NUEBO #21 marzo 2024

DUA LIPA

LÉA SEYDOUX | WALLS | DEPRESIÓN SONORA | DUNE | HOW TO HAVE SEX | ELA FIDALGO | DANNY LEÓN | YARD ACT | DRIVE-AWAY DOLLS

WALLS

DUA LIPA | LÉA SEYDOUX | DEPRESIÓN SONORA | DUNE | HOW TO HAVE SEX | ELA FIDALGO | DANNY LEÓN | YARD ACT | DRIVE-AWAY DOLLS

LÉA SEYDOUX

DUA LIPA | WALLS | DEPRESIÓN SONORA | DUNE | HOW TO HAVE SEX | ELA FIDALGO | DANNY LEÓN | YARD ACT | DRIVE-AWAY DOLLS

DEPRESIÓN SONORA

DUA LIPA | LÉA SEYDOUX | WALLS | DUNE | HOW TO HAVE SEX | ELA FIDALGO | DANNY LEÓN | YARD ACT | DRIVE-AWAY DOLLS

THE KILLERS REMA MÅNESKIN

SEXYY RED

TYLA

LA BANDA CULMINA SU EXITOSO VIAJE CON ‘SANTA TRINIDAD’ EN UNA GIRA POR TODA ESPAÑA ESTE 2024, REGALANDO UN DIRECTO QUE NO DEJARÁ A NADIE INDIFERENTE

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36

DEPRESIÓN SONORA

LA BUENA VIDA

SOY LEYENDA REVISITANDO UN CLÁSICO

46

52 LÉA SEYDOUX DE 'DUNE' AL VIDEOJUEGO

EDITORIAL

la gran ventaja de las constantes polémicas que definen nuestro tiempo es que tan pronto surgen como un movimiento sísmico de magnitud incalculable, vuelven a caer en el olvido. Y para muestra, dos botones: apenas han pasado un par de semanas de los Premios Goya y poco importa ya todo el conflicto suscitado encima y detrás del escenario. De igual forma el debate, frívolo, a propósito de si el "zorra" de Nebulossa es degradante o empoderador, -debate al que, cómo no, se lanzó de cabeza nuestra clase política- forma parte ya del baúl de los recuerdos, al menos hasta que el prime time televisivo lo vuelva a resucitar con la excusa de Eurovisión. Así son las cosas: puro fuego de artificio, maniobra de distracción.

Lo mejor en estos casos es seguir a lo nuestro, a lo verdaderamente importante. Poner el foco en una actriz como Léa Seydoux, que encadena en la gran pantalla su participación en la imponente Dune: parte dos de Villeneuve, mientras

42 DRIVE-AWAY DOLLS ECHADAS A LA CARRETERA

48

DUNE TODO ES POLÍTICA

56

YARD ACT

MÁS INGLESES QUE EL DESAYUNO (INGLÉS)

continúa su apuesta por el cine independiente en La bestia de Bertrand Bonello, y al tiempo que anuncia su participación en Death Stranding II, uno de esos títulos que han elevado el videojuego a la altura de arte y a cuya imagen corresponde una de las cuatro portadas de este número de marzo. También anticipamos el lanzamiento del tercer álbum de Dua Lipa que, en la línea de Caroline Polachek en 2023, ha reclutado a la vanguardia del pop internacional para que le eche un cable en su reinvención del sonido disco y la psicodelia. Y, por último, reivindicamos el valor de Depresión Sonora y Walls, dos de los jóvenes músicos nacionales que nos recuerdan con sus últimos trabajos que hay espacio para las guitarras en el corazón de las nuevas generaciones. Esperamos (estamos convencidos) que en unos años quede un poso de todas estas propuestas y muchas más que encontrarás en este número, que algo permanezca. Tal como está el panorama, permanecer, resistir, no es poca cosa.

60

HOUSE OF (S) PUNK ARTISTAS PRECARISADES

64 DANNY LEÓN TODO VA SOBRE RUEDAS

68

DRAGON'S DOGMA II ON FIRE ASTRID SONNE

LONDON CALLING

82 WALLS CRECER

72

74 ELA FIDALGO RETALES

98 DUA LIPA REINA

88 COOLWAY COLORES URBANOS

94 HOW TO HAVE SEX LA CRUDA REALIDAD

104

50 PELÍCULAS CONCIERTO MUSICÓN

DIRECTOR EDITORIAL

Luis J. Menéndez luis@nuebo.es

DIRECTORA DE ARTE

Liliana Carpio lillie@nuebo.es

DIRECTOR COMERCIAL

Luis Argeo argeo@nuebo.es

JEFE DE REDACCIÓN Diego Rubio diego@nuebo.es

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RRSS Cristina Fandiño cris@nuebo.es

COLABORADORES

Juan Álvarez, Cayetana Ariznavarreta, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Gabriel Cárcoba, Tali Carreto, Guillermo Chaparro, Marta España, Ángela García-Tomé, Manu González, Paula Gonzalo González, Eva Luengo, Ángelo Néstore, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Anna, Pérez, Omar Poveda, Adriana Ramiro, Felipe Rodríguez Torres, Daniela Urzola.

FOTOGRAFÍA

Pablo Barboza, Belén Franco, Shot By Frankito. Fotos de portada: Aitor Laspiur (Depresión Sonora), Steven Bernhard (Walls), Tyrone Lebon (Dua Lipa) www.nuebo.es / @somosnuebo

IMPRESIÓN

Licencia de uso de la Certificación Forestal PEFC / 14-37-00097

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“MI SONIDO ES EL SONIDO DE ALGO QUE PUDO HABER OCURRIDO EN EL PASADO PERO QUE NUNCA OCURRIÓ”, DICE ARES NEGRETE MIENTRAS SE CONFIESA RENDIDO A BANDAS Y ARTISTAS COMO ANTENA O ANNA DOMINO.

EN SU

PARTICULAR UCRONÍA, UN ‘CASTLEVANIA’ EN EL QUE GANARON LOS VAMPIROS, REINA SIEMPRE LA OSCURIDAD QUE PUDO HABER SIDO. PUBLICÓ ‘TOQUE DE ÁNIMAS’, SU SEGUNDO TRABAJO LARGO, A FINALES DE 2023, Y EN 2024 TOCA DEFENDERLO EN SU GIRA MÁS IMPORTANTE HASTA LA FECHA.

Ares Negrete San Juan (Alicante), 4-11-2001

• De sintes llevo un Moog Prodigy, un Yamaha PS-20, un Ensoniq ESQ-1, un Moog Matriarch y un Nord Lead. De guitarra voy cambiando pero suelo usar alguna con pastillas Humbucker, tipo Les Paul, o mi Fender Mustang Competition del 69, que es mi tesoro. Amplis uso o bien un Marshall JTM45 o un Orange Reverb Master del 69. Y para bajo llevamos un ampli Darkglass y un Fender Jazz Bass Marcus Miller.

• Me han cambiado la vida muchos discos pero empecé a escuchar música con 8 años gracias a los discos de Nirvana, Mudhoney, Sonic Youth o Dinosaur Jr.

EL

NUEBO NUEVE DESCONOCIDOS

Entrando en mi adolescencia, el Unknown Death 2002 de Yung Lean, el Loveless de My Bloody Valentine y Plantasia de Mort Garson. Y, por último, White Pony, de Deftones.

• Nunca había llorado en un concierto hasta que en el FIB de 2011 vi a Portishead. No los conocía tanto en aquella época, pero fue empezar Roads y ponerme a llorar.

DANIELA PES

Esta joven italiana nacida en 1992 en el corazón de la Gallura, al norte de la isla de Cerdeña, te puede recordar a Julia Holter o a Marina Herlop: su música parte del extrañamiento y del experimento, pero dibuja círculos concéntricos pop, piruetas en el aire. Formada en el jazz a través de varias escuelas y conservatorios de Italia, premiada varias veces durante su primera juventud, en 2023 dio el salto de verdad gracias a SPIRA, un debut reflexivo, brumoso y paisajístico que une la canción tradicional con texturas electrónicas. Es, además, una de las primeras referencias editadas por Tanca Records, el sello fundado por el reconocido músico underground italiano Iosonouncane, vecino sardo de Daniela y productor del álbum. En marzo lo presentará el Centro Botín de Santander y en los Teatros del Canal de Madrid como parte del Festival Internacional de Arte Sacro, y más tarde podremos verla en el Primavera Sound de Barcelona y La Mar de Músicas de Cartagena.

AKRIILA

JUE 04 JUL 2024

MADRID

Ya ha aparecido bajo el radar de Rolling Stone como una de las artistas latinas a tener en cuenta en 2024, y fue una de las revelaciones del primer Primavera Sound celebrado en 2023 en Santiago de Chile, donde actuaba con tan solo 19 años. Este mes repite en un evento de proporciones similares en su país, el festival Lollapalooza, dejando claro que en muy poco tiempo se ha convertido en la penúltima gran esperanza de la escuela urbana chilena, verdadero epicentro del neoperreo con referentes absolutos como Tomasa del Real, Lizz, Akatumamy o Aura Bae. Pero la música de Fernanda Sepúlveda va más allá, abrazando la dispersión genérica de la gen-Z y una ambición convencida de trascender los géneros urbanos: aunque en sus canciones, generalmente confeccionadas mano a mano con el productor Saito Ape, encontrarás nuevos dembows pop como Nunca es lo mismo y.y e influencias de Tokisha (Akri tu ere un xulo), Karol G (Arreglo floral) o Young Miko (Mona Xina, Marilú), ella se confiesa admiradora de la figura institucional de Anna Tijoux, y en su repertorio también hay reguetones románticos más orgánicos y experimentos electrónicos de slap house como e-mail o de breakcore (gaZzZzZ). Si te gustan los bajos gordos y diluidos, todo en lo que ha llegado a convertirse la tradición postrap, tienes una cita este verano. También si te flipa lo nueBo.

ENRY-K

Hace tiempo que todo eso que se aglutinó alrededor del trap empezó a dar signos de agotamiento. En ese contexto Enry-K representa a una segunda generación urbana en tránsito hacia terrenos electrónicos, enarbolando la bandera del plugg. Formó Damed Squad junto a Lil Moss y Mishi, agrupación que planteó desde Barcelona una alternativa luminosa frente al deliberado feísmo del trap. En 2021, empujado en parte por los parones pandémicos, lanzó su primer gran proyecto en solitario, con el que se revelaba, más allá de sus labores como productor, como un artista total. Su nuevo largo, DOT, publicado el 23 de febrero por Montebello Agency, supone un nuevo golpe de timón a su carrera. Un disco que juega con infinidad de géneros y sonoridades, de lo urbano al new jazz, manteniendo sus 17 canciones bajo un paraguas ligeramente tropical y, sobre todo, fundamentalmente pop. Un verso suelto, siempre.

DE LA RAÍZ AL MAINSTREAM

RECUPERANDO EL ESPÍRITU DE LA EXTINTA NUEVOS MEDIOS DE MARIO

PACHECO, QUE LOGRÓ REDIFINIR Y ACTUALIZAR LA IDEA DE NUEVO FLAMENCO EN LOS NOVENTA, ONERPM ES LA CASA DE UNA INCIPIENTE GENERACIÓN DE MÚSICOS CRIADOS EN LA NATURALEZA

BASTARDA DEL GÉNERO Y QUE LE DAN A LAS FUSIONES DE RITMOS LATINOS, MÚSICAS URBANAS Y MÁS ALLÁ, NUEVO SIGNIFICADO.

CALEB

Flamenco urbano y de inspiración pop del que entiende las calles del mundo como una sola: reguetones, merengues, bachatas, salsas, funks, rumbas, bulerías y ritmo de palmas. Carnaval.

CRISTIAN DE MORET

En la fusión flamenca de este trotamundosguitarrista de Huelva ganan peso el rock psicodélico, las fronteras tuareg o el tex-mex.

EL DUENDE CALLEJERO

Con el buen rollo por bandera, este cuarteto de amigos de Córdoba se sirve de la tradición flamenco pop para dibujar un estilo soleado que combina con el reggae, con el indie o con el rock español.

LA CEBOLLA + NEGRO JARI

El éxito de Habibi -que encandiló a Rosalía, C. Tangana o Paco León- le dio a estos dos jóvenes del barrio sevillano de Las 3000 Viviendas la oportunidad que a tantos y tantas se le niega. Hoy son ejemplo e inspiración.

BIG LOIS

Big Lois se labró una reconocida reputación en el mundo de los tablaos flamencos de su Barcelona natal, pero decidió dar un salto urbano y hermanar tangos y dembows.

CANELITA

Directo de Algeciras, un cantaor de raíz, puro pero también heterodoxo, que coquetea con ritmos electrónicos y músicas urbanas. Descubierto por Manzanita, ha colaborado con Omar Montes o C. Tangana.

JAVI MEDINA

Desde Leganés llega una de las grandes revelaciones de la fusión flamenca, combinando bulerías con pop y sonoridades más urbanas.

LAS NIETAS DEL CHARLI

La eternidad está en el anonimato, en la muerte del yo, en la familia. Lo tienen claro las hermanas María y Raquel Rubio. Saben que dan igual los nombres y las grandes aspiraciones, que la belleza está en la profundidad del entendimiento, en el amor, en el olor de la tierra mojada, en las brisas y los cantos de los pájaros, en el rumor que hacen las hojas estremecidas por la caricia libidinosa del viento. En el campo, en poner a secar la ropa al sol. A eso suenan las 6 canciones que forman su debut, el EP Faro (publica Raso el 15 de marzo) con el que el dúo madrileño, con trayectoria de secreto a voces en el circuito alternativo de la canción de autor de la capital y recorrido en centros autogestionados, se embarca en una aventura misteriosa que reaviva sin artificios las llamas del cancionero popular, anónimo y eterno, como lo harían una Sílvia Pérez Cruz o un Jorge Drexler. Convirtiendo la raíz en una lengua universal. Muerta y por eso eternamente viva. Las Nietas del Charli suenan, pintan, revolotean sus canciones en la organicidad del aire libre y en el minimalismo desnudo, compartiendo imaginario con contemporáneos como Valeria Castro, Júlia Colom, Eva Calero, Amaia Miranda o María de la Flor, con la que se han relacionado artísticamente bajo el paraguas de La Pena, su proyecto anterior. Un faro para guiarnos en tiempos oscuros hacia el arrebol de las últimas horas de sol, sus rayos recostándose entre las nubes.

PHOENIX · THE BLAZE

BELLE AND SEBASTIAN · EDITORS

THE JESUS AND MARY CHAIN

LOS PLANETAS (30 aniversario “Super 8”)

DINOSAUR JR. · DRY CLEANING

VILLAGERS · JOE GODDARD

STANDSTILL · BAIUCA · ALIZZZ · CARIÑO

DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA

GEORGIA · BODEGA · LA LUZ

HURRAY FOR THE RIFF RAFF

MELENAS · ADIÓS AMORES

MAID OF ACE

SÁB 01 JUN 2024

MADRID

Con los Ramones como guía, Motörhead en vena y salidas de la estimulante escena street punk de Los Angeles, en la estela de The Distillers o Swingin’ Utters, este cuarteto integrado por las hermanas Alison, Amy, Abby y Anna Elliot filtra su apisonadora por la espiral del punk inglés. Hasta la fecha han publicado tres largos, todos ellos autoeditados y llevan tiempo esperando su momento. O al menos así sería si no fueran tan genuinamente punk y si no les importara un pimiento cualquier cosa que no sea divertirse 24x7. Van camino de conseguirlo más que nunca embarcadas en la gira europea de Green Day junto a Nothing But Thieves, The Hives, Donots y The Interrupters...

TOLDOS VERDES

Los toldos verdes son el símbolo del desarrollismo en Madrid, el atrezo constante de una jungla alimentada por el éxodo rural, una bandera y el espíritu que alimenta a esta banda. Toldos Verdes, un cuarteto que llega del barrio de Embajadores, se definen como kinkis, románticos y admiradores de King Krule. Se conocieron en el Festival del Observatorio, en Balboa, y comenzaron a ensayar en Pandora’s Box, los locales ubicados en el distrito de Arganzuela. Hace un par de años publicaron sus primeros sencillos, después un EP titulado Tour de Francia -con llamamiento incluído en forma de canción a Radio 3- y este mes de febrero ha visto la luz su primer disco de título homónimo con el sello sello 4 Entertainment & Arts, casa de bandas como Agosto o Mentira. Entre sus bandas de referencia están Novedades Carminha, La Paloma, Mujeres o Las Petunias. Como unos Carolina Durante enchufados a la velocidad de los Wedding Present, los Toldos Verdes crecen en este debut en el que se aferran a la actitud punk y las guitarras noventeras. Toldos verdes (2024) ha contado con la producción de Pablo Qwilava y la colaboración de Bronco en un disco cargadito de caramelos como Verano, Formigal o Serás como los demás

AMORDISCOS

Con Marta Iraeta

Podcast semanal en Radio 3 Extra Mordisqueo sonoro para paladares inquietos y curiosos. Te invitamos a degustar cada semana nuestras selecciones musicales, diversas, eclécticas y anárquicas. Relatos sonoros para tomar o para llevar.

Cada vez más separada de sus raíces, esta nueva generación de artistas nacidos en un mundo que impone la desconexión va siempre a contracorriente en busca de ellas. Así ha hecho la joven francochilena Alsy en Candela, un precioso, íntimo y sugerente EP de debut. Criada en París, en su música se leen los rastros de las tradiciones del pop electrónico europeo y ese susurro desiderativo que asociamos a la canción francesa. Sin embargo, el imaginario persigue las vanguardias latinoamericanas, reinterpretar el bolero, la bachata, la guaracha o los reguetones suaves, invocar tórridos atardeceres psicodélicos mientras recorre las tradiciones sonoras descubriendo sus orígenes chilenos, recordando a lo que hace Kali Uchis desde Los Angeles con su Colombia querida. Precisamente con Los Angeles y la idea de los vasos comunicantes culturales en la cabeza trabaja el productor de Candela, el parisino Jimmy Whoo. Whoo se ha declarado loco por las tensiones retrowave de Johnny Jewell y todo lo relacionado con Italians Do It Better. Esas ambiciones cinematográficas se plasman en el EP, al tiempo que conecta el sonido de Tijuana con la tradición urbana francesa. Y en esa frontera en la que se acarician culturas y espacios también se diluyen el sueño y la realidad. Cómo no, completan el EP remixes de artistas como Dinamarca, chileno afincado desde hace años en Suecia, y Peter Dallas, de París pero residente en Los Angeles. Las fronteras son solo una ilusión...

TE DOY MI DINERO

Por: Ángelo Néstore

El fucsia, el naranja, el morado berenjena, el amarillo neón son de mujer. En el Bershka la Vane levanta a la altura del pecho un crop top verde lima en el que se puede leer impresa una sentencia: ‘LOVE ALWAYS WINS’. Ella se coloca delante de un espejo, saca la lengua y saca el teléfono del bolsillo para mandarle un selfi por WhatsApp a su prima, la Jenni. Le dice que esto se piensa poner esta noche, que está de rebaja, pero mira cómo le marca el culo. Desplaza el móvil. Le ha salido una pompa en la yema del dedo índice porque las uñas postizas no le dejan usar la punta. En la discoteca el portero la dejará pasar sin pagar porque el precio de la entrada es ella. El gris, el verde oliva, el marrón caqui, el azul marino, el gris, el gris es de hombre. El poder siempre pide discreción, como en el Grindr. El Chema coge unos pitillos que le levantan el culo y una M porque piensa que es lo suficientemente estrecha para marcarle los pectorales y va a pagarla. En la camiseta se puede leer impresa una sentencia: ‘STRONG AND SEXY’. No tiene del todo claro qué es lo que significa ‘strong’, pero se ríe por lo de sexy. En fin, hoy no podrá salir, le manda un audio al Bollo para decirle que esta noche le toca estar con los hijos, que está de niñera. Al lado de la caja, los perfumes. Aunque ni tú ni yo los hayamos visto nunca, sabemos perfectamente a qué huelen la Fani y el Chema. Ella a vainilla, a jazmín, a azahar, a bergamota, a lavanda. Él a sándalo, a tabaco, a madera, a pino. No pueden ser más distintos. Lo único que les une es el culo. Hay que marcar el culo. Madre mía, el Zara está petado de gente. La cola para la caja llega a la entrada. Te doy mi dinero para que me digas quién soy.

FOTO: MAUD RALLIÈRE

WEMBANYAMA & LOUIS VUITTON

Se nos ocurren muchas virtudes que destacar de Victor Wembanyama ese extraterrestre nacido en Francia que desde su aparición en NBA esta temporada ha cambiado la liga profesional de baloncesto. Pero con sus 2,24 de altura lo que no imaginábamos es que la estrella de los Spurs iba camino también de convertirse en un icono de la moda. Wembanyama es desde ya la imagen ni más ni menos que de Louis Vuitton, la firma que (guiño guiño) ya le había vestido la noche en que fue seleccionado como nº1 del draft. Genio y figura, nunca mejor dicho.

BORDERLANDS VS ELI ROTH

Eli Roth -colega y émulo de Tarantino, y el cafre detrás de algunas de las más divertidas cintas gore de lo que llevamos de siglo, como Hostel o Cabin Fever- es sinónimo de gamberrada de las gordas. Por eso la diversión está asegurada en Borderlands, adaptación al cine de una saga de videojuegos ya de por sí salida de madre. Con Cate Blanchett y Jack Black y unos carteles que por el momento prometen. Se estrena en agosto.

LOS 6 TÍTULOS DE NUEBOX

HEMOS ACCEDIDO AL MAYOR

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ARREBATO

Iván Zulueta, 1979

Cineasta en crisis personal, creativa y sentimental conoce a joven extravagante y cruza con él los límites del cine, llegando al arrebato.

X QUÉ VERLA?

CHAVALAS

Carol Rodríguez Colás, 2021

Marta regresa al barrio donde nació, no le da para vivir en BCN. El rencuentro con amigas y con su origen no es lo que ella deseaba, pero…

X QUÉ VERLA?

Porque podrías ser una más de la pandilla. Porque hay nivel interpretativo,

Dramas, comedias, romances, thrillers, cine quinqui, películas de folclóricas, títulos de culto, ficción y no ficción, Hollywood al fondo, largos y cortos de cineastas en boga y olvidadxs. La plataforma de FlixOlé ofrece todos estos contenidos en variopintas colecciones. En NUEBO hemos seleccionado seis títulos llenos de matices para comprobar que cada novedad se debe a otra anterior. Ahora te toca elegir a ti.

Porque es cine de los márgenes, independiente, vanguardista e innovador. Rara avis del cine español. Porque Zulueta mola.

VESTIDA DE AZUL

Antonio Giménez Rico, 1983

Años 80. Cinco transexuales cuentan sus vidas y los difíciles pasos que tuvieron que dar para llegar a ser las mujeres que soñaban.

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X QUÉ VERLA?

Porque en el cine español hay

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NAVAJEROS

Eloy De La Iglesia, 1980

El líder de una banda juvenil se las ve y se las desea para vivir del hampa y llevar una vida ordenada en el frenético Madrid de los ochenta.

X QUÉ VERLA?

Porque el trap bebe del género quinqui, y la jerga cheli suena chetísima, como Burning o la rumba.

CEREMONIA SANGRIENTA

Jorge Grau, 1973

Terror. La condesa Báthory busca remedio contra el envejecimiento matando a jóvenes vírgenes y bañándose en su sangre.

X QUÉ VERLA?

Por su vampirismo luminoso y elegante. Por su maquillaje. Porque es hora de rendir culto al género fantaterror.

FOTOS: PABLO BARBOZA & SHOT BY FRANKITO

Aquí la selección de fotos de rigor que muestra lo que fue la última edición de NUEBO Club, el sábado 17 de febrero. Un fiestón en toda regla de la mano de los djs Sofi Suars, Bruni, Tiraya y una sala a reventar con la gente más guapa de todo Madrid (a las pruebas nos remitimos). Además, proyectamos en exclusiva imágenes de La bestia en la jungla, la película de Patric Chiha. Pasarán los años y se recordarán estas fiestas como Chiha representa la nightlife de otros tiempos en su película. Vente al siguiente NUEBO Club el sábado 16 de marzo y forma parte de ello...

DJ RAFF

LATIN BEATS - KUDURO - ELECTRO DEMBOW

ORFIGYAL

LATIN CLUB - GUARACHA - DECONSTRUCTED TIRAYA

HOUSE - AFRO - DISCO FUNK

SÁB

MAR 2024

16 SALA EL SOL Entradas: Dice.es

DJ RAFF

Chileno residente en Londres, ha colaborado con Tiro de Gracia, El Búho, Chancho en Piedra, Dengue Dengue Dengue o Los Tetas, y actuado en Sónar, MUTEK o Lollapalooza.

ORFIGYAL

Co-fundadora del colectivo de djs Karne Kulture, en sus sesiones mezcla reggaetón, rkt y neoperreo con electrónica.

Tiraya

A nuestro dj residente seguro que ya lo conoces bien: house latino, afro, disco funk y todo lo que se le ponga por delante.

FOTOS: BELÉN FRANCO

En el momento de escribir estas líneas ya puedes disfrutar en nuestra web y el canal de youtube de la preciosa versión que Suave ha hecho para NUEBO Talento de Artificial. Y lo que está por venir es igualmente especial: Vivi K, una de las más emocionantes voces del new pop nacional.

UNA PRODUCCIÓN DE: NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

DIRECCIÓN Y POSTPRODUCCIÓN: PABLO BERDÚN

GRABACIÓN, MEZCLA Y MASTER:

AXEL CASTILLO

GAFFER:

EVA LUENGO

FOTO FIJA:

BELÉN FRANCO

DISEÑO GRÁFICO:

LILLIE CARPIO

LOCALIZACIÓN:

THE SOCIAL HUB

DEPRESIÓN SONORA

POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: AITOR LASPIUR

‘MAKINAVAJA’ ES EL NUEVO TRABAJO DE DEPRESIÓN SONORA, UN EP DE CUATRO CANCIONES CON MENOS CARGA CONCEPTUAL Y UN VIRAJE HACIA LAS MELODÍAS BRILLANTES. PARA ÉL, SE TRATA DE SU TRABAJO MENOS OSCURO, MÁS MADURO, FRUTO DE UN AÑO DE DESCUBRIMIENTO PERSONAL GRACIAS AL DIRECTO. EN ESE AÑO NÓMADA EN EL QUE RECORRIÓ CASI TODA AMÉRICA, HALLÓ UN CAMINO CUASIESPIRITUAL EN EL ENTENDIMIENTO DE SU YO INDIVIDUAL.

Marcos crespo considera que todo lo que tenemos que saber sobre él ya aparece en sus canciones, y que en nuestra responsabilidad recae el buen entendimiento de las mismas. No es muy amigo de la promoción, y lo afirma sin miramientos: “Me han chupado la vida hoy”, dice mientras se encoje de hombros y mira hacia otro lado. Sobre ese halo de inapetencia se refleja su trayectoria del último lustro, y es que Crespo continúa siendo ese chaval de Vallecas que, misteriosamente, aparecía de cuclillas con una lata de cerveza haciendo equilibrios sobre su cabeza. Ahora, sin embargo, ha trascendido la escena Internet, que tan confortable era por su flexibilidad, y se resigna ante esa amalgama de agentes llamados industria. Gracias a eso tocará en Coachella este año, pero hay otras cosas -como hacer esta entrevista- que le mosquean bastante: Ya no hay verano sigue siendo su gran hit; le basta para legitimarse como compositor hecho a sí mismo al que cualquier ámbito musical fuera de lo sonoro le resulta una pantomima.

Hace un año publicaba su álbum debut, El arte de morir muy despacio, un LP conceptual dividido en tres capítulos en el que reflexionaba sobre la existencia de una forma más material que metafísica. Ahora regresa con Makinavaja, un EP más ligero, menos trascendental y con un componente pop impactante. Pese a ello, lo considera su trabajo más maduro hasta la fecha: “Todo ha cambiado mucho desde que salió el disco. Lo escribí hace dos años, así que Makinavaja ha sido la forma de hacer que el proyecto madure”. Siguen muy patentes, eso sí, la autodestrucción y el hedonismo propios de la juventud, la nostalgia ochentera en la producción y, aunque envuelto de shoegaze -su bajista es Dharmacide-, un post-punk indivisible de su figura. Crespo encuentra ese desarrollo a través del cansancio y la experiencia: “Este año he girado por toda Latinoamérica, por EEUU, y además he grabado estas cuatro canciones. Estar fuera de casa tanto tiempo se volvió bastante duro, pero he cambiado gracias a lo que he vivido y la gente que he conocido, sobre todo fuera de España, que no tiene nada que ver conmigo culturalmente. Aun así, intento centrarme en lo que es mi realidad cotidiana aquí en Madrid”. La narrativa de esta nueva etapa mantiene las directrices de construcción del ídolo tan importantes en la auten ticidad urbana, en conjunción con algunos valores de la Ge neración Beat y las novelas alegóricas de Herman Hes se. Con Makinavaja, Marcos Crespo se postula como un Siddharta moderno: ha vivido mucho, ha des cubierto el mundo y ha pasado de la nada al todo gracias a esa meritocracia que solo afecta a unos po cos. “Me va mejor en la vida, y el EP suena en consecuencia.

