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por Javier Jarquín Llega por fin nuestro segundo número en este 2017. Se nos fue volando el primer trimestre del año con un diluvio de festivales veraniegos y varios actos que nos han dejado con los bolsillos rotos, pero recargados de decibeles de la punta del pelo a la última uña del pie. Desde que inició el año, pintó que vendría rudo y con carencias en lo político, social y quizás hasta en lo espiritual. Con miles de noticias circulando diario sobre todo lo que engloba el nombre: Donald Trump, siempre resulta tentador el dar una opinión sobre el famoso playboy y ahora Presidente de EEUU. Después de todo lo que se ha dicho y dice el hombre del muro, nos queda claro que igual y le falta por conocer un poco el vínculo y la fraternidad que existe entre su gente y la nuestra, así como los frutos que ha dado esa relación. Esta edición nos echamos un clavado para sacar los frutos musicales de la cultura mexa y de los vecinos, y llega nuestro issue: “El American Dream”. Un paseo sobre las propuestas chicanas, la influencia yankee en la escena nacional y un recorrido sobre la reina del tex-mex, Selena. En portada y una buena charla con Sleeping With Sirens, además de entrevistas con Gondwana, Mueran Humanos y más. Reseñas de discos, recomendaciones, un recorrido por lo sucedido en estos primeros meses del año y mucha información sobre lo que es nuestro vicio favorito: música. Los invito a que sigan de cerca nuestras redes sociales y chequen todo el contenido que tenemos en ellas. Gracias a toda la gente que hace posible que este proyecto siga con vida mes con mes, tanto a queridos lectores/seguidores, como a nuestros estimados colaboradores. Este número tiene cierta nostalgia, pues en cierta forma cierra un ciclo de 5 años. Estén atentos a lo que viene…


Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 29783750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011-090609421400. Número de certificado de licitud, titulo y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas impresas, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P. 57750. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta ublicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos sin previa autorización por escrito de parte de la dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 23 MArzo-Abril 2017.


4. Kapturados 8. Camila Moreno 10. Mueran Humanos 12. Mexican Juligans 14. Gondwana

16. Sleeping With Sirens

20. ¿Pudieron ser profetas en su tierra? 22. Juntos pero no revueltos 24. ¿Qué le dejó Selena Quintanilla a la música? 26. ¿Por qué las bandas mexicanas quieren grabar en EU? 28. Fallas del hip-hop nacional 30. La cultura, una forma eficiente de alzar la voz 32. Para trumpadas, canciones 34. Reseñas de discos 36. Kuadro Escucha 37. Kuadro de Honor 38. Puerta de Entrada: Los Riot 39. Kuadro Beat: Electroáfrica 40. Kuadro Live 44. La Kolumna: ¿La música nos salvará?


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Gabriela Mares

La Maldita Vecindad

White Lies Brenda Arriaga


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José Madero Marvely Garnica

MDYSSL Nancy León


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Galantis Emilio Sandoval

Fito Pรกez Sain Osnaya


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Morrisey Sain Osnaya

Tove Lo Stephania Carmona


“Cuando todo está tranquilo no compongo tanto como cuando estoy en momento de crisis” Con mis letras busco apelar a las emociones: Camila Moreno

LA CHILENA CONSIDERA COMO SU MAESTRA A SU COMPATRIOTA CECILIA VICUÑA, POETA Y ARTISTA VISUAL Por Alan de Aquino


Actualmente pocos músicos tienen tanta proyección artística, compromiso y argumentos sólidos, como para tener una trayectoria que no se dirija a la nada y se sumerja en las carencias argumentativas de la música pop. Ejemplo de ello es Camila Moreno. El pop por lo general ofrece cosas inmediatas, éxitos pasajeros, de escúchese un rato y después se disuelven en los anales musicales o bien, quedan a perpetuidad aterrando los oídos y jugando con las mentes sin mayor propuesta que lo superficialmente vano, e intrascendente, fuera de toda acción artística que promueva un cambio o al menos incite a la reflexión, la introspección y proyección de un nuevo ser, cual larva a mariposa. Ese devenir es el que se percibe en esta artista chilena que utiliza argumentos poéticos con ritmos que van entre el trip-hop, el grunge, el industrial y lo electrónico sin perder sus raíces folclóricas. Ella es una cantante que desde niña hizo cortometrajes, ha compuesto música para cine y televisión. A través de su música yo había generado una idea de quién era Camila, de cómo sería hablar con ella y después de su performance en el Nrmal, un festival de propuestas interesantes y de gran curaduría, no podía dejar pasar la oportunidad de aventurarme a platicar con ella. Este es el resultado: ¿Qué tan complicado ha sido hacer una carrera cantando cosas más profundas y reflexivas cuando la gente tiene más afinidad por el pop? “Creo que la cultura masiva ha entregado eso, sin embargo, la gente actúa como individuos no como masa, pero nuestra cultura ha avanzado hacia la superficialidad y hacer cosas que vayan más a la reflexión, introspección, catarsis, es más difícil. Es como remar contra la corriente, pero es gratificante porque tiene sentido”.

cambios y transformaciones. La música me saca del lugar en el que estaba, me gusta salir y sacar de la zona de confort.

¿El arte es la forma de contrarrestar el status quo? “Sí, claro que sí. El arte debe de ser provocador, es el que me mueve e intento hacer”.

¿Qué lees? “Patti Smith me gusta en música y literatura, me encantan los cómics de Alejandro Jodorowsky. También leo a Julio Cortázar, Cecilia Vicuña”.

¿Qué rol tiene la poesía en tu carrera? “Yo escribo poesía que no necesariamente se transforma en canciones. Escribo mucho y eso no siempre llega a alguna parte. He escrito y he hecho música por separado; a los 17 años se me ocurrió unirlas. Sin embargo, me cuesta trabajo componer, a veces sólo pongo un acorde, balbuceo y nace la letra y a veces transmite el momento en el que estoy”. ¿Consideras que en los momentos de crisis es cuando más creativa estás? “Cuando todo está tranquilo no compongo tanto como cuando estoy en momento de crisis, este estado me lleva a la necesidad de componer. Entonces tu música es 100% catártica... “Por lo menos en un 90% sí (risas)”. ¿Cómo ves la escena musical de mujeres? “Yo no he sentido adversidad en la música como tal. Sí he sentido que en otras áreas te pueden tratar distinto por ser mujer, pero en la música creo que se le está poniendo fin al género. A pesar del machismo y micro machismo, hay mujeres haciendo música, no están vendiendo su cuerpo. Yo le pongo mucho cuidado a mis letras, a mi música. ¿Con tus letras, buscas despertar a la gente? “Con mis letras busco apelar a las emociones, transmitir lo que siento y conectar con ese universo y desde ahí se pueden generar

¿Qué música escuchas? “¡Uy! Escucho mucha música. Me encanta The Beatles, Violeta Parra, Bjork, Aterciopelados, Juana Molina, The xx, Silvia Pérez Cruz, Carla Morrison, Nirvana, Tame Impala”.

¿Qué tan de acuerdo estás con la filosofía de Jodorowsky? “Estoy muy de acuerdo. Siento que la psicomagia es muy real, yo lo he experimentado. Él tiene mucha lucidez en torno a los sueños lúcidos, al acto poético, se atrevió a experimentar cosas que ningún otro ser humano. Y la filosofía del arte para sanar es muy potente. Me produce mucha risa que lo acusen de charlatán, cuando uno indaga en su obra se da cuenta de lo que está haciendo”. ¿Cómo es tu relación con Cecilia Vicuña? “Ella me invitó a hacer un performance y yo la invité a colaborar en la letra de una canción (“Máquinas sin dios”) ella corrigió la letra de la canción. Ella vive en Nueva York y cada vez que va a Chile nos vemos, tenemos una relación muy linda. La considero mi maestra”. ¿Qué es lo que viene en tu futuro próximo? “En junio vamos a liberar el disco Pangea, es un disco en vivo, que grabamos en Chile. Así como el video que es más como un película de ese concierto, es un retrato de cómo suena y se ve en vivo”. ¿Te gusta la idea de Pangea por la tierra junta/unida? “Sí, yo era fanática de los dinosaurios cuando era niña, me leí todos las enciclopedias y esas cosas, sobre Gondwana y antes fue Pangea, entonces me encanta el concepto de que alguna vez todos los continentes estaban unidos. El concepto es todas estas voluntades que formamos el universo Camila Moreno que no soy sólo yo somos todos juntos remando hacia un mismo lugar”.

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N A R E U M

S O N A M HU

Por Alan de Aquino

EL PROYECTO ES DE TRABAJO COMPLETO, CUIDAN Y CURAN MUCHO LOS VISUALES, PROYECTOS ARTÍSTICOS GRÁFICOS, AUDIOVISUALES, FANZINES QUE SON COLLAGES, TAMBIÉN FLAYERS Y SUS VIDEOS

Hace unos días tuve el gusto de platicar con Tomás Nochteff de Mueran Humanos; una banda que despierta un sentido incomprendido. Desde que escuchas el primer acorde, provoca una reflexión sobre las posibilidades sónicas. Es música que te lleva a otro nivel; un nivel del cual sólo es posible entrar y salir si tienes una mente ágil y voraz, dispuesta a cuestionar. Tomás y yo estuvimos charlando por unos minutos que valieron cada instante. Pocas veces se tiene el gusto de escuchar el argumento filoso, irrevocable de un artista en toda la extensión. Carmen Burguess y Tomás Nochteff se conocieron en el 2001, cuando este último entró al Salón Pueyrredón, un antro dedicado al punk. Desde entonces tuvieron una relación libre en

la que se veían a veces, pero no fue, sino hasta que Carmen llegó a Europa, que hicieron una especie de pacto de sangre. Iniciaron trabajando un proyecto de arte hasta que la música se transformó en el todo. Ella fue quien decidió hacer más música por la química tan grande que existió entre los dos. Me platica que cuando ella llegó, pensó que iba hacer cine, películas experimentales; “de hecho llegó con 800 euros y se compró una cámara de 500”. Tomás Nochteff: yo siempre quise hacer música, también me gustaba la literatura, pero cuando tenía 13 años y escuche a Joy Division, me di cuenta que el rock de cualquier género podía ser un vehículo total, fuera de la élites del arte y la literatura. La música es una arte directo que conecta con las personas.

