Revista musicazul - abril 2018 by musicazul

Magazine Musical ABRIL 2018

SFDK www.musicazul.com NiĂąos Mutantes, Hot Snakes, Los Nastys, Javiera Mena, Benjamin Clementine, Perro, Nacho Casado y mĂĄs

Ă?ndice Noticias 4 Entrevistas Los Nastys 5-8

SFDK 9-12 Pasajero 13-15 Nacho Casado 16-18

Discos Jack White 20 Hot Snakes y Perro 21 Natos y Waor y Stone Temple Pilots 22

Conciertos IAMX 24

NiĂąos Mutantes 25 Sharif 26 Benjamin Clementine 27

Reportajes

Rimas para milenials 29-32

Agenda 33-42

Editorial

Noticias Fantastic Negrito

En últimos meses se ha comentado el tema de la venta irregular de entradas en nuestro país. Muchos asistentes a conciertos sufrimos los desorbitados precios que ponen a los tickets las plataformas de la llamada “venta secundaria”, empresas reguladas en ocasiones por otras que venden las entradas “normales”. El abuso está a la vista de todos, siendo una auténtica farsa que las autoridades deberían regular como se hace en países como Francia, Alemania y Reino Unido, por ejemplo. La picaresca ha llegado hasta los políticos, dando pasos adelante quienes ven un enriquecimiento de unos gracias al empobrecimiento de otros, pero claro, algunos partidos miran hacia otro lado porque no les interesa. La música es cultura y empleo, aunque muchos no quieran verlo. También es ocio, correcto, pero sufrimos las consecuencias de las plataformas que hacen y deshacen a su antojo con cada concierto de las estrellas musicales internacionales. Si alguien no le pone remedio a este asunto, la música será solo para unos pocos, cosa que no queremos que suceda.

Conocido artísticamente como Fantastic Negrito, el cantante y guitarra Xavier Dhrepaulezz tienes novedades en su particular carrera musical. La primera de ellas es el estreno de su single ‘Plastic Hamburguers’, corte que avanza su segundo disco Please Don’t Be Dead (Cooking Vinyl/Black Universe, 2018), largo que saldrá a la venta el próximo viernes 15 de junio a través de Cooking Vinyl y Black Universe. La segunda novedad del artista de Oakland (USA) son sus actuaciones en España que ofrecerá los días 15, 16, 17 y 19 de mayo en Barcelona (La[2] de Apolo), Valencia (La Rambleta), Cool Stage (Madrid) e Ibiza (Sueños de Libertad), respectivamente.

Parov Stelar El único concierto de Parov Stelar en nuestro país tendrá lugar el próximo miércoles 4 de julio en el Poble Espanyol de Barcelona. Su particular “The Burning Spider Tour” servirá para presentar su último disco publicado hasta la fecha, The Burning Spider (Etage Noir Recordings, 2017), largo formado por doce canciones donde el electro swing es protagonista. Considerado uno de los artistas internacionales más exitoso de Austria, Marcus Fuereder ha actuado en todo el mundo, agotando entradas en recintos destacados como el Playstatin Theatre de Nueva York, el Alexandra Palace en Londres, Zenith en París y Columbiahalle en Berlín, además de participar en importantes festivales como Coachella, Glastonbury o Lollapalooza, entre otros. Entre sus colaboraciones más destacadas aparecen nombres como Tony Benet y Lady Gaga, Marvin Gaye, Lana del Rey, Bryan Ferry o AronChupa, entre otros.

WAM Estrella de Levante

Alfredo RM, Director de Musicazul

Cuando queda un mes para que se celebre el WAM Estrella de Levante 2018 (4 y 5 de mayo en el Recinto La Fica de Murcia), el cartel del evento sigue aumentando. En esta ocasión los organizadores anuncian la práctica totalidad de la programación del nuevo escenario WAM Dancefloor by Compralaentrada. Destaca la presencia de Klangkarussell, Maadraassoo o NOT2MANYDS en un stage con nombres para todos los gustos y que cuentan con un denominador común: la pasión por la pista de baile. Recordamos que el line-up tenía confirmada la presencia de Kasabian, alt-J, Izal, Nada Surf, Iván Ferreiro, !!! (chk, chk, chk), Sidonie, Melange, Biznaga, El Columpio Asesino, Joana Serrat, Nunatak y Joe Crepúsculo, entre otros.

Javiera Mena

Han participado en este número (por orden alfabético): Alfredo Rodríguez, Araceli Rodríguez, Beatriz H. Viloria, Clara Larrey y Nacho Serrano. Agradecimientos: Alicia Música, Atlantic Records, BOA Música, El Volcán Música, Everlasting Records, La Trinchera, Live In Dallas, Mahou, Maraworld, Mercury Wheels, Mestizo Producciones, Miel de Moscas, Pink House Management, Producciones Animadas, Sonde3 Producciones, Sony Music, Stop Producciones, Taste The Floor y Warner Music.

Javiera Mena estrena el single ‘Intuición’, segundo adelanto que cuenta con la participación estelar de la cantante colombiana Li Samuet de Bomba Estéreo que fue co-producido por Javiera junto con El Guincho. Tras el lanzamiento de su primer single ‘Dentro De Ti’, muestra una nueva canción de su próximo álbum que saldrá a la venta el viernes 27 de abril y contará con edición física en España. Su correspondiente videoclip fue grabado en Benidorm (Alicante) bajo la dirección del fotógrafo, músico y cineasta Virgili Cubero. La artista chilena tiene las siguientes actuaciones confirmadas en la península: 25 de mayo en Madrid (Festival Tomavistas), 30 de mayo en Barcleona (Primavera Sound), 2 de junio en Sevilla (CAAC) y 27/29 de julio en Benidorm (Low Festival).

[musicazul] no se hace responsable de las opiniones expresadas por sus participantes en los textos publicados. www.musicazul.com - musicazul@musicazul.com - abril 2018

Fotografía: Linda Xu

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Entrevistas

Los Nastys Destruye con amor

«En la mayoría de canciones de trap se farda de tener mucha pasta y coños, y es una manera de decirles “iros a tomar por culo”». (Luis “Pichi” Basilio, Los Nastys”) Quien lo diría. A estas alturas Los Nastys aún no han desaparecido por combustión espontánea, y ya han cumplido ocho añazos de vida. Desde aquel primer ensayo en el garaje del abuelo de los hermanos Basilio, allá por el verano de 2010 en Argamasilla de Alba (Ciudad Real), han vivido todo tipo de aventuras: cambio de residencia, ascenso meteórico en la escena de garaje capitalina, conciertos salvajes en festivales, giras locas por el extranjero, e incluso un sonado fichaje y posterior divorcio con una multinacional. Podrían haber cambiado mucho por el camino estos muchachos, pero ahora llega Música Para El Amor y La Guerra (El Volcán Música, 2018) para demostrarnos lo contrario. Son Los Nastys de siempre, especialmente en lo relativo a carácter y actitud. Lo único que no es igual es su cultura musical, que esta vez ha crecido más que nunca entre disco y disco, y que se pone muy claramente de manifiesto en este primer trabajo para el sello discográfico El Volcán Música. Nos lo cuenta el propio Luis “Pichi” Basilio, guitarra y voceras del cuarteto madrileño. Ty Segall, Allah-Las… En este disco hay nuevas influencias que se dejan notar mucho. Tantos años escuchando mucha música se acaban notando, y las influencias se cuelan en el proceso creativo sin que te des ni cuenta. Luego a posteriori, con el disco ya terminado, es cuando ves esas cosas. La primera sensación que nos dieron las canciones fue que cada una parecía de un grupo diferente, pero al final el conjunto es muy Nastys. ‘Tú Me Haces’ tiene ese pollito Mac Demarco… ¡Sí! Y también está Cecilio G. por ahí en otra canción… Todo ha surgido solo, y al hacer las letras fue cuando vimos que había como dos bandos de canciones, unas más potentorras y otras más sentimentales. Cinco de amor y cinco de guerra. ¿No barajasteis otros títulos? Teníamos otro que era Magia, Trampas y Puzzles Mentales, pero era muy largo. También se nos ocurrió La Guerra Nunca Fue Tan Divertida, pero al final nos rayamos por su heríamos susceptibilidades, ya sabes como está la peña de sensible. Música Para El Amor y La Guerra nos convenció porque tenía como un bloque cinematográfico, así como las películas de Goddard.

“Lo que queremos es sonar como nosotros mismos”

Hemos hablado de nuevas influencias, todas extranjeras, ¿de por aquí no ha habido nada que os haya volado la cabeza últimamente? Los FAVX o Carolina Durante nos molan mucho. Pero la verdad es que estamos flipados con muchas de fuera, también con los King Gizzard, por ejemplo. Su concierto en Madrid fue la hostia. Al verlo, fue como

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Entrevistas | Los Nastys decir: “Tío, el rock está aquí delante de nuestras narices”. El rock es como Bart Simpson. (risas) En este nuevo disco hemos querido darle ese toque de los setenta al sonido, para que pete bien y tener un disco de rock, rock.

como por ejemplo la que cuento en ‘Autos Locos’. La portada la diseño un colega sevillano que también ha trabajado con Holy Bouncer, así que todo es “made in Sevilla”. Nos hemos sentido muy bien allí.

¿Cómo fue el trabajo con Raúl de los estudios sevillanos La Mina?

