REVISTA CAMEO nace con el fin de difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales en México.
ESCANEA EL QR Y CHECA
TODOS NUESTROS NÚMEROS
AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.
NÚMERO 20
MARZO 2023
AÑO 3
Editor:
Carlos Mora
Co editora:
Maribel De Luna
Colaboradores:
Elizabeth Osorio
Cinthya Salas
Alejandra Lomelí
Francisco Javier Quintanar Polanco
Diego Guerrero Cedillo
Angélica Ramírez
CORREO:
cameo.revista@gmail.com
REVISTA CAMEO
revista_cameo
REVISTA DIGITAL issuu.com/
Después de exitosas películas como La Ley de Herodes (1999), Un mundo maravilloso (2006), El infierno (2010) y La dictadura perfecta (2014). El director Luis Estrada regresa con ¡Que viva México!, una cinta protagonizada por un gran elenco, encabezado por Damián Alcázar, Alfonso Herrera, Joaquín Cosío, Ana de la Reguera, Ana Martín y Angelina Peláez.
por CARLOS MORA
La película se estrenará en más de tres mil pantallas en todo México, en ella narra la historia de Pancho Reyes (Alfonso Herrera), un próspero y "aspiracional" hombre de clase media, que abandonó su pueblo natal y se olvidó por completo de su numerosa y paupérrima familia. Un día, recibe una noticia inesperada cuando su padre le informa que su abuelo, Don Francisco Reyes, un viejo y rico minero, acaba de fallecer, y que él es parte de su testamento y posible heredero. Motivado por la codicia, Pancho decide regresar al remoto pueblo de La Prosperidad para reunirse con su distanciada y resentida familia, y lleva consigo a su mujer, sus hijos y su criada.
"¡Que viva México! es una ácida fábula social y una venenosa sátira política; grotesca, con mucho humor negro que, como un espejo sin alma, nos muestra y retrata a todos en estos tiempos de polarización e intolerancia pero no en un tono realista o naturalista, sino con la distorsión que dan la parodia, la farsa, el realismo mágico y la caricatura. Todo enmarcado en ese pequeño infierno personal al que todos pertenecemos y que todos, para bien o para mal, tenemos y padecemos: La Familia", comenta el realizador en entrevista con la Revista Cameo.
Alfonso, ¿qué te gustó de dar vida a Pancho Reyes?
Me gustó que tiene un arco bien trazado y plantea que Pancho somos todos. Yo abrumaba a Luis (Estrada), diciendo cómo percibe a Pancho, hasta que hubo un punto en que le dije: "creo que Pancho somos todos", y me responde: ¡Bingo!, le acabas de entender al personaje.
Para construir a Pancho tuve que recurrir a unos recuerdos de mi padre, de algunos momentos que viví a su lado, de cómo se comportaba en las cenas familiares y claro que también tiene detalles míos.
Luis, traes a la mesa el debate de las películas que se estrenan en plataformas sin pasar por la pantalla grande, ¿qué opinas de este tema?
Creo que no hay un sólo camino. Cada productor o director tiene que buscar su propio camino, yo tengo muy claro el mío y mi aspiración como creador, y también como director, guionista y productor. A mi edad ya tengo mis ideas y conceptos establecidos y va a hacer muy difícil que las cambie, el cine que yo hago es para verse en la pantalla grande, (aunque esta opinión no la comparta mucha gente), claro que quiero que mis películas vivan muchos años en las plataformas.
Y sobre el estreno de ¡Que viva México! en el cine, ¿cómo te sientes?
Estoy muy contento de que haya logrado ponerla en las pantallas cinematográficas, pero igual de contento de saber que si alguien quiere ver el resto de mi filmografía la pueda ver en las diferentes plataformas de streaming. Son dos opciones complementarias, tanto el cine como las plataformas. Es un poco de lo que trata la película, una polarización de saber estás conmigo o en contra mía, creo que no va por ahí la respuesta. Hay que ser más mesurados y ver caso por caso con inteligencia, yo tengo muy claro el mío, hice una película que desde que la escribí fue pensada para verse en la pantalla grande. Fue ahí en donde crecí, me eduqué y donde he tenido mis mejores experiencias.
"LAS PELÍCULAS DEBEN DE VERSE POR PRIMERA VEZ EN UNA PANTALLA GRANDE, EN UNA SALA A OSCURAS Y CON MUCHAS PERSONAS, Y YA DESPUÉS QUE LAS PUEDAN VER EN OTROS FORMATOS"
Para mí el cine es esencial y es toda una experiencia colectiva, ¡Que viva México!, es una película polémica por su naturaleza, donde cada espectador va a sacar sus conclusiones, gira alrededor de la familia, del país y del poder político. Creo que la posibilidad de verla en una sala va a hacer una experiencia enriquecedora, la comedia está pensada para verse en el cine porque la risa se contagia, también otros sentimientos y emociones. Pero, ¡imagina!, si la estás viendo desde tu celular y te entra una llamada o mensaje muy difícilmente vas a conectar con la cinta. Por eso, lo vuelvo a decir, las películas deben de verse por primera vez en una pantalla grande, en una sala a oscuras y con muchas personas, y ya después que las puedan ver todas las veces que quieran en otros formatos.
Alfonso, ¿qué opinas sobre el tema?
Luis (Estrada) lo define muy bien, depende de cada director o productor qué camino va a escoger para que se vean sus películas.
Creo que hay algo colectivo que ocurre en los cines, y es que después de salir puedes hablar de la película, abres un debate y eso también ayuda a la economía que hay alrededor, ya que te puedes ir por unos tacos o un café y sigues debatiendo sobre la película.
Luis, hablemos del elenco, todos son grandes de la actuación. ¡Claro!, en ésta más que ninguna otra película, ya se ha vuelto el sello de la casa (risas). Todo el elenco que participa en ¡Que viva México! ya son miembros de mi familia, es un sello distintivo de mi filmografía.
Esta película tiene un gran reto porque es un elenco coral, hay varios actores que interpretan dos o tres personajes y a cada uno de ellos les escribí su personaje con ellos en mente. El personaje de Pancho fue escrito para Poncho (Herrera), al igual que Ambrosio, Regino y Rosendo fueron escritos para Damián (Alcázar).
"ESPERO QUE SEA LA SEGUNDA PELÍCULA DE MUCHAS QUE HAGAMOS JUNTOS, Y CUANDO LUIS ME DIGA, ¡AHÍ ESTARÉ!"
Alfonso Herrera
Por otro lado, tuve la suerte de que nadie me dijera que no al proyecto, muchas veces los actores y actrices tienen muchas ofertas de trabajo, acá todos estuvieron felices y creo que fue una experiencia muy importante para todos estar en esta película. Con este gran reparto y por sus grandes actuaciones, me hacen sentir más orgulloso de ¡Que viva México!
Alfonso, ¿cómo decirle que no a Luis Estrada?
Creo que no hay un actor en México que le diga no a Luis, sabe lo que quiere y va más allá del guion y de la película que estamos construyendo en el set, tiene un entendimiento total de la película, pero también del clima político y cómo ha permeado e incluso ha roto a familias, de cómo hay una guerra sin cuartel, una polarización que está creando situaciones bastantes peculiares en nuestro alrededor.
Por eso ya le dije, "espero que sea la segunda película de muchas que hagamos juntos, y cuando Luis me diga, ¡ahí estaré!".
Luis, vuelves a hacer mancuerna con Damián Alcázar, desde La Ley de Herodes.
Los directores que yo más admiro han buscado tener sus actores para hacer sus propias familias, mi director favorito es John Ford que tenía una familia formada por John Wayne, Henry Fonda, entre otros, pero también lo fueron Pedro Infante e Ismael Rodríguez, el Indio Fernández y Pedro Armendáriz.
¿Qué pasa?, que cuando encuentras una complicidad más allá de una colaboración profesional y generar lazos realmente afectivos de admiración mutua y es correspondida, se termina haciendo una familia. Me siento muy abrumado por las cosas que Poncho dice sobre mí, pero sé que son ciertas porque me las demuestra, entonces también ya es de mi familia.
Y claro que si hago más películas los estaré contemplando, son actores que terminan dando más, de lo que dice el guion. Por eso yo digo que ya soy polígamo, ya me casé con Poncho, Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Salvador Sánchez, entre otros muchos.
¿Qué les viene a la mente cuando escuchan?
México:
Luis: ¡Patria!
Alfonso: 23 de marzo
¡Que viva México!
Luis: Ambivalencia
Alfonso: 23 de marzo
La 4T:
Luis: La misma gata, pero revolcada
Alfonso: 23 de marzo
Y por último, completar el dicho: "La ley de Herodes..."
Luis: "O te chingas o jodes", pero ya te la sabes (risas), es un clásico, pero también es un dicho popular.
originario de Tabasco, es uno de los actores mexicanos más versátiles en la actualidad. Su talento lo ha llevado a participar en cine, teatro y televisión. Además de los proyectos recientes como ¡Que viva México! donde da vida a Jacinta (antes Jacinto) es una más de los hijos de Rosendo Reyes (Damián Alcazar) y Dolores (Ana Martin). Hermana de Pancho (Alfonso Herrera).
En entrevista con la Revista Cameo, el histrión comentó: "Es una sátira como bien hace Luis Estrada. Tuvo esta idea que nos contó antes de iniciar el rodaje de diseñar a los personajes como una lotería mexicana. Luis tiene ese gran mérito de ser exitoso tanto con la crítica como con la taquilla, logra hablar de cosas muy importantes y puntuales con una gran acidez y agudeza a través del sentido del humor... es un honor trabajar con él".
Jacinta es coqueta, descarada y muy cínica. Maneja la cantina del pueblo de La Prosperidad junto a Lupe (Fermín Martínez) su marido. Donde además de vender alcohol, venden caricias. Son padres de Brayan, un niño gritón. Jacinta lleva una relación “complicada” con Lupe que no es precisamente el más cariñoso. Ambos reciben al matrimonio de Pancho y Mary (Ana de la Reguera) con toda alegría hasta que se enteran que es Pancho el único heredero del abuelo. Jacinta se unirá a su larga parentela en los planes para quedarse con la herencia que el fifí de Pancho se niega a compartir.
"No puedo contar mucho, solamente que es Jacinta o Jacinto para algunos, pero para ella es la Jacinta y ya veremos qué es lo que sucede con ella en la historia. Hice dos audiciones para este personaje, cuando quedé fui muy feliz, porque soy admirador de Luis desde que vi la Ley de Herodes, es un director imprescindible en México. Me encantan los temas políticos y sociales... es un sueño cumplido trabajar con el gran maestro Estrada".
"Me encanta el género de horror porque es muy vasto y se pueden hacer muchas cosas creativas; Huesera la hicimos desde lo más personal y empezamos a escribirla en 2017, quisimos hacer una película que cuestionara los roles familiares", nos comparte en entrevista la cineasta
por CARLOS MORA
Huesera es tu ópera prima, ¿cómo te sientes?
Siento que estoy celebrando como una niña pequeña, porque uno de mis objetivos era llegar a la pantalla grande, el sueño de cualquier cineasta, y me emociona tener esta oportunidad, que se vea en todo el país. Por otro lado, también quiero que llegue a plataformas de streaming, porque entiendo que hay mucha gente que no puede desplazarse a salas de cine y prefiere ver películas en su casa, soy partidaria de que ambos formatos pueden convivir.
Abordas el tema de la maternidad, ¿cómo ha sido recibido?
La hicimos pensando en México y en Latinoamérica, pero es muy impresionante que en países como Corea del Sur o Canadá hubo mucha gente que se nos acercaba al finalizar las proyecciones y me decían que estaban conmovidas con el tema, eso nos recuerda que temas de roles de género y el embarazo es algo universal y que parece que está muy hablado, pero no tanto, creo que sigue siendo un tema tabú en nuestra sociedad.
En Huesera, hay un elenco de grandes actrices, ¿qué opinas?
Las amo, son mis personas favoritas y me siento muy afortunada, he entablado una amistad con cada una de ellas fuera del trabajo, han sido muy generosas conmigo, han sido mis maestras, me han enseñado mucho de mi labor como directora y de verdad me han dado oro. No entiendo a los directores que no se involucran con sus actores, se cierran esas puertas, en mi caso me siento muy afortunada de trabajar con todas y todos.
Incorporas una coreografía en tu película, ¿cómo se te ocurre?
