Toru Hamada by ROMBERG ARTE CONTEMPORANEA

TORU HAMADA

Book

a cura di by Italo Bergantini testi di texts by Gianluca Marziani Simone Bergantini collana book series Romberg Project progetto e realizzazione project planning and production Italo Bergantini coordinamento coordination Maria Cristina Mangiapelo ufficio stampa press office ROMBERG Arte Contemporanea, Latina crediti fotografici photographic credits recordsitalia.it per le opere e il backstage in studio dell’artista / works and artist’s studio backstage

Marcello Scopelliti per la copertina e le immagini di allestimento a Palazzo Collicola / cover and setting-up images at Palazzo Collicola

Roger Merchiers per le foto a pagina / photos on page 38-75-77

LA DISCIPLINA DEL DUBBIO COSTANTE Gianluca Marziani La disciplina del dubbio costante… una frase che sembra il titolo di un film orientale ma che qui rivela l’attitudine complessa di Toru Hamada, la sua spinta metodica e rigorosa, il suo spirito empatico e rivelatorio, le sue idee e il modo di condurle. Disciplina che coincide con la paziente elaborazione delle tecniche, con la costanza sentimentale e la qualità sensoriale, con il dinamismo armonioso dei gesti lenti, simili ad un Thai Chi che fende il quadro come pura trasparenza da carezzare. La disciplina di TH implica un legame fluido col mondo esterno, sorta di navigazione lenta e costante, in direzione del prossimo orizzonte, assecondando le onde, scoprendo isole, varcando soglie. Ogni pezzo diviene una barca che assorbe il ciclo della navigazione, un oggetto solido che trasporta sguardi, esperienze, emozioni, messaggi. Fateci caso, le opere di TH non hanno una geografia fisica d’appartenenza, al contrario diluiscono i confini perimetrali, dialogano con quelle venute prima e quelle create dopo, sono come gli oceani che accolgono il viaggio ma annullano qualsiasi varco o barriera. La disciplina di TH è figlia dell’acqua, la stessa scultura in marmo vive il paradosso di una leggerezza liquida, simile a gocce in forma solida, senza tensioni geometriche, senza fratture disarticolate. Dubbio costante che coincide con la veggenza di orizzonti lontani, con la consapevolezza che essere artista sia uno stato metafisico e mai un obiettivo funzionale. Dubbio costante che elimina il traguardo definitivo a favore di tante tappe intermedie, una dopo l’altra, seguendo il ritmo della curiosità filosofica, del guardare sempre in avanti, della connessione con l’interezza del vivere. La disciplina del dubbio costante è la frase che accompagna e racchiude il senso di Toru Hamada per l’arte visiva… un bellissimo esempio di viaggio mentale nelle molteplici nature del mondo esterno, dove l’artista è il viaggiatore simbolico che affronta l’oceano misterioso, in avanti verso le luci del prossimo faro, verso isole d’approdo, verso nature da scoprire. L’arte diventa così un ossigeno vitale: inspirazione per assorbire elementi del mondo, espirazione per restituire la forma simbolica che sia sintesi e metafora del mondo. Un respiro regolare, costante, senza le aritmie nevrotiche di certo occidente, senza l’isteria sincopata del mondo contemporaneo. TH ci sussurra una cosa fondamentale: che possiamo usare il meglio del nostro presente ma non subendo la dittatura tecnocratica, ricordandoci l’autonomia metafisica del mondo interiore, le esigenze primarie di un corpo sul Pianeta, alimentando i sostantivi della Bellezza universale e gli aggettivi della Potenza individuale. Toru Hamada si plasma sul mondo come la forma dell’acqua: per adattarsi ai

percorsi momentanei, al ciclo che sta elaborando, alle ispirazioni che lo guidano nel dato periodo. Questo significa non cadere nella divisione tra generi e tematiche ma mescolare citazioni e memorie, ricreando materia poetica, un humus pittorico che ragioni come una biologia ispirata. L’arco della carriera si legge nei legami “parentali” tra un ciclo e l’altro, mai nel distacco tra momenti ma sempre nel rilascio tra un prima, un durante e un dopo. Decenni di lavoro che raccontano un autore ora dentro lo spazio metafisico ora fuori dal tempo specifico, in lenta navigazione nella sua idea di caos da ordinare. Un procedere dentro la molteplicità del presente, dentro un profluvio di colori, elementi, rumori, odori… è qui che l’artista unisce forme distoniche e dissonanti, accumulando elementi, cucendo dialoghi inaspettati e coraggiosi, mettendo assieme ciò che spesso non potrebbe convivere. La sua è una visione olistica e babelica, sorta di ciclo continuo in cui talvolta inventa da zero, altre volte riparte da una personale memoria, altre ancora unisce caratteri di periodi diversi. Decenni di lavoro pittorico che simulano la complessità e l’eterogeneità di un’esistenza, dove la pluralità del quadro rispecchia il principio stesso della vita umana. La disciplina di TH si rivela nel modo in cui il quadro unisce anziché disperdere. Campiture, colori e contaminazioni sembrano avere un’entropia altissima: pensare e fare sono talmente fusi da rendere il gesto una continua cucitura di colori, una

costruzione lenta che ragiona con equilibrio ingegneristico. Mi accade con TH ciò che ho già vissuto con altri autori giapponesi, penso all’energia compressa del gruppo Gutai, alle esplosioni cromatiche di Shozo Shimamoto, alla tensione fluida di Hidetoshi Nagasawa. Le loro opere descrivono il risultato di un processo metodico, di una disciplina cadenzata, di una catarsi muscolare che raggiunge un apice espressivo. E’ evidente quanto il modo di pensare si trasformi in una maniera di agire, pensiero e azioni che vivono una fusione talmente pulita da rilasciare qualcosa di armonico, melodioso, in emozionante equilibrio. Davanti a TH ho sentito un quid ispirato e melodioso, una musica in cui la violenza del gesto diventava il rito marziale (Thai Chi) delle braccia nell’aria, a fendere l’atmosfera con disciplina e risolutezza. Una sonorità che mi ricorda l’aurora boreale, profluvio di colori poetici che cela, in realtà, una meteorologia violentissima. Certa pittura somiglia davvero alle nature del Pianeta: melodia di gesti e colori che nasconde asprezze e drammi, passione e paura, coraggio e pazienza. Una doppia anima che nasce dal controllo dei movimenti ma anche dal sapere quando va lasciato spazio al caso, ai segni del destino, alle correnti inaspettate. INSPIRAZIONE e SCULTURA Prendere ossigeno coincide con il comprimere l’idea in un blocco di materia solida.

