NUEBO #25 julio/agosto 2024

AYRA STARR

BEABADOOBEE

PTAZETA / AYRA STARR / PEGGY GOU / CHARLI XCX / GRIFF / ALIEN / CAMILA CABELLO / SOLO / SERGI DELGADO / JOSH PETTINGER

/ BEABADOOBEE / AYRA STARR / CHARLI XCX / GRIFF / ALIEN / CAMILA CABELLO / SOLO / SERGI DELGADO / JOSH PETTINGER

PEGGY GOU

PARTY GIRL

AYRA STARR / PTAZETA / BEABADOOBEE / CHARLI XCX / GRIFF / ALIEN / CAMILA CABELLO / SOLO / SERGI DELGADO / JOSH PETTINGER

AMOR LIQUIDO

“Quererse es punk” es la premisa con la que el cuarteto madrileño debuta en largo en el sello La Castanya para rubricar una trayectoria fugaz que ya les ha convertido en uno de los soplos de aire fresco más interesantes sobre esa tradición de poppunk-rock a la madrileña que instauraron Carolina Durante. Comparaciones odiosas aparte, aquí hay menos emoción y más crudeza, menos épica y más garage. En este homónimo Amor Líquido la banda va incluso en contra de sí misma gracias a la afiladísima producción de Jimena Amarillo, y se expande más de lo que podíamos imaginarnos, volviendo sobre los pasos de Los Punsetes o emulando a una Yawners en su devoción por el midwest emo. Esta generación podrá ser la del no presente, la del no futuro, la de las cero expectativas o la nueva generación perdida, pero lo que es seguro es la de la revolución del querer y del afecto. Con eso salvarán el mundo.

DIRTY SUC

NOS PRESENTA “LOS NIÑOS DE LA BATEA”

En este disco, Adrián nos abre las puertas de su tierra, Vigo, explotando el concepto de las bateas, plataforma de madera típica de las Rías Baixas que aparece en la portada.

Bajo la producción de Danni Ble, el artista nos presenta un ambicioso tracklist de 22 canciones que pasan por todos los estados de ánimo. Desde el trap de “No Boss” junto a Métrika, pasando por “Af1 Blancas (Skit)” en la que vuelve a su pasado más rapero. Deja también hueco a temas más chill como “Esta Herida” y cierra a lo grande con “Son Galego” una canción de folklore con el toque de El Diamante Gallego.

Un álbum lleno de colaboraciones apto para todos los gustos que sin duda será uno de los discos del año.

VOL. 25

JULIO-AGOSTO 2024

CHARLI XCX

VERDE QUE TE QUIERO VERDE

HIPNOSIS SEPÁRATE

48

PEGGY

GOU YELLOW MAGC DJ

LA PLAZUELA DANCING KINGS

CARRETERA Y MANTA

52 ON THE GO

EDITORIAL

El número de verano, número doble y que, al igual que sucede con los cursos escolares y campeonatos deportivos, representa el reinicio de cada nueva temporada, supone siempre un punto y seguido que lo hace especial, diferencial. El mes de julio viene marcado por las fiestas del Orgullo, lo que en algún momento hizo que nos planteáramos si las cuatro portadas de este número doble debían estar, en consonancia, dedicadas a otros tantos representantes del colectivo LGTBIQ+. Tras debatir internamente y llegar a la conclusión de que no hay mejor ejercicio para la normalización de las minorías que darles visibilidad regularmente -algo que en NUEBO venimos cumpliendo desde el primer número-, volvimos a explorar las opciones de artistas de portada sin ponernos límites en lo relativo al género o la condición social, atendiendo exclusivamente a sus méritos

BEABADOOBEE

SE NOS HIZO MUJER

artísticos. Y el resultado, que tienes en tus manos, vuelve a situar a cuatro mujeres en primera página, como ya sucedió hace un par de meses, cuando Paula Cendejas, Tate McRae, Vivi K y Amy Winehouse ocuparon el espacio más privilegiado de la revista. En esta ocasión, la demostración del lugar dominante que tiene la mujer en la industria cultural actual cuenta también con el factor singular de recoger a cuatro artistas que representan la creación en diferentes partes del planeta: Ptazeta (España), Ayra Starr (África), Peggy Gou (Asia) y Beabadoobee (de raíces filipinas, pero británica a todos los efectos). Este número, con otros textos que igualmente podrían haber estado en portada dedicados a Charli XCX, Camila Cabello o Griff, casi puede verse como un involuntario homenaje a la figura central de la mujer en la música popular del momento.

DILLOM OSCURÍSIMO

DIRECTOR EDITORIAL Luis J. Menéndez luis@nuebo.es

DIRECTORA DE ARTE Liliana Carpio lillie@nuebo.es

DIRECTOR COMERCIAL Luis Argeo argeo@nuebo.es

JEFE DE REDACCIÓN Diego Rubio diego@nuebo.es

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RRSS Cristina Fandiño cris@nuebo.es

COLABORADORES

Ramón Baylos, Fernando Bernal, Gabriel Cárcoba, Andrés Castaño, Marta España, Alexia G. Ferrer, Manu González, Paula Gonzalo González, Paula López Ros, Eva Luengo, Ángelo Néstore, Bea Nieto, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Anna Pérez, Cris Regatero, Felipe Rodríguez Torres.

FOTOGRAFÍA

Belén Franco Fotos de portada: Brook Sydney (Ptazeta), Jules Moskovtchenko (Beabadoobee), Mike Yoshai (Ayra Starr), Park Jongh Ha (Peggy Gou). www.nuebo.es / @somosnuebo

IMPRESIÓN

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EL RINCÓN

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GENERACIÓN X

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GOSTO CAFÉ

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LOS TIERNOS

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MOLAR DISCOS & LIBROS

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RUDA CAFÉ

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THE MUSIC STATION

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THE SOCIAL HUB

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THE BEER GARDEN TAP ROOM

SALOON

C/ Juan de Austria, 23, 28010

URRACA CAFÉ

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BAJOELVOLCÁN

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BOCONÓ SPECIALTY COFFEE

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CAFELITO

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EL IMPARCIAL

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GENERACIÓN X

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JUAN RARO

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PUM PUM CAFÉ

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SALA EQUIS

C/ Duque de Alba, 4, 28012

SWINTON GALLERY

C/ Miguel Servet, 21, 28012

CASA JAGUAR

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HOTEL ANACO

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FELIZ COFFEE TO GO

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MISERIA

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CAFÉ LA PALMA

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C.C. CONDE DUQUE

C/ Conde Duque, 9, 28015

LA DESPENSA INCREÍBLES

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DJP MUSIC SCHOOL

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LOS INVERNADEROS

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BAR TOBOGGAN

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DRØMME KAFFE HOUSE

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MATADERO MADRID

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SONY MUSIC

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MÁLAGA

CAC MÁLAGA

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OURENSE

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GIJÓN

BAR LA PLAZA

C/ Julio Fernández, 1, 33201 Gijón

TOMA 3

C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202

PONTEVEDRA

PLAYGROUND

Rúa Conde de San Román, 10, 36002

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CD

PEGGY GOU

Dalila y Melenas llegan este septiembre a la nueva edición de FSTVL B en el Parc del Fòrum de la mano de Jägermusic, dispuesto para los descubrimientos más sorprendentes. El indie y la música urbana, mano a mano y más cerca que nunca, como si una cosa no pudiera explicarse sin la otra.

COMO TODOS LOS VERANOS LOS ARTISTAS DEL ROSTER DE JÄGERMUSIC SE ECHAN A LA CARRETERA Y ASALTAN LOS ESCENARIOS MÁS ESPECIALES DE MUCHOS FESTIVALES A LO

LARGO Y ANCHO, NORTE Y SUR DE LA PENÍNSULA. MÁRCATELO

BIEN EN TU CALENDARIO FESTIVALERO QUE YA ESTAMOS EN MARCHA... ¡ELIGE TU PROPIA AVENTURA!

La Cabaña de Jägermusic en el Vida Festival de Vilanova i la Geltrú ya se ha convertido en legendaria, y este verano agrandará su leyenda con Ciutat, Teo Lucadamo, Pipiolas y Pinpilinpussies

EMBASSA’T

El festival de Sabadell está totalmente asentado en el Anfiteatro del Parc Catalunya, un entorno increíble para disfrutar de la mejor música de la mano de Jägermusic: Ciutat, Dalila, Brava, Nueve Desconocidos... sonidos nuevos para cualquiera dispuesto a descubrirlos.

OBSERVATORIO

Observatorio nos lleva a Balboa, una tranquila aldea berciana, para vivir una experiencia musical que no se entendería sin el entorno, en plena naturaleza, acabando con las distancias entre público y artista y reivindicando la proximidad. Dalila, Teo Lucadamo e Irenegarry han protagonizado el escenario Jägermusic este año.

MONKEY

WEEKEND

Jägermusic es un fijo en la pro- gramación del hermano pequeño del Monkey, en el Puerto de Santa María. Este año el escenario ha es- tado en el Parque Calderón, con un ambiente magnífico y artistas como Vatocholo, Nueve Desconocidos, Marcelo Pantani y Dalila

ESCENARIOS

FAN FUTURA

Los Alcázares da la bienvenida a la mejor música hispanoamericana,urbana de Arcángel a Cruz Cafuné, de Trueno a Walls Como siempre Jägermusic le dará su voz a las nuevas generaciones de artistas: Pipiolas, Teo Lucadamo, Vatocholo

THE LAST DINNER PARTY

En julio de 2022 un grupo de cinco chicas de Londres telonearon a los Rolling Stones en Hyde Park. La banda no había cumplido un año de vida y ya estaba abriendo el show para Sus Satánicas Majestades. Supongo que para cualquier banda esto te eleva directamente a la cima del rock internacional, pero es curioso cómo dos años después, y después de brillar en las más recientes ediciones de Coachella y Primavera Sound, aún hay quien no conoce a The Last Dinner Party. El foco siguió sobre ellas cuando en diciembre de 2023 fueron premiadas como mejor artista emergente en los prestigiosos BRIT. La prensa británica ha llegado a compararlas con Florence + The Machine o Kate Bush, y ellas mismas citan a David Bowie como uno de sus referentes musicales. Este 2024 son The Last Dinner Party quienes se presentan con teloneros en una gira europea que no pasará por España. Su canción más aplaudida hasta el momento ha sido Nothing Matters, aunque a principios de este año han lanzado su ópera prima: un álbum debut llamado Prelude to Ecstasy. Si todavía no las has escuchado comienza por Sinner, un tema que retrotrae a grandes referentes como ABBA o Queen. Teatralidad, barroquismo, oscuridad y buen gusto, eso es The Last Dinner Party. Un faro de luz en el nuevo rock británico con vocación de llenar estadios.

LAS NUEBAS DE CRIS

BRAVA

Se refiere mucho al cine quinqui y al sonido

Caño Roto -¡ay esa España cañí!- cuando se habla de este cuarteto madrileño formado por Nerea Santotomás (voz), Jorge Montero (guitarra), Mario Fuentes (batería) y Jaime Osuna (guitarra). Pero para Brava nada más lejos -y a la vez más cerca- de la realidad que llevan viviendo toda su vida en el barrio de Aluche, y que llevan convirtiendo en gasolina para canciones desde 2022. Ahora acaban de publicar su disco de debut, Fina estampa, y se descubren referenciando a toda la herencia del rock madrileño de barrio -con Rosendo como punto cardinal- tanto como a la tradición más puramente rocanrolera de nuestro país. Solazos de guitarra, ciertos dejes glam, mucho macarreo y ritmos que coquetean con lo latino y hasta con el ska. Seguramente Robe y Uojo estarán orgullosos de ellos, pero ellos prefieren estar orgullosos de su barrio, y de su amor por el rock. Muchas veces no hace falta nada más, ¿no?

Brytiago, Jay Wheeler e iZaak

‘Aura’

ASÍ SUENA UN DÍA DE VERANO

EL DÍA DE VERANO PERFECTO NO LLEGA AL CLÍMAX SIN UNA BUENA PLAYLIST QUE TE ACOMPAÑE: EL SOL, LA BRISA

MARINA Y EL SALITRE SIENTAN MEJOR ACOMPAÑADOS DE LOS ACORDES CORRECTOS. ONERPM TE LO PONE FÁCIL CON

ESTE DIARIO MUSICAL PARA QUE HAGAS DE TU VERANO UN MOMENTO INOLVIDABLE.

Javi Medina y Moa

‘Yo voy pa’rriba’

Rivera

El verano está para enamorarse, pero además para enamorarse con intensidad, como si el mundo fuera a acabarse. Si ese es uno de tus planes estos meses, no puedes dejar de escuchar a Javi Medina y el puertorriqueño

Moa Rivera, que unen sus estilos para traerte este 5 de julio Yo voy pa'rriba

Entre guitarras españolas y aires de brisa marina, entre percusiones que nos llevan a la calidez caribeña, el madrileño -que prepara ya un disco que verá la luz este otoño- aporta su inconfundible aroma flamenquito a una salsa de onda urbana de las que tan bien le salen a Rivera, dando así un salto internacional y haciéndole subir al siguiente nivel en su ya exitosa carrera.

Yo voy pa'rriba promete ser uno de esos hits que marcarán de ahora en adelante el inicio de tu época del año favorita.

La gran fuerza de Puerto Rico como industria musical es su convicción profunda en que la clave está en la unión. Los OGs dan la mano a las nuevas generaciones para construir un presente siempre en movimiento, cíclico, que se nutre siempre de sangre fresca. La historia tiene nuevo capítulo: este reguetón romántico, melancólico y nocturno que nos pone en un mood sensible pero horny, también muy veraniego, y que junta a dos de los artistas más asentados del género, Brytiago y Jay Wheeler -búscales colaborando entre sí o con Bad Bunny, Anuel AA, Myke Towers, Polimá Westcoast o Jhayco-, con una de las promesas que pronto dejarán de serlo, si no lo ha hecho ya, iZaak. Su carrera arrancó con apenas 14 años, pero en 2022 entró definitivamente en un nuevo nivel.

ÁNGELES TOLEDANO

La cantaora jienense viene de firmar uno de los proyectos transflamencos más bonitos publicados en nuestro país en los últimos años, Tengo tres estrellas y veinte cruces, junto al multinstrumentista Víctor Cabezuelo, la baterista jazz Gloria Maurel y el productor Javier Martín. Y esto ha servido un poco para confirmar algo que no necesitaba confirmación: Ángeles Toledano lleva ya unos años destacando entre las nuevas generaciones del flamenco, respetada en la ortodoxia y siempre abierta a la experimentación. Pero es ahora cuando más oídos están abiertos a su propuesta, visceralmente racial y al mismo tiempo etérea, fluctuante, muy versátil en su aproximación a los palos y en su capacidad para la fusión. Y va a aprovecharlo: en septiembre lanzará su primer trabajo en solitario, Sangre sucia (Universal Music, 2024). En él encarna a una especie de Hermione Granger para incidir en el mestizaje que ella considera indisociable del flamenco mientras traduce todo su imaginario jondo a sutilezas y honduras electrónicas que nunca se ponen por delante de esa voz que parece vieja, casi milenaria, llena de verdad y sabiduría.

LAVA LA RUE

Lava La Rue es una de esas artistas que parecieron brotar por todas partes cuando aquello del bedroom pop: producción más o menos casera, un puntito funky pero siempre desde lo íntimo, también un poquito sexy y un poquito ensoñador... Pero la británica de ascendencia jamaicana, que también es líder y fundadora del colectivo NiNE8, fue de las primeras en desligarse frontalmente de todo eso y en abrazar una versión hi-fi a la que había tenido que renunciar simplemente por la falta de recursos. En 2022, de hecho, y por si quedaba algún atisbo de duda, publicó un EP que se llamaba Hi-Fidelity en el que ya se intuían las ambiciones de esta artista deliberadamente extraña y excéntrica que recuerda en muchas cosas a Linda Perry. Ahora, por fin, todo el proceso cristaliza en Starface (Dirty Hit / Music As Usual), su esperadísimo primer álbum largo, una especie de ópera funk con tintes espaciales y psicodélicos que se mira en el espejo de Janelle Monáe, de St. Vincent o de Kari Faux, pero que revela una cara absolutamente genuina, personal y tremendamente imaginativa que no tiene miedo de jugar en terrenos más electrónicos e incluso en guiñarle un ojo desde un futuro superheroico a Foster The People o a los MGMT de Oracular Spectacular. Es hora de que entres en el Lavaverso.

FOTO: CLARYN CHONG

DOLCE FAR NIENTE

POR: ÁNGELO NÉSTORE

Llega el verano y, con él, los espacios públicos se sacuden la pereza invernal. Las calles, las playas y los parques se vuelven más ruidosos, con niñes y adolescentes que durante nueve meses han estado gran parte del día confinades en aulas, el lugar donde se supone que pasan las cosas, cuando realmente el mundo está ocurriendo ahí fuera. Pienso en el verano e inevitablemente en mi mente escucho el sonido de una pelota que rebota en el asfalto y en alguien que chuta con toda su fuerza. Recuerdo mi propia infancia en la playa de Salento con mi madre, ahí en el tacón de la bota que es Italia: unos días largos y aburridos, tumbado entre el agua y el sol. No lo soportaba. Ahora, al observar a les niñes en la misma situación, comprendo la belleza que esconde el tedio. El dolce far niente italiano, esa dulce inactividad, cobra un significado nuevo cuando veo a les jóvenes entregarse a la nada en sus vacaciones. Con el tiempo he comprendido que el aburrimiento es el espacio de la creatividad. Cuando no hacemos nada, nuestra mente tiene la libertad de vagar y pensar. Y no hay creación sin pensamiento. Sin la presión del tiempo impuesto, la vida se acomoda a otra cadencia, una en la que las cosas simplemente ocurren. Poder detenerse en sonidos que siempre han estado ahí, pero que el ritmo de la productividad no nos deja oír; mirar a la gente pasar, fijarnos en sus caras. En el mundo que hemos construido, aburrirse es un acto de rebelión y muy atrevido. Ver las cosas pasar sin esperar nada a cambio, dejarlas ir para siempre. Seguir con la mirada la forma de las olas, observarlas desaparecer despacio en la orilla. Hay gestos tan pequeños, pero tan revolucionarios.

ROCK IN RIO BY ibis

ROCK IN RIO CUMPLÍA 20 AÑOS DE SU PRIMERA EDICIÓN EN LISBOA, Y PARA ALLÁ QUE NOS FUIMOS DE LA MANO DE , LA CADENA HOTELERA OFICIAL DEL EVENTO. CUATRO JORNADAS POR LAS QUE PASARON UN TOTAL DE 300.000 PERSONAS PARA DISFRUTAR DE LOS CONCIERTOS DE DOJA CAT, AITANA, ED SHEERAN O CAMILA CABELLO, ENTRE OTROS MUCHOS.

El ibis Lisboa Parque das Naçoes, situado muy cerca del recinto de Rock In Rio, se convirtió en el centro de operaciones del festival para artistas y prensa. Un hotel de 3 estrellas recién renovado que reafirma el compromiso de la cadena hotelera con la música pop, presente por todo el edificio.

1. Camila Cabello

2. Aitana 3. Doja Cat

Ed Sheeran

nobedades

URBANEÑE

LA PRIMERA MUESTRA DE MÚSICA URBANA PARA PROGRAMADORES INTERNACIONALES DE LA FUNDACIÓN SGAE DESEMBARCA EN LA LOCALIDAD ASTURIANA DE LLANERA DE LA MANO DEL BOOMBASTIC FESTIVAL LOS DÍAS 19 Y 20 DE JULIO, DESVELANDO LA REALIDAD MÁS UNDERGROUND.

ANIXE

Desdel el País Vasco y saltando a placer en sus canciones entre el euskera, el castellano y el inglés, Anixe es toda una amante de las sonoridades caribeñas y del dancehall, pero también del pop más brillante de nuestro país, y así lo va demostrando poco a poco con lanzamientos como Barcelona o Bakarrik En la línea de Bad Gyal y Mushkaa.

Que nadie te diga nunca que no te lo creas. Eso piensa también Chezz, que ha utilizado las estrategias de viralización de Tik Tok para despegar una carrera que en todo momento mira de frente al pop más ambicioso y panorámico. Sus últimas canciones abrazan la tradición electrónica británica, como una Judeline con ganas de marcha. Ya no duele, de la mano de Jader, te va a flipar.

CHEZZ

GON ESTEVZ

Tiene apenas 20 años y ya ha firmado con Real Key Music y abierto conciertos para Henry Méndez. Con Lola Índigo como inspiración fundamental, su pop se mueve entre el dembow y otros ritmos latinos más clásicos: la samba, el son, la salsa, los corridos, los boleros o los tangos. Quemando rueda apunta a hit.

Formada en la tradición rockera, como mucha gente con una banda, sin embargo, esta joven artista gallega empezó en la música haciendo rap. Desde ahí ha ido abriéndose a nuevos sonidos e influencias hasta redescubrirse como la gran cantante de pop R&B que aflora en No llores, su último EP, en el que juguetea con ritmos electrónicos.

KYR4

El más consolidado de los artistas de este primer UrbanEñe, este joven de origen marroquí ya ha colaborado con Kaydy Cain y Los del Control, con Cruz Cafuné, con Soto Asa, con Israel B o con los productores Lowlight y Kabasaki. Además, le encontrarás entre los créditos de los últimos álbumes de Omar Montes, Quevedo o La Zowi. Presentará Future, su próximo trabajo a publicar en algún momento de este 2024.

YASSIR

Con la ayuda de Toni Anzis a la producción -beatmaker de confianza de Kaze o Lia Kali que también ha trabajado con Nampa Básico, J Abecia o Calero LDN- el joven artista granadino, que está llevando las nuevas tendencias reguetoneras de la ciudad andaluza a terrenos más cercanos al nuevo pop, presentará su último trabajo, San Antonio 2. En él, merengue se funde con alt pop y afrobeats, dembow con synthpop y la balada etérea con el bachatón.

ANTONYZ

BELÉN FRANCO

En verano NUEBO Talento se va de vacaciones para retomar con fuerza la actividad en septiembre. Pero antes de eso, en nuestro canal de youtube podrás disfrutar de cuatro sesiones protagonizadas por algunos de los jóvenes rostros más interesantes en estos momentos en el terreno del pop y el urbano nacional: Marta Movidas (interpretando Guadaña de iridio), Caracazador (Falla), Métrika (Voy a ser tu ex) y Huda (Plástico).

UNA PRODUCCIÓN DE: NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

GRABACIÓN, MEZCLA Y MASTER: AXEL CASTILLO

GAFFER: EVA LUENGO

FOTO FIJA: BELÉN FRANCO

DISEÑO GRÁFICO: LILLIE CARPIO

LOCALIZACIÓN: DIRECCIÓN Y POSTPRODUCCIÓN: PABLO BERDÚN

THE SOCIAL HUB

FOTOS:

LA BRITÁNICA CULMINA EN ‘BRAT’ UN PROCESO QUE EN EL FONDO ES INCULMINABLE PORQUE SIEMPRE ENCUENTRA UN NUEVO NIVEL. LIBRE , EXPLORANDO POR PRIMERA VEZ SU VULNERABILIDAD TRAS ESA CARCASA DE LUMINISMO POP Y TODOS SUS TRUCOS DE SUPERESTRELLA, Y HACIÉNDOLO BAJO UNA TORMENTA DE BEATS RAVE , EN EL FUEGO CRUZADO DE LÁSERES DEL CLUB Y ENGRASADA EN ELECTROCLASH , CHARLI XCX ENTREGA SU PRIMERA GRAN OBRA MAESTRA. UN ÁLBUM GENERACIONAL SOBRE ENTRAR EN LA TREINTENA YA MAYORCITAS... PERO JÓVENES PARA SIEMPRE.

FOTO: HENRY REDCLIFFE

POR: DIEGO RUBIO

A lo mejor has reparado últimamente en el hecho de que Internet was bratted. Todo parece andar teñido de ese intenso y electrificante verde lima que ya se ha convertido en el color de este verano. Nuclear, ácido, chillón... y molesto en cierto sentido. La propia Charli xcx le decía en 2013 a la BBC: “Me encanta la música negra, rosa, púrpura o roja... pero odio la que es verde, amarilla o marrón”. Para ella su nuevo trabajo, brat , es “confrontacional”, y así se ha desplegado desde el principio, desde su propio concepto e idea de arte hasta la hostia en los morros de su primer sencillo, esa Von dutch agresivamente hidráulica, en constante despresurización. Es combativo con la idea misma de popstar -y con lo que se espera de ella-, con la industria y con la falsedad que a veces acarrea una sororidad artística impostada, además de las inseguridades que genera. Su diseño va contra muchos preceptos estéticos, pero entraña al mismo tiempo un discurso de desidentificación de la estrella con su imagen física y, más concretamente, con su cara. Y se opone radicalmente -y nunca mejor dicho: a través de la violencia sonora y cierto grafismo explícito- a cualquier refinamiento o perfección, a cualquier impulso por agradar a las mayorías, sin dejar de ser consciente de que la idea de nicho, hoy, está más desbordada que nunca. “Echo de menos cuando la música pop era volátil y loquísima.

Todos parecen muy preocupados ahora por cómo son percibidos, si el arte que hacen va a ofender a alguien... Pensar así limita la creatividad”, le ha reconocido recientemente a The Face. En su nuevo álbum, en un momento está planteándose ser madre y al otro si meterse o no otra raya de cocaína, y pasa de arrepentirse de no haber estado ahí para SOPHIE por sus inseguridades a reflexionar festivamente sobre las falsas relaciones que se establecen en la industria. Todo ello mientras es capaz de reconocer su legado y el de sus amigos en el pop de los últimos quince años y su posición como médium entre el clásico de culto y el stardom pop. Vulnerabilidad. Rave. No dista tanto de capturar el signo de los tiempos. En mucha medida, brat va contra sí misma -“Cuando me dijeron que había hecho un disco sin skips decidí meter uno”, ha dicho refiriéndose a Rewind-, y sobre todo va contra su inmediato predecesor: ni rastro queda de él en las Party Girl que lleva organizando todo el año a la manera de una Boiler Room; tampoco en los -espectaculares- conciertos rave de presentación. Con Crash la británica culminaba un contrato con Atlantic Records (vía Asylum) que mantenía sin revisar desde 2013, y que abarcó cinco álbumes desde True Romance. Y lo hacía un poco pasando por el aro, dándole a la discográfica lo que quería y convirtiéndose durante esta etapa en un producto, el mock de una industry plant: todo el concepto de su quinto disco hacía cosplay de una popstar... y funcionó. Crash se convirtió en su primer número 1 en Inglaterra, y supuso su primera entrada en Billboard en EE UU con un top 7 y batiendo sus

Evolución como forma de vida

En resumen, la trayectoria de Charli XCX, especialmente a partir de Vroom Vroom -EP producido por SOPHIE al que Laura Snapes suspendió en Pitchfork en una review que la avergonzará para siempre-, no para de añadir capa tras capa al imaginario del pop mundial.

De tumblr girl...

Charlotte Aitchison, que así se llama realmente esta joven británica nacida el 2 de agosto de 1992, hija de escocés y ugandesa, se puso el nombre artístico de Charli XCX porque era su nickname en Messenger. Con él empezó a subir sus primeras canciones a MySpace, y a construir una irrepetible leyenda en el pop. Hoy le sigue hablando a las Chicas malas y a los Spring Breakers, mostrando una inconfundible elegancia trash.

Charli en la gran (y pequeña) pantalla

Ya demostró su amor por la iconoclastia pop con I’m with the Band: Nasty Cherry una especie de docuserie bizarra sobre su proyecto de girl band en colabo con Netflix. No era la primera vez que aperecía en la pantalla: antes había prestado su voz para varias pelis de animación, y después vendrían el documental de creación de How I’m Feeling Now durante el confinamiento, Speed Drive -la canción para la película Barbie- o sus bandas sonoras para los largos Bottoms (en España El club de las luchadoras) o la Mother Mary de David Lowery y con Anne Hathawayen el papel protagonista, todavía pendiente de estreno.

Pero en el fondo Charli siempre fue una party girl. Empezó en el circuito ilegal de raves del East London cuando aún era -bastante- menor de edad, y con los años su música se ha ido reconciliando con su faceta ravera original según sus colaboradores iban desgranando los secretos de una nueva forma de entender el pop, en conversación constante con todas las nostalgias electrónicas de los dosmiles. brat es la culminación, su fiesta definitiva, y así lo está demostrando en la gira de presentación del disco.

... a Party Girl

Empoderamiento desde la vulnerabilidad

En pleno confinamiento, y habiendo tenido que cancelar los dos proyectos de disco en los que estaba trabajando, Charli inició un proceso abierto de seis semanas con sus fans a través de Zoom para hacer otro disco, uno diferente, que capturaba las emociones de la pandemia y que apelaba al contacto y a la colaboración, a la ruptura de todas las distancias, en el momento de mayor desconexión de nuestra historia reciente. How I'm feeling now devolvía, además, a XCX a su vertiente más experimental, pero desde un lado nuevo, más vulnerable: por primera vez hablaba abiertamente de sus inseguridades, y se refería explícitamente a su ruptura con Huck Kwong. Todo quedó retratado en forma de documental en Alone Together: un pov de aquellos días de soledad, duelo, ansiedad, sobrepensamiento, creatividad y do it yourself.

Inspiración pop

Con Vroom Vroom sentó las bases de lo que sería el hyperpop. Con Pop 2 abrió el espectro pop quizá como nunca antes se había hecho, anticipando una nueva era. En How I’m Feeling Now supo darle sentido -adelantándose al resto, además- a todos los feelings pandémicos. Y ahora brat llega cargado de (falsa)verdad para abrazar un discurso generacional.

Hitmaker... para quien lo quiera

Aunque los primeros sencillos de True Romance ya llamaron la atención en Pitchfork por su electro oscuro, su primer hit como tal llegaría con I Love It, una canción que terminó cediéndole a Icona Pop. Su faceta como compositora le traería muchos beneficios en los siguientes años: Iggy Azalea, Sky Ferreira, Rihanna o Camila Cabello (en la foto con Charli y Taylor Swift). La lista es abultada, como el buen gusto que ella demuestra cuando elige a sus colaboradores: Christine and the Queens, Troye Sivan, Carly Rae Jepsen, Kim Petras, Hannah Diamond, Caroline Polachek, Dorian Electra, HAIM, Clairo, Yaeji, Rina Sawayama, Robyn, 100gecs... y ahora Lorde, con la que ha dejado un momento precioso hablándose cara a cara en el remix de Girl, So Confusing

propios récords de copias vendidas. Fue, evidentemente, un movimiento inteligente: con el sello satisfecho -no solo por la performance del álbum, también porque habían conseguido lo que querían y sentían a su artista relativamente bajo control, ¿cómo iban a perderla ahora?- y el contrato finalizado, Charli se había preparado unas condiciones inmejorables para negociar una renovación en sus propios términos. Ya había demostrado que manejándose en los designios, manías y manierismos de la industria el proyecto tenía posibilidades inimaginables; ahora le tocaba a la industria apostar por su visión. “Necesitaba un cambio después de Crash”, ha comentado. “No estoy hecha para las radiofórmulas. No es quien soy en absoluto”.

Y brat es, después de todo, la gran confirmación: en su primera semana -con una portada como la que tiene, caótica, desastrosamente genial; sin colaboraciones para ensanchar audiencias y sin hits claros allanando el terreno- ya ha logrado doblar en ventas a Crash, y su fuerza no está siendo el streaming, sino las ventas físicas. Un hecho que demuestra que la fanbase de Charli es fiel, y consigue filtrarse al mundo real pese a forjarse esencialmente en Internet. Sobre esto hablaban recientemente A.G. Cook

(ATLANTIC, 2024)

y Sega Bodega en una entrevista en RPS: “Hay muchas canciones con gran impacto cultural que nunca llegaron a la radio. Tendemos a pensar que la radio es el mainstream, y no: el mainstream es la gente, y su percepción cambia con el tiempo. Ha llegado un punto en el que puedes tener dos billones de streams y cero impacto cultural, y tener un par de cientos de miles y que todo el mundo quiera ser como tú”. Es eso lo que Charli ha conseguido: armar su propio culto; nunca tuvo más importancia en la historia del pop de masas, más aún en la era del streaming. Y su secreto está, además de en esa presencia ubicua en la red y esa capacidad para hacer comunidad que siempre ha entendido como un arma de doble filo, en una ilusión de coolismo y exclusividad, como de algún modo venía a confirmar ella misma situando a Sky Ferreira por encima de Rihanna en su ránking de popstars o eligiendo Track 10 como su mejor canción: Charli XCX es rara, one of a kind, y parece dirigirse a los márgenes, pero orbita siempre el mainstream. Sobre esa idea ha construido un ideal de alternatividad que hace sentir a cada oyente diferente, único, pero al mismo tiempo inducirlo en una experiencia compartida en colectividad: uno, pero dentro de una masa.

360 / Club Classics / Symphaty is a Knife / I Might Say

/ Talk Talk / Von Dutch / Everything is Romantic / Rewind / So I / Girl, So Confusing / Apple / B2B / Mean Girls / I Think About It All the Time / 365 CD / DIGITAL / LP

BRATPOP

A.G. Cook

La trayectoria de Charli no se entendería sin Alexander Guy Cook, cabeza del sello PC Music hasta su disolución en 2023 y productor de cabecera y director creativo de Charli desde Number 1 Angel. A.G. Cook es piedra angular del pop en la última década: “Legacy is undebated: You gon' jump if AG made it”.

George Daniel

Batería de The 1975 y prometido de Charli desde 2023, George ha sido parte fundamental de brat y lo está siendo en las Party Girl, asistiendo a los platos junto a A.G. Cook.

