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Lote 126


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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet DIRECTORIO

Presidente

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Luis C. López Morton

eorozco@mortonsubastas.com

Directora General Vivian Gorinstein

vgorinstein@mortonsubastas.com

Director de Consignación Eduardo López Morton

emorton@mortonsubastas.com

Gerente de Administración y Finanzas Rosalía Madrigal

rmadrigal@mortonsubastas.com

Director General de Adelantos Andrés López Morton

amorton@mortonsubastas.com

Gerente de Autos y Camiones Aída Alanís Lara

aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades Fernanda Becerril

Arte Moderno y Contemporáneo Sofía Duarte

Joyería y Relojes

Alejandra Rojas

Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz

Vinos de Colección y Uso Diario Abril Rodríguez

Interiores. Cerro de Mayka Eduardo Renaud

Oportunidades. Sadi Carnot Alberto Flores

Autos Clásicos

Antonio López Morton

Herencias y Colecciones Javier López Morton

Monterrey

Representante | Samuel Campillo Coordinación General | Yólika Sáenz Coordinación de Administración | Daniela Palafox

Guadalajara

Stephanie Torres

París

Carlos Millán DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento Sofía Duarte

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $17.80 (diecisiete ochenta pesos M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Diario Oficial de la Federación. De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Morton Subastas, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Gerardo González: ggonzalez@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3395. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días). Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Coordinadora de Contenidos

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Especialistas

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Odette Paz | opaz@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 3394

Odette Paz

Constanza Infante Diana Álvarez

Catalogadoras

María Fernanda Serrano Marcela Mena

Atención a Clientes Ana Segoviano

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com 6

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Subasta de Arte Latinoamericano Salón Candiles del Club Naval Norte

Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

j u e v e s 15 d e n o v i e m b r e d e l 2018, 7:00 p . m . Nos complace invitarle al cocktail, el martes 13 de noviembre a partir de las 7:00 p.m. EXPOSICIÓN Sábado 10 y domingo 11 de noviembre de 11:00 a.m. a 2:30 p.m. Lunes 12 a miércoles 14 de noviembre de 10:00 a.m. a 6:30 p.m. Salón Candiles del Club Naval Norte

INFORMES Ana Segoviano Tel. (55) 5283 3140 ext. 3146 asegoviano@mortonsubastas.com

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE Citas: Sofa Duarte Tel. (55) 5283 3140 ext. 3156 • sduarte@mortonsubastas.com

PORTADILLA: Lote 76 PORTADA: Lote 70 CONTRAPORTADA: Lote 56

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas monumentos históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

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¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.


¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton Subastas podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton Subastas hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton Subastas haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton Subastas para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala. 6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton Subastas por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00


INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

Compras por debajo de $50,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Martes 20 de noviembre 9:30 a.m. a 6:30 p.m. Miércoles 21 de noviembre 9:30 a.m. a 5:00 p.m. Jueves 22 de noviembre 9:30 a.m. a 5:00 p.m. Viernes 23 de noviembre 9:30 a.m. a 6:30 p.m. Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.


LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

A:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.


GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS

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Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.


Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas. Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas de obra gráfica: Grabado: Conjunto de técnicas de arte gráfico cuya característica común es la creación de imágenes a partir de los cortes o tallas que un grabador efectúa sobre una matriz de madera o metal. Este corte o incisión puede ser realizado utilizando instrumentos cortantes, punzantes o soluciones químicas mordientes. La clasificación más simple de las técnicas de grabado es la que introduce dos categorías, dependiendo del sistema de impresión correspondiente a cada una de ellas: estampación en hueco o en relieve. Hay dos tipos en relieve: Grabado calcográfico: Su matriz de incisión es una lámina de metal. Grabado a fibra: Xilografía, linografía, etc.


Estampa: Es un soporte (generalmente papel) al que se ha transferido la imagen contenida en una matriz trabajada previamente mediante alguno de los procedimientos de arte gráfico. La imagen del soporte original pasa a la estampa tras entintar aquél, poner en contacto ambos y someterlos a presión. La estampa es el producto final del arte gráfico y la multiplicidad su característica más genuina. Recibe este nombre porque el proceso de impresión se denomina estampación. Es importante aclarar que grabado no es sinónimo de estampa; el grabado es una operación técnica y estampa es un producto artístico, el resultado del proceso de estampación de una matriz trabajada previamente, que puede estar grabada o puede no estarlo, sino estampada o impresa. Acrilografía: Creada por Byron Gálvez, en ella se utilizan placas de acrílico que poseen texturas creadas a base de resinas y cargas de polvo de mármol o carbón. Aguafuerte: Utiliza una plancha de metal recubierta de barniz sobre la cual el artista traza el dibujo con un punzón y dejando así el metal al descubierto al sumergir la plancha en una solución de ácido nítrico, este graba únicamente las zonas que quedaron sin barniz. Aguatinta: Técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea resina de pino pulverizada que actúa de aislante, así, al sumergirla en ácido, éste sólo ataca los intersticios entre los puntos de resina. Al azúcar: Técnica alternativa al aguatinta, en la que se espolvorea azúcar en lugar de resina. Fotograbado: Técnica que utiliza una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y transferirla a la placa de impresión. Gofrado: Proceso que consiste en producir un relieve sin tinta en el papel por el efecto de la presión a un mordido muy profundo. Giclée: Impresión por inyección de tinta de gran calidad sobre papeles de algodón, lienzo y papeles de acabado fotográfico. Impresión digital: Se realiza con un dispositivo periférico a un ordenador, permite producir gráficos almacenados en formato electrónico, imprimiéndolos en medios físicos utilizando cartuchos de tinta o tecnología láser. Impresión offset: Método de reproducción de documentos e imágenes, consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica. Linograbado: Recibe su nombre porque el material utilizado como matriz es el linóleo: formado a partir de una pasta de aceite de linaza, resinas de pino, corcho en polvo e ingredientes colorantes prensada y laminada sobre tela de yute. Es flexible, impermeable, ligero y fácil de cortar con gubias. Litografía: La matriz es una plancha de piedra sobre la cual se dibuja la imagen con una materia grasa. La piedra se humedece y las superficies no dibujadas absorben el agua mientras que las dibujadas la rechazan. En seguida se aplica tinta grasa que es repelida por la humedad y se deposita únicamente en la zona dibujada. Mixografía: Procedimiento a partir de un cliché de cobre fundido en relieve negativo que permite la producción de estampas texturadas con detalles muy refinados en la superficie. El cliché es entintado utilizando los colores elegidos para esa impresión y en él se extiende pasta de papel mojado para después introducir los dos elementos en una prensa. A causa de la presión, la tinta queda absorbida por el papel, lo que le confiere cualidades pictóricas. Piezografía: Impresión digital de inyección de tinta que tiene la virtud de proporcionar una extraordinaria calidad, similar incluso a la fotográfica. Permite la impresión sobre sustratos que la fotografía convencional no puede, tales como papeles de algodón 100% libres de ácido. Emplea tintas pigmentadas a base de carbón con diversidad de tonos, desde fríos hasta sepias. Pochoir / esténcil / estarcido: Técnica en la que se corta una plantilla que permite reproducir en serie una imagen. Esta se sitúa sobre un soporte y se aplica pintura de modo que la forma trasferida quede limitada por la plantilla. Punta seca: Técnica que se basa en la utilización de una punta de acero afilada con la que el grabador dibuja directamente sobre la superficie del metal. Ruleta: Ruedecilla giratoria dentada que se utiliza para crear texturas de forma directa o sobre barniz a la cera. Serigrafía: Se interviene sobre una malla de seda, tejido sintético o metal, tensada en un marco. Se obturan ciertas zonas de su trama, ya sea aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película recortada en las áreas donde no habrá imagen, quedando libre la zona por donde pasará la tinta. También existen sistemas de obturación fotomecánicos. Para estampar se esparce tinta que se filtrará sólo por las partes no obturadas. Xilografía: La plancha es de madera, en ella se talla un relieve con la imagen deseada con una gubia o buril. Las obras gráficas se numeran de acuerdo al tiraje que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas:


Las obras gráficas se numeran de acuerdo al tiraje que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas: E.E.

Edición Especial. Tienen alguna particularidad especial o superior.

H.C. Hors Commerce (fuera de comercio). Estampa definitiva de una tirada, no incluida en la edición venal numerada. P.A.

Prueba de artista. Estampas definitivas reservadas para la colección personal del artista.

P.C.

Prueba de color. El artista las lleva a cabo para comprobar el resultado de las tintas, tipo de papel y método de estampación más adecuado.

P.E.

Prueba de estado. En ellas el artista hace una revisión de la composición de la imagen, construcción de luces y sombras. Varían considerablemente de una a otra y por lo tanto cada una de ellas es única.

P.T.

Prueba de taller. Reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la estampa, generalmente conservan al menos una de cada edición.

BAT

Bon à tirer. Con la que el artista queda satisfecho y sirve de modelo de la tirada.

Fotografía: Las técnicas fotográficas permiten capturar imágenes mediante un dispositivo sensible a la luz. Analógica: La fotografía tradicional, para cuyo revelado es necesario un proceso fisicoquímico que involucra el uso de un material fotosensible activo (aplicado sobre placas de vidrio o sobre una película flexible de material traslúcido) y su revelado, para la obtención y el procesado de las imágenes. Digital: Se utilizan dispositivos dotados de una serie de fotodetectores electrónicos. Instantánea: Se obtiene con una cámara que utiliza una película que contiene los químicos necesarios para revelar y fijar la fotografía al momento, se les conoce como “Polaroid” por la compañía pionera en su desarrollo. Plata sobre gelatina: Imagen fotográfica desarrollada a partir de una emulsión de gelatina y plata, que se encuentra aplicada sobre un papel de composición definida que muestra la imagen a través de una sustancia reveladora. Puede ser a color (cromógena) o en blanco y negro. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.


Lote 38 Lote Lote44 8


Lote 30 Lote 18280


Me sentí satisfecha con el retrato, y retrocedí unos pasos para ver la composición en su conjunto. La cara del lienzo era la mía. No daba crédito a mis ojos. Sin embargo, al comparar el modelo con el retrato, comprobé que su fidelidad era innegable. Cuanto más miraba el cadáver, más sorprendente era el parecido con esos rasgos pálidos. Sobre el lienzo, en cambio, la cara era incuestionablemente mía. Leonora Carrington, ¡Vuela paloma!

El acto creador de un artista visual es un acto de descubrimiento, de sí mismo y de su entorno, de su contexto geográfico e histórico; sus procesos guardan semejanzas con el quehacer de los profesionales de otras disciplinas. En esta Subasta de Arte Latinoamericano hay piezas de artistas que tienen lo mismo de alquimistas y hechiceros, un ejemplo son las obras de Leonora Carrington, y de cubanos de tradición mística como José Bedia, Wifredo Lam y Manuel Mendive, quienes nos transportan a través de sus imágenes de magia y misterio a las realidades que habitaron. También hay artistas que tienen procesos más cercanos al método científico, por ejemplo, el resultado de investigaciones antropológicas que encontramos en las obras de José Chávez Morado, Antoine Tzapoff, Rodolfo Morales y Carlos Mérida. Investigaciones sobre la forma pura y el color, en creadores como Sebastian, Edgar Negret y Carlos Cruz-Diez, basadas en principios geométricos y cálculos matemáticos. La topografía es abordada por paisajistas in-situ como Jorge Obregón, Mario Almela y Luis Nishizawa, pintores que han registrado los colores de la atmósfera y la vegetación de primera mano (o más bien de primera vista) al seguir la tradición de los artistas viajeros en un mundo facilitado por la tecnología. Y sin duda, el lugar de la historia del arte misma como base y fundamento de propuestas en el arte moderno y contemporáneo, primordial en los procesos creativos de artistas como Santiago Carbonell y Francisco Corzas, de este, no sólo tenemos obras sobresalientes, una de ellas es de las últimas que pintó y está acompañada por su caballete, objeto importante en la creación de su notable universo. Es singular que también hay cierto paralelismo entre el acto creativo y el de concebir nuestras subastas, es un proceso arduo comparable al de un arqueólogo que busca un gran descubrimiento qué develar, y es en las subastas de Arte Latinoamericano donde el proceso es más intenso, pues requiere del atento trabajo y conocimiento de nuestras especialistas para reunir una selección precisa y especial para usted. Es además, una de las experiencias que en Morton Subastas disfrutamos de modo sin igual; cada inicio de temporada de consignación, sabemos que los hallazgos a encontrar y compartir con usted serán especiales, obras de relevante carga estética e histórica. La subasta de este segundo semestre no fue la excepción, hemos tenido la buena fortuna de ser sorprendidos por obras de gran importancia internacional y de una riqueza excepcional. N o s c o n g r a t u l a p re s e n t a r a u s t e d e s t a g r a n s e l e c c i ó n , e n g a l a n a d a e n p o r t a d a c o n u n impresionante óleo de gran formato del colombiano Fernando Botero, punto de inicio para este recorrido que lo llevará a México y a distintos rincones de América Latina: Argentina, Cuba, Venezuela, Chile, Puerto Rico, Colombia, Perú, Nicaragua y Guatemala, son algunos de los países cuya cosmogonía y cultura ponemos a su alcance en este catálogo. Esperamos que disfrute de esta Subasta de Arte Latinoamericano, tanto como nosotros disfrutamos prepararla para usted. Morton Subastas 19


1

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Tehuanos

Firmada y fechada 48 Tinta y acuarela sobre papel 33 x 46 cm Publicada en: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, agosto de 1996, año 2, No. 20, Pág. 5. Con etiqueta del Museo Nacional de Arte. Hijo del coronel Ignacio Montenegro y doña María Nervo, tía de Amado Nervo, y amigo de Diego Rivera, Montenegro es considerado uno de los más ilustres pintores mexicanos de principios del siglo XX. Se desarrolló en la pintura, en el diseño, el dibujo, vestuarios y escenografías teatrales así como cinematográficas. Fue director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes y difusor del arte y la cultura mexicana, lo que lo llevó a recibir el Premio Nacional de Artes, entre muchos otros. Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, Pág. 20-26.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,450-$5,620

