Julian Rosefeldt Manifesto - Fundación Proa

La instalación de Rosefeldt ubica el cuestionamiento en el alcance y relevancia que estos manifiestos, escritos con un espíritu de disidencia en su momento, tienen en el día de hoy. En Manifesto los complejos universos visuales de Julian Rosefeldt, la versatilidad interpretativa de Cate Blanchett y la potencia expresiva de los mismo textos se unifican para crear un obra de arte de múltiples capas a descubrir.

JULIAN ROSEFELDT / MANIFESTO

La instalación cinematográfica Manifesto del director y video-artista Julian Rosefeldt (Munich, Alemania, 1965), es un homenaje al poder de la poética explosiva de manifiestos artísticos clave de los últimos cien años. La actriz australiana Cate Blanchett interpreta a trece personajes diferentes que transitan situaciones de la vida cotidiana. Sumergiéndose en estos personajes, Blanchett le da voz a una gran variedad de manifiestos escritos por artistas visuales, poetas, arquitectos, performers y realizadores cinematográficos. Los textos rebeldes de Filippo Tommaso Marinetti, André Breton, Tristan Tzara, Kazimir Malevich, Sol LeWitt, Claes Oldenburg, George Maciunas, Lebbeus Woods, Yvonne Rainer, Guy Debord, Jim Jarmush y muchos otros son reformulados en nuevos textos a modo de collage, creando diálogos inesperados entre ellos.

Fundación PROA Av. Pedro de Mendoza 1929 1169 CABA, Argentina libreria@proa.org www.proa.org

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MANIFESTO JULIAN ROSEFELDT Una instalación cinematográfica protagonizada por CATE BLANCHETT — Traducción Maren Schiefelbein, Goethe-Institut Ignacio Rial-Schies, Equipo Zenit — Fundación Proa, Buenos Aires Agosto—Noviembre 2017 — Av. Pedro de Mendoza 1929 CABA 1169, Argentina +5411 4104-1000 proa.org / info@proa.org libreria@proa.org

Rosefeldt, Julian Manifesto / Julian Rosefeldt. - 1a ed adaptada. - Ciudad Autónoma de Buenos Aires : Fundación Proa, 2017.

68 p. ; 24 x 17 cm.

Traducción de: Ignacio Rial Schies.

ISBN 978-987-1164-32-5 1. Catálogo de Arte. I. Rial Schies, Ignacio, trad. II. Título.

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6 PRÓLOGO

8 SITUACIONISMO 12 FUTURISMO 16 ARQUITECTURA

20 VORTICISMO / EL JINETE AZUL / EXPRESIONISMO ABSTRACTO 24 ESTRIDENTISMO / CREACIONISMO 28 SUPREMATISMO / CONSTRUCTIVISMO 32 DADAÍSMO 36 SURREALISMO / ESPACIALISMO 40 POP ART 44 FLUXUS / MERZ / PERFORMANCE 48 ARTE CONCEPTUAL / MINIMALISMO 52 CINE / EPÍLOGO ——

56 ENTREVISTA A JULIAN ROSEFELDT 63 CRÉDITOS 66 MANIFIESTOS CITADOS

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PRÓLOGO

— MANIFIESTO DEL PARTIDO COMUNISTA, 1848. Karl Marx, Friedrich Engels — MANIFIESTO DADA, 1918. Tristan Tzara — LITERATURA Y EL RESTO, 1920. Philippe Soupault

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Oscuridad. Una llama y la mecha encendida de un gran cohete de fuegos artificiales, vistas en primer plano y cámara extremadamente lenta. Vemos miles de

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chispas fuera de foco, alejándose hasta que el cohete se enciende con una lluvia de fuego...

Todo lo sólido se desvanece en el aire.

Para lanzar un manifiesto es preciso querer: ABC para fulminar contra 1, 2, 3; volar de ira y aguzar las alas para conquistar y diseminar pequeños ABCs y grandes ABCs; firmar, gritar, maldecir; demostrar el propio non plus ultra; organizar la prosa en la forma de una evidencia absoluta e irrefutable.

Estoy en contra de la acción; a favor de la continua contradicción, y también de la afirmación. No estoy a favor ni en contra y no explico porque odio el sentido común.

Escribo un manifiesto porque no tengo nada para decir.

Hablo solo por mí mismo, ya que no quiero convencer, no tengo derecho a arrastrar a otros en mi corriente, no obligo a nadie a seguirme y todo el mundo hace su arte a su manera, si es que conoce la alegría que sube cual flecha a los planos astrales, o aquella que desciende a las minas de flores de cadáveres y espasmos fértiles. ¿Acaso se ha hallado la base psíquica común a toda la humanidad? ¿Cómo es que se quiere ordenar el caos constitutivo de esa variación informe e infinita: el hombre?

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SITUACIONISMO

LLAMAMOS A TODOS LOS INTELECTUALES HONESTOS, A TODOS LOS ESCRITORES Y ARTISTAS A ABANDONAR DECISIVAMENTE LA ILUSIÓN TRAICIONERA DE QUE EL ARTE PUEDE EXISTIR POR EL ARTE MISMO, O DE QUE EL ARTISTA PUEDE PERMANECER ALEJADO DE LOS CONFLICTOS HISTÓRICOS DONDE TODOS LOS HOMBRES DEBEN TOMAR PARTIDO

— MANIFIESTO BLANCO, 1946. Lucio Fontana — MANIFIESTO BOCETO, 1932. John Reed Club of New York — MANIFIESTO, 1948. Constant Nieuwenhuys — MANIFIESTO DE SUPREMATISTAS Y PINTORES NO-OBJETIVOS, 1919. Aleksandr Rodchenko — MANIFIESTO DE LA INTERNACIONAL SITUACIONISTA, 1960. Guy Debord

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Un día neblinoso en un campo en medio de las ruinas industriales de un complejo fabril abandonado. Vemos la mecha del prólogo, una vez más en primer plano y cámara lenta, pero esta vez de día. El cohete despega. Corte a tres mujeres viejas, entretenidas como niñas, que siguen encendiendo algunos cohetes más. En el fondo, dos niños remontan un barrilete. En el primer plano hay un vagabundo barbudo y malhumorado que viste un saco sucio y

engrasado con un carrito lleno de bolsas de plástico, y su viejo perro negro que ladra a los cohetes. Corte a los cohetes que estallan en el cielo, ahora vistos desde la perspectiva de un drone abajo de nosotros.

A lo lejos están las tres mujeres, y el vagabundo que lentamente comienza a alejarse caminando. Vuelo lento del drone a través del paisaje post-industrial, alejándose de la escena, por sobre los techos de fábricas abandonadas...

Nosotros continuamos la evolución del arte. Las ideas no se refutan.

Se encuentran en germen en la sociedad, luego los pensadores y los artistas las expresan.

La humanidad atraviesa la crisis más profunda de la historia.

Un viejo mundo muere; uno nuevo está naciendo. La civilización capitalista, que ha dominado la vida económica, política y cultural de los continentes, está en un proceso de decadencia. Cría ahora guerras nuevas y devastadoras. En este mismo momento, el lejano oriente bulle con conflictos militares y su preparación, que tendrán consecuencias de gran alcance para toda la humanidad.

Mientras tanto, la crisis económica imperante ejerce una carga cada vez mayor sobre la masa de la población mundial, sea que trabajen con sus manos o con el cerebro.

La crisis actual desnudó al capitalismo. Más que nunca, se revela como un sistema para el robo y el fraude, el desempleo y el terror, la hambruna y la guerra. La crisis general del capitalismo se refleja en su cultura. La maquinaria económica y política de la burguesía se deteriora, su filosofía, su literatura y su arte están en bancarrota. La burguesía no es más la clase progresista, y sus ideas ya no son ideas progresistas. Por el contrario: mientras el mundo burgués se aproxima al abismo, regresa al misticismo de la Edad Media. El fascismo en la política es acompañado por un neocatolicismo en el pensamiento.

El arte moderno, que sufre de una tendencia permanente a ser constructivo, de una obsesión con la objetividad, se erige aislado e impotente en una sociedad que parece empeñada en su propia destrucción. El arte occidental, que celebrara a emperadores y papas, se convierte en un instrumento para la glorificación de los ideales burgueses.

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Ahora que estos ideales se han vuelto una ficción con la desaparición de su base económica, una nueva era está sobre nosotros, en la cual la matriz entera de las convenciones culturales pierde su significado.

Pero, igual que la revolución social, la revolución espiritual no puede ser realizada sin conflicto.

En este período de cambios, el rol del artista solo puede ser el del revolucionario: su deber es destruir las últimas reminiscencias de una estética vacía e irritante, despertando el instinto creativo que aún duerme inconsciente en la mente humana.

Nuestro arte es el arte de un período revolucionario, simultáneamente la reacción ante un mundo que sucumbe y el precursor de una nueva era.

Alabamos a viva voz la revolución como el único motor de la vida. Alabamos las vibraciones de los inventores. Jóvenes y fuertes, marchamos con las antorchas ardientes de la revolución. ¡Este es el lugar para los de espíritu aventurero! Los tacaños y materialistas – ¡afuera!

Llamamos a todos los intelectuales honestos, a todos los escritores y artistas a abandonar decisivamente la ilusión traicionera de que el arte puede existir por el arte mismo, o de que el artista puede permanecer alejado de los conflictos históricos donde todos los hombres deben tomar partido. Los llamamos a romper con las ideas burguesas que buscan ocultar la violencia y el fraude, la corrupción y degradación de la sociedad capitalista. Los instamos a crear un arte nuevo que sea un arma en la lucha por un mundo nuevo y superior.

Contra el espectáculo, nuestra cultura introduce la participación total. Contra el arte conservado, es la organización del momento vivido directamente. Contra el arte fragmentario, será una práctica global colectiva. Esta cultura no será dominada por la necesidad de dejar huella. Una revolución del comportamiento, susceptible de extenderse a todo el planeta, y de propagarse seguidamente a todos los planetas habitables.

A quienes no nos comprendieran bien, les decimos con un desprecio irreductible: ‘¡Nosotros, aquellos de quienes se consideran jueces, un día los juzgaremos a ustedes!’.

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FUTURISMO

¡MÍRENNOS! ¡TODAVÍA NO ESTAMOS AGOTADOS! ¡NUESTROS CORAZONES NO SIENTEN CANSANCIO ALGUNO PORQUE SE ALIMENTAN DE FUEGO, DE ODIO Y DE VELOCIDAD! QUE COMIENCE FINALMENTE EL REINADO DE LA LUZ ELÉCTRICA DIVINA ¡HAGAN ESPACIO PARA LA JUVENTUD, LA VIOLENCIA Y LA AUDACIA!

— FUNDACIÓN Y MANIFIESTO DEL FUTURISMO, 1909. Filippo Tommaso Marinetti — MANIFIESTO DE LOS PINTORES FUTURISTAS, 1910.

Giacomo Balla / Umberto Boccioni / Carlo Carrá / Luigi Russolo / Gino Severini — LA ANTITRADICIÓN FUTURISTA, 1913. Giullaume Appollinarie — NOSOTROS: VARIANTE DE UN MANIFIESTO, 1920. Dziga Vertov

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Una corredora de bolsa en un salón lleno de computadoras, entre colegas, todos absorbidos por el trabajo. La cámara mira

primero a ella desde la perspectiva de un pájaro, luego se acerca a ella y finalmente retrocede para revelar todo el espacio.

Mis amigos y yo habíamos pasado toda la noche en vela. Estábamos sentados bajo lámparas de mezquita de cúpulas de bronce calado, estrelladas como nuestras almas, porque como ellas, las irradiaba el cerrado fulgor de un corazón eléctrico. Habíamos pisoteado largamente nuestra atávica indolencia sobre opulentas alfombras orientales, discutiendo en los confines extremos de la lógica y ennegreciendo mucho papel con nuestra frenética escritura. Un orgullo inmenso henchía nuestro pecho, pues nos sentíamos los únicos que estaban despiertos y en pie a esa hora, como faros soberbios o centinelas de avanzada frente al ejército de estrellas enemigas que nos vigilaban desde sus campamentos celestes.

Estábamos solos con los borrachos trastabillantes, que con un incierto batir de alas avanzan a lo largo de los muros de la ciudad... ¡Finalmente la mitología y el ideal místico han sido superados! ¡Ya está aquí, sobre la tierra, la primerísima aurora! ¡Nada iguala el esplendor de la espada flamígera del sol, que brilla por primera vez en medio de nuestras tinieblas milenarias!

Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad.

Nosotros queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y la temeridad como una práctica diaria común.

Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el paso veloz, la bofetada y el trompazo. Queremos glorificar la guerra, y las hermosas ideas por las que vale la pena morir.

Nosotros queremos exaltar toda forma de originalidad, aunque sea temeraria, aunque sea violentísima. El sufrimiento de un hombre nos interesa tanto como el sufrimiento de una lámpara eléctrica.

Nos rebelamos contra todo lo que está apolillado, sucio y carcomido por el tiempo.

Nosotros debemos inspirarnos en los milagros tangibles de la vida contemporánea, en la férrea red de velocidad que envuelve a la Tierra: la Tierra que se lanza a sí misma a una velocidad vertiginosa por la pista de su órbita. ¿Cómo permanecer insensibles a la frenética actividad de las grandes capitales, a la novísima psicología del noctambulismo?

Nosotros cantaremos sobre las grandes muchedumbres agitadas por el trabajo, el placer y la revuelta; el vibrante fervor nocturno de los arsenales y de los astilleros incendiados por

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violentas lunas eléctricas; las estaciones voraces, devoradoras de sierpes humeantes, las fábricas que cuelgan de las nubes del retorcido humo de sus chimeneas; y el vuelo de los aeroplanos, cuya hélice ondea al viento como una bandera y parece aplaudir como una multitud entusiasta.

