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“I DON’T KNOW WHERE I’M GOING FROM HERE BUT I PROMISE IT WON’T BE BORING." -DAVID BOWIE ON HIS 50TH BIRTHDAY

Foto: Kevin Mazur / WireImage

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© WARP Marca Registrada ®. Año VIII No.78 Fecha de Publicación Febrero de 2016. Revista Mensual editada y publicada por WARP Magazine S.A. de C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Compañía Impresora El Universal; Allende 176, Colonia Guerrero, Delegación Cuauhtemoc, México DF, CP 06300, Tel: 51 17 01 90 / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 006

THE GIFT OF SOUND AND VISION —

Todos recordaremos el 10 de enero de 2016 como la fecha en la que dejamos de compartir el espacio temporal con David Bowie, un genio sonoro que supo arroparse de diferentes disciplinas artísticas, para así, entregar piezas que fueran más allá de la música, a través de una carrera brillante y llena de matices, fascinante hasta el último momento. Hoy celebramos a David Bowie con un especial para todos aquellos que han disfrutado su trabajo a través de los años y para quienes están dispuestos a empezar este viaje fantástico. Dedicado en su totalidad a su arte, su legado y herencia musical. A su vida, a la manera en la que, a lo largo de 69 años se atrevió a hacer lo que creyó más honesto para consigo mismo, y sobre todo, lo que significó un reto y lo desafió, reinventándose en el proceso en una veintena de ocasiones (o más). Gracias, por enseñarnos que todos podemos ser héroes, aunque sea por un día. Gracias por todo, David.


BRILLIANT ADVENTURE LÍNEA DE LA VIDA — Por Natalia Montes

Hablar de David Bowie tiene tantas vertientes y significados que puede convertirse en algo extenso y, hasta cierto punto, complejo. Este genio de las artes en diferentes campos tuvo una vida llena de sucesos extraordinarios y casi surrealistas, haciendo de cada año de su vida un motivo de celebración y fuente inagotable de memorias. Hoy daremos un recorrido a través de los 69 años que habitó la Tierra, haciendo una parada en sucesos relevantes y recordando por qué fue el más grande artista de todos los tiempos.

1947

Nace en Brixton una nueva estrella, hijo de Margaret Mary Burns y Haywood Stenton Jones.

1948

Continúa su desarrollo, en una entorno feliz y estable.

1949

Podía cantar la canción del abecedario perfectamente.

1950

Tiene una aparición en un video casero.


011 | THE GIFT OF SOUND AND VISION

1957

1958

Entra al coro de la iglesia St. Mary y tanto sus compañeros como el director quedan impactados.

1959

Forma parte de los boy scouts y hace presentaciones musicales para sus amigos.

1960

Estudia arte, trazado y composición, música y diseño.

1951 – 1953

Estudia en la Stockwell Primary School.

1953 - 1955 Estudia en Raglan Infant School.

1956

Sus profesores quedan fascinados con su manera de bailar y sus

1955

interpretaciones artísticas.

1961

Comienza a tocar el saxofón de plástico que le regala su madre y toma clases con Ronnie Ross. Su

el coro de la escuela Burnt Ash,

1957

Se une al equipo de futbol

Frampton), expresa que Bowie trabaja y disfruta

en Bromley, Inglaterra.

de su escuela.

mucho su clase.

Demuestra sus primeras habilidades musicales tocando la flauta y cantando en

maestro de arte, Owen Frampton (padre de Peter


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 012

1962

1972

Su carrera musical empieza. Toca el saxofón en

Se convierte en el más grande ícono del glam

una banda llamada The Kon-rads. Pelea con su

rock con su alter ego andrógino, creando el álbum

amigo George Underwood, éste lo golpea en el ojo

conceptual The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And

izquierdo y le provoca anisocoria, lo que le deja la

The Spiders From Mars, el cual iba acompañado

pupila dilatada de por vida.

de todo un performance con el que logró forjar una de las imágenes estéticas más fuertes y más

1963

En la escuela lo consideran un completo exhibicionista. Consigue su primer trabajo en una agen-

importantes de la cultura popular. Al lado de su guitarrista Mick Ronson produce Transformer, el

1968

cia de publicidad, donde hace sketches y genera

Continúa con su etapa de mimo y estudia a

ideas potenciales para diferentes campañas.

autores como Bertolt Brecht, Aleister Crowley y

1964

Forma la banda Davie Jones with The King Bees y lanza el sencillo debut ‘Liza Jane’, sin ningún

segundo álbum solista de Lou Reed.

1973

Friedrich Nietzsche. Forma una banda con su novia

Estrena Aladdin Sane aún con el personaje de

Hermione Farthingale.

Ziggy Stardust. Su portada –la más reconocida de David Bowie– lo muestra con un rayo pintado en

1969

la cara que representa la dualidad de la mente, pues el concepto fue dedicado a su hermano

éxito comercial. Le hacen su primera entrevista

Filma una película de 28 minutos, Love You Till

televisada y presenta la Society for the Prevention

Tuesday, y lanza su segundo álbum Man Of Words

nia; de hecho, el título del álbum es un juego

of Cruelty to Long-Haired Men (Sociedad para la

/ Man Of Music, en el que incluye su primer

de palabras que realmente decía A Lad Insane

Prevención de la Crueldad hacia los Hombres de

sencillo comercialmente exitoso, ‘Space Oddity’

(Un Chico Loco). En este año también lanza su

Cabello Largo)s. En menos de un mes abandona

(el álbum fue reeditado en 1972 bajo el nombre

séptimo disco, Pin Ups, para el que grabó sólo

The King Bees, se une a The Manish Boys y lanza ‘I

del sencillo). Maneja un club de folk en el pub The

covers de sus canciones favoritas de 1964 a 1967.

Pity The Fool’, aún sin éxito. Se une al trío de blues

Three Tuns que después se convirtió en The Arts

Anuncia su retiro y “mata” al personaje de Ziggy.

The Lower Third.

Lab, haciéndose muy popular.

Terry quien fue diagnosticado con esquizofre-

1965

Cambia de nombre a David Bowie (adoptando el nombre de un cuchillo) para evitar confusiones con el vocalista de The Monkees, banda que en la década de los 60 tenía un éxito desorbitante.

1966

Deja The Lower Third tras una discusión con

1974

su manager acerca de un pago. Forma David Bowie & The Buzz y compone material para su

Se muda a Nueva York y lanza Diamond Dogs,

primer álbum, con canciones como ‘Please Mr.

disco en el que coquetea con el funk y el soul

Gravedigger’ y ‘Silly Boy Blue’. Lanza su primer sencillo bajo el nombre David Bowie: ‘Can’t Help Thinking About Me’.

1967

1970

Bowie toca prácticamente todos los instrumentos.

Musicalmente continúa con la esencia de folk

Ese mismo año participa como saxofonista en el

sicodélico pero se acerca más al rock y lanza

álbum Now We Are Six, de Steeleye Span.

The Man Who Sold The World, con el núcleo de

banda y presenta ‘The Laughing Gnome’ como

la banda que posteriormente se conocería como

primer sencillo solista, para después lanzar

Spiders From Mars.

1975

Bowie logra su primer éxito número uno con

su álbum debut David Bowie sin un éxito real. Frustrado, estudia teatro, mímica y comedia

definido por él mismo como un álbum de protesta.

Se casa con su primera esposa, Angela Barnett.

Se une a The Riot Squad por un tiempo, deja la

del arte con Lindsay Kemp. A partir de ahí co-

mientras habla de una ciudad post-apocalíptica,

1971

el tema ‘Fame’, escrito en conjunto con John Lennon e incluido en el álbum Young Americans,

mienza con la idea de crearse personajes. Ese

Nace su primer hijo, Duncan Zowie Haywood

totalmente enfocado al soul. Empieza la filmación

mismo año hace su debut teatral en el Oxford

Jones. Lanza Hunky Dory, álbum que incluye uno

de The Man Who Fell To Earth bajo la dirección

New Theater, con la obra Pierrot in Turquoise or

de sus más grandes éxitos, ‘Changes’, y la canción

de Nicolas Roeg, con el papel protagónico. La

the Looking Glass Murders.

‘Kooks’, dedicada a su hijo.

película se estrena al año siguiente.


1976

Se muda a Suiza, comienza a pintar, se vuelve coleccionista de arte contemporáneo y toma cursos intensivos de música clásica. Crea un personaje con una estética más formal, camisa blanca, pantalón negro y chaleco: The Thin White Duke. Lanza el álbum Station To Station, del cual no recordaba más de la mitad de las sesiones de grabación por tanta cocaína que consumió, siendo esa la época más fuerte de su adicción. Comienza las grabaciones de la llamada ‘trilogía de Berlín’, en Alemania y Francia, en colaboración con Brian Eno.


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02

03

[ 01 ] 1977 [ 02 ] 1983 [ 03 ] 1986 [ 04 ] 1989 [ 05 ] 1992 [ 06 ] 1996

1977

que colabora el guitarrista Adrian

éxito rotundo. La canción se

Belew. Aparece en la película

incluyó en el disco Hot Space

Tina Turner en la canción del

Se muda a Berlín con el fin de

alemana Just A Gigolo al lado de la

(1982), de Queen.

mismo título del álbum (origi-

1982

nalmente del disco Lust For Life,

desintoxicarse. Su compañero de

actriz Marlene Dietrich –la última

piso es Iggy Pop. Lanza los álbumes

aparición que ésta haría– y viaja

Low y "Heroes", distinguidos por su

mucho a lugares como Indonesia,

sonido avant-garde, experimental e instrumental, inspirado por bandas de krautrock y por la división de

a Klaus Nomi y Joey Arias.

una colaboración con la cantante

de Iggy Pop). También incluye

Obtiene el protagónico en una

un cover a ‘God Only Knows’, de

África y Oriente. Aparece por prim-

serie televisiva de la BBC, la cual

The Beach Boys.

era vez en Saturday Night Live junto

se basa en la obra Baal del escritor y dramaturgo Bertolt Brecht. Junto a Giorgio Moroder escribe

Berlín debido a la Guerra Fría.

1985

Visconti, los primeros dos álbumes

1980

el tema principal de la película

Publica Scary Monsters (And

solistas de Iggy Pop: The Idiot y Lust

Super Creeps), en el que colabora Pete Townshend, de The Who. Llega al número uno con

1983

Colabora con Mick Jagger en el

For Life.

Estrena su álbum más exitoso a la

de Martha and The Vandellas,

‘Ashes To Ashes’ e impulsa el

fecha, Let’s Dance, el cual vende

que llega al número uno y cuyas

Al mismo tiempo que trabaja en dichos discos co-produce, con Tony

1978

Cat People, de Paul Schrader.

Participa en Live Aid, evento que buscó reunir fondos para disminuir la hambruna en Etiopía. cover a ‘Dancing In The Street’,

movimiento new romantic un-

siete millones de copias y cuenta

ganancias fueron donadas a la

Graba su propia narración de Pedro

derground, del que bandas como

con la participación de Nile Rodg-

caridad. Bowie graba ‘This Is Not

y El Lobo junto a la Orquesta de Fil-

Visage, Culture Club, Duran Du-

ers, de Chic, y el guitarrista Stevie

America’, junto a Pat Metheny

adelfia, obra sinfónica del composi-

ran y Soft Cell formarían parte.

Ray Vaughan. Sus sencillos ‘Let’s

Group, tema que sería parte de

tor soviético Sergei Prokofiev que

Comienza una temporada de

Dance’, ‘China Girl’ y ‘Modern

la banda sonora de The Falcon

dedica a su hijo, de entonces siete

teatro en Broadway, en la obra

Love’ entran al Top 20 británico y

And The Snowman. Obtiene un papel en la cinta Into The Night.

años. Pasa la mayor parte del año

The Elephant Man. Se divorcia de

americano. Aparece en The Hun-

en la gira Isolar II y vence su adicción

Angela Barnett (conocida como

ger, como vampiro, y en la película

a la cocaína.

Angie Bowie para ese momento).

Merry Christmas Mr. Lawrence.

1979

1981

1984

1986

Desarrolla varias participaciones cinematográficas: Absolute

Estrena el tercer álbum de la

Colabora con Queen en el sencillo

Lanza Tonight al terminar la gira

Beginners, de Julien Temple, para

‘trilogía de Berlín’, Lodger, en el

‘Under Pressure’, el cual fue un

promocional de Let’s Dance, con

la que crea el tema principal,


04

05

06

del mismo nombre, y Labyrinth,

los hermanos Tony y Hunt Sales,

Mercury y canta ‘Under Pres-

su siguiente álbum a partir de

dirigida por Jim Henson (creador

quienes habían tocado en la

sure’ al lado de Annie Lennox y

visitas al hospital siquiátrico Gug-

de los Muppets) y producida

banda de Iggy Pop.

por George Lucas, para la que también crea cinco temas de su banda sonora.

1989

Estrena el disco debut, homónimo, de

1987

Queen. Participa en la película

ging, en Viena, donde entrevistan

Twin Peaks: Fire Walk With Me, de

a algunos de los pacientes para

David Lynch. Contrae matrimo-

crear canciones a partir de sus

nio con Iman y se establecen en

historias

Nueva York.

Tin Machine, uno de los materiales con el sonido más pesado en la

1993

1995

Crea una combinación

carrera de Bowie y letras que denun-

musical desorientada en Never

ciaban el neonazismo, las drogas y el

Regresa al estudio para crear un

historia está basada en un mundo

Let Me Down, trabajo que poste-

contenido de la televisión.

nuevo álbum solista, Black Tie

distópico del Siglo XXI. Su sonido

riormente describiría como “un disco horrible”. Realiza la gira promocional Glass Spider con

1990

una araña gigante en el esce-

Sale de gira como solista, aparece

Publica Outside, un álbum cuya

White Noise, influenciado por su re-

cuenta con pasajes ambientales

cién ocurrida boda y los disturbios

similares a algunos de la ‘trilogía

en Los Angeles. Para este trabajo

de Berlín’ y varios fragmentos

se vuelve a juntar con su guitar-

hablados, así como con elementos

nario en la que gastó un millón

en la película The Linguini Incident y

rista de la era de Ziggy Stardust,

industriales y modernos. La banda

de dólares de su propio bolsillo.

conoce a la modelo y actriz somalí

Mick Ronson, y con Nile Rodgers.

telonera de su gira promocional fue

El guitarrista del tour fue

Iman Abdulmajid.

También realiza el soundtrack para

Nine Inch Nails.

la serie de televisión The Buddha Of

Peter Frampton.

1988

1991

Suburbia, el cual él mismo definió

1994

como su mejor álbum.

Sale de gira con Tin Machine y

1996

Es ingresado al Rock and Roll

Interpreta a Poncio Pilato en

lanza Tin Machine II. Diseña su

The Last Temptation of Christ, de

único tatuaje y se lo hacen en la

Martin Scorsese. Musicalmente

pierna izquierda.

MTV cancela su participación

artista neoyorkino Andy Warhol, y

en la serie Unplugged cuando

en el spaghetti western Il Mio West.

1992

Bowie se niega a interpretar sus

Como era costumbre, Bowie innova

busca que su creatividad tome otro rumbo, así que forma Tin Machine al lado del guitarrista

Hall of Fame. Aparece en la cinta Basquiat, en la que interpreta al

antiguos éxitos, pues sólo quería

una vez más y lanza el sencillo

Reeves Gabrels –quien le ayudó

Tin Machine se separa. Participa

tocar los nuevos. Se reúne con

‘Telling Lies’ exclusivamente en

a revivir su lado experimental– y

en el concierto tributo a Freddie

Brian Eno y comienzan a planear

descarga digital.


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 016

[ 07 ] 1999 [ 08 ] 2003 [ 09 ] 2009 [ 10 ] 2013 [ 11 ] 2016

07

08

1997

ocasiones, el mismo Bowie ingresaba

víctimas de los atentados terroristas

para platicar en los chats.

del 9/11. También aparece en la

tendría la intención de aceptar

película Zoolander, como él mismo.

nada como eso. Realmente no sé

menta con elementos de drum ‘n’

1999

2002

he trabajado toda mi vida.” Publica,

Lanza Earthling, en el que experibass y continúa con la integración

la rechaza al argumentar: “Nunca

para qué sirve. No es para lo que

de elementos industriales. Ob-

Crea el soundtrack del juego

tiene su estrella en el Hollywood

Omikron: The Nomad Soul, en el que

Vuelve a trabajar con Tony Visconti

Walk of Fame. Durante la gira

él, su esposa Iman, Reeves Gabrels

para el álbum Heathen. En este año,

promocional del disco, David

y la bajista Gail Ann Dorsey son

Bowie predice lo que será el futuro

Bowie visita la Ciudad de México

personajes. Lanza 'Hours...', que

de la música en 2012: “La música

además, Reality.

2004

Durante un show en Oslo,

y su acto inaugura el Foro Sol.

retoma canciones del mencionado

se convertirá en algo como el agua

Noruega, Bowie es herido en el

Crea historia financiera y cotiza

videojuego y es el último en el que

potable o la electricidad, así que hay

ojo por una paleta que alguien del

en Wall Street con los ‘Bowie

tiene una marcada base electrónica.

que tomar ventaja durante estos

público arrojó, pero se la remueven

Bonds’, vendiendo los derechos de

Graba un especial de Storytellers,

últimos años porque nada volverá

y continúa con el show. Después,

su catálogo previo a 1990 por un

para VH1. El periódico The Sun lo

a ser igual. Deben estar preparados

durante una presentación en el

periodo de diez años, con lo que

nombra la mayor estrella del siglo.

para dar muchas giras, porque esa

Hurricane Festival, en Scheessel,

será la única situación que quede.

Alemania, el cantante siente un dolor en el pecho, se le diagnos-

obtiene 55 millones de dólares.

por otro lado, no importa si piensan

tica una arteria obstruida y tiene

artistas como Frank Black (Pixies),

2000

Es terriblemente emocionante pero,

Nace su hija Alexandria Zahra

que es emocionante o no, es lo que

que ser operado de emergencia.

Foo Fighters, Sonic Youth, Robert

Jones. Da una de las mejores

va a pasar.” Tras una encuesta real-

Cancela el resto de la gira.

Smith (The Cure), Lou Reed y Billy

presentaciones en la historia del

izada por la BBC, obtiene el lugar 29

Celebra su cumpleaños 50 con un concierto en el que toca con

Corgan (Smashing Pumpkins).

1998

Estrena BowieNet (www.davidbowie. com) la primera página oficial de un

festival Glastonbury y aparece

en la lista de Los 100 británicos más

en el rol principal de la cinta Mr.

grandes. Se encarga de la curaduría

Rice’s Secret.

del British Meltdown Arts Festival.

2005

Aparece en el evento Fashion Rocks junto a la banda canadiense

2001

2003

Arcade Fire y después en el CMJ Music Marathon. Graba vocales

artista. El sitio también contaba con

Participa en el concierto para la

La Reina Isabel II le ofrece una con-

de la canción ‘(She Can) Do That’,

cuentas de correo, membresías y, en

ciudad de Nueva York en apoyo a las

decoración de caballero y Bowie

para el filme Stealth. Contribuye en


los coros de ‘Province’, tema de TV On The Radio, y junto a Lou Reed

2008

2013

Who Fell To Earth, al lado del director Ivo Van Hove y el dramaturgo Enda

participa en el álbum No Balance

Aparece en la cinta August, dirigi-

Lanza el sencillo ‘Where Are We

Walsh. Lanza el primer sencillo

Palace, de Kashmir.

da por Austin Chick. Descubren

Now?’, con su respectivo video, el

de su siguiente álbum, Blackstar,

en Malasia una nueva especie de

día de su cumpleaños 66, además

utilizado también en la serie de TV

2006

araña y la nombran Heteropoda

de anunciar su álbum The Next

The Last Panthers. Posteriormente

Davidbowie, en su honor.

Day. Bowie deja de dar entrev-

lanza el épico y simbólico video que

istas y toda su comunicación la

acompaña al sencillo.

ment Award e interpreta a Nikola

2009

hace por medio de Tony Visconti.

Recibe el Grammy Lifetime AchieveTesla en la película The Prestige, de

Se estrena David Bowie Is, en el

2016

Christopher Nolan. Realiza una

Asiste al Tribeca Film Festival, de

Victoria and Albert Museum, una

aparición sorpresa durante un con-

Nueva York, para el estreno de Moon,

exhibición de artículos recolecta-

Tras el lanzamiento del video de

cierto de David Gilmour. También se

dirigida por su hijo Duncan Jones.

dos durante su carrera que rompe

‘Lazarus’, ocurrido el 7 de enero,

presenta en Nueva York, junto a Alicia Keys, en la tercera edición del evento caritativo KCA The Black Ball. Presta

2010

su voz para la cinta animada Arthur

Lanza A Reality Tour, disco en vivo

And The Invisibles.

de la gira del álbum Reality (2003).

