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RAZONES INDÓMITAS

Arte Contemporáneo y Feminismo del

S.XXI en Andalucía


RAZONES

INDÓMITAS

Arte Contemporáneo y Feminismo del

S.XXI en Andalucía


EDITA PRODIVERSA-Progreso y Diversidad INVESTIGACIÓN Y CONTENIDOS Asociación Azul Violeta Mabel Hechevarria Martínez Inmaculada López Liñán DISEÑO Y MAQUETACIÓN Asociación Azul Violeta Inmaculada López Liñán TEXTOS PRODIVERSA-Progreso y Diversidad Mabel Hechevarria Martínez Inmaculada López Liñán Rocío de la Villa Margarita Aizpuru Domínguez IMPRESIÓN P&R Grafis www.prgrafis.es

DEPÓSITO LEGAL MA 53-2018 ISBN 978-84-697-9135-6 AÑO PUBLICACIÓN : 2017 Esta publicación ha sido realizada con la ayuda financiera de la Agencia Andaluza de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AACID) de la Junta de Andalucía en el marco del proyecto de Educación para el Desarrollo “Artivismo por la igualdad: el arte como herramienta de transformación social”. El copyright del contenido de esta publicación, obras y textos firmados, corresponde a sus respectivas autoras y autores.

Doctora en Arte Público


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ÍNDICE

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Artivismo y transformación social. Contextualización. PRODIVERSA Fracciones culturales del mapa andaluz. Mabel Hechevarria Martínez Arte de compromiso y activista. Inmaculada López Liñán Diez años de artivismo. Rocío de la Villa Mujeres en acción. Margarita Aizpuru Domínguez

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44 46 48 50 52 54 56 58 60 62 64 66 68 70 72

Ángela Aznárez Ángeles Agrela Anna Jonsson Beatriz Sánchez Bella Segovia Candela Delgado Carmen F. Sigler COSTUS Francisco Almengló Inmaculada L. Liñán Inma Parra Jesús Micó Julie Rivera Karolina Kinnander Lía García

74 Mabel Hechevarria Martínez 76 Madeleine Edberg 78 Mar Cabezas 80 Mar Garrido 82 Mara León 84 María Alcantarilla 86 María Angulo 88 María Cañas 90 Pilar Albarracín 92 Sandra Lara 94 Stella Kamazón 96 Tarha Sarmiento 98 Valle Galera 100 Yolanda Domínguez


Gracias a la buena voluntad mostrada por las personas que han colaborado en esta publicaciรณn. A todas ellas, y sobre todo a las y los artistas, nuestro mรกs profundo respeto y agradecimiento.


Artivismo y transformación social. Contextualización PRODIVERSA-Progreso y Diversidad ONGD

Una gran parte de los proyectos emancipadores y de empoderamiento que se están gestando en los últimos años, con la intención de despertar conciencias y generar una ciudadanía crítica y participativa, se canalizan mediante reflexiones, prácticas y producciones artísticas. Podríamos afirmar que estas prácticas contribuyen a la transformación social, y el arte, a pesar de haber sido empleado e instrumentalizado en muchas ocasiones por los grupos de poder, no es un transmisor obediente de información, sino que evidencia las relaciones de desequilibrio que se imponen desde los sistemas vigentes, en particular el del patriarcado. Desde esta idea surge parte del proyecto Artivismo por la igualdad: el arte como herramienta de transformación social, de la ONGD PRODIVERSA-Progreso y Diversidad, cuya finalidad principal es la de servirse del Artivismo, aprovechando su poder para visibilizar las desigualdades de género y trabajar por la erradicación del sistema patriarcal en Andalucía. A lo largo del proyecto hemos trabajado desde las prácticas artivistas, con ciudadanas y ciudadanos de diferentes municipios, construyendo mensajes colectivos por la igualdad de género con el fin de transformar su entorno más cercano. Por otro lado, se han realizado jornadas de reflexión, dirigidas a futuras y futuros artistas, sobre la sociedad patriarcal y cómo ésta nos posiciona dependiendo del género con el que nos identificamos. Dentro de este contexto, no podíamos obviar el trabajo de los y las artistas contemporáneas profesionales que, en Andalucía, desarrollan su trabajo desde el feminismo. Recopilar y visibilizar la cantidad de producción artística de calidad realizada con esta temática era otro de los objetivos a conseguir. Debíamos de poner en valor este trabajo y aunar los esfuerzos de las y los artistas para fortalecer su mensaje y a su vez, poder llegar a un número mayor de personas para sensibilizar sobre la igualdad de género.

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Artivismo y transformación social. Contextualización

Esta publicación es, por lo tanto, el resultado del esfuerzo y la colaboración entre el mundo del arte y el ámbito social, del valioso trabajo en red, es una llamada al cambio y al compromiso para lograr que mujeres y hombres sintamos y vivamos, de una vez por todas, en igualdad de derechos y oportunidades.

PRODIVERSA-Progreso y Diversidad trabaja, desde sus comienzos en 1992, a través de procesos de sensibilización y movilización ciudadana, acción social e integración de colectivos en riesgo de exclusión para construir un mundo justo y en paz, respetuoso con las personas y el entorno. www.prodiversa.eu

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Fracciones culturales del mapa andaluz Mabel Hechevarria Martínez Artista multidisciplinar. Comisaria de Arte

Razones indómitas es más que dos conceptos intentando encajar complejas realidades, estilos o posicionamientos ideológicos, va más allá, de visibilizar el arte que se hace en esta Comunidad. Estas dos palabras constituyen un sistema de premisas que se erigen sobre las esencias e interrogantes sociales, sobre la manera en la que funciona una parte del mundo que aún continúa exigiendo el espacio que le corresponde y que poco reconocemos. Aquella, que constituye una cultura en sí misma, un lenguaje en sí mismo, con sus propios valores y puntos de vistas. Esta publicación es una propuesta conceptual-estética que resiste ante las apreciaciones subjetivas que le invisibilizan, nunca más personas calladas, ajustadas y rendidas. Una invitación a ejercer nuestro derecho real, desde la responsabilidad social, con las fortalezas ideológicas más importantes alcanzadas desde el S.XX hasta la actualidad. Para constituirse como una colección de arte contemporáneo comprometida, de respeto a la diversidad de identidad, orientación sexual y familiar, desde una perspectiva sostenible, de denuncia de la violencia de género y otras problemáticas, con el objetivo de construir una realidad para mujeres y hombres en igualdad de derechos plenos. Todas las razones indómitas tienen una larga historia social y un contexto específico, pues han ido pasando por estadios en el tiempo, de nuestra sociedad occidental y patriarcal, sin haber logrado las respuestas adecuadas para las personas implicadas. Sin duda, por encontrarse cimentada por los mismos preceptos que en cualquier otro Estado profundamente desigual, de una cultura dominante. Un mundo globalizado que ha sido defendido desde un saber simbólico, durante siglos, como un contundente mecanismo de incidencia en la perpetuación de estos patrones de dominio. Hecho que demuestra el poder que encierran Razones Indómitas 13


Fracciones culturales del mapa andaluz

posee el arte para transmitir mensajes y conceptos filosóficos, al servicio de, y manejado desde los poderes económicos. La sociedad patriarcal se ha construido bajo estereotipos por un sistema estructural donde el género, la identidad y la orientación sexual tienen una relación directa, proporcional e inalterable en sentido heterosexual. Y todo lo que no se ajuste a ello es inaceptable, constituida en falacia sobre la que sustenta sus represiones. La académica, psicóloga y feminista noruega Berit Ås³ hace referencia a los estereotipos de género como forma de control: “…cuando reaccionaba por ejemplo un poco agresiva entonces, ¡era histérica! Pero cuando los chicos eran agresivos, exactamente con el mismo tipo de movimientos corporales y demás, los chicos eran muy masculinos y casi héroes. Así que el mismo tipo de gesto recibía diferentes adjetivos dependiendo si lo hacía yo, o lo hacían algunas de mis amigas, o eran los chicos los que los hacían…” Nuestra presentación de arte tiene un superobjetivo, profundizar en la capacidad del arte en propiciar la reflexión, desarrollar el pensamiento y el análisis. Dentro de este ámbito presentamos una consulta aleatoria y necesaria que cuenta con obras de artes contemporáneas, comprometidas y sociales de veintinueve artistas que nacieron y/o residen en la Comunidad de Andalucía. Y que desarrollan su trabajo con inquietud por la realidad y representan un mundo visto por perspectivas distintas, y que demandan un cambio. Una colección de arte contemporáneo y activista, de temas controvertidos por la base conceptual que proponen para el ámbito andaluz, y aunque sabemos que no están todos y todas las personas artistas de voces significativas, sabemos de la importancia y la relevancia de quienes están. Así como, de la importancia de visibilizarles a las nuevas generaciones. 14 Razones Indómitas


Fracciones culturales del mapa andaluz

Surge como una necesidad y respuesta de carácter urgente, mostrar el talento creativo como resultado de un proceso de construcción-deconstrucción, de elementos conceptuales del arte de nuestro tiempo, cargado de razonamientos críticos-creativos, de valoraciones sobre nuestra realidad y de interesantes propuestas estilísticas y técnicas. Arte del siglo XXI, de preocupaciones sociales, fuertemente conceptual y vivencial, rompedor, inspirador, al que en muchas ocasiones le falta reconocimiento en museos, galerías nacionales e internacionales. Que no son especialmente populares en algunas administraciones, ni por aquellas que tienen el arcaico tino de continuar considerando al arte como algo elitista, poco ganancial, de mecenazgo, y de exclusiva genialidad. Recordemos que las instituciones deben ser ejemplares en la selección de sus agentes culturales, comisarías y comisarios responsables de los proyectos expositivos, que deben reflejar una sociedad inclusiva y democrática en temáticas, conceptos y personas artísticas. Y sobre todo entender que el género no es un criterio selectivo de calidad artística dentro de sus apreciaciones. Sigue siendo importante y necesario resaltar los proyectos individuales que logran con sus objetivos revelarse como de buenas prácticas, María Bastarós⁴ con su trabajo en ¿Quién coño es? pretende visibilizar a mujeres artistas y la difusión de sus obras, trayendo una y las mil veces que hagan falta, el tema de la participación real de las artistas en el mundo del arte. Sobre todo, cuando el Premio Velázquez de Artes Plásticas galardón del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España a méritos por la totalidad de la obra de un creador o una creadora de Iberoamérica, y dotado de 100.000.00 euros desde el año 2002, en cualquiera de las manifestaciones de las artes plásticas, y equivalente al Premio Cervantes de emprendimiento Razones Indómitas 15


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literatura, ha sido entregado quince veces de las cuales sólo han premiado a cuatro mujeres artistas, en 2017 ha brindado homenaje a la canaria Concha Jerez y a raíz del premio dijo: “…Siempre es un estímulo que las mujeres recibamos premios, pero yo pregunto sobre nuestra presencia en las colecciones permanentes de los museos de arte contemporáneo, y lo cierto es que seguimos siendo una sombra. Nuestra presencia es minúscula respecto al número de artistas que trabajan” ⁵. Y si no están las mujeres artistas, no están aquellas temáticas que les interesan, las de Concha han hablado habitualmente de los mecanismos de censura y autocensura, la sociedad de consumo, el poder de manipulación de los mass media para moldear el pensamiento, las diversas formas de control que el poder político y económico ejerce en la ciudadanía, la vigilancia y el sofisticado control que se practica en las sociedades desarrolladas. Razones indómitas muestra las voces de mujeres y unos pocos hombres que trabajan en la línea de crítica y construcción social. Nuestro objetivo es dirigirnos a toda la población, a investigadores e investigadoras, al estudiantado, al profesorado, a personas de diferentes edades con intereses culturales, artísticos y sociales, en este sentido la parte que le toca a las y los artista está representada aquí. Para desvelar y recordar lo vital que es desarrollar el pensamiento crítico y reeducarnos en un continuado ejercicio-conciencia de tener derechos. Quisiéramos establecer comunicaciones adecuadas y enriquecedoras entre las y los artistas. Mediante sus obras y el público, lo que nos permita acortar el distanciamiento existente. Y ofrecer las pautas necesarias para una alfabetización de la población en arte contemporáneo de este tiempo. Es complicado a veces, conseguir la conexión de la experiencia vivida y transmitírsela al público en emoción 16 Razones Indómitas


Fracciones culturales del mapa andaluz

emoción y conceptualización, pues hay que contar con el porcentaje de conceptos desagregados que no llegaran tal y como las autorías han pensado, pero que, al mismo tiempo, la libertad de interrelaciones en la mente del público siempre es inspiradora. Reto que todas las obras aquí presentadas han conseguido. Los movimientos artísticos y el feminismo son constructores de pensamiento, de técnicas y estéticas, tan vitales como los estudios en filosofía, sociología y antropología en los que tanto el feminismo como las artes inciden trayendo frescura y controversia, un fuego imprescindible en el avance de la mente. Y proponen una organización estructural de los saberes interconectada y holística. Por otro lado, presentamos textos de especialistas e investigadoras de la obra de artistas y de sus proyectos a nivel español e internacional, que trabajan sobre temas de género, identidad, feminismo y temas relacionados con la vida de las mujeres. Textos claves para profundizar en el alcance de este esfuerzo editorial. El sistema patriarcal se resiste al cambio, muta constantemente en formas más sutiles, se aprovecha de la ambigüedad y de la ventaja de quien lleva dominando, marcando el pulso por siglos. Debilita la educación y el desarrollo de la creatividad en las personas, y nos distancia del arte, nos hace indiferentes y consumidores de objetos. Es esta una propuesta que le hace resistencia, de democracia social, ecléctica y talentosa, un mapa de temas, estilos y vivencias en esta Andalucía crisol de culturas, bereber y visigoda, entrecruzada con la fenicia y los nuevos mestizajes de Europa y de América Latina, que se identifican en esta tierra como algo raramente conocido, la construcción de nuevas identidades.