Hudson Mohawke

Realmente todo lo que ha brindado A.G. Cook al pop tampoco se entendería -and life goes on- sin el trabajo de los príncipes escoceses del postglitch, Rustie y HudMo. Charli lo reconoce en 360, y le invita a producir Talk Talk

Gesaffelstein

La alucinación clubber es marca de la casa de un Gesafflestein que lleva quince años investigando esa oscuridad electro con hechura retrowave. En b2b vuelve a demostrarlo.

EASYFUN

Vinculado a PC Music desde sus inicios, siempre estuvo al lado de Cook en su alianza con Charli, y en brat vuelven a reunirse.

El Guincho

Cualquier crédito de un productor nacional en un disco de tanta altura es motivo de celebración. Más lo es que Charli, que está más motomami que nunca en la gira de brat, reconozca su legado en el pop.

The Dare

¿Cómo no va a fijarse XCX en el mejor productor de electroclash del momento... en un disco que es puro electroclash? Ha habido que esperar a la deluxe para escuchar Guess

SOPHIE

Otra línea que añadir al legado infinito de tan transgresora artista: sacar el lado más vulnerable y baladístico de Charli XCX, que le dedica una triste elegía en So I y le da su lugar en la historia club en 360

HIPNOSIS

POR: FERNANDO BERNAL

LA ESCENA DEL CINE NÓRDICO LLEVA UNA DÉCADA HACIENDO MUCHO RUIDO A TRAVÉS DE UNA NUEVA GENERACIÓN DE CINEASTAS QUE LE DA LA RÉPLICA A MAESTROS COMO VON TRIER, KAURISMÄKI O VINTERBERG. UN RECIÉN LLEGADO QUE APUNTA MUY ALTO ES ERNST DE GEER. EL CINEASTA SUECO FIRMA EN ‘HIPNOSIS’ SU ÓPERA PRIMA CON UN EXTRAÑO Y CAUTIVADOR SENTIDO DEL HUMOR.

Joachim Trier, André Øvredal, Juho Kuosmanen o Ruben Östlund, que acumula ya dos Palmas de Oro del Festival de Cannes -con solo seis películas rodadas- y es uno de los cineastas mimados del festival, son algunos de los nuevos nombres del cine nórdico que más ruido han hecho en los últimos años dentro del panorama de cine de autor europeo. En realidad, es bastante difícil encontrar un nexo de unión entre este grupo de directores, cuyas propuestas van desde el intimismo postmoderno de La peor persona del mundo (2021) de Joachim Trier y Compartimento No. 6 (2021) de Kuosmanen al cine de género puro y duro de André Øvredal con películas como La autopsia de Jane Doe (2016). A esta generación de cineastas que llegan desde el norte de Europa hay que sumar un nuevo nombre, Ernst De Geer, el director sueco que debuta en el formato largo con Hipnosis, con la que obtuvo tres premios en el Festival de Karlovy Vari. Otro autor más que con su mirada oblicua de la sociedad -hasta deformada en algún momento- pone a prueba la condición humana y sus miserias, siempre con un fino sentido del humor.

El cineasta sueco parte de una situación que podría haber fascinado a Charlie Kaufman o a Michel Gondry. Una mujer, Vera (Asta Kamma August), acude a una sesión de hipnosis para dejar de fumar y sale de la sesión siendo otra, pero no en sentido figurado. Parece haber perdido cualquier capacidad de filtrar y muestra una nueva personalidad. De Geer sitúa su película en el contexto de un congreso de start-ups, al que la protagonista acude con su pareja, André, (Herbert Nordrum) para conseguir financiación para su app: un escenario en el que se dan cita la comedia más desconcertante, el empoderamiento femenino y el mundo del capitalismo moderno alentado por las nuevas tecnologías. Un filme atravesado por un extraño sentido del humor y por una mirada analítica -y hábilmente corrosiva- que invita a la reflexión, pero sin buscar desprenderse de su ligereza. “Me gusta que una película pueda ser muchas cosas, que permita al público elegir lo que ve. Siempre me ha interesado la intersección entre la comedia

negra y el drama sincero. Me gusta cuando no estás seguro de si debes reírte o estar horrorizado”, afirma el director debutante.

UNA PAREJA ATÍPICA (Y CON UNA QUÍMICA

MUY ESPECIAL)

Ernst De Geer ya había trabajado con el actor noruego Herbert Nordrum, y luego encontró a la sueca Asta Kamma August, hija del director Bille August y de la actriz Pernilla August y parte del reparto de la mítica miniserie The Kingdom: Exodus (2022) de Von Trier, entre otras cosas, en un primer casting. “El papel de Asta es muy difícil,

"ME GUSTA QUE UNA PELÍCULA PUEDA SER MUCHAS COSAS... CUANDO NO ESTÁS SEGURO DE SI DEBES REÍRTE O ESTAR HORRORIZADO"

porque se supone que es una persona angustiada e introvertida que luego se libera de repente”, cuenta. Por su parte Nordrum se dio a conocer, precisamente, por su trabajo en La peor persona del mundo, y también aparece en la serie Young and Promising (2017), promocionada como la respuesta nórdica a Girls. Para ellos el cineasta escribió unos papeles que tenían un punto de partida bien definido: “Me encantan los personajes que cometen errores y que hacen las cosas lo mejor que pueden, pero aún así fallan”. Esa imprevisibilidad en la historia fue algo que sedujo a Asta Kamma August nada más conocer el guion. “Cuando lo leí -afirma- no tenía idea de hacia dónde iba a ir, y esa incertidumbre desencadenó mi fantasía de una manera muy apasionante. Desde la primera vez que lo leí supe que quería interpretar el papel. En muchos sentidos es un papel de ensueño, especialmente por la gran transformación que realiza el personaje a lo largo de toda la película. (…). Ernst es curioso y de mente abierta, lo que hizo que esta experiencia fuera la más divertida que he tenido en un set. Para atreverse a ser tan abierto hay que confiar en el gusto del director, como hice con Ernst. Sabía que él nunca dejaría pasar algo falso. Y eso hacía que fuera muy seguro volverse un poco loca”, asegura la actriz sueca. La química entre los dos actores resultó clave a la hora de sacar adelante la historia, y eso se percibe a la perfección en la pantalla. “Herbert Nordrum es un actor extraordinario, trabajar con él fue una maravilla. Ernst creó un set muy abierto y divertido, aceptando las improvisaciones y las ideas tontas. Encajó mucho con la forma en que Herbert y yo trabajamos. Tratar de mantener la curiosidad ante cualquier impulso que surja y no juzgar. Creo que le dio a las escenas un tipo especial de nervio y tensión que refleja el estado en el que se encuentran los personajes”. Ha trabajado con grandes del cine actual como Thomas Vinter-

berg o Lars Von Trier, pero si se la pregunta sobre el director que más ha influido en su corta carrera se lo piensa. “Ernst De Geer (risas). No, realmente. Hay un antes y un después de Hipnosis. Pensé que era muy difícil actuar en películas y televisión en papeles anteriores. Antes estaba muy perturbada al tratar de representar la escena como lo había imaginado en mi cabeza cuando la leí, mientras que en este proceso tuve que dejar de lado esa expectativa y quedarme abierta a lo que viniera, a toda esa frescura e improvisación”.

Cuando trata de definirse, De Geer tira de referencias eclécticas y sobre todo de directores que saben cómo trascender -y derribar- las barreras entre los géneros, algo que aprendió tiempo antes de comenzar a formarse como cineasta. “Al principio, incluso antes de ir a la escuela de cine, creo que fueron los hermanos Coen. Simplemente tienen una voz tan distintiva y sus películas son muy divertidas. Pero, al mismo tiempo, son mucho más que eso, lo que las hace muy fáciles de volver a ver. Otro que realmente afectó mucho a mi estilo fue Bong Joon-ho. La forma en que sus películas como Memories of Murder y Mother eran tan divertidas y al mismo tiempo tan increíblemente oscuras...”. Una cuestión que resulta inevitable abordar con el cineasta, la que encabeza este texto, es ese estado de salud del cine nórdico en la actualidad. ¿Hay algún secreto? “¡No sé! Estoy de acuerdo en que ha habido una buena cantidad de películas interesantes. Contamos con grandes cineastas escandinavos que han encontrado una audiencia internacional. De hecho también estamos luchando, al menos en Suecia, por encontrar audiencia local para algunas de esas películas. No creo que hayamos encontrado una receta para el éxito. Creo que lo que se necesita es una buena infraestructura, con financiación y escuelas de cine. Hemos tenido algo de eso, pero también podría ser mucho mejor”.

HIPNOSIS (9 agosto)

Sideral / Suecia / 2023 / Dirección: Ernst De Geer

Reparto: Asta Kamma August, Herbert Nordrum, David Fukamachi Regnfors

POR: ANNA PÉREZ

DILLOM (BUENOS AIRES, 2000) DESLUMBRA Y PERTURBA EN UNO DE LOS ÁLBUMES

DILLOM (BUENOS AIRES, 2000) DESLUMBRA Y PERTURBA EN UNO DE LOS ÁLBUMES DE HABLA HISPANA MÁS ACLAMADOS ESTE AÑO. CON LA EXPERIENCIA DE QUIEN LLEVA CODEÁNDOSE CON LA MÚSICA DESDE LOS QUINCE AÑOS, PRIMERO COMO

PRODUCTOR Y DESPUÉS COMO RAPERO, EL ARGENTINO CREA UNA FICCIÓN PARA CONFIRMAR QUE SU ARTE TRASPASA LO MUSICAL, CON UN SAVOIR FARE CINEMATOGRÁFICO Y UNA SENSIBILIDAD PROPIA DEL DIRECTOR DE UN MACABRO THRILLER. TODO ELLO ES ‘POR CESÁREA’ (BOHEMIAN GROOVE, 2024).

PRODUCTOR Y DESPUÉS COMO RAPERO, EL ARGENTINO CREA UNA FICCIÓN CINEMATOGRÁFICO Y UNA SENSIBILIDAD PROPIA DEL DIRECTOR DE UN MACABRO THRILLER. TODO ELLO ES ‘POR CESÁREA’ (BOHEMIAN GROOVE, 2024). FOTO: AGUSTINA LAMANUELE

Dillom, de nombre real Dylan León Masa, acaba de estrenar su segundo álbum de estudio, Por cesárea, un proyecto crudo, explícito y sobre todo, terrorífico. Tal vez es triste romper ya en estas primeras lineas de entrevista el embrujo que rodea al artista, o tal vez es el dato que de alguna manera necesitabas leer. No, Dillom de cerca no asusta, ni parece un loco, ni un perturbado. De hecho es un tío muy agradable con el que da gusto sentarse a hablar sobre su proyecto, porque rápidamente se percibe que lo suyo no es impostación de ambiciones rockstar. El argentino, nacido en el barrio de Balvanera en Buenos Aires en diciembre del año 2000, es el director de arte, el guionista e incluso si me apuras el auxiliar de producción en la que es su propia gran película de terror.

“Yo, cuando tuve la idea, empecé a escribir el guion de esta historia de una manera muy rústica y sin saber nada sobre guiones. En mi primera versión, recuerdo que quería contar doce partes de la historia, similar a la estructura narrativa del camino del héroe, pero quería que el héroe se convirtiera en villano a lo largo de ese proceso, de ese viaje. Con mis limitados recursos de narración escribí la historia, detallando qué quería que ocurriera en cada momento y en cada canción”. El álbum pone así el storytelling como piedra angular de un proyecto que se articula siempre al servicio del concepto. “Quizás antes, en mis anteriores proyectos, mostraba algunas ideas, alguna narra-

tiva muy leve, pero nunca había creado contando una historia de principio a fin, teniendo clarísimo desde el primer momento lo que iba a contar en cada canción, cómo iban a desarrollarse. Era un desafío, porque no solamente suponía contar una historia, sino que esta historia tenía que ser musicalmente atractiva e interesante, y eso era limitante y frustrante”. La música suele ir de imágenes, de conceptos abstractos que adquieren sentido en la cabeza del oyente, como la poesía. Constreñirse a un discurso deliberadamernte narrativo en su totalidad puede ser, más que un reto, una locura. Pero así es Dillom, y así ha vivido en parte su vida y su trayectoria como miembro de los colectivos Rip Gang y Talented Broke Boys, siempre siguiendo los pasos creativos de la Drain Gang y de Year0001 o de la Gothboiclique. La historia de Por cesárea explora la psique de un hombre perturbado por una vida de adicciones, depresión y violencia explícita; la historia de alguien que vivió sintiendo que no debería haber nacido. En esta película sonora Dillom interpreta al personaje en primera persona y le da voz a sus deseos más retorcidos, pero también a sus traumas más profundos. Por eso, es interesante esta desvinculación entre el artista y el arte más propia de otro tipo de narrativa. “La música tiene un componente muy personal que suele ser la norma: uno canta lo que vive, en el rap hay un estigma muy grande con eso. Pero me parece limitante hablar siempre desde el punto de vista de uno mismo. Siempre me gustó interpretar personajes, crear universos, algo que se me ha criticado mucho… Yo siempre he pensado no sé, si Will Smith en una película hace de pobre nadie le va a recriminar que es millonario, pero creo que la música no está concebida desde la base de la ficción”. A pesar de la ficción, sí que es cierto que a lo largo de los años en la obra de Dillom se vislumbra una relación especial con la muerte. “Hubo un tiempo en el que estaba aterrado con la muerte, más que nada en la pandemia. Cuando me empezó a ir bien me desesperé con eso y estaba todo el día traumado. Por eso en Post mortem (2021) pensé en hacer un disco póstumo pero en vida, para dejar algo por si me muero. Se me pasó la obsesión, por suerte, pero es una temática que sigue rondando en mi cabeza también viendo documentales de asesinos o con el cine de terror, que me gusta mucho”. Esas influencias las podemos presenciar en la canción Muñecas, la que sin duda es el clímax del álbum, el momento en que la vida de nuestro protagonista cae en el pozo de la locura tras asesinar a una mujer. Como oyente es difícil de digerir, pero tras escuchar el álbum al completo

HECHO

A SÍ MISMO (EN EL DRAMA)

Dylan León Massa nació el 5 de diciembre del año 2000 en la zona de Once de Septiembre, dentro del barrio de Balvanera en la efervescente ciudad de Buenos Aires, un área que tradicionalmente ha servido de punto de encuentro para la comunidad judía en la capital argentina. Su padre, de hecho, era judío, y hubo un momento en el que en casa las cosas parecían ir relativamente bien... hasta que dejaron de hacerlo. La madre de Dillom, que había caído en una espiral de drogadicción, terminó ingresando en prisión, y su padre rehizo su vida con una nueva mujer radicalizando todos sus ideales, en un entorno ultraortodoxo y ultrareligioso. Durante su adolescencia todo fueron peleas, pero él encontró su refugio en la comunidad de raperos de una de las villas miseria más pobladas de la ciudad porteña, la Villa 31. A los 15 años ya estaba produciendo beats para el colectivo 31 Estudios, y a los 16 le echaron de casa. Pasó una noche en la calle, pensó en mudarse lejos de Buenos Aires con sus tíos, pero la música tiraba más, y su mejor amigo acudió a la llamada de socorro: su madre y él le acogieron en su casa como otro hijo, y ha estado viviendo con ellos hasta que su carrera le ha permitido independizarse. Sabe de dónde viene y hacia dónde va, es agradecido y ambicioso en su proyección artística. De Drippin a su sesión con Bizarrap y de fundar Talented Broke Boys en la estela de Drain Gang a lanzar su primer álbum, Post mortem, hay apenas cuatro años y una pandemia, un abrir y cerrar de ojos un tanto eterno. Hoy está llenando arenas en su país y colaborando con Calamaro. Su futuro asusta.

puede aparecer una empatía, un querer entender el por qué. “Hay un punto que creo que es muy tabú: no puedes empatizar con una persona que está loca, que hizo algo horroroso. Yo creo que sí se puede, porque quizá no todos tenemos las mismas herramientas para lidiar con situaciones de abuso, traumáticas… No hay que justificar que está bien un asesinato, pero puedo llegar a en tender por qué esta persona explotó”.

Dillom cuestiona nuestra moral, pero tam bién la manera en la que solemos entender el proceso creativo de los músicos. En estos años el cantante ha ido perfeccionando su capacidad para que los géneros musicales que le sirven como herramientas queden supeditados a la historia que quiere contar. En este álbum he sido especialmente minucioso con eso. Yo tenía el guion de la historia, sabía lo que quería que pasara pero no sabía cuál iba a ser el sonido. No es que yo desde un inicio pen sara: ‘En esta parte jazz, en esta parte rock’, no. Yo agarré y dije: ‘Quiero hacer un disco muy ecléctico en el que convivan distintos géneros’, como para demostrar versatilidad… Lo hice porque cada momento de la historia se tiene que contar de alguna forma y hay distintas herramientas para hacerlo”. Exigencias del guion. Para ello se rodeó de talentos diversos más allá de sus productores de siempre. Con un PowerPoint les explicó la historia y fluyeron. Así surgieron colaboraciones como Andrés Calamaro o Lali. Además, por primera vez también estuvo muy presente en el proceso de mezcla junto a Santiago de Simone. “Tenía claro que el mix era clave para generar el aura y las capas del disco. La espacialidad, el volumen de un instrumento por encima de otro, una guitarra sonando desde un lado, un sonido atmosférico… Fueron dos semanas de un proceso muy minucioso”. Así, el resultado final aúna pop, punk rock, indie y rap con solvencia y sentido bajo una mezcla y una atmósfera que hace sentir al oyente formando parte de un todo. “Ahora estoy haciendo lo que siempre quise hacer en lo musical, no más me tocaba aprender todos estos años para llegar donde estoy. Ahora veo para atrás algunas cosas y obviamente las hubiera hecho distintas… pero no sé, ya no escucho el disco anterior, no puedo escucharlo, ni siquiera reconozco mi voz. Es loco, no suelo renegar de eso, pero tampoco quiero oírlo. Y si escucho mis primeras temas me mato. Evidentemente al inicio cuando hacia trap me gustaba lo que hacía... También es verdad que es un género mucho más simple y barato de hacer

cuando empiezas: no puedes pretender hacer una música que exige una complejidad y una producción sin equipo ni conocimientos, ni plata. Para mí todos estos años fueron de aprendizaje, y ahora al tener una plataforma con más recursos puedo permitirme hacer cosas más locas”.

Es esta versatilidad junto con la habilidad de crear mundos coherentes y conceptuales lo que hechiza cada vez a más adeptos. “Con el anterior disco en la primera fila veía personas mayores y pensaba ‘deben ser los papás’. Ahora es impresionante la cantidad de gente de cuarenta o cincuenta años a los que le gustó el disco. Se nota la expansión del público con este disco, especialmente otro más maduro, más serio. Venir acá, a España, fue también increíble. Hacía el paralelismo con Argentina que estaba llenando el Luna Park con 8.400 espectadores y acá toqué en Bilbao para 200. Para mí es algo bueno, puedo ver reflejado ese trabajo escalón a escalón y ver los resultados”. Al día siguiente de esta entrevista, Dillom hizo sold out en La Paqui de Madrid. Peldaño a peldaño, el final de la escalera.

POR CESÁREA (BOHEMIAN GROOVES, 2024)

Últimamente / La novia de mi amigo / Cirugía / Mi peor enemigo / (Mentiras piadosas) / La carie / Buenos tiempos / Muñecas / (Irreversible ) / Coyote / Reiki y yoga / Ciudad de la Paz

DIGITAL

“NO HAY QUE JUSTIFICAR EL ASESINATO, PERO PUEDO LLEGAR A ENTENDER POR QUÉ ESA PERSONA EXPLOTÓ” HAY QUE PERO ESA

POR: MIGUEL PARDO

DESPUÉS DE UNA DÉCADA EN EL JUEGO, PEGGY GOU HA CONSEGUIDO EXTENDER LA GOU-MANIA A CADA UNO DE LOS GRANDES TEMPLOS DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA , Y AHORA, POR FIN, LANZA SU DISCO DEBUT , ‘I HEAR YOU’. CREADORA DE SU PROPIO SELLO, SU PROPIA MARCA DE ROPA... LA PRODUCTORA Y DJ SURCOREANA ES, MÁS QUE LA REINA DE LA MÚSICA DE BAILE, LA CEO DE LA PISTA. ANALIZAMOS SOMERAMENTE SU RECORRIDO, ALGUNAS DE SUS INFLUENCIAS ... Y CÓMO NO, UN PRIMER LP EN EL QUE DA UN GIRO HACIA LA MÚSICA DE LOS 90 .

FOTO: PARK JONGH HA

Kim Min-Ji, que nació en la ciudad de Incheon, una de las seis grandes metrópolis que forman Corea del Sur, cumplirá este mes de julio 33 años. Y aunque quizá pienses que lo suyo es cosa de tres veranos, realmente Peggy Gou lleva unos diez años produciendo música electrónica. Su primer EP, The Art of War Part 1, vio la luz en un sello potentísimo como es Rekids -de Radio Slave-, un fijo de las noches houseras del club berlinés Panorama, que también lanzó el debut de Nina Kraviz. Desde entonces ha pasado por otras plataformas extraordinarias como Ninja Tune e incluso ha tenido tiempo y ganas de montar su propio sello, Gudu Records. Hasta llegar al sello británico XL Recordings, el espacio para artistas más convencionales o exitosos como Adele, Radiohead o The White Stripes, pero igualmente pionero del jungle y el sonido rave en UK y hogar de tróspidos como Arca, Burial, Blawan o Nourished by Time: presente vs tradición. Todos esos saltos temporales y en cierto modo estilísticos se han convertido, con el tiempo, en seña de identidad sobre una marca, Peggy Gou, evidentemente enfocada al house. Y aunque de ahí parta todo, Min-Ji -que prefiere no categorizar su música-, ha ido sutilmente ejecutando un viraje hacia un pop pistero sin dejar de referenciar otros estilos más underground como el electro, el downtempo y el breakbeat. Su último pelotazo, un (It Goes Like) Nanana que alcanzó el Nº1 el verano pasado en listas internacionales y que literalmente arrasó en el circuito de clubes y festivales, es un track que retrotrae de una manera fresca, emotiva e increíblemente pegadiza a la música de baile más popular de los noventa. “Me encantan los DJs de Detroit como Maurice Fulton. Por un momento parece que va a pinchar techno y sorprendentemente todo eso se traduce en sonido disco”, explicaba hace unos años a The Guardian.

Pero esta capacidad para crear hits encapsulados fuera del tiempo no es nueva para Peggy Gou. En 2016 la artista surcoreana ya lanzó un EP, Seek for Maktoop, en el que nos encontrábamos con Maktoop, un tema hipnótico con un bajo deliciosamente contenido que se construía con elementos del acid y del trance, como esa línea de 303. Sería dos años después, en el sello matriz de Technicolour, donde lanzaría el trabajo que definitivamente puso su nombre en las mejores cabinas del panorama internacional: sin que exista una necesaria correlación entre el ámbito de la producción y el de selectora, Once (Ninja Tune, 2018) terminó de definir la “Gouaesthetic” y el prominente futuro que tendría la artista más allá de su función como pinchadiscos. En él, tanto los diseños como las percusiones exquisitas están definitivamente on point, pero lo más interesante de todo es que Gou se atrevía por primera vez a cantar en sus pistas, amenazando ahora sí los dominios del pop. La sutileza y la finura de It Makes You Forget (Itgehane), que viralizó por vez primera a la artista surcoreana, tiene una producción que, a pesar de incluir una Roland, presenta un sonido

y un enfoque hasta ahora inédito para ella. Ese house elegante, repleto de matices, con letras orient-oriented y con un aire nocturnal y ciertamente embriagadador y psicodélico marcaría sus subsiguientes sencillos y colaboraciones en Gudu. Su proyecto de discográfica, más que una excentricidad o un espacio de autobombo para su creadora, ha servido para acoger lanzamientos de productores de reputación intachable como el incombustible DMX Krew -rey del electro y el acid- o de artistas agresivos y divertidísimos como Special Request, pero sobre todo para armar la primera piedra de un entramado expansivo que ha ido abriéndose también hacia la moda y el diseño.

El Gouniverso se sigue amplificando en su nuevo trabajo, I Hear You , incluyendo las colaboraciones más ambiciosas de su carrera. En el que además es su primer LP después de ocho años de currículum discográfico Peggy Gou se codea con Lenny Kravitz, por ejemplo, del que ella misma declaraba en una reciente entrevista para L’Officiel que “es un perfeccionista, exactamente como yo”. La afirmación no anda demasiado desencaminada: grabada en diversos estudios, siempre desde un enfoque nómada, pero con la concisión propia de quien nació para crear y trabajar en torno a hits, I Believe in Love Again -en general como todo I Hear You - representa esa adaptabilidad camaleónica que comparten ambos artistas. La misma que la productora utiliza para adaptarse al estilo de Villano Antillano, en un tono más groovy y hip hop, pero sosteniendo esas elegantes luces de su sonido. Aún así y a pesar de esa ductilidad con otros creadores, por lo que destaca el debut largo de la surcoreana es por la flexibilidad que tiene su autora con estilos del pasado. El breakbeat ácido y pesado de Purple Horizon, sin ir más lejos, difícilmente podríamos haberlo asociado a Peggy Gou en una escucha a ciegas: su ambiente clásico, algo sucio y el vamp central podrían recordarnos a unos Ultramarine pasados de rosca. En última instancia, escuchar su música y asistir a sus diversas y kinéticas sesiones es una experiencia carente de fronteras. Peggy Gou se mudó a Londres a los 14 años para estudiar en London College of Fashion mientras acudía por las noches a bailar en Plastic People y Corsica Studios. Desde ahí comenzó su relación con la cultura de baile, la escena o el sonido británicos, el coleccionismo de vinilos y también con la cultura occidental. En la entrevista en L’Officiel hablaba por ejemplo de su conexión con el mundo pictórico de Salvador Dalí: “Siempre me ha encantado Dalí. Vivía en un futuro que sólo él podía ver y era la esencia misma de lo que consideramos anormal. Eso me parece muy atractivo. El título de una de sus piezas es Teléfono Langosta y tan pronto como la vi pensé que podría ser un título increíble para una canción. En la canción, que aparece en este disco, canto en coreano, pero ni siquiera los coreanos entienden bien un mensaje que dice: 'Sé que no me entiendes, pero todo

“MI VIDA EN BERLÍN CONSISTÍA EN TRABAJAR EN UNA TIENDA DE DISCOS, HACER MÚSICA EN CASA E IRME AL BERGHAIN TODOS LOS DOMINGOS”

LAS NUEVAS DIVAS DEL CLUB

Peggy Gou es única, pero también es una de las caras visibles de un movimiento que está reivindicando a las mujeres de las cabinas.

1. Amelie Lens

Quizá la cabeza del techno en femenino en la actualidad, al menos desde su lado más masivo. En cualquier caso, comodidad no es algo que se aplique a la belga, que lleva un lustro atronando en los clubes y festivales más selectos y gigantescos del mundo con su vibra hardcore.

2. Charlotte de Witte

También de Bélgica, Charlotte comparte con Amelie ese punto sucio y macarra, marrullero incluso, que distorsiona los bombos y que marea a base de puro hard-techno, y como ella sabe trufarlo lo justo de himnos y de momentos más expansivos para que la llamen desde un amplio rango de venues. Overdrive es la prueba.

3. Nina Kraviz

En cierto modo, y con artistas fundamentales como Miss Kittin y Jane Fitz en la cabeza, en el corazón y en la maleta -o en el pen drive-, la rusa lo empezó todo, o al menos allanó el camino a una nueva generación de djs femeninas para que reclamaran con autoridad un espacio en unas primeras líneas que durante mucho tiempo Nina compartió solo con hombres.

4. Honey Dijon

Si hay alguien responsable de seguir actualizando día a día el house, desde sus orígenes en Chicago hasta su transgresión neoyorquina, esa es Honey Dijon, que además ha sido clave en hacer de la pista y la cabina lugares diversos, inclusivos y abiertos a cualquier identidad.

5. Jayda G

Siempre entre la hi-nrg, el soul disco y toda la herencia de la música británica de club, la canadiense Jayda G se ha convertido en una de las últimas grandes sensaciones del circuito londinense, expandiendo más y más su radio de acción y su influencia. Su segundo álbum en Ninja Tune llegó a estar nominado en los Grammy.

sigue igual'. Creo que encaja bien con el espíritu surrealista de Dalí”.

Bajo un prisma ya abierto, multicultural y descentrado que permea en todo su proyecto artístico -giras, bolos y promo por todo el mundo-, no extraña que su pasión por la música de club la condujera a Berlín tras abandonar sus estudios en Londres, su sede hasta hoy. “Mi vida en Berlín en esos años consistía en trabajar en una tienda de discos, hacer música en mi casa e irme al Berghain los domingos,” Admite, de hecho, que lo que más disfruta es el calor de los dj sets, la inmediatez asociada a compartir y disfrutar música conjuntamente, los baños de masas, la energía de la pista... Son esa frescura y esa pasión por la cabina las que ya la han convertido para algunos medios en la mujer con más visibilidad y reconocimiento

del mundo del DJing. Su nombre ya está a la altura del de otras grandes divas del club de la última década como Honey Dijon, Nina Kravitz, Amelie Lens o Charlotte de Witte. Los festivales y las cabinas de Ibiza lo confirman: Peggy Gou es una selectora extraordinariamente deseada y es además una artista capaz de diversificar su atención y mantener afecto y deferencia por algunos de los nombres que dieron forma a la música que ahora pone y produce. El revival de cierta música de club -y entonces carente de catalogación- que más tarde pasó a considerarse tech-house se siente particularmente presente. “Ojalá un movimiento similar hubiera existido en Corea. Empecé a investigar sobre el fenómeno raver e imaginarme a mí misma como una raver en la Corea de los años noventa. Durante la pandemia descubrí que la música de los noventa me ayudaba y animaba a mantenerme creativa, concentrada, esperanzada. Esas letras y la repetición de estructuras musicales realmente me ayudaron a superar esos momentos difíciles”.

Es esa especie de atención por the whole picture lo que convierte el proyecto de Gou en algo tan especial. Preocupada por los sonidos actuales, formada en los originales, trascendiendo las fronteras musicales hacia la estética y la moda, la obra de arte total de Kim MinJi nos habla de una artista ambiciosa y, ante todo y como ella misma defiende, “eficiente”. La eficiencia es la base de un proyecto que hace tiempo que no es solo una propuesta musical, sino una nueva forma, más trendy si se quiere, de hacer que la gente conecte con la cultura de baile. 2024, por tanto, está siendo el año de Peggy Gou. Mientras que el curso pasado su estrella pareció ascender hasta un lugar inédito, ha sido este el que ha visto aparecer su primer larga duración y consumarse holísticamente su proyecto. Su tour, que viene de Coachella y Primavera Sound y ahora se encamina a Glastonbury, Lowlands, DGTL o los grandes cierres en Ibiza, es una prueba más de la esfera y el sistema solar por los que su figura se mueve. Sea como icono o como médium entre la música -más o menos underground- y los clubbers, la estampa de la creadora surcoreana es ahora mismo la aduana por la que todo aficionado a la música de baile debe pasar.

CANCIONES DEL VERANO

Gou Talk (2016)

La clave de los primeros trabajos de Peggy Gou siempre estuvo en tratar bien los bajos en función de la ocasión, en mantenerse siempre sobre el acid pero sin perder de vista el pop: Gou Talk lo sintetizaba a la perfección, arrancando con ese beat tan Hercules & Love Affair.

It Makes You Forget (Itgehane) (2018)

La primera canción como tal de Peggy Gou, un susurro que por su carácter transcultural -cantada en coreano, abrazando sonoridades tropicales, referiendo el diva house y mirando a la Ibiza más diurna- comenzó a extender la Goumania por todo el mundo.

Starry Night (2019)

Con este tema Gou empezó a demostrar que tenía una cosa clara: cada verano hay que tener una excusa para ser pinchada en todas partes; no hubo chiringuito, terracita o fiesta en el jardín que se librara de Starry Night

I Go (2021)

En cierta medida I Go, con ese pulso space trancero y su cinética constante, marcó la reconciliación de Gou con los oídos más sibaritas. Como para no: otro verano más para ella.

(It Goes Like) Nanana (2023)

Entre el Café del Mar, el eurodance y ATB -samplea su 9PM (Till I Come)-; también un poquito Mi gente de Lucrecia, el asalto al mainstream de Peggy Gou, el tema que certificó su conversión en estrella mundial.

Lobster Telephone (2024)

Ni un año sin verano, ya lo decimos. Este año Gou nos ha deslumbrado con una de sus mejores canciones: tiene un punto maravillosamente ridículo, con esa línea que nos suena a “maremoto” y el “Tócate, dale, tócate” del estribillo, pero es que el riff del bajo está directamente en otra galaxia.

LA PLAZUELA

POR: GABRIEL CÁRCOBA / FOTO: DELASCHUCHES

LA PLAZUELA HAN RECLUTADO AL MÍTICO CANTAOR DAVID DE JACOBA Y A LOS ASCENDENTES PRODUCTORES DE TEXTURE PARA SU ÚLTIMO EP, ‘LA CALETA’: UN LUMINOSO TRABAJO DEDICADO A LA COSTA GRANADINA Y A SUS AGRADECIDOS HABITANTES. ENTRE RISAS, HABLAMOS CON MANUEL HIDALGO (INDIO) Y LUIS ABRIL (NITRO) SOBRE DEJAR ATRÁS GRANADA, LA VIDA DESPUÉS DEL ÉXITO DE ‘RONEO FUNK CLUB’ Y LA IMPORTANCIA DE CREAR ALGO HONESTO Y DURADERO.

