Revista Arte, Cultura y Sociedad número 61 Segunda Edición

PRISCILA FUENTES

Normaliza tu salud mental

DAVID GARZA & JUAN

CARLOS PAZ Y PUENTE

El retorno al lado sensible de la música

GABRIEL DURÁN GABRIEL DURÁN

El cine como ventana de nuestro verdadero yo El cine como ventana de nuestro verdadero yo

ROBERTO GARZA

¿Cuándo la música dejó de emocionarnos?

¿Será que ahora el mercado se ha orientado en crear música con la capacidad de solo vender, sin importar el producto?

¿Cuándo dejamos de emocionarnos al escuchar un nuevo tema musical?

¿Será debido a la sobreexposición musical, en un mundo donde tenemos cada vez más acceso a una cantidad infinita de música de diversas plataformas?

¿Será por la repetición desmesurada de estilos populares que nos ha llevado a una fatiga auditiva y a perder el interés por la música en general?

Estos cuestionamientos son solo parte de una respuesta que tiene un trasfondo todavía más profundo y que se prestaría a un interesante debate.

Y precisamente fue así, que tras una buena charla con el reconocido director y productor musical Juan Carlos Paz y Puente y con el músico y compositor egresado de Berklee College of Music, David Garza, pude constatar que efectivamente mucha de la música que actualmente escuchamos es incapaz de crear una conexión emocional con su público.

¿Será que ahora el mercado se ha orientado en crear música con la capacidad de solo vender, sin importar el producto? Sin duda, un análisis general de algunos géneros musicales, claramente nos ayudaría a entender lo anterior sin problema alguno.

En este contexto, es Interesante también destacar, que tanto Juan Carlos como David, confirmaron esa necesidad de provocar una emoción a través de la música, impulsar ese lado artístico, que, en ocasiones, no siempre va alineado

al lado comercial y que representa la esencia de la música misma. Algo que ellos ya están fomentando a través de su sello discográfico.

¿Entonces la música dejaría de ser negocio? No precisamente, el arte está en poder balancear la propuesta musical, con el fin de que esta pueda realizar también esa conexión emocional con el público y no solamente entretener.

Ante esta situación surge la pregunta obligada, ¿Y qué podemos hacer nosotros como público?

Definitivamente, ampliar nuestros horizontes musicales a través de la exploración de nuevos géneros y artistas, ya que este tipo de prácticas son capaces de despertar nuevas emociones en la persona.

También, favorecer a la música que logre, a través de sus letras y melodías, conectarnos a la misma, ya que seguramente tiene un gran trabajo detrás de su composición, grabación y producción.

Adicionalmente, debemos volvernos más exigentes con lo que escuchamos, documentarnos sobre las propuestas que consumimos, enfocarnos a la música sin distracciones y más importante, nunca dejar de emocionarnos al encontrar esos momentos dentro del fascinante mundo de la música. robgarza@att.net.mx

Un lugar sin pretensiones®, comida como en casa en el corazón de Barrio Antiguo de Monterrey.

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El contenido de los editoriales es responsabilidad de sus autores y no necesariamente representan la línea editorial de la revista.

Año 6 | Número 61 | Segunda Edición

Esta edición se publicó el 10 de Febrero de 2024

Contenido

16 El cine como ventana de nuestro verdadero yo

El Festival de Cine Latino Americano (FDCLA), que año con año, desde el 2015, se celebra en el Estado de Texas, en la Unión Americana, se ha caracterizado por ser un magno evento, no lucrativo, con enfoque a la promoción tanto del quehacer cinematográfico de América Latina y de las expresiones artísticas y culturales de la comunidad latina en tierras texanas. Esta ocasión, tenemos oportunidad de conversar Gabriel Durán, fundador y Presidente de este encuentro cinematográfico.

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Llega exposición ‘sol cuna’

Las artistas Scarlett Mizraim y Elsa Reza , presentan en la Escuela Adolfo Prieto la exposición “Sol Cuna”, una reflexión de nuestra relación con la naturaleza y la conexión con los saberes ancestrales.

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El retorno al lado sensible de la música

Hablar de Renascita, es hablar de una innovadora compañía creada por el músico y compositor egresado de Berklee College of Music, David Garza y el reconocido director y productor musical Juan Carlos Paz y Puente, quienes juntos, han logrado conjuntar una empresa que no solo busca regresar el lado artístico a la música, sino también devolver esa emoción que esta es capaz de brindar. En interesante entrevista, ambos nos comparten su historia.

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Normaliza tu salud mental

De acuerdo a un artículo del Dr. Marcelo Valencia, que publicó la Secretaría de Salud del Gobierno de México en 2018, en México, 25% de las personas entre 18 y 65 años de edad, presenta algún problema de salud mental, y solo el 3% busca atención médica, convirtiéndose la terapia, de acuerdo a la doctorante Priscila Fuentes, en una de las mejores herramientas que se tiene, para sustituir la ausencia de ciertas características primordiales en la personalidad.

ARTE, CULTURA

Por: Redacción Foto: Cortesía CONARTE

Llega a la escuela Adolfo Prieto la exposición ‘Sol cuna’

Las artistas Scarlett Mizraim y Elsa Reza, presentan en la Escuela Adolfo Prieto la exposición “Sol Cuna”, una reflexión de nuestra relación con la naturaleza y la conexión con los saberes ancestrales.

Este proyecto expositivo está compuesto por una serie de fotoacciones, videos, audios, entre otros medios y formatos, que invitan al espectador a reflexionar en la relación con la naturaleza a través de la analogía del periodo gestacional del venado cola blanca, el paso del tiempo y los ciclos lunares.

La colaboración surgió luego de un paseo dominical que las artistas realizaron al Ejido Presa de la Mula, ubicado en Mina, Nuevo León. A través de su trabajo, buscan acercar al público a los petrograbados localizados en esta zona arqueológica.

“Ya tenemos tiempo trabajando en el territorio de Presa de la Mula en Mina, Nuevo León, los petrograbados que se encuentran ahí, tienen un simbolismo muy importante, el calendario lunar es muestra de cómo contaban nuestros antepasados, las personas que estaban ahí situadas, para nosotros era importante retratar ese territorio y traerlo de alguna manera aquí a la Escuela Adolfo Prieto”, expresó la fotógrafa Elsa Reza.

“Utilizamos el territorio como un espacio de producción creativa, la plataforma para producir ideas estéticas es en este caso el territorio, los petrograbados son un estilo pictórico, muchas veces la gente no lo sabe, pero nosotros como norestenses tenemos un estilo pictórico, iconográfico que nos representa y es muy importante a nivel mundial. Entonces utilizamos estos territorios por la falta de información que tenemos de lo valioso que somos como cultura antigua, pocas veces se nos dice, normalmente se nos remite a la industria, cuando tenemos una civilización que nos precede y es tan

Visita la exposición fotoperformática “Sol Cuna”, en Sala de Proyectos de la Escuela Adolfo Prieto, entrada libre

valiosa como cualquier otra cultura”, aseguró la artista del performance Scarlett Mizraim.

Los primeros pobladores de esta región, registraban el paso del tiempo a través de los ciclos lunares, el calendario grabado en la roca hace referencia al período gestacional del venado cola blanca (206 días), por ello las artistas plasman la gestación del ser humano a través de esta fotoperformance.

“Sol cuna” permanecerá en exhibición en la Sala de Proyectos de la Escuela Adolfo Prieto, hasta el miércoles 14 de febrero. El horario de galería es de lunes a viernes de las 10:00 AM a 6:00 PM, la entrada es libre.

Más información en la página www. conarte.org.mx y a través del Canal de Telegram: CONARTE Nuevo León.

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ARTE, CULTURA Y

Sin audiencia no hay medios

EDUI TIJERINA CHAPA

Personajes

con caducidad

De amiguitos tiernos a psicópatas asesinos

Probablemente vieron, o al menos se enteraron, del reciente lanzamiento de una película de horror titulada “Winnie The Pooh: Blood and Honey” (“Sangre y Miel”) en la que el tierno osito come-miel se presenta como un ente desquiciado, sediento de venganza, que, luego de sentirse abandonado por Christopher Robin, comienza a matar a diestra y siniestra a todos los que se acercan a su zona del bosque.

¿Qué pasó ahí? ¿Cómo fue posible que alguien tomara un clásico para, así nomás, dar un giro al perfil dulce y tierno y convertirlo en asesino serial? Les cuento remitiéndome a que este caso tiene que ver con un tema de vencimiento de derechos que dejó un espacio legal para que pudieran explotar el personaje con una personalidad totalmente diferente a la que le había caracterizado.

Esta situación encendió las alertas de la reconocida empresa de entretenimiento Disney que, sin duda, quiere proteger a toda costa a los demás personajes de su catálogo, comenzando por sus máximas figuras, las dos más identificables, como los son Mickey Mouse y Minnie Mouse.

Desde la primera vez que Mickey Mouse apareció ante el público, allá por 1928, en la animación titulada “Steamboat Willie”, se ha ligado como

imagen de la compañía. Pero sucede que los derechos reservados de esas primeras imágenes (las de la película referida) han caducado, por lo que desde el pasado 1 de enero del presente año pasaron a ser del dominio público y cualquier persona puede usarlas, compartirlas, interpretarlas, reeditarlas y readaptarlas a como su creatividad y/o intereses le marquen, sin necesidad de solicitar permiso o cubrir algún costo. Por cierto, ¿ya vieron a Mickey en promociones del controvertido “Tren Maya” del sureste mexicano?

Cabe señalar que el tema de los derechos caducos no aplica a las versiones modernas de los personajes, que siguen estando bajo la protección de derechos y propiedad intelectual. Por otro lado, esas primeras versiones de la pareja de ratones Disney, no son las únicas obras que, al cumplir los 95 años de derechos reservados marcados por la Ley de los Estados Unidos, pasan al dominio público. También están los libros “The House of Pooh Corner”, de A.A. Milne, “Orlando” de Virginia Woolf, “El Amante de Lady Chaterley” de D.H. Lawrence y la comedia romántica de Charlie Chaplin titulada “El Circo”.

Volviendo al tema de los personajes señalados, resulta importante aclarar que lo que no se puede hacer es desarrollar productos que hagan creer de manera equivocada que se están comprando o consumiendo los de la compañía del ratón, pues eso sí sería incurrir en engaño y, justamente, es lo que el registro de marca busca evitar. De manera que cualquier uso de estos personajes que dé la idea de que pertenecen a la marca original, todavía implicaría riesgo de problemas de derechos reservados.

Dicho en otras palabras: Aunque Mickey, Minnie y Winnie sean del dominio público, The Walt Disney Company mantiene la marca registrada, que es una protección distinta a la de los derechos de autor. Sólo hay que cuidar que el proyecto en que se usen no se parezca en nada a ninguno desarrollado por Walt Disney.

Lo anterior explica por qué, para sacar la vuelta a cualquier implicación legal, a los realizadores cinematográficos les está resultando mucho más fácil generar tramas de horror o terror que alejen lo más posible a los personajes de cualquier uso que se les haya dado hasta ahora.

Así, muy pronto podremos ver en pantalla “La Ratonera de Mickey” (“Mickey’s Mouse Trap”), un slasher combinado con comedia negra en el que el papel principal lo lleva un asesino disfrazado del popular ratón. Dirige Jamie Bailey y estelarizan Callum Sywyk y Sophie McIntosh,

Por ahora, un llamado a revisar muy bien lo que verán, sobre todo si van acompañados por pequeños, porque el hecho de que tengan personajes típicamente infantiles como protagonistas no implica, necesariamente, que sean para público infantil.

edui_tijerina@yahoo.com.mx

Twitter: @EduiTijerina

Instagram: @eduitijerinachapa

Edui Tijerina Chapa es escritor, dramaturgo, guionista, asesor y analista de medios. Autor de numerosas piezas teatrales y de scripts para películas como “Cantinflas”, “Somos invisibles” y “Jesús de Nazaret”.

