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ENG
I have experienced Chopin’s music throughout my extensive piano studies and I immediately – and always – felt very emotionally involved with his music, to the extent that I can say that he has defined me as a musician and, later on, as a cellist. Chopin said that he loved only one instrument other than the piano: the cello. I feel so blessed that he left us, as the exception to his otherwise exclusively pianistic output, three chamber works of great quality and maturity for cello and piano (which, together with the juvenile Trio and one cycle of songs, form his entire chamber music production). I feel very strongly that I can channel my playing and my personality best through them. These works were written partly thanks to Auguste Franchomme, a well-known French concert cellist and professor at the Conservatoire Nationale de Paris. He was the most intimate of Chopin’s friends during his years in Paris. They composed together the Gran Duo Concertante; Chopin dedicated to him his Sonata in G minor, Op. 65, which they performed together, including at Chopin’s memorable last Paris concert on 18 February 1848 at Pleyel’s; and Franchomme rewrote the cello part of the Polonaise brillante, as well as transposing a huge amount of Chopin’s piano pieces for cello and piano. When we discovered Pleyel’s “double piano” of 1898, we fell in love with its full, rich sound and felt convinced it would bring us closer to Chopin’s sound-world. Although this is not a “period performance”, Chopin favoured Pleyel’s pianos, and the warmth of this unique instrument’s sound seemed an ideal choice for this repertoire. As for Franchomme, while researching his compositions – other than transcriptions of Chopin’s works – we immediately perceived that their close relationship was musically rooted in the influence of bel canto, and the operatic treatment of their melodies. We found a variety of unedited and unperformed fantaisies, souvenirs, variations, and piéces de concert on themes of Italian, French and German operas. If on the one hand the transcriptions and elaborations of Chopin’s music testify to Franchomme’s admiration for his overly gifted friend – while perhaps losing some of their artistic value compared to the originals of the master – on the other hand, Franchomme’s own output seemed to us like a pearl in an unopened oyster (in this case, the Bibliothèque nationale de France, where we could find the first editions of these otherwise out-ofprint works), and we consider them to be absolutely worth publishing and recording.
Beatriz Blanco
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Chopin’s relationship with the cello began early in his career,
to Chopin playing the piano and “immediately understood” him.
with the Austrian cellist Joseph Merk inspiring the composer’s
Their friendship remained firm, with Franchomme calling on
admiration. Chopin dedicated his Introduction and Polonaise
Chopin almost daily, often with Liszt, who would play Chopin’s
Brillante, Op.3, to Merk when it was published in 1831. The sparkling Polonaise had been composed in October 1829, with its witty Introduction following in the Spring of 1830. Chopin described Merk’s playing as, “so full of soul. He is the only violoncellist I really respect”. This stance would soon change when, in 1832, Chopin met the cellist and composer Auguste Franchomme. They were introduced at a dinner party by none other than Franz Liszt, who had taken to Chopin for possessing precisely the qualities that he himself lacked: reserve and refinement as opposed to his own
Études for them. When Liszt’s mistress, the Comtesse d’Agoult, invited Chopin to spend the summer of 1833 on her estate, he opted instead to stay with Franchomme’s family near Tours. Franchomme was also present on the night on 8 May 1838 when, at a Paris soirée, the author George Sand became transfixed by Chopin’s attractions. Then, when Franchomme played in Charles Hallé’s first concert, in 1839, Chopin went along to support. Franchomme was amongst Chopin’s most loyal friends until his death in 1849, even playing Mozart to him on his deathbed.
passion and extroversion. Chopin in turn was immediately drawn
Chopin wrote his Sonata for Piano and Cello (note the order
to the cellist Franchomme, with whom he had much in common.
of the instruments) for Franchomme between 1845 and
The slight 21-year-old was a professional instrumentalist, but
1846. By this time he was tired and frail from tuberculosis,
not a virtuoso, and had a horror of extravagant show both in
spending many evenings in Paris with Franchomme,
people and in music. After the dinner with Liszt, the two retired
working through the sonata. In April he again stayed with
to Chopin’s home for the evening; there, Franchomme listened
Franchomme’s family near Tours, but by the summer of the same
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year, staying in George Sand’s home in Nohant, Chopin was
tranquillity. The finale, in common with the opening movement,
getting weaker and struggling to compose. Chopin wrote to
twists and turns its way through a range of material, with the
Franchomme, probably about the Op.65 Sonata, which was still
quality of a particularly tricky tarantella. It is interesting to note
unfinished:
that Chopin’s Polonaise-Fantaisie, another work of extraordinary
“I do everything I can in order to work but it’s no good. If this
range, was written at around this time.
goes on, my new compositions will not resemble the chir-
The concert at which the Sonata was premiered drew a raptur-
ruping of warblers or even the sound of smashing china”.
ous response from audience and critics alike. The Marquis de
Back in Paris, he continued to struggle with the work, writing,
Custine wrote to Chopin: “You have gained in suffering and
“I’m sometimes happy with it, sometimes not. I throw it into a
poetry; the melancholy of your compositions penetrates still
corner and then take it up again.”
deeper into the heart; one feels alone with you in the midst of a
The Sonata’s discursive opening movement is relatively free in
crowd; it is no longer a piano, but a soul, and what a soul!”
