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NUMAcircuit 016

‘Derivas y conflictos. Editar la escena’

Residencia en


Memoria de la Residencia artística NUMAcircuit realizada en Auditorio de Tenerife en mayo de 2016 Participantes: Nipplepot y Hernández & Fernández Fotografías: Naira Expósito Vídeos: Pablo Dorta Producción: Auditoraio de Tenerife y Asociación Propulsada Web: Simone Marin www.numacircuit.es


MARCO CONCEPTUAL, contexto Tenerife 2016 PROPUESTA TEÓRICA y DESCRIPCIÓN RESIDENTES 1: Hernández & Fernández Diario de actividad Valoraciones RESIDENTES 2: Nipplepot Diario de actividad Valoraciones ARTISTA INVITADA: Audrey Chen CONCLUSIONES primeras Archivos gráficos adjuntos

Índice


MARCO CONCEPTUAL Contexto Tenerife 2016

La segunda residencia organizada por NUMA y El Auditorio de Tenerife se planteó en torno a la expresión escénica, y se orientó hacia un ámbito de la misma centrado en fusionar lenguajes sonoros con formas visuales. Pero no para que uno ilustre o adorne a la otra, o viceversa, sino con el objetivo de generar una nuevo lenguaje que sea la suma de los dos anteriores, con el cual, construir un espacio de acción acotado que pueda ser un marco de relaciones coordinadas, expresivas y consensuadas. Este proyecto propune una investigación acerca de la construcción de estos espacios escénicos, basada en la experimentación, reflexión y fundamentación de los contenidos. Para tal fin, se facilitó un espacio y herramientas para cada una de las formaciones participantes, ya que, siguiendo el modelo de residencia establecido en la primera edición, serán dos los proyectos que la aborden. De esta forma, podemos observar distintos planteamientos y trayectorias de aproximación a un mismo asunto. Nos pareció oportuno enfocar esta cuestión porque existe en nuestro entorno próximo un concurrido y arraigado núcleo de artistas dedicados a la concepción y el desarrollo de acciones escénicas de diversa índole.

Estos grupos suelen ser muy activos y están vinculados con frecuencia a circuitos que, en mayor o menor medida, afrontan el hecho artístico desde una perspectiva crítica y en ocasiones vanguardista. En este sentido, cabe destacar que no sólo hay actores y bailarines implicados en este amplio y heterogéneo movimiento, sino que también participan músicos, artistas plásticos y visuales. En este punto, pensamos que es adecuado atribuir una gran parte del mérito que supone este hecho al trabajo de formación y dinamización que han realizado durante los últimos años diversos agentes públicos y privados. Así, reconocemos la constancia y el oficio del Teatro Victoria, el rigor y el sentido crítico de Leal.Lav, la iniciativa Tenerife Danza Lab, la construcción de espacios y la comprensión que ofrecen las asociaciones culturales Equipo Para y Solar, la difusión y proyección que ofrecen diversos festivales, como Keroxen o Festival Sitio entre otros, así como la ilusión y el interés que depositan numerosas iniciativas independientes. Todos estos factores, han contribuido de forma decisiva a que actualmente Tenerife cuente con un circuito de artes escénicas consolidado, actualizado, interdisciplinar y, en definitiva, importante, en el sentido cuantitativo y cualitativo.


PROPUESTA TEÓRICA ¿Qué significa el título?

‘Derivas y conflictos. Editar la escena’ hace alusión a una manera de abordar la escena basada en la disposición previa de un esqueleto físico e intelectual sobre el que proyectar la acción, la cual se gestiona a base de composición inmediata, entendida aquí como la edición de un vídeo a tiempo real, lo cual tiene que ver con un tipo de imagen escénica concreto y con un modo especifico de accionarla. El título fue propuesto por la organización de NUMAcircuit y concensuado con los artistas que desarrollaron la residencia. Nos pareció esencial que el título fuera una declaración de intenciones, que aludiera de manera efectiva al carácter de la actividad y que la identificase. ‘Derivas y conflictos. Editar la escena’ propuso un modelo de residencia con el mismo formato de ‘Nuevos pensamientos musicales. Las intenciones’, la primera residencia de este programa. Esto es, fueron dos los proyectos que participaron y ambos compartieron el escenario de la Sala de Cámara, que estuvo dividido en dos mitades, que constituían el marco de acción en donde cada uno desarrolló el trabajo en su totalidad, es decir, allí ensayaron, reflexionaron, argumentaron y, finalmente, recrearon el resultado de esta dedicación ante el público. Así mismo, se intentó, en la medida de lo posible, facilitar las herramientas que se requirieron para el desarrollo, construcción y ejecución de las piezas escénicas.


La residencia estaba configurada en tres apartados.

En este sentido, procuramos que los artistas estuvieran cómodos, para que pudieran adaptarse a las características acústicas y espaciales de la Sala de Cámara, y así optimizar las posibilidades que ofrecen los técnicos de sonido e iluminación. No centramos la atención únicamente en los resultados obtenidos, sino que se hacemos un exhaustivo seguimiento de todo el proceso creativo. El hecho de que toda la actividad se ubique en el escenario de la Sala de Cámara responde al intento de acortar la distancia que existe entre la idea que la mente proyecta y la expresión palpable de la misma. De esta forma, cada dúo habitará en su mitad del escenario desde el principio hasta el final. La residencia tuvo una duración de cinco días. Lo reducido de su extensión temporal obliga a los artistas a llegar con un proyecto bastante definido o, como mínimo, con una idea clara de qué hacer. ‘Derivas y conflictos. Editar la escena’ concluyó con una noche de actuaciones en la que, además de los artistas residentes, también participó como artista invitada, la cantante y chelista chino-estadounidense Audrey Chen.

1. Estudio y ensayos. Los tres primeros días se dedicarán a ensayos de cada dúo por separado, para lo cual se estableció una distribución de horarios. Es una etapa de trabajo introspectivo, para reflexionar y tomar decisiones argumentadas acerca del proceso creativo, así como para desarrollar y practicar la recreación del mismo. 2. Puesta en común. Tras la conclusión de la fase de los ensayos, y antes de que los artistas comenzasen a encarar sus actuaciones, hubo una puesta en común con un formato de coloquio dinamizado por un moderador. Ambas formaciones compartieron las intenciones de sus propuestas y hablaron de su experiencia creativa entre ellos y con el público que asistió a esta actividad, que también se efectuó en el mismo espacio de trabajo de la Sala de Cámara. 3. Ensayo general y actuaciones. La mañana y la tarde de la última jornada estuvieron dedicadas a depurar los detalles de la actuación, para lo cual, cada formación hizo los ensayos con los técnicos de sonido e iluminación de la sala.


Decidimos realizar esta residencia con los grupos Nipplepot y Hernández & Fernández. La elección estuvo determinada por el compromiso formal y conceptual de ambas formaciones, el avanzado desarrollo de sus métodos de trabajo y, especialmente, la originalidad de sus propuestas. También nos atrajo el hecho de que ambos proyectos presentan ciertas convergencias en sus aspectos conceptuales aunque formalmente son radicalmente distintos. Estos nos hizo pensar en las altas posibilidades reflexivas que podrían aportar, que sin duda enriquecerán los procesos de experimentación y fundamentación que esperábamos de esta residencia.