ARTE, CULTURA

Por:

Alejandro Villaseñor

MARCO presenta Gorgona y They Stare at You: Obras impactantes

Los artistas Aurora Pellizzi y Leo Marz intervienen con sus obras espacios de MARCO. El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta las exposiciones Gorgona, de Aurora Pellizzi en Espacio Uno, y They Stare at You From Billions of Years Ago (Te observan desde hace miles de millones de años) de Leo Marz en el Patio de las Esculturas, desde el pasado 26 de enero de este año.

Estas exhibiciones son parte del programa de exhibiciones del museo, que busca mostrar las producciones más actuales de artistas contemporáneos prometedores. La exposición Gorgona, de Aurora Pellizzi, cuestiona la representación femenina a partir de la mitología griega y estará disponible hasta el 12 de mayo.

Por otro lado, las obras de Leo Marz abordan la viralidad y la veracidad en las comunicaciones y podrán ser apreciadas hasta el 21 de abril. MARCO, en colaboración con el Gobierno del Estado de Nuevo León a través de la Secretaría de Cultura, ha apoyado las exhibiciones de Espacio Uno. Además, el Museo cuenta con el patrocinio de FEMSA, Xignux, Cydsa, FRISA, el Municipio de Monterrey y Arte Expuesto.

El horario de apertura de MARCO es de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, extendiéndose hasta las 20:00 horas los miércoles. La entrada es libre los miércoles y domingos, mientras que el costo general del boleto es de 90 pesos, 60 pesos para estudiantes, maestros e INAPAM.

En la exposición Gorgona, Aurora Pellizzi presenta una intervención consistente en una obra de 3.45 por 3.58 metros formada por nueve ayates unidos, una prenda prehispánica elaborada con fibra de maguey hilada a mano y en telar de cintura. La obra cubre por completo el acceso a Espacio Uno, permitiendo al público observarla

Los artistas Aurora Pellizzi y Leo Marz intervienen con sus obras espacios de MARCO

desde el lobby del Museo. Pellizzi se inspira en las gorgonas, figuras de la mitología griega que poseían serpientes en lugar de cabellos con el poder de petrificar con la mirada. La artista cuestiona cómo las figuras femeninas con poder han estado asociadas al peligro a lo largo de la historia, con cualidades monstruosas y bestiales.

Por su parte, Leo Marz presenta dos obras en la exhibición They Stare at You From Billions of Years Ago. Una de ellas es un mural en el que el artista aplica pintura acrílica utilizando sus huellas digitales sobre un fondo blanco,

creando un efecto visual semejante al ruido blanco o nieve. La segunda obra es una escultura de luz neón con la forma de ojos retomados de una selfie de Kim Kardashian. Marz busca analizar la cultura de la viralidad en redes sociales y la manipulación de la realidad a través de imágenes falsas o editadas.

Estas exhibiciones representan una oportunidad para conocer el trabajo de artistas contemporáneos prometedores y reflexionar sobre temas relevantes en la sociedad actual. No te pierdas la oportunidad de visitar MARCO y disfrutar de estas impactantes obras de arte.

ARTE, CULTURA

Por: Redacción Foto: Cortesía

Julia Palma, celebra 43 años de carrera siendo un icono de la música mexicana

Con casi 45 años dedicada al mundo del espectáculo, principalmente en el ámbito musical, Julia Palma, quien ha recorrido México, Centro, Sudamérica y Estados Unidos con su música, dijo tajante que, con todo el respeto que le tiene a Kate del Castillo, como actriz, está segura que le quería grande el papel como intérprete musical.

“Estoy totalmente en contra de que Kate haga la bioserie se Chavela Vargas; amo a sus papás, llevamos una bonita amistad, a ella no la he tratado, a su hermana sí, pero tengo que decir la verdad, es una gran actriz, pero no le gusta, ni sabe cantar y menos interpretar como lo hacía Chavela. ¿Qué, le pondrían una doble para el momento de los musicales? Eso sería un engaño para el público”, comentó una de las representantes de la música vernácula mexicana, más reconocidas a nivel internacional.

Y es que Julia Palma ya tuvo la oportunidad de darle vida a esta costarricense que siempre dijo que “los mexicanos podían nacer donde se les diera la gana”, toda vez que ella vio la luz por primera vez en Costa Rica, aunque es claro para todos que siempre se sintió mexicana.

Fue apenas el año pasado, cuando Julia encarnó a Vargas en un musical llamado “La catrina en trajinera”, donde además había otras figuras dándole vida a importantes representantes de la época de oro del cine y la música mexicana, como José Luis Duval, quien interpretó a Jorge Negrete. Sergio Albarrán a Pedro Infante, María Elena Leal a (su madre) Lola Beltrán y María Paloma Fierro y Luz Valenzuela (sobrina de Yuri), a la gran María Félix.

Al cuestionarla cómo se sintió dándole vida a tan importante personaje, esta fue su respuesta: “Me sentí muy bien, es mi segunda ocasión que

Julia Palma, quien ya interpretó a Chavela Vargas en un musical, asegura que sería un error que Kate del Castillo le diera vida a la cantante, en su bioserie

hago teatro, mi carrera está basada en la música, pero tratándose de un personaje con una importante carga interpretativa, desde luego no dude en aceptarlo. CLaro que fue un esfuerzo grande e interesante como artista, ya que tuve que engrosar la voz, tener ademanes más masculinos, como era ella, tratando de hacerle un homenaje y créanme que conecté increíble con la gente, hasta el día de hoy me siguen

felicitando por ese trabajo”, concluyó esta gran artista.

Julia Palma nació en Sabinas, Coahuila, un primero de mayo siendo registrada con el nombre de Eva Imelda Mejía Cisneros. El compositor y director artístico Ze Luis (José Luis Gómez González), fue quien le dio el nombre artístico y la dirigió en su primer disco “Por tu culpa”, de Homero

Aguilar, colocándose en los primeros lugares de popularidad y alcanzando una venta de más de 50,000 copias, en aquel momento de su lanzamiento.

Gracias al éxito de la canción ‘Perdóname si lloro’ fue llamada La revelación ranchera, nombre con que se lanzó al mercado un LP. En 1982 participó en el 4º Festival Ranchero con la canción ‘El nagual’, de Javier Salazar.

ARTE, CULTURA

Irreverente

PLÁCIDO GARZA - DETONA

Acérquense a la ‘aventura’

Plácido DETONA hoy de consultores emocionales y comentaristas de juegos que ven por TV

Les platico: Los domingos son peligrosos para gente que gusta hacerla de periodista o consultor emocional sin estar capacitada en ninguna de ambas facetas. Bueno, hacen eso todos los días, pero los domingos, más.

De acuerdo al BigData de X -antes twitter-, de WhatsApp -propiedad de Meta / Facebook-, y de TikTok -cuyos propietarios son los chinos de ByteDance-, los domingos son los días de más tráfico en esas redes mundiales.

“COMENTARISTAS” O PRIMATES PRIMITIVOS DE LAS REDES:

Algunos se emocionan viendo por TV dos partidos de fútbol americano el mismo día y se ponen a comentarlos profusamente en alguna de esas aplicaciones. Pfff.

Otros se van a la Huasteca de Santa Catarina a “escalar” el murito de Los Gatos y reseñan su aventura emulando a las aventuritas de Pipo; obvio, por las mismas redes. Pfff(2).

Esto que hacen equivale a una primitización de las redes.

Cerebros sin amueblar están al acecho de incautos en las redes. Foto por DETONA en el Barrio Antiguo.

Dicho de otra forma: son primates primitivos de WhatsApp, de X, de Instagram y TikTok.

“CONSEJEROS”:

• Los “consejeros emocionales” están de moda.

• Traen su vida hecha jirones pero se atreven a dar consejos virtualmente y en persona.

• Brotan hasta por debajo de las piedras y se reproducen como gremlins en aguacero.

• Como los “comentaristas” de juegos que ven por la televisión, padecen rezago intelectual.

Ambos usan las redes como escaparate de sus complejos, desviaciones y frustraciones. A las 12 de la noche del día en que cumplieron 18 años, creyeron que por ese accidente cronológico ya eran emocional y físicamente mayores de edad. Viven en el error desde entonces.

• Son un atentado a la tecnología.

• Dañan la auténtica consejería.

• Confunden, por su apoplejía.

CAJÓN DE SASTRE:

• Steve Jobs y Bill Gates definían inteligencia como la información que provoca decisión.

• Con esta definición, ¿dónde quedan los “comentaristas” y “consultores emocionales” a los que me refiero?

• Mañana, cambio completo de programa, sin faltar el Incomparable Iván.

placido.garza@gmail.com placido@detona.com

PLÁCIDO GARZA. Presidente de la plataforma noticiosa www.detona.com. Ganador del Premio Nacional de Comunicación para Medios Digitales 2023, otorgado por la “Fundación José Pagés Llergo”. Nominado a los Premios 2019 “Maria Moors Cabot” de la Universidad de Columbia de NY; “Sociedad Interamericana de Prensa” y “Nacional de Periodismo”. Forma parte de los Consejos de Administración de varias corporaciones. Exporta información a empresas y gobiernos de varios países. Escribe para prensa y TV. Maestro de distinguidos comunicadores en el ITESM, la U-ERRE y universidades extranjeras. Como montañista ha conquistado las cumbres más altas de América.

ARTE, CULTURA

GABRIEL DURÁN

Entrevista: Edui Tijerina Chapa

Fotos: Cortesía Gabriel Durán

El Festival de Cine Latino Americano (FDCLA), que año con año, desde el 2015, se celebra en el Estado de Texas, en la Unión Americana, se ha caracterizado por ser un magno evento, no lucrativo, con enfoque a la promoción tanto del quehacer cinematográfico de América Latina y de las expresiones artísticas y culturales de la comunidad latina en tierras texanas.

Esta ocasión, tenemos oportunidad de conversar con el fundador y Presidente de este encuentro cinematográfico que, por cierto, es el mayor Festival Internacional de Cine Latino en Dallas Fort Worth. Se trata de un cineasta multipremiado, originario de Wichita Falls, quien, además, es co-fundador de Vivid Vita Events LLC, la agencia responsable de la popular Fiesta Charra anual de Lewisville, TX. Me refiero al Maestro Gabriel Durán.

Cuéntanos, Gabriel, ¿cómo comenzó tu pasión por la producción audiovisual?

Era muy chico. Mi curiosidad se abrió gracias a la programación de MTV, que me dejaba fascinado con sus videos musicales, sus efectos, la edición, todo lo que hay detrás de lo que es ser un cineasta. Particularmente, recuerdo que ver el detrás de cámaras del clip “Thriller”, de Michael Jackson, fue lo que más me empujó a querer enterarme sobre la industria. Los primeros pasos me llevaron a la producción pero, después, opté por seguir la vía de la narrativa visual.

¿Qué más veías?

De todo un poco. Recuerdo que no encontraba muchas personas como yo en las pantallas de cine ni en las de televisión. Solía sentarme con mi padre a ver viejos westerns. Entonces, me preguntaba por qué nosotros, los latinos, sólo representábamos a los bandidos o a los patiños chistositos que movían a la risa con su terrible y mal hablado inglés. Me preocupaba pensar si los sajones en torno nuestro nos percibían así.

