Rui Travasso - Letters from Quarantine

LETTERS

FROM

QUARANTINE RUI TRAVASSO CLARINET

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LETTERS

FROM

QUARANTINE RUI TRAVASSO

CLARINET

HENRI TOMASI (1901-1971)

ERLAND VON KOCH (1910-2009)

Sonatine Attique (1966) 01. I. Giocoso 02. II. Lent 03. III. Giocoso tres rythme

01'18 03'29 02'23

Preamble Waltz Homage to J.S.B. Soliloquy Scherzo and Trio

01'41 01'12 00'46 02'05 02'32

RUDOLF ESCHER (1912-1980)

1937)

HENRIK ODEGAARD (b.

15. Antiphona V, Ave Maria

SERGIO AZEVEDO (b.

03'08

1955)

05'50

(2008) 1968)

Sonatina para clarinete solo (2015) 16. I. Allegro 17. II. In a not quite so relaxed mood 18. III. Allegro

Sonata for clarinet solo (1973) 09. I. Molto tranquillo 10. II. Vivo 11. III. Comodo

01'55 03'12

14. Hommage a M. de Falla (1994)

Five Pieces for solo clarinet (1973) I. II. III. IV. V.

Andante sostenuto Allegro vivace

BELA KOVACS (b.

GORDON JACOB (1895-1986) 04.

05.

06.

07.

08.

Monolog No. 3 (1975) 12. I. 13. II.

03'04 03'42 05'18

GIOVANNI MATTALIANO (b.

03'09 03'42 01'15

1969)

19. Zeta World (2011)

01'13

TOTAL PLAY TIME

51'55

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ENG

This album was recorded entirely in my house during the confinement caused by COVID-19. It is, perhaps inevitably, a solo album because so much of life during a pandemic is conducted in isolation, without company or collaboration.

The situation is analogous with being unjustly imprisoned and writing letters to those on the outside; an urgent need to communicate with those we cannot see but whom we can sense are there and receptive to listening.

The album follows a challenge set by Paulo Miranda of AMP Studios. Paulo was decisive not only in the launch of the challenge, but also for being responsible for its production and mastering. The world pandemic we have experienced turned out to be an ideal opportunity to focus on works of which I had the scores at home, but which I had never studied due to lack of time or inertia. This resulted in the conceptual idea of ​​recording music by European composers without repeating countries or composers, thus providing the listener with a European musical journey covering the past roughly 50 years.

During his musical career an artist is influenced by social context, especially when interpreting pieces that have already been widely explored from an interpretative point of view. It turns out that it is natural for our approach to a work that is widely recorded and interpreted, to be conditioned by our experience. In this sense, recording this programme forced me to be more assertive, both at a technical and an interpretative level, due to the non-existence or rarity of recordings and interpretations of the works in question.

Although this is an album for solo clarinet, I believe that there is a contrasting character between the pieces, and an audible difference in the musical paths of the various composers performed. This album is proof that in a short period of time, composers with similar academic backgrounds (I refer to the tradition of Western music) demonstrate in their scores several specificities of their experience as individuals. Thanks to them for writing these fantastic works, my interpretations of which I send to you in the tradition of those in confinement acting on the desire to communicate with others who may seem far away, yet who are brought somehow closer through the shared experience of music.

Rui Travasso

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The clarinet is an instrument of real versatility, its mellow, woody timbre ranging flexibly between plangent melancholy, creamy lyricism and jaunty humour. These qualities have been most famously explored in accompanied works – especially concertos and quintets – but the solo clarinet repertoire offers a wealth of interesting music in which composers have sought to address the challenges of writing for an unaccompanied instrument by harnessing the clarinet’s unique qualities and highlighting its rich colours. Mozart was famously enamoured of the instrument in its deeper incarnation as the basset clarinet; on hearing the famous Mannheim orchestra, he declared: “Ah! If only we too had clarinets! You can’t believe the wonderful effect produced by a symphony with flutes, oboes and clarinets!” His Clarinet Concerto and Quintet, written for Anton Stadler, paved the way for the instrument’s increasing prominence in the eras that followed. In the 20th century, the clarinet’s properties as a solo instrument came to the fore in works such as Luciano Berio’s Sequenza IXa (1980), prefaced with an apt and poetic evocation of the instrument’s wide-ranging, almost contradictory, characteristics: you are unstable and immobile, my fragile fractal it is you, this fractured form of mine that trembles …

Henri Tomasi (1901-1971) was a French composer born in Marseille to Corsican parents. He began studying music at an early age, forced by his father to play the piano for the upper classes, which invariably left Tomasi feeling “humiliated to be on

show like a trained animal”. He made a living playing in venues from hotels to brothels and movie palaces, where he became interested in the films of Charlie Chaplin. He studied at the Paris Conservatoire, winning the Prix de Rome in 1927, and in the 1930s co-founded the Parisian contemporary music group Triton along with Prokofiev, Poulenc, Honegger and Milhaud. He later won the Grand Prix de la Musique Française in 1952. As both composer and conductor he became interested in ‘radiophonic’ techniques, and his output includes a number of works involving the clarinet, including a Clarinet Concerto (1956), two woodwind quintets (1925 and 1952), Trois Divertissements for four clarinets (1964), several wind trios and the Invocations et Danses rituelles for flute, clarinet and harp (1966).

The Sonatine Attique (1966) is said to have been inspired by Tomasi’s reminiscences of spending the night under the Greek stars near the Parthenon in Athens. The work was published by Leduc in 1967 and is dedicated to Ulysse Delecluse, the most celebrated clarinettist in France at the time, who gave the work’s premiere in Rennes. The clarinet’s agile, jovial side is audible in the first movement, Giocoso, but lyricism is never far away, with some long-breathed, atmospheric phrases adding contrast. A sinuous and haunting slow movement follows, again with contrasting passages of livelier spontaneity, and another playful yet varied movement completes the work. Tomasi said of his style: “Although I haven’t shirked from using the most modern forms of expression, I’ve always been a melodist at heart. I can’t stand systems and 44

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sectarianism. I write for the public at large. Music that doesn’t come from the heart isn’t music.”

