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40 E N T R E V I S T A

Hablemos de teatro

Dafne, el principio para trascender

INTRODUCCIÓN

Xosué Martínez

EDUCACIÓN

Xosué Martínez

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Teatro desde el aula

TRES POEMAS DE...

Hugo Lázaro Aguilar

Xosué Martínez

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Un teatro que se puede saborear

La foto

OTROS ESCENARIOS

Karen Elizabeth Robles Gamiño

CLOWN

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Las reglas del juego Karla Gasca

RENOVACIÓN

NARRATIVA BREVE

Didier Garaben

FE BRE RO

46 Y O

20 17

SÉ FOTO

La magia de pintar con luz Bernardo Luna

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EL HOMBRO DE ORIÓN

Teatro: cambios sociales

La costumbre de lo maravilloso

Enrique Romero Guzmán

Juan Ramón Velázquez Mora

ESCENOTECNIA

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NÚ ME RO

Mas allá de adornar Dulce María Muñoz Barajas

ILUMINACIÓN

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Alejandra Ramos Herrera

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Un teatro para todos Mayed Nazzoure

ICL

SILUETAS

Mano artesanal, apoyo al consumo local Carmen Gama

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Transmitir emociones con luz

INCLUSIÓN

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Grever y Doblado con telones abiertos La Redacción

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LA BOCA

Pablo Neruda, el gran convidador María Luisa Vargas San José

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EL SITIO

Nuclear Pizza: radiación en cada mordida Karla Gasca

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AL CIERRE

Kunaláh: el arte es compartir Zaid Rivas Romero


Publicación mensual gratuita del ICL STAFF ALTERNATIVAS Luis Meza | Director Editorial Rosana Durán | Directora de Arte Xosué Martínez | Editor Karla Gasca | Redacción Yolanda Gutiérrez de Velazco | Publicidad Patty Vera, Alberto Muñoz | Diseño Claudio Fonseca, Erick Mora | Servicio Social Gabriela Montiel | Asistente Javier Pérez, Isaías Álvarez | Distribución

FOTO DE PORTADA: Xosué Martínez

PARA ESTAR EN CONTACTO: alternativasdifusion@gmail.com alternativasedicion@gmail.com @CulturaLeon @LeoAlternativas Instituto Cultural de León Revista Cultural Alternativas Revista Cultural Alternativas Febrero 2017 (477) 716 4001 y 714 0326

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El teatro existe únicamente por la relación que se establece entre el espectador y el artista, como lo dijo Jerzy Grotowski en sus postulados de austeridad, a este arte podríamos despojarle del vestuario, la escenografía, la iluminación y hasta el foro mismo, y si esa relación existe, el teatro seguirá. Así en el staff de Alternativas, con todo y despojos, seguimos publicando. Ahora con un doble tributo al teatro leonés, te presentamos en esta edición de febrero una radiografía a una de las artes más pujantes en la ciudad. Contar con cerca de 50 compañías, grupos universitarios y festivales por todos lados, hacen que uno gire la cabeza para buscar su foro favorito y consultar la cartelera. Para esta misión, con el apoyo de estudiantes y periodistas, salimos a preguntarle a diversos creadores qué hay más allá de la actuación; nos encontramos con especialistas en la iluminación y escenografía, con las claves de las carreras universitarias, foros que dan cátedra sobre su perseverancia y éxito, y claro, elementos de inclusión. Después de todo, el arte escénico existe gracias a la comunidad. Por cierto, ampliamos nuestra baraja de columnistas, y en cada edición encontrarás nuevos temas bimestrales; además te invitamos a una sobrevivir a una explosión atómica con sabor a pizza; te presentamos a Daphne, una banda a la que hay que seguirle la pista; y cerramos con una visita a uno de los nuevos espacios culturales de la ciudad. “Cuando el teatro es necesario, no hay nada más necesario” dice Peter Brook, y hay que exigirlo.

DIRECTORIO ICL Carlos María Flores Riveira | Director General Fidel Valdivia | Director de Administración y Finanzas José Antonio Alvear | Director Desarrollo Académico Roberto Landeros | Director Servicios Operativos Katia Nilo | Directora Desarrollo Artístico y Cultural Nora Delgado | Directora Fomento Cultural y Patrimonio

PUBLICACIÓN MENSUAL GRATUITA DEL ICL

Tiraje febrero 2017: 6,000 ejemplares. Impreso en papel bond de 90 gramos con portadas en couché de 250 gramos. Una edición del Instituto Cultural de León. Plaza Benedicto XVl, s/n, León, Guanajuato, México. Tels: 716 4001 y 714 0326.

Somos una revista amigable con el medio ambiente. La dirección editorial de Alternativas no hace suyas las opiniones de sus colaboradores pero sí defenderá donde corresponda su derecho a la libertad de expresión. Esta revista no sería posible sin el apoyo de todo el personal del ICL. Gracias a nuestros lectores, patrocinadores y anunciantes por apostar por la Cultura.


i n t r o d u c c i ó n

Hablemos de teatro por X O S U É M A R T Í N E Z

FEBRERO 2017

La teatral es una de las actividades artísticas más vivas en León. Los foros en la ciudad, institucionales o no, cuentan con una programación que llena cada rincón del año y los artistas de teatro ya no sólo salen de talleres, sino que incluso ya hay licenciaturas para formarlos. El público es factor.

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os festivales abundan desde todos los frentes, destacando el trabajo local y atrayendo talentos foráneos para ir calándole al nivel; se echa de menos a reuniones como la Comuna, pero se agradece la perseverancia del tren de Monólogos. Los espacios donde se puede disfrutar teatro surgen y se apagan, pero hay otros que van acumulando historias. Hay espacios, como los elegidos por Las Hermanitas Trueno, que aunque son austeros, tienen el espíritu total de un teatro. Así, las temporadas que se realizan, codeando las agrupaciones de casa con grupos invitados, va generando un público que en algunos lugares ya acude religiosamente. Aquí una radiografía mínima del arsenal escénico en León.


TEATROS+FOROS Y CENTROS

FESTIVALES

Teatro del Bicentenario Teatro Manuel Doblado Teatro María Grever Teatro Ignacio García Tellez (IMSS) Teatro del Círculo Leonés Mutualista Materia Gris Espacios Escénico Fundación Artistas Latinoamérica El Cortejo Casa Golem Teatro Restaurant Los Azulejos

Programa Nacional de Teatro Escolar Festival de Monólogos Teatro a una Sola Voz Festival de Desmontajes Teatrales de Luna Negra (en pausa) ArTeatro de Cultura y Arte de la UG Festival Personales Encuentros Festival Internacional de Arte Contemporáneo Festival Internacional Cervantino La Comuna (en pausa)

Auditorio Jorge Ibargüengoitia Centro Cultural San Gabriel Centro Cultural Kino Room Luciérnaga Azul

TEATRO

Café Contrapunto Café Antropía La Casa Azul Teatro Fray Pedro de Gante

Las Hermanitas Trueno Luna Negra El Golem Factótum Escena Centro de Artes Escénicas de León La Hidra Producciones Smith Líquido Colectivo Teatro CY al Teatro

Mantis Mandala Teatro

Ojo de Cíclope Teatro

Cuentos Revivos

Roberto Mosqueda

Arte - Xcuincle

Teatro Escénico

Titi K’

Tras-Torno Teatro

Pepito Zanahoria Títeres

Odissea Teatro

Grupo de Teatro COMAI

Teatro 2 de Cuba

enSEÑA Teatro para Sordos

Garrick Teatro Independiente

Teatro de la Complicidad

Teatro de los Sueños

Trayecto, Música, Teatro y Otras Artes

Moebuis Teatro Clown

Compañía Teatral Días de Luna

MFCistas Teatro

Mínimo Cuerpo Colectivo

Atresso Teatro

Jesús Serrano

Teatro Molieret

Helecho Escénico

Teatro Alternante de León

Títeres La Rana

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Los Tiliches del Baúl

FEBRERO 2017

Colectivo Alebrije

Julio Castillo Teatro


E d u c a c i ó n

Teatro DESDE EL

aula

por X O S U É M A R T Í N E Z

Con una institución educativa del nivel de la Universidad de Guanajuato y el festival de arte más importante en Latinoamérica, parecía indispensable una carrera universitaria enfocada a las artes escénicas en el estado. Sin embargo, en su ausencia, la mayor parte de artistas se formaron sobre las tablas, en talleres con compañías o salieron a otros lugares

S FEBRERO 2017

in llegar nunca a ser un punto débil para el teatro, la deuda se pagó en 2012, cuando la misma UG abrió su carrera de artes escénicas en la capital; más de 50 años después de que el maestro Ruelas diera cátedra del acontecimiento que podía significar el teatro. Le siguieron dos universidades en León: UCEM y Universidad de León (UDL).

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Israel Araujo, docente de la UDL y la UG en estas licenciaturas, señala la importancia de esta revitalización de la escena a través de jóvenes estudiantes y egresados que se insertan a los distintos circuitos artísticos y otras ramas. Sin embargo, no todo está en el aula.

La universidad “es una formalidad para ciertos proyectos, no para hacer teatro. No me gusta ver al teatro como algo metafísico. Yo lo veo como un oficio, como algo artesanal. La mayor analogía es hacer teatro como haces el pan. Lo puedes aprender de oficio viendo a tu familia a hacer pan, pero también puedes aprender en la escuela”.