2007

2011

récords de asistencia en Estados

publica su disco Blackstar un

Unidos, Alemania y Francia.

día después, en su cumpleaños número 69. Este sería su último

2014

material, pues David Bowie fallece

Recibe el BRIT Award como Mejor

de manera tranquila, rodeado

Artista Británico. Pide a Escocia

por familiares y amigos tras una

dos días después, el 10 de enero,

que permanezca como parte de

batalla de 18 meses contra el

Graba la voz de Lord Royal High-

Se filtra en Internet Toy, disco

Reino Unido. Lanza Nothing Has

cáncer que padecía.

ness, su propio personaje en la

cuyo lanzamiento estaba pla-

Changed, álbum que conmemora

caricatura SpongeBob SquarePants.

neado para 2001 pero que jamás

50 años de carrera musical e

A lo largo de su vida jamás dejó

Colabora en la canción ‘Fannin’

salió a la luz de manera formal.

incluye temas inéditos.

de sorprendernos con innovación

2012

2015

esté presente, aún hay más por

Street’, del disco de covers de Scarlett Johansson Anywhere I Lay My Head. Es curador del exitoso

y originalidad. Y aunque ya no

festival High Line, de Nueva York.

Pasa el mayor tiempo posible con

Realiza el guión y montaje de

Aparece al lado de Ricky Gervais

su hija Alexandria, desempeñán-

“Lazarus”, obra de teatro basada en

en el show de comedia Extras.

dose como un padre común.

la novela de Walter Tevis The Man

descubrir, pues dejó algunas cosas preparadas para el futuro.

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09


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 018

MINI CLUBMAN THE TRULY GENTLEMAN — Por Alonso Valencia

El modelo más reciente de MINI, el Clubman, destaca por su presencia en si misma, tal y como lo hizo el Camaleón, David Bowie, a lo largo de su carrera. Es su perfecto acabado en cromo lo que nos recuerda el Mirror-Plated MINI, aquel diseño que creó Bowie para el 40 aniversario de la marca, aunque claro, con muchas mejoras que se dieron gracias al los avances tecnológicos y a la genialidad que ha diferenciado a la marca a través de los años. Recordemos que en aquella ocasión, en el año de 1999, la marca británica de automóviles más icónica de la historia invitó a una selección de artistas, celebridades y diseñadores

- Premium Not Pretentious - Motor TwinPower Turbo - Caja de 8 Velocidades, incluida por primera vez en un MINI - Logo Projection - Easy Open en las puertas traseras

para que participaran en esta gran celebración creando un diseño único. Entre los artistas más destacados que participaron estuvieron Kate Moss, Paul Smith, Vicki Butler Henderson y claro, otro orgullo británico, David Bowie. Para que el Camaleón fuera parte de esta grandiosa alineación, respondió a un simple cuestionario creado por las grandes mentes de MINI. La interrogante clave del formulario le preguntaba al multifacético artista: “¿Por qué crees que el diseño de MINI ha durado tanto tiempo?” a lo que él simplemente respondió: “Estacionamiento”. Él estaba completamente en lo correcto, el simple pero a la vez elegante

look premium que se aleja de lo pretencioso, hace que MINI se haya establecido como una de los compañías automotrices más importantes de Gran Bretaña y todo el mundo. Regresando a 2016, y retomando el CLUBMAN encontramos entre las principales características que lo definen a su motor TwinPower Turbo, que juega un papel sumamente importante en cuanto a su eficiencia y dinamismo. También se destaca su caja automática de ocho velocidades, la cual se incluye por primera vez en este modelo, sobresaliendo una vez más la implementación de la identidad, una parte implícita en el caballero inglés de los autos.


MINI CLUBMAN


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 020

Mirror-Plated MINI, dise単ado por Bowie 1999


La evolución de MINI

El CLUBMAN también despunta al recibir al conductor, ya que incluye la tecnología Logo Projection, que muestra el característico escudo de MINI para darle la bienvenida, integrando armoniosamente la computadora de viaje iluminada con un aro de luz LED. Esta pantalla muestra las funciones de conducción; brinda información sobre los sistemas del vehículo, además de que ofrece opciones de entretenimiento, del teléfono inteligente y del navegador. A esto hay que sumarle a un tablero más robusto y ergonómico y también la función Easy Open, que abre automáticamente las puertas en cuanto el auto detecta movimiento en la parte trasera.

Y si la tecnología está presente para hacer más fácil la vida de aquel que maneje el vehículo, no podemos dejar de mencionar la distinción y la clase que lo definen, se trata de una interpretación moderna del tradicional concepto automovilístico shooting brake, notorio en Inglaterra. Este estilo se caracteriza por una silueta alargada y una prolongada línea del toldo, añadiendo una carrocería más larga y creando automáticamente más espacio para los pasajeros, quienes disfrutarán de esta experiencia como el mismo conductor. Pero tampoco olvidemos el exterior, que resalta por tener un carácter más maduro. El diseño expresivo del frente está marcado por detalles

como los faros redondos LED con intermitentes laterales blancas y la parrilla hexagonal. Además incorpora nuevos elementos como rines de 18”, salpicaderas más anchas, una moldura que rodea el vehículo y entradas de aire laterales para una mejorada aerodinámica. Con lo anterior, no es difícil encontrar similitudes en la genialidad de estos dos caballeros ingleses, ya que MINI y Bowie, han pasado por múltiples facetas y se mantienen el día de hoy como dos nombres distintivos de Inglaterra como una exportación hacia el mundo entero, reinventándose en cada oportunidad, combinando elegancia sutil con su muy particular estilo; dos titanes del viejo continente.


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 022

PIN UPS LAS COLABORACIONES — Por Natalia Montes

David Bowie tuvo una gran cantidad de colaboraciones durante su carrera, tanto invitando a músicos a participar en sus canciones como siendo invitado, siempre con interés genuino en apoyar a quienes pensaba que valían la pena y convirtiéndolos en sus protegidos. La siguiente es una lista, ordenada alfabéticamente, de colaboraciones fundamentales en su línea del tiempo, con algunas otras que no fueron tan trascendentes pero sí bastante curiosas. Algunas de ellas te sorprenderán.

ARCADE FIRE Después de cancelar la gira del álbum Reality, debido a la angioplastía a la que fue sometido de emergencia, Bowie regresó a los escenarios como parte del evento Fashion Rocks, en 2005. Ahí, el cantante interpretó junto a Arcade Fire su canción ‘Five Years’, del disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, y ‘Wake Up’, del álbum Funeral de la agrupación canadiense. Repitieron la experiencia en el CMJ Music Marathon y Bowie participó, algunos años después, en la canción ‘Reflektor’, del álbum del mismo nombre, producido por James Murphy (LCD Soundsystem). En su momento llegó a mencionar que era de sus bandas nuevas favoritas.

se encargaba de la ingeniería en audio y posteriormente de los sintetizadores. Al igual que Bowie, era un ser andrógino. Él le ayudó a explorar su parte más experimental, influenciándolo por el lado de la música ambient. Participó en los álbumes Low (1977), “Heroes” (1977), Lodger (1979) y Outside (1995).

CARLOS ALOMAR Fue uno de los guitarristas que estuvo de manera más constante con David Bowie y lo ayudó a construir varios de sus éxitos. Desde Young Americans (1975) hasta Never Let Me Down (1986), solamente está ausente en Let’s Dance. Regresa para “Outside” (1995) y posteriormente para Heathen (2002) y Reality (2003).

BRIAN ENO

CHER

Junto con Tony Visconti, Brian Eno fue pieza fundamental en la ‘trilogía de Berlín’. Eno salió de la banda de Bryan Ferry, Roxy Music, en donde

En 1975 Bowie fue invitado al programa de variedades conducido por Cher, The Cher Show, para interpretar un medley memorable

conformado por ‘Young Americans’ (David Bowie), ‘Song Sung Blue’ (Neil Diamond) ‘One’ (Harry Nilsson), ‘Da Doo Ron Ron’ (The Crystals), ‘Wedding Bell Blues’ (5th Dimension), ‘Maybe’ (The Chantels), ‘Maybe Baby’ (Buddy Holly), ‘Day Tripper’ (The Beatles), ‘Blue Moon’ (The Rodgers and Hart Standard), ‘Only You (And You Alone)’ (The Platters), ‘Temptation’ (Bing Crosby), ‘Ain’t No Sunshine’ (Bill Withers) y ‘Young Blood’ (The Coasters).

GIORGIO MORODER La canción ‘Cat People (Putting Out Fire)’ fue coescrita al lado del productor Giorgio Moroder, quien se encargó de la mayor parte de la base musical mientras Bowie incluyó la melodía vocal. Originalmente fue utilizada para el soundtrack de la película del mismo nombre, de 1982, pero una versión regrabada se incluyó en el álbum Let’s Dance, de 1983.

IGGY POP Probablemente una de las colaboraciones más destacadas en la carrera de Bowie como productor. Es sabido que él fue un pilar muy importante en la carrera de Iggy Pop, tras conocerse en Nueva York, en 1971 (la misma semana en que conoció a Lou Reed), gracias al actor Tony Zanetta. En 1977 produjo y coescribió sus primeros dos discos como solista luego de abandonar The Stooges, The Idiot y Lust For Life, mientras eran compañeros de piso y posibles amantes. David fue el tecladista en vivo de Iggy durante esa época, e Iggy hizo los coros del disco Low de Bowie. En palabras de Pop: “Él me resucitó. Fue más un benefactor que un simple amigo en la manera en que la mayoría de la gente ve la amistad. Se salió un poco de su rumbo para regalarme un poco de buen karma.”


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Con John Lenon, 1975. Foto: Ron Galella

JOHN LENNON En 1975 Bowie estaba en un proceso de transformación en su carrera y este sencillo marcó un cambio radical en su estilo, experimentando por el lado de la música funk/soul. La canción ‘Fame’ fue compuesta en conjunto con John Lennon y el guitarrista Carlos Alomar. En ella Lennon toca la guitarra además de hacer los coros. El artista también grabó con Bowie una nueva versión de ‘Across The Universe’. ‘Fame’ resultó ser el primer sencillo número uno de Bowie.

KLAUS NOMI Y JOEY ARIAS Probablemente una de las apariciones televisivas visualmente más creativas y bizarras. David Bowie conoció al cantante Klaus Nomi y a su compañero Joey Arias en Nueva York, tras oír

hablar de sus presentaciones teatrales para, posteriormente, invitarlos a hacer coros en su aparición en Saturday Night Live, en diciembre de 1979. Esta presentación fue esencial para la carrera del cantante contratenor Klaus Nomi, con quien Bowie probablemente se identificó porque también vino de otro planeta.

LOU REED The Velvet Underground, la banda de la que salió Lou Reed, fue en su momento influencia para David Bowie. Por 1971 tocaba covers en vivo de ‘White Light/White Heat’ y ‘I’m Waiting for The Man’, y fue en ese mismo año en el conoció a Reed. Al lado de Mick Ronson, Bowie produjo el segundo álbum solista del neoyorkino, Transformer (1972), el cual le dio éxito mundial

y es considerado uno de los más sobresalientes de su carrera, con tracks entre los que se cuenta su canción más popular ‘Walk On The Wild Side’. Bowie se encargó de grabar algunas partes de guitarra acústica y coros, notorios especialmente en la canción ‘Satellite Of Love’.

MICK JAGGER ‘Dancing In The Street’ es una canción original de Martha & The Vandellas y fue emblemática de Motown. Mick Jagger y David Bowie la retomaron en 1985, acompañada de un video revelado durante el festival Live Aid. El sencillo llegó de inmediato al número uno y las ganancias obtenidas fueron donadas a la causa del festival. Tanto la canción como el video fueron grabados el mismo día.

MICK RONSON Guitarrista y arreglista de primer nivel, la contraparte de Ziggy Stardust; el ying del yang de Bowie fue Mick Ronson. Comenzó a tocar con él en la época de The Man Who Sold The World (1970) y formó los cimientos de The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (1972) junto con el bajista Trevor Bolder y el baterista Mick Woodmansey. Él coprodujo, junto a Bowie, el segundo álbum en solitario de Lou Reed, Transformer, y se mantuvo a su lado hasta 1973, con Pin Ups. Dejaron de colaborar durante 20 años y se reunieron en 1993 para el disco Black Tie White Noise. Ese mismo año, Ronson falleció de cáncer de hígado. Si no hubiera sido por él, probablemente la carrera de Bowie hubiera sido muy distinta.


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En The Cher Show, 1975. Foto: Getty

Con Iggy Pop y Lou Reed, 1971. Foto: Mick Rock

NILE RODGERS Originalmente guitarrista de Chic, Nile Rodgers se une a David Bowie para la producción del disco Let’s Dance (1983), en el que incorpora todo su sonido funk y para el que invita al virtuoso guitarrista de blues Stevie Ray Vaughan. Después vuelve a trabajar con él para Black Tie White Noise que también tiene un ambiente muy apegado a la música negra. Vuelven a colaborar para el tema ‘Little Wonder’, del album Earthling.

NINE INCH NAILS Después de la grabación del disco Outside (1995), Bowie se embarcó en una gira promocional en la que invitó a Nine Inch Nails como banda telonera. Durante un concierto, Bowie saltó al escenario junto con Reznor para cantar uno de los temas más emotivos de NIN, ‘Hurt’. Posteriormente, Trent Reznor realizó un remix de ‘I’m Afraid Of Americans’, del disco

Earthling (1997), y formó parte del video de dicha canción. Trent ha manifestado que gracias a David Bowie logró vencer su adicción a las drogas.

PLACEBO En 1996 Placebo también abrió varios conciertos de David Bowie durante la gira promocional de Outside. Bowie los descubrió al obtener una cinta demo de la banda, los invitó a tocar y en algunas ocasiones se unió a ellos en el escenario. ‘Without You I’m Nothing’, compuesta por Placebo, se incluye en el disco del mismo nombre y la versión del sencillo incluye la participación vocal de David Bowie. También, durante la entrega de los BRIT Awards en 1999, compartieron escenario para interpretar el clásico tema ‘20th Century Boy’, de Marc Bolan (T. Rex).

QUEEN Una de las colaboraciones más reconocidas de Bowie

es la realizada con la banda inglesa Queen. La canción ‘Under Pressure’ aparece en el disco Hot Space (1981) y dicha mancuerna originalmente se limitaría a la inclusión de Bowie en los coros de ‘Cool Cat’; sin embargo, al pasar tiempo con la banda en el estudio, la canción fue compuesta en una lluvia de ideas entre todos los integrantes y el Camaleón.

SCARLETT JOHANSSON Anywhere I Lay My Head (2008) es el álbum con el que Scarlett Johansson debutó como cantante. Con diez covers a Tom Waits (y sólo un tema original escrito por ella y Dave Sitek), la actriz contó con el honor de incluir a David Bowie en las vocales de ‘Fannin Street’.

TONY VISCONTI Probablemente el colaborador más importante de toda su carrera, Tony Visconti estuvo pre-

sente desde prácticamente el inicio del éxito de Bowie como su productor. Ejecutó varios instrumentos, grabó y vertió su creatividad en aquellos trabajos de los que formó parte: Space Oddity, la ‘trilogía de Berlín’, Scary Monsters (And Super Creeps), su regreso con The Next Day y, claro, su despedida, Blackstar. No participó en todos sus discos pero moralmente siempre estuvo presente y fue uno de sus mejores amigos. — Para su cumpleaños número 50, en 1997, David Bowie reunió a artistas como Robert Smith (The Cure), Billy Corgan (The Smashing Pumpkins), Foo Fighters y Frank Black (Pixies) para hacer todo un festín. Ese memorable evento se llevó a cabo en el Madison Square Garden, de Nueva York, y la mayor parte del concierto se puede encontrar en Internet.


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Omikron: The Nomad Soul, 1999

HAZY COSMIC JIVE — Por Alejandro Escobedo

“HE’D LIKE TO COME AND MEET US, BUT HE THINKS HE’D BLOW OUR MINDS.” -DE LA CANCIÓN ’STARMAN’


Bowie Bonds

En la historia de los grandes geeks que ha producido la raza humana, David Bowie fue muy peculiar en su manera de comunicarnos los mensajes del futuro. En 1996 logró algo sin precedentes en la industria de la música, al distribuir en línea su entonces reciente sencillo ‘Telling Lies’, sumando más de 300 mil descargas en una era en la que el límite máximo de velocidad eran 56 kbps. Realmente hay que tomar un momento para reflexionar en su visión del mundo, basado en ese suceso y en el tiempo en el que lo hizo, porque en ese año las grandes corporaciones encargadas de las telecomunicaciones no comprendían en su totalidad qué se podía y qué no se podía hacer con una red masiva como Internet. Pero Bowie lo veía y lo sabía, porque en 1998 creó su propio proveedor de servicios, BowieNet –compitiendo directamente con America Online–, que tenía el propósito de hacer proliferar una comunidad interactiva para sus fans, con todo y sus propias direcciones de correo, a través de una experiencia audiovisual en la que podías acceder, sin censura, a contenido exclusivo de Bowie como música y videos. Con su empresa Ultrastar creó efectivamente una de las primeras redes sociales centradas en la música, en la que él mismo conducía chats en vivo y proveía espacio para que los fans también publicaran sus propios sitios web y mensajes en foros. MySpace y la tienda de iTunes no se lanzaron sino hasta el año 2003, y Bowie en 1999 ya había cerrado tratos para ofrecer descargas pagadas de música online. En una entrevista, de forma muy acertada, él dijo que “una pieza de trabajo artístico no está terminada sino hasta que tu audiencia viene y agrega en ella su propia interpretación; la obra de arte se trata del espacio gris que queda en medio. De ese espacio gris es de lo que se tratará el siglo XXI”, lo cual habla de su visión más allá del mero marketing o la masificación de su obra.

David Bowie como Nikola Tesla en The Prestige, 2006

Omikron: The Nomad Soul, 1999

A BowieNet le siguieron ideas radicales como el banco en línea BowieBanc, que emitía cheques y tarjetas de crédito con su rostro impreso. Después creó Bowie Bonds, con los que era posible invertir en el retorno de ventas de sus discos, mucho antes de que existiera la idea de ‘crowdfunding’ para proyectos independientes. En todas las facetas que tuvo, en el medio que se atreviera a contenerlo, Bowie se involucró de forma estrambótica, y un claro ejemplo de esto fue su participación en un videojuego para la consola Dreamcast, en 1999, llamado Omikron: The Nomad Soul. En este juego de rol futurista, cyperpunk y distópico, Bowie interpretó a un programa de inteligencia artificial –Boz– que se oponía al gobierno. Pero no se quedó ahí, porque en ese mismo videojuego era el líder de una banda rebelde llamada The Dreamers que tocaba conciertos ilegales y cuyas composiciones fueron incluidas en su álbum 'Hours...'.

Así nos trajo David Bowie mensajes del futuro a lo largo de su prolífica vida como alienígena del rock. Como ícono de la ciencia ficción se hizo presente con ideas del apocalipsis y viajes interestelares, creando a una de sus numerosas caras, Ziggy. A ojos de muchos era un loco que se atrevía, que vivía lo que expresaba sin preguntarle a nadie si le gustaba. Era un verdadero icono geek con estilo, un total nerd de su propio arte. Era Jareth, Rey de los Goblins, señor del Laberinto, al mismo tiempo que podía ser el alienígena que vino a nuestro planeta creando tecnología para buscar y transportar el agua que salvara su propio mundo. Era también el gran Nikola Tesla, visionario e incomprendido inventor de la corriente alterna y de monstruosas bobinas electrificadas. Bowie vivía y respiraba en estos mundos increíbles e intangibles. Starman Jones, el hombre que espera en el cielo y nos trae noticias justo antes del fin del mundo, viajó a través de hoyos negros entre varios universos para convertirse el avatar del infinito y del futuro. La música es su medio interestelar, pero para que el mensaje viva, al final, debe morir él junto con el rock. Let all the children boogie.


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FASHION —

Por Marijosé Galván

“I RE-INVENTED MY IMAGE SO MANY TIMES THAT I’M IN DENIAL THAT I WAS ORIGINALLY AN OVERWEIGHT KOREAN WOMAN.” -DAVID BOWIE.

