NUEBO #23 mayo 2024

PAULA CENDEJAS

SE LANZA AL BARRO

TATE MCRAE | BACK TO BLACK | VIVI K | FURIOSA | SEGUNDO PREMIO | AS NEVES | ANYA TAYLOR-JOY | LUA RIBEIRA | DISCO IBIZA LOCOMÍA

ABONOS + ENTRADAS JUEVES AGOTADAS

TEEN QUEEN

PAULA CENDEJAS | BACK TO BLACK | VIVI K | FURIOSA | SEGUNDO PREMIO | AS NEVES | ANYA TAYLOR-JOY | LUA RIBEIRA | DISCO IBIZA LOCOMÍA

ABONOS + ENTRADAS JUEVES AGOTADAS

CITA EN SHE SOUNDS

PAULA CENDEJAS | TATE MCRAE | BACK TO BLACK | FURIOSA | SEGUNDO PREMIO | AS NEVES | ANYA TAYLOR-JOY | LUA RIBEIRA | DISCO IBIZA LOCOMÍA

ABONOS + ENTRADAS JUEVES AGOTADAS

BACK TO BLACK PERSIGUIENDO

A AMY

PAULA CENDEJAS | TATE MCRAE | VIVI K | FURIOSA | SEGUNDO PREMIO | AS NEVES | ANYA TAYLOR-JOY | LUA RIBEIRA | DISCO IBIZA LOCOMÍA

ABONOS + ENTRADAS JUEVES AGOTADAS

¡Descubre el fresco talento de Balma! Este dúo de productores y artistas de Barcelona está revolucionando la escena musical con su ecléctica mezcla de House, Drum and Bass y UK garage, fusionados con lo más actual del panorama urbano. Su primer sencillo, “Prou que m’agrada”, es solo un vistazo de lo que nos espera en su nuevo proyecto, prometiendo transportarnos a las vibrantes discotecas de los 2000. ¡Mantén los ojos y oídos abiertos para seguir de cerca a Balma!

VOL. 23

MAYO 2024

PAULA CENDEJAS

EN ABIERTO

DEL MISTERIO 48 58 50

MÉTRIKA SÍ MADRE

56 68

FERRÁN PALAU

FANTASÍA

AXOLOTES MEXICANOS ADOLESCENTES ETERNOS

HELLBLADE II

¿TAMOS LOKOS O QUÉ?

EDITORIAL

se acabó la tregua. y no pienses en alergias. Llegado el mes de mayo, ya podemos empezar a sacar las primeras conclusiones de un año, este 2024, que está marcado por la inestabilidad global. Desde EE UU suenan tambores de guerra -figurada, y también en el estricto sentido de la palabra-, lo que inevitablemente condiciona a la producción cultural. Dicen que esta edición del Coachella se recordará -más allá del día en que Blur se mosquearon con el público por mirar sus teléfonos celulares en vez de corear sus canciones- por el pinchazo en la venta de entradas: todo un aviso para navegantes en el mercado global.

Del frenazo en la producción audiovisual por parte de las grandes cadenas de streaming ya hemos hablado por aquí en otras ocasiones. La recaudación en salas de cine también cae respecto

RUIDO BLANCO LA NAVE

TATE MCRAE DANZAD MALDITOS

64 AS NEVES SIN COBERTURA

72

JORDAN RAKEI CRECER

a otros años… Así las cosas, nos llama la atención revisando este número que tienes en las manos -en el que, por cierto, volvemos a batir nuestro propio récord de páginas- la respuesta de los nuevos artistas que, antes o después, reaccionan ante la adversidad optando por el buen trabajo en equipo, por ponerse en manos de otros -ya sean productores, comunicadores, profesionales de la industria...- para construir de la mano un proyecto de futuro. Individualismo vs esfuerzo colectivo. Un espíritu plural al que en NUEBO llevamos apelando desde nuestro primer número y que se hace ahora más necesario que nunca para sobrevivir en un mundo globalizado y tecnificado por las grandes corporaciones que abren y cierran el grifo a su antojo y resuelven caprichosamente el destino -y también los contenidos- de la producción artística y cultural.

FURIOSA

ELLA ERA PUNK

MANUEL TURIZO LA BACHATA 84 COSTA SOCIAL CLUB ABURRIRSE ESTÁ PROHIBIDO

DIRECTOR EDITORIAL

Luis J. Menéndez luis@nuebo.es

DIRECTORA DE ARTE Liliana Carpio lillie@nuebo.es

DIRECTOR COMERCIAL

Luis Argeo argeo@nuebo.es

JEFE DE REDACCIÓN

Diego Rubio diego@nuebo.es

VIVI K ELLA SUENA

108 DISCO IBIZA LOCOMIA VUELVEN LOS ABANICOS 90 LUA RIBEIRA GOING UNDERGROUND

SEGUNDO PREMIO AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS 88 NINA EMOCIONAL NUEVAS SENSACIONES

PUBLICIDAD BARCELONA

Itzbi Solís itzbi@nuebo.es

RRSS Cristina Fandiño cris@nuebo.es

COLABORADORES

Juan Álvarez, Cayetana Ariznavarreta, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Gabriel Cárcoba, Tali Carreto, Andrés Castaño, Marta España, Ángela García-Tomé, Manu González, Paula Gonzalo González, Paula López Ros, Eva Luengo, Ángelo Néstore, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Adriana Ramiro, Cris Regatero, Felipe Rodríguez Torres, Daniela Urzola.

FOTOGRAFÍA

Pablo Barboza, Belén Franco. Fotos de portada: Claret Castell (Paula Cendejas), Beth Saravo (Tate McRae), Equis Eme (Vivi K).

www.nuebo.es / @somosnuebo

IMPRESIÓN

Licencia de uso de la Certificación Forestal PEFC / 14-37-00097

DISTRIBUCIÓN

Elliot Bicimensajeros (MDZ) Mil Máscaras (BCN)

NUEBO S.L.

Callejón de Concepción Jerónima 3, 1º Ext. Izq.28012 Madrid hola@nuebo.es

Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de la revista. Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1 párrafo segundo, de la Ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación NUEBO S.L.

BARCELONA

CCCB

C/ de Montalegre, 5, 08001

VALKIRIA HUB SPACE

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ÍNDIGO CAFÉ & BRUNCH

Carrer d'Enric Granados, 3, 08007

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Pg. de St. Joan, 82, 08009

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1ª, 08012 Bcn.

EL NOA NOA

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CANTINA LAB CAN BATLLÓ

Gran Via de les Corts Catalanes, 169, 08014

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COMETA

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NINAS COFFEE AND BRUNCH

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ORVAL

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IED

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CAMELIA ART CAFÉ

C/ de Padilla, 264, 08025

LA CIUTAT INVISIBLE

Carrer, Riera d'Escuder, 38, baixos, 08028

LA DESKOMUNAL SCCL

Carrer del Tenor Masini, 5 Carrer

Riera d, Escuder 38, 08028

GRANJA PETITBO

C/ de Mallorca, 194, 08036

ARANDA DE DUERO

CAFÉ CENTRAL

C/ Sal 9, 09400

MADRID

1862 DRY BAR

C/ Pez, 27, 28004

QUE PUEDES CONSULTAR A CONTINUACIÓN…

ALEATORIO BAR

C/ Ruiz, 7, 28004

AMEN

C/ San Andrés, 3, 28004

BIANCHI KIOSKO CAFFÉ

C/ San Joaquín, 9, 28004

CAFÉ PEPE BOTELLA

C/ San Andrés, 12, 28004

EL ALMACÉN DE DISCOS

C/ Minas, 13, 28004

FARADAY

C/ San Lucas, 9, 28004

FREV BOUTIQUE

Corredera Alta de San Pablo, 4, 28004

FUNDACIÓN SGAE

C/ Bárbara de Braganza, 7, 28004

GENERACIÓN X

C/ de la Puebla, 15, 28004

GENERACIÓN X

C/ Carranza, 25, 28004

GORILA MALASAÑA

Corredera Baja de San Pablo, 47, 28004

GOSTO CAFÉ

C/ Palma, 47, 28004

GRIMEY STORE

C/ de Hortaleza, 23, Local Derecha, 28004

HOBBY CONVERTERS

C/ Estrella, 20-2, 28004

KAÓTICO

C/ Fuencarral, 34, 28004

LA FIAMBRERA ART GALLERY

C/ Pez, 30, 28004

LA INDUSTRIAL EVENTOS

C/ San Vicente Ferrer, 33, 28004

LOLINA VINTAGE CAFÉ

C/ Espíritu Santo, 9, 28004

MALABAR

Pl. del Dos de Mayo, 9, 28004

MONKEY GARDEN

C/ Barco, 38, 28004

PICNIC

C/ Minas, 1, 28004

QUALITY SPORTSWEAR

C/ Espíritu Santo, 6, 28004

SUBTERFUGE

C/ Almirante, 30, 28004

TOMA CAFÉ

C/ Palma, 49, 28004

BAHIANA CLUB

C. del Conde, 4, Centro, 28005

BIPOLAR

C/ Calatrava, 6, 28005

FEDERAL CAFÉ

Pl. Conde de Barajas, 3, 28005

L’ADORE CAFÉ

Pl. de Cascorro, 20, 28005

LOS TIERNOS

C/ Toledo, 73, 28005

MOLAR DISCOS & LIBROS

C/ Ruda, 19, 28005

RUDA CAFÉ

C/ Ruda, 11, 28005

THE MUSIC STATION

Cuesta de San Vicente, 44, 28008

THE SOCIAL HUB

Cta. de San Vicente, 28, 28008

THE BEER GARDEN TAP ROOM

SALOON

C/ Juan de Austria, 23, 28010

URRACA CAFÉ

C/ Doña Urraca, 18, 28011

ARABAY COFFEE MADRID

C/ Marqués Viudo de Pontejos, 1, 28012

BAJOELVOLCÁN

C/ Ave María, 42, 28012

BOCONÓ SPECIALTY COFFEE

C/ Embajadores, 3, 28012

CAFELITO

C/ Sombrerete, 20, 28012

EL IMPARCIAL

C/ Duque de Alba, 4, 28012

GENERACIÓN X

C/ Conde de Romanones, 3, 28012

HOLA COFFEE FOURQUET

C/ Dr. Fourquet, 33, 28012

JUAN RARO

C/ Miguel Servet, 7, 28012

LA NOBIA

C/ Salitre, 45, 28012

PUM PUM CAFÉ

C/ Tribulete, 6, 28012

SALA EQUIS

C/ Duque de Alba, 4, 28012

SWINTON GALLERY

C/ Miguel Servet, 21, 28012

CASA JAGUAR

C/ Caños del Peral, 9, 28013

FOUR

C/ Calderón de la Barca, 8, 28013

HOTEL ANACO

C/ Tres Cruces, 3, 28013

SALA EL SOL

C/ Jardines, 3, 28013

WET COCKTAIL BAR

C/ Mesón de Paños, 6, 28013

WURLITZER BALLROOM

C/ Tres Cruces, 12, 28013

ACID CAFÉ

C/ Verónica, 9, 28014

FELIZ COFFEE TO GO

C/ Lope de Vega, 2, 28014

MISERIA

C/ Verónica, 15, 28014

CAFÉ LA PALMA

C/ Palma, 62, 28015

C.C. CONDE DUQUE

C/ Conde Duque, 9, 28015

LA DESPENSA INCREÍBLES

CREATIVOS

C/ Sta. Cruz de Marcenado, 4, 28015

LA TAPE

C/ San Bernardo, 88, 28015

MARILIANS

C. del Noviciado, 9, Local 7, 28015

DJP MUSIC SCHOOL

C/ Pilar de Zaragoza, 63, 28028

LOS INVERNADEROS

C/ Alonso Núñez, 6, 28039

UNIVERSAL MUSIC

C/ Torrelaguna, 64, 28043

BAR TOBOGGAN

Pl. de Rutilio Gaci, 2, local 1, 28045

COSTELLO RÍO

Pl. Gral. Maroto, 4, 28045

DRØMME KAFFE HOUSE

C/ Juana Doña, 8, 28045

MATADERO MADRID

Pl. de Legazpi, 8, 28045

PANDORA'S VOX

C/ Rafael de Riego, 8, 28045

SONY MUSIC

P.º de la Castellana, 202, 28046

MÁLAGA

CAC MÁLAGA

C. Alemania, S/N, Distrito Centro, 29001

OURENSE

CAFÉ & POP TORGAL

Rúa Celso Emilio Ferreiro, 20, Sótano, 32004

GIJÓN

BAR LA PLAZA

C/ Julio Fernández, 1, 33201 Gijón

TOMA 3

C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202

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NACIDO EN DINAMARCA, CRIADO EN GUADALAJARA -MÉXICO- Y

ASENTADO EN MADRID, ‘EL VATO’ HA HECHO DESEMBARCAR LOS CORRIDOS TUMBADOS EN NUESTRO PAÍS CON LA NATURALIDAD DE UN

NATIVO Y AL MISMO TIEMPO CON LA SABIDURÍA DESARRAIGADA QUE DA UN NOMADISMO TAN INTERCONTINENTAL, CON LAS RAÍCES COLGADAS

SIEMPRE DEL CUELLO. PUEDES DESCUBRIRLE EN SOUND ISIDRO, EN EL RIVERLAND, WARM-UP, LOW FESTIVAL O EL MONKEY WEEKEND.

Andrés Pardo Torres

Copenhague (Dinamarca)

28-04-1999

• Sobre el escenario llevo una guitarra acústica Martin heredada de mi viejo. También llevamos una Taylor de 12 cuerdas, un bajo Yamaha de 5 cuerdas, la ‘Strato’ americana y el ampli Princeton.

• El álbum que me cambió la vida fue el Nevermind de Nirvana. Fue uno de los primeros discos que me escuché de principio a fin y me enamoré de la manera de escribir de Kurt y la complejidad y naturalidad de sus melodías.

EL NUEBO VATOCHOLO

• Un concierto que no olvidaré jamás fue el de Mariachi Vargas. Piel de gallina y pura emoción, recordando mi cultura y mi país con las canciones que escuchaba cuando era pequeño. Sensaciones únicas y piezas que solo ellos pueden tocar de esa manera tan personal.

• Ahora estoy enfrentando una nueva etapa en mi carrera. Preparando más corridos y abriéndome a nuevos géneros y sonidos. Visualmente preparando algo más personal y abriéndome más al público, evolucionando el proyecto al siguiente nivel.

Viernes 24

THE BLAZE

EDITORS · LOS PLANETAS (30 aniversario “Super 8”)

DINOSAUR JR. · THE REYTONS · DRY CLEANING

JOE GODDARD · STANDSTILL · BAIUCA · HINDS

BODEGA · LA LUZ · REPION · MELENAS · PIPIOLAS

Sábado 25

PHOENIX

BELLE AND SEBASTIAN · THE JESUS AND MARY CHAIN

VILLAGERS · ALIZZZ · CARIÑO

DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA

HURRAY FOR THE RIFF RAFF · GEORGIA

LAETITIA SADIER & THE SOURCE ENSEMBLE

LOS ESTANQUES · AIKO EL GRUPO · ADIÓS AMORES

ROCÍO SAIZ BUM MOTION CLUB

MAR PUJOL

Echa las persianas y déjate acomodar por esa tenue oscuridad, por ese tenebror que convoca la cantautora catalana en sus canciones. Susurros prácticamente privados, secretos mantenidos entre su guitarra y ella, a los que asistimos nosotros o unas cuerdas siempre emocionadas, alguna percusión orgánica y su eco, la sombra de un pequeño sintetizador o simplemente el viento, que pasaba por allí y decidió quedarse enredado. Estas Cançons de rebost (Hidden Track), que forman el debut largo de Mar Pujol tras el EP Trepa (2022), se enraízan en la observación casi onírica de la naturaleza y en la vivencia de un Mediterráneo milenario, con sus leyendas, sus brisas, sus amores, sus calores. Y asientan a la de Lluçanès como uno de los grandes valores de una nueva generación de poetisas musicales catalanas, hijas espirituales de Sílvia Pérez Cruz. Este año, entre otras fechas, podremos verla en el Vida Festival y como parte de la programación PRO del Primavera Sound.

FOTO: LAURA SISTERÓ

100% URBANO

SI ALGO TIENEN EN COMÚN TODAS LAS CIUDADES

SON SUS CALLES, ESE ENTRAMADO DE ARTERIAS

QUE COMPONE EL SISTEMA CIRCULATORIO DE ESE MACRORGANISMO AL QUE LLAMAMOS TIERRA. DE ESTE

A OESTE, DE NORTE A SUR, ONERPM LAS RECORRE A LA BÚSQUEDA DE ALGUNOS DE SUS MEJORES CRONISTAS.

ESTOS SON SOLO UNOS POCOS...

DYCE

Nacido en Bélgica y de ascendencia española y de Europa del Este, Dyce ha sabido mezclar todos esos distintos ingredientes para su bolognesa particular. Con su primer tema, Race, conquistó Rusia, y ahora anda totalmente enfocado en su presencia en España y Latinoamérica. Ya ha colaborado con toda una institución como Mala Rodríguez, y entre lo que se viene está un mano a mano con Recycled J.

Durante muchos años, esta joven nacida en A Coruña bebió de las influencias del rock alternativo, pero ahora está completamente enfocada en un pop urbano brillante, electrónico y confesional, profundo en fondo y poético en estructura. Tras la salida en 2023 del EP No llores, Kyr4 sigue persiguiendo nuevas tonalidades y colores en Si me echas de menos o Cuéntame

DENOM

SOSAD.97

El alias tras el que se encuentra David Fuerte Pliego esconde también el que es uno de los secretos a voces mejor guardados de la nueva ola de la escena madrileña. Desde Alcalá de Henares, Sosad.97 ha conseguido en tan solo cinco años llenar enclaves básicos para el urbano en la capital como la sala Shoko y que sus streams se cuenten por millones. Su versatilidad dará otro paso adelante muy pronto, cuando estrene su esperado tercer trabajo largo. De momento puedes escuchar Un bolero o La flor.

A base de trabajo duro se ha ganado Denom su posición de referente en el hip hop en España, con una trayectoria estelar que arrancó logrando repercusión en el entorno de Gadafi Click hace ya más de diez años. Su presente no puede ser más emocionante: el año pasado presentó el disco Get Off The World y lo defendió con una enorme gira por toda España; hoy prepara una nueva evolución artística y una inédita saga de sonidos.

COSMIC WACHO

Como unos Chromeo de la Costa del Sol o unos Cupido con ambiciones de Bomba Estéreo, este dúo andaluz formado por el español Alejandro Domínguez “Aless” y el argentino Franco Felici se ha dejado poseer por el espíritu del funk en su segundo trabajo largo, el recién estrenado Lo que dicen por ahí (Maracuyeah!). El resultado es una perversión más de su forma de entender la cumbia, abierta y desacomplejada, como un caldo que empezar a aderezar con distintos ingredientes. Todos tropicales, por supuesto. De mangos a melocotones con forma de culo, porque a veces les verás rebotando cerca de un reguetón. Algunos incluso psicotrópicos, con efectos lisérgicos, porque en el desierto y con tanta calor se vive mejor flipando. En colores, en lucecitas, en animales guía o, como es más el caso de estos guasones que van más en serio de lo que parece, en una roller disco de chiringuito. Este mes andan presentándolo al otro lado del charco, en una gira por México y Colombia. Y luego les tocará poner por aquí la banda sonora del verano. ¡Asúcar!

“Obra maestra. La película del año”

El Mundo

“Una hermosa historia de amor y amistad”

Eldiario.es

“Arrebatadora y libre, una película de culto”

Diario Sur

dirigida por ISAKI LACUESTA codirigida por POL RODRÍGUEZ

ESTRENO EN CINES 24 DE MAYO

DANIEL IBÁÑEZ STÉPHANIE MAGNIN CRISTALINO

Quizá en otra época a los artistas les envolvía un halo de divinidad y misterio, pero las redes sociales han jugado bien ese papel de humanizar a los ídolos. Esos a los que admiramos y que te cuentan en el podcast de turno que tienen una ansiedad de caballo, igual que tú y que yo. En la era en la que contamos y enseñamos de más, hay un nuevo artista que se esconde, pero de una manera que genera curiosidad. Ese enigma se llama nusar3000 y, sin ver su rostro, ya sabemos que ha trabajado con grandes de la industria como Rosalía -en el remix de Despechá-, Dellafuente o y Judeline -busca un tema titulado CANIJO-, además de poner música a campañas de Louis Vuitton. Pronto nusar3000 lanzará un álbum en el sello Rusia-IDK, el mismo de los Rusowsky, mori o Ralphie Choo. Todo lo que rodea a Rusia-IDK se sitúa en el punto de mira internacional, así que pinta que nusar3000 va camino de convertirse en otro fundamental de esta escena que sabe coquetear con lo masivo sin dejar de ser vanguardista. Recientemente ha lanzado la frenética NASKAR, envuelto en pañuelos de auténticos bereberes del desierto de Uarzazate en Marruecos. NASKAR se propone como un viaje entre la electrónica global y la música folclórica, con referencias sonoras al universo del videojuego y del clubbing, y supone el primer adelanto de ese debut largo. Pronto seguirán cayendo temas en un viaje que se propone como un bestiario de canciones que enmarcarán el nuevo folclore.

ASRA3

Este artista genuinamente underground de Barcelona, que dinamiza la escena más radical desde el colectivo multidisciplinar Els Cundits y a través de fiestas como Desacato Goblin -gamberra y satánica- o la más blandita Opi Melissa -chill, onírica, siestera y muchas veces clandestina-, vive en su videojuego particular. Uno que ha diseñado para él mismo, lleno de mazmorras desconectadas entre sí que convergen en distintos hubs: el mundo del perreo, la (super)illa volante del vapowave, el océano del hyperpop, los circuitos siderales del pop rap. Acaba de publicar su primer álbum largo, Mami ençen la ñocla, que supone además su debut en Primavera Labels y que marca su primera vez fuera de la independencia -aunque cualquier etiqueta o intención de catalogarle se antoje inútil y vacía-. Lo suyo es un elige tu propia aventura diseñado por un amante de Steve Jackson y su Sorcery!, del enigma irresoluble del Maze de Christopher Manson, de la dificultad endiablada de Ghosts 'n Goblins. Una deliciosa psicosis de la más alta fantasía.

FOTO: CAMILLE ORNY

AINA PICAROLO

Acaba de entrar en la veintena y habrá quienes la tengan en su retina desde que participaba en la celebrada serie infantil Big Band Clan de RTVE, o en el programa 300 anys de TV3. Su paso por la tele y por escuelas de interpretación han ido modelando a esta actriz catalana, capaz de lanzarse al musical (Fang i Setge) o al cine con igual soltura. Es ante la gran cámara y en la gran pantalla donde más está brillando su talento, cada vez menos prometedor, cada vez más asentado en el mundillo de la interpretación. Su papel en La casa entre los cactus (dirigida por Carlota González-Adrio, 2022) y su más reciente participación protagonista en Nina (dirigida por Andrea Jaurrieta, 2024, y a punto de estrenarse en salas comerciales, tras haber conseguido el Premio Especial del Jurado en el Festival de Málaga), parecen confirmarse como los últimos papeles de adolescente. Ya hay ganas de verla como personaje adulto en La sombra de la tierra, la serie de Atresmedia TV que actualmente rueda a las órdenes de Elvira Mínguez.

FOTO: JORGE FUEMBUENA

PERDÓN

Este trío murciano formado por Arturo Casabuena, Leyre Ortiz e Irene Riquelme se formó en 2019 después de conocerse sobre las tablas del Teatro Universitario de su ciudad. Y encima del escenario, haciendo música, aplican todo lo aprendido de su trayectoria escénica. Gracias a eso, y a sus canciones sencillas, minimalistas pero igualmente vitalistas y plagadas de detallitos extraños y ultradigitales y alguna frikada -¿como entre medias de Cariño y Axolotes Mexicanos?-, a lo largo de estos cinco años han logrado definirse como un verdadero puntal dentro de su riquísima escena local. Debutaron en 2020 con el EP Todo x amor (por lo menos esta semana) y llamaron la atención del underground pop por su lo-fi delicado e imaginativo, lo que llevó al sello Jeanne d’Arc -mito de resistencia en la pandemia- a editarles su primer minidisco, Te invito a mi fiesta (2021). Ahora, tras un breve paso por Grabaciones Vistabella en el que han terminado de asentar su relación con Guille Solano como coproductor, preparan el que será su debut con Sonido Muchacho y, presumiblemente, su gran salto nacional. Más hi-fi, con más recursos, pero con la misma esencia. Puedes ir comprobándolo con Desaparecer o Igual, amor, sus dos primeros sencillos.

FOTO: ANNA SORIANNO

DEMASIADO CRUEL PARA ESTAR SOLOS

Por: Ángelo Néstore

“El mundo es demasiado cruel para estar solos”, dice la artista Sasha Velour en su último espectáculo teatral, que estrenó el mes pasado por primera vez en España, The Big Reveal. La ansiedad obsesiva que se nos inculca desde temprana edad para ser les mejores, junto con los constantes mensajes que nos bombardean haciéndonos sentir perennemente incompletes y necesitades de “la otra mitad” que nos complemente, conforman un cóctel molotov que pervierte y entristece nuestra mirada y nuestra forma de estar en el mundo. La cultura del esfuerzo y todos sus sucedáneos, que pasan por una acumulación de habilidades orientadas a construirnos como máquinas perfectas de producción de masa y que se coleccionan como cromos para nuestro currículum, nos aleja cada vez más del disfrute, de hacernos sentir en comunión con le otre. Y es inevitable no llevar esa forma mentis empresarial también a las relaciones humanas. A veces, enciendo la tele y me pongo First Dates porque me interesa saber cómo se accede al deseo y al amor desde lo contemporáneo. Cuando escucho a alguien sentenciar “es mi tipo ideal, pero no voy a volver a quedar con él porque mide menos de 1,75 metros" se me encoge el corazón. Estamos tan sumergides en este sistema y nuestra búsqueda del afecto se ha empobrecido tanto que parece un listado de requerimientos para un puesto en InfoJobs. Como algo no cumpla con la idea preconcebida que tenemos se nos tuerce el deseo. Y nos volvemos tristes. Y el mundo pasa. Y el tiempo se nos resbala de las manos.

¿Cuántas personas que podrían habernos hecho felices hemos dejado pasar por nuestros prejuicios? A veces lo pienso y la respuesta me aterroriza.

BIME CAMPUS BY FUNDACIÓN SGAE

BIME regresa un año más a Bogotá para celebrar una de las ferias iberoamericanas de música más asentadas del sector ,del 8 al 11 de mayo. Gracias a la Fundación SGAE, los alumnos inscritos en el programa formativo BIME Campus disfrutarán de charlas y masterclasses sobre recaudación de regalías o derechos de autor, nuevos horizontes y desafíos tecnológicos, gestión colectiva o licencias; mentorías para el impulso de una carrera musical, relaciones con la prensa y los nuevos medios y jornadas de speedmeeting con otros profesionales de la industria musical.

Escanea el QR y benefíciate de los distintos descuentos que ofrece la Fundación SGAE para BIME Campus, incluidos cupones para acreditaciones tanto presenciales como en formato online. ¡Y asiste desde donde tú quieras!

SECCION DE CABALLEROS

LA

JOIA QUE MÁS BRILLA

Ángelo Néstore, artista no binaria con la poesía como centro de gravedad -y columnista en esta revista-, presenta su nuevo proyecto audiovisual en colaboración con la Universidad de Málaga. Una canción, Sección de caballeros, que adapta sus poemas con la ayuda de la rapera Eskarnia y con la producción de Knoxy. El tema “reflexiona sobre la violencia hacia los cuerpos leídos como femeninos dentro del deseo masculino”. Se estrena el 31 de mayo con videoclip a cargo de Tralla Estudio.

Volvió a arrasar Bad Gyal en Madrid, con doble sold out en el WiZink, shows de altura internacional, canciones nuevas y colaboraciones estelares: Ozuna y sus hermanas, Mushkaa y Greta Farelo.

TAI:

LA ESCUELA UNIVERSITARIA ARTES

DE LAS

ARTES ESCÉNICAS

Ha estudiado Artes Escénicas en TAI y ahora ejerce como actor y modelo. Su aparición en importantes proyectos como Extraña forma de vida de Pedro Almodóvar, La Mesías de Los Javis o en Sueños y Pan de Luis Soto, compañero de TAI, lo avalan. Gracias a su formación y a que la interpretación corre por sus venas, este artista ha demostrado una gran versatilidad, interpretando diferentes roles que han puesto de manifiesto su talento para actuar y transmitir la esencia de cada uno de los personajes.

¿QUÉ ES TAI? TAI ES UN CAMPUS UNIVERSITARIO ESPECIALIZADO EN ARTES, ÚNICO EN ESPAÑA Y UBICADO EN PLENO CENTRO DE MADRID. EN ÉL CONVIVEN LAS DIFERENTES ARTES: CINE, ARTES ESCÉNICAS, MÚSICA, BELLAS ARTES, FOTOGRAFÍA Y ARTES DIGITALES, LO QUE LO CONVIERTE EN UN ECOSISTEMA DE CREACIÓN EN SÍ MISMO Y DONDE ADEMÁS DE FORMARTE TRABAJARÁS CON COMPAÑEROS DE OTRAS DISCIPLINAS Y PODRÁS MOSTRAR TU TALENTO AL MUNDO. SI TÚ TAMBIÉN SIENTES PASIÓN POR LAS ARTES Y CREES QUE LA CULTURA MUEVE LA SOCIEDAD, ¡TAI, ES PARA TÍ! VIVE EXPLORANDO Y DESARROLLANDO TU PERSONALIDAD CREATIVA COMO LOS ALUMNI QUE TE PRESENTAMOS A CONTINUACIÓN.

Desde que se graduó en TAI en Cinematografía ha recibido numerosos premios y reconocimientos internacionales en diferentes festivales gracias a algunas de sus obras: Los Restos del Pasar (2023), El Cuento del Limonero (2020) o Sueños y pan (2023), largometraje que ha llegado a la gran pantalla y que te invitamos a disfrutar. Descubre más sobre esta fascinante peli en su Instagram, @suenosypanpelicula. La obra de Soto trata temas como la ausencia, la memoria o la deriva adolescente.

MÚSICA

A través del intercambio interdisciplinar, el compartir del saber y de la experiencia de un claustro de más de 300 profesionales de la industria de las artes y del entretenimiento, se generan sinergias entre los y las estudiantes que permiten abrir caminos de investigación innovadores mientras se crean relaciones laborales que se mantienen en el tiempo.

FOTOGRAFÍA

Estudió Producción y Composición musical en TAI, es una artista multidisciplinar que no solo toca el piano, el saxofón y la guitarra, sino que además canta y compone sus propias canciones. Su vocación creativa y formación académica le han llevado a formar parte de varios grupos y proyectos musicales como Maremágnum Orquesta Show y a trabajar en una escuela de música.

Antigua alumna y actualmente profesora en TAI, se graduó en Fotografía y tiene un Master en Fotografía Artística y Documental. Gracias a su formación y especialización, ha llegado a exponer su trabajo en lugares como el Centre Pompidou de Málaga. En sus investigaciones se centra en cartografiar espacios vinculados al paisaje y a la historia natural para estudiar nuevas huellas y métodos de transmisión de memorias.

BELLAS ARTES

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Un don natural para el arte y una formación en Bellas Artes respaldan a una promesa dentro de la industria del arte. A través de su trabajo investiga las transformaciones de los ecosistemas y su vínculo con los procesos del cuerpo. Y mediante la instalación, el vídeo o la escultura, explora nuevos imaginarios viscosos que replanteen las relaciones contemporáneas. Este 2024, ya ha expuesto en la galería El Chico su primera exposición individual ‘Desde dentro, parece que brota algo’, en la galería i23 en una exposición colectiva y ha sido beneficiaria de la residencia de Matadero entre otros reconocimientos.

X NUEBO

COMO CUALQUIERA QUE CUMPLE 30 AÑOS, EL CCCB DA MUESTRAS DE ATREVIMIENTO Y FUERZA EN UNA BARCELONA DIVERSA Y MULTICULTURAL, PERO TAMBIÉN CONFUNDIDA. LA INSTITUCIÓN

MULTIDISCIPLINAR COMPARTE SU MIRADA LIBRE DE PREJUICIOS CON QUIENES DISFRUTAN DE SU PROFUSA PROGRAMACIÓN. NO HAY PASADO NI

FUTURO SIN PRESENTE, LAS TRES FRANJAS VIVEN EN SUS EXPOSICIONES, EN SU OFERTA AUDIOVISUAL, EN SUS EVENTOS Y TALLERES. RESALTAMOS LAS CITAS DE 2024 QUE NO DEBES PERDERTE.

EXPO AMAZONIAS

12 noviembre 2024 — 27 abril 2025 La sabiduría indígena y el desarrollo científico, contra la atrevida insensatez que devasta nuestro planeta. Esta muestra inmersiva buscará estimular y concienciar al espectador sobre la importancia del cuidado de la Amazonia.

EXPO SUBURBIA

20 marzo — 8 septiembre 2024

La historia cultural del sueño americano, reproducida hasta la saciedad en la televisión, la publicidad o el cine, se ha hecho exposición. Ideal para analizar los aspectos más controvertidos de este modelo urbanístico insostenible. ¿Sueño roto? Compruébalo ya.

EXPO AGNÈS VARDA

17 julio — 8 diciembre 2024

La mirada de la cineasta más importante del siglo XX expande su influencia hasta nuestros días. De la cámara oscura hasta el iPhone pasando por la Rolleiflex y la Leica, parte de su obra fotográfica todavía no ha logrado la visibilidad que merece.