form, and was omitted by Chopin from a performance of the
In happier times, three months after he had arrived in Paris, on
work at his final Paris concert in 1848; perhaps he considered it
12 December 1831, Chopin was commissioned by the publisher
too complex for audiences to comprehend. The piano unfolds an
Schlesinger to “write something on themes from Robert le Dia-
elegant, contemplative opening theme, before being allowed a
ble”, a grand opera by Meyerbeer. The work had been premiered
burst of more virtuosic display. By the end of the movement, the
three weeks before at the Paris Opéra, and had become a run-
material has all but expired, its exhaustion made final by two
away sensation. Chopin was amongst the work’s admirers, de-
pronounced final chords. The Scherzo is a sprightly dance in the
claring:
minor, and the Largo a beautiful, if remarkably concise, haven of
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“It is a masterpiece of the modern school. In it enormous
Franchomme was, as the Grand duo concertante demonstrates,
choruses of devils sing through megaphones and spirits
a composer in his own right, and his musical career took him
arise from their graves… as many as fifty or sixty at a time…
to the Paris Conservatoire, where he was a professor from 1846
What is most impressive, though, is the sound of the organ
until his death in 1884. On 21 February 1841, Franchomme per-
on stage which thrills and amazes you as it all but drowns
formed one of his own cello works at a Paris concert hosted by
out the orchestra in the pit below. Meyerbeer has raised himself to the ranks of the immortals”. The Grand duo concertante, based on Meyerbeer’s operatic themes, was published in 1833. This is not, of course, a typical work for a composer whose name is almost always associated with intimate piano music, although he seems to have had no difficulty in conveying the drama of Meyerbeer’s opera in the impressive piano introduction. When it came to writing for the cello, however, Chopin relied on the input of Franchomme, who,
Chopin. The costly tickets were fought over, and the evening was described in La France Musicale as, “a charming soirée, a feast peopled with delicious smiles, delicate and pretty faces, small, shapely white hands; a magnificent occasion where simplicity was married to grace and elegance, and where good taste served as a pedestal to riches”. Franchomme’s Three Themes with Variations, Op.22, are based on themes by three different composers: Donizetti, Beethoven
as cellist in the Opéra orchestra, had a unique insight into Robert
and Bellini. According to Franchomme, Chopin had reservations
le Diable, and was able to collaborate with Chopin on the cello
about the music of Beethoven, because of a preference for re-
part for this work. The initial offerings from the cello are relative-
straint over drama: “Whenever [Beethoven] is obscure and seems
ly inauspicious, but soon blossom into a bouquet of Meyebeer’s
to lack coherence, this is not the result of the slightly savage quality
melodies, with some striking moments of virtuosity.
with which he is credited; it is because he turns his back on eternal
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principles”. Chopin was far more enamoured of Bellini, who
In the same year, after that celebrated final concert in Paris,
became part of their circle of friends in Paris from 1833.
Custine summed up why his fellow artists felt such an affinity
In the first of the Three Themes, Franchomme takes Donizetti’s
with Chopin:
lively tune through a series of refined variations, emphasising
“Preserve yourself for the sake of your friends; it is a
the melody’s inherent Classicism, whilst showcasing his own
consolation to be able to hear you sometimes; in the hard
great understanding of the cello’s capabilities. With ‘Beethoven’,
times that threaten, only art as you feel it will be able to
the theme is articulated in a staccato, almost brusque, manner,
unite men divided by the realities of life; people love each
followed by variations which shift between lyricism, drama
other, people understand each other in Chopin”.
and playfulness. The ‘Bellini’ movement is the most virtuosic,
Joanna Wyld
Franchomme relishing the theme’s capacity both for intricate display and more intense lyricism. The charming Duo concertant sur un motif d’Anna Bolena represents another collaboration, this time between Franchomme and Irish composer-pianist George Alexander
The instrument used in this recording is a “double piano” manufactured
Osborne (1806-1893). Published in 1841, the work is based on
by Pleyel in 1898. Pleyel, favoured by Chopin, among others,
another of Donizetti’s melodies, from his opera, Anna Bolena
experimented with this design in the 1890s, producing a 2.5 meter-
(1830).
long instrument with two keyboards placed at opposite ends. The
Again, the common link between these composers is Chopin;
two pianos are housed in one body, but have their own sets of strings,
Osborne supported Chopin during his English tour in 1848.
pedals and mechanism. Text by Joanna Wyld / Odradek Records, LLC is licensed under a Creative Commons Attribution-NoDerivatives 4.0 International License. Permissions beyond the scope of this license may be available at www.odradek-records.com.
