Subasta de Arte Latinoamericano by Morton Subastas

Lote 3 78

Lote 101

Lote 96

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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet

DIRECTORIO

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Presidente Luis C. López Morton

eorozco@mortonsubastas.com Directora General Vivian Gorinstein vgorinstein@mortonsubastas.com Director General Adjunto Eduardo López Morton emorton@mortonsubastas.com Gerente de Administración y Finanzas Rosalía Madrigal rmadrigal@mortonsubastas.com Director General de Adelantos Andrés López Morton amorton@mortonsubastas.com Gerente de Autos y Camiones Aída Alanís Lara aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades Antonio López Morton Arte Moderno y Contemporáneo Sofía Duarte Obra Gráfica Diana Álvarez Fotografía Marcela Mena Joyería y Relojes Alejandra Rojas Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz Vinos de Colección y Uso Diario Abril Rodríguez Oportunidades. Cerro de Mayka Miranda Ibañez Oportunidades. Sadi Carnot Alberto Flores Herencias y Colecciones Javier López Morton Monterrey Representante ︱ Samuel Campillo Coordinación General ︱ Yólika Sáenz Coordinación de Administración ︱ Daniela Palafox Guadalajara Shantal López París Carlos Millán

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Sofía Duarte

Coordinadora de Contenidos Odette Paz

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $18.50 (dieciocho pesos 50/100 M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Diario Oficial de la Federación. De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Morton Subastas, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Rosalía Madrigal: rmadrigal@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3390. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días). Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Odette Paz | opaz@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 3394

Especialista

Constanza Infante

Catalogadora

María Fernanda Serrano

Atención a Clientes Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com 6

mortonsubastas.com

Subasta de Arte Latinoamericano Salón Candiles del Club Naval Norte Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

j u e v e s 14 d e n o v i e m b r e d e l 2019, 7:00 p . m . Nos complace invitarle al cocktail, el martes 12 de noviembre a partir de las 7:00 p.m. EXPOSICIÓN Sábado 9 y domingo 10 de noviembre de 11:00 a.m. a 2:30 p.m. Lunes 11 al miércoles 13 de noviembre de 10:00 a.m. a 6:30 p.m. Salón Candiles del Club Naval Norte

INFORMES Ana Segoviano Tel. (55) 5283 3140 ext. 3146 asegoviano@mortonsubastas.com

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE Citas: Constanza Infante Tel. (55) 5283 3140 ext. 3384 • cinfante@mortonsubastas.com

PORTADILLA: Lote 83 PORTADA: Lote 46 CONTRAPORTADA: Lote 47

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas monumentos históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

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¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala. 6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00

INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

•

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

•

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

•

De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

•

Compras por debajo de $50,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones. RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Lunes 18 de noviembre de 9:30 a.m. a 6:30 p.m. Martes 19 de noviembre de 9:30 a.m. a 6:30 p.m Miércoles 20 de noviembre de 9:30 a.m. a 6:30 p.m Jueves 21 de noviembre de 9:30 a.m. a 6:30 p.m Viernes 22 de noviembre de 9:30 a.m. a 6:30 p.m Si no son recogidas en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva. A partir del sexto día deberán recogerse en Av. Constituyentes 910, Lomas Altas.

LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia. Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.

Lote 71

Lote 66

“Todo descubrimiento es un deseo, y todo deseo, una necesidad. Inventamos lo que descubrimos; descubrimos lo que imaginamos. Nuestra recompensa es el asombro”. Carlos Fuentes, La gran novela latinoamericana.

La Subasta de Arte Latinoamericano de Morton Subastas no es solo un foro en el que se reúnen las piezas más selectas de importantes artistas de México y toda América Latina, es también la oportunidad de descubrir obras que durante años o décadas han permanecido en acervos particulares y que quizá no tendremos oportunidad de admirar, estudiar y permitir que nos asombren en otro contexto. Semestre con semestre, los coleccionistas más apasionados esperan este catálogo que durante meses nuestras especialistas se esmeran tanto en preparar y poner en sus manos; pero no son solo ellos quienes lo hacen, también es un deleite para los especialistas, curadores, historiadores e investigadores que descubren en las obras contenidas en estas páginas conocimiento y eslabones que muchas veces desconocíamos de los artistas que han legado su lenguaje al desarrollo de nuestra cultura. Un ejemplo es la obra de la portada, una exquisita pintura al óleo de Ángel Zárraga que representa una vista de su estudio, con él mismo trabajando y una modelo, permitiéndonos adentrarnos en un momento tan íntimo como lo era su proceso creativo. Otro caso es “Le livre de chevet” de Leonora Carrington, obra que a partir de su hallazgo en esta subasta ha sido solicitada para una muestra de la artista que se presentará en Dinamarca en el 2020, de modo que el coleccionista que la adquiera tendrá la opción de prestarla para este fin, si así lo desea. Destacan también los biombos de los representantes de la generación de La Ruptura: Fernando García Ponce y Vicente Rojo, piezas de grandes dimensiones y formato no convencional en las que la propuesta de ambos artistas está latente. El recorrido de Latinoamérica que podemos hacer en esta muestra abarca México, Argentina, Uruguay, Perú, Costa Rica, Cuba, Venezuela, Colombia, Chile, Ecuador y Guatemala, a través de la obra de autores como Aldo Chaparro, Ignacio Iturria, Francisco Corzas, Claudio Bravo, Rufino Tamayo, Sergio Hernández, Oswaldo Guayasamín y Fernando de Szyszlo. En la exposición podrá disfrutar de los distintos matices de las 215 obras que conforman esta subasta, si requiere asesoría, nuestras especialistas le podrán guiar a través de este maravilloso mapa artístico de nuestro continente.

Morton Subastas

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) Air Mexicain, 1952

RUFINO TAMAYO

Sin firma Óleo y tinta sobre papel 22.5 x 16.3 cm Con constancia de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, marzo del 2019. $500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $27,030-$32,440

RUFINO TAMAYO

Sin firma Óleo y tinta sobre papel 22.5 x 16.3 cm Con constancia de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, marzo del 2019. $500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $27,030-$32,440

Estas obras son las pinturas previas de las litografías realizadas por el artista en 1952, las cuales ilustran el poema “Air Mexicain” escrito por Benjamin Péret en el verano de 1949. Benjamin Péret fue un destacado poeta francés quien, junto con André Bretón y Paul Élouard, entre otros, co-firmó el primer manifiesto surrealista en 1924. Fue el único entre los promotores del movimiento que permaneció fiel a este hasta su muerte. Huyendo de la guerra en Europa, viajó a México en 1941 junto con su esposa, la pintora Remedios Varo, y otros intelectuales de la época. El poeta describía el inicio de este periodo como complicado, pues además de su dificultad para adecuarse a la altitud de la Ciudad de México, vio la cultura mexicana como poco descifrable, resistente al cambio, cerrada. Aunado a esto, su situación económica y sus ideas políticas, hicieron que Péret no se sintiera bien recibido. Fue hasta 1945, al hacer un viaje en solitario a Chichén Itzá, donde pudo descubrir la magia de la cultura mexicana y logró establecer un diálogo entre los orígenes de la civilización maya y su tan amado surrealismo. En 1949, ya de regreso en su país de origen, escribió “Air Mexicain”, poema épico ilustrado por Rufino Tamayo que funciona como una suerte de reconciliación con un país con el que tuvo una relación turbia. Fuente consultada: SÁNCHEZ, Héctor Antonio. “Un aire más puro: itinerario de Benjamin Péret”. México. UAM-Revista Casa del Tiempo, sección Profanos y grafiteros, volumen II, época V, número 15, abril del 2015.

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) Air Mexicain, 1952

RUFINO TAMAYO

Sin firma Óleo y tinta sobre papel 22.5 x 16.3 cm Con constancia de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, marzo del 2019. $500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $27,030-$32,440

RUFINO TAMAYO

Sin firma Óleo y tinta sobre papel 22.5 x 16.3 cm Con constancia de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, marzo del 2019. $500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $27,030-$32,440

“El pájaro mago nacido todo armado de la virgen a la falda de las serpientes empuja una chispa sus cuatrocientos enemigos excitados por los pecados de la terca oscuridad renacida mientras el ojo se abre y se cierra de su cadáver siempre dispuesto a acosarlo…”. Benjamin Péret, Air Mexicain.

VÍCTOR CHA’CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - ) Elefantes

Firmado Óleo y arena sobre tela 140 x 150 cm Cuando Víctor Orozco nació, su madre dijo: “nació un cha’ca (pájaro carpintero)”, al ver que se trataba de un varón, esa historia quedó grabada en el artista, quien decidió retomar la anécdota para conformar su nombre. Con los años Víctor Cha’ca se ha conformado como uno de los artistas oaxaqueños más aclamado y representativo de su generación. Al contemplar su obra el espectador puede visualizar el imaginario del artista, lleno de cualidades fantásticas que denotan aspectos mitológicos y criaturas de otros mundos y espacios culturales, como los nahuales, tema que el propio artista gusta compartir como una historia: “Salen en la noche, en pareja para transformarse en animales y jugar entre ellos, juegos eróticos, eso se dice en Juchitán, antes del amanecer vuelven a su estado normal como si fueran brujos”. A lo largo de su carrera ha participado en decenas de exposiciones individuales, destacando la Casa de la Cultura de Juchitán, la Casa de la Cultura de Tabasco, el Museo de los Pintores Oaxaqueños y la Galería del Estado de Xalapa, así como en la Alianza Francesa de Polanco y la Galería del Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Fuente consultada: MATÍAS, Pedro. “El artista plástico zapoteca Víctor Cha’ca inaugura Génesis en Oaxaca”. México. Proceso, sección Cultura y Espectáculos, mayo del 2017.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,160-$3,250 20

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Alicia en el país de las maravillas

Firmada y fechada 2018 al reverso Gouache, acuarela, tinta y lápiz de grafito sobre papel sobre lino 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2018. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Presenta ligeros detalles de conservación. “Todo lo que he ido recolectando en la literatura, en los hallazgos visuales, en las experiencias de la arquitectura, de las vivencias del amor, de la misma vida, me da como resultado un resumen de energía que se refleja en esas obras que son intensas, a la vez que efímeras, pues están hechas con gestos, porque no están tan meditadas”. Sergio Hernández. Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Sergio Hernández da vida a un diario personal a partir de la entomología”. México. La Jornada, sección Cultura, 21 de septiembre del 2005.

$450,000.00-$600,000.00 M.N. USD $24,330-$32,440

TIBURCIO ORTIZ

(Santa Catalina Chinango, Oaxaca, 1945 - ) El llamado del caracol

Firmada y fechada 2019 Escultura en bronce I/V en base de madera 102 x 40.5 x 29 cm medidas totales con base Su interés por las artes plásticas se manifestó desde que era un niño, pues construía sus propios muñecos y copiaba las estampas revolucionarias del maestro Alberto Beltrán. Años más tarde, en la Ciudad de México ingresó al ejército y al taller de la misma institución, donde hacía prótesis para manos y ojos, así como bustos de los personajes destacados de la historia de la patria. El encargado del taller, quien estudió en la Academia de San Carlos recomendó a Tiburcio Ortiz para que entrara a estudiar formalmente escultura. Ahí aprendió con maestros como Manuel Silva Guerrero, Alberto de la Vega y Elizabeth Catlett, quienes le enseñaron a simplificar las formas con pocos recursos. Una vez terminados sus estudios, se desempeñó en la docencia, siendo maestro destacado del taller de escultura de la Academia de San Carlos, así como en los Talleres Libres de Artes Plásticas Universidad Obrera de México y en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Benito Juárez de Oaxaca. También ejerció como diseñador de prototipos para producción seriada de cerámica en el Centro Artesanal de Lerma, ubicado en el Estado de México. “Tiburcio Ortiz, al modo de un monje que vive su ministerio en la creación de universos fantásticos, se dedica a rescatar las formas ancladas en el corazón de estos materiales duros [...] Primero escucha y después dialoga con esos gajos de mineral, ofreciéndonos una alteración dinámica de la figura humana, capaz de convivir con paisajes míticos y muestras de la flora y la fauna de su entorno”. Luis Ignacio Sáinz. Fuente consultada: SÁINZ, Luis Ignacio et ál. Tiburcio Ortiz. Piedra-raíz. San Luis Potosí. Museo Federico Silva Escultura Contemporánea, 2016, Pág. 50.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,900-$16,220

FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - ) Altamar

Firmada y fechada 59 Acuarela sobre papel 93.5 x 69 cm Exhibida en: “Francisco Toledo”, primera muestra individual del artista presentada en la Galería Antonio Souza en la Ciudad de México, 1959. Con etiqueta de Galería Antonio Souza. Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del papel. Su verdadero nombre era Benjamín, pero al conocer a Antonio Souza en la Ciudad de México, el galerista sugirió cambiárselo a Francisco. Habiendo pasado su infancia entre Oaxaca y Veracruz, se trasladó a la capital del país, donde aprendió el oficio de litógrafo en el taller de grabado de la Escuela de Artes y Artesanías. En 1959, expuso en la Galería Antonio Souza en México y en el Forth Worth Art Center en Texas. Obtuvo una beca a finales de la década de los 60 para ir a Francia, donde vivió durante cinco años. Ahí estudió el trabajo de Pablo Picasso, Marc Chagall y Paul Klee, sin embargo, el impacto que estos

artistas tuvieron en su trabajo fue superficial y prefirió enfocarse en la cultura visual y materiales de su natal Oaxaca. Fue también en Francia donde conoció y trabajó con Rufino Tamayo, quien fue una gran inspiración. Su obra siempre estuvo marcada por las creencias y ritos del istmo mexicano. Mostró siempre un sentido de lo fantástico maravillosamente desarrollado al crear criaturas antropomórficas que son a la vez monstruosas y lúdicas, incluyéndolas no solo en sus pinturas, sino en sus papalotes, libros de artista, máscaras y joyería. Multifacético, además de ser el prestigiado artista y exponer en Tokio, Oslo y Buenos Aires, fue un activista y mecenas que patrocinó infinidad de proyectos y organizaciones sociales, haciéndolo un actor clave para la protección del patrimonio artístico y cultural de Oaxaca.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 332 y en FLORES OLEA, Víctor. “Francisco Toledo: un guiño a donde quiera que esté”. México. La Jornada, sección Política, 9 de septiembre del 2019.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730 23

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - ) Peregrinos

Firmada y fechada 89 Acuarela sobre papel 55 x 76 cm Javier Arévalo es un conocido artista jalisciense cuya obra se caracteriza por el realismo mágico. Estudió en la Escuela de Arte y Letras de Guadalajara, en la Academia de San Carlos y años después ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde estudió con el pintor Antonio Rodríguez Luna. En 1966 fue aceptado como miembro del Salón de la Plástica Mexicana y en 1970 fue ganador del primer premio en la Bienal de Tokio. Junto con Francisco Toledo y José Luis Cuevas, los críticos de arte lo consideraron en la década de los 70 como un notable dibujante. Para él, lo más importante en su pintura es la firmeza y perfección de los trazos y el poder de capturar la esencia mágica de cada lugar que visita. Su obra ha sido expuesta de manera individual y colectiva en galerías e instituciones culturales de México, Estados Unidos, Canadá, Chile, Francia, Argentina, España, Costa Rica y Colombia. Actualmente, obras suyas pertenecen a los acervos de importantes museos, como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, Museo de Arte de Nagaoka de Japón y en los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, Lugano, Suiza y Zaragoza, España. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 100 y “El arte, una gran aventura: Javier Arévalo”. México. Informador, sección Cultura, 21 de marzo del 2011.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,980-$3,790 24

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - ) Sin título

Firmado y fechado 2005 Relieve en madera policromada 94 x 124 x 2.5 cm “A la pintura llegué más tarde porque el dibujo es la parte más primaria del ser humano. Desde niño hice muchas cosas, tenía mente de científico y la sigo teniendo […] Creo, que ser artista, es sinónimo de libertad y creación. Eso es ser artista. El que no inventa, el que no aporta, ese no es artista, y en este mundo hay muchos artesanos que son verdaderos artistas. Que no dé miedo cambiar. A mí no me inquieta eso, tomo la vida al revés, jamás he andado atrás de lo económico, yo pinto. Con el tiempo he descubierto tantas posibilidades de inventar y uno va adquiriendo conocimiento y sabiduría. Pude adquirir mucho conocimiento, pero esencialmente lo que no dejo es mi intuición y algo más que la intuición: el instinto. Se puede tener mucho conocimiento pero sin la intuición o el instinto, uno no inventa”. Javier Arévalo. Fuente consultada: LÉSPER, Avelina. “Javier Arévalo”. México. Colección Milenio Arte.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,410-$9,730

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Habanera

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 113 x 70 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio del 2019. Julio Chico descubrió su vocación artística desde pequeño, formándose en la Academia de San Carlos y posteriormente en el Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas del INBA, donde participó en la restauración de pinturas y murales. Su amplio dominio plástico y conocimiento artístico lo ha caracterizado como un pintor que se aventura no sólo en la técnica sino que también en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. 26

Es fundador de talleres de impresión para grabado, ha participado como jurado en concursos de pintura, ha sido miembro del Salón de la Plástica Mexicana y ha obtenido diversos reconocimientos y premios internacionales como la Mención Honorífica en la Bienal de Maracaibo en Venezuela. Actualmente sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos, como el Salón de la Gráfica del Museo de Sofía, en Bulgaria, el Museo de Arte de Querétaro y el Museo de Arte Moderno de Toluca. Fuente consultada: blog del artista http://juliochico.blogspot.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Espantapájaros

Firmado al frente. Firmado y fechado 2019 al reverso Óleo sobre tela 100 x 71 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2019. “Para él, la forma y el ritmo, es como gran música que está hecha de sonidos y silencios armonizados y se llega a la perfección al fundirse. No hay letra, únicamente sonidos, silencios y armonía, esa es la gran música. Julio Chico reconoció que no tiene propiamente un objetivo: ‘no estoy pensando en enviar ningún mensaje cuando pinto o hago escultura, tampoco estoy tratando de que la gente sienta todo, sino que simplemente me sumerjo en lo más profundo de mi ser y expreso esas simbologías. No estoy preocupado o pensando qué voy a hacer, simplemente ‘buceo’ dentro de mí y las cosas se van dando’”. Enrique Sancho. Fuente consultada: “Pecados y Virtudes, lo nuevo del artista mexicano Julio Chico”. México-España. Sin Embargo, sección Redacción, 26 de febrero del 2015.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,060-$5,410 27

JULIO MARTÍNEZ BARNETCHE (Ciudad de México, 1974 - ) Pato, de la serie Colores, 2015

Firmada Escultura en talla directa en mármol blanco y serpentina, pieza única 21 x 49 x 19 cm Con certificado de autenticidad del artista. Esta obra pertenece a la serie “Colores”, realizada por el artista con el objetivo de trabajar con la combinación de dos piedras diferentes, de colores diferentes, siendo su principal inspiración los cuarzos y el ágata de Brasil. Julio Martínez Barnetche es un prolífico escultor mexicano cuyo material principal de trabajo son las piedras preciosas y semipreciosas, madera y metales, además realiza escultura de gran formato, muebles, joyas y objetos utilitarios de cocina y mesa. Inició sus estudios en Diseño Industrial en la UAM de la Ciudad de México, posteriormente en 1999 decidió crear su propio taller de escultura en piedra en Zacualpan de Amilpas, Morelos, conocido como Taller C. Tlasahuates, el cual se convirtió en un centro de enseñanza, diseño y producción de obra artística y objetos de uso cotidiano. A partir del 2000 viajó por Puebla, Guerrero, Morelos y Querétaro para visitar talleres lapidarios con los cuales creó un intercambio de conocimientos de talla directa sumamente enriquecedor. Años más tarde, con toda su experiencia, presentó “Mares Pétreos”, muestra exhibida en el Palacio de Minería de la Ciudad de México con gran éxito. “La unión estética de los materiales es para siempre una danza entre tensión y armonía, permanente y transitoria, suave y dura”. Julio Martínez Barnetche. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,810-$16,220

GERMÁN CUETO

(Ciudad de México, 1893 - Ciudad de México, 1975) Sin título

Firmado y fechado 58 Acrílico sobre lámina de hierro 10.7 x 15.3 cm Procedencia: perteneció a la colección de la familia Obregón Santacilia. Presenta ligeros desprendimientos de capa pictórica y detalles en las orillas. Estudió en la Academia de San Carlos en 1918 la cual abandonó por encontrar la enseñanza convencional decepcionante y decidió formarse por su cuenta, en medio de la corriente nacionalista promovida por José Vasconcelos, con la cual no se sintió identificado. Posteriormente viajó a París, en donde formó parte del grupo Cercle et carré (Círculo y cuadrado), integrado por artistas que hicieron una experimentación hostil al surrealismo, además de investigar los lenguajes geométricos y constructivos. A su regreso a México, se casó con Lola Cueto y se dedicó a la escultura abstracta. Experimentó con materiales diversos como piedras, esmaltes, madera, óleo y cemento, e incursionó en otras disciplinas artísticas como música, danza y teatro, donde hizo máscaras para distintas obras. Junto con Manuel Maples Arce, Leopoldo Méndez y Fermín Revueltas, formó parte del movimiento Estridentista, el cual, además de romper con los conceptos tradicionales de la estética mexicana, constituyó una rebelión contra el orden social de la época. Entre sus esculturas monumentales destaca El Corredor, la cual forma parte de la Ruta de la Amistad, realizada para los Juegos Olímpicos en la Ciudad de México en 1968. Fuente consultada: “Germán Cueto, escultor moderno, audaz, cosmopolita y excéntrico”. México. Secretaría de Cultura, sección Prensa, 13 de octubre del 2015.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,160-$3,250

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmado y fechado 60 Óleo sobre tela 19.5 x 35 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. En 1951, Esperanza Coronel, su hermana, contrajo nupcias y se instaló en la Ciudad de México. Rafael siguió al joven matrimonio para vivir en la capital e inscribirse en la Facultad de Arquitectura de la UNAM. En 1952 recibió el primer premio del Concurso de Artes Plásticas realizado por el Instituto Nacional de la Juventud Mexicana, que le otorgó una beca por la que estaba obligado a matricularse en La Esmeralda. Ahí tomó clases con Carlos Orozco Romero y entabló amistad con Francisco Corzas. Recomendado por Carlos Mérida conoció a Inés Amor y realizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano en 1956. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 282.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmado y fechado 60 Óleo sobre tela 19.5 x 35 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019.

Fuente consultada: MATEOS-VEGA, Mónica. “Murió Rafael Coronel; con su pincel visibilizó a ‘las personas marginales’”. México. La Jornada, sección Cultura, 8 de mayo del 2019.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

“Fuimos un grupo de pintores diferentes a lo que estaban acostumbrados en México: Julio Castellanos, Antonio Ruiz ̒ El Corcito ̓ y mi gran amigo Francisco Corzas. El país ya tenía artistas del tamaño de los grandes muralistas, que por cierto equivocadamente creían que el mural era la mayor expresión de la pintura. No es cierto, una obra maestra puede ser reducida o enorme”. Rafael Coronel.

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmado y fechado 60 Óleo sobre tela 19.5 x 35 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Presenta ligeras craqueladuras. $90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

“Los caballitos de Chucho Reyes nos remiten a los de cartón, de carrusel: creaciones artesanales de la fantasía popular, de colores extravagantes que semejan la piel de una jirafa o a una lluvia de estrellas sobre el lomo del animal”. Lily Kassner.

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Caballito de madera

Sin firma Caballito de madera de un carrusel italiano del siglo XIX, intervenido por el artista 100.5 x 170 x 35 cm Publicado en: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. Japón. Editorial RM, México MMI, 2000, Pág. 119. Presenta detalles de conservación. La producción artística de Chucho Reyes estuvo inspirada en múltiples símbolos de la cultura popular mexicana. Detalladamente, sus obras cubren un carácter lúdico y ritual que las distingue, haciéndolas únicas y originales. Fue un pintor, escultor y anticuario en búsqueda de nuevas soluciones estéticas, siempre acostumbrado a preparar sus propias pinturas. Gustaba pintar temas de carácter festivo, particularmente flores, gallos y caballos, los cuales están intencionalmente deformados para remitir a los caballitos de madera y de cerámica de la cultura popular mexicana. No obstante, estas figuras no solo se quedaron pintadas en soportes como cartones y papeles de china, sino que también los llevó a la realidad, interviniendo piezas de principios del siglo XIX con colores llamativos, rosas, verdes y azules que desprenden su esencial carácter folklórico. Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. Japón. Editorial RM, México MMI, 2000, Pág. 117 y en SAAVEDRA, Mario. “La magia estética de Chucho Reyes”. México. Revista Siempre, 21 de mayo del 2011.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,250-$4,330

HORACIO RENTERÍA

(Durango, 1912 - Ciudad de México, 1972) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 60 x 46 cm Presenta mínimo detalle de conservación. Después de que el anticuario Agapito Engel le encargara hacer retratos pintados a la manera de José María Estrada para un proyecto que tenía en mente, Horacio Rentería tomó como modelos a sus hijos y los plasmó al óleo utilizando fondos cien por ciento mexicanos, ataviándolos con ropas elegantes, sin olvidar sus pertenencias más queridas como podían ser sus juguetes o mascotas. Es en este momento cuando su carrera despegó ya que dichas pinturas causaron sensación entre los demás pobladores, por lo que comenzaron a acudir a él con múltiples pedidos llevando fotografías de sus hijos para que el afamado pintor les inmortalizara con su peculiar técnica. $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,710-$3,790 33

FANNY RABEL

(Lublin, Polonia, 1922 - Ciudad de México, 2008) El misterio

Firmado y fechado 1965 Acrílico sobre tela 120 x 86 cm Con documento del Salón de la Plástica Mexicana, Instituto Nacional de Bellas Artes, firmado por Lourdes Chumacero, noviembre de 1965. Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana-Instituto Nacional de Bellas Artes. Como alumna de Frida Kahlo, su enseñanza fue plenamente nacionalista con posturas ideológicas, políticas y sociales. Fue contratada por Diego Rivera para pintar en el Palacio Nacional y por David Alfaro Siqueiros para decorar los muros del Sindicato Mexicano de Electricistas. 34

También fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana y trabajó en el Taller de Gráfica Popular. Su obra ha sido definida como poético surrealista, enfocada al aspecto humano. “En los cuadros y grabados de Fanny Rabel hay rostros inconfundibles de niños mexicanos. Esos rostros tienen expresiones que no se sabe si son el preámbulo de una risa furtiva o acaso van a descomponerse en llanto. Es el niño mexicano hijo de generaciones que no han conocido más realidad que la inicua explotación; esos rostros de millones de niños nacidos en las capas pobres de nuestra sociedad, las de clase obrera y campesina a lo largo y ancho del país”. Raquel Tibol. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 102 y en TIBOL, Raquel. “Algo sobre Fanny Rabel”. México. La Jornada, sección Semanal, 20 de mayo del 2007.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,900-$16,220

JUAN O’GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982) Niño sentado

Firmado y fechado 1966 Lápiz de grafito y carboncillo sobre papel. La pieza se encuentra barnizada 47 x 28 cm Con dedicatoria: “Para el Sr. Lic. D. Manuel Gómez Morín con todo afecto”, firmada y fechada diciembre 24 de 1966. Juan O’Gorman fue un destacado arquitecto funcionalista y sobresaliente pintor, quien impulsó importantes proyectos dentro del país. Fue un progresista, con ideas revolucionarias y espíritu rebelde, además de un asiduo muralista, práctica que emprendió en 1924 pintando las paredes de tres pulquerías de la Ciudad de México. En los dibujos y bocetos que realizaba se pueden apreciar los contornos y detalles previos a los proyectos de caballete y murales. Su producción pictórica reflejaba siempre inquietudes sociales y nacionalistas, y su visión siempre estuvo comprometida con su tiempo y circunstancia.

Fuentes consultadas: VALLARINO, Roberto et. ál. Juan O’Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, pp. 77 y 94.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,330-$5,410 35

GERARDO LIZÁRRAGA

(Pamplona, España, 1905 - Ciudad de México, 1982) Sin título

Firmado Óleo sobre madera 65 x 60 cm Inicio sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, donde conoció a Remedios Varo, su primera esposa. Contrajeron matrimonio en 1930, época en la que vivieron en París, ciudad en la que estudió con gran ímpetu el movimiento cubista; posteriormente se trasladaron a Barcelona donde vivió intensamente el clima político y creativo, trabajando como director artístico de la empresa publicitaria Walter Thompson Company, entrando así en contacto con el mundo del cine, la ópera y el teatro. Tras la Guerra Civil Española y el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial se separó de Remedios Varo y se convirtió en director artístico de la Office International de Publicité et Édition. En 1942 organizó una exposición individual en Montecarlo, para después abandonar Francia e irse como refugiado político-cultural a México, país donde estrecho grandes amistadas y fortaleció su carrera artística realizando además de pintura de caballete, una serie de grabados, carteles litográficos y algunos trabajos escenográficos. En casi toda su obra es reconocible la influencia de los artistas y movimientos parisinos, combinado con un estilo de dibujo personal y libre que hace que los colores se mezclen y dividan en el lienzo, creando una ilusión lumínica muy particular. Fuente consultada: CORTÉS SÁDABA, María José. Gerardo Lizarraga Istúriz. España. Real Academia de la Historia.

$30,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,630-$2,160

ALFONSO X. PEÑA

(Ciudad Victoria, Tamaulipas, 1903 - Cuernavaca, Morelos, 1964) Baile tradicional

Firmada y fechada París 1936 Acuarela sobre papel 63.5 x 84 cm Presenta detalles de conservación. De familia con grandes inclinaciones artísticas, Alfonso X. Peña inició su carrera como caricaturista en el periódico “El Mundo” de Tampico, Tamaulipas y posteriormente se trasladó a la Ciudad de México para ingresar en la Academia de San Carlos. En búsqueda de mejores oportunidades, migró a Nueva York para concluir sus estudios. Fue durante esa época donde perfeccionó su técnica del dibujo y su habilidad en el manejo cromático. Después viajó a Europa, en donde realizó la mayor parte de su obra. En esa época, hubo un especial interés por el folklore mexicano en el extranjero, mismo que Alfonso X. Peña aprovechó para adecuar su obra a la idealización estereotípica del país. En sus murales, acuarelas y óleos, se muestran escenas con campesinos, indígenas, paisajes bucólicos y fiestas pueblerinas, las cuales fueron bien recibidas por el público europeo. Esto lo hizo obtener comisiones oficiales para pintar murales en París, Los Ángeles y Caracas, así como importantes exposiciones en Italia y Francia. En 1950 recibió la medalla José Clemente Orozco y siete años después obtuvo la medalla de oro como muralista en la Exposición Internacional de París. Fuentes consultadas: QUINTANAR, Beatriz. “Alfonso X. Peña, pintor y bohemio de corazón”. México. Revista Tips de Aeroméxico, No. 30, primavera de 2004 y en CRUZ PORCHINI, Dafne. “Alfonso X. Peña: pintor mexicano”. Houston. ICAA Museum of Fine Arts Houston, sección Documents of 20th-century Latin American and Latino Art.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,790-$5,410

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) En la cocina

Firmado Óleo sobre masonite 24 x 33 cm Fue un sobresaliente pintor madrileño, virtuoso del color, excelente dibujante y cartelista, arduo representante de la norma estética y promotor de temas costumbristas nacidos en dos continentes, pues sus múltiples viajes a causa del exilio por guerras, le ampliaron el panorama plástico. Además de ejercer la profesión de pintor, fungió como director de la revista “No Veas”, fue un destacado delegado del Congreso Internacional de Pintores y Escultores, así como presidente del Círculo de Bellas Artes de México. A lo largo de su carrera participó en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales y fue galardonado con diversas distinciones, destacando en 1934 la segunda medalla en la Nacional de Bellas Artes, tres años después con el primer premio de carteles en el concurso convocado por la Cámara Oficial del Libro y 1961 fue honrado en el Salón de Otoño y en 1964 por el Arts, Sciences et Lettres de Francia. Fuente consultada: sitio oficial del Museo del Prado www.museodelprado.es

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,790-$5,410

ALFONSO X. PEÑA

(Ciudad Victoria, Tamaulipas, 1903 - Cuernavaca, Morelos, 1964) Mercado rural

Firmada y fechada París 36 Acuarela sobre papel 49.5 x 69 cm Presenta mínimos detalles de conservación. Alfonso X. Peña fue un destacado pintor, dibujante y muralista mexicano, cuya obra se destaca por describir la vida mexicana, pues cualquiera que contemple su trabajo se puede atrever a afirmar que detrás de esas imágenes se encuentra un creador latino, o asegurar la autoría de un artista mexicano, debido a la gran cantidad de atributos de estilo nacionalista, además de contener la visión romántica promovida por José Vasconcelos, el entonces Secretario de Educación. Su actividad profesional como pintor fue corta, sin embargo la fotografía se convirtió en su actividad artística formal. Fue en la década de los 40 cuando trabajó en numerosas revistas de circulación nacional como “Revista de Revistas”, “La Prensa”, “Sucesos y Hoy”, entre otras. Esta práctica hizo que su dibujo se perfeccionara ya que al captar las imágenes con una lente fotográfica, lograba apreciar con detenimiento los detalles de una escena, en especial los retratos de mujeres, imágenes que fueron ocupadas en ocasiones para ser publicadas en los calendarios de Galas de México. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Compendio de creadores mexicanos. Tomo 113. México. Promoción de arte mexicano, 2011, pp. 22 y 23.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,710-$3,790

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Mujeres en el puerto

Firmado Óleo sobre tela 97 x 130 cm José Bardasano creó un arte entre guerras, donde sus carteles se utilizaron como instrumentos revolucionarios y de propaganda. No obstante, su llegada a México fue transcendental para ampliar su conocimiento cultural ya que se identificó con las ideas del muralismo mexicano; sin embargo, siempre optó por un camino propio, pues su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española sobreponiéndose a todas las influencias. Fue así, que tras su inconfundible estilo realista, realizó una larga serie de obras de retratos, paisajes y bodegones, así como temas costumbristas y festivales latinos con personajes pertenecientes a la vida moderna pero con un estilo clásico europeo digno de su formación. En su momento, su producción alcanzó un gran reconocimiento y su prolífica carrera ha traspasado los años; actualmente se le han realizado diversas exposiciones en importantes instituciones y museos, como las montadas el Museo Carmen Thyssen Málaga y el Museo del Prado en Madrid, España. Además, su obra forma parte de destacadas colecciones públicas y privadas de galerías y museos de países de Europa, América y Asia. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 106 y en sitio oficial del Museo Carmen Thyssen de Málaga www.carmenthyssenmalaga.org

$550,000.00-$800,000.00 M.N. USD $29,730-$43,250

GUILLERMO RUIZ

(Real de Catorce, San Luis Potosí, 1894 - México,1965) Antonieta Rivas Mercado

Firmada Escultura en bronce 47 x 35.5 x 25 cm En 1912 se mudó con su familia a la Ciudad de México, donde estudió en la Academia de San Carlos. Años más tarde, gracias a una beca logró viajar a Europa para complementar su formación, visitando España, Italia y Francia, siendo París la ciudad en la que aprendió el trabajo en piedra, realizando así sus primeras esculturas de pequeños formatos con influencias del Art Nouveau; justamente fue por una pieza en mármol de aquella época por la cual fue acreedor a un premio en la Exposición Americana. A su regreso a México, fundó la Escuela de Talla Directa gracias al apoyo de José Vasconcelos, entonces Secretaria de Educación. Esta institución representó el impulsó más coherente de la escultura moderna en México; además solo fue cuestión de tiempo para que este organismo se convirtiera en lo que hoy conocemos como La Esmeralda, de la cual Guillermo Ruiz fungió como director de 1927 a 1942. A lo largo de su carrera realizó obra en piedra, mármol y bronce, técnica que conoció a la perfección, realizándola casi siempre a la cera perdida y la cual enseñó con gran maestría. También participó en la promoción teatral con Leopoldo Méndez y en la ejecución de escenografías con Ramón Alva de la Canal. En la década de los 40 fundó la Sociedad de Escultores de México junto con Francisco Zúñiga y Juan Cruz Reyes, época en la que expuso en el Club Internacional de Mujeres y el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Actualmente, obras suyas de formato monumental se encuentran en jardines y plazas públicas de Michoacán, Ciudad de México y Monterrey. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo II. México. CONACULTA, 1997, pp. 237 y 238.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,250-$4,330 42

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 110 x 125 cm Presenta ligeras craqueladuras y desprendimiento de capa pictórica. “Que es español, es cosa que a nadie se le ocurriría negar. Entresacando de lo que nos muestra en su obra pictórica, sin embargo, no sería exclusivamente lo hispano lo que saltaría a la vista como módulo específico de la misma, sino una ampliación del concepto, mucho más amplia, mucho más cercana a ‘lo universal’, es decir, que el temperamento que se adivina, o mejor dicho, que está patente en su pintura es el de un mediterráneo. “La biografía de Souto está en sus cuadros, en sus dibujos, en su trato actual con el mundo y con sus semejantes; una actitud heredada de lo grecolatino, principalmente, pero que hoy en día va alcanzando mayor radio de circunscripción: lo humano. Entendiendo por tal, no lo que procede del hombre -que aún suele convertirse en fiera de vez en cuando- sino la sublimación consciente de sus cualidades físicas y mentales, la humanidad de Souto es lo que cuenta”. Jorge J. Crespo de la Serna. Fuente consultada: CRESPO DE LA SERNA, Jorge J. “El pintor español Arturo Souto y lo vernáculo”. México. Revista de la Universidad de México, sección Artes plásticas, diciembre de 1953.