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2

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Indígenas de Veracruz

Firmada tres veces y fechada 48 Tinta y acuarela sobre papel 33 x 49 cm Publicada en: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, agosto de 1996, año 2, No. 20, Pág. 11. Exhibida en: “El mundo de Frida Kahlo”, muestra presentada en Schirn Kunsthalle en Frankfurt, Alemania, de agosto a septiembre de 1993. Con etiqueta del Museo Nacional de Arte. $80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,450-$5,620

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3

EDGARDO COGHLAN

(Los Mochis, Sinaloa, 1928 - Estado de México, 1995) Sin título

Firmada y fechada Sn. Juan de los Lagos, Jal. 1962 Acuarela sobre papel 55.5 x 27.5 cm Realizó estudios en la Academia Nacional de Artes Plásticas, asistió al estudio del pintor costumbrista José Bardasano y abrió el suyo en la década de los sesenta. Su trabajo ha sido reconocido internacionalmente por continuar la tradición acuarelista clásica, el primero lo obtuvo del Círculo de Bellas Artes de México en 1954, fue premiado por su obra “El entierro” en 1968 en el marco de la Olimpiada Cultural en México y la Exposición Solar del Concurso Nacional en el Palacio de Bellas Artes, obtuvo ocho premios consecutivos en el Salón Anual de la Acuarela y fue uno de los fundadores de la Sociedad Mexicana de Acuarelistas. A finales de los sesenta viajó a Israel y Jordania patrocinado por un grupo de coleccionistas y a su regreso la obra producida en este periodo fue adquirida por la Sociedad Internacional de Arte AB, así como por el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Su obra es patrimonio del Museo de la Acuarela en Sinaloa. En 1993 se inauguró el Museo de la Acuarela, sala Edgardo Coghlan en Toluca, Estado de México. Fuente consultada: sitio oficial del Sistema de Información Cultural www.sic.gob.mx

$40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,250-$2,810

22


4

EDGARDO COGHLAN

(Los Mochis, Sinaloa, 1928 - Estado de México, 1995) Sin título

Firmada Acuarela sobre papel 27 x 37 cm

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,020-$2,810

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5

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Familia mexicana

Firmada Tinta sobre papel 37 x 41 cm Montenegro fue un artista con distintas etapas temáticas, en una de ellas mostró especial interés por el arte popular, del que fue uno de los promotores más importantes de su época al encargarse de recuperar los valores estéticos y simbólicos a través de su obra. “Objetos de arte popular seleccionados ocuparon unos de los salones del Palacio de Bellas Artes al ser inaugurado en 1934, de lo cual se encargó Montenegro. Fue como el primer intento de un museo, que pronto desapareció. Por fin, en 1940, se instalaron en el Palacio de Bellas Artes nuevas colecciones de arte popular que componían un interesante museo. Montenegro nos informa que contribuyó a él cediendo en esa ocasión veintiún pinturas y cien máscaras”. Justino Fernández. Fuente consultada: FERNÁNDEZ, Justino. Montenegro. México. UNAM, 1962, Pág. 18.

$85,000.00-$130,000.00 M.N. USD $4,780-$7,300

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6

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) La fogata

Firmado y fechado 75 Lápiz de grafito, acuarela y gouache sobre papel 42.6 x 55.6 cm Alfredo Zalce fue un destacado pintor, escultor, grabador y muralista mexicano, cuya principal preocupación artística fue transmitir en su visión personal las costumbres de México. Fue bajo este enfoque, que los temas que trabajó en su pintura a lo largo de su vida fueron principalmente paisajes, escenas costumbristas y bodegones con características de la vida de las etnias mexicanas, obras que realizó con vivas composiciones de colores y elementos de finas líneas. “El estilo de algunas obras de Zalce es caracterizado por la manera de como aplica la materia, al igual que la temática y la utilización de colores en su paleta de sobrios tostados en combinación con tonos cálidos en naranjas y rosados que contrastan y producen grandes sensaciones. El pintor hace uso de su experiencia plástica para ejecutar uno de sus trucos con el fin de llegar a una armonía perfecta”. Ana Delia Pueblita Díaz. Fuente consultada: PUEBLITA DÍAZ, Ana Delia et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 686.

$160,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,990-$14,050

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7

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) La manda

Firmado y fechado 1952 Óleo sobre masonite 116 x 78 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo del 2018. Habiendo estudiado en la Vancouver School of Art y en la Banff School of Fine Arts en Canadá, Arnold Belkin se trasladó a México a los 18 años, país donde estructuró formalmente su carrera artística. El interés que tuvo por el arte mexicano comenzó cuando descubrió la pintura de Diego Rivera a través de la revista “Time”, decidiendo entonces estudiar arte en La Esmeralda, lugar en el que compartió estudios con Agustín Lazo y Carlos Orozco Romero; paralelamente participó en el Taller de Ensayo de Materiales y Plásticos del profesor José L. Gutiérrez en el Instituto Politécnico Nacional y fungió como ayudante de David Alfaro Siqueiros en la realización de murales para la Aduana de Santo Domingo y para el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Precisamente, bajo estas grandes influencias 26

artísticas, fue que Arnold Belkin empezó a pintar sus propios murales y el medio comenzó a conocerlo como “el hijo canadiense del muralismo mexicano” por su gran talento. Su trabajo pasó por varios ejercicios plásticos a causa de los contextos sociales que lo rodeaban, pasando a formar parte del movimiento Nueva Presencia, integrado por José Luis Cuevas, Francisco Icaza y Rafael Coronel, entre otros. Además, un viaje a Europa generó que su pintura tuviera un nuevo carácter cromático, así como la consideración de establecer al hombre como el protagonista en cada una de sus obras. En 1977 regresó a México y fue invitado a realizar murales para la Universidad Autónoma Metropolitana, en los cuales dejó su influencia artística europea con un discurso dramático sobre la guerra, el exilio y la injusticia nacional. Actualmente, es considerado como uno de los artistas más vanguardistas del siglo XX en México y su obra mural se encuentra plasmada en importantes edificios públicos y su pintura de caballete en destacadas colecciones a nivel internacional.

Fuente consultada: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et ál. Homenaje a Arnold Belkin. México. UNAM, 1998, pp. 13 - 17.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,236-$16,860


8

JOSÉ GARCÍA NAREZO

(Madrid, España, 1922 - Ciudad de México, 1994) Cuatro indígenas en contemplación ante el mar y el crepúsculo

Firmado y fechado 1985 Óleo sobre masonite 50 x 64 cm Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Presenta ligeros detalles de conservación. Nació en España y vivió en México durante el exilio con sus padres, fue un artista que aportó con su obra al género del surrealismo asimilando características de la Escuela Mexicana de Pintura, especialmente por el acercamiento con Diego Rivera y el interés por las vanguardias artísticas. “José Narezo se inclinó por trabajar un arte europeo para enseñar en México lo que hacían los surrealistas de la primera época, pero le imprimió su propio estilo. Con sus característicos trazos fuertes, casi siempre trabajó planos muy incisivos y con un arte puntilloso, un poco agresivo”. Fuentes consultadas: LEÑERO, Isabel. “Exposición pictórica de José Narezo”. México. Proceso, Cultura y Espectáculos, diciembre del 2015 y sitio oficial del INBA: “Libro sobre José García Narejo será presentado en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo” México. INBA, Boletín N° 873, julio del 2017.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,250-$3,370 27


9

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Vendedora de fruta

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 13 x 9 cm Con certificado de autenticidad del Arquitecto Juan Hurtado y Santa Cruz, julio del 2014. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista. Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso. Después de su primera etapa de realización de murales, Diego Rivera continuó ensayando rasgos esquemáticos mediante una serie de dibujos realizados entre 1935 y 1940, en los cuales integró apuntes de danzantes, granjeros, mercados, indígenas y uno que otro paisaje. En estos bocetos, se aprecia su excelente esquema gráfico y magistrales trazos, fueron ejercicios que posteriormente plasmó en pinturas de caballete y murales. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 58-62.

$50,000.00-$90,000.00 M.N. USD $2,810-$5,060 28


10

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 60 x 48.5 cm Pintores de otros tiempos no confiaban sino en los colores realizados por ellos mismos y Carlos Orozco Romero, un artista que aprendió junto a los grandes maestros del Prado, El Escorial y Toledo, sabía que un pintor que no aportara al mundo un mensaje artístico verdadero, no sería conocido, empecinándose en un buscar el elemento más adecuado a su expresión para que sus obras pasaran a la historia como uno de los de mayor calidad matérica. Para sobresalir, se dedicó a estudiar, investigar y ejercer

ciertas prácticas pictóricas; en los museos de Toledo observó como el pigmento se impregna en los lienzos, en las pinturas de Goya observó el uso del empastado y mediante las de Velázquez se instruyó en el proceso de las veladuras. Con tales experiencias, logró una maestría en sus propios procesos, por ejemplo el empleo de la pincelada de forma lateral sustituyendo, en sentido contrario, la sucesión de veladuras, generando una suavización en el colorido, como si fuese una disolución para que la línea se viera medida y sutil. De igual forma, él mismo maceraba sus lienzos durante meses antes de pintar en ellos, dándole como resultado una base en la cual podía lograr, en un solo tono dominante, una gama de matices realmente asombrosos.

Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, pp. 22-24.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,360-$16,860 29


11

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Mujer de Teotilálpam, Oax.

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 80 x 60 cm Estudiante de la Escuela Nacional de Pintura, discípulo de Frida Kahlo y Diego Rivera, Feliciano Peña y Raúl Anguiano. Colaboró con José Clemente Orozco en la elaboración de “Alegoría nacional” en el Teatro de la Escuela Nacional de Maestros, con José Chávez Morado y Juan O’Gorman en el mosaico de la Secretaría de Comunicaciones y Transporte titulado “Sol del Aire”. “Estrada es dueño del color y las calidades, contrastador y armonista, luminoso, preciso, claro y limpio. Posee una sensibilidad y una ternura grandes, cada una de sus pinceladas es una expresión de amor. Compone con equilibrio, originalidad y con una sencillez totalmente desprovista de retórica declamatoria y prosopopeya odiosa y teatral. Su realismo es un realismo poético”. Diego Rivera. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “Arturo Estrada en Bellas Artes”. México. Proceso, Redacción, 2 abril de 1988.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,650-$4,450 30


12

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Mujer de Oaxaca

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 110 x 80 cm

$85,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,780-$6,750 31


13

FRANCISCO GUTIÉRREZ CARREOLA (Oaxaca, 1906 - Ciudad de México, 1945) Sin título

Firmado y fechado 1934 Óleo sobre tela 50 x 60 cm Originario de Oaxaca, Francisco Gutiérrez Carreola fue un artista plástico cuya obra se inserta dentro de la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Estudió a la manera academicista, no obstante sus lecciones de dibujo en diversos talleres lo condujeron a conocer algunos grabadores que lo impulsaron a experimentar con las técnicas gráficas. Su notable desarrollo con estos medios artísticos, le permitieron dar clases y comenzar su actividad docente en destacadas instituciones. En 1932, junto con su amigo Isidoro Ocampo ganó un concurso convocado por la fábrica de cemento Tolteca, en aquel proyecto conoció a Diego Rivera, quien era uno de los integrantes del jurado. Conforme su carrera despegó, se topó con otros importantes artistas mexicanos, como José Chávez Morado, quien lo nombró profesor de Artes Plásticas mediante la Secretaría de Educación Pública. En 1938, presentó una exposición individual en la Galería de Arte de la Universidad Nacional y dos años más tarde fue comisionado a Nuevo Laredo, Tamaulipas, junto con Raúl Anguiano, para pintar algunos murales en la Escuela Federal Secundaria. Es considerado por el medio como una de las figuras más insignes en la historia del arte en Oaxaca. Fuente consultada: “Francisco Gutiérrez Carreola. Un gran artista”. México. SomosMass99, sección Redacción, martes 11 de octubre del 2016.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860

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14

FEDERICO CANTÚ

(Cadereyta, Nuevo León, 1907 - Ciudad de México, 1989) Bodas de Canaán en Juchitán

Firmado y fechado Juchitán 1953 Óleo sobre lino 28 x 44 cm Agradecemos a Adolfo Cantú por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Con etiqueta del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey. Asistió a la Escuela de Pintura al Aire Libre a partir de 1922, cuyo director era en ese periodo el pintor Alfredo Ramos Martínez. Durante una década viajó entre Europa y Estados Unidos, participando en exposiciones colectivas en Los Ángeles y Nueva York. El inicio de su trayectoria estuvo enfocado en la producción de óleos y paralelamente comenzó a realizar obra gráfica. En la década de los cincuenta se dedicó a realizar murales en residencias particulares, y en los años sesenta produjo esculturas para el Instituto Mexicano del Seguro Social. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 202.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,940-$5,060 33


15

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - ) Sidra y Cirián

Firmado al frente y al reverso Acrílico sobre tela 60 x 80 cm Arturo Estrada estudió en La Esmeralda, donde tuvo como maestros a Feliciano Peña, Diego Rivera, José Chávez Morado y Frida Kahlo. Junto con otros artistas fundó la agrupación artística conocida como “Los Fridos”, conformada por estudiantes de Frida y ayudantes de los tres muralistas. Cuando la salud de Frida comenzó a deteriorarse, Estrada se convirtió en su estudiante particular junto con su compañera Fanny Rabel. Con el paso de los años, fue adquiriendo madurez artística y comenzó la búsqueda de un lenguaje propio, el cual desarrolló acorde con los principios del muralismo. “Mi apuesta es que mi creación plástica sea una pintura realista inspirada en todas las manifestaciones del pueblo […] Considero que sin falsa modestia he logrado contribuir al enriquecimiento del imaginario del arte mexicano del siglo XX”. Arturo Estrada. Fuentes consultadas: ESTRADA HERNÁNDEZ, Arturo. “Pasión por el arte: Principios”. México. Revista UNAM, No. Especial, Pág. 253-255 y sitio oficial del Museo Nacional de Antropología www.mna.inah.gob.mx