Considero que a veces los presupuestos acotados son una fortuna porque te obligan a trabajar en un cajita que parecen límites, pero pueden ser muy generosos, y porque no me gustan mucho los efectos especiales. Yo sí soy de las directoras de horror que cree que es importante mostrar el monstruo en su mayor forma o representación, y poco a poco llegué a la conclusión de que iba a ser bastante acertado el uso de cuerpos de mujeres descoloridos y fracturados, así que con la ayuda del coreógrafo Diego Vega encontramos esta ubicación magnífica en el Bosque de Chapultepec que logramos crear este concepto de cinematógrafo que vemos en Huesera.
"VER QUE VIENE EL TRABAJO DE MUCHAS DIRECTORAS CON MUCHO TALENTO, ME SIENTO MUY ORGULLOSA DE VER QUE SE ESTÁN DANDO ESTOS AVANCES DE MUJERES EN EL CINE"Fotos Carlos Mora
Fue un gran ritual que hicimos como equipo, todos tuvimos esa disposición de entrarle con mucha entraña y corazón. Mich tiene una gran capacidad para generar ambientes de trabajo excepcionales, es alguien muy franca y llegamos a intimidades muy profundas; con mi compañero Alfonso Dosal hay mucha confianza y amor. La verdad no me había tocado vivir dentro en un set donde se manejara la energía tan bien. Al finalizar la grabación soy otra persona, pero para bien, lo disfruté mucho.
De entrada, fue muy refrescante ver esa otra maternidad distinta a la de Noche de fuego que representaba esa maternidad tan adorada, celebrada y sagrada en México. En Huesera es diferente, en la primera lectura me causó cierto rechazo, pensé: "es fuerte", pero fue un gran bálsamo para mí entrar al mundo de la Huesera. Por otro lado, fue de los procesos más deliciosos hacer la construcción de mi personaje (Octavia), me la imaginé fuerte, que ejerce el feminismo pero no de los libros ni teoría, es en la práctica, por eso vimos una escena donde entrena a mujeres debajo de un puente en Iztapalapa, ella es única y cuida de sí misma.
Es un gozo ver crecer a gente como Mich, la conozco desde que era estudiante y ahora ver que con su ópera prima arrasa con más de 30 premios internacionales, es un honor estar en Huesera y construir el personaje al lado de la directora, está lleno de muchos detalles y significados. La energía existe, y en el set sucedieron temas fuertes, muy fuertes; una mística tiene la película, la Huesera tiene una carga fuerte.
Lo que me gustó de Isabel es mostrar que hay muchas más mujeres que viven su sexualidad de una manera diversa, algunas han tenido que ocultar el deseo por otra mujer porque la sociedad les impide decirlo libremente. Construimos a Isabel pensando que era esa mujer que no había tenido hijos por una decisión personal, pero que en Valeria vuelca todo el amor que tiene, porque creo que no todas las mujeres tenemos que experimentar el embarazo para vivir la maternidad. Me gustó mucho el trabajo de Michelle, creo que ella a cada uno de los actores nos pide lo que necesita, sentimos seguridad y confiamos.
Es muy interesante pintar a mi personaje (Raúl), como hombres nos está costando reconocer la misoginia y el machismo que está instalado desde hace mucho tiempo en nuestra sociedad. El nivel de compromiso que manejé junto a mi compañera (Natalia Solián), fue un gusto, una vez que habitaba la atmósfera de terror todo se vuelve terso, lo disfruté mucho, pero mi personaje estaba en otro mundo (risas).
Fotos Carlos Mora
HUESERA Distribución: Cinépolis Distribución
FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO
VALERIA (Natalia Solián) es una joven la cual lleva un buen matrimonio al lado de su cónyuge Raúl (Alfonso Dosal) y tras varios intentos, ambos ahora esperan a su primer hijo. Su esposo, su familia y ella misma están felices y entusiasmados con tal acontecimiento, aguardando con ansia su llegada.
Sin embargo, conforme se acerca la fecha del parto y continúan los preparativos para recibir al bebé, a Valeria le suceden varias cosas: por principio de cuentas, es invadida por cierta ansiedad -aunque en principio la atribuye al nerviosismo por su embarazo-, y en sus momentos más angustiosos o de mayor tensión, inconscientemente hace tronar los huesos de sus dedos y de otras partes de su cuerpo. Pero más tarde comienza a escuchar cosas extrañas y a tener visiones escalofriantes, haciéndole creer que “algo” la está acechando.
Aterrada, la futura madre busca apoyo en su pareja, en su familia, e incluso en Octavia (Mayra Batalla), una amiga de la juventud con quien, en algún momento, sostuvo una relación amorosa. Pero piensan que o bien dichas visiones son producto de su imaginación desbordada a causa del estrés derivado de su estado; o -en el peor de los casos- que la joven está confundida o se ha vuelto histérica. Por ello, Valeria termina peleada con casi todos ellos, y su vida personal comienza a resquebrajarse.
Pero su tía Isabel (Mercedes Hernández) sí le cree y la ayuda a entrar en contacto con otras personas las cuales la auxiliarán y gradualmente la adentran a un universo oscuro, y allí confrontará a aquello que la atemoriza, y des-
cubrirá de dónde proviene dicha amenaza, así como la verdadera fuente de sus desasosiegos y temores.
Huesera es el primer largometraje de Michelle Garza Cervera, guionista y directora egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica. Escrita junto con otra debutante, Abia Castillo (también proveniente del CCC); esta brillante ópera prima emplea (y combina) los recursos propios del terror sobrenatural, el psicológico y sobre todo del body horror para comentar y reflexionar (con una perspectiva de género) acerca de temas relacionados con la maternidad, la identidad, la sexualidad, y cómo estos son regulados y/o impuestos por los convencionalismos y tabúes sociales imperantes. Todo ello a través de los ojos y las angustiantes experiencias de su atribulada protagonista, situando su trama en el contexto de una familia de clase media mexicana, y con base en un argumento el cual deriva de una leyenda poco conocida.
El filme tuvo su estreno mundial dentro de la sección Midnight en el Festival de Tribeca de Nueva York el 9 de junio de 2022, donde obtuvo el Premio a la Mejor Nueva Dirección Narrativa y el Premio Nora Ephron, ambos para Garza Cervera. Y desde entonces ha sido exhibida y ha ganado premios en diversos certámenes internacionales, como el Premio Blood Window a Mejor Película y el Citizen Kane a Mejor Dirección en el Festival de Sitges y el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Morelia, por mencionar solo algunos. Ahora se enfrenta a un nuevo reto: conquistar las taquillas nacionales.
por
En entrevista con la Revista Cameo, platicamos con el primer actor y el director Gilberto González Penilla, sobre los retos de Amores incompletos, largometraje que narra la vida de José (Alejandro Camacho) que tras la muerte de su esposa Elena (Patricia Bernal), emprende un viaje por la Península de Baja California para descrubir sus secretos y replantearse su vida.
por CARLOS MORA
Alejandro, regresas a la pantalla grande, ¿cómo te sientes?
Siempre he trabajado en pantalla grande, pero creo que las cosas no lo jerarquizan a uno, sino uno jerarquiza las cosas, entonces, cuando llega una película que tiene humor, contenido, inteligencia, sensibilidad y es luminosa, me inspira. Me gustó que mi personaje aprende y avanza a pesar de todo lo que le ocurre en la película. Entonces, cuando encuentras todos esos aciertos, no puedes decir que no. Por otro lado, la historia tiene un sentido del humor muy inteligente de parte de mi querido Gilberto, es un director muy joven y talentoso.
Gilberto, ¿cómo fue trabajar con Alejandro?
Fue muy fácil, cuando decidí que Alejandro era el personaje principal, me llegué a preguntar, ¿qué le iba a enseñar a Alejandro?, sí me dio miedo, (risas), pero entendió el personaje muy rápido, es una persona muy bondadosa para trabajar, siempre estuvo dispuesto. Generalmente una noche antes platicábamos de las escenas del día siguiente, proponía cosas para su personaje. Siempre estuvo muy comprometido, fue un goce trabajar a su lado.
Filmaron en Baja California, haciendo del lugar un protagonista más.
Gilberto: Yo soy de Tijuana, allá grabé mi primera película, son lugares que conozco muy bien, ya había hecho el viaje completo desde Tijuana hasta Todos Santos, entonces, ya ubicaba los lugares por los cuales me gustaba que el personaje de Alejandro iba a pasar, total que para escribir el guion hice dos viajes. Lo complicado fue la filmación porque eran casi cien personas que formaban el crew, el viaje lo hicimos en dos semanas y la logística fue bastante complicada, pero fue un viaje muy divertido.
Alejandro: Realmente fue un goce, aprendí tanto de ti (Gilberto), de mis compañeros y mis compañeras actrices, creo que puedo tener una imagen de ser un actor difícil, pero siempre tengo la conciencia de aprender de mis semejantes y eso me ha dado más claridad al enfrentarme con gente tan talentosa que colabora en la película.
Gilberto, cuéntame sobre el elenco. Fue un reto, son actores que admiro bastante como: Hoze Meléndez, Patricia Bernal, Silverio Palacios, Manuel Landeta, Héctor Jiménez, Carmen Beato, Johanna Murillo, Flor Edwarda
Egurrola, todos merecían estar ahí, no importaba que fuera un personaje chiquito, a ellos los convenció el guion, y eso me gustó mucho.
¿Qué les dejó esta película?
Alejandro: Un aprendizaje muy profundo y un gran agradecimiento a mi querido Gilberto, el tener la oportunidad de haber trabajado en algo tan padre como esta película es para enorgullecerse.
Gilberto: La idea de no juzgar a nadie, de aceptar los errores y tener segundas oportunidades.
Brujería, una fábula sobrenatural basada en hechos reales sobre la resistencia ancestral indígena ante el colonialismo en la isla de Chiloé. "Es una historia que está filmada en Chile, pero resuena en toda Latinoamérica y en México", comenta en entrevista el realizador chileno, Christopher Murray
por CARLOS MORA
BRUJERÍA Distribución: Pimienta Films
BASADA en hechos reales, Brujería narra la historia de resistencia cultural indígena del grupo "Recta Provincia" ante la colonización alemana durante el siglo XIX en el poblado huilliche de Chiloé, Chile. Dirigida por el chileno Christopher Murray, Brujería es producida por Nicolás Celis, Pablo Larraín, Rocío Jadue y Juan de Dios Larraín, tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Sundance; también estuvo nominada en el Festival de Cine de Gotemburgo al Premio Dragón en la Competencia Internacional.
La historia es un juicio documentado que sucedió a finales del siglo XIX, sobre una organización de "brujería" llamada "Recta Provincia", de Chile. Es un hecho que siempre me llamó la atención y en mi casa siempre se habló de esa historia por mi abuela. Cuando decidí que me iba a dedicar al cine, me acordé de esa historia y supe que ahí había una película, por la fascinante historia y lo enigmático, siempre digo que fue una especie de juicio de Salem pero en el Sur de Chile, también tiene un componente político y social que en el fondo hace eco a problemáticas contemporáneas. Eso me entusiasmó para hacer esta película.
¿Qué te gustó de trabajar con tu protagonista, Valentina Veliz?
Ella no tiene formación actoral, es su debut, pero sin duda tiene una fuerza, mucho carisma y un magnetismo para la pantalla, yo digo que es un talento natural. Hicimos un gran casting para buscar a Rosa, y cuando ella lo hizo rápidamente nos dimos cuenta que era la protagonista. Así como ella y el resto del elenco hicieron un trabajo hermoso.
Es una película ambientada en el siglo XIX, ¿cuál fue el reto para realizarla?
Es un desafío grande retratar esa época, nos apoyamos mucho en la naturaleza misma de la Isla de Chiloé, fue muy importante recrear la atmósfera que a veces no ha cambiado tanto en ciertas zonas, aún hay esa neblina y esa humedad que era la atmósfera que yo quería dar a la película. Hicimos un trabajo grande de recopilación de material, en la Isla aún hay muchos vestigios de cómo era la vida en el siglo XIX, aún siguen las casas que vemos en la película, entonces fue recolectar y mostrar el Chile de esa época.
Tocas temas sobre la evangelización a los indígenas.
El tema de la religión Cristina es un componente muy marcado en el proceso de la colonización, históricamente no fue solo un proceso territorial sino también sobre las creencias, entonces en ese sentido era pensar en Rosa que había sido criada en este espacio de animales y protestantes, había que mezclarlo con tema de la religión católica.
¿Qué opinas de los actores naturales?
Es un proceso muy hermoso que se construye entre director y actor, se crea algo muy genuino que es difícil de replicar con actores de formación, me ha hecho mucho sentido trabajar con actores naturales que magnetizan la pantalla de manera distinta, hay una magia y autenticidad en ellos, para mí es muy grato.
La película dirigida por la cineasta Diana Cardozo, se centra en Luis, un niño de siete años que muestra lo difícil de crecer en las zonas más marginadas del país
¿Cómo fue trabajar esta historia?
