Ogden Museum of Southern Art first launched Louisiana Contemporary, presented by The Helis Foundation in 2012, to establish a vehicle that would bring to the fore the work of artists living in Louisiana and highlight the dynamism of art practice throughout the state. Since the inaugural exhibition twelve years ago, Ogden Museum has shown works by over 500 artists, making Louisiana Contemporary an important moment in the national arts calendar to recognize and experience the spectrum and vitality of artistic voices emanating from New Orleans and in art communities across Louisiana.
This statewide, juried exhibition promotes the contemporary art practices in the state of Louisiana, provides an exhibition space for the exposition of living artists’ work and engages a contemporary audience that recognizes the vibrant visual arts culture of Louisiana and the role of New Orleans as a rising, international art center.
This year ’s guest juror, Aleesa Pitchamarn Alexander, the Robert M. and Ruth L. Halperin Associate Curator of Modern and Contemporary Art at the Cantor Arts Center at Stanford University, has selected 45 works by 31 artists from a total of 790 submissions.
El Museo Ogden de Arte Sureñ o inauguró Luisiana Contemporánea, presentad a por la Fundación Helis en 2012, para establecer un vehí culo que pusiera en primera plana la obra de artistas residentes en Luisiana y destacara el dinamismo de la práctica artística en todo el estado. Desde la exposición inaugural hace doce añ os, el Museo Ogden ha mostrado obras de más de 500 artistas, lo que convierte a Luisiana Contemporánea en un momento importante del calendario artístico nacional para reconocer y experimentar el espectro y la vitalidad de las voces artísticas que emanan de Nueva Orleans y en las comunidades art ísticas de todo Luisiana.
Esta exposición nacional con jurado promueve las prácticas artísticas contemporáneas en el estado de Luisiana, proporciona un espacio expositivo para la exhibición de obras de artistas vivos y atrae a un p úblico contemporáneo que reconoce la vibrante cultura de las artes visuales de Luisiana y el papel de Nueva Orleans como centro artí stico internacional en crecimiento.
El jurado invitado de este añ o, Aleesa Pitchamarn Alexander, Conservadora Asociada de Arte Moderno y Contemporáneo Robert M. y Ruth L. Halperin del Centro de Arte Cantor de la Universidad de Stanford, ha seleccionado 45 obras de 31 artistas de un total de 790 propuestas.
“Art is a guide for every person who is looking for something.”
-Thornton Dial, 1996Growing up between Bangkok and the Pacific Northwest, the American South was mysterious and unfamiliar territory to my younger self. My family never visited the region, and I gleaned all my knowledge of it from history textbooks and Adventures of Huckleberry Finn. When it came time to pick a dissertation topic in graduate school, while my colleagues decided to pursue projects in Italy and the Netherlands, I took a different path. I wanted to spend those crucial years in a historically significant, culturally vibrant, and fascinatingly complex place that might seem unexpected to most art historians. As an outsider and transplant to this country, I was looking for some understanding of what it means to be American. There was no better—or more necessary—place to embark on this journey than through the South, and art was my guide. Through my research, I encountered so many incredible artists, collectors, and community members, and these experiences have fundamentally shaped my worldview as a curator and art historian. In my mind, for reasons both challenging and energizing, you don ’t really know the United States until you ’ ve spent time below the Mason-Dixon.
I am grateful to be this year ’ s juror, as it has allowed me to take another Southern journey through Louisiana. It is humbling to
be in this role, as there is no way one can select a fully representative and complete grouping of works. This is a testament to the vitality of artistic production taking place here. I will always be a steadfast admirer of artists : the sheer courage it takes to make unique, soulful, singular things and share them with the world—in this case, asking to be judged — is radical. This year ’ s selection offers a diverse range of form, content, material, and maker. Some works suggest vulnerability and intimacy, while others function as incisive critiques of the past and present. In certain cases, some pieces felt prophetic, anticipating the world to come. To those artists whose works I did not select, please know this process primarily reflects the juror, and I encourage all to continue on the creative path.
Artists are essential workers. You are consequential and necessary, and it is our responsibility as a society to find ways to support you. The Louisiana Contemporary is one such meaningfu l platform, and I am honored to be part of its history.
Congratulations to all involved.
Aleesa Pitchamarn Alexander Robert M. and Ruth L. Halperin Associate Curator of Modern and Contemporary Art Co-director, Asian American Art Initiative Cantor Arts Center, Stanford University"El arte es una guí a para toda persona que busca algo".
-Thornton Dial, 1996
Mientras crecí a entre Bangkok y el noroeste Pací fico, el sur de Estados Unidos era un territorio misterioso y desconocido pa ra mí. Mi familia nunca visitó la región, y todo lo que sabía lo aprend í de los libros de historia y de Las aventuras de Huckleberry Finn. Cuando llegó el momento de elegir un tema de tesis en la escuela de posgrado, mientras mis colegas decidían realizar proyectos en Italia y los Países Bajos, yo tomé un camino diferente. Quer ía pasar esos años cruciales en un lugar históricamente significativo, culturalmente vibrante y fascinantemente complejo que podrí a parecer inesperado a la mayorí a de los historiadore s del arte. Como extranjera y trasplantada a este país, buscaba comprender lo que significa ser estadounidense. No hab ía lugar mejor -o más necesariopara emprender este viaje que el Sur, y el arte fue mi guí a. A lo largo de mi investigación, conocí a muchos artistas, coleccionistas y miembros de la comunidad increí bles, y estas experiencias han conformado fundamentalmente mi visión del mundo como conservadora e historiadora del arte. En mi opinión, por razones tan estimulantes como desafiantes, no se conoce realmente Estados Unidos hasta que no se ha pasado un tiempo por debajo de la línea Mason-Dixon.
Estoy muy agradecida por haber sido jurado este año, ya que me ha permitido realizar otro recorrido sureño por Luisiana. Es
una lección de humildad desempeñar este papel, ya que es imposible seleccionar un grupo de obras totalmente representativo y completo. Es un testimonio de la vitalidad de la producción artística que tiene lugar aquí . Siempre seré una firme admirador a de los artistas: el valor que se necesita para hacer cosas ú nicas, con alma, singulares y compartirlas con el mundo -en este caso, pidiendo ser juzgado- es radical. La selección de este año ofrece una amplia gama de formas, contenidos, materiales y creadores. Algunas obras sugieren vulnerabilidad e intimidad, mientras que otras funcionan como críticas incisivas del pasado y el presente. En ciertos casos, algunas obras parecen proféticas, anticipando el mundo que viene. A los artistas cuyas obras no he seleccionado, les ruego que sepan que este proceso refleja principalmente al jurado, y les animo a todos a seguir por el camino creativo.
Los artistas son trabajadores esenciales. Son importantes y necesarios, y es nuestra responsabilidad como sociedad encontrar formas de apoyarles. El Luisiana Contemporáneo es una de esas plataformas significativas, y me siento honrada de formar parte de su historia.
Felicidades a todos los que han hecho posible esta iniciativa.
Aleesa Pitchamarn Alexander Conservadora Asociada de Arte Moderno y ContemporáneoRobert M. y Ruth L.
Halperin Codirectora de la Iniciativa de Arte Asiático Americano Centro de Arte Cantor, Universidad de Stanford
Marianne Desmarais
Yellow No. 1 (A Thousand Touches) Amarillo Nº 1 (Mil Toques)
2023
Found objects, linen, synthetic rubber and acrylic pigment on plexiglass
Objetos encontrados, lino, caucho sintético y pigmento acrílico sobre plexiglás
Collection of the artist
Colección del artista
This piece is part of a new series exploring contemporary forms and historic modes of draping. Found linens and plastic objects mingle to shape a third formal composition. Rooted in process, my art practice engages qualities of holding: holding still, holding together, holding apart, and holding harmless. Acts of holding create relationships between bodies, between objects, and between transitional moments. Holding participates in touch, form, and the stops and starts of time.
Esta pieza forma parte de una nueva serie que explora formas contemporáneas y modos históricos de drapeado. Ropa de cama y objetos de plástico encontrados se mezclan para dar forma a una tercera composición formal. Arraigada en el proceso, mi práctica artística se centra en las cualidades de la sujeción: sujeción, unión, separación e inofensividad. Los actos de sujeción crean relaciones entre cuerpos, entre objetos y entre momentos de transición. La sujeción participa en el tacto, la forma y las paradas y arranques del tiempo.
Yellow No. 2 (My Mother’s Favorite Color was Yellow)
Amarillo Nº 2 (El Color Favorito de mi Madre era el Amarillo)
2023
Found objects, linen, synthetic rubber and acrylic pigment on plexiglass
Objetos encontrados, lino, caucho sintético y pigmento acrílico sobre plexiglás
Colección del artista
Working with color above and below the surface of the linen invites the eye to find depth and space in the work. I am interested in the tension between the flexible and the fixed where ideas and matter bend between opposites – soft/hard, light/heavy, ephemeral/durable. Formal training in architecture grounds my work in the physical properties of materials. I respond to material behavior with novel strategies of assembly that yield surprising visual and tactile compositions. The work engages a holistic world through shared human experience and physical and formal properties of structures.
Trabajar con el color por encima y por debajo de la superficie del lino invita al ojo a encontrar profundidad y espacio. Me interesa la tensión entre lo flexible y lo fijo, donde las ideas y la materia se mueven entre opuestos: blando/duro, ligero/pesado, efímero/durable. Mi formación en arquitectura se basa en las propiedades físicas de los materiales. Respondo al comportamiento de los materiales con novedosas estrategias de ensamblaje que dan lugar a sorprendentes composiciones visuales y táctiles. La obra aborda un mundo holístico a través de la experiencia humana compartida y las propiedades físicas y formales de las estructuras.
