Perdidos por el Mástil 03 by revista perdidos

Review de discos Exile on Main Street de los Rolling Stones

Reportaje XI Festival de Blues de Béjar

Foro guitarrero Hardware de la guitarra: Ese gran olvidado

Novedades discográgicas Under Arrest de Injured

Artículos VII Curso de Blues Béjar 2010 Los guitarristas de Ozzy Osbourne

XI Festival de Blues - Béjar -

SUGERENCIAS, COMENTARIOS Y COLABORACIONES: perdidosporelmastil@gmail.com

EDITITOOR IA L L A I R ED

Llega el verano

es la guitarra, quizás muchos dispongáis de más tiempo para practicar y aprender más cosas de nuestro querido instrumento. Podemos dejarnos más horas con nuestros dedos recorriendo el mástil sobre las seis cuerdas. Por eso también os proponemos el Curso de Blues de Béjar, magnífico lugar para aprender y compartir experiencias con otros amantes de la guitarra y del blues. Nuevos contenidos y colaboradores llenan las páginas de este nuevo número, realizado con toda la ilusión y el esfuerzo del equipo de Perdidos por el Mástil, que esperamos colme las expectativas puestas sobre él. No nos queda nada más que decir que lo disfrutéis estéis donde estéis y que paséis un magnífico verano. Hasta el próximo número.

Después de un largo invierno pasado por agua se acerca por fin el buen tiempo y las vacaciones. Es tiempo para disfrutar del ocio y del aire libre, y que mejor forma de hacerlo que pasarse por alguno de los múltiples festivales que inundan por estas fechas nuestra geografía. Os proponemos el Festival de Blues de Béjar (Salamanca), lugar donde combinar vacaciones y gusto musical con la posibilidad de disfrutar de la naturaleza y de la buena música. Y como nuestra afición principal

SUMARIO REVIEW DE DISCOS

XI FESTIVAL DE BLUES 4-9 DE BÉJAR

VII CONCURSO 10-13 INTENSIVO DE BLUES LOS GUITARRISTAS 14-16 DE OZZY

STAFF ● REDACCIÓN LUIS H., HO, JAVIER PASO

● FOTOGRAFIA LICERROCK

NOVEDADES DISCOGRAFICAS

FORO GUITARRERO 18-23

● DISEÑO Y MAQUETACIÓN KHUYN

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Review de discos discos Review

Exile on Main Street: Perdidoenelcrucedecaminos Por: Ho

urante los últimos años he tenido la sensación de estar viviendo un continuo revival en lo que al r’n’r se refiere. Reuniones de antiguas glorias y reediciones clásicas: la vieja rueda vuelve a la carretera. Esta permanente mirada atrás, refugio de quienes no encuentran en la actualidad la energía genuina de los discos de antaño, es percibida por servidor con la resistencia de quien no quiere caer en la dulce trampa de la nostalgia para no convertirse en estatua de sal. Pero eso era antes… ahora el tiempo nunca más se detiene sino que se estira hasta aquí; lo clásico y lo contemporáneo se integran y conviven perfectamente en mi extraña colección de discos (pocos originales, todo hay que decirlo); sin etiquetas de ningún tipo. A diferencia de las infinitas reediciones que han tenido lugar en los últimos tiempos, en este baúl aparecen nuevas joyas escondidas en el fondo de alguna parte desde hace casi 40 años. Uno se pregunta por qué sus ancianas majestades han tardado tanto tiempo en sacar este tesoro a la luz; especialmente si tenemos en cuenta que llevan décadas publicando insípidas y trasnochadas canciones, probablemente rescatadas para ser re-grabadas en estudio. La vaca ya sólo da leche cortada, eso lo sabe desde hace mucho tiempo Jagger&Richards, líder bicéfalo condenado a entenderse hasta el final. Esta pequeña –y quizás absurda- reflexión, sirve para introducir el disco que acaba de reeditarse: “Exile on Main

“To me, the main thing about living on this planet is to know who the hell you are and be real about it. That’s the reason I’m still alive” KEITH RICHARDS St. Deluxe”. Para muchos, la cima musical de los Stones. Para mí, la cúspide del r’n’r (no es la única, de la misma manera que existen diferentes y colosales montañas). De alguna forma, esta colección de canciones tiene algo de todo. Y cuando digo todo, quiero decir todo. No describiré cada tema que aparece en este majestuoso disco, simplemente debe ser escuchado en su conjunto, como algo que no puede fragmentarse para no perder realmente su sentido. De hecho, me niego a tratar de analizar la música que desprende este doble y arrebatador artefacto. Es mejor dejarse llevar por las sensacionesobsesiones que transmite: Atmósferas destiladas de alcohol; lisergia flotando en el ambiente, humo y olor a subsuelo y azufre; la obsesión de Keith por atrapar el fantasma musical de Robert Johnson, de todos los bluesmen muertos, en realidad; la América profunda se fusiona con el final del sueño. Diversión

sin freno y resaca. Y sexo, mucho sexo. La alegría de ser joven, sin mañana. De manera engañosamente accidental, en este en este Exilio se produce naturalmente un encuentro con todas las cosas que importan escupidas con venenoso vitalismo. Pero detrás de todo ello, existe una búsqueda de algo… Aquella sensación que tuve al escucharlo por primera vez no ha vuelto a repetirse con ninguno de sus otros discos. El CD comenzó a rodar y pareció como si la banda estuviese frente a mí: Richards rasgaba borracho sus riffs; Taylor, tocaba tímidamente en un rincón de la habitación, coloreando con sutiles punteos la primitiva técnica del pirata; Wyman daba equilibrio a través de sus líneas de bajo; Charlie, vigoroso, empujando todo el asunto y Jagger aullando soul como nunca lo haría jamás. Al fondo, algunas chicas negras cantando y algunos colegas de lujo; Dr. John provocando la locura y también me pareció ver a Gram Parsons inyectando dosis de country a las canciones, pero de esto último no estoy seguro. Todo esto lo viví, lo juro.

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XI Fes(val de Blues de Béjar Reppo rt aj e e j a t r o Re

Por Licerrock Gibson

Precios de las entradas al Blues Béjar Festival 2010:

a undécima edición del Festival de Blues de Béjar llega este año con adelanto. Su habitual ubicación a finales de Julio - principios de Agosto pasa al ecuador del mes de Julio, concretamente al fin de semana del 16 y 17. En el privilegiado entorno que ofrece la Plaza de Toros del Castañar, una de las más antiguas y pintorescas de España, tendrá lugar de nuevo este espectáculo musical que nos brinda la visita de grandes figuras internacionales del mundo del blues. Rodeados de castaños centenarios, del agradable frescor de la sierra de Béjar y de numerosos chiringuitos y terrazas donde recoger fuerzas y aclarar gargantas no hay excusa para perderse este evento. Siempre nos ofrece sorpresas agradables el elenco elegido para cada ocasión, y si bien mi pequeño conocimiento musical me dirige hacia nombres como The Fabulous Thunderbirds, Canned Heat o Robben Ford, estoy seguro que algún otro de los asistentes me llevará a pasar un par de noches bien agradables bajo la luz de la luna veraniega. Gracias de nuevo a Javier Paso por la información suministrada y no os olvidéis de visitar la web del festival para conocer las últimas noticias del festival. Nos vemos allí.