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,650-$4,450

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16

RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, 1915 - Ciudad de México 2006) Naturaleza muerta

Firmado y fechado 1955 Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Raúl Anguiano mostró a través de sus lienzos una enorme sensibilidad y un gran dominio del dibujo. Esto le permitió transitar en casi todos los géneros pictóricos, en principio sus retratos de personalidades de gran realismo, posteriormente realizó pinturas de su encuentro con los murales de Bonampak y los grupos lacandones. Tuvo un periodo surrealista en donde elementos como ambientaciones nocturnas, narrativas oníricas o aspectos fantásticos estaban presentes. Otras temáticas recurrentes en su producción son las naturalezas muertas o bodegones y de la vida cotidiana que lo rodeaban. “Con limpia visión, sin rebuscamientos, ha ido desarrollando su obra, que por la claridad y aplomo de sus formas se relaciona con el clasicismo moderno. Es un retratista de gran calidad en sus mejores obras de este tipo y en general, puede decirse que es un pintor ‘realista’, sin decir con ello que sus cuadros carezcan de interpretación de la realidad, por el contrario, logra una forma poética, sin necesidad de abandonar un medido objetivismo”. Silvia Navarrete. Fuente consultada: VIDAL DE ALBA, Beatriz. Raúl Anguiano. 1915-2006. México. UNAM, CONACULTA, 2006, pp. 106 y 110.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,360-$16,860

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17

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Puerta de cristal

Firmado Acrílico sobre tela sobre cartón 50 x 40 cm Con certificado de autenticidad de la Sra. Andrea Velasco Levy, Vda. de Gandía, 2018. Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, Vda. de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. “Desde el punto de vista artístico la obra de Gandía ha sido muy abundante, potente y vitalista. En sus principios pictóricos, su estilo figurativo tuvo deudas con Masson, pero maduró de forma personal su estilo, tras asimilar el ardiente aire figurativo de Zurbarán, Goya, Monet, Manet, Matisse, Cézanne, Gris y Bonnard, que propiciaron en él el retoñar de su identidad europea”. Miguel Ángel Muñoz.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Vicente Gandía. (1935-2009) la memoria de la luz”. México. UAM. Casa del Tiempo, Agosto del 2010.

$75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,210-$5,620

18

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Sin título

Firmado Acrílico sobre tela 50 x 40 cm Con certificado de autenticidad de la Sra. Andrea Velasco Levy, Vda. de Gandía, 2018. Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, Vda. de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. $75,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,210-$5,620 36


19

VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Dos rosas

Firmado y fechado 98 Acrílico sobre tela 70 x 90 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, Vda. de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Presenta detalle de conservación. “En su obra ha dibujado, pintado, grabado y esculpido todo, desde paisajes, casas de vecinos, invernaderos y casas de cristal, hasta laberintos, floreros, frutas y la propia imagen de las casas en que ha vivido a lo largo de los años. Hay, sin embargo, un elemento que pocos han descubierto en su obra, una preocupación por lo arquitectónico que aparece en forma de pilares, puertas, ventanas, habitaciones y paisajes. En su mundo, los ojos y los orificios se han vuelto espejos. La vinculación de la obra del artista con la arquitectura tiene una larga tradición en la crítica y en la historiografía del arte”.Miguel Ángel Muñóz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Vicente Gandía. (1935-2009) la memoria de la luz”. México. UAM. Casa del Tiempo, agosto del 2010, No. 33-34, pp. 50 y 51.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,750-$8,430 37


20

JOSÉ GOTOPO

(Falcón, Venezuela, 1964 - ) El tiempo es como una suave materia detenida en medio de la mesa

Firmado y fechado 2017 al frente y al reverso Acrílico sobre tela 97 x 153 cm Con certificado de autenticidad del artista. José Gotopo es un artista plástico contemporáneo, entre los más premiados de su país y con un extenso currículo que lo acredita como uno de los mejores en las artes plásticas venezolanas en el extranjero. Ha realizado exposiciones en Praga, Estambul, Ciudad de México y en algunas ciudades de Estados Unidos. “Soy un pintor camaleónico, a cada rato cambio de colores, no puedo vivir en un solo sitio, hay muchas cosas en el mundo que me asombran, mi visión preferida es contemplar aletargado el ultramarino del mar de las Antillas visto desde Paraguaná”. José Gotopo. $100,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,620-$8,990

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OLGA COSTA

(Leipzig, Alemania, 1913 - Guanajuato, Guanajuato, 1993) Bodegón

Firmado y fechado 75 Óleo sobre cartón 41 x 53 cm Con etiqueta de Galería Lourdes Chumacero. Presenta craqueladuras en capa pictórica. Vivió con sus padres en Berlín durante su infancia, en un contexto de movimientos bélicos. En 1925 llegó a México con su familia, comenzó sus estudios artísticos en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, donde tuvo como profesores a Emilio Amero y Carlos Mérida, conoció a Diego Rivera, Frida Kahlo y a Rufino Tamayo. En 1935 contrajo matrimonio con José Chávez Morado, posteriormente se establecieron en la capital de Guanajuato, ciudad a la que donaron su casa como museo, así como una considerable cantidad de arte prehispánico. En 1936 vivieron en Jalapa donde Chávez Morado pintó un mural y fue que ella comenzó a pintar en pequeños formatos, que se vendieron exitosamente.

Su primera muestra fue en 1945 en la Galería de Arte Mexicano, desde entonces tuvo varias exposiciones en el Salón de la Plástica Mexicana y en la Galería Lourdes Chumacero. Su obra es considerada como parte de la Escuela Mexicana de Pintura y transitó en varias etapas: iniciando en lo que ella llamó “la ironía cursi”, continuó con bodegones, naturalezas muertas y retratos, después realizó obras costumbristas, imágenes de la tradición de La Muerte Niña, peregrinaciones o aspectos relacionados con elementos religiosos. En su etapa final abundaron los paisajes, jardines o vistas exteriores de estilo impresionista y otros más abstractos. “Pintora de misterios naturales. Su obra: un intenso reverberar de luz sobre montañas y jardines. Un conjunto de visiones puras, abstractas: la Naturaleza”. Carlos Pellicer. Fuentes consultadas: PITOL, Sergio. Olga Costa. México. Ediciones La Rana, 1998, pp. 4-10.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,750-$10,110

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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Bodegón

Firmada Anilina sobre papel de china 46 x 70 cm Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. “Jesús Reyes Ferreira es un auténtico y gran creador de raíz popular. Más creador que no inventa un estilo popular o retrospectivista como todos los formalistas de hoy... sino que el estilo popular le sale de adentro, del cuerpo, de la emoción y no del intelecto o la cabeza. Así, mexicano en forma integral y un ejemplo de estética para nosotros”. David Alfaro Siqueiros. Fuente consultada: KASSNER, Lily. La mirada estética de Jesús Reyes Ferreira. México. Gobierno del Estado de Jalisco, CONACULTA, Pág. 24.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,940-$5,620

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ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Sin título

Firmado y fechado 1988 Óleo sobre madera 60 x 95 cm Debido a que nunca fue del interés de Alfredo Zalce el tener fama, toda su vida estuvo alejado de la publicidad, sin embargo hoy en día es uno de los pintores más representativos del arte mexicano del siglo XX. Su obra figura en los acervos de importantes instituciones mexicanas y extranjeras, destacando The Metropolitan Museum of Art en Nuev York, así como museos e instituciones culturales de California en Estados Unidos, Estocolmo en Suecia, Sofía en Bulgaria y Varsovia en Polonia. “Podemos resumir la pasión de Zalce en tres bellas palabras: belleza, servicio y libertad. Ama el color, la línea sensible y la invención, rompe lo estéril y renueva lo cansado, agita lo estancado, ataca lo injusto, exige responsabilidad y entrega a labor”. José Chávez Morado. Fuentes consultadas: PUEBLITA DÍAZ, Ana Delia et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 686 y TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, Pág. 62.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,110-$14,050

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DESIDERIO HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN

(Tlacatecpac de San Bernardino Contla, Tlaxcala, 1922 - Tlaxcala de Xicohténcatl, 2007) Bodegón de posadas

Firmado y fechado 1952 al frente. Firmado y fechado Puebla, Pue, 1952 al reverso Óleo sobre fibracel 61 x 79 cm De origen tlaxcalteca, Desiderio fue un pintor relevante dentro de la segunda generación del movimiento muralista del siglo XX. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Puebla y posteriormente tuvo la oportunidad de viajar a Europa un tiempo, lugar donde realizó varias obras y trabajos por encargo. Fue gran admirador de la obra de José Guadalupe Posada, Diego Rivera y Francisco Goitia. Su principal obra fue realizada en el Palacio de Gobierno de Tlaxcala, un mural que resguarda la rica historia de la tierra tlaxcalteca. También realizó murales al fresco en Tehuacán, Reynosa, Huamantla y Ocotlán. Además, su admiración por la arquitectura virreinal lo llevó a estudiarla con singular gusto, realizando remodelaciones para capillas y diseños de casas, incluyendo la suya. Fue arquitecto Honoris Causa, fundador de la escuela de Arquitectura en la BUAP y restaurador de edificios históricos en Tlaxcala y Puebla. En 2006 se le otorgó el título honorífico de Embajador de la Cultura Tlaxcalteca y su trabajo ha sido expuesto en México, Estados Unidos, Suecia, El Vaticano y Francia. Fuente consultada: CRUZ PÉREZ, Juan Luis. “Declaran diputados a Xochitiotzin embajador de la cultura local”. México. La Jornada de Oriente (Tlaxcala), sección Cultura, 28 de abril del 2006.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,940-$5,060

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JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Caretas

Firmado y fechado 89 Acrílico sobre papel 30 x 43 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2002. Chávez Morado fue un artista preocupado por compartir temas nacionalistas, comunicar a través su arte la gran proliferación cultural mexicana. Durante su residencia en Guanajuato con su esposa Olga, retomó proyectos anteriores y su producción manifestó una cierta madurez creativa. Sus obras contenían una carga emocional con temas que simbolizaban su visión folklórica e histórica. Estos símbolos solían recurrir fundamentalmente al mestizaje, como un elemento constructivo y de integración cultural y étnica del mexicano moderno. Así mismo, la presencia de elementos artesanales fue también importante para transmitir las raíces del pueblo, tales como los jarrones, floreros, juguetes y mascarones.

Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones La Rana, 2001, pp. 67-69.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,750

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(París, Francia, 1945 - ) Mujer huichol con atuendo de festival de peyote

(París, Francia, 1945 - ) Hombre huichol con atuendo de festival de peyote

ANTOINE TZAPOFF

Firmado y fechado 85 Acrílico sobre tela 58 x 38 cm Publicado en: sitio oficial del artista antoinetzapoff.tripod.com $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,810-$3,940

ANTOINE TZAPOFF

Firmado y fechado 85 Acrílico sobre tela 58 x 38 cm Publicado en: sitio oficial del artista antoinetzapoff.tripod.com $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,810-$3,940

“No comienzo a poner el color hasta que este primer paso está enfocado y realmente me satisface. Para mi paleta, me gustan los tonos limpios, brillantes, limpios, puros. Es deliberadamente que cambio los colores cálidos y fríos en un equilibrio que quiero adecuadamente. Me gusta jugar recordatorios de colores dentro del lienzo. Ciertamente, mi trabajo es apasionado, pero creo que solo se domina la espontaneidad. No dejo nada al azar. Me gusta la pintura romántica, la que exalta el tema. Me siento muy cerca de los orientalistas y comparto su pasión por la belleza. Temas modestos y cotidianos como a los impresionistas les gustaba pintarlos, ¡eso no es lo mío!”. Antoine Tzapoff. Fuente consultada: sitio oficial del artista antoinetzapoff.tripod.com

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ANTOINE TZAPOFF (París, Francia, 1945 - ) Deer dance

Firmado y fechado 87 Acrílico sobre tela 154 x 110 cm medidas totales con marco El marco es parte de la obra y se encuentra intervenido por el artista Publicado en: sitio oficial del artista antoinetzapoff.tripod.com A pesar de ser hijo de inmigrantes rusos, Antoine Tzapoff tuvo una educación totalmente francesa. Desde temprana edad desarrolló su interés por el arte, decidiendo ingresar a la Ecole d’Arts Appliqués en París, donde estudió durante tres años. Fue hasta mediados de los años 70 que comenzó a crear sus propias pinturas, cuyos temas principales se enfocaron en las culturas de indios, en especial los ubicados en Norteamérica y algunas zonas en México. A lo largo de los años, ha investigado aquellas culturas indígenas y se ha documentado acerca de los rituales, costumbres y tradiciones, mediante los cuales ha realizado un

sinfín de lienzos llenos de color y detalles que ejemplifican el estilo de vida de las tribus como los Caribúes, Nascapi y Ottawas en Canadá, los Kickapú, Kumeyaay y Pawnee en los Estados Unidos y los Seri, Yakis y Tarahumara en México. No obstante, además de los retratos realizados por encargos y escenas de influencia griega y romana, son las pinturas de nativos las que más se ha exhibido en las galerías y museos de México, Estados Unidos y España. Justamente, sus primeras exposiciones tuvieron lugar en Nuevo México y París, ciudad en la que ha generado su mayor producción, sin embargo, gracias a su relación con La Doña su obra fue más conocida y bien aceptada por la crítica mexicana, a tal grado que algunas instituciones lo apoyaron para que realizara la exposición “Cuando la danza se convierte en rito: Los indios de México”. Actualmente, sus obras se encuentran en destacadas colecciones públicas y privadas y se venden en las galerías y casas de subastas más prestigiadas a nivel internacional.

