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NÚMERO 22
MAYO 2023
AÑO 3 REVISTA DIGITAL
Editor:
Carlos Mora
Co editora:
Maribel De Luna
Colaboradores:
Elizabeth Osorio
Cinthya Salas
Alejandra Lomelí
Francisco Javier Quintanar Polanco
Angélica Ramírez
CORREO:
cameo.revista@gmail.com
REVISTA CAMEO
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Entre las calles de la colonia Roma existe un barrio prehispánico, cuya historia ha sido desde un islote cercano a Tenochtitlán, una ermita en la que eran ahorcados criminales durante el virreinato y en el siglo XX escenario de la afamada película Los Olvidados de Luis Buñuel.
Les hablo del barrio La Romita que forma parte de un pedazo de la colonia Roma que no ha sido alcanzado por la gentrificación y la voracidad inmobiliaria, parece perdido en el tiempo pues ofrece un paseo en la paz provinciana.
La Romita es una de esas zonas en las que los indígenas quedaron relegados cuando Hernán Cortés decidió que la antigua Tenochtitlán sería habitada únicamente por españoles, por lo que los indios fueron expulsados a los arrabales, a los perímetros externos que rodeaban las acequias, donde se formaron los primeros cinturones de miseria de la ciudad.
Aztacalco “lugar o casa de las garzas” fue su nombre indígena, durante el virreinato frente a su capilla presuntos criminales fueron llevados a la horca, principalmente indígenas, quienes eran llevados a la iglesia de Santa María de la Natividad de Aztacalco que sigue en pie para que pidieran perdón y después eran ahorcados en un árbol; si visitan La Romita encontrarán aún cronistas que relatan dichas historias.
Durante siglos La Romita resistió el arribo de las clases altas, el estatus de zona exclusiva que se le dio en la época del porfiriato. Durante las primeras décadas del siglo XX fue considerada una zona peligrosa, cuyos habitantes estaban sumergidos en la pobreza, seguramente fue un barrio que visitó Luis Buñuel como lo señala en su libro Mi Último Suspiro, al relatar cómo filmó Los Olvidados en 1950.
“Me dediqué a recorrer las “ciudades perdidas”, es decir, los arrabales improvisados, muy pobres que rodean México D.F. Algo disfrazado, vestido con mis ropas más viejas, miraba escuchaba, hacía preguntas, entablaba amistad con la gente. Algunas de las cosas que vi pasaron directamente a la película”, describió el cineasta español.
Los Olvidados es hoy considerada una de las obras más reconocidas de la época del cine de oro mexicano; sin embargo, su estrenó en el México de los 50, resultó
Fuente: Mediateca INAH
sumamente incómodo para las clases sociales que ignoraban o querían ignorar la pobreza y la falta de oportunidades para ese sector de la población, para esas zonas como la Romita que durante siglos vivió en la indiferencia.
“Estrenada bastante lamentable en México, la película permaneció cuatro días en cartel y suscitó en el acto violentas reacciones. Uno de los grandes problemas de México, hoy como ayer, es un nacionalismo llevado hasta el extremo que delata un profundo complejo de inferioridad. Sindicatos y asociaciones pidieron inmediatamente mi expulsión”, relató Luis Buñuel en su libro de memorias.
El director de Viridiana describió que los espectadores al salir de la proyección, tenían un semblante cómo de haber estado en un velorio. Una de las espectadoras que no recibió el filme con gusto fue Lupe Marín, esposa de Diego Rivera, de quien dijo Buñuel, se comportó con él “altiva y desdeñosa”. Otra mujer no dudó en lanzársele a arañazos.
“Bertha, casada con el poeta español Luis Felipe se precipitó sobre mí, loca de indignación, con las uñas rendida ante mi cara, gritando que yo acaba de cometer una infamia, un horror contra México”, compartió en Mi Último Suspiro.
No obstante, todo cambió luego de exhibirse en el Festival de Cannes, en el que Luis Buñuel ganó el premio a Mejor Director, fue entonces que se vio absuelto de las críticas en México, es decir hasta que Los Olvidados fue un éxito europeo. La película se volvió a exhibir en las grandes salas de la Ciudad de México, donde permaneció en cartelera dos meses.
Y en ésta una de las películas más importantes para la historia del cine mexicano, quedó inmortalizada La Romita, en una breve escena donde el inolvidable personaje del Jaibo toma refresco con Pedro y el resto de los jóvenes, recargados en un árbol a un costado de la iglesia.
En una de las casas que rodean la plaza, existe un testigo de Los Olvidados, sus paredes tienen un mural con los rostros del Jaibo y Pedro. Hoy, ha dejado de ser ese barrio marginado que retrató Buñuel, actualmente se encuentra rodeados de corporativos y han desaparecido unidades habitacionales, pero no deja de ser una joya hablando de historia y memoria de la ciudad.
Iglesia de La Romita. Escena de los Olvidados en L a Romita. Cuatos cubiertos con láminas de cartón en el barrio La Romita.¿Qué harías si tu mamá te pidiera que la ayudes a quitarse la vida? este es el dilema al que se enfrentan las hermanas Cami (Diana Bovio), Teté (Ana Valeria Becerril) y Margo (Ximena Sariñana) cuando se enteran que a su mamá, Rosalinda (Blanca Guerra), le queda poco tiempo de lucidez. Ésta es la premisa de la nueva película de José Ramón Chávez, una comedia ideal para disfrutarse en familia. "El personaje de Cami fue escrito pensando en mí", confiesa Diana Bovio en entrevista.
por CARLOS MORA
Diana, ¿Cómo te sentiste al hacer este proyecto? Tiene muchos temas muy sensibles.
Fue un proceso muy revelador. Me hizo conectar mucho con mi mamá y con la vida en general, con esta sensación de que la vida pasa tan rápido y a veces estamos tan metidos en nosotros mismos y en lo que queremos y se nos olvida que las demás personas también están vivas.
Me hizo replantear las ideas que tengo sobre la maternidad y su cercanía conmigo. Fue un proyecto muy sensible al lado de estas tres mujeres que me enseñaron muchas cosas y que estoy completamente enamorada de ellas, a Ximena y Ana Valeria ya las considero mis hermanas en la vida real, y qué decir de Blanca, es una gran maestra de la actuación y de la vida, es una gran compañera, las adoro mucho a las tres.
Precisamente, ¿cuál fue la experiencia al trabajar con ellas?
¡Increíble!, son mujeres que imponen mucho por su talento y por su presencia. Pero también son muy generosas y amorosas.
Ana Valeria es pura ternura y tiene una frescura que nos invadió a todas desde que la conocimos. Por su parte, Blanca es una mujer que impone mucho y fue muy lindo compartir el set con ella, y Ximena es una mujer muy amorosa, maternal y estaba al pendiente de todas.
Y hacer este road trip con ellas, ir de una ciudad a otra, terminamos volviéndonos familia, fue un proceso que atesoro mucho. Sin dudarlo, haría todas las películas con estas mujeres (risas).
¿Y cómo fue el proceso de creación?
Me gusta mucho cómo se aborda el tema de la maternidad, pero en distintos puntos, fue un proceso muy lindo al lado del director Joserra, él se dedicó a trabajar con nosotras cada personaje, primero de forma individual, explorar su vida, de dónde vienen, saber quiénes son, eso nos ayudó a entender desde la complejidad a cada personaje, era entender las relaciones de madre e hijas, de hijas con la madre, pero también entre hermanas y como mujeres; fue un proceso muy interesante y muy rico.
Después nos empezamos a juntar las cuatro con Joserra, fue hablar de nuestras experiencias, creo que se nos hizo más sencillo adentrarnos a nuestros papeles y así poder entrar en el tema que se aborda en la película.
¿Cómo fue trabajar con el director José Ramón Chávez?
Es un director muy sensible y amoroso. Es alguien que mantiene un set tranquilo y agradable, te da mucha confianza como actriz. A mí me encanta trabajar con él.
Soy de las que piensan que trabajar con directoras o directores, nos enriquece mucho, nos complementamos perfectamente, y ver que todavía hay pocas mujeres en la industria me parece triste, me gustaría trabajar más con directoras.
Hace poco trabajé con Claudia Sainte-Luce, en Amor y matemáticas, para mí fue lo máximo, es de las mejores directoras con las que he trabajado, es mi top, también es amiga de Joserra, tienen esta sensibilidad para abordar al actor desde un lado muy amoroso y así me encanta trabajar. Me gustaría trabajar con más mujeres en un futuro.
¿Qué opinas sobre filmar en otros estados, como Baja California?
Es importante que se cuenten historias de otros lugares, que la gente se sienta identificada con su estados o su ciudad, que se sienta orgullosa de mostrarlo al mundo.
Y también fue un plus para mí el que fuera un road trip y fuera en esta parte de México que yo no conocía, fue un viaje inolvidable, tienen los atardeceres más hermosos que he visto en mi vida. Estar en La Paz, donde se come delicioso, los paisajes de Ensenada, la verdad me sentí muy afortunada, recuerdo una de las escenas donde voy manejando al lado de mis hermanas y al lado está el mar, fue un goce, creo que el paisaje fue otro personaje dentro de la película, me encantó estar en Baja.
Lo complicado es estar fuera de casa, estar viviendo en hoteles, es raro y solitario, pero tuvo más cosas buenas.
La cinta aborda el tema de la eutanasia, ¿qué opinas?
Creo que cada quien debería tener el derecho a decidir sobre su vida, me parece algo válido que decida cómo quiere partir de esta vida.
Es algo de lo que no se habla, sigue siendo un tema tabú y nos asusta, pero creo que deberíamos platicar más sobre este tema, de la vejez y de la muerte.
El estreno es una fecha muy importante, el Día de las Madres.
Sí, es importante que el cine nos deje mensajes y ganas de ver algo, creo que esta película hará reconectar con tu familia y sobre todo con la madre. A mí me pasó durante el rodaje, me volví a reconectar con mi mamá, es algo con lo que me quedo y que se me hace muy valioso. Estoy muy contenta con el resultado.
FOTOS CARLOS MORA
ENTRE las producciones mexicanas que distribuye Star Plus durante este año está ¿Cómo matar a mamá?, tercer largometraje del director José Ramón Chávez, protagonizada por Blanca Guerra, Diana Bovio, Ximena Sariñana y Ana Valeria Becerril. La película aborda desde la comedia dramática temas tan inusuales como es la elección a una muerte digna y las enfermedades degenerativas, así como la reconciliación familiar y con el pasado.