Nipplepot

Hernández & Fernández

Proyecto escenográfico formado por David Perreko y Dea Woon Kang que comienza su andadura en 2013, estrenando su primera obra en el marco del festival NUMAcircuit 013. David Perreko se encarga principalmente de generar la música a partir de un enorme despliegue de aparatos electrónicos, mientras que Dea Woon Kang es el responsable de la parte visual, para lo cual no utiliza procedimientos infográficos ni digitales, sino que proyecta luces a través de distintos elementos en movimiento. La evolución de este dúo ha sido una constante desde su formación, aunque siempre ha conservado el interés por los materiales de desecho como fuente material y de inspiración para generar el espectro visual y sonoro que lo caracteriza. Sus actuaciones incluyen una gran dosis de experimentación e improvisación, lo que supone un comportamiento poco uniforme y a veces nada previsible de los sistemas utilizados.

Dúo de perfopoesía integrado por Adán Hernández y Miguel `Panki´ Rodríguez que nace a principios de 2015. Es una formación que afronta el espacio escénico a partir de elementos musicales, performativos y poéticos, los cuales, son desplegados de forma coordinada, sin jerarquizar, resultando un espectáculo que subvierte las formas de un recital y altera el ritmo de un concierto, y que deriva en la presencia del cuerpo, tanto en su grandeza como en su simpleza, como soporte para un poema de múltiples lecturas. Se mostraron por primera vez en público dentro de la programación de NUMAcircuit 015, estrenando su obra ‘Destino intercambiador’, una pieza construida con palabras que se mueven en un fluido de sonidos ambientales, que a veces se agrupan y forman canciones y otras se desvanecen en restos de poesía.

Nipplepot ha participado en diversos festivales, como NUMAcircuit, Próximos, Keroxen, Tenerife Design Festival y Festival Sitio entre otros. Además, este dúo ha participado en algunos ciclos musicales, y recientemente ha desarrollado una residencia dentro del programa de Leal Lav.

A pesar de su corta trayectoria, Hernández & Fernández ha participado en varios festivales de Tenerife y Barcelona, presentando distintas versiones de su obra ‘Destino intercambiador’. También está prevista su actuación en el Festival Keroxen 16.


Residentes 1: Hernández & Fernandez

Referentes. Hacer un listado pormenorizado de los referentes históricos tenidos en cuenta en el trabajo de Hernández & Fernández podría ser larguísimo e incluso tedioso por varias circunstancias. La primera es que H&F no tendría sentido sin una concepción multidisciplinar de todo lo que hacemos. La segunda, que H&F es resultado de esa concepción multidisciplinar y a la vez es una excusa o una herramienta para ahondar en el trabajo multidisciplinar. La tercera, que de manera individual, tanto Miguel Rodríguez como Adán Hernández trabajan individualmente del mismo modo, pudiendo encontrar o bien obras de muy diversos estilos, formas y conceptos en la producción de cada uno, o bien otras en las que diversas disciplinas se han mezclado. Esta tendencia no es solamente una línea estética ni mucho menos una cuestión de gusto: tomar prestados elementos de diversas disciplinas, a veces muy alejadas o contradictorias, es a veces el principio fundamental de la obra a investigar y producir, pensando cómo diversos lenguajes pueden combinarse en el marco más o menos difuso de una nueva creación y qué se produce espontáneamente en ese acomodo o colisión de lenguajes. Por todo ello, creemos que tal vez es necesario hacer un brevísimo histórico de H&F y luego pensar en algunos referentes posibles que serán,

Incorporar (con)texto

inevitablemente, lejanos entre sí, pues el factor común no es una línea o unidad entre éstos, sino un acercamiento a los mismos desde lo que se ha venido intentando que H&F sea o lo que se viene descubriendo que es. H&F comenzó a existir en la edición NumaCircuit de 2015. Adán, con una trayectoria en la escena tradicional y contemporánea, tenía un interés en hacer algo propio con respecto a la perfopoesía, y así se lo propuso a Miguel, proveniente de las Bellas Artes e interesado en el trabajo de la videocreación y la experimentación sonora. Así nace su primera pieza, ‘Destino Intercambiador’, que bajo ese concepto perfopoético aúna la ambientación sonora (desde el ruidismo a la musicalidad) y el vídeo como soporte para una textualidad. Si bien el trabajo tiene forma de recital poético, ésta es solo para tergiversarla, haciendo que aparezcan significaciones transversales entre texto, imagen y sonoridad. Teniendo todo esto en cuenta, los referentes históricos para este tipo de aproximaciones al juego con la palabra (esté esta más o menos presente) pueden ser contemporáneos o muy antiguos, provenientes del mundo del teatro y la performance como también de la literatura o directamente de la música.


Puede ser interesante pensar las aproximaciones a este ámbito por parte de artistas tan diferentes entre sí como Juan Bay (con quien tanto Adán como Miguel hacen colaboraciones en algunos recitales poéticos), Lydia Lunch, Maite Dono, la tradición de los primeros recitales dadaistas, Eduard Escofet, John Cage, Piano Magic, Sonic Youth, Lou Reed, El Conde de Torrefiel, Enrique Morente, Rodrigo García, Gichi-Gichi Do, las derivas situacionistas, Johannes Deimling, Avelino Saavedra, Fugazi... Por otro lado, al margen de la perfopoesía específicamente, H&F entra en contacto con otros artistas con los que realizamos talleres en el ámbito del LEAL.LAV y que aunque no se acercan a la poesía desde el punto de vista textual sí tienen un método de mezcla y convivencia de lenguajes. Este es el caso de Amaranta Velarde y Alba corral con el taller que realizaron sobre su pieza “Mix en Escene”. Digamos que en los párrafos anteriores queda explicado lo que es y pretende ser HERNÁNDEZ & FERNÁNDEZ, una mezcla en sí que va modulando distintos lenguajes y que es en función de lo que hace y no al revés.


Título de la obra desarrollada en la residencia. Incorporar (con)texto pretende exactamente ser lo que dice: Un intento de pasar al cuerpo el texto – que en propuestas anteriores se ha trabajado pero como un elemento más ajeno, externo a la ejecución – haciéndolo parte del un movimiento escénico, y alejándolo de ser (solamente) un elemento narrativo o expositivo. De este modo el texto puede ser usado como un motor para mover el cuerpo (y el resto de la propuesta), así como el resto de elementos utilizados en la experimentación como el vídeo, la música, la sonoridad o el juego en el espacio pueden modificar o resignificar la textualidad prefijada.

rramientas son puestas en juego. La herramienta dramatúrgica que hemos barajado para articular todo esto previamente es la de la yuxtaposición de escenas independientes, haciendo que se transite de una a otra encontrando links de significado sobre los que incluso poder volver a escenas anteriores o bien ofrecer un guiño en escenas siguientes. Aunque tenemos unas escenas diseñadas y otras esbozadas, éstas no se han realizado y la transición entre ellas tampoco. Estas transiciones serán el trabajo a realizar durante la residencia, pudiendo dejar escenas a medias, modificarlas o incluso desecharlas o convertirlas en otra cosa, a partir del viaje que vayamos encontrando en la yuxtaposición de las mismas.