Diana. Fue salir de este estado de la “niñez idílica”, es decir, ser lo suficientemente honestos como creadores y como ciudadanos para decir que ahí está toda la vida concentrada, pues la niñez tiene luces y sombras.
Martín. Alguna vez leí en las memorias de Sergei Eisenstein, que un niño que no le arranca las alas a una mosca no es niño ¿no? No hablo de la crueldad en sí, sino de cómo los niños se están preparando para un mundo violento, porque está violencia que retratamos en la película no es nueva en la historia de la humanidad.
¿Cómo nace la historia de Estación Catorce?
D. Tiene muchas etapas el proceso de creación, define la historia hace muchos años, me gusta escribir, es un trabajo que hago naturalmente pues escribo casi todos los días. La historia nació de una de esas preocupaciones que te llevan a hacer una película, un evento que lees en el periódico y dices “¡Esto es una película!”, claro que hay que trabajarlo. Fue un trabajo de mesa muy minucioso.
M. Nuestro presupuesto fue limitado, y hubo que echar parte de una parte creativa para involucrar a personas que pudieran apoyar. Algunos trabajadores cinematográficos que ven un proyecto y que aunque es pequeño, pero con corazón van y de lo que te cobran originalmente te cobran mucho menos. Fuimos muy cobijados.
¿Cómo es trabajar con niños?
D. Los niños fusionan naturalmente a través del juego, es decir, el mecanismo del cine lo tienen asumido por una especie de juego, van sobre el “play” ese actuar y jugar, un verbo que español no es tan claro pero engloba el que la ficción es parte del mecanismo psíquico humano, todos friccionamos. Gael
Vázquez es un grandísimo actor natural, tiene unos ojos y una mirada particularmente expresiva, evidentemente lo tiene y además tiene una memoria increíble. Fue algo parecido a su vida, eso era parte del desafío porque decidimos que no fuera un niño de la Ciudad de México trasplantado a esa realidad, era un niño de esa realidad llevado a la pantalla y esa fue la ecuación y el trabajo con el niño.
M. Además de los niños, era lograr que todos los animales, las gallinas, los borregos y todos entran a cuadro. Fue el entender que no era sencillo trabajar con niños, pues no era sólo un niño, era ese niño más el niño más chiquito, más el bebé y todos en cuadro, todo era lo que menos te quieres imaginar en un rodaje, pero todo eso le da una vida interesantísima a la película. Fue muy lindo el aprender a valorar esas cosas que muchas veces uno tiende a quitar por practicidad, pero ese era el retrato. Encontramos a Gael Vázquez después de mucha búsqueda por muchas escuelas mediante pequeños talleres actorales en el pueblo.
¿Cómo fue abordar la violencia desde el punto de vista de un niño?
D. Esa es la capacidad que tiene el mecanismo, la herramienta, este dispositivo cinematográfico en el que sí podemos transformarnos en el otro por hora y media, tener la percepción o punto de vista del otro, sus sensaciones en el cuerpo, eso es lo fabuloso del cine y nosotros como trabajadores del cine somos agradecidos de tener esa posibilidad de darle a una historia todas las herramientas sensoriales, porque finalmente en ese pasaje al “otro” que tenemos en una sala de cine es donde podemos entender algo más profundo de la vida, que es que el otro es un semejante, con la historia que carga, con sus circunstancias, es un igual con los mismos derechos, pero con otra historia, es algo filosóficamente más profundo.
TRAS ESTRENAR en 2014 La guerra de Manuela Jankovic, Diana Cardozo regresa a la dirección con Estación catorce (2021), una película que observa la masculinidad tóxica a través de la relación de un padre y su hijo, aunque lo cierto es que el largometraje también aborda temas como el fin de la inocencia, la pobreza, la indiferencia, la paternidad no deseada y la crisis de violencia en el país. La película formó parte de la Selección Oficial de Largometraje del Festival de Cine de Morelia en 2021.
Escrita también por Cardozo, Estación Catorce conjunta un elenco de actores profesionales con no actores como es el caso del niño Gael Vázquez, quien da vida a Luis, un pequeño de 7 años que empieza a experimentar el mundo. Entre juegos y escuela, su vida se verá trastocado cuando un día la violencia se hace presente, resultando en la ejecución de una pareja por un grupo criminal, detonando así su primer encuentro con la muerte y el descubrimiento de la fragilidad de su padre, un hombre resentido con la vida a raíz de su situación económica y que, al igual que sus vecinos, aprovecha la tragedia en beneficio propio, robando un sofá que querrá vender después.
A pesar de que la historia se contextualiza en un México azotado por la violencia del que nos percatamos gracias a una escena inicial eficaz que consigue crear tensión y preocuparnos por el destino de los personajes,
Cardozo no busca esbozar otro drama sobre el poder implacable del narcotráfico, sino un estudio sobre la infancia y cómo ésta es vulnerada por la violencia cotidiana en el hogar, ya sea por paternidades no deseadas o masculinidades tóxicas, en este sentido, la película entrega una reflexión necesaria, por momentos, sobrecogedora, aunque también irregular en términos narrativos cuando se trata de entender los resentimientos del padre, sin duda, faltó trasfondo en los personajes adultos, mientras que la dirección de actores se percibe imprecisa.
Pero Estación catorce no nos deja indiferentes a su planteamiento, gracias a que la directora elige el punto de vista de un niño es que podemos experimentar, con un toque de realismo, un doloroso despertar a la vida. José Antonio Becerril, Yoshira Escárrega, Claudia Ríos y Lourdes Elizarraras completan el elenco.
Mariachis, serie mexicana que nos presenta a Pedro Fernández como el protagonista de la próxima aventura familiar. Es un viaje musical por las costumbres arraigadas en nuestra cultura, para replantearse cuestiones universales sobre las relaciones familiares, aderezadas con drama y comedia. Una producción original de HBO Max; se suman al elenco Antonio Mauri, Nya de la Rubia, entre otros
por CARLOS MORALa historia gira en torno al apoyo que le brinda la familia Cuevas al patriarca Rosendo Cuevas (interpretado por Pedro Fernández), quien al comenzar de manera repentina y sorpresiva a sufrir de los estragos del Alzheimer, se refugia en la música, el único vínculo que le queda a la vida que llevaba. A través de diversas melodías él y su familia establecerán lazos con un pasado lastimoso -el
mismo que por años quisieron ocultar- pero los secretos de éste volverán a salir a la luz de forma intempestiva y podrían cambiar toda relación entre ellos.
Cabe destacar que la Dirección y Producción Musical de Mariachis corrió a cargo del talentoso Aureo Baqueiro; el soundtrack de la serie está compuesto por algunas canciones originales de distintos autores y otras que están desde hace muchos años en el corazón de los mexicanos.
¿De esta serie qué te atrajo más?
"Cada uno de los proyectos que tengo la oportunidad de realizar tienen que representar un reto para mí, como lo fue dar vida a Rosendo, un personaje que tiene alzheimer y que usa la música para volverlo a traer a la realidad. Es maravilloso ver la conexión que la música puede tener con personas que sufren esta enfermedad. Estoy muy contento con el resultado y fue un producto que quiero mucho".
¿Qué te gusta del mariachi?
"Su música tiene una magia maravillosa, el tiempo no pasa cuando escuchas esa música, todos hemos escuchado canciones como "Bésame mucho", "Si nos dejan", "El rey", todas esas canciones clásicas maravillosas, es regresar al pasado.Yo particularmente he tenido la oportunidad de hacer cine en diferentes etapas de mi vida y me ha causado una gran experiencia y una gran emoción poder vivir la música ranchera como la vivo, ser un intérprete de este género es tener un compromiso de darle cada vez mayor promoción y mantener a un público enganchado con este género.
Eres productor y actor en la serie, ¿cómo surge la idea de Mariachis?
Empezó hace años en Guadalajara junto a mi padre (Toño Mauri), le dije: “¿por qué nadie ha hecho una serie de mariachis?, ¡Imagina todas las anécdotas que pueden tener!", después esa idea fue creciendo; es mi primera vez produciendo, y desde castings fue muy padre ver cómo fue creciendo este proyecto, trabajar con este elenco fue maravilloso, todos son muy buenos.
¿Qué te gustó de la historia?
Que es muy bonita, ves a una familia de mariachis, la música, la gente que le aporta mucho corazón, ves todo lo que hay detrás y vemos muchas realidades como las tradiciones que hay en México, y mostrar ese lado humano que hay detrás de la música regional mexicana.
Y ¿cómo te fue al momento de cantar?
No tengo experiencia de cantante y menos en un escenario, pero la verdad sentí la energía del público, hubo muchos extras en las escenas de los conciertos, pero estar cantando y que te sigan fue increíble. Me gustó ver el crecimiento de mi personaje de un concierto a otro, espero que se vea todo el esfuerzo y le guste al público.
Fue grabada en Jalisco, ¿cierto?
Sí, agradezco a todo Jalisco, fue un placer poder grabar en Guadalajara, quisimos aprovechar estas locaciones para que todo el mundo lo vea, lo maravilloso que tiene México para ofrecer a los turistas.
También lo que es importante para los mariachis como lo son el Teatro Degollado, La Catedral, Chapala y muchas otras más. Fue un honor.
¿Mariachis qué representa para ti?
Para mí como española es un mundo diferente y muy atractivo, es una forma de vida más que un estilo de música. Mi personaje es una mujer mariachi que se atreve a dar un toque de flamenco a la música y también a la historia, espero que los mexicanos lo vean desde un punto artístico y bonito, le tengo un gran cariño a este personaje porque al final hace una fusión de España con México, creo que no se había hecho, y es lo interesante de esta serie, además es para todos los públicos, se van a divertir, a llorar, y todo a través de la música.
¿Qué aprendiste del elenco?
Con cada actor se aprenden muchas cosas, sean jóvenes o con mucha trayectoria artística, pero me he llevado a gente muy bonita en esta producción.
Pedro Fernández es un hombre con mucha carrera, muy humilde, todo un caballero y fue un placer aprender de él porque tiene un don, me encanta trabajar en México y con todo este pedazo de actores maravillosos.
Después de particar en diversos proyectos como Un extraño enemigo, Centauro del norte e Hijo de familia, la actriz regresa a su natal Guadalajara para trabajar en la serie original de Mariachis, donde comparte créditos con Consuelo Duval, Pedro Fernández, entre otros. Constanza da vida a Cristina, esposa de Jorge (Vadhir Derbez) y jugará un gran papel en esta historia. La comedia dramática de HBO Max, cuenta con una mirada contemporánea y fresca donde se reflexiona sobre la manera en que se mantienen vivas las tradiciones mexicanas, al tiempo que se promueve la música como un método terapéutico
por CARLOS
MORA"Me siento muy contenta de estar en Mariachis, es un proyecto bien bonito no solo por el cast, la historia y el tema, lo que vivimos detrás se va a reflejar en la pantalla; la complicidad, química y el cariño entre todos lo hace un proyecto padrísimo y muy original.
¿Qué puedes contar sobre tu personaje?
Cristina es parte de la familia Cuevas, soy la esposa de Jorge (Vadhir Derbez), vivo con ellos, y me vuelvo a lo largo de la historia un soporte para algunos personajes, es un personaje muy bonito y con mucho amor.
Como mexicanos traemos la música de los mariachis en la piel, ¿qué significó adentrarte a este mundo?
Fue muy ilustrador, me tocó un poquito sobre ese tema porque mi personaje no canta, ni está involucrado en el grupo, pero fue muy interesante poder colaborar, porque la familia Cuevas tiene que ver con el mariachi. Y por otro lado, hubo verdaderos mariachis en la serie, pude convivir y escuchar su música todos los días... fue un regalazo.
Grabaron en Guadalajara, la cuna del mariachi, ¿cómo te fue?
Increíble, yo soy de esa ciudad, y me gustó volver a mi tierra a filmar en locaciones en las que pasé la mayor parte de mi vida, como: El Teatro Degollado, Tlaquepaque, el centro histó -
rico, en Chapalita; fue muy padre, Jalisco tiene unas locaciones espectaculares.
¿Qué opinas de que HBO apuesta por una producción nacional con proyección internacional?
Lo aplaudo mucho, en Latinoamérica tenemos mucho que decir. Mariachis es una historia universal porque atrapa con el tema tradicional de la música vernácula, y creo que mucha gente va a conectar con alguno de los personajes, todos hacemos una gran labor.
Y de trabajar al lado de Pedro Fernández, ¿cómo te sentiste?