- Abono para los 2 días 40 € - Entrada Viernes 16 Julio 25 € - Entrada Sábado 17 Agosto 25 € * Las entradas para el Festival Internacional de Blues ciudad de Béjar podrán adquirirse de forma anticipada en los siguientes establecimientos y en las taquillas de la Plaza de Toros de Béjar una hora antes de los conciertos.

Venta anticipada de entradas: - LA ALQUITARA (BEJAR). - CAFE CORRILLO (SALAMANCA) - 12&23 (BEJAR) - SALA IMPACTO (PLASENCIA) - CAFE PICAPORTE (HERVAS) - LA CUCHARA DE DON JUAN c/ Juan Duque, 3 (Madrid – Metro Príncipe Pio) Reservas Telefónicas: 923 411 777

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XI Fes(val de Blues de Béjar LARRY GARNER 16 de Julio a las 22:00 h. En una época en que las superestrellas del rock, ricas y envejecidas, intentan recuperar algo de credibilidad haciendo cola para figurar en discos de blues, es refrescante ver surgir un verdadero bluesmen como Larry Garner. Sin embargo, la industria del disco-sobre todo la americana- ignoró durante mucho tiempo el talento de Garner, rechazando la posibilidad de grabarlo porque era demasiado “blues“.

Hubo que esperar hasta que la obstinación del productor británico Steve Coledridge consiguiese sacar a Larry Garner del circuito de pequeños clubes de Baton Rouge en los que éste actuaba desde hacía años, muchas veces acompañando a figuras legendarias del blues de Luisiana como Lonesome Sundown, Silas Hogan, Raful Neal o Tabby Thomas. Con este aprendizaje no es extraño que el arte de Larry Garner estuviese fuertemente anclado en la tradición del swamp blues. No obstante, Larry es también un bluesmen comtemporaneo, tanto en su estilo de guitarra texano como por sus composiciones relacionadas con su vida personal o que relatan la vida del Estados Unidos de los guetos. Su talento de escritor es lo que primero llama la atención. De hecho, blues tan potentes y conmovedores como Tale Spraders, Past 23, California Sister, Thought I had the blues… son hoy poco frecuentes en una música dirigida a la clase media estadounidense. Fue Coledridge quien financió la primera sesión de grabación de Garner a principios de los noventa. Después de varios intentos fallidos consiguió vender el disco Doubble Dues al sello británico JSP, que presentó a Garner a

críticos y aficionados. Too Blues, grabado a continuación, es todavía mejor y constituye uno de los mejores discos del blues moderno. Desde entonces, Garner ha podido participar en numerosas giras internacionales y firmar un contrato con el sello Verve para dos discos de muy buena factura, You need to live a little y Baton Rouge. Estos álbumes, aunque son netamente más comerciales que los anteriores editados por JSP, no caen en la trampa del actual Blues FM, que ha afectado a tantos nuevos talentos del blues.

CANNED HEAT 16 de Julio a las 00,00 h. Canned Heat lo fundaron dos grandes amantes, conocedores y coleccionistas de blues llamados Bob “The Bear” (el oso) Hite uno, y Alan Wilson el otro; es más, aún hoy se tiene en consideración su enciclopedia de blues, redactada sobre la base de sus colecciones privadas de discos de blues, unos 70.000 ejemplares. El nombre “canned heat” fue tomado de un tema de Tommy

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XI Fes(val de Blues de Béjar

Johnson, en dónde éste nos relata su afición por beber alcohol de quemar que consumía junto con crema para zapatos, tónico capilar, y todo aquello que pudiera resultar ser una bebida explosiva. La banda como tal se formó junto al bajista Larry Taylor (que cedió paso a Antonio De La Barreda), el guitarrista Henry Vestine (sustituido más tarde por Harvey Mandel) y el batería Frank Cooke (que también dejó paso al genial Adolfo “Fito” De La Parra). Así, y tras un primer álbum publicado con el mismo nombre en 1967, llegó su maravillosa actuación en el Festival de Monterey, consiguiendo de éste modo la fama y reconocimiento en toda América. En los años siguientes, se sucedieron una serie de cambios en la formación (ya relatados) que hicieron aparecer discos un tanto irregulares y de corte diverso, hasta que en 1970 la banda consigue realizar uno de sus sueños: grabar un disco junto a su gran ídolo, John Lee Hooker. El álbum resultante fue el “Hooker’n’Heat” y significaba el reconocimiento oficial por parte de uno de los máximos exponentes y autoridades del blues. Desgracia-

damente, Alan no vivió lo suficiente como para contarlo, ya que falleció un 12 de septiembre del mismo año, cayendo la banda desde ese momento en un gran agujero del que le costaría trabajo salir. Durante los años siguientes publicaron más discos como el “Live at the Topanga Corral”, “Historical figures and ancient heads”, “New age”… y se sucedieron aún más cambios en la formación, hasta que en 1981 falleció Bob Hite a causa de un infarto a la edad de 36 años. De entre los discos imprescindibles de Canned Heat están “Boogie with Canned Heat” (1968), el magnífico “Living the blues” (1969), con temas soberbios como One kind favour, Going up the country, My pony… en el que colabora a las teclas el mismo John Mayall, o “Future blues” (1970) fruto de la pasión ecologista de Alan, y con temas como el reconocidísimo Let’s work together, London blues, Future blues… aquí a las teclas está Dr. John. Actualemente, Canned Heat siguen realizando discos y giras con el gran Adolfo ”Fito” de la Torre como líder y único miembro de la formación original.

CLIMAX BLUES BAND 16 de Julio a las 02:00 h. Esta banda británica de blues rock surgió a finales de los años 60’s con el nombre de The Climax Chicago Blues Band, pero luego terminarían llamándose The Climax Blues Band en los años 70 para no confundirse con los famosos Chicago. Estaba formada por el cantante y saxofonista Colin Cooper (ex integrante de la banda mod Hipster Image), los guitarristas Derek Holt y Peter Haycock, el bajista Richard Jones, el teclista Arthur Wood y el batería George Newsone. El grupo, creado en Stretford, Inglaterra, publico su disco homónimo en 1969 (Climax Chicago Blues Band), el LP recreaba su pasión por el sonido blues con versiones de Jimmy Reed, Sony Boy Williamson o Howlin’ Wolf. Tras este primer disco, el bajista Richard Jones dejó el grupo para concentrarse en sus estudios universitarios, pasando Holt a tocar las cuatro cuerdas en Plays On (1969), un ecléctico, siempre con el blues en primer plano, segundo trabajo disco-