XCÈNTRIC. El cine del CCCB

Ese cine documental, experimental y de artistas que no cabe en salas ni plataformas encuentra anualmente su pantalla en el CCCB. Formatos analógicos, duraciones inusuales, y un abanico de imágenes atrevidas que te hacen abrir los ojos como nunca has hecho.

1. Falling Lessons, de Amy Halpern (19 de mayo) / 2. Sismografías. Malena Szlam y Patricia Dauder (23 de mayo) / 3. Open door to fantasy-land. Las animaciones de Sally Cruikshank (16 de mayo) / 4. Alegoría Africana, con Zeinabu Irene Davis, Nicolás Guillén Landrián y Ben Caldwell (26 de mayo)

Este plan anual de ayuda a la creación acompaña y apoya proyectos que están en fase de desarrollo y que apuestan por la exploración formal y de contenido. Al frente, el programador teatral Isaac Vila. Los resultados, tres piezas que se verán este otoño.

¿Qué diría hoy de nuestro mundo George Orwell? El británico recibirá su homenaje anual en junio, correspondiendo aquel que el autor de 1984 y Rebelión en la granja dedicó por escrito a esta tierra, tras participar como miliciano en la guerra civil española. Dogmatismos y falta de libertades hacen de este evento un must.

Catarsia

Desde una sesión de mapas sonoros a una ceremonia de té para evocar recuerdos, o el juego del Teng! sin reglas. Son actividades ofertadas por el equipo Catarsia, que se define como “colectiva de personas asiátiquedescendientes de Barcelona creada en 2018. A través del arte, la cultura y la acción social y crítica os invitamos a nuestra programación anual. Queremos llegar a aquellas diásporas asiáticas que viven en este territorio, y que resuenen con nuestras historias y posicionamientos artístico-políticos, para decirles: no estáis solxs, y aquí estamos para lo que necesitéis".

Bivac

La Sullivan coordina a diez jóvenes de entre 18 y 25 años con intereses y formación diversos. Se reúnen semanalmente en el CCCB. Allí idean y materializan un programa cultural de pensamiento que incorpora sus referentes e inquietudes. Nuria Escribá participó el año pasado: “Bivac fue un punto de encuentro para la confabulación y el contrabando de ideas. Un buen pretexto para lanzar ocurrencias al aire y ver que, con ellas, podíamos llegar a hacer cosas tan bonitas como juntar a los artistas que admiramos y ver los ojos brillando de un público emocionado”. La tercera edición del festival Bivac tendrá lugar en noviembre.

El Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona abrió sus puertas en febrero de 1994. Se ubica en el barrio de El Raval. Consulta sus horarios y programación en este QR

Día Orwell

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FOTOS: PABLO BARBOZA & BELÉN FRANCO

Noche de fantasía de la mano de Restinga, Figlio Böler, Jungleo y el inefable Tiraya, nuestro dj residente, en la sala El Sol el pasadosábado 13 de abril. Como todos los meses hubo fantasía, muy bailoteo y la gente más guapa de madrid. ¿Tú te pasaste...?

SÁB 18

MAY 2024

SALA EL SOL Entradas: Dice.es

DJ RUPTURA

GUARACHA, TRANCE, MAKINA

FOTOS: BELÉN FRANCO

FAVELA FUNK, MANDELAO, HOUSE BRASILEÑO

TIRAYA

DJ SET OPEN FORMAT BRUNI

DJ RUPTURA

Estuvo pinchando con Natalia Lacunza en una de nuestras primeras fiestas y la lió. ¿Qué te apuestas a que vuelve a hacerlo?

BRUNI

Habitual y de NUEBO Club y ya un referente de las cabinas madrileñas con su apuesta abierta por el favela funk.

TIRAYA

Nuestro DJ residente, un todo terreno siempre dispuesto a conducir su sesión por territorios imprevisibles.

Dudi y Ganges, protagonistas de nuestros dos últimos NUEBO Talento se sitúan a la cabeza del new pop nacional desde planteamientos diferentes, pero compartiendo su obsesión por incorporar elementos desde estilos como el urbano o la electrónica a unas canciones que mantienen intacto su impacto melódico y emocional.

UNA PRODUCCIÓN DE: NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

DIRECCIÓN Y POSTPRODUCCIÓN: PABLO BERDÚN

GRABACIÓN, MEZCLA Y MASTER: AXEL CASTILLO

GAFFER: EVA LUENGO

FOTO FIJA: BELÉN FRANCO

DISEÑO GRÁFICO: LILLIE CARPIO

LOCALIZACIÓN:

THE SOCIAL HUB

FOTOS: CLARET CASTELL

POR: MARTA ESPAÑA

DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN: CAYETANA ARIZNAVARRETA DIRECCIÓN CREATIVA: ANTONIO DM FOTOGRAFÍA: CLARET CASTELL AYUDANTE DE FOTOGRAFÍA: LUCÍA SUN ESTUDIO: PEOPLE STUDIOS ESTILISMO: PAULA ALCALDE AYUDANTE DE ESTILISMO: J ON MIKEL DEL VALLE MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: LUCAS MARGARIT (ANOTHER AGENCY) PARA MAYBELLINE

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‘TSUNAMI’ ES EL TRABAJO MÁS PERSONAL

TRAUMAS DE INFANCIA Y LAS PRINCIPALES

DOS AÑOS DE TERAPIA. LAS

A LA CANTANTE PARA

fotos de paula gritando, sucia, en fuerte claroscuro. Sufriendo demasiado para tratarse de un “shooting oficial”. Ese es, en primera instancia, el concepto de TSUNAMI, el trabajo más íntimo de Paula Cendejas hasta la fecha. Un tsunami es una ola de gran tamaño causada por disturbios sísmicos, erupciones volcánicas u otros eventos que perturban la quietud del lecho marino. Cuando llegan a la costa, pueden causar devastación significativa. Según cuenta la cantante y compositora madrileña, nacida en 1995, “el trabajo empieza a surgir hace dos años, en el 2022. Fue una época donde no me sentía muy bien conmigo misma y necesitaba escribir sobre cosas sobre las que no había escrito antes. Tenía bastante malestar emocional y eso detonó que no pudiera escribir de otra manera, sino que directamente fuera al grano”. Así, esa ola gigantesca arrasó todo lo que Paula había construido, y no le quedó más remedio que empezar otra vez de cero. Acudió a terapia, descubrió la raíz de su dolor e hizo varias canciones para sanar las heridas. Sus temas, alejados del amor y desamor prototípicos, han necesitado de mucho tiempo por su parte para poder abrirse con total sinceridad: “La industria está yendo muy rápido y creo que a los artistas no nos da tiempo a poder inspirarnos de vivencias realmente nuestras para poder escribir, porque cada semana hay que sacar una canción. Los míos son temas controvertidos. Es inevitable: siento que he hecho una especie de experimento social publicando canciones que hablan de temas tan tabú”.

que todos venimos de un padre y una madre, sea como sea esa relación. Creo que no hay mayor conexión con una persona que hablar de la familia”. De hecho, fue gracias a compartir el tema cuando la artista se dio cuenta de que había mucha gente a su alrededor que había vivido una situación similar, y eso reforzó sus sentimientos de pertenencia: “En el mundo del arte da la casualidad de que los artistas solemos ser los raros, a los que siempre se nos ha marginado. Por eso creo que el porcentaje de familias desestructuradas es mayor. Yo soy artista en gran parte por eso. Si no hubiera estado completamente desesperada porque no me sentía incluida en ningún ámbito, ni con mi familia ni con mis amigos en el colegio, no habría llegado a sentir eso. En mi caso fue ese malestar lo que me hizo querer ser diferente. Replantearme qué quería hacer. Casi lo veo como algo positivo, porque me ha enseñado que ser diferente está bien”. Hoy Paula triunfa de la mano de otros outsiders como Carlos Ares, ODDLIQUOR o Lucas Otero. No es el único ni el más controvertido tema que expone en su tsunami particular. El acontecimiento que, sin duda, más ha marcado los dos años en los que ha estado creando su nuevo EP ha sido su aborto, del que habla tanto por su necesidad personal como por la labor social de mostrar un acontecimiento que suele llevarse con tanto secretismo. “Lo primero que me aterraba era la falta de información. De repente no sé qué hacer, no sé a dónde ir. Además, me pilló fuera de España. Fue una situación horrible. Inevitablemente te replanteas muchas cosas. Lo primero de todo, si realmente quiero ser madre, que siempre había renegado de ese instinto. Mi perspectiva sobre el mundo, sobre la vida, sobre quién soy yo como mujer, sobre mis valores… todo eso empieza a cambiar. Cuando hice COLIBRÍ fue porque necesitaba hacer algo para que esto no quedara en mi vida como un suceso sin importancia. Yo creo que estoy poniendo a prueba la mentalidad de la gente. Es un duelo que te acompaña durante mucho más tiempo del que una persona cree, porque puede volver a aparecer en un futuro”.

Tsunami viene del japonés 津 [tsu], 'puerto’, y 波 [nami], ‘ola’. No es el único concepto nipón del álbum, puesto que uno de sus tracks es TATAMI,畳, ‘doblado o apilado’. Y aunque encajan en un trabajo de contacto y tan descarnado, Cendejas reconoce que toda inspiración proveniente del país del sol naciente en esta nueva colección de canciones es fruto de la casualidad: “Me encanta la cultura asiática, he estado mucho tiempo obsesionada con todo lo que tiene que ver con Asia, pero no ha sido una influencia ni mucho menos a la hora de crear”, cuenta. TATAMI habla de palos, sufrimiento y maleabilidad, y no solo es física, también suena como tal. Cendejas hace rutinas con sus traumas sobre el tatami, suda desenredando nudos. Los nudos, en este caso, de una turbulenta relación familiar con la que ha tenido que lidiar desde su infancia: “Soy lo que soy gracias a eso. Parece que te avergüenzas cuando convives en una familia desestructurada, o tiendes a compararte. Habrá muchos artistas que hayan vivido lo mismo o peor que yo y no lo hayan contado nunca. Mis padres la han recibido maravillosamente bien, pero creo que no es algo que sorprenda tantísimo, por"EL AMOR MUEVE EL MUNDO. SIENTO QUE ES EL AMOR LO QUE TE EMPUJA A MEJORAR. LAS RELACIONES ROMÁNTICAS SON EL GRAN RETO DE MI VIDA"

Lanzó su primer disco, FOMO, el año pasado, y en él habla sobre el fear of missing out, el estímulo como forma de vida y las relaciones líquidas propias de la gente de su generación. Esto se mezcla con sus traumas infantiles en su carencia de instinto maternal, si bien su decisión fue “más por el dolor de mi infancia, tenía como mucho rencor retenido sobre la familia. Pero también creo, por supuesto que sí, que toda esta era digital en la que vivimos no incita para nada a tener hijos. Te incita a vivir la vida, a hacer todo rápido y no tener el compromiso de las cosas lentas, con cariño, artesanalmente. No

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solamente con respecto a formar una familia, sino también tu trabajo, la música, los viajes, las relaciones”. Ese dolor infantil del que habla no solo le ha afectado en sus relaciones familiares, sino que también condiciona sus vínculos románticos, gracias a lo cual escribió PAENAMORAR: “Me di cuenta de que no me estaba abriendo a la gente por puro miedo a que me hicieran daño. Eso se vuelve en contra tuya, y por miedo a que no te hagan daño te haces daño tú. Estaba en un círculo súper tóxico en el que no me estaba dejando fluir con nadie, y no dejaba que nadie me conociera realmente como yo era. Después de toda esta terapia musical, me doy cuenta de que el amor es lo que más mueve al mundo. Era un concepto que, cuando lo escuchaba, no lo entendía. Ahora siento que es el amor lo que te empuja a mejorar. Para mí, las relaciones románticas son el gran reto de mi vida. El conseguir tener una relación estable. No tiene por qué ser perfecta, ni tienes por qué casarte y vivir juntos hasta morir, pero me apetecía replantearme las relaciones de otra manera”.

Por supuesto, la terapia ha ayudado a Cendejas a encontrar esa paz mental que tanto necesitaba, pero lo de aproximarse a la treintena también ayuda: “Me noto en un punto de mi vida en el que el cuerpo me está pidiendo estabilidad en todos los aspectos. Ya no quiero el ritmo frenético de antes. Entonces, creo que va con la edad, por supuesto con el crecimiento, con la experiencia y también con la terapia, que al final para mí es un pilar fundamental”. Mientras estaba haciendo TSUNAMI hizo terapia semanalmente: “Una ayuda extra para poder sanar las cosas, no sé si más rápido, pero al menos con un poquito menos de dolor. Me hizo sentirme menos sola”. De este modo TSUNAMI se gesta como un ejercicio de liberación personal, compartido para todo aquel que esté viviendo una situación similar. Pero para Cendejas toda esa valentía se relaciona más con su composición que con su públicación. Ahora que el EP está fuera, la madrileña tiene ya la vista puesta en los que serán sus siguientes pasos: “Pensaba que me iba a generar más calma, la verdad. He dado pasos agigantados en muchos aspectos de mi vida con TSUNAMI, pero al final del día, no he parado. Ya estoy pendiente de otros retos. Como Paula, ha sido el salto más grande de mi vida, he sido más valiente que nunca. Me quedo con eso. Además, las canciones que forman parte de TSUNAMI son atemporales, porque tratan temas tan importantes como globales”. Y suponen el definitivo salto de madurez de una Paula Cendejas que desconoce cuáles son sus límites.

La cantante madrileña ha lidiado consigo misma y con sus propios traumas en este tatami, pero también con su manera de relacionarse con los demás. Sus vínculos artísticos con estos músicos y productores son parte importante de la nueva Cendejas.

Paula produjo este TSUNAMI mano a mano con Carlos Ares durante un retiro en Galicia, aislados en un estudio rural donde también nacieron, regadas por la lluvia, las canciones de Peregrino. Los sonidos de la naturaleza dan alas a los sentimientos de la madrileña, que se desarma y se vuelve a armar entre electrónica trémula, sintetizadores retrofuturistas y experimentos varios. No es la primera vez que los dos trabajan juntos: Ares ya estaba detrás de gran parte de las canciones que formaban Contragolpe, el primer EP de Cendejas. Pero nunca habían llegado a semejante nivel de intimidad.

El productor, que está detrás de carreras de éxito probado -y premiado- como la del mexicano Christian Nodal, Dollar Selmouni o Aissa, también ha aportado su granito de arena firmando hits para KYNE, Blas Cantó, Delaossa, Don Patricio o Marc Seguí, y por su estudio han pasado titanes como David Bisbal, Peso Pluma o Christina Aguilera. Con Paula, además de varios temas sueltos, diseñó la mayor parte de FOMO, su disco de debut, situándola en una onda más latina.

Si hay alguien en España -con permiso de Alizzzcapaz de conectar el rap underground con el pop urbano con ambición de altura, ese es ODDLIQUOR. Fue uno de los primeros en presentarnos a Ergo Pro, produjo el primer EP de Nathy Peluso, el debut de Natalia Lacunza, algunos de los primeros temas de Marc Seguí, Gara Durán, Alba Reche, y llevó a otro nivel a Sara Socas. También está asociado con los comienzos de María José Llergo o Judeline, y, más allá del citado Alizzz, fue el primero en tenderle la mano como productor a Paula.

En su expansión internacional Paula ha trabajado ya con varios productores de relumbrón, pero quizá el más destacado sea Casta. El colombiano está detrás de una canción todopoderosa como La bachata de Manuel Turizo, y también de varios hits de Karol G o Maluma. Pero el año pasado también le pudimos ver dándole a Cendejas joyitas de pop suave y de inspiración tropical, como la preciosa Suspiro o la más reguetonera Dolía

El Rey Midas del pop urbano español, artífice -no tan- en la sombra de la transformación de C. Tangana en estrella del pop latino, conoció a Paula Cendejas en 2018 y la convirtió en la cara visible de Whoa! Music, el proyecto de sello discográfico que arrancó en 2019 bajo el paraguas de Warner. No solo le produjo sus primeros sencillos y le ofreció sus primeras oportunidades dentro de esta industria a veces tan cruenta, también le ofreció colaboraciones únicas con artistas como el propio Tangana o la superestrella -por entonces todavía incipiente- Feid.

DIGITAL

TSUNAMI (WARNER, 2024)

PAENAMORAR / OMEGA / TATAMI / CAFEÍNA / COLIBRÍ / X

POR: ANDRÉS CASTAÑO

“LUIS”, AUTOR DE CÓMICS Y MÚSICO ENTRE OTRAS COSAS, PUBLICA EN MENOS DE UN MES UNA TRILOGÍA. SU PRIMERA PARTE ES ‘RUIDO BLANCO’, DONDE SIGUE LA TRAYECTORIA Y EVOLUCIÓN DE UN GRUPO DE MENTES ESPECIALES Y PRIVILEGIADAS, Y EN EL QUE SE OBSERVA CÓMO CIERTAS CONSECUENCIAS AFECTAN EL TRANSCURRIR DEL MUNDO: UN CÓMIC DE INTRIGA, IMPACTO. UN THRILLER QUE NO DEJARÁ INDIFERENTE.

el mundo está para sorprendernos. no todo va a ser pan comido. Así lo entiende un autor que se presenta como Luis entre comillas porque declara tener muy claro que “lo importante es la obra, no el autor, máxime cuando no se me conoce en el mundo del cómic. Por eso la mejor manera de no condicionar al lector es que no haya autor. El verdadero autor es el que lo lee, el que genera la ficción de cero. Yo pongo unas herramientas y los mecanismos”, señala “Luis”. Tenía esa idea de reproducir lo que sentía cuando de chavalín acudía al quiosco a comprar un tebeo, y no sabía ni de quién era el cómic, ni de qué iba. Solo sabía que los dibujitos le atraían. Cuando se ponía a leer no tenía ningún tipo de referencia. Por eso “Luis” ha jugado a la desinformación, y un poco también al misterio.

Cuando leas esta entrevista, “Luis” habrá lanzado su trilogía, compuesta por Ruido blanco (Planeta Cómic), El palíndromo imposible (Cartem) y Manga (Fandogamia), y los tres se habrán publicado en un espacio de 15 días, “lo cual es un suicidio a nivel comercial. Pero la idea conceptual era que tuvieran muy pocos días de diferencia”, comenta por videollamada. Y en un orden de más caro a más barato. Se trata de una trilogía fractal -o fracticida, haciendo un juego palabral estúpido, precisamente porque entre ellos se comen uno al otro- porque para “Luis” todo está interconectado. El subconsciente, la música, el cómic… “Con la física, pero también con una pátina de poesía, que es al final con lo único con lo que se puede explicar todo aquello que no se puede explicar con palabras. Entonces todo es como muy conceptual, muy de flipados señores. La idea es que cada cómic, cada historia, se pueda disfrutar por sí misma, que no necesite la lectura del otro para entenderse y para tener una experiencia plena. Eso sí, el lector avezado que lea los tres va a encontrar una conexión”.

En Ruido blanco , la primera parte de la trilogía y objeto de esta entrevista, asistimos a la evolución y desarrollo de un grupo de mentes privilegiadas y cómo su funcionamiento afecta al mundo que les rodea. El tema de la familia está en la obra. “La familia como la historia definitiva, el origen primero de las cosas, la fantasía definitiva a partir de la cual generamos todas las

demás historias. La concepción y generación del mundo difiere si se explica desde lo patriarcal o lo matriarcal”, subraya. Una historia en blanco y negro que va cambiando en trazo, en estilo. “Ruido blanco se desarrolla en etapas, en fases o capítulos, que han ido evolucionando en función de la manera en que el cómic avanza. Estéticamente, meter ruido en el dibujo me resultaba muy atractivo. A medida que va ocurriendo la historia se aceleran los acontecimientos, y hay un crescendo constante que se vincula de forma natural a la narrativa del thriller o de la aventura. Es por eso que me ha interesado que hubiera más fundido, más cinética en el trazo. Cuando se acelera la historia hay mucha más claridad, porque la secuencia está situada en una zona en la que da el sol, y eso se traduce en una especie de onda. Al principio el dibujo es más relamido, más finalizado, más delimitadas las líneas. Y a medida que avanza la obra hacia el final hay un fundido que acompaña esa cinética de la historia en sí, se introduce ruido y hace que el dibujo sea más expresivo que vaya más hacia el expresionismo. Algo que también tiene que ver con los sentimientos”. Porque al final, explica “Luis”, hay mucha carga emotiva.

El dibujante se presenta desde el anonimato, con la intriga, con la incógnita del autor que otorga más importancia a su obra. “La gente que me conoce sabe que yo digo que no soy autor, yo no soy músico, yo no tengo un podcast (Bullpen), yo no me considero nada, yo no soy absolutamente nada. Por muchos motivos. Luis entre comillas significa que no es nada, el componente del entrecomillado está poniendo en solfa lo que está en el interior. No soy nada. Y, además, cuando firmo un producto artístico del tipo que sea, siempre intento alejarme lo máximo posible del resultado. Mi creencia natural es esa, alejarme lo más rápido posible de cualquier artefacto artístico cultural que yo haga. ¿Por qué? Porque eso es lo mejor que le puede pasar a esa obra”.

RUIDO BLANCO “Luis” Planeta Cómic 256 páginas / BN Cómic

POR: DIEGO RUBIO

LA ARTISTA CASTELLONENSE, CANTANTE, RAPERA, COMPOSITORA -Y LO QUE QUIERA ECHARSE A LA ESPALDA, EN VERDAD-, PRESENTA ‘MADRE FUNDADORA’, UN TRABAJO PROFUSO Y EXTREMISTA QUE SE SIENTE COMO PRIMERA CIMA DE SU CARRERA, DEFINITIVO EN CIERTO SENTIDO. TRAP, INDUSTRIAL, REGUETÓN, HARD TECHNO, TODO OSCURECIDO, ENDEMONIADO, CONDUCIDO A UN DELIRIO FRACTAL. SI TODAVÍA NO ERES UNA ZORRA FIEL, ESTE ES EL MOMENTO DE BAUTIZARTE. AVE MARÍA PUTÍSIMA.

aunque pueda parecer la gran revelación de la música urbana en femenino de 2024, Metrika lleva mucho tiempo en la música. “Siempre me he querido dedicar a ello”, dice. “Escribo canciones desde los 13 años”. Empezó, de hecho -y muy motivada por su padre-, en el mundo de las batallas. “Un total campo de nabos”, como ahora recuerda. “En mi inocencia pensaba: ‘Como no hay chicas quizá esta es mi oportunidad’, pero luego te das cuenta de que ,aunque sea un punto a favor porque llamas la atención, nadie te toma en serio realmente. Supongo que también se juntaba con que yo era muy pequeña y los jambos en general eran más mayores”. Confiesa que en aquella época era súper rapera: “No soportaba el reguetón ni el autotune ni nada. Era muy pureta para lo pequeña que era”. Pero también muy abierta. Y un día, probando en el estudio con otros géneros, “como de broma”, todo hizo clic. “Me di cuenta de que me llenaba muchísimo más tener un buen tema que hacer una buena batalla. Siempre he pasado muchos nervios en las batallas porque tengo un poco de pánico escénico, así que estar tranquila en el estudio y que aún así saliera una cosa de la que pudiera estar orgullosa era como, ¡wow!”. En los conciertos todavía dice pasarlo algo mal, y con las fotos y los videoclips. “A mí lo que me gusta es hacer mi música en el estudio, tranquila”.

Confiesa que escribe muchísimo, incansablemente. “Es horrible trabajar conmigo en ese aspecto. Si no hago un día música me siento fatal, así que no paro”. Su último trabajo, un salto adelante en todos los aspectos con el que espera situarse en otro nivel, iba a tener en principio solo 9 canciones, y ha terminado contando con 24. Y no se queda ahí: en los próximos meses tiene pensado completarlo con dos trabajos más. “A finales de año vamos a sacar un poco lo que viene después del duelo, la secuela, y mi idea es sacar después el antes del duelo, a modo de precuela y como cerrando una trilogía. En principio serán EPs, pero luego me volveré loca y tendrán 25 temas”, ríe. Es precisamente el duelo lo que sirve de hilo conductor para Madre fundadora, un disco que Thais Amores, nacida en Castellón en 2004, entiende de un modo casi satánico, salpicándolo de interludios gravísimos para marcar las distintas etapas de un luto, hard techno y aberraciones con la forma del Réquiem de Mozart. “Quería darle un punto así como interactivo, y me inspiré mucho en la saga Saw. Al principio es en plan ‘Hola zorra fiel, ¿quieres jugar a un juego?’. Y al final como que se da la vuelta todo: ‘No estábamos jugando en ningún momento, ahora empieza el juego’”.

Para llevarlo todo a buen puerto ha sido fundamental la mano de D.Basto, su productor y fiel escudero. Ella escribe los temas generalmente en su casa con cualquier beat de Youtube y luego los lleva al estudio con D.Basto y empieza la magia. “Siempre me cambia el tipo de beat. Me fío un montón de él y a mí me da igual el género, así que a veces yo he hecho un trap y él me lo cambia a reguetón. Yo tengo como mis tres recursos salvavidas: ¿No me gusta mi voz? Pues pitchéalo, o más agudo o más grave. ¿No me

gusta un beat? Pues métele tambores. Él es muy de investigar, y yo la verdad es que soy más básica para eso”. Recuerda un día, en Bilbao, después de meses intentando transmitirle una idea: D.Basto sacó el portátil y le subió los agudos a un tema. “Me puse a llorar y todo -ríe-. Era una gilipollez al final”. Se entienden al nivel de ser prácticamente un dúo, y así lo hacen funcionar. ¿Que a ella le da por un hard tech? Pues él se lo lleva al delirio de Ave María Putísima En ese tema “la parte de la confesión, por ejemplo, sí la escribí con él en el estudio porque tenía claro que quería un puente, pero hasta que no lo tuvimos no se me ocurrió nada”. Y sobre el giro makinero no hay mucho que comentar porque ha sido todo muy natural y les pilla a los dos bien cerca: “El D.Basto lleva toda la vida pinchando electrónica realmente, y yo lo he mamado en casa, a mi padre siempre le ha flipado”. Cosas de la Comunidad Valenciana. Madre fundadora, la idea, va más allá del disco y se convierte en una faz más del personaje de Metrika. “Para mí Metrika, Madre fundadora y Zorra fiel son como una trinidad, un todo en uno. Es un poco Barbie, realmente, en plan: puedes ser lo que quieras ser... pero Barbie satánica... Busco desvelar esa fuerza interna, oculta, de la mujer”. Sus canciones tienen esa cualidad identificativa porque en el fondo son un poco su diario: refiere lo que le sucede, habla como lo hace con sus amigas. “Obviamente las que son zorras fieles no, pero la gente se me queja un montón, en plan ‘hala tía, cómo eres tan basta’. Pero es que yo cuento las cosas como si se las contara a mis amigas, y mis amigas y yo somos muy bastas”. Es algo que la mantiene conectada a la realidad. Se obliga a salir y a tener vida social no solo porque le inspira para seguir escribiendo, también porque le parece importante, y le gusta distanciarse del personaje en su esfera personal. “Si convives con ello creo que al final pierdes la noción de quién eres”, reflexiona con bastante claridad mental. “De pequeñita me imaginaba siendo superinalcanzable, en plan Madonna. Y ahora lo pienso y veo lo equivocada que estaba, porque veo a toda esa gente que va como de inalcanzable y siento que en el fondo es gente que está supervacía, no me dan buen rollo, las veo falsas. Supongo que es normal, porque lo que se ve desde fuera es que estas personas son superfelices y tienen muchísimo éxito. Pero la realidad es mucho más compleja”. También mucho más retorcida. “Llegará un momento en el que no pueda hacerlo, y entonces me dirán que se me ha subido a la cabeza y eso, pero me gusta mucho terminar los conciertos y salir a fumarme un cigarro con las fans, hacerme fotos... Siento que es sano, que no me ven inalcanzable y que soy una persona como ellas, con los mismos problemas. Humana, al final, que es lo que yo valoro

D.BASTO: DOCTOR CEREBRO

“Es como mi hermano, es mi zona de confort cuando estamos fuera”, dice Metrika de su compañero de viaje. “Tanto él como yo somos personas a las que nos parece bien lo que le parezca al otro, no nos importa delegar... Si a él le suena bien yo confío y le dejo hacer. O sea, que al principio era un poco lo que iba saliendo, pero cada vez se parece más a una mezcla entre lo que él quiere y lo que quiero yo. Ahora discutimos un poco más porque durante este tiempo hemos ido descubriendo lo que nos gusta a cada uno, y son cosas distintas pero que juntas quedan muy guay”. Toda esa tensión -resuelta- se plasma en Madre fundadora

de la gente que está en este mundillo, la verdad. La humanidad”. Está tirada con el móvil en el sofá de su casa en Castellón, “en medio de la nada”. Le da muchísima paz volver siempre a lo que considera su refugio, “estar con mis amigas, que son normales, que están estudiando, buscando curro... No me fío de la gente que no tiene amigos que trabajen en un Bershka”. Y no, no tiene pensado mudarse ni a Madrid ni a Barcelona en busca de esas promesas que tanto parecen y que pocas veces son. Está contenta donde está y, sobre todo, está segura de lo que hace, de la música que escribe y del curro que saca adelante con D.Basto y del apoyo de su equipo. “He visto tantas personas que se han venido a Madrid y que no se han comido un rosco que no lo siento necesario. Allí no se puede hacer nada sin dinero, es un pastizal todo. ¿Qué hago un miércoles muriéndome de asco en Madrid? Aquí me voy a la playa con mis amigas. ¿Me tengo que gastar toda la pasta simplemente en estar en Madrid para ir a cuatro eventos con cuatro gilipollas cuando encima a mí no se me da bien socializar? Paso. Si la música es buena, a día de hoy puedes triunfar desde Cáceres”. Ave María Putísima. Con pecado concebida.

MADRE FUNDADORA (ALL NIGHTERS, 2024)

Intro / Voy a ser tu ex / Cuando te miro a la cara / Los trenes en los que lloré por ti / Si me hubieras querido / TDK 1 / El infierno / Barbietúricos / Otra perc / Semen Up / Ave María Putísima / Vas a cuidarme 2.0 / TDK 2 / Elizabeth Bathory / All Dikys Eyez On Me / Llamó tu zorra / Hello Diky / TDK 3 / Fuckturando / Cómo te enseñé a odiar / Lacrimosa / Al gimnasio en tacones / Outro / TDK 4 CD / DIGITAL

FERRAN PALAU

POR: MIGUEL PARDO | FOTO: PABLO MAESTRES

ESTE 3 DE MAYO SE PONE A LA VENTA EL NUEVO TRABAJO DE FERRAN PALAU, ‘PLORA AQUÍ’. TRAS EL SOBREESFUERZO QUE SUPUSO PUBLICAR EN 2021 DOS LPS -‘PARC’ Y ‘JOIA’- Y GIRAR PARA PRESENTARLOS, EL PRODUCTOR CATALÁN RETORNÓ A UN ENFOQUE SERENO PARA COMPONER UN DISCO QUE SUENA MÁS FRESCO, ESPONTÁNEO Y MELOSO QUE SUS ANTECESORES. DESGRANAMOS ESTE PROCESO CREATIVO Y PERSONAL JUNTO A ÉL EN UNA DESENFADADA CONVERSACIÓN.

la última vez que disfrutamos de un proyecto nuevo de Ferran Palau no hacía demasiado que habíamos salido del momento hardcore de la pandemia. Y el productor, cantautor y compositor catalán, que nos entregó en 2021 Parc y Joia, ha tenido a bien abordar de una manera más ingenua y menos ordenada su sucesor, el inminente Plora Aquí. "Tenía ganas de grabar como si fuera un juego, como si no tuviera importancia. La verdad es que no he tenido la sensación de terminar un proceso como... grabar, luego mezclar y luego masterizar. Ha sido como si grabara una maqueta". La intervención de Sr. Chen e InnerCut ha contribuido a darle al disco un aire más fresco, inmediato, menos sopesado. Postpandémico. Comentamos que incluso evidencia más la influencia del hip hop. “He querido mezclar estas canciones no como folk o pop, sino como un disco de rap. Está muy a la cara, es muy plano”.

Estas ganas de recurrir a lo personal, lo espontáneo o lo propio se notan también en el trascendente proyecto que es Plora aquí, que ha saltado del plano estrictamente sonoro para convertirse también en un cortometraje. Palau concibió este corto junto a Pablo Maestres. Y, como la mayor parte de su obra, metaforiza su vida personal y, simultáneamente, recoge algunas de sus obsesiones estéticas. El cine de fantasía, familiar y de monstruos de los ochenta y noventa, para ser más precisos. “Llamé a Pablo y le encanta ese cine, le vuelve loco. Así que era el proyecto que teníamos que hacer juntos, clara y descaradamente”. Define la producción audiovisual como “una locura, una aventura. No soy cineasta y no tenía clara la envergadura que supone; te vas encontrando problemas sobre la marcha”. Una producción que hasta hace unos días seguía en marcha y en la que se vuelven a abordar temáticas como la pareja, lo sectario o la familia con renovada frescura y esa siempre peculiar mirada del productor catalán. Preguntado por los beneficios y formas de abordar la filiación, comenta: “En esta pieza la familia representa lo menos malo de lo malo. Yo tuve una infancia más o menos feliz, y en seguida quise formar mi propia familia: me casé con 23 años y fui padre con 26. Mi trabajo y mi familia son un poco lo mismo”. Aunque esta aleación de lo personal y lo profesional pueda sonar disuasoria, él nos la explica de una manera en la que resulta agradable e incluso deseable: el amor y la lealtad como fuente de seguridad, apoyo e incluso inspiración. “Mi hijo sale en todos mis vídeos, todos los títulos de mi disco son ideas suyas”. Hablando del pasado interés por lo sectario y de la relevancia de lo

afectivo, el autor de Plora aquí admite que para él “el amor es una especie de religión. En un mundo tan lleno de incertidumbres, ese vacío existencial hay que llenarlo con alguien o algo”. Palau confiesa que tal vez es una idea un poco anticuada, e incluso la compara con una creencia, como la fe. “Quizás es una forma de vivir casi religiosa”. Incertidumbre es otra palabra que ronda nuestra conversación. De la incertidumbre existencial, del misterio y de todo aquello sobre lo que sabemos muy poco, a la incertidumbre profesional y económica. Cuando hablamos del “éxito tranquilo” que había alcanzado en la época de Parc, el músico de Collbató nos actualiza sus impresiones con un poco de resignación y, simultáneamente, cierto desconcierto: “Me he dado cuenta estando un año sin tocar de que no tenía ingresos. Eso no ha sido tan tranquilo y ahí sí que me he preocupado y he pensado en qué voy a hacer el día que no me apetezca estar en los escenarios”. Se refiere entonces al show business y a la inseguridad propia del mercado musical. “Es muy cambiante. Sobre todo después de la pandemia ha habido una transformación cultural, generacional... Percibo ahora más sensación de velocidad que antes”. Sobre cómo abordarlo, continúa: “Intentaré empalmar giras, como hice los cinco últimos años antes de dejar de tocar. Sacando discos sin parar”. Y concluye: “Éxito tranquilo es a lo que aspiro, soy una persona poco aventurera”.

