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En portada Daniela Spalla FotografĂ­as cortesĂ­a de la artista


/ COLABORADORES / www. revi s ta k ua d ro.co m A ld o Fra n co @aldosss

Arturo J. F lo re s

A xe l Ga l i n d o

@ a r tu roe l e dito r

co nta c to @ revi s ta k ua d ro.co m t . 5 5 2 9 7 8 -3 7 5 0

B e n ja mí n D í a z @queesoazul

B re nd a Va ld e r ra b a n o

Brenda Arriag a @ bw ith a re fl ex

@bren da _va a

Ca rlos Va l le @cvallesit ja

i s s uu/revi s ta k ua d ro D iego Vene ga s

Edw i n L ó p ez

@ d ie g o _v ive _

@edwi i ns on

E r i c d e l Rey @ericdelrey

Ma r ia n a He r n á n d ez

Jay Ro s

@ j a y ro sdj

fa ceb o o k /revi s ta k ua d ro m x

@lam aria nwi cca

Ma r i a n a Ve la s co

@agirlm etaboy

Max im i liano Blanco

Ma r tí n Va rg a s

t wi t ter/revi s ta k ua d ro

@m arti nv.l op

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Ve rón i ca De La Mora @pollinskaya

i n s ta g ra m /revi s ta k ua d ro

Directora General / Laura Romero Editor en Jefe / Javier Jarquín Jefa de Información / Ma. José Sánchez Editores Web / Aldo Franco Dora Méndez Martín Vargas Arte & Diseño / Ivana Castro Fotografía / Brenda Arriaga Medios & Prensa / Benjamín Díaz Relaciones Públicas / Carlos Saín José Curda Departamento Legal / Carlos Valle Sitja Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 2978-3750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011090609421400. Número de certificado de licitud, título y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas impresas, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P. 57750. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta ublicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos sin previa autorización por escrito de parte de la dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 36 ‘MIXTLÁN EL ORIGEN DE LA MÚSICA MEXICANA’ NOV - DIC 2020


/ C A R TA D E L E D I T O R / I S S U E N O. 3 6 P O R J AV I E R J A R Q U Í N @ j a r q z

¡Qué año de mierda! Nadie lo puede negar. A todos nos ha llovido por todas partes, seguro que a unos casi los ahoga el diluvio, pero incluso en las peores adversidades, está prohibido rendirse y hacerse bolita. Eso como mantra de vida. Vaya que el 2020 ha sido incómodo y todo un giro de 180° en la vida de todos. Nueva normalidad, sanas distancias, home office y un sinfín de información de esta pandemia que hace todo por volvernos locos. Por fortuna, se acaba el año y ojalá que con él, gran parte de esta malaria. Este año atípico y apocalíptico, lo vamos a despedir en Revista Kuadro, a modo de “limpia”, para sacudirnos las malas energías y dejarlas ahí; cómo sabemos y en lo que nos gusta más: con una edición de lujo. El número 36 de Revista Kuadro está listo y nos honra en tener de portada a la cantautora: Daniela Spalla. Una exclusiva charla detallada con la artista argentina, quien nos puso a tono sobre su nuevo álbum, el proceso creativo del mismo y la reflexión de esta pandemia. En nuestras páginas encontrarán entrevistas con IDLES, quienes tienen una deuda pendiente en tierras aztecas por temas de COVID, además de Washed Out, que nos contaron de su nueva producción. En los sonidos de casa, nos sentamos a platicar con el rapero Charles Ans, así como con los chicos de Aceros del Pacífico y más. Es todo un deleite nuestro dossier central titulado: “Mixtlán: el origen de la música mexicana”. Una verdadera obra magna de la antropología musical, en donde en varios artículos escarbamos, mapeamos y desmenuzamos desde el posible origen del sonido mexicano, hasta todos sus matices y status actual. ¡Imperdible! Como cada edición, en nuestras secciones de casa como Puerta de Entrada o Kuadro Beat, siempre les sumaremos proyectos y sonidos frescos a sus playlist. Reviews de los recientes eventos en línea, recomendaciones, discos y más, todo esto los espera en nuestras páginas que conforman nuestra entrega número 36. Esta edición va dedicada a nuestros amigos, lectores, seguidores, familiares, equipo de trabajo y a todos quienes han pasado y sucumbido antes estos tiempos difíciles por la pandemia. Agradezco a mi equipo de trabajo, a todas las áreas que lo integran y que siempre están a la altura de las circunstancias. A mi equipo editorial por ser pilar en este año tan randoom. A nuestros partners, colegas, agencias, disqueras, sellos; que en conjunto hemos afrontado el año más difícil de la industria musical y aún así, confían en nuestro trabajo y hacemos todo por seguir adelante. A nuestros lectores, seguidores, que es la comunidad que le da bateria y vida a este proyecto de nueve años de vida. Por un 2021 con un mejor panorama, con salud, con trabajo, con nuestra familia y amigos. Que no nos falte música nunca, porque es un motor ante las adversidades. Por un mejor año en donde podamos revivir la energía que nos inyectan los conciertos y seguir coleccionando memorias, que es lo que nos hace sentirnos vivos. ¡Bienvenidos al #36!


DOSSIER / DOSSIER /

‘¿ E N L A N U E VA NORMALIDAD N O H AY MÚSICA?’

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pag 05-17

/ Entrevistas /

/ Entrevistas /

pag 19/21/25

pag 27/43/45

DANIELA SPALLA pag 30

/ La Kolumna /

pag 22

/ Kapturados /

pag 38/48

pag 28

/ KUADRO / B E AT

pag 40

/ Kuadro de Honor /

pag 46

/ PDE /

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ISSUE NO. 36

P O R M A R T Í N VA R G A S / A R T E P O R T H E J AV I S C E F F E C T

¿QUÉ ENTENDEMOS POR “MÚSICA MEXICANA” ? La música legitimó y sistematizó lo que debería ser o podría ser “lo mexicano”. inmediata con el espacio y el tiempo en los que este lugar tiene su ¿Qué se te viene a la mente cuando alguien dice “música mexicana”? referente”. Es decir, a través de la música logramos evocar un tiempo Sé que quizá, a estas alturas del conflictivo año que ha sido 2020, esta que no podríamos conocer de otra manera, pero que, de algún modo, pregunta se halle fuera de contexto. Sin embargo, este ejercicio me tuvo nos habla de un origen en común. Y ese origen es inherente a un conflictuado algunos meses; quizá porque siempre resulta complicado pasado específico. hablar sobre uno mismo y lo que lo define. La negación de otras existencias y la música como producto ¿Es que acaso sólo el mariachi, el corrido y, en el mejor de los casos, el Si vamos al siempre sabio Internet y sus plataformas nos hallamos con son jarocho y huapango son los únicos géneros que pueden entrar en la misma situación: YouTube Music, Spotify, Deezer y Amazon Music esa categoría? Y aún más, ¿acaso sólo la “música de banda” (norteña, (aunque no la tienda, donde el resultado fue distinto) arrojó resultados naturalmente) es legítimamente “música regional”, en este país de 32 similares ante búsquedas como “música regional” y “música estados y quién sabe cuántas regiones? mexicana”. Claro, esto nos ubica en una clasificación necesaria para A veces esto suele resolverse con el término “música típica” como si su comercialización. se unificaran los géneros ante un estereotipo que peca de prejuicio. Es la misma lógica que opera aún, por desgracia, en otros ámbitos Porque en aquellas etiquetas cargamos el peso de lo originario, de algo como el cine. Sin ahondar tanto en el tema, el “cine mexicano” que nos habla de tiempos pasados; cuando las cosas eran mejores o, contemporáneo existe como una gran peor aún y más atrevido, cuando-se-hacía-música-de-verdad. etiqueta que engloba cruelmente a géneros No es fortuito que se haga referencia a un pasado, cinematográficos, narrativas, actores y, quizá, más específicamente a la Revolución Mexicana y -No deberíamos cargar lenguajes audiovisuales en un único referente. su parafernalia, cuando se habla de “la música sobre los hombros de Pues el cine de antes no es digno de ser llamado mexicana”; pues fue en ese momento que existió la música denominada “cine mexicano” sino de la “Época de Oro”. un momento, o al menos un intento, de unificación “tradicional” esa Y no se me mal entienda: con este artículo no de todas las regiones. En esta búsqueda de obligación de justificar las identidades formadas busco señalar culpables o evangelizar gustos. Creo unificación, la música (como cualquier otra desde el siglo pasadoque si hay una identificación con la denominada institución cultural) legitimó y sistematizó lo “música mexicana”, tradicional o típica es gracias que debería ser; lejos de lo que era o podría ser a una relación sistemática: mediática, educativa, “lo mexicano”. política y, sobre todo, cultural. Sin embargo, lo grave de querer sustentar No obstante, lo curioso es que esto sólo fue a nivel narrativo: en realidad nuestras identidades en una expresión musical es la negación a otras. fue gracias a los medios masivos de comunicación (en la década de los Me explico: todos los géneros antes nombrados son el resultado de un 40 y 50) que las canciones llegaron a más lugares de este país y se proceso cultural que logró trascender a otros males como el centralismo popularizaron. Pero la música no se encargó de hablar de su tiempo (afortunadamente hay más allá de la CDMX) pero, ¿qué hay acerca de sino del anterior. Esto corresponde con lo que menciona Roger Bartra las comunidades afrodescendientes? ¿En realidad las comunidades en La jaula de la melancolía: “Es preciso reconocer que una buena parte indígenas están representadas en esa etiqueta que obedece más a de lo que se llama el «ser del mexicano» no es más que la transposición una necesidad comercial? ¿En la “música de banda” hay lugar para [...] de una serie de lugares comunes e ideas-tipo que desde antiguo la la banda mixe? cultura occidental se ha forjado sobre su sustrato rural y campesino”. Lo ideal, creo, es no dejar sobre los hombros de la música esa tarea Entonces, ¿por qué sigue, relativamente, vigente? Aunque no lo explica de definir “lo mexicano”. Es una expresión legítima, claro está, pero en este tenor ni trata de justificarlo de algún modo, la antropóloga, (al menos la música que consumimos a diario) es una obra que debe investigadora y músico Gabriela Vargas Cetina reflexionó para la ser entendida en su contexto histórico, con sus limitaciones y sus revista Alteridades en 1998: “a través de la música, podemos estar en intenciones comerciales. un lugar que no necesariamente tiene una correspondencia física e