El también director de Teatro de los Sueños señala que es importante resaltar los objetivos de los planes de estudio. Por ejemplo, en la UCEM y la UDL, suman a la carga de materias, temas de producción y gestión de espectáculos y comunicación del teatro. “Nosotros no formamos bailarines ni actores, formamos gente relacionada con el arte escénico.


han querido. En 2016, este grupo de alumnos de la UG, llevaron el montaje a una breve gira por Colombia, y se sumaron a la programación oficial del Cervantino. Actualmente está en temporada en el programa Más Teatro. Estamos en una nueva época. “Comenzamos a ver producciones realizadas únicamente por nuevas generaciones y eso es muy interesante. Antes eran las mismas producciones de siempre, dándole vueltas; mientras que esta gente ya se está mezclando en las distintas generaciones y creando proyectos nuevos”. La experiencia en comunión con la malentendida irreverencia marcarán a León, finaliza Araujo:

“Yo creo que desde hace muchos años tenemos buen teatro acá, muy comprometido, y ahora si se le puede ligar con buen teatro desde un aula, será buenísimo”. La suerte está echada. Es claro que las nuevas generaciones egresadas de la universidad estarán en el foco de la escena. Amén de las carreras, no olvidemos que en muchas escuelas, el teatro amateur tiene una larga historia. Los mismos talleres de las instituciones, los laboratorios que las compañías arman en su seno e incluso los espectáculos que llegan, generan escuela. El caso de hoy es un papel y un lugar donde se concentra el conocimiento y da mayores facilidades. a

U n i v e r s i d a d d e G u a n a j u at o “Por ejemplo, acá tenemos dos generaciones que egresaron y afortunadamente el 80% ya están laborando en cosas relacionadas con el arte escénico, pero no necesariamente en la actuación. Hay gente en la pedagogía, tenemos un egresado que está dando clases en la UG, hay gente que está en arte terapia, hay gente que está gestionando”. A casi un lustro, estas carreras ya han comenzado a hacerse notar. Montajes surgidos en salones de clase ya se han colado en programas institucionales, como La fe de los cerdos, una puesta en escena que Araujo dirige, pero que, aclara, ha llegado a donde sus estudiantes

ARTES ESCÉNICAS http://bit.ly/aeUG

UDL ARTES ESCÉNICAS Y PRODUCCIÓN DE ESPECTÁCULOS http://bit.ly/aeUDL

UCEM ARTES ESCÉNICAS Y PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL http://bit.ly/aeEDUCEM


O T R O S

E S C E N A R I O s

Un teatro que se puede saborear por K A R E N E L I Z A B E T H R O B L E S G A M I Ñ O

FEBRERO 2017

Cuando se trata de foros, lo primero que se viene a la mente es hacer una distinción entre los institucionales y los independientes. El teatro, como acontecimiento entre público y artista, no distingue de estas categorías, y aunque los llamados independientes van y vienen, algunos se quedan hasta imprimir su propio sello de garantía.

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E

l sazón no es lo único que ha hecho de Los Azulejos un lugar concurrido en la ciudad, Teatro de la Complicidad y Trayecto han provocado que este espacio sea algo más que un restaurante tradicional. Entre platillos y charolas con mano abajo, en un momento se escucha decir “tercera llamada, comenzamos…” y justo ahí, empiezan a combinarse nuestros sentidos para dar paso a una deliciosa experiencia escénica. Esta es una entrevista al venezolano Armando Holzer, director en Teatro de la Complicidad y Trayecto, que fundó el Teatro Restaurante Los Azulejos hace casi 15 años (2003): un ejemplo de permanencia.

¿Cuándo y por qué surge esta mezcla de restaurante y foro teatral? Surge en el deseo de generar en el comensal de un espacio que estaba destinado definitivamente al sentido del gusto, otros intereses que trascendieran el plato de la comida o la gastronomía misma, ampliando así el paladar hacia otro sentido. Con la palabra y la música, buscamos generar una relación directa con el espectador que no borrara la tradición gastronómica que ya existía en el lugar y que ampliara el espectro de sensaciones. Fue un poco a la inversa, no fue imponer una sala de teatro a un restaurante, sino generar esa natural ampliación,

pasar del comensal al espectador sin restar calidad a ninguno de los dos. Y bueno, surge también de la necesidad de espacio, porque éramos en ese momento un grupo de teatro buscando un lugar para poder tener práctica, acción y permanente relación con el espectador.

A la hora de la función, ¿cómo se entrelaza el servicio de alimentos con la obra? Todavía seguimos experimentando dinámicas. A la hora de la función tratamos de complementarnos con el servicio de alimentos, para que el espectador logre percibir que entra a un espacio que no es el espacio solo del restaurante. Eso lo hemos logrado con la música, un elemento que se percibe al entrar al foro escénico y marca una diferencia.

¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar en esta dinámica? Muy experimental, porque tenemos comensales que no van a la obra de teatro, sino que se encuentran con un repertorio escénico, y por otro lado, tenemos espectadores que no van a comer. Entonces ha sido una dinámica que va relacionando el servicio de distinta manera según cada pieza. Todavía lidiamos con eso, pero el espectador cada vez más da muestra de que hemos logrado un comportamiento del público, por ejemplo que no se sirva comida en medio de la función o la relación con los intermedios. Tanto empresarios como creadores, vivimos tratando de encontrar dinámicas nuevas para que el espectador se sienta menos en un espacio premeditado y pueda desarrollarse más en él la relación total de sentidos.


¿Qué cree que sucede cuandose conecta el paladar con el teatro? Algo maravilloso, porque en lo que estás oyendo, oliendo o saboreando, estás presenciando algo que hace una suma de sensaciones. Entre que comes, escuchas, ves, de alguna manera el mismo cuerpo que está allí presenciando todo esto también le da cierta importancia a cada una de las experiencias. A veces gana el guacamole y en otras la lágrima, la risa. Se han logrado espacios de silencio en un punto público, esto te dice que el público es más espectador que público, y que está espectando y está en una experiencia total.

¿Qué tipo de teatro podemos encontrar en Los Azulejos? Mucha propuesta sensible. Nos hemos caracterizado por trabajar con géneros populares, clásicos y contemporáneos también. Este año tuvimos una experiencia que se llamó Doble Vía, fue un híbrido de café concierto, que es

un género muy europeo que ha formado gran parte de nuestro repertorio y que hemos mezclado con la carpa, el vodevil, la farsa, el esperpento y el teatro periodístico. Y bueno, con Doble Vía logramos una mezcla de café concierto con algunos elementos nuevos, como un invitado en relación a un tema que nos permitiera poner en discusión ciertas filias, fobias o parámetros sociales, por ejemplo la maternidad, tema con el que comenzamos.

¿Qué características comparten las compañías teatrales que el foro recibe? Por lo general son compañías de cierta tradición en la ciudad. Regularmente el espectadorcomensal de Los Azulejos no va al teatro o a esos espacios donde se presentan estas compañías, y al hacer coincidir a las compañías con este espectador, suceden cosas muy curiosas, la mayoría del público se interesa. Los festivales los creamos a partir de un autor, de un género o de un aspecto en el que el actor entra en diálogo con el espectador.

¿Qué es lo que nos puede ofrecer el espacio escénico de Los Azulejos que nos haga volver a él? Experiencias muy relacionadas al oír, a la palabra en acción. Es la palabra en muchos sentidos, ya no es relacionada estrictamente a un género, sino la palabra como movilizador, musical, como opinión. ä


c l o w n

Las reglas del juego por K A R L A G A S C A

Definir a un clown no es tarea sencilla. Algunos conocedores de esta disciplina lo delimitan como“el niño interior que sale a flote en escena”. Otros prefieren el término: “provocador de emociones” y algunos otros: “la parte más vulnerable y más humana de un actor”. Sea una u otra, el clown se conforma en base a un proceso alquímico, donde el trabajo de auto observación y la capacidad de reírse de uno mismo, se complementan con la disciplina teatral y el conocimiento de esta peculiar forma de ser y estar.

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partir de una amena charla con Celia Garza y Julio Castillo, quienes en 2004 fundaron la compañía leonesa de clown teatral Moebius Entretenimiento; ofrecemos un ‘decálogo del clown’, buscando resumir algunas ideas sobre esta técnica teatral y circense que exige de su intérprete lo mejor y lo peor de sí, para exponer de forma exitosa una amplia paleta de emociones que le permita conectar con su público e iluminarse.


del

Conócete

no

a ti mismo, aunque mueras en el intento

BUSCArás LA RISA

Cuando interpretas a un clown te encuentras

Si la risa aparece es bienvenida, pero no es

en un estado de vulnerabilidad constante

no

el objetivo. El objetivo del clown es mostrar

y aunque el clown te permite ser tu propio

existirás

la condición humana; conectar con el

director, exige un proceso riguroso de auto observación para resolver cada situación en escena. Un clown tiene que mostrar una apertura total al juego, abandonar esquemas mentales y buscar una conexión con el espectador, con la experiencia del otro.

sin el público

público, transmitir emociones, observarnos y reconocernos.

La comunión entre el público y el clown es vital. Si no existe esta comunión, se cae el espectáculo. Hay todo un universo detrás que no se ve y el actor deberá vaciar todo esto en el espectáculo. También hay que ser muy receptivo para sentir al público. Es un proceso de “uno, dos”: primero yo, luego tú.

No

No debes de juzgar ni forzar al público a

no te entregarás por completo a la

participar, porque no sabes en qué estado se encuentran desde su individualidad. Es

improvisación Uno de los aspectos interesantes del clown es que te permite recuperar cosas en la inmediatez y sumarlo a la improvisación, pero nunca hay que dejarse llevar por completo por la improvisación, porque puedes convertirte en esclavo de la misma.

juzgarás

por eso que en el clown buscamos una visión

no

FORZArás

completa del público y conectar con ellos a través de la mirada, siguiendo cuatro fases, la de presentación: “hola, este soy yo”; la

AL CLOWN

invitación: “ven, te invito a jugar”; la de juego:

El clown es como el amor, lo sientes

de agradecimiento: “Gracias por jugar y hasta

o no lo sientes.

“estamos jugando ahora en mi universo”; y la luego”. Siempre con total apertura.


te

reirás de ti mismo Cualquiera que esté dispuesto a jugar, a permanecer abierto y pisar un escenario puede ser clown. Un clown debe de tener la capacidad de burlarse de sí mismo siempre y de sorprenderse como un niño que descubre por primera vez las cosas. El clown la pasa muy mal en escena; siempre tiene problemas, lo sencillo es complicado para él y es desde su parte más vulnerable donde logra conectar con el público.

conocerás

la técnica y a ti mismo mostrarás

El clown no se crea sin conocimiento.

respeto

Consciencia de ti mismo, de la historia y de

por tu trabajo

la técnica. Existe ya un camino recorrido de siglos atrás, por lo que llegar al clown implica

Tu más valiosa herramienta de trabajo es

todo un proceso de entrenamiento, disciplina

tu cuerpo y debes respetarlo. El teatro es un

y una forma de vida. Lo que parece sencillo es

espacio sagrado y el público también lo es.

en ocasiones lo más complejo y conlleva un enorme trabajo previo .

deja tu

ego a un lado Cuando eres artista debes de dominar tu ego todo el tiempo, porque es muy fácil desilusionarte cuando no te dan tal o cual apoyo, o cuando no consigues ese premio en el que concursaste o esa beca a la que aplicaste. Cuando eres artista de cualquier disciplina tienes que dejar de lado esa preocupación, ocuparte en crear y guardar tu ego donde no estorbe.


r e n o v a c i ó n

TEATRO: cambios sociales por E N R I Q U E R O M E R O G U Z M Á N

FEBRERO 2017

El teatro es una arte en constante proceso de cambio, adaptación e innovación. “Dormirse en sus laureles” puede significar un retroceso para cualquier artista, es por ello que entrevistamos a Sara Pinedo, quien junto a otros compañeros fundó en 2009 el Colectivo Alebrije, una de las compañías leonesas que más ha apostado por la experimentación y que ha refrescado a la escena local y hasta social.