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Fracciones culturales del mapa andaluz

1. Esperanza Guisán (Guisán, 1988) y "De lo femenino y lo masculino: las virtudes olvidadas en el moral point of view” Adela Cortina (Cortina, 1990). Política noruega, profesora emérita de psicología social de la Universidad de Oslo, y feminista. 2. https://www.filmotecanavarra.com/es/evento.asp?past=0&IdPrograma=790 3. Fanzine “¿Quién coño es?”, una plataforma cultural 4. https://elpais.com/cultura/2017/11/07/actualidad/1510056537_871831.html

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Arte de compromiso y activista Inmaculada López Liñán Doctora en Arte Público. Artista multidisciplinar. Comisaria de Arte

A estas alturas del S.XXI está demostrada la capacidad que posee el arte de denunciar, visibilizar o informar en relación a problemáticas concretas y manifestar diferentes reivindicaciones. Este carácter político del arte requiere un recorrido complejo por parte del o la artista, que comienza con la investigación previa y el conocimiento en profundidad de lo que se demanda, y la convicción de que se puede contribuir a conseguir cuestiones concretas. El arte reivindicativo es más que una finalidad en sí mismo o un medio para difundir información, contribuye a crear conciencia social, fomenta la reflexión-posicionamiento y valores como el apoyo mutuo o la pertenencia, siendo un elemento cohesionador. Estamos de acuerdo con Esther Ferrer en que la reivindicación de una sociedad mejor no es responsabilidad exclusiva de la figura del artista, sino que son una pieza más del conjunto de la sociedad. Siendo la ciudadanía en pleno la que tiene que trabajar para conseguir aquellos cambios sociales que mejoren la situación de la mayoría de la población.

Numerosos colectivos y artistas a nivel individual se han mantenido fieles a esta forma de entender la práctica artística, ante el convencimiento de que el arte puede contribuir en la mejora social, favoreciendo el desarrollo de un posicionamiento crítico-constructivo. Un arte vigente en la actualidad, prueba de ello, es que cada día hay más voces que coinciden en su capacidad para contribuir en la consecución de logros sociales. En un contexto de descontento general ante sistemas democráticos poco participativos, este tipo de arte se legitima por su capacidad para captar la atención, contrainformar y proporcionar múltiples estrategias e infinidad de formas que fomentan la creatividad de la ciudadanía y su participación política.

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Arte de compromiso y activista

Son muchas las cuestiones que llevan al artista a la movilización, si bien el proceso parte de la conciencia y el compromiso personal. Los temas que abordan son la alienación provocada por nuestra sociedad consumista neoliberal, la desigualdad por razón de género, la pérdida del Estado de Bienestar, la corrupción política, la especulación o el cuidado del planeta en un camino hacia la sostenibilidad, entre otros muchos. En relación a las reivindicaciones sociales el o la artista es un eslabón más que aporta su granito de arena en el proceso de cambio, siendo más efectivo en la medida que se posiciona en relación a problemáticas específicas. El desarrollo del arte comprometido y activista es resultado de aspectos bien diferenciados que tienen que ver, por una parte, con la propia evolución dentro de la naturaleza diversa del arte. Y por otra, con su conexión con el momento histórico en el que se desarrolla. La frustración de un gran número de artistas ante las limitaciones y encasillamientos impuestos desde el mundo del arte es una lucha que comienza a principios del S. XX. Un siglo después hay posturas que se mantienen ancladas en un purismo que forma parte del pasado. Cuando las diferentes formas de entender el arte pueden convivir sin la necesidad de que unas deslegitimen a las otras. Es precisamente, el engrandecimiento del arte y de la figura del artista (varón) en nuestra sociedad patriarcal, lo que produce el distanciamiento con el público, o lo que es lo mismo, entre el arte y la vida. Desde finales de los años cincuenta, el minimalismo y el arte conceptual demandaban romper las cadenas que acotaban el papel del arte. Superadas las limitaciones impuestas, los y las artistas son libres para desarrollar su relación con el público sin restricciones. Al bajarse del pedestal donde el arte culto posiciona a sus 20 Razones Indómitas


Arte de compromiso y activista

sus “elegidos” (varones), el o la artista se equipara a otros y otras profesionales para acercarse a la ciudadanía de igual a igual, con el objetivo de ser socialmente útil. El arte comprometido y el activista son manifestaciones de evidente intención critica, superando los límites del arte tradicional y aprovechando el potencial que le proporciona los diferentes géneros. Lo prioritario es establecer otro tipo de relación con el público puesto que el arte es comunicación y supera el simple deleite estético. Los y las artistas se suman a la movilización al ser conscientes de que tienen mucho que aportar, ya que, al cuestionar y hacer evidente ciertas problemáticas, alientan la reflexión y participación del público, en muchas ocasiones, desde la construcción del proyecto artístico. Un tipo de prácticas que se conecta con la realidad porque el arte es más que un objeto con valor de mercado, tiene capacidad para crear esfera pública y espacios de vida. Es precisamente del contacto con la ciudadanía que adquiere fuerza, sentido y se potencia su capacidad para contribuir a generar los cambios que ciertos sectores de la población demandan. Creando un espacio que se constituye como generador de discurso, se intercambian conocimientos y se propicia el debate traspasando una vez más el ámbito de lo cultural. El y la artista comprometido y activista llevan la reivindicación a los espacios convencionales del arte y cuestionan desde dentro el sistema que los sustenta, creando una especie de paréntesis donde se puede manifestar la crítica, contribuyendo a desarrollar otra manera de entender la práctica artística, acercando el arte contemporáneo y el arte político a la ciudadanía.

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Conocer la problemática, llegar a la esencia y tener la capacidad de evidenciarla propicia que el público se posicione. El arte se vuelve más público y su horizonte traspasa sus límites para ser más social, al construir modelos de acción que se integran en la realidad utilizando diferentes medios para conseguirlo. La transformación del arte constata que él y la artista es una persona observadora, analítica y crítica preparada para investigar-reflexionar sobre diferentes cuestiones. Además, posee los conocimientos técnicos y del lenguaje para establecer la comunicación y llegar a otras personas.

Este tipo de práctica artística favorece el acercamiento, el disfrute y la comprensión del arte desde parámetros distintos a los aprendidos durante nuestra educación-no-formación de arte. Lamentablemente se sigue enseñando la idea de arte=genio=masculino invisibilizando, como en otros ámbitos de conocimiento, la contribución de las mujeres. Y propiciando el distanciamiento entre la población y el arte actual. Una forma más de control que impide que las personas desarrollen su creatividad y su capacidad crítica desde el paternalismo “yo te digo lo que te gusta”. El artivismo prioriza la búsqueda de efectividad política sobre la originalidad, se apropia de otros lenguajes, medios, técnicas y se hace híbrido. El montaje (creado por Grosz y Heartfield como mecanismo de propaganda de masas) sigue siendo un medio idóneo por su capacidad de transmisión. Al igual que el lenguaje procedente de los medios de comunicación masiva y la publicidad, una vez constituido en el lenguaje oficial del capitalismo. Utiliza los métodos alegóricos de apropiación, desgaste de significado, fragmentación, yuxtaposición de fragmentos y separación de significante y significados.

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Arte de compromiso y activista

Este tipo de prácticas se enriquece y se hace tan diversa como compleja, siendo tan importante el proceso como el conocimiento de la problemática y de la comunidad afectada. Al ser una de las prioridades la difusión de otro tipo de información Internet ha tomado un papel preponderante con la creación de plataformas de libre difusión. Soportes que aprovechan las nuevas tecnologías y están a caballo entre las prácticas políticas, las disciplinas artísticas y la acción social, abiertos a la opinión pública. Un espacio que da cobijo a posturas diferentes que coinciden en el deseo de intervenir para provocar cambios ante las consecuencias de la sociedad neoliberal. En este sentido, el feminismo utiliza este territorio virtual para intervenir y deconstruir, de ahí el resurgimiento de contenidos feministas tan necesarios, aunque todavía insuficientes, si tenemos en cuenta que, al ser una copia del mundo real, reproduce y perpetua los patrones de la sociedad patriarcal. Pero Internet además de ser un espacio desde donde difundir otro tipo de información, permite convocar y sufragar acciones creando nuevas alternativas a diferentes niveles que actúan para propiciar una realidad más equitativa, generando campos de debate y financiándose con capital privado. Las prácticas activistas tienen capacidad de movilización, al dar visibilidad a un tipo de información que no se divulga a través de los medios de comunicación de masas. Un ejemplo de la eficacia de este tipo de práctica son los colectivos que trabajan con la problemática del SIDA, que han hecho una gran labor en la difusión, ayudando a desculpabilizar la enfermedad y a frenar el contagio. Existen diferentes maneras de desarrollar este tipo de arte político cuya esencia es el deseo de propiciar cambios, dependiendo de cada artista y la problemática. Los canales son tan Razones Indómitas 23


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tan diversos como su propia creatividad. Pero con su actitud comprometida, denuncian y recuperan la utopía al creer que es posible mejorar el mundo y utilizan el arte para la manifestación de la subjetividad. Al acercarse a la vida cotidiana adoptan un papel que conecta con la antropología, su interés por conocer y sentir lo que le pasa al otro-otra les induce a profundizar en problemáticas concretas, con el objetivo de ser capaz de comunicar a una mayoría de personas. En la fase inicial durante la investigación preliminar necesaria para el desarrollo del proyecto, se evidencia la importancia de este enriquecimiento, y por ello, se crean colectivos interdisciplinares. Los y las artistas están capacitadas para hacer un tipo de arte que funcione en diferentes niveles y aprovechar cualquier medio de difusión y de financiación para la realización de proyectos comprometidos. No podemos obviar que, aunque cada vez se utilizan más las nuevas tecnologías para la difusión de las propuestas artísticas activistas, los medios de comunicación y distribución convencionales siguen siendo una vía para llegar a un mayor número de personas. Para finalizar, para que el arte contribuya a generar cambios sociales, necesita el respaldo de la ciudadanía, especialmente si está organizada civilmente. Pero como en el caso de la desigualdad de género, es igualmente importante ir quitando vendas en relación a aspectos que están camuflados en la cotidianidad. Todas las aportaciones artísticas, desde las posiciones críticas, comprometidas o activistas son igualmente validas siempre que partan de un posicionamiento que se sustente en la investigación-profundización de las diferentes cuestiones y que estas se conviertan en la temática de la obra.

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Diez años de artivismo Rocío de la Villa Profesora Titular de Estética y Teoría de las Artes, UAM Crítica y Comisaria de Arte Fundadora de MAV. Directora de la revista m-arte y cultura visual

Cuando hablamos de artivismos, nos referimos a prácticas críticas limítrofes con prácticas artísticas, que no reconocen la autoridad prescriptiva de ninguna institución y cuyos resultados, incluso si tomaran la forma de producción u obra, no están pensados para la contemplación estética ni para la venta. De hecho, a menudo, su carácter ocasional, circunstancial y efímero impiden tal objetualización. También el hecho de que las acciones tengan lugar generalmente en el espacio público. En ocasiones, sin embargo, pueden llegar a adquirir una estructura organizativa e incluso, penetrar en los centros de arte contemporáneo. El activismo feminista es consciente de que el ámbito de la cultura y el arte es decisivo, en tanto que es ahí donde los poderes hegemónicos del patriarcado atesoran su valor simbólico: la raíz de exclusión y no pertenencia para las mujeres donde se legitima la dominación masculina y que se materializa en la violencia ejercida sobre las mujeres en todos los ámbitos, desde la menor retribución a igual trabajo, a los asesinatos machistas.

El panorama actual es muy abierto. Sobre todo, si tenemos en cuenta que se trata de movimientos muy recientes. Ya que en España durante los años 60-70 encontramos los posicionamientos feministas en el medio artístico sólo en individualidades, aun cuando pudieran estar integradas en grupos o tendencias emergentes en el campo artístico. Y que a partir de los años noventa surge una generación de jóvenes artistas que trabajan codo a codo con una nueva ginocrítica desde una perspectiva de género e incluso abiertamente feminista, pero en donde surgen casi exclusivamente dos colectivos, erreakzioa-reacción en Euskadi y LSD en Madrid, cuya incidencia fue muy importante, a pesar de estar formados por unas pocas individualidades'.