Marianne Desmarais
Yellow No. 3 (Soft | Hard)
Amarillo nº 3 (Blando | Duro)
2023
Found objects, linen and synthetic rubber on plexiglass
Objetos encontrados, lino y caucho sintético sobre plexiglás
Colección del artista
Worn linens evoke the memory of human touch in counterpoint to the mass-produced industrial plastics they wrap in this piece. My art has evolved through a lifelong practice of engaging the functional habits of use and aesthetic resonance of things. In recent work, plastic detritus has become the starting point for an examination of the logic and breakdown of material culture. Shaped to wrap around something recognizable, these objects evolve into ambiguous, secondary forms that populate an invasive ecosystem of want and desire.
Los linos desgastados evocan el recuerdo del tacto humano en contraste a los plásticos industriales producidos en masa que envuelven esta obra. Mi arte ha evolucionado a lo largo de toda una vida en la que me he ocupado de los hábitos funcionales de uso y la resonancia estética de las cosas. En mi obra reciente, los residuos plásticos se han convertido en el punto de partida de un examen de la lógica y la descomposición de la cultura material. Formados para envolver algo reconocible, estos objetos evolucionan hasta convertirse en formas secundarias ambiguas que pueblan un ecosistema invasivo de necesidad y deseo.
Jennifer Rinehart
And There I Was
Y Allí Estaba
2021
Cyanotype on linen
Cianotipo sobre lino
Collection of the artist
Colección del artista
In my work I explore notions of memory and pain through experimental photographic processes. Memories change over time and the photographic image is the perfect conduit for navigating the imperfectness of memory. Through the photographic process I convey ideas of shame, fear and isolation related to the perpetual objectification of women in our modern world. By combining photography with the cyanotype process and a painter's surface I am able to create dreamlike images that allow for dramatic shifts in both distortion and a clarity of light within the final artwork. Anna Atkins was an early pioneer of the cyanotype process in the 1840s and was the first to publish cyanotype work. She did not
receive the recognition and accolades of her
contemporaries. Her story directly informs my work and creates a bridge between process and subject matter that I filter through my own personal struggles.
En mi trabajo, yo exploro las nociones de memoria y dolor a través de procesos fotográficos experimentales. Los recuerdos cambian con el tiempo y la imagen fotográfica es el conducto perfecto para navegar por la imperfección de la memoria. A través del proceso fotográfico transmito ideas de vergüenza, miedo y aislamiento relacionadas con la perpetua cosificación de la mujer en nuestro mundo
proceso de cianotipia y una superficie de pintura, soy capaz de crear imágenes que parecen de ensueño y que permiten cambios dramáticos tanto en la distorsión como en la claridad de la luz dentro de la obra final. Anna Atkins fue una de las
primeras pioneras del proceso de cianotipia en la década de 1840 y la primera en publicar ese tipo de obras. No recibió el reconocimiento ni los elogios de sus contemporáneos. Su historia influye directamente en mi trabajo y crea un puente entre el proceso y el tema que filtro a través de mis propias luchas personales.
Nurhan Gokturk
Forged by Iron
Forjado con Hierro
2023
Latex, enamel, oil paint, cord and paper
Látex, esmalte, óleo, cuerda y papel
Collection of Camp Street Studios
Colección de Camp Street Studios
Forged by Iron investigates the historical and material landscape of New Orleans. The work is molded directly from the balcony of the building on 822 Camp Street and integrates Adinkra symbols from West Africa into latex casts, transforming them into printmaking objects that represent the city's often overlooked ironwork heritage by scholars of architectural history and American art. The ironwork was primarily crafted by Black ironworkers during the mid-19th century in the French Quarter and elsewhere and was embedded with hidden symbols and meanings that their fellow Black ironworkers in Louisiana would recognize. These symbols, representing societal values and life concepts, underscore the
resilience of the West African diaspora. The project involves creating latex casts from the city's ironwork designs. The flexibility and durability of latex capture the intricate details, facilitating a transformation into monoprints. Thus, Forged by Iron illuminates the intersection of architectural heritage, cultural history, and artistic production, thereby reaffirming Black craftsmanship's essential role in New Orleans. 5
Forjado con hierro investiga el paisaje histórico y material de Nueva Orleans. La obra está moldeada directamente desde el balcón del edificio en la
Calle Camp Número 822 e integra símbolos Adinkra de África Occidental en moldes de látex,
transformándolos en objetos de grabado que representan la arquitectura típica de hierro forjado de la ciudad, a menudo pasado por alto por los estudiosos de la historia de la arquitectura y el arte estadounidense. Los trabajo en hierro fueron fabricados principalmente por herreros negros a mediados del siglo XIX en el Barrio Francés y otros lugares, y llevaban incrustados símbolos y significados ocultos que sus compañeros herreros negros de Luisiana reconocerían. Estos símbolos, que representan valores sociales y conceptos vitales, subrayan la resistencia de la diáspora de África Occidental. El proyecto consiste en crear moldes de látex a partir de los diseños de hierro de la ciudad. La flexibilidad y durabilidad del látex captan los
detalles más intrincados, facilitando su transformación en monocopias. De este modo, Forjado con Hierro ilumina la intersección entre el
patrimonio arquitectónico, la historia cultural y la producción artística, reafirmando así el papel esencial de la artesanía negra en Nueva Orleans.
Raina Benoit
Sea Bones
Huesos del Mar
Papier mâché, beeswax, looping digital projection
Papel maché, cera de abejas, proyección digital en
bucle
Collection of the artist
Colección del artista
Raised in the deep South, Raina’s experience with the remnants of the past through storytelling and folktales runs deep. Whether it is through painting, sculpture, installation, video, writing, sound or collaborative projects, her work investigates narrative through a poet’s lens.
Raina Benoit received her BA from Louisiana State University in Liberal Arts and minored in Creative Writing (1999). After living and working in New York City she continued her studies in France at the Atelier des Beaux-Arts de la Ville de Paris (2001) where she studied painting and drawing. She completed her MFA (2006) at the University of Arizona and for close to a decade lived and researched along the U.S. Southeast’s
Raised in the deep South, Raina’s experience with the remnants of the past through storytelling and folktales runs deep. Whether it is through painting, sculpture, installation, video, writing, sound or collaborative projects, her work investigates narrative through a poet’s lens.
Raina Benoit received her BA from Louisiana State University in Liberal Arts and minored in Creative Writing (1999). After living and working in New York City she continued her studies in France at the Atelier des Beaux-Arts de la Ville de Paris (2001) where she studied painting and drawing. She completed her MFA (2006) at the University of Arizona and for close to a decade lived and researched along the U.S. Southeast’s
coastline. She lived in the southwest of France for seven years studying the healing arts while living as close to the land as possible in a creative space titled “The Creative Refuge.” She has recently relocated with her family to New Orleans.
6 Declaración del Artista
Criada en el Sur profundo, Raina tiene una amplia experiencia con los vestigios del pasado a través de la narración de historias y cuentos populares. Ya sea a través de la pintura, la escultura, la instalación, el vídeo, la escritura, el sonido o proyectos de colaboración, su trabajo investiga la narrativa a través de un lente de poeta. Raina Benoit se licenció en Artes Liberales por la
Universidad Estatal de Luisiana y se especializó
en Escritura Creativa (1999). Tras vivir y trabajar en Nueva York, continuó sus estudios en Francia, en el Atelier des Beaux-Arts de la Ville de Paris (2001), donde estudió pintura y dibujo. Completó su máster en Bellas Artes (2006) en la Universidad de Arizona y durante casi una década vivió e investigó a lo largo de la costa sureste de Estados Unidos. Vivió en el suroeste de Francia durante siete años estudiando artes curativas mientras vivía lo más cerca posible de la tierra en un espacio creativo titulado "El Refugio Creativo". Recientemente se ha trasladado con su familia a Nueva Orleans.
Christopher Saucedo
Money to Burn (variant VI)
Dinero Para Quemar (Variante VI)
2023
Branded wood and U.S. currency collage, steel and aluminum
Collage de madera marcada y moneda
estadounidense, acero y aluminio
Collection of the artist, Courtesy of Arthur Roger Gallery
Colección del artista, Cortesía de la Galería Arthur Roger
The works in my recent Money to Burn series are each metal framed circular views of the water or sky, interrupted by floating plastic water bottles. Each innocuous water bottle is burned into the wooden surface and wrapped in a burned label made of US or other World Currency. 7
Las obras de mi reciente serie Dinero Para
Quemar son vistas circulares del agua o el cielo
enmarcadas en metal e interrumpidas por botellas de agua de plástico flotantes. Cada botella de
agua inocua se quema en la superficie de madera y se envuelve en una etiqueta quemada de
Aluminum foil, fabric, thread, fabric hardener Papel de aluminio, tela, hilo, endurecedor de tela
So much has been said about the body. There is still more to say. Our body houses us, and it contains our inner life. Our thoughts and desires are our own until we voice them to others. It is the visible object we project on the world and it defines us by gender, race and age.
Through my work I explore forms in and of the body. I am fascinated by its bulbous shapes, layers of sinew and skin, undulating folds, knobby joints and the constant hum of discharged thought and bodily secretions. It is both sensual and ghastly. It brings us pleasure and pain. From birth to death we are captive to the human form we call our body.