$250,000.00-$400,000.00 M.N. USD $13,520-$21,630

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Dos mujeres sentadas

Firmada y fechada 1931 Acuarela y gouache sobre papel 30 x 23 cm Carlos Orozco Romero se mudó a la Ciudad de México a los 16 años, donde inició formalmente su carrera artística como caricaturista e ilustrador, laborando en periódicos y semanarios reconocidos, como “El Heraldo” y “Excélsior”. En este medio era conocido como “Karikato”. Con el tiempo, fue abandonando aquella profesión para enfocarse en sus recursos y posibilidades de ser un pintor reconocido, así que su formación plástica lo llevó a vivir en diversas ciudades del mundo, esto hizo que su carrera caminara lento pero de forma sólida. Durante los años 30 trabajó el diseño de vestuarios y escenografías para teatro, posteriormente en la década de los 40, su nombre ya resonaba en el medio y mediante una beca logró viajar a Nueva York, ciudad en la que expuso con gran éxito; además, allí fue donde tomó conciencia de su trabajo como artista mexicano; de aquí data la base de su obra que es verdaderamente suya, su esencia y carácter artístico, convirtiéndose en el pintor que siempre quiso. Fue miembro fundador de La Esmeralda, director del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y acreedor del Premio Nacional de Ciencias y Arte. Hoy en día, su trabajo es reconocido a nivel mundial y ha sido expuesto en museos y galerías de renombre de México, Estados Unidos, Perú, Francia y España. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. Colección de arte N° 7, UNAM, 1959, pp. 16-24.

$36,000.00-$60,000.00 M.N. USD $1,9500-$3,250 44

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Sin título

Firmado y fechado 78 Óleo sobre tela 120 x 100 cm Presenta ligero detalle de conservación. En 1925 se fue a Estados Unidos a trabajar como bracero, ahí tomó clases nocturnas en la Choinard School of Arts de Los Ángeles. A su regreso a México ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas becado por el gobierno de Guanajuato; sus maestros fueron Francisco Díaz de León, Bulmaro Guzmán y Emilio Amero. Fue parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular. Desarrolló su carrera como pintor, grabador, escultor, maestro, funcionario, promotor cultural, escenógrafo, escritor y crítico, museógrafo y muralista-arquitecto. Fuente consultada: PÉREZ GAVILÁN, Ana Isabel. “Chávez Morado, destructor de mitos. Silencios y aniquilaciones de la ciudad (1949)”. México. Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, vol. XXVII, núm. 87, 2005.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $27,030-$37,840 45

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Dos mujeres

Firmada y fechada 1972 Acuarela y conté sobre papel 49 x 65 cm Procedencia: adquirida en Christie’s, Nueva York, 30-31 de mayo del 2001, lote 207; colección privada México. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo razonado. Volumen IV: Dibujos 1971-1989. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2006, Pág. 413, catalogada 1910. A pesar de haber tenido una exitosa carrera como escultor, Francisco Zúñiga ejerció también la pintura con gran maestría, realizando numerosos trabajos con técnicas diversas, especialmente al óleo y dibujos con tinta, lápiz, carboncillo, sanguina y conté; además experimentó con el grabado, mediante el cual hizo una serie de piezas para carpetas. Específicamente, sus dibujos se caracterizan por honrar y dignificar la figura indígena y en ocasiones la naturaleza y los paisajes con animales. Durante su laureada carrera también ejerció una importante labor docente entre 1936 y 1971 en La Esmeralda, en 1987 fue nombrado Académico de la Academia de Artes de México y en 1992 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes. Su trabajo se ha exhibido ampliamente y en múltiples ocasiones en importantes galerías, centros culturales y museos de México y Estados Unidos. Fuente consultada: ECHEVERRÍA, Carlos Francisco. Zúñiga. México. Galería de Arte Misrachi, 1980.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730 46

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Dos mujeres de pie con rebozo

Firmada y fechada 1969 Acuarela y conté sobre papel 65 x 49.5 cm Procedencia: adquirida en Christie’s, Nueva York, 30-31 de mayo del 2001, lote 204; colección privada México. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo razonado. Volumen III: Dibujos 1927-1970. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2006, Pág. 325, catalogada 1584. “El aspecto más engañoso y la interrogante en la obra de Zúñiga es: ¿Por qué mujeres?, y es engañoso porque es puramente accidental, la necesidad natural en él de expresarse gráficamente lo condujo en búsqueda del elemento más rico posible a su alrededor; no en balde en la tradición del arte es la figura femenina la que domina. No podemos ignorar que las juchitecas y yucatecas son suficientemente ricas para estar en el primer plano de su obra. El mérito de Zúñiga es restablecer y mantener el vínculo entre la tradición plástica de las figuras que representan a la fertilidad y las diosas indígenas, con aquellas que invaden los mercados en las calles”. Ariel Zúñiga.

Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel. Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado. Volumen III: dibujos, 1927-1970. México. Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde, 2006, Pág. 27.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730 47

TOSIA MALAMUD

(Vínnytsia, Ucrania 1923 - Ciudad de México, 2008) Mujer tocando el arpa

Firmada y fechada 1987 Escultura en bronce 40 x 40 x 26 cm Una variante en material de esta pieza se encuentra publicada en: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. CONACULTA. 2007, Pág. 91. Llegó a México a la edad de 4 años, por lo que su educación fue totalmente mexicana. Inició su formación artística a los 16 años cuando ingresó a la ENAP, en un principio tuvo conflictos con su familia para dedicarse al arte, ya que en ese entonces se creía que no era propio para una jovencita de su edad; sin embargo convencida por su inclinación hacia el arte decidió no abandonar su ideal y seguir adelante estudiando. Tuvo como profesores a Francisco Goitia, Luis Sahagún y a los escultores Luis Ortiz Monasterio e Ignacio Asúnsolo. En 1943 finalizó la carrera de Artes Plásticas y un año más tarde contrajo matrimonio, alejándose por poco tiempo del arte. No obstante, regresó a aquella gran satisfacción que tenía al hacer escultura; trabajo con distintos materiales como barro, arcilla, piedra, madera y acrílico. Tuvo diferentes etapas creativas y temáticas, en ellas realizó autorretratos y retratos, bailarines y momentos musicales, máscaras y personajes fantásticos, así como numerosas piezas acerca de la maternidad y la familia. Para Tosia, 1954 fue un año muy productivo, ya que participó en varias muestras colectivas y dos exhibiciones individuales, las cuales causaron tan buena impresión que se le dedicaron varias notas y buenas críticas de especialistas reconocidos, abriéndole las puertas a muchas más exposiciones en México y el extranjero en los siguientes años, y tal fue el impacto que la bautizaron como “la mejor retratista mexicana”. Actualmente, su obra forma parte de las colecciones mexicanas del Instituto Nacional de Bellas Artes, del Instituto Mexicano del Seguro Social, Museo Casa León Trotsky, Museo de Arte Moderno, Museo Nacional del Virreinato y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo. En el extranjero destacan el Museo Betzalel en Jerusalén, Museo Contemporáneo de Pintura Hispano-Americano en Zaragoza, España, Museo de Toronto y la Universidad de Tel Aviv. Fuente consultada: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. CONACULTA. 2007, pp.19-27.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,520-$4,330 48

FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 50 x 40 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, octubre del 2019. Inició sus estudios profesionales en 1934 en la Escuela de Pintura y Artes Plásticas de Mérida, Yucatán; en aquella época centró su aprendizaje en los procesos de xilografía y litografía. En 1941 fundó junto con otros colegas la Escuela Libre de Artes Plásticas en su ciudad natal y tres años más tarde viajó a la Ciudad de México donde radicó hasta 1973. En 1963, comisionado por el INBA, logró visitar España, Italia, Francia, Inglaterra, Holanda y Bélgica. A pesar de haber sido un especialista con las técnicas gráficas, la pintura al óleo fue para Fernando Castro Pacheco su mejor y mayor producción; los formatos que abordó variaban según sus deseos

de expresión y en cada uno plasmaba con detenimiento volúmenes bien proporcionados, líneas sumamente estilizadas y una gama de colores únicos con los que construyó un estilo propio. Los temas que integró fueron las representaciones de historias nacionales y relatos mayas, no obstante fue a partir de los años 70 que integró la figura femenina a su repertorio, con la cual hizo gala de los rasgos y características propias de las mujeres del sureste de México. Dentro de su amplia trayectoria, también incursionó con la escultura, experimentó con la cerámica y trabajó el diseño de escenografías para ballet e ilustraciones para libros. A lo largo de su carrera exhibió de manera individual y colectiva en importantes museos y galerías de México, Estados Unidos, Perú, Brasil, Chile, Canadá, Francia, Italia, Inglaterra, Suecia y Yugoslavia. En 2009 fue acreedor a la medalla Lince de Oro de la Universidad del Valle de México y en 2012 la medalla Cultura Yucatán.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et ál. Fernando Castro Pacheco. Color e imagen de Yucatán. México. Universidad Autónoma de Yucatán, 1994, pp. 140, 143 y 235.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,250-$4,330 49

FELIPE CASTAÑEDA

(La Palma, Michoacán, 1933 - ) Acurrucada

Firmada y fechada 2007 Escultura en bronce IV / VII 30 x 66 x 36 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero del 2019. Durante la década de los 80 presentó diversas exposiciones individuales en galerías de Estados Unidos y Canadá, así como en muestras colectivas en Acapulco, Cuernavaca y Ciudad de México. Además de haber realizado varias esculturas monumentales para la Secretaría de la Defensa Nacional; sus piezas se pueden encontrar en las colecciones del Museo de Arte e Historia en Ciudad Juárez, Chihuahua, del Museo de Arte Contemporáneo de Morelia, Michoacán, del Museo de Morelos en Cuernavaca y del Museo de Arte de León, Guanajuato. “El tema predilecto, la mujer, es para Felipe Castañeda la más hermosa prolongación de la naturaleza. Felipe Castañeda hace nacer de la quietud de sus figuras un latido vital inconfundible. Los rostros enigmáticos de esas mujeres, la línea armónica con que han sido estructuradas, el ritmo impuesto a la composición, mucho tienen que ver con la vida que nos rodea. Son el testimonio de un artista que cree en la existencia de un mundo real y que manifiesta en esas imágenes un hondo sentido de la belleza”. Alí Chumacero.

Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Diccionario de escultores mexicanos del siglo XX. Tomo I. México. CONACULTA, 1997, Pág. 150 y en “Felipe Castañeda Jaramillo.” Gobierno del Estado de Michoacán, 2005, www.cultura.michoacan.gob.mx

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,730-$13,520

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 83 Óleo sobre papel 23 x 29 cm Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-83040. Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. El lenguaje pictórico de Martínez incluye figuras envueltas, abrazadas, el amor, la pérdida y líneas que trazan un cuerpo, dándole una particular importancia a la figura femenina. Rodeado de objetos precolombinos, escuchando música en su gran estudio con techos transparentes que le facilitaban su manejo de sombras y colores, no vendía impulsado por un interés económico, sólo permitía que su arte estuviera en manos de alguien que él consideraba lo podía comprender. Fuente consultada: PICA, Yolanda. “Ricardo Martínez: gran pintor mexicano”. México. Diario La Razón, sección Opinión, 17 de diciembre del 2018.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,410-$8,110

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 83 Óleo sobre papel 22 x 29 cm Esta obra será registrada en el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-83041. Agradecemos a la Fundación Ricardo Martínez de Hoyos A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. “Fue un artista sobresaliente, superdotado, creador de un lenguaje propio en el que, sin embargo, resonaban herencias, pero que él fue refinando, enriqueciendo, hasta terminar convertido en un productor de objetos visuales de una fuerza y capacidad de emocionar y conmover como muy pocos lo han logrado en este país”. Fernando González Gortázar. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,410-$8,110

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Mujer sentada con rebozo

Firmada y fechada 1973 Escultura en bronce I/VI en base de madera 47 x 36 x 41 cm medidas totales con base Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, Pág. 395, catalogada 672. Existe otra versión de esta pieza en mármol negro, la cual se encuentra publicada en: FUENTES, Carlos. Francisco ZÚÑIGA. México. Ediciones Galería de Arte Misrachi, 1980, catalogada 265, Pág. 239. “Para Zúñiga, fue como si la escultura buscara una permanencia más allá de modas y periodos, gracias a las aportaciones de unos y de otros, y a todos los integró en una misma voluntad. Él mismo, cuando se le preguntaba cuál era su tiempo, se situaba entre el principio de los cuarenta y el fin de los setenta a pesar de que inició su trabajo en los veinte y continuó hasta entrados los noventa […] Su modus operandi fue articular los atributos de la semejanza. Elementos puros de diseño, que en escultura se convierten en líneas finas o apenas visibles y remiten al dibujo. Por otro lado el volumen como peso; ligereza o pesantez. Todo conduce al mismo objetivo, evidenciar la forma. Por eso las tallas en mármol, no suelen ser brillantes, y en piedra y en bronce enfatizaba el propio bloque, no el objeto. También, cuando señalaba las regiones de las mujeres en el título, en el grafismo o en el modelado, como es el caso de las Yucatecas, Yalaltecas o Chamulas, su referencia a dichos atributos es secundaria, narrativa, pero también, sin duda, irremediable en cuanto a la relación de identificación”. Ariel Zúñiga.

Fuente consultada: ZÚÑIGA, Ariel et ál. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, Pág.33.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,110-$13,520 52

FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) Sin título

Firmado y fechado 1965 Carboncillo y conté sobre papel 50 x 65 cm Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Esta obra será incluida en: Francisco Zúñiga: catálogo razonado. Volumen V. México. Fundación Zúñiga Laborde A.C. Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del papel. El dibujo de Francisco Zúñiga siempre fue la base fundamental de su producción artística, este se caracterizó por honrar y dignificar la figura indígena ya que ésta revelaba su condición humana por medio de elementos regionales, tanto precolombinos como contemporáneos. “El artista ha encontrado en el pueblo mexicano, y sobre todo en la hierática figura de la mujer mestiza de México, el alimento visual y la inspiración espiritual para su obra. Se trata de seres cuya nación ha vivido y vive entre la grandeza y la miseria, entre la esperanza y la desesperación. Es un pueblo que ya no cree en nada salvo en el aliento de vida que lo anima y en las realidades elementales de la existencia humana: los hijos, el pan, el sol sobre la piel”. Carlos Francisco Echeverría. Fuente consultada: ECHEVERRÍA, Carlos Francisco. Zúñiga. México. Galería de Arte Misrachi, 1980.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,409-$9,730

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Sin título

Firmado y fechado 1949 Óleo sobre tela 80 x 110 cm Agradecemos a Flora, Francisco y Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Presenta ligeras craqueladuras. Comenzó su aprendizaje a los diez años en la ciudad de Guadalajara. Por asuntos familiares, se vio en la necesidad de viajar a Estados Unidos donde obtuvo una beca en la Escuela de Artes Plásticas de San Antonio, Texas. De regreso a México, se encantó con un nuevo panorama artístico, impulsado por la idea del nacionalismo al cual adquiere un interés especial: el muralismo. Encontró atractivo principalmente en el tema indígena. Su producción no solo se limitó a la pintura, también incursionó en el diseño teatral, haciendo escenografías, vestuarios y decoraciones para el teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México. Exhibió numerosas veces en México, Estados Unidos y Asia. En 1941 presentó su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor. Fue miembro fundador de la Unión de Pintores y Grabadores de México junto con Juan O’Gorman y Raúl Anguiano, entre otros. Su obra de caballete se encuentra albergada en importantes museos y colecciones privadas; sus murales más importantes se hallan en la Comisión Federal de Electricidad en México, la Universidad de Albuquerque y algunos edificios de la Ciudad de México y Guadalajara. Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa ét al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304 y en LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus aw rtistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, Pág. 226.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,630-$27,030

Reverso

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Sin título

Firmado 71 x 100 cm Óleo sobre tela, doble vista Presenta ligeros detalles de conservación. Su vocación lo llevó muy joven a la Academia de San Carlos, donde conoció a Leandro Izaguirre y Germán Gedovius, entre otros. A partir de 1920 decidió indagar en el arte vanguardista de Europa y Estados Unidos, donde trabajó y dio a conocer parte de su obra. Años más tarde, regresó a México, donde se incorporó a la Escuela Mexicana de Pintura para presentar catorce bodegones que lo harían destacar por la modernidad en el manejo de planos. A lo largo de su carrera expuso en diversas galerías mexicanas de gran renombre, entre ellas la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor, así como en Estado Unidos, Perú, Bélgica y Japón. Fuente consultada: ROQUERO LÓPEZ, María de la Luz ét al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2000, pp. 442-444.

Anverso

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,730-$11,900

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Danae plexippus

Firmado y fechado 2014 Óleo y hoja de oro sobre tela 100 x 150 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte, firmada por la artista. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. “Las metamorfosis” de Ovidio es una narración en verso de la historia del mundo desde su creación hasta la edificación de Julio César, entremezclada con mitología grecolatina, y es ahí donde también podemos encontrar relatadas las transformaciones adoptadas por Zeus para poseer a sus elegidas, ya sea en forma de cisne con Leda, de nube negra con Ío, o de lluvia de oro en el caso de Dánae, tema en el que está basada la célebre obra de Tiziano conservada en el Museo del Prado. Carmen Parra se inspiró en esa pintura para crear su “Dánae plexippus”, sustituyendo el oro por una lluvia de mariposas monarca [de cuyo nombre científico (Danaus plexippus) parte para el juego de palabras que da título a esta pintura], además de otras doradas como el metal precioso que produjo el nacimiento de Perseo. Fuente consultada: TAJONAR, Héctor. “Carmen Parra. Metamorfosis”. México. Revista de la Universidad de México, No. 136, junio del 2015.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,730-$11,900

JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) La siesta

Firmado y fechado 87 Óleo y pastel sobre tela 53 x 70 cm Joy Laville provenía de Canadá, donde vivió de 1947 a 1955 y en 1956 se trasladó a México con objeto de cursar lecciones de pintura en el Instituto Allende de Guanajuato, además de ser animada por el deseo de permanecer en una villa pequeña, pintoresca y de clima cálido y templado. Durante su estancia en San Miguel de Allende coincidió con Roger von Gunten y otros artistas, lo que influyó en la manera en que desarrolló su arte, sintetizando y combinando sus elementos plásticos. Estos elementos fueron pocos, aluden a la figura, prescinden de la mimesis y obedecen por lo común a una paleta clara, luminosa y a la vez de efecto opaco. Sus cuadros, ya sean paisajes o interiores tranquilos, íntimos y si se quiere silenciosos, producen en el espectador sensaciones de paz y alegría. La materia misma de su pintura es tenue y delgada. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 242.

$270,000.00-$300,000.00 M.N. USD $14,600-$16,220

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - ) Sin título

Firmado y fechado Mex 75 Óleo sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad de DIMART. “Soy un hombre bastante inestable. Soy pintor porque desde niño me dije: voy a ser esto. Porque yo decidí ser lo que soy, desde que nací […] A mí, me han bautizado de diferente manera. Puede que le atinen y puede que no. Porque en realidad unos me califican de surrealista, otros de mágico, otros de realista mágico. Es más, se lo voy a explicar: hay gente que habla cuatro y cinco idiomas, ¿no? Francés, inglés, tal y cual. Yo hablo cinco, seis idiomas pero del lenguaje del arte. Yo soy políglota, del lenguaje del arte, puedo hablar muchos idiomas. Entonces, me da lo mismo que me digan realista mágico o surrealista porque soy eso, ¡y muchas cosas más! Esa es la verdad. Pinto para que me amen, pinto para vivir, porque uno se tiene que arriesgar más para disfrutar la vida por eso viajo tanto, pero cuando me voy muy lejos y regreso, me gusta volver a mis barrios y mantener aquella esencia”. Javier Arévalo. Fuente consultada: JUÁREZ, Rosa Esther. “Javier Arévalo: Yo soy políglota”. México. Sin Embargo, sección Redacción, 9 de julio del 2017.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,110-$11,900

LUIS NISHIZAWA (Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Desnudo n. 23

Firmado y fechado 99 al frente y al reverso Temple sobre tela sobre madera 113.5 x 100 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2019. Con dos etiquetas del Museo Taller Nishizawa. Presenta detalles de conservación. En su obra cohabita el academicismo del siglo XIX y algunas características provenientes de la cultura japonesa. Durante su carrera recurrió a numerosas temáticas, pues además del paisaje tuvo gran interés por la naturaleza muerta y el retrato, géneros en los cuales demostró un amplio conocimiento, un fuerte dominio y una extensa gama de posibilidades estéticas y plásticas. Dentro de esta producción, se preocupó por incluir una cierta esencia que hace referencia a su preocupación social, recurriendo así a la figura humana.

Especialmente, la representación femenina fue complicada para él, sin embargo la interpretó con gran excelencia y maestría, ya que más que atender el conflicto de género en la sociedad, plasmó la serenidad de una mujer, mostrando la dignidad, en especial la indígena, sin folklor alguno, simple y natural; no obstante se pueden apreciar en estas obras, ciertos rasgos orientales provenientes de su familia paterna y algunos elementos y caracteres derivados de los viajes que realizó a Japón, como el estilo de las líneas y el uso de una paleta de color reducida. “No creía en el olvido, en la desmemoria, ni pasaba del expresionismo realista al expresionismo abstracto por estar de moda. Siempre atento a las voces de la época se permitió articular muchas corrientes y creer en un arte sin fronteras”. Raquel Tibol. Fuentes consultadas: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 470-472 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,550-$27,030 59

Detalle lote 46 Copyright Estate of Leonora Carrington / ARS

LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011) Le livre de chevet

Firmado y fechado 1956 Óleo sobre tela 30 x 55 cm Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Esta obra ha sido solicitada por la Fundación Mapfre para ser exhibida en “Leonora Carrington: tu país”, muestra que será presentada en 2020 en el ARKEN Museum of Modern Art en Copenhague, Dinamarca. Nació en el pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra, dentro de una familia acaudalada, siempre conviviendo con las personalidades más importantes de la sociedad inglesa. Fue entonces una vida de lujos y de una implacable educación católica, pero la gran imaginación de Leonora y su humor irónico le causaron su expulsión de algunas escuelas. Estudió en la escuela de Amédée Ozenfant en Londres, institución donde aprendió a dibujar con gran destreza; durante esta época gustaba curiosear en las tiendas de libros usados, descubriendo libros sobre la alquimia, el esoterismo y las prácticas espirituales budistas, temas que serían una fuerte influencia en su trabajo posterior. En este entonces, le atrajo también el movimiento surrealista, siendo cautivada por la portada de un libro del alemán Max Ernst, conociendo en ella el tipo de pintura que intuitivamente había estado buscando. Conoció a Max Ernst en 1936 con quien vivió un importante romance. Tras el advenimiento de las guerras, en la década de los 40, Leonora sufrió un colapso nervioso y fue hospitalizada en contra de su voluntad en un 64

hospital en España, lugar en el que le administraron poderosas drogas; aquella experiencia de encarcelamiento le causó locura momentánea, pero también una reformación artística, ya que experimentó la poética idea de la demencia y confirmó lo que los surrealistas tanto decían. Ella misma describió esta vivencia como: “un terremoto mental. Fue como la muerte psíquica, un renacimiento, una experiencia con la cual cambié de forma drástica”. Tras salir del hospital, se trasladó a México, llegando a nuestro país en 1943 acompañada de Max Ernst, de quien se separaría al poco tiempo y se casaría entonces con el fotógrafo húngaro Emerico Weisz. En aquel tiempo, se alejó del surrealismo ortodoxo y comenzó a adquirir influencias del arte mexicano, en especial de la coexistencia de las creencias del cristianismo con las precolombinas, con las cuales construyó sus propios símbolos, mismos que repitió en sus pinturas constantemente. Aquellas imágenes parecen estar en estados de ensueño lúcido, como proyecciones astrales y capturas de signos de energía, además es constante la presencia de personajes y figuras híbridas, caricaturas fantásticas que contienen principalmente identidad y sexualidad femenina. Su mundo pictórico y literario fue entre sueños y vigilia, de límites indefinidos, donde la vida, la muerte y el pasado se entrelazan. Es así, que por todo su trabajo y vida, Leonora Carrington fue, es y seguirá siendo una de las más afamadas artistas surrealistas, cuyo nombre sobresale en la lista de mujeres creadoras más importantes de finales del siglo XX. Fuentes consultadas: CHADWICK, Whitney. Leonora Carrington. La realidad de la imaginación. México. Ediciones Era, 1994, pp. 7-35 y en LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Siglo XX 1901-1950. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano. 2000, pp. 244-247.

$4,200,000.00-$6,000,000.00 M.N. USD $227,100-$324,330 65

ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Estudio del pintor Zárraga en París

Firmado y fechado 1935-36 Óleo sobre tela 81 x 65 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, especialista en el artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Con etiquetas del Museo de Arte Moderno y de la Casa de Cultura Jalisciense. Esta obra fue pintada por el artista en su estudio de París en 1935, en la cual se aprecia un retrato del propio Ángel Zárraga de espaldas, pintando a la modelo que se encuentra frente a él y, al fondo, se observa uno de sus afamados trípticos, “San Jorge aniquilando al dragón”, una pintura a manera de biombo realizada en 1932. Ángel Zárraga estudió en la Academia de San Carlos, donde desarrolló y perfeccionó sus aptitudes para la pintura. No obstante, influido por su maestro Julio Ruelas, quien le transmitió una refinada sensibilidad artística, a los 17 años de edad se embarcó con destino a Francia, donde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de París. Posteriormente decidió migrar a la Real Academia de Bruselas, para tiempo después establecerse un tiempo en Toledo. En 1919 fue seleccionado como jurado calificador por la junta directiva del Salón de Otoño de París y dos años más tarde logró montar una exposición individual con gran éxito. A mediados de los años 20, incursionó en el cubismo, adaptando las ideas de Paul Cézanne; no obstante, la pintura de caballete no fue su única producción, ya que realizó murales en el Castillo de Vert Coeur, en la Cité Internationale Universitaire y en la Legación Mexicana de París. A pesar de haber visitado en varias ocasiones México, siguió establecido en Europa hasta junio de 1940, cuando a causa de la guerra fue bombardeada la ciudad de París. Ante el riesgo que suponía esta situación, decidió regresar a México, ayudado por la Secretaría de Relaciones Exteriores. Tras su llegada a la Ciudad de México, fue inmediatamente buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura de nuestro país. Fuentes consultadas: NOVELO, María Luisa et ál. Zárraga. México. Américo Arte Editores, Grupo Financiero Bital, 1997, Pág. 26 y en ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006.

$2,500,000.00-$4,000,000.00 M.N. USD $189,190-$216,220

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Sin título

Firmado y fechado Roma 52 Óleo sobre tela 80 x 60 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. La obra de Juan Soriano tiene una presencia diferente a la de los demás pintores mexicanos de su generación, pues su crecimiento artístico fue autodidacta y se ganó desde muy joven el derecho a ser pintor por su excelente capacidad plástica. El tiempo que estuvo como ayudante en el taller de Chucho Reyes fue suficiente para que el maestro lo impulsara a leer libros, estudiar la historia y lo familiarizara con sus propios conocimientos artísticos. Entre sus primeros trabajos formales, además de las naturalezas muertas, estuvo el retrato, siendo su hermana Martha y sus vecinos sus principales modelos. Con el tiempo, fue creando su propio lenguaje plástico, siendo su verdadera escuela la curiosidad y el interés por la cultura, viajando a Nueva York, Roma y París. A finales de los años 30, su pintura de caballete abordó diversas temáticas, sin embargo nunca abandonó el retrato y el autorretrato, para los cuales recurría a formas clásicas dispuestas esquemáticamente y a procederes de la pintura occidental. En esta misma época, Soriano impartió clases de desnudo en La Esmeralda y realizó escenografías y vestuarios para el teatro. Fuente consultada: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pp. 29-32.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,630-$32,440 66

JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Sin título

Firmado Óleo sobre puerta de madera 206 x 83.5 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Esta obra fue pintada por el artista sobre una puerta de madera que se encontraba en su estudiotaller, ubicado en el parque Melchor Ocampo en Cuernavaca, Morelos. Juan Soriano había llegado de Roma a París a mediados de los años 70 para trabajar en una serie de litografías, fue entonces que conoció a Marek Keller por medio de Sergio Pitol, amigo en común. A partir de entonces, ambos decidieron establecer una relación personal y profesional, ya que Marek Keller fungió como su representante, montándole exposiciones, estructurando su archivo y procurando su obra. Vivieron entre París y la Ciudad de México y la primera vez que viajaron juntos a México, Marek Keller vio cómo Juan Soriano se desprendía de su pasado, dejando atrás objetos de su taller, así como algunas vivencias personales para obtener nuevas; al respecto Marek Keller dijo: “Recuerdo ver, frente a la chimenea de su taller en el parque Melchor Ocampo, en Cuernavaca, a Juan arrojando al fuego los papeles que ya no quería conservar. Veía las cosas y la chimenea, estaba puesta durante tres días y él quemaba, quemaba y quemaba, yo en aquel momento era demasiado verde para meterme y decirle ‘Juan no lo hagas son las cosas importantes que pueden servir’”. Pese a que adoraba vivir en Europa y que le fuese otorgado el grado de Oficial de la Legión de Honor por el gobierno de Francia, Juan Soriano regresó a la Ciudad de México en diversas ocasiones para realizar exposiciones individuales en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en el Museo de Arte Moderno, así como para ser acreedor a algunos reconocimientos, incluyendo la Medalla de Oro a la Excelencia concedida por el Instituto Cultural Cabañas, en Guadalajara. En 2004, fundó junto con Marek Keller la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., la cual actualmente maneja el Museo Juan Soriano, centro cultural que archiva libros, fotografías, cartas, esculturas, dibujos y pinturas del artista jalisciense así como de otros artistas de la época, y que se encuentra en su amada Cuernavaca. Fuente consultada: SÁNCHEZ, Luis Carlos. “Marek Keller revela el archivo de Juan Soriano”. México. Excélsior, sección Comunidad, 16 de julio del 2013.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $27,030-$37,840 67

ALFREDO ALCALDE GARCÍA

(Chimbote, Perú, 1961 - ) Frida y Diego Rivera en la Alameda

Firmado al frente Firmado y fechado 2019 Lima-Perú al reverso Óleo sobre tela 136 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2019. Alfredo Alcalde García inició sus estudios en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. Tuvo como maestros a los pintores Víctor Humareda y Ángel Chávez, artista de quien aprendió los secretos de las veladuras. Luego conoció el trabajo de David Herskovitz, artista estadounidense cuyas pinturas replicó la importancia de otorgar una visión humanista, característica que fue un ejemplo para su obra futura. Explorando el paisaje urbano al comienzo de su carrera, su producción se ha dividido entre este género y el registro de personajes y puestas en escena dotadas de un carácter atmosférico, donde la luz forma parte medular en sus lienzos. Su propuesta pictórica transita entre lo cotidiano y lo poético, teniendo siempre presente el rol social del artista como agente de transformación social. Los retratos de personas reales y personajes tanto históricos como literarios son frecuentes en la pintura de Alcalde, quien los toma como ocasiones para conversar imaginariamente con artistas que admira, y que en otros contextos y momentos han respondido desde su pintura, a ciertas preguntas del quehacer artístico y social. Esta obra alude al vínculo que Alcalde ha sentido de manera profunda con el muralismo mexicano, el cual concibe como una manera de hablar en voz alta. Fuentes consultadas: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. Alfredo Alcalde: Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger, 2016, pp. 1826 y en “El peruano Alfredo Alcalde considera un honor hacer muralismo en México”. México. EFE Noticias, Sección América, 20 de marzo del 2017.

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $43,250-$54,060

CHARLOTTE YAZBEK

(Puebla, Puebla, 1916 - 1989) Buscador de pájaros, 1971

Firmada Escultura en bronce en base de madera 85.3 x 26 x 38 cm medidas totales con base La versión monumental de esta obra se encuentra publicada en: ELIZONDO, Salvador. Charlotte Yazbek. Promenade. México. Imprenta Madero, 1987, pp 38-43. “Buscador de pájaros” fue realizada por la artista en la década de los 70 en diversas dimensiones, existen 7 monumentales, algunas de ellas colocadas en lugares públicos, destacando las ubicadas en el parque de Cuautitlán Izcalli y en el Centro de Servicios Administrativos del Gobierno del Estado de México. De padres libaneses, su nombre era Charlotte Mata Rascála, el apellido Yazbek lo tomó de su esposo José Yazbek. Sus inquietudes artísticas la llevaron a escribir y estudiar música y dibujo. Tuvo como maestros a Uxio, Hermilo Castañeda, Pedro Medina y Mathias Goeritz. En 1964 fue comisionada para representar a nuestro país en el Pabellón Mexicano de la Feria Mundial en Nueva York, obteniendo la Distinción de Honor de manos del Presidente de México Adolfo López Mateos. A partir de este logro participó en más de cien exposiciones colectivas y las realizó dieciocho esculturas monumentales que se encuentran expuestas en el parque de Cuautitlán Izcalli en el Estado de México. Fuente consultada: ELIZONDO, Salvador. Charlotte Yazbek. Promenade. México. Imprenta Madero, 1987.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,330-$5,410

ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Ciclista en noviembre

Firmado Óleo sobre tela 150 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2019. Alfredo Alcalde García es considerado uno de los pintores más representativos e importantes en el medio de las artes plásticas en Perú. Bajo la influencia y admiración de pintores como Fernando de Szyszlo, José Guadalupe Posada, Francisco de Goya y Edvard Munch, entre otros, ha logrado construir su propio diálogo y estilo artístico, el cual transita, según su etapa, del impresionismo al expresionismo, hasta el realismo simbólico con temas irónicos

relacionados a la reflexión y denuncia social. La muerte, uno de sus temas recurrentes, es representada con ironía y familiaridad. “Hacia el fin del siglo XX —correspondiendo a los grandes años de Vincent van Gogh, cien años atrás—, la cuestión de la pintura realista versus la pintura abstracta ya no pide una contestación, es para decir que ambas formas son totalmente válidas como expresiones de nuestros tumultuosos tiempos, y entonces es refrescante encontrar un talentoso y vigoroso artista plástico como Alcalde quien nunca evidentemente, ha sufrido dudas ni angustias sobre cuál será su verdadera trayectoria”. David Herskovitz, abril de 1987. Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. Alfredo Alcalde: Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger, 2016, Pág. 26.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $27,030-$37,840 71

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Sin título, de la serie Fragmentos vitales

Firmados y fechados 1988 Pastel y crayón sobre papel kraft sobre papel amate 215.5 x 150 cm medidas totales con marco Piezas: 3, enmarcadas juntas Procedencia: adquirido directamente al artista. Esta obra es parte de una serie de dibujos hechos con crayón sobre papel kraft, el cual el artista cortaba con sus manos para seguir el contorno de los dibujos, acentuando la figura. Muestra un conjunto de seres inusuales que se enfrentan a un mundo regido por patrones estéticos y de conducta que pretenden homogenizar el comportamiento, rechazar la fealdad y poner estándares sobre el bien y el mal. Estas obras obedecen a un lenguaje muy distinto al que tenemos la costumbre de enfrentarnos, dando la sensación de que están inconclusas. La mezcla entre lo gestual del papel con lo minucioso de cada una de las formas, nos hace sentir que presenciamos un trabajo que no ha salido del estudio, que debería permanecer guardado y que fue recatado años después. La primera parte de la serie fue exhibida por primera vez en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México en 1987, exposición que llevó el mismo nombre de la serie y posteriormente en una exposición colectiva en las Naciones Unidas, Nueva York. Fuente consultada: ESPINOSA DE LOS MONTEROS, Santiago. “Roberto Fabelo: crayón sobre papel kraft”. México. Revista de la Universidad de México, enero de 1988.