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Diez años de artivismo

Para el feminismo, podemos constatar que gracias a la confluencia de subjetividades críticas para la organización de acciones colectivas, se han producido cambios muy importantes en el ámbito de la cultura y del arte. De una parte, con el respaldo de la Ley orgánica de Igualdad de 2007, han surgido y se han visto reforzadas asociaciones de carácter estatal que agrupan a las mujeres que desarrollan su profesión en el ámbito de la arquitectura, de la música, del cine y los medios audiovisuales, de la literatura y el periodismo, del cómic y también de las artes visuales, como La Mujer construye, Mujeres en la música, CIMA asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales, Clásicas y Modernas, y MAV Mujeres en las Artes Visuales. Y a partir de MAV, en el terreno plástico, otras como AAC Asociación de Autoras de Cómic y grupos como Generando Arte; Plataforma A en el País Vasco; Artemisia Mujeres + Arte en el archipiélago canario; ACVG, Arte contra violencia de género surgida en el seno del Departamento de Escultura de la UPV en Valencia. Además, también han surgido otros colectivos territoriales, como Femart y Feministaldia². Por otra, también son muy numerosos los grupos y colectivos que, en el territorio de los transfeminismos, han desarrollado iniciativas diversas, como por ejemplo Toxic Lesbian, generatech y otros que podríamos encuadrar en el activismo como O.R.G.I.A., Girlswholikeporno, Post_Op, Go Fist Foundation, Corpus Deleicti, SomosDexenerando, Bolheiras Precarias, Quimera Rosa y las varias versiones territoriales de la Cofradía del Santísimo Coño de Todos los Orgasmos, colectivo subversivo del régimen simbólico y social, falocrático y defensor de los derechos de mujeres y personas LGTBIQ. En mi opinión, ambas corrientes son complementarias y configuran un estado de la cuestión absolutamente diverso 26 Razones Indómitas


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absolutamente diverso respecto a las últimas décadas del siglo XX. Pero, en todo caso, como decíamos antes, el cambio es muy reciente. Hasta 2005³, dejando al margen las políticas oficiales de igualdad con sus convocatorias de “arte para mujeres”, el mantenimiento del arte feminista se debe básicamente a redes más o menos informales entre artistas e investigadores en el ámbito universitario, planteando cursos y seminarios, así como algunas plataformas en revistas y colecciones editoriales feministas, importantes para construir una base para incipientes historiografías, teorías del arte y metodologías. De manera que tenemos que esperar hasta casi cerrar la primera década del siglo XXI, para encontrar en el campo del arte un auténtico revulsivo, la aparición de la asociación MAV, Mujeres en las Artes Visuales, fundada en 2009 y que hoy cuenta con casi 450 socias pertenecientes a los diversos ámbitos profesionales: artistas, comisarias, críticas, gestoras, galeristas, coleccionistas, investigadoras … Una asociación que ha aglutinado profesionales cuyo posicionamiento feminista es muy diverso, ha mantenido lazos leales con sujetos destacados en el arte feminista y transfeminista en España –pero que no se sentían identificados con una “asociación de mujeres” para formalizar su inscripción- y que sigue protagonizando un papel propulsor muy destacado para el arte producido por mujeres, para el arte feminista y el arte desde la perspectiva de género en nuestro país⁴. En realidad, MAV es más que una asociación. Pues, a diferencia de otras asociaciones gremiales, e incluso interprofesionales cuya tarea es la de defender y prestigiar, a través de su identificación como agentes sociales y por tanto, como interlocutores válidos frente a la Administración del Estado y la sociedad en su conjunto, desde su constitución MAV, además de asumir estas tareas, se planteó con una doble dimensión Razones Indómitas 27


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con una doble dimensión. Por una parte, dotada de un ala de investigación y archivo, con la creación de un Observatorio encargado de emitir Informes⁵ con datos discriminados por sexo sobre aspectos parciales del funcionamiento estructural del sistema del arte, cuyos datos han sido divulgados frecuentemente en medios especializados y generalistas; y un Centro de Documentación⁶, dedicado a absorber en diversas secciones todos los datos relevantes para la historia de las mujeres en las artes visuales durante el siglo XX y hasta la actualidad. Ambos se han convertido en lugares de referencia para el primer estudio sociológico –la investigación I+D+i “Hombres y mujeres en la industria cultural en España (literatura y arte)”, dirigido por Fátima Arranz⁷-. Y la participación directa en el primer autoestudio del entonces Ministerio de Cultura desde una perspectiva de género, con porcentajes discriminados por sexo, Mujeres y Cultura, Políticas de igualdad en 2012. Pero también para la investigación en arte y teoría feminista, por ejemplo, Desacuerdos 7; y también en la producción de exposiciones, como 100 años en femenino, comisariada por Oliva María Rubio e Isabel Tejeda, y Genealogías feministas en el arte español 1960-2010, comisariada por Juan V. Aliaga y Patricia Mayayo para MUSAC en 2012, por fin, la primera exposición que revisa la tradición de arte feminista en nuestro país. Y en la renovación de la historiografía del arte contemporáneo en España, como da cuenta el reciente volumen Arte en España (1939-2015)⁸. Además, ha tenido sus propios frutos, como el volumen colectivo Mujeres en el sistema del arte en España⁹, que es el primer ensayo que aborda esta cuestión en nuestro país. Por otra, con un ala pragmática para incidir directamente en el medio artístico, con muy diversas actividades: la creación de los ya prestigiosos Premios MAV para se 28 Razones Indómitas


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destacar artistas, críticas, galeristas y gestoras¹⁰; la organización del Festival Miradas de Mujeres –que ha tenido tres ediciones, la primera celebrada en Madrid en 2012 y dos de carácter estatal en 2013 y 2014 (y que se convertirá a partir de 2016 en la Bienal Miradas de Mujeres) - sumando decenas de exposiciones y otras actividades celebradas en todo el espectro expositivo, desde los principales museos y galerías a espacios alternativos-. Todos recogidos en sus respectivos catálogos impresos. Y el Foro MAV de reflexión celebrado en el Museo Reina Sofía en 2015, que acogió representantes de otras asociaciones en Europa y cuyas conclusiones fueron recogidas en un Manual de buenas prácticas (en prensa). Junto a otras ramas que han ido creciendo desde MAV, como MAVeducaLAB, un Laboratorio que ofrece talleres, cursos y seminarios a museos, centros de arte y otras instituciones¹¹. Y MMAVE, un museo de mujeres artistas visuales en España, todavía en construcción, pero que ya alberga 24 entrevistas a artistas y otras profesionales destacadas¹². Y sobre todo, por su enorme repercusión, la revista online m-arteyculturavisual¹³ desde la perspectiva de género, donde ya se han publicado cerca de 700 artículos firmados por más de 150 colaboradores, y que desde su creación en 2012, en tres años, ha recibido más de 300.000 visitas. En el ámbito concreto del artivismo, querría destacar las acciones llevadas a cabo en el espacio público por MAV, generalmente con ocasión del Día de los Museos. Socias. En 2010, en respuesta a la convocatoria de MAV entre sus socias, el colectivo k.b.zonas propone la acción Reflejos, reflexiones, reflexograma¹⁴ que, con el objetivo de reflexionar sobre la minoría de obras femeninas en los museos y en el mundo del arte contemporáneo reunió a una treintena de mujeres profesionales del arte que, portando un espejo de mano, apuntaba a la fachada del mes Razones Indómitas 29


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Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Otra acción fue la de la artista y socia de MAV, titulada Acción postal Propuesta Correos¹⁵, con la que se pretendió inundar la biblioteca del Museo Reina Sofía con publicaciones de artistas y críticas: esta acción tuvo alcance internacional a través de las redes sociales y MAV contó con el apoyo de la AECID para recibir también publicaciones procedentes de la red los Centros Culturales Españoles. Otra acción en 2011 fue entregar pasquines en español e inglés, a modo de la propaganda de hostelería con que se hostiga a los turistas, a la entrada del Museo Reina Sofía y Museo del Prado que mostraban en cifras el número de obras de artistas mujeres mostradas en sus colecciones permanentes. En 2013, se produjo la acción/performance Yo expongo en el Reina¹⁶ del colectivo artístico YOEXPONGO (Concha Mayordomo, Mª Jesús Aragoneses, Eva Iglesias Bilbao, Laura González Villanueva, Jasmina Merkus y Olga Isla), consistente en la proyección en la fachada del MNCARS el día Internacional de los Museos 18/mayo/2013, de las obras de arte de casi 800 artistas del mundo entero unidas porYOEXPONGO a través de las redes sociales. Es evidente que la asociación MAV ha dinamizado buen número de iniciativas activistas, también en las redes sociales, como Mujeres Mirando Mujeres y otras que están multiplicando la visibilidad de cursos, conferencias, ensayos, exposiciones, etc. de marcado carácter feminista. Recientemente, ha sido a través de facebook donde este pasado verano de 2017 creció un colectivo hoy integrado por más de cuatro mil cien mujeres pertenecientes al ámbito del arte contemporáneo para combatir la lacra del acoso sexual. La caja de Pandora, surgida a partir del acoso sufrido por una joven artista por un conocido comisario en una residencia de artistas, se anticipó al movimiento que 30 Razones Indómitas


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que los medios de comunicación están difundiendo en las últimas semanas en Hollywood y que después ha pasado a las diputadas del parlamento de la Comunidad Europea y luego al propio medio artístico estadounidense¹⁷. Demostrando que las redes sociales pueden convertir un movimiento en viral. También, recientemente, por primera vez en España se ha cancelado una exposición que pretendía asentar un canon sobre arte y literatura en el archipiélago canario por su condición machista. Como ya he explicado, este importante logro ha contado con variados elementos, pero quizás sin el activismo del colectivo Artemisia Mujeres + Arte ligado a MAV hubiera sido imposible. Para terminar, en una revisión del artivismo reciente en nuestro país es imprescindible aludir a la importancia de la artista Yolanda Domínguez¹⁹. Una de sus acciones con más repercusión fue la convocatoria activista para que mujeres inscribieran sus cuerpos en el Registro Mercantil de la Propiedad ante el retroceso de la legislación sobre el aborto en España, cuyo testimonio ha quedado en Registro, 2014.

Otras acciones registradas en espacios públicos fueron Azafatas round 1, 2012, y No soy solo un cuerpo, 2014. Siempre crítica con los estereotipos de belleza femeninos impuestos, Domínguez ha desarrollado una serie sobre la relación de las mujeres con la moda en la calle desde el proyecto colectivo Princesas 2.8, 2008, a Pido para un chanel, 2010, Poses, 2011 y el destacado Fashion victims, 2013, que alude a las muertes en fábricas textiles en países en vías de desarrollo. La importancia de su repercusión también en prensa y otros medios de comunicación Razones Indómitas 31


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comunicación, llevó al Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria a presentar en 2016 el proyecto Mapas de acción²⁰, la primera exposición individual en un museo de la artista visual y activista madrileña Yolanda Domínguez, que reunió una selección de las acciones artísticas más significativas, de calado feminista, social y político, que esta creadora ha venido realizando desde 2009 hasta la actualidad, así como los proyectos Hot dogs legs y Chats, creados expresamente para esta exposición en el contexto de la isla de Gran Canaria. Y para concluir, me parece importante subrayar que el movimiento feminista en nuestro país en la última década ha sido enaltecido por Cecilia Barriga en su documental 5000 feminismos más, 2010, con ocasión de la celebración de las 30 Jornadas Feministas Estatales en Granada. Emocionante es también el reportaje realizado por más de ochenta cineastas El tren de la libertad, 2015, que recoge la confluencia de miles de personas en febrero de 2014 en Madrid para manifestarse contra el cambio de la ley del aborto.

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¹ Recientemente, este activismo en Madrid ha sido revisado en el conjunto de exposiciones bajo el programa El porvenir de la revuelta. http://www.plataformadeartecontemporaneo.com/pac/elporvenir-de-la-revuelta-memoria-y-deseo-lgtbiq/ ² Entre las que destaca el País Vasco, vid MENDEZ, L.,”En el campo del arte contemporáneo de Euskadi: irrupciones feministas, reflexividad institucional e igualdad de género”, Ankulegi, 18, 2014, 29-42; y ZILBETI, M., ed., Producciones de arte feminista, Consonni, 2013. ³ Fruto de las Jornadas Arte y Feminismo celebradas en ARCO 2005, el manifiesto “Las políticas de igualdad entre hombres y mujeres en los mundos del arte” es firmado por más de cien agentes del arte. ⁴ TRAFÍ-PRATS, L., “De la cultura feminista en la institución arte” en Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español, Vol. 7, Granada, Barcelona, Madrid y Sevilla: Centro José Guerrero-Diputación de Granada / MACBA / MNCARS / Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arte y pensamiento, 2010, 214-215. Vid también MAYAYO, P., “Después de Genealogías Feministas. Estrategias feministas de intervención en los museos y tareas pendientes”, Investigaciones Feministas, 2013, vol. 4, 25-37. ⁵ Todos los Informes del Observatorio MAV son consultables y descargables en su web http://www.mav.org.es/index.php/observatorio/informes-y-propuestas. Actualmente, la web está en proceso de transformación. ⁶ http://www.mav.org.es/index.php/centro-documentacion. Proporciona recursos de investigación. Dispone de mediateca, biblioteca, base de datos y bibliografías orientativas. Además, su archivo contiene una detallada cronología y registro de premios en nuestro país. ⁷ http://myhcultura.wix.com/myhcultura. En esta web se puede descargar el estudio con estadísticas referido a las mujeres en las artes visuales. ⁸ MARZO, J.L., y MAYAYO, P., Arte en España (1939-2015). Ideas, prácticas, políticas, Madrid, Cátedra, 2015. ⁹ ARAMBURU, N., SOLANS, P. y DE LA VILLA, R., eds., Mujeres en el sistema del arte en España, Madrid, EXIT/MAV, 2012. ¹⁰ http://www.mav.org.es/index.php/centro-documentacion/archivo/premios. ¹¹ vid Aplicaciones del arte a la igualdad en ámbitos educativos, sociales y culturales, editado en 2015 por el Instituto de la Mujer tras la celebración de las jornadas homónimas en 2014. ¹² http://www.artistas-visuales-españolas.es/gallery.html.