I bind, stitch, layer and sculpt using found objects and a variety of materials including; cloth, paper, thread, resin and wax. Through the physical process and the repetitive nature of my work, I thrive and give voice to the body.
8
Se ha hablado mucho del cuerpo. Aún queda mucho por decir. Nuestro cuerpo nos alberga y contiene nuestra vida interior. Nuestros pensamientos y deseos son nuestros hasta que los expresamos a los demás. Es el objeto visible que proyectamos en el mundo y nos define por sexo, raza y edad.
A través de mi obra exploro las diferentes formas del cuerpo (dentro y fuera de él). Me fascinan sus formas bulbosas, las capas de tendones y piel, los pliegues ondulantes, las articulaciones nudosas y el zumbido constante del pensamiento descargado y las secreciones corporales. Es a la vez sensual y espantoso. Nos produce placer y dolor. Desde que nacemos hasta que morimos, somos cautivos de esa forma humana que llamamos cuerpo.
Encuaderno, coso, coloco en capas y esculpo utilizando objetos encontrados y diversos materiales, como tela, papel, hilo, resina y cera. A través del proceso físico y la naturaleza repetitiva de mi trabajo, desarrollo y doy voz al cuerpo.
Vida Nueva
2022
Hand sewn and relief printed tapestry
Tapicería cosida a mano y estampada en relieve
Collection of the artist
Colección del artista
My work is about the life cycle, and this piece in particular is all about potential, birth and renewal through the use of the visual metaphor of the bird and egg. This work is hand printed, stenciled, sewn and embroidered. The mandala, or radial symmetry is another tool to talk about the cycle itself. I am interested in quilting as a medium, partially because of the tactile and physical nature, but also because of the long history of the craft as "women's work." There's an interesting connection there between women's labor, and the artistic representations of birth.
Mi trabajo gira en torno al ciclo de la vida, y esta obra en concreto trata del potencial, el nacimiento y la regeneración a través de la metáfora visual del pájaro y el huevo. Esta obra
está impresa a mano, estampada con esténcil, cosida y bordada. El mandala, o simetría radial, es otra herramienta para hablar del propio ciclo. Me interesa el edredón como medio, en parte por su naturaleza táctil y física, pero también por la larga historia de la artesanía como "trabajo de mujeres". Hay una conexión interesante entre el trabajo de las mujeres y las representaciones artísticas del nacimiento.
Anita Cooke
Reveal #2
Revelación Nº 2
2023
Acrylic-painted canvas and thread mounted on wood panel
Lienzo pintado con acrílico e hilo montado sobre panel de madera
Collection of the artist
Colección del artista
The Reveal series addresses our human drive to look beneath the surface. I am always fascinated with the inside and the underside of things as this is where we often discover the energy and processes that were expended in the making. From that vantage point we find the messiness of creation: the torn seems, the un-cut threads, the do-overs, the wear and tear and the flaws that happen over time. Sometimes underneath it all we are lucky and discover something precious. These pieces were made by painting large canvases that were then manipulated: cut, torn, folded, distressed, sewn and layered back together in different ways. We do this regularly
in our lives – we seem to take the worn
remnants of life’s challenges and try to reconfigure them, always with the hope that it is still possible to heal and create something whole, transformed and possibly even beautiful out of them.
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La serie Revelación aborda nuestro impulso humano de mirar bajo la superficie. Siempre me han fascinado el interior y la parte inferior de las cosas, ya que es ahí donde a menudo descubrimos la energía y los procesos que se emplearon en su creación. Desde ese punto de vista encontramos el desorden de la creación: las apariencias rotas, los hilos sin cortar, las
repeticiones, el desgaste y los defectos que se producen con el tiempo. A veces tenemos suerte y descubrimos algo precioso.
Estas obras se hicieron pintando grandes lienzos que luego se manipularon: se cortaron, rasgaron, doblaron, desgastaron, cosieron y volvieron a unir de distintas maneras. Esto es algo que hacemos a menudo en nuestras
vidas: cogemos los restos desgastados de los retos de la vida y tratamos de re-configurarlos, siempre con la esperanza de que aún sea posible sanar y crear algo completo, transformado y posiblemente incluso bello a partir de ellos.
Anita Cooke
Breaking Patterns: Shift
Romper Esquemas: Turno
2022
Acrylic-painted canvas and thread mounted on wood panel
Lienzo pintado con acrílico e hilo montado sobre panel de madera
Colección del artista
Breaking Patterns: Shift is constructed of approximately 5,000 one-inch wide canvas strips of varying lengths that are painted in subtle shades of black and white then overlapped and sewn together. This work was motivated conceptually by ideas about how human beings think and relate to one another. The use of white and black is intended to portray extremes in thought patterns. The phrase “looking at things in black and white” often suggests a lack in the ability to recognize nuance, which can limit understanding and empathy for others. The overlapping sewn parts suggest the coming together of opposites that can result in a
shift of some sort. These shifts have the potential and power to break repetitive patterns of beliefs, assumptions, opinions and behaviors, sometimes resulting in an iridescent and precious spark.
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Declaración del Artista
Rompiendo esquemas: Turno está construida con aproximadamente 5.000 tiras de lienzo de una pulgada de ancho y longitud variable, pintadas en sutiles tonos de blanco y negro, superpuestas y cosidas entre sí. Esta obra está motivada conceptualmente por ideas sobre cómo piensan y se relacionan los seres humanos.
El uso del blanco y el negro pretende retratar los extremos en los patrones de pensamiento. La frase "ver las cosas en blanco y negro" suele sugerir una falta de capacidad para reconocer los matices, lo que puede limitar la comprensión y la empatía hacia los demás. Las partes cosidas superpuestas sugieren la unión de opuestos que puede dar lugar a algún tipo de cambio. Estos cambios tienen el potencial y el poder de romper patrones repetitivos de creencias, suposiciones, opiniones y comportamientos, lo que a veces resulta en una chispa iridiscente y preciosa.
Andrew Liles
Twelve Butter Beans
Doce Frijoles Blancos
2022
Gouache on discarded Regional Transit Authority tickets
Témpera sobre billetes desechados de la
Autoridad de Tránsito Regional
Collection of the artist
Colección del artista
Imagine, a 16th-century watercolorist for hire — an early limner and painter of micro-portraiture, daily grinding out semblance in minutiae. They begin to render these visages on found objects; plain playing cards, lightly sanded and perhaps veiled in vellum. One portrait leads to another and another, and a sizable society later, lightning strikes.
There’s a fresh continental hunger for rigorous observational prowess. Soon limners find themselves crossing an ocean to perceive an unfamiliar land and civilization. Their task, catalog an extraordinary place in its entirety; its flora, fauna, and foodstuffs: portraits of whoever and
whatever they find, bringing the fantastical full circle.
Twelve Butter Beans is a celebration of our place. Carnival commences on Twelfth Night, babies come from the Twelfth Ward, and folks used to boat twelve miles out to drink their rum. “The New Orleans Cookbook” notes that butter beans have been “a New Orleans favorite for a hundred years,” and the LSU Ag Center notes they're particularly suited to our moist, humid climate. And the canvas[es], a capture of place and time, are variously aged and strategically arranged on discarded Regional Transit Authority tickets, found along the tracks of the streetcars that similarly celebrate our places with every pass.
Imaginemos a un acuarelista por encargo del siglo XVI, un limador y pintor de micro-retratos, que a diario esboza semblanzas en minucias. Empiezan a plasmar estos rostros en objetos encontrados: simples barajas, ligeramente lijadas y quizá envueltas en pergamino. Un retrato lleva a otro y a otro, y una sociedad considerable más tarde, cae un rayo.
Existe una nueva ansia continental de observar con rigor. Pronto los artistas se encuentran cruzando un océano para percibir una tierra y una civilización desconocidas. Su tarea, catalogar un lugar extraordinario en su totalidad; su flora, fauna y alimentos: retratos de quien sea y lo que
sea que encuentren, cerrando el círculo de lo fantástico.
Doce Frijoles Blancos es una celebración de nuestro lugar. El carnaval comienza en la Noche de Reyes, los bebés vienen del Distrito Doce y la gente solía navegar doce millas para beber su ron. En el libro de cocina "The New Orleans Cookbook" se señala que los frijoles blancos son "los favoritos de Nueva Orleans desde hace cien años", y en el Centro Agrícola de LSU se indica que son especialmente adecuados para nuestro clima húmedo. Y los lienzos, que captan el lugar y el tiempo, están envejecidos y colocados estratégicamente sobre billetes desechados de la Autoridad Regional de Tránsito, encontrados a lo largo de las vías de los tranvías que celebran nuestros lugares con cada pasada.
Srđan Lončar
TRAUMA MODEL #2 (Hurricane Katrina)
MODELO DE TRAUMA Nº 2 (Huracán Katrina)
2023
Inkjet print on brass
Impresión de inyección de tinta sobre latón
Collection of the artist, Courtesy of Arthur Roger Gallery
Colección del artista, Cortesía de la Galería Arthur Roger
Throughout my exploration of memory, photography, trauma, and sculpture, I have consistently discovered a profound link between our desire to capture and preserve experiences in our memory. Some memories, however, can be deeply traumatic, and I have personally endured such experiences on multiple occasions. Trauma does not simply dissipate over time; it lingers within us, shaping our thoughts, emotions, and actions for as long as we live.
In an effort to convey the struggle of releasing memories and trauma, I delved into the concept of transforming a two-dimensional photograph into a three-dimensional object through the
simple act of crushing. The incorporation of “gold taking over" into the photograph directly alludes to KINTSUGI, the Japanese philosophy that views breakage and repair as integral parts of history rather than something to be concealed.