Ese espíritu bucólico y poco presuntuoso de Palau está en el corto: “Mi pueblo, mi montaña, mi bosque...”. Volvemos entonces a esa ingenuidad u organicidad que marca Plora aquí y que su autor parece buscar para sentir serenidad y paz. “A veces es necesario perder un poco el control. En los procesos de grabación soy curioso. No curioso en cuanto a grandes herramientas, sino que me llaman la atención los discos y las cosas algo accidentadas”. Estas últimas impresiones parecen resumir su enfoque musical: “Quizás lo que diría es que en estos tiempos la gente produce muy bien. Hay demasiados productores y todo suena demasiado bien. No hay espacio para el error y para mí el error es la virtud, porque es la personalidad”. Lo que parece haber, entonces, es un mercado plagado de certidumbre para tapar la incertidumbre propia de la existencia y de la composición más espontánea, vulnerable, personal. Lo que el proyecto de Ferrán Palau parece aportar es una forma de afrontar esa inseguridad que se esconde detrás de la seguridad propia de la industria y el pop. Él siempre será el poeta del error y la fragilidad.

PLORA AQUÍ (HIDDEN TRACK, 2024)

Els llibres / S’estenen flors / Avui / M’encanta / Aquí no hi ha truc / 120 / Dinosaures / Snif / És així / Fil d’or / Gush Gush / Un segon / Estimar-te és com un joc CD / DIGITAL / LP

ENTRE MUNDOS PARALELOS

Es la primera vez en el recorrido de Ferrán Palau en que la parte visual cobra un protagonismo tan marcado. El corto con el que acompaña su nuevo álbum, dirigido por Pablo Maestres, es una narración repleta de metáforas sobre la familia, el hogar o la locura del mundo, y marcada por una estética ochentera y monstruosa. Snif y Smosly son dos criaturas del bosque que sufren un cambio drástico en su existencia al contactar con la civilización y su estilo de vida. Presentado más como una parte del álbum Plora aquí que como un complemento, el cortometraje narra con ternura, humor y enorme circunspección plástica el modo en el que las relaciones amorosas y afectivas trascienden y son transformadas por el contacto con lo distinto, con lo desconocido. Una propuesta original, breve y sutil para ampliar el universo Palau, sin necesidad de darle ninguna vuelta de campana a su propuesta artística y musical.

MexicanosAxolotes

CON MÁS DE DIEZ AÑOS DE CARRERA Y UNA FUENTE DE INFLUENCIAS ÚNICA EN EL PANORAMA ACTUAL BASADA EN LA MÚSICA JAPONESA Y EL PUNK MÁS GUARRO, AXOLOTES MEXICANOS LLEVAN MUCHO TIEMPO SIENDO EL GRUPO FAVORITO DE TU GRUPO FAVORITO. CON EL LANZAMIENTO DE ‘4EVER’ EL PRÓXIMO 3 DE MAYO, SU CUARTO ÁLBUM, ES PROBABLE QUE TAMBIÉN SE ACABEN CONVIRTIENDO EN TU BANDA DE CABECERA.

POR: GABRIEL CÁRCOBA | FOTO: ADRI CUERDO

olaya y juan pedrayes, stephen j. lyne, lucas de la Iglesia y Mario del Valle son Axolotes Mexicanos. Si alguien es capaz de referenciar en la misma canción a C. Tangana y a ElAdri y que quede un señor temazo, son ellos. Aunque su nombre se asocie casi directamente a su colección de trallazos punk, el grupo asturiano-madrileño ha demostrado sobradamente ser uno de los más versátiles de todo el panorama. “Tenemos temas muy distintos, pero se quedan ahí porque hay mucha gente que no se escucha los discos enteros”, cuenta Lucas. De ahí que el segundo single de 4EVER se trate de Himawari. “Es una manera de dar protagonismo a una canción que se aleja un poco de lo que conoce la gente, porque es una rumbita kawaii inspirada en la hermana pequeña de Shin Chan”.

4EVER, como indica su título, es el cuarto LP de los Axolotes. Con canciones que van desde el j-pop hasta la bossa nova o el jazz electrónico, este proyecto se erige como el más redondo de su carrera. Normal que hayan tenido tantos problemas para elegir los adelantos. “Siempre escogemos mal los singles”, nos confiesa Olaya. “Heaven’s Gate es de las canciones más escuchadas que tenemos y ni fue single, ni se pensó como tal en ningún momento”. Mientras que las letras y la composición son un trabajo colectivo, el artífice principal del sonido mutante y arrollador del quinteto y de este nuevo LP es Juan Pedrayes. Ya no queda tanto del tontipop que les caracterizaba en sus inicios. “La idea que tiene la gente del tontipop es de música poco elaborada, y nosotros lo éramos”, cuenta Stephen. “En cierta manera seguimos haciéndolo porque es pop y es un poco tonto, pero la producción es muchísimo más elaborada ahora”. Sí que mantienen el sabor japonés de sus primeros trabajos, en cortes como Plaza del sol o Miau miau. “YMCK es un grupo que hace música en 8 bits, pero mezclada con jazz, y ha influenciado mucho a mi hermano”, cuenta Olaya, a la vez que completa la lista de los cinco grupos esenciales para Axolotes Mexicanos: los escoceses Bis -que lograron relativo éxito en Japón después de encargarse del ending de Las Supernenas -, y los japoneses Shishamo, Asian Kung-Fu Generation y The Peggies. Tomen nota. Asimismo, y como los integrantes del grupo, sus letras han madurado. Es una consecuencia directa de hacerse mayor. “Tanto en el disco anterior como en este hay un poco de cómo nos sentimos. La gente de nuestra edad vive en una adolescencia continua porque su vida no mejora, sobre todo viviendo aquí en Madrid, es difícil tener un trabajo estable que te permita

pagar un piso y todo es una ansiedad de la que no puedes huir, aunque quieras”, confiesa Olaya. Esto se relaciona con su frecuencia de lanzar un disco cada tres años. “Tenía que salir el año pasado, pero no nos dio tiempo por las agendas de nuestros proyectos, y por nuestros trabajos normales”, revela Stephen. Axolotes Mexicanos es un supergrupo: Juan y Mario son el batería y el guitarrista de Carolina Durante, este último también es conocido como Temerario Mario; Lucas es Confeti de Odio; y Stephen es tanto parte de No Fucks como creador de Stephen Please. Compaginan todo esto con otros curros. Olaya trabaja en una tienda de cómics -y dibuja para NUEBO-, Stephen es fotógrafo y Lucas combina la música con la psicología. Llevan lo del tiempo “malamente”, pero su intención es cambiar esto, e incluso “lanzar algo más este año”.

Axolotes Mexicanos cumplieron su décimo aniversario en 2023, mismo año en el que consiguieron dar el salto al otro lado del océano y hacer honor a su nombre con un concierto en México, que repetirán este año. Fue la única celebración que se permitieron: “Diez años siendo un grupo emergente”, suelta Stephen. “Stephen y yo nos hicimos amigos en el instituto porque nos gustaba la música japonesa y decidimos formar un grupo sin saber grabar ni hacer nada”, cuenta Olaya. Después se convirtió en una broma que llegó demasiado lejos. Concretamente, hasta el día de hoy. “Fuimos a una fiesta de Elefant con 17 años y en esa época si eras menor no podías ir a un concierto en muchos sitios de España, pero en Asturias sí. Llamamos la atención, nos preguntaron si teníamos algún grupo y dijimos: ‘Claro que sí, los Axolotes Mexicanos’. Entonces, llamamos a mi hermano”. Desde entonces, han recorrido un largo y pedregoso camino. “Antes no existía la figura del booker, no se movía nada en las redes, no existía la posibilidad de grabarte en casa… Nosotros subíamos las cosas a Facebook”, relata Stephen. “Como tardamos tanto en hacer todo, es normal que llevemos así diez años”. Sin embargo, su influencia tampoco ha pasado desapercibida. Colaboraron con La La Love You en una de las canciones más escuchadas de la historia del indie español, El fin del mundo, y han sido pioneros en su escena, aunque les cueste reconocerlo. “Queda muy de flipado decir eso. Alguna persona nos ha dicho que sí, pero somos parte de algo más grande”, aclara Lucas con humildad. El próximo paso en la carrera de Axolotes Mexicanos tendrá lugar el 10 de mayo en la sala Ochoymedio de Madrid, donde darán el concierto más grande de su carrera. Piano, piano.

“LA GENTE DE NUESTRA EDAD VIVE

EN

UNA

ADOLESCENCIA CONTINUA PORQUE SU VIDA NO MEJORA. SOBRE TODO AQUÍ EN MADRID”

4EVER (ELEFANT, 2024)

Plaza del sol / La canción que escribiste / En mi c razón / Cuidar a nadie / Miau miau / Rosas y espinas / Domingo / S!MP / Amarre / Incendio / Himawari / Al amanecer / Al

CD / DIGITAL / LP

atardecer

Tate

McRae

La han bautizado como “la nueva reina adolescente”, y hablan de ella como “la respuesta canadiense a Billie Eilish”. Comenzó como bailarina y subiendo vídeos a Youtube, y ha acabado por convertirse en una sensación global del pop gracias a su último álbum, ‘Think Later’ (RCA / Sony, 2023), que presentará en nuestro país este mes, el 20 de mayo en Barcelona y el 21 de mayo en Madrid. Ha nacido una estrella... Su nombre es Tate McRae.

POR: ÁNGELA TOMÉ | FOTOS: BETH SARAVO

la joven, mitad canadiense mitad alemana, de 20 años cuenta que uno de los momentos que nunca olvidará en la grabación de su último álbum fue cuando, con el disco ya finalizado, su sello la empujó a darle una vuelta de tuerca al disco. A contrarreloj, y con el apoyo de su productor Ryan Tedder (One Republic), consiguió escribir, producir y grabar un tema, Exes, que terminaría convirtiéndose en su segundo single en tan solo 90 minutos. Esta anécdota sirve para dibujar un rápido perfil de la personalidad artística de Tate McRae: es tremendamente perfeccionista y, al mismo tiempo, adora trabajar bajo presión. Ya con 10 años, McRae estaba involucrada en el mundo del espectáculo. Se alzó con el premio a la Mini Mejor Bailarina en los Dance Awards, reconocimiento que más adelante volvería a conseguir en las categorías Junior y Teen. A los 13 años fue la primera artista de nacionalidad canadiense en participar en el talent show de FOX So You Think You Can Dance. Pero su necesidad por expresarse artísticamente la empujaba más allá del baile. “Escuchaba música todo el día mientras bailaba, y luego llegaba a casa y escribía mis propias canciones. Fue en ese momento cuando empecé a darme cuenta de que quería fusionar los dos mundos. ¡Y lo he conseguido! No te imaginas lo que significa bailar tus propias canciones cuando estás sobre un escenario delante de miles de personas”, nos explica respondiendo al cuestionario vía mail. Y es que, tal y como nos enseñó Hannah Montana / Miley Cyrus, siempre se puede sacar the best of both worlds. Tate McRae es claro ejemplo de ello. “Soñaba con todo esto cuando pasaba las horas en mi habitación de Calgary tocando el teclado y grabando vídeos para Youtube”. Entonces no podía imaginar que llegaría a tocar en el icónico Madison Square Garden.

Tate empezó a publicar vídeos de baile en Youtube en 2011, y en 2017 puso en marcha la serie Create with Tate, mostrando las canciones originales que había grabado en su dormitorio. La primera de ellas fue One Day , un tema que escribió con 14 años y que alcanzó más de 40 millones de visitas, recibiendo la certificación de Oro en Canadá. Eso la empujó a seguir subiendo contenido a la plataforma, sencillos como Dear Ex Best Friends y Dear Parents con una línea confesional y cercana, y finalmente a firmar con un sello multinacional, RCA en 2019. Anunció el lanzamiento de su EP All The Things I Never Said (2020) e hizo las maletas para emprender su primera gira por Europa y Norteamérica. También en 2020 la revista Rolling Stone la nombra una de las artistas globales más importantes de ese año: tenía solo 17 años.

En 2021 lanza su segundo EP, Too Young To Be Sad, y un año más tarde su primer largo I Used to Think I Could Fly. Es el momento bisagra con el que experimenta un crecimiento artístico en paralelo a su desarrollo vital, el momento de transición entre la adolescencia y la adul -

tez en la que se sitúa su nuevo disco Think Later, publicado el 8 de diciembre de 2023 . “Un disco más yo” es como lo define la de Calgary. “En este segundo álbum me he sentido mucho más segura de mi sonido y de la dirección que ha tomado mi música, más abiertamente pop, más bailable y divertida. Piensa que son solo dos años de diferencia, pero en este momento de mi vida eso es un mundo. Acababa de cumplir 18 años cuando publiqué I Used to Think I Could Fly. Ahora, con 20, me siento mucho más segura del camino que quiero tomar. El disco de alguna forma es un reflejo de la música que siempre me ha marcado: Rihanna, Ari (Ariana Grande), Britney, Mariah (Carey), aunque también The Weeknd y Post Malone”. El disco lo componen 14 canciones y sorprende no encontrar entre ellas colaboraciones con otros artistas. “Cuenta mi historia de maduración hasta convertirme en la mujer y artista que soy hoy, por lo que era muy importante para mí transmitir este mensaje. No es que sea una hater de las colaboraciones, ¡ni mucho menos! Y ten por seguro que es algo que voy a hacer en el futuro”. Prueba de ello es que, en el momento de arrancar su carrera musical, Tate firmó colabos con Lil Mosey, Regard, Troye Sivan, Khalid y hasta Billie Eilish y Finneas -que la ayudaron a componer Tear Myself Apart-. “Pero, teniendo en cuenta el disco que estaba haciendo, debía asegurarme de que Think Later iba a ser ’yo', iba a centrarse sobre mí. Y trabajar en solitario era la mejor forma de conseguirlo. Me planté en el estudio con la idea de autoexigirme grabar el disco más fresco posible. Ese era el desafío cada mañana al pisar el estudio: '¿Cómo puedo hacer una canción diferente de todo lo anterior y que al mismo tiempo siga siendo Tate McRae'. Y creo que lo conseguí. Ese era el reto”.

Este afán por proponer un pop bien fresquito y, al mismo tiempo, con sabor propio, se aprecia en Greedy. El primer sencillo de Think Later alcanzó rápidamente el top 10 mundial de Spotify y se convirtió en el primer número uno de Tate McRae en el Billboard Global 200. En él McRae -que siempre ha evitado hablar abiertamente sobre su vida privada, aunque se sabe que tuvo una relación con el jugador de hockey Cole Sillinger y se la ha relacionado con The Kid LAROI- canta a la autoestima y al empoderamiento femenino. Muy atrás se queda aquel descorazonador You Broke Me First que cantaba en 2020, cuando su carrera musical comenzaba a tomar vuelo. Ahora McRae se pone castigadora: “Créeme te voy a hacer pasar por el infierno / solo para que me conozcas / Tan seguro de ti mismo / esta mierda no va a acabar bien”. Greedy también se convirtió en un éxito viral en TikTok, una red social que la artista ha sabido exprimir al máximo como plataforma promocional. Pero lo que pocos saben es que Tate llegó a grabar un total de 35 versiones diferentes de Greedy hasta llegar a la definitiva que se ha terminado convirtiendo en ese hit global. Otra muestra de ese afán perfeccionista obsesivo. “El

“ESCUCHABA MÚSICA TODO EL DÍA COMO BAILARINA. LUEGO LLEGABA A CASA Y ESCRIBÍA MIS PROPIAS CANCIONES. ME DI CUENTA DE QUE QUERÍA SUMERGIRME EN LOS DOS MUNDOS”

secreto del éxito de Greedy es que recupera la frescura de pop dosmilero y su rollo bailable. La canción se sitúa ahí, a medio camino de la nostalgia y el pop de nuestro tiempo”.

Tras dar el salto a la primera línea del pop anglosajón con Think Later toca salir a defenderlo sobre las tablas, en una gira para la que Tate se ha apoyado, nuevamente, en el baile. “Para estos shows vuelvo a apostar por Sean Bankhead -habitual de Lil Nas X, FKA Twigs, Sam Smith o Usher, entre otros muchos-, que ha diseñado las coreografías tal y como había hecho en mis videoclips. También hemos puesto mucho énfasis en trabajar los aspectos de iluminación, visuales y los arreglos musicales de directo para las canciones. Yo de verdad creo que la gente que

venga a los conciertos va a flipar con el show que tenemos preparado. Al final no deja de ser experimentar las canciones del álbum en un contexto totalmente diferente”. En España la gira pasa por dos pabellones como Sant Jordi Club en Barcelona y el Palacio Vistalegre de Madrid, que si bien son muestra de su actual estatus en la industria musical global, aún la sitúan a las puertas de las superestrellas en cuya mesa aspira a comer y con las que en algún caso hasta ha llegado ya a compartir escenario: Shawn Mendes, Justin Bieber Demi Lovato... La historia tiende a repetirse, y es probable que ésta se la última oportunidad de asistir a un show de Tate McRae en nuestro país desde la distancia (relativamente) corta. ¿Qué te apuestas?

FÁBRICA DE TALENTOS

Los talent shows se han confirmado como una verdadera factoría de éxitos, desde los tiempos en los que el mítico Star Search nos presentó a Beyoncé o Britney Spears a los éxitos tipo banda de Factor X, con Camila Cabello en Fifth Harmony o Harry Styles en One Direction. En nuestro país, Bisbal, Amaia o Aitana se han probado como estrellas absolutas, y los mismos talents van y vuelven extasiados por la exigencia e intensidad del formato y espoleados por increíbles éxitos de audiencia. Aquí van otros ejemplos no tan evidentes...

Carly Rae Jepsen

La reina alt pop se dio a conocer en Canadian Idol en 2007. Quedó tercera.

Ahora

Fletcher

Está completamente cambiada desde entonces, pero la americana empezó en Factor X

Martinez Una de las estrellas más extrañas salidas de un talent, en su caso The Voice

Melanie

Kacey Musgraves

domina el country pop americano, pero empezó en el talent Nashville Star.

POR: FERNANDO BERNAL

EN UN PEQUEÑO PUEBLO GALLEGO, TRAS UNA FIESTA DE CARNAVAL, UNA CHICA DESAPARECE Y UNA NEVADA DEJA INCOMUNICADA A LA POBLACIÓN. A PARTIR DE AQUÍ LA CINEASTA LOCAL SONIA MÉNDEZ PROPONE UN DRAMA PSICOLÓGICO QUE ES UN ACERCAMIENTO GENERACIONAL, PERSONAL Y POÉTICO A LA ADOLESCENCIA. EXENTO DE MORALISMOS Y PERSPECTIVAS ADULTAS, NATURAL Y CERCANO CON SUS PROTAGONISTAS. UN FILME EN EL QUE SURGEN TEMAS COMO EL BULLYING O EL CONSENTIMIENTO, PERO QUE REALMENTE HABLA SOBRE LA SOLEDAD EN UN MUNDO HIPERCONECTADO.

“as neves es un drama psicológico adolescente que muestra cómo la vida de una pandilla que vive en un pueblo remoto se ve sobresaltada por la desaparición de una de sus compañeras. Este suceso inesperado desestabiliza la forma de ser de estos jóvenes, que viven en un entorno aislado, pero también en continuo contacto con el mundo a través de sus móviles”. Así define Sonia Méndez su película. As Neves también es el nombre de un pueblo gallego en la montaña, un pueblo en el que todo el mundo se conoce. La acción comienza durante una fiesta de carnaval, cuando una pandilla de amigos prueba las drogas alucinógenas por primera vez, bailan desinhibidos, se divierten… y en la que se difunde un vídeo en el que aparece una de las chicas de la pandilla. Es la joven que desaparece al día siguiente, y su búsqueda coincide con una gran nevada que incomunica al pueblo y que provoca que se ‘caiga’ Internet, algo que cambia la forma de relacionarse de los jóvenes con el mundo.

La cineasta gallega Sonia Méndez dirige su primer largo de ficción tras estrenar el documental A poeta analfabeta (2020). “Nunca pensé que fuera a hacer un documental. Siempre he escrito y trabajado en ficción”, reconoce. “El documental fue algo que surgió por el camino, se cruzó. Trata sobre una poeta gallega de izquierdas”. Por eso quizá As Neves tiene cierta mirada observacional, que conecta de algún modo con el mundo documental. “La segunda parte sí que tiene esa mirada. Me interesaba, más que lo que les pasa a estos jóvenes, saber cómo esto les afecta, les cambia sus vidas o cómo lo viven. Sé que hay algo de seguimiento observacional de esos personajes que son ficción y que de alguna manera podrían no serlo. Se trata de plantar una semilla al principio de la película y luego seguir ese proceso, y en eso sí que hay una parte de pararse a mirar desde fuera. No sé si lo hago de una manera muy consciente, pero sí que parto de esa idea de estar con los protagonistas todo el tiempo”. Muy a menudo aparecen casos reales en los medios sobre vídeos grabados sin consentimiento, que pertenecen exclusivamente a la intimidad de quien los protagoniza. “Sin embargo, no tenía interés especial en este tema. Sí en hacer un retrato contemporáneo y actual, que tuviera que ver con los mundos digitales a través de los cuales se relacionan. De la manera más honesta posible, además, que fuera un retrato desprovisto de todo el artificio adolescente. La película se presenta a través de su naturalidad, no desde una perspectiva adulta. No quería adoptar un punto de vista moralista. La pregunta que me gustaría que se hicieran los espectadores adultos es: ‘¿Qué habrías hecho tú si en tu adolescencia hubieras tenido un móvil?’. La adolescencia siempre es igual, hay miedos, dudas, se viven las cosas por primera vez… Lo que cambia son los universos en los que se mueven los jóvenes en cada momento. En la adolescencia vives todo con mucha intensidad. Son sentimientos que no controlas.

Si yo hubiera tenido un móvil con 16 años quizá también me habría pasado lo mismo”.

ECOS DE GUS VAN SANT Y CÉLINE SCIAMMA

Sonia Méndez se declara fan de Twin Peaks, y el lugar elegido para rodar la película, un pueblo aislado, recuerda a los escenarios de la mítica serie de David Lynch, pero las conexiones entre ambas obras parecen ir un paso más allá. “Supongo que algo que revisitas muchas veces y que tienes en la cabeza siempre te influye. Twin Peaks se hizo una vez, y a partir de ahí todas las series se pueden relacionar con ella. Al final se trata de un pueblo donde nunca pasa nada y, de repente, comienzan a pasar muchísimas cosas. Me gusta mucho esa premisa. Quizá el tema de poner el título que es el nombre del pueblo sí que tiene algo que ver, pero no es el referente principal que puse en mis notas de dirección”. Ella prefiere ha-

“QUIERO QUE LOS ADULTOS SE PREGUNTEN: ¿QUÉ HUBIERAS HECHO DE ADOLESCENTE CON UN MÓVIL?”

blar de Gus Van Sant como referente. “No es para nada actual, porque son películas de comienzos de los años dos mil, pero me marcaron muchísimo”. El Van Sant de Elephant (2003) y, sobre todo, de Paranoid Park (2007). “Es una película que me encanta y que me impactó mucho por la narrativa, por cómo se acerca al mundo adolescente, por su estética…, y por cómo se oculta algo que no se sabe gestionar. Consigue que sientas el agobio que tiene el protagonista en la cabeza. Esa peli es un referente claro. Después está Céline Sciamma con Girlhood (2014), y otras muchas películas con retratos adolescentes. No tiene nada que ver, pero Kids (1995), de Larry Clark, que es una película de mi generación, también me marcó por su forma de retratar las pandillas adolescentes y su aburrimiento. No digo que yo fuera hacer Kids, ni mucho menos”.

De los protagonistas principales, solo David Rodríguez contaba con algo de experiencia en cine, mientras que Andrea Fernández y Antía Mariño llegaron a la película por casualidad. El

AS NEVES (10 mayo)

España. 2024.

equipo del filme realizó un casting muy exhaustivo por Galicia y vieron a casi seiscientos chavales. “Primero lo soltamos por redes y luego conocimos a todos los que quisieron venir. La primera ronda fue una entrevista, nada más. Queríamos hacer una película con adolescentes gallegos y en gallego. Había que tener la intuición de poder montar una pandilla con chavales que no se conocían entre ellos. Luego también trabajaron con una coach, una profesora de teatro de chavales, y se generaron dinámicas. Construimos la pandilla y luego vimos en qué personaje encajaba cada uno en base a cómo se relacionaban o cómo podían alcanzar ciertos estados emocionales”. Posteriormente se desplazaron a Fonsagrada (Lugo) -el pueblo donde se rodó la película realmente-, y allí improvisaron en el mismo local en que se reúnen los protagonistas en la película. Durante esas primeras entrevistas, escuchó muchos casos de bullying. “Igual que les preguntaba por la música, también les preguntaba por estos temas o por cómo se relacionaban en redes sociales”. En sus notas de producción, la cineasta define su película como el retrato de la generación más hiperconectada pero que a su vez vive en entornos aislados, ese entorno rural en el que se desarrolla el filme. “Tenía una curiosidad, quería saber cómo es vivir con toda esta hiperconexión actual en un ambiente aislado. El contraste entre lo digital y lo natural. Viven en mundos que todavía son muy analógicos. Me fascina que tú puedas tener todo el universo, las músicas, las pelis, pero... ¡cómo se gestiona esto! Al final no vives nada como acontecimiento, nada te marca y todo te pasa. En estos entornos rurales parece que los adolescentes están más aislados, pero quizá estén menos solos que un chaval en una ciudad frente a un ordenador. También me gustaba ese paralelismo, el contraste entre la hiperconexión y el aislamiento se puede dar en cualquier adolescente y en cualquier sitio”.

Cósmica Producciones / Sideral

Dirección: Sonia Méndez.

Reparto: Andrea Varela, David Fernández, Antía Mariño, Xacobe Bruña.

Un mito del shoegaze detrás de la BSO

Andy Bell es un músico británico miembro de la banda inglesa Ride, una de las referencias más míticas del shoegaze. Una verdadera leyenda de la música british de las últimas tres décadas que también ha formado parte de Oasis y Beady Eye, y que firma la BSO de As Neves. Un trabajo que le ha permitido mostrar una nueva faceta, menos noisy y más ambiental, dentro de lo que es su larga carrera. “Es mi primera composición para un largometraje y el proceso fue todo lo que soñé que podría haber sido. Sonia Méndez es una directora con mucho talento y tenía una idea muy clara de lo que quería de la música de la película, lo que me ayudó mucho. Fue una suerte que estuviéramos tan en sintonía, ya que lo que ella quería parecía funcionar muy bien con lo que yo imaginaba, así que el proceso fue muy rápido. Durante la grabación en Galicia tuve la suerte de poder trabajar con Xavi Font -productor musical de la BSO de la película-, que me enseñó mucho sobre composición durante el proceso de producción. Por supuesto, Galicia es una parte importante de la película, y Sonia y Nati -Nati Juncal Portas, fundadora de la productora Cósmica junto a la propia directora- me llevaron de turismo al principio del proceso de grabación, para que pudiera apreciar y conocer un poco el sentimiento de la zona. Creo que esto fue muy importante”.

HELLBLADE II

POR:

RAMÓN BAYLOS

‘Hellblade II’ es el regreso triunfal de Ninja Theory, estudio pionero en contemplar el concepto de salud mental en los videojuegos como eje central de su diseño. El trastorno psicótico de Senua, su protagonista, no solo entraña un mensaje sobre la complejidad de la mente: a través de la gamificación de sus síntomas se quiere dar voz a una minoría invisible.

Así ha sido el arduo camino de Ninja Theory hasta la saga de Senua, repleto de contratiempos, experimentos y sueños difusos...

ENSLAVED: ODYSSEY TO THE WEST

HEAVENLY SWORD

El hack n slash exclusivo de PlayStation 3 que bautizó a Ninja Theory en 2007 como un estudio primerizo con la ambición suficiente como para convertirse en uno de los equipos independientes más respetados del sector. Heavenly Sword fue una declaración de intenciones en toda regla.

RUMBO A ‘HELLBLADE II’ MOTION CAPTURE

El segundo juego del estudio es, quizás, el más extraño de todos los que ha hecho. Nacido en 2010, Enslaved trató de reinterpretar la leyenda de Sun Wukong en Viaje al Oeste usando un idioma postapocalíptico y con parajes repletos de vegetación que dejan preguntas humanistas.

DMC

La prueba viviente de que Ninja Theory siempre ha hecho lo que ha querido. Una especie de pseudoreinicio de la saga Devil May Cry que tuvo una acogida infame por parte de la comunidad en 2013. Por aquel entonces era su juego más polémico, pero hoy se considera como un título de culto.

Ninja Theory fue reconocida a nivel mundial con el primer Hellblade: Senua’s Sacrifice en 2017 por haber creado un portento técnico que hacía un uso magistral de las últimas tecnologías de motion capture vistas en la industria. El resultado de todo eso se engendró a partir de una necesidad concreta: ¿cómo iban a sacar un juego con un diseño sonoro nunca antes visto en el sector sin que lo acompañase un apartado visual que estuviera a la altura? Con esta pregunta en mente, el estudio se dispuso a desarrollar nuevas herramientas para su motor que pudieran aprovechar lo máximo posible los dispositivos de escaneado 3D de última generación que compraron para diseñar a Senua. Esto, sumado a la prodigiosa actuación de Melina Juergens, consiguió que ese conjunto de millones de píxeles cobrase vida y superase el famoso fenómeno del valle inquietante.

HELLBLADE:

SENUA'S SACRIFICE

Ninja Theory estuvo años intentando dar con la tecla adecuada para que la gente empezase a considerar su trabajo como algo a la altura de su estatus. El primer Hellblade asentó en 2017 las nuevas bases del estudio: diseñar auténticos portentos técnicos que contasen historias repletas de humanidad.

BLEEDING EDGE

El mayor pinchazo del estudio en toda su historia. Un hero slasher multijugador que choca frontalmente con sus anteriores trabajos y que dejó claro que la gente no quería el nuevo Overwatch, sino saber más de Senua...

ESQUIZOFRENIA Y MITOLOGÍA

La clave principal de Hellblade y su segunda parte tiene que ver con que Ninja Theory ha diseñado el sonido de ambos juegos para que estos representen de la forma más fiel posible la vivencia subjetiva de una persona que tenga los síntomas asociados a un cuadro psicótico: alucinaciones auditivas que se producen sobre eventos que no han tenido lugar realmente, voces enfrentadas en la cabeza de Senua que actúan como entidades independientes a su yo, delirios visuales que dificultan la distinción entre realidad y fantasía…

Y, aun así, Ninja Theory da un paso más allá con su comprensión de este tipo de trastornos al mostrar que estos no solo giran en torno a dichos síntomas, sino también a los efectos colaterales en el estado de ánimo que se pueden generar a raíz de estar viviendo procesos delirantes y alucinógenos repletos de estrés. En este sentido, toda la aventura de Senua es una apología de la ansiedad y el miedo que surgen en esa inquietante zona que hace de intersección entre lo que es real y lo que no.

En este mismo sentido, Hellblade II se erige como un continuo baile entre secuencias que son factibles y otras que pertenecen al mundo de la fantasía. Llegando a interconectarlas de forma tan natural y orgánica entre sí que hay momentos en los que no sabes si estás viviendo lo que se supone que alguien siente con un síntoma psicótico o, por el contrario, una epopeya mitológica terrible. Una donde los monstruos gigantes, los espectros horripilantes y las bestias de gritos desgarradores no son solo fruto de la imaginación de Senua.

DURACIÓN Y VIDEOJUEGOS

Tiene sentido que Hellblade II sea un juego corto y que Ninja Theory lo haya defendido como tal porque la experiencia subjetiva que busca transmitir sobre lo que es un cuadro psicótico se cimenta sobre la intensidad, y nada es suficientemente intenso si termina durando demasiado. Una idea bastante descabellada en un sector que se ha empeñado en hacer la extraña conversión de euros a horas con tal de aferrarse a la idea de que el único valor real de un videojuego es su duración... No deja de ser paradójico en una etapa evolutiva de nuestra especie en la que nuestra capacidad de atención se encuentra en preocupantes números negativos.