La historia sigue a Rosalinda (Guerra), una señora que está sufriendo de demencia senil. En un momento de lucidez, pide a sus tres hijas que la ayuden a disfrutar de sus últimos momentos de vida consciente recorriendo los lugares donde fue feliz en su juventud, pero también que la ayuden a morir. A pesar de la mala relación que tiene con ellas, Camilia (Bovio), Margo (Sariñana) y Teté (Becerril) aceptan y deciden acompañar a su madre en un viaje por carretera desde Tijuana hasta San José del Cabo. Entre confesiones inesperadas, arrebatos de moralidad, intentos fallidos y mucho vino, las hermanas lidiarán por tomar una decisión que cambiará sus vidas.
¿CÓMO MATAR A MAMÁ?
Distribución: Star Plus
Con guion de Carla Sierra, quien ya había trabajado como guionista del director en la película Después de ti (2021), ¿Cómo matar a mamá? aprovecha muy bien la estructura de la road movie para abordar la redención, en el caso de Rosalinda, así como el autodescubrimiento que experimenta cada uno de los personajes, es en este aspecto donde la idea central se abre y toca temas todavía más profundos como es el sentido de la vida, los sueños que se dejaron en el camino, el amor de pareja, la fortaleza de los lazos familiares y, claro, la muerte.
Aunque en líneas generales se trata de una película bienintencionada, hay ciertas decisiones narrativas que ensombrecen el resultado, principalmente, el tono, como mencionamos antes, se trata de una comedia dramática, géneros que nunca consiguen fusionarse satisfactoriamente, siendo los acentos de comedia los que peor trabajados están, ejecutando gag y situaciones físicas con tan poca naturalidad y simpatía por parte del elenco que denotan torpeza en la dirección de actores.
Al final, ¿Cómo matar a mamá? es un viaje atropellado, aunque ligero y a veces entretenido, pero que te deleitará con hermosos países de las costas bajacalifornianas.
Con los años que me quedan, la nueva película de Frank Ariza, que describe como "una historia del anti sueño americano. De dos andaluces que deciden extender el negocio de los churros a Estados Unidos.
También habla sobre la herencia de las decisiones que toman los padres a la hora de elegir nuestro camino. De ahí la carretera como metáfora de la vida”, dice en entrevista el director español.
por CARLOS MORA
El director andaluz estrena en la plataforma de Amazon Prime Video, la película Con los años que me quedan, que cuenta con la participación de las actrices mexicanas Aislinn Derbez, Regina Blandón, Michelle Rodríguez y el español Manuel Vega, además de un elenco internacional.
La road movie tragicómica, tuvo su estreno dentro del marco del Festival de Cine de Almería. La historia gira en torno a Macarena (Regina Blandón), una joven estudiante de derecho, quien deberá pagar una deuda adquirida por su padre, y tendrá que aceptar trasladar una “mercancía” de la ciudad de Los Ángeles a México, lo cual le traerá una experiencia llena de sobresaltos, que acabará por convertirse en la mayor aventura de su vida.
¿Cómo te sientes del estreno de Con los años que me quedan?
Es formidable tener la posibilidad de que se rompan esas fronteras para una película, y que todo el mundo pueda tener acceso a diverso contenido. Se agradece que el público pueda ver nuestro trabajo que se ha hecho con tanta dedicación y esfuerzo.
Sobre la historia, ¿cómo nace?
Nace porque yo soy un inmigrante en Estados Unidos y quise hacer una metáfora sobre cuatro personajes (Aislinn Derbez, Regina Blandón, Michelle Rodríguez y Manu Vega), que separados por cuatro acentos y procedencias distintas van a cumplir lo que yo llamo "el anti sueño americano", creo que todos buscamos ese mismo sueño aspiracional, pero al final se convierte en un anti sueño.
Con el elenco, ¿cómo fue tu acercamiento?
Son una bomba, Aislinn Derbez, Regina Blandón y Michelle Rodríguez, tenían una complicidad dentro y fuera de cámaras. Pero junto a Manu Vega hicieron una una banda maravillosa, hicieron de este rodaje fuera una delicia y eso que es difícil rodar una road movie.
Eres guionista y director.
Creo que es algo redondo que para mí es la clave. Creo que cuando vas a dirigir necesitas saber escribir, porque entendemos perfectamente a los personajes, sus matices y te pones en el pellejo de ellos, porque llevas tantos meses en desarrollarlos que ya entiendes que quieres y necesitas de ellos, esa es mi humilde opinión.
Y como guionista, ¿cómo es tocar los temas de inclusión?
Dándole libertad y naturalidad a los temas, si ves la película el personaje de Regina Blandón es la exnovia de Aislinn Derbez, fueron novias, y no se trata de un tema relevante, solo es algo natural. O que el personaje de Michelle Rodríguez tiene un diálogo que dice, ¿"me veo gorda"?, y pero ella lo trata con naturalidad, no se toma como burla. Entonces como repito es dar la libertad a los personajes.
¿Cómo ves la industria en México?
Es una evolución que continúa con una ebullición de talento, México está en el ojo del mundo en cuanto a temas de directores, premios y demás.
Yo crecí con el melodrama, desde pequeñito, y ver que en México tiene una historia en cada esquina, es algo maravilloso.
Es muy similar a lo que se vive en mi pueblo, en Andalucía, al final con poco somos felices. Hace unos pocos meses escribí una serie que se llama "Mariachis" para HBO Max, y para mí fue un reto impresionante porque me siento mexicano, aunque no nací aquí, pero ver la cultura de los mariachis es llevar un
mensaje para que la gente no se olvidé de sus tradiciones.
Y México es súper rico en todo, musicalmente, gastronómicamente, pero sobre todo la gente, cualquier persona que llega a este país es muy bien recibida.
¿Cómo fue trabajar con Amazon Prime Video?
Muy bien, es maravilloso que cualquier persona pueda acceder a ver obras en diversos países. Creo que queda un trocito de toda la producción plasmada en la película. No somos conscientes de dimensionar toda exposición que te da una plataforma como Amazon.
Has estado en diversos festivales, ¿cómo han recibido la película?
Muy bien, la verdad es sorprendente, creo que todos tenemos que unirnos porque al final hablamos el mismo idioma que es el español, nos podemos separar por los acentos. Y en la película se muestran las raíces, la familia y eso hace que la gente empatice con la cinta, más con nuestro idioma , el castellano.
" CON LOS AÑOS QUE ME QUEDAN ES UNA MEZCLA DE GÉNEROS, YO DIRÍA QUE ES UNA DRAMEDIA"
Lidia (Gala Montes) y Manuel (Michel Duval) son una pareja de recién casados cuyas familias sólo se han visto una vez. Ahora se reúnen para celebrar el día de las madres.
Pero, hay un secreto familiar que cuando estalle va a cambiarlo todo. Ésta es la premisa de la película de comedia que estrena la plataforma de Prime Video.
por CARLOS MORA¿Qué les gustó de esta película y cuál fue un reto para para estar en ella?
Gala Montes: La verdad es que nos gustó todo, para mí fue una gran oportunidad de entrar a una plataforma y qué mejor que entrar en video.
Empezando desde el guión que está muy bien escrito, con un gran director como Javier Colinas, coproducida por Corazón Films y qué decir del elenco, empezando por Anette Michel, Leticia Huijara, Michel Duval, Alejandro Camacho, Giovanna Reynaud, Geraldine Alejandra, Anahí Allué e Ignacio Guadalupe, la verdad es que está bien chido, y como repito es una gran oportunidad en mi carrera.
Michel Duval: Es innegable que las plataformas de streaming están agarrando un poder inimaginable y con ese poder también viene una exposición muy padre, creo que el lenguaje ya no es barrera para el contenido. Y qué bonito saber que este proyecto se va a ver en más de 200 países y que tal vez una familia en Turquía nos ve y dice, "me identifico más de lo que pensé".
Su pareja vive una situación actual, donde la esposa es la que mantiene el hogar.
Michel Duval. Nunca fue la tirada inspirar este tipo de conversación, pero es un reflejo de lo que se vive en la actualidad. Lo que te puedo decir de mi personaje es que lo que más le duele a Manuel es no encontrarse a sí mismo, y poder ver que todos en su familia, hasta su hermanito, ya sabe qué quiere ser.
Y no sólo eso, ya tiene un matrimonio, ya ofreció a una mujer un tipo de vida, entonces creo que esa es su batalla, encontrar quién es Manuel San Román. Pero la pareja que forman Manuel y Lidia, es bien bonita, están ahí para apoyarse, para decirse las verdades y explorar este camino que ellos no habían vivido con las familias; su historia de amor empieza en la universidad, pero ahora son arropados por estas dos familias locas y les toca enfrentarlos y convivir, creo que ahí también viene esta prueba de amor, que a mí no me cabe duda que ellos superarán.
Gala Montes: Tiene problemas de identidad y Lidia, mi personaje, le ayuda en esta búsqueda. Y creo que como parejas están para eso, para apoyarse mutuamente.
Gala, tu personaje dice que el Día de las madres es el día más estresante para ellas, pero también para los que somos hijos, ¿qué opinan de este día?
Gala Montes: Cuando uno es adulto, ya toca consentirlas y ver a dónde las vamos a llevar, por ejemplo, recuerdo que cuando era chica, en la escuela le mandaban un recado a mi mamá para llevar dinero para regalarte algo el día de las madres, y mi mamá me decía: ¿de dónde sacó los 50 pesos?, eso porque mi mamá fue madre soltera. Y luego para los regalos, sí decía, "ay maestra, sí se pasó con ese regalo".
La realidad es que es un día en el que se gasta mucho, nos invitan a gastar de más, pero yo creo que sin importar cuánto dinero tengamos, lo que sí tenemos que saber es valorar a nuestras mamás con lo que sea que haya en la mesa, saber pasarla bien ese día.
Michel Duval: Eso también se refleja en la película, tenemos a dos mamás que tienen una perspectiva del Día de las madres totalmente diferente, y haya pasado lo que haya pasado, terminan las dos en el bar diciéndose las verdades de qué es lo que creen de toda esta locura que es ese día.