ICONOS OSCUROS

A Marcos Depresión le está tocando lidiar con el sambenito de icono de una generación no future. Lo que, por otra parte, no es nuevo: antes que él otras figuras capitales del pop nacional representaron esa desilusión juvenil por unas perspectivas poco halagüeñas. Empezando por Eduardo Benavente, líder de Parálisis Permanente y elevado a la categoría de mártir after-punk tras su fallecimiento en 1983. En una entrevista para el fanzine Estricnina explicaba: “Me siento un rebelde. Estoy en contra de cómo funciona todo en el mundillo discográfico. […] No caemos bien ni a la prensa ni al público”. En paralelo, Carlos Entrena dotaba a Décima Víctima de una profundidad lírica reflejada magistralmente en Un hombre solo: “Lo tengo todo / Pero cuando amanece / y me quedo solo / siento en el fondo / un mar vacío / un seco río / que grita y grita / que solo soy / un hombre solo” Leo Mateos tomó dos décadas más tarde el testigo al frente de Nudozurdo: "Reconozco que hago música para evitar tener que hablar de determinados temas”. Lo de echar balones fuera viene, pues, de largo...

Tengo un alquiler que puedo pagar. Trabajo de lo que me gusta. Sí, es más luminoso, a excepción de la última canción. Yo creo que es inconsciente, porque un artista no piensa lo que escribe. Me expreso, y creo que en las cosas que escribo se acaba viendo reflejada la realidad de lo que me pasa”.

Su concepto de ser humano sabio y experimentado, por otra parte, es bastante diferente a la adultez canónica: “A veces se confunde el hecho de ser adulto con ser una máquina. No me gusta idealizar ese concepto como el de una persona responsable que hace todo bien, que no tiene problemas mentales o cosas que le intriguen. Hay que tener compasión con uno mismo. Además, me he dado cuenta de que esa figura que me imaginaba de niño de ser mayor no existe. Mis padres son personas que tienen problemas, que la cagan. No son tan diferentes a lo que soy yo”. Bajo esa búsqueda vital del nirvana hay cierta ingenuidad pueril o pataletismo. Y es que el EP nace, en parte, de llevar la contraria a su audiencia: “Makinavaja es una tira cómica de El Jueves, pero eso no le quita seriedad. Para mí supone un punto de inflexión: puse ese título por hacer exactamente lo contrario a lo que se espera de mí, o a lo que debería ser Depresión Sonora. Por eso la portada es blanca o los títulos son menos elaborados. Quería romper con todo lo que hacía antes”. Ser considerado la voz del post-punk GenZ en castellano ha sido una carga más que una virtud -en más de una ocasión ha afirmado que Molchat Doma no son en absoluto sus referentes-, y por eso ha procurado sobrepasar sus límites: “La gente me tenía muy encasillado. Hacer lo que me apetezca en cada momento es lo único bonito y puro de verdad. Al disco le tengo mucho cariño, pero lo veo con nostalgia. Han pasado muchas cosas en medio, así que hay un Marcos ahí reflejado que yo ya he superado”. Depresión Sonora se adapta así a los planes de lanzamiento más masivos, pero en su caso es fruto de la necesidad, la autoexigencia y la inseguridad: “Soy la típica persona que, justo cuando está terminando un trabajo, piensa que todo lo que ha hecho es una mierda. Intento ser menos duro conmigo mismo, entender que si lo he hecho es por algo. Sé que dentro de un tiempo lo veré con otra perspectiva. Pero sí, me exijo mucho haciendo música. Llego hasta donde llego, pero hago ese esfuerzo por intentar cada vez hacerlo mejor. Gracias a eso, ahora tengo más libertad para hacer lo que quiero. He trabajado más sobre las canciones, están más producidas, tienen más elementos. Estoy bastante contento con el resultado, y creo que es el momento en el que más satisfecho estoy con mi música”. Así, el trabajo sirve como ejercicio de autoayuda y diario sonoro en el que Crespo ilustra la búsqueda del yo-maduro y sus consecuencias: “Intento trabajar en mí mismo, en estar

“ME VA MEJOR EN LA VIDA, Y ASÍ SUENA EL EP. TENGO UN ALQUILER QUE PUEDO PAGAR, TRABAJO DE LO QUE ME GUSTA...”

mejor y vivir las cosas de forma que me haga bien. Tengo herramientas para los autocuidados: supongo que si tuviera problemas personales acabaría en un punto más oscuro. Me escucho más, soy menos duro conmigo mismo. Intento darle perspectiva a lo que sucede, no me encierro en prejuicios y en lo inmediato”.

Bajo ese discurso más contemplativo que nihilista se inscriben canciones como Nada importa, a la vez que sorprende esa necesidad de “tomar pastillas para volver a soñar” de la que habla en Estupefacientes: “En ningún momento intento romantizar nada, pero vivimos una realidad muy complicada, y al final drogarse es una forma de evasión. Nos come la ansiedad, no somos capaces de parar y hacer introspección porque no sabemos qué va a ser de nuestra vida y acabamos tapando esos agujeros de la forma más rápida. Nos evadimos con eso o el mismo TikTok, no dejando hueco a cualquier estímulo un poco más llamativo”.

Con todos los elementos que conforman su nueva era, Crespo formula un discurso que encaja muy bien dentro del monomito, de ese viaje del héroe de J. Campbell: un protagonista que deja atrás su vida cotidiana para enfrentarse a un desafío y vuelve a casa como una persona renovada, más sabia, sensible y espiritual. Si Depresión Sonora prefiere no incidir en ello, aunque sea su propia historia, será porque ya ha sido contado demasiadas veces, o porque nunca se deshará de la bruma pasota que rodea su figura: “He vivido una etapa de desidealizar la realidad. Se me tachó de nihilista porque no se me entendió, y me di cuenta de que, si me cuidaba, volvería a ser importante. Dentro de la ira tienes que sacar espacio para comprenderte. Aun así, yo no me siento representante de nada. Muestro mi realidad y la gente se identifica con ella, pero me parece fuerte abanderarse de algo que es tan cotidiano y que nos sucede a todos”.

MAKINAVAJA (UNIVERSAL / SONIDO MUCHACHO, 2024)

Mala / Vivo del aire / Nada importa / Estupefacientes

DIGITAL / EP

Generación Oscura

La desesperanza, la pérdida de cualquier expectativa de futuro, resuenan en una nueva generación con ecos existencialistas, nuevos nuevos románticos sin nada que perder y nada que ganar. Códigos, gasolina y mechero.

La Plata / Desorden

El mundo antes de la pandemia era otro, quizás menos oscuro, pero avisaba de lo que estaba por venir. La espiral de destrucción humana ya sudaba por los poros del debut de la banda valenciana.

Somos La Herencia / Dolo

Los madrileños parecieron profetizar el viraje catastrófico del mundo a partir de 2020. A lo mejor su siguiente disco sirve como anuncio de la Tercera Guerra Mundial.

Xenia / Ruido-0

La electrónica de vanguardia se coló en las auras darkwave de la valenciana, marcando un paso generacional que se mira en Triple V y que sigue devolviendo reflejos en el espejo de Depresión Sonora.

Margarita Quebrada / Gas lágrima

A todas las ecuaciones oscuras, los también valencianos supieron aportar anime y ciencia ficción japonesa, una visión que tiene mucho más que ver con lo emo. El grupo fav de Shinji.

vvv [Trippin’you] / Vaciador

El grupo de operaciones especiales de la vanguardia dark española es este trío underground de Leganés que lleva diez años adelantado a su tiempo.

DOS CHICAS A LA FUGA

POR: FERNANDO BERNAL

MIENTRAS ANUNCIA UNA NUEVA -Y MUY SANGRIENTA- CINTA DE TERROR CON SU HERMANO JOEL, ETHAN COEN PRESENTA JUNTO A TRICIA COOK ESTA COMEDIA TRANSGRESORA Y SALVAJE CON ROMANCE INCLUIDO. UN HOMENAJE AL CINE DE SERIE B CON FORMATO DE ROAD MOVIE Y ESPÍRITU QUEER, PROTAGONIZADO POR DOS DE LAS ACTRICES EMERGENTES DE SU GENERACIÓN. 'DOS CHICAS A LA FUGA' LLEGA PARA SACUDIR UNA CARTELERA POBLADA DE PRODUCTOS PREVISIBLES.

tras más de treinta años trabajando juntos, con una simbiosis propia de hermanos siameses, Joel y Ethan Coen decidieron poner en pausa su colaboración tras el estreno de La balada de Buster Scruggs en 2018. Siempre dijeron que no tenía que ser una despedida definitiva, pero el caso es que mientras Joel se embarcaba en una adaptación de Shakespeare en La tragedia de Macbeth (2021), mostrando el registro más profundo -también denso- de su apasionante trayectoria, Ethan parecía ser el perezoso. En alguna ocasión aseguró que necesitaba parar, que hacer películas se había convertido en algo rutinario, pero su pasión por el cine, y el hecho de encontrar una película que también es una válvula de escape, le ha hecho ponerse detrás de la cámara de nuevo. Antes se dio un capricho en forma de documental-homenaje con Jerry Lee Lewis. Música del diablo (2022), y durante la pandemia él y su pareja Tricia Cook retomaron un proyecto que habían estado escribiendo juntos desde hacía tiempo, y que nunca estuvo pensado para que lo firmara la sociedad de los Coen. Drive-Away Dolls, el título original de la película que ahora se estrena en España como Dos chicas a la fuga, era esa válvula de escape que necesitaba en forma de homenaje al cine más libre, transgresor, desprejuiciado de la serie B de los años

sesenta y setenta. Una película que podía formar parte de un programa de grindhouse -los cines de repertorio que proyectaban este tipo de títulos- pero que también se muestra actual en sus planteamientos e intenciones. Comedia con formato de road movie, Dos chicas a la fuga sigue el viaje de dos amigas que buscan comenzar una nueva vida en Tallahassee (Florida). Sin embargo, una banda de criminales se cruza en su camino y frustra sus idílicos planes. Es una pareja antagónica: una acaba de romper con su novia y tiene un carácter libre, mientras que su compañera es mucho más correcta y recatada. Para conseguir esta química recurrieron a dos de las actrices más interesantes de la nueva generación. A la primera protagonista la interpreta Margaret Qualley, la hija de Andie MacDowell, a quien pudimos ver como la autoestopista Pussycat en Érase una vez en Hollywood (2019), de Quentin Tarantino; Geraldine Viswanathan, su compañera de viaje, destacó en la miniserie Miracle Workers, otra comedia, en este caso de género fantástico, con Steve Buscemi y Daniel Radcliffe. Junto a ellas también aparecen en papeles secundarios Pedro Pascal o Matt Damon. Cook y Coen querían un film que destilara transgresión, diversión y extravagancia. La coguionista tenía claro que quería que las protagonistas

ELLAS PISAN EL ACELERADOR

La carretera no es un circuito exclusivo de los hombres, aunque históricamente se hayan empeñado en dominarla. Estas mujeres han reclamado su independencia, libertad y lugar en la gran pantalla a base de quemar rueda. Brrrm, brrrm...

SHE-DEVILS ON WHEELS (1968)

Herschell Gordon Lewis es una auténtica leyenda del cine: suyo es el honor de inaugurar el gore con Blood Feast (1963) y en su filmografía figuran títulos de culto para amantes de lo extremo como 2000 Maníacos (1964). Aquí revisita de una forma absolutamente alocada la icónica Salvaje (1953), con el encanto de la mejor serie B y una pandilla enteramente conformada por chavalas.

THELMA & LOUISE (1991)

Quizá una de las road movies más recordadas y todo un símbolo del cine noventero, cuando lo comercial (exitazo en taquilla) no estaba reñido con la autoría (ganó un Oscar). Ridley Scott embarcó a Susan Sarandon y Geena Davis en un viaje de huida -de sus vidas y de la masculindad- que tenía tanto de aventura como de experiencia iniciática. No es hacer un gran spoiler decir que tiene uno de los finales más inolvidable (y amargos) de la historia del cine.

DEATH PROOF (2007)

El homenaje de Tarantino y Robert Rodríguez al grindhouse terminaba con esta historia de venganza y empoderamiento femenino, con un psicópata al volante de un coche y cuatro chicas que sufren sus locuras hasta que deciden pararle los pies a hostias. Un slasher en el que las mujeres -lideradas por la doble de riesgo Zoë Bell- dejan de ser las víctimas para convertirse en violentas heroínas.

MAD MAX. FURY ROAD (2015)

Hubo que esperar décadas, pero la cuarta parte de la saga sobrepasó todas las expectativas de los fans y arrastró a nuevos seguidores al reino del desierto postapocalíptico, el ruido de los vehículos de fantasía y la música a todo volumen.

Charlize Theron como Imperator Furiosa otorgaba la dimensión femenina a una serie hasta entonces testosterónica; y George Miller orquestaba un clásico inmediato de la adrenalina.

fueran lesbianas. “Soy una cineasta queer, por lo que tener personajes queer como protagonistas me pareció natural. Muchas películas sobre lesbianas son profundas, serias y, a menudo, muy dramáticas. Para mí era importante contar una historia con personajes queer muy visibles, sin que su sexualidad fuera el objetivo de la película. Queríamos que tuviera mucho sexo, pero sexo divertido. Como se ve en una película de serie B, no en una cinta importante”.

El trabajo entre la pareja de guionistas fue muy similar al que Ethan y Joel practican juntos. “Simplemente compartíamos ideas uno con otro. Hablamos sobre personajes y escenas que serían divertidas y harían que la película funcionara. No nos preocupamos mucho por las realidades que ralentizarían el proceso”, asegura Cooke. Y, por otra parte, decidieron pronto los referentes que querían utilizar. En cuanto a tono, surgen los nombres de tres autores acostumbrados a la provocación y también con cierta tendencia a disfrutar de lo kitch y extremo. “Hubo muchos cineastas de los que pensamos: Está bien, ¿qué les podemos pedir prestado?’ O ¿cómo podemos al menos jugar con el tono que conocíamos de los tráilers de Russ Meyer y de todas esas películas divertidas y atrevidas? Habíamos visto a John Waters y Pedro Almodóvar”. En cuanto a títulos que tenían en mente, destacan Motor Psycho (1965), de Russ Meyer, y Bad Girls Go Hell (1965), de Doris Wishman, películas “sucias pero paradójicamente inocentes”. Y también el cine negro, con especial incidencia del clásico El beso mortal (1955), de Robert Aldrich, como punto de partida para generar el motivo por el que una banda de delincuentes quiere atrapar a las chicas.

Tras Dos chicas a la fuga, Ethan volverá a trabajar junto a su hermano Joel en un proyecto en el que probablemente también figure Tricia Crook, colaboradora habitual en labores de edición y de producción en el cine de los Coen. Lo único que han anunciado es que se trata de una cinta de terror puro y muy sangrienta. Ethan dio una nueva pista que seguramente haya hecho soltar alguna lagrimita a los fans acérrimos de su cine cuando dijo que “si os gustó Sangre fácil , creo que os encantará”. Una película “horriblemente divertida” que promete devolvernos a los Coen más salvajes, aquellos que empezaron rodando cortometrajes junto con su amigo Sam Raimi y que derrochaban cinefilia, ganas de divertirse y un sentido de la narración que mezclaba sin pudor el cine negro y el cartoon. Pero hasta que eso llegue, Dos chicas a la fuga es la mejor manera de disfrutar de una versión distinta y despreocupada del ya mítico ‘universo Coen’.

DOS CHICAS A LA FUGA (1 de marzo)

EEUU. 2024.

Focus Features / Universal

Dirección: Ethan Coen.

Reparto: Margaret Qualley, Geraldine Wiswanathan, Pedro Pascal, Matt Damon.

POR: TALI CARRETO

EN 2007 WILL SMITH ATERRIZÓ EN LOS CINES REPARTIENDO ESTOPA ENTRE VAMPIROS EN UNA DESOLADA MANHATTAN. TRAS EL ÉXITO INTERNACIONAL DE 'BACKHOME',TONI CABALLERO Y SERGIO HERNÁNDEZ, PRENDADOS DESDE ADOLESCENTES CON AQUELLA HISTORIA SURGIDA DE LA MENTE DE RICHARD MATHESON, SE ATREVEN AHORA CON UNA ADAPTACIÓN DE CÓMIC EN CLAVE HORROR POP.

¿otro survival ambientado en unos estados Unidos postpandémicos? ¿No había bastante con The Walking Dead y The Last of Us? Pues no, no lo había. Y tanto Sergio Hernández como Toni Caballero lo tenían bien claro cuando se metieron

en este fregado. “La primera visión nuestra era hacer una obra muy seria, al estilo Backhome , todo mucho más crudo, no tan colorinchi”, confiesa Toni. “Pero al final pensamos en nosotros, en qué nos gustaría leer y en qué estábamos leyendo en ese momento: cosas mucho más frescas, mucho más coloridas. Decidimos que sería un buen método hacer la mezcla: una historia dura, pero con los colores fuera de ese género. Y pensamos que ha funcionado”. Sin duda. Y es que el color ha sido sin duda decisivo en una historia, a priori, tan oscura. Sergio toma la palabra para arrojar, nunca mejor dicho, algo de luz: “Aunque evidentemente al género survival le pega más una paleta de color como la de The Last of Us, con esa dirección de fotografía de tonos más sobrios y más sepias que potencian el drama, queríamos huir de eso, porque era lo fácil. Y también porque ya veníamos de hacerlo en Backhome”.

Para los que aún no conozcan la obra que dio fama a esta pareja (tan) creativa, tan solo apuntar que nació de forma serializada en las páginas de Planeta Manga para acabar publicándose de manera independiente, primero en nuestro país y más tarde en Italia y Francia. Y aunque aquel Backhome y este Soy leyenda puedan compartir decorados apocalípticos, la forma de afrontar ambas historias no puede ser más diferente. “Aquí queríamos apegarnos a una cuestión más estética”, reconoce su guionista. “Cuando nos llegó la propuesta salió Spider-Man: Across The Spider-Verse , que nos marcó muchísimo, y por eso hemos intentado beber de ese cine de animación en el que la tinta y el color juegan un papel diegético y cuentan con sus propios códigos. También de autores norteamericanos como Gerard Way o Nick Derington, o títulos como Doom Patrol, en los que el color está muy presente y tiene una conceptualización muy importante”. Y su media naranja creativa, Toni, no duda en aportar otras influencias como “esa nueva ola de Marvel con colores así más pastel, tipo Gwenpool o Spider-Gwen”. De paso nos da una de las claves de esta adaptación: “Al ser una obra en color, hemos querido fijarnos más en estos estilos, quizás más ligados a estos comics más actuales, más juveniles. Pero por esa misma razón: el llevar una obra tan cruda y con tantos años de bagaje a un público contemporáneo”. Y es que, no lo olvidemos, aunque el detonante de toda esta aventura fuera aquella peli dirigida por un Francis Lawrence recién salido de Constantine y antes de embarcarse en Los Juegos del Hambre, la historia original viene de mucho más atrás. Concretamente de 1954, fecha en que se publicó la novela de Richard Matheson. Se trataba pues y ahora de realizar el camino inverso que Sergio y Toni habían

llevado a cabo con Backhome: si allí, como buen seinen, acercaron el manga a un público adulto, en este caso había que acomodar una historia ya clásica a una audiencia joven. “¡Exacto! ¡Eso es, el camino de vuelta!”, exclaman ambos. “Conocimos primero la película, y luego ya leímos el libro de adolescentes… Y volvimos a leerlo cuando nos hicieron el encargo desde Planeta, nuestra editorial”, reconoce Sergio. “El hijo de Matheson quería que estuviéramos muy ceñidos a lo que es la obra. Y entonces, ya que a nivel de guión no podíamos actualizarlo y apegarnos más a las películas, que eran quizás lo que conocía más la gente, sí que intentamos potenciar el estilo de Toni para actualizar la obra y llevarla a un público más millennial o de generación Z”. Toni lo corrobora: “A los herederos de Matheson, además, no les hacía demasiada gracia de que nos lleváramos la historia a una época muy actual. Entonces utilizamos ese estilo pop que tengo yo para hacer un punto intermedio, muy en la nueva onda de películas y de series tipo Stranger Things, que son actuales pero que, aun así, tienen ciertos detalles que no fijan la narración en ningún momento concreto”.

A esa ambientación, digamos que atemporal, también contribuyen lo suyo esos fondos tan habituales en las obras firmadas por ambos -no solo Backhome sino también la novela gráfica El diari de Laia-, para los que utilizan fotos reales. “Cuando preparamos una historia y nos sentamos a hacer storyboards juntos, pensamos en qué lugares nos pueden servir para ir a fotografiar. Al final, se trata de buscar salir a buscar espacios que nos resulten cercanos a nosotros, pero que también permitan ubicar a lector: ‘Ok, estoy en Los Ángeles’. Aun así, hay cosas que dejamos a su imaginación”, afirma Toni. Y Sergio añade: “Tampoco queríamos caer en una idealización europea de Estados Unidos, recurriendo a los clásicos clichés que se nos vienen a todos a la cabeza sobre Los Ángeles, la Costa Oeste, etcétera. Pero sí que es verdad que hicimos un trabajo de localización, sobre todo en Valencia, bastante exhaustivo. Sin ir más lejos, nos colamos en el Circuito de Fórmula 1 abandonado, ¡y ahí sí que parece que haya pasado un apocalipsis zombi!”. Ya saben, jefazos de HBO: tomen nota para la próxima temporada de The Last of Us

(SOBRE)VIVIENDO EN LA ERA POP

Que la adaptación al cine más conocida de Soy leyenda estuviera protagonizada por Will Smith no es la única conexión que encontrarás aquí con la cultura pop. Más aún si tenemos en cuenta que Toni y Sergio, antes de liarse con las viñetas, se conocieron en la escena punk de su ciudad. En la novela original, Robert Neville, su protagonista, alternaba la música clásica con el whisky. En la peli de Smith, sonaban Bob Marley y Stevie Wonder. Aquí las cogorzas se las pillan con los Ramones a todo trapo. También suenan por ahí los Sex Pistols, Blink 182, Sum 41 o Green Day. “Al fin y al cabo somos hijos de los años noventa y de los dos mil, y es la música que nos ha acompañado”, sueltan entre risas los culpables de dejarnos los ojos buscando esos guiños. “El cómic está lleno de easter eggs y a quien los encuentre todos, deberíamos darle un disco firmado o algo así”. ¡Os tomamos la palabra!

SOY LEYENDA

R. Matheson, S. Hernández, T. Caballero

Planeta Cómic

168 páginas / Novela gráfica

P A R T E D O S

Villeneuve rompe la maldición asociada a la mastodóntica novela de ciencia ficción política escrita por Frank Herbert en 1965. En la segunda entrega del acercamiento del cineasta canadiense a 'Dune', Paul Atreides se enfrenta al conflicto que le genera su destino mesiánico, y el ritmo sosegado es arrollado por un torrente de acción.

Es la particular tormenta de arena de Denis Villenueve.

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

dos años y medio después de su primera entrega -y con un retraso de cuatro meses motivado por la huelga de actores en Hollywood- aterriza en la cartelera Dune: Parte dos , posiblemente la apuesta cinematográfica más arriesgada del cineasta canadiense Denis Villeneuve. Un director que comenzaría llamando la atención con Polytechnique e Incendies en su Canadá natal y que daría el salto a Hollywood con obras como Enemy, Prisioneros y Sicario, para posteriormente abrazar la ciencia ficción con el estreno consecutivo de tres clásicos contemporáneos como La llegada, Blade Runner 2049 y Dune: Parte Uno

Aquella primera entrega contaba con la particularidad de ser la adaptación, no de la primera novela de la saga iniciada por Frank Herbert en 1965, sino únicamente de la primera mitad de la misma. El motivo, una novela compleja, en algunos aspectos críptica, repleta de conceptos e imaginería desbordada -que serviría de inspiración a obras como Star Wars y Juego de Tronos- y que se había intentado llevar al cine por autores tan dispares como Alejandro Jodorowsky y Ridley Scott. Aquellos proyectos

fallidos darían pie a varios clásicos de la ci-fi -del cómic El incal, a las películas Alien o Blade Runner -, y prologaron uno de los grandes fracasos del cine de los ochenta: la ansiada adaptación de David Lynch, estrenada en 1984 y que, aunque reivindicable en algunos aspectos -sobre todo estéticos- cayó presa de la mutilación de un metraje inicial de más de cuatro horas a prácticamente la mitad.

Villeneuve muy probablemente aprendió la lección de lo que ocurrió con el Dune de Lynch, y por eso decidió dividir la primera novela de la saga en dos largos. Un riesgo consciente, en cuanto que Warner solo dio luz verde inicial a esa primera entrega, dependiendo su continuidad del éxito en taquilla de la misma. El cineasta canadiense no lo tuvo fácil: la cinta tenía previsto su estreno en las fechas en que la pandemia de COVID puso el mundo entero patas arriba. Por eso se retrasó su estreno previsto inicialmente en 2020 al 2021 y, la cinta terminó participando de ese experimento fruto de la pandemia que fue el estreno simultáneo en salas y -esto último solo en Estados Unidos- HBO Max. Con todo y con ello la cinta recaudó 433 millones de dólares en todo el mundo, recibió 10 nominaciones a los Oscar -ganando 6 de ellos- y se ganó el aplauso casi unánime de la crítica.

Denis Villeneuve: la nueva esperanza del blockbuster de autor

El estreno de esta segunda entrega de Dune se percibe, para los espectadores ávidos de grandes espectáculos cinematográficos, como una ventana abierta a la esperanza frente a los en general adocenados, asépticos e impersonales productos salidos de la mayor industria del entretenimiento del mundo en la última década y media. Solo hay que mirar la absoluta mediocridad del MCU, la decadencia progresiva de la saga Star Wars en manos de Disney o la ingente cantidad de subproductos bañados en miles de millones de dólares que nutren una cartelera casi salida de producciones de saldo directas a videoclub en los años ochenta y noventa, para reivindicar -aún más si cabe- la atrevida, elegante y monumental apuesta de un Villeneuve bastante solo en el yermo páramo que es el blockbuster del Hollywood actual. Además, la apuesta de Villeneuve no está exenta de riesgos. La primera entrega de Dune, que contó con un presupuesto de 165 millones de dólares, acabaría recaudando 433 millones de dólares en todo el mundo. Una cifra que a priori no responde a las expectativas creadas, pero que resulta más entendible por los problemas que sufrió el estreno, motivados por las restricciones fruto de la pandemia COVID. Ahora, con un ecosistema óptimo para su consumo en la pantalla más grande posible, Villeneuve tiene que justificar un presupuesto de 125 millones de dólares. Se trata de una cifra muy conservadora en comparación con los excesos del Hollywood actual, en el que las últimas entregas de Misión Imposible e Indiana Jones o cualquier medianía de Marvel Studios, caso de Ant-Man y la Avispa: Quantumania, superan holgadamente los 300 millones de dólares de presupuesto con resultados -artísticos y financieros- más que discutibles.

La apuesta cinematográfica de Villeneuve tiene maneras de ci-fi épica, majestuosa pero reposada, y precisamente por ello funciona como rara avis en el entretenimiento fastfood del blockbuster actual. Un vistazo a la taquilla global en los ultimos tiempos nos dice mucho del

momento singular por el que pasa Hollywood. La película más vista del 2023 en todo el mundo fue Barbie, que a pesar de contar con una campaña de marketing descomunal y el apoyo de la multinacional juguetera Mattel, no puede esconder en el tono y en las formas las raíces indies de su directora Greta Gerwig. La tercera en el Boxoffice del pasado año -inmediatamente después de la infantil Super Mario Bros: La película- es Oppenheimer, cinta que curiosamente marcaba el alejamiento de su director, Christopher Nolan, de los géneros populares -Origen, Interstellar, El truco final o su trilogía de Batmanen pos de un cine “importante”, casi académico. Su apuesta, lejos de alejar al público de los cines, ha resultado un imán para que se produzca el milagro en taquilla.

Un caso aún más llamativo y cercano también al “milagro” es el de Yorgos Lanthimos y sus Pobres criaturas, producción ¡irlandesa! que encaja de lleno en la etiqueta de cine de autor -temática y formalmente-, con una fuerte carga sexual, y que sin embargo lleva recaudada la nada despreciable cifra de casi cien millones de dólares en todo el mundo, la quinta película más vista en lo que llevamos de año en España.

Está por ver si todos estos datos apuntan a un verdadero giro de guion en la tendencia del blockbuster que está por venir. Soñar no cuesta nada...

La segunda entrega, que adapta la segunda mitad de la primera novela -en la obra de Lynch eso representaba 40 minutos de metraje frente a las 2 horas y 40 minutos de la versión de Villeneuve-, incorpora nuevas caras al reparto de su antecesora: a Timothée Chalamet, Zendaya, Josh Brolin, Rebecca Ferguson, Stellan Skarsgårdse o nuestro Javier Bardem se suman ahora Florence Pugh (princesa Irulan), Austin Butler (Feyd Rautha, el sádico sobrino del barón Harkonnen), Léa Seydoux (Lady Ferring), el carismático Christopher Walken en el papel del Emperador Shadam IV y villano en las sombras en el conflicto entre los Atreides y los Harkonnen por el domino del planeta Arrakis.

