WARP MAGAZINE #87

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WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ DIRECTOR EDITORIAL DIOVANNY GARFIAS DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA SERGIO GÁLVEZ COORDINACIÓN EDITORIAL ANA VARGAS EDITOR WEB OSCAR ADAME CORRECCIÓN DE ESTILO KARINA LUVIÁN TRADUCCIÓN RAÚL ARCE COLABORADORES ADRIANA LLABRÉS, ALONSO VALENCIA, ANAHÍ MÉNDEZ, ARIANDE DÁVILA, BRENDA MÁRQUEZHOYOS, EDUARDO MARTÍNEZ, ENRIQUE ORTEGA, HANNAH SOTELO, IVÁN LECHUGA, JAVIER CUELLAR, JONATHAN SÁNCHEZ, KAERI TEDLA, LEONEL HERNÁNDEZ, LUCERO HERNÁNDEZ, MANUEL BACA, MARÍA JOSÉ THIELVE, MICHELLE APPLE, NAOMI PALOVITS, ROCCO PORTILLO, RODRIGO MUSI, VIDAL CRUZ COMERCIAL DIRECCIÓN COMERCIAL SAMANTHA ARCHIBALD SARCHIBALD@WARP.COM.MX PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@WARP.COM.MX ADMINISTRACIÓN DIANA MANJARREZ ASISTENTE EJECUTIVA CAROLINA ESPOSITO CAROLINA@WARP.COM.MX VERSIÓN DIGITAL DISPONIBLE PARA IOS EN ITUNES STORE

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© WARP Marca Registrada ®. Año IX No. 87. Revista editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329.

Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

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FALL/WINTER EDITION

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Isaac Ezban: Cine de género, de México para el mundo

DESTACADO

Ibeyi: Empoderamiento 80

femenino y reflejo multicultural 112

Fashion Nugget

Danny Elfman: The Nightmare

Wolf Alice: Magic worlds

Marika Vera 16

before music 82

Benjamin Booker:

La nueva hora del temblor

About coming to mexico in an

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attempt of escape from racism 116

Infografía 187

SesioneS: Live from México City 118

El desastre que se pudo evitar

Bassiani: El techno más

La oportunidad de ser mejores 192

Hannah Sotelo 26 Sarah Bleszynski 40

Taste This!

Anne Maire 46

Carnívoro: Asador de culto

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Jaguar Club 52

114

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Oaxaca

underground del planeta

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Hasta volver a ver la luz

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Art

Boulenc 92

13 años de MUTEK.MX

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Mover la estructura

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Lizzie Gill: American past

Criollo 96

Day For Night: Gift of sound

Food for the soul

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and innocence 56

Los Amantes 98

and vision 136

El arte que el sismo nos dejó

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Björk Digital: Bogotá y

El Diablo y La Sandia

Buenos Aires, dos nuevas

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Sabina Sabe 102

víctimas de la locura virtual

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Maroma: Arte para todos

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Artistas Multidisciplinarios:

COVER The National: The beast is awake 138

Hot Hot Hit

Foo Fighters: Golden roots

144

Kacy Hill 104

Beck: The honorary mexican

150

Nine Inch Nails: The field on fire 156

Los mil caminos de la creatividad 68

Profile We Are The Grand

El Eco, museo experimental:

Charlotte Cardin 107

la libertad 72

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Coverages

Reviews: Black Rebel Motorcycle Club

Compulsión irresistible 163

Live Out 168

Bussi: La primera plataforma de

Black Rebel Motorcycle Club:

Daydream 170

vanpool en Latam

Guillermo Del Toro:

Nicola Cruz:

Monster shape 76

El híbrido interandino

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Gran Premio De México F1

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Pooling: La movilidad en México 224

Inserts Little thing gone wild

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Sofía Sisniega:

Guadalupe Valley Wine Food & Music Festival

Lust In The Movies

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WHAT ELSE?

y Noel Gallagher

From This Position Arquitectura hecha para

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Squarepusher, MUTEK.MX 2017 WM FA L L / W I N T E R

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WILD ON LATINO DE MÉ XI CO PAR A E L MUNDO…

Por Kaeri Tedla Fotos: Diego Lomelín para WARP

Wild On! fue un programa de televisión del canal E! Entertainment transmitido entre 1997 y 2006. Cada episodio se centraba en la experiencia de una celebridad recorriendo alguna región turística del planeta, probando su comida, descubriendo su cultura y vida nocturna. La serie incluía destinos exóticos como Río De Janeiro, Cancún, Las Vegas, Australia, Miami y Milán.

A lo largo de su historia, el programa fue conducido por tres presentadoras: Jules Asner (1997–1999), Brooke Burke (1999–2002) y Cindy Taylor (2002– 2003). También eran invitadas personalidades del cine, la televisión y el modelaje, incluyendo a Victoria Silvstedt, Jenna Jameson, Karen McDougal, Ashley Massaro, Brooke Burns y Eleanor Mondale, entre otras. Antes del comienzo de una nueva temporada conducida por Tara Reid, el proyecto fue cancelado.

Ahora, este programa icónico regresa como Wild On Latino, con la modelo y actriz Alejandra Guilmant como host y una nueva propuesta que busca refrescar la emisión, haciéndola atractiva para un nuevo público. Platicamos con Alejandra sobre esta aventura que ahora inicia. ¿Llegaste a ver la vieja versión de Wild On!?

«No, yo nací en el ‘93 así que cuando me invitaron a ser parte de Wild On Latino tuve mis dudas, pues las referencias que tenía del viejo programa eran más bien en torno a la parte sexosa y reventada de Naked Wild On, por lo que no me veía ahí. No tengo problema con el pudor, soy bastante liberal y me gusta mucho quitar ese tabú del cuerpo y el desnudo, pero no sentía que un concepto así fuera lo que mi carrera requería.

Finalmente decidí darle chance al proyecto. Me explicaron la nueva propuesta de Wild On Latino con un lado más de documental reality, de traveling, y la verdad me encantó, me enamoré absolutamente de este concepto.»

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¿Te has sentido cómoda con este formato en el que vemos México a través de una chica de tu edad? Finalmente no estás haciendo algo muy distinto a lo que haces en tu vida normal…

«En realidad sí. Es viajar con mi mejor amiga y con mi roomie, disfrutar la vida, de eso se trata. Espero que Wild On Latino inspire a muchas personas a ahorrar para su placer y darse la oportunidad de conocer lo más hermoso de nuestro México para pasarla increíble, como lo hacemos nosotras en cualquier rincón del país.

«Parte del mensaje es: no te tienes que ir a Europa para pasarla bien, empieza por tu casa, y para todos nuestros amigos en Latinoamérica es la oportunidad de mostrarles con mucho orgullo todas las joyas que México tiene. Me encantaría, en futuras temporadas, conocer también sus países y a través de Wild On Latino presumirle al mundo todo lo bello de nuestra gente y nuestro continente.»

Ahora que hablas de futuras temporadas, ¿cómo visualizas el futuro de Wild On Latino?

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«Obviamente es mi proyecto, lo amo muchísimo y sólo quiero verlo crecer, ir a muchos países, conocer a más y más personas, vivir muchas experiencias y de verdad lo siento como mi hijo, quiero verlo madurar, aprender, volverse cada vez más exitoso.»

El nacimiento ha sido duro, ¿no?

«Criarlo, como equipo de producción, como host, como todo… no te dan un manual, y aunque ya hayas hecho realities esta es una propuesta completamente nueva y diferente que requiere aprendizaje y mil cosas que afinar en cada episodio.

«Todas las producciones son totalmente distintas. Yo en lo personal crezco en cada filmación y quedo fascinada en cada nueva plaza a la que viajamos. Además, Wild On no sólo soy yo, somos muchas personas para las que lo fundamental es mostrar a Latinoamérica el mejor México posible y todo aquello que nos da identidad, así que todo debe ser muy cuidado para lograr nuestro objetivo.»

El reto para Flor, para Chloé y para ti ha sido grande, pues no hay un guión y la producción genera situaciones a las que las exponen y ven cómo reaccionan…

«Todo en el show sucede de manera completamente orgánica, es un docu-reality con tres mujeres totalmente diferentes y muy empoderadas en lo que cada una hace: Flor en el DJing, Chloé como diseñadora y yo como modelo y actriz. Cada una aporta su propia visión del mundo y de lo que les pasa en cada lugar.

«Con este proyecto nos confrontamos con nosotras mismas y todo el crew: camarógrafos, sonidistas, directores, escritores, editores, todos estamos poniéndonos a prueba constantemente, tratando de conseguir el mejor resultado posible.

«Esto es Wild On Latino y sabemos que si nos dan la oportunidad de llevarlos a alguno de nuestros viajes querrán quedarse para siempre; como todo en la vida, lo más bonito no es llegar al destino sino disfrutar del viaje y aprender de él.»

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WILD ON LATINO ES UNA PRODUCCIÓN DE GRUPO SENTIDO Y SE TRANSMITE TODOS LOS DOMINGOS A LAS 10:00PM TRAVÉS DE E! ENTERTAINMENT TELEVISION. WM FA L L / W I N T E R

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Fearless Fotรณgrafo: Guillermo Cassar - @gcassar Modelo: Andrea Carrazco para New Icon Models - @andrea.carrazco Maquillaje: Salvador Gonzรกlez - @salvadorgonzalezmakeup Asistente de estilismo: Berenice Balderrama - @berevalderrama y Giuseppe Ayanegui - @giuseppeayanegui

marikaverabrand @marikavera @marikavera marikavera.mx Lisa Gia Troussers 022

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El concepto fearless creado alrededor de los acontecimientos mundiales de violencia me hace sentir que es momento de cargar con una actitud de valentía.

La colección Fearless habla de una mujer más fuerte, inspirada en siluetas de los años 80; crecimos la línea de daywear con otros cortes de pantalón que realzan la figura, con telas sutiles, toques de hilo metálico.

Siempre trato de entender mejor a la mujer. Acabo de cumplir 36 años, dejé a un lado las transparencias para explorar el uso de otros materiales.

Fearless lleva el fondo rojo, ya que es un color que se identifica con la pasión, la vida y la muerte.

Los props geométricos reflejan un toque ochentero, para no distraer la atención del producto unificamos el tono, buscando una mimetización.

Trabajamos con la modelo mexicana Andrea Carrazco por su look súper edgy. No es una belleza común, tiene rasgos orientales, tez blanca, pecas… una mezcla de rasgos que me parecen muy interesantes.

Al hablar de un fotógrafo, elijo trabajar con Guillermo Cassar. Desde 2014 hemos generando sesiones con una línea editorial muy clara que me gusta.

-Marika Vera

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F E AR LE SS Por Samantha Archibald

Marika Vera es una mexicana admirable que ha dedicado su vida a entender a las mujeres para crear prendas que nos hagan sentir mejor. Durante esta entrevista, percibí la mentalidad de una mujer fuerte e independiente, que ha seguido el sueño de ser diseñadora de lencería, creciendo exponencialmente hasta convertirse en una signature label. Mientras sus bodysuits nos hacen sentir poderosas y sofisticadas, el daywear es un must atemporal en el closet de cada mujer.

En enero 2018, Marika se presentará en el Salon Internacional De La Lingerie, París, uno de los muchos grandes pasos que está a punto de dar. Mientras nos cuenta de su nueva colección conceptualizada como Fearless, es inevitable abordar el empoderamiento femenino y el significado de ser femenina en la actualidad. ¿Cómo describirías a la mujer moderna?

«Independiente, fiel a sus ideales, una mujer que se guía por sus instintos, buscando lo que es mejor para ella.» ¿Qué significa la palabra sexy para ti?

«Sexy tiene que ver con una actitud, el nivel de seguridad que tienes en tu propio cuerpo. Me gusta hablar más de sensualidad que de sexy, porque para mí la sensualidad no es necesariamente evidente, puede estar velado o escondido. Creo que está entre lo que ves y lo que no, ahí se encuentra la verdadera sensualidad.» ¿Cómo ha sido la evolución de tu marca?

«Iniciamos con la marca de lencería 100% seda en 2010, con puntos de venta alrededor del mundo, incluyendo Australia, Inglaterra y Estados Unidos.

desborde o que se contenga. Cuando una mujer se pone una prenda de nosotros se siente sostenida y, automáticamente, sensual, más segura de sí misma.»

«Todo empezó como un hobbie. Siempre tuve un gran interés por el sentido lúdico de la lencería, algo con mucho campo por explorar dentro del diseño.

¿Cómo ha sido el crecimiento de Marika Vera?

«Ha sido muy interesante ver crecer a la marca de una manera muy orgánica. El producto ha tenido tal éxito que las mismas clientas son embajadoras, con una promoción de boca en boca.

«En 2014 tuvimos que hacer una pausa por motivos de una sociedad de la cual me salí, para relanzar la marca que hoy en día tenemos: cuatro años entregando lencería y bodysuits para la mujer moderna.» ¿Qué distingue a Marika Vera?

«Prendas con mucha sensualidad y la sensación de cotidianidad, piezas que puedes utilizar desde que despiertas hasta para ir por una copa al final del día, con las que te sientes sensual y segura, siendo muy femenina, con una línea de diseño sofisticada.

«He madurado desde mi visión como mujer y creo que eso se ha reflejado en el diseño. Me encanta el cuerpo de la mujer, por lo que busco hacer formas y siluetas que se adapten a él, con un diseño clásico atemporal.» ¿Qué retos tienes ahora?

«Hay mucho trabajo detrás de cada prenda. Para sacar una muestra debemos confeccionar de cinco a seis prendas, pero el tiempo nos ha dado experiencia. A veces, en el cuerpo de una mujer un centímetro puede hacer la diferencia entre algo que se

«Acabamos de abrir una tienda en Polanco, en Julio Verne 96. Es nuestra primera vez a nivel de calle, donde la gente puede encontrar toda la colección disponible en la tienda en línea.»

«En el Salon Internacional De La Lingerie, París; expondremos dentro de un showroom llamado Exposé donde se presentan marcas de lencería con un diseño contemporáneo, moderno y minimalista.

Y participaremos en una pop-up store dentro de Galeries Lafayette Haussmann del 14 de enero al 4 de febrero.» ¿Cómo percibes el concepto de empoderamiento femenino en relación a la equidad de género sin sacrificar la esencia femenina?

«Es importante no perder esa autenticidad y a su vez protegernos ya que, desgraciadamente, vivimos en una cultura en la que hay que cuidarnos. Aun así, siempre hay que buscar esas oportunidades de sentirnos más femeninas, con un vestido, un encaje, un brasier, y no dejarlo para ocasiones especiales.»

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MARÍA Te x t o y F o t o s : H a n n a h S o t e l o IG: @hanniux

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VALERIA MARÍA LUISA LILIANA PILAR JIMENA ANDREA CITLALLI PAOLA VICTORIA ALEJANDRA ROSA VERÓNICA BERTHA GLORIA CLAUDIA LORENA BRENDA MARISOL AURORA JACINTA NADIA MARÍA JOSÉ DEYANIRA FERNANDA DIANA PATRICIA EUGENIA MARCELA JESSICA VANESA KATIA ARANZA ERIKA FABIOLA LUISA MÓNICA ANA JULIA ILSE REGINA LEONORA ELENA SOFÍA ROCÍO SUSANA TATIANA PAOLA CRISTINA IRIA ANTONIA FLORENCIA EMILIANA BRISA MAR JULIETA IXCHEL VANIA LOURDES PALOMA MARITZA SANDRA GABRIELA ADRIANA EMILIA RENATA ROSALÍA GISELA BEATRIZ CARMINA PAMELA TAMARA PAULA MAGALY DANIELA CONSUELO AMARANTA LOLA EMMA FRIDA DOMITILA DEBORA CELESTE MANUELA TERESA MARGARITA GISELLE MARINA BÁRBARA ROBERTA MIRIAM JOSEFINA XIMENA VIRIDIANA KAREN CARLA CARMEN LUCÍA LETICIA CAROLINA GILDA ROMINA CAROLA LUCERO ARIANDE

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Desnudo 2, CDMX. 2015 FotografĂ­a Digital

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Cuenta mi papá que un día me llevó a una librería y que me perdió de vista por un rato. Imagínense ustedes lo que sintió mi padre al encontrar a su hija de ocho años en la mesa de los saldos, encantada con una revista de fotos en blanco y negro. Ahora visualicen su sorpresa al descubrir que lo que robaba mi atención era una publicación amateur de desnudos femeninos que él describe como «horribles.»

Así fue como mi papá descubrió antes que yo mi admiración a los cuerpos sin ropa. Yo, en cambio, me di cuenta más tarde; todo empezó con los primeros likes a una foto que le saqué a Jimena (Sánchez) en su sala y que subimos a nuestro nuevo blog. Entonces nació Mad Mamacitas, un proyecto de fotos de mujeres hechas por mujeres que, para nuestra sorpresa, se convirtió en una singularidad digital, en esos tiempos en que la palabra «viralizar» apenas empezaba a usarse.

Me dediqué por varios años a sacar fotos de mujeres, fue un proyecto de total libertad creativa y sobre todo, un increíble espacio para la experimentación. Gracias a este blog pude conectar con mujeres libres, talentosas y fuertes, con un espíritu contagioso que me acompaña hasta la fecha en todo lo que hago. Ahí entendí mejor cómo es percibido el cuerpo femenino al ser plasmado en un imagen y cómo influye el medio, la técnica y el espectador. Cada día me interesaba más el efecto social que podía causar con una fotografía. Decidí ir más lejos y a la par comencé a trabajar un proyecto de fotos de desnudos femeninos.

Las siguientes fotografías son parte de esta colección, van desde sesiones en foros controlados, en espacios públicos donde había que esconderse de la policía, o en medio de la naturaleza, en una búsqueda constante por encontrar un balance entre la técnica y la voz de mis imágenes.

Creo que cuando una mujer se desnuda frente a ti lo hace como un acto de valentía, de fuerza. Es una muestra de reconocimiento y amor a su cuerpo. Para mí, el desnudo femenino es y seguirá siendo siempre revolucionario.

-Hannah Sotelo

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Desnudo 3, CDMX. 2013 FotografĂ­a Digital WM FA L L / W I N T E R

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Desnudo 4, CDMX. 2015 FotografĂ­a Digital

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Desnudo 5, CDMX. 2017 FotografĂ­a Digital

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Desnudo 6, CDMX. 2013 FotografĂ­a Digital WM FA L L / W I N T E R

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Desnudo, CDMX, 2017 FotografĂ­a digital.

Arte Hernan Esquinca, Andrea Garcia Turner

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SA RA H L I K E S PR E TTY G IR LS Fo to s : S a ra h B l e s z y n s k i IG: @sarahlikesprettygirls_ | sarahlikesprettygirls2.tumblr.com | gofundme.com/4sdmvb6c

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Sarah, fotógrafa de Instagram residente de Estocolmo, Suecia, quien actualmente trabaja en su primer libro recopilatorio con lo mejor de su trabajo, Sarahlikesprettygirls In Berlin (que puedes ayudar a financiar a través del sitio gofundme.com), tiene como principio básico no usar Photoshop en sus fotos, lo cual les otorga un look muy particular, único y natural, a veces crudo y otras más artístico.

A continuación presentamos una selección de algunas de sus más recientes fotos , elegidas en exclusiva por Sarah para WARP Magazine.

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ANNE-MARIE TRY M E O U T Fotos: Saulo Barrera para WARP

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Todos aman una gran canción, con un gancho adictivo que se queda en la mente durante horas. Anne-Marie sabe perfectamente la receta de cómo lograr esto, creando algunas de las canciones más populares de los últimos dos años.

Anne-Marie Nicholson es una cantautora británica que tuvo su primer contacto con la fama a la edad de seis años, cuando apareció en la producción de Los Miserables, y más tarde obtuvo un papel en Whistle Down The Wind a la edad de 12 años.

A pesar del comienzo alentador de su carrera como solista, las cosas se pusieron en espera para dar más tiempo a su desarrollo como artista.

Años más tarde, en 2013, lanzó un demo titulado ‘Summer Girl’ que atrajo la atención de Ed Sheeran, Brit y MOBO. En 2015, grabó dos canciones junto a Dizzee Rascal y Will Heard que tuvieron

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como resultado dos años de gira con la banda, tocando en algunos de los escenarios y festivales más grandes del mundo.

En ese mismo año, la cantante lanzó su single debut ‘Karate’, incluido en el EP debut del mismo nombre. En 2016, Marie tuvo su mayor éxito con ‘Rockabye’, sencillo en el que colaboró con Clean Bandit y Sean Paul, siendo el número uno en las listas británicas durante nueve semanas. Hoy en día Anne-Marie ha sacado seis sencillos que han debutado dentro del Top 10 en Reino Unido.

Al finalizar el año pasado lanzó el single ‘Alarm’, que batió el récord de reproducciones de video con más de 280 millones de views, además de ser la canción de mayor venta en Reino Unido durante el mismo año. Aprovechamos la visita de la cantante a México para realizar esta sesión fotográfica y platicar con ella, busca el video de la entrevista en WARP.la

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JAGUAR CLUB PLATAFORMA MUNDIAL DE MODA URBANA Por Samantha Archibald

PARA LOS CREADORES DE JAGUAR CLUB, EL JAGUAR REPRESENTA AL LEÓN DE MÉXICO, SÍMBOLO DISTINTIVO DEL PAÍS. LA PALABRA CLUB, POR OTRO LADO, CONLLEVA EL SENTIDO DE PERTENENCIA EXCLUSIVO, BUSCANDO QUE TODOS SE SIENTAN PARTE DE LA MARCA. ESTE CLUB NACE DE LAS REUNIONES SEMANALES DE TRES AMIGOS DE DIVERSOS PERFILES: JAFET DANDER, BIENES RAÍCES; HÉCTOR CONTRERAS, FINANZAS, Y OSMANI CONROD, CREATIVO. ESTE ÚLTIMO NOS CUENTA LA TRAYECTORIA DE LA MARCA QUE DESDE 2015 PROPONE ALTA CALIDAD EN MATERIAL Y ESTILO EN STREETWEAR.

Para empezar, Osmani asegura que la respuesta positiva de amigos, contactos y usuarios ha sido parte esencial de la estrategia detrás de la marca: «Nos dieron rumbo e hicieron que Jaguar Club creciera, como los Ghetto Kids, son amigos desde hace mucho tiempo y son como nosotros, comenzaron divagando y soñando y actualmente están nominados a un Grammy Latino; que ellos también sean parte de nuestro movimiento nos encanta.»

Jaguarclub @thejaguarclub @The_JaguarClub jaguarclub.mx

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EL I N I C I O D E JAG UA R C LU B Jafet, Héctor y Osmani son de esos amigos que viajan a Los Angeles y esperan en largas filas para obtener un par de la colección de tenis más popular, un grupo que se reunía cada miércoles en Club Rhodesia hasta que decidieron crear una marca de ropa con la calidad que a ellos mismos les gusta usar. Osmani nos cuenta los roles de cada uno: «He sido creativo toda mi vida, lo mío siempre fue filmar y hacer comerciales. Héctor, por su parte, es licenciado en finanzas, trabaja en una compañía telefónica y también gusta de la ropa de calidad. Finalmente, Jafet se dedica a los bienes raíces, es un hombre que todos los días usa traje pero está al tanto de la moda actual.»

Uno de esos tantos miércoles, Héctor planteó la idea y entre los tres visualizaron el concepto. Al poco tiempo lo formalizaron, ya que todos buscaban crear un producto del que, al final del día, fueran los principales fans: «Mostrar la primera colección al grupo de amigos con el que nos juntamos fue como nuestro kitchen test para conocer qué cambios o detalles podíamos incluir en la línea.»

LO Q U E D I ST I N G U E A E STA M A RCA U R BA N A ES LA CA LI DA D DE M AT E R IA L Y LOS CO RT E S La línea es atemporal, con cortes especiales que a pesar de ser básicos tienen detalles que hacen la diferencia con respecto a la competencia. Jaguar Club es reconocida como una marca mexicana de plataforma mundial en streetwear.

Atlanta 188, en la colonia Nochebuena, es el lugar en el que acaban de inaugurar su primer showroom. La marca, además, puede ser encontrada en boutiques como 99 Problems (colonia Juárez), Bombardier (tienda de bicicletas en el centro de la ciudad) y Club Afer (colonia Condesa), de las pocas tiendas que traen Supreme y otras marcas extranjeras, y presentan Club Jaguar como la única marca mexicana. Hotel Intercontinental, en la parte boutique de Masaryk, también presenta la marca y próximamente estará en Kamikaze Stores, (colonia Roma), Puebla y Los Angeles.

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PR ÓXI MOS PASOS DE JAGUAR CLUB En el futuro de Jaguar Club se encuentra una pequeña colección de abrigos, chamarras y ropa de invierno para diciembre, y una nueva colección en marzo de 2018, sin dejar de mencionar un verdadero club con venta de membresías, donde los tres socios reunirán todo lo que les gusta: buena música, plática interesante, eventos y buenos cocteles; el lugar donde se formará el verdadero Jaguar Club.

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LIZZIE GILL A M E R ICAN PAST AND I NNOCE NCE Por Diovanny Garfias Fotos: Cortesía Lizzi Gill | IG: @Lizzie.Gill.Art / LizzieGill.com

Y así, sin darnos cuenta (o sin querer asimilarlo) Brooklyn, en Nueva York , se convirtió en el punto geográfico que cobijó a todos aquellos habitantes de la gran manzana cansados de los altos precios de las rentas, los turistas y el clima saturado de oropel de Manhattan. Este éxodo provocó al poco tiempo una revolución cultural que se mantiene hasta hoy en día, con artistas de diferentes partes del mundo que han encontrado en el barrio un hogar en el cual pueden crear y vivir de ello.

En este campo encontramos a Lizzi Gill, artista multidisciplinaria que ha tomado la efervescencia artística de Brooklyn como inspiración para dar rienda suelta a su creatividad. Su obra se nutre de elementos retro del arte pop norteamericano de los años 40 y 50, sin embargo, su visión particular queda plasmada al reconfigurar dicho arte y generar algo nuevo, dotado de una estética retadora y seductora sin dejar de lado el toque nostálgico. La técnica es lo de menos: pintura, collage o digital, cualquiera que ayude a traer a la vida a su creación es bienvenida.

Platicamos con Lizzie mientras prepara un nuevo proyecto en su estudio en Brooklyn, Nueva York: «Estoy trabajando en una serie de pinturas de medios mixtos a gran escala. Incorporan todos mis elementos favoritos: el collage, pinturas de aceite, acrílicos y aerosol. Mis obras exploran temas sobre cómo nos relacionamos en la era moderna, una continuación de la exploración del romance moderno, y estarán expuestas en Art Miami durante el Art Basel en diciembre. Estoy realmente emocionada por eso.»

- ¿Cuándo descubriste que tenías talento para el arte?

«Cuando era pequeña. Le enseñé mi trabajo a mis maestros y fue bien recibido.»

- ¿Recuerdas si la primera vez que tuviste contacto con el arte te afectó de una manera positiva o negativa? De ser así, ¿puedes hablarnos sobre ese momento?

«Recuerdo cuando mi abuela me enseñó a pintar a una edad temprana, lo terapéutico que era mezclar pinturas, el proceso lento y articulado de aplicarlas y mezclar colores sobre el lienzo. Era calmante y revelador.»

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- ¿Cuál es la pieza de otro artista que más te ha inspirado?

«Joseph Cornell, Toward the Blue Peninsula: For Emily Dickinson, 1953.» Recuerdo haber visto esta obra por primera vez cuando era chica, en el MoMa, fue una de las primeras piezas de medios mixtos que vi. La incorporación de un collage en una estructura casi diorama me cautivó totalmente.»

- ¿Puedes decirnos qué es lo que te parece atractivo en la nostálgica cultura pop americana y por qué decidiste hacerla parte de tu trabajo?

«Me encanta la sencillez de las imágenes, las extrañas connotaciones sociales y el papel de la mujer durante ese período. Como mujer contemporánea, me parece casi teatral la forma en que se vestían y hablaban. Conceptualmente disfruto traer estas imágenes mediante la yuxtaposición de fotos retro de amor y romance con la cultura de citas en línea, a través de la manipulación digital.»

- ¿Cuál es tu disciplina artística favorita o la que más disfrutas ejecutar?

«Medios mixtos. Siento que es lo más relevante para mi funcionamiento cerebral. Es como hablar cuatro idiomas a través de un

medio artístico con el objetivo de que todos trabajen cohesivamente en un ensayo. Me gusta el desafío.»

- ¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo y lo que más odias?

«Me encanta buscar el origen de los materiales. Nunca sabes a dónde te llevará esa búsqueda: el sótano de un acaparador, ventas de garage o incluso viejos graneros. Es casi como ser un arqueólogo y encontrar algo que de otra manera se habría perdido.

Lo que más me disgusta es el aislamiento inherente de ser un artista en un estudio solitario.»

- ¿Qué opinas de la escena artística de Brooklyn? Al parecer hay cosas muy interesantes sucediendo.

«Es una comunidad vibrante de creativos en constante cambio, siempre hay algo nuevo que ver.»

- ¿Hoy en día cuál crees que es el papel del arte en la sociedad americana?

«Un refugio seguro para el retiro o un método de transmitir un punto de vista.»

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Cacio e Pepe, 2017 46"x60"x1" Oil & mixed media on canvas

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BJÖRK DIGITAL B O G O T Á Y B U E N O S A I R E S , D O S N U E VA S V Í CT I M A S D E L A LO C U R A V I RT UA L Por Kaeri Tedla

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Fue en fechas recientes cuando el público colombiano y argentino pudo navegar por la mente, el cuerpo y el corazón de esta singular cantante y artista, cuya creatividad simplemente no conoce límites.

B O G OTÁ En el marco de la Cumbre de Industrias Creativas Digitales Colombia 4.0 y en el Pabellón 1 de Corferias, Björk Digital se mostró a la gente colombiana ávida de nuevas experiencias. Esta muestra, que se vivió no sólo con los ojos sino con el cuerpo (gracias al sonido envolvente, tecnologías de video panorámico, imágenes en 3D y videos de realidad virtual en 360º), permitió a los visitantes sumergirse en un universo surrealista junto a una figura de Björk en constante mutación.

Son 10 las ciudades en el planeta que han tenido en exhibición y disponible para el gran público la muestra Björk Digital, un increíble viaje virtual e inmersivo creado por la artista islandesa en conjunción con muchos de los desarrolladores más importantes de la industria del diseño y la realidad virtual.