Sin duda, una interrogante y preocupación que sigue vigente en toda la comunidad latina.

Así es. Seguimos trabajando, esforzándonos, luchando por visibilizar cada vez más nuestra cultura y lograr un balance en la integración de nuestros perfiles en las distintas áreas de la estructura social en general y de la producción audiovisual en lo particular.

¿Qué otros personajes recuerdas?

Durante mi infancia y adolescencia, en la televisión y cine estadounidenses no había mucha gente latina a la cual admirar. Teníamos a Erik Estrada, como Poncharello en “Patrulla Motorizada” (C.H.I.P.S.), a Ricardo Montalbán en “La Isla de la Fantasía”, a Cheech, del dúo Cheech y Chong…

¿No había producción cien por ciento latina?

Sí, claro. Vaya, teníamos una TV completamente en español, pero como niño latino nacido en los Estados Unidos, nada de eso se relacionaba con quién era yo como chicano. Justo esa parte era la que faltaba en mi experiencia infantil.

Esa percepción, sin duda, ha tenido mucho qué ver con lo que haces actualmente…

De hecho, podría decir que más que “mucho qué ver” ha sido “todo”.

Foto: Tim Salaz

¿Qué vino después?

Me mudé a DFW (Dallas, Fort Worth). Ya mayor, en la universidad, tomé clases relacionadas con el cine. Luego encontré un programa de licenciatura y comencé a trabajar en ella. Me llevó un tiempo descubrir quién era yo como cineasta.

¿Pasaste directo a tu responsabilidad como docente?

Así fue. Poco después de mi maestría me integré a la docencia, enseñando como profesor adjunto en dos Instituciones de Educación Superior. Actualmente, soy profesor asistente en una universidad al sur de Texas, donde imparto cursos de producción cinematográfica y escritura de guiones.

¿Cuál ha sido la mayor satisfacción que has tenido hasta ahora?

Lo más gratificante de lo que hago es contar o mostrar historias que den voz a nuestra gente y, claro, compartir lo que sé y mis experiencias con los alumnos.

Y es que usas un medio tan poderoso como el cine para ayudar a cambiar las perspectivas negativas que se tienen sobre nuestra cultura latina.

Justamente, como platicamos antes, esa es la razón por la que comencé a hacer películas. Al mismo tiempo, tengo la recompensa de poder ayudar a otros compañeros cineastas tanto en concretar sus proyectos como a dar a conocer lo que hacen. Esa es otra de mis motivaciones para estar en este medio.

Hablemos del Festival de Cine Latinoamericano (FDCLA)

Todo comenzó en el 2015. Abrimos en Fort Worth en un lugar llamado “Grand Plaza”, un centro comercial para la zona de comunidad latina.

Lo que comenzó con una sala improvisada de sólo 20 asientos, un proyector muy sencillo y una incansable campaña promocional en programas de radio en Dallas, se convirtió en un festival de cuatro días de intensa y muy gratificante actividad.

Ha crecido mucho desde entonces…

Es algo que me tiene muy orgulloso. Ya casi cumplimos diez años destacando lo mejor del cine latinoamericano a nivel internacional. Nuestra meta es difundir y apoyar el trabajo de los realizadores, abriendo espacios para resaltar nuestro talento en la industria cinematográfica.

Combinamos la exhibición de películas, en corto y largometraje, con charlas, conferencias, talleres, exposiciones, presentaciones artísticas. Buscamos que cada edición sea un acontecimiento que enaltezca el sentimiento latino en general, y el latino en Estados Unidos, en específico.

¿Qué premios entregan?

Hay premios a “Mejor Película” en cada categoría y “Mención Honorífica”, a discreción, también en cada categoría. Igualmente, entregamos el galardón “Corazón Latino”, con el que la organización del Festival rinde homenaje a toda una trayectoria. Entre los receptores de este reconocimiento puedo mencionar a Nancy De Los Santos, Jesse Borrego y a Edui Tijerina-Chapa.

Es admirable ese esfuerzo por ampliar el enriquecimiento cultural de la comunidad…

“Ya casi cumplimos diez años destacando lo mejor del cine latinoamericano a nivel internacional”.

Eso es, precisamente. Un gran esfuerzo que radica en la capacidad de aprovechar esta accesibilidad y ofrecer al público nuevas experiencias de visualización, recuerdos e historias en el expansivo mundo del cine.

¿Quiénes están contigo en este gran equipo del FDCLA?

El Comité Organizador está integrado por: Marielena Reséndiz, Jennifer Gómez Menjívar, Rosalva Reséndiz, Silvia Patricia Solís, Kat Huerta-Ortega, Alex García Topete y Vicente Moctezuma, entre otros miembros apasionados por el mundo del cine, por su enseñanza, investigación y por la difusión de este arte.

Cada vez somos más los que estamos claros de las funciones de un Festival de Cine. ¿Podrías contar a nuestros lectores cuáles son, desde tu punto de vista, las principales?

Pues, estas fiestas, estos eventos, son, sin lugar a duda y de acuerdo con el tipo de Festival de que se trate, ventanas impor-

Aspectos del FDCLA.

tantísimas para exponer los trabajos de nuevos talentos pero, también, para que los cineastas que ya tienen una trayectoria fortalezcan sus redes de contactos y para que los ya consagrados lancen sus nuevas producciones.

Y, como señalas, dependiendo del perfil del Festival, funciona igual para películas comerciales como para las de arte o autor.

Exacto. Se dan los espacios ideales para conectar con el público particular para cada propuesta, pero también con críticos, programadores, investigadores, docentes, estudiantes y realizadores.

Es importante señalar que, con el paso del tiempo, los Festivales de Cine se convierten en documentos muy valiosos sobre el estado de las cosas y los intereses temáticos que prevalecen entre las audiencias en un momento histórico dado.

Definitivamente. De ahí, también, la gran responsabilidad de todos los involucrados tanto en la organización como en la exhibición, participación y asistencia.

A propósito… ¿Qué nos cuentas sobre el papel de los jurados de este tipo de eventos?

Muchos creen que ser jurado es tarea fácil y que se trata sólo de asistir, sentarse, ver películas y emitir una opinión.

Además de ver y disfrutar de las producciones participantes, los jurados tienen la tremenda responsabilidad de enfocarse en las variables específicas de cada categoría que tienen que calificar. Deben analizar a fondo para hacer una evaluación justa, bien fundamentada, apegada a los valores de narrativa y

Gabriel Durán.

realización y no partiendo exclusivamente del gusto personal. Algo que siempre he dicho es que “si algo nos gusta, no significa necesariamente que sea bueno… y si algo no nos gusta, no significa, necesariamente, que sea malo”.

El gusto personal es importante, pero no debe ser determinante a la hora de calificar.

El tema es que disminuya lo más posible esa influencia para tomar decisiones justas, con argumentos bien definidos al momento de deliberar con los compañeros del grupo de jurados.

Destaco lo que has señalado: no se trata de que las películas que participan gusten o no a los jurados, sino que sean de la mayor calidad en producción, storytelling o narrativa y potencial de conectar intelectual y

Parte del equipo organizador del FDCLA,

emocionalmente con quien las ve. Ya, si les gustan, es un gran extra.

Todo esto hace que la tarea, además de absorbente y difícil, sea todo un tema de posible conflicto desde los jurados con los participantes, con los espectadores o con los dos grupos.

Es que hay películas muy buenas que pueden no gustar, tanto como películas muy malas que pueden agradar y ganar adeptos casi en automático.

¿Hay un ideal?

Lo ideal es el punto medio: buenas películas que dejen huella en quienes las ven.

¿Para cuándo tendremos la edición del 2024 del FDCLA?

Pues recientemente se lanzó la convocatoria y estamos abiertos a la recepción de postulantes. Tenemos separado el calendario para el mes de octubre.

Y los interesados, ¿Dónde pueden encontrar información adicional o instrucciones para enviar sus películas?

Pueden buscarnos en redes sociales, visitar el website oficial fdcla-texas.org y/o al correo FDCLAFestival@gmail.com

¿Podrías compartirnos algunos detalles de las bases?

Buscamos proyectos innovadores, originales, que se identifiquen con la comunidad latina en Estados Unidos y con la latinoamericana. Toda obra sometida al festival debe ser nueva, o sea, no puede haber sido antes exhibida por televisión o en el cine. Tampoco debe estar disponible en línea.

¿Qué pasa con los proyectos una vez que son recibidos?

Todo proyecto recibido será evaluado por un comité seleccionador. Éste tendrá la responsabilidad de elegir los que se programarán los tres días del festival. Cabe señalar que, como somos un evento no lucrativo, FDCLA-Norte no paga por la exhibición de proyectos seleccionados y se reserva el derecho de exhibirlos más de una vez durante las fechas del festival.

¿Hay algún lineamiento sobre la trama de las películas; es decir, género, tema o temática?

“Durante mi infancia y adolescencia, en la televisión y cine estadounidenses no había mucha gente latina a la cual admirar”

La trama de los filmes debe tratar temas latinos y/o latinoamericanos. Por lo menos un miembro principal del equipo de producción (productor, director, escritor) deberá ser de origen latino/hispano/latinoamericano.

¿Y respecto al idioma de realización?

Cualquier largometraje o cortometraje en español o portugués deberá contar con subtítulos en inglés, y cualquier obra en inglés debe contar con subtítulos en español. En el caso de una obra en idioma indígena, el cineasta debe proveer subtítulos en español y /o inglés.

Gabriel Durán, fundador y Presidente del FDCLA.

En entrevista durante el Festival.

Justamente, este año tendremos la primera edición del Festival de Cine Latinoamericano en su versión para Corpus Christi, TX.

Hablemos al respecto.

Desde que me mudé a la zona de la costa, hace algunos años, y comencé a trabajar como profesor de cine en la Texas A&M University, aprecié el entorno con su gran valor histórico, sus tradiciones, costumbres, valores… todo lo necesario para basar un evento de esta calidad y nivel.

En cuanto presenté la iniciativa, de inmediato encontré el apoyo de otros docentes y particulares, lo cual es maravilloso.

¿Qué particularidades tendrá el FDCLA en Corpus?

El Festival abrirá ventanas a cineastas latinos-texanos y latinoamericanos, así como a realizadores de ficción y documentales internacionales. Deseamos mostrar todos los géneros y estilos posibles de creación cinematográfica, destacando la diversidad de las culturas y experiencias latinas, dejando de lado racismo y estereotipos.

¿Para cuándo tienen programado el Festival en Corpus Christi?

“Muchos creen que ser jurado es tarea fácil y que se trata sólo de asistir, sentarse, ver películas y emitir una opinión”

Se llevará a cabo en los días 10, 11 y 12 de mayo, en el Centro de Performing Arts de la Texas A&M University-Corpus Christi.

Los invito a que, si quieren pasar un buen fin de semana en nuestra hermosa zona de playa y acompañarnos en esta fiesta de cine, estén al pendiente de la página Facebook del Festival y se vayan actualizando con la información sobre calendario de eventos y programación de proyecciones.

Y si se animan a ser parte de nuestro equipo de base, en la website encontrarán distintas opciones con oportunidades de patrocinio.

¿Algo que quieras agregar para nuestros lectores?

Motivarlos a que vean cine. Mucho cine. Independientemente de que lo vean en Festivales, en salas, en streaming, renta, comprando en distintos soportes o descarga. Pero, por favor, cuando lo hagan, ábranse a la oportunidad de conocer todos los géneros, corrientes y escuelas y, mejor aún, de distintos países, ya que los temas, ritmos, criterios de abordaje y demás, reflejan por mucho la esencia y contexto del lugar de procedencia.