De este modo, muchos de los textos utilizados para la propuesta de residencia fueron modificados a la hora de trabajar sobre ellos en el espacio real, o bien otros fueron generados sobre la marcha, según la necesidad de la propuesta y no al revés. Es por ello que toma sentido el juego de palabras del título, pues lo que se incorpora, lo que se pasa al cuerpo y por tanto al espacio, moldeable por las circunstancias eventuales, no es solo el texto, sino el contexto donde las palabras y el resto de materiales y he-

La herramienta de juego y motor que fijamos para realizar tanto las escenas como las transiciones es la idea de paisaje (y con ella la de la mirada) considerando paisaje a una escena completa en sí, pero también al zoom que la mirada hace sobre un elemento de esa escena, su viaje y desplazamiento hacia otro contexto, en el que ese elemento se transforma por ese cambio del paisaje a su alrededor que conlleva un cambio en la forma de mirarlo.


Diario Lunes 2 de mayo:

Tenemos un tiempo limitado para esta residencia de manera que estamos temprano en el Auditorio para que este primer día no se convierta en una sesión solo de montaje, sino poder probar al menos unas primeras ideas y tener completamente claro como se dispondrá todo para poder trabajar el resto de días. El trabajo del equipo técnico es muy eficiente y claro, colocando todo de la manera óptima para nuestras necesidades. El espacio queda dividido en tres, como habíamos previsto, ocupando nosotros el lateral derecho al espacio central, reservado a Audrey Chen. Pasamos unas tres horas probando técnica, haciendo que el sonido y el vídeo funcionen de manera correcta para poder trabajar sobre ello, solucionando pequeños problemas y empezando a jugar con los dispositivos. Dado esto, la imaginación se dispara y podemos proyectar y compartir cómo realizar algunas ideas que llevamos prefijadas. A mitad de la mañana los organizadores del NumaCircuit llegan a darnos la noticia de que la residencia debe pararse por un tema de organización. Ellos son los primeros sorprendidos. Al entrar en la sala de cámara la música en directo está sonando y muy bien, los vídeos se están proyectando y se está jugando sobre la pantalla y la fluidez entre nosotros es alta, mientras cada uno trabaja en lo suyo está muy pendiente de lo que ocurre en el otro lugar. El equipo técnico permanece


pendiente de todo y ha realizado todo el trabajo necesario para que Nipplepot pueda disfrutar de las mismas facilidades que nosotros. Se nos trasmite la noticia y salimos de la sala para discutir la situación. Todo resulta muy confuso, evidentemente triste y desconcertante. Tampoco podíamos decidir nada, el equipo técnico no seguiría trabajando en esa situación. Comentamos la situación en la que nos quedamos y tras un pequeño consenso pensando posibles alternativas recibimos la noticia de que la residencia continúa. Es una segunda sorpresa un poco más difícil de asimilar aún que la cancelación. Hemos perdido dos horas en las que nuestra energía se ha evaporado. Prácticamente es la hora de recoger y aunque no lo fuera, tras una noticia así no tenemos el humor ni el estado propicio para seguir haciendo nada, incluso el trabajo al día siguiente se ve enrarecido, pues tenemos una inseguridad importante, temiendo que todo pueda ser cancelado en cualquier momento.

Martes 3 de mayo:

Mientras los técnicos del auditorio desinstalan parte del equipo de Nipplepot que no va a ser necesario probamos en el espacio algunas de las escenas esbozadas sobre papel, haciendo adaptaciones al entorno y modificando las estructuras y diagramas que a modo de partitura las enlazan, trabajando principalmente en las transiciones de escena a escena. El hecho de la concreción y los límites del espacio hacen imposibles algunas ideas pensadas y hacen posibles nuevas ideas

que solo pueden surgir de pasar tiempo juntos en el espacio y con la equipación necesaria. Finalmente, tras este trabajo conjunto, cada miembro del dúo se toma el final de la jornada matinal para hacer ajustes y perfeccionar composiciones de sonido y de imagen a partir de las conclusiones de las pruebas anteriores. El trabajo es productivo y enriquecedor y abre muchísimas puertas por las que deseamos entrar. Este segundo día en realidad es el primero que aprovechamos con tanto trabajo avanzado. Nos tememos que en una residencia tan corta vaya a ser el último, pues el resto de sesiones estarán ocupadas por la charla con el público visitante y el ensayo general de vista al siguiente día, que será ya el de la muestra de trabajo.


Miércoles 4 de mayo:

En la dinámica del día anterior se realizan pruebas con los sonidos y visuales. Éstos dan paso a nuevas combinaciones en el orden de las diferentes escenas ya que al ser independientes permiten colocarlas en diferente orden tanto como ser suprimidas sin afectar de manera drástica al conjunto total. Estas modificaciones evidencian que las ideas han saltado del papel al escenario y comienzan a marcar tiempos y ocupar espacios de una manera más consistente. La dramaturgia, como un viaje entre escenas, va tomando vida propia, vamos encontrando el mapa de muestra propuesta a medida que realizamos de distinta forma la ejecución de las microescenas y asimismo los modos de transitar entre una y otra. Dos escenas pueden realizarse una antes que la otra o al revés. Así las hacemos, según nos pide la obra, para escuchar las distintas posibilidades, transitando entre ellas teniendo como referente unas veces el sonido, otras el movimiento escénico o bien la proyección de vídeo, eligiendo las significaciones que se desprenden de todo ello que más nos convencen, otras, las que resultan más cómodas y por ello más limpias y claras. Posteriormente se detiene el trabajo en el escenario para la realización de la charla abierta al público. La charla es agradable y presentarla en voz alta nos hace verla de manera más clara, también cuestionarla. Ocurre la paradoja de que haber parado para hablar sobre lo que hacemos se da en un momento en el que desearíamos estar


haciendo. Ocurre también que con todo el material montado a nuestro lado la sensación es de que sería más bonito mostrar al público cuales son los materiales por separado, y cómo tratamos de unirlos en un todo framentado. Ocurre que tenemos la sensación de que la charla es buena, pero que tal vez habría que complementarla con la acción, que la visita del público se convirtiera en una visita a un cuarto de ensayo, donde se nos viera hacer la propuesta, no hablar de ella, y asi, desde dentro del trabajo, realizándolo, mostrar su fragilidad, sus entresijos, nuestras dudas y nuestros progresos. Ocurre también que esto no es un ideal, ya que el público estaba ahí, nosotros también y el material dispuesto, y que simplemente podría hacerse y esto es algo que tal vez deberíamos plantear para próximas ediciones, incluso no una sino varias sesiones en las que personas interesadas puedan asistir a varias sesiones de ensayo, observar este proceso de prueba y error, de construcción, pérdida, búsqueda y encuentro, y desde ahí dialogar, eliminando una visión demasiada intelectualizada en este acercamiento y basándolo en algo más lúdico y compartido como puede ser la práctica misma.