Todo esto termina dando en una segunda entrega más compleja porque,

en palabras del propio Denis Villeneuve, “técnicamente Dune Parte dos es un reto mayor por la cantidad de secuencias de acción que hay en ella, y narrativamente porque el reto era asegurarme de que si alguien no había visto la primera entrega pudiera disfrutar igualmente y de manera autónoma de la segunda”. El canadiense también ha explicado los cambios sutiles que hizo sobre la obra original: “Tuve la suerte de haber leído Dune Messiah -la segunda novela de la saga- y eso influyó en la escritura del guion de Dune: Parte 2. Por eso mi interpretación de Chani, el personaje de Zendaya, es ligeramente diferente al de la novela original, ayudándome a trasladar a la pantalla la intencionalidad original de Frank Herbert que se esconde tras la figura mesiánica que es Paul Atreides”.

DUNE: PARTE DOS (1 de marzo)

EEUU. 2024.

Warner

Dirección: Denis Villeneuve.

Reparto: Timothée Chalamet, Zendaya, Javier Bardem, Rebecca Ferguson, Léa Seydoux.

DuNE

1. Brian Herbert, hijo del autor original, ha realizado junto a Kevin J. Anderson varias ampliaciones de Dune, incluida una adaptación en forma de novela gráfica con artistas españoles.

2. El mundo de los videojuegos se le ha resistido a Dune, pero en 1992 salió el mítico Battle for Arrakis, piedra angular de los juegos de estrategia en tiempo real.

3. Hasta Villeneuve, Dune estuvo maldita en el cine (al menos del intento de Jodorowsky salió Alien o un simpático documental), pero su llegada a la TV en forma de miniserie fue un éxito de audiencia y ganó 2 Emmy.

4. Juegos de mesa, deckboards, funkos... Dune ha dado para todo tipo de merchan.

SEYDOUX LEA

POR: FERNANDO BERNAL

“Cuando la cámara la mira, es imposible saber lo que está pensando. Es un misterio”, asegura el cineasta Bertrand Bonello sobre ella, a la que ha dirigido por tercera vez en ‘The Beast (La bestia)’, un melodrama de ciencia-ficción que coincide en taquilla con su aparición en ‘Dune: Parte dos’. Polifacética, con una presencia magnética ante la cámara y un gusto por el riesgo que le ha llevado a trabajar con todo tipo de directores, de Wes Anderson a David Cronenberg, para ella actuar es una “necesidad existencial”.

“me gusta interpretar personajes profundos, y es bueno tener emociones profundas. Pero también es bueno tener distancia y sentido del humor en lo que haces”. Estas palabras definen bien la carrera de Léa Seydoux (París, 1985), en la que ha alternado películas de autor -de los más grandes del momento, todo hay que decirlo- con enormes blockbusters que la han llevado hasta Hollywood para compartir cartel con Daniel Craig, Tom Cruise, Cate Blanchett, Woody Allen, Benicio del Toro o Brad Pitt, además de con todo el star-system francés. Parece una trayectoria ideal, más para alguien que de pequeña no soñaba con ser actriz, a pesar de que su abuelo fuera el fundador de la productora y distribuidora Pathé, un verdadero icono de la historia del cine francés. Pero ella se enamoró de la profesión por otros motivos, que tenían más que ver con su singular personalidad: “No fue porque viera una película. Fueron los actores los que me hicieron querer ser actriz. Me encantó el hecho de que los actores fueran tan libres en el sentido de que podían elegir lo que quisieran. Fue porque quería ser libre que me convertí en actriz”. Hasta ahora ha acumulado más de cuarenta títulos en su filmografía, en la que destaca su forma de asumir todo tipo de riesgos. Ahí están sus últimos trabajos: Crímenes del futuro (2022) con David Cronenberg, en la que se sumerge de lleno en el turbulento mundo de la ‘nueva carne’ y la metamorfosis de los cuerpos.

O Fantasías de un escritor (2021), una adaptación de la obra de Philip Roth en la que, de la mano de Arnaud Desplechin -uno de sus directores fetiche- afrontaba un papel que era pura exposición emocional y física. También la muy sarcástica France (2021), de Bruno Dumont, en la que despliega otro tipo de registro: “Me encanta el desafío. Me encanta tener miedo antes de una película, antes de actuar. Creo que siempre quiero experimentar miedo. Me he vuelto adicta a esa sensación”. Toda una declaración de amor por el riesgo, de adicción por el vértigo en cada nuevo trabajo, y también por romper con la imagen dulce y tímida -ella se considera una “tímida vocacional”- que en la vida real la ha llevado a ser imagen de Louis Vuitton,protagonizar sesiones de haute couture y perfumería con Jean Baptiste Mondino -que la ha denominado como “la más francesa y la más cool”- o a marcar tendencia con sus estilismos y peinados en las alfombras rojas de los principales festivales del mundo. Pero por encima de todo ello está el cine. Aunque debutó en 2006, hasta dos años después no llamó la atención con La bella persona, de Christophe Honoré, en una puesta al día en versión drama de instituto de un clásico de la literatura francesa: La princesa de Clèves, de Madame de La Fayette. Léa Seydoux brillaba en esta estimulante propuesta en la que coincidió con el actor Louis Garrel, que la dirigiría años después en El pequeño sastre (2010), y que además

le sirvió para conseguir la primera de sus cinco nominaciones a los premios César. Estas dos películas, junto con De la guerre (2008), de Bertrand Bonello -que ahora la dirige en The Beast (La bestia) (2023)-, y Lourdes (2009), de la austríaca Jessica Hausner -una fábula religiosa cruda y muy reivindicable con la que descubrimos a una de las directoras más inquietantes del momento- sirvieron para que Hollywod se fijara en Léa Seydoux. Primero fue Quentin Tarantino con Malditos bastardos (2010), en un reparto en el que también aparecía su compañera de generación Mélanie Laurent. La actriz tuvo el terrorífico honor de compartir la secuencia de apertura del filme con el oficial nazi interpretado por Christoph Waltz, un duelo interpretativo crudo al que siguieron las más ligeras Misión imposible: Protocolo fantasma (2011), con la saga de Tom Cruise levantando de nuevo el vuelo, y el Robin Hood (2010) de Ridley Scott, donde tenía un papel más secundario. Dos auténticos blockbusters, en los que participó pese a no ser su territorio favorito. “No me entusiasman las películas ‘entretenidas’. No creo que vaya al cine para entretenerme. Sé que es algo grande en Estados Unidos. Prefiero hacerme preguntas, y no me gusta tanto que me den las respuestas. No quiero dejar de pensar. Creo que ciertas películas se hacen solo para alimentarte con imágenes”. A pesar de ello, aceptó -¿quién no lo haría?- ser la última -¿o no?- pareja de James Bond en

Spectre (2015) y Sin tiempo para morir (2021), con lo que tuvo el honor de despedir la era de Daniel Craig. También ha participado en Mignight in Paris de Woody Allen -junto a Owen Wilson o Marion Cotillard-, y repitió dos veces junto Wes Anderson en El Gran Hotel Budapest (2014) y La crónica francesa (2021), lo que viene a corroborar que, tal y como Léa Seydoux suele defender en sus entrevistas, su carrera se mueve en función de los cineastas. “Antes que nada, elijo películas por el talento de los directores. La historia y los demás actores son, por supuesto, muy importantes, pero para mí todo depende del director”.

En medio de todo ello llegó la película-escándalo, La vida de Adele (2013), de Abdellatif Kechiche, por la que compartió la Palma de Oro de Cannes con su compañera de reparto -y desde entonces amiga íntima- Adèle Exarchopoulos. Reconoce que fue una experiencia que le marcó por la dura exigencia del director en el rodaje y la cantidad de veces que tuvieron que repetir las escenas, algunas de ellas de sexo explícito, a pesar de que ha declarado que no es contraria a mostrar cuerpos desnudos

en el cine “porque la desnudez es hermosa”.

Para nada traumática ha sido su nueva colaboración con Bertrand Bonello en La bestia -foto sobre estas líneas-, adaptación libre del relato de Henry James La bestia en la jungla, que se estrena este mes tras pasar por Venecia y Seminci, donde Léa obtuvo el premio a la mejor actriz. Una historia de amor ambientada en tres períodos históricos que la acerca “por primera vez” -realmente debutó en el género de la mano de Kojima- a la ciencia ficción. El director de Nocturama (2016) conoce a la actriz muy bien y una de las cosas que le sigue fascinando de ella es que cuando mira a la cámara le resulta imposible saber lo que está pensando. “En su forma de trabajar, no es una actriz académica. No siente necesariamente la necesidad de estar muy preparada ni de saberlo todo sobre su personaje, ni siquiera sobre el guion. Se podría decir incluso que utiliza una cierta incertidumbre o vacilación, pero esta vacilación la beneficia, le permite dejarse guiar, abandonarse y dejar que las cosas sucedan”. Quizá este misterio sea una de las claves de su imparable éxito.

Su parte mas ’Fragile’

Desde que salió al mercado en 2019, el videojuego Death Stranding, ambientado en un futuro postapocalíptico, se convirtió en un título de culto que ha sumado ya más de 16 millones de jugadores. La creación del genio Hideo Kojima cuenta con Léa Seydoux en su casting, junto con Norman Reedus, Mads Mikkelsen o Guillermo del Toro. La actriz interpreta a Fragile, uno de los personajes principales inspirado en Mary Poppins, de la que el diseñador es fan, lo que le ha valido también convertirse en un icono dentro del mundo gamer. Su presencia en la segunda parte del videojuego ya ha sido anunciada a través del tráiler y también del propio Kojima, que aseguró que no podía avanzar mucho, pero que Fragile “será importante”. Seguro que también está en el reparto de la película que el creador del mítico Metal Gear está preparando a partir de Death Stranding, en alianza con A24, la productora indie del momento. “Hay muchas películas de adaptación de juegos por ahí, pero lo que estamos creando no es solo una traducción directa del juego. La intención es que nuestro público no solo sean fans de los juegos, sino que nuestra película sea para cualquiera que ame el cine. Estamos creando un universo de Death Stranding que nunca se ha visto antes y que solo a través del medio cinematográfico podrá nacer", avanza Kojima. Genio y figura hasta la sepultura.

EL CUARTETO DE LEEDS REGRESA CON SU SEGUNDO ÁLBUM, ‘WHERE’S MY UTOPIA?’ (AN ISLAND RECORDS / UNIVERSAL), UN TRABAJO COPRODUCIDO JUNTO A REMI KABAKA JR. (GORILLAZ) CON EL QUE BUSCAN DESPEJAR CUALQUIER TIPO DE DUDA Y CONSOLIDAR EL INESPERADO ÉXITO QUE LES DIO SU DEBUT, ‘THE OVERLOAD’, EN 2022. DEL POST PUNK Y EL MORDAZ RETRATO SOCIAL DE AQUEL PASAMOS A UNA EVIDENTE Y AMBICIOSA EVOLUCIÓN TANTO EN LO SONORO COMO EN LO LÍRICO , CON MAYORES PREOCUPACIONES EXISTENCIALES E INDIVIDUALES.

POR: GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA

FOTOS: PHOEBE FOX

si hay algo patente y ajeno a los cambios y las modas es la siempre fértil y efectiva escena musical británica. Uno de los últimos ejemplos de ello son Yard Act, quienes en 2022 asaltaban el panorama con un álbum debut, The Overload, que funcionó como un tiro: aclamación de público y crítica, nominación al Mercury Prize, puestos de honor en las listas de lo mejor del año…, hasta Elton John se prestó a colaborar con ellos. Sobre el papel su música no se alejaba demasiado del estándar british de otras bandas con las que comparten escena: afilados sonidos post-punk mezclados con letras llenas de ironía y crítica social marcada por el post-brexit. No obstante, los de Leeds dieron con la tecla del éxito sin ni siquiera pretenderlo. “Creo que la razón original por la que nos fue tan bien ha sido probablemente porque no estábamos tratando de hacer nada calculado, ni siguiendo ninguna fórmula para tener éxito”, cuenta James Smith, cantante y letrista de la banda. “Solo tratábamos de pasarlo bien y reírnos los unos con los otros”. Aun así, es consciente de que la pandemia jugó un papel clave en su éxito: “Hizo que todo el mundo estuviera en su casa, en los ordenadores, escuchando la radio, consumiendo mucha música… Y esto, sumado al tempranero apoyo que nos dio BBC 6 Music, explica esa cantidad de seguidores que nos descubrieron desde el principio”. Eso sí, los Yard Act tampoco creen que todo sea cuestión de suerte. Ellos mismos defienden que “cuanto más trabajes en tu oficio, más oportunidades tendrás de que suceda algo”.

Precisamente su oficio, el de tocar, tocar y tocar, les ha tenido absorbidos los últimos dos años. Su triunfal debut les llevó a girar por todo el mundo sin parar, y entre concierto y concierto fueron escribiendo una serie de canciones que ahora terminan de dar forma a su segundo álbum, Where’s My Utopia? Si bien es cierto que la gran acogida del primer disco podía haber supuesto una fuente de presión de cara a su continuación natural, Yard Act han sabido manejar a la perfección la situación. “No teníamos miedo o presión de no conseguir repetir la fórmula del éxito porque realmente no sabemos cuál es esa fórmula. El éxito del primer álbum llegó sin pretenderlo, por lo que comprendimos que hay cosas que están fuera de nuestras manos”, cuenta Smith. “Tanto es así que grabar este disco fue como comenzar de cero, sin una referencia previa. De hecho, lo sentimos como el verdadero álbum debut, porque es el primero que grabamos los cuatro juntos involucrados por igual”. Una de las primeras consecuencias de compartir el proceso creativo entre todos ha sido la de manejar las numerosas y eclécticas referencias que han estado presentes durante su materialización. “Básicamente, creo que a los fans de la música actual nos gustan muchos tipos diferentes de música. Diría que es el caso de casi todos los músicos actuales, incluso aquellos que pertenecen a un género muy definido”,

“TODOS PODEMOS ENCONTRAR RAZONES PARA APRECIAR POR QUÉ ESTAMOS AQUÍ. SIEMPRE HAY MOTIVOS PARA ENCONTRAR LA LUZ”

cuenta el guitarrista Sam Shipstone. En concreto, los de Leeds han apuntado a direcciones que van desde Fela Kuti o Spillers hasta Ennio Morricone o el artista country americano Glen Campbell. Si en la parte sonora la banda funciona como un monstruo de cuatro cabezas, en la parte lírica, sin embargo, todo el peso recae en James Smith, quien para esta ocasión ha hecho un ejercicio de introspección marcado por los dos grandes acontecimientos que han marcado su vida en estos años: su paternidad y el éxito. En The Overload, Smith se puso en la piel de diferentes personajes afectados por el brexit, el capitalismo o el auge de la extrema derecha. En cambio, para Where’s My Utopia? toma una mirada más personal y reflexiona sobre temas como el legado y el qué dirán. “Siempre me ha importado lo que la gente piense de mí, y es algo que he querido trabajar a través del álbum”, confiesa. “He buscado encontrarme cómodo conmigo mismo, centrarme en mi propio ego, con el fin de convertirme en nada. Quisiera no existir, eventualmente, para que dejen de afectarme algunas cosas”. Todo esto responde a un ejercicio terapéutico consigo mismo, algo que necesitaba después de dos años sin parar, invadido por emociones muy complejas. “Creo que soy una persona más tranquila después de haber escrito este álbum. He desbloqueado muchos caminos mentales que me han ayudado a desahogarme”. Pero no solo la búsqueda de catarsis ha sido lo que ha inspirado a Smith. El cantante también ha querido afrontar las letras como una carta de amor y esperanza a su hijo. “Soy un hombre afortunado y estoy agradecido por lo que tengo, pero no creo que sea una

excepción a la regla. Todos podemos encontrar razones para apreciar por qué estamos aquí. Si la muerte es el final, entonces es mejor que sigas adelante. Siempre hay motivos para encontrar la luz, aunque sé que algunos no estarán de acuerdo con esto”.

En relación a la producción del álbum, la banda se ha encargado de ella junto al productor -y miembro de Gorillaz- Remi Kabaka Jr. Desde el primer momento el británico supo entender al cuarteto, convirtiéndose en casi un guía espiritual musical durante el desarrollo del álbum. “Uno de los problemas que a veces tienes al grabar es llegar a callejones sin salida. Y, para esos casos, Remy era como una especia de buda sentado en un rincón, desde donde decía cosas abstractas que te ayudaban a solucionar el problema”, cuenta Sam. “¿Conoces las cartas de Brian Eno que se utilizan en las estrategías oblicuas? Pues era un poco así”. Por su parte, James define la experiencia con Remi como “asombrosa”. “Lo mejor fue ver a un hombre que dedica toda su vida a hacer que las cosas sucedan. Simplemente viéndole decía: ‘quiero ser artista y voy a ser artista’”.

Con el deber cumplido y el disco ya en la calle desde el 1 de marzo, los de Leeds ponen el ojo en una gira que comenzó a finales de febrero y que, por el momento, se alargará hasta octubre haciendo paradas en ciudades de Reino Unido, Europa, Estados Unidos y México -en abril estarán en Madrid y Barcelona-. Aun así, la idea del tercer disco ya empieza resonar en sus cabezas. “No lo hemos comenzado ni tenemos idea de cómo será. Pero nos ilusiona pensar hacia dónde nos llevará”. Esto no ha hecho más que empezar.

DETRÁS DE YARD ACT

James Smith

Si Yard Act te suenan como si llevaran toda la vida quizá es porque llevan toda la vida. Hace más de diez años su cantante ya fronteaba Post War Glamour Girls en la escena underground de Leeds.

Ryan Needham

El bajista de Yard Act era uno de los núcleos del supergrupo de Leeds Menace Beach -con el productor de Hookworms-. Así conoció a James, y así surgió el cuarteto actual.

Sam Shipstone

Antes de ser el guitarrista de Yard Act, Shipstone fue SS en Hookworms, hasta que la banda se separó en 2018 tras las acusaciones de abuso sexual contra su cantante.

Jay Russell

El propulsor rítmico de Yard Act no es arrollador por nada: su batería se forjó en la escena revival del thrash metal, colaborando con bandas como Evile, Reprisal o Eradikator.

WHERE’S MY UTOPIA (AN ISLAND RECORDS / UNIVERSAL, 2024)

An Illusion / We Make Hits / Down By The Stream / The Undertow / Dream Job / Fizzy Fish / Petroleum / When the Laughter Stops / Grifter's Grief / Blackpool Illuminations / A Vineyard for the North CD / DIGITAL / LP

POR: ANTONIO RODRÍGUEZ Y DIEGO RUBIO

NO SIEMPRE ES EL SISTEMA EL QUE MUEVE EL MUNDO. A VECES SON VALORES DE SOLIDARIDAD, DE COMUNIDAD, DE PARTICIPACIÓN COOPERATIVA. VALORES COMO LOS QUE INSPIRAN AL COLECTIVO BARCELONÉS HOUSE OF (S)PUNK. NACIÓ COMO REACCIÓN A LA PANDEMIA, Y SE GENERÓ DENTRO DE ELLA PARA OFRECER UN ESPACIO DE LIBRE EXPRESIÓN Y CUIDADOS PARA LA COMUNIDAD QUEER, TRANS, FEMENINA, CYBORG. UNA CASA PARA EL PÚBLICO Y LES ARTISTES. BUSCANDO DECONSTRUIR EL SISTEMA. HUIR DE MEJORARLO. REDEFINIRLO. REESCRIBIR NUESTRAS HISTORIAS. PONER AL SER HUMANO PRIMERO Y ESCAPAR DE LAS FÓRMULAS DEL CAPITALISMO. REIVINDICAR NUESTRA IDENTIDAD. JUNTES ES MÁS FÁCIL SUPERAR LOS MUCHOS OBSTÁCULOS QUE NOS SEPARAN DEL FINAL DEL NEOCAPITALISMO LIBERAL.

perrine la fraîchieur se mudó a barcelona seis meses antes de la pandemia. “Empecé a ir a las raves de Montjuic o a algunas okupas. Raves pequeñas, de 40 o 50 personas. Y ahí me di cuenta de que había una escena con un nivel de talento increíble, pero que no tenían la plataforma para poder existir como artistas”. Eso la inspiró, y cuando estalló el Covid sintió la necesidad de pasar a la acción. Como siempre. “Las fiestas de (S)Punk surgen como un espacio de reunión para esos artistas, pero también para una comunidad que, en plena pandemia y mientras se desconfinaban iglesias y otros espacios de reunión abrazados por el sistema, había perdido los espacios en los que poder expresarse con libertad”. Perrine es apasionada, despierta, precisa en todos sus conceptos. Y es de esas personas que convierten cada palabra suya en movimiento. Viene de una experiencia de más de veinte años en la industria musical, y tenía claro que con House of (S)Punk quería distanciarse de los ritmos tóxicos, las actitudes discriminatorias, el tecnocapitalismo. De la idea de consolidarse y triunfar como marca. “Lo único importante aquí son las personas que lo forman y las personas hacia las que se dirigen”, afirma con convicción.

Una de esas personas la acompaña en esta entrevista: Nerea Gil, visual artist y directora de arte. Más allá de lo laboral, sus vínculos reflejan la esencia de lo que es House of (S)Punk, un lugar de reunión de las diferencias, sí, pero más allá: de cuidados, de ternura, de servicio, de cooperación. “Perrine se ha dejado la piel para levantar un proyecto como este, tan autogestionado, e intentando no caer en herramientas capitalistas como Resident Advisor y en espacios normativos, sistémicos, como Apolo o Razzmatazz”. “Te dejas la piel intentando que los valores del proyecto no se corrompan por el dinero, que al final es lo que lo sustenta”, reconoce ella. Las identidades queer están por naturaleza al margen del sistema, y así ha de funcionar un espacio que sea interseccional para elles. Todos estos valores sustentan al colectivo, le dan su razón de ser. En House of (S)Punk no interesa la idea del consumidor de fiesta, se buscan participantes, y por eso poco a poco ha ido extendiéndose y ha abarcado más cosas. Creciendo de forma responsable, positiva: “El éxito en el capitalismo siempre se mide en tamaño, en más, más, más. Para nosotres no se trata de mejorar lo que existe, sino de crear algo nuevo. El concepto de ‘House’ surgió precisamente para grabar todo ese talento, para sacarlo del ámbito de lo puramente festivo y convertirlo en imperecedero”. Para elles es como un vivero: “No

“Un safe place no es un catchphrase, son acciones de personas que han de saber que su papel es fundamental para hacer de ese lugar seguro”. Perrine sabe de lo que habla: se encarga personalmente de curar sus fiestas, pero no solo en lo artístico. Cura cada una de las peticiones y accesos para asegurar una experiencia íntima y cerrada en torno a lo queer. Cuidan mucho, también, las fotografías de sus fiestas. “La fiesta no es un producto, y las fotos de fiesta no son una forma de vender la próxima fiesta. Tu manera de disfrutar y de ser tú misme no vamos a utilizarla para vender un producto”. Nerea, que lleva diez años viviendo en Barcelona, recuerda que hasta Maricas -hace unos seis- no encontró un espacio que pudiera considerar relativamente seguro para la identidad queer. “Y ahora sí que han surgido muchas más fiestas, ya sea por la comercialización de lo LGTBIQ+, porque ha cogido mucho volumen en el techno o porque somos un público que da mucho en la noche. Antes había una fiesta queer cada tres meses. Ahora cada finde hay varias propuestas con distinto focus, y es muy importante ver cómo aparecen puntos seguros como el de la Candy: si te pasa lo que sea va a haber alguien que va a preocuparse por ti”. Para Perrine hay un renacimiento de lo queer en el entorno de club, pero se origina en los colectivos y no en los espacios. “No hay forma de estar segures en un club de dos mil personas en el que la mitad no son queer. Y la mayoría de clubs pequeños son de tíos con pulserita de Vox. La última fiesta fue hace seis meses, así de difícil puede llegar a ser encontrar un espacio que podamos asegurar”.

empiezas por las plantas, empiezas por construir un ecosistema para que puedan vivir, y lo demás después viene solo, surge de forma orgánica”, explica. Pero, por encima de todo, “es una casa para que cualquier artista queer, trans, femenina o cyborg pueda desarrollar su camino creativo con libertad y sintiéndose protegide”. Este marzo tienen un evento, una de sus raves íntimas para no más de cien personas, en sitio secreto y con venta de entradas por DM para proteger a la comunidad. Además de las fiestas, editan música de les artistas y organizan talleres de todo tipo orientados por ejemplo a la comunidad trans, pero también de hacking en videojuegos para poder encontrarle las costuras al capitalismo. O antimercadillos en los que se ofrece ropas gratis procedente de donaciones y pasarelas en las que investigar las relaciones entre moda e identidad. Orientación sobre consumo o sobre temas de salud mental. Cuidados, en definitiva, que ya hemos dicho es una de las bases del colectivo,

pero sobre todo lo es de la comunidad. Para House of (S)Punk, 2024 es el año de construir sobre los frutos del trabajo hecho en estos últimos dos años. Y son conscientes de que el suyo es un camino de resistencia. “En el momento en que hay violencia hay resistencia. Este camino es una resistencia constante, y por supuesto es cansado. Aceptar que lo queer es resistencia también implica rechazar la idea de que la supervivencia solo pasa por la normalización. La comodidad te separa de la lucha”. Es lo que sucede con la cultura gay masc, por ejemplo: al ser el colectivo que antes avanzó en libertades tiene una posición ahora mucho más estable y asegurada, en lo social, lo político y lo económico. “También es una cultura muy sexualizada porque se ha desarrollado identificándose desde fuera y estigmatizándose precisamente por el sexo”, afirma Perrine. “El camino es desvincular lo queer del sexo, y eso no quiere decir renunciar a él”. Y en cierto modo también pasa con la rave. Dice Nerea que “la rave siempre ha sido un espacio de resistencia, una alternativa a un ocio nocturno más normativo, peligroso y dentro del capitalismo. Ahora se usa rave como

sinónimo de fiesta de techno, y no puede estar más alejado”. Es el sistema mismo el que genera las violencias. “Por eso la figura del portero es tan complicada”, sigue Perrine. “Es una persona que históricamente en la cultura club está para proteger al negocio, no al público... la violencia viene de la estructura misma”.

Y el activismo existe de muchas formas distintas. “Está en reconocer que, aunque no haya jerarquías en lo queer y ningún colectivo es más que otro, sí que hay urgencias, como lo trans. Y hay que saber estar ahí”. O en el doc compartido en el que cada une pone las experiencias que ha tenido en los clubs donde ha trabajado, para orientar a las demás. El único aliade, un hombre cis, que hay en House of (S)Punk es el ingeniero de sonido, un tipo con más de treinta años de experiencia. “Su manera de colaborar es reducir su presupuesto a niveles irrisorios. Creo que hay que huir de la idea del héroe y hacer más activismo en el día a día de cada uno”. Impactar en el mundo que nos rodea, ser el cambio que queremos ver y vivir. El activismo se hace en la sombra, en el margen, en el barr(i)o. En no renunciar a aquello por lo que luchamos.

En mucho, House of (S)Punk va de construir mundos paralelos. De imaginar utopías, futuros en los que lo queer esté representado y no marginado, el capitalismo y el patriarcado destruidos, el sistema en llamas. “Nerea crea utopías, islas flotantes en las que te puedes imaginar, fantasías. Abre un mundo para que puedas respirar”. El sello acoge referencias de ambient, de música experimental, glitch, de trance, de hyperpop, de hard house, de perreo e incluso de hip hop. “No hay una línea centrada en el techno, y no hay una estética que encaje con todo eso. Es un mundo distinto, pero con mil formas de expresarse. Es una burbuja hecha de miles de burbujas. Barcelona tiene una diversidad enorme en cuanto a música de club, no es como Berlín, que está dominada por el techno. Y la idea de lanzar los recopilatorios es precisamente resaltar esa diversidad”. Lola Kay, Euyinn, Drazzit, glxgls, ValaV, Kotik o Manel de Aguas -que tiene implantes cyborg de los que recibe información sensorial fundamental- son algunas de las flores del vivero. “Somos la casa de aquelles a les que no se cuida mucho. La identidad cyborg no está reconocida, por ejemplo: el queer de Manel no es su identidad sexual, es algo que va más allá. Las personas queer siempre hemos tenido que huir de la naturaleza y escondernos en el anonimato que dan las grandes ciudades, y creo que hay una pulsión por recuperar esos espacios. Siempre hay muchas referencias a la naturaleza, aunque luego se tome desde la fantasía o trascienda a la imaginación”. Hay un deseo de vivir en una realidad distinta. No mejor.

PROMESAS

DANNY LEÓN (MÓSTOLES, 1994) SE HA MOVIDO SIEMPRE EN DOS DIRECCIONES. ARRIBA Y ABAJO EN LAS ACROBACIAS QUE TANTOS ÉXITOS LE HAN GRANJEADO; ADELANTE Y ATRÁS EN UN IR Y VENIR DE AVENTURAS POR MEDIO MUNDO Y VUELTA A SU BARRIO ANTES DE RETOMAR FUERZAS PARA VOLVER A EMPEZAR. ÉL YA SABE LO QUE ES PARTICIPAR EN UNAS OLIMPIADAS SUBIDO A UN PATÍN. AHORA APUNTA HACIA LAS DE PARÍS.