¡Qué mamás les tocaron!, las grandes actrices
Anette Michel y Leticia Huijara!
Gala Montes: Ay padrísimo, la verdad es que son mujeres super divertidas, son grandes actrices, yo disfruto trabajar con todos, la verdad es que yo aprendo de todos, aprendo hasta del niño porque yo fui niña y sé que los niños son los que más sufren, porque son los que más trabajan porque siguen estudiando, y sé que la
mamá se parte el lomo al igual que el niño, son los más genuinos o sea son los que actúan con el corazón, son los que menos viciados están, los que menos mañas tienen, pero claro, por supuesto que sé reconocer a una Leticia Huijara, porque mi tirada es seguir trabajando de actriz y estoy fijándome a ver qué tips les puedo "robar" a una Anette Michel, a un Alejandro Camacho, estoy parando la oreja siempre, y es un agasajo trabajar con mi querido Michel Duval, que además es un bombón.
Michel Duval. Creo que algo bien padre de este proyecto es que tenemos tantas edades, tantas perspectivas de vida, tantos talentos, tantos caminos diferentes de cómo llegamos a la actuación, y creo que es, como bien lo dijiste (Gala Montes), aprender uno y del otro, es super bonito, y es muy bonito estar arropado de todos ellos.
Alexis Gambis es un cineasta y biólogo franco-venezolano. Sus películas combinan documental y ficción, adoptando perspectivas animales y experimentando con nuevas formas de narración científica. Su último largometraje analiza cuestiones de identidad, inmigración y evolución animal-humana.
por CARLOS MORA
¿Cómo fue que te interesó el tema de las mariposas monarcas?
Soy Franco venezolano, tengo también mi lado latino. La idea de la película viene de mi interés por la migración de la mariposa, exponer el peligro que tienen por el cambio climático, mostrar una metáfora que tiene con el ser humano, también somos inmigrantes, y mostrar la cultura mexicana, con el tema espiritual.
Hiciste un gran trabajo con el actor Tenoch Huerta, ¿cómo fue tu primer contacto con él?
Fue increíble. Cuando empiezo a preparar un largometraje, hago varios cortos en el proceso.
Yo soy biólogo y tengo una formación como científico, así que mi manera de trabajar en el cine es como una investigación, fui a Michoacán a conocer los santuarios de la mariposa monarca e hice varios cortos, exploré mucho el tema de la metamorfosis.
Conocí a Tenoch por una amiga que me lo presentó, después fuimos a Angangueo para explicarle la propuesta de la película, le interesó mucho y quedó fascinado, tuvimos conversaciones sobre la ciencia, también le interesan mucho temas de la evolución y la genética, es una persona que sabe mucho.
Después nos vimos en Nueva York, lo llevé al laboratorio, ahí escribimos el personaje de Mendel, un personaje que está pasando por una crisis existencial y una exploración interna; fue una de las mejores experiencias trabajar con él.
Eres científico, ¿cómo fue que te intereso ser director de cine?
Mi mamá es directora de cine, entonces desde que crecí vi cómo trabajaba, mi infancia la pasé con actores y todo el mundo cinematográfico, y mi papá es pintor, entonces crecí en una casa llena de artistas.
El arte y la ciencia siempre estuvieron muy conectados para mí desde mi infancia. Empecé a hacer películas en el laboratorio, usaba el laboratorio para hacer ficción.
Obviamente me gusta mucho el cine de Luis Buñuel, del director francés Michel Gondry, fue así como empecé a ver un poco de esa conexión entre la ciencia y el cine, creo que como biólogos ese aspecto nos gusta, el surrealismo; en muchas de mis películas tengo escenas que pasan debajo del microscopio.
Lo que fue primero un hobby se volvió algo mucho más presente en mi vida.
Grabaste en Michoacán.
Parece que fue en otra vida porque fue antes de la pandemia, pero la verdad es una experiencia inolvidable, pude entender la situación sobre el peligro de la mariposa monarca, que tiene que ver con el cambio climático y la deforestación. También entender cómo luchan por la preservación de esta especie y lo que significa como símbolo de la comunidad y ver la conexión que tienen con el Día de Muertos.
También destaca tu elenco.
Tuve mucho apoyo de actores como Paulina Gaitán, quien es una gran amiga, pero también están Noé Hernández, Angélica Aragón, Angelina Peláez, Gabino Rodríguez, a todos les interesó la película porque era otra parte de México y también el medio ambiente.
El personaje de Mendel tiene una riqueza de identidades, yo soy un inmigrante viviendo en Nueva York, hasta creo que tengo una crisis de identidad porque soy francés, venezolano y estoy viviendo en Abu Dhabi. Hice una película en México sobre lo que es ir a vivir a Nueva York, y todo eso es parte de mi identidad. Siento que en el cine se necesitan más historias como Hijo de monarca.
Hay escenas donde Tenoch hace referencia a los capullos. Sí, la idea es de volver a empezar, utilizar un poco el desarrollo de la mariposa que va de una oruga, a un capullo, hasta lograr tener sus alas, eso es lo que quise plasmar, ver cómo empieza la metamorfosis.
ALEXIS GAMBIS regresa a la dirección de un largometraje con Hijo de Monarcas , un proyecto de fuerte impronta autobiográfica en el que combina su particular visión como biólogo para trazar un emotivo viaje de autodescubrimiento y transformación visualmente cautivador, inspirado a su vez en el viaje que emprenden las mariposas monarcas a Michoacán todos los años en busca de su supervivencia. Protagonizada por Tenoch Huerta, la película fue estrenada en el Festival de Cine de Sundance de 2021 donde fue galardonada con el premio Alfred P. Sloan.
El director toma el viaje migratorio que hacen las mariposas monarcas para elaborar una metáfora de la metamorfosis personal y espiritual que experimenta su protagonista, Mendel (Huerta), un joven científico mexicano, originario de Michoacán, pero radicado en Nueva York, atormentado por la culpa de un suceso trágico que vivó cuando era niño y terminó en la muerte de sus padres. Tras la muerte de su abuela (Angelina Peláez), Mendel regresa a su ciudad natal, enclavado en los majestuosos bosques de mariposas monarca de Michoacán. El viaje lo obliga a enfrentar traumas del pasado, su complicada relación con su hermano Simón (Noé
Hernández) y reflexionar sobre su identidad híbrida.
En Hijo de Monarcas, pasado, presente, tradición y folclore se conjugan para dar forma a un estudio de personaje intimista sostenido por un trabajo de interpretación sobresaliente de Tenoch Huerta, quien entiende a la perfección los conflictos morales de un personaje introvertido que busca saldar cuentas con sus demonios y abrazar su identidad; es su actuación la que, en muchas ocasiones, rescata a la historia de su didactismo y ritmo algo irregular cuando se aleja de lo esencial (el viaje de sanación de Mendel) para desarrollar sub tramas innecesarias como el romance de Mendel con Sarah (Alexis Rasmussen) o una investigación genética que realiza el protagonista, aunque esta última más que innecesaria, termina siendo una idea redundante.
Sin embargo, Hijo de Monarcas es una película con personalidad e intereses bien cimentados, pocos largometrajes consiguen unir la ficción con la ciencia de forma novedosa y aquí lo ha conseguido Alexis Gambis, componiendo imágenes que celebran la exuberancia de la naturaliza y el misticismo de la sabiduría popular.
La directora Paz Encina, habla de Eami, más que hacer una película sobre una comunidad concreta, me centré en algo que forma parte de la historia de la humanidad: opresores y oprimidos, el exilio, la diáspora, la pérdida... Son temas que vengo abordando desde hace tiempo, posiblemente en todos mis trabajos. No me interesa la comunidad a nivel antropológico, lo que me interesa es la condición humana, saber qué es lo que le pasa a la gente. Ellos viven algo que, de alguna manera, es lo que vivimos muchos seres humanos, quizá todos. Pienso que en muchos momentos de la película, todos somos Eami.
¿Pero primero, cómo es que surge la idea para hacer esta película?
pensado trabajar con una comunidad indígena ni hacer esta película, yo quería hacer una película de amor porque venía de hacer cintas bastante complejas y muy tristes... buscaba hacer algo más simple.
Hasta que un amigo me dijo, "yo sé dónde está esa historia, está en la comunidad Ayoreo", se trataba de unos hermanos que se enamoran entre sí y que se tienen que ir a vivir al monte porque no son aceptados por la comunidad, era una historia medio extraña pero dije, "bueno, allá voy".
Cuando llego a la comunidad hablé con el líder de la aldea, le platico el proyecto y me dijo
que no le interesaba hablar sobre esta historia, entonces me quedó muy cortada.
Al final le pregunté qué le interesaba contar y ya me dijo que necesitaban hablar sobre el tema que implica dejar para ellos su territorio, porque tienen miembros de su comunidad que siguen viviendo en aislamiento voluntario y que quieren que ese territorio sea respetado por el gobierno.
Entonces accedo a la petición, pensando que iba hacer algo más pequeño, quizá un ensayo de 30 a 40 minutos. Entonces empiezo a conversar con ellos y a leer una gran cantidad de tesis que se han hecho sobre esta comunidad, ahí me dí cuenta que era un proyecto muy grande. Así fue el comienzo.
"La esperanza, real y concretamente, para mí está en los niños. Hay dos niñas y cuatro niños que actúan en la película. Pienso que el futuro de la comunidad va a estar en sus manos y tengo mucha fe en lo que pueda ocurrir. Las niñas son parte de un mestizaje, son hijas de un líder joven y una mujer paraguaya. La madre de esas niñas honra la cultura ayoreo como pocas personas lo hacen y educa a sus hijas para que lo hagan también. Las niñas van a una escuela paraguaya y son educadas en ese marco, los niños no, ellos están en la comunidad y son educados en el marco de la cultura ayoreo. Sin embargo, son primos de las nenas y en el momento de jugar no existe ninguna barrera entre ellos, ni siquiera la lengua, y pienso que eso se va a trasladar a una nueva forma de liderazgo y que la manera de proteger el territorio va a tener acciones efectivas dentro de lo que implica la idea de "progreso" y "avance". Esos niños van a estar listos para afrontar lo que haya que afrontar"
¿Cuánto tiempo te llevó hacer la película?
La película me llevó seis años, tuve muchas conversaciones y tuve acceso al líder joven de la comunidad que hizo el guion con nosotros. Me siento como una traductora, no tanto como la hacedora de esta película. Algo que me movió mucho fue que al momento de buscar pedazos de monte para la filmación, ya existían muy pocos.