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Beatriz Blanco has been praised by critics and audiences alike for her passion, musicality, sensitivity, and technical mastery. The quality and depth of her sound and stage presence have been evident since her debut with the Castilla y León Symphonic Orchestra in 2004. She was awarded the first prizes in competitions including the Kiefel Hablitzel Foundation 2015 in Bern, and the Austrian Würdigungspreis 2013, the “Primer Palau” Palau in Barcelona, and the Jeunesses Musicales. Beatriz also earned the second prize at the Rahn Musikpreis Foundation in Switzerland, third prize in the Liezen International Cello Competition, Austria, and the “Young Artist Award” from the Foundation Bernhard Greenhause, California (USA). Her solo career includes performances with the Symphonieorchester Basel, Musikkollegium Winterthur, Argovia Philarmonic, Radio and Television Spanish Orchestra (ORTVE), Málaga Philarmonic Orchestra, Castilla y León Symphonic Orchestra (OSCyL), Orchestra Sinfónica del Vallés (OSV). She has performed in major European concert halls including the Theatre des Champs Elysees (Paris), Victoria Hall (Geneva), Stadt Casino (Basel), Solitär (Salzburg), Tonhalle (Zürich), Lingotto (Torino), Auditorio Nacional in Madrid, Palau de la Música and L’Auditori in Barcelona, and Palau de las Arts in Valencia. Since 2008, she has been delving into the cello and piano duo repertoire together with Italian pianist Federico Bosco. They won the first prize at the SalieriZinetti International Chamber Music Competition, 2015, in Verona, Italy, with engagements across Europe for the upcoming seasons. Beatriz plays a C. Pierray cello, (Paris, 1720), thanks to the August Pickhardt Foundation. Federico Bosco studied piano with Claudio Voghera, Filippo Gamba and Adrian Oetiker, and conducting with Rodolfo Fischer. He has performed with various orchestras including the Basler Sinfonieorchester and Schweizer Jugend Sinfonieorchester, and performs as a soloist and chamber musician across Europe, most notably at the Granada Festival and the Salzburg Chamber Music Festival. In 2013 he made his debut at the Lucerne Festival. He worked as a teacher and musical assistant in Germany and is currently working as a répétiteur at the Hochschule in Basel. 8 8
FRA
J’ai joué la musique de Chopin tout au long de mes études avancées de piano et ai toujours été profondément touchée par sa musique, au point où je peux dire qu’il m’a définie en tant que musicienne et, plus tard, violoncelliste. Chopin prétendait n’aimer qu’un seul autre instrument que le piano : le violoncelle. C’est une véritable privilège qu’il nous ait laissé, comme l’exception à son œuvre exclusivement pianistique, trois œuvres de chambre de grande qualité et maturité pour violoncelle et piano (qui, avec le Trio précoce et un cycle de chants, forment l’intégralité de son répertoire de musique de chambre). Ces pièces m’ont permis de mieux canaliser mon jeu et ma personnalité. Ces œuvres ont été écrites en partie grâce à Auguste Franchomme, un violoncelliste français réputé et professeur au Conservatoire National de Paris, et l’ami le plus intime de Chopin au cours de ses années parisiennes. Ils ont composé ensemble le Grand Duo Concertant ; Chopin lui dédia sa Sonate en sol mineur, Op.65, qu’ils jouèrent ensemble, notamment durant le dernier concert mémorable de Chopin à Paris, le 18 Février 1848 dans les salons Pleyel. Franchomme a réécrit la partie de violoncelle de la Polonaise brillante, ainsi que la transposition de nombreuses pièces pour piano de Chopin pour violoncelle et piano. Lorsque nous avons découvert le « piano double » de Pleyel de 1898, nous sommes tombés amoureux de sa sonorité pleine et riche et sommes devenus convaincus qu’il nous rapprocherait de l’univers sonore de Chopin. Bien que cette performance ne se veuille pas une reconstitution historique, Chopin privilégiait les pianos de Pleyel, et la chaleur sonore de cet instrument unique semblait un choix idéal pour ce répertoire. Quant à Franchomme, tout en recherchant ses compositions – autre que des transcriptions d’œuvres de Chopin – nous avons immédiatement perçu que leur relation étroite était musicalement enracinée dans l’influence du bel canto, et le traitement lyrique de leurs mélodies. Nous avons trouvé une variété de Fantaisies, Souvenirs, Variations, et Pièces de concert inédites et non exécutées, sur des thèmes d’opéras italiens, français et allemands. Si les transcriptions et les élaborations sur la musique de Chopin témoignent de l’admiration de Franchomme pour son ami surdoué – et perdent peut-être une partie de leur valeur artistique par rapport aux originaux du maître – l’œuvre de Franchomme nous a en outre semblé telle une perle dans une huître non ouverte (en l’occurrence, la Bibliothèque nationale de France, où nous avons trouvé les premières éditions de ces partitions désormais épuisées), et nous sommes persuadés qu’elles méritent publication et enregistrement. Beatriz Blanco
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La relation de Chopin avec le violoncelle commence dès le début
« comprend immédiatement ».
de sa carrière, à travers son admiration pour le violoncelliste
Leur amitié reste ferme, et Franchomme est en contact avec
autrichien Joseph Merk. Chopin dédie son Introduction et
Chopin presque tous les jours, souvent aux côtés de Liszt, qui
Polonaise Brillante, Op.3 à Merk lors de sa publication en
joue les Études de Chopin pour eux. Lorsque la maîtresse de
1831. Il compose la Polonaise flamboyante en Octobre 1829, et son ingénieuse introduction le printemps suivant en 1830. Chopin décrit le jeu de Merk comme « si intense. Il est le seul violoncelliste que je respecte vraiment. » Cette position va cependant changer lorsqu’en 1832 Chopin rencontre le violoncelliste et compositeur Auguste Franchomme. Ils sont introduits à l’occasion d’un dîner par nul autre que Franz Liszt, lequel a pris Chopin sous sa coupe pour ses qualités si différentes des siennes : réserve et raffinement du prodige polonais, passion et extraversion du maître hongrois.
Liszt, la comtesse d’Agoult, invite Chopin à passer l’été 1833 dans son domaine, il décide au contraire de séjourner avec la famille de Franchomme près de Tours. Franchomme est également présent dans la nuit du 8 mai 1838, lors d’une soirée à Paris, lorsque George Sand tombe sous l’emprise de Chopin. Puis, lorsque Franchomme joue pour le premier concert de Charles Hallé en 1839, Chopin vient le soutenir. Franchomme compte parmi les amis les plus fidèles de Chopin jusqu’à sa mort en 1849, allant jusqu’à jouer du Mozart auprès de son lit de mort.