PROMESAS

vigilado desde la ventana de casa. a ese punto es donde siempre vuelve Danny, a su casa, al barrio que le moldeó, le hizo ser quien es y lo apresó con virulencia: ni puede ni quiere salir de ahí. “La base que yo tengo es la gente que me ha criado”, reconoce. Con su piña, su familia, Danny aprendió los valores que aún predica y aplica en su vida diaria. “Todos saltamos al skate y todos pasábamos por ahí”, recuerda. Los que hicieron que con 13 años consiguiera su primer patrocinio y con 16 comenzara a ganar trofeos. La tabla le domesticó, le dio un objetivo, una alberca donde almacenar ese caudal de energía y talento que en otras circunstancias podrían haberle llevado por senderos más tortuosos y menos gratificantes. “Había gente que desaparecía y luego te enterabas de que había estado en la cárcel”, rememora.

Solo un matiz separa a ese benjamín que esperaba su turno para patinar de la persona que en París intentará luchar por medalla: la edad. Danny no es ingenuo, sabe que al tiempo no se lo comen los lobos. “Ahora pienso en lo que tardo en recuperarme si me la pego, y antes con la sangre de mis heridas pintaba la tabla”.

El Danny casero aspira a una tranquilidad y una normalidad impropias para una persona capaz de realizar las gestas y méritos que atesora. “Me encanta cocinar, la escalada, el pádel, el surf…”, cuenta, aunque incluso dentro de sus distracciones encuentra siempre un nuevo apoyo que le ayude a mejorar, algo con lo que quedarse. “De la película Náufrago aprendí cómo lidiar con la soledad”.

Cada salto, escorzo y acrobacia en el hormigón de Danny es un riesgo que él está dispuesto a asumir, una parte de la vida que él ha elegido y sin la que se siente incompleto y fuera de sí mismo. “Yo a veces uso el skate para desconectar… Esas sensaciones que experimento patinando me hacen liberarme de mi día a día”. La cita olímpica se acerca y en su mochila porta la ilusión por ganar la medalla, pero también mucha sangre fría. La necesita para manejar esa amalgama de sensaciones que le invaden a quien no entiende el deporte sin diversión ni riesgo ni espíritu de competición. “Quiero ganar sí o sí, y además me gusta ganar arriesgando, no me gusta especular, pero si quedo el último valoro que estoy en unos Juegos Olímpicos, que soy uno de los 22 elegidos para competir en skate en las Olimpiadas entre millones de personas que lo hacemos de todo el mundo”.

“QUIERO GANAR SÍ O SÍ, Y ADEMÁS ME GUSTA GANAR ARRIESGANDO. NO ME GUSTA ESPECULAR”

Nada de esto tendría sentido si no disfrutara de manera plena de todo el proceso que está viviendo. Las medallas se seguirán agolpando en sus vitrinas, cubiertas por el mismo polvo que las entierra y difumina los recuerdos, como hace con todo y con todos. Y por eso tiene claro que lo único que realmente se llevará cuando todo acabe son las sensaciones que alcanza viviendo y luchando por vivir, más allá del resultado. “Una vez perdí contra un chico de 13 años, pero disfruté muchísimo. Otra vez me fui directamente de las Olimpiadas de Tokio a competir, me llevé a mi familia, a unos amigos que también competían... y disfrutamos muchísimo. Me lo pasé tan bien y tenía tanta energía que eso me hacía patinar bien, arriesgar…”. Demuestra una especial clarividencia cuando está patinando, pero es solo la punta del iceberg de una persona en la que destacan, sobre todo, sus valores. “Todos tenemos un colega que todo el mundo dice que es súper buena gente y con el que todos quieren estar. Yo quiero ser ese colega”. Después de la cantidad infinitesimal de acrobacias y caídas volverá a su casa, a ocupar el sitio que el barrio moldeó para él junto a su familia y a sus amigos, como si nada hubiera sucedido, como si los miles de kilómetros y experiencias que ha vivido no fueran sino un paréntesis que siempre empieza y acaba en Móstoles.

Ha pasado el suficiente tiempo encima de su tabla como para que se haya producido en él una ósmosis con este mundo. Le impide alejarse de él, ya sea compitiendo o en otra actividad. “Igual me quedan cinco años y luego a disfrutar de otra manera. Tengo cosas en mente, pero sobre todo una vida tranquila y sin preocupaciones. Cuando todo esto pase quiero vivir. Ahora tengo un objetivo. Es mi momento. Si no lo hago ahora sé que me voy a arrepentir”. Pero antes de que todo pare, Danny tiene una cita en París. Su compromiso es innegociable; sus resultados, la consecuencia de todo lo que le ha traído hasta aquí. Su hora llega ya.

FOTOS: TOÑO GARCÍA Y WORLD SKATE SKATEBOARDING

DRAGON'S DOGMA II

POR: RAMÓN BAYLOS

De la mente del genio loco que salvó ‘Devil May Cry’ surgió un sueño febril en el que se evidenciaban qué antiguas costumbres de los RPGs eran insalvables en la modernidad. Así nació el primer ‘Dragon’s Dogma’ en 2012, como una prueba de fuego que hoy se convierte en dragón gracias a ‘Dragon’s Dogma 2’:, la secuela que llega para reinterpretar las bases obsoletas del género.

LAS 5 CLAVES DE ‘DRAGON’S DOGMA 2’

1. La dicotomía entre el histrionismo y la sobriedad que caracterizan a la sociedad japonesa siempre se han visto desde fuera como una incoherencia sobre la que se construye una de las culturas más llamativas del planeta tierra. Un prisma a través del cual se pueden analizar mitologías, formas de vida e incluso ciencia ficción. Dragon’s Dogma es el resultado de mirar la fantasía medieval a través del complejo caleidoscopio de la cultura japonesa.

4. En ningún otro RPG de acción se ha dado tanto significado al fenómeno de caída de la noche, no solo a nivel figurado, sino también en un sentido práctico. La oscuridad en Dragon’s Dogma 2 es una entidad incorpórea que devora todo lo que hay alrededor ante cualquier ausencia de algo que sirva como luz. Una suerte de enemigo imperecedero cuya magia proporciona aún más fuerza a las criaturas que pululan en las sombras, dándole a la luz un sentido de utilidad literal que refuerza su significado metafórico.

3. Dragon’s Dogma 2 da un peso importante al mundo que sostiene los pasos de nuestro avatar, haciendo que el concepto de travesía cobre un significado especial durante la aventura. Principalmente porque estamos ante una obra cuyo sistema de viaje rápido está pensado para usarse de forma anecdótica, lo que te obliga a planificar tu ruta antes de lanzarte a una misión, trazar los caminos por recorrer y anticipar las paradas que tendrás que hacer para llegar al destino marcado en las mejores condiciones posibles.

2. Uno de los pilares sobre los que Dragon’s Dogma 2 posiciona su identidad dentro del género de los RPGs tiene que ver con aquello que se conoce en el juego como los Peones, un sistema que nos permite crear a un compañero guardián controlado por la IA del juego. Estos últimos son, además, entidades que pueden ser intercambiadas entre los jugadores, dado que el juego está formado por una especie de sistema online estático donde cada gamer ocupa un reino independiente en el que los peones ejercen de mensajeros entre reinos.

5. Dragon’s Dogma 2 es una obra cuyo atractivo jugable reside también en cómo se utiliza el sentido de la magnitud y la verticalidad. Muchas de las criaturas que encontrarás por los caminos te sacarán varios cuerpos, por lo que nuestras estrategias de combate han de girar en torno a otra mecánica característica del juego: podemos escalar la figura de cualquier enemigo, convirtiendo los gigantes contra los que combatimos prácticamente en montañas con sus propias rutas de ascenso.

En su día, muchos le criticaron por constar como director del infame Devil May Cry 2, aunque solo lo fuera durante los últimos cinco meses de su caótico desarrollo. Pero el tiempo pone a cada uno en su lugar, e Itsuno comenzó a forjar un legado que le convertiría en una de las figuras más importantes de la industria japonesa a nivel internacional. Reasentó los hack and slash con DMC3 y DMC4 y reinterpretó las siglas RPG con el primer Dragon’s Dogma . La trayectoria de Capcom e Itsuno son ahora inseparables.

1. Charizard nació en el año 1997 junto a la primera entrega de Pokémon Siendo la entidad que protagonizaría la versión roja del mítico debut, se acabaría convirtiendo en todo un icono de Nintendo, y de los videojuegos.

2. Alamuerte (o Deathwing en inglés) hizo su debut en World of Warcraft con el lanzamiento de Wrath of the Lich King para mostrar a la comunidad de Blizzard lo que era un auténtico destructor de mundos.

3. Paarthurnax es uno de los grandes dragones de Skyrim. Su presencia en el juego esconde una decisión moral y, por tanto, su destino dependió de cada jugador que se cruzó con él.

10 DRAGONES ICÓNICOS

5. Spyro es para muchos sinónimo de infancia. Han pasado 16 años desde su último juego propio y aún se le sigue recordando como una de las mejores mascotas de los videojuegos.

4. Seth, la bestia alada de Dark Souls. El dragón que buscó el don de la sabiduría a cambio de sus escamas con tal de traicionar a su especie y conseguir un hueco entre los dioses primigenios. Otra historia desoladora más de Mizayaki.

8. Ripley es el archienemigo de Samus Aran en Metroid, un pirata espacial de alto rango que ha aparecido en todas las entregas de la saga de una forma o de otra.

6. The Ender Dragon fue el primer jefe final de Minecraft y su mayor easter egg durante sus primeros años de vida: era el guardián de los créditos de un juego que parecía no tenerlos.

7. Bahamut pertenece al panteón de invocaciones de Final Fantasy desde la primera entrega de la saga, encarnando en sí mismo el concepto de fantasía. Pero también es uno de los bosses más temidos con su Megafulgor.

EL CONFLICTO DEL VIAJE RÁPIDO EN LOS VIDEOJUEGOS

¿Viajar de un punto a otro en un videojuego es algo aburrido? Eso no es cierto. Y en caso de serlo, ese sería el mayor indicio de que la aventura en cuestión no tira. Así criticaba Hideaki Itsuno el viaje rápido en los videojuegos en una entrevista que concedía a IGN el pasado mes de enero, algo que tiene más sentido de lo que parece. El abuso del viaje rápido es necesario en aquellos títulos que se conciben como partes fragmentadas de contenido anexas a un vacío que ocupa terreno y cuya única función es la de darnos cierta sensación de distancia; de consumir un fin, no de disfrutar del proceso. ¿Qué hay de lúdico en eso?

9. Grigori es más que un dragón en Dragon’s Dogma: es el motor narrativo y el jefe final de uno de los mejores RPGs que se han hecho en la historia de los videojuegos.

10. Rathalos es una de las criaturas más temibles de la saga Monster Hunter, algo así como la prueba de fuego para aquellos cazadores que más en serio se toman el juego.

DRAGON’S DOGMA 2

Fecha de lanzamiento: 22 de marzo

CAPCOM

Plataformas: PC, PS5, Xbox Series X/S

A S TR I D SO N N E

HACE UNAS SEMANAS, ASTRID SONNE ESTRENABA SU NUEVO ÁLBUM, ‘GREAT DOUBT’, CON EL QUE DA UN GIRO RADICAL A SU ENFOQUE MUSICAL. PROVENIENTE DE UN CADA VEZ MÁS HABITUAL COMBO ENTRE LA MÚSICA CLÁSICA Y LA EXPERIMENTAL, LA PRODUCTORA DANESA AHORA SE HA LANZADO A CANTAR EN ALGUNOS DE SUS TEMAS, MARCADOS POR CADENCIAS DE TRIP HOP Y TITUBEANTES EFECTOS VENIDOS DE MÁS ALLÁ DE LO ORGÁNICO.

HABLAMOS CON ELLA SOBRE ESTOS CAMBIOS Y OTRAS VACILACIONES.

cuesta ser más directo y circunspecto de lo que sugiere el título Great Doubt. Un álbum que no alcanza los treinta minutos y que supone el cuarto lanzamiento de estudio de su autora, uno más en la plataforma de Copenhague Escho, en la que ya publicó su predecesor Outside of your lifetime (2021). A pesar de haberse mudado a Londres, Astrid Sonne mantiene una estrecha relación con sus raíces, que determinan algunas de las preguntas y cuestiones que atraviesan su nuevo LP. La primera, eminentemente directa en su segundo track, Do

you wanna, en el que se cuestiona, sin pelos en la lengua, sobre la conveniencia de tener un hijo en un mundo como este. “Surgió de una conversación que tuve con dos amigos. Creo que cuanto más empiezas a pensar en ello, esta cuestión de los hijos es algo que puedes ver desde tantos ángulos que realmente te hace dudar más. Tanto a nivel personal, como a nivel de género, también puedes analizarlo desde el punto de vista estatal, social...”, nos explica al comienzo de la conversación. “No sé”, continúa, “todo parece tan abrumador, tan com-

POR: MIGUEL PARDO | FOTOS: CONRAD PACK

“LONDRES CAMBIA TU PERCEPCIÓN DE LO QUE ES POSIBLE Y ABRE UN NUEVO ESPACIO PARA LA CREATIVIDAD”

plejo, como sucediendo todo a la vez”. Y resulta complicado no empatizar con la situación de alguien agobiado o superado por las circunstancias, por el calibre de los condicionamientos que generan un mundo y un contexto global repletos de incertidumbres y problemas excesivamente intrincados para la gestión individualizada de los mismos. Es desde el núcleo de esa duda, la de cómo volver a conectar con los demás y cómo volver a conectar con el propio cuerpo después de tantas noticias alarmantes, desde donde parece partir la sensibilidad de este Great Doubt . Buscar respuestas y hacer preguntas juntos. “Todas las generaciones anteriores han tenido esta sensación de pesimismo, pero ahora está increíblemente presente. Y para mí, como alguien nacido en el 94, los últimos cuatro o cinco años han sido… guerras, pandemias; cosas muy urgentes y muy de cerca”. Ante esta experiencia, Astrid Sonne busca “ser más sincera y honesta, abrirme aún más al público para sentir ese tipo de conexión”.

Esta pesquisa está perfectamente reflejada en un disco que interroga de manera directa pero abierta, que recurre a los recursos propios del sonido de Reino Unido -hipnagógico pero también crudo- e intenta construir una forma alternativa de expresión musical. Preguntada sobre si nota algo particular en el aire de Londres que haga que desde que se mudó produzca de modo similar al que lo hacen otros artistas como Coby Sey, Tirzah o Mica Levi, Sonne nos responde con mucho humor: “Es que hay mucha polución”. Aun así, puntualiza: “Es un cliché decirlo, pero la idea del crisol de gente está muy viva. Y es impactante viniendo de un país un poco más monocultural, como es Dinamarca. Londres es donde más cosas están pasando. Creo que cambia tu percepción de lo que es posible y abre un nuevo espacio para la creatividad”.

Así, Great Doubt parece, en todo caso, el esfuerzo por crear, en las propias palabras de su autora,

“un espacio” o un lugar al que el oyente también puede unirse con el fin de hacerse ciertas preguntas o abrazar cierta incertidumbre sin sentirse peor por ello. Preguntada sobre si ese espacio está pensado para más sentidos que el oído, ella responde con claridad que sí. “Supongo que me ha interesado explorar algo que da una sensación táctil de alguna manera. Creo que se relaciona con lo que mencionaba antes de ser honesta y abierta. Hay algo que se solapa ahí en cuanto a querer crear un universo en el que puedas entrar y puedas sentir ese algo táctil”. Conforme avanza la conversación, logramos poner en palabras o darle sentido a algunas intuiciones que la productora tenía sobre su disco. Este nuevo trabajo funciona también como una suerte de herramienta terapéutica con la que expresar o exorcizar todo ese desorden externo que parece contagiarse, redimiéndolo en un lugar en el que es posible o no resulta punible titubear, equivocarse, sentirse confundido. “Siento que eso es también algo a lo que he estado tratando de aferrarme, tanto a nivel estructural, respecto a cómo estoy en el mundo… Pero también a nivel personal. Soy solo yo tratando con un montón de cambios y con todo lo que me viene. Así que supongo que la música y las letras han sido un punto de apoyo o una forma de manifestar todo el caos e ir tratando de sacar eso. Sí, puedo ver totalmente eso.”

A menudo, durante nuestra conversación, la autora de Great Doubt parece frustrada o abrumada por la amplitud de las preguntas, pero nada más lejos de la realidad; estamos tratando de pensar desde el marco del propio álbum y su proceso creativo. Hacia el final de la misma, nos confirma que la eficiencia adquirida en Londres le ha permitido sobreponerse en cierta medida a uno de sus principales problemas: el temible overthinking. “Tener un entorno diferente me obligó a tomar decisiones y a trabajar de forma más intuitiva”. Por eso su estrategia actual intenta incorporar la necesidad de dudar, cediéndole el espacio justo: “Supongo que es muy existencial, es muy humano y forma parte de cada cosa que hacemos como seres humanos. Pero también puede paralizarte y ponerte en un estado en el que eres incapaz de hacer nada”. Dudar o hacerse preguntas que no tienen una respuesta única, indiscutible, puede verse entonces como un acto de obstrucción, pero también de resistencia. Un último resquicio de libertad individual en el ámbito programático de este capitalismo de plataformas. Con la afirmación compartida de que a ninguno de los dos nos gustaría tenerlo todo claro y no dudar de nada, nos despedimos. No siempre vinimos buscando respuestas y afirmaciones categóricas.

GREAT DOUBT (ESCHO, 2024)

Light

POR: OMAR POVEDA

ELA FIDALGO ES UNA DE ESAS MENTES PRIVILEGIADAS PARA LA CREACIÓN Y LA VIDA EN SOCIEDAD. EN SUS PROYECTOS APUNTA HACIA DIFERENTES CONCEPTOS QUE ACOMPAÑAN, HOY MÁS QUE NUNCA, AL SER HUMANO: LA INDIVIDUALIDAD, EL EGOÍSMO O LA INMEDIATEZ, A TRAVÉS DE UN IMAGINARIO PERSONAL DONDE PREDOMINAN LOS MATERIALES TEXTILES. ELA ES UNA ARTISTA INDOMABLE Y DEFIENDE LA IMPERFECCIÓN EN UNA SOCIEDAD DONDE ESTA NO TIENE CABIDA. SU OBRA PUEDE VERSE EN LA NUEVA EDICIÓN DE URVANITY, DEL 7 AL 10 DE MARZO EN MATADERO MADRID.

fue muy sencillo concertar la entrevista con Ela (Palma de Mallorca, 1993), aunque sabemos que actualmente está bastante liada, con mucho curro para las futuras ferias y proyectos que tiene en mente; es una artista extremadamente creativa. Decidimos hacer un encuentro por videollamada para que el trato fuese más personal, ya que Ela Fidalgo es una artista del tú a tú. Desde el comienzo demuestra su energía y confianza creando una atmósfera acogedora, como de una conversación entre conocidos que hace tiempo que no se ven. Nada más descolgar el teléfono, parece que nos conocemos de otra época, y al decirle que la llamada la realizamos desde Málaga, donde recientemente tuvo lugar su exposición en solitario Victus et amictus, le vienen a la mente con cariño sus días en la ciudad. La conversación nos lleva a hablar de esta revista, que ya había llamado su atención con anterioridad: “Entré en contacto con NUEBO a raíz de la entrevista a Fátima de Juan, que es amiga mía, y me quedé impresionada con el reportaje tan bonito que le hicisteis, la tipografía, la maquetación, todo súper cuidado”.

Durante la conversación, Ela se levanta varias veces para mostrarnos partes de su estudio y algunas de las cosas que se encuentran en él. Nos enseña el resultado de varios proyectos colaborativos y de algunas fotografías que ha realizado su pareja, quien se dedica a la fotografía artística y a diferentes proyectos sociales. Se llama Margarito dela Guetto, es un conocido y talentoso fotógrafo de la escena más underground de Mallorca y se encarga de la fotografía en muchos de los proyectos que tienen conjuntamente.

Primero hablamos de la parte más personal de su obra y de sus comienzos en el ámbito artístico, dejando a un lado las referencias a otros artistas y centrándonos en esa niña que empezó a sentir curiosidad por el mundo de la creación plástica. Su primera respuesta, tras unos segundos de reflexión, es categórica. “Mi referente máximo es mi abuela. Ella fue la que me introdujo el interés por lo textil, ya que era diseñadora de bordados de mantones de Manila y llegó a diseñar y bordar para las altas esferas en Latinoamérica. En el pueblo hacía los trajes regionales, yo la acompañaba al taller y ahí me quedaba fascinada con la magia que surgía de las manos de esas señoras”. Nos confiesa que realmente no tiene muy claro dónde está el principio de todo, ya que reconoce haber dibujado desde pequeña. “Tenía los márgenes de las libretas de matemáticas plagados de dibujos. De hecho, había una clase extraescolar de plástica en el colegio a la que siempre iba a la jornada de puertas abiertas porque mi madre me apuntaba a ballet, cuando yo lo que quería era dibujar. Hasta que un día la profesora me dijo que me apuntase, porque era como la cuarta o quinta vez que iba a esas puertas abiertas; más tarde, esa persona fue mi profesora”. Se acuerda de su infancia de una manera algo difusa, dice -esos mecanismos que tiene el cerebro para aislarse del bullying-, pero sí se sabe una niña feliz y risueña. Dando un salto y como si llevara rato queriendo quitarse la duda, pregunta entre titubeos si fue Urvanity quien decidió qué artista aparecería en este número de marzo. Respondo que no. En el proceso de decisión se barajaron varios artistas, entre los

que se encontraba ella, y casi todos en el equipo nos decantamos por su trabajo. Ela, con profundo asombro y tono de ilusión, nos dice que se siente “súper halagada”. Y añade con risa nerviosa pero enérgica: “Soy muy afortunada de ser la elegida, es como si hubiera pasado el casting de OT”. Esta será su tercera vez en Urvanity, la reputada feria de arte contemporáneo de Madrid. “En teoría no iba a participar, quería pegarme el año de producción sin interrupciones, pero es súper complicado, hay que estar ahí para generar ingresos”. Aprovechando esta introducción a sus deseos de separarse de distracciones para centrarse en la producción, hablamos sobre un comunicado que puso en su red social Instagram, donde declaraba sentir la necesidad de separarse de las distracciones que le provocan las redes sociales, las cuales son un foco de estrés y comparaciones que afectan severamente a nuestra generación, con esa pulsión por estar permanentemente “conectado”. Ela ve esto perjudicial para su trabajo, y tiene la necesidad de explorar y desarrollar su creatividad de una manera más profunda. Para esto ve necesario distanciarse y dejar esa dimensión digital en manos de una persona de confianza que le ayude a gestionar esta herramienta que puede resultar tan útil como perjudicial. Tras su reflexión, nos muestra dos cámaras compactas digitales de vídeo y fotografía con las que pretende documentar cada mes los acontecimientos y avances de su trabajo, para publicar después un resumen y conectar así con su público.

La decisión de alejarse de los focos la ha lle-

vado a reconectar, asegura. “Me siento mucho más concentrada en este momento, con tiempo para leer y enfocarme. No tengo tanta ansiedad como antes, por ejemplo. Es cierto que cuando estás en redes sociales y eres alguien vinculado a la parte creativa o artística, inconscientemente, al ver todo lo que te muestran las redes, tiendes a contaminarte con los contenidos... y todos tendemos a compararnos. Después hablas con ellos y te dicen que no todo lo que brilla es oro, todo el mundo tiene momentos malos”, concluye. Su lógica pasa por analizar lo poco fiable que son estos medios, pero sobre todo el cómo el ser humano, de forma inconsciente, tiende a engrandecer sus propias imperfecciones, intensificadas por los escaparates sociales. “Cuando la relación con las redes se reduce a la comparación nos volvemos mucho más vulnerables ante la sociedad”, sentencia. Y añade: “Yo, como artista que intenta hablar de la identidad humana, de los problemas que tiene el ser humano con las redes sociales, la exposición social, ese narcisismo tan banal que proyectan, a veces me pregunto: ¿Cómo es posible que, dedicándome a esto y siendo la primera crítica, tenga una red social? Es bastante contradictorio”. Abraza y lucha contra sus contradicciones. Sabe que no puede cerrarse por completo, pero se ha quitado la app de Instagram de todos sus dispositivos. “Mi trabajo está en el taller generando mi obra, no en las redes sociales. Lo importante de mi obra es que sea sana y no esté intoxicada”, concluye. Y para eso es fundamental que no se intoxique ella.

“CUANDO LA RELACIÓN CON LAS REDES SE REDUCE A LA COMPARACIÓN, NOS VOLVEMOS MUCHO MÁS VULNERABLES ANTE LA SOCIEDAD”

POR:

ASENTANDO UN VIRAJE HACIA SONIDOS MÁS ROCKEROS Y EN BUSCA DE LA MADUREZ, LA OSCURIDAD Y ALEJARSE DE LAS BRILLANTECES TAN TEENAGER DE SU ANTERIOR ÁLBUM, ‘LOS NIÑOS DEL PARQUE’ (2022), WALLS REGRESA CON ‘LUNA 18’. UN DESAHOGO, DICE, QUE NECESITABA, Y QUE LE HA PERMITIDO RECONECTAR CON COSAS QUE CREÍA OLVIDADAS. PRODUCIDO DE NUEVO POR PABLO ROUSS, ABRE NUEVOS CAMINOS PARA EL ARTISTA MURCIANO AL MISMO TIEMPO QUE RETRATA SU MOMENTO VITAL. SIEMPRE EN CRECIMIENTO.

dice walls que siempre necesita estímulos en su vida porque si no le da el agobio. “Cuando estaba el disco entregado y no había ni promo ni nada, me subía por las paredes. Me apunté a hacer actividades, me he sacado el carnet, estoy haciendo boxeo...”, cuenta entre cansado y risueño, pero siempre bien dispuesto. Justo hoy empezará la primera ronda de entrevistas por el lanzamiento de Luna 18, su nuevo trabajo, y ya está deseando salir de gira con él. Cree que es un disco que según vayan pasando los meses y se presente en directo va a ir cogiendo fuerza, y es que supone un viraje hacia sonidos más rockeros que ya había insinuado en algunos sencillos previos como Mi mejor versión, pero que difiere sustancialmente de lo que ofrecía en Los niños del parque (2022). “Estuve un poco dando palos de ciego, como siempre me pasa, sin saber muy bien lo que quería hacer. Pero sí que tenía muy claro que quería madurar, tener un sonido no tan teenager, siendo Los niños del parque un disco que me gusta mucho, ¿eh? Pero quería hacer algo más oscuro, algo más adulto y un poco tirado al rock”. Ginés Paredes (Murcia, 2000) necesita estar siempre evolucionando, y es difícil que se case con un sonido. Confiesa que tiende a mirar hacia el pasado y que no le guste lo que ve, aunque sepa que está mal, pero le tiene cariño a su anterior trabajo. “Es el único proyecto que yo ahora veo con dos años de distancia y siento que está bien. ¿A día de hoy lo haría? No. Pero, ¿me da vergüenza? Tampoco. Y no lo haría, no porque no me guste, sino porque estoy en otra cosa”.

Esa otra cosa pasa por reconectar con su niño interior. La mayoría de la gente le relaciona con el freestyle porque es donde se dio a conocer hace algunos años. Pero él reconoce que antes de entrar en el mundo de las batallas ya escuchaba la música que hace ahora. También tocaba la guitarra: “Tenía hasta covers subidas a Youtube. Pero cuando empecé en las batallas en Murcia, en la calle, rollo batallas que no veía ni Cristo, dejé de hacerlo. Y dejé de subir las covers, porque además coincidía que me estaba cambiando la voz. Me arrepiento porque hay muchos vídeos que borré y no tenía que haberlo hecho. Pero es que en ese momento me generaban una inseguridad que flipas porque no era lo suficientemente rapero para esa peña. He parecido de todo en mi vida menos rapero, la verdad. Tuve la suerte de entrar en un momento en que el rap ya no era tan nicho como podía serlo en los años noventa. Y también de que cuando entré en la movida ya a nivel más nacional la gente fue súper tolerante conmigo. Quizá, de hecho, en ese momento había más tolerancia que ahora: a mí nadie me preguntó por cuatro discos de un rapero canadiense súper influyente de hace treinta años, ¿sabes?”.

Dejó el conservatorio por las batallas. Estuvo desde principios de 2015 hasta finales de 2018 alejado del que es su instrumento favorito. “¿Y me arrepiento? Sí, y ahora pienso que podría haberlo compaginado, por ejemplo, pero tampoco

tanto, porque al final me ha hecho la persona que soy ahora”. Como ha dicho antes, es muy exigente revisando su pasado, y no tiene miedo de arrepentirse de las cosas. Hoy ha mejorado, está llendo a clases con Gonzalo Lacostra -guitarrista de Paula Cendejas, de Xavibo o de Rouss, entre otr@s- y la guitarra eléctrica se ha convertido en parte de su personalidad artística. Incluso ha hecho de guitarrista para el grupo de algún colega, como Barder, con quien apareció hace un par de semanas en la Sala REM de Murcia. “Sobre todo me di cuenta de que no soy una persona con una voz privilegiada. Tengo una voz con cierto carisma, pero nadie viene a mis conciertos para oírme cantar, para quedarse callado y escuchar mis melismas. Así que prefiero tocar la guitarra. Ya te digo, no tengo nivel para tocar la guitarra en una banda seria, pero en cierta manera sí me considero guitarrista”. Incluso se empieza a atrever a componer con la guitarra de vez en cuando. “Al principio me costó adaptarme porque estoy muy acostumbrado a componer con los cascos y el auto-tune”, reconoce. “Para mí una melodía es muy diferente con o sin auto-tune, con o sin distorsión, porque lo que transmiten es totalmente diferente, la intención es diferente. Cuando compongo con la guitarra solo me salen canciones tristes, el rollo bohemio este, ahí con mi cigarrito, me pienso que soy Sabina. De hecho, el otro día me dio el venazo y pensé que me gustaría aprender a tocar el piano, porque creo que es el instrumento ideal para la composición”.

