dos décadas de carrera, Thirty Seconds To Mars ha experimentado con sonidos distintos. Entre el rock con temática espacial de su debut homónimo (2002), la simbiosis con el post hardcore y screamo que supuso A Beautiful Lie (2005), los cantos de estadio en This Is War (2009) y el pop rock con tintes electrónicos de Love, Lust, Faith + Dreams (2013), la agrupación mantuvo algunos elementos comunes a lo largo de sus múltiples evoluciones. En America (2018), estos elementos desaparecen casi por completo. A diferencia de los materiales anteriores, donde incluso el momento más alejado al núcleo lograba mantener una coherencia con banda, nos encontramos ante un disco escaso en identidad, cuya misión pri-

mordial parece ser acoplarse a cualquier sonido popular en la radio, sacrificando en el camino la presencia de Tomo Milicevic y Shannon Leto en los instrumentos que los volvieron populares.

recuerdan mucho lo sucedido el año pasado con One More Light de Linkin Park. Canciones en que las vocales representan el último vestigio de las bandas a las que representan.

La falta de vínculo entre los tracks no parece ser obra de una simple casualidad. Con ocho productores distintos, entre quienes figuran el propio Jared Leto, Robopop, Zedd y Yellowclaw, no hay espacio suficiente para lograr un hilo conductor. Por separado, las canciones cuentan con un pulido más que competente, pero no se benefician en absoluto al escucharse agrupadas.

Afortunadamente, no todo está perdido. La recta final del audio compone algunos de los problemas más graves. ‘Great Wide Open’ muestra que el talento vocal de Jared permanece intacto, ‘Remedy’ logra un momento especial con una guitarra acústica y vocales bien trabajadas por parte de Shannon Leto. ‘Live Like A Dream’ es el único corte del álbum que logra fusionar con éxito técnicas del rock masivo de This Is War con las melodías pop de Love, Lust, Faith + Dreams.

La idea detrás del disco es interesante: introducir un contexto político a la conversación en un momento de disrupción mientras se homenajea a la gente de su país. Musicalmente, sin embargo, los sonidos de grandeza y los coros multitudinarios de ‘Walk On Water’ se desinflan rápidamente con los beats simplistas de ‘Dangerous Night’, el anticoro con autotune en ‘Rescue Me’ y la pelea entre EDC y trap por reclamar ‘Hail To The Victor’. Las colaboraciones de America, ‘One Track Mind’ con A$AP Rocky y ‘Love Is Madness’ con Halsey,

Oponerse a la evolución del paisaje sonoro de una banda es necio, pero se debe pedir de ellas que sean coherentes en sus cambios. El exceso de productores y el forzado protagonismo de Jared Leto en la mayoría de las canciones terminan por volver mediocre lo que pudo ser un buen esfuerzo.

-María José Thielve

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SABORES FRANCO MEXICANOS DIEGO SO B RI N O Por Samantha Archibald

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e niño tuvo interés por cocinar y lo hacía junto a su madre. Sus padres eran de Veracruz, los veranos disfrutaba en la finca familiar. Ahí aprendió de vegetales, frutas y a comer camarones de río crudos. La interacción con la naturaleza le fue inspirando a crear un estilo culinario propio. Hoy, el chef Diego Sobrino es conocido por su fusión franco mexicana culinaria, pues la vida lo llevó a pasar 12 años formándose. Es el head chef del restaurante, Mexsi Bocu, ubicado en la Colonia Roma, en la Ciudad de México. En esta ocasión, Diego aborda los rasgos culturales de ambas gastronomías como un chef multidisciplinario.

TERROIR: RESPETO POR LOS INGREDIENTES

No hay ingredientes particulares que me inspiren. El hecho de haber crecido en Veracruz, lugar de ingredientes diversos, llegar a Francia y conocer un concepto llamado, terroir (que significa el respeto al producto de una localidad, a la forma de trabajarlo y de producirlo), es algo muy arraigado de la cultura francesa, crecí con esa enseñanza, me gustaba el producto, lo respetaba y trataba de trabajarlo. Cuando voy de casería, al matar a un animal lo hago con respeto y le doy mi agradecimiento. La única regla de mi abuelo era: Si vas a matar algo te lo tienes que comer, es común de los franceses, respetar y agradecer al animal o planta que estás a punto de producir.

CULINARIA MEXICANA EN EL MUNDO

Entre los mexicanos hay un patriotismo culinario fuerte. La gastronomía mexicana es una de las mejores en el mundo. La UNESCO declaró a la comida mexicana como patrimonio de la humanidad. Fuera de México reconocieron que la comida mexicana es compleja, por su preparación y tradición. El turismo gastronómico está jalando mucha gente a México.

LA TIERRA YA NO ES ORGÁNICA

Lo orgánico es difícil de cuidar: si tu vecino usa químicos en su tierra, esa misma tierra con químicos la llevará el agua a tu tierra. Así tengas el plantío más orgánico, tu vecino lo va a contaminar. No me gusta decir que las cosas son orgánicas, más bien son eco sustentables, eso es más honesto, ya que cualquier tierra de México ha tenido químicos en algún momento y se tarda años en filtrarse de los químicos. Si nos organizamos al consumir productos de granja, respetando al animal y plantas, cuidando y tratándolas como debe ser y aprovechar al máximo la región, viviremos mejor de esa forma.

SELECCIÓN DE PROVEEDORES

Busco la más alta calidad, a veces, hasta conozco al productor. En el caso del cerdo, yo compro de un amigo mío, él selecciona a los animales en la zona de la Piedad, Michoacán, de donde son los mejores rastros de México. Es importante que el animal sea respetado e incluso la carne sale con mejor calidad porque cuando se asusta genera toxinas que se quedan en el producto.

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FUI VÍCTIMA DEL ROMANCE FRANCÉS

Uno de mis mejores amigos es francés, fue mi vecino muchos años, y gracias a él conocí la cultura francesa. Su padre regresó a Francia, fui a visitarlo un verano y me enamoré de su vecina. Bueno, fue una buena opción, me quedé en el mejor país para aprender a cocinar y además sigo saliendo con la chica. Así lo hice, me fui a Lyon, al Instituto Paul Bocuse, donde inicié mi formación como chef. Por 12 años Francia se convirtió en mi hogar. Los primeros seis meses estuve en un pequeño pueblo cercano a Ramboullet y en París, trabajé de leñador y operador de una excavadora en un bosque de 27 hectáreas, en un pueblo de 500 personas donde nadie hablaba español ni inglés y en tres meses me pude comunicar perfectamente. Eso me ayudó para entrar a la escuela y pasar la entrevista oral, pero no sabía escribirlo, tuve que trabajar como maestro para aprender a escribir francés.

FUSIÓN DE SABORES, CULTURAS Y TÉCNICAS

Me gusta ser basto. La gente viene a restaurantes para vivir un momento agradable, para ver piezas grandes que los haga salivar. Mi cocina es rústica; los vegetales siempre los dejo casi enteros. Fusiono técnicas francesas, marinado con productos de México, naturalmente, utilizo muchas técnicas mexicanas, es un poco como mi vida que fusiona dos culturas dentro de mí sintiéndome parte de las dos al mismo tiempo.

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ABUELOS CULINARIOS

Paul Bocuse es mi gran maestro. Es una persona que admiro. Durante más de 40 años guarda tres estrellas Michellin en su restaurante y es el padre de la cocina moderna. Yo preguntaba: ¿qué hago? y esto me lo decía Michel Rostang: No sé, haz de comer, da de comer a la gente que para eso viene al restaurante, dales de comer. Entre los chefs que han influido en mí están Christian Lesquerre y Michel Rostang, ellos fueron los que me formaron, son como mis abuelitos culinarios, después empecé a trabajar con chefs más jóvenes que tenían mucha ambición de ganar estrellas, como Julien Ducotê y Sebastien Gravé, ellos son chefs que demuestran un respeto por el producto y ganas de dar de comer a la gente.