Nosotros destruiremos el culto al pasado, la obsesión con lo antiguo, la pedantería y el formalismo académico. Queremos liberar a nuestro país de innumerables museos que lo cubren por completo como incontables cementerios. ¿Quieren malgastar sus mejores energías en esta eterna y fútil admiración del pasado, que los deja fatalmente exhaustos, disminuidos y pisoteados?

A la mierda con Florencia, Montmartre y Múnich. A la mierda con los diccionarios. Los “ismos” del buen gusto. Orientalismo.

Academicismo. A la mierda con Dante, Shakespeare, Tolstoi, Goethe.

Diletantes cagados encima. ¡A la mierda con Montaigne, Wagner, Beethoven, Whitman y Baudelaire! ¡Mírennos! ¡Todavía no estamos agotados! ¡Nuestros corazones no sienten cansancio alguno porque se alimentan de fuego, de odio y de velocidad! ¡Miren a su alrededor! Encaramados en la cima del mundo, ¡nosotros seguimos desafiando con un grito a las estrellas!

Nuestros ojos, movidos por hélices, despegan hacia el porvenir sostenidos en las alas de la hipótesis.

Que comience finalmente el reinado de la luz eléctrica divina. ¡Hagan espacio para la juventud, la violencia y la audacia!

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ARQUITECTURA

VIDRIOSO Y BRILLANTE RESPLANDECE UN MUNDO NUEVO EN LA LUZ MATUTINA; IRRADIA SUS PRIMEROS RAYOS EL GRAN SOL DEL ARTE COMENZARÁ SU RECORRIDO VICTORIOSO CREEMOS HOY MÁS QUE NUNCA EN NUESTRA VOLUNTAD, QUE CREA EL ÚNICO VALOR DE LA VIDA Y ESTE VALOR ES: EL CAMBIO PERPETUO

— ¡ABAJO CON EL SERIOSISMO!, 1920. Bruno Taut — LUZ TEMPRANA, 1921. Bruno Taut — LA ARQUITECTURA FUTURISTA,1914. Antonio Sant’Elia — LA ARQUITECTURA DEBE ARDER, 1980. Coop Himmelb(l)au — UN SUAVE MANIFIESTO EN FAVOR DE UNA ARQUITECTURA EQUÍVOCA, 1966. Robert Venturi

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¿Cómo amanecerá el día? ¿Quién sabe?

Pero sentimos la mañana. Ya no vagamos como lunáticos ensoñados por la noche en la pálida luz de la historia. Un viento frío de madrugada nos rodea; quien no quiera tiritar tiene que salir a caminar. Y nosotros y todos los que caminan con nosotros vemos en la distancia la luz temprana del amanecer que despierta.

Vidrioso y brillante resplandece un mundo nuevo en la luz matutina; irradia sus primeros rayos. Un primer destello del alba exultante. Décadas, generaciones–y el gran sol del arte comenzará su recorrido victorioso. Creemos hoy más que nunca en nuestra voluntad, que crea el único valor de la vida. Y este valor es: el cambio perpetuo.

Luchamos sin tregua contra la cobardía tradicionalista.

Sentimos que ya no somos los hombres de las catedrales, de los palacios y de los ayuntamientos. Somos los hombres de los grandes hoteles, de las galerías luminosas, de lo rectilíneo y de las saludables demoliciones. Hagamos volar por los aires los monumentos, las aceras, las gradas, hundamos las calles y las plazas; elevemos la altura de la ciudad. Nosotros debemos inventarla y reedificarla como si fuera un inmenso y tumultoso astillero–ágil, móvil y dinámica– en cada una de sus partes; y nuestras casas como si fueran máquinas gigantescas.

En la distancia resplandece nuestro mañana. ¡Arriba lo transparente, lo claro! ¡Arriba la pureza! ¡Arriba y más arriba el cristal, lo fluido, lo grácil, lo angular, lo centelleante, lo resplandeciente, la luz– arriba la construcción eterna!

Una arquitectura que sangre, que se agote, que gire, y que hasta se rompa. Una arquitectura que se encienda, que pique, que se rasgue y se desgarre bajo tensión. La arquitectura debe ser cavernosa, fogosa, suave, dura, angular, brutal, redonda, delicada, colorida, obscena, lujuriosa, ensoñada, atractiva, repulsiva, palpitante.

Viva o muerta.

Si es fría, entonces fría como un bloque de hielo.

Si es caliente, entonces caliente como un viento ardiente.

La arquitectura debe arder.

Me gustan los elementos que son híbridos en vez de ‘puros’, arriesgados en vez de ‘limpios’, distorsionados en vez de ‘sencillos’, ambiguos en vez de ‘articulados’, aburridos tanto como ‘interesantes’, inconsistentes y equívocos en vez de directos y claros. Estoy a favor de una vitalidad desordenada por encima de

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Una trabajadora fabril se levanta muy temprano en la mañana. La vemos –una madre soltera– primero en su departamento: rituales matutinos, café fuerte, prepara el desayuno para su hija que todavía duerme, escribe una nota para ella. Sale de la casa y maneja

un ciclomotor a través de la ciudad hasta su trabajo (trabaja como operadora de una grúa en una planta incineradora, trabajo monótono, bastante sombrío).

Luego de entrar al edificio, se cambia en el vestuario y comienza a trabajar.

¿Cómo amanecerá el día? ¿Quién sabe?

Pero sentimos la mañana. Ya no vagamos como lunáticos ensoñados por la noche en la pálida luz de la historia. Un viento frío de madrugada nos rodea; quien no quiera tiritar tiene que salir a caminar. Y nosotros y todos los que caminan con nosotros vemos en la distancia la luz temprana del amanecer que despierta.

Vidrioso y brillante resplandece un mundo nuevo en la luz matutina; irradia sus primeros rayos. Un primer destello del alba exultante. Décadas, generaciones y el gran sol del arte comenzará su recorrido victorioso. Creemos hoy más que nunca en nuestra voluntad, que crea el único valor de la vida. Y este valor es: el cambio perpetuo.

Luchamos sin tregua contra la cobardía tradicionalista.

Sentimos que ya no somos los hombres de las catedrales, de los palacios y de los ayuntamientos. Somos los hombres de los grandes hoteles, de las galerías luminosas, de lo rectilíneo y de las saludables demoliciones. Hagamos volar por los aires los monumentos, las aceras, las gradas, hundamos las calles y las plazas; elevemos la altura de la ciudad. Nosotros debemos inventarla y reedificarla como si fuera un inmenso y tumultuoso astillero –ágil, móvil y dinámica– en cada una de sus partes; y nuestras casas como si fueran máquinas gigantescas.

En la distancia resplandece nuestro mañana. ¡Arriba lo transparente, lo claro! ¡Arriba la pureza! ¡Arriba y más arriba el cristal, lo fluido, lo grácil, lo angular, lo centelleante, lo resplandeciente, la luz – arriba la construcción eterna!

Una arquitectura que sangre, que se agote, que gire, y que hasta se rompa. Una arquitectura que se encienda, que pique, que se rasgue y se desgarre bajo tensión. La arquitectura debe ser cavernosa, fogosa, suave, dura, angular, brutal, redonda, delicada, colorida, obscena, lujuriosa, ensoñada, atractiva, repulsiva, palpitante.

Viva o muerta.

Si es fría, entonces fría como un bloque de hielo.

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Si es caliente, entonces caliente como un ala ardiente.

La arquitectura debe arder.

Me gustan los elementos que son híbridos en vez de ‘puros’, arriesgados en vez de ‘limpios’, distorsionados en vez de ‘sencillos’, ambiguos en vez de ‘articulados’, aburridos tanto como ‘interesantes’, inconsistentes y equívocos en vez de directos y claros. Estoy a favor de una vitalidad desordenada por encima de una unidad obvia. Estoy a favor de la riqueza de sentido en vez de claridad de sentido; prefiero ‘tanto-como’ antes que ‘esto-o esto’.

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VORTICISMO / EL JINETE AZUL / EXPRESIONISMO ABSTRACTO

NO NECESITAMOS LA UTILERÍA OBSOLETA DE UNA LEYENDA PASADA DE MODA Y ANTICUADA NOS ESTAMOS LIBERANDO DE LOS IMPEDIMENTOS DE LA MEMORIA, LA ASOCIACIÓN, LA NOSTALGIA, LA LEYENDA Y EL MITO ESTAMOS CREANDO IMÁGENES CUYA REALIDAD ES EVIDENTE POR SÍ MISMA, TAN SUBLIMES COMO HERMOSAS LO SUBLIME ES AHORA

— PREFACIO AL ALMANAQUE DE EL JINETE AZUL, 1912. Wassily Kandinsky / Franz Marc — LO SUBLIME ES AHORA, 1948. Barnett Newman — MANIFIESTO, 1914. Wyndham Lewis

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Una reunión privada de comisión directiva en la mansión de la CEO que invitó a todos en esta ocasión especial para presentar un nuevo concepto para la compañía. Los miembros de la comi-

sión disfrutan de la fiesta –fuman en la terraza, charlan y beben– hasta que ella llama a la reunión; entonces todos toman sus lugares y escuchan mientras ella habla.

Una gran era ha comenzado: El ‘despertar’ espiritual, la tendencia creciente a recuperar el balance perdido, la necesidad inevitable de raíces espirituales, el despliegue de la primera flor.

Estamos parados en el umbral de una de las mayores épocas que la humanidad haya experimentado: La época de la gran espiritualidad.

El arte, la literatura, hasta las ciencias exactas están en distintos estadios de cambio en esta ‘nueva’ era; todas serán superadas por ella.

No necesitamos la utilería obsoleta de una leyenda pasada de moda y anticuada. Estamos creando imágenes cuya realidad es evidente por sí misma y que carecen de utilería y muletas que evoquen asociaciones con imágenes pasadas de moda, tan sublimes como hermosas.

Nos estamos liberando de los impedimentos de la memoria, la asociación, la nostalgia, la leyenda y el mito.

En lugar de hacer catedrales de Cristo, la ‘vida’ o el hombre, las hacemos de nosotros mismos, de nuestros propios sentimientos.

La imagen que producimos es tan evidente como una revelación, real y concreta, que puede ser comprendida por cualquiera que la vea sin los anteojos nostálgicos de la historia.

Lo sublime es ahora.

No es necesario ser un bohemio abyecto, estar desaliñado o ser pobre, más de lo que es necesario ser rico o famoso, para ser artista. El arte no tiene nada que ver con el saco que tengas puesto. ¡Los ‘pobres’ son animales detestables! ¡Sólo son pintorescos e interesantes para el sentimentalista o el romántico! ¡Y los ‘ricos’ son aburridos, sin una sola excepción, en tanto que ricos!

Damas y caballeros – ¡Larga vida al gran vórtice del arte!

Nuestro vórtice no teme al Pasado: ha olvidado su existencia.

El Futuro es distante, como el Pasado, y por eso es sentimental. El nuevo vórtice se sumerge en el corazón del Presente. Pero deseamos que el Pasado y el Futuro estén con nosotros – el pasado para escurrir nuestra melancolía, el Futuro para absorber nuestro problemático

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optimismo. Con nuestro vórtice, el Presente es lo único activo. El Pasado y el Futuro son las prostitutas que la Naturaleza proveyó.

El arte significa escapadas periódicas de su burdel.

La vida es el Pasado y el Futuro.

Pero el Presente es arte.

Queremos dejar solos a la Naturaleza y a los Hombres.

Necesitamos el inconsciente de la humanidad – su estupidez, su animalismo y sus sueños.

El instinto artístico es permanentemente primitivo.

Sólo queremos que el mundo viva, y sentir su energía cruda fluir a través de nosotros.

Damas y caballeros… BLAST*.

BLAST nos encamina en una vía para todas esas ideas vívidas y violentas que no podrían alcanzar al público de ninguna otra manera.

BLAST será popular, esencialmente. No atraerá a ninguna clase particular, sino a los instintos fundamentales y populares en cada clase y descripción de persona: al individuo.

En el momento en que un hombre se siente o se realiza como un artista, deja de pertenecer a cualquier medio o tiempo.

BLAST presenta un arte de individuos.

Queremos que esa gente simple y grandiosa se encuentre en todos lados.

Hay una verdad, nosotros, y todo está permitido. Somos orgullosos, hermosos y depredadores. Cazamos máquinas, son nuestro juego favorito.

Las inventamos y las cazamos.

Muchas gracias.

* N. del T.: El nombre de la revista es la onomatopeya de una explosión.

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ESTRIDENTISMO / CREACIONISMO

LA VERDAD NUNCA ACONTECE NI SUCEDE FUERA DE NOSOTROS LAS COSAS NO TIENEN VALOR INTRÍNSECO POSIBLE, Y SU EQUIVALENCIA POÉTICA FLORECE EN UN SECTOR INTERNO GLORIOSAMENTE AISLADO, ME ILUMINO EN LA MARAVILLOSA INCANDESCENCIA DE MIS NERVIOS ELÉCTRICOS LA LÓGICA ES UN ERROR Y EL DERECHO A LA INTEGRIDAD UNA BROMA MONSTRUOSA

— ACTUAL Nº1 HOJA DE VANGUARDIA COMPRIMIDO ESTRIDENTISTA, 1921. Manuel Maples Arce — DEBEMOS CREAR, 1922. Vicente Huidobro — EL MANIFIESTO REALISTA, 1920. Naum Gabo / Anton Pevzner

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Una fiesta privada en el área detrás de escena de un teatro, mitad sala de ensayo, mitad estudio. La fiesta casi terminó, gente bebe y toma cocaína, una bailarina solitaria, un baterista, un bajista y un

guitarrista zapan caóticamente. Una invitada tatuada está sentada sola al lado de una pareja que coquetea, mira abstraída y murmura para sí misma.