Cientos de miles de personas, igual en Sidney que en Tokio, en el MoMA de Nueva York o el Foto Museo Cuatro Caminos de Ciudad de México, han podido recorrer esta exposición plena de experiencias inmersivas en audio, video 360º y realidad virtual conociendo, al mismo tiempo, parte de la vida y evolución personal de Björk.

Con ocho salas inspiradas principalmente en canciones de Biophilia (2011) y Vulnicura (2015), la exhibición nos lleva por los momentos más oscuros y depresivos de una mujer que trata de superar un rompimiento amoroso y que, a través de la música y la redención, logra renacer de sus cenizas, empoderada.

El espectáculo no se trata sólo del concepto de la cantante: en el desarrollo de esta exhibición participaron directores como Michel Gondry (recordado por la cinta Eterno Resplandor De Una Mente Sin Recuerdos), Spike Jonze (¿Quieres Ser John Malkovich?, El ladrón De Orquídeas) y Andrew Thomas Huang, reconocidos en el mundo audiovisual por su trabajo con agrupaciones como Rolling Stones, Arcade Fire y Atoms for Peace, respectivamente.

‘Black Lake’, canción que interpreta la artista y cuyo video fue dirigido por Huang, fue expuesto en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y diseñado ex profeso para el venue en su origen, mientras que ‘Notget VR’, realizado por Matt Chandler, Arvid Niklasson, Warren du Prez y Nitch Thorton Jones fue ganador del gran premio en el Festival Internacional de Creatividad Cannes Lions 2017, en París.

Durante 15 días, del 23 de septiembre al 8 de octubre, Bogotá pudo conocer Björk Digital con todo su poder. Se calcula en más de nueve mil personas el número de visitantes durante el tiempo total de exhibición.

B UE NOS AI R E S A la 10ª edición del Festival Ciudad Emergente de Buenos Aires, que contó con una notable convocatoria (más de 400 mil personas), se le integró, como una de sus grandes atracciones, la muestra Björk Digital… Una Experiencia Inmersiva.

Si bien el festival ya concluyó, la exhibición continuará abierta al público hasta el sábado 30 de diciembre. Hasta el momento se calcula en más de 20 mil personas el número de personas que han podido navegar por el alma digital de Björk en el espacio Bajo Autopista, Paseo de las Artes, frente a la Usina del Arte en Buenos Aires, con entrada libre.

Con esta misma lógica, Björk Digital seguirá visitando las grandes metrópolis del mundo con una propuesta que cambia para siempre la experiencia museográfica, al volverla plenamente interactiva.

No sólo es Björk, es el arte digital creado por grandes realizadores que encontraron en la sensibilidad de la cantante el detonador perfecto para crear una experiencia única y alucinante. Björk Digital gira por el mundo y la realidad virtual gira dentro de ella, una experiencia plena que algún día deberías experimentar.

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MAROMA ART E PA RA TO D OS Por Leonel Hernández Fotos: Cortesía Maroma

El arte surge como respuesta a los momentos más críticos de la humanidad y funciona como receptáculo de ideas y emociones que trascienden a las necesidades fundamentales de la vida. En todas sus manifestaciones constituye una característica esencial que identifica al ser humano; ha sido y es básico para su supervivencia. En la eterna tarea de llevar el arte a todos los rincones surge el proyecto Maroma, encabezado por Samantha Calderón, el cual pretende llevar arte y el proceso artístico a diferentes espacios de Ciudad de México, un proyecto en constante movimiento, como el arte mismo.

En tus propias palabras, ¿qué es Maroma?

«Maroma es una galería de arte en movimiento que se presenta cada tres meses en diferentes locaciones de la ciudad. También nos gusta describirlo como un happening o un gathering creativo, ya que cada evento es curado específicamente para el artista de cada edición. En Maroma siempre podrás conocer al artista y verlo trabajar, para así lograr un entendimiento más profundo de su técnica y proceso.» ¿Cómo nace el proyecto?

«Maroma surge del hambre que teníamos de proponer e innovar. Teníamos ganas de proyectos dinámicos en los que se vivieran experiencias únicas. Surgió la idea de crear una galería de arte efímera que sólo durara una noche, nunca en el mismo lugar, y que invitara a vivir una experiencia distinta en cada ocasión.» ¿Qué tipo de artistas pueden ser expuestos en Maroma? ¿Qué otras artes pueden involucrarse?

«En Maroma no se discrimina. Invitamos a artistas de cualquier disciplina a contactarnos. Estamos ansiosos por descubrir las nuevas propuestas del arte emergente, sea foto, escultura, visuales, performance, música, pintura, dibujo, poesía, diseño, memes o una mezcla, todo es bienvenido.»

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Samantha Calderón

¿Qué proceso deben seguir los artistas aspirantes a ser expuestos?

«Lo único que tienen que hacer es contactarnos y enviar un portafolio de su trabajo. Pueden hacerlo a través de Instagram o Facebook, nosotros lo revisamos y si es de nuestro agrado los contactamos para agendar una cita y conocerlos.» ¿Cómo es el proceso de selección y curaduría de las obras expuestas en la galería itinerante?

«Es importante para nosotros hacer una alianza con el artista para que la selección y la curaduría sean un trabajo en equipo. Las piezas son elegidas cuidadosamente para dar vida al evento y en cada ocasión pedimos a los artistas que trabajen piezas específicamente para Maroma. Nos parece que la experiencia es mucho más auténtica si todo fue pensado y planeado para la curaduría del evento.» ¿Cómo se eligen las sedes itinerantes de las exposiciones? ¿Hay planes de descentralizar el arte y llevarlo a la periferia o a otros estados?

«Para elegir la sede de cada edición tenemos un proceso largo, con una serie de pasos a seguir. Antes que nada, pedimos al artista contestar un cuestionario en el que se le hacen preguntas como: ¿cuál es tu lugar ideal para trabajar?, ¿cómo es tu estudio?, ¿qué tipo de arquitectura te gusta?, ¿tienes algún lugar en mente para tu exposición? Una vez contestadas iniciamos el proceso de scouting para encontrar el lugar ideal. Una vez que lo tenemos cruzamos los dedos para que los dueños nos permitan hacer el evento ahí.

«Tenemos muchas ganas de hacer Maroma en otras ciudades, como Guadalajara y Monterrey. Estamos trabajando para que eso suceda pronto.» ¿Cuál ha sido la recepción del proyecto en general?

«Ha sido maravilloso el apoyo que hemos recibido de toda la gente. Jamás esperamos que nuestra loquísima idea tuviera este impacto y que más y más personas asistan a cada edición. Sentimos una satisfacción enorme cada que alguien se lleva una pieza del artista a casa, saber que estamos poniendo un granito de arena para que las personas compren y conozcan el arte emergente.

Maroma se ha vuelto un espacio divertido y amigable para todos los creativos de la ciudad.» ¿Hacia dónde crees que se dirige el arte, al menos en el contexto local? ¿Hace falta algo para acceder más fácilmente al arte?

«Creemos que gracias a proyectos divertidos como este, más y más personas se están acercando al arte. Sentimos que, usualmente, en la mayoría de las galerías convencionales hay un ambiente posh y un tanto snob, que no invita a los jóvenes a acercarse al arte, y eso es muy triste.

«Hay muchísimas personas interesadas en conocer, comprar o sólo descubrir, que se sienten intimidadas o fuera de lugar en el típico círculo del arte. Nosotros creemos que la escena artística no debe ser así. Consideramos que el arte es para todos y que entre más accesibles sean las exposiciones más personas se acercarán a la creatividad y la educación cultural en el país.»

Samantha Calderón WM FA L L / W I N T E R

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ARTISTAS M U LT I D I S C I P L I N A R I O S LOS M I L CA M I N OS DE L A C R E AT IV IDA D Por Kaeri Tedla Fotos: Vidal Cruz

El arte es una característica humana que nos separa años luz de otras especies animales. En nuestra genética y nuestras neuronas se esconde esa fórmula inexplicable e infalible para transformar nuestro entorno y convertirlo no sólo en algo útil sino bello, desafiante, simbólico y emocional.

Los grandes artistas en la historia de la evolución y la cultura han abarcado diversas técnicas para expresar sus ideas. De Leonardo Da Vinci a Picasso y de Banksy a Jean-Michel Basquiat, todos han expandido su inspiración, integrando diferentes recursos para proyectar su obra y llevarla por distintos caminos.

En este lado del planeta WARP platicó con tres artistas: un chilango, un oaxaqueño y una argentina, quienes utilizan diversos métodos y herramientas para vaciar todo aquello que se agolpa en sus cerebros y en sus almas e insiste en salir al mundo para cautivarnos a todos.

ALAN MUERTO Ciudad de México Grabador, artista plástico, dibujante, tatuador

Mi inquietud por crear una obra plástica surgió mucho después en mi vida. Siempre me gustó el dibujo y desde muy chavo practicaba constantemente pero fue con el tatuaje y por el interés de tomarlo como un oficio que empecé a dibujar mucho más, entendiendo las evoluciones gráficas de aquellos años y adaptándome a ellas.

Aunque por un corto tiempo estudié arquitectura, muy pronto me di cuenta de que lo mío era el arte libre, así que me metí de oyente a la Academia de San Carlos, donde estudié figura humana, pintura, perspectiva, desnudo… las cosas básicas.

En estricto sentido, diversas formas de arte fueron llegando a mi vida, una tras otra, combinándose, creando muchos senderos por los cuales llevar mi visión.

Decidí ser autodidacta y no concluí estudios formales; un maestro hace años me dijo, cuando le pregunté sobre el manejo de la cromática: «Esas son cosas que poco a poco irás descubriendo», así que me dije,«¿para qué vengo contigo entonces?»; decidí pues descubrir todos los secretos por mi lado y más de 20 años después me sigue funcionando.

Hice murales en Xochimilco e Iztapalapa, tomé cursos de caligrafía y hoy en día soy yo el que los imparte a muralistas y grafiteros de toda la ciudad, todas las técnicas van de la mano y se proyectan hacia lo que nosotros queremos. El tatuaje, por ejemplo, no es para mí más que otra superficie sobre la cual trazar una idea, un dibujo con agujas que, eso sí, tiene la facultad de permanecer por años y la maravilla de que la gente lleva mi obra en sus cuerpos alrededor del mundo.

Hago dibujo, acuarela, óleo, técnicas mixtas, grabado, mural, arte objeto, caligrafía, trabajo con acrílico, calcografía, linograbado, he hecho piezas con sangre cuando supuran los tatuajes de mis clientes y al ponerles un papel encima se crea una imagen artística. He rescatado las pieles tatuadas de gente que se rayó conmigo y lamentablemente falleció, y cuyas familias me han permitido conservar ese pedazo de piel enmarcado. El arte es todo y todos somos arte… *Alan Muerto se encuentra en North Division Tattoo, en la colonia Roma.

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CÉSAR VILLEGAS Oaxaca Muralista, dibujante, escultor, pintor, grabador, tatuador

Soy diseñador gráfico y vivo en Oaxaca. Fue el grafiti y el tatuaje lo que me llevó a buscar nuevos horizontes y caminos para consolidar mi obra, y fue mi sangre oaxaqueña la que me dio la fuerza y la inspiración para consolidarme como artista. Esa inspiración ha venido no sólo de las tradiciones de mi gente sino también de los constantes conflictos políticos que han permanecido vigentes en Oaxaca desde siempre. Mi arte siempre quiso ser una propuesta estética pero también una crítica social, vibrante y funcional para contraponerse al poder.

Hacer carteles, muralismo, grafitis, esténcil para salir en guerrilla a las calles del centro a plantear nuestra postura como jóvenes era la misión en aquellos días. Hoy mi obra se nutre de lo prehispánico, de la vida y la muerte en conjunción, e igual dibujando, esculpiendo, grabando o tatuando soy un artista que funciona como un puente, interpreto, plasmo y proyecto una visión de la realidad, como siempre ha sido en el arte. *César Villegas se encuentra en Oaxaca

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CELESTE URREAGA Argentina Fotógrafa, realizadora y productora, artista plástica

Desde muy joven viví con la cámara en la mano, tenía un gusto particular por registrar todo y capturar los momentos irrepetibles a los que la fotografía nos da la posibilidad de regresar en cualquier momento. Siempre hay un dejo de nostalgia en la foto.

En la vida me ha gustado dedicarme a cosas relacionadas con el arte, me encanta rodearme de artistas y gente que me aporta otras visiones de la realidad con su personalidad y su talento. Supongo que eso también contagia mi trabajo.

Hace siete años consolidé uno de los proyectos que más quiero, Retratos del Rock, una revisión documental de muchos de los más grandes músicos en Argentina y Latinoamérica: fotos, videos, música, performance, tecnología, todo se combina en mi obra.

Hoy en día estoy en Japón montando la exposición Doble Mirada, un ejercicio colectivo fotográfico de la mano de mi amigo Eji Kakugawa. Estoy muy enfocada en la mujer y todos los mitos y realidades alrededor de ella.

Con distintos recursos genero nuevos contenidos para expresar mi interpretación plástica o audiovisual de ello. Pinto, diseño, hago arte objeto, video, foto y todo lo que despierta los demonios que llevo dentro. *Celeste Urreaga estará en el Centro Cultural Panteón (Donceles 66) el 2 de mayo 2018 Además de la diversidad de técnicas, del uso de recursos materiales, fotográficos e incluso digitales, este continente y este país están llenos de inspiración y pretextos, símbolos, lugares, historias, tradiciones y objetos para crear arte. Los artistas multidisciplinarios (como tendrían que ser todos en la actualidad) no están escasos de ideas, al contrario, es poco el tiempo y la vida para vaciar lo que vive en ellos, para el deleite de quienes disfrutamos el gran arte del s. XXI.

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EL ECO M U SEO E X PE R I M E N TA L A RQ U I T ECT U R A H EC H A PA R A L A L IB E RTAD Por Kaeri Tedla Fotos: Saulo Barrera para WARP Fuente: La disonancia de el Eco, Un ensayo de David Miranda. UNAM, 2015.

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a arquitectura, como una de las Bellas Artes, tiene la más increíble misión: generar proyectos estéticos que embellezcan el paisaje y su entorno y que al interior también logren crear ambientes que motiven e inspiren, con un sentido funcional, útil y práctico; cada inmueble creado debería estar pensado para facilitar actividades y usos, añadiendo una propuesta de estilo, formas, colores y materiales que se integren de manera perfecta.

EN LA ME NT E DE U N V IS IO NA R IO Sin haber nacido en nuestro país, Mathias Goeritz es reconocido como uno de los protagonistas inevitables de la modernidad plástica y arquitectónica mexicana, dejando uno de los legados artísticos más importantes de nuestra historia cultural y convirtiéndose en impulsor de la tendencia de la abstracción constructiva, así como en fundador de la «arquitectura emocional».

Alemán de nacimiento, Goeritz llegó a nuestro país luego de la Segunda Guerra Mundial; escultor, poeta, historiador del arte y pintor, fue también consolidando su formación como arquitecto que más que un oficio era una suerte de búsqueda en la que proyectaba sus talentos, llevando el diseño de un espacio hasta sus más desafiantes posibilidades.

Junto al ingeniero Luis Barragán y el artista plástico Jesús Reyes Herrera, hacia el final de la década de los 40 y en los años siguientes Goeritz realizó varios proyectos de relevancia como las Torres de Satélite y el Convento de las Capuchinas, en Tlalpan. Años después, la Ruta de la Amistad (exposición escultórica monumental al aire libre sobre Periférico, que daba la bienvenida a los participantes de los Juegos Olímpicos de 1968), el asombroso Espacio Escultórico, en Ciudad Universitaria, y su más importante proyecto: el Museo Experimental El Eco.

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E L ECO, DONDE R E SUE NAN TODAS LAS VOCE S Ubicado en la calle de Sullivan, en Ciudad de México, el Museo Experimental El Eco fue diseñado por Mathias Goeritz como una estructura poética cuya disposición de techos, muros, recintos y diversas áreas llevaban a los visitantes a reflejar su experiencia del espacio en un acto emocional.

Inspirado también en la arquitectura gótica y barroca, Goeritz concibió el edificio como una escultura penetrable, viva, en la que se siente no sólo lo que ahí se muestra sino todo lo que circunda al objeto; el arte es vivo, lúdico, tangible y mordaz, de ahí que sea un museo experimental, pues constantemente desafía la racionalidad arquitectónica para entregar el poder a las emociones a través de ejercicios donde las distintas artes se entrelazan: pintura, música, danza, poesía, escultura, arte objeto, arquitectura, todo en movimiento y acción constante.

UNA T R AVE SÍ A DI F Í CI L Paola Santoscoy, directora actual de El Eco, y David Miranda, curador del museo, nos narran parte de la historia de este singular edificio, plagado de memorias: «Fue en una exposición de sus pinturas y esculturas en la galería de Arte Mexicano, en 1949, que Mathias Goeritz conoció a Daniel Mont, empresario relacionado con restaurantes, bares y galerías de arte. En el contexto de esa inauguración, Mont realizó uno de los ofrecimientos más arriesgados y singulares para la carrera del artista de origen alemán. Según lo que Goeritz refiere en diferentes relatos, Daniel Mont se acercó a ofrecerle un terreno en las calles de Sullivan y una cuadrilla de trabajadores, así como los recursos materiales para que hiciera “lo que le diera la gana”. Goeritz replicó que no era arquitecto y que eso sería un problema, a lo cual Mont respondió que era justo la razón por la cual quería que él llevase a cabo tan especial empresa.»

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El Eco, concebido como un lugar de resonancia para la expresión artística de su tiempo y para servir como santuario de todas las formas del arte, fue inaugurado el 7 de septiembre de 1953 no para conservar un acervo, como la mayoría de los museos, sino para ser ocupado constantemente por artistas y obras temporales e incluso efímeras, con un sólo objetivo: despertar emociones.

Continúa David Miranda: «Lamentablemente, el 26 de octubre de 1953 Daniel Mont, mecenas de Mathias Goeritz, muere de un paro cardiaco. Después de esa fecha todo lo relacionado con el museo se desvaneció. Goeritz publicó, en 1954, el Manifiesto de Arquitectura Emocional como una suerte de justificación contra quienes cuestionaron el proyecto durante su breve existencia y que nunca entendieron las intenciones del mismo.»

El Eco no tuvo la vida que se esperaba y cambió de rumbo en diferentes ocasiones: fue restaurante y cabaret, se sabe que fue el primer bar gay de la ciudad antes de que la UNAM lo rentara, por iniciativa del maestro Héctor Azar, para ver nacer ahí el Centro Universitario de Teatro (CUT). Más adelante fue tomado por un grupo de activistas durante 25 años consolidando el Centro Libre de Experimentación Teatral que a la postre crearía El Tecolote, un lugar de eventos diversos más enfocados en política y rock urbano.

Al final de los años 90 el inmueble fue abandonado, cayendo en un triste letargo, como los sueños de Goeritz, quien murió sin haber contemplado su gran proyecto funcionando a plenitud.

E L R E NACI MI E NTO En 2004 el lugar fue recuperado por la UNAM para su restauración y rescate, pues sus últimos dueños buscaban demolerlo para hacer un estacionamiento.

El 7 de septiembre de 2005, 52 años después de su inauguración original, el Museo Experimental El Eco reabrió sus puertas con la vocación de sus creadores: convertirse en el espacio de resonancia de los artistas de esta nueva era, siendo la escultura habitable en la que todos queremos sumergirnos para bañarnos de creatividad y arte en sus más diversas y desquiciadas expresiones.

Hoy, El Eco ofrece distintas exposiciones de diferentes disciplinas, tiene un bar y espera a todos los que quieran conocerlo en James Sullivan 43, colonia San Rafael, Ciudad de México.

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GUILLERMO DEL TORO MO N ST E R S H A P E Por Alonso Valencia

Contados directores de cine actuales logran mostrar una línea constante y resonante a lo largo de su filmografía. Guillermo Del Toro es uno de los pocos cineastas modernos que destacan por su mítica estética, su apego a los métodos tradicionales para hacer cine y sus criaturas y espectros salidos de cuentos de hadas e historias de terror, los cuales han cautivado a la audiencia por más de 20 años con cintas como El Espinazo del Diablo, Cronos, Hellboy y El Laberinto del Fauno.

«Lo demás consistió en articular la historia a través de imágenes, es decir, hay dos departamentos contiguos que comparten una ventana que tiene la forma de una ola.

Ahora, con un regreso a sus orígenes y cambiando la metodología de trabajo y su fuente de inspiración, presenta The Shape Of Water, un romance fantástico entre una criatura y una peculiar mujer. La historia está situada en 1962, un año que Del Toro percibe como un punto clave en el desarrollo de la cultura estadounidense, un cruce en el pasado anhelando un mejor futuro.

«El tipo de futurismo que mencionas es tecnología de los 60 que debía representar una época y tenía que ser gráficamente potente. La codificación de colores, por otra parte, está controladísima para contar la historia: los azules son para el agua, los dorados para el aire, el verde para el futuro y el rojo para el amor y el cine. Esos colores están muy cuidados en la película, no verás ninguno que no debiera estar ahí.

El originario de Guadalajara visitó recientemente el Festival Internacional de Cine de Morelia, en su decimoquinta edición, para hablar más a fondo de este trabajo, ese que le llevó años de producción y que lo remonta a su niñez, viviendo en un mundo de monstruos, princesas y romances que en algún momento parecieron imposibles.

Uno de los elementos más destacados de The Shape Of Water es el diseño de producción desde el punto de vista gráfico, con elementos futuristas de la década de los 60 e imágenes publicitarias de la época. ¿Cómo trabajaste los aspectos visuales?

«Lo que hicimos fue empezar muchos, muchos meses antes de que entrara un diseñador de producción. Iniciamos básicamente Guy Davis y yo, solos, por varios meses, diseñando el departamento de Eliza, el laboratorio, no exactamente cómo quedó pero los principios generales, para encontrar un lenguaje.

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«Comparto un departamento en el que el papel tapiz parece escamas de pescado, comparto un departamento en el que las manchas de humedad están reproduciendo un grabado japonés, La Gran Ola de Kanagawa. Son cositas que están ahí.

«Las formas son igualmente deliberadas. Todo eso está listo para cuando llega el diseñador de producción y a partir de ahí comienza el verdadero diálogo.»

El personaje de Sally Hawkins es impresionante. ¿Cómo trabajas desde la preproducción para que el espectador sienta los movimientos e identifique las características del protagonista?

«Lo primero que hice con Sally fue regalarle un kit de Blu-rays y DVDs que incluían a Harold Lloyd, Buster Keaton, Charlie Chaplin y Stan Laurel y le dije: “Estudia a los comediantes de la época del cine mudo para que puedas ser una actriz de cine mudo. Tu mirada y tu cuerpo deben tener la precisión, gracia y pureza de esos actores.” Ella lo estudió efectivamente y logró un personaje único, potentísimo.»

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Guillermo Del Toro con Sally Hawkins y Octavia Spencer

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Sally Hawkins y Doug Jones en el set de The Shape of Water

Se dice que los orígenes de Creature From The Black Lagoon surgieron en una conversación entre Gabriel Figueroa y William Alland sobre una criatura mitad hombre, mitad pez, que existía en el Amazonas. ¿Podríamos decir que ese es un común denominador con The Shape of Water?

«Sí, es verdad que Gabriel Figueroa platicó sobre el pez del Amazonas y que a partir de ahí surgió la película de Universal.

«Lo que es hermoso para mí es que esta película surge de mis recuerdos de mis años mozos. Tenía alrededor de seis años y estaba viendo una cosa en el Canal 6 de Guadalajara llamada Cine Permanencia Voluntaria, ahí pasaron La Criatura de la Laguna Negra, la vi y me enamoré de la historia romántica, pensé, ¿por qué la muchacha y el monstruo no acaban juntos?”. Me tomó cuarenta y tantos años remediar la situación.»

La película logra transmitir un sentimiento de soledad por medio de todos los personajes. ¿Cómo manejas este sentimiento desde el set?

«Bueno, creo que, por ejemplo, es importante que el actor muestre la emoción adecuada, además de tener la cámara a cierta distancia. Lo podemos ver con Sally, pequeñita en su de-

partamento, limpiando sus zapatos, y luego la vemos en close up. Tienes ese momento en que ves el departamento y a ella en medio, limpiando los zapatos, una acción chiquitita.».

Toda esta cuestión de los matices y las personalidades de los personajes también se notan en el diseño de vestuario. ¿Qué es lo que tratas de reflejar en este rubro?

«El diseño de vestuario lo hace Luis Sequeira, un tipo fenomenal. Con él trabajé en Mamá, de Andy Muschietti, y The Strain, la serie de televisión. Él entiende muy bien que el diseño de vestuario no es visual, es narrativo; es decir, el que alguien tenga un pequeño suéter o una bandita en el pelo da carácter al personaje, te dice si es modesto, si es privado… por lo que el diseño del personaje está completamente unido al diseño de vestuario.

«El personaje de Michael Shannon tiene trajes hermosísimos, hechos a su medida, es un tipo vanidoso al que le gusta verse bien, se lava las manos constantemente. Cuando el monstruo le arranca dos dedos de un tirón sabes que lo odiará por el resto de su vida y esto viene del vestuario. La ropa de Shannon fue de las más costosas por las telas y la hechura, de precisión inglesa.»

DISFRUTA ESTA ENTREVISTA Y MÁS CONTENIDO CON LO ÚLTIMO DEL MUNDO DEL CINE TODOS LOS VIERNES A LAS 7.30PM EN FULLSCREEN, POR EL CANAL STUDIO UNIVERSAL WM FA L L / W I N T E R

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ISAAC EZBAN C INE DE G É NERO, DE MÉ XI CO PAR A E L MUNDO Por Jonathan Sánchez | Foto: Vidal Cruz para WARP

Durante los últimos años, la industria cinematográfica mexicana ha estado en una constante evolución, permitiendo, entre otras cosas, que géneros que antes no eran tan comunes dentro del cine nacional crezcan en popularidad y presencia gracias a un selecto grupo de jóvenes cineastas que han venido con paso firme a cambiar todo, con ideas originales y actitud fresca.

Entre esos realizadores encontramos a Isaac Ezban, entusiasta de las cintas de terror, horror y ciencia ficción que en poco tiempo ha llamado la atención por su peculiar estilo, uno que se ha visto pocas veces en México y que le ha permitido hacerse de cierto nombre a nivel internacional.

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Director, guionista y productor de cine, así como empresario emprendedor que encontró la forma de revivir el viejo concepto de los autocinemas en Ciudad de México (Autocinema Coyote), Isaac Ezban ha hecho que propios y extraños volteen a ver sus películas, mismas que siempre funcionan como metáfora de un tema real para reflexionar, a pesar de pertenecer al cine de género que el realizador tanto ama desde temprana edad. Todo comenzó con varios cortometrajes, el mediometraje Cosas Feas —carta de presentación del cineasta— y, más tarde, dos largometrajes: El Incidente (2015) y Los Parecidos (2016), mismos que le permitieron sobresalir en festivales especializados como Fantastic Fest, Sitges y Mórbido Fest.

Actualmente, Ezban trabaja en los detalles finales de su tercer largometraje, el primero en habla inglesa, Parallel, además de preparar su cuarta cinta, una adaptación de la novela de terror Summer of Night, escrita por Dan Simmons. El futuro pinta bien para este mexicano, quien seguirá contando sus historias donde se lo permitan. Aquí nuestra charla con él.

- ¿En qué momento te diste cuenta de que querías hacer cine?

«Así como mucha gente llega al cine por las partes técnicas, yo llegué por el tema de las historias. Antes que ser director y guionista, me considero un contador de historias. Siempre me han gustado aquellas de ficción y los cuentos, mi abuela materna tuvo mucha influencia en mí y me instruyó en la narración de los mismos. Desde los cinco años era el cuenta cuentos en varios programas y después quise contar mis propias historias; el cine era lo que más me apasionaba y siempre supe que quería ser director. En la secundaria ya no era cool ser cuenta cuentos, así que empecé a contarlos de otra forma: escribí cuatro novelas cortas en la

preparatoria y después me fui a estudiar comunicación. Fue en los primeros semestres en que decidí irme de lleno por el cine. Después estudié en la New York Film Academy e hice tres cortometrajes, que fueron más como ejercicios. Finalmente me titulé con Cosas Feas, un mediometraje de 33 minutos que quise fuera más una película en forma para prepararme para un largometraje.»

- ¿Cómo comenzaste a contar tus propias historias?

«Algo que me ayudó mucho en mi formación es darme cuenta de que en este medio lo que importa es qué has filmado, así que empecé a pensar que lo más importante era filmar mucho. Entonces comencé el Clip of the Week con un socio, un corto de un minuto que cada domingo enviábamos a ocho mil personas; si los buscas en Internet todavía están. Después nos dimos cuenta de que esos cortos no nos llevarían a nada y comenzamos el Short of the Month.

«Nunca me ha interesado que mis historias reflejen sólo la realidad nacional, me gusta que puedan ocurrir en cualquier lugar, es el tipo de cine que me atrae. El interés internacional se lo debo a los festivales que se han fijado en mis películas y me han funcionado como plataforma. Me gusta que el cine sea universal, que pueda verse y entenderse donde sea.»

- ¿De dónde viene esa pasión por el cine de género?

«Desde que tengo memoria me han gustado las historias de terror, crecí viendo películas que van de Freddy Krueger hasta toda la filmografía de Wes Craven. A los 13 años descubrí a [David] Cronenberg, luego La Dimensión Desconocida y me volvió loco. Las cosas que uno ve en la temprana adolescencia te marcan mucho. En México es complicado hacer cine de género

pero es algo que tiene dos lados, porque también se trata de hacer algo nuevo y diferente, es difícil y eso mismo lo hace especial e interesante.»

- ¿De qué va la historia de Parallel?

«Es la historia de cuatro amigos que descubren un portal a mundos paralelos y lo usan para su propio beneficio, lo que termina destruyéndolos. Yo digo que es como un Flatliners meets The Social Network. Curiosamente ese proyecto se cerró en México, en un Mórbido Fest; ellos me buscaron y yo los busqué, fue estar en el lugar indicado y con las personas correctas. Por otro lado, fue una experiencia increíble filmar en Canadá. El estreno será el siguiente año.»

- ¿Cuándo comenzarás a filmar Summer of Night?

«En 2014 me preguntaron si había alguna novela que quisiera adaptar y les dije que Summer of Night. Luego conocí a un productor y de pronto me contó que siempre había querido hacer una película de esa novela. Él colocó el proyecto en Sony. El plan es filmar el siguiente año y estrenar en 2019. Es una novela que leí a los 14 años y me encantó, la historia de unos niños que viven en un pueblo, en los años 60, y tienen que combatir durante el verano un mal sobrenatural. Hoy en día, gracias a historias como Stranger Things o It, el tema del coming of age ya no se ve como algo retro. A todos nos despierta cierta nostalgia y nos podemos identificar.»