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CARTOGRAFÍA SONORA DE LA “MÚSICA MEXA”, EL INTENTO Ni con Spotify, ni con Youtube, ni con tantas herramientas somos capaces de dimensionar eso que hay debajo se juntan las dos potencias, (como en La Garfield, Love La Femme, ¿A qué suena la música mexicana en la actualidad? ¿Cómo hacer Mexfutura, o la desaparecida Matilde Band) que la música adquiere una cartografía sonora de nuestras referencias actuales, más allá otra dimensión, un poco más de volumen. También está el caso del centralismo chilango? (Porque sí, hasta en la música estamos de Sotomayor, aunque para hablar de ellos habría que cambiar centralizados). Esa fue la misión (imposible) que me tocó hacer para de escena a esa onda más electrónica y bailable, donde también este dossier, en 4500 caracteres, y que de ninguna manera podré tendría que aparecer desde las vibras más pop de Clubz o Midnight realizar (conclusión: no esperen conclusiones). Si acaso, solo un Generation, hasta la electrónica más propositiva de Wet Baes, intento, solo un esbozo, solo un montón de palabras que sirvan para Cabizbajo o el internacional Salón Acapulco). ilustrar esta vasta y rica tierra llamada México. Podría, entonces, continuar citando, pero la tinta no alcanzaría, De entrada, solo una idea: No conocemos realmente nada de lo ni tampoco las páginas. Solo en una muy inclusiva e indefinida que ocurre en esta escena musical. Ni con Spotify, ni con Youtube, Enciclopedia Musical, podríamos referir toda esa experiencia tan ni con tantas herramientas somos capaces de dimensionar eso heterogénea y extensa llamada México. Porque, a diferencia de la que hay debajo, esa cantidad de proyectos que abundan en los vida, que solo es una, Méxicos hay demasiados, por no decir un estudios de grabación, en los garages, en las calles, los camiones, los chingo. Están los nortes, los sures, los centros; están los líricos de departamentos de estudiantes, las cantinas, las playas de los treinta LNG/Sht, Sabino, The Guadaloops; están los y dos estados que componen este país y que (en de jazz inabarcables, los más sui generis palabras de Callejeros) no han podido armar “el (como Los Aguas Aguas, Sonido Gallo Negro ranking de los elegidos del nunca jamás”. o Mi Banda el Mexicano) y están también los Allí, arribita de todos ellos, o al lado, o detrás, -A diferencia de Silverio, los Flor Amargo y los Ed Maverick. pero con más seguidores, escuchas, conciertos y la vida que solo es Para la música de banda (o la norteña, giras, se me vienen a la cabeza algunos nombres una, Méxicos hay nunca he entendido la diferencia) está la y geografías. Tijuana y su Mint Field, la Ciudad demasiados, por no Banda Ms (que recientemente sacó una rola de México con Jet Nebula, o “el Estado” con decir un chingocon Snoop Dog). El Shirota, proyectos que apenas empiezan a Están varios nombres que, por sus características encontrar la fortuna en el camino o el camino excepcionales, dejé hasta el final. Porque son los en la fortuna. Y eso solo por mencionar algunos que, de alguna forma, vienen a reivindicar sonidos muchas veces nombres, todos pertenecientes, por cierto, a la escena que más menospreciados por los consumidores de la música en masa. La Bruja conozco por tradición, costumbre y herencia: la del rock (y que aún de Texcoco, por ejemplo, resignifica la música tradicional mexicana hacen retemblar en sus centros la tierra). Es precisamente en el rock y la confronta con elementos de la cultura queer; o Ampersan, una donde podemos encontrar una gran cantidad de propuestas banda que mezcla lo folclórico con el rock, musicalizando poemas novedosas (Belafonte Sensacional, Vaya Futuro, O Tortuga) que de la literatura hispanoamericana. ¿Y cómo olvidar, por último, se alejan de la ruta de los Camilo Séptimo, los Reyno o incluso esas propuestas musicales que reverberan con nuevos matices en los Little Jesus. la sierra, en la montaña, o en la selva? Grupos como Vayijel, (rock Podría seguir mencionando ejemplos, pero eso sería cometer una tzotzil), como Xipe Totec (death metal en náhuatl), o como Lumaltok gran injusticia con el resto de propuestas del amplísimo universo de (tzotziles de Chiapas); Hamac Caziim (seris de Sonora) o Mikistli sonidos, sobre todo con las mujeres, que se han asentado con fuerza a (metal en náhuatl). Músicos que, poco a poco, mezclan sus voces en través de proyectos solistas, en su mayoría. Silvana Estrada, Vanessa esos aceites capitalistas en los que creyeron (creíamos, creían) que Zamora y la fantástica Girl Ultra brillan con luz propia en un cielo nunca se mezclarían. Están, en fin, no todos los que deberían, y sí históricamente dominado por las constelaciones masculinas. Sin muchos que, quizás, no deberían. embargo, en mi opinión, es precisamente en los proyectos donde

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LA GENERACIÓN DE-GENERADA Etiquetar a los géneros resulta un esfuerzo inútil cuando se trata de entender por qué están empaquetados por igual

de las edades, los millennials son eclécticos y amplios en lo que consumen”. Con sutileza se deslizan las letras de Bad Bunny y J Balvin entre la ¿Contradicción? O quizá sería tedioso, de difícil acceso y simplemente música compuesta por las leyendas francesas Daft Punk, y viceversa. innecesario archivar la infinidad de música en los ahora miles de ¿Qué habrá llevado a NSM a armar un mashup con los éxitos “La géneros. Synth soft pop, neo post punk, glitch hop, urbano y un sinfín Canción” y “Something About Us”? Seguramente la melodía, ¿o de posibilidades a las que se pretende meter con calzador la música. habrán sido los sentimientos similares que ambas despiertan? Aún “De todo menos reggaeton y banda”, dice un meme que hace mofa en 2020 sorprende este illegal cut titulado “Something about a song”. de aquellos años en los que muchos y muchas todavía se resistían Sorprenden los nombres, los artistas empalmados, pero sobre todo a nuevos horizontes y se conformaban con ser diversos de closet. lo bien que fueron ajustados. Por un lado tenemos a las leyendas Antes las respuestas eran sucintas: rock, metal, reggaeton, pop o lo del house, electronic, disco y demás y por el otro tenemos a los del que fuera, pero nunca más allá de dos o tres. trap, reggaeton, urbano y demás. Y demás porque cada uno de ellos, Ahora, los millennials “usan constantemente la música para así como la gran mayoría de artistas, ha creado música que no expresarse, definirse y para mejorar o incluso cambiar las emociones encaja en los géneros en los fueron encasillados de por vida por las que sienten”. Es decir, el arte musical tiene la misma función de disqueras, los premios, las plataformas, las revistas musicales y el siempre. ¿Entonces qué ha cambiado? Que las nuevas generaciones público mismo, aunque este último ha tomado un giro interesante. “están explorando géneros cada vez más En un artículo, un sitio con prestigio a nivel variados para satisfacer esas diferentes sesiones internacional responsabilizó a los millennials de escucha y emociones”. de asesinar a los géneros musicales, pero De hecho, el 74 por ciento de las y los millennials añadió: “están trayendo algo mejor”. De acuerdo -Los géneros musicales encuestados aseguraron que la música define con Spotify, los dos géneros musicales más se multiplican...para quiénes son. Esto revela un escenario curioso: escuchados por quien escribe son rock y “latina”. una generación a la para la gran mayoría de esa generación -aunque ¿Qué es el rock?, ¿qué es el género “latina”?, ¿el que ya no le importanseguramente habría que dejar la puerta abierta rock latino es del género “latina”?, ¿por qué la para otras- la música delimita su identidad, plataforma hace esas clasificaciones? al mismo tiempo que no se encasilla en algún Lo hace para facilitar la búsqueda de artistas género en específico. que podrían gustarte de acuerdo con tus escuchas previas. Entre sus Pareciera entonces que hay, al menos, dos opciones que se perciben curiosidades, la carpeta “rock” reproduce a AC/DC, Marilyn Manson a simple vista: una identidad difuminada o una diversa. La segunda y Zoé. Se agradece a Spotify la diversidad para que el aleatorio no se alternativa suena más atractiva y con suerte se trata de la correcta. vuelva tedioso, pero el esfuerzo es inútil cuando se trata de entender No asombra, en México se ha vivido de primera mano a través de por qué están empaquetados por igual. festivales que pasaron de defender a capa y espada al rock a incluir Cuesta creer que la misma plataforma encontró que el 85 por actos como Los Tucanes de Tijuana. Tampoco es de extrañar en ciento de los millennials aseguró que sus gustos musicales “no cuanto a géneros, algunos de ellos nombrados por una cuestión pertenecen a un género o categoría específica”. ¿Entonces por qué conceptual, como lo es el nortec. resumir un inmenso abanico en dos archiveros? Si la cifra no es Ni qué decir sobre las ya no sorprendentes, aunque sí disfrutables, contundente, el estudio “Understanding People Through Music: colaboraciones entre artistas tan “distantes” que terminan por Millennial Edition”, encargado por Spotify a la firma YPulse en crear géneros instantáneos, de un momento, de una canción. Para 2018, sentencia: “Olvídate de las tribus musicales de generaciones disfrute de muchos y corajes de otros, las muertes de los géneros pasadas (mods, rockeros, punks, grunge), porque (los millennials) -ahora como réplica- están trayendo algo mejor. usan streaming para acceder a música de todo el mundo y a lo largo

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NI CURA NI MATA: LA NUEVA EXPERIENCIA DEL SHOW En México, el malinchismo sigue más vivo que nunca en todas las prácticas y la música no es la excepción

de Three Souls In My Mind, la banda originaria ya del rock mexicaUna triste “verdad” que parece que ya todos tenemos internalizada no también tocaba covers, claro que con una diferencia importante es que lo de afuera siempre es mejor. En México el malinchismo sigue ya que mientras Los Teen Tops covereaban a Elvis o Little Richard, más vivo que nunca en todas las prácticas que hemos visto a lo largo Three Souls tocaba a James P. Johnson o Sam Cook. El paso del rock del tiempo. El arte no es ninguna excepción. and roll al rock más blusero fue lo que dominó los 70, aunque aquí sí Particularmente en la música, desde que el rock se hacía mainshay un punto importante de esta época: Javier Bátiz y Carlos Santream en los países de habla inglesa, aquí los mejores artistas eran tana. los que mejor traducían sus canciones, tal vez uno que otro arreglo Al margen de su historia personal, el primero se quedó en México topara poder hacer que la métrica fuera la misma. Los Teen Tops, Los cando más como los gringos de esa época como Clapton, Richards, Locos del Ritmo, Los Hooligans, Los Camisas Negras, César Costa Hendrix, Jeff Beck o Jimmy Page. En cambio Satana compartió el y Enrique Guzmán. escenario con ellos por todo el sello latino que le puso. Fue el primer En el cine, desde la época de oro del cine mexicano hasta los 70 tuvilatino en conquistar la frontera siendo latino. mos un gran periodo. Siempre ignorados por La Academia, quitando Los 80 son un caso curiosos, porque seguimos con la misma línea a los tres caballeros recientes y todos los óscares que se han ganado de influencia, donde todavía somos seguidores y no revolucionarios. por ellos de manera indirecta o directa, ya teníamos a Katy Jurado El New Wave seguía marcando no solo la música y Antony Quinn siendo reconocidos desde los 50 nacional sino la música hispana. La movida may a Luis Buñuel que ya en México fue cuando se drileña que tenía a la mano todo lo que estaba terminó de consagrar como uno de los directores pasando en Inglaterra. Sin el acento nadie penmás influyentes de todos los tiempos. -Las dos bandas saría que Radio Futura o Mecano eran españoles En literatura también siempre hemos estado premás importantes por el sonido. sentes, de manera muy parecida a la pintura. No de México son las Aquí en América Látina también estaba enorme tendremos el volumen de los europeos o gringos, que suenan más esa influencia. The Cure, una banda que marcó a pero siempre con un estilo particular, reconoci“ m e x i c a n o ”dos grupos seminales para el género y el “Rock en do por su talento que ha marcado su lugar en tu Idioma”: Caifanes con el Robert Smith Mexicael mundo. Este apartado también lo podríamos no y Soda Stereo que incluso algunos acusaron de ampliar a Latinoamérica. plagio. A ese grado estaba la influencia. Regresemos a la música, donde también siempre ha sido notorio Ese sonido anglo era innegable, pero ahora trataban de hacerlo suyo. nuestro estilo que va tatuado en nuestra idiosincrasia. José AlfreCaifanes, por su parte, tiene varios arreglos de mariachi, banda, sodoJiménez sigue siendo el Rey al día de hoy, Vicente Fernández y nes e incluso algo de boleros. Muy curioso que Marcovich que no era Antonio Aguilar le dieron peso a un apellido que sigue vigente al mexicano haya sido quien le ayudó a dar esa identidad. Simpledía de hoy con sus respectivas dinastías. mente hay que ver la diferencia entre Caifanes y Jaguares. También Que también son nombres que se están quedando con las generaasí se entiende el proceso de Circo de La Maldita Vecindad y los 90 ciones y se están perdiendo el tiempo. Las nuevas son pa’ la peda, en general. tal vez cuando te botan y empedas con tequila. Esa misma idiosinEsta década también tiene un exponente como Caifanes, que hizo crasia está siendo encapsulada para ya tiempos muy específicos, que se encumbrara más que los demás: Café Tacvba, quienes no solo que tampoco sabemos cuánto pueda sobrevivir así. tomaron todo ese rock alternativo gringo, sino que lo combinaron con Pero en lo nuevo, en lo fresco ya dimos un paso atrás. Lo que pasasonidos prehispánicos y latinos, así como dedicatorias a Chavela Varba más arriba dictaba lo que pasaba acá. Para bien o para mal, gas. Las dos bandas más importantes de México son las que suenan cuando el término no más lo tropicalizaron adquirió todo el sentido más “mexicano”, ¿coincidencia? Lo dejo sobre la mesa. del mundo. Pasaba Woodstock y después pasaba Avandaro. Don-

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MÉXICO, ¿EL TRAMPOLÍN CULTURAL LATINOAMERICANO? México se ha convertido en un escaparate internacional con la posibilidad de recibir la cultura de Latinoamérica de primera mano