Gordon Jacob (1895-1984) was an influential English composer and conductor. He went to school at Dulwich College and, after active service in the First World War, studied at the Royal College of Music with Stanford, Vaughan Williams and Howells; Jacob in turn joined the staff there in 1924, and his students included Ruth Gipps, Imogen Holst, Elizabeth Maconchy and Malcolm Arnold. Jacob’s music was featured at the Proms, at the Festival of Britain and on the occasion of the Coronation of Queen Elizabeth II. With the rise of the avant-garde his music fell out of fashion, but he found a new outlet writing music for wind bands and school orchestras. In a 1959 documentary about the composer, directed by Ken Russell, Jacob said: “I personally feel that the day that melody is discarded, you may as well pack up music altogether.” Jacob was adept at writing for wind instruments, as demonstrated by his Five Pieces for Solo Clarinet (1973), which are often performed as a seamless work in five sections. A fluid ‘Preamble’ leads us to a dancing ‘Waltz’, followed by the ‘Homage to J.S.B.’ – a lively and affectionate tribute to the music of J.S. Bach. This is juxtaposed with the more introspective ‘Soliloquy’, and the work concludes with a bubbling ‘Scherzo and Trio’.

Rudolf Escher (1912-1980) was a Dutch composer who spent formative years in Indonesia before studying at the Rotterdam Conservatory. He lived in Rotterdam until 1940, when many of his scores were destroyed during wartime bombing. He moved to

Amsterdam in 1945 and became recognised as the foremost Dutch composer of the age, with teaching roles in Amsterdam, Delft and Utrecht. Like Gordon Jacob, Escher wrote a number of notable books on music theory, and he also favoured music that he considered to be naturally pleasing to the ear. In 1938 he wrote: “The miracles of a piece of music will never be revealed, unless in a natural way, through sounding and hearing. That means sounding well and hearing well.” He was particularly influenced by the music of Debussy, Ravel and Mahler. Escher’s idiomatic Sonata for Clarinet Solo (1973) shows a thorough understanding of the instrument’s timbres.

The work opens with a beautifully crafted slow movement that includes subtle pitch bends, flowing into a virtuosic, wide-ranging Vivo accentuated by rasping flutter-tonguing, a technique that is also a feature of the sonorous final movement.

Erland von Koch (1910-2009) was a Swedish composer, conductor and teacher who studied at the Stockholm Conservatory and then in France and Germany. His long career encompassed an array of influential positions in fields ranging from sound engineering to academia, while his compositional style embraced a similarly wide scope; he was influenced by studies of Bartók, Sibelius, Grieg and Hindemith, explored neoclassicism, and was particularly fascinated by Dalecarlian folk music from Dalarna County in Sweden. Rather like Berio’s Sequenzas, Koch wrote a series of 18 solo Monologs. The bipartite Monolog No. 3 (1975) for solo clarinet is, like Escher’s Sonata, a piece that shows an intimate knowledge of the clarinet’s 55

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properties, resulting in an apparently effortless succession of melodic flights of fancy.

Béla Kóvacs (b. 1937) is principally a clarinettist.

Born in Budapest, Kóvacs studied at the Liszt Academy of Music, where he was later appointed a Professor. He joined the Hungarian State Opera Orchestra in 1956 while still a student, became a founder member of the Hungarian Wind Quintet, with whom he played between 1961 and 1971, and was also a member of the Budapest Chamber Ensemble.

Kóvacs was a celebrated virtuoso and the foremost Hungarian clarinettist of his generation, awarded the Liszt Prize in 1964 and recognised as an Artist of Merit in 1972. He retired from performance in 1981. As a composer, Kóvacs is known for his set of Hommages to an array of different composers.

We hear the dazzling Hommage à M. Falla (1994), a virtuosic tribute to the Spanish composer Manuel de Falla (1876-1946).

Henrik Ødegaard (b. 1955) was born in Oslo and studied bass trombone, sacred music, Gregorian chant and composition, pursuits that took him to Utrecht and Paris. Much of Ødegaard’s output is devoted to sacred works, but living in Telemark also puts him at the heart of a vibrant folk scene that has inspired his dedication to exploring his Norwegian heritage, especially in music for the hardanger fiddle. This combination of spiritual and folk-like elements may be found in Antiphona V, ‘Ave Maria’ (2008). Ødegaard has composed

six of these Antiphona to date, and writes of the series: “In these solo compositions I have a traditional Gregorian antiphon as the melodic point of departure… Then I have expanded the simple, diatonic motives in different ways, so as to be part of a more complex tonal structure.”

Sérgio Azevedo (b. 1968) is a versatile Portuguese composer, writer and teacher whose output has been influenced by composers from Arvo Pärt to Sir Harrison Birtwistle. Azevedo’s musical language is often atonal but with whole-tone inflections, and the clarinet regularly appears in his music, with chamber works including pieces for four clarinets and clarinet quintet. It is intriguing to note that Azevedo’s works are often densely textured; a solo piece presents a different facet of his musical personality. In this solo Sonatina (2015) two intricate and animated outer movements frame a lugubrious yet songful central movement.

Like Béla Kóvacs, the Italian Giovanni Mattaliano (b. 1968) is first and foremost a clarinettist, but he is also a composer, conductor, jazz improviser and writer. Mattaliano studied in Palermo and Pescara, and has premiered many works dedicated to him by composers including Ennio Morricone. Zeta World (2011) is the perfect conclusion to a recital of solo clarinet music: a succinct piece that combines breathtaking technique with irresistible good humour.

Joanna Wyld

Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License.

Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.