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olectivo Alebrije ha representado una de las vertientes de renovación para el teatro en León. En sus propuestas se han montado lo mismo a un autobús que a un inflable, se han aventurado a crear teatro con comunidades vulnerables, han levantado el estandarte de protesta y se han involucrado en procesos de memoria colectiva. Esta, como otras compañías, ha apostado por echar un vistazo hacia afuera, y mirar o ser parte de los procesos creativos en otros estados y países, lo que les ha reafirmado su idea de colectivo. Para Sara Pinedo, las diversas producciones que han emprendido se han realizado a partir del intercambio de ideas, buscando que puedan compartirse y generarse en conjunto.


de Loquellega.com, en mapping y circuito cerrado para la obra Pigman; Homero Guerrero, con música original para la misma obra; Centro-Centro, quiénes tienen un taller de diseño escenográfico. Los actores locales Khalé Chriagop, Saúl Quintana, Paulina de Alba y Paulo Aguosal; Colectivo Res Pública, dirigido por Juliana Faesler; Factótum Escena; el director Juan Manuel García Belmonte; María Aranda de Teatro Malacara; y el diseñador Alejandro Carrillo, de Friducha; por mencionar sólo algunos.

La idea es colaborar con creativos, artistas y gente con la que se relacionan día a día, lo que da pie a la participación en procesos comunitarios de donde surge el trabajo. De esta forma, colaboran con nuevos realizadores en comunidad para generar proyectos.

sexualidad. Otra influencia muy importante ha sido el trabajo de la compañía Lagartijas Tiradas al Sol, quiénes hacen teatro documental y donde la investigación y el proceso creativo se vuelven de lo más rico.”

Sobre sus influencias, Sara nos comenta lo siguiente: “En cada proyecto son distintas y en eso radica la innovación que cada obra presenta. En 2009, cuando el Festival Internacional de Arte Contemporáneo trajo la obra Yo no soy bonita, de Angélica Liddell, supe que quería una comunicación agresiva y directa. De ahí surge la obra Prohibido, que trata temas sobre adicciones, género y

“Llevamos tres años haciendo teatro comunitario y a raíz de ese trabajo han surgido nuevos colectivos, como Teatro del Puerto en Salamanca y Los de Abajo en León.

SU COLABORACIÓN CON OTRAS PERSONAS Y COLECTIVOS

“Entre las personas con las que hemos trabajado se encuentran Dinorah Medina y Viridiana Gómez, como actrices; Meztli Robles, coreógrafa; Héctor Cruz


como espacio escénico. El proceso autobiográfico de uno de los actores en esta obra nos llevó a un viaje real, con la búsqueda de un personaje ausente, en el que la documentación en video era irremplazable, por eso decidimos meter esta información en video que comunicaba lo documentado mejor que un texto.

¿QUÉ APORTAN A LA ESCENA TEATRAL EN LEÓN? ¿CUÁLES SON SUS INTENCIONES? “Comunicación directa con el espectador, alejándonos del artificio teatral y la escenografía. Que las obras puedan ser adaptables a cualquier espacio y público. Cuestionar ciertos estigmas sociales, ya que nuestro trabajo está pensado en función al sitio en que habitamos para provocar un momento de reflexión sobre el mismo. “Buscamos reflexionar sobre el rol que representa cada persona para la gran máquina social o burocracia. Provocamos la reflexión sobre el espacio público porque vemos una responsabilidad sobre el momento económico y político actual. “Con las últimas obras indagamos sobre identidad

y relación entre personas. Pensamos la expresión artística como una herramienta de comunicación social y no como un fin en sí mismo”.

¿CÓMO HA SIDO LA INNOVACIÓN Y EL PROCESO CREATIVO EN SUS OBRAS? “En The road to el fin del mundo utilizamos un espacio escénico diferente como lo fue un autobús. En Aparte nos acercamos al teatro documental a partir de las vivencias y relaciones de los vecinos de Barrio Arriba; tratamos el proceso de gentrificación que se manifiesta en el Barrio con pérdida económica y de tradiciones: hacemos una crítica a las políticas de seguridad y la banalización del ser humano por su mismo entorno. “En Acapulco Lost, que consideramos como un ‘antidocumental’, empleamos mapping y utilizamos un inflable

“La innovación no es la forma en la que se presenta un trabajo solamente; parte desde el modelo que sigues para investigar, la creación de la escena y el formato en que se presentará. “En Picnic, nuestra más reciente obra, provocamos conversaciones sobre la recuperación de vivencias y memorias del Parque Hidalgo. Es una reflexión acerca del parque, sobre la gestión pública y la participación o falta de participación ciudadana. Generamos dispositivos que permiten una relación más cercana con el espectador para volverlo cocreador de los sucesos escénicos, a través de una aplicación de realidad aumentada para los teléfonos. “Ser consciente del espacio y del momento histórico que vivimos se puede hacer desde cualquier oficio y cualquier profesión: todos podemos tomar acciones. En nuestro caso, el arte es una herramienta que puede generar estos espacios que pueden llevar a movimientos sociales o a pequeñas transformaciones sociales”. t


E s c e n o t e c n i a

Más allá de adornar por D U L C E M A R Í A M U Ñ O Z B A R A J A S

Una parte importante para el hecho escénico es la escenografía. Aun cuando esta funciona para reproducir las circunstancias donde se realizan las acciones, su uso varía por factores que van desde presupuestos, hasta el mismo concepto en la mente del equipo de trabajo de cada montaje. Para conocer más a detalle cómo se desarrolla la labor escenográfica en la actualidad, platicamos con un especialista en el tema, radicado en la ciudad de León y con una década de experiencia en el área.

Á FEBRERO 2017

ngel Ortiz González, escenógrafo y diseñador gráfico, egresado de la Universidad Iberoamericana de León, es un personaje que se dedica al diseño y creación de escenarios, así como artefactos escénicos desde su propio espacio independiente: Factótum Taller Escenografía, operado por un equipo de cuatro creativos.

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Influenciado por el séptimo arte, el creador leonés confesó su gusto por el trabajo del cineasta checo Jan Švankmajer, célebre por sus películas de animación, dejándose influenciar al momento de realizar su labor como escenógrafo.


“Cuando haces esta onda de la escenografía, en cualquier película no dejas de ver la escenografía, reconoces cuando algo está hecho con una técnica o tú lo identificas bien chafa aunque normalmente la gente no lo ve así (dice entre risas)… pero a veces también reconoces lo bien hecho que está. Y a partir del diseño surge la inquietud por la imagen, por crear cosas…”. En el diseño gráfico, la parte tridimensional siempre acaparó la atención de Ángel Ortiz más que la imagen plana o impresa. Fue entonces, en 2006, que el diseñador tuvo un acercamiento con el Cervantino, donde se desempeñó como técnico y ahí empezó la inquietud por desarrollarse en otro ámbito.

Su trayectoria como escenógrafo se trazó dentro de agrupaciones de teatro locales, como Luna Negra, Danza Contemporánea de León, Factótum Escena, y gradualmente con otros creadores.

“La escenografía depende del tipo de director y de producción. Hay algunas que permiten que tú sugieras y otras que ya piden lo que realmente quieren. La función principal de un escenógrafo depende de la postura de cada uno, hay quien trabajará de manera más decorativa y otros con una propuesta que invite más a la imaginación.” Sin duda, Ortiz se arriesga por la segunda. Sin embargo, hay otras propuestas que buscan llegar a la gente por medio del trabajo del actor, el montaje y la dirección en lugar del gran escenario. “Lo más importante es que puedes llegar a ver que algo funciona y no tanto enfocarse en lo bien que lo hizo el actor, sino lo qué está pasando con la gente y la interacción del elenco y los elementos del escenario con el mismo público”.


Siempre buscamos que nuestras producciones tengan un uso más allá de sólo la obra “Un artefacto escénico más bien son trazos y lo que buscan es aportar una forma de uso. Artefacto es más pensar en el diseño del objeto partiendo de su uso… simplemente cómo transformar un objeto, darle más posibilidades a partir de sus mecanismos o interacción con las personas”. Los materiales que Ortiz prefiere emplear al momento de crear son madera, metal, aluminio y papel y asegura que a veces se puede conseguir un trabajo muy artesanal.

Por lo tanto, se define como autodidacta, ya que se inclina por realizar trabajos y actividades que lo conducirán a probar, aprender y desarrollar una técnica. “Reutilizamos un montón de cosas, siempre buscamos que nuestras mismas producciones tengan un uso más allá de sólo la obra, lo cual también favorece a la reducción de costos”. Bajo este tenor, el diseñador sostuvo que el aumento de los costos para montar una escenografía ha cambiado mucho con el manejo actual de los recursos económicos, pues antes se destinaban más recursos para hacer escenografías gigantes o con trastos muy enormes y ahora las compañías han hecho trabajos que a veces ellos mismos resuelven pero ya sin esos objetos ostentosos.

En la búsqueda de la utilería siempre pasa el no encontrar fácilmente un objeto que se va a usar en la puesta en escena y más bien se trata de solucionarlo o tener otras alternativas. Por ejemplo, en “La dictadura del Rey Pepino”, a estrenarse en febrero durante la temporada de Teatro Escolar, se trabaja con objetos comunes como muñecos, pantuflas, tenedores y practicables, para crear un espacio donde va a habitar la familia y se emplea el uso de proyecciones con estos objetos para crear los acompañamientos de la escena, precisó Ortiz. La aplicación de la tecnología en el diseño del escenario no es la innovación ni la mejor carta de presentación que puede haber en una obra de teatro, considera el artista. “La usamos de la manera tal vez lo más análoga posible, sin buscar los efectos electrónicos, sino más bien efectos físicos dentro de las proyecciones, de los objetos, el uso de lentillas o gelatinas de iluminación”. Y concluye: “Para la creación de cualquier ambiente en un espacio escénico influyen otros elementos como vestuario, maquillaje, iluminación, audio y sonido, todos son factores importantes que complementan el trabajo de la escenografía así como el factor humano, el uso y las capacidades de las personas que van a usar los objetos en escena”. Þ “Para ver, cierra los ojos”: Jan Švankmajer


Una luz basta para darle sentido a una obra de teatro. La iluminación es un actor más, no menos importante en una producción; un trabajo que despierta gran pasión a quien lo ejerce. Uno de estos artistas es Jesús Alejandro González, quien ha destacado por su entrega con el oficio.