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XI Fes(val de Blues de Béjar gráfico y último publicado en Parlophone. A Lot Of Bootle aparece en 1970, un satisfactorio álbum en el cual ofrecen sonidos más endurecidos, que permitían brillar a Cooper y Haydock, en donde se nota la influencia que tomaron del blues de Chicago, lleno de ese sonido tan propio con armónica y una guitarra sonando casi sola como en el tema Reap What I’ve Sowed o la desquiciada Seventh Son, de los mejores temas que vamos a encontrar en este disco. Este blues rock con algún elemento progresivo se repetiría en Tightly Knit (1971), uno de sus trabajos más celebrados y posiblemente el mejor de su carrera. Les siguieron otros con sonidos más comerciales que sin embargo, consiguen hacerle un hueco en el mercado en los EE.UU, país en el cual giraron con profusión. Otros discos como Stamp (1975) supuso una decepción para los amantes de sus primeros discos ya que el grupo evolucionó hacia posturas más diversas y pop, con blues, funk, jazz, soul, soft-rock y sonidos latinos, trazos apreciados en otros trabajos anteriores. En las últimas

décadas han seguido girando en vivo, grabando discos esporádicamente, como Drastic Steps o Blues From The Attic, reeditando sus mejores trabajos y publicando recopilaciones con sus grandes éxitos. Tras 40 años de conciertos y grabaciones, La Climax son unos auténticos supervivientes en el panorama del Rhythm & Blues británico de los años 70. Fundada, y todavía liderada, por el cantante y multi instrumentista, Colin Cooper, la banda ha mantenido vivos su estilo y energía superando cambios de formación y modas musicales, siempre anclada en las sólidas raíces del blues y el jazz. En los últimos años, la formación ha quedado estable y, además de Cooper (voz y armónica), se compone de Lester Hunt (guitarra), Neil Simpson (bajo), George Glover (teclado) y Roy Adams (batería).

BILL EVANS & ROBBEN FORD “SOULGRASS MEETS BLUES” 17 de Julio, 22:00 h.

Bill Evans, uno de los más reconocidos saxofonistas a nivel internacional, nominado a un Grammy y que ha explorado una variedad de ambientes musicales que van mucho más allá del jazz tradicional. Sus primeras colaboraciones con Miles Davis y John Maclaughlin lanzaron dos décadas de exploración musical que culminó en soulgrass, una mezcla potente y eléctrica del estilo americano por excelencia. Robben Ford, uno de los guitarristas y vocalistas “premiere” en la actualidad es conocido por su forma apasionada, mágica y eléctrica de tocar blues y su habilidad para diversificar en una gran variedad de ambientes musicales. Cuatro nominaciones a los Grammy y ha tocado con músicos de primera clase como Miles Davis, Joni Mitchell, George Harrison o Phil Lesh por mencionar alguno de ellos. Ambos músicos y con la idea de seguir ampliando fronteras se reúnen este año 2010 para realizar una gira exclusiva en Europa acompañados por una banda de grandes músicos “all star” formando así un gran equipo moviéndose por las líneas del soulgrass el blues, jazz y rock, una formación enérgica, intensa e inolvidable encima del escenario.

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XI Fes(val de Blues de Béjar MICHAEL HILL´S BLUES MOB 17 de Julio a las 02:00 h.

THE FABULOUS THUNDERBIRDS 17 de Julio a las 00:00 h. Formados a mediados de los años 70, The Fabulous Thunderbirds son una banda de blues-rock típicamente americana. Oriundos de Austin (Texas), la banda se fue curtiendo por los peores baretos de USA hasta llegar a telonear a los Rolling Stones o a Eric Clapton. La banda original estaba liderada por Jimmie Ray Vaughan a la guitarra (hermanísimo del gran Stevie) y por Kim Wilson, leyenda viva del blues y genio de la harmónica. Tras la marcha de Jimmie a finales de los 80 la banda pasó por un mal momento, pero hoy día sólo Kim ha reformado la formación de la banda y la lidera con buen temple.

Los Thunderbirds tienen como principal activo y reclamo a Kim Wilson, el único miembro superviviente de la formación original y una de las leyendas vivas del blues y genio de la blues harp, la armónica, para entendernos. Su entrega a la música es total, llegando a dar 300 conciertos por año si sumamos las giras con los Thunderbirds y los recitales en solitario. Aunque tocando a veces se lo compara con la leyenda del Chicago blues Little Walter, Wilson insiste en que ha sido más influenciado por el guitarrista Muddy Waters. “Yo creo que uno tiene tantas influencias y le roban mucho material que finalmente sólo consigue mezclarlo en uno mismo”, explicó en una entrevista a National Public Radio. Wilson agregó que sería imposible imitar a otros grandes de la armónica porque “las notas que usted está tocando sólo puede suceder una vez.”

Nacido y criado en el sur del Bronx (South Bronx) y proveniente de una familia íntegramente consagrada a la música, su introducción a la interpretación de la guitarra de blues llega de la mano de su admiración por Jimi Hendrix, habiendo presenciado su actuación memorable en el festival de Woodstock y más tarde en el Fillmore East de NY, junto a la Band Of Gypsies. Guitarrista brillante, de visceral técnica y sonido, con medida utilización de efectos y excelente intérprete de Slide (el cual utiliza con afinación Standard de su guitarra, en lugar de afinación abierta, como es mas usual) y además un muy expresivo vocalista; tales condiciones lo pusieron en la mira de nada menos que B.B.King, con quien ha llegado a grabar. Michael Hill es además miembro permanente de la Black Rock Coalition, una organización de apoyo a los músicos negros, dedicados a expresar algo más que la simple fórmula del Pop Negro, de mayor apreciación por las compañías discográficas. Esta modalidad alternativa de la BRC no se relaciona expresamente con la corriente del Grunge, sino con estilos de música negra que las radios raramente aceptan difundir. Jazz, Blues, Funk, Rock Negro y Reggae son las corrientes más predominantes en los músicos agrupados en la BRC, y todos estos estilos están representados en Michael Hill, dando a su música un carácter rico y variado. Su primer álbum junto a su banda BLUES MOB es titulado “Bloodlines” y editado en 1994 por el sello Alligator Records. Acompañado en este álbum debut por su hermano Kevin Hill en bajo, Tony Lewis en batería y Fred McFarlane en teclados, Michael ha encontrado el apoyo justo de músicos ex-

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XI Fes(val de Blues de Béjar

celentes y que además han colaborado durante años junto a él en toda clase de proyectos musicales. El tema social-cultural está siempre presente en la música de Michael Hill, comprometido con sus raíces africanas y testimoniando a través de su lírica la realidad y la actualidad, pagando sentido tributo a las profundas tradiciones musicales. Todo esto en un concepto de Blues que abarca lo tradicional y la proyección a lo futuro por igual. Verdadero embajador del Blues testimonial de raíces, MICHAEL HILL’S BLUES MOB es una muestra genuina y actual de la perdurabilidad de una cultura ancestral llegada desde el otro lado del Atlántico, y que se aseguró por derecho propio un lugar en América, plantando su semilla, y dando valioso fruto: el origen de todo lo que hoy conocemos como Blues, Jazz y Rock. Blues que no proviene de Chicago ni del Mississippi, MICHAEL HILL’S BLUES MOB es poderoso Blues neoyorquino.