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I was born in Évora, a land located in the interior of Portugal in a region called Alentejo; this makes me Alentejan in origin. This land has very strong cultural traditions, an example of which is the traditional Cante Alentejano, strongly influenced by Arab and pre-Roman music, possibly from the times when they populated the Iberian Peninsula. Today Cante is already recognised by UNESCO as an Intangible Heritage of Humanity. It was in this environment that I started to become interested in music, first learning the piano as was my mother’s wish, and later clarinet, already as a conscious choice. In Évora I had a very thorough teacher, Sérgio Oliveira, who worked with me to exhaustion. In Lisbon, I worked with several clarinettists, but I think that the one who really impressed me was Professor Carlos Alves. Carlos, in addition to being an accomplished musician, is an enthusiast of the clarinet and spreads that energy in a very positive way around him. At the end of my time in Lisbon I started to travel regularly to the Netherlands, where I worked on a master’s degree with the incredible Walter Boeykens. In addition to everything I learned musically from him, I will always remember the beer that we both drank at the end of the day.

I took part in many contests, which resulted in many defeats and few victories, but which taught me to work harder and to look at myself in a more reflective way. In 2015 I became Principal Soloist of the Classical Southern Orchestra, a small orchestra based in the south of Portugal, specifically Faro, with which I had been working since 2013. I am still a Professor at the Loulé Conservatory of Music, which allows me also to experience teaching the clarinet. I would like to mention the years I worked at the Évora Regional Conservatory – Eborae Mvsica as fundamental to my personal development; I found it a fantastic environment.

In addition to music, my family (parents, sister, Luís, and especially Alma, Manel, David and Cosme), and padel, I have a lot of interest in the area of ​​digital media art, in which field I have developed artefacts for exhibitions that have served as a basis for my doctoral research.

Finally, big thanks to Odradek for making this dream possible! I sincerely hope you like this album.

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DEU Dieses Album wurde vollständig bei mir zu Hause aufgrund des durch COVID-19 verursachten Ausgehverbotes aufgenommen. Es ist also zwangsläufig ein Soloalbum, denn während einer Pandemie findet so vieles im Leben isoliert und ohne Begleitung oder Zusammenarbeit statt. Die Situation ist vergleichbar mit einer ungerechtfertigten Inhaftierung, wenn Briefe an die Menschen draußen geschrieben werden, um dem dringenden Bedürfnis nachzukommen, mit jenen zu kommunizieren, die wir nicht sehen können, von denen wir aber spüren, dass sie da sind und bereit uns zuzuhören.

Das Album folgt einer Anregung von Paulo Miranda von den AMP-Studios. Paulo war nicht nur entscheidend für den Start zu dieser Herausforderung, sondern er ist auch für die Produktion und das Mastering verantwortlich. Die Weltpandemie, die wir erlebt haben, erwies sich als ideale Gelegenheit, mich auf Werke zu konzentrieren, deren Partituren ich zu Hause hatte, die ich aber aus Zeitmangel oder Trägheit nie in Angriff nahm. Daraus entstand die konzeptionelle Idee, Musik europäischer Autoren aufzunehmen, ohne Länder oder Komponisten zu wiederholen, und so dem Hörer eine europäische musikalische Reise durch die letzten rund 50 Jahre zu bieten.

Während seiner musikalischen Laufbahn wird ein Künstler vom sozialen Kontext beeinflusst, insbesondere bei der Interpretation von Stücken, die in dieser Hinsicht bereits ausgiebig erforscht sind. Es ist also ganz natürlich, dass unsere Herangehensweise an ein Werk, das schon mehrmals aufgenommen und interpretiert wurde, durch unsere Erfahrung geprägt ist. In diesem Sinne zwang mich die Aufnahme dieses Programms sowohl auf technischer als auch auf interpretatorischer Ebene dazu, genauer zu sein, da es keine oder nur wenige Aufnahmen und Interpretationen der betreffenden Werke gab.

Obwohl es sich um ein Album für Soloklarinette handelt, glaube ich, dass es einen kontrastierenden Charakter zwischen den Stücken und einen hörbaren Unterschied in den musikalischen Wegen der verschiedenen aufgeführten Komponisten gibt. Dieses Album ist ein Beweis dafür, dass innerhalb kurzer Zeit Komponisten mit ähnlichem akademischem Hintergrund (ich beziehe mich auf die Tradition der westlichen Musik) in ihren Partituren mehrere Besonderheiten ihrer Erfahrung als Individuen aufzeigen. Vielen Dank an jene, die diese fantastischen Werke geschrieben haben, deren Interpretationen ich Ihnen in der Tradition der Eingesperrten schicke, aus dem Wunsch heraus, mit anderen zu kommunizieren, welche vielleicht räumlich entfernt sind, aber durch die gemeinsame Erfahrung von Musik irgendwie einander näher gebracht werden.

Rui Travasso

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Die Klarinette ist ein wahrhaft vielseitiges Instrument; ihre weiche, holzige Klangfarbe bewegt sich flexibel zwischen wehmütiger Melancholie, schmeichelnder Lyrik und fröhlichem Humor.

Diese Eigenschaften wurden hauptsächlich in begleiteten Werken eingesetzt – insbesondere bei Konzerten und Quintetten – aber das Repertoire der Soloklarinette bietet eine Fülle interessanter Musik, in der Komponisten sich bemüht haben, die Herausforderungen für ein unbegleitetes Instrument zu meistern, indem sie die einzigartigen Qualitäten der Klarinette nutzten und ihre reichen Farben hervorhoben. Mozart war bekanntlich in dieses Instrument verliebt, verkörpert durch die Bassetklarinette. Als er das berühmte Mannheimer Orchester hörte, erklärte er: „Ach, wenn wir nur auch clarinetti hätten! – sie glauben nicht was eine sinfonie mit flauten, oboen und clarinetten einen herrlichen Effekt macht.” Sein Klarinettenkonzert und -quintett, geschrieben für Anton Stadler, ebnete den Weg für die zunehmende Bekanntheit des Instruments in den folgenden Epochen. Im 20. Jahrhundert traten die Eigenschaften der Klarinette als Soloinstrument in Werken wie Luciano Berios Sequenza IXa (1980) in den Vordergrund, dem eine treffende und poetische Beschwörung der weitreichenden, fast widersprüchlichen Eigenschaften des Instruments vorangestellt war: du bist instabil und unbeweglich, mein zerbrechliches Fraktal, du bist es, meine zerbrochene Form, die zittert ...

