Libro de Arte Pop Latino

Paula Woscoboinik

Edicion original: 2021 TASCHEN Hohenzollernring

53, D–50672 Cologne, Alemania

Diseño, redaccion, produccion: Paula Woscoboinik y Melina prisco

Depósito legal: B. 01.003.1775

ISBN: 123-00-08-04221-9

Impreso en Argentina

Reservados todos los derechos de autor. No se permite la reproducción parcial o total de este libro, ni su transmisión por cualquier medio sin permiso previo del propietario.

A mi perseverancia

Qué pasaba antes del pop?

La cultura de las masas Inglaterra vs Norteamérica

¿Cómo lo veía el público?

Principales referentes Andy Warhol

Roy Linchenstein

Qué pasaba en latinoamérica?

Los años 50’s Los años 60’s

Raúl Martinez, Cuba

Antonio Caro, Colombia

Marta Minujín Argentina

Edgardo Gimenez Argentina

Prólogo

EPop Art o mejor dicho en español arte pop, es un movimiento artístico surgido en los años sesenta, principalmente en Estados Unidos e Inglaterra. Con raíces en el surrealismo, el dadaísmo y el expresionismo abstracto, se define como una manifestación cultural que ha ido creciendo bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. El Pop Art refleja el estado de ánimo de una época, caracterizada por una estabilización política y económica después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de lo cual se generaron nuevos hábitos y conductas de consumo. El cambio de vida de la sociedad, el bombardeo de información por parte de los medios masivos de comunicación, la euforia por las nuevas tecnologías, la nueva cultura de consumo y el culto a las estrellas del momento fueron punto de partida para el desarrollo de un arte dife-

rente, nuevo, que no es más que el reflejo del espíritu de una época. Es por estos factores que el nombre alude al “arte popular”, el arte del pueblo. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes, el empleo de imágenes de la cultura popular, los cómics, el dinero son algunos de los elementos de los que se sirve, acompañados muchas veces de la ironía y combinándolos o separándolos de su contexto original. La investigación de esta corriente artística se realizó por el interés de conocer las causas y consecuencias de su aparición y expansión, así como también con el motivo de desarrollar el aspecto social del movimiento.

Para entender el arte pop, tenemos que entender de dónde viene...

¿De qué hablamos cuando hablamos de arte pop?

¿De qué hablamos cuando hablamos de arte pop?

¿Qué pasaba antes del arte pop?

Contextualicemos...

Para empezar a hablar sobre el Pop art, es necesario nombrar sus antecedentes, las causas que determinaron su aparición. La raíz más antigua puede considerarse el lenguaje del cubismo, gracias al trabajo de Stuart Davis, quien usó objetos comunes y domésticos (tales como una batidora de huevo, un guante de goma y un ventilador eléctrico) para las pinturas que realizó en los años veinte. Sin embargo, es más importante destacar la influencia dadaísta y surrealista en el surgimiento del arte Pop. La primera vanguardia nombrada combinaba los textos y las imágenes de los carteles publicitarios, la vida cotidiana, los slogans y carteles en diferentes tipos de collages y assemblages. El collage propiamente dicho había sido inventado por los cubistas como medio para explorar las diferencias entre la representación y la realidad, determinando luego una expansión y búsqueda

de utilidades por parte de artistas posteriores al movimiento, quienes esta vez se interesaron por establecer conexiones entre esos objetos que colocaban juntos. Kurt Schwitters fue uno de los artistas dadaístas más relevantes, y el creador de uno de las obras que puede considerarse punto de partida para el Pop Art: el collage For Kathe, cuya composición incluyó por primera vez el cómic (elemento característico en muchas obras de Roy Liechtenstein). El dadaísmo, al igual que el posterior movimiento pop, cuestionaba el término tradicional del arte y trató como temas el insultó y la conmoción. Es importante entonces destacar como precursor del arte pop el ready-made dadá por el cual los objetos se utilizan con un fin artístico y dejan de tener utilidad: el arte se convierte entonces en algo cotidiano, y lo cotidiano.

¿Porqué Magritte niega lo evidente?

En el cuadro vemos exactamente lo que la inscripción nos está negando: ni más ni menos qu`e una pipa. Pues porque lo cierto es que esto no es una pipa, amigos… sino la representación de una pipa. Magritte nos viene a decir que si no es por la inscripción, el cuadro sería una simple pipa, pero al negarlo con palabras nos hace cuestionarnos la realidad, la representación y el lenguaje.

¿De qué hablamos cuando hablamos de arte pop?

Miremos a través del tiempo

El impresionismo es un estilo pictórico que se origina en Francia, en la segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su persistente experimentación con la iluminación (similar al luminismo). El manejo de la luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura.

El postimpresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante la década de 1890. Se caracteriza por un enfoque subjetivo de la pintura, ya que los artistas buscaban evocar emociones a través de su obra, dejando a un lado el realismo.

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura.

El fovismo fué un movimiento pictórico originado en Francia, alrededor de 1904 a 1908. Luego se expandió a otros países, en años posteriores. Generalmente es caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede de la expresión les fauves ‘las fieras’,

El Futurismo tiene su origen en Italia y surge animado de unos propósitos renovadores: cambiar la vida y la sociedad. Sus seguidores proclaman su odio contra los museos y su adhesión a la civilización contemporánea y su dinamismo.

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico creado con el fin de contrariar las artes, que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara, que llegaría a ser el emblema del dadaísmo.

El Surrealismo propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por medio de la revolución. No es un movimiento con unidad de estilo, sino una serie de investigaciones de artistas individuales, cada uno con un estilo propio.

El pop art es un movimiento que surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más tarde, en 1960 en Estados Unidos. Sin embargo, consiste en un arte que tiene mucho conocimiento sobre el funcionamiento de la sociedad.

El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva realidad. Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad.

En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra, y el mismo proceso de notas, bocetos, maquetas, diálogos. Al tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial.