Tratándose de un disco en el que las canciones son tan diferentes, imagino que sería difícil elegir un single de presentación. Y al final habéis optado por ‘Veneno de Serpiente’ que a mi me suena bastante a los primeros Nastys, sencilla y gritona.

Le enviamos unas demos de todas las canciones, y él fue imaginándoselo todo. A nosotros nos cuesta mucho explicar cómo queremos que suenen nuestras canciones, también porque al final lo que queremos es sonar como nosotros mismos… Pero la verdad es que lo vio todo claro bastante rápido. Nosotros le decíamos: “Queremos que esta parte suene como cuando los Who revientan el muro de Springfield”, y cosas así. (risas)

Joder, pues la elegimos pensando en que era la más diferente. Tiene influencias de Fat White Family, y un poco de Beastie Boys.

Sí, hay un momento donde la letra dice “no quiero putas, no quiero dinero”. En la mayoría de canciones de trap se farda de tener mucha pasta y coños, y es una manera de decirles “iros a tomar por culo”. Cecilio G. es el único de la escena que lo hace. Es un punki. ¿Cómo acabó la cosa con Warner? Hubo un momento de cambios a todos los niveles, de sello y de manager. Dejamos de currar con Charco y nos pasamos con Liñán, que es muy buen tío. Teníamos que renovar un contrato con Warner que tampoco nos compensaba mucho por temas de pasta. Y ahora el cambio nos ha sentado de puta madre. Ningún problema con Warner, además

Tiene un aire mejicano también. Sí, al cantar no pronuncio las “zetas”.

¿Y la experiencia de grabar en Sevilla? En las tres o cuatro veces que hemos ido a Sevilla hemos hecho un montón de amigos, y en el Monkey Week nos pasaron muchas historias,

Y en el resto del álbum también noto cierto aire mejicano… Es que justo el mes antes de grabar el disco, lo pasó entero en mi casa AJ Dávil,a que vino de gira a España. Se me pegó un montón su formar de hablar y su acento, y pensé que quedaría gracioso cantar así en el disco.

Muchas. Me llamó un mes antes de venir, y como venía sin banda le montamos un grupo entre Billy Boy de Black Maracas, Omar, yo y Martín de Yawners. AJ Dávila y Los Peligro. Tocamos en Madrid, Santiago, Coruña, Zaragoza… un mes de juergas que casi morimos.

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Volviendo al single ‘Veneno de Serpiente’, es ahí donde se cuela la influencia de Cecilio G., ¿verdad?

Es una historia que simboliza el mantra de Los Nastys. Los cuatro pensamos que las cosas en el mundo son muy raras, y que la única manera de que las cosas cambien es destruyéndolo todo para crear algo nuevo. Por eso en la letra decimos que es tiempo de cambiar, y sin mirar hacia atrás. Todo el mundo parece mirar al pasado como referencia para hacer las cosas. Y por ejemplo, con la política no se puede hacer nada peor que “La única manera eso. Sabemos que de que las cosas destruir para crear es un concepto cambien es muy abstracto, no destruyéndolo te vas a poner a destruir edificios o todo” el planeta Tierra, pero sí destruir ideales, desadoctrinarse. Las cosas no son ni blancas, ni negras, ni izquierda ni derecha, sino sentido común. Ese cambio vendrá solo desde la educación. Nuestros padres y nuestros abuelos no van a cambiar, pero los jóvenes y los que vayan naciendo tenemos una oportunidad para que este país sea un poco diferente. Creo que ‘Malditos al Nacer’ es el temazo del disco. Pues es el primero que compusimos para el disco. A mi también me mola mucho, es de esas que tanto por música como por letra, son un gustazo de tocar en directo. ‘El Diablo’ y ‘Así Se Va’ también me molan, pero ‘Los Autos Locos’ es mi favorita… por la historia personal que cuento.

“Es nuestro sueño, y lo demás, a sobrevivir” ¿Muchas correrías con AJ o qué?

¿Qué inspiró la letra de ‘Es Tiempo De Cambiar’?

¿Qué tal pinta el verano para Los Nastys? El 20 de abril presentamos el disco en Madrid, el 18 de mayo en Barcelona, y ya en verano tocamos en el Sonorama, el Atlantic Fest, Ebrovisión, y estamos pendientes de más que van a anunciar en breve. nos dio alas y estamos agradecidos. Ahora con El Volcán también mola mucho, tiene una amalgama muy divertida de estilos musicales. ¿Cómo va la vida al margen del grupo? Cada uno sacándose las castañas como puede. No creo que vayamos a vivir del grupo, pero lo vamos compaginando. Es nuestro sueño, y lo demás, a sobrevivir.

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Texto: Nacho Serrano Fotografías: Los Nastys

SFDK

Viviendo tiempos de gloria “En forma de disco como tal, no creo que saquemos más por el momento”. (Acción Sánchez, SFDK)

Con un cuarto de siglo dedicados a la profesión, la pareja musical formada por Saturnino Rey “Zatu” y Óscar “Acción” Sánchez se sitúa en lo más alto de la escena rap de nuestro país. No se trata del típico símil futbolístico que muchas veces se usa en periodismo comentando que es un grupo de Europa League con opciones a jugar la Champions, son directamente candidatos a ganar el título porque ellos son la Champions. Siguen sin dejarse puntos en ninguna parte, es más, tienen la ventaja del gol average, pero no supone que bajen el ritmo, todo lo contrario, cada vez están más fuertes y convencidos de su trabajo gracias a unas rimas marcas de la casa y unas bases inigualables. Con ganas de levantar otro título a final de temporada, los sevillanos juegan con deportividad cada concierto como si fuese el último. Solo ellos saben cuando terminará su particular historia… Lleváis en activo nada más y nada menos que veinticinco años y publicáis vuestro octavo disco bajo el título de Redención (SFDK Records/BOA Música, 2018), ¿pensabais llegar hasta este punto cuando empezasteis vuestra carrera musical? Precisamente comentáis en ‘Creador’ lo siguiente: “Llegar hasta aquí no sé cómo ha sido, después de hacer este disco me retiro”. Acción Sánchez: Cuando empezamos era difícil saber hasta dónde llegaría todo esto del hip hop en España, intuíamos que viviríamos de la música y trabajamos duro para hacerlo realidad, pero realmente, creo que aún no hemos visto el final del camino, todavía quedan muchas puertas por abrir mientras mantengamos las ganas y la ilusión. Sí es cierto que, a lo mejor en forma de disco como tal, no creo que saquemos más por el momento, pero continuaremos grabando canciones nuevas que saldrán cuanto tengan que salir. Parece que no ha pasado mucho tiempo entre vuestro nuevo disco y el anterior LP, el sonado Sin Miedo A Vivir (SFDK Records/BOA Música, 2014), pero les separan cuatro años, ¿cómo veis vosotros el tiempo entre ambos lanzamientos? ¿Estáis satisfechos con el recorrido del anterior álbum? ¿Qué sensaciones tenéis con el nuevo trabajo? Acción Sánchez: Bueno, realmente son más de tres años desde que salió Sin Miedo A Vivir, pero sí, puede parecer menos tiempo porque hemos estado sacando más cosas y nuestro nombre sale a menudo en muchos sitios. Esos cuatro años son los que han tenido que ser, cuando el cuerpo te pide hacer un disco lo haces, da igual el tiempo que pasara del anterior. Yo personalmente estoy muy satisfecho con Redención, es sin duda el disco que más hemos trabajado en cuanto a música y letras y el que más tiempo nos ha llevado de hacer, haciendo las cosas despacio y con buena letra. Zatu: Sin Miedo A Vivir era un disco clave después de una larga pausa y en un momento de cambios en el que o nos posicionábamos aquí para otra larga temporada o desaparecíamos. Aquí seguimos, así que más que satisfecho con ese disco. El nuevo está en la calle y todo apunta muy bien. Ya estábamos convencidos antes de que viera la luz, pero nunca se sabe. Hemos entrada como número uno en digital y cuatro en ventas físicas. El comentario que más nos llega por redes es que cuesta elegir una canción entre todas y que nuestra música tiene sentimiento. Estamos más que pagados, muy agradecidos. ¿Qué podemos encontrarnos en vuestro nuevo disco? ¿Cuáles son las motivaciones que tenéis para seguir componiendo canciones y girando como lo venís haciendo hasta ahora? Zatu: Por mi parte lo considero el disco en el que mejor contenido he introducido y con mejores formas. Y la producción musical de mi compañero es una obra de arte. Hemos tocado muchos palos pero la auténtica variación es el concepto general de los temas. En cada uno de ellos suele haber varios pasajes musicales que acompañan mi lírica, alejándonos de los ritmos que predominan lineales y crecen levemente en el estribillo. Habéis adelantado las canciones ‘Años Muertos’ y ‘Funkcionarios’, ambas muy diferentes entre sí, ¿cuáles han sido las reacciones que habéis visto y leído a través de las redes sociales? En estos tiempos en los que cualquiera ofrece su opinión, ¿tenéis más fans o haters?

