Suplemento No 7. Blog Hector Ragni, diciembre 2019

del Boletín del Blog de

Héctor Ragni, artista plástico Idea original y puesta en marcha: Nicolás Ragni Fernández Contenidos: Shirley Rebuffo y Joaquín Ragni Diseño y realización: Shirley Rebuffo Corrección y cierre: Joaquín Ragni

ISSN: 2393-7793

Diciembre 2019

Héctor Ragni. Paisaje constructivista. Montevideo. Óleo sobre tela.

80,5 x 85,5 cm. 1935 – Colección privada, Buenos Aires, Argentina.

EDITORIAL Nuestro Boletín bimensual recurrirá a emitir Suplementos ante la necesidad manifiesta de expresarnos por hechos ocurridos en el acontecer artístico y cultural. De esta forma nos dedicaremos a los temas que ameriten mayor espacio.

El mundo del Arte y la Cultura tiene vivencias que van más allá de una obra, un evento o una exposición, intentaremos informar y desarrollar aquella información que consideremos de mayor interés para nuestros lectores.

RUBEN MILTON BARRA artista plástico y restaurador

PASIÓN POR EL ARTE EXPOSICIÓN EN EL MUSEO SOLARI FRAY BENTOS, RÍO NEGRO – 2019

Presentación Si hay algo que tenemos claro los uruguayos es que pocos pueden vivir del arte, hay que optar por un trabajo que permita la seguridad económica. Tener la habilidad manual, los conocimientos técnicos y científicos para hacer del arte un trabajo que devuelva la belleza de los creadores y tener el ingenio para no dejar de crear desde su propio talento, pocos lo hacen. Vivir de la labor creativa que le permitió “dialogar con la labor de otros creadores” sin dejar nunca de lado sus propios propósitos es algo que describe cómo trabaja Ruben Barra.

Nace en Montevideo el 8 de mayo 1932. Atraído por el lenguaje visual, que se vislumbraba con una fuerte atracción por la estética ya desde su edad escolar, a sus 15 años comienza a adquirir destrezas con el maestro y escultor alemán Óscar Loevenich. Por esta razón es que Ruben Barra es un artista devenido en restaurador y no a la inversa.

En una crónica realizada por Carlos Caffera, Barra se refería a su actividad como restaurador: “al restaurar respeto y conservo lo original de cada pintura. No le agrego elementos de índole personal, procuro recuperarla del daño sufrido, sin transformar sus atributos singulares”.

Pero se necesitan otras cualidades de conducta que se descubren no bien se entabla una conversación con él y más aun visitando su entorno de trabajo, su taller. Ahí se manifiesta su condición de persona organizada, ordenada, observadora, que actúa con tranquilidad, con una imperiosa necesidad de estar involucrado personalmente en alguna actividad, por eso la edad no lo restringe, proponiéndose desafíos para seguir asimilando o ampliando conocimiento.

Carné de estudiante de la Escuela Nacional de Bellas Artes del año 1954.

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El restaurador Para que el público pueda observar, experimentar, admirar y disfrutar de las exposiciones el restaurador es uno de los eslabones silenciosos de la cadena de profesionales de gestión que potencian las obras que hacen al contenido de los museos y colecciones.

“Ser restaurador no es sólo haber aprendido las herramientas para restaurar una obra. Cada artista tiene un ‘paisaje interior’ y hay que saber interpretarlo. El ‘cuándo’ se hizo una obra nos lleva más o menos a tener una representación de sus ideas y conceptos, o sea el ‘qué’ y de ahí sacamos la lógica del ‘cómo’, o sea a los medios a los que recurrió para trabajar. Ahí se establece un diálogo íntimo y cómplice con el artista restaurado. Este proceso nos agudiza la sensibilidad porque hay que comprender lo que se está viendo, hay que hacerse cómplice de la obra. Y ahí se puede hacer un buen trabajo. Y además se va más allá del autor porque creo que al restaurar una obra se salvaguarda la memoria colectiva”. R.B.

Foto: Leonardo Mainé para El País de los Domingos 12 de mayo 2002

Trabajando en restauración.

Ruben y Claudia Barra, su hija (Química y también restauradora), trabajando sobre un cuadro de Héctor Ragni.

Labor dedicada y dificultosa en el plafón del Teatro Solís.

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Ruben Barra en su taller de restauración.

El taller Cercano al bullicio del Montevideo Shopping, reina la paz de su taller al que llega a diario para trabajar con el afán de su quehacer comprometido.

“Trato de tener todo ordenado. La profesión de restaurador, y tener que trabajar con obras importantes, me dio un método de orden. Es un factor esencial en mi vida. Sé lo que tengo y dónde lo tengo. Esto me ahorra dolores de cabeza y tiempo. No es fácil estar trabajando y al final del día tomarme media hora para poner todo en orden. Pero sé que al otro día voy a buscar algo y está donde lo dejé. Me hice estanterías para las obras, para las herramientas. Algún amigo también me ayudó. Está bien iluminado porque tiene una ventana para el frente y otra para el fondo, lo que me asegura luz natural a lo largo del día.” R.B.

Fotos: Shirley Rebuffo

En su taller.

Abajo, con el coleccionista italiano Domenico Presutti y una obra adquirida.

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Fotos: Shirley Rebuffo

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Fotos: Shirley Rebuffo

Foto: Shirley Rebuffo

Fotos: Mirtha Pose

En su taller con una obra reciente.

Ruben Barra en su taller recibiendo un grupo de visitantes de Nueva Helvecia que vinieron a conocer su trabajo.

Con el maestro Guillermo FernĂĄndez y seĂąora.

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El pintor “Son figuras de rostros un tanto adustos, reservados, siendo los de mujer más pequeños, ensimismados, en permanente espera.