Cuando La Plazuela hizo su primera entrevista con NUEBO, a principios de 2023, “estábamos quebrándonos la cabeza para sacar adelante el directo de Roneo Funk Club”. A la vez, se empezaban a erigir los cimientos del próximo trabajo discográfico de los granadinos a partir del primer mensaje en Instagram del cantaor David de Jacoba, enviado en enero: “Hola, sigo vuestra música y me encanta el rollo que lleváis. Me encantaría grabar algo con ustedes en algún tema. Un abrazo”. Así, en uno de los bares de Salobreña, empezó el sueño de La Caleta. Más de un año después de su debut y habiéndose mudado a Madrid de manera definitiva, la vida de Indio (Manuel Hidalgo Sierra) y Nitro (Luis Abril Martín) ha cambiado sustancialmente. “Una de las cosas que más valoro es ir al supermercado y no estar preocupado de si voy a tener dinero o no”, cuenta Indio. En cuanto al trabajo, también ha supuesto un avance de “presión y responsabilidad que queremos y buscamos, pero que tienes que saber llevar”. No todo ha sido fácil. Por ejemplo, la búsqueda de hogar en una nueva ciudad. Indio cuenta que “ha sido de las frustraciones más gordas de los últimos años”. A los caseros no les gustan ni los músicos ni los jóvenes. “Y si eres gitano y flamenco, ni te cuento”, añade David. Por muy vista que se tenga, la tierra de cada uno es sagrada. Al dejarla, siempre se ve con otros ojos. En este caso, Granada y Madrid no podrían ser más diferentes, en todos los aspectos. “La gente de aquí está muy enfadada todo el día, estamos muy estresados. Tengo muy buenos amigos aquí en Madrid, pero vas por la calle y noto que no te dan tanto los buenos días ni te miran bien a la cara cuando te hablan”, cuenta Indio. Hasta la cosa más pequeña puede ser una gran diferencia: “Aquí no hay fuentes para beber en un momento dado”, señala David. La diferencia en el estilo de vida tampoco ha pasado desapercibida para Nitro: “Lo que más echo de menos es el cómo vivía yo en Granada. No sé si ahora lo encontraría, pero echo en falta la sensación de estar en un mirador, con un colega, echando un cigarrillo. La tranquilidad que tiene esa ciudad. Es verdad que tendríamos que ver como estaríamos nosotros allí”.

Entonces, ¿qué tiene de bueno Madrid? El trabajo. En el caso de La Plazuela, todavía más. “Nuestra experiencia en Madrid es distinta a lo que nuestras familias se piensan. Hemos encontrado nuestro sitio aquí, en nuestro barrio, donde vivimos más o menos todos. Vamos al estudio a la hora que decidimos. Estamos un poco ajenos a todo ese estrés, y también estamos haciendo

piña con gente muy bonita”, admite Indio. Por todo esto, se entiende mucho mejor la llegada de La Caleta , que al final es una carta de amor nostálgica a Granada, sus costas y su gente. Para este trabajo, en el que cobra mucho más protagonismo el flamenco, La Plazuela se ha juntado con David de Jacoba y el dúo de productores Texture, que ponen su electrónica visión del futuro granadino. Sobre De Jacoba, autor de la versión original de De color, cuentan Indio y Nitro que les sorprendió “un montón su manera de ver el flamenco y la música”. David viene del flamenco más tradicional. El flamenco de las leyendas. “Yo he tenido la suerte de estar con el maestro Paco de Lucía de gira durante cuatro años, los últimos de su vida”, cuenta De Jacoba. La fusión de La Plazuela no sienta bien a muchos puristas del género flamenco, y así lo ha sufrido David. “Hay alguna gente del flamenco que me ha dejado de seguir, pero he ganado muchísimo más. Lo que tenemos que hacer los flamencos es irnos con esta gente, que nos aporta. No quiero el olé de gente que no le gusta el arte ni la música”, sentencia. La diferencia entre él y todos los que le critican es poner la música, sea como sea, por delante de todo: “Yo soy cantaor de flamenco, pero más que eso, me considero cantaor de la música”. La idea de La Caleta llegó en el peor momento posible. “Estábamos en mitad de una gira y acabábamos de sacar un disco. Luego pensamos que, si no lo hacíamos ahora, igual teníamos que esperar dos o tres años, porque los tiempos aquí van así. Fue un quebradero de cabeza”, cuenta Indio. “Cogimos a David y nos lo trajimos a Madrid. Nos metimos al estudio sin que hubiera nada porque no estaba en nuestros planes. Lo primero que salió fue decirle que se cantase diferentes palos de flamenco en diferentes bpms. Así surgió Rumba de los bajos, aclara Nitro sobre la espontaneidad del proyecto. Entre Madrid y Salobreña, La Caleta tomó forma. Se derramó hasta sangre, en Alegrías de la ragua, concretamente. “Hay un momento en el que está muy alto el tono, y David sangró cantando una de esas voces”, cuenta Nitro. Todo el esfuerzo finalmente tuvo su recompensa. ¿Hay algo más bonito que ver reconocido el trabajo por aquellos en los que pensabas al hacerlo? “Ha sido mucha gente de allí, de la costa, la que se ha sentido alabada por cómo lo hemos hecho. Esos pueblos no son tan turísticos como Málaga o Cádiz y yo creo que no se esperaban que nos diera por hablar de ellos”, cuenta Indio, con una sonrisa. “Si la gente de allí lo ha recibido con cariño, haciendo una excepción, me vale más su opinión que la del resto”.

“ECHO EN FALTA LA TRANQUILIDAD DE ESTAR EN UN MIRADOR, CON UN COLEGA, ECHANDO UN CIGARRITO. ESA TRANQUILIDAD QUE TIENE GRANADA”

LA CALETA (UNIVERSAL, 2024)

Alegrías de La Ragua / Bulerías de La Guardia / Rumba de Los Bajos / Calabajío / De color -

ON

NOS SUBIMOS CON EL COCHE EN MARCHA A UNA ROAD MOVIE PILOTADA POR LOS CINEASTAS MARÍA GISÈLE ROYO Y JULIA DE CASTRO PARA UNA DE LAS PELÍCULAS MÁS LIBRES, DIVERTIDAS Y DESPREJUICIADAS QUE VAS A VER EN MUCHO TIEMPO, LANZADA A TODA VELOCIDAD A SER PELI DE CULTO.

Cuando se encontraba en el proceso de preproducción de su primera película junto a María Gisèle Royo, también cineasta debutante, Julia de Castro -actriz, artista polifacética y cantante, antes conocida como De La Purísima-, quiso ponerse en contacto con Chacha Huang para hablarle de un proyecto realmente especial. Se trataba de una revisión del filme de culto Corridas de alegría (1982), de Gonzalo García-Pelayo, una road movie sobre amistad y amores frustrados, una de esas películas esenciales para entender una parte importante de la historia del cine español y a un cineasta realmente sorprendente.

“Estaba rodando en Alemania, me llegó un mensaje de Julia hablándome de lo que quería rodar y para hacer un zoom. Después de la reunión solo deseaba leer el guion, conocer la historia; solo tenía el resumen y me parecía divertidísima”, asegura la actriz china. “Conocía a Julia desde hace algunos años y siempre ha sido una artista a la que admiro, me parece una bestia en el escenario. Cuando me llamó para el casting pensé que tenía que ser algo muy guay si ella quería ser la directora. Cuando me llegó la separata y vi el nombre de mi personaje, Reina de Triana, supe que tenía que hacerlo, ya solo por el nombre -risas-. Me gustaba tanto que no podía dormir, estuve un par de noches pensando en cómo iba a preparar el personaje para que me cogieran. Era muy diferente de la ‘reina’ pero creo que le pude dar algo interesante. Y después de una semana, tenía el papel”. Las directoras querían hacer una película que homenajeara a la cinta original, pero que estuviera próxima a una generación que vive cuarenta años después. “Hemos respetado el espíritu libre de la película original y, a partir de ahí, hemos creado algo totalmente nuestro, donde

THE

hay ecos de la libertad y el montaje propios de la nueva ola francesa”, confirmó Gisèle Royo durante la presentación del filme en el Festival de Sevilla. La producción de la película no resultó especialmente sencilla y muchas de las decisiones, como si de un guiño al título se tratara, fueron tomándose sobre la marcha. “Estábamos capacitadas para saber que lo que habíamos escrito podía no rodarse, pero contamos con un equipo que respondió positivamente a esa renuncia y a esa improvisación constante”, subrayó Julia de Castro en el certamen andaluz.

Corridas de alegría (1982), que originalmente iba a titularse On the Go, forma parte de la primera parte de la interesante y muy personal -vale la pena recuperarla- filmografía de Gonzalo García-Pelayo. Cineasta, editor y productor musical de enorme trascendencia en la música española, también ingenió un método que le permitió convertirse en una celebridad mundial ganando una gran cantidad de dinero, en compañía de su fami-

POR: FERNANDO BERNAL

lia, en los casinos de medio mundo. Una historia que tuvo incluso una exitosa versión en forma de película -The Pelayos (2012), de Eduard Cortés, con Daniel Brühl y Lluís Homar en los papeles protagonistas-, y que recreaba aquellos años que convirtieron a los miembros del clan en protagonistas de grandes titulares. Ahora, García-Pelayo sigue haciendo películas, a un ritmo de diez al año en su última temporada en Argentina, siempre al margen de la industria y solventando con ingenio los problemas económicos. En la reciente edición del Bafici, en Buenos Aires, ha presentado siete de ellas y alguna colaboración con la cineasta Lucía Seles, una de las más innovadoras voces surgidas del país argentino y cuyo inclasificable y arrebatador cine comienza a llegar a nuestro país. Tras una temporada en la que su obra permaneció un tanto relegada o marginada en la historia oficial, volvió a ser revindicada gracias a una retrospectiva en el Festival de Viena en 2013, donde el comisario de la muestra, Álvaro Arroba, la definió “como La Maman et la Putain de Jean Eustache reescrita por Joyce colocado de viagra”. En aquellos momentos también apareció en la

GO

portada del prestigioso periódico francés Libération, y su obra, actual y presente, volvió a ser rescatada del olvido y reivindicada justamente.

JULIA DE CASTRO Y OMAR AYUSO, AL VOLANTE EN PANTALLA

“Sabía que era un remake muy libre, y nunca he visto la película original; también me dijeron que no hacía falta. Pero tenía muchas referencias porque nos mostraron escenas sueltas. Sabía de qué iba. El director estuvo en el set, tiene un pequeño cameo”, cuenta Huang. La película narra el viaje en coche por el sur de dos amigos, una chica que desea ser madre -la propia Julia de Castro- y un chico, Omar Ayuso, que busca el alivio a su soledad en el catálogo de hombres que le ofrece Grindr, y a los que se unen una serie de personajes, entre ellos la sirena a la que interpreta Chacha. Un filme que transmite un aire de libertad, diversión, ligereza y entusiasmo -algo que se percibe en sus secuencias en un deslumbrante formato de 16 mm. rodadas prácticamente en tomas únicas, con los riesgos que eso conlleva-, para afrontar temas como la maternidad, la amistad, la homosexualidad o el abuso de forma directa, como se hace en la vida real. “Cuando te pasa algo te tomas una cerveza y le cuentas a tu amiga. Y esa es la forma de trabajar de las directoras, algo muy libre. Mi personaje estaba lejos físicamente de mí y yo propuse muchas cosas, y ellas se mostraron muy abiertas, aunque en otras ocasiones me pararon para que no me pasara. Tienen las cosas claras, pero te dejan libertad para hacer tu propia creación”, subraya la actriz. Ante las dificultades para encontrar una distribuidora para la película, han sido las propias directoras las que se han encargado de llevarla hasta las salas. Y por eso han montado una gira de verano, como si de un grupo de música o de una compañía ambulante se tratase, para presentarla en cines, festivales o filmotecas, dando visibilidad a una cinta que ya ha pasado con éxito por Locarno, auténtico templo del cine de autor más actual -obtuvo una mención especial por parte del Jurado Joven que supuso su lanzamiento internacional-, la Seminci, el Atlántida Mallorca Film Fest, el Festival de Gijón o el D’A de Barcelona, entre otros. Siempre ha llamado la atención del público y no ha dejado a nadie indiferente. Una trayectoria que ha ido forjando -no sin falta de motivos- su estatus de obra generacional y futuro título de culto, y eso sin hacer mucho ruido, solo el del tubo de escape del coche de los protagonistas. Una propuesta deliciosamente heterodoxa, desprejuiciada... y definitivamente libre.

ON THE GO (28 junio)

Esperpento Films / España / 2023

Dirección: María Gisèle Royo, Julia de Castro.

Reparto: Omar Ayuso, Chacha Huang.

CHACHA

POR: FERNANDO BERNAL

ESTA ACTRIZ CHINA CONFÍA EN EL DESTINO Y SABE QUE LLEGARÁ SU MOMENTO. SE MUDÓ A ESPAÑA PARA ESTUDIAR, CURRÓ DE MODELO Y ENTONCES LLEGARON LOS PRIMEROS CÁSTINGS. LAMENTA QUE NO LA LLAMEN TANTO PARA HACER MÁS PRUEBAS AQUÍ, PERO ENTRE TANTO SUS OPORTUNIDADES LAS APROVECHA ASUMIENDO RIESGOS COMO LA PELÍCULA ‘ON THE GO’.

Se instaló en nuestro país 2012 para aprender español; ya sabía inglés y quería aprender otro idioma. “Siempre he tenido mucha facilidad con los idiomas. En casa hablábamos un dialecto, en la escuela chino mandarín, y luego, cuando me fui a estudiar a otra ciudad, aprendí otro idioma. Cuando estaba terminando el Bachillerato decidí empezar con el español”. Pero su primer destino no fue la capital, donde ahora vive, sino otra ciudad cercana pero más pequeñita donde encontró un lugar ideal para el estudio, pero no tanto para desarrollar sus inquietudes. “Ávila es una ciudad perfecta para aprender español, pero en la parte social y cultural me veía un poco encerrada. En la ciudad no hay cines, tenía que salir a un centro comercial donde siempre ponían estrenos. Necesitaba buscar un lugar más metropolitano. Muchos fines de semana venía a Madrid y flipaba. Y busqué opciones para moverme, hice un cambio de notas con mi Bachillerato en China y pude empezar un grado en Literatura Italiana e Inglesa en la Universidad Complutense”.

Y en ese momento actuó el destino al que tanto se agarra y su carrera universitaria pasó a un segundo plano. “Desde pequeña me gustaba actuar. Pero en China ser actriz o cualquier cosa artística es un sueño muy difícil de alcanzar. Siempre están las notas lo primero, el deber de estudiar. A los diez años lo dejé de lado, pero de niña hice teatrillos. Aquí me empezaron a llamar para hacer fotos y arrancó mi carrera como modelo. Una vez que estaban buscando una actriz china, hice el casting y poco a poco entré en este mundillo”. De ahí llegaron pequeñas apariciones en El hombre de las mil caras (2016), de Alberto Rodríguez, y en algunos capítulos de ese fenómeno de masas que fue La casa de papel, además de varios cortos. “Pero la primera oportunidad con un personaje importante de reparto fue en Ánimas (2018), de Laura Alvea y José F. Ortuño, que se estrenó en Sitges. Y la primera que hice como protagonista fue Perdiendo el Este (2019), de Paco Caballero. Como era una película muy enfocada a la taquilla, una comedia que llegó a mucho público, la gente me empezó a reconocer. Pero no empecé a sentirme realmente actriz hasta 2021, después de la pandemia. Trabajé en varios proyectos y sentí la esencia de ser actriz, de serlo de verdad, tener la confianza necesaria”. Aunque lleva relativamente poco en el oficio, ya es consciente -algo que lamenta- de que para una actriz nacida en China como ella el número de papeles a los que tiene acceso es más reducido, algo que espera que se vaya corrigiendo con el tiempo, para que importe más la persona y su talento que sus rasgos físicos. “En esta lucha pongo toda la ilusión y las ganas. Hago todo lo

que puedo para que cambie, pero lo veo muy lento, va a rachas. Si en EE UU o en Inglaterra ha funcionado una serie o una película con papeles con diversidad, de repente algo cambia y dicen ‘Vamos a probar a actores no blancos’. Pero yo, ahora mismo, llevo un año sin castings en España. Eso de que todo el mundo te quiere es puntual, no es algo que esté pasando en esta industria. Pero debe cambiar. No solo la diversidad falsa, darle un papel a una actriz no blanca para que esté al lado del protagonista y no hacer nada. Sino películas con personajes que pueda encarnar cualquier tipo de actriz, no solo por raza, sino también por las características propias de su cuerpo. Lo físico va detrás de la calidad de una actriz”.

EN LA NUEVA ‘EMMANUELLE’ (CON NOÉMI MERLANT)

En 1974 se estrenó una película que se convirtió en un verdadero acontecimiento mundial, que convulsionó la sociedad y abrió los ojos a los espectadores deseosos de nuevas sensaciones. Aunque su calidad sea discutible, la película de erotismo-chic Emmanuelle, de Just Jaeckin, recaudó 300 milllones de dólares en todo el mundo y convirtió a su protagonista, Sylvia Kristel, en un icono. Ahora, la directora francesa Audrey Diwan -León de Oro por El acontecimiento - estrena en septiembre, en el marco del festival de Donosti, una nueva versión, que suponemos más coherente con el momento que vivimos -la original resultaba bastante cuestionable- y en ella Chacha comparte reparto como Noémi Merlant. “Aún no lo he procesado del todo. Audrey es muy cariñosa y respetuosa. Me sorprendió porque esperaba alguien más distante, una cineasta que ha ganado tantos premios… Para ella lo primero es que te sientas cómoda. Y con Noémi ha sido un auténtico sueño. El primer ensayo lo hice como una fan. La estaba esperando y solo pensaba en no temblar. Y luego resultó ser muy normal. Nunca he conocido una actriz con miradas tan penetrantes”.

“SI FUNCIONA UNA PELÍCULA CON PAPELES CON DIVERSIDAD, DE REPENTE QUIEREN PROBAR CON ACTORES NO BLANCOS. PERO ES ALGO PUNTUAL, QUE TIENE QUE CAMBIAR”

POR: MARTA ESPAÑA / FOTO: JULES MOSKOVTCHENKO

EN SU QUINTO ÁLBUM DE ESTUDIO, BEABADOBEE DA UNA ZANCADA HACIA LA VIDA ADULTA . ‘THIS IS HOW TOMORROW MOVES’ ES UN TRABAJO DE FOLK ROCK CONFESSIONAL, VULNERABLE Y AUSTERO, EN EL QUE LA LONDINENSE-FILIPINA DEJA DE MIRAR HACIA FUERA, HACIA ESA ‘BEATOPIA’ QUE EMPEZÓ A IMAGINAR EN SU ANTERIOR TRABAJO, PARA COMENZAR A HACERLO HACIA DENTRO . NO HAY CULPABLES Y ELLA SABE QUE NO ES PERFECTA. ES TODO UN FENÓMENO MUNDIAL, PERO ESTÁ DISPUESTA A ENSEÑARNOS LOS ERRORES QUE COMETE.

his Is How Tomorrow Moves es el tercer álbum de estudio de Beatrice Kristi Ilejay Laus, o simplemente Bea, más conocida en el mundo artístico como Beabadobee. Como buena artista nacida en el siglo XXI -nació en Iloílo, en la isla filipina de Panay, el 3 de junio del año 2000, aunque su familia se mudó a Londres cuando ella tenía solo 3 años-, se convirtió en una superestrella acústica gracias a Tik Tok, cuando el rapero canadiense Powfu sampleó su tema Coffee en el hit Death Bed (Coffee for Your Head) , absoluto sleeper que en 2020 llegó al top 20 de más de treinta países, una repercusión que ella aún a día de hoy considera “abrumadora”. Pero la londinense-filipina es mucho más, y realmente desde el principio, más o menos en 2017, fue bandera de un pequeño movimiento que volvía a reivindicar la intimidad y la producción casera en un momento en el que el indie pop definitivamente había confirmado su conversión definitiva al hi-fi, las producciones excesivamente perfeccionistas y la ambición comercial. Junto a Billie Eilish o Clairo, con quien por cierto Bea salió de gira en 2019, le dieron en gran parte alas a eso que terminó conociéndose como bedroom pop, que se manoseó en demasía por las enormes posibilidades comerciales que demostró tener y que ha terminado diluyéndose hacia un pop intimista, sí, pero en otros casos también más expansivo, ambicioso, groovy, psicodélico. Su música suena a Clairo, cómo no, y a Phoebe Bridgers, a una Birdy a la que conviene reivindicar como avanzadilla. Pero tras seis años en la industria ha trascendido la etiqueta de “indie”, y más aún cualquier consideración sobre el malavenido bedroom pop. La filipino-inglesa, entre susurros y sad songs, pero también entre guitarrazos slacker y pop prístino en la línea del que hacen sus padrinos -Matt Healy y George Daniel, de The 1975, que la acogieron en el seño de Dirty Hit con tan solo un par de canciones en el mercado, una de ellas, The Moon Song, exquisita versión del tema que su ídola Karen O compuso para la película Her (Spyke Jonze, 2013)-, ha entrado en el top 500 mundial.

Kristi habla, siempre pausada y reflexiva, de cómo se mueve el futuro. Pero su último trabajo tuerce la vista constantemente hacia el pasado, y juega siempre a la ida y vuelta y a la interrelación. “Creo que para poder avanzar hacia el mañana

na carrera del dormitorio al mundo

Tres álbumes, cinco EPs y varios hits en apenas ocho años de trayectoria avalan a una artista transversal que ha sabido cimentar su estatus underground sin quedarse al margen de lo masivo.

tienes que pensar en el ayer obligatoriamente”, cuenta en un Zoom que se ha organizado con prisas, pero que sale sorprendentemente bien. Ella se muestra todo el rato solícita y sonriente.

2019, DE GIRA CON CLAIRO

“Pero hablo del ayer de una manera diferente a como solía hablar de ello en mis otros álbumes. Esta vez no trato de encontrar culpables, sino que todo es mucho más introspectivo: hay una comprensión subyacente, una forma de asimilación, de las cosas que me han pasado en el pasado, pero también de aquellas otras que me suceden en este momento, en el presente. Cuando estaba componiendo el disco, me pasaron cosas que me hicieron profundizar en mi personalidad: soy como soy y trato las situaciones en base a las cosas que me han pasado cuando era niña, en base

Las dos artistas, que en aquel momento representaban la quintaesencia de esa cosa llamada bedroom pop, se embarcaron juntas -junto a Hello Yello- en el Immunity Tour. Son amigas desde entonces pero no habían colaborado hasta 2023, con Glue Song

“ESTE ÁLBUM TRATA SOBRE MÍ SIENDO MUJER.

ACEPTO PASADO Y QUE COMETERÉ MÁS, NO PERFECTA, RESTO DEL MUNDO”

ACEPTO LOS ERRORES DEL PASADO Y TAMBIÉN QUE COMETERÉ MÁS, QUE NO SOY PERFECTA, NI YO NI EL RESTO DEL MUNDO” SIENDO MUJER.

a lo que he vivido. Publicar el disco me permitió avanzar, o pasar página para vivir con la emoción del mañana”. Así, con 24 años recién cumplidos -y casi diez de trayectoria, que se dice pronto-, el disco se libera de esa culpa ajena y de la responsabilidad del otro para mirar con más detenimiento el propio punto de vista: en This Is How Tomorrow Moves Beabadobee trata de autodiagnosticarse a través de su biografía, sus traumas y las decisiones que la han llevado hasta el punto donde está ahora: “Trato de entender mis acciones y también las de los demás. La gente solo lastima a otros si ellos mismos han sido lastimados, así que, cuando canto sobre mí misma y mis errores, nunca es de manera negativa. Es más como un crecimiento personal, una forma de aprendizaje. Y aunque cante sobre otras personas, siempre es tratando de encontrar una comprensión sobre por qué hicieron lo que hicieron”.

2020, NME RADAR AWARD Y DE GIRA CON THE 1975 Fue precisamente Matt Healy, cabecilla en Dirty Hit, el que le entregó el premio de la NME a la mejor artista nueva, en un momento en el que Bea estaba abriendo los shows de The 1975 en el Music for Cars Tour. Luego hicieron juntos Last Day on Earth

en el punto de mira desde tan joven -apenas había cumplido la mayoría de edad cuando lanzó Patched Up, su primer álbum, con el que fue propulsada por la prensa hacia el puesto de mejor artista revelación en territorio angloparlante-, su audiencia ha crecido con ella: la ha visto madurar, pero también equivocarse. Eso, sin embargo, no afecta a Kristi en absoluto: “Con las redes sociales solo necesito entender que no son reales. De las personas que me siguen online, aunque aprecio el apoyo, muchas son bots, muchas incels. Muchas de esas personas a veces no se preocupan por mi música, solo se preocupan por mí de una manera muy extraña”.

Lo que está claro es que la londinense ya no es esa artista que en 2017 se presentaba al mundo como una adolescente con el pelo teñido de colores saturados, aún atormentada por su infancia, que grababa canciones para sobrellevar el día a día en su dormitorio con los pocos recursos que ofrecían un portátil, un micrófono y una tarjeta de sonido. Ahora, Beabadobee luce su cabello oscuro natural. Dentro de esa experiencia femenina universal en la que ir a la peluquería simboliza un cambio de era, el hecho como símbolo la sitúa en un proceso de sanación y reflexión en el que debe aprender a compaginar alguno de estos desajustes emocionales con las exigencias, responsabilidades e imprevistos de la vida adulta. Ha girado por todo el mundo -llegando a acompañar incluso a la todopoderosa Taylor Swift durante doce conciertos de la gira estadounidense de The Eras Tour-, se ha independizado por primera vez, y el mundo real le ha dado una bofetada contra la que muchas veces no existen ni estatus ni clases. “Este álbum trata sobre mí convirtiéndome en mujer. No necesariamente digo que soy una mujer ahora, o que siempre seré la mujer que soy hoy. Simplemente, estoy descubriendo mi camino como adulta y entendiendo lo que se siente al crecer así, como una mujer adulta. Esto sucede gracias a la madurez: acepto los errores del pasado, y también acepto que cometeré más, que no soy perfecta y que las personas que creo que son perfectas nunca lo son. Pero al mismo tiempo intento trabajar en esos errores, entender por qué los cometo, por qué se cometen, y poniendo de mi parte para corregirlos. Eso es lo que realmente significa crecer”. Estando

This Is How Tomorrow Moves, en fin, es un disco de pop rock confesional, minimalista pero no por ello menos glorioso. Las melodías, así como su narrativa, encuentran su fuerza en la vulnerabilidad y, si bien recuerda al alt-folk prepandemia, sus pilares se sostienen por ese bedroom pop que salvó la música post-covid. Beabadoobee es incapaz de componer si hay alguien más en escena: “Escribo toda mi música yo sola. No importa dónde esté o en qué etapa de la vida me encuentre. Siempre voy a escribir letras personales. No influye en la vulnerabilidad dentro de mis canciones. En ocasiones, escribo una canción y le falta algo para terminarla, como el final, o un puente. Entonces, mi productor principal -Jacob Bugden-, me ayuda a escribirlo. Generalmente escribo en mi casa. He estado en sesiones antes y realmente me cuesta escribir en una habitación con un escritor, o escribir en el momento con alguien al lado. Tiene que ser un ambiente muy controlado para mí”. Pese a ello, ha cruzado el charco para producir con el mítico Rick Rubin, pero sin sacar, eso sí, a Budgen de la ecuación. No se ha adaptado a la grandilocuencia del estudio, sino que lo ha convertido en su propio dormitorio:

“En Shangri-La, Rick no quería escuchar las maquetas que Jacob y yo hicimos en Londres, sino que me pidió escuchar las canciones tal como las escribí. Me dijo que me sentara y tocara las canciones en vivo, solo con guitarra acústica. Al hacer eso, me hizo entender las canciones, y entender que no necesitaban tantas cosas que queríamos agregar. Entendí que solo quería hacer un álbum que sonara como una versión refinada de mis maquetas, no complicarlo demasiado. Creo que en mi último álbum

El boom de ‘Coffee’ Ya lo hemos comentado: rapero canadiense te samplea en un tema que resulta que luego se viraliza en Tik Tok, o el epítome de cómo se construye un icono pop hoy, en la dictadura de las redes.

Asumiendo riesgos

El mayor éxito de Beatopia llegó inesperadamente con The Perfect Pair, un experimento vocal sobre ritmo de bossa nova que habla sobre el silencio y la incomprensión en la pareja.

perdimos la naturalidad buscando lo diferente”. Ha sido el posicionamiento austero de Beabadobee el que ha logrado el resultado más honesto: como si de un diario se tratara, la londinense muestra sus flaquezas, pero también su cara más irónica y mordaz, como en el momento en el que banaliza sobre la feminidad en Girl Song: “Escribí Girl Song en una situación curiosa. Ese día me sentía bien, pero luego me salió un grano en la cara y me di cuenta de que me había venido la regla. Y luego vino ese malentendido divertido y clásico en el que te miras en el espejo y empiezas a odiarte a ti misma. Y sé que eso es una especie de experiencia universal de las chicas. Y pensé en autocomplacerme, con esa idea de que solo soy una chica. Voy a dejarme llevar por la tristeza porque ¿sabes qué? Solo soy una chica. Genuinamente, en ese día, por mucho que sea una canción muy triste, porque me veo exactamente igual que ayer, pero por alguna razón hoy me siento como una mierda”. Incluso sus canciones más turbias, como aquella que abre el disco, son punzantes y pueden leerse entre líneas a través de la pequeña broma en su escritura: “Cuando escribí Take a Bite estaba en proceso de superar un problema que me hizo darme cuenta de que he estado tan acostumbrada al caos en mi vida que encuentro comodidad en él. Pero ahora que por fin soy consciente de que puedo superarlo, solo tengo que aceptar que esto es algo malo: me sienta mejor el orden”.

Pese a las influencias anglosajonas que ha venido escuchando durante su proceso de composición, su aparato creativo siempre recurre a su tierra natal: “La música de Pinoy es la más honesta que conozco, y creo que son los mejores compositores de canciones de amor. Usan también unas reglas muy concretas, parecidas a las de Simon & Garfunkel. Especialmente cuando estaba escribiendo Girl Song profundicé en esas melodías. Y a veces lo hago en mis composiciones sin darme cuenta, porque están muy arraigadas en mi memoria. Pero no hago una referencia directa, sino que ese estilo musical se entreteje en mis composiciones de forma inconsciente, porque he crecido escuchándola tanto”. Así, Bea-

badobee puede girar por todo el mundo o grabar cinco discos en inglés, que su cultura siempre prevalecerá sobre el resto de referencias:

“Al final del día, sigo siendo muy filipina. Ya no soy una niña, pero eso no significa que no sea filipina. Todavía estoy rodeada de mi cultura. Sigo viendo a mi familia.

Me encanta ir a Filipinas. Siempre quiero adentrarme en la música de Pinoy y la OPM. Es algo inevitable en mi vida”.

2023, de gira con Taylor Swift Para certificar unos últimos años bien intensos en cuanto a repercusión pública, nada como aparecer en las cartelas de la gira más grande y rentable de la historia, The Eras Tour, junto a otros nombres icónicos como Haim, Paramore, Phoebe Bridgers, Girl in Red o Sabrina Carpenter.

HA TRABAJADO PARA RAZZMATAZZ, NIKE, ADOBE, YOROKOBU, PARA LA REVISTA FORBES O EL FESTIVAL DE SITGES, E INCLUSO APORTANDO LA LÍNEA GRÁFICA EN UNA ENTREVISTA DE PORTADA EN EL PAÍS SEMANAL CON MICHAEL POLLAN, EL GURÚ DEL LSD Y NUEVO APÓSTOL DE LA PSICODELIA. Y MUCHAS DE NOSOTRAS NO OLVIDAREMOS NUNCA LA ILUSTRACIÓN DE TAME IMPALA PARA EL ÚNICO NÚMERO FÍSICO DE LA YA EXTINTA INDIESPOT. EL ARTISTA DE BARCELONA, INSPIRÁNDOSE EN LAS MATEMÁTICAS DE LA NATURALEZA Y BASCULANDO SIEMPRE LO ORGÁNICO Y LO DIGITAL, HA GRABADO SUS TIPOS EN LA ICONOGRAFÍA CULTURAL RECIENTE. PERO VA A MÁS, Y CON DIATOMIC STUDIO ENFRENTA RETOS NUEVOS CADA DÍA.

POR: BEA NIETO @LACINGARA

Hola Sergi, aquí Bea, aka La Cíngara, seguidora de tu trabajo. Así que un placer poder lanzarte unas preguntas. ¿Eres muy exigente con que tu estilo guarde una coherencia o te gusta poder desmarcarte de ello?

No soy nada exigente. Cuando era estudiante sí que me obsesioné con el estilo, pensaba que todo debía tener cohesión, que tenía que ceñirme siempre a unos mismos colores o formas. Con el tiempo entendí que, al menos para mí, el estilo es una forma de hacer, una metodología, algo que va más allá de lo puramente formal. Es la manera que tengo de resolver un problema. Por ejemplo, me gusta mucho inspirarme en otros universos visuales, como pueden ser la biología o la geología, patrones geométricos y algoritmos que encontramos ocultos dentro de la naturaleza, incluso universos que podrían parecer opuestos al diseño o las artes, la matemática, la física o la química. Esta visión es la que me permite evolucionar y pivotar entre diferentes conceptos y resolver proyectos de manera diferente a nivel formal y conceptual, pero que en su conjunto se pueda ver una cierta coherencia entre ellos. Es cierto que esta visión hoy en día está algo dividida, ya que decidí bifurcar mi trabajo creativo hace un par de años. Por un lado, mi marca personal como Sergi Delgado, en la cual desarrollo proyectos especializados de tipografia y lettering. Y por otro creé Diatomic, un estudio de diseño y motion graphics con el cual cubrir proyectos de más envergadura formando equipos, y trabajar otros ámbitos creativos como campañas gráficas, la ilustración, branding o el motion graphics.