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VII CURSO INTENSIVO DE BLUES

25,26 Y 27 DE JUNIO BÉJAR (SALAMANCA) Precios y fecha límite de Inscripción Curso: 75 € Curso + Alojamiento: 250 €

“Destaco el valor que tiene el poder conversar de tú a tú con músicos de este nivel mientras se come, se toma una cerveza o se da una vuelta entre castaños centenarios” Más información en: www.laalquitara.com www.bluesbejarfestival.com cafeblueslaalquitara.blogspot.com

ace un par de años tuve la suerte de poder asistir al Curso Intensivo de Blues que cada año, y ya van siete, prepara Javier Sánchez Paso y la gente de La Alquitara en Béjar (Salamanca). Atendiendo a todos los instrumentos que dan forma a tan precioso estilo musical: guitarra, bajo, armónica, voz y batería, reconocidos profesores de prestigio internacional comparten en el escenario natural de la Sierra de Béjar su saber y su convivencia con los esforzados alumnos, que durante el día asisten a las clases y durante las noches tienen la oportunidad de demostrar las habilidades aprendidas en las Jam Sessions que tienen lugar en La Alquitara. Durante la quinta edición en la que participé, com-

Plazo de Inscripción: Se ha establecido un máximo de participantes para el curso. La selección se hará por riguroso orden de inscripción. Fecha límite de inscripción: Hasta el 23 de Junio de 2010 Rellenar el cuestionario y seguir las instrucciones en: www.bluesbejarfestival.com/ cursos-de-blues/inscripciones-curso-de-blues/

partí mi tiempo con alumnos de toda la geografía nacional, intercambiando conocimientos, trucos y la posibilidad de oír y tocar en directo numerosos modelos de guitarra que en mi caso solo había visto en fotografía. Algunos de los profesores de aquel año fueron Francisco Simón, Chuma Segura, Ñaco Goñi y Gabi Jogeix entre otros. Destaco el valor que tiene el

poder conversar de tú a tú con músicos de este nivel mientras se come, se toma una cerveza o se da una vuelta entre castaños centenarios. Dado el buen resultado de la experiencia, no me queda más remedio que recomendarla gratamente, agradeciendo a Javier Sánchez Paso el material enviado sobre los profesores y las fechas de este año.

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Los profesores de esta edición serán José Luis Pardo y Fred PG para guitarra, Héctor Rojo para bajo, Quique Gómez armónica y voz y Jorge “Coke” Santos a la batería

JOSE LUIS PARDO El blues nació en el sur de Estados Unidos, en el delta del río Mississippi, y bastante más al sur estaba la cuna de José Luis Pardo. Sin embargo, eso no tuvo importancia para que el músico se dedicara a ese género que se encargaron de consolidar, en el río de La Plata, músicos como Pappo, Botafogo, Memphis La Blusera o La Mississippi.

maestros del blues, como Albert King, Muddy Waters o Chuck Berry. Participó en el Festival Wine Race Memphis, Blue City Caffe, conmemoración del aniversario de la muerte de Albert King y Zanzi Bar. Es con estas formaciones que graba los discos “We play the blues for you” y “Live at Fidelius”, puntos de inicio de maratónicas e importantes presentaciones en Estados Unidos, Europa y Sudamérica, donde compartió escenario con afamados exponentes del blues internacional. Ser argentino y blanco no ha sido óbice para que Pardo interprete el blues, como lo ha hecho en América y Europa. Una vez conecta su guitarra al amplificador y empieza a interpretarla, se convierte en el guía de un recorrido hacia el delta, hacia Memphis o hacia Chicago. Penas, sufrimientos y alegrías afloran en un sonido que es sincero, que es el blues mismo.

QUIQUE GOMEZ

Desde temprana edad, y hablar de esto en alguien que acaba de llegar a 28 años puede sonar casi irónico, Pardo sintió atracción por la música, a pesar de que nadie en su familia se dedicaba a ella. El argentino y su guitarra se volvieron uno solo y no se han separado desde hace 17 años, ni se separarán nunca, esto no por el hecho de que sea el único bluesman suramericano en tener el endorsement, algo cercano a un patrocinio, de la famosa marca de guitarras Gibson. La razón es esa facilidad con que sus dedos recorren el mástil del instrumento para que surjan notas que hacen recordar a los grandes

Armonicista y cantante nacido en Madrid. De formación autodidacta decide formar su banda, Juan Bourbon, Juan Scotch & Juan Beer, una de las bandas referentes del circuito Blues en España en los últimos años, a finales del siglo pasado. Banda con la que ha grabado y girado a lo largo del continente Europeo participando en festivales y los más prestigiosos clubs. Desde 2002 dirige en Madrid junto a la banda la Jam Session del Moe Club, una de las más antiguas de la capital y por la que pasan cada semana los mejores músicos. Trabajando con su banda de una manera intermitente se incorpora a la Tonky Blues Band (una de las bandas pioneras del blues en España) en el 2002 junto a su amigo guitarrista de Juan Bourbon, Juan Scotch & Juan Beer, Curro Serrano. Juntos pasan más de dos años girando por España y una vez concluida esta etapa es cuando co-

mienzan a ganarse un nombre con Juan Bourbon, Juan Scotch & Juan Beer, formación con la que sigue en activo y formada en la actualidad por Curro Serrano, Diego de la Torre y Coke Santos. En los últimos años ha formado Los Gatos Bizcos junto a Pablo Sanpa, Héctor Rojo y Pete Benito con los que actualmente está girando y preparando su primer trabajo. Ha compartido escenario con artistas de la talla de Lurrie Bell, Eddie C. Campbell, Billy Branch, Billy Boy Arnold, James Wheeler, J.W. Williams, Magic Slim, Guy King, Buddy Miles, Carlos Johnson etc... en sus visitas a Chicago donde pasa temporadas. En una de estas visitas a la ciudad del viento es donde conoce a Bob Stroger, mítico bajista y cantante de Blues con el que comienza a trabajar alrededor del Continente Europeo. Quique Gómez está considerado como uno de los jóvenes valores

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del panorama blusero internacional. Gira alrededor de Europa con artistas como Bob Stroger (bajista de Jimmie Rogers, Ottis Rush, Sunnyland Slim,- en la actualidad el bajista de Blues en activo más importante-), Zach Prather, Charles Mack (Ex James Cotton Band), Peaches Staten, Eddie C. Campbell… En la actualidad se encuentra inmerso en numerosos proyectos entre los que se encuentran:

Eddie C. Campbell “ The King Of The Jungle Tour” al que acompañará junto a los Gatos Bizcos en una gira por España y Lituania (Febrero y Marzo 2010), Bob Stroger Italia Tour 2010, junto a The European Band, banda formada en 2008 junto Luca Giordano, Fred PG y Guillaume Destarac y con la que acompañan a Bob en sus visitas a Europa, gira europea con Peaches Staten y la grabación

del álbum debut de su nueva banda Los Gatos Bizcos. Recientemente grabado con su amigo, el guitarrista italiano Luca Giordano, a finales del mes de Marzo presentarán su trabajo en una gira Italiana. Quique Gómez es un enamorado del Blues del Delta y de Chicago, pero no está limitado a estos campos, si no que ha colaborado en grabaciones de bandas de Jazz, Pop, Rock, Funky y Soul.