¡Chopin a la silla eléctrica! El humo azul de los tubos de escape, que huele a modernidad y a dinamismo tiene, equivalentemente, el mismo valor emocional que las venas adorables de nuestras correlativas y exquisitas actualistas.

El hombre no es un mecanismo de relojería nivelado y sistemático. Las ideas muchas veces se descarrilan, y nunca son continuas y sucesivas, sino simultáneas e intermitentes. La lógica es un error y el derecho a la integridad una broma monstruosa.

Todo el mundo trata por un sistema de escoleta reglamentaria. ¿Y la sinceridad? ¿Quién ha inquirido? Un momento, señoras y señores, que hay cambio de carbones. Y ahora, yo pregunto, ¿quién es el más sincero? ¿Los que no toleramos extrañas influencias y nos depuramos y cristalizamos en el filtro cenestésico de nuestra emoción personalísima? ¿O todos esos ‘poderes’ ideocloróticamente diernéfistas que solo tratan de congraciarse con la masa amorfa de un público insuficiente –una masa dictatorial y retardataria de críticos oficiosos, académicos fotofóbicos y esquiroles traficantes y plenarios?

Mi locura no está en los presupuestos.

La verdad nunca acontece ni sucede fuera de nosotros.

La vida es solo un método sin puertas que se llueve a intervalos.

Las cosas no tienen valor intrínseco posible, y su equivalencia poética florece en sus relaciones y coordinaciones las que solo se manifiestan en un sector interno.

Nosotros buscamos la verdad en la realidad pensada y no en las apariencias.

Debemos crear.

El hombre ya no imita. Inventa, agrega a los hechos del mundo, nacidos en el seno de la Naturaleza, hechos nuevos nacidos en su cabeza: un poema, un cuadro, una estatua, un barco a vapor, un auto, un aeroplano...

Debemos crear. He aquí el signo de nuestra época.

Imponer límites estéticos. Crear arte con las propias habilidades, no incorporar valores viejos sino crearlos de nuevo.

Dejemos el pasado a nuestras espaldas como una carroña.

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Dejemos el futuro a los profetas. Nosotros nos quedaremos con el hoy. ¡Nada de retrospección! ¡Nada de futurismo! Todo el mundo, allí, quieto, iluminado maravillosamente en el vértice estupendo del minuto presente; atalayado en el prodigio de una emoción inconfundible y única y sensorialmente electrolizado en el ‘yo’ superatista, vertical sobre el instante meridiano, siempre el mismo, y renovado siempre. Amemos nuestro siglo insuperado. Nuestro egoísmo es ya superlativo; nuestra convicción, inquebrantable.

Gloriosamente aislado, me ilumino en la maravillosa incandescencia de mis nervios eléctricos.

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SUPREMATISMO / CONSTRUCTIVISMO

ME HE TRANSFIGURADO EN EL CERO DE LA FORMA YO LES DIGO A TODOS: ¡DESPRÉNDANSE DEL AMOR! ¡RECHACEN EL ESTETICISMO! ¡DESHÁGANSEDE LAS VALIJAS DE LA SABIDURÍA! SOLO LOS ARTISTAS OBTUSOS E IMPOTENTES DISFRAZAN SU ARTE BAJO UN MANTO DE SINCERIDAD EN EL ARTE HACE FALTA VERDAD, NO SINCERIDAD

— EL MANIFIESTO REALISTA,1920. Naum Gabo / Anton Pevzner — DEL CUBISMO Y EL FUTURISMO AL SUPREMATISMO. EL NUEVO REALISMO PICTÓRICO, 1916. Kazimir Malevich — CUBISMO, FUTURISMO, SUPREMATISMO, 1917. Olga Rozanova — MANIFIESTO DE SUPREMATISTAS Y PINTORES NO-OBJETIVOS, 1919. Aleksandr Rodchenko

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Una científica en un traje blanco de protección trabaja en un laboratorio de alta tecnología, camina por el edificio –en algún lugar del decorado, un afiche de un hombre prehistórico, sumido en su pensamiento como El Pensador de Rodin– hasta que llega a un gran laboratorio,

cubierto por todos lados del patrón abstracto-geométrico de los elementos que absorben el sonido, en donde un objeto extraño que se parece a una versión horizontal del monolito de 2001: Odisea en el espacio flota a media altura.

En el torbellino de nuestros días activos, Más allá de las cenizas y de las ruinas del pasado, Ante las cancelas de un futuro vacuo, Nosotros proclamamos ante vosotros, artistas, pintores, escultores, músicos, actores, poetas... ante vosotros, personas para las que el Arte no es solo una mera fuente de conversación, sino el manantial mismo de una real exaltación, nuestra convicción y los hechos.

Me he transfigurado en el cero de la forma y me he rescatado del lodazal de inmundicias del arte académico.

Los objetos se han desvanecido como humo; he quebrado el anillo del horizonte, he escapado de ese círculo perimetral de las cosas que aprisiona al pintor y a las formas de la naturaleza. Ese anillo maldito aleja al pintor de su objetivo de perdición.

El salvaje fue el primero en establecer el principio del naturalismo: dibujó un punto con cinco palitos y con eso se propuso representar la imagen de sí mismo. Ese primer intento dejó sentadas en la conciencia las bases para la imitación de las formas de la naturaleza. Allí nació el objetivo de aproximarse lo más posible al aspecto de la naturaleza. Cuanto más aumentaba su comprensión consciente de la naturaleza, más se complejizaba su trabajo y más crecían su experiencia y sus habilidades. Pero su consciencia evolucionaba en una sola dirección: hacia la recreación de la naturaleza, y no hacia nuevas formas de arte.

Las formas nacen y cambian, y siempre estamos descubriendo cosas nuevas. Y lo que descubrimos no debe ser vuelto a cubrir. Y es ridículo hacer encajar por la fuerza nuestra época en los moldes de tiempos pasados.

La vida debe ser purificada de los despojos del pasado, del eclecticismo parasitario, para ser devuelta a su evolución normal.

El arte no debe avanzar hacia la abreviación o la simplificación, sino hacia la complejidad.

La Venus de Milo es un ejemplo patente de esa decadencia: no es una mujer real, es una parodia.

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El David de Miguel Ángel es una aberración.

Todos los maestros del Renacimiento lograron grandes resultados de anatomía. Pero no lograron veracidad en sus impresiones del cuerpo. Los artistas eran investigadores judiciales, oficiales de policía que elaboraban diversos informes sobre las propiedades de la naturaleza, zoólogos, botanistas y arqueólogos.

Todo lo vivo quedaba reducido a su inmovilidad, a un estado de muerte.

El salvaje que dibujó felizmente los contornos del toro o venado en un pedazo de piedra, los artistas de la antigüedad y del Renacimiento, los impresionistas, los cubistas, los futuristas – todos están unidos por la misma cosa: el objeto.

Mirad un rayo de sol, la más inmóvil de las fuerzas inmóviles.

Tiene una velocidad de 300.000 kilómetros por segundo. ¿Qué son nuestros trenes terrestres comparados con los veloces trenes de las galaxias?

Los objetos murieron ayer. Somos los creadores de la noobjetividad.

La forma intuitiva debe salir de la nada. Esas formas no serán repeticiones de cosas vivas de la realidad: serán la cosa viva misma.

La naturaleza es un cuadro vivo que se puede admirar. Al repetir y calcar las formas de la naturaleza, hemos imbuido en nuestra conciencia una falsa concepción del arte. Repetir a la naturaleza es robar, y el que repite la naturaleza es un ladrón. El pintor ha hecho votos de ser un creador libre y no un ladrón en libertad. Sólo es artista por derecho propio a través de la creación absoluta. Crear significa vivir, producir eternamente cosas siempre nuevas. ¡El milagro también debe estar en la creación artística!

Yo les digo a todos: despréndanse del amor, rechacen el esteticismo, desháganse de las valijas de la sabiduría, porque en la nueva civilización, esa sabiduría es ridícula e insignificante. Solo los artistas obtusos e impotentes disfrazan su arte bajo un manto de sinceridad. En el arte hace falta verdad, no sinceridad.

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DADAÍSMO

AQUÍ ECHAMOS EL ANCLA EN LA TIERRA FERAZ. FANTASMAS EBRIOS DE ENERGÍA, HINCAMOS EL TRIDENTE EN LA CARNE DISTRAÍDA YO ESTOY CONTRA LOS SISTEMAS EL ÚNICO SISTEMA TODAVÍA ACEPTABLE ES EL DE NO TENER SISTEMAS LOS MEJORES Y MÁS FABULOSOS ARTISTAS SERÁN AQUELLOS QUE CON LAS MANOS Y EL CORAZÓN SANGRANTES, QUE SE ENSAÑEN CON EL INTELECTO DE LA ÉPOCA SENTARSE EN UNA SILLA POR UN MOMENTO ES ARRIESGAR LA PROPIA VIDA

— MANIFIESTO DADA ,1918. Tristan Tzara — EL SEÑOR AA EL ANTIFILÓSOFO NOS ENVÍA SU MANIFIESTO O MANIFIESTO DEL SEÑOR AA EL ANTIFILÓSOFO, 1920. Tristan Tzara — MANIFIESTO CANÍBAL DADA, 1920. Francis Picabia — LOS PLACERES DE DADA, 1920. Georges Ribemont — AL PÚBLICO,1920. Georges Ribemont — CINCO MEDIOS PENURIA DADA O DOS PALABRAS DE EXPLICACIÓN, 1920. Paul Éluard — MANIFIESTO DADA,1920. Louis Aragon — MANIFIESTO DADAÍSTA,1918. Richard Huelsenbeck

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Una amiga cercana del difunto pronuncia una oración en la ceremonia funeraria junto a una tumba abierta rodeada de gente de negro. Más temprano, hemos visto las típicas actividades ceremonia-

les: el cajón que es cargado fuera de la iglesia, acompañado por una pequeña orquesta de vientos, la muchedumbre de luto camina hacia la tumba, etc.

Aquí echamos el ancla en la tierra feraz. Fantasmas ebrios de energía, hincamos el tridente en la carne distraída. Rebozamos de maldiciones en la tropical abundancia de vertiginosas vegetaciones: goma y lluvia es nuestro sudor, sangramos y quemamos la sed. Nuestra sangre es vigorosa.

Yo les digo: no hay un comienzo y nosotros no temblamos, no somos unos sentimentales. Nosotros desgarramos como un furioso viento la ropa de las nubes y de las plegarias y preparamos el gran espectáculo del desastre, el incendio, la descomposición.

Preparamos la supresión del dolor y sustituimos las lágrimas por sirenas tendidas de un continente a otro. Banderas de intensa alegría viudas de la tristeza del veneno. Lamer la penumbra y flotar en la gran boca llena de miel y de excrementos.

Yo destruyo los cajones del cerebro y los de la organización social: desmoralizar por doquier y arrojar la mano del cielo al infierno, los ojos del infierno al cielo.

Uno muere como un héroe o como un idiota, que es lo mismo.

La única palabra que no es efímera es la palabra muerte.

Probablemente disfruten de la vida. Pero tienen malos hábitos.

Aprecian demasiado aquello que les enseñaron a apreciar. Los cementerios, la melancolía, el amante trágico, las góndolas venecianas.

Ustedes gritan a la luna. Si no fueran tan cobardes, hundiéndose bajo el peso de todos esos pensamientos y abstracciones inexistentes que les han impuesto, todo ese sinsentido disfrazado de dogma, se erguirían para jugar al juego de la masacre, tal como nosotros. Pero temen demasiado ya no creer. No entienden que uno puede no estar atado a nada y ser feliz.

Vemos todo, no amamos nada.

Somos indiferentes.

Estamos muertos pero no nos pudrimos porque nunca tenemos el mismo corazón en nuestro pecho, ni el mismo cerebro en nuestra cabeza.

Y absorbemos todo a nuestro alrededor; no hacemos NADA. Yo estoy contra los sistemas: el único sistema todavía aceptable es el de no tener sistemas.

Abolición de la lógica: Dada.

Abolición de la memoria: Dada.

Abolición de la arqueología: Dada.

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Abolición del futuro: Dada.

Dada sigue siendo mierda, pero de ahora en más queremos cagar de distintos colores para decorar el zoológico del arte con todas las banderas consulares. Dada no es ni locura, ni sabiduría, ni ironía.

Dada no significa nada.

Y ustedes son todos idiotas.

Son unos completos idiotas, hechos con el alcohol del sueño purificado.

Son como sus esperanzas: nada. Como sus paraísos: nada.

Como sus ídolos: nada. Como sus políticos: nada. Como sus héroes: nada. Como sus artistas: nada. Como sus religiones: nada.

No más pintores, no más escritores, no más músicos, no más escultores, no más religiones, no más republicanos, no más monárquico, no más imperialistas, no más anarquistas, no más socialistas, no más bolcheviques, no más políticos, no más proletarios, no más demócratas, no más burgueses, no más aristócratas, no más ejércitos, no más policía, no más patrias, ya basta de esas imbecilidades. No más nada, no más nada. Nada.

Nada. Nada. Nada.