Pedrito es increíble, oírlo cantar en vivo fue: ¡Wow! Es una persona con un trato increíble y muy generoso con el todo crew de la serie. También lo fue trabajar con Consuelo y Vadhir, que son unas personas con gran calidez humana.
¿Qué recuerdos tienes del mariachi?
Muchos grandes momentos, como cuando en la preparatoria el novio te lleva “gallo”, también recuerdo a mi papá que me pedía mariachi cuando íbamos a comer. Creo que la música siempre te hace sentir algo: amor, despecho o estar festejando algo.
¿Tu canción favorita?
Como quien pierde una estrella, me hace recordar a mi papá porque siempre la cantaba en alguna fiesta.
El joven actor originario de Guadalajara comparte su experiencia de trabajar en Mariachis, la nueva serie original de HBO Max, que está compuesta por algunas canciones originales de distintos autores y otras que están desde hace muchos años en el corazón de los mexicanos.
¿Cuál es tu personaje en la serie?
Mi personaje es Ramón, el mejor amigo de Cristina (Constanza Andrade), quien con todo el caos que vive la familia Cuevas, se siente sola y tiene un colapso emocional, en ese momento llega mi personaje y se enamora de ella, entonces vemos un romance prohibido.
¿Qué representa para ti estar en la serie?
Mucho orgullo tapatío, soy de Guadalajara y que estemos hablando de los mariachis, una tradición a nivel mundial, representa un orgullo de mi estado. En lo personal, un sueño que tuve desde que tenía 13 años de ser actor.
Y, ¿qué significado tiene el mariachi para ti?
Se me pone la piel chinita cada vez escucho su música, un enorme orgullo como tapatío y mexicano. Es como cuando llega el mariachi a una fiesta ya sabes que se va a poner muy bien el ambiente. Y su manera de vestir es muy elegante, siempre he querido usar un traje de charro.
¿Cómo te sientes al ver tus traiciones en la pantalla chica?
Significa mucho que HBO haya filmado en Guadalajara porque tenemos muchas cosas hermosas que mostrar al mundo. Cuando estaba viendo los primeros capítulos, al ver el Teatro Degollado, la Catedral o el Centro Histórico, se siente muy bonito, son lugares por los que he caminado.
¿Cuál es tu canción favorita?
Caballero, de Alejandro Fernández, la he escuchando mucho últimamente, también porque habla sobre la relación de Ramón y Cristina. También me gusta mucho Sabes una cosa, Jalisco no te rajes y El son de la negra.
PRODUCCIÓN ARTIKO CDMX
FOTÓGRAFO: ADOLFO MARGULIS
ESTILIMOS: GRETA FORTE
ASIST DE FOTOGRAFÍA: JAVIER M. KEYMOLEN
El director de la serie La Cabeza de Joaquín Murrieta, historia ambientada en la época de la fiebre del oro en California, platica con la Revista Cameo, sobre la nueva producción Prime Video
por CARLOS MORA¿Qué fue lo que te gustó de estar en La cabeza de Joaquín Murrieta?
Estoy muy orgulloso de la serie porque tenemos una gran diversidad de rostros, rarámuris, chinosmexicanos; si hay algo que tiene esta serie es eso, para nosotros era importante esa representación en pantalla y también que se pueda contar la historia con sus propias lenguas.
Por otro lado, es una de las primera series mexicanas que tiene a dos mujeres no blancas de protagonistas, además en el género western, que es muy raro ver a mujeres fuertes usando armas y se vuelven los personajes centrales. Es muy importante mencionar este tema porque el western fue un género muy machista durante mucho tiempo, y de alguna manera es re interpretarlo y darle una vuelta a esa narrativa; contar las historia desde otro punto, porque siempre era contado por los anglosajones. Y ahora esta serie se cuenta desde el punto de vista de los mexicanos e indígenas, de eso se debe hablar, es lo importante.
¿Cómo fue el proceso de creación?
Yo dirigí los primeros cuatro capítulos de la serie, los otros directores son Humberto Hinojosa y Mauricio Leiva-Cock.
Lo preparé como si fuera una película. Tuve la oportunidad de llegar desde los casting que se hicieron bastante tiempo antes de la filmación, porque íbamos a trabajar con varios actores naturales y hubo que buscar a los indicados para los personajes de los chinos, rarámuris y apaches.
Puedes comentar sobre las locaciones.
La mayor parte de la serie se filmó en Durango, las dos ubicaciones principales en las que me tocó participar fueron el rancho de John Wayne, un atractivo turístico de los años 60 que después de un incendio quedó en abandono, nosotros llegamos y se reconstruyó una parte del pueblo para nuestra serie y otra parte se hizo con visual effects.
SER MEMORABLES, DESDE UN DESIERTO, UNA LAGUNA Y UN BOSQUE"
Otra locación fue el cañón El Chan, una locación muy compleja pero hermosa, estaba a dos horas de nuestro hotel que estaba en la ciudad de Durango.
De hecho todas las locaciones tanto de Puebla, Hidalgo y Durango estaban bastante lejos, más de una hora de trayecto pero teníamos claro que para hacer un western no sólo valía la pena sino que era indispensable, porque la mayoría de la serie fue filmada en exteriores.
¿Cómo fue grabar las escenas de acción?
Nunca me había tocado hacer escenas de ese tipo pero aprendí mucho al filmarlas, es enfocarte en la técnica pura. Tuvimos la ventaja que para hacer las escenas de acción grandes y complejas se contrató a un director de acción, Jordi Casals, quien en su juventud fue stunt, fue como mi padre en set, me enseñó cómo filmar acción, poner las cámaras y pensar en el corte. Las escenas estaban en el guion pero él aportó mucho
detalle, las más complejas las enriqueció y se volvieron más interesantes al verlas en pantalla.
¿Cuál crees que sea el reto de filmar una serie de western?
Requiere de mucho estudio, los proyectos históricos requieren mucha investigación, a mí me gusta ser muy preciso y me pongo a leer muchos libros de historia, me gusta hacerme preguntas, ¿cómo era la vida cotidiana en esa época?, ¿qué comían?, ¿cómo era la higiene en esa época?, en fin, toda una serie de detalles que marcan cómo se va a ver la serie en pantalla. Por otro lado, usé lo que aprendí en El baile de los 41, que la caracterización implica mucho tiempo, a veces los actores tenían que estar dos horas en caracterización, mientras los maquillaban, se vestían y peinaban, porque tenían que verse cubiertos de polvo, sudor y quemados por el sol, entonces todos esos detalles implican tiempo antes de filmar.
"EN EL WESTERN EL PAISAJE ES UN PERSONAJE MÁS, ES TAN IMPORTANTE COMO LAS CARAS QUE VAN A APARECER FRENTE A LA CÁMARA, TENÍAN QUE
Y te puedes dar licencias en series o películas de época.
Sí, algo interesante en esta serie es que nos dimos algunas licencias, pero se decidió desde que se estaba haciendo el guión que no se iba a respetar el lenguaje real de la época, si ves la serie, hablan como se habla hoy en día, se usan palabras y modismos actuales, y esa fue nuestra propuesta. También usamos música de bandas de rock latinoamericanas, ese fue nuestro estilo, un cierto estilo a nuestro western, pero sí hubo una investigación minuciosa de la historia.
¿Cómo llega Juan Manuel Bernal a la serie?
Cuando pensamos en el personaje de Joaquín Murrieta se me vino a la mente Juan Manuel, hizo casting como otros actores, pero lo vimos y de inmediato nos gustó a todos en la producción.
Nuestro Murrieta es una persona que para aquellos años debe rondar los cincuenta años y ya era un anciano, su época como bandolero ya había pasado, ya tenía que lucir cansado y con molestias en el cuerpo, por eso tiene que depender de su mano derecha que es Adela Cheng, que termina convirtiéndose en una hija para él.
LA CABEZA DE JOAQUÍN MURRIETA Dónde ver: Amazon Prime Video
Alejandro Speitzer
Becky Zhu Wu y David Pablos
Leidi Gutiérrez
La serie cuenta con un gran elenco.
Estoy muy orgulloso de este reparto, tenemos actores jóvenes, actores con una gran trayectoria y actores naturales que nunca habían estado frente a la cámara, hay una riqueza de rostros, de genotipos y razas, es lo bueno de esta serie. Fuimos casteando de manera paralela a los personajes, fue interesante ir poniendo los rostros a cada uno de nuestros personajes.
Por otro lado, me gusta mucho ver fotos del posible reparto en conjunto para ver cómo armonizan las caras, fue muy lindo ver cómo iban apareciendo cada uno, primero Juan Manuel Bernal, luego Alejandro Speitzer, Yoshira Escárrega y así sucesivamente.
¿Cómo se suma Becky Zhu Wu al proyecto?
Fue uno de los personajes más difíciles, fue buscar quién diera vida a Adela Cheng, porque no hay muchas actrices chinas en México; por eso se decidió abrirse la convocatoria a actores naturales.
Becky es una joven de 21 años de Mérida, nunca había actuado, vio la convocatoria en redes sociales, nos mandó sus fotos y desde el momento que las vi me dije: ¡es ella!, no lo dudé ni un instante, había algo en esa mirada que era contundente y tenía las características que necesitaba el personaje de Adela.
Vino a la Ciudad de México para hacer un callback junto a Juan Manuel, y cuando la vimos haciendo las escenas nos
dimos cuenta de la química que tenían al estar juntos, incluso él quedó fascinado al verla actuar.
Después de trabajar contigo en Las elegidas, vuelves a trabajar con Leidi Gutiérrez, ¿qué opinas de su carrera como actriz?
Me siento muy orgulloso de ella, me siento como su padre (risas), le digo, hija y ella me dice padre, desde que hicimos Las elegidas tenemos una relación muy bonita.
No sólo con ella, también con varios chicos y chicas con las que he trabajado, con unos más y con otros menos pero se mantienen una relación de familia, porque el proceso creativo es tan fuerte, intenso y bello que se generan vínculos afectivos muy fuertes.
Con Leidi ha habido una afinidad desde su primer proyecto conmigo, siempre estamos en contacto y procurando vernos, aunque no es tan seguido porque ella vive la mayor parte del año en Tijuana, y sólo viene a la Ciudad de México cuando tiene algún proyecto pero estamos al pendiente el uno del otro.
Ahora me pasa algo parecido con Becky, ya la he adoptado como a una hija. A Sebastián Zurita, también lo quiero como a un hijo. Otro es Sebastián Aguirre, recuerdo la primera vez que actuó y fue conmigo, en mi corto de titulación del CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica), La canción de los niños muertos, él tenía nueve años y ha sido muy bello ver la gran carrera que ha hecho en la actuación, así que tengo varios hijos e hijas... y los que sigan llegando (risas).
Tienes un gran ojo para descubrir el talento en actores naturales.
Creo que es saber leer a la gente y la energía de cada persona, es entender ese potencial que tienen y del cual ellos no son conscientes todavía, pero es decir, ¡yo sé que está ahí!, y que podemos sacarlo.
Eso pasó con Becky, no tenía idea que podía actuar pero se entrenó mucho para poder hacerlo y vaya que asombró con su trabajo, tiene escenas muy difíciles en esta serie tanto en nivel actoral como de acción y me sorprende ver escenas donde se pone al nivel de Juan Manuel en cuanto a la actuación.
Justo tenemos una comunidad poco vista en la pantalla mexicana, la china.
Así es, hay muchos chinos-mexicanos, yo lo sabía, pero fue fascinante conocer un poco más de esta comunidad y lo hermoso del proceso de trabajar con ellos, entender muchas cosas de su cultura y de la cultura mexicana pero percibida por ellos. Fue un regalo trabajar con todos los actores naturales de esta serie.
EL CLUB DE LOS GRAVES Dónde ver: Disney +
El cantante y compositor colombiano Carlos Vives regresa a la actuación después de 30 años en la serie El club de los graves, en la cual da vida al maestro Amaranto Molina
por CARLOS MORAEl club de los graves, una nueva serie original de Disney+ íntegramente realizada en Colombia que transcurre en una tradicional escuela de educación musical a la que llega un nuevo profesor con métodos completamente disruptivos. La nueva producción marca el regreso a la actuación del legendario músico Carlos Vives quien, además de protagonizar la historia, compuso las canciones que integran la banda sonora, ya disponible en las principales plataformas de audio y video.
En el papel del singular profesor, Amaranto Molina, Vives lidera un talentoso elenco joven que brilla episodio a episodio en un relato divertido y conmovedor. “Es una serie que transcurre en Colombia, pero que podría suceder en cualquier parte de nuestra Hispanoamérica. Es una historia muy universal acerca de la lucha de lo local por no desaparecer frente a una industria que trata de uniformarnos”, señala el artista.
con más ‘Amarantos’ en la vida, esos lugares que me enseñaron a amar el vallenato, esos viejos que me enseñaron mucho, como Celia Cruz quien me abrazó el día que me conoció, también uno de los mejores fue Armando Manzanero, quien me enseñó mucho de Colombia, me enseñó de mi país y de su música. Se lo agradeceré siempre”.