Fuente consultada: sitio oficial del artista antoinetzapoff.tripod.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) La Candelaria

Firmado Óleo sobre tela 135 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2018. Comenzó sus estudios en arte en la Escuela de Bellas Artes de Lima, Perú, donde tuvo de maestro al afamado pintor expresionista peruano Víctor Humareda. Más tarde, su formación se vio marcada por el contacto con Ángel Chávez, pintor de quien aprendió los secretos de las veladuras y luego de David Herskovitz, artista estadounidense de cuyas pinturas replicó la importancia de otorgar una visión humanista, característica que fue un ejemplo para su obra futura. Así mismo, bajo la influencia y admiración de las obras de Fernando de Szyszlo, José Guadalupe Posada, Vincent van Gogh, Francisco de Goya y Edvard Munch, logró construir su propio diálogo y estilo artístico, el cual transita, según su etapa, del impresionismo al expresionismo, hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social. A lo largo de su carrera ha logrado exponer en destacados museos y galerías de Perú, Chile, México, Japón, Suiza, Alemania, Estados Unidos y Francia; además ha sido galardonado con importantes premios, destacando la distinción de la placa “Sol del Cuzco” otorgada a la mejor exposición de arte del año por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú en el 2000. Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. Alfredo Alcalde: Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger, 2016, pp. 23-28.

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $44,500-$56,180

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JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Diablillo filarmónico

Firmado al frente. Firmado y fechado 1980 al reverso Óleo sobre fibra de vidrio 76 x 60 cm Con certificado de autenticidad de Marcel González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Publicado en: - ARTEAGA, Agustín et ál. Jorge González Camarena Antología. México. CONACULTA-INBA, 1996, Pág. 16. - GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 107. - LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, Pág. 57, catalogado con el título “Judas violinista”. - Jorge González Camarena. El pintor de los colores mexicanos. México. SABER VER, Número 14, junio-julio 1998, portadilla, Pág. 1. - “Revista. La pluma del ganso”. México. La pluma del ganso, año 12, número 50, marzo-mayo 2008, portada. - “Revista de la Sociedad Médica del Hospital Ángeles del Pedregal”. México. SMHAP-Grupo Bravo Editorial, volumen 1, número 2, abril-junio 1996, Pág. 45. - “Nuevos pintores en México”. México. México Sobre Muros, año 1, número 5, marzo-abril 2001, Pág. 9. - “Imprexpo 97”. México. Impreso en la invitación al ciclo de conferencias en Expo Guadalajara. Exhibido en: “Retrospectiva. Jorge González Camarena”, homenaje luctuoso presentado en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México en 1996. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes. Comenzó sus estudios en la Academia de San Carlos, donde fue recomendado por el entonces director Ramos Martínez para dibujar unas láminas que Gerardo Murillo “Dr. Atl” estaba realizando para un futuro libro. De aquel trabajo, Jorge González Camarena no solo consiguió aprender de uno de los mejores artistas de la época, sino entablar también una estrecha y larga amistad; inclusive su afecto y admiración profesional hicieron que el propio Dr. Atl le regalara uno de sus conventos para que lo convirtiese en su taller personal. En ocasiones realizaron proyectos murales juntos y en otras solo se recomendaban; tal fue la encomienda que tuvo Jorge González Camarena para restaurar los frescos del convento de Huejotzingo en Puebla, lugar en el que tuvo que residir un tiempo y donde se inspiró tanto que se integró a la orquesta del pueblo de música prehispánica tocando la chirimía. Fue la época en la que se conoció realmente el arte mexicano, pues tras aquellas fuertes influencias se entusiasmó tanto que comenzó a abordar en su pintura temas de las culturas precolombinas, aspectos relacionados con los movimientos revolucionarios, históricos, sociales, religiosos y de índole musical. Estas temáticas las ejecutó durante casi 35 años y un ejemplo de ellas es la presencia de la figura del diablo, el cual representó en diversas ocasiones utilizándolo tanto como simbolismo religioso como social; tal es el caso de “Diablillo filarmónico” pintura en la que aparece el demonio con un cuerpo que simula un armazón como si fuese una representación popular de una peregrinación o feria. “Este diablillo tiene todas las características de la obra de mi padre […] Es un diablillo filarmónico que no pierde la sonrisa. A pesar de traer un infierno dramático, absoluto y total en su interior. Sigue con el espíritu festivo tocando su instrumento y con otro de reserva, ¡por si acaso! Así lo dice su actitud corporal, resistiendo al infierno y sus alas están preparadas para volar a otro rumbo. Después de respirar profundamente y volver a sonreír, queda listo para seguir tocando la música”. Jorge A. González Camarena Barre de Saint-Leu. Fuentes consultadas: GONZÁLEZ CAMARENA, Jorge A. et ál. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, pp. 154160 y FAVELA FIERRO, Ma. Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia ediciones, 1995, Pág. 86.

$1,300,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $73,040-$101,120

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JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) Asesinato del obispo Romero

Firmado y fechado 93 Óleo sobre tela 89 x 109.5 cm Fue uno de los artistas plásticos militantes más importantes del siglo XX junto con su esposa Olga Costa. Fue parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular; no obstante, su carrera se fortaleció con su labor en los campos de acción cultural de México. En 1974 recibió de manos del presidente Luis Echeverría el Premio Nacional de Artes, máxima distinción que otorga el gobierno de México a través del Consejo de la Academia de Artes, el Seminario de Cultura, el INBA y la Sociedad de Arquitectos a quienes destacan en la creación, investigación o promoción artística. Por este motivo el maestro Chávez Morado manifestó públicamente: “Me ha tocado vivir una gran época, ardua y convulsa, dura como el odio; pero asimismo creativa y luminosa como la mañana. En esos dramáticos desgarramientos pude haber perdido mi pequeña luz interior; pude haberme convertido en hombre cero, como tantos que aplasta la máquina masificadora de la sociedad en la que he vivido, de no haber surgido antes el movimiento muralista [...] En el arte no debemos llegar a definiciones tajantes que nos den un claroscuro condenatorio. Convivamos, laboremos y no nos discriminemos. Este propósito no debe tomarse como si fuese indefinido en mi obra. He sido y seré un pintor que desea dialogar con su pueblo […] El arte fue mi vocación, servir es mi devoción”. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. UNAM, 1980, Pág. 155.

$320,000.00-$500,000.00 M.N. USD $17,980-$28,090

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - ) Encuentro

Firmado Óleo sobre tela Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2018. 120 x 150 cm “Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. En sus cuadros se ha concentrado el lenguaje corporal de la figura teatral del mimo como artista del silencio, en solitario o en grupo, y en las obras que plasman situaciones con muchos personajes, a menudo en comparsa […] En el manejo del color, culmina su experiencia: su efecto atiza y desprende una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica, como en el muralismo latinoamericano de acento más épico, pero sin lo heroico, pues Alcalde no aspira a re-escribir la historia. Aquí la corporeidad trabajada para ser sólida, no se cierra en sí misma; el cuerpo aparece como un eco que se multiplica, hasta ser varios en el drama, como una presencia silenciosa de un núcleo de semejantes que se instala a modo de coro, no para cantarle a la muerte inevitable al héroe de la tragedia sino para dibujar con los brazos abiertos un puente entre los orígenes y el final de la existencia. La humilde fe en la continuidad secular de la acción concentrada como experiencia comunal”. Jorge Villacorta Chávez. Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. Alfredo Alcalde: Caminos, máscaras y destinos. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger, 2016, Pág. 28.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $30,900-$39,326

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CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) La anunciación

Firmado y fechado 1955 Óleo sobre tela 100 x 80 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Carlos Orozco Romero comenzó su verdadera carrera artística a los 17 años, primero como caricaturista, medio en el cual era conocido como “Karikato” y luego como pintor, mundo en el que ha sido sumamente galardonado y aclamado. Aunque la mayor parte de su formación fue autodidacta, tuvo maestros que conoció y que lo influenciaron a viajar a Europa, donde gracias a una beca del gobierno pudo conocer las vanguardias parisinas y exponer en el Salón de Otoño en Madrid. En 1920, se casó con María Marín, una de las hermanas Marín, que por sí mismas, y por sus esposos, tienen un lugar importante en la historia de los movimientos artísticos de México. Esta fue una época en la que Orozco Romero definió su estilo, pues poco a poco fue tomando conciencia de sus recursos y posibilidades, ejerciendo no solo como pintor, sino también como promotor de las técnicas litográficas. En 1932 fundó la Escuela de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes junto con Carlos Mérida, en 1958 participó en la Bienal de Venecia y entre 1962 y 1964 fue director del Museo de Arte Moderno de México. Además, fue galardonado con el Premio Nacional de Ciencia y Arte en 1980. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, Pág. 22-25.

$360,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,230-$28,090 52


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JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Niños durmiendo

Firmado y fechado 1966 Óleo sobre tela 80 x 100 cm Agradecemos a Flora Guerrero y a Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Los temas de su pintura se enfocan principalmente en lo cotidiano y la cultura popular, en cambio los asuntos políticos no se hacen presentes, a pesar de que existe cierta referencia a ello, como una denuncia sutil mediante la propia imagen. Es así que mediante una visión realista y muy particular, formó su propio lenguaje rescatando la dignidad de mujeres y niños indígenas. La clave de sus obras está en los personajes modelados, fondos luminosos, espacios compositivos y la presencia de tonos azules, ocres y rosados que brotan libremente con el único fin de transmitir una estética poética y sublime. Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 120.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $30,900-$39,330 53


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ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Niños en la fuente

Firmado y fechado 53 Óleo sobre tela 94 x 91 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto de 1996. Comenzó sus estudios en la Academia de San Carlos, donde tuvo como profesores a Germán Gedovius, Leandro Izaguirre y Sóstenes Ortega. También fue alumno de Diego Rivera y miembro fundador del Taller de Gráfica Popular. En 1930 fundó la Escuela de Pintura y Escultura en Taxco, Guerrero y en 1944 realizó obras por encargo especial de la Secretaría de Educación Pública, época en la que fue nombrado profesor de la afamada escuela La Esmeralda. Cinco años más tarde, se trasladó a Michoacán para fundar un taller de Artes Plásticas en Uruapan, período en la que también fue elegido Director de la Escuela Popular de Bellas Artes de Morelia y fundó la Escuela de Pintura y Artesanías de Morelia, instalando en esa ciudad su residencia y taller personal. En 1993, el Museo de Arte Contemporáneo de Michoacán añadió el nombre de Alfredo Zalce, en honor al trabajo de este artista michoacano, es así, que en el MACAZ podemos encontrar una extensa colección de sus obras. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, pp. 38-40 y 62.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $28,090-$39,330 54


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MANUEL MENDIVE

(La Habana, Cuba, 1944 - ) Baile de 15 años

Firmado Acrílico sobre madera 60 x 80 cm Con etiqueta de la Dirección Nacional de Museos y Monumentos / Palacio de Bellas Artes, Cuba. Considerado uno de los artistas cubanos contemporáneos más prestigiosos, es graduado de la Escuela San Alejandro en Pintura y Escultura en La Habana. Su obra está cargada de aspectos religiosos y sus deidades de la tradición y cultura africana en Cuba. Ofrece el imaginario de su entorno relacionado con la naturaleza, sus fenómenos, en conjunto con los simbolismos míticos o rituales de ancestros desde una perspectiva humanista. Su primer premio lo recibió cuando era niño por en Concurso Internacional de Pintura Infantil organizado por la UNESCO, este acontecimiento fue determinante para su carrera artística. Recibió el Premio Internacional en la Bienal de La Habana en 1986, donde realizó body art, performance acompañado de danza afrocubana y en 2001 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Destacan sus exposiciones en la Galería Joan Guaita Art en Mallorca, en la Galería El Mundo del Arte en París, en la Galería Cívica Plaza Cavour en Italia y en The October Gallery en Londres. Su obra forma parte de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Museo de Arte Moderno de Panamá PANARTE, Centro Atlántico de Arte Moderno de las Palmas de Gran Canaria, Centro Georges Pompidou de París y The John F. Kennedy Center en Washington. $260,000.00-$360,000.00 M.N. USD $14,610-$20,240 55


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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Sin título, 1996

Firmado Óleo sobre tela 94 x 74 cm Con certificado de autenticidad de la galería Arte de Oaxaca, junio de 1996. Rodolfo Morales fue uno de los más importantes pintores del arte mexicano de la segunda mitad del siglo XX, conocido en el medio del arte como “El señor de los sueños”. Fue un artista oaxaqueño que siempre estuvo entregado al pueblo y a la cultura mexicana con una inigualable cualidad para la docencia, actividad que ejerció durante más de 32 años. Durante mucho tiempo trabajó su obra en las sombras, hasta que conoció al maestro Rufino Tamayo, quien lo introdujo al medio artístico ayudándolo a promover su obra con constancia y convicción. Con este impulsó comenzó a hacerle frente al mercado de coleccionistas y por casi 10 años expuso en las galerías más importantes de México con gran éxito. Las ganancias que con regularidad recibía por las ventas de sus obras fueron invertidas a favor de su pueblo, fundando en 1992 la Fundación Cultural Rodolfo Morales, la cual ha realizado la restauración de diversos inmuebles de Oaxaca. Actualmente, es considerado el alma de la Escuela de Oaxaca junto con Tamayo y Toledo y su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de México y el extranjero. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378 y “Rodolfo Morales. El señor de los sueños cumplidos”. México. El Proceso, 16 de diciembre del 2000.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $84,270-$112,360 56


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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Rumores, 1994

Firmado Lápices de color sobre papel 60 x 80 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Cultural Rodolfo Morales, marzo del 2018. “La magia de Morales consiste en atraernos a sus pinturas con la belleza de sus formas y colores, pero sólo para atrapar nuestra mirada, acaparar nuestra atención y transmitirnos un estado de ánimo muchas veces contrario a la fácil alegría que uno podría sospechar a primera vista. Los colores de Morales son fuertes, contundentes y alegres, pero basta ver la mirada de sus personajes, las sombras de sus casas y los espíritus que merodean en sus cielos y en sus subsuelos para advertir que el mundo del pintor tiene una gran dosis de desamparo Los miedos, los recuerdos y la nostalgia están siempre presentes en el universo de su pequeño pueblo”. Andrés Oppenheimer. Fuente consultada: “Rodolfo Morales. Maestro de los sueños”. México. Proceso, sección La Redacción, 5 de junio del 2006.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,730-$22,470 58