Chopin est à son tour immédiatement attiré par le violoncelliste
Chopin écrit sa Sonate pour Piano et Violoncelle (notez
Franchomme, avec qui il a beaucoup en commun. Le frêle
l’ordre des instruments) pour Franchomme entre 1845
jeune homme de 21 ans est un instrumentiste professionnel,
et 1846. A cette époque, il est fatigué et fragilisé par la
mais pas un virtuose, et tient en horreur les démonstrations
tuberculose, et passe de nombreuses soirées à Paris avec
d’extravagance, tant en musique qu’en caractère. Après le dîner
Franchomme à travailler sur la sonate. En Avril, il séjourne de
avec Liszt, les deux jeunes hommes rentrent chez Chopin pour
nouveau avec la famille de Franchomme près de Tours, mais
la soirée ; là, Franchomme écoute Chopin jouer du piano et le
durant l’été de la même année, dans la maison de George
10 10
Sand à Nohant, sa santé s’affaiblit et composer devient de plus
poursuit son chemin à travers toute une gamme de couleurs,
en plus pénible. Chopin écrit à Franchomme, probablement à
avec la qualité d’une tarentelle particulièrement périlleuse. Il est
propos de la Sonate Op.65, encore inachevée :
intéressant de noter que la Polonaise-Fantaisie de Chopin, une
« Je fais tout mon possible pour travailler mais rien ne
autre pièce à l’ampleur extraordinaire, est écrite à cette époque.
vaut. Si cela continue, mes nouvelles compositions ne
Le concert au cours duquel la Sonate est dévoilée suscite une
ressembleront pas au gazouillis des fauvettes ni même au son de la porcelaine brisée ». De retour à Paris, son affliction persiste, et il écrit : « J’en suis parfois satisfait, parfois non. Je la jette dans un coin puis la reprends. » Le mouvement d’ouverture discursif de la Sonate est relativement libre dans la forme, et ne figure pas dans l’interprétation de cette œuvre lors de son dernier concert à Paris en 1848 ; peutêtre le juge-t-il trop complexe pour le public ? Le piano amorce un thème d’ouverture élégant, contemplatif, avant une salve à la virtuosité plus démonstrative. À la fin du mouvement, toute matière expire, son épuisement rendu définitif par deux accords
réponse enthousiaste du public et de la critique. Le marquis de Custine écrit à Chopin: « Vous gagnez dans la souffrance et la poésie ; la mélancolie de vos compositions pénètre encore plus profondément le cœur ; on se sent seul avec vous au milieu de la foule ; ce n’est plus un piano mais une âme, et quelle âme ! » En des temps plus heureux, trois mois après son arrivée à Paris, le 12 Décembre 1831, Chopin est commissionné par l’éditeur Schlesinger pour « écrire quelque chose sur des thèmes de Robert le Diable », un opéra à grand succès de Meyerbeer, représenté trois semaines auparavant à l’Opéra de Paris. Chopin figure parmi les admirateurs de l’œuvre, en déclarant :
finaux prononcés. Le Scherzo est une danse enjouée en mineur,
«
C’est
un
chef-d’œuvre
de
l’école
moderne.
et le Largo un havre de tranquillité somptueux, malgré sa
D’immenses chœurs de démons chantent à travers des
brièveté. Le finale, en commun avec le mouvement d’ouverture,
mégaphones et les esprits surgissent de leurs tombes
11 11
... cinquante ou soixante parfois ... Le plus impressionnant,
au Conservatoire de Paris, où il est professeur de 1846 jusqu’à
cependant, est le son de l’orgue sur scène qui vibre et
sa mort en 1884. Le 21 Février 1841, Franchomme exécute
vous étourdit tant il noie l’orchestre dans la fosse en-deçà.
l’une de ses propres pièces pour violoncelle lors d’un concert à
Meyerbeer s’est lui-même hissé au rang des immortels ».
Paris organisé par Chopin. Les billets s’arrachent malgré un prix
Le Grand Duo Concertant, basé sur des thèmes d’opéra de
dissuasif, et la soirée est décrite dans la France Musicale comme
Meyerbeer, est publié en 1833. Il s’agit d’une œuvre atypique
« une soirée charmante, une fête peuplée de délicieux sourires,
pour un compositeur dont le nom est presque toujours associé
de visages délicats et jolis, de petites mains blanches galbées ;
à la musique intimiste pour piano, bien qu’il semble n’avoir eu
une magnifique occasion où la simplicité se marie à la grâce et à
aucune difficulté à transporter le ton dramatique de cet opéra
l’élégance, et où le bon goût fait socle à la richesse ».
dans l’impressionnante introduction pour piano. Cependant, en
Les Trois thèmes variés pour le violoncelle, Op.22, de
ce qui concerne l’écriture pour violoncelle, Chopin s’en remet à
Franchomme se basent sur des thèmes par trois compositeurs
l’expérience de Franchomme qui, en tant que violoncelliste dans
différents : Donizetti, Bellini et Beethoven. Selon Franchomme,
l’orchestre de l’Opéra, bénéficie d’un point de vue unique sur
Chopin avait certaines réserves quant à la musique de
Robert le Diable, et est en mesure de collaborer avec Chopin sur
Beethoven, préférant la retenue au drame : « Chaque fois que
la partie de violoncelle. Les premières instances du violoncelle
[Beethoven] est obscur et semble manquer de cohérence, ce
semblent relativement austères, avant d’éclore dans un bouquet
n’est pas en conséquence de la qualité quelque peu sauvage
de mélodies de Meyerbeer, avec des moments étourdissants de
dont il est crédité ; c’est parce qu’il tourne le dos à des principes
virtuosité.