En la producción, el cantante da vida a un profesor de música poco convencional que llega a dar clases a una escuela especializada en educación musical, pero regida por fórmulas que dejan de lado a los alumnos que no cumplen con las normas establecidas para el éxito comercial en la música.
Volver a hacer televisión después de tres décadas para Carlos Vives fue sentir lo mismo que le provocó la primera vez que pisó un set de televisión.
“Cuando regresé al set sentí la misma emoción y felicidad que sentí la primera vez que pisé un estudio de televisión”.
También recordó cómo era trabajar en sus primeros proyectos: “Éramos unos guerreros. Producimos con muy poco, sí se sufría un poco, en esta nueva era tuvimos mucho apoyo de Disney y de la gente que te ayuda mucho”.
En la serie, que se estrenó en la plataforma de streaming Disney + Latinoamérica, el ganador de varios premios Grammy tuvo la oportunidad de compartir créditos con su hija, Elena Vives, además de incluir un tema original compuesto por él mismo.
“Me invitaron a mí y a mi hija Elena a trabajar juntos por primera vez. Fue muy especial, volví a retomar cosas que había estudiado años atrás, pero esta vez de la mano de ella, hicimos varios ejercicios antes de llegar al estudio, compartí con ella todo, desde el maquillaje, el vestuario y, claro que me preocupaba como papá que iba a entrar a este mundo, en ese esfuerzo, fue impresionante ver su disciplina”.
En la historia, el vocalista de “Robarte un beso”, será el encargado de enseñarles a aquellos chicos que están fuera de los estándares del mercado y los llevará por un viaje musical
transformador que los ayudará a sanar heridas e inspirará para que expresen sus propio talento. Por ese motivo, comentó que con esta serie quiere dejar un mensaje acerca de la oportunidad de compartir.
“Siempre he tenido la oportunidad de compartir, no tanto de dar consejos, soy más de compartir con los años, me encanta , tengo esa alma de profesor sin creerme un sabio. La vida me ha dado la oportunidad de compartir con las nuevas generaciones como Sebastián Yatra o Camilo, toda una generación de talento colombiano. Lo que les recomiendo a muchos nuevos talentos es que lean, lean y lean , que se cultiven, la cultura te abre muchos caminos”.
El elenco está integrado por los actores Kevin Bury, Breiner Gamboa, María Fernanda Marín, Catalina Polo, Juan Diego Panadero, Gregorio Umaña, Manuela Duque, Salomé Camargo, Juan Camilo González y Juan Manuel Lenis, todos actores y cantantes colombianos.
“Estar en una serie de Disney es una emoción muy grande, poder contar una historia con talento de la casa , que muestra una diversidad de Colombia, que es muy parecida a México”.
Moisés Arizmendi da vida a un corrupción en la nueva producción de Star+ Horario Estelar, la serie que consta de 10 capítulos, mezcla temas policiales con los dramas políticos. La serie pone al descubierto temas como la precaria situación de los forenses en México y la problemática de personas desaparecidas son otros de los temas que se abordan en la trama.
¿Cómo ves el tema que maneja la serie, la influencia que tienen los medios en ciertas noticias?
Me encantó, tanto como espectador y participante de la serie, desde que leí el guión estaba clarísimo como la verdad la pueden construir como se les dé la gana, en particular este gobierno que no tiene claro dónde están las fake news.
En Horario Estelar se ve como la falta de objetividad hace una manipulación, es maravilloso que una serie de ficción muestre este tipo de casos, el crimen que comete Ramiro del Solar (Óscar Jaenada), la forma de manejar el ocultamiento de la verdad.
A veces quisiera decir que los medios de comunicación se salvan, pero no, luego te enteras que el dueño de la televisora reparte billetes en todos lados, eso vemos en la serie.
Horario Estelar, es una serie que jamás verás en televisión abierta, ¿qué piensas de las plataformas de streaming dónde hay esa oportunidad?
Las plataformas no están ceñidas a los anunciantes entonces viven de los suscriptores, entonces la censura no se da como en televisión abierta, eso nos permite que haya una crítica a los canales tradicionales, eso como espectador me encanta, creo que en México no habíamos visto algo así.
Jamás hubiéramos visto al dueño del canal comportarse como lo hace Alejandro Camacho (Álvaro Lima). Los guionistas recogen de las propias entrevistas o de la lógica.
¿Tu personaje tiene la característica de comer semillas?
Es un personaje que es un mal policía, es chistoso, campechano y muy barrio. Y lo de comer semillas fue porque el director quiso, venía de un personaje que comía mandarinas en El Mariachi, y acá quise usarlo de manera diferente.
Haces una gran mancuerna con Mauricio Isaac. Sí, lo conocía desde hace muchos años, hemos hecho teatro juntos pero nunca nos había tocado compartir en una serie de ficción, fue un agasajo. Había buenas sesiones de improvisación con las líneas que nos estaba marcando el director, nos fue invitando a improvisar con nuestros personajes, eso le dio un sabor especial al aspecto policíaco.
Del 2015 al 2020 me la pasé haciendo personajes de clase media alta y alta, y villanos, un día decidí cambiarme el look, cortarme el cabello y dejarme el bigote, así vinieron los personajes policiacos y malandros; tengo muchas ganas de sacarle jugo y demostrar esta otra faceta actoral antes de regresar a estos personajes que ya tenía trabajados.
por CARLOS MORA
es una de las narcoseries mexicanas más vistas en la actualidad, este año estrena su octava temporada. En entrevista con la Revista Cameo, Leonardo Venegas, hijo de El Chema, interpretado por Leonardo Álvarez, habla de cómo se siente al participar en este proyecto.
¿Qué opinas de la serie?
Me gusta que El Señor de los Cielos, maneja cierto grado de ficción, hay otras series que manejan más realismo pero no es nuestro caso, creo que si la gente quiere ver más realismo mejor que vean las noticias y todo lo que está pasando en la actualidad, es una locura.
Sé que la serie despierta un morbo e interés en el público, incluso en otros países, de repente ver El Señor de los Cielos en portugués o en otros idiomas es porque a la gente le gusta ver la ficción.
Y sobre las narcoseries.
Mira, yo estoy en contra de que las vean los niños. por eso se hace la recomendación de que la vean mayores de edad, pero hay programación para todo tipo de edades y perfiles, pero también hay series de asesinos seriales y son muy vistas por todo el mundo, al final cada quien tiene un libre albedrío de ver lo que uno quiera en las plataformas.
Hay otras series de otros temas diversos, de acción, comedia o romance, entonces al final se enriquece el mundo del cine, el teatro o la televisión.
También entras al mundo musical, ¿cómo te sientes?
Una de las cosas que aprendí en la pandemia fue a tocar la guitarra, había tomado clases de canto en el CEA, entonces empecé a componer para lidiar un poco con la ansiedad de la pandemia y el encierro. Se volvió un proyecto con un amigo que es productor y trabaja con mucha gente, es un buenazo, sacamos nuestro segundo sencillo que se llama Acurrucados, del género regional pop, como la primer canción Parte por parte, que está disponible en mis redes sociales. Estamos contentos porque ya tenemos gente interesada en vernos cantar en vivo y obviamente queremos hacerlo con la mayor calidad posible, hasta hacer un videoclip; ya vendrá el reto de cantar en vivo.
Está siendo un reto nuevo que me motiva mucho, además de la actuación, que al final es para lo que estudié, pero el primer paso ya está dado y es perderle el miedo e ir aprendiendo en el camino.
por CARLOS MORA
Todo el mundo habla de Jamie, un musical basado en una historia real que consideramos será espejo de muchas personas que habitan y resuenan con esta obra.
Joaquín Bondoni y Nelson Carreras, ambos artistas, compartirán y alternarán el personaje titular de la obra, Jamie New, y serán acompañados por un elenco integrado por actores y actrices con múltiples premios de teatro y con amplia trayectoria, como Margaret New, compartirán funciones Flor Benítez y María Filippini, y como Hugo Battersby/Loco Chanelle, también veremos a los actores Alberto Lomnitz y Rogelio Suárez. Cuenta con la adaptación, traducción y dirección de Alejandro Villalobos. El musical habla sobre identidad, resiliencia y respeto, basado en la historia del estudiante británico de 16 años Jamie Campbell, AKA Jamie New, mientras supera la intimidación, el rechazo y el bullying para seguir su sueño de convertirse en una drag queen, apoyado por su cariñosa madre. Está inspirado en el documental de la BBC Jamie: Drag queen at 16 (2011), dirigido por Jenny Popplewell. La temporada arrancará próximamente en el Teatro Manolo Fábregas, con funciones de viernes a domingo.
por CARLOS MORA
¿Cómo te sientes de estar en esta obra?
Es una locura ver hasta dónde uno puede llegar si se lo propone, la verdad estoy muy contento y honrado de poder hacer un papel tan importante para nuestra sociedad, tanto como latinoamericano y persona gay, es un honor.
¿Ya te sientes cómodo de andar en tacones?
Agradecido con la producción de que nos pongan a alternar (risas), es una obra muy demandante, pero es lo mejor que me pudo haber pasado, es mi estreno en el teatro musical en México y lo estoy haciendo al tope de mi energía, es un reto increíble y estoy dispuesto a hacerlo muy bien con la música, las coreografías y todo eso, en los tacones.
¿Qué opinas de la visibilidad hacía la comunidad LGBT+?
Siento que las personas de la comunidad LGBTQ+ tienen un gran privilegio en la Ciudad de México, si se compara con las cosas que he visto, vivido y que mis amigues han vivido. Por eso veo este proyecto tan importante, sé que no sólo van a venir gente de México, también de otros lugares del mundo a las que voy a estar representando. Vengo de Guatemala, un país super conservador, donde casi se aprueba una ley de anti familia no tradicional, debo generar esa empatía con la gente dentro y fuera de la comunidad.
Y entras al mundo Drag queen, ¿cómo te sientes?
Soy el más feliz, siempre he querido experimentar el mundo Drag, nunca lo he hecho profesionalmente como mis compañeros de la obra, ellos son un top del Drag mexicano, hay una gran comunidad que los apoya, creo que necesitamos incluir más este tipo de arte en proyectos culturales como el teatro.
¿Cómo te sientes de estar en esta obra?
Me siento en un punto de mi vida en el que siento que apenas estoy tomando mi mochila para caminar por esta vida (metafóricamente), soy como esos niños que temen una evolución más elaborada, pero que me voy abriendo paso en la vida.
¿Ya te sientes cómodo de andar en tacones?
Desde septiembre ando en tacones, no es tan difícil (risas), son más cómodos, hay mucha fuerza física que te exige coincidir con la fortaleza y la excitación del corazón, eso es lo que vale estar en esta obra.
Por otro lado, la agilidad es maravillosa, es algo que no se tiene que perder, es como estar en un mundo de fantasía, se nota como brota la energía en el escenario, eso es lo que hace a una obra de teatro grande.
¿Qué opinas de la visibilidad hacía la comunidad LGBT+?
La verdad es que hay tantos temas más allá de la diversidad, es un árbol que nunca va a parar, falta mucho camino por abrir, somos bastante conservadores en algunos temas y es importante escucharse. Con Todo mundo habla de Jamie, queremos dar un mensaje de amor al mundo en todos los sentidos.
Hay un gran elenco, ¿qué opinas?
Ver mentes frescas y evolucionadas que tienen una filosofía hacia la vida es lo que más seduce en mi caso, la filosofía me seduce mucho, eso veo en la gente que está aquí, yo lo necesitaba. Me encanta ver gente que se quiera expandir porque termina siendo una persona rica y poderosa que me interesa escuchar.
¿Qué opinas del elenco?
Es padrísimo, los chicos no se cansan pero los adultos tampoco, este proyecto mueve tantas cosas y tiene las emociones a flor de piel y la energía al tope. Todos son personas talentosísimas e increíbles.
¿Eres exigente como director?
Cero, soy muy relajado, hay directores que imponen cosas pero a mí no me gusta, me gusta escuchar lo que la gente tiene que decir y aportar al proyecto, este texto en particular a todos nos toca de diferente manera, nos denota un recuerdo de nuestra infancia o algo que estamos viviendo, entonces, de pronto eso enriquece el proceso y se vuelve hasta sanador, mueve muchas cosas internas.
¿Cómo ves el teatro después de la pandemia?