- ¿Por qué revivir el concepto del autocinema?

«El Autocinema Coyote fue un proyecto que emprendí con otros socios, me encanta todo lo retro y siempre había sido mi sueño ir a un autocinema. Sentimos la necesidad de conocer lo que era y después nos dimos cuenta de que había mucha gente con el mismo sentimiento. Es una gran forma de disfrutar una película.»

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SHUFFLE LUST IN THE MOVIES

DANNY ELFMAN T H E NIGH TMAR E B E FOR E MUSI C Por Oscar Adame | Retrato: Vidal Cruz para WARP

Cubierto por máscaras, calaveras, murciélagos, gatos y caras pálidas, Danny Elfman se ha convertido en uno de los compositores más queridos en la historia del cine. Su música, influida por el ballet de Tchaikovsky, los experimentos de Bernard Herrmann y el minimalismo de Satie, carga con aquel sentimiento romántico que caracteriza a las historias de Tim Burton, director con quien ha logrado una prolífica carrera de 12 colaboraciones.

El director cinematográfico, obsesionado con diseños expresionistas y personajes rotos, es una de las mentes más seguidas en la industria del celuloide. Sus manías y obsesiones lo convirtieron desde chico en un creador incomparable que ha logrado entregar mundos completamente nuevos a un público hambriento por fantasías complejas y emotivas.

mentes se complementaron a la perfección y ganaron un lugar en la cultura popular con sus mundos pálidos de ojos grandes.

Contrario a Burton, Elfman posee una versatilidad que le permite entrar y salir de otros mundos con facilidad. De la casa Simpson a Desperate Housewives, y de la acción de Mission: Impossible y Men In Black a la introspección de Good Will Hunting, Danny tiene muchas caras y muestra cada una con orgullo. Nosotros pudimos ver algunas de ellas en la plática que mantuvimos previo a su celebración de Halloween en la Arena Ciudad de México, una conversación que se extendió de su trabajo en Justice League a lo que ha vivido debajo de su máscara más famosa: Jack Skellington.

Previo a adentrarse en la realización de películas, Burton se dio cuenta de que necesitaba de otro hombre que pudiera complementar sus visiones con sonoridades igual de excéntricas y novedosas. Es por ello que cuando encontró a Danny Elfman en un pequeño teatro tocando canciones de ska con su banda Oingo Boingo, no dudó en contactarlo.

¿Cuál ha sido la experiencia más complicada al componer un soundtrack?

«Batman fue la película que me planteó el mayor reto porque en ese entonces yo era considerado un compositor para películas cómicas y los productores no me querían por ello. Tuve que ganarme a todos los involucrados, pues asumían que no terminaría el proyecto, que no sería capaz y que tendría que ser reemplazado.»

De Pee-wee’s Great Adventure a Alice In Wonderland, pasando por clásicos como Edward Scissorhands, Beetlejuice, Batman y The Nightmare Before Christmas, ambas

En el pasado has dicho que tuviste pensamientos similares al componer la música de Pee-wee’s Great Adventure. ¿Qué fue lo que cambió? ¿Te sentías completamen-

te seguro de poder hacer la música de Batman y por ello te aferraste al proyecto?

«Fueron situaciones muy distintas. Peewee’s Great Adventure no me importó en lo más mínimo, sólo quería divertirme, lanzar el trabajo y disfrutar del proceso.

De hecho me sorprendió que recibieran el soundtrack y decidieran usarlo.

«Batman fue mi décima película y quería hacerla lo mejor que pudiera, quería saber cómo hacer un mejor trabajo. Además sentía que entendía lo que era la película pero tuve que convencer a todos de que lo hacía. De verdad tuve que pelear, fue la experiencia más complicada pero también la más importante de mi carrera.»

Tu primer soundtrack lo hiciste para Forbidden Zone, dirigida por tu hermano. Él también era músico, fue líder de Oingo Boingo antes que tú, ¿por qué te pidió entonces hacer la banda sonora?

«Es un poco complicado. Mi hermano empezó la banda en Francia bajo el nombre de Le Grand Magic Circus, yo lo visitaba a los 18 años con regularidad y me contrataron para tocar el violín, creí que estaban locos pero lo hice. Al poco tiempo se movieron a Los Angeles, cambiaron el nombre a The Mystic Knights of Oingo Boingo y me pidieron que fuera su director musical. No sabía de qué hablaban.

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«Viví seis meses en África y regresé para encontrarme con mi hermano y su banda callejera, entonces comprendí que querían que dirigiera a la banda en las calles. Tocamos alrededor de la ciudad durante meses y ahí aprendí a tocar el trombón y a lanzar fuego. Mi hermano entonces salió del proyecto para empezar a trabajar en Forbidden Zone y yo me hice cargo de la banda. El proyecto se volvió más ambicioso, más dramático y decidimos llevarlo a los teatros.

«Un día me desperté en Inglaterra escuchando ska y decidí que la banda se convertiría en una agrupación de rock. Al poco tiempo uno de los asistentes a uno de nuestros primeros conciertos, Tim Burton, me contactó para que trabajara en el soundtrack de su primera película. Yo no era un compositor, no sabía qué pensar pero lo hice. Como puedes ver mi carrera se ha formado gracias a una serie de grandes accidentes.»

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Escribiste las letras de las canciones de The Nightmare Before Christmas; sin embargo, Tim Burton ya había concebido la historia como un poema. ¿El poema original de Burton fue una gran influencia para escribir las líricas de la película?

«Sí, no utilicé mucho de lo que él había escrito originalmente pero cuando empecé a trabajar en las canciones él empezó a escribir rimas. Me dejaba frases por aquí y por allá, todas eran muy buenas, por lo que las recolecté y empecé a combinarlas con mis propias rimas. En cierto punto tuve que escribir desde cero pero el poema y sus frases me seguían influyendo.

«Creo que cuando Tim y yo escribimos rimas compartimos referencias. Él no estaría de acuerdo pero en mi opinión Dr. Seuss es una gran influencia. Algo en mis propias líricas, las letras, el tempo, las convierten en algo muy similar a aquellas del trabajo de Dr. Seuss. Alan Gore tam-

bién es una influencia importante, él es un caricaturista siniestro.»

Mucha gente apasionada del theremin ha declarado que es culpa tuya que el instrumento sea súper popular…

«No lo creo, el theremin nunca se fue, es un instrumento demasiado divertido. En los conciertos usamos el theremin en tres ocasiones: para Mars Attack, Frankenweenie y Charlie And The Chocolate Factory. Las primeras dos fueron opciones obvias, ambas muy dedicadas a la ciencia ficción.

«Amo el theremin, lo he amado desde que vi The Thing From Another World, película para la cual Dimitri Tiomkin escribió un soundtrack hermoso con el instrumento, es por ello que el theremin está en mi subconsciente.

«Bernard Herrmann también lo utilizó en mi soundtrack favorito, aquel que compuso para un filme de fantasía llamado The Day The Earth Stood Still.»

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¡AÑO NUEVO CARLOTA 2017!

CENA Y HOSPÉDATE CON NOSOTROS: $7,900.00 Incluye: 2 personas.

Cena 5 tiempos + maridaje + habitación estándar + desayuno Una copa de champagne para el brindis Las tradicionales uvas Fiesta con DJ Props y kit de fiesta.

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CENA: 7:00 PM A 10 PM (PARA RESERVAR) $1,900.00 p/p Cena 5 tiempos Una copa de champagne para el brindis Las tradicionales uvas Fiesta con DJ Props y kit de fiesta.

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CARNÍVORO ASADOR DE CULTO

Por Michelle Apple Fotos: Saulo Barrera para WARP

«El respeto por los animales es el principio de una buena carne, y para ser sano tiene que ser natural.» Bajo dicho concepto nace Carnívoro, un asador cuya especialidad radica —como el nombre lo menciona— en una amplia variedad dedicada al sibarita de la carne.

Ubicado en una emblemática casona de la época del porfiriato, rescatada y catalogada por el INBA, este asador cuenta con materia prima orgánica certificada, libre de residuos tóxicos, 100 por ciento de libre pastoreo, criada a través de un proceso amigable, respetuoso al animal y al medio ambiente.

Como menciona Juan Carlos Canales, gerente del restaurante, uno de los elementos distintivos del mismo es «la cámara de añejamiento seco en casa que sólo se abre una vez al día, por lo que no hay contaminación cruzada de bacterias y nos permite añejar la carne de 21 a 90 días». Además, «la carne y los ingredientes son nacionales y los vegetales son orgánicos en su gran mayoría.»

Si sumamos a las opciones del restaurante platillos prehispánicos como chapulines, gusanos de maguey, escamoles y una amplia gama de vinos y opciones de coctelería, es fácil ubicar a Carnívoro como una de las opciones de vanguardia a la hora de elegir comer carne en Ciudad de México.

Carnivoro Asador @carnivoroasador @carnivoroasador carnivoro.com.mx Yucatán 138, Col. Roma 0 92

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Chuletรณn FA L L / WI W I NTE NTER WM FAL

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Taco de Picaña

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CĂĄmara de aĂąejamiento seco

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oaxacareal.com

Mรกs informaciรณn: Hotel Oaxaca Real @OaxacaRealHotel @hoteloaxacareal

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TIERRA DE OAX ACA

OAXACA ES UNO DE LOS ESTADOS MÁS RICOS EN CULTURA DE NUESTRO PAÍS, NO SOLO ES UNA DE LAS ZONAS DE MAYOR COMPLEJIDAD GEOLÓGICA, MÁS DE 16 GRUPOS ÉTNICOS SE CONCENTRAN EN LA REGIÓN Y VIVEN MÁS DE 1431 ESPECIES ANIMALES. SIN EMBARGO, EL ESTADO DEL SUROESTE DE MÉXICO TAMBIÉN CUENTA CON UNA SELECCIÓN DE RESTAURANTES, BARES Y HOTELES DE PRIMER NIVEL, LO QUE AYUDA A QUE SEA UNO DE LOS DESTINOS TURÍSTICOS DE MAYOR OFERTA DEL PAÍS, COMBINANDO COSTUMBRES, TRADICIÓN, RIQUEZA NATURAL Y VANGUARDIA. ESTA ES NUESTRA SELECCIÓN DE RESTAURANTES, HOTELES Y BARES QUE TIENES QUE VISTAR DURANTE TU PRÓXIMA ESTADÍA EN OAXACA.

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BOULENC O LD FA S H I O N ED H O M E K ITC H E N Porfirio Díaz #207, Centro, Oaxaca Por Samantha Archibald

Boulenc es una exquisita panadería artesanal situada en el centro de Oaxaca, fundada por Juan Pablo Hernández, Daniel López y Bernardo Dávila.

Su nombre deriva de la palabra Boulangerie, que significa panadería en francés. Este lugar se ha convertido en el sitio ideal para pasar el día, ya que reúne todos los ingredientes para disfrutar el momento; ambientación artística con muebles rústicos, el aroma de café fresco oaxaqueño y pan horneado para desayunar, comer o cenar acompañado de mezcal orgánico, vino, cerveza y deliciosa coctelería.

Luego surge el mejor complemento a los sabores de Boulenc: Suculenta, un concepto de fermentos y conservas que ofrece una amplia variedad de ingredientes compuestos, locales y de temporada, que van de mermeladas y mantequilla de nueces a verduras en vinagre, salsas, hongos y fermentos como kéfir, sauerkraut, kimchi, kombucha y mostazas.

Suculenta fue creada por Ana Paulina García y Daniel López, quienes están dedicados a brindar calidad de forma natural y sustentable.

Ahora, Boulenc y Suculenta han unido fuerzas para crear un concepto gastronómico que marida el delicioso pan de Boulenc y los productos de Suculenta para cenas en casa y el consumo diario de locales y extranjeros que residen en la ciudad.

Conoce este gran concepto y aprecia la armonía que hay entre el lugar, el ambiente y el sabor artesanal.

Boulenc @boulencpan @boulencpan

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CRIOLLO E L C H E F LU IS A R E L L A NO B R I NDA U NA E XP E R IE NC IA Ú NICA DE LA G A ST RO NO M ÍA OA X AQ U E ÑA Por Samantha Archibald

Criollo es un restaurante encantador situado en Oaxaca, ideal para sentirse acogido por los sabores frescos y aromas donde la compra de la mañana es lo que habrá en el menú, como en una casa, así de simple es su gran secreto. El lugar cuenta con un huerto propio, del cual extraen productos orgánicos listos para servir en cada platillo, por lo que no se puede esperar nada menos que la mejor calidad.

Una comida en Criollo consta de siete tiempos, y su carta de bebidas ofrece una gran variedad de mezcales, cervezas artesanales, vinos y coctelería a base de mezcal. La propuesta gastronómica oaxaqueña sorprende año con año al mundo y este restaurante, propiedad del chef Luis Arellano, es un claro ejemplo.

Para él, Criollo representa lo local, lo oaxaqueño, mezclado con otros conceptos culinarios, lo que precisamente capturó en el nombre.

Luis tuvo la oportunidad de partir por un tiempo de su tierra para trabajar al lado de Enrique Olvera. Su talento en la cocina tradicional oaxaqueña fue lo que llamó la atención del fundador de Pujol (CDMX) y Cosme (NYC) y desde ahí Arellano se encargó no sólo de fungir como jefe de cocina, sino de llevar adelante los proyectos y la apertura de un par más. Al regresar a Oaxaca, Arellano, Olvera y su tercer socio, Javier Sánchez, decidieron buscar un espacio ideal y coincidieron con una casa linda y amplia en Calzada Madero, en el centro de la ciudad.

Criollo @puescriollo

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Al preguntar al chef cómo denomina el estilo de la cocina de Criollo, nos comenta: «Yo diría que fresca, sorprendente, contrastante y endémica sin llegar a ser una cocina oaxaqueña como tal, pese a que todos los ingredientes provienen de esa tierra o de muchas de sus regiones. En su cocina, la variedad de ideas de cocineros de otros estados de la república hacen que los platillos no se encasillen, por lo que siempre van a sorprender.»

No olvides descubrir esta joya de la cocina oaxaqueña la próxima vez que visites la ciudad. Con tu familia o de visita con amigos, definitivamente será una experiencia inolvidable y la oportunidad de conocer a fondo uno de los movimientos culinarios que han puesto el nombre de la gastronomía mexicana en alto.

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LOS AMANTES LUJ O, CALI DAD Y T R ADICIÓN DE L AGAVE DE OAXACA Por Carolina Esposito

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HotelLosAmantesOaxaca @hotelamantes @losamantesmzc losamantes.com

de acompañar un delicioso platillo oaxaqueño con alguno de los cocteles con su exquisito mezcal que el restaurante ofrece.

Después del mezcal, los creadores de Los Amantes decidieron crear un hotel con la misma esencia de la bebida: Hotel Boutique Los Amantes Oaxaca. Este sitio abrió sus puertas en junio, ubicado en un edificio cuidadosamente restaurado bajo un estilo clásico contemporáneo, diseñado por el arquitecto Joao Boto Caeiro.

Para este proyecto, Guillermo Olguín ha integrado un grupo de extraordinarios artistas para curar cada habitación y brindar un espacio de confort que incite al descanso y a la celebración de la vida, acompañado de un servicio personalizado de clase mundial.

La terraza es un espacio a destacar, con una vista increíble de la Iglesia de Santo Domingo que invita a disfrutar un delicioso mezcal preparado, bajo las estrellas, en un ambiente romántico.

El mezcal y el hotel boutique Los Amantes Oaxaca es la decisión de viajeros inteligentes que buscan lujo y estilo, combinado con la rica herencia cultural del México tradicional.

Su nombre proviene de una leyenda azteca, cuando la diosa Mayahuel desobedeció a su abuela y se entregó por amor a Quetzalcóatl, desplante que pagó con la vida. Luego de que sus restos fueran enterrados y regados con el llanto de Quetzalcóatl, crecería la planta del maguey, precursor indispensable del mezcal.

El mezcal Los Amantes es incorporado a la escena neoyorquina diez años atrás e inmediatamente comienza a posicionarse en el gusto de conocedores de bebidas espirituosas. Gracias a la perseverancia de sus creadores mexicanos (el reconocido pintor Guillermo Olguín, el productor y elaborador de mezcal Eric Hernández y los empresarios, visionarios de un concepto, Ignacio Carballido y Gerardo Rejón) la bebida se hizo presente en lugares clave, con la aceptación de catadores, clientes y medios relacionados.

En Polanco existe también el restaurante Los Amantes, donde se crea la cocina mezcalera, situado en Campos Elíseos 290, Polanco IV Sección, por si te encuentras en la capital y tienes antojo WM FA L L / W I N T E R

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EL DIABLO Y LA SANDÍA

El nombre nace de un recuerdo de casa: un cenicero típico de Michoacán en forma de diablo comiéndose una sandía. Ese es ahora el nombre que designa a uno de los más eclécticos Bed & Breakfast (B&B) de la ciudad de Oaxaca y sus alrededores.

B & B CO N C EPT UA L OA X AQ U E ÑO Por Carolina Esposito Fotos: @Victorfotomx

Actualmente cuentan con dos casas en el centro de la ciudad: Calle Libres 205, Col. Centro.

C.P. 68000 Boca del Monte esquina con Tinoco y Palacios, Col. Centro. C.P. 68000

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Este B&B se encuentra a unas cuadras del zócalo, en una casa colonial de seis cuartos recién restaurada por el arquitecto Guillermo de la Cajiga, quien ha participado en la remodelación de distintos espacios culturales como la Casa Oaxaca café, Restaurantes Origen, Pitiona, Oaxacalifornia y Panadería Boulenc.

Sentirse tan cómodo como en casa es la finalidad, por lo que reciben a los huéspedes como si fueran amigos, para compar-

tir su fascinación por la bellísima Oaxaca con atención personalizada y un ambiente acogedor, lleno de tonos divertidos, mexicanos… a la oaxaqueña.

En este lugar son, además, productores de su propio mezcal, destilado en un pueblo cercano; mermeladas, preparadas en su cocina con frutas de temporada y muy poca azúcar, y una crema corporal que se encuentra en cada habitación, compuesta por aceites esenciales que otorgan propiedades curativas y un rico aroma, según cuenta una de sus creadoras.

Recomendamos ampliamente hospedarse en este acogedor lugar en su próxima visita a Oaxaca, con la certeza de que recibirán la mejor atención y servicio.

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El diablo y la sandia libres / El diablo y la sandia boca del monte @eldiablo_y_lasandia @Diablitosandia eldiabloylasandia.com

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SABINA SABE SA B O R CO N SA B IDU RÍ A Calle 5 de Mayo 209, Centro, Oaxaca Fotos: @Victorfotomx Por Carolina Esposito

Sabina Sabe es un restaurante bar que busca el disfrute de la gente en todo momento, conjuntando un ambiente desenfadado y una cocina diversa en la que protagonizan ingredientes locales y recetas tradicionales con el sello del chef Miguel Jiménez.

El nombre del lugar está compuesto por un juego de palabras entre sabiduría y sabor, en su primera parte, y un reconocimiento a María Sabina en la segunda, curandera indígena famosa por el uso ceremonial de hongos alucinógenos en Oaxaca.

El menú de este lugar es muy ecléctico y tiene como elemento representativo las «picas», platillos con los que se invita a la gente a compartir y probar diferentes recetas de la ciudad. De lunes a jueves hay un menú de comida corrida con opciones únicas: rollo de res con calabazas y chile pasilla, wrap de pulpo al ajillo, pasta con

mejillones y pesto de cilantro; un menú sorprendente para todo aquel que lo pruebe.

El bar, por otro lado, tiene una amplia selección de mezcales, etiquetas de otros destilados como ginebra, whisky y licores, y una coctelería que incluye ingredientes locales, principalmente.

La parte gráfica de Sabina Sabe (como el logo, mosaicos y otros detalles) es realizada por el diseñador mexicano Alejandro Magallanes, quien ha diseñado carteles para obras de teatro, conciertos, exposiciones, festivales de cine y música; Vive Latino entre ellos.

Sabina Sabe se encuentra en el corazón de Oaxaca así que ya sabes, la próxima vez que visites el estado no olvides hacer una parada en este gran lugar y disfrutar de una grata experiencia.

Sabina Sabe / Restaurante-Bar @gruposabinasabe @GrupoSabinaSabe

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SHUFFLE HOT HOT HIT

KACY HILL Por Oscar Adame

Cuando una carrera musical es apadrinada por una figura tan importante como Kanye West puedes estar seguro de que hay algo especial en esa propuesta.

Kacy Hill era una desconocida en el mundo de la música cuando firmó con el sello discográfico de Yeezus, GOOD Music. Su experiencia se limitaba a ser una joven modelo de Arizona cuyo trabajo abarcaba un puñado de revistas y varios aparadores de American Apparel.

«No fue algo que realmente quisiera hacer (modelar), fue algo que llegó y que seguí involuntariamente», declaró para NY Mag, sin saber que su suerte cambiaría con el lanzamiento de su primer sencillo independiente, ‘Experience’, con el que llamó la atención de West mientras trabajaba para él como bailarina en el Yeezus Tour.

A partir de ese momento Kanye tomó la decisión de apoyarla, ayudándola a producir su primer disco de estudio titulado Like A Woman, material dulce de folktrónica con el que hoy lucha por conquistar a más y más escuchas.

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WE ARE THE GRAND Por Ana Vargas

We Are The Grand es una banda de rock independiente originaria de Santiago de Chile. Al sacar sus primeros EPs (The Grand, de 2009, y Chasing Lights, de 2010) se caracterizaba por un sonido que nos transportaba al post punk y a la escena indie británica. Con el tiempo lanzó dos álbumes: Until The Morning, en 2013, y Volver, en 2016, en los que era evidente una evolución musical más enfocada en lo básico: guitarras, bajo y batería.

Durante estos ocho años de carrera, la banda ha aparecido en diferentes festivales tanto en Chile como en el extranjero: SXSW (2013), Lollapalooza Chile (2012, 2014, 2017), Vive Latino (2015, 2017) y Frontera Festival, en Chile, compartiendo escenario con The Killers, Keane, Franz Ferdinand e Imagine Dragons, entre otros.

El primer sencillo de su tercer álbum, ‘Vientos’, viene acompañado de un sugerente video grabado en la discoteca Fausto y protagonizado por la actriz Katrina Verael. Sebastián Gallardo, vocalista de la banda, comentó: «‘Vientos’ es la canción que queríamos hacer desde hace mucho tiempo. En términos sonoros, recopilamos elementos de música que nos han marcado a lo largo de nuestras vidas y los mezclamos con nuestra forma de componer. Es un tema que habla del cambio, de mirar hacia adelante y sobreponerse a la adversidad. El proceso creativo y la producción fueron muy espontáneas y logramos llegar rápido al resultado que queríamos.»

En 2018, WATG sacará un nuevo álbum aún intitulado. Hay que seguir a la banda, ya que su sonido dará mucho de qué hablar.

Integrantes: Sebastián Gallardo, Fernando Lamas, Sebastián Lira y Benjamin Galdames | Lugar de origen: Santiago, Chile Año de formación: 2009 | Influenciados por: The Libertines, Franz Ferdinand y Kasabian

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CHARLOTTE CARDIN Por Javier Cuellar

Integrantes: Charlotte Cardin | Lugar de origen: Quebec, Canadá | Año de formación: 2013 Influenciada por: Marie-Pierre Arthur, Safia Nolin, La Bronze, Amy Winehouse | Links: charlottecardin.com

El jazz es uno de esos géneros que jamás, bajo ninguna circunstancia, pasarán de moda. No importa que nuevas corrientes se le adhieran, si viene cargado de experimentación o si, por el contrario, se vuelva minimal o bañado de ganchos pop, este estilo es uno de los estandartes perpetuos de la música.

Partiendo de lo anterior podemos entender cómo es que el sonido y la música de Charlotte Cardin conjuga con elementos nostálgicos, contemporáneos y de avanzada que, remitiendo al jazz, logran atrapar desde la primera escucha. Esta chica originaria de Montreal, de 22 años, no es ajena a la música, y aunque captó la atención de la lente tras ejercer una carrera

en el modelaje durante varios años, la verdad es que la música es lo suyo, ya que se ha educado en las artes sonoras a lo largo de su vida y sabe cómo usar su maravillosa voz para crear un híbrido sónico y seductor.

De hecho, la simplicidad de su estilo hace aún más atractiva su propuesta, llena de honestidad en cada creación, algo evidente en su más reciente EP Main Girl que vio la luz en septiembre, un material con la capacidad de transportar a cualquier bar speakeasy de la época de la prohibición y gánsteres en Chicago. Charlotte se encuentra de gira abriendo los conciertos de Nick Murphy (a.k.a. Chet Faker), experiencia que seguramente la pondrá en los escenarios por cuenta propia próximamente.

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BRMC no se había presentado en México desde 2011, y aunque regresaron al festival Hipnosis junto a The Black Angels, Ty Segall, The Coathangers, Death Valley Girls y Virtual Haze, entre otras, no todos sus integrantes dejaron de visitar nuestro país. Robert Levon Been (voz, bajo, guitarra) nos platica un poco sobre esto: «Yo fui hace poco, ya que he estado tocando el bajo con Night Beats y ellos fueron a dar un par de shows. Como banda han pasado un par de años (de no ir), es muy raro que toquemos en México así que cada vez que tenemos la oportunidad tratamos de que suceda. Sabemos que tenemos muchos fans allá y que no es posible que manejen hasta San Diego para vernos [risas].»

Lo sabemos, ha sido una larga espera desde la salida de Spectre At The Feast, en 2013, pero Black Rebel Motorcycle Club está de vuelta con su esperado octavo álbum Wrong Creatures, listo en tiendas el viernes 12 de enero de 2018. La banda nos compartió su primer sencillo, ‘Little Thing Gone Wild’, de donde salió la inspiración para el título del LP, basándose en un pasaje lírico: «Lord you hear me loud into my soul speaker, why won’t you let me out, you’ve got the wrong creature.»

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB LI T T LE T H I N G G O NE W IL D

Antes de que los originarios de San Francisco, California, regresen a suelo mexicano platicamos con Robert Levon Been sobre el proceso creativo por el que pasaron en cinco años y cómo él y Peter Hayes debaten entre la vida y la muerte en las letras de su nuevo material.

- Ahora que regresan como banda, ¿qué se siente?

«Es como la luz al final del túnel, realmente ya deseamos estar allá donde el clima es cálido, extrañamos eso [risas].»

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- Su último disco es de 2013 ¿Qué han hecho en estos cinco años?

«Todos hemos hecho cosas diferentes: Leah Shapiro, nuestra baterista, tuvo una cirugía de cerebro y le tomó un año volver a tocar, ya que los doctores le prohibieron cualquier esfuerzo físico que afectara su recuperación.

«Al final, en estos años nos presionamos más para hacer un álbum que valiera la pena, en lugar de sólo hacer uno porque debes. Creo que es peligroso cuando las bandas sacan y sacan discos sin motivo, así que nosotros decidimos llegar a ese lugar donde realmente teníamos algo que decir.»

- ¿Cuál es la historia detrás de su nuevo álbum, Wrong Creatures?

«Es por la letra de la canción ‘Little Thing Gone Wild’, que tiene una estrofa que siempre nos da risa, tiene un poco de humor negro. A lo que nos referimos es que no todos somos perfectos ni buenos, nadie sabe qué está bien o mal realmente, todo lo inventó la sociedad… las personas piensan que son muy importantes, entonces encuentro gracioso que exista gente que piense que es “the right creature”.»

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- ¿Siguen escribiendo sobre la muerte?

«Yo en lo personal no escribo de eso [risas]. Peter es el que se inspira escribiendo sobre el tema pero yo le di un punto de vista muy claro de por qué no debería hacerlo. Ya que la mitad del disco la escribió él y la otra mitad yo, si lo analizas bien llega a ser un debate de la vida contra la muerte.»

- ¿Lo que escribes simplemente sale o cuál es el proceso creativo?

«Es cuestión de tiempo, pasan semanas o meses donde piensas que eres un fraude y que jamás volverás a escribir bien porque no sale nada. Entonces me fuerzo a escribir hasta llegar al punto en el que no soporto el sonido de mi propia pluma. Tiempo después empiezan a salir cosas buenas porque no tolero más leer las malas.

«Es un proceso muy extraño cuando vomitas todo lo que tienes dentro hasta que llegas a algo muy íntimo, no sé bien cómo describirlo… tienes que quitar muchas capas para llegar a ese punto pero supongo que así es la naturaleza humana. De hecho, disfruto mucho llevarme a lugares oscuros y frustrantes hasta lograr algo decente.»

- ¿Qué canción del disco es la que te gusta más y por qué?

«Hmmm… hay una canción llamada ‘Hunt’ de la cual me siento muy orgulloso porque logré ser muy honesto. Me sentía un poco inseguro de sacarla, porque pensaba que si mentía en la letra sería muy obvio para las personas y me iba a engañar a mí mismo. Fue una de las canciones que me hizo trabajar más duro por el contexto que hay detrás, una parte es una historia, otra parte es poesía y la otra ni siquiera sé lo que es; creo que es lo más interesante de la canción. Es como mezclar ingredientes para hacer un pastel, si los tienes todos el resultado es bueno.»

- Ya quiero escuchar esa canción. ¿Por qué decidiste llamarla ‘Hunt’?

«Hubo algo desafiante al llamarla así. Siempre pensé que era un título muy genérico que te hace pensar inmediatamente en casas embrujadas o historias de fantasmas pero lo que significa es ese momento en que algo te sigue y no te deja ir. Como cuando no puedes olvidar a alguien y su recuerdo te persigue.»

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NICOLA CRUZ EL H ร B RI D O I N T E R A NDINO Entrevista: Ariande Dรกvila Texto: Michelle Apple

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En los últimos 10 años la electrónica (en todas sus variantes) se ha extendido a través del globo, alcanzando cada rincón del planeta. En este proceso el género se convirtió en algo cotidiano, no porque haya dejado de ser interesante o experimental (en sus vertientes más de nicho) sino porque dejó de ser algo para unos cuantos y alcanzó a las masas, dando por resultado su aparición, de una u otra manera, en las ondas sonoras que inundan nuestro día a día.

Como parte de este choque cultural, a modo de conquista, la electrónica se encontró con los ritmos locales, los estudió, asimiló lo mejor de estos (o lo que mejor le funcionó) y alumbró híbridos que reflejan la identidad característica de la región, sin perder un solo beat o secuencia en el proceso. En este último renglón podemos encontrar diversos ejemplos, sin embargo, hoy toca hablar de Nicola Cruz.