Para David Bowie no había límites en su guardarropa, desde parches de ojo, maquillaje y enterizos con lentejuelas hasta kimonos, vestidos y smokings. Con cada disco creó un personaje y una imagen nueva e incluso cuando se alejó de los excesos del glitter para llevar un look más refinado, con sombreros fedora y sacos de solapa ancha, siguió siendo fresco y relevante. Ya que la moda y el rock and roll han estado influenciados siempre el uno por el otro, recordemos algunos de los momentos más significativos alrededor de la figura de David Bowie en la industria de la moda.

Abrigo Union Flag by Alexander Mcqueen


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PUNTO CERO En retrospectiva a una carrera como la de Bowie, la imagen más inmediata que nos viene a la mente es la de una súper estrella de estilo excéntrico. Quisiéramos pensar que, un buen día, Ziggy Stardust llegó a la tierra en un haz de glitter, pero en su primer disco su estilo estaba más cercano a un David Jones de corte mob que a Ziggy con kimono de escote peligroso. ¿Por qué es relevante el punto cero? La respuesta es que a partir de ahí sólo lo veríamos transformarse y evolucionar. En los primeros años de la década de los 70 el look del hombre amante del rock tenía dos vertientes: el del chico bueno estilo The Beatles y el de

chico malo a lo The Rolling Stones. Sin embargo, Bowie llegó y desconcertó con una nueva categoría: la del ente difuso entre hombre y mujer. En la portada de The Man Who Sold The World (1970) lo vemos con un vestido diseñado por Michael Fish, reclinado delicadamente sobre un sofá, que aunque causó controversia no tuvo mucho éxito pero influiría más adelante musical y visualmente (recordemos a Kurt Cobain usando vestidos y haciendo un cover a la canción del mismo nombre). La androginia sería, desde entonces, un tema recurrente en su carrera, visible, por ejemplo, en el video de ‘The Stars (Are Out Tonight)’, en el que lo vemos con una contraparte femenina (Tilda Swinton) mientras Andreja Pejic representa a una mujer, Saskia de Brauw a un hombre y el artista es encarnado, en una etapa joven, por la modelo noruega Iselin Steiro.


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VINO DEL ESPACIO… O JAPÓN Cuando Lindsay Kemp, artista de performance abiertamente homosexual, daba clases de danza y mímica con influencia del kabuki japonés, Bowie fue su estudiante, siendo influenciado por esa tradición de teatro, por lo que en el momento en que Kansai Yamamoto presentó la primera colección de un japonés en América, David lo contactó para colaborar. Así, Yamamoto crearía para él varios de los trajes más icónicos de su fase más estrambótica; el personaje de mullet naranja con maquillaje rinde tributo a los onnagata, actores que se especializan en roles femeninos en el teatro kabuki.


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ALADDIN SANE O A LAD INSANE Estamos ante el que es, quizá, el look más copiado y representativo del músico. Aunque Aladdin Sane es un nuevo personaje técnicamente, en apariencia es una continuación de Ziggy Stardust. No olvidemos en esta etapa a otro de sus más grandes colaboradores, Freddie Burretti, quien hizo muchos de los trajes de este periodo, como el icónico azul cielo del video ‘Life On Mars?’ o el clásico de rayas de colores con hombreras exageradas; Bowie fue el primer artista que tuvo a un diseñador especializado para sus atuendos y, en este caso, describió a Aladdin Sane sencillamente como “Ziggy va a América”. Al agotar su personaje, decidió matar a Ziggy y anunció su retiro de

los escenarios durante su presentación en el Hammersmith Odeon, en 1973. The Thin White Duke, su siguiente encarnación, sería algo moderado, con chaleco negro, camisa blanca y perfectamente peinado hacia atrás; sin embargo, su estilo seguiría siendo excéntrico, con trajes color pastel en la década de los 80. Para los años 90, Bowie contactó a cierto diseñador inglés, poco conocido entonces, para hacer una colaboración a la vez que presentaba Outside (1995). El artista quedaría tan complacido con el trabajo de este joven que decidió usar uno de sus diseños en la portada de Earthling (1997), su siguiente álbum. Desde ese momento el mundo acabaría por conocer a Alexander McQueen.


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MR. DAVID BOWIE Al final de su carrera vemos a un Bowie en su faceta más sencilla y elegante. Sus transformaciones documentadas en el pasado lo mantienen vigente y sirven como referencia inmediata del mundo de la alta costura. Una de sus últimas colaboraciones fue en una campaña junto con su esposa Iman, para Tommy Hilfiger, en 2003, y otra campaña para Louis Vuitton en 2013.


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A LIFE IN SONGS —

Por staff WARP

A lo largo de una carrera tan brillante como la de David Bowie, tan ecléctica pero sobre todo tan prolífica, es difícil llegar a un acuerdo respecto a los temas que integran la playlist de ensueño, o al menos una que refleje con exactitud los matices sonoros del músico. En WARP Magazine nos dimos a la tarea de escoger y desmenuzar 15 temas representativos, recordando el porqué de su importancia histórica dentro de la música moderna. A la vez, escogimos cinco de las canciones más experimentales y oscuras dentro de la discografía de Bowie, para recordar que el escuchar su obra es una tarea que esconde recompensas para aquellos que deciden emprender el profundo viaje.

‘SPACE ODDITY’

‘LIFE ON MARS?’

Álbum: David Bowie (Space Oddity), 1969.

Álbum: Hunky Dory, 1971.

Esta canción fue escrita en el contexto de la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética, en plena Guerra Fría. Habla de la misión fallida de Major Tom, quien se pierde por siempre en el espacio. Sin embargo, también se puede interpretar como una manera de inyectar romanticismo a la alienación y el desapego de un ser que siente que no encaja en la sociedad. La BBC le pidió a Bowie esta canción para usarla como música de fondo durante su transmisión del alunizaje del Apolo 11, en 1969. Bowie se preocupó al pensar que si la misión a la luna fallaba, la gente asociaría su música con el fracaso y no alcanzaría el éxito.

Una balada con melodía penetrante, acompañada de un bello arreglo de cuerdas creado por Mick Ronson y un exquisito piano interpretado por Rick Wakeman, miembro de la banda de rock progresivo Yes. David Bowie la definió como una canción de amor, aunque lo único que realmente se podría asociar con una relación interpersonal es la frase inicial. La letra hace referencia a lo apabullante que puede ser la industria del entretenimiento para una niña inteligente, y ella misma se pregunta si habrá vida en Marte, probablemente por su deseo de huir a otro planeta.

‘THE MAN WHO SOLD THE WORLD’

‘MOONAGE DAYDREAM’

Álbum: The Man Who Sold The World, 1970.

Álbum: The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, 1972.

Grabada con Tony Visconti en el bajo y, por primera vez, con el núcleo de la banda que posteriormente se convertiría en The Spiders From Mars (Mick Ronson en la guitarra y Woody Woodmansey en la batería), esta pieza no fue un sencillo promocional del disco, aunque es una de sus canciones más reconocidas. La letra, por otra parte, está basada en el poema Antigonish, de William Hughes Mearns, y es una proyección sicológica en la que probablemente habla con otra de sus personalidades, pues fue escrita en un momento en el que trataba de encontrarse a sí mismo.

Originalmente fue grabada con la banda Arnold Corns, pero Bowie la regrabó con The Spiders From Mars para el álbum de Ziggy Stardust, que lo colocó como una fuerza mayor en la música moderna. Además de la voz y la guitarra acústica, también ejecutó la parte del saxofón. ‘Moonage Daydream’ es la canción previa al descenso a la Tierra del mesías espacial. La letra hace referencia a los escritos orwellianos, la dualidad de género, la religión y su posición contra la industria.


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Ziggy Stardust. Foto: Masayoshi Sukita.

‘THE JEAN GENIE’ Álbum: Aladdin Sane, 1973. Canción con un sonido totalmente basado en el blues, con influencia directa de Bo Diddley. Fue compuesta en el departamento de la actriz Cyrinda Fox, una de las personalidades favoritas de Andy Warhol, y se dice que el título es un tributo al escritor y activista político francés Jean Genet. Sin embargo, la letra aparentemente describe muy bien a Iggy Pop, pues es de la época en la que comenzaban a ser amigos. Con ‘The Jean Genie’ Bowie manifestó que una canción debe tener carácter e influencia en las personas, no sólo musicalmente, sino como forma de vida.

‘REBEL REBEL’ Álbum: Diamond Dogs, 1974. Definitivamente el track más destacado de Diamond Dogs, álbum de 1974 que incluía temas como ‘Sweet Thing’ y ‘Future Legend’. ‘Rebel Rebel’ sería parte originalmente de un musical de Broadway sobre Ziggy Stardust, pero éste no se concretó. La canción se convirtió en todo un himno del glam, al hablar de la tendencia andrógina que definió al mismo Bowie y a toda una generación, caracterizada por el gender bending.

‘GOLDEN YEARS’ Álbum: Station To Station, 1976. ‘Golden Years’ se lanzó como sencillo en 1975, en una versión mucho más corta de la que apareció en el trabajo de estudio que introdujo su personificación como The Thin White Duke. La canción fue escrita por Bowie especialmente para Elvis Presley pero, de acuerdo con

fuentes cercanas, El Rey la rechazó. Nunca se ha sabido con certeza a quién se refiere en la letra, pero de acuerdo con Angie Bowie, su primera esposa, el tema fue escrito para ella haciendo hincapié en esta crisis de la mediana edad y lo que significa el amor para una pareja que envejece.

‘SOUND AND VISION’ Álbum: Low, 1977. Uno de los éxitos más inesperados de Bowie –en gran parte gracias a la BBC que decidió utilizarla en sus comerciales de la época–, ‘Sound and Vision’ marca el distanciamiento de Bowie con el público americano como parte de su rehabilitación. La canción iba a ser completamente instrumental, hasta que se añadieron las vocales de Mary Hopkin, esposa de Tony Visconti, y posteriormente la voz de Bowie, quien decidió mantener el estilo minimalista del álbum sin ninguna letra compleja.

'"HEROES"’ Álbum: "Heroes", 1977. Considerada por muchos como la mejor canción de David Bowie, "Heroes" fue el tema que sirvió como catalizador para la caída del muro de Berlín, cuando éste la interpretó en el edificio Reichstag de Alemania del Oeste el 6 de junio de 1987. Los temas que toca hablan del triunfo del amor sobre una fuerza contraria, en específico, el de una pareja que se reúne todos los días bajo una torreta del muro. Bowie escribió el tema junto a Brian Eno durante su estadía en Berlín, basándose ligeramente en la canción ‘Hero’, de Neu!, banda alemana de la época. Además, el artista escogió el show conducido por Marc Bolan para estrenar el tema en televisión.


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DEEP CUTS

‘ALADDIN SANE’ Álbum: Aladdin Sane, 1973. El track que da título a uno de los álbumes más ambiciosos del artista. No sólo retrata el momento en el que David se aleja de su etapa glam para moverse a terrenos más experimentales, con bases rock pero con mayor ambición sonora, sino que líricamente está inspirada en la novela de Evelyn Waugh, Vile Bodies (1930), una sátira de la sociedad británica de aquella época que el artista consideraba aún describía a la misma sociedad de entonces. El alucinante solo de piano es cortesía de Mike Garson (NIN, The Smashing Pumpkins) quien, basado en su experiencia avant garde y con la guía de Bowie, creó uno de las partes más memorables (si no es que la más) en la discografía del autor. —

‘SUBTERRANEANS’ Álbum: Low, 1977. Qué mejor manera de cerrar uno de los álbumes más desafiantes y exquisitos en la carrera del músico que con ‘Subterraneans’, un track prácticamente instrumental grabado durante su estancia en París, que intenta reflejar la desesperanza y la miseria padecida por aquellos atrapados en el lado Este de la capital alemana, Berlín. El uso del saxófon para crear atmósferas acentúa el dramatismo implícito en la pieza. La participación de Brian Eno del lado de los sintetizadores sólo hace del track uno de los experimentos más memorables del perfil ambient en la discografía del Camaleón, una canción fundamental para el post industrial que se generaría más de una década después. —

‘BRILLIANT ADVENTURE’ Álbum: 'Hours...', 1999. Con poco menos de dos minutos de duración, Bowie nos entregó un corte capaz de remitirnos

‘ASHES TO ASHES’ Álbum: Scary Monsters (And Super Creeps), 1980.

a lo más profundo de nuestro ser. Otro track instrumental con aires de medio oriente. Con la participación de Reeves Gabrels en el koto, la canción fue pensada, primero, como una

En palabras del mismo Bowie, una oda a la infancia, repleta de mensajes que hablan de su propio viaje como artista y todas sus complicaciones morales, como el abuso de drogas. Una secuela de ‘Space Oddity’, en la que Major Tom ha recuperado el contacto con la Tierra, recibiendo críticas que lo tachan de junkie; el tema destaca por su complejidad vocal que se basa en diferentes capas de voz. Su video musical, dirigido por David Mallet, se convirtió en el más caro de la época con un costo de 250 mil euros, y en éste el Camaleón aparece como Pierrot, en una serie de situaciones que se contraponen con las de otros personajes.

secuencia musical de acompañamiento para el videojuego Omikron: The Nomad Soul, para el cual Bowie componía el score. El track, como mucho de ese trabajo, terminó en el disco 'Hours...'. Sintetizadores, flautas y algunas atmósferas hacen de este corte minimalista uno de los más oscuros y maravillosos de David.


Glass Spider Tour, 1987. Foto: Bertrand Guay


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Reality, 2003. Foto: Cortesía Sony.

DEEP CUTS

‘LET’S DANCE’ Álbum: Let’s Dance, 1983. La década de los 80 tiene como firma distintiva a Bowie, la moda, la música, las letras y el estilo de vida reflejado por éste. El mejor ejemplo de lo anterior es ‘Let’s Dance’, material altamente comercial del que se desprende el single del mismo nombre, una de sus canciones con mayores ventas de toda su carrera. La letra es una alegoría a la pista de baile como escenario de una relación amorosa dominada por el enamoramiento. El virtuoso del blues Stevie Ray Vaughan fue quien interpretó el icónico solo de esta canción.

‘THE LONELIEST GUY’ Álbum: Reality, 2003. Mike Garson aparece de nueva cuenta para dotar de misterio y magia el trabajo de Bowie. Catalogada como una de las mejores canciones del álbum, ‘The Loneliest Guy’ nos muestra a un músico que no se cansa de probar nuevos recursos musicales y que se encuentra en constante evolución. La

‘ABSOLUTE BEGINNERS’

letra nos entrega a un hombre reflexionan-

Álbum: Absolute Beginners: The Original Motion Picture Soundtrack, 1986. Este sencillo fue creado y producido por David Bowie para la película del mismo nombre, estelarizada por él mismo. Bowie conservaba una cercana amistad con el director de la cinta, Julien Temple, con quien ya había trabajado dos años antes para el corto Jazzin’ For Blue Jean. Absolute Beginners se grabó en Abbey Road Studios y, a grandes rasgos, saca el lado romántico de las baladas pop de los 80, buscando un equilibrio entre el enamoramiento y el amor racional.

‘LITTLE WONDER’ Álbum: Earthling, 1997. El primer sencillo del álbum número 21 en la discografía de Bowie. Su video, dirigido por Floria Sigismondi, fue nominado en los Brit Awards del año

do respecto a su vida, tomando conciencia de lo afortunado que es de estar solo, pues no tiene más que cuidar de sí mismo, no

siguiente. Para los que no han escuchado la letra del track con atención, incluye referencias a los nombres de los siete enanos de Blanca Nieves. Musicalmente, por otra parte, el cantautor está lejos de las tendencias pop mostradas al principio de aquella década, y para esta fase Bowie experimentó con el jungle y la electrónica, influencia de proyectos como The Young Gods y Nine In Nails.

‘THURSDAY’S CHILD’ Álbum: 'Hours...', 1999. Una colaboración más con su viejo compañero Reeve Gabrels (Tin Machine, The Cure). El resultado arrojó ‘Thursday’s Child’, uno de los brillantes tracks del álbum 'Hours...'. Según reveló el mismo Bowie en el episodio grabado para Storytellers, de VH1, la canción fue “secretamente”

dedicada a Eartha Kitt, y en ella el músico se aparta de su lado salvaje de mediados de los 90 para entregarnos un tema clásico, más apegado a lo hecho durante los años 70.

‘LAZARUS’ Álbum: Blackstar, 2016.

sin antes pasar por un ejercicio depresivo y devastador. Haciendo uso mínimo de los recursos a su alrededor, David demostró una vez más cómo sacar el mayor provecho de ellos. —

‘GIRL LOVES ME’ Álbum: Blackstar, 2016. Incluso al final, el incansable autor se preocupó por entregar piezas que significaran

La famosa despedida. Del álbum Blackstar, la canción se dio a conocer en diciembre de 2015, un mes previo al fallecimiento del artista. El video, disponible pocos días antes del incidente, ya es oficialmente conocido como el mensaje de agradecimiento y último adiós que Bowie dejó para todos nosotros. Incluso en la letra se pueden leer frases como: “Mira arriba, estoy en el cielo / Tengo cicatrices que no se pueden ver / Tengo el drama, que nadie más se puede robar / Ahora todos me conocen.”

un reto para sus escuchas y para todos aquellos dispuestos a poner a prueba sus gustos musicales. ‘Girl Loves Me’ es un gran ejemplo, empezando con la letra y las referencias a Anthony Burgess (A Clockwork Orange), utilizando el nadsat, lenguaje utilizado en su novela futurista. El contenido erótico y romántico, disfrazado y de manera sutil, está presente a lo largo de la canción. Del lado musical tenemos un reclamo e insatisfacción altamente matizado por percusiones electrónicas, con atmósferas y arreglos de cuerdas que crean un sentimiento de incomodidad y, al mismo tiempo, la necesidad de escuchar el tema hasta el final.


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Isolar - 1976 Tour. Foto: John Robert Rowlands


DISSONANCE ARTE SONORO EN VIVO — Por Andrea Paz

El hombre, David Robert Jones, se vistió y desvistió de todos los personajes que dieron vida a su leyenda, pero fueron sus shows en vivo los que nutrieron monstruosamente a una industria que no sólo vivía de la música, sino también del espectáculo. Él fue la mente detrás de toda tendencia, de fondo y forma, de arte e inteligencia, de innovación y ficción. Así que hoy, cada que presenciemos un grandilocuente concierto, recordemos que de una u otra forma, lo notemos o no, hay algo sobre el escenario que está inspirado en David Bowie, pues mucha de la música, el arte y la cultura contemporánea tienen un antes y un después de él, prueba de ello son sus más importantes giras a lo largo de su carrera.


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ZIGGY STARDUST TOUR /

1972

Sin duda su más recordado alter ego: Ziggy Stardust. El extraterrestre que cayó a la Tierra no sólo dio voz a las minorías que probaban una transformación sexual, también despertó valentía en los jóvenes que probaban, por primera vez, la excitación de tener un ídolo. Esta fue la primera gran gira de Bowie al lado de su banda The Spiders From Mars, con la que no sólo recorrió todo Reino Unido tocando éxitos como ‘Hang Onto Yourself’, ‘The Supermen’, ‘Queen Bitch’ y temas provenientes de Aladdin Sane (1973), sino que llegó hasta los Estado Unidos y Japón. Un 3 de julio de 1973 –como el nombre del disco lo anunciaba– el mítico personaje murió. Esa noche, en el teatro Hammersmith Odeon, de Londres, Bowie se limitó a decir: “Esta ha sido la mejor gira de nuestras vidas. Y de todos los conciertos de esta gira, este será el que más recordemos. No sólo porque es el cierre, sino porque es el último que hacemos juntos”.

SERIOUS MOONLIGHT TOUR /

1983

Esta gira sobrevivió de mayo a diciembre de 1983 pero, una vez más, Bowie recorrió el mundo incluyendo a países como Australia, Nueva Zelanda y Hong Kong. Ya recuperado de los estragos que le causó su “dieta blanca” y de regreso de su vida en Berlín, el intérprete se enfundó en elegantes trajes para interpretar todos los éxitos que sus fans esperaban escuchar, desde su álbum homónimo hasta el reciente Let’s Dance. Ya como superestrella, llenó estadios enteros en los que el soul, rock, glam, funk y new wave retumbaron en miles de almas. El tour es recordado, además, porque por primera vez interpretó en vivo covers de ‘Imagine’ y ‘Across the Universe’. De este tour nació la cinta Serious Moonlight, que básicamente es el concierto que ofreció en Vancouver y también, muchos años después, tendríamos un DVD que incluyó el documental Ricochet.