Per TH significa far coincidere la complessità con un volume asciutto, di estrema compattezza, semplice senza mai essere elementare. Il marmo è la materia elettiva, l’unica che offre morbidezza nella sua qualità minerale, la migliore per dare anima liquida ad un corpo solido. Le sculture finora prodotte ragionano come corpi interiori, geometrie spirituali che somigliano a moloch arcaici, volumi alieni, figure esoteriche. In realtà sono il doppio complementare dei quadri, un dialogo tra pieni e vuoti che nasconde e rivela ma dove non te lo aspetti, con senso metafisico e labirintico, in costante equilibrio tra natura naturans e artificio umano. ESPIRAZIONE e PITTURA Rilasciare ossigeno coincide con lo scarico catartico, un’azione liberatoria che vibra sulle superfici assorbenti. La pittura e il collagismo di TH generano paesaggi interiori, labirinti e intrecci dell’anima, geografie del colore che fluiscono come un fiume di pigmenti. I vari momenti tematici hanno un comune denominatore: sono brani conclusi in un ideale pentagramma figurativo, composizioni stratificate che ragionano come oceani di colore narrativo. Dentro quei colori nascono eventi, talvolta figure umane, volti, animali, oggetti, numeri… tutto è sospeso, un volo silenzioso negli spessori del colore, un mare cromatico di vite ed esperienze, appunti sparsi ma non dispersi di un osservatore speciale, figlio devoto del grande Novecento, con la testa e il cuore che carezzano Henri Matisse e Paul Klee. La vita di TH somiglia al ciclo elaborativo della sua arte. Si sente, in primis, il legame atavico col Giappone, ascrivibile ad uno stato dell’essere che privilegia il silenzio atmosferico, la fermezza dello sguardo, la disciplina tra corpo e spirito. Al contempo, si sente la seconda patria in Europa, prima a Pietrasanta e poi nella campagna francese di Saint-Lubin-de-la-Haye, due luoghi di solida cultura che hanno accolto l’uomo e l’artista. Asia ed Europa, due continenti che oggi tirano le somme adulte in quest’esperienza umbra, nel cuore di una Spoleto che da sempre concepisce l’armonia tra mondi lontani. Toru Hamada, durante l’estate 2018, ha posizionato una scultura davanti al Teatro Nuovo, di fronte al primo palcoscenico nella città del Festival dei Due Mondi; una collocazione simbolica che esalta l’anima stessa dell’opera, la sua apertura nel marmo bianco, quel grande occhio atmosferico che connette l’ingresso del teatro ai tetti della città antica. Oggi siamo dentro Palazzo Collicola Arti Visive, il museo d’arte contemporanea che incarna la propulsione meticcia delle arti visive. Qui si distendono le opere pittoriche di un viaggio umano e artistico, un percorso accidentato e al contempo sinuoso, verso le direzioni del possibile e del plausibile, nel cuore armonico di un’orchestra cromatica. Un viaggio che, come ogni percorso d’avventura, necessita di un’isola in cui approdare per poi ripartire. Un peregrinare che si ferma per alcuni mesi a Spoleto, avvicinandosi idealmente al cuore della Collezione Collicola, ricreando dialoghi a distanza con gli autori esposti. Un lungo viaggio chiamato Toru Hamada: uomo; artista; amico; messaggero di viaggi mentali.

Intervista Simone Bergantini

Luglio 2018

Sembra una storia da romanzo di formazione ma è quanto accadde: sul finire degli anni 50 in Giappone, un bambino rimane orfano, a 5 anni perde il padre, un deputato del governo e la madre, la sua amante, poco dopo. Vive con i nonni fino ai 17 poi si trasferisce a Tokyo e appena compiuti i 19 anni parte con un biglietto di sola andata per Parigi. Dopo pochi giorni, mentre vaga per le stanze del Louvre cercando di capire come sopravvivere in Europa con i pochi franchi rimasti in tasca incontra per caso un giovane connazionale con cui si ferma a scambiare qualche parola. Il giorno successivo sarebbero partiti per l'Italia dove avrebbero vissuto insieme imparando a scolpire il marmo. Toru Hamada è nato nel 1953 a Matsuyama sull’isola di Shikoku in Giappone e ha capito di essere un artista a 4 anni. Ha esposto le sue opere in tutto il mondo, in Giappone le sue sculture monumentali impreziosiscono diverse piazze e strade. Ci siamo incontrati per la prima volta sul finire di Luglio nella sua grande casa studio nelle campagne a ovest di Parigi, vicino Versailles, dove mi ha mostrato il suo gentile modo di vivere e di fare arte. S: Nel tuo lavoro passi dalla pittura alla scultura con grande facilità, esiste una gerarchia affettiva tra questi due mezzi espressivi? T: La mia pittura è molto vicina alle modalità della scultura, ogni colore, ogni forma ha un suo peso specifico in grado di generare una gravità che attrae lo sguardo e crea un movimento tridimensionale sulla tela piatta. Mentre quando scolpisco cerco il più possibile di agire con leggerezza. Nel mio studio non ho assistenti, tutto quello che produco è frutto del mio lavoro e scolpire un blocco di marmo monumentale di Carrara o un nero di Belgio può essere davvero molto faticoso. Nella mia idea la scultura finita non deve mostrare nulla di quella fatica ma trasmettere unicamente la leggerezza del dialogo che si instaura tra le linee e le forme. Se dipingendo devo capire quanto la tela è in grado di accogliere il peso dei colori senza rimanerne schiacciata con le pietre il procedimento è inverso, in quanto le forme si manifestano sotto la mia mano, al tatto, io devo solo tirarle fuori senza aggiungere nulla. S: Mi sembra di capire che la tua arte debba molto al tuo istinto ma c’è qualcosa a cui ti ispiri? T: Se io facessi affidamento su quello che conosco non sarei in grado di superarmi ma il superamento è essenziale, ogni volta che dipingo o scolpisco cerco di "distruggere" il mio ego, farlo diventare piccolo quasi invisibile e questo mi permette

