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El día que deje de ser difícil lograr una meta, un propósito o lo que sea que tengan en mente, renuncien a su vida, porque justo en ese momento, se les está yendo una gran parte de la picardía de nuestra existencia o han perdido un gran sentido para ponerle chispa a este asunto del vivir. No importa todos los obstáculos que se nos presenten en el camino, siempre es una gran satisfacción ver este material concluido. Muchas manos, muchas ideas, muchos demonios, pero, sobre todo, mucho amor detrás de la edición número 30 de Revista Kuadro. Uno de nuestros mantras dentro de la revista es la apertura del espectro musical, sin miedo a los sonidos y siempre preocupados por encontrar y compartir cosas de calidad .Y justo hoy en día, cuando la música latina vuelve a la cima y domina las listas de popularidad de los medios más prestigiosos del globo, mientras las radios top no paran de tocar sus hits y los mejores bares del mundo ambientan sus épicas fiestas con soundtracks cargados de música latina; estábamos obligados a dedicar unas líneas a todo este movimiento y oportunidad que se presenta para los proyectos de casa. Hemos dedicado un dossier para explorar todos esos caminos por los que hoy en día navegan las nuevas propuestas, así como un vistazo a los sonidos que hemos exportado, y por los cuales se han abierto las puertas para que deslumbren más proyectos de manufactura azteca. No quiero adelantarme y darles más spoilers, así que bienvenidos a “+ música – tabús”. Para esta edición, los chicos de Bengala son los elegidos para vestir nuestra portada. Banda mexicana que en su regreso a los escenarios deja en claro que no importa el tiempo que detuvo la máquina, siempre serán de los favoritos de la escena nacional. Una plática con la banda capitalina donde nos cuentan sobre su retorno, lo que traen en mente, así como sobre lo que acontece en la escena local. Entrevistas también con los ya clásicos Peter Bjorn and John, el colectivo de Superorganism, entre los sonidos de casa Odisseo, Colores Santos y más. Reseñas de discos, recomendaciones para sus playlist, reviews de lo que ha sucedido en la agenda, y nuestras secciones de casa, en donde es garantía que encontrarán finas recomendaciones de nuestras plumas de esta edición. Siempre las palmas y porras son para todos ustedes que por ocho años no nos han soltado y continúan con nosotros compartiendo momentos y sonidos; a toda la plantilla que integra a este generoso proyecto y responsables de que este barco siempre esté a flote; al equipo editorial por siempre estar dando todo y a la jefa de esta nave que con más cariños que regaños, nos mantiene a bordo. Gracias por ser pacientes y por seguir aquí, ¡disfruten de esta edición!

Javier Jarquín


REDACCIÓN DIRECTOR GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN EDITORES WEB MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS ALDO FRANCO DIRECTOR DE ARTE IVANA CASTRO DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ RELACIONES PÚBLICAS CARLOS SAÍN

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FOTOGRAFÍA ALEJANDRO SERVÍN RODRIGO GUERRERO QIQE ÁVILA EDWIN LÓPEZ

DISEÑO

THE JAVISCEFFECT ROBERT “ZEPOL” ANA KAREN PANTOJA ADONIS ESPINOSA


Hacer Rock De Manera Independiente Es Una Herramienta Poderosísima por Mon Velázquez / fotos cortesía

SONIDOS QUE REMITEN A NUESTRAS RAÍCES

Esta experiencia lírica creada por Héctor Moya (voz y guitarra) y Pizarro Luna (batería) sigue en un proceso de creación y renovación constante, pues aunque tienen bien definida su línea sonora, han

tratado de no encasillar su música en un género, para permitir que su inquietud artística sea la que los lleve a crear, experimentar y hacer de cada sencillo una entrega interesante para quien lo escuche. “HAY UN LUGAR” Bloqueos y retos en la industria musical siempre los habrá y uno al que se han enfrentado es a la falta de productores que se interesen por hacer sonar a una banda, ya que hay una falta de compromiso por entender qué es lo que los músicos buscan y cómo lograr el sonido que quieren. “En mi caso yo compongo y toco, lo que me interesa es grabar. La mayoría de veces me he topado que vas a un estudio y sólo te dan rec y vámonos, no hay un trabajo más allá con la banda”, comentó al respecto el vocalista, Héctor Moya.

“HOY YA NO SOY YO” El trabajar de manera independiente ha sido una gran alternativa con la que se encuentran los artistas para producir y grabar como ellos lo quieran y para Colores Santos no es la excepción, pues han trabajado de esta forma los dos materiales que tienen, haciéndolos absolutamente como ellos han querido sin que los censuren o cambien sus ideas, pues para ellos siempre será prioridad tener el control.

-NO ENCASILLAR SU MÚSICA EN UN GÉNERO LES PERMITE QUE SU INQUIETUD ARTÍSTICA SEA LA QUE LOS LLEVE A CREAR-

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Cuando dudas que aún hayan propuestas nuevas, interesantes o que salgan de lo común; de pronto llegan a nuestros oídos sonidos diferentes, que nos invitan a salir de los clásicos de nuestra playlist y armonizar con nuevas melodías nuestros días. Así nos ocurrió con el dueto mexicano Colores Santos, quienes siguiendo su amor por la música, apostaron por un ritmo que resulta de la mezcla del rock, blues y jazz, con toques psicodélicos y característicos sonidos folclóricos que nos remiten a nuestras raíces de forma poco convencional pero que resulta fascinante.


“AUTÓMATA” Un adelanto de lo que podemos esperar de su próximo material es “Autómata”, tema que recibió excelentes críticas y el cual nos habla de vivir y disfrutar el presente sin estar esperando impacientemente el futuro. “Yo creo que es el mensaje honesto;

es una canción que se dio de forma muy natural y cuando un tema de cualquier artista trae esta esencia pura y directa, funciona porque funciona, así sea cuestión de uno, tres o cinco años. Considero que “Autómata” tiene esta sustancia que lo hizo especial en cuanto a la lírica y a la melodía”. “VUELTA POR EL UNIVERSO” Por ahora, Colores Santos tienen en mente ir sacando un nuevo sencillo con su video cada tres meses, teniendo como intención estar todo este año activos hasta que llegue el momento de presentar el nuevo álbum en la Ciudad de México, aunque éste es un plan más a mediano plazo. Lo anterior lo irán informando a través de su Facebook e Instagram. A pesar de que aún no tienen definido el concepto que regirá el nuevo disco,

tienen claro que se dejarán guiar por la intuición de lo que surja en cada tema, así como surgió con “Autómata” y recientemente con “El Último Día”. “No sabemos cómo será por ejemplo la portada, pero nos iremos empapando del contenido de todas las canciones, para ver cuál va a ser el punto final que va a definir el contexto del disco” añadió el guitarrista y compositor. En cinco años los tapatíos se visualizan levantándose y activándose en pro de la música y de lo que les gusta hacer que es tocar. Se ven tocando en nuevos lugares, produciendo, colaborando con otras bandas, pero todo siempre alrededor de la música y sabemos que sin duda así será. entrevista nacional

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A lo que Héctor agregó lo siguiente: “La era de las disqueras definitivamente ya tiene muchos años que terminó, puesto que no vendrán a rescatarte a menos que seas un producto súper vendible como el reggaetón, para el cual hay muchos consumidores. Pero en cuestión del rock, es muy difícil que te produzcan, entonces el hacerlo de manera independiente es una herramienta poderosísima si te comprometes a verlo como una forma de vida a la que continuamente le vas a estar invirtiendo tiempo, dinero y pasión”.


Salieron Adelante Pese Al Cambio De Vocalista, Que Los Pudo Enterrar En El Olvido por Francisco Espinosa / fotos cortesía

Con un disco que puede ser considerado de lo mejor de los últimos años y con mucho camino por recorrer, platicamos con Daniel León (guitarrista) y Juan Pablo (vocalista) sobre el pasado, presente y futuro de la banda. Revista Kuadro: Sobre el arte del disco, el diseño retro que tienen los sencillos y la portada, ¿de dónde surge esta idea? Daniel León: El arte lo hicimos nosotros dos -Daniel y Juanpi- y surge de pensar en que Odisseo era muy oscuro, todo negro con tonos amarillos y de repente dijimos “hay que utilizar algo que nunca hayamos hecho” y de repente invertimos los colores y resultaron el

azul sobre el blanco. Todo se acabó de definir con las canciones. Juan Pablo: Tiene que ver con toda la temática, que el disco se llame Cambio Estacional, con el propio cambio que vive la banda. RK: Al tener un repertorio de canciones de discos pasados, ¿cómo quieren sonar en vivo con este nuevo estilo? DL: No somos una banda nueva, ya tenemos una trayectoria, lo que tratamos de hacer es renovar el sonido de las canciones pasadas. Hay artistas que nos gustan mucho y que en vivo de repente su música se escucha muy vieja y es algo que no queríamos que nos pasara en esta etapa de nuestra carrera. JP: Odisseo nunca ha sido una banda en la que estén apasionados en sonar igual, siempre meten nuevos efectos o sonidos. Preferimos sonar distinto y llevar a la banda hacia un terreno nuevo.

RK: En cuanto a la voz, ya se adaptó el sonido y los shows en vivo, pero, ¿cómo fue este proceso? DL: Juan no tenía lo que nosotros le podíamos dar y nosotros no teníamos lo que él nos podía ofrecer. El trabajo final es trabajo de los cinco, aunque no siempre se ve, la gente lo ve a él cantar y los más cercanos piensan que todo pasa a través de mí, pero no, nos juntamos todos para tomar decisiones, musicales y administrativas.

-“PREFERIMOS SONAR DISTINTO Y LLEVAR A LA BANDA HACIA UN TERRENO NUEVO.”-

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Odisseo es una banda que salió adelante pese a un cambio de vocalista que los pudo enterrar en el olvido, movimiento peligroso que supieron resolver y convertir en la punta de lanza para una renovación total de la banda.


JP: No es como un personaje, hay cosas que no haría en mi día a día, pero en el escenario es diferente, me gusta bailar e interactuar con la gente. No me clavo en el papel de “tienes que actuar de esa forma”, me siento cómodo así. En el momento en que deje de sentir nervios antes de salir al escenario todo se habrá acabado, necesito esa adrenalina para salir a cantar. RK: Cada día están escribiendo más líneas para ser parte de la historia del rock mexicano, ¿qué opinan? DL: Poco a poco te das cuenta que se han hecho cosas importantes, los medios ya conocen a Odisseo, ya saben quiénes somos, quieren tener unas palabras nuestras y dices: “Ya estoy en el grupo selecto”. Me gustaría que fuéramos la banda más grande que ha

dado este país, pero eso va a suceder si nuestras canciones se convierten en algo importante en la vida de las personas. Seguir tocando a un nivel alto y eso cuenta más que ser una banda importante para la industria.

los primeros shows la gente respondió muy bien.