LA CONQUISTA CULINARIA EN MÉXICO

Empezó con la cultura indígena. Cada región estaba separada por tribus, cada cual tenía sus rasgos particulares de acuerdo a lo que podían conseguir, luego llegaron los españoles y adaptaron los nuevos productos. En Campeche y Oaxaca hay una cultura culinaria impresionante, hubo una gran convergencia de culturas: holandesa, inglesas, irlandeses, española y portuguesa. Ahí, llegaban productos del otro lado del Pacífico. Son ciudades que adoptaron muchos productos extranjeros y los hicieron suyos, son platillos que tienen hasta 400 años de existir que se volvieron parte de la herencia mexicana. La carne de res, de cerdo y de pollo, no existía aquí, todo eso lo fuimos adoptando a nuestra gastronomía, originalmente comíamos conejo, ardilla, pavo, jabalí y venado, elementos que se van perdiendo en la gastronomía mexicana.

TOP CHEF MÉXICO

El reto más fuerte en Top Chef no es competir contra los demás, sino competir contra ti mismo, finalmente, lo que juzgan depende del plato que hagas. Me hizo ver lo que hacían otros colegas, saber lo que había en otras zonas de México, hice amigos y me destacó en el mundo de chefs. Si hiciera de nuevo estaría mejor preparado, en aquel momento, era Chef corporativo y no cocinaba tanto y fue una desventaja, además, tenía menos conocimiento de la comida mexicana. Si entrara otra vez podría llegar más lejos.

THE CHEF LIFE

Sí, es difícil, pero más para nuestras parejas, amigos y familia. En Francia trabajaba de 15 a 17 horas diarias y a veces hasta 40 días sin descanso. Allá teníamos dos días de descanso, en México nada más tienes uno. Por suerte, en México tengo dos manos derechas, muy buenas, que me dan mucha confianza.

WHAT ELSE TO DO WITH FOOD

Hay unos proyectos para hacer programas de televisión y para la web. Estamos por decidir qué vamos a hacer, algo divertido para sacarme de la rutina de la cocina. Me gustaría en estos programas mostrar que no necesitas ser un chef para hacer buenos platillos.

REGRESAR A FRANCIA

No sé si regresar. Tengo propuestas en Francia, pero tengo una relación de amor-odio entre Francia y México. Cuando estoy en Francia extraño a México y en México extraño a Francia. Una de mis pasiones es viajar y una buena forma de hacerlo es trabajando.

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M I LO’ S C A F É BIST ROT UN O DE LOS RI N CON E S MÁ S E S P EC I A LES EN LA CO N DESA

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u nombre hace referencia a Emilio, hijo de los creadores de Milo´s Café-Bistrot. Este restaurante localizado en el corazón de la Condesa se enfoca en cocina mediterránea, con servicio desde el desayuno hasta la cena, el cual también ofrece productos gourmet para llevar. Su propósito es brindar servicios gastronómicos a cualquier persona que busque un momento placentero en su día con una propuesta de platillos que cambian semanalmente, dependiendo de los productos orgánicos que su proveedor les ofrezca, el chef de la casa, Rodrigo Jiménez,

se encarga de transformar estos deliciosos ingredientes en platillos exquisitos, que reflejan su calidad y frescura en cada bocado, ya sea el pulpo oriental o los vegetales de temporada, este lugar es un acierto total. Milo´s Bistrot busca ser un refugio ante la rutina diaria de sus comensales, si tuviste un día difícil y quieres consentirte. Milo´s te ofrece una gran cantidad de bebidas dentro de su propuesta mixológica, como su bebida signature de casa conocida como Margarita Milo´s, con una deliciosa frescura que no olvidarás. Ámsterdam 308 Condesa, CDMX

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CARNE Y ARENA

VARIAS REALIDADES A UN MISMO TIEMPO Por Kaeri Tedla

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resente virtualmente, invisible físicamente; frase que explica el concepto de una exhibición única en su tipo, que expone una experiencia desconcertante, conmovedora y al mismo tiempo, conduce a la reflexión sobre la naturaleza humana que trastorna nuestras emociones, llevándonos del miedo a la incertidumbre y de la tristeza profunda a una sensación de esperanza. Esta experiencia aprovecha la realidad virtual para crear sensaciones, personajes y escenarios, y a la vez, se basa en historias verídicas de mexicanos que fueron documentadas con lujo de detalle y en las que, Carne Y Arena, nos sumerge haciéndonos partícipes de la acción.

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Durante los últimos cuatro años, en los que este proyecto se ha ido forjando en mi cabeza, he tenido el privilegio de conocer y entrevistar a muchos migrantes mexicanos y centroamericanos. Las historias de sus vidas me perseguían, así que invité a algunos de ellos a colaborar conmigo en el proyecto, cuenta Alejandro González Iñárritu, creador y Director de esta muestra. Mi propósito era experimentar con la realidad virtual para explorar la condición humana, en un intento de romper la dictadura del encuadre dentro del cual las cosas, simplemente, se observan y reivindican en un espacio que permita al visitante vivir la experiencia directa de caminar con los pies de la persona migrante, ponerse en su piel y llegar hasta su corazón.

Y vaya que lo logra. En las icónicas instalaciones del Centro Cultural Universitario se expone esta pieza que nos hace experimentar en carne propia el dolor, la angustia, el cansancio y la desazón de un grupo de migrantes trasladándose por el desierto, quienes representan a las miles de personas que, año tras año, buscan cruzar la frontera entre México y Estados Unidos persiguiendo lo que muchos siguen llamando “el sueño americano”, sueño que para una enorme cantidad de mexicanos y centroamericanos que intentan esta aventura, día tras día, casi siempre termina siendo una brutal pesadilla. Los relatos reales, las líneas superficiales entre el sujeto y el espectador se difuminan, hasta


mezclarse permitiendo a los individuos pasear por un vasto espacio y experimentar, a profundidad, un fragmento de los viajes personales de los migrantes. Carne Y Arena es en esencia una experiencia de inmersión en la que vuelven a coincidir Iñárritu y Emmanuel Lubezki, colaboradores frecuentes con la productora Mary Parent e ILMxLAB, y con cuya experiencia museográfica gira torno a una secuencia virtual de seis minutos y medio, en la que se utiliza tecnología VR de vanguardia para crear un espacio multi narrativo de luz y paisajes, sensaciones y sonidos con personajes humanos.

años conformaron parte de la cerca original que delimitaba la frontera en la región de Arizona, muchos días y noches, cientos de sueños e historias y miles de lágrimas y gotas de sangre vieron esos muros diluirse en el desierto.

Al llegar al CCUT uno se enfrenta a dos grandes muros metálicos que enmarcan la entrada de la exhibición y son los mismos que durante

El año pasado la Academia de Ciencias y Artes entregó un Oscar honorario al mexicano Alejandro González Iñárritu por Carne Y

Lo que sucede al interior de Carne Y Arena depende de cada persona, pues la muestra está diseñada para recorrerse de manera individual, como un ejercicio hiperrealista, que coloca al espectador en medio del desierto de Sonora al lado de varios viajeros ilegales que sufren la experiencia de la migración.