Si en la tarea de conservar, Barra rescató obras de arte en deterioro, como artista, asumió liberar en pinturas su singular subjetividad plástica. En aquella actuó en el rol de especialista clínico, en la otra decidió practicar la magia, es decir, hacer ver a otros la cara poco conocida de las cosas y de la vida.

Trabajador infatigable, sin apresuramientos, se concedió el tiempo necesario para elaborar y decantar sus trabajos definidos como “una aventura en cada obra”. Aventura compartida con innumerables artistas constructores de valores plásticos capaces de erigir y sostener el estatuto social ganado por el arte.” Texto de Carlos Caffera para el catálogo “Vivencias” (agosto 2006).

Encuentro I. Óleo sobre tela y cartón, 1978. 58 x 80 cm

Tango maquia. Óleo sobre tela, 2002.

55,5 x 59,3 cm

Retrato con rostros. Óleo sobre tela, 1976.

101 x 82 cm

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En Carnaval. Óleo sobre tela, 1976. Óleo sobre tela, 1976.

84 x 67,5 cm

Máscaras inquietantes. Óleo sobre tela, 1977. 101 x 81,5 cm Mascarada. Óleo sobre tela, 1979. 84,5 x 66,5 cm Acuarela sobre papel, año 2019

Fiesta. Óleo sobre cartón. 23 x 29,5 cm

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Los dibujos “El dibujo es estimulante, útil y fundamental para realizar y avanzar en el arte. A mí me lleva hacia las ideas, los conceptos posteriores y me despierta sentimientos y sensaciones diversos que me hacen reflexionar. Más allá de los trabajos que permanecieron siendo dibujos, yo lo uso para formar la perspectiva, la profundidad y la proporción de las obras que requieren una expresión particular. Esas líneas son el pilar con el que trabajo la madera o la piedra, me dan las dimensiones. El dibujo es necesario porque es el medio de comunicación entre lo que tengo en la cabeza, lo intangible y el material en el que represento mi idea, la hago tangible”.

“A veces estoy en algún lugar, un ómnibus, un café, de viaje y saco perfiles de personas y las plasmo en dibujos. No olvido llevar una libreta o papeles, lápiz o lapicera y allí con pocas líneas hago alguna idea que se destaca”.

Diálogos personales con el artista, año 2018

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Maderas policromadas, máscaras y esculturas “Me gusta trabajar con maderas que me cuenten una historia, que tengan una marca que les dé personalidad. Esa marca puede ser la mano del hombre por mutilaciones de trabajo o por el uso, pero siempre ha jugado en ellas el tiempo.

La madera entonces me lleva a hacerle algún corte o cambiar de color pero otras veces no me deja hacerle más marcas ni alteraciones, quiere quedarse así.”

“Sofía”, madera policromada. Esta obra fue carátula del material de sala de la exposición “Barra” en el Museo Solari de Fray Bentos (setiembre, 2019)

“Arcano”, (2009) madera policromada.

0.74 x 0.62. "A veces dejo que las maderas y las circunstancias hablen por sí solas. Este trabajo está realizada con restos que desechó un carpintero que realizaba cortes para un trabajo y luego dejaba las maderas al azar. Las observé y vi en ellas algo que me llamó. Después las usé para realizar la obra. Esto nos demuestra que a veces si ponemos en orden lo que para otros es un caos, podemos obtener belleza" RB

“Cosmos”, madera policromada y metal

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“Teotihuacán”, Madera policromada, 051 x 1,04 m, 2009

Mutabilis. Escultura – ensamble, madera policromada.

Valentina. Madera policromada.

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“Diversidad”. Dos caras para una pieza de óleo sobre metal.

“Tikal”, granito tallado. 0.48 x 0.25

“L'estate”, granito tallado. 0.39 x 0.20

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“En mis esculturas busco el equilibrio, eso siempre. Uso diversos materiales.

Algunos los trabajo y a otros los dejo que sean lo que son. Esto por ejemplo sucedió con un trozo de metal muy oxidado que encontré en una playa de Punta del Este. Hubo quienes decían que fue el trozo de un barco y otros que era un simple caño. A mi me gustó dejarlo así, natural, para que cuando se agrupara a otros materiales formara la escultura que he denominado “Guerrero”. Guerrero no sólo porque eso fue lo que me sugirió, pero más guerrero porque ese trozo de metal sobrevivió a muchas cosas, lluvia, arena, agua salada...” R.B.

Piedra arenisca. Escultura, 1982. 46 x 44 cm Guerrero. Ensamblaje de madera y metales

Bakuba, 2007. Maderas, 43 x 30 cm

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Conversamos con Ruben Shirley Rebuffo – ¿Quiénes te han influido como artista?

Ruben Barra – Sin dudas fue el escultor y pintor alemán Oscar Loevenich, ya que entré a trabajar con él muy joven como ayudante en su taller de restauración.

Un hombre culto que me daba mucha información mientras trabajábamos. Yo era un adolescente que tenía condiciones manuales y me entusiasmé cuando vi las pinturas y esculturas con las que trabajábamos. Desde el inicio sentí que esta profesión algo tenía que ver conmigo. Era un aprender constante en charlas con dinámica de trabajo e informales, que me transportaban a palacios y otros mundos desconocidos para mí en esa época, mucha información que me obligaba a descubrir más sobre la profesión y a ampliar la información histórica y artística.

SR – La dedicación a la pintura ¿cómo se fue desarrollando en tu cotidianeidad?

RB – Cuando comencé la Escuela de Bellas Artes con Juan Martín que era escultor y gran dibujante. Creo que la pintura fue antes, desde mi experiencia en el taller de restauración, porque allí empecé a pintar y tenía que restaurar obras.