éternels ». Chopin est bien davantage épris de Bellini, devenu
Franchomme, comme le démontre le Grand duo concertant, est
partie intégrante de leur cercle d’amis à Paris en 1833.
un compositeur à part entière et sa carrière musicale le mène
Dans
le
premier
des
Trois
Thèmes,
Franchomme
12 12
conduit l’air animé de Donizetti à travers une série de variations
d’être en mesure de vous entendre parfois ; dans les
raffinées, soulignant le classicisme inhérent de la mélodie,
moments difficiles qui s’annoncent, seul l’art comme vous
tout en mettant en valeur son appréciation des capacités du
le ressentez sera capable d’unir les hommes divisés par les
violoncelle. Avec « Beethoven », le thème est articulé dans un
réalités de la vie ; les gens s’aiment, les gens se comprennent
staccato presque brusque, suivi par des variations oscillant
à travers Chopin ».
entre lyrisme, drame et enjouement. Le mouvement « Bellini »
Joanna Wyld
est le plus virtuose, Franchomme savourant l’aptitude du thème
Trad. : Yannick Muet
à la fois aux démonstrations complexes et à l’intensité lyrique. Le charmant Duo concertant sur un motif d’Anna Bolena représente une autre collaboration, cette fois entre Franchomme et le pianiste-compositeur irlandais George Alexander Osborne (1806-1893). Publiée en 1841, la pièce est basée sur une autre mélodie de Donizetti, issue de son opéra Anna Bolena (1830). Encore une fois, le lien commun entre ces compositeurs est
L’instrument utilisé dans cet enregistrement est un « double piano »
Chopin ; Osborne soutient Chopin lors de sa tournée anglaise
fabriqué par Pleyel en 1898. Pleyel, privilégié par Chopin, entre autres,
en 1848. Cette même année, après le succès du concert final à
a expérimenté avec ce format dans les années 1890, produisant
Paris, Custine résume ainsi la raison pour laquelle ses collègues
un instrument de 2,5 mètres de long à deux claviers aux extrémités
artistes ressentent une telle affinité avec Chopin :
opposées. Les deux pianos sont logés dans un seul corps, mais ont leurs
« Préservez-vous au nom de vos amis ; c’est une consolation
propres cordes, pédalier et mécanisme. Texte de Joanna Wyld (Trad. : Yannick Muet)/Odradek Records, LLC est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 4.0 France. www.odradek-records.com
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Beatriz Blanco a reçu les hommages de la critique et du public pour sa ferveur, sa musicalité, sa sensibilité et sa maîtrise technique. La qualité et l’ampleur de son jeu ainsi que sa présence scénique se sont révélées dès ses débuts avec l’Orchestre Symphonique de Castille-et-León en 2004. Elle a obtenu les premiers prix dans les concours de la Fondation Kiefel Hablitzel 2015 à Berne, Würdigungspreis 2013 en Autriche, « Primer Palau » à Barcelone et les Jeunesses Musicales. Beatriz a également obtenu le deuxième prix de la Fondation Rahn Musikpreis en Suisse, le troisième prix au Concours international de violoncelle de Liezen en Autriche, et le « Young Artist Award » de la Fondation Bernhard Greenhause en Californie (USA). Sa carrière de soliste comprend notamment des performances avec le Symphonieorchester de Bâle, le Musikkollegium de Winterthur, l’Argovia Philharmonic, l’Orchestre de la Radio et Télévision Espagnole (ORTVE), l’Orchestre Philarmonique de Málaga, l’Orchestre Symphonique de Castille-et-León (OSCyL) et l’Orchestra Sinfónica del Vallés (OSV). Elle s’est produite dans des salles de concerts majeures à travers l’Europe, dont le Théâtre des Champs Elysées (Paris), le Hall Victoria (Genève), Casino de Stadt (Bâle), Solitär (Salzbourg), Tonhalle (Zürich), Lingotto (Turin), Auditorio Nacional de Madrid, Palau de la Música et Auditori de Barcelone, et Palau de las Arts à Valence. Depuis 2008, elle s’est plongée dans le répertoire pour violoncelle et piano en duo avec le pianiste italien Federico Bosco. Ils ont remporté le premier prix au Concours international de musique de chambre Salieri-Zinetti 2015, à Vérone en Italie, et des engagements à travers l’Europe sont prévus pour les saisons à venir. Beatriz joue sur un violoncelle C. Pierray (Paris, 1720), grâce à la Fondation Août Pickhardt. Federico Bosco a étudié le piano avec Claudio Voghera, Filippo Gamba et Adrian Oetiker et la direction d’orchestre avec Rodolfo Fischer. Il a joué avec de nombreux orchestres (Basler Sinfonieorchester, Schweizer Jugend Sinfonieorchester) et se produit dans des récitals et ensembles de musique de chambre à travers l’Europe (dont le Festival de Grenade et le Festival de Musique de Chambre de Salzbourg). Il a fait ses débuts au Festival de Lucerne en 2013. Il a travaillé comme coach et assistant musical en Allemagne et travaille maintenant comme accompagnateur à la Hochschule de Bâle. 14 14