¿Qué haces frente a un bloqueo creativo? Si no los experimentas, ¿cómo te enfrentas a un día bajito en el que no te apetece trabajar?

Los bloqueos creativos son inevitables y más cuando nos dedicamos una jornada completa a intentar resolver problemas gráficos con ideas. No somos máquinas y siempre hay días mejores y peores: quien diga que no, miente. Tratándose de un proyecto de cliente, y si el timing no aprieta, intento centrarme en trabajos menos creativos. En mi caso, muchas veces tengo otro tipo de trabajo a parte de diseñar, como gestionar algunos proyectos a nivel de timing, contestar correos electrónicos, temas administrativos, facturas... De esa manera intento despejar la cabeza. Si se trata de un proyecto de cliente y el deadline aprieta, me gusta mucho compartir, poder hablar con otros diseñadores y ver otros puntos de vista. Exteriorizar los problemas o bloqueos con los que estás ayuda a verlo con perspectiva. Además, las opiniones de otros creativos siempre pueden ayudarte a mejorar tu idea.

¿Hay mucha diferencia en el proceso creativo cuando haces algo para ti o cuando es para un cliente, aparte por supuesto de la influencia del brief?

Creo que la única diferencia es que cuando trabajo para un cliente intento ser más metódico y resolutivo, y el proceso creativo suele ser más pautado y guiado. Creo puntos de control para avanzar de manera ordenada con el cliente, y si hay que modificar algo o volver hacia atrás se evita volver a empezar desde el principio. En los proyectos personales soy mucho más caótico. Que no haya deadline es un arma de doble filo: los proyectos toman otros ritmos más lentos, pero también me permiten poder pensarlos mucho más y exprimir las ideas al máximo. De estos proyectos personales se nutren muchos de los proyectos de cliente: hay marcas que directamente piden algo similar a lo que has hecho en tus proyectos personales, pero adaptándolo a ellas.

Llama mucho la atención la evolución de la textura de tus trabajos, son realmente orgánicos. ¿Te mueves con más soltura en texturas digitales o te apoyas también en técnicas analógicas para texturizar?

@sergidelgado @diatomicstudio

Cuando trabajo texturas diría que el cincuenta por ciento son digitales y el resto analógicas. No tengo predilección por unas u otras, y elijo en función del trabajo. Es cierto que en los proyectos que son completamente digitales intento muchas veces salir de la pantalla del ordenador y darle un plus analógico mediante alguna textura real para aportarle un valor diferencial. De hecho, soy bastante obsesivo con las texturas y técnicas analógicas. En mi estudio tengo una pequeña colección de impresoras de etiquetas o tiques, que al imprimir muchas veces dan fallos, errores de impresión o tramas de puntos únicos, aportando a los gráficos un aspecto genuino que posteriormente escaneo para usar en mis diseños. Por otro lado, también me gusta explorar diferentes gadgets digitales y plugins dentro de mi ordenador,

buscando texturas generativas a través de fórmulas matemáticas y algoritmos. A veces también utilizo texturas y patterns naturales como el pernil noise, reaction difusion o los fractales, para conseguir digitalmente texturas que puedan enriquecer mi trabajo.

¿Y cómo te formas en técnicas nuevas?

Creo que es muy necesario estar en constante evolución e ir aprendiendo cosas nuevas siempre. Tengo que reconocer que a veces me cuesta romper con la rutina o salir de mi zona de confort, pero aun así intento obligarme y siempre que encuentro un hueco aprovecho para intentar actualizarme. Ahora donde más estoy poniendo el foco es en aprender motion graphics. El diseño gráfico ha evolucionado hasta tal punto que, al menos en un entorno digital, es casi obligatorio. Sobre todo, me gusta seguir tutorales de YouTube, aunque también he realizado algún curso online. Internet ofrece la posibilidad de tener acceso a fuentes de información casi ilimitadas para aprender por nuestra cuenta.

Haciendo un repaso por tus cuentas de instagram, que son tus portfolios, tengo genuina curiosidad (como esclava del algoritmo) de saber cómo te enfrentaste en su momento como artista/diseñador a un cambio de perfil y seguidores, sabiendo que esto es una gran ventana laboral. Es una larga historia, pero realmente solo utilizo una cuenta: @sergidelgado. En las navidades de 2020 mi cuenta original de Instagram, que era mi portfolio y tenía un buen número de seguidores, fue hackeada. Intenté recuperarla a toda costa durante mes y medio, pero es algo muy difícil ya que al ser una app gratuita el servicio de atención al cliente es inexistente. Ahora con los checks azules de pago creo que ofrecen algo más de cobertura, pero por aquel entonces era muy complicado. Durante ese tiempo pedí a toda mi comunidad con otra cuenta de Instagram que denunciase la cuenta hackeada ya que no tenía ni idea de cómo recuperarla.

Con mucha suerte, y gracias a un periodista que se hizo eco de la noticia, ya que muchos otros creativos habían sufrido en masa estos ciberataques, pude recuperarla. Pero al haberme autodenunciado el SEO estaba marginado, y cuando buscabas mi nombre o no aparecía o era la última opción del buscador. Así que, tras meditarlo mucho, decidí crear otra cuenta, empezar de cero y dejar la otra a modo de backup. Tras unos días hice el cambio de usernames para tener en la cuenta activa @sergidelgado y en la de backup @ sergi_type.

¿Hay alguna diferencia de contenido entre lo que haces en @sergidelgado y lo que haces con @diatomicstudio?

Me considero una persona con muchas inquietudes. Antes lo hablaba un poco: me gusta estar en constante exploración y no cerrarme a la hora de trabajar con nuevos conceptos o elementos formales. En mi marca personal, como freelance, centro mi trabajo alrededor de la tipografía y el lettering, pero como diseñador tengo otras inquietudes y también me gusta

explorar otras vías de comunicación. Es por eso por lo que hace unos años fundé Diatomic, un estudio donde poder explorar toda esta otra visión y abrir al máximo mis limites creativos. Diatomic es un estudio creativo multidisciplinar con sede en Barcelona, centrado en la Dirección de Arte, el diseño gráfico y la ilustración, con un foco especial en el motion graphics y la tipografia, mis dos grandes pasiones, y aplicando siempre nuestra propia visión del diseño. Como estudio tenemos mayor envergadura, ya que al ser un equipo híbrido podemos abarcar proyectos de una tipología más grande según el cliente o las necesidades del proyecto, un poco como te comentaba antes.

Y, por último, ya para terminar... ¿Qué escuchas mientras trabajas?

Hay una radio británica que me gusta mucho que se llama NTS, y la escucho a veces. Pero sobre todo uso Spotify. Los lunes, por ejemplo, suelo escuchar mi recomendación semanal, donde el algoritmo me va recomendando música según mis gustos, y es un poco zona de confort. Para trabajar intento escuchar música bastante chill, un poco psicodélica, como por ejemplo un grupo que me gusta mucho que se llama Khruangbin. También me gusta mucho Devendra Banhart. Pero he de reconocer que, si hay algún deadline que aprieta más de la cuenta o necesito una marcha de más, me gusta escuchar algo más animado como Fred Again... o algo de música más electrónica o directamente techno, para concentrarme al máximo y poder evadirme un poco del mundo exterior.

“ME GUSTA INSPIRARME EN UNIVERSOS VISUALES COMO PUEDEN SER LA BIOLOGÍA O LA

GRIFF ES UNA DE LAS ARTISTAS MÁS PROMETEDORAS DEL PANORAMA POP. TIENE A TAYLOR SWIFT, COLDPLAY, DUA LIPA, ED SHEERAN O SABRINA CARPENTER DE SU PARTE, Y YA SE ALZÓ CON EL PREMIO RISING STAR EN LOS BRIT AWARDS DE 2021, ASÍ QUE TODO APUNTA A QUE VAMOS A ESCUCHAR MUCHO SU NOMBRE DE AQUÍ A UN FUTURO MÁS BIEN CERCANO. EN ‘VERTIGO’, EL QUE ES SU PRIMER TRABAJO LARGO, LA ARTISTA BRITÁNICA -CON RAÍCES EN LA DIÁSPORA AFROCARIBEÑA Y CADA VEZ MÁS IDENTIFICADA CON SU LADO MATERNO VIETNAMITAHA VOLCADO TODAS SUS EMOCIONES Y LAS ESTÁ DESVELANDO POR PARTES. A PARTIR DEL 19 DE JULIO EN TODAS LAS PLATAFORMAS.

FOTO: JAVIER CASTÁN

POR: GABRIEL CÁRCOBA

Hace tan solo unos días, durante el concierto del Eras Tour en Wembley, Taylor Swift compartió con los asistentes lo que pensaba sobre Griff, que actuó como telonera en una de las fechas, describiéndola como “creativa a todos los niveles” y revelándose como “una gran fan suya”. Coldplay, Dua Lipa y Ed Sheeran también tienen maravillas que decir de la cantante de 23 años, y Sabrina Carpenter se la va a llevar de gira este octubre durante una de las mangas estadounidenses del Short n’ Sweet tour. Pronto todos opinarán lo mismo que estas estrellas: Sarah Faith Griffiths -nacida en Kings Langley en enero de 2001 de padre jamaicano y madre vietnamita- ha conseguido crear en Vertigo, su primer trabajo de larga duración, una potente y colorida experiencia pop.

Una que se ha hecho bastante de rogar, además. El primer sencillo, que da nombre al LP, se lanzó en agosto de 2023, y desde ahí el proyecto se ha ido desvelando en partes, mostrando cara tras cara de la artista británica. “Hoy en día no tienes que ceñirte a ningún formato. No hay reglas”, dice, a sabiendas de que ha ido construyendo una base de fans fiel y paciente que sabe leer entre líneas de toda esta fragmentación. La primera llegó en diciembre de 2023, la segunda en abril de 2024, y el proyecto se cerrará con la salida del disco completo el próximo 19 de julio. “El primer volumen tiene las canciones más pesadas y solitarias, mientras que el segundo tiene las más poderosas”, aclara. En el tercero lo que podemos esperar es un lado más sensual, físico y muscular. Pese al abanico de sensaciones y emociones que propone Griff en el disco, existe una cohesión temática a partir del vértigo emocional. “Es un disco sobre el dolor del amor y sobre crecer. Ese sentimiento de vértigo aparece en muchas situaciones”. Griff describe esta emoción como “la bajada de una montaña rusa, un mareo. Trata sobre sentirte desorientada e intentar encontrar la estabilidad en todo el caos”.

Una de las grandes razones de esta dilatación en la finalización de su debut largo, que llega después de la sorpresa causada con el MiniLP One Foot In Front Of The Other (2021) y el éxito a la tradicional de un tema como Black Hole -sin viralidad en Tik Tok ni estrategias de marketing, tan solo una grandísima canción que se abre su propio camino en los charts-, hay que buscarla en su apretadísima agenda con superestrellas. Y es que Griff ha sido sumamente solicitada durante los últimos años, teniendo que hacer malabares con sus horarios para poder escribir el álbum. “Llevo trabajando en él durante dos años, encontrando huecos entre giras. Estaba de tour con Dua Lipa, Coldplay y Ed Sheeran, y entre medias intentaba ir a casa y escribir algunas canciones”. Desde siempre, Griff ha sido muy reservada para su música, y eso se ha reflejado en la grabación del disco: “Si encontraba una semana entre las fechas de la gira, alquilaba un Airbnb y convertía el salón o la cocina en mi estudio semanal”, cuenta. “He guardado canciones durante años, volviendo

AL ESTE DE LONDRES...

RINA

SAWAYAMA

Rina, nacida en la prefectura de Niigata, Japón, en 1990 y londoner adoptiva desde los 5, ya protagonizó la portada de NUEBO justo hace dos años con su segundo álbum, Hold the Girl Su corta trayectoria llegó de forma fulgurante a las grandes ligas, y ella, que estudió políticas en la uni, nunca ha desaprovechado el foco para reivindicar la presencia de artistas asiáticos en las disciplinas artísticas, y más allá.

BEABADOBEE

La hemos llevado a la portada de este número porque su trayectoria no deja de dar vuelcos sorprendentes, desde unos orígenes bedroom pop hasta un nuevo disco, This Is How Tomorrow Moves, que ha llevado a la filipina hasta los estudios californianos de Shangri-La para trabajar con el mítico Rick Rubin. Entre medias, una lucha contra la fama y la viralidad ante la que ella siempre responde con un giro underground.

SARAH MIDORI PERRY

También conocida como Sarah Bonito, esta artista procedente de la diáspora japonesa conoció a los productores Gus Lobban y Jamie Bulled gracias a un anuncio en MixB, un boletín para expatriados de Japón en Londres. Juntos formaron Kero Kero Bonito con Kyary Pamyu Pamyu como referencia fundamental, una banda que llegó a la fama gracias a la explosión hyperpop a la que ellos llegaban aprendidos.

YUNÈ PINKU

Aunque nació y vive en Bermondsey, al sur de Londres, Asha Catherine Nandy viene de una mezcla familiar entre Irlanda, Malasia e India. Miembro del colectivo ESEA Music de artistas procedentes de las diásporas del este y el sudeste asiáticos junto a Sawayama o Bonito, su lenguaje es el de la música electrónica. Su último EP, Babylon IX, es una joya de progressive breaks con dejes techno, acid y trance para amantes de Bicep.

“‘VERTIGO’ TRATA

SOBRE SENTIRTE DESORIENTADA

E INTENTAR ENCONTRAR LA ESTABILIDAD DENTRO DE TODO ESE CAOS”

una y otra vez a ellas y siendo muy indecisa. En algún momento he pensado que estaba haciendo las canciones para otra gente, y no para mí”. Haciendo Vertigo, dice, ha aprendido a dejarse llevar por su instinto y a no ser tan hermética. “Para este disco había alrededor de 100 canciones que se han quedado en 14”, cuenta. “Para mi próximo álbum todo será más rápido: con este trabajo y esta carrera la única opción es confiar en mi intuición. Nadie va a creer en ti más que tú misma”. Anything, el último y vulnerable single de Vertigo, demuestra que Griff ha puesto todo su corazón al servicio de la música. “Trata sobre darme cuenta de que yo habría hecho cualquier cosa por esa persona, pero esa persona no habría hecho cualquier cosa por mí”. Griff asegura que escribe siempre desde sus propias experiencias, con un punto autobiográfico. “Se consigue una canción más honesta e interesante. También intento hacerlas abiertas para que la gente pueda hacer sus propias interpretaciones y verse a sí mismos reflejados, que puedan sentirse identificados”. Sus primeros recuerdos musicales la llevan “a la iglesia cada domingo: el sermón siempre me ha parecido aburrido, pero me encantaba la música que sonaba”. Aprendió piano a los 10 años y siendo una adolescente empezó a producir y

escribir sus propias canciones. “No éramos una familia rica, así que de pequeña tenía que ponerme ingeniosa a la hora de divertirme. Fue por aburrimiento”. Así encontró una de las mejores sensaciones que existen: “Era adicta a la terapia y al sentimiento de hacer algo de la nada”. En el instituto empezó a hacer canciones en busca de ese impulso sanador. “Siempre he escrito canciones para mí, y no sabía si en algún momento podría hacerlo como un trabajo. Era una escuela normal y no pensaba que la gente fuese a entenderlo”. Y al terminar el bachillerato Griff les explicó a sus profesores que se iba a tomar un año sabático. No dijo nada de lo que tenía en mente en realidad... En 2019, lanzó su primer sencillo, Mirror Talk. A los 20 años, ganó el premio Brit a la estrella emergente. Y en 2024 acaba de actuar en The Eras Tour, ha girado por todo el mundo con los mayores artistas de la industria y está a punto de lanzar su primer LP.

Quién le iba a decir que 15 años después de que quemara, con apenas 8 añitos, el Fearless de Taylor Swift en su iPod estaría presentando el show de la estadounidense en Wembley: “Estoy superemocionada porque soy una swiftie de verdad, y tocar delante de un estadio lleno de ellas va a ser increíble”. Lo más impresionante de esto es que no es la primera vez de Griff en el estadio londinense. “La primera vez fue con Coldplay”. Con estos hizo tan buenas migas que su vocalista, Chris Martin, coescribió una de las canciones de Vertigo con ella, la emocionante y baladesca Astronaut. “Lo único que piensas es que ojalá les guste y ojalá quieran escuchar mi música después de esto, pero también es muy inspirador”, cuenta sobre lo que es cantar frente 90.000 personas en un estadio. La británica admiraba a todos estos artistas antes de subirse al escenario con ellos. Su lista de referentes la completan “Lorde, Imogen Heap, Kate Bush, Whitney Houston, Tina Turner y todas estas artistas tan poderosas”. La gira mundial de Griff llevará a la artista alrededor de Gran Bretaña, Estados Unidos y Europa, reservando las dos últimas fechas para nuestro país. El 2 de diciembre presentará Vertigo en Razzmatazz (Barcelona), y terminará su tour en La Riviera de Madrid al día siguiente. “La última vez que estuve en España fue con Dua. Esta vez será mi primer show en solitario y estoy súper emocionada”. Y confirma lo que se cuenta sobre el público español: “Sois los mejores, de verdad. Me he dado cuenta de que los lugares soleados de Europa producen públicos más divertidos y alegres”. Griff no puede esperar a visitarnos, y nosotros tampoco a que lo haga.

VERTIGO (WARNER, 2024)

Vertigo / Miss Me Too / Into the Walls / 19th Hour / Astronaut / Anything / Pillow In My Arms / Cycles / Tears For Fun / Hiding Alone / Hole In My Pocket / Everlasting / So Fast / Where Did You Go CD / DIGITAL / LP

POR: ALEXIA G. FERRER

MO CHARA, MÓGLAÍ BAP Y DJ PRÓVAI FORMAN KNEECAP, LA BOYBAND MÁS

REVOLUCIONARIA DEL MOMENTO: REVOLUCIONARIA EN PLAN RIOT, DE LAS QUE

MONTAN REVUELTAS Y USAN SU MÚSICA PARA REIVINDICAR COSAS -EN SU CASO LA IDENTIDAD CULTURAL Y NACIONAL IRLANDESA-, Y BOYBAND PORQUE,

DESDE LA RABIA ANTISISTEMA Y LA DEFENSA DE LA EDUCACIÓN, ESTÁN LOGRANDO RESIGNIFICAR EL CONCEPTO. DEBUTAN EN LARGO CON ‘FINE ART’.

DJ Próvai nos recibe enfundado en un pasamontañas con la bandera irlandesa, una imagen que explica por encima lo que representan Kneecap: “La balaclava la usaban en Irlanda para ocultar sus rostros en los grupos paramilitares que surgieron en los años sesenta y setenta para combatir la tiranía de Inglaterra y su imperio, que estuvieron enviando tropas aquí durante ochocientos años de colonialismo. Cuando empezamos Kneecap, yo estaba dando clases en la escuela, así que era muy importante mantener el anonimato. Toda la imaginería que hicimos para Fine Art fue por ese camino”, cuenta. El trío de Belfast, liderado por los MCs Mo Chara y Móglaí Bap, se ha convertido en la boyband más revolucionaria del momento con un discurso combativo y político, pero también educativo, que desde su propio nombre alude a la violencia policial -kneecaping- y que carga contra colonialismos como el británico o el israelí. Llegaron a desencadenar la cancelación masiva de bandas de un festival en solidaridad con Palestina. Son revolucionarios en plan riot, de los que montan revueltas. Y son boyband porque han logrado resignificar el término utilizando la rabia y la reivindicación.

El póster de su última gira, Farewell to the Union, una muestra más de su desacuerdo con la idea de un Reino Unido, mostraba a Arlend Foster, líder del Partido Unionista Democrático, y el ex primer ministro Boris Johnson atados a un cohete en lo alto de una hoguera. Y claro, corrieron ríos de tinta, e incluso les invitaron a debatir desde uno de los podcasts más “sectarios y divisivos” del panorama

mamos tan en serio. Nunca decidimos conscientemente convertirnos en los representantes de ningún movimiento, ni los adalides del gaélico, pero es nuestra verdad, es de lo que hablamos y lo que vivimos”. El disco, conceptual y localizado en un pub -“¡Qué mejor sitio en Irlanda!”-, es un poco una historia de lucha de clase obrera, que es, dicen, su background: “Es de donde venimos. Intentar encontrar un trabajo de mierda y beber y drogarte para evadirte de la realidad de mierda en la que vives. Para nosotros la música refleja siempre las dos caras: el compromiso político, la realidad que te oprime, y la forma que tienes de evadirte, la fiesta”. Y trata temas importantes como la salud mental: “Es el gran reto ahora: no hay un sistema en Irlanda que se preocupe un poco por la salud mental, ni fundaciones, ningún tipo de servicios públicos... Todas las consecuencias de los conflictos entre Inglaterra e Irlanda siguen notándose: hay más muertos después de las guerras por el síndrome de estrés postraumático, los suicidios... y eso ha ido transmitiéndose de generación en generación”.

Aunque el hecho de utilizar su propio idioma pueda hacer que la dimensión política opaque su propuesta, ellos reconocen que todo viene de un proceso mucho más “natural”. “Me gusta que haya grupos como BTS, que vienen a dar un show en Wembley y cantan en su idioma, en coreano. No voy a defender los sistemas de consumo de música

“CUANDO EMPEZAMOS KNEECAP YO DABA CLASES EN UNA ESCUELA, ASÍ QUE ERA IMPORTANTE MANTENER EL ANONIMATO”

opinativo; pero su respuesta siempre fue simplemente un “It's just fine art”. Sobre esa idea han construido su primer álbum largo: aunque les quieran convertir en un símbolo, su experiencia siempre se resuelve a pie de calle. “La gente nos pone demasiada responsabilidad, y se nos relaciona directamente mucho con la lucha por la identidad cultural o lingüística de Irlanda... Siempre que últimamente surge el debate y quieren saber qué está pasando en la calle parece salir nuestro nombre, pero nosotros no nos lo to-

de la actualidad, pero sí me gusta eso, que haya menos fronteras y que la gente escuche música que no tiene por qué entender pero que cuenta con una energía que le atrae. Uno de los objetivos de la banda es demostrar que el irlandés no se tiene por qué limitar a la música tradicional, que con el irlandés puede hacerse punk, rap, drill o lo que sea”. Es esta actualización con espíritu reivindicativo lo que realmente funciona como eje en su música, aunque saben que es su lado más provocativo lo que les está poniendo en el mapa: “A la gente le gusta la controversia, el drama y cosas que se salen un poco de la norma”. A ellos lo que les gusta es mantener los pies en el suelo.

FINE ART (HEAVENLY RECORDINGS / [PIAS], 2024)

3CAG / Fine Art / Interlude: Making Headlines / I bhFiacha Linne / Interlude: Never Gets a Round / I'm Flush / Interlude: State of Ya / Better Way to Live / Sick in the Head / Love Making / Interlude: Amhrán na Scadán / Drug

Dealin Pagans / Interlude: Kneecap Chaps / Harrow Road / Parful / Rhino Ket / Interlude: Last Orders / Way Too Much

DIGITAL / LP

A L I E N R O M U L U S

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

SEIS AÑOS DESPUÉS DE QUE LA SAGA ‘ALIEN’ CAYERA EN EL POZO DE LA INTRASCENDENCIA CON ‘ALIEN: COVENANT’, EL EXPERTO EN TERROR Y SLASHER ADOLESCENTE FEDE ÁLVAREZ -LO HA DEMOSTRADO EN SU REMAKE DE ‘POSESIÓN INFERNAL’ O EN ‘NO RESPIRES’-, APOYADO POR RIDLEY SCOTT EN TAREAS DE PRODUCCIÓN, AÚNA LO MEJOR DE ‘ALIEN’ Y ‘ALIENS’ PARA TRAER DE VUELTA LAS SENSACIONES DE HORROR DE LAS PRIMERAS ENTREGAS PERO CON UN TOQUE JUVENIL. Y QUE EN LA OSCURIDAD DE LA SALA NADIE PUEDA ESCUCHAR TUS GRITOS.

¡Qué difícil lo ha tenido la saga Alien! Y es que ha sido muy complicado desprenderse de la sombra de dos obras fundamentales para entender el cine de terror y ciencia ficción: Alien: El octavo pasajero de Ridley Scott y Aliens: El regreso de James Cameron. La primera, estrenada en 1979, resignificaba el haunted house situándolo en una nave espacial y en un futuro muy lejano. La segunda, consciente de la imposibilidad de reinventar la rueda, convertía el terror gótico de la original en una versión moderna de la novela Starship Troopers de Robert A. Heinlein, acercándola a los terrenos del actioner y el cine bélico, por supuesto con toques de verdadero horror. Y ambas servían para encumbrar a Sigourney Weaver -y a su personaje en la ficción, la teniente Ellen Ripley- como icono femenino inmortal del cine contemporáneo. A partir de ahí nada volvió a ser lo mismo. David Fincher lo intentó, pero Alien 3 se convirtió en un conjunto de ideas contradictorias, fruto del paso de un sinfín de creadores antagónicos en un monstruo de Frankenstein que aun así consigue dejar algunos momentos para el recuerdo. No como Alien: Resurrection, la mirada del cineasta francés Jean-Pierre Jeunet al universo Alien con guion de un Joss Whedon que saldría echando pestes del mismo, algo así como la guillotina de la saga. Entre medias, dos exploitation que unían al xenomorfo con la otra franquicia de terror espacial de la Fox, Aliens Vs. Predator... hasta que el padre de la criatura, Ridley Scott, regresara en 2012 con Prometheus , la precuela de su película original que, aunque mucho más reivindicable y estimable de lo que se dijo en su momento, no conseguiría el respaldo de la crítica y los fans, dando lugar a uno de los trabajos menos logrados de Scott: Alien: Covenant, segunda entrega de una trilogía de precuelas cuyo desastre creativo y comercial la dejarían inconclusa.

Pero Alien, más allá de sus altos y bajos artísticos y comerciales, es una franquicia que siempre ha estado viva, gracias a su expansión en otros medios, como los videojuegos y, sobre todo, el mundo del cómic: desde los aparecidos bajo el sello Dark Horse entre finales de los ochenta y principios de los dosmiles hasta la nueva iteración bajo el paraguas de Marvel Comics. Y es que los xenomorfos, como todo buen monstruo clásico que se precie, son inmortales. En breve llegan dos nuevas versiones audiovisuales más que apetecibles: un serial televisivo aún en desarrollo para FX de la mano de Noah Hawley, el showrunner de Fargo y Legion, y Alien: Romulus, que aterriza en los cines el 16 de agosto de 2024 y que marca el retorno de Scott como productor. ¿Qué podemos esperar?

Fede Álvarez lo tiene muy claro: una fusión entre las dos obras maestras de la franquicia, como reconocía en Empire: “Hacer elegir a un fan de Alien entre Alien y Aliens es perverso, así que pensé... ¿cómo puedo hacer las dos?”. Esta dualidad se plasma explícitamente en la estación Renacimiento y sus dos zonas claramente diferenciadas, Remus -cercana al goticismo de la Nostromo- y Romulus -heredera de los avances tecnológicos de la cinta de Cameron-, como explica Álvarez: “Hay un momento donde los personajes se encuentran caminando alrededor de zonas que recuerdan a la Nostromo y entonces cruzan un puente hacia

ALIEN: ROMULUS (15 agosto)

Disney / EE UU / 2024

Dirección: Fede Álvarez

Reparto: Cailee Spaeny, Isabella Merced, David Johnson, Archie Renaux

la otra sección de la estación y... ¡boom!, estás en un pasillo que parece el escenario de Hadley’s Hope de Aliens: El regreso”. Además, un elenco, por primera vez en la franquicia, de protagonistas adolescentes, con Cailee Spaney (Priscilla, Civil War) como una Ripley para las nuevas generaciones y en consonancia con los slasher de Álvarez. Ridley Scott ya la ha visto: “Fue la primera persona que la vio, fuera de mi círculo. Entró en la habitación y dijo: ‘¿Qué puedo decir? Fede, es jodidamente genial’. Fue el mejor día de mi vida”.

UNIVERSO ‘ALIEN’

Desde la primera entrega, Alien se desdobló en todos los medios posibles: adaptaciones en formato novela o cómic, un arcade que fagocitaba sin tapujos al famoso Pac-Man, juegos de laberinto, shooters más o menos atinados, crossovers loquísimos, merchandising bizarro... Tanto jaleo hizo que las historias empezaran a contradecirse entre sí, sobre todo cuando Fincher provocó en Alien 3 que se anulara en cierta medida la multimedialidad de la saga matando personajes con hilos propios ya desarrollados, y todo empezó a perder seriedad y frescura. Casualmente las mejores entregas -muchas de ellas te las repasamos en la siguiente página- se ambientan entre los eventos de Alien y Aliens. Normal tener el hype por las nubes con la nueva de Fede Álvarez.

LO MEJOR DE ALIEN

De todas las distintas ramificaciones que ha tenido la saga del xenomorfo en la cultura popular, más o menos afines a un cánon hoy difícil de determinar, estas son para nosotros las más imprescindibles. Menos mal que aquí sí que se escuchan los gritos.

Alien: El octavo pasajero (Ridley Scott, 1979). Una obra mayor de la historia del cine. Una revolución estética y formal con H.R.Giger a la cabeza y un Ridley Scott que aunaría Metal Hurlant con el gothic horror.

Alien: Isolation (Sega, 2014). Dan Abnett, guionista del mundo del cómic, escribió para Sega una de las mejores historias de la saga: la hija de Ripley, Amanda, parte en su busca tras los eventos de Alien. Y nosotros nos ponemos en su piel a través de un escalofriante survival horror en primera persona que refleja como nunca la letalidad del xenomorfo. Pasárselo en difícil es toda una experiencia; Giger y Scott estarían orgullosos.

Alien: Out of the Shadows (Tim Lebbon, 2014). Seguramente la mejor novela de todas las que adaptan el universo Alien, siguiendo a la teniente Ripley tras la destrucción de la Nostromo en la primera entrega.

Prometheus (Ridley Scott, 2012). Tan fallida como visionaria, esta mirada tangencial al origen del universo Alien pecaba de un guion no del todo pulido, pero tenía ideas absolutamente geniales. A reivindicar.

Aliens: El regreso (James Cameron, 1986). Cameron entendió que la única manera de hacer una secuela era salirse por la tangente. Y lo consiguió, Pura adrenalina y tensión. La action movie de los 80.

Alien en Dark Horse Comics. El guionista Mark Verheiden siguió el relato de Cameron con una serie de impactantes secuelas gráficas entre finales de los 80 y principios de los 90, pero Alien 3 llegó para dinamitar el cánon.

Alien 3 (David Fincher, 1992). Aunque el propio Fincher la detesta y los problemas entre estudio y creativos son un hecho, solo por los créditos, la autopsia y el sacrificio de Ripley, merece muy mucho la pena.

Alien Trilogy (Acclaim, 1996). El primer videojuego que demostró las posibilidades de la saga en el mundo virtual fue este shooter de Playstation, Sega y MS-DOS que captaba perfectamente la atmósfera opresiva.

POR: ANNA PÉREZ / FOTO: DIMITRIOS GIANNOUDIS

TRAS SIETE AÑOS EN SOLITARIO Y TRES DISCOS APUNTALADOS DE HITS PERO COMPLICADOS PARA INTENTAR TRAZAR UNA LÍNEA CON CIERTO SENTIDO EN SU CARRERA, PARECE QUE CAMILA CABELLO ESTÁ EMPEZANDO A ENCONTRARSE. SU CUARTO ÁLBUM, ‘C,XOXO’, ES UN EXPERIMENTO QUE INFUSIONA POP SATURADO, ELECTRÓNICA Y RITMOS URBANOS DE LA MANO DE COLABORADORES RADICALES COMO PLAYBOI CARTI O SU AMIGO LIL NAS X Y UN PRODUCTOR COMO EL GUINCHO -ORGULLO NACIONAL-, MOSTRANDO A UNA CAMILA CREATIVA MÁS ALLÁ DE SUS PROPIOS LÍMITES.

Tras renunciar a Fifth Harmony, el primer single de Camila Cabello no fue Crying in the Club, fue Love Incredible. La canción, perteneciente al mítico álbum del productor Cashmere Cat 9 (2017), fue coproducida por la siempre brillante SOPHIE y el omnipresente Benny Blanco. En ella, la artista entona una balada romántica al son de una mezcolanza de influencias del R&B y pop sobre una producción electrónica propia de su tiempo. Siete años después, y aunque muchos no quieran verlo, ese primer tema nos puede servir para unir los puntos de su recorrido hasta su nuevo álbum C,XOXO. El círculo siempre se cierra.

Camila Cabello se marchó de un girl group en su ocaso para labrarse un camino propio como popstar. En estos años la cantante ha explorado el estilo coqueteando en ocasiones con sonidos dispares, desde las influencias del rap al EDM o el R&B o el mundo latino -'latino' como concepto general, a lo Jennifer Lopez; siempre ha sido difícil abrazar plenamente la latinidad en un país que todo lo exige debidamente yanquificado-, . Dando tumbos, la cantante parecía enfrascada en una búsqueda de su sonido dentro del tipo de pop que encaja en la radio y en los programas de versiones.