$260,000.00-$400,000.00 M.N. USD $14,060-$21,630

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Cuatro figuras habitan

Firmada y fechada 2000 al frente y al reverso Mixta y hoja de oro sobre papel sobre madera 185 x 240 cm Su trabajo está lleno de multiplicidades tales como lo real y lo mítico, lo privado y lo público; habla sobre cuerpos individuales, y al mismo tiempo evoca algo sobre la raza humana en general. Roberto Cortázar no solamente plasma brazos, torsos y hombros, en realidad, está hablándonos sobre nuestra condición humana. “Enfoco las áreas que deseo enfocar y no necesito presentar una figura totalmente terminada, porque a menudo la expresión está en lo inconcluso ¿Quién está concluido? Ninguno de nosotros está concluido; aquí hablamos nuevamente del cuerpo vibrante. Somos todos cuerpos humanos en movimiento y mucho de lo que somos, francamente, está fuera de foco y deviniendo en ser; así que para mí eso también expresa un aspecto de la verdad”. Roberto Cortázar. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “Roberto Cortázar visto por Luis Valdez”. México. Revista Proceso, sección Cultura, 15 de octubre de 1994.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,630-$32,440

JULIO RUELAS

(Zacatecas, Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907) La vejez del sátiro

Firmada y fechada 901 Tinta sobre papel 17 x 16 cm Con dictamen de autoría del Lic. Rafael Matos Moctezuma, octubre del 2019. Otra versión de esta obra se encuentra publicada en: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, Pág. 100. Inició sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y los complementó en el extranjero, ya que su espíritu aristócrata lo llevó a viajar a Europa varias veces. Su primera parada fue en 1891 en Baden, Alemania para estudiar en la Universidad de Karlsruhe, donde obtuvo su mayor influencia artística y después en París aprendió las técnicas del grabado. En diciembre de 1904, gracias a una pensión del gobierno mexicano realizó su segundo largo viaje a París, pero antes de llegar visitó Holanda, Bélgica y nuevamente Alemania. Su estancia en tierra francesa duró poco a causa de su enfermedad, sin embargo, para los críticos fue la época de sus mejores obras. Durante un tiempo, colaboró como ilustrador principal en la Revista Moderna, la publicación de alcance internacional más importante de divulgación científica, notas actuales, literatura y arte. Tanto la influencia de esta revista, como sus múltiples viajes hicieron que su trabajo presentara diversas corrientes artísticas modernistas, además de elementos trágicos que consolidaron sus visiones fantásticas a causa de sus trastornos. Fuente consultada: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, pp. 17-20.

$80,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,330-$8,110

ROBERTO MONTENEGRO (Guadalajara, Jalisco, 1885 Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Personaje con esfera azul

Firmado Óleo sobre tela 150 x 75 cm Publicado en: FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. UNAM, 1962, catalogado 30, con el título “Hecatombe”. Presenta mínimo desprendimiento de capa pictórica y ligeras craqueladuras. Montenegro se movió en las entretelas de la pintura privada frente al orgulloso despliegue del arte público. De esta manera, el pintor gozaba de beneficios estéticos de la oposición entre pintura de caballete y pintura mural, no siempre respetada por pintores como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Roberto Montenegro entonces podía exagerar en sus retratos tanto la anatomía de sus modelos como su contexto político, social y económico, jugando con la exageración o con el detalle de elementos parafernales. Esa estética de frivolidades no es prescindible al momento de preguntarnos cómo es que se ha tramado la cultura contemporánea mexicana, musa del quehacer artístico del pintor jalisciense. Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel. “Roberto Montenegro: en busca de la definición”. México. Revista de la Universidad de México, abril de 1996, No. 543, pp. 49-53.

$600,000.00-$750,000.00 M.N. USD $32,440-$40,540

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Estudio para el mural “Patricios y patricidas”

Firmada y fechada 1950 Tinta y carboncillo sobre impresión fotográfica sobre madera 132 x 106 cm Procedencia: colección privada California, Estados Unidos; Christie’s, Nueva York, 27-28 de mayo del 2015, lote 192; colección privada México. Presenta craqueladuras y detalles de conservación. Esta obra es un estudio del mural “Patricios y patricidas”, el cual fue realizado por el artista entre 1945 y 1971 en el edificio de la conocida ex Aduana de Santo Domingo en la Ciudad de México. David Alfaro Siqueiros realizó el mural “Patricios y patricidas” con varias interrupciones, pues durante casi 30 años creó una de las composiciones más específicas y especiales del muralismo, desafiando la arquitectura, los materiales y el diseño plástico. Aunque es una obra sin terminar, porque enfrentó dificultades políticas, económicas y técnicas, el concepto fue totalmente innovador artísticamente. El mural fue realizado en la antigua Aduana, edificio que fue anexado a las instalaciones que actualmente alberga la Secretaría de Educación Pública, ubicada frente a la Plaza Santo Domingo en el Centro Histórico de la Ciudad de México. La SEP fue inaugurada en 1922 por José Vasconselos, quien fungió como primer secretario y quién extendió la invitación a Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Carlos Mérida, Roberto Montenegro y otros muralistas a comenzar la decoración del inmueble. El mural del “Coronelazo” abarca 447.50 m2 y puede admirarse de cualquier ángulo ya que cuenta con juegos de perspectiva. En la parte superior, donde está la escalera hacia el poniente, están representados los personajes que lucharon por la libertad e integridad de México, los “patricios” y el lado oriente están pintados los traidores y enemigos del pueblo, los “patricidas”; al oeste, se aprecia un águila de perfil y al este un animal fantástico en color gris. La técnica que utilizó fue piroxilina y acrílico sobre soportes de celotex, novopan y tela de fibra de vidrio, por lo que es entendible que en algún momento los trabajos se detuviesen por el deterioro de la cimentación por filtraciones vs los materiales utilizados. El excesivo costo de las reparaciones impidió la continuación del mural, así como los desacuerdos de las creencias políticas ya que en 1960 fue la época en la que estuvo recluido en Lecumberri, popularmente conocido como “El palacio negro”, donde permaneció cautivo cuatro años en la celda número 40. Para la crítica e historiadores de arte, el mural, de haberse terminado, hubiese sido una de las expresiones más completas de la estética de Siqueiros y él habría logrado superar totalmente el retratismo documental. “En el símbolo hay mitos y en el mito seres fantásticos. A partir de ‘Patricios y patricidas’, Siqueiros recurrió para expresar el mal a imágenes monstruosas que parecen extraídas de leyendas románticas o de religiones primitivas: ‘El guardián de la paz’, ‘La cara de la traición’, ‘Caín de los Estados Unidos’, ‘El loro estentóreo del imperialismo capitalista’”. Raquel Tibol. Fuentes consultadas: TOBOL, Raquel. Siqueiros. Introductor de realidades. México, UNAM, 1961, Pág. 112 y en el sitio oficial de la Secretaría de Educación Pública www.murales.sep.gob.mx

$2,300,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD $124,400-$162,170

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Cabeza de filósofo, ca. 1946

Firmado Óleo y temple sobre tela sobre masonite 50 x 37 cm Con dictamen de José Clemente Ángel Gae Orozco Farías, octubre del 2019. Con copia del documento de autenticidad del Instituto Nacional de Bellas Artes-Museo José Clemente Orozco, firmado por Clemente Orozco, hijo del artista, febrero de 1967, adherido al reverso. José Clemente Orozco fue un destacado pintor y grabador mexicano perteneciente al movimiento muralista. Estudió en la Escuela Nacional de Agricultura y tomó clases de matemáticas y dibujo arquitectónico. Sus primeros murales muestran sus trazos limpios, escueto a las lecciones bien aprendidas, en cambio, reservó la caricatura política, retratos, dibujos y diversos trabajos en caballete para una mayor libertad de expresión y movimiento. En 1943, fue miembro fundador de El Colegio Nacional, en 1946 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México y al año siguiente expuso en el Palacio de Bellas Artes. “José Clemente Orozco fue un hombre que atravesó el siglo XX con todo este bagaje de conocimientos, vivencias, problemáticas bélicas y revolucionarias ideológicas que fueron transformando el siglo XX; él fue un hombre de este siglo, quien supo hacernos ver, a través de su obra, todo este cúmulo de circunstancias por las que atravesó el hombre contemporáneo”. Laura González Matute. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-39 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$360,000.00-$500,000.00 M.N. USD $19,460-$27,030 78

FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, 1913 - Ciudad de México, 1990) Sin título

Firmado y fechado 1968 Óleo sobre tela 80 x 100 cm Presenta mínimas craqueladuras. Se trasladó a la Ciudad de México en 1928 e ingresó a la Academia de San Carlos. Inició muy joven su quehacer artístico en el dibujo publicitario para empresas como Ericson y Cementos Tolteca. En 1935 empezó a trabajar como diseñador de estampillas postales y timbres fiscales para la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. Por sus aportaciones artísticas es considerado un renovador de la filatelia mexicana, al atraer la atención de coleccionistas de timbres postales a nivel mundial hacia México. En la década de 1950 se incorporó a la Escuela Mexicana de Pintura y formó parte del grupo de Pintores del Frente Nacional de Artes Plásticas. Participó activamente en el movimiento artístico Integración Plástica al realizar importantes murales en Ciudad Universitaria. En 1963 ganó el concurso convocado por el PRI para realizar los murales de su sede en la Ciudad de México. En 1968 llevó a cabo el nuevo diseño oficial del Escudo Nacional Mexicano, para su composición y dibujo se inspiró en los sellos prehispánicos. La obra general de Francisco Eppens es fiel a una ideología y una filiación artística nacionalista, inspirada en la historia, el paisaje y las tradiciones mexicanas. Su obra de caballete tiene valores muy consistentes del sentido del volumen, logrados con la luz y la sombra del color. Una constante de los cuadros de Eppens es la representación de un volumen escultórico, una síntesis y modelado de las formas. En sus composiciones, cada elemento o figura tiene un lugar preciso y estudiado, produciendo equilibrio y dando unidad a la obra, a veces empleando el ensamblaje de figuras, entrelazándolas o fusionándolas, con un dibujo estilizado y de brillante colorido. Fuente consultada: LÓPEZ OROZCO, Leticia et ál. Francisco Eppens Helguera centenario 1913 - 2013. Revolución, nación, modernidad. México. Partido Revolucionario Institucional, 2013, pp. 397-399.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110 79

FRANCISCO EPPENS

(San Luis Potosí, 1913 - Ciudad de México, 1990) La técnica al servicio del hombre o Ciclo de vida, ca. 1953

Firmado Temple y lápiz de grafito sobre masonite 122 x 365 cm Publicado en: LÓPEZ OROZCO, Leticia et ál. Francisco Eppens Helguera centenario 1913-2013. Revolución, nación, modernidad. México. Partido Revolucionario Institucional, 2013, Pág. 168. Presenta craqueladuras, desprendimiento de capa pictórica y otros detalles de conservación. $500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $27,030-$37,840

En “La técnica al servicio del hombre” vemos en primer plano una imagen de Quetzalcóatl, el cual aparece bajo la advocación de Ehécatl, dios del viento, lo que resulta visible por la máscara bucal, en forma de pico de ave, que porta. En la parte izquierda puede identificarse una planta de maíz, un perico y un perro. Llama la atención que frente a Quetzalcóatl se encuentre un cúmulo de huesos, mientras que con sus manos parece crear una burbuja para un niño en posición fetal. Resulta claro que con esta imagen está aludiendo a la creación del hombre, pues cabe recordar que Quetzalcóatl bajó al Mictlán a robarse los huesos con los que fueron creados los hombres al ser mezclados con maíz y su propia sangre. De ahí que aparezca el niño, que simboliza la humanidad que ha surgido con el quinto sol. Dentro de este mito cobra importancia el perro, pues suele identificarse como Xólotl, su propio gemelo. Del lado derecho aparece la palma de una mano, la cual sostiene un corazón, del que salen la vena cava superior y la aorta, que se extienden por toda la obra, como si se tratara de llamas, que aluden a la creación del quinto sol. Junto a la mano aparece la representación del agua cuyas ondulaciones están rematadas con caracoles y chalchihuites, al igual que se observa un pez y una planta dentro del agua, que bien puede tratarse de un lirio. También observamos un águila. Puede decirse que en esta obra se encuentran presentes los cuatro elementos, que también había utilizado en Ciudad Universitaria. Obras como “La técnica al servicio del hombre” le sirvieron para identificarse con esa raza mestiza, que había surgido a partir del pasado prehispánico y el aporte europeo.

Fuente consultada: RAMÍREZ SÁNCHEZ, Mauricio César et ál. Francisco Eppens Helguera centenario 1913 - 2013. Revolución, nación, modernidad. México. Partido Revolucionario Institucional, 2013, pp. 168 y 169.

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Prometeo libertador, proyecto para el mural “Los Prometeos”

Firmado y fechado 88 al frente. Panel central firmado y fechado San Bernabé Ocotepec 23 de noviembre 1987 al reverso. Paneles laterales firmados y fechados México 1988 al reverso Acrílico sobre tela, tríptico 156 x 386 cm medidas totales del tríptico Piezas: 3 Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2019. Publicado en: UGALDE, Nadia. Arnold Belkin. 33 años de producción artística. México. INBA, CONACULTA, 1989. Exhibido en: “Arnold Belkin. 33 años de producción artística”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de julio a septiembre de 1989. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. Esta obra es un proyecto previo al mural “Los Prometeos”, el cual fue realizado por el artista en el antiguo Palacio Nacional Héroes y Mártires de la Revolución en Managua, Nicaragua en 1987. $600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $32,440-$43,250

A mediados de los años 80, el Embajador de Nicaragua en México comenzó a gestionar un programa de intercambio cultural entre México y Nicaragua a través de la Dirección General de Cooperación Técnica y Científica, proyecto que se llevó a cabo dentro del marco del 75 aniversario de la Revolución Mexicana y que culminó con un regalo del pueblo mexicano al nicaragüense: un mural realizado por el afamado pintor Arnold Belkin. Tras varias visitas a Managua se eligió el Palacio Nacional Héroes y Mártires de la Revolución, actual Palacio de la Cultura, para sede del mural; dicho trabajo se encuentra ubicado en el vestíbulo del segundo piso del inmueble y abarca casi 42 metros cuadrados y debido a la división de espacios, entre accesos, el mural se seccionó en tres partes, dos hacen referencia a los dos “Prometeos” de la historia de Nicaragua y México: Cesar Augusto Sandino y Emiliano Zapata. El muro central da el título al mural ya que hace alusión a la figura de Prometeo, el titán protector de la civilización humana y portador del fuego divino. Para hacer el mural, Arnold Belkin trabajó durante 8 meses en la ejecución de los diseños y composición del proyecto, siendo “Prometeo libertador” el boceto al acrílico de la parte superior del panel central. El mural fue develado por el propio Arnold Belkin el 18 de julio de 1987; el inmueble pasó a ser en 1999 sede del Museo, Archivo, Hemeroteca y Biblioteca Nacionales junto con el Instituto Nicaragüense de Cultura INC, por lo que fue bajo esta nueva estructura que dos años más tarde se decidió proteger el edificio y dictaminar el estado de conservación del mural, ya que se encontraba sumamente dañado por la humedad, concluyendo la restauración en 2005. Fuentes consultadas: “Inauguro Belkin en el Palacio de Managua el mural “Los Prometeos”. México. Proceso, sección Redacción, 1 de agosto de 1987 y en TAPIA GONZÁLEZ, Martha Isabel. “El caso de la restauración del mural ‘Los Prometeos’ de Arnold Belkin en Managua, Nicaragua”. México. Crónicas, Revistas UNAM, No.14, 2010.

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Pedro Albizu Campos

Firmado y fechado 87 Pastel y crayones de color sobre papel amate 235 x 126 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2019. Publicado en: UGALDE, Nadia. Arnold Belkin. 33 años de producción artística. México. INBA, CONACULTA, 1989. Exhibido en: “Arnold Belkin. 33 años de producción artística”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, de julio a septiembre de 1989. Con etiqueta del Museo Palacio de Bellas Artes. Aparte de los murales, fueron constantes las aportaciones de Arnold Belkin para producciones teatrales, trabajos que requirieron ciertas características que posteriormente mantuvo en su obra de caballete, como el uso de planos, perspectivas y aplicaciones del color para generar luces y sombras. Su tiempo en México, lo convirtió en un afiliado a las luchas liberales por lo que se inclinó a pintar temas de la injusticia, la guerra, la muerte y el exilio, sin dejar a un lado la paz. Su trabajo testimonial y de profunda documentación desde una perspectiva crítica y reflexiva de la historia de nuestro país y algunos otros. Tal es el caso de la representación de esta obra, en la cual personifica a Pedro Albizu Campos (1891-1965), el líder más relevante en la lucha por la independencia de Puerto Rico, conocido como “El maestro”, “Don Pedro” y “El último libertador de América”. Fuentes consultadas: TIBOL, Raquel. “El laboratorio muralístico de Arnold Belkin”. México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre de 1986.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,730-$11,900

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Sin título

Firmado y fechado 55 Lápiz de grafito sobre papel japonés 39 x 28 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Con dedicatoria. Presenta detalles de conservación. “Propulsor de un nacionalismo que se insertaba en el cuadro de una revolución social y a la vez nacional. Rivera defendió y conquistó el derecho a sacudir tutelas espirituales ajenas; pero de ningún modo se encerró en un círculo de hierro, que lo separara de las fuentes universales. Y esto lo reconocieron involuntariamente y contradictoriamente cuantos censuraron las influencias, que en realidad existen en su obra, de los primitivos italianos del Renacimiento, de la Francia clásica y del arte moderno mexicano […] Al exaltar los valores, de su patria, y al crear un lenguaje propio para expresarlos, Rivera contribuyó al reforzamiento de la conciencia nacional de su pueblo, y con su actitud dio un ejemplo a los pueblos colonizados que no se atreven a hablar. Dio a México, y al mundo, un trabajo audaz, poderoso, pleno de valores estéticos, que en parte es el producto de la fuerza creadora de un gran pueblo”. Antonio Rodríguez. Fuente consultada: TARACENA, Berta et ál. Diego Rivera. Exposición Homenaje. México. INBA, 1977, pp. 166 y 167.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. UDS $6,490-10,810

JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) La buscona, 1912

Firmado Óleo sobre tela 33 x 25 cm - Con carta y documentos del Instituto Nacional de Bellas Artes, Dirección de Artes Plásticas solicitando el préstamo de la obra a “Exposición Nacional de Homenaje a José Clemente Orozco”, abril y julio de 1979. - Con carta del Museo Nacional del Arte solicitando el préstamo de la obra a la exposición “José Clemente Orozco: Sainete, drama y barbarie. Centenario. Caricatura de Orozco”, septiembre de 1983 y carta del Museo de Monterrey reiterando el convenio de la obra a dicha muestra, febrero de 1984. - Con carta de Galería Enrique Guerrero agradeciendo el préstamo de la obra a la exposición “José Clemente Orozco”, junio de 1998. - Con carta de agradecimiento y formulario de préstamo del Instituto Cultural Cabañas por facilitar la obra a la muestra retrospectiva “José Clemente Orozco: pintura y verdad”, abril del 2010. - Con cartas del Instituto Cultural Cabañas y del Antiguo Colegio de San Ildefonso solicitando ampliar el préstamo de la obra a la exposición retrospectiva “José Clemente Orozco: pintura y verdad”, julio y agosto del 2010; así como carta que especifica el interés de extender la exhibición en el Antiguo Colegio de San Ildefonso hasta febrero del 2011, diciembre del 2010 y carta de agradecimiento por el préstamo de la pieza a dicha exposición en ambos museos. Publicado en: - OROZCO, José Clemente. José Clemente Orozco. Autobiografía. México. Ediciones Occidente, 1945, Pág. 21. - TIBOL, Raquel. José Clemente Orozco. Una vida para el arte. México. Secretaría de Educación Pública, Secretaría de Cultura, 1984. - TIBOL, Raquel. José Clemente Orozco. México. Galería Enrique Guerrero, Banco de la República Casa de Moneda, 1998, Pág. 16, catalogado 1. - DEL CONDE, Teresa, et ál. José Clemente Orozco: pintura y verdad. México. Instituto Cultural Cabañas - INBA, 2010, Pág. 47. Exhibido en: - “Exposición Nacional de Homenaje a José Clemente Orozco” muestra presentada con motivo del XXX aniversario de su fallecimiento, presentada en la Sala Nacional del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, del 7 de septiembre al 30 de noviembre de 1979. - “José Clemente Orozco: Sainete, drama y barbarie. Centenario. Caricatura de Orozco”, exhibición presentada en el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, de noviembre a diciembre de 1983. - “José Clemente Orozco”, exposición presentada en el Banco de la República Casa de Moneda de Santa Fé de Bogotá, Colombia, de abril a junio de 1998 y en la Galería Enrique Guerrero en la Ciudad de México, de octubre a diciembre de 1998. - “José Clemente Orozco: pintura y verdad”, muestra presentada en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara, Jalisco, de marzo a agosto del 2010 y en el del Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México, de octubre del 2010 a enero del 2011. Con etiquetas del Institución Nacional de Bellas Artes-Oficina de Registro de Obras, del Centro Nacional de Conservación de Obras Artísticas, del Museo Nacional de Arte y de Galería Enrique Guerrero. Durante el régimen del presidente Francisco I. Madero, Clemente Orozco comenzó a realizar caricaturas políticas y series de acuarelas que ilustraban la vida de las prostitutas. Fue una época complicada para el artista, de tremendas luchas por aprender su oficio y tener una oportunidad de trabajar, como muchos otros. Fue una etapa de desarrollo existencial, pero a la vez una de las mejores, pues logró capturar ferozmente la Revolución. Entre 1911 y 1916, colaboró como caricaturista en algunas publicaciones, entre ellas “La Vanguardia” y “El Hijo del Ahuizote”, para este último realizó especialmente obras ambientadas por los acontecimientos que afectaron la sociedad media y baja de la capital mexicana. “Después de varias exposiciones colectivas, en septiembre de 1916, José Clemente Orozco realizó su primera exposición individual en la Librería Bilbos. La muestra se tituló ‘Estudios de mujeres’; en esa ocasión presento 123 obras entre tintas, carboncillos, pasteles, acuarelas y óleos. El artista estuvo por cumplir 33 años y era ya reconocido por sus contemporáneos y por los lectores de periódicos como el caricaturista ‘inclemente’ y cáustico del momento. Sin embargo, en esa exhibición hubo algo más: una serie titulada ‘La casa del llanto’, la cual llamó la atención; imposible no admirar esas piezas, donde el genio orozquiano recreó con delicadeza y humor la vida prostibularia. Años atrás, entre 1912 y 1913, José Juan Tablada escribió un artículo donde reveló la fascinación y la capacidad pictórica del jalisciense para capturar la vida frenética y miserable de la prostituta sin posturas morales, con una pincelada sutil y prodigiosa que transmite garbo, picardía y ternura en cada una de las escenas de burdel, a la altura de un Toulouse-Lautrec, cuya obra seguramente aún ni conocía el mexicano en esa época. En estos mismo años aparecieron sus primeros óleos con temáticas a fin de sus acuarelas, destacando de manera particular ‘La buscona’”. Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa, et ál. José Clemente Orozco: pintura y verdad. México. Instituto Cultural Cabañas - INBA, 2010, Pág. 49 y en FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-30-39.

$1,000,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $54,060-$108,110

DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974) Sin título

Firmada y fechada 56 Piroxilina sobre masonite 100 x 86 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Presenta mínimas craqueladuras a causa de la técnica empleada. David Alfaro Siqueiros siempre fue un hombre atento a los acontecimientos del mundo que lo rodeaba. Participó en las batallas de la Guerra Civil Española al lado de los republicanos, donde se ganó el apodo de “Coronelazo” por su aguerrida entrega en los combates. A su regreso a México en 1939, trabajó sin cesar en su pintura de caballete y murales, los cuales se albergan en importantes museos, universidades y edificios públicos y privados. Fue un artista de alma viajera, recorrió Latinoamérica y Estados Unidos, en donde estableció un taller experimental, y en el que tuvo como alumno a Jackson Pollock. Su rica personalidad artística hizo, que como ningún otro, ejecutara obras dignas de ser patrimonio nacional. Él creó su propia pintura y técnica para usarla: la piroxilina, la cual descubrió en 1936 con ayuda de alumnos entusiasta de la Escuela Superior de Ingeniería dentro de las instalaciones del Instituto Politécnico Nacional. La piroxilina es un compuesto industrial elaborado con lacas de nitrato y celulosa, la cual usó para su pintura de caballete y mural, lo que reflejó su incesante búsqueda por la innovación y su afán por experimentar con nuevas propuestas de expresión estética. Fuentes consultadas: sitios del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.gob.mx y de la Fundación UNAM www.fundacionunam.org.mx

$1,700,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD $91,900-$162,170

Jorge González Camarena con otra variación de su óleo, “La muchacha del diablito 2”

JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) La muchacha del diablito 3

Firmado al frente. Firmado y fechado Mex 1970 al reverso Óleo sobre lino 80 x 80 cm Con certificado de autenticidad firmado por Jorge González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Publicado en: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 210. Presenta mínimos detalles de conservación. Es uno de los representantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. A corta edad ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes y posteriormente fue ayudante de Dr. Atl, con quien trabajó de modo constante y fue asistente de las Escuelas al Aire Libre. Tuvo entusiasmo e interés en abordar temáticas de culturas precolombinas, aspectos relacionados con el movimiento revolucionario, históricos-sociales y de índole musical. No obstante, dentro de la representación de sus personajes, destaca la figura femenina, la cual pintó durante muchos años mediante un ideal de mujer mexicana: ojos profundos, cabello azabache, piel morena, bien formada, un tanto corpulenta, segura de sí misma, majestuosa. Aconteció, que el pintor encontró aquella realidad con: Victoria Dorantes. Cuando él le propuso que fuese su modelo, ella tenía 18 años y siendo adolescente se había casado con un pistolero al servicio de un político. “Olvídese” dijo la muchacha al pintor, “si mi marido descubre que estoy posando para usted, al día siguiente habría dos entierros”. Pero su esposo murió en una refriega y ella quedó viuda a los 19 años. Después de respetar el luto de la hermosa indígena por 40 días, Jorge González Camarena nuevamente la cortejó. De ahí en adelante, la inmortalizó y se convirtió en su modelo privilegiada y amante. Posó para numerosas obras, entre ellas la famosa Patria de los libros de texto escolares de la SEP, así como diversas pinturas de caballete y en emblemáticos murales, destacando “Presencia de América Latina” pintado en Chile en 1965, “Las razas y la cultura” ubicado en el Museo Nacional de Antropología y “Ciencia y técnica” que actualmente se puede apreciar en el Instituto Mexicano del Petróleo. “Por lo que refiere a los retratos femeninos, Jorge González Camarena realizó una cautivante serie con rostros de tipo indígena o criollo, que resultan verdaderos documentos etnográficos. Para lograr este propósito, tuvo como modelo a Victoria Dorantes […] Bajo esta premisa de modelo, existen como ejemplo versiones tentadoras que llevó a cabo bajo el título de ‘La muchacha del diablito’, al filo de 1968. Una sencilla estructuración compositiva, con una economía de imágenes: una ventana, un rostro femenino asomándose por ésta, un diablito y unos clavos, conforman un misterio y un simbolismo temático. Evidentemente, la joven apenas se asoma y observa con cautela, con una dosis de inocencia, y también podría afirmarse con una sensualidad interior contenida, ya que fuera de la ventana se encuentra un pequeñísimo diablillo —la tentación—, que se esconde seductoramente entre una grieta de la pared. Es una incitación implícita, al acecho, cautivadora y serena. Los clavos que se observan enterrados en el muro simbolizan al cristianismo, que son utilizados por el pintor para que la mujer se proteja y pueda controlar al diablito, de cometer cualquier acto ‘impuro’”. María Teresa Favela Fierro. Fuentes consultadas: -FAVELA FIERRO, María Teres. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 21. -MATEOS-VEGA, Mónica. “La patria se llamaba Victoria Dornelas”. México. La Jornada, sección Cultura, 24 de marzo del 2008. -“En la portada de los libros, una mujer olvidada”. México. Proceso, 5 de septiembre de 1992.

$2,200,000.00-$3,500,000.00 M.N. USD $118,920-$189,190 90

PABLO O’HIGGINS

(Salt Lake City, Utah, 1904 - Estado de México, 1983) Nopalillo

Firmado y fechado 67 Óleo sobre tela 74 x 55 cm Pablo O’Higgins es considerado uno de los mayores exponentes de los movimientos pictóricos mexicanos del siglo XX. Se desarrolló como pintor de caballete, grabador y muralista, profesión que ejerció impulsado por su amigo Diego Rivera, a quien ayudó en los murales de la Secretaría de Educación Pública y de la Escuela de Agricultura de Chapingo. Fue un notable impulsor del arte mexicano, miembro fundador del Taller de Gráfica Popular y co-editor de la monografía de José Guadalupe Posada. En 1961 el gobierno mexicano le otorgó la nacionalidad con carácter honorífico. Actualmente su obra se encuentra en galerías, museos y colecciones privadas mexicanas y extranjeras. Fuente consultada: PONIATOWSKA, Elena. Pablo O’Higgins. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, Banco Nacional de Comercio Exterior, 1984, Pág. 20.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,900-$16,220 92

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006) Tejedora de palma

Firmado y fechado 1954 al frente. Firmado y fechado 1954 Ticul, Yucatán al reverso Óleo sobre tela 60 x 50 cm Reconocido como uno de los mejores retratistas, Raúl Anguiano realizó una expedición a las excavaciones en el Estado de Chiapas en la zona maya de Bonampak en 1949, donde elaboró dibujos de la población indígena y de la arquitectura del lugar, experiencia que le ayudó a establecer su estilo retratístico posterior. La obra que realizó en aquel viaje atrajo la atención del Gobierno Mexicano, otorgándole gran reconocimiento y fama por su sensibilidad artística y años más tarde, después de la creación del Museo Nacional de Antropología en la Ciudad de México, fueron expuestos los dibujos de aquella investigación. Las características halladas en estas piezas se aprecian en sus retratos femeninos, las cuales son casi como homenajes, una incursión al ideal de mujer, fuerte independiente y sensual. “Después de siete décadas de trabajo, mi obra ha pasado por varios períodos, podríamos decir: ingenuo, figurativo, sólido y riguroso con influencias de los tres grandes, producción con sentido social y crítica durante la época del Taller de la Gráfica Popular, período surrealista basado en sueños y en mi imaginación, vuelta al clasicismo con temas de la realidad y centenares de retratos”. Raúl Anguiano. Fuentes consultadas: SÁMANO CASTILLO María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2000, pp.76-78 y en VIDAL DE ALBA, Beatriz. Raúl Anguiano 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, Pág. 18.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,410-$9,730 93

ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - ) Desnudo parado

Firmado y fechado 91 al frente. Firmado y fechado 1991 al reverso Acrílico sobre tela 79.5 x 50 cm Agradecemos al Maestro Roger von Gunten por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2019. Con etiqueta de Galería Juan Martín. Al ser originario de Zúrich, Suiza, estudió Pintura y Diseño Gráfico en la afamada Escuela Alemana de Artes y Oficios Kunstgewerbeschule y tras pasar una temporada en Ibiza, España, se trasladó a México en 1957, donde se estableció definitivamente. En nuestro país realizó su primera exposición, la cual le abrió las puertas para relacionarse con otros artistas del medio, conociendo así a los jóvenes que más tarde formarían la generación de La Ruptura. 94

Actualmente, su obra se expone en destacados museos y galerías, y forman parte de importantes colecciones públicas y privadas de Suiza, España, Francia, Inglaterra, Estado Unidos, Canadá, Indonesia y Japón. “Yo sostengo que, contrario a lo que nos quieren hacer creer cierto filósofos posmodernos, una imagen no puede tener lectura porque no es un texto, porque no tiene principio ni fin. Todo lo que podemos hacer con una imagen es complementarla; recorrerla con los ojos y las antenas de nuestro espíritu en todas las direcciones y sin límite de tiempo, hasta que conozcamos su estructura formal y captemos su mensaje, lo que nos viene a decir. El arte enseña pero no explica”. Roger von Gunten. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Roger von Gunten. Toma de conciencia. México. Arte Hoy Galería, 2013.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,490-$10,810

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - ) La madre

Firmado y fechado 58 al frente. Firmado y fechado 1958 al reverso Óleo sobre masonite 150 x 122 cm Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, junio del 2019. Exhibida en: “Pintura y grabado contemporáneo”, muestra presentada en la Casa de las Américas de La Habana, Cuba, 8 de diciembre de 1959. Con etiqueta de Promoción Internacional de Cultura, Secretaría de Relaciones Exteriores-Departamento de Exposiciones. Presenta desprendimiento de capa pictórica, craqueladuras y detalles de conservación.

“La obra de Vicente Rojo es clásica y universal en su contenido, en sus formas y en sus diálogos. A lo largo de su producción se ha mantenido una estructura estética que obedece al orden más puro de la expresión […] La obra de Vicente Rojo ha encontrado un amplio público, integrado por aquellos espectadores y coleccionistas que encuentran un eco sensible en el lenguaje abstracto, para quienes la línea, la figura y el color hablan un idioma que les es afín. El poder de resonancia que encierra la obra misma atrae de manera natural a quienes saben escucharla. En presencia de la obra, el espectador desarrolla un diálogo en el que surgen afinidades. Por estas razones nadie especula con ella, todos buscan disfrutarla. Hoy por hoy es un artista consagrado, con nombre que en la plástica se ha construido con hechos constantes, un nombre que tiene peso en el ámbito internacional”. Lupina Lara Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp. 16 y 17.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,810-$16,220 95

VICENTE ROJO

(Barcelona, España, 1932 - ) Negación

Firmada Mixta sobre tela, tríptico a manera de biombo, doble vista 183 x 281 x 5 cm medidas totales Agradecemos al Maestro Vicente Rojo por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2019. Vicente Rojo vivió duras experiencias en su juventud, ya que le tocó presenciar la Guerra Civil Española y su familia se vio obligada a huir a Francia, pues su padre militaba con el Partido Comunista Catalán y su tío por otro lado era el jefe del Estado Mayor del Ejercito Republicano. Después de una estancia de meses en territorio francés, aún era alto el riesgo de regresar a España, así que se trasladaron a México, llegando a nuestro país en 1949, obteniendo la nacionalidad mexicana al poco tiempo. Adoptó México con facilidad, incluso como su patria, y con rapidez conoció gente importante del medio artístico, aprendió la cultura y aprovechó todas las oportunidades para aprender y estudiar. En 1950 ingresó a La Esmeralda y en 1958 realizó su primera exposición en la Ciudad de México con gran éxito. Desde entonces su desempeño como pintor y diseñador gráfico, así como su infatigable labor intelectual han sido una aportación esencial para la cultura en México. En 1965 diseñó la “Revista de Bellas Artes” en colaboración con Ramón Pujol, al año siguiente asumió la dirección artística de la “Revista Universidad” y en 1967 realizó junto con Kazuya Sakai el diseño de la revista “Plural”. En 1970 tomó la forma de la letra “T” como parte fundamental en la estructura de su obra y de la cual creó la serie “Negaciones”; de ella sacó diferentes opciones plásticas, simples y a la vez sugerentes, interpretaciones que se extendieron durante años. Actualmente es un afamado intelectual, un reconocido diseñador cofundador de Editorial Era, un destacado miembro de la generación de La Ruptura y un sobresaliente artista plástico. “Siempre he pensado que lo único que uno no debe hacer es aburrirse, por ello, en todo momento busqué elementos que fueran atractivos, que pudiera utilizar de manera diferente y crear un poco de ruptura, captando la atención en ciertas cosas. Yo tenía una colección de recortes de periódicos, de revistas, de retratos de personas importantes, artistas, escritores y otros motivos. Entonces todo se podía reproducir, yo podía reproducir lo que fuera de donde fuera, tomaba textos y materiales de todos lados y los traducían sin pedir ningún permiso”. Vicente Rojo.