DEU Durch meine umfangreichen Klavierstudien bin ich mit Chopins Musik in Kontakt gekommen und war unmittelbar – und beständig – von seiner Musik immens ergriffen, und zwar soweit, dass ich sagen kann, dass es mich zu der Musikerin, und später auch, Cellistin gemacht hat, die ich heute bin. Chopin sagte einst, dass er nur ein Instrument neben dem Klavier liebt: das Violoncello. Es ist ein Segen, dass er als Ausnahme zu seinem sonst exklusiv pianistischen Werk, uns drei Kammermusikwerke von großartiger Qualität und Reife für Violoncello und Klavier (welche, zusammen mit dem jugendlichem Trio und einem Liederzyklus, seine gesamte Kammermusikproduktion formen) hinterlassen hat. Ich bin der festen Überzeugung, dass ich in diesen Werken meiner Interpretation und meiner Persönlichkeit Ausdruck verleihen kann. Zum Teil wurden diese Werke im Dank an Auguste Franchomme, einem wohlbekannten französischen Konzertcellisten und Professor des Conservatoire Nationale de Paris, verfasst. Er zählte zu Chopins innigsten Freunden während seiner Zeit in Paris. Sie arbeiteten gemeinsam am Gran Duo Concertante; und Chopin widmete ihm seine Sonate in g-Moll, Op. 65, welche sie ebenfalls gemeinsam aufführten, einschließlich Chopins denkwürdigem letzten Pariser Konzert am 18. Februar 1848 im Salon Pleyel. Franchomme schrieb den Part des Violoncellos in der Polonaise brilliante um, und bearbeitete ebenso eine große Anzahl von Chopins Klavierstücken für Violoncello und Klavier. Als wir Pleyels „Doppelklavier“ aus dem Jahre 1898 entdeckten, verliebten wir uns in seinen vollen, wie auch reichen Ton und waren überzeugt, dass es uns Chopins Klangwelt näher bringt. Auch wenn es sich hierbei nicht um eine „Aufführung gemäß der Epoche“ handelt, war Chopins bevorzugtes Klavier von Pleyel und die Wärme dieses einzigartigen Instrumentenklangs eine ideale Wahl für dieses Repertoire. Was Franchomme betrifft, haben wir während der Recherche seiner Kompositionen – im Gegensatz zu seinen Transkriptionen von Chopins Werken – sofort erkannt, dass deren enge Beziehung musikalisch im Einfluss des bel canto und in der opernhaften Bearbeitung der Melodien begründet liegt. Wir fanden eine Reihe von unbearbeiteten und noch nicht aufgeführten Fantaisies, Souvenirs, Variations, und Piéces de concert über Themen der italienischen, französischen und deutschen Oper. Wenn einerseits die Transkriptionen und Ausarbeitungen von Chopins Musik Franchommes Bewunderung für seinen so überaus talentierten Freund bezeugen – während diese möglicherweise im Vergleich zu den Originalen des Meisters an künstlerischem Wert verloren – so schien andererseits Franchommes eigene Produktion sprichwörtlich die Perle in der ungeöffneten Auster zu sein (in diesem Falle fanden wir in der französischen Nationalbibliothek die Erstausgabe der ansonsten vergriffenen Werke) und erachten sie daher als unbedingt wert veröffentlicht und aufgeführt zu werden. Beatriz Blanco
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Schon früh in seiner Laufbahn entwickelte sich Chopins Bindung
Die Freundschaft stellte sich als beständig heraus mit beinahe
zum Violoncello. Angefeuert wurde seine Bewunderung durch
täglichen Besuchen von Franchomme, oftmals in Begleitung
den österreichischen Cellisten Joseph Merk. Chopin widmete
von Liszt, der Chopins Études spielte. Als Liszts Geliebte und
Merk seine Introduktion und Polonaise Brillante, Op. 3, anlässlich der Veröffentlichung im Jahre 1831. Im Oktober 1829 wurde die spritzige Polonaise komponiert, während die
Gönnerin, die Comtesse d’Agoult, im Jahre 1833 Chopin einlud den Sommer auf ihrem Anwesen zu verbringen, entschied
launige Introduktion im Frühling des Jahres 1830 folgte. Chopin
er sich stattdessen bei Franchommes Familie in der Nähe von
beschrieb Merks Spiel als „so voller Seele. Er ist der einzige
Tours zu bleiben. Franchomme war ebenso in der Nacht zum 8.
Cellist, den ich wirklich respektiere“.
Mai 1838 anwesend, als bei einer Pariser Gesellschaft der Autor
Diese Haltung änderte sich nur allzu schnell im Jahre 1832 als
Georg Sand von in den Bann Chopins geriet. Als Franchomme
Chopin den Cellisten und Komponisten Auguste Franchomme
in der Charles Halle sein erstes Konzert im Jahre 1839 gab, ging
kennenlernte. Vorgestellt wurden die beiden einander bei einer Abendgesellschaft durch keinen Geringeren als Franz Liszt, der sich Chopin annahm, da er gerade die Qualitäten mitbrachte,
Chopin zur Unterstützung mit. Franchomme war bis zu Chopins Tod im Jahre 1849 einer seiner loyalsten Freunde und spielte
die ihm selbst fehlten: Zurückhaltung und Finesse, im Gegensatz
ihm noch am Totenbett Mozart vor.
zu seiner eigenen Leidenschaft und Extrovertiertheit. Chopin
Chopin schrieb seine Sonate für Klavier und Violoncello (man
wiederum wurde unmittelbar von dem Cellisten Franchomme,
beachte die Reihenfolge der Instrumente) für Franchomme
mit dem er viel gemein hatte, angezogen. Der gerademal
zwischen 1845 und 1846. In dieser Zeit war er bereits
21-Jährige war ein professioneller Musiker, jedoch kein Virtuose und er verabschäute die Extravaganz, sowohl in Menschen, als auch in der Musik. Nach der Abendgesellschaft mit Liszt,
müde und geschwächt von seiner Tuberkuloseerkrankung und arbeitete viele Abende mit Franchomme in Paris
verbrachten die beiden den weiteren Abend Zuhause bei
an der Sonate. Im April verbrachte er erneut Zeit mit
Chopin; dort lauschte Franchomme Chopins Klavierspiel und
Franchommes Familie in Tours, aber noch im selben Sommer
„verstand ihn sofort“.
diesen Jahres wurde Chopin in George Sands Zuhause
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bei Nohant merklich schwächer und rang mit dem Komponieren.