Me gusta mucho el teatro y justo era necesario después del período de encierro, creo que es el momento justo para que la gente viva esta experiencia que por un par de años se nos privó por la pandemia.
¿Qué opinas del tema LGBT+ en el teatro?
Cada día vamos creciendo como sociedad y entendiendo que este tema ya no es tabú u oscuro, estamos en una época en la que vamos trabajando. Cuando hice Torch Song la gente salía diciendo: ¡“me cambió el chip”!, yo espero que con Todos hablan de Jamie muchas personas se vayan tocados en el corazón.
Recuerdo que en mis tiempos toda la temática LGBT+ era sexualizada y oscura, tocada por el tema del VIH, que parecía que por ser gay ibas a tener un castigo; hoy tenemos este mensaje tan positivo y de celebrar como quieras ser, es lo bello de estas nuevas puestas que estamos viendo más seguido.
Por otro lado, algo muy bonito de nuestros dos protagonistas, (Nelson Carreras y Joaquín Bondoni), es que ellos han dado la cara sobre el tema LGBTQ+ en televisión, con un mensaje positivo, es una maravilla: ¡Ahí vamos, paso a pasito!
¿Qué te gustó de la obra?
La historia se me hace increíble, se me hace padrísimo que la hayan traído a México, somos de los primeros países en Latinoamérica que la montan. Escucho a Nelson (Carreras) y está tan emocionado de poder representar a Guatemala en una obra en nuestro país, con un personaje con el cual se siente identificado. No hay manera de cómo no empatizar con todo ese amor que hay alrededor, esperemos que sea lo misma que tenga el público.
¿Cuál crees que sea el reto?
Lo más padre que tiene esta obra es que está basada en una historia real y nuestro reto más grande es poder representar a esas personas de la mejor forma posible.
Como actor es un trabajo hermoso el que nosotros tenemos, espero hacer un cambio en la sociedad porque el teatro es cultura y creo que hace falta mucha cultura. Hay que darle visibilidad a historias que ya existen.
En Todos hablan de Jamie, la mayoría es un elenco joven, ¿qué opinas?
En la primera obra que hice tenía 19 años, fue Hoy no me puedo levantar, y me acuerdo de toda esa ilusión que ahora veo en los jóvenes de esta obra y es cuando pienso: “ya te conviertes en un ejemplo", no es por sonar mamón, pero no sabes cuándo vas a cambiar la vida de alguien, siento muy bonito cuando me han dicho: “yo estoy aquí (en el teatro) por ti”... con eso ya hicieron que 17 años en el teatro valgan la pena.
¿Qué opinas del mundo Drag queen?
Es bonito vivirlo, antes las Drags solamente trabajan en los antros y eran imitadoras de cantantes como Daniela Romo, Yuri, entre otras, ahora ya hacemos obras de teatro con diferentes personajes: cantamos, bailamos y hacemos de todo. Algo que me enamoró de esta obra es cuando la maestra les pregunta a sus alumnos: ¿qué quieren ser de grandes?, y Jamie responde: “Yo quiero ser Drag queen”, es bonito poder llegar a decir eso, porque muchas personas lo pensamos pero no lo decimos.
Sobre las obras LGBTQ+, ¿qué opinas?
En un furor que espero que desaparezca, así como la gente que opina de los cuerpos de los demás, espero que desaparezca eso que digan: “es una obra de temática LGBT+”, es tema del mundo... no hay necesidad de estar separando al público por su preferencia sexual, vamos a ver esta obra y decir, ¡viva, trata de la vida!
¿Qué sientes cuando haces Drag?
Es algo muy inexplicable, creo que tendrías que hacerlo para que lo sintieras, es poder estar en tu mismo cuerpo, pero verte de manera diferente, ¡te lo juro!, hasta la personalidad cambia y encuentras algo en ti que siempre estuvo dentro, pero que nunca lo habías descubierto. Es algo que nunca habías descubierto. Creo que al final nunca dejamos de descubrirnos.
FLOR BENÍTEZ (MARGARET)
MARÍA FILIPPINI (MARGARET)
ALBERTO LOMNITZ (HUGO/LOCO)
¿Cómo te sientes en la obra?
Es una belleza de personaje, es la muestra de la entrega total de una madre.
Hay una pluralidad en los mensajes, hay tolerancia, amor y aceptación, también respeto para todas las personas jóvenes que vengan a ver Jamie, me encantará que vengan padres con sus hijos y disfruten la obra.
La obra es una historia real que cuenta la relación de Jamie y su mamá en un pequeño pueblo de Inglaterra que ha trascendido, su historia es tan maravillosa y ver cómo llega a México donde
el patriarcado y el machismo está muy marcado, son cosas que nos dañan mucho. Por eso, es tan importante que 33 Producción traiga esta historia para llenarnos de glitter y tacones, (risas).
¿Cómo ves al elenco juvenil?
Estoy que flipo de la felicidad, los veo con tanta energía y arrojo, es la retrospectiva de cuando yo inicié en el teatro, los niños que están aquí hoy son los niños que algunos años vamos a ver en otros niveles, son nuestros representantes, una semilla.
¿Cómo te sientes en la obra?
Me siento muy feliz, es una obra inclusiva para que te aceptes como eres. Estoy trabajando para poder pasar ese mensaje a todas las familias que vengan a ver la obra, que pueda abrir los ojos de mucha gente este musical.
Tengo 32 años de carrera y estoy feliz, quiero seguir renovándome como actriz y como persona, la oferta de la cartelera teatral en México ha sido una plataforma muy importante para cantantes, actores y para el mundo
en general, es importante que trabajemos por ello. Por eso amo mi carrera.
¿Cómo ves al elenco juvenil?
Los veo y me recuerdan en mis inicios que te quieres comer el mundo; en esta carrera tienes que estudiar y estudiar, verlo en el escenario y cómo trabajan en ello me encanta, motiva y enternece, me llena de amor y me impulsa a hacerlo mejor en cada función. Estoy soñada.
¿Cómo te sientes en la obra?
Es un producto muy anhelado que combina muchos elementos que lo hacen especialmente atractivo, la obra misma es muy bella y es un reto muy grande, también es una obra compleja para nosotros los intérpretes por el canto y las coreografías, estamos divirtiéndonos mucho.
El texto está muy bien labrado y en lo particular el personaje que me toca hacer es un reto muy atractivo, es muy diferente a lo que he hecho antes, hacer un personaje de Drag queen implica un gran reto, y eso me tiene feliz, estar enfrentado este nuevo reto.
¿Qué te gusta de tu personaje?
Loco Chanel es un papel muy bello. Jamie es un chico de preparatoria que su sueño es ser Drag queen, de eso se trata la obra, en su búsqueda hay personas que lo apoyan en su camino, el principal apoyo es su madre, en ese camino se encuentra con Hugo, mi personaje, que fue una Drag bastante famosa en su momento que es muy significativo para Hugo y él ayuda a Jamie a volver su sueño realidad.
Martín Barba, Jerry Velázquez, Jesús Zavala y Sergio Velasco, protagonizan la obra de teatro Smiley, un texto del escritor español Guillem Clua. Llega por primera vez a México
Alex y Bruno, los dos protagonistas de esta comedia romántica, conforman una extraña pareja en la que sólo tienen en común que son hombres y se han enamorado. Sus diferencias parecen insalvables y sus personalidades antagónicas, pero lo quieran o no, están unidos
por ese hilo rojo, por más que a menudo quieran romperlo.
Smiley es dirigida por Joserra Zúñiga, creador de la serie Supertitlán (2022), producida por Óscar Carnicero y Xevi Aranda.
La comedia protagonizada por Jesús Zavala, Jerry Velázquez, Martín Barca y Sergio Velasco (alternando funciones). Se presenta en La Teatrería.
por CARLOS MORAJoserra, ¿qué puedes contar de la obra?
"Es una obra de teatro catalana que dio origen a una famosa serie de televisión que está en Netflix, básicamente cuenta la historia de dos personas, Alex y Bruno, que se conocen a través de un equívoco y emprenden una relación amorosoamistosa, un poco tormentosa y trata de ver cómo se perciben ellos y cómo lo hacen los demás.
También habla de los prejuicios que tenemos de nosotros mismos y cómo nos vemos a nosotros mismos, eso da pie a ver cómo se conocen o desconocen las parejas.
Me entusiasma mucho la idea de volver a hacer una obra de teatro nueva, después de hacer Agotados. Me siento muy contento de contar con este elenco, todas las personas que buscamos para este proyecto dijeron que sí. Siempre que leo algo hago un casting mental, algo que me ayuda mucho, entonces al leerla iba pensando quién podría ser el personaje idóneo.
Por otro lado, confieso que no he visto la serie de Netflix, he estado bloqueado de saber lo que pasa en ella,(risas), algo que es diferente en esta obra es que los dos actores hacen varios personajes.
SMILEY Dónde ver: Teatro La Teatrería Todos los jueves a las 20:30 horas Fotos Carlos Mora"Me toca dar vida a Bruno, un arquitecto con grandes inseguridades a la hora de ligar que se topa con Alex, pasa esta relación tormentosa y fuerte pero a su vez única e interesante. Muestra esas inseguridades que venimos arrastrando de otras generaciones, habla de esas parejas que se matan en el ejército y que tienen que estar con alguien igual a ellos, entonces, ¿qué pasa cuando te topas con alguien diferente?, pues eso se ve en la obra, es un mensaje importante para todo mundo el de romper con estos moldes. También es una obra que retrata esta relación de dos hombres, pero al final cuenta cómo es una relación hoy en día, siendo respetuosos y desde el punto de la comedia. Sobre el tema LGBTQ+ queremos que se vaya visibilizando más, espero que en un futuro las obras ya no se dividan entre temática gay o no, queremos que se vaya quitando esa etiqueta y se vea sólo como una obra y ya".
"Al principio lo odié, porque suelo odiar a todos los personajes que interpreto, ya después les voy agarrando cariño. Alex es un personaje muy superficial, todo lo contrario a Bruno, que es más ácido y con más complejos, se van conociendo y al final van teniendo una relación tormentosa, dependiendo cómo le gusta a cada uno; es una obra muy interesante dependiendo del género en el que te identifiques porque al final habla de amor. Por otro lado, me parece interesante que Joserra no haya visto la serie de Netflix, al final es una versión muy diferente e interesante. Sobre mi personaje estoy intentado trabajar desde la ingenuidad y lo picaresco, él es una persona muy ingenua. Ellos están fuera del closet y trabajan su relación de una manera más natural y eso ayuda a contar estas historias que hablan sobre salir del closet, muestra la normalidad de dos personas y cómo se pueden relacionar, creo que es lo bueno de esta obra".
"Cuando leí el texto le hablé a Joserra y le dije que no sabía con cuál personaje me identificaba, porque me visualizaba en los dos. Lo que más me interesa trabajar, no sólo en esta obra, en cualquier personaje que le dé vida, es no caer en los estereotipos, quiero ir más allá y no quedarme en esa superficie. Es una historia que me emociona mucho desde el momento que me enteré que le había ido muy bien en España, tanto que Netflix hizo una serie, aunque en esta versión debes de descubrir otros detalles, esta historia además de ser una historia de un amor gay, no sólo toca ese tema, la visibilidad; nos deja un mensaje sobre cuál es nuestra manera de relacionarnos. Sobre el tema LGBTQ+ siento que se ha ganado mucha visibilidad, dejemos de vivir en nuestras burbujas y acostumbrémonos a ver que existe diversidad en todos los aspectos de la vida".
La cantautora habla del proyecto Amaneceres, de Amazon Music, canta el tema Debajo del agua, que aborda temas como la depresión o la ansiedad
por CARLOS MORALA CANTANTE y actriz Fela Domínguez da un mensaje de esperanza con una canción que aborda la depresión y la ansiedad, en la segunda entrega del proyecto Amaneceres de Amazon Music, el cual permite que los artistas emergentes puedan crear un concepto visual alrededor de su música.
“Me siento muy privilegiada, es uno de los proyectos que hace falta en el país, que sean y estén hechos con gran calidad, es un programa para apoyar a artistas emergentes, que están sacando productos nuevos, al final te dan voz como artista”.
La cantante eligió para Amaneceres el temaDebajo del agua, en el cual quiere que las personas que viven con algún padecimiento mental sepan que siempre hay una luz en el camino.
“Habla de los problemas emocionales, sobre un episodio oscuro que tú estés viviendo, al final compaginó muy bien con el video del amanecer, creo que no hay mensaje más claro de que vas a salir de ahí y vas a ver la luz. Fue muy bonito no sólo fue la parte cultural, visual y artística del video, es parte del mensaje de la canción, un mensaje positivo que nos queda a todos”, comentó la también actriz de teatro musical.