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invitar a grabar con ustedes?—. Y así fue”. Mueran Humanos es de trabajo completo, cuidan y curan mucho los visuales, proyectos artísticos gráficos, audiovisuales, fanzines que son collages, también flayers y sus videos. ¿Qué hay en el krautrock, en el punk, en la industrial que les llamó la atención? Tomás Nochteff: es música que no tiene país, es música que se deshace de las raíces. El krautrock tiene que ver con las experiencias contraculturales de los hippies, como se vivió en Alemania, los alemanes lo usaron para revelarse contra la cultura germana, también con asumir que vivimos en mundo maquinizado, además de hacer arte serio y de vanguardia con contenido desde la calle, no de la academia y eso también es muy punk. El arte es una forma de avanzar la conciencia. Hay montones de cosas que no se pueden definir en palabras y el arte es lo que avanza sobre ese lugar desconocido del ser humano. Es exploratorio y liberador. Es místico y religioso. Es como una comunicación entre lo etéreo y la vida cotidiana. Después de tocar en el Nrmal, concierto que da fin a su actual gira, en el que fueron invitados especialmente por la presencia de Psychic TV, de quienes son viejos conocidos, Tomás me dice que van a volver a Berlín a trabajar en su tercer disco.

¿Mueran Humanos es una respuesta al stablishment? Tomás Nochteff: sí. En todo sentido, sí. No aceptamos las reglas que están puestas, es un espacio de libertad total. No hay censura, somos una propuesta. Tiene que ver con hacer poesía, videos experimentales, arte folklórico, arte de vanguardia del pueblo, de los jóvenes. Nuestro trabajo tiene que ver con ‘La verdadera voluntad’; como esas teorías que hablan sobre la existencia de un camino para todos; empero, tenemos que construirlo. Yo he crecido como persona y ser más libre. Le pregunto a Tomás: ¿cómo conociste a Jochen Arbeit de Einstürzende Neubauten y cómo se dio trabajar con él? Tomás Nochteff: estaba con un amigo que es escritor (Javier Calvo) que también es fan de la música industrial. Fuimos a un bar y me dijo: —mira ese tipo es igualito a Arbeit—. Lo miré y le dije: —no, es Jochen—, entonces me dijo: — vamos a hablarle—. Le dije que no. Él me refutó: —¿Qué?, ¿no quieres conocerlo? -Sí, pero ahora no tengo ganas—, respondí. Entonces lanzó otra pregunta: —¿Quieres esperar a una convención de la música industrial para conocerlo?—. —Ve tú—, concluí. Entonces fue y le habló de él. Al final terminamos todos bebiendo. Joche me pregunto: —¿Qué hacen acá?—. Le platiqué de la banda, le pasé el Myspace, y al otro día nos escribió diciendo: ‘Me encanta lo que hacen, me encantó conocerlos’. ”La siguiente vez que tocamos vino y empezó a venir a todos las tocadas, él y sus amigos. Pura gente grande, que había visto a Hendrix y así. Fue increíble porque él venía siempre cuando no venía nadie. A lo mucho cinco personas y una de ellas era él. Fue en una tocada de Einstürzende Neubauten, cuando me dijo: —¿Cuándo me vas a

“No aceptamo s las reglas q ue están pues es un espacio tas, de libertad to tal”

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Mexican Juligans -“BUSCAMOS ALGO QUE SEA DIFERENTE Y QUE TE SAQUE UNA PINCHE RISA”.por Cecilia Rangel

MEXICAN JULIGANS, LOS VOCEROS DEL PUNK RANCHERO EN SUS ÚLTIMAS PRODUCCIONES EXPLORAN SONIDOS Y LETRAS QUE REALMENTE LES INTERESAN


Mexican Juligans, una banda de rock con actitud punk a la que las circunstancias la moldearon para producir un género chingón: punk ranchero. Como buena banda de rock se conocieron durante varias pedas hasta que decidieron comenzar a hacer música. En 2011 lanzaron su primer material Pardon Mua para seguir con Machín (2014) y 400 Conejos (2016). Los Mexican Juligans formaron esos detalles que los hacen reconocibles dentro de un amplio mundo de bandas independientes en México. Es una banda de rock con influencias de la música nacional y así describen la intención de haber comenzado a tocar y materializado a la banda.

estando pendejos, pero ya con un sonido. Hicimos una canción que se llama ‘’Parral’’ que es como si la hubiera hecho Robert Rodríguez, porque es punk pero con unos acordes de guitarra muy mexicanos y con unas guitarras acústicas de fondo, esta canción justo cayó en ese estilo del que hablamos y en ‘’Perro Vagabundo’’ hicimos una imitación “Al son del dolor” de alguna manera porque es una canción de punk con guitarras acústicas y se toca una cumbia en medio, entonces estas rolas nos acercan a este pedo y después nos encontramos unos sombreros y unas camisas de colores. Para cuando hicimos 400 Conejos, ya esa era la intención; hacer punk de rancho.’’

‘’[…] somos una especie de anti-banda que va por la vida haciendo música que incomoda a la gente, pero que también busca incomodar a las otras bandas. Tocamos, tenemos una actitud pedera, pero somos buenas personas. Nos encargamos de hacer música que llame la atención, estamos cansados de las bandas que hacen canciones que se llamen ‘’Astro’’, ‘’Galaxia’’, ‘’Solar’’ […] por eso nosotros nombramos a las canciones de otra forma como ’Te la Dedico mi Amor’’, ‘’Coito Contigo’’, ‘’Me Enamoré de Tus Pocitos’’ […] buscamos algo que llame la atención, que sean diferentes y que te puedan sacar una pinche risa. Que puedas reaccionar, no importa si la odiaste o la amaste, la intención es que reacciones. Veo al rock como un bulto, pero en cualquier momento despierta y va a armar un desmadre, así que de momento hay que ayudarlo.’’

Los scratchers en 400 Conejos los hace un beatboxer que uno de los integrantes conoció haciendo un show urbano en el Centro de Coyoacán. Roy Cañedo de Thermo les ayudó a poder afinar algunos detalles en su último álbum y estuvo involucrado en la producción de 400 Conejos, el cual grabaron en el estudio de Intolerancia durante un mes aproximadamente. Diferentes personas que pasaban por el lugar aportaron algo a la música de Mexican Juligans, no obstante, en general todas sus producciones han sido hechas por los integrantes manteniendo su esencia de banda independiente con álbumes que se hicieron de acuerdo a sus gusto no a los de alguien más.

Entre Pardon Mua y sus siguientes materiales consideran que existe una transición. Ya van siete años desde la formación y el primer material no fue lo que los definiría realmente, a este comienzo lo describen como una compilación y tributo a los géneros que les gusta escuchar como el rock, punk, reggae y ska. En esta etapa no estaban familiarizados con la música regional mexicana. Es hasta Machín y 400 Conejos que consideran empiezan a explorar por sonidos y letras que transmiten lo que realmente les interesa. Machín fue el álbum que logró hacerlos ir de gira por lugares diferentes y conocer otras escenas musicales. Sobre el inicio de la banda y el cambio al estilo que reconocemos. ‘’Eres un chavo pendejo cuando comienzas y ahora ya no estás tan pendejo, entonces puedes crear un sonido propio, bueno, aunque creo que seguimos

Intolerancia los ha invitado a crecer, no pertenecen a sus filas pero de alguna forma han respaldado a su trabajo como una forma de difundir a las bandas nuevas de la escena rock en México. El proyecto los llevó a tocar en festivales de la talla de Vive Latino en su edición número 18, así como en el SXSW en Austin, Texas. A mediados de 2017 los Mexican Juligans van a comenzar a trabajar en un EP que se llama Corporativo Chakal para lanzarlo a finales de año, en el cual podremos escuchar un cover del Muerto de Tijuana, también, ya tienen una canción que se llama ‘’Ska Chakal’’ y piensan incluir entre 4 y 5 piezas que será musicalizado por una orquesta de ska tocando banda o al revés, lo que sí es seguro es que habrá un tubero (quien toca la tuba). Después planean la realización de su cuarto álbum (Inmamable) del cual ya tienen algunas ideas y coros.

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Por Daniela Osorio

Además, la emblemática banda del género reggae está más que contenta no sólo por su disco nuevo, sino porque están a punto de cumplir 30 años de trayectoria y nos platican cómo se sienten al respecto y el sabor de boca que les ha dejado su trabajo durante todo este tiempo. Platicamos con el fundador y bajista de la banda Gondwana, I-Locks Labbé, quien nos platicó de su nuevo disco Carpe Diem (que será lanzado en mayo) y de la gran aceptación que ha tenido el video del primer sencillo que se desglosa de este octavo álbum, “Si no fuera”.

RK: Durante estos 30 años de trayectoria ¿Cuál es el mayor aprendizaje que les ha dejado este camino?

RK: ¿Cuál es el sentimiento original de este nuevo disco, Carpe Diem?

Gondwana: Que hay que ser siempre honestos en lo que hacemos, hay que ser humildes y mirar siempre hacia como uno parte, para lograr lo que quiere. Y no olvidarse de quién eres en realidad. Esa es la frase que se convierte en aprendizaje.

I-Locks Labbé: Todos los discos y todas las canciones de Gondwana son un sentimiento real y verdadero, que tienen que ver con nuestras experiencias y vivencias; se plasman en una canción y en un disco. Carpe diem no es la excepción, todas las canciones tienen que ver con vivencias.