II

Fecha de lanzamiento: 21 de mayo

NINJA THEORY

Plataformas: Xbox Series X|S, Xbox Game Pass, Microsoft Windows

HELLBLADE

POR: DIEGO RUBIO | FOTO: SAMUEL BRADLEY

EL MÚSICO AUSTRALIANO, RESIDENTE EN LONDRES DESDE HACE DIEZ AÑOS, DA EN ‘THE LOOP’ EL GIRO MÁS RADICAL DE SU CARRERA, ESTRENANDO CONTRATO CON DECCA Y PERSIGUIENDO SONIDOS MÁS CÁLIDOS, CANCIONES QUE ABRACEN Y GRANDES ARREGLOS DE ORQUESTA CON LOS QUE LLEGAR A MÁS CORAZONES QUE NUNCA. YA ES PRIMAVERA PARA JORDAN RAKEI: PADRE DE UN HIJO DE DOS AÑOS, FLORECE ANTE ÉL UNA ETAPA EMOCIONANTE Y COMPLETAMENTE NUEVA. ESTE VERANO LE VEREMOS EN EL BBK.

en poco tiempo jordan rakei ha pasado de tomar “decisiones empresariales” a apostar por las “decisiones familiares”. Los dos últimos años ha dado forma a sus dos proyectos más importantes: el nacimiento de su primer hijo y la cocción de su trabajo más grande y ambicioso hasta la fecha, que supone su ruptura -amistosa- con Ninja Tune y su debut en un clásico del jazz como es Decca. Y reconoce que quizá en esa ambición de llegar a más se pueda leer la necesidad de garantizar la supervivencia de la familia. The Loop, en cualquier caso, es mucho más. “Por el tipo de artista que soy es lógico que mi música parta de un formato muy electrónico, así que quería probar algo más acústico, en parte por curiosidad”, cuenta al otro lado de la cámara. “A lo mejor lo próximo soy solo yo con una guitarra, pero siempre he querido hacer un disco como este. Cuando me mudé a Londres hace diez años yo ya tenía ese sueño: ‘alguna vez trabajaré con una orquesta y un coro’”. Ahora por fin puede emular a Sting cuando el ex de The Police se puso en modo sinfónico. Para dar este salto ha tenido que dar un giro de 180º en su relación con la industria, creer en su visión y rodearse de gente que le correspondiera. “Sentí que este era un gran momento para hacerlo porque me vi a mí mismo reconciliarme con un sonido más clásico y cálido, y creo que encaja estupendamente con estos arreglos tan maximalistas y toda la orquestación, y también con un sello como Decca”. Todo empezó en su dormitorio, con el piano, porque antes de ir al estudio quería tener esbozadas todas las demos. “Pero la visión siempre fue lograr ese sonido tan amplio, tan grande. Era la única regla: quería sonar ambicioso. Y quería separarme lo más posible de la idea de yo y mi portátil. En todo momento, escribiendo las demos, tenía en la cabeza los grandes arreglos que iban a acompañarlas, las cuerdas, todo eso”. Y esto se relaciona con esa ambición de llegar a más gente que ha entendido gracias a Still Bill, el documental sobre Bill Withers. “Creo que todos los músicos pasamos por esta fase alguna vez: quieres impresionar a la gente, quieres molar, que te consideren underground o un outsider. Pero olvídate de los demás. ¿Qué quiero yo de verdad? Tocar en los escenarios principales de los grandes festivales, a poder ser con una orquesta. Y la única manera de lograrlo

es hacer música que llegue al mayor número de personas posible. Pero, claro, hay esta creencia en la industria de la música de que tienes que sonar sobre seguro para tener éxito masivo. Me gustaría poder llegar a poner eso en cuestión, pero para eso tienes que tener esa base de oyentes... Es un balance complicado, porque al final también es importantísimo hacer música para ti mismo, por amor a ella. La primera persona a la que tienes que impresionar eres tú: tienes que amar la música que haces. Creo que eso es lo que hace que indirectamente resuene con más gente”. Efectivamente es un equilibrio casi imposible: tener una base muy sólida de fans para poder experimentar y mantener el nivel de atención del público. Por eso a Rakei le parecen tan importantes discursos como el de Beyoncé cuando pide más riesgo y experimentación en el pop -y dando ejemplo con sus álbumes recientes-.

Todo esto le ha servido al músico neozelandés para revisar su faceta como productor. “Después de hacer este disco empecé a pensar muy fuerte en qué y cómo podía aportar al sonido de otros artistas, no tanto en términos de arreglos o producción en sí, sino de un modo mucho más reflexivo, más conversacional. Ir más allá de la música para adentrarme en la persona, en el artista”. Durante todo este año estará dirigiendo una residencia en los míticos Abby Road Studios, y espera que las nuevas generaciones encuentren gracias a él oportunidades únicas para acercarse a un estudio como este, aportarles y también empaparse de ellos. Y, por supuesto, aprovechar la experiencia para su propio proyecto, claro. “No he escrito aún otro disco, pero si dispongo de un estudio créeme que voy a utilizarlo”, reconoce entre risas. Tendrá que compaginarlo con una gran gira que le traerá a nuestro país por partida triple (Bilbao BBK Live en julio y Madrid y Barcelona en septiembre) y en la que va a divertirse jugando a recrear The Loop. “No podemos llevar todos los vientos o las cuerdas, pero vamos a hacer sampling en los conciertos, procesar los tonos de las guitarras para que parezcan cuerdas... Casi todo el proceso de grabar ha consistido básicamente en tocar en directo. Todo empezó en mi dormitorio, y las canciones están realmente, en lo más profundo, compuestas desde un lugar muy íntimo, y adquieren otras lecturas en este formato”.

LOOP (DECCA / UNIVERSAL, 2024)

Flowers / Freedom / Friend or Foe / Forgive / Royal / Trust / State of Mind / Hopes and Dreams / Learning / Cages / Everything Everything / Miracle / A Little Life CD / DIGITAL / LP

“TODOS

LOS MÚSICOS PASAMOS POR LA FASE DE MOLAR Y SER UN OUTSIDER. PERO, ¿QUÉ QUIERO YO DE VERDAD? QUIERO TOCAR EN GRANDES ESCENARIOS CON UNA ORQUESTA”

POR: TALI CARRETO

POCAS SAGAS PUEDEN PRESUMIR DE RECIBIR ELOGIOS DEL MISMÍSIMO J.G. BALLARD E INSPIRAR A LA VEZ UNA CANCIÓN DE SINIESTRO TOTAL. ASÍ ES EL UNIVERSO ‘MAD MAX’, TAN DISTÓPICO COMO ATRACTIVO PARA UN PÚBLICO DE LO MÁS DISPAR. ESTE MAYO LLEGARÁ A NUESTRAS PANTALLAS SU NUEVA ENTREGA, ‘FURIOSA’, CON UNA ANYA TAYLOR-JOY DESATADA Y UN CHRIS HEMSWORTH CON PROTÉSIS NASAL. REPASAMOS TRAMO A TRAMO LA AUTOPISTA QUE NOS HA LLEVADO HASTA TAN COLOSAL ENFRENTAMIENTO.

el 12 de abril de 1979 se estrenaba en ee uu Mad Max. En España tardaría un año más en llegar, un 5 de febrero de 1980, y lo haría con la etiqueta “S”, calificación heredada del franquismo para las películas eróticas o con violencia explícita. Todavía fuimos afortunados: en Francia le colgaron la “X” -como si aquello de Max tuviera que ver con el tamaño de los genitales del jovencísimo Mel Gibson- y en países como Suecia la prohibieron directamente, sin más monsergas. Aun así y a pesar de las cortapisas, aquel filme apocalíptico rodado con apenas 350.000 dólares se convirtió en un éxito mundial, recaudando más de 100 millones de dólares y convirtiéndose en la cinta más rentable de la historia del cine. Ostentaría este título hasta dos décadas después, hincando las rodillas ante El Proyecto de la Bruja de Blair

El paupérrimo presupuesto de aquella intrépida película australiana provenía en su totalidad de los ahorros que el director, George Miller, atesoró tras tres meses trabajando día y noche como médico de urgencias en una ambulancia. De hecho, Byron Kennedy, productor y compañero de Miller en esta y sus inmediatas secuelas hasta que falleciera en un accidente durante la preproducción de Mad Max: Más allá de la Cúpula del Trueno, no era otro que el conductor de dicha ambulancia. El origen de aquella historia de supervivencia y venganza ambientada en un futuro tan cercano como apocalíptico llevada al celuloide era un cóctel molotov de sus vivencias en turnos infernales atendiendo accidentes, la crisis de petróleo de 1973 y el visionado de A Boy and His Dog, una peli basada en relatos de Harlan Elison con un bisoño Don Johnson recorriendo EEUU tras una guerra nuclear con la compañía de un perro telepático. La precariedad en la producción dotó de veracidad a Mad Max: los extras eran moteros auténticos y no figurantes, una banda llamada Los Vigilantes que era recompensada con cervezas por las horas de más. Gibson consiguió su papel tras presentarse al casting después de una pelea en un bar, por lo que daba al cien por cien el tipo del personaje. Y las secuencias de acción se rodaron casi en su totalidad sin dobles, destrozando más de una docena de vehículos, incluyendo la propia furgoneta de Miller. ¿El resultado? Una obra maestra del cine de acción, un taquillazo global y un icono instantáneo para fetichistas: se dice, se cuenta, se rumorea que la imagen de Gibson enfundado en cuero pasó a ser póster habitual en los clubs gays de tendencia leather de Nueva York. Hasta el escritor J. G. Ballard, que de ostias y coches sabía lo suyo, se rindió ante ella calificándola como “la Capilla Sixtina del punk”.

Ante tanto revuelo, la secuela estaba cantada. Mad Max 2: El guerrero de la carretera llegaría tan solo dos años después, en 1981, no sin superar antes algunos contratiempos. En primer lugar, Miller tenía previsto realizar otra cinta posapocalíptica pero basada en El señor de las moscas, la famosa novela de William Golding de la que no te librabas en tus años de insti, pero tras muchas vueltas aquella idea se acabó descartando… aunque daría paso a la siguiente secuela, Más allá de la Cúpula del Trueno. Y, por otro lado, al cineasta australiano le habían propuesto dirigir una cinta protagonizada por un Stallone en plena cresta de la ola, Acorralado. Al final, la cabra tira al monte y

Miller dio calabazas al mismísimo Rocky para la que -para muchos y junto a El Imperio Contraataca, El Padrino II y Batman: The Dark Knight- es una de las mejores secuelas de la historia del cine. Una película que, en gran parte, vaticina muchas de las virtudes de la excelsa cuarta entrega, Mad Max: Furia en la carretera, con su huida secuencial hacia adelante y a toda velocidad, su visionario sentido de la narración y su apuesta total por la acción. De hecho, en la película Gibson solo despacha 16 líneas de diálogo, dejando para la posteridad, eso sí, una réplica para enmarcar: “Solo vine por gasolina”. Tampoco le fue nada mal, como a su predecesora, en taquilla. Por lo

que, en 1985, apenas cuatro años después de su estreno, Mad Max: Más allá de la Cúpula del Trueno asaltaría las salas de todo el mundo y pondría de moda en la radio-fórmula aquel We Don’t Need Another Hero que cantaba Tina Turner, sorprendente coprotagonista del film junto a un Gibson convertido ya en superestrella. Peculiar muestra de cine apocalíptico familiar -casi como el viraje a la peli con niños que hizo Indiana Jones en busca del Templo Maldito-, se sobrepuso a la muerte de Byron Kennedy, cocreador de la saga y compañero de fatigas de Miller, fallecido en un accidente de helicóptero buscando localizaciones para la película. Tan desgraciada pérdida hizo que el propio director acabara compartiendo su silla con George Ogilvie, otro australiano con escasa experiencia tras la cámara, pero con una prestigiosa carrera como director de teatro y ópera. Miller, prácticamente, tan solo se encargaría de las -una vez más- espectaculares escenas de acción. Aunque con una buena taquilla también a sus espaldas y superando con creces en factura técnica a los infinitos exploits que surgieron alrededor de la saga, con especial mención a encantadores bodrios italianos como Los exterminadores del año 3000 , 1990: Los guerreros del Bronx o Los nuevos bárbaros, la saga cayó en un dilatado impasse… ¡hasta 2015!

Ese año el fandom se reencontró con los parajes desérticos y post-apocalípticos tan añorados en F uria en la carretera , glorioso reboot a manos del propio Miller con un Tom Hardy parco en palabras pero imponente en su físico sustituyendo a Gibson y, sobre todo, una Charlize Theron convertida en protagonista de una historia con ecos feministas. De hecho, la activista y dramaturga Eve Ensler, conocida por su obra Los monólogos de la vagina, asesoró a las actrices durante el rodaje. Blockbuster tan monumental como atípico, el filme arrasó en taquilla, entre la crítica y también en premios, alzándose con la friolera de seis Oscars. Nada extraño pues que ahora medio mundo suspire ante el estreno de su precuela, esta Furiosa que nos llega, nunca mejor dicho, como agua de mayo en una cartelera cada vez más acartonada y necesitada de revulsivos como este. Entre sus principales reclamos, una historia pensada hace más de 15 años y que estuvo a punto de acabar convertida en anime por el Studio Ghibli, una escena de acción de 15 minutos para la que se necesitaron 78 días de rodaje y una siempre estupenda Anya Taylor-Joy rejuveneciendo a la Theron, y que recibió de su colega Nicholas Hoult el mejor consejo posible antes del rodaje: “Tan solo fíate de George Miller”.

FURIOSA: DE LA SAGA MAD MAX (24 mayo)

EEUU. 2024. Warner Bros Dirección: George Miller. Reparto: Anya Taylor-Joy, Chris Hemsworth, Tom Burke, Angus Sampson, Daniel Webber.

POR: DANIELA URZOLA | FOTO: MARIO SORRENTI (CORTESÍA DIOR)

El estreno de ‘Furiosa’, el último título de la famosa saga postapocalíptica ‘Mad Max’, se presenta como una buena oportunidad para repasar el trabajo de uno de las estrellas jóvenes más destacadas en Hollywood a día de hoy: Anya Taylor-Joy, la actriz de origen argentino que se ha ganado los corazones de críticos y espectadores de todo el mundo con sus papeles protagonistas en ‘La bruja’, ‘Gambito de dama’, ‘Última noche en el Soho’, convirtiéndose en uno de los últimos grandes iconos de la cultura pop.

si hoy abrimos cualquier revista o página web, parece que la famosa argentina con apariencia nórdica está en todos lados. Así es, en especial ahora que estamos a las puertas de uno de los estrenos comerciales más esperados del año: Furiosa: A Mad Max Saga, en la que la actriz da vida a la heroína que se presentó por primera vez en Mad Max: Fury Road (2014). En aquella ocasión fue Charlize Theron la encargada de dar vida a Imperator Furiosa, un personaje que rápidamente se volvió icono feminista. Ahora es el turno de Anya Taylor-Joy, que nos lleva a sus orígenes en una precuela situada quince años antes de lo visto en Fury Road. Nacida en Miami, Florida, un 16 de abril de 1996, la actriz fue criada entre Buenos Aires y Londres, una mezcla que se refleja tanto en sus rasgos físicos como en su eclecticismo cultural. Esto, que le ha servido de gran ayuda en el mundo del cine, en el pasado le generó algunos problemas. En una entrevista de 2017 en The Standard, Taylor-Joy se sinceró sobre su infancia y la dura experiencia que tuvo en sus años de escuela. “Sentía que no encajaba en ningún lado. Era demasiado británica para ser argentina, demasiado argentina para ser británica, demasiado estadounidense para ser nada”, revelando también las inseguridades que muchas veces le generó el físico que luego la llevaría a ser modelo y actriz. “Los chicos no me entendían de ninguna forma y fui víctima frecuente de bullying”, cuenta, añadiendo que se burlaban de ella por sus emblemáticos ojos grandes y separados. Ninguna de esas experiencias impidió que se llegase a convertir en la fuerza imparable que es hoy. En la escuela sobresalía en las clases de historia y teatro, y también estudiaba ballet. Sin embargo, su pasión siempre fue la actuación y es algo que nunca dejó de lado. “La actuación me salvó la vida”, dice la actriz en la mencionada conversación con Samuel Fishwick. Sus primeros pasos en este mundo los dio a comienzos de la pasada década con papeles secundarios y en ocasiones incluso sin acreditar -el caso de Vampire Academy (2014), comedia de terror del director de Mean Girls-. Finalmente, en 2015 hace un doble debut: en televisión, con el rol de Cassandra en la serie Atlantis, y en el cine como protagonista de la ópera prima de Robert Eggers, The Witch. Fue esta la primera interpretación aclamada de Taylor-Joy, dando vida a Thomasin, una joven que en la Nueva Inglaterra de 1630 se ve enfrentada al mal que entra en la aldea de su familia puritana. El filme se estrenó en el Festival de Sundance y tuvo una recepción muy positiva, destacando su interpretación. Esto la llevó a abrirse camino como joven rostro del género de terror, protagonizando Morgan (Luke Scott, 2016), una cinta menor. No obstante, no tardaría en seguir demostrando su talento, y ese mismo año colabora con el prestigioso director de cine fantástico M. Night Shyamalan en el thriller Múltiple, segunda parte de una trilogía iniciada con El protegido en el año 2000 y que acabaría con Glass en 2019. En Glass retomaría su papel como Casey Cooke, la joven secuestrada por el hombre con trastorno de personalidad múltiple

al que da vida James McAvoy. El siguiente papel por el que Anya Taylor-Joy recibió grandes elogios fue el de Lily en la cinta Purasangre (Cory Finley, 2017), un thriller con tintes de comedia negra y cine noir que recibió críticas positivas, especialmente gracias a las actuaciones de Olivia Cooke y Taylor-Joy, quien llegó a ser nominada al BAFTA Rising Star Award y a recibir el Trophée Chopard en el Festival de Cannes. La actriz siguió sumando éxitos con su trabajo protagonista en Emma (Autumn de Wilde, 2020), nueva adaptación de la novela de 1815 de Jane Austen: Taylor-Joy insufló nueva vida al personaje de Emma Woodhouse, excediendo las expectativas de todos y recibiendo por ello su primera nominación a los Globos de Oro. En los años siguientes la carrera de TaylorJoy iría en ascenso, explorando distintos registros y géneros cinematográficos. En 2020 probó el mundo de los superhéroes como parte del elenco de The New Mutants, adaptación del cómic spin-off de la serie X-Men. Pero ningún éxito

comparado al que le brindó el streaming: aunque ya había participado en series como Peaky

Blinders y The Dark Crystal: Age of Resistance, con ninguna logró lo que la miniserie de Netflix

Gambito de dama supuso para ella: su interpretación de Beth Harmon, niña prodigio del ajedrez, le valió un Globo de Oro, un premio SAG y un Critics Choice Award. En 2021, Taylor-Joy volvió a un territorio más que conocido participando en la cinta fantástica de Edgar Wright Last Night in Soho (2021), en la que encarnaba a una it girl del swinging London de los años sesenta que se aparecía en visiones a una joven estudiante de diseño de moda. Y en 2022 volvió con Eggers para The Northman y actuó en Amsterdam (David O. Russell) y The Menu (Mark Mylod). Todo este recorrido previo a Furiosa se completó con su participación en la cinta de animación de Super Mario Bros, donde dio voz a la famosa princesa

Peach, y con un inesperado cameo en Dune. Parte II. Ahora Taylor-Joy se enfrenta al que es uno de sus mayores roles hasta la fecha.

LA MUJER DE LOS MIL ROSTROS

Del terror al thriller y de ahí al drama o a la aventura. Anya Taylor-Joy se posiciona como una de las actrices más polifacéticas del panorama actual. Repasamos aquí los papeles que la han posicionado en la constelación de estrellas jóvenes del cine antes de encarnar a Furiosa.

The Witch

Robert Eggers (2015)

El papel que puso a Taylor-Joy en el spotlight, como una joven hija de colonos que, en la Nueva Inglaterra del siglo XVII, se ve enfrentada a las fuerzas del mal que reinan en el bosque.

Purasangre

Cory Finley (2017)

A medio camino entre el coming of age y el neo-noir, dos adolescentes se reencuentran para reavivar su amistad perdida y planear un asesinato en el proceso.

Múltiple / Glass

M. Night Shyamalan (2016/2019)

Si de thriller se trata, nadie como Shyamalan. La colaboración entre el indoestadounidense y Taylor-Joy demostró ser digna de repetición para cerrar la trilogía iniciada con El protegido

Gambito de dama

Scott Frank, Allan Scott (2020)

La miniserie de Netflix convierte a Taylor-Joy en Beth Harmon, niña prodigio del ajedrez que tuvo una vida difícil y que significó una ficha importante para EEUU en plena Guerra Fría.

Emma Autumn de Wilde (2020)

Llena de sátira, humor y carisma, Joy encarna a Emma Woodhouse en la renovada adaptación del clásico de Jane Austen, debut en el cine de la novelista (Premio Booker) Eleanor Catton.

Dune. Parte II

Denis Villeneuve (2024)

El cameo de Taylor-Joy, que interpreta a la hermana menor de Paul Atreides y sirve como pista para la Parte III, se reveló por sorpresa en la premier de la cinta en Londres el 15 de febrero.

POR: DIEGO RUBIO | FOTO: SONY US LATIN

YA PROCLAMADO NUEVO

REY LATINO GRACIAS AL ARROLLADOR ÉXITO

GLOBAL DE ‘LA BACHATA’, EL COLOMBIANO ENFILA NUEVA

ETAPA CON NUEVO SONIDO, MÁS ELECTRÓNICO, Y UN NUEVO ÁLBUM EN CAMINO, EN EL QUE CUENTA CON LAS COLABORACIONES DE GRUPO FRONTERA, YANDEL O SAIKO, ENTRE OTROS. LE CAZAMOS EN EL HOTEL FOUR SEASONS DE MADRID PRECISAMENTE DURANTE LA PRESENTACIÓN DE SU TEMA CON EL ÍDOLO GRANADINO, ‘BAHAMAS’ PARA HABLAR DE TRIUNFOS Y VICTORIAS, DE DUDAS, DE AMBICIONES, DE DESAFÍOS. DE INSTINTO, TRABAJO Y ACCIÓN. UNA FÓRMULA FÁCIL DE ENTENDER PERO DIFÍCIL DE REPLICAR.

a manuel turizo las cosas le salieron un poco bien ya a la primera: Una lady como tú, lanzada en 2016, arrasó inesperadamente y llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos de España, México y su Colombia natal, colándose in cluso en los charts latinos de EE UU. Pero el colombiano tardaría mucho en volver a replicar ese impacto, al menos como artista principal: seis años hasta el lanzamiento de La bachata en 2022, que entonces sí rompía todos los moldes. El último año de su vida “es un sueño” para él, “siento que he podido lograr cosas que quería, ambiciones personales, ambicio nes profesionales también”, dice con calma. “Estamos bendecidos, estamos bien”. Pero ha tenido que mantenerse firme todos estos años, y por eso no es raro verle brindándole su apoyo a artistas en plena proyección, a nuevos medios y plataformas: “Yo no todo el tiempo fui, hermano, el que soy hoy. Al principio hubo gente que me dio la mano y que creyó en mí, que tuvo la visión. Para mí es un ciclo que va pasando, y tienes que devolver eso de alguna manera. A lo mejor ahora soy yo el que le puede dar la mano a otros proyectos, del tipo que sean. Y hay cosas que son simples: si me gusta, lo hago”.

TURIZO + SAIKO

Hace que las cosas parezcan fáciles, es su forma de ser. “Pero por supuesto que todo el rato tienes dudas con las decisiones. En tu cabeza siempre está la otra vocecita”, confiesa. “Tú y yo podemos llegar al mismo lugar por un camino totalmente diferente, entonces creo que es importante no dejar acumular la duda y actuar”. El instinto es, de hecho, fundamental para él, para su manera de entender la música, y la vida. Y detrás de esa intuición está la decisión, tomada en 2022, de deslizarse ligeramente hacia los géneros tropicales. “Nunca sabes. Tienes que hacer las cosas porque las sientes y porque te gustan. Uno no planea. Yo no dije: ‘Venga, ahora voy a sacar dos canciones tropicales’ buscando nada. Un día le dije: ‘Quiero hacer una bachata’. Empezamos a crear, hicimos una, hicimos dos, hicimos tres, y hubo una de esas que me gustó mucho. Pues la sacamos y vemos si a la gente también le gusta. Es así, más simple de lo que parece”. El resultado fue La -todopoderosa- bachata, que le abrió puertas impensables antes, le allanó el camino a esa El merengue con Marshmello con la que replicó cabecera del Billboard Latin Airplay y le sirvió para impulsar las ventas de su tercer disco, 2000, y de su gira más importante -y grande- hasta la fecha. “Al principio eres un jovencito que está jugando a ser cantante, y si falla no pasa nada, y si tienes éxito pues es una victoria. Ahora hay muchas cosas atrás que sí, te generan cierta presión”, comenta el costeño, nacido en Montería en el año 2000.

En cierto modo siempre lo ha tenido en la cabe-

La última canción del colombiano, Bahamas, ya va camino de convertirse en uno de los hits del año en nuestro país, gracias a la colaboración de un Saiko que este mismo año enfrenta su confirmación definitiva como superestrella latina gracias al recién estrenado Sakura, con featurings de Dellafuente, Feid, Quevedo, Mora, J Balvin, Omar Montes o Sky Rompiendo. Turizo, por su parte, está ya en pleno roll out del que será su cuarto álbum. “Voy con calma”, asegura. Pero ya ha desvelado tres sencillos: la cumbia norteña De lunes a lunes, en colaboración con los ídolos texanos del regional mexicano Grupo Frontera; Mamasota, con Yandel; y esta Bahamas con Saiko. Entre tanto, también ha llegado 1000COSAS, colaboración con Lola Índigo que confirma dos cosas: la pasión de Manuel por el sonido de España, y el giro de esta nueva etapa que parece acercarse más al club y tendencias más concretas como el slap house o el Jersey y al dembow pop electrónico.

za. “Hay que manifestarlo, sí, proyectarlo. Primero se hace realidad en tu cabeza para que luego lo puedas hacer realidad en la vida real, en este plano. Yo lo soñé mucho, por muchos años, y lo sigo haciendo. Gracias a dios lo estoy viviendo, pero siempre tienes otro paso más que quieres dar. Los humanos tenemos la mala costumbre de que nunca nos conformamos. Pero de eso se trata, de ver hasta dónde puedes llegar y retarse todo el tiempo”. Es una filosofía, además, que ha mamado en casa. “Creo que es común en nuestro país. Los colombianos no tenemos miedo de ensuciarnos las manos ni de llenarnos los zapatos de mierda para conseguir las cosas que perseguimos: a mí me enseñaron desde chiquitito a trabajar por las cosas. Desde los cinco años, que yo ya quería ser artista, mis papás decían: ‘OK, tienes que aprender a trabajar. ¿Qué vas a hacer? Monta un negocio, lo que sea, paletas, dulces, lo que sea’”. También le obligaron a terminar los estudios. “Te generan esa mentalidad de trabajar por las cosas que tú quieres”. Con 12 años empezó a dar clases de canto, pero siempre ha cantado en la ducha, desde que tiene uso de razón: “Me creía los cantantes que estaba viendo en Youtube”, recuerda. Cantar bien le daba seguridad. “Es algo en lo que me siento bueno. Todos tenemos cosas que nos alimentan el ego, y eso es algo que descubrimos cuando somos más jóvenes: porque hay unos que son buenos en el deporte, que cuando están jugando fútbol en Educación Física son las estrellas del salón; otros que son buenos en matemáticas, que son los genios... Yo en la música encontré ese algo en lo que me sentía bueno. Cuando la gente me escuchaba decía: ‘¡Ey! ¡Lo haces bien!’. Y eso te hace sentir que aportas algo, que tienes algo bonito que ofrecer”.

Este año sacará nuevo disco, pero lo enfrenta como cualquier otro curso. “Como que sí, voy a celebrar los éxitos, pero ese éxito no quiero que me genere presión. Vamos a disfrutar, vamos a hacer lo que nos gusta y vibrar con ello”. Está cada vez más ocupado, entre promoción, giras y compromisos de estudio, pero siempre encuentra un rato para escribir. “Escribo en cualquier momento, en el carro, en el avión, en la habitación del hotel, en la casa... y en el estudio, obviamente. Escribo para ejercitar la mente, sobre todo, no solo para sacar una canción. Escribir por escribir. Me gusta mantener mi mente siempre sacando ideas”. Después de haber realizado por EE UU, Canadá y Latinoamérica su gira más multitudinaria, este año toca, como bien dice, disfrutar, ir desgranando lo nuevo poco a poco y, claro, echarse unos días en nuestro país. “Me gusta mucho España, es un país en el que he evolucionado muy bien últimamente. Pero yo siento que desde el principio, desde que empecé, conecté mucho con la vibra de los españoles. Me gusta mucho la mentalidad de vida”. En verano actúa en Sevilla, Santander y Tenerife, y en el Coca-Cola Music Festival de Madrid.

FOTOGRAFÍA Y VÍDEO: JHOVAN

A CALVO Y NACHO EIROA

BALLESTER PRODUCCIÓN:

JULIA HERMOSO DE ABIA

ESTILISMO: SEBAS RODRIGUEZ

ASISTENTE: SERGIO CUESTA

POR: CAYETANA ARIZNAVARRETA

Desde su apertura hace algo más de un lustro, Costa Social Club se ha convertido en referente de la night live en Madrid, el club más emblemático del cambio de paradigma musical y cultural postpandémico. Sí, Costa es la discoteca a la que, entre otros muchos, se escapan a bailar Rosalía, Ester Expósito o Rels B... pero no solo eso. Tras la creación de Galerías Costa en Malasaña, ahora la marca vuelve a hacerle un guiño al mundo de la moda creando una colección cápsula de la mano de FREV. David Arroyo, cabeza pensante del proyecto y rayista de pro, explica el secreto de su éxito.

desde el año 2017, las puertas de costa social Club, que se ha trasladado a la calle Santa Engracia 17 -muy cerca de la estación de Metro de Alonso Martínez en Madrid- a finales del año pasado desde su ubicación clásica en Joaquín Costa, están más que abiertas para todo el mundo. Bueno… para todos, para todos, no. Porque tal y como nos ha contado David Arroyo, propietario de la sala, el lema de Costa Social Club es: “Recomendamos que la gente cerrada de mente venga acompañada por un adulto”. Y es que, si por algo se caracteriza esta sala tan importante durante los años en los que lo urbano se extendió entre la juventud como el principal vehículo de expresión por su conexión con todo tipo de libertades y por su tolerancia con todo lo marginal, es por su público diverso y respetuoso. Una pieza del puzle del éxito del Costa en la noche madrileña, ya que siempre ha sido “un lugar subversivo y familiar donde poder venir a disfrutar de muchas tendencias culturales y de la fiesta en un ambiente seguro, desenfadado. Como una fiesta con colegas en una casa, pero a lo grande”.

“Costa Social Club surge ante una necesidad más bien social”, asegura David mientras recuerda los primeros días de la discoteca. En 2017/2018, cuando abre sus puertas en la calle Joaquín Costa, sí, había algunas fiestas del rollo, fundamentalmente una Cha Chá que pasó en poco tiempo de la clandestinidad a la mítica sala Cocó, archiconocida sede de Mondo Disko -lo que además supuso el contacto entre dos tribus urbanas que encontrarían en los años venideros muchos más puntos de conexión, los urbanos y los techno lovers-. “Pero esa subcultura que se estaba cocinando a nivel generacional no tenía un place to be, como club, y en el que fuese el día que fuese pudiese encontrarse en su ambiente”. Costa se convirtió en ese lugar. Su localización, cerca de un gran distribuidor de Cercanías como Nuevos Ministerios, lo definió además como un espacio democratizante, que acogía tanto a gente del centro de Madrid como a la de los distintos extrarradios, donde son mucho más naturales las tendencias y estéticas urbanas.

Desde entonces ha albergado todo tipo de fiestas, algunas de ellas con conceptos novedosos, arriesgados y divertidos, como Tortilla, una cita vespertina de techno melódico, deep house y otros géneros de electrónica más soft en la que se sirven pinchos de tortilla. O abriéndose con visión de futuro a toda la nueva ola de afropop, afrobeats y ritmos tropicales con vocación global. Si David tuviera que quedarse con un momento en la historia de Costa Social Club, de hecho, lo tiene más o menos claro: “Que Mr Eazi, un artista nigeriano que tiene canciones con Beyoncé, Bad Bunny o J Balvin, quisiese venir a cantar a un club de trescientas personas por la visibilidad que estábamos dando a su género en Madrid fue una sorpresa importante”.

Obviamente la música es, quizás, la pieza central de su éxito, o al menos una de las más

importantes. “Aunamos muchos géneros musicales, como el hip hop, el R&B, el afro, el reguetón, el flamenco... y buscamos siempre que sea muy divertido, porque esto no deja de ser una fiesta. También hacemos una mezcla entre hits que han marcado a generaciones enteras frente a artistas emergentes que consideramos que tienen mucho talento”. Siempre desde la humildad han querido funcionar no solo como espacio, también como altavoz para así poder descubrirle al público nuevas tendencias, pero también para impulsar nuevos géneros y para dar cabida a nuevas tribus, nuevas comunidades. Algo con lo que en NUEBO nos sentimos muy identificados.