Antes de bajar ahí, entre ustedes, para arrancarles los dientes podridos, sus orejas llenas de mugre, sus lenguas cubiertas de llagas.

Antes de arrancarles sus pititos feos, incontinentes y desagradables...

Antes de así extinguir su apetito por los orgasmos, la filosofía, la pimienta y los pepinos metafísicamente matemáticos y poéticos...

Antes de todo eso...

Nos daremos un gran baño en antiséptico...

Y les advertimos... ¡Somos nosotros los que asesinamos a todos sus bebés recién nacidos!

Nos hacen falta obras fuertes, rectas, precisas, y más que nunca, incomprensibles. La lógica es una complicación. La lógica siempre es falsa. Ligado a la lógica, el arte viviría en el incesto, tragándose su propia cola, su cuerpo, fornicando dentro de sí mismo.

Los mejores y más fabulosos artistas serán aquellos que se arranquen a toda hora sus cuerpos andrajosos de la catarata frenética de la vida; que se ensañen con el intelecto de la época, con las manos y el corazón sangrantes.

Sentarse en una silla por un momento es arriesgar la propia vida.

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SURREALISMO / ESPACIALISMO

ADIÓS A LAS ABSURDAS SELECCIONES, LOS SUEÑOS DE ABISMOS, EL ORDEN ARTIFICIAL DE LAS IDEAS MATA, VUELA MÁS VELOZMENTE, AMA TODO LO QUE QUIERAS DÉJATE LLEVAR QUE SE TOMEN SIMPLEMENTE EL TRABAJO DE PRACTICAR LA POESÍA

— MANIFIESTO DEL SURREALISMO,1924. André Breton — SEGUNDO MANIFIESTO DEL SURREALISMO,1929. André Breton — MANIFIESTO BLANCO, 1946. Lucio Fontana

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Una titiritera en su taller lleno de herramientas, máquinas y títeres en la pared, completamente inmersa en el trabajo de terminar la cabeza de un títere que se ve y está vestido exactamente igual a ella.

Ella está sumergida en su pensamiento

mientras modela su alter ego a la perfección, interrumpiendo el trabajo de tanto en tanto para mirarlo (como Dios a su creación), cuando abruptamente habla con su voz, moviendo al títere en correspondencia.

Querida imaginación, lo que más quiero en ti es que no perdonas.

Lo único que todavía me exalta es la palabra libertad. Entre tantos infortunios que heredamos hay que reconocer que también nos han dado la máxima libertad espiritual. La imaginación sola me informa sobre lo que puede ser, y esto ya es suficiente para que yo me abandone sin temor de engañarme.

Todavía vivimos bajo el reinado de la lógica. El racionalismo absoluto, que todavía está de moda, solo permite tomar en cuenta los hechos que dependen directamente de nuestra experiencia.

Con el pretexto de la civilización, con el pretexto del progreso, se ha logrado eliminar del espíritu toda investigación de la verdad que no estuviera de acuerdo con el uso corriente.

Desde el nacimiento hasta la muerte, el pensamiento no ofrece ninguna solución de continuidad. Pero una parte de nuestro mundo mental finalmente ha sido sacada nuevamente a la luz: el sueño. Un observador común le adjudica una importancia mucho mayor a los acontecimientos de la vigilia que a aquellos que ocurren en sueños. Queda el sueño limitado a un paréntesis, como la noche. ¿Cuándo habrá lógicos y filósofos durmientes? Quisiera dormir, para poder entregarme a los que duermen; para acabar con el predominio del ritmo consciente de mi pensamiento en este asunto. ¿No podría aplicarse también el sueño a la solución de los problemas fundamentales de la vida? ¿Está el sueño menos abrumado de sanciones que todo lo restante?

Salir a la calle, empuñando revólveres y tirar sobre la multitud al azar cuantas veces sea posible.

Mata, vuela más velozmente, ama todo lo que quieras. Déjate llevar. Y si mueres, ¿no estás seguro de que despertarás de entre los muertos?

Yo creo firmemente en la fusión futura de esos dos estados, el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad.

Surrealismo. Automatismo psíquico en su estado puro.

Dictado por el pensamiento, en la ausencia de cualquier control ejercido por la razón, basado en la creencia de la omnipotencia del

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sueño, exento de cualquier preocupación estética o moral.

La razón no crea. En la creación de formas, su función está subordinada a la del subconsciente.

El subconsciente, magnífico receptáculo donde se alojan todas las imágenes que percibe el entendimiento, aloja las nociones que informan la naturaleza del hombre. El subconsciente moldea al individuo, lo integra y lo transforma.

Yo creo en la alegría pura del hombre que parte de donde quiere y a lo largo de cualquier camino que no sea razonable llega a donde puede. ¡Adiós a las absurdas selecciones, los sueños de abismos, las rivalidades, las largas paciencias! ¡Adiós a la fuga de las estaciones, el orden artificial de las ideas, la pendiente peligrosa, el tiempo para todo! Que se tomen simplemente el trabajo de practicar la poesía.

Este verano las rosas son azules; el bosque, de cristal. La tierra, cubierta en su capa de verdor me impresiona tan poco como un fantasma. Vivir y dejar vivir son solo soluciones imaginarias.

La existencia está en otro lado.

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POP ART

ESTOY A FAVOR DE UN ARTE QUE CREZCA SIN SABER SIQUIERA QUE ES ARTE ESTOY A FAVOR DE TODO ARTE QUE TOME SU FORMA DE LAS LÍNEAS DE LA VIDA MISMA ESTOY A FAVOR DE UN ARTE QUE SE RETUERZA Y SE EXTIENDA Y SE ACUMULE Y ESCUPA Y GOTEE Y SEA PESADO Y ÁSPERO Y CONTUNDENTE Y DULCE Y ESTÚPIDO COMO LA VIDA MISMA

— ESTOY A FAVOR DE UN ARTE..., 1961. Claes Oldenburg

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Una madre da las gracias antes de la cena, rodeada de su familia. Antes la vimos poner la mesa junto a la sirvienta.

Llama a sus tres hijos. Los dos menores llegan (después de que los llamara otra vez, más fuerte) y se sientan. El mayor

llega de mal humor. La madre se sienta silenciosamente y comienza a rezar. El padre llega tarde, se cuelga la servilleta al cuello y empieza a murmurar la misma oración, aunque no la sabe tan bien como sus hijos.

Estoy a favor de un arte que sea político, erótico, místico, que haga algo distinto a estar sentado sobre su culo en un museo.

Estoy a favor de un arte que crezca sin saber siquiera que es arte.

Estoy a favor de un arte que se embrolle con la mierda del día a día e igual salga ganando.

Estoy a favor de un arte que imite lo humano, que sea cómico, si es necesario, o violento o lo que sea necesario.

Estoy a favor de todo arte que tome su forma de las líneas de la vida misma, que se retuerza, y se yerga, y se acumule, y escupa y gotee y sea pesado, y áspero y contundente, y dulce, y estúpido como la vida misma.

Estoy a favor de un arte que salga de una chimenea como pelo negro y se esparza por el cielo.

Estoy a favor de un arte que se derrame del bolsillo de un viejo cuando él rebote contra un paragolpes que pasa.

Estoy a favor de un arte que salga de la boca de un perrito, que caiga cinco pisos desde el techo.

Estoy a favor del arte que un niño lame después de desenvolverlo.

Estoy a favor del arte que se fume, como un cigarrillo; que huela como un par de zapatos.

Estoy a favor de un arte que se ponga y se saque como pantalones; que se agujeree como las medias, que se coma como un pedazo de torta, o se abandone con desprecio como un pedazo de mierda.

Estoy a favor de un arte que cojee y ruede y corra y salte.

Estoy a favor del arte que se retuerza y gruña como un luchador.

Estoy a favor del arte de bolsillo, de los canales profundos del oído, del filo de un cuchillo, de las comisuras de la boca, clavado en el ojo o llevado en la muñeca.

Estoy a favor del arte bajo las polleras, y de un arte de clavar cucarachas.

Estoy a favor del arte que baja de los cielos de noche, como un

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rayo, que se esconde en las nubes y aúlla.

Estoy a favor de un arte que se despliegue como un mapa; que puedas besar, como a un perro de compañía. Que se expanda y cruja, como un acordeón; sobre el cual se pueda volcar la cena, como un viejo mantel.

Estoy a favor del arte del sudor que surge entre piernas cruzadas.

Estoy a favor del arte de pájaros muertos.

Estoy a favor del arte de la charla del bar, de escarbarse los dientes, tomar cerveza, salar el huevo e insultar.

Estoy a favor del arte de caerse de la silla del bar.

Estoy a favor del arte de la ropa interior y el arte de taxis.

Estoy a favor del arte de los conos de helado dejados caer sobre el cemento.

Estoy a favor del arte majestuoso de los soretes de perro que se yerguen como catedrales.

Estoy a favor del arte que cae, salpica, se menea, salta, se enciende y se apaga.

Estoy a favor del arte de los maullidos y el estruendo de los gatos y a favor del arte de sus tontos ojos eléctricos.

Estoy a favor del arte blanco de las heladeras y sus aperturas y cierres musculares.

Estoy a favor del arte de los corazones, corazones fúnebres o corazones de novios, llenos de nougat.

Estoy a favor del arte del dedo sobre una ventana fría, sobre acero polvoriento o en las burbujas al costado de una bañadera.

Estoy a favor del arte de los ositos de peluche y pistolas, paraguas explotados, árboles en llamas, mechas de petardos, huesos de pollo, y cajas adentro de las cuales duermen hombres.

Estoy a favor del arte de arreglos fúnebres ligeramente podridos, conejos colgados sanguinolentos, bombos y redoblantes, y fonógrafos de plástico.

Estoy a favor de un arte de Precios Cuidados, un arte del Gaste Menos, Coma Mejor, arte de jamón, arte de cerdo, arte de pollo, arte de tomate, arte de banana, arte de manzana, arte de pavo, arte de torta, arte de galletita.

Estoy a favor de un arte que se peine, que se cuelgue de cada oreja, que se coloque sobre los labios y bajo los ojos, que se afeite de las piernas, que se cepille sobre los dientes, que se ajuste a los muslos, que se calce en el pie.

Un cuadrado que se transforma en mancha.

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FLUXUS / MERZ / PERFORMANCE

DEMANDO LA INCLUSIÓN TOTAL DE TODOS LOS MATERIALES DESDE SOLDADORES DE VÍA DOBLES HASTA VIOLINES DE TRES CUARTOS DE TAMAÑO DEMANDO LA MOVILIZACIÓN COMPLETA DE TODAS LAS FUERZAS ARTÍSTICAS PARA CREAR LA OBRA DE ARTE TOTAL TOMEN TRAMPAS-HOMBRE, PISTOLAS AUTOMÁTICAS, MÁQUINAS INFERNALES, TODO POR SUPUESTO EN UNA CONDICIÓN ARTÍSTICAMENTE DEFORMADA LOS TUBOS FLEXIBLES SON MUY RECOMENDABLES

— NO MANIFIESTO, 1965. Yvonne Rainer — Emmett Williams, Philip Corner, John Cage, Dick Higgins, Allen Bukkoff, Larry Miller, Eric Andersen, Tomas Schmit, Ben Vautier,1963-1978 — MANIFIESTO FLUXUS, 1963. George Maciunas — MANIFIESTO DEL ARTE DE MANTENIMIENTO, 1969. Mierle Laderman Ukeles — CONSTRUCCIÓN MERZ, 1919. Kurt Schwitters

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Una coreógrafa con acento ruso da indicaciones a las bailarinas de una compañía en un espectáculo tipo Moulin

Rouge al estilo de Las Vegas desde el costado del escenario en un ensayo. No está contenta con lo que ve…

No al espectáculo.

No al virtuosismo.

No a las transformaciones y las ficciones.

No al glamour y la trascendencia de las estrellas.

No a lo heroico.

No a lo antiheroico.

No a las imágenes basura.

No a la participación del intérprete o del espectador.

No al estilo.

No al camp.

No a la seducción del espectador por los trucos del intérprete.

No a la excentricidad.

No a moverse o ser movido.

La vida es una obra de arte y la obra de arte es vida.

Mientras más sabemos, menos entendemos y mejor es.

Celebro lo que sea que pase después.

Fluxus es una forma de hacer las cosas, y una forma de vida y muerte. Fluxus está adentro de ti, es parte de quien eres. Fluxus es más grande que tú.

Fluxus hizo arte de la nada y viceversa. Fluxus no tiene absolutamente ningún sentido. Fluxus todavía no tuvo lugar. Fluxus es un dolor en el culo del arte. ¡Purguen al mundo de la cultura profesional, intelectual y comercial!

Purguen al mundo del arte muerto, arte de imitación, arte artificial, arte abstracto, arte ilusionista, arte matemático.

Promuevan una realidad no-artística que sea entendida por todos, no solo por los críticos, los diletantes y los profesionales.

Promuevan una inundación y marea revolucionarias en el arte.

Promuevan al arte viviente, el antiarte.

Pero después de la revolución, ¿quién va a levantar la basura el lunes a la mañana?

El mantenimiento es lo peor; toma todo el maldito tiempo.

Limpia tu escritorio, lava los platos, limpia el piso, lava tus ropas, lávate los pies, cámbiale el pañal al bebé, termina el informe, corrige los errores de tipeo, arregla la cerca, haz que el cliente esté satisfecho, saca la basura maloliente, presta atención, no te metas cosas en la nariz, qué me pongo, no tengo medias, paga las cuentas,

YR 1965

EW|PC|JC|DH| AB|LM|EA|TS | BV 1963-1987

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ahorra dinero, lávate el pelo, cambia las sábanas, ve a la tienda, dilo otra vez, ve a trabajar, levanta la mesa, llámalo otra vez, tira la cadena, mantente joven...