La habitacion Roja 1908 Henri Matisse

El Grito 1893 Edvard Munch La noche Estrellada 1889 Vincent van Gogh

Boulevard montmartre de noche 1860 Edvard Munch

Paisaje urbano 1922, Mario Sironi

Guernica 1937 Pablo Picasso LH.O.O.Q 1940Marcel Duchamp

Crucifixión- 1954, Salvador Dalí Crying Girl 1963 Roy Lichtenstein Mujer delante del sol I 1974 Joan Miró Sad Shower in New York 1995 Tracey Emin

Cubismo Dadaísmo Surrealismo Pop Art Arte abstracto Arte conceptual

La cultura de las masas

Desafiando al elitismo.

El artista británico Richard Hamilton nació el 24 de febrero de 1922. En la década de 1950, un grupo de artistas y escritores del Instituto de Artes Contemporáneas formaron el "Independent Group". La piedra angular de la ética del grupo fue utilizar fuentes visuales de la cultura consumista, una idea que anteriormente había sido rechazada por los artistas, especialmente por los expresionistas abstractos.

El Pop Art pareció desafiar al expresionismo abstracto, siendo más figurativo, más nuevo y más norteamericano. Lo acusaban de ser un movimiento elitista y vacío, carente de contenido. Cabe destacar que, por otra parte, para la historia del arte pop fueron importantes algunos fenómenos ocurridos en Europa, sobre todo en el período de entreguerras, en los cuales también proliferaba una época de progresos en la cultura de masas, de diferencias entre la vida de lujo y la vida decadente, de desarrollo de la tecnología y la industria del ocio. Los artistas, intelectuales, escritores y cineastas críticos comenzaron a interpretar ese cambio en la sociedad e intentaron generar conciencia cultura. Walter Benjamín y Sigfried Kracauer, por ejemplo, escribieron obras teóricas sobre los medios de masas. Continuando con los hechos que determinaron la aparición del Pop Art, al comenzar una nueva década, los años sesenta, se produjo un cambio en la sociedad tan importante, y, de cierta forma, revolucionario, que trajo consigo una nueva forma de vida, una manera diferente de apreciar la realidad, una nueva consciencia. Rápidamente se empezaron a popularizar y expandir los medios masivos de comunicación, y por consiguiente los avisos publicitarios. La

clase media era manejada por la radio y la televisión. El bombardeo de información por parte de los medios impulsó un acercamiento entre los compradores y comerciantes, determinando la masividad del consumo. A su vez, los pósters, los periódicos marginales, los carteles y los fan-magazine crearon un nuevo sistema de comunicación.

Es importante destacar la estabilización política y económica en la época de post-guer ya que sin ella hubiera sido muy difícil el desarrollo de estos elementos determinantes de este tipo de arte. Todo lo anteriormente nombrado condujo a una revaloración de lo que es comúnmente llamado “popular”, “del pueblo”. Lo trivial, lo efímero, lo banal, comenzó a convertirse en objeto de interés general, no sólo para las clases medias sino también para la gente de bajos recursos y la burguesía. En otras palabras, los factores que crearon el Pop Art no son universales, sino mas bien específicos y particulares de las culturas urbanas de Inglaterra y Norteamérica de la post-guerra.

Los miembros del grupo Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi son considerados los padres del arte Pop británico. Cabe destacar que la primera obra Pop, para muchos autores, es un collage de Hamilton titulado ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?

(Richard Hamilton, 26 x 25 cm, 1956, Tübingen: Kunsthalle Tübingen).

¿De qué hablamos cuando hablamos de arte pop?

¿De qué hablamos cuando hablamos de arte pop?

Inglaterra Vs Norteamérica

Pop Art Británico

Esnecesario hacer una distinción entre el Pop Art americano y el Pop Art británico. Muchos autores afirman que el fenómeno Pop surgió primero en Gran Bretaña, a partir de una nueva consciencia de las manifestaciones de la época actual, apoyándose en la descripción detallada de la situación socio-cultural.

Los artistas e intelectuales comenzaron a darse cuenta de que su cultura cada vez estaba más influenciada por los medios de comunicación y las nuevas tecnologías. Surgió entonces (en 1952, en Londres) un grupo independiente que, si bien no era grande y los encuentros irregulares, determinaron la variada temática de los actos, tales como las técnicas artísticas, el actionpainting, la cultura popular, la cultura urbana, la publicidad, el cine los cómics, la literatura de ciencia ficción, la música pop, la moda. El hecho determinante fue la conferencia Bunk de Paolozzi durante el primer acto del Grupo Independiente en 1952. Bunk era una especie de collage visual a partir de revistas americanas, cómics y revistas de ciencia ficción, mezclando imágenes de los medios de comunicación y la publicidad. Proyectados sobre una pantalla, se aumentaba el efecto de sus componentes llamativos que resultaban irritantes.

Pop Art Norteamericano

El movimiento Pop en Inglaterra, al igual que en América, es un arte sobre el arte y los estilos, un arte que abandona su desarrollo tradicional y toma el camino de representar un presente trivial percibido a consciencia. Los temas representados y el espíritu es el mismo, sin embargo, suele mirarse más al desarrollo del Pop Art en Estados Unidos, debido a que América y la calidad de vida de los americanos fueron las inspiraciones básicas de muchos artistas, independientemente de su nacionalidad. El Pop Art ha sido siempre considerado entonces una crítica a esa nueva sociedad, la sociedad de masas, la sociedad consumista. Es por eso que el movimiento basa sus temas pictóricos en la vida cotidiana, intentando reflejar las realidades de una época, su estado de ánimo, sus cambios en la conducta, mostrando el cambio cultural producido. Los temas, las formas y los medios del arte Pop no son más que el reflejo de los rasgos esenciales de los años sesenta. Éstos incluyen, a modo de ejemplo, el culto a las estrellas de Hollywood (en donde el espectador se transforma en un ser anónimo e insignificante), el dinero (representación de que todo tiene un precio, la llave que permitía acceder y disponer de las cosas, remedio universal contra las frustraciones), el nacionalismo, el consumismo en general:

botellas de gaseosa, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle son algunos de los objetos a menudo representados.

Mediante la representación sugestiva de los medios de masas, las realidades sociales y consecuencias de éstas para el ser humano, el Pop Art reacciona ante la despersonalización de la sociedad, con instrumentos estilísticos impersonales, con cuadros más objetivos y muchas veces de difícil comprensión. El Pop pretendía redefinir el individualismo dentro del arte, por esta razón en muchas obras se resalta el anonimato del artista (tema que se desarrollará luego, tomando ejemplos concretos). Si bien este movimiento artístico presenta, a veces, características contrapuestas y caminos diversos, su base, tanto en forma como en contenido, siempre va a estar relacionado con las estructuras, los métodos o la influencia de los medios de masas.