Jueves 5 de mayo:

rio en conjunto. Este mapa o diagrama se ha ido transformando por momentos a lo largo de cada sesión. El tiempo de probar y experimentar está terminando y se hace más evidente que el proceso se está transformando en una serie de ensayos donde se pretende agilizar la fluidez y destacar aquellos puntos más significativos dentro de las escenas trabajadas. Aún queda algo de tiempo para probar pequeños detalles pero el mapa-diagrama-partitura ha vuelto y ahora reclama su espacio. Toda residencia artística sobre la que se pide una muestra suele difuminarse. Por larga que sea, los últimos días se convierten en esto, repeticiones para dar un acabado a lo que va a ser visto por otros ojos, de modo que por ello deja de ser residencia, en el sentido en el que se convierte en ensayo de algo ya estratificado donde los cambios naturales tienen cada vez menor cabida. Si por un lado trabajar así permite la concreción en la propuesta, también es verdad que en último término paraliza la creación para superponer un trabajo de presentación.

Viernes 6 de mayo:

Las últimas horas tras la muestra se utilizan para realizar pases Se vuelve al trabajo sobre el papel para comprobar y ordenar las ideas repetidamente con toda la intención y atención puesta en la idea de y modificaciones de los días anteriores de cara a darles un envoltopresentar la obra.


Valoraciones La residencia de la que hemos disfrutado en el Auditorio ha sido una experiencia muy constructiva y con la que sin duda se abre un enorme campo para H&F por el que seguir indagando, un campo que intuíamos con el título de nuestra residencia y que ahora vemos y palpamos. Es enorme y queda muchísimo por indagar, pero al haber realizado este trabajo ya sabemos por dónde pueden ir esos primeros pasos, algo que agradecemos enormemente, pues sin todo esto no hubiera sido posible. Por otro lado, en adelante está claro que el trabajo realizado, con la mejor disposición técnica, aunque corto, interrumpido por las incertidumbres externas y un poco apresurado y presionado por las exigencias de la muestra, será algo fundamental en lo que vayamos desarrollando no solo como conjunto, sino en los distintos proyectos creativos que cada uno de los componentes del dúo realicemos por separado. La residencia a su vez ha sido un espejo donde mirar lo que planteábamos, pudiendo ver con claridad todo en lo que estábamos acertados, la confirmación de muchas intuiciones, así como mucho de lo que no funciona directamente como lo pensamos y cómo adaptarnos a esas anomalías que por suerte nos llevan a lugares inesperados igualmente interesantes. También, entre tantas cosas, aprendemos lo mucho que nos queda por trabajar y lo bien que nos vendría hacerlo en contextos similares.

Por otro lado hay una parte crítica que no queremos dejar de señalar, y si lo hacemos es porque es una crítica realizada desde un punto completamente constructivo, es decir, amoroso, para el buen desarrollo de todos los agentes vinculados en torno a la realización de estas residencias, incluso el nuestro propio. Ya hemos expresado las limitaciones a las que se ve sujeto el trabajo en residencia cuando son tan pocas las horas que se puede experimentar con una propuesta antes de su muestra en público. Esto, por desgracia, suele ser propio de todo trabajo en residencia, pero, y esto es importante, no tiene por qué ser así siempre, o al menos no tiene por qué ser de este modo. Existen tantas estrategias de programación como festivales, espacios y propuestas, y cada una de esas estrategias responden a principios estéticos y políticos fundamentales del espacio, festival o entidad que ofrezca las residencias. En esa línea creemos muy positivo replantearnos el sentido de ofrecer una residencia doble en la que hay que compartir espacio y jornada entre dos grupos, siendo además el periodo de residencia de cuatro días, de los que cada grupo puede aprovechar la mitad, con un quinto día de muestra en el que, obviamente, el trabajo solo puede orientarse a mostrar.


Tal vez las residencias hubieran tenido un mayor sentido (o sus beneficios habrían sido mucho más amplios y visibles) si se hubieran ofrecido solo a uno de los grupos, que habría aprovechado los recursos técnicos, espaciales y temporales para desarrollar mucho más su trabajo. Obviamente, planteada como ha sido, que no es mejor ni peor, esta propuesta condiciona el concepto de residencia artística, pues por mucho que se diseñe teóricamente el proyecto que se quiere trabajar, si la muestra adquiere tanto peso y el tiempo previo a la misma es tan limitado, el artista se ve abocado desde el primer momento a trabajar para mostrar. Esto sigue sin ser malo. Sin embargo, seamos conscientes que trabajar para mostrar supone poner por delante la exposición de algo a lo que llamar ‘obra’ como del propio artista que la comparte. En esta situación de indefensión, la tendencia de todo artista es la de protegerse generando un algo mostrable. Y estas circunstancias van en detrimento de la experimentación, de la indagación, del rebasar límites o de la concreción en lo inesperado, limitan la posibilidad de encontrar lo accidental e insistir en ello, de tomar riesgos al comprometerse con lo incomprensible y apostar precisamente por ello, por el lugar en el que el artista, con su propuesta, llega a un lugar donde está incómodo e inseguro. Al contrario, la premura y el contexto de exposición pública hacen que quien está residiendo

pueda jugar los primeros días, pero desde el tercero esté pensando en ‘hacer mostrable’ lo que empieza a encontrar y recordar lo de los primeros días (no tan plástico, no tan claro, no tan seguro pero sí extraño, fresco, novedoso y divertido) como ‘aquel juego que salió al principio y que ya retomaremos en otro momento’. Evidentemente todo proceso creativo va en pos de un resultado. Pero el resultado aparece en el momento en el que ese proceso es mirado. Es decir: si el día de la charla con público se hubieran compartido materiales prácticamente con los asistentes y explicado sobre ellos su funcionamiento y a la vez las dudas que éstos materiales y su gestión generaban, ese hubiera sido un resultado. Un resultado no vestido de ‘obra final’, de evento con un comienzo y un final enmarcados en un contexto de obra a cuya finalización es necesario aplaudir, sino más bien de encuentro entre personas que dialogan sobre lo que alguien comparte desde dentro de su taller de acciones e ideas. Como comentamos, las micropolíticas y estéticas de lo pequeño es un tema que debe gestionar cada plataforma a la hora de plantear sus actividades, pero si la muestra formal es posible, está bien no olvidar que hay otros modos que también lo son, e interrogarnos también por lo que somos y estamos queriendo conseguir al plantear cada uno de ellos.


Hay una zona musical (con los pedales, la guitarra...) y una zona de vídeo (con el portátil, la cámara...) El resto del espacio está vacío para accionar.