Me enriquecí a través del contacto con las obras de los pintores uruguayos históricos, el trabajo mismo me llevaba a eso. Además tuve contacto directo y a veces personal con pintores de la época como Cuneo y Torres-García. Cuando viajé a México, a capacitarme en restauración, estudiaba los pintores norteamericanos y europeos. Estaba en contacto con las obras, había que introducirse literalmente dentro de la obra, para considerar de qué forma había sido creada, si había tenido correcciones, los repintos hechos por el autor. De esa forma se aprende mucho.

La restauración absorbía la mayor parte de mi tiempo. Ello no permitió que me presentara en concursos y tampoco frecuentar galerías dentro del ambiente plástico. Me conocían por mi trabajo de restaurador, la pintura era para las horas libres, que no tenía muchas y mi obra quedaba en casa.

SR – ¿Podrías nombrarme dos figuras que hayan influido fuertemente en tu persona como artista?. En lo posible uno uruguayo y otro extranjero.

RB – En Uruguay, cuando empecé, me entusiasmé con Barradas por la fuerza expresiva y los colores. Y en Italia, el Renacimiento, Leonardo Da Vinci, porque fue mucho más que un pintor, fue un científico, un humanista.

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SR – ¿Qué te atrapa como tema? ¿Desarrollás alguna forma de trabajo en especial?

RB – Sé que en mis trabajos prevalece la figura humana y el planteamiento siempre viene con un criterio geométrico, buscando de alguna manera la medida áurea. De tal forma que en las últimas obras está muy elaborada.

Hago un cuerpo humano disperso. Va surgiendo espontáneamente, empiezo a tirar líneas y en la mente la voy resolviendo. Surgen improvisaciones en la búsqueda de formar un todo armónico. No hago un boceto, a veces comienzo y sigo una idea, otras veces cambio esa idea y sigo por otro lado, me separo de la idea previa, observo y pienso qué me refleja lo que hice y cómo puedo enriquecerlo, sin saturarlo.

SR – Un artista se transforma a lo largo de su vida. ¿Cómo ves esa transformación?

RB – Es una transformación que comienza cuando el artista se anima a tomar posiciones diferentes, va mutando por distintos estilos. Una libertad artística que lo atrae y lo lleva por distintos caminos, lo hace explorar. Del mismo modo, hay que saber dar el paso atrás, dándose cuenta que por ahí no llega.

El hecho de desprenderse de la figuración, tomar otras posiciones, desprenderse de la figura o el paisaje pienso que comienza desde mi mundo interior y las soluciones a los problemas que puedan surgir son de otro orden. Quizás para el público que no está metido en el arte esto crea gran confusión. A veces si no se tiene el apoyo de algo natural no se sabe interpretar, porque cuando se analiza desde el punto de vista plástico una obra más antigua, se encuentran los mismos valores del arte moderno: la medida, los ritmos, la armonía de colores. Hay ciertas leyes del arte que no han variado, ha cambiado la forma, pero las leyes se siguen manteniendo. Ya sea abstracta o figurativa, me parece que tienen que prevalecer los valores mencionados, para que sea considerada una obra importante.

Me siento cómodo con esos lenguajes. No quiere decir que falte la inspiración en la figura humana o en el paisaje. Lo que sucede es que el resultado puede estar muy alejado de esas representaciones.

Si consideramos que la abstracción es un lenguaje donde no aparece la figura humana, yo no soy abstracto. Aunque estoy convencido que el buen arte figurativo tiene abstracción, de lo contrario es una copia de la realidad.

En varias de mis obras rompo las proporciones, los circuitos que tienen que ver con una forma anatómica.

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El arte es para mí una experiencia que conlleva a descubrir aspectos desconocidos del ser interior.

SR – ¿Hay un eje común, un concepto integrador entre tus obras? O ¿hay rupturas comenzando etapas nuevas que olvidan las anteriores?

RB – En la opinión de un amigo, entré en una etapa de color, mucho color, con más audacia. Así que eso de las etapas puede ser una creación del público o de los observadores.

Tuve otra época en la que trabajé con maderas policromadas donde prevalece lo torresgarciano. Sentía la necesidad de entrar en el hueco. Lo traía de la escultura, de ir más allá. De romper la superficie. A pesar de hacer pintura, sueño con la escultura, siento, necesito meterme en la forma. Me han comentado que me ven más como escultor que como pintor, me gusta romper la superficie. El dibujo es fundamental, es en lo que me destacaba desde siempre, desde la escuela.

Tengo al respecto una anécdota muy curiosa. Cuando iba a la escuela primaria vinieron profesores a dar unas clases especiales de modelado. Las clases tenían que ser de un número limitado de alumnos para que el profesor pudiera prestar atención a todos. Por lo que se realizó una especie de prueba para ver quién tenía aptitudes. Un compañero que era algo torpe para el dibujo me pidió que lo ayudara y le hice el dibujo. Sucedió que entró él y yo no. Lo aceptaron a él y quedé yo afuera.

Después, analizándome, como consuelo, pienso que cuando hice el trabajo para él lo hice libremente y en mi trabajo me esforcé tanto que salió una cosa dura, muy pensada. Tenía tantas ganas de entrar que exageré. Igualmente luego pude entrar porque los grupos resultaron pequeños.

SR – ¿Cómo es tu encuentro cotidiano con la inquietud artística?

RB – Cuando veo hojas de papel en blanco siento la necesidad de mancharlo, de hacer algo. Por eso me gustan las servilletas de los bares. Me gustan los bares porque tienen ese clima de claro–oscuro que varían enormemente. No es lo mismo el que está sentado cerca de la ventana, que el que está más al centro, iluminado por una luz cenital, ni el que está más al fondo en un rincón. Además pueden entrar nuevos personajes, un hombre, una pareja abrazándose o una señora que busca dónde ubicarse. Todo eso me atrae y me gusta trabajarlos como líneas rápidas. Siempre he hecho dibujo con modelo vivo y eso ejercita.