Su primer álbum, Camila, fue bien recibido

por su frescura y vulnerabilidad. Romance continuó explorando temas personales pero con una recepción ambigua. Y a pesar de que su tercer álbum, Familia, parecía ofrecer un acercamiento a sus raíces y por ende a su voz más personal, y aun con hits tan destacados como Don’t Go Yet, nos quedábamos con la sensación de que aún quedaba Camila por explorar. Por eso es interesante este nuevo ejercicio de la cubano-estadounidense, que confiesa haber rebuscado en sí misma para intentar dar con la tecla correcta. Así lo contaba en Call Her Daddy el pasado mes de marzo. Para ella, el álbum es “sentarme en la incomodidad de las cosas y darme cuenta de que no va a haber una respuesta clara y ordenada”. Y añade: “Me siento fuerte en algunos aspectos, débil en otros, y no hay una camino claro. Pero el proceso del álbum ha sido un gran viaje que comenzó con mi intención de volver a cómo empezó todo para mí, que fue simplemente sentarme conmigo misma y realmente volver a sentir esa primeriza pasión por escribir canciones. Entusiasmándome con referencias, artistas y poesía -lo que sea-, y conectando realmente con eso."

El nuevo proyecto se presentó, como de costumbre en las grandes artistas pop, con un rebranding acorde que no ha tardado en despertar recelos por su adopción de una estética a lo Charli XCX.

Se habla mucho del parecido de esta nueva era de Camila con Charli XCX: el lollipop, el idgafuckismo, el punto hyperpop o incluso la cámara de vídeo. Tampoco estaría de más recordar que la relación artística entre ambas viene de tiempo, y que Charli escribió para ella OMG, una colaboración con Quavo que sigue estando entre sus canciones más interesantes; o Señorita, la billonaria bandera de Romance, su segundo álbum, en colaboración con Shawn Mendes.

C,XOXO se inspira en la energía de la adolescencia tardía y la temprana juventud, el idgaf como modo de vida y el paisaje de Miami de telón de fondo. En un mundo que estéticamente

CAMILA Y EL MUNDO RARO

Aunque no lo parezca, no es la primera vez que Camila Cabello se relaciona con los márgenes, al menos estilísticos, del mundo musical. Así que dejemos de actuar como si la artista cubana no tuviera derecho a vivir artísticamente sus veintitantos como le dé la gana. Como le salga del C,XOXO.

Ya lo hemos comentado: el primer sencillo en solitario de Camila vino de la mano de Cashmere Cat, a quien la artista cubana llegó por intermediación de Benny Blanco, fundamental en ponerla en el mapa de los grandes productores después de que abandonara Fifth Harmony y empezar a buscar un camino más maduro y alejado del teen pop. Love Incredible, lanzada en 2017, fue además coproducida por SOPHIE, y en ella los producers retuercen la voz de Cabello y la inundan de helio, avanzando para ella unos caminos que en aquel momento la industria -o quizá ella misma- no se atrevió a seguir explorando de cara a su carrera.

Familia vio a Cabello abrazar sus raíces latinas, pero además acercarse sorprendentemente a la idea global de tropicalidad y a algunos de sus grandes responsables: Diplo y sus Major Lazer le dieron una vuelta a la fiesta universal que es Don't Go Yet, Mike Towers la acompañaba para un dembow romántico producido por Tainy -Oh Na Na-, el nigeriano Oxlade se la llevaba a la sutileza del afropop en KU LO SA y lo más random de todo: Stromae -te queremos, que lo sepas- lanzaba un remix veraniego de su baladón Mon Amour junto a Camila en clave rumba congoleña y con un videoclip imperdible que parodiaba Two Hot to Handle

Para producir su último álbum, C,XOXO, Camila Cabello ha contado con la inestimable colaboración de El Guincho, productor de Rosalía y responsable de discos como Caprisongs de FKA twigs, muy importantes para entender a esta nueva Cabello. Además, la cubana-estadounidense ha fichado para dirigir y producir el videoclip de I LUV IT, su primer sencillo, a la productora audiovisual de Barcelona que ascendió al olimpo mundial junto a la de Sesrovires: CANADÁ

Antes de meterse en el rollout de su segundo álbum, Camila Cabello hizo su aparición en el que continúa siendo el último disco de estudio de Mark Ronson -si no contamos la banda sonora de Barbie-, Late Night Feelings. Codeándose con otras popstar del espectro más alt como Lykke Li, Yebba, Angel Olsen o King Princess -además de una Miley Cyrus en busca de reivindicarse en ese mismo universo alternativo-, su participación cristaliza en Find U Again, con la coproducción del demiurgo Kevin Parker, líder de Tame Impala.

nos hace vivir en Spring Breakers, no podemos ignorar las influencias en lo sónico. Pop saturado y electrónica se encuentran con el rap y se materializan con la ayuda de JT, Yung Miami, Lil Nas X y Playboi Carti. No nos podemos olvidar de las dos colaboraciones con Drake, especialmente teniendo en cuenta que una de ellas iba a presentarse como single principal y se vio eclipsada por la guerra abierta que Kendrick Lamar le declaró al canadiense. A cargo de la producción se encuentra El Guincho (Rosalía, Beny Jr, Bad Gyal) con la ayuda de Jasper Harris (músico tras temas de Jack Harlow, Kendrick Lamar o Roddy Rich). Las decisiones tanto musicales como estéticas son pruebas fehacientes de que Camila iba en búsqueda de una personalidad muy concreta con el foco puesto en el zeitgeist. Y es que sería casi despectivo obviar las reminiscencias al pop de Charli XCX ya tan comentadas o a FKA Twigs, pero también las colaboraciones y los guiños continuos a la música afroamericana.

I LUV IT fue el primer single con la colaboración de Playboy Carti -un mumble que ha dado para muchos memes- y el sampleo de Gucci Mane. En él, pudimos intuir el camino que reco-

rrería el álbum montado en el autotune tras un sonido brillante, o la intención de escribir letras pop como quien escribe un rap. He Knows nos presentó la primera colaboración del álbum junto a Lil Nas X, y en Chanel Nº.5 Camila persigue la idea de ser una baddie desenfadada y divertida. Ella quiere ser that girl: rímel corrido, rara, pelo decolorado pero desgastado a propósito, vibras misteriosas pero atrevidas, oscura pero brillante y al son de géneros que aún no había explorado en profundidad. Tal vez esa primera canción con SOPHIE, Cashmere Cat y Benny Blanco fuera algo más que su debut discográfico y nos dé pistas de lo que la artista tiene aún por contar. Desde el inicio del rollout de este proyecto que lleva más de tres años cocinándose han corrido ríos de tinta sobre si esta nueva era es sincera o no, si el desarrollo de esta nueva identidad es auténtico o simplemente una estrategia comercial. Sin embargo, Camila es la autora de todas sus letras y melodías principales y parece que toma por completo la dirección artística de su carrera con un nuevo contrato. Por ello, y pese a quien pese, es innegable que "C, XOXO" presenta una Camila más audaz y creativa.

C,XOXO (GEFFEN / INTERSCOPE, 2024)

I Luv It / Chanel Nº.5 / Pink XOXO / He Knows / Twentysomethings / Dade County Dreaming / Koshi XOXO / Hot Uptown / Uuugly / Dream-Girls / 305tilidie / B.O.A.T. / Pretty When I Cry / June Gloom CD / DIGITAL / LP

POR: RAMÓN BAYLOS

‘STAR WARS OUTLAWS’ ES UN JUEGO QUE NACE DESDE LA AMBICIÓN Y CON DOS PERSPECTIVAS OPUESTAS... AUNQUE NO POR ESO EXCLUYENTES ENTRE SÍ. TENEMOS POR UN LADO, EL PUNTO DE VISTA DE UNA EMPRESA, UBISOFT, QUE HA INTENTADO ABARCAR LA INMENSA COMPLEJIDAD DEL UNIVERSO INTERGALÁCTICO EN UN VIDEOJUEGO DE MUNDO ABIERTO. Y POR EL OTRO, LA MIRADA DISNEY, IMPOSIBLE DE IGNORAR CUANDO ENCARGA LA CREACIÓN DE LA QUE ES UNA DE LAS ENTREGAS VIRTUALES MÁS IMPORTANTES DE LA HISTORIA DE LA FRANQUICIA.

Puntos clave

Star Wars siempre ha tenido una intensa relación de amor con el mundo de los videojuegos. De este vínculo han nacido obras maestras de diferentes géneros, pero nadie se había atrevido hasta ahora a hacer un juego tan grande sobre la franquicia de George Lucas. Ahora, con los planetas y las estrellas alineadas, Ubisoft Massive da un salto al vacío para crear una experiencia de mundo abierto del tamaño de una galaxia.

Star Wars: Outlaws es un juego que hace alarde de la filosofía de diseño tan característica de Ubisoft: dar prioridad a la cantidad por encima de todo, para convertirla en su mayor virtud. Lo mismo da si hablamos en términos de dimensiones o de contenidos.

La aventura está protagonizada por Kai Vess, una aventurera canalla que intenta iniciar una nueva vida a partir de su tormentoso pasado criminal. Todo eso la llevará a explorar una galaxia conformada por una retahíla de los planetas más icónicos de las películas.

OTRAs GALAXIAs

Lucas Arts antes, Disney ahora, llevan años intentando expandir los límites de Star Wars como plataforma de entretenimiento. Pero los metaversos culturales son entidades sumamente frágiles que pueden desmoronarse en cuanto detectan un elemento que no termina de encajar con el resto de sus partes, y que genera incoherencias narrativas insalvables entre aquellos fans que buscan la armonía argumental.

Para salvaguardar la salud de esta galaxia muy, muy lejana, Ubisoft, en un movimiento inteligente,

decide alejarse del conflicto principal entre los Sith y los Jedi de cara a representar otras situaciones que siempre se han mencionado en las películas, pero casi como una pieza más del setting en el que ocurren otras cosas que solo están relacio nadas con ellas de manera indirecta. En este sentido, el juego se am bienta en los sectores criminales

Sin embargo, esto es algo que también deja espacio para la novedad, que se materializará en forma de Toshara. Ese es el nombre del nuevo astro creado expresamente para el juego, un lugar que acoge una de las cunas de criminales más importantes de toda la galaxia.

Es ahí donde está el verdadero atractivo de Star Wars: Outlaws: en sumergirnos en los entornos más peligrosos -algunos también icónicos- de la franquicia con un alto grado de familiaridad, pero ofreciendo siempre una salida sorprendente. La otra cara del conflicto, donde los Sith y los Jedi son los delincuentes y los mafiosos intergalácticos.

que están fuera de la ley y actúan al margen del Imperio y la Rebelión en la trilogía original de películas, guardando un vínculo especial con el último spin-off de Han Solo, con el que compartirá más de una cara conocida.

guardianes de la galaxia

Héroes, heroínas, robots con retranca y chulería, criaturillas adorables de rincones recónditos de la galaxia... Star Wars siempre ha sido un lugar repleto de personajes carismáticos, y Outlaws no es la excepción.

NIX

Nix conoció a Kai cuando esta era pequeña y, desde entonces, se convirtieron en compañeros inseparables. La amistad que existe entre ellos es algo que trasciende a cualquier idea racional y lógica, puesto que se acompañarán mutuamente allá donde vayan, independientemente de los peligros que se les crucen por delante. Etimológicamente hablando, Nix es un merqaal, una raza alienígena de la que no se sabe casi nada.

ND5

Este será el personaje que haga de puente entre las dos primeras trilogías de Star Wars, puesto que es un droide que participó en las Guerras Clon. Y, tal y como es costumbre ante épocas posteriores al conflicto, muchos activos robóticos se vieron obligados a buscar un nuevo propósito en la turbulenta etapa del imperio. ND-5 consiguió, de esta manera, convertirse en el mejor sicario de una peligrosa banda criminal.

KAI

La protagonista principal de Star Wars: Outlaws Una canalla espacial que solo tiene lealtad hacia el dinero. Gracias a sus dotes de ladrona se encuenta amparada bajo el abrigo de varias facciones criminales y mercenarias, pero ahora Kai busca dar el mayor golpe de su vida con tal de conseguir su libertad y alejarse de un pasado que le viene pisando los talones.

Ubisoft Massive

Ubisoft Massive ha seguido un camino claro hasta llegar al punto en el que se encuentran ahora con Star Wars: Outlaws El primer paso tuvo que ver con Far Cry 3, la que se convertiría en la mejor entrega de la segunda franquicia más importante de Ubisoft al conseguir acercarla al público general. Su siguiente parada, quizás menos relevante que la anterior, fue Assassin’s Creed Revelations : una obra descafeinada, fruto de las altas expectativas del público ante una subsaga que pecó de querer contentar a todo el mundo. De ahí pasaron al primer The Division y, sobre todo, a la posibilidad de crear un mundo exageradamente complejo en tamaño y detalles. Todo eso sería una demostración abierta de lo que eran capaces de hacer con tal de convertirse en los candidatos favoritos de aquellas compañías deseosas de adaptar sus obras al videojuego. Y así, siguiendo el curso natural del destino, llegaron al universo de Star Wars. Outlaws es su juego más ambicioso hasta la fecha.

STAR WARS: OUTLAWS

Ubisoft Massive

30 de agosto de 2024

PC, PS5, Xbox Series X/S

POR: DIEGO RUBIO

ARRANCA LA ERA DE LA GORGONA. LA RAPERA CANARIA SE REENCUENTRA CON SU ESENCIA TRAS UNA ÉPOCA DE OSCURIDAD PERSONAL DE LA QUE HA SACADO TODA LA LUZ QUE HA PODIDO, Y MÁS, EN UN SEGUNDO ÁLBUM DE 21 TEMAS EN EL QUE MUESTRA TODAS SUS CARAS Y EN EL QUE SE REAFIRMA, LUCHA, AMA Y NO SE DA POR VENCIDA, SIEMPRE BIEN RODEADA.

FOTOS: BROOK SYDNEY

Aunque todos tenemos asociada la idea de gorgona con Medusa y su terrorífica mirada petrificante, realmente las gorgonas fueron en su mayor parte un símbolo de protección en la Antigua Grecia, temibles precisamente por su poder paralizador -vestigio de un mundo olvidado- y las formas bífidas de su cuerpo, ya sea piel, cinturón o cabellera de serpientes. Coronaban templos, decoraban mobiliario y menaje, e incluso se utilizaron para un famoso amuleto protector, el Gorgoneion, inspirado en la leyenda de Perseo, que con la cabeza decapitada de Medusa logró convertir en cordillera a Atlas, el titán. “La gorgona me ha definido siempre, la tengo tatuada en el pecho”, dice Ptazeta, que sabe que en las próximas horas, quizá meses, van a preguntarle muchas veces por qué ha llamado a su esperado segundo álbum precisamente Gorgona. “Me encanta el mensaje, me encanta ese poder, ese feminismo...”. Pero, además, la dualidad que representa la gorgona, poderosa protectora y al mismo tiempo monstruo ctónico implacable, le sirve a la artista canaria para definir los saltos modales que hace su nuevo trabajo del fronteo a la vulnerabilidad, y del trap más oscuro y agresivo a un pop lumínico y para todos los públicos. “Dicen que las gorgonas tenían dos mitades, y que en una contenían un veneno letal y en la otra un elixir para revivir a los muertos”.

Gorgona llega, además, como culmen de todo un torbellino de cambios personales y golpes emocionales, que en mucho tienen que ver con el indescifrable misterio de tener que manejar una carrera casi de superestrella con apenas 25 años. Y es que, por mucho Bizarrap que se haya cruzado en su camino, para Zuleima del Pino González Mami siempre será su himno: fue prácticamente su primera canción; tenía solo 20 años cuando la compuso. Desde entonces todo ha tenido que ser un complejo manejar las expectativas. “Yo he tenido que ir a terapia porque te camuflas en un shock, estás viviendo la vida y no la estás viviendo porque no te estás dando cuenta. Abres los ojos un día y han pasado tres años”, recuerda. Y en el proceso quizá te has olvidado de ti misma. “Me siento mejor y más motivada este año, siento que estoy cambiando mi forma de componer, y eso me gusta. Siento que este disco es más maduro, pero desde un punto de vista puramente personal: está muy divertido, es muy ameno de escuchar, aunque sean 21 temas. Pero para mí, en otra capa, también es muy profundo, porque sinceramente me han pasado tantas cosas malas entre el año pasado y principios de este año... La gente probablemente no se haga una idea, pero yo de verdad que no sé cómo he podido terminar este álbum, y que sea un disco brillante y no depresivo, que no sea triste, en medio de todo lo que estaba pasando. Y ahora lo veo como un recuerdo de que he sido capaz de seguir en mi línea y de no dejarme apagar por todos los problemas personales”. Otra vez las dos mitades de la gorgona. De la oscuridad siempre emerge la luz. “Es

un disco que transmite fuerza, y lo he hecho en el momento de mi vida en el que menos fuerza he tenido”, confiesa. Supongo que eso es lo bonito de la música, del arte en general, que nos permite imaginar mundos, realidades, en las que somos mejores, en las que estamos mejor, y quizá en ese reflejo ver mejorar nuestras propias vidas. Respecto a su nuevo trabajo dice tener unas expectativas sanas, sin ansias de pegarse ni de llegar a ningún lado en particular, y solo espera que mueva algo de tierra porque a ella ya le ha servido para autoreafirmarse. “Que haya gente que lo escuche, que le mueva, y que diga: ‘Coño, esta tía está otra vez activa, está volviendo, está motivada y yo la veo bomba’. Eso es lo que quiero. No me he ido en ningún momento, solo es que no tenía la cabeza en mi sitio, pero ahora sí”. En mucho esta reflexión habla de unas exigencias de inmediatez por parte de la industria que se nos han ido completamente de las manos. Ptazeta no ha parado de sacar temas en estos años, pero parece que si no haces un disco o no haces un hit no existes, y eso también hay que aprender a sobrellevarlo.

“NO ME HE IDO EN NINGÚN MOMENTO. SOLO ES QUE NO TENÍA LA CABEZA EN MI SITIO” SOLO NO

EL PODER DE LA AMISTAD

PTAZETA NO SE HA QUEDADO SOLA EN SU PROCESO DE BÚSQUEDA

PERSONAL, Y EN 'GORGONA' SE PASAN COLABORADORES Y AMIGXS POR LA MITAD DE SUS TEMAS, CONVIRTIENDO EL DISCO EN UNA EXPERIENCIA COLECTIVA QUE SE DISFRUTA MEJOR DE FIESTA.

Lali, la artista anteriormente conocida como Daniela Lalita, tiene cada vez más pillado esto del pop club, y clarísimo que le sienta mejor la oscuridad que la luz. En A oscuras deja otra prueba más. Si no te gusta a lo mejor es que estás muerto por dentro, háztelo mirar.

WE$TDUBAI

Desde Las Palmas de Gran Canaria, cómo no iba a estar en el nuevo disco de Ptazeta el Arcángel español: en Rápido saca a pasear ese irresistible y siniestro susurro en un drill de pulso clubber.

LUCHO RK

El protegido de Quevedo y uno de los nuevos valores del R&B no solo canario, nacional, se suma en otro moombathón, Do You Love Me?, este menos sucio y más EDM, más tropical, cuco y enamoradizo. Hay para todos los moods.

LOLA INDIGO

OMAR MONTES

La gran sorpresa que ha acompañado al lanzamiento de Gorgona ha sido A las 12, una bonita rumba urbana de ida y vuelta con toquecitos de salsa y ese deje flamenquito inconfundible de Omar Montes que le guiña un ojo a El Madrileño.

Las dos artistas compusieron Tiki Tiki en el campus de composición de una feria en los Países Bajos jugando al moombahtón, al dancehall más rítmico y al dirty dutch. Puro fuego latino.

LITKILLAH

LA PANTERA

El artista de Gran Canaria, que lleva varios años asentando su respetada posición en el underground de las islas, se pasa en N'Golo para brillar en plan slap house. Fue el eje central de Cayó la noche, historia del urbano canario. El argentino Lit Killah, por su parte, se pone drillero en La respuesta

“En la industria hay muchísima presión con sacar las cosas para aprovechar los momentos: antes de que se pase el verano, o ahora que está de moda esta cosa...”, dice cuando hablamos sobre una cultura del single que contribuye a convertirlo todo en efímero. “Luego hay artistas a los que les tienen bloqueado un álbum meses porque a la discográfica no le cuadra en el calendario”. Ha dejado de importarle no ser la primera y prefiere hacer las cosas a un ritmo propio, y según le dé el flow: “Si quiero un afro hago un afro, si quiero un trap hago un trap y si quiero un drill hago un drill”. 'Fluir', 'fluidez', 'fluyendo' son las palabras que más se repiten a lo largo de nuestra conversación. “Antes era muy exigente conmigo misma en el proceso creativo y no lo llevaba bien. Pero con el tiempo he aprendido que me viene bien ponerme a escribir, aunque sea un ratito todos los días. También depende cómo esté: si estoy muy bajita no tengo fuerza para escribir. Ahora que estoy chachona tengo siempre ganas... Ya sabes que los artistas estamos todos locos perdidos de la cabeza”. Pero ha aprendido a eso, fluir, en todos sus moods, y se nota escuchando un disco que

GORGONA (INTERSCOPE, 2024)

en 21 canciones desvela todas sus caras.

“En el fondo es una mezcla entre lo que me ha aportado cada lugar donde hemos grabado, todo ese viaje -México, Argentina, España, Miami, Países Bajos...-, y el crecimiento personal que yo he hecho por el otro lado. Me gusta grabar fuera porque me mete la idea como de que estoy haciendo un trabajo, y eso me ayuda a estar más motivada y tomármelo todo más en serio, de forma más profesional”, confiesa. Pero desvela una necesidad por reencontrarse con su parte más rapera, con las barras, y con unos orígenes más oscuros y agresivos: “A mí me gusta toda la música, la disfruto toda porque la música es mi vida, y todo lo que hago me flipa porque si no no lo sacaría. Pero coño, no es lo mismo cuando me pongo un beat que me suena el bajo que me quiere reventar el pecho... Ahí es cuando yo me vuelvo la parte izquierda de la gorgona. No puedo evitarlo, un buen trap es lo que más disfruto de verdad”.

No quita para que siga reivindicando la música de sus islas cada vez que puede y allá por donde va. “La música canaria, lo que es la música tradicional canaria, la música folclórica, en cierto modo está desapareciendo porque se ha asimilado por completo la herencia de los ritmos latinos, el merengue, la salsa, la bachata... Me parece muy importante reivindicar esas tradiciones, instrumentos como las chácaras gomeras, porque si no lo hacemos vamos a acabar perdiéndolas. Por eso me gusta integrar por ejemplo un ritmo tradicional de allá con un reguetón: vete tú a saber si a un tipo de Latinoamérica de repente le flipa, empieza a cogerlo y hace otro tema, y así”. Y así es como se extienden los virus rítmicos mundiales, si no que se lo pregunten al kuduro. Ptazeta seguirá siendo, mientras pueda, mientras quiera, un vehículo más, con su música y con una gira que ya ha pasado por algunos festivales, pero que desvelará a partir de ahora todo su potencial, escenografía y setlist incluido, para asaltar escenarios a ambos lados del Atlántico. “Ahora empieza de verdad la época de la Gorgona”.

Intro - Gorgona / N'Golo / Todos miran / A las 12 / Toa / Moncler / Cuero / Matahari / Ha pasado tiempo / Si es contigo sí / UAE / Do You Love Me? / A oscuras / Rápido / Toto / Relajao / La respuesta / Tiki Tiki / Mujerón / No me jalan / Descapotao

DIGITAL

“NO SÉ CÓMO HE PODIDO TERMINAR ESTE DISCO, Y QUE NO SEA DEPRESIVO, TRISTE, QUE SEA BRILLANTE, EN MEDIO DE TODO LO QUE ESTABA PASANDO” ESTE QUE SEA MEDIO LO

SOLO

LA ESCENA DRAG DEL TORONTO CONTEMPORÁNEO LE SIRVE A SOPHIE DUPUIS PARA ENTREGAR EN SU TERCER LARGO UN RELATO, GALARDONADO EN EL PASADO FESTIVAL DE TORONTO, EN ESCALA DE GRISES SOBRE EL AMOR PROPIO, LAS INSEGURIDADES Y LOS PELIGROS DE LAS RELACIONES TÓXICAS.

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

Las rivalidades y las relaciones profesionales dentro del mundo del espectáculo se han convertido casi en un género en sí mismo desde que Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, 1950) lo popularizara y, tres décadas después, Paul Verhoeven lo llevara al paroxismo en su fundamental Showgirls (1995). Posteriormente autores como Satoshi Kon en Perfect Blue (1997), Darren Aronofsky en Cisne negro (2010) o, recientemente, Luca Guadagnino en su remake o reinterpretación de 2018 de la Suspiria original de Dario Argento (1977) introdujeron esta suerte de subgénero en los terrenos del horror. Relatos en los que la competitividad laboral y la búsqueda de alcanzar el estrellato a cualquier precio se fusionan con unas pasiones y pulsiones sexuales y sentimentales exageradas, frenéticas y delirantes, que dan fe de ese horrible dicho de que “los que se pelean se desean”.

La directora canadiense Sophie Dupuis, sin embargo, en el que es su tercer largometraje, consigue darle una vuelta de tuerca más a este tema. Y lo hace situando la historia en el contexto de la escena drag del Toronto de nuestros días y a partir de la figura de Simon, interpretado por el actor Théodore Pellerin -colaborador artístico habitual de la cineasta canadiense en sus dos trabajos previos-. A ellos se une en Solo el carismático actor francés Félix Maritaud -intérprete imprescindible de la escena queer reciente tras sus magnéticas y fundamentales interpretaciones en obras como 120 pulsaciones por minuto (Robin Campillo, 2017) y Sauvage (Camille Viudal-Naquet, 2018)- encarnando a Olivier, el objeto de deseo y dolor de Simon y compañero/rival en el club drag en el que los dos se encuentran en plena búsqueda de su identidad y la admiración de sus compañeros y público. También la actriz Anne-Marie Cadieux, que interpreta a la ausente -física y emocionalmente- madre de Simon. Entre ellos se establece un asfixiante triángulo de amor y rechazo galardonado con el premio a la mejor película canadiense en el pasado Festival de Toronto y con el Palm Springs de California. De todo eso hemos querido hablar con Félix Maritaud, el co-protagonista de la cinta y mitad fundamental del personaje interpretado por Théodore Pellerin.

Porque uno de los aspectos más interesantes y destacables de la cinta es el poderío visual y estético de las performances que interpretan tanto Pellerin como Maritaud. Este, de hecho, considera que “es la experiencia más agotadora y a la vez más interesante que he tenido en mi trayectoria como intérprete. Tuvimos infinitas horas de clase de baile con tacones, para cambiar y modificar nuestra manera de movernos y crear algo más femenino, que empoderara nuestra drag queen interior. Y es que todos los artistas drag están empoderando lo fabuloso que llevan en su interior. Y, como yo nunca había interpretado a un artista drag, tuve que trabajar mucho, incluso cambiando la manera en la que movía habitualmente mis manos, porque era demasiado tosca. Un reto actoral donde la mitad del reto era físico -casi olímpico- y la otra psicológico”. Y es que, en realidad, el centro del relato se encuentra en la falta de seguridad en el personaje de Simon, que acaba enamorándose de una personalidad tóxica -también magnética y opresiva-como es la de Oliver. En torno a su complicadísima relación, entre la toxicidad y el gas lighting, se estructura todo lo que sucede en la película, que de paso traslada comportamientos típicamente asociados a las relaciones heterosexuales hacia el mundo homosexual. Algo que Félix Maritaud destaca especialmente sobre el trabajo de Dupuis, describiéndolo de la siguiente manera: “Seguimos siendo hombres. Incluso cuando tanto los hombres y las mujeres heterosexuales no nos consideran hombres per se. Y creo que es una obligación en la vida de todo hombre el deshacerse de dicha toxicidad, porque todos hemos nacido en un entorno heteropatriarcal que es un sistema donde el hombre es tóxico hacia todo lo que le rodea, ya sean las mujeres, lo productivo, lo político o lo ecológico”. La huella del patriarcado más allá de cualquier enfoque es, en el fondo, un tema subyacente a lo largo de toda la cinta. Un hecho que no entiende de géneros, atracciones o deseos sexuales, y que además se ve agravado, como comenta Maritaud, cuando los personajes son homosexuales, porque “sentimos que hemos nacido en un mundo en el que

CINE DRAG

The Rocky Horror Picture Show Jim Sharman, 1975

La cult movie por antonomasia. Un festival de provocaciones y “mal gusto” con un inmenso Tim Curry como maestra drag y una debutante Susan Sarandon.

Cabaret Bob Fosse, 1972

Los totalitarismos siempre dan para una buena performance drag. El clásico galardonado de Bob Fosse, con la performance de Ricky Renée, es el mejor ejemplo.

Las aventuras de Priscilla... Stephan Elliot, 1994

Aparta Luhrmann, que Priscilla llegó antes. El primer gran éxito de lo drag en el mainstream, con unos fantabulosos Guy Pierce, Hugo Weaving y Terence Stamp.

The Adventure of Iron Pussy Apitchapong Weerasathakul, 2003

La cinta más inclasificable del ya de por sí inclasificable director, más dado a lo místico y conceptual. Loquísimo homenaje al cine de acción thai de los 70.

“EN

HETERO PATRIARCADO

no encajamos. Eso nos coloca por naturaleza en un modo de supervivencia extremo que da lugar a ese comportamiento tóxico, tanto hacia ti mismo como hacia todas las personas que te rodean”. La toxicidad es, en el caso del personaje de Félix Maritaud, casi inconsciente, porque como él mismo reconoce e interpreta “Oliver es tóxico. Y la gente tóxica no es capaz de reconocerse como tal. Y es que la mente de Oliver funciona de una manera muy particular. Quiero ser visto. Quiero ser deseado. Quiero ser bello. Y consigo lo máximo que me propongo con el mínimo de empatía”. Desde las inseguridades que el mundo, que el sistema de la masculinidad tradicional, dominante, ruda, insensible e impertérrita, le impone, su forma de levantamiento es una resistencia constante, una lucha interior, velada y ajena a su propio enten-

dimiento, entre lo que él desea y lo que se espera de él, de su comportamiento.

Pero Simon no solo tiene que lidiar con la tormentosa y compleja relación con Olivier: también se enfrenta a la figura de una madre ausente -interpretada por una Anne-Marrie Cadieux que se ha convertido en todo un mito del cine independiente canadiense desde que llamara la atención a finales de los noventa por su papel en Streetheart (Le cœur au poing) de Charles Binamé-. Ella es el origen último de la falta de seguridad en sí mismo, y la causa por la que busca infructuosamente una atención sistemáticamente negada, su aprobación y su cariño. Para Maritaud, Simon está marcado por “dos personas muy narcisistas y que, lamentablemente, no son capaces de darse cuenta de ello”. Dos caras de una misma moneda que le impide avanzar. “Si no pones límites o no te respetas a ti mismo, seguirás atascado en este tipo de relaciones. Porque creo que el origen del concepto de amor disfuncional que se encuentra en la cabeza de Simon nace de su relación con su madre”, continúa reflexionando el intérprete francés, que también insiste en ponerle a Simon su parte de responsabilidad: trabajar en quererse a uno mismo, más allá de lo que recibas del mundo, es tan importante o más que el amor que obtenemos de los demás.

Pese a todo, Maritaud destaca cómo “Sophie trata a todos los personajes con amor y cariño”, con comprensión y huyendo de “representar el mal comportamiento como algo criminal”. Tenemos derechos a equivocarnos, a no entender el amor o a nosotros mismos, y lo que necesitamos realmente no es un juicio, sino un abrazo, un empujón. A vivir se aprende a hostias, pero que nos las dé el mundo, no nos las rifemos entre nosotros. “No creemos en eso, creemos en lo humano”. En educar -y aprender- desde la empatía.

SOLO (12 julio)

La Zona / Canadá / 2023

Dirección: Sophie Dupuis

Reparto: Théodore Pellerin, Félix Maritaud, Anne-Marie Cadieux, Tommy Joubert.

JOSH PETTINGER JOSH PETTINGER

POR: ANDRÉS CASTAÑO

EL DIBUJANTE BRITÁNICO -ESTADOUNIDENSE DE ADOPCIÓN- JOSH PETTINGER HA CONSEGUIDO LABRARSE UN LUGAR SIGNIFICATIVO EN EL MUNDO DEL CÓMIC DE AUTOR GRACIAS A LOS PERSONAJES ESTRAMBÓTICOS QUE PUEBLAN SU MUNDO TRAGICÓMICO Y SATÍRICO. ‘GOITER’ (LA CÚPULA, 2024) ES SU ÚLTIMA OBRA, Y SU PRIMERA GRAN COLECCIÓN DE RELATOS. POR SUS OCHO EPISODIOS CIRCULAN SERES AGARRADOS A UNA ILUSIÓN QUE ROZAN EL FILO DE LO RIDÍCULO, LO ENFERMIZO, LO PATÉTICO... ¿APOCADOS POR SU PROPIO DESTINO, POR SU PROPIA NATURALEZA O POR SU PROPIA DECADENCIA?