Henri Tomasi (1901-1971) war ein französischer Komponist, der in Marseille als Sohn korsischer Eltern geboren wurde. Er begann schon früh, Musik zu studieren, da sein Vater ihn zwang, für die Oberschicht Klavier zu spielen, was Tomasi stets das Gefühl gab, „gedemütigt zu sein, wie ein dressiertes Tier ausgestellt zu werden”. Er verdiente seinen Lebensunterhalt mit Auftritten in Hotels, Bordellen und Filmpalästen, wo er sich für die Filme von Charlie Chaplin zu interessieren begann. Er studierte am Pariser Konservatorium, gewann 1927 den Prix de Rome, und in den 1930er Jahren gründete er zusammen mit Prokofjew, Poulenc, Honegger und Milhaud die Pariser Gruppe für zeitgenössische Musik Triton. Später (1952) gewann er den Grand Prix de la Musique Française. Als Komponist und Dirigent begann er sich für ‚radiophone‘ Techniken zu interessieren, und sein Schaffen umfasst eine Reihe von Werken mit Klarinette, darunter ein Klarinettenkonzert (1956), zwei Bläserquintette (1925 und 1952), Trois Divertissements für vier Klarinetten (1964), mehrere Bläsertrios und die Invocations et Danses rituelles für Flöte, Klarinette und Harfe (1966).

Die Sonatine Attique (1966) soll von Tomasis Erinnerungen an eine Nacht unter dem griechischen Sternenhimmel in der Nähe des Parthenons in Athen inspiriert worden sein. Das Werk wurde 1967 von Leduc veröffentlicht und ist Ulysse Delecluse gewidmet, dem damals berühmtesten Klarinettisten Frankreichs, der das Werk in Rennes uraufgeführt hat. Die lebendige, fröhliche Seite der Klarinette 1010 10

ist im ersten Satz, Giocoso, zu hören, aber die lyrische ist nie weit entfernt, wobei einige langatmigatmosphärische Phrasen für Kontrast sorgen. Ein gewundener und tief bewegender langsamer Satz folgt, wiederum mit kontrastierenden Passagen von lebhafter Spontaneität, und ein weiterer spielerischer, aber abwechslungsreicher Satz vervollständigt das Werk. Tomasi sagte über seinen Stil: „Obwohl ich mich nicht davor gescheut habe, die modernsten Ausdrucksformen zu verwenden, bin ich im Herzen immer ein Melodiker geblieben. Ich kann Systeme und Sektierertum nicht ausstehen. Ich schreibe für die breite Öffentlichkeit. Musik, die nicht von Herzen kommt, ist keine Musik.”

Gordon Jacob (1895-1984) war ein einflussreicher englischer Komponist und Dirigent. Er besuchte das Dulwich College und studierte nach seinem aktiven Dienst im Ersten Weltkrieg am Royal College of Music bei Stanford, Vaughan Williams und Howells; Jacob wiederum trat 1924 dem dortigen Lehrkörper bei, und zu seinen Schülern zählten Ruth Gipps, Imogen Holst, Elizabeth Maconchy und Malcolm Arnold. Jacobs Musik wurde bei den Proms, beim Festival of Britain und anlässlich der Krönung von Königin Elizabeth II. aufgeführt. Mit dem Aufstieg der Avantgarde kam seine Musik aus der Mode, aber er fand ein neues Ventil, indem er Musik für Blasorchester und Schulorchester schrieb. In einem Dokumentarfilm von 1959 über den Komponisten, bei dem Ken Russell Regie führte, sagte Jacob: „Ich persönlich bin der Meinung, dass an dem Tag, an dem

die Melodie verworfen wird, die Musik gleich ganz einpacken kann”. Jacob war versiert im Komponieren für Blasinstrumente, wie seine Five Pieces for Solo Clarinet (1973) zeigen, die oft als nahtloses Werk in fünf Abschnitten aufgeführt werden. Eine flüssige ,Präambel’ führt uns zu einem tanzenden ‚Walzer’, gefolgt von der ‚Hommage an J.S.B.’ – eine lebendige und liebevolle Huldigung an die Musik von J.S. Bach. Diesem wird das eher introspektive ‚Soliloquy’ gegenübergestellt, und das Werk schließt mit einem sprudelnden ‚Scherzo und Trio’.

Rudolf Escher (1912-1980) war ein niederländischer Komponist, der prägende Jahre in Indonesien verbrachte, bevor er am Rotterdamer Konservatorium studierte. Er lebte bis 1940 in Rotterdam, als viele seiner Partituren bei Bombenangriffen im Krieg zerstört wurden. 1945 zog er nach Amsterdam und wurde als der bedeutendste niederländische Komponist seiner Zeit anerkannt, mit Lehrtätigkeiten in Amsterdam, Delft und Utrecht. Wie Gordon Jacob schrieb Escher eine Reihe bemerkenswerter Bücher über Musiktheorie, und auch er bevorzugte Musik, die er als natürlich und angenehm für das Ohr empfand. Im Jahr 1938 schrieb er: „Die Geheimnisse eines Musikstücks werden sich nie offenbaren, es sei denn auf natürliche Weise, durch Klingen und Hören. Das bedeutet, gut zu klingen und gut zu hören.” Besonders beeinflusst wurde er durch die Musik von Debussy, Ravel und Mahler. Eschers idiomatische Sonata for Clarinet Solo (1973) zeigt ein tiefes Verständnis für die Klangfarben 1111 11

des Instruments. Das Werk beginnt mit einem wunderschön ausgearbeiteten langsamen Satz mit feinen Bendings, der in ein virtuoses, umfangreiches Vivo übergeht, das durch den rasselnden Flatterzungen-Effekt akzentuiert wird, eine Technik, die auch ein Merkmal des klangvollen Finalsatzes ist.