Muchas gracias, estimado Gabriel.

¡Gracias a todo el equipo de Arte, Cultura y Sociedad!

Referiste al FDCLA-Norte… ¿Acaso hay una versión para el Sur de Texas?

ARTE,

David Garza (frente, derecha) durante grabación.

Entrevista: Roberto Garza

Fotos: Cortesía Juan Carlos

DAVID GARZA -

EL RETORNO lado DE LA

JUAN CARLOS PAZ Y PUENTE

RETORNO AL sensible LA MÚSICA

Hablar de Renascita, es hablar de una innovadora compañía creada por el músico y compositor egresado de Berklee College of Music, David Garza y el reconocido director y productor musical Juan Carlos Paz y Puente, quienes juntos, han logrado conjuntar una empresa que no solo busca regresar el lado artístico a la música, sino también devolver esa emoción que esta es capaz de brindar.

En entrevista, ambos nos compartirán cómo en poco tiempo, han logrado consolidarse con proyectos como el de Mosh & Mambo, Colores de México, y Bronco Sinfónico, al igual que con lanzamientos como el de Carolina de la Muela, J. Mónaco y Straberry Pom, entre muchos otros.

¿Cuál es la esencia de Renascita y cómo nace?

David: Renascita nace al yo estar en la ciudad de Boston y Juan Carlos en San Diego, todavía cursando yo mis últimos semestres de la carrera de Música en la Universidad de Berklee.

En ese entonces, Juan Carlos fue invitado a participar como consejero dentro del Patronato de la Escuela Superior de Música y Danza en Monterrey, de donde mi papá también era consejero. Y lo que sucedió fue, que después de una de sus juntas de consejo, mi papá me mandó el contacto de Juan Carlos y me sugirió que le hablara, ya que creía que tendríamos muchas cosas en común.

Debo mencionar, qué dentro de mi carrera, me especialicé en composición de música para películas, pero la verdad no sabía qué hacer después de graduarme. Sin embargo, lo qué sí sabía, era que no me quería quedar a trabajar ni en la ciudad de Los Ángeles ni en Nueva York.

¿Es ahí cuando comienzan a gestar la idea de crear una empresa juntos?

David: Precisamente fue ahí cuando los dos empezamos a platicar y a ver la posibilidad de compaginar las inquietudes que ambos teníamos en referencia a comenzar un negocio dentro de la música.

Platicamos sobre la forma de cómo impulsar a Monterrey como ciudad musical, sobre cómo comenzar proyectos locales y en cómo desarrollar proyectos de calidad.

Juan Carlos: Cuando alguien termina de estudiar una carrera en música, es común que se haga la pregunta, ¿y ahora qué?

En nuestro caso, estando David en Boston, la pregunta fue ¿A dónde me voy? Porque Boston es una ciudad de estudiantes que no cuenta con una industria musical importante. ¿Entonces a dónde? ¿Nueva York? ¿Los Ángeles? ¿Nashville? ¿Miami? ¿México?

Entonces ambos nos cuestionamos, ¿No hay manera de que haya una forma en la que un músico, además de hacer música o componer, pueda tener una empresa que genere otras formas de hacer negocios en la industria musical?

Renascita se estaría convirtiendo en la respuesta a esa pregunta y en el medio para hacer las cosas de una manera distinta dentro de la industria.

¿Qué los distingue a ustedes del resto de sus competidores?

“Generalmente entramos en la producción y dirección musical, al igual que en la dirección artística”

– David Garza

Juan Carlos: Nos distinguimos primero, porque somo músicos, segundo, porque podemos lanzar artistas, hacer management, booking, producción de shows e involucrarnos en todo el proceso de grabación, desde la composición y hasta la mezcla y masterización del mismo. Lo único que no hacemos es manejar o representar artistas.

David: Otro punto importante, es que siempre nos hemos fijado en la calidad musical y en la forma de cómo crear una carrera a un artista.

Juan Carlos: Nos gusta separar la música de la farándula, dándole a la música su propio espacio. Queremos que la música exista por si sola, antes de que entre en el mundo de la farándula.

¿Digamos que en muchas ocasiones la farándula dicta el rumbo musical?

Juan Carlos: Estamos en uno de esos momentos algo desalentadores, en donde todo es entretenimiento, todo es contenido y todo, gira en relación a la creación de dicho contenido. Sentimos que a la música “se la llevó el tren” desde hace rato y ahí vamos todos, pretendiendo hacer música.

Entonces, esa parte es la que nos distingue, ya que quizás haya personas que piensen igual, pero que no cuentan con una compañía donde puedan hacen esto que hacemos nosotros.

¿Dónde empieza el proceso de hacer música para ustedes? ¿Dónde empieza y termina su cadena de valor?

Podemos abarcar todo el proceso, desde la grabación, mezcla, arreglo y hasta la distribución, dependiendo del tipo de proyecto donde nos involucremos.

Si estamos hablando de un artista nuevo al que buscamos por su calidad musical, nos gusta dejarlo que desarrolle dicha

Juan Carlos Paz y Puente (al fondo).

calidad, sin necesidad de nosotros meternos en ello. Tratamos de dejar al artista serlo, pero guiándolo en su proceso creativo.

Cuando hacemos shows, generalmente nos involucramos en la producción y dirección musical, al igual que en los arreglos y la parte visual del mismo.

¿Han trabajado con algún artista desde “cero”?

Juan Carlos: Podemos trabajar con un artista desde que empieza a componer, para luego continuar con la grabación, su lanzamiento y con los aspectos visuales de su concepto.

Concretamente, hemos trabajado con un grupo regiomontano llamado Straberry Pom, que tuvimos la oportunidad de agarrar desde “cero” y la verdad es que eso fue increíble, ya que nos dio la oportunidad de ponerles las herramientas para que ellos pudieran desarrollar su concepto.

También trabajamos en un proyecto con Plastilina Mosh, artistas ya establecidos con una trayectoria de más de 20 años, pero dentro de un concepto nuevo.

¿Generalmente entran ustedes como productores ejecutivos o en ocasiones existe ya alguien detrás del proyecto?

David: Generalmente entramos en la producción y dirección musical, al igual que dentro de la dirección artística.

Juan Carlos: Existen también casos en los que ya se cuenta con un presupuesto establecido y nosotros simplemente producimos el espectáculo, al igual que ocasiones donde nosotros invertimos en el proyecto.

La empresa cuenta con el sello discográfico One Take. Bajo ese sello, ¿qué artistas o proyectos han grabado?

David: La primera que grabamos fue a Carolina de la Muela, una cantautora argentina que grabamos aquí en Monterrey, dentro de La Escuela Superior de Música y Danza. El disco que hicimos con ella fue ‘Esenciales 2’, que incluye canciones de rock argentino, reinterpretadas a piano y voz de una manera más íntima y enfocada a la canción.

Luego grabamos cuatro canciones del grupo Strawberry Pum, que incluimos también dentro de nuestro sello discográfico.

Juan Carlos: También tenemos tres discos de jazz que produje hace algunos años y donde participan Eugenio Toussaint, Enrique Neri y el trío de Eugenio Gabriel Puentes y Agustín Bernal. Esos discos se editaron en CD hace muchos años, pero no se habían lanzado en formato digital.

También tenemos a Jay Monaco, que es un compositor tapatío, pianista y cantante. Su producción no fue precisamente nuestra y solo lo licenciamos y lanzamos.

Adicionalmente, lanzamos un disco de Loris Ceroni, productor y arreglista de muchos hits icónicos del pop en español. En ese disco participan Pandora, Daniela Romo, Mijares y La Guzmán, solo por mencionar algunos nombres. La producción es de Ceroni, quien el mismo se la hizo de manera de auto-homenaje por su aniversario como productor.

Importante también, es que hicimos el disco Colores de México, de la orquesta de la Universidad Autónoma de Nuevo León.

Sin duda un sello discográfico bastante amplio

“Buscamos impulsar el lado artístico, musical y sensible del proyecto, sin pensar solamente en su éxito comercial”

– Juan Carlos Paz y Puente

Quizás eso sea también lo que nos distinga de los demás. No sabemos quién más pudiera tener dentro de un mismo sello discográfico, un disco sinfónico, un trío de jazz, un cantante progresivo en inglés, una cantautora argentina y un grupo de rock de chavos mexicanos que canten en inglés.

¿Cómo se aseguran que los conceptos que producen verdaderamente funcionen y generen un retorno de inversión?

David: Si se pudiera predecir un hit, todo el mundo lo haría, desgraciadamente, no hay manera de hacerlo. La música siempre es una apuesta.

Juan Carlos: Cuando inicias una compañía y quieres establecerte dentro de la industria, primero debes existir, crear y tener algo que luego se convierta en tu base para a partir de ahí seguir avanzando.

No hay manera de saber que un concepto vaya a funcionar y es por eso que nosotros hacemos un poquito por aquí y otro poquito por allá. Algunos proyectos son más rentables que otros y te podrán dar un retorno más rápido; el arte está en saber cómo balancear los diferentes proyectos, pero sin dar el bandazo hacia un lado en particular.

Hay muchos que se dedican a hacer shows, que es una actividad que no requiere que seas músico o productor para realizarla y que si la haces correctamente te puede dejar muy buen dinero.

Ustedes le apuestan mucho a la emoción y al sentimiento que genera la música al escucharla. ¿Es eso algo que los hace también diferentes como disquera?

David: Es correcto. Creo que eso va en contra de la forma en

Juan Carlos Paz y Puente durante una grabación.

cómo las disqueras actúan actualmente, viendo solo números y tomando decisiones en base a si el artista les da audiencia o no.

Nosotros buscamos impulsar el lado artístico, musical y sensible del proyecto, sin pensar solamente en su éxito comercial. De hecho, nos gusta pensar que hay más gente como nosotros, preocupada y y que le apuesta también a eso.

Juan Carlos: Exacto, si no emociona, no pasa gran cosa. Los temas que se quedan para toda la vida, fueron los que sí emocionaron, los que siguen emocionando y los que fueron hechos por alguien con una honestidad absoluta.

Si cuentas y haces una lista de los grandes artistas o compositores que se quedaron para siempre, difícilmente te vas a encontrar algo que fue creado para “pegar” por uno o dos años.

Antes de eso se trataba, tú ibas a escuchar a alguien, te emocionaba y luego llevabas a alguien a escuchar eso que te había emocionado. Querías compartir ese momento con alguien, para que sintiera lo mismo que tú.

¿Ustedes buscan provocar esa emoción con la música, pero sin perder de vista el tema comercial?

Juan Carlos: Buscamos provocar esa emoción, ese lado artístico de la música; un lado que, sin embargo, no siempre va alineado al lado comercial. Sin embargo, cuando ambas cosas se alinean, es cuando se crean los “Mega Hits”.

Ambos son músicos, pero, ¿cómo se complementan?

David: Creo que Juan Carlos tiene toda la calle y el “colmillo” de años y años de experiencia en la industria y conoce también a mucha gente dentro de ella.

A mí me gusta pensar que en lo personal yo traigo lo nuevo a la mesa, algo más moderno y afín a la era digital.

Creo que el haber tenido la oportunidad de estudiar en Berklee College of Music, me actualizó no solo en lo musical, sino en las nuevas tendencias de la industria.