Arena, en reconocimiento a una experiencia narrativa visionaria y poderosa. La Academia otorga este galardón en contadas ocasiones. Dedicó uno a Walt Disney por Blancanieves Y Los Siete Enanitos y lo formalizó con siete pequeñas estatuillas. La última vez que se concedió fue en 1996 y lo recibió Pixar por Toy Story. Solo se han entregado 17 a lo largo de la historia del Oscar. La instalación Carne Y Arena se exhibe en el Museo de Arte del Condado de Los Angeles (LACMA), en la Fundación Prada de Milán (Italia) y en el Centro Cultural Tlatelolco, de la CDMX. Simplemente, una experiencia imperdible.

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BORDERS Por Eunice Rendón / Coordinadora de Agenda Migrante y experta en temas de Seguridad y Migración Ilustración: Javier Valadez Jr.

"BORDERS, WHAT'S UP WITH THAT? POLITICS, WHAT'S UP WITH THAT? POLICE SHOTS, WHAT'S UP WITH THAT? IDENTITIES, WHAT'S UP WITH THAT? YOUR PRIVILEGE, WHAT'S UP WITH THAT? BROKE PEOPLE, WHAT'S UP WITH THAT?" -BORDERS, M.I.A.

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ingún ser humano es ilegal. Podrá ser indocumentado, pero no deja de ser garante de los derechos humanos fundamentales. Hoy, la migración es de gente preparada. México es uno de los países con más diáspora calificada en el mundo. Hace 20 años, la gente migraba por falta de oportunidades laborales. A partir del 9/11 se fortaleció la dinámica de seguridad en la frontera provocando que el migrante que cruzaba a diario tuviera que llevarse a su familia a vivir consigo. El fenómeno social de familias binacionales es un híbrido cultural puente entre países. Durante la Administración de Barack Obama deportaron cerca de 3 millones de mexicanos. De los deportados del periodo de Obama el 80%, era de seres en tránsito, pero Trump deporta a seres cuyas raíces son estadounidenses. En el primer año disminuyó la deportación un 24% y los arrestos fronterizos un 17%. En agendamigrante.mx documentamos 43 historias de personas deportadas durante el primer año de Trump y, mucha información

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de sucesos relevantes al tema migratorio. Cuando la frontera endurece sus reglas de seguridad resulta contraproducente, pues abre la oportunidad a nuevos negocios. Simplemente el tráfico de personas se convierte en trata de personas. Si antes costaba 15 mil pesos cruzar ilegalmente, ahora cuesta 30 mil, y cobran un depósito, una vez en los EEUU deben trabajar para ellos hasta saldar la deuda. La gente va a seguir cruzando, pues hay americanos metidos en esto. Migrantes reportan que pueden pasar con pase AA y AAA, dependiendo de cuanto pagues, pasas en camión o te cruzan por el río. DACA, acrónimo en inglés es: Deferred Action for Childhood Arrivals, se traduce como “acción diferida para los llegados en la infancia”. Lo que Trump busca con los DACA es separar a familias. Obama dejó a los DACA vulnerables, ahora se dan cuenta que los dreamers organizados buscan que se pase el Dream Act, esto es, del acrónimo inglés: Development, Relief and Education for Alien Minors Act (Ley de fomento para el progreso, alivio y educación para menores extranjeros), proyecto legislativo bipartidista, debatido en

el congreso estadounidense, junto a la Reforma migratoria, para conceder la ciudadanía a estudiantes indocumentados que hubiesen llegado a EEUU siendo menores de edad.

México debe afrontar el tema de la migración. Ninguno candidato ha formulado propuestas. Los asuntos de los migrante son de política pública y de Estado. En EEUU hay 56 Cortes Migratorias saturadas, el proceso para deportar es lento y doloroso, tardan años defendiendo un caso viviendo en centros de detención, únicamente, el 30% de la comunidad cuenta con un abogado. Hoy la participación policial contribuye con: Immigration and Customs Enforcement ICE, para detener migrantes. Se triplicó el número de arrestos de personas sin récord criminal que solo por su aspecto los detienen ven que son indocumentados y los aprehenden. Por esto, el próximo presidente debe tener un plan de defensa a los mexicanos que viven en los EEUU, fortalecer las capacidades de los consulados en temas de protección y vinculación comunitaria.


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CONFLICTO DE GUERRA EN SIRIA “M I E NT R A S NO U SEN ARM AS QUÍMICAS QUE SE SIG AN MATAN D O” PO R M A R UA N S O TO A N TA K I / Es c r i t o r , A u tor d e C a s a D a ma s c o y Pe n s a r Me d io O rie n te

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xiste una sensación de vacío, después de siete años de guerra civil, al abordar el ataque de Estados Unidos, Francia y Reino Unido contra las instalaciones del régimen sirio, tras el uso de armas químicas en la ciudad de Douma.

muchos matices. Sí hay una dictadura, sí hay ataques químicos, y el mundo se ha hecho de la vista gorda con la mascare a un país donde ya hay medio millón de muertos y, la mitad de sus habitantes han huido de sus hogares: los desplazados internos y externos.

Siria vive una dictadura. Bashar Al-Assad heredó el poder de su padre, Hafez al-Assad, que llegó a él con un golpe de Estado en 1972. Siria no es un país democrático y ha tenido una relación histórica con los involucrados en los últimos ataques. Desde el padre Assad, a la fecha, se ha documentado que el gobierno sirio utiliza armas químicas en el país. Ocurrió en 1982, en Hama, contra los hermanos musulmanes —ataque que arrojó miles de muertos—, pasó en Ghoutha en 2013, y, en Khan Shaykhun, el año pasado.

Desde el siglo VII, el control del territorio sirio ha significado el control geopolítico de la región. Siria no es un país rico, no es petrolero. Tiene problemas de agua y carece de una gran industria. Lo que hay en Siria son los intereses del mundo, salvo de la población.

Desde el 2013, las Naciones Unidas han documentado más de treinta ataques químicos, en su mayoría, atribuidos a las tropas de Bashar al-Assad. Otros, perpetrados por grupos como el Daesh o Jaysh y al Islam. Si bien no se cuenta con pruebas del responsable del último ataque de armas químicas en Douma, sí se tiene estudiado el empleo indiscriminado de este armamento en manos del régimen de Damasco. Dichos ataques han sido poco condenados. Por lo tanto, hay que cuidar que el análisis de la incursión de Estados Unidos, Francia y Reino Unido, no se vea como respuesta a solo un ataque, sino a la tendencia en el uso de armas químicas en el territorio. Al tratar de entender el problema de Siria con parámetros absolutos: el bien o el mal, uno se enfrenta a

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Al país lo atraviesan gaseoductos y en sus costas se encuentra la salida mediterránea de Rusia. Negar la existencia de una dictadura en Siria no es tan distinto a negar la ineptitud y peligrosidad de Donald Trump. Condenar los repetidos ataques con armas químicas no equivale a apoyar a Washington. Esa visión binaria impide el acercamiento empático al sufrimiento de la gente. Quienes insisten en negar la veracidad de los ataques con armas químicas, rechazan los videos y testimonios que existen, podrían darse cuenta que esas fuentes son las mismas que han mostrado la demencia de estos años de guerra. ¿Podemos dudar de ella? Yo no, mi familia ha perdido demasiado. Soy incapaz de dejar de pensar en el misil que cayó a un lado de mi sobrina y mató a su amigo de catorce años. Si bien el ataque de Occidente pudo evitarse, o debió darse de otra manera, desde 2013 el mundo ha sido indiferente a lo que sucede en Siria.