Through this process, I have come to firmly believe in the transformative power of radical acceptance and loving kindness. It is through these practices that we can nurture compassion even towards the most harrowing and agonizing moments of our lives.
A lo largo de mi exploración de la memoria, la fotografía, el trauma y la escultura, he descubierto constantemente un profundo vínculo entre nuestro deseo de capturar y preservar experiencias en nuestra memoria. Algunos recuerdos, sin embargo, pueden ser profundamente traumáticos, y yo personalmente he sufrido experiencias de este tipo en múltiples ocasiones. Los traumas no se disipan con el tiempo, sino que perduran en nuestro interior y moldean nuestros pensamientos, emociones y acciones durante toda nuestra vida.
En un esfuerzo por transmitir la lucha de liberar recuerdos y traumas, profundicé en el concepto
de transformar una fotografía bidimensional en un objeto tridimensional a través del simple acto de aplastar. La incorporación del "oro que se apodera" a la fotografía alude directamente al
KINTSUGI, la filosofía japonesa que considera la ruptura y la reparación como partes integrantes de la historia y no como algo que deba ocultarse. A través de este proceso, he llegado a creer firmemente en el poder transformador de la aceptación radical y la bondad amorosa. A través de estas prácticas podemos alimentar la compasión incluso hacia los momentos más desgarradores y agónicos de nuestras vidas.
Glare
Resplandor
2023
Gouache and graphite on vellum
Gouache y grafito sobre vitela
Collection of the artist, Courtesy of Arthur Roger
Galler
Colección del artista, Cortesía de la Galería Arthur
Roger
Concepts of fragility, compulsion and ritual are recurring themes in my work. In Glare, the female figure, restless, but deep in thought, is seated in a lush garden surrounded by plants and a tall fence. Pattern fills the background or negative space, carving out an area for the foreground subjects to inhabit. The peaceful environment provides a setting for the pensive woman – a place of healing and rest. In this work, I have reduced the media to simple materials – paper, paint and graphite. The translucent paper is a deliberate choice as its surface is delicate and “skin-like.” The process of making the drawing, the slow and meditative
pace, is important to me as I watch the work evolve and grow through its creation. 14
Declaración del Artista
Los conceptos de fragilidad, compulsión y ritual son temas recurrentes en mi obra. En Resplandor, la figura femenina, inquieta pero sumida en sus pensamientos, está sentada en un exuberante jardín rodeado de plantas y una alta valla. Los diseños llenan el fondo o el espacio negativo, creando una zona en la que habitan los sujetos en primer plano. El apacible entorno sirve de marco a la mujer pensativa, un lugar de curación y descanso. En esta obra he reducido los medios a materiales sencillos: papel, pintura y grafito. El papel translúcido fue una elección
deliberada, ya que su superficie es delicada "como la piel". El proceso de elaboración del dibujo, el ritmo lento y meditativo, es importante para mí, ya que veo cómo evoluciona y crece la obra a lo largo de su creación.
Joshua Mintz
Untitled (Ahh Life)
Sin Título (Ahh Vida)
2023
Hand cast tin, cotton, wood, rice paper, scritta,
nylon, tape, copper, resin
Hojalata fundida a mano, algodón, madera, papel de arroz, papel biblia,
nylon, cinta, cobre, resina
Collection of the artist
Colección del artista
Artist Statement
S: Hey, Josh-boy, how much is a doom?
J: A doom?
S: Ya
J: A what?
S: A doom
J: A doom?
S: Ya
J: It’s uhm....I uh...I don’t know. I’m sorry.
S: .... Look....how much is a doom?
J: Dude...a DIME
S: Dime?
J: Yes
S: Ahhhhh, diiiime...How much is a diiiime?
J: The laundry machine doesn’t take dimes.
S: God damnit........
S: Ahhh life
Worn down underwear collecting the warmth of rust, Ahh Life is a splinter of time. The miniature work invites viewers into an intimately private moment provoking our voyeuristic desires. Ahh
Life seeks to describe, rather than to explain, life's microcosms – a small gaze, which feels poignant but is lost to a succeeding moment. There are no ready-mades used. There is a degree of wonkiness animating each component, creating an intimate sculpture endowed with emotional weight.
S: Eh, Josh, ¿cuánto cuesta una condena?
J: ¿Una condena?
S: Ya
J: ¿Una qué?
S: Una condena
S: Sí
J: Es uhm....I uh...no sé. Lo siento.
S: .... Mira....¿cuánto es una condena?
J: Tío... una moneda de diez centavos.
S: ¿Una moneda de diez centavos?
J: Sí
S: Ahhhhh, una moneda...¿Cuánto vale una moneda de diez centavos?
J: La lavadora no acepta monedas de diez centavos.
S: Maldita sea........
S: Ahhh la vida
Ropa interior desgastada que recoge el calor del óxido, Ahh La Vida es una astilla del tiempo. La obra en miniatura invita al espectador a un momento íntimamente privado que provoca nuestros deseos de voyeristas. Ahh La Vida pretende describir, más que explicar, el microcosmos de la vida: una pequeña mirada, que se siente conmovedora pero se pierde en un momento posterior. No se utilizan cosas prehechas. Cada componente está animado por un cierto grado de extravagancia que crea una escultura íntima dotada de peso emocional.
16
Joshua Mintz
Custodian of The Ephemeral Custodio de lo Efímero 2023
Hand cast tin, plaster, porcelain, polymer clay,
pubic hair, foam, wood, resin, cotton, nylon, wax, brass
Estaño fundido a mano, escayola, porcelana,
arcilla polimérica, vello púbico, espuma, madera, resina, algodón, nailon, cera, latón
Collection of the artist
Colección del artista
The boundaries between fiction:reality, presentation:representation, participant:spectator, converge as the viewer’s own histories, associations and memories are shared with the installation. The Custodian of The
Ephemeral is a portrait comprised of handmade sculptures, both miniature and life-like, of daily objects used regularly by this individual. The life behind this portrait is slowly revealed to the viewer as they create a narrative grounded by the familiarity of the objects. The voyeur slowly becomes the voyee, corrupting the relationship between the individual and the work, creating a disorienting space of connection and
estrangement in which a shared portraiture can transpire. 16
Declaración del Artista
Las fronteras entre ficción:realidad, presentación:representación, participante:espectador, convergen a medida que las propias historias, asociaciones y recuerdos del espectador se comparten con la instalación. El Custodio de lo Efímero es un retrato compuesto por esculturas hechas a mano, tanto en miniatura como reales, de objetos cotidianos utilizados habitualmente por esta persona. La vida que hay detrás de este retrato se revela lentamente al espectador a medida que crea una narrativa basada en la familiaridad de los objetos. El
"mirón" se convierte poco a poco en "mirado", corrompiendo la relación entre el individuo y la obra, y creando un espacio desorientador de conexión y distanciamiento en el que puede transpirar un retrato compartido.
Log Cabin
Cabaña
2023
Textile
Textiles
Collection of the artist
Colección del artista
Traditional quilt pattern log cabin, with a New Orleans house in the center. Piecing of new and found fabrics and thread painting are all done manually on a basic sewing machine. Hand quilted by artist. No paint is used in this piece. 17
Colcha tradicional con motivos de cabaña, con una casa de Nueva Orleans en el centro. Las piezas de telas nuevas y encontradas y la pintura del hilo se realizan manualmente en una máquina de coser básica. Acolchado a mano por la artista. En esta pieza no se ha utilizado pintura.
Cora Nimtz
Friendship Star
Estrella de la Amistad
2023
Textile
Textiles
Colección del artista
Friendship star quilt block with artist's mother and friend. Piecing of new and found fabrics and thread painting are all done manually on a basic sewing machine. Hand quilted by artist. No paint is used in this piece. 18
Acolchado de estrellas de la amistad con la madre y una amiga de la artista. Las piezas de telas nuevas y encontradas y la pintura del hilo se realizan manualmente en una máquina de coser básica. Acolchado a mano por la artista. No se utiliza pintura en esta pieza.
The Makings of You
Lo Que Tú Eres
2023
Oil and acrylic on canvas
Óleo y acrílico sobre lienzo
Colección del artista
19
Artist Statement
The Makings of You explores Sean's new role as a Father. The piece is titled after the Curtis Mayfield song, "The Makings of You." In this piece Sean examines the beautiful exhaustion of new parenthood and the role rest plays for himself and child. Sean contemplates the question, "How do I pass down the idea of rest as a normal practice in today's culture of immediacy?"
19
Declaración del Artista
La obra Lo que tú eres explora el nuevo papel de Sean como padre. La pieza se titula como la canción de Curtis Mayfield, "The Makings of You".
En esta pieza, Sean examina el hermoso agotamiento de la nueva paternidad y el papel
que el descanso desempeña para sí mismo y para su hijo. Sean contempla la pregunta: "¿Cómo transmito la idea del descanso como una práctica normal en la actual cultura de la inmediatez?".
Sean Clark
No Fixed Abode
Sin Domicilio Fijo
2022
Acrylic and oil pastel on canvas
Acrílico y pastel al óleo sobre lienzo
Colección del artista
20
Artist Statement
In No Fixed Abode Sean examines the interruption of rest in the lives of the unhoused as a result of local ordinances.
20
En Sin Domicilio Fijo, Sean examina la interrupción del descanso en la vida de los desahuciados como consecuencia de las ordenanzas locales.