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RK: Con todo lo que han vivido dentro de la agrupación y todo lo que tiene que ver con ella, ¿hay alguna vivencia que les gustaría volver a repetir o viceversa? Gondwana: No, creemos que todos los procesos son etapas quemadas, que no hay que volver a repetirlas porque sería un retroceso; pero lo que sí creo, es que todo lo que ha sucedido en todos estos años nos ha servido para formar lo que somos hoy en día. Tanto las cosas asertivas como los errores han forjado lo que somos hoy en día, así que acepto todo lo que ha pasado. Quisimos saber cómo la agrupación reacciona hoy en día acerca de temas como la legalización de la mariguana o la religión, cuáles son sus gustos musicales y si tienen alguna canción favorita. RK: Hoy en día aquí en México está el tema sobre la legalización y el uso de la marihuana ¿Cuál es su opinión acerca de esta planta? Gondwana: Es una planta maravillosa, es una medicina. Nosotros hemos tenido la oportunidad de estar en lugares donde es legal fumar y no vemos que tenga algo de malo, al contrario, hace muy bien y mientras se siga viendo como algo prohibido va a servir para crear instancias que no son positivas, así que estamos a favor de eso, no es mi bandera de lucha, lo digo inmediatamente.

RK: Del repertorio de Gondwana ¿existe alguna canción favorita? Gondwana: No hay una canción favorita, hay muchas canciones favoritas, sería injusto decir que hay una canción favorita porque cada canción representa un momento o un sentimiento que quedó capturado cuando se compuso, entonces es bueno visitar todos esos momentos. RK: ¿Creen en la religión rastafari? ¿Qué opinan acerca de esta religión? Gondwana: Sí, somos respetuosos de todas las corrientes religiosas, creemos que lo que le haga bien al ser humano para conectarse con Dios está bien. Por último, con todos estos logros que siguen cosechando a lo largo del tiempo no pasarán desapercibidos y lo celebrarán a lo grande con una serie de conciertos en nuestro país y varias sorpresas para su próxima presentación del 25 de mayo en la CDMX. RK: En esta presentación que tendrán el próximo 25 de mayo en el teatro Metropólitan ¿Qué sorpresas nos pueden adelantar? Gondwana: Bueno, tocaremos canciones del nuevo disco Carpe Diem, está el hecho de que estamos cumpliendo 30 años entonces va a ser un show emocionante y vamos a tener invitados sorpresas que aún no podemos confirmar, porque estamos coordinando la disponibilidad, pero si habrán invitados muy especiales.

RK: ¿Cuáles son sus gustos musicales? Gondwana: Por lo menos mi gusto es muy variado, principalmente a mí me gusta la música de The Police. Me gustan mucho las baladas antiguas como baladas italianas o baladas chilenas como Los Ángeles Negros o Leo Dan de Argentina. Son artistas que han influido incluso en la composición de muchas de las canciones que he hecho.

TODA LA MÚSICA DE LA BANDA ES UN SENTIMIENTO REAL: I-LOCKS LABBÉ 15


-“México tiene una energía Por Diego

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a que no hay en otro lado�Virgueras

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Por: Martín Vargas Ilustración: Roberto “zepol”


RODRIGO Y GABRIELA Desde presentaciones en la Casa Blanca hasta ser parte de una banda sonora, los logros de estos artistas Oportunidad, mejores condiciones, apreciación, entendimiento. Traición, poca confianza en sí mismos y malinchismo, estas palabras describen las dos caras de lo que puede significar buscar en otro país, lo que no se ha podido obtener en el propio. Lo más notable es el caso de los trabajadores que cruzan una frontera (entiéndase la de Estados Unidos o la de otra nación) en busca de cumplir un sueño. Y si este sueño parece ahora más una pesadilla no nos incumbe, sino las razones para partir lejos del hogar. No buscamos aquí juzgar si su actuar fue correcto o no; los músicos que van a otras tierras en busca de oportunidades y se aventuran a llevar su creación a otro público, son también soñadores. En este contexto, hablaremos de los casos de mexicanos que, por alguna u otra razón, triunfaron musicalmente en el extranjero. Pero antes queremos dejar pendiente un punto: si alguno de estos músicos o compositores se hubiera quedado en México, ¿serían lo que actualmente son?, ¿le hubieras dado una oportunidad a su propuesta incluso sin regresar triunfantes a su país, o bien, sin haber salido de este? Tal vez sí, sólo-hace-falta-apoyar-al-talento. Tal vez sí, debamos-consumir-lo-nacional. Tal vez sí, deberíamos mirarnos para adentro y entonces, saber quiénes somos.

CARLOS SANTANA Puede que éste sea el caso más light de migración musical, pero no por ello deja de ser el más relevante e influyente para la música en hispanoamérica. Una institución como Carlos Humberto Santana Barragán no se construyó de la casualidad, al contrario, fue el producto de una superación constante y algo de buena suerte: el haber estado en el lugar (San Francisco, California) en el momento indicado (los primeros años de los 60), le llevó a desarrollar un estilo único e inigualable. Consagrado como el vigésimo mejor guitarrista del mundo, según la revista Rolling Stone, Santana llegó hasta el escenario de uno de los festivales musicales más importantes en la historia: Woodstock. El músico originario de Autlán de Navarro, Jalisco, cuenta con una extenso legado y aún reside en Estados Unidos.

Surgidos desde las raíces del trash metal, este proyecto nace de la decepción ante el panorama musical de México y la necesidad de ir a Europa para probar suerte. Una vez asentados en Dublín, Irlanda, el dúo redefinió su estilo, pero sin olvidar sus influencias, por lo que el flamenco, de la mano de otras géneros donde impera la guitarra clásica, se ha vuelto su bandera. La interpretación, ejecución impecable y coqueteos con otros ritmos como el heavy metal, han llevado a este par a colaborar en diversos proyectos, desde su versión del tema “Oogie Boogie’s Song” para el álbum conmemorativo del largometraje The Nigthmare Before Christmas de Tim Burton, hasta formar parte de la banda sonora de Puss in Boots y de series como Breaking Bad. Con el paso del tiempo su éxito les llevó a Estados Unidos, donde han participado en distintos programas de televisión; así como en algunos eventos políticos, como en una cena ofrecida en la Casa Blanca para el entonces mandatario Felipe Calderón. Actualmente cuentan con seis álbumes de estudio y una carrera prometedora.

LE BUTCHERETTES Originarios de la escena underground de Guadalajara, el proyecto liderado por Teresa Suárez, mejor conocida como Teri Gender-Bender, pasó por innumerables y distinguidos integrantes como Omar Rodríguez-López, integrante de The Mars Volta, quien produjo también su primer álbum, Sin Sin Sin, en 2011 y hasta en su reciente álbum (A Raw Youth), él sigue interviniendo directamente en la producción. Con un performance muy extraño, esta banda fue haciéndose lugar en la escena estadounidense con su versión del punk y garage desde hace ya una década. El ahora trío fue acreedor de las categorías Mejor Artista Nuevo y Mejor Álbum Punk en los Indie-O Awards de 2009. Un año después, le abrió el show a Yeah Yeah Yeahs cuando tocaron en Guadalajara y la Ciudad de México. Estos son sólo algunos casos de los proyectos que tuvieron que ir a otro lugar para ser escuchados. Probablemente ahora pienses dos veces antes de desdeñar a la pequeña banda emergente que ofrece un concierto casi gratuito en un lugar desconocido. Puede que ahí encuentres tu nueva canción favorita o algo más.

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Por: Edy Yañez

PARA SABER SI UNA BANDA VA A VENDER MILLONES EN SERIO, SE TIENE QUE PROBAR EN EL MERCADO AMERICANO Y EN INGLÉS. La época de las telecomunicaciones nos ha traído un sinfín de ofertas en cuanto a música se refiere, sabemos que hoy en día es más sencillo acceder a bibliotecas de música pre seleccionada, discografías completas, rarezas y demás monstruos de utopías referentes al tema, sin embargo, hay una diferencia marcada en este “intercambio” de información. La verdad y le pese a quien le pese, nuestro país sigue teniendo el mismo problema que tenía en los años 60, seguimos siendo una copia al carbón de la propuesta internacional, sólo que tropicalizada, rebajada, refriteada. No es raro encontrar bandas que suenan sospechosamente parecidas a bandas gabachas, por ejemplo: Panda -que luego fue PXNDX je je je-, en un inicio, querían ser como My Chemical Romance, que hasta les cacharon unos fusiles de letras y de riffs, pero después, cambiaron como a un pedo más Kings Of Leon bien chafa, pero bueno, me entienden, la onda es que no es nuevo. En los 60, prácticamente toda la movida rock eran calcas de bandas que habían pegado 10 años antes en el gabacho, así como Los Teen Tops del buen Enrique Guzmán haciendo “El Jailhouse Rock” de Jerry Leiber y el Mike Stoller pero que Elvis Presley inmortalizó o “High School Confident” del Jerry Lee Lewis, pero cantada en español.