Ahora, hago simplemente estas cosas del mantenimiento diario, y las elevo a mi conciencia, como Arte.

Todo lo que digo que es Arte es Arte.

Todo lo que hago que es Arte es Arte.

Demando el principio de igualdad de derechos para todos los materiales, igualdad de derechos para la gente sana, los idiotas, redes de alambre silbantes y bombas del pensamiento.

Tomen superficies gigantes, cúbranlas de color y muévanlas en forma amenazante. Doblen las partes perforantes del vacío infinitamente sobre sí mismas. Peguen superficies suavizantes unas sobre otras. Hagan que las líneas se peleen y se acaricien con ternura generosa. Líneas flameantes, líneas serpenteantes, líneas emergentes. Que los puntos estallen como estrellas entre ellas, y que bailen girando alrededor. Doblen las líneas, quiebren y rompan los ángulos, ahóguenlos alrededor de un punto. Giren globos rápidamente en el aire hasta que choquen. Sombreros de copa colapsables caen estrangulando cajas de madera. Hagan redes de olas de fuego y engrósenlas en superficies. Enreden las redes. Hagan que los velos soplen, que el algodón gotee y que el agua chorree. Arrojen suavemente aire hacia arriba y blanco a través de mil lámparas de arco a poder de vela. Luego tomen las ruedas y los ejes y háganlos cantar.

Encuentren una máquina de coser que bostece. Tomen el taladro de un dentista, una picadora de carne, un limpiador de pistas de carreras. Tomen colectivos y coches de placer, bicicletas, tandems, y sus cubiertas. Tomen las luces y defórmenlas tan brutalmente como puedan. Hagan que las locomotoras choquen unas contra otras, hagan hilos con telas de arañas, bailen con el marco de la ventana y rompan el vidrio lloriqueante. Exploten las calderas de vapor para hacer niebla de vías de tren. Tomen enaguas, zapatos y pelucas, también patines de hielo, y tírenlos al lugar donde pertenecen, y siempre en el momento correcto.

Qué me importa, tomen trampas-hombre, pistolas automáticas, máquinas infernales, todo por supuesto en una condición artísticamente deformada. Los tubos flexibles son muy recomendables. Demando la inclusión total de todos los materiales, desde soldadores de vía dobles, hasta violines de tres cuartos de tamaño. Hasta la gente puede usarse.

Demando la movilización completa de todas las fuerzas artísticas para crear la obra de arte total.

Erecciones poderosas de gigantes acuáticos.

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ARTE CONCEPTUAL / MINIMALISMO

EL ARTE ES LO QUE TE RODEA EL ARTE NO VIENE DE LA NADA O DE ALGÚN LUGAR PARTICULAR, SI VIENE AL CASO LA CREATIVIDAD NO EMERGE DE LA CABEZA HAY FUNDAMENTOS, FUERZAS, PODERES QUE CREAN Y HACEN DEL ARTE UN VIAJE PELIGROSO DE SALTOS, GRIETAS, ERRORES, DESAFÍOS Y CORAJE

— PÁRRAFOS SOBRE ARTE CONCEPTUAL, 1967. Sol LeWitt — ORACIONES SOBRE ARTE CONCEPTUAL, 1969. Sol LeWitt — CAMBIANDO ESTRUCTURAS MENTALES, 1999. Elaine Sturtevant — EL HOMBRE ES DOBLE EL HOMBRE ES COPIA EL HOMBRE ES CLON, 2004. Elaine Sturtevant — IDEA, FORMA, CONTEXTO,1969. Adrian Piper

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Una presentadora de noticiero en un estudio de televisión espera la cuenta regresiva antes de que comience la transmisión. Se arregla, lee los textos de las distintas noticias, las ensaya silenciosamente para sí, concentrada, cuando el editor a cargo anuncia el conteo, luego lee sus ‘noticias’ con la

entonación típica de una presentadora de noticiero. Empieza a hacerle preguntas a una periodista (llamada Cate, igual que ella) a través de una videoconferencia y la periodista contesta. La periodista lleva una campera, de pie bajo un paraguas en una lluvia tormentosa, reporta en vivo desde una locación exterior.

Las ideas pueden ser obras de arte.

En el arte conceptual la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista usa una forma de arte conceptual, significa que toda la planificación y las decisiones fueron hechas de antemano y la ejecución es un asunto mecánico. La idea se convierte en una máquina que hace arte. Este tipo de arte no es teórico o ilustrativo de teorías; es intuitivo y carece de propósito.

Sin importar qué forma tenga finalmente la obra de arte, debe comenzar con una idea. Cómo se vea no tiene demasiada importancia.

Es el proceso de concepción y realización lo que ocupa al artista. Una vez que la realidad física le es dada por el artista, la obra está abierta a la percepción de todos, incluyendo al artista.

Buenas noches, damas y caballeros.

Todo el arte contemporáneo es falso, no porque sea una copia, apropiación, simulacro o imitación, sino porque carece del empuje crucial del poder, tripas y pasión.

Todo en el hombre es una falsificación. Todo en el hombre es falso. No solo porque haga trampa y mienta con una facilidad encantadora y odie y mate con una velocidad determinada, sino también porque la nueva forma cibernética del hombre es el Hombre cual Dios.

La velocidad está por encima del tiempo y el lugar. La velocidad es poder. La velocidad posibilita la desinformación, desorienta el tiempo y el lugar, y es un soberano feroz e intransigente.

Nuestra obsesión con la alta velocidad no deja tiempo ni lugar para regresar. Es demasiado tarde y hoy es ayer con su recuerdo ya perdido.

Cate, ¿cómo podemos avanzar, cuando la acción es mirar la acción? Cuando los ojos están trabados en una mirada fija. Cuando el conocimiento se convierte en información. Cuando las palabras son obstáculos y perdieron su representación. Cuando el discurso es opinión. Cuando no tienes que saber nada y crees saberlo todo.

Cuando reflexionar es mirarse en el espejo. Cuando contemplar es pensar en uno mismo. ¿Cate?

Bueno, Cate, quizás podría lidiarse con eso si el hombre no

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estuviera de cara a un agujero negro; la toma de conciencia de que su función absoluta, su sentido primario de ser le ha sido robado.

El hombre alguna vez fue original, tuvo y contuvo cierta autenticidad. Pero todo eso está muerto ahora, terminado. El hombre es desechable y eliminable. ¿Cate? ¿Y qué hay del arte?¿Puede tolerar esos duros golpes? ¿Cate?

Ciertamente no, Cate, porque el arte es lo que te rodea.

El arte no viene de la nada o de algún lugar particular, si viene al caso. La creatividad no emerge de la cabeza. Hay fundamentos, fuerzas, poderes que crean y hacen del arte un viaje peligroso de saltos, grietas, errores, desafíos y coraje. ¿Cate?

Veo. ¿Y qué hay del arte conceptual?

El objetivo del artista conceptual es hacer su obra mentalmente interesante para el espectador, por eso es frecuente que sea seco en el aspecto emocional.

Cate, no hay razón para suponer, sin embargo, que el artista conceptual se propone aburrir al público.

Bueno, Cate, no es solo la expectativa de un toque emocional lo que podría disuadir a un espectador de percibir este arte. El arte conceptual no es necesariamente lógico. La lógica puede usarse como camuflaje de las verdaderas intenciones del artista, para seducir al espectador a creer que entiende la obra, o que infiera la situación paradójica– como lógica contra ilógica. ¿Cate?

Veo, entonces algunas ideas son lógicas en su concepción e ilógicas perceptivamente. Y hasta donde entiendo, las ideas no necesitan ser complejas. Al contrario: la mayoría de las ideas exitosas son ridículamente simples. Pero dices que no importa si el espectador entiende el concepto del artista.

Cate, una vez que abandonó sus manos, el artista no tiene control sobre cómo el espectador percibe su obra. Diferentes personas entenderán lo mismo de formas diferentes. Por ejemplo, los críticos de arte usan un lenguaje secreto para comunicarse entre sí a través de las revistas de arte: ‘estructuras primarias’, ‘reductivo’, ‘abyecto’, ‘cool’ o ‘arte mini’.

‘Arte mini’ suena interesante. Debe referirse a obras de arte muy pequeñas. O quizás el artista mini es una persona muy pequeña...

Muchas gracias, Cate.

Por nada. Gracias a vos.

Entonces, el arte conceptual es una manera de hacer arte; otras maneras le sirven a otros artistas.

El arte conceptual es bueno solo cuando la idea es buena.

Idea, forma, contexto.

Idea: La existencia de una idea es necesaria y suficiente para la existencia de arte. Forma: La existencia de forma es necesaria pero no suficiente para realizar una idea.Contexto: La existencia del contexto es necesaria pero no suficiente para la forma a través de la cual una idea fue realizada.

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CINE / EPÍLOGO

NADA ES ORIGINAL ROBEN DE DONDE SEA QUE RESUENE CON INSPIRACIÓN O ALIMENTE SU IMAGINACIÓN ELIJAN PARA ROBAR SOLO COSAS QUE LES HABLEN DIRECTAMENTE AL ALMA SI LO HACEN, SU TRABAJO Y ROBO SERÁN AUTÉNTICOS LA AUTENTICIDAD ES INVALUABLE LA ORIGINALIDAD ES INEXISTENTE

— METÁFORAS SOBRE LA VISIÓN. Stan Brakhage — REGLAS DE ORO, 2002. Jim Jarmusch — DOGMA 95, 1995. Lars von Trier / Thomas Vinterberg — MANIFIESTO, 1993. Lebbeus Woods

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Una maestra de escuela le habla a una clase de niños de entre ocho y nueve años antes de entregar hojas de examen

y luego caminar por la habitación, observando a los niños hacer la prueba y dándoles instrucciones.

Imaginen un ojo no gobernado por las leyes de la perspectiva hecha por el hombre, un ojo carente de los prejuicios de la lógica compositiva, un ojo que deba conocer a cada objeto encontrado en la vida a través de una aventura de la percepción. ¿Cuántos colores hay en un campo de hierba para el bebé que gatea inconsciente del ‘verde’? ¿Cuántos arcoíris puede crear la luz para el ojo no instruido? ¿Cuán atento a las variaciones de las ondas de calor puede estar ese ojo? Imaginen un mundo vivo con objetos incomprensibles y reluciente con la variedad infinita de movimiento e innumerables graduaciones de color. Imaginen un mundo antes de ‘en el principio era el verbo’. Permitan que la así llamada alucinación entre al reino de la percepción, acepten las visiones en sueños las ensoñaciones diurnas y los sueños nocturnos. No es necesario que el ojo de la mente perezca después de la infancia.

Nada es original. Roben de donde sea que resuene con inspiración o alimente su imaginación. Devoren películas viejas, películas nuevas, música, libros, pinturas, fotografías, poemas, sueños, conversaciones casuales, arquitectura, puentes, carteles callejeros, árboles, nubes, cuerpos de agua, luces y sombras.

Elijan para robar solo cosas que les hablen directamente al alma.

Si lo hacen, su trabajo y robo serán auténticos. La autenticidad es invaluable; la originalidad es inexistente.

Y no se preocupen por ocultar el robo – celébrenlo si tienen ganas. De cualquier manera, recuerden siempre lo que dijo Jean-Luc Godard: ‘No se trata de dónde tomes las cosas, se trata de a dónde las lleves’.

El rodaje debe hacerse en locación. Utilería y escenarios no deben ser implementados.

La música no debe usarse a no ser que ocurra donde la escena está siendo filmada.

La cámara debe llevarse en mano.

La película debe ser color. La iluminación especial no es aceptable.

Los filtros ópticos están prohibidos.

La película no debe contener acción superficial.

La alienación temporal y geográfica están prohibidas.

Las películas de género no son aceptables.

El director no debe estar acreditado.

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Juro abstenerme del gusto personal. Ya no soy un artista. Juro abstenerme de crear una ‘obra’, porque estimo que el instante es más importante que el todo.

Mi objetivo supremo es extraer la verdad de mis personajes y mis locaciones. Juro hacerlo por todos los medios disponibles y a costa de cualquier buen gusto y consideraciones estéticas.

El hecho crea normas; y la verdad, iluminación.

Hay estratos más profundos de verdad en el cine, y hay algo como una verdad poética, extática. Es misteriosa y elusiva, y solo puede ser alcanzada a través de la fabricación, la imaginación y la estilización.

EPÍLOGO LW 1993

Estoy en guerra con mi tiempo, con la historia, con toda la autoridad que reside en las formas fijas y asustadas.

Soy uno de millones que no encajan, que no tienen hogar, familia, doctrina, lugar firme que llamar propio, principio ni fin conocidos.

Declaro la guerra a todos los íconos y finalidades, a todas las historias que me encadenarían a mi propia falsedad, a mis propios miedos miserables.

Solo conozco momentos, y vidas que son como momentos, y formas que parecen con fuerza infinita y luego se ‘desvanece en el aire’.

Soy un constructor de mundos, un sensualista que venera la carne, la melodía, una silueta contra el cielo que se oscurece.

No puedo conocer tu nombre. Ni tú puedes conocer el mío.

Mañana comenzamos juntos a construir una nueva ciudad.

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ENTREVISTA

CON JULIAN ROSEFELDT SARAH TUTTON — JUSTIN PATON

“Manifiesto” es una palabra de gran peso histórico. ¿Qué significa para ti?