¿Cuál es el lugar que más te inspira para producir música?

«Ecuador, creo que se nota la directa relación con mi música, de escuchar lo tradicional y folclórico de ahí. A su vez, si doy un paso para atrás, el momento en el que viví en México también fue algo muy inspirador y sobre todo un lugar donde aprendí bastante.» ¿Cuál es tu perspectiva de la música electrónica en Latinoamérica?

«Creo que pasa por un momento de bastante vanguardia, me da mucho gusto ver que proyectos de Brasil, Chile, Argentina, salen con bastante fuerza y no están pretendiendo copiar al Occidente o a otros proyectos, sino que tienen mucha sinceridad, son muy auténticos y proponen bastante. Siento que es un momento donde ya algo se ha fundado, como un sonido latinoamericano.»

El productor, quien actualmente reside en Quito, Ecuador, encontró la manera de fusionar su herencia interandina y su origen francés para dar vida a un estilo musical muy peculiar, con elementos latinos y sonoridades tribales y selváticas, sin perder la gracia de los cadenciosos beats europeos.

Si a lo anterior sumamos la impecable producción detrás de su ingeniería de audio, no es difícil comprender por qué Nicola es uno de los músicos más destacados en la escena electrónica actual.

¿Vinilo o digital?

«Vinilo, mil veces.»

Recientemente Cruz visitó Ciudad de México, uno de sus puntos geográficos preferidos, ya que fue el lugar que lo acogió durante varios años y que inspiró y vio nacer varias de sus creaciones; imposible imaginar un punto que se adecúe más a una charla con el ejecutor del llamado andes tep.

¿Qué te gusta más, producir o tocar?

«Componer siempre es mi raíz, mi base, producir tanto para mí como para alguien más, disfruto bastante el ritual del estudio.

Tocar es la parte divertida, más suelta, donde sales a probar un poco las ideas que has cocinado en el estudio.»

¿Cómo entraste al mundo de la música?

«Empecé a tocar la batería cuando tenía 12 años, en Quito, donde resido actualmente y de ahí se desarrolló mi gusto por el sonido y la composición, fui descubriendo todo el universo que involucra la música y luego vine a vivir a México, en 2006.

Viví cinco años aquí y pude profundizar mis curiosidades.»

¿Cuál es tu instrumento favorito?

«Las percusiones, pero hay bastantes.

Hoy en día me gusta mucho el balafon, un instrumento de África.»

¿Por qué tu sonido es tan experimental?

«No pretende ser experimental pero me imagino que es una curiosidad de músico, como ir un poquito más allá de estructuras convencionales o populares. Como músico electrónico siempre busco explorar más allá en el sonido, una cuestión de hipnosis, usar instrumentos de maneras no convencionales.»

¿Cuál es tu hobby, además de la música?

«Viajar sin la idea de ir a tocar necesariamente, solo por conocer y explorar nuevos lugares, tomar fotografías.»

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IBEYI E M P O DE R A M IE NTO F E ME NI NO Y R E F LE J O MULT I CULT UR AL Entrevista: Alejandro Franco Texto: Brenda Marquezhoyos

Para Nina Simone el deber de un artista es reflejar su tiempo, en éste están las raíces, la multiculturalidad, el alzar la voz y relajar el espíritu a través de la música, tal como lo hacen las gemelas Ibeyi.

La cuna las hace referentes al jazz. Su padre, Miguel Angá Díaz, un percusionista excepcional, les dejó la herencia más preciada, un legado musical del cual Lisa y Naomi se sienten orgullosas y al que impregnan su esencia. Estas hermanas, a sus 22 años, han adaptado la pulcritud, improvisación y multifacetismo de sus orígenes para convertirlo en una bomba contemporánea llena de ritmos y sabores.

Hoy presentan Ash, su segunda producción de estudio de la mano de XL Recordings y Richard Russell como productor, por lo que fue muy revelador platicar con este par de jovencitas con una visión tan grande.

Su historia es una onda entre cubana-venezolana-francesa…

«Sí, hay un poco de todo eso. Somos francocubanas, de padre cubano y madre francovenezolana.» ¿Dónde vivieron durante sus años adolescentes?

«En París pero íbamos a menudo a Cuba.»

El hip hop en Francia es muy fuerte e importante, imagino que también es fuerte para ustedes…

«Sí, y el jazz, puesto que nuestro padre viene de tocar aquel género. Él siempre nos transmitió de manera inconsciente que no teníamos que elegir, que podíamos mezclar todo, que podíamos amar todas las músicas.»

Antes solía ser distinto, todo tenía una categoría…

«Bueno, todavía es el caso pero a nosotras no nos gusta mucho. Si preguntas qué género es Ibeyi no te podría decir…»

Es género Ibeyi… «¡Exacto! Cuando fuímos a Estados Unidos no sabían en qué radio tocarnos porque somos latinas pero también cantamos yoruba, que viene de África, entonces no sabían si éramos latinas o negras, además de que somos europeas por la parte francesa.

Dijimos, “¡tócanos en todas!”, eso es lo que nos gusta, tocar para todo el mundo y frente a todos.»

Además, lo que veo en este disco es que contiene una colaboración muy importante…

«Hay una colaboración con Mala Rodríguez, quien nos gusta desde hace mucho tiempo, y cuando empezamos a producir la canción era obvio que teníamos que llamarla y preguntar si quería trabajar con nosotras. Respondió un día después y al tercer día ya teníamos el tema; fue mágico.»

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¿Qué otras colaboraciones tienen en el álbum?

«A Chilly Gonzales, un pianista maravilloso; Meshell Ndegeocello, bajista y cantante impresionante que escuchamos desde que somos chiquiriquiticas, que, de verdad, fue la que inventó el neosoul.»

Además, juegan con sampleos de Frida Kahlo y Michelle Obama…

«Eso fue genial. El de Frida Kahlo es un fragmento de su diario íntimo y quien lo lee es nuestra madre.

«El de Michelle Obama, por otro lado, fue muy lindo porque nadie pensó que nos daría autorización y nos dijo que sí. Era la campaña electoral en Estados Unidos y Trump dijo: “Grab her by the pussy”, y Michelle Obama hizo todo un discurso sobre el empoderamiento y la autoestima que las mujeres deben tener.

«Para nosotras es muy importante hablar de temas verdaderos e importantes; está el tema de la transmisión, el de la violencia policial en la canción ‘Deathless’ que después se convirtió en un himno. Queríamos escribir un himno que nos hiciera sentir poderosas, enormes y mortales, fuertes. Era muy importante hacerlo en este disco y también imaginarnos a la gente en nuestro show cantando “we are deathless”.»

Este disco es consecuencia de dos años de gira. Tras el lanzamiento del primero recibieron mucha atención. ¿Cómo afectó este camino para la realización del disco?

«Pienso que no fue tan rápido como parece. Nuestro trabajo hizo que, por ejemplo, más gente nos viera al hacer Lemonade, con Beyoncé, o cuando hicimos Chanel. No fue tan rápido, fueron dos años de mucho trabajo, de mucha felicidad y mucha sorpresa, conocimos gente que nunca hubiéramos pensado conocer como Prince, Kamasi, fue maravilloso. Estar en un escenario cada noche, con gente tan diferente cantando las mismas canciones, te dan ganas de hacer otro álbum aún más fuerte, más orgánico, más visceral.» ¿Cómo logran desarrollar un acto en vivo con tanta fuerza? ¿Siempre lo pensaron así?

«Para el primer álbum también éramos las dos solas en el escenario. Como somos músicos, tocamos todo y como también somos gemelas la conexión es muy fuerte.»

Ibeyi significa eso...

«Sí, gemelas… y, bueno, el show en vivo es difícil porque necesitas mucha más energía, no tienes un baterista, un bajista, todo lo hacemos las dos, con máquinas e instrumentos, pero todo es energía. Tienes que dar el cien por ciento.»

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WOLF ALICE MAG I C WO R L DS Por Oscar Adame

De la amistad que Ellie Rowsell gestó con Joff Oddie durante sus últimos años de adolescencia nació un proyecto de folk llamado Wolf Alice, nombre tomado por la fascinación de Roswell por un relato corto de Angela Carter, un cuento que describe la vida de una joven criada por lobos cuya mayor peculiaridad es la falta de consciencia de su propia mortalidad.

inocencia y la identidad, pero también tienen toques oscuros, violentos. Algunos de ellos son aterradores.

Es extraño pero conforme Wolf Alice ha crecido su número de fans y ganado el reconocimiento crítico más parece alejarse de aquella concepción de banda de folk y del personaje principal del relato. Con guitarras distorsionadas, dos integrantes más, momentos de extrema violencia en su instrumentación y otros acústicos de una belleza única, en esta época tan alejada del rock y pop típico, Wolf Alice ha construido un discurso importante para la juventud actual.

- ¿De niño te llegó a aterrar un cuento de hadas?

«Tuve muchas pesadillas después de ver El Jorobado de Notre Dame, la escena final en la que hay un asesinato se quedó grabada en mi mente durante un tiempo, además de que el jorobado como tal me aterraba.

Platicamos con Joff Oddie, su bajista, sobre los cuentos de hadas que revoloteaban en su cabeza durante su infancia, sobre la experiencia de la banda como parte del soundtrack de Trainspotting 2 y el nacimiento de su nuevo disco Visions Of A Life.

- ¿Cómo fue trabajar con Justin Meldal-Johnsen en la producción de su nuevo álbum?

«Fue una experiencia muy gratificante, él nos empujó a hacer muchas cosas que ni siquiera habíamos pensado. Tenerlo en la producción fue una experiencia creativa, con muchos pedales. No era atípico el día en el que llegaba con un montón de pedales de guitarra nuevos y nos pedía que jugáramos con ellos. Nos empujó a experimentar y varias canciones nacieron de aquellos experimentos.

«Para mí en especial fueron días de mucho aprendizaje. (Justin) es un bajista muy experimentado, ha tocado su instrumento para Beck y Nine Inch Nails durante años, así que le aprendí mucho, estoy muy agradecido con él.»

- Siento que la propuesta estética y musical de Wolf Alice ha sido influenciada por cuentos de hadas antiguos. ¿Sientes lo mismo?

«Sí, en definitiva creo que tenemos cosas en común.

Normalmente los cuentos de hadas son lindos en su estética, tratan sobre temas bellos como el amor, la

«Creo que nosotros somos iguales, tenemos una polaridad dentro y la compartimos por medio de nuestra música, generando en el proceso algunos momentos hermosos y otros muy tensos.»

«Como sea, con el tiempo se ha convertido en una de mis películas favoritas, supongo que en parte por lo atractivo que resulta el volver a sentir algo tan fuerte como el miedo que me causó de niño. Además, el soundtrack es tan bello, me hubiera gustado haberlo hecho.»

- Su canción ‘Silk’ fue utilizada en la escena final de Trainspotting 2. ¿Crees que fue bien empleada?

«No creo ser el indicado para decir si fue bien o mal utilizada, simplemente la usaron según la visión del director y creo que está bien.

«Al principio creímos que sería una canción más dentro del filme, así que nos sorprendimos mucho cuando apareció en el primer trailer. Una de las chicas que trabajan con nuestro management entró a nuestro cuarto y gritó: “¡Tienen que ver esto!”, y nos puso el trailer en YouTube. Fue muy emocionante.

«Después, Danny Boyle nos invitó personalmente al estreno de la película y pudimos hablar un poco con él antes de la función. Es un gran sujeto.»

- ¿Cómo fue la experiencia de conocer a Danny Boyle? ¿Viste la primera parte de la película en tu adolescencia?

«La primera película la vi a una edad muy temprana, como a los 12 años, estaba muy chico y me aterró, como El Jorobado de Notre Dame. La escena del bebé en el techo también me dio pesadillas.

«Siendo sincero no había visto Trainspotting desde entonces. La volví a ver después de que nos contactaron para usar la canción en la secuela y me pareció una película muy inteligente.»

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BENJAMIN BOOKER AB O UT CO MI N G TO M E XICO IN A N AT T EM PT O F ESCA P E FRO M R AC IS M Por Oscar Adame

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Tras terminar la gira promocional de su álbum debut homónimo, Benjamin Booker inició su búsqueda por un lugar donde relajarse, despejar su mente y, en sus palabras, librarse del racismo latente que se vive en Estados Unidos. Su respuesta fue Ciudad de México, donde disfrutó durante un par de años de los cientos de museos, bares y foros que la ciudad ofrece, mismo tiempo en el que el cantautor que mezcla géneros como el garage rock, el blues y el góspel escribió su segundo disco, Witness, en el que expone enérgicamente sus ansiedades y miedos más profundos.

«Encontré una renta barata y la comida también lo es, por lo que no era un gran riesgo. Esta es una ciudad enorme, con gran variedad de cosas que hacer y la escena musical es grandiosa.»

- Hay muchos rumores respecto a tu anterior carrera como periodista musical. He leído que solías hacer preguntas muy extravagantes en tus entrevistas, ¿recuerdas alguna en específico?

«Las preguntas las hacía debido a que estaba muy interesado en la forma en que los músicos componen y producen su música, y eran extrañas porque eran preguntas muy específicas que no tenían un interés general para los lectores de las revistas para las que trabajaba.»

- Has dicho que llegaste buscando un escape del racismo que se vive en tu ciudad. ¿Encontraste eso en México?

«No diría que hay racismo en México pero sin lugar a dudas hay una división. Hubo fiestas en casas enormes en donde sólo había gente blanca, y eso es porque hay zonas en donde la gente que tiene dinero es blanca, como la colonia Roma o Condesa. Pareciera que las personas no se preocupan por ello, y lo entiendo, no tengo derecho ni conocimientos para profundizar.»

- ¿Por qué te interesaba hacer este tipo de preguntas?

«Estaba muy interesado en hacer música pero en ese momento no sabía cómo se hacía, la forma en cómo llegaba un disco parecía casi un acto de magia, la forma en cómo la música transporta a la gente a otros lugares. Sólo quería saber cómo lo hacían.»

- Te quedaste a vivir en CDMX tras tu presentación en Corona Capital, en 2015. ¿Por qué aquí y no en cualquier otro lugar en donde hayas tocado antes?

- Si pudieras vivir en cualquier ciudad, ¿en dónde sería?

«Viviría en Ciudad de México, sin lugar a dudas. Estoy seguro de que todavía no conozco ni el 1% de lo que hay ahí, por lo que decidiría quedarme mucho más tiempo.

Siempre hay muchas cosas pasando con la gente, es muy amigable.»

- En tu nuevo álbum los segmentos góspel hablan sobre la desesperanza al no tener fe. ¿Crees que tenerla es algo que el ser humano necesite? ¿Qué tipo de fe es la que quieres?

«Es sobre las organizaciones. Uno de mis escritores favoritos, James Bowling, dice que no necesitamos la fe, y creo que es cierto. El punto es que hay muchos grupos allá afuera que te dicen que tienen las respuestas pero ellos no las tienen, tú las tienes.»

- La portada de Witness es una imagen muy potente, casi bíblica…

«Sí, me tomé mucho tiempo para pensar cómo sería, quería darle una presencia específica. Se supone que es una pieza de arte en donde pienso lo que digo en el disco; tengo una cara triste en el frente y hay una ventana detrás, con una luz resplandeciendo desde afuera.

Lo externo es lo que a mí me dice “atestigua”. Eso es lo que se relaciona con lo que hablo en el disco. Algo que quiero es que la gente la mire y analice mientras escucha el álbum.»

- ¿Cómo se ve el exterior para ti?

«Es el mundo real. Lo que hay afuera es el separarse de Facebook, Netflix, la televisión y toda es mierda… creo que lo que la gente necesita es preguntarse qué quiere. Eso es a lo que el disco quiere llegar, a que la gente se pregunte qué es lo que quiere hacer con su vida, así que el afuera se ve como este espacio limpio en el que te das cuenta de tu lugar en el mundo.»

- ¿Estás aterrado de un mundo obsesionado con lo social media?

«Creo que desde hace mucho ya nada es natural. Hay mucha filosofía alrededor de esa idea, todo a tu alrededor consume mucha de tu energía y muestra aspectos formulados por el hombre. Antes de ser llamados “humanos” nosotros ya existíamos y ya habíamos hecho bastantes cosas, hasta que nos nombramos de esa forma y creamos el mundo como es ahora. No tiene que ser así, sólo fue formulado de esa forma, nada es la respuesta a nada.

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Chris Cornell. Foto: Julio Pineda, 2008 124

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Por Alejandro Franco / @AlejandroFranco

Desde que este programa comenzó hace poco más de una década, siempre significó un reto intentar reunir todas las piezas que componen cada episodio de las 8 temporadas que hemos hecho hasta ahora.

SesioneS con Alejandro Franco ha pagado por estar al aire, ha sido también contratado por importantes networks internacionales y se ha visto en casi todo el Continente Americano y en varias partes de Europa. Siempre desde la independencia, la gestión de un show que documenta música en vivo con entrevistas exclusivas. Ha sido un largo camino de logros y tropiezos, pero también de aprendizajes y anécdotas.

Como cuando nos enteramos hace unos meses de la muerte de Chris Cornell y de inmediato

revisitamos la plática que sostuvimos en la grabación del programa, hablando de su vida, de su historia con Temple Of The Dog, Soundgarden, Audioslave y hasta de sus adicciones. Fue como conocerlo mucho en tan poco tiempo y dejar abierto para siempre una línea de saber que ante todo, incluso antes de su arte, era un hermoso ser humano.

O como cuando Moby marcó a mi celular para preguntarme por qué no lo habíamos invitado a grabar el programa si sabíamos de su visita a México y le tuve que confesar que su disquera llevaba semanas diciéndonos que le habían preguntado a él y que no iba a tener tiempo. Obvio sí lo tenía y decidimos grabar la sesión sin consultar a nadie, en menos de 48 horas.

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1. The Dead Weather. Foto: Julio Muñoz, 2010 2. The xx. Foto: Sergio Gálvez, 2013 3. Katy Perry. Foto: Julio Pineda, 2009 4. Placebo. Foto: Julio Pineda, 2008 5. Blondie. Foto: Sergio Gálvez, 2013 7

6. Ely Guerra. Foto: Julio Pineda, 2008 7. 30 Seconds To Mars. Foto: Sergio Gálvez, 2012

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Y cuando canté ‘Die, Die My Darling’ con Misfits o cuando Jack White quiso cedernos su tiempo de soundcheck para grabar su episodio con The Dead Weather, que a su vez hizo que Alison Mosshart tres años más tarde, quisiera hacer lo mismo con The Kills, ofreciendo aplazar un día sus vacaciones y la de todo su staff, para estar en el show.

“Gracias por la entrevista… Me hiciste recordar cosas, que ahora tendré que olvidar de nuevo”, me dijo Debbie Harry de Blondie con una peculiar sonrisa que siempre voy a atesorar, como si me hubieran dado un premio. Y es que cuando una entrevista se convierte en una conexión, se abren las puertas del alma, la barrera entre el periodista y el artista se rompe, para crear, amistades de por vida. Los Amigos Invisibles, Nortec, Kinky, Café Tacvba, Fobia, Zoé, Molotov, 30 Seconds To Mars, The Dandy Warhols, Portugal. The Man, The Secret Machines, entre esa lista de buenos amigos con quienes me ha tocado compartir momentos de vida, fuera del show. Y lo más importante como un simple melómano y amante de la música, la oportunidad de conocer tan de cerca a varios de mis grupos favoritos como Faithless, Hot Chip, The xx, Dinosaur Jr, The Kills, Mew, Placebo y Spoon, a la par de los proyectos que han marcado a la música año tras año, con carreras mega exitosas como Katy Perry o singles del verano como cuando grabamos a The Temper Trap o Miles Kane.

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SesioneSconAlejandroFranco @sesionesconaf @sesionesconaf

The Drums. Foto: Julio Pineda, 2017

En 2018, regresamos con la novena temporada. Recargados y con plena consciencia de lo importante que es continuar produciendo SesioneS, luego de una ausencia de 4 años sin grabar un episodio nuevo y con aliados importantes como Toyota México y TNT Series en todo América Latina. Live From Mexico City el lugar donde hemos grabado cada una de las temporadas del programa, tendrá un protagonismo merecido y puntual.

La Ciudad de México está de pie y en su mejor momento recibiendo a decenas de miles de personas diariamente de todas partes del mundo. Nosotros recorreremos sus calles y esta vez la llevaremos nosotros a través de la música, de vuelta por el universo.

Así cada nueva temporada mostrará el movimiento de diferentes ciudades alrededor del mundo. Lo mejor sí está por venir…

Mogwai. Foto: Julio Pineda, 2017

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BASSIANI EL T EC H N O M Á S U NDE RG RO U ND DE L PLANE TA Por Juan Carlos Canales, enviado especial

Nunca hubiera imaginado que uno de los clubes más famosos y respetados de techno en el mundo estuviera en Tbilisi, la capital de Georgia, una exrepública soviética ultra conservadora habitada por 3.7 millones de personas, 3No hubiera imaginado

Estadio del Dinamo de Kiev, debajo se encuentra el club Bassiani

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que uno de los clubes más famosos y respetados de techno en el mundo estuviera en Tbilisi, capital de Georgia, la ex-república soviética ultra conservadora habitada por 3.7 millones de personas, de la cuales, 35% viven en Tbilisi. En este país el 90% de los habitantes profesa el cristianismo ortodoxo a ultranza; su capital vive bajo el acecho de Rusia desde la caída de la URSS, hoy en día, parte de Abjasia y Osetia del Sur está ocupada por el ejército ruso. Políticamente anhela acercarse a Estados Unidos, era evidente, pues coincidió mi visita con la de un

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secretario de estado norteamericano y vi todo el centro con banderas estadounidenses. Era un ambiente muy bizarro.

primera manifestación auténtica a la que acudieron cerca de 10 mil personas donde no existe el derecho de protesta.

Conocer más de Bassiani, el afamado club, me llevó a buscar a los fundadores Naja, Tato y Zviad, aunque fue complicado, pues su labor se enfoca en el ámbito social más que a su papel de empresarios. Ellos forman parte del movimiento White Noise que luchan por los derechos humanos y la legislación georgiana sobre el consumo de drogas en un país donde no hay diferencia entre el consumo y la venta y, no existe el consumo mínimo da lo mismo tener un par de gramos de hashish que medio kilo de heroína: ambos ocasionan elevadas penas de cárcel. Ante esto, White Noise logró realizar la

Viajé a Tbilisi en la noche de clausura de la temporada, pues el lugar cierra durante el verano. Ahí, Tato y Zviad me invitaron a comer a Khasheria, un lugar de comida típica, especiada y picante, cualidad culinaria que se valora mucho estando en el otro lado del mundo. En esa ocasión nos acompañó Dave Summer, a.k.a. Function, DJ invitado al evento. Estos hombres rondan los 30 años, profesionalmente preparados con estudios de posgrado de universidades europeas cuya meta es acercar más a Georgia con Europa en el respeto de los derechos humanos y en el libre albedrío, es decir, en libertad de decidir sobre sí misma. Bassiani es un medio para

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Bassiani es un medio para atraer los reflectores internacionales, que atestigüen lo que pasa en su país

atraer los reflectores internacionales, que atestigüen lo que pasa en su país. Juntarse a escuchar música y bailar tiene un sentido social que no se veía en la música electrónica desde los ochentas cuando la ciudad de Detroit estaba devastada económicamente y tenía los más altos índices de homicidio. Entonces, la comunidad negra mezcló el funk, ritmos africanos, sintetizadores y lo llamó techno, inspirados en el libro Future Shock, de Alvin Toffler; Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson. Es fascinante ver cómo la música logra cohesión en la juventud georgiana en un cambio cultural que supera los fantasmas del comunismo y la persecución.

Bassiani, se ubica en el subsuelo del estadio del Dinamo donde juega la selección nacional, en épocas soviéticas fueron albercas y el dance floor es la alberca principal, el DJ toca en la alberca de niños. En el 2014, al buscar un venue, los

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directivos del Dinamo quienes asistían a sus fiestas los invitaron a mudarse con ellos. Este lugar es catalogado como el nuevo Berghain, donde DJ’s y disqueras quieren tener una noche y gente de todo el mundo viaja para vivir la experiencia.

Aquella era una noche de clausura, la fila para entrar era larga, al llegar a la puerta pude ver los estrictos controles de seguridad; han tenido problemas con grupos de extrema derecha que agreden a su público. Su política es no dejar entrar a nadie que altere el orden o que incomode a cualquier asistente, lo que ocasionó mucha discusión en la puerta. Los asistentes son cateados cuidadosamente y cada identificación queda registrada.

Ya adentro bajas a un túnel y sabes que estás en otra dimensión. Lo primero que ves son pasadizos oscuros y en ese momento empiezas a

Tbilisi, Georgia, una exrepública soviética ultra conservadora habitada por 3.7 millones de personas

El Horoom del club

sentir los bajos. Dentro de Bassiani existe una segunda sala llamada Horoom, un cuarto blanco cuya única decoración es un par de crucifijos. El sonido void es perfecto para la propuesta musical que ofrece. Este lugar es famoso porque gente de la comunidad LGBT no es juzgada. Pensé que iba a ser un sitio intenso en cuanto a lo sexual, como en varias secciones de clubes en Alemania, todo lo contrario, el ambiente es relajado, HVL tocaba en vivo un set house con mucha actitud. El lugar estaba a tope y, lo único que vi fue a un par de mujeres besándose y unas parejas de hombres abrazándose. En un país machista es un gran avance tener lugares donde se respete la diversidad.

Bassiani está sonorizado a la perfección con varias torres Funktion One. No hay un área en la que no se escuche la música. Aquí se

viene a lo que se viene sin pretensiones, sin VIP. No hay lugar más feliz y auténtico que un dance floor en donde todos seamos iguales, visité muchos y en los más respetados del mundo nunca había visto a gente bailar con tanta pasión y desenfreno, con estilo y a su ritmo, una perfecta obra de arte. Esa noche tocaron todos los residentes no sabía que esperar, pero me encontré con la grata sorpresa que cualquiera de ellos podía tocar en cualquier capital europea del techno.

Los que más me gustó fueron HVL, Merucurrio y Zitto, con un sonido fresco y diferente.

Function cerró con una cátedra musical. Supe que la rompería, después de la comida, cuando subimos al mirador a ver el atardecer que dibujaba una bella postal veraniega de la ciudad. Function estuvo varios meses sin salir de

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Movimiento White Noise

El Horoom es ambientado por sonido void

gira por cuestiones de salud y, ahora tuvo el gran honor de cerrar la temporada en Bassiani. Tocó durante cuatro horas, con un set que tuvo bajos muy potentes y mucha velocidad, lleno de canciones de su brillante nuevo EP Recompiled I/II, bajo el sello alemán Osgut Ton. También incluyó clásicos como ‘Subzero’, de Ben Klock, y un remix de ‘Strings of Life’, de Derrick May. El momento culminante de la noche llegó con un remix muy techno de ‘O Fortuna’ (Carmina Burana), un grito de guerra con el que la gente se volvió loca, cuan lo cual, demostró por qué es uno de los residentes más queridos de Berghain y uno de los pesos pesados del techno americano.

Mientras bailaba no perdía detalle del lugar y me preguntaba qué diría Stalin, georgiano nacido en la ciudad de Gori, si viera que los jóvenes protestan ante la falta de oportunidades y mar-

ginación en las albercas donde él mantenía al pueblo oprimido y sin espacios para expresarse.

Algo que hace la experiencia de Bassiani única es que no hay consumo de drogas recreativas, lo único que vi fueron pequeños grupos que fumaban hash en botellas de agua con la intención de no desperdiciar, pues el costo y el riesgo por posesión es alto. La ingesta de alcohol, por otro lado, es baja, y la gente toma chacha, vodka georgiano.

Bassini cerró a la 1:00 pm y la fiesta siguió en el Horoom donde los residentes hacían un B2B house con mucho groove. La fiesta acabó dos horas después con la misma intensidad con la que empezó.

Lo que hace a Bassiani único es que exista en un ambiente muy ajeno a su realidad.

RUSIA

GEORGIA TBILISI

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13 AÑOS DE MUTEK MX Por Damian Romero / Director General de MUTEK.MX @dramian Fotos: Oscar Villanueva

MUTEK es un organismo internacional que funciona como una gran familia, en donde la edición madre de Montreal, así como la mexicana, la de Barcelona, Tokio y próximamente de nuevo la de Buenos Aires, tienen una misma visión. En las nuevas ediciones procuraremos proponer las tendencias más novedosas y desafiantes en las artes digitales contemporáneas. Nos interesa mostrar el uso de la tecnología para crear, no sólo en temas específicos como lo visual y lo auditivo, sino en un ecosistema infinito como la robótica, la mecatrónica, la animación, el diseño, la música y el mismo cuerpo humano, para expresar cómo se compenetran a través de la tecnología.

Squarepusher 136

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Telefon Tel Aviv 138

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En un principio, ya en 2003, no se contaba con mucha experiencia, prácticamente nos aventamos al precipicio en muchos aspectos; aun así lo solventamos y con el paso del tiempo hemos adquirido los conocimientos y la pericia para mejorar con cada edición.

Nos enfocamos en no perder de vista los detalles, que al final son los que nos hacen mejores. Han pasado muchísimas cosas en este tiempo, y todas ellas han sido importantes en la progresión y maduración del festival, y en el entendimiento del público.

En 13 años hemos logrado reunir a más de 350 mil asistentes y a más de 400 artistas de diferentes partes del mundo. Tanto el público como los artistas se han identificado con el concepto de MUTEK. Nuestro propósito es siempre reinventarnos y continuamente buscamos nuevos tópicos. Sabemos que este campo es muy amplio y cada año hay nuevas ideas y artistas; nosotros, que somos un festival de creatividad digital, nos apoyamos en estas ideas para generar narrativas relevantes.

En lo personal, ha sido un viaje largo y con muchas vivencias memorables, tanto con el staff como con el público. Si bien hemos tenido experiencias increíbles y únicas en cada edición, hay varias que me saltan en este momento. Dentro de lo audiovisual rescataría la majestuosa presentación ISAM 2.0, de Amon Tobin, en la clausura de 2013, en Campo Marte, así como la experimentación sincronizada de Daito Manabe, Motoi Ishibashi, Satoshi Horii, Satoru Higa y Mikiko, en la edición 11.