045 | THE GIFT OF SOUND AND VISION

GLASS SPIDER TOUR /

1987

Aunque decir que David Bowie siempre fue un adelantado a su tiempo resulta ya en un lugar común, al recordar espectáculos como el Glass Spider Tour es inevitable no llegar a esa conclusión, siendo el show en vivo más grande de su carrera. Promocionando la placa Never Let Me Down, las 86 presentaciones que dio alrededor del mundo no fueron sólo conciertos, fueron toda una obra de arte, llena de extravagancia y dramatismo. De estos shows también existe un DVD a través del cual podemos ser testigos de cómo, al apagarse las luces, una araña gigante se posaba sobre el escenario y uno de los guitarristas, con lentes que simulan ojos de araña, iniciaba con los primeros acordes de ‘Glass Spider’, mientras Bowie, siempre con ropas futuristas, bajaba por los aires para entonces seguir con ‘Day In, Day Out’. Quizás el disco no sea uno de los básicos en la discografía del Camaleón, pero sí es el material que puso a prueba su ingenio e innovación, y marcó la forma en que se montarían los espectáculos masivos a partir de entonces.

SOUND+VISION TOUR /

1990

En esta ocasión, Bowie salió de gira por los cinco continentes sin tener un disco nuevo por presentar, así que Sound+Vision Tour es catalogado como el “tour de los éxitos”, pues hacía un recorrido por sus mejores canciones. Además, con esta serie de conciertos se retiraría por un tiempo de los escenarios, por lo que cada fecha superó las ventas de Serious Moonlight Tour y Glass Spider Tour. Sound+Vision retomó la simplicidad y la belleza de sus composiciones, ya que no hizo despliegue alguno de imponentes escenografías, vestuario o bailarines, pues le bastaron arreglos orquestales para versiones alternas de algunas canciones y una sencilla banda.


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 046

DISSONANCE /

1995

“No voy a tocar lo que todos quieren que toque. Acabo de terminar un álbum nuevo muy extraño. Y vamos a tocar algunas cosas selectas al estilo de la trilogía de Berlín, y algo del nuevo álbum. Eso no es lo que la gente quiere ver, pero es lo que necesito hacer. Y ustedes nos van a opacar cada noche.” Con esas palabras Bowie definió esta gira al lado de Nine Inch Nails. Reznor y compañía, promovían The Downward Spiral y vivían su mejor momento en cuanto a popularidad, por su parte, el inglés había lanzado Outside, que no fue muy bien recibido por la crítica. La solución del Camaleón fue sencilla, NIN tocaría su set, después David y sus músicos se integrarían en el escenario formando una gran banda e interpretando temas de ambos, la participación de Reznor terminaría cada noche junto a su mentor interpretando ‘Hurt’ y entonces sí, el escenario le pertenecería completamente a Bowie. Este experimento fue apreciado durante 26 noches a lo largo de Estados Unidos y Canadá.

EARTHLING TOUR /

1997

El disco que le dio sentido a esta gira lleva el mismo nombre y a Bowie de espaldas en la portada, vistiendo una chaqueta con la bandera de Reino Unido, diseñada por Alexander McQueen. Una vez más, el genio hizo con su experimentación musical que la escena de ese momento se adaptara a él, marcando el sonido de los 90-2000 y de las –hoy enormes– bandas que entonces nacieron. El material apareció en febrero y Bowie, junto a su banda, comenzó a ensayar para la gira en abril de 1997. Los shows, en comparación con los anteriores, fueron más bien de bajo perfil, pero en esencia llenos de instrumentos electrónicos, luces led, techno excéntrico y sonidos maquinales que fueron los primeros en crear atmósferas oscuras, caóticas y decadentes, en donde cada uno de los asistentes vivió una extraña sensación vibrante, pues les abrió la puerta hacia la música contemporánea sin siquiera saberlo.


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A REALITY TOUR /

2003

Con 112 presentaciones, David Bowie se despidió de los escenarios acompañado del álbum del mismo nombre. Ya sin personajes, maquillaje y zapatos altos, lo más emotivo estuvo presente en el setlist que recorría 30 años de nostalgia en su composición. De todas las giras en las que se aventuró, esta fue la más extensa después de Outside Tour. Lamentablemente, algunas fechas tuvieron que ser canceladas debido a que durante su concierto del 25 de junio de 2004, en Alemania, Bowie sufrió de dolor en el pecho para después ser diagnosticado con una arteria obstruida y ser operado de emergencia. Así, puso fin a su paso por enormes escenarios.


OUTSIDE —

Texto y fotos: Fernando Aceves / @Jazzrockman

Conocí a David Bowie desde muy pequeño y no como músico, sino como actor. Lo vi como el personaje principal de El Hombre Que Cayó A La Tierra y fue muy impactante para mi, tenía esa figura delgada, era rubio y transmitía fuerza, algo muy intenso. Pasaron los años y me fui adentrando en su música; ya como fotógrafo, en 1997 tuve la gran oportunidad de trabajar con él durante tres días en la Ciudad de México. Creo que el mundo pierde más de lo que piensa con la partida de Bowie.


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Palacio Nacional

Museo Frida Kahlo


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Museo Frida Kahlo

Museo de Bellas Artes


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 052

MI ENCUENTRO CON DAVID BOWIE — Por Julia Palacios / @JuliaPalacios Foto: Albert Watson

Ahora sabemos que Bowie se estaba despidiendo. Su último disco, Blackstar, sonaba un tanto extraño. Era Bowie, pero era diferente. Me preguntaban mi opinión. “Bowie siempre cambia –respondía–, siempre explora, y ‘Blackstar’ es su nueva reinvención”. Sin imaginar el desenlace, sabía con certeza que así era, que así tenía que ser, sobre todo porque acababa de tener un encuentro directo con él a través de la exposición David Bowie Is, que pude ver en París en marzo de 2015, apenas unos meses atrás.


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Como regalo previo a su muerte, la exposición contenía todo, todo y más de David Bowie. Todo lo que es, todo lo que era. Una inmersión exhaustiva a la persona y al personaje, o más bien a los inagotables personajes a los que dio vida. La música, la moda, el arte, el teatro, el cine, su vida, su infancia, su proceso creativo y docenas de etcéteras sorprendentes y un tanto abrumadores. Todo esto con música y sonidos ambientales que acompañaban a los visitantes a través de audífonos personales, en una curaduría sonora excepcional. La exposición David Bowie Is me tocó profundamente. Un homenaje a un genio, a una de las figuras más complejas y talentosas en la historia de la música y la cultura popular del último siglo. Ahí, me reencontré con Bowie. Por una parte, en un proceso de aprendizaje y resignificación al descubrirlo, redescubrirlo y reafirmarlo, por otra, la nostalgia de haberlo conocido, el momento breve que me había tocado y dejado huella. En la exposición lo podía imaginar, sentir, a través del recorrido se hacía tan presente. Me conmovió una escena de David Bowie virtual cantando en un programa de televisión inglesa de los años 70. ¡Ahí estaba prácticamente! O escucharlo narrando su vida íntima, la locura de su familia disfuncional y de cómo la música había sido el refugio que lo salvó. Había objetos, cientos de objetos. Escritos de su puño y letra con los cuales se le podía adivinar durante el proceso creativo. Y la ropa, atuendos de personajes, trajes memorables de conciertos, de películas, obras de teatro y portadas de discos, David para imaginarlo ahí, con su cuerpo esbelto que todo lo exploró. Y ahí estaba también una servilleta con lápiz labial que se limpió de algún maquillaje, como objeto fetichizado que había tocado su boca y un guiño simbólico a su fascinación por disfrazarse. David Bowie Is llegó para permitirme abrazar a David Bowie, o más bien para que él me abrazara a mí, un nuevo encuentro para recordarme la creatividad sin límites, de atreverse a abrir puertas, o simplemente de atreverse, de las posibilidades de reinventarse cada día, de concluir, sólo para comenzar nuevamente. Y es que 18 años antes había tenido la fortuna de entrevistarlo. Quizás, de los momentos más importantes de

mi vida en los medios de comunicación, o más bien, de mi vida.

esbelta–. Sonriente, tranquilo. Nos presentaron y comenzó la entrevista.

Por fortuna no era fan. Siempre he sostenido que no hay que conocer a los ídolos para evitar alguna decepción de la cual pueda ser difícil reponerse. A David Bowie lo admiraba profundamente y me parecía una de las personas más propositivas, innovadoras, talentosas, geniales y sobre todo inteligentes en la escena del rock, aunque en ese momento, en el fondo, tenía la remembranza de un “crush” de adolescente con su dentadura un tanto irregular.

“David, tú que has sido de todo, desde personaje del espacio, extraterrestre, hasta vampiro, ¿a qué le tienes miedo?” Guardó silencio un instante y soltó una carcajada: “I am afraid I am not afraid of anything” (Me temo que no le temo a nada), respondió mientras volteaba a ver a los miembros de su staff, con complicidad.

Una semana antes de su presentación en el Autódromo Hermanos Rodríguez (hoy Foro Sol) me avisaron que tenía que entrevistarlo para la televisión. Bowie llegaba por fin a México durante la gira del álbum Earthling, en octubre de 1997. Iba a darme una entrevista privada de diez minutos, privilegio envidiable para todo periodista y para mí como historiadora del rock, aún más. No había escuchado Earthling y decidí no preguntar nada del álbum, ni de la gira, ni de México, ni del concierto. Eso lo iba a decir de mil maneras en la rueda de prensa. Quería aprovechar mis minutos sola con él y sólo me preocupaba sonar inteligente. Me puse a estudiar. Internet era un tanto incipiente y la información accesible estaba en libros, periódicos, revistas y en la memoria. Me emocionaba/preocupaba ver sus ojos. Aunque muy nerviosa, sabía que no me iba a imponer mi ídolo, pero sí me imponía estar frente a David Bowie y hablar con él. Llegó el día. Entré al cuarto acondicionado para la entrevista. Incienso, flores, el sillón para Bowie y el mío. Las cámaras estaban ya listas y una persona del staff probaba las luces del lugar donde él estaría sentado y daba instrucciones. Me harían una señal cuando faltaran tres minutos para concluir. Apareció. Traía lentes oscuros, así que el problema de distraerme con sus ojos estaba solucionado. Su dentadura había sido modificada. Problema resuelto también. Traía zapatos-tenis, playera y unos pantalones cortos que dejaban ver los tatuajes en sus pantorrillas: poemas escritos en somalí para homenajear a su esposa, la supermodelo Iman. No me pareció muy alto –siempre lo había imaginado más alto, quizás por su figura

“Acabas de participar en la película Basquiat, en el papel de Andy Warhol quien, como tú, era un coleccionista compulsivo. Platícame de tus colecciones, la de libros, la de arte, ¿cuántos libros tienes?”. Silencio nuevamente, suspiro largo. “¡Ah mis libros! Tengo alrededor de diez mil y pienso que ya no me alcanzará la vida para poder leerlos todos (…) Siempre me ha fascinado el arte y me he dedicado en años recientes a coleccionar el trabajo de artistas ingleses contemporáneos, para promoverlos y apoyarlos. Pienso que es importante y es mi manera de contribuir a la divulgación del arte de forma concreta”. “Si pudieses crear hoy un personaje con el impacto que tuvo Ziggy Stardust, ¿qué se te ocurre crear?” Con una leve sonrisa nostálgica, me respondió: “El mundo ha cambiado desde entonces y las posibilidades actuales son inmensas, eso lo veo muy de cerca través de mi hijo, con quien comparto mucho de lo que sucede”. Las señales para concluir se dieron y agradecí. Mientras nos quitaban los micrófonos, le dije: “Fíjate que además de trabajar en televisión, también soy académica en la universidad y soy astróloga. Saqué tu carta astral, pero por ninguna parte encontré tu hora de nacimiento, ¿me la puedes dar?” Sonrió y me dijo inmediatamente: “Mi hora de nacimiento es secreta, como mi mantra personal, pero recientemente he estado muy concentrado en la numerología, ¿qué tanto sabes de ello?” De ahí se derivó otra conversación, totalmente espontánea, informal. Sus asistentes lo llamaban para irse a la siguiente entrevista. Ahí me encontré verdaderamente con Bowie. Sus palabras breves, puntuales y significativas que me tocaron el corazón.


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The Man Who Fell To Earth, 1976

THE MAN WHO FELL TO EARTH UNA TRAYECTORÍA EN PELÍCULAS — Por Alonso Valencia

Como bien sabemos, el inmortal Camaleón no solo basó su carrera en la música, sino que el multifacético artista también logró establecer una brillante carrera en el cine, con decenas de filmes igual de particulares que Bowie, los cuales se distinguían completamente uno de otro gracias a sus temáticas, su estilo visual y, obviamente, su musicalización.

El primer largometraje en la carrera de David Bowie, The Man Who Fell To Earth, quedó en manos de David Roeg, quien previamente había dirigido Don’t Look Now (1973) conocida en Latinoamérica como Venecia Rojo Shocking. En la película, Bowie interpreta a Thomas Jerome Newton, un extraterrestre que llega a la Tierra en busca de agua para llevar a su planeta.

El largometraje se rodó en una de las etapas más duras en la vida del multifacético artista, ya que fue creado durante su adicción a la cocaína. Bowie aceptó en múltiples ocasiones que fue una experiencia difícil, conjuntando su adicción con su inexperiencia como actor, e incluso llegando a aseverar que había momentos en los que ni siquiera sabía qué estaba haciendo.


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El resultado fue verdaderamente remarcable, con un personaje que se muestra distante a la naturaleza humana en manos de Bowie, quien apenas comenzaba a forjar una fuerte carrera en el cine. Anteriormente, David Bowie había aparecido en un par de cortometrajes y series de TV, pero justamente después de “The Man Who Fell to Earth” y durante su estadía en Berlín se involucró en Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo y Schöner Gigolo, armer Gigolo, la primera de ellas, un retrato de la drogadicción en Berlín en los años 70, y la segunda un drama desarrollado en la Primera Guerra Mundial. En 1983 y basada vagamente en la novela del mismo nombre de Whitley Strieber, The Hunger, dirigida por el también fallecido Tony Scott, une a Bowie con la despampanante Catherine Deneuve y la hermosa Susan Sarandon, en una historia de vampiros combinada con la elegancia y la sensualidad con la que solían retratar a las criaturas de la noche en el cine de antaño. El filme fue particularmente controversial en su época, debido a varios cambios de último minuto que involucraron un final completamente nuevo y la reedición de varias escenas clave. El mismo Bowie se mostraba preocupado durante la comercialización de la cinta, debido a que contaba con demasiado gore para los estándares de la época. El resultado final fue un detonante de varias opiniones encontradas por parte del público y la crítica, debido a los claros cambios en post-producción que rompían con el ambiente que se presentaba en el filme, pero definitivamente cuenta con ciertas secuencias icónicas como el opening al ritmo de ‘Bela Lugosi’s Dead’, de Bauhaus. Otra de las películas más aclamadas de Bowie, Merry Christmas, Mr. Lawrence, narra la historia de Laurens van der Post, un prisionero de guerra británico que intenta descifrar el modo de pensar japonés, siendo considerado traidor e intercalando su historia con la de otros tres soldados clave durante la encarcelación de estos hombres en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Considerada como una de las mejores películas del artista , Furyo, por su nombre original, logró añadir a David a sus filas, después de que Oshima lo vio en la puesta en escena de El Hombre Elefante y percibió la fuerza interna del artista, razón suficiente para ponerlo en pantalla junto al multipremiado Ryuichi Sakamoto, quien se encargó de la banda sonora ganadora del BAFTA.

The Man Who Fell To Earth, 1976

Sencillamente, la película más recordada de Bowie fue estrenada también en 1986 , Labyrinth, que unía al artista con el visionario Jim Henson, en un mundo repleto de marionetas y escenarios escalofriantes que sólo pudieron haber nacido de esta extraña mancuerna, que nos regaló una de las mejores películas de culto. En ella, Bowie interpretó a Jareth, The Goblin King, quien decide raptar al hermano bebé de Sarah, interpretada por una joven Jennifer Connelly, que se embarca en un viaje muy al estilo de Alicia en el País de las Maravillas para recuperar al bebé. En esta ocasión, David también se encargó de un par de canciones de la cinta y la banda sonora desprendida de la misma. La película producida por George Lucas bajo Lucasfilm, que ahora es parte de la casa de ideas Disney, mantuvo entre sus propuestas para el papel de Jareth a Michael Jackson, Prince, Sting y Mick Jagger, pero al final se decidió por el misterioso carisma que envolvía a Bowie. Para la segunda mitad de la década de los 80 y con Bowie ya establecido como un gran artista, Martin Scorsese decidió incluirlo en The Last Temptation Of Christ, que fue censurada en un sinnúmero de países y se encuentra hasta la fecha como una de las películas más características del director ganador del Oscar. Con un reparto que incluye a Harvey Keitel, Victor Argo y Paul

Greco, Bowie hace el papel de Poncio Pilato, el gobernador de Judea que se encargó de aprisionar y asesinar a Cristo. En años posteriores, David Bowie participó en un biopic titulada Basquiat, que cuenta la vida de Jean-Michel, protegido de Andy Warhol, en la cual interpreta al mismísimo hombre clave en la masificación del pop art. Una de las más recordadas apariciones de Bowie es en Zoolander, uno entre decenas y decenas de cameos con los que cuenta la película de Ben Stiller que se convirtió en un momento legendario, al presentar a Bowie como el ícono de la moda que era. Hacia el final de su carrera, el Camaleón aún siguió trabajando en cine con personajes igual de misteriosos que sus múltiples personalidades. En The Prestige, de Christopher Nolan, David Bowie interpreta a Nikola Tesla, junto a Hugh Jackman, Christian Bale y Scarlett Johansson, además de aparecer como Stephen Jeffries en la película de la mítica serie de David Lynch Twin Peaks: The Missing Pieces. Queda claro que el paso de David Bowie en el cine no fue el de un simple artista que decide incursionar en el séptimo arte, sino que su filmografía fue seleccionada exquisitamente, tomando en cuenta sus propios gustos y el increíble tacto que tenía para incursionar en diferentes áreas.


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TIME MAY CHANGE ME, BUT I CAN’T TRACE TIME A TRAVÉS DEL TIEMPO — Por Steff Torres Ilustraciones: Eduardo Martínez

MOD

HIPPIE

1965 - 1968

1969 - 1972

El inicio dentro del medio musical no suele ser fácil. Éste, con el paso del tiempo, irá descubriéndose y abordando diferentes aspectos emocionales que repercutirán en su sonido y su proyección visual. Cuando Bowie comenzó no logró despegarse por completo de David Jones, usaba traje sastre, corbata y atuendos al estilo mod, con un peinado bastante clásico al estilo Brian Jones, de The Rolling Stones.

Los primeros destellos andróginos que tanto lo caracterizan comenzaron a brillar cuando optó por dejar crecer su cabello más allá de los hombros, como signo de lucha por una equidad en la manera y el tamaño en que los hombres podían llevarlo, hecho que se suma a las primeras apariciones de prendas femeninas en su atuendo –como el vestido diseñado por Michael Fish que utilizó en la portada de The Man Who Sold The World–.


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ZIGGY STARDUST

HALLOWEEN JACK

THE THIN WHITE DUKE

1972 - 1973

1974 - 1975

1975 - 1976

De la mano de su quinto álbum de estudio, Ziggy Stardust cobró vida y se apoderó de los escenarios, enfundado con botas de plataforma, un corte de cabello al estilo mullet en tono rojizo y los trajes de colores brillantes que parecían traídos de otra galaxia. Poco a poco Ziggy se fue rebelando contra sus prendas interestelares, para apostar por el uso de más maquillaje. Un círculo en la frente que representaba un tercer ojo y posiblemente el look más reproducido por sus seguidores, con el rayo que cruza la mitad de su rostro.

Conceptual, así se define el disco Diamond Dogs, con el cual tomó los escenarios a través de un personaje que llevaba por nombre Halloween Jack. Por ese entonces, Bowie sufría de conjuntivitis y debía usar un parche en el ojo, el cual supo adaptar de manera original a su look. Sin temor a nada y mucho menos a los colores, David mantiene las poderosas plataformas, agregando pañoletas multicolor y navegando como el máximo traficante de sonidos de la época.