Alguna otra vez tuve la oportunidad de visitar Costa Rica y me ¿Qué tienen en común Shakira, Laura Pausini y Chavela Vargas? acuerdo que conocí a un señor que había intentado dedicarse A parte de que todas son cantantes, lo que las reúne en un mismo a la música en su juventud, recuerdo que él al enterarse que yo grupo es que las tres dejaron sus tierras para cumplir el ‘sueño también era músico me dijo muy confiado: - “No pues ya la hiciste”, mexicano’ (cualquiera que este sea) y hacerse de un nombre en pues según él, México es “la tierra de los artistas”. Recuerdo haber nuestro bello país taquero. comentado que Chavela era de allá y él mismo ratificó lo que esa Hace mucho tiempo platicaba con un amigo italiano y me acuerdo señorona dijo en su momento: - “Los mexicanos nacemos en donde que en ese momento Pausini tenía un éxito en la radio gracias a que se nos da la ch¡ng@da gana”, pues recuerdo que Don Julio (así se era el tema de una telenovela, en ese entonces yo era un bebé como llama mi amigo costarricense, no el tequila) la desconoció como de 15 o 17 años que no sabía mucho de la vida (sigo sin saber mucho) originaria de su tierra y dijo que ella era más mexicana que el mole. y recuerdo que le pregunté a mi amigo: - “¿Laura Pausini es igual Esa otra encrucijada en mi vida me dejó una nueva enseñanza: de famosa por allá?”. Él, para empezar, ni sabía que la cantante era Las personas que se mudan al país de los zarapes son absorbidas italiana y fue en ese momento que me cayó el 20; me di cuenta que por esa mancha voraz que es nuestra cultura; son digeridos y ella, como muchos otros artistas salían de sus países a buscar fama transformados a un mexicano más. Así muchas personas han y fortuna (já) en otras partes del mundo a pesar de ser desconocidos venido para quedarse, no sólo músicos, sino en su lugar natal. provenientes de todas las disciplinas de la vida. Lo curioso de mi historia, más allá de mi Muchos vienen y se quedan, pero también los inocencia infantil, es que en ese entonces, hay que vienen, toman su oro y se van; tal es aquella epifanía me reveló una verdad enorme, -Muchos vienen y se el caso de Shakira, que construyó la base de su pues me volví consciente de que vivía en quedan, pero también éxito en nuestro país de elotes con mayonesa un país de oportunidades. Poco a poco me los hay que vienen, (ya después se volvió rubia y se le olvidó cómo fui dando cuenta que también vivía en un toman su oro y se vanescribir buenas letras pero esa es otra historia). país infinitamente “malinchista” y que, cual El chiste es que no siempre quien utiliza el videojuego, si eras extranjero estabas jugando trampolín mexicano se queda para disfrutar sus en modo “fácil” y que si eras mexicano jugabas éxitos por acá, hay quienes ven la oportunidad en “difícil” y a veces hasta en modo “legendario”. de subir el siguiente escalón hacia Estados Unidos. No se trata de Los ejemplos bastan y sobran, pues México siempre ha recibido hablar mal de quien se va, sólo intentamos hacer una observación con los brazos abiertos a quien lo ha requerido. Pero sí es muy objetiva (tanto como se puede). curioso el hecho de que nuestro país quesadillero es un escaparate Al final de cuentas, si la pregunta es que si México era un trampolín internacional, sobre todo en términos latinoamericanos y quien para Hispanoamérica, la respuesta es sí. Siempre lo ha sido y es logra ser popular por acá, entra como mantequilla en mercados bueno que así sea, pues eso nos brinda la oportunidad de hacer más hacia el sur. la curaduría de lo que se consume en otras partes del continente. Esto se vuelve, al final, un embudo, pues a mayor oferta menor No siempre somos los mejores curadores, eso hemos de reconocerlo, demanda y las bandas, proyectos y artistas comienzan a entrar en pero siempre tenemos la posibilidad de recibir y alimentarnos de la una especie de carrera de resistencia que más que talento consume cultura de Latinoamérica de primera mano para, también, nosotros disciplina, trabajo y constancia. De ninguna manera se podría hacer cada vez mejor nuestra parte pues de piezas de oro y piedras decir que la calidad de la música que se produce y respalda en el preciosas están pavimentadas nuestras calles. país de las enchiladas sea mala o que se deje de lado esa parte tan trascendental, pues al final de cuentas el negocio de la música está cimentado en eso, música.

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LO QUE SUENA EN MÉXICO, ¿SE QUEDA EN MÉXICO? A pesar de la fuga de talento, es innegable que la música mexicana es querida donde suena. respuesta exacta, sino muchas pequeñas que lanzan luz al asunto. “De México para todo el mundo” es una frase popular que aplica a casi Una de ella es que es diferente y lo distinto siempre atrae. Ya sea el todo lo que se hace en nuestro país, incluida la música. Desde tiempos mariachi más tradicional hasta una buena banda sinaloense, el remotos, cientos de artistas y bandas mexicanas han emprendido el ritmo y las composiciones son únicas. Ni qué decir de las letras y el vuelo fuera de su tierra natal para experimentar las ventajas de estar sentimiento que transmiten entiendas o no el lenguaje. El director de tan cerca de otra música, cultura y tal vez otros sistemas sociales que cine serbio, Emir Kusturica, invitó en el 2012 a la banda de cumbia reconocen el arte de manera distinta. Sonido Gallo Negro a tocar en el Kustendorf Film and Music Festival y Podría ponerme fatalista y hablar sobre la fuga de talentos, que es ni modo de no mencionar la colaboración entre Snoop Dog y la Banda un problema real, pues la falta de apoyos es la razón principal de MS. Les digo, lo extraño seduce. que muchos grandes artistas salgan y nunca regresen, pero aquí no Pero no solo se queda en colaboraciones o presentaciones venimos a eso, venimos a poner el dedo a la forma en que la música internacionales, también hemos escuchando una gran cantidad hecha en México ha cruzado fronteras. de covers buenísimos de canciones mexicanas: ¿Avenged Sevenfold Hacer una lista de todos y todas aquellas que han sido aclamadas tocando “Malagueña Salerosa”? Un clásico; ¿Elvis Presley y “Bésame en otros países, sería muy largo y sin sentido, pero de algo podemos Mucho”? Ojalá hubiera estado viva para presenciar eso. estar seguros: donde suenan son queridas. Existen un gran número La cosa no termina aquí, hemos logrado inspirar de bandas que en México son conocidas -no a a bandas y artista a agregar a México a sus la altura de Juan Gabriel o Luis Miguel- y que sonidos, como a Mariachi Samurai, una banda mantienen un perfil más bajo en nuestra tierra, de mariachi japonesa y Los Caballeros de Croacia sin embargo, son amadas en otros países. Maná, -Hace falta una banda con la misma inclinación, o Pistoleros Güeros, una por ejemplo, que a pesar que en México se o un artista que se banda alemana que mezcla norteño, cumbias, convirtieron en un meme, es una de las bandas atreva a más, a salir de polkas, ska y otros ritmos para hacer algo único favoritas del público ecuatoriano, peruano o la zona de confortque ha crecido constantemente en algunas partes español, y aunque nos cueste aceptarlo, de de Europa. alguna manera nos representan. Hasta aquí todo bonito ¿no? Un alivio ver lo lejos Por su parte Rodrigo y Gabriela, guitarristas y que podemos llegar, sin embargo hay algunas percusionistas increíblemente talentosos que cosas que en lugar de sumar, restan. La música mexicana que más han pasado por una gran cantidad de festivales internacionales se ha comercializado en el mundo, son las regionales, rancheras a lo largo de su carrera, han vivido en otros países mientras siguen y mariachis, lo cual es bellísimo desde el punto en que muestran componiendo, pero eso nunca los ha mantenido lejos de sus raíces, al nuestras raíces, el problema es que parece que lo contemporáneo no contrario, a veces la lejanía con el hogar es la musa ideal para una está saliendo del país. creación sensacional. ¿Cuándo fue la última vez que viste a tus artistas o bandas favoritas Zoé, Instituto Mexicano del Sonido, Panteón Rococó, y más de la actualidad anunciando grandes tours por Europa, Asia o Estados recientemente, Los Tucanes de Tijuana y Los Ángeles Azules han Unidos? Si tu respuesta es “creo que nunca” es porque la mayoría dejado un poquito de su sangre –no literalmente- en los escenarios de nunca lo hace. festivales internacionales como Coachella o Lollapalooza. A nosotros Con poco apoyo en México, no es sorpresa que sea tan complicado nos puede dar risa, sin embargo, para ellos y para el público debió de salir. Pero también me pongo crítica y veo que hace falta una banda ser una experiencia única, especialmente para los que nunca habían o un artista que se atreva a más, a salir de la zona de confort que escuchado una norteña en su vida. tanto nos gusta, y rompa con esa tradición de “lo que pasa en México Y aquí entra una pregunta ¿por qué a la banda extranjera le gusta se queda en México” tanto la música mexicana? Claro que es tan subjetivo que no hay una

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C A R L O S S A D N E S S : É L E N E S PA ÑA . MÉXICO EN ÉL Por B rend a Va lderrá b a no

La ventaja de internet en esta era pandémica es que no importa la distancia, la música siempre va a llegar a nosotros. Así lo demostró desde las costas de España Carlos Sadness, con su concierto streaming especial para México. Esta presentación es parte del tour Tropical Jesus. Con temas como “Chocolate y Nata”, “Isla Morenita” y “Amor Papaya”, Carlos recordó con nostalgia y cariño sus conciertos y su tiempo en México; así como los grandes amigos que aquí encontró. En tanto, el público “cantaba” con él desde el chat, donde escribían las letras de las canciones en mayúsculas e incluso “¡OTRA, OTRA!”, como lo harían en un evento en vivo. No sólo eso, también platicaban entre ellos para conocerse y posiblemente seguir la conversación en alguna otra plataforma; cosa no tan común en el formato tradicional. Tras una hora de concierto, Carlos terminó con “Te quiero un poco” y “Qué electricidad”, desde un lugar bellísimo y con el entusiasmo y amor que sabe darle al público mexicano.

‘¿ E N L A N U E VA N O H AY M

U N R AT O R E C O N F O R TA N T E J U N T O A W H I T N E Y Por Verónica De la Mo ra

Una de las sorpresas que han traído los conciertos vía streaming es poder escuchar en vivo a Whitney: proyecto que demuestra que la soltura y sensibilidad de su música no sólo queda en un disco. La música logra traspasar la pantalla para dar un rato reconfortante en medio del escenario actual. Más allá del concierto “melancólico” que auguraba el comunicado de prensa sobre la presentación de Whitney, la banda presentó un show ameno con elementos del folk clásico y esa chispa indie que los caracteriza. Todo esto potenciado por un cuarteto de cuerdas que hicieron de la experiencia algo íntimo –con todo y cubrebocas–. Entre canciones de su repertorio como “Giving Up” o “No Woman”, junto a covers de diferentes músicos, entre ellos SWV, Roches o Blaze Foley, la banda dio un pequeño gig en el que cada músico estaba en sintonía. Cada emoción recordaba los shows en bares donde la buena música y una bebida cambian todo un día. Para Whitney no era necesario un gran escenario o producción: sólo nosotros y su música a través del monitor.


BAJO EL REFLEJO DE “CHIP CHROME” Y THE NEIGHBOURHOOD Po r Ve ró n i ca D e l a Mo ra

Después de algunos adelantos de su más reciente producción en diferentes presentaciones, la banda de California, The Neighbourhood, dio la bienvenida a un nuevo concepto con su más reciente álbum titulado Chip Chrome and the Mono Tones. Como si fuera la pantalla de un show de los setentas, entre luces cegadoras y el “ruido” en la imagen, Chip Chrome se plantó en medio del escenario. Este personaje, vestido en color plata de pies a cabeza, tomó la guitarra junto a los Mono Tones para tocar algunos de los temas de su nuevo material como “Pretty Boy”, “Devil’s Advocate” o “Lost in translation”. A mitad de la presentación, la imagen se enfocó en Jesse Rutherford para sorprendernos con el vocalista columpiándose de un micrófono a mitad del escenario. El show se pintaba en blanco y negro para terminar con las canciones clásicas del grupo como “R.I.P 2 My Youth” y “Afraid”. Todo esto con un aura vibrante y seductora: sello ya indiscutible del grupo.

A NORMALIDAD MÚSICA?’

MOLOTOV LLEGA A CASA “CON TODO RESPETO” Po r Ve ró n i ca d e l a Mo ra

En este punto de este encierro ya no nos parece extraño aventarnos un concierto de rock por streaming. Prueba de ello fue el show de la Molotov al estilo de la Nueva Normalidad en “Irrepetible”; para el que desempolvaron los éxitos del álbum Con Todo Respeto, lanzado en 2004. Además, este fue un concierto con covers de bandas como Beastie Boys, Chico Che o Misfits. Desde el primer golpe de batería hasta el coro inconfundible de “Amateur”, la banda se presentó con fuerza en un escenario circular en el que la personalidad del grupo pudo sentirse a lo largo de poco más de una hora. Al paso de cada canción –y uno que otro recordatorio que estaban en vivo–, el grupo recorrió temas como “Quen pon-ponk (Quen pompo)”, “Mamar (Mama)”, hasta la casi cancelada “Puto”. En cada track, los músicos interactuaron entre ellos e ignoraron las cámaras, mientras las luces cálidas del lugar nos daban la sensación de estar en un ensayo privado con ellos; sin perder los aires de rockstar que ya son parte del grupo.