2/25/2023 3:01:00 PM
2023
Oil on canvas
Óleo sobre lienzo
Collection of the artist
Colección del artista
My paintings of the commerce of big box stores echo the tradition of a food shop genre that Pieter Aertsen helped create in the 16th century.
Mis pinturas hacen eco de los supermercados que Pieter Aertsen ayudó a crear en el siglo XVI.
Macon Reed
The Death Spa Experience
La Experiencia del Spa de la Muerte
2023
HD Video
7 minute 37 second run time
Video HD
Duración de 7 minutos y 37 segundos
Colección del Artista
The Death Spa Experience takes viewers through an imaginary cosmetic spa procedure that is equal parts mindfulness and satire. Bringing together dream sequences, death meditation, funeral parlor and cosmetic spa advertisements, this experimental video connects our fears of aging and dying to consumption and unprocessed grief. Reed draws from their conversations conducted over the course of the pandemic with practitioners in the field of grief and dying. By offering a playful and at times absurd approach to death, The Death Spa Experience approaches our relationship to dying as a portal to how we can live more fully while we are here on Earth.
La Experiencia del Spa de la Muerte lleva a los espectadores a través de un proceso imaginario de spa cosmético que es conciencia y sátira al
mismo tiempo. Combinando secuencias de sueños, meditación sobre la muerte, funerarias y anuncios de spas cosméticos, este vídeo experimental relaciona nuestros temores a envejecer y morir con el consumo y el dolor no procesado. Reed se inspiro en las conversaciones que mantuvo a lo largo de la pandemia con profesionales del campo del duelo y la muerte.
Ofreciendo un enfoque juguetón y a veces absurdo de la muerte, La Experiencia del Spa de la Muerte aborda nuestra relación con la muerte
como un portal hacia cómo podemos vivir más plenamente mientras estamos aquí en la Tierra.
RAFTERS (Hyppolite + Gilbert) Vigas (Hipolita + Gilbert)
2021
Mixed media: Tattered New Orleans Saints jerseys, sugar cane, sugar cane leaves, brown cotton, white cotton, indigo, transatlantic slave trade shackles, machete, plexiglass vitrine display case, “Colonial Maple” wooden base
Técnica mixta: Jerseys andrajosos de los New Orleans Saints, caña de azúcar, hojas de caña de azúcar, algodón marrón, algodón blanco, añil, grilletes del tráfico transatlántico de esclavos, machete, vitrina de plexiglás, base de madera " Arce Colonial."
Through the remixing of an NFL Hall of Fame case and the visual language associated with these types of displays, my RAFTERS series seeks to interrogate “value” and “acclaim” as constructs in an effort to spark reflection and discussion around the ways that Black bodies have been the most utilized colonial capitalist tool within Western culture and consciousness.
The series utilizes Saints jerseys with different names of enslaved Africans (and their court case numbers) who fought in the 1811 German Coast Uprising to illuminate this under discussed history while additionally illuminating the fleurde-lis’ brutal period of being branded onto the bodies of runaway enslaved Africans. In addition
to this indisputably being our city’s most prominent symbol, the simple fact that we have an entire football team of almost all Black players wearing this symbol on the same position of their bodies as their enslaved ancestors who could have been branded with it is devastatingly eerie.
A través de la mezcla de un caso del Salón de la Fama de la NFL y del lenguaje visual asociado a este tipo de exposiciones, mi serie VIGAS pretende cuestionar el "valor" y la "aclamación" como constructos, en un esfuerzo por suscitar la reflexión y el debate en torno a las formas en que los cuerpos negros han sido la herramienta
capitalista colonial más utilizada dentro de la cultura y la conciencia occidentales. La serie utiliza camisetas de los Saints con diferentes nombres de africanos esclavizados (y los números de sus causas judiciales) que lucharon en el Levantamiento de la Costa Alemana de 1811 para ilustrar esta historia tan poco tratada y, al mismo tiempo, ilustrar el brutal periodo en que la flor de lis se marcaba en los cuerpos de los africanos esclavizados que huían. Además de ser indiscutiblemente el símbolo más prominente de nuestra ciudad, el simple hecho de que tengamos un equipo de fútbol entero formado casi en su totalidad por jugadores negros que llevan este símbolo en la misma posición de su cuerpo que sus antepasados esclavizados, que podrían haber sido marcados con él, es devastadoramente espeluznante.
Strange Brute (Hanging from the Poplar Trees) II, ed. 5/12
Bruto Extraño (Colgado de los Álamos) II, ed. 5/12 2022
Archival print of time-based performance; tree [Black] artist/activist body, P.G.T. Beauregard
piñata, vintage American baseball bat, Haitian flag, burned confederate flag
Impresión de archivo de una actuación basada en el tiempo; árbol cuerpo de artista/activista [negro], piñata P.G.T. Beauregard, bate de
béisbol americano vintage, bandera haitiana, bandera confederada quemada
Colección del artista
This piece is from a series I started last year entitled Juguete (Spanish for "plaything”). This series features my remixing of symbols of the Confederacy into artworks that seek to stimulate inquiry, reflection, dialogue and catharsis.
Part of this series includes piñatas made in the image of the three main confederate monuments that came down in New Orleans in 2017 – Robert E. Lee, P.G.T. Beauregard and Jeff Davis (affectionately called as a part of the series, "Bobby", "Beau" and "Jeffy" respectively.) As a part of this series I have worked with community members to determine
what representations of racism and liberation they would like to include within the piñatas and then collaborative time-based performances take place to destroy the piñatas.
This piece features my “Bobby” and “Beau” pinatas hanging from a tree on Allard Plantation in a position that is etched into the foundations and consciousness of the United States.
The title is a reference to Billie Holiday’s song “Strange Fruit” and emphasizes my frequent remixing of pop cultural references. The included flag is meant to be "stepped or stomped" upon by viewers and result in a collectively destroyed flag by the end of the exhibition period.
Esta obra pertenece a una serie que empecé el año pasado titulada Juguete. Esta serie se caracteriza por la mezcla de símbolos de la Confederación en obras de arte que buscan estimular la investigación, la reflexión, el diálogo y la catarsis.
Parte de esta serie incluye piñatas hechas a imagen de los tres principales monumentos confederados que se derribaron en Nueva Orleans en 2017 - Robert E. Lee, P.G.T.
Beauregard y Jeff Davis (llamados cariñosamente como parte de la serie, "Bobby", "Beau" y "Jeffy" respectivamente). Como parte de esta serie, he trabajado con
miembros de la comunidad para determinar qué temas de racismo y liberación les gustaría incluir en las piñatas y, después, se llevan a cabo actuaciones colaborativas para destruir las piñatas.
Esta pieza muestra mis piñatas "Bobby" y "Beau" colgadas de un árbol de la plantación Allard en una posición que está grabada en los cimientos y la conciencia de Estados Unidos.
El título es una referencia a la canción de Billie Holiday "Strange Fruit" y subraya mi frecuente remezcla de referencias culturales pop. La bandera incluida está para ser "pisada o pisoteada" por los espectadores y que al final de la exposición se destruya colectivamente.
Nic[o] Brierre Aziz
“...Things Aint’ Always Set in Stone” (Street Lights), ed. 1/12
"... Las Cosas no Siempre Están Escritas en Piedra" ("Luces de la Calle"), ed. 1/12
2022
Archival print of time-based performance; P.G.T. Beauregard piñata, Robert E. Lee piñata, P.G.T.
Beauregard Avenue Street sign, Robert E. Lee Boulevard Street sign, red street lights
Impresión de archivo de una actuación basada en el tiempo; Piñata P.G.T. Beauregard, piñata Robert E. Lee, letrero de calle P.G.T. Beauregard Avenue, letrero de calle Robert E. Lee Boulevard, farolas rojas
Collection of the artist
Colección del artista
This piece, just as Strange Brute (Hanging From The Poplar Trees) II, is from my series entitled Juguete (Spanish for “plaything”). This piece is also a time-based performance which was captured in the Lakeview neighborhood before the Robert E. Lee Boulevard signs were changed to Allen Toussaint Boulevard. I found it imperative to capture this moment in an effort to memorialize the fact that there existed such an intersection seeped in white barbarism (more popularly referred to as “white supremacy”).
The creation of this piece, just as the actual creation of this intersection and neighborhood, was very strenuous and intentional. Through my
research for this series, I learned that there was a stipulation in the original title for Lakeview that “bars forever negroes as residents.” The Robert E. Lee street signs replaced a four mile stretch of signs in 1923 and the New Orleans City Council unanimously voted to change these signs in 2022.
The “pace” and “process” of progress is something else that I interrogate within this series of work.
The piece’s title comes from a lyric from Kanye West's “808s and Heartbreak” album and is a reference to my frequent blend of history, pop culture and Black visual satire.
Declaración del Artista
Esta pieza, al igual que Bruto Extraño (Colgado de los álamos) II, pertenece a mi serie titulada Juguete. Esta pieza es también una actuación basada en el tiempo que se capturó en el barrio de Lakeview antes de que los letreros del bulevar
Robert E. Lee se cambiaran por los del bulevar Allen Toussaint. Me pareció imperativo capturar este momento para tratar de conmemorar el hecho de que existía tal intersección impregnada de barbaridad blanca (más popularmente conocida como "supremacía blanca").
La creación de esta pieza, al igual que la creación real de esta intersección y barrio, fue muy
esforzada e intencionada. A través de mi investigación para esta serie, me enteré de que había una estipulación en el título original para Lakeview que "prohíbe para siempre a los negros como residentes". Los letreros de la calle Robert
E. Lee sustituyeron a un tramo de cuatro millas de letreros en 1923 y el Ayuntamiento de Nueva Orleans votó por unanimidad cambiar estos letreros en 2022. El "ritmo" y el "proceso" del progreso es algo más que cuestiono dentro de esta serie de trabajos.