Station To Station implicaba al alter ego The Thin White Duke en su temática. Tomó el estilo de su personaje en la cinta The Man Who Fell To Earth y lo vistió con inspiración en el cabaret; chaleco y pantalón negro, camisa blanca y cabello anaranjado relamido hacia atrás. Dejó los brillos a un lado para dar pie a una actitud más sobria, fue entonces cuando sus mayores problemas con la cocaína se presentaron.


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BERLÍN ERA

PIERROT

NEW ROMANTIC

1977 - 1979

1980

1980 - 1985

Durante la época de la ‘trilogía de Berlín’, Bowie desarrolló un gusto por la experimentación, admirando la música de Kraftwerk, el krautrock y el estilo de vida de una ciudad que transpira sonidos. Gracias a la colaboración con Tony Visconti y Brian Eno, tres grandes discos vieron la luz –Low, "Heroes" y Lodger– y con ellos un nuevo cambio de look, donde las boinas, las chamarras de piel y un corte de cabello mediano fueron los protagonistas.

Scary Monsters (And Super Creeps) trajo consigo grandes canciones como ‘Ashes to Ashes’ y ‘Fashion’, y con ellos al payaso Pierrot –vestido con un atuendo diseñado por Natasha Korniloff–. Este personaje inició una nueva forma de vestir de David, regresando a la extravagancia. Probablemente es una de sus prendas más llamativas, llena de texturas y colores pastel.

‘Let’s Dance’ dio otro giro en la manera de vestir de Bowie, tal como lo estaban haciendo los medios musicales al estrenarse MTV. Porta un cabello voluminoso y rubio oxigenado que no trataba de disimular su falsedad. Los trajes en color pastel y las prendas semi-formales muy holgadas fueron características de la época.


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ELECTRONIC

NEOCLASSICIST

FOREVER BOWIE

1992- 1999

2000- 2012

2013 - 2016

Los estampados siempre formaron parte de su estética, pero en los 90 Bowie se inclinó aún más por éstos, además de usar pantalones de cuero, botas altas y playeras tornasol. El cabello en spikey en un tono anaranjado/café y barba tipo goatee; los años pasaban sin mostrarse como una carga, siempre en la búsqueda de un nuevo estilo.

Ante todo, Bowie siempre mantuvo un amor por los sacos en sus diferentes formas, tamaños, colores y diseños. Para la época entre Heathen y Reality portaba uno parchado con apariencia desgarrada, con una mascada y una característica cadena. Su cabello era rubio y le llegaba a la mitad de la mejilla; Bowie se mantenía activo, marcando tendencia.

Experiencia, eso denotan las canas, y en un momento donde llevar el cabello platinado se ha puesto de moda, Bowie no dudó en dejar ver su edad, mientras se mantuvo a la vanguardia con un peinado que desafiaba la gravedad. Para sus últimos videos no dejó de lado la teatralidad, al usar una venda con un par de botones que simulaban unos ojos dañados. Hasta su último trabajo, nunca dejó de lado ese misticismo y estilo inusual que se mantendrá en nuestra memoria por siempre.


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EIGHT LINE POEM SU RELACIÓN CON LA LITERATURA — Por José Iván Ruiz Trejo

En 1998, Vanity Fair aplicó a David Bowie el famoso cuestionario Proust para conocer algunas de las facetas de su personalidad, así como las aspiraciones y sueños que tenía para el futuro. La primera pregunta fue: ¿Cuál es tu idea perfecta de la felicidad? Él contestó sin dudar: “Leer”. Así de importante era la lectura para uno de los artistas más relevantes de la cultura popular en los últimos 60 años.

La lista de libros también presentó varios títulos de corte musical, como Awopbopaloobop Alopbamboom: The Golden Age of Rock, del periodista Nik Cohn, o Sweet Soul Music: Rhythm And Blues And The Southern Dream Of Freedom, de Peter Guralnick, con el que descubrió los caminos de la música afroamericana y pudo tomar influencia para trabajos tan importantes como el álbum Hunky Dory o la canción ‘Modern Love’.

Así como Bowie fue totalmente influenciado por las lecturas que hizo, un mundo de escritores se inspiró en sus letras y álbumes. Sería imposible contabilizar la cantidad exacta de literatos con los que “intercambió ideas”, pero sí podemos escarbar un poco para tratar de entender algunas de las obras cuya única coincidencia, quizá, resulta ser él.

Aunque en sus primeros pasos como el artista pop que aspiraba a ser se nota la influencia de personalidades de teatro como Lionel Bart, Anthony Newley y Lindsay Kemp, Ziggy Stardust cuenta con rasgos de escritores de ciencia ficción, como Michael Moorcock y J.G. Ballard, famoso por el libro Empire Of The Sun pero creador de otros trabajos interesantes como The Wind From Nowhere, que trata sobre un vendaval que arrasa con todo ser vivo sobre la faz del planeta.

LOS TRABAJOS QUE INFLUENCIARON AL CAMALEÓN La Art Gallery of Ontario, en Canadá, abrió sus puertas en 2013 a la exhibición David Bowie Is que, entre otros artículos relacionados con el músico, incluía una lista de sus 100 libros favoritos, con títulos tan renombrados como “Lolita”, de Vladimir Nabokov; A Clockwork Orange, de Anthony Burgess, e incluso La Ilíada, de Homero, los cuales parecen darnos una pista de aquellos momentos en los que Bowie profundizó en temas como la apertura sexual y el erotismo, así como el camino de los héroes y las aspiraciones de grandeza.

Al hablar de ciencia ficción, Bowie tenía dos literatos de su preferencia: George Orwell y William S. Burroughs. Entre los libros que destacan del centenar de escritos está 1984, crónica de la llamada “distopía ficticia” en la que un gobierno opresor llamado Big Brother ha maniatado a la sociedad y busca erradicar cualquier rastro de cultura de sus mentes y corazones. Sin embargo, la lectura que más llama la atención es On The Road, de Jack Kerouac, uno de los héroes de la generación beat que narra un viaje aparentemente interminable entre dos amigos, situación con la que Bowie pudo

haberse identificado en su autoexilio en Berlín y fuente esencial de inspiración que dio origen a su conocida trilogía: Low, "Heroes" y Lodger. Kerouac y la generación beat fue apadrinada por Burroughs, hombre que se entrevistó con Bowie en 1974, gracias a la revista Rolling Stone, y coincidió con el artista en la idea de que The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars y Nova Express tienen bastantes similitudes en sus visiones apocalípticas; incluso Burroughs se atreve a comparar a Bowie con T. S. Eliot, a lo que éste responde que nunca ha leído alguna de sus obras, al menos hasta ese momento. Se desconoce la cronología de sus lecturas, pero entendemos que jamás dejó ese gran placer, pues cada influencia literaria vive en sus discos y es bien conocida la calidad de sus letras. El genio es algo que se fomenta y se nutre, aunque se necesita siempre de la ayuda del entorno para que la cultura sea perpetua.

LA INSPIRACIÓN POR Y PARA BOWIE Pensar que Bowie no es una figura fundamental para la música y las artes del siglo pasado sería tan tonto como egoísta, algo que él mismo no fue en toda su carrera. Como se dijo en líneas anteriores, no se sabe cuántas obras han sido influenciadas por los muchos trabajos del músico, pero sí hay suficientes escritores que le han rendido ese gran homenaje que no necesitaba, ante la grandeza de sus creaciones.


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David Bowie y William Burroughs, 1974 (Color por David Bowie). Foto: Terry O Neill


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Neil Gaiman, autor de novelas gráficas como Sandman y Stardust, ha declarado que Bowie fue parte fundamental en la creación de varias de sus historias. Inclusive The Return Of The Thin White Duke está inspirada totalmente en la vida de Bowie, con un toque de ciencia ficción. La novela fue dibujada por Yoshitaka Amano. Aleksandar Hemon, escritor de best sellers como The Lazarus Project y Behind the Glass Wall, expresó que su disco favorito de David Bowie es "Heroes" y aceptó, a través de la canción homónima, que el

arte “jamás se desgasta y nunca deja de significar algo”. Por su parte, Porochista Khakpour, autora de The Last Illusion, congenió con el rechazo de Bowie hacia la actitud norteamericana en contra de las minorías, especialmente la afroamericana, cuando sacó el disco Young Americans. Una de las ideas más entrañables de John Wray, quien es considerado de los mejores escritores del nuevo siglo, creador de la novela Lowboy, señala el reto que representa, según ha dicho, el escuchar ‘Sound &

Vision’ –seas una persona creativa o no– y suprimir un suspiro por la vida de aquel hombre que la creó. David Bowie ha muerto y muchos escritores han expresado su pesar a través de las redes sociales. Gente como J.K. Rowling, Sloane Crosley e Irving Welsh hablaron de lo maravillosa que fue la vida y obra de este genio, cuya única intención fue reflejar la visión compleja de un hombre de clase media que siempre vio más allá de las estrellas sin despegar los pies del suelo.


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David Bowie, Marion Cotillard y Gary Oldman en el video 'The Next Day', 2013


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SOUND & VISION EXPERIMENTACIÓN E INNOVACIÓN EN VIDEO — Por Iván Lechuga

Hablar del legado artístico de David Bowie es una tarea exhaustiva que pasa por la música, la moda, lo histriónico y, por supuesto, lo audiovisual. El uso del video musical como vehículo para extender el mensaje de su arte fue una constante a lo largo de su carrera, retando a sus admiradores con cada nuevo trabajo al igual que lo hacía con cada canción. Hasta –literalmente– el final de su carrera, este hombre rompió los paradigmas de la industria del entretenimiento. Bowie siempre utilizó el video como un complemento de sus experimentaciones musicales. El trabajo para ‘Ashes To Ashes’, del álbum Scary Monsters (And Super Creeps), de 1980, fue el video musical más caro en su momento, con una producción de 250 mil euros y una sicodélica ambientación, que utilizó fuertes contrastes coloridos que pintaban un mar de plateado mientras Bowie, disfrazado de Pierrot, caminaba por la playa

con su séquito. Este era un artista que buscaba expandir los horizontes del video musical antes de que entrara en su apogeo (o siquiera existiera) MTV, en dirección opuesta a sus videos más austeros de los años 70, aunque no necesariamente menos atractivos. Un ejemplo es aquel para "Heroes", con un Bowie que simplemente hizo playback, una silueta solitaria sobre el escenario en un encuadre sencillo, en contrapunto a la opulencia de la producción musical en la que se encontraba el artista durante su etapa experimental de la ‘trilogía de Berlín’. Pensándolo bien, fueron varios los videos en este estilo austero. Otro referente es aquel para ‘Life On Mars?’. Filmado en 1973, David aparece en un traje azul cielo, con maquillaje en los párpados y sus característicos mechones naranjas, en el punto máximo de su androginia durante la era Aladdin Sane (fue filmado

un par de años después del lanzamiento del álbum Hunky Dory que contiene la canción). La iluminación sobreexpuesta resaltaba la figura femenina de Bowie, un ser enigmático y confuso para la audiencia que no sabía si estaba viendo a un hombre, a una mujer o un extraterrestre, una producción sencilla para un personaje extravagante que cantaba sobre el consumismo post-sesentero; excluyendo lo del consumismo, Bowie repasaría este concepto en ‘Be My Wife’, contenida en Low (1977). Pero no todos los videos de Ziggy Stardust en la primera mitad de los 70 fueron sutiles. Mick Rock dirigió el promocional de ‘The Jean Genie’ (1972) en las calles de San Francisco, con Bowie haciendo gala de todo el glam junto a Cyrinda Foxe a las afueras del Mars Hotel y The Spiders From Mars haciendo un performance del track. El resultado final es un destilado del chic desaliñado que atrapa todo lo que era cool del glam.


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Diez años después, durante el despegue de MTV, Bowie aprovechaba el concepto del video como plataforma independiente de la música. Para ‘Let’s Dance’, del álbum homónimo de 1983, el músico reclutó al reconocido director David Mallet para filmar secuencias en las calles de Sydney y en el remoto outback australiano. Las imágenes seguían teniendo congruencia con los sonidos pero ahora había una historia que contar: Un grupo de aborígenes australianos se topan con los zapatos rojos mencionados en la canción (símbolo de la mágica transportación en El Mago de Oz) y pasan a vivir a una ciudad moderna del occidente, no muy lejos de su lugar de origen. Sin embargo, no logran adaptarse y escogen regresar a su aldea. En medio de todo esto, Bowie se pasea por ahí, baila y requintea. Así, en un instante, nuestro querido artista envió un mensaje en contra del consumismo, el colonialismo y en pro de la autenticidad de los individuos por medio de imágenes, mientras la canción seguía invitando a las parejas a pasarla bien. Los videos con trama serían algo recurrente a partir de entonces. Durante los 90 el gusto visual de Bowie se tendió hacia lo primario y, por momentos, lo grotesco, acompañando su nuevo sonido industrial. Samuel Bayer, director de ‘Smells

Like Teen Spirit’, se encargó del video para el sencillo ‘The Hearts Filthy Lesson’, de Outside (1995), donde lo violento y lo explícito invaden el panorama visual del promocional, en una época en la que Nine Inch Nails definía los nuevos límites del buen gusto (más tarde, Bowie, siempre un sabueso del zeitgeist, buscaría trabajar con Trent Reznor para ‘I’m Afraid Of Americans (V1) Remix’, otro buen video). El artista británico también buscaría el joven talento detrás de las cámaras, tal como el de Floria Sigismondi para ‘Little Wonder’, en 1997. En el 2013, el año que dictó el regreso de David Bowie, volvió a trabajar con Sigismondi para el video ‘The Stars (Are Out Tonight)’ en donde podemos apreciar una dirección mucho más madura y actuaciones verdaderamente expresivas por parte de Bowie, Tilda Swinton y los jóvenes andróginos Andreja Pejíc y Saskia de Brauw. Ese mismo año vuelven a trabajar juntos en su siguiente video del sencillo ‘The Next Day’, en el que aparecen Gary Oldman y Marion Cotillard y Bowie aparece como un profeta. Este video fue censurado por su contenido sangriento y ampliamente criticado por sus obvias referencias Cristianas torcidas hacia “el pecado”.

Sus últimos dos videos, ‘Lazarus’ y ‘Blackstar’, desprendidos del álbum del mismo nombre, fueron dirigidos por Johan Renck (The Last Panthers) y cierran el círculo de su misticismo y las pistas que dejó a lo largo de su carrera con una enorme carga de simbología cuidadosamente premeditada. Por supuesto que nadie anticipa con gusto su propia muerte, pero no habíamos visto a ningún artista incorporar su propio fallecimiento como parte de su arte, tal como lo hizo Bowie en ‘Lazarus’, video que fue lanzado tan sólo unos días antes de que pasara a mejor vida, después de perder contra el cáncer. En él, el artista yace en su lecho de muerte con los ojos vendados, antes de volver a meterse en el closet, ataviado en el mismo traje que portó en la película The Man Who Fell To Earth (1976). Sobra decir que es un video que seguirá siendo punto de debate por muchos años. El mundo no sólo se ha quedado sin un artista extremadamente talentoso, sino que ha perdido a un ser único al momento de encontrar nuevas tendencias en el arte a nivel mundial (si no se encontraba creándolas él mismo). David Bowie en video es un vasto trabajo repleto de innovación, a la altura de su obra musical.


[ 01 ] Life On Mars?, 1973 [ 02 ] The Jean Genie, 1972 [ 03 ] Lazarus, 2016 [ 04 ] The Hearts Filthy Lesson, 1995

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THE ELEPHANT MAN SU PASO POR EL TEATRO — Por Augusto Ledesma

Durante la mayor parte de su vida, David Jones llevó sobre su persona no sólo la máscara de personajes tan enigmáticos e icónicos como Ziggy Stardust o The Thin White Duke, sino la del más grande personaje que el siglo XX pudo haber admirado: David Bowie. A pesar de que este año celebró su cumpleaños 69, David Bowie nació realmente hace 50 años, cuando cambió su apellido de Jones a Bowie. El cambio de nombre le permitió dejar de ser un joven común para convertirse en alguien más, algo mucho más interesante que un simple aspirante a cantante con hambre de fama. Se convirtió en cualquier cosa que quiso ser, una especie de ‘everymen’. En 1976, David declaró que toda su carrera era una actuación, a través de sus diferentes personajes.


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Esta máscara y todas las demás que llegó a portar, como aquellas que usan los actores, cantantes y personalidades –e incluso nosotros mismos, diariamente– tienen su origen en la antigua Grecia y los primeros años del teatro. En ese entonces las máscaras tenían ciertos usos prácticos, con rasgos distintivos que hacían a los personajes reconocibles a distancia; sin embargo, su función más importante era el de la transformación, pues permitían a un elenco conformado sólo por hombres ir más allá de su verdadera identidad, convirtiéndose en un héroe mitológico o un sátiro lujurioso, un viejo necio o una mujer hermosa (las mujeres tenían prohibido actuar en ese entonces), un esclavo o un dios. Con este disfraz podían decir y hacer cosas que en la vida cotidiana no era posible, y se podían presentar a la audiencia eventos, acciones e ideas que eran horripilantes o ridículas, inspiradoras o fantásticas. En todo el mundo griego, las representaciones teatrales fueron generalmente conectadas con la adoración al dios Dionisos que, aunque a menudo es considerado simplemente como el Dios del vino, es el poder de transformación lo que más le caracteriza, pues es fundamentalmente el Dios de la mutabilidad: las uvas convertidas en vino, los sobrios en ebrios, la fealdad en belleza, los humanos en dioses y el orden en caos.

La carrera de Bowie a lo largo de los años 60 se ajusta al dicho de Thomas Edison: “El genio es 1% inspiración y 99% transpiración.” Aunque trabajó duro y recorrió Gran Bretaña con mas de diez bandas distintas, nunca alcanzó el éxito deseado. En esta etapa, David cambiaba de estilos musicales más rápido que de estilos de peinado. En retrospectiva, es posible ver hacia donde iba su carrera, pero en 1967 su ambición de éxito musical se había visto frustrada después de lanzar su fallida canción ‘The Laughing Gnome’. No volvió a sacar un sencillo durante dos años pero fue en ese tiempo que cayó bajo la influencia de Kemp, quien lo ayudó a canalizar su talento en la danza y la actuación, y lo enseñó a expresarse sexualmente hasta el clímax de Space Oddity y, más tarde, Ziggy Stardust. Aunque David pareció venir de la nada en los años 70, como un joven andrógino heraldo del rock and roll por venir, no nos dimos cuenta de que había luchado por el éxito durante diez años, tiempo en el que trabajó para encontrar la fórmula perfecta de la fama. Kemp recuerda:

La primera incursión de Bowie en el teatro fue en 1967, cuando estudió con el artista disidente, coreógrafo y director Lindsay Kemp. Ese año, David pudo aparecer en la famosa producción de mímica inglesa Pierrot In Turquoise en el papel de Cloud, un baladista que comentaba a través de sus canciones la acción de la obra, muy al estilo de Brecht y Weill. Él se encargó también de escribir e interpretar la música.

“Cuando lo conocí, él estaba desilusionado y trabajaba en una oficina, (incluso) pudo haber considerado el abandonar la música por completo. David y yo habíamos sentido la necesidad de trabajar juntos, yo me había identificado con sus canciones y él había visto mis actuaciones, y se identificó. Yo cantaba los temas de mi vida con mi cuerpo, él cantaba su vida fabulosamente utilizando su voz, entonces nos dimos cuenta que al ponernos juntos la audiencia no podría evitar ser cautivada. Yo le enseñé a expresarse y a comunicarse a través de su cuerpo, le enseñé a bailar, le mostré la importancia de una apariencia. El mimo utiliza gestos para transmitir su belleza interior y David hace eso con su voz, sus gestos no son realmente los de un mimo. Al improvisar, le digo a la gente que escuche la música, que se abandone a sí misma y se traslade por completo a otros lugares, para entonces convertirse en otro personaje. David siempre fue muy bueno en eso. Dios lo sabe, él era un camaleón.”

La mayoría de las personas aman a David el cantante, por supuesto, pero David el actor también ha acumulado devotos fans. Muchos apenas lo descubren a través de “clásicos de culto” como The Man Who Fell To Earth, de Nicolas Roeg, o Merry Christmas, Mr. Lawrence, de Nagisa Oshima. Lo que pocos saben es que David el actor tuvo su gran oportunidad antes que David el cantante.