Elegí el título Manifesto como una declaración de que el foco de esta obra está sobre todo en los textos –y en su poesía–, sean de artistas visuales, cineastas, escritores, performers o arquitectos. Manifesto es un homenaje a la belleza de los manifiestos de los artistas: un manifiesto de manifiestos. ¿Fueron importantes los manifiestos para ti como artista joven?

No, tengo que admitir que no lo fueron. En aquel momento ni siquiera los conocía. Hoy pienso en el manifiesto como un rito de pasaje, no solo para artistas, sino para los jóvenes en general. Atravesamos la adolescencia al abandonar el hogar de nuestros padres y gritamos al mundo con una furia recientemente descubierta. Un manifiesto suele representar la voz de una generación joven, enfrentada a un mundo con el que no está de acuerdo y en contra del cual quiere avanzar.

Uno puede tocar en una banda punk, gritarles a los padres o a los profesores – o escribir y hacer arte. Los historiadores del arte tienden a tratar todo lo que fue creado y escrito por artistas con reverencia y respeto, como si desde el primer día los artistas hubieran intentado que su obra se convirtiera en parte de la historia del arte. Pero no deberíamos olvidar que estos textos fueron escritos con frecuencia por hombres muy jóvenes que apenas habían abandonado la casa de sus padres cuando tomaron la pluma. Por eso, sus manifiestos no fueron solamente textos que intentaban subvertir al arte –y eventualmente al mundo entero– y revolucionarlo; al mismo tiempo son testimonios de la búsqueda de una identidad, pregonada al mundo con gran inseguridad. Entonces, leo al manifiesto artístico primeramente como la expresión de una juventud desafiante, y luego como literatura, como poesía, por así decirlo, Sturm und Drang remasterizado.

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Los textos que seleccionaste vienen mayormente de la primera mitad del último siglo. ¿Por qué?

Sí, la mayoría de los manifiestos que incluí en Manifesto tienen su origen en las vanguardias europeas de comienzos del siglo XX, con otros de la neo-vanguardia de los ‘60. La escena artística a comienzos del siglo pasado todavía era muy chica y esos escritores de manifiestos artísticos eran a la vez una minoría dentro de este círculo ínfimo. Para ser siquiera escuchados, los artistas necesitaban gritar.

Hoy, la escena del arte es una red global y un negocio con diferentes posibilidades expresivas. El manifiesto como medio de articulación artística ha perdido relevancia en el mundo globalizado. Uno podría decir que la entrevista, la discusión desde el podio, el talk show, el discurso guiado dialécticamente, han reemplazado el antiguo rugido solitario del manifiesto. Sonaría innecesariamente exagerado, casi romántico o hasta un poco ridículo, gritar “Abajo con...” o algo similar hoy. Aún así, hay unos pocos manifiestos artísticos contemporáneos –como por ejemplo, el Manifiesto para una Política Aceleracionista (2013) por Nick Srnicek y Alex Williams o el Un Manifiesto Cyborg (1991) de Donna Haraway– pero se leen más como análisis socioeconómicos o políticos. Sin embargo, cuando uno lee los manifiestos de 1920 o incluso 1960, todavía se oye la voz original, el deseo ferviente de transmitirle al mundo una idea. ¿Hubo algún texto particular que despertó tu interés?

Mi interés en el manifiesto artístico comenzó mientras trabajaba en Deep Gold, eso fue en 2013. Deep Gold es un homenaje a la película de Luis Buñuel L’Age d’Or, sobre dos jóvenes amantes y los obstáculos que dificultan su relación. Para Buñuel, el conflicto de los amantes simboliza la hipocresía de la sociedad burguesa, del catolicismo y de los valores familiares tradicionales. Durante mi investigación, leí mucho sobre género y teoría feminista, y eventualmente sobre los manifiestos de artistas feministas. Me topé con dos textos de la poeta y coreógrafa futurista Valentine de Saint-Point. Vivió una vida interesante; comenzó como una futurista convencida, luego simpatizó con el fascismo, como también lo hicieron muchos de sus amigos artistas italianos, y murió en Egipto como musulmana.

Escribió dos manifiestos, uno titulado Manifiesto Futurista de la Lujuria (1913) y el otro, Manifiesto de la Mujer Futurista (1912). Ambos fueron publicados en un libro titulado 100 Manifiestos de Artistas [2001, editado por Alex Danchev] que se volvió una fuente importante para Manifesto. De joven estudié –probablemente como cualquiera que se interese por el arte– a Dada, Fluxus, los surrealistas y los

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futuristas, pero más bien superficialmente. Ahora, durante mi investigación para Manifesto, cuando leí cualquier manifiesto que pude encontrar, incluyendo los relacionados al teatro, la danza, el cine y la arquitectura, fue intrigante descubrir que los mismos temas aparecen una y otra vez. Y estas ideas comunes eran transmitidas con una energía increíble– una energía muy joven y salvaje. Los textos son hermosos. Y podía escuchar las palabras al leerlas, como si alguien las estuviera recitando. Me di cuenta de que no eran solo documentos de la historia del arte, sino una materia textual altamente vívida y representable. Me recordaban más a una obra de teatro, a un texto de Sarah Kane o Frank Wedekind, o algo comparable. Y así empecé a imaginar estos manifiestos como escenas actuadas. ¿Qué criterios seguiste para buscar y ensamblar manifiestos?

Antes de comenzar a escribir el guión y a hacer collages de los manifiestos, el desarrollo del trabajo involucró mucha investigación y análisis. Exceptuando un fragmento citado del Manifiesto del Partido Comunista de 1848 de Marx y Engels, “Todo lo sólido se desvanece en el aire”, mi selección empieza a comienzos del siglo XX con el legendario Fundación y Manifiesto del Futurismo de 1909, de Filippo Tommaso Marinetti y termina poco después del cambio de siglo.

Incluí al Manifiesto Comunista porque para mí –además de los Diez Mandamientos y las Tesis de Lutero– es algo así como la madre de todos los manifiestos. El manifiesto más reciente que usé fueron las Reglas de Oro (2004) del director estadounidense Jim Jarmusch.

De todos los autores de manifiestos a quienes leí, elegí subjetivamente alrededor de sesenta cuyos manifiestos me resultaron los más fascinantes, pero también simplemente los más recitables.

A algunos los elegí porque se complementaban bien. Por ejemplo, los comentarios de Vasily Kandinsky y Franz Marc se correspondían extremadamente bien con los pensamientos de Barnett Newman.

Y los textos de André Breton y Lucio Fontana también se dejaron combinar. En otros movimientos artísticos, como por ejemplo Dada o Fluxus, fueron tantos los autores que produjeron manifiestos, que se condensaron en una suerte de un Súper Manifiesto Dada o Súper Manifiesto Fluxus. A través de cortes y combinaciones de textos originales de diversos manifiestos, emergieron trece collages de manifiestos al final. Y estos se leen tan armoniosamente dentro de cada collage que los límites entre los fragmentos ya no se reconocen. Concebí Manifesto como una serie de episodios que se dejan contemplar por separado, pero que también pueden ser vistos como un conjunto, como un coro de distintas voces. En este sentido, Manifesto se convirtió en una suerte de manifiesto total – de nuevo: un manifiesto de manifiestos.

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Tienes una colaboradora extraordinaria en todo esto, la actriz Cate Blanchett. Encarna trece papeles diferentes en doce escenarios. ¿Cómo evolucionaron estos personajes y sus diálogos?

La idea principal para Manifesto no era ilustrar los textos particulares, sino permitirle a Cate que encarnara los manifiestos. Hasta el último tercio del siglo XX hubo solo unos pocos manifiestos escritos por mujeres artistas. La mayoría fueron escritos por hombres y rebalsan de testosterona. Por eso me pareció interesante que una mujer los recitara hoy.

El proceso de redacción de Manifesto fue muy orgánico. Empecé a jugar con los textos y a editarlos, a combinarlos y a reordenarlos en nuevos textos que pudieran ser recitados e interpretados. Me gustaba imaginarme estos textos como las palabras de un montón de amigos sentados alrededor de una mesa en un bar, que hablan y discuten. Se complementan de una manera juguetona. Uno podría decir “Abajo con esto o aquello...” y el otro contesta, “Sí, al demonio con...”. Tomé la oración de un artista y la interrumpí con las palabras de otro. A veces encajaban perfectamente. Combinadas, las palabras tomaron una energía nueva, y si uno comienza a leer el texto de ese modo, se vuelve más vívido y también más recitable.

Mientras que el proceso del collage no fue demasiado respetuoso con los textos originales, en otro sentido me gustó cómo hace referencia a esta idea de una colección de voces, de una conversación. Muchos de los manifiestos tempranos, los de los futuristas y de los surrealistas, por ejemplo, fueron escritos por grupos de autores. En ellos resuenan muchas voces. Solo necesité arreglar esta multiplicidad de voces de distintos manifiestos en nuevos monólogos. Así, los autores hablan unos con otros, mientras se expresan hacia afuera con una misma voz.

Paralelamente, comencé a bocetar diferentes escenas donde una mujer monologa, y terminé con sesenta breves escenas, situaciones, que atraviesan todos los niveles educativos y profesiones. Lo único que esas escenas bocetadas tenían en común era que tenían lugar aquí y ahora, y el hecho de que una mujer lleva adelante el monólogo –sea como oradora junto a una tumba en el cementerio, como maestra de primaria frente a su clase, o como un vagabundo en la calle. A veces escuchamos la voz interior de la mujer; en otros momentos se dirige al público, en un caso hasta se entrevista a sí misma, etc. Finalmente auné todo en doce escenas y doce collages textuales correspondientes.

Un treceavo collage funciona como introducción, donde la imagen muestra una mecha encendida en cámara extremadamente lenta. Las palabras que quedaron fueron simplemente las más bellas y recitables y también las más interpretables.

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Manifesto fue filmada en un lapso de doce días en Berlín en el invierno de 2014. ¿Hubo lugar para la improvisación?

Suele haberlo, pero esta vez trabajamos con límites temporales tan ajustados que casi no hubo lugar para improvisar. Solo a modo de comparación: para una película independiente cualquiera, normalmente se filman entre tres y cinco minutos por día de la película final. Nosotros tuvimos que filmar doce minutos al día, lo que corresponde a los tiempos para la producción de una serie televisiva.

Pero claro que no queríamos trabajar al mismo nivel estético que una serie de TV. Así que necesitamos de un equipo muy sacrificado, y sobre todo de una actriz muy generosa, dispuestos a trabajar en esas condiciones. Ya solo la gran cantidad de texto a recitar en doce acentos distintos fue un gran desafío para Cate. Y luego, cada uno de los personajes tenía que encarnar un ambiente social, solo a partir del matiz lingüístico. Como si eso fuera poco, por cuestiones organizativas del rodaje, tuvimos que cubrir a veces dos papeles por día. Y eso significó para Cate también un cambio de vestuario y maquillaje adicional cada día. Por estas razones y dado lo apretado de la agenda tuvimos que planificar el rodaje meticulosamente. A pesar de ello, naturalmente, cierta espontaneidad e improvisación fueron necesarias. Y por supuesto que Cate pudo leer el texto o comprender la escena de una manera distinta a la mía, y a veces me sorprendió con ideas que emergían de su profunda experiencia y su increíble talento. Cada día fue distinto, como si entráramos al País de las Maravillas, para encontrarnos cada vez con un mundo y un personaje completamente nuevos. Y la forma en que el diálogo –mejor dicho, el monólogo– le daba a la escena cambiaba cada vez de formas emocionantes. Y, a pesar de las muchas horas de trabajo, del más alto nivel de concentración y de entrega, Cate retuvo admirablemente su especial sentido del humor. Nos reímos mucho.

El humor tiene un papel importante en tu obra. En Manifesto también hay mucho humor y mucho absurdo.

Es muy difícil crear humor a propósito –porque vive mejor en la espontaneidad. Para ubicar un buen chiste en una película, el ritmo tiene que ser correcto, la actuación también; la lógica absurda tiene que ser convincente. Todo tiene que reunirse en ese preciso momento, y eso es muy difícil de conseguir.

Para mí, el humor en Manifesto surge de la combinación de la palabra hablada y el escenario creado para eso. El juego entre ciertas imágenes y fragmentos de texto se dio intuitivamente. Y algunas de ellos me resultan graciosos, aun cuando hacer reír al público no fuera mi inten-

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ción principal. Por ejemplo, la escena del Arte Pop. Si lees el manifiesto del Arte Pop, lo primero que se te ocurriría sería algo “pop”, y que necesitaríamos un mundo “pop” donde recitar ese manifiesto. Pero pensé que no, al contrario: necesitás un fondo contra el cual el manifiesto del Arte Pop pudiera ser escrito –algo más como un anti-mundo, la tierra fértil sobre la cual algo como el Arte Pop pudiera crecer. El Arte Pop fue claramente una declaración en contra de cierto tipo de rigidez en la sociedad.

Así que quise empujarlo al extremo y se me ocurrió usar Estoy a favor de un arte (1961) de Claes Oldenburg como texto para una familia del sur estadounidense, conservadora y religiosa, que rezaba antes de almorzar un domingo. No esperaba que esa escena saliera tan graciosa al final.

La escena del aula de clase también está muy cargada de humor.

Sí, también me parece. Soy padre y algunas de las palabras de la maestra en esa escena reflejan exactamente lo que a veces me gustaría decirles a mis hijos. Creo que sus palabras resuenan en nosotros aun cuando sabemos lo importante que es la buena educación, a la vez tenemos ese enojo escéptico contra la tan conocida “buena” educación.