eine herrliche, wenn auch bemerkenswert bündige, Oase der
Chopin schrieb Franchomme über die damals voraussichtlich
Ruhe. Wie im Eröffnungssatz gibt es im Finale Wendungen und
noch unvollendete Sonate Op. 65:
Krümmungen durch eine Bandbreite von Material, die dabei
„Mein Guter, ich versuche mein Möglichstes, um zu arbeiten
an eine besonders knifflige Tarantella erinnern. Besonders
– aber es will nicht gelingen – und gesetzt den Fall, dass dies
interessant ist, dass Chopins Polonaise-Fantaisie, ein weiteres
so weitergeht, werden meine neuen Werke nicht einmal
Werk von außergewöhnlicher Vielfalt,
mehr an Grasmücken-Gezwitscher oder gar zerschlagenes
herum geschrieben wurde. Das Konzert, in dem die Sonate
Porzellan erinnern.“
uraufgeführt wurde, stieß auf Begeisterungstürme der Kritik, als
um die selbe Zeit
Zurück in Paris, haderte er noch immer mit dem Arbeiten und
auch des Publikums. Der Marquis de Custine schrieb an Chopin
schrieb „Manchmal bin ich glücklich damit, manchmal auch
Folgendes:
nicht. Ich werfe es in die Ecke um es dann wieder aufzugreifen.“
„Du hast an Leiden und Poesie zugelegt; die Melancholie
Der ausschweifende Eröffnungssatz ist relativ frei in der Form
deiner Kompositionen durchdringt noch immer tief das
und wurde von Chopin bei der Aufführung seines Werks bei
Herz; man fühlt sich inmitten der Menge allein; es ist nicht
seinem letzten Pariser Konzert im Jahre 1848 ausgelassen;
länger ein Klavier, sondern eine Seele und was für Eine!“
vielleicht erwog er es als zu komplex um von den Zuhörern
In glücklicheren Zeiten, drei Monate nachdem er in Paris
verstanden zu werden. Das Piano legt ein elegantes,
angekommen war, am 12. Dezember 1831, wurde Chopin
nachdenkliches Eröffnungsthema vor, bevor es sich erlaubt
vom Herausgeber Schlesinger beauftragt „etwas anhand der
in eine virtuosere Darstellung auszubrechen. Mit Ende des
Themen von Robert de Diable zu verfassen“, einer Grand Opera
Satzes wird das Material beinahe zur Gänze erloschen und in
von Meyerbeer.
den zwei ausgeprägten Schlußakkorden wird die Erschöpfung
Das Werk feierte drei Wochen zuvor an der Pariser Oper
spürbar. Das Scherzo ist ein lebhafter Tanz in Moll, und das Largo
Premiere und wurde zu einem riesigen Erfolg. Als einer der
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Bewunderer des Werks verkündete Chopin:
auffallenden Momenten voller Virtuosität. Franchomme
„Es ist ein Meisterwerk der modernen Schule. Mit gewaltigen
war, wie es uns das Grand duo concertante demonstriert, ein
Chören von Teufeln, welche durch Megaphone singen,
eigenständiger Komponist und seine musikalische Karriere
und Geistern, die aus ihren Gräbern auferstehen…jeweils
führte ihn ans Pariser Konservatorium, wo er von 1846 bis zu
nicht weniger als fünfzig, oder sechzig…trotzalledem beeindruckt am meisten der Klang der Orgel auf der Bühne, der einen begeistert und überrascht, während die Musiker im Orchestergraben beinahe übertönt werden. Meyerbeer hat sich selbst in die Reihe der Unsterblichen erhoben“. Das Grand duo concertante, das auf Meyerbeers opernhaften
seinem Tod im Jahre 1884 Professor war. Am 21. Februar 1841 führte Franchomme eines seiner eigenen Werke für Violoncello auf einem von Chopin veranstaltetem Konzert in Paris auf. Die teuren Eintrittskarten waren umkämpft und der Abend wurde in La France Musicale als „charmante Abendveranstaltung, ein
Themen basiert, wurde im Jahre 1833 publiziert. Es handelt
Fest bevölkert von herrlichem Gelächter, feinen und hübschen
sich hierbei keineswegs um ein
typisches Werk für einen
Gesichtern, kleinen, wohlgeformten weißen Händen; ein
Komponisten, dessen Name fast ausschließlich mit intimer
großartiger Anlass, wo Einfachheit mit Anmut und Eleganz
Klaviermusik assoziiert wird, auch wenn er keine Probleme
verbunden wurde und wo guter Geschmack als Sockel der
beim Vermitteln der Dramatik von Meyerbeers Oper in der
Reichen dient“ beschrieben.
eindrucksvollen Klaviereinleitung gehabt zu haben scheint. Wenn es hingegen um Werke für Violoncello ging, erwiderte Chopin Franchommes Anregungen, da er als Cellist im Orchester der Oper einen einmaligen Einblick in Robert de Diable bekam und in der Lage war mit Chopin hinsichtlich der Cellostimme in
Franchommes Drei Themen mit Variationen, Op. 22, basiert auf den Themen drei verschiedener Komponisten: Donizetti, Beethoven und Bellini. Laut Franchomme hegte Chopin Bedenken gegenüber der Musik von Beethoven,
diesem Werk zusammenzuarbeiten. Die anfänglichen Beiträge
da er Zurückhaltung der Dramatik vorziehe: „Wann immer
des Violoncellos waren relativ ungünstig, erblühen aber schon
[Beethoven] obskur ist und es an Geschlossenheit zu mangeln
bald in einem „Strauß“ an Melodien von Meyerbeer mit einigen
scheint, ist das nicht das Resultat der leicht wilden Art,
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welche ihm zugeschrieben wird; es ist, weil er den ewigen
Erneut ist Chopin das verbindende Element dieser Komponisten;
Prinzipien den Rücken kehrt“.
Osborne unterstützte Chopin während seiner Englandreise
Chopin war bei weitem mehr Bellini zugetan, welcher 1833 Teil
im Jahre 1848. Im selben Jahr, nach dem gefeierten, letzten
ihres Freundeskreises in Paris wurde.