Hoy, desde la nueva ubicación del club en Santa Engracia, David echa la vista atrás y valora sobre todo esa apuesta por dotar de una personalidad fuerte al espacio, con la que los asistentes puedan identificarse, a través de una programación cuidada y cohesiva dentro de su diversidad, pero también del trato hacia el público. “Para mí, el éxito es haber creado una comunidad en la que hay un trato familiar, y una sala donde nadie va a mirarte ni a juzgarte. En Costa puedes ser tú mismo, tú misma, y puedes sentirte cómode tanto si eres un rostro conocido

como si no. Y eso, más ahora que hay toda esta sobrexposición en las redes sociales, te hace volver. Pase lo que pase o cómo te diviertas en Costa se va a quedar en Costa”, afirma convencido. Lo que pasa en Las Vegas, ya se sabe, se queda en Las Vegas. Quizá por eso varios invitados de La Resistencia han dicho que Costa es su club favorito, y quizá por eso gente de otros países que había oído hablar del club han ido directos para vivir las vibes de la fiesta en su propia piel en cuanto han pasado por Madrid.

El nuevo reto es lanzar su propia colección de ropa. “Queríamos hacer algo de merchan más especial que nuestro propio público nos estaba reclamando, y no podía ser con otra gente que con nuestra familia de Frev”. No es su primera incursión en el mundo del streetwear, pues llevan colaborando con ellos varios años y además en su momento Costa se convirtió en el primer club de España en tener un patrocinio con una marca de ropa deportiva, Kappa. “Costa siempre ha estado muy ligado a la moda”, recuerda David. “Hemos albergado desfiles en la sala, afterparties de algunas marcas de la Fashion Week, etc. Pero nunca habíamos hecho nada propio, por lo que creo que era una cuestión de tiempo. Llamé a Frev, les comenté un poco la idea y nos pusimos a ello”. La colección se compone de dos camisetas, una gorra y otros complementos como sellos y abanicos -¡los necesitarás para sofocar los calores porque en Costa no se para de bailar en toda la noche!-, disponibles en la web y en la sala desde el día siguiente a la publicación de esta revista. O sea que si lo estás leyendo es que ya puedes hacerte con todos, como buen entrenador Pokémon. “Teníamos claro que queríamos una prenda más básica que sirviese para cualquier ocasión y luego otra más ‘moda’ que representase un poco lo que es Costa, a parte de unos complementos que no fuesen los típicos, más tratándose de un club. A raíz de eso le di un par de tips a Alex de

“EN COSTA RECOMENDAMOS QUE LA GENTE CERRADA DE MENTE VENGA ACOMPAÑADA DE UN ADULTO”

Frev -que es el creativo de la tienda de la Corredera Alta de San Pablo 4 de Madrid, en pleno barrio de Malasaña- y su inspiración fue lo que para él era el propio club y la fiesta”. Eso y la idea de fidelizar ese sentimiento de pertenencia que tiene mucha gente con el club. “Por eso solo hay 50 unidades de cada prenda/complemento del drop. Buscábamos que toda esa gente más fiel, que tiene ese arraigo con la sala, ese sentimiento de pertenencia, pudiera hacerse con algo especial”, cuenta David.

Costa Social Club tiene ya una larga historia vinculando la música, la cultura y la moda, pero sin duda alguna esta colección va a marcar un antes y un después en su trayectoria. ¡No te quedes sin formar parte de la historia (y de la fiesta)! Porque, como le gusta decir a David, “la vida es muy corta como para ir a fiestas aburridas”.

NinaEmocional

POR: PAULA LÓPEZ ROS | FOTO: ANDREA LÓPEZ

NINA EMOCIONAL TE LLEVA A 2050 CON ‘MÚSICA

LINDA’, SU PRIMER TRABAJO EN FORMA DE EP. EN ESE FUTURO EXISTE EL HOY Y HOY ES EL TIEMPO DE NINA, UNA DE LAS ARTISTAS REVELACIÓN CON MÁS PROYECCIÓN DE NUESTRA ESCENA UNDERGROUND. SU PARTICULAR MULTIVERSO SE PLANTEA COMO “UN VERDADERO JUEGO”, ADMITE NEREA, JOVEN MADRILEÑA AFINCADA EN BARCELONA. FUE ALLÍ DONDE EMPEZÓ LA HISTORIA DE NINA EMOCIONAL.

a jugar aprendemos desde bien pequeños. todo parece un juego e invita a él. Para Nina ese todo empieza yendo a una escuela de música y aprendiendo teatro, construyendo su propio lenguaje creativo, que bien le ha ayudado a poder llegar a sensaciones y expresiones que con palabras nunca ha conseguido mostrar, nos cuenta. “Hacía canciones desde pequeña, me las grababa, empezaba a tocar con el Audacity o con el GarageBand en el iPad, y me grababa también mis propios videoclips. Poco a poco ese juego ha ido cogiendo peso y he ido tomando decisiones que me han llevado hacia este camino, al más artístico, a través de mis estudios y a nivel profesional. Cada vez voy aprendiendo más y entrando en lugares como la producción musical. Yo antes tocaba el piano y cantaba, y de repente fue enfrentarme a un ordenador y a cómo era hacer música con él. Ahora me encanta y soy superfriki”.

Cinco temas son los que componen Música linda, su debut en forma de EP. Cinco gritos suaves que dejan impronta en una escena que pide a voces explorar nuevos caminos. Todo parece una ardua travesía, y probablemente lo sea, pero para Nina Emocional conseguir su sonido ha sido una trayectoria orgánica y cercana. No hay mucha retórica ni misticismo cuando habla de su proyecto: “He compuesto, grabado, producido e incluso mezclado -solo algunos temas, los otros corren a cuenta de Isidro Acedo, I-Ace en su etapa Agorazein- el EP. Todo ha sido a través de procesos cercanos. Me enseñó a producir uno de mis mejores amigos y compañero de piso en Barcelona, Hadren. Todos los sonidos que componen el EP y las producciones están creados a partir de audios grabados con el móvil. Hay un sound design bastante importante, por eso me ha llevado tanto tiempo hacerlo”.

El universo digital de Nina está plagado de referencias e impulsos. Dentro de lo primero, su multiverso se define por la amplitud de campo de los sonidos que le inspiran: Björk, Arca, Sega Bodega, Oklou, Radiohead… Pero el eclecticismo se asienta en un Antonio Machín, por ejemplo, referencia que llega a ella a través de sus alumnas de piano, mujeres mayores que le descubrieron músicas más antiguas. Todo ello nos invita al viaje sonoro que propone Nina. Beats, pads, voces pitcheadas y psicodelia dulce enmarcan Suave, primer corte de Música linda, y Homie se abre camino con aire retrofuturista e inspiración noventera. En 4MOR H4DA convergen, entre acelerones y parones, ritmos sintéticos y pianos más house, autofirmaciones románticas junto a mil líneas melódicas. Ya te vas sigue en esa disputa continua de estilos y formas que diferencia a Nina de todo lo demás, incluyendo

beats que rozan el drum ’n’ bass. Todas ellas cuentan con un trigger visceral de Nina, todas tienen esa carga emocional. Aunque suene típico, nos confiesa, compone desde la ruptura. “Al final mi nombre lo dice: Nina Emocional. Mi impulso máximo es la emoción y necesito ese drenaje emocional”. Todas sus canciones, aunque sean muy abstractas o tengan poca letra, esconden una historia real que ella ha atravesado como persona. “Al final les dedico muchísimo tiempo. Si terminan siendo algo superficial con lo que no conecto, no podría estar meses trabajando, ni en su grabación ni en su producción”. Igual que en Nina Emocional hay suavidad y sutileza, también hay rudeza con tintes emo. Dos polos que convergen y luchan a lo largo de cada uno de los cortes. “Mi personalidad es muy extrema a nivel emocional. Eso es algo que me define mucho: puedo estar genial, disfrutando del mejor día de mi vida, y de repente estar en la mierda máxima, todo deja de tener sentido y me encuentro en un túnel que va hacia abajo, cayendo, sin un final”. En su presentación al mundo se plasma totalmente esa conjunción de energías. “Los sintetizadores más suaves, más etéreos con, de repente, una percusión más dura, más emo… Todo esto está en constante lucha por persistir en la canción. Son canciones también muy llenas de elementos, de ideas, que aparecen, se van… Para mí se basa en esa lucha entre ambas energías, que al final es mi lucha diaria, en el día a día, intentando encontrar el equilibrio entre esas dos Ninas”.

Con cercanía, honestidad y savoir faire, reconoce la idea de éxito como el fruto de un trabajo continuo: “Pienso que tiene que ver más con el proceso que con una meta en sí que cumplir, porque en el momento que llegas y la cumples, de repente surge otra y empieza la constante insatisfacción por lo obtenido”. Algo que la misma Nina destaca de su situación es que ninguna de las canciones que ha sacado se ha viralizado, lo que le ha permitido crear vínculos muy importantes a nivel artístico con personas que le dan aún más sentido y perspectiva a su música. “Disfruto creando sin presión, sin este pensamiento capitalista de llegar a un lugar y triunfar, y el éxito y blablablá… Para mí lo que está pasando es ya un éxito y me gustaría seguir viviendo ese camino como tal”. Nina Emocional ya está pasando: la exploración del futuro ha llegado al ahora, en forma de juego, en forma de Música linda, y aquí estamos todos ya, pues eso, jugando...

“DISFRUTO

CREANDO SIN PRESIÓN, SIN ESTE PENSAMIENTO CAPITALISTA DE LLEGAR A

UN LUGAR Y TRIUNFAR, EL ÉXITO... LO QUE ME ESTÁ PASANDO YA ES UN ÉXITO”

DIGITAL / EP

MÚSICA LINDA (SONIDO MUCHACHO, 2024)

Suave / Homie / 4MOR H4DA / Ya te vas / Minina

LÚA RIBEIRA

POR: DIEGO RUBIO

DICE QUE SU OBRA SIEMPRE PARTE DE LUGARES POLÍTICOS PARA LUEGO DESEMBOCAR, IMAGEN MEDIANTE, EN ALGO MÁS POÉTICO Y HUMANO. RETRATISTA DE LA VULNERABILIDAD, DE LA MARGINALIDAD, CON SUS FOTOGRAFÍAS LA GALLEGA BUSCA ROMPER BARRERAS, FRONTERAS, DEFINICIONES. EL MUSEO LÁZARO GALDIANO DE MADRID ACOGE SU ÚLTIMA EXPOSICIÓN, ‘AGONY IN THE GARDEN’, DENTRO DE PHOTOESPAÑA 2024. UN VIAJE MUY PERSONAL SURGIDO DE SU FASCINACIÓN POR LA ESCENA DRILL DE NUESTRO PAÍS -Y SUS IMPLICACIONES SOCIOPOLÍTICAS-.

la fotógrafa gallega lua ribeira siempre se ha acercado a la fotografía desde la necesidad de traspasar ciertas estructuras y barreras sociales. “Se trata siempre de una motivación inicial muy política, de querer trasgredir esas barreras, pero cuando empiezo a trabajar con la gente las fotografías toman un rumbo más frágil, más poético”, reconocía en una charla durante el PHE23. Más humano. Su trabajo acostumbra a partir de sumergirse en grupos o colectivos que han sufrido o sufren algún tipo de exclusión, poniendo en el foco el problema de la migración en la frontera de México y EE UU, o en torno a la valla de Melilla, o adentrándose en un grupo de mujeres con discapacidad cognitiva que viven en una institución religiosa en Galicia.

Su nueva serie, llevada a cabo en colaboración con su agencia, Magnum Photos, y Obscura, aborda los mismos temas pero elige como hilo conductor la explosión diaspórica de un género musical como el drill, entendiéndolo como una respuesta, dice, “a los valores, mercados y estructuras de la sociedad contemporánea del capitalismo tardío, en un contexto actual de precariedad laboral, violencia institucional, crisis migratoria, financiera y medioambiental”. Agony in the Garden podrá verse en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid del 30 de mayo al 25 de agosto como parte de la nueva edición de PhotoEspaña - PHE24.

“En 2021, inspirada por la música que estaba escuchando, decidí empezar a trabajar en torno a la cultura joven y la manera en que las generaciones nacidas desde finales de los noventa se expresan a través de la música, la moda, los gestos y las imágenes”, cuenta Ribeira. También de la amplificación comunicativa que todo eso tiene en el entorno digital. El resultado es una muestra viva y sensible que logra capturar la esencia del movimiento.

“Me gustaba mucho la idea de intentar trasladar el sonido y la energía del trap y el drill a las imágenes, más que emplearlas simplemente como un documento”. Y aunque para ella, en general, su trabajo se basa en lo observacional, y rehúye de mostrar los momentos más duros para que sea el contexto el que hable de ellos, confiesa que sería imposible sin estar presente. “Algunas imágenes surgen de forma colaborativa; otras son puramente observacionales. La manera en la que he hecho esta serie es muy orgánica y se desarrolla a través de compartir tiempo”. Para este proyecto, por ejemplo, ha pasado muchos ratos en estudios de grabación, con artistas y productores más o menos conocidos, algunos totalmente anónimos y aficionados. “También en conciertos, y nada de eso aparece en las imágenes, pero es fundamental para entender toda la carga final del trabajo”. Hay en cierto modo una ambición participativa, aunque siempre de esa especie de tercera persona que no juzga desde el objetivo. “La ambigüedad es muy intencional en lo que hago, y puede leerse de manera metafórica. Siento que contar las historias que subyacen detrás de las imágenes puede arruinar la intención, y muchas veces la anécdota no puede relacionarse con el potencial de la imagen”.

“ME INTERESABA MUCHO

LA IDEA DE INTENTAR TRASLADAR EL SONIDO Y LA ENERGÍA DEL DRILL A LAS IMÁGENES, MÁS QUE EMPLEARLAS SIMPLEMENTE COMO UN DOCUMENTO”

ENMANUEL REYES

POR: JUAN ÁLVAREZ

ENMANUEL REYES PLA HA TIRADO MUCHO DE SACRIFICIO PARA LLEGAR A SU POSICIÓN ACTUAL. DE LA HABANA A LA CORUÑA, DE UTILIZAR LA DULCE CIENCIA DEL BOXEO COMO MEDIO DE DEFENSA A CONVERTIRSE EN UN VIRTUOSO DE ESTA DISCIPLINA OLÍMPICA. LLEGA A LAS OLIMPIADAS DE PARÍS SABEDOR DE QUE SU PLAN SE ENCUENTRA AHORA EN LA FASE FINAL.

“SI HAY UNA MEDALLA MÁS ALTA QUE LA DE ORO, IRÉ A POR ESA. CUANDO COMPITO VOY A POR TODO”

la hégira de enmanuel hacia la gloria olímpica de París empezó a miles de leguas de distancia, concretamente en su Cuba natal. Desde allí, y con deseos de tener una vida mejor, partió hacia Galicia, donde residía parte de su familia. Este acontecimiento es para él una suerte de conexión ancestral con aquellos aventureros que hace siglos cruzaban el charco atlántico rumbo a las Antillas. Su doble nacionalidad, proceso conseguido con paciencia y tesón -“como no soy futbolista, mi proceso de nacionalización duró un par de años”, cuenta-, le da una dualidad de sentimientos patrióticos. “Mi sangre es cubana y nací allí, pero volví a nacer en cuanto pisé España. Aquí tengo mi vida y a mi familia, y me siento español como el que más”.

A sus éxitos deportivos -bronce en mundiales, europeos, y quinta posición en Tokio 2020- ayuda sobremanera su capacidad de ser una persona dentro y otra fuera del ring. “En la competición cambio mucho, me considero muy competitivo y me pongo tipo bestia. Me gusta competir, y ahí es donde creo que estoy mejor a nivel boxístico, en la alta intensidad. Lo disfruto siempre. Te tiene que gustar pegar y que te peguen. En este deporte, el éxito depende de sacar la parte divertida de pegar y de recibir, es lo que tiene esta disciplina. Tienes que divertirte ese día que hay que buscar un entrenamiento más técnico, o de fuerza, pero también el día que toca sangre en el sparring”.

Una breve charla con él basta para darse cuenta de que su mentalidad pétrea es, en gran parte, lo que ha cincelado su sen-

dero hasta los Campos Elíseos. Convencido de que está en plena ejecución de un plan superior y consciente de que, con capacidad y determinación, la contienda es trámite y no batalla, Enmanuel -apodado “El Profeta”- confía tanto en su capacidad física mortal como en las ayudas que le llegan desde arriba. “Arriba está dios y eso a mí siempre me ayuda. Arriba tiene que haber algo, una mano que me guía por el camino correcto”.

Si dentro del gimnasio Enmanuel paga el tributo del sudor y la sangre siempre que sea necesario, de puertas hacia fuera es todo lo contrario. “Mi tiempo libre es para ser libre”, afirma. “Cuando salgo del gimnasio se acabó el boxeo hasta que toca volver a entrenar. Me gusta mucho el cine, y siempre acabo volviendo a ver películas como Ali o Gladiator, que además me motivan porque les encuentro un significado que me ayuda para sobrepasar todo lo que venga. Me encanta también estar escuchando hip hop, toda la música negra que encuentre…”. Otra de sus aficiones, tras comentar la primera batalla del boxeador, la que tiene contra la báscula y las pérdidas fuertes de peso, es comer sin privaciones. “Ahora que ya no me tengo que preocupar tanto por el peso, cuando puedo me encanta comerme una buena hamburguesa, de las que lo llevan todo”.

Lo dice riendo: entre tanta dureza también hay humor, y sensibilidad.

La única misión que para Enmanuel es aún más trascendente que el boxeo es su familia. Comenzando por su hijo pequeño, a quien intenta educar de acuerdo a sus personales valores de sacrificio y dedicación. “Le he tratado de inculcar que esto es mi trabajo, que gracias a él tenemos una vida con cosas que yo no tuve de pequeño y que lo hago todo por él, para que pueda salir adelante. Intento complacerle en lo que puedo, estar bien con él”. Enmanuel ya vela armas para París, una excelente oportunidad para redimirse de lo que aconteció en Tokio. Está deseando continuar la senda de medallas que han seguido sus últimos compromisos, destacando ese reciente bronce en los Juegos Europeos de Cracovia en julio de 2023. “Si hay una medalla más alta que la de oro, iré a por esa. Cuando compito voy a por todo... y si es en las Olimpiadas, más todavía”.

Estilista y pegador, enfocado en la victoria, dispuesto al intercambio de plomo si hace falta, Enmanuel es una de las grandes esperanzas olímpicas españolas en París. Buscar el oro se antoja demasiado poco para alguien como él. “El Profeta” persigue algo más. Algo que está solo a su alcance y que no dudará en tomar una vez llegado ese momento... que ya se acerca.

MUA: CARLOS DÍAZ GARCIA

ESTILISMOS: GEMA BALSALOBRE & BARBARA PÉREZ

KPOR: MARTA ESPAÑA FOTO : EQUIS EME

CUANDO AÚN ESTABA EN EL INSTITUTO VICTORIA FIRMÓ UN CONTRATO DISCOGRÁFICO CON UNA MULTINACIONAL. DEJÓ LOS ESTUDIOS, CAMBIÓ DE AMISTADES Y APOSTÓ TODO AL CABALLO GANADOR. LA MÚSICA, QUE DESPIERTA SU CURIOSIDAD DESDE QUE TIENE USO DE RAZÓN, AHORA SE TORNA UNA VÍA PROFESIONAL. ‘FRECUENCIAS’ ES SU PRIMER DISCO, UN TRABAJO CON EL QUE REFLEXIONA SOBRE SU PROPIA ESPIRITUALIDAD EN CONJUNCIÓN CON LAS LEYES DE LA ACÚSTICA. POCOS DÍAS ANTES DE SU PUBLICACIÓN LA TENDREMOS FORMANDO PARTE DE SHE SOUNDS, FORMANDO PARTE DEL CAMP DE COMPOSICIÓN DEL FESTIVAL.

victoria no era mayor de edad cuando recibió una llamada de Warner: querían ofrecerle un contrato discográfico. Había publicado He dejado de llamarte cuando aún estaba en el instituto, y accedió a que la multinacional le comprase los derechos a posteriori, pese a que el tema estaba funcionando por sí solo. Ese acontecimiento, dice, causó revuelo en su familia y envidias en sus compañeros: “Fue súper random. Me contactaron por Instagram y tuvimos una call. El momento de interiorizar eso es fuerte. No sé si por suerte o por desgracia, pero a mí me han dicho que no me haga ilusiones, que me olvide por completo antes de siquiera intentarlo, ¿sabes? En este momento me pasa eso, me peleo con mi madre. Hubo muchas movidas y me fui a vivir con mi padre. Tenía que acabar el bachillerato pero no lo terminé, el universo en ese momento se fumó un puro, porque mi vida dio una vuelta de 180 grados. Yo no quería estudiar en la universidad, porque yo quería hacer música, y si se me ha dado esta oportunidad, tengo que exprimirla al máximo. Fue complicado gestionar todo eso. Mi madre quería que estudiara, ¿sabes? Mi padre me apoyaba”. Nunca se había planteado la música como una carrera profesional, pero aquella llamada fue suficiente para hacer borrón y cuenta nueva, abriendo un primer capítulo en una vida más ambiciosa: “La gente no tiene filtro, a mí me llegaban comentarios de mis propias amigas de entonces criticándome. A ver, no eran mis amigas de verdad, eran compañeras. Ahora, gracias a dios, me rodeo de gente buena. Esto también te hace ser más fuerte, aunque suene súper cliché. A veces también mola que no entiendan lo que haces. Yo siempre confío en mí misma y eso lo llevo a fuego por encima de todo”.

La madrileña nunca había tenido grandes pretensiones con los estudios, pero su pequeña victoria cuando todavía era una adolescente fue suficiente para que descartase por completo el camino académico. Ahora, por fin, tenía una meta: “Mi sueño es tener un espacio gigante con su estudio, con todos los instrumentos raros posibles. Me encantan las típicas máquinas controladoras que tienen un montón de botoncitos, que son antiguas y que hacen movidas rarísimas... Hay algunas que son una paranoia. También hay un instrumento que es una cajita que tiene como unos palitos de metal y suena como hawaiano… Me encanta tocar todas esas cosas”. Aunque todavía no domine la terminología de aquello que ama -los sintetizadores, las kalimbas-, la música ha acompañado a Vivi toda su vida, pero quizás no se había dado cuenta de lo mucho que le gustaba hasta ese instante: “Empecé con la música con cuatro años, porque había en mi casa un piano heredado y viejo. También hacía solfeo, pero no en el conservatorio. A los 14 me aburrí. Pasé unos años con un profesor de música, mi madre me había puesto clases una vez a la semana. Le pedí una guitarra a una amiga, que la tenía muerta en su casa, llena de polvo, con una cuerda rota.

Le pregunté a mi tío a ver si podíamos cambiarla”. El piano le abrió las puertas a una nueva pasión, pero fue la guitarra la que sembró la semilla de la composición, si bien aprendió de forma “completamente autodidacta” con YouTube. “En el piano estaba interpretando la música de los demás, pero quería expresarme y poder hacer mis propias canciones. Tocaba Beethoven, Mozart..., luego también Ludovico Einaudi. Es muy bonito, porque a día de hoy veo un piano y tardo tres segundos en correr y sentarme. En España empezaron a salir artistas que molaban mucho, que hacían cosas diferentes. Rosalía, por ejemplo, es siempre innovadora, va por delante de todos”. Debido a ese crecimiento de su audiencia, mucho más veloz que su formación, Vivi se sigue encontrando limitada a la hora de escribir. Y es que, poco antes de que empezasen a juntarle con productores, Vivi compraba type beats en YouTube para cantar por encima: “No tengo familia que haya pisado un estudio, yo no sabía ni cómo se hacía una canción. Había un chaval en mi barrio que tenía un estudio súper oscuro en su garaje. Investigando un poco pude hacer allí mis primeros temas. Es un poco complicado intentar encontrar tu esencia en un beat que está prefabricado. Ese primer momento fue de estar sola y buscarme muchísimo la vida. Una vez empecé a currar con productores, se abrió otro mundo. Los problemas que tengo realmente no son musicales, porque yo entiendo de solfeo, pero no sé cómo enchufar el piano al ordenador, no sé cómo darle a grabar y que me haga esto y que me lo ponga en tono. Para conseguir sacar el cien por cien de lo que hay en mi cabeza y ponerlo en una canción, todavía necesito aprender mucho de producción. Los productores con los que trabajo llevan haciéndolo desde hace años”. El más importante y con el que ha sacado adelante la mayor parte de Frecuencias es D3llano, responsable de éxitos de Delgao, Belén Aguilera, Samuraï, Funzo & Baby Loud, Chill Chicos o Marni, y productor del primer single de Ruslana, la concursante díscola de la última edición de Operación Triunfo. Aunque la madrileña necesite de un productor, tiene muy claro qué es lo que busca transmitir. Sin embargo, su juventud, ligada a su género y a la inexperiencia propia de quien acaba de entrar en la veintena le han causado algunas malas pasadas dentro de la industria musical: “Eso se llama mansplaining, ¿no? No necesito que me expliques y, sobre todo, no necesito que me repitas tu opinión constantemente sobre lo que consideras que yo debería hacer. Por favor, tío, date un paseo. Es la industria. Eres mujer, eres joven, te toca luchar y te toca seguir adelante. Estos últimos meses he tenido un poco de decepción porque he estado pasando mis cosas también. No lo estoy criticando, y tampoco pienso que lo vaya a cambiar, pero en la industria hay muchos factores que te pueden destruir por dentro. Además, siento que las personas más sensibles emocionalmente siempre van a estar

“NO NECESITO QUE ME REPITAS CONSTANTEMENTE TU OPINIÓN SOBRE LO QUE DEBERÍA HACER. TÍO, DATE UN PASEO. EN LA INDUSTRIA HAY

MUCHOS FACTORES QUE

PUEDEN DESTRUIRTE POR DENTRO”

expuestas a sentir más el dolor”. Tras cuatro años componiendo, este mes ve la luz su primer LP, Frecuencias, un trabajo que narra “la perspectiva y mi visión de la vida, de cómo vivo yo las cosas. Es un canal en el que yo cuento mi visión, mis experiencias, cómo siento el amor, el dolor e incluso el sentimiento de exposición que he tenido estos años”. Toma su nombre de la relación que la autora encuentra entre las leyes de la acústica y las teorías de Joe Dispenza: “Hablo mucho de la frecuencia del amor, de la frecuencia del dolor. La frecuencia es la repetición en un ciclo, pero también son ondas en la música. Se ha conseguido demostrar que las emociones humanas se asocian a una frecuencia. El amor, la vergüenza, la ilusión… vibran en una frecuencia concreta”. Se trata de un concepto que Vivi K no ha llevado a la prác tica, en tanto que quiere que su música siga siendo tonal: “Toda la música que nosotros escuchamos está tuned a 440 Hz. Te va a sonar desafinado si intentas recortar frecuencias. Pero nosotros vibramos, somos frecuencias fuera de eso. Estamos escuchando algo que ni vemos ni podemos tocar, simplemente está ahí, se puede sentir, es como magia”. De esta peculiar aproximación a la creación musical hablará durante su participación en los cam pus de composición del próximo She Sounds -plataforma de Warner para la reivindicación, promoción y visibilización del trabajo de las mujeres en la industria musical- los próximos 29 y 30 de mayo.

Así, su primer trabajo es una puerta abier ta a su mundo interior, pero también una lla mada a aquel que todavía no ha encontrado su propio camino espiritual: “La espiritualidad te conecta con la mejor versión de ti mismo. La espiritualidad no es decir ‘voy a meditar, soy vegana’. Espiritual es la crudeza de tus sentimientos, es afrontar ese dolor, es ir a esos lugares en tu mente a los que no quieres ir. Hoy me llamó mi madre diciéndome que mi hermano está pesadísimo con el youtuber ese que te vende cursos, pero yo creo que es súper importante no marcar ningunos pasos a seguir, porque cada persona es un mundo. Lo que a mí me puede funcionar a ti igual te hace peor, y la espiritualidad es un camino único y personal”.

FRECUENCIAS (WARNER, 2024)

Intro / Rebeldía / En tu nube / Pégate (feat Daniela Garsal) / Blindá / Stars / Afilao’ (feat. Soge Culebra) / Interlude / Déjalo ir (feat. Gara Durán) / Girar / Llevo una estrella / Seguiré aquí

EL 29 Y 30 DE MAYO, WARNER ORGANIZA EN THE MUSIC STATION LA TERCERA EDICIÓN DE SHE SOUNDS. UNA INICIATIVA QUE BUSCA REIVINDICAR EL PAPEL DE LA MUJER EN LA INDUSTRIA MUSICAL A TRAVÉS DE DIRECTOS, CHARLAS, MENTORÍAS Y UN CAMPUS DE COMPOSICIÓN.

Mujeres de todo el sector -artistas, compositoras, productoras y diferentes agentes de la gestión musical- se dan cita en She Sounds bajo la premisa de “generar un espacio de encuentro para mostrar el trabajo de las mujeres, subrayar e impulsar su papel en la música”, dice Diana Izaguirre, de Warner. En el momento de cerrar esta edición se habían confirmado las actuaciones de Blackpanda, Mafalda Cardenal, Chica Sobresalto y Marlena, además de una mesa redonda sobre el legado y la evolución de las mujeres en el rap, moderada por la periodista Julia Álvarez y con la presencia de Las Ninyas del Corro, Sara Socas y Sonia Cuevas, fundadora del sello Zona Bruta y responsable en buena medida del desarrollo del rap en España.

Sigue el QR y reserva tus entradas para She Sounds 2024, el 29 y 30 de mayo en The Music Station Principe Pío, Madrid. Tendrás acceso a los distintos campus de composición, a las actuaciones programadas y a la charla sobre mujeres y rap, que profundiza sobre la presencia femenina en un mundo dominado por hombres. El futuro suena en femenino.

MÚSICA & CINE

CADA VEZ SUMERGIDOS MÁS DE LLENO EN UN MUNDO MULTIMEDIA, CINE Y TV SE CONVIERTEN EN MEDIOS PERFECTOS PARA OFRECER UN LADO DISTINTO DE LA MÚSICA. ESTE MES LLEGAN A LAS PANTALLAS TRES FICCIONES QUE SE DESCUBREN COMO RETRATOS VOYEURISTAS, ESPEJOS DE FANTASÍAS Y MITOMANÍAS VARIAS, SOBRE CANTANTES MALDITAS, ÍDOLOS INDIES O AUGES Y CAÍDAS: AMY WINEHOUSE, LOS PLANETAS Y LOCOMÍA. COMPLETAMOS ESTE DOSSIER CON UNA SELECCIÓN DE LOS 50 MEJORES BIOPICS MUSICALES DE LA HISTORIA. PORQUE LA MÚSICA TAMBIÉN SE VE.

DISCO IBIZA

LOCOMIA

POR: FERNANDO

BERNAL

RENOVADORES DE LA ESTÉTICA DISCO, YA ERAN ESTRELLAS DE LAS ETERNAS NOCHES IBICENCAS CUANDO APARECIERON EN TVE EN 1986. TEMAS COMO ‘LOCO VOX’, ‘TAIYO’ O ‘GORBACHOV’, CON ESTRIBILLOS COMO AQUEL ESQUEMÁTICO PERO CONTAGIOSO “RUMBA, SAMBA, MAMBO”, PRODUJERON UN TERREMOTO EN LA PEQUEÑA PANTALLA. SU ESTÉTICA, SUS TRAJES, LOS GIGANTESCOS ABANICOS Y SUS COREOGRAFÍAS LES LLEVARON A TOCAR EL CIELO Y TAMBIÉN A TOMAR TIERRA DE FORMA VERTIGINOSA. KIKE MAÍLLO RETRATA AHORA SU APASIONANTE HISTORIA EN ‘DISCO, IBIZA, LOCOMÍA’.

locomía fue más que un grupo. supuso un auténtico hito dentro de la cultura del país de finales de los ochenta y principios de los noventa. Lo suyo transcendió lo musical. Su vestuario, las coreografías y sus inseparables abanicos XXL los convirtieron en referentes y precursores de la cultura de club en Ibiza y, posteriormente, en un fenómeno de fans de alcance mundial, cuyo radio de acción estaba a punto de llegar a EEUU cuando todo se vino abajo. Disco, Ibiza, Locomía, la película de Kike Maíllo, describe el auge y caída de este grupo de amigos, “un ejército de dragones”, que vivía en comunidad en una masía abandonada en la isla, que llegó a Ibiza con ganas de comerse el mundo con su líder espiritual y creativo Xavi Font (Jaime Lorente) al frente. Comenzaron diseñando el vestuario para las fiestas temáticas de la mítica discoteca Ku y acabaron

animando las noches de este templo del dance donde stars como Freddie Mercury acudían cada noche para celebrar fiestas con los miembros de la jet-set de la época, que incluían excesos como descorchar 350 botellas de Moët Chandon. Seguramente aquello fuera de lo más light que se podía ver -y probar- en esas noches sin fin. “Ibiza era una isla muy adelantada a su tiempo, en la que esa ansia de libertad que se estaba dando tras la Transición fructifica en algo muy potente. Acaba dando como resultado la cultura de club, donde cada uno podía mostrarse como era. Ellos consiguen hacerlo y aceptarlo gracias a estar en Ibiza. El hecho de salir de la isla, caminar hacia el éxito y tener una carrera musical, hace que tengan que volver a ponerse etiquetas otra vez, como músicos o como cantantes, cuando eran algo mucho más rico”, comentaba Kike Maíllo

APRENDER A MOVER LOS ABANICOS

Los actores tuvieron que mover el icónico abanico y aprenderse las coreografías. “A nivel de vestuario va a tu favor. A nivel de coreografía sí que es algo complicado lidiar con esos tacones a los que nunca te has subido”, afirmaba Jaime Lorente en Málaga. “Estuvimos mucho tiempo intentando adentrarnos en el baile, en los abanicos y también hacernos amigos entre nosotros para darle punch a esta película. Kike quería llevar las coreos un puntito más allá. La estética, el vestuario o la peluquería son un personaje más”, asegura Blanca Suárez, que interpreta a una de las fundadoras del grupo, Lourdes, la gran “desconocida”, a la que tuvo la suerte de tratar preparando el papel.

durante la presentación del filme en el pasado Festival de Málaga. El cineasta, autor de títulos como Toro (2016), no era fan de Locomía cuando la banda alcanzó su mayor popularidad, ni tampoco se considera fan ahora. “Me parecían unos marcianos”, dice entre risas. “No entendía el éxito y eso propicia que me haya acercado no desde el homenaje, sino desde la comprensión. Distanciarme del fenómeno fan creo que me ha ayudado mucho”.