di accogliere nei miei gesti quello che viene da fuori, l’arte è, indipendentemente da noi e ogni volta che il nostro ego cerca di catturarla in realtà la corrompe. S: Quindi mi stai dicendo che c’è un qualcosa che trovi oltre, qualcosa di spirituale nella tua arte? T: No, spirituale non è il termine esatto, la parola esatta è arte. Come artista non faccio altro che mettermi al servizio di questa esperienza di contatto e attraverso i colori e le forme questo incontro diventa trasmissibile a tutti gli altri. Quando dipingo o scolpisco io divento un servitore e quanto più riesco a rimanere invisibile tanto più avrò fatto bene. Nel mio modo di pensare, più l’artista si mette in mostra tanto più l’arte avrà uno spazio minimo nell’opera. S: Oggi mi hai mostrato il tuo modo di dipingere, ricorda molto una danza forse un combattimento, ha qualcosa di teatrale nei movimenti poi d’improvviso ti allontani e vai a lavarti le mani nel piccolo lavandino vicino alla porta d’ingresso del tuo studio. Come capisci che un’opera è finita? T: Quando guardo il lavoro e mi sorprendo. In quell’istante capisci che non sei tu

ad averlo voluto, io non mi sforzo di fare quello che faccio ma agisco per ingannare l’attesa. So che arriverà ma non so quando, nel frattempo faccio tutta quella serie di gesti di aggiunta e sottrazione che tendono inevitabilmente a quell’incontro. Quando quel momento arriva non c’è più bisogno di me e posso allontanarmi dall’opera. S: Toru il 27 Ottobre si è inaugurata al museo Collicola di Spoleto la tua prima grande mostra Italiana vuoi raccontarci qualcosa? T: Sono esposte circa 50 opere di medie e grandi dimensioni realizzate negli ultimi 2 anni. Una grande scultura in marmo bianco di quasi 3 tonnellate era già visibile nella piazza di fronte Teatro Menotti. È stata presentata al pubblico in occasione dell’apertura del Festival dei Due Mondi e rimarrà durante tutta la mostra fino al 2019. Questa è la mia prima esposizione di rilievo in Italia ma per me ha un valore aggiunto rispetto a tante altre mostre. Prima di trasferirmi stabilmente in Belgio e poi in Francia il mio percorso artistico è iniziato a Carrara dove mi sono formato, dove ho conosciuto alcuni tra i miei più cari amici e dove in una calda estate di tanti anni fa ho conosciuto mia moglie che oggi non c’è più. Sono molto legato all’Italia e nelle opere per la mostra di Spoleto c’è tutta la mia riconoscenza per la gioia e il calore del vostro paese.

S-17-1 2017 white marble installation view Teatro Nuovo, Spoleto (Italy)

THE DISCIPLINE OF CONSTANT DOUBT Gianluca Marziani The discipline of constant doubt... a phrase that seems to be the title of an oriental film but which here reveals Toru Hamada's complex attitude, his methodical and rigorous drive, his empathic and revelatory spirit, his ideas and the way he carries them out. Discipline that coincides with the patient elaboration of his techniques, with sentimental constancy and sensorial quality, with the harmonious dynamism of slow gestures, similar to a Thai Chi that slices through the picture like pure transparency to caress. The discipline of TH implies a fluid connection with the external world, a sort of slow and constant navigation, towards the next horizon, following the waves, discovering islands, crossing thresholds. Each piece becomes a boat that absorbs the cycle of navigation, a solid object that conveys glances, experiences, emotions, messages. If you take a good look at them, TH's works do not have a physical geography of belonging somewhere, on the contrary they dilute the perimetal borders, they converse with those coming first and those created after, they are like the oceans that welcome the journey but cancel out any gap or barrier. The discipline of TH is the daughter of water, the same sculpture in marble lives the paradox of a liquid lightness, similar to drops in solid form, without geometric tensions, without disjointed fractures. Constant doubt that coincides with the sight of distant horizons, with the awareness that being an artist is a metaphysical state and never a functional objective. Constant doubt that eliminates the definitive goal in favour of many intermediate stages, one after the other, following the rhythm of philosophical curiosity, of always looking forward, of connection with the wholeness of living. The discipline of constant doubt is the phrase that accompanies and encompasses the sense of Toru Hamada for visual art... a beautiful example of a mental journey within the multiple natures of the outer world, where the artist is the symbolic traveller who faces the mysterious ocean, ever onwards towards the lights of the next lighthouse, towards islands on which to dock, towards natures to be discovered. Thus art becomes a vital oxygen: an inspiration with which to absorb elements of the world, an exhalation to restore the symbolic form that is the synthesis and metaphor of the world. A regular, constant breath, without the neurotic arrhythmias of the western world, without the syncopated hysteria of our contemporary world. TH whispers something fundamental to us: that we can use the best of our present but not by undergoing the technocratic dictatorship, he

pages 16-17-18 Palazzo Collicola Arti Visive, Spoleto installation view

reminds us of the metaphysical autonomy of the inner world, the primary needs of a body on our Planet, nourishing the nouns of universal Beauty and the adjectives of Individual power. Toru Hamada molds himself onto the world like the shape of water: to adapt to its momentary paths, to the cycle he is elaborating, to the inspirations that guide him during a given period. This means not falling into the division between genres and themes but mixing citations and memories, recreating poetic matter, a pictorial humus that reasons like inspired biology. The whole arc of his career can be read in the "parental" ties between one cycle and the other, never in the separation of moments but always in the release between a first, a during and an after. Decades of work that show us an author now in metaphysical space and now outside specific time, slowly navigating in his idea of chaos to be ordered. Proceeding within the multiplicity of the present, within a stream of colours, elements, noises, smells... it is here that the artist combines dystonic and dissonant forms, accumulating elements, sewing together unexpected and courageous dialogues, putting together what often could not live together. His is a holistic and Babel vision, a sort of continuous cycle in which he sometimes invents from scratch, other times he starts from a personal memory, while others he unites characters from different periods. Decades of pictorial work that simulate the complexity and heterogeneity of an existence, where the plurality of the painting reflects the very principle of human life. The discipline of TH is revealed in the way the picture unites rather than disperses. Campiture, colours and contaminations seem to have a very high entropy: thinking and doing are so fused that the gesture is a continuous sewing of colours, a slow construction that reasons with engineering balance. With TH I feel what I have already lived with other Japanese authors, I think of the compressed energy of the Gutai group, the chromatic explosions of Shozo Shimamoto, the fluid tension of Hidetoshi Nagasawa. Their works describe the result of a methodical process, of a cadenced discipline, of a muscular catharsis that reaches an expressive climax. It is evident how the way of thinking turns into a way of acting, thinking and actions that live a fusion so clean that it releases something harmonious, melodious, in an emotional equilibrium. Facing the work of TH I heard an inspired and melodious quid, a music in which the violence of the gesture became the martial rite (Thai Chi) of arms in the air, cleaving the atmosphere with discipline and resoluteness. A sound that reminds me of the Northern Lights, a flood of poetic colours that conceals, in reality, a violent meteorology. Certain painting really resembles the natures of the Planet: a melody of gestures and colours that hides roughness and drama, passion and fear, courage and patience. A double soul that arises from the controlling of movements but also from knowing when we should leave space to chance, to the signs of destiny, to unexpected currents.