Erland von Koch (1910-2009) war ein schwedischer Komponist, Dirigent und Lehrer, der zunächst am Konservatorium in Stockholm und dann in Frankreich und Deutschland studierte. Seine lange Karriere umfasste eine Reihe von einflussreichen Positionen in Bereichen von Tontechnik bis zu akademischer Lehrtätigkeit, wobei sein Kompositionsstil ein ähnlich breites Spektrum umfasste. Er wurde durch Studien von Bartók, Sibelius, Grieg und Hindemith beeinflusst, beschäftigte sich mit dem Neoklassizismus und war besonders von der dalekarlianischen Volksmusik aus dem schwedischen Kreis Dalarna fasziniert. Ähnlich wie Berios‘ Sequenzas schrieb Koch eine Reihe von 18 Solo-Monologen. Der zweiteilige Monolog No. 3 (1975) für Soloklarinette ist, wie Eschers Sonate, ein Stück, das eine intime Kenntnis der Eigenschaften der Klarinette zeigt, was zu einer scheinbar mühelosen Abfolge melodischer Höhenflüge führt.

Béla Kóvacs (geb. 1937) ist in erster Linie Klarinettist.

Geboren in Budapest, studierte Kóvacs an der Liszt-Musikakademie, wo er später zum Professor ernannt wurde. Noch während seines Studiums trat er 1956 dem Orchester der Ungarischen Staatsoper bei, wurde Gründungsmitglied des Ungarischen

Bläserquintetts, mit dem er zwischen 1961 und 1971 spielte, und war auch Mitglied des Budapester Kammerensembles. Kóvacs war ein gefeierter Virtuose und der führende ungarische Klarinettist seiner Generation; 1964 erhielt er den Liszt-Preis und wurde 1972 als Artist of Merit anerkannt. 1981 zog er sich von öffentlichen Auftritten zurück. Als Komponist ist Kóvacs für seine Hommages für eine Reihe verschiedener Komponisten bekannt.

Wir hören die schillernde Hommage à M. Falla (1994), eine virtuose Huldigung an den spanischen Komponisten Manuel de Falla (1876-1946).

Henrik Ødegaard wurde 1955 in Oslo geboren und studierte Bassposaune, Kirchenmusik, Gregorianischen Gesang und Komposition, eine Ausbildung, die ihn nach Utrecht und Paris führte.

Ein Großteil von Ødegaards Schaffen ist geistlichen Werken gewidmet, aber sein Leben in Telemark stellt ihn auch in den Mittelpunkt einer lebendigen Folkszene, die ihn dazu inspiriert hat, sein norwegisches Erbe zu erforschen, insbesondere in der Musik für die Hardanger-Fiedel. Diese Kombination aus spirituellen und folkloristischen Elementen findet sich in Antiphona V, „Ave Maria” (2008). Ødegaard hat bis heute sechs dieser Antiphona komponiert und schreibt über diese Reihe: „In diesen Solokompositionen nehme ich eine traditionelle gregorianische Antiphon als melodischen Ausgangspunkt...

Dann habe ich die einfachen, diatonischen Motive auf verschiedene Weise erweitert, so dass sie Teil einer komplexeren tonalen Struktur sind.

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Sérgio Azevedo (geb. 1968) ist ein vielseitiger portugiesischer Komponist, Schriftsteller und Lehrer, dessen Schaffen von Arvo Pärt bis Sir Harrison Birtwistle beeinflusst wurde. Azevedos musikalische Sprache ist oft atonal, aber mit Ganzton-Einschüben, und die Klarinette tritt in seiner Musik regelmäßig in Kammermusikwerken in Erscheinung, darunter Stücke für vier Klarinetten und Klarinettenquintett.

Es ist faszinierend festzustellen, dass Azevedos Werke oft dicht strukturiert sind; ein Solostück präsentiert eine andere Facette seiner musikalischen Persönlichkeit. In dieser Sonatina (2015) umrahmen zwei verschlungene und lebhafte Sätze einen düsteren und doch liedhaften Zentralsatz.

Wie Béla Kóvacs ist der Italiener Giovanni Mattaliano (geb. 1968) in erster Linie Klarinettist, aber auch Komponist, Dirigent, Jazz-Improvisator und Schriftsteller. Mattaliano studierte in Palermo und Pescara und hat viele ihm gewidmete Werke von Komponisten wie Ennio Morricone uraufgeführt.

Zeta World (2011) ist der perfekte Abschluss eines Rezitals für Solo-Klarinettenmusik: ein prägnantes Stück, das atemberaubende Technik mit unwiderstehlich guter Laune verbindet.

Joanna Wyld

Autor des Textes Joanna Wyld (Übers. Antonio Gómez Schneekloth) / Odradek Records, LLC ist im Besitz einer Creative CommonsNamensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Genehmigungen, die über den Geltungsrahmen dieser Lizenz hinausgehen, kann man bei www.odradek-records.com erhalten.

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Ich bin in Évora geboren, einer Stadt im Landesinneren Portugals in einer Region namens Alentejo; das macht mich zu einem sogenannten Alentejano. Dieses Land hat stark ausgeprägte kulturelle Traditionen; ein Beispiel dafür ist der traditionelle Cante Alentejano, der stark von arabischer und prärömischer Musik beeinflusst ist, möglicherweise aus der Zeit, als sie die Iberische Halbinsel bevölkerten. Heute wird dieser Cante bereits von der UNESCO als Immaterielles Erbe der Menschheit anerkannt. In diesem Umfeld begann ich mich für Musik zu interessieren, indem ich zuerst Klavier lernte, wie es der Wunsch meiner Mutter war, und später Klarinette, dies schon als bewusste Entscheidung. In Évora hatte ich einen sehr gründlichen Lehrer, Sérgio Oliveira, der bis zur Erschöpfung mit mir arbeitete. In Lissabon arbeitete ich mit mehreren Klarinettisten zusammen, aber ich glaube, derjenige, der mich am meisten beinflusst hat, war Professor Carlos Alves. Carlos ist nicht nur ein versierter Musiker, er ist auch ein Enthusiast der Klarinette und verbreitet diese Energie auf sehr positive Weise um sich herum. Am Ende meiner Zeit in Lissabon begann ich regelmäßig in die Niederlande zu reisen, wo ich bei dem ‚unglaublichen‘ Walter Boeykens an einem Master-Abschluss arbeitete. Zusätzlich zu allem, was ich musikalisch von ihm gelernt habe, werde ich mich immer an das Bier erinnern, das wir beide am Ende des Tages zusammen getrunken haben.