E N T R E V I S TA A N A N PA B Á S I C O

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P O R B R E N D A VA L D E R R Á B A N O F O T O C O R T E S Í A D E L A R T I S TA

NCuando A Nsoñar P cuesta, A Bsueña ÁunSpoco I CmásO La historia de Nanpa Básico en la música comienza a sus 11 años. Primero descubrió un amor profundo a la literatura y después vio su primer video de rap; donde se enamoró, no de la música, sino de la estética. Raperos estadounidenses con sus carros y sus chicas frente a una gran mansión. No se puede negar que para un niño latinoamericano fue una revelación inmediata hacia un nuevo estilo de vida; uno del que quería ser parte. Investigó más sobre este género y descubrió que el rap le daba la posibilidad de contar lo que pensaba y sentía sin límites. De allí en adelante, todo ha sido trabajo duro. Aquí no existe la suerte sino la resiliencia: han sido 17 años de escribir música y durante ocho trabajó gratis con la mente clara y fría repitiendo “me voy a tardar, pero va a funcionar”. Mientras contaba con un equipo detrás de él que también decía “lo vamos a lograr. ¿Cuándo? No sé, pero vamos adelante.” Ese trabajo diario ha dado frutos, porque ya cumple 10 años de trabajo ‘serio’; con discos, tours y plataformas que respaldan su carrera. “Todo ha sido progresivo y empírico. Cuando eres joven todos te dicen que es una fase y no entienden la seriedad con la que lo estás viendo. Pero esto le digo a la gente nueva: no desfallezcan, soñar cuesta, sólo hay que creer un poco más.” Para Nanpa no importa a qué te dediques o qué quieras hacer: debes ser muy disciplinado y continuar todos los días, aunque no veas progreso inmediato. Él

seguiría haciendo música aunque no le pagaran, como lo hizo por ocho años pero cuando se lo empezó a tomar en serio y puso todo su esfuerzo en lograrlo, llegó hasta donde está ahora. Su vida es su inspiración principal, escribe todo lo que piensa, vive y siente. Básicamente todo le afecta, de una manera positiva casi siempre, y al ser tan complicado para él hablarlo, mejor lo escribe. “En calidad de persona ¿cómo tomo todo lo que me pasa y lo vuelvo música? Soy un individuo antes de mi carrera. En la medida en que vivo más, escribo más.” Y como la vida es aquello que pasa todos los días, él se ha vuelto cada vez más experto en el fino arte de la escritura creativa. Como en cualquier otro oficio, lo que te hace ser más fluido es la práctica. Si quieres escribir más rápido, sin tanto miedo de si está bien o mal, debes “coger cancha todos los días” como Nanpa dice; que básicamente es hacerlo diario, sin parar, sin esperar que todo lo que escribas sea bueno. Es simplemente practicar hasta ganar. Con este modo de vida, Nanpa ha lanzado varios discos de larga duración que avalan su trayecto. Actualmente está en el proceso de creación de uno nuevo: Unicornio. Para él, lo más difícil de crear un álbum en tiempos de sencillos es que debe tener un carácter muy honesto y un concepto congruente y claro, no es solamente juntar una serie de singles y ponerlos todos bajo un mismo nombre. Unicornio es un disco que está separado en cuatro EP. El primero que ya está afuera es Pureza y el resto siguen siendo sorpresas.

Los nombres vienen del cariño de Nanpa hacia estos animales mágicos, así que cada EP tendrá el nombre de un valor importante que se asocie con esta criatura. Cuando salga el último de estos cuatro proyectos, saldrá a su vez el disco completo. Nanpa nos cuenta lo emocionado que está y lo mucho que le debe a su equipo. Este no fue trabajo sólo de él, sino de muchas personas. “Cuando ves a un músico que le va bien, usualmente es porque tiene un gran equipo y son abiertos a sugerencias y hay democracia en las decisiones. Mi equipo ocupa un papel muy importante; es nuestra música. Se me hace un proceso mucho más factible porque son muchas cabezas pensando juntas, la conceptualización de Unicornio fue gracias a este gran equipo. Todos deben ganar y todos deben crecer”. Él busca siempre hacer las cosas distintas y mejores; ofrecer más al público, como en su concierto digital grabado en vivo a ocho cámaras, con una producción asombrosa y la banda completa en el escenario. Así también logra demostrar que el rap en Latinoamérica tiene su propia estética, sonido y variantes. Él no le tiene miedo al cambio. La música tiene el papel de entretener, enseñar o divertir, dependiendo del foco que cada artista le ponga y no importan los cambios que vivamos; como una pandemia. Tenemos que abrirnos a aprender desde otros lados, adaptándonos al cambio y surfear las olas. Para Nanpa, esto significa su capacidad de sacar lo que hablar no podría y cumplir ese sueño que nunca dejó descansar.


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-“Durante la mitad de su carrera caminó sin paga pero con una idea incrustada: “me voy a tardar, pero va a funcionar”-


E N T R E V I S TA A AC E R O S D E L PAC Í F I C O

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POR MAXIMILIANO BLANCO FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

ACEROS DEL PAC Í F I C O

Conocer el mundo a través de la música Con un estilo único, Erich Novoa, Juan Carlos Alonso y Alejandro Sarmiento forman la banda mexicana de synth pop rock Aceros del Pacífico y han entrado a la escena con su disco debut Pulso. Ahora lanzan un nuevo sencillo que será parte de su próximo EP, un nuevo episodio en su joven historia. En llamada, Erich, fundador del proyecto, explica sobre el inicio: “Yo estaba en otro grupo musical y ya no me estaban latiendo las cosas que estaban sucediendo con ellos; decidí realizar mis propias maquetas para comenzar un nuevo proyecto. Las maquetas se las enseñé a Juan Carlos y a Alejandro que los conozco desde los seis años. Les conté un poco del proyecto, sobre el nombre de Aceros del Pacífico, también del sonido y el discurso con la esperanza de que ellos también pusieran de lo suyo y después de mostrarles la primera maqueta decidieron entrarle.” Con un poco de interferencia en la llamada conversamos un poco sobre su nuevo EP., Erich nos comentó que por los tiempos en los que estamos pasando tuvieron más tiempo para verse en el estudio. Sobre cómo se concibió esta idea, explica: “Siempre hemos estado produciendo mucha música pero esta vez tenemos un poco más de tiempo. Entonces lo utilizamos para hacer más producciones, más composiciones; estar metidos en el estudio toda la semana, por lo menos tres veces. A partir de todas esas canciones que produjimos sacamos cuatro de entre unas 25 o 30, que nos hacen mucho sentido para presentar”.

Desde su álbum debut Pulso lanzado en 2019 han habido cambios bastante razonables en su estilo y forma de producir: “Hemos cambiado bastante desde nuestro primer álbum: fue un poco el experimentar muchísimo, donde hicimos las cosas más honestas. Para nuestro más reciente trabajo, que es el sencillo ‘El Sol Desnuda’, nos sentimos más maduros en cuanto a entender mejor nuestro sonido. Considero que se escucha mucho mejor realizado”. También tocamos un poco el tema sobre la filosofía del grupo; es decir qué es lo que los tres miembros tienen en común. En otras palabras: qué quieren expresar a través de su música, Erich nos dijo puntos importantes sobre ello: “Queremos decir básicamente que nos gustaría explorar un mundo a través de la música como mensaje. Poder conocer a todo el mundo a través de nuestra música y, por supuesto, que conozcan este mensaje que tenemos sobre la vida; la vida honesta, la vida recíproca con el prójimo, el mantenerse abierto ante todo, dejarse de enojar, permitirse ser feliz. También darse cuenta de que todo es parte de la vida; aunque parezca ambiguo es lo que intentamos explorar. Es lo que está en nuestras letras y de lo que platicamos nosotros tres”. Aceros del Pacífico publicó canciones sueltas antes del lanzamiento de su álbum Pulso, las cuales se presentaban con portadas muy diferentes entre cada uno. Sobre este trabajo, el fundador del proyecto comentó: “Gabriel Pérez es nuestro diseñador y él va a ser quien diseñe nuestros próximos EP. Él

lo que quería proponer y le hacía sentido era documentar un elemento terrenal, (por eso en los sencillos que tenemos son formas geométricas), con algún elemento que pudiera dejar un mensaje a la propia interpretación de quien lo ve. Es decir, la pretensión fue poner geometría con un abismo de colores e ideas y por cada canción hay algo diferente para que el espectador se imagine lo que quiera”. Siempre es importante saber qué sigue y es por eso que le preguntamos a Erich sobre su siguiente paso después de que hayan publicado su próximo EP: “Vamos a subir muchísima música próximamente: entre ella, algunos covers y poco a poco el nuevo EP, del cual el sencillo ‘El Sol Desnuda’ es parte. Asimismo, vamos a transmitir live sessions con nuestro formato habitual: sintetizadores y lo demás. Esto se transmitirá en el estudio y así será mientras estamos en el mundo pandémico; después haremos una tocada”. Para despedirnos, Erich Novoa envía un mensaje a ustedes lectores sobre conocer y escuchar a Aceros; ya que ser una banda joven no significa que su propuesta sea menor. Al contrario, tienen una trayectoria muy bien fincada en la escena y aquí les dejo las palabras: “Los invito a que nos escuchen en el disco Pulso. Son las pulsaciones que grabamos en los estudios de Sony Music. Somos once músicos tocando: una locura. Hay chelo, contrabajo, coristas, fue muy divertido mandar Pulso a formato acústico. Los invito también a que vayan a YouTube a ver “Pulsaesiones” que son estas grabaciones de las que les platico”


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-“Para nuestro más reciente trabajo nos sentimos más maduros en cuanto a entender mejor nuestro sonido”-


WE ARE CAOS LLEGA A PONER ORDEN

N AT H Y P E LU S O NOS TRAE CALAMBRE Por: Benjamí n Dí az

OHMS DE DEFTONES Po r B re n d a A rria ga

Stephen Carpenter, Terry Date y 10 canciones nos transportan a los tiempos de oro con Diamond Eyes y Saturday Night Wrist, es así como Deftones reaparece después de cuatro años de ausencia. Ohms, el noveno álbum del conjunto originario de Sacramento y es todo lo que Chino Moreno nos prometió: un recorrido personal e introspectivo plasmado en sonidos poderosos, crudos e hipnóticos, con el toque nostálgico que representa Carpenter al frente de las guitarras y el regreso de Date en la producción, después del accidente que nos hizo perder a uno de los mejores bateristas del género: Chi Cheng. Empezando con “Genesis”, que nos regala una introducción con el sonido familiar del aclamado Koi No Yokan, dando paso a canciones como “Ohms” y “This Link is Dead”, que nos demuestran que el pasar de los años no afecta el equilibrio de la voz melodiosa de Chino con lo desgarrador de sus gritos, los 46 minutos del nuevo material de Deftones, en especial con los sencillos de “Pompeji” y “The Spell of Mathematics”, que nos ofrecen riffs más abrasivos, la potencia de los platillos de “Cunningham” y una evolución más hipnótica gracias al característico sonido melódico por parte de Chino Moreno.

Hace algunas semanas la artista argentina permitió que Calambre viera la luz, compartiendo con sus fanáticos 40 minutos de intensidad, potencia y profesionalismo. Nathy Peluso se ha encargado de imponer la imagen de una mujer fuerte, poderosa, independiente y de cierta forma, ha roto con los estándares de belleza en su estética. En  Calambre  podemos escuchar el empoderamiento femenino y hasta la tristeza que embarga a  Peluso  que nos demuestra que todos somos humanos.  Esta nueva producción apuesta por ritmos R&B, soul, hip hop que transportan a los años sin renunciar al trap, categoría donde la encasillan, aunque su estilo va más allá de las etiquetas y de sus raíces latinas. No cabe duda del talento y de la versatilidad de  Nathy Peluso; una voz con potencia a raudales, que viene a darle un soplo de aire fresco al pop latino, fusionando sonidos urbanos con géneros clásicos. Sus letras canallas y su pose son otra historia, lo mismo te empoderan que hacen que te lleves las manos a la cabeza.

Por Ma xim il ia n o Bl a n co

MINT FIELD SENTIMIENTO MUNDIAL Po r Al do Franco

Calmado, dilatado y a veces estremecedor, así es Sentimiento Mundial, el nuevo disco de larga duración de Mint Field. La banda originaria de Tijuana y ahora radicada en la Ciudad de México vuelve con un sonido más trabajado, a diferencia de su EP predecesor Mientras Esperas. En ocasiones monótono, pero con grandes canciones como “Le hablé a la ola del mar” y “No te caigas”, el grupo ahora liderado por Estrella del Sol -tras la salida de Amor Amezcua- y con el apoyo de Sebastian Neyra y Callum Brown reafirma su presencia en el sonido del shoegaze mexicano. Como característica del género, Mint Field ofrece canciones fluidas y explosivas como “Natural” y “Presente”, pero también es capaz de demostrar y compactar lo poderoso del shoegaze en rolas cortas como “Cuida tus pasos”. Simplemente un disco para sentir. La agrupación ya tiene bastante experiencia fuera de México, ahora con su traslado a la capital es probable que llegue el momento de consolidarse en su país.