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¹³ www.m-arteyculturavisual.com. La revista es bimensual y descargable en pdf. A día de hoy, cuenta con casi 7000 seguidores en fb. ¹⁴ https://www.youtube.com/watch?v=eKP61k-9E9k ¹⁵ http://www.museoreinasofia.es/sites/default/files/notas-de-prensa/2011012-dossier-instalacionC orreos_colectivo_Mujeres_Artistas_Visuales_MAV.pdf ¹⁶ https://www.youtube.com/watch?v=kiWZwtUbfW0 ¹⁷ http://www.eldiario.es/sociedad/acoso-sexual-mujeres-solo-Hollywood_0_700980608.html.http s://elpais.com/cultura/2017/10/26/actualidad/1509011551_198904.html ¹⁸ http://www.m-arteyculturavisual.com/2017/10/28/un-caso-ejemplar/ ¹⁹ http://yolandadominguez.com/- https://www.youtube.com/user/yolandadominguez ²⁰ http://www.caam.net/es/expos_int.php?n=3799

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Mujeres en acción Margarita Aizpuru Comisaria de Exposiciones y Crítica de Arte

Desde los orígenes de la performance, y el arte corporal en general, hasta estos últimos años en los cuales hemos asistido a un revival de esta práctica artística, diferentes generaciones de creadoras han desarrollado mecanismos y lenguajes, y han abierto caminos tan específicos y contundentes en esta área artística como para que pueda hablarse de la importancia, en la evolución de la misma, de la presencia femenina e incluso de performances feministas. En los años sesenta surge el nuevo movimiento de mujeres que empezó a analizar la opresión de la mujer en todas sus dimensiones y aspectos. Se debatió sobre las relaciones sexuales estereotipadas, cuyos modelos impuestos se conceptualizaron como relaciones de poder. Se teorizó sobre el cuerpo como territorio de placer, pero también como territorio donde se ejercía el control y la colonización cultural y física masculina. Ese contexto feminista, y sus discursos sobre el cuerpo, coinciden con un cambio de actitud en el arte. Puesto que los años setenta vienen marcados por el happening, las acciones, el ensamblaje, el movimiento Fluxus. Los y las artistas se preocupan por las cosas ordinarias de la vida cotidiana, por lo usado, por lo deteriorado. El cuerpo de la mujer “se pone en marcha” ya desde las primeras acciones de finales de los años cincuenta y de los sesenta. En 1955, en San Francisco, Ann Halprin crea un trabajo de danza experimental, “Workshop” que explora los gestos cotidianos, pretendiendo ampliar el vocabulario de la danza y liberar al cuerpo de las formas coreográficas tradicionales. En 1960, en Nueva York se desarrollan distintas veladas de happenings y se crean talleres de danza experimental, mediana Razones Indómitas 35


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encontrándose entre las participantes mujeres como: Trisha Brown, Lucinda Childs, Simone Forti e Yvonne Rainer que darán un fuerte impulso a estas nuevas áreas experimentales. Por otro lado, en diversas acciones de las artistas japonesas del movimiento Fluxus se observa un claro tono feminista. Así, por ejemplo, la performance de Kubota, realizada en el Perpetual Fluxfest de Nueva York, en la cual la artista pintó, con una brocha sujeta a sus bragas y utilizando pintura roja, un papel colocado en el suelo, efectuando movimientos claramente sexuales que hacían referencia a la menstruación y a la creación. Al final de la década de los sesenta y comienzos de los setenta, a la vez que en el mundo del arte se generaliza la reacción contra el objeto artístico, se expanden las acciones, que empiezan a denominarse performances, los y las artistas conceptuales van sustituyendo los objetos por proposiciones o ideas, se generaliza el nuevo movimiento feminista que se hace muy activo. Muchas mujeres representaron los procesos por los que atraviesan sus propios cuerpos, explorándose las relaciones entre el cuerpo de la mujer como sujeto y como objeto social. Mientras artistas como Carolee Scheeman da gran importancia al cuerpo y a la sexualidad femenina que intenta liberar en sus acciones, reaccionando contra la colonización del desnudo femenino y reafirmando su cuerpo como lugar de su propia sexualidad, otras como Charlotte Moorman realizan acciones en las cuales los instrumentos musicales, la música silenciosa, el cuerpo y un sentido lúdico se mezclan.

Después de 1970, muchas mujeres desarrollaron obras específicamente feministas. Se produjo un incremento de trabajos que reinsertaron las experiencias femeninas en la práctica del arte, consiguiendo las artistas un significativo impacto mis 36 Razones Indómitas


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en la utilización de nuevos materiales y procesos, explorando los contenidos sociales y políticos de la existencia femenina. En ese sentido, las artistas desarrollan performances en diversas direcciones, priorizando el protagonismo de sus cuerpos, como: la francesa Gina Pane que optará por las acciones ritualistas, simbólicas y espirituales indagando en el dolor de la carne, el amor y la muerte; la americana Martha Rosler que se pregunta por “el status quo” establecido para la mujer, examinando en sus obras la problemática que sufren las amas de casa, las madres y la vida doméstica; la alemana Rebecca Horn que viste a su propio cuerpo con telas y lo envuelve con objetos que recuerdan, por un lado, a los vestidos femeninos y, por otro, a los instrumentos de control y de aprisionamiento corporal; o la cubano-americana Ana Mendieta que hará su propia relectura de las tradiciones de adoración de las diosas arcaicas prepatriarcales y de los ritos mágicos afrocubanos, utilizando su propio cuerpo, directa o indirectamente, e insertándolo en la naturaleza. Estas artistas son simples botones de muestra de la multiplicidad de planteamientos tomados por las artistas performers de estos años. En los ochenta el feminismo teórico empezó a interrogarse sobre el significado del ser humano, el silencio de y sobre las mujeres en la construcción del pensamiento, y la necesidad de subvertir el lenguaje como portador de símbolos androcéntricos. Las feministas han estado tomando en cuenta, en sus elaboraciones teóricas y creaciones, las diferencias de “género”, masculino y femenino, siendo conscientes de ese androcentrismo que ha impregnado las representaciones artísticas habituales. Por ello han desarrollado discursos que han venido a aportar estrategias me Razones Indómitas 37


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deconstructivas de los ya existentes, y nuevos enfoques en los que aquellas se han reapropiado como sujeto, integrando al “lenguaje femenino” como mecanismo constructor, y de resistencia activa al pensamiento y lenguajes heredados y establecidos. Estas indagaciones han producido gran pluralidad de líneas de trabajo en las producciones artísticas feministas. A partir de la segunda mitad de los ochenta, y sobre todo en los noventa se van a ir produciendo cambios en el sentido de la apertura a una nueva estética que redescubre los happenings y la performance. Las nuevas generaciones de artistas han vuelto a retomar el cuerpo como referente y la performance ha encontrado un contexto y un caldo de cultivo mucho más propicio que en años anteriores. Muchas performers de hoy en día siguen utilizando discursos en los que las mujeres son objetos y sujetos protagonistas de la acción pero, tanto ellas como los artistas experimentales actuales de la performance, utilizan una puesta en escena muy alejada del carácter minimalista y austero de otros tiempos y, a veces, el cuerpo está inmerso en los múltiples medios utilizados para la realización de la acción. Un ejemplo claro puede ser la artista francesa multimedia, ya mencionada, Orlan. Ella, a pesar de haber tomado parte en los modos de hacer de generaciones anteriores de performers, ha evolucionado y ha incorporado a sus acciones las nuevas tecnologías y los nuevos discursos, planteando un trabajo radical en torno a la identidad, la representación y el feminismo. El nuevo arte corporal, que incluye desde nuevos enfoques puramente plásticosen cualquier medio artístico, materiales, formatos y tecnologías- a las nuevas practicas estos 38 Razones Indómitas


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prácticas performáticas, está en pleno auge, y ello ha podido verse a lo largo de estos años a través de las diversas exposiciones que se han ido organizando y mostrando, y que se han caracterizado por una presencia del cuerpo, muchas veces metaforizado, por la sustitución de lo dramático por lo escénico, por la disolución del cuerpo en los múltiples medios utilizados, por el uso del sentido del humor y la ironía, y por un sentido lúdico de las obras.

En España, ese auge del arte corporal se puede analizar a través de múltiples enfoques desarrollados por muy diversos artistas, performers o no, de las nuevas generaciones. El listado sería enorme, dada la inmensa aceptación y desarrollo de estos nuevos planteamientos. En Andalucía, el nuevo arte corporal y el performático también está teniendo su desarrollo, sobre todo en el contexto de las nuevas generaciones de artistas, entre las que se encuentran cada vez más mujeres que de una forma u otra trabajan sobre el cuerpo y la acción de forma directa o metaforizada. Entre ellas podríamos mencionar, a título ejemplificativo, las obras de Carmen Sigler, una artista nacida en Huelva y residente desde hace muchos años en Granada, que entre el amplio abanico de trabajos multidisciplinares desarrollados durante décadas, siempre con una óptica feminista y muchas veces mirando desde las mujeres de otras culturas diferentes a la nuestra, ha venido desarrollando todo un conjunto de obras performativas, bien acciones en directo, bien para el formato de videoperformances, altamente significativas, coherentes, poéticas y reflexivas. O la jienense Ángeles Agrela, cuya concepción de la performance se traslada desde las acciones hacia la fotografía, el vídeo o incluso la pintura, fundamentalmente Razones Indómitas 39


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fundamentalmente protagonizadas por sí misma, mezclando acciones narrativas entre la realidad y la ficción. La performer y artista plástica sevillana María AA, con sus acciones en directo que protagoniza ella misma e interrelaciona tanto con clichés y estereotipos de las mujeres, que cuestiona e ironiza, haciendo uso del humor, como también lleva a cabo la sevillana Pilar Albarracín, ya que si bien es una artista multidisciplinar que se desenvuelve con fluidez en distintos ámbitos artísticos como la fotografía, la pintura, la instalación, la escultura y lo objetual, el bordado o la fotocopia, es la performance la que está presente, de forma directa o indirecta, en una gran parte de sus obras. Mucho de su trabajo plástico está impregnado del espíritu de la performance, atrapando un instante de acción que fija en las fotografías o las fotocopias, condensando el movimiento del cuerpo en el tiempo y el espacio en una sola imagen u objeto, cuestionando así mismo los estereotipos clicheados de las mujeres en las culturas andaluzas y otras sureñas. La sueca afincada en Sevilla Anna Jonsson, con sus performances y videoperfomances, muchas veces hibridadas con la danza, en las que lleva a cabo parodias, llenas de toques hilarantes y divertidos, acerca de la identidad femenina clásica. Construyendo sus personajes femeninos desde una personal imaginería que proviene del eterno femenino y sus prototipos, que mezcla con mujeres actuales, e incluso se atreve con auto parodias y de las propias feministas, configuradas en unas descaradas y divertidas actitudes. También habría que citar, entre otras, a la cordobesa Verónica Ruth Frías, artista visual que viene desarrollando performances, desde hace años, utilizándose como protagonista 40 Razones Indómitas


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protagonista de ellas, desde reivindicaciones y planteamientos feministas cuestionadores de roles femeninos tradicionales, pero también visibilizando y reclamando a las mujeres en la historia, la cultura y el arte. Mientras que Beatriz Sánchez, utilizando también la parodia, llega al paroxismo y al humor corrosivo, evidenciando situaciones y conductas androcéntricas y posicionándose ante ellas desde discursos feministas con apariencia de chistes, pero con fuerte carga crítica. Muchas son las artistas visuales que vienen practicando la performance dentro de nuestro territorio andaluz, dentro de las cuales habría también que citar a la artista de Isla Cristina, Huelva, Roció López Zarandieta, y sus críticas y poéticas acciones y videoperformances ejecutadas por ella misma, así como las intimistas acciones centradas en las vidas de las mujeres de la sevillana Amalia Ortega, entre otras muchas performers implicadas con los feminismos. En definitiva, el arte corporal y la performance feminista, no sólo han sido unas de las prácticas artísticas más interesantes de las últimas décadas, sino que lo siguen siendo y creo que lo serán en los próximos tiempos. Ha llovido mucho desde que las feministas italianas de los setenta gritaran en las calles “mi cuerpo es mío y yo me lo autogestiono”. Pero, a pesar de las colonizaciones político-culturales de nuestros cuerpos, de las transformaciones tecnológicas a las que nos veremos físicamente sometidos, ese grito continúa en pie de guerra.