RK: Llegar a ese lugar sin esa disquera grande que mencionamos…

DL: Especialmente en Sudamérica es diferente, más difícil y por lo tanto más satisfactorio. Acá llega música de todos lados, de todos los países. Allá las bandas de México es más difícil que lleguen.

DL: Esta vez, sinceramente no se lo debemos sinceramente a nadie más que a nosotros mismos. Lo más valioso de la banda es que hemos sabido superarnos pese a los problemas. RK: Juanpi, ¿cómo te sientes al cantar las canciones pasadas, te sientes con mayor responsabilidad que las del disco nuevo? JP: De repente es complicado, las canciones tocan ciertos temas con los que no me identifico, Esteban tenía una forma de componer un poco rara. Él podía hacer cosas que yo no, pero en

RK: Salir del país, llevar su música a otros lugares es un reto que no todas las bandas aceptan.

Como banda se han consagrado por segunda vez y los ponen como candidatos importantes para convertirse entre las bandas favoritas de la escena, ya con una base de fans creciente en el continente. Nuevos retos y escenarios que conquistar ese es el futuro de Odisseo. entrevista nacional

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RK: ¿Sobre el escenario se sienten ajenos a sus personalidades comunes? ¿se sienten como personajes?


Empezaron En La Música Electrónica Por Diversión Y Terminaron Nominados Al Grammy

por Mariana Velasco / fotos Alejandro Servín

EL ASCENSO DE

ADICTIVA ELECTRÓNICA

Su show fue uno de los mejores en el Corona Capital 2018, pues Harrison Mills (Catacombkid) y Clayton Knight (Beaches Beaches) no basan sus presentaciones en sólo un par de consolas, sino que los acompaña una docena de músicos con trompetas y tambores en vivo. Y a todo eso añadan luces, fuego, y el hecho de que al actuar, coordinan sus movimientos de acuerdo a la música, ofreciendo una vibra única que hace al público bailar sí o sí.

“Hombre, ha sido todo un viaje, raro porque todo es nuevo todavía y no nos hemos detenido, se siente surreal, estamos muy felices y no nos podemos quejar. Cuando salimos de la universidad teníamos la presión de ver a todos conseguir trabajos, y nosotros sólo pensamos en hacer esto y hacer que durara lo más posible para no tener trabajos reales”, afirman Harrison y Clay. ODESZA nació en 2012 y han lanzado tres álbumes de estudio, siendo A Moment Apart el más aclamado hasta ahora, pues fue nominado al Grammy de mejor álbum de dance/ electrónica en 2017. Una de las cosas que caracterizan este disco, son las colaboraciones, pues están presentes en 13 de las 25 canciones de la edición deluxe. Artistas como Sasha Sloan, Naomi Wild, Leon Bridges y más, son los encargados de dar voz a las composiciones de ODESZA, de forma que los tracks no son enteramente instrumentales,

y esto además de añadir toques de pop y otros géneros, también añade una sensación de que hay muchos protagonistas y sonidos nuevos. “Fue mucho tiempo, empezamos a escribirlo justo después de In Return. Pasamos seis meses en Seattle y luego en Los Ángeles.

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Muchas veces resulta difícil saber qué quieres hacer en la vida, y al final pocas personas son llevadas a un destino ideal que les muestra exactamente qué hacer, y terminan amando su trabajo. La música no es algo a lo que todos llegaron porque “sabían que querían ser músicos”, sino que existen casos afortunados como el de ODESZA, dos chicos originarios de Seattle que empezaron haciendo electrónica por diversión y terminaron nominados al Grammy.


gustaba nuestra música, así que los contactamos, les enviamos demos y resultó una colaboración muy fácil y divertida de hacer”, dijo Harrison.

El tema general del LP es la nostalgia, pero Harrison asegura que es desde la perspectiva de que quieren que la gente se conecte con sus recuerdos. A Moment Apart representa intimidad, pues la nostalgia es un sentimiento que se siente cercano.

A partir de ese trabajo, comenzó una conexión especial de ODESZA con lo mexicano y la audiencia mexicana, pues decidieron organizar un festival en la Riviera Maya llamado SUNDARA, que se realizó el pasado mes de marzo, donde se presentaron artista del catálogo de Foreign Family Collective, una disquera creada por ellos recientemente.

Entre los colaboradores, está la cantante mexicana Paulina Reza, líder de la banda fronteriza The Chamanas. Ella tiene la voz principal en “Everything At Your Feet”, canción a la que le hizo un remix el DJ tijuanense Grenda. “Siempre quisimos hacer una canción en español porque creemos que el lenguaje es hermoso, así que le pedimos a un amigo que explorara música en español, descubrimos a The Chamanas y supimos que les

El éxito de este dúo es inminente. Han estado de gira desde septiembre de 2017 y no han parado. “Es muy emocionante ver a audiencias tan animosas que cantan, ver ese tipo de reacción es increíble, además entre todos los músicos, crew y nosotros formamos una familia y somos muy felices haciendo esto. Quizá terminemos en julio, pero por ahora

queremos disfrutar sin sentir la presión de tener que sacar algo el próximo mes o algo así, desarrollar nuevos ambientes creativos. En tour tomamos muchas influencias de la gente y sus culturas, de forma que es lindo traer eso a casa y escribir después, así que cuando termine el tour lanzaremos más música”, concluyeron los chicos. ODESZA es un proyecto completo: hacen buena música, ponen mucho empeño a sus shows en vivo y además ayudan a artistas emergentes a ser conocidos. El éxito inesperado nunca se escuchó mejor.

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Había mucha expectación, pero salió como queríamos, ha sido una gran experiencia y estamos muy felices”, dice Clayton del proceso.


Son Una Suma De Todo Lo Que Aman Y El Tiempo Que Han Compartido Juntos

por Mariana Velasco/ fotos Rodrigo Guerrero

UN ACCIDENTE FELIZ

Aunque sólo han lanzado un álbum, ya están viajando por todo el mundo gracias a que su synth pop es increíblemente pegajoso y adictivo. No son la típica banda conformada por voz, guitarra, teclados y batería, sino que además tienen tres coristas -o vibers, como los define Ruby de forma divertida- y un miembro extra que hace todo el trabajo audiovisual, pero que no es parte del acto en vivo. Orono, Harry, Tucan, Emily, Soul, B, Robert y Ruby provienen de diferentes

partes del mundo y unidas por el internet, una herramienta sin la cual no existiría este maravilloso proyecto. Se conocieron a través de los años en foros de música mientras compartían sus gustos en común y armaban ideas dispersas que un buen día se juntaron en “Something For Your M.I.N.D.”, el primer hit de Superoganism. “No teníamos idea de lo que seríamos porque empezamos como un proyecto de grabación sólo para divertirnos. Grabamos esta canción muy rápido y luego la subimos a la red, algunas personas la escucharon y les gustó, pero nada fue intencionado. Creo que toda la historia se resume en un accidente feliz”, asegura Ruby. Tucan, el baterista, dice que la palabra “superorganismo” se refiere a que la banda es un conjunto de cosas, algo mucho más grande que cada persona por separado. Junto a él, Harry y Emily tuvieron una banda de la que Orono se

hizo fan, por lo que los conoció cuando visitaron Japón. De ahí en adelante se fueron formando las relaciones cara a cara y mediante internet, e incluso algunos miembros no se conocieron en persona hasta que ya habían escrito el álbum completo.

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Al hacer una canción que dijera: “cuando sea grande quiero ser un superorganismo”, Superorganism seguramente pensó en el significado de ellos como banda. No es una frase en el aire, sino que tiene un propósito. Se llaman así porque además de ser ocho miembros en la banda, tienen una historia que se formó durante años y que va más allá de lo usual: son una suma de todo lo que aman y el tiempo que han compartido juntos.


El álbum debut homónimo de Superorganism salió en marzo de 2018 y está compuesto de 10 tracks con un estilo muy marcado, pero diferentes entre sí, que tuvieron un impacto significativo en la música. Cuando sus canciones empezaron a salir en la radio o sus videos se hicieron virales en internet, toda la gente se preguntaba quiénes eran ellos. “Hicimos canciones que se conectaran con los dos temas que más nos interesan: tecnología y naturaleza. La ballena que es nuestro logo la elegimos porque es uno de los animales marinos más hermosos, grandes, amigables y un superorganismo en sí misma, y todos estuvimos de acuerdo en que nos representaba”, dijo Ruby.

Sus shows en vivo siempre fueron una oportunidad para ofrecerles a sus fans una experiencia sin igual más allá de la música, empezando por los visuales que acompañan todas sus presentaciones. El encargado de este material es Robert Strange, un miembro que nunca vemos en directo pero que orquesta desde lejos todo el arte de la banda. Durante esta gira usaron coloridos impermeables y capas brillosas, y hacían un acto casi teatral al salir al escenario agitando campanas y luces en forma de luna llena. Ruby y Tucan aseguran que planearon todo eso cautelosamente con la intención de ofrecer algo artístico y memorable: “si vas a ir de tour por todo el mundo, mejor hacer algo que lo valga. Ya que nos tomó tanto tiempo hacer la música, se merece un buen show en vivo emocionante, interesante y único. La gira de Superorganism ha estado activa desde febrero de 2018 sin ninguna pausa, dando la mayoría de sus shows en Europa con audiencias

desde las 90 hasta las 600 personas, haciendo a su público cantar y bailar con canciones como “Everybody Wants To Be Famous”, “It’s All Good” y “Nobody Cares”. En cuanto a su pasada presentación en el Corona Capital 2018, nos compartieron: “Fue un show muy divertido, el público se portó muy animoso y ruidoso, todo estuvo lleno de vibraciones buenas”. Superorganism es autenticidad, una banda que te gusta aunque no sepas ni el nombre y te encanta más cuando por fin los conoces. Vaya que sí, todos queremos ser como ellos cuando seamos grandes.

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“Nuestro sonido es como un collage de todo lo que amamos. Nos gusta sobre todo el pop y la psicodelia, así que juntamos esas dos cosas”, afirma Tucan.


El Sonido De Su Nuevo LP Vuelve A Sus Raíces Y Sonidos Simples por Mariana Velasco / fotos Alejandro Servín

H A S T A

Quizá la mayoría de la gente los conoce por su éxito de 2006 “Young Folks”, pero detenerse a escuchar el resto de su material resulta sorpresivamente agradable. Uno se da cuenta de la muy amplia gama de sonidos. Cada álbum es especial. En octubre pasado lanzaron Darker Days, el octavo en su carrera. Se trata de un material lleno de concepto y que refleja toda la experiencia y creatividad que han reunido en todo este tiempo; tanto en conjunto como por separado.