El título de la obra procede de una de las canciones del álbum "808s and Heartbreak" de
Kanye West y es una referencia a mi frecuente mezcla de historia, cultura pop y sátira visual negra.
Blooming Man
Hombre Floreciente
2022
Photographic print
Impresión fotográfica
Collection of the artist, Courtesy of Jonathan
Ferrara Gallery
Colección del artista, Cortesía de la Galería Jonathan Ferrara
Artist Statement
Blooming Man represents growth and freedom in masculine bodies. Not following any labels.
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El Hombre Floreciente representa el crecimiento y la libertad en los cuerpos masculinos. Sin seguir ninguna norma.
Trinity Thomas
Lemon Boy and Cowboy
Limonero y Vaquero
2023
Acrylic paint
Pintura acrílica
Collection of the artist, Courtesy of Jonathan
Ferrara Gallery
Colección del artista, Cortesía de la Galería Jonathan Ferrara
A painting I referenced from one of my photographs. Lemons being a staple memory from my childhood when my cousins and I would take lemons from our neighbor’s lemon trees really stuck with me. We would make lemonade for our great grandma. My mind can be literal sometimes so I decided to go with an actual cowboy. Another memory is the car, it was my other great grandma's. I'll always see dragonflies sitting on the tip of the car's antenna.
Una pintura a la que hice referencia en una de mis fotografías. Los limones son un recuerdo básico de mi infancia, cuando mis primos y yo recogíamos limones de los árboles de limón de nuestros
vecinos. Hacíamos limonada para nuestra bisabuela. Mi mente puede ser literal a veces así que decidí ir con un vaquero real. Otro recuerdo es el automóvil, que era de mi otra bisabuela. Siempre veré libélulas paradas en la antena del automóvil.
Trinity Thomas
Whatchu Got?
¿Qué Tienes?
2022
Acrylic paint
Pintura acrílica
Collection of the artist, Courtesy of Jonathan Ferrara Gallery
Colección del artista, Cortesía de la Galería Jonathan Ferrara
A self portrait. As a child there was a vicious dog next door to my house and it'll chase anyone if loose. There was a song that was stuck in my head when I was younger by the name of “Tightrope” by Janelle Monae. My neighborhood being filled with power lines, I imagined them as a tightrope.
The fruit on the plate are to remember my late grandmothers, one loved when my cousins and I would make her lemonade and the other had a big kumquat tree in her backyard.
Un autorretrato. Cuando era niña, había un perro feroz en la casa del vecino, capaz de perseguir a cualquiera cuando estaba suelto. Cuando era más joven se me quedó grabada una canción llamada "Tightrope" (“Cuerda Floja”) de Janelle Monae. Como mi vecindario estaba lleno de cables de alta tensión, me los imaginaba como una cuerda floja. La fruta del plato son para recordar a mis abuelas fallecidas, a una le encantaba que mis primos y yo le hiciéramos limonada y la otra tenía un gran árbol de kumquat (naranja china) en su patio trasero.
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Jacob Mitchell
Shades of Primary
Tonos de Colores Primarios
2022
Archival pigment print
Impresión con pigmentos de archivo
Colección del artista
The thought that three colors are the source of all the others is what sparked my interest in creating this photo. This image is from a small series of photographs focusing on primary colors and their relationship with light and shadow, with the intention of giving mundane scenes more life. The building's lines and shapes, combined with primary colors, create a striking visual impact that immediately draws the viewer's attention. Red, yellow and blue tend to be viewed as childlike, with this photograph I wanted to focus on the basics of colors, to take viewers back to the first few colors they may have learned.
La idea de que tres colores son la fuente de todos los demás es lo que despertó mi interés por crear esta foto. Esta imagen pertenece a una pequeña serie de fotografías centradas en los colores primarios y su relación con la luz y la sombra, con la intención de dar más vida a escenas mundanas.
Las líneas y formas del edificio, combinadas con los colores primarios, crean un impacto visual llamativo que atrae inmediatamente la atención del espectador. El rojo, el amarillo y el azul tienden a considerarse infantiles; con esta fotografía quería centrarme en los colores básicos, retrotraer al espectador a los primeros colores que quizá haya aprendido.
Foso de las Ranas
2022
Acrylic on canvas
Acrílico sobre lienzo
Collection of the artist
Colección del artista
A few years ago there was a house in my neighborhood that I think must have been unoccupied. The lights were always off and at night in springtime the garden outside was so loud with frog calls. You could hear it from a block or two away, it was unbelievable.
Hace unos años había una casa en mi barrio que creo que debía de estar desocupada. Las luces estaban siempre apagadas y por la noche en primavera el jardín exterior era tan ruidoso con el canto de las ranas. Se oía desde una o dos manzanas de distancia, era increíble.
Thomas Deaton
All Kinds of Critters
Todo Tipo de Criaturas
2022
Acrylic on canvas
Acrílico sobre lienzo
Colección del artista
I was at a crawfish boil not too long ago and right on the other side of the fence in the backyard was a cemetery. It was a little spooky to be there eating and drinking with these big tombstones and mausoleums looming over us.
Hace poco estuve en un hervido de cangrejos de río (“crawfish boil”) y justo al otro lado de la valla, en el patio trasero, había un cementerio.
Daba un poco de miedo estar allí comiendo y bebiendo con esas grandes lápidas y mausoleos que se cernían sobre nosotros.
Jacksun Bein
Catching Orbital Debris (Angola Museum at the Louisiana State Penitentiary, LA.)
La Captura de Restos Orbitales (Museo Angola de la Penitenciaría del Estado de Luisiana, LA.)
2023
17 archival pigment prints on top of one another, plexiglass, concrete screws, Score: Periodically yet without reason, the stack of images will be remounted; revealing a once concealed image and concealing a once revealed image. Possibly switched three times in an hour or once in a month
17 impresiones de pigmentos de archivo superpuestas, plexiglás, tornillos de hormigón, Puntuación: Periódicamente y sin motivo, la pila de imágenes se volverá a montar; revelando una
antes revelada. Posiblemente se cambian tres veces en una hora o una vez en un mes.
The Angola Museum at the Louisiana State Penitentiary which claims to “preserve the long and storied history of crime, punishment, rehabilitation, criminal justice and reform in Louisiana” sits in a double-wide trailer a stone’s throw away from the largest maximum security prison in the world. Tourism and the “historic site” serve a cultural consciousness disavowing universal implication. “Historic site” designates itself as a place exempt from multiplicity or continuation, thus creating a false sense of a completed story. How does ”site” and ”sight” operate in an unseen yet highly imagined landscape? Mimicking forensic photography, a sequence of covered-up photographs call into critical question this scene of representation, and
specifically the struggle to access any reliability or truth when the storytelling mechanism is created and maintained by those who dually maintain the carceral.
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El Museo Angola en la Penitenciaría Estatal de Luisiana, que pretende "preservar la larga y rica historia del crimen, el castigo, la rehabilitación, la justicia penal y la reforma en Luisiana", se encuentra a tiro de piedra de la prisión de máxima seguridad más grande del mundo. El turismo y el "lugar histórico" están al servicio de una conciencia cultural que reniega de la implicación universal. "Sitio histórico" se designa a sí mismo como un lugar exento de multiplicidad
o continuación, creando así una falsa sensación de historia completada. ¿Cómo funciona el "sitio" y la "vista" en un paisaje invisible pero altamente imaginado? Imitando la fotografía forense, una secuencia de fotografías encubiertas cuestiona críticamente esta escena de representación y, en concreto, la dificultad de acceder a cualquier fiabilidad o verdad cuando el mecanismo de narración es creado y mantenido por aquellos que también mantienen lo carcelario.
Sara Madandar
Window #5
Ventana Nº 5
2021
Acrylic on canvas, LED lights and microcontroller circuit, steel frame
Acrílico sobre lienzo, luces LED y circuito microcontrolador, bastidor de acero
Collection of the artist
Colección del artista
In The Window series, the scene initially reveals only the background. The human subjects, painted on the canvases' reverse, remain hidden. As sunlight wanes or motion sensors activate, LED lights embedded within the frame gradually brighten, unmasking the concealed figures and completing the tableau. This technique symbolizes my personal experiences with censorship and bodily autonomy in Iran and the US, bridging the dichotomy between the private sanctuary of the home and the invasive external gaze through a window. The work plays with the Persian term 'purdah', signifying a window curtain, a veil, virginity or even a hymen. This artistic approach metaphorically “lifts the purdah” – unveils truths.
Window #5
in particular also nods to the architecture of New Orleans, as the city's typical wood slatted window covers, very foreign to Iran, dominate the scene with the patterns of their shadows (Much as they did in the Joan Mitchell Foundation studio where I painted this.)
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En la serie La Ventana, la escena revela inicialmente sólo el fondo. Las personas, pintadas en el reverso de los lienzos, permanecen ocultas. Cuando la luz del sol disminuye o se activan los sensores de movimiento, las luces LED incrustadas en el marco se iluminan gradualmente, desenmascarando a las figuras ocultas y completando el cuadro. Esta técnica simboliza mis
experiencias personales con la censura y la autonomía corporal en Irán y Estados Unidos, tendiendo un puente sobre la dicotomía entre el santuario privado del hogar y la invasiva mirada externa a través de una ventana. La obra juega con el término persa "purdah", que significa cortina de ventana, velo, virginidad o incluso himen. Este enfoque artístico metafóricamente "levanta la purdah" - desvela verdades. Ventana nº 5, en particular, también hace un guiño a la arquitectura de Nueva Orleans, ya que las típicas cubiertas de listones de madera de las ventanas de la ciudad, muy ajenas a Irán, dominan la escena con los patrones de sus sombras (muy parecido a lo que hacían en el estudio de la Fundación Joan Mitchell donde pinté esto).