En la historia de Locomía fue esencial -para entender su despegue y posterior disolución- la entrada del productor José Luis Gil (Alberto Amman), que les propone firmar su primer contrato discográfico, abandonar la isla -dejando atrás a algunos de esos “dragones” para confeccionar la formación que se hizo popular- e instalarse en Madrid para grabar su disco, con temas que se convirtieron en auténticos hits en las listas de éxitos, por entonces tan importantes en la industria musical del país. Algo que también se ha narrado en un reciente documental producido por Movistar+. “Al irrumpir el documental estábamos en la última entrega del guion y tanto Marta Libertad, coguionista, como yo decidimos que no íbamos a verlo. Estábamos muy avanzados y no queríamos nuevas informaciones o algo que contradijese el camino que ya habíamos emprendido. Lo hemos visto después, es espléndido y ahonda en un lugar mucho más morboso. Nuestro acercamiento, tanto a Gil como a Xavi, es más de grises. No queríamos construir dos malvados ni algo más arquetípico. ¿Quién es más culpable de que esto salga mal? Es más cuestión de Xavi, pero Gil tiene lo suyo. El grupo siguió a Xavi… Quiero decir, aquí no hay vencedores ni vencidos. Aquí todo son perdedores. Cuando está a punto de pegarla como ningún grupo español lo había hecho antes en EE UU, en el mercado latino, rompen el juguete. Nos interesaba tener

un acercamiento cálido a los personajes, y en ese sentido es una película más luminosa que el documental. Quizá tenga algo que ver con nuestras naturalezas”, reconoce el cineasta y guionista. La película tiene un ritmo trepidante, que contagia el frenesí de aquella época, con los colores propios de los viajes cabalgando sobre tripis -con animaciones y otro tipo de efectos alucinados-, y alterna formatos, entre el vídeo, el cine y los documentos reales, para dar forma a un collage en el que las coreografías y los looks de los protagonistas tienen tanto peso como las relaciones que se establecen entre ellos y su propia historia, que es, en el fondo, la de la generación de finales de los ochenta. “Soy fan de lo que les pasa y de lo que significa eso. Me siento muy identificado. Veo a mi alrededor cómo se busca el éxito y está poco basado en algo que no sea ‘ser famoso’. Y no lo veo solo en gente joven, que siguen a gente en redes, lo veo también en personas de mi edad. El éxito, cuando se busca per se, es un mal compañero. Y la película, en su ligereza, que la tiene y está buscada, creo que habla de algo que es poderoso. Al final, esta familia escogida que forman es tan importante o más que la natural. Quien te acompaña en el viaje ha de hacerte bien o mal, y cómo te comportes con ellos es todo: son unos fracasados a ojos de otros, pero están juntos. Lo que tienen entre ellos es el verdadero éxito”. También estaba el reto de hacer un biopic sin caer en clichés, más cuando los protagonistas están aún en activo y han participado en entrevistas o en el documental. “No es sencillo hacer una película donde los personajes a los que aludes están vivos y que pretende ser un retrato humano y no un homenaje. Se agradece el cortafuegos que hicieron los productores para que pudiéramos trabajar con libertad. Hay que lidiar con muchos egos y en ocasiones sabes que lo que estás haciendo no les va a gustar”.

Una historia de idas y venidas, auge y caída, en la que el negocio infecta la armonía caótica de una comuna de artistas

Manuel Arjona, Xavi Font, Gaard Paschier y Luis Font a mediados de los ochenta: en este momento Locomía era un colectivo de diseñadores que llegó a tener once miembros.

Carlos Armas (4) completó la formación original, que reinaría en la era dorada de la actual Privilege. Le regalaron a Freddie Mercury unos zapatos que usa en el vídeo de I’m Going Slightly Mad

La salida de Luis del grupo supuso un verdadero cisma del que Locomía ya no se repondría, aunque con Juan Antonio Fuentes (2) enfrentaron su exitosa fase discográfica.

Los Locomía de Francesc Picaz (1), ya sin ninguno de los hermanos Font tras la salida de Xavi, fueron los que arrasaron en Latinoamérica, pero también los que de más alto cayeron.

DISCO, IBIZA, LOCOMÍA (17 mayo)

España. 2024. DeAPlaneta

Dirección: Kike Maíllo.

Reparto: Jaime Lorente, Alberto Amman, Blanca Suárez, Iván Pellicer, Pol Granch.

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

TREINTA AÑOS SE CUMPLEN DEL DEBUT DISCOGRÁFICO DE LOS PLANETAS, Y QUÉ MEJOR FORMA DE CELEBRARLO QUE CON ESTE ‘SEGUNDO PREMIO’, BIOPIC DIRIGIDO POR ISAKI LACUESTA Y POL RODRÍGUEZ, QUE PROMERTE SER UNA DE LAS CINTAS NACIONALES DEL 2024. SE LLEVÓ LA BIZNAGA DE ORO EN MÁLAGA Y NOS HABLA CON TERNURA DEL PERIODO DE CRISIS PERSONAL Y ARTÍSTICA DEL GRUPO A FINALES DE LOS AÑOS NOVENTA.

30 años cumple super 8, el disco debut de los Planetas, y 25 Una semana en el motor de un autobús. Dos álbumes que cambiarían no solo la música indie nacional, sino el devenir del panorama musical patrio. Entre esas dos efemérides se sitúa Segundo premio, la cinta dirigida por Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez que, aunque se defina como “esta -no- es una película sobre Los Planetas”, nos habla de ese momento crucial en la carrera de la banda, entre los resultados irregulares del Pop y la creación de Una semana en el motor de un autobús Un periodo crítico y de incertidumbre, provocado por la decisión de May, bajista de la banda en sus primeros compases -interpretada por la actriz Stéphanie Magnin- de abandonar el grupo y la crisis personal y creativa entre J (Daniel Ibáñez) y Florent (Cristalino). Un relato de amistad, amor

y demonios personales que iniciara Jonás Trueba y que han acabado llevando a -muy- buen puerto Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez. Aunque sus verdaderos protagonistas no han estado involucrados en el proyecto, todos y cada uno de los integrantes de la producción ha tratado la historia con un respeto y cariño absolutos. Algo que le ha dado a la obra final una cualidad excepcional que la permite oscilar y navegar entre el relato naturalista y lo surreal u onírico. Algo que comparte uno de sus protagonistas, Cristalino: “Yo solo puedo hablar de mi experiencia personal, de la manera que preparé el personaje. Ni por parte de Isaki o de Pol, o de Fernando, el guionista, me dieron directrices directas de cómo acercarme a Florent, de conocerlo en persona o de documentarme de una forma muy exhaustiva. Porque existe en realidad toda esa leyenda en torno a ellos. Y lo que creo que se fomentó es ese punto de que si algo suena a leyenda está bien y no hace falta contrastarlo para ver si realmente fue verdad. Como si la idea alrededor de la película fuera intentar alcanzar o acercarse a lo que ellos han querido siempre transmitir en general”. Esto se filtra en la manera de representar la

turbulenta relación personal y profesional entre J y Florent, aportándole una mirada contemporánea a unos acontecimientos que transcurrieron en la segunda mitad de los años noventa, como nos explica de nuevo Cristalino: “La relación que tienen los personajes de J y Florent en la película es mucho más física, mucho más evidente, que la que tenían ellos, pertenecientes a una generación de hombres que no mostraban el cariño así por lo general. Sobre todo viniendo del rock, que era como otra forma de relacionarse entre hombres. Pero en el fondo, ese cariño y ese amor entre ellos y esa pasión que comparten por la música, o esa necesidad que tienen el uno por el otro, sí que está en su historia real, creo yo. Y en la peli hemos intentado reflejar eso desde lo físico”. Un componente potenciado por los flashbacks de la relación de sus tres protagonistas y que se convierten en el corazón emocional de un relato que aumenta y potencia la ambigüedad y las interpretaciones de las letras de las canciones del grupo, como destaca también Cristalino: “Después de haberme documentado para

España.

Sideral / BTeam

Dirección:

la peli, leyendo libros, todas las conversaciones que hemos tenido, lo que he escuchado de los fans, al final, en este punto, yo no sé si Segundo Premio habla de una relación amorosa o le está hablando a Florent… Yo no lo sé ahora mismo. Y creo que eso es lo potente de Segundo premio. Esta ambigüedad es el tipo de arte que conmueve a la gente porque al no estar claro, cada uno se lo puede llevar a su terreno, puede entender una cosa e identificarse. Y tiene esa profundidad de hablar de muchas cosas a la vez”.

Un proyecto que ha tenido que sortear distintas dificultades, desde la salida de Jonás Trueba a la entrada de Isaki Lacuesta y la posterior introducción de Pol Rodríguez como co-director que, como nos cuenta Cristalino, no provocó ningún percance en la producción: “Ya teníamos la sensibilidad de Isaki y la habíamos entendido, su enfoque. Y luego, cuando tuvimos dos semanas para conocer a Pol y para que entrara en el proyecto, cuando empezamos a rodar, la sensación que tuvimos fue que Pol era super respetuoso con las ideas que había fijado antes Isaki”.

SEGUNDO PREMIO TRAS QUEDAR LOS PRIMEROS

No hay duda. Es uno de los grupos básicos de esa década de la que ya han pasado 30 años. Si no, de qué iba a hacerse una película sobre su vida y milagros. Y es que a la banda granadina se le acumulan los motivos para estar de actualidad. Sobre todo, dos. Aparte de esa traslación a la pantalla de una época en que hicieron equilibrio inestable con su continuidad, en este 2024 la celebración del aniversario redondo de aquel Super 8 que fue su estreno en álbum. Atrás quedaban esos tiempos de expectación por lo que podrían dar de sí tras las nuevas sensaciones que produjeron sus dos iniciales maquetas, ambas -ha sido el único dobleteganadoras de lo que era la liga maquetera anual de mi Disco Grande. La primera era la que tenía Mi hermana pequeña y también La caja del diablo. Buena parte de esa demo se hizo disco pequeño, Medusa, editado por Elefant. En marzo sonó por primera vez en mi programa aquella cassette en donde se presentaban como un grupo que bebía de las influencias de Slowdive y My Bloody Valentine. Era el año 92 y fueron los triunfadores. Apenas un año más tarde otra demo un poco más escueta en cuanto a canciones; solo las dos que eran Brigitte y Rey Sombra. De nuevo, laureles. Y a partir de ese momento desde el Super 8 hasta el presente la imparable carrera hasta llegar a lo más alto del territorio indie. Paso a paso, sin refugiarse en el ADN de su punto de partida y experimentando con nuevos sonidos después de aquella trilogía imbatible que son sus primeros trabajos. Ahí estuvo la tele para posterizar la entrega de sus primeros premios, ganados en mi programa, y ahora el cine los lleva hasta la eternidad.

SEGUNDO PREMIO (24 mayo)

2024.

Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez.

Reparto: Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Eduardo Rejón.

POR: JULIO RUIZ

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

CRISTALINO PRESENTA ESTE MES DE MAYO DOS PROYECTOS A CUÁL MÁS INTERESANTE. EN PRIMER LUGAR, SU DEBUT COMO ACTOR EN ‘SEGUNDO PREMIO’, MAGISTRAL (NO) BIOPIC DE LOS PLANETAS, ENCARNANDO A FLORENT. TAMBIÉN EL ESTRENO DE SU NUEVO SINGLE, ‘A Z’, DONDE A SU SINGULAR MANERA SE ACERCA A LA ÉPICA URBANA DE ARTISTAS COMO TRAVIS SCOTT O KANYE WEST.

ojo al talento de cristalino. en primer lugar, por su fulgurante debut actoral en Segundo premio, en el que el artista granadino encarna uno de los personajes principales de este bello y poliédrico retrato de la época más convulsa de la historia de Los Planetas, “El guitarrista”, trasunto de Florent. Por otro lado, Cristalino, nombre artístico de Fran Ocete, se sitúa en la nueva constelación de músicos surgidos del panorama musical granadino, donde ha formado parte de bandas como Pájaro Jack, Brío Afín y Dolorosa. Años de aprendizaje hasta que, ya en 2020, se presenta en sociedad con este proyecto en solitario. Cristalino bien podría haberse bautizado Crisol, por cuanto en su proyecto musical convergen estilos diversos que van del folk o el rock -que definía a sus Pájaro Jack- hasta los sonidos urbanos y la electrónica. Todo eso lo encontramos en un primer EP, homónimo, publicado en 2023 y que cuenta con la colaboración de Jaime Beltrán, quien precisamente fundó Pájaro Jack con Fran. Un trabajo que desde su radical independencia -publica Casa Maracas- aspira a presentarle como artista pop total: los coqueteos experimentales de esas cuatro canciones terminan aterrizando a tierra por la emotividad de su voz, por una rara habilidad melódica que le sitúa en ese terreno de nadie del que es y se sabe diferente. Esta singularidad que hace tan especial su propuesta y que al mismo tiempo parece condenarle al malditismo -algo que comparte con Edu Requejo, con el que hace un año colaboraba en el tema Mala vuelta- define también su nuevo single, A Z, que se publica el 3 de mayo y que Cristalino define como “un punto nuevo en la producción. Un camino, una forma de cantar mía que es algo más pausada, un poco más casi hablada digamos. Un poco más hip hop sin llegar a ser hip hop, con trazas de pop intimista pero con influencias de las grandes producciones de música urbana, un

poco rollo el de Kanye West o Travis Scott, como estas producciones que suenan un poco épicas… Un tema en el que hemos hecho un juego que es algo muy común, pero que luego no es tan sencillo, que es comenzar cada frase con una letra del abecedario. Comenzó como un juego para inspirarme y ha acabado siendo una canción que habla de un tema serio, que son las relaciones a distancia, de un sufrimiento… Y a la vuelta del verano seguramente publiquemos un conjunto de canciones, todavía no hemos decidido si será un EP o un álbum”.

Trayectoria al alza que estalla con su participación interpretativa en Segundo premio . Un proyecto al que se acercó durante los primeros pasos del mismo, cuando Jonás Trueba se encontraba todavía como director asociado al mismo. Trueba decidió reunirse con toda la esfera musical actual del panorama granadino. Y esa oportunidad no la dejó escapar Cristalino: “Mi entorno, Mafo, Chesco, Arturo, ya estaba metido, y un día vinieron a un concierto Jonás Trueba y su directora de casting y me presenté. Jonás me dijo que al día siguiente fuera a tomar un café y así charlábamos. Y así fue como los conocí, aunque en esa ocasión no me vieron para interpretar ninguno de los papeles de la película”. Todo eso cambiaría después, en el momento en que Jonás Trueba deja el proyecto y aparece en la ecuación Isaki Lacuesta. Es en ese momento cuando la directora de casting, que continuaba en el proyecto liderado por Isaki, le llamó de nuevo: “Hicimos un casting con él y en esa ocasión ya se quedaron con Mafu y con Chescu, que interpretarían respectivamente al batería y al bajista, y conmigo”. Lo que no se esperaba en un principio Cristalino es que pudiera acabar interpretando al co-protagonista del relato, a Florent, el guitarrista de Los Planetas: “Cuando yo me presento por primera vez, en la etapa de Jonás, los papeles estaban distribuidos de manera distinta. Chescu iba a ser en principio Florent. Y, en realidad, al principio con que me dieran el papel del teclista o de algún amigo de la banda, yo estaba contento, porque me parecía genial participar en una película con mis amigos. Lo que tenía era ilusión por participar, de la manera que fuera, dentro de un proyecto que me parecía genial, pero en ningún momento pensé que acabaría interpretando a Florent. Pero a medida que fueron pasando los días de las pruebas de casting y que Isaki veía las pruebas en vídeo de cada uno de nosotros los roles empezaban a estar mucho más claros”. Un Florent con el que no pudo hablar durante el proceso de creación de la cinta, como nos relata el propio Cristalino: “Tampoco me encontré con él en ningún momento, aunque posteriormente, cuando acabamos de rodar la cinta, sí que tuve la oportunidad de conocerle y charlar. Lo que sí hice fue basarme en entrevistas, en la sensación general que él transmite, los libros que hay escritos... Pero en esos mismos libros tampoco sabes hasta qué punto todo es verdad, ¿no?”.

Entre la historia real y la leyenda... elige siempre la leyenda. Es una máxima del cine (y del periodismo musical) que Los Planetas han sabido alimentar. Lo tenían todo para que así fuera: un puñado de canciones que definen a la Generación X española, un líder con tendencia a la hipérbole y pagado de sí mismo, un lugarteniente hierático y misterioso, coqueteos con las drogas... Y, sin embargo, no será por falta de literatura a propósito de la banda de Granada que ha sido escrutada por la prensa musical (primero) y cultural (después) casi desde el momento en que publicaron sus primeras canciones. Las revistas musicales del momento, Rockdelux, Spiral -aventura editorial de corta duración tras la que se encontraban los responsables del FIB y del sello Elefant, que publicó la primera referencia de Los Planetas- o Mondo Sonoro dedicaron portadas y ríos de tinta en aquellos tardíos noventa que marcaron el tránsito que ahora refleja Segundo premio. En aquel momento se publicó el primer libro a propósito del grupo, casi una elegía a cargo de Jesús Llorente, Los planetas. La verdadera historia (Ediciones RDL, 1999). Al que complementa Una semana en el motor de un autobús (Lengua de Trapo, 2011), de Nando Cruz, gráficamente subtitulado La historia del disco que casi acaba con Los Planetas. Alfonso Méndez planteaba una inmersión en los orígenes del grupo con De viaje por Los Planetas: Una nueva dimensión, (Ondas del Espacio, 2014). Aunque si lo que te va es el gossip, y hasta que llegue esa prometida autobiografía de Jota, no hay mejor lectura que Cuatro millones de golpes y Viaje al centro de mi cerebro, dos libros que condensan las alucinadas memorias de Eric Jiménez, batería de la banda desde 1998. A partir de estas lecturas se puede plantear la verosimilitud de este biopic no oficial que ahora llega a los cines.

EL MUNDO DE LA MÚSICA ESTÁ LLENO DE ESTRELLAS QUE NOS DEJARON DEMASIADO PRONTO, Y AMY WINEHOUSE NO ES LA EXCEPCIÓN. SU PRODIGIOSA VOZ, SU REAVIVACIÓN DEL JAZZ Y LA ACTITUD INTRÉPIDA Y SIN TAPUJOS LE OTORGARON EL ESTATUS DE ICONO. A CASI 13 AÑOS DE SU MUERTE, SE ESTRENA EN CINES EL BIOPIC QUE BUSCA REIVINDICAR SU TALENTO Y VOLVER A TRAER A LA LUZ A UNA FIGURA OPACADA POR LAS CIRCUNSTANCIAS QUE LA LLEVARON A LA RUINA. ES EL HOMENAJE PENDIENTE A UNA DE LAS GRANDES VOCES DE ESTA GENERACIÓN.

POR: DANIELA URZOLA

“no escribo canciones para ser famosa. escribo canciones porque tengo que sacar algo bueno de lo malo”. Con estas palabras cierra el tráiler de Black to Black, un proyecto de varios años que este mes llega por fin a las salas de cine en todo el mundo. Se trata del biopic de Amy Winehouse, la famosa cantante británica que revolucionó el mundo con su música y su personalidad, y cuya muerte a los 27 años dejó una profunda herida en el corazón de la industria y sus seguidores. Casi diez años después del premiado documental Amy (Asif Kapadia, 2015) volvemos a asistir a la trágica historia de Winehouse, esta vez pasada por la lente de la ficción: de su vida y su música, así como la relación indivisible entre una y otra. Back to Black retrata a Amy desde sus inicios y hasta su final: de los años como adolescente, creciendo en el barrio londinense de Camden y componiendo canciones con la mezcla de emoción y humor que caracterizará toda su obra, hasta su ascenso y caída en el a veces tan cruel mundo de la fama.

Sam Taylor-Johnson, conocida por su adaptación del fenómeno superventas 50 sombras de Grey, es la encargada de llevar la historia de Amy a la gran pantalla. Esta no es su primera incursión en el mundo de los biopics: en su ópera prima, Nowhere Boy (2009), retrató a un John Lennon adolescente en su camino previo a The Beatles, esforzándose por mostrar a la persona detrás de

la superestrella. Es esta mirada íntima y honesta la que Taylor-Johnson emplea también en su retrato de Amy Winehouse, escrito a cuatro manos con Matt Greenhalgh, coguionista también de su primer largometraje y responsable del guion de Control (2007), el famoso biopic de Joy Division dirigido por Anton Corbijn. La cineasta ha mencionado que su intención era contar todo a través de los ojos de Amy, una tarea que solo era posible recurriendo a su música: “El único sitio donde podía encontrar su verdad era en la música que componía, por eso decidí contar la historia con sus propias palabras, a partir de las canciones que escribía, a las que entregaba su alma”, dice, añadiendo que el filme “es una carta de amor para Amy Winehouse escrita con su voz, sus palabras y desde su punto de vista”. Una perspectiva personal que conlleva la difícil tarea de mostrar al mundo a esa Amy de fuera de los tabloides, superando la controversia y resaltando su talento por encima de todo. Por su parte, el reto de dar vida a una de las más grandes estrellas musicales de la historia recae en Marisa Abela, reconocida por las series Industry y Cobra y por su participación en la Barbie de Greta Gerwig. Ella fue la primera opción de Taylor-Johnson desde que la vio en la prueba. Sobre esta elección comenta Nina Gold, directora de casting, que lo más importante no era encontrar un gran parecido físico sino dar con alguien que supiera

meterse bajo la piel de Amy. Esto fue lo que encontraron en Abela, quien se preparó para el papel reuniendo la mayor información posible sobre Amy y tomando clases de canto con el productor Girls Martin para imitar su voz lo mejor posible. En el reparto la acompañan Eddie Marsan -en el papel de su padre Mitch-, Juliet Cowan -en el de su madre Janis-, Lesley Manville -como su abuela Cynthia-, Sam Buchanan y Ansu Kabia -como sus agentes Nick y Raye-, y completa el reparto Jack O’Donnell -salido de la mítica serie británica de adolescentes Skins y ganador del BAFTA a la Estrella Emergente en 2015-, quien encarna a su gran amor, Blake Fielder-Civic. La relación entre Amy y Blake es precisamente uno de los ejes centrales de la cinta, retratando sus altibajos desde el momento en que se conocen y se enamoran casi de manera instantánea hasta sus múltiples rupturas y el descenso conjunto al mundo de las drogas. Es esta relación, tóxica e intensa, la que inspira el álbum sobre el que gira el filme y que le supuso a Amy su mayor hito musical - Back to Black llegó a vender 16 millones de copias y obtener 5 premios Grammy. “La película está contenida dentro del álbum Back to Black, y la veo como una historia de amor contada a partir de la historia de amor que dio pie al disco”, afirma Taylor-Johnson.

TODOS QUIEREN SER UN GATO JAZZ

BORN TO BE BLUE

Robert Budreau, 2015

A Ethan Hawke se le ve encantado interpretando a otro de los grandes malditos que ha dado el género, Chet Baker, en un momento de reconstrucción personal.

NINA SIMONE

Cynthia Mort, 2016

La gran matriarca del soul mereció mejor homenaje en su paso por la gran pantalla que esta tragicómica cinta -lo es sin pretenderlo- con Zoe Saldana dándole vida.

LA MADRE DEL BLUES

George C. Wolfe, 2020

Se la bautizó como "madre del blues", pero en realidad a Ma Rainey (1886-1939) le debemos el giro de ese género hacia el jazz. Y esta es su historia...

MILES AHEAD

Don Cheadle, 2015

Un Miles Davis desaparecido y consumido por dolores y drogas recupera sus últimas grabaciones de la mano del reportero Dave Braden.

AMY WINEHOUSE EN EL AUDIOVISUAL

1. Amy (Asif Kapadian, 2015) Antes del biopic llegó el documental. Ganador del Oscar, recurre a material de archivo para brindar un retrato caleidoscópico de la famosa cantante, incluyendo sus hitos musicales y sus luchas, tanto internas -la adicción- como externas -la prensa amarilla, sus relaciones, etc.-.

2. Reclaiming Amy (Marina Parker, 2021) Mediometraje documental hecho para la TV que conmemora la figura de Winehouse en el décimo aniversario de su muerte, incluyendo intervenciones de su familia y amigos cercanos.

El resultado es un filme que traza los hitos, personales y profesionales, que llevaron a la publicación de uno de los mejores discos de siempre, que incluye éxitos como Rehab, You Know I'm no Good, y Tears Dry On Their Own Para lograr esta intersección constante de la historia de Amy con sus temas musicales fue importante contar con la colaboración de sellos como Universal y Sony, así como con asesores musicales que trabajaron de cerca con Amy: Dale Davis (bajista) y Ade Omotayo (corista). Y, aunque en un principio se pretendía usar la música de Amy directamente, la magnífica interpretación de Marisa Abela dio pie a volver a grabar las canciones con su voz. A esto se le suma una ambientación por parte de Nick Cave y Warren Ellis que, sin ser excesivamente dramática, logra transmitir la cantidad de emoción necesaria para la historia.

Otro aspecto notable fue la caracterización de Abela como Amy, un

trabajo destacado de vestuario y maquillaje que logra recrear su look emblemático -desde el peinado colmena hasta su marcado cat eye e incluso sus distintivos tatuajes, que van evolucionando con la historia-, pero también reflejar sus estados de ánimo y las transformaciones que sufrió a causa de sus batallas contra la adicción y la bulimia. “Era feliz no pareciéndose a nadie más, tenía un sentido único del estilo”, dice la diseñadora PC Williams, quien además contó con colaboradores para recrear algunos de sus outfits más reconocidos, como el Dolce & Gabbana que lució en los Grammy de 2008. En Back to Black queda plasmado un intenso trabajo por intentar comprender a una artista incomprendida, reducida en muchas ocasiones a su lado más oscuro, pero que, en realidad, como su voz, está llena de matices. Una bella forma de homenajear y reconfigurar la memoria colectiva de la gran Amy Winehouse.

2024.

Studio Canal / Universal Pictures

Dirección: Sam

3. Classic albums: Back to Black (Jeremy Marre, 2018) Episodio documental de la serie de la BBC que, como Back to Black, se centra en la creación del segundo y último álbum de la cantante londinense. Cuenta con la participación de Mark Ronson y Salaam Remi.

4. I Told You I Was Trouble (Hamish Hamilton, 2007) Otra mirada a la figura de Amy, esta vez en el formato de película-concierto, permitiendo ver a la promesa del jazz en todo su esplendor durante un 29 de mayo de 2007 en The Shepherd’s Bush Empire, Londres.

5. Tears Dry On Their Own (David LaChapelle, 2007) El fotógrafo norteamericano retrata a una Amy con múltiples capas en este icónico videoclip de la era Back to Black

BACK TO BLACK (12 abril)

Reino Unido.

Taylor-Johnson. Reparto: Marisa Abela, Jack O’Connell, Ryan O’Doherty, Lesley Manville.

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

LA LLEGADA A LA CARTELERA DEL BIOPIC DE AMY WINEHOUSE, 'BACK TO BLACK', 'SEGUNDO PREMIO' -LA CINTA DE ISAKI LACUESTA Y POL RODRÍGUEZ

SOBRE LOS PLANETAS- Y 'DISCO, IBIZA, LOCOMÍA' DE KIKE MAILLO, DEMUESTRA

QUE EL BIOPIC MUSICAL NO PASA DE MODA COMO GÉNERO. ESTA, DE HECHO, ES SOLO UNA PRIMERA OLEADA DE TÍTULOS, CON INFINIDAD DE NUEVOS TRABAJOS POR VENIR COMO 'A COMPLETE UNKNOWN' -EL BIOPIC SOBRE BOB DYLAN INTERPRETADO POR TIMOTHÉE CHALAMET-, 'JACKSON' -DIRIGIDA POR ANTOINE FAQUA E INTERPRETADA POR EL SOBRINO DEL PROPIO MICHAEL- O CALLAS -LA INMERSIÓN DE PABLO LARRAÍN EN UNA FIGURA TAN ENIGMÁTICA COMO LA DE MARÍA CALLAS, A LA QUE DARÁ VIDA ANGELINA JOLIE-. TODO ESO SIN

OLVIDAR LAS CUATRO PELÍCULAS DE THE BEATLES QUE SE ENCUENTRAN EN FASE DE DESARROLLO CON SAM MENDES A LOS MANDOS O LA CINTA CON LA QUE JEREMY ALLEN WHITE-PAREJA DE ROSALÍA: TODO QUEDA EN CASA- SE METERÁ EN LA PIEL DE BRUCE SPRINGSTEEN. EN REALIDAD LA HISTORIA DEL BIOPIC MUSICAL VIENE DE LARGO, COMO QUEDA CLARO ATENDIENDO A ESTE TOP 50 DE PELÍCULAS IMPRESCINDIBLES, CON LAS

QUE DESCUBRIMOS QUE LA TRAGEDIA, EL DRAMA Y LOS EXCESOS SON NECESARIOS PARA CONVERTIRSE EN UNA LEYENDA DE LA MÚSICA...

THE DOORS

Oliver Stone / 1990

Menospreciada en el momento de su estreno, el biopic del grupo The Doors en general y de su líder Jim Morrison en particular, posiblemente sea una de las obras cumbres de un cineasta, Oliver Stone, que dedicó buena parte de su carrera a reconstruir la convulsa década de los años sesenta estadounidense desde múltiples perspectivas. Y nadie mejor para representar la muerte del sueño americano, el trauma del asesinato de Kennedy y las atrocidades de la guerra de Vietnam, que el grupo californiano The Doors. Se trata de una cinta lisérgica, excesiva, provocadora y atrevida, donde Stone no deja títere con cabeza en su mirada áspera hacia los excesos de una generación y de una industria que fagocitaron a Jim Morrison. Inconmensurable Val Kilmer, acompañado por un reparto en el que brillan con luz propia Meg Ryan, Kyle McLachlan y un perturbador Crispin Glover en su cameo como un mefistofélico Andy Warhol.

LAST DAYS

Gus Van Sant / 2005

24 HOUR PARTY PEOPLE

Michael Winterbottom / 2002

Centrada en la figura de Tony Wilson, la obra magna de Winterbottom y la gran cinta sobre Madchester, de Joy Division a Happy Mondays.

GAINSBOURG

Joann Sfar / 2010

El dibujante francés traslada el lenguaje de la bande desinée a este imaginativo retrato sobre una figura bigger than life como la de Serge Gainsbourg.

LETO

Kirill Serebrennikov / 2018

Fundamental para entender, conocer y comprender el panorama del punk rock en Leningrado durante los años más oscuros de la dictadura comunista rusa.

Tras Gerry y Elephant, tercera entrega de una trilogía que define el angst existencial de toda una generación. Este biopic apócrifo sobre los últimos días de vida de un supuesto Kurt Cobain, fascina por el cripticismo y nihilismo inherente a las mejores obras de Van Sant -en especial la fantasmagoria que envuelve al relato potenciado por un Michael Pitt, en la piel del líder de Nirvana -casi poseído por la figura real, al igual que Van Kilmer por Morrison en la obra de Stone- tan carismático como frágil y humano. 2 9 13 8 12 3 11 10

A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS

Joel y Ethan Coen / 2013

Biografía de Dave Van Ronk según la autobiografía The Mayor of MacDougal Street, nos deja un emocionante retrato de la escena folk del Greenwich Village.

BLAZE

Ethan Hawke / 2018

El actor Ethan Hawke se estrenaba como director en este humilde, seco, directo y desconocido biopic musical sobre la figura del cantante country Blaze Foley.

BIRD

Clint Eastwood / 1988

En una de sus mejores obras, la tormentosa vida del saxofonista Charlie Parker sirvió a Eastwood para demostrar que había vida más allá del western.

BARBARA

Mathieu Amalric / 2017

Metaficcional, introspectiva y enigmática, con tintes de Persona -el filme de Bergman-, indagación en la figura de la cantante francesa Barbara.

CONTROL

Anton Corbijn / 2007

Anton Corbijn echaba la vista atrás a su etapa como fotógrafo de Joy Division y se estrenaba como cineasta con este biopic intimista sobre Ian Curtis.

I’M NOT THERE

Todd Haynes / 2007

Caleidoscópico y brillante ejercicio de estilo entre la ficción y el documental de Todd Haynes, sobre un mito musical tan complejo como Bob Dylan.

SID Y NANCY

Alex Cox / 1986

Conocimos a Gary Oldman con este olvidado y más que reivindicable biopic sobre la tormentosa relación entre Sid Vicious y su pareja Nancy Spungen.

PRISCILLA

Sofia Coppola / 2023

Fastuoso ejercicio de cámara sobre la relación entre Priscilla y Elvis y que sirve de b-side de la más carnavalesca y mitificada visión de Baz Luhrmann

2022

A priori, la unión de un cantante y una figura de la importancia de Elvis Presley no podía estar en mejores manos que en las de un director tan excesivo, desmadrado y atrevido como Baz Luhrmann. Sobre todo cuando la cinta tuviera que adentrarse en los últimos y enloquecidos años del rey del rock. Y aunque la película contiene algunos de los mejores momentos de la filmografía de Luhrmann, el excesivo peso del personaje del coronel, interpretado por un histriónico Tom Hanks, desvirtúa los aciertos de una obra más que correcta, en especial la interpretación de un magnífico Austin Butler como Elvis.