“Nuestra última visita a México en 2016 (Corona Capital) fue grandiosa. Recuerdo que también estuvo Kraftwerk en ese festival. (Que por cierto nos pareció un buen evento en todo sentido. Hubo mucha gente y todos cantaron con nosotros). Queremos dar un show solos aquí el próximo año”, dice Peter sobre sus recuerdos de México. En esa ocasión, la emoción durante “Young Folks” fue inevitable. Uno de esos momentos durante un festival donde no existe nada más que la música y todos parecen ser fans de la banda. “¿Qué es lo bueno de tener un hit de ese tamaño?”, le pregunto a Bjorn, quien responde que obviamente es que se abren muchas puertas y la gente te conoce y le da por escuchar tu música. —Lo malo es que no conocen todo tu repertorio—, advierte Peter. EL OCTAVO PASO Darker Days está compuesto de 11 tracks, y lo hicieron bajo el concepto de la oscuridad. Cada miembro escribió

H U E S O ciertas canciones con su visión de lo que es la oscuridad. Peter habla sobre lo que ocurre en el mundo actual, Bjorn sobre problemas en las relaciones y John sobre el subconsciente. En el proceso primero acordaron el título y luego escribieron las canciones; de manera que se adaptaran a éste. —En mi caso, me basé en la idea de cuando oscurece y ni te das cuenta de

-“NO SOLO SON LEGENDARIOS POR HACER BUENA MÚSICA SINO POR LA EVOLUCIÓN CONSTANTE”-

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“Hace 10 años en una reunión dijimos que haríamos 10 álbumes. Ya vamos en el octavo”, dice Peter. Él es uno de los tres genios detrás de la legendaria banda de indie rock pop Peter Bjorn and John. Escribo legendaria porque llevan casi dos décadas juntos y ese término no sólo abarca el hacer ‘buena música’, sino permanecer unidos por tantos años, sacar discos constantemente y, sobre todo, que todo eso haga evolucionar a cada uno de ellos, también los hace legendarios.

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roles individuales. Cada quien produjo distintas canciones. Esto es algo que no habíamos hecho antes”.

cumplido la primera parte de su meta como banda.

—Los tres huesos de la portada nos representan: somos nosotros juntos en una misma vibra. Los tres formando uno solo, rompiéndonos los huesos y cavando profundo en nuestra piel y nuestras emociones.

Al hacer discos muy diferentes entre sí, los músicos aseguran que no tienen un proceso para ‘saber’ lo que necesitan hacer en cada álbum, sino que simplemente empiezan a tocar juntos para pronto descubrir el rumbo que deben tomar. Bjorn dice:

Entonces, ¿hay algún secreto para permanecer juntos por tantos años y conservar esa magia para que todo salga bien? La respuesta es no. Por increíble que parezca, Peter Bjorn and John han estado a punto de separarse varias veces, pero la magia que sí han encontrado está en esa química para volver a hacer que funcionen las cosas.

En el sonido de este LP, el trío vuelve a sus raíces y sonidos simples. Aunque sabemos que son una banda muy versátil y que han hecho álbumes conceptuales con estilos muy distintos, esta vez quisieron trabajar en completa tranquilidad. “Quisimos hacer algo más rápido porque con Breaking Point hicimos equipo con muchos productores y fue cansado. Esta vez quisimos escribirlo entre nosotros tres y nada más. Musicalmente tratamos de hacer algo diferente en la composición, reinventar la banda e interpretar de forma diferente nuestros

“En nuestro primer álbum, por ejemplo, ni sabíamos qué hacer. En el proceso tomó forma. Nos sale bien trabajar juntos y tenemos muchas cosas en común aunque creamos que no”. Las giras de PB&J suelen ser por partes: tocan sin parar un par de semanas y luego descansan. Por ahora están dando shows en América y luego estarán en Europa hasta el verano de 2019. Al terminar el tour, están seguros de que harán un noveno álbum, y luego un décimo. Después, quizá tomen un largo descanso, pues habrán

“Además, es difícil empezar nuevas bandas. Pero si tocas por tanto tiempo con la misma gente, te acostumbras y todo fluye. Todo es más fácil pues ya tienes un nombre hecho. Si te unieras a otra banda e hicieras el mismo disco, nadie se daría cuenta”, asegura Bjorn. Y al ser las cosas así, seguramente ni se siente como tanto tiempo. entrevista internacional

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lo rápido que pasó el día, en el cómo a veces no nos damos cuenta de ciertas cosas—, dijo Bjorn.


por María José Sánchez fotos cortesía Andrés Sólis


Tras Varios Años De Caminar Por Diferentes Caminos, ¿Recuerdas esa escena de Volver al Futuro II, en la que Marty regresa a su presente pero está totalmente cambiado? Su presente era diferente al que había dejado… bueno, algo así le pasó a Bengala –y no precisamente para mal- después de la pausa que le dieron a la banda. La historia comienza allá por el lejano 2013, un día de repente no supimos nada de ellos, bueno no totalmente. Diego hizo lo suyo con Comunión, mientras que Chuy seguía tocando con proyectos como Velázquez y The Melovskys; Sebastián por su parte estaba con Reyno y Marcos se lanzaba en solitario. Vamos, nunca dejamos de saber de ellos pero sí de Bengala, ¿qué pasó? ¿Qué los llevó a pausar un proyecto que los había posicionado como una de las bandas que definieron el sonido del rock alternativo en los 00’s?

La pausa –según las cuentas de Chuy- fue de aproximadamente cinco años -según las mías fueron seis, pero no me iba a poner a discutir con Chuy, bebé-. En poco más de un lustro los contextos cambian, la vida cambia, las personas cambian; tras varios años de ir por caminos individuales con sus respectivos proyectos, el guitarrista nos comentó cómo fue el proceso de reencontrarse creativamente.

RK: Bueno seguro esto ya fue preguntado muchas veces y aunque parezca, no es un reclamo, ni nada pero ¿Por qué? ¿Qué los llevó a pausar Bengala?

“Fue muy sencillo, creo que porque extrañamos hacer música juntos, antes que nada. Tuvo que ver un poco el productor yo creo, o sea a la hora de componer, que finalmente es lo más importante de la banda. A parte de que nos llevamos súper bien, de maravilla, pero nos estábamos juntando algún día a la semana así esporádico y un día de esos, el productor nos dice: ‘¿Saben qué? Esta canción suena a que es de Marcos, esta suena a que es de Diego, o de Amauri, como que no siento que sea Bengala. ¿Por qué no se toman un día y se ponen a reír y hacer lo que hacían antes… tomar tequila? Y se ponen a hacer cosas juntos. Se nos hizo muy fácil también y finalmente lo que pasó es el resultado que podemos escuchar en “Déjala ir” y “Enloquecer”.

Chuy: Dejamos de hacer música juntos, porque ya estábamos en el 2013, ya estábamos haciendo lo que iba a ser el cuarto disco y nos juntamos y empezamos a darnos cuenta de que no era la dirección que queríamos tomar, o sea musicalmente hablando, entonces por eso nunca hicimos ni siquiera show de despedida.

Pero, ¿a qué suena Bengala? Creo que cada quien tiene su propia definición según lo vivido, según lo escuchado y según el año en el que los conociste. Pero después de casi dos décadas, ¿qué se ha mantenido intacto

La conversación inició con una recapitulación de las veces que han tocado en el Vive Latino, con esta edición –la vigésima del festival- era la séptima vez que pisaban ese escenario durante su trayectoria y justo por esa buena racha y los tres álbumes lanzados con éxitos radiales como “Carretera”, “Miente” y “Cárcel”… la pregunta era obligada.

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A mediados de 2018, la banda apareció de nuevo con una presentación sorpresa en #MapaSonoro, lo cual movió muchísimo el corazón de los fans porque, vamos, muchas veces a quienes estamos del otro lado, los que escuchamos, nos mueve muchísimo más la nostalgia de revivir momentos, junto a la banda que marcó una etapa de la vida… y justo de eso platicamos con Chuy Herrera, sobre la nostalgia, lo que pasará con la banda este año y más.

Simplemente paramos, igual por eso no hacemos un show de regreso ni nada, simplemente fue una pausa. Fue una etapa de mucho aprendizaje, también individual, creo.


central

, ¿Cómo Fue El Reencuentro Creativo?

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-UN DÍA DE REPENTE NO VOLVIMOS A SABER NADA DE ELLOS, BUENO NO TOTALMENTEen la esencia de la banda? Al respecto el guitarrista comenta: “¡HACE 20 AÑOS! Me quedé reflexionando en el tiempo. En la esencia de Bengala se ha mantenido intacta la amistad, la memoria de todas las aventuras, millones de aventuras, y el amor a la música realmente. Cambia siempre todo, los formatos y como se escucha la música pero es precisamente lo que nos mantiene juntos.” RK: ¿Cuál es la presentación que más recuerdas? Chuy: Toluca, en un festival que era como de ska. Lo recuerdo con mucho cariño porque fue la primera vez que nos aventaron piedras.

Eran bolsas como con grava y fue la más divertida porque aparte Diego se puso en un plan retador, les decía “Ah pues de menos tengan puntería” y nos empezaron a aventar más bolsas. Fue una experiencia increíble, yo creo que fue por 2019. Así hay millones de historias, pero esa se me vino ahorita a la mente.

EL PRESENTE FUE FUTURO Y SERÁ PASADO Pasamos de la nostalgia del pasado, al presente donde Bengala, una banda nacida en los inicios del nuevo siglo, regresa en un contexto que no se detuvo mientras sus integrantes exploraron otros caminos, un presente donde la escena musical, ya no es la misma de hace diez o incluso cinco años. ¿Esto afecta en algún sentido a la banda? “Lo importante de todas las bandas, o personas en solitario que hacen música, es que lo hacen por amor, no para satisfacer ningún anhelo de creación de nadie y pues no me afecta, no nos afecta. Finalmente es música y que llegue como pueda llegar a los oídos […] Lo que queremos es ampliar nuestros fans, llegar a las nuevas generaciones, pero eso no significa que tengamos que cambiar nuestra música.” El presente de Bengala es el regreso anunciado de su pausa no anunciada y se desenvuelven en él con el lanzamiento de un cuarto disco al que llegan mejor preparados, creativa y musicalmente. Además exploran la experiencia del reencuentro entre ellos, con sus fans y el fluir libremente con la creación del mismo. “La idea es hacer un álbum quizá hasta doble. Desde que regresamos, nos hemos tomado el tiempo para hacerlo sin prisa, cero expectativas, como lo más tranquilo que vaya caminando al ritmo que le vayamos dando.” Bengala volvió al futuro y no lo digo de una forma negativa, como si estuvieran perdidos o desfasados en el tiempo, sino que vuelven recontextualizados y atemporales dentro de una escena más alternativa, más conectada y más inclusiva, donde todas las formas de hacer música encuentran su lugar y morimos por ver cómo se desenvuelven en ella.