INSPIRATION and SCULPTURE Taking oxygen coincides with compressing the idea into a block of solid matter. For TH this means making the complexity coincide with a dry volume, extremely compact, simple without ever being elementary. Marble is the elective material, the only one that offers softness in its mineral quality, the best to give liquid soul to a solid body. The sculptures hitherto produced reason like inner bodies, spiritual geometries that resemble archaic molochs, alien volumes, esoteric figures. In reality they are the double complementary of the paintings, a dialogue between fullness and emptiness that hides and reveals but not where you would expect it, with a metaphysical and labyrinthine sense, in constant equilibrium between nature naturans and human artifice. EXPIRATION and PAINTING The release of oxygen coincides with the cathartic discharge, a liberating action that vibrates on the absorbent surfaces. The painting and the collagism of TH generate inner landscapes, labyrinths and intertwinings of the soul, geographies of colour that flow like a river of pigments. The various thematic moments have a common denominator: they are pieces concluded in an ideal figurative pentagram,

stratified

compositions

that

reason like oceans of narrative colour. Inside those colours the events arise, sometimes human figures, faces, animals, objects, numbers...

everything

suspended, a silent flight into the

thickness

coloured

sea

colour,

lives

and

experiences, notes that have been

scattered

but

not

dispersed by a special observer, devoted

son

the

great

twentieth century, his head and heart caressing Henri Matisse and Paul Klee. TH's

life

resembles

the

elaborative cycle of his art. First of all one feels his atavistic bond with Japan, ascribable to a state of being that privileges atmospheric silence, the firmness of the gaze, the discipline between body and spirit. At the same time, one feels his second home in Europe, first in Pietrasanta and then in the French countryside of Saint-Lubin-de-la-Haye, two places of solid culture that have welcomed the man and the artist. Asia and Europe, two continents that today draw his adult conclusions in this Umbrian experience, in the heart of a Spoleto that has always conceived the harmony between distant worlds. Toru Hamada, during the summer of 2018, placed a sculpture in front of the Teatro Nuovo, in front of the first stage in the city of the Festival dei Due Mondi (Festival of the two worlds); a symbolic collocation that exalts the very soul of his work, its opening in white marble, that great atmospheric eye that connects the entrance of the theatre to the roofs of the ancient city. Today we are inside Palazzo Collicola Arti Visive, the contemporary art museum that embodies the hybrid propulsion of the visual arts. Here the pictorial works of a human and artistic journey stretch out, a bumpy and at the same time sinuous path towards directions both possible and plausible in the harmonic heart of a chromatic orchestra. A journey that, like any adventure path requires an island on which to dock and then leave again. A pilgrimage that stops for a few months in Spoleto, ideally approaching the heart of the Collicola Collection, recreating remote dialogues with the exhibited artists. A long journey called Toru Hamada: man; artist; friend; messenger of journeys of the mind.

Interview Simone Bergantini

July 2018

It seems like a story from a fiction novel, but this is exactly what happened: at the end of the 50s in Japan, a child becomes an orphan, at 5 years old he loses his father, a member of parliament, and his mother, his lover, shortly thereafter. He lives with his grandparents until 17 and then moves to Tokyo and as soon as he turns 19 he sets off with a one-way ticket to Paris. After a few days, while he is wandering through the rooms of the Louvre trying to figure out how to survive in Europe with the few francs left in his pocket he meets by chance a young compatriot with whom he stops to exchange a few words. The next day they would leave for Italy where they would live together learning to sculpt marble. Toru Hamada was born in 1953 in Matsuyama on the island of Shikoku in Japan and he realized that he was an artist at the age of 4. He has exhibited his works all over the world, in Japan his monumental sculptures embellish various squares and streets. We met for the first time at the end of July in his large studio house in the countryside west of Paris, near Versailles, where he showed me his kind way of living and making art. S: In your work you pass from painting to sculpture with great ease, is there an affective hierarchy between these two means of expression? T: My painting is very close to the modalities of sculpture, every colour, every shape has its own specific weight which is able to generate gravity that attracts the look and creates a three-dimensional movement on the flat canvas. While when I sculpt, I try as much as possible to work with lightness. In my studio I do not have any assistants, everything I produce is my work and carving a block of monumental marble from Carrara or a Belgian Black can be really very tiring. In my idea the finished sculpture must not show any of that effort but must only transmit the lightness of the dialogue established between the lines and the shapes. If I paint, I have to understand how much the canvas is able to take the weight of the colours without being crushed by them, with stone the procedure is inverse, as the shapes are manifested under my hand, to the touch, I just have to pull them out without adding anything. S: I understand that your art owes much to your instincts but is there something that inspires you? T: If I relied on what I know I would not be able to surpass myself, but surpassing is essential, every time I paint or sculpt I try to "destroy" my ego, make it tiny, almost invisible and this allows me to welcome the outside into my gestures, art is independent from us and every time our ego tries to capture it, it actually corrupts it.

S: So you're telling me that there's something you find beyond, something spiritual in your art? T: No, spiritual is not the exact term, the exact word is art. As an artist I do nothing but put myself at the service of this experience of contact and through colours and forms this contact becomes transmissible to all the others. When I paint or sculpt I become a servant and the more I can remain invisible the better I will have done. In my way of thinking, the more the artist shows himself the more Art will have but a minimal space in his work. S: Today you showed me your way of painting, very reminiscent of a dance, maybe a fight, it has something theatrical in its movements, then suddenly you move away and wash your hands in the small sink near the front door of your studio. How do you understand when a work is finished? T: When I look at my work and I am surprised. At that moment you understand that it is not you who wanted it, I do not strive to do what I do but I do it to pass the time. I know it will come but I do not know when, in the meantime, I make all those gestures of addition and subtraction that inevitably tend towards that encounter. When that moment arrives, there is no more need for me and I can move away from the work.