H&F / INCORPORAR (CON)TEXTO esquema de escenas

MEMORIA CORRER A corre en el sitio, de perfil al público. M dispara el vídeo en loop de paisaje pasando y el audio con el TEXTO1. La pista de audio tiene silencio al principio. M deja el micro en el suelo junto a A y loopea el sonido de los pasos de A. A cambia perfil a frente. En este punto M puede cambiar el vídeo. A sale del espacio y estira en la zona musical al acabar de sonar el texto.

PORNO AMATEUR M se levanta. Suelta el cocktail y recoge la silla. Coge la cámara. Quita el vídeo de Siria. Se coloca detrás de A, de pie. Proyecta con la cámara la imagen de la espalda de A. Se proyecta o escucha el TEXTO3 sobre pareja que hace porno amateur.

A escribe la memoria de la residencia en el Numa. En la pantalla se proyecta lo que escribe.

DISCOTECA A estira junto a los pedales. M pone un vídeo que sirva de discoteca. A canta y hace la coreo de la canción de MIA. M hace los movimientos de la coreo. A loopea su voz y mete poco a poco la canción de MIA. A y M bailan. ( La voz de A queda guardada para la escena CADÁVER). Audio FADE OUT.

PLAYA M coloca una silla, coge un cocktail, se sienta, se lo toma. A quita el vídeo de discoteca. Cuando M se toma el cocktail A pone un vídeo con un fondo tropical (ej: una postal con la cámara). A hace el sonido del mar con el micro y lo lupea. Toca algo tropical con la guitarra encima. Proyecta un TEXTO2 sobre lo guay que es estar en un hotel. A va a un lateral. Se pone la parte de arriba de un bikini y una peluca y coge un cocktail. Si TEXTO2 es un audio, al acabar, A puede dejar caer su vaso. Va a buscar un trapo para limpiar y pone el video de Siria destruida. Luego se pone a limpiar el suelo a cuatro patas.

UKRANIA M se levanta. Suelta el cocktail y recoge la silla. Quita el vídeo de Siria y proyecta un vídeo sobre Ukrania (o Rumanía...) + TEXTO3 (en vídeo o audio) sobre presonaja ukraniana a la que le dan curro en Sevilla de limpiadora pero que al llegar se todo es cosa de una red de trata de blancas y termina metida en el mundo de la prostitución y el porno. M Coge la cámara. Se coloca detrás de A, de pie. Proyecta con la cámara la imagen de la espalda de A mientras se lee o escucha el texto.

SEVILLA + CADÁVER M deja la cámara. A se tira boca arriba. M lo arrastra hasta un punto. Coge un plástico y se lo pone encima. Pone un vídeo con el TEXTO4, que cuenta la historia de la jardinera a la que le gusta CSI y encuentra el cadáver en el parque. M Le de play a la lupe. Suena el estribillo de MIA "Hands up, hands tied". Con la cámara, hace un paisaje sobre el cuerpo de A plastificado.

POSIBLE FINAL M quita vídeo y audio. A y M se envuelven los dos en el plástico. FADE OUT de luces.


- un pequeño detalle con importancia - . Hay algo en la realización de la residencia que no fue claro y que es preciso decir, sobre todo aprovechando esta memoria, ya que en el momento y con la realización del resto del festival fue completamente imposible y tampoco era fácil de ver por la cercanía de las cosas: Hay un tema muy delicado que debe tenerse muy en cuenta para futuras actividades y que por lo menos nosotros, como artistas, debemos cuidarnos de él por si el contexto en el que trabajemos no lo tiene en cuenta. Tanto técnicos, como público e incluso organizadores del NumaCircuit se referían al viernes de la muestra del proceso como ‘el día del concierto’. Incluso nosotros mismos, por estar integrados en el grupo acabamos haciendo lo mismo. Obviamente, ni Nipplepot ni H&F hacemos conciertos, ni mucho menos era nuestra pretensión en esta residencia. Pero claro, quienes sabemos que ninguno de los dos grupos hacemos conciertos somos nosotros. El público no nos conoce, conocerá lo que somos en tal caso y lo que hacemos por lo que vea en la Sala de Cámara.

Desde el punto de vista de alguien no acostumbrado a este trabajo en lo procesual, nuestro discurso puede interpretarse como una manera de justificar que el trabajo no está acabado, como signo de una deficiencia en el mismo. Al contrario, mostrar el trabajo inacabado, el boceto, es lo que le da fuerza al acto de mostrar, de dejarse ver, de enseñar los hilos no trenzados y la forma de trenzarlos. La percepción del que mira tampoco es la misma si se le presenta desde la óptica de un trabajo acabado que si tiene en su mano un texto o en su cabeza la idea del título y el concepto que estamos barajando con nuestra indagación, si sabe que está entrando a un laboratorio, no a una sala de exposiciones, si entiende que eso que ve se está produciendo, no es una producción.

También la percepción cambia si el espectador entiende que eso que ve no es algo que luego se hará por teatros y salas de la misma manera que está ocurriendo, sino que está siendo un privilegiado al verlo aún sin hacer. No es un resultado de años de trabajo, como la actuación anterior De este modo, si hemos hecho hincapié en la línea conceptual de la doble de Audrey Chen, no es un repertorio, sino una caja de herramientas abierta. residencia y en el discurso de cada grupo por separado, resulta imprescin- Herramientas que nos servirán de muchísimo en el futuro, pero que en el momento de mostrarlas al público habían estado en nuestras manos dible que cada persona que asista tenga estas ideas trasmitidas antes de ver nada. Saber cómo se ha trabajado, en qué contexto y con qué premisas. solamente 20 horas, de las cuales muchas no fueron usadas para investigar, sino invertidas necesariamente para que aquello fuera presentable al Saber que lo que va a ver no es una obra, sino que es un boceto. Esto es mismo público que, probablemente, no tuvo toda la información necesaria fundamental y aquí si creemos que se ha cometido un error. Porque la recepción de lo que se está haciendo en escena es completamente diferente para encajar no solo la propuesta de H&F, sino la que NUMAcircuit hace al abrir en este modo este tipo de propuestas. ante un público informado.


Residentes 2: Nipplepot

Referentes. Nipplepot desarrolla en ‘Derivas y conflictos. Editar la escena’ su obra ‘[...]’, que es una idea que parte del desarrollo alcanzado en nuestro anterior trabajo, en el marco de ‘Miniresidencias Lealav’, en la que empezamos a experimentar con el propósito de conseguir una instalación escénica que pudiese integrarse y relacionarse con el espacio disponible, mediante la ubicación de los elementos escénicos se generan múltiples focos de atención que posibilitan la existencia simultánea de diferentes experiencias visuales y sonoras percibidas en función de la ubicación en el espacio de los asistentes. Nipplepot y toda su producción tiene como base muy importante la improvisación, llevada a cabo tanto durante el desarrollo previo, como durante las presentaciones del material. En este último aspecto, nuestro trabajo estaría a caballo entre la performance escénica, el concierto y la instalación, pues siempre coexisten elementos de cada una de estas variantes, los cuales siempre tenemos presentes y tratamos de equilibrar, de manera que incluso las obras puedan llegar a enmarcarse sin problema en solo uno de estos tres apartados. En el apartado sonoro, tenemos gusto por el aspecto y color de los sonidos sintetizados, obtenidos a partir de equipos electrónicos ‘lo-fi’,