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Entrevistas | SFDK Zatu: ‘Años Muertos’ “Queríamos fue la presentación salir un poco de perfecta, ha tenido muy buena acogida. nuestra zona de El comentario que más me ha gustado confort” es de gente que hacía tiempo que ya no seguían nuestra música y habían vuelto a creer. ‘Funkcionarios’ es más complicada de entender para los millenials, pero me llegan muchos vídeos como la canción para empezar el día, camino al curro o desayunando. Esta canción llegará a su esplendor en los directos.

para nosotros y que fuera un rollo atemporal. Algo como: “¡Ey, amigos! Nos parece guay vuestro rollo pero nosotros vamos a tirar por otro camino”. El álbum está liderado por Acción Sánchez pero también tienen que ver Baghira, Alberto Gambino y Niggaswing, ¿cómo surgió la posibilidad de trabajar conjuntamente en las nuevas canciones?

Acción Sánchez: A mi no me preocupa, yo sé cuando algo está bien hecho y gusta y este disco está muy bien hecho. Nunca llueve a gusto de todos, no es algo nuevo, siempre ha sido así. Pero como te digo, creo que si las canciones son buenas, la gente sabe verlo, lo valora y lo disfruta.

Acción Sánchez: Casi “Hemos siempre es idea mía. intentado no Cuando hacemos los discos me gusta contar tirar por las con alguna producción que tendencias” no sea mía, me gusta el color de otros productores y cuando los llamo les pido eso, que no hagan lo que yo hago en SFDK, busco que nos manden otras cosas, que se complementen con lo mío pero que le den otro tono al disco en ciertos momentos.

Cabe destacar las distintas sonoridades con las que cuenta el disco, ¿es algo que surgió sobre la marcha o lo pensasteis antes de componer los nuevos temas?

Destaca la combinación de estilos varios como el reggae, el funk, el jazz, el flamenco e incluso los sonidos latinos y étnicos, ¿qué supone combinar estilos diversos con las rimas y las bases?

Zatu: Cansados de todo decidimos reencontrar la verdadera razón por la que hacemos esto: diversión. Así que nos encerramos los dos en un estudio un año y pico con la intención de usarlo bien. A cierta edad o te conviertes en un Cromañón para defenderte de un mundo que no entiendes o tienes la suerte de perder todos tus prejuicios y disfrutar de pleno de cada pequeña cosa. ¡Surgió!

Acción Sánchez: Como te he dicho antes, hemos intentado no tirar por las tendencias, ahora todo se está simplificando mucho en la música, en la radio solo ponen tres estilos de música y muy parecidos entre ellos, ¿qué pasa con lo demás? ¿Dónde está el rock, el jazz, el soul, el funk, el reggae? ¡Eso no se puede perder! Nosotros somos gente que consuma mucha y variada música, es normal que probemos a fusionar cosas, además por decir: “¡Eh!, esto también puede sonar nuevo si se le da una vuelta”.

Han colaborado con vosotros artistas como Shabu, Andreas Lutz, Beret, Legendario, Raimundo Amador, Javier Marciano, Joselito Acedo, Román Groove, Javier Trumpet, Gualberto García, Rubio de Pruna, Movimiento Original, Kaze, Vicky Luna y Manuel Martínez de Medina Azahara, ¿qué os llevó a contar con estos artistas a la hora de dar forma a las canciones? Acción Sánchez: Algunas las teníamos claras y otras fueron surgiendo según componíamos las canciones. Desde que empezamos el disco sabíamos que queríamos salirnos un poco de nuestra zona de confort en cuanto a colaboraciones, queríamos darle otro color al disco con aportaciones de fuera del hiphop, además, porque la premisa principal del trabajo era intentar no hacer ninguna de las tendencias actuales, pero a la vez innovar de alguna manera

Tras el lanzamiento del disco tenéis confirmados varios encuentros con fans en Madrid, Málaga, Sevilla, Barcelona y Zaragoza, ¿sigue siendo necesario este tipo de eventos para sentir el apoyo de vuestros fans? ¿Se ganan nuevos seguidores firmando discos, haciéndose fotos y ofreciendo showcases o con Internet es todo más accesible? Zatu: Es pura promoción. Se acaban vendiendo más discos. Con la sobre información existente no todo el mundo se entera de todo ya que hay demasiado. Pues siempre aparecen despistados que te ven allí y compran un disco. Que sacan una foto y la mueven por sus redes. Hay que dejarse ver. Otras veces lo hacemos por tener un acercamiento con los seguidores o vamos a Almería y llevamos nuestros propios discos porque allí no llegan, las grandes superficies comerciales están en Roquetas de Mar y El Ejido. Compensamos. Es cansado pero a la vez muy reconfortante recibir esa dosis de amor magnificadas.

Zatu: Seguirán nuestra línea contundente pero, al igual que el disco, creamos pasajes diferentes y trucos nuevos que tenemos preparados. Este año estamos en más festivales que ningún otro así que espero contentar a los nuestros y sorprender a los ajenos para que conviertan en nuestros. La primera edición de vuestro nuevo disco será en formato CD digipack en edición limitada con arte de Belin y diseño de Adolfo Guerrero. Tiene como atractivo, además de la presentación, dos canciones que solo estarán incluidas en dicho formato, ¿estáis contentos con el resultado final del disco? ¿Sigue signo el principal soporte frente a la edición digital y en vinilo? Zatu: Estamos muy contentos, orgullosos más bien. Nunca hemos creído en abolir vías de comunicación. Vienen nuevas y las usamos pero seguimos usando las clásicas. Hay quien está acostumbrado a recibirnos así.

Durante los meses de abril, mayo y junio combináis conciertos en salas de Valencia, Alicante, Córdoba, Madrid, Barcelona, Girona y Tenerife con festivales como el Primavera Trompetera, Viña Rock, Interestelar y Bull Music Festival, ¿cómo serán los nuevos directos de la gira? ¿Qué esperáis de la misma?

El álbum ha sido creado con experimentados ingenieros de sonido como Niggaswing, Ale Barranco, Jorge Gascón y Sandy, ¿qué papel tuvo cada uno de ellos en el resultado final de las canciones tal y como las escuchamos en el disco? Acción Sánchez: Pues quisimos probar con diferentes técnicos según el sonido de la canción, en según que tipo de ritmos quien podría sacar lo que buscábamos. Era una apuesta diferente a la que acostumbrábamos pero alguna vez se tenía que probar y ha sido esta. El resultado creo que ha sido muy bueno, estamos muy contentos con el sonido y con la gente que hemos trabajado. Incluso a Sandy solo le llamé para mezclar algún tema y al final a masterizado el disco entero.

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Texto: Alfredo Rodríguez Fotografías: SFDK

Pasajero Tercer capítulo de una gran carrera “Comes

por el móvil, follas por el móvil, lees por el móvil,

hablas por el móvil… acojona un poco, ¿no?” (Josechu Gómez, Pasajero)

Sin prisa pero sin pausa, el cuarteto madrileño Pasajero ha sabido labrarse y trabajarse una carrera musical digna de mención. En su tercer larga duración Antídotos Fugaces (Ernie Recors, 2018) buscan nuevos enfoques gracias a sus escarceos con sonidos electrónicos a cargo de teclados y sintetizadores. Pero que nadie se asuste porque Daniel, Eduardo, Josechu y Javier no se han vuelto locos, siguen apostando por el rock en la base de sus canciones. Igual de potentes pero con nuevas miras puestas en presente y futuro, han acertado de pleno con sus intenciones de posicionarse donde corresponde. Para conocer un poco más sobre su citado nuevo álbum, su batería Josechu Gómez nos cuenta muchas cosas en la siguiente entrevista. El pasado mes de febrero se publicó vuestro tercer disco largo bajo el título de Antídotos Fugaces (Ernie Records, 2018), ¿cómo ha sido para vosotros el camino recorrido entre el álbum debut, el segundo trabajo y el citado nuevo LP? Ha sido un viaje brutal a nivel personal y de banda. Desde que decidimos arrancar con Pasajero y empezar a componer nos ha pasado de todo y hemos llegado a sitios que solo estaban en nuestra cabeza. Hemos viajado mucho, hemos conocido a gente increíble y nos ha dado la oportunidad de tocar en escenarios que soñábamos desde niños. Lo bueno es que el viaje continúa… Ahora toca seguir trabajando e intentando llegar a todos los rincones que sean posibles. El disco está formado por diez nuevas canciones que contaron con dos adelantos muy sonados y potentes, ‘Francotiradores’ y ‘Hombres Tristes’, ¿son los singles clave que definen el cómputo global del disco o cualquier de las diez podrían haberse mostrado como “carta de presentación”? Estos dos temas definen lo que ocurrirá a grandes rasgos. El sonido, la temática de las letras, la electrónica como punto destacado, la duración de las canciones… creo que, efectivamente, son bastante representativas. Cabe destacar la introducción de sonidos electrónicos en las nuevas composiciones, saliendo de los sonidos rock y pop que os caracterizaban y mostrando una clara evolución hacia matices más experimentales, ¿ha sido cuestión de querer avanzar dentro de vuestro particular sonido incorporando teclados, sintetizadores, secuencias y loops o surgió de manera espontánea?

“Sus letras pueden ser interpretadas desde varias prismas”

Estaba pensado desde el principio.Ya en canciones de discos anteriores empezaba a haber esbozos de ese sonido y hemos querido destacarlo en este tercer trabajo. Ha sido fundamental para ello la llegada de Javier García a la banda y ponerse a los mandos de los sintetizadores y programaciones para darle ese toque general.