BASE Gallery, Tokyo (Japan) installation view

S: On October 27 th, at the Collicola di Spoleto museum, you opened your first great Italian exhibition, would you like to tell us something about it? T: About 50 medium and large sized works realized in the last 2 years are exhibited. A large white marble sculpture of almost 3 tons was already visible in the square in front of the Menotti Theatre. It was opened to the public at the opening of the Festival dei Due Mondi (Festival of the two worlds) and will remain there throughout the exhibition until 2019. This is my first major exhibition in Italy but for me it has an added value compared to many other exhibitions. Before moving permanently to Belgium and then to France, my artistic journey began in Carrara where I trained, where I met some of my dearest friends and where one hot summer many years ago I met my wife who today is no longer with us. I am very close to Italy and in my works for the Spoleto exhibition you can find all my gratitude for the joy and warmth of your country.

Romberg Arte Contemporanea, Latina (Italy) installation view

La discipline du doute constant Gianluca Marziani La discipline du doute constant... une phrase qui semble être le titre d’un film oriental mais qui révèle l’attitude complexe de Toru Hamada, sa poussée méthodique et rigoureuse, son esprit empathique et révélateur, ses idées et sa manière de les mener. Discipline qui coïncide avec la patiente élaboration des techniques, avec la constance du sentiment et la qualité sensorielle, avec le dynamisme harmonieux des gestes lents, semblables à un Thai Chi fendant le tableau comme une pure transparence à caresser. La discipline de TH implique un lien fluide avec le monde extérieur, sorte de navigation lente et constante en direction du prochain horizon, au rythme des vagues, découvrant des îles, franchissant des seuils. Chaque morceau devient une barque qui absorbe le cycle de la navigation, un objet solide transportant regards, expériences, émotions, messages. Regardez bien: les œuvres de TH n’ont pas une appartenance géographique physique, au contraire, elles diluent les périmètres, elles dialoguent avec les œuvres qui viennent avant, avec celles qui viennent après, elles sont comme des océans qui accueillent le voyage mais refusent le débarquement, la frontière. La discipline de TH est fille de l’eau; la sculpture en marbre elle-même vit le paradoxe d’une légèreté liquide, semblable à des gouttes d’eau de forme solide, sans tensions géométriques ni fractures désarticulées. Doute constant qui coïncide avec la prescience d’horizons lointains, et la conscience qu’être artiste est un état métaphysique, jamais un objectif fonctionnel. Doute constant qui élimine l’arrivée à un point final et préfère les nombreuses étapes intermédiaires se succédant au rythme de la curiosité philosophique, du regard toujours porté vers l’avant, de la connexion avec le vivre pleinement. La discipline du doute constant est la phrase qui pour TH accompagne et contient le sens de l’art visuel… un très bel exemple de voyage mental dans la multiplicité des natures du monde extérieur, où l’artiste est le voyageur symbolique qui affronte l’océan mystérieux, en direction des lumières du phare suivant, vers les îles où aborder, vers les natures à découvrir. L’art devient ainsi oxygène vital: inspiration pour absorber les éléments du monde, expiration pour restituer la forme symbolique, synthèse ou métaphore du monde. Une respiration régulière, constante, sans les arythmies névrotiques d’un certain occident, sans l’hystérie syncopée du monde contemporain. TH nous susurre une chose fondamentale: nous pouvons utiliser au mieux notre temps présent si nous refusons la dictature technocratique, et il nous rappelle l’autonomie métaphysique du monde intérieur,

pages 28-29 Palazzo Collicola Arti Visive, Spoleto installation view

les exigences primaires d’un corps sur notre Planète, alimentant les substantifs de la Beauté universelle et les adjectifs du Pouvoir individuel. Toru Hamada se calque sur le monde, comme la forme de l’eau, afin de s’adapter aux parcours momentanés, au cycle en élaboration, aux inspirations qui le guident à une période donnée. Ce qui signifie, non pas tomber dans la séparation entre genres et thématiques, mais mêler citations et mémoires, recréant une matière poétique, un humus pictural apte à raisonner comme une biologie inspirée. La courbe de la carrière se lit dans les liens de “parenté” entre un cycle et un autre, jamais dans la discontinuité des moments, mais toujours dans le lâcher prise entre un avant, un pendant et un après. Décennies de travail racontant un auteur tantôt à l’intérieur de l’espace métaphysique, tantôt hors du temps spécifique, navigant lentement dans son idée d’un chaos à mettre en ordre. Avancer dans la multiplicité du présent, d’un déferlement de couleurs, d’éléments, de bruits, d’odeurs... c’est ici que l’artiste unit des formes dystoniques et dissonantes, accumulant les éléments, cousant des dialogues inattendus et courageux, réunissant ce qui souvent ne pourrait pas coexister. Il a une vision holistique et “babelienne”, sorte de cycle continu dont parfois il invente tout à partir de rien, ou parfois d’un souvenir personnel, parfois réunissant des caractères de périodes différentes. Décennies

Palazzo Collicola Arti Visive, Spoleto (Italy) installation view

d’un travail de peinture qui simule la complexité et l’hétérogénéité d’une existence et où la pluralité du tableau est celle du principe même de la vie humaine. La discipline de TH se révèle par la façon dont le tableau unit au lieu de disperser. Les fonds, les couleurs et les contaminations semblent avoir une très grande entropie: penser et faire sont si intimement unis que le geste devient une continue couture de couleurs, une construction lente qui raisonne avec l’équilibre d’une ingénierie. Il m’arrive avec TH ce que j’ai déjà vécu avec d’autres artistes japonais. Je pense à l’énergie retenue du groupe Goutai, aux expositions chromatiques de Shozo Shimamoto, à la tension fluide de Hidetoshi Nagasawa. Leurs œuvres décrivent le résultat d’une façon de procéder méthodique, d’une discipline cadencée, d’une catharsis musculaire qui atteint un sommet expressif. À quel point le mode de penser se transforme en façon d’agir est évident. Pensée et action vivent une fusion si nette que quelque chose d’harmonieux, de mélodieux se dégage, d’un émouvant équilibre. Devant TH j’ai entendu un quid inspiré et mélodieux, une musique où la violence du geste devient le rite martial (Thai Chi) des bras haut levés fendant l’atmosphère avec discipline et détermination. Une sonorité qui me rappelle l’aurore boréale, flot de couleurs poétiques cachant en réalité une météorologie très violente. Certaines peintures ressemblent vraiment