Juan Carlos: Lo más bonito de ser músico, es poder compartir con otros músicos, y es por eso que a veces le digo a David: “Necesito tus oídos”, porque obviamente sé qué oyen los míos,

“Ahora el artista tienes qué ser compositor, ejecutar sus canciones, diseñar su imagen, estar presente en redes sociales, promover su música y hasta distribuirla”

– David Garza

sin embargo, no se trata de eso, quiero los oídos de él y su sensibilidad. Siento que ahí es donde nos hemos complementado increíblemente. Le comento: “Yo no oigo nada aquí, ¿tú oyes algo? ¿qué oyes? ¿qué ves?”. Siempre nos complementamos.

De verdad que cada proyecto es distinto, a veces él se mete mucho más a la parte de arreglos y yo me voy a la parte de producción, o yo hago la estrategia del negocio y él crea la idea musical.

¿Qué consideran como parte medular de cualquier proceso de producción? 27:30

David: Que suene bien, se sienta bien y que se toque bien. Es muy importante que se ejecute bien y que emocione, porque si no sientes nada, no tiene sentido. Debe existir una conexión emocional cuando se interpreta un tema.

Juan Carlos: Yo empezaría por el repertorio, qué canciones se van a incluir, para que, a partir de ahí, se pueda decidir dónde grabar, considerando lugares que puedan extraer una emoción al artista. Si lo ubicas en un espacio donde se va a sentir intimidado, difícilmente le podrás pedir que te emocione.

Por otro lado, si lo ubicas en un lugar muy cómodo, digamos en la sala de su casa, sin ningún tipo de exigencia, entonces tampoco habrá ese empujón que le permita comunicar correctamente.

Todas las decisiones de producción son importantes, seleccionar el estudio, músicos, arreglistas, ingeniero de sonido, equipo, micrófonos, forma de grabación, etc. Sin embargo, debe existir un propósito basado en el artista y en el repertorio musical que logre que la música sea capaz de emocionar. Así de simple.

¿Entonces es fundamental el cuidar el proceso para llegar a ese resultado?

Juan Carlos: Hay un montón de discos que suenan increíbles y

Mosh & Mambo.

The FILMharmonic Orchestra.

nadie sintió nada con ellos, al igual que discos muy mal grabados que te emocionan ¡cañón! Un buen ejemplo de lo anterior son algunos de los discos de bossa nova de los sesentas y setentas, muchos grabados con un simple micrófono y una guitarra acústica bien tocada y afinada.

David: Existe un músico inglés llamado Bruno Major, que dice que las canciones de las que se siente más orgulloso, son las que grabó en la madrugada, en su propio estudio casero al llegarle la inspiración. Algo que no hubiera podido suceder en un estudio tradicional y donde quizás su voz pudiera haber sonado “media dormida”, pero quizás siendo esa también su intensión.

Juan Carlos: Aquí lo importante es que él llegó a donde quería llegar. No es fácil no tener a alguien del otro lado del vidrio en un estudio de grabación y ser juez y parte en tu proceso creativo. Tú hiciste la canción, tocaste la guitarra, te metiste al estudio, pusiste el micrófono, te grabaste y al final juzgaste si estaba bien o no tu trabajo. ¡Quizás quedó increíble y se pueda convertir en un hit!

No está mal que le preguntes a alguien cómo te escuchas, si le emociona lo que estas tocando, si está afinado tu instrumento o si estás sonando bien o no. Ese alguien es el productor, el que está del otro lado del cristal.

¿Ustedes cómo seleccionan a los artistas con los que trabajan?

David: Hasta el momento han llegado solos, no hemos buscado talento abiertamente.

Juan Carlos: Ayuda mucho que el artista ya se haya enfrentado a algunas cosas, ya que nos hemos dado cuenta que cuando trabajamos con artistas a partir de “cero” y les abrimos el abanico de posibilidades, no resulta ser una gran idea.

Los artistas tienen qué enfrentarse y sufrirla ellos mismos primero. Porque hay actualmente la idea de que todo tiene que ser rápido y tienes que ‘postear’, hacer contenido, estar vigente y tener likes instantáneamente. Sin embargo, todo eso no tiene nada que ver con hacer bien la música, que sucede solo cuando se le dedican muchas horas a la práctica y dejas de tomarte selfies.

“Si se pudiera predecir un hit, todo el mundo lo haría, desgraciadamente, no hay manera de hacerlo”

– David Garza

¿Pudiéramos decir que también ha cambiado el rol de artista?

David: Antes en las disqueras tenías fotógrafos, un Departamento de Marketing, inclusive gente responsable de buscarte repertorio con otros compositores.

Ahora el artista tienes que ser compositor, ejecutar sus canciones, diseñar su imagen, estar presente en redes sociales, promover su música y hasta distribuirla.

Juan Carlos: Es complicado. Tengo una frase de mi amigo Jorge Avendaño, que dice: “Estábamos mejor cuando estábamos peor” y aplica perfecto, porque cuando estábamos peor era en la época en que las disqueras tenían un montón de personal, muchísimos proyectos y cuando nos quejábamos mucho de que todo ese mecanismo tenía qué ver con la música.

Sin embargo, tenías un departamento de Marketing, que cuando le llevabas a un artista para hablar de su proyecto, aparecía un fotógrafo profesional, un diseñador gráfico, un peinador, un maquillista, un especialista en vestuario y hasta un director de videos.

Entonces, a partir de ahí se hablaba de cómo desarrollar un concepto, hacer la portada, las fotos y el video promocional. Pudiéramos decir que se tenía a un grupo de profesionales pagados por la disquera para impulsar el proyecto. Actualmente, el artista tiene que hacer todo eso, al igual que tomar todas sus decisiones solo.

Le decía a David hace rato, si le preguntas a un chavo o chava

Bronco Sinfónico.

David Garza.

de 15 años que quiere ser músico o que ya lo es: ¿En qué se pasan tus días?, te aseguro que lo primero que te dirían es: en redes sociales, tomándose fotos para contenido digital y en crear videos de chistes y cosas por el estilo. Nadie te va a hablar del proceso de hacer música.

Ahora la música pasó a un segundo plano, a ser un pretexto para ser famoso, sin tener nada qué ver con ser músico. ¿Interesante, no?

En este mismo contexto, ¿Cómo creen estaría evolucionando el proceso de producción?

David: Antes, no cualquiera tenía acceso a poder grabarse y mucho menos a grabarse en buena calidad. De alguna manera el acceso a grabar música estaba muy limitado y era difícil poder pagar un estudio o conseguir una disquera.

Ahorita con una laptop y una interface no tan cara, puedes grabarte en tu computadora a una buena calidad, dando acceso a todo el mundo a que lo pueda hacer, desgraciadamente, esa es también la mala noticia, ya que, sin barreras de entrada para la grabación, ahora todos pueden crear y comunicar contenido.

Antes se exigía mucho al artista para que llegara y ahora cualquiera puede llegar fácilmente.

Juan Carlos: La tecnología ha permitido un cambio increíble. Sin embargo, ahora, como lo acabas de decir, cualquiera puede grabar lo que sea y sacarlo a la luz.

Es bueno que todos tengan esa libertad, desgraciadamente, no todos tienen el talento que permita emocionar al escucha.

Antes existía una barrera de entrada tan alta, que el que grababa era porque era muy bueno y tenía una buena propuesta que ofrecer.

David: Ahora no necesito ser exigente con mi talento y musicalidad, para lograr lo que antes se lograba con muchísimo esfuerzo e inversión.

Juan Carlos: De veinte años a la fecha, se le ha estado dando una preponderancia brutal a la tecnología, haciendo que no necesites ser tan bueno, porque con la tecnología puedes corregir tu afinación, poner en tiempo tu música y mucho más.

El ejecutar afinado y a tiempo eran muy importantes hace 30 años, sin embargo, ahora con la tecnología eso ya no es tan importante.

Definitivamente, es como para “pegar el grito en el cielo”, ya que si te dedicas a hacer música y no puedes estar afinado y tocar a tiempo, entonces quizás la música no sea tu campo de acción ideal.

¿Pero también está el caso del musico talentoso que usa la tecnología?

Juan Carlos: Yo sería el primero en aplaudirle, pero ese caso es de uno en millones y al existir un océano de opciones que no son buenas, la gente se confunde y se hace menos selectiva.

Por otro lado, qué increíble es tener artistas como a la argentina Carolina de la Muela, que grabamos en una sola tarde en la Sala Ponce de la Escuela Superior de Música y Danza en Monterrey. Debido a su talento y profesionalismo, pudimos grabarla de una manera muy sencilla, usando solo un piano, dos micrófonos y una laptop.

Hablando sobre Carolina de la Muela, con ella, ¿qué proceso están siguiendo?

Carolina es una gran artista, alguien a quien tendremos la oportunidad de ver junto con Judit Neddermann, Paola Prieto y Maro, el próximo 5 de mayo, en un concierto en la CDMX que estamos produciendo.

Para ella lanzamos el año pasado tres temas de su nuevo disco, teniendo planes de sacar el resto del álbum en los próximos meses. Es una producción grabada y mezclada en Buenos Aires, que contiene canciones inéditas de su autoría.

¿Con qué otros proyectos o artistas están trabajando?

David: Trabajamos recientemente con la banda regiomontana

Juan Carlos Paz y Puente.

de rock The Warning, a quien le escribimos un interesante arreglo de cuerdas para dos de sus canciones, con el propósito de conmemorar sus 10 años de trayectoria.

Juan Carlos: Tenemos el disco de Colores de México, al igual que la gira de Mosh and Mambo, con quienes estamos colaborando.

Queremos también seguir presentando el show 70’s Night en diferentes foros y estamos preparando un par de proyectos que muy pronto estaremos anunciando.

¿Alguna situación interesante que les haya tocado vivir a ustedes como productores?

David: Sin duda la de Carolina de la Muela cuando vino a grabar a Monterrey, todavía durante la pandemia, cuando había muchas restricciones para viajar y muchas medidas sanitarias qué cumplir.

Desde su salida de Buenos Aires, tuvo dudas sobre si había salido positiva o negativa en las pruebas de COVID que se realizó. Finalmente llegó a Monterrey, pero decidió encerrarse en su hotel 4 días, precisamente por esa incertidumbre, que resulto dar un resultado negativo al final.

Juan Carlos: Lo interesante ocurrió cuando llegó el día de la grabación del piano y voz, en una sala donde se filtraba todo el ruido del exterior. Algo que no fuimos capaces percibir en ese momento debido a que era domingo, pero que detectamos al término de la grabación, al poder escuchar a unos pericos “cantar” de manera intermitente en la misma.

Ya en la mezcla, detectamos que sí se alcanzaron a escuchar en la grabación, pero la verdad decidimos dejarlos y no editar la toma original.

¿Cómo les fue con el proyecto de Bronco Sinfónico?

Juan Carlos: Trabajar con Bronco ha sido de lo mejor que me ha pasado en mi carrera. Tuvimos oportunidad de participar en el arreglo de los temas y en la producción del show, esperando también poder participar en sus futuros proyectos próximamente.

¿Qué debería saber alguien que tiene un hijo o hija que quiere convertirse en músico?

Juan Carlos: En relación a eso me gustaría enfatizar dos cosas:

La primera se refiere a las condiciones de la Industria de la Música al día de hoy, condiciones que están absolutamente en contra del artista, tanto en el negocio, como en la propiedad de las cosas.

En otras palabras, cualquier disquera grande se va a convertir en dueña de todo lo que hagas. Todo el dinero que te invierta a ti o a tu proyecto, tú lo vas a pagar de vuelta y al final no serás dueño de nada. Adicionalmente, a estas compañías les vas a tener que dar un porcentaje de tu merchandising, redes sociales, giras de conciertos, patrocinios y de prácticamente todo lo que hagas.