La música siempre ha sido una parte definitoria de vuestros discos, pero las letras juegan un papel muy importante a la hora de presentar las canciones, ¿cuáles son las características que mejor definen este nuevo disco? Las letras de este disco, salvo ‘Plan B’, son todas de nuevo de Daniel. Le lleva mucho tiempo redondearlas y siempre compone bajo la premisa de fijarse en lo que pasa a su alrededor. Para mi definen muy bien los tiempos en los que vivimos, pero también de una manera atemporal y común. Sus letras pueden ser interpretadas desde muchos prismas, aunque estén compuestas desde experiencias personales. Buena parte de la grabación del disco se realizó en el estudio El Cariño situado en Mozota, un pequeño pueblo cerca de Zaragoza, junto a Edu Baos de León Benavente, ¿qué os llevó hasta esa ubicación? ¿Qué supuso trabajar con Edu en las canciones? Conocimos a Edu en México presentando Parque de Atracciones y allí nos habló de su estudio. Nosotros queríamos salir de Madrid como novedad y encerrarnos en el estudio a estar solo a componer y grabar, así que fue perfecto y encajó. Nos llamó la atención la localización al ser un pueblo de poco más de 100

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Entrevistas | Pasajero habitantes y por supuesto trabajar con Baos. Él ha aportado esa inmediatez para darle fuerza a las canciones, que sean más directas y que los riffs sean muy protagonistas. El disco lleva su sello. Pero el disco terminó de trabajarse en Madrid, mezclándose y masterizándose en los estudios Reno con Luca Petricca y Ángel Luján, ¿qué aportaron al resultado final que puede escucharse en el disco? Con ellos hemos trabajado más veces en diferentes situaciones, incluso fuera de Pasajero y hay mucha confianza. Luján es el responsable de todos los masters del grupo y Luca tiene un tipo de sonido que nos encanta. La mezcla fue lo más tedioso quizás por la cantidad de cosas que trajimos de Mozota, pero como siempre, dio el 100% y aportó al disco el orden y la coherencia que necesitaba. Cabe destacar el diseño de la portada a cargo de Laura de la Cruz y Juan Aragonés, ¿qué concepto se trabajó a la hora de crear dicha composición? Es la pérdida del “yo” a través de las nuevas tecnologías. Es algo que nos obsesiona bastante. Al ser un disco más corto y directo y que la temática va un poco por ahí salió la idea de las dos personas con cables pasándose info, sin mirarse a la cara. Vamos, lo que pasa hoy en día pero con el móvil. Comes por el móvil, follas por el móvil, lees por el móvil, hablas por el móvil… acojona un poco, ¿no? El trabajo de definición que vino después por medio de Juan con la foto y Laura con el diseño fue lo que le dio vida. Estamos muy, muy contentos con el resultado final porque refleja lo que teníamos en mente exactamente. La edición del disco ha sido únicamente en formato vinilo, por ahora, además de en las principales plataformas digitales, ¿en los tiempos que corren es una pérdida de dinero lanzarlo en formato CD? ¿La estructura de publicación se centra en los seguidores más fieles y en los melómanos, además de las entradas de los conciertos, las camisetas en los habituales puestos de merchandising y en los cachés de los festivales? Para una banda como nosotros, que no vende prácticamente nada, hacer un CD o no, no es algo que sea una cosa que nos quitara el sueño. Lo propuso nuestro manager y lo vimos claro. La forma de consumo es diferente con Spotify, iTunes, etc.

El vinilo es por una cuestión romántica y además daba al diseño otra dimensión. Aparte, para los que siguen utilizando CD, dentro del vinilo tiene un link de descarga para tostárselo en casa. ¡Dos por uno! (risas) Con vuestro primer disco Radiografías (Ernie Records, 2012) hicisteis mucho ruido pero con vuestro segundo largo Parque de Atracciones (Ernie Records, 2015) disteis un paso adelante en lo que a repercusión se refiere, ¿en qué momento os encontráis con el tercer álbum? ¿Podría decirse que estáis preparados para seguir avanzando entre el público español? Donde lleguemos es una cuestión que no depende de nosotros al 100%, hay muchas variables, pero preparados estamos, claro. Llevamos muchos años en esto y nunca sabes qué va a pasar. Nosotros queremos seguir dando lo mejor en cada canción y sobre todo de cara al directo, que es donde más cómodos estamos. La gira comenzó con actuaciones en Córdoba y Málaga, teniendo próximas fechas en Segovia, Madrid y Albacete, ¿cómo se plantean estos conciertos? ¿Qué podrá encontrarse el público que acuda a las salas? Energía sobre todo, vista desde muchos puntos de vista… Creo que estamos preparando un directo potente para defenderlo en cualquier escenario. Para nosotros es importante cuidar esto, ya que la gente que va, la mayoría, se gasta dinero en una entrada. Lo mejor es que vengan y nos comenten. Eso nos ayuda a seguir creciendo como banda en directo. Este verano está confirmada vuestra presencia en el Festival Gigante de Guadalajara, ¿estaréis en más eventos? ¿Seguirá la gira por salas tras el verano? Esa es exactamente la intención, pisar varias ciudades esta primavera-verano y después del verano seguir a tope con las salas. Queremos llegar a todas las ciudades posibles, así que, como mensaje… ¡Los festivales están muy, muy bien, pero seguid apoyando las giras de salas de las bandas!

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Texto: Alfredo Rodríguez Fotografías: Juan Aragonés

Nacho Casado Calma en tiempos convulsos “Voy a contracorriente pero no me molesta, es más, me parece estar en el lado correcto.” (Nacho Casado)

Entrevistas | Nacho Casado En la época que vivimos donde la música es un producto de fácil acceso y consumo rápido, es una suerte tener un disco como Verao (Hidden Track Records, 2018). Su creador, el sincero y cercano Nacho Casado, puede sentirse orgulloso de haber compuesto once canciones donde muestra sus sentimientos que seguro muchos podrán disfrutar. Y es que las plataformas digitales nos dan acceso a muchas canciones, pero pocas tan cercanas como las de su citado álbum. Delicadeza y honestidad priman en un trabajo cuidado hasta el más mínimo detalle, donde hasta las imperfecciones se vuelven perfectas, donde la desnudez muestra la luminosidad de un artista que ha sabido esperar el tiempo necesario para mostrar una parte de su persona que quizá no se hubiese atrevido a publicar de no ser por el nacimiento de su hijo. Charlamos con un músico que tiene mucho que decir, tanto en lo musical como en lo personal. Recientemente publicaste tu nuevo trabajo discográfico bajo el título de Verao (Hidden Track Records, 2018) formado por once cortes de carácter intimista, ¿en qué momento decidiste crear estas nuevas canciones? ¿Cómo han sido recibidas por parte del público? Este disco nace de un cúmulo de experiencias personales y una crisis artística. Con la premisa de hacer canciones sin más elementos que mi voz y mi guitarra. Algo que me hiciera ver que tengo algo que compartir y expresar desde dentro. Es la primera vez que siento que hago un disco que da cosas a los demás sin pedir nada a cambio, además, no tienes que estar sumergido en un estilo de música concreto para disfrutarlo. El álbum surge debido a las circunstancias de tu vida desuñes de tener un hijo con tu pareja, por lo que tuviste que pausar vuestro proyecto musical, hecho que provocó que decidieses preparar este disco, ¿cuáles han sido las motivaciones que te han llevado a dar este paso como artista?

muy contentos con el sonido super orgánico que tiene el disco. Se citan influencias como Joao Gilberto, Paul Simon y The Beatles, pero nos encajan también artistas como Kings Of Convenience y José González, ¿tuviste alguna referencia musical a la hora de crear tus nuevas canciones? ¡Muchas gracias! Son grandes artistas y con una sensibilidad que me encanta. La referencia más clara que tuve y que fue inspiración fue Joao Gilberto y ese clímax que crea con su guitarra y voz. Esto lo sumé a Nick Drake, McCartney o Paul Simon pero sobre todo me he esforzado en tener una identidad propia. Fueron muy sonados los adelantos del disco con las canciones ‘Edén’ y ‘Chet Baker’ pero el track-list tiene otros cortes muy destacables como ‘Adiós Tristeza’ y ‘Donde Termina El Mar’, ¿cuáles son, a tu parecer, las composiciones que más definen el compendio total del álbum y por qué?

Nos sorprende el trabajo en los estudios Nautilus de Lluís Cots, básicamente porque no sabíamos que tuviese un estudio de grabación, teníamos constancia de su trabajo como músico y técnico de sonido, pero no esta faceta, ¿cómo influyó su experiencia a la hora de registrar tus nuevas canciones?

Pienso que es un disco sin canciones de relleno y que esos singles son solo una puerta de acceso a la parte más pop, que me encanta, pero el disco pienso que es mucho más que eso. Y si le das una oportunidad hay canciones preciosas que requieren dedicarle un tiempo, que realmente es un tiempo para uno mismo, para reflexionar, o simplemente dejarse llevar por ese sentimiento que provocan. Como bien decías, ‘Adiós Tristeza’, ‘Corazón’ o ‘Universo’ son, creo, las mejores canciones que he hecho hasta la fecha, estoy muy orgulloso.