SR – Ser en forma simultánea artista plástico y restaurador ¿es una forma curiosa de enfrentarse al arte?

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RB – Ha habido buenos pintores y restauradores simultáneamente. Recuerdo a Lino Dinetto, artista y restaurador de origen italiano que trabajó en nuestro país realizando arte sacro en iglesias. Tenía alumnos a los que les daba clases de pintura. En México conocí varios que hacían ambas cosas, también en Italia. Por eso no creo que haya habido pocos. Es cuestión de saber construir el espacio para hacer ambas cosas.

SR – ¿Pensás que influye o puede incidir el tiempo para tus creaciones?

RB – La experiencia que tengo es que cuando me entusiasmo con algo trabajo muchas horas con esa obra. Es una necesidad, me sumerjo en el tema. A veces abandono, dejo para otra ocasión, porque no quedo conforme. Y si veo que no es el camino la rompo. Pero si siento que me gusta puedo trabajar horas y horas. Si considero que estoy bien encaminado, me surge una fuerza que me lleva a pensar que si abandono lo pierdo. Me siento como en un juego, estoy en eso, veo que van apareciendo cosas que pueden ser valiosas para el fin.

Me siento bien trabajando de noche, cuando hay mucho silencio, eso me motiva. Cuando quiero escuchar buena música escucho clásica, para inspirarme, porque como me gusta trabajar solo, me hace compañía.

SR – ¿Con qué herramientas, materiales y temáticas trabajás más y por qué las elegís?

RB – Suelo tener variedad de lápices de diferentes grados de dureza, gomas de diferentes calidades, eso para la parte de dibujo. Y para el color tengo acuarela, óleo y acrílico. Aunque últimamente he dejado el óleo por los componentes fuertes que no me hacen bien a la salud. He trabajado mucho en acrílico para las obras más grandes, aunque la acuarela te da algo muy lindo por la transparencia. Los últimos dibujos son tinta china y acuarela.

SR – ¿Con qué soportes te sentís más cómodo?

RB – Me siento cómodo en un soporte rígido porque trabajo bastante con espátula y me gusta acentuar los detalles. Me siento a veces más cómodo que trabajando con tela, aunque la he usado y uso papel de calidad con buen gramaje.

SR – En cuanto a la escultura ¿cómo la abordás?

RB – En la escultura he trabajado algunas piedras que son muy duras como el granito y para eso uso discos diamantados. He trabajado también la piedra arenisca, más blanda y me da más plasticidad. Pero me siento cómodo con la madera, para ello tengo muchas gubias y banco de carpintero.

SR – ¿Creés que el público uruguayo sabe apreciar y consumir arte? ¿Qué ideas te surgen para mejorar esa relación artista– público?

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RB – Creo que la educación es el camino. Es importante la vinculación que se da con los niños. Es muy significativa para despertar vocaciones.

El público debe tener una educación previa, hay que darle información constante y precisa. Se debe enseñar a ver un cuadro, una escultura o una obra moderna, despertar la sensibilidad de los niños para que sean buenos visualizadores de arte.

SR – ¿Con qué proyectos estás ahora?

RB – Estoy pintando y dibujando. Tengo muchos dibujitos que quizá se conviertan en algo concreto. La madera la tengo al alcance de la mano y a veces hago algo con ella. He hecho últimamente cosas con chapa y soldadura.

Es según el estado de ánimo con que me encuentre al iniciar el día de trabajo.

SR – Siempre estás aprendiendo algo. Hace poco hiciste un taller de grabado con Rimer Cardillo, hace un tiempo atrás estudiabas técnicas de soldadura. ¿Sos un incansable del aprendizaje?

RB – Ojalá tenga la iniciativa y las fuerzas de poder estudiar siempre.

La experiencia con Rimer fue una experiencia de grabado sobre madera que me entusiasmó. Fue solo de cuatro días, mañana y tarde, pero muy intensos, porque Rimer tiene mucho que ofrecer, mucho que decir y que enseñar.

Por el acercamiento al grabado tengo que adquirir gubias especiales que aquí no se venden. Por eso ahora voy a tratar de conseguirlas.

SR – Para finalizar, ¿podrías contarme alguna anécdota?

RB – En un viaje a la Bienal de San Pablo, que hicimos con la Escuela de Bellas Artes, me sucedió algo gracioso. Antes se viajaba en barco. Se iba hasta Santos para ir a San Pablo. Al regreso, antes de partir, permitieron bajar a tierra por un rato. Estuve recorriendo, me olvidé del mundo y perdí el barco. Cuando regresé al puerto, el barco ya estaba lejos. Hacia señas, pero ya no me veían. La gente del puerto me preguntó si yo formaba parte de la tripulación, porque me vio muy desesperado. Me preguntaron: ¿tripulante? Yo le dije que sí, un poco porque en realidad no entendí mucho con el tema de los nervios y después otro poco porque perdía el barco y pensaba que no tenía nada de equipaje encima, en fin, muy desesperante. Me suben a una lancha y comienzan a hacerle señales al barco con sirenas y banderas, pero ya estaba muy lejos del puerto. Cuando lo alcanzaron, logré subir y el capitán me quería matar, casi me tira al agua.

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Fotos: Shirley Rebuffo

Barra en su taller con una de sus creaciones.

Piezas en el taller.

Foto: Flavio Presutti

Ruben Barra y su hija Claudia en la exposiciรณn realizada en el Istituto Italiano di Cultura Montevideo, 2015.

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Carátula del catálogo de la exposición Vivencias (Sala Vaz Ferreira, agosto del 2006) con la obra Juego íntimo. Óleo sobre fibra, 1979. 39 x 47 cm.