Bunk, Edgardo Paolozzi (1952)

Coca Cola 4, Andy Warhol (1962)

¿Cómo lo veía el público?

encontrados...

Esta ambivalencia de contenidos, esta unión de conceptos que no son exactamente compatibles (“arte” y “pueblo”) fue bienvenida por la audiencia, no así por las críticas. En lo que respecta al público común, este tipo de arte tuvo un gran éxito (sobre todo para los distribuidores y coleccionistas): la sociedad se sentía atraída por la variedad e intensidad de colores, los contenidos, sus formas fáciles y en cierto punto divertidas. Al espectador le gustaba reconocer esos elementos representados, comprender la obra (o intentar comprenderla) de inmediato al ver que aquello que estaban viendo era, quizás, un elemento que fácilmente encontrarían dentro de su hogar. De esta forma, se ahorraban la complicada interpretación de obras del expresionismo abstracto. Pero en la relación entre el arte pop y su público puede decirse que hubo una especie de “malentendido”, por parte de éste último. La audiencia, si bien recibió con gran aceptación este arte diferente y más cercano a su realidad, pareció no comprender que lo que se estaba queriendo mostrar era una crítica. La gente no comprendió la carga de ironía y ambigüedad, quizás vieron el Pop Art como una celebración a la cultura de consumo, en lugar de entender-

La técnica más utilizada

lo como una sátira de lo banal, lo carente de contenido, lo trivial, lo superficial. Contrariamente, la crítica no fue para nada favorable. Sus detractores afirmaban que la llegada del Pop Art hechó a perder todo lo logrado con el expresionismo abstracto. Harold Rosenberg, uno de los líderes defensores de este movimiento, planteó que la superficialidad del arte pop desembocaba en la monotonía, y por consiguiente, en la escasa permanencia, a diferencia del expresionismo abstracto, que, según Rosenberg, no pierde calidad, significado y capacidad para producir obras nuevas. A pesar de esto, los artistas parecían haber cumplido su objetivo: el de llegar al máximo público posible, sin exclusiones, lograr un arte accesible para el ciudadano común.

El temperamento y personalidad de cada uno de ellos determinó el estilo de su obra, presentando algunas diferencias entre ellos. Por ejemplo, Dine y Warhol difieren en actitud y en método, sin embargo ambos son dos de los exponentes que lideran la vanguardia Pop. En el caso de Dine, hace un uso extensivo del collage. En sus cuadros, dibujos, collages, assemblages y esculturas combina diversas técnicas introduciendo textos y palabras escritas a

mano, y coloca objetos cotidianos (como batas, manos, herramientas o corazones) en entornos indefinibles. Los objetos reflejan su propio estado de ánimo, sin dejar de mostrar su pasión por lo banal y su atracción por lo cotidiano, su deseo de hacer de la “vida común” que todos experimentan en las sociedades urbanas e industriales, algo digno de considerarse una pieza de arte. Se diferencia de otros artistas al apartarse de la frialdad y la impersonalidad del Pop Art al realizar obras en las cuales se advierte su pasión personal. Es, además, uno de los creadores de los “happenings”: obras de arte que tenían la forma de eventos o manifestaciones teatrales, ofreciendo un collage de sensaciones rodeando al espectador. Warhol, en cambio, es más enigmático e innovador. Su idea no es tan sólo convertir el arte en algo trivial y vulgar, sino trivializar y vulgarizar al propio arte; producirlo como un producto de masas. Sus primeras pinturas datan de 1960 y se inspiran en los motivos de la publicidad y el cómic. Le interesan los criterios de santidad y cualidad, tanto en las personas como en los artículos de la industria del consumo.

El artista explota todos los mecanismos de producción de imágenes populares (fotografía, publicidad, cine, revistas, cómics,), juntándolos y complementándolos para lograr eliminar la subjetividad del autor. Se quería una neutralidad completa, que en la obra no haya rastros de la mano del artista. Es por eso que las imágenes debían ser procesadas de alguna manera previamente, dejando la expresividad en segundo plano. En el caso de Roy Liechtenstein, representante del movimiento (el cual se desarrollará luego), empleaba en sus obras viñetas de cómics ampliadas, dejando ver los puntos de impresión. Característico es el uso del color: tonos planos, sin modulaciones, intensos. A su vez, muchas veces las formas representadas están descriptas por una línea dura invariable, conformando y delineando las formas, dándoles un estilo particular y preciso a los dibujos. Estas técnicas contribuyen a la fácil identificación del objeto representado, propio del lenguaje publicitario. En lo que concierne a los máximos exponentes del movimiento Pop,.

Interior II, 1964, Richard Hamilton

El collage

Los más conocidos: Andy Warhol Roy Lichtenstein

Principales referentes del arte pop

(en el mundo)

Andy Warhol

Estados Unidos, 1928-1987

Andy Warhol quería ser famoso. De hecho se podría decir que nadie estudió tanto el concepto de fama como él. Creador, consumidor, crítico de la fama, este artista empaquetó y vendió la marca Andy Warhol como un producto más de la sociedad de consumo. Y lo hizo tan bien, que los quince minutos de fama a los que tiene derecho todo el mundo, le duraron décadas. Warhol era hijo de inmigrantes eslovacos instalados en Pittsburgh. Su madre fue una figura importantísima, pues mimó y sobreprotegió a su hijo hasta el punto que vivió con él toda su vida. Warhol, bicho raro él, decidió irse a Nueva York y dedicarse al arte, en concreto a la ilustración comercial, con la que se ganaba una buena pasta.

El institucional expresionismo abstracto dominaba la escena artística y Warhol quiso buscar un estilo completamente distinto. Con su experiencia en publicidad, empezó a mostrar productos de consumo de masas como botellas de coca-cola, latas de sopa Campbell… y al final, personas que eran productos en sí mismos, como Marilyn, Mao o Elvis. La reacción de la escena artística fue un terremoto. De pronto, el expresionismo abstracto dejó de existir. Ahora lo moderno era el Pop, con su frescura, humor y superficialidad.

en arte..."