Fuentes consultadas: -VILCHIS, Carmen. “Vicente Rojo, diseñador gráfico”. México. Revista digital Universitaria UNAM, Vol. 14, No. 7, Art. 19. -LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana México. Promoción de Arte Mexicano, año 7, No. 56, marzo-abril del 2002, pp. 5-8. -DEL CONDE, Teresa et ál. Variantes. Ocho pintores. México. Impronta Editores, 1999, Pág. 62.

$1,500,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $81,090-$135,140

Anverso

Reverso

ERNESTO HUME

(Ciudad de México, 1953 - ) Cuatro, 2017

Firmada en placa con monograma Escultura en piedra de recinto, pieza única 37 x 50 x 44 cm Con certificado de autenticidad del artista. Una variante en material de esta pieza se encuentra publicada en: sitio oficial del artista www.ernestohume.com Influido por su padre, que era arquitecto, y por el trabajo de Mathias Goeritz, Ernesto Hume inició sus estudios en la Academia de San Carlos. Su obra radica en la dualidad y la relación entre la ciencia y el arte, utilizando el metal como su medio de expresión. Por su trabajo de carácter público y abstracto obtuvo una Mención Honorífica en 1985 en el Salón Nacional Trienal de Escultura y en 1995 recibió la beca Mex-AM Fellowship Award del Vermont Studio Center. Sus obras forman parte del acervo de instituciones como el Museo Carrillo Gil, Museo de Arte Moderno y la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, así como del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas y del Museo Antropológico de La Paz, Baja California. “Ernesto Hume logra involucrar a los públicos pues con las características generales de sus piezas y con los elementos con los que, en lo particular, los resuelve, logra que los destinatarios imaginen con facilidad posibles cambios de escala de los trabajos que les presenta”. Carlos Blas Galindo. Fuentes consultadas: BLAS GALINDO, Carlos. Ernesto Hume. México. Arte Hoy, 2014, pp. 4-7 y 35.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,330-$5,410

FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima, Perú, 2017) Estudio No. 9, 1974

Firmado Acrílico y gouache sobre papel 55.5 x 74 cm Con etiqueta de Galería Juan Martín. Se formó en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Católica de Lima, en donde además dio clases de pintura. En 1949 viajó a Europa donde estudió las obras de grandes maestros, donde se empapó de corrientes artísticas como el informalismo, surrealismo, cubismo y abstraccionismo. Durante ese tiempo hizo amistad con personajes como Rufino Tamayo, Julio Cortázar y Octavio Paz, entre otros. Fernando de Szyszlo fue una figura clave en el arte abstracto de la Latinoamérica a mediados de los años 50 y fue una de las mayores fuerzas en la renovación artística de su país, abriendo camino mediante la expresión de temáticas peruanas en un estilo no representacional. “Las obras de Fernando de Szyszlo hacen gala del deleite que el artista siente por la creación y de su encuentro con la estética. Entre luces y sombras se contiene la expresión del sentimiento que le robo un instante de plenitud o un momento de reflexión. En esos encuentros mágicos en los que vibran los colores, Szyszlo nos expone los misterios del alma, Sus formas hablan de rito, belleza, majestuosidad, poesía y amor”. Lupina Lara Elizondo. Fuentes consultadas: “Fernando de Szyszlo. Elogio a las Sombras.” México. Antiguo Colegio de San Ildefonso, 2011 y en LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 8, No. 62, marzo-abril, 2003, Pág. 5.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,410-$9,730

Otra vista

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - ) Sin título, 2010

Sin firma Escultura en acero esmaltado 63.5 x 61 x 40 cm Con certificado de autenticidad del artista. La producción de Manuel Felguérez ha oscilado entre el constructivismo y la abstracción, experimentando con la geometría o haciendo detonar las formas. Ha usado tanto los metales más rígidos como las materias más crudas, y ha explorado el uso de computadoras para generar variantes visuales. Durante toda su carrera, ha buscado nuevas maneras de expresión, siempre renovando su lenguaje artístico pero nunca dejando de lado ciertos parámetros de la generación que lo vio nacer como artista; La Ruptura. Fuente consultada: MONCADA, Gerardo. “Manuel Felguérez: El monstruo creativo”. Otro Ángulo, 12 de diciembre del 2018.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730 100

FERNANDO DE SZYSZLO

(Lima, Perú, 1925 - Lima, Perú, 2017) Villac Umu, de la serie Cámara ritual

Firmado y fechado Orrantia 66 Óleo sobre tela 119.5 x 119.5 cm A finales de la década de los 50 se mudó a Washington D.C. a trabajar en la División de Artes Visuales de la Unión Panamericana, tiempo en el que además de su trabajo como asesor invirtió mucho en pintar; y poco a poco fue encontrando una fuerte inclinación hacia lo abstracto. Su obra ha recorrido distintas instituciones culturales del mundo, como el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo de Arte Contemporáneo de América Latina en Washington D.C., el Museo de Bellas Artes en Santiago de Chile y el Museo Guggenheim de Nueva York, entre otros. Dentro de sus muestras más representativas, las cuales también realizó por series, se encuentran “Inkarri”, “Orrantia”, “Sol negro”, “Visitante” y “Cámara ritual”; de esta última pertenece la obra “Villac Umu”, la cual hace referencia al sumo sacerdote principal del Imperio Inca, cultura que Szyszlo utilizó como referencia en varias de sus obras para mostrar la riqueza de la historia cultural de su tierra. “El arte abstracto de Fernando de Szyszlo es un abstracto sui generis, pues no llega a eliminar por completo la forma, como ha sucedido en el caso de otros participantes de esta corriente. En el caso de las obras del peruano, estas nos permiten un encuentro con ventanas, mesas, aves, fósiles y objetos totémicos, que provocan la sensación de estar presenciando un conjuro místico o un momento sagrado” Lupina Lara Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 8, No. 62, marzo-abril, 2003, pp. 5-25.

$650,000.00-$900,000.00 M.N. USD $35,140-$48,650 101

MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - ) Sin título

Firmado y fechado 82 Óleo sobre tela 49 x 59 cm Agradecemos al Maestro Manuel Felguérez y a su esposa Mercedes Oteyza por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. “Felguérez ha explorado siempre hacia adentro las infinitas posibilidades de los medios de expresión propios de su oficio […] La naturaleza misma de sus materiales es siempre en él inevitable punto de partida. Para dar paso a la voluntad del artista de transformar el poder de sugestión de los materiales en un orden armónico, a través del cual ellos cobran nueva vida y se convierten en expresión del libre y estricto ejercicio de la imaginación del creador”. Juan García Ponce. Fuente consultada: MONCADA, Gerardo. “Manuel Felguérez: El monstruo creativo”. Otro Ángulo, 12 de diciembre del 2018.

$150,000.00-$300,000.00 M.N. USD $8,110-$16,220

102

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Serie sobre fondo rojo II-A

Firmada y fechada 81 al reverso Mixta sobre tela 150 x 150 cm Con etiqueta de Galería Ponce al reverso “Si bien García Ponce mantiene en su pintura un claro hilo conductor, sin embargo es posible discernir diferencias que tienen que ver con la actitud frente al color que ingresa en su obra no solo como un estado de ánimo, también como la denotación de un vocabulario constructivo en particular. No podríamos hablar de una lógica evolutiva ni de una determinada periodización sino de obsesiones recurrentes: la pureza y el eclecticismo, la sobriedad y el abigarramiento, el orden y el caos. Pintura hecha de contrarios, la tela se convierte en testigo de un temperamento ambicioso, antropofágico, en campo de una sensibilidad que en el afán de una gran síntesis ha hecho la disección consciente de cada uno de los procesos que le obsesionan”. Rita Eder. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$460,000.00-$600,000.00 M.N. USD $24,870-$32,440 103

104

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987) Sin título

Firmado y fechado 84 Óleo sobre collage de revistas, fragmentos de madera y cartón sobre madera, tríptico a manera de biombo 215.3 x 321 x 5.6 cm medidas totales Procedencia: adquirido directamente al artista. Perteneciente a la generación de La Ruptura, Fernando García Ponce fue un importante pintor mexicano cuyo trabajo se caracteriza por el uso de toques geométricos y expresiones abstractas provenientes del informalismo así como ciertos juegos derivados de la neofiguarción. Habiendo estudiado Arquitectura en la UNAM y practicante en el taller del valenciano Enrique Climent, sus primeros trabajos se vieron influenciados por composiciones simétricas, parteaguas a lo que sería su dominio pleno: el geometrismo. Al reconocer su pasión por la pintura, abandonó su licenciatura y viajó a Europa, visitando París, donde estudió las obras de los grandes maestros. A su regreso a México, montó su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano, en la cual incluyó óleos con temas de naturalezas muertas, no obstante fue la serie de collages la exhibición por la cual se hizo acreedor a una Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana; posteriormente inició su época abstracta, participando con pinturas de mediano y gran formato en la Colectiva de Pintura Contemporánea de México y América del Sur, Colectiva de Arte Actual de América y España realizada en Madrid, así como exposiciones adyacentes en la Galería Juan Martín y Galería de Arte Mexicano. Durante el verano de 1976 viajó nuevamente a París, pasando también una temporada en Barcelona, donde realizó una serie de obras gráficas. Un año más tarde volvió a nuestro país con grandes elogios, incluso el periódico “Excélsior” lo anunció como: “el regreso del prominente artista a México”. Enseguida, el Museo de Arte Moderno le realizó una muestra individual con obras ejecutadas entre 1977 y 1978. No obstante, su felicidad por el éxito se vio opacada por el fallecimiento repentino de su esposa Denise, pese a ello, él se mantuvo concentrado y en actividad creativa, utilizando el dolor para pintar obras potentes y llenas de inspiración. Desde entonces y sin parar trabajó arduamente, diversas galerías y museos de ciudades de México, Cuba, Colombia, Argentina, Perú, Francia, Canadá y Estados Unidos exhibieron sus cuadros e importantes colecciones privadas adquirieron obras suyas. A los 54 años de edad y considerado uno de los artistas más importantes de la plástica mexicana, falleció de un infarto en su taller el 11 de julio de 1987. Manuel Felguérez, quien pudo observar el cuarto donde yacía su cuerpo, su último cuadro en el piso y el libro abierto de Schwitters en la mesa de noche, dijo: “es la mejor escena que define su muerte, la muerte de un gran pintor”. “Creo que hizo todo lo que pudo por violar todas las posibles armonías y sin embargo ofreció a contrapelo un rico universo de contradicciones que siempre acabaron por configurar un sonoro y fuerte acorde, como si el impulso improvisado estuviera gobernado por una fuerza extrapersonal que evitara el caos y la confusión”. Teresa del Conde. Fuentea consultadaa: GARCÍA PONCE, Juan. “Vida, formas y muerte de pintor”. México. Revista Vuelta, No. 249, agosto de 1997 y en sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$3,800,000.00-$6,000,000.00 M.N. USD $205,410-$324,330

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Vista a

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Biombo multicolor, ca. 1962

Sin firma Gouache, tinta y acuarela sobre papel, doble vista 135 x 96 cm Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, junio del 2018. Esta obra fue realizada por el artista durante su estancia en Tokio, Japón en la década de los 60. Pedro Coronel se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional a partir de los años 60 para tomar un camino más personal, a lo cual contribuyeron sin duda sus prolongadas estancias en el extranjero. Residió en París y Roma un tiempo, y a su regreso a México presentó una exhibición en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, en la cual los críticos pudieron admirar ese cambio personal, donde la obra muestra un olvido por las texturas, el uso de planos lisos, una vivencia fuerte del color que fluye sin ataduras ni intenciones anecdóticas, una pintura mucho más espacial, sin perspectivas ni engaños superficiales. Fuentes consultadas: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Pedro Coronel. El espíritu del color. México. Gobierno del estado de Veracruz, Instituto Veracruzano de Cultura, 2012, Pág. 3 y en CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 183 y 185.

$1,300,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $70,270-$97,300 106

Vista b

“¿Qué era el color para Pedro Coronel? Desde sus primeras obras, aquellas realizadas en la infancia, podemos observar que la gama cromática era un acertijo para el creador, una encrucijada que lo mantenía al borde, ya que sus propuestas colorísticas no siempre relatan lindes con tramas hegemónicas. Muchas veces cuando observamos las obras de este genial autor, nos encontramos con un código que nos presenta la relación del ser humano y el desasosiego, tema que le interesó, ya que la lucha de los contrarios fue siempre un estado filosófico que le asombró: vivía entre la fascinación y el insomnio”. Juan Rafael Coronel Rivera.

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CÉSAR LÓPEZ OSORNIO

(La Plata, Argentina, 1930 - La Plata, Argentina, 2015) De la serie Soles flotantes

Firmado y fechado 9/9/82 Barcelona al reverso Acrílico sobre tela 59 x 59 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, Argentina, posteriormente viajó a Japón para complementar su educación, tomando clases de Arte Oriental y Arquitectura Paisajística y en ocasiones ejerció como docente. En 1963 regresó a Buenos Aires, pero fue obligado en 1975 a exiliarse en distintos países de Latinoamérica como Colombia, Costa Rica y Puerto Rico, para finalmente asentarse en Venezuela, país donde realizó los primeros contactos con artistas de toda América con el fin de conformar un museo de arte contemporáneo exclusivamente latinoamericano. Más tarde, se estableció en Barcelona y en 1992 organizó la primera muestra de artistas latinoamericanos residentes en Europa. Fue tal el éxito que todos los participantes se unieron a César López Osornio para incluir sus obras en el acervo del museo a crearse. En marzo de 1999 volvió a Argentina por invitación del intendente de La Plata, para crear el Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano en su ciudad natal. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano www.macla.com.ar

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,520-$18,920 108

FELICIANO BÉJAR

Otra vista

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007) Dodecaedro, 1973

Firmada Escultura en acrílico y vidrio 28 x 35 x 35 cm Con certificado de autenticidad, firmado por Martin Foley, agosto del 2019. Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2019. Su formación fue autodidacta; desde que tenía 15 años Béjar comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Fue entonces que conoció a José Clemente Orozco, quien trabajaba en una biblioteca de Jiquilpan y de quien aprendió que el arte debía estar al servicio de la sociedad y fue por eso que durante su vida pugnó por “democratizar la belleza por medio del arte”. En un principio se dedicó a recorrer el mundo. En 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. En 1956, mientras vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles. Su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como “el recolector de soles”. Fue en México donde se involucró en la construcción de instrumentos “poblados de luz”. Los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. La llegada de sus creaciones al Palacio de Bellas Artes, en 1966, constituyó la apertura a toda una generación de escultores vanguardistas, y significó la ruptura de moldes tradicionales. Impuso una nueva forma de entender el arte como un juego, una actividad lúdica en esencia. Fuente consultada: MATEOS, Mónica et ál. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad”. México. La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero del 2007.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,410-$8,110 109

PALLE SEIERSEN FROST

(Hjørring, Dinamarca, 1935 - Ciudad de México, 2018) Sin título

Firmado y fechado 1975 al reverso Óleo sobre tela 183 x 170 cm Fue un arquitecto, pintor y diseñador de origen danés, naturalizado mexicano y cuyas obras se caracterizan por la fluidez de las formas mediante el uso de materiales como papel japonés y metales. Fue a través de una beca, que estudió en Estados Unidos en 1954, posteriormente regresó a Dinamarca para graduarse en Arquitectura. En la década de los 60 emigró a México. A lo largo de su carreara exhibió en galerías y museos de México, Colombia, Francia y Dinamarca. “Para Frost el papel debe ser doblado, arrugado y cortado. Él se convirtió en la imaginación de su material y sacó de él sus leyendas, sus sueños y sus ciudades escondidas […] El artista aquí no es mago sino médium, el brujo que deja fluir de sus manos la verdad de su material que es a la vez su propia verdad. Con su inteligencia ha penetrado el corazón del papel y le ha satisfecho el deseo de transformarse en la piel de la luz y la sombra”. Águeda Pizarro. Fuente consultada: PIZARRO, Águeda. Palle Seiersen Frost. México. Reproducciones Fotomecánicas, 1997.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730

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FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007) Caja magiscópica

Firmada y fechada 68 Escultura con cristal y espejos encapsulados en acrílico tallado, envuelta en lámina de acero 31 x 31 x 25 cm Con certificado de autenticidad, firmado por Martin Foley, agosto del 2019. Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2019. Presenta mínimos detalles de conservación. “Creo que hay un error en la definición de artista que tenemos actualmente. Hace mucho tiempo, en el Renacimiento por ejemplo, el concepto que se tenía de artista era diferente; Miguel Ángel fue un hombre que cultivó la escultura, pintura, arquitectura y la poesía. Para mí, lo más interesante en la vida es experimentar. Mi trabajo está constantemente cambiando y a pesar de mi edad, yo creo que estos cambios continuarán”. Feliciano Béjar. Fuente consultada: RÁBAGO PALAFOX, Gabriela. “Feliciano Béjar: the poetry of all things”. Estados Unidos. Revista Académica del CISAN-UNAM, No. 25, julio - septiembre de 1994.

$180,000.00-$300,000.00 M.N. USD $9,730-$16,220

Otra vista

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ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Tulipán

Firmada y fechada 2004 Escultura en bronce con esmalte acrílico A/P 88 x 26 x 19 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2017. “Sebastian es reconocido mundialmente por su excepcional capacidad de transformar la abstracción matemática en obras tridimensionales de gran belleza y armonía. La fusión de rigor científico con imaginación plástica, esencia del lenguaje sebastino, ha revolucionado el diseño de la escultura geométrica y le ha permitido crear más de seiscientas obras de asombrosa variedad formal, todas con el inconfundible estilo de su creador”. Héctor Tajonar. Fuente consultada: TAJONAR, Héctor ét ál. Sebastian escultor. México. Fundación Sebastian.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,490-$10,810 112

ENRIQUE GUZMÁN

(Guadalajara, Jalisco, 1952 - Aguascalientes, 1986) Sin título

Firmado y fechado 84 al frente. Firmado y fechado 1984 al reverso Óleo sobre tela 60 x 70 cm Publicado en: BLAS GALINDO, Carlos. Enrique Guzmán. Transformador, y víctima de su tiempo. México. CONACULTA, 1992, catalogado 82. Presenta un ligero desprendimiento de capa pictórica. Su niñez transcurrió en sociedades sumamente represivas, lo cual tuvo como consecuencia que manifestara una actitud disidente ante la autoridad y las imposiciones estilísticas de su época, actitud que lo condujo a incrementar su originalidad y a aceptar aquello que era distinto de lo predominante, encontrando soluciones altamente innovadoras para su producción visual. En 1969 se trasladó a la Ciudad de México e ingresó a La Esmeralda, donde padeció de marginación por parte de algunos de sus condiscípulos y profesores. Ante esto, Enrique Guzmán no quiso sobrellevar el asedio profesional que implicaba su permanencia en la escuela y no concluyó la carrera. La contribución estilística que realizó fue en gran parte el desarrollar versiones locales de los movimientos Pop y Post-Pop, un desafío a la colonización cultural primermundista, constituyendo así, una acción política y una postura cultural. Durante 1983 y 1984 pintó una serie de piezas abstractas cuya utilidad extraestética y extrartística parece haber sido la de permitirle el eludir o al menos atenuar, las referencias a una realidad natural que lo remitían al segmento de su pasado con el cual estaba insatisfecho y ante el que manifestaba culpabilidad. En 1986 decidió poner fin a su vida. Fuente consultada: GALINDO, Carlos Blas. Enrique Guzmán. Transformador y víctima de su tiempo. México. CONACULTA, Ediciones Era, 1992, pp. 9, 10, 24 y 27.

$260,000.00-$400,000.00 M.N. USD $14,060-$21,630 113

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Binomio 2

Firmada y fechada 2004 Escultura en bronce con esmalte acrílico 91.5 x 25.5 x 17.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2017. “Una vez que me decidí por las matemáticas y la geometría como lenguaje para llegar al fin plástico, fue sencillo. No estoy diciendo que sean fáciles, pero con un buen lenguaje uno puede decir cualquier cosa sobre la contemplación de la naturaleza [...] Es como tener un lenguaje que parte de las letras. Los poetas escriben con sílabas, palabras y frases, yo empecé a escribir esculturas, a definir cosas de dos, tres y múltiples dimensiones. Gracias a las matemáticas y la geometría pude hacer un lenguaje codificable”. Sebastian. Fuente consultada: DELGADO, Alix. “Sebastian, escultor. Entrevista”.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,490-$10,810

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ALBERTO JOSÉ SÁNCHEZ (Caracas, Venezuela, 1979 - ) Pyramidal cobalt

Firmado y fechado 2019 al reverso Acrílico sobre tela 120 x 121 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.albertojosesanchez.com Se graduó en Negocios por la Universidad Metropolitana de Venezuela y fue durante sus estudios, que mantuvo contacto con el mundo artístico. Esta pasión por el arte lo llevó años más tarde a estudiar Arte en la Universidad Metropolitana. Ha estado particularmente interesado en el arte cinético, explorando esta forma extensamente. Su principal fuente de inspiración ha sido el Maestro Carlos Cruz-Diez, a quien conoció en su taller de París. En 2007, comenzó a desarrollar piezas con un carácter óptico-geométrico abstracto, siendo este el momento de su desarrollo artístico cuando encontró su verdadera pasión. “Con mi trabajo busco generar un impacto sensorial tridimensional a través de la fusión de la razón y la lógica visual. Las formas y líneas en un plano definen la estructura del trabajo, que cuando se combina con la aplicación adecuada de sombras y colores, crea la impresión de la tercera dimensión y el espacio irreal. Las sombras virtuales se convierten en un elemento crucial de mi trabajo, destacando la subjetividad de las tres dimensiones. Quiero entrar en la conciencia del espectador, tratando de generar una percepción diferente de la realidad. Quiero crear una dialéctica entre lo que se ve y lo que realmente está allí, para generar un placer adicional, más que el placer estético”. Alberto José Sánchez. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.albertojosesanchez.com

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,490-$8,110 115

RUBÉN LEYVA

(Oaxaca, Oaxaca, 1953 - ) Sin título

Firmado Acrílico y collage sobre papel 75 x 109 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Desde pequeño, Rubén Leyva estuvo en contacto con el arte por su tío el pintor José Zúñiga y por su padre, que era artesano. En 1972 acudió a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca, estudiando pintura y serigrafía. Leyva pintaba temas cotidianos, pero poco a poco fue decidiendo dejar lo cotidiano y comenzó a aplicar cada vez lo que a él le llamaba la atención, y así fue como descubrió su propio estilo. De esa forma fue surgiendo una pintura libre y espontánea, llena de expresividad. En 1985 recibió el Primer Premio de Artes Plásticas en la Casa de la Cultura de Oaxaca. Entre sus exhibiciones destacan “Fragmentos de mis sueños” realizada en México en 1992, “50th Anniversary of the United Nations” presentada en Nueva York en 1995 y “Solar Earth” en el Consulado General de México en San Antonio, Texas, en 1996. Además, ha participado en exposiciones colectivas en España, Inglaterra, Estados Unidos y México. “La selección del color es un acto simple, sin rebuscamientos ni intelectualismos, es un acto de libertad total […] Me gustan los colores directos”. Rubén Leyva. Fuente consultada: ELIZONDO DE LARA, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, enero-febrero, 2002, año 7, No. 55, pp. 18-30.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,870-$6,490

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CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - ) Escenario

Firmada al frente. Firmada y fechada 2000 al reverso Encáustica sobre fibracel 82 x 126 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: TIBOL, Raquel et ál. Carlos Pellicer. Temples, gouaches y encáusticas. México. Aldama Fine Art, 2019, Pág, 26, catalogada 15. Algo que inquietó al artífice desde sus inicios era el encontrar un lenguaje propio y aunque después lo descubrió, no se atrevió a seguir pintando, así pues, comenzó a dibujar paisajes. Al pasar los años encontró una especie de abstracción del paisaje con la que sí se sintió cómodo, quedándose con pocos elementos, con algo sintético de lo que él veía en el campo; esto es lo que ahora caracteriza su propuesta. Fuente consultada: DE ÁVILA, Alejandra. “Carlos Pellicer, artista del abstracto”. México. El Sol de Zacatecas, sección Cultura, 14 de agosto del 2018.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

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ANTONIO CHEMOR

(Ciudad de México, 1952 - ) Sin título

Firmada y fechada 1981 Escultura en mármol 50 x 25 x 17.5 cm Escultor por formación, experiencia y convicción autodidacta, en 2006 se inició en la talla directa en piedra. Algunas de sus influencias escultóricas más importantes han sido artistas como Eduardo Chillida, Henry Moore, Constantin Brancusi y Hans Arp; el arte prehispánico también ha sido un referente significativo en su enfoque artístico y exploración estética. Su búsqueda en la escultura se inclina hacia el balance de las formas, los contornos y los contenidos internos de cada una de las obras. La lectura de poesía, filosofía y su interés en la música contemporánea de vanguardia, han sido los maestros de Antonio Chemor, ya que nunca trabajó con algún escultor en un taller de piedra, todo el trabajo técnico lo ha aprendido por sí mismo y lo ha creado con sus propias manos, ningún cantero o ayudante le hace su trabajo. En su obra encontramos puentes y diálogos artísticos con obras artísticas y culturas que importa señalar. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy galería, 2013, pp. 7, 8 y 19.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110 118

FRANCISCO MORENO CAPDEVILA

(Barcelona, España, 1926 - Ciudad de México, 1995) Sin título

Firmada y fechada 1976 Encáustica sobre masonite 91 x 61 cm Al llegar a nuestro país a la edad de 13 años como refugiado político, adoptó la nacionalidad mexicana. Su obra abarca pintura, grabado, mural, dibujo y diseño gráfico. Se hizo acreedor a 11 premios y menciones honoríficas, entre las que destacan el Primer Premio de Grabado del Salón Nacional de Grabado, INBA, en 1955, el Primer Premio de Adquisición de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana, INBA, en 1962 y 1967, y la Medalla de Oro de la Tercera Bienal Internacional de Gráfica de Arte de Florencia, Italia, en 1972.

“No soy un productor de arte. Pinto un cuadro cuando necesito hacerlo. Empleo un proceso de trabajo largo y estoy dándole de vueltas a la cabeza. Tengo una forma de trabajar lenta, empleo el tiempo que sea, pero las cosas deben estar bien hechas. Claro que tengo prisa, el tiempo es atosigante, pero no le queda a uno más remedio que dialogar con el cuadro. La manera de decir es el soporte básico de la obra. Si está mal dicho, queda mal dicho. Cuando a uno no le protesta la obra, cuando acabamos de platicar, ahí se deja”. Francisco Moreno Capdevila. Fuente consultada: PONCE, Armando. “Investigación exhaustiva sobre Moreno Capdevila, en el soporte de su gran retrospectiva”. México. Proceso, 9 de mayo de 1987.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $5,330-$5,410

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ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Binomio

Firmada y fechada 2004 Escultura en acero con esmalte acrílico P / T 91 x 25.5 x 17.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, mayo del 2017. Presenta ligeros detalles de conservación. De vocación constructiva, desde mediados de la década de los 60, Sebastian inició el desarrollo de su lenguaje artístico apoyándose en su quehacer con disciplinas científicas como las matemáticas y la geometría, acercándose a la topología y la cristalografía. Además de realizar esculturas, su producción abarca también el diseño arquitectónico, pintura, diseño de objetos, mobiliario, joyería, diseño de vestuario teatral y escenografías. A lo largo de su exitosa carrera ha sido reconocido con múltiples distinciones, siendo elegido como miembro de la Academia de Artes de la Haya en Holanda en 1983 y condecorado como Doctor Honoris Causa por The City College of the City University en Nueva York, en 2008. También ha presentado exposiciones en los principales museos de México y su obra se encuentra en numerosas colecciones a nivel internacional. “La obra de Sebastian, particularmente atractiva para los amantes de la geometría, también atrae al público en general, como lo evidencian los numerosos espacios públicos que sus esculturas adornan alrededor del mundo. Aunque es mayor la emoción al conocer a este hombre tan agradable, cálido y humilde, que cuando se le ‘provoca’, habla sobre el desarrollo de sus obras con gran entusiasmo. Sus dinámicos trabajos pueden servir de estímulo ilimitado a los estudiantes de geometría, por sus visualizaciones desafiantes y sorprendentemente inspiradoras, mientras que el público en general puede apreciar la belleza de sus obras estéticas y, al contemplarlas durante horas, tener nuevos descubrimientos personales. Nuestra civilización recibió como regalo a este genio”. Alfred S. Posamentier. Fuente consultada: TAJONAR, Héctor et ál. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, Pág. 42.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,330-$6,490 120

OMAR RAYO

(Roldanillo, Valle del Cauca, Colombia, 1928 - Palmira, Colombia, 2010) Paisaje de Taxco

Firmado y fechado 59 Óleo sobre tela 64.3 x 55 cm Agradecemos a Águeda Pizarro Rayo, presidenta de la Fundación Museo Rayo por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2016. Procedencia: adquirido directamente al artista. Presenta detalles de conservación. Omar Rayo fue un pintor, caricaturista, ilustrador, escultor y grabador colombiano, considerado uno de los artistas plásticos más destacados de su patria. En la década de los 50, decidió emprender una serie de viajes por diversos países del continente americano. Fue así, que en 1959 llegó a México, y durante un año se dedicó a estudiar nuestra cultura. Posteriormente viajó a Nueva York, ciudad en la que radicó por casi diez años. Su compromiso artístico le permitió también establecer uno de los primeros museos regionales de arte moderno en Colombia. Con ayuda del arquitecto mexicano Leopoldo Gout, diseñó el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en Roldanillo en 1981, recinto en el cual, hasta el día de hoy, se exponen casi dos mil cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de quinientas obras más de diferentes artistas latinoamericanos. La idea inicial de Rayo fue crear un lugar dinámico y activo para el arte latino. Durante su carrera, obtuvo diversos premios y menciones honoríficas y logró realizar más de 200 exposiciones individuales en Europa, Asia y América. Fuentes consultadas: UREÑA RIB, Fernando. “Los laberintos geométricos de Omar Rayo”. Latin Art Museum, Fundacion Ureña Rib, 4 de junio del 2013 y en sitio oficial del Museo Rayo www.museorayo.co

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,110-$10,810 121

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) Torre nubes, Mondrian

Firmado al frente. Firmado y fechado Mex DF 03 al reverso Óleo y carboncillo sobre tela 120 x 100 cm Fue autodidacta, su lenguaje visual se formó del placer por recorrer las avenidas de la Ciudad de México. Artísticamente sus trazos gruesos y de colores explosivos describen su visión tanto alegre, como apocalíptica de las calles, puentes, hoteles y bares de México. 122

Su pintura es testimonio de su gusto por las composiciones cromáticas y fascinación por las estructuras modernas de las metrópolis, así como de las edificaciones que a sus ojos rompían con la armonía visual de la ciudad.

Fuentes consultadas: SPRINGER, José Manuel et ál. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, pp. 15-21 y EMERICH, Luis Carlos et ál. Phil Kelly. Las manos, el corazón, los ojos, la vida. México. ESPAC Espacio de Arte Contemporáneo, Editorial Fogra, 2014, Pág. 164.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,730-$11,900

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010) En el centro farmacia Bolívar y Corona

Firmado y fechado 91 al frente Firmado y fechado 91 Mex DF al reverso Óleo sobre tela 120 x 100 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Exhibido en: “Ciudad inédita”, muestra presentada en el Poliforum Cultural Siqueiros en la Ciudad de México, octubre de 1991. Esta obra fue la portada de la invitación-folleto de dicha exposición. Incluye un ejemplar.

“La Ciudad de México como modelo temperamental de un pintor explosivo reconfirma que la imaginación y la razón forman una entidad indivisible. Por ello, para Phil Kelly no existe una motivación creativa mayor. Esa realidad en constante mutación lo mantiene tan expectante y aguzado que incluso sus acometidas de cualquier otro género pictórico siempre terminan poseídas por su mismo asombro. Sea paisaje provinciano o campestre, sea naturaleza muerta o figuración humana, la condición tan ruinosa como estridentemente viva que descubre en sus modelos, es el resultado de la conjugación del verbo encarnado por la ciudad: estallar”. Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos, Phil Kelly. La ciudad y sus íconos. México. CONACULTA, Museo de la Ciudad de México, 2003. pp. 5 y 6.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,730-$11,900 123

CLAUDIO BRAVO

(Valparaíso, Chile, 1936 - Tarudant, Marruecos, 2011) La chaise Le Corbusier

Firmado y fechado MCMLXXVII Óleo sobre tela 97 x 130.2 cm Con etiqueta de Marlborough Gallery, New York. Publicado en: sitio del artista www.claudiobravo.com con el título “La silla de Le Corbusier”. Claudio Bravo nació en Valparaíso, Chile. Siendo el hijo mayor de una familia de agricultores numerosa y adinerada, su padre tenía puestas en él grandes expectativas, esperando que heredara las tierras y el ganado. A pesar de todo, logró ingresar al taller de Miguel Venegas, quien fue su primer maestro; allí copiaba la obra de grandes maestros como Vermeer, Fra Angélico y Baldovinetti. A través de libros y periódicos, Bravo estudió y se familiarizó con la obra de muchos artistas europeos; sin embargo, el artista afirmaba no haber recibido influencia de otros pintores latinoamericanos de su generación. En sus palabras: “Soy solamente sudamericano debido a mi pasaporte. Mi arte no tiene nada que ver con mi herencia. Estoy muy conectado con el pasado europeo, el arte antiguo y el renacentista”. Y, a pesar de ello, Claudio Bravo es sin duda un referente en la pintura latinoamericana, influenciando así a un gran número de artistas. En su trabajo, la luz tuvo un lugar muy importante. En 1972 se trasladó a vivir a Marruecos, donde la luz mediterránea invadió sus obras: “Tánger tiene una luz mediterránea absoluta. Siempre he tratado de capturar una luz mediterránea en mi trabajo”. En su momento, el escritor norteamericano Paul Bowles, otro famoso residente de Marruecos, dijo de Bravo: “Trabaja todo el día, todos los días, hasta que se acaba la luz natural. Ve el paso del tiempo en término de los cambios de luz”. En 1981, la galería Marlborough organizó la primera exposición de Claudio Bravo, aquí exhibiría muchas veces más a lo largo de los siguientes veinte años. El artista también expuso en museos de la talla del Art Museum of Ateneum de Helsinki, Baltimore Museum of Art, Peter Ludwig Museum de Colony, Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Museo Internacional de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo de la Ciudad de México, Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile y el Philadelphia Museum of Art. “Su obra es exitosa por la sensibilidad que tenía de capturar la realidad. Objetos simples como melones, alcachofas, paños o muebles alcanzaban majestuosidad con su pincel”. Milan Ivelic. Fuentes consultadas: -ESPINOZA, D. “Fallece Claudio Bravo, el pintor chileno más famoso tras Matta”. La Tercera, Cultura y Entretención, 6 de junio del 2011. -CONTRERAS, Jorge et ál. Claudio Bravo. La textura de la mirada. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 2007, pp. 23 y 50. -Sitio oficial del artista: www.claudiobravo.com

$4,000,000.00-$5,000,000.00 M.N. USD $216,220-$270,270

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OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Disappearance

Firmado y fechado NYC 2012 al reverso Óleo sobre tela 121 x 172 cm Presenta mínimos detalles de conservación. “La era del individualismo en la que vivimos, en la que parecería que el sujeto finalmente se ha liberado de los dogmas se ha convertido también en la era de masas de individuos, resultado de la pérdida del poder de la comunidad para regular la vida de los individuos y de la primacía de lo personal sobre lo colectivo, aspectos que para el artista resultan característicos de las sociedades occidentales, del exagerado pragmatismo y de la ausencia de valores trascendentes. Las incertidumbres creadas por la lógica del individualismo exacerbado, tienen en la obra de Ofill Echevarría una expresión inequívoca; los seres que retrata son hombres y mujeres que se esfuerzan por construir su individualidad a través de pautas rígidas y rutinas monótonas que reflejan la producción en masa a través de la conducta de masas. La tarea del artista es revelar la estrategia del poder que hace ver la individualidad como privilegio y carácter distintivo de nuestra era”. José Manuel Springer. $90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

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OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Totems

Firmado con vinil al frente. Firmado y fechado 2013 al reverso Óleo sobre tela 86 x 146 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista. Se graduó de la Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1991. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México, donde vivió hasta 2002. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Desde su primera exposición individual en La Habana, Cuba en 1991, Ofill Echeverría ha expuesto individualmente en galerías e instituciones de México y América Latina, así como en los Estados Unidos. Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales y el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Cuba; Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; Museo Nacional de Arte, México; Centro Nacional de las Artes, Nuevo León; Fundación Merrill Lynch para las Artes, Miami y la del Museo de Arte Latinoamericano, en Long Beach. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,060-$5,410

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JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) El ramo

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela sobre madera 110.5 x 135 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2019. “Perspectivas, claroscuro, planos anteroposteriores a veces hacen penetrar al espectador dentro de la composición en las pinturas sobre el estudio del artista, convirtiéndolo en un escenario que de algún modo retrata al autor sin que su persona esté allí representada. Su meditado ‘desorden’ es en realidad muy organizado plásticamente con el objetivo de dar cuenta de sus valores tonales, sus fuentes de luz, sus contraluces, su penumbra, provocando una tónica se diría que afectiva y también proyectiva hacia estos objetos en los que desarrolla su quehacer, sumido en la observación a lo largo de prolongadas, o por el contrario breves sesiones combinatorias. Prolongadas en tanto las composiciones de formato amplio son sujetas a modificaciones que según su ojo y su mente necesitan en aras de hacerlas perfectibles”. Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. “José Castro Leñero en la Casa Lamm”. México. La Jornada, sección Opinión, 30 de julio del 2013.