¿Para qué le puede servir a un padre de familia saber esto?

Para prevenir a sus hijos y entender que necesita un buen abogado que los pueda asesorar antes de que ellos firmen con una de las grandes compañías disqueras.

The Warning.

“Nos gusta separar la música de la farándula y darle a la música su espacio”

– Juan Carlos Paz y Puente “Los artistas tienen que enfrentarse y sufrirla ellos mismos primero”

– Juan Carlos Paz y Puente

Carolina de la Muela.

Es muy común que el sueño se ponga en “bandeja de plata” y que los papás no conozcan del medio, ocasionando que sus hijos terminen firmando contratos que no les favorezcan.

¿Cuál sería esa segunda cosa que un padre o madre debería saber?

Juan Carlos: La segunda es la que se refiere a no caer en la trampa de las redes sociales y pensar que un proceso musical siempre empieza con selfies, seguidores y likes. Es una gran mentira que tú éxito o fracaso -como músico- dependa de eso.

Debemos regresar la esencia a la música y retomar el camino del aprendizaje como base del desarrollo musical.

https://www.renascitamusic.com

deborah@renascitamusic.com

Por:

Irma Idalia Cerda Foto: Archivo

Pueblo cinema

Los artistas Aurora Pellizzi y Leo Marz intervienen con sus obras espacios de MARCO

Aunque para la mayoría de nosotros ir al cine es de lo más normal, desafortunadamente todavía hay niños y adultos quienes no han tenido la experiencia de ver proyectada una película en una pantalla grande dentro de un espacio cerrado lleno de butacas.

En Nuevo León como en muchos estados de la República Mexicana, hay muchas comunidades y rancherías que no cuentan con estos recintos comerciales en donde los cinéfilos acostumbran pagar 80 pesos promedio por boleto, más lo que gastan en palomitas y otras golosinas.

En marzo de 2023 un grupo de jóvenes entusiastas filmaban un cortometraje en la comunidad de Santa Clara del Toro en el municipio de Galeana, Nuevo León, y ahí notaron que los niños se les acercaban con mucho interés, y cuando supieron que nunca habían estado en una sala de cine, decidieron que podían transportar la magia del séptimo arte hasta esta localidad.

Así surgió “Pueblo Cinema”, una iniciativa cuyo objetivo es llevar arte y entretenimiento principalmente a la zona rural en donde no llega la señal de Internet y los habitantes apenas cuentan con los servicios básicos de luz y agua.

Desde el pasado mes de diciembre, lo que empezó como un movimiento de buena voluntad, se convirtió en una Asociación Civil, ya que además de promover el arte y la cultura a través de las funciones en diferentes rincones del estado, también realizan un servicio social.

Bajo el lema “El cine es para todos”, los responsables de esta noble causa han improvisado una sala de cine en plazas y en parques de los respectivos barrios, fomentando la buena convivencia entre los vecinos, logrando un “ganar, ganar” gracias al equipo de “Pueblo Cinema”, a sus patrocinadores, voluntarios y algunos artistas que se han sumando a esta labor altruista.

Con “El Rey León” iniciaron su recorrido en el mes de abril de 2023 en Santa Clara del Toro en Galeana, posteriormente llevaron “Hércules” al Centro de Atención Múltiple CAM Rosa María Garza Gomez de García ; “Vaselina” deleitó a los adultos mayores del asilo Hermosa Provincia de Guadalupe; y “Shrek” a los que residen en el Hotel Casa de los Abuelos Iturbide; “Coco” en Marín y una función especial para niños con cáncer en el Papalote Museo del Niño .

Para Marcos Cruz, el director general de “Pueblo Cinema” , cada función representó una misión cumplida y una gran satisfacción porque él y sus compañeros nunca imaginaron el gran impacto positivo que iban a tener en las personas.

“Fue algo inesperado, porque cuando realizamos la primer función nunca nos imaginamos el efecto domino que iba a traer, nunca hicimos la primer función con el objetivo de convertirnos en una Asociación Civil, realmente lo que queríamos era llevar una pantalla de cine, pero es contagioso ver la felicidad de los niños, adolescentes y personas de la tercera edad cuando ven algo por primera vez”, expresó.

Y la primera función de este año, será en el Campo los Pinos en Cerro de la Campana con la película”Trolls” el próximo 23 de marzo. “Pueblo Cinema” es un ejemplo de lo que el esfuerzo de buenas voluntades puede mejorar notablemente el entorno social.

irma_idalia@hotmail.com

ARTE, CULTURA

Hacer, decir y pensar

PRISCILA FUENTES GONZÁLEZ

Normaliza tu salud mental

“En México, 25% de las personas entre 18 y 65 años de edad, presenta algún problema de salud mental y solo 3% busca atención médica”

– Dr. Marcelo Valencia

¿En algún momento se han preguntado cómo podemos alcanzar el más alto grado de salud?

La Organización Mundial de la Salud, nos dice:

“La salud es un estado de completo de bienestar físico, mental y social, no solamente la ausencia de enfermedades”, entendiéndose esto de la siguiente manera: Si nunca has acudido a terapia o lo hecho sólo cinco o seis veces, tu estado de salud no es de completo bienestar, ya que no es necesario estar pasando por una situación de estrés o crisis, para considerar el acudir a ella.

El comenzar una terapia es favorable, porque permite conocer el estado en el que se encuentra la mente y colabora para identificar las herramientas afectivas – emocionales que auxilian para salir a flote en una situación de riesgo. También ayuda a evitar el autodiagnóstico de enfermedades, que probablemente no se sufren,

pero que pueden confundirse con emociones normales en la vida misma.

Importante por mencionar, es que, el ser humano cuenta con la habilidad de transitar por más de 100 emociones a lo largo de la vida, de la cuales 6 son emociones primarias o necesarias, que nos ayudan a identificar qué nos agrada, qué nos desagrada y son las responsables de poner límites. Por ejemplo, una persona que pasa por una situación donde manifiesta tristeza y algo de melancolía, es probable que pueda confundir

esas emociones con depresión, sin embargo, es valioso entender que solo un especialista en la conducta del ser humano, sería capaz de dar un diagnóstico certero.

En caso contrario, también es común que cuando una persona experimenta un trastorno mental como la bipolaridad, depresión, problemas con el control de ira, ansiedad o esquizofrenia, no sea capaz de detectarlo sino hasta que acuda con un especialista. El peor escenario para este tipo de casos, es que se tienda a normalizar

la conducta agresiva y/o violenta o se trate de justificar esta, con eventos externos del día a día, corriéndose el riesgo de que en caso de pasar por una situación de crisis o estrés, esta pudiera tener efectos fatales.

La terapia ayuda al individuo a conocer sus emociones al momento de experimentarlas, a saber que en ocasiones es normal estar triste un par de días, al igual que a saber sobre las ventajas de que eso suceda. Debido a que el ser humano experimentará innumerables emocio-

nes a través de su vida, es muy importante saber reconocerlas para favorecer el autocontrol y evitar las reacciones violentas y/o agresivas, ante un escenario de riesgo.

En el ciclo de vida de una persona, frecuentemente se presentarán diversas situaciones donde se pondrá a prueba su habilidad intelec-tual y emocional. Lo significativo de todo esto es cómo se reacciona frente a una situación de crisis o estrés. Si existe la ausencia de recursos afectivos – emocionales o si sufrimos de un trastorno mental adquirido congénitamente y no lo sabemos, muy probablemente tendremos una reacción negativa, violenta y/o agresiva ante dicha situación.

La Secretaria de Salud del Gobierno de México, publicó el 18 de noviembre del 2018 en su página oficial, un artículo del Dr. Marcelo Valencia, Investigador en Ciencias Médicas del Instituto Nacional de Psiquiatría Ramón de la Fuente (INPRF) en donde se resalta los siguientes datos: “En México, 25% de las personas entre 18 y 65 años de edad, presenta algún problema de salud mental, y solo 3% busca atención médica”

Mientras tanto, la Organización Mundial de la Salud, manifiesta en su página oficial que los problemas de salud mental serán la principal causa de discapacidad en el mundo, en el año 2030, publicando los siguientes puntos:

• 1 DE CADA 4, personas tendrán un trastorno mental a lo largo de su vida.

• EL 12.5%, de todos los problemas de salud está representado por los trastornos mentales, una cifra mayor a la del cáncer y los problemas cardiovasculares.

• EL 1%, de la población mundial desarrollará alguna forma de esquizofrenia a lo largo de su vida.

• EL 50%, de los problemas de salud mental en adultos comienzan antes de los 14 años, y el 75% antes de los 18.

• ENTRE EL 35% Y EL 50%, no reciben ningún tratamiento o no es el adecuado.

• 450 MILLONES de personas en todo el mundo se ven afectadas por un problema de salud mental que dificulta gravemente su vida.

• MÁS DE 300 MILLONES de personas en el mundo viven con una depresión, un problema de salud mental que ha aumentado un 18.4% entre 2005 y 2015.

• CERCA DE 800,000 personas se suicidan cada año, siendo la segunda causa de muerte en personas de 15 a 29 años.

En México, la pobreza es un factor detonante para que destaquen los trastornos de ansiedad, depresión y estrés familiar. El acceso a la salud mental en estas comunidades es casi nulo, teniendo esto como consecuencia el aumento de elementos que influyen en el abuso de las sustancias nocivas para la salud, alcohol, embarazos en la adolescencia, ansiedad, problemas con el control de ira y depresión, al igual que limitaciones para el desarrollo de la personalidad. Importante saber, es que la OMS indica que la pobreza y los trastornos mentales están vinculados.

En lo personal, considero que la terapia es una de las mejores herramientas que tiene el ser humano para sustituir la ausencia de ciertas características primordiales en la personalidad, como por ejemplo: la seguridad, el autoestima y la toma de decisiones. También nos ayuda a aceptarnos con nuestras sombras, saber reconocerlas, entenderlas, abrazarlas, a poder ser nosotros mismos (sin miedos y limitaciones), a vivir una vida desde adentro hacia afuera (desde el corazón) y no de afuera hacia adentro, a tratar de encajar, a buscar aceptación y a olvidar nuestros principios, convicciones y creencias por aprobación.

Me gustaría conluir diciendo: “Normalicemos nuestra salud mental” y “Normalicemos el acudir a terapia”, sea cual sea la situación o circunstancia en la que te encuentres, ve a terapia, aún y cuando no exista un motivo aparente para hacerlo. Metafóricamente, sería como cargar con una licencia de conducir, que sabes que no vas a utilizar todos los días, sin embargo, cargas con ella diariamente, ya que no sabes cuando pudieras necesitarla. En el caso de la terapia ocurre algo similar, acudes a tus sesiones, refuerzas valores, emociones y defines tu personalidad, abonando todo esto a que cuando se presente el momento de utilizar el reconocimiento de dicha habilidad, se pueda hacer de la mejor manera.

PRISCILA FUENTES GONZÁLEZ. Versada en Seguridad Pública, Criminología, Prevención del Delito, Derechos Humanos, Constitucionalidad y Gobernabilidad. Es también profesora, doctorante y Pet Lover en su tiempo libre.

“Estoy dispuesta a pagar el precio de ser mal entendida, con tal de vivir una vida de adentro hacia afuera y no de afuera hacia dentro”

Por:

Redacción Foto:

Fotos: Cortesís Sectur NL

Destaca Nuevo León como hub hospitalario rumbo a FIFA 2026

El Gobierno de Nuevo León destacó los avances del Hub Salud que se han realizado en la entidad y las que se planean en conjunto con la federación, las cuales garantizarán la atención médica de primer nivel a los neoleoneses y turistas rumbo al Mundial de FIFA 2026.