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ROCÍO MALDONADO (Tepic, Nayarit, 1951 - ) Retrato doble

Firmada y fechada 69 al reverso Mixta sobre tela con marco de madera 140 x 180 x 15 cm El marco es parte de la obra y se encuentra intervenido por la artista. Con etiqueta de Galería OMR. Es una destacada artista plástica mexicana egresada de La Esmeralda y cuyo conocimiento complementó durante sus estancias en los talleres de grabado de los maestros Octavio Bajonero, Luis Nishizawa y Gilberto Aceves Navarro, con quienes tuvo la oportunidad de conocer a fondo los procesos de la gráfica. En la década de los 80 residió en Estados Unidos, época en la que estudió el neo-expresionismo y se influenció por algunas obras de artistas modernos americanos; no obstante, al estar profundamente anclada a sus raíces mexicanas la temática de su obra no cambio, la cual se caracteriza por abordar caracteres oníricos y fantasmales. A lo largo de su carrera ha realizado numerosas exposiciones individuales a cargo de la Galería OMR en la Ciudad de México; así mismo, ha participado en diversas muestras colectivas, destacando las montadas en el Instituto Mexicano de Cultura de Washington y Nueva York, ARCO 97 en Madrid y el Centro de las Artes en Monterrey, México. $400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $22,470-$28,090 59


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ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Cariátide

Firmada y fechada 1995 Escultura en bronce 6 / 9 145 x 37 x 22 cm Con certificado de autenticidad del artista. Los temas que trabajó fueron variados, sin embargo sobresalen características de la vida indígena y la historia mexicana. Además de practicar el muralismo, el grabado y la pintura de caballete con firmeza, también ejecutó con gran maestría la escultura. Realizó monumentos escultóricos que pueden apreciarse en diferentes plazas, glorietas e instituciones importantes del país, destacando las tres estelas de cantera que decoran la Glorieta Juárez en la ciudad de Morelia, así como el encargo de un relieve monumental que la Cámara de Diputados del Estado le encomendó en 1986. Actualmente, parte del acervo escultórico de pequeño y mediano formato de Zalce, puede ser apreciado en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, Pág.40.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 60


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RUFINO TAMAYO

(Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) Mujeres, ca. 1930

Firmado Lápices de color sobre papel 20 x 29 cm Rufino Tamayo nació y creció en Oaxaca, pero se educó artísticamente en la Ciudad de México en la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestros a Germán Gedovius, Saturnino Herrán y Roberto Montenegro. No obstante, abandonó los estudios en 1921 porque no coincidía con los ideales académicos, así que apoyado por José Vasconcelos, entonces Secretario de Educación, fue nombrado Jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico en el INAH. Posteriormente viajó a Nueva York, donde tuvo la oportunidad de empaparse de conocimiento sobre las corrientes artísticas del momento visitando museos y galerías. En 1928 regresó a México y fue nombrado por Diego Rivera, profesor de pintura de la Escuela Nacional de Bellas Artes, dando inició a su actividad docente. En 1933 se le encargó pintar un mural en el Conservatorio Nacional de Música, donde conoció a Olga Flores, quien sería su esposa. Además de haber practicado el muralismo, hizo dibujos y pinturas en los que abordó el género del retrato, escenas costumbristas y personajes con elementos de la vida cotidiana. Para la década de los 50, ya era todo un éxito internacional, un artista consolidado y uno de los mejores pintores contemporáneos mexicanos, recibiendo en 1957 el nombramiento de Caballero de la Legión de Honor, una de las distinciones francesas más importantes que se concede únicamente a hombres y mujeres que realizaron algún mérito dentro del ámbito civil en Francia. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rufinotamayo.org.mx

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,860-$22,470

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título, 2011

Sin firma Mosaico de cerámica montado en bastidor de hierro 76.5 x 51 x 5.5 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. En la práctica escultórica de Hernández recurre a la cerámica y al bronce, para transformar el material -en ocasiones en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos- en objetos o vestigios arqueológicos, donde el tiempo ha dejado grabado del mismo modo que a los fósiles, a insectos y a la vegetación. Sus esculturas son un ecosistema de entes que han salido de sus cuadros, fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves y humanas de largas y retorcidas extremidades. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29.

$600,000.00-$800,000.00 M.N. USD $33,710-$44,500 62


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LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951- ) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 100 x 160 cm Luis siempre tuvo claro que quería dedicarse a la pintura, sin embargo, al concluir el bachillerato estudió la Licenciatura en Ingeniería Industrial, manteniendo el dibujo como actividad paralela. Al terminar la carrera decidió dedicarse al dibujo y a la pintura de forma autodidacta. En este proceso de formación no podemos dejar de lado las referencias artísticas que obtuvo de las obras de Tamayo, Toledo y Nieto. En 1970 presentó su primera exposición individual en el ex-convento de Santo Domingo en Oaxaca. En esa época conoció al pintor José Zúñiga, quien apoyó su carrera y lo llevó a la Ciudad de México y empezó a exhibir su obra en la Galería Chapultepec. En 1974 se inscribió en un concurso de diseño industrial con el que obtuvo una beca para estudiar en París. Ese año se dedicó a conocer museos y galerías; estableció contacto con Juan Soriano, sus sabios consejos le ayudaron a encontrar su camino en la pintura. Su estancia en París se extendió por 14 años. Realizó estudios en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas en París y en el Atelier 17. En esos años, la pintura de Zárate presentaba ricos ensambles figurativos, los cuales hacían referencia a las leyendas, mitos y fantasías de la cultura zapoteca. A lo largo de su carrera ha participado en exposiciones en España, Alemania, Bulgaria, Noruega, Francia, Italia, Mónaco, Singapur, Estados Unidos, México, Perú y Puerto Rico, además durante su estancia en Europa ha sido acreedor a numerosos premios. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, pp. 233-236.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 63


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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Ladillera, 2018

Firmado Óleo y arena sobre lino 180 x 300 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2018. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. La obra de Sergio Hernández se encuentra en las colecciones del Instituto Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México, de Fundación Televisa, FEMSA, del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, en la Colección de Patrimonio Nacional del Estado Español, del San Antonio Museum of Art en Texas, de la Fundación Alfredo Harp Helú y del Museo Soumaya. “Para algunos, la obra de Sergio Hernández de los años ochenta y posterior significa su incorporación a los temas derivados de la de la tradición visual oaxaqueña, pero resulta mucho más fructífero considerar sus pinturas (especialmente las de los años ochenta y noventa) como respuestas […] al estímulo que encontró en personalidades tan formidables como Enzo Cucchi o Francesco Clemente, Georg Baselitz o A. R. Penck, Anselm Kiefer o Miquel Barceló”. Edward J. Sullivan. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29.

$1,800,000.00-$2,200,000.00 M.N. USD $100,680-$123,600

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título

Firmado al frente. Firmado dos veces y fechado 1987 al reverso Óleo y arena sobre tela 135 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2016. Es considerado uno de los artistas oaxaqueños más representativos de nuestra época, construye sus discursos a través de la pintura, escultura o artes gráficas. Su obra comparte características formales del arte neoexpresionsta europeo y estadounidense de las décadas de los 80 y 90, aspecto que coloca a Sergio Hernández en la vanguardia artística global. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29.

$380,000.00-$600,000.00 M.N. USD $21,350-$33,710 66


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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Presentador, 2018

Firmado Óleo y arena sobre tela 180 x 180 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2018. Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. A los 16 años Sergio Hernández decidió independizarse y se mudó a la Ciudad de México para ingresar a la Academia de San Carlos y, posteriormente a La Esmeralda. Después pasó un año en París conociendo las vanguardias europeas y a su regresó México, tomó un papel destacado dentro de la plástica y la cultura de Oaxaca. Con el tiempo se convirtió en un multifacético pintor y escultor que ha producido un conjunto de obras con diversas técnicas y materiales como óleos, tintas, gouaches, acuarelas y grabados. Actualmente, su trabajo forma parte de importantes acervos de instituciones y museos públicos y privados, como el del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, el San Antonio Museum of Art en Texas y el Museum Würth Künzelsau en Alemania. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26 y 323.

$1,200,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $67,420-$100,680 67


Anverso

Reverso

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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Caballo, del proyecto Y también son caballos

Firmada y fechada 98 Escultura en bronce V / XI 55 x 48 x 9 cm Doble vista Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. La versión pictórica de esta pieza se encuentra publicada en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, Pág. 118. La dedicación de Juan Soriano por la zoología comenzó a temprana edad y según las investigaciones se cree que su primer dibujo de un animal fue un león. Conforme su educación artística se construía, su repertorio de animales pasó por diversas etapas, pues los experimentó mediante la escultura, la acuarela, el óleo y la estampa. Un viaje a Grecia lo hizo intrigarse por la mitología, concibiendo bajo esta influencia su propia zoología fantástica. A partir de 1975 radicó entre México y París, época en la que conoció a Julio Cortázar y Valerio Adami, quienes en su momento siguieron la tradición del bestiario, considerado un género breve y descriptivo que recopila relatos de animales imaginados de la literatura. Tras esta influencia y la creación de las ilustraciones para “El bestiario” de Guillaume Apollinaire, fue que Juan Soriano comenzó a pintar y dibujar su propias versiones de los animales, conformando así su gran arca zoológica, destacando los gatos, cabras, caballos, serpientes, toros, peces, ranas y hasta centauros; posteriormente adjuntó a este listado los pájaros, lo cuales tuvieron un lugar especial en su producción plástica. Fuente consultada: SÁNCHEZ AMBRIZ, Mary Carmen. “El arca de Juan Soriano”. México. Revista digital Casa del Tiempo, Difusión Cultural UAM, 2011, pp. 27-31.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 68


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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Pájaro XIII

Firmada y fechada 2005 Escultura en bronce 5 / 6 137 x 168 x 45 cm Con certificado de autenticidad de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., enero del 2009. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Una versión de esta pieza, con otro número de serie, se encuentra publicada en: PONIATOWSKA, Elena et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, Pág. 101. Soriano fue más un autodidacta independiente que un estudioso de la Academia, no obstante reconoció siempre los rastros que en él dejaron figuras como Chucho Reyes, Luis Barragán, Roberto Montenegro y Alfonso Michel. Su mutable actividad creadora le permitió ser docente, ceramista, escenógrafo, pintor, escultor, diseñador de vestuarios, ilustrador y activo participante en exposiciones en México, Estados Unidos, Italia, Francia, Alemania, Polonia y otras sedes más. Especialmente, su producción escultórica está compuesta por temáticas varias, pero sobresalen las figuras zoológicas, más aún las aves por su admiración a los estudios de la ornitología. En definitiva, con el tiempo, las aves se convirtieron en el símbolo tridimensional de su arte y ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas ellas han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. “Todos los pájaros del mundo le posaron a Juan Soriano. Observó a las palomas durante años y sentado en una banca del parque o frente al atrio de una iglesia, las juzgó con severidad”. Elena Poniatowska. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$650,000.00-$800,000.00 M.N. USD $36,520-$44,500 69


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JOSÉ BEDIA

(La Habana, Cuba, 1959 - ) Cuando estes listo

Firmada y fechada 04 Tinta, pastel graso y gis sobre papel amate 120 x 240 cm $220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,360-$16,860

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Es un artista cubano cuyo entusiasmo artístico se enfrasca en el dibujo, las historietas y la ilustración. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro en La Habana, posteriormente formó parte de los primeros egresados del recién creado Instituto Superior de Arte ISA de La Habana, de donde se graduó con honores. Fue iniciador de una importante transformación en el arte cubano, el cual debutó con la conocida muestra “Volumen 1”. Su pasión por las culturas primitivas se complementó con sus dedicados estudios antropológicos de la cultura afro-trasatlántica, ahondando desde la fe en las religiones y creencias de los cultos de la Regla Congo y la Regla de Ocha, así como de hombres leopardo conocidos como Abakuá, entre muchas otras. Todas estas investigaciones dieron como resultado un gran repertorio pictórico, el cual, en su mayoría, representa las herencias culturales con gran detalle. Sus inquietudes lo llevaron a fijar su residencia fuera de su país natal, primero en México y luego en Estados Unidos, residiendo en Miami desde 1993. El viajar le ha permitido realizar un sinfín de exposiciones en galerías y vender su obra en importantes casas de subastas a nivel internacional y por consecuencia colocar su obra en colecciones como la del Museo Nacional de Bellas Artes en La Habana, The Metropolitan Museum of Art, el Whitney Museum of American Art, el Guggenheim Museum y Tate Modern, así como la colección Daros en Zúrich, el Museum of Contemporary Art of North Miami, entre muchas otras. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.josebedia.com