Ich nahm an zahlreichen Wettbewerben teil, die viele Niederlagen und wenige Siege mit sich brachten, die mich aber lehrten, härter zu arbeiten und mich genauer zu betrachten. 2015 wurde ich Erster Solist des Classical Southern Orchestra, eines kleinen Orchesters mit Sitz im Süden Portugals, genauer gesagt in Faro, mit dem ich seit 2013 zusammenarbeite. Ich bin immer noch Professor am Musikkonservatorium von Loulé, was mir auch die Erfahrung ermöglicht, Klarinette zu unterrichten. Ich möchte die Jahre, die ich am regionalen Konservatorium von Évora - Eborae Mvsica - gearbeitet habe, als grundlegend für meine persönliche Entwicklung erwähnen; ich habe dort ein fantastisches Umfeld vorgefunden.

Neben der Musik, meiner Familie (Eltern, Schwester, Luís, und vor allem Alma, Manel, David und Cosme) und Padel interessiere ich mich sehr für den Bereich der digitalen Medienkunst, in dem ich Artefakte für Ausstellungen entwickelt habe, die als Grundlage für meine Doktorarbeit dienten.

Abschließend ein herzliches Dankeschön an Odradek, der diesen Traum möglich gemacht hat! Ich hoffe aufrichtig, dass Ihnen diese CD gefällt.

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POR

Este álbum foi gravado totalmente em minha casa durante o confinamento derivado ao Covid19. Um álbum a solo, foi de certa forma inevitável, já que o despoletar da pandemia conduziu a um isolamento, sem acesso a companhia ou colaboração de quem estava fisicamente distante. Esta era uma situação análoga a alguém que foi injustamente feito prisioneiro, e que decide escrever cartas para o exterior; uma urgente necessidade de comunicar com aqueles que não conseguimos ver, mas que conseguimos sentir, e que estão recetivos a escutar.

Assim, a partir dum desafio feito pelo Paulo Miranda da AMP Studios, começou a desenhar-se este álbum. O Paulo foi decisivo não só pelo desafio lançado, mas também porque foi ele o responsável pela sua produção e masterização.

Desta forma, a pandemia mundial vivida, acabou por se transformar na oportunidade ideal para trabalhar obras, cujas quais, tinha as partituras em casa, mas que nunca as tinha estudado por falta de tempo ou inércia. Isso resultou numa ideia conceptual de gravar obras de compositores europeus sem repetir países e compositores, proporcionando assim ao ouvinte uma viagem musical europeia através dos últimos 50 anos.

Durante o seu percurso musical, o intérprete é influenciado pelo seu contexto social, especialmente quando executa obras já amplamente exploradas sob o ponto de vista interpretativo. Acaba por ser natural que a abordagem de uma obra que já foi por diversas vezes gravada e interpretada, acabe de certa forma condicionada à nossa experiência.

Neste sentido, gravar este programa obrigou-me a ser ainda mais assertivo, tanto a nível técnico como interpretativo, em virtude da inexistência ou à pouca existência de gravações e interpretações das obras em causa.

Apesar de este ser um álbum para clarinete solo, acredito que existe um carácter contrastante entre as obras, e que são audíveis os percursos musicais distintos dos vários compositores interpretados. Isto é a prova que num curto período temporal, compositores com formações académicas semelhantes (refiro-me à tradição da música ocidental), demonstrem nas suas partituras diversas especificidades da sua vivência enquanto indivíduos. Obrigado a eles por terem escrito estas obras fantásticas, cujas minhas interpretações envio, como quem, de forma tradicional derivado a um ato de confinamento, fica ávido de comunicar com outros que se parecem distantes, mas que são de alguma forma aproximados através da partilha da música.

Rui Travasso

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O clarinete é um instrumento duma real versatilidade, com um timbre suave e amadeirado, que deambula flexivelmente entre uma melancolia plangente, um cremoso lirismo, e um humor alegre. Estas qualidades já foram famosamente exploradas em obras acompanhadas – especialmente concertos e quintetos – mas o repertório de clarinete solo é também rico de música interessante, a qual os compositores enfrentam o desafio de escrever para um só instrumento, aproveitando as qualidades únicas do clarinete e destacando as suas cores tímbricas. Mozart tinha um famoso enamoramento pelo clarinete, na sua encarnação mais profunda como clarinete basset; ao ouvir a afamada orquestra de Mannheim, ele declarou: “Ah! Se nós também tivéssemos clarinetes! Não consegues acreditar no efeito maravilhoso produzido por uma sinfonia com flautas, oboés e clarinetes!”. O seu concerto para clarinete, assim como o seu quinteto para clarinete e quarteto de cordas, escrito para Anton Stadler, pavimentaram o caminho para o crescimento proeminente do instrumento nas eras que se seguiram. No século XX, as caraterísticas do clarinete como instrumento solo começaram a sobressair através de obras como a Sequenza IXa (1980) de Luciano Berio, cujo prefácio faz uma evocação adequada e poética das suas capacidades amplas e quase contraditórias: tu és instável e imóvel, meu frágil fractal isto és tu, esta minha forma fraturada que treme …

Henri Tomasi (1901-1971) foi um compositor Francês nascido em Marselha e de pais Corsos.