Cuando las vías diplomáticas no funcionan hay que pensar, ¿qué otros caminos existen para obtener resultados? ¿Qué se hace cuando la diplomacia falla durante siete años y muere medio millón de personas? A esto no tengo respuesta, nadie la tiene. Es natural pensar que la mejor solución de una guerra es la diplomacia, pero van siete años de iniciativas fallidas. De resoluciones vetadas en las Naciones Unidas. Hay un desconocimiento absoluto por parte de la administración Trump sobre qué hacer diplomática y políticamente. En diez días se pasó de la posibilidad de retirar a los dos mil soldados norteamericanos asentados en Siria —ninguno en línea de frente de combate—, a la amenaza de un ataque adornado bajo la imbecilidad perversa de un lenguaje que avisaba de “mísiles bonitos e inteligentes”, a decir que no habría ataque inmediato, para luego atacar. No hay estrategia para Siria o la estrategia es la falta de ésta. Al momento de escribir estas líneas, las reacciones de las potencias y organismos involucrados, incluyendo Naciones Unidas, arrojan un mensaje espantoso: “mientras no usen armas químicas pueden seguir matándose”.

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MÉXICO, 2018 LAS ELECCIONES: ENTRE LA HISTORIA Y LA HISTERIA Por Carlos González, Especialista en temas electorales, de transparencia, rendición de cuentas y participación ciudadana, ha desempeñado cargos de alta responsabilidad en las tres instituciones electorales federales mexicanas, en organismos internacionales y en el Instituto Electoral de la Ciudad de México. @CGMXRedes Illustración: Javier Valadez

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as elecciones del 2018 en México serán las más grandes, complejas y complicadas de la historia. Por eso son históricas… y, a la vez, serán histéricas.

(CDMX), diputaciones locales, presidentes municipales, regidurías, autoridades indígenas tradicionales, alcaldías y concejalías en la CDMX: ¡casi tres veces más que antes!

Los mexicanos, vamos a las urnas: los partidos, se pelean entre sí y, entre ellos; los gobiernos, se horrorizan ante la posibilidad de perder frente a sus más radicales opositores; las autoridades electorales, no se ponen de acuerdo con los institutos y tribunales; los medios de comunicación no saben qué es un fake news, y, las personas que van a votar por la “menos peor opción”, van en un mar de desconfianza e inseguridad.

Para lograr semejante faena, ahora hay más de 45 mil personas recorriendo todo el país, con sus casi 2 millones y medio de kilómetros cuadrados, y con una crucial encomienda: buscar en sus casas a más de 10 millones de personas para lograr convencer a un 1 millón y medio de ellas para que se hagan cargo de instalar y hacer funcionar las 155,484 mil casillas donde habremos de ser convocadas más de 80 millones a ejercer nuestro voto.

Las elecciones son para designar gobernantes y representantes, no “fuego nuevo”, donde el destino de la Nación se juega el todo por el todo. Por eso vale la pena echar una mirada a lo que pasa y poner la carreta detrás de los bueyes y, no al revés, como están ahora.

Para dimensionar este desafío, recuerda que en el 2012 a las y los funcionarios de casilla les tocó contar los votos de tres elecciones (presidencia, senaduría, diputaciones), lo que implicó más o menos 1,050 votos (350 en cada una de las tres elecciones) de los 50 millones 143,116 de personas que votaron en las 143,132 casillas instaladas. Si ahora se mantuviera el 63% de participación que se obtuvo en 2012, significaría que habría un total de 55 millones 993,698 de personas que podrían votar no en tres, sino en seis elecciones (como en la CDMX: presidencia, senadurías, diputaciones, jefatura de gobierno, congreso local y alcaldías) lo que supondría tener que contar en cada casilla ya no 1,050 votos en total sino ¡2,160! Más del doble, pero en ¡el mismo horario y con sólo dos personas más!

En su libro, La Rebelión de las Masas, el filósofo José Ortega y Gasset aclaró que las elecciones son un “mísero detalle técnico del que” sin embargo “depende la salud de las democracias”. Tenía razón: la salud (o enfermedad, por cierto) de las democracias depende de las elecciones, pero éstas no son más que un “mísero detalle técnico”: procedimiento para transformar votos en escaños y puestos de gobierno. A diferencia de la mayoría de los países de América Latina, que sufrieron de siniestros periodos de dictaduras militares, México ha tenido elecciones de manera ininterrumpida: practica cada tres años ese “mísero detalle técnico”. Ya sabemos que la calidad democrática de esas elecciones dejaba mucho que desear, hasta la de 1988 que exigió cambiar el sistema, pero aquí siempre ha habido elecciones, cada tres años, incluidas las presidenciales de cada seis. Que tengamos elecciones no debe sorprender a nadie. Pero sí que tengamos elecciones en casi todo el país, en un mismo día y horario. Eso no ha pasado nunca antes. Veamos: en las pasadas elecciones presidenciales de 2012, se eligieron a 629 personas (1 presidente, 128 senadurías y 500 diputaciones); ahora, elegiremos en el país y en 30 entidades de manera simultánea a 18,311, entre los antes referidos más gubernaturas, jefatura de gobierno en la Ciudad de México

Eso hará la elección muy complicada y, compleja, pues la manera de contar los votos en las elecciones federales y las elecciones locales es diferente; además, las distintas coaliciones y candidaturas comunes hacen todo esto un verdadero galimatías imposible de resolver bien, de buenas, antes de las 8 am y hasta después de las 6 pm en que abren y cierran las casillas. Ése es el segundo gran reto: los ciudadanos que van a estar en las casillas. Aunque quieran hacernos pensar que el reto está en las candidaturas, los partidos, las autoridades, los gobiernos, las encuestas, los medios de comunicación y bla-bla-bla, no es cierto. El verdadero segundo reto de las elecciones está en las casillas y en las manos de sus responsables. Pero el primer gran reto es todavía más complejo y complicado: y tú, ¿por quién vas a votar? Esa es la lección de la elección de la que depende la salud de nuestra democracia.

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#VERIFICADO2018, LA HERRAMIENTA CONTRA EL FAKE NEWS EN TIEMPO ELECTORAL PARA MÉXICO Entrevista por Alejandro Franco por W Radio, con Daniel Moreno, fundador de Animal Político y Verificado Texto: Oscar Adame

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a facilidad de impulsar temas, hashtags y publicaciones en redes sociales nos hace víctimas de los engaños, algo preocupante sobre todo en época de campañas políticas. Bajo este peligro en donde nace verificado.mx. Es evidente que las redes sociales y los medios digitales tienen un mayor peso dentro de la creación y difusión de la información. La facilidad, inmediatez y cantidad de notas que se pueden generar en Internet es impresionante, pero también ha sido la generación de muchos problemas comunicacionales.

Desde una redacción central, estamos aprovechando las herramientas digitales que hay para detectar las noticias que están circulando en la red en general. Las sometemos a una serie de pasos, de preguntas, para saber si esa noticia es verdadera o no. Por ejemplo, si es un video, revisamos que el video no esté editado. Si es una fotografía, verificamos que sea correcta y no esté fuera de contexto.

Del robo de datos, la burbuja de filtro y la manipulación publicitaria, a la difusión protagónica de noticias falsas, nunca ha sido tan sencillo desinformar. Hay periodistas que crean páginas dedicadas a preparar ficciones, e intermedios, como Facebook y Twitter, que las difunden a millones de personas, víctimas de un algoritmo que les dice qué información conocerán y cuál nunca llegará a su feed.

¿Hay un equipo dedicado a verificar que la procedencia de ese contenido sea genuina? Exactamente, a eso se van a dedicar. Esta redacción va a ser una agencia de información que va a estar surtiendo a los medios de contenidos verificados y diciéndole, - “Aguas, esta nota es falsa”-, para que todos, incluyendo a los medios, les digamos a los lectores que hay pruebas de que tal información no es fidedigna.

Es por ello que alrededor 60 medios, organizaciones de la sociedad civil, y universidades se unieron a #Verificado2018. Una propuesta de periodismo de investigación basada en la verificación de hechos con el objetivo de enfrentar a las noticias malintencionadas y desmentirlas con información rigurosa y confirmada con el propósito de ayudar a los lectores a hacer una votación bien informada en las elecciones del 2018.