Palazzo Collicola Arti Visive, Spoleto (Italy) installation view

aux natures de notre Planète: mélodie de gestes et de couleurs qui cache duretés et drames, passions et peurs, courage et patience. Une âme double qui naît du contrôle des mouvements mais aussi du fait de savoir à quel moment il faut laisser la place au hasard, aux signes du destin, aux courants inattendus. INSPIRATION et SCULPTURE Prendre de l’oxygène coïncide avec la compression de l’idée dans un bloc de matière solide. Pour TH cela signifie faire coïncider la complexité avec un volume sec extrêmement compact, simple mais jamais élémentaire. Le marbre est la matière d’élection, la seule à offrir la tendresse de sa qualité minérale, la meilleure pour donner une âme liquide à un corps solide. Les sculptures réalisées jusqu’ici raisonnent comme des corps intérieurs, géométries spirituelles ressemblant à d’archaïques molochs, des volumes aliens, des figures ésotériques. Elles sont en réalité le double complémentaire des tableaux, dialogue entre les pleins et les vides qui cache et révèle, mais là où on ne s’y attend pas, avec un sens métaphysique et labyrinthique, en constant équilibre entre natura naturans et artifice humain. EXPIRATION et PEINTURE Rejeter l’oxygène coïncide avec la décharge cathartique, action libératoire qui vibre sur les surfaces absorbantes. La peinture et les collages de TH génèrent des paysages intérieurs, des labyrinthes et des entrecroisements de l’âme, géographies de couleur qui coulent comme un fleuve de pigments. Les divers moments thématiques ont un commun dénominateur: ce sont des fragments qui s’inscrivent dans un pentagramme figuratif idéal, des compositions stratifiées qui raisonnent comme des océans de couleur narrative. À l’intérieur de ces couleurs naissent des événements, parfois des figures humaines, des visages, des animaux, des objets, des nombres... tout est suspendu, un vol silencieux dans l’épaisseur des couleurs, une mer chromatique de vies et d’expériences, ici ou là les notes dispersées sans être éparpillées d’un observateur spécial, fils dévoué du grand Novecento dont la tête et le coeur caressent Henri Matisse et Paul Klee. La vie de TH ressemble au cycle d’élaboration de son art. On sent tout d’abord le lien atavique avec le Japon, visible à une façon d’être qui privilégie le silence atmosphérique, la fermeté du regard, la discipline entre le corps et l’esprit. En même temps on sent la seconde patrie en Europe, à Pietrasanta d’abord, puis dans la campagne française, à Saint-Lubin-de-la-Haye, deux lieux de solide culture qui ont accueilli l’homme et l’artiste. Asie et Europe, deux continents qui aujourd’hui trouvent leur aboutissement adulte dont cette expérience en Ombrie, au coeur d’une Spoleto qui toujours a su créer le lien entre mondes éloignés. Toru Hamada, en été 2018 a placé une sculpture devant le Teatro Nuovo, face à la première scène, dans la ville du Festival des Deux Mondes; un emplacement symbolique, qui exalte l’âme même de l’oeuvre, l’ouverture dans le marbre blanc, ce grand œil atmosphérique qui connecte l’entrée du théâtre aux toits de la ville ancienne. Nous

S-17-1 2017 white marble 120 x 97 x 95 cm

sommes aujourd’hui à l’intérieur du Palazzo Collicola Arti Visivi, le musée d’art contemporain qui incarne la propulsion du métissage des arts visuels. Ici trouvent leur place les œuvres picturales d’un voyage humain et artistique, parcours à la fois accidenté et sinueux, en direction du possible et du plausible, au coeur harmonique d’un orchestre chromatique. Un voyage qui, comme tout parcours aventureux a besoin d’une île où aborder, d’où ensuite repartir. Un pèlerinage qui pour quelques mois s’arrête à Spoleto, s’approchant idéalement du coeur de la Collezione Collicola, recréant à distance des dialogues avec les auteurs exposés. Un long voyage qui a pour nom Toru Hamada, homme, artiste, ami, messager de voyages de l’esprit.

Entretien Simone Bergantini

Juillet 2018

On dirait l’histoire inventée d’une formation artistique, voici pourtant ce qui s’est passé: vers la fin des années 50 au Japon, un enfant devient orphelin. À 5 ans il a perdu son père, membre du parlement, et peu après sa mère, qui était la maîtresse de son père. Il vit avec ses grands parents jusqu’à l’âge de 17 ans puis il part à Tokyo où immédiatement après son dix-neuvième anniversaire il prend un aller simple pour Paris. Quelques jours après son arrivée, alors qu’il parcourt les salles du Louvre, se demandant comment il allait pouvoir subsister en Europe avec les quelques francs qui lui restaient en poche, il rencontre par hasard un jeune compatriote avec qui il échange quelques mots. Dès le lendemain ils partent pour l’Italie où ils vont vivre ensemble et où ils apprendront à sculpter le marbre. Toru Hamada est né en 1953 au Japon, à Matsuyama, sur l’île de Shikoku et à 4 ans déjà il a su qu’il était un artiste. Ses oeuvres ont été exposées dans le monde entier, et au Japon, ses sculptures monumentales agrémentent nombre de places et des rues. Nous nous sommes rencontrés pour la première fois vers la fin du mois de Juin dans sa grande maison-atelier de l’ouest de Paris, près de Versailles, où j’ai pu observer la qualité de sa façon de vivre et d’exercer son art. S: Dans ton travail, tu passes très facilement de la peinture à la sculpture, y-at-il une hiérarchie affective entre ces deux formes d’expression? T: Ma peinture est très proche de pratique de la sculpture, chaque couleur, chaque forme a son poids spécifique capable de générer une gravité qui attire le regard et crée un mouvement tridimensionnel sur la toile plane. Alors que quand je sculpte je cherche le plus possible à agir avec légèreté. Dans mon atelier je n’ai pas d’assistant, tout ce que je réalise est le fruit de mon travail et sculpter un bloc de marbre de Carrare monumental ou un marbre noir de Belgique peut être réellement très fatigant. Dans mon esprit la sculpture, une fois finie, ne doit rien montrer de cette fatigue; elle doit uniquement transmettre la légèreté du dialogue qui s’établit entre les lignes et les formes. Si je peins je dois savoir quel poids de couleurs la toile est en mesure d’accueillir sans en être écrasée; avec la pierre le mouvement est inverse, les formes se manifestent au toucher, sous ma main, je n’ai qu’à les tirer et elles sortent, je n’ai rien à ajouter. S: Il me semble comprendre que ton art est intimement lié à ton instinct mais as-tu une source d’inspiration? T: Si je m’appuyais sur ce que je connais il me serait impossible de me dépasser, or se dépasser est primordial, chaque fois que je peins ou que je sculpte, je cherche