‘[...]’

usualmente hackeados para convertirlos en inusuales fuentes de sonido. Tonos muchas veces minimalistas, posiblemente enmarcados en el terreno del más puro ‘noise’, aunque también tomamos elementos de la música electrónica tanto de baile como experimental, desde sus inicios hasta el día de hoy. El aspecto industrial y tecnológico de nuestra sociedad, los sonidos de las factorías, tráfico, construcción, electrodomésticos, etc. constituyen también una importante fuente de inspiración para nuestro trabajo. Nuestro método habitual no comienza con una idea o concepto determinado, si acaso con algún material visual y/o sonoro que nos parece sugerente y con posibilidades. A partir de ahí experimentamos e improvisamos con movimientos y desarrollos, los cuales luego se van seleccionando y editando de acuerdo con los posibles ‘embriones de evocaciones’ que comienzan a generarse a raíz de esta misma actividad creativa, y finalmente es muy posible que podamos hablar de un concepto, e incluso buscarle un titulo a la obra generada. En el caso concreto de esta residencia en la Sala de Cámara, pretendíamos dejar abierta al público asistente esta última fase del proceso creativo, liberándolo para experimentar sensaciones sin el escollo previo de nuestra subjetividad intelectual.


En el ámbito sonoro, nuestros referentes tienen mucho que ver con la escena local de improvisación libre/composición instantánea, la cual es en realidad responsable de nuestro nacimiento como grupo artístico. En los últimos 5 años, hemos compartido multitud de proyectos con numerosos artistas locales, desde pequeñas formaciones hasta incluso proyectos de la talla de una ‘big band’ audiovisual. Cada uno ha compartido con los demás, conocimientos y formas de abordar la creación, además de gran diversidad de posturas estilísticas que nos han impregnado y han pasado a formar parte de nuestro lenguaje artístico. Podemos citar entre otros a David Paredes, inquieto y prolífico músico y creador sonoro, el cual nos ha aportado una suerte de desenfado e incluso humor a la hora de acometer el proceso creativo, Rafael Pinillos nos ha transmitido la noción de la elegancia y el orden así como de la profesionalidad en la dedicación, Ricardo Marichal, maestro del absurdo y la adaptación a cualquier formato o estilo, sin perder la personalidad en ello, podríamos hablar de bastantes más influencias de otro buen puñado de artistas amigos así como de amigos no-artistas. La comunicación virtual tiene su importancia, habiendo hecho posible el encuentro y la colaboración con artistas de todo el mundo, lo cual ha aportado un nivel de apertura y una paleta de sonoridades conocidas aun mayor. Lugares de encuentro como Ninjam, una interface para la colaboración online en tiempo real, nos ha permitido conocer y crear con muchos artistas anónimos que de una u otra manera han calado y nos dejaron su impronta. Por ejemplo, Nun, enigmático personaje japonés de muy pocas palabras, con sus glitchs y guitarras imposibles. Unfretted aborda sin conocimientos cualquier instrumento, sacándole partido de la manera más inverosímil, aparte de inventarse y construirse los suyos propios. En definitiva, inmediatez, emoción, improvisación, humor, elegancia y personalidad son algunas de las cualidades que nos conmueven y pretendemos desarrollar


Diario Lunes 2 de Mayo:

Un primer día de en el que por varias razones no hubo mucho tiempo de concentración en el objetivo y razón de nuestra presencia allí, luego de desempaquetar y montar nuestro setup, ensayamos con un boceto de composición e instalación previamente urdido, para sentir y probar su integración en el lugar. De esta forma abordamos la primera toma de contacto con el espacio.

Martes 3 de mayo:

Ya más centrados y relajados, empezamos a modelar el espacio experimentando con variaciones en la composición de los elementos, primero adaptando al espacio disponible las localizaciones de los distintos elementos visuales usados, así como de nuestra propia ubicación en la escena, llegando a un punto bastante satisfactorio, que nos inspiró y motivó a realizar otros tantos cambios ya en nuestro material conceptual, imágenes, sonoridades y su interrelación. Durante toda esa tarde Dea Woon trabajó en un estado de incipiente malestar físico.

Miércoles 4 de mayo:

Dea Woon comunica su imposibilidad de asistir este día, pues se encuentra bastante mal de salud. David Perreko trata de ir ade-

lantando cambios escénicos y probando diferentes ideas sonoras según se había acordado el día anterior. También termina de matizar junto al técnico de sonido los detalles de monitorización de escenario y sonido general de sala, quedando ambos muy satisfechos. Por la tarde acontece la prevista charla entre artistas y público, en la cual se produce un interesante y fluido intercambio de impresiones. El público parece muy interesado y hace preguntas muy orientadas. A esta charla tampoco pudo asistir Dea-Woon.

Jueves 5 de mayo:

Dea-Woon sigue mal de salud y se empieza a pensar el la cancelación de la presentación del trabajo de la residencia, aun así deciden que es mejor posponer la decisión hasta última hora, esperando una rápida recuperación que no llega hasta varios días después de la actuación. Este día, Perreko continua practicando el probable guión sonoro haciendo un ejercicio de imaginación del ausente hilo visual. Si bien no pudieron concluir el proceso de residencia, ni aprovechar adecuadamente las posibilidades disponibles, obtienen material que merece ser desarrollado para presentarlo próximamente.


Valoraciones Dado que tan solo pudimos esbozar el comienzo del ciclo de residencia, no podemos hablar de materia artística, pero si de impresiones personales acerca de la experiencia. En cuanto al concepto de ‘residencia’ en un lugar como la Sala de Cámara, destacamos la disponibilidad de un espacio amplio que facilita la diversidad en la experimentación, pudiendo desarrollar formatos y lineas de actuación completamente diferentes a los de nuestro modesto entorno de trabajo habitual. Consideramos también importante, al menos para nosotros, artistas sin dedicación exclusiva, el fenómeno de aclimatación que se produce de una manera progresiva durante varias jornadas, con toda la asistencia técnica necesaria, que determina un confort y un relax a la hora de presentar el proyecto en público, en contraposición a los habituales nervios y stress de llegar al escenario unas horas antes del espectáculo, montar, probar un poco de sonido y esperar luego en tensión hasta el momento de actuar. En el apartado sonoro, el espacio y la calidad del equipo facilitado han supuesto una grata experiencia, traduciendo impecablemente el contenido del programa, desde la familiaridad y control de nuestro pequeño estudio, a la monitorización de escenario y del sonido general de la sala, siendo esta fidelidad un aspecto muy importante para nuestro proyecto,

lleno de matices en un amplísimo rango de frecuencias. En otro orden de cosas, nunca llegaremos a entender las causas que motivaron el anuncio de la cancelación de la residencia el mismo día en que comenzaba la residencia, y que ese mismo día se “resolvió” aunque sin recibir por parte de la organización de la sala, una seguridad al 100% de que efectivamente estaba resuelto. Huelga decir que todo esto nos afecto de forma negativa y que de alguna manera nos restó confianza y ánimo para seguir trabajando.