Hace unas semanas, el legendario y excéntrico músico Marilyn Manson, lanzó su undécimo álbum de estudio titulado We Are Caos (somos caos). Después de tres años en silencio y con Heaven Upside Down como último álbum. Ahora, en este año tan sacudido, Manson nos presenta un compendio que cabe muy bien con la situación que vive el mundo, (aunque el disco fue realizado antes de la pandemia). 10 tracks y 42 minutos son el contenido de este reciente We Are Caos que de la mano del músico de country Shooter Jennings le da un sabor muy diferente, un gran lanzamiento para escuchar cuanto antes. Las guitarras acústicas mezcladas con eléctricas y piano son algo que destaca en algunos cortes, también algo de pop se percibe por ahí. Se realizó una gran colaboración por parte de Jennings que claramente se percibe a lo largo de todo el álbum, bastante melancólico en sus melodías, pero sin desbordar, manteniendo un equilibrio entre ambas influencias y estilos. Una mezcla ecléctica que propone una gran revitalización de un estilo tan icónico como es el de Manson. Un álbum que no decepcionó en ningún momento; Marilyn en este caso nos sorprende con un material fresco y extrañamente oportuno para seguir adelante en los tiempos en donde una crisis mundial nos mantiene en casa frente a las pantallas y conectados a los audífonos.

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I S S U E N O . 3 6 ‘ M I X T L Á N : E L O R I G E N D E L A M Ú S I C A M E X I C A N A’

U LT R A M O N O IDLES

GORILLAZ SONGMACHINE, SEASON ONE

Por Ma rí a Jo sé S ánchez

S I LV E R R O S E Y L A S D I S TA N C I A S Po r Ma r i a n a Herná nde z

Carla Sariñana, aka Silver Rose, se ha consolidado como una de las propuestas femeninas mexicanas de rock más interesantes y ha llegado por fin con su primer álbum Las Distancias, que resulta inmensamente diferente a las primeras canciones con las que empezó su carrera en 2016, pero sin perder su esencia con influencias setenteras. Mientras que su primer EP homónimo de ese entonces fue un trabajo más lo-fi, rudo y oscuro, ahora en Las Distancias nos ofrece un rock mucho más inclinado al pop a lo largo de siete tracks que además romantiza muchos temas alrededor del lema de “darse cuenta de lo que realmente importa” y está hablado totalmente en español. Por casi 30 minutos, Carla nos envuelve en sonidos más ligeros, pero con ese sello ya característico que ha podido plasmar de lleno en este nuevo material. Alejada de Ruido Rosa, Sariñana ha mostrado tener su propia línea y estilo, manteniendo una brecha musical entre ambos proyectos. “Escapar” abre un inicio con un coro súper contagioso y notas de guitarra simple, para después ponerse más grunge a la mitad con “Alas” y más retro que nunca con “Huracán”. La cantante logra plasmar en este LP la tranquilidad con la que debe verse la vida a través de un pop pegajoso pero que se siente diferente.

IDLES lanzó su tercer álbum lleno de todo lo que siempre nos ha gustado de la banda originaria de Bristol: guitarras feroces, gritos frenéticos y ritmos rabiosos, sin embargo, Ultra Mono tiene algo diferente que sus predecesores Brutalism y Joy As An Act of Resistance y es que se siente que le bajaron dos rayitas a ese enojo y profundidad de sus canciones anteriores. Con esto no voy a demeritar este disco ya que es obvio que suene diferente, la evolución del sonido es el curso natural que toda banda sigue y en el caso de IDLES, experimentaron más con la parte técnica y de producción, eso les da mil puntos y genera expectativa hacia su siguiente producción, cabe mencionar que eso pasa menos seguido en esta época. Ultra Mono para nada es un mal disco, en él yacen canciones que honran la cultura del mosh pit como “War”, “Grounds” y “Reigns”, así mismo se encuentra “Mr. Motivator”, la canción que como su nombre lo indica viene a dar el empujón que se necesita durante este breve periodo que llamamos vida. Con nuevo álbum bajo el brazo y una deuda pendiente en tierras mexas por temas de pandemia, nos deja la abierta posibilidad de verlos retornar en 2021 a nuestro país.

Por Bre n d a Va l d e rrá b a n o

ZOÉ REVERSIONES Po r Al do Franco

Los 23 años no llegaron ni con concierto ni con disco de estudio. En su aniversario, Zoé llegó con un autoregalo: un homenaje que 10 artistas hicieron a algunas de sus mejores canciones. La valoración del resultado en mucho dependerá del agrado previo de cada uno de los artistas que participaron en este Reversiones, sin embargo, no se puede dejar de destacar a quienes ofrecieron algo nuevo y quienes hicieron una versión sin pena ni gloria. “Soñé” con Bronco, “Love” con Mon Laerte, “Últimos días” con Rawayana , y “No me destruyas” con Juan Pablo Contreras son los casos extraordinarios, esos que hicieron suyos los temas y que cabe compararlos y al mismo tiempo distanciarlos de la versión original. Quizás el caso de la chilena es el más destacable de todo el álbum, un propósito bien logrado con la producción de su connacional Adán Jodorwsky. En cambio, temas como “Dead” con Porter, “Labios rotos” con Morat y “Vía Láctea” con Juanes se quedan en el terreno de lo anecdótico, del cover por el cover. Zoé continúa haciéndose camino para estar dentro de los anaqueles de las mejores bandas mexicanas de los tiempos y aunque este material no sea el mejor realizado, si deja en claro la trascendencia del proyecto de León Larregui y compañía.

Gorillaz es esa banda que jamás ha conocido de límites; siempre transformando lo que conocemos. Regresan con Song Machine, Season One que más que un disco, es un proyecto llevado a nuevos lugares. Song Machine es una serie de canciones lanzadas como “episodios” (11 en total) con su respectivo video que forman la primera temporada de la serie. Con colaboraciones increíbles en cada canción, como Elton Jhon, Fatoumata Diawara, Peter Hook, Robert Smith entre muchos otros. Song Machine es caóticamente impactante, diverso y un buen trago de buena música. Russel Hobbs dijo de este proyecto: “el mundo se está moviendo más rápido que una partícula con sobrecarga, así que debemos estar listos para todo. Ni siquiera sabemos quién estará entrando al estudio próximamente, nos alimentamos de lo desconocido y se ejecuta en el caos puro. Así que lo que sea que venga, estaremos preparados y listos para producir como si no hubiera un mañana.” Porque ¿quiénes somos nosotros para decir que habrá un mañana? Otra vez Damon Albarn, el geniecillo de la música, lo volvió a hacer con uno de sus proyectos más ambiciosos. Más de 70 minutos de un viaje musical, en donde nos deja en claro que, sigue dominando la escena mundial.


E N T R E V I S TA A C H A R L E S A N S

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POR MARIANA HERNÁNDEZ F O T O C O R T E S Í A D E L A R T I S TA

C H Empapelado ARLE S A N S y sin tabúes Originario de Hermosillo Sonora, con una carrera que empezó en el 2006 y un proyecto con el que comparte buena vibra, Charles Ans se caracteriza por contar historias sencillas y comunes que nos pasan día a día y ese ha sido su mayor nexo con el público. “Nuestra música no está llena de joyas ni diamantes o carros lujosos, sino de gente divirtiéndose y cotorreando y pienso que es una de nuestras mayores virtudes por lo que la gente ha creído en mí”. Ans se inclinó por este género ya que tuvo un boom en su cabeza a los diez años con Gorillaz y le llamó la atención la combinación entre dibujos animados tipo cómic y su música, en ese entonces él no sabía que era rap, pero desde ahí ese match le hizo enamorarse del género. En su vida la han impactado experiencias sencillas y cree que muchos pasan por las mismas cosas o similares, como el estar lejos de su casa y extrañar a su familia o el perder a un ser querido: “Todos nos hemos enamorado y a todos nos han roto el corazón, un sinfín de cosas del día a día, de eso hablan mis letras”, comenta. “A diferencia de otras épocas, corrimos con la suerte de vivir en el boom digital, poder subir una canción y que la escuchen alrededor del mundo. Tenemos a nuestro favor las tecnologías y poco a poco nos hemos metido en la cabeza de más gente, llegando a más lugares y actualmente con la pandemia donde sobrevivimos de los ingresos digitales. Somos bendecidos por nacer en esta generación”.

En sus inicios Charles Ans perteneció a Anestesia, una agrupación/colectivo hip hop que fue una experiencia muy divertida y siempre le hace saber a la gente que viene de ahí, incluso tiene planes que saldrán en un futuro y se siente contento que después de tanto tiempo la gente siga ubicando a la banda de sus comienzos. Si hacemos un recorrido por sus discos, su primer álbum Sin Maletas es el que lo puso en el juego del rap mexicano y marca un hito en su vida y su carrera ya que fue la primera vez que realmente dejó todo de lado por su sueño. Con Smile se posicionó dentro de la escena pero con Ataraxia de 2016 el logro fue más grande ya que pudo estar mejor preparado y logró la venta de más de 10 mil copias físicas, algo destacable en una era digital en la que ya los CD no se venden mucho. Su último álbum fue Sui Generis, un disco más experimental que se caracterizó por tener un coqueteo con música latina, jazz, rock y música electrónica. Para llegar a 2020 con “Empapelado”, el nuevo single que formará parte de la próxima producción de Charles Ans. “Es un tema que nos daba un poco de intriga porque nos salimos de nuestra zona de confort de los ritmos que estamos acostumbrados a presentar. Queríamos lanzar algo que se pudiera poner no solo en un ambiente, sino también en antros o bares y creamos esta propuesta, esperando que la gente le siga dando amor”. En cuanto a la letra, Ans narra de manera honesta y al grano, lo que sería capaz

de hacer por alguien que le interesa profundamente, algo que se complementa perfecto con los ritmos latinos de la melodía, está para corearse y bailar a la vez. A este single se unió la colaboración de Cristo Nu, mejor conocido como BCN, quien participó en la mezcla y con quien siempre ha tenido una sinergia agradable, pues la evolución entre ellos dos ha ido creciendo en conjunto y mejorado con los años. “Lo que caracterizará esta nueva producción será otra etapa completamente diferente de nuestras vidas y lo que hemos vivido los últimos meses. En cuanto a la propuesta musical, nos encontrarán más maduros, trabajando desde diario en un proyecto como un campamento que llevamos haciendo sin parar, esperemos que la gente lo reciba con el amor y cariño de siempre”, dice. Charles es considerado como uno de los artistas del hip hop más importantes en México, sobre esta cuestión, recibe el atributo entre risas, ya que, el haber crecido admirando a tantas personas que también se les ha considerado del mismo modo como a él ahora, es algo agradable que disfruta sin despegar los pies del suelo. “En todo este tiempo, la música me ha dado todo, si no fuera por ella no sabría dónde estaría. Me ha dejado pagar la licenciatura y maestría de mi hermana, el ver que la despensa de mi madre nunca está vacía, el poder vivir de un sueño que hacíamos por hobbie y por expresarnos”, finalizó el sonorense.


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-“Todos nos hemos enamorado y a todos nos han roto el corazón. Un sinfín de cosas del día a día, de eso hablan mis letras”-


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POR AXEL GALINDO FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

D ElAarteTdeAromper R Oclichés CK La música que envuelve a Noruega se puede representar principalmente por folk y black metal, por lo que se ha convertido en uno de los mercados más difíciles para destacar si experimentas con otro género. Desde hace muchos años existe un cliché que habla acerca de la frialdad musical que demuestran los artistas nórdicos, tanto en sus ritmos como en su personalidad, sin embargo, al encontrar bandas como Datarock esta creencia falla rotundamente. “Fa-Fa-Fa” fue la primera canción que escuché de Datarock e inevitablemente me obligó a continuar con su álbum homónimo de principio a fin. Noté que poseía una estética new wave y electrónica que se mezclaban a la perfección, algo que definitivamente no esperaba de una banda noruega. Cuando platiqué con Fredrik Saroea, miembro fundador de la banda, no pude evitar preguntarle acerca de la reacción que tuvo la gente de su país ante su estilo musical: “Fue muy interesante, sobre todo porque Noruega es un poco conservador en cuanto a los estilos musicales, así que empezamos tocando en clubs alternativos y en pequeños shows de rock en donde nuestro nombre empezó a sonar. Nos supimos mezclar con todos los demás géneros para poder resaltar en nuestro país. Después de eso todo fue muy extraño porque nuestra música ya estaba en la radio y teníamos reviews en diarios locales, algo que nos asombró […]. Todo fue fugaz para nosotros, de la nada ya teníamos un tour por nuestro país y Australia. A partir de que salimos de gira, todo el país estaba muy orgulloso de nosotros.”