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por Daniel Dabid / Ilustraciรณn TheJavisCEffect


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En pleno 2019 -y con la música hispana sonando en los cinco continentes- aún se cree poco en la calidad y alcance que tiene lo hecho en este lado del hemisferio. Y es que la historia de la música hispanoamericana nos puede remontar desde los años 50 con agrupaciones conocidas como Orquestas o Sonoras (Dámaso Pérez Prado, Sonora Matancera etc). Ellos marcaron un hito en la creación de música meramente latina. El tiempo pasó y distintos géneros latinos tomaron notoriedad; artistas nacieron, se reprodujeron y se apagaron. Pudimos disfrutar desde el pegajoso ska de Toño Quirazco, hasta la épica salsa de la Fania All Stars. Tras años de evolución e influencia extranjera, la música latinoamericana mutó y fue encontrando además de un sonido, la necesidad de salir de su zona de confort. Quería ser escuchada más allá de la tierra descubierta por Colón. Entonces encontró en los años 80 y 90 el ecosistema necesario para crecer exponencialmente. Más allá de los géneros, la música que tenía nuestro idioma se popularizó a nivel global. Temas como “La Macarena”, “Conga”, “Lambada”, y “Livin’ la Vida Loca”, así como productores de la talla de Emilio Estefan, y Robi Draco Rosa, comenzaron a dictar lo que se escuchaba en muchos clubes alrededor del mundo. Lograron que artistas angloamericanos como Madonna, se interesaran por estos sonidos con canciones como “La Isla Bonita”. El mundo quería cantar en español. Y es que artistas como Gloria Stefan, Juan Gabriel, Ricky Martin, Shakira, Celia Cruz y hasta Carlos Vives con “La Gota Fría” construyeron los cimientos de lo que hoy en día oímos y disfrutamos. Estos expositores lograron lo que podríamos llamar el primer gran boom latinoamericano musical. La escena ‘alternativa’ también vivió en los noventa, su época de oro bajo la tutela de monstruos de la producción. Federico Moura con Soda Stereo, Afo Verde con Los Fabulosos Cadillacs, Gustavo Santaolalla con Café Tacvba o el propio Tomas Cookman con su sello Nacional Records, manejan hasta el día de hoy los hilos de la música latinoamericana. El IMPERIO CONTRATACA Aunque la continuidad de este boom latino no se mantuvo con la misma fuerza, nuevos bríos vendrían a inyectar novedosos y viejos ritmos. Estas combinaciones dieron paso a muchos sonidos, entre ellos los que serían bautizados bajo el nombre de género urbano, reggaetón y trap. Y es que Hispanoamérica y sus sonidos siguieron evolucionando y alimentándose de muchos géneros establecidos. Dieron forma a un nuevo movimiento de música latinoamericana basada en géneros como el hip hop, el pop,

el reggae, el jazz etcétera. Volvieron más fuertes que nunca a arrasar con las radios y los charts de todo el mundo. Con la globalización de la música y las nuevas formas de consumirla, vimos nacer nuevos grupos y artistas, así como nuevos himnos que ahora sonaban en el iPod de cualquier estadounidense, pero también en el de un alemán, o de un coreano. LOS REYES DEL MOVIMIENTO Y es que al hacer un análisis de la música latina y sus últimos 20 años, encontramos temas que nunca imaginamos llegarían a ser lo que son hoy día. Temas como “La Gasolina” se han convertido en himnos, y hasta en una de las canciones más influyentes e importantes de los últimos 15 años, en cuanto Latinoamérica se refiere. El reggaetón llevaba muchos años entre nosotros, oficialmente nos colonizaba sin darnos cuenta, bajo el nombre de Daddy Yankee. El imperio de la música latina avanzaba a pasos firmes, el mundo volteaba nuevamente a vernos. Desde Miami hasta Argentina -unos países en mayor medida que otros- estaban en vías de ser la nueva capital de la música global.

-LA MÚSICA HISPANOPARLANTE RIGE EL MUNDOEL LATINO GANG Lo que logró Daddy Yankee no fue notorio inmediatamente. Esto se topó con pared cuando él y otros exponentes como Don Omar, Tego Calderón fueron rechazados por buena parte de la crítica y los expertos. Los premios caían a racimos, pero algunos de ‘los que saben’ no dejaba de verlos para abajo, como un género menor y de poca calidad. La conquista del mundo tenía que seguir siendo trabajada. Al pasar de los años, los nombres que hoy conocemos se han duplicado, además de los ya mencionados, hoy el mundo pronuncia a la perfección el nombre de Wisin, Balvin, Maluma, Benito y Yandel. La fábrica de hits (y obviamente de dinero) sigue teniendo como sede el continente americano. El mundo canta en español como nunca antes. El nuevo boom de la música latina está en su máximo esplendor. ¡Qué buena época para estar vivos!

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Unidos cuatro años después del lanzamiento de Cómo te voy a olvidar, donde se incluye la versión más reciente de “Mis Sentimientos”, que al día de hoy acumula los 700 millones de visualizaciones en YouTube. Resulta curioso que la cumbia llegó al afamado festival inglés de Glastonbury gracias a Cumbia All Stars, agrupación peruana fundada en los 70. ¿Qué es lo que ha propiciado esta apertura tan inusual? Es decir; que aquellos escenarios aparentemente imposibles para ciertos proyectos musicales, los reciban, en cambio, de manera cálida. Internet, desde luego tiene mucho que ver con la respuesta.

-LOS ÁNGELES AZULES ES OTRO EJEMPLO DE CÓMO MÚSICA AJENA AL ROCK PUEDE LLEGAR A ESCENARIOS QUE PARECÍAN IMPOSIBLESEL POTENCIAL DE SER TENDENCIA Luego de que la radio y la televisión dejaron de tener el dominio sobre el gusto popular (no se me mal entienda, aún tienen importancia y alcance, pero ya no son los únicos medios que lo hacen posible), las plataformas que internet ha desarrollado y su lenguaje permiten que la experiencia musical trascienda de la música. Por ello los retos en los primeros párrafos descritos tienen cabida y son justificación para llegar a festivales internacionales. El potencial de ser tendencia en internet, y posteriormente o simultáneamente en el radio o la televisión, es un camino distinto por el que géneros como la quebradita o la cumbia se abren paso entre el gusto popular y los carteles de festivales musicales. Pasó en 2017 cuando el público del Vive Latino recibió cálidamente a Paquita la del Barrio y a La Sonora Santanera o a Bronco en un festival considerado como único para el rock (internacional y nacional) y sus variantes. Ejemplos como el Vive Grupero (festival de la ‘música regional mexicana’ que le hacía frente al Vive Latino y sólo tuvo una edición) son el claro ejemplo de que el futuro de la industria musical no es otro sino la inclusión. Ojalá esto se pueda ver reflejado algún día en el que no existan gustos culposos o prejuicios por los gustos musicales.

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Todo comenzó como un juego. Literalmente como un reto. Los usuarios hispanohablantes de Internet decidieron hacer propia lo que se conoció en Estados Unidos como #InMyFeelingsChallenge. Esto consistía en algo aparentemente divertido: salir de un auto en movimiento desde el asiento del copiloto. Una vez afuera, la persona que aceptaba el reto debía bailar, o improvisar una coreografía, al ritmo de “In My Feelings”, canción de Drake. Sería impreciso decir que #LaChonaChallenge, versión en español del reto de internet arriba descrito, surgió en México: Estados Unidos cuenta con un total de hispanohablantes que rebasa los 52 millones, según el Instituto Cervantes en su informe El español: una lengua viva para el año 2018. Quizá la canción que Los Tucanes de Tijuana grabaron en 1995, “La Chona”; sea parte de la construcción de un estereotipo del mexicano. Lo cierto es que esta agrupación fundada en 1993 originaria de Baja California se presentará en el festival Coachella en su edición 2019. Sería ingenuo no atribuirle este logro al reto popularizado por internet; y no es por poner en entredicho la calidad musical de Los Tucanes ni desdeñar su trayectoria. De hecho, así lo han reconocido Mario Lara Quintana (vocalista) y Chito Labrada (baterista) en entrevistas. Se trata, por el contrario, de explicar un fenómeno interesante: la ya sabida aunque raramente aceptada influencia de las redes sociales digitales en el mundo físico. ¿Quién diría que la quebradita sonaría algún día en el escenario que ha tenido a Rage Against the Machine, The Chemical Brothers, Björk, The Red Hot Chilli Peppers y Pixies? LAS BRECHAS SE PUEDEN ROMPER EN INTERNET Aunque hay imprecisiones en el nombre del álbum: unos lo ubican en Para tucancillos y tucancillas, aunque el único LP que grabaron en ese año es Mundo de Amor y no se encuentra ahí “La Chona”, esta canción fue una de las más escuchadas en 2018. Según un post que compartió la agrupación en Instagram, únicamente en Spotify dicho tema ha sumó más de 20 millones de reproducciones a raíz de #LaChonaChallenge. Los Tucanes de Tijuana se suman a Los Ángeles Azules como las primeras agrupaciones mexicanas que interpretan géneros musicales ajenos al rock (y sus variantes) en tocar en el Coachella. En el caso de los originarios de Iztapalapa, fue la reedición de sus grandes éxitos lo que les llevó al festival de Indio, California. Esto se entiende desde las colaboraciones con figuras como Ximena Sariñana (Lollapalooza 2011). Aunque no tan inmediato, Los Ángeles Azules llevaron su cumbia a Estados