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ROBERTO MATTA

(Santiago de Chile, 1911 - Civitavecchia, Italia, 2002) Dancing figures

Firmado y fechado 55 Lápices de color sobre papel 31 x 48 cm Procedencia: perteneció a la Barbara Walker Gordon Collection; adquirido en Sotheby’s, Londres, 18 de octubre de 1990, lote 308 y en Nueva York, 19 de mayo de 1993, lote 140; Christie’s, Nueva York, 21 de marzo de 1997, lote 275, 16 de noviembre del 2005, lote 158 y 21 de noviembre del 2006, lote 108. Con etiqueta de Christie’s, Nueva York. El auge de su arte comenzó durante su estancia en París, época en la que conoció a Federico García Lorca, Salvador Dalí, André Breton y Pablo Picasso, artistas de quienes conoció el movimiento surrealista y del cual a pesar de haber sido expulsado en 1948 volvió a ser admitido 11 años después. No obstante, ha sido nombrado como el último surrealista en numerosas ocasiones y aunque él se disociaba del movimiento por su expulsión, llegó a aceptar dicha clasificación: “Yo no he sido surrealista, simplemente fui amigo de algunos surrealistas. Ser surrealista es saber que la poesía siempre tiene que ir más lejos, que la poesía no es recitar, que hay que buscar siempre más allá”. Por otro lado, demostró en diversas ocasiones su afinidad con el pensamiento político, específicamente con el socialismo. Protestó contra las crueldades de la guerra de España, contra el sufrimiento de la población argelina y con la represión de los pueblos latinoamericanos, entre ellos su país natal. Por todo esto y más, su pintura es también de protesta, un arte comprometido, pero lleno de un rico poder creador, tanto que cuando la democracia volvió a su país le fue otorgado el Premio Nacional de Arte. Para expresar su crítica utilizó un lenguaje simbólico específico, utilizando una gran inventiva para generar formas y colores nuevos; su universo giró en torno al hombre interior, de lo que existía en su imaginación y su mente. Sus hombres tienen algo de máquina y a veces de insectos, son personajes surrealistas que plasman un mundo deshumanizado. En vida recibió diversos reconocimientos, destacando el Premio Príncipe de Asturias, el Praemium Imperiale otorgado por la Asociación de Arte de Japón y el Premio Tomás Francisco Prieto. Actualmente, su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas de instituciones y museos de calibre internacional. Fuentes consultadas: GAMBOA, Fernando. Matta. Homenaje a Jorge Zalamea. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1975 y GALÁN, Lola. “Muere Roberto Matta, el último surrealista”. España. El País, 25 de noviembre del 2002.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,430-$12,360 72


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WIFREDO LAM

(Sagua La Grande, Cuba, 1902 - París, Francia, 1982) Oiseaux

Firmado y fechado 1960 Carboncillo y pastel sobre papel 56 x 76 cm Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, junio del 2003. Con etiqueta de Galería López Quiroga. “El pintor cubano Wifredo Lam, de fama internacional, fue el iniciador de una pintura mestizada que alía el modernismo occidental con los símbolos africanos o caribeños. Frecuentó todos los movimientos vanguardistas de su época, que incitaban a la libertad, favorecían el acceso al inconsciente y exploraban lo maravilloso, a través del automatismo gráfico. Pero Lam también se enfrentó a los problemas del mundo; persiguió en su obra el mismo combate que su amigo Aimé Césaire: ‘pintar el drama de su país, la causa y el espíritu de los negros’. Inventó así un lenguaje propio, único y original, para defender la dignidad de la vida y saludar la ‘Libertad’”. Fragmento de su presentación biográfica. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.wifredolam.net

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,350-$28,090 73


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PEDRO CERVANTES

(Ciudad de México, 1933 - ) Venus de Tlatilco, ca. 1970

Sin firma Escultura en bronce en base de mármol 73 x 30 x 20 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista. Publicada en: sitio oficial del artista www.pedrocervantes.com y la versión en resina, previa al vaciado en bronce, en: QUIRARTE, Vicente. Cuerpo en el espacio: Las vidas de Pedro Cervantes. México. Frontespizio, 2010, Pág. 118. Cuando Pedro Cervantes quiso eternizar el cuerpo femenino lo estudió por completo y lo ha ejecutado mediante la escultura con gran elegancia y delicadeza desde entonces. Son obras realizadas de manera precisa, concebidas en parte de forma autobiográfica, pues en ellas se encuentran influencias de sus propias experiencias, por ejemplo sus antiguos paseos por el patio de la Academia de San Carlos donde yacía una reproducción a escala de la Victoria de Samotracia, sus visitas por el Museo de Antropología y la admiración hacia la Coatlicue, así como sus primeros estudios dibujanticos sobre bailarinas en la Academia de la Danza, donde conoció al entonces director Santos Balmori. El captar el movimiento de las bailarinas equivalió a un gran aprendizaje en su educación visual, aquellos bocetos fueron elogiados por el propio Balmori y al convertirse en esculturas, fueron comparadas por la crítica con la obra de Henry Moore. Fuente consultada: QUIRARTE, Vicente et ál. El cuerpo en el espacio: Las vidas de Pedro Cervantes. México. Frontespizio, 2010, pp. 69-117.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 74


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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título, ca. 1950

Firmado al reverso Lápices de color sobre papel 50 x 33 cm Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, febrero del 2000. Presenta ligeros detalles de conservación en las orillas del papel. En 1940 Pedro Coronel ingresó a La Esmeralda y seis años más tarde decidió viajar a Europa, residiendo en París durante un tiempo. En aquella ciudad conoció a Octavio Paz y constantemente frecuentaba los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, quienes influyeron en gran medida en su proceso artístico, tanto en el dibujo como en la ejecución de su futura producción escultórica. Desde entonces fue un viajero incansable, atraído por países con culturas diferentes. A su regreso a México en 1952, logró participar en diversas exposiciones colectivas y organizó algunas otras individuales en destacadas galerías del país. No obstante, viajó a Europa en repetidas ocasiones, donde también exhibió su obra y entabló importantes y estrechas amistades. En 1965 la afamada Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México le organizó una exhibición individual conmemorando sus 25 años como artista, y al año siguiente participó en la muestra “Confrontación 66” en el Museo del Palacio de Bellas Artes y recibió el Premio Salón de la Plástica Mexicana. Fuente consultada: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 181 y 182.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,940-$5,060 75


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BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 86 Óleo sobre tela 150 x 170 cm Con copia del certificado de autenticidad del artista, julio de 1987. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Byron Gálvez fue un sobresaliente artista mexicano egresado de la Academia de San Carlos, donde tuvo destacados maestros quienes ejercieron una importante influencia en él, como Luis Nishizawa y Gustavo Montoya. Los grandes placeres que rodearon su vida lo acompañaron durante todo su proceso creativo, lo moderno y lo contemporáneo se fundieron para complementarse directamente en su obra, la cual abarcó pintura, grabado y escultura. En 1964 realizó su primera exposición individual, con la cual fue apodado “el Picasso mexicano” por el famoso actor Vincent Price, quien adquirió la mayoría de las obras que conformaron la exhibición. En 1989 realizó su quinta exposición en Estados Unidos y fue en 1996 que se montó en el Museo del Palacio de Bellas Artes una muestra retrospectiva de su trabajo artístico. Actualmente, su producción plástica forma parte de importantes colecciones privadas de México y el extranjero. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com

$420,000.00-$600,000.00 M.N. USD $23,600-$33,710 76


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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Llanto desolado

Firmado al frente. Firmado y fechado 1962 al reverso Óleo sobre tela 80 x 95 cm Procedencia: adquirido en Christie’s, Nueva York, noviembre de 1991; colección privada, México. Publicado en: FRANCO CALVO, Enrique y ARTEAGA, Agustín. Rupturas. La liberación de la imagen. El arte en México después de 1950. España. Museo de Valencia, 2001, Pág. 129. Exhibido en: - “Pedro Coronel y su obra”, muestra presentada en la Casa de la Cultura Jalisciense en Guadalajara, de octubre a noviembre de 1965. - “Rupturas: La liberación de la imagen. El arte en México después de 1950” muestra presentada en el Museo de Pontevedra y en el Museo de Valencia de la Ilustración y la Modernidad, 2001. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes. Presenta detalles de conservación. “Siempre he pensado que la pintura es una entrega total y que el pintor debe tener la conciencia de que esta tarea es tal vez superior a sí mismo; tener la humildad de saberlo y la decisión de nunca renunciar a intentarlo todo. Creo que toda la esencia de la pintura debe renovarse, porque el arte es expresión de vida”. Pedro Coronel, 1959. Fuente consultada: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno, CONACULTA, 2005, Pág. 50.

$800,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $44,500-$67,420 77


Leonora pintando en su estudio de la calle Chihuahua, Ciudad de México, 1956

Nació en Lancashire, Inglaterra, dentro de una familia acaudalada, siempre conviviendo con importantes personalidades de la sociedad inglesa y bajo una implacable educación católica. No obstante, fue una niña soñadora y traviesa, que les causó problemas a sus padres, tantos que fue expulsada de algunas escuelas. Ya siendo una señorita, ingresó a la escuela de Amédée Ozenfant en Londres, institución donde aprendió a dibujar con gran destreza; en aquella época gustaba curiosear en las tiendas de libros usados, descubriendo textos sobre la alquimia, el esoterismo y las prácticas espirituales budistas, así como el movimiento surrealista, el cual le atrajo por la portada de un libro del alemán Max Ernst, a través de aquel libro encontró el tema y estilo que intuitivamente haría en su pintura. Empero, la influencia de Max Ernst fue más allá, pues con él vivió un importante romance. A él lo aprisionaron al momento de estallar la guerra y aunque ella intervino y logró liberarlo, fue nuevamente encarcelado en 1940 y ella debió huir a España temiendo por su propia seguridad como extranjera. En aquel país, sufrió un colapso nervioso y fue hospitalizada en contra de su voluntad, le administraron poderosas drogas que le ocasionaron locura momentánea. Esa experiencia, ha sido también una pieza importante en la construcción de su estilo artístico, ya que experimentó la poética idea de la demencia y confirmó lo que los surrealistas tanto decían. Ella misma describió esta vivencia como: “un terremoto mental. Fue como la muerte psíquica, un renacimiento, una experiencia con la cual cambié de forma drástica”. Llegó a la Ciudad de México en 1943, época en la que se separó de Max Ernst y se casó con el fotógrafo húngaro Emerico Weisz. Con facilidad logró integrarse en el medio cultural de nuestro país, entablando amistad con el escritor Edward James y otros artistas surrealistas refugiados como Kati Horna, Benjamin Péret y su compañera de casa Remedios Varo, quien la alentó a crear imágenes aún más espirituales y mágicas. Precisamente, bajo todas las influencias detrás de sus vivencias, sus arduas lecturas y estudios, logró formalizarse como artista y estructuró su propio estilo. Así, entre sueños y vigilia, espacios donde la vida no tiene límites y la muerte y el pasado se entrelazan, nació su obra, de la cual fue emergiendo una larga producción de pinturas y esculturas en las que se aprecian signos, personajes y figuras híbridas, caricaturas fantásticas que contienen una identidad y sexualidad femenina provenientes de sus ensueños lúcidos y proyecciones astrales. Leonora Carrington, fue y seguirá siendo, una afamada artista surrealista cuyo nombre sobresale en la lista de mujeres creadoras más importantes de finales del siglo XX. Fuentes consultadas: CHADWICK, Whitney. Leonora Carrington. La realidad de la imaginación. México. Ediciones Era, 1994, pp. 7-35 y LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Siglo XX 1901-1950. México. Tomo I. Promoción de Arte Mexicano. 2000, pp. 244-247.

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Detalle lote 56 Copyright Estate of Leonora Carrington / ARS 79


“Cuando Leonora Carrington hablaba de serenidad, alegría, horror y vacío, son éstos los del mundo real y ella los expresaba directamente, nos entregaba a su imagen exacta, clara e inmediata. No hay que buscar en sus obras un leguaje simbólico, hay que aceptarlas como visiones concretas de la realidad. Visiones en las que se le ha devuelto la vida el sentido cósmico y que encierran dentro de sí las diversas etapas de los planos ancestrales […] En las obras de Leonora Carrington el secreto de ese mundo imaginario y real, que no es otro que nuestro mundo, el escenario de nuestro devenir cotidiano al que damos sentido con nuestros gestos, se revela con diáfana claridad y al hacerlo nos revela la vida, el misterio de su visión particular, de sus obsesiones personales, que se convierten en ejemplos generales, en obras de arte”. Juan García Ponce, fragmento del texto “La magia de lo natural”.

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LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011) Naga, ca. 1975

Firmado Óleo sobre lino 91 x 61.5 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, febrero del 2018. $10,000,000.00-$12,000,000.00 M.N. USD $535,000-$600,000

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Copyright Estate of Leonora Carrington / ARS

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GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) Charca y neblina

Firmado, con monograma y fechado 1959 al frente. Firmado y fechado 1959 al reverso Óleo sobre tela 90 x 200 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, 2018. $320,000.00-$400,000.00 M.N. USD $17,980-$22,470 82


Acudió a la Escuela Nocturna de Arte para Trabajadores, donde aprendió dibujo, grabado y música, estudió con del pintor Santos Balmori, posteriormente fue su asistente y lo invitó a realizar algunos murales en Morelia. A su regreso a la Ciudad de México, Diego Rivera lo recomendó con la directora de la Galería de Arte Mexicano donde expuso su primera exposición individual. En su primera etapa, su obra estaba influenciada por el surrealismo, al mismo tiempo que su imaginario habita en escenarios misteriosos con seres fantásticos o del realismo mágico. En 1947 trabajó en la Academia Mexicana de Danza y diseñó escenografías y vestuarios para una compañía de ballet en Noruega. Su obra forma parte de las colecciones del Museum of Modern Art en Nueva York, San Francisco Museum of Modern Art y el Art Institute of Chicago. “Lo que hace distinta la pintura de Meza es que no consiste en un escape a otros mundos, no es una invención intelectual, sino un penetrar profundo en la realidad suya, la de México, de la cultura primitiva mágica, auténticamente ilógica”. Ida Rodríguez Prampolini. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 348.