HÉCTOR ROJO Nace en Zamora y a finales de los 90 se traslada a Madrid donde empieza sus estudios de bajo eléctrico con Juan San Martín y Richie Ferrer. También estudió contrabajo clásico con Daniel Machado. Ha girado con figuras nacionales e internacionales del blues como Buddy Miles, Eddie C. Campbell, Peaches Staton, Paul Orta, Tonky Blues Band, Ñaco Goñi, Juan Bourbon, Juan Scotch & Juan Beer... También en el campo jazzístico a tocado con Jorge Pardo, Ron Jackson, Norman Hogue, Santiago Reyes, Tony Heimer, Bob Sands, Nacho Mastretta, Ignasi Terrasa, Abdu Salim, Paul Stocker, Outro Jazz, Carlos Carli, Daniel García... 1º premio en el concurso Audiciones 2008 con Mariano Valdayo Quartet. Actualmente forma parte de “Blue Perro”, “Los Gatos Bizcos”, “Norman Hogue & The I.B.M.”, “Josele Santiago y sus menudencias”, “Susan Santos and the Papa´s Red Band... y diferentes colaboraciones.

JORGE “COKE” SANTOS Nacido en Madrid en 1978. Comienza sus estudios en el Conservatorio Profesional de música Teresa Berganza y más tarde completa su formación en distintas escuelas como la Escuela de Música Popular y la Escuela de Música Creativa en Madrid, además de participar en múltiples seminarios y Master Class. Trabaja como músico profesional desde el año 1998 acompañando a distintos músicos nacionales e internacionales como Tonky Blues Band, Buddy Miles, Bob Stroger, Juan Bourbon,Juan Scotch & Juan Beer, Malcom Scarpa, Edu Big Hands, Mastretta, Tony Heymer, la Brassa Band, Speack low, Andy Chango, Javier Andreu, Mónica Molina, Tonino Carotone, Blue Perro, Josele Santiago y muchas otras formaciones abarcando estilos muy diversos como el Jazz, Funk, Blues, Rock....

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FRED PG Fred PG, guitarrista francés nacido en París. Se interesa muy joven en el blues y particularmente en el estilo de BB King. Estudia solo los estilos de los grandes del blues eléctrico negro: BB, Freddie Y Albert King. Fred ha tocado con artistas tales como Dana Gillespie, Ian Siegal, Stevie Zee, John Primer, Peaches Staten, Bob Stroger, Zach Prather (Chicago) o Larry Garner (Louisiana). Formó parte de la primera gira de un grupo de blues por la India en el 2003 (Dana Gillespie) y ha participado a numerosos festivales por toda Europa de Italia a Escandinavia pasando por Suiza y Lituania. Instalado en Madrid desde el año 2006 Fred organiza regularmente giras por España, Francia e Italia con artistas de EEUU. También músico de jazz, Fred tiene un profundo conocimiento de varios estilos de guitarra todos relacionados con la música negra. Las clases se basaran en ejemplos de los grandes maestros negros del blues eléctrico y se estudiaran diferentes temas típicos del genero, incluyendo análisis armónico y principios de improvisación, la importancia del sonido y de la dinámica, el juego con o sin púa, el estudio de los bendings y otras técnicas especificas usadas en el blues.

METODOLOGÍA DEL CURSO El curso tendrá lugar en Béjar (Salamanca), en el Albergue Juvenil “Llano Alto”. El horario se distribuirá en sesiones de mañana (clases teórico-prácticas) y tarde (agrupaciones, combos, audiovisuales y jam sessions), dentro de la programación de actividades musicales del Festival Internacional de Blues de Castilla y León (Béjar-Salamanca).

de la Improvisación. La filosofía del Seminario consiste en el aprendizaje del lenguaje de la música moderna y, a través de él, del desarrollo técnico del instrumento, la adquisición de una experiencia musical en grupo y una comprensión clara de los componentes más importantes de la música: ritmo, armonía y melodía. En las clases, se intentará dar el máximo de información con el mínimo coste posible de

tiempo, teniendo en cuenta las posibilidades reales de cada alumno y preparándole para una participación práctica en el mundo de la música. Con el fin de aumentar el sentido práctico del curso, se harán ensayos en grupo (combos), entre alumnos de todos los instrumentos seleccionados por niveles, que mostrarán el trabajo realizado a lo largo del seminario en jam sessions y un concierto de clausura.

¿A quién va dirigido?: Este seminario está dirigido a estudiantes y músicos amateurs o profesionales de todos los instrumentos que deseen iniciarse o profundizar en los diferentes estilos que ofrece la música de Blues. Estarán dedicados al trabajo específico con el instrumento y la formación en grupo (combos).

Objetivos: El objetivo de este seminario, es dotar a los alumnos asistentes de los conocimientos necesarios para poder desarrollar la improvisación, y conocer las características que forman el extenso concepto de música de Blues. Así mismo, generar en los jóvenes el interés por el mundo creativo e imaginación

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Los guitarristas de Ozzy:

Dime con quién andas y te diré quien eres Por Luis H.

s sabido por todos que entre las grandes virtudes de Ozzy Osbourne no se encuentran su voz, su lucidez mental y en ocasiones su gusto a la hora de componer. Sin embargo, como ha aprovechado las cartas que el demonio le dio al nacer, ha hecho que nuestro chiflado favorito firmara algunos de los mejores discos de la historia del rock. Algunos de estos comodines han sido los guitarristas que le han acompañado a lo largo de su carrera musical. Su leyenda comienza con los Black Sabbath, con Tony Iommi como

¿Realidad o dibujos animados?

guitarrista fundador del grupo. ¿Qué se puede decir de él que no se haya dicho antes? Sus riffs son el ABC del heavy, los cimientos del rock duro que aprenderían las bandas posteriores hasta nuestros días. Es difícil encontrar un guitarrista del rock más pesado que no esté de alguna manera influenciado por sus potentes riffs. Y no sólo ha sido su forma de tocar con esos acordes que crearon atmósferas únicas hasta entonces, sino que las composiciones de prácticamente todo lo que grabó con Ozzy (e incluso posteriormente con Dio) son tan innovadoras y de tal calidad que son consideradas como indiscutibles obras maestras del rock.