A/Visions 1

Ciudad de México es una plataforma viva, en busca de nuevas cosas y deseosa de ser sorprendida. A lo largo de 13 años, MUTEK. MX ha buscado satisfacer esta necesidad mediante la diseminación y el desarrollo de la creatividad digital en diferentes disciplinas que han encontrado una forma de proyectarse a través de la revolución digital de los últimos 15 años. Esto nos permite estar abiertos a nuevos talentos, nacionales e internacionales, a nuevas ideas y a formas de mostrar ángulos vanguardistas a toda la gente que nos visita.

A lo largo de todos estos años nos hemos encontrado con muchos retos; sin embargo, el más grande ha sido mantener el proyecto en pie de una manera estable y sana, logrando que todas las colaboraciones de aquella gente que ha creído se hagan realidad. Esto hubiera sido imposible sin el apoyo de instituciones culturales —locales e internacionales—, patrocinadores, medios y colaboradores. Dicha unión ha dado como resultado un festival de calidad, accesible a todo público.

Lucas Paris

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Woulg

En el terreno de lo bailable, Jon Hopkins nos deleitó con un set de techno en vivo en el Foto Museo Cuatro Caminos, en 2014, presentando su LP Immunity.

Lo de Atom TM & Tobias, en nuestra edición 12, así como lo de Voices From the Lake, nos voló la cabeza también. Una edición siempre presente, que marcó el crecimiento del festival, fue la número 10, en 2013; en lo personal, sentí que fue un parteaguas, en tamaño y atención, con un diseño y formato que presentamos desde entonces. También considero a la edición 2015 como una muy memorable.

Como ciudadanos de esta gran ciudad nos sentimos obligados a ayudar a los que más lo necesitaban durante la tragedia, por lo que abrimos nuestras vías de comunicación y nuestra extensa red de contactos para mandar mensajes de apoyo a centros de acopio e iniciativas ciudadanas. Fue muy difícil decidir si seguiríamos con las fechas planeadas, justo un par de semanas después, pero decidimos que lo más importante era la seguridad de nuestro público, artistas y staff. Sabemos que implica cambios pero al mover las fechas del festival, del 21 al 26 de noviembre, mostramos nuestro compromiso con la seguridad de todos los que conforman la comunidad MUTEK.MX.

La tarea de este año es muy importante, puesto que estamos tomando nuevas rutas y muchos cambios, todo en función de nuestro 15 aniversario. Hay una búsqueda importante para refrescar la experiencia a través de nuevos espacios. Es el caso del nuevo espacio para NOCTURNO, que después de vivir cuatro años en el Foto Museo se muda a una antigua fábrica de acero, un espacio que seguramente cambiará la dinámica del espectáculo por su naturaleza; también será la primera vez que utilicemos espacios como el Polyforum Siqueiros para nuestra apertura. Estamos trabajando en un rediseño completo del festival, siempre tomando en cuenta la retroalimentación de nuestros seguidores en redes sociales.

2018 será, sin duda, una edición clave hacia el futuro de lo que podría ser el festival, en la que enfocaremos nuestra visión para redefinir lo que somos. También es un momento estratégico en el ecosistema cultural del país para agudizar nuestras convicciones, confiar en nuestras audiencias y continuar abriendo panoramas hacia la interdisciplina y nuevas manifestaciones creativas ligadas a la tecnología.

Debido a las terribles secuelas que dejó el terremoto del 19 de septiembre suspendimos la venta de boletos.

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DAY FOR NIGHT A G I F T O F SO U ND A ND V IS IO N Por Karina Luvián

Somos seres sociales, no importa el nivel de empatía que tengamos hacia los demás, todos necesitamos ser parte de la vida de alguien y hacer que otro esté presente en nuestro día a día para discutir sin sentido, para reír de estupideces, conmovernos ante una pieza de arte o bailar hasta el cansancio.

que a la vez sean eclécticos y originales, características que también tomamos en cuenta al seleccionar el tipo de música que presentamos. Lo que hacemos es combinar esto con una oferta artística edificada al mismo nivel que la música, sin distinciones al presentar ambos rubros.

Salas de conciertos, parques e incluso bodegas abandonadas han sido puntos de encuentro con amigos y un montón de desconocidos para disfrutar de un buen festival, uno de los actos sociales más evidentes en esta era de individualismos, aderezado con una oferta artística determinada.

«Uno de nuestros intereses en el arte es que sea guiado por tecnología contemporánea, con cierta resonancia en nuestro mundo actual. De tal forma, seleccionamos artistas de todo el mundo y los traemos a Houston para mostrar una obra en específico, lo que es también un tanto difícil pues debemos alentarlos a presentar nuevas instalaciones o a adaptar algunas otras al lugar en el que se desarrolla el festival. A veces tenemos estrenos incluso mundiales de determinadas instalaciones, lo que crea una sólida experiencia para la gente que asiste.

¿Qué pasa entonces cuando un evento reúne lo más destacado en artes e instalaciones visuales y lo mejor de la escena musical contemporánea? Del 14 al 16 de diciembre un cachito de Houston, Texas, vibrará y rendirá tributo al arte de estremecer los sentidos con la realización de Day For Night, festival multisensorial que de acuerdo con Alex Czetwertynski, cofundador y curador del mismo, transforma un simple acto social en toda una experiencia.

-¿Qué diferencia existe entre Day For Night y otros festivales de música?

«La misión del evento es ser un nuevo tipo de festival en América y el mundo, combinando grandes nombres en la música

«La experiencia en los festivales de música ha llegado a un punto repetitivo y el público está en busca de nuevas propuestas, algo que lo atrape en otro nivel.

Así, si una persona no está interesada en escuchar música, en este festival puede ir y ver una instalación, o disfrutar de ellas entre cada presentación e incluso ver un show como parte de una instalación. Esta es una experiencia multidimensional y multisensorial para la audiencia.»

- A partir de ello, ¿es diferente el tipo de público al que le hablan de aquel que asiste a festivales como Coachella o Lollapalooza?

«Lo es y no lo es; es una de las bellezas de estos encuentros. Las personas que realmente no saben mucho de las artes visuales que reunimos —porque hay que decirlo, el tipo de trabajo que mostramos es aún muy emergente además de que no es fácil de apreciar en museos o espacios de exhibición propiamente dichos— compran un boleto para ver a los músicos.

Lo interesante ocurre cuando descubren las instalaciones y tienen esta fuerte reacción, quedan impresionados y, de este modo, se hace una combinación de públicos, aquellos que son parte de cierta sub142

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cultura, esos otros a los que les gusta la electrónica y quienes son seguidores del heavy metal o el hip-hop, todos ellos interesados por la música pero sorprendidos ante el descubrimiento de nuevas cosas.»

- La oficina postal Barbara Jordan es impresionante. ¿El festival siempre se ha desarrollado ahí? ¿Cómo lo seleccionaron?

«Day For Night se realizaba en otro lugar, no lejos de donde ahora ocurre. Era, de hecho, un sitio diferente en forma, más como una serie de edificios separados; ahora se trata de un sólo edificio.

«Elegimos este espacio porque comulga bien con nuestro concepto, con inte-

riores y exteriores, lo que nos encanta porque, ya sabes, se apega por completo al nombre del festival: Day For Night, día, noche; luminosidad, oscuridad; interior, exterior… tener ambos mundos es algo que de verdad nos gusta, es una transición que puedes disfrutar entre cada espacio, lo que nos ayudó a elegir la sede, sin olvidar la arquitectura, que es algo único.»

- Conocemos los grandes nombres del lineup 2017 del lado musical (Nine Inch Nails, Thom Yorke, St. Vincent, Solange…) pero, ¿qué pasa del lado de los artistas visuales?

«Creemos que el uso de la tecnología es algo que, de cierta forma, define nuestra

era, y los artistas que forman parte del festival representan eso, haciendo que el público conecte con ello.

«Es importante para mí tener una combinación de nombres, aquellos que sean reconocidos y otros que estén empezando pero sean talentosos. Así, este año tenemos a Ryoji Ikeda, quien ha hecho esto por algún tiempo y ahora se presenta en el MET (Nueva York), con presencia en galerías de reconocimiento internacional, y a gente como Hovver (Chris Lunney y Katherine Brice) y James Clar, artistas jóvenes que están desarrollando una práctica fuerte y a quienes queremos apoyar para que crezcan en su propia carrera.»

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THE NATIONAL T HE B E AST I S AWAKE E N E XC LU S IVA Por Diovanny Garfias, enviado especial Fotos: Roco Portillo y Graham MacIndoe

Trouble Will Find Me es, sin duda, uno de los álbumes más representativos de 2013. La pieza, además de contar con el sonido característico de The National cuenta con un sentido de confianza y madurez que se ve reflejado en cada uno de los tracks, una suerte de revelación sónica que sólo puedes entender, disfrutar y transmitir cuando tienes más de 15 años de carrera y un largo romance con la música.

El álbum llevó su sonido folk/rock al mainstream, poniéndolos frente a audiencias de más de 20 mil personas, todas reunidas únicamente para ver a Matt Berninger y compañía entonar algunos de sus himnos, como ‘About Today’ y ‘Don’t Swallow The Cap’.

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Hoy, a cuatro años del alumbramiento del que sin duda permanecerá en su discografía como piedra angular, los originarios de Ohio están de vuelta con Sleep Well Beast, un disco más aventurado que su antecesor y también —si es que es posible— más melancólico. Las letras de Matt son un reflejo de su matrimonio y el momento que vivía con su esposa, Carin Besser, escritora y exeditora de The New Yorker, con quien, de hecho, coescribió prácticamente el álbum entero, y aunque curiosamente su relación pasaba por un buen momento, las letras exploran periodos más oscuros y posibles situaciones con desenlaces desafortunados. Si a lo anterior sumamos la visión política de ambos, es fácil entender la manera en que canciones como ‘Day I Die’ y ‘Guilty Party’ conviven en el tracklist.

Del lado musical, Aaron Dessner nos entrega una producción plagada de orquestaciones que moldean radicalmente el sonido de la banda, entregando momentos unas veces potentes y otras nostálgicos, todo enfundado en un ambiente electrónico sin perder el alma folk del quinteto. El álbum fue grabado en Long Pond, el estudio particular de la banda, el cual se ubica en Hudson Valley, un pueblo en la periferia de Nueva York cuyo ambiente pacífico, de tintes industriales rurales, contrasta altamente con la efervescencia de la gran manzana. En este ambiente sereno la banda presentó su séptimo disco, con una residencia de dos noches en el centro de artes multidisciplinarias Basilica. WARP estuvo presente, rodeada por el ambiente industrial del venue fundado por Melissa Auf der Maur (Hole) y el cineasta Tony Stone, donde The National ofreció un show 360, con un ensamble de cuerdas, uno de percusiones, músicos adicionales y proyecciones que dejaron ver el gran momento anímico y artístico que vive la agrupación.

Tras una corta pero placentera estadía en Hudson, por fin viajamos a Long Pond para conocer las instalaciones de la banda y platicar con Bryce Dessner y Scott Devendorf respecto a su nuevo vástago. ¿Por qué decidieron construir un estudio aquí en Hudson, NY? Es un lugar un poco alejado de la gran ciudad…

Bryce Dessner: «Esta área, este valle, es un lugar que amamos, esta es la casa de mi hermano (Aaron) así que parecía algo lógico construir el estudio aquí. Teníamos el terreno y es un lugar que se ha mantenido a las afueras de la ciudad por mucho tiempo, nos ha servido como un punto de escape… pero específicamente fue porque teníamos el terreno. Antes teníamos un estudio pero quisimos un lugar más grande, donde la banda pudiera venir, pasar tiempo trabajando, sin distracciones y olvidarse de la ciudad.»

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Su álbum anterior, Trouble Will Find Me, obtuvo mucha atención de los medios y, de hecho, conforme pasaba el tiempo sus shows se volvieron más y más grandes. ¿Cómo fue volver al estudio, componer de nueva cuenta y regresar a lo básico?

Scott Devendorf: «Creo que cada álbum representa una reinvención para nosotros, porque no vamos a hacer otro Trouble Will Find Me o un Boxer, este es nuestro séptimo álbum y necesitábamos experimentar.» ¿Hay algo en particular que haya influenciado sonoramente este material?

SD: «Todos hicimos diferentes viajes musicales antes de grabar, tenemos otros proyectos y creo que eso nos devolvió la energía. Cada vez que vuelves al estudio es como saltar al agua fría, alguien llega y dice: “oigan, tengo algunas ideas”, y ahí empieza el trabajo, empiezas a escalar la montaña otra vez; siempre es emocionante.»

Particularmente creo que Sleep Well Beast tiene mucha influencia electrónica, al menos en cuanto al sonido. ¿De dónde vino este guiño al género?

SD: «Siempre hemos tocado instrumentos electrónicos, como las cajas de ritmo, por ejemplo, y este disco también las tiene, además de otros elementos que hemos usado en el pasado. Lo que es cierto es que aquí quisimos explorar muchas texturas, así que la parte electrónica viene de la orquestación, la utilizamos mucho, incluso los espacios en que dejamos menos capas te producen esa sensación. Específicamente, Brian, mi hermano, jugó con distintos elementos análogos, algunos juguetes y bases electrónicas, así que es un sonido que se fue abriendo camino, nunca fue una decisión dar más protagonismo al lado electrónico, fue sólo la manera en que se dio todo, nos gustan ese tipo de cosas, es lo que hace a The National.»

Cuéntenme de los conciertos con los que abrieron la gira, estuve ahí y fue increíble, con un escenario 360, una sección rítmica, una sección de cuerdas… ¿cómo fue montar el show?

SD: «Se nos ocurrió cuando estábamos preparando las nuevas canciones para tocarlas en vivo, tener la mayor cantidad de elementos tocados en vivo.»

BD: «Básicamente se trataba de una “instalación/desinstalación” del disco. Grabamos los elementos que conforman el álbum por separado, así que quería traerlos y tenerlos en un mismo espacio, montarlos en un show. La idea del escenario circular era algo que mi hermano y yo ya habíamos hecho en Berlín, en una residencia previa a terminar el disco así que la trajimos de vuelta. Construimos esta súper bestia que es un escenario y un show pero también un disco...»

Estudio Long Pond, Hudson Valley WM FA L L / W I N T E R

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Matt Berninger en Basilica 148

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¿Van a tocar este tipo de shows en otros lugares?

BD: «No creo que haya más planes de hacerlo próximamente pero los que hicimos han sido increíbles. Aun así es algo que podríamos explorar.»

SD: «En algunos venues parece difícil tener el escenario circular…»

BD: «Es algo que vale la pena explorar… digo, creo que funciona a un nivel íntimo.»

The National es una banda que siempre tiene una postura política. ¿Qué opinan del momento que vive Estados Unidos actualmente?

SD: «Primero, es un momento difícil…»

BD: «Ha pasado mucho tiempo desde que la situación se puso así de complicada y sí, desde que nos volvimos semipopulares pensamos que podíamos llegar a nuestro público y marcar una diferencia, apoyar ciertas causas pero sin tener letras políticas; creemos que la gente puede tener sus propias ideas. Por otro lado, creo que la música existió mucho antes que Trump, y es un modo de contrarrestar todo lo que está pasando aquí. Este hombre está jugando con cosas básicas de nuestro país que pueden cambiar nuestra realidad y creo que es terrorífico.»

Van a estar de gira durante los siguientes meses. ¿Qué es lo que más extrañan cuando dejan su casa?

SD: «Creo que definitivamente a nuestras esposas e hijos.

Todos tenemos una familia y perderte algunos momentos, como ver a tus hijos crecer, eso es lo que más extrañamos. Tenemos algunos shows cerca a los que podemos llevarlos, o algunos días libres pero sí, la familia es lo que más extrañamos.»

BD: «La banda también es familia y eso ayuda mucho cuando estás de gira.»

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FOO FIGHTERS

GOLDEN ROOTS

Por Carlos Guetta / @_cguetta

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ocos músicos pueden presumir el haber pertenecido a una banda leyenda, de esas que marcan la pauta sonora de lo que es y lo que vendrá, vivir su fatídico final (en la cúspide de su carrera) y después, al más puro estilo del ave fénix, resurgir para trazar su propio camino, ponerse en la cima y forjar su leyenda. Uno de esos contados casos es Dave Grohl, el originario de Warren, Ohio, que ocupó el banquillo de la batería de Nirvana durante los años en que se convirtió en la banda más influyente de toda una generación, para después iniciar su propia aventura con Foo Fighters y convertirse en un acto legendario cuyo final se vislumbra lejano.

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«AMO LA IDEA DE UNA IMAGEN CON ALGO NATURAL, COMO UN ÁRBOL, QUE ROMPA ALGO ARTIFICIAL COMO EL CONCRETO… PORQUE AL FINAL EL PROPÓSITO DE LA VIDA ES CRECER Y EXPANDIRSE.»

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THE FEASTIVAL

«AMO LA IDEA DE UNA IMAGEN CON ALGO NATURAL, COMO UN ÁRBOL, QUE ROMPA ALGO ARTIFICIAL COMO EL CONCRETO… PORQUE AL FINAL EL PROPÓSITO DE LA VIDA ES CRECER Y EXPANDIRSE.»

Dave Grohl, Corona Capital 2017 Foto: Bógar Adame 1 52

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En 2015, durante la promoción de Sonic Highways (2014), cuando Foo Fighters tocaba en Suecia, Grohl cayó del escenario y terminó con una pierna rota. Tras cancelar algunos conciertos y ejecutar algunos más en una especie de trono, el músico volvió con nuevos bríos musicales y nuevas intenciones creativas; aquel accidente resultaría en un nuevo álbum de Foo Fighters titulado Concrete & Gold, un álbum que da continuidad rozagante al sonido de la banda y en cuyas letras encontramos a un músico consciente de lo que le rodea, con la habilidad metafórica que la realidad requiere para ser vendida o digerida.

Canción tras canción, el cantante y compositor se muestra en todas sus facetas, como el padre de familia que también es y un ciudadano del mundo que opta por la esperanza repetidamente sin agotar nunca esa posibilidad. Gracias a este material fue que hablamos con el exintegrante de Nirvana en los 606 Studios, en Northridge, California.

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«ES FÁCIL CONCENTRARSE EN EL LADO NEGATIVO DE LAS COSAS PERO SIEMPRE TENGO ESPERANZA.»

- ¿Por qué el título del álbum es Concrete And Gold?

«Bueno, ese es el título de la última canción que grabamos aunque fue la primera letra que escribí para el álbum. Compusimos bastante música, ¿sabes?, pero en un principio no teníamos letra para ninguna. Tengo tres niños en casa y era un total caos todo el tiempo, mi día a día era una locura y además nunca tenía tiempo suficiente para ello, fue entonces que le dije a mi esposa, “voy a rentar una casa en el campo por una semana porque necesito escribir.”

«Tomé mi guitarra, un micrófono, una caja de vino y me fui a este lugar, armé un pequeño estudio de grabación en la sala y me puse a cantar, sin lápiz ni papel, sólo con unas ideas, y este tema fue el primero que salió. Ya era tarde, había tomado mucho vino y solamente cantaba, en realidad no estaba ni pensado, no había filtro alguno. La letra dice: “I have an engine made of gold/ Something so beautiful/ The world will never know/ Our roots are stronger than you know/ Up through the concrete we will grow…”

«Amo la idea de una imagen con algo natural, como un árbol, que rompa algo artificial como el concreto en una calle o en una banqueta para crecer, porque al final el propósito de la vida es crecer y expandirse. Con todo lo que pasa en el mundo, en este país, puede ser deprimente y hasta asfixiante si olvidas ver todo el contexto y te clavas en una parte. Es fácil concentrarse en el lado negativo de las cosas pero siempre tengo esperanza. Pienso en esta parte donde el árbol le gana al concreto y es hermoso, así empecé a escribir más canciones y me di cuenta que esa letra es un hermoso mensaje de esperanza para cerrar el disco. Así fue como ‘Concrete’ empezó a representar el sonido de la placa y luego Greg Kurstin, nuestro productor, le dio ese “brillo dorado” al resultado.»

- Este disco fue concebido durante el periodo de descanso que tomaste por el accidente en tu pierna. ¿Cómo sigues?

«Mi pierna está mucho mejor, de hecho ya estaba bien cuando empecé a trabajar en él (el disco). Al final del tour, después del accidente, estaba física y emocionalmente exhausto, sobre todo porque durante las tres horas que duraba el show me la pasaba increíble pero las otras 21 me frustraba por no poder hacer lo que quería, entonces le dije a los miembros de la banda y al equipo, “tengo que irme a casa para asegurarme de que esta pierna me-

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jore. Me voy a descansar un año, nada de Foo Fighters, no música, incluso no quiero ver ni la guitarra.”

«Tiempo después me di cuenta de que la música me ayuda, me sana, es lo que me hace sentir vivo. Pasaron seis meses y me estaba volviendo loco, me deje crecer la barba, todo el día andaba en pijama y no salía de la casa. Me dije, “tengo que hacer algunas canciones”, así que hice algunos demos y cuando tenía 12 temas se los mandé a la banda, fue cuando les dije, “olviden lo de estar fuera de la música un año”, y nos pusimos a trabajar en secreto.

Nadie sabía lo que estábamos haciendo.»

- Volviendo un poco a nuestra realidad y viendo lo que pasa en la actualidad, ¿tu canción ‘Dirty Water’ hace alguna referencia a lo que pasó en Flint, Michigan, con el problema del agua contaminada?

«Es curioso, porque viviendo en Los Angeles, que es una gran ciudad, hay momentos en los que me siento atrapado en este sentimiento de contaminación emocional, cuando crees que estás tomando agua y respirando aire contaminado, y los efectos en tu cuerpo y mente, siempre anticipando algo. La gente siempre espera lo peor y eso es triste, gastar el tiempo en espera del desastre cuando deberíamos enfocarnos en buscar las cosas bonitas, en buscar lo bueno.

«Esa canción tiene dos partes: la primera es de amor y la otra son esos últimos minutos que anticipan el desastre. Quiero que la gente mantenga la esperanza pero por otro lado soy realista, tengo hijos que van a vivir después de que me vaya de este mundo, así que quiero dejarles un mensaje, hacer conciencia.»

- Dave, a lo largo de tu discografía recurres mucho a la palabra héroe. ¿Quién es, en lo personal, el más grande de tus héroes?

«Mi madre, sin duda. Es inteligente, hermosa, considerada, amable, una inspiración, somos muy cercanos, cumplió 80 recientemente y acaba de escribir su primer libro. Era maestra de una escuela pública y cuando era niño no teníamos dinero, pero éramos felices porque ella entendía lo esencial de la vida y el amor.

Cuando tienes ese tipo de ejemplo en casa creces con respeto y generosidad hacia los demás.»

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«MI CORAZÓN ESTÁ CON TODOS USTEDES. (CIUDAD DE MÉXICO) ES TAN PODEROSA, ESTÁ MUY VIVA. ALGUNAS CIUDADES SIENTEN COMO SI UN VOLCÁN HICIERA ERUPCIÓN PARA LUEGO CONVERTIRSE EN TIERRA. ESA CIUDAD TODAVÍA SE SIENTE CAMBIANTE, ES UN LUGAR MUY VIVO.»

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THE HONORARY MEXICAN E N E XC LU S IVA

Por Raúl Arce

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eck suena a LA, así de simple y complejo a la vez. Representa la vida luxury bohemian de un loft de millones de dólares en Westside y también la autenticidad de un barrio latino como Maywood; sin embargo, constantes visitas a sus abuelos en Kansas, una turbulenta temporada en Nueva York y haber sido un músico callejero también moldeó su carácter artístico.

Es difícil, casi imposible, poner a este músico en la canasta de un sólo género, le hemos conocido tantas caras que es muy complicado decir si hace folk, americana, hip hop, rock and roll, R&B o pop. La realidad es que hace todo y toca todo.

Más allá de haber pasado buena parte de su niñez y adolescencia rodeado de cultura mexicana y salvadoreña, Beck parece disfrutar la influencia latina. Se cuenta que en alguna de las masivas giras que la agrupación regiomontana Bronco realizó en Estados Unidos durante los 90, Beck se encontraba en la audiencia en una de las paradas que hicieron en Los Angeles. Aquella presentación de la banda comandada por Lupe Esparza impactó profundamente al angelino, al punto de mencionarlos en algunas entrevistas como referencia. Quizá, de alguna extraña manera, podemos ver un poco de Bronco y del folclor mexicano en discos como Güero (2005), así como en muchas de las etapas del músico a lo largo de 13 discos y más de 30 años en los escenarios.

A pesar de sentirlo tan cercano, fue hasta la edición 2014 del festival Corona Capital que el Güero se presentó en nuestro país. La cita anterior fue frustrada por el mal clima. Todo pasó al final de 2002 —noviembre, para ser más preciso—. Las entradas para el Aca World Sound Fest eran los hottest tickets in town, un festival de música electrónica que tendría al puerto como escenario y cuyo talento era más una extraña mezcla de artistas que vivía un buen momento que el resultado de una curaduría ecléctica.

Dentro de ese extraño roster promovieron a Beck como headliner, quien se haría acompañar por sus mejores amigos de Oklahoma, The Flaming Lips. Más extraño aún era el hecho de que en ese momento Hansen promovía Sea Change (2002), quizá su álbum más folk y depresivo. Al final, la lluvia impidió que viéramos al músico ese día.

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Todo parece indicar que Beck regresará pronto a nuestro país, esta vez con Colors (2017), un disco que busca aproximarse al pop que reina actualmente en los charts pero con un enfoque de producción sumamente elaborado y complejo, una vez más, junto a su cómplice de consola Greg Kurstin. El lanzamiento y promoción del álbum coincidieron con el sismo del pasado 19 de septiembre en México, por lo que la conversación pactada con Beck comenzó con un: «¿Cómo están las cosas por allá? Oh Dios, yo vivo en Los Angeles y aquí también tenemos muchos sismos, así que entiendo. Sé que puede ser aterrador. ¿Qué tan fuerte fue el sismo?»

era este, quería hacer música que reflejara ese sentimiento, algo positivo, algo que tenga lazos con esto.

«Al final, terminé regresando al disco anterior para acabarlo, porque ya debía lanzar algo. Sabía que Colors iba a tomar más tiempo. Me sorprendí con Morning Phase porque le fue muy bien, especialmente en Estados Unidos, y terminé haciendo un tour muy largo. De repente surgieron muchas oportunidades, por lo que estaba muy ocupado y distraído, así que el nuevo trabajo tomó aún más tiempo.

«El disco está saliendo ahora y es un momento extraño pero su semilla es de hace cinco años, cuando lo empecé.»

Más de 7 grados «Eso es terrible, me siento culpable de estar hablando de mi disco dadas las circunstancias, es una tragedia.

Esa es la dificultad del mundo en el que vivimos.»

Creo que en situaciones difíciles como esta, la música juega un papel muy importante. ¿Cuál es el rol que tiene el arte y la música ante tiempos como los que vivimos?

«Estoy muy agradecido de hablar contigo. Siento que en este disco el sentimiento que buscaba era el de las cosas que te hacen sentir vivo y que hay un propósito para todos; eso son los colores. Ya sean los colores del día o los colores de una estación, la música tiene colores, hay muchas cosas en la vida que tienen colores, eso es lo que realmente nos recuerda que estamos vivos.» ¿Por qué decidiste llevar el disco en esa dirección?, considerando que Morning Phase es bastante diferente…

«Empecé este disco antes de que saliera el anterior (Morning Phase). El material pasado era algo en lo que había trabajado años antes y que había abandonado porque no sentí que fuera adecuado lanzarlo. Así que en aquel entonces el álbum que realmente quería publicar

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Han pasado tres años desde Morning Phase. ¿Cómo supiste que era el momento adecuado para lanzar Colors?

«Hay ciertos álbumes que tienen mucho trabajo de fondo, que llegaron al punto en que están tan realizados y definidos que existe una evolución en cada canción. Este disco se trataba de eso, de cuánto trabajo hay en él y del nivel artístico, siempre quise hacer algo así pero no había podido esperar y ver qué tan lejos podíamos llevar el sonido y tener el sentimiento correcto. Un disco como Pet Sounds, Thriller, Sgt. Pepper’s… quería tomar ese enfoque pero para eso se necesita mucho tiempo y esfuerzo.

«Colors pudo haber salido hace año y medio pero parecía que había algo más que podíamos hacer, ¿sabes?, experimentar y probar diferentes cosas, mezclas, trabajar de diferentes maneras. Sólo quería, por una vez, tomar el tiempo adecuado y hacerlo bien; en última instancia, nunca obtienes la perfección porque no existe tal cosa, y cualquiera que consigue algo perfecto lo logra porque las estrellas están alineadas o algo así, porque tienen una suerte increíble.

«SIENTO QUE EN ESTE DISCO EL SENTIMIENTO QUE BUSCABA ERA EL DE LAS COSAS QUE TE HACEN SENTIR VIVO Y QUE HAY UN PROPÓSITO PARA TODOS; ESO SON LOS COLORES. YA SEAN LOS COLORES DEL DÍA O LOS COLORES DE UNA ESTACIÓN, LA MÚSICA TIENE COLORES, HAY MUCHAS COSAS EN LA VIDA QUE TIENEN COLORES, ESO ES LO QUE REALMENTE NOS RECUERDA QUE ESTAMOS VIVOS.»

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«Era sólo algo por lo que estábamos luchando, para renovar cada idea y llegar lo más lejos en cada canción, simplemente seguir profundizando, ver qué más hay. Supongo que nos pudimos evitar la molestia pero pensé, “tomemos el momento adecuado para hacerlo y hagámoslo bien”, por eso tardó tanto… pero odio hablar sobre el proceso.

«Al final sólo quiero que la gente lo escuche sin pensar en cómo fue hecho, en lo absoluto, sólo quiero que disfruten la música, esa es la verdad, porque para hacer algo en el arte necesitas esfuerzo, lleva mucho tiempo, hay que batallar mucho.» ¿A qué se deben todas las referencias a México en tu música? ¿Es porque vives en LA o simplemente te gusta lo mexicano?

«El lugar de dónde vienes forma tu trabajo, así que es parte de donde vengo.

Pasé la mayor parte de mi infancia en áreas que eran casi completamente mexicanas y salvadoreñas, es justo donde crecí, es el mundo en el que viví.

«Creo que LA está conectada, como un satélite, y hay partes enteras que se sienten como una cultura aparte que vive ahí… es parte de mi vida diaria. Para mí es una sorpresa que no se muestre más realmente, probablemente haya más que pueda escribir al respecto.

«De alguna manera cuando hice ‘Güero’, al principio, era como una broma, pero mientras componía la canción pensé: “esta idea es todo el álbum”. Al principio estaba un poco avergonzado pero el track gustó mucho y terminé haciendo un disco completo sobre él, de donde proviene esa canción. Hay mucho más ahí.»