El video fue grabado en las dunas de La Paz, Baja California, donde se puede ver a Fela en diversas escenas en el amanecer y bajo el cielo nocturno, “no conocía las dunas y fue tener este contraste en la filmación muy bella, estaba cantando y veía el sol salir, fue como estar en una película alucinante".
Tras estar más de siete años seguidos en el mundo del teatro musical, en El rey león, en México y Madrid; Jesucristo Superestrella y El guardaespaldas, en España, ahora se concentra en su álbum debut Con todo y caos
“El disco fue escrito durante la pandemia, creo que todos hicimos un trabajo de introspección muy grande, tuve la oportunidad de pasarla sola en Madrid y también en México, empecé a escribir, con diferentes autores y artistas, fue un disco catártico”.
Reconoció que al ser su primer material le dio miedo dar ese paso. “Fue tan honesto, porque hoy en día hacer un disco de diez temas es complicado, se saca uno que otro sencillo, pero nosotros nos aventamos a sacar un disco como era antes”.
LA CANTANTE , en una locación de La Paz, Baja California.
AmaneceresAmazon Music y YouTube Fela Domínguez quiso sumarse al programa de Amazon Music con el tema Debajo del agua, de su álbum debut y compuesto por María Emilia Ávila y Ana Sofía Castañeda.LA CANTANTE Y ACTRIZ de teatro musical Fela Domínguez regresó al escenario de El Lunario para presentar su álbum debut Con todo y caos.
"Yo empecé hace casi 10 años cantando jazz en este mismo escenario (Lunario), y ahora pararme de nuevo aquí y cantar canciones hechas por mí es un gran compromiso, y estoy muy agradecida por eso".
Fue una noche en la que sus fans, amigos y familia tuvieron una velada íntima con la intérprete de Debajo del agua, donde estuvo de invitada a Daniela Romo para cantar Libertad, a dúo.
“Me siento tan orgullosa y tan privilegiada de conocerte, estás en el gran camino hacia lo grande, agradezco siempre poder compartir el escenario contigo y ver cómo has ido creciendo tanto, muchas gracias", externó la cantante de Yo no te pido la luna.
Otro de los momentos más especiales de la noche fue cuando cantó I will always love you, de Whitney Houston.
"Siempre lo voy a decir, gracias a esa mujer supe lo que era amar la música, ella ha inspirado a tantas cantantes, la escuché desde muy pequeña y cantar sus canciones siempre me llena de alegría".
INSPIRÁNDOSE en la novela La muerte de Iván Ilich de León Tolstói, en 1952 el cineasta japonés Akira Kurosawa concibe Vivir (Ikiru), una de sus obras más emblemáticas y conmovedoras, centrada en Kanji Watanabe, un gris burócrata quien ocupa un puesto importante en el ayuntamiento, y allí desempeña su labor de forma rutinaria y desganada, sin interesarse mucho en lo que le acontece a los demás. Pero todo cambia cuando le es diagnosticada una enfermedad grave, y descubre que le resta poco tiempo de vida.
Devastado por la revelación, el personaje en cuestión (interpretado magistralmente por el actor Takashi Shimura) se cuestiona sobre el curso que su vida ha tomado, y decide (a modo de legado) impulsar desde su cargo la construcción de un parque donde los niños puedan jugar, empleando para ello todas sus fuerzas, yendo en contra de la desidia y los obstáculos propios del aparato burocrático los cuales él mismo solía fomentar. En 2022 es lanzado Vivir (Living) una nueva versión del filme creado por el maestro nipón, realizado por el cineasta sudafricano Oliver Hermanus a partir de un argumento adaptado por el guionista y novelista Kazuo Ishiguro, en el cual la trama se traslada al Londres de la posguerra, y es estelarizada por el inglés Bill Nighy, quien encarna al Rodney Williams, un amable aunque flemático y un tanto autoritario funcionario de Obras Públicas del Ayuntamiento, quien siempre llega puntual al trabajo y cumple sus funciones laborales en tiempo y forma, pero (como todos allí) trabaja sin entusiasmo, aplicando la ley del mínimo esfuerzo, y ante la menor dificultad, simplemente da carpetazo a las solicitudes ciudadanas dejándolas sin atender, y estas se van acumulando en la papelera de su escritorio.
Tales dinámicas son alteradas cuando, en una cita médica, se le informa que padece un cáncer terminal. Abrumado, el señor Williams no sabe qué hacer, ni cómo comunicarle la noticia a su hijo Michael (Barney Fishwick) y a Fiona (Patsy Ferran), su nuera y la esposa de este último. Y mejor opta por guardar silencio y mantener su condición en secreto. Sin avisar a nadie, deja de presentarse en la oficina, y se la pasa deambulando por la ciudad. Más adelante, guiado por un incipiente escritor apellidado Sutherland (Tom Burke), visita un club nocturno y allí pasa una noche bohemia, tratando de saborear un poco de aquello que, por entregarse a una vida monótona y rutinaria por años, no se había permitido probar.
Esta experiencia, la estrecha relación que surge incidentalmente entre él y su ex subordinada Margaret Harris (Aimee Lou Wood), aunados al declive de su salud, hacen que finalmente se decida (como pasaba en la historia original) por hacer algo significativo, y recuerda una solicitud que llegó a sus manos presentada por un grupo de damas quienes buscan convertir un espacio desolado e insalubre en un área de juegos para niños. Y desde su puesto; se dedica a impulsar esta iniciativa con el fin de materializarla, y así no solo dejar un legado sino también sentar un precedente el cual resulta inspirador para el resto de sus colegas, aunque sea fugazmente.
Hermanus e Ishiguro adaptan el relato respetuosamente, y no se complican demasiado ni tratan de aportar algo extra a lo esgrimido por la película previa de Kurosawa. Por el contrario, intentan captar la esencia del original y respetar sus comentarios y reflexiones acerca del sentido y de la trascendencia de la vida, de los muchos matices que existen en nuestras relaciones familiares, afectivas y laborales; así como la crítica hacia una burocracia deshumanizada la cual muestra un profundo desdén hacia los individuos y su propia sociedad, y cuyos vicios no son fáciles de romper.
Si bien Vivir no tiene los alcances de la obra original, consigue ser un largometraje decoroso gracias a una elegante y sobria puesta en escena, a la atractiva cinematografía desarrollada por Jamie D. Ramsay, pero sobre todo, a la presencia de Bill Nighy quien interpreta a su personaje con mucha fuerza, convicción y sensibilidad, tornando a la cinta en su vehículo de lucimiento personal. Razón por la cual incluso, ha logrado obtener una nominación al Oscar por este papel.
VIVIR
Distribución: Cine Caníbal
EO es un pacífico y tierno burro gris quien forma parte de una compañía circense polaca y es el animal favorito de la bella Kasandra (Sandra Drzymalska), integrante de dicha compañía. Cada que les es posible, ambos pasan juntos momentos apacibles y agradables.
Por circunstancias de tipo legal, ambos tienen que tomar rumbos distintos y el jumento es enviado primero a un establo de caballos, y de ahí comienza un largo peregrinar que lo lleva a varios sitios en Polonia y luego en Italia, cambiando de dueño cada vez. Y mientras ello ocurre, atestigua en silencio las diferentes conductas humanas, y su no muchas veces sana relación con los animales -y con la naturaleza en sí-.
En 1966, el cineasta francés Robert Bresson estrena Al azar Baltasar (Au Hasard Balthazar), considerada por algunos críticos uno de sus largometrajes más representativos, así como una de las mejores películas del siglo veinte. En ella, un asno y una campesina son separados, y cada uno por su lado vive una odisea donde ambos experimentan el maltrato y sufrimiento en diversas formas.
56 años más tarde, el veterano realizador polaco Jerzy Skolimowski (El grito, El ocaso de un pueblo, Complot en altamar) elabora un filme
inspirado en el trabajo de Bresson bajo el simple título de EO, una suerte de road movie en el cual su borrico protagonista lleva a cabo una travesía por variados parajes de la campiña europea, a veces por su cuenta, otras por intervención del hombre. Y durante su viaje, recibe por igual tratos crueles y bondadosos de sus distintos dueños, y a través de sus ojos, observa las luces y sombras de la condición humana. Todo ello soportado con mansedumbre y nobleza por el cuadrúpedo.
Por medio de esta sencilla pero envolvente trama, con un diseño visual portentoso y atractivo, Skolimowski por un lado elabora un lienzo de la sociedad europea actual, y por otro invita al espectador a reflexionar sobre la relación que sostenemos con otros seres vivos, enarbolando un obra de enfoque animalista y trasfondo ecologista, evitando caer en lo panfletario.
La producción fue estrenada en el marco de la edición 2022 del Festival de Cine de Cannes, donde formó parte de la sección en competencia y obtuvo el Premio del Jurado otorgado ex aequo a ella junto con la cinta Le otto montagne dirigida por Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch. Y además contiende por el Oscar en la categoría de Mejor Largometraje Internacional.
NADA QUE VER Distribución: Videocine
TRAS haber perdido súbitamente el sentido de la vista, la joven de clase alta Paola Ramírez De Aragón (Fiona Palomo) ve frustrados sus sueños de convertirse en arquitecta. Para colmo, poco después su padre los abandonó a ella y a su madre Carolina (Rebecca Jones) dejándolas con un adeudo millonario. Y por todo ello pasa los días hundida en la tristeza, el dolor y el enojo por su situación, enclaustrada en su hogar donde, además de con su progenitora, solo mantiene contacto humano con Susana (Nora Velázquez), una mujer mayor que trabaja allí como sirvienta; y con Quirino (Jorge Zárate), su amable chofer. Por otro lado se encuentra Carlos (Guillermo Villegas), un muchacho quien por un evento trágico, abandonó sus estudios para hacerse cargo del hogar y de su hermana Claudia (Camila Calónico). Y aunque es entusiasta y optimista, su informalidad e irresponsabilidad le han acarreado algunos problemas, y es causa de que no pueda conservar un empleo por mucho tiempo. Para colmo, está muy endeudado con el banco y si no consigue pagar, pueden embargar su hogar.
Cuando pierde su último trabajo, el destino intercede a través de Susana, quien conoce a Carlos y le informa que en la casa donde trabaja, están buscando a alguien para cuidar y hacerle compañía a la ahora invidente Paola. Él se presenta y es aceptado y contratado por Carolina. Pero al principio su nuevo empleo le resulta muy difícil, tanto por su inexperiencia como por el hecho de que la joven es muy hostil y displicente con todos, en
especial con el recién llegado. Pero a fuerza de convivir diariamente, poco a poco comienzan a trabar amistad, y cada uno aprender a “ver” al otro de forma distinta.
Podría decirse que la obra de la cineasta mexicana Kenya Marquez posee dos vertientes muy claras. Por un lado, es creadora de un cine de mirada autoral muy notable (Fecha de caducidad, Asfixia), y por otro, se ha involucrado en producciones más comerciales de naturaleza televisiva, realizadas para plataformas digitales (Madre solo hay dos, El juego de las llaves). Con Nada que ver, intenta compaginar ambos universos en un filme comercial a través del cual busca narrar un relato de identificación y profunda amistad y entendimiento surgido entre dos personajes de distintas clases sociales, y con historias de vida diferentes, pero unidos por diversas circunstancias como la pérdida, aficiones y puntos de vista similares, y sus sueños personales.
Empero, el resultado dista de ser satisfactorio, por varios factores siendo el más grave de ellos un guión que no sabe explotar su propia premisa, desperdiciando posibilidades interesantes abiertas por su argumento -con las que podía haber hecho algo novedoso-, y en lugar de ello opta por caer en lugares comunes o recurre al uso de situaciones que lo contradicen -o resultan de plano absurdas- para ir alargando la trama de manera muy confusa, accidentada y penosa, sin poder definir nunca el tono adecuado para el largometraje, el cual termina por tornarse soso e irónicamente, carente de humor.
QUEBECINE llega a su octava edición, con la finalidad de impulsar y facilitar los intercambios culturales entre Québec y los países latinoamericanos. Caroline Galipeau, directora de la muestra, nos da los pormenores de este año con 10 largometrajes que dan testimonio de la vivacidad de la creación cinematográfica de la ciudad
por CARLOS MORA
¿Cómo empezó Quebecine?
Comenzamos Quebecine hace ocho años, con una persona que estaba viviendo en México, quería organizar un par de funciones con amigos para ver películas quebequenses en México. Así comenzó, él habló con la delegación federal de Québec y luego con la Cineteca Nacional, vió el organizar estas funciones era un poco más complicado de lo que él pensaba porque uno tiene que estar en contacto con las distribuidoras, tener los derechos y todo.