En general se pone pocos límites y quiere seguir creciendo. Luna 18 ha sido un desahogo personal, ha surgido de la necesidad de hacer algo con lo que conectase, y es solo una etapa en una carrera de fondo. “No dejé las batallas y me puse a hacer lo que hago ahora, todo ha ido como evolucionando de una forma muy natural, popeando todo cada vez más. Y seguirá haciéndolo. No me veo haciendo una movida folclórica en plan C. Tangana, pero nunca se sabe. Lo admiro muchísimo: su edad y su mentalidad van a la par que su proyecto. Una cosa que no me hubiese gustado es que mi público creciese y dejase de escucharme. Creo que estoy creciendo con ellos, y eso me mola, y al mismo tiempo me abro hacia nueva gente. Y, volviendo a C. Tangana, ahora si se hace director de cine como dice pues veré lo que hace, pero a mí me gustaría que sacase más música, la verdad”. Se ríe todo el rato y no cuesta nadea hacerle hablar. El magnetismo que desprende explica su éxito, que también se puede rastrear en las cuatro noches con las que presentará, ante una Sala La Paqui abarrotada, sus nuevas canciones este mes de marzo. Sabe que es un momento especial: “Todos los proyectos hay que defenderlos de alguna manera, pero creo que una de las claves de este disco es precisamente cómo lo defienda yo, en directo, estéticamente... muchas cosas. Porque al final yo creo que el rock es una actitud, no es otra cosa, igual que el punk. Así que claro, te lo tienes que creer. Y

"NO ME HUBIESE GUSTADO QUE MI PÚBLICO CRECIESE Y DEJASE DE ESCUCHARME. ESTOY CRECIENDO CON ELLOS"

más en un país en que el rock ha dejado de ser mainstream... He intentado llevarlo a algo un poco más mainstream, utilizando baterías un poco más electrónicas, algunos elementos de la música urbana...”. No se siente incómodo con lo mainstream, todo lo contrario, pero tampoco deja que nuble su intención.

En el equilibrio es fundamental el papel de Pablo Rouss, su productor de confianza desde el principio. “Cuando yo empecé a venir por Madrid hacia 2020 la mayoría de las sesiones de estudio me las cuadraba la propia Warner, que me ponía en contacto con productores a los que yo no conocía y que tampoco me conocían a mí. Uno de ellos fue Rouss, y la verdad es que me gusta mucho su manera de trabajar. Sobre todo cómo trabaja las demos, tío. Porque yo soy tan friki que no puedo esperarme al master de una canción para ver si me gusta o no, necesito la demo. Y

LUNA 18 (WARNER, 2024)

TIENE 14 DISCOS DE PLATINO Y 11 DISCOS DE ORO. EN 2022 GANÓ 2 GRAMMY LATINOS POR SU TRABAJO CON SEBASTIÁN YATRA. ESTE AÑO, ADEMÁS, HA DADO UN SALTO A LA TELEVISIÓN, SIENDO JURADO DEL TALENT SHOW ‘OPERACIÓN TRIUNFO’. SIN EMBARGO, HA SIDO INCAPAZ DE DISFRUTAR DE SUS ÚLTIMOS LOGROS: EN SU NUEVO DISCO, ‘ASINTOMÁTICO’, REFLEJA EL PROCESO DE DUELO QUE HA SUFRIDO TRAS LA MUERTE DE SU MADRE.

con él ya un feeling muy personal. Nos peleamos mucho, pero yo siempre separo la amistad del trabajo. Porque yo soy un poco ansioso, y él a lo mejor tiene una visión de la música un poco más racional, ¿sabes? Él le pone cabeza y yo a veces me quiero pasar de punky. ‘Pero vamos a ver Ginés, céntrate... Si ayer querías otra cosa’”. Solo tiene para él palabras de admiración, agradecimiento... y algún vacile. Porque, en el fondo, Walls sabe que la inspiración más pura proviene siempre de los vínculos con nuestro círculo más cercano. Y en el fondo de eso va Luna 18

FOTO: ALAN N ART

Quédate mi corazón / Otra mitad / Nápoles / Una noche más / A mi lao / Noches a medias / Paralelas / No sé de amor / En los huesos / La Sole / Echao’ a perder

CD / DIGITAL / LP

POR: MAR

TAESPAÑA

rouss ha marcado el camino del pop zillennial que mira hacia los 2000 con nostalgia y le añade un poco de autotune: Walls, Pole, Hens o Marmi son algunos de sus niños prodigio. Además de apadrinar ese sonido, firma trabajos de David Bisbal, Lola Índigo o Sebastián Yatra -que le procuró un par de Grammys hace dos años-. Y el pasado noviembre comenzó su andadura como jurado en Operación Triunfo, pasando de ghost writter a personaje público. Tiene el lugar que muchos envidian y, sin embargo, sus logros le han pasado de refilón. Asintomático, su nuevo álbum, es una elegía a su madre, que falleció de cáncer hace dos años. “Creo que es un tema del que se habla muy poco: la muerte y la pérdida son temas tabú. Como sociedad no estamos preparados para afrontarlas, y para mí era necesario aportar mi granito de arena en este tema tan marginado”. No es su debut como solista -en 2023 lanzaba Ciclos, con colaboraciones de sus habituales- pero él se sigue considerando un debutante: “Ciclos era muy mainstream, muy grandilocuente, así que decidí que mi disco personal

“ESTE DISCO ME HA VENIDO BIEN PARA APRENDER A PARAR Y ESCUCHARME DE VERDAD”

fuera lo más real posible”. Su proceso de duelo es el responsable de esa atmósfera outsider. “No es un disco comercial, lo hice para sanarme. Es introspectivo, con unos sonidos bastante oscuros. Está hecho por necesidad más que por industria, y por eso creo que le va a llegar muchísimo a la gente que haya vivido algo parecido. De hecho, cuando tuve la primera reunión con mi equipo me dijeron que quizá era demasiado literal”. Así, mientras producía sobre amor y desamor naif, a Rouss la vida le pasaba por encima, y en su interior se generaba una disociación entre lo que expresaba y lo que sentía: “La primera vez que me ha dado tiempo a asimilar lo que me ha pasado ha sido ahora. Vivía en modo automático.

O sea, no he conseguido disfrutar prácticamente ninguna de las cosas buenas que me han pasado en mi vida, porque no he tenido tiempo físico para hacerlo. Este disco me ha venido bien para aprender a parar y poder escucharme de verdad”. Así, el recuerdo de su madre es la premisa para una dedicatoria afectiva y un aprendizaje personal, pero también un punto de partida para reflexionar sobre salud mental, gestión de la pérdida o la existencia en sí misma, no tan presentes en el mainstream nacional como al cantante le gustaría: “Estar mal está bien. Tomarte el tiempo de afrontar el sufrimiento, de no querer salir de casa en un mes, está bien, porque cada uno necesita un tiempo para afrontar ese duelo. La muerte es algo con lo que hay que aprender a vivir, forma parte de la vida. No hay que quitarle importancia ni darle más de la que tiene”. La sociedad, dice, no deja lugar a la introspección, solo a vivir al día y sacarse las castañas del fuego, pero prefiere mantenerse positivo. “Si no, no aguanto cuatro años en la industria como llevo. Intento mantenerme siempre al mismo nivel de exigencia, y eso en algún momento peta”.

Durante el proceso de duelo Rouss tuvo que alejarse de las lógicas hiperproductivas de la industria musical, y reconectó “con el Pablo de hace seis o siete años que se dedicaba al mundo del metal, el rock y el hardcore”. Necesitaba volver a sus orígenes. “Creo que la clave de un artista es ser fiel a su esencia. La autenticidad está más en quién eres y en tu discurso que en la fidelidad a un estilo de música”. Ha sido su aperturismo -de Slipknot a Britney Spears- el que desde joven le propició la asociación cognitiva música-negocio: aun viniendo del metal, nunca ha dudado sobre su relación con las multis: “Tu labor es intentar que los intereses de tu equipo se alineen lo más posible con los tuyos; probablemente nunca lo estén completamente. Hay que entender la industria no como el enemigo, sino como la herramienta para conseguir lo que quieres”. Esa falta de conexión entre la exposición de su intimidad y lo superfluo de las masas ha provocado estos meses uno de los mayores contrastes en su carrera: mientras publicaba posts hablando de la muerte de su madre, las redes se llenaban de odio hacia su figura como jurado de OT. “En un vídeo sobre mi madre que subí a TikTok alguien intentó un meme tipo: ‘Tu madre desde el cielo te nominaría’. Tengo suerte de tener una estabilidad mental que te cagas, y a mí estas cosas no me afectan. Pero tú le dices esto a una persona un poco más sensible y la revientas, la destrozas. No se puede ser tan destructivo”.

ASINTOMÁTICO (WARNER, 2024)

Desconectao / Mi mitad / La pena / Duele / No me presiones / Ojalá / La vida es un regalo / Punto y aparte / Pensando en los dos / Despedidas

DIGITAL / LP

POR: CAYETANA ARIZNAVARRETA | FOTOS: COOLWAY TEAM

EN COOLWAY SE DEFINEN COMO UNA MARCA UNISEX, CREATIVA Y URBANA. HAN CONSEGUIDO LO QUE A

OTRAS FIRMAS SE LES RESISTE: CALAR ENTRE LA GENTE JOVEN. SU GRUESO DE VENTAS SE CONCENTRA

ENTRE LOS 15 Y LOS 25 AÑOS, TODO UN LOGRO PARA UN PEQUEÑO FRABICANTE DE SNEAKERS QUE

COMENZÓ SU ANDADURA EN 2003 Y QUE EN LOS ÚLTIMOS TIEMPOS HA ADQUIRIDO UNA DIMENSIÓN

INTERNACIONAL. HABLAMOS DE TODO ELLO CON NACHO VELA, BRAND MANAGER DE LA MARCA.

Es importante empezar por el principio… ¿Cuándo nació COOLWAY y cuál era el mensaje queréis transmitir?

COOLWAY nació como marca en 2003, y llevamos vendiendo sneakers desde entonces. Pero hicimos un rebranding a principios del 2023 y la gente lo ha recibido con muy buenos ojos. Nuestro claim es 'sign your art', y en ese sentido nos inspiran las personas que cuentan su historia, luchan por sus sueños y sacan el arte que llevan dentro.

¿Y a qué tipo de personas os dirigís? Imagino que es muy importante la forma en que comunicáis, porque he visto que le ponéis mucho cariño al trabajo artístico que está vinculado con la marca en todo lo que hacéis en redes sociales.

Somos una marca streetwear, unisex, creativa y urbana. Así que la clave para llegar al target de gente a la que nos dirigimos es comunicarnos con ellos a través de las plataformas que más consumen, tanto Instagram como Tiktok, de una manera entretenida y cuidando mucho la imagen que damos. Nuestra identidad es lo que nos define y tratamos de darle la mayor importancia posible.

¿Y os habéis sorprendido al ver que COOLWAY ha tenido éxito fuera de ese “su-

puesto” target? ¿O ya intuíais que podíais llegar a un público diferente, incluso fuera de España?

La verdad es que sí, nos sorprendió ver cómo gente de todas las edades optaba por combis más atrevidas. Estamos acostumbrados a ver colores más neutros y monótonos en las zapas. Nuestro fuerte sigue siendo el target de 15 a 25 años, que es donde concentramos el mayor volumen de ventas, pese a vender también a otros públicos.

Lanzar una marca de zapatillas, y además una marca made in Spain, supone un reto con la oferta amplia que existe. ¿Cuáles fueron los riesgos creativos que asumisteis en esos inicios? ¿Y cuál es vuestro toque distintivo para hacer que COOLWAY destaque en un mercado donde la oferta aumenta constantemente?

Nos hemos dado cuenta de que hay una tendencia que apoya a marcas españolas en el sector de la moda de aquí, pero no encontramos ninguna capaz de llegar a la gente joven, y ahí es donde entramos nosotros. Era arriesgado, porque este es un mercado muy marquista y con grandes players, pero la gente se ha sentido identificada. Creo que mucho tiene que ver esa forma de comunicarnos, muy cercana.

Las zapatillas se han convertido en una de las prendas estrella de cualquier armario y el toque distintivo para un buen look. Teniendo esto en cuenta... ¿Cuáles son las referencias que nunca perdéis de vista a la hora de crear las colecciones?

Creemos que las zapas le dan un toque diferencial al look y permiten expresarte de manera única. A nosotros nos inspira la moda, los deportes urbanos, la música, el automovilismo, el diseño y la fotografía. Vemos arte en lo único. Nos guiamos por estilos y tendencias, pero sin perder nuestra propia personalidad.

Y ¿qué hitos en la trayectoria de COOLWAY, os han hecho sentir que la marca había subido de nivel? ¿En qué momento os disteis cuenta de que os habíais posicionado como un referente en el sector de las zapatillas?

A nivel de ventas, desde un primer momento superamos ampliamente las previsiones que manejábamos. Pero fue el momento en que entramos

“CREEMOS QUE LAS ZAPAS TE PERMITEN EXPRESARTE DE UNA MANERA ÚNICA”

en tiendas de renombre cuando dimos el verdadero salto. Hemos penetrado en espacios que son referentes internacionales como Wow Concept, Consuela Store…

¿Cuándo estará disponible la nueva colección en tiendas? ¿Qué cambios, innovaciones y tendencias vamos a encontrar en ella?  En marzo y abril haremos cuatro drops. Tanto nuevos colorways del modelo Goal y Duck como dos nuevas siluetas, la Grass y el Mile. Traemos nuevos materiales, colores y modelos diferentes. Este va a ser el año más importante para nosotros a nivel de producto: vamos a lanzar más de veinte drops tanto de zapas como de complementos.

¿Y algo que nos podáis contar de cara al lanzamiento, o sorpresas que llegarán en 2024? Empezamos con la expansión global de COOLWAY. En enero ya empezamos a vender en Estados Unidos, y vamos a ver una expansión a nivel internacional en países de toda Europa, además de UK y Chile, entre otros. Tenemos acciones preparadas tanto online como en físico para consolidar nuestra comunidad, y la llegada de muchos accesorios para completar una oferta más global alrededor de nuestras zapatillas.

POR: ANNA PÉREZ

FOTO: JUAN PÉREZ FAJARDO

EN 2008 EL PUEBLO VIZCAÍNO DE BERRIZ VIO NACER A UN GRUPO DE HARD ROCK. TRAS UNA CAMALEÓNICA EVOLUCIÓN ARTÍSTICA Y CINCO ÁLBUMES A SUS ESPALDAS, SHINOVA SE PREPARAN PARA OTRO ASALTO. ‘EL PRESENTE’ (WARNER, 2024) DE LA BANDA DE GABRIEL, DANIEL, ERLANTZ, ANDER Y JOSHUA PASA DE NUEVO POR SALAS Y FESTIVALES.

han pasado tres años desde ‘la buena suerte’, aunque para Gabriel (vocalista) y Erlantz (guitarra) “parece que fue ayer”. También les parece que llevan diez años de gira. Sin apenas descanso, hilarán los shows de su anterior álbum con este recién estrenado: la concepción del grupo sobre el tiempo y cómo pasa es clave para entender El presente. Concertamos esta entrevista un jueves por la tarde en Madrid, pero ese mismo miércoles por la mañana la banda vizcaína volaba desde Argentina -que visitaban por primera vez para telonear a los míticos No Te Va Gustar- tras tocar en el Niceto Club de Buenos Aires y el Festival Cosquin Rock en Córdoba. Tras Argentina y Uruguay a Shinova les aguarda una larga gira de más de treinta fechas entre salas y festivales. Viven, precisamente, en el presente continuo. Pero el éxito les va aumentando: en el sistema actual, con un auge de la música en directo en el que es más difícil que nunca para los grupos pequeños hacer bolos en diferentes partes de España y que les salga rentable, Gabriel sabe que muchas bandas se quedan en el camino. Pero Shinova han persistido. “Nuestras primeras dos giras fueron lo más deficitario que te puedas imaginar. Lo recordamos con cariño, pero se tragó mucho barro, es muy complicado y hay que tenerlo muy claro cuando te plantas y piensas: ‘¿Yo realmente quiero hacer esto?’”. Ambos recuerdan 2014 en Burgos: mientras ellos giraban en uno de los días más fríos de los últimos años se quedaron atrapados en la carretera por una gran nevada. O cuando en Segovia diez personas habían comprado entradas para el concierto, pero por el temporal tan solo llegaron dos. “Todo fue un desastre, pero si le das la vuelta el lunes estábamos saliendo otra vez a actuar. Pensamos… 'A ver, después de la palmada que nos hemos pegado, de ir con una furgoneta a la que no se le termina de subir la ventana mientras nieva, con las cejas blancas…'. Nos miramos los unos a los otros y en un ensayo supimos que esto es lo que íbamos a hacer fuera como fuere”.

Mientras hablamos, Gabriel y Erlantz tienen por primera vez en sus manos el vinilo y el CD de El presente, que acaban de llegar de fábrica. Ilusionados, repasan con los dedos el relieve de la carátula, un diamante dorado que simula el incalculable valor de vivir en el ahora. Como hicieron con La buena suerte, han compartido la producción de este álbum con Manuel Colmenero en un proceso que reconocen más duro que en otras ocasiones. “Teníamos casi setenta canciones compuestas y juntos fuimos definiendo lo que queríamos. Fue un trabajo a larga distancia, pero nos cono-

cíamos mejor, le mandábamos ideas que tal vez estaban más en la onda de sonido y composición del disco anterior y decía: ‘Esto es un temazo, está muy bien, pero ya lo habéis hecho’”. Gabriel alaba la función de Manuel como mediador entre el artista y el arte: “Él sabía cómo exigirnos más, y nosotros también. Pero sin torturarnos, porque muchas veces llega el punto en que ya hasta te puedes hacer daño con la obsesión. Él siempre ha estado ahí mediando. Ha sido más esfuerzo que en los discos anteriores y el resultado también creo que ha estado incluso mejor”.

Con El presente el grupo renueva su sonido, pero a la par mantiene las raíces de lo que fueron, cuentan. “Siento que hemos conectado con algo de cuando empezamos a hacer música. Yo estaba en un momento en que quizá ya no escuchaba tantas canciones, pero para construir este proyecto ha sido todo lo contrario. Hemos compartido mucha música de los noventa y los dos miles y eso se nota. Quizás eso haya hecho que el repertorio que finalmente hemos elegido haga de éste un disco mejor, porque tiene todo lo que conocíamos de la música y también lo nuevo”. En Gato azul, por ejemplo, logran aunar lo mejor de la banda con el inconfundible estilo de Iván Ferreiro en una temática entre estrellas y estrellados. “Fue muy natural, hemos coincidido tantísimo con Iván los últimos años en festivales y conciertos que tenemos muy buena relación. Nos conocíamos plenamente y confiábamos en él, somos muy fans suyos como artista y aún más a nivel humano, entonces sabíamos que iba a molar hiciera lo que hiciera”, recuerdan-. Y en No cambiaría nada, Los días que vendrán o el vigoroso cierre que representa Antes de que todo acabe capturan el leitmotiv: nostalgia, pero no melancolía. Shinova mira al pasado con sensibilidad en las letras, pero con la fuerza y la energía puesta en las melodías. “Creo que es el disco menos nostálgico que hemos hecho… Lo cual no quiere decir que no lo sea, eso dice algo de mí”, explica Gabriel entre risas. “El pasado está muy bien cuando lo utilizas como un recurso, puedes revisitarlo, pero no te quedas ahí. Vimos que había un espíritu en común en las canciones, que había un hilo conductor con un mensaje muy concreto sobre disfrutar del ahora”.

Hablamos sobre el pasado, sobre el presente… ¿pero y el futuro? ¿Qué quiere Shinova que la gente sienta cuando oiga su nuevo álbum? “Queremos que aporte algo positivo para la vida de nuestros oyentes. La música es una de las maneras más potentes de conectar con las personas. Es el mejor regalo que nos pueden dar”.

EL PRESENTE (WARNER, 2024)

Alas / Gloria / Movimiento / Lobos / Berlín / Nuestra postal / Diciembre / No cambiaría nada / Gato azul / Pura ironía / Los días que vendrán / Antes que todo acabe

DIGITAL / LP

"RECORDAMOS CON CARIÑO NUESTRO ARRANQUE, PERO TRAGAMOS MUCHO BARRO. HAY QUE TENER MUY CLARO QUE REALMENTE QUIERES DEDICARTE A ESTO"

HOW HAVE TO

POR: DANIELA URZOLA

SOL, FIESTA, ALCOHOL Y SEXO. TODO PARECE INDICAR DIVERSIÓN CUANDO SE TRATA DE VACACIONES DE VERANO. PERO LA REALIDAD DE LOS Y LAS ADOLESCENTES QUE VIAJAN BUSCANDO TODO ESTO ES MUCHO MÁS OSCURA DE LO QUE PARECE. ‘HOW TO HAVE SEX’ EXPLORA ESA OTRA CARA. Y, AUNQUE SU TÍTULO HAGA PENSAR EN UNA COMEDIA ADOLESCENTE A LO ‘AMERICAN PIE’, LA ÓPERA PRIMA DE MOLLY MANNING WALKER ES UNA RADIOGRAFÍA DE LO QUE A MENUDO NO VEMOS: LA REALIDAD DE AGRESIONES Y ABUSOS A LA QUE SE ENFRENTAN MILES DE MUJERES EN ESTOS ESPACIOS. AQUÍ ANALIZAMOS EL FILME Y HABLAMOS CON SU DIRECTORA.

año tras año, adolescentes ingleses vienen a pasar sus vacaciones de verano a la costa mediterránea. Son días en los que la fiesta dura 24 horas y donde miles de mujeres jóvenes se ven expuestas a experiencias de todo tipo: algunas divertidas, otras todo lo contrario… Esta es la realidad que se propone retratar Molly Manning Walker en su ópera prima How to Have Sex, una reflexión sobre la cultura de la violación en estos espacios que pone sobre la mesa el tema del consentimiento y las áreas grises que lo rodean. “Quería hacer una película que cuestionara cómo la violación y el consentimiento han sido entendidos a partir del binarismo, reduciendo todo a un ‘sí/no’. En aquella escena -de la primera agresión-, se demuestra una mentalidad de ‘el NO, no es final pero el SÍ, sí’ que rige esta cultura. Es algo en lo que, como sociedad, tenemos que pensar”, dice la directora, cuyas experiencias personales inspiraron el filme. “Fui a muchas vacaciones de este tipo cuando era una adolescente y mucho de esto viene de recuerdos de aquella época; de situaciones que viví y que solo tiempo después entendí que no eran normales”, afirma procediendo a ahondar en ejemplos concretos que ha traducido a la pantalla: “La escena de la felación en el escenario es algo que vi con mis amigos en una de estas vacaciones, y no fue sino hasta más adelante en la vida cuando todos nos dimos cuenta de que nos habíamos sentido muy incómodos..., pero fingimos que no, porque era parte de pasarlo bien. Quise poner la mirada sobre este engaño, sobre esa necesidad de fingir qué sentimos cuando somos adolescentes y cómo esto determina la manera en la que existimos en estos espacios”.

Para esto, la construcción de los personajes fue fundamental. Por supuesto, en primer lugar, el de Tara, la joven protagonista, a través de quien vemos todas estas experiencias y en cuyo personaje se ejemplifican muchas de las presiones que sufren las adolescentes. “La idea era estar siempre pegados al rostro de Taz -Tara-, sentir que estábamos siempre siguiendo la pista de sus emociones muy de cerca”, señala Manning Walker, explicando las decisiones formales detrás del sentimiento de angustia constante que transmite el film. “Por eso luego, cuando Taz desaparece, no quería que el punto de vista estuviera en un nuevo personaje, sino que la cámara se moviera como si la estuviera buscando todo el tiempo sin llegar nunca a encontrarla. Todo para resaltar el hecho de que ella no está allí. Y como había estado prácticamente en todos los planos hasta ese momento, se hace muy evidente el hecho de que ya no está”.

Sobre la elección de Mia McKenna-Bruce, cuya interpretación ha recibido múltiples elogios y nominaciones, señala la directora: “Hizo una audición muy pronto en el proceso de casting y supimos de una vez que tenía que ser ella. Mia tiene una habilidad impresionante de encarnar dos cosas al mismo tiempo: lo que muestra el

JAKWOB

Otros aspectos importantes para transmitir los sentimientos de Tara en How to Have Sex -en especial la manera en que experimenta el trauma- son la música y el diseño de sonido. Al respecto, Manning Walker señala: “La disociación, la sensación de estar en tu propia cabeza y que todo alrededor se silencie… todo eso es gracias a que tanto los sonidistas como el compositor son personas muy sensibles y reaccionaban muy bien a la interpretación de Mia. Era ella quien guiaba dónde debía desaparecer o disminuir la música, casi como siguiendo sus latidos”. El compositor al que se refiere es James Edward Jacob, más conocido por su pseudónimo, Jakwob. La banda sonora de How to Have Sex es su primer trabajo en un largometraje, habiendo trabajado antes también en publicidad y algunos cortometrajes. Pero no es esta la principal razón de su reconocimiento: el productor, compositor y DJ británico ha trabajado con artistas como Charli XCX, Aurora, Shygirl o Riz MC, al tiempo que ha ido labrando una carrera propia tras hacerse conocido por sus remixes desde 2009. Su estilo musical se caracteriza por trascender las fronteras entre géneros, con un énfasis en los ritmos electrónicos heredados del dubstep. Dentro de sus colaboraciones más aclamadas encontramos su trabajo con Nia Archives -a quien veremos como parte

del line up del Mad Cool este 2024-, en el papel de productor y coautor de muchos de sus sencillos, entre ellos Forbidden Feelingz y Baianá. Otra de sus colaboradoras habituales es Little Simz, con quien empezó a trabajar hace casi diez años en los hits de 2015, Time Capsule y Devour. En 2021 volvieron a trabajar juntos en el sencillo Rollin Stone y este año se han reencontrado en el último EP de la multipremiada rapera, Drop 7, lanzado por sorpresa el pasado 9 de febrero. Las 7 canciones que lo conforman han sido escritas a cuatro manos por Little Simz y Jakwob, y producidas por este en su totalidad.

EL CINE POST #METOO

Desde que en Hollywood se desató el movimiento del #MeToo son cada vez más las realizadoras que se atreven a contar historias que ponen en tela de juicio la cultura de la violación y el sistema heteropatriarcal que la ha impulsado -y sigue impulsando-. Aquí algunas recomendaciones...

THE ASSISTANT

Kitty Green, 2019

Afilada mirada sobre el caso Weinstein desde la ficción. Julia Garner encarna a la joven asistente de un reconocido productor, descubriendo lo podrido de la industria en la que soñaba trabajar.

UNA JOVEN PROMETEDORA

Emerald Fennell, 2020

Galardonada con el Oscar al Mejor Guion Original, la ópera prima de Fennell mezcla la sátira y el terror para dar lugar a una historia pop de rape and revenge llena de giros y mucha audacia.

PODRÍA DESTRUIRTE

Michaela Coel, 2020

La mirada interseccional se hace presente en esta tragicómica miniserie que se adentra en un viaje personal hacia las secuelas de una víctima de agresión sexual.

NUNCA, CASI NUNCA, A VECES, SIEMPRE

Eliza Hittman, 2020

Dos adolescentes emprenden un viaje de un Estado a otro para acceder a un aborto, desenterrando los traumas que las han llevado a ese lugar y sufriendo en el proceso las microagresiones del día a día.

personaje hacia fuera y cómo se está sintiendo por debajo. Creo que es una aptitud muy rara de encontrar en una actriz. Para mí, Mia es una superestrella”.

Además, para Manning Walker fue crucial no descuidar a los personajes masculinos: “Una de las cosas que queríamos era no dejar a los hombres fuera de la conversación. Para esto, cada personaje retratado debía ser tridimensional: nadie demasiado bueno, nadie demasiado malo. Todos ellos tienen defectos, y esto es un reflejo de la vida real. A menudo, los hombres que asumen el papel del agresor lo representan de una manera muy horrenda, lo cual impide que los espectadores hombres se puedan ver reflejados en ellos. Para mí era muy importante que los hombres se pudieran ver en esos personajes y que a partir de ahí inicien una conversación”. No solamente el personaje del agresor sino también los otros hombres presentes, como Badger, quien parece cuidar de Tara y preocuparse por ella, pero, a pesar de ello, opta por el silencio y, en palabras de Manning Walker, “al final le falla”.