à “détruire” mon ego, à le rendre tout petit, presque invisible, et cela me permet d’accueillir dans mes gestes ce qui vient de l’extérieur; l’art est, indépendamment de nous, et chaque fois que notre ego cherche à le capturer, en réalité il le corrompt. S: Tu me dis donc qu’il y a quelque chose d’ ordre spirituel dans ton art, quelque chose qui te vient de l’extérieur? T: Non, le mot spirituel n’est pas le terme juste, le mot juste est art. En tant qu’artiste, je ne fais pas autre chose que de me mettre au service de cette expérience de contact et à travers les couleurs et les formes cette rencontre devient transmissible à tout le monde. Quand je sculpte ou que je peins je deviens un serviteur et plus je resterai invisible, plus j’aurai réussi à bien faire. À mon avis plus l’artiste est présent, plus la part de l’art se réduit dans son oeuvre. S: Aujourd’hui tu m’as montré ta façon de peindre, cela rappelle beaucoup une danse, un combat peut-être, il y a quelque chose de théâtral dans les mouvements, puis, soudain tu t’éloignes et tu vas te laver les mains au petit lavabo près de la porte d’entrée de ton atelier. À quoi vois-tu qu’une oeuvre est terminée? T: Quand je regarde le tableau et que je suis surpris. À cet instant, tu comprends que ce n’est pas toi qui l’as voulu, je ne me force pas à faire ce que je fais, j’agis

Kunstgalerij Ne9enpuntne9en, Roeselare (Belgium) installation view

pour tromper l’attente. Je sais que ça arrivera mais je ne sais pas quand, et entre temps je fais cette série de gestes, j’ajoute, je retranche, ce qui, inévitablement, fera que cette rencontre aura lieu. Quand le moment arrive, je ne sers plus à rien, et je peux m’éloigner de l’oeuvre. S: Le 27 octobre au Musée Collicola de Spoleto on a inauguré ta première grande exposition en Italie. Veux-tu nous en parler? T: On expose 50 oeuvres de moyenne ou de grande dimension, réalisées les deux dernières années. Une grande sculpture de marbre blanc de près de 3 tonnes était déjà installée sur la place, face au Teatro Menotti. Elle a été présentée au public à l’occasion de l’ouverture du Festival des Deux Mondes et elle restera en place toute la durée de l’exposition, jusqu’en 2019. C’est ma première exposition importante en Italie, mais en regard de nombreuses autres, elle a pour moi une valeur toute spéciale. Avant de m’établir de façon stable en Belgique puis en France, mon parcours artistique a commencé à Carrare où je me suis formé, où j’ai connu plusieurs de mes amis les plus chers et où, il y a bien des années, au cours d’un été très chaud, j’ai connu ma femme, qui aujourd’hui n’est plus. J’ai un lien très fort avec l’Italie et dans les oeuvres réalisées pour l’exposition de Spoleto il y a toute ma reconnaissance pour la joie et la chaleur de votre pays.

Artist’s studio marble sculptor

La Fontaine Ehime University Matsuyama (Japan) installation view

T-17-66 2017 mixed technique on canvas 150 x 150 cm

T-17-68 2017 mixed technique on canvas 150 x 150 cm

T-17-69 2017 mixed technique on canvas 150 x 150 cm

T-18-165 2018 mixed technique on paper mounted on canvas 200 x 200 cm

T-18-164 2018 mixed technique on paper mounted on canvas 200 x 200 cm

T-17-51 2017 mixed technique on paper mounted on canvas 200 x 200 cm

T-16-24 2016 mixed technique on paper mounted on cardboard 130 x 130 cm

T-16-2 2016 oil on canvas 130 x 130 cm

T-16-5 2016 acrylic on canvas 130 x 130 cm

T-12-12 2012 oil on canvas 150 x 150 cm

T-14-14 2014 oil on canvas 150 x 150 cm

T-16-43 2016 mixed technique on paper mounted on canvas 200 x 200 cm

T-16-40 2016 mixed technique on paper mounted on canvas 200 x 200 cm

T-16-46 2016 mixed technique on paper mounted on canvas 130 x 130 cm

T-16-19 2016 mixed technique on paper mounted on canvas 130 x 130 cm

T-16-7 2016 acrylic on canvas 130 x 130 cm

T-16-6 2016 acrylic on canvas 130 x 130 cm

T-17-59 2017 mixed technique on cardboard 200 x 200 cm

T-17-60 2017 mixed technique on cardboard 200 x 200 cm

T-12-73 2012 oil on canvas 130 x 130 cm

T-15-32 2015 mixed technique on paper mounted on canvas 150 x 150 cm

T-18-43 2018 mixed technique on cardboard 200 x 200 cm

T-18-42 2018 mixed technique on cardboard 200 x 200 cm

T-17-73 2017 mixed technique on cardboard 200 x 200 cm

T-17-77 2017 mixed technique on canvas 150 x 150 cm

T-17-74 2017 mixed technique on canvas 150 x 150 cm

T-17-75 2017 mixed technique on canvas 150 x 150 cm

T-15-31 2015 mixed technique on paper mounted on cardboard 150 x 150 cm

T-16-35 2016 mixed technique on paper mounted on canvas 150 x 150 cm

T-16-36 2016 mixed technique on paper mounted on canvas 150 x 150 cm

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T-16-37 2016 mixed technique on paper mounted on canvas 150 x 150 cm

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T-12-7 2012 oil on canvas 40 x 50 cm

each T-12-8 2012 > T-12-9 2012 oil on canvas 40 x 50 cm

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each T-18-267 2018 > T-18-268 2018 mixed technique on cardboard 50 x 50 cm

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T-18-86 2018 mixed technique on cardboard 100 x 100 cm

each T-18-88 2018 > T-18-89 2018 mixed technique on cardboard cm 100 x 100

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T-18-67 2018 mixed technique on cardboard 50 x 50 cm

each T-18-64 2018 > T-18-69 2018 mixed technique on cardboard 50 x 50 cm

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T-18-117 2018 mixed technique on cardboard 30 x 30 cm

each T-18-118 2018 > T-18-116 2018 mixed technique on cardboard 30 x 30 cm

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each T-18-44 2018 > T-18-120 2018 mixed technique on cardboard 30 x 30 cm

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each T-18-141 2018 > T-18-142 2018 mixed technique on cardboard 30 x 30 cm

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Toru Hamada Biografie Born in Matsuyama (Japan) in 1953. Lives and works in Eure et Loire (France).