Pero no todo era extravagancia y glamour. En 1980, cuando realizó su debut en la obra de Broadway The Elephant Man, dio una actuación excepcional del papel de John Merrick. Sin necesidad de prótesis ni maquillaje, dejó ver a la audiencia las deformidades de su personaje por medio de la fisicalidad de su interpretación. La crítica lo empapó de comentarios positivos y fue el momento en el que probó que realmente era un actor nato.

El teatro siempre fue importante para Bowie. En diciembre, su drama Lazarus, realizado en coautoría con Enda Walsh, fue aclamado como una “salvaje, fantástica y alucinante” obra maestra, “una meditación de dos horas sobre el dolor y la esperanza perdida”.

David nunca rechazó la pretensión, supo desde el principio que “la autenticidad y la forma natural de expresión no iba a ser mi forte. De hecho, en lo que era bueno y lo que disfrutaba más era el juego de ‘¿qué tal si…?’: ¿Qué pasa si se combina el drama musical de Brecht-Weill con el rhythm and blues? ¿Qué sucede si trasplantas la chanson francesa con el Philly Sound? ¿Podrá Schoenberg acostarse cómodamente con Little Richard? ¿Se pueden poner haggis y caracoles en el mismo plato? Bueno, no, pero algunas de las ideas sí funcionaron muy bien.” La relación de David con Brecht no terminó ahí. En 1982 participó en la versión televisiva de Baal, de la BBC, escrita por Bertolt Brecht cuando todavía era estudiante de la Universidad de Munich, a los 20 años. La historia cuenta, en prosa y verso, las peripecias de un poeta errante que vive en los márgenes de la sociedad como el típico genio rechazado que, intoxicado, satisface todos sus apetitos animales cuando y donde quiere; le tocaría al ente más camaleónico de los 80 otorgarle forma definitiva más de seis décadas después. Así que tal vez no se puede hablar de David el cantante y David el actor después de todo, si fueron inseparables en ese entonces, sin duda siempre lo han sido, y si Ziggy Stardust no cuenta como teatro, ¿qué sí lo hace? Parece que casi todo el mundo tiene una historia sobre cómo su música, su persistencia, su generosidad, su genio o su rareza descarada cambiaron sus vidas. Pero la mayoría de las personas han desfragmentado a David Robert Jones. Hay quienes lo consideran un icono de la moda, un extraterrestre profético, un hombre de elegancia sublime e incluso la inspiración de todos los bichos raros, los maricas, las lesbianas, los reinas drag. Yo prefiero creer que su retiro de los escenarios en 2006 fue también su forma de terminar con aquella máscara que llevó puesta durante décadas, que se apropió de todos los aspectos de su vida excepto, tal vez, el interpersonal. La muerte del personaje Bowie, su vuelta al origen y cómo David Jones pasó sus últimos años disfrutando una tranquila y discreta vida inglesa familiar, esa es la idea que prefiero conservar. Él mismo lo dejó muy claro: “Soy Pierrot. Soy todos los hombres. Lo que estoy haciendo es teatro y sólo teatro. Lo que se ve en el escenario no es siniestro, es clown puro. Me estoy usando a mí mismo como lienzo y trato de pintar la verdad de nuestro tiempo.”


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EL AUTOMÓVIL GRIS —

Por Daniela Castellanos

Para hablar de este ente inmortal llamado David Bowie es necesario recordar algunas de las aportaciones que hizo a lo largo de su carrera. Él no fue sólo música, fue un artista multidisciplinario que se convirtió, con el paso de los años, en un ícono de la cultura pop; influencia para algunos, mesías musical para otros. Al hablar de un hombre con estas características, alguien convertido en leyenda aún en vida, es normal que no muchos puedan presumir el placer de haber compartido un momento con El Duque Blanco, menos haber colaborado con él o cruzar palabra siquiera. Claudio Valdés Kuri puede, y lo hace.


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escena, invitándolo a realizar una intervención. Él aceptó gustoso, pero desafortunadamente su productor no lo permitió debido a la gran cantidad de actividades que ya tenía programadas.” A pesar de que no tuvo la oportunidad de participar, Bowie estuvo presente en cada uno de los ensayos y puso atención en cada detalle para que la función fuese perfecta, como el director comenta:

Empecemos esta historia diciendo que Claudio, de origen mexicano, es fundador y director del Teatro de Ciertos Habitantes, compañía interdisciplinaria que une el cine, la danza, las artes plásticas y el teatro para crear obras totalmente inusuales, con un largo proceso creativo. Entre sus producciones existe una en particular que hoy debemos resaltar: El Automóvil Gris, misma que hace honor a la película clásica del cine mudo mexicano, dirigida y producida por Enrique Rosas en 1919. Lo curioso de esta puesta en escena es la manera en que se desarrolla, al salir de lo convencional y fusionar el libreto con el estilo artístico Benshi, técnica japonesa en la que algunos narradores dan voz a los actores que aparecen en pantalla mientras ocurre la proyección y se acompaña por música en vivo.

“EN LOS PRIMEROS DÍAS DE 2006 RECIBIMOS UN EMAIL A NOMBRE DE UN TAL DAVID BOWIE, LO CUAL TOMAMOS A BROMA Y NO RESPONDIMOS.”

Con dichos antecedentes es fácil entender por qué la compañía es una de las mejores posicionadas a nivel internacional, con ocho puestas en escena en su historia que la han llevado a destacados festivales internacionales, entre los que se encuentra The High Line Festival, en Manhattan. Aquí es donde la historia se pone interesante: ¿Qué relación tiene esta obra, la compañía y el mismo Claudio con Bowie? Bien, quien conozca a este genio sabrá que la actuación era una de sus grandes pasiones, y que uno de sus placeres más grandes era el poder disfrutar del teatro, ya fuese de Broadway o del circuito independiente. Justamente en una

de estas escapadas, durante una de sus giras, Bowie tuvo la oportunidad de observar El Automóvil Gris en su versión Benshi, quedando tan impresionado con la representación que en 2006, a través de su mail personal, contactó a Claudio y lo invitó a participar en The High Line, como él mismo recuerda: “En los primeros días de 2006 recibimos un email a nombre de un tal David Bowie, lo cual tomamos a broma y no respondimos. Tiempo después volvió a contactarnos y, dando el beneficio de la duda, finalmente contestamos. Efectivamente, era el mismísimo Bowie quien nos invitaba a presentar El Automóvil Gris en The High Line Festival, cuya programación estaba compuesta únicamente por los espectáculos que más le habían gustado a esta estrella.” Este evento, llevado a cabo en Nueva York, ocurre con la finalidad de rendir tributo a una eminencia del espectáculo. Dentro de éste, la celebridad homenajeada se encarga de curar y reunir aquellas presentaciones artísticas y musicales que más le han gustado, para compartirlas con su público. Una vez que la compañía aceptó formar parte del encuentro, de inmediato iniciaron los preparativos para viajar a Manhattan, conocer al músico y afinar los detalles necesarios. “Cuando conocimos a Bowie quisimos involucrarlo en la puesta en

“Antes de la función interactuamos con él. Era un caballero en la máxima extensión de la palabra, se aseguró de que todo estuviera listo, maquillaje, ensayos, fue un excelente anfitrión.”

Para Claudio, Bowie fue un ente que iba más allá de toda la extravagancia que reflejaba, era un ser que demostraba y transmitía paz interior, alguien que en determinado momento sufrió múltiples facetas emocionales y supo sacarles provecho a través de su talento. Después de dejar todo preparado, Bowie presenció la obra en un lugar escondido dentro del cine oscuro de Nueva York en el que se llevó a cabo, reflejando ese misticismo que siempre lo caracterizó. “Al terminar el espectáculo comentó a la prensa: ‘¡Debieron haber estado ahí! ¡Fue absolutamente brillante!'. Bowie es parte de la historia de El Automóvil Gris y de haber tenido el honor de compartir el escenario con él, hubiésemos querido que entrara en la recta final de la obra, acompañando al silencio con la voz de alguna de sus obras maestras”.


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GOOD BYE MR. DAVID —

Por Sara Araujo | Foto: Jimmy King

Las aportaciones más significativas en la historia de la humanidad siempre dejan una huella imborrable en el recuerdo de todos, y es bien sabido que en el ámbito musical David Bowie dejó un legado por el que siempre será recordado como un excelente artista, multifacético, y sobre todo, como un maravilloso ser humano. Músicos, políticos, padres e hijos, todos respondieron con la misma sorpresa y sensación de pérdida al saber sobre su muerte, con algunas reacciones tan conmovedoras que lograron tocar nuestro corazón. A continuación compartimos algunas de las más significativas. Duncan Jones, hijo de Bowie, fue quien confirmó la noticia: “Muy apenado y triste de decir que es verdad. Estaré desconectado por un tiempo. Mucho amor a todos.” Madonna también compartió el dolor con la familia de Bowie y enfatizó la importancia que el músico tuvo para ella: “¡Estoy devastada! ¡Este gran artista cambió mi vida! ¡Fue el primer concierto al que asistí en toda mi vida, en Detroit! (...) Nunca me sentí cómoda en Michigan, sentía que no pertenecía, como

un bicho raro, entonces fui a su concierto en Cobo Arena, Detroit. Yo ya tenía muchos de sus discos y me sentía profundamente inspirada por la forma en la que jugaba con la confusión en temas de género, era masculino y femenino a la vez, divertido y serio, astuto y sabio. Sus letras eran irónicas y al mismo tiempo misteriosas.” Otro artista que se hizo notar con la pérdida de Bowie fue Iggy Pop, uno de los más grandes íconos del rock y uno de sus colaboradores más apegados: “Mi amistad con David fue la luz de mi vida. No había conocido a una persona tan brillante. Él fue lo mejor.” Paul McCartney también compartió el sentimiento de tristeza. Pese a que nunca colaboraron formalmente, Bowie y McCartney compartieron escenario para el concierto Live Aid, en 1985, con una versión de ‘Let It Be’: “Muy tristes noticias para despertar en esta mañana lluviosa. David era una gran estrella y atesoro todos los momentos que vivimos juntos. Su trabajo formó parte importante de la historia musical británica y me enorgullece pensar en la gran influencia que ha tenido alrededor del mundo. Mi más sentido pésame

para su familia, siempre recordaré las risas que compartimos estos años. Su estrella brillará en el cielo para siempre.” The Rolling Stones se unió en una solemne despedida, reconociendo las particularidades de Bowie: “En The Rolling Stones estamos conmocionados y profundamente tristes por la muerte de nuestro querido amigo David Bowie. Además de un maravilloso y agradable ser humano, él fue un artista extraordinario y verdaderamente original.” Mick Jagger, quien colaboró con el músico en el cover a ‘Dancing In The Street’, de Martha And The Vandellas, compartió un breve mensaje de despedida en lo individual: “David siempre fue una inspiración para mí, verdaderamente original. Era maravillosamente descarado en su trabajo y tuvimos tantos buenos momentos juntos. Él era mi amigo, nunca lo olvidaré.” Keith Richards no se quedó atrás y se unió al homenaje: “Estoy profundamente triste por tan inesperado shock. David mostraba originalidad en todo lo que hacía y, así como muchos otros, lo voy a extrañar. Otro adiós a otro buen amigo.”


“LA MUERTE DE DAVID LLEGÓ COMO UNA TOTAL SORPRESA, ASÍ COMO CASI TODO LO RELACIONADO CON ÉL.” -BRIAN ENO


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Asimismo, Debbie Harry tuvo algo que decir: “Era como un poeta del periodo romántico. Lo más increíble es justo eso, ponerme en su lugar y pensar: ‘Wow, que gran idea a la cual aferrarse’, en vez de tirarme, enferma y miserable. David tomaba la energía que le quedaba y era creativo, haciendo lo que más le gustaba. Así que ahora pienso que esa es la parte más admirable, aunque es algo complicado de manejar ahora. Todo esto es un gran tributo a su esfuerzo y creatividad. Él tenía una visión completa de todo y la llevó consigo hasta el final.” La cantante también aseguró que el artista fue una parte muy importante del éxito de Blondie: “Sin su visión y su amigo Iggy Pop, ¿dónde estaría Blondie hoy? Es una pregunta tonta que tal vez no pueda responderse, pero no cabe la menor duda de que, en mis recuerdos, Bowie formó gran parte de nuestro futuro. Por ahora, te quiero David Bowie.” David Cameron, primer ministro británico del partido conservador, habló del cantante y compartió lo que significó la música de Bowie en su vida: “Fue alguien con quien crecí. Él proporcionó un soundtrack para nuestras vidas, desde la primera vez que escuché ‘Space Oddity’ hasta el día en que recibimos a los atletas británicos en las olimpiadas

de Londres con una de sus obras maestras, "Heroes". Él fue también un maestro de la reinvención que se mantuvo haciendo lo correcto, dejando una cantidad de material que la gente seguirá escuchando en los próximos 100 años. Él era alguien que de verdad merece ser descrito como un genio.” Tony Visconti también habló sobre esta pérdida. El músico fue productor de buena parte de su discografía, por lo que era alguien muy allegado. Visconti comparte su última plática con Bowie: “En la etapa final de su enfermedad, él planeaba trabajar un nuevo disco. Yo estaba verdaderamente emocionado y pensé, al igual que él, que tendríamos, mínimo, un par de meses más. Si estaba emocionado por comenzar un nuevo disco claramente era porque pensó que tendría más tiempo. El final debió haber sucedido muy rápido, no estoy al tanto. No sé exactamente cómo fue, pero probablemente empeoró rápidamente después de esa última llamada”. Brian Molko, líder de Placebo, fue colaborador y gran amigo de Bowie. Dentro del trabajo que lograron juntos destaca ‘Without You I’m Nothing’. Con la pérdida de David, Molko escribió un extraordinario homenaje: “Donde sea que te

encuentres ahora, te extrañamos. No sólo extraño tu presencia, mi corazón está hecho pedazos. Eras mi ídolo, y te volviste un mentor y mi amigo. Aprendí tanto de ti sólo de estar en tu presencia, de nuestras conversaciones y, claro, viendo tus shows. (…) Creíste en nosotros y nos regalaste tantas oportunidades fantásticas. Sin ti, sin tu tutelaje y sabiduría no estaría donde estoy el día de hoy no sólo como artista, también como persona. Estaré eternamente agradecido por esto.” Brian Eno, gran influencia en la música ambiental, formó parte fundamental en la carrera de David. Éxitos como Low, "Heroes" y Lodger fueron grabados de la mano del compositor. Tiempo después, también trabajaron juntos en el álbum Outside. Eno también se manifestó ante el fallecimiento de su colega: “La muerte de David llegó como una total sorpresa, así como casi todo lo relacionado con él. Siento un enorme vacío ahora. (...) Hace siete días recibí un correo de él, tan gracioso como siempre y tan surreal, enredado en juegos de palabras y alusiones, y todo lo que normalmente hacíamos. Éste terminaba con el enunciado: ‘Gracias por nuestros buenos tiempos, Brian, nunca se pudrirán.” Estaba firmado como ‘Atardecer’. Ahora comprendo que se estaba despidiendo.”


BLACKSTAR EL ÚLTIMO MENSAJE — Por Natalia Montes | Foto: Jimmy King


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LOS SÍMBOLOS SE PUEDEN ESTUDIAR DESDE VARIOS PUNTOS DE VISTA Y CADA QUIEN TIENE EL DERECHO DE DESCUBRIR UN NUEVO SIGNIFICADO EN LA LÓGICA DE SU PROPIA CONCEPCIÓN. SIN EMBARGO, EL ÚLTIMO ÁLBUM DE DAVID BOWIE TIENE UN LÚGUBRE MENSAJE IMPLÍCITO QUE NO PUDIMOS CONFIRMAR SINO HASTA DESPUÉS DEL 10 DE ENERO DE 2016. HEMOS APRENDIDO DE TONY VISCONTI, SU AMIGO Y COLABORADOR DE TODA LA VIDA, QUE CIERTAMENTE EL DISCO FUE PLANEADO COMO UNA DESPEDIDA CUIDADOSAMENTE ORQUESTADA. LAS LETRAS Y VIDEOS DE ESTA PRODUCCIÓN MUESTRAN CÓMO SE FUE ACERCANDO A SU MUERTE. “FUE UN REGALO DE PARTIDA PARA SUS FANS.” EN UN COMUNICADO OFICIAL, EL PRODUCTOR DIJO: “ÉL SIEMPRE HIZO LO QUE QUISO Y ÉL QUERÍA HACER ESTO A SU MANERA, DE LA MEJOR FORMA. SU MUERTE NO FUE DIFERENTE A SU VIDA, UNA OBRA DE ARTE. DURANTE UN AÑO SUPE DE LO QUE SE TRATABA Y CÓMO SERÍA, SIN EMBARGO, NO ESTABA PREPARADO PARA ELLO. ÉL FUE UN HOMBRE EXTRAORDINARIO, LLENO DE AMOR Y VIDA. SIEMPRE ESTARÁ CON NOSOTROS. AHORA ES APROPIADO LLORAR.”


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Pero además de estas declaraciones, ¿en qué otros aspectos nos podemos basar? El título del álbum y la portada: el título puede tener una gran cantidad de asociaciones. Por ejemplo, puede ser una representación de sí mismo, Starman en color de luto. También puede venir de la canción ‘Blackstar’, de Elvis Presley (una de las más grandes influencias de David Bowie). La portada es la única en toda su discografía que no tiene su foto, lo que podría representar un vacío. Algunas personas dicen que “Blackstar” viene de su condición médica, pues en ocasiones el cáncer crea patrones microscópicos que parecen estrellas negras. Otra explicación interesante es la del mito del Hermano Oscuro del Sol, la estrella negra que es la contraparte del astro que nos alumbra. Más adelante hablaremos al respecto. Ahora, siete son las canciones que conforman el disco. Desde un punto de vista teológico, el número siete está asociado con la plenitud y la perfección. Según la Biblia, en la palabra de Dios el número siete es igual a un ciclo terminado (Génesis 2:2-3 “Y acabó Dios en el día séptimo la obra que hizo.”) En el caso de Bowie, después de estas siete canciones su ciclo entre nosotros terminó. En el video de ‘Blackstar’ podemos ver el cadáver de un astronauta en un planeta incógnito. Este cuerpo podría ser el mismo Major Tom, el personaje que creó Bowie en su primer éxito ‘Space Oddity’, quien se pierde en el espacio debido a que los controles de su nave fallan y nunca vuelven a saber de él. Una habitante de ese planeta lo encuentra, se lleva consigo el cráneo y lo mete a una caja de cristal. Este cráneo está decorado de manera muy parecida

a los esqueletos enjoyados de Alemania, Suiza y Austria, los cuales fueron originalmente hallados en 1578 dentro de las catacumbas romanas como huesos anónimos y posteriormente fueron decorados con valiosas joyas, pues pensaban que eran los cuerpos de mártires cristianos. También podemos ver una vela que, aunque está en un lugar remoto y solitario, se quema por la eternidad ¿Será esta también una representación de sí mismo? La arquitectura del planeta incógnito, por otro lado, es muy similar a las ruinas de la primer civilización terrícola conocida: los sumerios. Curiosamente, ellos y los egipcios creían en la existencia de un sol negro –o el Hermano Oscuro del Sol– ubicado al final de nuestro sistema solar, llamado Nibiru. Lo que hoy se conoce como el Planeta X es una estrella oscura –que en su momento ardió como el sol–, con una órbita elíptica en un campo gravitacional que poco a poco impulsa cometas hacia la Tierra. El astrólogo Carl Jung, a quien Bowie admiraba, en algún punto reconoció la teoría de que los sumerios tuvieron contacto directo con los extraterrestres annunaki. Pues bien, sabemos que Bowie estuvo familiarizado con esos temas desde muy joven y lo hizo notar durante toda su carrera, sin desaprovechar su última entrega para hacer referencia de manera simbólica. El video de ‘Lazarus’ fue estrenado el 7 de enero, un día antes del cumpleaños 69 de Bowie y del lanzamiento mundial del álbum completo. Mientras la letra inicia con las líneas “Look up here, I’m in Heaven/I got scars that can’t be seen” (Mira hacia arriba, estoy en el cielo/ Tengo cicatrices que no pueden ser vistas) podemos ver al artista sufriendo en una cama

de hospital, mientras una fuerza ajena tiene poder y control evidente sobre él. Después, trata de escribir algo con mucha dificultad y, finalmente, se escabulle en un clóset oscuro. Esto podría interpretarse como su enfermedad, su dificultad para despedirse y su ataúd. En el video aparece el mismo cráneo enjoyado que la chica extraterrestre remueve del cuerpo del astronauta en ‘Blackstar’. Además de la trama del video, Lazarus, o Lázaro de Betania, es un personaje bíblico que es revivido por Jesucristo cuatro días después de su muerte. Bowie, pese a que ya no está en su forma física, ha revivido. Ahora lo vemos y todo tiene sentido. El mensaje estuvo ahí siempre, pero tenía que pasar lo inevitable para poder comprenderlo. En el aspecto musical, el estilo no puede ser encasillado en ningún género. Según Tony Visconti su objetivo fue evitar el rock and roll a toda costa. Así fue, lograron una combinación de tiempos irregulares propios del jazz, saxofones disonantes, sintetizadores, bajos contundentes, finos arreglos de cuerdas y más detalles que se condensan en algo inclasificable con la sensación primordial: oscuridad. Todas las letras tienen cierto aspecto conflictivo, nostálgico y sombrío, sobre todo la pieza con la que concluye Blackstar, ‘I Can’t Give Everything Away’, en la que habla de que algo está muy mal, calaveras a sus pies y el hijo pródigo (quien se pierde en las sombras y después regresa). Después de este recuento, quizás David Bowie no sólo dejó Blackstar como su fina despedida, tal vez nos quiso decir algo más profundo que un elegante adiós. Lo que es certero es que vivirá hasta el fin de la eternidad.