El contexto de cuatro amigos que se conocieron en la preparatoria en un ambiente poco motivador para ser músicos fue un punto de inflexión para replantear los objetivos y hacia dónde querían llevar el proyecto: “Para nosotros fue muy interesante todo el proceso que vivimos hasta hacer la banda. Nos conocimos en la escuela a una edad en la que los intereses de las personas eran muy distintos a los que nosotros teníamos. Existía una obsesión por el servicio militar, así que mientras ellos estaban pensando en cargar armas nosotros teníamos una obsesión por todos los sonidos que podíamos hacer”. La banda llegó a niveles insospechados, siendo parte del soundtrack de distintas series de televisión de talla mundial como lo son Jersey Shore y The Vampire Diaries, algo que no tenían presupuestado. “No lo esperábamos. La gente también estaba muy confundida con eso, pero fue la primera vez que nos sentimos como celebridades. También estuvimos en el soundtrack para el juego FIFA y anuncios de Coca Cola, lo cual fue muy loco. Pese a esto, nosotros seguíamos en lo nuestro dando shows en Noruega e intentando hacer buena música, que es de lo que realmente vivimos”. Datarock es conocida por ser una de las bandas más experimentales e innovadoras que existen hoy en día y ha sido posible gracias a toda la hiperconexión que tenemos; con ella se pueden crear millones de sonidos y formas rítmicas. La desventaja de esto es que sonar distinto y destacar es una tarea cada vez más complicada. Después de un largo

cuestionamiento sobre las nuevas formas de crear y consumir música, llegamos a la conclusión de que para lograr trascender hay que tener la capacidad de adecuarse. “Hay que adaptarse a las épocas y aprender a abrazarlas. Antes era difícil comprar discos de tus bandas favoritas porque no había en las tiendas o eran muy caros, ahora todo lo tenemos al alcance del celular. Todo tiene sus ventajas y desventajas. Por ejemplo, la vez que sacamos nuestro EP California en un stream días antes del estreno oficial; dos días después tocamos en Lollapalooza y había bastante gente que ya sabía nuestras letras y las cantaban con nosotros. Eso no hubiera pasado sin las redes sociales”. El camino de Datarock por el mundo de la música ha sido largo, pero fructífero. Son una banda con trayectoria, experiencia y que, actualmente, son un estandarte de la música de su país. Han influenciado a innumerables artistas, aunque a ellos no les guste aceptarlo: “No siento que seamos una referencia, eso no nos genera una presión. Nosotros intentamos ser buenas personas antes que nada y es lo que les intentamos transmitir a los jóvenes. Somos privilegiados por estar viviendo esto”. Los clichés musicales están para romperse y la mejor forma de lograrlo es haciendo lo que más te gusta sin importar la opinión de los demás, el reconocimiento mundial o el dinero. Se necesita ser fiel a uno mismo y llevarte al límite en todo momento, como lo hicieron ellos.


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-“Noruega es un poco conservador en cuanto a los estilos musicales, así que empezamos tocando en pequeños shows”-


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Creo que he ido a un millón de conciertos. Está bien, no han sido tantos. Pero sí muchísimos. Cuando era reportero de la fuente musical de un periódico, cubría cinco o seis por semana. A veces más. Digamos que, si asistí a más o menos uno por día, en promedio fui testigo de 365 conciertos por año. Multiplicado por los cuatro años que trabajé en ese diario, más o menos fueron 1460 en vivos. Mil quinientos, para redondear. A esos hay que sumarle a los que fui cuando era reportero de otros medios. Revistas, periódicos, plataformas digitales. Tal vez la suma final alcance los 3,000. No lo sé. Lo que no olvido es el último. Fue el sábado 14 de marzo de 2020. El primer día del Vive Latino. La última canción que escuché en vivo fue Paradise City. Esa en la que Axl Rose le pide ¿a Dios? ¿Al Universo? ¿A la policía? que lo lleven a un lugar donde el césped es verde y las mujeres hermosas. El domingo ya no estuve en el Foro Sol. Volé a Monterrey para presentar mi libro John Lennon me asesinó a sangre fría en la Feria de la Universidad de la capital regiomontana. Si me hubieran dicho que aquel sería el último concierto al que asistiría en mucho tiempo debido a una pandemia, me hubiera parecido el argumento de una película de ciencia ficción. Aunque en China y algunos países de Europa los efectos del coronavirus ya se habían dejado ver desde antes, yo también pensaba que “en México no iba a pasar”. Después de una época en la que nuestro país no tenía conciertos, mucho menos internacionales, la llegada de Ocesa en 1997 representó, para los fans de la música, una simbólica y paulatina entrada a esa “Ciudad Paraíso” de la que Guns n’ Roses habla en el track número 6 del Appetite for Destruction. Cuando se inauguró el Auditorio Blackberry en 2013, durante la conferencia el promotor Jordi Puig dijo que México ya era el tercer mercado internacional para giras mundiales. Si una generación tuvo que esperar más de 10 años para que Pearl Jam viniera por primera vez, hasta hace unos meses casi cualquier artista mainstream, de culto o underground seguramente pasaría por aquí. Se acabó. Hace unos meses Ocesa experimentó un recorte brutal de personal. La imposibilidad de realizar conciertos doblegó al gigante corporativo del

entretenimiento. Ya no digamos a las promotoras independientes. ¿La música en vivo habrá muerto? Nadie lo vio venir. El nuestro era un mundo en el que los conciertos se daban por sentados. Tanto que la humanidad se estaba dando la oportunidad de experimentar con experiencias que iban más allá de lo común. En 2008, Zoé y Molotov ofrecieron un concierto a 30,000 pies de altura durante un vuelo de Toluca a Guadalajara. Los videos están en YouTube por si quieren ver cómo se la pasaron las 70 personas que viajaron con ellos. En 2016, Café Tacvba tocó ocho canciones para 20 fans en el helipuerto de la torre más alta de Paseo de la Reforma. A 235 metros del suelo, la banda emuló de alguna forma aquella última actuación de los Beatles desde la azotea de Apple Corps. 70,000 Tons of Metal es un festival que se realiza anualmente desde 2011 (el de 2020 aún pudo llevarse a cabo, en enero), a bordo de un crucero. Un desfile de bandas de todas las vertientes metaleras descargan su poderío en alta mar. Seguro muchos recuerdan la actuación que Metallica ofreció dentro de una carpa a menos dos grados centígrados en la Atlántida. Sucedió en 2013 y el thrash tuvo que ser escuchado por los fans y científicos a través de audífonos, para reducir al mínimo impacto ambiental en la zona. Ha habido conciertos en muchas de las zonas arqueológicas del planeta. Desde las pirámides de Egipto, las de Teotihuacan, el Tajín y Chichén Itzá, la Acrópolis en Grecia y las grutas de Cacahuamilpa en el estado de Guerrero. Hoy, a más de un año del inicio de la pandemia, se han realizado conciertos en automóvil, otros con distanciamiento social y algunos más, de manera ilegal, en los bares y antros del subterráneo. A mí me han invitado, pero no me animo a asistir. Los Flaming Lips grabaron el video de “Assassins Of Youth”, en Oklahoma, en el que metieron a sus fanáticos en burbujas de plástico y ahora quieren repetir la experiencia el 11 de diciembre, ya como un concierto en forma. Mientras escribo estas líneas, echo una mirada a la caja en la guardo los boletos y acreditaciones de esa historia musical que me acompaña. ¿Será que sólo está en pausa o se habrá puesto ya el punto final?


P O R B R E N D A VA L D E R R Á B A N O / F O T O C O R T E S Í A D E L A A R T I S TA


E N T R E V I S TA A DA N I E L A S PA L L A

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P O R B R E N D A VA L D E R R Á B A N O F O T O C O R T E S Í A D E L A A R T I S TA

Es en la distancia física donde más recordamos el contacto y las conexiones, las canciones compartidas y las influencias que recibimos. En esta distancia es donde Daniela Spalla se ha reencontrado y reafirmado su propia esencia. Se ha tratado de un viaje al interior repleto de retos y dificultades, donde ha compartido su experiencia, su música y su arte; porque es en la unidad donde descubrimos la fortaleza y es el arte el medio para transmitirlo. En este proceso las colaboraciones no faltaron: Bandalos Chinos, Esteman, Santiago En La Guitarra, Carlos Sadness y Ramona, por mencionar algunas. Este trabajo conjunto resultó para Spalla una exploración artística que enriquecieron a la artista ya que han ayudado mucho a nivel personal, como con Leiva en vivo desde el Plaza Condesa en noviembre del 2017. “Es una colaboración que hasta el momento no tiene una versión de estudio, pero esa vez fue movilizadora. Yo estaba pasando por un momento complicado a nivel emocional y compartir esa canción con él me ayudó mucho, me dio una especie de contención y fuerza que recuerdo con mucho cariño y agradecimiento”. Sin embargo, cuando las colaboraciones se vuelven complicadas, es importante priorizar el lanzamiento y poner la mejor voluntad para que todo salga lo más fluido posible. “La comunicación y la confianza entre las partes son indispensables, para que todos estén en sincronía y de acuerdo en cómo se va a promocionar”. Decir

lo

que

se

tiene

que

decir

Muchas veces esos momentos, canciones compartidas o discos profundamente personales te encantan. Para una creadora es fundamental enamorarse de sus obras pero, ¿qué es lo que pasa cuando el amor es tan profundo que no puedes ver el futuro? Bien dicen que un creativo sólo puede llamarse tal cuando está creando y no sólo pensando, pero las pausas temporales para no forzar las ideas también son esenciales. A Daniela le pasó algo que podemos usar como ejemplo; ella estaba flechada de Camas Separadas, su álbum pasado, aún cuando

ya estaba escribiendo Puro Teatro. Fue esta disonancia sentimental la que le generaba angustia por tener que entrar en un nuevo proyecto sin haberse separado del anterior. Fue durante esta incertidumbre que un gran amigo suyo le dijo algo muy importante: “Me recordó que muchos de los artistas que admiramos de los 70, por ejemplo, lanzaban un disco cada año y sonaban todos parecidos por ser contemporáneos. Pero era después cuando se apreciaban las etapas del artista y en cada una de ellas podían haber dos o más discos. Esa idea me tranquilizó y me dediqué a escribir con base a lo que tenía que decir en ese momento”. Al final, y al verlo en retrospectiva, ese momento estuvo lleno de movimiento: de ciudades, relaciones y retos; un movimiento resultante de la expansión que empezó a vivir en ese proyecto. El tiempo es fundamental para estos proyectos, se deben respetar sus ciclos, desde la concepción hasta la “muerte” de la obra. Todos los que hayan llevado a cabo una idea saben que los proyectos más grandes requieren más tiempo, sin embargo en estas épocas de inmediatez y velocidad, se llega a sacrificar la calidad por la cantidad. “Es difícil que en este momento la gente entienda que lleva tiempo concebir una buena letra o un concepto sólido para un LP. La mayoría quiere más canciones y las quieren ya” comenta Daniela al respecto. No está dando por sentado que todos los trabajos que se hacen de esta manera sean malos; al contrario, con la inmediatez se puede lograr calidad y esa presión puede resultar en composiciones inesperadas y originales. Sin embargo, Daniela también opina que el tiempo propicia profundidad: “es la diferencia entre la calidad y la grandeza”. Fueron seis meses el tiempo necesario para que Daniela Spalla pudiera agregar canciones a Puro Teatro; no por capricho, sino por una nueva perspectiva. Fue en mayo de este año cuando sacó este disco y el encierro parecía que no iba para largo. El álbum ya estaba prácticamente a mitad del nacimiento y parar el proceso no era una opción, aparte,

el hecho de que naciera en una época tan peculiar lo dotaba de un aura única. “El espíritu es nuestra materia prima” Sin embargo, el tiempo pasó, la crisis se agravó y el encierro se alargó. “Me doy cuenta de que la pandemia me paralizó emocional y profesionalmente”, confiesa. No encontraba la manera de sentirse cerca de nadie cuando ya estaba tan acostumbrada a las conexiones intensas de compartir música. Fue la meditación, el escribir en un diario, dejar las redes sociales, salir al aire libre o abrazar a alguien que no tuviera covid-19 lo que la llevó a mantener su salud mental en un estado óptimo. “Ahora que el shock ha pasado un poco, tengo una lista de cosas que me quedé con ganas de hacer y esta reedición me está dando la posibilidad de ejecutarlas”, vaticina. Es a través de la música donde Daniela encuentra una liberación a sus ideas y sentimientos; es verdaderamente la autoexploración en donde radica la belleza de poder trabajar en esta industria. A veces uno intenta trazar una línea entre el artista y la persona pero al momento de crear y expresar todo se pone a entera disposición de la obra artística. “Por más doloroso, vergonzoso o desafiante que pueda ser” dice Daniela. Como quien acepta que el arte suele ser así: incómodo. Casi como vomitar para sacar el interior. Cada uno debe regresar a su día a día: la vida no se detiene aun la pandemia. La visión artística de Daniela queda impregnada en la mente de quien la escucha. En espera de que la distancia pueda achicarse y sentir esa energía de escucharle en vivo que a cualquiera le hace falta ya; ella comparte una reflexión sobre el quehacer musical, muy acorde con su proceso de autoexploración: “El espíritu es nuestra materia prima. Es incómodo y desafiante, no sólo a la hora de escribir, también al estar sobre un escenario. Hay escenarios que representan un gran reto artístico pero esos retos son personales. Porque hacerse cargo de esos desafíos es una tarea principalmente espiritual”.