En esos días tenían la excusa perfecta y una necesidad de rock inminente, pero en nuestros días, francamente es un poco burdo y de mal gusto hacerlo, aunque sea una práctica ancestral creo que hay que dejar de hacerlo y crear nuestro propio sonido En nuestro país tenemos las listas de popularidad, las cuales van combinadas y perfectamente amalgamadas para que la industria del disco pueda seguir funcionando de la manera en que lo hace desde hace más de medio siglo, sin embargo, alguien se ha preguntado ¿cuántas bandas aportamos para los conteos de nuestros vecinos del norte? sin pensarlo, muchos se referirán a Juan Gabriel, Intocable (que ni son mexicanos, son de McAllen, Texas, como lo dicen en una de sus canciones), Los Tigres Del Norte y algún artista más, pero refiriéndonos al rock la selección se reduce. Está por demás mencionar artistas pero lo dejaremos a modo de reflexión para todos los lectores, nosotros somos los que siempre importamos propuestas de afuera, los que pagamos los boletos, los que llenamos estadios, pero nosotros qué le hemos enviado al mundo, cuál es nuestro estandarte a nivel mundial; por ahí Molotov hizo un concierto en Rusia y estuvo de huevos, se ve que la gente lo disfrutó y algunos hasta cantaban, real, rusos coreando canciones de Molotov, pero ese es sólo un ejemplo. Para ti querido lector, ¿quién de las bandas actuales mexicanas tendría un éxito como para llenar foros importantes en Estados Unidos?, ¿ya vieron? juntos pero no revueltos, es muy difícil pensar que un americano promedio tenga a bien ir a una record store a conseguir el nuevo CD de Yokozuna, no porque no esté chido, sino porque no juegan en la misma cancha en cuanto a mercadotecnia y cosas así. México ha estado dentro del mercado americano desde hace mucho tiempo ya, pero no ha sido más que el consumo del mexican curious. Aunque los números reflejan mayores ventas y mayores exportaciones de contenido mexicano gracias a la migración al país vecino del norte y la mayoría sean en los géneros regionales o gruperos más que rock y derivados, México aún no tiene la potencia para importarle rock a los estadounidenses, lo cual nos deja con un sabor amargo en la boca y con una sensación un poco frustrante, ya que dicen que para saber si una banda va a vender millones en serio, se tiene que probar en el mercado americano y en inglés, y pues yo no recuerdo una banda nacional que haya estado en estas dos escalas internacionales. No todo es tragicomedia, en fin, quién quiere venderle discos a los caras pálidas.

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LA MEZCLA Y CONVIVENCIA CULTURAL ENRIQUECE A LAS NACIONES

Por Cecilia Rangel Ilustración The Javis Contreras Effect

-EN SU ÉPOCA ENTENDIÓ QUÉ SIGNIFICA SER MUJER Y MÉXICO-AMERICANAEn Durango, lugar en el que nací, es muy común tener varios familiares, amigos o conocidos que deciden migrar a Estados Unidos en busca de mejores oportunidades de empleo. Es frecuente, también, ver regresar por temporadas o para siempre a aquellos que se marcharon: vuelven a su raíz. Cuando era una niña no saltaban a mi cabeza cuestiones sobre las dificultades a las que se enfrentan los migrantes, pero ahora lo veo desde otra perspectiva. Crecer en el norte de México me permitió estar más de cerca de la música texana, banda, en fin: la música norteña. Artistas como Lydia Mendoza, Intocable, Jennifer Peña, Bobby Pulido, Chalino Sánchez, Los Tigres del Norte y por supuesto Selena y Los Dinos.

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La música de Selena ha formado parte de mi vida desde que tengo memoria. Mi padre siempre ha sido un entusiasta de la música latina, en especial de la tradicional mexicana. Fue con él y en nuestros largos viajes en su camioneta que descubrí ‘’Amor Prohibido’’, ‘’La Carcacha’’, ‘’Bidi Bidi Bom Bom’’, ‘’No Me Queda Más’’, ‘’El Chico del Apartamento 512’’, ‘’Fotos y Recuerdos’’… Es así como comenzó mi fascinación por el sonido del acordeón, el mariachi, las rancheras y la cumbia.

también fue impulsado por afrodescendientes, nativo-americanos y demás minorías, para lograr la aceptación e integración en la sociedad estadounidense con mejores oportunidades de trabajo, educación, salud y demás demandas. Con este referente, podemos situarnos en una época en la historia de EU, en la que todos aquellos que no fueran blancos padecían y si no me equivoco aún siguen innumerables abusos.

Otra particularidad de estar más cerca de la frontera con Estados Unidos es que el español y el inglés se fusionan en ocasiones, es una forma de estrechar los lazos entre los países, aunque desde hace mucho tiempo existen obstáculos para que esta relación no se lleve de forma armoniosa, se ve afectada por los discursos llenos de odio y discriminación en contra de las personas migrantes o de ascendencia no europea.

En la época en que Selena comenzó a cantar no existían tantas mujeres latinas sobre los escenarios, así que no sólo se topó a las limitaciones por el simple hecho de ser mexico-americana, sino a las de ser mujer. Es interesante notar que a pesar de todo el impacto y la influencia que Selena Quintanilla ha dejado en la música, sigue hasta ahora vigente. Su voz, su carisma y estilos, son inconfundibles y retomados por muchos.

La figura de Selena Quintanilla en la actualidad sigue siendo importante para abrazar ese vínculo con la raíz el lugar de origen. El comienzo de su carrera se sitúa en Texas, a finales de 1970; en ese entonces a Selena y Los Dinos sólo lo integraban ella y sus hermanos, A.B. (bajo) y Suzette (batería). Selena tenía 9 años cuando empezó con las giras y a grabar. Creció rodeada de un ambiente musical particular de la región que sería la música texana. Poco a poco el grupo se fue haciendo más grande y las presentaciones fueron más frecuentes, así que durante la década de 1980 propagaron su música con temas originales, principalmente compuestos por A.B. para alcanzar una fama impresionante a principios de 1990. El grupo supo reinventar al género texano añadiendo sintetizadores y creando la famosa ‘’Techno Cumbia’’. La música que interpretaban era parte de una comunidad en EU con fuerte arraigo latino; por eso, el hecho de que decidieron hacer una carrera musical con géneros como el texano, cumbia, ranchero y mariachi, hace que se retenga en su trabajo un importante discurso: el de mantener este tipo de música siempre presente y sonando. Selena Quintanilla y sus hermanos son parte de una tercera generación de chicanos. Selena nace en 1971, una década después del surgimiento del movimiento chicano, el cual buscaba un cambio político, económico y social. A este movimiento no sólo se adhirieron mexico-americanos,

En la actualidad hay múltiples formas de recordar a Selena, ya sea con murales, páginas web, concursos de dobles, conciertos tributo, figuras de cera, una línea de maquillaje o el festival anual celebrado en su honor en Corpus Christi, Texas, llamado “Fiesta de la Flor”. Con estos ejemplos es indiscutible que Selena está todavía entre nosotros. A pesar de encontrarnos en otro tiempo, todavía existe esa parte de la sociedad que minimiza ciertas partes de la cultura latina, por el simple hecho de estar sumergida en la idea de que la cultura europea o anglo-americana, es superior y más validada. No intento sugerir que una cultura se debe de sobreponer, o que una es más importante que la otra, al contrario; la mezcla y convivencia entre todas enriquecen a las costumbres y generan la mezcla de diferentes pensamientos que pueden dar paso a grandes aportes, en este caso: la música. Basta de pensar que la música hecha fuera del contexto latino es la única válida. Para terminar, hago un llamado a la resistencia. Un llamado a sentirnos orgullosos de nuestras raíces. Es así como se podrán sobrellevar los obstáculos que intentan establecer los políticos del país vecino, aquellos que piensan que los latinos no somos importantes. Apoyemos a más grupos y descubramos música hecha por latinoamericanos. Hagamos posible que más artistas puedan hacer lo que Selena y Los Dinos lograron.

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“NO PODEMOS SEPARAR LA IDEA DE QUE IRSE A OTRO LADO DEL MUNDO VAYA DE LA MANO CON SER EXITOSO O TENER ÉXITO” por Alan De Aquino

El pisar estos lugares es la consagración y la consolidación de una carrera. Desde siempre las bandas nacionales han soñado con grabar en Estados Unidos, no sólo porque las instalaciones puedan, o no, ser mejores, sino por las implicaciones que esto representa. Es decir: ser exitoso. Ya que no podemos separar la idea de que irse a otro lado del mundo vaya de la mano con ser exitoso o tener éxito. Ya que el grabar en un estudio en el extranjero implica historia, poder grabar donde algunos de los músicos más famosos, más reconocidos y más trascendentes lo han hecho, son lugares llenos de historia, el aire es diferente desde que uno entra a estos sitios, se puede respirar la magia que resguardan las paredes llenas de mínimas partículas de piel muerta, perfume y notas musicales emitidas por los grandes, los dioses, al menos las eminencias de la música, que como tótems se erigen en el ethos geométrico de esos lugares, que además de representar importancia llevan consigo grandes productores, grandes equipos, pero sobre todo posibilidades.

El hecho de que algún gran productor te reconozca te reafirma el camino y te impulsa como riego al ego. Entonces no sólo es que en México no existan lugares así, sino que dentro del sueño aspiracional en el que se fundan los sueños e ilusiones te llevan a mirar lejos y anhelar estar en esos edificios de arquitectos del ensueño. El pisar estos lugares es la consagración y la consolidación de una carrera, el lujo por el que se ha trabajado tantos años esperando que el resultado que salga de esas paredes marque un antes y un después. Y no me refiero sólo económicamente para la banda, ya que grabar ahí no es nada barato, pero sí es significativo, es el lugar del que esperas salir con la experiencia más grande de la vida. Entonces en pocas palabras y sin menos preciar los estudios nacionales que son buenos y fantásticos algunos estando a la altura de cualquiera en el mundo, en ellos se han maquetado grandes proyectos y grabado gente de alto calibre como Robert Plant sólo por citar un ejemplo. Pero para una banda el irse representa crecer o haberlo hecho representa alcance, representa logros.