Sigue de alguna manera el camino que otros guitarristas habían hecho a finales de los sesenta con temas de acordes contundentes donde la banda va desarrollando progresiones libres que arrancan desde el principio a degüello pero que te van metiendo poco a poco en estados hipnóticos. Las canciones son complejas, te llevan arriba y abajo en un ambiente oscuro y en muchas ocasiones desasosegante (imposible sonar más satánico con sólo tres notas como en ‘Black Sabbath’; ¡qué miedo colega!). Es como si en cuanto

tos. Además, en lo personal hacían un maridaje y contrapunto perfecto. Con la nueva banda completada, todo fue a toda máquina y en poco más de medio año publicarían el maravilloso ‘Blizzard of Oz’ en 1980. Al margen de que el sonido no haga justicia a la grandeza del disco debido a una raquítica patatera producción hecha por ellos mismos, lo cierto es que está lleno de temazos. Las composiciones de Randy te dejan noqueado: riffs duros, armonías dulces, toques clásicos, notas por todos los lados que colorean las canciones haciéndolas brillar de una manera diferente, y esos increíbles solos de agárrate-los-machos-que-vienen-curvas, que al margen de la exquisita técnica, emocionan en cada nota que suena. A pesar de que en esa época, Ozzy estaba para que lo encerraran en un psiquiátrico protagonizando salidas de tono que harían que la prensa lo presentara como el ‘Madman’ oficial del rock, lo cierto es que también fueron unos años fecundos llenos de creatividad. Así en menos de un año desde el Blizzard se publicaría ‘Diary of a Madman’. Pese a que para el que escribe, las composiciones del disco eran inferiores a las del anterior, los temas sonaban mucho más brillantes debido a la mejora en la producción. Quizás los temas son más complejos y las fantásticas guitarras de Randy destacaban de una manera genial haciendo que las canciones estuvieran envueltas en un película mágica donde lo melódico y oscuro se mezclaban de una forma extraña.

Tony Iommy: Sus riffs son el ABC del heavy, los cimientos del rock duro que aprenderían las bandas posteriores hasta nuestros días. suena la guitarra de Iommi, la niebla y el olor a azufre empezara a salir por los bafles de tu equipo inundando la habitación de un ambiente tenebroso. La colección de clásicos es para que se te caigan los calzones hasta el calcañar: ‘Paranoid’, ‘Iron Man’. ‘Children of the Grave’. ‘N.I.B.’, War Pigs’ ‘The Wizard’... Nunca una Gibson SG sonó (ni probablemente sonará) tan siniestra y potente. Imposible no cabecear melena al aire al escuchar los seis primeros discos de principio a fin (de 1970 a 1975). Tras la borrachera de éxito, de alcohol y farlopa llegan la falta de ganas y comunicación entre Tony y Ozzy, propiciando que éste marche por nuevas sendas siguiendo el camino de baldosas amarillas. Para ello comenzó a buscar nuevo guitarrista: a ver quién era el listo que podía ocupar el hueco de Tony sin hacer el ridículo al compararlo. El listón estaba muy alto. Según cuenta el propio Randy Rhoads (que sería el elegido), Ozzy había estado probando a gran parte de los guitarristas de los Ángeles durante varios días. Entonces llegó él con su cutre-amplificador, afinó e hizo un par de riffs, y le dijo ‘has conseguido el trabajo’. No sabemos si es que tuvo una visión nada más verle o estaba hasta las pelotas de escuchar imitadores de Iommy queriendo acabar cuanto antes la tortura de las audiciones. Imposible haber tenido mejor elección: bajo la apariencia de ese chico pequeñico, esmirriado y tímido se escondería un guitarrista fuera de lo común con un talento desbordante y estilo propio que dejaría a todos boquiabier-

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Randy Rhoads: Bajo la apariencia de ese chico pequeñico, esmirriado y tímido se escondería un guitarrista fuera de lo común.

Jake E. Lee: Se trata de un guitarrista muy técnico pero con un sonido bastante rockero y melódico.

Por aquel entonces Randy era reconocido para muchos como el mejor guitarrista del rock del momento. Poco más duraría ese matrimonio Ozzy-Randy (aunque más bien era una relación padre-hijo) ya que moriría con parte de la banda en un tonto accidente de helicóptero. Años después tuvimos la suerte de escuchar un disco directo homenaje a Randy donde se le pone a uno los pelos de punta al escuchar su bestial manera de tocar. Único. Tras probar diferentes guitarristas, Ozzy publicó algún disco sin mucho que destacar. Fueron años muy desmadrados donde la ausencia de Randy y sus problemas matrimoniales y con el alcohol le dejarían tocado. El siguiente gran guitarrista a destacar en su carrera fue Jake E. Lee, que sin llegar ni por asomo a la genialidad de Randy (se volvió a poner el nivel muy arriba) haría un buen trabajo en ‘Bark at the Moon’ y ‘Ultimate Sin’. Probablemente sus fraseos, acordes y solos de guitarra sean lo mejor de estos discos presentando a Jake E. Lee como un virtuoso. Lo cierto es que son discos con un sonido digamos, comercial, y las composiciones son un poco flojas (un par de temas del Bark son para echar la pota), pero gracias al los guitarreos que suelta Jake las canciones se crecen y suenan a gloria. Se trata de un

guitarrista muy técnico pero con un sonido bastante rockero y melódico. Las continuas discusiones harían que ahí se acabara su periplo como guitarrista de Ozzy (posteriormente se embarcaría en Badlands donde seguiría demostrando su gran gusto tocando la guitarra). Ozzy se encontraría de nuevo en la misma situación que antaño probando decenas de guitarristas. De igual forma acabó aburrido y con la cabeza fundida de escuchar tanta morralla e infinitos imitadores de Yngwie Malmsteen. Recordemos que era la época dorada de los guitar-hero donde cada fraseo de guitarra tenía que tener al menos ciento cincuenta notas (de ahí para arriba). Se llevó el gato al agua, Zakk Wilde, un joven guitarrista virtuoso con dedos muy rápidos pero al mismo tiempo tenía influencias de rock clásico, cosa que atrajo a Ozzy desde el principio (con los años y en solitario, se metería de lleno en el rock sureño tocado de una forma burrota). Así desde su debut en el 88 con ‘No Rest For the Wicked’ se convertiría en el guitarrista prácticamente definitivo de Ozzy. Pese a que a algunos fans de Ozzy no terminaran de digerir bien el estilo huracanado de Zakk, personalmente creo que es un buen guitarrista con una forma de tocar propia (aunque a veces recordara a Jake). Su forma de tocar pesada y chillona, melódica, con solos vertiginosos y sus armónicos marca de la casa hacen que cuando escuches sus discos no puedas evitar centrar la atención en las guitarras. Lo demostró en ‘No more tears’ donde el toque más rockero juntado con un ramalazo comercial hacen que suene como un buen disco. Más adelante vendría algún disco mediocre con un sonido más moderno pero sin mucha relevancia. Por sus discos, por su personalidad única (que risas se echa uno leyendo sus historias) y por esa intuitiva sabiduría a la hora de rodearse de grandes guitarristas se le perdona todo lo malo, hasta que me haya dado plantón en la única oportunidad que tuve de verle en directo. Ozzy, mi personaje favorito de dibujos animados. Es para quererle, ¿no?

Zakk Wilde: Sus solos vertiginosos y armónicos marca de la casa hacen que cuando escuches sus discos no puedas evitar centrar la atención en las guitarras.