ELVIS Baz Luhrmann /

EN LA CUERDA FLOJA

James Mangold / 2005

Joaquín Phoenix se mete en la piel de un atormentado Johnny Cash y Reese Whiterspoon nos deja boquiabiertos como June, el gran amor de Cash.

20

EDEN

Mia Hansen-Love / 2014

La vida de dj de su hermano Sven sirve a Mia Hansen-Love para entregar esta oda crepuscular al French Touch, el movimiento del que surge Daft Punk.

STRAIGHT

OUTTA COMPTON

F. Gary Gray / 2015

El pistoletazo de salida del gangsta rap a partir de la historia de Ice Cube, Dr. Dre, Eazy-E y compañía. O lo que es lo mismo: desde Compton, N.W.A.

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8 MILLAS

Curtis Hanson / 2002

Este biopic apócrifo sobre su vida le dio a Eminem la posibilidad de convertirse en el icono musical por antonomasia de la primera mitad de los dosmiles.

ROCKETMAN

Dexter Fletcher / 2019

Recién salido de salvar los muebles de la dirección de Bohemian Rhapsody, Dexter Fletcher se encargaría de otro de los mitos musicales pop british, el siempre excesivo Elton John, encarnado con mucho ímpetu por Taron Egerton y guionizado por un experto en cine musical, Lee Hall-a su vez responsable del libreto de la versión cinematográfica de Billy Elliot-. Un libreto que hace uso del flashback -la cinta arranca con Elton John ingresando en la clínica de rehabilitación y haciendo un repaso de su vida hasta ese momento- para acabar culminando la obra con un canto a la superación, recordando a sus espectadores que Elton John lleva más de 28 años sobrio. Entre medias, alcohol, cocaína, hachís, mucho sexo y un repaso a sus greatest hits.

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GRAN BOLA DE FUEGO

Jim McBride / 1989

La música de los años cincuenta y sesenta tuvo un nuevo momento de gloria durante la era Reagan, en una estrategia para reinterpretar un tiempo que no era tan idílico como se quería aparentar. Gran bola de fuego no solo popularizó de nuevo en el momento de su estreno los sonidos de aquella época fundamental del rock, sino que se atrevió a adentrarse en territorios incómodos, como la perversa relación de un Jerry Lee Lewis (Dennis Quaid) y su prima de trece años, interpretada por una jovencísima Winona Ryder.

LA VIDA EN ROSA

Olivier Dahan / 2007

El biopic de Edith Piaf no solo redescubrió La vie en rose a toda una generación, sino que puso en el punto de mira a Marion Cotillard más allá de Francia.

THE DIRT

Jeff Tremainer / 2019

Basada en la biografía homónima de Mötley Crüe, Jeff Tremaine narra el ascenso de unos bandarras de cuidado como Tommy Lee y Nikki Sixx.

SHINE Scott Hicks / 1996

El pianista David Helfgott tuvo sus 15 minutos de fama con esta cinta que en 1996 fue nominada a 8 categorías y le daría el Oscar al protagonista, Geoffrey Rush.

THE RUNAWAYS

Floria Sigismondi / 2010

Una pequeña joya a descubrir, donde brillan con luz propia Kristen Stewart como Joan Jett y Dakota Fanning en el papel de Cherie Currie.

LA BAMBA

Luis Valdez / 1987

El cantante Ritchie Valens tuvo un resurgimiento en la cultura popular con esta humilde cinta que volvió a convertir La bamba en hit de radiofórmula.

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BACKBEAT

Iain Softley / 1994

Pequeña producción que descubre la historia de Stuart Sutcliff, el quinto Beatle. La Backbeat Band la formaban miembros de Nirvana, R.E.M. y Sonic Youth.

DETRÁS DEL CANDELABRO

Steven Soderbergh / 2013

Producción televisiva para HBO y uno de los trabajos más reconocidos del polifacético Steven Soderbergh, con un Michael Douglas excelso como Liberace.

RAY Taylor Hackford / 2004

Jamie Foxx ganaría su primer Oscar con este eficiente relato sobre la vida de Ray Charles, reverdeciendo la carrera del director de Oficial y caballero

BOHEMIAN RHAPSODY

Bryan Singer, Dexter Fletcher / 2018

Verdadero sleeper de los últimos años, sobre todo porque la producción de la misma acabó con el despido de su director principal, Bryan Singer -que fue sustituido por Dexter Fletcher-. El biopic sobre la meteórica carrera de Freddie Mercury contaba con el aliciente de culminar en su momento más potente, su actuación en el mítico concierto benéfico Live Aid, escena en la que Rami Malek se deja la piel, emulando la interpretación de Mercury de, consecutivamente, Bohemian Rhapsody, Radio Ga Ga y We Are the Champions

TINA

Brian Gibson / 1993

La nunca suficientemente reivindicada Angela Bassett da su do de pecho interpretativo, convirtiéndose física y psicológicamente en Tina Turner.

CAMARÓN

Jaime Chávarri / 2005

Óscar Jaenada se transforma y fund en Camarón en este relato dirigido y escrito por Jaime Chávarri, apoyado en la escritura por Álvaro del Amo.

NOWHERE BOY

Sam Taylor-Johnson / 2009

La historia de un joven John Lennon. El principal aliciente es descubrir a un joven Aaron Taylor-Johnson como el músico en la etapa pre Beatles.

I WANNA DANCE WITH SOMEBODY

Kasi Lemmons / 2022

Siete años después del telefilme de Angela Bassett, la dramática vida de Whitney Houston llegaba a la gran pantalla.

SELENA Gregory Nava / 1997

La trágica muerte de la cantante

Selena sirvió a Jennifer López para demostrar su talento interpretativo y dar los primeros pasos como ídolo de masas.

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STONED, EL GENUINO ROLLING STONE

Stephen Woolley / 2005

La muerte de Brian Jones, fundador de los Rolling, es el centro de una cinta que surge de la larga investigación de su director.

NICO, 1988

Susanna Nicchiarelli / 2017

El misterio alrededor de la musa de Andy Warhol se deja entrever en esta aproximación a sus últimos años de vida, en un proyecto ideado por Susana Nicchiarelly y la actriz Trine Dyrholm, en el que esta última se reuniría con el hijo de la propia Nico para desentrañar sus últimos años de vida en la segunda mitad de la década de los ochenta.

BOB MARLEY: ONE LOVE

Reinaldo Marcus Green / 2024

El biopic del hombre que internacionalizó el reggae se queda en tierra de nadie, y apenas sirve para que las nuevas generaciones recuperen su música.

CREATION STORIES

Nick Moran / 2021

A diferencia de Tony Wilson, el responsable del éxito de Oasis, My Bloody Valentine o Primal Scream no ha tenido que morirse para tener su propia película.

EL OCASO DE UNA ESTRELLA

Sidney J. Furie / 1972

La trágica vida de Billie Holliday es el centro de este biopic cuya principal baza es ver a Diana Ross meterse en la piel del gran mito del jazz.

LA ESTRELLA AZUL

Javier Macipe / 2023

La biografía del líder de Mas Birras da pie a la ópera prima del argentino Javier Macipe, difuminando los límites entre ficción, no ficción y metaficción.

I FEEL GOOD

Tate Taylor / 2014

Chadwick Boseman siempre será recordado por su icónico Black Panther. Pero antes de que Marvel llamara a su puerta, se metió en la piel de James Brown.

RESPECT

Liesl Tommy / 2021

Este biopic sobre Aretha Franklin (aquí Jennifer Hudson) nos hace añorar al muy superior documental, Amazing Grace, estrenado solo tres años antes.

JERSEY BOYS

Clint Eastwood / 2014

Menos conseguida que Bird, esta otra incursión de Eastwood en el biopic musical nos descubre los orígenes de Frankie Valli y su grupo The Four Seasons.

QUIERO SER LIBRE

Michael Apted / 1980

Irregular pero interesante aproximación a la figura de la cantante country Loretta Lynn, interpretada por una joven Sissy Spacek y con Tommy Lee Jones.

STARDUST

Gabriel Range / 2020

Con su muerte el 10 de enero de 2016 se dispararon la cantidad de documentales, reportajes, obituarios y homenajes centrados en David Bowie. A destacar, el documental Moonage Daydream de Brett Morgen. Lamentablemente Stardust, la ficcionalización de su vida de la mano de Gabriel Range, no cumplió las expectativas.

NOCHE Y DÍA

Michael Curtiz / 1946

Solo por ver a Cary Grant ponerse en la piel del cantante Cole Porter, bien merece revisitar esta cinta algo olvidada del director de Casablanca

THE JOLSON STORY

Alfred E. Green / 1946

El biopic musical no es cosa del presente. Y esta cinta sobre la vida del cantante protagonista de El cantor de jazz, es la mejor prueba.

LOVE & MERCY

Bill Pohlad / 2014

Brian Wilson, el enigmático líder de los Beach Boys, tuvo su propio biopic interpretado por el inescrutable y creepy Paul Dano, en su versión juvenil, y John Cusack. en su versión madura de los ochenta. El cineasta Bill Pohlad se adentra en los problemas de salud mental del líder de una banda que redefiniría el sonido pop en el imprescindible Pet Sounds. Un álbum que se sitúa en el centro de la narración, compartiendo metraje con la terapia de 24 horas del doctor

Eugene Landy (interpretado por Paul Giammati) a la que se sometería la torturada estrella. Un trabajo del que el propio Wilson admitiría que es muy certero y veraz, aunque inevitablemente algunos de los pasajes de la película son abiertamente licencias que surgen de la ficción.

LA VIDA SIGUE IGUAL

Eugenio Martín / 1969

Julio Iglesias proytagonizó su propio biopic y la película, justita pero con BSO de Waldo de los Ríos, se convirtió en un fenómeno en España y... ¡Cuba!

MÚSICA Y LÁGRIMAS

Anthony Mann / 1954

James Stewart interpreta a Glenn Miller, el exitoso músico que abandonó su carrera para entretener a las tropas americanas en la 2ª Guerra Mundial.

landing discos

POR: DIEGO RUBIO

Radical Optimism

Warner 3 mayo

La luminaria pop más importante de Europa -con permiso de Rosalía y Adeleregresa con su esperado tercer disco, una reconciliación consigo misma y con el mundo en la que pone por delante la diversión con un optimismo radical. Que no te engañe: Dua Lipa sigue siendo una perfeccionista obsesiva, y en este nuevo trabajo las superproducciones van incluso más allá que en Future Nostalgia: Danny L Harle (Caroline Polachek, Charli XCX) y Kevin Parker de Tame Impala se sitúan tras los controles, y ambos coinciden con Lipa en afilar hasta la extenuación cada pista, en dar con la reverb justa de cada bombo y caja, en que cada bajo tenga su punch perfecto. El retrofuturismo de la albanokosovar suena ahora más futurista que nunca, pero del mismo modo nunca dejará de vivir en una paradisíaca zona de confort. El tiempo pasa como un eclipse solar pero no todos los días se avistan cometas como el de Dua Lipa.

DANNY OCEAN

Reflexa

Atlantic

2 mayo

El cantante venezolano regresa dispuesto a enamorte en su tercer trabajo de estudio.

ALIZZZ

Conducción temeraria

Whoa / Warner

3 mayo

Como dice Christian: 10 canciones de amor, 4o minutos, o skips. Más del Rey Midas del pop urbano.

BROADCAST

Spell Blanket

Warp / Music As Usual

3 mayo

Profusa colección de demos del que pudo ser el quinto álbum de la banda antes de morir Trish.

CAMERA OBSCURA

Look to the East, Look to the West Merge / Popstock!

3 mayo

La banda escocesa sale de su letargo de una década con nuevo, emocionante y floreciente trabajo.

JESSICA PRATT

Here in the Pitch City Slang

3 mayo

Desborda como nunca la angelina, llevando su voz a nuevos registros y su música a lo sublime.

KAMASI WASHINGTON

Fearless Movement Young / Popstock!

3 mayo

El Kamasi más tangible, rodeado de raperos y de ritmos terrestres, toma las riendas en este disco.

CHARLOTTE DAY WILSON

Cyan Blue Universal 3 mayo

Portada de NUEBO en el pasado mes de abril, la cantautora canadiense expande su sonido más allá de su dormitorio y más allá de las dendritas de la escena de Toronto, con la que se relaciona desde el principio de su carrera musical, en Cyan Blue. Un trabajo de R&B vanguardista y experimental pero, al mismo tiempo, de alma (soul) pop.

THE LEMON TWIGS

A Dream Is All We Know Captured Tracks / Popstock! 3 mayo

No les digáis a los newyorkers que salgan de su fiebre sesentera que ahí se les ve tan felices.

AMEN DUNES

Death Jokes

Sub Pop 10 mayo

Nuevo giro del cantautor neoyorquino, esta vez hacia un sonido más electrónico y embriagador.

A. G. COOK

Britpop

New Alias 10 mayo

La magnus opus de un productor que ya ha pasado a la historia como uno de los grandes renovadores del pop vía PC Music. Tres discos, 24 tracks y un viaje por el presente, el pasado y el futuro del británico, de su interpretación de la genealogía clubber británica y del desarrollo digital.

KINGS OF LEON Can We Please Have Fun Love Tap / Capitol 10 mayo

¿Recuperarán la garra los de Nashville en este back to basics que les aleja de RCA?

COMBO PARADISO Todo bien todo el rato Calaverita 10 mayo

El soul rock a la española tienen un nombre, y son los gallegos Combo Paradiso. Segundo disco.

DOUGLAS DARE Omni Erased Tapes 10 mayo

Tercer disco del británico, una suerte de Marc Almond de la música contemporánea.

EL MOMENTO INCÓMODO Soy consciente Autoeditado 10 mayo

Debut -por fin- del proyectazo de Malena Fernández, en la estela de unas Boygenius.

HOW TO DRESS WELL I Am Toward You Sargent House / Popstock! 10 mayo

La medicina psicodélica inspiró este álbum con claras reminiscencias del último James Holden.

I. JORDAN

I Am Jordan

Ninja Tune / [PIAS] 10 mayo

Jordan celebra su identidad trans y a su comunidad en un esperado debut que cumple lo prometido.

JIM WHITE & MARISA ANDERSON

Swallowtail

Thrill Jockey / [PIAS] 10 mayo

Batería y guitarrista afianzan su relación sobre una paleta especulativa, improvisadora, ambiental.

KEELEY FORSYTH

The Hollow FatCat / [PIAS] 10 mayo

Nos adentramos en el lado oscuro de la mano de la compositora minimalista norteamericana.

AMOR BUTANO

Te noto cambiada Elefant 17 mayo

El pop shiny y ochentero no pierde fuelle entre las nuevas generaciones. Prueba en forma de EP.

BETH GIBBONS

Lives Outgrown Domino / Music As Usual 17 mayo

22 años después de su colabo con Rustin Man, el esperado debut en solitario de la voz de Portishead.

ISOBEL CAMPBELL

Bow to Love Cooking Vinyl / Popstock! 17 mayo

Otro ejercicio folk-pop de la cantante de Glasgow, fundadora de Belle and Sebastian.

MAVERICKS

Moon & Stars

Thirty Tigers / Popstock! 17 mayo

Un nuevo paseo por el sur musical de EEUU comandado por estos colosos de la americana.

TWENTY ONE PILOTS

Clancy

Fueled by Ramen 24 mayo

Los reyes absolutos del neopatinete continúan la ficción conceptual del héroe distópico Clancy, la ciudad apocalíptica de Dema y el reino de Trench con un trabajo más clarificador, y más incendiario.

BILLIE EILISH

Hit Me Hard and Soft Interscope 17 mayo

Otra que, un poco como Taylor Swift, se atreve a lanzar un disco sin sencillos y con apenas promoción. De su tercer trabajo prácticamente solo conocemos el tracklist, que se filtró para luego confirmarse oficialmente, que lo ha vuelto a hacer a medias con su hermano Finneas y que lo estrenará con Fortnite. Y lo que no sabemos pero intuímos -jajaja, ¡genios!- es que será un éxito absoluto, en la línea de todo lo que ha ido consiguiendo en los últimos tiempos, segundo Oscar incluido.

SHELLAC

To All Trains Touch & Go 17 mayo

Grabado con la calma a lo largo de 6 años, regreso discográfico del trío liderado por Steve Albini.

RICHARD HAWLEY

In This City They Call You Love BMG 21 mayo

Nuevo trabajo del -auténticocrooner de Sheffield, esta vez muy centrado en las voces.

MACHINEDRUM 3FOR82

Ninja Tune / [PIAS] 24 mayo

El productor ofrece un estudio sobre la relación entre el 3/4 y el 4/4 concebido en el Joshua Tree.

DIIV Frog in Boiling Water Fantasy / Music As Usual 24 mayo

El disco que casi acaba con DIIV, su Black Album: un viaje al epicentro de nuestro apocalipsis.

MAYA HAWKE

Chaos Angel Mom+Pop 29 mayo

Modelo, cantante y actriz, la hija de Ethan Hawke y Uma Thurman entrega su tercer álbum.

REPION

Entre todas lo arreglamos

Mushroom Pillow 29 mayo

¿Cómo convertirse pasito a pasito en un estandarte del rock patrio? Pregúntaselo a Marina y Teresa.

BAT FOR LASHES

The Dream of Delphi

Universal 31 mayo

Un canto refexivo y oracular, en el que Natasha Khan media entre la maternidad y fuerzas cósmicas.

KING HANNAH

Big Swimmer

City Slang / Music As Usual 31 mayo

Sharon Van Etten apadrina a este grupazo que nos devuelve a las mejores mañanas del indie.

POR: ADRIANA RAMIRO

Dir. Frank Marshall, Thom Zimny

Documental

EEUU / 2024

Disney+ 24 mayo

Marshall y Zimny, con guion de Mark Monroe -con un historial de documentales que incluyen a los Beatles, Foo Fighters, Pavarotti o los Bee Gees-, se adentran en material inédito, entrevistas, grabaciones olvidadas y mucho contexto para componer este preciso y emotivo retrato -quizá definitivo- a la banda que revolucionó el pop americano en los sesenta y que definió en cierta medida a lo que sonaría California, con su sol abrasador, su psicodelia azuzada por la brisa marina, sus olas para surfear. Aunque el documental parte de los orígenes humildes de estos Beach Boys y narra su conversión en iconos de la cultura popular, también ofrece vistazos retrospectivos a su enorme sombra y su inacabable influencia a través de la participación de muchísimos artistas de todo corte que no se entenderían sin el quinteto responsable de Pet Sounds, de Lindsay Buckingham a Janelle Monáe.

EL MAL NO EXISTE

Dir. Ryûsuke Hamaguchi

Rep. Hitoshi Omika, Ryo Nishikawa Largo / 1 mayo

Una película hipnótica en la que el director de Drive My Car aborda el acuciante problema del turismo interior en Japón, envolviéndolo en una historia j-noir y fascinante.

INMACULATE

Dir. Michael Mohan

Rep. Sydney Sweeney, Álvaro Morte Largo / 1 mayo

Una de las grandes estrellas de Euphoria y El Profesor de La Casa de Papel protagonizan este monjil y pervertido festival del horror que sorprende por su potencia.

JUSTICIA PARA SOHEE

Dir. July Jung

Rep. Bae Doona, Kim Si-eun Largo / 1 mayo

Fuerte comentario político y crítica atroz al sistema laboral surcoreano y a la precarización de la juventud en la segunda película de la cineasta diez años después de debutar.

LA CASA

Dir. Álex Montoya

Rep. David Verdaguer, Luis Callejo

Largo / 1 mayo

Drama inteligente y justamente emotivo sobre los conflictos de las herencias familiares, con tres hermanos decidiendo qué hacer con la casa de verano de la familia.

LA IDEA DE TENERTE

Dir. Michael Showalter

Rep. Anne Hathaway, N. Galitzine Largo / 2 mayo

Comedia romántica basada en una novela picantona y protagonizada por una madre soltera y aficionada al rock que se enamora del joven líder de una banda de éxito.

MATERIA OSCURA

Dir. Blake Crouch

Rep. Joel Edgerton, Jennifer Connelly Serie / 8 mayo

Cada vez más metido en el audiovisual, el autor norteamericano adapta su novela de más éxito y nos devuelve a la ciencia ficción a la gran Jennifer Connelly.

DEEP SEA. VIAJE A LAS PROFUNDIDADES

Dir. Tian Xiao Peng Animación Largo / 10 mayo

Una fábula preciosa y preciosista con profundidades maternofiliales que demuestra que la animación china está en el mejor momento de su historia.

EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

Dir. Wes Ball

Rep. Owen Teague, Freya Allan Largo / 10 mayo

Nueva entrega de la saga reboot de El planeta de los simios, años después del reinado de César y con la humanidad sometida por los simios. Una amenaza los obligará a cooperar.

NINA

Dir. Andrea Jaurrieta

Rep. Patricia Arnáiz, D. Grandinetti Largo / 10 mayo

Especie de western costero sobre una rabiosa venganza que se sofoca cuando la protagonista reconecta con las calles que la vieron crecer, y con un futuro de posibilidades.

MARISOL, LLÁMAME PEPA

Dir. Blanca Torres

Documental / Música

Largo / 10 mayo

Personajes de ayer y de hoy rememoran la gigantesca figura de Marisol, que ardió en sobrexposición durante todo su crecimiento, en este emotivo documental.

EL ÚLTIMO

LATE NIGHT

Dir. Cameron, Colin Cairnes

Rep. David Dastmalchian, Laura Gordon

Australia / 2023 24 mayo

AUGE Y CAÍDA DE JOHN GALLIANO

Dir. Kevin Macdonald

Documental / Moda Largo / 10 mayo

Llega en un momento curioso: a Galliano lo despidieron de Dior acusado de antisemitismo. Retrato no solo de su carrera, también del significado del odio y la cancelación.

Unexpected festival del terror más camp por parte de los hermanos Cairnes, que ambientan la película en un extraño late night que sale rematadamente mal y que termina, desfilando por el camino por todos los tópicos del horror tópicamente norteamericano, en un caos demoníaco. Fantasía.

REDES VACÍAS

Dir. Behrooz Karamizade

Rep. Hamid Reza Abbasi, Sadaf Asgari Largo / 10 mayo

Un close-up inteligente pero igualmente demoledor hacia la dura realidad de la Irán actual marca el debut en la dirección de largos del cineasta afincado en Alemania.

99

Dir. John Battsek, Sam Collins

Documental / Fútbol Serie / 17 mayo

El Manchester United le recuerda al City que no ha firmado el primer triplete de la ciudad inglesa: recuerdo en tres episodios de la temporada 98/99, en la que reinaron el mundo.

MANOLO KABEZABOLO

Dir. J. Alberto Andrés Lacasta

Documental / Música Largo / 17 mayo

El realizador se enfrenta al que es su primer largometraje con un documental que sigue la vida y milagros de un icono contracultural único como es Manolo Kabezabolo.

THE 8 SHOW

Dir. Han Jae-rim

Rep. Ryu Jun-yeol, Chun Woo-hee Serie / 17 mayo

Qué decir de la cada vez más económicamente opresiva Corea del Sur: este reality mete a ocho personas entre cuatro paredes a competir por un premio que antes han de gestionar.

THE BIG CIGAR: LA GRAN FUGA

Dir. Janine Sherman

Rep. André Holland, Alessandro Nivola Miniserie / 17 mayo

Aroma blaxploitation para esta miniserie que sigue a un líder de los Panteras Negras que prepara su subterfugio hacia Cuba con la ayuda de un productor de Hollywood.

ATLAS

Dir. Brad Peyton

Rep. Jennifer Lopez, Simu Lu Largo / 24 mayo

En su afán por dar más pábulo a superproducciones y superestrellas en perjuicio de la autoría, Netflix pone a J Lo a protagonizar un thriller de superviviencia ci-fi.

SOBRE LA HIERBA SECA

Dir. Nuri Bilge Ceylan

Rep. Merve Dizdar, Deniz Celiloglu Largo / 24 mayo

Película reposada y conversacional con poso filosófico sobre el abandono, el cambio en la vida, las distintas perspectivas. Nueva maravilla del autor de Sueños de invierno

ERIC

Dir. Abi Morgan, Lucy Forbes

Rep. Benedict Cumberbatch Serie / 30 mayo

Una delirante y asfixiante serie con Cumberbatch en la piel de un marionetista de tv que desciende a la locura cuando su hijo de 9 años desaparece de camino al colegio.

JIM HENSON IDEA MAN

Dir. Ron Howard

Documental Largo / 31 mayo

Seguimos entre muñecos: Disney+ nos descubre la increíble historia del marionetista Jim Henson, que dio vida a Los Muppets y Barrio Sésamo y dirigió El laberinto

NI UNA MÁS

Dir. Miguel Sáez Carral

Rep. Nicole Wallace, Clara Galle Serie / 31 mayo

El autor de la novela homónima se pone al frente de este serial para Netflix con aires de thriller opresivo sobre mentiras, envidias, acoso escolar y ciberbullying.

TATAMI

Dir. Gil Kenan

Rep. Paul Rudd, Carrie Coon Largo / 31 mayo

Demoladora crítica al sistema misógino iraní a través del caso de una judoka a la que su gobierno obliga a retirarse del campeonato mundial. Se estrenó en Venecia.

POR:ADRIANA RAMIRO

EL CUERVO

Dir. Alex Proyas

Rep. Brandon Lee, Rochelle Davis

EE UU / 1994 / Paramount / 7 mayo

Lo que empezó como cinta de superhéroes de bajo presupuesto terminó siendo la cinta de cabecera para la comunidad goth. Y para ellos van estas ediciones espectaculares.

PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN

Dir. Pedro Almodóvar

Rep. Carmen Maura, Alaska España / 1980 / Divisa / 7 mayo

Reedición -sin extras ni novedades reseñables con respecto a las ediciones que ya conocíamos de 2016 y 2017- de la película más punk de Almodóvar.

CHICAS MALAS

Dir. Thomas Cailley

Rep. Samantha Jayne, Arturo Perez Jr.

EE UU / 2022 / Divisa

7 mayo

Adaptación musical de las correrías de las arpías in pink por los pasillos del instituto, con guion de Tina Fay. Hay edición UHD en caja metálica y muchos extras (y musiqueros).

SWEET SIXTEEN

Dir. Ken Loach

Rep. Martin Compston, W. Ruane

RU / 2002 / Divisa / 7 mayo

La película más NUEBO de Ken Loach, en la que su habitual discurso socialista y obrero se filtra a través de las esperanzas de un adolescente en los suburbios de Escocia.

LA EDAD DE ORO

Dir. Luis Buñuel

Rep. Gaston Modot, Lya Lys, Francia / 1930 / A Contrac. / 14 mayo

A la película, por primera vez en Bluray, le acompañan Un perro andaluz, e intervenciones de Paolo Bertetto, Robert Short y Franco Battiato, para sumar 2 horas de adicionales.

LA TIERRA PROMETIDA

Dir. Nikolaj Arcel

Rep. Mads Mikkelsen, Amanda Collin. Dinam / 2024 / Divisa 28 mayo

El siempre extraordinario

Mads Mikkelsen en un western con coartada histórica y contexto noreuropeo: el capitán Ludvig Kahlen en lucha contra los elementos. Pocos extras, apenas una pieza a propósito de los efectos especiales

PERFECT DAYS

Dir. Wim Wenders

Rep. Kôji Yakusho, Tokio Emoto Japón / 2023 / A Contrac. / 14 mayo

La emocionante historia del tokiota tranquilo llega acompañada de una edición de dos discos, con más de dos horas de adicionales y un libro de 60 páginas.

BON MARLEY: ONE LOVE

Dir. Reinaldo Marcus Green

Rep. K. Ben-Adir, Lashana Lynch EE UU / 2024 / Paramount / 8 mayo

En un número con especial protagonismo de los biopics musicales aquí está este repaso a la figura de Marley, con ediciones en todos los formatos y UHD en caja metálica.

VERMIN: LA PLAGA

Dir. Sébastien Vanicek

Rep. Théo Christine, Sofia Lesaffre Francia / 2023 / Divisa / 28 mayo

Las arañas mutantes se lanzan al ataque en los suburbios parisinos. Lástima de extras (no hay) que reflexionen sobre la crítica social en una cinta que es friki... y algo más.

LOS QUE SE QUEDAN

Dir. Alexander Payne

Rep. Paul Giamatti, Dominic Sessa EE UU / 2023 / Universal / 29 mayo

POR: RAMÓN BAYLOS

PAPER MARIO: LA PUERTA

Nintendo :Nintendo Switch 23 mayo

Todo apunta a ser un año algo escaso en cuanto a lanzamientos exclusivos de Nintendo Switch, dado que la comunidad tendrá que alimentarse de remakes en lo que queda de 2024. No obstante, Nintendo no podía haberse sacado algo mejor de la manga: una reimaginación del título favorito de mucha gente; de la que es para muchos la mejor entrega de la subsaga de RPGs del fontanero.

Los que se quedan (encerrados en un colegio en navidad) son un profesor cascarrabias, un alumno díscolo y la jefa de cocina de la escuela. Hay un algo de melancolía en esta historia.

MOTOGP 24

Milestone : PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 02 mayo

La saga de simuladores de motociclismo vuelve con un nivel técnico apabullante y las principales licencias de las competiciones oficiales.

V RISING

Stunlock Studios : PC 08 mayo

Encarna a un señor vampiro y siembra el caos a tu paso en un mundo sitiado por las amenazadoras fortalezas de otros jugadores que se encuentran en tu misma condición.

GHOST OF TSUSHIMA

Nixxes Software/Sucker Punch : PC 16 mayo

El juego de mundo abierto al que jugaría Akira Kurosawa llega a ordenadores con la misma historia de redención y samuráis, incluyendo sus dlc y en versión director’s cut.

SYSTEM SHOCK REMAKE Night Dive Studios : PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 21 mayo

El padre de los Immersive Sims -y de BioShock-, oscura fantasía cyberpunk, regresa al presente con gráficos, controles y mecánicas adaptadas a la modernidad.

MULTIVERSUS

Player First Games : PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 28 mayo

Warner Bros. Games se saca de la manga un juego de lucha estilo brawler a lo Smash Bros. que hace uso de las caras más reconocibles de sus series y películas.

NINE SOLS RedCandleGames : PC 28 mayo

El juego indie del mes: un título de acción y plataformas en 2 dimensiones con bien de lore y ambientado en una versión alternativa fantástica de la era del Shogunato japonés.

GUÍA DEL ARTE URBANO DE MADRID

Javier Abarca

Anaya Touring

288 p. / Viajes, historia

Desde las pinturas negras de la Quinta del Sordo hasta la patrocinada

Pinta Malasaña, la historia de las paredes grafiteadas de Madrid contada como nunca.

NO ES FIERA PARA DOMAR

Ignacio Pato

Altamarea

224 p. / Ensayo, fútbol

El fútbol en Vallecas es algo más que un negocio. Bukaneros, jugadoras, el rayo y este libro remarcan la identidad vecinal de un club tan castizo como singular.

VIAJE AL CENTRO DE LA NBA

Gonzalo Vázquez

Ediciones JC

704 p. / Baloncesto

Pocos cronistas deportivos se lanzan a la escritura con la precisión de Gonzalo Vázquez. Sus vivencias del basket USA entran más limpias que los triples de Curry.

DOC CARIBBEAN

Hugo Clemente

Colectivo Bruxista

248 p. / Bio, skate

No está mal bajarse del patín un rato y pensar cómo y cuándo empezó tu gusanillo a sostenerse con tanto flow. Si entre esas reflexiones intercalas las de Doc Caribbean, quizá veas lo fácil -o difícil- que ha resultado consolidar una afición, un deporte, una cultura sobre ruedas en tu skatepark favorito. Haciendo Hugo de médium, descubrimos las aventuras de Doc, uno de los padres del monopatín en España, conocemos cómo su descubrimiento en California despertó una afición que a la larga derivó en sustento vital, materializado en su tienda Caribbean. Desde sus experiencias, repletas de matices y recuerdos muy ilustrativos, nos lanzamos a la historia del skate y su irrupción en los años ochenta. Y volamos hasta el presente. Como escribe Carlos Galán en el prólogo: “Campeonatos de slalom, la creación del efímero Madrid Old School Skaters Club, viajes, comidas y actividades varias conformaron, durante años, un diario de bitácora que se generaba y escribía alrededor de Doc y Caribbean”. Vuelve al skatepark, y brinda tu próximo 360 kickflip a Doc.

CONTRA LA CULTURA

Bruce LaBruce

Cántico

160 p. / Bio, ensayo

Los textos punk del autor queer son tan provocadores y ácidos como sus películas y sus fotos. Nutridas peripecias entre alta y baja cultura, por primera vez en español.

BE MY BABY

Ronnie Spector

Liburuak

416 p. / Música

La chica mala del rock encandiló a Beatles, Bowie, Springsteen, Joey Ramone… Sus memorias nos permiten conocer que, a pesar de su voz y estilo únicos, no fue nada fácil.

LOS SUEÑOS DE LA DAMA SE ESCONDE

Fidel Oltra

Muzikalia

200 p. / Música

Un grupo pop ubicado en la más estricta quimera, afirma Nacho Goberna en esta larga entrevista donde revive con sumo detalle a su banda de los 80, La dama se esconde.

SAKURA. DICCIONARIO DE CULTURA JAPONESA

VVAA Satori

392 p. / Cultura japonesa

Las tres mil definiciones en páginas ilustradas no te harán hablar japonés, aunque sin duda te ayudarán a sumergirte con gusto en expresiones niponas de ayer y hoy.