Andy Warhol: Last Sitting David LaChapelle (1986)

"...Hemos llegado a la conclusión de que los más banales e incluso vulgares elementos de la civilización moderna pueden, al transportarse al lienzo, convertirse

Principales referentes del arte pop en el mundo.

Del supermercado al museo

Una de sus obras más famosas, en la que aparece una lata de sopas Campbell, fue justificada por el autor sólo por el hecho de que solía tomarla todos los días como almuerzo durante veinte años. Esto encuentra su razón de ser en que Warhol procedía de la misma clase social que se interesó por representar, y desde temprana edad debió realizar trabajos ocasionales para ganarse el pan. Desde la única representación de latas de sopa, Warhol progresó a las múltiples, donde la misma imagen era repetida una y otra vez, con la finalidad de remover cualquier significancia que hubiese tenido al ver el objeto aislado (la repetición de la información la banaliza). Este método, de reproducir la misma imagen repetidas veces en una misma obra, es otra característica particular del artista. Como ejemplo puede citarse la pintura de polímero sintético y serigrafía sobre lienzo, Tunafish disaster (316 x 211 cm, 1963, Nueva York: Collection of Whitney Museum of American Art), y la serigrafía sobre lienzo Two Dollar Bills -Front and Rear (210 x 96 cm, 1962, Colonia: Museum)

Principales referentes del arte pop en el mundo.

Tal como fue mencionado anteriormente, muchos artistas, como Warhol, pretendían el anonimato autorretratándose sin rostro. Warhol resalta el anonimato de su personalidad artística en su pintura acrílica y serigrafía sobre lienzo Autorretrato (180 x (180 x 183 cm, Londres: Saatchi Collection). El artista utilizó una fotografía tomada por él mismo con el disparador automático, luego aumentó y coloreó la imagen con una serie de serigrafías para llevarla al estilo publicitario. Warhol, quien es considerado a menudo el artista más pop, declaró alguna vez que la razón por la cual pintaba de esa forma es porque quería ser una máquina, y sentía que cualquier cosa que haga tenía que hacerlo como tal. En otras palabras, quería ser algo que hace no pinturas sino productos industriales.

Warhol, es más enigmático e innovador. Su idea no es tan sólo convertir el arte en algo trivial y vulgar, sino trivializar y vulgarizar al propio arte; producirlo como un producto de masas. Sus primeras pinturas datan de 1960 y se inspiran en los motivos de la publicidad y el cómic. Le interesan los criterios de santidad y cualidad, tanto en las personas como en los artículos de la industria del consumo.

En sus serigrafías sobre lienzo (de 1962 a 1970) aparecen estrellas de cine (Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando), del arte (Mona Lisa, Rauschenberg y hasta el propio Warhol), de la política (Jackie Kennedy, Nelson Rockefeller), así como también hechos políticos (como la Race Riot), artículos de consumo (Coca Cola, Pepsi Cola, conservas Campbell, envoltorios) y monumentos (el Empire State, la Estatua de la Libertad), entre otros elementos y personalidades.

Marilyn se había convertido en un ícono de la cultura pop norteamericana, y ejercía una enorme influencia en el imaginario social. Pero no por ello Marilyn fue plenamente valorada. Warhol inicia una serie de retratos de Marilyn Monroe aplicando la técnica de la serigrafía, en la que de una imagen original se imprimen las siguientes. Mientras más veces se reproduce la imagen, más se desdibuja o se deforma.

Andy Warhol en la primera fábrica, calle del este 47, New York City. [Foto de Ugo Mulas,

“Un artista es alguien que crea cosas que la gente no necesita tener”

Principales referentes del arte pop en el mundo.

Warhol quería ser una como máquina

Flowers (1974)

Portada The Velvet Underground & Nico (1967)

Serie Marilyn Monroe. Serigrafía (1967)

Roy Lichtenstein

Estados Unidos, 1923–1997

El rey del cómic

oy Fox Lichtenstein (1923-1997) fue uno de los máximos exponentes del pop art americano. Desde sus facetas de pintor, escultor y artista gráfico, en sus obras representó temas de la vida cotidiana y la sociedad de consumo. La mayor parte de su trabajo se concentró en la crítica del mundo contemporáneo, a través de pintadas con colores primarios.

Esta colorida pintura, realizada por el artista norteamericano en 1963, tiene como título original Kiss II. La obra es una muestra más del estilo de Lichtenstein, que amplía imágenes extraídas del cómic. Como dato curioso, en 1990

El beso fue vendido en una casa de subastas al propietario de una galería japonesa por seis millones de dólares. Tras haber experimentado con el expresionismo abstracto y más tarde con el cubismo y el constructivismo, en 1961 comenzó a realizar las obras que acabarían por definir su producción artística: la pintura pop, inspirada en la nueva sociedad de Estados Unidos. No debemos olvidar que el neoyorquino fue protagonista de famosas esculturas, eso sí, ya en los últimos años de su vida.

Kiss V Óleo 1964

El cuadro muestra a una mujer en llantos que abraza su pareja. ¿Son lágrimas de felicidad o tiene el corazón roto…? Sin las demás viñetas de la historia, no podemos más que especular. Tampoco Lichtenstein nos da una pista con uno de sus habituales bocadillos o una de sus onomatopeyas, propias del lenguaje del 9º arte.

Principales referentes del arte pop en el mundo.

Roy Lichtenstein en su taller(1967)

Inicios

Lichtenstein se inició en el expresionismo abstracto de moda, pero pronto se unió al resto de la guerrilla pop para rebelarse contra lo abstracto y utilizar la figuración. Además, una figuración cuanto más popular y mecánica, mejor. Desde luego no existía en 1958 nada más popular y mecánico que un cómic, así que Lichtenstein decidió que iba a crear imágenes comerciales de producción masiva.

Eso sí… se reproduce a mano lo que parece que hizo una máquina. Esas imágenes eran fieles retratos de la sociedad de consumo y de la cultura de masas, que pueden ser o no una crítica del mundo contemporáneo, una idealización o una sátira de la sociedad capitalista occidental.

Esa ambigüedad entre la crítica y la admiración, entre la burla y el respeto es típica del arte pop, que juega cínicamente a una mascarada.