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No dade scog ficas ogrrááfic Disc dess Di Novveeda

INJURED: UNDER ARREST

Xxxxx

Presentamos el primer trabajo discográfico de Injured, la banda alicantina de Hard Rock de nuestro amigo Iván, colaborador en la web de los muñones guitarreros. Se compone de doce temas propios, cargados de energía y ritmo que podéis escuchar en www.injured.es y www.musikaze.es/injured, con un sonido contundente y una voz femenina colosal que combina a la perfección con el espíritu del grupo. Os animamos a verlos en directo, donde su poder musical se multiplica por cien, deseándoles toda la suerte que se merecen en su andadura rockanrollera. La banda nació en Diciembre de 2005, mezclando gente de otras bandas para hacer un proyecto nuevo. La idea fue de Iván (guitarra solista), que después de haber pasado por un montón de grupos y estilos quería hacer Hard Rock, un tipo de música, que desgraciadamente está bastante olvidado en Alicante. Desde el principio el ritmo de trabajo y la sintonía fueron muy buenos, con un primer año realmente productivo y un total de doce conciertos,

grabando su primera maqueta y ganando el primer premio del concurso de PopRock del Centro14 (Ayto. Alicante). Injured, como un reloj, cumplía los objetivos, componiendo a muy buen ritmo y mejorando los directos, pero (siempre hay un pero) en Enero de 2007, “el Verde”, su cantante, se fue a vivir a Santander, cosa que irremediablemente frenó el ritmo de trabajo del grupo. Durante año y medio ensayaron sin voz, lo que por una parte fue un contratiempo, pero por otra les dio una importante cohesión, tanto a nivel personal, como a nivel de sonido. A lo largo de ese año y medio largo... muy largo... larguísimo, dieron catorce conciertos, teloneando a algunas bandas conocidas como, Daze of Dawn o Uzzuahia. Tocaron en los aniversarios del Hierros Biker Club y en el del Motoclub Gladiadores Lucentum. Aún así, vieron que no era posible seguir trabajando en la distancia y decidieron buscar otro cantante. Organizaron un concurso-casting en la sala Stereo, siendo el público el jurado, y el premio un jamón. La intención era poder probar, sin compromiso, a cantantes sobre un escenario. Y la ganadora fue Cintia, la actual vocalista de Injured. En ese momento les pareció un tanto drástico cambiar de voz masculina a femenina, así que decidieron darse tiempo y seguir probando can-

tantes. Dieron dos conciertos en Santander con el Verde, a modo de despedida, y se encerraron a componer. Al poco llegó Chris, y con él las pilas se cargaron enseguida y en tres meses ya estaban de vuelta en los escenarios. Diez conciertos y otra maqueta después, pero sin forma de conectar a nivel personal, decidieron dar la razón al público y hablar con Cintia. Dos semanas más tarde tocaron en las semifinales del concurso de Producciones Inventadas, el demoCOOL, en el Club Dos en Petrer, y pasaron a la final, donde a la postre se llevaron el primer premio. Después de cuatro años de esfuerzo siguen en muy buena forma, con las ganas intactas de seguir haciendo ruido y dando fiesta y rock n´roll a cualquiera que se acerque a verlos en directo, con su nuevo trabajo próximamente a la venta.

Próximos conciertos:

10 Julio - Benidorm, Alicante Fun Factory - 22.30 h.

17 Julio Alicante Cure - 22.30 h.

24 Julio - Alicante, San Vicente Nave Iguana - 22:30h.

9 Julio - Alicante Fiesta CD Ruta 13 - 22 h.

16 Julio - Alicante Tasca L’Albarda, Polop - 22.30 h.

23 Julio - Alicante Concha de la Explanada - 20h.

14 Agosto - Murcia, Librilla. LibriRock ’10 - 19 h.

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FORO GUITARRERO

Hardware de la guitarra: Ese gran olvidado

Las palabras del Foro de Rock and Roll para Muñones no se las lleva el viento, quedan recogidas aquí para que no se pierdan con el tiempo y podamos seguir aprendiendo de ellas.

Artículo elaborado principalmente por Alaqtepires, con comentarios de Ociosu, Rickyblues y ChinoZGZ. Recopilado por Licerrock Gibson.

ormalmente cuando se plantea la mejora de una guitarra, se acude al consabido cambio de pastillas, sin duda la estrella de las modificaciones, consiguiendo buenos resultados. Otro de los cambios frecuentes es el tema electrónico, cableado, potes etc. Aquí el tema es más discutido. Si somos de los que tenemos los potes al 10 y no los tocamos no notaremos mucho. Ahora, si manejamos volumen y tono al gusto probablemente si lo notaremos. El siguiente paso suele ser el clavijero, imprescindible bajo mi punto de vista. Si no partimos de una buena afinación todo lo demás falla, aunque por suerte muchas guitarras de gama media ya los incluyen con calidad de serie. Y hasta aquí suele llegarse olvidando el resto de componentes.

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3 FENDER TELECASTER Cuando nosotros tocamos una cuerda la vibración de esta se transmite a los saddles o barriletes, y de aquí al puente y de este a la madera. Tanto el material de los barriletes como el del puente afectan al sonido y es aquí donde podemos actuar. Existen cientos de posibles combinaciones: puentes boutique carísimos, diferentes materiales para combinar: hierro, bronce, aluminio, etc., pero me voy a centrar en el que está considerado uno de los mejores y que nos permite obtener el tono más original. Para empezar optamos por el puente vintage de Fender de tres barriletes, muy similar a los originales de los 50, fabricado con hierro doblado y que se puede encontrar por unos 12€ en internet. Es importante que sea original pues el grosor y material del puente son importantes. A esto añadiremos unos barriletes fabricados en bronce, imprescindibles para conseguir el “twang“ clásico de Telecaster. Sólo quedara sustituirlo por el nuestro, quintar y disfrutar de un cambio tanto estético como de sonido en nuestra guitarra.

llevan una pequeña inclinación que hace el quintado más exacto, pero fijándose bien en la posición de cada uno que si no la liamos.

Una de las cosas que me hizo decantarme por mi Telecaster Japan 52 fueron los saddles de latón. Probé muchas Telecaster y observé que muchas llevan el puente moderno. Hay que ver el debate abierto que hay sobre esto, algunos vendedores no me aconsejaban los saddles de latón porque se desafinan con más facilidad que el modelo moderno mejorado “como el de la Stratocaster pero sin vibrato”, en cambio otros si me aconsejaban el latón como parte IMPORTANTÍSIMA del sonido twang de la Telecaster. Mi experiencia personal es que con los saddles de latón no he tenido ningún problema con la afinación, aunque no soy un guitarrista que fuerza sus guitarras y mis recursos más forzados son bendings de un tono (tono y medio a lo sumo), el resto de mis técnicas en la guitarra, no fuerzan casi el clavijero, ni el puente, ni las cuerdas.

Fender Japan ‘52 Telecaster

También podemos optar por una opción totalmente distinta he irnos a un puente de estilo moderno, con saddles individuales mas al estilo Strato. Quizá sea más recomendado para usarlo con pastillas con mucha ganancia, como las pastillas humbucker en formato simple aunque por ejemplo Bruce Springsteen lo usa hasta en sus 52. Keith Richards es otro apasionado de los puentes Gotoh.