Y es que How To Have Sex logra representar de manera muy atinada las diferentes caras de la cultura de la violación: la mencionada complicidad a través del silencio, pero también, por otro lado, la sororidad que se crea entre mujeres frente a las situaciones de abuso. Esto ocupa un lugar importante a lo largo de toda la cinta y especialmente hacia el final: “En la película hay una gran pregunta sobre la amistad femenina. Skye, por ejemplo, en muchas ocasiones presiona a Tara y la empuja hacia situaciones que la colocan en una posición incómoda. Es una relación muy complicada, pero sigue habiendo un lazo muy fuerte entre ellas, y el gesto de tomarle la mano al final es una señal de que esas amistades te ayudarán a recuperarte de estas situaciones y salir adelante”, señala la directora. “Mientras tanto, Em representa cómo podemos estar más seguras. Cómo, cuando logramos poner en palabras lo que nos ha pasado y hablarlo con nuestras amigas, sobrellevarlo se hace al menos un poco más fácil. Espero que ese sentimiento de solidaridad quede después de ver el filme”.

HOW TO HAVE SEX (15 de marzo)

Reino Unido. 2023.

BFI / Film4 Productions / Avalon

Dirección: Molly Manning Walker.

Reparto: Mia McKenna-Bruce, Samuel Bottomley, Lara Peake, Enva Lewis.

DUA DUA

FOTOS: TYRONE LEBON

POR: GABRIEL CÁRCOBA & DIEGO RUBIO

TRAINING SEASON IS OVER... ASÍ DA LA BIENVENIDA DUA LIPA A SU NUEVA ERA Y A SU TERCER ÁLBUM. UN TWIST HACIA LA PSICODELIA DE LA MANO DEL DEMIURGO KEVIN PARKER , ALMA MATER DE TAME IMPALA, QUE TAMBIÉN RECUPERA EL ESPÍRITU JUVENIL, ALOCADO Y EFERVESCENTE DE LOS PRIMEROS DÍAS DE LA RAVE EN REINO UNIDO JUNTO AL TIPO LISTO Y SENSIBLE DEL POP, DANNY L. HARLE , QUE VIENE DE TRABAJAR JUNTO A CHARLI XCX O CAROLINE POLACHEK. SI PARPADEAS TE PIERDES A LA QUE ES LA GRAN CONQUISTADORA POP DEL SIGLO XXI. LA POPSTAR DE LAS POPSTARS. MAGIA. HOUDINI.

E E TEMPORADA

stá habiendo revuelo con el nuevo disco de Dua Lipa, al que de momento seguiremos llamando DL3 . Entre nosotros. Normal. Lipa tiene una cruzada personal con los leakers -imagínate cómo le sienta a Warner-: todos sus discos, todos sus singles, se han filtrado antes de lanzarse oficialmente. TODOS. Internet está lleno -y por fortuna para nosotros como oyentes, la verdad- de descartes, demos, versiones, remixes de sus canciones. Tanto que, un poco jugando a la resistencia, cuando desde su equipo sacan ediciones especiales o reworks como los que vinieron para Future Nostalgia (2020) palidecen en comparación con lo que tienen guardados -y esperan- los fans. Se habló mucho de la famosa Moonlight Version de aquel disco, y al final la que salió oficialmente solo contenía un par de colaboraciones que ya habían visto la luz, algún remix con el rapero de turno y otro par de unreleased. Supongo que habrá muchos hackers detrás de la mina de oro que contienen los portátiles de Dua Lipa -o no, tampoco creo que una popstar le importe mucho a los hackers-, pero el caso es que para DL3, al menos a medias, han conseguido levantar un firewall. Training Season es la primera canción de Dua Lipa que no se filtra antes de su lanzamiento. Y relativamente, además, porque el día antes ya circulaba su versión instrumental por algún foro de Reddit. Houdini, el espectacular primer sencillo -pese que a se note que a Kevin Parker hace años que le pagan por hacer de sí mismo, para qué va a dejar de hacerlo-, no se libró, por supuesto. Pero hay más historia ahí. En Internet algunos dicen que realmente Houdini no estaba pensada inicialmente para ser el primer single, que la idea era lanzar antes Training Season, pero que en el último momento se enfrentaron a la decisión de rehacer el vídeo diseñado originalmente porque contenía imaginería bélica y justo había estallado el genocidio israelí en Gaza. Tiene sentido que a Lipa, de orígenes albanokosovares, no le apetezca demasiado meterse en asuntos belicosos: sus padres tuvieron que emigrar a Londres por el estallido de la Tercera Guerra de los Balcanes, se ha declarado antibelicista

LLUVIA DE ESTRELLAS

Es imposible llegar solo a la cima, y Dua Lipa lo sabe. Quizás en el disco no, pero seguro que esta nueva etapa nos presenta alguna que otra colabo en forma de remix. Y, como todas estas, seguro que lo peta.

ICÓNICA

Hay momentos que definen la carrera de un artista. En el caso de Dua Lipa, son tantos que hemos tenido que omitir la mayoría. Se mudó a Londres con 15 años y lanzó su primer single, ‘New Love’, en 2015. Desde entonces se ha expresado siempre siempre en sus propios términos. Y ha ido dado forma a su propia leyenda.

DIRECTO ESTRELLA

Dua Lipa actuó en nuestro país por primera vez en el Mad Cool Festival de 2018, en la que fue su tercera edición, y quien estuvo allí lo recordará toda su vida -fue justo después de Nine Inch Nails-. Aquello supuso el nacimiento de una superestrella: poco antes había publicado One Kiss, la canción que lo cambiaría todo para ella. Este 2024, Dua vuelve al Mad Cool. Y nosotros no nos lo vamos a perder.

ELTON JOHN

Cold Heart ya está cerca de las 2.000 millones de reproducciones en Spotify.

¿Quién iba a pensar que una amalgama de los temas más famosos de Elton John sería semejante hit?

El primer disco de Dua presentaba un pop más oscuro y alternativo, pero no impidió que consiguiese su primer hit global con New Rules, un ingenioso manual de instrucciones que te recuerda por qué NO debes volver con tu ex. El sexto puesto del Billboard Hot 100 fue solo el primer paso de una carrera de éxitos a la que se le resiste el #1.

CALVIN HARRIS

Ya de por sí, el productor y DJ británico es una máquina de hacer hits. Si metemos a Dua Lipa en la fórmula, se nos va de las manos. One Kiss sigue siendo adictiva, y la han adoptado los hinchas del Liverpool.

MILEY CYRUS

Material de cultural reset. Si viste el videoclip de Prisoners y no esperaste ni un segundo para volverlo a poner, eres de lxs nuestrxs. Es normal: nunca antes 2 personas despertaron tantas emociones juntas.

FOTO (CORTESÍA MAD COOL): ANDRÉS IGLESIAS

Cuando Dua se dejó ver con ese nuevo tono de pelo cherry red, todos sabíamos lo que significaba. Nueva era. Nuevo disco. Nuevos éxitos. Lo mismo ocurrió con ese rubio platino que auguraba la llegada de Future Nostalgia. Esta es una de las claves para ser la estrella de pop más grande del momento: mutar sin perder el mojo.

Grammy

WINNER WINNER

PANDEMIA Disco

Future Nostalgia llegó en un momento en que se retrasaban todos los lanzamientos a causa de la pandemia, pero Dua se empeñó en sacar el disco en marzo. Resultó que este proyecto era justo lo que todos necesitábamos en esos tiempos de incertidumbre, tensión y confinamiento. Eso sí que fue timing.

La industria respaldó a Dua en 2019 con el Grammy a Mejor Artista Revelación. Ocasión que aprovechó para poner en evidencia al presidente de la Academia por sus comentarios sobre las intérpretes femeninas y su necesidad de “esforzarse más”. “Supongo que este año ya nos esforzamos bastante”, sentenció. Ella, icónica.

Actualmente de capa caída, el rapero tuvo su momento más dulce con el remix de Levitating No hubo final feliz. Los fans de Dua acabarían pidiendo su eliminación tras comentarios homófobos de DaBaby.

CHICA DE PELÍCULA

Dua Lipa demostró su gran talento y ética de trabajo con el reciente lanzamiento de Barbie, debutando como actriz con el cameo de Barbie sirena y firmando con Mark Ronson Dance The Night. Este mes puedes verla en Argylle con papel, papel.

TAINY, BAD BUNNY, J BALVIN

El puertorriqueño se ponía a la batuta de esta inesperada incursión en el reguetón romántico con videoclip protagonizado por nuestra Ursula Corberó.

DETRÁS del disco

Ya hemos sido bendecidos con ‘Houdini’ y ‘Training Season’, pero queremos saber más. Estos son todos los aspectos que se esconden detrás del tercer proyecto de Dua Lipa, para que te hagas una idea de lo que se viene.

Todavía desconocemos la fecha de llegada de este nuevo LP. Lo que está claro es que este retorno a la pista de baile será tan embriagador como Future Nostalgia. Más british que nunca, la cultura rave de los noventa en UK, el britpop de Blur y Oasis y el trip hop de Massive Attack son grandes influencias para el sonido de DL3. Eso por un lado. Si miramos la lista de compositores y productores, ya flipamos. El toque clásico del pianista Tobias Jesso Jr y el talento comercial de Caroline Ailin -coescritora de New Rules y Don’t Start Now- acompañan a Lipa en la composición. El toque alucinógeno viene de la mano de sus productores. Danny L. Harle fue una de las piezas claves del sello PC Music, y como tal su visión del pop está a mil años luz de la del resto: ha sido imprescindible en los dos últimos álbumes de Caroline Polachek o en la carrera de Charli XCX, Clairo o Yeule. El otro as de Dua Lipa es Kevin Parker de Tame Impala. Poca presentación necesita el australiano. Su música se mide en cientos de millones de reproducciones y es un referente en el mundo del pop alternativo. Como productor, ha trabajado tanto con Mark Ronson o Lady Gaga como con Travis Scott y Kanye West. Detalles rápidos del disco para fans sedientos: no tendrá colabos, hablará sobre las experiencias de Dua como soltera, y sonaría a “pura felicidad pop” según una periodista de la revista Rolling Stone.

MEGAN THEE STALLION

Bienvenida al paraíso femenino -hombres no bienvenidos- de las dos con Sweetest Pie. Desde entonces todavía nos estamos recuperando. ¿Lo bien que le queda el hip hop a Dua Lipa?

Dua no llega a cantar en francés en Fever, pero no nos importa. La Moonlight Edition de Future Nostalgia nos dio joyitas como esta junto a la cantante belga Angèle. Con su aroma a club parisino, su lugar es la discoteca.

en varias ocasiones y su apoyo público al pueblo palestino le ha supuesto varias polémicas con los lobbies israelíes, incluida una bastante sonada con el New York Times. Lipa invitó a su podcast, At Your Service, al ex director del periódico para discutir la publicación de unas acusaciones de antisemitismo.

Estar en el ojo del huracán le afecta, dice, pero ha aprendido a relativizar, y se crece ante la adversidad. “Quizá me esfuerzo más cuando me menosprecian, o cuando me dicen que no puedo hacer cosas. Para bien o para mal, me meto de lleno en algo para hacerlo bien, para que sea perfecto, para que sea bueno”, le confesó recientemente a Rolling Stone. Muchos han señalado que DL3 parece un álbum continuista, que insiste en esa nostalgia retrofuturista enfocada en el dancefloor de su anterior trabajo y que el estándar dejado ahí es prácticamente imposible de superar. Pero a ella ya no le asusta, y no va a renunciar a la pista de baile porque ha descubierto que es donde se siente más cómoda: el disco, de algún modo y desde otro enfoque, seguirá marcando su trayectoria. Pero la reinvención es evidente viendo a la nueva nómina de colaboradores. Lipa tiene apuntado en un cuaderno que conoció a Kevin Parker en julio de 2022, y nos gusta pensar que algo tuvo que ver ese Primavera Sound en el que, si lo piensas, se reunieron como proféticamente todos los responsables de su nuevo álbum. La clave de su música está ahí, precisamente, en hacer un poco lo que hace The Weeknd: su lugar son las alturas pop, los estadios llenos de lucecitas y con equipos de baile gigantescos, pero la forma de aproximarse es otra, es alternativa y es cool. Lipa se emborracha con Rosalía, con Charli XCX, con Caroline Polachek, y coquetea con sus productores y con songwriters alternativos como Tobias Jesso Jr., aunque su liga sea la de Madonna o Kylie Minogue.

Todos ellos coinciden en que es una perfeccionista nata que tiene muy claro cuando está trabajando y cuando está ociosa, y que exprime los dos estados como quien se entrega en cuerpo y alma a su último aliento. Ella cuenta: “No creo que haya una sola canción del disco en que no haya retrocedido para reescribir, perfeccionar, cambiar y trabajar en ella un poco más, profundizando para ver si podíamos llevarlo todo un paso más allá”. Esa convicción decidida hacia su proyecto artístico la llevó a separarse de su agencia de siempre, TaP - firmó con ellos en Londres siendo apenas una adolescente-, en 2022, y en 2023 les recompró los derechos de su música. Ahora su manager es su padre y ella es dueña de sus decisiones creativas. La chica que empezó buscándose la vida en Londres lejos de su familia, trabajando de camarera o de modelo y azafata, la chica que guarda en su casa una copia del guion original de Paris, Texas y fuma Marlboro Light, ahora también ha montado una produc-

tora, Radical22, con la que está produciendo para Disney+ un documental sobre Candem en el que aparecerá Little Simz junto a otros artistas de ese barrio en el que comenzó todo este viaje hace poco más de diez años.

Soltera -comenzó a trabajar en el disco tras su ruptura con Anwar Hadid, y llega pocos meses después de poner fin a su relación con Romain Gavras-, cada vez más consciente de sí misma y en una fase arrolladora en la que no le importa divertirse con autoconfianza y seguridad, Dua Lipa presenta el álbum que ella quiso hacer, no el que de ella esperan los demás. Y la valentía siempre hay que recibirla con una ovación. Escasea.

ESTE MES, LA MÚSICA INVADE LAS PANTALLAS. EN CINES PODREMOS VER LA RESTAURACIÓN EN 4K DEL MÍTICO DOCUMENTAL MUSICAL DE LOS TALKING HEADS, ‘STOP MAKING SENSE’, MIENTRAS A NUESTRAS CASAS LLEGA, VÍA DISNEY+, LA GIRA DE ESTE SIGLO: ‘THE ERAS TOUR’ DE TAYLOR SWIFT. LA COINCIDENCIA DE ESTOS DOS EVENTOS ES RAZÓN SUFICIENTE PARA REPASAR LA RELACIÓN QUE EL CINE HA SOSTENIDO CON LA MÚSICA EN VIVO. REUNIMOS AQUÍ ALGUNOS DE LOS CONCIERTOS MÁS IMPORTANTES DE LA HISTORIA, GRABADOS Y DISTRIBUIDOS COMO PELÍCULA PARA LA POSTERIDAD.

POR: DANIELA URZOLA

desde tiempos inmemoriales, la música y el cine han estado íntimamente ligados. Una relación que se extiende a muchos aspectos del audiovisual, sea en forma de biopic o videoclip, entre otros. Pero hay un género particular que expresa este interés muy bien: lo que se conoce como documental musical. Una y otra vez, empleando distintos métodos más o menos tradicionales, distintos cineastas han decidido acompañar a músicos y filmarlos en la que es una de sus mayores expresiones, las actuaciones en vivo. El resultado de ese cruce de caminos son las “películas-concierto” -“concert film” -, en las que el lenguaje documental se aleja de lo puramente narrativo y se funde con el álbum musical para borrar las fronteras entre uno y otro. Las películas aquí reunidas reflejan distintas décadas , nacionalidades -en un viaje de América a Europa y más allá- y géneros -desde el soul y el rap hasta el rock o la electrónica-. El resultado es una lista ecléctica que permite observar las distintas formas en las que el cine se ha aproximado al mundo del pop, así como un repaso de algunos de los hitos más significativos de la historia de la música en vivo.

Stop Making Sense

Jonathan Demme, 1984

“There’s a party in my mind, and I hope it never stops…”. La letra de Memories Can’t Wait refleja a la perfección lo que se siente al ver Stop Making Sense. La película fue producida de forma independiente y dirigido por Jonathan Demme, quien grabó a la banda durante cuatro noches en el Hollywood Pantages Theatre en diciembre de 1983. El resultado es uno de los documentales musicales más reconocidos de la historia, donde la banda liderada por David Byrne -con su traje gigantesco- toca algunos de sus más grandes éxitos: desde Psycho Killer hasta Crosseyed and Painless, pasando por Burning Down the House, Life During Wartime o Once in a Lifetime. Una experiencia como pocas, que hoy nuevas generaciones pueden vivir gracias al estreno en cines de la restauración en 4K, acompañada por un álbum tributo en el que participan artistas como Paramore, The National, Lorde o Miley Cyrus.

7

Buena Vista Social Club

Wim Wenders, 1999

En 1996 Wenders viaja a Cuba tras los pasos de Ibrahim Ferrer y Ry Cooder, documentando sus días en La Habana y los conciertos en Amsterdam y Nueva York.

Shine a Light

Martin Scorsese, 2008

Otro gran documental musical de Scorsese, quien esta vez pone la mirada sobre los Stones para dar vida a un retrato de la banda dentro y fuera del escenario.

Roseland NYC Live: Portishead

Dick Carruthers, 1998

De la electrónica al clasicismo.

Un concierto único de Beth Gibbons y compañía junto a la Orquesta Filarmónica de NYC.

Amazing Grace

Alan Elliott, Sydney Pollack, 2018

El concierto de Aretha Franklin en una iglesia de Los Ángeles finalmente vio la luz en 2018, tras cuatro décadas de material de archivo perdido.

2

Summer of Soul Questlove, 2021

En el verano de 1969, mientras no tan lejos tenía lugar el festival de Woodstock, en Harlem se reunían algunas de las voces más significativas de la música afroamericana para proclamar el black pride y avanzar uno de los momentos de mayor cambio social en los EEUU contemporáneos. Questlove, el genio detrás de The Roots, parte de material de archivo nunca antes visto y excelentemente seleccionado y montado para dar lugar a uno de los documentales de música más potentes y significativos de los últimos tiempos, y de la historia en general. Una genealogía de un festival perdido que es a la vez un importante ejercicio de memoria histórica y racial.

Unplugged: Nirvana Beth McCarthy-Miller, 1993 Kurt Cobain murió poco después de este mítico acústico para MTV grabado en una sola toma que quedó como icono de la generación grunge.

Monterey Pop

D.A. Pennebaker, 1968

Dos años antes de Woodstock, el festival más grande de rock fue Monterey, el lugar en el que Jimi Hendrix prendió fuego a su Fender Stratocaster.

3

El último vals

Martin Scorsese, 1978

En 1976, Scorsese documenta el último concierto de The Band, emotiva despedida de la mano de invitados como Bob Dylan, Joni Mitchell o Ringo Starr.

5

Homecoming Beyoncé, 2019

Queen B revolucionó el negocio con un espectáculo que superaba con creces el presupuestro de Coachella y que rentabilizó gracias a Netflix. Historia.

The Beatles: Get BackThe Rooftop Concert

Peter Jackson, 2022

Precioso documento del último concierto de The Beatles: el mítico directo de la banda en una azotea de Londres en 1969.

16

Ziggy Stardust and the Spiders From Mars D.A. Pennebaker, 1983

Pennebaker vuelve a capturar la esencia de uno de los iconos pop más importantes de la historia: último show de Ziggy Stardust.

Gimme Shelter

Albert Maysles, David Maysles y Charlotte Zwerin, 1970

El retrato de una era y su punto final: en 1969, el fin de gira de The Rolling Stones en Altamont acaba en tragedia.

6

Tras hacer dos películas con The Leningrad Cowboys, el maestro del cine finlandés registra el concierto que dieron en 1993 junto al Conjunto Aleksándrov.

Depeche Mode: 101

D.A. Pennebaker, Chris Hegedus, David Dawkins, 1989

El concierto número 101 de Depeche Mode también fue el cierre en California de la gira mundial de Music for the Masses

La diosa de lo weird es retratada en todo su esplendor en este documental que combina metraje del concierto final de Biophilia con técnicas de collage.

Taylor Swift: The Eras Tour Sam Wrench, 2023

Taylor Swift es un fenómeno cultural. Así lo ha demostrado en los últimos años, batiendo récords y posicionándose como una de las figuras más importantes del mundo de la música. El epítome de todo esto es The Eras Tour, gira que reúne todas las eras de su trayectoria, desde su debut homónimo hasta Midnights Por si eso fuera poco, la gira se estrenó en cines en formato documental, convirtiéndose rápidamente en la película-concierto más taquillera de la historia. Sí, vivimos en un mundo Taylor’s Version.

David Byrne’s American Utopia

Spike Lee, 2020

Siempre revolucionaria, así presentó al mundo Rosalía las canciones de Motomami: con un transgresor concierto en TikTok.

En 1973 Lou Reed lanzó su tercer álbum, Berlín, pero no fue hasta 2006 que lo interpretó por primera vez en vivo. Este filme es el resultado de dicha actuación.

David Byrne, en esta ocasión al margen de sus Talking Headsy en una película que adapta su musical de Broadway.

Lou Reed Berlín Julian Schnabel, 2007

Rosalía Motomami TikTok Live Performance Stillz, 2022

Björk: Biophilia Live Peter Strickland, Nick Fenton, 2014

Total Balalaika Show Aki Kaurismaki, 1994

Heima

Dean DeBlois, 2007

La cámara de DeBlois sigue a la banda islandesa Sigur Rós por una íntima gira local que dieron en verano de 2006, hastiados de su primer tour mundial.

Kraftwerk:

3-D The Catalogue

Ralf Hütter, 2017

Estrenada en cines en Alemania, grabaciones que recogen los conciertos de Kraftwerk entre 2012 y 2016 con coartada 3D.

P.U.L.S.E.: Live at Earls Court

David Mallet, 1994

Después de capturar su primera era en un anfiteatro de Pompeya, Pink Floyd cerraron el círculo con esta espectacular actuación.

27

Bruce Springsteen & the E Street Band: Hammersmith Odeon, London '75

Derek Burbidge, 2005

Born to run. Se estrenó 30 años después de con este mítico concierto Springsteen lo petara.

Ese gorro de lana...

Roy Orbison and Friends: A Black and White Night

Tony Mitchell, 1988

Springsteen, Tom Waits, Elvis Costello, Bonnie Raitt, Jackson Browne… Son algunos de los nombres que Roy Orbison reunió en su concierto de 1988 en Los Angeles para rendirle homenaje. Filmado en blanco y negro y con personalidades como David Lynch o Billy Idol en el público, fue transmitido por la cadena Cinemax.

Woodstock, 3 días de paz y música

Michael Wadleigh, 1970

Nadie puede negar que Woodstock es uno de los eventos más épicos y legendarios de música en vivo de la historia. Michael Wadleigh presenta aquí el registro más completo del festival que encarnó el espíritu de toda una generación, que fundó el estándar de la cultura festivalera y que encarnó todos los ideales de la explosión hippie. El filme incluye material inédito y restaurado, y existe además una versión “Director’s Cut” de un total de 225 minutos de duración. La película recibió varias nominaciones a los Óscar, llevándose la estatuilla del Mejor Largometraje Documental. Lo más cerca que estaremos de sentir lo que podía sentirse en esa era de Acuario.

Miroir Noir

Vincent Morisset, 2008

Arcade Fire participan en el guion de este filme experimental que les sigue durante la emocionalmente intensa gira de Neon Bible. Batalla tras batalla.

The White Stripes Under Great White Northern Lights

Emmett Malloy, 2009

Relato de su gira por Canadá. Incluye grabaciones de los conciertos y tomas cotidinanas.

Mike Carson, Dave Free, Mark Ritchie, 2022

Kendrick Lamar reinando en París como uno de los más grandes nombres del rap hoy -y siempre-.

Live Aid

Vincent Scarza, 1985

El concierto benéfico más masivo de la historia, hoy recordado por todos gracias a actuaciones tan icónicas como la de Freddie Mercury y sus Queen.

The Big Steppers Tour: Live From Paris

Oasis Knebworth 1996

Jake Scott, 2021

Uno de los conciertos más multitudinarios de la historia, que reunió a 250K asistentes. Scott reúne todos los puntos de vista: banda, fans y organizadores.

Luis Miguel: El Concierto 1994

Entre el 4 y el 28 de agosto de 1994 Luis Miguel dio 16 conciertos en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Este es el impresionante resultado.

Prince Sign ‘o’ The Times

Prince, 1987

Siempre a la vanguardia, Prince sentó un precedente al dirigir él mismo la película concierto que documentaba su gira por Europa de 1987.

The Concert for Bangladesh

Saul Swimmer, 1972

En 1972, George Harrison convocó a Dylan, Eric Clapton, Ringo Starr o Ravi Shankar en un concierto benéfico pionero.

The Song Remains the Same

Peter Clifton, Joe Massot, 1976

Tres noches de concierto en el Madison Square Garden de Nueva York como parte del tour de Led Zeppelin en 1973.

Neil Young: Heart of Gold Jonathan Demme, 2006

El director de El silencio de los corderos vuelve a la música y se centra en esta ocasión en Neil Young y el concierto presentación de su álbum Prairie Wind.

37

Songs for Drella Edward Lachman, 1990

En 1987 muere el más grande representante del arte pop: Andy Warhol. Tres años después, Lou Reed y John Cale deciden realizar un disco dedicado a quien fue su mentor. Su versión en directo fue registrada por Edward Lachman en un filme profundamente emotivo y delicado. Songs for Drella, titulado así por el apodo de Warhol que combinaba Drácula y Cenicienta, es un viaje personal y cronológico por la vida del artista en el que los dos líderes de The Velvet Underground vuelven a encontrarse para homenajear al maestro.

38

The Cure in Orange Tim Pope, 1987

Rodada en 35mm, registra el concierto de la banda de Robert Smith en un teatro romano, en su momento de despegue como iconos del pop gótico.

42

Shut Up and Play the Hits

D.Southern, Will Lovelace, 2012

La estrategia de marketing definitiva: el 2 de abril de 2011 LCD Soundsystem se ‘despiden’ en el Madison Square Garden.

The Doors: Live at the Hollywood Bowl '68 Ray Manzarek, 1987

The Doors se coronan con un sold out en el Hollywood Bowl en un concierto que fue grabado íntegramente a cinco cámaras..

Una cita en Flamingos Jorge Ortiz de Landázuri Yzarduy, 2003

Dos conciertos de Bunbury en 2002: uno en las Fiestas del Pilar de Zaragoza y el otro en el Palacio de Congresos en Madrid.

46

Wattstax

Mel Stuart, 1973

Los sesenta fueron años agitados para la población afroamericana en EEUU, con los disturbios de Watts y el asesinato los líderes Malcolm X y Martin Luther King. En ese contexto, el 20 de agosto de 1972 se celebró un gran concierto que reunía artistas del sello discográfico Stax en un evento que buscaba celebrar y despertar la conciencia de la comunidad afroamericana.

En la cama con Madonna Alek Keshishian, 1991

Aunque el filme no tuvo una gran acogida en su momento, ha terminado por convertirse en un clásico que refleja la gira Blonde Amibition de 1990.

Elvis '68

Steve Binder, 1968

En 1968, Elvis apareció en un especial de televisión que marcaría el gran regreso al escenario del rey del rocanrol tras años sin hacer una presentación en vivo.

BTS Yet to Come Oh Yoon-Dong, 2023

El último concierto de los iconos del K-Pop antes de irse a cumplir con el servicio militar obligatorio en su país. La celebración de sus éxitos hasta la fecha.

1991: The Year Punk Broke

David Markey, 1992

El documental de la gira que celebraba el renacimiento del punk, con Sonic Youth, Nirvana, Dinosaur Jr, Babes In Toyland...

41

Queen

Live at Wembley ‘86

Gavin Taylor, 1986

300 minutos de metraje conforman la película que registró para la posteridad este mítico concierto de Queen.

45

U2: Rattle and Hum Phil Joanou, 1988

El álbum de 1988 de la banda irlandesa mezcla grabaciones de estudio y en vivo, y fue acompañado por esta película grabada en su gira norteamericana.

48

A Room With a View. Último concierto 2003

Último vals del mítico grupo de post-hardcore madrileño en la Sala Caracol. Así se veía el underground hace dos décadas.

50

Awesome; I Fuckin' Shot That!

Adam Yauch, 2006

Yauch repartió 50 cámaras de mano entre el público del Madison Square Garden para capturar como nunca a los Beastie Boys.

POR:

DIEGO RUBIO

Eternal Sunshine

Universal 8 marzo

La propia Ariana Grande ha hablado de Eternal Sunshine como un Sweetener meets Thank U, Next, de largo sus mejores trabajos, así que no podemos estar más hypeados. No ayuda a las pulsaciones el pedazo de primer sencillo desvelado, esa juguetona y elegante Yes, and? en la que Grande demuestra que está en una forma increíble y que es capaz de llevarse a la Madonna de Material Girl a un presente de burbujeante hedonismo house vía la Madonna de Vogue. Grabado en los Jungle City Studios de Nueva York junto al productor sueco Max Martin y su equipo -ya viejos conocidos y colaboradores de la cantante de Florida-, Eternal Sunshine es el séptimo álbum de Grande y el primero desde que terminara de rodar su debut en la gran pantalla, el proyectazo de adaptación cinematográfica en dos partes -la primera llegará a finales de este año- del ya clásico musical de Broadway Wicked, una especie de precuela de El mago de Oz. Además, promete un asalto a la pista de baile y a energías clubber. PEC.