Muchas gracias por tu tiempo, espero que las cosas estén mejor para el momento en que nos visites de nuevo…

«Mi corazón está con todos ustedes. (Ciudad de México) es tan poderosa, está muy viva. Algunas ciudades sienten como si un volcán hiciera erupción para luego convertirse en tierra. Esa ciudad todavía se siente cambiante, es un lugar muy vivo.»

«NO SÉ SI FUE NECEDAD O SIMPLEMENTE IR CONTRA LA MAREA PERO QUERÍAMOS HACER ALGO QUE TUVIERA CAPAS Y QUE FUERA CALEIDOSCÓPICO. EL PROBLEMA ES QUE ES MUY DIFÍCIL TERMINAR TODO ESO PARA QUE SE SIENTA MUSICAL, ASÍ QUE FUE MUCHO TRABAJO.»

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NINE INCH NAILS T H E

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Por Diovanny Garfias

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ensar en Nine Inch Nails es remitirnos, de manera automática, a Trent Reznor, el hombre que creó el concepto, el nombre, el sonido, la imagen y todo lo que compone al proyecto, porque éste es en sí mismo un reflejo personal de la psyche del originario de Mercer, Pennsylvania. NIN simplemente no podría existir sin la experticia sonora de Reznor y viceversa; el músico difícilmente habría llegado a los 52 años de edad de no haber exorcizado sus demonios a través de los sintetizadores y las guitarras rabiosas que dan vida a su vástago.

Aunque a lo largo de casi 30 años Nine Inch Nails ha visto pasar a varios colaboradores e integrantes que de un modo u otro influyeron en su sonido, ya fuera en el estudio o sobre el escenario —el legendario Flood (Mark Ellis) durante la primera década, por ejemplo; Chris Vrenna y Charlie Clouser en la batería y los sintetizadores, respectivamente, o Alan Moulder en la consola—, el peso de las decisiones finales siempre recayó en Trent y su capacidad de ver el todo, incluso siendo parte de éste.

Sin embargo, las cosas cambiaron oficialmente a partir del año pasado. La salida del EP Not The Actual Events (2016) significó la adición oficial de Atticus Ross al proyecto, algo que puede parecer obvio tomando en cuenta los antecedentes creativos de ambos artistas pero que tiene un trasfondo más interesante.

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Ross y Reznor se conocieron cuando el segundo firmó a 12 Rounds (banda integrada por Atticus, su hermano Leopold y Claudia Sarne) en su hoy extinto sello Nothing Records para posteriormente lanzar el álbum My Big Hero (1998). Tiempo después Trent se convertiría en el productor de su siguiente LP, mismo que no ha visto la luz a la fecha (excepto por un par de tracks) pero que colocó a ambos músicos trás la consola en un mismo espacio temporal.

Así, Ross se convertiría en pieza fundamental en los equipos de Reznor a la hora de grabar nueva música de NIN, primero como programador e ingeniero en With Teeth (2005), Year Zero (2007) y The Slip (2008), con un papel creativo en Ghosts I–IV (2008) y Hesitation Marks (2013) y finalmente como la otra mitad que haría de esta mancuerna una de las más relevantes en la industria hollywoodense de la composición. La dupla ganadora del Premio de la Academia y el Golden Globe por el score de The Social Network (2010) se convertiría en el equipo de cabecera del director David Fincher para ambientar sus filmes, experimentando en el mismo rubro con los documentales Before The Flood (2016) y The Vietnam War (2017) e incluso musicalizando la llegada de la sonda espacial Juno a la órbita del planeta Júpiter.

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«SABÍA QUE ERA MUY IMPORTANTE QUE (ATTICUS) TUVIERA EL RECONOCIMIENTO QUE SE MERECE, ÉL ES LA OTRA MITAD DE NINE INCH NAILS. SE LO PEDÍ, LE DIJE QUE ARTÍSTICAMENTE PODÍAMOS TENER AL PROYECTO COMPLETO EN EL ESCENARIO.» -TRENT REZNOR

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Si a lo anterior sumamos la creación de How To Destroy Angels, es fácil entender la decisión de Reznor; la adición formal de Ross al equipo no sólo marca una evolución y distanciamiento de lo que el proyecto fue por más de dos décadas, significa el encuentro de una plenitud sónica y el paso definitivo hacia el “siguiente nivel”, donde bien pueden producir la banda sonora de una ficción, de un documental o de un acontecimiento histórico como retomar su personalidad más provocadora y generar reclamos electrónicos con sus respectivas dosis de rock.

El fruto de esta nueva configuración nos ha dado hasta ahora dos EPs (de tres prometidos). El primero es el mencionado Not The Actual Events, descrito como «un disco hostil» e «impenetrable» que refleja todo lo aprendido en su andar cinematográfico y arroja cinco temas plagados de oscuridad, melancolía y rabia, sólo comparable con Broken (1992) por su atrevimiento y visceralidad. El segundo, Add Violence (2017), es una muestra del genio creativo de ambos compositores trabajando a tope, con un alma más electrónica, ingeniería de avanzada y un sonido en el cual ya son discernibles las aportaciones de ambos.

De esta manera, Trent Reznor y Atticus Ross levantan la mano para recordarnos que NIN está más vivo que nunca y que en un mundo donde se sigue admirando el oropel sónico aún quedan algunos reluctantes dispuestos

a llevar la contra de la mejor manera, con post industrial inclemente, elegante, implacable y prácticamente perfecto. Aprovechando la gira de NIN por Estados Unidos, platicamos con ambos músicos para constatar el momento legendario que viven.

La primera pregunta es la más obvia (o al menos lo es para mí): Trent, ¿cómo convenciste a Atticus para que se uniera a la banda de tiempo completo (en el estudio y en vivo)?

Trent Reznor: «¡Lo engañé!... No, trabajamos juntos en Nine Inch Nails desde los dosmiles, él ha sido la otra mitad, así fue como empezamos a componer para películas y a trabajar en varias cosas así que pensé que sería un acierto tenerlo en el escenario, tocando con la banda. Sabía que era muy importante que tuviera el reconocimiento que se merece, él es la otra mitad de Nine Inch Nails. Se lo pedí, le dije que artísticamente podíamos tener al proyecto completo en el escenario y los fans lo disfrutarían. Empezamos a tocar, primero un show, luego el segundo y el tercero y hasta ahora ha funcionado bastante bien.»

Atticus, ¿cuál fue tu experiencia?

Atticus Ross: «Estaba muy nervioso, eso es lo primero que recuerdo y es parte de la trampa, pero luego fue increíblemente halagador; es decir, hemos estado una vida entera juntos, me siento al doble, o sea, no hay ninguna otra banda

posible con la que podría estar en el escenario; sin el alto nivel de emoción no sería capaz de lograrlo, aunque creo que mi inseguridad y nerviosismo están mejorando, lentamente.»

Hablando de música, cuando empezaron a escribir Not The Actual Events ¿consideraron que el proyecto se convertiría en una trilogía de EPs en lugar de un álbum?

TR: «Antes de empezar a trabajar en el disco hablamos de muchas cosas y coincidimos en que valdría la pena dividir el siguiente álbum en tres partes pequeñas.

Lo primero que creímos fue que sería interesante; parte de la decisión fue que la gente se acercara a la música, pensamos en la forma en la que se consumen discos hoy en día y concluimos que sería más fácil escuchar una pieza de 25 minutos que un disco de una hora. Quisimos hacerlo más accesible y “sexy”.

«Elegimos concentrarnos en cosas muy generales que no necesitaban mucho tiempo, sin estrés, porque una de las intenciones es que Not The Actual Events sea un golpe en la cara, lo que hizo que el proceso caminara más rápido, no tuvimos que escondernos en el estudio durante un año o 18 meses sin lanzar nada, convirtiendo todo en algo más episódico. Esto nos permitió trabajar en Add Violence en la dirección que fue y actualmente trabajamos en el tercer EP.»

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¿Van a lanzar el siguiente EP antes de que acabe el año?

TR: «No, creo que estará compuesto, en su mayoría, a fin de año pero no creo que lo tengamos listo para ese momento. Aunque así fuera, necesitamos el montaje adecuado y la portada antes de que esté terminado, así que será en algún punto después de 2017.»

Trent, ¿cómo lograste escribir un material tan visceral, furioso y oscuro como Not The Actual Events sin estar atrapado en adicciones o problemas de depresión?

TR: «Empezamos a escribirlo y no supimos lo

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que era durante un año, más o menos. Aprendimos que a veces las cosas inesperadas pueden ser inspiradoras. Creo que teníamos la idea de ir por ese camino y terminamos como con 70 demos. Al final descartamos casi todos en esta exploración de estilos y producción, todo llegaba a mi cabeza en pequeñas partes así que tomé la guitarra y busqué algo diferente a lo que hice en la era de Hesitation Marks, donde nos interesamos más por desarrollarlo con música electrónica.

«Este EP, por alguna razón, se vio arrastrado por un enfoque más agresivo e hicimos mu-

chas cosas que antes no nos permitimos, así logramos volver a esos lugares. Mucha gente lo relaciona con Broken y lo puedo entender, tiene esa vibra… Broken nos inspiró.»

Hace algunos años, durante el Wave Goodbye Tour, en 2009, tomaste un momento en el escenario para hablar de ‘La Mer’ y mencionaste que al componer esa canción atravesabas un momento en el que querías morir. ¿En este momento hay alguna canción que te lleve hacia un punto tan incómodo que evites tocar?

TR: «No, no a ese nivel. Cuando hacemos un show en vivo elegimos las can-

«ESTABA MUY NERVIOSO, ESO ES LO PRIMERO QUE RECUERDO Y ES PARTE DE LA TRAMPA, PERO LUEGO FUE INCREÍBLEMENTE HALAGADOR; ES DECIR, HEMOS ESTADO UNA VIDA ENTERA JUNTOS, ME SIENTO AL DOBLE, O SEA, NO HAY NINGUNA OTRA BANDA POSIBLE CON LA QUE PODRÍA ESTAR EN EL ESCENARIO; EL ALTO NIVEL DE EMOCIÓN NO SERÍA CAPAZ.» -ATTICUS ROSS

ciones que nos parecen relevantes de manera democrática, aquellas que nos emociona tocar en vivo las trabajamos y ensayamos, sólo dejamos fuera las que sentimos que no representan más el momento que vive la banda. Buscamos que las cosas se sientan auténticas, algo más legítimo. A lo largo de los años hay canciones que ya no tengo tanto en mente, simplemente porque ya no me hacen sentido como parte del show.»

Para terminar, en México hubo un sismo hace unas semanas y a pesar de la terri-

ble situación política la gente encontró en el hecho el pretexto para generar un ambiente solidario y colaborativo. ¿Cómo se siente ser norteamericano dada la situación política actual, con Donald Trump al mando del país?

TR: «Puedo empezar diciendo que es una puta vergüenza que como ciudadanos norteamericanos hayamos elegido a un completo imbécil como presidente.

Puede que seamos el país más desmoralizado que haya en el mundo. Yo sé que a muchos norteamericanos les repugna esta situación.

«No puedo esperar por el momento en que él ya no sea presidente. Adicionalmente, quiero decir que por primera vez en mi vida siento un país con una crisis existencial que se pregunta ¿ahora qué?, ¿es sólo una vergüenza o comenzamos una guerra? Creo que es peligroso, es sólo el terrible reflejo de un país que se dedica a consumir redes sociales y productos de mierda.»

Gracias a ambos, espero verlos en México el próximo año…

TR: «Ojalá que sí, es algo que estamos buscando y que nos alegraría mucho.»

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8 y 9 de septiembre 2017 Vinícola Monte Xanic Valle de Guadalupe, Ensenada Baja California, México

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Silvestre y los Charros

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Los chefs Mario Peralta, Adria Marina y Dante Ferrero 1 70

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Tlayuda de escamoles de Enrique Olvera

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Calexico

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Dante Ferrero

Francesca Lombardo 1 72

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SHUFFLE

Rubén Albarrán y Mi Banda El Mexicano

Alejandro Franco, Pepe Mogt (Fussible) y Ramón Amezcua (Bostich) WM FA L L / W I N T E R

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LIVE OUT 21 de octubre de 2017 Parque Fundidora Monterrey, Nuevo León, México Fotos: Cortesía Live Out

Paramore

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DAYDREAM FESTIVAL MÉXICO 24, 25 y 26 de noviembre de 2017 Plaza Cívica 5 de Mayo Puebla, México Foto: Saulo Barrera para WARP

Jessica Audiffred 1 76

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EL GRAN PREMIO DE MÉXICO FÓRMULA 1 29 de octubre 2017 Autódromo Hermanos Rodríguez CDMX, México Fotos: Sergio Gálvez para WARP

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L A C O N S O L I DAC I Ó N D E L N U E V O M E X I CA N O Por Oscar Adame | Foto: Nacorock

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ace un par de meses fuimos testigos de un evento que modificó la forma de vivir el día a día en Ciudad de México. El 19 de septiembre un sismo de magnitud 7.1 dejó dañado al país con un saldo de 369 muertos y más de mil heridos.

Aunque la tierra no fue lo único que se movió, la sociedad también lo hizo en un acto heroico por levantar su ciudad y a sus hermanos caídos. El 19 de septiembre se consolidó un nuevo mexicano, uno que en lugar de quejarse de los políticos por su desdicha puso manos a la obra para salir de ésta y ayudar a las personas a su alrededor, en lugar de retenerlas en la miseria, ese mexicano que te sonríe en la calle mientras caminas y te da la mano cuando la necesitas.

México se convirtió en un mejor país, en un territorio admirado en todo el planeta por su accionar, que logró robar miradas y alientos con las historias de sus héroes modernos. De la perra Frida a los grupos de brigadistas que no se detuvieron hasta quitar la última piedra de los escombros.

Ahora, los únicos escombros que quedan son los recuerdos de aquella inexplicable vivencia. Es por ello que en esta edición de WARP Magazine decidimos reunir aquellos relatos que nos dejó el temblor, historias de mexicanos que no han dejado de apoyar y buscar que México no se vuelva a hundir.

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LA —NUEVA— HORA DEL TEMBLOR Por Enrique Ortega / @QuiqueOrtega Fotos: Daniel Buenrostro

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Cuál era la probabilidad de que un terremoto sacudiera Ciudad de México un 19 de septiembre, por segunda vez? Según investigaciones del Instituto de Geofísica de la UNAM un 5%, cifra que puede parecer baja aunque, considerando que nuestro país está en una zona sísmica y habían pasado más de 30 años desde el último terremoto, se podría tomar como 1 en 20. Bajo esa óptica no resultaba imposible.

Es inevitable y necesaria la comparación de lo ocurrido en 1985 y 2017. Siempre tuve la hipótesis de que en un desastre natural de proporciones similares a las de hace 32 años la sociedad no sería tan solidaria; debo reconocer que me dejaron callado. Hace unos meses los mexicanos nos convertimos en uno mismo y, sin esperar pago alguno, incluso sin probar alimento o bebida durante horas, miles de personas hicieron esfuerzos de todo tipo por gente que en su vida habían visto. Jóvenes, viejos, mujeres y hasta perros, todos unidos para rescatar en el menor tiempo posible a cuanto ser humano estuviera atrapado en los escombros. Las comunidades internacionales que vinieron a México a ayudar quedaron gratamente sorprendidas y la imagen pública de nuestro país se transformó para bien, aunque hay que reconocer también que el nivel de ayuda dada en CDMX no fue igual de clara en Chiapas o Oaxaca, azotadas por un sismo previo, el 7 de septiembre. Entonces, ¿qué reflexiones debemos hacer respecto al terremoto del 19 de septiembre?

TEC N O LO G Í A Alberto Valencia, notable diseñador gráfico mexicano, me narraba que cuando ocurrió el sismo de 1985 él estaba en el bachillerato y, ante la imposibilidad de regresar al aula después de tan catastrófico suceso, no le quedó más opción que caminar a casa por alrededor de 5 horas, tiempo en el que su mamá no supo de él, si estaba vivo o muerto, o si su escuela se había mantenido en pie. Historias como esta fueron comunes en aquel tiempo y no me es fácil imaginar el nerviosismo y el llanto de una madre que no sabe el paradero de su hijo en un momento así. Ahora, en 2017 es claro que la tecnología ocos músicos pueden estas presumir el haber ayudó a que no se repitieran crónicas.

El portalpertenecido noticioso Ani-a banda leyenda, de esas que marcan la pauta sonora mal una Político reportó casos como el de Diana Pacheco, una adminisde lo que y lo queenvendrá, vivir fatídico final 286, (en la cústradora queestrabajaba el edificio desu Álvaro Obregón colonia pide dey quedó su carrera) y después, al más puro estilomientras del avebajaba fénix, Roma, atrapada al colapsar la construcción resurgir para propio camino, ponersey ya en consciente la cima y la escalera.

Mástrazar de 15 su horas después del desastre forjarenviar su leyenda.

Unode deWhatsApp esos contados casos con es Dave Grohl, pudo un mensaje a su esposo su ubicación el originario de Warren, quedeocupó de en la exacta.

Esto provocó que losOhio, cuerpos rescateellabanquillo sacaran viva bateríaminutos. de Nirvana durantenilos ennique seActon, convirtió en la pocos Seguramente Janaños Koum Brian creadores banda influyente de toda una generación, para de este más sistema de mensajería instantánea, imaginaron quedespués su apliiniciar salvaría su propia aventura Foo Fighters y convertirse en cación la vida de más con de uno. un acto legendario cuyo final se vislumbra lejano.

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«LOS JÓVENES HAN TOMADO LA CDMX, ESPERO QUE NO LA SUELTEN».

-FERNANDO BELAUZARÁN

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S EG U ROS Según el estudio Mercado Asegurador Latinoamericano, de Fundación Mapfre, Brasil es el país que mayor cultura de seguros tiene en América Latina, con un 43%, seguido por México, con un escaso 15.2%. Esto nos lleva a preguntar: ¿qué están haciendo bien los brasileños que en México no vemos?

Hay muchos mitos en torno a los seguros para inmuebles en nuestro país, el principal de ellos es que son extraordinariamente caros. Si a esto sumamos la falta de cultura financiera y el nulo acercamiento de las aseguradoras hacia la gente para obtener un paquete que proteja su hogar, la situación es preocupante. En este sentido, los números no mienten: hasta el año 2014 había un 27% de mexicanos con seguro de auto contratado, 8.8% con seguro de gastos médicos (sin contar a la población asegurada ante el IMSS o el ISSSTE) y sólo un 4.5% con un seguro de inmuebles a nivel nacional. La ironía, según la Asociación Mexicana de Instituciones de Seguros (AMIS), es que estos últimos llegan a ser incluso más económicos que los automotrices.

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Es claro que hoy, después de la catástrofe, los precios aumenten al igual que la demanda, por lo que necesitamos cambiar la mentalidad de «ahogado el niño, a tapar el pozo», por salud financiera propia y el bienestar de quienes amamos.

I NDUST R I A I NMOB I LI AR I A Si bien la mayor parte de edificios caídos o dañados por el sismo de 2017 tienen más de 35 años, también hay registro de inmuebles con menos de un año que hoy deben ser demolidos. Esto ha puesto en evidencia dos aspectos: lo obsoleto del reglamento de construcciones en Ciudad de México (que data de 1987 y que en su momento fue multipremiado) y la corrupción entre constructoras y autoridades.

Según documenta el ingeniero Jesús Iglesias, Premio Nabor Carrillo a la Investigación del Colegio de Ingenieros Civiles de México, en 2004 se hizo la última modificación al reglamento, fecha en que disminuyó en un 25% la cantidad de requerimientos de resistencia de inmuebles construidos en Xochi-

milco y Tláhuac, delegaciones que registraron ocho fallecidos y hasta una calle partida por la mitad a causa de una grieta.

Es claro que el reglamento no fue actualizado a tiempo y las zonas sísmicas han avanzado más rápido que las autoridades, pero aun existiendo un reglamento perfecto, actualizado, de nada servirá si no es seguido a rajatabla por las empresas constructoras. Al momento, firmas como Canada Building y Rouz son investigadas por irregularidades en la edificación de inmuebles nuevos que resultaron dañados tras el sismo. El mismo exjefe delegacional en Benito Juárez, Jorge Romero, es señalado como beneficiario directo de las constructoras. Irónicamente, el día anterior al terremoto Ignacio Cabrera (presidente de la Comisión de Desarrollo Urbano y Vivienda de la COPARMEX) denunció públicamente que los desarrolladores destinan hasta un 50% del presupuesto a trámites, sobornos y corruptelas con las autoridades.

Lo que es bastante claro es que zonas que resultaban muy caras para vivir por estar de moda (Roma, Condesa, Del Valle) están siendo abandonadas, lo que provocará una caída en sus precios como ocurrió después de 1985. Los jóvenes millenials que veían atractivo vivir o trabajar en dicha área ya están considerando mudarse a otros sitios e incluso, por lo que se escucha en las calles, a otros estados.

NOT I C I A S FA LSA S Desde la aparición de las redes sociales, hace más de una década, vivimos lo que Jorge Rendón (presidente de la Asociación Civil CosmoCiudadano) llama «el culmen de Photoshop», sólo que nadie había hecho conciencia de la gravedad de esto… al menos no hasta ahora. Resulta increíble ver la cantidad de noticias falsas que la gente difunde, no porque estén tan bien escritas que puedan confundirse, sino porque el hábito de lectura en Internet se limita a los titulares.

Desde edificios que supuestamente colapsaron hasta mascotas perdidas que tenían horas de haber sido encontradas, todos fuimos testigos —y participantes— de una tremenda desinformación que llegó a los límites de la irresponsabilidad. El colmo se dio en la historia del Colegio Enrique Rébsamen, protagonizado por una pequeña, ficticia, llamada Frida Sofía.

Horas transcurrieron y el Secretario de Educación Pública, Aurelio Nuño, expresó su sorpresa, en repetidas ocasiones, al no encontrar a ningún padre de familia que buscara a su hija en dicho colegio. Dos días después lo inevitable ocurrió: el Subsecretario de la Marina Armada de México, Almirante Ángel Enrique Sarmiento, declaró que no tenían registro de una niña que hubiera quedado atrapada, lo que contradecía las versiones que las mismas autoridades habían dado horas antes; el daño estaba hecho.

No fueron pocas las personas que afirmaron que Frida Sofía fue un personaje orquestado por Televisa para ganar rating, y como reza la vieja frase «crea fama y échate a dormir» la gente condenó

a la televisora por haberlos engañado. Incluso la reportera asignada al lugar, Danielle Dithurbide, fue objeto de agresiones verbales y burlas, y todo su esfuerzo, dedicación y profesionalismo al permanecer por días enteros ahí se olvidaron de manera irresponsable, debo decir. Esto confirma una de las máximas de la imagen pública: «la imagen de la titularidad permea en sus miembros». Si ante los ojos del público Televisa es autora de un fraude, las personas que trabajan para ella son cómplices, y aunque en realidad no hubiera dolo (Televisa no pudo tener tiempo de planear una historia con tal precisión y quitó todos sus anuncios, eliminando una ganancia) todo fue producto de un «teléfono descompuesto», de un pueblo cuyo pecado fue querer creer.

LOS APROVECH ADOS Mención aparte merecen todas aquellas personas que lejos de ayudar en la catástrofe se aprovecharon de manera terrible de la misma.

A unas horas del terremoto, decenas de personas reportaron una serie de robos en la ciudad, perpetrados por individuos que vieron la oportunidad de delinquir sabiendo que las autoridades auxiliaban a los más desvalidos. También se señaló en diversos medios a un grupo de personas que, disfrazadas de rescatistas, topos o miembros de Protección Civil, entraban a las casas a saquear o se colaban entre los escombros para intentar robar algún objeto de valor.

El acabose se dio cuando el gobierno local anunció un apoyo de tres mil pesos para quienes se quedaron sin hogar y poco tiempo después el mismo gobierno informó de más de mil casos de ciudadanos que, sin ser damnificados o haber perdido alguna propiedad, cobraron el dinero ofrecido. Sin duda, somos más los mexicanos buenos y honestos pero no podemos ser ciegos ante la realidad de un grueso poblacional que fomenta la corrupción y el caos, que carece de moral humana y no se duele ante la tragedia ajena.

Y AH OR A, ¿QUÉ SI GUE ?

Ha quedado demostrado el poder de la gente cuando se une y se moviliza. La misma presión social provocó que los partidos políticos regresaran un porcentaje de su presupuesto al estado para destinarlo a las labores de reconstrucción. Mi pregunta es, ¿queremos reconstruir lo que existía? Quisiera pensar que, en lugar de eso, lo que haremos será construir una nueva historia, un mejor México, menos corrupto, más entregado, más trabajador.

El próximo año tendremos elecciones para elegir a un nuevo presidente. Tras el sismo del 7 de septiembre vi a un candidato puntero que decidió no suspender su gira por Europa, y que en la segunda sacudida ni siquiera hizo acto de presencia para consolar a personas que lo perdieron todo. Quiero creer que un suceso así nos ha hecho despertar, que podemos exigir que los candidatos contribuyan a levantar casas y que ganen nuestro voto, piedra por piedra, con hechos, no con palabras.

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13 14 40 CORTO / DOCUMENTAL Por Santiago Arau

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partir de la imposible coincidencia de que un nuevo terremoto azotara la Ciudad de México un 19 de septiembre, el corto documental titulado 13 14 40 dirigido por Santiago Arau se aproxima a la ciudad a través de los sentidos del observador desde el simulacro que conmemoró el aniversario 32 del sismo de 1985 hasta los efectos que el nuevo terremoto trajo consigo. La Ciudad de México tiene una larga y dolorosa relación con los terremotos, el más reciente de ellos trajo consigo muerte y destrucción, representados en este documental a través de tomas aéreas contemplativas y fotografías tomadas a unos cuantos minutos de acontecida la tragedia que en paralelo con audios del momento preciso del terremoto, testimonios de sobrevivientes y reportes periodísticos y radiofónicos, ofrecen un retrato del terror y la desolación que el sismo trajo consigo.

13 14 40 tiene sus cimientos en el aire por donde viajan el dron que funge como un lente periscópico que captura la ciudad en los momentos de tensión y duelo y las ondas sonoras que inundaron con estridencia y expectación los oídos de los habitantes de la ciudad creando una simbiosis de imagen y sonido que capturan la indiscriptible experiencia de sobrevivir a un terremoto. A continuación presentamos una selección de imágenes extraídas del documental en exclusiva para WARP Magazine.

13 14 40 | Dirigido por Santiago Arau Pontones y Diego RabasaProducido por No ficción / Elena Fortes Acosta y Daniela AlatorreCoproducido por Asa100 / Gustavo Ramírez España

Santiago Arau es un fotógrafo y cineasta mexicano con una trayectoria de 15 años, especializado en el uso de drones para capturar imágenes "imposibles".

Durante los últimos cinco años se ha dedicado a documentar la vida en la Ciudad de México.

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EPICENTRO

AXOCHIAPAN, MORELOS HORA

13:14 HRS. GUERRERO CONDESA DEL VALLE

ROMA NARVARTE

MAGNITUD COLONIAS MÁS AFECTADAS EN

CDMX

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RÉPLICA MAYOR

4.0

COAPA

CDMX SAN GREGORIO

PUEBLA ESTADO DE MÉXICO MORELOS GUERRERO

OAXACA

HERIDOS

E D I F I C I OS C O L A P S A DOS

194 CDMX

CDMX 800

CDMX 38

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MORELOS 55

MORELOS

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45 PUEBLA

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EDOMEX

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EL DESASTRE QUE SE PUDO EVITAR Por Naomi Palovits / @Lovenaomi Fotos: Víctor García

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i algo aprendimos de los sismos de septiembre es que nuestra cultura de prevención de desastres existe más en el discurso que en la práctica, por lo que es urgente, en esta etapa de reconstrucción, que la sociedad civil no se disperse y aplique su energía para salvar a México. Rafael Van Dyck, consultor especializado en reducción de riesgos, con 15 años de experiencia trabajando con Oxfam, el Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF) y el Programa de las Naciones Unidas, nos da una idea de cómo ser políticamente más activos sin morir en el intento.

- Entramos en una fase de reconstrucción postdesastre. ¿Cuáles son los retos a afrontar?

«El reto principal es cambiar la política pública, que la sociedad sea exigente con el gobierno para que aumenten su capacidad, sobre todo en la prevención, preparación y respuesta ante desastres y temas de reconstrucción. Es un hecho que podemos y deberíamos prevenir un desastre y ahora, en esta fase de reconstrucción, debería aplicar el concepto build back better.

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- ¿Nos podrías dar un ejemplo?

«Holanda. Después de la inundación más grande en su historia, en 1953, creó el proyecto Delta, con inversión en diques y sistemas hidráulicos; desde entonces se han prevenido otros desastres. Otro ejemplo es Chile, con códigos de construcción antisísmica funcionales y una política pública de prevención.»

- ¿Qué tan mal están las políticas públicas para la prevención de desastres en México?

«No quiero entrar en la política pero en una democracia la sociedad puede (y debe) exigir transparencia en su política pública, más aún cuando se trata de fenómenos naturales que impactan en el territorio, las vidas y el patrimonio de su población. En México existe mucha corrupción, por lo que el reto no sólo es prevenir sino empezar a identificar la corrup-

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ción, el amiguísimo, el desvío de recursos y la mala aplicación de las leyes.

«Relacionado con el tema de política pública y desastres, por ejemplo, está el caso de la alerta sísmica que en Ciudad de México sonó cuando empezó a temblar, mientras que en Oaxaca no sonó en el primer temblor pues en dicho estado no se había pagado el mantenimiento de la alerta y en el Istmo ni siquiera hay una. Un manejo eficiente de esta herramienta pudo salvar muchas vidas pero el gobernador de la entidad nombró (de forma política) a un líder de los maestros como Coordinador de Protección Civil, sin experiencia, ni capacidad, ni ganas de asumir tal responsabilidad. Son estos actos los que aumenta la vulnerabilidad en México.»

- Desde tu punto de vista, ¿cuál es la mejor estrategia para que el gobierno escuche

nuestras demandas?

«Manifestarse está bien pero bloquear y paralizar el país sólo deteriora la economía, tal como ocurre en Oaxaca. Yo creo más en una estrategia constructiva; por ejemplo, unirnos en los medios virtuales, en grandes plataformas como change.org y Avaaz, en seguir a medios críticos, como Aristegui. Hay que poner en evidencia las malas prácticas para que el gobierno sepa que la sociedad civil está vigilando su desempeño.»

- ¿Qué piensas de la actuación de la sociedad civil durante la reciente tragedia en México?