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INDÓMITAS

Ángela Aznárez Ángeles Agrela Anna Jonsson Beatriz Sánchez Bella Segovia Candela Delgado Carmen F. Sigler COSTUS Francisco Almengló Inmaculada L. Liñán Inma Parra Jesús Micó Julie Rivera Karolina Kinnander Lía García

Mabel Hechevarria Martínez Madeleine Edberg Mar Cabezas Mar Garrido Mara León María Alcantarilla María Cañas Marián Angulo Pilar Albarracín Sandra Lara Stella Kamazón Tarha Sarmiento Valle Galera Yolanda Domínguez

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Ángela Aznárez Gámez Fotógrafa autodidacta

Ángela profundiza en las emociones humanas a través de la fotografía, centrándose especialmente en la figura de la mujer como concepto, y explorando las diferentes maneras de apreciar el mundo. Sus temas son la psique humana, las relaciones de pareja y la religión, por ser un agente socializador. Con su trabajo cuestiona y visibiliza aquellas concepciones que contribuyen a crear la desigualdad por razón de género, entre ellos, el amor romántico o los estereotipos. Suele trabajar mediante series con las que analiza los temas que le interesan. Utiliza reiteradamente el autorretrato para comunicar desde su experiencia personal y ponerse en la piel de otras mujeres, empatizando con realidades ajenas. Blue bird es una metáfora que representa un estado extremo, un deseo de alcanzar otra dimensión. La figura levitando contrasta con el estrecho espacio vital y la falta de libertad. En palabras de la artista, con esta obra ha tratado de hacer un símil entre la figura femenina y un pájaro, dispuesto a volar y abrir sus alas pese a que llegue a estar enjaulado. Esta obra pertenece a una serie de cinco imágenes fotográficas que bajo el mismo título reflexionan sobre diferentes estados de animo en el límite de la desolación.

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Blue bird Ángela Aznárez Fotografía 70 x 100 cm

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Ángeles Agrela Romero Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada

Artista multidisciplinar que desarrolla su proceso creativo siguiendo una línea argumental. En su producción artística el ser humano constituye el elemento principal de su obra, siendo el punto de partida para construir su discurso, representado en numerosas ocasiones como un cuerpo vestido y andrógino. La extensa serie Franzine fue desarrollada durante un periodo de varios años, de 2013 a 2015. Pertenece a ella, Retrato 51. Esta obra muestra a dos personas ataviadas con ropas consideradas tradicionalmente masculinas, cuyos rostros están cubiertos por unas máscaras realizadas mediante trenzados que dejan entrever unos ojos y unas bocas que parecen de mujer. Jugando con la ambigüedad crea la curiosidad del público sobre los seres que se encuentran escondidos en su interior. Unas extensas y gruesas trenzas azules une a las dos vidas de forma metafórica, proporcionando información, al mismo tiempo que oculta. La mirada de ambas personas, sin embargo, no se esconde, una mirada directa al público, desde la seguridad que les proporciona su propia máscara. El fondo, refuerza el estilo ilustrativo, colorido e intimista. Fondo y forma se empastan. Acogiendo la camaleónica actitud de los personajes y trasmitiendo la sensación de un espacio que se sitúa dentro del ámbito de lo privado. Una decoración inquietante y claustrofóbica que da la sensación de abarrotamiento. Un diseño que nos recuerda otra época y que, junto con la vestimenta, nos retrotrae hacia el pasado.

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Retrato nº 51 Ángeles Agrela Acrílico y lápiz sobre papel entelado 200 x 150 cm

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Anna Jonsson Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla

La escultura es una de los pilares de su obra. También ha desarrollado su trabajo artístico vinculado al campo audiovisual y a la puesta en escena. La videocreación, la producción de espectáculos performáticos y la danza han sido herramientas empleadas como medio de expresión dentro de su trayectoria profesional. Es a partir del año 2000 cuando la danza comienza a jugar un papel importante dentro de su creación. Por otra parte, emplear el audiovisual expande su particular universo e inicia una fructífera relación con el formato del video. Y al mismo tiempo, la interacción directa en escena con el público. Directora de la compañía Torettan produktion fundada en 2006, debuta con Yo y mis niñas adultas, en el 24 Kvadrat de Gotemburgo. La temática de su obra está relacionada con diferentes aspectos de la vida de las mujeres, ellas constituyen sus personajes principales, desde un enfoque universal. En su obra Las últimas bragas del cajón representa a una mujer pariendo sobre una de las obras maestras más importante de la física y la astronomía, mostrando con naturalidad el momento del parto, sin sublimarlo ni enaltecerlo. Con su obra hace un homenaje a las mujeres, desde un posicionamiento de rebeldía.

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Las últimas bragas del cajón Anna Jonsson Barro cocido policromado 28 x 31 x 26 cm

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Beatriz Sรกnchez Morillas D0ctora en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla

Mediante el dibujo y la pintura desarrolla un trabajo de estilo hiperrealista que se vincula con el pop simbรณlico. Propone una mirada objetiva y comprometida con la actualidad y la realidad de las mujeres artistas. El รกmbito del arte no se diferencia de otros espacios profesionales, en los que la mujer tiene que toparse con el techo de cristal. Sus obras introducen por lo general textos cortos que son mensajes inspiradores en la tela. La manera en la que se presentan sus personajes es importante, apuesta por representar la realidad de manera irรณnica y desafiante. La obra Oh if l could forma parte de la colecciรณn El artista capaz, con ella reflexiona sobre la situaciรณn de las mujeres artistas contemporรกneas, de su voluntad, de su resistencia, de su perseverancia y fuerzas, dentro de un รกmbito, que como otros tantos de la sociedad global, es eminentemente patriarcal. Con todo lo que esto supone en relaciรณn con la desigualdad de oportunidades. En esta obra el gesto es caracterizador y revelador al mismo tiempo, no se necesita tipografรญas, ni mensajes adicionales mรกs el que ya estรก dispuesto en la imagen misma.

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Oh if l could Beatriz Sรกnchez ร“leo sobre lienzo 61 x 46 cm

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Bella Segovia de la Concepción Artista autodidacta

Bella realiza su producción artística mediante la pintura, la escultura, la fotografía y el diseño. Ha experimentado con técnicas variadas y estilos diferentes que van desde la figuración a la abstracción. Con sus temas reflexiona sobre la conducta humana y cómo influyen en ella, ciertos hábitos y roles sociales. Así como, el papel que juegan las y los artistas dentro del mundo del arte. Lo que constituye una base teórica que se observa en sus variadas series. Siempre nos quedará París pertenece a la serie Nude woman pop (Mujer desnuda pop), en el fondo, un paisaje panorámico de París muestra una ciudad que ha sabido mantener y cuidar su patrimonio artístico, con uno de sus elementos simbólicos, la torre Eiffel. Las figuras centrales son una mujer y un perro que, a través de la ventana, observan el paisaje urbano. Se produce un juego en el que el público contempla la misma imagen que los personajes de la obra, trasladando la visión hacia el fondo del cuadro. Una mujer, mostrada en su desnudez como tantas veces se ha representado en la historia del arte, pero con una actitud diferente, ya que no sólo es observada, sino que también es la que observa. Los colores y las formas de la obra conectan con la cultura pop. Frida K. Siglo 21 es una obra que rescata la figura de este personaje emblemático, mostrando su imagen más controvertida y libre. Presenta un desnudo arrogante, la mirada desafiante de Frida interpela al público, los elementos considerados tradicionalmente masculinos, otorgan fuerza a la imagen. Una ambigüedad que caracterizaba la vida de esta artista que ha destacado tanto por su personalidad, como dentro del ámbito del arte.

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Frida K. Siglo 21 Bella Segovia Fotomontaje digital 100 x 124,38 cm

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Candela Delgado Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla

Esta artista multidisciplinar realiza su trabajo artístico explorando con diferentes técnicas, la ilustración, el dibujo, la fotografía y el diseño gráfico. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado una amplia visión sobre los hábitos y costumbres de la cultura de las mujeres tanto en España, como en otras partes del mundo. Los temas que plantea están relacionados con momentos de crisis vitales, vinculadas a frases, gestos o situaciones concretas. A modo de instantáneas en las que las protagonistas reflexionan y toman conciencia de sus preocupaciones. Profundizando en diferentes aspectos relacionados con el desarrollo de las mujeres. Sobre sus renuncias, intereses y deseos abandonados, a pesar de que son importantes para su evolución personal y profesional. Dudas, temores y procesos de aprendizaje. La serie fotográfica La huida utiliza el paño de cocina como un elemento simbólico del testimonio de la vida de las mujeres. La obra está formada por una gran cantidad de paños de cocina que contienen bordadas las iniciales de sus respectivas dueñas, con hilos de distintos colores. Representando cada uno de ellos, una historia de repetición de acciones relacionadas con su uso. Una referencia al ámbito de lo doméstico dentro de un reparto de roles, que perpetua a las mujeres en la realización de un trabajo no remunerado e infravalorado, acciones anónimas e invisibles que el paso del tiempo y los avances sociales no han conseguido erradicar. Cada obra recoge fotográficamente parte de la instalación realizada con los paños de cocina, que unidos por un nudo van recorriendo por el suelo las escaleras de una casa para alzarse hasta el techo de la habitación y finalmente, escapar por una ventana. Representando la necesidad vital de autonomía de la mujer y su liberación de todos aquellos elementos que le limitan.

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La huida 4 Candela Delgado FotografĂ­a b/n Medidas diversas

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Carmen F. Sigler Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia

La artista ha investigado y desarrollado sus obras en el mundo de las imágenes. En su trabajo creativo destaca como sujeto central la mujer, sus relaciones, su autoconocimiento e identidad. Mediante la fotografía y el video trabaja en una amplia gama de subgéneros, desde el documental, pasando por la video-creación, video-performance, o el video-instalación. En su obra el componente poético y estético es muy fuerte, sus temas son las emociones, la experiencia vivencial, la memoria, el inconsciente, el deseo y la pasión, como recursos para construir espacios de imaginería. Mediante la apropiación, sus creaciones adquieren un fuerte valor simbólico y conceptual. Enfoca sus temas creativos y de investigación desde la perspectiva del género femenino, aportando siempre su visión personalizada, como resultado de sus indagaciones, ofrece al público otras maneras de sentir, observar y comportarse, cuestionando la influencia de los estereotipos y roles asignados al género. La obra Billete de 5 € pertenece a la colección La Bolsa o la vida, que incluye fotografías, dibujos y un video. La serie Billetes está formada por siete dibujos que están inspirados en la simbología y significación del dinero de la Comunidad Europea, de cinco, diez, veinte, cincuenta, cien, doscientos y quinientos euros. Partiendo de imágenes que nos son familiares, los billetes representan un recorrido histórico y económico de nuestro mundo occidental desde una mirada androcéntrica, donde no hay representación, ni reconocimiento de las aportaciones de las mujeres dentro de la economía familiar y a nivel social. Esta falta de valoración e invisibilidad del trabajo doméstico, de la importancia de los cuidados y lo referente a la reproducción de la familia, ha sido y continúa siendo una de las evidencias de la desigualdad de género.

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Billete de 5€ Carmen F. Sigler Dibujo con lápices y rotulador sobre papel 29,7 x 42 cm

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COSTUS Graduados por la Escuela de Artes y Oficios de Madrid

Juan Carrero Galofré y Enrique Naya Igueravide formaron el colectivo pictórico Costus. Su obra se desarrolla en la década de los ochenta, en un momento en que el Arte Pop y los movimientos pictóricos de lo camp eran la actualidad, recrean contextos y personajes del momento, mezclando como un elixir, el glamour, lo callejero, lo nómada, lo fascinante y lo mágico. Su prolífico trabajo muestra la ebullición de la Movida madrileña, durante la Transición española. Siendo uno de los máximos exponentes, dentro del ámbito de la pintura, de este movimiento contracultural. Su producción recoge fielmente los ideales de esta tendencia urbana, su carácter innovador, liberalizador y moderno que rompía con el tradicionalismo de la sociedad franquista. Sus temáticas son diversas, pero siempre representadas desde una visión escenificada como contexto en el que se mueve su discurso, mediante elementos simbólicos y la teatralidad de sus personajes, potenciada por los colores, el tratamiento de la luz y el gran formato de las obras. Trabajaron tanto en equipo, como de manera independiente, diferentes disciplinas artísticas como la escultura, la ilustración, la cerámica o los tapices. Capilla del Sepulcro. Cristo Yacente es una de las obras finales de una serie que pertenece al ciclo de la Pasión de Cristo, la obra representa a Cristo muerto completamente desnudo sobre un lienzo, con la perspectiva de la nave principal de una iglesia como fondo. Aunque la posición de la figura es clásica, destaca la sensualidad del cuerpo, su ambigüedad y la mirada directa al público. La diferencia existente en la representación de la figura y el fondo es una constante en toda su producción.