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Un concepto que parece que se ha perdido en la música es dividir a los movimientos musicales por geografía. La nueva ola de metal americano o más atrás con el movimiento metalero de la Bay Area, siendo Metallica el referente; son ejemplos de ello. De los más significativos están en el Hip Hop. Al ser un género que surge en Nueva York, es normal que la costa este fuera la gran dominante. Con un estilo que se notaba desde los inicios con Afrika Bambaataa, Run D.M.C o DJ Kool Hercm en los 70 y 80. En los 90 la cosa cambió. Surgió el rap en la costa oeste, N.W.A. dio origen al gangsta rap. Mucho más agresivo, tanto en sus letras como en sus beats. Se dio también otro gran acontecimiento: 2Pac que junto a Dr. Dre en la producción y la disquera de Death Row, nos daban los grandes temas de rap que se antepusieron al resurgimiento en Nueva York con Puff Daddy, Notorious B.I.G y Bad Boy Records. Esa dicotomía liderada por su respectivo MC, productor y disquera, sería lo que llevaría al género a uno de sus puntos más alto. Hasta que terminaría violentamente con la muerte de 2Pac y Biggie. Esto provocó un vacío que fue llenado por otros lugares como la zona del Midwest: Eminem de Detroit, o de Chicago que tiene a Kanye y a Chance the Rapper, entre sus representantes. Aunque ahora la escena sur, es la que tiene a las listas bajo su dominio. Desde que Outkast irrumpiera y durante 10 años fuera el referente de la zona, sentó las bases para lo que tenemos hoy con el trap; Migos y Gucci Mane con los más grandes éxitos. Todos esos nombres que se han mencionado, y es que hasta cierto punto cohesionan su sonido, ya es algo que aparentemente está en desuso, pero siguen muy vigente. Todo ha ido evolucionando dentro de lo que crecieron. El sonido de Wu Tang Clan es diferente del de N.W.A., de la misma manera el de Nas al de Snoop Dog, la manera en que usan las rimas y el vocabulario, hasta cómo usan loops y los sampleos. Lo mismo le pasa al hip hop sureño y el trap, que tienen sonidos mucho más electrónicos, la labor que hacen sus productores no se parece a la que hace Dr. Dre. Esto le hace falta al hip hop mexicano, sabemos que tiene mucho tiempo, pero le ha faltado esa distinción como las demás zonas. Se trata de la gran diferencia que tiene con los demás países latinoamericanos.

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Por Carlos Valle

Esa cercanía con los Estados Unidos, a veces tan dañina, a veces tan necesaria; nos da para crear nuestra propia escena. Porque también al estar pegado y ser la cohesión de latinoamericano con los vecinos del norte, ha hecho que carezca de identidad. El reggaeton tan de moda, aunque también se ha infiltrado en artistas gringos, sólo ha permeado algo con la escena del oeste, por la gran cantidad de latinos, por eso hay duetos de reggaetoneros con Snopp Dog —aunque él también tiene colaboraciones con Psy—. Pero aquí, ya se llegó a la confusión y se perdió la línea entre reggaeton y hip hop, algo que afecta al flow y al estilo de las rimas. Todo esto no es por atacar al reggaeton, porque esta nueva escuela de pensamiento que toda música es buena por ser música y al margen de lo discutible que es esto, es lo que ha dejado a la escena hip hopera de este lado. Porque también hay algo que no se acaba de entender, que aunque es un género eminentemente gringo, todos son elementos que perfectamente se traspasan a este lado del muro. Son cuatro elementos básicos para el hip hop, donde se debe enfocar en dos: la parte de MCing y la parte práctica que es para el DJ, que en los últimos tiempos ha cambiado más ha ser un productor. Porque en general, todavía es un arte el de estructurar las sílabas y las palabras, para crear rimas más complejas. El grandísimo promedio tienen rimas convencionales, que la última palabra es la que se encarga de rimar. El español es demasiado vasto para estar tan limitados. Esto es algo que indirectamente afecta al flow, provocando ese sonido que tiene a pecar de plano. Porque el otro elemento básico es el contenido social, ese que saca de manera natural las rimas y música para hablar de las injusticias y los pesares, para alivianar la situación. La manera de expresarse contra el status quo y las injusticias.

UN GÉNERO QUE NO ES BIEN VALORADO LAS TRABAS DE NUESTRO HIP HOP NACIONAL LA RELACIÓN TAN CERCANA CON EU HA HECHO QUE CAREZCA DE IDENTIDAD Ilustración por Mitzi Rodríguez

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La cultura, una forma eficiente de alzar la voz La frontera y su musica mestiza Por: Iván Rova Ilustración: The Javis Contreras Effect

Encontraras propuestas de rock muy interesantes, pop bien elaborado e incluso un par de cumbias Desde enero la pesadilla de todos los mexicanos se hizo realidad: Donald Trump se convirtió en el flamante presidente de los Estados Unidos. Este acontecimiento trajo consigo caos al mundo en todos los sentidos; desde lo político, pasando por lo social, interfiriendo en el aspecto económico y hasta ocasionar conflictos culturales. Es en este último apartado es en donde nos centraremos. Las fronteras de nuestro territorio han sido y son hasta nuestros días escenas para la diversidad cultural. Estos pedazos de tierra han sido sujetos de muchas investigaciones,

tales como la de Gilberto Giménez Montiel, investigador titular del Instituto de Investigaciones Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México. Su trabajo arroja resultados interesantes sobre la representación de la frontera norte entre los jóvenes estudiantes de diferentes regiones culturales del país. Además, revela, por una parte, la percepción de una frontera cerrada, trágica y conflictiva; pero también lo que algunos llaman “tropismo del norte”, es decir la extraña fascinación que ejerce el norte fronterizo sobre

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la imaginación y los sueños de los jóvenes mexicanos. “Desde el punto de vista cultural, las zonas fronterizas conformadas a uno y otro lado de la frontera lineal entre México y Estados Unidos, han sido descritas como zonas de culturas híbridas y desterritorializadas, donde campea una cultura mestiza hecha de mexicanidad y de American-way-of-Life”, se puede leer al interior de la investigación. Esto se refleja en las artes. Recientemente The Chamanas, una banda originaria de Texas y Chihuahua, cautivó a más de uno con su “música fronteriza”, que según ellos, es de muchos colores. Puedes encontrar en ella, musicalmente hablando, diversas cosas, ya que en Ciudad Juárez existe una gran variedad musical y cada miembro deja su granito de arena en cuanto a gustos se refiere. Otro ejemplo claro de lo que puede hacer la diversidad cultural, es lo que en su momento hizo Nortec Collective, ya que lograron encontrar un balance entre el folclor de la música popular del norte mexicano y lo fusionaron con la electrónica. Por su parte, Antonio Saenz, encargado de logística de la Alianza Fronteriza, un colectivo integrado por gestores, diseñadores y músicos, expresó que la presidencia de Donald Trump va a repercutir realmente en la cultura de esa zona. “Va a existir un cambio muy drástico porque ya no va a ser tan sencillo poder exponer tu trabajo del otro lado, vamos a encontrarnos con un poco más de trabas, permisos etcétera (…) Sin embargo, (la cultura) puede ser esa voz que beneficie a las localidades como a los artistas del lado americano como mexicano”, abundó.

Este colectivo busca impulsar la escena musical en Ciudad Juárez mediante el fortalecimiento de la unión entre los artistas y el establecimiento de una comunidad, gestionando eventos de calidad y dando difusión a las diferentes propuestas que existen en su ciudad. Asimismo, reconoció que existen colectivos del lado americano que colaboran con los mexicanos y facilitan la difusión de la cultura en esa parte del país. “Nosotros nos enfocamos en crear vínculos, tenemos a Alberto Mota, quien se encarga de gestionar y visualizar a personas que crean arte en EU. Por medio de él se crea esta relación con la que se genera que esas personas vengan a Juárez para expresar sus ideas y de igual forma las bandas, solistas, diseñadores y todo artista mexicano vaya para allá”, comentó. Por otro lado, indicó que, como ya se mencionó, la gran diversidad dificulta tener un género musical fuerte, ya que los artistas que emergen van desde raperos, los que hacen rock y hasta las personas que hacen cumbia. La cultura es la base de cualquier civilización, la mezcla de ésta con otra es encontrar nuevas ideas y direcciones. En esa frontera se cocinan cosas interesantes que por vivir en el área metropolitana muy difícilmente tendremos acceso a ellas. No obstante, la figura de los colectivos, ayuda a que se difunda lo que artísticamente se hace en aquella región y que cada vez más personas se interesen en lo que está pasando. Por esa razón, queridos lectores, aquí les presentamos un ejemplo claro de lo que puede hacer la cultura desde su trinchera. Esta podría alzar voces para evitar más conflictos con los vecinos del norte, podría ser una ventana para artistas que buscan trascender e incursionar y unir lazos. Una arma poderosa que podría tirar, ese famoso muro del país vecino.

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Ilustración por Mitzi Rodríguez