THE GIFT OF SOUND AND VISION | 080

RED HOT CHILI PEPPERS

UNDER THE INFLUENCE —

DEF LEPPARD

Por Staff WARP

DEPECHE MODE

CAN CHER ALICE COOPER

DEATH IN JUNE

BOB DYLAN

DINOSAUR JR.

LOU REED

ELTON JHON

ADAM AND THE ANTS

PINK FLOYD

THE KINKS

THE ROLLING STONES

A FLOCK OF SEAGULLS

THE VELVET UNDERGROUND

PORTISHEAD

BECK

POISON MINISTRY

CARLA BRUNI NEW ORDER

T-REX

PIXIES SPANDAU BALLET

DAVE MATTHEWS

BAUHAUS

PET SHOP BOYS

BLONDIE CHIC

COCTEAU TWINS GARY NUMAN

SOFT CELL

MADONNA

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN

THE STOOGES

PSYCHIC TV

FAITH NO MORE

DURAN DURAN

THE BEATLES

SISTERS OF MERCY

CULTURE CLUB

IGGY POP

ELVIS COSTELLO

EURYTHMICS

TEARS FOR FEARS

STEVIE RAY VAUGHAN

KRAFTWERK JAPAN

SONIC YOUTH

KISS JOY DIVISION

MOTT THE HOOPLE

SUEDE NEU ! SIMPLE MINDS

QUEEN

TANGERINE DREAM

THE HUMAN LEAGUE

SUZI QUATRO TINA TURNER

ABBA

TALKING HEADS

VISAGE THE SMITHS

TELEVISION U2 ULTRAVOX THE CURE

YAZOO


CONTEMPORÁNEOS

60'S

70'S

80'S

90'S

2000

2010

INFLUENCIADOS

BJÖRK

GARBAGE

KASHMIR

MOBY

FOO FIGHTERS

MOLOKO

OF MONTREAL

BLUR

QUEENS OF THE STONE AGE

PULP

OASIS

NINE INCH NAILS

MUSE

MARILYN MANSON

PLACEBO THE CHARLATANS

NIRVANA

STONE TEMPLE PILOTS

ROBYN ROBBIE WILLIAMS

SPOON

THE PRODIGY

THE LIBERTINES ARCTIC MONKEYS

RADIOHEAD

EDITORS HOT CHIP

COCOROSIE FRANZ FERDINAND

KASABIAN JOSS STONE

JANELLE MONÁE

KLAXONS LADY GAGA

KEANE

MY CHEMICAL ROMANCE LCD SOUND SISTEM

TAME IMPALA

SANTIGOLD SCISSORS SISTERS

THE KILLERS

PINK

M.I.A

PANIC! AT THE DISCO THE ARCADE FIRE

THE DARKNESS

TEGAN AND SARA

THE NATIONAL

THE RASCALS

POND

THE USED

THE XX

TV ON THE RADIO

THE DEAD WEATHER

WARPAINT

THE KILLS ASTROPOL

BOSS BOB MOSES

ADELE COURTNEY BARNETT

YEAH YEAH YEAHS ICONA POP

DISCLOSURE

GRIMES

FLORENCE AND THE MACHINE

DU BLONDE

MELODY’S ECHO CHAMBER

KIESZA LANA DEL REY

MILES KANE

LORDE LIGHT ASYLUM

VOWWS THE PRETTY RECKLESS

NICOLAS JAAR SEMI PRECIOUS WEAPONS

WOLF ALICE THE WEEKND


ONCE YOU TRY IT, YOU´LL NEVER LEAVE IT.

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083 | REVIEWS

BODY OF WORK —

En la actualidad, son pocas las bandas o músicos que logran cargar sobre sus hombros una discografía tan amplia y diversa como la de David Bowie. 25 piezas de estudio cuentan el paso del artista por nuestro mundo (claro, sin contar compilados, singles, EPs, soundtracks y demás). Hoy hacemos un recorrido por sus LPs y presentamos un recuento de los que, para nosotros, son sus diez álbumes más destacados a nivel sonoro, relevantes hablando de industria musical, e ilustres, porque a su manera ayudaron a moldear la cultura contemporánea. Empecemos nuestra aventura brillante…


REVIEWS | 084

HUNKY DORY David Bowie RCA Records 1971

Tal vez lo que hace bueno a un disco es que después de escucharlo mil veces siga sonando tan fresco y cautivador como aquella primera vez. Eso es lo que pasa con Hunky Dory (1971), de David Bowie. Después de la salida de The Man Who Sold The World (1970) el músico buscaba reflejar una diversidad de estilos y potencia lírica. Es así como llegamos a la icónica portada andrógina del primer álbum referido, la cual irradia un mar de cambios en busca de un gancho de unión al pop, sin dejar esos riffs poderosos que se sumergen en su clásica potencia. Empezamos colocando el lado A del disco, así podemos escuchar el coro irresistible que se va alternando al ritmo de ‘Changes’, refiriendo a lo que se siente escupir a la vida por lo que dejaste de ser. Canciones

como ‘Oh! You Pretty Things’ y ‘Kooks’ fueron la forma más sincera de darle la bienvenida al mundo a su primer hijo, Duncan Jones: “Will you stay in our lovers’ story / If you stay you won’t be sorry”. Así podemos pasar por ‘Eight Line Poem’ hasta llegar a preguntar “Is there life on Mars?”, cantando sin cesar el maravilloso coro: “Sailors fighting in the dance hall…”. ‘Quicksand’ es melódicamente encantadora, acompañada de un perfecto adorno en la guitarra y arreglos en cuerdas cortesía del genio Mick Ronson. Llegamos a la segunda parte del disco con ‘Fill Your Heart’, que termina con un dramático falsete y un provocativo saxofón, arrastrándonos por el deseo de ser libres. Al hablar de sus inspiraciones, hay partes más experimentales como en ‘Andy

Warhol’ y ‘Song For Bob Dylan’, sin olvidar ‘Queen Bitch’, canción escrita para Velvet Underground y Lou Reed que da entrada a la guitarra distorsionada y abre la puerta, descaradamente, al glam rock que se convertiría en un elemento distintivo de Ziggy Stardust unos años después. Probablemente algunos piensen en ‘The Bewlay Brothers’ como algo pasivo, pero es más bien la perspicaz forma en que el músico logró otorgar profundidad y variedad, apoyado en coros sublimes. Hunky Dory nos muestra lo complejo que era David Jones, sumergiéndonos en las arenas movedizas de su pensamiento y danzando por los diferentes estilos que marcarían los pasos de sus próximos 21 discos, mismos que narran la vida de una estrella que sigue brillando. -Majo Thielve


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THE RISE AND FALL OF ZIGGY STARDUST AND THE SPIDERS FROM MARS David Bowie RCA Records 1972

‘Space Oddity’, de 1969, fue el inicio del viaje por alcanzar el éxito que David Bowie confirmaría al aterrizar tres años después con la que podríamos considerar su primera gran obra, que lo ayudaría a consagrarse en el firmamento durante la eternidad. Para lograr eso, Bowie sabía que no podía ser el mismo que hasta entonces había conocido el mundo, él debía ser diferente, debía ser más que el mundo, debía ser de otro mundo… Apoyado de su genial habilidad para tomar lo mejor de diferentes lugares, dio vida a un nuevo personaje que sería bautizado con el nombre de Ziggy Stardust. Ziggy, en gran medida, era alguien que reflejaba lo que Bowie nunca había sido hasta entonces. Su aspecto y actitud eran electrizantes y con un aire retador, totalmente alejado del Bowie bohemio e incluso inocente que anhelaba encajar con sus

semejantes, que en ese entonces animaban la escena local desde varios años atrás. Ziggy sabía que no podía lograr su conquista solo, así que reclutó a otros tres músicos: Mick Ronson, Trevor Bolder y Mick Woodmansey, a quienes nombraría The Spiders From Mars. Entre ellos, el que más destacaría sería Ronson, quien desde antes de acompañar a Ziggy en su conquista interestelar ya gozaba de cierto reconocimiento terrenal por sus extraordinarias habilidades en las seis cuerdas, mismas que quedaron expuestas en las incendiarias presentaciones en vivo de la banda y en las aportaciones, en forma de improvisación, contenidas en el disco, como ese épico solo al final de ‘Moonage Daydream’, convirtiéndose en el mejor aliado que Bowie había necesitado hasta entonces para encontrar, por fin, el sonido que lo definiera.

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars no sólo fue la semilla que detonó el glam rock, fue la afrenta de Bowie a un mundo que hasta entonces no lo había aceptado, un mundo con personas incomprendidas como él que lo adoptarían como su nuevo mesías, una declaración de sexualidad y, quizá la que más le importaba, una declaración de éxito, ese que tanto había buscado y que por fin se materializaba al final de la puesta teatral que significó el nacimiento y la muerte de la figura de Ziggy, quien desde otro mundo y a través de 11 temas canta sobre el fin de la humanidad (‘Five Years’), sobre nunca perder la esperanza (‘Starman’), sobre seres que no pertenecen a este mundo (‘Lady Stardust’), sobre amar y reconocer a los que son diferentes (‘Ziggy Stardust’) y que realmente nadie está solo en este mundo (Rock ’N’ Roll Suicide). -Alejandro Altamirano


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DIAMOND DOGS David Bowie RCA Records 1974

El año era 1973. Ziggy Stardust ya se había transformado en Aladdin Sane y el glam rock comenzaba a mostrar señales de decadencia. Bowie estaba por mudarse a Estados Unidos. Berlín todavía no se veía en el horizonte. Bowie buscaba una manera de deshacerse de la imagen de Ziggy, misma que lo había llevado a la fama. Nos encontramos ante la primera ruptura importante de sus múltiples egos. No sería la última. Diamond Dogs se inserta en esta disyuntiva. Entre el disco de covers Pin Ups (1973) y Young Americans (1975), otro de sus grandes clásicos. En ese tiempo, Bowie planeaba llevar a escena una producción teatral basada en la obra de George Orwell, 1984, lo cual no rindió frutos. No obstante, decidió reunir los cortes grabados para ese propósito con su propia visión distópica del mundo. De ahí nació el concepto de “Diamond Dogs”. Dividido en dos secciones, este disco cuenta la historia de Halloween Jack, en un primer momento, un rebelde que vive en una versión post-apocalíptica de Nueva York ahora llamada Hunger City, infestada de pulgas del tamaño de ratas y ratas del tamaño de gatos. La gente es delgada debido a la hambruna, pero eso no les impide estar a la moda con cabellos pintados de colores, y buscar divertirse en alguna fiesta mientras se transportan en patines viejos, cuyos fierros rechinan a cada paso. La segunda parte profundiza en este concepto post-apocalíptico a través de la visión orwelliana. Musicalmente hablando, Diamond Dogs representó el primer disco grabado sin el total apoyo de su banda, The Spiders From Mars. También significó una reunión con Tony Visconti, con quien ya había trabajado en The Man Who Sold The World (1970) y quien se convertiría en uno de sus principales colaboradores a lo largo de su carrera.

El sonido de este álbum comenzaba a dejar de lado el aspecto glam para retomar un sonido fuertemente influenciado por The Rolling Stones, es decir, un rock con esencia blues – sólo hay que escuchar el riff del intro de ‘Rebel Rebel’–. A pesar de esta base, el mismo Bowie decidió tomar una guitarra para incorporar riffs disonantes que sirvieron para ambientar el concepto del álbum. La influencia de The Velvet Underground también se hizo presente, especialmente en la ejecución vocal del corte ‘Diamond Dogs’, donde es posible notar cierta semejanza con la voz de Lou Reed. Por otro lado, el reprise de ‘Sweet Things’ termina con un primer coqueteo al krautrock que se hacía en Alemania durante ese tiempo, elemento

que reaparecería en Low (1977), primer disco de la ‘trilogía de Berlín’. Puede decirse que Diamond Dogs es un disco de transición, lo cual no demerita su peso. Es uno que marcó un antes y un después en el trabajo de Bowie. Es claro que este artista logró crear una mitología llena de personajes extraños y lugares fantásticos, que bien podrían haber salido de una de las mejores novelas de ciencia ficción. Por ello, sus alter egos, incluso los menores, nos sirven para entender lo que Bowie vivía en todos y cada uno de los momentos que ahora componen su legado. -Victor G. García


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LOW David Bowie RCA Records 1977

En 1976 David Bowie se encontraba viviendo en LA, disfrutando de los excesos del estilo de vida californiano y lidiando con una adicción a la cocaína que sólo empeoraba, musicalmente seguía envuelto en el funk/soul que Estados Unidos había impregnado en su arte. Cansado de vivir en este loop tomó la decisión de volver a Europa y encontrar un santuario en el cual pudiera reinventarse en todos los sentidos; el destino se llamaba Alemania, sin embargo, había que hacer una escala. Así, Bowie viajó a Francia y, junto a su productor y amigo Tony Visconti, se instaló en Château d’Hérouville, una casa de campo del siglo XVIII convertida en estudio de grabación (se decía que estaba embrujada por los espíritus de Frédéric Chopin y George Sand). Tras la unión de Brian Eno (Roxy Music), el visionario de la música ambient, el equipo estaba listo para grabar bajo una simple premisa: experimentar con música durante un mes para crear algo que, quizá, nunca vería la luz. Así fue como una de las obras sónicas más ambiciosas en la carrera de David fue concebida, uno de los álbumes que terminaron por definir la música electrónica tal y como la conocemos. Lo que Bowie logra en el lado A del LP es genial, conmovedor y, al mismo tiempo, se aleja de lo que en ese momento se conocía de su personalidad musical, sin

dejar de transmitir ese rock pop que supuraba de manera natural. ‘Speed Of Life’ marca el inicio de un viaje y sienta los lineamientos, dejando claro que escuchar el disco no va a ser del todo sencillo, que hay que poner atención a cada capa de sonido y, por último, nos advierte acerca del uso casi obligado de sintetizadores y percusiones artificiales a lo largo de las 11 piezas. ‘Breaking Glass’ aparece entonces con una letra oscura y nada complaciente, que fotografía los demonios de los que el músico escapaba por aquel entonces. ‘Sound And Vision’ inicia poco después, camuflada como un track instrumental que al paso de los segundos nos entrega una de las letras más sublimes y, al mismo tiempo, introspectivas del Camaleón. Llega ‘Always Crashing In The Same Car’ y nos muestra la frustración de alguien que comente el mismo error una y otra vez, mientras ‘Be My Wife’ nos ofrece, quizá, el momento menos electrónico del disco, sin perder la complejidad o forma. Con ‘A New Career In A New Town’ Bowie nos pone frente al instante instrumental más optimista de la pieza y nos prepara para la segunda parte de este material. El lado B es una historia aparte. Cuando Eno, Visconti y Bowie grabaron Low acordaron

no tener reglas y dejar que la inspiración los llevara al lugar indicado. Parece que esa resolución en particular quedó plasmada en los últimos cuatro tracks del disco: ‘Warszawa’ nos acaricia con los lamentos de Bowie tras su visita a la capital polaca, tras la Segunda Guerra Mundial; ‘Art Decade’ nos lleva a Berlín del Este en los 70 y nos pinta su panorama gris, sui generis, apartado del mundo, y ‘Weeping Wall’ nos coloca frente al muro de la capital alemana, a la vez que nos hipnotiza con sus diversas percusiones y atmósferas. Para cerrar, ‘Subterraneans’ corona esta obra maestra del siglo XX, un track que nos arrastra al punto más “bajo” de la miseria humana representada por el corazón germano, abatido tras la caída del Tercer Reich, apenas 30 años atrás. Low apesta a Alemania, incluso cuando el LP fue grabado en Francia y únicamente mezclado en dicho país, sin embargo, funciona como un fiel retrato de la trilogía berlinesa de Bowie. Intrigante, hermoso, nostálgico y adelantado a su tiempo por lo menos 20 años, no es de extrañar que la placa se convirtiera en una de las piezas angulares de la experimentación sonora y erigiera la leyenda de Bowie como genio musical, apenas al lado del showman y el artista. -Diovanny Garfias


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"HEROES" David Bowie RCA Records 1977

Decir David Bowie hoy significa referenciar a un genio que tocó a más de una generación y magnificó cada expresión artística en la que se sumergió. Para la segunda mitad de los años 70 había demostrado mucho más de lo que cualquiera esperó alguna vez y sin embargo seguía siendo objeto de menosprecio y desvalorización tras la salida del álbum Low que, en ese momento, no capturó todos los elogios que sólo el tiempo le entregaría. Era 1977, aquel Thin White Duke se había alejado en apariencia y estaba a punto de llevarse sus hábitos consigo, así que Bowie, la personalidad primaria del artista, volvió al Hansa Tonstudio con Tony Visconti y Brian Eno, y teniendo como testigo a una de las estructuras más vergonzosas que la humanidad haya erigido, creó una pieza maravillosa, sicótica, onírica y aún así repleta de realidad cruda, lastimosa, merecedora de repudio absoluto si no hubiese sido el detonante perfecto de la genialidad de este artífice sonoro, quien se estableció por

completo en Berlín y concibió al único hijo berlinés de los que conformarían su conocida trilogía: "Heroes". Años después del lanzamiento de la placa, Bowie declaró a la revista Uncut que la complicidad de músicos tan talentosos como Carlos Alomar, Robert Fripp, Dennis Davis y George Murray no dio duda de una ejecución perfecta en cada nota, por lo que su única prioridad fue sentir una ciudad en la que aún se registraban muertes al intentar cruzar el muro que la cortaba por la mitad. De tal modo, la letra de ‘Joe The Lion’ surgió en el momento mismo de su grabación, la extraordinaria guitarra de Fripp en ‘Beauty And The Beast’ proviene de la primera toma que hizo –como en la mayoría de las pistas– y ‘Sense Of Doubt’ fue hecha bajo la guía de Oblique Strategies (sistema de tarjetas con aforismos, creado por Eno). Al igual que Low y esa ciudad que lo vio nacer, este material está dividido en dos partes: la

primera constituida por canciones en estricto sentido y la segunda por piezas instrumentales (aunque habrá que decir que ‘V-2 Schneider’, dedicada a Florian Schneider, cofundador de Kraftwerk, sí cuenta con elementos vocales). Sin embargo, si bien la característica es notoria, "Heroes" no se desfragmenta al pasar de un lado a otro, mas aún se complementa y presenta una deliciosa gama de ritmos que vuelve a incluir el krautrock, el ambient y la mejor muestra de artrock, mientras evoca lo mismo euforia y calma, sátira y apología, consciencia e inconsciencia. El mundo no podía ignorar la profusa valía de un disco como "Heroes", cuya canción homónima es de lo más hermoso que pueda escucharse jamás, reivindicando la visión de un hombre capaz de asimilar una realidad y convertirla en arte. “There’s old wave. There’s new wave. And there’s David Bowie…”. Nada más acertado podría decirse de él. -Karina Luvián


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LET’S DANCE David Bowie EMI 1983