$180,000.00-$200,000.00 M.N. USD $9,730-$10,810

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JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - ) El río, 2016

Firmado con monograma al frente. Firmado al reverso Óleo sobre tela 60 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2019. José Castro Leñero es un artista destacado por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer, construyendo un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. A lo largo de su sólida carrera, ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en museos de México y Estados Unidos. Fuente consultada: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,250-$4,870

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ARMANDO ZESATTI

(Ciudad de México, 1967 - ) Entre tus hojas, 2016

Firmado Acrílico sobre tela 140 x 200 cm Publicado en: PEREDA, Juan Carlos. Armando Zesatti, la paz perdida. México. Alsea fundación, Galería Interart, 2018, Pág. 120. “En estas pinturas, Zesatti comparte con nosotros un universo mágico, lleno de detalles. En ellas abre la lente de su pincel y acentúa armoniosamente algunas plantas. Es así como, sin que nosotros lo lleguemos a advertir, ciertas plantas o ciertas hojas resaltan más que otras. Esto se debe a que el orden de importancia ha sido trastocado por el pincel para transmitirnos sus versos, para dar un sonido nuevo, un timbre más agudo o un silencio, un impasse o un profundo eco. Nos sorprende, en su cercanía, encontrar los fragmentos más perfectos, aunque realmente no se trate de algo nuevo. El mundo que él pinta siempre ha estado allí, pero nuestra mirada abierta, carente de tiempo o a veces dispersa, no lo ha contemplado”. Lupina Lara Elizondo

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. “Universo mágico lleno de detalles”. 2005, www.zesatti.com

$980,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $52,980-$64,870

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RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) El salto del Ángel

Firmado Acrílico sobre tela 100 x 150 cm Agradecemos al Maestro René Martín por la verificación de autenticidad de esta obra, junio del 2019. René Martín estudió Arquitectura y Diseño Gráfico, carreras que lo influenciaron a dedicarse al arte e ingresar a la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana, Cuba. A la par de sus estudios, comenzó a pintar paisajes, los cuales vendía en las plazas públicas y por encargos a particulares, hasta que finalmente tuvo la oportunidad de presentar su trabajo en exposiciones, muchas de ellas con gran éxito. El paisaje ha sido su principal temática, siendo la naturaleza tropical el centro de su marco artístico; no obstante a este estilo le ha agregado con el tiempo un toque de personalidad, un distintivo que se caracteriza por el uso constante de metáforas y simbologías mediante la inclusión de elementos que crean ambientes surrealistas como túneles y espacios abiertos entre las malezas, árboles que emergen del agua y estructuras arquitectónicas fusionadas con la flora y fauna. Llegó a México en 1996, país donde su carrera maduró y creció aún más. Actualmente vive y trabaja entre México y Miami, ha expuesto en más de 65 muestras colectivas e individuales en museos, galerías e instituciones públicas y privadas de Cuba, México, Costa Rica y Estados Unidos. Además, su obra ha sido publicada en destacados periódicos, revistas y libros, en los cuales se describe a su pintura como una gestora de la tendencia del surrealismo-tropical y promotora de la conservación de la naturaleza, así como del medio ambiente con un gran sentido profesional. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier y MARTÍN, René. Art & Golf Collection. México. Soto Editores, 2016, Pág. 187 y en ESQUIVEL ALATORRE, Gerardo. “Cuando el golf se convierte en arte”. México. Mundo Ejecutivo, sección First Class, junio del 2018, No. 473, pp. 102-104.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,110-$10,810 132

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ARMANDO ZESATTI

(Ciudad de México, 1967 - ) Espejo de los sueños, 2003

Firmado Acrílico sobre lino 130 x 130 cm Publicado en: ZAMORA, Martha. Armando Zesatti. México natural. México. MVS Editorial, Pág. 113. “Lejos de la representación y de la mimesis, sus pinturas ocurren como experiencia del cuerpo que es un artefacto sensible y un dispositivo de percepción al mismo tiempo; y suceden con una modulación de luz y color en función del espacio, poniendo en marcha presencias, actualizando fuerzas que están más allá de la mirada. Si el cuerpo representa el apego a la materia, en la pinturas de Zesatti hay una referencia a la mente como posibilidad de liberarnos de ese apego”. Jorge Contreras. Fuente consultada: CONTRERAS, Jorge. “Formas de presencia”. 2011, en sitio oficial del artista www.zesatti.com

$680,000.00-$800,000.00 M.N. USD $36,760-$43,250 133

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 60 x 51 cm “Las marinas de Guillermo Gómez Mayorga abarcan diversas tonalidades monocromáticas que al integrarse con la delicada pincelada crean una atmosfera tradicional y fresca de las playas mexicanas, dando la impresión de sentir la frescura del mar irrumpiendo contra las rocas y la brisa salada de la costa […] En el apartado de las playas el pintor realizó varias obras con amaneceres y atardeceres, resueltos mediante sutiles tonalidades azulosas, grisáceas, liláceas y rojizas, con un mar en plena tranquilidad, de pincelada lisa, prolongada, con fuerte dosis de evocación poética por los reflejos dorados de una zona luminosa que apenas asoma en el celaje […] Fue un pintor que con claridad no da la impresión de que tuvo una relación obsesiva con la naturaleza, entre el gusto de vivir en ella y sentirlas y arrancarle los secretos de su espacio”. Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101 a 107

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,810-$16,220 134

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 49.5 x 79.5 cm La marina es un género pictórico importante cuyo objeto principal de inspiración es el mar y se ha desarrollado desde el siglo XVII pasando por diversos estilos y movimientos artísticos a nivel mundial. Guillermo Gómez Mayorga ha sido, junto a Joaquín Clausell, uno de los pocos artistas mexicanos cuya línea temática ha sido la marina, la cual ejecutaba con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Sus mejores cuadros de marinas fueron pintados únicamente con base en dos elementos: el agua y el cielo; con estas limitantes construyó desafiantes escenarios y a través de ritmos, densidades, movimientos, tonalidades monocromáticas y acentos lumínicos creó atmósferas serenas, tradicionales y frescas de las playas mexicanas. “La belleza de sus marinas reside en las cadencias rítmicas, en la habilidad para crear depresiones y cimas que dan lugar a un andante cantábile llevado por sus partes luminosas y oscuras”. Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 101-107.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,730-$13,520 135

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EDGARDO COGHLAN

(Los Mochis, Sinaloa, 1928 - Estado de México, 1995) Jaffa, Israel

Firmado y fechado 1967 Óleo sobre tela 60 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto de 1968. Presenta ligeros detalles de conservación. Edgardo Coghlan es un reconocido artista mexicano de ascendencia irlandesa cuya temática principal fue la naturaleza. Bajo la influencia de sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y su trabajo en el taller del español José Bardasano, sus pinturas presentan formas conservadoras y un excepcional dominio de la línea con perspectivas tradicionales. Sus acuarelas y óleos son sin duda trabajos poéticos, considerados por la crítica como “sueños de colores sin ruidos pero en plena certeza de vigilia”. A lo largo de su vida artística fue distinguido en múltiples ocasiones en ferias y muestras de arte, destacando su participación en el Círculo de Bellas Artes de México en 1954 y en la Exposición Solar del Concurso Nacional en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México en 1968. Actualmente obra suya se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo Michelin Mount Vernon en Illinois y en la Biblioteca y Museo Presidencial de John F. Kennedy en Boston, Estados Unidos. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 188 y en BAÑUELOS, Juan. Edgardo Coghlan. Dibujos, acuarelas, óleos. México. Grupo financiero Serfín, 1975.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,110-$10,810

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CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - ) Mariana en el desierto

Firmado al frente. Firmado y fechado 2011 al reverso Acrílico sobre tela 122 x 180 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista. Carlos Ríos es un destacado paisajista cubano egresado de la Licenciatura de Arquitectura en el Instituto Superior Politécnico de La Habana, Cuba. Participó en diversos cursos realizados en casas de cultura de la enseñanza cubana. En 1975 comenzó a exponer en la provincia de La Habana y en algunas otras ciudades, sobre todo en salones de paisaje. Llegó a México en 1994, lugar donde decidió residir definitivamente. Tras un año de su llegada a nuestro país, logró presentar su obra en museos y galerías de gran importancia, las cuales lo apoyaron para que su obra fuera también exhibida en exposiciones colectivas en paises de Latinoamerica y Europa. “Sus paisajes nos recuerdan la perfección, siempre cambiante en sobrevivencia, de los santuarios entramados de vida y libertad, que poco a poco están siendo destruidos por los hombres […] En propias palabras de Carlos: ‘es el lugar en el que somos uno con el todo, y donde en la más holística de las contemplaciones el alma humana superando lo bello se sublima’”. Viridiana Gutiérrez Tejeda. Fuente consultada: GUTIÉRREZ TEJEDA, Viridiana. Texto curatorial para la exposición “Imaginarios” presentada en el Centro Cultural El Nigromante, 2017.

$210,000.00-$260,000.00 M.N. USD $11,350-$14,060

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Paisaje del Valle

Firmado Temple sobre papel 73 x 110 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2001. Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, julio del 2019. Además de la figura femenina y la naturaleza muerta, el paisaje fue uno de los temas más concurrentes del Maestro Luis Nishizawa. Dentro de este género, recreó la vista panorámica de los valles y volcanes mexicanos, de los cuales capturaba poquísimos elementos y los trasformaba en puntos focales a través del color y la luminosidad. Las influencias principales para sus paisajes atmosféricos provino de la tradición pictórica de José María Velasco y Dr. Atl; sin embargo, él mismo mencionó que: “La principal influencia que tuve del paisaje fue de Francisco Goitia, quien no era paisajista, pero su cuadro de La Hacienda de Santa María es una de las obras que más me han impresionado”. Fuente consultada: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 470

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,550-$27,030

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Iztaccíhuatl

Firmado, con gago-in y fechado 99 al frente. Firmado y fechado 1999 al reverso Tinta saiboku sobre papel torinoko 56 x 86 cm Con certificado de autenticidad Marstelle Galería de Arte, firmado por el artista, marzo del 2007. En su obra existen características provenientes de su herencia familiar de origen japonés. Específicamente la estampa y la admiración por el pintor nipón Ando Hiroshiage fue lo que lo estimuló para utilizar tintas secas, con las que experimentó hasta lograr una síntesis de efectos, de modo que logró la creación de un estilo con raíces mexicanas y estilo oriental. Con el tiempo, se convirtió en un maestro en las técnicas de la tinta y la acuarela, las cuales aplicaba con tal genialidad que integraba perfectamente el color, colocando los oscuros y las luces en sitios perfectos, haciendo de estas piezas un deleite estético. “En el embrujo que sus paisajes ejercen para el espectador, puede advertirse, con mayor certeza, el enorme acercamiento a la estética dominante en la paisajística del arte japonés, del que fue heredero de sangre. Fue tal su grado de finura y sutileza en el manejo de atmósferas, de planos y matices impregnados de color, que el recorrido visual no logra, de una sola mirada, aprehenderlos en su totalidad anímica. Colorista por naturaleza, con una gama de tonalidades con las que el artista interpreta su visión del mundo físico […] La emoción no es gratuita, Nishizawa ha volcado en sus paisajes un sentimiento sin límite, una sabiduría ancestral, su gran entrega al arte mexicano”. Milena Koprivitza. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 410 y en ESPINOZA, Antonio. “Luis Nishizawa: testimonio de una vocación”. México. El Universal, sección Confabulario, 4 de octubre del 2014

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

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GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado Carboncillo sobre papel 33 x 49 cm Procedencia: adquirido directamente al artista; colección particular del Maestro Ramón Valdiosera. Presenta detalles de conservación. Atraído por el arte, Gerardo Murillo aprendió a pintar a los 19 años, ingresó en el Instituto Científico y Literario del Estado de Jalisco y más adelante viajó a la Ciudad de México para estudiar en la Academia de San Carlos y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Gracias a una beca viajó a Europa para seguir su formación en Inglaterra, Alemania, Francia, España e Italia. Estudió dibujo, pintura, filosofía y derecho, y colaboró con el Partido Socialista Italiano. A su regreso a México comenzó a impartir clases en la Academia de San Carlos, donde entre sus alumnos figuraban personajes como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Fue un apasionado de la naturaleza, en especial de los volcanes. Cultivó su afición por la vulcanología a partir de 1920. Dicho interés lo llevo a escalar varias veces el Popocatépetl e lztaccíhuatl, y también tuvo la oportunidad de ver el nacimiento del Paricutín en 1943. Siguió su evolución en un diario, en el que se autoproclamó “médico, partero y biógrafo del Paricutín”. Fuentes consultadas: LÓPEZ, Alberto. “Gerardo Murillo, el ‘Dr. Atl’ de los volcanes”. El País, sección Cultura, 3 de octubre del 2017 y en ROJAS, Ana Gabriela. “Cómo el artista mexicano Dr. Atl presenció y registró el extraordinario nacimiento del Paricutín, el volcán más joven de América”. México. BBC Mundo, 1 de marzo del 2018.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,900-$16,220

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GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado Carboncillo y gouache sobre papel 26 x 33.5 cm Procedencia: adquirido directamente al artista; colección particular del Maestro Ramón Valdiosera. Presenta un doblez en el papel. Dr. Atl y Ramón Valdiosera, diseñador de modas, pintor, dibujante y cineasta mexicano, a quien se le considera el padre del “rosa mexicano” fueron amigos. En una entrevista a Valdiosera comentó: “Sí, éramos muy amigos, lo acompañé en dos o tres viajes, uno al Popo, otro al Paracutín, y sobre todo me acuerdo de él pintando a una modelo que era mi pareja, Alicia Chavarría. Yo tengo las cartas de amor que, con mi permiso, me dijo, ‘no te pongas celoso, yo adoro a tu mujer, nada más por la pura estampa me impresiona’. Las cartas de amor de Atl expresaban un amor platónico, siempre hablaba de la belleza de Alicia […] Fue una especie de adoración, lo cual me parecía realmente admirable tomando en cuenta que Atl ya era un hombre de 70 años y Alicia tenía más o menos 24 años”. Fuente consultada: “Ramón Valdiosera: padre de la moda en México y el rosa mexicano”. México. El Seminario, sección Ocio y Cultura, martes 11 de abril del 2017.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,730-$11,900

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GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Sin firma, fechado sept de 1922 al reverso Temple sobre cartón 40 x 50 cm Agradecemos al Sr. Andrés Blaisten por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Presenta craqueladuras a causa de la técnica empleada y ligeros desprendimientos de capa pictórica. Durante su estadía en Europa quedó atrapado en una terrible tempestad mientras viajaba en barco. Fue después de esta traumatizante experiencia, que decidió nombrarse a sí mismo con el nombre Atl, palabra de origen náhuatl que significa: agua. Fue el poeta argentino Leopoldo Lugones quien tiempo después le sugirió agregar el título de doctor a su sobrenombre, pues comentaba que sonaba mucho mejor y así conseguiría mayor reputación. Al día siguiente ambos se reunieron con otros amigos, llenaron una bañera con champaña, metieron ahí a Gerardo Murrillo y a partir de ese bautizó surreal e improvisado se convirtió en el Doctor Atl. Fuente consultada: MEJÍA, Carolina,”La agitada inspiración del Dr. Atl”. México. Algarabía, sección Arte, 14 de abril del 2016.

$500,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $27,030-$54,060

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JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Milpas y volcanes de Puebla

Firmado y fechado 19 al frente. Firmado y fechado 2019 al reverso Temple sobre lino sobre madera 70 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2019. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fue alumno de Luis Nishizawa, quien le enseñó a salir al campo y pintar al aire. Hizo su tesis sobre los volcanes de México. Viajó a Japón a pintar todas las vistas del volcán Fuji, a vivir la experiencia de la veneración a través de la creación. “El paisaje requiere de mucha sensibilidad, tanto de percepción visual, como de todos los sentidos. Uno está inmerso en el modelo del campo, en un espacio de tres dimensiones, cambiante, en constante movimiento. A partir de eso voy abstrayendo ciertos momentos, ciertas formas, colores, la luz, para poder ir metiendo la composición que quiero expresar”. Jorge Obregón. Fuente consultada: LÉSPER, Avelina. “La poesía vista por el arte. Jorge Obregón”. México. Colección Milenio Arte, 2014.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,110-$11,900

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Paisaje del Valle

Firmado al frente. Firmado y fechado 1987 al reverso Temple sobre tela sobre madera 122 x 245 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2019. $1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $64,870-$108,110

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Realizó sus estudios en la Academia de San Carlos, trabajó como asistente de los artistas José Chávez Morado y Alfredo Zalce y durante décadas se dedicó a la docencia artística con jóvenes. Es considerado uno de los pintores paisajistas mexicanos más trascendentes, cuyas obras son de grandes formatos y panorámicas, realizadas con diversas técnicas mediante las cuales representaba amplios horizontes, relieves rocosos, montañas, grandes llanuras y volcanes, siendo con frecuencia la aparición del Popocatépetl e Iztaccíhuatl, así como también la ejecución de bodegones o naturalezas muertas y abstracciones. En algunas piezas es más notable el dominio del estilo japonés que aprendió por parte de su familia, como por ejemplo la estampa japonesa, resultado de la influencia de la cultura nipona proveniente de su padre. También fue un artista que vivió dentro del contexto muralista, así como de la Escuela Mexicana, por lo que se vio fuertemente influenciado por las corrientes artísticas; en este sentido realizó varias obras, destacando los murales del metro de Tokio en Japón, en la unidad del ISSSTE en Celaya y en el Centro Cultural Mexiquense en Toluca, lugar en el que actualmente se ubica el Museo Taller Luis Nishizawa, inaugurado en 1992. Su primera exposición fue en el Salón de la Plástica Mexicana, porteriormente participó en la Bienal Internacional de Tokio, en la Trienal de Grabado en Buenos Aires, en la Bienal de São Paulo y recibió la Presea Estado de México en el área de Ciencias y Artes en 1984. Hoy en día, parte de su obra se encuentra resguardada en importantes museos y centros culturales de México y el extranjero. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410 y en sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

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RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - ) Valle de México

Firmado y fechado 84. Acrílico sobre tela. 70 x 110 cm Con copia del certificado de autenticidad del artista. Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2014. “Raymundo que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia”. Ernesto de la Peña. $100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,410-$9,730

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RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - ) Sin título

Firmado Acrílico sobre tela 50 x 90 cm El Maestro Raymundo Martínez utiliza recursos como la fotografía, helicópteros, video y otros medios que tiene a su alcance, de la misma manera que los artistas del siglo XVI, XVII y XVIII usaron la cámara oscura como su recurso técnico. Esto no atenta contra la artisticidad de sus obras, al contrario, lo mantiene al día respecto a aquellos adelantos técnicos que favorecen su quehacer. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.raymundomartinez.com.mx

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,980-$3,790

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JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Ciudad de México, 1912) Rocas del cerro de Atzacoalco

Sin firma Óleo sobre tela 30 x 45 cm Con dictamen de María Elena Altamirano Piolle, octubre del 2019. Procedencia: perteneció a la colección del Ex Presidente Lic. Adolfo López Mateos; colección particular, México. Publicado en: ALTAMIRANO PIOLLE, María Elena. José María Velasco. Paisajes de luz, horizontes de modernidad. México. DGE Equilibrista, 2006, Pág. 157. Presenta ligeros detalles de conservación. “Interpretar los secretos del color y la línea; aprisionar entre las cerdas de los pinceles todos los encantos de la Naturaleza en la pomposa manifestación de sus más brillantes galas; copiar esa luz, esa atmósfera, ese conjunto de matices que tanta variedad ofrecen a cada hora del día, ha sido la gloria de José María Velasco. Enfrente de los grande cuadros de Velasco que representan el Valle de México, el de Oaxaca, Guelatao o Chapultepec, he sentido la misma impresión que me ha causado todo eso al natural, cuando me he puesto a contemplarla admirando las maravillas de esta tierra que es mi patria y patria del inspirado y admirable pintor que con tanto genio las reproduce”. Juan de Dios Peza. Fuentes consultadas: ALTAMIRANO PIOLLE, Ma. Elena et ál. Homenaje Nacional, José María Velasco. Tomo II. México. Turner Libros S.A., Museo Nacional de Arte, 1993, Pág. 320.

$3,000,000.00-$4,000,000.00 M.N. USD $162,170-$216,220

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JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Ciudad de México, 1912) Bosque y Castillo de Chapultepec

Sin firma Óleo sobre tela 25.5 x 35 cm Con dictamen de María Elena Altamirano Piolle, octubre del 2015. Presenta ligeras craqueladuras, desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación. Es uno de los paisajistas más importantes de México. Estudio dibujo en la Academia de San Carlos, fue discípulo de Santiago Rebull, Pelegrín Clavé, Manuel Carpio y Eugenio Landesio, tomó clases de anatomía en el Palacio de Minería, así como de botánica y zoología. En 1888 fue comisionado por el Gobierno de México para ser el jefe de la delegación que asistió a la Exposición Universal de París, Francia, época en la que se conmemoró el centenario de la Revolución Francesa. A lo largo de su carrera, también ejerció la docencia, especialmente dando clases de perspectiva, no obstante a causa de un ataque al corazón tuvo que abandonar aquella profesión. A partir de 1905 pintaba exclusivamente en su casa de la Ciudad de México, donde murió. El valor principal de su obra radica en la captación sutil y minuciosa de la luz y el aire, en la representación fiel del aspecto exterior de la materia y en la captación de la estructura básica y el mensaje poético de la naturaleza. Durante sus múltiples excursiones conoció nuevos paisajes, ciudades, pueblos e infinidad de especies vegetales que fueron parte de su inspiración plástica. Rescató el encanto peculiar de la geografía que pudo ver a su paso; y fue en 1888, cuando regresó de aquella encrucijada a la Ciudad de México que volvió a pintar uno de sus temas preferidos: Chapultepec. De este lugar pintó varios cuadros, tanto por gusto y estudio, como por encargo. En estos cuadros se aprecia la vibración de la luz y como su tratamiento con el pincel se convirtió en majestuosos paisajes. No obstante, desenvolvió su pintura también en la inmensidad de las espectaculares masas montañosas del Valle de México y Oaxaca. Parte de este afán por los paisajes y por apresar lo significativo, que ejecuto innumerables apuntes y bosquejos previos a la elaboración de sus pinturas, los cuales no tienen ni un estilo naturalista, ni realista, ni impresionista, sino peculiar, propio y exclusivo. Fuentes consultadas: ALTAMIRANO PIOLLE, Ma. Elena et ál. Homenaje Nacional, José María Velasco. Tomo II. México. Turner Libros S.A., Museo Nacional de Arte, 1993, pp. 320-321.

$2,000,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD $108,110-$162,170

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 81 x 110 cm Presenta una rasgadura, ligeras craqueladuras y detalles de conservación. La vida campirana quedó también plasmada por el pintor poblano en varios cuadros, algunos de ellos con situaciones atmosféricas muy particulares. Merecen atención los cuadros que representan paisajes del Cerro de la Bufa en Zacatecas, el Lago de Pátzcuaro en Michoacán, el Cerro de Mercado en Durango, las casitas de Río Actopan en Veracruz, así como los mercados y los domingos de iglesia en Taxco, Guerrero, Puebla y Oaxaca. “El encuentro con la obra de Gómez Mayorga ha sido una revelación, un paseo visual por una experiencia intensa que nos asoma por un mundo pictórico que no hemos conocido más que parcialmente. Esta impresión de descubrimiento será indudablemente sentida por aquellos amantes del arte mexicano que no han tenido contacto con la obra del pintor o que lo han hecho muy escasamente”. Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, Pág. 169.

$320,000.00-$500,000.00 M.N. USD $17,230-$27,030

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) Cerro de Mercado

Firmado Óleo sobre tela 46 x 110 cm Además de realizar marinas, Gómez Mayorga también realizó imágenes urbanas, en las que destacan torres y cúpulas de iglesias, puentes y riachuelos, callejones, haciendas, mercados y escenas de la vida campirana. Se asume, que en algún momento de su carrera viajó a Europa, viviendo en Italia y Francia, ciudades que le dejaron una fuerte influencia clasicista pero con ideas modernas y frescas que se vieron reflejadas a su regreso al país. Entre las características occidentales adoptadas destaca el uso de la luz, las gamas cromáticas y el uso de una pincelada suelta que él modificó para crear impresiones atmosféricas. Fueron pocas las obras que realizó sobre lo urbano y lo cotidiano, a comparación de las marinas, sin embargo por ello son celosamente conservadas pues estas imágenes muestran una singular etapa del artista, que sin duda deja ver el maravilloso tratamiento de los valores estéticos tanto europeos como mexicanos. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 53 -61.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,810-$16,220

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ANGELINA BELOFF

(San Petersburgo, Rusia, 1883 - Ciudad de México, 1969) Cuernavaca

Firmada y fechada 1941 Cuernavaca Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 30 x 35 cm Presenta mínimos detalles de conservación. A pesar de su corto y único matrimonio con el muralista mexicano Diego Rivera, Angelina Beloff llegó a México por invitación de Alfonso Reyes en 1932. Beloff formó parte de un círculo social alto y comenzó a trabajar como profesora de dibujo y grabado en el Instituto Nacional de Bellas Artes. Fue miembro distinguido de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, de la Sociedad Mexicana de Grabadores, de la Sociedad para el Impulso de las Artes Plásticas y del Salón de la Plástica Mexicana. Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, en las que se destacan: Museo de Arte Moderno y el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México, la Colección Blaisten y el Museo Dolores Olmedo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 34, octubre de 1997, pp. 5-11.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,710-$3,790

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JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 81 x 100 cm Presenta detalles de conservación. Mingorance fue un pintor perteneciente a la Asociación Libre de Artistas, conocido como Grupo ALA, formado en España en 1931 como una asociación que aspiraba modernizar los ambientes artísticos y literarios españoles. Después de haber pasado una temporada en Nueva York, llegó a México en 1944, logrando exponer en la ciudad Monterrey Nuevo León en diversas ocasiones, incluso durante su estancia colaboró en varios proyectos artísticos y estableció un taller donde impartió clases de pintura a artistas regios. Actualmente el Museo del Patrimonio Municipal de Málaga resguarda uno de los acervos más amplios de la obra de Mingorance. “Mingorance, humano y español a ultranza en su realización plástica, oreando su espíritu por las brisas mediterráneas de su ciudad natal, es un peregrino de la luz […] Eterno y fluyente en la humanizada entrega de su arte”. José Moreno Villa. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 142 y sitio oficial del Museo Municipal de Málaga museodelpatrimoniomunicipal.malaga.eu

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,330-$6,490

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RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Pleno sol

Firmado Óleo sobre tela 125 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Originario de Michoacán, Rodrigo Pimentel es conocido entre los especialistas del arte mexicano actual como un sobresaliente pintor. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en diversas galerías y renombrados museos de México, Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Además de ejercer como pintor, se ha desenvuelto como docente en el Taller de Grabado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Sección Escolar del Museo de Antropología e Historia. Actualmente, su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en el extranjero. “Las imágenes que representa Rodrigo en sus cuadros, con ocurrencias que evocan con nostalgia la realidad. Recreaciones de la naturaleza -parten de la materia misma-, sin embargo, al encontrarlas, al concretarlas en un lienzo o en un papel resultan evasivas, flotantes; hechos que remiten, con insistencia, a lo urbano. Las resquebrajaduras, manchones, escurridos o agrietados aluden, a la vez, al universo natural y a la vida enajenante de las ciudades. Protesta y homenaje. El interés fundamental de sus trabajos, reside en haber trascendido toda relación directa con sus antecesores; pintores matéricos, gestualistas, espaciales. El arte abstracto informalista es la fuente de la que partió y ha logrado imprimirle una carácter distintivo, actual”. Armando Torres Michua. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 80 y en MONSIVÁIS, Carlos. “Testigos ausentes. Rodrigo Pimentel”. México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995.

$170,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,190-$13,520 154

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BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Paisaje no. 3

Firmado y fechado 72 Óleo sobre tela 120 x 150 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana, Instituto Nacional de Bellas Artes. Desde muy joven manifestó sus inquietudes artísticas. Su padre, que era comerciante y campesino, fue un apasionado de la literatura y, además, tocaba el violín en una banda de jazz. Así, el pintor creció en un ambiente ligado a las expresiones de la cultura de una manera natural. En 1964 montó su primera exposición individual y desde entonces realizó más de sesenta muestras en los principales museos y galerías de México y diferentes ciudades de Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. Un hecho singular dentro de su trayectoria como artista plástico aconteció cuando, siendo muy joven, el famoso actor estadounidense Vincent Price adquirió todas las obras que conformaban su primera exposición individual, llamándolo así “un Picasso mexicano”. Fuente consultada: “Byron Gálvez, de la Academia a la Eternidad”. México. Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, 2014.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,810-$16,220

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OSWALDO GUAYASAMÍN

(Quito, Ecuador, 1919 - Baltimore, E.E. U.U., 1999) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 61 x 140 cm “Su pincel se convirtió en la fiel herramienta para colorear la amargura, el silencio, las lágrimas y todas las injusticias que sus ojos presenciaban. La denuncia social fue lo que caracterizó cada una de las obras, donde negro, cholo e indígena encontraron un espacio en el lienzo de Oswaldo Guayasamín […] Su apellido en kichwa significa ‘casa de la sabiduría’ […] En 1948 emprendió un viaje donde dio a luz su primera serie denominada Huacayñán, también conocida como El camino del llanto. Por dos años recorrió cada pueblo y ciudad del continente americano para pintar 103 cuadros. El poeta chileno Pablo Neruda dijo: ‘Guayasamín es uno de los últimos cruzados del imaginismo; su corazón es nutricio y figurativo, de dolores terrestres, de personas agobiadas, de tortura y de signos histórica’”. Fuente consultada: “Oswaldo Guayasamín, el maestro que le puso color a la ira”. Ecuador. El Universo, sección Cultura, 6 de julio del 2019.

$950,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $51,350-$64,870

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RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Noche brillante

Firmado Acrílico sobre tela 100 x 150 cm Agradecemos al Maestro René Martín por la verificación de autenticidad de esta obra, junio del 2019. “La función de la fotografía es mostrarnos la realidad. La cámara apresa un rostro, un objeto, una escena, un paisaje. Lo que la cámara capta se convierte en imagen real. René Martín ha dotado sus obras de apariencias fotográficas. El pintor apela a credibilidad de la fotografía para modificar el sentido de la realidad. Irrumpe y distorsiona la realidad para crear un nuevo significado. Usa siempre los mismos elementos pero cada vez con un sentido renovado. Es así que en sus obras coexisten dos formas extremas del paisaje: el paisaje real y el imaginario. No pinta un paisaje, pinta el paisaje que descubriría un narrador onírico y maravilloso; va más allá y nos propone un juego para los sentidos […] En la obra de René Martín han desaparecido las delgadas fronteras que separaron lo real de lo irreal, lo posible de lo imposible, lo visible de lo invisible. Su obra no es un espejo del mundo, sino una ventana abierta a otra realidad y a la única libertad del hombre: el sueño”. Alejando Robles. Fuente consultada: FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier y MARTÍN, René. Art & Golf Collection. México. Soto Editores, 2016, Pág. 187.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,110-$10,810

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OSWALDO SAGÁSTEGUI (Llata, Perú, 1936 - ) El ocaso del agua dulce

Firmado y fechado 019 al frente. Firmado y fechado 2019 al reverso Óleo sobre tela 130 x 150 cm Con certificado de autenticidad firmado por el artista. Es un pintor y dibujante peruano que emigró a México en 1968, donde se desempeñó como caricaturista político del periódico “Excélsior”, trabajo que le valió el Premio Nacional de Periodismo en 1984. Durante esta carrera, Oswaldo Sagástegui vivió dos importantes acontecimientos: la matanza de Tlatelolco y el asesinato de Luis Donaldo Colosio, a quien consideraba su amigo. Posteriormente, tras el consejo de su amigo Manuel Felguérez, abandonó su etapa de dibujante y decidió dedicarse de lleno a la pintura de caballete y la escultura. Experimentó con el estilo figurativo, el surrealista e incluso lo abstracto, utilizando una gran variedad de colores, texturas y atmósferas caprichosas mediante efectos visuales provenientes de la influencia de la luz neón. Con el tiempo, su pintura fue evolucionando y logró un equilibrio estético a través de contrastes de espacios que incluyen juegos de perspectiva y formas geométricas, mismas que crean impresiones ópticas que invitan al espectador a no dejar de mirar. “Todo el mundo me pregunta qué porque hago tantas cosas diferentes. De una manera un tanto vanidosa digo que quizá porque yo puedo hacerlo, y porque mi origen me lleva por esta búsqueda. Mi alma se ha convertido en un espíritu curioso de ratón, siempre está tratando de hacer cosas diferentes, viendo, observando sobre todo la historia de la creatividad plástica [...] Soy de las personas que se maravillan con todo lo que ha sucedido en la historia de la creatividad plástica”. Fuentes consultadas: “Sagástegui se dice queretano”. México. El Universal, sección Vida Q, 22 de noviembre del 2014 y en sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,410-$8,110

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ALFREDO DE STÉFANO

(Monclova, Coahuila, 1961 - ) The cloud - Sahara desert, 2014

Sin firma Giclée 119.5 x 160 cm / 47 x 63” Publicado en: sitio oficial del artista www.adestefano.com A través de su fotografía, Alfredo de Stéfano revitaliza las formas y espacios de un paisaje, resaltando la luz y las texturas propias del ecosistema que captura. Cada vez que toma una imagen trata de transmitir una reflexión, una invitación a explorar la relación entre la vida y la muerte. El desierto es para él su entorno natural, sin embargo ha realizado capturas de otros ecosistemas y en todos ellos aborda la narrativa de su discurso sobre el vacío, ahondando en lo efímero de nuestra existencia. Sus fotografías han sido publicadas en libros y revistas, y ha participado en más de 90 exposiciones individuales y colectivas en París, São Paulo, Nueva York, Ciudad de México, Washington, Madrid, Londres, Bogotá, Lima y Buenos Aires. Actualmente, su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México y el extranjero. “Porque vengo del desierto. Yo nací en Monclova, vivo en Saltillo y Monterrey es como mi segunda casa, siempre es desierto porque es un lugar geográficamente estigmatizado. En ese espacio yo encontré para mi obra, muchas metáforas que podía hacer a través de la fotografía, sobre la vida y la muerte y en general, del hombre y las especies que las habitan y habitaron. Las lecturas que realizo de ese paisaje, me parecen siempre fascinantes”. Alfredo de Stéfano. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.adestefano.com y sitio oficial de Centro Cultural Tijuana www.cecut.gob.mx

$110,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,410-$8,110

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ERIC PÉREZ

(Ciudad de México, 1972 - ) Al filo del agua

Firmado y fechado 2009 al reverso Óleo sobre tela 100 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. La pintura de Eric Pérez, lejos de vincularse con conceptualismos “todo-se-vale” o de aparecer como bidimensionalidad postpictórica de corte perceptual, se ubica consistentemente en la milenaria modalidad de configuración de imágenes sobre un soporte. En consecuencia, el pintor ha elegido a partir de su historia personal, una serie de motivos visuales que le han venido resultando entrañables: los espacios múltiples del agua y sus fronteras relativas con las tierras de la memoria y el deseo; y las presencias, en lontananza o medios términos, de figuras humanas en tránsito siempre misterioso a través de los vastos del escenario natural. A lo largo de su carrera ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en México, Canadá, Estados Unidos y Austria. Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del FONCA y el Premio de adquisición de la XIII Bienal Rufino Tamayo. Ha sido artista en residencia en el Centro Banff, becario de The Pollock-Krasner Foundation y miembro del Sistema Nacional de Creadores. “Eric Pérez es un viajero en sentido amplio. Esta condición nos recuerda que, aunque pintor convencional, es un artista contemporáneo. Se ha desplazado en muchas ocasiones por la geografía física del planeta, pero además, recorre continuamente los sitios de sus recuerdos profundos”. Erik Castillo, 2002. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ericperez.com.mx

$100,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,410-$8,650

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“Pero en las zonas ínfimas del ojo, en su nimio saber, no ocurre nada, no, solo esta luz, esta febril diafanidad tirante, hecha toda de pura exaltación, que a través de su nítida substancia nos permite mirar, sin verlo a Él, a Dios, lo que detrás de Él anda escondido: el tintero, la silla, el calendario”. José Gorostiza, fragmento del poema “Muerte sin fin”.