ENTRE LA

021 por Martín Vargas / Ilustración TheJavisCEffect


EL

CAMINO

A

LA

022 por Carlos Valle / Ilustraciรณn TheJavisCEffect


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Uno de los puntos más excéntricos que tiene México es esa cercanía con Estados Unidos; pareciera que a veces tenemos más afinidades con América del Norte que con América Latina. La cercanía a veces pesa más que la idiosincrasia. Simplemente hacia el sur no tenemos la barrera del idioma que compartimos con el norte. Esas barrera cultural también ha fluctuado con el paso del tiempo, sobre todo desde que los Estados Unidos terminó de asentarse como la potencia del mundo; principalmente por dominar el ambiente económico y cultural. Siempre con los ingleses de aliados en estos dos aspectos. Nueva York y Londres siguen siendo las capitales del mundo. Por eso desde el siglo pasado para acá, había que triunfar en alguno de esos dos países para ser un verdadero astro mundial. Esa época de dominar Francia para dominar al mundo ha quedado atrás. Hasta el reflejo del éxito se ve, porque si querías triunfar en la lengua hispana, había que triunfar en México. Le pasó a Héroes del Silencio, le pasó a Soda Stereo. Pero si quieres triunfar en el mundo, había que triunfar con los gringos. Frank Sinatra cuando escuchó a José José se quedó anonadado. Es de las cosas que nadie se entendió porque en el mundo no dió más vueltas, el talento no sabe de idiomas. Aquí en nuestro país tenemos un ejemplo muy claro con eso. Por un lado tenemos al padrino del Rock Nacional; Javier Bátiz, el Satriani antes que Satriani, así como este último fue maestro de músicos como Kirk Hammett; Bátiz fue profesor de Carlos Santana, Alex Lora, Abraham Laboriel y Fito de la Parra de Canned Heat. Con esa lista se puede entender que sin él, el rock nacional tendría una cara muy diferente. Por el otro lado tenemos a Carlos Santana. Uno de los exponentes más longevos, exitosos, reconocibles y talentosos que ha dado el país. Nuestro propio Guitar Hero, de esos que aparecen en las lista de los mejores de todos los tiempos y en la parte alta de la tabla. Toda la diferencia entre ellos dos, es hacia dónde viajaron. Bátiz vivía en Tijuana, Santana era de Guadalajara y se fue a Tijuana. Ahí uno le mostró un estilo al otro que después haría suyo. Uno tomó un viaje a la Ciudad de México y el otro cruzaría la frontera, para asentarse. Eso hizo toda la diferencia. Es cuando tal vez te das cuenta que eso que los gringos pregonaban como el sueño americano, alguna vez existió. Que la clave es quedarse, porque Bátiz sí conocía pasando el río Bravo. Sin ir más lejos conoció a Jim Morrison en el ya mítico Whiskey a Go-go de Los Ángeles y fue una amistad por lo menos de respeto entre músicos. Porque fue en la época más complicada de la vida de Jim.

Pero lo que se queda perdido es que Bátiz estuvo en esos shows privados hosteados por el hijos de Díaz Ordaz, que nada tenían que ver con los shows que se iban a armar en la Plaza de Toros. No solo Javier fue a ver a Jim; Jim fue a ver a Javier. Era otra época, donde todos los músicos se hablaban de tú, dejando de lado toda esa superficialidad que ha aumentado de manera exponencial con el tiempo. Carlos por su parte es el producto de una mezcla que venía desde su origen latino, con ese toque de jazz, a ese amor que le inculcó Javier por los bluseros de la vieja escuela como John Lee Hooker, T-Bone Walker, B.B. King o el mismo Javier, mas prefirió irse a California y estar mucho tiempo en pleno centro hippie. Con todas esas influencias culturales y de networking como lo llamaríamos hoy.

Consiguió que se presentarse en Woodstock sin un LP. Para él y su banda era ganar ganar, a pesar de las dudas que tenía el festival porque hace un año había sido el Monterrey Pop Festival. Pero presentarse en esa audiencia, con esa tamaño y esas bandas, no había manera de desperdiciarlo. A Javier no le fue tan bien. La diferencia de gobierno y de idiosincrasias. A pesar de el problema con los hippies y la guerra en Vietnam, Santana pudo seguir adelante convirtiéndose no sólo en un referente de la rock mexicano, sino de la música internacional. A Javier le tocó la represión de Avándaro y la satanización del rock por parte de la prensa oficialista que le cerró los espacios a todo lo que Javier y sus contemporáneos hacían. Desde aquí se entiende cómo el rock mexicano se separó tanto del anglo. Cómo nuestras canciones de protesta eran tan diferentes a las suyas y por qué nuestro sonido siempre fue folclórico, porque se abrazaba de las raíces de lo que se nos había quitado. También por eso tuvimos el rock urbano: nos sirvió para darnos a Rockdrigo y seguir entendiendo el papel de Jacobo Zabludovsky en la historia y el rock mexicano. Tal vez para otro artículo.

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común en que se materializan. Si bien no siempre se logra convocar un número significativo de espectadores, el deseo y ganas de tocar sirven de combustible para no dejar de hacerlo. De aquí la oportunidad perfecta para que una banda extranjera pueda colarse en el gusto de los asistentes. Es poco conocida la forma en que nuestras bandas favoritas llegan a nosotros. Esto es posible gracias a la labor de los promotores. Ellos cubren un papel muy importante ya que son quienes están al pendiente de los movimientos de estos artistas que buscan llegar al público. En ocasiones se presenta la oportunidad de hacerlas llegar cuando tienen fechas agendadas en Estados Unidos y se vuelve más económico pagar los viajes a nuestro país. Después de colocar fechas en una o más ciudades, muchos de estos actos tienen éxito. Entonces se vuelve a generar esta relación con teloneras nacionales que en ocasiones les acompañan de regreso a su país para dar uno o más shows.

-PROMOTORES, AGENCIAS DE RELACIONES PÚBLICAS Y RECOMENDACIONES DE OTRAS BANDAS, LOS DIFUSORES PARA ESTOS PROYECTOSHay quienes ya cuentan con los recursos económicos para planear una gira en Latinoamérica, pero para algunos sigue siendo algo complicado y casi imposible de costear. Otros proyectos lo logran a través de oportunidades de intercambio por medio de un presupuesto de promoción a cargo de agencias de diferentes países. Ellas trabajan de la mano para llevar a las bandas a sus ciudades de origen, donde habrá otras que ayudarán a la primera a colocarse en el gusto de sus respectivos seguidores. La amplia variedad de festivales en Latinoamérica también es un puente para que el talento más solicitado pueda visitarnos. Además de que estas producciones tienen convenios o sedes en otros países, lo que hace de este intercambio un movimiento extenso de música con oportunidad de tener fechas en más de un país. En fin, un evento que nutre de experiencia y vivencias a todos los involucrados. Es un trabajo arduo y digno de reconocer el de las bandas y el de los promotores que se enfrentan a toda clase de complicaciones para satisfacer nuestra necesidad de conciertos. Lo único que podemos hacer como espectadores para que esto continúe

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La manera en que consumimos música en la actualidad nos llena de proyectos de diferentes géneros y nacionalidades. Su alcance es inmediato y fácil; aunque en ocasiones es complicado darle seguimiento a aquellas bandas que despiertan en nosotros la curiosidad de verlas en vivo. La distancia y falta de recursos económicos de estos músicos son los principales obstáculos e incluso de los mismos espectadores. Las redes sociales y plataformas de streaming nos han abierto las puertas para seguir el trabajo de muchos proyectos. Además, esta posibilidad extiende el panorama musical que cada vez es más diverso y atraviesa un aceleramiento en su evolución, donde el factor que nos vincula es el idioma que compartimos. Lograr una posición privilegiada para una banda emergente puede llevar muchos años e incluso puede que nunca suceda; sin embargo hay proyectos que están dispuestos a morir en la línea y seguir aunque su número de fans no sea muy elevado. Entonces, a pesar del miedo, toman sus instrumentos, salen a tocar a la ciudad vecina o a otros estados para dejar huella y en el proceso existe la oportunidad de conocer proyectos de aquellos lugares visitados. Esto es algo que muchos aprovechan para compartir escenarios y darle a sus seguidores la posibilidad de conocer más música. Hay bandas mexicanas que han logrado un impacto importante en el país y también reciben muy buena aceptación en Centro y Sudamérica. Esto se debe a la extensa difusión que poseen las agencias que ven un futuro prometedor en el mercado internacional. Estos proyectos llegan a ser algo que exalta el gusto en el resto del continente hispanoparlante por lo que llevarlos a otros países es una apuesta segura; de alguna forma también llegan a influenciar sin importar las fronteras. Es en estos escenarios donde los teloneros locales atrapan los reflectores de promotores que hacen posible su salida a México. Como si se tratase de un dominó, la ola de promoción de la que forman parte de estos proyectos llega a más bandas emergentes. Por muchos años los músicos que residen y publican su música en América Latina se han convertido en pilares importantes que nos relacionan. Muchos de ellos han logrado hacer una estrecha amistad con músicos y fans de nuestro país. De este modo adoptamos una policulturalidad que nutre nuestros oídos, influye en nuestras vidas y recibimos con cariño. Es por ello que cuando estos proyectos planean una gira internacional la visita a nuestro país es obligatoria. Incluso la razón principal para iniciar un tour. Asistir a un show de bandas emergentes es cada vez más accesible. La gran cantidad de foros y proyectos que generan difusión y eventos gratuitos; carteles con cuatro o cinco bandas locales acompañadas de una extranjera es la manera


025 por Qiqe รvila, bajista de Jean Loup Ilustraciรณn TheJavisCEffect


foto cortesía

foto Rodrigo Guerrero

EL REGRESO DE ARTIC MONKEYS A MÉXICO

Bahidorá, esta vez me dejó sin palabras. No por la magnífica experiencia sensorial que ofrece año con año renovada y recargada, ya que pudimos explorar nuevos espacios, tampoco no porque finalmente pude ver a Blood Orange y llorar a unos metros de él. Mucho menos porque durante Larry Heard me explotó una tacha sensorial que desde hace años estaba intacta o que un imitador de Juan Gabriel se apareció en La Madriguera para llenar el alma con un poquito de arrabal.

Cerca de 65 mil almas se reunieron para ver el regreso de Arctic Monkeys, tras seis años de ausencia en CDMX. La jornada la inició Miles Kane y The Hives. Después de una espera de 40 minutos entre cervezas, amigos y desconocidos, llegaba el momento. La elegida para abrir la noche, como sus últimos shows, fue “Do I Wanna Know?” y aquello explotó.

POR MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ

POR JAVIER JARQUÍN

Podría incluso decir que no me dejó sin palabras que el escenario principal se veía más hermoso que nunca o que por fin el reguetón llegó para poner a perrear durísimo a la banda fresa, de una forma muy blanca, sí, pero vamos fue una bocanada de frescura en un ambiente dominado por la pose... Sin embargo, lo que me dejó sin palabras: la noticia de un accidente en el que un asistente perdió la vida, esto me dejó en silencio para reflexionar sobre la responsabilidad y poner en perspectiva qué tan listos estamos como audiencia para aprender de los errores sin cortar cabezas en el camino.

Los fans mexicanos siempre a la altura, no hubo canción que no se cantara con euforia y aunque sabemos que la banda no es de mucha interacción con el público -y después de algunas críticas después de su actuación en Pa’l Norte-, se esperaba ver más esa conexión. Y no quiero decir que no la hubo, pero después del frenesí de The Hives, tenían la mesa puesta para dar uno de sus mejores conciertos en México, pero quedaron un poco cortos en este tema. Noche redonda para los fieles parroquianos de los monos, quienes esperaron mucho tiempo para volver a cantar en vivo a lado del cuarteto británico, para otros, se llevan una nueva banda favorita a casa: The Hives.