Por eso digo que me tocó ser como una intermediaria. Sentí que era una película por encargo a la que yo accedí y de la que me encargué de que se hiciera, en ese sentido me puse esa camiseta y me gustó.
Para mí fue un trabajo muy arduo en ese sentido, pero fue muy persistente. Algo de lo que me alegro y que para mí es uno de los mayores logros de esta película es que pudimos llegar al Parlamento de Paraguay y que el reclamo Ayoreo fue escuchado por todo el Parlamento. Y con eso para mí, valió la pena hacer esta película.
Usas mucho los recursos del sonido.
El sonido lo trabajé con Javier Umpiérrez, un argentino que vive en México, con Carlos Cortés en la mezcla, son dos colosos. Conté con una gran confianza de parte de ellos; cuando hablé con Javier y le dije, "es casi imposible firmar el monte entero, así que te voy a pedir que tratemos de filmar esta película como si fuera una instalación", no quería que el sonido quedará sólo puesto en la pantalla, sino que se pudiera expandir y usar todo lo que implica un 5.1, esa fue nuestra propuesta y realmente creo que el sonido es una de las cosas más lindas que tiene la película.
¿Cómo fue trabajar con la niña protagonista, Eami?
Con Eami fue muy orgánico, es la hija del líder joven con quien más contacto tuve, se dio a través de una confianza porque realmente tuve mucho contacto con ellos y durante el rodaje ya nos conocíamos muy bien.
Nadie emigra porque quiere, todos querríamos vivir en nuestro lugar donde nacimos, tener buenas condiciones, derechos básicos como para poder defendernos. Nadie se va porque quiere.
¿Y también, cómo te ha ido en los festivales?
Para mí fue como una sorpresa que me dio esta película porque yo no tenía esas expectativas. Creo que fue el destino.
¿Cómo ves el cine latinoamericano?
La verdad que parte del cine que más me gusta es latinoamericano. Una de mis películas favoritas en la vida es Luz silenciosa, del mexicano Carlos Reygadas, me parece una gran película.
Atesoro mucho lo que es el cine latinoamericano, creo que tenemos grandes voces que se están expandiendo por todo el mundo.
EAMI Distribución: Piano
por CARLOS MORA
El director David Castañón Medina comenzó este proyecto tras su investigación sobre el tema del "olvido". Exilio y Alzheimer son agentes del olvido que erosionan las pasiones más arraigadas del amor y los ideales, Jorge Osorio y Juana Ramos padecieron ambas. El Golpe de Estado en Chile obligó a Jorge, Juana e hijos a exiliarse en México, años más tarde, cuando la enfermedad de Alzheimer apareció en Juana, hubo que repensar la vida abandonando los planes en pareja.
¿Cómo te sientes de realizar tu ópera prima?
Ha sido un camino largo, no pensé que fuera a suceder en algún momento, la película pasó por algunos festivales en 2020, ese fue su primer nacimiento, yo pensé que ahí se iba a quedar, ya que eso pasa con muchas películas, pero pues afortunadamente la distribuidora Mandarina Cine se fijó en la película y ahora viene su estreno en salas comerciales. Para mí es muy sorpresivo y gratificante que por fin la película esté de una forma más accesible y que llegue a mayor público.
¿Cuándo decides contar esta historia?
En un inicio no había una idea o estructura de la película, el tema era buscar algo referente a la memoria del olvido, esa era la idea que quería desarrollar en el documental.
Fui investigando temas sobre la memoria, sobre el alzheimer, estuve en albergues que abordan temas como la demencia, todo eso me fue llevando a Juanita, fuimos entendiendo su enfermedad y pudimos leer sus expedientes. Después conocí a Jorge, marido de Juanita, y ya me enteré que habían sido exiliados por la dictadura de Chile, yo no buscaba ese rasgo en particular, pero se relacionaba con la historia, para mí fue una novedad ese descubrimiento y una gran aportación a la historia de la pareja, además de la pérdida de memoria de Juanita a causa del alzheimer, porque al final era un doble olvido, no solo la memoria, también de su identidad, entonces por eso ellos fueron los personajes centrales de la película.
¿Cuánto tiempo te llevó hacer el documental?
En 2013 tuvimos un primer apoyo para desarrollar el proyecto, yo ya había hecho por mi cuenta una investigación, fui a los institutos a checar expedientes y en varios albergues, después empezamos a grabar de forma independiente. Han pasado diez años de un largo camino.
¿Qué tan difícil es hacer una ópera prima?
Hay una creencia de que el documental es más tardado, y sí, hay muchos casos en los que sí, por la falta de apoyo económico, otras circunstancias son las que normalmente cuestan alrededor del cine independiente, y de las óperas primas también en ese sentido.
¿Cómo fue que los protagonistas compartieran sus recuerdos?
Por ejemplo, con Juanita fue algo muy curioso, porque cada vez que la íbamos a ver era volver a generar la relación, volver a platicar con ella y decirle el porqué estábamos ahí, ya cuando sentía confianza ya platicaba con nosotros, pero había días en los que no se sentía cómoda y estaba Jorge o algunos de sus hijos, entonces ya generaba esa confianza. También teníamos que cuidar la cámara de no invadir su espacio, que no llamara mucho la atención de Juanita, para que todo fuera de manera muy natural y no se distrajera a la hora de filmar, todo era de manera espontánea, sin esa conciencia de que estaba siendo grabada. Había momentos en lo que si se daba cuanta que estaba siendo grabada y tenía diferentes reacciones, algunas de ellas están en la película, se muestra con desconfianza o recelo, pero había que estarle recordando qué hacíamos ahí.
Por otro lado, con Jorge fue de otra forma, porque de alguna manera era el traductor de Juanita, también la confianza de su hija Mariela.
Claro, no es algo fácil, y más con adultos mayores Sí, cuando les presenté el proyecto y les dije ¿por qué quería hacerlo? y ¿para qué?, les dije que quería explorar la memoria de alguna forma y que quería indagar en su historia y en sus recuerdos, también porque los está perdiendo Juanita, por eso es este documental, para tratar de descubrir qué podíamos rescatar de su memoria. Así fue, quedó registrada en la película. Yo siento que este tema también me conecta con mi memoria.
NO SON HORAS DE OLVIDAR Distribución: MandarinaCine
JORGE OSORIO y Juana Ramos son una pareja de tercera edad y de origen chileno, quienes se ganaban la vida como docentes. Ambos tuvieron que abandonar su país natal tras el golpe militar, y vinieron a residir a México. A Juana se le diagnostica Alzheimer, y a consecuencia de ello su mente comienza a deteriorarse con el paso de los días, y sus memorias comienzan a difuminarse y borrarse. Entonces Jorge comienza a hurgar entre las notas, los diarios y las fotografías de su esposa, así como en diversos videos caseros familiares, buscando reunir diversos recuerdos de su vida en pareja. E intenta con ellos emprender una lucha en contra de la enfermedad de su mujer, tratando de hacerla conservar dichos recuerdos el mayor tiempo posible, y mitigar un poco los efectos de la enfermedad. Una lucha que parece perdida de antemano.
Ello orilla a Jorge a transformarse en un receptor infinito de detalles y recuerdos sobre ambos; en quien Juana se apoya desesperadamente cuando su mente empieza a flaquear. Y ello obliga al adulto mayor a excavar en su propia mente y recuperar todos aquellos momentos significativos que ambos vivieron juntos, haciendo suya la lucha por tratar de recordar, al sentir como si una parte de sí mismo (y de su amor) podría desaparecer si su cónyuge no consigue conservar estos recuerdos, o al menos residuos de ellos.
En su ópera prima, el cineasta David Castañón Medina desarrolla una íntima y devastadora historia donde una pareja mayor se ve obligada a luchar contra el olvido en dos ocasiones. La primera de ellas desprendida del golpe de estado en Chile, el cual les obligó a dejar súbitamente a sus familias, sus amigos, sus trabajos y en general, todo lo que fue su vida anterior. La segunda, por la enfermedad de Juana, la cual les amenaza con un olvido inminente y definitivo, situación que les obliga a abandonar sus planes como pareja a futuro, y a replantear cómo será el resto de su existencia.
A través de su personajes; su conmovedora relación; su quijotesca pugna por preservar sus recuerdos y que así su relación persista, y los inesperados giros que los eventos tomarán, el cineasta explora profundas interrogantes acerca de la memoria, los recuerdos, los afectos y los sentimientos, y sobre las verdaderas posibilidades de que estos sobrevivan ante una devastadora enfermedad mental. ¿Todo ello se irá conforme la mente de Juana se oscurezca? o ¿habrá la posibilidad de que algún remanente quede alojado en ella, como una solitaria estrella que brille dentro de esa oscuridad?
De esta forma, No son horas de olvidar se convierte en una reflexión acerca de las complejidades de la memoria y las emociones, de los procesos por los cuales ambos pueden erosionarse, de los mecanismos que ayudan a conservar o disparar los recuerdos, y especialmente, sobre la fragilidad de la mente y de la existencia misma.
En entrevista con la Revista Cameo, el director Eduardo Giralt y el productor Gabriel Stavenhagen, hablan del documental que muestra a un grupo de jóvenes sicarios
millennials vagando por Sinaloa mientras tratan de hacer frente a su crecimiento, su trabajo y sus deseos para el futuro. Es una película sobre adolescentes nacidos en el lugar equivocado, en el momento equivocado y en las circunstancias sociales equivocadas.
Eduardo, ¿Cómo encuentras esta historia?
En el 2018 estaba trabajando en Sinaloa con tres colegas: Raúl Rico, Mariano Sosa y Emmanuel Massú, buscando a jóvenes de comunidades rurales, no buscábamos un perfil en específico, pero sabíamos que nos íbamos a topar con chavos que son miembros de algún cártel, y cuando nos topamos con ellos era pedir permiso y explicar lo que estábamos haciendo.
Casteamos a 200 chicos de todo Sinaloa y cuando por fin llegamos a la comunidad donde se filmó el documental, los jóvenes quisieron ser parte de la película.
Cuando le llevé a Gabriel (productor) los vídeos de los castings le dije que todos esos chicos eran miembros de un cártel, que estaban interesados en filmar la película.