Mayday, Mayday, Mayday
Socorro, Socorro, Socorro
2023
Oil on unstretched linen Óleo sobre lino sin estirar
Collection of the artist
Colección del artista
Artist Statement
Mayday, Mayday, Mayday is part of a series of near-monochromatic paintings that imagines the calamity of the aging fabric of society and its rapidly eroding wisdom. Images of a vanishing billboard question the roles of so-called gatekeepers of mass communication, in reaction to the disinformation still being spewed out unchecked.
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Declaración del Artista
Socorro, socorro, socorro forma parte de una serie de pinturas casi monocromáticas que imaginan la calamidad del tejido envejecido de la sociedad y
su sabiduría que se erosiona rápidamente. Las imágenes de una cartelera que desaparece cuestionan el papel de los llamados guardianes de la comunicación de masas, en reacción a la desinformación que se sigue vertiendo sin control.
Caitlin Ezell Waugh
Restore the Archive: Rue (Ruta Graveolens)
Restaurar el Archivo: Rue (Ruta Graveolens)
2023
Pate de Verre (powdered glass), kiln cast of Rue plant,
copper pipe
Pate de Verre (vidrio en polvo), moldeado en
horno de la planta de Rue, tubo de cobre
Collection of the artist
Colección del artista
35
Artist Statement
Collective human knowledge of healing with plants has been repressed and recovered repeatedly through history. Stewardship of this collective memory and practice is at the heart of the fight for freedom and bodily autonomy. Restore the Archive; Rue is a series of glass prints made from the impressions of sprigs of Rue, a longtime ally of human reproductive rights.
35
Declaración del Artista
El conocimiento humano colectivo de la medicina botánica ha sido reprimido y recuperado
repetidamente a lo largo de la historia. La custodia de esta memoria y práctica colectivas está en el centro de la lucha por la libertad y la autonomía corporal. Restaurar el Archivo: Rue es una serie de grabados en vidrio realizados a partir de las impresiones de ramitas de Rue, una antigua aliada de los derechos reproductivos humanos.
Caitlin Ezell Waugh
Listen to the Old Growth
Escuchar al Pasado
2023
Recycled bottle glass hot cast over cypress
Botella de vidrio reciclada fundida sobre ciprés
Collection of the artist
Colección del artista
Listen to the Old Growth is a series of monoprints, the result of repeatedly hot casting recycled bottle glass over a cross cut slab of cypress. As the heat of the glass imprinted the wood, the glass took on the form of the tree’s landscape and became an archive of its story. We live in a time of anthropocene crisis; humans, however, do not impact our environment more than it impacts us, it is a false binary to see ourselves as separate from nature. Hope lies in the remembering of evolution’s persistence.
Escuchado al Pasado es una serie de monocopias, resultado de la fundición repetida en caliente de botella de vidrio reciclada sobre una losa de ciprés. A medida que el calor del vidrio imprimía la madera, el vidrio adoptaba la forma del paisaje del árbol y se convertía en un registro de su historia. Vivimos en una época de crisis del hombre y el medio ambiente; sin embargo, los humanos no impactamos en nuestro entorno más de lo que él nos impacta a nosotros, es un falso binario vernos a nosotros mismos separados de la naturaleza. La esperanza reside en recordar la persistencia de la evolución.
Mimosa (for our hearts)
Mimosa (para nuestros corazones)
2023
Archival pigment print from 8 x 10 negative, shelf, Mimosa tincture
Impresión en pigmento de archivo a partir de negativo 8 x 10, estante, Tintura de mimosa
Collection of the artist
Colección del artista
I am drawn to the slow, meditative process of working with a large format 8 x 10 film camera. In the spirit of that process, my subject matter are my collaborators and I work with both the human and more-than-human world.
Contemporary and folk herbalists have used the mimosa tree – blossom and bark – as medicine for trauma and depression, especially for heartbreak and unresolved grief. We can look to our plant allies for support as we continue to experience loss in small and large ways, in individual and collective ways.
The tincture is a combination of mimosa blossoms and alcohol. The blossoms have been ethically and locally harvested by the artist.
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Declaración del Artista
Me atrae el proceso lento y meditativo de trabajar con una cámara de película de gran formato 8 x 10.
En el espíritu de ese proceso, mis sujetos son mis colaboradores y trabajo tanto con el mundo humano como con el más-que-humano.
Los botánicos contemporáneos y populares han utilizado la mimosa -en flor y corteza- como
medicina para el trauma y la depresión, especialmente para el desamor y el duelo no resuelto. Podemos recurrir a nuestras plantas
aliadas para que nos ayuden mientras seguimos experimentando pérdidas, grandes y pequeñas, individuales y colectivas.
La tintura es una combinación de flores de mimosa y alcohol. Las flores han sido recolectadas de forma ética y local por el artista.
Elliott Stokes
Laura 2023
Charcoal on paper
Carboncillo sobre papel
Collection of the artist
Colección del artista
Laura is a series of 9 ( 19 x 25 inches each) charcoal drawings documenting the morning after Hurricane Laura in 2020, all taken from the former site of George W. Stokes Oil, located on the Tchefuncte River in Madisonville, LA. Focusing on the sublime and strangeness of how a hurricane can disrupt your perspective of the everyday, feelings of disorientation and seeing how everything beneath your feet is constantly shifting, seeing something everyday and then it being in a completely different place where it doesn’t belong.
Laura es una serie de 9 (19 x 25 pulgadas cada uno) dibujos a carboncillo que documentan la mañana después del huracán Laura en 2020, todos tomados del antiguo establecimiento de
George W. Stokes Oil, situado en el río Tchefuncte en Madisonville, LA. Enfocándose en lo sublime y extraño de cómo un huracán puede alterar nuestra perspectiva de lo cotidiano, sentimientos de desorientación y ver cómo todo bajo nuestros pies cambia constantemente, ver algo cotidiano y luego estar en un lugar completamente diferente al que no pertenece.
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Christy Speakman
Where We Grew Up Together
Donde Crecimos Juntos
2023
Instant film prints
Impresiones de película instantánea
Collection of the artist
Colección del artista
Where We Grew Up Together is an ongoing landscape restoration project memorializing a loved one lost to suicide while simultaneously celebrating and enriching the land of the Louisiana Gulf Coast. Trees and native indigenous flowers such as beautyberry, salvia, swamp rose and milkweed were planted in a site-specific memorial garden in the lush and wild landscape of urban New Orleans, where I grew up with my older brother and only sibling, Cory Allen Speakman. Shown here as a grid of instant film prints, the photographs document the passing of time within the garden and pivotal moments without him, experienced simultaneously as new seasons and distant memories. Inspired by the sentiment of
roadside memorials and remembrance park benches, Where We Grew Up Together explores the healing of personal grief and climate grief through ecology and micro-restoration of the land at scale.
39 Declaración del Artista
Donde Crecimos Juntos es un proyecto de restauración paisajista continuo que conmemora la pérdida de un ser querido a causa del suicidio y, al mismo tiempo, celebra y enriquece la tierra de la costa del golfo de Luisiana. Se plantaron árboles y flores autóctonas como la baya, la salvia, la rosa de los pantanos y el algodoncillo en un jardín conmemorativo en el exuberante y salvaje paisaje urbano de Nueva Orleans, donde crecí con mi
hermano mayor y único hermano, Cory Allen Speakman. Mostradas aquí como una serie de impresiones de película instantánea, las fotografías documentan el paso del tiempo dentro del jardín y momentos cruciales fuera de él, experimentados simultáneamente como nuevas estaciones y recuerdos lejanos. Inspirado en el sentimiento de los monumentos conmemorativos situados junto a las carreteras y en los bancos de los parques conmemorativos, Donde Crecimos Juntos explora la sanación del duelo personal y del duelo climático a través de la ecología y la microrestauración de la tierra a escala.
3D scanned oak tree remnants, SLA 3D prints, brass, oak, custom attachments, archival prints
Restos de roble escaneados en 3D, impresiones SLA 3D, latón, roble, accesorios personalizados, impresiones de archivo
Colección del artista
Suspended is an exploration of what is speculated to be the oldest live oak in the city of New Orleans. Located in City Park, the McDonogh Oak has existed for over 800 years. It is easily identified by a colonnade of telephone poles that surround the tree to support its limbs. Once part of the Jean Louis Allard Plantation established in
the 1770s, the tree sits on land that was later purchased by John McDonogh who donated the property to the city upon his death in 1850. The tree still retains McDonogh’s commemorative name despite its existence long before his proprietorship of the site. As cities unlink the names of those who perpetuated the dark realities of our nation's history from monuments,
street names and historic locations, the tree and its name persist.
In Suspended, artist Britt Ransom visited the tree on daily walks and collected elements left by the tree and 3D scanned and printed each part. The imperfect attempt of both the artist and computer to reproduce natural ephemera through digital fabrication processes points to our human desire to suspend our impact on what can only exist temporarily in a collapsing climate while confronting the realities of the past that should be renamed.