Reverso del material de sala de la exposición Barra (setiembre 2019), Museo Luis A. Solari en Fray Bentos.

Dibujo, tinta sobre papel.

Invitación de la exposición Cavilaciones sobre color, (noviembre-diciembre 2019) con la obra Rincones de la Memoria VI, acuarela y tinta. 36 x 45 cm.

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“Cavilaciones sobre color” (Dodecá) “Esta muestra exhibe una obra donde Barra recupera para expresarse, una técnica tan antigua como la acuarela. El color, ese componente sustantivo en su obra, vuelve a aparecer con esa característica propia de un buen acuarelista expresando diferentes sentimientos y emociones. Son figuras abstractas con ciertos rasgos figurativos, que transmiten melancolía y misterio. Las capas semi-transparentes, diluidas en el agua, muestran un diálogo entre forma y color, mediado por trazos de tinta.

Entre el figurativismo y la abstracción descubrimos así en este universo de imágenes un mundo apacible en primera instancia, pero que evoca momentos insospechados; detrás de esa realidad, quizás la belleza y los horrores se encuentran allí representados. Son composiciones caleidoscópicas, que recrean un espacio donde a veces surgen unos rostros apenas insinuados que nos interpelan. Ese sosegado "paisaje" experimenta con la alteración de formas representadas con manchas y líneas. En algunas de las obras que se presentan en Cavilaciones sobre color, éste se hace más intenso, la técnica del acrílico así lo permite y la obra adquiere una fuerza expresiva que se relaciona en forma dialógica con las acuarelas.

Esas cavilaciones sobre el color son la apariencia, una preocupación por el mundo está detrás de ellas, así como la expresión de la experiencia del artista.” Cristina Bausero Como se desprende de este texto curatorial y del nombre de la muestra, trabaja con varias técnicas dado su amplio conocimiento, con una reflexión profunda y minuciosa, con el ojo adiestrado de un maestro.

Rincones de la memoria XIII 30 x 45 cm.

Rincones de la memoria IX, 65 x 51 cm.

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Formación 1932 Nace en Montevideo 1946 - 1957 Concurre al taller de Oscar Loevenich Taller de escultura Juan Martín

1952 - 1954 Taller libre del Sindicato de Artistas Plásticos 1954 -1959 Escuela Nacional de Bellas Artes

Taller de dibujo Nerses Ounanian 1973 - 1976 Pintura con Clarel Neme 1982 - 1983 Istituto Superiore per la Conservazione ed il Restauro (Roma, Italia)

1999 - 2002 Taller de pintura de Guillermo Fernández 2019 Técnicas de grabado con Rimer Cardillo

1972 - 1973 Becado para cursar estudios de restauración de pintura en el Instituto Paul Coremans de México

1986 Curso de grabado en el Museo Nacional de Artes Visuales con David Finkbeiner con Mario Sagradini como colaborador.

Taller de dibujo con modelo vivo de Rogelio Osorio y organiza sesiones en su taller particular.

Ha trabajado en diversas técnicas, dibujo con grafo y tinta, en acuarela y tinta; pintura sobre tela, madera, metal y piedra; ensamblajes en madera policromada y metal; escultura en madera y en piedra.

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Exposiciones Colectivas Escultura Salón Nacional de Bellas Artes, ediciones XVII (1953), XX (1956), XXII (1958)

Pintura del Salón Municipal de Artes Plásticas, ediciones XXIV (1977) y XXVII (1979).

1976-1977 En forma permanente en la Galería Karlen Gugelmeier

En forma colectiva en la muestra Artistas Latinoamericanos, San Ángel, Coyoacán, México DF, 1973.

1980 Galería de Arte Formas

1981 Galería de Arte Río de la Plata Galería de Arte Camino al Mercado, entre otras

2000 Galería Montevideo Casa de Arte

Individuales Galería Karlen Gugelmeier, 1976

Bastión del Carmen, Colonia del Sacramento, 2007 Museo Luis Alberto Solari, Río Negro, setiembre de 2019

Sala Vaz Ferreira, de la Biblioteca Nacional Montevideo, 2006 Instituto Italiano de Cultura en Montevideo, 2015 Dodecá, noviembre-diciembre de 2019 24

Otras actividades

1964 Ingresa al Taller de Restauración del Patrimonio Artístico de la Nación, Ministerio de Instrucción Pública

2000 Dirige la restauración de los murales “El circo” de Josefina Canel y “El barrio” de Julio Alpuy, del Pabellón Martirené de la Colonia Saint Bois

1985-1997 Asume la dirección del Taller de Restauración del Patrimonio

2001-2003 Co-dirige la restauración y conservación de la obra pictórica del plafón de la sala principal del Teatro Solís de Montevideo

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Fray Bentos, Río Negro La ciudad de Fray Bentos, capital del departamento de Río Negro, data de mediados del siglo XIX, inicialmente llamada Villa Independencia (de fundación oficial el 16 de abril de 1859), cuando un grupo de empresarios uruguayos, ingleses, alemanes e irlandeses, provenientes de Montevideo, compra las tierras y las dona al gobierno uruguayo para fundarla con ese nombre. Levantaron allí fábricas desde donde se exportaron alimentos a todo el planeta. Llegó a ser llamada “la gran cocina del mundo”.

En 1900 cambió su nombre a Fray Bentos. Ese nombre acarrea cierta incertidumbre; no obstante, historiadores coinciden en que podría provenir de un fraile de apellido Bentos.

El auge de Fray Bentos se ocasionó en el año 1861, cuando el ingeniero alemán Georg Giebert trajo a la ciudad la idea de instalar una industria que cambiaría el mundo: el "extracto de carne" (Corned Beef), elaboración que se llevaría adelante con la fórmula del químico alemán Justus von Liebig. Surge así la Giebert et Compagnie en 1863. Este producto se hizo tan famoso que durante las dos grandes guerras mundiales Fray Bentos fue considerado el frigorífico del mundo y uno de los mayores abastecedores de corned beef para las fuerzas aliadas.