EL AMOR DE LOS HOMBRES SOLITARIOS

Víctor Heringer

Sexto Piso

152 p. / Novela

Divertida, descarnada y triste a la vez, la segunda y última novela del joven autor brasileño -te echaremos de menos- es toda una declaración de amor a la vida.

CARLOTA, CARIÑO

Flor M. Yustas

Egales

404 p. / Autoficción

De traza femenina y fiel a la escritura de la experiencia, sus historias urbanas y postpandémicas, libres de estrabismo, te invitan a mirar en todas direcciones.

MADRE DE CORAZÓN ATÓMICO

Agustín Fernández Mallo

Seix Barral

240 p. / Autoficción

Título y cubierta son dos guiños a Pink Floyd, y un cebo: Mallo es tu conexión pop a su generación. Empieza por este viaje circular y ciérralo con sus botes de Nocilla. Disfrutarás.

BORRACHA MENOR

Sofía Balbuena Caballo de Troya

168 p. / Autoficción

La escritora argentina rompe estereotipos aguados y otros mitos del alcohol y la literatura, huyendo de consejos y evangelizaciones. Si bebes, escribe: otras lo hacen.

FLORES Y RUINA

VVAA

Dos Bigotes

344 p. / Relatos

Antología sobre el desamor reúne a quince jóvenes autoras y autores bajo una premisa común: el final del amor unido a la presencia de las flores. El roster es TOP!!!

EL ARTE COMO TERAPIA

Alain de Botton, John Armstrong

Phaidon

240 p. / Arte

Un libro bueno no caduca. Las páginas de esta reimpresión parecen avivar el debate, no exento de polémica: ¿Puede una obra de arte ser fuente de felicidad?

EN EL CORAZÓN REPENTINO

Simone Weil

Ya lo dijo Casimiro Parker

88 p. / Poesía

Weil nunca vio sus poemas publicados. Por suerte -y en edición bilingüe- hoy podemos leer la fuerza y la vigencia que esta pacifista nos dejó por escrito.

POR: MANU GONZÁLEZ

PALOMAR

Beto Hernández

La Cúpula

272 p. / ByN / 26,50 €

Palomar fue ese Macondo de frontera mexicana que el angelino punk Beto Hernández creó para el cómic que compartía con sus hermanos: Love & Rockets. Si Jaime se centraba en los suburbios latinos que tan bien conocía, Beto se arriesgó con un realismo mágico que brillaba como pura literatura social en la década de los ochenta. Tener Palomar otra vez en las librerías es todo un lujo.

3AM ZONA PELIGROSA

Nemu Yoko Tsubaki

168 p. / Color / 15 €

Otro manga sobre el rocambolesco mundo laboral japonés. Esta vez es una ilustradora que entra a trabajar en una fábrica de máquinas de pachinko. ¿Podrá aguantarlo?

2001 ENTRE KUBRICK & CLARKE

Filippo Ulivieri, Simone Odino

Dolmen Editorial

184 p. / Color / 15 €

¿Cómo se construye una obra maestra? Dos autores italianos explican en forma de cómic como el director Stanley Kubrick y el escritor de sci-fi Arthur C. Clarke llegaron a encontrarse.

DOS HERMANAS

Bruno Duhamel, Isabelle Sivan

Harriet Ediciones

70 p. / Color / 22 €

Dos hermanas comparten alquiler de casa cuando el propietario decide venderla. ¿Podrán ponerse de acuerdo para comprarla aún siendo ellas tan diferentes?

FLORES DE PIEDRA

Hisashi Sakaguchi

Planeta Cómics

320 p. / ByN / 17.95 €

Del fallecido autor de Version.1 e Ikkyu se recupera uno de sus clásicos de los ochenta, un manga que transcurre en el frente yugoslavo de la Segunda Guerra Mundial. Imperdible.

KAFKA AL COMPLETO

Nicolas Mahler

Salamandra Graphic

128 p. / ByN / 20,95 €

Publicada durante los festejos del centenario de su muerte, esta novela gráfica sigue la vida del escritor checo más famoso con bastante mordacidad y minimalismo.

NOTRE DAME DE PARÍS

George Bess

Norma Editorial

208 p. / ByN / 39 €

No hay dos sin tres. Tras el gótico británico de Drácula y Frankenstein, Bess se fija en un monstruo más patrio, el pobre Quasimodo de Victor Hugo. ¡¡¡Santuario!!!

DEAD MOUNT DEATH PLAY

Ryohgo Narita, Shinta Fujimoto

Distrito Manga

256 p. / ByN / 9,95 €

Seinen manga de seres míticos y magias imposibles en medio del Tokio moderno. ¿Y si un joven japonés fuera en realidad un dios con poderes nigrománticos?

MONSTRUO

David Muñoz, Andrés G. Leiva Astiberri

128 p. / ByN / 25 €

El guionista David Muñoz y el dibujante Andrés G. Leiva dan un salto mortal introduciendo al monstruo inmortal de Mary Shelley en el Madrid de la dictadura franquista.

UN OSCURO MANTO

Jaime Martín

Norma Editorial

192 p. / Color / 21,90 €

El autor de Hospitalet de Llobregat vuelve a la ficción histórica con un cómic a medio camino del fantástico protagonizado por una curandera del Pirineo catalán.

LA TIERRA YERMA

Carla Berrocal

Reservoir Books

184 p. / Color / 21,90 €

Tras la personal biografía de Concha

Piquer con Doña Concha, Berrocal vuelve a la ficción con una historia muy feminista de westen al límite con dos familias enfrentadas.

TOP 10

Alan Moore , Gene Ha ECC Ediciones

352 p. / Color / 42 €

Un cómic menor de Alan Moore es un sobresaliente al que pocos guionistas podrán aspirar en su vida. En una ciudad de superhéroes, cómo será su policía. Diversión asegurada.

ULTIMATE SPIDER-MAN

J. Hickman, M. Checchetto

Panini Cómics

48 p. / Color / 2,50 €

Hickman abandonó el nuevo mundo mutante que estaba creando para refundar el nuevo universo Ultimate de Marvel, con Peter Parker padre de un hijo. Casi nada...

LA VIDA CON PERROS

H. Takakura, Y. Katano, A. Hamanaka

Ivrea | 200 p. / ByN /9 €

Mangas de gatetes hay a patadas, pero el perrete tiene poca presencia en el cómic del país del Club Naciente. Este manga ha venido a llevar la contraria a los ailurofílicos.

POR: LUIS ARGEO

Del jueves 30 de mayo al sábado 1 de junio Monte do Gozo (SANTIAGO DE COMPOSTELA)

ÂME / ANA MENA / ARDE BOGOTÁ / BAIUCA / BÁRBARA LAGO / BB TRICKZ / BEN HEMSLEY / BERTO / CARLOS ARES / CRISTINA TOSIO / DARIA KOLOSOVA / FERNANDO COSTA / GREEN DAY / GROBAS / HÉCTOR LLAMAZARES / HENRIK SCHWARZ / HOT MILK / ICONA POP / J BALVIN / JUDELINE / KALTE LIEBE / KARRAS MARTÍNEZ / KIKE VARELA / LA OREJA DE VAN GOGH / LOVE OF LESBIAN / MARILIA MONZÓN / MATTN / MATYLAND / MELENDI / MONOULIOUS DOP / MYKE TOWERS / NATOS Y WAOR / PARKINEOS / PATRICK MASON / PET SHOP BOYS / RECYCLED J / RELS B / RICHI RISCO / SOLARDO / THE INTERRUPTERS / THIRTY SECONDS TO MARS / TIGA / TOM ODELL /TONI VARGA / TRYM / VITALIC / VIVIANA CASANOVA / WADE

Además de ser un excusa para volver a una de las ciudades más bonitas y divertidas de nuestro país, O Son do Camiño no se deja a nadie atrás con una programación para todos los públicos: superestrellas del pop anglosajón (Green Day, Pet Shop Boys, Thirty Seconds to Mars), primeras espadas del latin urban (J. Balvin, Myke Towers) y los nombres con los que se explica el pop nacional de estos momentos (Rels B, Baiuca, Ana Mena. Arde Bogotá).

PRIVATE FUNCTION + PANIC KIDS + LOVED ONES DJ’S

Jue 2

VIVEN + SERPIENTE ORION

Vie 3

DOWNFALL OF GAIA + SYBERIA

Sáb 4

DYE CRAP + FLAMA FLAMA FLAMA

Lun 6

BLACK WIZARDS + CINNAMON PLACE

Mar 7

HOTLINE TNT

Miér 8

SANTI CAMPOS CUATRO + JOAQUÍN TALISMÁN & LOS CHAMANES

Jue 9

CONCIERTOS

ITZY

Palacio Vistalegre. Madrid. Sábado 4

SAIKO

ZARPAZO PRESENTA: AATHMA `SEPTIEMBRE NEGRO

Vie 10

COMPRO ORO + DEDO DE SERPIENTE + PERRO ANDALUZ DJ

Sáb 11

KILLER KIN + TERRAPLEN

Dom 12

PAMPLEMOUSSE+ RISKE ZERO+ GROSGOROTH

Mar 14

SUNFRUITS (LUCINDA) + LADY COULSON

Miér 15

HEREDERA CORPORATIVA + INFANTA + SYN

Jue 16

LÅNFINGER

Vie 17

Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 4 Recinto Ferial La Peraleda. Murcia. Sábado 11 WiZink Center. Madrid. Viernes 17

MAHMOOD

La Riviera. Madrid. Miércoles 8 Razzmatazz. Barcelona. Jueves 9 Mamba. Murcia. Sábado 11 Pazo da Cultura. Domingo 12

RUSOWSKY

La Riviera. Madrid. Jueves 9 y viernes 10

LIL YACHTY

Razzmatazz. Barcelona. Viernes 10

POL GRANCH

La Sala. Madrid. Sábado 11 y domingo 12

FUTURE ISLANDS

La Riviera. Madrid. Domingo 12 Razzmatazz. Barcelona. Lunes 13

TATE MCRAE

Sant Jordi Club. Barcelona. Lunes 20

Palacio Vistalegre. Madrid. Martes 21

ELADIO CARRIÓN

WiZink Center. Madrid. Viernes 24, sábado 25 y domingo 26

EVA RUIZ

Razzmatazz 3. Barcelona. Jueves 23 Villanos. Madrid. Sábado 25

THE HIP PRIESTS + THE CAVEMEN + DEAF DEVILS

Sáb 18

NEW WAVE KILL (FOTO) + SONIDO ORDENO

Dom 19

FANGO CLUB

Miér 22

100 FUEGOS FEST: LA LLAMA + ASPANYA +CHICK FLICK

Jue 23

LE TEMPS DU LOUPE + SVUDESTADA

Vie 24

Loco Club. Valencia. Domingo 26

La Cochera. Málaga. Miércoles 29

XAVIBO

Blue. Bilbao. Sábado 25

La Riviera. Madrid. Jueves 30

NICOLAS JAAR

La Sala Madrid. Domingo 26

THIRTY SECONDS TO MARS

WiZink Center. Madrid. Lunes 27

TAYLOR SWIFT

Santiago Bernabeu. Madrid. Miércoles 29 y jueves 30

EVENTOS

SAN ISIDRO 2024

Varios espacios (MADRID)

Del 3 al 15 de mayo

Como cada año las fiestas patronales de Madrid convertirán las calles de Madrid en un hervidero de gente y actividades gratuitas al aire libre para todos los públicos, con especial énfasis en lo musical. Este año los 4 espacios centrales en los que tendrán lugar las principales actuaciones serán en la ya clásica

Pradera de San Isidro (Ona Mafalda, DJ Nano, Edurne, Ede, Maximiliano Calvo, Russian Red,...), las Vistillas (Ralphie Choo, Gazzi, Los Punsetes, Ombligo, Queralt Lahoz,...) y Matadero (Gloosito, y el evento Mad Cool del sábado 11 con Natalia Lacunza, Crawlers, Alfie Templeman y Lina de Sol). https://www.sanisidromadrid.com

EXPOSICIONES

BUSTED HEAD RACKET + SPRGRS+SEGGS TAPE

Sáb 25

SOLO PALIQUE (GRABACION EN DIRECTO)

Lun 27

DE MAY DE 2024 CLAIMED CHOICE (PERET)

Mar 28

BOSTON BABIES

Jue 30

DIEGO LAVIN + FUENTENUEVA+ A.I.

Vie 31

CALIVVULA

Sáb 1 jun

RITUALES DE LO COTIDIANO Collegium (ARÉVALO, ÁVILA)

Hasta el 1 de septiembre

Un salto a la España real, un impulso resuelto y creativo. A través de gestos poéticos y concretos, la decena de artistas participantes en la exposición exploran cómo entendemos el mundo contemporáneo a través de las historias pasadas. Dos de ellas, Lais Myrrha y Gala Porras-Kim, producen obras encargadas específicamente para esta exposición. Esta exposición está inspirada en Arévalo, con su paisaje único formado por capas de historia y la coexistencia de diversas culturas, religiones y pueblos a lo largo de muchas eras y siglos. Desde el punto de vista de esta villa, con su distintiva arquitectura mudéjar y con uno de los colegios jesuitas más antiguos, la exposición tiene como objetivo explorar los rituales de lo cotidiano y la integración de diferentes nociones de tiempo: arqueológico, ecológico y colonial. https://collegium.art

LOS DOSCIENTOS

Museo Barjola (GIJÓN)

Hasta el 21 de junio

Hacia un coleccionismo alternativo e inclusivo. Esta exposición trata de mostrar un modelo especial de editorial de arte que incita al coleccionismo de la obra original a través de una fórmula diferente a la convencional. La editorial Los Doscientos, creada por Rafael Doctor en 2014, es un híbrido entre editorial de arte y galería. Libros y obras de arte originales se conjugan de una forma natural. Cada publicación cuenta solo con 200 ejemplares y cada uno de ellos lleva consigo una obra de arte que además aparece reproducida en el libro. Gracias a las redes se formó un club de interesados en esta fórmula, por lo que los libros se entregan directamente y se elimina el concepto de librería y distribución. Esto abarata mucho los costos y hace que la publicación con su respectiva obra pueda obtenerse por un precio muy inferior. Esta exposición se plantea como un paseo

FESTIAL

Polideportivo Municipal de Alcázar

De San Juan (CIUDAD REAL)

31 de mayo y 1 de junio

Amaral / Arde Bogotá / Shinova / La La Love

You / Sidecars / Sidonie / Travis Birds / Barry B / Sienna / We Are Not DJ's / Eva McBel / Andreew / Los Galván / Julieta 21

por cada una de las 37 publicaciones que hasta la fecha se han editado, en la que además de los libros se puedan contemplar algunas de las obras de arte que los acompañan. Javi al Cuadrado, Ruth Gómez, Felicidad Moreno, Pierre Gonnord, María Moldes y María Esmith, Olga Albescu, María Cañas, Cristina Toledo, Guillermo Martín Bermejo, Ana Locking, Ana de Alvear, Felipe Romero y Marius Scarlat son algunos de los artistas participantes. https://www.museobarjola.es

SI AÚN QUIERES VER ALGO…

Sala Alcalá 31 (MADRID)

Desde el 8 de mayo

La artista Eva Lootz profundiza en sus reflexiones en torno a la resonancia, la luz y los límites de nuestra percepción en una muestra que cuenta con una llamativa instalación donde ciertos minerales y sustancias entran en resonancia con la luz ultravioleta. Cerca de mil dibujos complementan la instalación y desvelan los pensamientos de la artista austríaca. La exposición, comisariada por Claudia Rodríguez-Ponga Linares, propone un ensayo sobre el fenómeno de la resonancia y, a la vez, sobre la desaparición del mundo tal y como lo conocíamos. www.comunidad.madrid/centros/sala-alcala-31

MMMAD FESTIVAL

Varias sedes (MADRID)

Del 9 al 31 de mayo

Vinculado organizativamente a Sonorama, con el festival de Aranda Festial comparte la apuesta por convertir las calles de la ciudad castellana -en este caso Alcázar de San Juan- en un escenario más a lo largo del día: conciertos en el centro urbano, zona de glamping, y mucha gastronomía y vino para aderezar los conciertos. www.festial-lamancha.com

I‘m feeling lucky / voy a tener suerte, basado en el botón de ayuda del buscador más usado del mundo, sirve de lema a la quinta edición del festival urbano de arte digital de Madrid. Un título que propiciará durante varias semanas y en diferentes espacios el debate y las contradicciones humanas por el uso de algoritmos y los resultados que generan. La programación, gratuita y accesible para todos los públicos, consta de exposiciones urbanas, instalaciones, talleres y proyecciones inmersivas. Atención a las dos propuestas audiovisuales inéditas del día 10 en Medialab Matadero: Me+My Device, una performance interactiva del trío creativo Marie Caye (FR), Clara Escalera (ES) y Andrés Agulla (ES) que explora el potencial de una tecnología alternativa para enriquecer nuestra expresión y conexión con los demás; y Ronin (浪 )* de Guayaba (ES), un concierto que sucede de forma simultánea en el espacio físico y en la plataforma VR Chat. https://mmmad.art

CUENTOS POSIBLES

La Virreina (BARCELONA)

Desde el 24 de mayo

El Centro de la Imagen de Barcelona inaugura una de las exposiciones más esperadas en los circuitos fotográficos contemporáneos, la dedicada a la obra completa y compleja del canadiense Jeff Wall (1946). Desde la fuerte influencia del aspecto pictórico, las 36 obras presentadas se extraen de un

corpus de casi doscientos cuadros fotográficos realizados a lo largo de décadas desde 1978. Las piezas seleccionadas permiten abarcar el heterogéneo estilo de Wall, que salta de la descripción más detallista a las sugerencias imaginativas de posibles cuentos urbanos. En 2002, Jeff Wall fue premiado con el prestigioso Premio Hasselblad. Su obra ha ayudado a definir el llamado fotoconceptualismo. https://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina

REHEARSAL FOR JOY

CAC (MÁLAGA)

Hasta el 2 de junio

Color y movimiento. La primera exposición individual de Theresa Chromati (Baltimore, EE. UU., 1992) en un museo europeo se encuentra estas semanas en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga. La exposición presenta una nueva e íntima suite de ocho pinturas, creadas específicamente para el museo, junto con un díptico reciente. El conjunto de pinturas manifiesta la figura central de Chromati, el cuerpo femenino, en diversas formas, a menudo contorsionándose, desenredándose y avanzando con el tiempo. https://cacmalaga.eu

AUDIOVISUAL

FANT 2024

Varios espacios (BILBAO))

Del 3 al 11 de mayo El festival de cine fantástico de Bilbao vuelve con ganas de darnos terroríficos sustos. Y van 30. La gala de inauguración se celebrará en el Teatro Campos Eliseos, y la película seleccionada para este evento no es otra que La mujer dormida, un thriller psicológico dirigido por Laura Alvea, con Almudena Amor, Javier Rey y Amanda Goldsmith como principales protagonistas. Posteriormente, se proyectarán los 13 cortos de Fant Laburrean-Euskal Filmak Por su parte, la película Late Night with the Devil, de Cameron Cairnes y Colin Cairnes, es la elegida para la clausura del Festival el viernes 10 en la Sala BBK. Entre los numerosos galardones, se entregará el premio FANTrobia, que reconoce a una figura emergente dentro del género, la directora gala Céline Rouzet., autora del documental 140 km à l'ouest du paradis (2020) o la película de ficción En attendant la nuit (2023). https://www.fantbilbao.eus

DE LO REAL: LA POESÍA DEL CINE DOCUMENTAL

Cineteca Matadero (MADRID)

Del 1 al 31 de mayo Mayo es el mes de las flores y, en cuestiones de cine, del documental. En Matadero aprovechan la celebración de la 21ª edición de Documenta Madrid para ofrecer, a lo largo del mes florido, una selección del mejor cine documental contemporáneo. Así, echarán la vista atrás para reivindicar la obra de Joris Ivens y Marceline Loridan-Ivens, pioneros del documental poético y político, y las insólitas experiencias híbridas de Marcel Hanoun en los años sesenta y setenta. Su película Octubre en Madrid (1967) se podrá ver en la jornada inaugural (el 28 de mayo), que en su 21ª edición prestará una atención especial a proyectos que se han fijado en la ciudad de Madrid, al cine austriaco de vanguardia, al cine iraní en el exilio e incluirá una retrospectiva del cineasta pionero Billy Woodberry y películas inéditas de Val del Omar. Pero durante todo el mes también habrá estrenos, una muestra de cine y derechos humanos (8ª edición), y días para una magnífica muestra de nueve sobresalientes documentales de distintas temáticas ya estrenados: Toda una vida, de Marta Romero; Nuestra película, de Diana Bustamante; Tetuán, de Iratxe Fresneda; Las canciones de la Tierra (Fedrelandet), de Margreth Olin; Un gif larguísimo, de Teddy Williams; Fail Better, de Eva Garrido; Geografías de la soledad, de Jacquelyn Mills; Atlantide, de Yuri Ancarani; y La vida secreta de los árboles, de Jörg Adolph ttps://www.mataderomadrid.org

DOCS BARCELONA Varios espacios (BARCELONA) Del 2 al 12 de mayo

FESTIVAL MADRID EN DANZA

VARIOS ESPACIOS (MADRID)

Del 9 al 26 de mayo

Las coreografías más rocambolescas, los montajes menos esperados, las compañías más en forma llegan a la ciudad y a otras siete localidades madrileñas. El festival ofrece este año siete estrenos, entre ellos los de (La)Horde / Ballet Nacional de Marsella (en la foto superior), el coreógrafo británico Wayne McGregor, la Stephanie Lake Company de Australia y la coreógrafa belga Anne Teresa de Keersmaeker. Además, si quieres formar parte activa, apúntate al gran evento de diez horas de duración, participativo y abierto a todos los públicos, en la Puerta del Sol de Madrid, que transformará el corazón de la capital en un gigantesco estudio de danza. Será el sábado, 11 de mayo.

En el mito griego, Casandra fue la hermana de Paris y Héctor, agraciada por el dios Apolo con el don de la profecía pero maldita al mismo tiempo, pues nadie creería nunca ninguna de sus visiones: ni la caída de Troya ni la venganza de Cliptenmestra. Con ella como punto cardinal, las viguesas María SOA y Sara Faro proponen en Fillas de Cassandra un ágora espacio-temporal en el que las mujeres del presente ponen en común su experiencia femenina -y de la feminidad- con algunas de las grandes heroínas clásicas: Antígona, Lisístrata, Pandora, Eco, Dafe y Siringe, las tres moiras... Del mismo modo se entrelazan en su música tradición, tanto de las estructuras del clasicismo como del folclore gallego, y vanguardia, en forma de una electrónica sosegada y manierista que se mira en el reflejo de Baiuca o Rosalía, y que las pone en conversación evidente con compañeras locales como Tanxugueiras. De todo ello da testimonio el excepcional Acrópole, lanzado el año pasado y apoyado en un espectáculo en directo emocionante que bebe de las artes escénicas contemporáneas.

FILLAS DE CASSANDRA

CRUDO PIMENTO 25 may La Salvaje / Oviedo FILLAS

MARÍA

Ponferrada

/ A Coruña

/

/

Soria

La lata de zinc / Oviedo

PROGRAMACIÓN ARTISTAS EN RUTA MAY 2024

/ Valladolidz

Agent of Happiness, de Arun Bhattarai y Dorottya Zurbó, inaugura la 27ª edición del Festival Internacional de Cine Documental de Barcelona el 2 de mayo en la Sala Phenomena. Su trama: Amber recorre todo el Reino de Bután para medir la felicidad de sus habitantes partiendo de un cálculo matemático. La coproducción de Hungría y Bután, estrenada en Sundance en enero, será el primero de la cuarentena de títulos que el festival proyectará hasta el 12 de mayo en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) y los Cines Renoir Floridablanca, este último, nueva sede del certamen. Dentro de la Sección Oficial competitiva se podrán ver catorce títulos más, tres de los cuales son de factura catalana: el thriller documental My Sextorsion Diary, de Patricia Franquesa (pasado por el SXSW de Austin); Hágase su voluntad, donde Adrián Silvestre dirige un extraordinario rencuentro previo a una muerte anunciada (estrenada en el Festival de Thessaloniki), y la ópera prima de Sissel Morell Dargir Balomania un retrato de Brasil y de la cultura clandestina de bandas ilegales de globos aerostáticos. El festival rendirá homenaje a la pareja de cineastas franceses Raymond Depardon y Claudine Nougaret, figuras claves de la no ficción europea. https://docsbarcelona.com

ARTES ESCÉNICAS

TRAPEZI

Varios espacios (REUS)

Del 8 al 11 de mayo

Nuevas plazas, rincones idílicos y espacios por descubrir en las calles de Reus, convertidas temporalmente en un circo ambulante, carpa incluida. Con una programación para todos los públicos, la feria quiere ser un reflejo del talento del circo contemporáneo actual incluyendo unas setenta

SALA BERLANGA

Programación de mayo 2024

Madrid

Ciclo audiovisual: Programado por… Daniel Monzón

Con las películas de William Wyler, Bigas Luna, David Lynch, David Cronenber y Leonard Kastle

Del 30 de abril al 4 de mayo

18.30 y 20.30 h

Entradas: 3,50 euros

Índice de satélites: II sesiones final de Grado en Sonología

Con las propuestas sonoras Uróboros de Miguel Maté y B.612 de Rodrigo Tejedor Corredera

7 y 8 de mayo

19 h

Entrada libre hasta completar aforo

Festival Territorio Violeta presenta su programación

9 de mayo

18 h

Entrada libre hasta completar aforo

Ciclo de conciertos: Nuevos territorios con Naike Ponce

Con las actuaciones de Teresa Hernández, Laura Marchal, Antonia Jiménez y Mélodie Gimard

10 y 11 de mayo

19.30 h

Entradas: 6,50 euros

representaciones en diferentes puntos de la ciudad. Habrá un equilibrio de grandes cabezas de cartel internacionales como la Cía. Colectif Malunés et Mouvedbymatters con “Bitbybit”, Marcel et sus drôles de femmes con “Masacrade”, Cirque Inextrémiste con “Extrêmités” o Wes Peden con “Rollercoaster”; y propuestas jóvenes como la Cía. Oriol Borràs y su espectáculo de astrofísica "Próxima centaurio" o "Disculpa si te presento como que no te conozco" de Miquel Barreto y la Pequeña Victoria Cen. https://www.trapezi.cat

JOVES DE MERDA

Centro Cívico Drassanes (BARCELONA) 11 de mayo

Dramaturgia de creación colectiva, dirigida y producida por Joan Ramos, y eminentemente joven. Un grupo de amigos que creen que están a punto de cambiar el mundo ven tambalearse su realidad al cruzarse con una pregunta. "¿Es que nadie es capaz de imaginar un mundo ideal de forma realista?" Cuando todo se desmonta y pierden de vista el sentido de sus reivindicaciones, se ven obligadas a generar una realidad paralela perfecta, alejada del dolor. ¿Qué ocurre cuando cimentamos una realidad sobre una mentira? ¿Seríamos capaces de hacer crecer un futuro sin dolor? Todas estas preguntas irán destapando carencias en el delirio de las jóvenes hasta llevarlas a una ruptura total, confrontándolas directamente con un dolor desmedido.

LEV FESTIVAL Varios espacios (GIJÓN)

Del 1 al 5 de mayo

Gijón ya es el lugar de referencia para descubrir la cara más heterodoxa de la experimentación sonora electrónica y la creación audiovisual, escénica y digital contemporánea. Con cinco días de programación, uno más que en ediciones anteriores, la propuesta de este año ocupa múltiples sedes de la

ciudad, poniendo especial hincapié en las performances audiovisuales y las actuaciones musicales. Dentro de las propuestas en directo de este año destacan cinco estrenos mundiales de artistas como Myriam Bleau y los dúos creativos Synspecies y Bromo, así como de debutantes en el festival como LCY y Kessell&Kerqus. El Muséu del Pueblu d’Asturies también acogerá el sábado 4 de mayo conciertos diurnos de la mano de artistas nacionales como RRUCCULA y Cachito Turulo. Las herramientas digitales más actuales como la I.A. aplicada a la creación artística tendrán presencia en el festival a través de proyectos como F E M I N A E X T E N D E D de Riccardo Giovinnetto, que utiliza la IA para explorar el concepto de la virtud en el Renacimiento. https://levfestival.com

RASMIA

Varios espacios (ZARAGOZA)

Hasta el 12 de mayo

La quinta edición del festival de poesía joven de la capital aragonesa (su nombre alude en lengua regional al empuje y tesón para acometer y continuar una empresa) continúa expandiendo versos por las calles: poesía en los pasos de cebra para caminar por el poema ubicado en cada paso de la mano de los versos situados a cada lado de la calzada. Puedes descubrir los poemas completos en las redes sociales de @nochesdepoemia y @juventudzaragoza Carla Rodríguez, Eva Oliván, Lucía Rufo, Davianna Candelario, Amalia Buitrago, Beeman Riu y Germán Chocero compartirán versos en las escaleras de Plaza de España. Y Poetas en el Tranvía consiste en un pequeño recital en el interior del tranvía, durante un tramo delimitado del recorrido. Dos poetas jóvenes de la ciudad recitan algunos de sus poemas. María Barrós y Katerina Chatzinikolaou, en el tramo entre Pza. San Francisco y Valdespartera. Amalia Buitrago y Anita Nuñez Torrón-Stock desde Chimenea a Parque Goya.

Teatro en la Berlanga: Lectura dramatizada de ‘Hostil’ de Vanesa Sotelo

Organizado por TAI Arts – Escuela

Universitaria de Artes 21 de mayo 18 h

Entrada libre hasta completar aforo

Ciclo de series de televisión: Pequeña pantalla, grandes ficciones. Pioneros de la ficción española

Con la proyección de Historias para no dormir, Curro Jiménez, Verano azul, Anillos de oro, Juncal y Mi querida señorita

Del 22 de mayo al 25 de mayo 19 h

Entrada libre hasta completar aforo

Ciclo de series de televisión: Pequeña pantalla, grandes ficciones. Nuevos espacios de creación

Ciclo de cine: Nueva Animación

Con las proyecciones de: Momias, Robot Dreams, Dispararon al pianista, Sultanas

Del 14 al 18 de mayo

18.30 y 20.30 h

Entradas: 3,50 euros

Con la proyección de Farmacia de Guardia, Médico de Familia, Cuéntame cómo pasó, Amar es para siempre, Mareas vivas y Nissaga de poder

Del 28 de mayo al 1 de junio

18.30 h

Entrada libre hasta completar aforo

FOTO BLUE BELVET, DAVID LYNCH

THE BLAZE, PHOENIX, LOS PLANETAS (30 ANIVERSARIO ‘SUPER 8’), BELLE & SEBASTIAN, THE JESUS & MARY CHAIN, DRY CLEANING, DINOSAUR JR., STANDSTILL, BAIUCA, ALIZZZ, VILLAGERS, JOE GODDARD, CARIÑO... EL FESTIVAL TOMAVISTAS ENFRENTA SU EDICIÓN MÁS AMBICIOSA

HASTA LA FECHA SIN PERDER DE VISTA SUS VALORES ORIGINALES: UNA APUESTA DE PASADO, PRESENTE Y FUTURO.

LA FELICIDAD

Phoenix, Belle & Sebastian, The Blaze este año Tomavistas no solo es una fiesta musical y va un poquito más allá. Todos estos artistas -y muchos más del cartel- celebran con su música la vida misma, las ganas de seguir, y aciertan en apelar a las emociones que nos unen como seres humanos. Ellos y ellas son la luz en la oscuridad.

ENTRADAS

Sigue este QR y encuentra tu entrada perfecta para la fiesta que es Tomavistas 2024: abonos generales a 115€ (+g.g.), abonos para menores entre los 5€ y los 65€ (+g.g.) y entradas de día a 65€ y 60€ (+g.g.). ¡Y no te quedes sin Tomavistas!

LA INTENSIDAD

Pero no hay extroversión sin reparación interior previa, y Tomavistas ha preparado, como es habitual, un suculento menú de músicas hacia dentro, shoegaze y otras especias: Los Planetas, Dinosaur Jr., Dry Cleaning o The Jesus & Mary Chain vibran en lo profundo y nos reconcilian con nosotros mismos, con nuestra mente y nuestra alma.

UNA EXPERIENCIA PARA TODOS LOS PÚBLICOS

El festival madrileño, convertido ya en todo un clásico de la capital, enfila una nueva edición con las cosas más claras que nunca: sabe que la reunión intergeneracional es uno de sus puntos fuertes, además de la posibilidad que brinda al público de ver a grandes artistas, tanto nacionales como internacionales, en un entorno más amable y dominado por las distancias cortas. Esto, unido a su oferta mayoritariamente diurna y al aire libre, lo convierte además en un evento perfecto para todos los públicos, y en una manera estupenda de descorchar la temporada festivalera... buscando nuevas sensaciones.

WARM UP ESTRELLA DE LEVANTE

La Fica (MURCIA) Viernes 3 y sábado 4 de mayo.

El primero de los grandes eventos musicales del 2024 llega con todas las entradas vendidas, señal de que las cinco ediciones anteriores han dejado poso. También de que para este Warm Up '24 la organización ha sabido equilibrar un cartel de primer nivel, comandado por los internacionales The Blaze, Editors, Bomba Estéreo, y nuestros Viva Suecia (celebrando en casa su décimo aniversario), Arde Bogotá y unos Los Planetas que arrancan en Murcia su tournee de cumpleaños total (30 años ya de su primer disco, Super 8). Ellos encabezan el cartel, pero ojo con el resto de nombres, habituales de estas páginas: Delaporte, Rusowsky, Amore, Jimena Amarillo, Judeline, Kiddy Smile, Ginebras, Sen Senra

FOTO THE BLAZE: SARAH MAKHARINE ANDRÉS