Le han comparado con Daniel Clowes, Adrian Tomine y Noah Van Sciver, y aunque en cierta manera este viñetista, historietista y autor de cómic -nacido en la Isla de Wight, en Inglaterra, pero asentado desde hace años en Philadelphia para el desarrollo de su carrera- sigue el estilo sobrio y satírico de toda esa generación de autores estadounidenses formados en la Edad del Oro del cómic y en la línea underground de EC Comics y la revista MAD, Josh Pettinger está más conectado con la desolación desconectada, valga la redundancia, de nuestro distópico presente, situándose con un estilo tremendamente personal en la primera línea de una nueva generación de maestros comiqueros. Llevando a unos personajes dignos de estudio antropológico al límite a través de un uso retorcido de la psicología, y buscando exponer las contradicciones que definen a los seres humanos, en Goiter, su primera gran antología, recopilación de las pequeñas historietas que componen este universo de tragicomedias, realiza un comentario crítico sobre la sociedad, sí, pero sobre todo demuestra una capacidad única para dibujar un patetismo encantador que en el fondo desvela pura pasión por el otro. Nos explica detalles sobre su estilo y su manera de elaborar esa galería de personajes tan sorprendentes.

¿Consideras el mundo un lugar tan hostil y poco amigable como se describe en ‘Goiter’?

Sobre todo, me resulta indiferente. Los personajes de ‘Goiter’ experimentan la vida como algo que te sucede y no como algo que tienes bajo control, lo cual es un sentimiento familiar para mí. La gran mayoría de las personas son amables o al menos son capaces de serlo. Uno de los principales temas explorados en el libro es la soledad, que creo que es una experiencia casi universal hoy en día, incluso si estás rodeado de personas que se preocupan por ti.

Josh Pettinger

Aunque nació en la Isla de Wight, en Inglaterra, Josh Pettinger se mudó rápido a Chicago para desarrollar una trayectoria que siempre ha sido más deudora del estilo de cómic estadounidense, como él mismo reconoce. Allí empezó a escribir su serie de historietas Goiter, que fue seleccionada en el festival de Angoulême y con la que empezó a lograr reconocimiento. En 2023 publicó Werewolf Jones & Sons Deluxe Summer Fun Annual junto con Simon Hanselmann, y ya prepara nueva colección para 2025: Tedward

¿Ese tipo de personajes y elementos -violencia, absurdo, vidas grises, relaciones decadentes…- representan una extensión de nuestro mundo?

Es importante que la política esté representada en el arte, pero no tengo ningún interés en que eso sea parte de mi propio trabajo. Estoy interesado en las relaciones humanas, y en cómo interactuamos entre nosotros. Creo que lo más cerca que estaré es la historieta de ‘Victory Squad’, que en la superficie trata sobre el capitalismo. Pero creo que esa historia realmente trata sobre el aislamiento, y su enfoque iba sobre lo mucho que nos hemos alejado los unos de los otros.

¿Son nuestras tragedias personales, experiencias sin sentido, personajes límite, un buen material para explorar la naturaleza humana?

Sí, absolutamente, es el principal pozo del que bebo. Cada historia que escribo comienza con una idea que podría ser una historia de amor, o algún tipo de relación. Cuando lo recuerdo, me doy cuenta de que subconscientemente he escrito una historia sobre algunas de las peores experiencias por las que he pasado. Y parezco filtrarlo todo a través de una especie de prisma de trastorno de estrés postraumático. Incluso pienso que no es intencional. No me siento y digo “¿Cuál es el problema? ¿Qué es lo peor que me ha pasado en la vida?”, y escribo una historia sobre ello. Pienso que las cosas malas me han informado de todos los aspectos de mi carácter. Soy incapaz de escribir una historia feliz, aunque ahora soy bastante feliz con mi vida.

¿Crees que en nuestro mundo y vida cotidiana el humor es una buena respuesta para reducir tensiones?

“AUNQUE AHORA SOY BASTANTE FELIZ CON MI VIDA, SOY INCAPAZ

DE ESCRIBIR UNA HISTORIA FELIZ”

¡Sí! Creo que cada uno de mis cómics es en el fondo una comedia con un trasfondo trágico. Creo que así es como me las arreglo. Crecí con comedias oscuras, como ‘Brass Eye’ y ‘Jam’ -dos series satíricas creadas por el famoso humorista británico Chris Morris entre finales de los 90 y principios de los 2000-, esas cosas influyeron en mi sentido del humor. Creo que la desolación y la comedia van de la mano.

¿Puede el cómic ayudarnos a hacer el mundo más relajado y divertido? No estoy seguro. Creo que es como un adhesivo. Puedes reírte de un hombre que se resbala con una cáscara de plátano, pero aun así tiene que ir al hospital para que le reemplacen la cadera. El tipo con la cadera rota puede hacer una broma al respecto, pero a continuación experimentará una deuda médica abrumadora.

¿Qué historias te gusta contar, y por qué?

Me gusta contar historias que sean extremadamente personales. Las historias que me parecen más específicas a la experiencia parecen ser las más universales. Y creo que es porque, si bien los acontecimientos reales pueden ser únicos para mí, los sentimientos que represento en esos acontecimientos son cosas que todos hemos sentido. Tristeza, humillación, soledad, amor... Me gusta escribir historias que me parezcan autobiográficas, pero ficticias hasta el punto de ser irreconocibles. El elemento autobiográfico es donde está la verdad y es donde la gente se conecta con mis historias, pero la ficción es divertida, es lo que me hace disfrutar.

¿Te sientes más cerca del mundo del cómic underground estadounidense o de Europa / Reino Unido?

Me siento absolutamente parte de la escena del cómic estadounidense. Tengo una afinidad específica con Francia, ya que tuve una gran experiencia con mi editor allí, así como la nominación de mi obra en Angoulême y los festivales

franceses, pero definitivamente Estados Unidos es mi hogar. Me siento muy desconectado de Inglaterra y la escena de cómics de allí. Tengo algunos amigos que hacen cómics en el Reino Unido, pero eso es todo.

En tus obras te gusta mezclar: hacer un híbrido de géneros -ciencia ficción, fantasía, terror e historias disruptivas-, jugar con una estructura no lineal. ¿Por qué elegiste esos elementos y con qué objetivo o propósito?

Solo quiero que cada historia se sienta diferente. Me gustaría crear un conjunto de trabajos que le resulte variado e interesante a todo tipo de personas.

¿Cómo definirías tus obras y cómics?

Son divertidas y honestas. A veces surrealistas. A menudo se las describe como inquietantes, lo cual no es intencional, pero supongo que les suceden cosas extremas a unos personajes que, como yo, están algo atrofiados y reprimidos emocionalmente.

En tu cuenta de Instagram defines al personaje de tu próxima obra, Tedward, como un “adorable perdedor” ¿Puedes adelantarnos algo sobre ese trabajo?

Es un hombre fuera de tiempo, un tipo pasado de moda. ¡Está buscando el amor mientras el mundo lo ataca desde todos los ángulos! Es una especie de víctima de circunstancias surrealistas.

GOITER (30 mayo)

Josh Pettinger La Cúpula 212 págs / Cómic

POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: MIKE YOSHAI

‘THE YEAR I TURNED 21 ’ ES EL SEGUNDO LP DE AYRA STARR, LA SUPERESTRELLA NIGERIANA QUE SE HA ALZADO COMO LA MADRE DE LOS NUEVOS AFROBEATS PARA LA GENERACIÓN Z. EN EL ÁLBUM, STARR REVISTE CON UNA HISTORIA SOBRE LA MAYORÍA DE EDAD UN TRABAJO, MAYORITARIAMENTE, DE ÉNFASIS IDENTITARIO : EL OBJETIVO DE STARR ES REIVINDICAR EL AFROBEAT COMO GÉNERO NEGRO, Y REPRESENTAR SU CULTURA FUERA DE LAS FRONTERAS DEL CONTINENTE.

Ayra Starr nació con el nombre de Oyinkansola Sarah Aderibigbe, Oyin para su círculo de confianza, en la República de Benin. Cuando todavía era una niña, se mudó a Lagos, la ciudad más poblada de Nigeria. Rápidamente se sintió atraída por el mundo del espectáculo -la cultura alté, esa nueva juventud alternativa del país conectada con el mundo globalizado, se iba desarrollando en esos años a marchas forzadas, al ritmo de la revolución demográfica nigeriana-, y rechazó su apelativo cariñoso en favor de un nombre artístico que evocase grandeza: en yoruba, “Ayra” significa “despertar” o “abrir los ojos”. Por otra parte, durante sus primeros trabajos con Don Jazzy -capo y fundador del reconocido sello Mavin Records que en su día fue casa de Tiwa Savage y ahora acoge también a Rema-, este le dijo que estaba seguro de que se convertiría en una superestrella mundial, y de ahí toma su apellido. Durante su infancia y adolescencia, el negocio de su padre provocó que su familia se mudara con frecuencia: “No lo llamaría necesariamente un estilo de vida nómada, pero desde luego estar expuesta a diferentes formas de vida desde una edad temprana me dio la oportunidad de mirar el mundo a través de más de una lente. Pude observar la realidad desde diferentes perspectivas, lo que supuso una ventaja en mi forma de ver el arte e interactuar con él. Cada pequeña cosa que hago es un reflejo de mi infancia, de cómo crecí y de lo que me ha inspirado”, cuenta por videollamada en un rato libre que encuentra entre el frenesí de su gira más grande por EE UU hasta la fecha. Así, de forma más o menos directa, sus circunstancias familiares propulsaron a la artista al mundo del espectáculo desde una edad bien temprana. Comenzó su carrera como modelo en 2018, con solo 16 años, firmando con Quove Models, una agencia con sede en Lagos. Al año siguiente subiría a Internet covers de sus artistas favoritos, y ese fue el pistoletazo de salida definitivo de su carrera musical, que se desarrolla sin olvidar la primera: “Respiro moda y eso se refleja en mi forma de ser. La música es arte, la moda es arte, y cuando se trata de Ayra Starr, me aseguro de que ambas estén bien combinadas”. Actualmente, es la mujer africana más joven en desarrollar una carrera con un crecimiento exponencial tan elevado. En 2021 publicaba su álbum debut 19 & Dangerous y, siguiendo con esa línea discursiva en la que puntualiza sus cumpleaños -como Adele, o como los niños que miden su estatura en la pared-, este mismo año nos presenta su segundo trabajo, The Year I Turned 21, sobre hacerse (más) mayor: “En cierto modo, estoy alcanzando la mayoría de edad, aprendiendo sobre la vida y convirtiéndome en la mujer que debo ser”. Lo que más ha aprendido, dice, es a trabajar su paciencia: “Me he esforzado por estar presente y, simplemente, prestar mucha atención a lo que estoy haciendo en cada momento. La atención es uno de los secretos que se me han revelado en la vida. Estoy siendo muy consciente

de mis pensamientos. Es muy importante”. Pero, más allá de su crecimiento personal, el álbum es también un homenaje a su identidad africana: “Tengo raíces yorubas desde hace mucho tiempo, mi nombre de nacimiento es Oyinkansola, que significa que ‘la miel ha caído en la riqueza’. Mi padre es yoruba y mi madre también”. Starr afirma que no se esfuerza en representar a su país, pero le sale de forma natural porque vive y respira africanismo: “Para ser honesta, siento que mi identidad es mi voz, ¿sabes? Sea cual sea el género que haga, sea cual sea el tipo de música que toque, sigo siendo yo misma por mi voz. Mi voz es muy distintiva, porque mi voz evoca a África. Lleva lo afro en ella”. Así, Starr pertenece a esa generación de nuevos artistas que han venido a recuperar lo que es suyo, que resitúan el foco de toda la afrodiáspora. The Year I Turned 21 coquetea con el funk o el reguetón, pero en esencia es un trabajo de afrobeat, ese género tan de moda en Europa y Norteamérica que ha sufrido varios intentos de blanqueamiento: “Creo que el afrobeat lleva sonando en el continente mucho tiempo. Crecí con Burna Boy y con todos estos artistas increíbles que han dado forma al sonido que es globalmente. Pero ha pasado mucho tiempo, y nos merecemos todo el reconocimiento que estamos recibiendo”. En ese proceso de contracolonización, afirma encontrar un reflejo cruzando el charco. Su segundo LP cuenta con las colaboraciones de Anitta en Woman Commando y Rauw Alejandro en Santa, en las que la tradición africana se entremezcla con los ritmos de baile latinoamericanos. Ambos géneros, además, conquistan Occidente al mismo tiempo que reivindican su carácter autóctono: “Cuando fui a Brasil, me encontré con una especia que pensaba que sólo se consumía en Nigeria. No se come en ningún otro sitio. Nunca lo he visto en ningún otro lugar, como el aceite de palma. Se usa popularmente para sopas y guisos. Me quedé muy sorprendida, así que me puse a investigar y vi que tenemos muchas similitudes culturalmente: la cultura brasileña tiene mucha relación con la cultura yoruba. Todos somos parecidos, quizás por la migración, pero es muy hermoso de ver”. En cualquier continente en el que se halle trabajando, lo más importante para Starr es llevar su cultura a todas partes. Se vale del pidgin para ello, un lenguaje creado y usado por individuos de comunidades que no comparten una lengua común. Es por ello que en todo su álbum intercala el inglés con otros idiomas africanos, e incluso oraciones yorubas. No es un recurso estético, sino la forma en la que Oyinkansola aprendió a comunicarse: “El pidgin es un idioma muy popular en el África Occidental anglófona. Es un idioma nuestro, suena a inglés roto. Desde el principio yo quería convertirme en una sensación pop global africana. Si solo canto en inglés y solo hago sonidos en inglés, ¿cómo estoy llevando mi cultura al mundo? ¿Cómo la estoy representando? Diré que sueño y pienso en inglés pero, como

“SI SOLO CANTO EN INGLÉS, SI SOLO HAGO SONIDOS EN INGLÉS. ¿CÓMO

ESTOY

LLEVANDO MI

CULTURA AL MUNDO? ¿CÓMO LA ESTOY REPRESENTANDO?”

siempre digo, es muy importante para mí llevar mi cultura conmigo a todas partes, y la música que hago es un lugar donde puedo transmitir fácilmente ese mensaje”.

Indudablemente, Starr es una patriota orgullosa de representar a su país en el extranjero. Cuando le preguntamos sobre los proyectos que tiene para promocionar la cultura dentro de este, no accede a responder. Probablemente no quiera confirmar un trabajo que aún se encuentre en el aire, o quizás el ímpetu de su música es más liviano y hedonista: “La gente escucha mi música en el club, es por eso que aplaudo a los DJs que deciden pinchar mi música, las mezclas están muy bien hechas”. De hecho, prácticamente todas las canciones de su segundo álbum mantienen el ocio como principal

objetivo, a excepción de The Kids Are Alright , un homenaje a la muerte de su padre para el que cuenta con grabaciones testimoniales de casi todos los miembros de su familia: “La emoción principal de esta canción no es la tristeza. A algunos de nosotros nos hace reflexionar sobre la vida de nuestro ser querido, para otros es la gratitud por lo lejos que han llegado desde su muerte. Se trata de aceptación”. Por tanto, ya sea a través de su infancia nómada, de sus recuerdos familiares, del género musical que practica con aperturismo, pero también con un genuino compromiso a la hora de reivindicar los orígenes o del lenguaje en el que sueña, todo en Ayra Starr remite, finalmente, a la conquista africana del mundo. Pero en su caso tiene forma, voz y rostro de estrella del pop. Nuevos tiempos.

Control / Lagos Love Story / Rhythm & Blues / 21 / Last Heartbreak Song / Bad Vibes / Orun / Jazzy’s Song / 1942 / The Kids Are Alright / Santa CD / DIGITAL

NUEVO AFROPOP

Una industria global a la caza de nuevas estrellas y enfocada en explotar cada margen, junto a la explosión demográfica y la revolución social que viven las grandes ciudades de África, han provocado que los nuevos afrobeats inicien una conquista global del mercado pop.

BURNA BOY

Adalid del panafricanismo y rey del afropop, el verdadero African Giant ha vivido desde 2019 un ascenso imparable a la primera línea del pop mundial, actuaciones en Coachella y colabos con Balvin o Biever mediante.

WIZKID

Wizkid siempre fue un adelantado a su tiempo, y ahí estuvo acompañando a Drake en One Dance, una canción que sirvió, en mucho, para poner las sonoridades afro en los oídos pop de todo el mundo.

REMA

La nueva generación de afrobeats tiene en Rema a su gran cabeza de cartel, replicando éxitos internacionales con artistas grandes -uno de ellos de la mano de Bad Gyal- y rematando con Calm Down, megahit afro.

TEMS

La primera artista africana en encabezar la lista de éxitos de EE UU y en ganar un Grammy. Acaba de estrenar su esperadísimo debut, Born in the Wild. Su currículum pasa por Beyoncé, Rihanna, Future, Drake...

AMAARAE

Su caracter abierto -se ha criado entre Atlanta y Accra, curiosa mezcla que se sale del habitual binomio Londres/Lagos- la ha llevado a reivindicar a OGs como Cruel Santino o DRB LasGidi. La más cool.

OLAMIDE

Si las músicas mainstream siguen la estela de la vanguardia es por gente como Olamide: fundador de YBNL Nation -que ahora se distribuye con Empire-, ha lanzado las carreras más under: Fireboy DML o Asake.

THE YEAR I TURNED 21 (MAVIN / UNIVERSAL, 2024)

Bird Sing of Money / Goodbye (Warm Up) / Commas / Woman Commando /

TOP 50 PLAYAS

IDEALES

POR: LUIS ARGEO / FOTO 1: © MIAMI GMCVB

PRONUNCIAMOS LA PALABRA PLAYA Y DE SEGUIDO NOS VISUALIZAMOS SOBRE LA ARENA BLANCA DEL ATOLÓN EXÓTICO, CON AGUA TRANSPARENTE Y PECES DE COLORES, BAJO UN SOL, ENTRE UNAS OLAS, JUNTO AL CHIRINGUITO PREDILECTO. PARAÍSOS. QUIZÁ ESOS LUGARES IDÍLICOS ESTÉN EMPEZANDO A FORMAR PARTE DE LA IMAGINACIÓN COLECTIVA, PUES YA RESULTA IMPOSIBLE ENCONTRAR UN LUGAR DEL PLANETA QUE NO HAYA SIDO PISOTEADO POR UN SER HUMANO. O POR MILLONES, A LA VEZ. AQUÍ TIENES 50 PLAYAS QUE SIGUEN AVIVANDO NUESTROS SUEÑOS, MANTENLAS LIMPIAS CUANDO LAS VISITES.

1MIAMI BEACH

Estados Unidos

Antes de que suba el nivel de las aguas y desaparezcan los bellos litorales que conocemos hoy, hay que pisar Miami Beach y sus tres franjas playeras. Lo tienen todo: amplios arenales y aguas tranquilas, bellos atardeceres, espacios deportivos, glamour y famoseo, arquitectura puntera o ese sempiterno art decó, tan lejano, tan mafioso que se acerca por la otra orilla tras haber dado la vuelta al tiempo. Es en South Beach donde se ubican los locales de moda, los socorristas macizos, las tienditas molonas. Si quieres escapar de ese hábitat y buscar espacios más tranquilos y naturales, puedes seguir la hilera de palmeras hasta llegar a Crandon Park Beach, aunque nunca dejarás de ver gente subida a un kayak, surfeando olas o preparando una barbacoa entre amigos. Lo bueno de este sinfín de arena es que está en Miami, y eso es único.

PINK BEACH

Indonesia

Ubicada en el área de un Parque Nacional, en el noroeste de Komodo -la isla de los dragones-, es uno de los destinos soñados de buceadores y playeros. Su arena rosa es el principal motivo para llegar a ella. Está retirada, protegida de la masificación, y quienes la visitan a primera hora del día saben entenderse con la calma y el sosiego del paisaje que la envuelve. Esos islotes, igual que el mar, cambian de color a lo largo de las horas, y de las estaciones del año. La mejor época para conocerla es entre mayo y octubre. A estas alturas, y tras observarla durante un buen rato, habrás imaginado que el color de su arenal lo genera un colorante que la propia Naturaleza se encarga de crear: fina arena blanca y gravilla de corales rojos y rosáceos. El nombre original de la playa es Tangsi.

10 9 8

ZLATNI RAT

Croacia

El cuerno de oro que la marea moldea a su antojo es un arenal como pocos en el Adriático. Está en la isla de Brač, y mira a otra isla vecina. No olvides llevar escarpines.

PRAIA DE COPACABANA

Brasil

En Río de Janeiro tienes magníficas, legendarias, playas. El arenal en forma de media luna es ideal para pasear, bañarse, jugar fútbol, bailar. Animada y llena de vendedores ambulantes. Sin darte cuenta, estarás caminando en dirección sur hacia Ipanema, algo más chic. Vigila tu móvil.

VARADERO

Cuba

Un brazo de arena de 20 km acaricia el mar Caribe. La sucesión de playas es un espectáculo, que bajo el agua se disfruta con gafas y tubo. Corales y peces son sus tesoros.

FALESIA

Portugal

Ocupa la mayor extensión playera del Algarve central, 8 km. Sus acantilados anaranjados y su fuerte oleaje fueron en su día un paisaje salvaje. Destino surfero europeo.

Panamá

Lo más parecido que puedes encontrar hoy en día para creerte en una isla desierta sin pasar por un programa de la tele. Palmeras, arena y arrecifes de coral. Todo organizado.

CAYO ZAPATILLA

IPIL BEACH Filipinas

Rodeando la aldea de El Nido, en el archipiélago de Bacuit, lagunas y playas de aguas turquesas conforman el destino ideal para conocer en kayak, sin prisa, sin rumbo.

BAIA DELLE ZAGARE

Italia

YYTERI

Finlandia

Yendo en junio, veréis el sol de medianoche jugando entre las dunas. Si visitáis el mismo lugar en invierno, encontraréis el mar congelado y la arena escondida en nieve.

BALANDRA México

De tan bonita que es, hay que cumplir unas normas para visitarla. No dejéis de ver el hongo rocoso antes de lanzaros al kayak o el paddle surf. Recomendable llegar por mar.

BOULDERS BEACH Sudáfrica

Otra en la que hay que pagar entrada. Lo bueno es que la masificación no es humana. Entre sus formaciones rocosas de granito y las olas, encontraréis miles de pingüinos al sol.

VAAHDOO Maldivas

Espectacular. Cuando llega la noche, las aguas de la playa se vuelven fluorescentes. El fitoplancton bioluminiscente que desprende luz necesita limpieza absoluta en el agua.

3 4 5 6 7 12 14

Pisar la arena de guijarros es casi un privilegio. Pero entre pinos y desde lo alto del acantilado, el mirador permite tomar la foto de los dos promontorios que le dan fama. GRENEN. Dinamarca

Estás en el punto donde podrás vivir una experiencia única. Al norte de Skagen, sobre una lengua de arena podrás mojar un pie en el Mar del Norte y el otro pie en el Mar Báltico.

MASPALOMAS España

Las Islas Canarias son el destino favorito de guiris y godos. En ocasiones, sufren la distancia que las separa de Europa, aunque su ubicación las hace exóticas y deseables. Una por una, todas ofrecen playas maravillosas, aunque es en el sur de Gran Canaria donde se puede encontrar el epítome de playa canaria por excelencia. Dunas gigantes (escondite de fiestas picantes), aguas vivas y refrescantes, atardeceres de ensueño, restaurantes cercanos. Sentarse sobre la toalla a ver el desfile de cuerpos que abandonan la playa del Inglés, al este de las dunas, es todo un espectáculo cuando cae el sol.

BAHÍA GARDNER

Ecuador

La isla Española conserva esa naturaleza virgen centenaria y protegida por una colonia de leones marinos de Galápagos que, acostumbrados a la fama, hacen lo que tú harías.

FINOLHU

Maldivas

En medio del océano Índico, los grandes resorts hoteleros son los dueños de los atolones, y por tanto, de sus playas. Si tu plan es boda y luna de miel, sueña con este.

17 21 16 19

Noruega

No siempre es fácil alcanzar el paraíso, ni el sol de medianoche gusta a todo vikingo. En la isla de Værøy, una más del archipiélago de Lofoten, se encuentra un arenal con alguna que otra sorpresa. Se accede a él en barca, y además de su fina arena blanca y sus aguas transparentes, encontraréis una cueva con pinturas rupestres milenarias. Otra opción es escalar y otear desde los acantilados.

TAMRAGHT

Marruecos

La comunidad surfera mundial tiene La Pointe des Ancres como destino obligado. Su vecina Tamraght disfruta de fantásticas olas para principiantes, y un sinfín de Surf Camps.

KOEKOHE BEACH

Nueva Zelanda

Los maoríes cuentan leyendas en torno a estas rocas esféricas, huevos de dinosaurio de hasta casi cuatro metros, casi perfectos, que el mar nos regala con cada marea.

PRAIA DO TARRAFAL Cabo Verde

Quizá no sea la playa más postalera, aunque si la pisas descubrirás su magia. En las islas que forman Cabo Verde, al sur de las Canarias, el turismo convive con las actividades tradicionales de los lugareños de modo equilibrado. El pequeño pueblo pesquero de Tarrafal, al norte de la isla Santiago, cuenta con una playa donde las barcas de pescadores aportan su colorido ir y venir sobre el blanco arenal que se extiende entre las casas y el océano. Hay turistas locales, es extensa y tranquila, y está bien abastecida (en cualquier caso, no os olvidéis de portar algún snack y cantimplora de agua). Antes de llegar a ella, las dos horas de viaje en microbus desde Cidade da Praia, capital de la isla, serán suficiente motivo para saltar al agua sin contemplaciones. El turista cultural debe preguntar por Chão Bom.

PUINN SANDEN

CALA COMTE

España

Si conoces Ibiza sabrás que el atardecer es un estado de ánimo que depende de incontables detalles. Pero contemplar una puesta de sol en este punto de la isla no se olvida.

DEAUVILLE

Francia

El hipódromo, el festival de cine y sus boutiques de lujo funcionan de complemento idílico al amplio arenal normando que sirve de pasarela chic donde ver y ser vista.

ÖLÜDENIZ.

Turquía

La Riviera turca goza de tanto glamur como otros destinos balnearios. Esta playa, donde se juntan los mares Egeo y Mediterráneo, es uno de los destinos por descubrir.

Estados Unidos

No mires al interior, mira al mar. Rascacielos de agua que acaban haciéndose espuma, olas de tubo de las que siempre se sale con más valentía, velocidad… Hawái es una lejana meca del surf y un destino turístico con muchas posibilidades. Las distintas playas que conforman Waikiki, en el siempre animado Honolulú, isla de Oahu, no disfrutan de las olas más altas del archipiélago, pero sí ofrecen impresionantes vistas de Leahi (cabeza de diamante) y ofrecen mucha diversión: si ya dominas la tabla, prueba a surfear en canoa hawaiana. El cóctel tiki te sabrá mucho mejor tras un poco de ejercicio.

CAÑOS DE MECA

España

Es la playa, es el faro, es el parque natural y los chiringuitos por la tarde, y el mood desenfadado, y el mar. Con todo eso se forma el destino más refrescante de Cádiz.

HYAMS BEACH Australia

Nombrada la playa con la arena más blanca del mundo, record Guiness. No merece la pena viajar hasta Australia solamente para pisarla, pero si caes por allí, fliparás.

La isla artificial con forma de palmera es una seña de identidad, un derroche de petrodólares al servicio del turismo de lujo. Las mejores vistas se alcanzan en parapente.

DIAMOND BEACH Islandia

Los restos del iceberg Jökulsárlón tomando el sol sobre la arena negra, volcánica, de esta playa convierten a la joyería más selecta en bazar de baratijas. Semejante espectáculo de la Naturaleza no tiene precio. Mejor visitarla en verano, y al amanecer o atardecer.

PALM JUMEIRAH Dubai

WAIKIKI, HAWÁI

CURRACLOE BEACH

Irlanda

En esta larga y ventosa playa, con tres accesos para pisar su arena interminable protegida por dunas, Steven Spielberg rodó el desembarco para salvar al soldado Ryan

CANNON BEACH

Estados Unidos

Hay playas que se disfrutan más en otoño o invierno, con el viento, la lluvia y el oleaje despeinado. Una de ellas, en la ciudad de Portland, soporta toda la fuerza del Pacífico.

EL DORADILLO

Argentina

La razón por la que las ballenas francas australes acuden a saludar a los turistas que se asoman al océano Atlántico en este punto de la Patagonia no lo sabe nadie. Pero mola.

GLASS BEACH

Estados Unidos

La belleza puede nacer de la cochambre. Ocurrió en esta playa. El mar transformó en pequeños fragmentos cristalinos botellas y otros objetos desechados. California Dream.

PAPAKOLEA, HAWÁI

Estados Unidos

Esta es una de las poquísimas playas con arena verde. El mineral olivino, procedente de lava volcánica, contacta con el mar y forma este singular paisaje. ¡Extraterrestre!

La playa murió de éxito. Ocurrió tras la película donde DiCaprio mochilero halla el paraíso. Deben cerrarla cada cierto tiempo para que el hábitat se regenere sin turismo.

Bahamas

Los habitantes de esta playa son cerdos que, viviendo en libertad, se bañan en aguas cristalinas y posan para los turistas que acuden a verlos y disfrutar de su compañía.

Las playas de Negril, al oeste de la isla del reggae, están hechas para pasear durante horas, charlar con vendedores ambulantes, escuchar música, beber ron, dejarse ir…

En la isla de Córcega se pueden encontrar playas cubiertas de vegetación, sol y cierto destierro. En Galéria, si os animáis a cruzar el río, podréis sentiros lejos del mundo.

Reino Unido

La puesta de sol, los guijarros, cantos rodados como los que describe la novela de Ian McEwan, en la que una pareja de veinteañeros nos trae aquí y a sus mapas del tiempo.

AHAREN

Japón

No se habla de las playas de Japón tanto como se merecen. Esta, en la isla de Tokashiki (puede alcanzarse en ferry desde la de Okinawa), se alza en sus aguas turquesas como una de las mejores del mundo, al menos para amantes del snorkel y buceo. A evitar en temporada de tifones.

PIG BEACH

MAYA BAY Tailandia

PLAGE DU DELTA DU FANGO Francia

CHESIL BEACH

SEVEN MILE Jamaica

COX’S BAZAR

Bangladesh

No se acaba nunca. Lugar ideal para hacer yoga, correr, jugar en el agua, contemplar la puesta del sol. Estáis en la playa marina natural más larga del mundo: 120 km

OLIVA España

Kilómetros de arena mirando al Mediterráneo. Te puedes encontrar de todo, incluso el beach club más anacrónico de Valencia, donde caída la noche puede suceder cualquier cosa.

VOUTOUMI Grecia

A la isla de Antípaxos se llega igual desde hace siglos: en barca, hoy en taxi boat. Las aguas del Mar Jónico ofrecen espejos y transparencias únicas, fondos marinos legendarios, y razones suficientes para convertir a su playa predilecta en el destino más codiciado de los turistas de timón. De las tres playas de la isla, esta es la más concurrida. Las tumbonas parecen parapetos que aguardan la llegada, bien a pie desde el puerto, bien desembarcando del yate en la orilla, de hordas de turistas. En medio, el premio: arena blanca y una marea suave. Si no os gusta batallar por unos centímetros de toalla y sombra, o por una mesa en su taberna, mejor no acudáis en temporada alta. Reportajes como este sobre las mejores playas del mundo la han echado a perder.

GIANT’S CAUSEWAY

Irlanda

Dice la leyenda que el gigante Finn McCool construyó esta calzada para llegar a Escocia, aunque la realidad otorga el mérito al mar y el viento: 40 mil escalones tallados.

ROCA BRUJA

Costa Rica

Este es el nombre que recibe la roca que flota delante de playa Naranjo. Se accede al arenal en 4x4, y si no os gusta surfear, siempre podéis explorar el parque nacional.

HOT WATER BEACH Nueva

Zelanda

Siempre hay quien prefiere el agua caliente incluso fuera de la ducha. Esta es tu playa. Podrás hacer pozas para bañarte en cálidas aguas termales. Secretos de la geotermia.

Uruguay

La parada 1 de esta playa, situada en Punta del Este, recibe con un saludo enterrado bajo tierra. No son arenas movedizas, es la escultura del chileno Mario Irarrázabal.

Camboya

¿Dormir en hamaca, despertar con el sol y hacer yoga bajo la luna llena? En una isla sin wifi y que apenas tiene electricidad, poco más se puede pedir. Pasear, meditar, y activar mood contemplativo. En la isla de Koh Rong puedes probarlo. Su playa está preservada del turismo masivo por una jungla, que tendrás que atravesar para llegar a este rincón espiritual.

MAHDIA Túnez

El turismo en Túnez mantiene su equilibrio entre lo tradicional y la adaptación a gustos europeos. Bañarse en el mar pisando arena sahariana aún es refrescante y exótico.

ES TALAIER España

Una de las calas más recónditas de Menorca, un secreto ya descubierto por los miles de turistas que la visitan cada semana, buscando esa paz que aguarda ya en otros rincones.

PLAYA BRAVA

LONG BEACH

Short n’ Sweet Island / 23 agosto

Actriz, chica Disney, influencer... a Sabrina Carpenter no le es desconocido el éxito, ni la fama arrolladora, y en su carrera musical tampoco es que haya sido diferente: desde 2017 lleva, haciendo el ruido justo, metiendo canciones en el top 1 más discotequero de EE UU, y con Feather, el año pasado, logró encabezar por primera vez una lista de pop. Pero lo que ha conseguido con Espresso, una canción de pop sintético muy afrancesada y con bien de groove lanzada justo antes de su actuación en el festival de Coachella, no lo vio venir mucha gente. Ahora sí la resonancia de la norteamericana es global, y el top 3 de Billboard su hábitat natural. Lejos de verse opacada por semejante éxito, el segundo sencillo de Short n’ Sweet, Please Please Please, ha tenido una entrada en el Hot 100 acorde a las expectativas y cuenta con el bueno de Jack Antonoff en la producción, que sumando a Sabrina a su larga lista de influyentes colaboradoras femeninas: Lana del Rey, Lorde, Clairo o una Taylor Swift para quien Carpenter ha abierto los conciertos de la manga norteamericana de The Eras Tour. Esos dos éxitos globales muestran la senda del sexto álbum de la joven de 25 años nacida en Pennsylvania y destinada a convertirse en la nueva gran diva del pop lúbrico. DISCOS / POR: DIEGO RUBIO

KOKOKO!