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BAHIDORÁ, SPEACHLESS


foto Alejandro Servín

foto Rodrigo Guerrero

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NO VOLVERÉ A SER JOVEN: ROXY 2K19 POR JOSÉ CURDA “Que la vida iba en serio uno lo empieza a comprender más tarde, como todos los jóvenes, yo vine a llevarme la vida por delante”. Jaime Gil de Biedma. No cabe duda que en la música uno se reencuentra, los sonidos son espejos que reflejan quienes somos y de qué estamos conformados, la melodía simula visiones de nuestra juventud extasiada de libertad y locura. El Roxy de este año nos recordó que algún día no nos importó nada más que los placeres auditivos y sensoriales de aquellas bandas con las que crecimos. Una ola de jóvenes pubertos atrapados en cuerpos de gente de más cuarenta años, tomaron Guadalajara entre colores vívidos y fotos de algunos muertos. Regresaron al placer de su juventud, como zombies volvieron a la vida para devorar sus propios cerebros en éxtasis. Entre unos Caifanes, Nacha Pop, 2ManyDj’s y The Beatles, la generación X resurgió de entre los millennials para proclamar su territorio que creían perdido y gritar “Antes de que nos olviden, haremos historia”.

UNA NOCHE SENSORIAL CON ESTEMAN

POR MARIANA MENDOZA La noche del primero de marzo fue muy importante para Esteman, cantante colombiano que el 14 de febrero estrenó Amor Libre, una producción que va de una concepción del amor que se basa en la libertad hasta el amor propio; motivo por el cual se presentó en el Plaza Condesa con un nada sorprendente sold out. Entre muchas sorpresas e invitados que deleitaron a los asistentes, como Marco Mares, quien fue el encargado de abrir el escenario y además lo acompañó en “On Top”, Daniela Spalla, con quien interpretó “Adelante” y “Cuando No Estás”, Daniel Me Estás Matando tocando “Bahía San Miguel”, Juan Pablo Vega, con quien cantó “Se Nos Perdió”, Ximena Sariñan le hizo segunda en “Noche Sensorial”, Elsa y Elmar cantó “Burkina Faso” a lado del colombiano y por último, Alberto Arcas quien interpretó “Solo”. Esteman dio un buen recorrido por Amor Libre y además, compartió un poco de su carrera con canciones como “Caótica Belleza” o “No Te Metas a Mi Facebook”.

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foto Rodrigo Guerrero

foto Rodrigo Guerrero

THE HIVES EN PLAZA CONDESA

Esta edición de Ceremonia llevó nuestras expectativas a un nuevo nivel debido a su cartel envidiable –lo sentimos Corona Capital, ya no eres el único con carteles chidos-, que incluía a la estrella del momento Rosalía y las leyendas Aphex Twin y Massive Attack. Cumplidores con propuesta y que recordaremos durante muchos años.

The Hives, una banda que se caracteriza por dar shows tan enérgicos, con esos vestuarios de otro mundo. Siete años pasaron desde su último show en CDMX, pues el Corona Capital del 2012, siete años pasaron y en voz de Pelle Almqvist, están más que contentos con este regreso.

POR MARÍA JOSÉ SÁNCHEZ

Sin embargo el festival estuvo lleno de algo más que músico. Su discurso de inclusión, apertura y respeto se colaba en la vibra del festival, ya que por un lado la #MareaVerde inundaba Ceremonia y las Pussy Riot declamaban un Manifiesto Feminista, por el otro, la Carpa Traición fungía como el espacio queer donde el performance música y las drag queens nos mostraban los líneas invisibles del género. Actos memorables, muchos: Denzel Curry, Yaeji, Flohio y Jon Hopkins como muestra, sin embargo siempre recordaremos esta edición como la vez que todo, lo bueno y lo malo, valió la pena porque nos permitió llegar a un punto en el que cabemos absolutamente todos, aunque sea por un día.

POR BENJAMÍN DÍAZ

Con palabras en español “Somos Los Hives, y estamos de vuelta con ustedes mis amigos mexicanos”, iniciaron con “Walk Idiot Walk”, una pieza que enloqueció a cada asistente, hubo brincos y cerveza volando por las cabezas de todos. Además de estar de regreso, trajeron varias canciones nuevas que formarán parte de un nuevo disco que está por salir, sin embargo en este setlist, también aparecieron canciones ya conocidas y que fueron brincadas de principio a fin como “Go Right Ahead” “Hate to Say I Told You So”, “Tick Tick Boom”, “My Time is Coming”. The Hives es una banda que debes ver sí o sí en vivo, en este caso no tengo dudas, pero sí pruebas. Nunca desaparezcan o se separen de favor lol.

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CEREMONIA 2019, TÚ Y YO TODO BIEN


foto Rodrigo Guerrero

foto cortesía

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PRIMUS: A VECES EL PERFORMANCE ES LO MÁS IMPORTANTE

POR CARLOS VALLE Cada vez que Primus pisa tierras mexicanas es todo un espectáculo. Más en noches como ésta, que el setlist fue inesperado (como si Primus fuera una banda predecible). Ellos tocaron una selección curada especialmente para los fans de hueso colorado. El recuerdo del principio de su discografía era inevitable. No hacía falta gran cosa: los tres sobre el escenario con algunas algunos videos en la pantalla que iban desde videos clásicos, videos hechos para el último disco que los trajo en el tour: The Desaturating Seven, inspirado en un cuento que LaLonde leía a sus hijos antes de dormir. Sin importar eso, aquel fue de esos shows donde el setlist es lo de menos. Ya que tuvo clásicos como “American Life”, de esas que uno debe cantar a todo pulmón; vas por ver lo que hacen con los instrumentos. Claypool, LaLonde y Alexander son uno prodigios. Su currículum que lo sostiene. Éste es un show para todos, aunque no seas el más clavado en su discografía. Muchas veces el performance es lo más importante y los de Primus son expertos en eso.

CAPRICHOSO Y SINGULAR, SOFI TUKKER EN PLAZA POR BENJAMÍN DÍAZ

Sophie Hawley-Weld y Tucker Halpern regresaron a uno de los escenarios más icónicos dentro de la CDMX. Hablamos de El Plaza Condesa; un lugar mágico que ha ido creciendo y con una estructura agradable en sonido e iluminación. Para este primer mes del 2019, el dúo de Nueva York presentó canciones frescas de su más reciente LP y debut Treehouse. Este es un disco cargado de beats, playa y sol que tanto nos hizo volar la cabeza en el 2018. Como un espía, el público se adentró en la calidad de sonido. Explotó la neurona agradable que poco a poco se ha ido desgastando con tanto concierto en esta última década. Sólo fue necesaria una guitarra y sus juguetes (también les dicen synths) para hacernos viajar al mar; a recordarnos que la vida es cruel y que busca pretextos para tumbarnos. Esa noche favoreció y salió al revés pues la vida nos regaló un verdadero pedazo de felicidad; al menos por un rato nada más.

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MAYRA ANDRADE LA HERMOSURA DEL CANTO

CARIÑO REINAS DEL “TONTIPOP”

SGT PAPERS LOS PUNKS MÁS CHILOS

POR BENJAMÍN DÍAZ

POR ALDO FRANCO

POR MA. JOSÉ SÁNCHEZ

POR MA. JOSÉ SÁNCHEZ

¡Acércate! Te va a gustar. Mitski Miyawaki es una cantautora y músico japonés-estadounidense, mejor conocida como Mitski. Con tan sólo 28 años cuenta ya con cinco discos de estudio. Con Be the Cowboy, lanzado en el 2018, con el que logra posicionarse como una de las voces revelación. Sobra decir que su más reciente material discográfico es considerado uno de los mejores 10 en todo el mundo.

Cubana de nacimiento, caboverdiana de sangre, y residente en Portugal por destino, Mayra Andrade es considerada como una de la cantantes más sobresalientes de la morna moderna, por lo que a menudo se le compara con la reina del género, Cesária Évora, con quien tuvo la oportunidad de colaborar. Aunque los ritmos tropicales son su fuerte, la músico es capaz de adaptarse a los sonidos de secuenciadores, como lo demostró en “Reserva Pra Dois”, tema en colaboración con el DJ portugués, Branko.

Las conocí por un cover que hicierona de “Llorando en la limo” de su compatriota C. Tangana. Fue chistoso porque después de comparar con la canción original, cargada de male vibe - muy propia de la música en nuestra sociedad patriarcal-, me quedo con la versión de Cariño.

“Un dúo de hermanos haciendo pank”, así reza su información en redes sociales. Directo de Hermosillo, Felipe decidió armar una banda nueva junto a su hermano Jesús, después de tocar un rato con The Mud Howlers . Así nació Sgt Papers, una banda con el sonido salvaje de una guitarra y una batería.

Mitski es una gitana que sabe y entiende los sonidos en función de poder mezclarlos; poder unir muchos discursos en una forma homogénea. Para que descubras su sonido te recomiendo “Happy”, “Nobody”, “I Will”, “First Love / Late Spring”, “Two Slow Dancers”. Una guitarra, una voz y su figura en claroscuro en un concierto es todo lo que necesitas para descubrir qué es lo que nos depara en la vida. Qué es aquello que con un sólo chasquido puede hacerte mirar a otro lado. Las sonrisas vienen extras y es decisión tuya si las expresas o las guardas en tu alma, probablemente oscura.

Este 2019, estrenó su quinto álbum, Manga, en el cual encontrarás canciones de gran alegría, como la que da nombre al disco, o de penetrante nostalgia, como “Vapor di Imigrason” y “Terra de Saudade”, mientras que sus ritmos provocadores te harán bailar en “Pull Up”. En esta ocasión, Mayra dejó de lado las composiciones en francés e inglés, por lo que su dulce y poderoso canto en un portugués criollo te transmitirán profundas emociones.

Paola, María y Alicia lograron darle un giro radical, al otorgarle su personalidad como banda y reinventarla en un nuevo género: el bendito pop. De ahí salté a su EP debut: Movidas, en él continúan las melodías rosas y voces suaves con letras muy agudas que cuestionan el amor, las relaciones y la sexualidad. Con temas como “Bisexual”, “Mierda Seca” y “Canción de pop de amor”, renuevan esa vibe heredada de bandas que marcaron la música en español como La Casa Azul y Los Fresones Rebeldes. Hace unos días recién estrenaron “La Bajona” una oda pegajosa y suave a la melancolía de los corazones rotos que no debes perderte. Saudade pura.