Proyección.

Realmente, y a pesar del incidente antes comentado en las conclusiones, estábamos bastante concentrados y animados con el proyecto de residencia, y nos contrarió bastante no poder culminarlo, además nos sentíamos con el compromiso adquirido con la organización de NUMAcircuit, que en realidad fue la única organización presente que seguramente también se preocupó de nuestra ausencia y podría tener bastante interés por buscar la manera de ofrecer nuestro trabajo al público desde que fuese posible. Por esto, y una vez comunicado a NUMAcircuit, quienes se alegraron de esta iniciativa, decidimos continuar el proceso en otro lugar, eligiendo para esto la sede del Equipo Para, que se prestó de muy buen talante, y haciendo un notable esfuerzo para encajar nuestro proyecto en su agenda de eventos lo mas rápidamente posible, además de flexibilizar el acceso al lugar de manera que pudimos realizar una ‘miniresidencia’ para seguir desarrollando a partir del punto en que habíamos tenido que parar por razones de salud de Dea Woon. El nuevo espacio es totalmente distinto. Se trata de una habitación de unos 40 mts cuadrados aproximadamente. El espacio nos resulta muy acogedor y sugerente. Vemos claramente la imposibilidad de acomodar el montaje desarrollado en la Sala de Cámara del Auditorio de Tenerife, por lo que rápidamente empezamos a probar diversas ideas, a cual más bizarra, terminando por gustarnos una ubicación central atípica, enfrentándonos el uno al otro con nuestros respectivos equipos sonovisuales, y aprovechando una gran caja rectangular de material traslúcido marrón encontrada el día anterior junto al contenedor de basura más cercano en esa misma calle. Colocada a modo de pantalla/ monolito entre nosotros, el público tenía así dos versiones del espectáculo según dónde


se ubicase dentro de la habitación, en la cual intentamos promover, a base de no poner asientos y dedicarnos nosotros mismos a deambular por el espacio durante los primeros minutos (no lo conseguimos, excepto para los fotógrafos que se movieron a sus anchas) una audiencia nómada que se desplazase de aquí a allá, con curiosidad por ver lo que sucedía al otro lado de la pantalla. Añadimos también elementos visuales nuevos, procedentes de este embalaje recogido en la calle, trozos mas o menos regulares de poliestireno expandido, los cuales ayudaron a desplazar y sustituir una buena parte de los materiales más ‘complicados’ que teníamos previsto usar hasta entonces, y que conformaban una especie de ‘timeline’ (inspirado en un trabajo anterior en el Festival Sitio, que se desarrollaba a modo de linea de tiempo en una pantalla mas alargada) idea que por reducción de formato ya no resultaba apropiada. Esta nueva configuración nos impedía mantener contacto visual directo entre nosotros, una vez situados frente a las superficies que portaban nuestros respectivos sets, por lo que usamos luz sobre la pantalla para comunicarnos algunas pequeñas inflexiones o arreglos dentro de toda la trama que se desarrollaba de manera improvisada el 90% del tiempo. Un sonido orgánico y suave en cuanto a volumen, pero de gran calidad fue nuestra idea en este lugar, a diferencia de lo pensado en la sala de cámara, donde aparte de la calidad, pretendíamos dar un poco más de importancia a la presión sonora y a la rasposidad digital. Visualmente, toda la escena se teñía de un tono naranja a causa de esta nueva pantalla (evocación de algo más cálido) en oposición a la frialdad de la anterior superficie usada. Nos adaptábamos sonora y visualmente al tono acogedor y más vivo a nuestro juicio de la pequeña habitación en la azotea del Equipo Para.


Artista invitada: Audrey Chen Como se hizo en la anterior residencia, incluimos la actuación de un artista invitado en el programa de la presentación de las obras desarrolladas en las residencias. De esta forma, abrimos la noche con un potentísimo concierto de Audrey Chen, que consistió en una sesión musical improvisada. Audrey Chen es una chelista y cantante estadounidense de origen chino. De rigurosa formación clásica, comenzó posteriormente un proceso de evolución que la introdujo de lleno en la música electroacústica, en cuya escena internacional ha encontrado un lugar prominente. Gracias a su especial manera de afrontar el espacio musical, que construye a partir de un dialogo interno entre su voz y un chelo, cuyo sonido está en ocasiones intervenido por efectos analógicos, es capaz de generar complejas estructuras superpuestas, vacíos vertiginosos y pasar de una cosa a la otra como si nada. Sus actuaciones se caracterizan por lo personal de su lenguaje y sus desarrollos viscerales e impredecibles. Audrey Chen es una artista muy solicitada, y se mueve por el mundo de forma frenética impartiendo clases magistrales, como la que ofreció en el Conservatorio Superior de Música dentro de la programación de NUMAcircuit y ofreciendo conciertos. En esta ocasión, su potente voz articulaba sonidos graves y guturales, que se superponían a unos tímidos y agudos gemidos, los cuales se apoyaban en las sutiles bases que generaba con su violonchelo. Además, la artista dio muestras de su gran profesionalidad al ser capaz de probar sonido y comenzar su actuación recién llegada de un vuelo de once horas. El público no llenó la sala de cámara, pero los presentes parecieron quedar encantados con la sutileza misteriosa y la potente voz de Audrey Chen, que a su vez quedó muy contenta y con ganas de volver a Tenerife en un futuro próximo.


CONCLUSIONES primeras

Segunda residencia que produce NUMAcircuit en coproducción con Auditorio de Tenerife. Como ya comprobamos en la primera edición, esta actividad resulta muy acertada a la hora de afrontar determinados asuntos que, en ocasiones, dificultaban y entorpecían las actuaciones que NUMAcircuit llevaba a la Sala de Cámara.

adaptación de los mismos. Además, la aventurada naturaleza de los proyectos que NUMAcircuit ha propuesto hace que, en algún caso, se originen importantes cambios entre la idea previa y la presentación del trabajo. Esto nos parece otro factor determinante a la hora de valorar positivamente la actividad.

La posibilidad de que los artistas puedan ensayar durante cinco días la actuación que presentarán, en el mismo espacio y con el mismo equipo que utilizarán ante el público, hace que se sientan más seguros y confortables. Esto es, sin duda, un factor trascendental, y significa una ganancia que por si misma ya justificaría la existencia de la residencia. En cualquier caso, este aspecto que no dista mucho del proceso habitual de ensayo de la mayoría de los espectáculos. A esto añadimos el hecho de que los artistas están asistidos por técnicos que, facilitan el desarrollo de los ensayos, resolviendo las incidencias que se producen, intentando además materializar las ideas que los artistas les proponen.