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Transmitir emociones con luz

FEBRERO 2017

por A L E J A N D R A R A M O S H E R R E R A

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S

on 15 años los que Alejandro ha visto crecer la escena teatral de León, en el escenario y detrás de él. La pasión que “Chuchín” tiene por el teatro se percibe cada vez que explica su trabajo; se nota en su manera de hablar, su forma de mover las manos, su mirada…“No tengo que buscar nada afuera, la verdad, el teatro es una chamba que nunca se acaba”, comenta el hombre que no deja de sorprenderse con su profesión.

La iluminación es un actor más y lleva un lenguaje escénico, y ese lenguaje se suma al trabajo que están haciendo los actores y engloba la escena

Alejandro dice que estudió solo la mitad de la licenciatura en Comunicación. Siguió su instinto para dedicarse de lleno al teatro. No se arrepiente para nada, por algo es considerado de los mejores iluminadores escénicos a nivel nacional, oficio que curiosamente al principio no le gustaba hacer en una producción. Cuenta que a pesar de desarrollar su talento en cosas de audio, Javier Avilés lo invitó a hacer el trabajo de iluminación en la puesta en escena “La risa frenética”, en el foro Luna Negra. Ahí, recuerda bien, solo se contaba con siete luces. “Lo que empezaban a transmitir ellos (los actores), yo lo plasmaba en luz, fue la obra en la que vi que no lo hacía tan mal y en la que me di cuenta que yo podía transmitir sin estar en el escenario. Creo que fue la obra que más me marcó; porque me abrió otro mundo y me enseñó otro lenguaje del teatro.

CRISTINA MUÑOZ

Me di cuenta de que el trabajo que llevaba dos o tres años antes, me estaba funcionando en una parte complementaria. Fue la obra que me invitó a ser iluminador”, cuenta Alejandro. Fueron 11 años en los que se desempeñó en el área de trabajo técnico en lo que respecta al funcionamiento de los teatros del Instituto Cultural de León, mismo en el que siempre tuvo apoyo de un equipo de técnicos, de quienes reconoce su profesionalismo. Desde hace algunos meses optó por independizarse con la convicción de reforzar el trabajo de producción hecho en la ciudad.


“Tienes que dejar a un lado un poco tu personalidad para estar arriba del escenario, y por ejemplo yo tengo que estar receptivo para lo que el actor me está diciendo, proponer una luz y no lo que yo estoy sintiendo, tenemos que separar nuestra vida”. El artista debe estudiar distintas materias que posiblemente el espectador desconoce; cosas de física, colorimetría, sicología del color, calcular ángulos, detalles que hacen la diferencia.

“Para mí la iluminación no es llegar y colocar focos, no es llegar y decir: “ay, aquí para que se le vea la cara”. Hay muchos misterios detrás de la iluminación, para hacerlo en el lenguaje en el que yo quiero lograr, es estar desde un inicio para saber qué es lo que quieres transmitir… para lograr hacer lo que yo hago, es dedicación, esfuerzo, y que te apasione el teatro. Si no te apasiona, puedes llegar a ser un buen instrumentista, buen ejecutante, pero transmitir e implementar, ya es otra cosa”, expresa Alejandro. Algo que distingue su trabajo, es la experiencia de todas y cada una de las obras en las que ha participado, donde ha sido participe de distintas etapas de una producción teatral, incluyendo la actuación. Lo anterior le ayuda a desarrollar un lenguaje escénico que se ve reflejado el día del estreno de una puesta en escena, momento en el que tal vez los más nerviosos sean los que se encuentran en cabina.

“La iluminación es un actor más y lleva un lenguaje escénico, y ese lenguaje se suma al trabajo que están haciendo los actores y engloba la escena. Lo que comienzo a hacer es, partir del texto y de la idea del director, para hacer la configuración de la iluminación; acompaño el proceso completo, o casi, de lo que es la puesta”. Con 36 años de edad, no se ve haciendo otra cosa que no involucre el teatro, arte del que ha, y seguirá obteniendo un gran aprendizaje. Para este iluminador no hay una sensación parecida a lo que experimenta cuando está trabajando detrás de una puesta en escena. Sólo podría compararse con la obra en transcurso, pues puede pasar del enojo a la frustración y estrés. Todo aquello se recompensa indudablemente con el aplauso del público, una satisfacción que no ha experimentado en otros trabajos.

Aquí en la ciudad, si se tratara de elegir un recinto teatral para trabajar de una manera óptima, Alejandro tomaría el Teatro María Grever, recinto que desde su punto de vista, está muy bien equipado y cómodo: “Ahí siempre me ha gustado trabajar”. Entre bocetos, paletas de colores, numerosos ensayos, diálogos, vive su profesión, algo que se ha convertido en su forma de vida… desde la cabina, en cada función de teatro, él es un actor silencioso que transmite emociones con la luz de la pasión por su trabajo. l


i n c l u s i ó n

Un teatro para todos FEBRERO 2017

por M AY E D N A Z Z O U R E

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enSEÑAteatro es el resultado del taller permanente de teatro de sordos que se imparte en la Casa de la Cultura Diego Rivera. Un grupo creado a partir de la inquietud de jóvenes sordos que, como complemento de su formación académica, han encontrado en el arte una posibilidad más de comunicarse.

E

s importante considerar que la sordera no es una discapacidad. Los sordos no se viven como discapacitados ya que pueden realizar cualquier actividad, lo que les hace diferentes es la forma de comunicarse. Se expresan con el cuerpo, a través de señas. Si todos aprendiéramos y valoráramos la lengua de señas, así como aprendemos el inglés, el francés o cualquier otro idioma, entonces no existiría tal discapacidad. Comenzamos a trabajar y explorar el lenguaje escénico a partir de 2008, y actualmente formamos parte del proyecto ‘Manos en los Estados’, creado por la compañía capitalina Seña y Verbo.


Es un proyecto que comenzó con una beca de México en Escena y cada dos años participamos en el Festival Internacional de Teatro de Sordos. Este se realiza en distintos estados, el primero se realizó en Torreón (2012), el segundo en León (2014) y el tercero en Guadalajara (2016).

Nuestras obras son bilingües; en lengua de señas y en español, para que todo el público pueda entenderlas.

enSEÑAteatro ha incursionado en distintas manifestaciones artísticas, y se destaca la realización de video, así como adaptaciones teatrales de algunos clásicos de la literatura.

El proceso para realizar las obras depende mucho de los intereses del grupo en ese momento, qué queremos decir y hacia quién va dirigido. El trabajo más reciente trata sobre los jóvenes en la guerra y lo absurdo de esta (“Picnic en el campo de batalla”). Entonces todos nos dedicamos a investigar sobre este tema, después de este proceso

Esta agrupación está conformada por actores sordos y oyentes, y tiene como finalidad la difusión de la lengua de señas mexicana.

empezamos a desglosar el texto y hacerlo en lengua de señas mexicana y ver qué es lo que funciona para hacerlo más cercano a oyentes y sordos.

El teatro es una de las disciplinas artísticas que requiere la exploración interna de los referentes de vida para construir un personaje que tenga vida propia. Es la posibilidad de descentrarse de sí mismo para ser otro en el espacio escénico.

En el ámbito formativo de públicos es fundamental detonar un proceso que permita romper las barreras de la comunicación. El teatro es definitivamente una de las disciplinas que permite cruzar los ámbitos emocionales, intelectuales y corporales.

En el ámbito formativo es fundamental detonar un proceso que permita romper las barreras de la comunicación

El teatro hecho por sordos también es entretenido y te da la posibilidad de conocer nuevas formas de comunicar. Te invitamos a conocerlo y apoyar el teatro de sordos, por una sociedad más incluyente. z

N O T A . Popularmente se les llama sordomudos. Este término es incorrecto ese término, puesto que no son mudos porque pueden hablar, reír, gritar, emitir sonidos.


instituto cultural de león

Grever y Doblado

CON TELONES ABIERTOS por L A R E D A C C I Ó N

El Teatro Manuel Doblado recibe al Programa Nacional de Teatro Escolar Guanajuato y el Teatro María Grever la segunda temporada de Más Teatro. Entre ambas temporadas, que duran hasta marzo, se presentarán poco más de 100 funciones de teatro meramente leonés.

TODOS SOMOS DICTADORES

D

el 16 de febrero al 28 de marzo, el Teatro Manuel Doblado abre su foro para recibir una nueva temporada de Teatro Escolar, con Factotum Escena presentando ‘La dictadura del Rey Pepino’. El equipo liderado por Ángel Ortiz presenta una revisión a los sistemas políticos que comienza desde el núcleo familiar. Una historia que buscará llegar a las 80 funciones y superar los 45 mil asistentes del año pasado, cifra que tiene a

León como la mejor sede a nivel nacional de este programa. El dramaturgo Salvador Lemis escribe el guion de este montaje basándose en la novela ‘Me importa un comino el rey Pepino’ de Christine Nöstlinger. Todos podemos ser un dictador con nuestros hijos, con nuestra pareja, con nuestros alumnos, y otros. Es por ello que Ortiz busca que los espectadores se pongan en el lugar del otro a través de un “teatro juguete”, donde las niñas y niños son parte activa del desarrollo de la historia; detonadores y conversadores con el montaje.


Para ‘La dictadura del Rey Pepino’ el elenco está integrado por Cecilia Navarro, Karla Blanco, Rita Gil, Celeste Hernández, Rocío Puente y Eduardo Rosales, que representarán la gran tragedia de la familia de Golfi, donde descubren quién es el tirano. La temporada se desarrollará de lunes a viernes y tendrá funciones a las 9:00, 11:00 y 15:00 horas. Para mayores informes y reservaciones, el público, maestros y alumnos interesados pueden escribir a los correos rafael_centen@hotmail.com e isacultura21@hotmail.com.

TEATRO PARA LOS FINES DE SEMANA La segunda temporada de Más Teatro arrancó el último fin de semana de enero y continuará hasta el 5 de marzo, con cuatro montajes para todos los gustos.

La entrada general por función es de 80 pesos y de 70 para estudiantes. También se ofrece un paquete por las cuatro obras por 280 pesos. ç

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En la noble labor de promover a los clásicos, los domingos a las 12:00 del día se presenta ‘Romeo y Julieta de bolsillo’, una versión comentada de la obra de Shakespeare, que muestra algunos de los pasajes más destacados, con bastante ironía y humor.

Para cerrar, los domingos a las 6:00 de la tarde, viajamos a la nostalgia de un par de refugiados cuando recuerdan a ‘Nuestra Señora de las Nubes’; un país, un pueblo, una serie de anécdotas que se entrelazan para afrontar las consecuencias de la migración y el exilio. Además de ver una obra con lo mejor de cuatro compañías leonesas, los asistentes también serán parte de la historia, ya que también será la despedida de los escenarios del montaje.