ANADIE

Efectos secundarios de ser un ángel

Calaverita

1 marzo

Anita la Valiente se alía con el productor Kfé siguiendo el camino de baldosas del nuevo pop.

BEN FROST

Scope Neglect Mute / [PIAS]

1 marzo

Frost en busca de la materia oscura en un trabajo violento, agresivo, oscuro. Brutalismo.

FAYE WEBSTER

Underdressed at the Symphony Secretly Canadian / Popstock!

1 marzo

Más madera para la inabarcable oleada de cantautoras norteamericanas de corte indie.

LUNA KI

Generación de cristal

Autoeditado

1 marzo

La granaína pone la emoción en primer plano en un miniálbum que se aleja del auto-tune.

MAINLINE MAGIC ORCHESTRA

Harri Potter

Primavera Labels

1 marzo

Debut del colectivo más gamberro de Barcelona, con bien de vibes electrónicas dosmileras.

MOURN

The Avoider

Montgrí

1 marzo

Más poéticas que nunca, también más brillantes. Mourn se reinventan en su quinto trabajo.

NILS FRAHM

Day Leiter

1 marzo

Le sienta bien la sencillez al berlinés, que se aleja del estudio y regresa al formato piano solo.

NIÑOS LUCHANDO

Territorio Remixes

Raso Estudio

1 marzo

Revisión en clave IDM y minimalismo de uno de los debuts más sorprendentes del pasado curso.

BECHAMEL

Hasta que vuelvas

Subterfuge

7 marzo

El pop punk viaja al terreno de lo hyper en el fresquísimo debut del cuarteto madrileño.

ALBA MORENA

Yo te quiero pero

Universal

15 marzo

El pop está de enhorabuena: la propuesta de Alba Morena teje hilos entre nuestra producción más radiofónica, con melodías y tímbricas que recuerdan a grandes divas nacionales de todas las épocas, y la sensibilidad electrónica de un James Blake, entre 808s y bajos post dubstep. Un EP que sabe a salto hacia delante.

BLEACHERS

Bleachers

Dirty Hit / Music As Usual

8 marzo

A Jack Antonoff no le vale con petarlo como productor de Taylor Swift. Aquí él por su cuenta.

AMATEUR

Impasse

Mushroom Pillow

15 marzo

El Donosti Sound sigue vivo en este proyecto formado por ex componentes de La Buena Vida.

BALDOSA

Queriendo igual

Calaverita

15 marzo

Rock noventero y referencias dosmileras desde Tenerife en un debut largo bastante sólido.

DJ NIGGA FOX

Chá Preto

Príncipe

15 marzo

El angoleño, príncipe del kuduro y la kizomba electrónica, sigue explorando la diáspora lusitana.

ESTOPA

Estopía

Sony

15 marzo

25 años dando Estopa llevan los Hnos. Muñoz. Que les devuelvan todo lo que les han copiado.

FOUR TET

Three Text

15 marzo

Kieran Hebden vuelve al minimalismo y el experimento tras su flirteo con el mainstream.

HOLLY HUMBERSTONE

Work in Progress

Universal

15 marzo

Cuatro maquetas que no podían quedarse sin ver la luz, cuatro temazos de la chica prodigio.

JUSTIN TIMBERLAKE

Everything I Thought It Was

RCA

15 marzo

El ídolo vuelve a la senda del R&B melódico en el que, dice, es su trabajo más sencillo.

KACEY MUSGRAVES

Deeper Well Interscope

15 marzo

Nuevo discazo de Musgraves, por primera vez producido en Nueva York. Pop folkie con mayúsculas.

RADIO PALMER

La cara más triste

Subterfuge

15 marzo

El rompecabezas de estos granadinos tiene muchas caras, pero todas guapas, todas pop.

SARRIA

El mundo es cruel (pero creo en él)

Esmerarte

15 marzo

Segundo y refinado largo del transgresor rockero malagueño, producido por Paco Loco.

TIEMEI

The Mourning After the Night Before Primavera Labels

15 marzo

Vibras trip-hoperas y oniria electrónica para el debut del grupo antes conocido como TMATNB.

VLADIMIR DUBYSHKIN

Ivanovo Night Luxe

Trip

15 marzo

Electrónica de baile para flipar en colores del productor ruso, discípulo de Nina Kraviz.

ZA! + PERRATE

Jolifanto

Lovemonk / Discos Buenos

15 marzo

El cantaor más inquieto del momento se alía en experimento dadaísta con banda-manifiesto.

ZHU

Grace

Universal

15 marzo

El productor, músico y dj californiano vuelve con su trabajo más musical, ecléctico y sinuoso.

TWIN

Dupla

Hidden Track / Primavera Labels

16 marzo

El debut largo de la artista valenciana es una joya de synth-pop producida por b1n0 y Aaron Rux.

BEYONCÉ Act II

Columbia

29 marzo

El cénit creativo de Queen B: una trilogía que recorre las foundations de la música negra y aún más allá, señalando géneros de tradición blanca que tienen su origen en la población afroamericana. Si la primera entrega, Renaissance (2022), se enfocaba en el house, el vogue y la música disco, este Act II promete ahondar en el country, reivindicando a los vaqueros negros olvidados y poniendo de manifiesto el apropiacionismo cultural de un género que incluso se ha usado para contribuir al racismo en EEUU.

ADRIANNE LENKER

Bright Future 4AD / Popstock!

22 marzo

Nuevo y crudo trabajo en solitario de la líder de Big Thief. Pocas voces se quiebran como la suya.

EMPRESS OF For Your Consideration

Major Arcana / Giant Music

22 marzo

Produce Nick León y colaboran Muna o Rina Sawayama en su primer disco abiertamente indie.

FLETCHER

In Search of the Antidote Capitol

22 marzo

Salió de The X Factor, y poco a poco ha ido construyendo una carrera sólida como una popstar puramente americana, uniendo la línea de puntos entre Alanis Morissette, Avril Lavigne, Hayley Williams, Olivia Rodrigo o Julia Jacklin. Su segundo álbum surge de una búsqueda personal de las cosas que sanan. Y termina recalando en el amor.

GOSSIP Real Power Columbia

22 marzo

La banda liderada por Beth Ditto regresa 11 años después bajo la batuta de Rick Rubin. Power.

JLIN Akoma Planet Mu

22 marzo

Con apariciones de Björk, Philip Glass o Kronos Quartet, la productora nunca llegó tan lejos.

JULIA HOLTER

Something in the Room She Moves Domino / Music As Usual

22 marzo

El sexto álbum de la productora experimental de LA la vuelve a ver preocupada por la carne.

SHAKIRA

Las mujeres ya no lloran Sony

22 marzo

El divorce trip del mito de Barranquilla, hablándole a nuevas generaciones con ritmos urbanos.

WAXAHATCHEE

Tigers Blood Anti / [PIAS]

22 marzo

Katie Crutchfield mantiene el nivel(ón): otro discazo monumental, belleza e intensidad.

POR:

ADRIANA RAMIRO

Dir. Yuzuru Tachikawa Animación

Japón / 2023

TOHO Animation / Selecta Visión 8 marzo

Con una animación de trazo decididamente retro, como queriendo recrearse en todas esas obras japonesas de los años ochenta y noventa en las que el lounge, el jazz fusión y las ambiciones sintéticas elevaban fantasías asincrónicas, anacrónicas y puramente emocionales, Blue Giant narra la historia del joven Miyamoto Dai, un estudiante aficionado al baloncesto que, de pronto, descubre el jazz en directo. Y, claro, le cambia la vida: obsesionado con aprender a tocar el saxofón, la cinta dibuja sus sueños, sus luchas, y los colorea con música en una experiencia sinestésica y trascendental. Un excelente recuerdo del valor de las cosas que importan, de la dedicación imperturbable -tan japonesa- y de la confianza en uno mismo. Y, quizá más allá de todo, una carta de amor a la música en todas sus formas.

DREAM SCENARIO

Dir. Kristoffer Borgli

Rep. Nicolas Cage, J. Nicholson Largo / 1 marzo

Una muy mordaz tragicomedia sobre la viralidad con giro hacia el horror en la que Nicolas Cage brilla como un padre de familia al que le llega la fama de forma repentina.

LA BESTIA EN LA JUNGLA

Dir. Patric Chiha

Rep. Anaïs Demoustier, Tom Mercier Largo / 1 marzo

El cineasta suizo interpreta a su manera la novela de Henry James, repasando la historia contemporánea a través de una gran noche de fiesta que se alarga durante 25 años.

EL RÉGIMEN

Dir. Will Tracy, varios

Rep. Kate Winslet, M. Schoenaerts Miniserie / 4 marzo

Especie de ucronía que nos lleva al palacio de una autocracia ficticia del centro de Europa, donde dicta con puño de hierro una Kate Winslet siempre colosal que repite en HBO.

HANNAH GADSBY’S GENDER AGENDA

Dir. Julian Smith

Rep. Hannah Gadsby Stand-Up / 5 marzo

La inteligente cómica australiana cede el testigo por primera vez para conducir un espectáculo protagonizado por todo un plantel de cómiques queer de todo el mundo.

NOT A PRETTY

PICTURE

Dir. Martha Coolidge

Rep. Reed Birney

EE UU / 1976 / Atalante Largo / 1 marzo

Se estrena por primera vez en España este demoledor experimento sobre la cultura del abuso, en el que la cineasta recrea con un grupo de mujeres y hombres el momento en el que fue violada en una fiesta cuando tenía solo 16 años.

EL ZORRO

Dir. Adrian Goiginger

Rep. Simon Morzé, Adrianna Gradziel Largo / 6 marzo

Cintas basadas en historias reales de la II Guerra Mundial hay muchas. Cintas en las que todo aquel dolor y podredumbre fuera sanado por el amor de un zorrillo... solo esta.

THE BEAST

Dir. Bertrand Bonello

Rep. Léa Seydoux, George McKay

Francia / 2023

27 marzo

Un pasado idealizado, un presente inane y un futuro distópico se entrelazan como los confusos pasadizos de la mente en este drama romántico intertemporal sobre la pureza de la emoción humana. Léa Seydoux, mejor actriz en la Seminci por este papel, vuelve a deslumbrar con esa contundente fragilidad suya.

SUPERSEX

Dir. Francesca Manieri, varios

Rep. A. Borghi, Jasmine Trinca Serie / 6 marzo

Alessandro Borghi (Suburra, Las ocho montañas) se pone en la piel -en tooooda la piel- del legendario actor porno italiano Rocco Siffredi en esta serie entre realidad y ficción.

THE GENTLEMEN

Dir. Guy Ritchie, varios

Rep. T. James, K. Scodelario, G. Esposito Serie / 7 marzo

Spin-off en forma de serie de la película de Guy Ritchie The Gentlemen: Los señores de la mafia con todas sus señas de identidad, incluidas hierba, violencia y cachondeo.

DAMSEL

Dir. Juan Carlos Fresnadillo

Rep. Millie Bobby Brown, Robin Wright Largo / 8 marzo

Fresnadillo debuta en largo en USA y se adentra por primera vez en la alta fantasía con esta epopeya de princesas, dragones y caballeros con twist oscuro y reparto de lujo.

STOP MAKING SENSE

Dir. Jonathan Demme

Rep. Talking Heads Concierto / 8 marzo

La niña de los ojos de la industria, A24, reestrena la que fácilmente es la mejor película-concierto de todos los tiempos: el retrato del apoteosis creativo de los Talking Heads.

EL ASTRONAUTA

Dir. Johan Renck

Rep. Adam Sandler, Carey Mulligan

EEUU / 2024 / Netflix

Largo / 1 marzo

El amor sirve como vehículo conductor de esta rareza de ciencia ficción en la que un astronauta, aislado en una misión, termina cooperando con un monstruo extraterrestre con tal de regresar a casa y poder recuperar a su mujer, o al menos poder intentar reavivar la llama de su relación.

VINCENT DEBE MORIR

Dir. Stéphan Castang

Rep. Karim Leklou, Vimala Pons Largo / 8 marzo

El cineasta francés salió triunfador en Sitges como director novel: la culpable es esta encarnizada runaway movie agobiante, violenta, sangrienta... y existencialista.

BANDIDOS

Dir. Pablo Tébar, Adrian Grunberg

Rep. Ester Expósito, L.G. Méndez Serie / 13 marzo

Ester Expósito se alista a un grupo de bandidos en busca del tesoro perdido de un galeón español hundido en el Golfo de México en la que es su primera aventura exploradora.

IMAGINARY

Dir. Jeff Wadlow

Rep. DeWanda Wise, Tom Payne Largo / 15 marzo

Guiños a Poltergeist everywhere, y al cine de terror domiciliario en general, en esta cinta sobre un osito de peluche, claro, aparentemente inofensivo. Aparentemente...

HOTEL ROYAL

Dir. Kitty Green

Rep. Julia Garner, Jessica Henwick Largo / 15 marzo

Una película que juega todo el rato con tus expectativas, y que así construye su tensión. Turbio relato sobre la violencia del hombre sobre la mujer... y sobre la venganza.

NUGGET DE POLLO

Dir. Lee Byeong-heon

Rep. Ryu Seung-ryong, Ahn Jae-hong Serie / 15 marzo

¿Qué pasaría si en Corea del Sur les diera por reinterpretar el mito de Cariño, he encogido a los niños? Pues que tendríamos esta serie en la que una mujer se convierte en nugget.

RADICAL

Dir. Christopher Zalla

Rep. Eugenio Derbez, Daniel Haddad Largo / 15 marzo

Emotiva película en la que un magistral Derbez encarna a un maestro de escuela real que acaba en un pueblecito de la frontera de México y tiene que motivar a sus alumnos.

MACARENA. EL HIMNO DE UN PLANETA

Dir. Alejandro Marzoa, Arantza Diez

Rep. Los del Río Serie documental / 18 marzo

El incansable equipo de documentales de Movistar+ sigue en su empeño de archivar nuestra cultura pop: esta vez le toca a la canción española más trillada de la historia.

EL CLUB DE HIERRO

Dir. Sean Durkin

Rep. Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris

Dickinson

EE UU / 2023 / A24 15 marzo

Efron se reivindica como actor serio en este biopic sobre los hermanos Von Erich, que revolucionaron la lucha libre a principios de los ochenta bajo el infllexible yugo y la atenta mirada de un padre exigente. Precisamente los vínculos familiares le sirven a Durkin para alzar el vuelo dramático.

ROAD HOUSE. DE PROFESIÓN: DURO

Dir. Doug Liman

Rep. Jake Gyllenhaal, Daniela Melchior Largo / 21 marzo

Remake de la original del 89 protagonizada por Patrick Swayze, con Gyllenhaal en la piel de un ex jugador de la UFC que acaba de portero chungo en un bar de carretera.

CAZAFANTASMAS: IMPERIO HELADO

Dir. Gil Kenan

Rep. Paul Rudd, Carrie Coon Largo / 22 marzo

El reboot de Cazafantasmas sigue su curso: la familia se amplía con una nueva hornada de ghostbusters en una cinta que supone el regreso de la franquicia a Nueva York.

CLUB ZERO

Dir. Jessica Hausner

Rep. Mia Wasikowska, S.B. Knudsen Largo / 22 marzo

Un medio thriller, medio drama psicológico bastante perturbador que tuvo un paso tímido por festivales y que ataca con relativa gracia algunas de las estupideces del s. XXI.

EL SUCESOR

Dir. Xavier Legrand

Rep. Marc-André Grondin, Yves Jacques Largo / 22 marzo

Gélido y claustrofóbico thriller sobre herencias familiares de todo tipo -traumas, millones, maldiciones y ansias de poder- que estuvo nominado en Donosti.

THE RESTORATION

Dir. David M. Mateo

Rep. Lana Aubrey, Sonia Almarcha Largo / 22 marzo

El cineasta madrileño debuta en la dirección de largos de la mano de su compañera Laura de Dios con esta misteriosa oda a Madrid que bien podría haber escrito Zafón.

GODZILLA Y KONG: EL NUEVO IMPERIO

Dir. Adam Wingard

Rep. Dan Stevens, Rebecca Hall Largo / 27 marzo

El monstruo radioactivo y el gigante de la Isla de la Calavera ya no luchan, ahora cooperan contra un temible y desconocido enemigo común, aliados con la humanidad.

MILLI VANILLI: GIRL YOU KNOW IT’S TRUE

Dir. Simon Verhoeven

Rep. Tijaqn Njie, Elan Ben Ali Largo / 27 marzo

Dramatización de uno de los mayores escándalos de la historia de la música: era Frank Farian -ideólogo de Boney M- quien estaba detrás de este simpatético dúo alemán.

POR:ADRIANA RAMIRO

DESAFÍO TOTAL

Dir. Paul Verhoeven

Rep. A. Schwarzenegger, R. Ticotin

EE UU / 1990 / Divisa / 7 marzo

Por primera vez en 4K este clásico para quienes nos flipamos con los viajes en el tiempo, el futurismo kitsch y el cartón piedra. Y de propina dos horas de contenidos adicionales.

EL MAESTRO QUE PROMETIÓ EL MAR

Dir. Patricia Font

Rep. Enric Auquer, Laia Costa España / 2023 / Divisa / 7 marzo

La historia real de Antoni Benaiges, un maestro de Tarragona con un revolucionario método pedagógico y que a la postre acabaría siendo fusilado durante la Guerra civil.

EL REINO ANIMAL

Dir. Thomas Cailley

Rep. Romain Duris, Paul Kircher, Adèle Exarchopoulos. Francia / 2022 / Divisa 7 marzo

A través de los ojos de una familia asistimos impotentes a un futuro distópico en el que los humanos se transforman en animales. Sin extras.

BLOOD DE BRAD ANDERSON

Dir. Brad Anderson

Rep. Michelle Monaghan, Skeet Ulrich

EE UU / 2023 / A Contrac. / 12 marzo

Niños vampiros en un contexto rural, como una suerte de Déjame entrar con coartada noarteamericana.Incluye entrevista en Sitges con el televisivo Brad Anderson.

BALADA DE PÁJAROS CANTORES Y SERPIENTES

Dir. Francis Lawrence

Rep. Dexter Sol Ansell, Rosa Gotzler

EE UU / 2023 / Vértice / 2 marzo

Francis Lawrence, habitual ya de la saga Los juegos del hambre, intenta sobrevivir con esta precuela -y más o menos lo consigue- a la espantá de Jennifer Lawrence.

FEMME

Dir. Sam H. Freeman, Ng Choon Ping

Rep. George MacKay, John McCrea.

RU / 2023 / Divisa 7 marzo

Tres premios y once nominaciones en los British Independent Film Awards para este thriller queer, una historia de pasiones desatadas en la que un drag queen identifica al joven que le agredió y emprende un peligroso plan para tomarse cumplida venganza. La edición no cuenta con contenidos adicionales en ninguno de los dos formatos.

EL VIEJO ROBLE

Dir. Ken Loach

Rep. Dave Turner, Ebla Mari RU / 2023 / Vértigo / 20 marzo

Un pub es el teatrillo por el que desfilan los habitantes de una deprimida ciudad del norte de Inglaterra, a caballo de la xenofobia y el miedo a perderlo todo.

FIVE NIGHTS AT FREDDY'S

Dir. Emma Tammi

Rep. Josh Hutcherson, Matthew Lillard EE UU / 2023 / Universal / 20 marzo

Terror adolescente, Blumhouse -la productora de moda en esto de meter sustos- y una franquicia de videojuegos de éxito. ¿Qué podía fallar? Y sin embargo... falla.

WONKA

Dir. Paul King

Rep. Timothée Chalamet, Calah Lane RU / 2023 / Warner / 0 marzo

El exquisito humor británico de Paul King (todos a verse Paddington) y Timothée Chalamet logran el milagro: a la altura de las adaptaciones de 1971 y 2005. Y además con extras.

WISH: EL PODER DE LOS DESEOS

Dir. Fawn Veerasunthorn, Chris Buck

EE UU / 2023 / Disney / 25 marzo

La historia de una nativa americana aprendiz del rey hechicero, se convierte en un relato que es puro Disney y que cuenta el origen de la estrella de los deseos.

POR: RAMÓN BAYLOS

RISE OF THE RONIN Team Ninja :PS5

22 marzo

Tras crear una de las sagas más exigentes en el género de los Hack n Slash con Ninja Gaiden, y darle un girito a los soulslike con Nioh o Wo-Long, Team Ninja se prepara para dar el salto a los juegos de mundo abierto con un título muy enfocado en la temática samurái, que promete ofrecer combates que pondrán a prueba tu habilidad y tus reflejos a los mandos.

THE OUTLAST TRIALS

Red Barrels

: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 05 marzo

La mítica saga indie de terror vuelve con una propuesta multijugador asimétrica con la que helarnos la sangre, solo que esta vez en compañía.

ALONE IN THE DARK

Pieces Interactive

: PC, PS5, Xbox Series X/S 20 marzo

El clasicazo de terror regresa a la nueva generación con un reboot que bebe de las tendencias más modernas de los survival horror, con todo el aprendizaje de Capcom.

HORIZON FORBIDDEN WEST

Guerrilla Games

: PC

21 marzo

La secuela del exclusivo de PlayStation da el salto a ordenadores con un port que promete llevar al límite las capacidades técnicas del PC.

PRINCESS PEACH: SHOWTIME!

Nintendo : Nintendo Switch

23 marzo

La Princesa Peach reivindica su presencia en el sector protagonizando su propio videojuego de aventuras en la -más que posibleépoca crepuscular de Nintendo Switch.

SOUTH PARK: SNOW DAY

Question Games : PC, PS5, Nintendo Switch, Xbox Series X/S

26 marzo

La nueva adaptación de la serie al mundo de los videojuegos deja de lado los RPGs para ofrecer una propuesta de acción cooperativa mucho más directa.

OPEN ROADS

Open Roads Team

: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S

28 marzo

Una nueva aventura narrativa de los creadores de Gone Home, que convierte sus intenciones humanistas en el formato jugable de una road movie.

POR: LUIS ARGEO

TAYLOR SWIFT. ICON

Katy Sprinkel

Cúpula

112 p. / Música

Nada mejor para ir calentando motores que empaparse de la vida y milagros de tu artista favorita: todas sus etapas e influencias sonoras y estéticas.

TEMPORADA DE BRUJAS

Cathi Unsworth

Contra

576 p. / Música

Si te gusta Margarita Quebrada, tu obligación es acudir al viejo testamento internacional, en este caso del rock gótico UK, y comulgar. Intro de Ana Curra.

UN VAN GOGH EN EL SALÓN

Clara González Freyre de Andrade

Temas de hoy

472 p. / Arte

La instagramer @claramore_ además de ayudarte a alcanzar la belleza de este mundo, lo hace de modo divertido. Anecdotario de cultura pop muy entretenido.

NUEVE CANTARES PARA YUNG BEEF Manuela Buriel H&O Editores

140 p. / Ensayo, música

No podríamos esperar algo distinto de este inquieto autor, miembro de Colectivo juan de madre, quien ya nos arrojó a las entrañas de Ian Curtis en aquella hagiografía dedicada al líder de Joy Division. Con su don para la escritura lisérgica y la lectura alucinógena, vuelve al ensayo ficción, al realismo místico y a la aproximación biográfico-artística de otro trovador, uno de este siglo, igual de espiritual y más cercano: Yung Beef. “Aunque escasean las evidencias de su existencia, estos nueve cantares bucean en ellas para desentrañar el sentido de una figura que encierra todas las angustias y esperanzas de un momento clave en nuestro planeta”. Tal y como reza su promo, conviértase este libro en un homenaje a Fernandito y a los desmayaícos, pues es un sincero tributo concebido con amor. Ah, uno de los cantares está escrito con autotune. Si quieres conocer el resultado abre el libro. ¡Valle Inclán lo haría!

ROMERO RECIÉN CORTAO

Juan Carlos Panduro

Letraversal

70 p. / Poesía

Esa amargura que deja el café frío es la que el extremeño le mete no ya a sus palabras, sino a la región imaginaria donde nos introduce. Y sabe rica.

TIEMPOS MÁGICOS

Mario Obrero

La Bella Varsovia

90 p. / Poesía

Su compromiso con el lenguaje está fuera de toda duda. El poeta, además, afronta lo real con total sentido de la justicia, de lo bello, de lo rítmico. Un must.

REFLEXIONES

Dimitri Zuppiger Ediciones Carena 90 p. / No ficción

Este joven trotamundos brasileño reúne sus pensamientos en un breve ensayo poético donde comparte un sentir y un vivir el amor, o su falta, con suma ligereza.

TREINTA

Xirou Xiao y Laura C. Vela Comisura

168 p. / No ficción

Una artista china y una fotógrafa y editora andaluza reflexionan en Madrid sobre crecer, buscar un lugar, la felicidad, a partir de la amistad, fotos, textos, dibujos.

UTOPÍAS COTIDIANAS

Kristen Ghodsee

Capitán Swing 376 p. / Ensayo

La autora nos sumerge en dos milenios de ideas, sueños y experimentos que a lo largo de nuestro devenir como especie han abierto puertas hacia ese mundo mejor.

ACERCA DEL ROBO DE HISTORIAS Y OTROS RELATOS

Gueorgui Gosponídov

Impedimenta

160 p. / Relatos

Cuentos afterrealistas, sin límites, trufados de provocación. Píldoras borgianas que le valieron a su autor el Premio Booker 2023.

LAS VULNERABILIDADES

Elvira Sastre

Seix Barral

352 p. / Novela

Sastre regresa a la novela, retorciendo con suspense la relación de dos mujeres que alimentan su necesidad de dominio y dependencia. Una se llama Elvira.

DINERO EN EL BOLSILLO

Asta Olivia Nordenhof

Sexto Piso

180 p. / Novela

Kurt y Maggie se conocen en una noche de borrachera escandinava. La autora danesa -ojo a cómo se incorpora a la historia- apoya cruda ficción en hecho real.

FUEGO EN LA SANGRE

Irène Némirovsky

Ediciones Invisibles

192 p. / Novela

Otra joya rescatada del olvido: un viejo solitario que dilapidó su fortuna ve cómo sus secretos de juventud despiertan tras una muerte inesperada.

DEUS EX

Ferdia Lennon

Impedimenta

288 p. / Novela

Lennon rompe la dimensión espacio-temporal con maestría y humor: podría añadir a los tipos de esta tragedia griega a un Amanece que no es poco con deje irlandés.

GOTHIKANA

RuNyx Siren Books

384 p. / Dark romance

En un antiguo castillo se encuentran la prota universitaria con ese profe enigmático que la vigila para que no indague más de la cuenta. Amor macabro a la vista.

POR: MANU GONZÁLEZ

DOMINGO FLAMENCO

Olivier Schrauwen

Fulgencio Pimentel

476 p. / Color / 17,90 €

En esta casa Olivier Schrauwen es adorado por sus novelas gráficas completamente irreverentes. Domingo flamenco es su particular Ulises al contarnos todo lo que pasa por la cabeza de su protagonista durante un día: el domingo, claro. Quinientas páginas de narrativa interna sobre el entremezclado día ocioso de Thibault, en la que los desvaríos mentales y el arte visual fluyen de manera muy entretenida.

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

Jun Abe

Planeta Cómics

352 p. / ByN / 16,95 €

El autor del terrorífico Portus reviviendo el mito matemático surrealista de Lewis Carroll es uno de los must have manga del mes. Habrá pesadillas.

AMANECER ROTO

Jason Astiberri

256 p. / Color / 24 €

Jason vuelve a divertirnos con sus fábulas imposibles en una historia con reminiscencias de Kafka, Joyce y hasta Quentin Tarantino. Cóctel de referencias explosivo.

EMET

Mannfred Salmon y Paco Zarco

Cósmica Cómic

96 p. / ByN / 16 €

En la Segunda Guerra Mundial hubo un ejército secreto nazi compuesto por monstruos míticos. Solo el poderoso Golem sirvió a la causa aria.

LA FOSA

Erik Kriek

Cartem Cómics

148 p. / Color / 34,95 €

Folk horror de altura que se desarrolla en los bosques holandeses de Veluwe, con sus inquietantes árboles y largas sombras. Para fans de Lovecraft.

LA FRONTERA

Alessio Fioriniello, Jacopo Paliaga

Nuevo Nueve

224 p. / ByN / 18 €

Fioriniello y Paliaga convierten el salvaje oeste de finales de siglo XIX en un festival superheroico de primera fila, con pistoleros con poderes dispares.

FUTURE

Tommi Musturi

Barrett

288 p. / Color / 29,90 €

Al irlandés Musturi ya lo conocimos con su Antología del alma. Su futuro extraño y colorista parece poco realista pero está mucho más cerca de lo que crees.

LA VIDA DE UN MANGAKA

Satsuki Yoshino

Distrito Manga

208 p. / ByN / 9,90 €

Mangas sobre mangas. No hay nada mejor que un autor narrando la vida durísima que llevan estos autores con entregas imposibles y cancelaciones de series. El ritmo nipón, a examen.

GUNSMITH CATS BURST

Kenichi Sonoda

Planeta Cómics

192 p. / ByN / 12,95 €

Las peligrosas y divertidas Rally Vincent y Minnie May Hopkins volvieron en 2004 tras triunfar en los corazones otakus de los noventa. Tiros, explosiones y risas.