¿Cómo fue ese proceso para que ellos se abrieran?
Eduardo: Pues, grabarlo con celular ayudó mucho porque era menos invasivo que una cámara y todo un equipo de filmación como se acostumbra.
Pero fue un proceso de irles preguntando sobre sus vidas, el día a día, sus temores, creo que al final necesitan desahogarse, incluso ellos.
Quieren contar su historia y es algo muy humano, y dejar un pedacito de quién fuiste en esta vida.
Gabriel: A mí me sorprendió la capacidad de Eduardo de crear esa confianza, a través de regresar varias veces a esa comunidad, fue construir esa relación con ellos y cumplir las promesas que como cineastas teníamos, esa confianza para depositar la historia de ellos, porque hay muchos periodistas que van, agarran una historia, se van y nunca regresan.
Los Plebes es un testimonio muy fuerte sobre los jóvenes que trabajan en estas empresas criminales.
Eduardo: El nivel de vulnerabilidad que manejan, inclusive personas en estos contextos, se maneja un nivel de traumas y de miedos, tienen una herida muy abierta que a veces yo no me sentía digno de estar al tanto.
Escuchar a alguien más hablar de sus pesares, de sus miedos y traumas, es un nivel de responsabilidad muy grande, yo no estoy certificado en salud mental.
Gabriel: Es un documento histórico que seguirá siendo relevante en 20 años, el poder capturar con tanta intimidad a una juventud que nació en un momento histórico muy complejo, en el lugar y momento equivocado. Es parte de nuestro consciente colectivo como país, en un lugar donde sufrimos un trauma por la violencia, retrata los datos con los que estamos bombardeados constantemente en las noticias. Yo creo que después de lo que ha pasado en los últimos años sobre la violencia que vivimos, hubiera sido imposible realizar esta película.
¿Sobre las narcoseries o películas que hablan mucho del narco qué opinan?
Eduardo: Yo estoy en contra de la censura, estoy a favor de la libertad de expresión, no creo que ningún tipo de creador, tiene una responsabilidad moral o social, creo que los responsables de los contextos de la violencia y de la seguridad que vive la población son los políticos, a ellos hay que llevarles todo el hate y todas las críticas.
Pienso que todo tipo de películas que habla sobre el tema de la violencia, es un registro de lo que está pasando en la actualidad, eso también aplica para la música.
Todo mundo tiene derecho a hacer un registro a su manera, de cómo está viendo cierta coyuntura social.
¿Qué te dijeron los protagonistas cuando vieron el documental?
Eduardo: El protagonista de la cinta me escribe en mi cumpleaños antes que mi mamá, es alguien que ya forma parte de mi vida. Él ya no pertenece al crimen organizado, ahora trabaja como albañil en los Estados Unidos.
Cuando le mostré el documental me dijo: "es bastante aburrida", que por qué no lo filmamos trabajando o disparando, pero que si así nos parecía bien, pues que lo respetaba.
Gabriel: A mí cuando me contó eso Eduardo, es algo que me dio mucha risa, porque justo ellos se veían como el protagonista de El Padrino.
LOS PLEBES Distribución: Vice
ES DIFÍCIL relacionarnos o interesarnos en un documental como Los plebes (2021) de Eduardo Giralt y Emmanuel Massu, filmado en su mayoría con celulares debido a que la dupla de directores se infiltró en la intimidad de tres jóvenes pertenecientes al Cartel de Sinaloa, con la intención de registrar la vida cotidiana de estos miembros que, según cuenta la sinopsis, pertenecen al eslabón más bajo de la organización, conocidos, precisamente, como “los plebes”, el documental de una hora y quince minutos es una experiencia tortuosa por sus limitaciones técnicas y narrativas.
En el documental observamos a un grupo de jóvenes sicarios millennials que vaga por Sinaloa mientras tratan de hacer frente a su crecimiento, su trabajo y sus deseos para el futuro. La narración se centra mayoritariamente en La Vagancia, un joven que comanda un equipo táctico de sicarios. Con 29 años, se encuentra al final del espectro de vida de un sicario, y habla constantemente sobre lo que significa la libertad, el amor y la muerte. Lo veremos pasar tiempo con Vago, su cachorro, charlando con diferentes chicas en la vida real y en redes sociales.
De acuerdo a Giralt, “Esta no es una película sobre narcos. Esta es una película sobre adolescentes nacidos en el lugar equivocado, en el momento equivocado y en las circunstancias sociales equivocadas”, aspectos que quedan desdibujados al caer en los lugares comunes sin ofrecer realmente una mirada incisiva de las circunstancias que motivaron a estos jóvenes a ponerse al servicio del crimen organizado, muy a pesar de que el largometraje arranca con un prólogo con escenas y datos duros sobre la industria del narcotráfico realmente impactantes.
Los directores dejan en claro el tono empático con el que se aproximan a sus personajes, y es aquí donde se encuentre el mayor problema de esta propuesta, que junto a un sonido deficiente que entorpece el pulso narrativo, hace de Los plebes en un documental ambiguo en sus intenciones, difícil de interesar al espectador y cinematográficamente poco transgresor a pesar de tener el sello de producción de Vice Studios.
Visitamos el set de El hijo de su padre, película de Aarón Fernández que narra la vida de Gabriel, un papá soltero por decisión propia, que entra en crisis cuando su madre le anuncia que va a vender la casa donde él y su hermana vivieron durante años.
¿De qué va la historia de la película?
Es la historia de Gabriel, un escritor que trabaja como periodista en una revista cultural y es papá soltero por decisión propia, él cuida solo a su hijo y lo hace muy bien, obviamente con todas las vicisitudes y pormenores que implica ser una familia monoparental.
Hasta que en la fiesta de cumpleaños de cinco años de su hijo en la casa de la abuela, ella les anuncia a sus hijos Gabriel y Raquel que va a vender la casa. Entonces para él es algo inesperado porque aún no ha sanado las heridas que le dejó la muerte de su papá (Arturo), entonces necesita pasar otra vez por un proceso de duelo. La película habla sobre el tema de la paternidad, un tema poco común del que se hable, casi siempre son las madres solteras, pero acá quise abordarlo desde el sentido opuesto.
¿Qué hizo que
interesara el personaje?
Es una película con personajes entrañables, hay un poco de melodrama, pero sin el lado telenovelesco. Estamos checando mucho la imagen, en los encuadres, la luz, la composición; estamos usando planos secuencia.
Manejamos mucho los reflejos en los espejos, en las ventanas, todo esto por cuestión de la memoria, el filme habla mucho de ello.
¿Vienes de dirigir el documental Un filósofo en la arena, cómo es tu reencuentro con el cine?
A mí me encantan los documentales, no sólo verlos, sino hacerlos. Son dinámicas diferentes, el documental que dirigí, Un filósofo en la arena, tenía mucho de ficción, escenas como muy calculadas, un guión muy bien escrito y estructurado, una escaleta muy definida por el tema.
Curiosamente esta nueva película yo le decía a los actores y a mi equipo, "es como si fuera el documental sobre la familia de Gabriel, quiero que sea muy cotidiano, real y vívido, aunque sea una ficción". Ojalá pueda volver a dirigir un documental.
Por otro lado, estoy muy feliz, me la estoy pasando muy bien, a mí me ponen una cámara enfrente y soy el hombre más feliz del mundo. Me vuelvo como un niño, es lo que más me gusta hacer en la vida.
Pero es muy difícil, sobre todo hacer cine de forma independiente, estoy haciendo la película con mi propia casa productora.
¿Alguna experiencia familiar o que alguien te la contó?
Hay algunos elementos autobiográficos, pero no es para nada mi caso. Yo tengo un hijo de 16 años, pero no soy papá soltero, la mamá siempre existe y es una gran mamá, yo sí soy un papá muy presente.
¿Cómo se sienten de regresar al set de filmación?
Esta es la primera película que hacemos en la que no estamos inmersos por decisión después de la producción en todo el protocolo que vivimos con el Covid-19, y por primera vez no estamos haciendo pruebas diarias.
¿Cómo nace el gusto por la producción?
Mi acercamiento al cine fue muy peculiar, siempre fui muy cinéfila desde muy joven. Cuando llegó el momento de escoger carrera estudié letras, por mucho tiempo fui editora de libros pero siempre tuve el gusanillo después de trabajar en el cine o de acercarme al cine de alguna manera.
Me fui acercando al cine pero desde la producción y como llegué a trabajar en esta área, me encuentro muy cómoda haciendo esto.
¿Cuáles han sido los proyectos más destacados?
He tenido mucha suerte o muy buen ojo, porque sinceramente muy desde el principio de mi carrera, a las películas en las que he participado les ha ido bien con los festivales de cine, desde la primera película que fue Adán y Eva, fuimos al Festival de Guadalajara, ganó un premio allá y también obtuvimos nominaciones al Ariel. En general, casi todas las películas en las que he trabajado han tenido bastante aceptación en términos de festivales y algunas de ellas con el público.
Con Los Parecidos, película de Isaac Ezban, nos fue muy bien, fuimos a muchos festivales y ganó premios por aquí y por allá. Con Oso polar, ganamos en el Festival de Morelia, fue una película que hicimos con celulares. Entre muchas más.
Estamos viviendo un boom muy especial, no sé cuánto va a durar, pero sí hay una bomba en cuestión de producción, entre las plataformas que están inyectando mucho dinero en México y así, y los fondos del cine mexicano que sinceramente son privilegiados, comparándolo con otros países de Latinoamérica, en México tenemos un montón de dinero destinado a la producción de cine. Sí, es verdad que han cambiado, o sea, cambiaron los fideicomisos, pero yo no siento que sea necesariamente para mal, sé que hay mucho descontento en la industria, pero en el cine concretamente no han bajado un solo peso de la cantidad de dinero que se otorga. Cambió un poco la forma de la aplicación, que para mi gusto cambió para bien.
Por otro lado veo la intención de descentralizar la producción y eso me parece algo valioso, eso se me hace muy importante, dejar de pensar que México es la Ciudad de México y sus cuatro colonias. Somos un país súper diverso y deberíamos estar viendo historias de todos los rincones.
Un pequeño gran viaje, la nueva miniserie de TNT, presentada por Daniela Luján en la que tendrá 48 horas para recorrer algunos destinos de México para enamorar a la audiencia con la variedad de paisajes, comida y gente que irá encontrando a su paso.
por CARLOS MORA
¿Qué delicia que te inviten a viajar?