Contactar con Lluís fue por Ramón (The New Raemon), que fue parte activa, me ayudó con este disco. Lluís ha producido ya bastantes discos como los de Mourn y algunas cosas de Ramón. Le ha dado al disco justo el carácter que buscábamos, se grabó todo a la mejor toma, voz y guitarra en directo, como se hacían los discos antes donde el intérprete tiene el peso de la grabación tocando y cantando. Estamos

Con una propuesta tan cuidada será casi imposible llevar tu directo por el habitual circuito de festivales de nuestro país, por lo que suponemos que presentarás el disco en salas pequeñas o

Como siempre al lado de Pilar, los dos vimos claro que este disco era un giro y no nos parecía acertado firmarlo como La Familia del Árbol, quena eso fuera empezar de cero otra vez porque hasta la fecha no había firmado nada bajo mi nombre. Otro motivo era intentar dar un paso hacia adelanto dentro de lo que es la música actual, salir del circuito indie o como se conoce ahora. No me siento nada cómodo y me gustaría que el público y la crítica me viera como alguien que hace música fuera de etiquetas, sin prejuicios, sólo alguien en la búsqueda de hacer la mejor música posible. Te acompañas de instrumentos como la guitarra acústica, el contrabajo y tu voz, dejando un poco de lado el “set básico” de un grupo convencional formado por guitarra, bajo y batería, ¿qué te llevó a minimizar la instrumentación a la hora de componer el disco? Intentar crear una música lo más pura posible y con los elementos mínimos. Guitarra y voz en el inicio y final del proceso, con sus defectos y sus virtudes, ese era el reto. Hemos leído varias reseñas del citado nuevo álbum y en todas se hace referencia a Brasil, ¿por qué consideras que puede sonar a música brasileña? ¿Era un objetivo buscado o ha sido una mera casualidad? No era buscado, pero sí me ha ayudado a encontrar ese lenguaje musical que necesitaba para compartir esa música en forma de confesión o estado de ánimo. El disco es un canto al verano, a la juventud, incluso a recuerdos de infancia que todos tenemos, combinándose con cierto “saudade” y ese sentir.

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teatros donde poder disfrutar de la cercanía y el silencio que requieren tus canciones, ¿cómo te mostrarás ante el público? Este es el handicap actual, el negocio va por crear entretenimiento fácil y rápido, festivales donde están las mismas propuestas, bueno, lo que sabemos todos. Mi lucha es mimar donde tocar este disco y cuidar a la gente que venga a verme para crear algo bonito todos juntos. Voy a contracorriente pero no me molesta, es más, me parece estar en el lado correcto. Esta pregunta es para ti Nacho, puedes comentar lo que te apetezca, ¡gracias por la entrevista! Muchísimas gracias por darle difusión a mi trabajo, es un placer poder dar otra visión que no siempre aparece en los medios musicales sobre la experiencia de ser músico en estos días.

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Texto: Alfredo Rodríguez Fotografías: Nacho Casado

Discos Jack White Boarding House Reach (Third Man/Columbia/XL Recordings, 2018)

El disco del mes Cuatro años han pasado desde que el multi-instrumentista, productor y actor John Anthony Gillis (sí, evidentemente, Mr. White también tiene nombre y apellidos) publicase su aclamado segundo largo en solitario Lazaretto (Third Man/Columbia/ XL Recordings, 2014). Casi un lustro en el que este loco músico de Detroit ha sabido reinventarse, avanzar y tocar lo que le sale de la entrepierna. Porque eso es lo que ha hecho en su tercer LP Boarding House Reach (Third Man/Columbia/XL Recordings, 2018), hacer y deshacer a su antojo en las doce más una canciones que lo forman. Ejerciendo nuevamente como productor, White dio forma entre su estudio de Nashville y por primera vez también en NuevaYork (Sear Sound) y Los Ángeles (Capitol Studios) a una colección de canciones que muchos quisieran tener en su particular currículo musical. Desde la inicial ‘Connected by Love’ con grandilocuentes coros gospel y teclados endiablados, pasando por la mezcla de rock, los bongos y el latin-jazz en ‘Corporation’ emparentando sonidos a los ingleses Big Boss Man y la magistral ‘Over and Over and Over’ por la que Dan Auerbach y Patrick Carney hubiesen pagado miles de dólares por situar en su repertorio. Bien es cierto que tiene varios interludios innecesarios (‘Abulia and Akrasia’, ‘Everything You’ve Ever Learned’, ‘Ezmerelda Steals the Show’), pero ahí radica la grandeza de una artista que sigue labrando su particular carrera musical desde hace casi tres décadas, pudiendo hacer lo que le plazca en sus grabaciones. Y es que si en ‘Ice Station Zebra’ nos dicen que estamos escuchando a los británicos Brand New Heavies, tendríamos que asentar la cabeza para afirmar que son los responsables de tan digna composición. Porque si el grupo siempre hizo gala de mezclar acid jazz con hip hop, nuestro querido Jack se desenvuelve a la perfección en dichos géneros en su nuevo registro sonoro. Con una experimentación inusual y un técnica musical por encima de la media, se sobra y se basta para sorprender con su particular paleta de sonidos gracias a su ambición y su riesgo. Ya lo avisó el propio artista cuando estaba dando forma a sus nuevas canciones comentando que sería un disco extraño, pero ahí radica su calidad, en la extrañeza que provoca en un oyente que espera una y otra vez la misma canción pero que se encuentra, contra todo pronóstico, con melodías cuidadas hasta el más mínimo detalle. Si quieres pop fácil ponte una radio comercial porque en el disco de White encontrarás una amalgama de sonidos complicados para la mayoría pero placenteros para los más intrépidos. Alfredo Rodríguez

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Discos | Abril 2018

Natos y Waor Cicatrices

Stone Temple Pilots

Hot Snakes Jericho Sirens

Perro Trópico Lumpen

(Sub Pop Records, 2018)

(Miel de Moscas, 2018)

Tras su hiato entre los años 2005 y 2011 los estadounidenses Hot Snakes regresaron a la actividad musical hace siete primaveras. Y contra todo pronóstico vuelven con nuevas composiciones de estudio, diez para ser exactos, incluidas en su cuarto largo Jericho Sirens (Sub Pop Records, 2018). Y lo hacen de manera brillante para sorpresa de sus seguidores de antaño, quienes seguramente no apostarían un céntimo de euro por escuchar nuevas canciones casi veinte años después de su creación. Pero visto lo visto, Rick Froberg, John Reis, Gar Wood, Jason Kourkounis y Mario Rubalcaba cogieron oxígeno musical, sobre todo con el regreso temporal de Drive Like Jehu, la última etapa de Obits y la vuelta de Rocket From The Crypt. Puede notarse en muchos factores, pero Rick sigue dejándose la voz y el alma en cada palabra, en cada verso, en cada estrofa y en cada riff. Basta con escuchar la inicial ‘I Need A Doctor’ para poner a trabajar tus papilas gustativas, relamer tus labios y degustar los siguiente nueve cortes. Y es que Froberg y Reis vuelven a la carga liderando un proyecto donde canciones como ‘Why Don’t It Sink In?’, ‘Having Another?’ y ‘Psychoactive’ te volarán la cabeza por su contundencia, pero donde otras como ‘Death Of A Sportsman’ suponen la pausa perfecta para no fallecer a consecuencia de un infarto musical. Los de San Diego siguen dando buena cuenta de su gran maestría a la hora de combinar post-hardcore con post-punk, pero radica todo en una base rock’n’roll que nos hace disfrutar de manera sobresaliente con su cuarto larga duración catorce años después de su anterior álbum. Destacar su fichaje por la mítica disquera norteamericana Sub Pop Records, con quienes además de lanzar su nuevo LP han reeditado sus anteriores álbumes Automatic Midnight (Swami, 2000), Suicide Invoice (Swami, 2002) y Audit In Progress (Swami, 2004), básicos en las estanterías de cualquier melómano.

Si te atreves a descubrir el nuevo disco de los murcianos Perro en modo aleatorio y en la primera escucha suena ‘Disco Mascota’ quizá pienses que es una intro. Pero no, el octavo de los diez cortes del nuevo Trópico Lumpen (Miel de Moscas, 2018) del cuarteto es un tema instrumental de siete minutos donde se atreven a conjugar su base rítmica con un resultado sobresaliente. Y es que si Adrián, Guillermo, Fran y Aarón decidiesen publicar un cuarto álbum sin voces, tampoco pasaría nada. La fuerza, la versatilidad y la destreza que tienen en dicho corte supone un gran avance dentro de su particular universo musical. Las otras nueve canciones también aportan mucho a su discografía: desde la ordenada ‘Celebrado Primo’ que inaugura el tracklist, pasando por la adictiva ‘El Sereno’ y la misteriosa ‘Ese Tu Frescor’ que cierra el largo, todas y cada una de ellas tienen un enorme sentido. En la parte técnica destaca el omnipresente Hans Krüger (Delorean, El Columpio Asesino, Half Foot Outside) en el apartado de la producción y la mezcla, mientras que Joe Carra (King Gizzard & The Lizard Wizard, Courtney Barnett, The Drones) es el responsable de la masterización. Continúan dando rienda suelta a su imaginación con unas letras repletas de humor absurdo, canallesco y alocado como les caracteriza, si bien, gana enteros su conjugación con los instrumentos. Los sintetizadores cobran protagonismo frente a la guitarra, haciendo que su sonido sea más duro y oscuro, mostrando su fuerte kraut-rock, una creciente psicodelia y un rock más contundente. Debutaron con su sobresaliente Tiene Bacalao, Tiene Melodía (Miel de Moscas, 2013), asentaron su propuesta con el notable Estudias, Navajas (Miel de Moscas, 2015) y ahora consiguen avanzar con una decena de cortes que cuesta asimilar pero que, sin duda, hacen que vuelvas a sudar en sus frenéticos conciertos.