Por Carlos Edmundo

Ya sé que se lee de a ruco, pero es cierto: Ahora, resulta que, a principios de año, llegó a la presidencia de EE.UU., Donald Trump. Me ahorro hubo un tiempo en que la música, o por lo todo comentario sobre esa madre porque ya se han dicho todos más y mejor, pero lo que no menos una buena parte, tenía cierto valor se han hecho son tantas canciones, y pues en mi estúpida ingenuidad me parece que en una agregado: Era importante no sólo que sonara de esas no ha sido tanto la galbana, sino la falta de unívocos. Por un lado, la falta de un líder, novedoso, creativo, agradable y chidote, sino o de varios, pero mucho más, la falta de un pendejo que ofenda a todos sin importar dónde que también que dijera algo que nos separara vivan y cómo vivan, y en eso sí, bastante equitativo: los odio a todos menos a mí. del uso de la voz meramente como instrumento musical. Y no necesariamente poesía, pero Puto Trump, ¿no? Bueno, había que ser muy obtuso para esperar que tu vecino, el que tampoco solamente tarareos. Digo, les hablaría del se siente bien verga, el que dice que tú no deberías tener lo mismo que él por pinche movimiento de la nueva trova cubana de mediados prieto, el que no concibe que te compres un carro si no fue trabajando para él, se del siglo pasado, pero nel, ya sé que millenials del ponga a hablar bien de ti. De acuerdo, pero también es muy obtuso guardarte tu rock y así, y, no obstante, tampoco les es tan tan coraje en el ano, y meterte a tu casa rumiándolo. Dice mi Señora Abuelita: «Aunque sea miéntales la madre, que eso también les duele», y dice también que: «las lejano, porque pues el rock tuvo el punk, el reggae, incluso el hip-hop. ¿Algo hermanaba esos cuatro géneros escaleras se barren de arriba hacia abajo», y entonces, ¿no será tiempo de ir haciendo canciones que nos hermanen a todos? Quizá, sólo quizá, de ese modo (y otros más por ahí)? Pues sí, precisamente eso, decir cosas, cantar verdades, escupir críticas, gritar injusticias, aprendamos a componer de tal manera que, cuando lleguemos a lo local, ya clamar por cambios. estemos bien afiladitos, y que, si le tiramos a un copetudo gringo, nos sea más fácil tirarle a uno de Atlacomulco. En esta contemporaneidad abyecta, ¿se extinguió eso, como Y es que, en esta coyuntura geopolítica, en este cruce geográfico-histórico los dinosaurios a los que nos parecemos algunos? No lo que, de haber sabido mejor ni nazco, pero ya nos tocó, igual podríamos sé, pero bueno, algunos obcecados le seguimos entrando hoy día, aunque a nadie le guste ya, aunque en la era de las encontrar una canción que nos hermane a todos, porque neta, no todo comunicaciones lo que menos hagamos sea comunicarnos. La es miamortequierohastaloshuesosmemorirésinotetengo, porque eso está pregunta seria, sería: ¿Qué falta? ¿Qué nos pasó? Porque no es bien choteado, y además al final ni se mueren. Pero podríamos empezar que haya dejado de haber problemas en ninguna parte del orbe. a hacer —de nuevo— canciones que hablen de esos conceptos que Entonces, ¿Nos dejó de importar? Quizá no, pero también quizá nos suenan a Pokemones, pero nomás porque no los ponemos en práctica, volvimos un poquis nihilistas por puritita resignación. Y es que a veces a saber: libertad, justicia, bienestar social, equidad, de Patria pues, esos políticos de mierda nos quitan hasta las ganas de vivir, y con porque se nos ha olvidado que, si queremos hablar de amor, el ellas las ganas de luchar, pero eso sí, no siempre, y esperemos hoy día único amor posible es el que se le tiene a alguien a quien no se tampoco, las ganas de cantar. Se aletargan, se adormecen, puede ser, pero le dejará por ningún motivo en una Patria herida. no se mueren. Basta recordar a los esclavos negros de los Minstrels shows cantando consignas vedadas, y a los que no les iba tan bien, guardándose «Te quiero en mi paraíso/es decir que en mi país/la gente viva feliz/aunque no tenga permiso (…)», decía Mario Benedetti. las armónicas en el culo para seguir tocando, o —más cercanote, en tiempo y en espacio— a los corridos de la Revolución Mexicana. Él ya se murió, y parecería que ese pundonor también, pero quiero pensar que no, quiero pensar que, ahora que Contrario a lo que se podría pensar, insisto, el tener los medios para entrever tenemos todos (todas y todos, pues) un enemigo en común, situaciones de lugares remotísimos, lejos de hacernos sensibles, nos ha vuelto es más probable que, un día de estos, desde el lugar más insospechado, nos olvidemos todos del ese American indolentes. En lugar de enfocarnos y liberarnos, nos distrae y nos encierra, pero Dream, y nos pongamos a pensar en un World Dream. de repente tiene un cariz hasta educado, ya que ¿por qué habría yo de hablar Todos hemos ido a un concierto, y pues así merote, de los problemas que aquejan Europa Oriental, si mi país está hecho un desmadre? pero con un conteo de asistentes de 9 ceros, Digo, antes de dar un consejo matrimonial te aseguras de que el tuyo ande chido, ¿no? El problema es que se nos ha olvidado que, tanto para arreglar matrimonios como para demostrar que, cantar una canción también para arreglar Patrias, la música, la palabra, son de las mejores medicinas. significa que estamos haciendo todos algo juntos, unidos, felices, y al unísono.

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LA INTENSIDAD DE THE XX TE SOFOCARÁ Por Benjamín Díaz

Habrá quien dirá que la esencia de The xx ha cambiado. Que añoran el minimalismo sonoro y aquellos vacíos de silencio que albergaban sus dos primeros discos. Las características que definen I See You son: impotencia, miedo y dolor. El nuevo sonido de The xx está bastante lejos del pop, pero están conservando esta conexión a ese mundo. Con un ritmo entre lo tímido y lo vulnerable.

ENGÁNCHATE CON COSTERA Por Dora Méndez

Durante el año pasado, Mauricio García tuvo un sinfín de presentaciones alrededor de toda la República Mexicana, mientras se encontraba terminando el primer álbum de Costera. Esta producción discográfica se titula Aliados, fue compuesto todo en el estudio que Mauricio tiene en su casa. El material vio la luz el pasado 3 de marzo, bajo el sub-sello Discos Panoram y con Universal Music. Los sencillos de este material discográfico son “Me Quitas El Aire”, “Vuelta Atrás” y “Paseo Sideral”, que además cuenta con la colaboración de León Larregui. Cada una de las canciones tiene un ritmo muy particular que te deja enganchado, sea el track que escuches. Aliadoslleva este nombre porque contó con la participación de grandes talentos musicales como Camilo Froideval y Ariel Aguizky “El Capri”. El arte de este disco estuvo a cargo del propio Mauricio y contó con la colaboración del diseñador gráfico Andrés Rangel. Si eres fan del sonido de LeBaron, Reyno o incluso Zoé y el propio León Larregui; te aseguramos que te gustará este material de principio a fin.

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I See You tiene la totalidad extraña sin fisuras como lo fue su álbum homónimo; un objeto liso y sin bordes visibles. Para Romy, Jamie y Oliver, existe una guerra constante entre la forma en cómo el mundo los ve y cómo se sienten por dentro, y el amor propio no es parte de la ecuación. Cada canción tiene su esencia, logrando sofocarte de tanta intensidad, de tanta opacidad y de tanta inquietud, pues lo intangible se embellece de tal forma que al digerir este disco, se vuelve perfecto. Nunca escucharás algo igual. “I Dare You”, “Lips” y “A Violent Noise” son canciones que te recomendamos, cuál poesía e ilusiones pudriéndose.


DESCIFRANDO EL EXPERIMENTO DE THE FLAMING LIPS Por Carlos Valle

La música experimental parece haber alcanzado un nuevo paradigma. Hacerla significa quedarse en una zona de confort. Algo que va totalmente en contra de lo que se intenta. Este es el nuevo logro de The Flaming Lips. Después de un par de años de descanso en una época que sus principales logros era hacer ―innecesarios― tributos, track por track; a discos que no necesitan revisión alguna como el Dark Side of the Moon, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band o hasta el LP debut de los Stone Roses. Como ese cameo de Miley Cyrus, BBF de la banda desde hace un rato, dónde queda totalmente desperdiciada. La capacidad de ella para escribir letras no ha sido realmente un éxito, pero eso lo compensan con las voz que tiene. No todo es grave en el disco, hay algunos puntos altos. En el caso de “Galaxy I SInk” es un punto bastante alto, parece ser el camino que intentaron llevar por todo el disco, aquí se guarda la esencia de todo lo que querían hacer. Sobre todo, la parte de los violines, le da una elevación especial, le da otro sentimiento a la canción y más en ese momento en el que solo va acompañado de un pequeño redoble.

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LOS 70´S VUELVEN COMO TEMPLES Por Kenya Giovanini

Alegre y fresco, dos palabras que describen totalmente el reciente material de Temples,Volcano. Con doce sencillos, el segundo disco del cuarteto de Kattering, logran superar el trabajo realizado en Sun Structure, su anterior álbum. Esta producción tiene un tono psicodélico, influenciado por ritmos de los 70. El disco inicia con “Certainty”, una canción llena de fuerza y un ritmo oscuro. Otras de las piezas favoritas son “How Would You Like To Go” y “Mystery Of Pop”, los temas indicados para darte un buen trip. Sin duda, Volcano es un disco para disfrutar y dejarte llevar.


KUADRO LAS VERTIENTES DE MANCHESTER BY BLOSSOMS

por: Stephania Carmona

Una agrupación que está explotando la escena musical del mundo es Blossoms. La banda originaria de Manchester, Inglaterra y conformada por Tom Ogden, Charlie Salt, Josh Dewhurst, Joe Donovan y Myles Kellock contiene dos vertientes musicales en sus canciones: por un lado, algunas canciones nos recuerdan al indie rock británico con riffs seductores y baterías penetrantes. Del otro, el uso de sintetizadores con un sonido ochentero inclinando a la banda a la vertiente del indie pop. Con una melodía diversa, Blossoms tienen todo para conquistar a un público que disfrute de bailar y brincar al ritmo de la música.

ADORE DELANO, UNA DE LAS DRAGS MÁS POPULARES

En 2014, Adore lanza su primer disco titulado Till Death Do Us party, del cual se desprenden los sencillos “DTF” y “I Adore U”. Actualmente se encuentra promocionando Afterparty, una mezcla entre pop y EDM que demuestra que las drags sí pueden hacer buena música.

Raykeea Roes Wilson, mejor conocida como Angel Haze, es una rapera y cantante de R&B estadounidense. Es poseedora de una voz y rimas a las que hay que prestar atención. El rap de Haze tiene el estilo característico de la costa este estadounidense. En 2012, su primer EP (New York) es lanzado por Republic Records para después formar por: Cecilia Rangel un primer álbum: Reservation (2013). En este material toma como samples canciones conocidas y cambia las letras para hablar sinceramente sobre cómo fue crecer en un hogar religioso y estricto. También en este primer álbum toca un tema fuerte, al hacer referencia sobre el abuso sexual que sufrió de niña. Haze tiene la capacidad de transmitir su lado más vulnerable y el más fuerte en sus letras, sin miedo a mostrarnos su historia. El año pasado fue el de la resurrección de Angel Haze y a finales del mismo saca su sencillo: ‘’Resurrection’’. En él, deja claro que ha resurgido como el ave fénix. Con este sencillo anuncia que algo pasará, tal vez pronto decida compartirnos música nueva.

WAAR IS KEN?

Danny Noriega es quien le da vida a la extrovertida drag queen, Adore Delano. Sus primeros roces con la fama comenzaron cuando concursó en la séptima temporada de American Idol, sin embargo, no fue hasta su aparición en RuPaul’s Drag Race, cuando Adore se convirtió en un fenómeno global, siendo una de las drags más populares en internet.