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En 2018 lanzaron Sgt. Papers Lonely Psych Punk Band, una oda a la venganza y sátira al aquel disco de culto de los Beatles, mismo que los llevó al escenario de la segunda edición de Hipnosis. Para este año lanzaron Me hiciste brujería, otro EP que vale la pena escuchar mientras te mueves durante la ajetreada ciudad. Sgt. Papers han hecho mucho con muy poco, ya que han logrado expandir las fronteras de la escena punk en su ciudad, pero lo más importante es que ellos junto a otras bandas le han dado otro sonido y rostro a la escena del norte del país.

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MITSKI BRILLA MÁS QUE SUS JOYAS


por Dora Méndez / foto cortesía

La banda originaria de Cholula, Puebla está comenzando a sonar poco a poco en la escena. Está conformada por Berny Cortés (guitarra y voz), Paco Cortés (bajo y voz), Aldo Osornio (teclados) y Edgar Funes (batería). Platicamos con Berny, quien nos contó cómo fue que la agrupación se formó y cuáles son sus planes a futuro. Todo indica que sí comenzó con dos amigos que se conocieron en la universidad y de ahí comenzaron a construir un sueño.

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“Paco y yo éramos compañeros de la universidad, en 2013, por casualidad coincidimos en un campamento en EU, él tocaba el bajo, yo la guitarra e incluso éramos compañeros de cuarto, así fue como compartimos mucha música, tuvimos un par de proyectos con otros músicos, pero nada que se concretará, a mediados del 2017, le dije ‘hay que hacer una banda’ y comenzamos a hacer música”. Luego de un tiempo, la alineación estuvo completa y este proyecto comenzó a tomar más forma, con la primera canción que armaron en conjunto. “Tras 5 meses de estar trabajando un par de canciones, invitamos a Edgar, él estudió conmigo en la prepa, y él a su vez invitó a Aldo, quien llegó con la idea de una canción, que poco a poco se volvió ‘Necesidades’”. La idea principal de los músicos es hacer algo que la gente y ellos mismos puedan disfrutar al máximo. “Queremos que sea una banda para que la gente baile, eso es lo que busca el proyecto, sentimos que es una declaración de ir hacia adelante, de que esta banda nos gusta a todo y sentimos que está llenando nuestras expectativas”. El nombre de la agrupación nació de una forma natural, luego de pensarlo un tiempo y de varios intentos. “Habíamos estado ensayando sin nombre, en cada ensayo cada quien daba sus ideas, hasta que yo dije ‘todo indica que sí’,

pues en lo personal quería que fuera un nombre largo, algo así como una declaración, yo sentía que un nombre largo se queda más rápido grabado en la memoria de la gente”. Hasta ahora tienen un demo que lleva por nombre Demos y demás, porque cada canción tiene una esencia propia. “Se llama así porque está grabado en mi casa, y porque después de estar casi como un año como agrupación nos dimos cuenta que nuestras canciones eran muy diferentes entre sí, si bien no nos queremos enfocar en un género, sí deseamos homologar la vibra de las canciones, entonces decidimos sacar estas canciones que son distintas entre ellas”. Y en un futuro planean darle otro sentido a estas canción y volver a grabarlas. “Eventualmente queremos producirlas , con un productor y en un estudio bien y queremos que tengan un sonido mucho más dance y electrónico que es realmente a lo que le tiramos”. Por ahora, la música de Todo indica que sí se encuentra disponible en Spotify y en Soundcloud para que te des una vuelta por estas plataformas y conozcas más del proyecto.

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ROSALÍA / CEREMONIA POR RODRIG O GUERRERO

LAMB OF G OD / DOMINATION POR EDWIN LÓPEZ


ALICE COOPER / DOMI NATION POR RODRIG O GUERRERO

KISS / DOMINATION POR RODRIG O GUERRERO


OLIVER TREE / VAIVÉN POR ALEJAN DRO SERVÍ N

WILD NOTH ING POR QIQE ÁVIL A


THE HIVES POR RODRIG O GUERRERO

DEAD KENNEDYS / DOMINATION POR EDWIN LÓPEZ


/por Carlos Valle

C A R L O S

S A N T A N A

¿Cómo haces que Rob Thomas sea un hit internacional, gane premios y lidere las listas de popularidad? Fácil: lo pones con Carlos Santana. De paso haces lo mismo con Maná, Cee Lo Green -antes de este disco lo más trascendental que había hecho era coros con TLC-, o nombres consagrados como Everlast o Eric Clapton. Hubo un tiempo (y no es tan lejano) que los Grammys no tenían tan poco valor como ahora. En este tiempo, alguien hizo una hazaña. El récord de empatar a Michael Jackson con más galardones en una noche. Sobre esa ola latina que Ricky Martin trajo -a quien le ganaría también en todas las categorías que compitieron este año-. Carlos Santana nos presentó con su banda un disco revolucionario. Los ritmos latinos estaban ya de moda en el mundo, aquí pueden empezar a rastrear esta moda tan reciente.

Además de un testamento a la capacidad de reinventarse después de tanto tiempo. En el 71’ había sacado Santana III. Ya habíamos pasado todo lo hecho en Abraxas y ese show inolvidable de Woodstock. Una fórmula efectiva y que siguió usando fue tener varios invitados en casi todas las canciones, además de tener siempre ese arte que lo hacía sobresalir por el resto. Siempre ha sabido dar ese toque latino que lo ha identificado toda su carrera. Entonces era un periodo interesante para los guitarristas. En una nueva ola llegaban para demostrar lo que sabían hacer, porque para el lanzamiento de Supernatural, ya estaban tres giras en el haber del G3. Ese show donde Satriani juntaría a algunos de los guitarristas más talentosos para irse de gira, con solos interminables, riffs imposibles. Todo eso que le servía para demostrar quién era quién. Supernatural fue un disco innovador, que supo respetar los orígenes de Santana sabiendo lo que se venía. Él (antes que todos los artistas pop ya tuvieran el tercer verso de un hiphopero, ahora trappero) ya tenía esos invitados de R&B y hip hop. El world music nunca fue tan bien aplicado. En álbum tiene desde esa balada más lenta, hasta esa para bailar pegadito. “Smooth” es perfecta para el karaoke y qué decir de ese duelo de guitarras con Eric Clapton -casi nada-. Complementar al guitarrista más inglés con todo el folclor que Carlos exuda no es tarea fácil. Tampoco el hecho de poderse introducir de manera exitosa con una nueva generación por sí mismo, es algo que pocos pueden hacer. La mayoría de los casos se debe a que alguien más te los presentó; alguien que creció con ellos, porque también los llevó a reintroducirse con la discografía pasada y son de esos que te llevan a conocer más de Tito Puente y de latin jazz. Ya con 20 años, Supernatural no se escucha fresco, porque nunca se escuchó así. Siempre tuvo ese feeling ecléctico que tomaba cosas de varias lados. Aquella música que usaba todas las influencias habidas y por haber.

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Supernatural de Santana hizo que Dave Matthews tuviera ritmo, que Eric Clapton tuviera flow y dejara todo ese lado inglés. También demostró que siempre estuvo al nivel de los mejores. No había guitarrista que lo hiciera ver mal.


16-17-18

MAYO 2019 CIRCUITO CONDESA-ROMA


/por Jay Ros

/ Issue No. 30 + música - tabús /


ARTE/ROBERT“ZEPOL”

En sus inicios, la música electrónica no necesitó de costosas producciones en vivo, de voces angelicales ni de cantantes con cuerpos de gimnasio para llegar a las multitudes y trascender a lo largo de los años. Fue por los sentimientos y emociones que sus sintetizadores, únicos e inigualables, generaban en quien la escuchaba. Ser músico de electrónica podía ser un oficio más para los geeks de computadoras que no deseaban pasar su vida detrás de un escritorio de 9AM a 5PM. Sin embargo, las nuevas tecnologías llegan actualmente a tantas personas que ahora cualquier individuo puede crear atmósferas auditivas únicas de forma gratuita, provocando que cada vez más personas puedan disfrutar de este fenómeno y, al mismo tiempo, que el poder ganar dinero a través de ello sea más complicado. La escena electrónica se ha vuelto una industria muy competitiva hasta para quienes producen los géneros más experimentales. Para poder flotar dentro de ese infinito mar de música, como lo refiere el productor de ambient, drone y dream pop, Edgar Mondragón, quien ha aparecido en festivales como MUTEK México y SXSW, pareciera que la escena electrónica ha decidido usar como bote salvavidas la formación de colectivos y sellos propios, una vieja estrategia que después de muchos años parece estar dando sus primeros frutos en México para los músicos emergentes que se han decantado por producir los géneros y las fiestas más experimentales de la electrónica.

Y no hablo sólo de NAAFI y Traición, algunos de los proyectos que más ruido han hecho en México promoviendo con sus fiestas electrónicas la cultura queer; artistas como Bvried, DJ de Grime y Jungle, han encontrado en el colectivo DUAT Records ese espacio donde pueden expresar sus sonidos y dirigirlos a la audiencia adecuada, mientras que agencias como WOMXN, poco a poco van incrementando la visibilidad en la cabina de DJ como Adriana Roma, Nhat, R3nata, entre otras artistas que, ante la falta de oportunidades, decidieron comenzar su propio concepto. Fue el colectivo de psytrance y experimental, Vibratto, quien ayudó a Green Caviar, el proyecto de IDM del DJ y productor Adrián Valezzi, a presentarse en los festivales Dance for Gaia 2016 y Saiko Familiar 2017, pese a lo poco apreciado que ese género puede llegar a ser en México (y el mundo). Cada DJ parece ir encontrando su colectivo y cada colectivo parece ir reuniendo a su público meta. Sin embargo, aunque se lea increíble, los artistas antes mencionados aún deben pagar la renta con un trabajo de oficina o freelance, ya que la música “diferente” aún no es negocio en un país que prefiere escuchar lo que un algoritmo le indica. El público es veloz para quejarse que un festival repita artistas cada año, pero, al mismo tiempo, es temeroso de brindarle unos minutos al día a nuevos sonidos y a nuevas experiencias.


/por Arturo J. Flores

T R I S T E

N

C A N C I Ó N

M E TA L E R A

unca me ha molestado ir solo a los conciertos. Me acostumbré porque durante varios años cubrí la fuente musical para un par de periódicos. Me tocaba asistir hasta a 5 a la semana y de todo tipo, desde Cannibal Corpse hasta Carlos Cuevas; pasando por Daddy Yankee, My Chemical Romance y Jesse & Joy. Lo mismo Pantera que Comisario Pantera. Obviamente, disfrutaba unos más que otros.