Había mucha expectación en torno a la publicación del tercer disco de estudio de los madrileños Natos y Waor, Cicatrices (Autoeditado, 2018), pero la pareja musical formada por Gonzalo Cidre y Fernando Hisado sobresale en sus trece canciones. Porque ese es su número fetiche y porque esos son los nuevos himnos con los que pueden presumir ante su legión de seguidores. Y es que los considerados Reyes del rap español siguen paso a paso trabajando duro y subiendo como la espuma desde la auto-edición, sin sello discográfico y sin nadie que les diga la manera de hacer las cosas. Se sobran y se bastan para seguir sumando con unas letras realistas, crudas y sinceras, como en sus anteriores álbumes. Importante ha sido el trabajo de Pablo Gareta en el estudio de grabación, quien ordena las ideas expuestas por los raperos que usan sus gargantas desgarradas sin poner a nadie a parir, sin ofender y con una honradez de la que pueden hacer gala donde hablan de drogas, sexo y la vida en el barrio. Cuentan con cinco colaboraciones que cumplen con su papel, haciendo doblete su colega Recycled J en la tropical y pegadiza ‘Pecados’ y en la seductora ‘Ey Mama’. También suman más que restar Denom (‘Alfa y Omega’), Charlie de Hijos Bastardos (‘Balada’), Costa (‘Autodestrucción’) y Maka (‘Caminaré’), aportando cada uno su particular estilo a los cortes. Casi sin querer la dupla agranda su figura con algunas de sus mejores canciones hasta la fecha como ‘Cicatrices’, ‘Underground Kings’ y ‘Generación Perdida’ con una variedad instrumental de tremenda calidad. En las producciones musicales encontramos a Lasio, Gareta, SokeThugProducciones e Ikki, quienes tienen parte de culpa del éxito en redes sociales de dos jóvenes que rondan los treinta y tienen en su haber tres discos donde la calidad está patente y la autenticidad es digna de estudio.

Alfredo Rodríguez

Stone Temple Pilots

(Autoeditado, 2018)

(Atlantic, 2018) Muchos se preguntarán si tiene sentido continuar con la carrera discográfica de los estadounidenses Stone Temple Pilots pero los hermanos DeLeo tienen claro que quieren seguir hacia adelante. Banda germinal de la escena grunge de los años 90, son considerados referencia dentro del rock americano. Liderados por el carismático vocalista Scott Weiland, para algunos medios y seguidores se hicieron famosos por los problemas con el alcohol y las drogas del citado, si bien, en lo musical también aportaron mucho. Tras ser expulsado de la banda fue sustituido por Chester Bennington, vocalista de Linkin Park, con quien Scott hizo un dueto previamente. Llegó entonces el EP High Rise (Epic, 2013), cinco canciones que mantenían el pulso a la carrera del grupo de San Diego sin Weiland ejerciendo de cantante. Una nueva salida del grupo, esta vez de Chester por compromisos con Linkin Park, hizo que comenzasen las audiciones para encontrar un nuevo vocalista, proceso que se alargó durante meses. Tas el suicidio de Bennington los comentarios sobre la continuidad de la banda fueron muchos, si bien, en noviembre del año pasado se oficializó a Jeff Gutt como nuevo cantante. Proveniente del concurso X Factor y de la banda Dry Cell, volvieron a la actividad discográfica con el single ‘Meadow’, corte que tuvo buenas críticas. Y es que Dean y Robert DeLeo y Eric Kretz tienen carretera en sus cuerpos, lo que aporta un plus de efectividad a la hora de seguir con su aventura musical. ‘Roll Me Under’ fue el siguiente avance, convenciendo nuevamente gracias a su instrumentación y su letra. Las críticas han sido duras porque la tonalidad y el enfoque de Jett recuerdan en exceso a Scott, aunque puede que sea la clave para que no caigan en el olvido. Toca disfrutar de una nueva docena de canciones que incluyen rock (‘Guilty’, ‘Just A Little Lie’, ’Never Enough’) y baladas (‘Thought She’d Be Mine’, ‘Finest Hour’, ‘Reds & Blues’), continuando con una discografía notable. Alfredo Rodríguez

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Conciertos IAMX

But. Madrid. 06.03.2018 Promotor: Producciones Animadas Sin ánimos de generalizar, hay conciertos en los que se puede apreciar que la afición es real y no mero postureo. Media hora antes de que IAMX aparecieran en la sala But de la capital, la pista ya estaba llena de adeptos ansiosos. Superada una depresión y con mucha ilusión por volver a pisar un escenario, Chris Corner y su propuesta electro-rock de inspiración industrial, que no es para todos los públicos (ni falta que hace), volvía por fin a nuestro país. Con el testimonio que es Alive In New Light (Orphic/Caroline International/Universal, 2017) de la nueva y más luminosa etapa que vive el británico, el tema titular inauguró la velada. A pesar de venir con la garganta tocada (lo avisó por redes sociales), un Chris feliz y entregado dio lo mejor de sí mismo, sonando adecuadamente dramático cuando recuperó la galopante ‘I Come With Knives’ y la melancólica ‘Happiness’. Su alargada figura, rematada por un sombrero de plumas, se movía con la teatralidad adecuada entre juegos de luces que le convertían en una sombra. A los lados, sus compañeras jugaron un papel protagonista con teclados y bajo e incitando al personal a gritar, saltar y vibrar. La visita de IAMX traía un extra para sus seguidores: la aparición de Kat Von D. La tatuadora, que ha colaborado con Chris en algunos de sus nuevos temas, saltó a escena para realizar su último show de la gira con el grupo. Enfundada en un traje de piel rojo, en contraste con el negro total de Chris, interpretaron juntos ‘Stalker’ y ‘Stardust’, aunque la voz de Kat quedaba oculta bajo las potentes cuerdas vocales del cantante. Con el ambiente más que caldeado, Chris siguió exhibiendo la buena forma en la que se encuentra y se dispuso a complacer a sus más acérrimos fans. Rescató de nuevo Metanoia (Orphic/Caroline International/Universal Music, 2015) para convertir But en un club berlinés al ritmo de los graves de ‘North Star’ y vaciarse con la visceral ‘No Maker Made Me’. También se fue hasta su debut Kiss + Swallow (Loser Friendly, 2004) para traer de vuelta ‘Your Joy Is My Low’, que sirvió de canción de retirada. Este disco volvería en los bises con el tema titular, que enloqueció al honorable una vez más, para poner el punto y final de forma más contenida. ‘The Power And The Glory’, con Kat Von D. a su lado, fue el broche de oro para esta reunión con el público español. Qué bien tenerle de vuelta. Mr. Corner. Texto: Beatriz H. Viloria

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Conciertos | Abril 2018

Niños Mutantes

Bunker. A Coruña. 15.03.2018 Promotor: Mahou Los granadinos Niños Mutantes llegaron hasta la sala Bunker de A Coruña dentro de los conciertos #EscenariosMahou en una noche lluviosa. Aunque eso no era una novedad porque los últimos días de la primavera en la localidad gallega han estado pasados por agua, día y noche. Con el lema “te acercamos la música con el sabor más grande”, la propuesta se presentó como una experiencia única para el público dado que los artistas actúan en aforos muy inferiores a los que acostumbran. Y tanto, porque el céntrico local apenas recibió a unas cincuenta personas que disfrutaron del show de la banda, esta vez en formato trío debido a la ausencia de su batería Nani Castañeda. El reducido aforo permitió que los presentes se situasen muy próximos a la banda, haciendo que la sintonía entre músicos y público fuese cercana durante toda la velada. En lo musical los andaluces llegaban con su último álbum publicado Diez (Ernie Records, 2017) aún presente, pero no dudaron en echar mano de otros cortes de su discografía como la celebrada ‘Náufragos’ con la que abrieron su actuación, la intensa ‘Hermana Mía’ y la coreada ‘El Miedo’. También miraron a su pasado (‘La Ardilla Roja’), ese con el que se patearon salas pequeñas como donde ofrecieron su semi-acústico show en tierras coruñesas. Con Juan Alberto llevando las riendas de la actuación, el vocalista y guitarra no dudó en mandar callar a tres asistentes situadas en la primera fila que no paraban de molestar a quienes se situaban a sus espaldas, siendo un acto de valentía y sinceridad por parte de un artista que pidió respeto por sus compañeros y el resto de los presentes. Una situación algo cómica pero que debería hacerse en más ocasiones cuando quienes acuden a disfrutar de un concierto en compañía de amigos, familiares o conocidos sin importarles molestar a los demás. Pudo ser una anécdota, pero Andrés López y Miguel Haro no dudaron en bromear posteriormente en repetidas ocasiones para quitar importancia a lo ocurrido, siendo divertido para muchos. Con ‘La Voz’ y ‘Errante (Canción Mutante)’ se despidieron entre aplausos y vítores tras muchos años de ausencia en el circuito de salas de la ciudad, cogiendo sus bártulos antes de emprender su particular viaje hacia León, Toledo y Madrid, siguientes ciudades por donde pasaba su gira. Texto: Alfredo Rodríguez Fotografía: Alfredo Rodríguez