FEBRERO 2017

Los viernes a las 8:00 de la noche tenemos la oportunidad de reflexionar sobre nuestro trato hacia los demás y comprender que en la diversidad está nuestra identidad. ‘Esto NO es sobre discriminación’, con la actuación y dirección de Roberto Mosqueda, nos lleva a través de la danza, el teatro físico y el video; a las situaciones que vivimos todos los días, donde la intolerancia, por más mínima que sea, afecta al otro y a la vez a la sociedad.

‘La fe de los cerdos’ es la puesta en escena que está de temporada los sábados a las 7:00 de la noche. A partir de un hecho verídico, una familia disfuncional, envuelta en drogas y violencia; observamos como la conciencia se rinde ante los impulsos. Con la cocaína como detonante, este montaje ya se paseó por Colombia y por el Cervantino, y va por más.


AGENDA

Febrero 2017

CulturaLeon LeoAlternativas Instituto Cultural de León Revista Cultural Alternativas

Anuncia aquí tus eventos. Manda los datos al correo alternativasdifusion@gmail.com antes del día 15 de cada mes.

Revista Cultural Alternativas

www.institutoculturaldeleon.org.mx/icl/calendario

Información

DISTRIBUCIÓN POR FOROS INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN

MUSEO DE LA CIUDAD DE LEÓN

INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN

Fecha

Hora

FORUM CULTURAL

Costo

INDEPENDIENTES

CENTRO DE IMPULSO SOCIAL SAN MANUEL - REAL PROVIDENCIA

CASA DE LA CULTURA DIEGO RIVERA

Sin costo Sábado 4 Sábado 11 Sábado 18 Sábado 25

19:00 hrs. El castillo en el cielo Arrietty y el mundo de los diminutos Susurros del corazón Pompoko

Sin costo Viernes 3 Viernes 10 Viernes 17 Viernes 24

Programación sujeta a cambios sin previo aviso. Responsabilidad del organizador.

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19:00 hrs. La princesa Masái Los puentes de Madison Los amantes del Círculo Polar Un momento para recordar

Cine en tu plaza / Studio Ghibili

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Cineclub / Amores difíciles

Emperador 323, Real Providencia II


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AGENDA CULTURAL ALTERNATIVAS

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PROGRAMA NACIONAL DE TEATRO

MUSEO DE LAS IDENTIDADES

ESCOLAR GUANAJUATO 2016-2017

LEONESAS MIL

Del 16 de febrero al 28 de marzo

La Dictadura del Rey Pepino

Teatro Manuel Doblado Compañía: Factotum Escena / Dirección: Ángel Ortiz Informes y reservaciones escolares: Tel. 716 4001 Cel. 477 700 9826 / 477 133 5361 Lunes a viernes 9:00 11:00 y 15:00 hrs.

Teatro María Grever | Temporada al 5 de marzo General: 80 pesos | Estudiantes: 70 pesos | Bono por 4 obras: 280 pesos

Esto NO es sobre discriminación

Dirección: Roberto Mosqueda 20:00 hrs.

La fe de los cerdos

Dirección: Israel Araujo Sábados

19:00 hrs.

Romeo y Julieta de bolsillo

Dirección: Alfredo Ávila Domingos

12:00 hrs.

Nuestra señora de las nubes

Dirección: Gema Quiroz Domingos

Exposición / Permanencia al 12 de febrero / Sin costo León: Territorio, memoria y comunidad

Exposición / Sin costo PLAZA PRINCIPAL Orquesta Típica

MÁS TEATRO

Viernes

Apiñadoras. El arte de embellecer rebozos

18:00 hrs.

Serenata / Dirección: Alberto Galván Miércoles y viernes

18:00 hrs.

Sin costo Banda Municipal (en el Kiosko)

Concierto / Dirección: Pedro Jiménez Rosas Martes y jueves Domingos Sin costo

18:00 hrs. 12:00 hrs.

MUSEO DE LA CIUDAD DE LEÓN Pedro Moreno 227, Centro

-Tohoku a través de los ojos de los fotógrafos japoneses -Fotografía y Palabra: Atmósferas de Sentido

-Colectiva de Fotografía -Carla Sánchez y Salvador Zermeño Permanencia al 21 de abril Inauguración: Viernes 10 20:00 hrs. Sin costo Hermanos Aldama 136, Centro

-Rojo desierto -Prácticas para no aburrirse

-Dibujo y gráfica de Humberto Valadez -Pintura Experimental de Jorge Alberto Ortega Permanencia al 12 de abril Inauguración: Viernes 17 20:00 hrs. Sin costo La música en León durante el Siglo XIX

Ensamble Felipe Villanueva Jueves 23 Sin costo Programación sujeta a cambios sin previo aviso. Responsabilidad del organizador.

20:00 hrs.


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AGENDA CULTURAL ALTERNATIVAS

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INDEPENDIENTES

FORUM CULTURAL GUANAJUATO

MUSEO DE ARTE

FRIKIPLAZA

E HISTORIA DE GUANAJUATO

PLAZA DE LA TECNOLOGÍA LEÓN

20 pesos / domingos sin costo

5 de mayo 216, Centro

Alegoría de la Razón

Daisuki day

Exposición de Rafael Coronel Permanencia al 26 de febrero

Cultura J-pop: concursos, bodas frikys, cosplay y más. Sábado 11 14:00 a 17:00 hrs.

Arte/sano ÷ artistas

Sin costo

Exposición / Permanencia al 26 de febrero TEATRO DEL BICENTENARIO La flor del sol (Japón)

Danza y teatro

Sábado 11

19:00 hrs.

200, 180 y 150 pesos

MUSEO VERDE | PARQUE LOS CÁRCAMOS Historias en carbón

Exposición / Artistas: Conchita Julián, Juan Luis Ramírez y Juan Pablo Elorriaga / Permanencia al 6 de marzo GENERARTE SPACIO Puerto de Huelva 317, Las Palmas Arbide, Tel. 393 4422

CALZADA DE LAS ARTES

8/100/Colectiva Efímera

Iraida Noriega Big Band

Concierto

Viernes 10

20:00 hrs.

Sin costo

Alin Coen Band (Alemania)

Concierto

Viernes 17

20:00 hrs.

Sin costo

Generarte Spacio cumple 8 años e invita a todos los artistas a participar. Inscripciones al: 393 4422 Inauguración: Sábado 25

20:00 hrs.

Sin costo ACCORD ARTE Ancorada 127, Fracc. San Ángel, Campestre

Festival de la fraternidad y la paz

Expos y talleres Se presentarán trabajos de artistas de más de 20 países Viernes 10 13:00 a 20:00 hrs. Sin costo CODA COMUNIDAD CREATIVA Calle 5 de febrero 517, Centro, Tel. 390 6924

DEPARTAMENTO DE ESTUDIOS CULTURALES UG Cine martes de terraza

19:00 hrs. There Will Be Blood Happy Together Bowling for Columbine We are the best

Sin costo Martes 7 Martes 14 Martes 21 Martes 28

(De) Generación en generación

Exposición colectiva Permanencia al 10 de febrero SAFRONIA CAFÉ

5 de febrero 419, Centro

Ciclo de charlas y lecturas

Poesía y narrativa

Jueves

20:30 hrs.

Sin costo

Programación sujeta a cambios sin previo aviso. Responsabilidad del organizador.


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PALAPAS DEL PARQUE MANZANARES Cel. 477 520 2007

Los libros de Saku

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AGENDA CULTURAL ALTERNATIVAS

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El Cortejo, Arte y Cultura en Movimiento

Guillermo Prieto 310, San Juan de Dios, Cel. 477 256 8985 / Narrativa oral escénica.

Fomento a la lectura

Martes

Luciérnaga Azul

17:00 a 18:30 hrs.

30 pesos

Donato Guerra 127, Centro, Tel. 713 3127 Realización de artesanías.

CAFÉ CONTRAPUNTO

Editorial Namox

Av. Guanajuato 104-12, Jardines del Moral, Tel. 717 6669

Noches de Bohemia y tintanerías

16 de septiembre 654-4, Barrio de La Garita Asesoría literaria para creación novelas.

Música

Jueves 9, 16 y 23

21:00 hrs.

100 pesos

Paseo del Moral 902, Villas del Moral / Música y artes.

Música

Viernes 10, 17 y 24

21:30 hrs.

50 pesos

5 de febrero 517, Centro, Tel. 390 6924 Foto, arte contemporáneo, wordpress y redes sociales.

CODA Comunidad Creativa

Rubén Guerra

Sol y Fer

Música

Martes 14

21:00 hrs.

60 pesos

Estela e Israel Beck

Música

Sábado 18

21:30 hrs.

60 pesos

KINO ROOM

Colectivo de Arte UNO

Hidalgo 410, Obregón, Tel. 297 0768

Sobre las alas de la analogía en Física

Imparte: Dr. Alejandro Gil-Villegas Montiel Jueves 16 20:00 hrs.

Academia Praga Musical

Valle de Guadiana 211, Valle del Campestre, Tel. 717 2345 / Instrumentos, ensambles y teoría. Centro Cultural Wembley

Pradera 708, Manzanares, Tel. 771 2499 Música, instrumentos y canto Academia de Canto Tarsila Escoto

Torre Andrade. Av. Roma esq. Calzada Tepeyac, Andrade, Cel. 477 121 8312 / Bel canto. Oratorio San Felipe Neri

5 de febrero 117, Centro, Tel. 713 9502 Danza, música, canto, pintura y artes marciales. Trayecto Música Teatro y otras Artes

Vía Sta. Ana 203-A, Brisas del Campo, Primera sección, Tel. 711 7453 / Canto, técnica vocal y repertorio.

Sin costo OFERTA ACADÉMICA Talleres de artes para niños, jóvenes y adultos

Taller de grabado Bajo Techo

Lieja 110, Andrade, Tel. 713 3142, Cel. 477 724 4914 Grabado para principiantes / Imparte Andrés Fernández. Centro Cultural La Casa Azul

Donato Guerra 328, Centro, Tel. 714 2434 Música, danza, literatura, artes plásticas y artes escenicas Aria Escuela de Música

Hermenegildo Bustos 1306-C, Real de Bugambilias, Tel. 330 5489 / Instrumentos musicales y producción de audio, dibujo y pintura. Programación sujeta a cambios sin previo aviso. Responsabilidad del organizador.

Generarte Spacio

Puerto de Huelva 317, Las Palmas Arbide, Tel. 393 4422 Historia del arte. Academia Rythms del Mundo

20 de noviembre 140, San Juan de Dios, Cel. 477 281 3634 / Baile. Centro Cultural da Vinci

Parque Vía 407, Parque Manzanares, Tel. 767 6885 Plastilina, dibujo, música y canto. Centro de Arte y Cultura, Círculo Leonés de Arte

Madero 129, Centro, Tel. 713 4278 Música, danza, teatro, literatura y artes plásticas.