Queremos decirle a la gente que hemos encontrado elementos y otorgárselos para sostener que una noticia o fuente es falsa. Es época electoral y queremos que la gente vaya a votar estando bien informada.

Una iniciativa de Daniel Moreno, Director de Animal Político, quién profundizó en el proyecto en una entrevista con Alejandro Franco en WFM por W Radio. Cuéntanos, ¿de qué trata verificado.mx? En conjunto con un grupo de 60 medios, organizaciones y universidades, le ofrecemos a los lectores una herramienta para saber si son ciertas o falsas las notas que la gente recibe por WhatsApp y Grupos de Facebook. Sabemos que cada vez están circulando más noticias falsas y esas noticias terminan impactando en este periodo

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electoral, en donde los electores deciden votar a favor o en contra de alguien tras leer cosas que podrían ser falsas.

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Tras el sismo del 19 de septiembre emergieron varias plataformas de este tipo, cuando circularon llamados y noticias falsas. ¿Se puede decir que este proyecto es emergente a aquello? El nombre de verificado.mx es un pequeño homenaje a lo que fue verificado19s, que fue primero una cuenta de Twitter, pero que se extendió hasta Facebook. Después fue un sitio y básicamente lo que hizo es que un grupo de jóvenes con conocimiento de temas digitales confiaba y verificaba la información que estaba circulando. Fue un grupo de jóvenes admirables que hicieron un trabajo espectacular, le dieron un valor muy especial a la palabra de ‘Verificado’. Pretendemos hacerles un homenaje, he tenido la oportunidad de platicar con varios de ellos y se los dije.


Esta verificación de contenidos, ¿llevó un proceso de capacitación o de entrenamiento? 96 periodistas participaron en un curso de capacitación que consistió en enseñarles herramientas digitales y metodología periodística con la ventaja que al ser la mayoría periodistas, conocen bien lo necesario para hacer nuestro trabajo día a día. En el caso de la redacción central, se trata de un grupo muy joven que está participando solo por el ánimo de darle un servicio a los lectores y de darle elementos de la información que circula. Siendo franco, no sé a qué nos vamos a enfrentar en los próximos meses. Si ya de por sí hay muchas noticias falsas, no sabemos si esto literalmente vaya a explotar.

Tenemos una cuenta de correo que pueden ver en la página de verificado.mx, por si alguien tiene una duda y quiere que verifiquemos alguna información que nos mande. También vamos a tener una línea de WhatsApp para que nos copien las cadenas que recibimos, vamos a ofrecer un espacio para que nos manden esa información y en medida de nuestras posibilidades, estaremos atendiéndolo. De esta manera un grupo de jóvenes y más de 60 medios, entre los cuales se encuentra WARP, luchamos en contra de la desinformación. Por unas elecciones en 2018 más justas.

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#WOMEN´S WEEKEND

LUISA LABASTIDA

MITOS Y REALIDADES SOBRE LA REGULARIZACIÓN DE LA MARIGUANA EN MÉXICO

Por Alejandro Franco en WFM Radio

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uisa Labastida es abogada, activista, experta en política de droga y ofrece conferencias donde aborda, desde la perspectiva de género, a un público que tradicionalmente no lo escucharía. Habla de la legalización de la marihuana en México. Es crucial hablar de esto ahora, ya que en este momento hay muchos mitos; en abril del año pasado se aprobó una ley en el sector salud en cual ahora se creó un régimen del cannabis farmacéutico, a partir de ahí viene un mandato para la Secretaría de Salud y el poder ejecutivo a fin de que emita un reglamento y que este régimen pueda ser operativo. ¿Va haber un esquema de licenciamiento como en California, Estados Unidos? No, no va haber un esquema de licenciamiento, se lanzó una propuesta vía COFEPRIS que es el regulador en la Secretaria de Salud, básicamente lo que hay es un régimen farmacéutico, es decir, una institución que tenga un laboratorio va a poder pedir un protocolo de investigación para poder probar que puede hacer una medicina. ¿Se sabe cuándo se va a publicar? La última declaración de COFEPRIS dijo que iba a ser en este trimestre. Causó mucha polémica la versión pública porque deja fuera el auto cultivo. Entonces nuevamente esto resuelve solo para un grupo de personas.

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Con la experiencia que tienes investigando en el tema, ¿cuál es la prospectiva real de este proceso de legislación de la marihuana? Lo posible es que va a salir un reglamento de Cannabis medicinal, depende si terminan siendo medicinas herbolarias o medicinas alopáticas, esto es como medicina tradicional. Si es medicina alopática pues es una industria concentrada, va a ser una industria muy cara y yo creo qué con muy pocos autores, es decir, va a seguir en las farmacéuticas. Si se opta por un camino herbolario se abriría un poco la base. Aquí hay una diferencia central, en cualquier lugar del mundo tú tienes que verificar la eficacia de la medicina, entonces lo que pasa en México es que tú tienes que esto bajo criterios tradicionales te quita la migraña, es para el cáncer o para la epilepsia. Es algo muy complejo de comprobar. ¿Es un logro lo que llevamos hasta hoy? Yo siempre he dicho que es un pequeño paso. La prohibición es una política basada en estigma y no en la evidencia y lo que se hizo fue convertir un tema de salud en un tema de seguridad. La marihuana no es el tema central en la cuestión del narcotráfico, sí ocupa una parte, pero ahora tenemos un problema de seguridad grave basado en estigmas y falsas evidencias. Un régimen regulado es lo que hace falta.


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ELECTRIC FEEL: LA FÓRMULA E EN MÉXICO Por Sam Reyes H / @SamReyesH Fotos: cortesía Fórmula E

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éxico volvió a ser parte del mundial de la Fórmula E. Campeonato de autos eléctricos de la FIA que regresa al Autódromo Hermanos Rodríguez, por tercera ocasión en lo que ha sido su cuarta temporada competitiva. Los aficionados no mostraron interés en las dos carreras anteriores. Primero, la categoría apenas se asomó a la curiosidad de los aficionados, con la participación de Salvador Durán en la temporada 2015-2016, al saber que sus motores eléctricos no rugían, no se presentaron en la única carrera del calendario de competencia en autódromo, las otras se corren en las calles de las ciudades más importantes del mundo. Al año siguiente, Esteban Gutiérrez regresaba de la Fórmula Uno, después de su paso por los equipos Sauber y Haas, esto, provocó que la categoría tomará un mejor color. Hubo gran participación, fue una de las carreras más intensas y peleadas hasta el momento en la historia de la serie de autos eléctricos y, mostró la primera evolución, al cambiar los alerones delanteros de los monoplazas. Para el tercer evento, la participación se debió al esfuerzo de los organizadores. Bajaron los precios de las entradas, tras el sismo del pasado 19 de septiembre, decidieron donar la taquilla a labores de reconstrucción de la Ciudad de México y, resultó fácil llenar las gradas a 50 pesos, costo de entrada. En la semana previa a la carrera, los eventos de los patrocinadores sonaron más fuerte que nunca, las actividades en diferentes puntos de la Capital de la República mostraron a los participantes internacionales, aunque en esta ocasión los mexicanos no participaron en ninguno de los mandos de monoplaza. Por alguna razón y, a diferencia de las carreras alrededor del mundo, esta es única para espectadores y corredores. Sebástien Buemi, comentó al respecto que es la carrera más complicada del año por su trazado; no se frena en línea recta, sino que lo haces “como vas” en la pista donde solo hay una recta y, prácticamente, en toda la vuelta estás doblando.