Luego, la economía mundial mejoró y los productos de Fray Bentos dejaron de exportarse, lo cual llevó al cierre definitivo de la fábrica en 1979.

En una charla con la Directora Departamental de Cultura, Estela Golovchenko, orgullosa de su departamento y ahora de la ciudad en la que vive, nos ilustró sobre los trabajos realizados al respecto en lo cultural.

Nos contó que Fray Bentos luego de la instalación de la planta de celulosa UPM, surgieron en la ciudad dos nuevos barrios y hubo un crecimiento de 300% en la aparición de cooperativas de viviendas. Por ende, la ciudad tuvo que cambiar sustancialmente en materia de servicios generales y sobre todo en lo cultural dar una oportunidad para el desarrollo, especialmente a la población joven.

Al respecto nos dice que se ha registrado un aumento en la matrícula de educación técnica en el departamento de casi un 50% en alumnos en un lustro, con un aumento de alumnos de carreras y cursos de UTU. Y en materia de turismo se está trabajando en servicios e instalaciones, por ejemplo en el Anglo, donde se ha hecho mucho, pero aún resta bastante por trabajar ya que Anglo no es sólo la ex fábrica procesadora de carne y el Museo de la Revolución Industrial, sino que también es un barrio de la ciudad que requiere atención por ser en su mayoría histórico y museable.

Además la ciudad tiene otros atractivos: el Teatro Miguel Young, la rambla, varias plazas arboladas y limpias, como la ciudad toda, lo que la hace muy agradable de recorrer.

Además nos menciona otros lugares de interés turístico en el departamento: balneario Las Cañas, San Javier, Young.

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Museo Solari

Foto: https://www.diariocronicas.com.uy/

Frente a la emblemática plaza Constitución, por la calle 33 Orientales, entre 18 de Julio y Av. Rincón, se encuentra el Museo Solari. Nominado así en honor a Luis Alberto Solari, pintor, grabador y escenógrafo de carnaval. Exhibe una colección principalmente pictórica, que refleja lo mejor de la técnica e imaginería del artista fraybentino.

El museo ocupa lo que fue la sede de la antigua Sociedad Cosmopolita de Socorros Mutuos. Ya la misma puerta de entrada al edificio, tallada con símbolos, refleja el fin benéfico del edificio de inspiración netamente clasicista, inaugurado el 12 de octubre de 1879.

En 1989 comenzó a albergar una colección retrospectiva de Luis Alberto Solari, con obras donadas por el artista. Allí se exhiben permanentemente las obras pertenecientes a la familia Solari y también se realizan exposiciones itinerantes de otros artistas.

Su acervo se compone de obras de diferentes etapas del artista, que en forma permanente son renovadas abarcando dibujos, grabados, collages, acuarelas, óleos y acrílicos, así como técnicas mixtas.

Fachada del Museo Solari.

Horarios de visita: Lunes a viernes de 8:00 a 21:00 hs; Sábados, domingos y feriados de 15:00 a 21:00 hs.

Detalles del edificio (Fotos: William Moreira Cruz)

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Exposición “Barra” en el Museo Solari Durante los días de exposición el artista dio varias charlas a diferentes públicos.

Al respecto hemos realizado un video: Ruben Barra, pasión por el arte, el que se encuentra disponible en https://youtu.be/ejxZ3A-_4Q0 (© Shirley Rebuffo) al que también se puede acceder a través del Blog Héctor Ragni, Artista Plástico, en la sección videos: https://hectorragniartistaplastico.wordpress.com/

El artista responde a las inquietudes de los estudiantes del Liceo 1, Liceo 2 y a integrantes de APRIONE (Asociación de Artistas Plásticos de Río Negro).

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Virginia Ferreyra, Mechtild Endhardt, Estela Golovchenko, Ruben Barra, Claudia Barra, Ángela Serres y Yoella Sanini.

El artista con la Directora Departamental de Cultura: Estela Golovchenko

Con el artista plástico fraybentino, César Quinteros

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Luis Alberto Solari Fue un multifacético artista plástico uruguayo nacido en Fray Bentos el 17 de octubre de 1918 y fallecido en Montevideo, 13 de octubre de 1993.

Pintor y grabador, realiza estudios de pintura decorativa en la Universidad del Trabajo del Uruguay con el profesor Guillermo Laborde entre 1934 y 1937, con el que también estudió dibujo y pintura en el Círculo de Bellas Artes.

Comienza sus clases como profesor de Dibujo en Enseñanza Secundaria en el año 1939 y unos años más tarde fue encomendado por el Consejo Nacional de Educación Secundaria para concurrir a cursos de grabado al aguafuerte en l´Ecole Superieur des Beaux Arts en París con el profesor Eduard Goerg en 1952.

Estudia entre 1967-1969 en el "Pratt Graphic Centre" y en el "New York Graphics Workshop”, Nueva York.

Viaja a Europa y EE.UU., donde reside hasta 1989.

Desde 1937 integra exposiciones colectivas en el "Salón Nacional de Bellas Artes" y en el "Salón Municipal de Artes Plásticas" en Montevideo.

Ha expuesto en las Bienales de Arte Gráfico de Santiago de Chile, Buenos Aires, Calí, San Juan de Puerto Rico, Florencia, Cracovia, Ljubljana, Frechen, Leipzig, Viena, Noruega, Finlandia, Bradford, Biella, Segovia y Japón.

Los temas que transita Solari son las mascaradas , escenas humanas cotidianas pero protagonizadas por figuras antropomórficas con máscaras de animales. Toda su obra se engarza con personajes de fábula ilustrando lo popular, integrando cuentos, leyendas y creencias que despiertan en el observador desde la ternura hasta el horror y extrañeza.