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SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Sin título

Firmada Escultura en bronce I / II 41.5 x 30 x 21.5 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista. Agradecemos a Franco Bassi, hijo de la artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Presenta detalles de conservación. “En la obra de Sofía Bassi se siente una gran experiencia de muchísimos años, una maestría. Y sobre todo, este mundo íntimo, este íntimo poético que nos conduce a universos oníricos. Es una pintura que realmente me emociona, de las pocas obras de la nueva escuela mexicana de pintura que realmente me conmueve”. José Luis Cuevas, 1972. $46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,590-$3,370

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SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Mensaje de paz

Firmado y fechado 74 Óleo sobre masonite 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de la artista adherido al reverso. Esta obra fue realizada con el fin de ser el diseño del telón de boca del Teatro de las Américas, a inaugurarse en 1976. Sofía Bassi estudió Filosofía en la UNAM, fue alumna de José Bardasano y realizó estudios de arte en Venecia y Roma. A pesar de que la vida de Sofía fue un subibaja, su carrera artística siempre se mantuvo firme ante su fuerte personalidad, pues en 1968 ingresó a la cárcel de Acapulco por el asesinato del esposo de su hija Claire; habiendo sido un accidente, ella cumplió una condena de cinco años. Durante esta difícil etapa continuó ejerciendo la pintura realizando su primer mural en la pared de la prisión con la colaboración de sus amigos José Luis Cuevas, Rafael Coronel, Alberto Gironella y Francisco Corzas. Pasado el tiempo y ya siendo una mujer libre, formó parte del Comité de Derechos Humanos en Nueva York y sus obras viajaron a diversas exposiciones en importantes galerías e instituciones culturales de París, Estocolmo, Tel Aviv, Bruselas, la Ciudad de México y Estados Unidos. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 142.

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,990-$12,360

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SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Sin título

Firmado y fechado 87 Óleo sobre masonite 60 x 75 cm Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de la artista. Agradecemos a Franco Bassi, hijo de la artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. “Yo descubro en la pintura de Sofía Bassi una cualidad inquietante: la que el paisaje transcurre al margen, no de un tiempo precisable, sino del tiempo en sí. Ella intuye un universo absolutamente intemporal. Esta es la primera fase de una operación mística de los sentidos […] Las ciudades que sueña Sofía Bassi están contenidas en estructuras de cierto espacio, que envuelven todos los elementos de su mundo en una interioridad automultiplicante, de tal manera que su mundo es siempre un mundo interior de sí misma”. Salvador Elizondo. Fuente consultada: ELIZONDO, Salvador. Sofía Bassi. Los continentes del sueño. México. Artes de México, 1974, pp. 13 y 15.

$50,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,810-$3,370 86


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JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Sin título

Firmado y fechado 1956 Óleo sobre tela 78 x 98.5 cm Agradecemos a Flora Guerrero y a Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Su educación artística comenzó el National School of Plastic Arts en San Antonio Texas, donde vivía con su madre y hermana. A su regreso a México estudió con el pintor José Vizcarra, posteriormente se unió al grupo “Banderas de Provincia” al lado de otros pintores como Raúl Anguiano, José Guadalupe Zuno y Agustín Yáñez. En 1942 fue invitado como artista residente por la University of New Mexico en Albuquerque, ahí realizó un fresco titulado “The Union of the Americans Associated for Freedom”. En 1977 se le rindió homenaje póstumo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. De las exposiciones en las que participó destacan “Golden Gate” en San Francisco, California, “Twenty Centuries of Mexican Art” en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y “Modern Mexican Painters” en el Instituto de Arte Moderno de Boston y en México tuvo su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano. “Hombre de su lugar y su tiempo, conciliador de modalidades, Guerrero Galván se esforzó por disciplinar su vida interior para lograr un lenguaje equilibrado, original y significativo”. Berta Taracena. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996 Pág. 120 y sitio oficial de la Colección Blaistein www.museoblaisten.com

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $30,900-$39,330 87


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JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Bodas de Canáa

Firmado al frente. Firmado y fechado Mex 53 al reverso Óleo sobre tela 156 x 216 cm Virtuoso del color, dibujante excelso e impecable pintor, José Bardasano creó un arte entre guerras, donde sus carteles se utilizaron como instrumentos revolucionarios y de propaganda. La crítica lo recuerda como el artista que supo imprimir el carácter más bélico y heroico en un cartel. Su inconfundible estilo realista, se adecuó bien a las circunstancias agresivas de la época, no obstante no todos sus temas retrataron su tiempo, ya que utilizó escenas provenientes de ciertos pasajes históricos para expresar aquel sentido crítico, el cual aumentó cuando comenzó a viajar. Fue en su cumpleaños número 25, cuando obtuvo la beca Conde de Cartagena, la cual le permitió ir por primera vez a Francia, Bélgica, Inglaterra y Holanda. Estos tiempos fueron clave para ampliar su bagaje cultural y la conformación de su concepto pictórico. Fue un artista que pintó hasta el último momento, pues la pintura, aparte de entrañar su vía de expresión, fue para él, fundamentalmente una función fisiológica, era su vida misma. Fuente consultada: sitio oficial del Museo del Prado www.museodelprado.es

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $44,500-$56,180 89


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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Sin título

Firmado y fechado 24 Óleo sobre cartón 40.5 x 33 cm Procedencia: perteneció a la colección particular del Conde René Philipon, quien fuera mecenas del Maestro Zárraga. Presenta ligeros detalles de conservación. En la década de los años 20 y 30, la obra de Ángel Zárraga era muy cotizada en París y se exhibía con frecuencia en diversas galerías de arte del país. No obstante, su estilo cubista con el que había estado trabajando lo rezagó y decidió regresar a su fuente original de inspiración: los maestros franceses del siglo XIX. Así, a la par de la ejecución de sus famosos futbolistas, realizó escasos bodegones y escenas costumbristas, obras de gran sencillez y sinceridad pictórica. Estas obras fueron el resultado de algunos trabajos anteriores como los frescos ejecutados en el Château de Vert-Cœur en Chevreuse, cerca de Versalles y la decoración que hizo en 1924 de la iglesia de los Mínimos en Réthel, la cual contiene una clara influencia de Bourdelle. Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp. 26-29.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $28,090-$39,330 90


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JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - ) Comienzo

Firmado y fechado 20-II-2016 al reverso Óleo sobre tela 50 x 60 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Publicado en: GAITÁN ROJO, Carmen (Coord.). Relumbrante oscuridad. La manifestación del misterio. Encuentros entre el neo-romanticismo de Juan Carlos del Valle y la colección del MNSC. México. Secretaría de Cultura, INBA, Museo Nacional de San Carlos, 2018, pp. 72 y 73 y en Catálogo de la Primera Bienal Nacional de Pintura “Luis Nishizawa”. México. Secretaría de Cultura-Impresos Blanquel, 2017. Exhibido en: - “Primera Bienal Nacional de Pintura ‘Luis Nishizawa’”, muestra colectiva presentada en el Museo Taller Luis Nishizawa en Toluca, Estado de México, en mayo-junio del 2017. - “Involución”, proyección pictórica en escenario para el performance musical y dancístico Misa Flamenca Ave Maris Stella. Dallas City Performance Hall en Texas, Estados Unidos, en febrero del 2017. - “Relumbrante oscuridad. La manifestación del misterio. Encuentros entre el neo-romanticismo de Juan Carlos del Valle y la colección del MNSC”, muestra presentada en el Museo Nacional de San Carlos en la Ciudad de México, del 09 de diciembre del 2017 al 25 de marzo del 2018. “Los imaginarios no racionales siempre han estado presentes en la reflexión estética del artista. Admirador de la literatura y el cine de terror desde su niñez, el artista ha recurrido a imaginarios míticos, místicos y fantásticos para sugerir la coexistencia de distintas realidades. Formado en el dominio del realismo español decimonónico, Del Valle ha reinterpretado el concepto convencional de realidad insinuando su polivalencia a través de un lenguaje que, de manera simultánea, representa y evoca sin representar”. Blanca González Rosas. Fuente Consultada: GAITÁN ROJO, Carmen (Coord.). Relumbrante oscuridad. La manifestación del misterio. Encuentros entre el neo-romanticismo de Juan Carlos del Valle y la colección del MNSC. México. Secretaría de Cultura, INBA, Museo Nacional de San Carlos, 2018, Pág. 28.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 91


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JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 60 x 50 cm Presenta desprendimientos de capa pictórica y una ligera rasgadura. $100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,620-$10,110 92


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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Sin título

Firmado Óleo sobre tela sobre cartón 34 x 44 cm Ángel Zárraga presentó aptitudes artísticas desde joven, las cuales desarrolló formalmente cuando sus dibujos fueron publicados en la Revista Moderna entre 1902 y 1903, año en el que ingresó a la Academia de San Carlos. En aquella institución perfeccionó sus aptitudes para la pintura y bajo la influencia de su maestro Julio Ruelas, se embarcó con destino a Europa. A su llegada, asistió a la Real Academia de Bruselas y mediante una beca se trasladó a España para tomar clases con Joaquín Sorolla. Regresó a México en 1907 con el fin de montar su primera exposición individual, no obstante volvió a España en 1908 y al año siguiente viajó a Venecia, Florencia, Múnich y París para participar en diversas exposiciones colectivas. Tras vivir casi treinta años en tierras europeas, se vio obligado a regresar definitivamente a México en 1941 e inmediatamente fue buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura mexicana. Europa fue para él un cúmulo de enseñanzas e influencias artísticas, como lo fue el cubismo, el simbolismo y el realismo. Su experimentación vanguardista lo condujo a pintar diferentes temáticas, destacando las escenas religiosas, los bodegones y las representaciones deportistas, sobre todo el futbol. Su pintura de caballete fue de gran importancia al igual que los murales que se le encomendaron, labor que comenzó en Francia y por los cuales fue distinguido por los cánones de los pintores mexicanos de la primera mitad del siglo XX. Actualmente su obra se encuentra en importantes colecciones de museos de América y Europa, y se le ha dedicado un gran número de publicaciones que rinden tributo a su trabajo, además uno de los recintos más antiguos y emblemáticos de Durango es hoy en día el Museo de Arte Contemporáneo Ángel Zárraga, el cual alberga una importante exposición del artista. Fuente consultada: ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp. 9-40.

$550,000.00-$700,000.00 M.N. USD $30,900-$39,330 93


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JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Recolectoras de frutas

Firmado y fechado Madrid Mayo 66 Óleo sobre tela 121 x 250 cm $800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $44,500-$56,180 94


José Bardasano fue un pintor madrileño virtuoso del color, excelente dibujante y arduo representante de la norma estética. Su trabajo es fruto de un cultivo de temas costumbristas nacidos en dos continentes, pues sus múltiples viajes a causa del exilio por guerras, le ampliaron el panorama plástico. No obstante, a pesar de que se identificó con las ideas del muralismo mexicano, optó por un camino propio, pues su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española sobreponiéndose a todas las influencias. Fue así, que su inconfundible estilo realista se adecuó bien a las circunstancias y realizó una larga serie de retratos, paisajes y bodegones, así como temas costumbristas y festivales latinos con personajes pertenecientes a la vida moderna pero con un estilo clásico europeo digno de su formación. Vivió dedicado a la pintura, una dedicación que él explicaba llanamente como una auténtica necesidad fisiológica. En su momento, su producción alcanzó un gran reconocimiento y su prolífica carrera ha traspasado los años, y actualmente se le han realizado diversas exposiciones en importantes instituciones y museos, como las montadas el Museo Carmen Thyssen Málaga y el Museo del Prado en Madrid, España. Además, su obra forma parte de destacadas colecciones públicas y privadas de galerías y museos de países de Europa, América y Asia. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 106 y sitio oficial del Museo Carmen Thyssen de Málaga www.carmenthyssenmalaga.org

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JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 Guanajuato, Guanajuato, 2002) Calle del viejo puente

Firmado y fechado 70 Óleo sobre tela 160 x 75 cm Publicado en: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones La Rana, 2001, catalogado 59. Exhibido en: “Chávez Morado: Exposición retrospectiva”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, de junio a septiembre de 1988. Con etiquetas del Museo del Palacio de Bellas Artes y de Plástica de México. Ya establecido definitivamente en Guanajuato, José Chávez Morado ejecutó, sin remuneración, varios proyectos como empleado del Estado, creando campos de acciones culturales y educativos muy fructíferos, incluyendo la realización de murales. Por su convicción y causa, fue galardonado con el Premio Nacional de Artes y, al recibir aquella máxima distinción otorgada por el gobierno, comentó: “En el arte no debemos llegar a definiciones tajantes que nos den un claroscuro condenatorio…Convivamos, laboremos y no nos discriminemos…Este propósito no debe tomarse como si fuese indefinido en mi obra… He sido un pintor que desea dialogar con su pueblo…”. Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones la Rana, 2001, Pág. 59.

$650,000.00-$750,000.00 M.N. USD $36,520-$42,130

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JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) Proyecto para un monumento, 1960

Firmado al reverso Óleo sobre tela 100 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Marcel González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Procedencia: adquirido directamente al artista. Publicado en: “Revista. La pluma del ganso”. México. La pluma del ganso, año 12, número 50, marzo-mayo 2008, contraportada. Jorge González Camarena fue un destacado pintor y escultor jalisciense considerado como uno de los representantes más importantes de la segunda generación de muralistas mexicanos. Fue un dibujante nato, que mostró un gentil y fino trato estético en cada una de sus obras, las cuales realizó mediante la pintura de caballete y mural, así como la realización de esculturas de formatos medianos y monumentales. Fue un artista interesado en la difusión y preservación de la cultura mexicana a través de su obra y por ello recibió varios premios y reconocimientos en México y el extranjero. Algunas de estas obras se encuentran en instituciones de gran importancia, como el Palacio de Bellas Artes, el Castillo de Chapultepec y el Museo de Antropología e Historia en la Ciudad de México. Además, pintó por encargo para el Instituto Mexicano del Seguro Social, para el edificio de Televicentro y para la Casa de Estudios del Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, entre otros. Su indiscutible entrega al arte lo colocó a través de los años como uno de los pintores más completos y cuya obra prevalece por su temática equilibrada en el campo histórico y social de México. Por esto y más, este año se aprobó el dictamen para declararlo como Benemérito del estado de Jalisco, acordando colocar una escultura conmemorativa en la Plaza de los Jaliscienses Ilustres. Fuente consultada: LUNA ARROYO, Antonio. Jorge González Camarena en la Plástica Mexicana. México. UNAM, 1981, Pág. 39.