Suspendido es una exploración de lo que se especula que es el roble vivo más antiguo de la ciudad de Nueva Orleans. Situado en City Park, el roble McDonogh existe desde hace más de 800 años. Se identifica fácilmente por una columnata de postes telefónicos que rodean el árbol para sostener sus ramas. El árbol, que en su día formó parte de la plantación Jean Louis Allard establecida en la década de 1770, se asienta en un terreno que posteriormente adquirió John McDonogh, quien donó la propiedad a la ciudad a su muerte en 1850. El árbol aún conserva el nombre conmemorativo de McDonogh a pesar de haber existido mucho antes de que él fuera propietario del lugar. A medida que las ciudades
desvinculan de monumentos, nombres de calles y lugares históricos los nombres de quienes perpetuaron las oscuras realidades de la historia de nuestra nación, el árbol y su nombre persisten.
En Suspendido, la artista Britt Ransom visitó el
árbol en paseos diarios y recogió elementos dejados por el árbol y escaneó e imprimió en 3D cada parte. El intento imperfecto tanto de la artista como del computador de reproducir efímeros naturales mediante procesos de fabricación digital apunta a nuestro deseo humano de suspender nuestro impacto sobre lo que solo puede existir temporalmente en un clima que se derrumba, al tiempo que nos enfrentamos a las realidades del pasado que deberían renombrarse.
Laser 3D scan, SLA resin print, ultraviolet light
Escaneado láser 3D, impresión con resina SLA, luz ultravioleta
Collection of the artist
Colección del artista
Named for the Brood X cicada who hatched by the billions in 2021, these cicadas emerge after 17 years underground, they shed their exoskeleton to reveal a tender and vulnerable body and re-enter the world. They physically release a ghost of their former selves and emerge as an evolved form. This piece, which is presented separate from a larger installation, is a simple UV light with 3D scanned and printed copies of cicada exoskeletons found in New Orleans at City Park. While this specimen is not part of the Brood X emergence, the periodical cicada found in this region is a signifier of summer, a season where our landscape is typically the
most vulnerable to storms. They operate as a metaphor for our own recent emergence after a prolonged pandemic hibernation and emergence into arguably a worldwide stormy season.
41 Declaración del artista
Llamadas así por el billón de cigarras “Brood X” que salieron del cascarón en 2021, estas cigarras brotaron tras 17 años bajo tierra, se despojaron de su exoesqueleto para revelar un cuerpo tierno y vulnerable, y volver a entrar en el mundo. Físicamente liberan un fantasma de su antiguo ser y emergen como una con forma evolucionada. Esta pieza, que se presenta separada de una instalación mayor, es una simple luz ultravioleta con
copias escaneadas e impresas en 3D de exoesqueletos de cigarra encontrados en Nueva Orleans, en City Park. Aunque este espécimen no forma parte del brote de la
“Brood X,” la cigarra periódica que se encuentra en esta región es un símbolo del verano, una estación en la que nuestro paisaje suele ser más vulnerable a las tormentas. Funcionan como una metáfora de nuestra propia reaparición tras una prolongada hibernación pandémica y de la llegada de una posible temporada de tormentas en todo el mundo.
Thom Bennett
Charlie’s Pawn
El Peón de Charlie
2022
Silver gelatin print
Impresión en gelatina de plata
Colección del artista
This photograph, Charlie's Pawn, is from a series I
am working on about the landscapes and cityscapes of the Atchafalaya Basin. I grew up in Morgan City, a small town on the Atchafalaya River and much has changed in the four decades since I left my hometown. I am drawn to photographing there with a nod to nostalgia but, more importantly, to looking at the area with mature eyes. Currently based in New Orleans, I find that heading West on Highway 90 takes me back to my childhood as well as into a world that is now unfamiliar to me; a world of oil, farming, fishing and religion. It is a beautiful, flat, rural landscape that some may see as uninteresting but I find every inch of it fascinating. For this work I
use a 100-year old 7x17 Korona Panorama camera and black and white film. All processing and printing is done by me in the darkroom. The print is a contact print on silver chloride paper.
42
Esta fotografía,
una serie en la que estoy trabajando sobre los paisajes y las ciudades de la cuenca del Atchafalaya. Crecí en Morgan City, una pequeña ciudad a orillas del río Atchafalaya, y muchas cosas han cambiado en las cuatro décadas que han pasado desde que dejé mi ciudad natal. Me atrae fotografiar allí con un guiño a la nostalgia pero, sobre todo, mirar la zona con ojos maduros.
Aunque actualmente resido en Nueva Orleans,
me parece que ir hacia el oeste por la autopista 90 me transporta a mi infancia y a un mundo que ahora me resulta desconocido: un mundo de petróleo, agricultura, pesca y religión. Es un paisaje hermoso, llano y rural que algunos pueden considerar poco interesante, pero a mí me fascina cada centímetro. Para este trabajo utilizo una cámara Korona Panorama de 7x17 de 100 años de antigüedad y película en blanco y negro. Todo el procesado y la impresión los hago yo en el cuarto oscuro. La impresión es de contacto sobre papel de cloruro de plata.
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Thom Bennett
Trailer and Boat
Remolque y Embarcación
2023
Silver gelatin print
Impresión en gelatina de plata
Colección del artista
This photograph, Trailer and Boat, is from a series
I am working on about the landscapes and cityscapes of the Atchafalaya Basin. I grew up in Morgan City, a small town on the Atchafalaya River and much has changed in the four decades since I left my hometown. I am drawn to photographing there with a nod to nostalgia but, more importantly, to looking at the area with mature eyes. Currently based in New Orleans, I find that heading West on Highway 90 takes me back to my childhood as well as into a world that is now unfamiliar to me; a world of oil, farming, fishing, and religion. It is a beautiful, flat, rural landscape that some may see as uninteresting but
I find every inch of it fascinating. For this work I
use a 100-year old 7x17 Korona Panorama camera and black and white film. All processing and printing is done by me in the darkroom. The print is a contact print on silver chloride paper.
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pertenece a una serie en la que estoy trabajando sobre los paisajes y las ciudades de la cuenca del Atchafalaya. Crecí en Morgan City, una pequeña ciudad a orillas del río Atchafalaya, y muchas cosas han cambiado en las cuatro décadas que han pasado desde que dejé mi ciudad natal. Me atrae fotografiar allí con un guiño a la nostalgia pero, sobre todo, mirar la zona con ojos maduros.
Aunque actualmente resido en Nueva Orleans, ir
hacia el oeste por la autopista 90 me transporta a mi infancia y a un mundo que ahora me resulta desconocido: un mundo de petróleo, agricultura, pesca y religión. Es un paisaje hermoso, llano y rural que algunos pueden considerar poco interesante, pero a mí me fascina cada centímetro. Para este trabajo utilizo una cámara Korona Panorama de 7x17 de 100 años de antigüedad y película en blanco y negro. Todo el procesado y la impresión los hago yo en el cuarto oscuro. La impresión es de contacto sobre papel de cloruro de plata.
The Headwaters at Flatwoods Preserve Abita Creek
Las Aguas de la Reserva de Flatwoods en la
Quebrada de Abita
2023 Photography
Fotografia
Collection of the artist
Colección de artista
To produce this image I’m using a digital camera and a somewhat long focal length lens (135mm) to photograph a mosaic of over 40 images of this scene which is then stitched together during post processing with the computer. The stitched image is incredibly detailed and also has what Ansel Adams referred to as “clarity and presence” to describe a photograph that has a solid reality through crispness and a brisk progression of tones. This particular resulting landscape image is part of a larger series of images of the Abita River.
I’m interested in producing landscape images of small unique places which are often hard to access, my intention is to make the difficult to see more accessible. I find great beauty in these small
hidden places and I wish to share them through photographs.
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Declaración del Artista
Para producir esta imagen estoy utilizando una cámara digital y un lente de distancia focal un poco larga (135 mm) para fotografiar un mosaico de más de 40 imágenes de esta escena que luego se unen durante el procesamiento posterior con el computador. La imagen cosida es increíblemente detallada y también tiene lo que Ansel Adams refería como "claridad y presencia" para describir una fotografía que tiene una realidad sólida a través de la nitidez y una progresión enérgica de tonos. Este paisaje forma parte de una serie más amplia de imágenes del río Abita. Me interesa
producir imágenes de paisajes de lugares pequeños y únicos a los que a menudo es difícil acceder, mi intención es hacer más accesible lo difícil de ver. Encuentro una gran belleza en estos pequeños lugares ocultos y deseo compartirlos a través de fotografías.
2023
Oil on canvas Óleo sobre lienzo
Collection of the artist
Colección del artista
Paige DeVries’ paintings examine the interface between people, nature and the suburban environment of her New Orleans neighborhood and city. Her paintings reflect the preciousness, humor, neglect and sometimes subtle magic of our everyday surroundings. Though people are not the explicit subject of the paintings, the impact of the human “hand” on our natural habitat is always present in her work and contends people are intrinsically connected to both the nature they cultivate and the nature that adapts, creeps in and asserts itself back into the spaces around us.
Los cuadros de Paige DeVries examinan la interfaz entre las personas, la naturaleza y el entorno suburbano de su barrio y de la ciudad de Nueva Orleans. Sus cuadros reflejan la preciosidad, el humor, la negligencia y, a veces, la sutil magia de nuestro entorno cotidiano. Aunque las personas no son el tema explícito de los cuadros, el impacto de la "mano" humana en nuestro hábitat natural está siempre presente en su obra y sostiene que las personas están intrínsecamente conectadas tanto con la naturaleza que cultivan como con la naturaleza que se adapta, se arrastra y se reafirma en los espacios que nos rodean.