Selected Exhibitions Solo Exhibitions 2018 Palazzo Collicola Arti Visive, Spoleto (Italy) / NegenPuntNegen Kunstgalerij, Roeselare (Belgium) 2017 Romberg Arte Contemporanea, Latina (Italy) 2016 NegenPuntNegen Kunstgalerij, Roeselare (Belgium) 2015 Gaëtane DUEZ Gallery, Bruxelles / BASE Gallery - Matsuyama MITSUKOSHI 2014 Hugo GODDERIS Gallery / NegenPuntNegen Kunstgalerij (Belgium) 2013 MIURA MUSEUM “Œuvres récents”, Matsuyama (Japan) 2012 NegenPuntNegen Kunstgalerij, Roeselare (Belgium) / GINZA MITSUKOSHI, Tokyo - Matsuyama MITSUKOSHI (Japan) 2011 Matsuyama MITSUKOSHI (Japon) / Hugo GODDERIS Gallery, Veurne (Belgium) 2010 Ehime Prefectural Museum (Grande rétrospective), Matsuyama (Japan) / BASE Gallery, Tokyo (Japan) 2008 Opus Gallery, Iyo (Japan) 2007 MIURA Museum (Rétrospective), Matsuyama (Japan) 2006 DI MEO Gallery, Paris (France) / BASE Gallery, Tokyo (Japan) 2002 DI MEO Gallery, Paris (France) 2001 BASE Gallery, Tokyo (Japan) 2000 BASE Gallery, Tokyo (Japan) 1999 DI MEO Gallery, Paris (France) / BASE Gallery, Tokyo (Japan) 1997 DI MEO Gallery, Paris (France) / BASE Gallery, Tokyo (Japan) 1996 Kodama Gallery, Osaka (Japan) 1994 BASE Gallery, Tokyo (Japan) 1993 BASE Gallery, Tokyo (Japan) 1991 BASE Gallery, Tokyo (Japan) 1990 BASE Gallery, Tokyo (Japan) 1989 BASE Gallery, Tokyo (Japan) 1988 Centre Culturelle, Japan Embassy, Paris (France)

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Group Exhibitions / Art Fairs 2016 ART PARIS (France) 2015 ARTE FIERA, Bologna (Italy) 2014 ARTE FIERA, Bologna (Italy) / ART OFF, Bruxelles (Belgium) 2013 ARTE FIERA, Bologna (Italy) 2012 ARTE FIERA, Bologna (Italy) / ARCO, Madrid (Spain) 2011 ARTE FIERA, Bologna (Italy) / ARCO, Madrid (Spain) / ART COLOGNE (Germany) 2010 ARTE FIERA, Bologna (Italy) / ARCO, Madrid (Spain) / ART COLOGNE (Germany) 2009 ARTE FIERA, Bologna (Italy) / ART CHICAGO, Chicago (USA) 2008 ARTE FIERA, Bologna (Italy) / ARCO, Madrid (Spain) 2007 FIAC, Paris (France) / ARTE FIERA, Bologna (Italy) 2006 ARTE FIERA, Bologna (Italy) / ARCO, Madrid (Spain) 2005 China International Gallery Exposition 2004 FIAC, Paris (France) / China International Gallery Exposition, Pékin 2000 Meguro Museum “Lettres d'artiste”, Tokyo (Japan) 1998 ARTE FIERA, Bologna (Italy) / Fondation TAKASHIMAYA, Tokyo - Osaka - Yokohama - Kyoto 1997 BASEL Art Fair, Basel (Switzerland) 1995 Nagoya Contemporary Art Fair, Nagoya (Japan) 1994 SAGA, Paris (France) / ESTAMPA, Madrid (Spain) 1993 NICAF - MEGURO Museum “Hommage à l'atelier Lacourière-Frélaut”, Tokyo (Japan) 1992 NICAF Nippon Contemporary Art Fair, Yokohama (Japan) 1991 “Drowing” Cork Gallery, New York (USA) / Great Wall Gallery, Toronto (Canada) 1990 Stockholm Art Fair, Stockholm / Contemporary Art Fair Toulouse (France) 1989 Festival International de Peinture, Cagne sur Mer (France) Public Collections TOKYU Dentetsu (Tokyo) - MOBIL OIL (Sweeden) - GRAND HYATT (Fukuoka) KYOTO University Hospital (Kyoto) - MIURA Museum (Matsuyama) EHIME Prefectural Museum - EHIME University - MATSUYAMA City EHIME Prefecture ... Art Commissions Carte de vœux JAPAN AIR LINES 1997 La Fontaine for EHIME University 2015 Donation for ARLETTY PRICE 1993 (le prix de l'interprétation cinématographique)

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Special Thanks

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M-8-1 2008 steel - furnace laquering 28 x 30 x 32 cm unique piece

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ED-8-F 2008 steel - furnace laquering 21 x 27 x 28 cm ed. 8

ED-8-M 2008 steel - furnace laquering 11 x 23 x 26 cm

ed. 8

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ED-9-C 2009 steel - furnace laquering 28 x 30 x 32 cm

ed. 30

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Toru Hamada Printed in Italy Questo volume è stato stampato nel mese di Febbraio 2019 presso gli stabilimenti della Tipografia Monti, Cisterna (LT) copyright © per le foto recordsitalia.it, Marcello Scopelliti e Roger Merchiers © per i testi gli autori Tutti i diritti riservati. Nessuna parte di questo libro può essere riprodotta o trasmessa in qualsiasi forma o con qualsiasi mezzo elettronico, meccanico o altro senza l’autorizzazione scritta dell’editore.