Totalmente, cuando ya firmamos y empezamos con los planes para el primer día de grabación, les dije, "es que este es mi sueño hecho realidad", (risas).
La verdad yo quisiera en algún momento de mi vida ser una hippie trotamundos y tener mi combi, para poder viajar, conocer lugares y comer delicioso.
Y que llegue este proyecto donde tengas la oportunidad de contar lo que estás viviendo es maravilloso.
¿Ahora vemos a una Daniela diferente a la actriz?
Claro, han pasado varios procesos en mi carrera y en mi vida que ahora con mi programa en YouTube me siento más cercana a la gente, ya me conocen en otra faceta, desde que estábamos grabando Un pequeño gran viaje, mucha gente se me acercaba a saludarme de una forma más familiar, porque al final me conocen desde que hacía novelas de chiquita, entonces nos conocemos desde toda la vida, eso lo agradezco infinitamente, por eso me encanta tener proyectos como Pequeño gran viaje, que me acercan más a las personas.
¿De los lugares que conociste hubo alguno que no conocías y que te sorprendió?
Muchos de los lugares que visité no conocía y la pasé increíble, pero empecemos por la Ciudad de México, aunque es el lugar donde vivo, había cosas que no conocía, ni había hecho, como ver un amanecer en Xochimilco, ¡fue una locura!, estar en un kayak en canales de ese lugar, fue mágico. He estado en las trajineras haciendo el recorrido, comiendo y pisteando en reuniones familiares, pero vivir otra experiencia en ese lugar, que por cierto todos la podemos vivir el día que queramos.
Otro lugar fue estar en Tepito, llevo toda la vida escuchando prejuicios acerca de este lugar, y ahora con Pequeño gran viaje, me llevaron a conocerlo y darme cuenta que no es nada de lo que se dice, creo que tienes que darte el chance de conocer a la gente y los lugares. Por eso la Ciudad de México es el primer capítulo que veremos en la serie.
LA SERIE CUENTA
CON SEIS ESPISODIOS:
En la Ciudad de México, Daniela Luján realizará un viaje en kayak por Xochimilco y se aventurará a comer algunas de las delicias culinarias de Tepito, entre otras actividades, mientras que a su paso por Querétaro, donde visita a las minas de ópalo y vivirá una experiencia en contacto con la naturaleza en un glamping. Por su paso por la Riviera Maya, la actriz recorrerá Xcaret, Xel-há y Xplor, tres de los parques más reconocidos de México por sus rincones naturales, aventuras, espectáculos y gastronomía. Desde ahí, disfrutaremos de la puesta en escena México Espectacular en Xcaret. Y en Puebla descubrirá cómo se lleva a cabo el proceso de la talavera, entre otras aventuras.
¿Qué es lo que te gusta hacer cuando viajas?
Uno quiere ir a alguna ciudad y conocer los highlights y tomarte tu foto para el Instagram, pero lo que más me gusta es ir y poder platicar con la gente, escuchar sus historias sobre el lugar, sus tradiciones, sobre la comida e ir a los lugares donde va la gente local, eso es lo que realmente me gusta de viajar.
Las historias las disfruto mucho y lo que este programa tiene es una oferta turística para diferentes gustos, para diferente tipo de turismo, vamos desde la ciudad hasta lugares con naturaleza y hasta de diversos presupuestos, es lo chido de México que ofrece un montón de opciones para todos los turistas.
¿De los lugares que visitaste, a cuál regresarías?
A todos, y varias veces, (risas). Justo le he dicho a mi novio: "vamos a este lugar que lo conocí en Pequeño gran viaje", y entonces tenemos que ir, por eso regresaría varias veces, en plan pareja, familiar o con amigas.
¿Qué opinas sobre que tenemos que conocer primero nuestro país?
Sí, bien dicen que un buen viajero debe conocer primero su país, también está bien darnos una vuelta por todas las cosas maravillosas que hay en México y muchas veces ni nos imaginamos, ver esos paisajes tan hermosos que tenemos disponibles a unas cuantas horas de carretera.
El periodista y experto ufólogo mexicano platica en entrevista sobre Los expedientes secretos con Jaime Maussan”, una serie original de History que presenta más de tres décadas de investigaciones sobre ovnis en esta que expone una impresionante y abrumadora evidencia sobre fenómenos inexplicables que han cautivado a Latinoamérica y al mundo.
por CARLOS MORA
¿Eres el pionero del fenómeno aéreo no identificado en México?
Yo creo que el pionero fue don Pedro Ferriz Santa Cruz, pero le tocó una época muy difícil, porque sólo había fotografías, y una que otra película mal filmada y con muchos defectos. Por eso podríamos decir que yo soy el pionero pero en los tiempos modernos, ahora hay videos, computadoras y los celulares son un instrumento muy importante, jamás me imaginé que los celulares iban a tener excelente calidad para grabar los videos.
Ahora cualquier persona graba a través de los celulares y se han convertido en la evidencia más fuerte que está desmitificando el fenómeno.
¿Qué tanto ha ayudado la tecnología?
Muchísimo, gracias a los teléfonos se pueden registrar en cualquier momento fotografías o videos para seguir investigando estos casos. Es una maravilla traer una cámara contigo. Se ha convertido en un instrumento determinante en los avances que estamos observando.
¿Por qué los gobiernos no han aprobado los fenómenos?
Porque los gobiernos dependen desafortunadamente de lo que diga el gobierno de los Estados Unidos y como ellos todavía no dicen "aquí están", los demás no tienen el valor ni el coraje de decirlo, por ejemplo, si México dice, ¡"sí existe"!, van a decir que el presidente está loco, creo que ese es el motivo por
el cual muchos países no se animan a rectificar.
Estados Unidos tiene las manos sucias, porque desde 1945 ocultaron la verdad, mintieron y arruinaron muchas vidas y a muchos investigadores.
Creo que no quieren comprobarlo, perderían mucha credibilidad con el pueblo, prefiero no tocar esos temas, aunque ya no les queda mucho tiempo para que todo salga a la luz.
¿Crees que vienen a estudiarnos o protegernos?
Vienen a observarnos, a tratar de integrarnos a una comunidad cósmica, a eso vienen básicamente. A tratar de que evitemos la destrucción de este planeta; simplemente ve afuera, ya no vas a ver insectos, estamos acabando con ellos y son vitales para la vida humana, nunca creímos que eso fuera a pasar, siempre pensamos que eran eternos y pasara lo que pasara los insectos iban a sobrevivir, y no es así. Se está perdiendo el hábitat por el incremento del pesticida y están desapareciendo, es una muestra de lo que va a pasar a todos los demás.
Ahora los gobiernos también están muy interesados en colonizar Marte o la Luna, cuando creo que deberían de preocuparse más por el planeta.
Sí, yo creo que todo es bueno. Creo que conocer la Luna va a ser bueno, pero efectivamente lo más importante en este momento es la Tierra. Evitar este calentamiento global que va a causar catástrofes inmensas.
EP1.
No estamos solos: el caso campeche
En el año 2004, en Campeche, un avión de la Fuerza Aérea que patrullaba la costa detectó una serie de OVNIS en sus radares. Esto desencadenó una intensa investigación que resultó ser el primer caso oficial desclasificado de México. Años más tarde, el caso se conectó con los archivos que liberó el Pentágono.
EP2.
Compañeros galácticos: los ovnis y la exploración espacial
A través de inquietantes videos, se ha corroborado que extraños cilindros y luces zigzagueantes orbitan cerca de la famosa Estación Espacial Internacional. Desde la Nasa, no hay explicaciones certeras. ¿Qué ocurre en el espacio? ¿Hay tecnología observando los pasos de la humanidad?
EP3.
Pirámides en el cielo, los ovnis y el orden mundial
Se han registrado múltiples avistamientos de una extraña pirámide triangular flotando sobre los principales edificios gubernamentales del mundo. Sin embargo, no existe información pública de estos sucesos. La pregunta es: ¿estarán contactadas las grandes potencias con estas naves?
EP4.
La rumorosa y los secretos de baja california
Existe una zona en Baja California, entre Tijuana, San Diego y la isla de Guadalupe, donde se han registrado algunos de los avistamientos OVNI más impresionantes de los últimos tiempos. Además de los pobladores, pilotos de la marina registraron una gran cantidad de encuentros ¿Qué es lo que sucede?
EP5.
Popocatepetl, secretos intraterrenos
Desde hace años, el volcán Popocatépetl ha sido escenario de numerosos avistamientos ovnis. ¿Están relacionados con la actividad volcánica? ¿Qué otros casos similares se han reportado en el mundo? Gracias a los expertos en el tema, encontraremos las respuestas a estas preguntas.
EP6.
La cia y sus organizaciones secretas
La desclasificación de los archivos secretos de la CIA ha sido un gran paso hacia la transparencia y la verdad. Sin embargo, al mismo tiempo, ha generado aún más preguntas y especulaciones sobre lo que realmente está sucediendo en nuestro universo, y sobre todas las cosas, lo que pasa en la Tierra...
EP7.
Los contactados y sus fotos imposibles
Existen miles de fotografías de OVNIS, pero pocas son sorprendentes. Desde los años 50 hasta hoy, algunas personas han logrado capturar imágenes no solo de las naves, sino también de sus tripulantes. Billy Meier, uno de los grandes contactados, ha demostrado que la realidad puede superar a la ficción.
EP8.
Señales, mensajes extraterrestres
El intento de una comunicación extraterrestre se está trabajando desde hace años, con los mejores profesionales. Hoy día hay quienes afirman que los extraterrestres llevan tiempo respondiéndonos a pesar de que no lo percibimos de inmediato.
¿Cómo te sientes de estar en History?
Muy contento, dejar mi legado de 30 años de trabajo, y dejar mis investigaciones que ya se van a quedar ahí, que dentro de 10 o 20 años las van a seguir viendo algunas generaciones, eso garantiza que mi trabajo no se va a perder, eso es lo que siento, y me alegra tanto que sea History el que se quede con mi trabajo de tantos años.
¿Cómo te gustaría que te recordarán?
Te lo respondo con una frase de Adolfo Torres.