Dentro del Nuevo León Informa, se resaltó que la inversión global que se destinó para fortalecer el sistema de salud asciende a los $7 mil 852 milloes de pesos, entre proyectos del sector público (Servicios de Salud del Estado, IMSS e ISSSTE) y privado para contar con una gran infraestructura y talento humano.

Entre las obras se recalcaron la

Resalta Gobierno de Nuevo León inversión global de $7 mil 852 millones de pesos para fortalecer el sector salud

construcción del nuevo Hospital General Regional del IMSS en Santa Catarina, el cual es el proyecto más grande que se estima iniciará el último trimestre de este año, alrededor del mes de octubre.

Además de dicho hospital, se proyectan para la entidad otras obras como el Nuevo Hospital Infantil proyecto del nuevo Nuevo León, la Unidad de Especialidades Médicas en Terán, un Hospital Universitario en Salinas Victoria, la Unidad de Medicina Familiar Juárez del IMSS.

Mientras que en el sector privado se encuentran la reciente inauguración del Hospital Christus Muguerza Cumbres, la ampliación del Hospital Zambrano Hellion y el complejo Ángeles Miravalle.

Actualmente, Nuevo León cuenta con 91 hospitales y un personal que asciende a alrededor de 48 mil entre personal médico, de enfermería, técnico, etcétera.

Asimismo, el Estado tiene una infraestructura de atención de primer nivel

con 386 Centros de Salud, 28 CECOSAMAS, 17 Unidades Médicas Móviles, 6 Unidades de Especialidades Médicas.

En tanto, en segundo y tercer nivel de atención, se cuenta con 2 unidades Shock Trauma en Galeana y Santiago; 9 hospitales generales y 4 hospitales de especialidades médicas.

Dicha infraestructura está compuesta por 3,386 consultorios, 4,209 camas de hospitalización, 1,772 camas en otras áreas, 212 quirófanos y 38 salas de expulsión.

ARTE,

Por: Raúl Monter Ortega - DETONA

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Vacuna Patria a debate científico, dice Dr. Éctor Jaime

“La ciencia sin prudencia es como un barco sin timón; avanza, pero puede perderse en la tempestad de la urgencia.”Anónimo

Recientemente, se han producido varias versiones sobre la autenticidad científica de la vacuna Patria, aprobada por COFEPRIS, por ello decidí platicar con el Dr. Éctor Jaime Ramírez Barba.

Les comparto nuestra conversación:

RMO: Gusto saludarte, Éctor, ¿podrías compartir el origen de este debate científico de la vacuna “Patria”?

EJRB: Claro que sí, con gusto. En breve, se estará publicando una carta dirigida a la opinión pública suscrita por académicos, investigadores y médicos de amplio prestigio como el Dr. Francisco Moreno, haciendo un análisis crítico de la aprobación de “Emergencia” de la vacuna “Patria” en México en época de post-emergencia COVID-19 que por supuesto suscribí y lo argumento.

RMO: Es decir, ya existe argumentación que acredita este análisis científico.

EJRB: Así es, déjame abundar en ello. La pandemia de COVID-19 ha sido un catalizador sin precedentes para el desarrollo científico y la innovación en salud pública. Un ejemplo es el estudio de fase 1 de la vacuna NDVHXP-S -llamada Patria por el inquilino del Palacio-, iniciado por la Escuela de Medicina Icahn en Mount Sinai.

Este estudio representa un paso fundamental en el camino de una vacuna: validar su seguridad e inmunogenicidad en un grupo controlado de voluntarios sanos y vacunados.

La vacuna, libre de adyuvantes y conservadores, promete ser una herramienta adicional en la lucha contra la COVID-19, habiendo demostrado ya un perfil de seguridad aceptable y una inmunogenicidad potente en ensayos previos realizados en Tailandia, y se hicieron también en Vietnam, Tailandia y Brasil.

RMO: ¿Qué son los ensayos clínicos y qué fases conlleva?

ELRB: Los ensayos clínicos se dividen en distintas fases, cada una con su propósito crítico. La fase 1 se centra en la seguridad y la respuesta inmune; la fase 2, en la eficacia y dosificación óptima; y la fase 3, en la confirmación de la eficacia y el monitoreo de efectos adversos en una población más amplia.

Solo tras superar satisfactoriamente estas etapas, una vacuna puede considerarse para aprobación regular o de emergencia por las autoridades sanitarias.

RMO: Por lo que intuyo, es que no se cumplieron con estas fases.

EJRB: La situación en México con la vacuna Patria plantea serias interrogantes. La vacuna, basada en la

investigación inicial de Mount Sinai, fue adquirida para estudios clínicos en México por la empresa privada Avimex.

A pesar de la transparencia y rigor mostrados en los ensayos internacionales, el proceso en México ha carecido de la publicación de los resultados de las fases 2 y 3, un paso crucial para validar la eficacia y seguridad del biológico.

RMO: Entonces, ¿por qué la COFEPRIS la aprobó?

EJRB: La aprobación de emergencia de la vacuna Patria por parte de COFEPRIS, sin la evidencia científica publicada que respalde las fases 2 y 3, y post-emergencia sanitaria declarada por la OMS, ha generado comprensible alarma en la comunidad científica y médica.

La emergencia sanitaria justificaba ciertas flexibilidades en la aprobación de vacunas; sin embargo, una vez levantada, la rigurosidad y el cumplimiento de los estándares establecidos deben prevalecer.

RMO: Una vez, prevalece satisfacer el deseo político y protagónico del presidente, sin respetar los protocolos técnicos y cuenticos. ¿Verdad?

EJRB: La ciencia y la ética médica dictan que solo los biológicos que han demostrado ser seguros, de calidad y eficaces,

mediante ensayos clínicos debidamente registrados y publicados, deben ser administrados a la población.

La falta de transparencia en la presentación de resultados de las fases 2 y 3 no solo pone en duda la eficacia de la vacuna Patria, sino que también podría representar un riesgo para la confianza pública en los programas de vacunación y la integridad de la salud pública en México.

RMO: La opacidad de las fases 2 y 3 obligan a que la COFEPRIS publique dichos documentos, “es correcto”.

EJRB: Es imperativo que COFEPRIS y el Dr. Alejandro Svarch hagan públicos

los datos de eficacia de la vacuna Patria para su escrutinio científico. El respeto a los principios éticos de la investigación y la práctica médica no es negociable, especialmente cuando está en juego la salud de la población. Las vacunas han salvado innumerables vidas, pero su éxito se basa en la confianza derivada de la evidencia científica y la transparencia.

RMO: Así las cosas, aquí hay un problema ético y científico, ¿podrías abundar?

EJRB: La aprobación de la vacuna Patria como uso de emergencia plantea un dilema ético y científico. Por un lado, existe la urgencia de proteger a la

población contra el SARS-CoV-2; por otro, la necesidad de asegurar que cualquier biológico aplicado cumpla con losmás altos estándares de seguridad y eficacia. En este cruce, la prudencia y la responsabilidad científica deben guiar las decisiones, garantizando que la salud pública se fundamente en la evidencia y no en la conveniencia o la presión.

La aplicación de una vacuna no verificada podría resultar en consecuencias adversas que van desde la falta de protección adecuada contra la enfermedad hasta la posibilidad de efectos secundarios no anticipados, minando así la confianza en las instituciones de salud y en la ciencia misma.

RMO: ¿En manos de quién cae esta responsabilidad?

EJRB: La responsabilidad recae sobre los hombros de los reguladores y autoridades de salud para no solo cumplir con sus obligaciones éticas, sino también para mantener el rigor científico que la pandemia ha demostrado ser posible bajo condiciones críticas. La aprobación precipitada de la vacuna Patria, sin la evidencia de las fases 2 y 3, podría ser percibida como un retroceso en estos avances, poniendo en riesgo no solo la salud individual sino también el progreso colectivo hacia la erradicación del COVID-19.

RMO: ¿Crees que COFEPRIS

presentará los estudios completos?

EJRB: Es esencial que COFEPRIS y los desarrolladores de la vacuna Patria presenten los estudios completos y transparentes que avalen su uso. El diálogo abierto y el escrutinio por la comunidad científica internacional son pasos ineludibles para asegurar que cualquier vacuna introducida en la población cumpla con los criterios de seguridad y eficacia. En momentos donde la desinformación puede propagarse rápidamente, la transparencia se convierte en la piedra angular de la confianza pública.

RMO: ¿Cuál es tu conclusión?

EJRB: En conclusión, la integridad de la salud pública depende de la adherencia inquebrantable a los principios científicos y éticos. La vacuna NDV-HXPS, con su potencial demostrado, y la vacuna Patria, con sus interrogantes pendientes, representan dos caras de la misma moneda: la promesa de la ciencia y la prudencia de la práctica médica. México, y el mundo, merecen un compromiso inquebrantable con ambos.

La comunidad científica y la población en general deben exigir la máxima transparencia y rigor en el proceso de aprobación de las vacunas, para garantizar que la salud pública se mantenga siempre como la máxima prioridad. Además, como diputado exigiremos desde el Congreso no se aplique ninguna vacuna que no cumpla con los estándares internacionales.

RMO: Muchas gracias, Éctor por compartir tu opinión y conocimiento, sobre este delicado tema que afecta la salud de los mexicanos.

Si desean estar en contacto con el Dr. Éctor, lo pueden hacer a través de sus redes sociales www.ectorjaime.mx X @ectorjaime FB doctorectorjaime

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Raúl Monter Ortega es Coordinador de Campañas Electorales a nivel Federal, Estatal y Municipal. Editorialista, observador y activista de la vida política nacional. Promotor de las libertades constitucionales de los mexicanos. Es también Catedrático y vicerrector de la Escuela Superior de Procesos Electorales.

Por: Javier Villanueva

La pasión de Mario Vargas Llosa

Trece años atrás, en 2011, me encontré con M. V. Llosa en la Feria del Libro de Buenos Aires que él inauguraría, en medio de una gran polémica. Fue la curiosidad, renovada tras haber releído “La tía Julia y el escribidor” -que devorara en los años de plomo de 1977 y 78 en Buenos Aires- lo que me llevó a comprar y leer con urgencia en esos mismos tres días para profesionales de la feria, la novela del peruano, “El Paraíso en la otra esquina”, publicada por primera vez en marzo de 2003 por Alfaguara.

El texto cuenta, como dice el propio escritor, toda la peripecia de vida de dos personajes fascinantes por sí mismos: la peruana Flora Tristán, -hija del arequipeño Mariano de Tristán y Moscoso y de la francesa Anne Pierre Laisnay, feminista y socialista-, y Paul Gauguin, nieto de Flora y pintor que vivió en Lima algunos años de su infancia. Gauguin, hastiado de su ambiente europeo, sintió el llamado de lo salvaje de otras civilizaciones, que él veía, como casi todo intelectual europeo, más primitivas. Abandonó Europa y se fue a Tahití, donde su pintura empezó a adquirir otros colores. Cuentan que, estando en las lejanas islas, un día comentó: “Mi abuela era una mujer curiosa”. La verdad es que, en sus memorias póstumas, “Antes y después”, libro de 1918, se percibe que el conocimiento que tenía de ella, Flora Tristán, no era tan profundo.