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LLEGÓ EL RETO DE LA CALIFICACIÓN Fue importante que el campeón, Lucas di Grassi metiera los mejores tiempos en los entrenamientos, pero la calificación del sistema de competencia de salida en los cuatro distintos grupos no le pareció justo; no podía compararse con el resto y no consiguió meterse en el grupo de punta. Los cinco pilotos tampoco lo lograron, tras esas sesiones se disputaban la posición de privilegio, lo que se conoce como: “Súper Pole”. Terminó siendo el mejor, Félix Rosenqvist, primer líder del campeonato, al vencer en la segunda carrera de la temporada celebrada en Hong Kong y en Marrakesh. A pesar de ser una categoría eléctrica, los pilotops y sus bólidos no están exentos de sanciones técnicas por problemas y, Alex Lynn, quien había logrado colarse al segundo puesto del Super Pole, perdió diez posiciones por cambiar su caja de cambios mientras que Lucas di Grassi, debió cambiar su inversor de corriente cuando se quedó detenido en Santiago de Chile. Por lo tanto, la defensa de su corona está más que en duda. No había sumado nada hasta pisar tierras mexicanas. Así, vamos a comenzar la aventura de la carrera en quinta posición de la parrilla, arrancó Daniel Abt, su compañero de equipo en el Audi Sport Abt Schaeffler y, la escudería había llegado con 12 unidades, convirtiendo a México en el capítulo más importante para todos. La carrera a diferencia de las anteriores no tuvo contactos importantes en su arrancada donde Abt logró sus primeros rebases. Primero, a Antonio Felix da Costa; luego para presionar, a Sebastien Buemi, campeón de la temporada 2015-2016. Felix Rosenqvist de Mahindra tuvo problemas heredados de la tercera posición. Entró, antes que nadie, a los pits para cambiar el auto -aquí no

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hay repostaje de combustible y por las baterías cambian la unidad- superando a Buemi y, ser líder anticipado, posición que no soltó hasta la bandera de cuadros. Los mecánicos fueron clave para una buena parada explicó Abt: no hay un tiempo mínimo reglamentario, se aplican para hacer las paradas veloces y seguras en equipo y aumentar factores en la estrategia de carrera. Así construyó una ventaja, desde el cuarto lugar del campeonato seis segundos sobre Oliver Turvey, se aguantó los ataques de Sebastien Buemi, pues le urgía sumar puntos para volver a estar en los puestos acostumbrados del mundial. Muy pocas posiciones se han movido en la tabla general y por lo sumado, el francés, Jean-Eric Vergne sigue mandando con sus 81 puntos; el sueco, Félix Rosenqvist está en segundo sitio con 69 unidades; adelante por ocho puntos del británico, Sam Bird. El suizo, Sebastien Buemi sigue en cuarto sitio; con 52 puntos por delante, de Nelson Piquet Jr., el brasileño, que amenazó con robarse la victoria en México, pero no logró su cometido. El 14 de abril, visitarán Roma, Italia; a París, Francia, el 28 del mismo mes; en mayo, irán a Berlín, Alemania; y, el 10 de junio, estarán en Zúrich, Suiza. Les espera la penúltima fecha de un calendario que cerrará con una fecha doble en Nueva York, Estados Unidos, el 14 y 15 de Julio y que será la última temporada con el primer auto que despuntará con la evolución del auto fantástico, con una batería única y promete grandes emociones… pero de ello, estaremos platicando en futuras ediciones.

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C O S TA

R I C A

E N V I S I O N

Por Luigi Jiménez / Co-Fundador y bajista de Patterns

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uigi Jiménez es desde hace ocho años organizador y co productor de Envision, uno de los festivales más importantes de Costa Rica y Centro América. También es músico y productor, amante del bajo y gran ejecutor del instrumento, sin duda su pasión, misma que ejecuta cada vez que toma el escenario junto a Patterns. Patterns es una banda integrada por Estefani Brolo, Mario Miranda y el mismo Luigi, quienes crean música inspirada en sonidos de los ochentas, con sintetizadores vintage, ritmos disco, soul y mucho groove. Con este arsenal sonoro la banda tomó el mencionado festival para encender los ánimos de la edición 2018.

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Es el propio Luigi quien relata la filosofía, la historia y el origen de Envision, un festival que ha visto crecer y volverse un ícono de los masivos. Los festivales de transformación son una experiencia que incluye diversas disciplinas como: el arte, la música, la expresión corporal, charlas y aprendizajes en la naturaleza. Estas te conectan de modo integral con la comunidad, movilizan el chip que tenemos para vivir en la ciudad. Imagina estar en un espacio rodeado de selva, mar, montañas y ríos. Y, encontrarte con personas de diferentes nacionalidades compartiendo, disfrutando, llenándose de música y cultura. Esto es Envision Festival.


En Costa Rica, zona de Uvita, lo celebramos en la tercera semana de febrero y desde el 2011, en una finca privada hoy reforestada y convertida en un lugar paradisiaco que nos alberga como casa. Nuestro país es pequeño y rico ecológicamente. Nos hemos dedicado a regular leyes para proteger a la madre Tierra. Somos un país sin ejército, en medio de América, sitio clave para el Festival Envisión, el número uno en Latinoamérica. El festival es vanguardista e incluyente, aceptamos a todas las personas sin importar su ideología, preferencia sexual, edad, género y raza. Tratamos de fortalecer a la sociedad en la que vivimos mostrando a los jóvenes la diversidad en las formas de vida; las alternativas disponibles y, que cada día es una experiencia que ofrece oportunidades. Se trata de ser hermanos, de ir más allá de cualquier prejuicio.

El Festival Envisión busca y recluta a músicos talentosos, a los que deben estar, a los artistas adecuados que se desenvuelvan en estos espacios. Han participado más de 500 artistas de todas partes del mundo deleitando, con su música de género y ritmo distinto como: electrónica, reggae, folk, rock y más, a más de cinco mil asistentes que gozan del espectáculo, la cultura y apoyan a generaciones a ser parte de una consciencia colectiva. Nuestro festival enciende la chispa de un movimiento fuerte y humano; de respeto al colectivo artístico; de seres conscientes del lugar y momento que vivimos, asumiendo con tolerancia nuestras similitudes y diferencias, experiencia que resulta sanadora. Este es el futuro de los festivales.

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VIVE L AT I N O 2018 17 y 18 de marzo Foro Sol CDMX Fotos: Saulo Barrera y Nacorock para WARP

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ara celebrar sus primeras dos décadas de vida, el festival presentó un cartel con propuestas mexicanas y extranjeras como Queens Of The Stone Age y Noel Gallagher's High Flying Birds quienes se presentaron ante públicos multitudinarios. Gorillaz ofreció un set nostálgico, lleno de canciones icónicas de los primeros cuatro discos del proyecto animado creado por Damon Albarn y Jamie Hewlett. Residente y la Mala Rodríguez dieron dos de las presentaciones más intensas del festival, donde no faltó la crítica política y gritos en pro del levantamiento social. Finalmente, Steven Patrick Morrissey interpretó grandes clásicos de The Smiths y de su carrera solista, dentro del escenario principal del festival, a cinco años de cancelar su presentación en el evento.

Noel Gallagher WARP S PRING / S U M M ER

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2. Residente 3. La Mala RodrĂ­guez 4. Queens Of The Stone Age 5. Gorillaz

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CIUDAD LUZ

Por Víctor “Villor” Valverde / Guitarrista y tecladista de Porter

GDLUZ

es más que un festival, es un parque con atracciones interactivas y artísticas inspiradas en la luz. Es una manera diferente de celebrar Guadalajara, ir más allá de presentar sólo espectáculos. Queríamos elevar la ciudad a un nivel de interactividad, tecnología y, creatividad, el festival fue el resultado. Así describió, Marcos Jiménez, Director Creativo del Festival, esta iniciativa creada hace dos años, y hoy representa uno de los eventos icónicos de la perla tapatía. Este año, GDLUZ, recibió a más de 500 mil asistentes en cuatro días de intensa actividad.