Por seis años, todo fue casi voluntario, con equipo pequeño trabajando en sus tiempos libres, con los
fondos necesarios únicamente para pagar derechos o hacer invitaciones; así se desarrollaron conexiones con patrocinadores para lograr tener invitados de Québec desde el primer año, algo que era muy importante para poder dar a conocer al público mexicano los creadores quebequenses. Desde el año pasado que llegué al equipo, tenemos un poco más de apoyo del gobierno de Québec y de la delegación federal de Québec en México, así como de nuestros socios. Estamos encantados de poder seguir año tras año, aunque claro siempre es un desafío el poder regresar.
¿Cómo ves el recibimiento del cine quebequense en México?
Desde hace siete años el público llega a las salas, creo que aprovechamos el público de la Cineteca Nacional que ya tiene una asistencia muy grande al año. Pero, es muy interesante ver que, por ejemplo, el año pasado cuando tuvimos la oportunidad de tener sesiones de preguntas y respuestas con invitados se nota que el público es muy cinéfilo, tiene una gran cultura general sobre cine pues las preguntas son profundas, no solamente preguntan por cuándo será la próxima película, hacen comparaciones con otros cines y se ve que realmente los mexicanos son muy aficionados del cine, conocen su cine y es algo interesante para nosotros porque siempre que los invitados salen de la sala comentan que les encantó la discusión que tienen con el público.
Cuando vienen los directores a México, ¿cuál es su opinión sobre el público?
Cada vez más, tenemos una buena reputación en Québec porque los cineastas se hablan entre ellos y se comentan cosas como “Deberías ir a México para Quebecine”. Aunque somos un festival pequeño con un equipo de tres o'cuatro personas, ayudantes y sin una selección de competencia, lo que atrae a los directores y productores quebequenses es la bienvenida que el equipo y el público de aquí les damos.
Claro, cuando alguien hace una película es porque tiene preocupaciones o algo que decir, es interesante para los creadores darse cuenta que su idea o sentir es más universal de lo que pensaban, hay muchas películas que tienen historias muy quebequenses o de Montreal, pero aquí los cineastas se dan cuenta que, por ejemplo, la prostitución juvenil o las relaciones con las comunidades indigenas, como se vió en la película Nuevo-Québec (2022), son preocupaciones compartidas que existen también en México. Es interesante ver también cuándo los mexicanos, que tienen a Canadá como un país muy grande, desarrollado y con buena calidad de vida, se dan cuenta de que no todo es perfecto y de que allá también hay dificultades de las que se quieren hablar.
¿Cómo fue regresar con Quebecine después de la pandemia?
Vamos a regresar a la normalidad en las cifras también porque el año pasado tuvimos un poco menos de asistencia de la que siempre tenemos, este año trabajamos con Calouma Films por segunda ocasión para la prensa y promoción y añadimos mucho esfuerzo en redes sociales para hacer la promoción y la invitación al público, por lo que esperamos que llegué más gente.
¿Qué fue lo relevante de esta edición?
Este año tuvimos cuatro documentales independientes, siempre tenemos muchas óperas primas en la programación porque es importante dar voz a los cineastas jóvenes e independientes, es cine que gusta al comité de programación y al parecer también gusta al público de la Cineteca.
Hay un par de película que fueron grabadas fuera de Québec, entonces es interesante una película así porque por ejemplo una película puede ser grabada en Asia pero sigue siendo quebequense por las preocupaciones y los directores.
Así podemos ver y hacer una comparación de lo que vivimos en Québec y de lo que se vive afuera, también por la curiosidad de los directores de contar una historia lejos de Québec pero con el corazón quebequense.
Cacería salvaje, Dir. Rafaël Ouellet.
Más allá de los altos valles, Dir. Maude Plante-Husaruk y Maxime Lacoste-Lebuis.
Drunken Birds, Dir. Ivan Grbovic.
Geografías de la soledad, Dir. Jacquelyn Mills.
El fin de Wonderland, Dir. Laurence Turcotte-Fraser.
Babysitter, Dir. Monia Chokri.
Viking, Dir. Stéphane Lafleur.
Rojek, Dir. Zaynê Akyol.
Contrabandista, Dir. Caroline Monnet.
Falcon lake, Dir. Charlotte Le Bon.
WALT DISNEY Y EL GRUPO: UN VIAJE POR LATINOAMÉRICA
Dónde: Museo Soumaya hasta el 18 de marzo
El Museo Soumaya da un primer vistazo de la exhibición Walt Disney y El Grupo: Un viaje por Latinoamérica, presentada por Walt Disney Archives en colaboración con el equipo de Live Entertainment de The Walt Disney Company Latin America.
Se trata de una exposición dedicada al inspirador viaje de investigación que hizo Walt Disney en 1941 por múltiples países de América Latina junto a un selecto grupo de artistas. La muestra, que sucede en el marco de la celebración de Disney por sus 100 años de historia, estará disponible hasta el 18 de marzo en el Museo Soumaya, con entrada gratuita.
“Desde Walt Disney Archives estamos emocionados por compartir una serie de fotos que han trascendido las fronteras del lenguaje y la cultura. Este material fascinante cuenta la historia especial de un grupo de artistas que se enamoraron de tierras lejanas a sus hogares, y se inspiraron para crear películas que celebran la amistad que descubrieron allí”, comentó Becky Cline, directora de Walt Disney Archives.
Esta primera mirada exclusiva para México, previa a la inauguración global de la exhibición, contará con fotografías pocas veces vistas sobre el emblemático recorrido liderado por Walt Disney a lo largo de algunos países de Latinoamérica, que tuvo por objeto conocer más a fondo la región, experimentar la belleza de sus tierras y celebrar sus culturas en futuras películas de Disney.
“Estamos muy entusiasmados de poder ofrecer una visión excepcional de un episodio no tan conocido sobre el impacto que tuvo el viaje de Walt Disney por Latinoamérica, en su vida y en su obra, así como en la cultura y sociedad de la época”, compartió Allan Navarrete, SVP & GM, The Walt Disney Company México.
En 2017, la Cineteca Nacional de la Ciudad de México albergó la exposición “México y Walt Disney: Un Encuentro Mágico”; mostrando el paso de Walt Disney por varios sitios de México.
En esta ocasión, la experiencia da a conocer otro episodio del recorrido de Walt Disney y el grupo de artistas que lo acompañaron por otros ocho países de América Latina (Argentina, Brasil, Uruguay, Bolivia, Perú, Chile, Ecuador y Guatemala). Viajes que, en conjunto y sumados a lo vivido en México, inspiraron la realización de dos películas llenas de color y creatividad que celebran la belleza y la riqueza cultural de América Latina: Saludos Amigos (Brasil 1942 – Estados Unidos, 1943) y Los Tres Caballeros (México 1944 – Estados Unidos, 1945). Ambas películas disponibles en Disney+.
Este primer vistazo de la muestra Walt Disney y El Grupo: Un viaje por Latinoamérica en el Museo Soumaya incluye más de 60 fotografías, material audiovisual de la época, fragmentos de películas, posters de las dos películas y bocetos inspirados en el viaje.
EL ACTOR Arap Bethke regresa a Telemundo protagonizando la serie Juego de Mentiras, un thriller lleno de intriga, misterio, investigación, pasión y amor, donde todos parecen ocultar algo.
“Para mí es un gusto y un honor estar al frente de la nueva producción de Telemundo. Tenemos una historia llena de suspenso y adrenalina que estoy seguro va a cautivar al público con sus giros inesperados. Además, tenemos un elenco de primera y estamos todos muy emocionados con esta gran historia”, expresó Bethke.
En la historia original de Telemundo Global Studios, Bethke, comparte créditos con Altaír Jarabo y María Elisa Camargo. También incluye la participación estelar de Rodrigo Guirao, Cynthia Klitbo, Eduardo Yáñez y Camila Nuñez. El elenco de reparto lo conforman Patricio Gallardo, Alicia
Machado, Alberto Casanova, Pepe Gámez, Gabriela Vergara, Beatriz Valdés, María Laura Quinteroy Bárbara Garófalo, con la participación especial de Aylín Mújica.
Por su parte, la actriz Altaír Jarabo, quien hace su debut en la cadena Telemundo comentó, Juego de Mentiras es un diamante en bruto. Todo el equipo estamos ya puliendo esta joya que va a inspirar las emociones más lindas y memorables de nuestro público. ¡Gracias Telemundo! Para mí, es un sueño hecho realidad”.
Ambientada en la ciudad de Los Ángeles y San Clemente California, Juego de Mentiras, sigue la vida de César Ferrer (Arap Bethke), un hombre trabajador que siempre soñó con tener su propia familia, y que da la vida por su hija Noelia (Nuñez). Cuando su esposa Adriana Molina (María Elisa Camargo) desaparece, todas las pistas apuntan a él como el principal
sospechoso.
Decidido a evitar que le arrebaten a su hija de ocho años, César se arriesga a investigar por su cuenta. Mientras busca pistas sobre los posibles motivos de la desaparición de su esposa, César descubre que Adriana llevaba una doble vida y puede que no sea la persona que todos conocían, para bien o para mal. Casi todos los personajes se convierten en sospechosos, ya que cada uno tiene una razón – aunque solo aparente – para querer eliminarla. Mientras tanto, la libertad, el amor y el futuro de César se ponen en juego en su búsqueda por respuestas.
NCIS: LOS ÁNGELES
Dónde ver: A&E
Llega a A&E la última temporada de la exitosa serie NCIS: Los Ángeles, el drama sobre el alto riesgo de una división de NCIS que se encarga de detener a criminales peligrosos y esquivos, que representan una amenaza para la seguridad de la nación norteamericana.
Al asumir identidades falsas y utilizar la tecnología más avanzada, este equipo de agentes altamente capacitados liderados por G. Callen (Chris O'Donnell) y Sam Hanna (LL Cool J), se infiltra a fondo, arriesgando sus vidas en el campo para acabar con sus objetivos. Los agentes regresarán en esta temporada 14 para algunas asignaciones de alto riesgo y seguir la acción la Oficina de Proyectos Especiales, una unidad de élite del Servicio de Investigación Criminal Naval que maneja misiones encubiertas y amenazas a la seguridad de los Estados Unidos.
Además de O’Donnell, Cool J, la serie está protagonizada por Daniela Ruah y Eric Christian Olsen como los agentes Kensi Blye y Marty Deeks, respectivamente; Medalion Rahimi como la agente especial Fatima Namazi, Caleb Castille como el agente especial Devin Rountree, y Gerald McRaney en el rol del almirante retirado de la Marina Hollace Kilbride, personaje incorporado de manera regular en la serie a partir de la temporada 13.
En esta temporada, los fanáticos de toda la franquicia van a tener la oportunidad de ver un crossover épico de NCIS: Los Ángeles, con la serie original NCIS y NCIS: Hawaii, siendo la primera vez que se genera un cruce entre las tres series.
“#AVÍSAME CUANDOLLEGUES”
Dónde ver: Lifetime
LIFETIME estrena en Latinoamérica, su nueva docuserie #AvísameCuandoLleges (#TextMeWhenYouGetHome) con historias reales de mujeres desaparecidas que dejaron como última pista un mensaje de texto.
Esta producción original no guionada mostrará los testimonios de familiares y sobrevivientes de crímenes y secuestros que movilizaron a la policía, la prensa y comunidades completas para encontrar a las mujeres desaparecidas.
#TextMeWhenYouGetHome se convirtió en un movimiento viral mundial tras la muerte en 2021 de Sarah Everard en Reino Unido. Este hashtag despertó alrededor del mundo la conciencia, indignación y una conversación sobre la vulnerabilidad y la falta de seguridad que sienten las mujeres cuando están solas.
Esta serie de Lifetime busca visibilizar y crear conciencia sobre lo que se ha convertido en un terrible y lamentable flagelo mundial que son los crímenes hacia las mujeres y aborda uno de los miedos más profundos de toda persona, y es que un ser querido desaparezca. En cada episodio de #TextMeWhenYouGetHome se sigue el caso de una mujer inocente que, mientras llevaba su vida normal, es secuestrada, herida o incluso asesinada.
#AvísameCuandoLlegues son 10 historias que se narran a través de emotivas entrevistas a testigos, familiares e incluso algunas de las sobrevivientes contarán sus desgarradoras experiencias, las que además son acompañadas de recreaciones, mensajes de textos reales, registros telefónicos y otras pistas digitales que las autoridades utilizaron para resolver el caso.
Casi como una novela policíaca, se investigan a todos los sospechosos hasta que se atrapa al verdadero autor.