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EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) Mano con ojo, 2019

Firmado Escultura en metacrilato con incrustación de ojo acrílico, vaciado y encapsulado P/A 30 x 14.5 x 14.5 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte, firmada por el artista. Emiliano Gironella propone una tesis para entender el poema “Muerte sin fin” de José Gorostiza tratando de abarcar lo que engendra la violencia en un diálogo del bien y el mal, tan absurdo en estos momentos que se termina convirtiendo en una cuestión de sobrevivencia. Su quehacer plástico en los últimos años se ha caracterizado por plasmar su propia experiencia al tratar de entender lo caótica que se ha vuelto la lucha contra el mercado de las drogas y su estrategia ha sido caricaturizarla para hacerla más claras. Fuente consultada: MAC MASTERS, Merry. “Explora artista ‘la crueldad en la pelea por el mercado del narco’”. México. La Jornada, sección Cultura, 26 de enero del 2011.

$85,000.00-$130,000.00 M.N. USD $4,600-$7,030

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PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Frutero tripie, 2015

Firmada Escultura en madera policromada 1 / 2 31.5 x 41 x 41 cm Con certificado de autenticidad del artista “El ornamento, que en muchas antiguas civilizaciones milenarias cumplía una función sagrada, tristemente ha desaparecido de nuestra cultura agnóstica, inmoral y pragmática. El minimalismo, o sea el nihilismo, es considerado un estilo. Yo, eternamente enamorado del arabesco y el ornamento egipcio, gótico, barroco, victoriano y aún precortesiano, he tratado de restablecer este amor por el adorno, y muchos de mis cuadros semejan un compendio de ornatos, llegando al punto [exagerado] de manía obsesiva, de too much is not enough”. Pedro Friedeberg. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et al. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,330-$5,410

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HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) El mar

Firmado y fechado 2006 Acrílico y óleo sobre tela 145 x 127 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista. Presenta mínimos detalles de conservación. Hugo Lugo es un destacado artista contemporáneo en cuya obra se aprecia su constante interés por representar los aspectos más formales de la historia del arte pero con un lenguaje artístico propio. A lo largo de su carrera ha enriquecido su trabajo mediante la constante experimentación con técnicas y estilos, ejerciendo principalmente la pintura, el dibujo, la escultura, la fotografía, la literatura y el video arte. En su obra, incorpora objetos que tienen cierto significado para la humanidad, extrayendo de ellos únicamente la esencia con 164

mayor potencial, haciendo visible la sencillez y naturalidad de las particularidades de ese objeto. Usa escenarios reales y cotidianos para colocar personajes que juegan un rol poco inusual y que provocan una reflexión más allá de una simple sublimidad estética. A lo largo de su carrera ha sido reconocido con la beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven y el premio de adquisición de la Bienal Internacional de Pintura Rufino Tamayo. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías de Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur. La pintura de Hugo Lugo está marcada por el protagonismo que le da a cada personaje y el significado que le otorga a los objetos. En sus palabras: “Me gusta pensar en mi trabajo como un juego serio entre los puntos de cruce del dibujo, la pintura y la fotografía”. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.hugolugo.link

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,410-$8,110

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HÉCTOR FALCÓN

(Culiacán, Sinaloa, 1973 - ) Sin título, de la serie Untitled

Firmado y fechado 2008 Acrílico sobre tela 180 x 200 cm Presenta pequeñas perforaciones, ligeras craqueladuras y detalles de conservación. La serie “Untitled” fue una muestra presentada en Galería Enrique Guerrero en la Ciudad de México, enero a marzo del 2010. Estudió Artes Visuales en La Esmeralda y en la Universidad de Arte y Diseño en Kioto, Japón. Su prolífica carrera en el arte contemporáneo abarca un amplio rango de soportes, empezando por pintura y escultura y pasando por video, instalación e incluso su propio cuerpo. Ha participado en más de 100 exposiciones en espacios como el Museo Guggenheim en Nueva York y el Sapporo Modern Art Museum en Hokkaidó, así como bienales y ferias de arte como Frieze, Art Bassel y Art Chicago. A lo largo de su carrera ha emprendido proyectos que extienden sus inquietudes artísticas más allá de su producción. Dirigió MexArt Fest en 2002, en donde se presentaron las propuestas artísticas contemporáneas más destacadas de México en Japón. También fundó en 2011 Central Art Projects, espacio independiente para la producción, exposición y difusión de propuestas contemporáneas. Sobre la serie “Untitled” el especialista Irving Rodríguez dice: “Héctor Falcón ha narrativizado su producción artística de modo apresurado, incluso superficial, es ahora ocupada por estas improbables acumulaciones de tejido, un híbrido de las mujeres representadas por el simbolismo, así como de sus derivaciones iconográficas (que alcanzan el Art Nouveau), y la Onryo japonesa: ese espíritu ávido de cobrarse el engaño por el cual su marido le quitó la vida, quien regresa al mundo para atormentarlo, arrebatándole la vida al primer infeliz que se atraviese en su camino, famosa por larga, larga cabellera negra, deslizándose por el suelo, cubriendo tus pies…” Fuente consultada: sitio oficial del artista www.hectorfalcon.com

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,900-$16,220 165

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PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Savoir faire con menú de degustación, maravillas de maravillas

Firmadas 6 esculturas en madera policromada en caja objeto 13 x 31 x 24.3 cm medidas de la caja cerrada Piezas: 6, en caja de acrílico y reglas de madera. Con certificado de autenticidad del artista. A su vocación hacia la arquitectura posiblemente se deba que los temas de su obra se orienten a la creación y ambientación de espacios urbanos exteriores e interiores: fachadas y cuartos rectangulares, por lo general vacíos, suspendidos en el tiempo. Dentro de ellos su ingenio aflora en lo que ahí se contiene, en algo que parece estar a punto de ocurrir, a punto de ser. Fuente consultada: GUASCH MARÍ, Yolanda y ALAMEDA GALÁN, Pablo. “Pedro Friedeberg. Dibujando fantasías”. México. Revista Quiroga, 2014, Pág. 94.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,790-$4,870 166

“La búsqueda obsesiva fue su método personal de trabajo: Goeritz concebía un tema y no lo abandonaba hasta agotar sus posibilidades de expresión tridimensional, con gran capacidad de entrega a su labor, que evidentemente disfrutaba. Su obra está nimbada por la gracia, por la alegría de su relación”. Lily Kassner.

Otra vista

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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Sin título

Firmada Escultura en madera laqueada 21.5 x 21 x 6.5 cm Presenta detalles de conservación. Polifacético, con un avasallante espíritu emprendedor, Mathias Goeritz siempre argumentó que la arquitectura debería ser arte, por lo que diseñó obras, habitó espacios y ocupó paredes con diversos componentes arquitectónicos con el fin de detonar la máxima emoción en el hombre. Al año siguiente de la apertura del Museo Experimental El Eco, publicó el Manifiesto de la “Arquitectura Emocional”, una corriente que se caracteriza por la utilización de diseños limpios y funcionales. Teniendo este manifiesto como antecedente, realizó diversos diseños para pequeñas y grandes estructuras, así como proyectos para murales; algunos de ellos se anticiparon, alrededor de una década, a una corriente plástica de gran trascendencia: el minimalismo. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915-1990. México. UNAM, CONACULTA, 2007, pp. 78-80 y 251.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,730-$11,900

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CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Anteproyecto No.1

Firmado dos veces y fechado 1963 Lápices de color sobre papel 12 x 55 cm Con etiqueta de Galería Avil. Esta obra es un boceto para el proyecto del mural que el artista Carlos Mérida y el arquitecto Enrique del Moral trabajaban para la Tesorería de la Ciudad de México. Carlos Mérida llegó a México en 1919 y desde 1922 formó parte del grupo de muralistas mexicanos, colaborando en el mural del Anfiteatro Bolívar con Diego Rivera y fundando con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros el Sindicato de Obreros, Técnicos, Pintores y Escultores. De manera independiente, realizó diversos proyectos para murales, el primero que formalizó fue en la Biblioteca Infantil de la Secretaría de Educación Pública. Durante algunos años residió en París, donde tuvo contacto con la obra de Paul Klee, Vasili Kandinsky y Joan Miró, influencias que dieron como resultado un estilo mucho más geométrico y abstracto en su obra. No obstante, a pesar de las influencias provenientes de las corrientes artísticas europeas, nunca abandonó sus raíces maya-quiché, mismas que plasmaba en los temas de sus obras bajo una fusión de elementos arquitectónicos provenientes de aquellas culturas prehispánicas. Fuente consultada: CUSSI, Paula et ál. Carlos Mérida. México. Especial de la revista Saber ver, Fundación Cultural Televisa, número 9 agosto-septiembre de 1997, pp. 5-27

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $7,030-$9,730

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CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Anteproyecto No. 2

Firmado y fechado 1963 Lápices de color sobre papel albanene 9 x 54 cm Con etiqueta de Galería Arvil. Esta obra es un boceto para el proyecto del mural de la Tesorería de la Ciudad de México. “Hay en su pintura, a medida que se observa más detenidamente, una íntima calidad emocional que resulta de la sutil combinación de una supersimplicidad de materia unida a una deslumbradora y decorativa belleza. Generalmente, en la composición de sus pinturas. Mérida desecha lo innecesario no esencial; cada cosa está simplificada a lo mínimo y entonces, en violentos contrastes, equilibra las masas de su composición, de acuerdo con un ordenamiento ya previsto. La composición generalmente está basada en la pirámide. Esto es histórico, sin embargo, original: recuerda las más fluidas composiciones de los modernos: Picasso, con sus péndulos, por ejemplo”. Luis Cardoza y Aragón, 1992. Fuente consultada: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida. México. CONACULTA, Ediciones Era, 1992, Pág. 20.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $7,030-$9,730

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CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Estudio para mural

Firmado Lápices de color sobre papel 14 x 26 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre del 2016. Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del papel. Es considerado uno de los representantes del muralismo al lado de Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Desafortunadamente una gran cantidad de sus obras murales fueron destruidas, pese a que fueron realizados con materiales modernos como vinílicos, concreto y fueron precursores en su tipo. Durante su carrera se preocupó por recuperar los valores locales, aspectos prehispánicos, especialmente elementos geométricos, fuertemente influenciado por la plástica maya, dimensiones planas, el uso del color como elemento discursivo así como el de la figura humana. “Carlos Mérida, que compartió con los muralistas sus principales preocupaciones, como la de realizar una obra eminentemente nacional y que expresara los valores autóctonos tanto en su aspecto como en su espíritu, así como la búsqueda de la adecuada realización técnica, y la correcta colocación y proporción del mural con respecto al espacio arquitectónico”. Louisse Noelle. Fuente consultada: NOELLE, Louisse. “Los murales de Carlos Mérida. Relación de un desastre”. México. Anales Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM. 1987.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,710-$4,330

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 Ciudad de México, 1957) Paisaje con remolino

Firmado y fechado 56 Lápiz de grafito sobre papel 10 x 14 cm Con certificado de autenticidad del Arquitecto Juan Hurtado y Santa Cruz, diciembre del 2018 y con Dictamen de opinión de Casa de Subastas Rafael Matos, diciembre del 2018. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista. $75,000.00-$110,000.00 M.N. USD $4,060-$5,950

Diego Rivera fue un titán entre los muralistas, un sublime pintor de caballete, un controvertido cómplice de la revolución política, un gran defensor de las artes y un cautivador de mujeres. Su trayectoria fue basta y casi siempre bien aceptada por la crítica; pero antes de todo ello, tuvo una rígida formación, siendo sus inicios artísticos la base de lo que posteriormente sería su arte. Después de su primera etapa de realización de murales, Diego Rivera continuó ensayando rasgos esquemáticos mediante una serie de dibujos realizados entre mediados de los años 30 hasta principios de la década de los 50, en los cuales integró apuntes de danzantes, granjeros, mercados, indígenas y uno que otro paisaje. En estos bocetos, se aprecia su excelente esquema gráfico y magistrales trazos, fueron ejercicios que posteriormente plasmó en pinturas de caballete y murales. “No puedo pintar sin ver y sin pensar; en consecuencia, pienso según lo que veo y pinto según lo que veo y pienso”. Diego Rivera. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 58-62.

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 Ciudad de México, 1957) Paisaje

Firmado y fechado 26 Crayón sobre papel 27 x 37.3 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Procedencia: adquirido en la galería Throckmorton Fine Arts, Inc., Nueva York. Con copia de factura de compra de Throckmorton Fine Arts, Inc., diciembre de 1998. $150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,110-$13,520 170

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JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 Guanajuato, Guanajuato, 2002) Sin título

Firmado y fechado 76 Óleo sobre tela 160 x 75 cm El pintor José Chávez Morado en su obra, sintetiza una elaborada crítica acerca de la desintegración política a partir de los mitos del origen de la Ciudad de México; se muestran, además, como ejemplo de las complejas negociaciones entre la tradición y la modernidad a mediados del siglo XX. Su carrera se fortaleció gracias a su labor como empleado del Estado, creando líneas de acción cultural muy fructíferas. El guanajuatense contribuyó así a la dirección de los discursos artísticos y educativos para mantener los ideales posrevolucionarios de una nación mestiza unificada. Fuente consultada: PÉREZ GAVILÁN, Ana Isabel. “Chávez Morado, destructor de mitos. Silencios y aniquilaciones de la ciudad (1949)”. México. Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, 2005, vol. XXVII, núm. 87.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $29,730-$37,840 171

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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Nocturno, ca. 1984

Firmado Óleo sobre lino 100 x 80 cm Con certificado de la Fundación Cultural Rodolfo Morales, octubre del 2018. Cuando era niño era solitario y taciturno, lo que lo convirtió en un agudo observador de la realidad que lo rodeaba, dando prueba muy pronto de sus capacidades pictóricas. Sus padres eran una maestra de escuela y un carpintero; él también ejerció la docencia, lo cual fue determinante en su desarrollo como artista, pues poseía un bagaje cultural amplio que más tarde proyectó en su pintura. En 1949 ingresó a la Academia de San Carlos, donde se interesó en la historia de la arquitectura europea y colonial, y también estudió atentamente la pintura de la Escuela Mexicana y de autores como Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso y Giorgio de Chirico, estas influencias, junto con el arte popular armaron su corpus pictórico en donde lo posible y lo imposible se confunden. Rodolfo Morales trabajó en la sombra hasta 1975, año en que Rufino Tamayo visitó la primera exposición individual del artista en Cuernavaca y lo introdujo en el ambiente artístico. El gran maestro promovió con constancia y convicción la obra de Morales, tanto frente a la crítica, como frente al mercado de coleccionistas. Su obra también fue eficazmente promovida por la galería de Estela Shapiro gracias a la recomendación de la escultora Geles Cabrera. En 1985, tras haber conquistado una notable fama, regresó a Ocotlán para dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1992 creó la Fundación Cultural Rodolfo Morales. Es considerado verdadera alma de la Escuela de Oaxaca, fue conocido en su comunidad como “El señor de los sueños”.

Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et ál. Oaxaca, tierra de arte. Venecia. Mondadori Electra, 2003, Pág. 52 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 378.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $81,090-$108,110

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ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Sin título

Firmado Óleo y arena sobre lino 100 x 400 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2014. Desde joven le interesaron las artes visuales, pero decidió estudiar una profesión que pudiera solventar sus gastos, por lo que eligió estudiar arquitectura. Ejerciéndola con tesón pudo continuar con el estudio de la pintura en la escuela de Bellas Artes de Oaxaca, donde tuvo como maestro a Shinzaburo Takeda. Para aumentar el acervo, el pintor se inscribió en un curso de restauración. Tras años de trabajo con galerías nacionales e internacionales, las galerías de Oaxaca se interesaron por el autor, y su apoyo y difusión continúa hasta ahora. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre del 2009, año 14, No. 101, Pág. 34 y sitio oficial del artista www.rolandorojas.net

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,900-$21,630

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“Rolando Rojas pinta lo que vio de niño, el entorno físico pero recreado, creado. Representación de los mitos de la cultura zapoteca que se van bordando, urdiendo, tejiendo, plasmando figuras propias a partir de lo conocido, palpado en la realidad. El conjunto plasmado de ayer y ahora se ha vuelto universal”. Macario Matus.

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Torii, 2012

Firmada Escultura en bronce P/A 1/6 109.8 x 53.5 x 23 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2019. Los Torii son los arcos tradicionales de los santuarios sintoístas o áreas sagradas en Japón. Según la cosmogonía japonesa, marcan la frontera entre el espacio profano y lo sagrado; la puerta al mundo espiritual. En esta escultura, Sergio Hernández toma esta concepción y le atribuye rasgos humanos, como si aquella estructura arquitectónica cobrara vida. $580,000.00-$800,000.00 M.N. USD $31,350-$43,250 176

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Luna-Luna, de la serie El circo

Firmado y fechado 2018-2019 al reverso Óleo y arena sobre lino 151 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2019. Con etiqueta del artista. Es considerado uno de los artistas oaxaqueños más representativos de nuestra época, construye su discurso a través de la pintura, escultura o artes gráficas. Al observar de manera general su producción se puede definir una iconografía auténtica: la elaboración de lienzos en colores monocromáticos, vibrantes primarios, grandes formatos, el uso de la escritura como parte del lenguaje visual y el arte geométrico, así como el uso de materiales como sílica, barro, cerámica, plata, encáustica o cera, azúcar y densas capas de pigmento. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29.

$950,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $51,350-$81,090 177

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) El colibrí

Firmado al frente y al reverso Óleo y arena sobre lino 180 x 300 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2019. Al analizar la obra de Sergio Hernández, se puede ver su interés por las raíces históricas de la expresión visual. Se aprecia en el aspecto gestual de sus lienzos semiabstractos, combinados con una figuración sutil. Los movimientos poderosos de su pincel crean una red en la que las figuras deben negociar su espacio. En muchos casos, estas aparecen abreviadas, apenas esbozadas y reconocemos a algunos animales característicos en su obra, como insectos y roedores. Fuente consultada: SULLIVAN, EDWARD. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, Pág. 26.

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $97,300-$135,140

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EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) Sin título

Firmado y fechado 2017 Acrílico y hoja de oro sobre madera pirograbada 78 x 118 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte, firmada por el artista. Presenta ligeros faltantes. No se puede decir que la formación humanista-artística de Emiliano Gironella Parra haya sido autodidacta, en el estricto significado del término, ya que siempre tuvo maestros cercanos y significativos: en primer lugar sus padres, Carmen Parra y Alberto Gironella, también su abuelo, el arquitecto Manuel Parra, y desde luego todos los personajes y artistas que frecuentaban su círculo familiar, desde Octavio Paz y Luis Buñuel hasta los fotógrafos Manuel Álvarez Bravo, Héctor García y Graciela Iturbide. Bajo el aprendizaje de estos grandes maestros, comenzó a interesarse por la fotografía y el cine, no obstante, su práctica artística se decantó por la pintura, el grabado y las tallas directas en plancha de madera. Entre los temas que circulan su obra, destacan el boxeo, la fiesta brava y las peleas de gallos, insectos y aves, las mujeres, la muerte y la violencia.

Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,870-$8,110

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CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - ) La cazadora, 1988

Firmada Escultura en bronce 81 x 110 x 37 cm Con certificado de autenticidad de la artista, diciembre de 1993. Agradecemos a la Maestra Carol Miller por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Presenta mínimos detalles de conservación en la pátina. “Para mí, ser escultora significa ser investigadora. He curioseado en todas las culturas del orbe. Y he tratado de compaginar la historia y la mitología con la realidad humana: el amor, la ternura, la convivencia, la dedicación de los padres hacia los hijos, la devoción de las parejas entre sí; todo eso se expresa en mi producción”. Carol Miller. Fuente consultada: “Llega la exposición Carol Miller. Relatos en bronce”. México. La voz de San Luis, sección Espectáculos y Cultura, 8 de septiembre del 2018.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,110-$11,900

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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Muerte con sandía

Sin firma Anilina y gouache sobre papel de china 73.5 x 48 cm Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake, octubre del 2019. Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2019. Presenta craqueladuras y ligeros desprendimientos de capa pictórica a causa de la técnica empleada. Los temas principales de la obra de Chucho Reyes están relacionados a los íconos y materiales de la cultura mexicana, así que los temas religiosos y de la muerte forman parte de estos motivos populares, integró específicamente la figura de Cristos y calacas. En cierto modo, gustaba distorsionar las formas para subrayar la fuerza emotiva, manejó pinceladas fuertes y expresivas, influencia del artista francés Georges Rouault, además prefería utilizar colores vivos y papeles de china para crear efectos tridimensionales; resaltan también los elementos naïf y decorativos que recuerdan los arreglos de papel picado presentes en las ferias. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. Japón. Editorial RM, México MMI, 2000, Pág. 93.

$70,000.00-$90,000.00 M.N USD $3,790-$4,870 182

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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Sin firma Anilina sobre collage de papel de china 79 x 79 cm Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2019. Presenta desprendimiento de capa pictórica y craqueladuras a causa de la técnica empleada. “En 1942, Cuando Marc Chagall vino a México para realizar la escenografía del ballet ‘Aleko’, Jesús Reyes Ferreira tuvo la oportunidad de conocer personalmente al maestro ruso. Horas antes del inicio de la función se presentó ante él y le regaló un conjunto de ‘papeles’. Un tanto sorprendido. Chagall los desenvolvió, colocándolos sobre las tablas del escenario. Fascinado ante este gesto y por la belleza de las obras, el pintor ruso lo abrazó y dándole las gracias le dijo: ‘Tú eres el Chagall mexicano’. Luego el pintor ruso gozó de la hospitalidad de Reyes, pues algunos días antes de partir a Europa, vivió en su casa de la calle Milán”. Lili Kassner. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. Japón. Editorial RM, México MMI, 2000, Pág. 73.

$80,000.00-$100,000.00 M.N USD $4,330-$5,410 183

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CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Las orquídeas

Firmado Óleo sobre tela 60 x 50 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte, firmada por la artista. “En este momento en el que los mexicanos tenemos tantos problemas, las flores nos acompañan. Piensa en las casas, en las macetas. Somos un país con la cultura de las flores”. Carmen Parra. Además de los ángeles, arcángeles y catedrales, las flores también han sido un motivo explorado constantemente por Carmen Parra en su discurso. La madurez y dominio con el que la artista trabaja las flores, le ha permitido analizar la composición, la paleta y la técnica de una manera más cuidadosa, de modo que estos ejes funjan como un camino hacia una libertad más expresiva y arriesgada. Fuente consultada: FLORES, Alondra. “Parra y Farrera rinden tributo a la cultura de las flores de México”. México. La Jornada, sección Cultura, 26 de octubre del 2015.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,250-$4,330 184

152 JOSÉ ANTONIO FARRERA

(Ciudad de México, 1964 - ) Nature morte sur scène lugubre

Firmado y fechado 19 al reverso Óleo sobre tela 160 x 160 cm Con certificado de Aldama Fine Art. José Antonio Farrera es un destacado pintor y dibujante mexicano, Licenciado en Arte por La Esmeralda y Maestro en Artes Visuales por la Academia de San Carlos. A lo largo de su exitosa carrera ha recibido múltiples premios y reconocimientos, obteniendo el Premio de Adquisición en la I Bienal de Pintura Pedro Coronel, además ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA en dos ocasiones. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas de México, como las del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Museo Pedro Coronel en Zacatecas, la Fundación Cultural Omnilife, el Instituto Cultural Domecq y la colección Nestlé, entre otras. “El detalle en la cualidad física de los jarrones es un estudio en sí mismo; el bouquet es un conjunto compacto que forma parte de la composición, aunque a veces se interrumpe. Hay un espacio vacío entre el jarrón y el follaje, un silencio musical entre el acorde sólido de la base y el subibaja de escalas de la melodía. No importa. No queremos una representación realista, sino una impronta, un golpe de color, una revelación de presencias, de grados emocionales que entren en conflicto y armonicen a la vez”. José Manuel Ruiz Regil. Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, Pág. 11.

$160,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,650-$10,810 185

153

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Papaya

Firmado al frente y en el bastidor Óleo sobre tela 60 x 50 cm Publicado en: ESTRADA, Arturo et ál. Vigencia figurativa en la plástica mexicana de Arturo Estrada (1941-1988). México. INBA, SEP, catalogado 26. Exhibido en: “Vigencia figurativa en la plástica mexicana de Arturo Estrada (1941-1988)”, muestra presentada en la sala Diego Rivera del Museo del Palacio de Bellas Artes, de mayo a junio de 1988. “Mi apuesta es que mi creación plástica sea ‘una pintura realista inspirada en todas las manifestaciones del pueblo’. Cierto es que en mis primeras obras la influencia de Diego Rivera y Frida Kahlo estuvo muy presente, así como algunos tratamientos o temas, sobre todo al principio de mis andanzas pictóricas. He realizado retratos, desnudos, escenas de tradiciones o costumbres populares y religiosas, naturalezas muertas, mineros, campesinos, vendedores callejeros, etcétera, pero considero que sin falsa modestia he logrado contribuir al enriquecimiento del imaginario del arte mexicano del siglo XX, a través de la pintura monumental, aunque no he estado ajeno a ciertos perjuicios y desconocimientos de algunos críticos e historiadores del arte actuales”. Arturo Estrada. Fuente consultada: ESTRADA, Arturo. “Pasión por el arte. Principios”. México. Revista de la UNAM, No. Especial.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,160-$3,250 186

154

ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946) Bodegón

Firmado Óleo sobre tela 55 x 65 cm Con documento de Casa de Subastas Rafael Matos Moctezuma, mayo del 2019. Presenta mínimas craqueladuras. Ramos Martínez fue un artista mexicano nacido en Monterrey, Nuevo León, que llevó a cabo un proyecto novedoso en el campo de la educación artística. Académico en su formación, discípulo de Félix Parra y Santiago Rebull, entre otros, pintó retratos y paisajes naturalistas. Como muchos otros de sus contemporáneos, viajó a Europa para seguir su formación y se vio influenciado por el movimiento impresionista y fovista, entre otros estilos europeos de la época. Su producción plástica es reconocida por su excelente dibujo, composición equilibrada, grato colorido y amplio manejo de tonalidades, texturas y claroscuros. Su obra fue prolífica tanto en la realización de retratos al óleo como al pastel. A través de sus pinceladas o sus trazos, pudo expresar un caudal de emociones y plasmar belleza en sus imágenes. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. Pág. 558.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,730-$13,520 187

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BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100 x 140 cm Benjamín Domínguez inició sus estudios en la Academia de San Carlos, posteriormente fue un alumno destacado del Maestro Luis Nishizawa, de quien aprendió el uso de diversas técnicas y materiales, formando parte de su vida los aceites y bálsamos. Al terminar la escuela entró a trabajar en el equipo de museografía del Museo del Virreinato en Tepotzotlán, allí tuvo la oportunidad durante años de convivir con obras de arte colonial, marfiles, estofados y porcelanas de oriente, una influencia reflejada en sus monjas coronadas, bodegones, naturalezas muertas y vanitas. Con el tiempo marcó su propio estilo a partir de una visión posmodernista, atribuyendo elementos contemporáneos a obras de estilo barroco, el cual dominó desde su labor en Tepotzotlán. Así, que hoy en día, habiendo sido dueño de una técnica depurada y de una imaginación avasalladora, se constituye como uno de los artistas ejemplos de evolución y de búsqueda más interesantes dentro del contexto de la plástica mexicana. Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Muere Benjamín Domínguez, el pintor del dolor y el gozo”. México. La Jornada, sección Cultura, 11 de julio del 2016.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,220-$21,630

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BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 80 x 70 cm “Benjamín Domínguez ha sido capaz de construir un condensado y fantástico microcosmos […] Pintor de la ensoñación y de la vigilia, de una permanente transmutación de contenidos e imágenes de estas dos inagotables fuentes de la inspiración, de un cargado mundo de mitos y de símbolos asociados sobre todo a la ritualidad y la transgresión, a la santidad y la condena, al placer y el dolor. Uno de los artistas más sorprendentes de su generación”. Mario Saavedra. Fuente consultada: SAAVEDRA, Mario. “El universo plástico de Benjamín Domínguez”. México. Biblioteca Babab, No. 34, 2009

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,410-$9,730

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SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - ) Naturaleza con cerveza

Firmado Óleo sobre tela 60 x 80 cm Con etiqueta de Galería de Arte Misrachi. “Reconocidos profesionales de la crítica pictórica, al explorar por los intricados caminos recorridos por este artista notable, nos muestran que en pleno siglo XXI Carbonell ha hecho suyos a los clásicos; ha recuperado y transformado paletas que se creía habían pasado al olvido, enriqueciendo con su oficio los lenguajes pictóricos puestos al servicio de su indeclinable posición contemporánea. Así, merecedor absoluto de este esfuerzo intelectual, los estudiosos de la obra de Santiago analizan su técnica, interpretan su pensamiento revisando minuciosamente los caminos de la luz que transita los complejos planos de sus composiciones plásticas, lo emparentan con Caravaggio, Velázquez, entre otros. El afán por descubrir sus influencias, para concluir que su obra es rotundamente innovadora”. Eduardo Morales. Fuente consultada: MORALES, Eduardo. “En los lienzos de Carbonell”. México. 2007, en el sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,810-$16,220

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JUAN STORM

(Montevideo, Uruguay, 1927 - Montevideo, Uruguay, 1995) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100 x 100 cm Presenta detalle de conservación. “Montevideano de nacimiento, iba con el tiempo a centrar su creación en el imaginario del mundo rural, medio que conoció de niño en estancias donde trabajaba su padre. Pero al comienzo de su carrera fue el paisaje urbano el motivo principal de sus pinturas, en parte debido a su acercamiento a integrantes del Taller Torres García […] La afirmación en el desarrollo de un estilo propio, con las características escenas rurales pobladas de gauchos, jinetes y estancias, también evidencia el interés de Storm por la obra de artistas nacionales. Las obras realizadas en el estilo por el que Storm es más conocido, cercano al planismo aunque con pinceladas muy marcadas cuando sugiere volúmenes, no son realistas ni abundan en detalles narrativos, tales como bodegones y naturalezas muertas bajo la influencia de Torres García quien en los 40 pintó una serie de paisajes urbanos de tipo planista. Del pasaje de Storm por el Taller Torres García perduró una tendencia a lo universal, que el artista definió de la siguiente manera: ‘Hago una síntesis, formo un mundo; es una realidad inventada. Mi esquema para hacer esas cosas es: estructura, forma y color, sea cual sea el tema’”. Pedro da Cruz. Fuente consultada: DA CRUZ, Pedro. “Juan Storm, un artista que pintó a partir de recuerdos”. Uruguay. El País, sección Cultura, 13 de mayo del 2011.

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,730-$11,900

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ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985) Negro, sepia y blanco

Firmado y fechado 75 al frente y al reverso Óleo sobre tela 125 x 200.5 cm Procedencia: adquirido en la Quinta Subasta de Arte Mexicano realizada por DIMART A.C., mayo de 1988, incluye recibo de adquisición. Con etiquetas de Galería de Arte Mexicano y DIMART. Presenta ligeros detalles de conservación. Antonio Rodríguez Luna llegó a México en 1939 mediante un contingente de exiliados intelectuales, artistas y científicos españoles, tras el desenlace de la Guerra Civil Española y el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Como un refugiado entre muchos, Rodríguez Luna fue pionero del éxodo artístico europeo en nuestro país, pues siendo un pintor que poseía una clara y definida conciencia de su arte, fue fácil para él ingresar en el medio mexicano. En un principio se avocó a la temática mexicana de tipo indigenista para estar a tono con la Escuela Mexicana, sin embargo nunca quiso abandonar su lenguaje, el cual continuó trabajando con la mayor pureza que como todo exiliado, vio alguna vez coartada. A poco menos de dos años de su arribo a nuestro país tuvo su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano. Su obra parte de una sólida formación clásica con un extenso conocimiento de la tradición figurativa, que le llevó a dominar, de manera magistral, el dibujo de líneas firmes y composiciones sólidas con colores negros y tonos sombríos. Durante su estancia en nuestro país, tuvo una extensa producción artística, de gran variedad temática, entre ellas sus ya conocidas series de éxodos, naturalezas muertas y saltimbanquis. Rodríguez Luna logró exponer en importantes museos mexicanos, entre ellos el Museo de Arte Moderno en 1980. Dos años después, entró en contacto nuevamente con su tierra natal, realizando donaciones de obras de su última etapa, inaugurándose con ellas el Museo Antonio Rodríguez Luna en una de las salas del Museo Municipal de Montoro, en España. Poco después fue nombrado “Hijo predilecto” de Montoro y se le concedió la Medalla de Oro de la ciudad. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 36-48, TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 200 y sitio del Museo Municipal de Montoro www.museodemontoro.es

$360,000.00-$500,000.00 M.N. USD $19,460-$27,030

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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Firmada al reverso Tinta sobre papel 84 x 65 cm Con certificado de autenticidad del Sr. Rodrigo Rivero Lake, julio del 2019. Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto del 2019. Chucho Reyes ha experimentado con diversos materiales y trabajado con distintas técnicas, entre ellas el chorreado, método inspirado por los cuadros de Jackson Pollock. Estas piezas abstractas se caracterizan por la carga de color que varía entre tonos fríos y cálidos, en ocasiones presentan manchas blancas sobre fondos neutros. “Trabajó con manchismos y chorreados que, en una especie de expresionismo abstracto, llevaron su singular búsqueda más allá de toda frontera”. Lily Kassner. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, pp. 148-150.