«Es impresionante, superó el apoyo del gobierno. La solidaridad en México es reconocida a nivel internacional, vimos cómo la gente se movió en las calles para ayudar a sus hermanos y su labor ha sido

asombrosa. Quizá, como crítica constructiva, diría que hay que tener una visión a largo plazo e informarnos, conocer mejor el contexto y la situación de cada localidad a la que se envía ayuda, pues existen implicaciones que podrían jugar en contra: si la ayuda se da en exceso podría, incluso, dañar la economía local, o dañar ríos por acumulación de basura, que es algo que ocurre mucho en Chiapas y Oaxaca.»

- Las iniciativas que han recaudado fondos para la reconstrucción se preguntan cómo aprovechar al máximo su contribución. ¿Qué les aconsejarías?

«El esfuerzo se concentra en enviar víveres o ayuda humanitaria pero es mucho mejor dar apoyos financieros para reactivar la economía y apoyar proyectos productivos a través de organizaciones reconocidas, lo que varía según el territorio. En Oaxaca,

por ejemplo, está la Unión de Comunidades Indígenas de la Zona Norte del Istmo (UCIZONI), que trabaja con las comunidades más lejanas y cuestiona la política pública. También está el Tianguis Indígena EECO (Tzinnia Carranza) y CAMPO, entre otras; de hecho existe un mapeo y un directorio disponible en Internet.»

- ¿Qué piensas del trabajo de la Secretaría de Protección Civil?

«Regreso al punto de la política pública: decimos que una de las causas de los desastres es la vulnerabilidad en la política o el gobierno, y en este caso la coordinación nacional (y estatal) de Protección Civil no tiene la capacidad de responder a un desastre de gran magnitud, menos aún para prevenir un desastre. Se escucha en las noticias que el Coordinador Nacional de Protección Civil no tiene licenciatura

ni experiencia en el tema y yo he podido confirmar que su equipo técnico no tiene la capacidad que debería (con algunas excepciones), ni los recursos.»

- ¿Qué pasa con los recursos del Fondo de Desastres Naturales (FONDEN)?

«En el FONDEN y el FOPREDEN (Fondo de Prevención de Desastres) existe mucho desvío de recursos a proyectos que no tienen relevancia y por eso no han tenido un impacto real. En estados como Oaxaca he observado que el equipo de Protección Civil no tiene la capacidad ni la visión de presentar un proyecto de FOPREDEN a la Federación, y así continúan las vulnerabilidades políticas–institucionales y los desastres. Si los mexicanos fueran más conscientes, políticamente activos y organizados para cambiar los paradigmas y la política pública se ahorrarían mucho sufrimiento.»

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LA OPORTUNIDAD DE SER MEJORES Por Adriana Llabrés / @adrillabres Foto: Nacorock

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odas las cosas se cayeron en mi departamento de la colonia Roma, al que eventualmente pude regresar días después del temblor del 19 de septiembre de 2017. Salir del departamento fue muy difícil porque el movimiento nos ponía de vuelta en los cuartos… nunca había sentido algo así. Mi perro Porfirio y yo nos encontramos con mi mamá y me quedé en su casa, a donde invitamos a quienes no pudiera regresar a la suya.

Al día siguiente regresé y los edificios estaban severamente lastimados y había filas de gente pasándose víveres. Nunca, ni en domingo, vi a tanta gente en la colonia.

Esa noche, mis amigos y yo nos formamos para quitar escombros del edificio ubicado en Amsterdam y Laredo. Escribimos nues-

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tros nombres en una lista. Después nos informaron que era para mantener registro de quien estuviera en la zona por si había algún derrumbe o un accidente por fuga de gas. Nos anotamos y mandé mensaje a mi familia avisando dónde estaría.

Mientras estaba en la fila, los brigadistas pedían reflectores entre ellos, me acerqué y pregunté qué necesitaban, cuando me dijeron pensé en un amigo de primaria que se dedica a iluminar conciertos y decidí llamarle. Al hablar con él me dijo que sólo tenía una planta de luz, misma que después ayudé a colocar con gente que la necesitaba en otro sitio. En Facebook pedí los reflectores con las especificaciones necesarias. Mi nueva amiga Tamara los consiguió y los logramos pasar. Después de avi-

sar que ya habíamos atendido la petición apagué el celular y empezamos a quitar escombros. Cavamos con palas y cargamos piedras. Esa noche hubo muchos momentos que aún me cuesta trabajo digerir pero el rescate de una señora hizo que todo valiera la pena. Fue increíble. Para mí fue muy difícil ver entre los escombros cosas tan familiares y cotidianas como un bote de helado de vainilla, derretido, entre pedazos de un refrigerador, además de un libro de cocina de Mario Batali y un tamborcito para niños color naranja.

Quitamos escombros por muchas horas y sólo parábamos cuando se levantaba un puño y alguien con un boom (micrófono de cine) se acercaba a donde parecía que alguien hablaba. Hubo momentos de pro-

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Adriana Llabrés es una actriz mexicana, graduada en Actuación, Dirección y Bellas Artes del conservatorio East 15 Acting School en Londres y de la Carrera de Actuación en The American Academy of Dramatic Arts, en Nueva York. Actualmente participa en la obra El Jardín De Los Cerezos.

fundo silencio y otros de aplausos que a veces se extinguían al sacar un cuerpo sin vida.

Después continuábamos. Por varios días no pude regresar a casa, así que permanecí en la de amigos (¡gracias, Ricardo!), donde nos organizamos para ayudar en lo que surgiera.

A partir del asunto de los reflectores recibí llamadas y mensajes de mucha gente que quería colocar o necesitaba materiales.

Me resultó un tanto obvio conseguir lo que me pedían y colocar lo que me ofrecían, así que eso hice. Por días estuve en contacto con gente que no conozco cara a cara, pedí materiales por redes sociales y me aseguré de que llegaran con la persona indicada. Me di cuenta de que mi ayuda era más útil de noche y entendí que sería mejor enfocarme en pocos lugares,

así que resultó lógico hacerlo en los más cercanos a mi vecindario: Amsterdam, Laredo y Álvaro Obregón.

Mi amigo Chaka abrió un centro de acopio en Pushkin y con mis nuevos amigos (a quienes no conozco en persona) Ernesto y Karina hicimos un gran equipo. Karina me pedía y yo se lo conseguía. Si a Ernesto le pedía arneses, él llegaba con ellos, con líneas de vida y reflectores. Hubo días muy emocionantes en los que las noticias eran muy buenas y otros en los que dolía mucho el cuerpo pero lo que siempre permaneció fue el sentido de unión y solidaridad de todos. Ahora más que nunca veo con profunda admiración y orgullo a mi familia, vecinos, colegas y amigos. Nunca voy a olvidar lo que vi ni dejaré de conmoverme

ante todos los mexicanos unidos que con entrega y fuerza sorprendieron al mundo, pero no a nosotros. Al final, creo que siempre hemos sabido de qué estamos hechos.

Entre todos ayudamos a que saliera gente con vida después de días debajo del polvo y lo hicimos juntos, no nos detuvimos ni un momento, nunca nos pasó por la cabeza que fuera responsabilidad de alguien más, no nos detuvimos a pensar qué tanto conocíamos al de al lado.

Creo que el sismo nos ha dejado una gran oportunidad: ser mejores mexicanos. No podemos regresar a lo que éramos, sobre todo ahora que logramos conectarnos y que sabemos que juntos somos más fuertes. Fuimos —y espero que sigamos siendo— imparables.

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HASTA VOLVER A VER LA LUZ Por Iván Lechuga / @ilechuga | Foto: Eduardo Alonso Estrada

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ara aquellos que tuvimos la fortuna de no sufrir repercusiones durante el sismo del 19 de septiembre hay una fascinación por las historias de los sobrevivientes, aquellos que vivieron atrapados por horas, días, en extremas condiciones de incomodidad, si no es que peor, soportando alguna lesión sin cuidado médico, llenos de miedo, incertidumbre e impotencia. Fascinación, quizá, porque son historias de esperanza que nos motivan a pensar que si nos llegara a tocar no todo estaría inmediatamente perdido.

Platicamos con dos sobrevivientes que lograron salir de esta terrible situación para contar su historia, ambas mujeres: una artista de 87 años (la «payasita más longeva de México», se hace llamar) y una profesionista de 36 que vivió la pesadilla de Álvaro Obregón 286. Ellas compartieron su experiencia de aquel día fatídico y, con cariño, se las presentamos.

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LU C Í A Z A MO RA, 3 6 A ÑOS . Á LVA RO O B R EG ÓN 286, COL. RO M A N ORT E , DE L . C UAU H T É M O C .

«Mi convicción era que yo saldría», comenta Lucy, una de las sobrevivientes más presentes en los medios pues, asegura, ha encontrado un propósito a sus momentos de angustia. «Traté de mantenerme fuerte y segura de que la ayuda llegaría. No niego que había períodos de silencio en los que no tenía idea de lo que había pasado en México y eso me daba temor», señala.

Esta mujer trabajaba en su oficina del edificio ubicado en Álvaro Obregón cuando empezó el sismo. El edificio recibió mucha atención en los días posteriores a la tragedia no sólo por los 38 cuerpos sacados sin vida sino por las irregularidades en la construcción de los últimos pisos que retrasaron los esfuerzos de rescate por algunas horas.

«En ese momento me encontraba pidiendo una recomendación en redes sociales, en Facebook, para vender unos cursos; de hecho, mi sesión de Facebook quedó abierta, lo que causó mucha confusión entre la gente que me conoce porque me mantuve conectada durante mucho tiempo.

Entonces empezó el sismo, muy fuerte. Mi reacción fue seguir a mi compañero Issac, quien nos decía que lo más seguro era ir a la escalera de servicio, cuando la construcción se derrumbó en cuestión de segundos», recuerda Lucy sobre los primeros instantes del terremoto.

Agradecida de no haber sufrido ninguna lesión grave, sólo «raspones y rasguños», al igual que su compañero Isaac que también quedó atrapado, detalla: «Nos quedamos juntos, no podíamos hacer llamadas y no entendíamos lo que estaba pasando. Entonces nos acomodamos en ese espacio, en una incertidumbre total porque no sabíamos que había sido una catástrofe, estuvimos aislados, yo no tuve conocimiento de lo que sucedió hasta que salí.»

36 horas estuvieron Lucy e Isaac adentro, acompañados por el silencio. A ratos escuchaban a los rescatistas, la maquinaria, los helicópteros. Le pregunté a Lucy si estaba convencida de que iba salir o no, su respuesta es la frase que da inicio a este testimonio; sin embargo, comenta cómo se refugiaba en su mente y en la compañía de Isaac: «Trataba de mantener la mente ocupada, no dar muchas vueltas, pensaba en mis hermanas, en que ellos estaban bien, que me estarían buscando. Había momentos en los que rezábamos y platicábamos… claro que también los momentos de silencio eran desesperanzadores».

Finalmente, «a las dos o tres de la tarde» del miércoles 20 de septiembre, un rescatista pudo establecer comunicación con ellos y obtener sus nombres.

Lucy menciona que los gritaron con gusto, y pasó un rato más para que los pudieran sacar. Las fotos de Lucía Zamora saliendo de los escombros de Álvaro Obregón 286 aún viven en Internet. ¿Qué te has replanteado en tu vida ante esta nueva oportunidad?. «Me dije, “si estoy bien después de esta catástrofe es por algo, ¿no?”, porque hay algo más grande para mí allá afuera. Con el pasar del tiempo creo que mi testimonio, a través de la palabra, de contar mi experiencia, es mi forma de ayudar y la gente me ha dicho: “Qué bonito mensaje, qué bueno que te repusiste, qué bueno que estás saliendo adelante”. Eso me mantiene con mucho ánimo.

Creo que es algo que quiero seguir haciendo y ojalá tenga foros para contagiar estas ganas de vivir.»

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Lucía Zamora

ADE LA PE R ALTA, 87 AÑOS. R ANCH O DE L ARCO 32, COL. GI R ASOLE S, DE L. COYOACÁN.

Adela Peralta

En la prolífica vida como artista de la señora Adela, quien ha sido actriz, vedete, maga y reconocida como la payasita más longeva de México, quizá ningún aplauso ha sido más especial que aquel que recibió por parte de decenas de rescatistas, medios y sus hijos al ser rescatada del edificio de Rancho del Arco.

«Estaba en el comedor y vi cómo se cayó algo, escuché cómo tronó el techo y cayó una piedra como de metro y medio. Del lado izquierdo estaba la puerta de la cocina y se cayó hacia el lado derecho, tapando la salida del departamento. Oí ruidos de piedras cayendo pero no escuchaba a persona alguna, nada, pensé, “esto estuvo muy fuerte”, y me pregunté, “¿mis hijos vivirán? Si están vivos van a querer salvarme”», comenta la señora Adela.

Fueron 32 horas las que estuvo bajo los escombros de 23 pisos, pues vivía en la planta baja. Durante las labores de rescate, conforme pasaban las horas había pocas esperanzas de sacar a alguien con vida, las autoridades sugerían meter maquinaria pesada para agilizar la remoción de escombros pero así como la señora Adela estaba convencida de que sus hijos la buscarían, su hija Sara creía firmemente que su madre seguía viva; «Me puse como perra», declaró ésta a La Jornada.

«No podían echar máquinas porque mi hija les decía: “¡Mi mamá está ahí y está viva!’, así que respetaron esas palabras y todos ayudaron. Una persona dijo: “¡Agarren lo que quieran de esa tienda, ya la pagué, agarren cubetas, picos, tortas, ya la pagué!”, y empezaron a organizarse para sacar cubetas y cubetas de escombros. Yo oraba en esos momentos. Como soy una persona de 87 años tengo como 20 años de diabética, y no podía dejar que me diera un bajón de azúcar porque si me daba me dormiría y no escucharía a mis hijos cuando vinieran a salvarme, entonces nada de dormir, nada de comer, nada», recuerda.

Adela Peralta, mejor conocida por algunos como la Payasita Tiki Tiki, estuvo encerrada por horas, con la cadera fracturada, en parte gracias a la buena condición física que conserva (estudió karate y varios tipos de baile, entre otras cosas), además de la visita de personas y animales, algo que aunque ella cuenta convencida muchos llaman alucinaciones: «Entró una niña con su bebita, de vestido rosa, así como una perrita negra y sus dos crías, unos perritos blancos. Vi cómo la niña sacó leche de la perrita para dársela en biberón a la bebé… cómo no se me ocurrió pedirles algo, llevaba horas sin tomar alimento y eso es peligroso con mi diabetes. Le dije a la niña, “ven, me callo para que puedan rezar”, pero no hablaron, no me dijeron sus nombres, no quisieron orar».

La señora Adela fue la última sobreviviente que sacaron del edificio. Ella recuerda con júbilo cómo gritaron: «¡Está viva!», seguido de pronto por aplausos y la atención de la prensa. Días después se encontraba en la cama del hospital, pidiendo maquillaje y un bonito sombrero para dar sus primeras entrevistas. Actualmente se alberga en La Casa del Actor, por pertenecer a la ANDA desde 1949.

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Texto y poemas de Luciana Villegas / IG: @lucianavillegasr Web: lucianavillegas.info / TW: @luciana_deli Ilustraciones de Alberto Monroy / IG: @vigesimomonroy

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FOOD FOR THE SOUL ESFUERZOS DE RESTAURANTES EN APOYO A DAMNIFICADOS TRAS EL SISMO Por Samantha Archibald

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ras un desastre natural, la ayuda inmediata es crucial para la recuperación y el bienestar social. El 19 de septiembre, en las colonias Roma y Condesa el temblor azotó a la sociedad y los negocios se activaron, en un esfuerzo por brindar todo el apoyo que había en sus manos.

Los restaurantes Mexsi Bocu, Parián Condesa y Pasillo de Humo, de Grupo Bonito, prepararon un total de 53 mil 640 comidas en siete días, bajo una organización que no hubiera sido posible sin el liderazgo de Ramón Orraca, director del grupo, quien fue el primero en levantar la mano y proponer sus restaurantes como centros de producción y acopio.

El apoyo a la comunidad es un legado del padre de Ramón, quien

reaccionó de la misma manera en el sismo de 1985 y abrió las puertas del restaurante Anderson’s, en Reforma, para ayudar a los damnificados. De esta forma, cuando la tragedia tocó a Condesa y Roma, Ramón Orraca hijo no tardó en utilizar sus restaurantes para ayudar de la forma en que mejor sabe: a través de la comida.

De esta manera, Mexsi Bocu y Parián Condesa funcionaron también como centros de acopio y distribución de ropa, medicina, agua, herramientas, artículos de limpieza e higiene personal a Ciudad de México, Morelos y Puebla, a través de dos camiones torton, cinco camiones de 3.5 toneladas y 11 camionetas, más cientos de motos y dos camiones de dos toneladas que se enviaron a Oaxaca, particularmente.

1. Udon, Parián 2. Pasillo de Humo 3. Parián Condesa 4. Tiradito de Jurel, Mexsi 5. Tamal de Chocolate, Pasillo 6. Mexsi Bocu

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Toda la logística fue coordinada por Ramón, Enrique Landa, Adalberto Lanz y Paola Norman, con el invaluable esfuerzo de decenas de vecinos, quienes se unieron como voluntarios y receptores de información a través de redes sociales, donde detectaban las zonas que más ayuda requerían.

En WARP aplaudimos esfuerzos ciudadanos como el de Grupo Bonito, por lo que compartimos su iniciativa como ejemplo de muchas más que hicieron la diferencia en un momento histórico para México, además de hacer un especial reconocimiento a los chefs Diego Sobrino, de Mexsi Bocu; Alexis Preschez, de Parián Condesa, y Alam Méndez, de Pasillo de Humo.

Además de lo hecho por Grupo Bonito, otros

Ensalada Tibia de Raíces Rostizadas, Mexsi

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miembros de la industria gastronómica mexicana se unieron a los esfuerzos: Enrique Olvera donó todas las ganancias obtenidas en la cena de Pujol y Cosme del 25 de septiembre a la Cruz Roja mexicana.

El restaurante La Docena Oyster Bar, de Tomás Bermúdez, sirvió como comedor comunitario para los damnificados y rescatistas del sismo.

Sonora Grill ofreció lo mismo mientras establecía a los espacios de sus sucursales como centros de acopio para reunir víveres a los más afectados.

Corredor Salamanca y Mercado Moliere también ofrecieron sus establecimientos como centros de acopio.

Tlayuda de Chapulines, Pasillo de Humo

Donburi, Pariรกn WM FA L L / W I N T E R

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Santiago Moyao

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EL ARTE QUE EL SISMO NOS DEJÓ Por Ana Vargas

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l 19 de septiembre es un día que jamás olvidaremos tras el sismo de 7.1 que azotó Ciudad de México, Oaxaca, Chiapas, Puebla, Morelos y Estado de México. Todas las personas en México y alrededor del mundo se mostraron solidarias con los compatriotas brindando ayuda en todos los aspectos. La gente empezó a formar grupos gigantes que trabajaban día y noche para sacar a las víctimas de los escombros, además de llevar víveres, ropa, medicamentos, entre otras cosas, a los centros de acopio.

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Conforme pasaron los días se vivieron momentos conmovedores en las calles de todo el país, dejando claro que México está más unido que nunca. Tal solidaridad inspiró a artistas mexicanos a crear obras que no nos dejarán olvidar el suceso que nos despertó como sociedad y, lo más importante, que creó una conciencia general. Es por eso que decidimos brindar un tributo a todos aquellos ilustradores que plasmaron este irreal episodio.

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Himed & Reyben

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Mariana Ramos Romo

Federico Jordan

Leslie Payro

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WRONG CREATURES BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB VAGRANT

8.5 Tuve la fortuna de escuchar la nueva producción de BRMC un par de meses antes de la fecha en que está planeada su salida y aunque la banda nos dio una probadita de lo que será con el sencillo ‘Little Thing Gone Wild’, les aseguro que no es nada de lo que se imaginan.

Grabado en Los Angeles, Wrong Creatures fue producido por Nick Launay (Yeah Yeah Yeahs, Arcade Fire, Nick Cave and the Bad Seeds), y nos lleva en un viaje por la historia del rock, tomando giros inesperados, salpicados de influencias del pasado pero teniendo un pie firme en el presente. Su mayor enfoque sigue siendo el desarrollo de su propia maestría musical para mejorar la experiencia en vivo.

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El nuevo álbum definitivamente los transportará al núcleo de la alquimia de BRMC, desde la canción favorita de Robert Levon Been, ‘Haunt’ —balada que habla sobre aquellos sentimientos que nos persiguen— hasta el garage punk de ‘Little Thing Gone Wild’, que abarca toda la gama del rock clásico.

Las letras de las canciones de Wrong Creatures muestran una gran catarsis en la banda, y nos revelan cómo los integrantes de la banda siguen siendo fanáticos del humor negro, ya que exploran grandes errores y remordimientos de la vida, canalizando todo eso en riffs ondulantes y ritmos cargados con sabor a vida y muerte.

Nunca sabemos qué esperar cuando una banda regresa después de tanto tiempo, ya que la mayoría lo hace con música muy comercial, matando por completo cualquier recuerdo; sin embargo, BRMC demuestra que la banda ha sido sobreviviente en una época en la que el rock ‘n’ roll a menudo puede ser eclipsado por el chillido del pop, el dominante hip-hop y lo sofocante que llega a ser el reggaetón.

Wrong Creatures es la prueba de que a través de los años Black Rebel Motorcycle Club ha aprendido a cortar todo el ruido y a concentrarse en lo que realmente importa.

-Ana Vargas

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WHO BUILT THE MOON? NOEL GALLAGHER UNIVERSAL MUSIC MÉXICO

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Un año después de la separación de Oasis, el 28 de agosto de 2009, Noel decidió regresar a los escenarios en compañía de The Courteeners y Plan B, interpretando un set acústico que lo hizo dueño del tiempo y el espacio, enseñándole la lección de empezar de cero.

La vida tenía preparado un plan para el fanático del Manchester, tenía que volar alto y lejos del nido para así crear su proyecto solista, Noel Gallagher’s High Flying Birds, y lanzar su álbum debut el 17 de octubre de 2011, del

cual se desprenden hermosas piezas como ‘If I Had A Gun’, ‘The Death Of You And Me’ y ‘AKA... Broken Arrow’. Su su segundo álbum de estudio, Chasing Yesterday, salió en 2015, y representó su regreso a los estudios Abbey Road después de 18 años, marcando una clara evolución tanto personal como profesional con piezas como ‘The Girl With X-Ray Eyes’, ‘Lock All The Doors’, ‘The Dying Of The Light’ y ‘While The Song Remains the Same’.

Built The Moon?, creado en una atmósfera totalmente diferente, un proyecto ambicioso y repleto de tintes sicodélicos, con la fantástica apertura en ‘Fort Knox’ (correspondiente al video promocional del disco), llena de exóticos sintetizadores, hasta caer en manos de ‘Holy Mountain’, con un rasgueo en la guitarra y la melancolía del amor perdido, acompañado de un coro de esperanza.

Dos años después lanza su tercer LP a cargo del productor David Holmes, Who

A sus 50 años, Noel Gallagher demuestra que sabe hacer música y que buscaba un reto en esta nueva etapa: «La vida es buena a los 50, y mi instinto me dijo que hiciera algo más, aunque no tenía idea de qué era lo que estaba haciendo» mencionó el músico mientras estaba en conferencia de prensa mientras presentaba su nuevo álbum.

High Flying Birds tiene la suficiente libertad creativa gracias a que Noel está determinado a seguir sus instintos en lugar de una vieja fórmula, llevándonos a otros momentos del disco en los que se cuenta la belleza de ‘It’s A Beautiful World’.

Con una influencia totalmente marcada por los riffs de Johnny Marr que acompañan ‘If Love Is The Law’ así como de Paul Weller en ‘She Taught Me How to Fly’, Noel nos desgarra el alma con un proyecto totalmente vanguardista, haciéndonos viajar por su cosmic pop en Who Built The Moon?.

-María José Thielve WM FA L L / W I N T E R

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SOFÍA SISNIEGA COMPULS I Ó N I R R E S IST IB L E

Por Lucero Hernández

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La industria del entretenimiento audiovisual en México vive un momento muy interesante. Por un lado, el cine ha ganado credibilidad de la mano de realizadores jóvenes y consagrados, cuyo trabajo ha logrado lo que al menos hace 15 años parecía imposible: regresar a la audiencia nacional a las salas de cine. El tema de las series también es de llamar la atención, en un mercado saturado de grandes producciones anglo el público hace espacio para disfrutar del formato en su versión mexicana sin importar el género, drama, comedia o narco.

Parte del éxito de este reencuentro entre industria y público radica en la calidad del trabajo de la gente detrás de cada uno de los proyectos, y en ese rubro podemos hablar de una generación de nuevos profesionales que dejan el alma en cada una de sus intervenciones. Una digna representante es Sofía Sisniega, cuyo apasionado trabajo frente a las cámaras la ha llevado a sumar a su trayectoria participaciones en la serie Aquí En La Tierra, bajo la dirección de Gael García, Club De Cuervos, La Casa De Las Flores con el director Manolo Caro y Gossip Girl: Acapulco.

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Actualmente la originaria de Cuernavaca, Morelos, se encuentra filmando Compulsión, cinta que cuenta con la dirección de Batán Silva. En este thriller —su primer protagónico en cine— da vida Helen, una científica extranjera que se convertirá en la principal sospechosa tras el asesinato de su amante y en el objeto del deseo del detective encargado del caso. Aprovechamos una pausa durante el rodaje para platicar con Sofía, conocer un poco más del momento que vive como actriz y su perspectiva de la industria del cine nacional.

- Últimamente has trabajado en thrillers como Aquí En La Tierra y Compulsión. ¿Cómo encaras este género?

«El drama es un género que en general me encanta, y acompañado con el thriller tiende a gustarme más porque se apega mucho a la vida real, aumenta la

tensión en el espectador y hace que éste se interese en la historia, manteniéndolo al borde de la pantalla. Además, los personajes de thrillers de suspenso o terror siempre están en situaciones de peligro de muerte; por ejemplo, en un thriller sicológico los personajes siempre se ven envueltos en problemas que deben resolver y las consecuencias son, por lo regular, bastante graves, lo que provoca que la tensión aumente en la historia.

Eso me encanta.»

- ¿Qué géneros prefieres, la comedia o temáticas más serias?

«Prefiero el drama, porque el problema de los thrillers es que rara vez están bien escritos y es muy difícil hacer uno. En el drama me gusta mucho retratar historias y personajes con los que nos identificamos, en especial personajes históricos, por el

realismo. Para mí como actriz es importante que la gente pueda sentirse identificada.

En el caso del thriller me gusta mucho el sicológico, por la combinación entre drama y thriller que me parece perfecta. Lo que no me gusta es el terror; aunque me divierte hacerlo no es un género que me encante.»

- Ya que mencionamos la comedia, ¿cómo fue trabajar con Manolo Caro en La Casa de las Flores?

«Trabajar con Manolo fue padrísimo, nos divertimos muchísimo, es un director completamente adorable, inteligente, carismático, además de tener muchísima paciencia. En el set es increíble, porque es tranquilo y sabe perfectamente lo que quiere. Estoy muy contenta de haber trabajado con él y de que me haya invitado a la serie, que también es divertidísima. Es una delicia trabajar con Manolo.»

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hecho de que nuestra realidad es dura, el país está atravesando por momentos muy duros y la gente no lo quiere verlo en una pantalla, pero si nosotros no lo hacemos no habrá aprendizaje. Es por eso que para mí como actriz es importante el drama, porque es la manera en la que podemos cambiar al espectador, hacer un cambio en la sociedad… es nuestro granito de arena.

«México produce grandes películas que viajan por el mundo, van a festivales y ganan premios pero es importante que aquí, en el país, nos demos la oportunidad de verlas, porque es una manera de transformar nuestra realidad también.»

- Ahora estás haciendo cosas en México pero, ¿tienes algún proyecto fuera del país?

«En este momento no. Justamente decidí tratar de cerrar todo lo que tengo porque hay varias series en las que estoy que están abiertas y que tendrán más temporadas. Quisiera enfocarme más en hacer teatro, además de hacer un espacio para trabajar más en el extranjero porque me encanta viajar, conocer diferentes culturas, vivir como viven ellos, volverme local en diferentes ciudades. Algo que me gusta de filmar fuera del país es el intercambio cultural y creativo. Tuve la oportunidad de filmar en Costa Rica, Bulgaria, Nueva York y Montreal, y aunque en esta última ciudad mi personaje no juega un rol decidí acompañarlos porque me encanta ver cómo un crew mexicano filma en otro país, aunque la manera de traba-

jar es la misma, la verdad, es un método completamente aprendido.»

- ¿Ahora que hablamos de México, cuál es tu perspectiva de la industria del cine nacional?

«El cine mexicano siempre ha tenido grandes películas y se siguen haciendo, pero creo que sufrimos mucho porque las ventanas para mostrarlas están tomadas por filmes grandes y extranjeros, reduciendo la oportunidad de exhibir nuestro cine como debería. Por otro lado también es necesario que los espectadores acudan más al cine. Como sabemos, en la comedia nos está yendo muy bien pero deberíamos dar oportunidad al cine dramático, que tenemos mucho. En la industria nos preguntamos por qué la gente no va a ver dramas y creemos que tiene que ver con el

- Cuéntanos, ¿qué proyectos tienes para el próximo año?

«Hay proyectos de teatro, dar continuidad a las dos obras que empecé este año, Noche de Reyes, de Shakespeare, y Don Juan, de José Zorrilla. Tenemos el plan de retomar por lo menos una o tal vez las dos; ojalá suceda. También estreno Compulsión, de Batán Silva, y Aquí en la Tierra, de Gael García. Finalmente, como saben están las series, una de ellas es La Casa de las Flores, de Manolo Caro, y Club de Cuervos, de Gary Alazraki, que ha tenido una gran aceptación.»

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POOLING LA M OVI LI DA D E N M É X ICO

Por Anahí Méndez Otero

Imagínate: una red de transporte disponible las 24 horas del día, desde una aplicación fácil de usar, más segura que un taxi, con cobro directo a tu tarjeta y que, además, para reducir costos puedas compartir con otros usuarios. Sí, estoy hablando de las aplicaciones de transporte privado, de cómo dejamos de parar taxis y empezamos a pedir, mandar y, sobre todo, a gastar nuestras quincenas en dicho servicio.

Desde que llegó a nuestras vidas ha sido la aplicación más comentada, la más escandalosa, la más odiada y la más amada pero, ¿por qué? Porque no estábamos preparados para su llegada, o mejor dicho, los que estábamos preparados, además, de necesitarlos éramos los usuarios. El sistema no estaba listo para una herramienta tecnológica con tantas implicaciones en la vida diaria de nuestra sociedad, los taxistas definitivamente no estaban listos y tampoco nuestra legislación… mucho menos nuestros legisladores.