Neoyorkino de nacimiento, Lichtenstein vivió (en) esta ciudad, capital de todo lo que representa el pop, y en ella moriría a los 73 años, consagrado como un artista que vendió cuadros por más de 40 millones de euros.

Diferencias con Warhol

A diferencia de Warhol, se encuentra profundamente interesado en cuestiones de estilo, aunque ese interés muchas veces es expresado en una forma extremadamente paradójica e irónica. Su primer material, como el de Warhol,

fueron las tiras cómicas, pero éstas eran tratadas de una forma diferente. El artista reproducía todos los elementos que encontraba en su material: los bordes negros, los puntos generados por la impresión barata (los cuales sobredimensionaba), aludiendo a que sus técnicas parecían ser comerciales pero no lo eran.

Principales referentes del arte pop en el mundo.

Roy Lichtenstein - “Chica con pelota” (1961)

Look mickey, (1961)

La politización del arte en los 50’s y los 60’s

¿Qué pasaba en Latinoamérica?

Una postura contracultura

los años 50 en América Latina comienzan a replantearse una serie de tendencias procedentes del exterior con los elementos plásticos tradicionales y con un discurso emancipador en términos de la recuperación de la identidad afectada por más de un siglo de presencia extranjera. Las izquierdas toman fuerza y el arte, en ese rejuego, apuesta por un sincretismo en el que se encuentran vertientes que, a fin de cuentas, no logran coincidir ni en los planteamientos ni en los resultados. En consecuencia, afloran nuevas propuestas para experimentar lineamientos plásticos y discursos que redefinan la identidad latinoamericana. Se especula sobre la autenticidad del arte latinoamericano y la posibilidad de establecer un producto auténtico.Urgidos por una política exterior procedente de Estados Unidos que considera necesario rescatar la educación y la

cultura de su tradicionalismo, se promueve una serie de debates sobre el papel de las artes en el proceso de construcción de un nuevo modelo identitario y, al mismo tiempo, la opción de establecer un discurso estético e ideológico alternativo al surgido de la revolución cubana. De esta manera las contradicciones entre socialismo y capitalismo, entre la revolución proletaria y el liberalismo económico, van a encontrar escenario en los debates sobre el arte. De hecho, el arte pop en Latinoamérica se caracteriza, entonces, por la adopción de una postura de contracultura y antiimperialista, lo que resulta en la subversión de características y valores del imaginario pop estadounidense. Frente a posiciones radicales, como las de la colombiana Marta Traba, van a encontrar eco en sectores radicales teóricamente alineados con las tesis de sociología del arte con fun-

damentación marxista que hacia Sudamérica tendrán como representante a Néstor García Canclini, y hacia México, el sindicato de trabajadores del arte y la cultura liderados por Diego Rivera.En este convulso escenario, los artistas latinoamericanos incorporaron el lenguaje pop a su quehacer artístico, nuevamente tratando de apostar por un modo de representación que al mismo tiempo que adopta medios y formas ya experimentadas, hace lo posible para encontrar temas y contenidos desde las expectativas y realidades locales o regionales.Podemos mencionar destacados artistas como: Juan José Gurrola, Alberto Gironella, Beatriz González, Cildo Meireles, Hélio Oiticica, Rubens Gerchman, Marta Minujín y Rupert García, legítimos representantes del pop latinoamericano.

Era habitual que Antonio Caro hiciera uso del texto acompañado de juegos gráficos para comunicar. En Todo está muy caro usa, además, su propio apellido para recargar de sentido la imagen y quedarse en la retentiva del espectador y referirse a la economía del país.

¿Qué pasaba en Latinoamérica?

¿Qué pasaba en Latinoamérica?

Arte político

Urgidos por una política exterior procedente de Estados Unidos que considera necesario rescatar la educación y la cultura de su tradicionalismo, se promueve una serie de debates sobre el papel de las artes en el proceso de construcción de un nuevo modelo identitario y, al mismo tiempo, la opción de establecer un discurso estético e ideológico alternativo al surgido de la revolución cubana. Frente a posiciones radicales, como las de la colombiana Marta Traba, van a encontrar eco en sectores radicales teóricamente alineados con las tesis de sociología del arte con fundamentación marxista que hacia Sudamérica tendrán como representante a Néstor García Canclini, y hacia México, el sindicato de trabajadores del arte y la cultura liderados por Diego Rivera. De esta manera las contradicciones entre socialismo y capitalismo, entre la revolución proletaria y el liberalismo económico, van a encontrar escenario en los debates sobre el arte. De hecho, el arte pop en Latinoamérica se caracteriza, entonces, por la adopción de una postura de contracultura y antiimperialista, lo que resulta en la subversión de características y valores del imaginario pop estadounidense.

“Sin título”, de Jorge de la Vega en MCMC, Cardinal Site, de arteBA

El arte que muestra los hábitos de consumo

a fecha de nacimiento de este movimiento artístico en Latinoamérica podría situarse entre 1961 y 1962, cuando la artista plástica Marta Minujin expuso “Cuadro-Objetos”, una obra con planos en relieve que avanzaban hacia el espectador. Tiempo después, en 1964, expone “Revuélquese viva”, una instalación en la cual los espectadores ingresaban a una habitación repleta de telas, plumas y colchones multicolor y en donde podían tirarse para sentir la unión entre arte y vida. La obra expuesta por la artista revolucionó la perspectiva del arte moderno en el país. Para Laura Batkis (2013), licenciada en historia del arte, “el pop anticipó el modo en que el dinero iba a regular el ámbito de diversas disciplinas, conductas y hábitos en este mundo globalizado en el que vivimos actualmente”. El pop mostraba de alguna manera los hábitos de consumo y el mercado del arte,

pero lo que lo diferenció como movimiento en nuestro país fue que se presentó menos a través de la pintura que a través exhibiciones y happenings. Los artistas que iniciaron el movimiento se reunieron en torno al Instituto Di Tella (1958), que buscaba a través de su fundación promover el estudio y la investigación en la ciencia, el arte y la cultura en el contexto latinoamericano. El Di Tella se constituyó en esa época como un hito cultural promoviendo un ambiente plural a partir de sus centros de investigación especializados en distintas temáticas. El Centro de Artes Visuales (CAV), dirigido por Jorge Romero Brest, sacudió de alguna forma u otra a la opinión pública y modificó la percepción del arte en Argentina. Sus artistas provenientes de los distintos centros de investigación -artes visuales, artes plásticas, experimentación audiovisual, cine y estudios