Começou a estudar música desde muito cedo, e era constantemente forçado pelo seu pai a tocar piano para as classes sociais mais altas, o que fazia com que Tomasi se sentisse “humilhado por ser parte dum espetáculo como um animal treinado”. Fez como modo de vida, tocar em sítios que variavam entre átrios de hotéis, bordéis e salas de cinema, sendo aqui que surgiu o seu interesse pelos filmes de Charlie Chaplin. Estudou no Conservatório de Paris, venceu o Prix de Rome em 1927, e na década de 1930 cofundou o grupo de música contemporânea sediado em Paris, Triton, juntamente com Prokofiev, Poulenc, Honegger e Milhaud. Em 1952, ganha também o Grand Prix de la Musique Française.

Como compositor e maestro, interessou-se por o mundo radiofónico, e são várias as suas obras que incluem o clarinete, como por exemplo o Concerto para Clarinete (1956), dois quintetos de sopros (1925 e 1952), Trois Divertissements para quatro clarinetes (1964), diversos trios de sopros, e a obra Invocations et Danses rituelles para flauta, clarinete e harpa (1966).

A Sonatine Attique (1966) diz-se que foi inspirada nas reminiscências de Tomasi após ter passado uma noite sob as estrelas do céu Grego perto do Pártenon em Atenas. A obra foi publicada pela Leduc em 1967 e dedicada a Ulysse Delecluse, um dos mais importantes clarinetistas franceses da época, o qual estreou a obra em Rennes. No primeiro

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andamento, Giocoso, é audível a agilidade e um lado jovial do clarinete, contudo, o lirismo nunca se afasta e manifesta-se através de longas frases que criam uma atmosfera contrastante. Segue-se um sinuoso e assombrado movimento lento, em que uma vez mais, exibe contraste com passagens de espontaneidade viva, e com um outro andamento divertido que completa a obra. Tomasi disse sobre o seu estilo: “Contudo eu não me esquivo do uso das mais modernas formas expressivas, eu sempre fui um melodista de coração. Não suporto sistemas e sectarismos. Escrevo para o público em geral.

Música que não venha do coração não é música.”

Gordon Jacob (1895-1984) foi um influente compositor e maestro Inglês. Frequentou a Dulwich College e, depois de um serviço militar ativo na Primeira Guerra Mundial, estudou na Royal College of Music com Stanford, Vaughan Williams e Howells; Jacob acabou por se juntar ao corpo docente desta escola e teve como alunos Ruth Gipps, Imogen Holst, Elizabeth Maconchy e Malcolm Arnold. A sua música foi apresentada nos Proms, no Festival of Britain e na coroação da Rainha Isabel II. Com o crescimento do vanguardismo a sua música acabou por sair de moda, no entanto, Jacob encontrou um novo mercado na escrita para orquestra de sopros e orquestras escolares. Num documentário sobre o compositor, realizado por Ken Russel em 1959, Jacob disse: “Eu pessoalmente sinto que no dia em que a melodia for descartada, você

pode também empacotar toda a música”. Jacob era adepto da escrita para sopros, como está demonstrado na obra Five Pieces for Solo Clarinet (1973), cuja qual é diversas vezes tocada como cinco peças em separado. Um fluído “Preamble” conduz-nos a uma dançante “Waltz”, seguida da “Homage to J.S.B.” – um animado e afetuoso tributo a J.S. Bach. Isto precede o andamento mais introspetivo “Soliloquy”, sendo a obra concluída com o borbulhante “Scherzo and Trio”.

Rudolf Escher (1912-1980) foi um compositor Holandês que adquiriu a sua formação na Indonésia, antes de ingressar no Conservatório de Roterdão. Aí viveu até 1940, altura em que muitas das suas partituras foram destruídas devido aos bombardeamentos da Segunda Guerra Mundial. Em 1945 mudou-se para Amesterdão e tornou-se num dos principais compositores Holandeses da época, simultaneamente à sua atividade de docente em Amesterdão, Delft e Utrecht. Tal como Gordon Jacob, Escher escreveu diversos de livros notáveis sobre a teoria musical, e também ele era a favor da música que o próprio considerava naturalmente agradável para o ouvido. Em 1938 escreve: “Os milagres duma peça de música nunca serão revelados, a não ser de forma natural, através do som e da audição.

Isso significa, soar bem e ouvir bem.” Escher foi particularmente influenciado pela música de Debussy, Ravel e Mahler. Na sua idiomática Sonata for Clarinet Solo (1973) Escher mostra um completo

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conhecimento do timbre do instrumento. A obra inicia-se com um lindo e trabalhado movimento lento que inclui curvas subtis de afinação, fluindo num virtuosístico e abrangente Vivo que é acentuado por ásperos flutter-tonguings, uma técnica que também é usada no sonoro andamento final.

Erland von Koch (1910-2009) foi um compositor Sueco, maestro e professor que se formou no Conservatório de Estocolmo e, posteriormente na França e na Alemanha. A sua longa carreira abrangeu um conjunto de cargos influentes, tanto na área de engenharia do som, como na área académica. Enquanto compositor, Koch também manteve esta abrangência explorando diversos campos; foi influenciado por Bartók, Sibelius, Grieg e Hindemith, explorando o neoclassicismo, e foi um entusiasta da música popular de Dalecarlian, da região de Dalarna na Suécia. À semelhança das Sequenzas de Berio, Koch escreveu 18 Monologs para diferentes instrumentos solo. O bipartido Monolog No. 3 (1975) para clarinete solo é, assim como a Sonata de Escher, uma peça que demonstra um conhecimento íntimo das caraterísticas do clarinete, resultando numa sucessão elegante de voos melódicos e aparentemente fáceis e naturais.