Así que en el limbo negro de las cosas que aún no están reguladas pero ya funcionan en México vivían las apps de transporte privado, sin que ello fuera cosa menor ya que nuestro país representa su tercer mercado más importante a nivel mundial, sólo detrás de Estados Unidos y Brasil.

De esta forma, la sociedad exigió que se regulara el funcionamiento de las plataformas tecnológicas que ofrecen servicios de transporte. Entonces todos empezaron a opinar; en redes sociales se leían comentarios eufóricos de personas que defendían la aplicación a capa y espada, los gremios de taxistas cerraron calles a modo de protesta y se leían noticias de ataques a choferes del servicio.

Por ello y probablemente porque los servicios de transporte privados vía app también representan una fuente importante en la recaudación de impuestos,

por todo el país se empezaron a cabildear las nuevas y lujosas leyes de movilidad y transporte, y así empezaron los primeros juicios de amparo que buscaban detener una serie de violaciones a los derechos fundamentales de las personas.

En 2015 por lo menos dos organizaciones de taxistas concesionados en Ciudad de México buscaron un amparo a la regulación del gobierno de la ciudad ya que, desde su punto de vista, no ofrecía competencia legítima para todas las partes. Casos como el de Yucatán, donde a principio de año la Suprema Corte dio a conocer un acuerdo en el que se ordenaba el aplazamiento de las sentencias de amparo en contra de la modificación a

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la Ley de Transporte de dicha entidad, ya que los promoventes aseguraban que la ley violaba el derecho de los operadores a la libertad laboral y que las reformas planteadas obedecían plenamente a los monopolios de transporte público de pasajeros, situación que a nadie le ocasiona extrañeza.

Uber ha generado escándalo en cada uno de los estados en los que ha entrado. El caso más reciente y quizá uno de los más sonados es el de Jalisco, donde tras la reforma a la Ley de Movilidad y Transporte la plataforma debió haber obtenido el registro como Empresa de Redes de Transporte y, sin embargo, decidió iniciar un juicio de amparo ya que, entre otras cosas, tendría que entregar a la autoridad el

1.5 por ciento de sus ingresos. Entonces, más allá de seguir glorificando a la aplicación muchos usuarios comenzaron a cuestionar si era la octava maravilla que se creía o si realmente es una empresa extranjera que saca beneficios que no se reflejan en la economía mexicana, ni de forma directa (con la generación de empleos bien pagados) ni de forma indirecta (con transporte de bajo costo); incluso, nos hemos empezado a cuestionar si es realmente el transporte cien por ciento seguro que parecía ser.

Ante esta perspectiva, Uber y otras pltaformas de transporte privado vieron en riesgo su operación en el tercer estado más importante del país, generando una expecta-

tiva que hasta el momento ha terminado en la suspensión definitiva de algunas disposiciones de la ley de movilidad, bajo la cual ni los socios operadores ni los usuarios estarán sujetos a sanciones.

En definitiva, la tecnología está avanzando mucho más rápido que nuestros legisladores y a nuestro país aún le falta un largo camino por recorrer (no sólo en cuanto a regulaciones de movilidad y transporte).

Por lo pronto, lejos de que las aplicaciones de transporte privado sean la mejor solución para los problemas de transporte que enfrenta nuestro país, pareciera que es la única solución para los usuarios que sólo queremos un medio eficiente y seguro.

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BUSSI L A P R IM E R A P L ATAFOR MA DE VANPOOL E N LATAM. AY U DA NDO A M É X I CO A R E SPI R AR ME J OR

En la actualidad, el tema de la movilidad urbana cobra más importancia en la calidad de vida de los habitantes de Ciudad México. Distintas aplicaciones han surgido con el fin de disminuir la problemática que dicha situación representa, aprovechando las bondades tecnológicas e intentando mejorar la calidad del aire en la ciudad.

BUSSI, un sistema pooling en van para usuarios privados y corporativos, llega al mercado y con él una nueva opción en cuanto a transporte se refiere. Por cada van de BUSSI se reduce un 90 por ciento de emisión de CO2 ton/eq respecto al auto privado, además de representar un ahorro de hasta 38 por ciento. Con este servicio se retiran al menos 10 autos por camioneta y cada unidad impacta a 18 personas directamente y a seis indirectamente. Con puntos seguros de bajada y subida fijas, BUSSI cuenta con seguro de viajero y los choferes son contratados bajo un estricto proceso de selección.

UNI DADE S DI SPONI B LE S - Sprinter- Mercedes Benz Manager - Peugeot Urvan - Nissan Transit - Ford - Hiace - Toyota Debido a los cambios de legislación en transporte y movilidad mencionados en el artículo anterior, BUSSI opera como servicio privado para corporativos como Grupo Lala y Citibanamex. Además, cuenta con formas de pago flexibles dependiendo de las necesidades del corporativo y en 2018 iniciará operaciones públicas. Conoce sus rutas ingresando a la aplicación.

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ENGLISH FEATURES NINE INCH NAILS 246

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BECK

ENCORE

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NINE INCH NAILS THE FIELD ON FIRE

By Diovanny Garfias Translation: Raúl Arce

To think of Nine Inch Nails is to refer, automatically, to Trent Reznor, the man who created the concept, the name, the sound, the image and everything that involves the project, because this is in itself a personal reflection of the psyche from the man that was born in Mercer, Pennsylvania.

NIN simply could not exist without the sound expertise of Reznor and vice versa; the musician would hardly have reached 52 years of age if he hadn’t exorcised his demons through the synthesizers and the rabid guitars that give life to his offspring.

Although over almost 30 years Nine Inch Nails has seen several collaborators and members who, in one way or another, influenced its sound, either in the studio or on stage. However, things officially changed from last year. The release of the EP Not The Actual Events (2016) meant the official addition of Atticus Ross to the project, something that may seem obvious considering the creative background of both artists but it has a more interesting background.

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of The Social Network (2010) would become the team of director David Fincher to work on their films, experimenting in the same category with documentaries Before The Flood” ( 2016) and The Vietnam War (2017) and even soundtracking the arrival of the spacecraft Juno to the orbit of Jupiter.

If we add the creation of How To Destroy Angels, it’s easy to understand Reznor’s decision; The formal addition of Ross to the team not only marks an evolution and distancing from what the project was for more than two decades, it means the finding of a sonic plenitude and the definitive step towards the “next level”, where the band can produce sound of a fiction, of a documentary or of a historical event like retaking its more provocative personality and generating electronic complaints with their respective doses of rock.

Ross and Reznor met when the second signed 12 Rounds (a band whose members were Atticus, his brother Leopold and Claudia Sarne) under his now extinct label Nothing Records, to release the album My Big Hero (1998). Some time later, Trent would become the producer of his next LP, which has not seen the light to date (except for a couple of tracks) but that placed both musicians behind the console in the same time and space.

The result of this new configuration has given us two EPs so far (of the three promised). The first is the aforementioned Not The Actual Events, described as “a hostile album” and “impenetrable” that reflects everything learned in their cinematic journey and throws five themes plagued by darkness, melancholy and anger, only comparable with Broken (1992) because its boldness and viscerality. The second, Add Violence (2017), is a sample of the creative genius of both songwriters working to their limits, with a more electronic soul, advanced engineering and a sound where contributions of both are already discernible.

Just like that, Ross would become a key player in Reznor’s teams when it comes to recording new music of NIN, first as a programmer and engineer in With Teeth (2005), Year Zero (2007) and The Slip (2008), with a creative role in Ghosts I-IV (2008) and Hesitation Marks (2013), and finally, as the other half in one of the most relevant songwriting duos in the Hollywood industry. The winning duo of the Academy Award and the Golden Globe for the score

This way, Trent Reznor and Atticus Ross raise their hands to remind us that NIN is more alive than ever and that in a world where you can still admire the sonic tinsel, there are still some reluctant ready to go against the tide in the best way, with merciless post industrial, elegant, implacable and practically perfect. Taking advantage of the tour of NIN across the United States, we talked to both of the musicians to verify the legendary moment they live.

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The first question is the most obvious (or at least it is for me): Trent, how did you convince Atticus to join the band full time (in the studio and live)?

Trent Reznor: «I tricked him ... No, we worked together on Nine Inch Nails from the 2000’s, he’s been the other half, that’s how we started composing for movies and working on several things so I thought it would be a success have him on stage, playing with the band. He knew it was very important that he had the recognition he deserves, he is the other half of Nine Inch Nails. I asked him, I told him that artistically we could have the whole project on stage and the fans would enjoy it. We started playing, first one show, then the second and third and, until now, it has worked quite well.”

Atticus, what was your experience?

Atticus Ross: «I was very nervous, that’s the first thing I remember and it’s part of the trap, but then it was incredibly flattering; I mean, we’ve been a whole life together, I feel at double, there is no other possible band which I could be on stage with; without the high level of emotion I wouldn’t be able to achieve it, although I think my insecurity and nervousness are improving, slowly.»

Speaking of music, when they started writing Not The Actual Events, did they consider that the project would become a trilogy of EPs instead of an album?

TR: «Before we started working on the album we talked about many things and we agreed that it would be worth splitting the next album into three small parts. The first thing we thought was that it’d be interesting; Part of the decision was that people would approach music, we thought about the way in which albums are consumed today and we concluded that it would be easier to listen to a piece of 25 minutes than a full hour record. We wanted to make it more accessible and “sexy”.

«We chose to focus on very general things that didn’t need a lot of time, without stress, because one of the intentions was that Not The Actual Events is a punch in the face, which made the process go faster, we didn’t have to hide at the studio for a year or 18 months without releasing anything, turning everything into something more episodic.

This allowed us to work in Add Violence in the direction it went and we are currently working on the third EP. » Trent, how did you manage to write such a visceral, furious and obscure material as Not The Actual Events without being stuck in addictions or depression problems?

TR: «We started writing it and we didn’t know what it was for a year, more or less.

We learned that sometimes unexpected things can be inspiring. I think we had the

idea of going down that road and ended up with 70 demos. In the end we ruled out almost all of them in this exploration of styles and production, everything came to my head in small parts so I took the guitar and looked for something different from what I did in the era of Hesitation Marks, where we were more interested in developing it with electronic music.

«This EP, for some reason, was dragged by a more aggressive approach and we did many things that we did not allow ourselves before, so we managed to return to those places. Many people relate it to Broken and I can understand it, it has that vibe ... Broken inspired us.»

Finally, in Mexico there was an earthquake a few weeks ago and despite the terrible political situation people found in the event

the reason to generate a supportive and collaborative environment. How does it feel to be an American given the current political situation, with Donald Trump in charge of the country?

TR: «I can start by saying that it is a fucking shame that as US citizens we have chosen a complete asshole. We may be the most demoralized country in the world. I know that many Americans are disgusted by this situation.

«I can not wait for the moment when he is no longer president. Additionally, I want to say that for the first time in my life I feel a country with an existential crisis that is asking, now what? Is it just a shame or we start a war? I think it’s dangerous, it’s just the terrible reflection of a country that devotes itself to consuming social network and shitty products.»

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FOO FIGHTERS GOLDEN ROOTS

By Carlos Guetta Translation: Raúl Arce

Just a handful of musicians can claim being part of a legendary band, those that marked the sound pattern of what it is and what is yet to come, to live its fateful end (on the peak of their career) and then, in the phoenix style, resurface to trace their own way, get on top and forge a legend.

One of those few cases is Dave Grohl, the native of Warren, Ohio, who held the throne for Nirvana’s drum set during the years when they became the most influential band of an entire generation, then he started his own adventure with Foo Fighters and became a legendary actwhose end is looking far away.

In 2015, during the promotion of Sonic Highways (2014), when Foo Fighters played in Sweden, Grohl fell off the stage and ended up with a broken leg. After can-

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celing some concerts and perform some more in a kind of king’s throne, the musician came back with new musical endeavors and new creative intentions; that accident would result in a new Foo Fighters album titled Concrete And Gold, an album that gives continuity to the sound of the band and in whose lyrics we find a musician aware of what Surrounds him, with the metaphorical ability that reality requires to be sold or digested.

Song after song, the singer and songwriter is shown in all its facets, like the family guy, who is also and a citizen of the world who chooses hope repeatedly without ever exhausting that possibility. Thanks to this album we had a conversation with the former Nirvana drummer at the 606 Studios in Northridge, California.

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no filter. The lyric says: “I have an engine made of gold / Something so beautiful / The world will never know / Our roots are stronger than you know / Up through the concrete we will grow ... “ «I love the idea of an image with something natural, like a tree, that breaks something artificial like the concrete in a street or on a sidewalk to grow, because in the end the purpose of life is to grow and expand. With everything that happens in the world, in this country, it can be depressing and even suffocating if you forget to see the whole context and you got stuck in one part.

It is easy to focus on the negative side of things but I always have hope. I think of this part where the tree beats the concrete and it’s beautiful, so I started write more songs and I realized that that letter is a beautiful message from hope to close the album. This is how ‘Concrete’ began to represent the sound of the record and then Greg Kurstin, our producer, gave that “golden glow” to the result.”»

- Why is the album tittled Concrete And Gold?

«Well, that’s the title of the last song we recorded although it was the first lyric that I wrote for the album. We wrote a lot of music, you know, but initially we had no lyrics. I have three children at home and it was total chaos all the time, my day to day was crazy and also I never had enough time for it, so I told my wife, “I’m going to rent a country house for a week because I need to write.”

«I took my guitar, a microphone, a box of wine and I went to this place, I put together a small recording studio in the room and I started to sing, without pencil or paper, only with some ideas, and that was the first track that came out. It was already late, I had taken a lot of wine and I only sang, I wasn’t really thinking, there was

- This record was conceived during the resting period you took due to your leg injury.

How did you keep on going?

«My leg is much better, in fact it was already good when I started working on it (the album). At the end of the tour, after the accident, I was physically and emotionally exhausted, especially because during the three hours that the show lasted I had a great time but the other 21 hours I was frustrated me for not being able to do what I wanted, then I told the members of the band and the team, “I have to go home to make sure that this leg improves.

I’m going to rest for a year, nothing about Foo Fighters, not music, I don’t even want to see the guitar. “ «Later I realized that music helps me, it heals me, it’s what makes me feel alive.

Six months went by and I was going crazy, I let my beard grow, all the day I was in pa-

jamas and I didn’t leave the house. I said to myself, “I have to do some songs “, so I made some demos and when I had 12 songs I sent them to the band, It was when I said, “forget about being out of music for a year,” and we went to work in secret, nobody knew what we were doing. » - Returning a little to our reality and seeing what is happening now, your song ‘Dirty Water’ makes some reference to what happened in Flint, Michigan, with the problem ofcontaminated water?

“It’s funny, because living in Los Angeles, which is a big city, there are moments when I feel trapped in this feeling of emotional contamination, when you think you’re drinking water and breathing contaminated air, and the effects on your body and mind, always anticipating something. People always expect the worst and that’s sad, spending the time waiting for disaster when we should focus on looking for nice things, in looking for the good.

«That song has two parts: the first is love and the other is those last minutes that anticipate the disaster. I want people to keep hope but, on the other hand, I’m realistic, I have children who will live after I leave this world, so I want to leave a message, raise awareness.“» - Dave, throughout your discography, you use the word hero a lot. Who is it?, Who is the greatest hero for you?

«My mother, without a doubt. She is intelligent, beautiful, considerate, kind, an inspiration, We are very close, she turned 80 recently and she’s just written her first book. She was teacher of a public school and when I was a child, we didn’t have money, but we were happy because she understood the essence of life and love.

When you have that kind of example at home you grow up with respect and generosity towards others.“»

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MARIKA VERA FEARLESS

By Samantha Archibald

Marika Vera, an admirable Mexican woman, who has dedicated her life to understanding women, creating clothes that make us feel empowered. During this interviw I seemed to perceive the mentality of many strong and independent women. She has followed her dream of being a lingerie designer who has grown exponentially to be a signature label that we can recognize at a glance. The effect of containment of their bodysuits makes us feel powerful and the daywear becomes a timeless must of each woman’s closet.

In January 2018, Marika Vera will be presented at the Interfilière Lingerie Paris (International Lingerie Fair). This is one, many great steps that you are about to take. While she tells us about her new collection conceptualized as Fearless, it is inevitable to address the current social environment of female empowerment and the meaning of being feminine.

How do you describe the modern woman?

An independent woman, faithful to her ideals, guided by her instincts. Looking for what’s best for herself.

What does sexy means to you?

Sexy has more to do with an attitude; it talks about the security in the relation that one has with their own body. I like to talk more about sensuality than sexiness, because to me sensuality is not necessarily what you see directly, it can be veiled or hidden, I think it’s between what you see and what you don’t see where you can find the real sensuality.

I have matured from my vision as a woman and I think that has been seen transforming my design. I love the woman’s body, that’s why I look for making shapes and silhouettes that really adapt to each body.

The line of design is a classic, timeless design; the idea is that the garments remain active, season after season.

Challenges There’s a lot of work behind each garment. To make a sample, we have to put together 5 to 6 garments, time has given us a lot of experience, sometimes in a woman’s body 1 centimeter can make the difference in making something overflow or containing it.

When a woman wears a garment made by us, she feels contained and automatically more sensual and confident with herself.

Growth of Marika It has been very interesting to watch the brand grown in a super organic way, the product has had such success, that the clients are the brands ambassadors and it has had an effect of mouth-tomouth communication.

We just opened in Polanco, the store is located in Julio Verne #96 between la botoneria and a locksmith, is our first flagship where you can find the entire collection, even though we only have 30% of our designs available in store and the rest in a digital catalog for you to have them custom made.

How has been the brand’s evolution?

In 2010, we initiated the lingerie brad 100% silk, with selling points around the world including Australia, England and The United States. I started as a hobby, I always had a big interest for the playful sense of lingerie, is something with a lot of space to explore design wise.

In January 2018, we presented our lingerie for the first time in Paris in the International Fair of Lingerie: Interfilière Lingerie.

We will meet with the producers of the best materials made in France and Italy dedicated specifically to lingerie next to exhibitors of specialized brands in design of contemporary, modern, minimalist lingerie.

In 2014, we had to make a pause and then I launched the brand that is today Marika Vera, 4 years giving lingerie and bodysuits for the modern woman.

How do you perceive the concept of feminine empowerment in relation to gender equality without sacrificing feminine essence?

It’s important to not lose that authenticity and at the same time, protect yourself since we sadly live in a culture where we have to take care of each other, but always looking for those opportunities to make us feel more as woman’s using a dress, lase, a brassiere and not leaving them only for special occasions, I think is important to find a balance inside this lifestyle of contemporaneity, without forgetting and hiding out sensuality.

What distinguishes Marika Vera?

Clothing that have the feeling of everydayness, but at the same time, has a lot of sensuality, a garment that you can use since you wake up, go to work, going for a glass of wine; you feel sexy and confident being very feminine, with a very sophisticated line of design.

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BASSIANI

THE MOST UNDERGROUND TECHNO FROM THE PLANET

By Juan Carlos Canales Translation: Raúl Arce

I would’ve never imagined that one of the most famous and respected techno clubs in the world was in Tbilisi, the capital of Georgia, an ultra-conservative former Soviet republic inhabited by 3.7 million people, 35% of whom live, exactly, in Tbilisi. This country is mainly orthodox Christian (90% of its inhabitants) and its capital has lived under the sway of Russia since the fall of the USSR; in fact, nowadays part of Abkhazia and South Ossetia is occupied by the Russian army. On the political side, they want to get closer to the United States, which was evident when my visit coincided with a secretary of American state and see the entire downtown with American flags; quite a bizarre environment.

Knowing more about Bassiani, that famous club, led me to contact Naja, Tato and Zviad, its founders, something complicated because their work focuses on the social field rather than their role as entrepreneurs. They are part of the White Noise movement, which fights for human rights and Georgian legislation on drug consumption in a country where there is no difference between consumption and sale, there are no categories between them and there is no minimum consumption; it doesn’t matter if you have a couple of grams of hashish or half a kilo of heroin, both of which cause high prison sentences. Before all this, White Noise achieved the first authentic manifestation, withm 10 thousand people, in a place where there is no right to demonstrate in public.

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I went to Tbilisi on the closing night of the season (the place closes during the summer). There, Tato and Zviad invited me to have lunch at Khasheria, a typical food place whose spicy flavor is highly valued on the other side of the world. On that occasion we were also joined by Dave Summer, a.k.a. Function, a DJ invited to the event. These men are around 30 years old, they are prepared people, with master’s degrees in European universities and clear ideas; their goal is to bring Georgia closer to Europe, respect for human rights and the freedom of people to decide about themselves. For them, Bassiani is a means to attract international reflectors to witness what is happening in their country.

Getting together to listen to music and dance has a social meaning that wasn’t there in electronic music from Detroit, in the 80s, when it was economically devastated and with the highest rates of homicide, the black community mixed funk, African rhythms and synthesizers and they called it techno, inspired by the book Future Shock, by Alvin Toffler, Juan Atkins, Derrick May and Kevin Saunderson among its pioneers.

It’s fascinating to see how music is achieving cohesion in Georgian youth for a cultural change that overcomes the ghosts of communism and persecution.

Bassiani is in the basement of the Dinamo stadium, where the national team plays, what in Soviet times were pools; the dance floor is the main pool and the DJ plays in the children’s pool. It was in 2014, when searching for a venue, that Dinamo managers who attended their parties invited them to move in. This place is cataloged as the new Berghain, where DJ’s and record companies want to have a night and people from all over the world travel to live the experience.

This was a closing night and the line to get in was quite large. When I reached the door I could see their strict access

controls, because they have had problems with extreme right groups that have tried to attack their public. It’s policy is not to let anyone in who can alter the order or who bothers any assistant, which caused a lot of discussion at the door. Each visitor is intensely searched and each identification is recorded.

Once inside, you go down a tunnel and you know that you are in another dimension. The first thing you see are dark passages and, in that moment, you start to feel the basses. Within Bassiani there is a second hall called Horoom, a white room whose only decoration is a pair of crucifixes. The void sound is perfect for the musical direction offered. This place is famous for its openness and because people from the LGBT community are not judged. I thought it would be an intense place in terms of sex, as in several sections of clubs in Germany; It was the opposite, with a very relaxed atmosphere in which HVL played live a set house with a lot of attitude. The place was full, and the most I saw was a couple of women kissing and couples of men hugging each other. In a macho country, it is a great advance to have places where diversity is respected.

Bassiani is sounding perfectly with several Funktion One towers. There isn’t an area where you can’t hear the music, which I thought was excellent. You come here without pretentiousness, without VIP. There is no happier and more authentic place than a dance floor where we are all equal, I have been among the most respected clubs in the world and I have never seen people dance with such passion and debauchery, with their style and rhythm, a perfect work of art . That night, all the residents played, I didn’t know what to expect but I found a pleasant surprise: any of them could play in any European capital of techno. The ones I liked the most were HVL, Merucurrio and Zitto, with a fresh and different sound.

Function closed with a musical masterclass. I knew that he was going to break it after the meal a few hours before, when we went up to a viewpoint to watch the sunset; a beautiful summer postcard of the city. Function was several months without going on tour for health reasons but he recovered and now he had the great honor of closing the season in Bassiani. He played for four hours, with a set that had very powerful bass and a lot of speed, full of songs from his brilliant new EP Recompiled I / II, under the German label Osgut Ton. It also included classics like ‘Subzero’, by Ben Klock, and a remix of ‘Strings of Life’, by Derrick May. The highlight of the night came with a very techno remix of ‘O Fortuna’ (Carmina Burana), a war cry that made people crazy and showed why it is one of the most beloved residents of Berghain and one of the heavyweights of American techno.

While I was dancing, I didn’t miss any detail of the place and I wondered what Stalin (a Georgian born in the city of Gori) would say if he saw young people protesting against the lack of opportunities and marginalization in the swimming pools where he kept the people oppressed, without spaces to express themselves.

Something that makes Bassiani’s experience unique is that there is no consumption of recreational drugs, the most I saw were small groups that smoked hash in bottles of water with the intention of not wasting it, since the monetary cost and the risk for possession is very high. The consumption of alcohol, on the other hand, is low, and people take chacha, the Georgian vodka.

Bassini closed at 1:00 pm and the party continued at the Horoom where the residents made a B2B house with a lot of groove.

The party ended two hours later with the same intensity it had when it started. What makes Bassiani unique is that it exists in a concept that is far from its reality.

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BECK

THE HONORARY MEXICAN

By Raúl Arce

Beck sounds like LA, as simple and complex at the same time; it represents the “bohemian luxury” life of a million dollar loft in Westside and also the authenticity of a Latin Quarter like Maywood, however, constant visits to his grandparents in Kansas, a turbulent season in New York and having been a street musician also shaped its artistic character.

It is difficult / almost impossible to put this musician in the basket of one genre.

We have known so many faces of him that

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it is very complicated to say if he makes folk, americana, hip hop, rock and roll, R & B or pop. the reality is that he does everything and plays everything.

Beyond having spent much of his childhood and teen years surrounded by Mexican and Salvadoran culture, Beck seems to enjoy the Latin influence. It is said that in one of the massive tours where the Monterrey based band Bronco visited the United States, in the 90s, Beck was in the audience at one of the stops they made in Los An-

geles. That presentation by the band commanded by Lupe Esparza had a profound impact on the Angeleno, to the point that he has mentioned them in some interviews as a reference. Perhaps, in some strange way, we can see a bit of Bronco and Mexican folklore in albums like Güero (2005), as well as in many of the stages of the musician throughout his 13 studio albums and over 30 years on the stage.

Despite feeling him so close, it was until the 2014 edition of the Corona Capital Festival

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that Güero did a gig in our country. The previous appointment was frustrated by the bad weather. Everything happened at the end of 2002 - November, to be more precise -, the tickets for the Aca World Sound Fest were the “hottest tickets in town”. It was a festival of electronic music that would have the port (acapulco) as a stage, whose talent was more a strange mixture of artists who lived a peak on their career, than the result of an eclectic curatorship work.

Everything seems to indicate that Beck will return soon to our country, this time, with an album (Colors, 2017) that seeks to approach the pop that currently tops the charts, but with a highly elaborated and complex production approach, once again , along with his console accomplice Greg Kurstin. However, the release and promotion of the album coincided with the earthquake of September 19, so the conversation started with Beck asking: «Hey, are you OK? How are things down there? Oh gosh, I live in Los Angeles and we have lots of earthquakes here, so I understand. I know it can be terrifying. How big was the quake?.»

It was around 7 grades.

«That’s horrendous, that’s terrible. I feel guilty taking about my record in the latest where there is kind of tragedy, that’s the difficulty in the world we live in.»

I think that in difficult situations like this, music plays such an important role. In your opinion, what’s the role of music and art in the times we live in?

«I’m very grateful to talking to you. I feel like this record… the feeling I wanted it to have: the things in life, that make you feel alive, and feel like there is a purpose, those are the colours; whether the colors of the day, the colors of the session… you know?

Music has colours. There are a lot of things in life that have colors. Those things really remind us that we’re alive.

Why did you decide to take that musical direction for this album? Considering that Morning Phase is very different «I started this record before the last one came out. The last record was something that I’ve been recording years before and

that I had abandoned, at the time I didn’t feel like it was the right thing to put out.

So, in that time, the record that I really wanted to make was this one. This is kind of where I was feeling about things and I wanted to make music that gives this feeling, you know?.

«Something positive, something that has ties to it and I ended going back to the other record, just to finish it because I needed to put something out. I knew colors was going to take a while longer. I was surprised that when Morning Phase came out, specially in America, it did pretty well and we ended up touring a lot. There were all these opportunities, so I got very busy and distracted, so this record took a lot longer.

«So, it’s coming out now and it’s sort of strange time in the world but, the seed of it was from five years ago, when I started it.»

It’s been 3 years since Morning Phase, how did you know it was the right time to release a new album?

«Yes, and I was frustrated, because I really wanted this record… for certain records, where been working on them, so they got it to the point where they’re so realized and so defined, there’s such an evolution on every song. The thing about these record was how much work on it, and the level of craft.

«I’ve always wanted to do a record like that, I just didn’t been able to hold back and look how far could we go in making sounds the right way, and have the right feeling or the performative level and all that, you know?

A record like Pet Sounds, Thriller, Sgt. Pepper I wanted to take that approach and it takes so much time and effort.

«The record probably could’ve come out about a year and a half ago, but it kept seem like there was more that we could do with the sound and, you know? Do a lot of experimenting and trying different things and mixing things, working in different ways.

«I just felt like, I just wanted for once to take time and get it right. Ultimately the truth is that you never get it perfect cause there’s no such thing and anybody who does, get something perfect, and is just that stars aligned or something, and they just got incredibly lucky.

It was just something we were striving for, to fresh every idea out and get to the harder where every song was, and just keep digging deeper into the song, see what else is there. I supposed we could not even bother but I just thought “let’s take the right time to do that”.

«There’s lots of records where everyone just have a certain amount of time and have to get out by summer, and you sort of rushed into it to get it out… and I was like “let’s just take this moment and really get it right”, that’s why it took so long... but I hate talking about the process. Ultimately I just want people to hear it, not think about how it was made at all just I just want them to get pleasure of the music. That’s the truth, because art, to make something need effort, it takes a lot of time… takes a lot of struggle.»

Why do you always include Mexican references in your music? Is it just because you live in LA, or maybe you just enjoy Mexican stuff?

«Where you come from just forms your work, it’s part of where I come from. I spend most of my childhood living in areas that were almost completely Mexican and Salvadorean, that’s just where I grew up, it’s the world I been lived in.

«LA I think is still connected there, is like a satellite and there’s whole parts of Los Angeles that feel like a whole culture that lives here… it’s such a part of my daily life… to me it’s a surprise that it doesn’t show off more, really, like a… there’s probably more that I can write about it.

«In some ways when I did the song ‘Güero’, I just thought it as a laugh, but as I was making the song I thought, this idea is the whole album, at first I was a bit of ashamed, but I get faved that song and made a whole record about that song, where that song comes from, you know?

There’s so much more there.»

Thank you very much for your time, I hope things get better by the time you come back here «My heart goes out to everybody there and… It’s such a powerful city, you know? it’s very alive… It’s like a city that stills.

Some cities feel like a volcano went off and then it becomes the earth. That city stills feel like interchanging and going it’s a very alive place.»

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LEE FOSS

Casa Morelos 4th anniversary Monterrey, Nuevo León Pic: Jesús Martínez

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