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Sharif

Playa Club. A Coruña. 23.03.2018 Promotor: Stop Producciones El conocido en muchas ocasiones como Sharif “El Increíble” pasó por tierras coruñesas para goce y deleite de un público que le llevó en volandas durante su actuación en el costero Playa Club. Una noche de intensa tormenta que vio como la cosa se calentaba gracias a las rimas del compositor zaragozano, quien tuvo como fieles compañeros a un sobresaliente Morgan a las voces y un no menos brillante Oscar a Secas a los platos y coros. Presentando su nuevo disco Acariciado Mundo (BOA Música, 2017) publicado a finales del año pasado, el MC intercaló nuevas composiciones (‘La Traición’, ‘R.O.N.R.O.N.E.A’, ‘Los Últimos Noctámbulos’) con otras incluidas en sus anteriores álbumes, ejecutando un gran show de principio a fin. Todo comenzó con los vasos llenos y los abrigos puestos pero terminó con el vodka/naranja invadiendo sus cuerpos y las camisetas empapadas en sudor, señal inequívoca de su intensidad sobre las tablas. El trío supo exprimir sus rimas y sus bases, siempre sonriendo y teniendo a los presentes de su lado, incluso cuando Sharif bromeó en repetidas ocasiones con un joven situado entre el público que, bajo su punto de vista, le recordaba físicamente al delantero galo Antoine Griezmann. Parecidos razonables a un lado, recordó a compañeros y amigos como Suite Soprano, Rapsusklei, Juaninacka y Maka, rescatando su emotivo corte ‘Je Veux Te Dire’ con Miguel Campello en los últimos compases de un show que será recordado en tierras gallegas por la noche donde el vocalista sacó su lado poeta que le caracteriza, obviando los aspavientos que usan muchos rapers y apelando la emotividad para encoger los corazones de los presentes.

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Texto: Alfredo Rodríguez Fotografía: Alfredo Rodríguez

Conciertos | Abril 2018

Benjamin Clementine

Sala Vistalegre. Madrid. 23.03.2018 Promotor: Mercury Wheels “Soy un alienígena porque no encajo”. Con estas palabras introdujo Benjamin Clementine ‘Jupiter’, una de las más reciente composiciones y una de las últimas que sonaron en su concierto madrileño. Unas palabras que definen tan bien como la frase con la que arranca el mencionado tema: “Ben es un alienígena con una habilidad extra”. Se sabía ya que Clementine no tenía una voz al uso, pero con el lanzamiento de su segundo largo, I Tell A Fly (Universal Music, 2017), y su correspondiente gira de presentación, se ha comprobado que todo en él es atípico. Quienes ya habían disfrutado del directo del de Londres se encontraron en Vistalegre con un Benjamin teatral y algo excéntrico. Un bosque de maniquíes de hombres, mujeres embarazadas y niños decoraba el escenario, en el que apareció el artista con un batín rojo cubriendo un mono azul. Un uniforme que compartía con su banda, tres tipos inquietantes que se pasearon por las tablas mientras Benjamin acariciaba el piano y empezaba a sonar ‘God Save The Jungle’. Con ‘Phantom Of Aleppoville’, las peculiaridades las traía la propia canción, que arranca con una suerte de jam session y continúa con un piano más íntimo acompañado del amplio registro vocal del londinense. La obra no había hecho más que empezar, porque la interacción con el público y con los habitantes del escenario sería constante. Un pequeño maniquí le acompañó al piano, el cual paró de tocar hasta en dos veces con ‘I Won’t Complain’ (una de sus primeras composiciones) porque aseguraba que no sonaba bien, y acabó ‘Condolence’ dirigiendo al honorable cual coro, cantando las frases finales una y otra vez hasta que se quedó contento. Esta escena se volvería a vivir tras una maravillosa ‘By The Ports Of Europe’, de final la mar de extraño: toda la sala estuvo repitiendo la palabra “Portobello” hasta la extenuación. Cumplidos 60 minutos de actuación, este capricho suyo casi corta el hilo de la misma. Y un ruidoso desmembramiento de muñecos no parecía encajar con un tema tan delicado como ‘Quintessence’, pero se trataba del golpe de efecto del primer final. Lo cierto es que, a pesar de tanta excentricidad artística, Benjamin se reencontraba con el piano unos minutos, abría la boca y volvía a meterse al personal en el bolsillo. Y ahí se quedó durante las dos últimas salidas. La primera para llamar a todos los alienígenas de la sala con ‘Jupiter’, bañarse en los aplausos de ‘Cornerstone’ y presentar a su grupo tras ‘Winston Churchill’s Boy’. La segunda, para despedirse definitivamente con dos últimos caprichos: la locura vocal de ‘Ave Dreamer’ y el título más indicado de su premiado debut At Least For Now (Universal Music, 2015), ‘Adios’. Entre aplausos de un público tan extrañado como entusiasmado se marchó un peculiar artista que, poco importa de qué planeta venga, porque siempre será bien recibido en el nuestro. Texto: Beatriz H. Viloria

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Reportajes Rimas para milenials La generación Y, también conocida como generación milenial, sucede en el tiempo a la generación X. Muchos pensarán que es una gilipollez, pero es así. Tanto en la vida como en la sociedad, cada generación se identifica con uno o varios estilos musicales. Es por eso que los milenials, ubicados en la década de 1980, suelen adaptarse de forma rápida y sencilla a los cambios, pues empezaron usando el vídeo Betamax, pasaron por el VHS, adaptaron sus películas a los DVD y desvirgaron el reciente Blu-Ray. Son los primeros en usar el servicio streaming, usan el teléfono móvil para comunicarse con sus amigos, dejando de lado los obsoletos móviles para fardar con sus actualizados teléfonos inteligentes dirigidos por Android e iOS. Los más “viejos” del lugar usaron disquetes, algunos “quemaron” CDs, los más jóvenes incluso USB, pero la mayoría recurre a la nube para almacenar sus archivos, bien sean fotos ó música. Todo esto puede sonar raro, pero como seguramente quien lea estas líneas sea un milenial, quiera o no quiera, estará caracterizado por la hiperconexión, tiene la necesidad de conectarse a Internet cada día y escucha música. Hay muchos iconos musicales que encajan en la época de la citada generación X, desde Lemmy a Metallica, pasando por Queen, Beastie Boys, The Smashing Pumpkins, Rage Against The Machine, Nirvana, Soundgarden, Deftones y Korn, por citar algunos. Sin embargo, muchos identifican a la generación Y con las rimas, el hip hop e incluso el trap. Y es ahí donde echamos el anzuelo, capturando con nuestra red musical a cuatro artistas que tienen gran protagonismo en la escena rap nacional: Rayden, C. Tangana, Nathy Peluso y Natos y Waor, grandes exponentes de las rimas en nuestro país. En los últimos meses, raro es que no hayas escuchado una de sus canciones. Si naciste entre 1981 y 1996, años en los que el Centro de Investigaciones Pew incluye a los milenials, seguro que conoces a estos artistas. Sin embargo, la Oficina del Censo de Estadios Unidos, definió el rango entre los años 1982 y 2000. No importa, porque año arriba ó año abajo, estás en la órbita de las canciones de dichos nombres. Nuestro primer elegido es Rayden, nombre artístico de David Martínez Álvarez (Alcalá de Henares, 30 julio de 1985), un poeta y cantante que lleva la friolera de dieciocho años rapeando. Todo comenzó con sus compañeros en A3Bandas, pero el boom mediático llegó tras resultar ganador de la Red Bull Batalla de los Gallos en el año 2006. Desde entonces, todo han sido parabienes en la carrera del también escritor. Su debut largo tuvo lugar hace ocho años con Estaba

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Escrito (BOA Música, 2010), contando con Nach, MC Klopedia y Lumier, entre otros, como colaboradores. Sus ventas en iTunes fueron muy sonadas, siendo el principio de una gran gira. Dos años más tarde su segundo LP en solitario, Mosaico (BOA Música, 2012), fue el primer gran éxito de su discografía con 2.000 ediciones especiales numeradas en CD y DVD. Su sonado single ‘Dentro De Ti’ llegó a las 100.000 reproducciones en YouTube en menos de 24 horas, siendo un fenómeno de masas entre los más jóvenes. Su tercer disco fue En Alma y Hueso (BOA Música, 2014), doble LP formado por Hueso (un disco de rap “puro”) y Alma (más melódico y con mayores arreglos instrumentales) complementado por Entremeses, tercer CD que incluía diez canciones en formato acústico donde colaboraron Rozalén, Marwan, Leiva, Mäbu y Vaho, entre otros. No contento con los discos en 2015 anunció la salida de un libro, Herido Diario, poemario que incluía también las letras de algunas de sus canciones. Poco después, en 2016, publicó su segundo libro TErminAMOs y Otros Poemas Sin Terminar. En su mejor momento fichó por la multinacional Warner Music, con quienes editó su último LP hasta la fecha, Antónimo (Warner Music, 2017), trabajo formado por trece nuevas canciones con las que ha logrado su mayor éxito en una gira que continúa en la actualidad. Considerado como “el niño bien” del rap en castellano, Rayden es el ejemplo de muchos jóvenes que riman con el fin de seguir sus pasos. El siguiente protagonista es C. Tangana, nacido como Antón Álvarez Alfaro (Madrid, 16 de julio de 1990), el más chulo de todos. También conocido como Pucho y previamente como Crema, el músico dio que hablar con su grupo Agorazein hace poco más de una década. Destacó con su particular estilo de frases cortas y directas, siendo muy sonados los conciertos junto a Sticky M.A., Jerv.Agz, Fabianni e I-Ace, colgando el cartel de “entradas agotadas” en la mayoría de sus directos. Alternando su carrera musical con trabajos en un restaurante de comida rápida y en una empresa de telefonía, sus rimas tomaban la delantera frente a sus empleos precarios. Su coqueteo con las redes sociales empezó a ser básico para difundir sus canciones, generando gran expectación con cada uno de sus movimientos, previamente calculados. En 2016 dio el salto a LatinoAmérica con su carrera en solitario tras hacer lo propio con su grupo, abandonando su trabajo de manera definitiva para centrarse en sus composiciones. El año pasado empezó su difusión masiva cuando, ante todo pronóstico, anunció su fichaje con la multinacional Sony Music. Su sonada contratación ocupó muchas páginas