musicales entre otros- trabajaron y realizaron un conjunto de actividades denominadas “Experiencias Visuales” (1968) como forma de dar a conocer la nueva vanguardia que allí se gestaba. Esta convivencia de diversos creadores en un mismo lugar propició un ámbito para el desarrollo del arte y la nueva vanguardia, a través de muestras y happenings que se generaban de manera espontánea. El lugar recibió el nombre de la “Manzana Loca”, centro de experimentación que le puso color a las calles de Buenos Aires. Los transeúntes podían apreciar los espectáculos y conocer la obra de artistas contemporáneos. El arte se puso de moda y llegó al público. Con tres pisos ubicados por calle Florida, el Di Tella generó la movida cultural más importante de la historia de nuestro país.

Nació en Buenos Aires en 1937. Mesejean, quien ya comenzaba a surgir en el medio cultural, conoció a la artista Delia Cancela en los Premios de Honor “Ver y Estimar” de 1963, a partir de ese momento empezaron a trabajar en colaboración y dos años más tarde se casaron. Gracias a este dúo creativo, Pablo Mesejean, se consagró como artista pop en la década de los 60.

Mesejean Pablo, 1963

Los más conocidos: Raúl Martinez , Cuba

Marta Minujín, Argentina

Principales referentes del arte pop (en Latinoamérica)

Raúl Martinez, Cuba

El arte pop de la revolución cubana

Desde inicios de los años 50, junto a creadores como Guido Llinás y Tomás Oliva, Raúl integró el grupo denominado Los Once, que asumió el Expresionismo Abstracto de la Escuela de Nueva York en el contexto cubano.

Cuando en 1959 los guerrilleros de Fidel Castro derrotan al ejército de Batista, Martínez trabajaba exitosamente como diseñador publicitario, oficio que le permite asumir la dirección de arte de la revista Lunes de Revolución (clausurada en 1960) junto a poetas como Heberto Padilla, Pablo Armando Fernández, Antón Arrufat y Guillermo Cabrera Infante. La creación de grandes lienzos abstractos continuó hasta 1963. Era la época en que la estética soviética anti-abstraccionista influía en el panorama cultural desde el sector tradicional de la dirigencia cubana.

Con la serie “Homenajes” (1964) Martínez se apartó de la ortodoxia abstracta para convertir la pintura en un campo expandido. En ella integró dos elementos: fragmentos de objetos “reales”, muebles, portadas de revistas, fotos de familia, que fueron fundidos a la estética espontánea del graffiti callejero: los slóganes políticos revolucionarios que los cubanos escribían con entusiasmo en las paredes de las ciudades.

Podemos destacar la obra de Raúl Martínez, artista cubano de la provincia de Camagüey, que en 1958 realiza murales en distintos puntos de la capital cubana. En los años 60 incursiona en el mundo del diseño de carteles para cine y teatro y experimenta con la fusión de pintura y fotografía. También incorpora el collage a su lenguaje plástico, transitando entre el expresionismo abstracto y el pop art.Se consolida como artista pop cuando presenta ante el mundo imágenes seriadas de José Martí, el Che Guevara o Fidel Castro, presentándolos de manera reiterada sin ningún tipo de postura ideológica o argumentación. Toma del expresionismo el uso dramático del color, enfatizando de este modo el paisaje cubano. Su creatividad se extendió más allá de la pintura. Impartió clases de Diseño en la Facultad de Arquitectura, de donde fue expulsado en la oleada homofóbica de los 60, y desde su casa, que compartía en el barrio del Vedado junto al dramaturgo Abelardo Estorino, ejerció el magisterio no oficial hacia los nuevos artistas cubanos.

Raúl Martínez, Fénix, 1968

Raúl Martínez, El abanderado (The Standard Bearer), 1970

“Las pasiones se viven, después se expresan.”

Antonio Caro, Colombia

Crítica a la política y a la sociedad

Nació en Bogotá en 1950. Sus performances han estado marcados por anécdotas tan dramáticas como graciosas; por ejemplo, en 1970 hizo un busto de sal con la forma de Carlos Lleras Restrepo. La idea era regarle agua para que se diluyera, pero usó tanta que se salió del cristal donde estaba contenida e inundó la galería. Luego, en 1973, cuando el Salón Nacional de Artistas rechazó su trabajo, le dijo a unos periodistas que iba a hacer una “intervención”, y fue donde Germán Rubiano, uno de los críticos que no aceptó su trabajo, y lo cacheteó. Caro considera que la obra que lo graduó como artista es en la que escribió Colombia con la tipografía de Coca Cola.

Claudio Tozzi, Brasil

Arte durante el golpe cívico militar

En el Brasil, a principios de la década de 1960, se vivía el auge de la experiencia neoconcreta, algunos de cuyos exponentes eran Lygia Clark y Hélio Oiticica. Sin embargo, a partir de 1963, más específicamente, algunos artistas brasileños, como Wesley Duke Lee, Rubens Gerchman, Antonio Dias y José Roberto Aguilar, comenzaron a dialogar con la nueva figuración francesa y argentina y con el arte pop estadounidense e inglés. Ese momento fue señalado por la historiografía del arte brasileño como el de un retorno a la figuración, que estuvo directamente relacionado con la producción de un arte crítico de la dictadura militar instalada en 1964.Durante el golpe cívico militar, Cláudio Tozzi tenía 19 años, trabajaba como artista gráfico y acababa de ingresar en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidade de São Paulo, donde participó del

movimiento estudiantil y de las experimentaciones artísticas. Fue en ese período cuando estudió la obra de Lichtenstein y se sintió fascinado por ella, la cual tornaba evidente el patrón de perfección tecnológica que guiaba el proceso industrial de producción de imágenes.2 Así, en 1967 el artista comenzó a producir trabajos. Revólver, de 1968, es uno de ellos. Vemos parte de una mano que sostiene un revólver con el dedo índice en el gatillo, y un fondo compuesto íntegramente por retículas, el cual confiere profundidad a la pintura y resalta el arma. A la vez, la pieza está dotada de una lisura y una claridad totales, que nos hacen sentir la frialdad del metal, material que la constituye. Sobre esto es posible afirmar que del Revólver de Tozzi emana una eterna presencia, sin pasado y sin futuro.