"Dice que los grandes héroes tienen que ser también como idealistas, porque sólo aquel que ha trabajado solo, que ha sentido en su derredor del golfo negro de la actualidad y ha persistido en su voluntad inamovible, es aquel que ha triunfado, aquel que sabe que mucho después de estar muerto y olvidado, personas que nunca hayan escuchado su nombre, avanzarán al ritmo de sus pensamientos".
Es decir, lo importante aquí es que te recuerden por tus actos, no por tu nombre, en este sentido que sirva de algo demostrar que hay una presencia aquí en la Tierra y tenemos que comunicarnos con ella.
Richard Madden y Priyanka Chopra Jonas dan vida a los agentes de élite Mason Kane y Nadia Sinh, a quienes se les borró la memoria después de la caída de la agencia de espionaje mundial, que se encarga de velar por la seguridad de todos. El nuevo proyecto de los productores ejecutivos Anthony y Joe Russo, y David Weil, presenta un thriller de espionaje global de alto riesgo que llega a Prime Video. La serie es el comienzo de un nuevo tipo de universo de franquicia de referencia, con historias interconectadas que atraviesan el mundo.
por CARLOS MORA
Mason empieza como espía de la Citade , pero cuando pierde la memoria, es un hombre de familia normal. ¿Cómo fue interpretar a dos personajes tan diferentes?
Richard Madden: Lo bueno de esto es poder interpretar a dos personajes muy diferentes, pero ambos en el mismo cuerpo. Ambos son el mismo hombre en muchos aspectos diferentes, pero en cada versión de ellos, sacas diferentes aspectos de la humanidad y de lo que somos como personas. Y uno de ellos lleva muchas cicatrices del pasado y muchos traumas. Y el otro no lleva nada de ese equipaje. Tiene un montón de incógnitas, así que acabamos teniendo dos personajes muy diferentes.
La serie tiene varias secuencias de acción, pero también hay mucho corazón y drama. ¿Cómo equilibra la historia esos elementos narrativos?
Richard Madden: Creo que a menudo vemos series que tienen un 80% de drama y un 20% de acción, o viceversa. Y esta serie pretendía ser el 100% de ambas cosas. Y creo que eso es lo que hemos conseguido, porque, en medio de esas enormes
secuencias con explosiones y coches volando por los aires y todo eso, no quiero estropeárselo, tenemos este drama íntimo entre estos dos personajes y cómo bailan juntos. Para mí, lo más emocionante de estas grandes escenas de acción es que están impregnadas de corazón, drama y narración. Vemos mucho sobre estos personajes y cómo interactúan físicamente. No son sólo grandes secuencias de acción, sino que hay drama en el corazón de cada una de ellas.
¿Puede hablarnos del proceso de rodaje de la secuencia de acción en el tren del primer episodio?
Richard Madden: Fue un proceso complicado prepararnos para rodar esta secuencia en el tren, porque nos encontramos en un espacio reducido. Y trabajamos muy estrechamente con este increíble equipo de especialistas para averiguar cuáles eran nuestros puntos fuertes y, ya fuera la velocidad o la agilidad, o la fuerza bruta, cómo podíamos incorporarlos a este espacio. Así que nos las arreglamos para entrar en el estudio antes de empezar a rodar y empezamos a aprender un lenguaje de juego de piernas, de disparos. ¿Cómo incorporamos todas estas cosas allí? Vale,
tenemos una escopeta, pero ¿cómo podemos usarla como espada? ¿Cómo puedo usarla como ariete? ¿Cómo puedo cargarla y lanzarla para que el otro actor pueda dispararla? Así que estaban realmente enchufados al corazón de lo que son Nadia y Mason, que son dos personas que pueden trabajar maravillosamente juntas para hacer una superarma.
¿Qué hace de Citade una organización de espionaje tan singular y vital?
Priyanka Chopra Jonas: Citadel es una organización secreta de espionaje creada por los gobiernos del mundo. Después de que estallaran múltiples guerras y conflictos en todo el mundo, los gobiernos decidieron que iban a compartir inteligencia y que es por el bien del mundo poder compartir inteligencia en lugar de guardarla debido a todo tipo de terrorismo y, ya sabes, a un conflicto que surgió. Así que es por el bien del mundo. Es por el bien de la humanidad. Y
tenía que mantenerse en secreto para el público en general porque era para protegerlos y para proteger las identidades de miles de espías de la Ciudadela en todo el mundo. Así que es un concepto realmente único e interesante.
Es una serie llena de acción de principio a fin.
Priyanka Chopra Jonas: Creo que Anthony y Joe trajeron a la serie el equipo de especialistas más increíble. (Anthony y Joe Russo) han trabajado con los mejores del sector. Tuvimos mucha suerte de poder trabajar con gente así. Nuestro equipo de especialistas era increíble. Creo que el personaje de Nadia es una bestia, que confía en su cuerpo y en sus instintos. Y pude explorar mucho de eso con las escenas de riesgo que hicimos. Cada vez que leía nuevas páginas, las acrobacias eran cada vez mayores. Y fue increíble poder imaginarlo y luego entrar en el plató y ejecutarlo. Fue genial.
TODO EL MUNDO HABLA DE JAMIE Dónde ver: Teatro Manolo Fábregas
Todo el mundo habla de Jamie (Everybody’s Talking About Jamie, TEMHJ) es un musical sobre identidad, resiliencia y respeto; sobre encontrarse, amarse y reconocerse a sí mismo por encima de los prejuicios sociales.
Basada en la historia de la vida real del estudiante británico Jamie Campbell, AKA Jamie New, mientras supera la intimidación, el rechazo y el bullying para salir de la oscuridad, seguir su sueño y convertirse en una drag queen en su adolescencia. El musical escrito por la pareja creativa del escritor Tom MacRae y el compositor Dan Gillespie Sells, sobre una idea de Jonathan Butterell, está inspirado en el documental de la BBC Jamie: Drag queen at 16 (2011) dirigido por Jenny Popplewell. Entre el elenco principal destacan las actuaciones de Nelson Carreras, Joaquín Bondoni, Flor Benitez, María Filippini, Rogelio Suárez, Luz Aldán, junto a un talentoso equipo.
Fotos Carlos Mora
JAMIE CAMPBELL, Jamie New, y su mamá, viajaron hasta la Ciuudad de México para el estreno del musical en el Teatro Manolo Fábregas.
JUEGOS INOCENTES
Distribución: Cine Caníbal
ANNA (Alva Brynsmo Ramstad) e Ida (Rakel Lenora Fløttum) son un par de menores quienes junto con sus padres llegan a residir a un conjunto habitacional. La primera padece de autismo, mientras que la segunda se siente un tanto hastiada y celosa de que su hermana mayor acapare la atención de sus progenitores, por lo que comienza a manifestar algunos comportamientos hostiles hacia ella.
Mientras deambula sola por la inmediaciones de su hogar, Ida conoce al niño Ben (Sam Ashraf) quién como ellas es recién llegado. Ambos menores comienzan a convivir y juguetear juntos, y sus juegos en apariencia son inocentes, aunque poco a poco es evidente que hay una creciente maldad en ellos, especialmente por parte de Ben, quién además es poseedor de un don especial.
Por su parte, Anna se topa con Aisha (Mina Yasmin Bremseth Asheim) con quién logra entablar comunicación a pesar de su condición de una manera insólita: ambas parecen tener un don de naturaleza telepática además de un vínculo especial entre ellas, a través del cual una puede "sentir" lo que le pase a la otra, y viceversa.
Cuando los cuatro niños se reúnen, en principio coexisten pacíficamente y comienzan a usar sus dones de manera inocua, como mera diversión e incluso esto último produce cierta "mejoría" en Anna. Pero pronto estos juegos tomarán un giro inesperado, y los infantes descubrirán los alcances aterradores (y letales) de sus poderes.
En su segundo largometraje intitulado en nuestro país como Juegos Inocentes (De uskyldige / , Noruega - Suecia - Dinamarca - Finlandia - Francia - Reino Unido, 2021), el cineasta y guionista Eskil Vogt -quién ha colaborado previamente con el realizador Joachim Trier en filmes como La peor persona del mundo (2021), La maldición de Thelma (2017) y Más fuerte que las bombas (2015), entre otros-; desarrolla aquí un filme de suspenso y horror, retomando una premisa que ha sido abordada en películas como Telépatas, mentes destructoras (Cronenberg, 1981); Poder sin límites (Trank, 2012) e incluso por varios filmes del subgénero de superhéroes que tan en boga se encuentra actualmente; sobre individuos quienes comienzan a perder el autocontrol y enloquecer tras recibir poderes formidables, empleando estos últimos de formas abominables.
Solo que aquí, Vogt traslada dicha premisa fantástica al interior de un caleidoscópico universo infantil, donde los adultos se hallan un tanto al márgen. Y a través de ese elemento sobrenatural potencia el retrato de dicho mundo, en donde la amistad, la solidaridad, la empatía y el amor conviven con el miedo, la maldad, lo perverso y el odio, narrando como, dependiendo de la psique, la estabilidad mental y la solidez moral y ética de sus protagonistas, cada uno de ellos se entrega a unas u otras de esas emociones, consiguiendo con ello un trabajo fascinante y que seguro causará polémica.
EN SU CINE, Carlos Hagerman siempre ha mostrado una especial inclinación por aquellas historias que ocurren al interior de las familias, donde a veces puede haber un elemento o giro particular el cual las convierte en fascinantes. Y su más reciente producción Home is Somewhere Else (Mi casa está en otra parte), no es la excepción.
En este nuevo trabajo, Hagerman reúne un trío de relatos que le fueron compartidos por diversos personajes y familias, cuyo elemento en común es su condición de indocumentados. Así por un lado, se encuentra Jasmine, nacida en Estados Unidos de padres mexicanos, pero estos últimos están en riesgo de ser deportados por carecer de los papeles necesarios para permanecer allí. Por otro lado, se encuentran las hermanas Evelyn y Elizabeth, alejadas entre sí tanto por la distancia física y por sus distintos estatus migratorios, pero ambas han encontrado en el celular una forma de salvar estos obstáculos. Y finalmente se encuentra Lalo (quien además funge como presentador entre cada historia, incluida la suya); crecido en Utah y el cual, tras experimentar un evento desafortunado; se reencuentra con parte de su pasado e inicia una labor como activista.