Odiamos decirles que no a nuestros hijos, ¿verdad? Y así hay una mujer en la escena, esta maestra, que dice con total convicción, citando a Jim Jarmusch: “Nada es original. Roben de donde sea que resuene con inspiración o alimente su imaginación”. Una maravillosa transgresión del tabú. Cate lo actúa con convicción. Y los niños también. Si no fuera tan creíble, la escena probablemente no sería graciosa.

En Manifesto usaste un texto de Sol LeWitt sobre el arte conceptual para una escena donde Cate Blanchett interpreta a dos personajes, una presentadora y una periodista, ambas llamadas “Cate”. ¿Cuál es su relación con el texto de LeWitt?

Desde una perspectiva, esa es de hecho una escena excepcional. En lugar de representar actoralmente un manifiesto, Cate es habitada por el texto de LeWitt. Ella es el manifiesto. La lucha entre lógica e ilógica dentro del texto también es inherente a la escena y sus personajes. Se convierte en una obra de arte conceptual, de algún modo, ¿no?

Lo es. Esa escena es muy diferente de la dedicada al Arte Pop que mencionaste antes. De hecho, una de las cosas que es tan irresistible de Manifesto es esta diversidad –cada escenario tiene un ritmo inconfundible, su propia cadencia y una estética única.

Sí, usé diferentes recetas para cada escena, siempre partiendo del texto. El Manifiesto del futurismo, por ejemplo, que trata sobre todo de la velocidad y la aceleración, está ubicado en el mundo de las altas finanzas. El mundo rápido y paralelo de las bolsas de valores, donde

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computadoras altamente eficientes invisibilizaron la velocidad.

Entonces, en este caso, el escenario representa una traducción muy directa del pensamiento original.

También usaste manifiestos de artistas como el de la coreógrafa y cineasta Yvonne Rainer, el cineasta Jim Jarmusch o los arquitectos Bruno Taut y Lebbeus Woods.

La escritura de estos manifiestos es particularmente bella. Como artista que estudió arquitectura y trabaja con el cine, no considero que estas disciplinas sean tan distantes de la pintura y de la escultura.

Me gusta especialmente la obra de Bruno Taut en el collage de manifiestos sobre la arquitectura. Sin embargo, los arquitectos y los cineastas me dieron algunos problemas. Originalmente quería generar una cronología lineal. Quería combinar los manifiestos de distintas disciplinas creativas a lo largo de una línea de tiempo –según la escuela de pensamiento y la época en la cual fueron escritos. Pero al final se sintió mejor conservar todos los manifiestos arquitectónicos juntos, y todos los manifiestos cinematográficos juntos.

Eso nos lleva a la pregunta por la actualidad. En general, ¿son relevantes estos viejos manifiestos hoy?

Absolutamente. Y no solamente relevantes, sino también visionarios.

La historia del arte es una deriva de la historia y nosotros aprendemos de la historia. Los artistas, tanto como los escritores, los filósofos y los científicos, siempre fueron quienes, con sus pensamientos y ensayos, se atrevieron a formular algo cuya evidencia todavía debía ser demostrada. El John Reed Club of New York, que lleva ese nombre por el comunista y periodista estadounidense John Reed, del cual muchos artistas y escritores fueron miembros, publicó en 1932 un manifiesto (Manifiesto Boceto). Ahí describieron un orden mundial capitalista descontrolado. El manifiesto se lee como si hubiera sido escrito ayer.

Sería recomendable, entonces, que leyéramos los manifiestos artísticos como sismógrafos de sus épocas. ¿Tienes un manifiesto favorito?

Muchos, y ahora que Cate los recitó e interpretó a todos, me gustan todavía más. Quiero mencionar uno en particular: el manifiesto del artista y arquitecto visionario estadounidense Lebbeus Woods, de 1993. Es simplemente hermoso, es lírica pura, y comienza con la oración “Estoy en guerra con mi tiempo”, que reverbera con el tenor de los textos de muchos manifiestos que leí y concluye con optimismo en una oración cargada de esperanza: “Mañana comenzamos juntos a construir una nueva ciudad”.

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CRÉDITOS

MANIFESTO 2015 Instalación de 13 canales HD 16:9, color, 5.1 sonido loop 12 x 10 minutos 30 segundos y 1 x 4 min (intro.)

Con Cate Blanchett (en 13 roles diferentes) JEFES DE DEPARTAMENTOS Productor Ejecutivo: Wassili Zygouris Director de Fotografía: Christoph Krauss Diseñador de producción: Erwin Prib Diseñador de vestuario: Bina Daigeler Maquillaje artístico: Morag Ross Peinado: Massimo Gattabrusi Diseño de Iluminación: Christoph Dehmel-Osterloh Registro de Sonido: David Hilgers Titiritero: Suse Wächter Editor: Bobby Good Supervisor de Postproduction: Jan Schönigh Supervisores de Diseño de Sonido: Hanse Warns and Markus Stemler EQUIPO COMPLETO Y ELENCO Director, Productor, Guionista: Julian Rosefeldt Productores ejecutivos: Marcos Kantis (Schiwago Film GmbH), Martin Lehwald (Schiwago Film GmbH), Wassili Zygouris Editor encargado : Cornelia Ackers (Bayerischer Rundfunk) DPTO. DE PRODUCCIÓN Productor ejecutivo: Wassili Zygouris Supervisora de producción: Anna K. Guddat (Schiwago Film GmbH) Gerente de locación: Michael Herbell Coordinador de Producción: Louise von Johnston Asistente de Producción: Katarina Cvitic Administrador de sets: Sven Jorden Asistentes Set Manager: Anna Klöble, Christian Rost Set Runners: Leonard Hadrich, Aileen Zimmermann, Yara Behrens Jefe Contador: Monika Wank Contador / Nómina: Marion Sigusch Buscador de Locación: Roland Gerhardt Asistente Upton Family: Julia Scheurer

DPTO. DE CÁMARA Director de Fotografía: Christoph Krauss Cameraman de la 2ª unidad: Axel Fischer Operadores de Steadicam: Matthias Biber, Richard Eckes, Benjamin Treplin Primera AC A-Cam: Frederik Tegethoff Primera AC B-Cam: Gregor Grieshaber 2ª AC A-Cam: Paul Gredig 2ª AC B-Cam: Julian Rabus, Laurence Heintz DIT: Enlace Maximiliano Fotógrafo Still: Barbara Schmidt Making Of: Cristian Pirjol DPTO. DE ARTE Diseño de Producción: Erwin Prib Decorador: Melanie Raab Utilería: Dorothea Schiefeling Asistente de utilería: Olga Kostka Conductor de utilería: Thommy Schlegel St/de utilería: David Thummerer Asistente St /de utilería: Katharina Kluge Ayudante del Departamento de Arte: Margherita Allorio Vestuaristas: Hubert BoÅNck, Ingwer Neitzel, Ludwig Schult, Felix Mathias Ott, Nathalie Wild, Andi Heinrich, Sarah Wibbeler Gráficos: Sabine Steinhoff Pintor del set: Eva Maria Müller Titiritero: Suse Wächter DPTO. DE VESTUARIO Diseño de vestuario: Bina Daigeler Asistente de Diseño de vestuario: Daniela Backes Guardarropa: Alexandra Hannemann, Anne Sophie Velten DPTO. DE MAQUILLAJE Y PEINADO Maquillaje artístico para Cate Blanchett: Morag Ross Peinado para Cate Blanchett: Massimo Gattabrusi Maquillaje y peinado artístico: Katharina Thieme, Sonia Salazar Delgado Maquilladora adicional: Karla Meirer Tatuaje para Cate Blanchett: Tobias Werner

ASISTENTES DE DIRECCIÓN Asesor Dramático: Janaina Pessoa 1º AD: Chris Tromboukis 2º AD: Caroline Veyssiere Asistente 2nd AD: Mayra Magalhaes 3º AD: Fabian Götz 3º AD: Hélène Delage Guión / Continuidad: Anne Kodura Asistente personal de Julian Rosefeldt: Viktor Jakovleski Asistente personal de Cate Blanchett: Lydia Korndörfer CONTROL DE MOVIMINETO / CAMARA PHANTOM Supervisor de control de movimiento: Marcel Neumann Operadores de control de movimiento: Heiko Matting, Pascal Rossow Operador Phantom Flex 4K: Marcel Reategui Técnico Phantom Flex 4K: Thorsten Reimer Asesor de cámara lenta: Viktor Jakovleski IMÁGENES AÉREAS Para PHX-Imágenes Piloto de drone: Ben Tewaag Operador de cámara: David Schlange Asistente: Marcus Gelhard CAM CAR MCC Fahraufnahmen GmbH Operador de Cam Car: Leo Plank SONIDO Ingeniero de sonido: David Hilgers Operador de micrófono: Gero Renner ILUMINACIÓN Iluminador: Christoph DehmelOsterloh Asistente de iluminador: Florian Birch Electricista: Daniel Lasius Electricista Junior: Katrin Lehmacher Electricista adicional: Thomas Hofmann MONTAJE Clave de agarre: Klaus Witt Técnico en Agarre: Bat Gankhuyag Operador de Grúas: Jerome Lauer Asistentes de agarre: Laure Gilquin, Elias Heiduk

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TRANSPORTE Chofer personal para Cate Blanchett: Wolfgang ‘Wuff’ Hütter Conductores de producción: Ilja Kloppenburg, Daniel Janssen, Ioannis Tsakmakadis SPECIAL FX Por Nefzer Babelsberg GmbH SFX Coordinador: Klaus Mielich Pirotécnico principal: Paul Marcus Preussing /Pretensión SFX Principal: Bernd Reutenberg SFX Técnico: Thomas Thiele EDICIÓN Editor: Bobby Good POST PRODUCCIÓN Supervisor de Postproducción: Jan Schöningh Colorista y Online Playouts: Jan Schöningh CG Artistas: Jan Piccart, Christian Pundschus, : Jan Schöningh Futurismo escena para Rise FX: VFX Supervisor: Florian Gellinger VFX Set Supervisor: Bastian Hopfgarten CG Artists: Oliver Schulz, Pascal Xander Composición: Steffen Richter Matchmoving: Denis Trutanic Coordinador: Robert Aldag POST PRODUCCIÓN SONIDO Supervisor de edición de sonido y Re-grabación-mezclador: Markus Stemler Diseñadores de sonido: Hanse Warns, Markus Stemler, Fabian Schmidt, Alexander Buck, Kuen il Song Foley Artista: Carsten Richter Foley Mixer: Marcus Sujata Supervisión de la versión lineal del editor de sonido: Fabian Schmidt Re-grabación de la versión lineal: Tschangis Chahrokh-Zadeh ADR Re-grabación Alexander Buck, Kuen il Song ADR Voces: Prue Densem, Jeff Wood, Mayra Magalhaes, Sophie C. Dyer, Rosie Eveleigh, Matthew Coleman, Stewart Tryster, Mark Corrigan, Soma Pysall, Alexander Bähnk, Bryn Chainey, David Frush, Grayson Millwood, Anita Walter, Megan Gay, Daniel Iribarren Tambores adicionales para Backstage Scene: Karl Ventulett Voz sobre la grabación Cate Blanchett: Ben Lightowlers

CONSEJERO MUSICAL Hans-Jörn Brandenburg CATERING Filmissimo GmbH – Michael Tausch

ESCENAS DE MANIFESTO SITUACIONISMO Doble para Cate Blanchett: Katharina Lattermann Extras: Marie Borkowski Foedrowitz, Hannelore Ohlendorf, Marita Michaelis, Erika Bauer, Karl Dietrich, Ottokar Sachse FUTURISMO Extras: Max Burger, Thorsten Albertz, Alexander G. Yassin, Andreas Flechs, Andy Wong, Beatrix Seewaldt, Bertil Sjamsi, Carlo Wanka, Carolin Büttner, Cassandra Pope, Christian Donner, Christian Ernsdörfer, Emi Matsumori, Evan Marchman, Frank Trollst, Hartmut Fleischmann, Hartmut Schuler, Huiling Zhu, Imre Marton, Janine Kauk, Jerëmias Franca, Jochen Pfister, Kathleen Tronnier, Kevin Neumann, Klaus Schmitt, Lars Weissenfeldt, Manish Patni, Michael Schoeler, Nicola Romare, Omio Horo, Peter Trzka, Philip Broesamle, S. M. Wahidul Alam, Sascha Gebauer, Yen An Hauw, Jan BoÅNhme ARQUITECTURA Doble para Cate Blanchett: Ulrike Harbort Extras: Diogo Pereira, Mechthild Brückner, Rainer Bergmann, Lenard Mason Berliner Stadtreinigung (BSR): Krzysztof Baranowski, Norman Cerajewski, Wolfgang Doering, Martin Grünefeldt, Sebastian Harnisch, André Heidemann, David Homuth, Zeljko Novak, Christian Roy VORTICISMO / EL JINETE AZUL / EXPRESIONISMO ABSTRACTO Extras: Cornelia Ackers, Ivo Wessel, Reinhard Spieler, Stefan Becker, Degenhard Andrulat, Katja Blomberg, Tamara Pallasch, Christian Bratz, Clemens Pätzold, Daniel Schlesener,