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Capilla del Sepulcro. Cristo Yacente Costus AcrĂ­lico sobre madera 180 x 240 cm

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Francisco Almengló Graduado en Artes Plásticas por la Escuela Massana de Barcelona

El artista vincula la fotografía con la escultura, la pintura y el video creando un estilo muy personal. Sus temas están relacionados con la reflexión sobre la verdad y sus relatividades, al formar parte de una experiencia, de una presencia. Le interesa profundizar en el comportamiento humano, analizado desde un planteamiento filosófico y psicológico, y la convicción de que las personas poseen la capacidad que les permite su transformación. Con sus obras también denuncia y visibiliza problemáticas como la violencia de género, o aquellos aspectos sobre los que hay que seguir avanzando, para conseguir una verdadera igualdad social, apostando por la diversidad en cuestiones de identidad de género. El color es utilizado desde criterios muy personales, utiliza elementos éticos y estéticos en forma de símbolos y textos. Una característica general es el empleo de objetos irreales que parecen efímeros, sin peso ni identidad. También es una constante la influencia de la numerología como forma de conocimiento y síntesis de valores espirituales. Su obra Identificación aborda el tema de la individualidad desde la perspectiva del psicoanálisis, dando así continuidad a las investigaciones del artista sobre la identidad que viene realizando a lo largo de su trayectoria artística, y que se pueden apreciar en otros trabajos como Manual del fracaso y Autorretratos semivelados. La instalación videográfica Identificación se desarrolla a partir de la proyección conjunta de dos vídeos, en los que cuatro performances se ejecutan de forma simultánea y sincrónica. La obra muestra las conexiones entre la relación madre-hija, a partir del reconocimiento de sus propias memorias vivenciales. Entre otras cuestiones, la obra plantea el carácter personal y transferible de nuestra genética, así como, los factores relacionados con la educación y la formación de las personas. En el vídeo se recrean sus pensamientos y experiencias compartidas, mediante la superposición de imágenes en el rostro de las dos mujeres.

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Identificación Francisco Almengló Videoinstalación HD cuatro canales 5´53´´ (Montaje: Javier Leria)

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Inmaculada López Liñán Doctora en Arte Publico por la Universidad Politécnica de Valencia

Inmaculada desarrolla su obra dentro del artivismo y la práctica artística de compromiso. Convencida de que el arte es una herramienta que puede contribuir a transformar la sociedad por su potencial para generar el debate en relación a los temas que plantea. Su obra pretende hacer cuestionar al público y alentar su posicionamiento como ser político. La elección de la técnica está condicionada por su idoneidad a la hora de representar un concepto concreto, pintura, fotografía, instalación, audiovisual...

Su producción se desarrolla a nivel personal, en colectivos (Híbrido 3) o con otras artistas. Co-creadora de la Asociación Azul Violeta, esta entidad le permite desarrollar proyectos que utilizan el arte como medio para reflexionar e investigar sobre problemáticas actuales y especialmente, sobre igualdad de género. Entre las exposiciones que ha comisariado destaca Verdades Encriptadas, que hace referencia a los infinitos aspectos que están normalizados socialmente y que promueven la desigualdad por cuestión de género y la violencia machista. La obra Mujer lógica pretende desmontar cualidades consideradas femeninas, articuladas desde los estereotipos de género, como la sensibilidad, la intuición o el amor a los demás, por encima de a una misma. Características impuestas y que, al mismo tiempo, son infravaloradas con respecto a otros atributos considerados masculinos, como la inteligencia, la razón o la lógica. Esta obra también reflexiona sobre como romper con estas capacidades estereotipadas y desarrollar otras habilidades conlleva a la crítica y el juicio social. Y defiende la construccióndeconstrucción en un proceso de búsqueda que permita a cada persona ser quien verdaderamente es.

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Mujer lógica Inmaculada L. Liñán Fotomontaje digital 180 x 120 cm

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Inmaculada Parra Orellana Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla

La artista emplea el lenguaje audiovisual como medio de expresión, de denuncia y de análisis de su realidad cercana. El centro de su trabajo conceptual son las personas en relación con su entorno. Su obra forma parte de un proceso de enseñanza-aprendizaje, donde el público es sujeto y participe del proceso creativo. Ha incursionado en la fotografía y la instalación. Interactúa conceptualmente con las metodologías participativas y sociales. Concibe la práctica artística como un medio de promover la reflexión, con el objetivo de iniciar un proceso de transformación social que incida en el espacio público de manera significativa y que posibilite un compromiso de la ciudadanía con su territorio. Los temas relativos a las problemáticas y logros de las mujeres son una constante dentro de su trayectoria. Un ejemplo de ello, es su trabajo audiovisual que visibiliza la labor de mujeres relevantes para la vida asociativa dentro del distrito sur de su ciudad, Jerez de la Frontera. Para esta artista el arte es una experiencia personal, que traspasa las barreras de las bellas artes. Es consciente de su responsabilidad social y de lo que puede aportar desde la práctica artística a su comunidad. Cuestiona las imágenes estereotipadas propiciadas por la sociedad neoliberal-patriarcal. Otorgando a su trabajo un valor político. Vente a mi nevera es un proyecto donde a partir de un elemento doméstico y la narración de los personajes que intervienen, se analizan diferentes contextos familiares, utilizando la reiteración estructural sin adornos. Sus protagonistas son distintos tipos de parejas que dejan entrever roles sociales estereotipados, hábitos y preferencias de consumo. Así como, las relaciones que se establecen dentro del núcleo familiar. Aunque la obra intenta mostrar un equilibrio entre los hombres y mujeres que aparecen en escena, se denota que en la actualidad siguen siendo las mujeres, las que se siguen ocupando de los roles tradicionales en relación a la familia.

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Vente a mi nevera Inma Parra Video

13´:36´´(Eq. téc.: Javier Vicente)

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Jesús Micó Doctor en Fotografía por la Universidad de Barcelona

Jesús combina la creación con la investigación de la imagen. Su trayectoria artística comenzó con un registro fotográfico documental de su ciudad natal y de sus habitantes. Trabaja con temas vinculados con sus experiencias personales, el mundo de las emociones y las relaciones humanas en general. Familiares y amistades han sido la base de su detallada observación y análisis sobre los seres humanos. Desde inicios de la década de los 90 empieza a mostrar su intención de desmitificar el cuerpo humano, introduciendo conceptos de tolerancia y reconocimiento de la diferencia. Una propuesta estética y ética que tira por tierra estereotipos, modas y tendencias sobre un tipo de belleza impuesto por los medios de comunicación. Desobedece los patrones sociales que se construyen en función del género, basado en la dualidad patriarcal. Hombre / Mujer pertenece a la serie fotográfica Natura Hominis (Taxonomías), con este trabajo entrelaza valores morales y estéticos. Personas de diferentes edades y fisonomías se posicionan delante del público, de frente, de perfil, de espaldas. Cuerpos sin identificación, rostros en primeros planos y otras partes de la figura, a modo de detalle. Cada una de las imágenes es como una pieza del puzle, que compone la diversidad humana. Con su trabajo nos hace reflexionar sobre el androcentrismo que existe en la sociedad occidental, y el valor que otorga a las categorías Hombre y Mujer visibilizándolo mediante el diccionario de la Real Academia, elemento intelectual y socialmente legitimado, donde lo primero que llama la atención es apreciar unas extensísimas definiciones, que llenan una página entera a dos espacios, para concretar el concepto Hombre y un único párrafo cargado de negatividades para definir el termino Mujer.

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Hombre/ Mujer Jesús Micó Fotografía b/n Medidas variables

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Julie Rivera Doctora en Territorio y Medios de Comunicación Visual por la Univ. de Barcelona

La artista artivista ha ido desarrollando un amplio proceso de investigación en su producción artística. Desde su experiencia personal ha hecho extensivo su interés por los espacios y lugares, abiertos y cerrados. Trabaja con técnicas diversas, el collage, la instalación, la fotografía, el dibujo, la performance y el video. Su redefinición conceptual en temáticas, intereses y metodologías, le ha llevado a un nivel de creación, en el que el espacio público y social es un laboratorio, un ente a analizar, desde una mirada comprehensiva y totalizadora. Un territorio donde experimentar por medio de acciones e intervenciones efímeras, con elementos etéreos que se alejaran del peso específico de lo construido y del arte tradicional. Con sus proyectos reflexiona sobre como la arquitectura y el urbanismo organizan el espacio y determinan comportamientos y usos. Investiga tipologías concretas de edificios y especialmente, el centro comercial como lugar que configura la forma de vida de nuestro tiempo. Espacios pensados para el consumo, ideado para el control del movimiento espacial, moldear y homogeneizar a la ciudadanía. Éste modo de habitar estos edificios se expande y crea un submundo, un estilo de vida que condiciona la vida de las personas y específicamente, de las mujeres. La obra El Paraíso de las Damas se compone de una maqueta de metacrilato que incluye un centro comercial y viviendas, tres de las casas tienen forma de anillos de plata. Una serie fotográfica documenta el recorrido de dichos anillos en la mano de una mujer que transita desde su residencia al centro comercial. La obra reflexiona sobre como la planificación arquitectónica está al servicio del consumo y crea un estilo de vida idóneo para sustentarlo. Cuestiona irónicamente este paraíso reservado al rol de la mujer, que permite sustentar las necesidades de toda la familia, mientras reduce su tiempo personal. Una metáfora de la carga omnipresente que representa el cuidado del hogar y la familia.

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El Paraíso de las Damas Julie Rivera Fotografía 50 × 30 cm

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Karolina Kinnander Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid

Karolina ha experimentado con diversas disciplinas artísticas a lo largo de su trayectoria profesional, el grabado, la fotografía, el dibujo, la pintura, el collage, el audiovisual y la performance. Pero entre todas ellas, es la mezcla del happenigs y el mixed-media lo que resume todo su desarrollo creativo. Sus obras están encaminadas a propiciar el debate, denunciando diferentes problemáticas como la especulación urbanística y turística o la desigualdad por cuestiones de género. También le interesan temáticas directamente relacionadas con la vida y la contribución de las mujeres en diferentes ámbitos, visibilizándolas. Entre sus obras destacamos Reseñas íntimas, La debilidad produce monstruos. Muy sensibilizada con la naturaleza, su obra se implica con el respeto al medio ambiente y el reciclaje. Con idea de que las personas sean conscientes de la necesidad de la responsabilidad social ante estos aspectos. Utiliza distintos materiales que van desde el papel a la tela, pasando por el empleo de objetos tridimensionales. La obra Lady Eye representa de una forma simbólica y al mismo tiempo directo, el acoso y la violencia que sufren las mujeres, consideradas objetos sexuales al servicio del deseo masculino. Una visión propiciada por una educación social que enaltece su masculinidad y su derecho a la satisfacción sexual por encima de otras cuestiones. Los medios de comunicación de masas potencian esta visión distorsionada de la realidad.

70 Razones Indómitas


Lady Eye Karolina Kinnander Instalaciรณn Medidas variables

Razones Indรณmitas 71


Lia G Fotógrafa autodidacta

Influenciada por los grandes maestros de la pintura como Caravaggio, Vermeer, Ribera y Zurbarán, Lía pretende con su obra mantener un diálogo emotivo con el público. Su trabajo de carácter intimista aborda temas que giran principalmente sobre la mujer desde una visión personal, la identidad y la transitoriedad de la existencia. Pertenece a la generación bisagra entre la fotografía analógica y la digital, dirigiendo su trayectoria hacia las nuevas tecnologías. Trabaja mediante series fotográficas que le permiten profundizar en el tema elegido. Es una constante en su trabajo el retrato desde un enfoque psicológico y simbólico. Para ello, utiliza objetos, que en ocasiones sustituyen por completo a la persona, pero que proporcionan información sobre esos seres inexistentes. Cosas y gestos sacados de la cotidianidad que como fotogramas representan pedazos de historias de vida, en muchas ocasiones, desde lo autobiográfico. Creando composiciones metafóricas y poéticas. Otro tema recurrente son los bodegones, que a modo de fotomontajes aúnan elementos naturales con otros disonantes y anacrónicos, pero que forman parte de la simbología de la artista, poniendo en jaque la curiosidad del público. Es una constante a lo largo de su trayectoria el autorretrato, a veces es su torso desnudo, sus piernas, un brazo o el rostro, en ocasiones ocultado bajo máscaras que muestran la multiplicidad del ser femenino. Cuerpos que enseñan y esconden, en una búsqueda de poses menos erotizadas e integradas en la naturaleza. Imágenes que pueden recordar la cosificación del cuerpo femenino mostrado por los medios, pero con un posicionamiento diferente, desde el re-apropiamiento. Sin título pertenece a la serie Lovesong. La obra muestra a una preadolescente que sujeta un muñeco en posición invertida, este hecho junto a las piernas abiertas recuerda la maternidad y el momento del parto. Una imposición alimentada desde los juegos infantiles, una posibilidad, una elección o una obligación dentro del rol establecido y el reconocimiento de lo que representa ser mujer a nivel social.