I .M. YON I

O cómo visibilizar el trabajo hecho por mujeres P O R M A R T Í N VA R G A S / F O T O @ H O L AV I R I D I A N A

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35 En el sánscrito, Ioni (yoni, transcrito al inglés) es el término utilizado para nombrar a una fuente de vida; por ello su relación con la vulva y la feminidad es inherente en cultos hinduistas. A nivel energético, yoni habla, entre otras cosas, de creatividad pero también de fluidez. Es así que el colectivo Independent Musicians of Yoni (I.M YONI) combina distintas labores de profesionales para un fin en común: crear un espacio donde el trabajo hecho por mujeres sea visible. Si bien son seis músicas (así es, con “a”) las encargadas de la parte musical del proyecto, el interés de otras integrantes a participar en las actividades del colectivo no se condiciona por las funciones que desempeña; por ello, Estefani Brolo (voz), Josefa y Esperanza de Velasco (teclados) y Laura García (management) fueron la voz en esta conversación que, sin quererlo, también fungió como reencuentro en estos tiempos de distanciamiento obligatorio. También forman parte de la banda Ana Rizo (guitarra) y Ximena Duggan (batería). “Nosotras no nos buscamos: la vida nos fue juntando”, explica Estefani, para quien es un regalo que I.M YONI haya logrado conectar a diversas mujeres con afinidades similares. “Hay mucho que incluir y mucho que contar. Hay un punto de partida e inspiración, claro está; en lo musical pero la ambición del colectivo atañe a otras disciplinas artísticas como lo visual (y otras tantas que no entran en esa categoría)”, añade Laura. No es erróneo decir que el colectivo es una carta abierta a todas las mujeres de distintas disciplinas; en realidad lo que importa es que congenien con la visión colaborativa de I.M YONI y haya un interés por el dance (como género musical, claro está), aunque también por el baile. En palabras de Josefa, I.M YONI no tiene como requisito primordial ser mujer, sino “ser la mejor en lo que haces”. Ante las preguntas, las cuatro integrantes de I.M YONI ceden la palabra con cortesía y camaradería. Hay un interés por saber qué es lo que la otra opina y esperan para complementar la idea de su compañera. También así confluyen los acordes, riffs y ritmos que crean en su música: hay R & B, hay funk, hay disco pero sobre todo hay una constante necesidad de mover los pies y hombros cuando ellas se juntan a crear música.

El presente y la pandemia Pero como en cada aspecto de estos tiempos actuales, la pandemia por covid-19 cambió el orden y funcionamiento de las cosas. Para Laura se presentó como un replanteamiento de logística y de comercialización. Para Estefani este panorama permitió de manera más accesible de conseguir colaboradoras; pudieron destinar tiempo para desarrollar y componer sin comprometer otras actividades. A casi un año (diciembre de 2019) de su última presentación en vivo, en la “guarida YONI” se gesta una alternativa para poder brindar un espectáculo; ahí entra la participación de otras colaboradoras como cineastas. Este lugar es el estudio Fonobox, de las directoras de orquesta y gemelas Josefa y Esperanza De Velasco. No se descarta la posibilidad de un híbrido: un concierto en transmisión pero también con algo de público en vivo. Y aunque no hay probables fechas aún, Josefa asegura: “de que hay toquín este año, hay toquín”. La visibilización y el futuro I.M YONI es parte de un movimiento de colectivos entre mujeres, cada uno con metas y orígenes distintos pero siempre con una bandera: remarcar y dar oportunidad a la presencia de ellas en todos los ámbitos, sobre todo aquellos condicionados histórica, política, social y culturalmente a los hombres. “Llegamos a un momento donde las instrumentistas o las chicas detrás de cámara en una producción tienen dificultades para mantenerse en ese lugar”, explica Estefani. “La visibilidad del trabajo hecho por mujeres es necesaria”, complementa Josefa; con la banda tienen la oportunidad de demostrar que una ingeniera de audio, por ejemplo, puede desempeñar una labor tan buena como la de un ingeniero y así poder conseguir más contactos para su desarrollo laboral. Entonces el colectivo tiene la finalidad de acelerar estos procesos. De hacer que suceda esa visualización. Sin embargo, esto no recae en una postura necesariamente separatista. Para las integrantes de I.M YONI, tanto hombres como mujeres debemos trabajar juntos para el bien de todas y todos. Para el futuro hay cosas en puerta, pero antes que fechas, hay metas: un nuevo álbum, un EP ¡y una línea de ropa! Mejor es seguirles la pista en sus redes sociales: Instagram: @imyonicreative, en Twitter: @imyoni1 y Facebook: @imyonimusic.


U Z I E L I T O M I X Y E L P E R R E O D I G I TA L Por Edwin L ópez

La era digital se ha apoderado del 2020 y Uzielito Mix se sumó a esta onda. Hizo bajar hasta el subsuelo a sus seguidores a través de un streaming irrepetible. Logró hacer la mezcla perfecta de sus más grandes éxitos como “Se menea”, “Suena Perreo” y “Caramelo”, que combinó con sus bailarinas en la ejecución de un perfecto twerk. Las sorpresas del show comenzaron cuando sonó “Yo Perreo Sola” y “Safaera”, las cuales nos permitieron sacar nuestros pasos de baile y dejaron en claro que se convertirán en grandes himnos del reggaetón actual. Pero la cosa no paró allí, después Camilo Lara, Eme Malafe, Daniel Martinez y “El Gorila” se dieron cita en el escenario. Se desató una tremenda fiesta al ritmo de la tuba y las guitarras para cerrar una gran noche llena de perreo y convivencia a distancia con los amigos. Todo el show de Uzielito Mix demostró que podemos disfrutar de la música a través de una experiencia visual, auditiva y una nueva forma de convivencia digital.

‘¿ E N L A N U E VA N O H AY M

KONGOS, PURA ENERGÍA ONLINE Por Mariana Vela sco

El cuarteto de hermanos originarios de Sudáfrica, Kongos, ofreció un enérgico concierto online a través de Sala Estelar. Dylan, Daniel, Jesse y Johnny aparecieron desde su estudio decorado con tapetes clásicos. Abrieron con “Underground” de su álbum Egomaniac, que automáticamente llenó de energía y también de nostalgia por no poder verlos en directo. Con “Hey I Don’t Know” y “Kids These Days” nos hicieron bailar al ritmo del acordeón tan característico de Johnny y fue hasta el inicio de “Where I Belong” que Dylan se dirigió a la audiencia: “¡Hola, México, qué onda! Estamos desde nuestro estudio en L.A y quisiéramos que estuvieran todos presentes aquí”. En el chat sus fans pedían “The World Would Run Better”, una canción en la que Daniel lleva la delantera en la voz con un coro superenérgico y acordeón en el fondo y que finalmente fue interpretada. Kongos demostró una vez más esa dinámica tan especial que poseen como hermanos y ese espíritu tan colaborativo que les ha funcionado tan bien para hacer hits.


THE MIDNIGHT: ENTRE SINTETIZADORES Y PA N D E M I A Po r Ve ró n i ca d e l a Mo ra

Luces neón, el palpitar de los sintetizadores y una mezcla de sonidos prestados de los ochenta con aires renovados fue solo una parte de lo que ofreció The Midnight desde el Libbey Bowl en Los Ángeles. En tonos azules con destellos en rojos, poco a poco se iluminó una pirámide que “prendió” todo el spot y nos encontrábamos a cuadro a Tim en los teclados y cajas de ritmos, preparando la primera canción en sintonía de Tyler, quién se acercó al micrófono para entonar “Deep Blue”. Sonaron canciones como “Monsters”, la petición de los fans “Days of Thunder” y “Gloria”, en la que el lado sensible y romántico inundó el recinto. A mitad del show invitaron a Nikki Flores para cantar “Jason” y “Because The Night” de Patti Smith. A pesar de la distancia, The Midnight logró conectarnos con el espíritu ochentero de cada una de sus canciones, invitándonos a bailar entre el latir del saxofón mezclado con la electricidad del synthwave.

A NORMALIDAD MÚSICA?’

B O H E M I O , E L Ú LT I M O J U L I E TA V E N E G A S

SHOW

ONLINE

DE

Po r Mar i an a He r n án d e z

La tijuanense Julieta Venegas dio su último show online del año desde Buenos Aires, pues se dedicará a grabar su próximo álbum. Con un recorrido musical rememoró su larga carrera en un acústico que pudimos disfrutar a modo noche bohemia desde nuestras casas. En un auditorio totalmente vacío, con un piano y un micrófono comenzó su show con “Ilusión”. Julieta se mostró en todo momento muy entusiasmada y con cierta timidez. Para “Buenas Noches, Desolación” comentó que iba a hacer trampa y a leerla, pues no recordaba mucho la letra, pero que quería cantarla ya que iba bien con el momento incierto por el que estamos pasando. En el chat le pidieron con insistencia que deleitara con su acordeón. Ella trataba de leer los mensajes, sin embargo, entraban demasiados y le fue imposible. “No quiero despedirme con una que parece cliché”, dijo y en seguida interpretó “Me Voy”. Después, ahora sí, cerró su concierto con “Limón y Sal”.


G I R L U LT R A G A L E R A por Mariana Mendoza


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JOSÉ MADERO PEPSI CENTER WTC por Emilio Sandoval

LOS BLENDERS LUNARIO por Adonis Espinoza


-“Tu futuro ya no depende de que logres presentarte en un club o bar famoso de tu ciudad, estĂĄ en que generes tu propio ecosistema dirigido por tiâ€?.-


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P O R J AY R O S / F O T O P O R R O D R I G O G U E R R E R O O N DA M U N D I A L

Y TU MAMÁ,¿TENÍA RAZÓN ?

La tarea no es sencilla ni barata pero a estas alturas ya no queda nada que perder

Los clubes nocturnos en Reino Unido están muriendo. Londres, cuna de miles de DJ, músicos y productores; está padeciendo también. Al igual que todo el mundo, sufren los estragos de la forzada inactividad a la que la pandemia del COVID-19. Aunque sitios como los legendarios clubes Ministry of Sound o Fabric han obtenido una ayuda económica, la mayoría de la escena nocturna ha recibido del gobierno el mismo consejo que tu mamá te dió cuando le dijiste que serías músico: “búscate otra carrera, porque de la música no vas a vivir”. Con la campaña “El próximo trabajo de Fátima podría ser en ciberseguridad, sólo que ella aún no lo sabe”, la cual muestra a una bailarina de ballet como imagen central; decenas de DJ y músicos cayeron en ansiedad y molestia. Así inició un ataque en redes sociales contra su gobierno por ignorar a la industria de las artes y proponerles aprender un nuevo oficio. La realidad es que el gobierno británico tiene un poco de razón. Y tu mamá también. Es momento de estudiar una nueva carrera. Pero no me malentiendas, no quiero decir que dejes atrás la música: me refiero

a que es momento de que aprendas a hacer todas las cosas por tu cuenta. Volemos de vuelta a México. Recordemos el Continental DJ Club en la Zona Rosa, donde se grabó el mítico álbum “Global Underground 032: Mexico City” de Adam Freeland, clausurado en 2007 por narcomenudeo. Los mundialmente conocidos Blue Parrot y La Santanera en Playa del Carmen sirvieron de hogar a uno de los eventos más importantes de la industria de la música electrónica: The BPM Festival. Ambos dijeron adiós en 2017. El primero entre balazos y fallecidos. De forma más reciente tenemos al club Japan en la Ciudad de México, cerrado en 2019 por la inseguridad. Aquí no se necesita de un virus para matar la industria: la gente se encarga de acribillarla cada que comienza a crecer. Es sorprendente que clubes como Hardpop en Ciudad Juárez y Bar Américas en Guadalajara hayan logrado sobrevivir por años. El futuro ya no depende de que logres presentarte en un club o bar famoso de tu ciudad o en que el gobierno apoye económicamente tu negocio.