Butu

Transgressive / [PIAS]

5 julio

Con la noche congoleña como inspiración, el colectivo transita sonidos más electrónicos.

MELENAS

Ahora remixes

Mushroom Pillow

5 julio

Hidrogenesse y otros se llevan el mareo kraut de las navarras a una electrónica onírica y alucinada.

MOLLY NILSSON

Un-American Activities Night School

7 julio

Nillson se viste de espía temporal y viaja a la WWII para rastrear sus huellas e influencias en EE UU.

CIGARETTES AFTER SEX

X’s

Partisan / [PIAS]

12 julio

Si algo funciona, para qué cambiarlo: para bailar pegados, sedados... o en el after del silencio.

CLAIRO Charm

Clairo Records / Universal 12 julio

Después de un escarceo -fallidoen el mainstream con Antonoff, vuelve la mejor Clairo, la cercana.

CURRO

Fango EP Helsinkipro 12 julio

Coming of age perfecto para los que sienten una nostalgia irrefrenable por el verano.

GIRL ULTRA

Blush

Big Dada / [PIAS]

12 julio

La mexicana debuta en Ninja Tune con un álbum sugerente y envuelto en seda postdubstep.

JOE GODDARD

Harmonics

Domino / Music As Usual 12 julio

El instinto para el pop sigue afilado en el teclista de Hot Chip, ahora más etéreo y triposo.

REMI WOLF

Big Ideas

Island

12 julio

Jazzy, rara, funky... está claro que la cabeza de la norteamericana está petada de grandes ideas.

LOS BITCHOS

Talkie Talkie / City Slang / Music As Usual / 30 agosto

No hay un dresscode específico para entrar en Talkie Talkie, el hipotético garito intergaláctico que da nombre al segundo álbum de Los Bitchos, aunque ellas confiesan que esta inspirado en unos ochenta del retrofuturo. Al pop más sofisticado y funkoso de aquella década (no tan) prodigiosa remiten en unos temas que siguen bañados en psicodelia y recorriendo caminos sorprendentes.

DENZEL CURRY

King of the Mischievous South 2 Loma Vista / Music as Usual 19 julio

Ahora que todos hacen trap en plan oscuro Denzel recuerda el tenebrismo del sucio sur. Yuugh!

GLASS ANIMALS I Love You So F***ing Much Polydor 19 julio

Los británicos se ponen en plan space western EDM en un disco exagerado... y un poco extraño.

ICE SPICE Y2K!

Universal 26 julio

El fenómeno más comentado del rap internacional ofrece su primer álbum. ¿Revelación o timo?

ORVILLE PECK

Stampede

Warner 2 agosto

Nuestro cowboy contemporáneo favorito rinde homenaje -y subvierte- a dúo los orígenes country.

PERSONAL TRAINER

Still Willing

Bella Union / Music As Usual 2 agosto

Las Países Bajos son una galia del indie pop lo-fi a día de hoy: no te pierdas a Personal Trainer.

POST MALONE F-1 Trillion Mercury 16 agosto

Postie llevaba tiempo hinteando su disco country entre colabo y colabo: pues aquí está. Buddies.

FOSTER THE PEOPLE Paradise State of Mind Atlantic 16 agosto

Otros que se han puesto discotrónicos y se han ido al espacio: Róisín Murphy estaría orgullosa.

FONTAINES DC

Romance

XL / Popstock! 23 agosto

El camino de los irlandeses para convertirse en los U2 del S. XXI sigue adelante. Discazo (again).

JON HOPKINS

Ritual

Domino / Music As Usual 30 agosto

El productor británico explora la faceta más física de su musicoterapia en un álbum mitológico.

NICK CAVE & THE BAD SEEDS Wild God

Bad Seed / [PIAS] 30 agosto

Cave sigue adelante gracias a la música, y espera que su música haga lo mismo contigo. Heavy.

Dir. Sean Price Williams

Rep. Talia Ryder, Earl Cave, Simon Rex, Jacob Collier, Ayo Edebiri

EE UU / 2023 / Caramel / 14 agosto

Esta road movie con aires de coming of age desprejuiciado no solo es lo que parece. Sean Price Williams recorre los deshechos de unos EE UU moralmente en ruinas con un extraño, casi onírico, viaje que realiza la joven a la que interpreta una hechizante y magnética Talia Ryder en estado de gracia: la conocimos en la especial Nunca, casi nunca, a veces, siempre, y poco después estaba trabajando con Spielberg en el remake de West Side Story o apareciendo en un videoclip de Olivia Rodrigo. En el que es el debut largo como director de Price Williams tras casi dos décadas colaborando estrechamente con Abel Ferrara y recorriendo los caminos de ida y vuelta entre la música y el audiovisual -con videoclips firmados para Sleigh Bells, Tove Lo, Boygenius o más recientemente Sabrina Carpenter-, el norteamericano balancea bien la belleza inocente de la edad del descubrimiento con la oscuridad de un contexto que parece estar siempre en contra. Se estrenó en la Quincena de los Realizadores de Cannes, fue candidata a la Espiga de Oro en la última SEMINCI y, a modo de curiosidad, Earl Cave, hijo de Nick y pareja de Devon Ross, firma uno de los papeles principales. Culto.

THE SWEET EAST

DRAMARAMA

Dir. Jonathan Wysocki

Rep. Nick Pugliese, Anna Grace Barlow

Largo / 1 julio

Un grupo de adolescente se reúne a mediados de los 90 para despedirse antes de afrontar su paso por la universidad, y la noche les sirve para desenmascarar sus intimidades.

KILL BOY

Dir. Moritz Mohr

Rep. Bill Skarsgård, Yayan Ruhian

Largo / 3 julio

Verdadera fumada de película, pura extravangancia en forma de hostias, balas y coreografías que funciona casi como un beat ‘em up y que demuestra el talentazo de Skarsgård.

VAMPIRAS: THE BRIDES

Dir. Ivan Mulero

Rep. Bruna Rubio, Yuri Vargas Largo / 3 julio

Otro fumadón, en este caso más fantasioso y sangriento, protagonizado por las novias de Drácula, que despiertan de su letargo para enfrentarse a la diabólica Mina.

BLONDI

Dir. Dolores Fonzi

Rep. D. Fonzi, Rita Cortese, L. Sbaraglia Largo / 5 julio

Dramedia sin aspavientos ni excesos -sutil y sosegada, íntima y certera en sus aproximaciones emocionales- sobre relaciones familiares con música de la Velvet & Nico.

BLUE LOCK, LA PELÍCULA: EPISODIO NAGI

Dir. Shunsuke Ishikawa

Animación

Largo / 5 julio

Los más mayores tuvimos Campeones: Oliver y Benji, pero las nuevas generaciones vienen chutando fuerte. Película spin-off de Blue Lock, el anime futbolero del s. XXI.

ME (YO)

Cr. Barry Levy

Rep. Lucian-River Chauhan Serie / 12 julio

Ben Vasani, un joven de 12 años, acaba de descubrir que tiene un superpoder: puede transformarse a placer en quien desee. Una reflexión sobre la propia identidad.

SOMETHING IN THE WATER

Dir. Hayley Easton Street

Rep. Hiftu Quasem, Lauren Lyle Largo / 12 julio

Otra nueva película de tiburones asesinos, en la línea de tantas películas malas de tiburones asesinos. Lo bonito es que a los personajes quieres que se los coman.

STRANGERS: CAPÍTULO 1

Dir. Renny Harlin

Rep. Froy Gutierrez, Madelaine Petsch Largo / 12 julio

Más acción y menos horror suspendido en este innecesario y sosaina reboot de la escalofriante película de 2008. ¿Lo peor? Que forma parte de una trilogía...

DE NATURALEZA VIOLENTA

Dir. Chris Nash

Rep. Lauren-Marie Taylor, Ry Barrett Largo / 19 julio

Gran slasher forestal que retuerce desde el suspense todos los tópicos del asesino forestal y que renuncia a la construcción de personajes en favor de una conseguida tensión.

EL CONCURSO DE PIANO

Dir. Dominique Deruddere

Rep. Taeke Nicolaï, Kevin Janssens Largo / 19 julio

Un vistazo, alejado de frenetismos, autoritarismos y exigencias insanas, a los miedos del compositor a través de la historia de una pianista que revive sus traumas ante un concurso.

LLOBÀS

Dir. Pau Calpe

Rep. Leon Martínez, Pol López Largo / 19 julio

Tras Tros, Calpe da un take íntimo, curioso, deliciosamente rural y con denominación de origen claramente valenciana sobre el viejo mito cinematográfico del hombre lobo.

¿QUIÉN TEME AL PUEBLO DE HITLER?

Dir. Günter Schwaiger

Documental Largo / 25 julio

Schwaiger, vecino del pueblo austríaco donde Hitler nació y tuvo su casa, sigue con su cámara los acontecimientos sorprendentes que suceden en torno a la vivienda.

DEADPOOL Y LOBEZNO

Dir. Shawn Levy

Rep. Ryan Reynolds, Hugh Jackman Largo / 25 julio

Hugh Jackman vuelve a las garras de Lobezno después de Logan como invitado de honor en la tercera entrega del superhéroe gamberro y adulto de Marvel, Deadpool.

NORBERTA

Dir. Sonia Escolano, Belén López Albert

Rep. Luis Bermejo, Adriana Ozores Largo / 25 julio

Norberto es como el Josemari de Ladilla Rusa pero atracando bancos, y guarda un secreto: por las noches se convierte en Norberta, y está dispuesto a iniciar una transición.

DOGMAN

Dir. Luc Besson

Rep. Caleb Landry Jones, Jonica T. Gibbs, Largo/ 2 agosto

Landry Jones brilla en este thriller bizarrísimo, marca el Besson más juguetón y desatado, de espíritu drag queen y fondo animalista que a ratos coquetea con el musical.

IN WATER

Dir. Hong Sang-soo / Rep. Shin Seok-ho, Ha Seong-guk Corea del Sur / 2023 / Atalante / 17 julio

Nominada en los festivales de Gijón o Berlín, destacada en el reciente D’A Film Festival... la irreverente cinta de Hong Sang-soo, de apenas una hora de duración, siempre esbozada a trazos gordos, intencionalmente desenfocada como la memoria de los seres humanos y de alma pura y genuinamente experimental, no ha parado de sorprender allá por donde pasa. Ahora llega a los cines.

REGRESO A CÓRCEGA

Dir. Catherine Corsini

Rep. Suzy Bemba, Virginie Ledoyen Largo / 2 agosto

Una madre soltera y sus dos hijas se reencuentran con sus pasados, con sus miedos y con sus deseos durante un verano en Córcega trabajando para una familia con dinero.

KNUCKLES

Dir. Varios

Rep. Idris Elba, Kid Cudi Miniserie / 3 agosto

El compi escarlata y peleón de Sonic protagoniza -por fin- su propio spinoff en esta serie que ya ha batido récords en Paramount+, y que llega a nuestro país vía Sky Showtime.

BORDERLANDS

Dir. Eli Roth

Rep. Cate Blanchett, Kevin Hart Largo / 9 agosto

Reparto de lujo para esta traslación del universo del videojuego con look de space western a la acción real, y que adapta la cinta de animación que se estrenó en 2009.

HIPNOSIS

Dir. Ernst De Geer

Rep. A. Kamma August, H. Nordrum

Largo / 9 agosto

Pudimos verla en el último D’A Film Festival y nos encantó: una sesión de hipnosis para dejar de fumar le quita todos los filtros a ella, y despierta en él confusión e hilaridad.

LA TRAMPA

Dir. M. Night Shyamalan

Rep. Josh Harnett, Saleka Largo / 9 agosto

Shyamalan traslada su onírico mundo creativo a un thriller extraño en el que el concierto de una estrella del pop se convierte en una trampa mortal de alcance masivo.

SILVER HAZE

Dir. Sacha Polak

Rep. Vicky Knight, Esme Creed-Miles Largo / 23 agosto

Una mujer se toma la venganza por su mano en este thriller que, pese a partir de espirales autodestructivas, se las apaña para encontrar luz en la oscuridad. Sanación y redención.

EL CUERVO

Dir. Rupert Sanders

Rep. Bill Skarsgård, FKA twigs Largo / 30 agosto

No vamos a negar que todo lo que nos echa pa'trás un remake de esa película maldita que es El Cuervo es lo que nos pone su pareja protagonista. ¿Skarsgård y twigs? PEC.

HELLBOY: THE CROOKED MAN

Dir. Brian Taylor

Rep. Jack Kesy, Adeline Rudolph

Largo / 30 agosto

Mike Mignola se pone al frente del guion de este nuevo reboot de la saga de cómics Hellboy, más fiel a la fuente original, ambientada en los años 50 y con cásting renovado.

CIVIL WAR

LAS JAURÍAS

Dir. Kamal Lazraq / Rep. Ayoub Elaid, Abdelatif El Mansouri

Marruecos / 2023 / Zabriskie / 25 julio

Destacada en Cannes y Sevilla, este intenso y dramático thriller criminal ambientado en los arrabales de Casablanca nos empuja a una espiral de violencia y venganza que implica familias, relaciones profesionales y callejeras y distintos poderes suburbanos. ¿Es Kamal Lazraq el futuro del cine marroquí?

ORLANDO

Dir. Sally Potter

Dir. Alex Garland

Rep. N.Offerman, K. Dunst

EE UU / 2022

DeAPlaneta / 26 julio

Rep. Tilda Swinton, Quentin Crisp RU / 1993 / A Contracorriente / 2 julio

No confundir con la adaptación de la misma obra de Virginia Woolf por Paul B. Preciado, pero igualmente una cinta de absoluto culto que se recupera con 3 horas de extras.

COLECCIÓN X-MEN

Dir. Varios

Rep. Hugh Jackman, Halle Berry EE UU / 20th Century / 15 julio

10 películas en total -si no contamos con el inminente crossover entre Lobezno y Deadpool- conforman una saga que ahora puedes disfrutar en su integridad en Blu-ray por solo 70€.

EL HOMBRE DE MIMBRE

Dir. Robin Hardy

Rep. E.Woodward, Christopher Lee RU / 1973 / Divisa / 15 julio

Una de las cintas más míticas que ha dado el género fantástico -aquí con coartada costumbrista- británico y antecedente (siniestro) de nuestra As Neves. Lástima de extras...

VICTIM

Dir. Michal Blasko

Rep. Vita Smachelyuk, Gleb Kuchuk Eslovaquia / 2022 / Divisa / 15 julio

Oportunidad para conocer el cine checo y eslovaco actual, y también para profundizar en un tema tan candente como es la xenofobia. Nominada a mejor película en Venecia.

Pocos podían imaginar que un director de culto como Alex Garland (Ex Machina, Men, Aniquilación) terminaría firmando una de las cintas más exitosas de 2024, una distopía no tan lejana situada en unos EE UU carcomidos por el populismo e inmersos en una guerra civil. Lástima que apenas se incluyan extras.

DOS CHICAS A LA FUGA

Dir. Ethan Coen

Rep. Margaret Qualley, Geraldine Viswanathan

EE UU / 2024 / Universal / 26 julio

En su primera película sin su hermano Joel, Ethan Coen vuelve a experimentar con la road movie cómica, el género que tan buen resultado le dio en Arizona Baby. Sin extras.

EVANGELION 3.33 YOU CAN (NOT)

Dir. Hideaki Anno y Mahiro Maeda Japón / 2012

Selecta Visión / 26 julio

Dos ediciones, sencilla y otra especial con infinidad de items para coleccionistas: certificado de autenticidad, colección de 10 postales, parches bordados libro de 60 páginas,..

EL CLAN DE HIERRO

Dir. Sean Durkin

Rep. Zac Efron, Holt McCallany

EE UU / 2023 / Karma / 15 agosto

Biopic de los hermanos Von Erich campeones de lucha libre durante los años ochenta siempre a la sombra de un padre dominante que al mismo tiempo ejercía de entrenador.

THE BEAST

Dir. Bertrand Bonello

Rep. Léa Seydoux, George MacKay Francia / 2023 / Divisa / 15 agosto

Una de las cintas más atractivas de los últimos meses, historia de ciencia ficción e Inteligencias Artificiales que adapta libremente un relato de Henry James.

ZENLESS ZONE ZERO

miHoYo / : PC, PS5, iOS, Android / 04 julio

Los creadores originales de Genshin Impact vuelven con un nuevo RPG de acción estilo gacha, solo que esta vez ambientado en un universo ultrapunk futurista repleto de color. Con unos sistemas jugables mejor acotados y personajes con diseños loquísimos, promete convertirse en el nuevo referente del género, y en la confirmación de un estudio que dignifica el free to play.

CATACLISMO

Digital Sun : PC 17 julio

El estudio de desarrollo español famoso por Moonlighter vuelve a la carga con una propuesta de estrategia y construcción de castillos en tiempo real tan exigente como profunda en lo jugable.

WORLD CHAMPIONSHIPS: NES EDITION

Nintendo : Nintendo Switch 18 julio

Nostálgico homenaje de a NES compuesto por 150 minijuegos inspirados en los clásicos de la primera consola de Nintendo. Imbatible para los descansos de la Euro.

EARTH DEFENSE FORCE 6

Sandlot : PC, PS4, PS5

25 julio

La loca saga de combates contra insectos gigantes y kaijus regresa con una sexta entrega que promete expandir todas sus facetas. Lucha para restaurar la ¿gloria? perdida de la Humanidad.

THE CRUSH HOUS Nerial : PC 9 agosto

Conviértete en el cámara de un reality show subido de tono estilo La Isla de las Tentaciones o Too Hot to Handle y desentraña una oscura conspiración por el camino en este curioso simulator.

BLACK MYTH: WUKONG Game Science : PC, PS5, Xbox Series X/S 19 agosto

Revive el mito del Viaje al Oeste a través de un RPG de acción repleto de mitología oriental que tiene un apartado técnico apabullante y un combate desafiante que promete enamorarnos.

VISIONS OF MANA Square Enix : PC, PS4, PS5, Xbox Series X/S 29 agosto

La mítica saga Mana, separada desde hace tiempo de Final Fantasy, vuelve con un RPG de acción colorido en un mundo de fantasía y marca el regreso de desarrolladores clave para ella.

CRUZANDO LOS DEDOS

Miki Berenyi / Contra / 384 p. / Bio, Música

De fachada dura y frágil vida interior; de espíritu alternativo nadando entre tiburones de la industria; femenina entre machirulos; de tocar el éxito y estamparse al momento, la vida de Miki es para ser contada, y ser leída. Las memorias de esta artista, fundadora de ese mito del género shoegazer que fue Lush, sirven de mapa musical para sortear dificultades.

52 PELÍCULAS PARA AMAR EL CINE

Sergi Gascón Arce

Oberon

176 p. / Cine

Para Sergi, las películas son entretenimiento y fuente de emociones. Ha elegido 52 muy NUEBO, y seguro que siguen creciendo hacia atrás y hacia delante en el tiempo.

CRIATURAS ESTÁTICAS

Maite Zabaleta y Manuel Moreno

Walden

240 p. / Arte, historia

Entre el fanzine y el cine, el cómic y el teatro, la fotonovela sirvió para contar historias impresas de todo género y valor. Este libro desvela su importancia. Muy kitsch.

JAPÓN MOLA

Abby Denson

Lunwerg

128 p. / Guía de viajes ilustrada

Las tejas en forma de ogro, las tapas de las alcantarillas, los cafés temáticos, nada se le escapa a esta autora, ilustradora, que también comparte fotos de su viaje molón.

DONDE VIVEN LAS MUSAS

Marianela dos Santos

Ediciones B

216 p. / Poesía ilustrada

El tiempo, el cielo, el mar, la oscuridad, la guerra, el fuego, la tierra, el amor, la poesía al servicio de la joven poeta venezolana, referencia en RRSS y mujer muy inspirada.

LOS CHICOS GUAPOS SON TÓXICOS

Megan Fox

Cántico

190 p. / Poesía

Los feos somos los buenos, Megan, y deseamos que encuentres tu amor. En esta colección bilingüe no queda títere con cabeza, Machine Gun Kelly incluido.

CIENTO VEINTICUATRO HUECOS

Begoña Méndez

H&O Editores

148 p. / Ensayo poético

El pensamiento amoroso de Begoña impregna las páginas de este libro, y su sentimiento cubre, siempre envuelto en referencias cool, tales pensamientos.

PERROS

Naka Kansuke

Satori

176 p. / Clásico

Uno de los autores más románticos y pesimistas de la literatura, y un libro que no da posibilidad alguna a la bondad natural del ser humano. El deseo irracional vence.

LA SALAMANDRA DESNUDA

Yves de Villegas

NdeNovela

376 p. / Thriller erótico

En Japón resulta fácil meterte en líos. Que se lo pregunten a la prota, treintañera que conoce muerte, sexo y Yakuza japonesa de una tacada. Vertiginoso.

FALTAS

Cecilia Gentili

Caja Negra

168 p. / Novela

La actriz y activista trans murió el pasado febrero en NYC, a los 52 años.

En este libro, inédito en España, ajusta cuentas con un duro pasado en el pueblo de su infancia.

EN OTRO PAÍS

Varios autores

Candaya

176 p. / Relatos

Un puñado de relatos, 20 autorxs menores de 40 años, misma lengua, distinto país. Doce textos de no ficción en torno a una misma consigna: mirar y pensar al otro.

RESPIRA

Tim Winton

Libros del Asteroide

304 p. / Novela iniciación

Desde Australia llega un texto repleto de paisaje crudo, aire fresco y aventuras, olas, surf. Paramédico solitario rememora su juventud con la maestría de los grandes.

EN ESE INFINITO, NUESTRO FINAL

Gemma Files

La Biblioteca de Carfax

416 p. / Terror, fantasía

En los 15 relatos que componen esta obra, las casas se mueven, sueñan, y los seres humanos son insignificantes nodrizas de bichos. Frikismo del que nos gusta en estado puro.

LA RATA DE ACERO INOXIDABLE

Harry Harrison

Minotauro

240 p. / Ciencia Ficción

Space Opera con prota granuja y romántico. Altas dosis de acción salpicadas de humor negro hacen de este título toda una referencia para amantes del género robótico.

PARÁSITOS PERFECTOS

Luis Carlos Barragán Castro

Caja Negra

312 p. / Ciencia Ficción

La narrativa latinoamericana cuenta con un escritor e ilustrador muy a tener en cuenta. Gregor Samsa podría disfrutar en esta distópica Bogotá de las Transmiorugas.

TERRITORIO

David Muñoz y Miguel Robledo / Astiberri / 136 p. / Color / 24€

Segunda obra del guionista David Muñoz en pocos meses tras Monstruo, junto a Andrés G. Leiva. Muñoz ya había tratado de forma más autobiográfica el bullying en Miedo (2003), pero aquí lo lleva a la ciencia ficción más negra con la venganza de un soldado en una colonia terrestre. Destaca el arte del novel Miguel Robledo con una gran imaginación sci-fi.

ADABANA

Non y Dai Tezuka

Distrito Manga

188 p. / Color / 9,95 €

Distrito Manga nos trae un thriller manga al más puro estilo seriote de HBO. Un pequeño pueblo de Japón entra en crisis cuando aparece el cuerpo de una joven estudiante.

CASANOVA 2: GULA

Varios autores

Norma Editorial

234 p. / Color / 29 €

Han tenido que pasar más de diez años para que pudiéramos tener en las manos el nuevo capítulo de este superespía al más puro estilo Jerry Cornelius de Michael Moorcock.

DRÁCULA

James Tynion IV, Martin Simmonds

Moztros

120 p. / Color / 16,50 €

¿Otro cómic de Drácula? Sí, pero esta vez es una versión del clásico de la Universal y tiene a Simmonds al dibujo, el heredero del arte pictórico de Sienkiewicz y McKean.

DUM DUM

Javier Marquina, Jaime Infante

Autsaider Cómics

164 p. / BN / 22,00 €

Inspirado en la autobiografía Mear

sangre del ex boxeador Dum Dum

Pacheco, Marquina e Infante realizan una novela gráfica brutal y descarnada, sin florituras. Como el boxeo.

FORTALEZA VOLANTE

Lorenzo Palloni, Miguel Vila

La Cúpula

214 p. / Color / 29,50 €

Vila había radiografiado la juventud italiana en sus dos anteriores novelas gráficas. Con guion de Palloni, dibuja una Italia fascista que se enfrenta al accidente de un OVNI.

EL HERMANO PEQUEÑO

Jean Louis Tripp

Norma Editorial

344 p. / Color / 35 €

El autor Jean Louis Tripp perdió en un accidente de coche a su hermano pequeño en la Bretaña Francesa. Casi cincuenta años después ha podido volcar toda su pena en un cómic.

HISTORIAS COLOR TIERRA

Kim Dong-Hwa

Planeta Cómic

320 p. / BN / 20 €

Planeta reedita uno de los manhwa costumbristas coreanos más exitosos de su colección, un relato intimista sobre una joven viuda y su hija en un pequeño pueblo montañoso.

LA PRINCESA PIRATA

Luca Frigerio, L. Pigliamosche

Nuevo Nueve

176 p. / Color / 20 €

Cómics juveniles dibujados como la Capilla Sixtina. Viene de Italia y trae muchas aventuras marítimas de época, protagonizadas por la hija única del Rey Pirata en su cruzada familiar.

MADEMOISELLE MOZART

Yoji Fukuyama

Planeta Cómic

554 p. / BN / 30 €

Salieri contra Mozart… Pero, ¿y si Mozart no hubiera sido él y hubiera sido ella? Fukuyama entrega un manga donde la perspectiva de género choca con la música clásica.

MENTA

Christian Galli

Cartem Cómics

164 p. / Color / 18,95 €

Otro cómic sobre la pérdida con una lectura juvenil. Lamia pierde a su viejo perro con el que se ha criado y su vecina y amiga Marzia. Sentimientos con un poco de fantasía.

PASOTAS

Carmelo Manresa

Dolmen Editorial

208 p. / Bitono / 19,95 €

La España quinqui nunca desaparecerá. Volvemos a los ochenta con una falsa autobiografía repleta de ambiente juvenil peligroso en la Andalucía pre Curro.

WONDER WOMAN

Tom King, D. Sampere, J. Bellaire

ECC Cómics

208 p. / Color / 25 €

Tom King aprovecha sus extensos conocimientos sobre la América post 11S para poner en jaque a nuestra amazona favorita. Dibuja Sampere, sinónimo de calidad.

DAÑO CEREBRAL

Shintaro Kago

Ponent Mon

192 p. / BN / 24,00 €

Aunque tras dos décadas de producción ininterrumpida Shintaro Kago ya no sorprenda como al principio, su paso por el género de terror nunca defrauda y es bastante y divertido. Cuatro historias sangrientas y bastante surrealistas marca de la casa.

FESTIVAL SINSAL

Isla de San Simón (VIGO)

Del viernes 26 al domingo 28 de julio

No es nada fácil llegar a la vigesimosegunda edición de un festival con el prestigio intacto, y al mismo tiempo rebelándose a acomodarse año tras año. Con una mentalidad intergeneracional y siempre desde el buen gusto de quien porta la inquietud como brújula a la hora de escoger, surgen casi treinta propuestas musicales -secretas hasta el momento en que pongas pie en la isla- en una edición donde puede caber pop, tecno, folktrónica, polirritmia africana, post-metal, indie-pop, música urbana y toda clase de estilos. Un gran mural de sensaciones multi cromático expuesto en el paradisíaco espacio de la Isla de San Simón, cuyo patrimonio natural, histórico y cultural es un símbolo de As Rías Baixas. Precisamente Sinsal es uno de los eventos destacados del programa Rías Baixas Fest, de la Diputación de Pontevedra, que promueve la excelencia cultural, gastronómica y de ocio en paisajes extraordinarios.

Durante los días 26, 27 y 28 de julio todos los asistentes podrán disfrutar de un paisaje único, gracias a un evento comprometido con su entorno natural. No en vano, Sinsal ha recibido premios por su contribución a la igualdad y apuesta por la sostenibilidad. Sin duda, lo que se entiende como una experiencia que trasciende la rica oferta musical planteada, para convertirse en referente internacional de una forma diferente de entender el hecho de acudir a un festival de música. En este caso, un billete sin vuelta a unas jornadas abonadas al #yoestuveaquí.

FOTO: OLALLA LOJO

JULIO

DICK MOVE + WEIRD OMEN + DEAR JOANNE

Martes 2

MARTA DELGADO + DESARMADOS

Miércoles 3

BOOM BOOM KID

Jueves 4

ASILO FEST: RAMPER + ULTRASUEÑO+ BALONCESTO + DESTELLOS

Viernes 5

ASILO FEST_ ROUGH TOUCH + TREST+ FIRST LINE + UNITED Sábado 6

DUNKENWALD + TUSA + VIGILANT LIVE

Viernes 12

BIB + DESORDEN + ASALTO Sábado 13

AUTOBAHNS +WWW + SEGGS TAPE + BETA MAXIMO

Lunes 15

LOS MITICOS + DIVING THROUGH JELLYFISHES + CARDENALES

Martes 16

FESTIVALES

PURO LATINO

Estadio de la Cartuja (SEVILLA)

Del 4 al 6 de julio

Recinto de conciertos del ferial (ALMERÍA) 12 y 13 de julio

THE BO DEREK'S Mié rcoles 17

THE JUDGES + A.I.

Jueves 18

LOS RITMOS SALVAJES + THE WILD BEATS

Viernes 19

BIBLIOTEKA + MISS PENAS

Domingo 21

NORMA HAIKU+ HUMMM+ STEGOSAURO

Lunes 22

Explanada del Recinto Ferial (TORREMOLINOS) 19 y 20 de julio

Recinto Ferial (EL PUERTO DE SANTA MARÍA)

Del 25 al 27 de julio

Anuel AA, Cris MJ, JC Reyes, Jhayco, Lola Indigo, Dei V, Juan Magán, José Delasheras, Morad, Mora, Nicki Nicole, Rels B, Raul Clyde, Rufu, Saiko, Yandel... https://purolatino.es

WEEKEND BEACH FESTIVAL

Torre del Mar (MÁLAGA)

Del 4 al 6 de julio

Lola Índigo, Maka, Europe, La Pegatina, Vicco, Mora, Steve Aoki, Álvaro de Luna, Carlos Sadness... https://www.weekendbeach.es

LOW FESTIVAL

Ciudad Deportiva Guillermo Amor (BENIDORM)

Del 26 al 28 de julio

Pixies, Suede, Amaral, Arde Bogotá, Los Planetas, Maxïmo Park, Joe Goddard, La Plazuela, Mikel Izal, Crystal Fighters, Kavinsky, La Casa Azul... https://lowfestival.es

SONORAMA RIBERA DAY

Virgen del Mar (SANTANDER) sábado 24 de agosto

Kasabian, Placebo, Fuzz by Dj Nano, Leona, Alex Tyché... https://www.sonoramaribera.com

PRESTOSO FEST

Cangas del Narcea (ASTURIAS)

Del 1 al 3 de agosto Los Bitchos, Nacho Vegas, Triángulo de Amor Bizarro,

CRYWANK Martes 23

ORCHESTRE TOUT PUISSANT MARCEL DUCHAMP (FOTO) Miércoles 24

MAKE WAR + WEAL + EARLY FLIGHTS

Jueves 25

TRAPA & THE TURBOEXITS + THE KEY BAND + RED DUCKS Sábado 27

HIPPOTRACKTOR

Lunes 29

Pony Bravo, Viva Belgrado, Belako, Pablopablo, AK/DK, Kokoshca, Repion, Pingüino, Pablo Und Destruction, Los Manises, Tania Pereira, Los Míticos del Chimborazo, Perarnau IV, La Viuda de Angelín, DJ Chame, Mediocre DJ. https://prestosofest.com

CONCIERTOS

HOZIER

WiZink Center. Madrid. Lunes 1 julio

ANITTA

La Riviera. Madrid. Miércoles 3 julio Razzmatazz. Barcelona. Jueves 4 julio

PEARL JAM

Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 6 y lunes 8 julio

KAROL G

Santiago Bernabeu. Madrid. Sábado 20, domingo 21, lunes 22 y martes 23 julio

FEID

Civitas Metropolitano. Madrid. Sábado 27 julio

TRAVIS SCOTT

WiZink Center. Madrid. Martes 30 y miércoles 31 julio

ARTES ESCÉNICAS

GREC 2024

Varios espacios (BARCELONA)

Hasta el 4 de agosto

El Grec Festival es una ocasión para ver en Barcelona grandes producciones de creadores internacionales que, durante el verano, ponen la capital catalana en el mapa de sus giras. Este año no es una excepción: hay grandes nombres de la escena, la danza o el circo

AGOSTO THE OMINIFIC Viernes 2

HOME FRONT + MALDITA + IDEAL VICTIM Viernes 23

NINE POUND HAMMER Jueves 29

ROSY FINCH Viernes 30

AZOTE MENTAL + SARCOMA + AISLAMIENTO Sábado 31

con prestigio internacional que pasan por Barcelona. Y, además, el Grec hace aún más íntima la relación con uno de los principales festivales de artes vivas de Europa: el Festival de Aviñón, con quien comparte algunas producciones. https://www.barcelona.cat/grec

JAPON EN VERANOS DE LA VILLA

Varios espacios (MADRID)

Del 23 de julio al 25 de agosto

Japón es el país invitado en la nueva edición de los Veranos de la Villa, y nos hemos fijado en tres espectáculos muy nipones. Tres actividades relacionadas con las artes escénicas del país del sol naciente: las actuaciones de Hiroaki Umeda + Somatic Field Project presentando las piezas Assimilating y Moving State 1 los días 24 y 25 de julio; el espectáculo Arte, pasión y solera de la compañía Arte y Solera junto al actor de kabuki Kazutaro Nakamura los días 14 y 15 de agosto; y una instalación artística a cargo del colectivo 目 [mé], quienes utilizarán la ciudad de Madrid como escenario de su trabajo en un proyecto sorpresa que podremos descubrir entre el 12 y el 18 de agosto. Además, la programación se completa con una serie de exposiciones con las que recorrer cinco siglos de cultura visual japonesa, desde biombos y abanicos del siglo XVI al manga y los videojuegos japoneses. https://www.veranosdelavilla.com

LA SEÑORA

Teatro Pavón (MADRID)

Del 3 de julio al 4 de agosto

La única y extraordinaria Bibiana Fernández protagoniza esta versión de la obra maestra de Jean Genet, Las criadas; un homenaje al gran teatro español del siglo xx. El director Pablo Quijano nos presentala obra desde el punto de vista de la Señora, una mujer que, tras haber alcanzado la fama en su juventud, ahora se encuentra en una encrucijada: ¿volver a un mundo que ya no reconoce o retirarse de él por completo? https://elpavonteatro.es

PORTAMÉRICA

Portas, Azucreira / PONTEVEDRA / 4, 5 y 6 de julio

AITANA / VETUSTA MORLA / XOEL LÓPEZ / JUANES / ARDE BOGOTÁ / LIT KILLAH / SHINOVA / CARLOS ARES (foto) / STANDSTILL / LILA DOWNS / BESMAYA... Y MÁS

Entradas agotadas en el momento de escribir estas líneas para uno de los festivales de referencia de los que se celebran en la zona norte, equilibrando a pesos pesados del pop nacional -Vetusta Morla, Luz Casal- con otros más actuales, como una Aitana que sigue paseando girando Alpha, Carlos Ares -portada de NUEBO en febrero- o un Lit Killah abonado a nuestro país.