Revólver,1968, Acrílico sobre papel, 25 × 33 cm

Marta Minujín, Argentina

Arte, arte, arte!

Marta

Inés Minujín nació en Avellaneda en la provincia de Buenos Aires (Argentina) en 1943, vivió una infancia muy difícil que ella misma calificó como “horrible”, era como una oveja negra, terrible, que caminaba por ahí vestida de negro, desaparecía noches enteras cuando apenas contaba 14 o 15 años. Comenzó a estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes y pese obtener excelentes calificaciones en dibujo, pintura y escultura, no se sintió conforme con la enseñanza tradicional. Marta siempre quiso ser una artista de vanguardia, por ello se interesó en que sus obras lograran sobrecoger al espectador, saltar del plano e instalarse en la tridimensión, por lo que decidió abandonar esos estudios. A los dieciséis años presentó su primera exposición individual e inició su breve paso por el informalismo.

Comenzó sus estudios en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes de Buenos Aires. Presentó su primera exposición personal en 1959 en el Teatro Agón. En 1960 obtuvo una beca del FNA que le permitió instalarse en París, donde participó en la muestra Pablo [Curatella] Manes y treinta argentinos de la Nueva Generación. Comenzó a realizar estructuras habitables, cubiertas de colchones encontrados entre los

desechos de los hospitales parisinos. En el baldío del Impasse Roussin, realizó “La Destrucción” (1963), su primer happening, para esta obra reunió todas sus piezas con colchones e invitó a un grupo de “artistas” a “destruirlas” (Christo, Élie-Charles Flamand, Lourdes Castro, Mariano Hernández y Paul Gette). El mismo año, con Jean-Jacques Lebel, organizó el happening “El Gallo”, en la Galería Raymond Cordier. A su llegada a la Argentina, fue una de las pioneras en la representación de happenings en ese país junto a miembros del mítico Instituto Di Tella de Artes. En 1964 fue invitada al Premio Nacional Di Tella, centro de referencia de los artistas de la época, donde expuso “Eróticos en technicolor” y “Revuélquese y viva”. En la segunda obra los espectadores debían ingresar en una tienda de tela, goma pluma y madera, repleta de colchones. En 1964 fue invitada al Premio Nacional Di Tella, centro de referencia de los artistas de la época, donde expuso “Eróticos en technicolor” y “Revuélquese y viva”. En la segunda obra los espectadores debían ingresar en una tienda de tela, goma pluma y madera, repleta de colchones multicolores, para echarse en la cama y dar vueltas para cumplir con el propósito explícito de la artista de unir “arte y vida”.

Marta Minujín, 1965

Principales referentes del arte pop en Latinoamérica

Marta Minujín, Colchones, Fundación Santander, 2021

El oro americano (1985)

"Cuando todo el mundo pintaba nosotros inventamos esto de vivir adentro del arte"

La menesunda

Lo social se manifiesta en su obra como preocupación socio-contextual que presenta distintos matices: el humor, la crítica y la exaltación.12 Entre mayo y junio de 1965, Marta Minujín y Rubén Santantonín presentaron La Menesunda en el Instituto Di Tella (realizada con la colaboración, en distintas tareas, de Pablo Suárez, David Lamelas, Rodolfo Prayon, Floreal Amor y Leopoldo Maler).

Se trataba de una ambientación que el espectador debía recorrer a través de dieciséis zonas y situaciones diferentes, sin aviso previo de lo que en su interior ocurriría. Si accedía en grupos de ocho personas por vez, luego de esperar en largas filas, se ingresaba a través de una silueta de un hombre recortada en una cortina de plástico transparente. Después se transitaba por un túnel de luces de neón que llevaba a un espacio con diez televisores encendidos con su volumen alto. Luego, se ingresaba en un dormitorio con una pareja en la cama.

Otro túnel, con luces de neón y sonidos de la calle, conducía a una escalera con pasamanos de esponja y un fuerte aroma de perfume, que finalizaba en una gigantesca cabeza de mujer.

Su interior estaba cubierto de cosméticos y una maquilladora atendía al público, aplicándole sus productos.

Minuphone

Aparentemente una cabina común y corriente de las calles de Nueva York, excepto que, al entrar, el usuario se encontraba con una sorpresa de efectos psicodélicos aleatorios. El artefacto contenía una pantalla de TV en la base, que mostraba el rostro de la persona que entraba. Al marcar un número, durante tres minutos se desataba una secuencia de efectos diversos que variaban con los números ingresados.

Minucode

Fue una “ambientación social” en formato de videoinstalación, presentada entre mayo y julio de 1968 en el Center for Inter-American Relations de Nueva York.

El ambiente involucró la realización de cuatro cócteles: uno para economistas, otro para integrantes del mundo de la moda, otro para artistas y el último para políticos.

Principales referentes del arte pop en Latinoamérica

Simultaneidad en simultaneidad (1966) Simultaneidad en simultaneidad (1966)

Edgardo Gimenez ,Argentina

La gran bestia pop.

Edgardo Miguel Giménez nacio en Santo Tomé, Santa Fe, 1942 es un artista visual argentino que adquirió notoriedad durante el movimiento pop y su paso por el Instituto Di Tella de Buenos Aires incursionando en el campo de la arquitectura y también del diseño gráfico, de interiores, objetos e indumentaria. Nacido en la provincia de Santa Fe, comienza a trabajar a los trece años en una agencia de publicidad. Es autodidacta. En la década del 60 trabaja en el Instituto Di Tella junto con Jorge Romero Brest1y artistas como Marie Orensanz, Pablo Mesejean, Juan Stoppani, Alfredo Arias, Marilú Marini, Marta Minujín entre otros. Realiza escenografías para cine y teatro, y trabaja como tapicista, artista gráfico, escultor, dibujante y pintor. En 1980 se desempeñó como director de arte del Teatro San Martín.