Emmanuel Bourdin, Iulian Morar, Joni Caparas, Klaus Berchner, Marina Vozhegova, Sigrid Rostock, Yasmin Hallensleben, Zohreh Mohseni-Pour, Fred Schikora, Jürgen Müller, Janina Bellach, Volker Bringmann ESTRIDENTISMO / CREACIONISMO Extras: Laurie Young, Jeff Wood, Jochen Arbeit, Viktor Jakovleski, Jeewi Lee, Florian Günzel, Guido Dorigo, Anastasia Coyto, Mila Coyto, Claudio Oliverio, Shaz, James Cameron aka Jimmy Trash, Martin Stahlke, Constantine ‘Dino’ Karlis, Gerald Pasqualin, Paul Bonomo, Charles Michel Warzee, Claudio Oliveiro, Liliana Velasquez, Pauline Stolze, Philipp Danes, Shaharazad Teymour, Undarmaa Ganbold, Tobias Hottinger, Joe Friedrichsen, Paul Marotz, Martin Stahlke, Terri Laird SUPREMATISMO / CONSTRUCTIVISMO Dobles para Cate Blanchett: Ulrike Harbort, Olga Kostka Extras: Mayra Magalhaes, Olga Kostka, Anthony Byrd, Chikako Kitagawa, Marion Schulz, Raffaele Sellitto, Sydney Klein, Airlangga A. J. S. Tjakraatmadja, Arlette Vander Pan, Reinhard Ferber, Sebastian Kriesch, Stefanie Kautz, Thao Tran DADAISMO Músicos: Luanda Magalhaes Bem (clarinet), Benjamin Weidekamp (clarinet), Paul Brody (trumpet), Magnus Schriefl (trumpet), Vinzenz Jander (trombone), Dieter Fischer (tuba), Hans-Jörn Brandenburg (cymbals), Joe Bauer (snare drums) Extras: Janaina Magalhaes Pessoa, Leon Magalhaes Schoyerer, Wolfgang Schoyerer, Thierry Leviez, Ricardo Fraya, Sveva Castelli, Jacob Castelli, Maximilian Werkhausen, Georgina Rowse, Marie-France Rafael, Horst Klöver, Gioia Brandenburg, Degenhard Andrulat, Stefan Becker, Astrid Becker, Percy Becker, Lennart Holst, Babette Marie Werner, Peter Koziel, Jürgen Lucius, Claus NiederlaÅNnder, Cornelia Leschke, Johannes Bruck, Friedrich Müller,

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Thomas Müller, Clara Schuessler, Louisa Schuessler, Eric Hermann, Martin Schuessler, Gabriel Malaev, Alice Zacherl, Richard Rotthaus, Andreas Ritter, Ivelina Stoyanova, Ilona Sobetzki, Veronika Lau, Blanca von Hardenberg, Brigitte Guhl, Aine O’Dwyer, Hans Wiessmann, Joachim Rüstig, Madalena Faria, Hamid Rahnama, Eberhard Päller, Rebecca Hoffmann, Eugene Peppers, Ralf Tempel, Herwig Andres, Akiko Hitomi SURREALISMO / ESPACIALISMO POP ART Elenco: Andrew Upton, Dash, Roman, Iggy, Ea-Ja Kim FLUXUS / MERZ / PERFORMANCE Extras: Servan Durmaz, Sascha Vorpahl, Rafeu Ahmed, Mario Vogel Ballet Ensemble FriedrichstadtPalast Berlin: Coraline Arnaud, Christine Bach, Maria José Baeza Pamies, Eliton Da Silva De Barros, Corynne Barron,Azama Bashir, Azza Najiyba Bashir, Miranda Bodenhöfer, Viktoriya Chumakina, Jemima Rose Dean, Madlen Engelskirchen, Maria Esau, Allen Andrew Fabre Costa, Nikolay Golovanov, Tamás Hári, Lisa Jost, William Nascimento Lima, Roman Lukyanchenko, Arielle Martin, Djalil Makhamud, Laura Matheson, Dácil Mederos, Alysha Pacheco, Charlotte Peters, Siniša Petrović (drag queen), Iuri Prokopchuk, Pavel Pukha, Cathleen Reinke, Dan Revazov, Georgina Rowse, Sofia Schabus, Annick Schadeck, Miriam Schegerer, Liam Michael Scullion, Anita Tortorella, Renáta Turzíková, Filip Vereš, Emanuele Vignoli, Sophie Wensel, Hanna Woldt, Justyna Woloch, Zahari Zahariev, Elitsa Zafirova Director General: Berndt Schmidt Diseño de escena: Manfred Thierry Mugler and Roland Welke Director Musical: Daniel Behrens Diseño de vestuario: Manfred Thierry Mugler and Stefano Canulli Diseño de escenografía: Jürgen Schmidt-André Composición ‘Alien Kickline’: Anja Krabbe, Frank Kretschmer, Martin de Vries Director de Ballet: Alexandra Georgieva Maestro de ballet y coreógrafo ‘Alien Kickline’: Maik Damboldt

Personal de Escena: Peter Müller (Head), Dietmar Spolert Departamento de iluminación: Olaf Eichler (Head), Birger Krause, Norbert Zimmermann Ingeniero de sonido: Thomas Heidel Director de vestuario y maquillaje: Sylvia Zuhr Maquillaje: Antje Potthast (Head), Jana Gänßle, Johannes Gundlach, Katja Palm, Antonio Caballero Prada, Sonja Rauer Vestuario: Cordula Stummeyer (Head), Annette Bellmann, Karen Ellmer, Simone Fahrich, Manja Knothe, Cornelia Rach, Petra Wagner Coordinación Friedrichstadt-Palast: Ghazal Weber

ARTE CONCEPTUAL / MINIMALISMO Extras: Jia Shen Guo, Andreas Jentzsch, Julian Theiner, Morag Ross, Massimo Gattabrusi, David Hilgers, Alexandra Hannemann, Julian Rebus, Fabian Götz.

Gracias a ZDF: Director de Producción: Sybille Heine Hauptstadtstudio: Christian Amende Gerente del estudio: Ulrich Bülow Ingeniero de Producción: Maik Kaiser Técnico de video: Dino Maluck Técnico de Iluminación: Dirk-Michael Heppner Asistente de iluminación: Torsten Schwarzer Asistente de agarre: Alexander Schulz Administrador de sets: Silke Schramm FILM Extras: estudiantes de tercer grado del 2014/15 Berlin Metropolitan School.

Especial agradecimiento al personal y profesores.

LOCACIONES Berlin Metropolitan School, Friedrichstadt-Palast Berlin, former Olympic Village, Vattenfall – Klingenberg CHP plant, Studio P4 (Funkhaus Berlin), Pallasseum, BSR – Abfallbehandlungswerk Süd, Versuchsanstalt für Wasserbau und Schiffsbau, Stahnsdorf SouthWestern Cemetery, HelmholtzZentrum Berlin – BESSY II, former fertilizer factory Rüdersdorf, Villa Rembold, Teufelsberg, ZDF Hauptstadtstudio, Adler-LöwenKaserne, ‘Mäusebunker’ former

animal research center Charité, Villa Palombini, Jakob-und-WilhelmGrimm-Zentrum / HumboldtUniversität zu Berlin, Department of Engineering Acoustics / Technische Universität Berlin, Remise Bergmannstraße, library of the Brandenburgische Technische Universität Cottbus-Senftenberg

AGRADECIMIENTOS Cate Blanchett Andrew Upton, Iggy, Roman, Dash, June Blanchett, Jamela Duncan A todos los maravillosos miembros del equipo y extras (en orden alfabético): Cornelia Ackers, Matthias Arndt, Ute Baron, Hans-JoÅNrn Brandenburg, Monique and Max Burger, Tschangis Chahrokh- Zadeh, Lukas Crepaz, Bina Daigeler, Christoph DehmelOsterloh, Christoph Fisser, Massimo Gattabrusi, Florian Gellinger, Roland Gerhardt, Jeanny and Stephan Goetz, Bobby Good, Barbara Gross, Michael Herbell, David Hilgers, Marcos Kantis, Christoph Krauss, Martin Lehwald, Kirsten Niehuus, Janaina Pessoa, Cristian Pirjol, Erwin Prib, Sepp Reidinger, Bettina Reitz, Morag Ross, Barbara Schmidt, Fabian Schmidt, Jan Schöningh, Tobias Staab, Markus Stemler, Suse Wächter, Monika Wank, Hanse Warns, Wassili Zygouris Y a todos los maravillosos autores de esos manifiestos alucinantes.

Agradecimiento especial por el generoso apoyo a Manifesto: Bayerischer Rundfunk Medienboard Berlin-Brandenburg Verein der Freunde der Nationalgalerie Freunde des Sprengel Museum Hannover e.V. Asi como a los co –productores: Burger Collection Hong Kong and Ruhrtriennale

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MANIFIESTOS CITADOS

Prólogo KM|FE 1848 ~ Karl Marx / Friedrich Engels, Manifiesto del partido comunista TT 1918 ~ Tristan Tzara, Manifiesto Dada PS 1920 ~ Philippe Soupault, Literatura y el resto Situacionismo LF 1946 ~ Lucio Fontana, Manifiesto Blanco JRC 1932 ~ John Reed Club of New York, Manifiesto Boceto CN 1948 ~ Constant Nieuwenhuys, Manifiesto AR 1919 ~ Manifiesto de Suprematistas y Pintores NoObjetivos GD 1960 ~ Manifiesto de la Internacional Situacionista Futurismo FTM 1909 ~ Filippo Tommaso Marinetti, Fundación y manifiesto del futurismo UB|CC|LR|GB|GS 1910 ~ Umberto Boccioni / Carlo Carra/ Luigi Russolo / Giacomo Balla / Gino Severini, Manifiesto de los pintores futuristas.

GA 1913 ~ Guillaume Apollinaire, La antitradición futurista DV 1922 ~ Dziga Vertov, NOSOTROS: Variante de un manifiesto Arquitectura BT 1920 ~ Bruno Taut, ¡Abajo con el Seriosismo!

BT 1921 ~ Bruno Taut, Luz Temprana ASE 1914 ~ Antonio Sant’Elia, La arquitectura futurista CH 1980 ~ Coop Himmelb(l)au, La arquitectura debe arder RV 1966 ~ Robert Venturi, Un suave manifiesto en favor de una arquitectura equívoca Vorticismo / El Jinete Azul / Expresionismo Abstracto VK|FM 1912 ~ Vasily Kandinsky / Franz Marc, Prefacio al almanaque de El Jinete Azul BN 1948 ~ Barnett Newman, Lo sublime es ahora

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WL 1914 ~ Wyndham Lewis, Manifiesto Estridentismo / Creacionismo MMA 1921 ~Manuel Maples Arce, Actual Nº1 Hoja de Vanguardia Comprimido Estridentista VH 1922 ~ Vicente Huidobro, Debemos crear NG|AP 1920 ~ Naum Gabo / Anton Pevzner, El manifiesto realista Suprematismo / Constructivismo NG|AP 1920 ~ Naum Gabo / Anton Pevzner, El manifiesto realista KM 1916 ~ Kazimir Malevich, Del Cubismo y el Futurismo al Suprematismo. El nuevo realismo pictórico OR 1917 ~ Olga Rozanova, Cubismo, Futurismo, Suprematismo AR 1919 ~ Aleksandr Rodchenko, Manifiesto de Suprematistas y Pintores No-Objetivos Dadaismo TT 1918 ~ Tristan Tzara, Manifiesto Dada TT 1920 ~ El Señor Aa el antifilósofo nos envía su manifiesto o Manifiesto del Señor Aa el antifilósofo FP 1920 ~ Francis Picabia, Manifiesto Caníbal Dada GRD 1920 (página izquierda) ~ Georges Ribemont-Dessaignes, Los placeres de Dada GRD 1920 (página derecha) ~ Georges Ribemont-Dessaignes, Al público PE 1920 ~ Paul Éluard, Cinco medios penuria Dada o dos palabras de explicación LA 1920 ~ Louis Aragon, Manifiesto Dada RH 1918 ~ Richard Huelsenbeck, Manifiesto Dadaísta

Pop Art CO 1961 ~ Claes Oldenburg, Estoy a favor de un arte...

Fluxus / Merz / Performance YR 1965 ~ Yvonne Rainer, No Manifiesto EW|PC|JC|DH|AB|LM|EA| TS|BV 1963–1978 ~ Emmett Williams / Philip Corner / John Cage / Dick Higgins / Allen Bukoff / Larry Miller / Eric Andersen / Tomas Schmit / Ben Vautier GM 1963 ~ George Maciunas, Manifiesto Fluxus MLU 1969 ~ Mierle Laderman Ukeles, Manifiesto del arte de mantenimiento KS 1919 ~ Kurt Schwitters, Construcción Merz Arte Conceptual / Minimalismo SL 1967 ~ Sol LeWitt, Párrafos sobre arte conceptual SL 1969 ~ Sol LeWitt, Oraciones sobre arte conceptual ES 1999 ~ Elaine Sturtevant, Cambiando estructuras mentales ES 2004 ~ Elaine Sturtevant, El hombre es doble el hombre es copia el hombre es clon AP 1969 ~ Adrian Piper, Idea, forma, contexto Cine SB 1963 ~ Stan Brakhage, Metáforas sobre la visión JJ 2002 ~ Jim Jarmusch, Reglas de oro LVT|TV 1995 ~ Lars von Trier / Thomas Vinterberg, Dogma 95 WH 1999 ~ Werner Herzog, Declaración de Minnesota Epilogo LW 1993 ~ Lebbeus Woods, Manifiesto

Surrealismo / Espacialismo AB 1924 ~ André Breton, Manifiesto del surrealismo AB 1929 ~ André Breton, Segundo manifiesto del surrealismo LF 1946 ~ Lucio Fontana, Manifiesto Blanco

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MANIFESTO se terminรณ de imprimir en Casano Grรกfica S.A., Remedios de Escalada, Provincia de Buenos Aires, Argentina.

Agosto 2017

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