DIRECTORIO

INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN Oficinas Generales Edificio Juan Nepomuceno Herrera

Plaza Benedicto XVI s/n, Centro, C.P. 37000 León, Guanajuato. Teléfonos: (477) 716 4001 y 714 0326 www.institutoculturaldeleon.org.mx Revista Cultural Alternativas Instituto Cultural de León Museo de las Identidades Leonesas MIL

Ex Cárcel Municipal / Justo Sierra 202, esquina Belisario Domínguez / Teléfono: (477) 713 3728 Museo de las Identidades Leonesas

MUSEO DE LA CIUDAD DE LEÓN

Sede 1: Hermanos Aldama 136, Centro Sede 2: Pedro Moreno 227, Centro Teléfono: (477) 714 5022 FORUM CULTURAL GUANAJUATO

Museo de Arte e Historia de Guanajuato, Auditorio Mateo Herrera, Biblioteca Central Estatal Wigberto Jiménez Moreno, Departamento de Estudios Culturales UG, Teatro del Bicentenario Prolongación Calzada de los Héroes 908, La Martinica, Teléfono: (477) 104 1105 www.forumcultural.guanajuato.gob.mx www.teatrodelbicentenario.com

Casa de la Cultura Diego Rivera

Portal Delicias s/n, Plaza Fundadores Teléfonos: (477) 714 3350 y 713 6407 Casas de la Cultura ICL Galería Eloísa Jiménez

Casa de la Cultura Diego Rivera Casa de la Cultura Efrén Hernández

Monte de las Cruces, esquina calle Luna, Fraccionamiento Hidalgo. Teléfono: (477) 779 6334 Casa de la Cultura ICL Escuela de Música de León

Casa Luis Long / Pedro Moreno 208, Centro Teléfono: (477) 716 4742 y 713 0086 Escuela de Música de León Escuela de Artes Plásticas Antonio Segoviano ESAP

Ex Cárcel Municipal / Teléfono: (477) 713 3597 ESAP Antonio Segoviano

No te pierdas el primer ciclo de Xpos de 2017. Próximamente.

AGRADECEMOS EL APOYO PARA LA DIFUSIÓN DE NUESTRA CARTELERA

Teatro Manuel Doblado

Pedro Moreno esquina Hermanos Aldama, Centro Taquilla: (477) 714 0325 / Oficina: (477) 716 4301 Teatro Manuel Doblado FEBRERO 2017

Galería Jesús Gallardo

Teatro Manuel Doblado Teléfono: (477) 714 1400 Coordinación de Artes Visuales CAVI Encuentra esta agenda en app Facilité Descárgala para Android e iOS

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Teatro María Grever

Álvaro Obregón 217, Centro

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A LT E R N AT I V A S

M Ú S I C A

FEBRERO 2017

P

ara Vladimir, Germán, Uriel, Marcos y Jonathan, el 13 de enero de 2017 no fue un día normal. Los integrantes de Daphne dieron ese viernes un gran paso en su carrera musical, ya que se coronaron en el concurso ‘Live la Music 2016’, certamen organizado por Kunak Records, uno de los mejores estudios de grabación en León.

Por las salas de Kunak ya han pasado bandas como Here Comes The Kraken o Sekta Core, y también, en esas mismas instalaciones, una veintena de bandas buscaban llevarse el primer premio y grabar un video para demostrar su poder. Fueron los integrantes de Daphne quienes ganaron “la batalla de likes”. Ahora Daphne se dispone a grabar tres canciones de manera profesional y participar en los 40_

E N T R E V I S T A

Daphne, el principio para trascender por Xosué Martínez

festejos por los nueve años de Kunak Records con un cartel por anunciar, en un evento que se antoja memorable y que seguro no decepcionará a los amantes de la música. Vladimir Hernández (vocalista), Germán Caudillo (guitarra), Uriel Coronado (guitarra), Marcos Mora (bajo) y Jonathan Rojas (batería), son los integrantes de esta banda bautizada en honor a la ninfa que en

fotos Rosalinda Mendoza

la mitología griega desdeñó el amor de Apolo y, para alejarse de él, pidió ser convertida en laurel. El amor imposible, como en el relato de Daphne, es la base e inspiración de sus letras, quienes usan sus propias experiencias para soltar la pluma, subir el volumen y componer sus canciones. La misma canción con la que ganaron, ‘Intoxicado’, evoca la frustración amorosa; “todos tenemos


A LT E R N AT I V A S

M Ú S I C A

una ninfa que nos ha marcado la vida”, señalan sus integrantes. “Somos una banda que busca plasmar en sus letras tales emociones, que quien nos escuche se sienta identificado”, es la convicción con la que busca distinguirse la banda. En una ciudad como León, donde hay

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indie y el rock alternativo, la mayoría de sus integrantes desfilaron por otros proyectos con bandas que tocaban covers, sin embargo y como en muchos de nuestros mejores proyectos, la casualidad los unió y el gusto por la música propia los reafirmó, debutando a mediados de 2014 con este proyecto.

Kunak Records una amplia oferta de agrupaciones de todos los géneros, la competencia por los espacios donde pueden tocar y darse a conocer es mayor, por lo que esa convicción se ha convertido en un reto: “Muchas veces se asustan los dueños de los bares porque no tocamos covers”, sin embargo han sabido promocionarse y tocar en foros como el Abbey Road, el Rolling House, o el Kino Room, entre otros. Antes de conformar esta banda que se inclina a géneros como el

y cierran constantemente, pero premios como el obtenido en el concurso de Kunak son una gran motivación para seguir trabajando”. El concurso con Kunak representa un paso que abre las posibilidades de esta banda. Con la confirmación de que a la gente le gusta su estilo

Da phn e R ock Influenciados por bandas como Muse, Foo Fighters e Incubus, Daphne se volcó a ensayar para subir su nivel, usando desde azoteas sin las condiciones necesarias, hasta cuartos tan pequeños en donde tocaban contra la pared. Nada de eso les impidió seguir avanzando. “Para conseguir donde tocar siempre buscamos acercarnos con dueños y púbico, además de tener una buena relación con otras agrupaciones. Las puertas se abren

y el golpe anímico ya piensan en la grabación de un demo y seguir caminando hasta tocar en otras ciudades: “Ya le dijimos a León que somos una de las mejores bandas, ahora nos toca seguir trabajando más duro para trascender”. Con una buena agenda de presentaciones antes de ganar el concurso, y ahora con el impulso que ya ha comenzado a notarse, los Daphne esperan seguir conquistando foros y sobre todo al público. 41_


A LT E R N AT I V A S

L I T E R A T U R A

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Los tiranos se desdicen el egoísta repara en las sombras. T R E S

P O E M A S

D E . . .

Hugo Lázaro Aguilar

el cauteloso ríe el ingrato sueña la niña se estremece el joven implora el insensato suplica la mujer despierta el hombre llora. Nadie es inmune a la palabra amor los homosexuales sufren

HUGO LÁZARO AGUILAR (Monterrey, 1969). Poeta afincado en San Luis Potosí desde el año de nacido. Ha publicado tres libros de poesía y una plaqueta. Su obra está antologada en diversas ediciones y revistas especializadas, tanto nacionales como extranjeras. Ha tomado cursos y diplomados de literatura hispanoamericana y crítica literaria con poetas como David Huerta, Marco Antonio Campos, Christopher Domínguez Michel, entre otros; diplomados de literatura clásica e hispanoamericana, avalados por la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Guanajuato y Conaculta. Miembro del Curso Nacional de Literatura Contemporánea durante diez años. Es tallerista desde el 2001 y presidente fundador de la asociación civil Potosí Cultural; promotor cultural independiente y periodista cultural en diversos medios. Sigue escribiendo.

las lesbianas se enamoran el animal presiente el eco de una caricia los viejos cantan. Nadie es inmune, ni Dios mismo, que es amor los enanos crecen los gigantes se derrumban los niños juegan los amantes mueren y viven la única tristeza la eternidad se desvanece la lluvia cesa los amantes se besan.

Y los poetas oh, los poetas ellos nunca sabrán lo que es el amor por eso escriben.

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A veces, para dormir prendo una hoguera.

Me acuesto sobre el fuego y los sueños se incendian.

Sueño naves, terremotos tu nombre y tu cuerpo.

Al despertar me duele estar sólo, entre cenizas.

Digo una selva de imágenes digo mi pequeñez frente al mundo ¿buscar luego, figuras en el cielo? ¿formas en las nubes? han de reírse los caballos y mirarnos las vacas han de ser monógamos los cuervos y los pájaros azules en bandada han de ser huesos blanquísimos del polvo luego piedra luego agua después aire ¡voluntad del aire, dame consuelo!


A LT E R N AT I V A S

L I T E R A T U R A

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N A R R A T I V A

B R E V E

La foto por Didier Garaven

El periódico se vendió como de costumbre; esa vez compró uno. Eran comunes las imágenes de muertos, sangre y desnudos. Reconoció a su novia. No cabía duda: era ella. No pudo evitar el pensamiento de que mucha gente, al verla, tendría deseos de poseerla, y que algunos quizá hasta colocarían la hoja en la pared; mas se contentó con lo que el periódico prometió pagar por la foto.

DIDIER GARAVEN (Tabasco, 1984). Licenciado en Ciencia Política y Administración Pública. Ha publicado narrativa en la revista Morfo Vitae, gaceta Enlace Universitario, en los libros-plaquet Un tajo de placeres mundanos (2003), Bajo la sombra se cobija el fango (2004), Donde Dios apagó su linterna (2006) y ¡Cuentos, joven! Muestra de autores tabasqueños (2012). Autor del libro de cuentos Por amor a Dumbo (IEC, 2013). Primer lugar en el Certamen Estatal de Cuento con motivo de la Feria Tabasco 2013. Colabora en publicaciones periódicas de corte político y cultural. Mediador de lectura. Docente de enseñanza secundaria en el área de Sociales. Incursionó en el ámbito teatral con la Compañía Ejército de Liberación Neuronal, como actor y en planta técnica.

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A LT E R N AT I V A S

I M Á G E N E S

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Y O

S É

F O T O

La magia de pintar con luz por Bernardo Luna

L

a luz es el factor esencial y más importante para dar forma y color a todo lo que nuestros ojos pueden observar, desde una gran cantidad colores intensos hasta un pequeñísimo detalle casi imperceptible. El arte y la ciencia de capturar la luz que envuelve un espacio, una fracción de segundo, incluso un sentimiento que se puede apreciar a través de una imagen, se llama fotografía. Desde el punto de vista artístico, una fotografía no solo es congelar el tiempo y preservarlo, sino capturar su esencia y transformarla en poesía

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visual, darle un significado más allá, transmitir sensaciones y hacer irrepetible el momento a través del objetivo y la cámara.