Para representar dichas historias en pantalla, el realizador toma una decisión estética y narrativa que funciona muy bien para enriquecer la obra y aumentar su emotividad y atractivo: valerse de diversos estilos
de animación para contar cada una de ellas, lo cual le confiere al filme un tono diverso, muy imaginativo y lírico, y le permite emplear las bondades y posibilidades de ese recurso para exaltar los pensamientos, sentimientos y anhelos presentes en los relatos de sus personajes.
Y así, apoyado en dicho recurso, en los testimonios de sus protagonistas, y en la rimas urbanas proporcionadas por Lalo, Hagerman estructura un tríptico a través del cual en primera instancia, se reflexiona, desde un ángulo más emocional, sobre el impacto que la migración tiene en las familias, y los temores que acosan a aquellos coterráneos quienes viven con la aprensión constante de ser deportados y por ello, parafraseando el tema de Manu Chao incluido en la película; se ven orillados a vivir en la clandestinidad. Transversalmente toca temas como la identidad, los vínculos familiares y afectivos, el amor al terruño y a las tradiciones, y las familias divididas por cuestiones migratorias.
Las narraciones que Home is Somewhere Else presenta, se perciben de final abierto o carentes de una conclusión. Ello es intencional, al tratarse de historias aún en construcción, como la vida misma de los personajes quienes, desde sus distintas trincheras, continúan sus cruzadas personales para llevarlas a buen puerto, y lograr cristalizar así sus sueños y deseos. Y de ese modo, poder hallar o conquistar finalmente, un hogar en alguna parte.
DESDE el primer minuto, el largometraje debut de la cineasta japonesa Kaori Oda, lleva al espectador a las entrañas de unos lugares con una especial carga mítica y belleza hechizante: los cenotes que se hallan en diversas partes del sureste de México.
Estos pozos naturales ubicados principalmente al norte del estado de Yucatán, constituían una fuente de agua potable (a veces la única) para los mayas quienes antiguamente habitaban esa región. En torno a ellos, surgirían leyendas que se arraigaron en la cultura de esos primeros pobladores, los cuales veían a esos pozos y sus cavernas como pasajes hacia otros mundos, especialmente a aquellos relacionados con el más allá; considerándolos sagrados e incluso llegando a efectuar sacrificios rituales en ellos.
Oda intenta recuperar dicho sentimiento mágico, pero lo hace a partir de los pobladores actuales quienes, de viva voz, le comparten tanto las historias ancestrales, como las supersticiones actuales existentes alrededor de algunos de ellos, en los cuales se rumora que allí han desaparecido personas, y a algunas de ellas no se les ha vuelto a ver. U otras donde se asegura que uno de esos pozos antiguos tiene un morador fantástico, quien sale y entra de allí por las noches.
Sin embargo, tratando de alejarse del documental de corte turístico y/o antropológico, la realizadora opta por una obra de narrativa no
convencional, donde se da mayor prioridad a las imágenes al interior y a las profundidades de diversos cenotes, retratando de paso la vida que allí mora, pero sin mediar alguna explicación o puntualización de lo que se ve, dejando a dichas imágenes expresarse por sí mismas. En cambio, introduce las voces en off de sus diferentes entrevistados, y con ellos va elaborado un relato paralelo y muy singular. De manera intercalada, la cineasta también introduce una sinfonía con los rostros de los pobladores de la zona, así como algunas vistas de sus actividades cotidianas y tradiciones.
Al mismo tiempo, Kaori va introduciendo también otra voz. Una que relata eventos del pasado y diserta sobre ellos, devanándose entre lo filosófico y lo místico ¿Lo que se escucha es el espíritu de una de las personas sacrificadas allí en tiempos remotos? ¿Se trata de uno de los dioses antiguos del inframundo? ¿O es la voz del cenote mismo?
Con todos estos elementos, Cenote (2019) se convierte en una experiencia inmersiva, a medio camino entre un documental sobre naturaleza y el ensayo cinematográfico, el cual intenta, sobre todo a través de sus imágenes, captar su magia y majestuosidad, pero también sus sobrecogedoras e insondables profundidades.
Este trabajo obtuvo el Premio Estímulo Churubusco UNAM en la décima edición del FICUNAM, y actualmente se exhibe en varias sedes del circuito cultural nacional.
Inicia el “Mes del Coche” y Discovery tiene preparada una programación dedicada a la adrenalina y la pasión por los motores de la mano de personajes únicos y las mejores series. Los amantes del motor podrán disfrutar todos los martes de mayo por la noche de los más recientes episodios de sus series favoritas.
Empezando con el icónico Martín Vaca, uno de los mecánicos más famosos de México, llega este 16 de mayo la nueva temporada de Mexicánicos. En esta nueva entrega celebridades de distintos ámbitos entrarán a uno de los talleres de conversiones más importantes de México y América Latina para entregar nuevos retos con proyectos tan ambiciosos como ese impulso que los hizo llegar lejos y ser quienes son.
Martín Vaca es ahora toda una celebridad y se siente cada vez más a gusto entre las figuras que lo visitan, y le muestran su admiración genuina. Durante años ha recibido en su taller a celebridades como Edgar Vivar, “La Chofis”, Paty Cantú y, más recientemente, figuras como Miguel “El Piojo” Herrera, y Omar Chaparro; esta nueva temporada se prepara para acoger
a famosos como el futbolista Miguel Layún, la conductora Marisol González, el comentarista deportivo y ex futbolista Rafael Márquez Lugo, al humorista y conductor Faisy, entre otros.
Familia, nostalgia, amor, rivalidades entre hinchas, creatividad y muchos coches serán parte de las anécdotas detrás de esta temporada, en donde los desafíos para los Mexicánicos se mezclarán con las historias para así lograr los autos de sus sueños de estas celebridades.
Miami, Florida no se queda atrás en temas de autos y renovaciones, y llega a la pantalla del canal con el estreno de Alex Vega Custom Shop a las 9:45 p.m., donde veremos a Alex y su equipo personalizar algunos de los mejores vehículos jamás creados convirtiéndolos en obras de arte únicas, más de cuarenta al mes. Se mostrará el lado perfeccionista de Alex y cómo no escatima esfuerzos para cumplir con su misión.
Entre las celebridades que desfilarán en el taller del corazón de Miami se encuentran Mark Anthony, Carlos Carrasco, Iman Shumpert entre otros.
MES DEL COCHE Distribuidora: Discovery
"Mi madre es maestra de primaria, ahora retirada pero toda su vida estuvo dedicada a la educación en escuelas de gobierno, por lo que me tocó vivir muy de cerca su compromiso, pasión y sobre todo su entrega a miles de niños que fueron sus amados alumnos. Recuerdo mi casa llena de exámenes por calificar, tareas, apellidos, apodos, y muchas anécdotas de quienes de vez en cuando se acercan por la calle, allá en el Puerto de Veracruz a saludarla y agradecerle. Fue, precisamente eso, lo que desde el principio me conectó de forma tan personal con la novela de Ángeles Doñate, El último vagón, una historia ubicada en algún tiempo y sitio perdido de México con personajes tremendamente humanos y que nos habla de la amistad, la inspiración, la imaginación, el descubrimiento del primer amor y de esos encuentros que la vida nos regala y nos transforma" , comenta el director.
La cinta cuenta la historia del pequeño Ikal y su familia viven en un ferrocarril que viaja por todo el país, pues su padre Tomás trabaja en la reparación y construcción de las vías del tren; lo que impide que la familia pueda permanecer por mucho tiempo en un mismo sitio. Pero en esta última parada, Ikal conoce a Chico, un niño rebelde al que admira; a Valeria, una niña muy inteligente (y por quién descubrirá lo que es el primer amor); a Tuerto, otro niño que forma parte de la comunidad ferroviaria y a Quetzal, un perro sin raza que elige a Ikal como su nuevo dueño. Los cuatro amigos son alumnos
de Georgina, una inquebrantable maestra que hace todo por sus estudiantes con lo poco que tiene. Juntos lograrán que, Ikal, por primera vez, sienta que pertenece a un lugar.
"Uno de los aspectos que más me emociona de mi trabajo como cineasta es justamente la posibilidad de sorprenderme con cada proyecto. Cada película ha significado emprender un largo viaje de exploración y aprendizaje, y en el caso de El último vagón se convirtió en la oportunidad de abordar un género distinto con jóvenes, muy jóvenes actores que llenaron de energía, luz y pasión la película, y con actores y actrices a quienes admiro y respeto profundamente y con quienes fue un placer construir cada uno de los personajes y adentrarnos así en el mundo de la docencia en condiciones muy precarias y con el fascinante universo ferroviario de nuestro país. Más cinematográfico no podía ser, los vagones, las vías, los paisajes, sus habitantes, sus sueños y una vida durísima de trabajo y poca recompensa.
"Estoy convencido de que El último vagón es una película luminosa y entrañable, de esas que estoy seguro permanecerán en la memoria del espectador tanto por su nivel emocional como estético. Fue una oportunidad fantástica para hacer una película bellísima en todo sentido acompañado por un equipo maravilloso de profesionales que aportaron todo lo que vemos y escuchamos en pantalla. Como director este viaje significó un reto de realización, trabajo con actores, tono, ritmo pero sobre todo y más importante la posibilidad fantástica que el cine nos brinda de establecer una conexión total con las audiencias".
EL ÚLTIMO VAGÓN Dónde ver: Netflix
Los actores, Halle Bailey, quien da vida a Ariel en el live action de La sirenita, y Javier Bardem, quien se pone en la piel del Rey Tritón, cautivaron a los fans durante su paso por la alfombra azul, en el Cinépolis Toreo Parque Central. La joven actriz expresó estar emocionada, porque es la primera vez que visita México. “Es mi primera vez en México y estoy muy emocionada. Quiero demostrar que con esta película los sueños se cumplen. Espero que a cada uno de ustedes se les cumpla también”, expresó. Por su parte, Bardem resaltó lo entregados que son los fanáticos. “El público mexicano y latino tiene mucha pasión, cuando ven película o en los conciertos, es algo maravilloso. Por eso el español es un idioma muy fuerte”, manifestó el histrión. México fue el segundo país en realizar una premiere, después de Los Ángeles, donde fue la premiere mundial. El estreno de La sirenita es el 25 de mayo en todo el país azteca.
FOTOS CARLOS MORA
LA SIRENITA Distribución: Disney
FOTOS CARLOS MORA