Y mucho menos en ser el mirrey que está organizando fiestas en “lugares privados”. El futuro está en que generes tu propio ecosistema: de pies a cabeza dirigido por ti. Hoy más que nunca necesitas crear tu propia música, firmada por tu propio sello, compartida en tus propias redes sociales, con ayuda de tus propios streamings, tus propios diseños de arte. Básicamente tu propia marca. La tarea no es sencilla ni barata, de hecho es casi imposible. Puedes empezar de manera gratuita en sitios como Coursera, donde el colegio de música Berklee imparte en línea la Especialización en Music Business o con la Especialización en Marketing con Redes Sociales del Tec de Monterrey. Si de composición se trata, el canal de YouTube de Spitfire Audio está repleto de clases sobre producción de música clásica con sus VSTs. Todo está en hacer algo productivo. De lo contrario, todos terminaremos vendiendo tamales y tacos de canasta el próximo año; lo cual, de hecho, se escucha sabroso. Ya me vi.


E N T R E V I S TA A WA S H E D O U T

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POR MARIANA VELASCO FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

WA S H E D OU T Entre sonidos del océano y luz púrpura

Ernest Greene, a.k.a Washed Out, es uno de los grandes actuales en el chillwave, pero en el arte de conceptualizar un disco, resulta un genio. En agosto lanzó su quinto álbum de estudio Purple Noon, donde cada letra, cada sonido y cada visual está inspirado en varias formas artísticas de las que el músico es fan y también son una ventana interminable hacia el centro de su mente y sus vivencias más personales. En la portada vemos a Ernest posando en uno de los sitios más emblemáticos de Grecia; un paisaje maravilloso y melancólico que visitó con su esposa. Y justo de ahí parte todo, de viajes y sitios majestuosos. La principal inspiración de Washed Out fue el libro “A Book of Silences” y la película sesentera “A Pleno Sol”, ambas obras situadas en Italia: “estaba inspirado por el Mediterráneo en general y en el libro, el artista Cy Twombly se muda a Roma y la imagen de algunas fotos de sus tiempos me resultaba increíble y muy glamorosa. He ido a Italia aunque nunca a alguna parte de la costa mediterránea, pero simplemente fue algo que se sintió muy exótico e inspirador para mí y cuando terminé el libro  empecé a ver tantas películas como pude  para poder tener esa configuración,  y me enamoré de esa cinta, sé que es algo muy vago pero definitivamente se relacionan mucho con la atmósfera del disco”. Luego de este empape de emociones y sensaciones, siguió el proceso de plasmarlas en canciones, y para ello, el cantante decidió hacer todo más tradicional esta vez, ya que en su pasada producción Mister

Mellow, admitió haber usado solamente samples y nos contó que mientras escribía, las melodías salían naturalmente con esa cualidad melancólica. “Las melodías tristes necesitan letras tristes”, dijo Greene, por lo que eligió el amor como el tema central y se inspiró también en los 10 años de matrimonio que lleva y ese lado hermoso de una relación madura: “quise ver el amor a través de distintas perspectivas. Mucho vino de mis experiencias pasadas, y recordé un periodo en mis veintes donde mi vida amorosa era un desastre y al echar un vistazo descubrí un manojo de historias para contar. Hay un par de canciones sobre mi esposa y nuestra vida diaria de casados,  “Game Of Chance” habla sobre lo feliz que estoy de que nuestros caminos se hayan cruzado y que estemos juntos ahora, pero todo eso es algo que no puedes realmente sentir a menos que ya hayas pasado por tiempos muy duros en otras relaciones. Creo que la vida pasada le da mucho contexto a la vida actual”. Si conoces todo el trabajo de Washed Out, es fácil deducir que esta canción es una de las cosas más diferentes que ha hecho, pues es enteramente acústica, y él mismo acepta que hace años hacer algo así era impensable, pero que ahora le gustó explorar ese territorio nuevo y hablar del destino: “definitivamente creo que el destino existe hasta cierto punto pero también está el libre albedrío. Lo más importante que he aprendido sobre el amor es que estar en una relación a largo término significa que tienes que amar lo suficiente a tu pareja como para darle su espacio y

permitirle equivocarse, porque todo cambia constantemente y el lazo se profundiza”. La estética de Purple Noon no se queda en los visuales, sonido y líricas, sino que fue cuidada incluso en el aspecto de la moda, pues Ernest eligió minuciosamente lo que viste en la portada, otro tema que le apasiona mucho: “siempre he estado interesado en la moda, y esta vez mientras escribía las canciones tenía muchas imágenes en la cabeza, y me enfoqué mucho en lo que esas imágenes me hacían sentir. Le puse tanta energía a esa visualización que vi lo que estarían vistiendo los personajes, y hacer eso me ayudó a aclarar toda la narrativa”. El proceso de este álbum tardó cerca de un año y al iniciar la pandemia, muchos de los planes se truncaron y Washed Out tuvo ese momento de duda que muchos artistas han tenido en este difícil periodo, pero admite que el pensamiento de no hacer nada el resto del año era peor que cualquier cosa. Incluso ya hasta tenía planes para el tour y sabe exactamente con quiénes va a trabajar y está seguro de que habrá mucha atmósfera visual que refleje todo lo que es Purple Noon: “creo que al final estoy contento de que alguien esté interesado en el proyecto y que signifique algo en sus vidas aunque sea sólo como un escape de 45 minutos, eso es algo que estoy seguro de que mucha gente necesita ahora mismo. Con eso ya podré sentir que valió la pena”. -


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-”Las melodías tristes necesitan letras tristes”-


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IDLES

Sobre Ultra Mono, algoritmos y el arte La pandemia que estamos viviendo nos cambió la vida pero la detuvo. Por eso IDLES siguió con su ciclo para su nuevo disco, al cual se ajustaron a hacerlo de una manera diferente. Por eso nos conectamos con Joe Talbot, quien nos habló de lo que pasaba por su cabeza, además de Ultra Mono. Revista Kuadro (RK): Ultra Mono está fresco, ¿qué esperan de este disco después de que sus primeros trabajos fueron aclamados por la crítica especializada? Joe Talbot (JT): Es algo que no está en mi mente, estoy emocionado: creo que es lo mejor que hemos hecho. Es lo más confiado que he hecho, líricamente, sónicamente y musicalmente. La parte de la crítica en esta etapa no es algo que creemos sea bueno buscar, lo importante es la comunidad que hemos hecho con nuestros seguidores y con los nuevos escuchas. Creo que este disco va a lograr juntarnos más en ese aspecto. RK: Es algo importante para su ritmo: trabajan rápido y han sacado tres discos en cuatro años... JT: Sí, creo que como banda la gente se relaja mucho. No nos considero prolíficos. Las canciones que hemos hecho no las seguimos de corrido pensando en un álbum pero tenemos una evolución que se demuestra en el tiempo que salen. Por eso hablo del siguiente paso, es el ambiente que hemos construido y tiene que ver con cómo tocamos y cómo cantamos. Debemos estar siempre activos, queremos movernos rápido y no dejar que un disco nos determine.

RK: ¿Escuchaste lo que dijo de Spotify sobre sacar rápido si quieres hacer

el CEO música dinero?

JT: Sí. Obviamente él no es un artista. No le interesa el arte, a él le interesa vender un producto y es muy bueno en eso. Por eso la gente que hace más dinero en su plataforma hace productos constantemente; los grandes álbumes en su plataforma existen porque tienen más tracks para que tengan más sentido para el algoritmo. El sistema es muy desigual y lo ha exagerado en esta industria. Esa es la realidad. El stream es la manera de hoy y podemos tratar de entender por este medio a los artistas más pequeños o avant garde. RK: Grabaron en Bataclan en 2018 y 2019 para un álbum en vivo, tres años después de lo que pasó con Eagles of Death Metal, ¿pensaron en eso o es sólo otro show? JT: No creo que puedas omitir dicho suceso pero sería ingenuo no pensar en lo que pasó entonces, también es importante pensar en las razones por las que las personas estaban ahí en primer lugar: en la unidad, en la hermandad, es decir, todo lo que la música en vivo trata de hacer. RK: Las portadas de sus álbumes no es algo que se parezca a lo que está de moda; Ultra Mono me recordó a Pantera y su Vulgar Display of Power... JT: Creo que el arte es importante y Jon es quien lo hace, quien guía ese proceso y sí; supongo que sí puede parecer a una

portada de Pantera. La idea era jugar con las expectativas de la gente y la idea es que sea totalmente a lo que suena el álbum; o completamente opuesto. RK: ¿Cómo se sienten con las etiquetas como el hecho de que ustedes “sean” una banda post punk indie hardcore? JT: Si estas etiquetas son útiles para las personas, yo las uso. Diría que somos noise punk band que usa guitarras como nadie más; pero cuando te sobreidentificas con una clasificación hace que tu visión se encoja y no veas lo que es. Entonces no lo hacemos mucho sobre nosotros: tratamos de que sea IDLES nuestra etiqueta. RK: Este disco tiene un tono muy particular de tu guitarra, como Earth o Mono. Mucho drone y sludge. JT: ¡Oh!, estás hablando mi lenguaje. Mi banda favorita es Sun O))). Amo el drone como Earth y el stoner como Sleep, sobre todo en este álbum: me compré una guitarra con cuello de aluminio para tener ese sonido más denso. Nuestro ingeniero de sonido en las mezclas me ayudó a que sonara como quería; puse de referencia a Earth o Sun O))), también algo de Electric Wizard. No creía que nadie nos describiría así. A estas alturas de su carrera, IDLES ya es una banda que ha trascendido más allá de los géneros pero lo más importante, es que encajan con la narrativa actual del mundo al tratar de dar un orden con gritos y riffs poderosos.


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-“Diría que somos noise punk band que usan guitarras como nadie más las usa”.-


Para cerrar todo el caos del 2020 tenemos un disco que cumple 20 años; que sirvió para cerrar un año, una década, un siglo y un milenio. Es un peso que parece enorme: sobre todo porque no es de una banda que tenga todos los reflectores que debería de tener –es decir, son suficientes–. Sobre todo porque tiene un disco que si acaparó un tiempo todos los titulares. Outkast sigue siendo un proyecto infravalorado. El dueto de André 3000 y Big Boi tuvieron en Speakerboxxx/The Love Below un álbum doble enorme, pomposo y grandioso. Fue el que los puso realmente en boca de todos; el que tenía tiempo aire en MTV. Pero Stankonia es su pieza maestra; es la que los puso en el panteón con los De, los Z y los M. Que con esos tres trabajos iniciales ésta sea la obra maestra, habla mucho del dúo. El status de culto ya lo tenían, pero con esto ya se ponían por delante de Eric B & Rakim, Methor Man y Redman, Mob Deep o EightBall & MJG en las listas históricas. Era todo el despliegue de habilidades, de cómo su flow no era algo reconocible de la manera que el de Snoop Dogg es reconocible; que desde la sílaba ya lo puedes reconocer. Ellos tenían un estilo mucho más amplio, algo que al día de hoy sigue siendo una rareza. Pero es parte de su sonido innovador. Como “B.O.B.” una canción endemoniada. Donde la producción no tiene todas las capas de sonido que otros grupos tienen, es incluso hasta sencilla. “Drum n’ bass” es una pieza donde la habilidad lírica y vocal, se quedan sin adjetivos para describir. No sólo tienen canciones para los fans hardcore, también demuestran que si quiere hacer hits, también es algo sencillo. “Ms. Jackson” y “So Fresh and Clean” estuvieron varias semanas en las listas de popularidad y siguen siendo parte vital de los setlist en los show en vivo. Otra de las cosas por las cuales este disco es una joya, no es solamente por el dúo, sino por sus colaboraciones. Algunos de nombres consagrados como Erykah Badu o B-Real de Cypress Hill. Pero siempre se notó ese apoyo de dónde son –sí, por eso también son culpables de que el trap dominara esta última década–. Tuvieron dos personas que les ayudaron a dar el salto, ambos de Atlanta: Cee Lo Green y Sleepy Brown. Ninguno era un novato, pero la relevancia de este disco, les dió por lo menos esa street cred. Tal vez decir que esto definió sus carreras es mucho tomando en cuenta cómo salieron pero sí es una marca importante. En el último caso, también su carrera ya es enorme. También de Atlanta, donde su activismo político y social rivaliza con su talento musical; este disco fue el debut de Killer Mike, la mitad de Run the Jewels. Uno de los mejores en el juego al día de hoy, emulando el hito de los que lo ayudaron a debutar y tener un 4 peat, con su propio dúo. Stankonia es un disco que lo tiene todo y con el paso del tiempo, nos damos cuenta de todos los artistas que tenía este álbum se han ido revalorizando; mientras más nos adentramos en este siglo. / KUADRO DE HONOR / ISSUE NO. 36

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Revista Kuadro No. 36  

Mixtlán: el origen de la música mexicana.

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