Fender ‘52 Tele Bridge Plate, Pat. Pend

En cuanto a los barriletes, podemos usar los originales Fender o bien optar por los de Stewart-MacDonald, que tienen una ventaja respecto a los originales y es que son compensados. Si os fijáis, esta combinación lleva a que las cuerdas se quinten de dos en dos. Esto hace que un quintaje perfecto sea muy difícil. Los compensados no son rectos,

Gotoh Modern Bridge

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Los mejores saddles son los de la marca Glendale. En modelos únicos y personales en los que por sus características el twang no es muy importante se pueden utilizar unos saddles de otro tipo. Por ejemplo la “Telecaster” creada por Ociosu tiene las siguientes características: Cuerpo de caoba muy pesado, pastillas humbucker en el puente para dar caña y single coil con mucha salida en el mástil que suena casi como una humbucker. El selector de 5 posiciones es especial, y permite hacer estas combinaciones (con un selector de 5 posiciones convencional no se puede): - puente en modo humbucker - puente en modo single coil - puente en modo humbucker en paralelo con single del mástil. - puente en modo single en paralelo con single del mástil. - single del mástil. El clavijero, los trastes y la curvatura del mástil son tipo “vintage“. O sea clavijero “rajado”, trastes finos y bajos, y diapasón con curvatura pronunciada. Está bien apantallada, y tiene Bigsby... La pastilla del puente ocupa el espacio de una single, no tiene ningún problema estético, al menos para mi gusto. Pero se trata de eso, de gustos... Quería una guitarra rockera, y eso es lo que es. Y con el cableado que le hice, se pueden sacar los sonidos

nasales de dos single en paralelo, para tocar funky y tal. Es una guitarra complementaria a la

Les Paul y a la Strato. Cada una suena claramente distinta a las demás.

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Podemos sustituir nuestro puente entero por uno de mejor calidad, como los Gotoh de gran calidad con bloque de hierro y un precio muy ajustado.

FENDER STRATOCASTER Dicen los puristas que desde mediados de los 60 ninguna Strato a sonado bien. Esta afirmación algo exagerada tiene un motivo. Como ya expliqué, todos los materiales en contacto con las cuerdas afectan al sonido final de esta, y en el caso de las Strato es importante que los saddles estén en perfecto contacto con el puente, que a diferencia de las Telecaster no influye mucho en el sonido por su pequeño tamaño, y con el bloque de sustain adherido por debajo a este. Es este bloque por su tamaño y masa lo que más afecta al sonido.

Otra opción es sustituir sólo este bloque. Los Callahan están considerados los mas similares a los originales y los tenemos para cualquier tipo de puente.

Las primeras Strato de los 50 lo tenían de acero forjado en frío con lo que llamaremos medida buena. Posteriormente y para ahorrar costes se sustituyó por uno de zinc, mucho más ligero y con menos masa. Actualmente incluso se utilizan unos bloques recortados (menos material=menos costo), únicamente las Custom Shop utilizan bloques de hierro, eso sí, de hierro ligero o forjado en caliente. Resumiendo a más masa en este bloque mejor tono y más sustain. Podemos hacer esta mejora de varias maneras:

O finalmente optar a algún material menos clásico, pero con un gran resultado como el bronce q al igual que en los saddles de las Telecaster nos ofrece un gran resultado, o el más moderno titanio, del que sólo puedo comentar su ligereza y alto precio pero no su resultado. La marca KGC incluso ofrece lo que él llama Mega Mass, utilizando todo el espacio disponible para hacer el bloque más grande. Debe tener un sustain impresionante a cambio de aumentar el peso total de la guitarra.

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FENDER JAZZMASTER Y JAGUAR Curiosas guitarras creadas por Fender en la década de los 50 y 60. Nunca fueron muy populares excepto quizá las Jaguar en el ámbito de la música surf. En los últimos años han vuelto a resurgir con gran fuerza, y no son mala opción si se busca una Fender con pastillas dobles.

Una de las peculiaridades de estas guitarras es su sistema de trémolo, que aunque funciona correctamente, su diseño en combinación con el puente que monta hace que aparezca un curioso efecto llamado “buff“. Esto es debido al movimiento oscilatorio delante/detrás que se produce en el puente al usar el trémolo. La solución más común es sustituir el puente original por uno de Fender Mustang que tiene menor fricción y alivia en parte el “buff“.

Fender Jazzmaster

Fender Jaguar

Y por último y sólo para los más pudientes, podemos instalar un puente Mastery, una autentica joya.

Fender Munstang Vintage Reissure Bridge

Otra solución bastante más efectiva es colocar una pieza llamada Buzz Stop. Esta cambia el ángulo de ataque de las cuerdas haciendo que incremente la tensión en el puente solucionando el problema.

GIBSON Al igual que Fender, Gibson tuvo su gran época dorada en los 50, siendo su máximo exponente la Les Paul del 59, considerada como la Stradivarius de las guitarras. Tiempo después, varios factores entre los que se encuentra la reducción de costes, hicieron variar la calidad de sus componentes y en consecuencia la de las guitarras. Quizá uno de los cambios más significativos (aparte del cableado) fue la sustitución del Tailpiece. Actualmente son fabricados en zinc, excepto en las Custom que son de aluminio. Esta pequeña modificación mejora el tono de la guitarra llegándose a notar incluso desenchufada, así como una pequeña aligeracion del peso de la guitarra. Gotoh fabrica uno respetando el diseño original de los 50.

Gotoh Aluminum ‘Stop’ Tailpiece

Una consideración importantísima a la hora de modificar cualquier Gibson o clon de estas ya sea Epiphone, Tokai, etc. es que todo el hardware de Gibson está fabricado con sistema US, mientras que el resto usa sistema métrico.

TonePros Locking Studs

Otra pequeña modificación que ofrece una gran mejora es la sustitución de los tornillos del Tailpiece por unos ajustables tipo TonePros. Esto consigue que esta pieza no se mueva, permitiendo una transferencia de vibraciones de las cuerdas mejor hacia el cuerpo aumentando el sustain general. Y por último y volviendo al hardware original de las 59, podemos sustituir los puentes actuales con saddles de hierro por uno con saddles de bronce, que como ya hemos visto es uno de los mejores materiales. Con esto notaremos una mejora en los tonos medios y graves. La casa alemana Faber nos ofrece unos de grandísima calidad, además de otra opción para las modificaciones antes descritas, e incluso un adaptador para poner puentes ABR (clásicos) en guitarras con Nashville (modernos) dando un toque más “vintage“ a nuestra guitarra.

Si la decisión es cambiar los potes, los CTS Audio Taper son los más baratos y funcionan muy bien. Ojo para Tokai son los Short Split, y si no quieres agrandar los agujeros de tu guitarra puedes usar los de la marca Alpha, igual de buenos pero de fabricación europea.

Estas mejoras, sin ser un desembolso considerable, tienen en común una cosa, no obran milagros. Es cierto que un puente Gotoh o bloque bueno en una Stratocaster mexicana se nota bastante, pero en una Squier Affinity sería tirar el dinero. En resumen si tienes una guitarra decente puedes notar la mejora, si tu guitarra es de gama baja invierte mejor el dinero.

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