El que fuera sin acompañante, tampoco quería decir que no me diera cuenta de lo que sucedía a mi alrededor. Así que en algún momento me percaté de su presencia. La de Ella. Vestía rigurosamente de negro, como todos en el concierto. Usaba el cabello corto, apenas a la altura de las mejillas. Tenía los ojos rasgados, como una elfa, y la boca delineada apenas por un navajazo del demonio en su piel lechosa. Varias veces volteé a verla disimulada (o eso pensé yo, porque al final siempre termino mirando imprudente)mente. Intentaba averiguar si venía sola, igual que yo, o acompañada por alguno de los vikingos que se apretujaban a sus costados. El momento decisivo vino cuando uno de ellos la quiso abrazar y ella capoteó con destreza la maniobra, avanzando unos pasos entre la multitud para quedar justo a mi lado y obsequiarme una eléctrica sonrisa. Finalmente y contra todo pronóstico desafortunado, lo corroboré. Aquella

Así que en un punto entre “Future world” y “Eagle fly free”, me animé a invitarle una cerveza. Me respondió que sí, e igual que Moisés hizo con el Mar Rojo, dividí en dos a la marea de headbangers para ir y venir de la barra con dos vasos de clara. Al final del concierto, Angie –entonces me dijo su nombre– me preguntó si me gustaban los tacos. Fuimos a cenar e intercambiamos teléfonos. Una semana después, el exbaterista de Guns n’ Roses, Steven Adler, vendría al ahora extinto Bulldog para protagonizar un explosivo tributo al Appetite for destruction. Pensé que sería buena idea invitarla. En algún punto del concierto, después de varias cervezas, Angie y yo comenzamos a besarnos. El problema vino cuando teníamos que irnos, ya de madrugada. Ambos estábamos muy borrachos, pero Angie aún más y los dos traíamos automóvil. Después de negociar durante varios minutos delante de un desconcertado valet parking que nos observaba recargado en la puerta abierta del automóvil de la elfa, la intenté convencer de que dejáramos mi coche estacionado y la llevara yo en el suyo a su casa. Después yo volvería en taxi a recoger el mío. Finalmente me lancé por el all in: –¿Y si nos quedamos en un hotel? Su primera reacción fue aventarme una mirada de “estás pero si bien pendejo”, pero acto seguido, hizo a un lado al

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valet parking y se montó al volante de su Chevy. –¿Te parece bien al de la esquina o quieres ir a otro? –me dijo e hizo la señal de que la siguiera. Así comenzó nuestro romance. Anduvimos cuatro meses. Fuimos a muchos conciertos, bebimos tantísima cerveza que si hubiéramos muerto en batalla, hubiera pensado que llegamos al Valhalla. Visitamos decenas de hoteles y hasta salimos de fin de semana una vez. Al final, ella, que desde un principio me advirtió que le resultaba imposible ser fiel, me confesó que la tentación se le presentó en forma de un médico italiano en medio de un viaje de trabajo. Y cayó. Terminamos. Aunque con el tiempo nos volvimos buenos amigos. La casualidad quiso que algunos años después, nos encontráramos en medio del slam en un concierto de Helloween en Puebla. Supe que ella dejó de beber después de que casi se mata en un accidente, por conducir con más cubas de las debidas. Quisiera decir que esta historia tiene una moraleja, una enseñanza, que aquella mujer fue el amor de mi vida y que me arrepentí por siempre no haber perdonado su desliz. Pero nada de eso es verdad. Si acaso que cuando escucho “Angie”, de los Rolling, sonrío en su honor. Eso sí. Siempre que voy solo a un concierto, es el principio de una historia trepidante. Tal vez por eso disfruto tanto no llevar a nadie.

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Por ejemplo, el que Helloween ofreció en septiembre de 2003 para promover el álbum Rabbit don’t easy.

mujer a la que también le gustaba Helloween, no traía acompañante y parecía que yo le agradaba.


D e l b a ú l d e l o s r e c u e r d o s

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MARTÍN P ÉR EZ

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d e


WHITE LIES FIVE Por Enrique Gutierrez

LE BUTCHERETTES

EVERYTHING NOT SAVED WILL BE LOST

BI/MENTAL

Por Benjamín Díaz

Por Francisco Espinoza

La idea de que el quinto álbum de la banda representara un nuevo comienzo, se amplió cuando el bajista Walter Gervers se fue de la banda. Sin embargo, en lugar de romper, o tratar de exprimir lo último de esa época, llegó Everything Not Saved Will Be Lost. A través de sus diez pistas, nos sumergen en todos los rincones de la historia sonora de la banda mientras dan grandes pasos hacia adelante. El primer single “Exits”, se enfrenta a la ansiedad y la paranoia de una generación en medio del cambio climático, a través de una instrumentación gruesa pero juguetona; mientras que el destacado single “White Onions” es tan nervioso y juvenil como Antidotes pero con una cabeza más sabia. Everything Not Saved Will Be Lost, destrozará todo lo que sabes sobre Foals, ya que resulta un trabajo audaz y transformador, tan inspirador como urgente. Parte dos gotas en el otoño. En verdad, la única competencia que tienen los potros son ellos mismos. Musicalmente es una muestra completa de la continua destreza de la banda, y al ofrecer una voz ominosa pero desafiante para el 2019, Everything Not Saved Will Be Lost es la declaración definitiva de Foals. ¡Y eso que sólo es la primera parte!

Le Butcherettes es una de las bandas mexicanas con más renombre en cuanto a rock se refiere. Con un sonido particular lleno de guitarras sucias, baterías potentes y la exquisita voz de la bella Teri Gender Bender, su música cada vez evoluciona a algo más maduro y homogéneo sin dejar esa esencia del rock puro y duro, ahora lo demuestran con su nuevo disco bi/Mental donde alcanzan esa plenitud a la que muchos músicos aspiran. Este es el primer LP en el que Omar Rodríguez-López (The Mars Volta) no colabora de manera significativa con la banda, sin embargo, se nota todo lo que ha aportado, en especial a Teri quien es de las mujeres más talentosas que han pisado un escenario. Teresa Suárez Cosío nos ha regalado un discazo, de principio a fin con sus letras totalmente personales y honestas. Aquí viene y deposita todos esos sentimientos, nos los regala y nosotros los abrazamos con cierta empatía por que en nuestros peores momentos nos hemos sentido igual. Como banda han alcanzado la madurez, talentos incuestionables y colaboraciones exactas hacen de bi/MENTAL el mejor disco de Le Butcherettes hasta ahora, por que este no es el tope, Teri siempre logra sorprendernos.

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White Lies presentó su más reciente trabajo discográfico titulado FIVE, el cual salió a la luz el 1 de febrero de 2019 bajo el sello de PIAS. “Time To Give”, es el sencillo más extenso que hasta ahora ha realizado la agrupación, pues dura siete minutos y medio; sin embargo, no es aburrido ni mucho menos repetitivo. Y es que, lo que lo hace interesante, son los interludios instrumentales, los sutiles rasgueos de guitarra, los diferentes ritmos de batería y el frecuente uso de sintetizadores. En la recta final adquiere un sonido espacial y futurista, muy similar a las últimas canciones de Muse. “Finish Line” es el tema más emotivo del álbum, pues McVeigh comienza cantando acompañado únicamente de una guitarra acústica, mientras que “Tokyo” es una de las canciones más pegajosas por su sonido bastante ochentero con sintetizadores y líneas de bajo estilo funk por aplicar la técnica del slap. Dos de las últimas canciones de FIVE son “Denial” y “Belive It”. Los coros de la primera están llenos de melancolía, por lo que sin duda alguna podría ser la indicada para cerrar sus conciertos con “Broche de Oro”.

FOALS


POND

DRAKE

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TASMANIA

SO FAR GONE

Por Erik Del Rey

Por Erik del Rey

Pond es una banda australiana originaria de la misma ciudad de Tame Impala, incluso algunos músicos, tocan en ambas bandas, cosa que ha hecho que siempre sean muy comparados, pero Pond en este disco da un giro hacia terrenos nuevos que los separan definitivamente. Tasmania explora sonidos diversos que crean una mezcla de texturas en la que todas las piezas gravitan siempre dentro de sintetizadores bien estructurados, guitarras acertadas y una base rítmica segura de cómo construir un ritmo. Canciones como “Daisy” nos reciben en un universo lleno de sonidos tibios que guían por un paseo en donde los instrumentos saltan a tus oídos con asertividad y sorpresa. También podremos encontrar momentos llenos de viajes astrales, proyecciones corporales y disociaciones de la realidad. “Burnt out Star” y “Shame” son los mejores ejemplos. Tasmania es un álbum completo, de esos que deben ser escuchados como un todo, pues cada parte se complementa, se balancea y se integra en un todo que significa algo claro; que entrega ideas, sensaciones e imágenes nítidas en un desierto virgen que es nuestra mente.

Drake hace honor a sus propias raíces con el lanzamiento en streaming del mixtape que lo puso en el mapa del hip hop mundial y lo hace justo a 10 años de su edición. El 15 de febrero de 2009 el mundo conoció a una, entonces emergente, estrella del hip hop y se dio a conocer de la forma en la que se trabaja en la música moderna; de forma autogestiva e independiente. Bajo su propio sello, el músico repartió el álbum físico So far gone entre “amigos”. Claro que los amigos que tenían las copias físicas eran artistas de la talla de Lil Wayne (quien colabora en varias piezas de la cinta), lo cual lo impulsó a niveles que el entonces nuevo artista sólo había podido imaginar, pero que hasta el momento parecían inalcanzables. Lil Wayne, Trey Songz, Peter, Bjorn & John, Lloyd, Lykke Li, Santigold, Bun B, Omarion y Chilli Gonzales son quienes acompañaron a Drake en este viaje musical y prestaron un poco de su talento al canadiense para que él hiciera lo propio en la creación de algo nuevo y completamente trascendental para la vida del mismo artista, porque a veces es bonito poder echar un vistazo al pasado para no olvidar y para fortalecer el futuro.

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THE CHEMICAL BROTHERS NO GEOGRAPHY Por Aldo Franco

Treinta años de carrera pudieran parecer demasiado tiempo para sólo nueve álbumes de estudio de The Chemical Brothers. Y aunque ha sido constantes en sus entregas, la verdad es que al dúo británico no se le aprecia por la cantidad, sino por la calidad. El nombre del primer tema, “Eve of Destruction”, no es una coincidencia, sino una advertencia tanto de lo que se espera de esa pieza como del resto del disco: fuertes beats, percusiones avasalladoras, letras desalentadoras y voces estremecedoras. En “We’ve Got To Try”, The Chemical Brothers dan muestra de uno de los mejores trabajos de reinvención, llevando a un nuevo acelerado ambiente un sample extraído de “I’ve Got To Find A Way”, un antaño soul a cargo de The Halleluiah Chorus. No Geography es un disco sin canciones de más y como siempre, Tom Rowlands y Ed Simons rompen con lo monótono que puede llegar a ser el género. Después de tres décadas, puede ser que The Chemical Brothers esté entregando una de sus mejores producciones.


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Revista Kuadro No. 30  

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