Sin embargo, la magia de crear una fotografía ha cambiado tras diversos factores afectan de forma tanto negativa como positiva.

Las nuevas tendencias han generado nuevas necesidades y de igual forma, soluciones prácticas en donde la única limitante es la imaginación. Hoy en día, el uso de los teléfonos móviles y aplicaciones, así como redes sociales y plataformas digitales para compartir contenido, han creado la posibilidad de no solo compartir una imagen, sino de poder apreciarla en cualquier parte del planeta.

Es cierto que tener una cámara con mejores características da ciertas ventajas, y más si hacemos una comparación con las capacidades de un teléfono móvil con una cámara, pero no es una limitante definitiva para no crear fotografía que pueda transmitir o calificarse como “buena fotografía”. En cualquier caso, debemos considerar estos y muchos factores para no perder la esencia:


A LT E R N AT I V A S

I M Á G E N E S

LA CALIDAD NO NECESARIAMENTE

FEBRERO 2017

DAR TIEMPO AL TIEMPO

ES SINÓNIMO DE PRECIO

A menos que el uso de esa imagen sea muy específico y necesites un equipo especial, los aspectos técnicos, procesos digitales, filtros o edición no son un factor definitivo para hacer una buena fotografía. Muchas veces nos vemos limitados por no tener el equipo o la cámara de nuestra preferencia; sin embargo, en la mayoría de las veces se puede llegar al mismo resultado de distintas maneras. No olvidemos que una mala fotografía, así sea tomada con una cámara cara, seguirá siendo un mala fotografía. BUSCAR MÁS, DONDE HAY MENOS

El hecho de no estar frente a un paisaje ‘espectacular’ o no tener la posibilidad de estar en el espacio más ‘hermoso’, no nos limita a descubrir un sin fin de detalles y nuevas perspectivas de capturar algo. La mayoría de las veces la mejor locación o el mejor modelo está justo frente a nosotros, pero nos negamos a observar.

El proceso y la creación de una imagen es tan único, que no se vuelve a repetir una vez que presionamos el botón de disparo. Darnos el tiempo necesario para hacer una foto es muy importante: esperar, analizar lo que estamos capturando, encontrar la composición que llene nuestras expectativas y dejar fuera todo aquel elemento que no nos interesa incluir en nuestra imagen, dará como resultado una verdadera fotografía. FOTITIS, EL PEOR ENEMIGO

Bien lo dicen: “la peor fotografía es la que no se usa”. Este puede ser el mayor problema con el que nos podemos enfrentar, ya que el hecho de acumular imágenes y nunca darles un uso (imprimir, compartir, publicar en alguna galería) es algo muy parecido a construir un auto o una herramienta y nunca utilizarlo.

PASIÓN Y PERSONALIDAD

Quizá este sea una de las carencias más grandes hoy en día. Nuestras fotografías deben hablar por sí mismas, y la pasión que tenemos al crearlas debe verse reflejado en la misma imagen. Nuestra apreciación hacia lo que nos rodea cambia con el paso del tiempo y en este arte no es una excepción; sin embargo, y a menos que sea una situación distinta, la primera persona que debe estar satisfecha con el resultado de lo que capturó la cámara, es su creador.

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La costumbre de lo maravilloso por Juan Ramón Velázquez Mora

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ay invenciones nefandas, traídas a nuestras vidas por los "oscuros molinos satánicos" del progreso, que se nos han vuelto costumbre y hasta necesidad: el automóvil, la producción en serie, la publicidad. Nos hemos acostumbrado al ruido, al humo, al concreto y al acero. Pero también nos hemos permitido estar demasiado a gusto en compañía del cine. No hay que perder de vista que el cine es un lenguaje que exige la interiorización de cierta gramática y vocabulario. La mayoría hemos estado expuestos a su poder hipnótico desde muy temprano, lo que impide que acumulemos recuerdos exentos de cine. Tuvimos que aprender. Como el primitivo, tuvimos que asumir en algún momento que las imágenes presentadas ante nuestros ojos eran y no eran al mismo tiempo.


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El bisonte es un montón de trazos en la caverna originaria, pero también es un bisonte. Incluso, podrían decir algunos, es un bisonte más real que el que nos cenamos esta noche. Ese mismo proceso fue el que ocurrió la primera vez que los hermanos Lumière expusieron a una audiencia la peculiar hipnosis de las imágenes en movimiento. Las mentes de los espectadores aún no estaban capacitadas para distinguir la diferencia sutil entre ese tipo de representación y la vida misma. Tal era su encanto, tal era su novedad. No es demasiado aventurado imaginar que, durante algunos segundos eternos, el Salon indien du Grand Café de París se desvaneció por completo para dar lugar al espacio abierto de una estación ferroviaria (otra novedad omnipresente ya desde entonces). La pared detrás de la pantalla se disolvió y abandonó su gastado cromatismo por distintos tonos de gris que eran una locomotora aproximándose.

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Lo mismo pasa con el lenguaje que usamos todos los días. La herramienta que me permite escribir esto y que tú, lector, donde sea que estés, entiendas lo que digo, es la materia (sutil, volátil) con la que está construido todo lo que te rodea. Pero tuvo que haber alguien, años ha, que equiparara cierto gruñido gutural con el objeto "árbol", el objeto "fiera hambrienta". Desde ahí a las pantallas que pueblan nuestra vida actual sólo hay un pestañeo. Los objetos han cambiado desde entonces. Ahora tenemos un objeto llamado "revista", una entidad denominada "Internet". Como las palabras, las imágenes en movimiento y sus formas de organización tienen que ser aprendidas, cultivadas y frecuentadas si queremos extraerles la savia vital que tienen para ofrecernos. Esa grieta en donde el objeto y su referente se funden y vuelven a la unidad original.

El reino del cinematógrafo es uno de imagen pura, sin la intermediación de las palabras. Es una región maravillosa poblada de extrañas luces y sombras, criaturas fantásticas e historias punzantes que excedería las ilusiones de cualquier chamán neolítico. ¿Qué estamos haciendo como cultura, como civilización, con un instrumento de semejante alcance? ¿Continuaremos por la senda de la estupidez, el lucro por el lucro y la sedación generalizada o nos propondremos un regreso a lo verdadero, lo salvaje, lo incómodo? Somos capaces de sentirnos bastante satisfechos con nuestra comodidad. Podemos creer que las películas son ruido de fondo para revisar variaciones interminables de un meme o de supuestas conversaciones con nuestros supuestos amigos durante dos horas. O podemos abrigar la esperanza de que algunas imágenes cargadas de poder nos sacudan el esqueleto enmohecido y nos permitan cuestionar las murallas de ilusión que hemos erigido alrededor de nuestra existencia.

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Mano artesanal, apoyo al consumo local por Carmen Gama

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extiles, bordados, lozas, azulejos, artículos de barro, calzado y una larga lista que no termina. México es un país rico en la elaboración de artículos artesanales. Tenemos una gran gama de culturas étnicas que se especializan en procesos y técnicas propios de cada región para la elaboración de dichas artesanías. Es fascinante como estas técnicas se han ido pasando de generación en generación, pero a su vez, es muy triste ver cómo están en peligro de extinción, debido a la falta de interés y de consumo de los productos hechos por nuestros propios artesanos. Estas artesanías son más valoradas por extranjeros, a tal grado que dise-

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ñadores y artistas de todo el mundo buscan nuestras artesanías como inspiración para la elaboración de sus propios productos, resultando en un “plagio artesanal”. La francesa Isabel Marant es un ejemplo claro de cómo diseñadores extranjeros vienen a robar nuestras técnicas artesanales con ánimo de lucro, sin dar reconocimiento al trabajo de los grupos étnicos. Marant estableció su marca de ropa en 1995, con un enfoque en diseñar ropa inspirada en la mano de obra artesanal de varios países como Asia, África o Latinoamérica. Isabel recientemente entró en una polémica con posibles demandas por la

reproducción casi idéntica de una vestimenta del grupo de artesanos de Santa María Tlahuitoltepec, de la Sierra de Oaxaca. Casos como este hay muchos, pero la verdadera controversia entra cuando nosotros, los mexicanos consumimos los productos de estos artistas y diseñadores. Tal es el caso de cadenas de fast fashion, como H&M, Zara, Forever 21, entre otros; que ocasionalmente hacen debutar colecciones inspiradas en artesanías y textiles indígenas a muy bajo costo. Sólo entonces es como la mayoría de los mexicanos vestimos objetos que reflejan nuestra cultura.


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¿Por qué esperar a que empresas extranjeras nos vengan a vender lo que en realidad podemos encontrar de mejor valor, calidad y precio en nuestro propio país? No sugiero que andemos vestidos con huipiles o rebozos todos los días, pero sí me gustaría alentar a consumir lo que está hecho en nuestro país. No solo hablo de productos artesanales, también hablo de artistas y diseñadores que diseñan productos contemporáneos que satisfacen nuestra necesidad de vestir a la moda y con calidad. Tal es el caso de dos diseñadores leoneses que se han encargado de establecer sus negocios a base de fomentar la elaboración de sus productos ya sea en colaboración de artesanos o simplemente creando sus propias técnicas artesanales. Veinteysiete es una marca de lentes de sol de León, cuya filosofía está inspirada en la visión de la corriente japonesa Wabi-sabi =“Redefinir el significado de imperfección”. Veinteysiete surge de la necesidad de poseer lentes de sol únicos, personalizados para el cliente y elaborados con materiales como la madera. Veinteysiete respeta la naturaleza propia de la madera, dando espacio a la imperfección en cada gafa, creando piezas únicas y de mayor valor artesanal. La elaboración de cada lente toma aproximadamente tres días hasta lograr la perfecta sincronía entre la técnica artesanal y el diseño contemporáneo de cada lente. Esta marca es un perfecto

ejemplo de como sí es posible encontrar productos mexicanos con gran calidad de diseño empleando técnicas artesanales. Otro gran ejemplo es MAKENA, una marca enfocada en la elaboración de productos de marroquinería artesanal hechos con piel, madera y tejidos. MAKENA = “Felicidad”, surge de la diseñadora de moda leonesa Marlene Muñoz, con el objetivo de crear diseños únicos que representen a México a través de la delicada fusión entre artesanía y diseño. La marca cuenta con una gran variedad de diseños vanguardistas, entre los cuales hay una línea de carteras con artesanía huichol, fabricadas en una comunidad indígena en Nayarit. MAKENA es un modelo de negocios que sabe ofrecernos objetos con calidad artesanal y moda contemporánea. Como mexicanos debemos estar orgullosos de nuestras raíces y cultura. Debemos apoyar, fomentar y enriquecer nuestras tradiciones artesanales al consumir productos elaborados por artistas, diseñadores y empresas mexicanas. Consumamos local para que continúe creciendo nuestra gran cultura.