Sin embargo, a ambos los unía un vínculo fuerte, algo que seguramente se reflejó también en sus caracteres y temperamentos, algo de su sangre común tal vez, haciéndolos -a cada uno a su modo- dos seres fuera de lo común. Sin duda que Flora Tristán fue mucho más que lo que entendemos, incluso hoy, por una personalidad excéntrica. En la historia del socialismo utópico del siglo XIX y en la del feminismo mundial, Flora Tristán ocupa, por lo menos, un lugar tan importante y destacado como el que su nieto tiene en la historia de la pintura de

La pasión de Mario V. Llosa por los dos personajes centrales de su novela: Flora Tristán y Paul Gauguin, buscadores del Paraíso

su época. En este libro, Vargas Llosa hace un contraste permanente de las dos personalidades y de los dos sueños respectivos. “Un sueño utópico social

y un sueño utópico artístico”. Además, la obra refleja muy bien los brillos y también las tragedias del siglo XIX, una época de grandes construcciones utópicas y de conflictos profundos que irían a estallar estrepitosamente en el siglo XX.

Son ven a Flora Tristán una de las pioneras y precursoras del pensamiento revolucionario de Marx y Engels, figuras que le dieron al socialismo su carácter científico, aunque la peruana haya muerto un poco antes, el 14 de noviembre de 1844, -año en el que Karl Marx termina de escribir Crítica de la Filosofía del Derecho de Hegel- todavía muy joven, a los 41 años. Su cuerpo fue llevado hasta el cementerio de Burdeos por los obreros de la ciudad, que además juntaron dinero para un terreno y un monumento inaugurado el mismo año de la publicación del Manifiesto Comunista, meses después de la insurrección de 1848. Allí se lee una inscripción simple:

“A la memoria de Flora Tristán, autora de la Unión Obrera, los trabajadores agradecidos. Libertad, Igualdad, Fraternidad, Solidaridad”.

Otro paralelo entre la abuela y el nieto es que el pintor, que luego largaría la vieja Europa para irse a vivir y pintar en la Polinesia, nació en ese mismo año de 1848. Paul Gauguin oía a su madre Alina hablarle de su abuela como un personaje fabuloso, una rara mujer errabunda y única, que en aquella época hacía cosas como era viajar de un continente al otro, cruzando mares, y dedicando su vida a luchar por el socialismo y por la causa de la mujer. Tal vez por eso mismo Gauguin

llegó al Perú magnetizado por los pasos de su mítica abuela, una mestiza vibrante de la vieja Europa y la joven América.

En 1838 Flora Tristán había publicado en “Le Voleur”, de París, algunas cartas íntimas de Bolívar a su madre, Teresa Laisney. Se habían conocido en Bilbao y se veían en París, cuando estaba casada con Mariano Tristán. También visitaba la bisabuela de Gauguin al científico Bonpland, amante obsesivo del continente americano. Y este conversaba con Bolívar, que tanto lo apreciaba que, años después, estando el sabio naturalista preso en Paraguay, amenazó al dictador Francia, “El Supremo”, con marchar para liberar al “mejor de los hombres y al más célebre de los viajeros”.

Flora Tristán vuelve a Arequipa entre 1833 y 1834, y lo narra con tintas alucinantes en su libro “Peregrinaciones de una paria”, que aparece en dos tomos en París en 1838. Es un libro áspero sobre nuestra Hispanoamérica de entonces. Era tanta la crudísima verdad que el texto mostraba que los pocos ejemplares llegados a Arequipa -donde su tío, que había sido el último Virrey seguía mandando- fueron quemados en plaza pública. Más de un siglo y medio desde su publicación el lector contemporáneo lo leerá con el mismo interés, pues en muchos aspectos muestra un testimonio fresco y muy actual de los problemas de hoy de nuestra atrasada América.

Los que hicieron con esos licenciosos libros, llegados de París, un auto de fe -una pira de una extemporánea Inquisición-, tenían muchos motivos para escandalizarse, desde su punto de vista conservador y atrasado, al quemarlos en plaza pública. Era el amor propio de una oligarquía criolla herida. Era el sentimiento de casta superior dentro de una mentalidad todavía colonial. Y, sobre todo, lo que se condenaba al fuego en el texto era su verdad absoluta, su ideología revolucionaria con sabor a pecado capital para la pacata aristocracia peruana de aquellos años, espantados tanto como hoy los horrorizaría el ya viejo y desgastado fantasma del comunismo.

Javier Villanueva, São Paulo, Brasil, enero de 2024.

MARIO VARGAS LLOSA HABLA DE FLORA TRISTÁN Y GAUGUIN

“El XIX no fue sólo el siglo de la novela y los nacionalismos: fue también el de las utopías. Tuvo la culpa de ello la Gran Revolución de 1789: el cataclismo y las transformaciones sociales que acarreó convencieron tanto a sus partidarios como a sus adversarios, no sólo en Francia sino en el mundo entero, de que la historia podía ser modelada como una escultura, hasta alcanzar la perfección de una obra de arte.

Con una condición: que la mente concibiera previamente un plan o modelo teórico al que luego la acción humana calzaría la realidad como una mano a un guante. Huellas de esta idea se pueden rastrear muy lejos, por lo menos hasta la Grecia clásica. En el Renacimiento ella cristalizó en obras tan importantes como Utopía, de Sir Thomas More, fundadora de un género que se prolonga hasta nuestros días. Pero nunca antes, ni después, como en el XIX, fue tan

poderosa, ni sedujo a tanta gente, ni generó empresas intelectuales tan osadas, ni inflamó la imaginación y el idealismo (a veces la locura) de tantos pensadores, revolucionarios o ciudadanos comunes y corrientes, la convicción de que, teniendo las ideas adecuadas y poniendo a su servicio la abnegación y el coraje debidos, se podía bajar a la tierra el Paraíso y crear una sociedad sin contradicciones ni injusticias, en la que hombres y mujeres vivirían en paz y en orden, compartiendo los beneficios de aquellos tres principios del ideal revolucionario del 89 armoniosamente integrados: la libertad, la igualdad y la fraternidad. Todo el siglo XIX está constelado de utopías y utopistas, entre los que coexisten, junto a sectas entregadas al activismo violento semejantes a la formada por los discípulos de Noël Babeuf (1746-1797), pensadores notables, como Saint-Simon (1760- 1825) y Charles Fourier (1772-1837), empresarios audaces tipo el escocés Robert Owen, hombres de acción y aventura, entre los que descuella el anarquista ruso Mikhail Bakunin (1814-1876), soñadores más llamativos que profundos, tal Étienne Cabet (1788-1856), o delirantes del género Jules-Simon Ganneau (1806-1851), mesiánico fundador del Evadisme. El más importante de todos los utopistas decimonónicos, en términos históricos, fue sin duda Carlos Marx, cuya utopía “científica” absorbería buena parte de las que la precedieron y terminaría por cancelarlas a todas.

A esta dinastía de grandes inconformes, objetores radicales de la sociedad en la que nacieron y fanáticamente persuadidos de que era posible reformarla de raíz para erradicar las injusticias y el sufrimiento e

instaurar la felicidad humana, pertenece Flora Tristán (1803-1844), la temeraria y romántica justiciera que, primero en su vida difícil y asaeteada por la adversidad, luego en sus escritos y finalmente en la apasionada militancia política de sus dos últimos años de vida, trazaría una imagen de rebeldía, audacia, idealismo, ingenuidad, truculencia y aventura que justifica plenamente el elogio que hizo de ella el padre del surrealismo, André Breton: “Il n’est peut être pas de destinée féminine qui, au firmament de l’esprit, laisse un sillage aussi long et aussi lumineux”. (“Acaso no haya destino femenino que deje, en el firmamento del espíritu, una semilla tan larga y luminosa.”)

La palabra “femenino” es aquí imprescindible. No sólo porque, en el vasto elenco de forjadores de utopías sociales decimonónicas, Flora Tristán es la única mujer, sino, sobre todo, porque su voluntad de reconstruir enteramente la sociedad sobre bases nuevas nació de su indignación ante la discriminación y las servidumbres de que eran víctimas las mujeres de su tiempo y que ella experimentó como pocas en carne propia”. (M.V. Llosa, 2003).

Javier Villanueva. Argentino, establecido en Brasil, profesor de idiomas, editor, traductor, escritor y librero. Investigador y conferencista de temas hispanoamericanos y de la historia y las culturas de los pueblos nativos. Autor de más de una centena de libros didácticos publicados en Brasil, y de dos colecciones de cuentos en Argentina.

Ilustraciones: Cortesía J.

Por:

Carlos

Foto: Cortesía POSTA

Participarán ‘Guadalupes’ en la exhibición del artista Ryuichi Yahagi

El Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes (ITCA) y el Muesep de Arte Contemporáneo de Tamaulipas (MACT) lanzaron una convocatoria para una exposición de rostros de personas con el nombre Guadalupe.

El reconocido artista japonés Ryuichi Yahagi creará una obra única que resaltará la identidad y diversidad de aquellos que comparten este nombre.

El MACT invitó a todas las perso-

La exhibición busca resaltar la identidad y diversidad de las personas que comparten este nombre con una gran carga histórica, cultural y espiritual en nuestro país

nas con el nombre de Guadalupe de la región a participar en la construcción de esta obra singular.

La exposición está programada para febrero de 2024 y se espera que destaque la colaboración entre el arte y la

comunidad, destacando la importancia de la cultura en la vida de todos.

¿QUIÉN ES EL ARTISTA RYUICHI YAHAGI?

El escultor japonés Ryuichi Yahagi es

integrante del Instituto de Artes Plásticas (IAP) de la Universidad Veracruzana desde hace 20 años, y a partir de dicho espacio ha desarrollado eventos académicos, artísticos y de investigación cuya finalidad es el intercambio cultural de su país natal con México.

ARTE, CULTURA

Por:

Guillermo Jaramillo Fotos: UANL

Obtienen voluntarios de Prepa Pablo Livas premio nacional

La Escuela Industrial y Preparatoria Técnica “Pablo Livas” de la Universidad Autónoma de Nuevo León obtuvo el Premio Nacional al Servicio Social y Voluntariado Universitario organizado por la Comisión Interuniversitaria de Servicio Social y la Universidad Autónoma de Sinaloa, el 25 de octubre de 2023 en la ciudad de Mazatlán, Sinaloa.

La premiación se llevó a cabo durante el XL Congreso Nacional y XIV Internacional de Servicio Social y Voluntariado Universitario, en donde la preparatoria de la UANL obtuvo el premio nacional por sus programas Brigada de corte de cabello, a cargo de la maestra en enseñanza superior Fabiola Patricia Bustos Velázquez, y Ecoclub, liderado por el biólogo José Guadalupe García Hernández.

Este reconocimiento se realiza de manera anual e incluye la participación de docentes y estudiantes de voluntariado, en donde el área técnica en diseño de imagen, coordinada por Fabiola Patricia Bustos Velázquez, ha mantenido un apoyo constante a las comunidades vulnerables con la brigada de corte de cabello.

FORMANDO LÍDERES AMBIENTALES

Desde 2008, el club de reciclaje Ecoclub “Halcones” ha mantenido una labor constante en la Máxima Casa de Estudios del Estado, siendo 2017 cuando tomó más protagonismo, además de que hasta el momento está compuesto solamente por mujeres que se forman como líderes ambientales.

“Ese mismo año tuvimos 500 voluntarias reforestando la zona de San José de las Boquillas y la comunidad de La Jacinta. Hoy en día hay 12 líderes ambientales como parte del programa de voluntariado”, informó el director.

La Escuela Industrial y Preparatoria Técnica “Pablo Livas” fue reconocida por la Comisión Interuniversitaria de Servicio Social gracias a los proyectos de voluntariado Brigada de corte de cabello y Ecoclub “Halcones”

ARTE, CULTURA