Lion, en Francia, genera 4 millones de visitantes en tan sólo 4 días cada año. Adaptamos la idea y lo pusimos en Guadalajara por ser algo original, que brinda orgullo y pertenencia.

Entre espectáculos multimedia, actuaciones, pirotecnia, representaciones artísticas, experiencias interactivas, conciertos y video mapping; miles de personas de todo el mundo formaron parte del Festival, el pasado 14 de febrero, fecha en la que se celebró el 476 aniversario de la fundación de Guadalajara, para lo cual, se encendieron 40 atracciones a lo largo de 2 kilómetros de recorrido en el Centro Histórico.

¿Qué importancia tiene la música en el festival? Es muy Importante. Es un festival audiovisual y experiencial, todo tiene audio e iluminación a la vez, tratamos de meter todos los elementos para que la gente se divierta y no quede en un espectáculo visual.

Platicamos con Marcos para revelar las motivaciones detrás de una experiencia como GDLUZ, y esto fue lo que dijo: Estuve el año pasado y fue increíble, para nosotros como músicos es algo muy padre estar en un evento de este tipo, involucrándonos y ser parte de lo que se presenta en la ciudad. Hay mucho talento tapatío, quisimos reunir al talento local y proyectarlo con interactividad y, tecnología. Los shows multimedia son los más emotivos que hay en el mundo del entretenimiento y, que mejor, que celebrarlo con la ciudad con las tradiciones típicas de Guadalajara. ¿De dónde surge la idea del GDLUZ? Surgió por el aniversario de la ciudad. Nos interesa que Guadalajara esté a un nivel de turismo importante, queremos poner nuestro granito de arena para cambiar la forma de vivir en la ciudad que amamos. Por otro lado, la iniciativa original del festival nació en Lion, Francia, en 1852. Iban a develar una estatua de la Virgen María, la gente comenzó a poner velitas en sus puertas y ventanas, esto se hizo un festival. En 1991, con la tecnología, cambiaron las velas por la proyección y los espectáculos de luz. Esto, se propagó por Europa, llegó a Ámsterdam, a Asia, a Bélgica y Bruselas. El festival original, el de

Se está convirtiendo en un referente. Estuve presente el año pasado, fue increíble vivir la experiencia y vivir las calles… La gente volvió al centro, lo teníamos muy olvidado, pensábamos que era un lugar oscuro, inseguro y demostramos que se puede revivir y sentir de otra manera. Contamos con más de 400 mil personas y nos da gusto que la gente lo haga ícono.

¿Cómo es el proceso detrás de la curaduría de las instalaciones en un festival de esta naturaleza? Todo nace de un proceso creativo, contando con las premisas de audio, visión y experiencia integradas en un recorrido de 2 km. Tienes que ir sembrando, primero los puntos a activar que van a dar respuesta a los flujos de personas. No puedes poner una activación o experiencia donde va a pasar mucha gente porque se hace un cuello de botella. A partir de eso, hacemos un conteo, un presupuesto y empezamos a seleccionar las instalaciones. Nosotros vamos cada año a las exposiciones de tecnologías más importantes del mundo para ver lo último en sensores, en proyección, láseres –tenemos el láser más grande del mundo y es impresionante cuando se fusiona con la pirotecnia–, todo nace a partir de un hilo conductor y un concepto creativo. ¿Qué sigue para el festival y el equipo que le da vida? Lo que queremos es que GDLUZ no se quede en el Centro Histórico, sino que se expanda a muchos lugares como; Chapultepec, Zapopan, Tlaquepaque, Tonalá y Tlajomulco y poder hacer espectáculos en el agua. Tenemos música, cine, teatro y si le mezclamos otros componentes va a ser un mega festival.

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GUILLERMO DEL TORO Foto: Allan Amato

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a idea es crear un sistema de jurado que no sea permeable por la pinche grilla. Cuando dependemos de una organización gubernamental a veces funciona, a veces no, lo importante es qué podemos hacer nosotros, uno por el otro. Para la gente que esta estudiando aquí, lo importante no son los maestros, si no los compas y el coraje que tienen con el mundo de decir 'chinguen su madre, yo voy a hacer lo que quiero hacer', eso es lo más importante de estudiar cine, porque si te juntas con tres compas y una camarita, eso es, agárrenlo y háganlo de inmediato, sueñen grande. Pero si está esta beca, tómenla. Yo creo que el mexicano tiene sus raíces muy cabronas para ver el mundo de manera diferente ante todos los demás países, pero también tenemos pasaporte y aprendemos un chingo viajando, y si otros países vienen a México a quitarnos, pues vamos a otros países a quitarles, que nos den de regreso una visión del mundo, una sensación estética, una experiencia, una cultura, la membrana cultural de un artista abre para ambos lados, vete, aprende y regresa, trae lo que aprendas y acá hacemos cosas, es bien importante saber que somos ciudadanos del mundo.

-Guillermo del Toro, Master Class, Universidad de Guadalajara, Jalisco, 10 de marzo, 2018. Entra a WARP.la para leer el transcript completo. 222

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EL TRIUNFO COMO INSTRUMENTO DE TORTURA Por Kika Jurado / @kikajurado

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l director mexicano Guillermo del Toro, uno de los cineastas contemporáneos más importantes del mundo, ha logrado llegar a la cima del éxito a base de golpes crudos, depresiones profundas y una pasión indubitable. Durante veinticinco años, Del Toro ha sido fiel a sí mismo logrando capturar en pantalla los monstruos y las criaturas que habitan en su privilegiada imaginación. La narrativa característica del director tapatío ha sido objeto de grandes reconocimientos a nivel nacional e internacional. Su ópera prima Cronos lo hizo acreedor a dos premios Ariel a lo mejor de la cinematografía mexicana en 1993, El Laberinto del Fauno se hizo merecedor de un premio BAFTA y un premio GOYA que son otorgados por las Academias de Cine más importantes de Europa y ahora con La Forma del Agua, su más reciente cinta, obtuvo dos premios Oscar y además el máximo reconocimiento en La Biennale di Venezia, el León de Oro a Mejor Película. Si bien para Del Toro, todos estos reconocimientos son símbolo de una carrera llena de trabajo duro y necedad constante, también representan una nube borrosa de una realidad que no se cuenta. Para el director tapatío las narrativas de éxito son condensaciones de una historia mucho más larga, es decir, es más fácil contar la trayectoria de una persona exitosa basándonos en numerologías y en premiaciones, pero lo que verdaderamente importa es lo que está en medio, el camino lleno de adversidades y topes. Para él, su carrera es como un accidente automovilístico visto en dos perspectivas, la primera es para el espectador que desde fuera ve todo a velocidad normal y no sabe si el piloto sale vivo o no y la otra perspectiva es la de él que va manejando y con la adrenalina del golpe todo pasa en cámara lenta, cuándo su cabeza pega en el volante y se rompe los dientes es una película, cuándo pega en la parte de atrás y se revienta una vértebra es otra película, cuándo rebota en la bolsa de aire y sus lentes de quiebran, es otra película. Y así pasan veinticinco años de carrera y al final sale vivo, pero cargando una bolsa enorme de descalabros y caídas. El instrumento de aprendizaje más rotundo que hay es el fracaso y Guillermo llegó a topar con esos límites que lo abatieron enormemente y dónde su único antídoto y cura fueron sus mismos monstruos, quienes lo han salvado y absuelto ya que para él son los patrones de sus propias imperfecciones. Durante un tiempo antes de filmar Titanes del Pacífico, Del Toro luchó una batalla con la depresión ya que dos grandes proyectos dónde estaba involucrado se diluyeron, primero la trilogía de El Hobbit que le fue arrebatada por los estudios para pasarlo al director neozelandéz Peter Jackson, y luego su proyecto más pasional hasta ahora la adaptación de la novela ‘La Montaña de la Locura’, un thriller de ciencia ficción que fue rechazado por falta de