SIN MIEDO A MOSTRAR SU HISTORIA: ANGEL HAZE

Así de raro como se escucha, este quinteto belga tiene una propuesta en un idioma desconocido pero hipnotizante. Con un confuso neerlandés como lengua materna y ritmos electrónicos, incluso pop por instantes, Marlie Dorme y compañía cautivan a primera escucha. por: Gerardo Carrillo

Si te gustan los beats dinámicos y felices, tracks como “Badpak” o “Komaf Met Kafka” serán tu pan de cada día, y si eres de los que necesita música para concentrarte o trabajar, puedes recurrir a “Chique” o “Moestuin”, canciones que te ayudarán a viajar a lugares lejanos de la mano de estos amos de los sintetizadores. Escucha a WIK?, ya que como ellos mismos dicen, “no hay nada mejor que perderse en las nubes...”.

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por: Brenda Arriaga


por Stephania Carmona

THE JOSHUA TREE Hace tres décadas salió al mercado la obra más icónica y cruda de U2: The Joshua Tree. Este disco no sólo le trajo a la banda la fama de la que gozan hoy día, también les abrió el camino para explorar nuevos sonidos, gracias al intento de conquistar al público estadounidense. Sí, Bono y compañía también anhelaban conseguir el “sueño americano”. El álbum estuvo bajo la supervisión de Brian Eno y Daniel Lanois, con quienes habían trabajado en The Unforgettable Fire (1984). Fue grabado en un estudio ubicado en Dublín después de que la agrupación terminara de escribir las canciones que compusieron mientras se encontraban de gira.

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Al principio se especulaba un álbum con disco doble que llevaría por nombre “The Two Americas”, pues Bono buscaba plasmar en su creación los dos lados de Estados Unidos: por una parte, la voz de aquellos que pudieron cumplir sus sueños en América y por otra, los individuos marginados luchando día a día para poder sobrevivir.

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Las piezas de The Joshua Tree se basan en la espiritualidad y las experiencias de Bono en sus viajes por África y Centroamérica. Por ejemplo, “Bullet In The Sky”, una canción con tonalidades de jazz y guitarras distorsionadas, tiene una letra basada en la intervención del ejército Norteamericano en América Central gracias a la política exterior del entonces presidente, Ronald Reagan. La carga política incluida, también se ve en pistas como “Red Hill Mining Town”, una canción con aires de country brindados por la guitarra de The Edge, y en la cual la banda retrata la huelga obrera en el Reino Unido ocurrida en 1984. Por su parte, “Mothers Of The Dissapeared” relata el caso de las Madres de la Plaza de Mayo, en Argentina. Además de ser un álbum con un gran mensaje social, incluye tres de los más grandes éxitos de la banda irlandesa: “Where The Streets Have No Name” con una guitarra imponente y bien definida, “I still haven’t found what I’m looking for” y la mundialmente coreada “With or without you” un himno al desamor que de manera sombría, va acompañada de una calidez brindada por el bajo y la guitarra. Después del éxito de esta producción, la fama de U2 se disparó por los cielos. Fueron los número uno en diferentes países, tuvieron una portada en la revista Times; esto aunado a las millones de copias vendidas y el Grammy que llegó más rápido de lo que esperaban. A treinta años del lanzamiento de The Joshua Tree, varias cosas han cambiado, puede que U2 ya no suene como antes, pero no queda duda de que el mensaje en este quinto material toma más importancia en la actualidad, ya que nos recuerda lo difícil que es para algunos sobrevivir en un mundo que ama y odia a EU al mismo tiempo, en un intento de ser -a su parecer- grandiosa otra vez.

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LOS RIOT

BUSCAN RESCATAR EL SONIDO DEL ROCK & ROLL por Dora Méndez fotos cortesía de la banda

Este proyecto llamado Los RIOT, nació en el 2015 en el Distrito Federal ㅡahora Ciudad de Méxicoㅡ con Adrián Gutiérrez (voz y teclado) y los hermanos Toño y Diego Quintanar (guitarra y batería, respectivamente). Es una agrupación que combina distintos sonidos como rock alternativo, punk, new wave revival, indie, grunge, brit-pop entre otros más; creando así una nueva forma de hacer música con un sello único, siendo ésta una de las razones principales por las que vale la pena darse un tiempo para escucharlos. Pixies, New Order, Guns N’ Roses, David Bowie, Joy Division, Green day, Misfits, Red Hot Chilli Peppers, son algunas de los artistas que ellos consideran como influencias musicales. Como ellos bien lo dicen: “Los RIOT es una banda que nace de la necesidad de rescatar el sonido satinado del rock & roll para fusionarlo con las posibilidades de los nuevos estilos”. El nombre proviene de la palabra “Riot”, que tiene un origen anglosajón, la cual significa “disturbio” o “amotinamiento” generado por una grande cantidad de personas, puede llegar a ser violento e incluso festivo, pero sobre todo, apasionado. Esta palabra les resultó muy apropiada para lo que querían manifestar con su música y como la mejor que los podría describir como agrupación, ya que así podían transmitir esas emociones a todos sus fans. El primer EP homónimo de la banda, los ayudó a presentarse en diversos lugares de la Ciudad de México como Caradura, Gato Calavera, Imperial, Casa del Lago, y otros sitios más. Su segundo y más reciente EP lleva por nombre New Black, y aún se encuentra en los últimos detalles. Por ahora, ya podemos disfrutar de la canción que lleva el mismo nombre “New Black”, el cual fue lanzado oficialmente a finales del año pasado. Te aseguramos que esta canción te dejará con un buen sabor de boca y que su estilo te hará querer escuchar todo el EP. Su sonido es ideal para acompañarte mientras te cuentas en tu habitación reflexionando o en compañía, para ambientar todo el lugar. Así que te invitamos a conocer a Los RIOT y disfrutar de todo lo que tienen preparado para ti. No olvides visitar sus redes sociales.

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El llamado continente negro (sin sonar despectivo, desde luego), esconde una de las escenas más prolíficas en cuanto a música electrónica se refiere. En África sobra talento y creatividad: Buraka Som Sistema (Angola/Portugal), Konono n1, Die Antwoord (Sudáfrica), el DJ y productor sudafricano Culoe de Song o el jazzman Mulatu Astaké (Etiopía) son algunos de los artistas que han salido del continente para llevar su sonido a otras partes del mundo. Las ciudades africanas cuentan con un panorama musical rico para la electrónica que se ha mezclado con sonidos tradicionales para crear nuevas identidades musicales contemporáneas generadoras de un lenguaje universal. La música electrónica africana incorpora ese lenguaje en una gran variedad de estilos propios como el kwaito de Sudáfrica, el kuduro de Angola, el shangaan electro de Sudáfrica, el ozonto de Ghana o el Congotronics de la República Democrática del Congo. Es gracias al internet y a un mayor acceso por parte de la población que la proliferación de estos estilos se va extendiendo a lo largo de África. Tal y como apunta el productor francés Frédéric Galliano: “La electrónica ya es asequible para el joven africano. Antes de 2000 era muy complicado y caro tener una computadora e Internet. Ahora, esta tecnología está más cerca de la gente joven, que puede comprar un equipo y trabajar en estudios caseros”. No es fácil dibujar la evolución del panorama musical africano, ya que cada país tiene su propio cultivo de DJ y productores que están en las calles y las discotecas de las ciudades africanas. Sudáfrica es quien lleva la bandera como generador y consumidor de la electrónica africana y la conversión al género del continente. LA POBREZA, EL MAYOR OBSTÁCULO PARA EL DESARROLLO DE LA ELECTRÓNICA AFRICANA Sin embargo, la pobreza extrema que se vive a lo largo de África y la dificultad para desplazarse, aunado a la falta de apoyo, medios y recursos complica el panorama para que estos movimientos crezcan y sean redireccionados de forma adecuada. Así podrían llegar a más gente, no sólo del continente sino a nivel global. UN MOVIMIENTO QUE SIGUE FIRME Pese a todos las dificultades antes mencionadas, la electrónica ha resultado en un fenómeno para poder salir de la pobreza a través de la música. Dicho fenómeno se puede observar en la película Real Scenes: Johannesburg, rodada en sus townships, donde explican cómo “en una ciudad todavía plagada de pobreza, la música electrónica ofrece una salida”, y consideran que “la única manera de salir de la pobreza es tener talento y mucha gente tiene talento en la música”.

ELEC/ TRO// ÁFRICA por: Israel Yonca


DIVISION MINÚSCULA por DORA MÉNDEZ / foto EMILIO SANDOVAL

FOREVER A

TEXTO Y FOTO LU

Capa Astros fue testigo de una noche especial, llena de recuerdos; ya que era el día en que División Minúscula tocaría de principio a fin, sus dos primeros álbumes. Se trataba de la celebración de los 15 años de Extrañando Casa y los 10 de Defecto Perfecto.

El Forever Alone Fest reunió talento nacional e i presentar frente a la audiencia mexicana pues los sentimientos, no todo el mundo la digiere tan

El setlist todos los conocían, había mucha nostalgia. Los primeros acordes de “Extrañando Casa” comenzaron a sonar y junto a éstos, el slam se hizo presente. Javier Blake, de vez en cuando, se tomaba un tiempo para agradecer a todos los asistentes por su presencia y por todos los años de apoyo.

Tanto las agrupaciones mexicanas (A Shelter Triceratop, For Dummies) como las internaciona Destroy You) dejaron parte de sus almas impreg

“Por nada en el mundo cambiaría todos estos años”, declaró Javier al público antes de comenzar a interpretar “Feliz 1er aniversario”. El grupo desapareció unos instantes para volver todos vestidos de negro. Era el turno de Defecto Perfecto. Sonó “Hot Rod” como bienvenida, “Veneno es antídoto”, y una de las más esperadas: “Sognare”, la canción que los lanzó a la fama y a los grandes escenarios.