Frecuentemente estos seres conversan, debaten y discurren con una indumentaria que revela una realidad social americana.

Solari utiliza colores universales simbólicos y cuando pinta al óleo parece comprometerse emocionalmente con el color.

Como grabador alcanzó la plenitud en el manejo de técnicas como también en la organización sintáctica de sus íconos.

El sentido de su obra se complementa entre la obra en sí y el título de la misma.

Luis Alberto Solari. El hombre de la sartén. Grabado. Banco de la República Oriental del Uruguay.

Foto: Shirley Rebuffo

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Referencias de artistas mencionados Cardillo, Rimer – (Montevideo, 17 de agosto de 1944). Artista visual y grabador uruguayo de extensa trayectoria internacional residente en los Estados Unidos desde 1979.

Graduado de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Uruguay en 1968, realizó estudios de posgrado en Alemania en la Escuela de Arte y Arquitectura Weissenssee de Berlín y en la Escuela de Arte Gráfico de Leipzig entre 1969 y 1971. Ha realizado una prolífera labor docente, comenzando en la década de 1970 en el Club de Grabado de Montevideo y diversos talleres en Uruguay y Estados Unidos. Es curador de exposiciones uruguayas e internacionales. Una de sus labores continuas, es la revalorización del grabado como disciplina creativa y plataforma de expresión contemporánea de las nuevas generaciones de artistas. Fue durante años profesor titular de la Universidad del Estado de Nueva York en New Paltz, con el cargo de la dirección del departamento de artes gráficas. Ha desarrollado una variada serie de trabajos que incluyen grabados, esculturas e instalaciones, donde el estudio de la naturaleza y la preservación de su impronta ha estado siempre presente. Sus esculturas e instalaciones evocan sitios arqueológicos que revalorizan el imaginario prehispánico del territorio uruguayo con representaciones estético - simbólicas de montículos funerarios recreando la memoria colectiva.

Ruben Barra. Despertar, 2019.

Grabado y técnica mixta. 24 x 17 cm. Trabajo realizado en el taller de Rimer Cardillo.

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Fernández, Guillermo – (Montevideo, 25 de julio de 1928 – 7 de enero de 2007) Artista plástico uruguayo, maestro de maestros artistas uruguayos. Fue estimulado a continuar por su tío José María Fernández Saldaña desde temprana edad que vio en él talento para continuar con los estudios plásticos.

Su formación se realizó en el Taller Torres-García por los maestros Alceu Ribeiro y Julio Alpuy. Más tarde trabajó con Augusto Torres, José Gurvich y Francisco Matto llegando a ser él mismo, profesor del TTG, entre los años 1957 y 1968. La docencia fue una de sus artes, en 1953 concursó para ser profesor de dibujo en Enseñanza Secundaria y hasta 1978 dio clases en el Liceo de Progreso. Tuvo a su cargo la dirección del Taller Municipal de Artes Plásticas de Paysandú. Fue dibujante ilustrador en varias diarios de nuestro país, y realizó trabajos también para Cine Club del Uruguay. Sus obras se encuentran en Instituciones públicas tales como el Palacio Legislativo y en colecciones privadas. Entre octubre de 2017 y febrero de 2018 se realizó una muestra retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Artes Visuales.

Finkbeiner, David – (Oregon, 1936). Vivió en los estados de Idaho, Washington y Oregon. Terminó su educación en la Universidad de California en San Francisco.

En 1965 se mudó a Nueva York para seguir su carrera en el arte y enseñó durante 30 años en el Instituto Pratt en Brooklyn, Nueva York. Después de pasar varios años en Italia durante el verano, se mudó allí permanentemente en 1999.

Martín, Juan – (Santa Cruz de Tenerife, 1913 – Montevideo, 1999). Escultor y dibujante que se radica en Montevideo desde temprana edad. Estudia con Luis Falcini en la Escuela Industrial y con Severino Pose en el Círculo Fomento de Bellas Artes. Trabaja con otros artistas en el taller del escultor Bernabé Michelena. Viaja a Europa y frecuenta la Academia Grande Chaumiere en París.

Es profesor de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo. Obtiene varios premios en los salones municipales y nacionales.

Neme, Clarel – (Rivera, 9 de julio de 1926 – Montevideo, 14 de febrero de 2004). Desde 1954 hasta 1958, estudia dibujo y pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes, Montevideo, con Vicente Martín. En 1962 gana por concurso la Beca Carlos María Herrera, realizando un viaje de estudios por Europa. Con una pintura muy imaginativa Neme crea grotescas y voluminosas carnaciones de expresionismo rudo y despojado, así retrata la condición humana. Evidencia una crítica social cruda al mismo tiempo que poética. Un extraño clima es logrado por el uso de un cromatismo irreal. En su obra aparece el humor, el talento y la sensibilidad.

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Ounanian, Nerses – (Samos, Grecia, 1 de agosto de 1924 - Montevideo, 18 de diciembre de 1957). De origen armenio, llegó a Montevideo con su familia a los 8 años de edad. Alumno de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Sus obras están representadas en el Museo Nacional de Artes Visuales. En el año 2000, con motivo de la celebración por parte de la Unesco del Año Internacional de la Cultura de Paz, la Organización Multiinstitucional Armenia del Uruguay recordó el genocidio de 1915 a través de una exposición de Nerses Ounanian. 30 obras del Museo Nacional fueron reunidas en el Atrio del Palacio Municipal. Una de sus obras está instalada en el cruce de las avenidas Agraciada y Joaquín Suárez.