72 Razones Indómitas


Lovesong S/T Lía G Fotografía digital 60 x 40 cm

Razones Indómitas 73


Mabel Hechevarria Martínez Diplomada por la Facultad de Medios de Comunicación de La Habana

Afincada en Andalucía, su formación como guionista y realizadora le ha permitido trabajar el audiovisual en diferentes formatos y medios. Como artista multidisciplinar ha desarrollado su trayectoria creativa mediante la performance, la fotografía o la instalación. En la última década su producción se ha desarrollado desde un enfoque feminista denunciando o visibilizando problemáticas que afectan a las mujeres o las minorías por cuestiones de género. Co-creadora de la Asociación Azul Violeta, desde esta entidad sin ánimo de lucro ha comisariado proyectos artísticos que visibilizan el trabajo de mujeres artistas de la provincia de Málaga. Entre ellos, destaca Descubriéndonos. Exposiciones colectivas, del que se han realizado cinco ediciones, siempre con temática de género. O Verdades Encriptadas, colección creada por mujeres artistas que trabajan con estas temáticas a nivel nacional. Junto con Inmaculada López Liñán han creado y coordinado prácticas artísticas de compromiso social. Entre ellos, Entretejiendo redes, con esta obra participativa se ha puesto en valor la contribución de las mujeres dentro de la economía familiar, gracias a una serie de técnicas y habilidades que se agrupaban dentro del término “sus labores”. O Únete, material audiovisual que evidencia como la violencia de género está presente en la vida de las mujeres en mayor o menor medida, con idea de que las personas se unan para erradicarla. Esta obra de carácter participativo se realizó con mujeres del movimiento asociativo de la provincia de Málaga. La performance DeVisita crea un espacio en el que se invita al público a entrar en el ámbito de lo privado, mediante la escenificación de una casa, para compartir preocupaciones sociales y de género. El público elegía un texto al azar que leía y sobre el que opinaba. También está presente en la obra, la hospitalidad cubana: un ron, un caramelo, o saborear un habano. El color amarillo se multiplica en todos los objetos como sello de identidad. Quienes participan reflexionan sobre las cuestiones propuestas.

74 Razones Indómitas


DeVisita Mabel Hechevarria Martínez Audiovisual 6´:00´´ (Eq. téc.: Delia Márquez)

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Madeleine Edberg Graduada en Artes Aplicadas de Málaga

Artista multidisciplinar de origen sueco, afincada en Málaga. Su producción artística se desarrolla mediante diferentes técnicas como el grabado, la escultura, obra digital o instalaciones. Su producción se desarrolla entre la abstracción y la figuración. A lo largo de su trayectoria le han interesado diferentes temas relacionados con la ecología, los derechos de las mujeres o la igualdad de oportunidades, desde una mirada lúcida y transgresora, que cree en la utopía y visibiliza una realidad social más justa y sostenible. En la actualidad, compagina su producción artística con la gestión de UKAMA, un espacio expositivo de arte contemporáneo independiente, y el comisariado de exposiciones. Concienciada con el medio ambiente, es una constante en su obra el uso de material reciclado, utilizando el papel de periódico tanto en su producción pictórica como escultórica. Que deja al descubierto combinándolo con colores intensos, prefiriendo la monocromía.

Su obra Rompiendo ligaduras representa una mujer abatida que es consciente de la desigualdad, y se rebela contra la opresión sacando fuerzas de su interior para romper sus ataduras. Para Madeleine cada mujer que se libera es un avance en el camino de la igualdad. Desde un posicionamiento positivo, pero de denuncia, evidencia la desigualdad e invita a todas las mujeres para que sean capaces de romper con los pensamientos propios y ajenos que las limitan. Una rebelión personal, “lo personal es político”, un despertar a la lucha y una propuesta de búsqueda y materialización de desarrollo a nivel personal y social.

76 Razones Indómitas


Rompiendo las ligaduras Madeleine Edberg TĂŠcnica mixta 70 x 100 cm

Razones IndĂłmitas 77


Mar Cabezas Doctora en Bellas Arte por la Universidad de Granada.

Esta artista plástica posee una estética característica, una cosmología particular para representar la realidad de las mujeres, indagando en el pasado para entender los mecanismos que perpetúan la desigualdad por cuestión de género. Utiliza elementos y materiales que proceden del ámbito doméstico y relacionados socialmente con los roles femeninos, telas, hilos, alfileres, cajas y bastidores representan de una forma poética y casi fantasmagórica la realidad de vida de muchas mujeres. Sus obras cuestionan las relaciones de poder, desde el contexto cotidiano, y el reconocimiento del patriarcado como sistema social y cultural dominante, para combatir la opresión de esta estructura. Crea instalaciones en las que utiliza la transferencia sobre lienzo, en ocasiones utiliza elementos dispares que otorgan a la obra una complejidad conceptual. Con ellas invita a cuestionar patrones asumidos y normalizados, desde una belleza serena que atrae al público, increpándoles con preguntas que muchas veces no tienen respuesta inmediata, pero que puede despertar la duda generando sombras sobre lo socialmente naturalizado. Perpetuum mobile consta de dos piezas, por un lado, una cabeza de mujer reposa en una almohada en la que se superponen diferentes movimientos realizados durante el sueño, mientras permanece enclaustrada en una caja. La otra pieza es un bastidor con un corazón sobre el que apoya un trozo de esqueleto animal, que parece lesionar poco a poco y casi imperceptiblemente la imagen de este órgano vital relacionado con el mundo de las emociones y los afectos. Según palabras de la artista “en la obra se constata una posición frente al resto, una cosmovisión que se comparte a través de la obra. Es la interpretación de la vida como el devenir continuo, la modulación y progresión armónica entre el sueño racional y el desvelo emocional lacerado repetidamente”.

78 Razones Indómitas


Perpetuum mobile Mar Cabeza Instalaciรณn Medidas variables

Razones Indรณmitas 79


Mar Garrido Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada

Garrido realiza su producción artística mediante el vídeo, la fotografía y las composiciones sonoras fundamentalmente. Trabajó como creativa realizando cabeceras y promociones especiales de cadenas de televisión en programas vinculados con el cine. Su trabajo cuestiona el papel de la memoria, el desplazamiento y el arraigo como forma de reflexión sobre la identidad, el territorio y el instante. Compartir y extender es una serie fotográfica que pertenece a la muestra Siguiendo el hilo, la obra presenta una puesta escénica elegante y sencilla de unas manos de mujer que juegan y se relacionan entre sí, por medio de un hilo blanco que les permite hacer los movimientos reiteradamente. La repetición se convierte en un sin sentido y al mismo tiempo, en una manera de vivir donde se disimulan muchos comportamientos predeterminados y estereotipados. El fondo negro resalta la imagen de las manos y nos traslada a la pintura barroca por su realismo, los colores intensos y el contraste entre las luces y las sombras, que otorgan dramatismo a la acción, evocando el movimiento de una forma teatral y efectista. El color, la luz y el movimiento se priorizan a la profundidad espacial. Una luz que define un ambiente, una atmosfera. Las manos tejen en el aire, como una tela de araña, parecen querer contribuir a la trasmisión de un conocimiento infantil, conectado con la tradición y la memoria. Cada imagen es un fragmento de una historia, no solo la captada en ese instante, sino todos aquellos momentos que han definido el dominio del juego, horas, días semanas, tiempo de vida.

80 Razones Indómitas


Compartir y extender Mar Garrido Fotografía digital sobre papel de algodón 25 X 25 cm

Razones Indómitas 81


Mara León Master Internacional Fotografía Conceptual EFTI de Madrid

Esta artista utiliza la fotografía como canal expresivo, junto a otros medios como el video y la instalación. Su obra se centra en la reflexión metafórica del cuerpo como campo de batalla, ante el tiempo y sus accidentes vitales. Se caracteriza por un gran componente activista y social. En su trabajo se aprecia con reiteración, la autosuficiencia de la mujer y su independencia, el autoconocimiento, la relación con los demás, la infancia, las preocupaciones, las conexiones entre los elementos y la inspiración. Proyecto -730-, uno de sus trabajos recientes, ha sido publicado en diversos medios de comunicación por su gran interés mediático. Surge de la necesidad de contar la realidad de una situación muy dura que sufren muchas mujeres. La amputación de una parte del cuerpo es una ausencia física que provoca un enorme impacto psicológico. La reconstrucción de mama tras un cáncer debería estar reconocida como parte del tratamiento de la enfermedad, pero una vez superada, en la mayor parte de los hospitales de España las listas de espera son larguísimas, llegando a superar los cinco años, como es el caso de Cataluña, en Andalucía supera los dos años. Este proyecto pretende crear conciencia social y denunciar esta situación, con el propósito de realizar las medidas necesarias para dar solución a esta problemática. Mara propone una vía que unifique los protocolos de actuación sobre esta enfermedad. En esta obra la autora retrata su cuerpo día a día hasta que se realice la reconstrucción de su mama, la imagen va acompañada de textos poéticos de Angelina Delgado. Le interesa trabajar con la temática de su propio cuerpo como esencia expresiva que explora su conciencia y comparte con el público, con la intención de enfrentarlo a sus conflictos más profundos. Mostrando una realidad a la persona que observa, en muchas ocasiones incómoda. De esta manera, al abordar sus miedos y compartirlos con el público contribuye a que desaparezcan, convirtiendo la obra en una terapia personal, al crear espacios de verdad y de conexión interior, que le permiten poner en orden sus emociones, sus conflictos y su dolor. La fuerza y la vulnerabilidad son parte de la obra, el punto de partida.

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Noviembre Mara León Fotografía 98 X 130 cm

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María Alcantarilla Ramos Autodidacta

Mª Alcantarilla ha trabajado en varias disciplinas, el audiovisual, la ilustración y la fotografía, así como en colaboraciones gráficas con editoriales y medios de comunicación españoles, El País, Le Monde Diplomatique o El Rapto de Europa. Y la creación literaria. Los temas con los que trabaja en sus obras se desarrollan en torno a la búsqueda de la identidad de las personas, la conducta, el comportamiento y la voluntad. Cada vez con representaciones más abstractas de estilo minimalista, especialmente en sus proyectos de fotografía. Y van acompañadas por lo general de estrofas poéticas que le dan una dimensión especial a la composición de sus imágenes. En su trabajo hay grandes espacios vacíos que parecen hablar de los silencios, de la no respuesta, o de las preguntas que no se hacen, del vacío. La imagen, ya sea en la fotografía o en el video, se desarrolla sin retóricas. En ocasiones la escritura aparece dentro de ellas. Yo soy. Yo eres. Yo es lleva el título de un libro de Juan Bonilla. La obra es una pregunta que lleva a cuestionarnos aún más sobre cómo nos ven, de nuestro deseo de ser como los demás o si a pesar de todas nuestras diferencias, nos parecernos más de lo que creemos. También cuestiona quien verdaderamente podríamos ser, si en vez de dejarnos llevar y seguir los criterios sociales o de nuestro entorno cercano, nos dedicáramos a saber quién somos en realidad, siendo fiel a nuestros deseos e intereses personales. La obra provoca silencios y preguntas. Las posibles respuestas están en cada espectador y espectadora. En los espacios vacíos podemos descansar sin inquietarnos.

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Yo soy. Yo eres. Yo es María Alcantarilla Fotografía Medidas variables

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María Angulo Jiménez Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla

Artista multidisciplinar que ha explorado y desarrollado su creatividad en el lenguaje audiovisual para proyectos vinculados al cine y la televisión, el diseño, la ilustración, el collage y el mundo de la creación literaria. En la serie Del amor se sale emplea técnicas pictóricas y materiales diversos, carboncillo sobre pergamino, tinta sobre papel nepalí, acrílico sobre lienzo y técnica mixta sobre madera. Con este trabajo reflexiona sobre el amor y el desamor, basándose en letras de coplas, en la idiosincrasia andaluza y su influencia, especialmente en la vida de las mujeres. En La salvación de la niña herida y Cincuenta continúa con su trabajo reflexivo sobre las emociones, la identidad de la mujer y los estereotipos de géneros. La obra Tu libertad me da miedo es el resultado de un largo proceso de investigación de año y medio. Un viaje de retorno a las entrañas de su ser, en un deseo de reflexionar sobre su identidad, sobre la base de sus inseguridades, y las emociones. Pertenece a la serie Temer, dar miedo, tener miedo, compuesta por treinta y una obras plásticas. La temática de la serie completa hace referencia a aspectos muy específicos desde una misma perspectiva. En la que se detiene en las profundas fisuras, heridas y marcas que se pueden producir en la edad infantil. Algunas de ellas, con conexiones evidentes con el maltrato de género y su aceptación. El miedo en la obra adquiere presencia real, convertida en una figura que se transforma según necesite esconderse u atacar.