$65,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,520-$4,870

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ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985) El huevo

Firmado y fechado 72 al frente. Firmado y fechado 1972 al reverso Óleo sobre tela 70 x 100 cm Presenta craqueladuras, desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación. El artista nacido en el pueblo cordobés de Montoro se atrevió a pintar su agitada biografía. Su memoria es un lienzo salvaje, abstracto de agonía, surrealista e ibérico al hablar de lo perdido. Antonio Rodríguez Luna pintó varias series a modo de episodios autobiográficos y, en realidad, de la trágica historia de España. Fuente consultada: DÍAZ PÉREZ, Eva. “Antonio Rodríguez Luna”. España. El Mundo, sección Cultura, 5 de marzo del 2007.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730

195

162

RICARDO MAZAL

(Ciudad de México, 1950 - ) España, de la serie Huellas del tiempo IV

Firmado y fechado 1987 al reverso Óleo sobre tela 193 x 181.5 cm Procedencia: adquirido en Galería de Arte Mexicano en abril de 1988. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Actualmente vive y trabaja entre Santa Fe, Nuevo México, y Nueva York. Ha exhibido internacionalmente con galerías en Estados Unidos, Canadá, México, Hong Kong y Singapur. En la última década se han presentado retrospectivas de su obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, Museo de Arte de Querétaro y Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas. También exposiciones temáticas en Scottsdale Museum of Contemporary Art en Arizona, Museo Nacional de Antropología y Centro Cultural Estación Indianilla, entre otros. Realizó la serie “Huellas del tiempo” mientras vivía en Barcelona y fue exhibida tanto en España, como en la Galería de Arte Mexicano, en la Ciudad de México, y en la Galería Arte Actual Mexicano, en Monterrey. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ricardomazal.com

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,900-$16,220 196

163

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) Serie 5ª: La tierra #9

Firmada y fechada 1976-junio al reverso Mixta sobre tela 193.5 x 146 cm Presenta detalles de conservación. Inició su formación con maestros particulares de pintura y cerámica, para posteriormente estudiar en la École des Beaux-Arts en París. Desde 1962 ha realizado más de 80 exposiciones individuales en México y en el extranjero. Más de cincuenta años de trayectoria, ochenta de vida, Beatriz Zamora es fuerte, poderosa y libre; ella es hija del universo. Ha sido la única mujer artista mexicana capaz de crear un sinnúmero de obras de arte con un solo color: el negro. El negro es el silencio, es la creación y el absoluto. Sus obras se rebelan ante los cánones preestablecidos y hablan por sí solos, feroces, apasionados, llámese incluso primitivos. Sus materiales, frutos de la naturaleza, surgen de la profundidad de la tierra para servir como un portal hacia lo infinito: carbón vegetal, carburo de silicio, acerina, negro de humo, obsidiana son algunos de los elementos utilizados para crear estos portales hacia la contemplación. “En las obras de Beatriz el tamaño no parece importante. Hay piezas pequeñitas que son universos fascinantes y de un gran contenido poético, tan rico como las de gran formato. Cada pieza es como un fragmento de la noche”. Eduardo Rubio. Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo, 1998, Pág. 8 y texto de sala de la muestra “El negro de Beatriz Zamora. Una celebración de vida”, presentada en Galería Enrique Guerrero en 2015.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,630-$27,030

197

164

SERGIO PAYARES

(La Habana, Cuba, 1962 - ) Marina limpia

Firmado y fechado 12 Óleo sobre tela sobre madera 40 x 188.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio. Publicado en: sitio oficial del artista www.sergiopayares.com En 1978 comenzó su carrera en La Habana. Realizó estudios en la Escuela Nacional de Arte y posteriormente en el Instituto Superior de Arte de La Habana y trabajó en el taller de serigrafía René Portocarrero, donde conoció a importantes figuras del medio artístico. En 1993 se trasladó a Venezuela y viajó posteriormente a Estados Unidos para establecerse en Miami, donde actualmente reside y trabaja. Su obra ha sido representada por importantes galerías en el mundo como Galería Alfredo Ginocchio, Galería Nina Menocal, Galería Forum en Lima, Casas Reigner Gallery en Miami, Glass Garage Gallery en Los Ángeles, Kim Gallery en España y Galerie Herzog en Alemania, entre otras Fuente consultada: DE LA FUENTE, Jorge. “Sergio Payares”. Cuba. Encuentro de la Cultura Cubana, 27 de diciembre del 2000, www.cubaencuentro.com

$130,000.00-$160,000.00 M.N. USD $7,030-$8,650

“El trabajo de Payares está centrado en una dimensión antropológica que se interroga sobre la existencia humana, el desplazamiento y la identidad, los mitos, el cuerpo fragmentado y los símbolos espaciales de una sublimada terrenalidad. Estos elementos temáticos aparecen codificados en formas recurrentes que, aún en sus más elaboradas metamorfosis, revelan una acentuada transparencia. Se trata de imágenes-símbolos como la casa, la cruz, la silla, la palma real, el barco, las cabezas, las piernas, la luna o el ojo que al mirar protege. Muy alejado de cualquier intención narrativa, Payares construye todo un universo de figuras solitarias y ensimismadas, en ambientes visuales carentes de un referente espacial específico”. Jorge de la Fuente.

198

165

MILER LAGOS

(Bogotá, Colombia, 1973 - ) De la serie Cimiento

Sin firma Escultura en papel impreso apilado y tallado 55 x 32 x 45 cm Miler Lagos nació 25 años después del inicio de la ininterrumpida violencia en Colombia y creció en la deprimida zona sur de Bogotá, circunstancias que han afilado en su arte un humor que tiene tanta mordacidad política como juego filosófico. Usa sus obras como actos de sabotaje contra la percepción adormecida y contra un sistema social en el cual el culto a la apariencia corrompe la vida social y genera violencia. Las alusiones al entorno políticamente volátil en el que el artista vivía, así como a una economía dependiente de la explotación de recursos naturales, pueden ser encontradas en los rastros de la quemadura dejada por la pulidora eléctrica sobre el papel. Originalmente estudió Ingeniería Mecánica y puso un taller que proveía servicios de montajes industriales, ahí comenzó a construir objetos que tenían que ver con su niñez, en su contacto con los materiales se planteaba cómo sobrepasar su realidad obvia. Posteriormente dejó la ingeniería por el arte con una lógica irrefutable: siendo artista en tiempos de crisis en Colombia correría el mismo riesgo que haciéndose ingeniero, con la diferencia de que iba a divertirse mucho más; de este modo estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia. A lo largo de su carrera ha presentado exposiciones en Estados Unidos, Argentina, Canadá, Chile, México, Venezuela, Alemania, Brasil, Reino Unido, Italia y, por supuesto, Colombia. Su obra se encuentra en importantes colecciones como la del Banco de la República de Colombia, Museo de Antioquia, Rubell Family Collection en Miami, Colección Nacional del Instituto de Cultura Puertoriqueña, Cisneros Fontanals Art Foundation CIFO, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, entre otras. Fuente consultada: HERRERA, Adriana. “Miler Lagos y las simulaciones del arte”. México. Revista Poder 360°, 26 de agosto del 2008.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $29,730-$37,840

199

166

REMIGIO VALDÉS DE HOYOS (Monterrey, Nuevo León, 1958 - ) Alas

Firmada y fechada 2005 Mixta y collage sobre tela 122 x 122 cm Con certificado de Aldama Fine Art. Publicada en: ROMERO GALVÁN. José Rubén. Remigio Valdés de Hoyos. Le retour. México. Aldama Fine Art. 2011, pp. 10 y 44, catalogada 16. De formación autodidacta, se inició en las artes plásticas a la edad de trece años. Sin embargo, bajo la presión de sus padres, estudió Arquitectura en la UNAM. A partir de 1975 se dedicó por completo a las artes visuales. En 1978, se trasladó a París, donde instaló su residencia y se introdujo a la técnica del grabado en cobre en el taller Lacourière-Frélaut. En 1984, trabajó con Andrew Vlady de Kyron Ediciones Gráficas Limitadas en México. En 1998, recibió una beca para una residencia artística por parte de la Fundación Cultural Starke en Berlín, Alemania. En 1999 decidió establecerse en Montreal, Canadá, fascinado por la energía que le proporciona esa ciudad. A lo largo de su carrera, ha expuesto su obra en México, Alemania, Estados Unidos, Francia, España, en varios países de Asia y Cuba. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.valdesdehoyos.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730 200

167

ÁNGEL RICARDO RICARDO RÍOS (Holguín, Cuba, 1965 - ) Sin título

Firmada y fechada México 1999 Mixta sobre tela 193 x 145.7 cm Presenta detalles de conservación. Su formación fue en el Instituto Superior de Arte de La Habana y en la Escuela Nacional de Arte San Alejandro, también en La Habana, Cuba. Ha sido galardonado con múltiples premios, entre los que destacan las Menciones Honoríficas de la IV Bienal de Artes Visuales Yucatán en 2009 y de la 1ra Bienal de Pintura Pedro Coronel en 2008, así como el Gran Premio Omnilife 2001.

El carácter objetual de la producción artística de Ángel Ricardo Ricardo Ríos y su decidida vocación arquitectónica y de diseño, parecen ser constantes de toda su obra. Si en un principio su manipulación del objeto se inspiraba en el ready-made, posteriormente se aproximó más al objeto utilitario sin perder el elemento “artístico”, sus piezas son ejercicios magníficos que proponen otra visión del “objeto esculturado”. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.angelricardoricardorios.com.mx y CASTRO, Emilio. “De la apropiación a la construcción del objeto”.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,490-$10,810 201

168

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Tú y yo zig zag, 2019

Firmadas en la base Esculturas en bronce 6 / 8 58.5 x 30 x 38 cm cada una Piezas: 2 Con certificado de autenticidad del artista, mayo del 2019. La obra de Friedeberg emana tanto de las páginas de la historia, de la literatura, el arte y la arquitectura universal como del espiritismo, del esoterismo, de leyendas medievales y rituales, lo mismo hindúes que aztecas, que se amalgaman bajo una sorprendente imaginación creativa. Fuente consultada: GUASCH MARÍ, Yolanda y ALAMEDA GALÁN, Pablo. “Pedro Friedeberg. Dibujando fantasías”. México. Revista Quiroga, 2014, Pág. 82.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,410-$8,110

202

169

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - ) Sin título

Firmado y fechado 83 al reverso Óleo y arena sobre tela 190 x 245 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero del 2019. Presenta mínimos desprendimientos de capa pictórica. Al hablar de arte contemporáneo en el rubro de la plástica, es referencia obligada el nombre de Gabriel Macotela. Muy seguramente se encuentra entre los trabajadores del arte con una visión más amplia de esta labor. Su misma diversificación de actividades nos demuestra el interés y la disciplina que tiene en todas las ramas que toca. Macotela no es un aventurero de los medios expresivos, es un investigador que muestra los resultados casi al momento en que estos ven la luz. En sus exposiciones suele encontrarse obra con referentes directos a lo urbano, a las construcciones, a las calles con alfombras de cemento, texturas a veces arenosas, a veces ásperas, a veces emulando en sí mismas el propio paisaje: el real y el deseado. Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto. “Gabriel Macotela: diario horizonte”. México. Revista de la Universidad de México, No. 26, junio de 1983.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,900-$16,220

203

170

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - ) Sin título

Firmado y fechado 08 Pastel sobre papel 100 x 142 cm Presenta mínimos detalles de conservación. Macotela estudió en La Esmeralda y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Más tarde, ingresó al taller del maestro Gilberto Aceves Navarro en la Academia de San Carlos. Se trata de un artista polifacético que ha incursionado en la pintura, el grabado, la escultura, la edición e incluso la música. Perteneció al Grupo SUMA. Ha presentado su trabajo en diversas exposiciones colectivas en museos y galerías nacionales e internacionales, así como muestras individuales entre las que sobresalen las realizadas en el Museo Carrillo Gil en 1983 y 1997, en el Museo de Arte Moderno en 1986 y en el Museo Rufino Tamayo en 1988.

Fuente consultada: LAMBARRY MARTÍNEZ, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 396.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,250-$4,330

204

171

PAL KEPENYES

(Kondoros, Hungría, 1926 - ) Sin título

Firmada Escultura en láminas de bronce 84.5 x 50 x 40.5 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Esta pieza cuenta puertas abatibles con bisagras, por lo que las medidas pueden variar. Es un reconocido escultor e investigador de arte húngaro, cuya producción artística incluye esculturas de pequeño y mediano formato, joyas y piezas miniatura de decoración, todas ellas realizadas de manera artesanal, sin maquinaria alguna. Inició sus estudios en la Escuela de Artes Decorativas de Budapest, no obstante sus estudios y producción se vieron afectados años más tarde ya que fue prisionero de guerra durante el régimen stalinista, siendo finalmente liberado en 1956 tras el fin de la Revolución Húngara, siendo su salida del país y llegada a París, donde estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes. En 1956 decidió viajar a México, país al que le ha dedicado el resto de su vida, ya que su atracción por las culturas prehispánicas y colonial ejercieron gran influencia en su trabajo, incluso obtuvo la nacionalidad mexicana en octubre de 1975. “Su humanidad se ve en cada una de sus esculturas, que sea una pieza de joyería o una obra de mediano formato o monumental. Es como el sol que tanto ama, dividido y a la vez uno. Es de los que están enamorados de justicia y libertad. Sueña con un mundo donde cada uno puedan expresarse por medio del arte. Es una piedrecilla labrada por el tiempo, como esas pequeñas esculturas hechas por la naturaleza y el mar, hombre sencillo y complejo, eterno y tremendamente frágil. Pal Kepenyes es hombre de su tiempo, pero todo genio, un hombre que transciende el tiempo”. Bob Orbé. Fuente consultada: ORBÉ, Bob. El hombre traspasa sus límites. México. Bob Orbé Éditeur, 1995, Pág. 13.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,110-$11,900 205

172

RAMÓN ALVA DE LA CANAL

(Ciudad de México, 1892 - Ciudad de México, 1985) Autorretrato

Firmado y fechado 1965 Óleo sobre tela 30 x 27 cm Presenta mínimas craqueladuras y desprendimiento de capa pictórica. Sus estudios artísticos los realizó en la Academia de San Carlos y asistió a la Escuela de Pintura al Aire Libre fundada por Alfredo Ramos Martínez. Fue miembro del Sindicato Nacional de Pintores, convocada por José Vasconcelos y formó parte de la corriente estridentista al lado de Fermín Revueltas con quien colaboró en la realización de murales. Pintó “El desembarco de los españoles y la cruz plantada en tierras nuevas” en San Ildefonso en 1922, el primer fresco del siglo XX en México, a la par del inicio del movimiento muralista. La Universidad Veracruzana le organizó varios homenajes al igual que el Taller de Gráfica Popular y la Academia en la Secretaría de Educación Pública. “Para entender o hacer arte, se necesita antes que todo poseer, una sensibilidad, una delicadeza espiritual, una conformación nerviosa determinada y la voluntad de ir a él”. Ramón Alva de la Canal. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 52.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,810-$16,220 206

173

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Sin título

Firmado Óleo sobre hoja de revista 30 x 22 cm Con etiqueta de David Fusk Gallery. Nacido en Uruguay de ascendencia vasca, en la década de los 70 se fue a Cadaqués, España en busca de inspiración para su obra, donde permaneció 10 años en una pequeña ciudad cerca de la costa, etapa en la que trabajó con el pintor barcelonés Ramón Aguila Moré. En 1984 regresó a Uruguay y realizó diversas exposiciones tanto colectivas como individuales, muestras que le abrieron las puertas para que en la década de los 80 ya fuese reconocido a nivel internacional. En 1994 logró representar a Uruguay en la Bienal de Cuenca obteniendo el Gran Premio y, un año más tarde, fue convocado a participar en la Bienal de Venecia, en la cual fue acreedor al Premio Casa di Risparmio. En 2013 creó la Fundación Iturria dedicándose a exponer obras de otros artistas y alumnos de nivel mundial. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Ignacio Iturria. Obra en papel”. México. Museo Regional de Guanajuato, 2009.

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,490-$3,250 207

174

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Personajes

Firmada y fechada 99 Mixta sobre papel 70 x 40 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Desde la segunda mitad del siglo XX, la obra de Ignacio Iturria ha destacado, pues el artista ha desarrollado un estilo maduro, con un fuerte y personal vocabulario de colores terrosos y personajes de ensueño y fantasía, cargados de historias y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico. A lo largo de su carrera ha expuesto su trabajo en diversos museos, ferias y galerías de arte, destacando la Galería Sa Llumenera en Cadaqués, España, Galería Manzione en Punta del Este, Uruguay, Galería Praxis de Buenos Aires, Argentina y Lima, Perú; La Galería en Quito, Ecuador, Park Gallery de Florida y el Museo de Artes de las Américas en Washington, D.C., Estados Unidos, así como en la V Bienal de La Habana, Cuba y en ARCO´92, Madrid, España. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.iturria.com.uy

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,790-$4,870 208

175

IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - ) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100 x 201 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. “Siempre pienso que soy uruguayo, hombre y pintor. Esas son las tres cosas que tengo clarísimo. A mí la pintura me entusiasma siempre. Para mí levantarme y saber que tengo una tela en blanco y que arranca el día es toda una ilusión, es como que podés empezar de vuelta. Esa es una de las cosas que más me gusta de esto, esa posibilidad de rectificación y que cada día parezca como si fuera un domingo o una fiesta o tu cumpleaños […] Todo me significa tema y gran entusiasmo, porque si no estás entusiasmado perdés la esencia; a mí la pintura me entusiasma siempre […] Por esta necesidad, si tienes la posibilidad, la condición y te gustó lo suficiente, no hay que dudar, no hay que dejar que nada del entorno, ni los miedos nos alejen, porque la vida y la pintura hay que vivirla con libertad”. Ignacio Iturria. Fuentes consultadas: SALLÉ ONETTO, Andrea. “Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad”. Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio del 2014.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $29,730-$37,840

209

176

REYNALDO VELÁZQUEZ

(Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, 1946 - ) Sin título

Sin firma Escultura tallada en madera 67 x 24 x 12 cm Presenta ligeros detalles de conservación. Su formación en el arte y la cultura ha sido autodidacta, junto a personas que le facilitaron su acceso al conocimiento. Antes de su inmersión en el terreno de las artes visuales, Velázquez se interesó en la literatura; era asiduo visitante de una biblioteca pública de su ciudad. Más adelante, comenzó su inmersión en el dibujo y la pintura; su mentor fue un refugiado español con quien construyó un análisis sobre arte y cultura, mediante el intercambio de ideas y conocimientos. El artista adquirió una perspectiva universal y occidental del mundo que le permitió ver más allá de su entorno tradicional. Definió su gusto por el universo clásico, rechazando la modernidad del arte de principios del siglo XX. En sus viajes a Europa se interesó por la escultura italiana y la arquitectura europea clásica, la cual incorpora arte escultórico, importantes referentes en su producción tridimensional. Fuente consultada: “Batallas en el misterio. Reynaldo Velázquez Zebadúa”, texto de la muestra retrospectiva presentada en el Museo Universitario del Chopo, UNAM, 2016.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,710

210

177

ARNALDO ROCHE-RABELL

(San Juan, Puerto Rico, 1955 - San Juan, Puerto Rico, 2018) Herido

Firmado y fechado 1991 Óleo sobre tela 120 x 91 cm Con etiqueta de Galería Alejandro Gallo. Inició su formación artística en la Escuela Superior Lucchetti, posteriormente ingresó en la Escuela de Arquitectura en la Universidad de Puerto Rico donde estudió diseño e ilustración y realizó la Maestría en Bellas Artes en la School of the Art Institute of Chicago. Arnaldo Roche-Rabell fue considerado como uno de los principales representantes del Neoexpresionismo, en su obra ocupaba una singular técnica en la que aplicaba diversas capas de materia pictórica en colores brillantes concluyendo con una más en negro, para posteriormente desbastar con herramientas como

la espátula, resultando en imágenes dramáticas gracias a los contrastes logrados. Su pintura estaba dotada de una perspectiva autobiográfica en la que la visión que nos muestra de sí mismo es impactante, esto debido en gran parte a que desgraciadamente luchó con una terrible enfermedad. Su obra forma parte de importantes colecciones a nivel internacional, como las de The Metropolitan Museum of Art y Bronx Museum of Art en Nueva York, Museum of Fine Arts en Houston, The Art Institute of Chicago, Virginia Museum of Fine Arts, University of Texas, Miami Art Museum, el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte de Bayamón, Museo de Arte de Ponce y Museo de Historia, Antropología y Arte de la Universidad de Puerto Rico.

Fuentes consultadas: “Fallece el pintor boricua Arnaldo Roche Rabell”. Puerto Rico. Agencia EFE, 17 de noviembre del 2018 y sitio oficial del Museo de Arte de Puerto Rico www.mapr.org

$300,000.00-$500,000.00 M.N. USD $16,220-$27,030 211

178

JORGE DAMIANI

(Nervi, Italia, 1931 - Uruguay, 2017) Playa

Firmado y fechado 77 Acrílico sobre tela 73 x 92 cm De padres uruguayos, Jorge Damiani se mudó a Montevideo desde muy chico. Desde joven mostró un gran interés por las artes; fue en 1952 cuando ingresó en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, donde conoció a los grandes pintores de occidente. Tiempo después recibió la beca Guggenheim para realizar sus estudios en Nueva York. Más tarde regresó a Montevideo donde co-fundó junto al escultor Eduardo Yepes, la crítica Celina Rolleri, Blanca Lettieri, el historiador y arquitecto Fernando García Esteban, los arquitectos Florio Parpagnoli y Luis García Pardo, el Instituto Uruguayo de Artes Plásticas. Las obras de Jorge Damiani se distinguen por ser de carácter realista-metafísico, aparejada con una nostalgia del clasicismo. Actualmente, su obra forma parte de importantes acervos, destacando el Museo de Artes Visuales de Montevideo, Uruguay, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Nueva York, Río de Janeiro y Ciudad de México, así como el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, España. Fuente consultada: SIENRA, Vera. “Jorge Damiani”. Uruguay. Círculo de Bellas Artes, octubre del 2012.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,790-$4,870

212

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LUCIANO SPANÓ

(Saluzzo, Italia, 1959 - ) Papè Satân, papè Satân aleppe, canto 7

Firmado y fechado 97 al frente y reverso Óleo sobre tela 130 x 130 cm Luciano llegó a México en 1974 como refugiado de la Segunda Guerra Mundial junto con su abuelo y su tía. Desde muy pequeño encontró en la pintura un mundo en el que podía expresar su soledad y angustia, por lo que decidió desarrollar su talento artístico de manera formal, ingresando a La Esmeralda, donde aprendió de importantes y destacados maestros. A lo largo de los años, su obra comenzó a estructurar su perfil artístico, el cual se caracteriza por su aspecto lírico y épico; ejemplo de ello se aprecia en “Papè Satân, papè Satân aleppe”, una pintura que describe el coro ejercido en el canto séptimo del infierno de la Divina Comedia de Dante Alighieri, ubicado en el cuarto y quinto círculo, donde son castigados los pródigos, perezosos y avaros, lugar en el que el guardián es el dios de las riquezas ocultas Pluto, quien al ver a Dante y Virgilio pronuncia la frase, que hasta hoy en día no hay traducción. A lo largo de su carrera artística, Luciano Spanó ha desempeñado talento, compromiso y disciplina. Su obra ha participado en más de 230 exposiciones colectivas y 28 muestras individuales, destacando la muestra en el Museo de Arte Carrillo Gil en la Ciudad de México en 1990, en la Galería Zénit de Turín, Italia en 1991, en el Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes en 1993 y en la Galería del Instituto Italoamericano en Roma en 1998. “Cuando surge un tema, de ser posible lo sostengo en ese tono de emociones. La interpretación de un terco, que parte de su propia emoción, no comparte con la mía más que pocos encuentros casuales”. Luciano Spanó. Fuentes consultadas: ELIZONDO DE LARA, Lupina. Resumen, Pintores y Pintura Latinoamericana. México. Promoción de Arte Mexicano, enero-febrero, 2004, año 9, No. 67, pp. 27, 28, 30, 35 y en el sitio oficial del artista www.lucianospano.com

$36,000.00-$60,000.00 M.N. USD $1,950-$3,250 213

180

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - Ciudad de México, 2019) Mártir

Firmado y fechado 74 Óleo sobre tela 150 x 120 cm Exhibida en: muestra colectiva presentada en el Centro Cultural Chihuahua, de noviembre de 1981 a marzo de 1982. Con etiqueta del Centro Cultural Chihuahua y fragmento de la etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Dirección de Promoción Nacional. Fue un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias. Su temática hace gala de imaginación y la desborda. Plasmaba en las telas y en el papel, con óleos, acrílicos, tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de la fantasía: faunos ninfas, sílfides, bacantes en continua orgía, venus aterrorizadas, vampiros ecuatorianos, erinas reyes y príncipes, dragones amantes y jinetes apocalípticos que parecen arrancados de un cuento misterioso. “José García Ocejo aparece como un romántico tardío, perdido en medio de un siglo extraño, estéril en buena parte, y se adhiere ostensiblemente al sistema de símbolos, arquetipos y resonancias culturales europeas. Ocejo es un artista dandy que expresa sin equivocación su vocación teatral, que se fascina con el gesto retórico, y que vive la vida sólo como un espectáculo, al lado de su público”. Jordán Chimet, 1984. Fuentes consultadas: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17 y en “José García Ocejo. Pues Modernismo”. México. Galería Arvil, 1989.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730

181

ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 1972) La bailarina, ca. 1955

Firmado Óleo sobre tela 91 x 76.5 cm Agradecemos a la Maestra Esther Echeverría por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Exhibido en: “Tiempo suspendido”, muestra retrospectiva presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México en 2003. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. “Enrique Echeverría fue por, vocación plena un pintor, un maestro en el arte eterno del color, arte al que hizo la entrega de lo mejor que poseía, en cuanto hombre y en cuanto artista [...] Lo que tenía que decir lo hizo tangible gracias al dominio de los generosos recursos que posee el óleo. Echeverría todo lo construyó partiendo de la base del color; lo mismo para un tema tomado del exterior como lo son sus paisajes, que para escenas íntimas, como sucede con la serie de interiores; en ambos casos todo está sugerido mediante el color, ora aplicado en pinceladas ligeras o bien en pródigos empastes alcanzados con la espátula. En sus paisajes desaparecen los detalles, al igual que en sus figuras femeninas y masculinas, en las cuales marca más los volúmenes, alcanzados por el tratamiento del color. Echeverría dejó a la imaginación y a la inventiva de los espectadores de sus cuadros, el que reconstruyeran a los personajes allí contenidos”. Xavier Moyssén. Fuente consultada: MOYSSÉN, Xavier. “Enrique Echeverría, la vocación de un pintor”. México. Revista de la Universidad de México, septiembre de 1980.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,810-$16,220 214

182

DANIEL LEZAMA

(Ciudad de México, 1968 - ) Coatlicue, Lago de México

Firmado y fechado 2010 al reverso Óleo sobre MDF 52 x 40 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. “Mi visión es lo femenino en el centro de la existencia humana. Es un núcleo en el que alrededor gira todo. Cuando me refiero a los mitos, por ejemplo, hay un mito prehispánico, la Coatlicue, no me refiero a él precisamente, sino que lo acercó a una necesidad de volver a lo femenino, al centro de las cosas. La pintura o el arte es devolver a las cosas a su nivel esencial, a su parte medular, a la parte femenina. Lo que hace el hombre es construir imaginarios, me acerco de la periferia al centro de las cosas que a mí me interesan. Estoy hablando de un momento espiritual de la humanidad y del país donde tenemos que voltear a ver cosas esenciales para no perdernos”. Daniel Lezama. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.daniellezama.net

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,250-$4,870 215

183

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Torso

Firmada y fechada 1997 Escultura en bronce I/I P.E. en base de mármol 102 x 67 x 44 cm medidas de la pieza 175 x 53 x 54 cm medidas totales con base Al término de sus estudios mantuvo una constante disciplina en su quehacer artístico, sintió una libertad de experimentar aún más con materiales y técnicas, madurando la propuesta artística por la cual hoy es reconocido. “Entre la década de los 80 y 90 apareció en México el que sin duda es el mejor dibujante de los últimos tiempos y uno de los más conspicuos de toda Latinoamérica. Me refiero a Roberto Cortázar. Lo descubrí en un concurso nacional de dibujo en el que yo fungía como jurado. Me sorprendió su madurez e instauré un premio que llevaba mi nombre. Ahí fue el inicio de una carrera en constante ascenso. Cortázar es hoy en día uno de los artistas de mayor reputación. Pinta, dibuja y graba. Sus obras están ya colocadas en grandes colecciones de México y el extranjero”. José Luis Cuevas.

Fuente consultada: GAMBOA, Fernando. Roberto Cortázar. Anatomías intemporales. México. Museo de Arte Moderno, Museo de Monterrey, Museo Regional de Guadalajara, 1989.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,520-$18,920 216

184

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Torso

Firmado y fechado 89 Óleo sobre tela 189.7 x 129.7 cm Con etiqueta del Palacio de Bellas Artes Presenta ligeros detalles de conservación. Estudió un año en la Escuela Nacional de Iniciación Artística, posteriormente ingresó a La Esmeralda y tres años después obtuvo su primera beca por parte del INBA. Estéticamente, su pintura se caracteriza por la combinación de los elementos en contraste, las líneas delicadamente marcadas en las figuras humanas, refinamiento estilístico y la aspereza de la superficie, dando así una tensión dramática a cada obra. Las figuras de Roberto Cortázar parecen estar aprisionadas, literalmente atrapadas dentro del espacio de la superficie de la pintura ignorando o a veces, respondiendo directamente a la mirada del espectador. La energía que exudan es cruda, constante y vibrante; se siente primordial y seductiva. Fuente consultada: M. GOMEZ, Edward. “Roberto Cortázar: explorador de la conciencia humana, pintor del alma”, 2000.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $13,520-$18,920 217

185

CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, E.E. U.U., 1933 - ) Cipactonal y Oxomoco, de la serie Los dioses de bronce, 1983

Firmada Escultura en bronce 51 x 83 x 54 cm Agradecemos a la Maestra Carol Miller por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. “El cuerpo ha sido el tema de sus obras desde el principio. Creadas en bronce, son piezas que han evolucionado, que expresan la anatomía. Salvo la labor de fundición, todas las etapas previas son creadas sólo por Miller. En sus piezas está el sello de lo cultural más que del de la historia del arte: incorpora mitos, personajes, líneas, hace homenaje a culturas y formas de pensamiento”. Sonia Sierra. Fuente consultada: SIERRA, Sonia. “Carol Miller frente al espejo mexicano”. México, El Universal, sección Cultura, 1 de septiembre del 2012.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,490-$10,810

218

186

MIGUEL ÁNGEL GARRIDO (Ciudad de México, 1982 - ) Romi

Firmado y fechado 06 Óleo sobre tela 166 x 136 cm Con certificado de Aldama Fine Art. Miguel Ángel Garrido es egresado de la Licenciatura en Artes Visuales por el Instituto Allende y se ha especializado en pintura. Ha sido acreedor a la Beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en tres ocasiones y en 2018 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Miguel Ángel Garrido en su statement dice: “Creo que la única manera de hacer que una búsqueda en la pintura valga la pena es meterse en ella sin pretender ser actuales (por el simple hecho de vivir hoy ya lo somos). Hay que recorrer el camino individualmente, dejar que la búsqueda madure, conforme nuestros ojos vayan viendo más”.

Aquí, parafrasea, en alguna medida, las célebres palabras de Rufino Tamayo a propósito de las tareas del pintor joven, las cuales recomiendan poner manos a la obra e ir reflexionando sobre la base de lo producido. El rigor con que Garrido se ha entregado a la realización de su obra respalda, totalmente, la citada declaración de principios; su trayectoria puede considerarse un continuo acto de fe, en términos de asumir un modo de producción plástica y, más importante aún, un modo de vida. Su fascinación por dar cuenta de los distintos episodios cotidianos, protagonizados por él, su familia y sus amigos, arrojan un bello recuento de las vicisitudes de una comunidad coincidente. En todo su discurso sobre el rostro y la presencia humana en el mundo, en su exploración de los espacios interiores y exteriores, se despliega una espléndida historia de la naturaleza lumínica del entorno visible. Fuente consultada: CASTILLO, Erik. Miguel Ángel Garrido. Luz adentro. México. Aldama Fine Art, 2019, pp. 8 y 14.

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,490-$8,650 219

187

WALDEMAR SJÖLANDER

(Gotemburgo, Suecia, 1908 - Ciudad de México, 1988) Sin título

Sin firma Escultura en bronce 81 x 62 x 49 cm Procedencia: perteneció a la colección de la familia Sjölander. Con una fuerte influencia previa de Edvard Munch, Pablo Picasso y Henri Matisse, la pintura y escultura de Waldemar Sjölander pasó de lo figurativo a la abstracción con una temática centrada en el ser humano. No obstante, interesado en conocer más sobre la cultura mexicana, viajó por algunos estados de la República Mexicana, entre ellos Oaxaca, Jalisco y Nayarit, en donde estudió detalladamente los colores, texturas y materiales. Los elementos plásticos que fue conociendo durante su acercamiento con el arte mexicano, eran muy distintos a los de su país de origen, por lo que en ocasiones diseñaba sus propios materiales. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 638.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,790-$4,870 220

188

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 170 x 170 cm Presenta ligeras craqueladuras y desprendimiento de capa pictórica. “Después de haber incursionado en el abstraccionismo por muchos años, empecé a sentir la necesidad de dibujar la forma humana, especialmente el cuerpo femenino. Pensé que esta preocupación iba a ser efímera, como con los otros temas que había tratado, pero permanece como una pasión. Este es el periodo más largo por el que he pasado, y la verdad es que no puedo abandonarlo”. Byron Gálvez. $450,000.00-$700,000.00 M.N. USD $24,330-$37,840

221

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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmada Escultura en bronce IV / X en base de piedra Con certificado de autenticidad de DIMART, firmado por Mariana Pérez Amor. 48 x 17 x 23 cm El viaje que Pedro Coronel realizó a Europa le dio la oportunidad de entrar en contacto con grandes artistas que enriquecieron su futura creación, entre éstos se encuentra el rumano Constantin Brancusi. En aquella época asistió a su taller y observó su búsqueda de la forma y su predilección por la escultura africana y precolombina. Hay que subrayar que Pedro Coronel procedente de México, traía consigo inquietudes arraigadas en su pasado histórico y, también, en la búsqueda de un lenguaje acorde a la modernidad que se desarrollaba en aquel momento, es por ello que en sus esculturas es notable la esencia casi prehispánica con las estructuras moderas europeas, especialmente en el cuerpo femenino. En “Autobiografía discontinua”, comentó que se encontraba sobre todo comprometido con la escultura, pero también con una producción pictórica vasta. Fuente consultada: GONZÁLEZ MATUTE, Laura et ál. Pedro Coronel Retrospectiva. México. Gobierno del estado de Zacatecas, CONACULTA, 2005, pp. 19, 23 y 24.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,110-$10,810

222

190

MANUEL PAILÓS

(Galicia, España, 1918 - Montevideo, Uruguay, 2004) Mujeres tomando baño

Firmada Mixta sobre papel sobre masonite 25 x 25 cm Manuel Pailós fue un destacado pintor, ceramista y escultor nacido en Galicia pero nacionalizado uruguayo, país al cual su familia se trasladó cuando tenía dos años. Cursó estudios en el Círculo de Bellas Artes bajo la guía de maestros como Guillermo Laborde y José Cúneo y más tarde, en 1943 se unió al Taller Torres García, destacándose como un gran discípulo del maestro, influenciando su obra durante las cinco décadas siguientes. A lo largo de su carrera experimentó con diversos materiales y técnicas, utilizó la encáustica, el cemento poroso, polvo de ladrillo y tierras de diferentes colores que él mismo gustaba recoger. Su obra ha formado parte de numerosas exposiciones colectivas en museos de América Latina, Norteamérica y Europa y actualmente algunas de ellas se encuentran en importantes colecciones privadas. Fuente consultada: sitio oficial de los Museos Ralli www.museoralli.cl

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,950-$2,710

223

191

SANTIAGO REBOLLEDO (Bogotá, Colombia, 1951 - ) La Venus de lodo, 2005

Firmada Encáustica sobre madera 120 x 60 cm Con documento de autenticidad, firmado por el artista, adherido al reverso. Publicada en: sitio oficial del artista www.santiagorebolledo.com Esta pieza es una interpretación que el artista realizó sobre la fotografía que Felipe Caicedo tomó de la llamada “Venus del lodo” en 1985 tras la tragedia del volcán del Nevado del Ruiz. También conocido como la Mesa de Herveo, el volcán del Nevado del Ruiz se ubica en Colombia, siendo uno de los más activos del cinturón volcánico de los Andes. En 1985 hubo una alerta y el volcán empezó a lanzar gases haciendo erupción el 13 de noviembre. Este acontecimiento afectó con mayor fuerza al pueblo de Armeo en Tolima, siendo esta una tragedia, ya que la ciudad fue borrada del mapa al haber sobrevivido únicamente la cuarta parte de la población. En las noticias se decía que la poca gente aún con vida había sido hallada entre los escombros naturales, entre ellos Luz Ensueño Buenaventura, una mujer que fue sacada del lodo con mucha ayuda y cuando al fin logró ser liberada, salió desnuda cubierta de barro; este momento fue un símbolo de la catástrofe, siendo la primera impronta del desastre y ella fue bautizada como “La Venus de lodo”. Fuente consultada: “El Rostro de la Tragedia: Omaira Sánchez y el Desastre de Armero”. El pensante, sección Mundo, 11 de noviembre del 2015.