Béla Kóvacs (b. 1937) é acima de tudo conhecido como um clarinetista. Nasceu em Budapeste, e estudou na Academia de Música de Liszt, onde acabou mais tarde por se tornar professor. Em

1956, enquanto ainda estudava, tornou-se membro da Hungarian State Opera Orchestra. É membro fundador do Hungarian Wind Quintet, com o qual tocou entre 1961 e 1971, e foi também membro do Budapest Chamber Ensemble. Kóvacs foi um célebre virtuoso e um dos mais conhecidos clarinetistas Húngaros da sua geração, sendo reconhecido através da atribuição do prémio Liszt em 1964 e do prémio Artista de Mérito em 1972. Retirou-se da área performativa em 1981. Como compositor, Kóvacs é conhecido pela sua coleção de Hommages dedicadas a diferentes compositores. Aqui ouvimos a deslumbrante Hommage à M. Falla (1994), um virtuoso tributo ao compositor Espanhol Manuel de Falla (1876-1946).

Henrik Ødegaard (b. 1955) nasceu em Oslo e estudou trombone baixo, música sacra, canto Gregoriano e composição, estudos que o levaram até Utrecht e Paris. Muitas das obras de Ødegaard são dedicadas à música sacra, no entanto, viver em Telemark colocaram-no no centro duma região com uma vibrante herança de música popular e isso inspirou-o a explorar as raízes da música popular Norueguesa, especialmente a música para hardanger fiddle. Esta combinação entre o espiritual e elementos populares pode ser ouvida em Antiphona V, ‘Ave Maria’ (2008). Ødegaard compôs seis Antiphona até à data, e explica sobre esta série: “Nestas composições solísticas, tenho uma antífona gregoriana como ponto de partida

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melódico...Depois expandi o simples, motivos diatónicos por caminhos diferentes, para assim se tornarem numa estrutura tonal mais complexa.”

Sérgio Azevedo (b. 1968) é um versátil compositor Português, escritor e professor, cujas suas obras foram influenciadas por compositores desde Arvo Pärt até Sir Harrison Birtwistle. A linguagem musical de Azevedo é muitas vezes atonal, mas com inflexões nos tons inteiros, sendo que o clarinete aparece regularmente na sua música, tanto em música de câmara como em quartetos e quintetos de clarinete. É intrigante observar que as obras de Azevedo são normalmente densas ao nível da textura; uma peça solo apresenta assim uma faceta diferente desta personalidade musical. Nesta Sonatina (2015), dois

intricados e animados andamentos emparelham o lúgubre, mas cantante movimento central.

Assim como Béla Kóvacs, o Italiano Giovanni Mattaliano (b. 1968), tem primeiramente uma atividade musical enquanto clarinetista, no entanto, também ele é compositor, maestro, e um improvisador na área do jazz. Mattaliano estudou em Palermo e Pescara, e estreou diversas obras dedicadas a ele, incluindo do compositor Ennio Morricone. Zeta World (2011) é a perfeita conclusão dum recital para clarinete solo: uma peça sucinta que combina uma técnica de retirar o fôlego com um bom humor irresistível.

Joanna Wyld

Texto de Joanna Wyld (Trad. Rui Travasso) / Odradek Records, LLC possui uma Licença Internacional Creative Commons AttributionNoDerivatives 4.0. Permissões fora do âmbito desta licença disponíveis em www.odradek-records.com.

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Nasci em Évora, terra situada no interior de Portugal numa região chamada Alentejo; o que faz de mim Alentejano. Esta terra tem tradições culturais muito fortes, um exemplo disso, é o tradicional Cante Alentejano, influenciado vincadamente pela música árabe e pré-romana, possivelmente dos tempos em que estes povoavam a Península Ibérica. Hoje o Cante é já reconhecido pela Unesco como Património Imaterial da Humanidade. Foi neste ambiente que comecei a interessar-me pela música, primeiro aprendendo piano por vontade da minha mãe, e mais tarde clarinete, já como escolha consciente. Em Évora tive um professor, Sérgio Oliveira, muito minucioso que trabalhou até à exaustão comigo. Já em Lisboa, trabalhei com diversos clarinetistas, mas, penso que o que mais me marcou foi o professor Carlos Alves. O Carlos, para além dum músico exímio, é um entusiasta do clarinete e transmite essa energia duma forma bastante positiva em seu redor. Fim da etapa em Lisboa, comecei a viajar regularmente para a Holanda onde realizei um mestrado com o incrível Walter Boeykens. Para além de tudo o que aprendi musicalmente com ele, irei sempre recordar-me da cerveja que bebíamos os dois no final do dia.

Concursos fiz muitos, que resultaram em muitas derrotas e poucas vitórias, mas que me ensinaram a trabalhar mais e a olhar para mim duma forma mais reflexiva. Em 2015 tornei-me Solista A da Orquestra Clássica do Sul, pequena orquestra sediada no sul de Portugal, mais propriamente em Faro, com a qual já vinha a trabalhar desde 2013. Sou ainda professor no Conservatório de Música de Loulé, o que me permite vivenciar também o ensino do clarinete. Gostava de mencionar os anos que trabalhei no Conservatório Regional de Évora – Eborae Mvsica como fundamentais para o meu desenvolvimento pessoal, local onde encontrei um ambiente fantástico.

Para além da música, da minha família (pais, irmã, Luís, e em especial a Alma, o Manel, o David e o Cosme), e do pádel, tenho muito interesse na área da Média-Arte Digital onde tenho desenvolvido artefactos para exposições que servem de base para a minha investigação doutoral.

Por último, um muito obrigado à Odradek por tornar este sonho possível! Espero sinceramente que gostem deste álbum.

Rui Travasso

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Recorded at Olhao, April - May 2020 Producer, Editor and Sound Engineer: Paulo Miranda

Mastering: Paulo Miranda, AMP studio (Viana do Castelo, Portugal) Translations: Rui Travasso (Portuguese Liner Notes), Antonio Gomez Schneekloth (German) Photos: Nicole Sanchez at Associacao Cultural Republica 14 www.facebook.com/republica.catorze


Design:

Rui Travasso is a Yamaha Artist

www.rtravasso.wordpress.com www.odradek-records.com

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