Es bien sabido que la carrera de David Bowie pasó por múltiples facetas a través de los años, pero una de las más satanizadas por los fans acérrimos del Camaleón involucró uno de sus cambios más drásticos que, a su vez, resultó en uno de sus más grandes éxitos. Bowie siempre tuvo un gran tacto para escoger a la gente con la que trabajaba: Mick Ronson, Brian Eno, Iggy Pop, Carlos Alomar, Tony Visconti, Lou Reed, entre muchos otros, por lo que cuando buscas a la persona indicada para cambiar tu sonido por completo y acercarte a los estándares de una década en la que la música es, más que nunca, parte clave de la cultura pop, te acercas a Nile Rodgers, guitarrista principal y cofundador de Chic. Alejándose de la profundidad, la complejidad y el misterio que envolvían al Bowie de la ‘trilogía de Berlín’, junto con el infravalorado

Scary Monsters (And Super Creeps), Let’s Dance parecía la fotografía perfecta de la época, con letras más simples, melodías accesibles y pegajosos riffs. Cabe destacar que esta faceta originó una cantidad increíble de detractores, y es difícil dejar de lado que de los ocho temas del álbum, tres ya habían aparecido de alguna manera en la carrera de Bowie: ‘China Girl’ es un cover a la canción de Iggy Pop –coescrita por él mismo–, ‘Cat People (Putting Out of Fire)’ es una nueva versión del tema creado por Bowie y Giorgio Moroder para el filme Cat People, de 1982, y ‘Criminal World’ es original de la banda Metro, de Peter Godwin. Bien, tomando en cuenta que estas tres canciones ya existían, los nuevos temas de Bowie son increíbles, ya que aunque cambió radicalmente el estilo con el que se había establecido en los 70, logra un álbum que va más allá de un simple trabajo pop, capturando toda la esencia de sus discos y personajes previos con este

toque de la década, para así entregarnos grandes contribuciones como ‘Ricochet’ y ‘Modern Love’, que ofrecen ese misticismo característico de David Bowie. Let’s Dance encierra la clave para crear un pop sustancioso y profundo que ya no se ve en nuestros días. Incluso los temas revisitados son, para muchos de sus fanáticos, versiones mejoradas. Probablemente este sea el álbum que más ha dividido a sus fanáticos; sin embargo, logra ejemplificar de manera perfecta cómo hacer pop con cerebro a través de canciones que, siendo simples a primera vista, ofrecen toques sutiles con líricas que rebasan lo común e incorporan la maestría de dos grandes mediante melodías pegajosas, sin perder la complejidad que demuestra que David Bowie pudo hacer de todo a nivel musical sin perder nunca su toque personal. -Alonso Valencia


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EARTHLING David Bowie Sony Music 1997

En ciertas ocasiones, los fans de un artista no responden bien ante un cambio drástico de rumbo. Ese fue el caso de Earthling. Algunas personas decidieron omitir esta etapa en la carrera musical de Bowie al ser un álbum que de nueva cuenta marca una dirección totalmente distinta en su sonido, pero de una manera no tan amigable como lo fue, por decir algo, su transición del glam al soul en los 70. Este álbum fue parcialmente influenciado por la cultura rave de esa época y por bandas como Nine Inch Nails, The Prodigy y Underworld. El sonido es producto de una fusión entre elementos de jungle y drum ‘n’ bass mientras continúa integrando detalles industriales utilizados previamente en Outside (1995). La producción estuvo a cargo del mismo Bowie al lado de Reeves Gabrels y Mark Plati. El álbum comienza siendo interesante por el hecho de que Bowie, de 50 años de edad, incursionó en un estilo que únicamente tenía seguidores jóvenes lo que, por ende, le consiguió una nueva y fresca base de fans; una irrupción totalmente inesperada. Musicalmente, las canciones están repletas de cambios y giros instrumentados de manera variada. Es rico en texturas y formas, lo cual es comprensible al tener una selección de músicos destacados. Tiene elementos soul y pianos al estilo jazz clásicos de Bowie que eventualmente terminan siendo desquebrajados por la potencia de guitarras distorsionadas que siguen la línea industrial de la época, logrando el objetivo inicial de producir algo realmente dinámico y agresivo. El uso de la tecnología fue un elemento clave, pues cada track está respaldado por ritmos electrónicos y bailables soltados como artillería –creados con una combinación de sampleos y percusiones– aunque realmente las estructuras de las canciones son más parecidas al rock que al techno, al no haber secuencias repetidas en loop. Earthling se prestó bastante para experimentar con síntesis digital, pues las pistas grabadas de

las guitarras y el saxofón fueron procesadas y reconstruidas con un sintetizador, para crear una sensación sonora totalmente distinta que, al mismo tiempo, mantuviera la esencia del instrumento grabado. En portada, Bowie aparece de espaldas con una prenda diseñada por Alexander McQueen, una gabardina rasgada con una desconstrucción de la bandera de Reino Unido. Las letras una vez más tocan temas del espacio (era una

época en la que la prensa hizo mucho ruido acerca de la posibilidad de que hubiera vida en el planeta rojo), exilio, distracción, así como aspectos de mortalidad e incluso pragmatismo. Earthling es un álbum infravalorado y de cierta manera incomprendido, que una vez más cae en la enunciación de un trabajo adelantado a su época. -Natalia Montes


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'HOURS...' David Bowie Virgin 1999

dad a nivel composición y producción, como ‘Something In The Air’, ‘Survive’ y ‘Seven’, que adoptan el tenor de ‘Thursday’s Child’, mientras que la parte final se caracteriza por sonidos más procesados que nos remontan por momentos a ese Bowie industrial y ruidoso de mediados de los 90.

1999 fue un periodo de cambios profundos. Mientras algunos intentábamos entrar en la modernidad de la mano de Internet, el mundo estaba mutando –geopolíticamente hablando– en una versión muy cercana a lo que hoy conocemos. Más allá de aquellos pueriles intentos por montarnos en el tren de la globalización, que hoy vemos lejanos, o de las nuevas configuraciones que los líderes maquinaban, existía un deseo por querer dejar atrás las viejas formas y enfrentar al nuevo milenio con un espíritu renovado.

y agresivos, bien representados por Outside (1995) y Earthling (1997), por lo que algunos de sus más fieles seguidores esperaban un álbum en esa línea. Sin embargo, el 21 de septiembre de aquel emblemático año, Bowie sorprendió a todos con un álbum publicado en formato digital (quizás el primero lanzado de esa manera por un artista firmado por un sello trasnacional) que se alejaba de los elementos electrónicos, decantándose por un sonido más orgánico y, por qué no decirlo, pop.

Si a través de la historia de la música ha existido alguien que sabe renovarse, ese es precisamente David Bowie, un hombre que a través de 25 álbumes se transformó de todas las maneras imaginables. Como era de esperarse, el final de un milenio no tomó al Camaleón con la guardia baja; el cambio fue una de las más grandes constantes en su paso por la Tierra. Para 1999, Bowie venía de una etapa de experimentación con sonidos más industriales

‘Thursday’s Child’ fue el tema encargado de abrir el disco, un track que suena exactamente al momento histórico en que fue lanzado, que nos deja ver a un músico más relajado, no tan obsesionado por los métodos de grabación, que consigue fluidez y naturalidad a lo largo de la obra.

Como era de esperarse, la lamentable partida de este músico inglés impulsó una revalorización de su trabajo, en donde álbumes como 'Hours...' son colocados en la canasta de “los menos importantes”. Lo cierto es que, a la distancia, es un disco que suena increíblemente bien y fresco, pero sobre todo, no forzado, algo que sólo se logra con el oficio adquirido tras décadas en el negocio de la música y el talento con el que pocos, pero muy pocos, tienen la fortuna de nacer.

La primera mitad de 'Hours...' está compuesta por temas muy amigables y de gran cali-

-Raúl Arce


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THE NEXT DAY David Bowie Sony Music 2013

Era 2013 y llegaba el cumpleaños 66 de David Bowie para beneplácito de sus fanáticos. Debido al largo silencio de diez años tras la salida de Reality, había pocas esperanzas de que el inglés sacara material, así como de verlo de nueva cuenta en los escenarios o, siquiera, en la vida pública que siempre rehusó cohabitar con los mortales. Justo ese 8 de enero la página oficial del artista daba a conocer que Bowie no sólo estaba bien, sino que lanzaría sorpresivamente un nuevo álbum, de la mano de su productor de confianza Tony Visconti, lo que provocó literalmente que el mundo musical colapsara de alegría y confusión. Fue entonces que pudimos escuchar, por primera vez, ‘Where Are We Now’, una balada con tintes melancólicos que rompía el silencio, como si aquello que nos habían arrebatado volviera en tan sólo un segundo. El álbum, que salió primero en Australia y dos días después a nivel mundial, contenía gran frescura, incluso más que las grabaciones de los 90. Las 14 piezas –más tres extras en la edición especial– estaban perfectamente cuida-

das, como si Bowie las hubiera escogido para repasar todas las facetas musicales que vivió durante sus casi cuatro décadas de carrera. El track uno, que da nombre al disco, tiene un primer estribillo increíble: “Here I am, not quite dying”, dando a entender que Bowie se reía de los rumores de su muerte. Después, la variedad de armonías y emociones tiene un sube y baja espectacular; con ‘Dirty Boys’, de rítmica R&B, volvemos a escuchar la voz grave del británico, y ‘The Stars (Are Out Tonight)’ nos remite a ese sonido espacial que, a su vez, refiere a su ser cósmico y transmite cómo las estrellas jamás mueren, y podemos verlas por toda la eternidad. Al continuar con el disco encontramos ‘Love Is Lost’, canción que evoca mucho lo que experimentaba el artista con su disco Scary Monsters, mientras que ‘Valentine’s Day’ podría ser la interpretación digerible para la audiencia general, con su ritmo pegajoso, para después volver a entrar en la sicodelia de ‘If You Can See Me’. Canción por canción, Bowie nos lleva de la mano

hacia pequeños fragmentos de su legado, como un museo lleno de pinturas de cada movimiento. Lo que más se puede resaltar de The Next Day es lo fácil que Bowie demuestra su capacidad para reinventarse y no perder su esencia. Vemos su madurez con ‘How Does The Grass Grow?’ y su delicadeza en ‘You Feel So Lonely You Could Die’, una gama de emociones que se manejan gracias a la participación de excelentes músicos como Sterling Campbell y Gerry Leonard, quienes grabaron en secreto y por separado en Nueva York, como si se tratara de demos. The Next Day puede ser el último gran disco que demuestra la capacidad de David Bowie de asombrar a su público y al mismo tiempo engañarlo. Las últimas palabras del cantante en el track ‘Heat’ lo confirman: “Soy un vidente pero soy un mentiroso”, un gran mentiroso que nos tenía una última sorpresa dos años después, con su último trabajo en vida. -José Iván Ruiz Trejo


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BLACKSTAR David Bowie Columbia / Sony Music 2016

Regularmente Bowie es la referencia obligada cuando se habla de creatividad, reinvención, experimentación y genialidad musical. Tanto así, que cuando hablamos de música contemporánea viajamos casi de manera instantánea hacia alguna de sus placas en su amplia discografía, y entonces sí, hacemos el balance en cuestión. “Que si Bowie hizo tal o cual cosa en los sesenta”, “que Ziggy sentó las bases de esto o aquello”, “que Tin Machine ayudó a acuñar el término supergroup”, etc.; esa es la magia y la mística que rodea tu trabajo cuando te llamas David Bowie y así de importante y trascendente eres para el resto de los mortales. Con Blackstar, su álbum número 25, parece que la única manera de desmenuzarlo es recordando otros grandes momentos en la trayectoria del artista. De entrada hay que decir que la placa, como la mayor parte de sus trabajos, no es tan amable como para “entrar” a la primera escucha, hay que

dedicarle tiempo y aceptar el pequeño reto de su autor, y así encontrar los tesoros que se encuentran en su producción. Bowie recurrió de nueva cuenta al experimentado Tony Visconti y el ejercicio arroja resultados diferentes a lo hecho en The Next Day (2013), si en éste el sonido fue más instrumental e intencionalmente apegado a Scary Monsters (And Super Creeps) (1980), pero con un tono más festivo (muy a lo Black Tie White Noise), en Blackstar nos encontramos con sonoridades oscuras, con marcadas reminiscencias a tracks como ‘The Loneliest Guy’ o ‘Brilliant Adventure’, aires de medio oriente y atmósferas de ensueño. A nivel idea, el músico nos lleva de vuelta a los 90, como si Outside (1995) y Earthling (1997) hubieran retumbado en su cabeza durante los meses de composición; el tema que da título al disco tiene sus pizcas de ‘I’m Deranged’ pero con el soul que el artista lleva tatuado

en su ADN, en una aventura de más de diez minutos en los que Bowie se proclama a sí mismo una “estrella negra”. El sax se encarga de guiar ‘Tis A Pity She Was A Whore’, un tema que ya habíamos escuchado, pero que adquiere nueva vida de la mano del maestro Donny McCaslin. ‘Lazarus’ nos muestra al nihilista que vivía dentro del artista, ese personaje con el que Bowie gustaba de reclamar a dios y al mundo cada que podía. ‘Sue (Or In A Season Of Crime)’, otro tema que ya habíamos escuchado, se envuelve en un ropaje más electrónico (quizá sea el tema más apegado a este género del disco), con grandes referencias sónicas de ‘Battle For Britain (The Letter)’ e incluso, al clásico ‘Little Wonder’. ‘Girl Loves Me’ bien podría ser un guiño a Low (1977), menos experimental pero con más poder, cortesía de un bajo potente y una letra “futurista” (inserte la referencia de Anthony Burgess). El viaje termina con dos joyas que podrían pertenecer a Tonight (1987) con una orientación pop y tintes de dance de avanzada, ‘Dollars Days’ y ‘I Can’t Give Everything Away’, esta última, particularmente, nos muestra al músico que se atrevió a hacer lo que le vino en gana, de la manera más honesta, ya fuera a través de un álbum conceptual, una trilogía de discos experimentales o, como en este caso, una simple canción de (des)amor. Con esta última gran entrega de Bowie, queda claro el nivel de genialidad que ostentaba, incluso en sus días más difíciles. Así, el truco final de este ilusionista sónico fue perpetrar su leyenda y al mismo tiempo, como bien dijo Visconti, “hacer de su muerte una obra de arte”. -Diovanny Garfias


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ENGLISH FEATURES —

DAVID BOWIE A QUICK TRIP PG. 094

ENCORE PG. 096


DAVID BOWIE A QUICK TRIP By Raúl Arce Photo: Courtesy Sony Music


097 | ENGLISH FEATURES

Bowie was the man who elevated rock n roll music to what can only be described as an art form. Driven by an entirely more complex dynamic than most pop artists, David Bowie inhabits a singular world of extraordinary sounds and endless vision. Unwilling to remain on the treadmill of rock legend and avoiding the descent into ever demeaning and decreasing circles of cliché, Bowie writes and performs what he wants, when he wants. His absence from the endless list of red carpet events and award ceremonies has only fueled constant speculation about his next move.

more than a homage. In 1975, Bowie made this fascination manifest as Young Americans.

LATE 70S The seismic plates of history were shifting under Berlin’s Hansa Studio by the Wall during Bowie’s 1976 sessions there. The iron curtain still firmly divided Europe and nowhere more so than in Berlin where David and Iggy were famously holed up. His subsequent music provided an atmospheric counterpoint to the emerging punk scene in London.

In September 1996, a brand new Bowie track, Telling Lies, would become the first ever song to be offered for download via the internet. Despite the crawling speed rates of the nascent online era, Telling Lies was downloaded by more than 300,000 fans prior to being released as a single that fall, and eventually showing up on Bowie’s next album. Earthling dropped in February 1997, its striking cover art featuring Bowie in an Alexander McQueen designed Union Jack coat surreally (mis?)placed in a British pastoral setting.

2001 AND BEYOND David Robert Jones was born in Brixton on January 8, 1947. At age 13, inspired by the jazz of the London West End, he picked up the saxophone and called up Ronnie Ross for lessons. Early bands he played with – The Kon-Rads, The King Bees, the Mannish Boys and the Lower Third –provided him with an introduction into the showy worlds of pop and mod, and by 1966 he was David Bowie. It was not until 1969 that the splash onto the charts would begin, with the legendary Space Oddity (which peaked at #5 in the UK). Amidst his musical wanderings in the late ‘60s, the young Bowie experimented with mixed media, cinema, mime, Tibetan Buddhism, acting and love. A first album, originally titled David Bowie then subsequently Man of Words, Man of Music, paid homage to the kaleidoscopic influences of the London artistic scene.

EARLY 70S 
 The Man Who Sold The World was the first David Bowie album recorded as an entity in itself and marks ground zero of the first definitive creative stretch to come. Mick Ronson’s guitars are often referred to as the birth point of heavy metal, and certainly the auspicious beginnings of glam rock can be traced here. Amidst the throes of Ziggy fever, Aladdin Sane was released in April 1973, inspired by Bowie’s experiences in America while touring and featuring ‘The Jean Genie’, ‘Panic in Detroit’, ‘Drive-In Saturday’, ‘Cracked Actor’ and of course its namesake track with its frenetic Mike Garson piano solo.

MID 70S If those previous albums showed hints of Bowie’s interest in the music he’d heard in America, U.S. soul filtered through a unique UK—truly a uniquely Bowie--perspective soon became

Co-produced by Bowie and Tony Visconti in collaboration with Brian Eno, Low emerged in 1977. The first installment of the famed Berlin Trilogy, Low confounded critics and fans at first, sounding completely unlike anything in the previous Bowie canon—or anything else really. The second in this triptych, "Heroes" prominently features Robert Fripp on guitar, and a more optimistic outlook overall. And last, but not least, the aptly named Lodger was released in May 1979, completing the Berlin Trilogy with a sonic and lyrical wanderlust that reached further outward than the Cold War Europe of its predecessors.

THE 80S Scary Monsters (and Super Creeps) was released that same September. Produced by Bowie and Visconti, David’s first album of the new decade was preceded by his first UK #1 single, Ashes to Ashes, which resurrected and ruminated on the fate of the Major Tom character from Space Oddity. Let’s Dance shattered the silence in April 1983. Bowie’s first release for EMI, Let’s Dance would in short order become the most commercially successful album of his career—selling some 7 million copies worldwide as its title track went to #1 in more than half a dozen countries. But it was much more than a global hit—.

Heathen was released in June 2002, preceded by first single Slow Burn featuring old friend Pete Townshend on lead guitar. Dave Grohl took the same role on the Neil Young cover I’ve Been Waiting For You. Guest turns aside though, Bowie played more instruments on Heathen than anything in memory, including the drums over his own loop on the Pixies cover Cactus, as well as nearly all the synth work and some of the piano. On January 8, 2013 (his 66th birthday), David Bowie suddenly and without fanfare, released a new single entitled Where Are We Now? and announced the release of a new album titled The Next Day. Spurred on by uniformly brilliant songs like The Stars (Are Out Tonight), Valentine’s Day and Love Is Lost, critical consensus rated The Next Day the equal of any Bowie classic: The New York Times called it “Bowie’s twilight masterpiece,” while The Independent named it “the greatest comeback album in rock n roll history… as good as anything he’s made.” In 2014, David Bowie’s 50th year in music was commemorated with the release of the compilation Nothing Has Changed, a career-spanning anthology of hits and obscurities.

THE 90S

The release of the Blackstar short film marked the end of 2015 as one of the best music videos of the year, and further on he released the second single from that album, ‘Lazarus’, which was meant as his last goodbye.

By 1994, Bowie and Eno were again collaborating in the studio. The result was the concept album Outside, released in 1995. With cut and paste lyrics drawing from the diary of fictional character Nathan Adler, Outside predated a new darker sensibility that would pervade not only music, but film, literature and the arts in general in the very near future.

Throughout his 50-year career, David Bowie’s work always surprised, captivated and exhilarated. The beginning of 2016 was the moment that saw him part ways with life and leave us with a sublime final album, although we are still certain that he won’t fail to shock the world once again in future days.


"I RECEIVED AN EMAIL FROM HIM SEVEN DAYS AGO. IT WAS AS FUNNY AS ALWAYS, AND AS SURREAL, LOOPING THROUGH WORD GAMES AND ALLUSIONS AND ALL THE USUAL STUFF WE DID. IT ENDED WITH THIS SENTENCE: 'THANK YOU FOR OUR GOOD TIMES, BRIAN. THEY WILL NEVER ROT'. AND IT WAS SIGNED 'DAWN'. I REALISE NOW HE WAS SAYING GOODBYE." -BRIAN ENO

Pic by Jimmy King


WARP Magazine #78  

WARP Magazine no. 78: The Gift Of Sound And Vision, Especial de David Bowie

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WARP Magazine no. 78: The Gift Of Sound And Vision, Especial de David Bowie

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