financiación. De este último proyecto no ha quitado la mano del renglón y mandó a hacer un anillo que representa la universidad ficticia que aparece en la novela, -No me lo voy a quitar hasta que haga la película, ¡o me lo llevo a la tuma!- dice Del Toro con su caracteristico tono de terquedad y vehemencia. 10 años no consecutivos sin filmar, creando en su zona de libertad pero sin entrar a un set. Durante este tiempo, Guillermo llegó a una conclusión irrefutable: El triunfo es un instrumento de tortura al igual que la belleza y la perfección. Son palabras de tortura, la belleza es única para quién la mira, la perfección no existe (la belleza del mundo es la imperfección) y el éxito es un mito que nos venden para distraernos de lo verdaderamente importante que es llegar a dónde quiera que llegues haciendo lo que quieres hacer. Y ese aprendizaje en sus veinticinco años de carrera lo ha predicado con sabiduría en sus últimas presentaciones en público. -Si yo me hubiera ganado mis dos Oscar haciendo películas acerca de la vida de Luis Pasteur ya valí madre, ¿para qué los quiero si no son míos? Los tengo porque una mujer muda se enamoró de un dios anfibio en el Amazonas-. El logro más grande para Del Toro es haber ganado con una película descabellada, una combinación de géneros raros que son de su tripa más profunda. A la par de la construcción de sus mundos y sus historias, Guillermo del Toro ha construido una reputación intachable en la comunidad cinematográfica, en el pasado Festival Internacional de Cine en Guadalajara se comprometió con miles de jóvenes a apoyarlos en sus carreras profesionales lanzando la beca Jenkins-Del Toro por $60,000 dólares para estudiar en el extranjero en las mejores escuelas de cine. El compromiso que siente por apoyar a los talentos emergentes es tajante y aprovecha cada momento posible para poner al servicio de los demás sus consejos de vida y su experiencia como cineasta; es tanta su pasión por la juventud que incluso dedicó sus dos premios Oscar y su León de Oro a los cineastas, a los estudiantes. La inspiración que provoca es abrumadora y conmovedora. -Nacimos con identidad y raíces pero tenemos pasaporte, salgan del país, estudien y traigan de vuelta lo que aprendieron-. La responsabilidad moral de Guillermo Del Toro es demostrarle al mundo que está equivocado en sus concepciones de triunfos y glorias. Para el cineasta mexicano el triunfo es tropezar en tus propios términos, levantarte y seguir. Los elementos que constituyen el fracaso constituyen el éxito. La virtud y el defecto son exactamente la misma cosa -La razón por la que tu trabajo va a gustarle a mucha gente, es la misma por la que va a cagarle a otra- dice el cineasta tapatío que al día de hoy ha cosechado grandes reconocimientos y triunfos para el mundo ordinario y un sin fin de éxitos y glorias en su mente extraordinaria.

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TUPAC MARTIR C R E AT I V I DA D D I S R U P T I VA Por Kaeri Tedla

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uando escuchamos su nombre pensamos en un statement en honor a Tupac Shakur, mártir de su generación, quién en 1996 murió baleado en las Vegas, transformando la historia del hip hop para siempre y convirtiéndose en leyenda. Nada que ver, Tupac lleva ese icónico nombre en honor a Túpac Amaru, caudillo fundamental en la historia del Perú, que para la madre de este artista fue lo bastante importante como para llamar así a su hijo. Su padre, de apellido Martir, era un huichol que llevó desde siempre el arte en las venas y que supo transmitir a su vástago la magia de las formas y los colores, para crear objetos y ambientes.

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Sin embargo, Tupac fue más allá, pues su incursión temprana en el mundo de la iluminación para eventos y conciertos y sus experiencias en la producción de video le dieron las herramientas necesarias para llevar su arte y sus conceptos creativos al siguiente nivel. Siguiendo los pasos de sus padres, este joven creador, al que muchos hoy día consideran un visionario, buscó en el extranjero la materia prima de su imaginación, colaborando con incontables artistas y marcas alrededor del planeta y desafiándose a si mismo con cada nuevo proyecto. Con la habilidad de saber rodearse de gente talentosa igual que él, fundó Satore Studio, un ente y colectivo de creativos esparcidos por distintos países, quienes han sabido crear su propia red para desarrollar nuevas ideas y convertirlas en experiencias tangibles. A lo largo de los años estos artistas, encabezados por Tupac Martir, han consolidado una mecánica de trabajo y tal cantidad de herramientas tecnológicas que marcas y personalidades como Louis Vuitton, Hugo Boss, Stella McCartney, Moschino, FIFA, Alexander McQueen, Vivienne Westwood, Beyoncé, Sting, Elton John o Rihanna los han buscado para que generen conceptos para ellos. Tengo un estudio al que yo comparo con un kínder, todos los que trabajamos en Satore nos dedicamos a jugar con absoluta libertad para tomar decisiones y hacer cosas, siguiendo lo que nuestro instinto nos dicte. Yo hago el esqueleto y mis colaboradores le ponen carne, piel, múscu-

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los… al final juntos le damos el color de ojos, los rasgos de la cara, la personalidad que hace de cada proyecto un ser único e irrepetible nos dice Tupac Martir. Continúa: Nuestro sistema de trabajo es siempre colaborativo y nos enfrentamos a nuestras propias ideas al interior del estudio para devastarlas y reconstruirlas una y otra vez buscando que, cuando salgan al exterior, sean todas juntas una sola y la mejor versión del concepto que podamos lograr; dentro de nuestro espacio se vale de todo y cada quien marca sus propios límites, sabes lo que se puede y no se puede hacer, pero la libertad es la regla. Pintor, fotógrafo, dibujante, grabador, escenógrafo, iluminador, escultor y artista digital, este nayarita ha diseñado espectáculos multidisciplinarios de música, moda, teatro y danza alrededor del mundo. En 2012 debutó como director con el espectáculo Nierka en Londres, que involucró a más de 140 personas de 27 nacionalidades. Luego de la experiencia adquirida en distintos campos de la realización y la producción durante años, Tupac estaba listo para plasmar su espíritu huichol vinculado a ejercicios de iluminación, danza y video en formatos análogos y digitales, que provocaron en la audiencia una suerte de locura colectiva, lo que proyectó a Satore Studio y a su creador a un nivel de popularidad extraordinario. Después de eso, decenas de ciudades en el planeta conocieron y disfrutaron el trabajo de éste artista mexicano, quién conoce bien el arte de la disrupción.


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Cuando la gente me pregunta ¿Qué hago en tecnología? Yo contesto que, lo que nosotros hacemos se llama Disruptive Tech. Tomamos cosas del mundo del entretenimiento en vivo y las llevamos a virtual reality y realidad aumentada; tomo cosas de estas dos y las traslado a la pasarela, recupero elementos de la pasarela y los llevo a la música. Además, todo el tiempo; inventamos nuevos usos y posibilidades con objetos, situaciones e historias que no fueron creadas para tal fin… siempre hay que estar pensando en cómo crear una experiencia distinta, rompiendo los esquemas de las cosas y los procesos, muchas veces la clave está en no pensar en lo más complejo, sino en lo más sencillo. Disruption es: jugar con los juguetes que ya existen y en el proceso… crear nuevos juguetes.

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