Konzert in Paris, resümierte Custine die Gründe, weshalb seine
Im ersten, der drei Themen übernimmt Franchomme Donizettis
Künstlerkollegen eine solche Affinität für Chopin hegten:
lebendige Stimmung durch eine Reihe von verfeinerten
„Bewahrt euch selbst, eurer Freunde zuliebe; es ist ein Trost
Variationen, betont hierbei den der Melodie innewohnenden
imstande zu sein sich euch von Zeit zu Zeit zu hören; in den
Klassizismus, während er gleichzeitig sein eigenes großartiges
harten Zeiten, die uns bedrohen, kann einzig die Kunst, die
Verständnis der Fähigkeiten eines Violoncellos darlegt. Mit
man fühlt, Menschen, gespalten durch die Gegebenheiten
‚Beethoven‘ wird das Thema in einem Staccato, beinahe auf
des Lebens, zusammenführen; Menschen lieben einander,
schroffe Art und Weise gegliedert, gefolgt von Variationen,
Menschen verstehen einander - in Chopin“.
welche zwischen Lyrik, Dramatik und Verspieltheit pendeln.
Joanna Wyld
Der ‚Bellini‘-Satz ist der Virtuoseste. Franchomme findet großes
Übersetzung: Bianca Boos
Gefallen an den Möglichkeiten des Themas, sowohl für die komplexe Darstellung, als auch für die intensivere Lyrik. Das charmante Duo concertant sur un motif d’Anna Bolena stellt eine weitere Zusammenarbeit dar, diesmal zwischen Franchomme und dem irischen Komponisten und Pianisten George Alexander Osborne (1806-1893). Veröffentlicht im Jahre 1841, beruht das Werk auf einer Melodie aus Donizettis Oper Anna Bolena (1830).
Das Instrument, das in dieser Aufnahme zum Einsatz kam, ist ein „Doppelklavier“ von Pleyel aus 1898. Der von Chopin und vielen anderen geschätzte Pleyel experimentierte mit dieser Konstruktion in den 1890er Jahren und schuf dabei ein 2,5 Meter langes Instrument mit zwei Klaviaturen, welche jeweils am gegenüberliegendem Ende positioniert wurden. Die zwei Klaviere sind in einem Korpus beherbergt, sodass jedes von ihnen eine eigene Garnitur an Saiten, Pedalen und Mechanik hat. Dieses Werk von Joanna Wyld (Übers. Bianca Boos)/Odradek Records, LLC ist lizensiert unter einer Creative Commons-Namensnennung-Keine Bearbeitungen-4.0 Internationalen Lizenz. Über diese Lizenz hinausgehende Erlaubnisse können Sie unter www.odradek-records.com erfragen.
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Beatriz Blanco wurde für ihre Leidenschaft, Musikalität, Sensibilität und ihr technisches Können von der Kritik, als auch vom Publikum gepriesen. Die Qualität und Tiefe ihres Klanges und ihrer Bühnenpräsenz sind seit ihrem Debüt mit dem Castilla y León Sinfonieorchester im Jahre 2004 unübersehbar. Ausgezeichnet mit dem ersten Preis bei zahlreichen Wettbewerben, gewann sie unter anderem den Kiefel Hablitzel Preis 2015 in Bern, den Würdigungspreis 2013 vom österreichischen Bundesministerium für Wissenschaft und Forschung, den “Primer Palau” in Barcelona und den Preis der Jeunesse Musicales in Spanien. Desweiteren erhielt Beatriz den zweiten Platz beim Rahn Musikpreis in der Schweiz, den dritten Preis beim internationalen Wettbewerb für Violoncello in Liezen (Österreich) und den “Young Artist Award” von der Bernhard Greenhause-Stiftung in Kalifornien (USA). Ihre Karriere als Solistin umfasst mittlerweile Auftritte mit dem Symphonieorchester aus Basel, dem Musikkollegium Winterthur, dem Aargauer Symphonie Orchester, dem RTVE Orchester, dem Philharmonischen Orchester aus Malaga, dem Castilla y León Sinfonieorchester, und dem Orquestra Simfònica del Vallès. Sie hielt bereits Konzerte in einigen der größten Konzerthallen Europas, unter anderem im Theatre des Champs Elysees (Paris), in der Victoria Hall (Genf), im Stadt Casino (Basel), im Solitär (Salzburg), in der Tonhalle (Zürich), im Auditorium Lingotto (Turin), im Auditorio Nacional in Madrid, im Palau de la Música und L`Auditori in Barcelona, sowie im Palau de las Arts in Valencia. Seit 2008 vertieft sie sich gemeinsam mit dem italienischen Pianisten Federico Bosco in die Literatur für Violoncello und Klavier. Sie gewannen gemeinsam den ersten Preis beim internationalen Salieri-Zinetti Kammermusikwettbewerb 2015 in Verona (Italien) der zu weiteren Engagements in der kommenden Saison in ganz Europa führt. Beatriz spielt auf einem Claude Pierray Violoncello aus Paris (1720), das ihr von der August Pickhardt-Stiftung zur Verfügung gestellt wird. Federico Bosco hat Klavier bei Claudio Voghera, Filippo Gamba und Adrian Oetiker studiert, und Orchesterdirigieren bei Rodolfo Fischer. Er trat mit verschiedenen Orchestern (u. a. dem Basler Sinfonieorchester und dem Schweizer Jugend-Sinfonieorchester) auf und spielt als Solist und Kammermusiker in ganz Europa (u. a. beim Festival de Granada und dem Salzburger Kammermusikfestival). Im Jahre 2013 hatte er sein Debüt beim Luzerner Festival. Er arbeitete am Theater für Niedersachsen und ist zur Zeit als Korrepetitor an der Hochschule für 20 Musik in Basel engagiert. 20
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d Photo pg 8 - 20: Michal Novak
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