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ara cocinar palabras hay que ser poeta. Para cocinarnos el día también. Cocinarse uno mismo los días requiere encontrar la poesía de la vida cotidiana, aderezar las horas con sustitutos anímicos que funcionen como la sal, el aceite, el ajo… un poco de cebolla, una pizca de chile o canela con los que logramos que aquello que llega a nosotros acabe resultando sustancioso, sano, sin venenos. Hay días en los que amanecemos ácidos, amargos o enchilados, no podemos evitar estos ingredientes que la existencia nos impone, pero ello no quiere decir que les permitamos echarnos a perder el guiso; podemos usarlos a nuestro favor siempre y cuando tengamos la fortaleza de espíritu y la imaginación suficiente para mezclarlos en un buen coctel, en el equilibrio de los contrarios, con su chorrito de agua quina o de angostura amargo; que la poesía sea siempre la copa con la que nos llevemos al cuerpo nuestra dosis diaria de realidad, bebiéndonosla sin frivolizarla. Haciendo los honores a este mundo al que, junto con los que nos rodean, estamos llamados a transfigurar.

Para evolucionar lo crudo y lo silvestre hay que desarrollar el arte y el oficio de quien sabe poner la vida en la cazuela y convertirla en alimento bueno. El poeta sabe usar los ojos para ver más allá ¿Quién sino un glotón amoroso, un festivo comensal, un aprendiz de la magia culinaria como Pablo Neruda, al ver la papa de todos los días podría, en vez de llamarla feílla, decirle cosas como: 52_

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Pablo Neruda, el gran convidador por María Luisa Vargas San José


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Profunda y suave eres, pulpa pura, purísima rosa blanca enterrada, floreces allá adentro en la tierra (...) Honrada eres como una mano que trabaja en la tierra, familiar eres como una gallina, compacta como un queso que la tierra elabora en sus ubres nutricias, Enemiga del hambre (…) Pablo Neruda, Oda a la papa (Extractos)

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Llorar con una cebolla es lo normal, pero verla como una estrella, rosa de agua, globo celeste, copa de platino, anémona nevada… Cebolla, luminosa redoma, pétalo a pétalo se formó tu hermosura, escamas de cristal te acrecentaron y en el secreto de la tierra oscura se redondeó tu vientre de rocío. (…) Estrella de los pobres, hada madrina envuelta en delicado papel, sales del suelo, eterna, intacta, pura como semilla de astro, y al cortarte el cuchillo en la cocina sube la única lágrima sin pena. Nos hiciste llorar sin afligirnos. Pablo Neruda, Oda a la cebolla (Extractos) En la mesa se escriben las alegrías y las penurias, los proyectos, los sueños y los destinos de los que comemos juntos. Neruda, enorme disfrutador de todas las texturas, los sabores y colores de la cocina del Hombre, nunca fue un “comesolo”; para

un colectivista desde la médula, la inanición de un solo individuo es la vergüenza de todos. Así, empujaba la idea de una gran cruzada anti-hambre en donde se reconociera al almuerzo como el primer derecho universal del ser humano, y nos llama a que “busquemos en el mundo la mesa feliz”, una mesa enorme, redonda y democrática en donde todos y cada uno tengamos derecho a sentarnos juntos, frente a un plato lleno y humeante que nos fortalezca y nos construya como seres completos. Tener hambre es como tenazas, es como muerden los cangrejos, quema, quema y no tiene fuego: el hambre es un incendio frío. Sentémonos pronto a comer con todos los que no han comido, pongamos los largos manteles, la sal en los lagos del mundo, panaderías planetarias, mesas con fresas en la nieve, y un plato como la luna en donde todos almorcemos. Por ahora no pido más que la justicia del almuerzo. Pablo Neruda, El gran Mantel (Extractos) Cocinó para sus invitados, el gran convidador chileno los sentó a su mesa, en la casa que miraba al mar, y preparó para ellos festines carnavalescos e inolvidables; ellos los degustaron con absoluta veneración y los guardaron en sus corazones. Para el resto del mundo, Neruda nos ofreció el guiso eterno de sus palabras, la poesía suculenta, gloriosa, brava y honesta de Chile. 53_


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Nuclear Pizza: radiaciรณn en cada mordida por Karla Gasca

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UNA VEZ QUE PRUEBES CUALQUIERA DE SUS PROPUESTAS RADIOACTIVAS, CAMBIARÁ TU MANERA DE VER, AMAR Y COMER PIZZA PARA SIEMPRE

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a pizza es un platillo universal que ha conquistado los corazones y estómagos de miles de personas alrededor del mundo. Sin embargo, para Oscar González y Fernando Medina, la pizza no es solo un platillo, es todo un estilo de vida que han fusionado con el rock punk y los videojuegos para crear Nuclear Pizza, sin duda las más obscenas de la ciudad, las únicas estilo Chicago. Olviden las pizzas congeladas que llenan tu estómago pero dejan tu corazón vacío. Nuclear Pizza ofrece a sus comensales un monstruo preparado con lo mejor de dos mundos: ingredientes frescos, recién adquiridos en el mercado local y una peculiar receta al puro estilo Chicago: base de pan gruesa y crujiente cubierta de queso y salsa de tomate. ¿Se trata acaso una lasaña híbrida? ¿Es quizá un pastel? Este platillo podría resultar inclasificable, pero no cabe duda de que una vez que pruebes cualquiera de sus propuestas radioactivas, cambiará tu manera de ver, amar y comer pizza para siempre.

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Oscar y Fernando iniciaron su amistad hace ya algunos años, unidos por la música y la pizza, dos de sus más grandes pasiones. Ambos tocan en bandas de rock y punk. Oscar dibuja y ama los videojuegos violentos que no le dejaban jugar cuando era niño. Solo bastó con unir estos elementos para generar un proyecto que se viene cocinando desde hace un año y que finalmente vio la luz a un costado del Hospital General. El imaginario de los videojuegos, donde un holocausto nuclear pone a los hospitales como los escenarios idóneos, le dan un sabor especial a este lugar. El local resulta una zona radioactiva que transporta a sus visitantes a la década de los noventa, con afiches de Duke Nukem y Doom, videojuegos violentos al igual que el sabor


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de estos platillos con dedicación, servidos por dos amantes de la salsa de tomate y el queso que se han obsesionado con la idea de crear la mejor pizza de León; sin importar lo grotesca que se vea y sin cobrar ni un peso de más por los ingredientes que desbordan de este platillo como en una explosión. Justo estos videojuegos bautizan dos de sus creaciones: ‘Duke Nukem’, con pepperoni, champiñón, jamón y pimiento amarillo, y ‘Doom’ para los amantes de la carne, ya que contiene: pepperoni, jamón, salami, tocino y pimiento. ‘Einstein’ es la opción vegetariana para los más inteligentes, con pimiento, cebolla, champiñón y aceituna. ‘Villa Bomb’ es una sensual explosión de sabor que contiene chorizo, queso doble crema, jalapeño, cebolla y jamón; y finalmente, pero no menos importante ni deliciosa, se encuentra la clásica ‘Hawaian Boom’, con jamón, piña y cebolla.

te recomendamos pedir una pizza mutante 4 en 1 que combina todas las opciones anteriores, ideal para que sacien su apetito cuatro personas hambrientas. También puedes agregar todos los ingredientes extras que quieras y orilla de queso por un precio extra, y ordenar que preparen tu pizza con masa clásica, de hierbas finas o parmesano.

Todas estas suculentas opciones se pueden ordenar en tamaño grande o nuclear (estilo Chicago). Pero si eres tan voraz como las Tortugas Ninja,

Por si esto fuera poco, todos los días Nuclear Pizza ofrece a sus clientes pizza de pepperoni por 89 pesos. Los martes puedes disfrutar

de dos pizzas grandes por 199 pesos, y los jueves de una pizza grande y una nuclear por 279 pesos. Al tanto del ambiente que rodea a un hospital, Oscar y Fernando se han dado a la labor de compartir de forma gratuita el sabor de sus monstruosas y deliciosas creaciones con aquellos que pasan por un momento difícil y esperan en los alrededores del sanatorio; otra razón por lo que hay que admirar y reconocer la labor de estos dos chicos que se han entregado completamente a lo que más aman. ¿Qué sigue para Nuclear Pizza? Seguro más rock, punk, videojuegos, sabor y sobre todo, crecimiento. Pronto contarán con servicio a domicilio y una segunda sucursal. Mientras tanto, te invitamos a visitarlos en la calle 16 de septiembre 152, en la colonia Obregón, de martes a sábado, a partir de las 2 de la tarde y hasta las 10 de la noche.

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l arte es para compartir, para cobijar aquellas ideas colectivas que guían el ritmo social y cultural de las personas. La galería de arte Kunaláh ofrece una propuesta particular para aquellos que buscan aprender, conocer, compartir, y sobre todo, impulsar el crecimiento cada vez mayor del quehacer artístico de la región. La integración surge en una atmósfera cosmopolita, en donde grabadores, pintores, fotógrafos, escultores, entre otros; crean presencia y sintonía con el público. Un acercamiento donde convergen identidades, experiencias y conocimiento mutuo, con el fin de rescatar el principio de homogeneización cultural, para con ello crear vínculos en torno al saber artístico. La galería ofrece un espacio de expresión, de exploración del talento y conocimiento personal en clínicas, seminarios y talleres para la especialización, donde profesionales en el área democratizan el conocimiento entre sus alumnos e impulsan las habilidades individuales, fomentan la expresión e interacción de una forma colectiva.

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Kunaláh: el arte es compartir por Zaid Rivas Romero

Para poder lograr el objetivo, Kunaláh sostiene sus bases en un pilar con objeto social, donde proyectos comunitarios a nivel local toman forma y dan lugar al fortalecimiento de la cultura, desarrollo social, la identidad y los valores para una mejor calidad de vida. Por ello convocamos al aprendizaje, a ser parte de un ambiente de enriquecimiento cultural en un espacio formativo, pacífico, para así dar pauta a nuevas propuestas de expresión social innovadoras. 58_

Gal e r ía de ar t e Ku n a lá h

av. Pa n or a ma 907 , va lle d e l ca mpe s t r e


Revista Cultural Alternativas N81 Febrero 2017  

Número dedicado a la actividad escénica en León, Gto.

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