A los siete años se traslada junto con su familia a Buenos Aires. En Argentina, desde mediados de la década del cincuenta, impulsado por la política desarrollista de los gobiernos posteriores a la caída del Presidente Juan Domingo Perón –gobierno militar de la Revolución Libertadora y gobierno civil del Presidente Arturo Frondizi- comienza un ciclo de expansión y modernización que conduce a importantes transformaciones en las ciencias, las costumbres juveniles, los tipos sociales, la estructura familiar, la educación y la economía industrial. En ese contexto, se instalan nuevas agencias de publicidad que en sus programas de modernización y expansión de los medios de comunicación reclutan a creativos y artistas del país.

Los atletas, 1976, metal, acrílico y tela, 70 x 120cm.

“Un estilo audaz, constantemente renovado, entusiasta.”

“Edgardo en la jungla”, de 1966

A brillar mi amor

EnCaballito, a comienzos de la década de 1950, las vecinas se detienen por primera vez a mirar la vidriera de la ferretería del barrio. Observan con curiosidad la hilera de hormigas que trepa a un rosal para llevarse los pétalos, de a pedacitos. Las flores son de papel crepé y las hormigas, de cartón con patas de alambre. Ubicada allí para promocionar una marca de insecticida, la instalación es la primera obra de un niño de nueve años que se convertirá, en la década siguiente, en uno de los grandes referentes del arte pop en la Argentina. “¡Qué maravilla!”, le dicen las mujeres al dueño de la ferretería, que les presenta al autor. “A brillar mi amor”, se oía días más tarde en la presentación del libro de 400 páginas, que pesa tres kilos e incluye un CD con relatos y música. Pocos temas más apropiados que “La bestia pop”, de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, para aludir a la brillante carrera de este hombre de sonrisa tan perenne como su obra. Mientras exhibe obras recientes en la galería María Calcaterra, a fin de mes inaugurará en el Museo de Arte Tigre “Donde los sueños se hacen realidad”. El título de la exposición es un homenaje a Walt Disney, uno de los grandes inspiradores de la fantástica fauna que protagoniza sus pinturas, esculturas.

Cupido

Hasta 1964, Edgardo Giménez trabajó casi exclusivamente produciendo pinturas de tono naïf. Un año antes había fundado La oveja boba, una boutique de diseño donde exhibía sus objetos. La apropiación del lenguaje del arte ingenuo fue una de las características del pop argentino. El humor paródico estaba presente en obras que desafiaban la nobleza de los materiales (esmaltes sintéticos, plásticos, cartón) y la importancia de los grandes temas. La belleza decorativa de una flor, del pelaje de un felino o el encanto aerodinámico de una rana, fueron motivos de esta tendencia que se propuso introducir la gracia de la pequeña anécdota de la que muchas veces se nutrió la cultura popular. Cupido, hijo de Venus (Amor) y Marte (Guerra), deidad romana encargada de producir las pasiones amorosas entre los mortales, se presenta como el niño alado de la mitología clásica. No obstante, desprovisto del carcaj y las flechas para su lucha, lleva una pequeña paloma blanca, inequívoco símbolo de la paz. Cupido pareciera no tener otra función que la de exhibir su cándida belleza. Armónico en un insólito mundo en el que conviven animales salvajes y aves de corral, seduce al espectador invitándolo con la mirada a su idílico hábitat.

Autorretrato “Edgardo en la jungla”, de 1966, de su época en el Di Tella

Principales referentes del arte pop en Latinoamérica

Cupido, 1964, Egardo Gimeneez

" Lo visual es un lenguaje y si vos después tenés que estar explicando lo que hiciste, ahí hay una falla."

Epílogo

EPop Art es un arte conceptual. Los cuadros se convierten en cosas y las cosas se convierten en cuadros. El americano Billy Klüver, estaba en contacto con los artistas del Pop Art, los calificó de "Factualists" en la publicación "American Discovered" editada por Arturo Schwarz en Milán. Define los años sesenta como una época que cree en los hechos, una época que tiende a interpretar los objetos, las realidades, las condiciones y los sentimientos ("Happyness is a fact") como "Facts". En el lenguaje coloquial americano se generalizó una fórmula para cualquier situación y disyuntiva: "´That´s a fact", lo que quiere decir como: "Así son las cosas".

Tom Wesselman contestaba en una entrevista con Gene Swenson en 1964: "Toda la pintura es un fact", lo que Andy Warhol ya había dicho al mismo entrevistador en 1963. Asimismo, Jasper Johns, habla de algunos cuadros como "facts".

Bibliografía

En una charla Claes Oldenburg calificó la característica citada por Klüver como la más contundente y acertada de los artistas del Pop Art.

El Término "Factualists" podría suplantar al de " Pop Art" en la historia del arte. Casi ninguno de los artistas se puede identificar con "Pop Ar" como término estilístico general.

Pop sería la característica de un movimiento cultural de una generación en el que el arte tiene una realión muy variada con la cultura popular y el entorno social.

Los artistas mantienen una actitud irónica frente a los hechos, es decir, ven los propios hechos como algo irónico. Combinada con un marcado sentido de la realidad y una concepción que analiza y refleja.

• https://www.laestrella.com.pa//influencias-arte-pop-america-latina

• https://www.culturagenial.com/es/arte-pop/

• https://www.vogue.mx/estilo-de-vida/articulo/andy-warhol-biografia

• https://blog.diderot.art/2020/08/13/que-es-el-arte-pop/

• https://cubanartnewsarchive.org/es/

• https://www.ambito.com/edicion-impresa/el-pop-un-arte-que-marcho-la-par-brasil

• https://www.20minutos.com/noticia/22258/0/pop-art-nomada/

• https://coleccion.malba.org.ar/revolver/

El Pop Art refleja el estado de ánimo de una época, caracterizada por una estabilización política y económica después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de lo cual se generaron nuevos hábitos y conductas de consumo. El cambio de vida de la sociedad, el bombardeo de información por parte de los medios masivos de comunicación, la euforia por las nuevas tecnologías, la nueva cultura de consumo y el culto a las estrellas del momento fueron punto de partida para el desarrollo de un arte diferente, nuevo, que no es más que el reflejo del espíritu de una época. Es por estos factores que el nombre alude al “arte popular”, el arte del pueblo.