El intercambio de ideas que se produce en la charla/coloquio es, a nuestro entender, otra actividad fructífera. Aquí los artistas se esfuerzan por poner palabras a determinados aspectos de su trabajo que normalmente se resuelven directamente con acción y, en ocasiones, explicarlos supone la introducción a una reflexión más profunda. Además, es un momento para encontrarse con un público realmente especializado, cuyo interés va más allá de la simple contemplación de la obra y que siente curiosidad por conocer el proceso de trabajo. Por esto, pensamos que esta es una actividad que sirve de complemento al ejercicio de introspección que supone el proceso de ensayo de la obra y nos parece una actividad adecuada que intentaremos mantener y depurar en próximas ediciones.

Esto, y las horas de ensayo, hace que se trabaje con una tranquilidad que induce a la depuración de los contenidos y a la ampliación o

También estamos satisfechos con el diseño de la estructura de la residencia, especialmente con el hecho de que sean dos proyectos artís-


ticos los que desarrollen sus trabajos dentro de una misma línea argumental. Pensamos que esto hace que se trabaje sobre una idea más o menos concreta, centrando toda la actividad en torno a un ámbito especifico, y confiere cierta carga de sentido estético a la propia residencia. Sin embargo, creemos que existen aspectos que, siendo objetivos básicos de la residencia, no han sido alcanzados o al menos no de forma adecuada, como es el caso de la proyección. En este punto habría que reconocer que, aun por causas ajenas a nuestra voluntad, no hemos sido capaces de dar continuidad a la evolución de los proyectos que se han desarrollado en Auditorio de Tenerife. Esto es algo que intentaremos tener en cuenta a la hora de plantear próximas ediciones, ya que nos parece trascendental aprovechar el empuje que pueda suponer la colaboración con Auditorio para que los proyectos artísticos implicados en las actividades que se produzcan hagan circular sus trabajos por otros espacios.

La experiencia de la pasada edición, de algún modo, nos permitió tener en cuenta algunos aspectos y adelantarnos a ciertas necesidades. Aunque tuvimos que adaptarnos el carácter escénico de los proyectos, cuyos procesos de ensayo exigieron variar algunos aspectos de la organización con respecto a la primera edición, lo cual nos parece enriquecedor. Las dos formaciones residentes dieron lo mejor de sí mismos por hacer su trabajo lo mejor posible. Cabe destacar este punto, ya que fue especialmente notable la seriedad y el compromiso con que afrontaron la residencia. El desarrollo de los trabajos presentados no comenzó el primer día de la residencia, si no que los artistas habían diseñado previamente una estructura sobre la que trabajar durante la misma y, desde que comenzó, aprovecharon todo el horario disponible para ensayar de forma intensiva.

En cualquier caso, cabe decir que esta fue una residencia un tanto accidentada. Por una parte, uno de los artistas enfermó, lo que hizo que Nipplepot sólo pudiera ensayar debidamente dos días. Llegando al punto de tener Así mismo, creemos que es importante incidir en la idea de colaboración con las escuelas especializadas, como este año hicimos con el Conservato- que suspender la presentación de su obra. Era tal la ilusión y el compromirio Superior de Música y como quizás debimos haber hecho con la Escuela so de este dúo que, una vez se hubo restablecido la salud del integrante en cuestión, por su cuenta y con sus medios, desarrollaron y presentaron su de Actores. Este será un aspecto que tendremos en cuenta en la próxima trabajo la sede de Equipo Para. edición, y que quizás planteemos ampliarlos incluso a la facultad de Bellas Artes. Pensamos que es esencial que exista un entramado artístico Por otra parte, pensamos que es adecuado hacer referencia a una sucesión efectivo en nuestro entorno y no debemos desaprovechar ocasiones de de malos entendidos que surgieron entre la organización de NUMAcircuit fomentarlo.


y la gerencia de Auditorio. Estas incidencias alteraron algunos aspectos anteriormente determinados y, sin duda, repercutieron negativamente en el desarrollo de algunas actividades y en la concentración de los artistas y de la organización. En cualquier caso, estos asuntos fueron finalmente resueltos de manera satisfactoria y no hubieron consecuencias destacables. La noche de actuaciones consistió en el concierto de Audrey Chen y la presentación de la obra ‘Incorporar (con)texto’ desarrollada en la residencia por Hernández&Fernández. Como señalamos anteriormente, el concierto de Audrey Chen fue un derroche de energía. Durante algo más de media hora ofreció una sesión de improvisación libre, con fuertes influencias del Butoh más visceral. Por su parte, Hernández&Fernández mostraron también su obra. Fue una actuación muy dinámica, en lo referente a la distribución de los tiempos, los cuales estaban muy medidos y se articulaban ágilmente; y en cuanto al contenido, el cual oscilaba entre una crítica social bastante actualizada, cuya carga trágica era desactivada a base de humor y unas escenas intercaladas que incluían intervenciones musicales, gags y otras acciones.

Pensamos que ambas actuaciones fueron muy buenas, y que dieron cuenta de la seriedad del trabajo de los artistas que participaron en ellas. Así mismo, creemos que el público asistente, que no llegó a ocupar el aforo de la Sala de Cámara, disfrutó de ellas. Nuestra valoración es positiva. Entendemos que hay que mejorar determinados aspectos que contribuirían a facilitar la labor de todos los agentes implicados en la actividad, pero estamos convencidos de que la experiencia nos va dando herramientas para afrontar los diversos imprevistos que, inevitablemente, van asociados a la producción de propuestas de artes escénicas de cualquier tipo. De esta manera, NUMAcircuit seguirá proponiendo la colaboración con Auditorio de Tenerife para continuar realizando esta actividad en próximas ediciones. Pensamos que la residencia cumple satisfactoriamente la mayoría de los objetivos propuestos, y confiamos en ser capaces de mejorar aquellos aspectos que no han evolucionado del modo previsto.

En cualquier caso, la organización de NUMAcircuit espera que dicha colaboración se prolongue en el futuro y que siga contribuyendo a sostener y, en la medida de nuestras posibilidades, fomentar las relaciones entre artisA pesar de que echamos en falta la actuación de Nipplepot, cuyo espectá- tas, y de estos con el público; y con las instituciones, los diversos espacios culo hubiera ofrecido el contrapunto para dar mayor coherencia a ‘Derivas y y colectivos que dan forma a una escena local cada vez más nutrida y que progresivamente, va interesando a un público más amplio y a la vez más conflictos. Editar la escena’, la noche salió muy bien. crítico, curioso y ávido de planteamientos escénicos alternativos.


Vídeo resumen residencia Actuación Audrey Chen Actuación Hernández & Fernandez Actuación Nipplepot (en Equipo PARA) Fotografías Pdf

Archivos gráficos adjuntos


Profile for Festival NUMAcircuit

Residencia NUMAcircuit 016 en Auditorio de Tenerife  

La segunda residencia se planteó en torno a la expresión escénica, y se orientó hacia un ámbito de la misma centrado en fusionar lenguajes s...

Residencia NUMAcircuit 016 en Auditorio de Tenerife  

La segunda residencia se planteó en torno a la expresión escénica, y se orientó hacia un ámbito de la misma centrado en fusionar lenguajes s...

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