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Reportajes | Rimas para milenials en medios musicales porque firmó “el contrato más caro en España de tol’ gremio”. Sin desvelarse los detalles económicos, fue noticia durante semanas hasta que lanzó su single ‘Mala Mujer’, tema que ocupó las primeras posiciones en las listas virales de plataformas digitales como Spotify, convirtiéndose en una de las canciones del verano del pasado 2017 consiguiendo el disco de platino, primera certificación de su carrera. Dicha canción suena actualmente en la radio, caracterizándose por su ritmo latino que le llevó a ser criticado por muchos. Debutando en solitario con el largo Ídolo (Sony Music, 2017), se ha convertido por méritos propios en un fenómeno de masas inigualable. Con una campaña publicitaria pionera en un andamio de la Gran Vía de Madrid, saliendo en el programa de televisión Chester de Risto Mejide y deslumbrando con su single ‘Guerrera’ junto a Dellafuente, es un referente a nivel nacional e internacional. La tercera destacada es Nathy Peluso (Luján -Argentina-, 1995), joven bonaerense afincada en Madrid. Para muchos no es una rapera como tal, sino una artista interdisciplinar criada entre el swing, el jazz, la bossanova y el teatro. Pero no importa, porque su recorrido por diferentes disciplinas artísticas la convierten en la artista referencia de la última temporada. Sus canciones han sonado en escenarios de Londres (Hoxton Square), Groningen (Eurosonic Festival), Bruselas (Beursschowburg), París (Hasard Ludique), Berlín (Urban Spree), Quito (Espacio La Ideal), México (Carnaval de Batidora) y Argentina (Festival Lollapalooza), recibiendo unas grandes críticas por parte de público y prensa musical especializada. Su single ‘Corashe’ arrasó el año pasado, superando los 2.000.000 de visualizaciones en la plataforma de vídeos YouTube, siendo su gran carta de presentación ante su inminente nuevo trabajo La Sandunguera (Everlasting Records, 2018), un esperado EP producido por Peter Party donde centra su propuesta en la música urbana. Pero no se queda ahí porque su intención es crear una nueva vanguardia musical a través de composiciones de calidad inspiradas en lo sensorial. Con influencias varias, en sus versos y melodías podemos escuchar desde Nina Simone hasta Caetano Veloso, pasando por Celia Cruz, Ray Charles, Lauryn Hill, Erikah Badhu y Amy Whinehouse, toda una amalgama de sonidos apoyados en una estética libre donde propone nutrientes de diferentes procedencias, creando su particular Nathy Peluso style. Su entrada en el mundo de la música contemporánea

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supuso una revolución en el panorama actual, tanto que muchos medios la calificaron como “artista revelación” del 2017, ratificando su gran momento de forma en los primeros meses de 2018 con su actual gira nacional. Finiquitando nuestro especial sobre rimas y milenials tenemos a Natos y Waor, pareja musical formada por Gonzalo Cidre (Buenos Aires, 1991) y Fernando Hisado (Móstoles, 1988). También afincados en la capital, son los Reyes de las redes sociales. Apoyados por unos fieles seguidores a través de Internet, están reventando la escena hip hop con su reciente disco Cicatrices (2018). Su tercer largo vio la luz el pasado mes de febrero sin la necesidad del apoyo económico de una discográfica, tirando de la autoedición como vienen haciendo desde sus inicios musicales. Sin aparecer en los grandes medios de comunicación, el tándem conquistó el mundo digital con sus crudas letras. Y no radica ahí su fuerza porque se encargan de componer, preparar sus álbumes, confeccionar el merchandising de su tienda online, producir sus vídeos e incluso distribuir sus lanzamientos. Para bien o para mal, dirigen todos sus movimientos bajo letras realistas y sinceras donde hablan de temas tabú para muchos pero convencionales para ellos como son las drogas, el sexo y la vida en el barrio. Manejan a la perfección las redes sociales, acumulando miles y miles de seguidores (casi 200.000 en Twitter, 480.000 en YouTube, 311.000 en Instagram), moviéndose como peces en el agua. Su próximo gran hito tendrá lugar este mes de abril donde más de 11.000 personas presenciarán su concierto en el Palacio de Vistalegre de Madrid, reservado habitualmente para estrellas internacionales. Texto: Alfredo Rodríguez

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Agenda abril 2018 2

5 jueves

Brett Dennen Cooncert Machine Head La Riviera | Madrid

lunes

Brett Dennen Moby Dick Club | Madrid Machine Head Custom | Sevilla

martes

6 viernes

Garden City Movement + GANGES Moby Dick Club | Madrid Machine Head París 15 | Málaga

miércoles

Chelou El cantante y guitarra Chelou actuará los días 5 y 6 de abril en Madrid (CostelloClub) y Barcelona (La Nau), respectivamente. Será el encargado de inaugurar el nuevo ciclo de conciertos New Blood, propuesta musical que traerá a nuestro país la mejor música emergente. En el caso del joven británico presentará algunas de sus logradas canciones que están dando mucho que hablar como ‘Halfway To Nowhere’ y ‘Damned Eye See’. Mezclando sonidos acústicos con electrónicos, recibió grandes críticas en el Eurosonic Noorderslag Festival en Groningen.

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Agenda | Abril 2018

6 viernes

7 sábado

8 domingo

9 lunes

Apocalyptica Teatro Tívoli | Barcelona Eleanor Friedberger Costello Club | Madrid Jacob Sartorius La Riviera | Madrid

martes

Honeymoon Disease Lata de Zinc | Oviedo La Pegatina Kafe Antzokia | Bilbao Sidonie Sidecar | Barcelona

miércoles

12 jueves

13 viernes

[35]

Apocalyptica Teatro Nuevo Alcalá | Madrid Boogarins X | Sevilla Jacob Sartorius Razzmatazz 2 | Barcelona Jonathan Wilson Razzmatazz 3 | Barcelona

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Agenda | Abril 2018

13 viernes

14 sábado

Amy MacDonald Seguramente la conocerás por su single ‘This Is The Life’ que la hizo famosa hace unos años pero la escocesa Amy MacDonald sigue desarrollando su carrera musical con nuevas canciones. En su nueva visita a nuestro país la cantante y guitarra presentará en directo su último trabajo Under Stars (Universal Music, 2017), largo formado por once nuevas canciones donde el popfolk acompañará a su portentosa voz. Podrás verla los días 14 y 15 de abril en Madrid (La Riviera) y Barcelona (Razzmatazz), respectivamente.

14 sábado

[37]

15 domingo

lunes

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Agenda | Abril 2018

17 martes

18 miércoles

19 jueves

20 viernes

20 viernes

[39]

21 sábado

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Agenda | Abril 2018

22 domingo

27 viernes

Arcade Fire + Preservation Hall Jazz Band WiZink Center | Madrid Tender Costello Club | Madrid

martes

Arcade Fire Los canadienses Arcade Fire son, casi con total seguridad, uno de los grupos más interesantes de los últimos quince años. Su quinto LP Everything Now (Columbia, 2017) no recibió las mejores críticas de su discografía pero encierra unas canciones auténticas. Incomparables en directo, la banda liderada por Win Butler y Régine Chassagne siguen llenando salas y pabellones en todo el mundo, además de encabezando los mejores festivales cada temporada. No te pierdas sus shows en Barcelona (Palau Sant Jordi) y Madrid (WiZink Center) los días 21 y 24 de abril porque darán mucho que hablar.

25 jueves

sábado

Jekka Costello Club | Madrid Los Deltonos El Sol | Madrid Tender La Nau | Barcelona

miércoles

C. Tangana + Sticky M.A La Riviera | Madrid Editors Razzmatazz | Barcelona Polock Gran Café | León Trau Sidecar | Barcelona

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29 domingo

30 lunes

19 · 20 · 21 · 22 JULIO

JUSTICE TWO DOOR CINEMA CLUB BASTILLE · IZAL · MADNESS THE VACCINES · THE KOOKS CATFISH AND THE BOTTLEMEN BELLE & SEBASTIAN · J HUS DORIAN · JESSIE WARE WOLF ALICE · SLEAFORD MODS PARQUET COURTS · PRINCESS NOKIA

EVERYTHING EVERYTHING · TUNE-YARDS NOTHING BUT THIEVES · NATHY PELUSO · RUSOS BLANCOS HUDSON TAYLOR · THE MAGIC GANG · SHAME MELENAS · JUANITA STEIN · TERRY VS. TORI + MUCHOS MÁS

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