86 Razones Indómitas


Tu libertad me da miedo María Angulo Óleo sobre lienzo 60 x 73 cm

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María Cañas Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla

Dirige Animalario TV Producciones, un espacio de creación dedicado a la cultura del reciclaje, al apropiacionismo y la experimentación artística. Su producción es extensa e invita a reflexionar sobre lo que consideramos diversión y espectáculo, en el mundo en que vivimos, desarrollando lo que denomina …el canibalismo iconográfico. Su mirada es provocadora hacia eventos nacionales, medios de comunicación hacia los que suele dirigirse, como la televisión, los reality shows, la pornografía y las relaciones amorosas. Así como, sobre los estereotipos de géneros en la sociedad, la cosificación del cuerpo de la mujer y las formas de violencia que se ejercen sobre ella. Esta artista multimedia trabaja sobre temas que pueden llegar a ser muy escabrosos, intenta romper con las reglas buscando lo que se oculta en cada imagen, con referencias constante a los medios de comunicación. Entre ellos, el deseo pasional, el erotismo, el placer sensual, la desazón, la nostalgia, la zoofilia, el relato desde lo romántico. Se autodefine como videoguerrillera o creadora de relatos glocales. Trabaja el videocollage y scratch-documentales en los que construye un archivo de visiones experimentales, que reinterpretan la práctica artística en el contexto cibernético. Más allá de las limitaciones del género, cuestiona de manera constante los discursos y el imaginario creado a partir del cine, Internet, la televisión entre otros. Los monstruos… pertenece a la segunda exposición de Risas en la oscuridad, (título que puede estar inspirado en la novela de Nabokov) la colección mostraba 13 obras audiovisuales (videoproyecciones e instalaciones) y 167 fotomontajes, en los que realiza un homenaje a los arquetipos cinematográficos de mujeres independientes que se rebelan ante lo establecido y muestran su poder. Ha escrito la artista “En la situación de marcado cambio político y social que estamos viviendo, sospechar de las imágenes es esencial para activar nuestro presente”.

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Los monstruos de Hollywood María Cañas Fotomontaje Medidas variables

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Pilar Albarracín Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla

Artista conceptual de obra extensa y representativa en la escena contemporánea internacional y andaluza. Sus trabajos de investigación y creación se han centrado en analizar las narrativas dominantes y aquellos estereotipos que representan a la identidad andaluza desde el sistema de poder. Dentro de la antropología de lo cotidiano, reflexiona sobre las tradiciones populares, el folclore, los rituales alimenticios, la religión, los mitos y los roles de la mujer en la sociedad española y su variante andaluza. Desde los aspectos más cotidianos a la violencia de género, la belleza y su feminidad, el erotismo y la manipulación de la imagen de la mujer en los medios de comunicación masiva. La performance, el video, la fotografía, la instalación, el dibujo, la pintura y la escultura, son algunas de las disciplinas con las que ha desarrollado su trabajo, mezclándola con otras habilidades creativas como el bordado, corte y confección, y una gran variedad de materiales y objetos tridimensionales que le dan a su obra una frescura constante. La obra Mandala está formada por una prenda interior utilizada por las mujeres de todo el mundo: bragas, bloomers, bombachas, cucos, calzones, chunchos. Artículo muy relacionado a estereotipos de género, temas morales y muy sujeto a la mirada masculina, que ha ido pasando según las tendencias de moda, desde lo escondido y oculto a la muestra parcial o total. Con ellas también hace referencia a las mujeres, al poder de quien posee el control de la intimidad, a los derechos de decisión sobre sus cuerpos, al erotismo o las secreciones. Las prendas están colocadas formando círculos concéntricos, de manera reiterada, como un cosmos, un mundo que simboliza el universo de las mujeres. Al mismo tiempo, esta colorista composición representa la diversidad, y cada prenda es una historia de vida.

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Mandala (arc en ciel) Pilar AlbarracĂ­n Bragas sobre lienzo en chasis de metal 400 x 400 x 3 cm

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Sandra Lara Fotógrafa autodidacta

Su trabajo se enmarca en el campo de la fotografía creativa y editorial, colaborando en revistas y publicaciones, como Sensuality o Mitad Doble y en medios digitales. También ha trabajado para diversas marcas de moda y ha estado a cargo de la foto fija en distintos rodajes de documentales, anuncios publicitarios y videoclips. Desde un posicionamiento feminista sus obras reivindican mediante una estética de belleza serena. Su forma de entender el arte, desde una visión amable y metafórica, quiere atraer al público y especialmente a las mujeres, para sacudirlas interiormente y que busquen quien son en realidad.

Autora y editora del libro Cómo ser Frida, basado en el proyecto fotográfico feminista donde la autora, intenta acercar a las mujeres que participan a Frida y viceversa. Se realiza un viaje por los dolores, los colores, las emociones y la vida de la artista mexicana. La serie fotográfica nos trasmite que todas podemos ser Frida Kahlo, que es necesario en el siglo XXI luchar por nuestro lugar en la sociedad. A partir de una recreación de los atributos y hábitos conocidos de la pintora, quince mujeres hicieron de modelos, cada una de estas personas interpretó el significado que la pintora mexicana tenía para ella, hasta llegar a encontrar y ser, su propia Frida. Apropiándose de cualidades de la artista mexicana: la fuerza, la integridad, el atrevimiento… Una acción que empoderó a las participantes. Pero que también pretende empoderar y revitalizar a las espectadoras, al mostrar una pluralidad de mujeres que esta acción de interpretación intuitiva fue capaz de aflorar. La obra que mostramos es una reivindicación a la igualdad de género y a la libertad de expresión artística y personal, que tanto ejerció la pintora a lo largo de su vida.

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Igualdad y Género 2 Sandra Lara Fotografía 30 x 40 cm

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Stella Kamazón Diplomada por la Escuela de Arte de Valladolid

Stella desarrolla su producción artística mediante técnicas como el dibujo, la pintura, el grabado en madera, la escultura en barro y la punta seca. Desde una visión personal clara sobre la desigualdad que padecen las mujeres, su obra se posiciona desde un conocimiento adquirido a lo largo de su vida. Su mirada crítica le ha permitido ver lo que para otras personas pasa inadvertido. Esa visión de la realidad capaz de desmenuzar sus entresijos, le permite transportar a su obra realidades que muchas veces no queremos ver. Preocupada por la creciente desigualdad de género, a partir del año 2006 comienza a investigar y a encaminar su obra en relación a estas temáticas. Su estilo es aparentemente amable, mediante imágenes oníricas, enigmáticas y evocadoras trasmiten sentimientos, en ocasiones oscuros. Al aprender desde sus propias experiencias recurre en su trabajo plástico a la memoria, sigue aprendiendo de los recuerdos, y consciente de su potencial los comparte con el público. Es característico en su producción pictórica la casi inexistente profundidad espacial, las figuras y los objetos se representan sintetizados convirtiéndolos en símbolos del mensaje que quiere compartir. Otorga especial atención al contorno, al color, y a los espacios extensos. La incorporación de texto permite llevar al público al lugar de la reflexión. La obra Bagatela representa a dos figuras enigmáticas, sus rostros cubiertos simbolizan a personas objetos, cuerpos con códigos de barra, mercancías de compra venta. Una realidad que promueve el tráfico de mujeres con fines de explotación sexual y otras formas de violencia machista. Stella denuncia esta problemática. En nuestra sociedad patriarcal neoliberal, la pérdida de valores prioriza el consumo y la cosificación de la mujer. Esta obra sorprende y sacude al público, siendo una invitación implícita a la reflexión.

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Bagatela Stella Kamazón Acrílico y collage sobre lienzo 81 x 100 cm

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Tarha Sarmiento López Licenciada en Comunicación Audiovisual

Su formación en antropología, especializada en cuerpo y género, condiciona profundamente la temática de su obra, que desarrolla con disciplinas diversas incursionando en el arte plástico, audiovisual y el espacio escénico mediante la performance. Entre los temas que trabaja destacan los retratos de mujeres y la representación de situaciones que tienen que ver con la vida, y experiencia de las mujeres. Con su trabajo cuestiona como las mujeres para poder ser una buena niña, hija, hermana, esposa, madre, abuela, deben entregar su amor de manera incondicional y por encima de sus propios intereses y deseos personales. Someterse a las convenciones sociales, a la abnegación y cuidado de la familia. En esta línea se encuentra la performance Mi cuerpo es mi casa, una acción que denuncia los feminicidios, una problemática a nivel mundial, que no se ha podido erradicar ni en los países considerados más desarrollados. Esta obra perfomática se complementa con un libro de poemas. Desde un posicionamiento crítico y realista denuncia los mitos y estereotipos creados en torno al amor romántico y al matrimonio. Al mostrar el otro lado de la moneda, las situaciones dramáticas y de violencia que viven muchas mujeres. Aquello que no se narra en los cuentos de princesas, y vivieron felices… Mujeres enamoradas o no, pero que tienen que cumplir su objetivo social primordial de crear una familia. Y que una vez casadas, se ven avocadas a un laberinto de dolor. La acción muestra a una mujer vestida de novia, en una actitud de resignación y sumisión, atada por una gran madeja o telaraña de la que no puede salir sin ayuda. El público participa en la construcción de la obra pintando de color rojo los hilos que le encadenan, como estructura que sustenta la violencia machista en la sociedad.

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Mi cuerpo es mi casa Tarha Erena Performance Medidas variables

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Valle Galera Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada

Valle trabaja en piezas escultóricas, dibujos, vídeos, instalaciones y principalmente fotografía creando referentes de identidad de personas que no suelen estar visibilizadas. Se puede decir que una gran parte de su obra, sino toda, se concentra en torno a la identidad. Asimismo, revisa imágenes a lo largo de la historia para ampliar los límites del género y la nacionalidad, ofreciendo historias fragmentadas y poliédricas que tambalean el concepto de lo que es o no “normal”. Indaga la representación como una experimentada detective en busca de indicios, señales, huellas y sutilezas, pequeños detalles significativos que dicen y ocultan al mismo tiempo. Su obra resulta muy atrayente para el público, que siente cierto misterio mientras desvelan hechos que exigen la observación. Mediante su obra investiga y reflexiona sobre la influencia que otras personas han tenido en la construcción de su identidad. Y cómo el deseo de alcanzar un modelo a seguir, genera copias fallidas que terminan generando referentes para otras personas. Influencias que nos construyen a través de estrategias de observación, de deseo, de identificación, de simulación y percepción del reflejo. En sus fotografías existe una adecuada combinación entre lo documental y el retrato, mezclando lo reconocido y la extrañeza. La ambigüedad resulta un incentivo y desafío para quienes observan su obra. Marcel es una de las dos fotografías que conforman la instalación Dentro del espejo. Mediante la observación y el análisis de salones y dormitorios nos invita a reflexionar sobre la identidad de la persona que muestra. El espejo es una especie de intermediario entre sus personajes, quien observa y su reflejo. Un elemento unificador de historias y ciclos de vida, que se funden unas en otras, mientras espectadores y espectadoras al mirarse en ellos, por algunos minutos, forman parte de la obra.

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Marcel Valle Galera FotografĂ­a 10 x 15 cm

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Yolanda Domínguez Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada

Desde un posicionamiento activista Yolanda Domínguez utiliza la ironía y la descontextualización para crear situaciones en las que el público puede participar en relación a un conflicto, con el objetivo de “despertar la conciencia social y empoderar a las personas a través de acciones performativas y relacionales”. Trabaja con temáticas sociales, de género, el consumo, y sus acciones generan pequeñas comunidades. Sus acciones alcanzan un gran impacto incluso en los medios que denuncia, con su serie Poses crítica la representación de la mujer en los medios de comunicación de masas, que divulgan imágenes y poses absurdas que funcionan como referentes de lo “femenino” e influyen en la perpetuación-construcción de los roles de género. Cuando estas representaciones se extrapolan a la vida cotidiana provocan reacciones de extrañeza puesto que una vez descontextualizada revelan su verdadera esencia. También ha denunciado con su trabajo artístico la publicidad por mostrar a las mujeres cosificadas y como mercancía de consumo sexual. Gracias al alcance que ha obtenido y la polémica que ha generado ha conseguido que se retirara una campaña publicitaria en esta línea, tras una sentencia de Autocontrol que considera que las imágenes propician asociaciones sexistas y vejatorias hacia las mujeres. Yolanda es consciente de la importancia de la publicidad como agente socializador y con su trabajo propone a los anunciantes que realicen una publicidad que no discrimine a ninguna persona. Al mismo tiempo, quiere concienciar a los y las consumidoras del poder que tienen para apoyar o no, este tipo de discurso sexista.

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Poses 3 Yolanda Domínguez Fotografía 60 x 40 cm

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Razones indómitas. Arte Contemporáneo y Feminismo. SXXI en Andalucía.  

La ONGD PRODIVERSA-Progreso y Diversidad, en colaboración con la asociación Azul Violeta, la financiación de la Agencia Andaluza de Cooperac...

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