$46,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,490-$3,790

224

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MANUEL PAILÓS

(Galicia, España, 1918 - Montevideo, Uruguay, 2004) Desnudo

Firmado Óleo sobre tela 81 x 61 cm Manuel Pailós destacó en cada una de las actividades que realizaba, siendo un sobresaliente maestro en el Taller Torres-García, donde fungió como docente entre 1963 y 1967. En 1968 ganó el premio de escultura en el Salón Nacional de Artes Plásticas, en 1991 fue invitado por la Junta de Galicia a realizar una exposición en Santiago de Compostela y una escultura en granito para los jardines de la Facultad de Economía. En 1996, obtuvo el Premio Figari que otorga el Banco Central por el conjunto y la calidad de la obra de plásticos de extensa foja. “Pailós era un hombre de obstinado perfil bajo, retraído y modesto, cordial y muy discreto, prefiriendo en todo caso que sus obras hablarán por él. Trabajaba mucho, con notable continuidad, lo cual permitió que a lo largo de un período consagratorio de su carrera expusiera de manera individual todos los años, sin falta y con heroica regularidad, en lo que constituye un ejemplo insólito de perseverancia y empeño laboral”. Texto de exposición en la Galería Montenegro, España. Fuente consultada: sitio oficial de los Museos Ralli www.museoralli.cl

USD $4,870-$8,110 $90,000.00-$150,000.00 M.N. 225

193

CARLOS LUNA

(Pinar del Río, Cuba, 1969 - ) Un monstruo llamado Miguel

Firmado y fechado octubre 1994 Puebla-México al reverso Óleo sobre tela con base acrílica 70 x 40 cm Con dedicatoria Exhibido en: “Mi madre, mi patria”, muestra presentada en el Museo Amparo en Puebla, del 5 de agosto al 16 de septiembre de 1995. Con etiqueta del Museo Amparo-Exposiciones temporales. La obra de Carlos Luna reúne una serie de recuerdos de su infancia en Cuba; marcada por su abuela y su padre, así como su experiencia en México y Estados Unidos. En su obra es común que utilice una serie de iconografía, interpretando: gallos, toros, caballos, maniguas, así como mujeres voluptuosas y el busto de Martí. Estas representaciones las monta como si fuera un teatro, donde el incidente ridículo se trenza con su historia, la política, la sexualidad y la represión. “No creo que un artista sea un traductor de la realidad. El artista crea una nueva realidad, tiene el compromiso de crear algo que no existe, el compromiso de transformar el diario cotidiano en una realidad extraordinaria que es la obra. El lenguaje de mi obra es el lenguaje de Carlos Luna”. José Luis Pardo.

Fuentes consultadas: MORENO VILLAREAL, Jaime. Carlos Luna PASO A PASO. México. Museo Poblano de Arte Virreinal, diciembre-febrero, 2001-2002, pp.18, 19-25 y en PARDO, José Luis. “Carlos Luna Artista del Mundo”. México. El Popular, sección Cultura, 13 de febrero del 2017.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,160-$3,250 226

194

JOSÉ GARCÍA NAREZO

(Madrid, España, 1922 - Ciudad de México, 1994) Estatua de diosa africana en el campo extraño

Firmado y fechado 1944 Óleo sobre tela 75 x 60 cm Presenta ligeras craqueladuras desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación. Sordomudo de nacimiento, hijo de madre mexicana y del crítico de arte Gabriel García Maroto, García Narezo fue un destacado pintor español naturalizado mexicano. Llegó a México en 1928 como refugiado de la Guerra Civil española. Estudió en la Escuela de Pintura al Aire Libre de Tlalpan y cuatro años más tarde regresó a España para estudiar en la Escuela Hogar Imagen, la cual había fundado su padre en Madrid. Su obra se encaminó en una constante evolución hasta llegar al surrealismo. Con el tiempo se fue dando a conocer tanto en México como en diversos países de Latinoamérica y Estados Unidos. “En su momento fue uno de los grandes artistas, ya que acerca de su obra escribieron, Xavier Villaurrutia, Luis Cardoza y Aragón, así como María Izquierdo. No hubo un crítico de la época que no realizara notas realmente alabando su obra”. Juan Coronel Rivera. Fuentes consultadas: SÁNCHEZ, Leticia. “Redescubren a García Narezo en el museo Diego Rivera”. México. Milenio, sección Cultura, 30 de noviembre de 2015 y en “El Paraninfo acoge la exposición ‘Después de la alambrada. El arte español en el exilio’”. España. Universidad de Zaragoza, 27 de enero de 2013, www.unizar.es

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,710-$3,790 227

195

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Distort V. 04

Firmado al frente. Firmado y fechado México D.F. Mayo 2000 al reverso Óleo sobre tela 50 x 71 cm Con dedicatoria. “Me gusta pensar que la idea principal de cualquier obra de arte proviene de un momento de lucidez, lo que ellos llaman inspiración, del propio artista. Creo que el arte es una extensión de quién lo produce. También creo que hoy el artista necesita conocer ciertos aspectos de la historia del arte para poder interactuar en el mundo del arte […] Como parte de una investigación basada en fotografía, estoy interesado en explorar temas sociales y antropológicos a través de la pintura, como técnica tradicional, así como a través de técnicas multimedia. La obra de arte, en conjunto, invita a la audiencia a reflexionar rodeada de un concepto ambiental que pretende representar el reino de las imágenes que experimentamos a diario”. Ofill Echevarría. Fuentes consultadas: ISLA, Mónica. “Entrevista con el artista Ofill Echevarría”. Estados Unidos. Sección Entrevistas, 31 de julio del 2017.

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,630-$2,710

228

196

ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999) Mr. Degas

Firmado y fechado 88 Óleo y carboncillo sobre tela, con dibujo a tinta sobre papel adherido con cinta adhesiva 58 x 40 cm Agradecemos al Maestro Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Presenta ligeras craqueladuras en la capa pictórica. Adjudicándose el papel de continuador de una tradición pictórica, Alberto Gironella afirmaba los valores de su propia obra, en la que la tradición cultural solo sirve de apoyo a una creación voluntariamente intelectualizada, que obliga al espectador a compartir el mismo marco cultural que el pintor, para comprender los conceptos que transmite la obra. Este último rasgo se radicalizó desde que Gironella dejó de parodiar obras tan conocidas como “Las Meninas” o “Reina Mariana”, para referirse a otras con menor fortuna crítica o con un contenido más críptico, entrando en esta categoría los retratos que pintó del filósofo Friedrich Nietzsche o el del impresionista Edgar Degas. Fuente consultada: DEBROISE, Olivier. “Alberto Gironella también pinta”. México. Revista La Cultura en México, agosto de 1979.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,490-$9,730 229

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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Retrato de Eugenio D’Ors

Firmado y fechado 1931 al frente. Firmado y fechado París 1931-33 al reverso Óleo sobre tela 112 x 100 cm Con la leyenda “Portrait d’Eugenio D’Ors peint pour le Comte Philipon”. Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, especialista en el artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2019. Publicado en: ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del Estado de Durango, 2006. Pág. 188 Procedencia: Perteneció a Francisco Zárraga, hermano del artista; colección particular. En la década de los años 20 y 30, la obra de Ángel Zárraga era muy cotizada en París y se exhibía con frecuencia en diversas galerías de arte del país. No obstante, su estilo cubista con el que había estado trabajando lo rezagó y decidió regresar a su fuente original de inspiración: los maestros franceses del siglo XIX. Así, a la par de la ejecución de sus famosos futbolistas, realizó retratos por encargo, así como escasos bodegones y escenas costumbristas, obras de gran sencillez y sinceridad pictórica. Entre los retratos de los años 30 se encuentra el de Eugenio d’Ors Rovira (1881-1954), un destacado escritor, periodista, filósofo y crítico de arte español que fue corresponsal durante su estancia en París del periódico “La Veu de Catalunya”. Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del Estado de Durango, 2006.

$1,500,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $81,090-$135,140

230

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RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019) Sin título

Firmado Crayón y sanguina sobre papel 47 x 66 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, junio del 2019. Un día de 1954, Rafael Coronel, dando brincos de cuatro en cuatro escalones, sin tomar aliento, subió hasta la oficina de Inés Amor, dueña de la Galería Arte Mexicano; y sin anunciarse le espetó: “Doña Inés, usted tiene que ayudarme”. Ella le preguntó cuál era su oficio: “Pos pintor, soy muy bueno, necesito salirme de mi casa y pintar, pero requiero de cuatrocientos pesos al mes”, le respondió. Años después, el zacatecano fue reconocido como uno de los artistas más importantes de México y el mundo. Inés Amor fue la primera en confiar en el talento de Coronel; en sus memorias, publicadas en 1979, lo describió como un joven impetuoso que aseguraba ser el mejor en lo que hacía y sin reparo aseguraba ser capaz de crear al menos 15 cuadros en el mismo número de días. “Pinta como desaforado, desde las once de la mañana, casi sin darse tiempo para comer y quedándose en vela muchas noches, hasta las cuatro de la madrugada. Dibuja mucho a la vez, la mayoría hermosísimo”, escribió Inés Amor. Fuente consultada: “Rafael Coronel, un pintor mexicano del Siglo XIX”. México. Noticias en Tiempo Real Zacatecas, 27 de septiembre del 2010.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,410-$8,110

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FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) El profeta

Firmado y fechado 74 Óleo sobre tela 100 x 75 cm Francisco Corzas estudió en La Esmeralda, donde fue alumno de Carlos Orozco Romero y años más tarde entabló amistad con Rafael Coronel y Gilberto Aceves Navarro. A finales de la década de los 50 viajó a Roma en compañía de Humberto Kubli y asistió a clases de pintura al fresco con el maestro Ciotti en la Academia de San Giacomo. En su estancia participó en la exposición colectiva en Palazzo Venezia y obtuvo una medalla de plata. A mediados de los años 60 y principio de los 70 participó diversas exposiciones colectivas y montó exhibiciones individuales en Estados Unidos, India, México, Israel, Francia, Austria, Brasil, Canadá y Bélgica.

Entre 1972 y 1973 exhibió individualmente en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, muestra que se tituló “Retrospectiva (1962-1972)”. En esa misma época viajó a Europa y realizó dos óleos para el Vaticano: “Profeta” y “Plegaria”; en Roma creó la serie de diez litografías “Los profetas” en el taller de gráfica Caprini, y en Milán elaboró la serie “Umbrío por la pena” en el taller litográfico de Giorgio Upiglio; en esta última ciudad expuso en la Galería Trentadue. En México, la Secretaría de Educación Pública editó el libro “Francisco Corzas” de Berta Taracena. Actualmente obras suyas se encuentra en colecciones públicas y en los acervos de importantes instituciones y destacados museos de México y aún más en el extranjero a causa de su ardua trayectoria itinerante.

Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 60-70 y 187.

$600,000.00-$850,000.00 M.N. USD $32,440-$45,950

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200

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) Paola observing V

Firmado al frente. Firmado y fechado marzo 2012 al reverso Óleo sobre tela 136.5 x 110 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista. De formación autodidacta, su práctica artística comenzó cuando participó en diversos proyectos de restauración en el templo de Trujillo, Perú. Toma como tema principal la figura femenina, combinando recursos clásicos y elementos contemporáneos. Ha participado en diversas exposiciones tanto colectivas como individuales en galerías e instituciones de Perú, México, Colombia, Panamá y Estados Unidos. Actualmente su obra forma parte de colecciones como las de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la del Museo El Castillo en Medellín, Colombia. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.iambenito.com

$210,000.00-$260,000.00 M.N. USD $11,350-$14,060 234

201

SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz

Firmada Escultura en mármol blanco 32 x 18 x 16.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista. Existen diversas adaptaciones de esta pieza, una de ellas en bronce y una versión pictórica, la cual se encuentra publicada en: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com “Reconocidos profesionales de la crítica pictórica, al explorar por los intricados caminos recorridos por este artista notable, nos muestran que en pleno siglo XXI Carbonell ha hecho suyos a los clásicos; ha recuperado y transformado paletas que se creía habían pasado al olvido, enriqueciendo con su oficio los lenguajes pictóricos puestos al servicio de su indeclinable posición contemporánea. Así, merecedor absoluto de este esfuerzo intelectual, los estudiosos de la obra de Santiago analizan su técnica, interpretan su pensamiento revisando minuciosamente los caminos de la luz que transita los complejos planos de sus composiciones plásticas, lo emparentan con Caravaggio, Velázquez, entre otros. El afán por descubrir sus influencias, para concluir que su obra es rotundamente innovadora”. Eduardo Morales. Fuente consultada: MORALES, Eduardo. “En los lienzos de Carbonell”. México. 2007, en el sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,520-$16,220 235

202

SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz

Firmada Escultura en bronce 60 x 35 x 35 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista. Existen diversas adaptaciones de esta pieza, una de ellas en mármol y una versión pictórica, la cual se encuentra publicada en: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com “Mi obra ha seguido un camino derecho. Soy muy insistente, pues es muy difícil cambiar cuando estás convencido de algo. Busco rescatar aquello que quiere olvidarse, como respuesta a la barbarie actual. Yo estoy convencido de que lo que hago es importante, sobre todo importante para mí. Si llega a ser importante para otras personas, bueno, ¡maravilloso! ...Me imagino que así ha de ser, pues en los lugares que expongo, por lo general hay un récord de asistencia. Me considero un pintor afortunado de que el público aprecie mi trabajo”. Santiago Carbonell. Fuente consultada: Sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,520-$16,220 236

203

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) Tributo a Fragonard

Firmada al frente. Firmada y fechada agosto 18-2014 al reverso Mixta sobre tela 112 x 101 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.iambenito.com “Un viaje que evoca cierta letanía con el pasado, colores densos que compactan la claridad del aire y la luz. Emoción de un instante detenido en el tiempo subjetivo del artista, que en el principio de su ensoñación plástica no deja escapar la imagen que atrapa. Su tema varía según su emoción: bodegones, desnudos, paisajes, muestran la versatilidad de un alma inquieta queriendo atrapar la fugacidad del tiempo, que detenido en la retina de su ojo toma la magia del instante para atraparla en el lienzo que es la continuidad de su propia emoción lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca. La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista”. Charles Nevott. $180,000.00-$240,000.00 M.N. USD $9,730-$12,980 237

SECCIÓN DE OBRAS CON PRECIOS DE RECUPERACIÓN

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GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado París 07 al reverso Óleo sobre tela 301 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. Por error el certificado fecha la obra en 2006. Presenta detalles de conservación. Gustavo Aceves es un pintor y escultor mexicano reconocido internacionalmente por sus pinturas relacionadas con la figura trazada bajo una tradición pictórica occidental, además de utilizar

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colores fuertes provenientes de su aprendizaje del muralismo mexicano, por el cual también realiza obra a gran escala. El trabajo de Aceves se ha exhibido en todo el mundo desde finales de los años setenta, incluidos el Museo del Palacio Bellas Artes en la Ciudad de México, la Bienal de Venecia y la Bienal de Beijing. Su obra se puede encontrar en las colecciones permanentes del Museo Memoria y Tolerancia, Ciudad de México y del Museo del Vaticano, Roma. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.gustavo-aceves.com

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $280,000.00-$500,000.00 M.N. USD $15,140-$27,030

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GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado París 07 al reverso Óleo sobre tela 301 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. Por error el certificado fecha la obra en 2006. Presenta detalles de conservación. “Aceves es un artista autodidacta que rápidamente se forjó una reputación como un pintor influyente que trabaja en América Latina.

Sus pinturas y obras en papel se centran en la figura humana […] Ha creado su propio lenguaje visual, con referencias culturales y simbolismo, notablemente el barco de Charon del Inframundo de Hades y el caballo de Troya de la mitología griega, para transmitir el movimiento de personas que comenzó con los primeros grupos humanos desde sus orígenes en Oriente. África a sus ubicaciones actuales en todo el mundo”.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.gustavo-aceves.com

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $280,000.00-$500,000.00 M.N. USD $15,140-$27,030 239

206

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) Mujer con manto rosado

Firmada y fechada 42 Encáustica y óleo sobre cartón 51 x 35 cm Procedencia: perteneció a la colección de la familia Collier, Estados Unidos; colección privada México; Christie’s, Nueva York, 31 de mayo del 2007, lote 238; Christie’s, Nueva York, 22-23 de noviembre del 2016, lote 148; colección privada México. Guillermo Meza fue alumno de Santos Balmori a principios de la década de los 30, maestro con quien trabajó como asistente en algunos murales en Morelia. Durante su estancia en Michoacán asistía a una residencia de niños refugiados españoles, ahí conoció a Josefa Sández, mejor conocida como “Pepita”, quien posteriormente sería su pareja. Entre los temas principales de su trabajo se encontraba la denuncia social, la cual representaba mediante figuras humanas distorsionadas conjugadas en fondos fantásticos llenos de ritmo, armonía y composición cromática, como una muestra simbólica del reclamo a la ruptura sufrida en el pueblo. Guillermo Meza fue un arraigado nacionalista cuya obra ha pasado a la historia del arte mexicano por su mensaje humano y reflexivo de forma sublime. “La obra pictórica del artista destaca por sus habilidades estéticas que revelan trazos firmes en el dibujo, solidez en el manejo del color y una visión formal diferente, la cual más que subconsciente o inconsciente es surrealista. Trata la vida indígena revestida de elementos simbólicos con recuerdos de la infancia en un ambiente romántico, evocativo y muchas veces trágico”. Rebeca Monroy Nars. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 418 y en “Obra de Guillermo Meza pasó a la historia por su contenido universal”. México. Notimex, 10 de octubre del 2007.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $55,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,520-$4,330 240

207

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Te estoy mirando

Firmado y fechado ELC 70 Óleo sobre masonite 49 x 59 cm Con certificado de autenticidad de la artista adherido al reverso. Sofía Bassi ingresó a la cárcel de Acapulco en 1968, por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años. Durante esta difícil etapa continuó ejerciendo la pintura, firmando su obra con las iniciales “ELC” haciendo referencia a “En La Cárcel”. A pesar de las circunstancias que afectaron su vida privada, siempre mantuvo firme su amor por la pintura, además sus excelentes relaciones de trabajo y estrechas amistades con el medio del arte, hicieron que Sofía lograra tener incentivos para mantener su producción artística activa en este periodo. Por la influencia dentro y fuera del penal, la obra de Sofía se cargó con un fuerte estilo surrealista, el cual se caracterizó por la visión poética que tenía hacia la vida, mediante figuras simbólicas que conmueven y emocionan. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 142.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $42,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,270-$3,250

241

208 RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmado al frente. Firmado y fechado TO-1966, 23 de marzo al reverso Óleo sobre tela 60 x 73 cm Con constancia de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, mayo del 2019. Presenta mínimas craqueladuras. La década de los sesenta significó para muchos artistas, entre ellos Rodolfo Nieto, una ruptura en la que se propusieron derribar las certezas y lugares comunes de la cultura occidental. Su obra puede definirse como un gran camino plástico y emocional que comenzó desde su niñez cuando empezó a idear su reino animal. Es de reconocerse la gracia y valentía con la que plasmó el enorme bestiario. Animales: algunos reconocibles y domésticos (como los gatos) otros salvajes y en cautiverio (como los de los zoológicos de Basilea o Chapultepec), otros asombrosos (como los que dibujó para la versión francesa del bestiario de Jorge Luis Borges) y, finalmente, las bestias revueltas, amorosas e irreconocibles que se funden y fugan en la “materia plástica gris” de su serie de zoología mental. Fuente consultada: VALLE, Antonio, “La pintura de Rodolfo Nieto: liberar las bestias”. México. La Jornada, Semanal. 5 de octubre del 2019.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,630-$27,030

242

209

GUILLERMO OLGUÍN

(Ciudad de México, 1969 - ) Sin título

Firmado al frente. Firmado y fechado 96 al reverso Óleo y fragmento de textil sobre lino 165 x 125 cm Con documento de autenticidad de la galería Noel Cayetano Arte Contemporáneo, enero del 2019. Presenta detalles de conservación. De padre oaxaqueño y madre estadounidense, Guillermo Olguín expresa en sus pinturas las vivencias derivadas de su formación entre Europa y Estados Unidos, así como las tradiciones de las comunidades de ascendencia negra de Oaxaca y Guerrero. Ingresó en Cornish School of Arts en Seattle, Washington, Estados Unidos, poco después, realizó un posgrado en la Academia de Arte de Budapest, Hungría. Famoso por la fuerza expresiva que utiliza en sus obras, Guillermo Olguín establece un vínculo entre los ritos paganos, la mitología y la poesía propia. Ha participado de manera individual y colectiva en más de treinta exposiciones en México, Estados Unidos, Paraguay, Cuba, Brasil, Argentina, Italia, Reino Unido, Alemania, España, Portugal, Francia, Finlandia y Japón.

Fuentes consultadas: CALDERÓN, ARGOMEDO, Esteban Alberto. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Banco Nacional de México, 2002, pp.488-490 y en el blog del artista: www.guillermolguin.blogspot.com

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $110,000.00-$200,000.00 M.N. USD $5,950-$10,810

243

210

CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto para Ballet Bonampak

Firmado Gouache y lápiz de grafito sobre papel 43 x 28 cm Con leyenda: “Ballet Bonampak. Declamadoras, 2 personajes. Las dos con trajes son iguales, llevan ‘cocol’ a la axila para que al subir el brazo no se levante el vestido. Maquillaje rosa”. La primera presentación del Ballet Bonampak se realizó en Tuxtla en noviembre de 1951 y al año siguiente en el Museo Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. La escenografía fue diseñada por Carlos Mérida, Leopoldo Macías Báez y Ángeles G. Macías, la música fue compuesta por Luis Sandi, la coreografía ejecutada por Ana Mérida y el vestuario bajo la dirección de Margarita Alvarado Lang. “Contraté a 35 y me los llevé a Chiapas, donde logré juntar 140 elementos, contando entre ellos a las señoritas de sociedad. Se trataba de reproducir, de ponerle movimiento a los frescos de Bonampak; utilizaba pasos autóctonos y luego movimiento que yo inventaba”. Ana Mérida. Fuentes consultadas: MONTERO, Martha Patricia. “Ana Mérida y los murales de Bonampak”. México. Agosto del 2014 y sitio oficial del archivo de Thomás Montero Torres www.archivotomasmontero.org

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,790-$4,870

244

211

SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título, 2011

Sin firma Mosaico de cerámica montado en bastidor de hierro 76.5 x 51 x 5.5 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. En la práctica escultórica, Sergio Hernández recurre a la cerámica y al bronce, para transformar el material, en ocasiones en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos, en objetos o vestigios arqueológicos, donde el tiempo ha dejado grabado del mismo modo que a los fósiles, a insectos y la vegetación. Sus esculturas son un ecosistema de entes que han salido de sus cuadros, fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves y humanas de largas y retorcidas extremidades. “Sergio se enfrenta, con la emoción de unificar retazos de estímulos visuales, literarios y acústicos que van desde la prehistoria hasta la actualidad […] Lo mueve el ímpetu de abarcar mucho, de ir más allá, trascendiendo el imaginario de su región natal que, a querer o no, en todas formas emerge. Porque en él pueden convivir, transformados, rasgos de Edvard Munch, de Miró, de Dubuffet, del románico catalán y de la cerámica pintada maya”. Teresa del Conde. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward et ál. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29, 31-33.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $230,000.00-$400,000.00 M.N. USD $12,440-$21,630 245

212

ALDO CHAPARRO (Lima, Perú, 1965 - ) Mx blue, 2017

Sin firma Escultura de acero inoxidable con pintura electrostática 60.5 x 57 x 10 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta detalles de conservación Aldo Chaparro llegó a Monterrey en 1991, acompañado de su amigo Moico Yaker, quien estaba invitado a participar en la exposición inaugural del Museo de Arte Contemporáneo. En esa época, esta ciudad comenzó a impulsar su mercado de arte con ayuda de un grupo de coleccionistas y Aldo empezó a conocer bien aquel nuevo mercado. Las obras de su primera etapa fueron bien aceptadas en los círculos artísticos de Monterrey, logrando exponer en museos y galerías. Tiempo después formó un estudio llamado “La Mesa”. En este lugar se detonaron varios proyectos de soluciones de diseño y arquitectura. Aldo estructuró su obra como algo bastante personal, manteniendo un fuerte pensamiento de que toda obra suya debe tener un proceso, una idea, un material y una resolución. Actualmente, la obra de Aldo Chaparro forma parte de importantes colecciones a nivel internacional como: Fundación/Colección Jumex, Colección Coppel, Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami, The Helga de Alvear Foundation en España, Simon de Pury en Londres, Douglas Baxter’s Collection en Nueva York, Collection Guler Sabanci en Estambul, Turquía, Pierre Huber Collection en Suiza, Pérez Art Museum en Miami y Museo de Arte Contemporáneo de Lima, entre otras. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.aldochaparro.com

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $75,000.00-$90,000.00 M.N. USD $4,090-$4,870 246

213

ALDO CHAPARRO (Lima, Perú, 1965 - ) Mx pink, 2017

Sin firma Escultura de acero inoxidable con pintura electrostática 58 x 56 x 12 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta detalles de conservación. Las esculturas de Aldo Chaparro hechas con acero doblado son el resultado de una cercana relación con el material. Este elemento ha estado presente en la humanidad desde la antigüedad, sin embargo, las hojas de acero utilizadas por Chaparro son características de la era industrial. Su delgadez, pulcritud y calidad reflejante solo se pueden lograr con el uso de maquinaria, debido a eso, la naturaleza violenta de las esculturas crea un contraste con el estado original de estas hojas, ya que Chaparro las patea, dobla y salta sobre ellas usando nada más que su cuerpo y su propio peso. Los objetos resultantes de su confrontación con el material son evidencia, perpetúan el proceso que transformó el material en un objeto artístico. De esta manera, sus hojas de acero arrugadas pueden interpretarse como autorretratos, ya que capturan la energía liberada por Chaparro en una fecha y hora específicas. A medida que la precisión del reflejo en las láminas de acero se distorsiona, las esculturas nos permiten experimentar la realidad de forma paralela. Activan nuestro sentido de exploración para que la vista se transforme en conocimiento utilizando la superficie de las esculturas como teatro. Los ojos triunfan sobre el sentido del tacto. Las esculturas crean reflejos de varias maneras muy diferentes. Mediante su poder de reflexión, transforman el cuerpo en una versión alternativa e intocable de nosotros mismos. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.aldochaparro.com

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $75,000.00-$90,000.00 M.N. USD $4,090-$4,870 247

215

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Sin título, ca. 1970

Sin firma Tinta sobre papel 9 x 6.4 cm a 4.1 x 4.3 cm medidas variables por cada dibujo 40 x 111 x 5 cm medidas totales con marco Piezas: 6, enmarcadas juntas. Cada una con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, julio del 2016. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,110-$11,900

248

214

MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Sin título, ca. 1970

Sin firma Tinta sobre papel 8.2 x 8.2 cm a 5.2 x 4.5 cm medidas variables por cada dibujo 40 x 111 x 5 cm medidas totales con marco Piezas: 6, enmarcadas juntas. Cada una con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, julio del 2016. “El arte en general, y naturalmente también la arquitectura, es un reflejo del estado espiritual del hombre en su tiempo”. Mathias Goeritz. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra. $150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,110-$11,900

249

Lote 1

ÍNDICE GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO

104, 105, 119, 120

ACEVES, GUSTAVO

204, 205

GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE

RABEL, FANNY

ALCALDE GARCÍA, ALFREDO

50, 52

GUAYASAMÍN, OSWALDO

125

RAMOS MARTÍNEZ, ALFREDO

154

ALFARO SIQUEIROS, DAVID

57, 65

GUERRERO GALVÁN, JESÚS

RAYO, OMAR

ALVA DE LA CANAL, RAMÓN

172

GUZMÁN, ENRIQUE

REBOLLEDO, SANTIAGO

191

ANGUIANO, RAÚL

ARÉVALO, JAVIER

9,10, 44

RENTERÍA, HORACIO REYES, CHUCHO

18, 149, 150, 160

RICARDO RÍOS, ÁNGEL RICARDO

167

RÍOS, CARLOS

107

RIVERA, DIEGO

63, 139, 140

ROCHE-RABELL, ARNALDO

177

RODRÍGUEZ LUNA, ANTONIO

159, 161

B BARDASANO, JOSÉ

24, 26

BASSI, SOFÍA

207

BÉJAR, FELICIANO

81, 83

BELKIN, ARNOLD

61, 62

BELOFF, ANGELINA

121

BRAVO, CLAUDIO

HERNÁNDEZ, SERGIO HUME, ERNESTO

6, 144, 145, 146, 211 72

I ITURRIA, IGNACIO

173, 174, 175

K KELLY, PHIL

94, 95

ROJAS, ROLANDO

143

KEPENYES, PAL

171

ROJO, VICENTE

70, 71

RUELAS, JULIO

RUIZ, GUILLERMO

L LAGOS, MILER

165

LAVILLE, JOY

LEYVA, RUBÉN

SAGÁSTEGUI, OSWALDO

127

LEZAMA, DANIEL

182

SÁNCHEZ, ALBERTO JOSÉ

LIZÁRRAGA, GERARDO

SEBASTIAN

84, 86, 92

200, 203

LÓPEZ OSORNIO, CÉSAR

SEIERSEN FROST, PALLE

CHA’CA, VÍCTOR

LUGO, HUGO

132

SJÖLANDER, WALDERMAR

187

CHAPARRO, ALDO

212, 213

LUNA, CARLOS

193

SORIANO, JUAN

48, 49

CHÁVEZ MORADO, JOSÉ

30, 141

SOUTO, ARTURO

CHEMOR, ANTONIO

SPANÓ, LUCIANO

179

CHICO, JULIO

11, 12

STORM, JUAN

158

COGHLAN, EDGARDO

106

CORONEL, RAFAEL

15, 16, 17, 198

CORONEL, PEDRO

79, 189

CORTÁZAR, ROBERTO

54, 183, 184

CORZAS, FRANCISCO

199

CUETO, GERMÁN

CARBONELL, SANTIAGO

157, 201, 202

CARRINGTON, LEONORA

CASTAÑEDA, FELIPE

CASTRO LEÑERO, JOSÉ

99, 100

CASTRO PACHECO, FERNANDO CERNA, BENITO

M MACOTELA, GABRIEL

169, 170

MALAMUD, TOSIA

MARTÍN, RENÉ

102, 126

MARTÍNEZ, RAYMUNDO

115, 116

TAMAYO, RUFINO

1, 2, 3, 4

MARTÍNEZ, RICARDO

36, 37

TOLEDO, FRANCISCO

MARTÍNEZ BARNETCHE, JULIO

MAZAL, RICARDO

162

MÉRIDA, CARLOS

136, 137, 138, 210

MEZA, GUILLERMO

206

VELASCO, JOSÉ MARÍA

117, 118

VALDÉS DE HOYOS, REMIGIO

166

VELÁZQUEZ, REYNALDO

176

VON GUNTEN, ROGER

DAMIANI, JORGE

178

MILLER, CAROL

148, 185

DE STÉFANO, ALFREDO

128

MINGORANCE, JUAN EUGENIO

122

DE SZYSZLO, FERNANDO

73, 75

MONTENEGRO, ROBERTO

DOMÍNGUEZ, BENJAMÍN

155, 156

MONTOYA, GUSTAVO

YAZBEK, CHARLOTTE

DR. ATL

110, 111, 112

MORALES, RODOLFO

142

MORENO CAPDEVILA, FRANCISCO

E ECHEVERRÍA, ENRIQUE

181

ECHEVARRÍA, OFILL

97, 98, 195

EPPENS, FRANCISCO ESTRADA, ARTURO

Z ZAMORA, BEATRIZ

163

ZÁRRAGA, ÁNGEL

47, 197

NIETO, RODOLFO

208

ZESATTI, ARMANDO

101,103

59, 60

NISHIZAWA, LUIS

45, 108, 109, 114

ZÚÑIGA, FRANCISCO

31, 32, 38, 39

153

O’GORMAN, JUAN

FABELO, ROBERTO

O’HIGGINS, PABLO

FALCÓN, HÉCTOR

133

OBREGÓN, JORGE

113

FARRERA, JOSÉ ANTONIO

152

OLGUÍN, GUILLERMO

209

FELGUÉREZ, MANUEL

74, 76

OROZCO, JOSÉ CLEMENTE

58, 64

FRIEDEBERG, PEDRO

131, 134, 168

OROZCO ROMERO, CARLOS

ORTIZ, TIBURCIO

GÁLVEZ, BYRON

124, 188

GARCÍA NAREZO, JOSÉ

194

PAILÓS, MANUEL

190, 192

GARCÍA OCEJO, JOSÉ

180

PARRA, CARMEN

42, 151

GARCÍA PONCE, FERNANDO

77, 78

PAYARES, SERGIO

164

GARRIDO, MIGUEL ÁNGEL

186

PELLICER, CARLOS

GIRONELLA, ALBERTO

196

PEÑA, ALFONSO X.

23, 25

GIRONELLA PARRA, EMILIANO

130, 147

PÉREZ, ERIC

129

GOERITZ, MATHIAS

135, 214, 215

PIMENTEL, RODRIGO

123

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TÉRMINOS DE REFERENCIA PARA EL CATÁLOGO PINTURA, GRABADO, DIBUJO, ACUARELA Y MINIATURA. *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista. Atribuido a: En nuestra opinión, podría tratarse de una obra del artista. Escuela de: Obra ejecutada en el taller del artista, posiblemente bajo su supervisión. Círculo de: Obra del periodo del artista, con influencia del mismo. Después de: Obra realizada en el estilo del artista pero en una fecha más reciente. Copia de: Copia (sin importar la fecha) de una obra del artista. Firmado (a): La obra está firmada por el artista. La adición de un signo de interrogación o comillas indica un elemento de duda.

PORCELANA, VIDRIO, CERÁMICA Y ALFARERÍA *Una pieza con el nombre de la fábrica de un lugar o región sin más información, en nuestra opinión proviene de ese lugar. Estilo: Una copia o imitación de piezas producidas en la fábrica, lugar o región mencionados. Matrimonio: Las dos piezas que no pertenecen al mismo juego. Fabricado del modelo: Objeto hecho en el molde maestro por el modelador y bajo su supervisión. Pintado por: La pieza puede ser atribuida al artista por razones de su estilo o forma. Con sellos o firma de: La pieza podría atribuirse al artista, la fábrica o el taller mencionados.

ESCULTURA Y ARTES DECORATIVAS *Una obra que aparece sólo con el nombre (s) o una designación reconocida de un artista, sin más información, es en nuestra opinión una obra de ese artista. Fundido de un modelo de: Obra realizada a partir de un modelo del artista, proveniente de su círculo y fundido durante su vida o poco tiempo después. Atribuido a: Obra probablemente realizada por el artista o su taller. Estilo: Obra del periodo del artista o de su taller y cercano a su estilo. Firmados o sellados: A nuestro parecer, podría tratarse de una pieza del artista o de su taller.

Las descripciones contenidas en este catálogo son realizadas conforme a lo dispuesto en el primer párrafo del Artículo 77 del la Ley Federal del Derecho de Autor. Este catálogo se realiza en ejecución del contrato de consignación correspondiente, para servir de guía en la subasta a efectuarse.

GUÍA PARA COMPRADORES Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. GENERALES 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. LOTES

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir

III. OFERTAS EN PRESENCIA, REGISTRO

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de Crédito Bancario o American Express, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. EXPORTACIÓN El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx

OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

FICHA DE REGISTRO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton. 2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

OFERTA POR TELÉFONO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N. Subastas en Sadi Carnot y Cerro de Mayka: $5,000.00 M.N. Con esta garantía podrá participar en ambas subastas. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

.00 M.N.

RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

México, D.F. a

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150

ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

TELEPHONE BIDS

YES

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Sadi Carnot and Cerro de Mayka Gallery: $5,000.00 MXP. This gives you access to both auctions. The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

.00 MXP

RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150