JIM

François Schuiten

Libros del Zorro Rojo

128 p. / ByN / 17,90 €

El autor de Las ciudades oscuras dibujó día a día como terapia su duelo por su querido amigo perro fallecido. Delicia visual en tinta para amantes de los animales.

JLA: LA NUEVA FRONTERA

Darwyn Cooke

ECC Ediciones

528 p. / Color / 55,50 €

Cooke era un autor con un estilo clásico cartoonesco único, como los hermanos Hernández o Dave Stevens. Esta aventura de la Justice League fue su obra maestra.

JÓVENES DIOSES & AMIGOS

Barry Windsor-Smith

Dolmen

192 p. / Color / 29,95 €

Dolmen sigue rescatando las historias inconclusas que Barry Windsor-Smith creó en su revista Storyteller. Homenaje sesudo a los Nuevos Dioses de Jack Kirby.

MAZINGER Z

Go Nagai

Norma Editorial

384 p. / Color / 16 €

¡Puños fuera! La serie que dio fama al mangaka Go Nagai vuelve a publicarse en España en una edición coleccionista. Tendrá lugar de honor en mi estantería.

PERROS

Keum Suk Gendry-Kim

Reservoir Books

248 p. / ByN / 22,90 €

Más perretes en esta sección de novedades, aunque yo soy más de gatetes. ¿La salud de nuestra sociedad se mide por cómo tratamos a nuestras mascotas?

POR: LUIS ARGEO

Del miércoles 13 de marzo al martes 22 de abril

Varias salas (MADRID)

_JUNO / AGORAPHOBIA / BIUTI BAMBÚ / BONES OF MINERVA / CAMELLOS / CHICLE / LA DEMOSCÓPICA DE MONDOSONORO / DEPRESIÓN SONORA / DÚA DE PEL / LOS ESTANQUES & ANNI B SWEET / FONTÁN / HERE / JALEO REAL (JIMENA AMARILLO + REPION + ESPINELI + LUSILLÓN) / JAVIPABLO / LA MILAGROSA / LAURA JORDÁN / LAZHARUS / LOS SEX / MAR CASAK / MARÍA DE LA FLOR / MISTER MARSHALL / MOLOCH / MÓNICA MORADO / NÉCTAR / PAULA BECKER / PUÑO DRAGÓN / RIPOLL / SANTOPORTO / SOBRINUS / VALIENTE BOSQUE / VENTURI / VIE BORA / YOGURES DE COCO

Este festival urbano que se celebrará durante los meses de marzo y abril en diferentes salas de Madrid busca concienciar sobre el medio ambiente -poniendo el foco en la importancia de preservar la polinización de las flores por parte de las abejas- al tiempo que propone un puñado de nombres en los que se dan cita lo mejorcito de la nueva escena musical nacional. Con momentos tan especiales como ese concierto que unirá bajo el paraguas de un solo grupo (Jaleo Real) a Jimena Amarillo, Repion, Espineli y Lusillón, o la presentación del nuevo disco de Depresión Sonora en La Riviera.

SALA WURLITZER MARZO 2024

ELECTRIC VALLEY + FLAMES OF FOE

Vie 1

FIESTA RICK BLAINE RECORDS CON MAMÁ + FRANCISCO NIXON + PARADE + STARTRIP Sáb 2

FLAMA FLAMA FLAMA + CUMPLEAÑOS UN MARTES

Dom 3

MICHAEL CERA PALIN (FOTO) + COMIC SANS + MIGUEL CERA

Mié 6

VOSOTRAS VERÉIS + TUS NOVIAS INDIE

Jue 7

FESTIVALES

NEGRITA MUSIC FESTIVAL

Multiespacio Rabasa (ALICANTE)

Viernes 29 y sábado 30 de marzo

VIDEOTRAUM + DUNKENWALD + NEWBORN GHOST

Vie 8

WHEELSFEST: NITRO POLLO + THE DISTANCE + THE NEW PROJECT Sáb 9

FIESTA EL ELEMENTO Dom 10 / 19:00

ANTILLECTUAL + EARLY FLIGHTS

Mar 12

Saiko, JC Reyes, Wade, Cruz Cafuné, Juan Magán, Cano, Maikel Delacalle, Soge Culebra, Lía Kali, J. Abecia, Lucho RK, Julieta, Alvama Ice, Amygdala, Parkineos, Dexphase, Miguel Bastida, Anthony Godfather, Brenda Serna, Sara Krin, Stella, Pive, Lorena Llanes, Alex O'Clock, Luis Bonias, Michael G. https://negritamusicfestival.com

CONCIERTOS

IDLES

WiZink Center. Madrid. Viernes 1

Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 2

MIKE

Laut. Barcelona. Viernes 1

NOTHING BUT THIEVES

La Riviera. Madrid. Viernes 1

KADEC SANTA ANNA

Santana 27. Bilbao. Viernes 8

Andén 56. Burgos. Sábado 9

Custom. Sevilla. Viernes 15

Mamba. Murcia. Sábado 16

M100. Córdoba. Viernes 22

WiZink Center. Madrid. Sábado 30

XAVIBO

Repvblicca. Valencia. Viernes 8

Wolf. Barcelona. Sábado 9

La Riviera. Madrid. Jueves 14

HOTEL RECORDS PRESENTA COLORADO + GUILLE WHEEL + THE WAVES

Mié 13

SUBTERFUGE STEREO PARTY NEXT GENERATION

Jue 14

NICK OLIVIERI

Vie 15

THE BOATSMEN + ESQTM Sáb 16

SPEEDY ORTIZ Mié 20

FRANK SUZ + MATARTE SERIA POCO +MARTIN&THE VICE Jue 21

DEATH BEFORE DISHONOR + LUST

Vie 22

PENDEJO + RED WHORE Sáb 23

PROYECTO HUELLAS Dom 24

EVENTO SORPRESA

Mar 26

WALLS

La Paqui. Madrid. Viernes 8, sábado 9, viernes 15 y sábado 16

DEPECHE MODE + SUZIE STAPLETON

WiZink Center. Madrid. Martes 12 y jueves 14 Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 16 Bizkaia Arena. Barakaldo. Jueves 21

MILO J

Pelícano. A Coruña. Viernes 1

Zentral Kafe Teatro. Pamplona. Domingo 3 Repvblicca. Valencia. Jueves 7 Sant Jordi Club. Barcelona. Viernes 8 Pandora. Sevilla. Jueves 14 Palacio Vistalegre. Madrid. Viernes 15

MADISON BEER

Razzmatazz. Barcelona. Sábado 16

Palacio Vistalegre. Madrid. Domingo 17

NICKI NICOLE

WiZink Center. Madrid. Jueves 21

DEPRESIÓN SONORA

La Riviera. Madrid. Viernes 22

EXPOSICIONES

EN BUSCA DE LA VIDA Museo Thyssen (MADRID)

Del 5 de marzo al 26 de mayo

El museo y TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary presentan la primera gran exposición individual en España de la artista filipino-canadiense Stephanie Comilang (Toronto, 1980). En busca de la vida es una aventura visual, pero también una reflexión profunda sobre la historia, la identidad y la conexión entre las distintas formas de vida de

CUERDA HUIDA + EXFUTUROS +ANTIALGORITMO + CHICK FLICKS

Mié 27

[_LOTURA] PRESENTA SM FORMA+ FOTOCOPIA + ESCUELA DE AVIACIÓN Jue 28

ETERNAL STORM+ SOUND OF THE DYING + LAST FOREST RAIN

Vie 29

[_LOTURA] PRESENTA SOFIA + NAKAR

Sáb 3

nuestro planeta. Mariposas y humanos conviven en una instalación audiovisual de gran formato, en dos pantallas enfrentadas donde se trazan las rutas marítimas utilizadas por España tras la colonización de Filipinas. Los mantones de Manila hechos con fibra de piña -fruta que llevaron los españoles a dichas islas - ocupan otros espacios de la sala. La obra de Comilang se centra en el concepto de hogar, sujeto a ideas de diáspora y migración. Para ello, se apoya en una narrativa construida desde una vertiente documental.

https://www.museothyssen.org

WE ARE MADE OF STARDUST

La Térmica (MÁLAGA)

Hasta el 2 de junio

Aaron Johnson nos invita a contemplar nuestros orígenes cósmicos y a abrazar la maravillosa verdad de que somos parte inseparable del universo sin límites, entrelazados en la danza celestial de la existencia. El artista residente en California presenta una cautivadora colección de 16 pinturas creadas entre 2020 y 2023 que ahonda en la profunda interconexión que une a todos los seres vivos. El título, Estamos hechos de polvo de estrellas, rinde homenaje a las icónicas palabras del astrónomo Carl Sagan: “Somos polvo de estrellas”. Este sentimiento se hace eco de la profunda verdad expresada por el científico planetario Dr. Ashley King: los elementos de nuestro cuerpo se crearon en estrellas celestiales y se liberaron al cosmos a través de la grandeza de las supernovas. Johnson busca visiones y figuras que se manifiesten espontáneamente en el lienzo, creando obras que personifican la fusión de la expresión artística con la exploración cósmica.

https://latermicamalaga.com

VISIONES CHAMÁNICAS

Museo de Quai Branly (PARÍS)

Hasta el 26 de mayo

Las artes de la Ayahuasca en la Amazonia peruana

ocupan París. Desde la refinada iconografía geométrica de los shipibos-konibos hasta las producciones literarias y audiovisuales de la Generación Beat y otros artistas de este siglo, la muestra ofrece una inolvidable inmersión en un arte “colocado”, explorando desafíos contemporáneos relacionados con la relación entre las imágenes alucinatorias y la producción iconográfica. Aunque la ayahuasca -literalmente “liana de los muertos” en quechua- ha fascinado al mundo occidental desde que fuera popularizada por los beatniks del siglo XX, esta bebida alucinógena desempeña un papel central en la vida social de muchas sociedades indígenas de la Amazonia occidental. Tradicionalmente consumida en un contexto chamánico, principalmente con fines terapéuticos o de adivinación, esta sustancia psicodélica también está vinculada a la creación artística. La exposición ofrece una panorámica de las distintas formas en que estas imágenes visionarias inducidas por la ayahuasca se representan hoy en día. https://www.quaibranly.fr

SUBURBIA

CCCB (BARCELONA)

Desde el 20 de marzo

Suburbia. La construcción del sueño americano propone un recorrido por la historia de los suburbios americanos y por la creación de su imagen arquetípica: esta infinita extensión de casas en propiedad, cada una con su propio garaje y, rodeada de césped, la máxima expresión del “sueño americano”, que todavía hoy sigue expandiéndose a través de todas las áreas urbanas de Estados Unidos y del resto del mundo. Innumerables manifestaciones artísticas, desde películas, series, fotografías, pinturas o novelas, han contribuido a la creación de este arquetipo universal que, por otra parte, esconde multitud de problemas como los de la insostenibilidad medioambiental -se trata de un modelo basado en continuos desplazamientos en automóvil- o la falta de sociabilidad y el

SALA BERLANGA

Programación de marzo 2024

Madrid

Ciclo audiovisual:

Premios Goya 2024

1 y 2 de marzo y del 19 al 23 de marzo

Varios horarios

Entradas: 3,50 euros

Ciclo audiovisual: Películas españolas en los Óscar

Del 5 al 13 de marzo

18.30 h y 20.30 h

Entradas: 3,50 euros

Ciclo audiovisual: Sombra

Festival de Cine Fantástico En colaboración con el Sombra. Festival de cine fantástico europeo de Murcia

Del 14 al 16 de marzo

17.30 h/18.00 h y 21.00 h

Entradas: 3,50 euros

Ciclo audiovisual: 125 Aniversario de SGAE – Joyas del teatro

Del 26 al 30 de marzo

19.00 h y 21.00 h

Entradas: 3,50 euros

aislamiento. La exposición termina con un apartado que analiza cómo este modelo norteamericano llegó a nuestro país y de qué manera ha influido en nuestro paisaje y en nuestra idea de ciudad. https://www.cccb.org

AUDIOVISUAL

FESTIVAL CINE DE MÁLAGA

Varios espacios (MÁLAGA)

Del 1 al 10 de marzo

Ya está aquí el Festival de Málaga, que ha vuelto a desplegar la alfombra roja del cine en español en su 27ª edición con una programación que acoge casi 250 audiovisuales entre todas sus secciones. Quédense con estos nombres, son los de quienes esperan ver recompensado su trabajo con algún premio: Salvador Simó, director de Dragonkeeper (Guardiana de dragones); Pau Durá, director de Pájaros; David Galán Galindo, director de Matusalén; Emilio Martínez Lázaro, director de Un hipster en la España vacía; Nacho García Velilla, director de Menudas piezas; Clara Bilbao, directora de Tratamos demasiado bien a las mujeres; Andrea Jaurrieta, directora de Nina; Celia Rico, directora de Los pequeños amores; Álex Montoya, director de La casa; Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, directores de Segundo premio; Sonia Méndez, directora de As neves; Antonio Chavarrías, director de La abadesa; Kike Maíllo, director de Disco, Ibiza Locomía; Joaquín Mazón, director de La familia Benetón; Verónica Zalla, directora de Los terrenos; Orlando Culzat, director de Golán; Tito Catacora, director de Yana-Wara; Vanina Spataro, directora de Naufragios; Sebastián Borensztein, director de Descansar en paz; Alan González, director de La mujer salvaje, Rodrigo García, director de Lluvia; David Trueba, director de El hombre bueno, Nacho García Velilla, director de Menudas piezas y Christopher

Zalla, director de Radical https://festivaldemalaga.com

LAS REDES DE LA TARDE

Cineteca Matadero (MADRID)

Del 5 al 13 de marzo

Aprovecha la Semana del Arte de Matadero Madrid y echa un ojo al programa titulado Las redes de la tarde, un homenaje a Meshes of the Afternoon, y a la pionera y artista Maya Deren. En el ciclo se proyectan películas de cuatro artistas plásticas y visuales que han desarrollado también carreras en el mundo del cine: Valie Export, Maria Lassnig, Carolee Schneemann y Deborah Stratman. Obras que han jugado un papel importante en la exploración y la ruptura de los límites de los medios artístico y cinematográfico. La mayoría de las sesiones se componen de piezas cortas. Eleanora Derenkowsky, conocida como Maya Deren, fue una directora de cine, bailarina, coreógrafa, poeta y escritora ucraniana nacionalizada estadounidense. Fue una de las principales realizadoras de cine experimental de los años cuarenta. www.cinetecamadrid.com

SOMBRA

Varios espacios (MURCIA Y MADRID)

Del 8 al 17 de marzo. Es Sombra un festival ya asentado y popular en la ciudad de Murcia, dedicado al cine fantástico europeo. Es su decimotercera edición, el número de la mala suerte (esperemos que no). La filmoteca regional acogerá varias sesiones, con 21 largos y 25 cortos rezumando terror, color y locuras. El singular compositor musical de películas de terror Claudio Simonetti, cerrará el festival con su banda, Claudio Simonetti's Goblin, que interpretará en directo la BSO del clásico Rojo oscuro (de Dario Argento), el sábado 25 de marzo. A partir del día 13, la sombra se alargará llegando a varios cines de Madrid. Os

VIBRA MAHOU

Madrid

¡Este marzo lo damos todo por las salas y la música en directo con nada menos que 16 fechas en la programación de Escenarios Vibra Mahou! ¿Quién da más?

NAHEVA & THE GROOVE STEWTRIBUTO A ETTA JAMES

Contraclub viernes 01 / 22:00

ZREE IRISH FOLK

Cocodrilo sábado 02 / 21:30

LKAN

Café La Palma sábado 02 / 22:00

SUPERSUCKERS

Gruta 77

miércoles 06 / 21:00

CARMEN LANCHO QUARTET

Café Central jueves 07 / 20:00 / 22:00

OGUN AFROBEAT

Clamores

viernes 08 / 21:00

VANDERBILT MELODORES

Morocco

viernes 08 / 20:00

CHERRY PICKERS

Intruso sábado 09 / 21:30

MUCHO MUNGO + PLASTIC WOODS

El Perro Club sábado 09 / 21:00

PILUKA Y SUS INTERNACIONALES DEL BOLERO

Julgar

miércoles 13 / 21:00

BIG MUFF BRIGADE + SANTA PLANTA + Y´BLOOD

Barracudas viernes 15 / 21:00

MARÍA JESÚS Y SU HIJO (FOTO)

El Sótano sábado 16 / 21:00

COOL CAFÉ

Pop & Roll sábado 16 / 21:00

TRACK DOGS

viernes 22 / 21:00

MALA COTTON + ALIEN TANGO

Maravillas viernes 22 / 20:30

LA CUERDA FLOJA

BarCo sábado 23 / 22:00

VIVA BELGRADO

Surgieron como un eco de otra época, mientras la llama de Toundra emitía sus últimos estertores y los fantasmas de Standstill, su cruzada por reunificar los reinos del hardcore y el indie, no eran ya más que susurros por pasillos y galerías abandonadas, oscurecidas, cubiertas de telarañas. Ellos creían en la sublimación, como Deafheaven: creían en el eterno retorno y en la resurección de la carne. Su trayectoria -de poco más de una década- les ha convirtiendo en uno de los bastiones del post-hardcore a nivel mundial, y su enfoque libérrimo y contemporáneo les ha granjeado comparaciones con Turnstile, aunque no necesiten más carta de presentación que su propia música. En Cancionero de los cielos, estrenado en febrero, alcanzan el cénit de su propuesta: un manifiesto por la libertad creativa, por el compromiso en el arte, por el rechazo del sistema y por el impulso de seguir creciendo y mejorar como seres humanos. Pero también una reflexión sobre la inspiración y la necesidad de expresarse en unos términos que sirvan para liberarnos de nuestras cadenas mentales.

PROGRAMACIÓN

ALBERTO & GARCIA

03 mar

Secretos / Mayorga (Valladolid)

15 mar

Universonoro / Palencia

22 mar

Gran Café / León

MAREN

23 mar

El Corral Cigüeñas / Caceres

CAMELLOS

CAMELLOS

01 mar

Gran Café / Leon

02 mar

Tribeca / Oviedo

08 mar

Planta Baja / Granada

CRUDO PIMENTO

16 mar

Lopez / Zaragoza

22 mar

Clavicembalo / Lugo

GILIPOJAZZ

08 mar

Cotton Club / Bilbao

16 mar

El Corral Cigüeñas / Caceres

EN RUTA

ARTISTAS

HOFE X 4:40

MAR 2024

GRANDE AMORE

21 mar

Sala X / Sevilla

23 mar

La Yeseria / Murcia

HOFE X 4:40

09 mar

Totem / Vitoria

IDOIPE

15 mar

Kutxa Kultur Kluba / San Sebastian

22 mar

Black Bourbon / León

JORDANA B.

16 mar

Jardin De La Ind. Copera / Granada

MAREN

15 mar

La Lata De Bombillas / Zaragoza

RIDERS OF THE CANYON

16 mar

Café Berlin / Madrid

SANDRÉ

15 mar

16 Toneladas / Valencia

16 mar

Pub Terra / Castellón

VIVA BELGRADO

01 mar

Boogaloo / Caceres

JORDANA B.

SANSAN FESTIVAL

Recinto de Festivales (BENICASSIM)

28, 29 y 30 de marzo

Two Door Cinema Club / Viva Suecia / Amaral / La Oreja de Van Gogh/ Arde Bogotá / Judeline / Vetusta Morla / Álvaro de Luna / Ginebras / N. Lacunza / Travis Birds / Shinova

reviento (Kike Narcea); Dark Tales (Daniel de la Vega, Daniel Noblom, Francesc Canovas, Fabio Colonna, Ezio Massa), La mesita del comedor (Caya Casas); UFO (Victor Danell) y Stream (estreno mundial de Sergio Pereda, con la presencia del equipo en la jornada inaugural) son algunos títulos programados en la sección oficial.

https://sombrafestival.com

PUNTO DE VISTA

Varias sedes (PAMPLONA)

Del 11 al 16 de marzo

Atender a cineastas y artistas que conciben su trabajo como un proceso de conocimiento del ser humano y de los procesos naturales en los que se halla envuelto, ese es uno de los pilares en los que se sostiene el festival de no ficción más reputado del país. A él acuden cineastas que ensanchan tanto la percepción de la realidad como las maneras de expresarla y pensarla a través del medio audiovisual. Este año, Zinzindurrunkarratz de Oskar Alegria inaugurará la edición del festival y De caballos y guitarras de Pedro G. Romero la cerrará, ambas como películas de Sección oficial fuera de competencia. Entre las películas destacadas de la Sección Oficial competitiva, encontramos el estreno mundial del nuevo largometraje del argentino Mariano Llinás (Retrato de Mondongo), la última película del gran maestro indio del cine documental Anand Patwardhan (Vasudhaiva kutumbakam / The World

Como cada año, SanSan marca el arranque de la temporada festivalera en nuestro país con una programación en la que prácticamente se dan cita todos los grandes nombres del pop (ejem) indie de nuestro país reforzados por unos Two Door Cinema Club a los que podíamos darles ya pasaporte patrio. Y atentos, iconos, porque también está Inés Hernand.

is Family) o el largometraje La rivière, del reciente Prix Jean Vigo Dominique Marchais. Y una delicia filmada, la coreana Night Walk, de Sohn Koo-Yong, una invitación a pasear de noche por los paisajes nocturnos de una ciudad.

https://www.puntodevistafestival.com

ARTES ESCÉNICAS

ASÍ HABLÁBAMOS

Teatro Valle Inclán (MADRID)

Hasta el 24 de marzo

Un grupo de jóvenes se vuelve a encontrar después de un tiempo sin trabajar juntos. ¿Qué sucede cuando alguien muere antes de tiempo? ¿Cómo continúa la vida? ¿Y la noche? ¿Cómo continúa la conversación? Ahora, los que se han quedado, tienen tres días para retomar un disco que dejaron por terminar. ¿Pero qué sentido tiene todo esto ya? ¿Cómo asumir que la vida cambia en un instante? Basada en el universo de Carmen Martín Gaite y con dramaturgia y dirección del tridente que conforma La Tristura (Itsaso Arana Violeta Gil y Celso Giménez), tenéis aún la posibilidad de ir a disfrutar de una de las obras del año, y que en resumidas cuentas viene a decirnos: ¿Hay algo más sexi que una buena conversación?

https://dramatico.mcu.es

YA NO HAY ESTACIONES

Teatre Zorrilla (BADALONA)

9 de marzo

“Ya no hay estaciones" porque el mundo está cambiando... ¿Qué dejaremos atrás? Y’a plus d’saisons evoca el mundo en el que vivimos y cuestiona su futuro ante los conflictos sociales y ecológicos que provoca el ser humano. En el escenario, el hip hop, la danza contemporánea y las acrobacias hacen desfilar las estaciones, las mezclan; los cuerpos de los seis intérpretes de la pieza buscan el equilibrio entre el cielo y la tierra. Este terreno inestable, con el que trabaja el coreógrafo Abderzak Houmi, soporta las interacciones entre la naturaleza, el tiempo y los humanos, a menudo perturbadoras. En escena, pinturas contundentes y visuales a partir de Las cuatro estaciones de Vivaldi, que parecen fundirse en una sola, abrazan esta danza evocadora. Al frente de la Cie. X-PRESS, Houmi afirma que su encuentro con la danza se produjo a través de la estética hip-hop. Lejos de codificaciones y límites, encontró energía y un punto de partida hacia un espacio de libertad; en los últimos años, el coreógrafo ha combinado el vocabulario del hiphop con la danza contemporánea, en el cruce de distintos estilos y campos artísticos. https://teatrezorrilla.cat

LA LLAMA FEST

Cotxeres de Sants (BARCELONA)

14, 15 y 16 de marzo

Barcelona vivirá un año más la gran celebración del momento de oro que vive el humorismo en la ciudad con La Flama Fest: el Festival de Comedia Alternativa de Barcelona. A lo largo de tres intensas jornadas, La Lealtad Santsenca i Cotxeres de Sants contarán con más de una veintena de actividades como espectáculos, stand up comedy, charlas, talleres, podcasts, fanzines y exposiciones a cargo de más de ochenta reconocidos profesionales de la comedia, el humor, la escritura y el audiovisual. Para arrancar, el guionista de cómic Denny Horror presenta en exclusiva su proyecto unipersonal de stand up Show. Lo que empezó como un show de stand-up grabado solo, en casa, ha terminado siendo un espectáculo de comedia muy poco convencional.

https://lallamafest.com

HOMENAJE A GATA CATTANA

Ateneu Popular 9Barris (BARCELONA) 16 de marzo “10.000 oyentes bien usados son un ejercito, son un ejercito”. La cantante y poeta irrumpió en el mundo del rap con una fuerza que aún asombra, usando su discurso feminista para hacer frente al fascismo. Este homenaje a través de la música como herramienta de libertad de expresión sirve para recordar sus ideales. ¿En qué consistirá el evento? El documental Eterna, dirigido por Juanma Sayalonga y David Sainz (con posterior mesa redonda); seguido de velada una poética musical con Anna Casado (cantante), Anna Bosh (piano), Pablo Llorente (poeta) y con la colaboración especial de Anna Llorente. Y de remate final, concierto de Sara Socas y DJ Tribade Set. El Ateneu Popular 9 Barris es un espacio sociocultural público que funciona según el modelo de gestión comunitaria; nace de la ocupación vecinal en el año 1977. El proyecto del Ateneu se basa en la intervención social mediante la cultura, la promoción y la formación de circo y las artes parateatrales.

https://ateneu9b.net

WHO IS ME. PASOLINI Heartbreak Hotel (BARCELONA)

Hasta el 17 de marzo Poco después de ser asesinado en 1975, apareció entre los papeles de Pier Paolo Pasolini un poema inacabado titulado Poeta delle ceneri (Poeta de las cenizas), que constituye un impresionante testimonio póstumo. Con este montaje, Àlex Rigola intenta acercarnos a este texto y a su autor, es, en cierto sentido, una aproximación a la figura de Pasolini desde Pasolini. Su pensamiento ético y estético hecho poema. Pasolini protagonista de Pasolini. Familia, literatura, cine, amor, política…, algo más de su mundo, su persona, su lucha, sus ideas, que siguen siendo tan necesarias en estos días que nos toca vivir. https://www.heartbreakhotel.cat

PROGRAMACIÓN

JUE 14 MAR

RU

Charles-Olivier Michaud Quebec – Canadá, 2023

Estreno

20:00 h

Sala Azcona

Encuentro con Kim Thúy, autora del libro

ALLONS ENFANTS

Alban TeurlaiThierry Demaizière Francia, 2022

20:30 h

Sala Borau

VIE 15 MAR

LE MANDAT

Sembene Ousmane

Senegal, 1968

19:00 h

Sala Azcona

LIBERTATE

Tudor

Giurgiu Rumanía, 2023

20:00 h

Sala Borau

DANCING ON THE EDGE OF A VOLCANO

Cyril Aris Líbano, 2023

20:30 h

Sala Plató

SÁB 16 MAR

CHIEN DE LA CASSE Jean-Baptiste Durand Francia, 2023

18:00 h

Sala Plató

BYE BYE TIBERIAS

Lina Soualem

Francia – Palestina, 2023

20 :30 h

Sala Azcona

Encuentro con la directora tras la proyección

DOM 17 MAR

EL VIAJE DE ERNEST Y CELESTINE de Jean-Christophe Roger –Julien Chheng Luxemburgo - Francia, 2022

12:00 h

Sala Azcona

LES HISTOIRES D’AMOUR DE LIV S

Anna Luif Suiza, 2023

18:00 h

Sala Azcona

Encuentro con la directora tras la proyección

LES FILLES D’OLFA (LAS CUATRO HIJAS)

Kaouther Ben Hania Túnez, 2023

20:30 h

Sala Azcona

PLAZA

ENTRADAS: 3.50 euros

KIM THÚY

En el best-seller que sirvió de inspiración para crear la película Ru, Thúy narró su vida como refugiada vietnamita. Charlará con el público el día 14.

LINA SOUALEM

El día 16, la guionista y directora conversará con el público sobre su última película documental, que revisa el periplo de ida y vuelta de su madre, la actriz Hiam Abbass a Palestina.

ANNA LUIF

El tercer largometraje de la directora suiza cuenta la vida de Liv, cineasta y cantante de banda post-punk enredada en el ciclo amoroso de búsqueda y separación. Anna participará en el coloquio del día 17.

MEMEFEST CCCB (BARCELONA)

Sábado, 9 de marzo 19h.

¿Qué es la verdad y qué papel juega hoy en día en las redes? Un debate abierto entre PutoMikel (en la foto), doctor en arqueología y divulgador pop que utiliza los memes y el humor para explicarnos hechos históricos, y Charcastrology, astróloga que se define como una bruja de internet. Entre los libros de historia y los memes, ¿qué nos creemos? ¿Qué nos podemos creer y cómo ha modificado nuestro sentido de la realidad el alud de contenidos digitales a los que nos vemos abocados? Esta es una de las charlas de la quinta edición del Memefest, la cita cultural desenfadada y catártica del CCCB. También participan Judit Martín, Venga Monjas (Esteban Navarro y Xavi Daura), Mar Vallverdú y Rita Rakosnik

CONSIGUELO

EN VINILO Y CD YA DISPONIBLE

Del guionista-director ETHAN COEN y la guionista-productora TRICIA COOKE