FESTIVAL EUROPEO DE TEATRO JOVEN FOR/ WITH/BY

Varios espacios (MADRID)

Del 9 al 12 de julio

Tras tres exitosas ediciones en Reino Unido, el Festival europeo de teatro joven For/With/By, organizado por LaJoven (Fundación Teatro Joven), llega por primera vez a Madrid y Getafe para presentar su cuarta edición. El formato de este año se dividirá en representaciones teatrales, conferencias y talleres gratuitos para jóvenes, adentrándose en áreas como el clown, el trabajo de elenco conjunto, la producción teatral o la improvisación con objetos. Cuatro días, tres teatros (Círculo de Bellas Artes, Federico García Lorca y La Abadía), seis representaciones teatrales, talleres y ponencias con artistas internacionales, compañías europeas especializadas en el trabajo con jóvenes junto a otras en cuyos procesos creativos forman parte o han intervenido jóvenes. https://www.lajoven.es/forwithby

LA PELL FINA

Teatre Borras (BARCELONA)

Hasta el 21 de julio Última oportunidad para ver esta obra. Tras el éxito de Ovelles o Instruccions per enterrar a un pare, esta es la explosión definitiva de los dramaturgos Carmen

Marfà y Yago Alonso. 165 funciones y más de 33.000 espectadores después, el fenómeno continúa en el Teatre Borràs. Nacho y Miranda, una joven pareja de Barcelona, visitan a unos amigos que acaban de ser padres para conocer al pequeño Jan. Todo parece ir bien hasta que Nacho suelta, sin darle mucha importancia, que el bebé de Eloi y Sònia... es muy feo. Decir la verdad está muy bien, pero... ¿Hace falta decirla siempre? https://www.grupbalana.com

THE BEGINNING

Teatro Pavón (MADRID)

6 de agosto

Acude al teatro a disfrutar del espectáculo escénico que ha organizado NIN3s, nuevo alias de Uner, para presentar su nuevo disco: Beginning. NIN3s nace en el mundo de las artes, bebiendo de sonidos que circundan el jazz, downtempo, ambient, música clásica, hip-hop, trip hop, pop y la electrónica, y llega para posicionarse en el lugar adecuado, como ya bien lo hizo anteriormente con sus otros alias. https://elpavonteatro.es

SONIDOS LÍQUIDOS

Casa de Campo (MADRID)

8 y 9 de agosto

La piscina cubierta del Centro Deportivo Municipal Casa de Campo acoge un proyecto que transforma

piscinas y espacios acuáticos en lugares de escucha únicos, a menudo colaborando con músicos, videoartistas, diseñadores de iluminación y artistas de espectáculos submarinos. Una experiencia musical que forma parte del programa Veranos de la Villa. El proyecto Sonidos líquidos fue creado en 2008 por Joel Cahen y en esta ocasión, se alía con el músico y productor español Suso Saiz para invitar al público a sumergirse literalmente en la música de la piscina. La música sobre el agua es distinta de la música bajo el agua. Flotando y moviéndose en un espacio de gravedad cero flotante en el agua, el oyente podrá moverse libremente dentro y a través del agua, creando así su composición única a través del movimiento entre los dos espacios sonoros. Recomendación: lleva tu propio tubo de buceo para disfrutar plenamente de la experiencia. Imprescindible gorro de baño. Duración aproximada: 40 minutos . https://www.veranosdelavilla.com

EXPOSICIONES

CUBOS MADRID

Pasaje de la Plaza de los Cubos (MADRID)

Desde el 16 de junio

La gente de Arte al Cubo ha vuelto, tras algunos años ausentes, al espacio donde nos dieron a conocer magníficos trabajos de arte urbano. Vuelven al pasaje de la plaza de los Cubos, y lo hacen a lo grande, llenándolo de color a través de 16 intervenciones artísticas. Creto, Diego Vicente, Dúo Amazonas, Juay, Marta Lapeña, Ramón Amorós, Rosh, Sabez, Spok, Suso33, Taquen, TAV, Teje la Araña y Uneg han sido las y los artistas elegidos para esta primera edición de CUBOS Madrid. A semejante elenco se ha sumado Dante Arcade, inaugurando una iniciativa, el Muro Rotativo, que traerá al Pasaje a tres artistas más en los próximos meses de septiembre y diciembre de 2024 y marzo de 2025, dando continuidad al proyecto y generando actividad periódica en el espacio. https://madridstreetartproject.com

AGNÈS VARDA. FOTOGRAFIAR, FILMAR, RECICLAR

CCCB (BARCELONA)

Desde el 18 de julio al 8 de diciembre Agnès Varda (Bruselas, 1928 - París, 2019) fue una de las pocas mujeres directoras de su generación. Precursora dentro del movimiento cinematográfico de la Nouvelle Vague, Varda rompió normas y clichés y siempre quiso renovarse. Filmó más de cuarenta películas, entre largometrajes y cortometrajes y entre la ficción y el documental, y trabajó tanto en el cine analógico como en el digital.

La muestra celebra la trayectoria y el talento de una artista original y atrevida, que experimentó y jugó con los múltiples soportes y lenguajes del arte. Antes de ser cineasta, Varda fue fotógrafa y retratista y, de mayor, creó instalaciones artísticas para museos. En la exposición se reúnen por primera vez en Cataluña cuatro de las instalaciones de Varda, aparte de una selección de cortometrajes imprescindibles de su filmografía.

La muestra también nos descubre la fascinante vida de Agnès Varda, marcada por su carrera de fondo para hacer cine con pocos recursos y reconocimiento, y por los viajes, hijos, amistades y relaciones diversas que mantuvo. Varda fue protagonista de la efervescencia social y política de su tiempo: el feminismo, el movimiento hippie o la lucha de los Black Panthers. Y se relacionó tanto con artistas y actores famosos como con personas anónimas y marginales, que quiso representar y dignificar en sus películas. Agnès Varda. Fotografiar, filmar, reciclar refleja el espíritu abierto y viajero de Varda a través de objetos personales, carteles, obras de arte o de sus retratos y reportajes de fotos. https://www.cccb.org

ALLORA & CALZADILLA: KLIMA

Azkuna Zentroa-Alhóndiga (BILBAO)

Hasta el 6 de enero de 2025

La nueva muestra de arte del Centro de Sociedad

10 - 13 JULIO

RECINTO IBERDROLA MUSIC (MADRID)

MAD COOL VUELVE UN AÑO MÁS PARA UNA EDICIÓN ECLÉCTICA Y DIVERSA QUE RECORRE DÉCADAS, GÉNEROS, CORRIENTES Y ESTILOS DE DISTINTAS PARTES DEL MUNDO: POP CON TODOS LOS QUILATES POSIBLES; ROCK DE MASAS DE AYER, DE ANTES DE AYER, DE HOY Y QUIZÁ DE MAÑANA; PROPUESTAS ALTERNATIVAS EN LOS DOS BANDOS; ELECTRÓNICA DE DIFERENTE PEGADA E INTENCIÓN, Y DISCURSOS URBANOS QUE SE SALEN DEL RAP COMO PRINCIPAL EXPRESIÓN. NO TE LO PIERDAS.

JESSIE WARE

La británica se convierte en Mother of Pearl para madrear en su propio club 70s, The Pearl, en un espectáculo brutal que ya arrasó en Sónar y que enfoca el repertorio de sus últimos dos álbumes a un sonido más electrónico.

REMA

La superestrella nigeriana llega a Mad Cool en el momento álgido de su carrera, con Calm Down certificada de sobra ya como megahit mundial, para presentar sus últimos trabajos, Raves & Roses y el EP Ravage. Futuro afrobeats.

DUA LIPA

Una Lipa más cercana, más fiestera y más oscurita se presentará otra vez en Mad Cool para poner de largo en nuestro país su Radical Optimism. Fiesta.

GENESIS OWUSU

Mezclando el punk rock, el hip hop, el funk y el pop electrónico, este australiano de origen ganés le ha dado una vuelta a todo lo que consideras sobre el rap contemporáneo, entro lo fresco y lo experimental, sobre el espíritu de Dave Sitek y TV On The Radio.

SOCCER MOMMY

Con nuevo álbum a la vista para algún momento de 2024, seguro que en el festival madrileño podremos disfrutar de algún pequeño adelanto. Aunque da lo mismo: cualquier concierto de la reina moderna del slacker es un acontecimiento.

Sigue el QR y pilla

la entrada que más te guste: abono de 4 días desde 210€, de día desde 89€ o pack lovers con algún que otro detallito. Si eres de fuera de Madrid también tienes viajes de tren.

BILBAO BBK LIVE FESTIVAL

Kobetamendi / BILBAO / 11, 12 y 13 de julio

MASSIVE ATTACK / THE PRODIGY / GRACE JONES / UNDERWORLD / AIR / ARCADE FIRE / JUNGLE (foto) / FLOATING POINTS / KRHUANGBIN / OVERMONO... Y MÁS

La peregrinación de cada año a Kobetamendi tiene en esta edición de BBK

Live un componente nostálgico: el festival apuesta por una serie de nombres que vivieron su momento de gloria décadas atrás, los Massive Attack, Grace JonesThe Prodigy, Arcade Fire, Air, Underworld,... Quienes busquen sabores más actuales los encontrarán en la zona tibia del cartel.

y Cultura Contemporánea del Ayuntamiento de Bilbao reúne por primera vez en la ciudad algunas de las piezas más importantes de la carrera del dúo colaborativo de artistas visuales, Jennifer Allora (1974, EE.UU.) y Guillermo Calzadilla (1971, Cuba), referentes del arte contemporáneo internacional. La expo permite conocer una serie de piezas realizadas entre 2014 y 2021 que destacan por abordar de manera crítica las intersecciones y complicidades entre historia, política, ecología y cultura. https://www.azkunazentroa.eus

CONFESSIONS OF A CROWDED MIND

Moco MuSeum (BARCELONA)

Hasta el 20 de noviembre

Robbie Williams nos muestra una colección de arte creado por él que gira en torno a una temática que siempre le ha preocupado: la salud mental. No es la primera vez que Williams expone sus trabajos plásticos. Tras el debut de Pride & Self-Prejudice, su primera exposición de arte en solitario, Robbie nos invita a profundizar en un viaje colectivo a través del arte. La obra expuesta crea un espacio compartido como santuario para que mentes abarrotadas de pensamientos y emociones acepten la imperfección como una característica de nuestra humanidad.

Robbie Williams abraza el diálogo enredado entre la cabeza y el corazón. Según la directora del museo, el arte, como el de Robbie, puede inspirar a la vez que

ofrece consuelo y conexión. https://mocomuseum.com

ARTESANTANDER

Palacio de Congresos Sardinero (SANTANDER)

Del 12 al 16 de julio Aires frescos para una feria de arte longeva. Entre las principales novedades que trae la renovada feria, bajo la nueva dirección de la comisaria y productora cultural Mónica Álvarez Careaga, se encuentra la colaboración especial con el Festival Santander Music que incluye el concierto inaugural de Glassio, el proyecto a medio camino entre el indie dance y el dream pop del cantante, compositor y productor irano-irlandés Sam R. y un espacio expositivo en el que tendrá lugar la programación de charlas y conversatorios. Allí también se expondrá parte de la colección de arte que el festival ha consolidado a través de la colaboración con artistas internacionales. La exposición, comisariada por Pizzicato, contará con piezas de Gianmarco

Magnani Julien Pacaud Javier Mariscal Tatsuro

Kiuchi Bakea Mads Berg Michela Marco Oggian y Raúl Allen. Esta no será la única exposición que se podrá ver como parte de la programación paralela de la feria: también se podrá conocer el proyecto Paisaje con caballo de la artista Catalina Julve, seleccionada mediante la convocatoria abierta lanzada por el Institut d Estudis Baleàrics (IEB) en colaboración con

ARTESANTANDER. Actividades gratuitas. https://artesantander.com

CAROLINA CAYCEDO. TIERRA DE LOS AMIGOS IVAM (VALENCIA)

Hasta el 13 de octubre

Ha llegado a Valencia la primera exposición en Europa de la artista Carolina Caycedo (nacida en Londres, de ascendencia colombiana, residente en California), que reúne las instalaciones, dibujos, performances, fotografías y vídeos realizados durante los últimos veinte años. La muesta está coproducida con el Artium, Vitoria-Gasteiz y reúne obras de importantes series, como Be Dammed (2012–en curso), un proyecto multimedia que examina el impacto que las centrales hidroeléctricas y otros importantes proyectos de infraestructura provocan en las comunidades y el medio ambiente. https://ivam.es

MADRID, CHICA ALMODÓVAR

CCCCondeduque (MADRID)

Hasta el 20 de octubre

Por mucho que te pese, Almodóvar sigue siendo moderno en 2024. En la sala 1 de exposiciones, y con entrada gratuita, podrás disfrutar de una expo que lo corrobora. Podréis comprobar la evolución de Madrid y de la sociedad a través del cine de Pedro Almodóvar, y viceversa, gracias al diálogo constante entre la capital y el director. Como él mismo afirma, "crecí, gocé, sufrí, engordé y me desarrollé en Madrid. Y muchas de estas cosas las realicé al mismo ritmo que la ciudad". Almodóvar no solo ha captado cientos de escenarios de la ciudad en sus películas, sino también su alma, inspirándose en la gente e historias que en ella ha conocido, desde Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980) hasta Madres paralelas (2021). "Siempre he encontrado en esta urbe un paisaje perfecto y una fauna incorrecta e ideal para cada una de mis películas", ha asegurado el director. Madrid es la verdadera chica Almodóvar, que aparece con mayor o menor protagonismo en todas sus películas, de tal forma que se configura como el personaje por antonomasia del universo almodovariano. Es muy oportuno que esta exposición se realice en Conde Duque ya que una de las escenas más icónicas de su filmografía está rodada en la fachada del edificio. Susan Sontag dijo que, al igual que la escena de Marilyn y la falda, el momento mítico de la manguera que riega a Carmen Maura en La ley del deseo (1987) ha quedado en el subconsciente colectivo, y ahora es recuperado casi cuarenta años después. https://www.condeduquemadrid.es

AUDIOVISUAL

CINEPLAZA DE VERANO

Matadero Madrid (MADRID)

Del 4 al 28 de julio

La plaza central de Matadero Madrid se convierte un año más durante el mes de julio en un cine de verano al aire libre. Bajo el título Superestrellas, el programa de la séptima edición de CinePlaza acogerá, las noches de jueves a domingo, tres cine-conciertos de grupos relevantes del panorama español, dos películas comentadas en vivo y una selección de 11 títulos, entre los que se encuentran grandes documentales musicales, historias protagonizadas por músicos y bandas, y trabajos de grandes músicos que se han atrevido con la dirección cinematográfica. En esta cartelera de carácter lúdico y vibrante destacan los cine-conciertos protagonizados por Los Punsetes, con canciones inspiradas en películas icónicas; La Penúltima Sabinera (El Tributo), que tras la proyección de Sintiéndolo mucho (Fernando León de Aranoa, 2022) repasará los clásicos de Sabina; y La Bien Querida, quien ofrecerá una actuación audiovisual en homenaje al cineasta Carlos Saura, con proyecciones de fragmentos de algunas de sus películas. Precios populares desde 3,5 euros. Pelis como Moonwalker, The Wall, True Stories o Hedwig and the Angry Inch son casi imprescindibles, y se proyectan en V.O. www.mataderomadrid.org

7 - 11 DE AGOSTO ARANDA DE DUERO

LA LOCALIDAD BURGALESA DE ARANDA DE DUERO SE PREPARA UNA VEZ MÁS -Y YA VAN 27- PARA CONVERTIRSE EN EL EPICENTRO DEL POP-ROCK ALTERNATIVO DE NUESTRO PAÍS, CON CERCA DE 150 ARTISTAS PROGRAMADOS QUE DAN BUENA CUENTA DE LA MÚSICA QUE ESCUCHAMOS HOY, PERO QUE TAMBIÉN REIVINDICAN A LOS CULPABLES DE QUE ASÍ SEA.

AIKO EL GRUPO / ALBA RECHE / ÁLVARO DE LUNA / APARTAMENTOS

ACAPULCO / BEJO / BIZNAGA / BLACK TV / BURNING / CALIFATO 3/4 / CANDELA GÓMEZ / CARLANGAS Y LOS CUBATAS / CARLOS ARES / CHILL

MAFIA / CLAIM / COMANDANTE TWIN / CÓMPLICES / COQUE MALLA / CORA YAKO / DANI FERNÁNDEZ / DELAPORTE / DOLLAR SELMOUNI / EL COLUMPIO

ASESINO / EL KANKA / EL NIÑO LORD.CAH / FIESTA POLENTA / FLORENT Y YO / FUNZO & BABY LOUD / FUZZ BY DJ NANO / GARA DURÁN / GILIPOJAZZ / GRANDE AMORE / HINDS / HOMBRES G / JORDANA B. / JUANCHO MARQUÉS / LA BIEN QUERIDA / LA CASA AZUL / LA HABITACIÓN ROJA / LA SONRISA DE JULIA / LA TRINIDAD / LADILLA RUSA / LIA KALI / LAS DIANAS / LOS PLANETAS 'SUPER 8' / LUZ CASAL / MACACO / MAIKEL DELACALLE / MARINA RECHE / MARTA MOVIDAS / NATOS Y WAOR / NIÑA POLACA / OBK / PAULA CENDEJAS / QUERALT LAHOZ / RECYCLED J / SEN SENRA / SAMURAÏ / SHEGO / SFDK / SIDERCARS / TRAVIS BIRDS / Y MUCHOS MÁS...

ARANDA DE DUERO, CABEZA DE CARTEL

Además de una programación gigantesca en el recinto principal, Sonorama Ribera se extiende durante toda la semana hacia el centro de Aranda de Duero, inundando las plazas y las calles de la ciudad de escenarios, de cabinas de dj... Los bares salen al exterior y se convierten en parte del ecosistema, suminstrando raciones de croquetas, cervezas, un buen Ribera de Duero o, para los más atrevidos, incluso algún brebaje mágico conocido con nombres como ‘Agua de fantasía’. Es un día normal en el festival, que siempre se ha sabido fiesta mayor.

LA PLAZA DEL TRIGO

Probablemente el gran secreto del éxito de Sonorama: un escenario en una placita de pueblo que siempre se desborda para acoger artistas especiales, grandes, que normalmente no se prestarían a una locura semejante. Locuras a nosotros...

ACAMPADA CON AMBIENTE

Siempre pasan cosas en el camping del Sonorama: conciertos sorpresa -unos más acústicos que otros-, fiestas durante los días previos y para despedir la noche del domingo antes de volver a la realidad... Pero además es fácil que conozcas a alguien interesante, que conectéis y que surja cualquier tipo de chispa: ¡Cuántos amigos y parejas habrán salido de ahí!

ENTRADAS

Sigue el QR y mira todas las opciones de abonos y entradas de día que el festival ofrece, desde bono general a un precio de 90€ + gastos a VIP por 160€ + gastos, con opciones para menores y personas con discapacidad.

JUN - SEP 2024

EL VERANO YA SUENA EN LA CAPITAL DE LA COSTA DEL SOL, QUE DESDE FINALES DE JUNIO Y HASTA PRINCIPIOS DE SEPTIEMBRE ACOGE POR PRIMERA VEZ SELVATIC FEST. UN CICLO DE CONCIERTOS CON FORMA DE MACROFESTIVAL CON TODAS LAS COMODIDADES DE LOS EVENTOS MICRO Y UNA PROGRAMACIÓN DIVERSA TANTO NACIONAL COMO INTERNACIONAL QUE, ADEMÁS, ALBERGA SORPRESAS COMO UN BOOMBASTIC FEST.

ANDY & LUCAS 22 de junio / FRENCH URBAN FEST: GIMS + MARWA

LOUD 28 de junio / FRENCH URBAN FEST: SOOLKING + LACRIM + MISTER

YOU 29 de junio / JUANES 30 de junio / YANDEL + ALEJO +DEI V+ JEY LP

5 de julio / JUAN LUIS GUERRA 4.40 7 de julio / BOMBA ESTÉREO 9 de julio / NICKI NICOLE 12 de julio / DEMBOW FEST: CHIMBALA, ROCHY RD, LÍRICO EN LA CASA, YAISEL LM Y DJ BALLESTEROS 13 de julio / BLACK

EYED PEAS 21 de julio / BOOMBASTIC COSTA DEL SOL: RELS B, CRUZ

CAFUNÉ, LIT KILLAH, C.R.O Y MÁS 26 de julio / BOOMBASTIC COSTA

DEL SOL: ARCÁNGEL, OVY ON THE DRUMS, FUNZO & BABYLOUD Y MÁS 27 de julio / NOCHES AL COMPÁS: PITINGO, LOS BANIS Y SHAKIRA

MARTÍNEZ 2 de agosto / EMAGE FEST: SHALLIPOPI, DYSTINCT, TITO M & YUPPI, INNOSS’B, ELTEE SKHILLZ Y DJPHAPHANE 16 de agosto / EMAGE FEST: ELGRANDETOTO, KCEE, DIDI B, NELSON FREITAS Y BOO 17 de agosto / INDIE DAY: LEON BENAVENTE, SIDONIE, SHINOVA Y CLAIM 29 de agosto / PTAZETA + LIA KALI 6 de septiembre

Además de una zona de mercado con artesanía y productos locales y nacionales, el festival destaca por su zona gastro, con foodtrucks para todos los gustos y necesidades... y Maloca, un concepto de restaurante efímero dentro de Selvatic con una carta llena de sorpresas.

Selvatic da la bienvenida al público -con todas las comodidades- en Málaga Fórum, en el emplazamiento del antiguo Autocine Málaga. 16.000 m2 de espacio al aire libre, accesible y versátil.

Atrás queda junio y ese ya histórico primer festival de música urbana francesa celebrado en la Costa del Sol (Gims, Soolking…), pero aún tienes ocasión de disfrutar de más artistas en su prime, como los que destacamos:

RELS B

26 de julio

Al final, como una hormiguita, Daniel Heredia Vidal -que así se llama en realidad Rels

B- ha conseguido convertirse en el estandarte de toda una nueva generación de pop balear. Ya en la liga de los grandes festivales y las grandes arenas, llega a Selvatic para encabezar, junto a Cruz Cafuné, una de las dos jornadas del Boombastic Costa del Sol.

Música urbana, rap, flamenco y ritmos latinos de todo corte, latitud y generación se dan cita a lo largo de una programación abierta y plural que también pone el oído en el pop de masas, el indie o en sonidos de Francia o África.

PTAZETA

6 de septiembre

La artista canaria, protagonista de una de nuestras portadas de este verano al hilo del lanzamiento de Gorgona, su esperado segundo álbum, pone el broche final a la programación de Selvatic Málaga Fest con su inconfundible mezcla de rap, trap y ritmos isleños. La acompaña la rapera barcelonesa Lia Kali en pleno ascenso de popularidad.

ALEJO

5 de julio

Portada de NUEBO en el mes de junio, el rapero puertorriqueño está viviendo su época oscura con En esta nos fuimos lejos, un trabajo en el que declara su amor por Yeezus y por el reguetón de marquesina. Aterriza en Málaga como parte de un desembarco boricua encabezado por Yandel y junto a dos estrellas emergentes: Dei V y Jey P.

NICKI NICOLE

12 de julio

Trascendiendo Argentina y confirmada ya como superestrella del nuevo pop latino llega a Selvatic Nicki Nicole, inmersa en una gira que ya llena arenas allá por donde pasa y en la que, sin renunciar a la grandilocuencia de tan elevadas citas, saca su lado más intimista. Completan la jornada Naiara, flamante ganadora de OT, y Aleesha.

Sigue el QR para ver más info de los conciertos y la programación, elige los que más te gusten... ¡y pilla tus entradas!

ATLÀNTIDA FILM FEST

Varios espacios (MALLORCA)

Del 19 al 28 de julio

Mucho cine y mucha música llegan, un año más, a la isla balear para ser disfrutados de modo colectivo, en pantalla, o ante el escenario. Entre las películas que formarán parte de la programación de la 14ª edición de Atlàntida Mallorca Film Fest destacan grandes premieres que situarán Mallorca como el epicentro del cine europeo. Una de las presencias más llamativas será la del cineasta Atom Egoyan, uno de los directores canadienses más importantes de la historia, nominado a dos Oscar y ganador de seis premios en los Festivales de Cannes, Berlín y Venecia. Atom Egoyan presentará en AMFF su último trabajo, Seven Veils, un thriller psicológico protagonizado por Amanda Seyfried. Otra de las citas imprescindibles de AMFF será el estreno de Las balconettes, dirigida, coescrita y protagonizada por Noémie Merlant, una película dispuesta a ofender y entusiasmar a partes desiguales. Atlàntida también acogerá la premiere de Las reinas del drama de Alexis Langlois, filme que cuenta con cameos de Asia Argento y Alma Jodorowsky y la participación de Bilal Hassani, representante de Eurovisión en Francia en 2019. El musical romántico Carmen, dirigido por el genio de la danza Benjamin Millepied, que debuta en esta cinta como director. Un clásico literario adaptado para una nueva generación que cuenta con las interpretaciones de Paul Mescal, Melissa Barrera y Rossy de Palma, persecuciones policiales y canciones de Julieta Venegas. Y con contenido musical también llegan premieres como Blur to the End dirigida por Toby L, que retrata el reencuentro tras ocho años de separación de uno de los grupos más venerados de la historia. En la sección oficial, destaca el estreno español de Al margen, la primera película documental de Eduardo Casanova, una historia que habla de lo más oscuro de la mente humana. En la parte musical, apuntamos un puñado de artistas de

SALA BERLANGA

Programación de julio 2024

Madrid

Diez de las mejores películas españolas del último año en este ciclo fresquísimo para sobrellevar el mes de julio en Madrid

Del 2 al 31 de julio, de martes a sábado

En sesión doble: 18:30h y 20:30/21:00h

Entradas: 3,50 euros

Nina / Andrea Jaurrieta / 2024 / 103’ 2, 9, 19, 24 y 30 de julio

un line up muy variado: Alizz, Nebulossa, Alfred Garcia, Rusowsky, Ralphie Choo, Pablopablo, Julieta, Maria Hein, Clara Peya, y muchos más. https://atlantidafilmfest.com

CIBELES DE CINE

CentroCentro (MADRID)

Del 27 de junio al 12 de septiembre

La novena edición de Cibeles de Cine regresa a las noches madrileñas con la proyección de más de 75 películas. Dentro de la cartelera de este año, para Cibeles de Cine se han seleccionado desde los grandes éxitos de la temporada (El especialista, Back to Black, Fly Me to the Moon, Civil War o Furiosa) hasta el mejor cine independiente y de autor (Vidas pasadas, Priscilla, Sangre en los labios, El clan de hierro, Bikeriders, Anatomía de una caída, La zona de interés, Siempre nos quedará mañana, El mal no existe), además de títulos nacionales (Segundo Premio, Nina, Robot Dreams) que contarán con la presencia de su equipo técnico y artístico. Como viene siendo habitual, el sábado será el día elegido para disfrutar en familia con películas como Wonka Los Goonies Del revés 2 o La princesa prometida. Entre los clásicos, destacamos algunos de los títulos elegidos: Al final de la escapada, Cinema Paradiso, Apocalypse Now, Charada o Reservoir Dogs. Un verano más volverán los eventos Cinetronik, donde se combina el pionero y más influyente cine mudo con una banda sonora de música electrónica en directo: el documental El hombre de la cámara (1929) musicalizado por el artista Huma; y El gabinete del Doctor Caligari (1920) a manos de Caliza https://www.cibelesdecine.com

CINEMA LLIURE A LA PLATJA Varios espacios (BARCELONA)

Del 8 de julio al 8 de agosto Sitges, Tarragona, Salou, Palamós, Tossa de Mar, Palma y Pollença, además de la playa de Sant Sebastià de Barcelona, son los espacios

donde, caída la noche, congregarán a la cinefilia independiente con proyecciones al aire libre y gratuitas, sin necesidad de reservar butaca. Entre las películas, destaca Creatura, de Elena Martín; Vidas pasadas irá precedida del corto Action!, de Arne Körner. La animación de Pablo Berger, Robot Dreams, irá precedida del corto La cucharada, dirigido por Miranda Soldevilla 20.000 especies de abejas, dirigida por Estibaliz Urresola Solaguren irá precedida del corto Llençols, dirigido por Júlia Castaño Los reyes del mundo, de Laura Mora Ortega, o La innocència, de Lucía Alemany, son otros títulos muy adecuados para ver sobre la arena… https://cinemalliure.com

ARTE DIGITAL

EUSKAL ENCOUNTER

Bilbao Exhibition Centre (BILBAO)

Del 22 al 25 de julio

Jornadas de creatividad digital: es el arte de la era de los ordenadores. Se materializa en tres grandes temas, la creación de imágenes digitales, la música digital y la programación. Del software libre: participa y presenta tu producción a concurso, de forma individual o en grupo. Desde tu móvil hasta los servidores de la Euskal Encounter, el mundo no funcionaría sin el software libre. De juegos: participa y reta a tus amigos en las diversas competiciones de juegos para PC y videoconsolas. Del hardware: el modding, además de la modificación, cambio y personalización de los equipos, de sus componentes, los periféricos e incluso el mobiliario que les sirve de soporte, es también una afición que aúna creatividad y maña. Del streaming: alguien tiene que contar qué pasa en las Encounters al mundo. Si te gusta crear contenido, ya sea en forma de streaming en directo, vídeos o bailando el último trend, en las Encounters hay un sitio para ti. https://ee32.euskalencounter.org

Pájaros / Pau Durá / 2024 / 100’ 2, 12, 17, 25 y 30 de julio

Segundo premio / Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez / 2024 /110’ 3, 6, 13, 16, 26 y 31 de julio

Disco, Ibiza, Locomía / Kike Maíllo / 2024 / 104’ 3, 11, 18 y 24 de julio

Los pequeños amores / Celia Rico / 2023 / 95’ 4, 10, 19 y 27 de julio

Calladita / Miguel Faus / 2023 / 93’ 4, 12, 18 y 23 de julio

As neves / Sonia Méndez / 2024 / 82’ 5, 13, 17 y 23 de julio

La estrella azul / Javier Macipe / 2023 / 128’ 5, 11, 16 y 25 de julio

Guardiana de dragones / Salvador Simó Busom, Jianping Li / 2024 / 99’ 6, 10, 20 y 27 de julio

Caída libre / Laura Jou / 2024 / 90’ 9, 20, 26 y 31 de julio

MILLENIALS. EL ARTE MULTIMEDIA DE LA GENERACIÓN Y

Laboral Centro de Arte (GIJÓN)

Hasta el 31 de dic / Gratis

Esta es la obra del artista Marc Vilanova, titulada Cascade (2023), una instalación sensorial e inmersiva que revela, a través de la tecnología, un diálogo entre las cascadas y otros seres vivos más allá del oído humano. Cascade es una de las obras de la muestra colectiva que los 17 artistas participantes han instalado en las salas del centro de arte asturiano. Conceptos, pantallas, NFTs, mundos paralelos… La exposición pone de relieve el modo en que la generación del milenio ha sido moldeada por el rápido ritmo de los avances tecnológicos, la globalización y el auge de los medios digitales.

Agnès

Varda ©Patrimonio de Agnès Varda-Archivos fotográficos de Agnès Varda en préstamo a largo

plazo al Institut