Por ejemplo, el acto de Mylets demostró que n banda. Cuando llegó Caspian, una de las agr presentación y memorable. Para este momento e

Durante la interpretación de su segundo disco, se hicieron acompañar por Rodrigo Montfort, alías “Bucho”, en los teclados. Erik de Allison y Aldo de Tungas aparecieron de sorpresa para interpretar algunos fragmentos de las canciones de División. Tal vez ellos también cumplieron un sueño que tenían por ahí guardado. “Frenesí” y “Voces” fueron las elegidas para este momento. En esta última, los integrantes de Camiches, Sputnik, Tolidos y Tungas se subieron al escenario para acompañar a División Minúscula en este cierre, Así, fue una noche perfecta de nostalgia. Una noche que probablemente no se volverá a repetir en mucho tiempo.

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The Polar Dream se presentó puntual, el orgullo extranjeros y no defraudaron. Con himnos tranq hipnotizada. Finalmente llegó la hora de This W todo el foro esperaba. Fue un día llena de emo próxima edición de este festival que tuvo mucho se puede aprender a crear un experiencia aún


WHITE LIES

ALONE FEST

UIS DAVID ZAVALA

internacional, de ese que nadie más se atreve a aunque es música que llega hasta el fondo de n fácilmente.

in the Desert, The Polar Dream, Joliette, Yo ales (Mylets, Caspian, Totorro, TTNG, This Will gnadas en todos los asistentes.

no necesita una banda ya que él es toda una rupaciones más potentes del post rock dio una el lugar ya estaba a máxima capacidad.

o de Guadalajara se puso al nivel de estos actos quilos y emocionales mantuvieron a la audiencia Will Destroy You, probablemente el acto que ociones y sentimientos, esperamos con ansias la os más aciertos que errores, pero de esos errores n más perfecta.

por JAVIER JARQUÍN / foto BRENDA ARRIAGA Después de cuatro años y de aquella lejana presentación en el Corona Capital del 2013; Harry, Charles y Jack, regresaron a la Ciudad de México para brindar un show potente en un Plaza Condesa. Los White Lies abrieron la noche con “Take It Out On Me”, corte de su reciente disco Friends. “There Goes Our Love Again” y “To Lose My Life”, continuaron el set que tuvo un inicio estridente y soñado por varios fans. La ejecución por parte de los cuatros músicos en escena, impecable. La voz de McVeigh era el complemento ideal dentro del sonido y línea de la banda. Los oriundos de Ealing, Londres hicieron un recorrido por su discografía, entre los temas más ovacionados “The Price of Love”, “Morning en LA” y “A Place to Hide”. Justo antes de bajar un momento del escenario, sonó “Death” para marcar el fin de la primera parte de la velada. Es muy conocido por todos el vínculo entre White Lies y su público mexicano, y lo dejaron ver al regresar después de un pequeño respiro, con una bandera de México. Un encore generoso conformado por cuatro temas, siendo “E.S.T.” quien diera paso a esta segunda parte del set, seguida de “Big TV”, para concluir esta presentación con “Bigger Than Us”. Los ingleses tardaron un poco en regresar a tierras aztecas, pero vaya manera de compensar la espera. Una de las bandas que cuenta con uno de los mejores audios en vivo y que vale mucho la pena escuchar.

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BAHIDORÁ POR BENJAMÍN DIAZ / FOTO MAJO SÁNCHEZ En esta quinta edición del Carnaval de Bahidorá contó con las participaciones de Mac Miller, Mala, NU, Kali Uchis, Princess Nokia, Mad Professor y más exponentes de música fresca. Juntos demostraron por qué Las Estacas, Morelos, es el mejor lugar para que este festival te arranque el alma. El Asoleadero Corona fue la tarima que más divirtió; pues el refrescante río dividía al escenario. El primer día estuvo a cargo de Systema Solar quienes llenaron de música tropical, mezclada con hip hop y sonidos latinoamericanos en el Escenario Central; la gente entregó parte de su energía a esta banda colombiana que no paraba de hacer brincar a todos. Así como los beats de Mala, Princess Nokia, Kali Uchis y Mac Miller. El segundo día, y a primera hora de la mañana, NU, entre el aire enrarecido, cobijas y gente aún cheleando, tomó las tarima para ponernos a bailar y sacudirnos el polvo y el frío del día anterior. Trillones, Matanza, Thris Tian también hicieron lo suyo. ¡Gracias Bahidorá Por cumplir con lo acordado! Nos diste uno de los mejores festivales lejos de la Ciudad y le diste a nuestra alma el disfrute de un fin de semana único.

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ELECTRIC DAYSI CARNIVAL por JAVIER SOTO / foto CORTESÍA Si podemos definir con una palabra el EDC México, creo que sería: diversidad. Con sedes por todo el mundo, compite con las grandes producciones que existen en la escena como el Tomorrowland o el Wish Outdoor en donde el show visual es lo que llama la atención a las nuevas generaciones. A lo largo de dos días, se presentaron “actos musicales” que no merecían tener un escenario de tal magnitud; esto debido a la falta de conceptos y técnicas esenciales que debe tener alguien que se dice ser DJ. Major Lazer, Hardwell, Alesso, The Chainsmokers, Marshmello, W&W fueron algunos de los actos que complementaron el show del escenario principal. En el escenario Neon Garden, se presentaron Nathan Barato, Mijo, Jamie Jones, Tini Tun y Guy Gerber, mientras que Upssidedown House fue el escenario en donde el poder mexa hizo retumbar oídos. Pinto, Machino, Niño Árbol y Adriana Lucía, fueron algunos de los encargados de poner el alto el nombre de nuestro país y demostraron que no le pedimos nada los actos extranjeros. La diversidad que posee nuestra sociedad se reunió en un mismo lugar, bailando y siendo un mismo elemento. Creando una experiencia, que como toda vivencia aprendes y decides si repetir o desertar

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A un mes de la llegada de Donald J. Trump a la presidencia de Estados Unidos, tenemos ya un parámetro para discutir (brevemente) sobre las medidas y alcance que podría tener un personaje como este respecto a la música y el efecto que puede causar en este lado de la frontera. The Rolling Stones y otros artistas pidieron amablemente que sus canciones no fueran usadas en los eventos políticos de Trump, ya que consideran el discurso completamente incorrecto y fuera de lugar. La polarización ha llegado hasta el punto de enemistar la escena musical. De lo que no se dan cuentan es que este personaje tiene una posición muy clara: si no estás conmigo estás en mi contra. Esto provoca que sólo se utilicen músicos o bandas afines a su sector de votantes, rednecks, ultraderechistas, estadounidenses resentidos, en su mayoría ignorantes... en fin, todos aquellos que lo llevaron al frente del país más poderoso del planeta.

#LaKolumna Por Eder Yáñez

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Bruce Springsteen ha formado un frente de resistencia para concientizar a la gente sobre las decisiones unilaterales del presidente Trump. Lo ha tachado de demagogo y retrógrada en cada uno de sus conciertos, pero también ha expresado su preocupación y esperanza en que los programas laborales y de ayuda social del gobierno actual, lleguen a las personas que lo necesiten a lo largo de Estados Unidos. El músico también ha criticado fuertemente la política migratoria, pues considera que este país es una potencia gracias al esfuerzo de todas las personas que han llegado a esta nación para aportar su trabajo a diferentes sectores. El muro con México y el bloqueo musulmán son dos temas indignantes de la agenda de Trump según Springsteen. En comparativa, el ex presidente Barack Obama logró convocar artistas como Aretha Franklin, Yo-Yo Ma, Itzhak Perlman, Gabriela Montero y Anthony McGill, y The United States Marine Band. Durante su segunda inauguración pública participaron Beyoncé, Kelly Clarkson, James Taylor and the Brooklyn Tabernacle Choir, ademas, Jay Z, Alicia Keys, Brad Paisley y Stevie Wonder, por nombrar los más conocidos. Por su parte, grandes artistas como Kiss, The Rolling Stones, Elton John, 2 Chainz, Moby, The Beach Boys, entre otros, no se acercaron al proyecto por diferentes razones. Sólo los grupos que confirmaron asistencia fueron: 3 Doors Down, Toby Keith, Chrisette Michele, Lee Greenwood, Jackie Evancho, Big & Rich, Tony Orlando, The Rockettes, The Mormon Tabernacle Choir, The Piano Guys, Sam Moore, Tim Rushlow, The Frontmen of Country, Travis Greene, entre otros súper famosos. ¿Logran ver la diferencia?, los artistas convocados por Obama marcan una tendencia de apertura e inclusión,

mientras que los de Trump son una lista de artistas que tienen más éxito con la gente blanca. Las cartas están en la mesa, Donald Trump parece ser la mayor amenaza económica para nuestro país en muchos años, sin embargo, podemos estar tranquilos porque no va a afectar en la industria musical. El problema sería para los mismos gringuitos que van a tener que escuchar a Tobey Keith todo el día o a 3 Doors Down hasta en la sopa. Vivimos en la época de oro de los conciertos y festivales; la oferta cada día es más variada y nutrida. Todo está dispuesto para que la gente gaste en entretenimiento a pesar de la crisis o el gasolinazo. El sistema funciona y está sano, el capitalismo nos acerca cosas que tal vez ni siquiera habríamos contemplado hace algunos años. Son buenos tiempos para estar vivos si eres un melómano. Trump no es un obstáculo para la música, tal vez tengamos que soportar noticias sobre él y ver su asquerosa cara y pelos anaranjados por unos cuatro años, pero no podemos hacer nada. Más vale empezar a trabajar en nuestro sistema que por estar preocupados de lo que hace dice este tipo. Crisis y tiranos hemos tenido siempre, los estadounidenses siempre han visto a nuestro país por encima del hombro, siempre conservando la filosofía de “juntos pero no revueltos”.

¿LA MÚSICA NOS SALVARÁ?, YO CREO QUE SÍ. CON MÚSICA SE DERRUMBAN LOS MUROS, SOBRE TODO LOS MUROS MENTALES.

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