Osorio, Rogelio – (Montevideo, 1962). Estudia dibujo con el Prof. Héctor Sgarbi – Círculo de Bellas Artes y pintura con Miguel Ángel Pareja. Perfecciona el dibujo y la pintura con Javier Nieva y más adelante con José Montes y el Prof. Dalton Lucas en ProArte, Teresopolis (Brasil). Desde 1991 a 1996 se desempeña como docente en el área de dibujo con modelo vivo en el taller Clever Lara. “Elegí al dibujo como técnica predilecta por su simplicidad y por la inmediatez de su ejecución. Los elementos plásticos aparecen descarnados, desprovistos de lujosas vestiduras. Tan solo la verdad de la línea sobre el plano”.

Sagradini, Mario – (Montevideo, 22 de septiembre de 1946). Grabador, curador y docente uruguayo. Su infancia y adolescencia transcurrieron en Buenos Aires donde comenzó sus estudios de arte en la Mutual de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes de Buenos Aires (Argentina). Continuando su formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo. También realizó estudios en la Facultad de Arquitectura. Impartió docencia en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo, en el Club de Grabado, en el Foto Club Uruguayo, en el Museo Agustín Araújo de la ciudad de Treinta y Tres, en el Museo de la ciudad de San José, ambos en Uruguay, en el Studio Camnitzer (Lucca, Italia) y en su propio taller de Florencia (Italia). En 1995 recibió la beca Fundación Rockefeller - Universidad de Texas en Austin y en 1999, la Beca Guggenheim para artistas. En el año 2006 recibió, junto con Leonilda González y Carlos Caffera, el Premio Figari en reconocimiento a su trayectoria artística. Participó del diseño del Memorial de los Detenidos Desaparecidos que fue inaugurado el 10 de diciembre de 2001 en la Villa del Cerro, Montevideo, Uruguay. En 2007 representó a su país en la Bienal de Cuenca y en 2017 en la Bienal de Venecia.

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Sociales

Foto: José Luis Jaureguy

En orden: Pilar González, Eduardo Balbi, Juan Carlos Conti, Sergio Viera, Ruben Barra, Octavio Podestá, Joaquín Aroztegui, Shirley Rebuffo, Susana Zurbrigg, Ma. José Fort, Eduardo Espino, Silvia Novoa y Nelson Castro. En reunión del Taller Arteclub, año 2015.

Cena despedida del año 2019 del Taller Eduardo Espino, con Leonardo Alonzo y Carla López.

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Referencias Bibliográficas Barra, Ruben: http://rubenbarra.blogspot.com/ Cardillo, Rimer: https://es.wikipedia.org/wiki/Rimer_Cardillo Neme, Clarel: http://mnav.gub.uy/cms.php?a=321 Cultura y patrimonio: http://www.uruguaynatural.com/ Fernández, Guillermo: http://mnav.gub.uy/cms.php?a=177 Finkbeiner, David: https://gdavidfinkbeiner.com/about/ Fray Bentos: https://es.wikipedia.org/wiki/Fray_Bentos

Martín, Juan: http://www.portondesanpedro.com/autor-curriculum.php?id=298 Museo Luis Alberto Solari: https://es.wikipedia.org/ Museo Luis Alberto Solari: http://www.museos.gub.uy/ Osorio, Rogelio: https://www.fundacionitau.com.uy/rogelio-osorio/ Ounanian, Nerses: http://museos.gub.uy/arteactivo/item/ounanian-nerses.html Paisaje cultural e industrial de Fray Bentos: https://www.mec.gub.uy/

Sagradini, Mario: https://es.wikipedia.org/wiki/Mario_Sagradini Solari, Luis Alberto: http://mnav.gub.uy/cms.php?a=441

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Agradecimientos A la directora del Museo Solari, Ángela Serres, haciéndolo extensivo al personal que trabaja allí. A la directora de Cultura de la Intendencia de Río Negro, Estela Golovchenko. A Claudia Barra, Andrea Prestes, William Moreira Cruz, Sonia Bandrymer y Mirtha Pose que de una u otra forma han colaborado con esta publicación.

Punta Colorada y sus alrededores en los años 40s., vistos por Héctor Ragni – Análisis históricoartístico.

NOTA: El Suplemento dedicado a la restauración del Mural “Oficios” de JULIO ALPUY en el Liceo Dámaso A. Larrañaga, no lo publicaremos.

La Comisión del Patrimonio... realizó un completo informe al respecto.

El enlace es el siguiente: https://www.patrimoniouruguay.gub.uy/innovaportal/file/117067/1/flyer.pdf

Ilustramos la noticia con las dos imágenes del mural, antes y después:

Ver video del Consejo de Educación Secundaria en día de la inauguración)

Invitamos a visitarlo.

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Suplementos anteriores Marzo 2017

REAPARICIÓN DE UN MURAL DE RICARDO PICKENHAYN EN EL TEATRO UNIÓN DE SAN CARLOS.

Agosto 2017

EL GRABADO EN EL URUGUAY. ASOCIACIÓN RIMER CARDILLO. LA IMAGEN GRÁFICA.

Octubre 2017

DAY MAN ANTÚNEZ. IMPORTANTE MURALISTA TORRESGARCIANO. EN EL AÑO DEL CENTENARIO DE SU NACIMIENTO. INVESTIGACIÓN RELATIVA A SU MURAL “JURAMENTO DE LOS TREINTA Y TRES” EN LA IGLESIA SANTA ISABEL DE LA CIUDAD DE PASO DE LOS TOROS.

Febrero 2018

LA CERÁMICA EN EL URUGUAY. 5TO. ENCUENTRO DE CERAMISTAS DEL URUGUAY. MINAS – 21 A 24 DE SETIEMBRE DE 2017

Agosto 2018

NORA KIMELMAN. MIGRATIUM

Enero 2019

HABILIDAD Y DESTREZA CON EL BARRO – JUAN PACHE

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