$950,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $53,370-$84,270 97


“Nunca me he preocupado con el problema del modernismo. Mi pintura y escultura recapitulan en gran medida la historia del arte. Pero inevitablemente pertenece a este siglo. Lo importante para mĂ­ es que cualquier persona que mire uno de mis trabajos lo reconozca como un Boteroâ€?. Fernando Botero.

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FERNANDO BOTERO

(Medellín, Colombia, 1932 - ) El cardenal

Firmado y fechado 79 Óleo sobre lino 162 x 202 cm Con certificado de autenticidad del artista, 1996. Procedencia: adquirido en Marlborough Gallery. Publicado en: PAQUET, Marcel. Botero. Philosophy of the Creative Act. E.E. U.U. Mallars Press, 1992, Pág. 76, catalogado 95. Presenta detalles de conservación. En 2012 se realizó la mayor retrospectiva que haya tenido el artista compuesta por 177 obras, en el marco de la celebración de sus 80 años en el Palacio de Bellas Artes. También en su ciudad natal se conmemoraron los 80 años con la exposición “Viacrucis: La pasión de Cristo” en el Museo de Antioquia, para esta ocasión la muestra estaba conformada por 27 óleos de gran formato y 33 dibujos, expuestos por primera ocasión en Colombia. Además, la gira mundial de las exposiciones de Botero contó con esculturas monumentales en España, Italia y otros países de Latinoamérica. “El artista colombiano, que vivió a principios de los sesenta en Nueva York, laboratorio de la vanguardia contemporánea, y conoció de cerca a genios de la abstracción como Willem de Kooning o Mark Rothko, siempre ha mantenido la mirada puesta en patrones pasados: el arte precolombino, el ‘quattrocento’ italiano y el muralismo mexicano del siglo XX”. Pablo de Llano. Fuentes consultadas: Botero. La corrida. Óleos, acuarelas, dibujos. México. Museo Rufino Tamayo, CONACULTA, INBA, Embajada de Colombia en México, 1989 y DE LLANO, Pablo y ESGUERRA, Cristina. “El mito de Fernando Botero engorda en Latinoamérica”. México. El País, sección Cultura, marzo del 2012.

$19,600,000.00-$21,000,000.00 M.N. USD $1,050,000-$1,300,000 101


Anverso

Reverso

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FERNANDO BOTERO

(Medellín, Colombia, 1932 - ) El jardinero

Firmado y fechado 63 Lápiz de grafito sobre papel 31.9 x 25.6 cm Doble vista. Es el artista colombiano más importante, internacionalmente conocido por su obra pictórica y escultura en bronce, resina o mármol de figuras con proporciones anatómicas desbordantes, donde representa a personajes, paisajes, escenas costumbristas, taurinas y algunos bodegones. “Afirma Fernando Botero que la razón secreta que explica los volúmenes monstruosos de su pintura es que así se crean campos de color. Pero también reconoce que quizá solo se trate de obsesiones y que sabe que morirá con ellas”. Fuente consultada: ANTOLIN, Enriqueta. “Fernando Botero dice que pinta gordos para crear campos de color”. Madrid. El País, sección Cultura, octubre de 1992.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,050-$19,670

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ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Pueblo de pescadores

Firmado y fechado 54 Gouache y crayón sobre papel 48.5 x 65 cm Presenta ligeras craqueladuras y detalles de conservación. “Admirador de los impresionistas y de les fauves por algún tiempo, ha logrado alcanzar una personal síntesis, aquilatando cuidadosamente las más valiosas experiencias derivadas del estudio de la tradición europea […] Basándose en las formas naturales, Zalce les da un significado especial por la libre armonía de las proporciones recreadas por su fina sensibilidad. Una sutil elegancia que en ocasiones llega hasta el exotismo, subyuga en algunos de sus temas más simples, precisamente para probar que en su pintura todo es libertad, y que él organiza el cuadro según conviene a sus ideas o sentimientos”. Berta Taracena, 1969. $160,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,990-$14,050

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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Valle de México

Firmado y fechado 99 Temple sobre lino sobre madera 122 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. Realizó sus estudios en la Academia de San Carlos, trabajó como asistente de los artistas José Chávez Morado y Alfredo Zalce y durante décadas se dedicó a la docencia artística con jóvenes. Es considerado como uno de los pintores paisajistas mexicanos más trascendentes, la iconografía de Nishizawa está conformada en grandes formatos y panorámicas a través de óleos, tintas y acuarelas principalmente, mediante las cuales representa volcanes, bodegones o naturalezas muertas, abstracciones, así como aspectos de la cultura japonesa provenientes de su padre y de la cultura popular mexicana. Nishizawa fue un artista que vivió en el contexto muralista y de la Escuela Mexicana por lo que se vio fuertemente influenciado por las corriente artísticas; en este sentido realizó varias obras en este formato en el metro de Tokio en Japón, en la unidad del ISSSTE en Celaya y en el Centro Cultural Mexiquense en Toluca, sitio en el que se ubica el Museo Taller Luis Nishizawa inaugurado en 1992, y del Archivo General del Estado de México. Su primera exposición fue en el Salón de la Plástica Mexicana, participó en la Bienal Internacional de Tokio, en la Trienal de Grabado en Buenos Aires, en la Bienal de São Paulo, recibió la Presea Estado de México, en el área de Ciencias y Artes en 1984. Parte de su obra se encuentra resguardada en el Museo de Arte Carrillo Gil. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $50,570-$67,420

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DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Paisaje campestre

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 9.8 x 14.2 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista. “No puedo pintar sin ver y sin pensar; en consecuencia, pienso según lo que veo y pinto según lo que veo y pienso”. Diego Rivera. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, Pág. 62.

$50,000.00-$90,000.00 M.N. USD $2,810-$5,060

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CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Paisaje

Firmado y fechado 1961 Óleo sobre tela 50 x 60 cm Exhibido en: “De propuestas y variaciones”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México y en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara, en 1996; mencionado en el listado de obra del catálogo. Con etiquetas del Museo Palacio de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y Galería Central de Arte Moderno Misrachi. “Obras tiene, este pintor, que se dirían precedentes de una inspiración de muchos años atrás. Otras, de repentino anhelo […] Cierto es que unas obras de Orozco Romero pueden comprenderse bajo el epígrafe de paisajes, otras bajo el de retratos, y otras bajo el de composiciones. Pero los paisajes por igual podrían titularse ensayos hacia una arquitectura del paisaje. Y para todas, el rótulo general habría de ser: afloración de un sentimiento mexicano, a través de formas, volúmenes y colores. Se ha empleado el calificativo de ‘amoroso’ para la labor de este artista; él mismo dice: ‘La pintura es un arte que expresa un todo y justifica la existencia del hombre: por ser tan amplia, no la debemos limitar. La expresión humana es infinita, tan grande como el planeta en que vivimos… El artista que limita su vida a un solo sector, limita su obra. El artista de capacidad está atento a todo aspecto humano […] Siempre debemos encontrar en nuestra obra el amor y la pasión’”. Margarita Nelken. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, Pág. 22.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860

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JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935) Marina

Sin firma Óleo sobre tela 60 x 80 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, diciembre de 1995. Procedencia: perteneció a la colección del Sr. Don Jesús Trillo, contador y amigo del artista. Hablar de la pintura de paisaje en México sería inabarcable por la vasta producción de increíbles artistas en su historia, sin embargo, es necesario reconocer la obra del maestro José María Velasco, Dr. Atl y de su amigo el impresionista Joaquín Clausell. La producción del pintor puede entenderse en tres etapas, las dos primeras son obras en caballete, que abarcan temáticas de marinas, grandes olas y agitadas corrientes marítimas así como caudalosos ríos, cascadas, lagunas, tormentas y acantilados; lienzos del cuerpo femenino, desnudos con alto grado de erotismo y sexualidad, y debido a que fue un hombre religioso, realizó en menor cantidad lienzos acerca de Jesucristo en la Cruz o en el Calvario. En cuanto a la tercera etapa del pintor, realizó sorprendentes pinturas al óleo en los muros de su taller, que hoy es el Museo de la Ciudad, al respecto Justino Fernández escribió: “Parece como si en aquellos muros hubiese dejado un diario de sus anhelos, de sus inquietudes y de los fantasmas de su imaginación; ahí está todo lo que no se encuentra en sus cuadros, pues principalmente son figuras humanas, los desnudos son frecuentes y se mezclan con paisajes, cabezas de leones, monstruos, recuerdos y alucinaciones. “Joaquín Clausell. Impresionista que en un principio, sin llegar a la formalidad constructiva de un Cézanne, ni caer como más tarde lo hiciera en las brumas, nos da un ambiente mexicano de admirable colorista”. Manuel Rodríguez Lozano. Fuente consultada: MOYSSÉN, Xavier. Joaquín Clausell. Introducción al estudio de su obra. México. UNAM, 1992, pp. 7, 29, 59, 60, 72, 73.

$1,200,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $67,420-$112,360

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Gerardo Murillo “Dr. Atl”

Gerardo Murillo Cornado fue un destacado pintor, un refinado dibujante y caricaturista, un asiduo escritor, ensayista y filósofo, un persistente explorador, geólogo y vulcanólogo, crítico de arte, político, revolucionario, admirador de la historia del arte universal y un inalcanzable amante de la naturaleza. Nació en Guadalajara, Jalisco, ciudad donde inició su amor al arte bajo la tutela de Félix Bernardelli, quien le enseñó las herramientas para iniciarse como artista y la necesidad de conocer las vanguardias europeas. Tras aquellos consejos, se dirigió a Europa en 1987; sus actividades en el viejo continente incluyeron no solo la pictórica, sino también el periodismo y los estudios en filosofía. Fue la época en la que comenzó a recibir sus primeros reconocimientos importantes, destacando la medalla de plata que le fue otorgada tras lograr exponer un autorretrato al pastel en el Salón de París. Italia fue también una fuerte influencia para él, allí pudo estudiar el arte de los antiguos maestros del Renacimiento, obras de las cuales aprendió la estructura del paisajismo y el tradicional divisionismo que posteriormente uso como referencia para sus propios paisajes. A su regreso a México, la Academia de San Carlos lo contrató como docente, no obstante tuvo diversas disputas por las formas de enseñanza, las cuales desembocaron en una huelga estudiantil en 1911, revuelta en la que Gerardo Murillo no participó pues ya planeaba su segundo viaje a Europa. En el trayecto a Francia, el barco fue azotado por una tormenta, momento en el cual decidió apodarse “Atl” que significa agua en náhuatl. Ya en París, su amigo Leopoldo Lugones le dijo: “solo Atl está muy feo”, bautizándolo entonces como “Dr. Atl”. Durante su estancia en la ciudad colaboró en la revista “L’Action d’Art” y realizó diversas exposiciones. Tras enterarse de los conflictos políticos y sociales que azotaba México, regresó en 1914 y se integró a una ardua labor con Venustiano Carranza. Bajo su perfil de artista vanguardista se le consignaron tareas, entre ellas gestionar que los ejércitos de Emiliano Zapata se sumaran al gobierno carrancista, realizar propagandas revolucionarias y dirigir la Escuela Nacional de Bellas Artes, institución de la cual fue director logrando ejercer una fuerte influencia en la comunidad artística. En 1916 se autoexilió a Estados Unidos y tras casi cuatro años en Los Ángeles, California decidió regresar a México para participar en diversos proyectos culturales, arqueológicos y antropológicos, los cuales culminaron con la planificación de La Ciudad Internacional de la Cultura que denominó “Olinka”. Entre la década de los 20 y 40, construyó una fructífera labor editorial, algunos libros incluían tanto textos como bocetos y dibujos acompañados por fotografías de Guillermo Kahlo. En este período, conoció a María del Carmen Mondragón, hija del general Manuel Mondragón, de quien se enamoró y bautizó como “Nahui Olin”, en náhuatl “cuatro movimientos”. 1949 fue un año difícil, pues sufrió la amputación de la pierna derecha, lo que le impidió continuar con sus estudios de vulcanología, actividad que comenzó a realizar desde principios de los años 20, en especial las expediciones que hacia al volcán Paricutín desde su yacimiento en 1943. Aquel incidente, lo impulsó a crear el “areopaisaje”, una nueva técnica que consistía en sobrevolar los cielos, permitiéndole alcanzar una visión mucho más amplia de los volcanes, montañas y valles; así, junto con la aplicación de la perspectiva curvilínea creó espectaculares cuadros con una específica vitalidad telúrica del espacio y vibrantes combinaciones de la luz en la atmósfera. Sus paisajes fueron toda una revelación para el arte mexicano, pues los detalles por los cuales se caracterizó estaban lejos de inscribirse en las preocupaciones nacionalistas de la época. Empero de su personal estilo paisajista, la creación de la figura humana fue la más moderna. Su interés por este género fue escaso, sin embargo los pocos que realizó fueron en su mayoría retratos de su amada Nahui Olin y autorretratos, en los cuales se puede apreciar el gusto por marcar la mirada y el ceño con el fin de estampar los rasgos que destacan la personalidad. Los autorretratos fueron un registro de su aspecto ya que realizó pinturas y dibujos desde su juventud hasta la edad avanzada. Gustaba representarse solo, o con la misma altivez de sus entrañables volcanes y valles. La técnica pictórica es también un tema a destacar, ya que la mayor parte de su trabajo fue realizado con tinta, lápiz, pastel, óleo, témpera y un tipo de pasteles grasos que él mismo creo y bautizó como “Atl colors”. Para la historia del arte mexicano Dr. Atl es un personaje trascendental que revolucionó el término de “modernidad”, ya que influenció fuertemente en la vida política y cultural del país a través de recursos nunca antes usados bajo la ejecución de proyectos, textos, pinturas y teorías realizadas durante sus múltiples viajes. Fue un hombre con energía, de personalidad rica y compleja, quien a pesar de su condición física nunca perdió el espíritu explorador, falleciendo en plena actividad artística el 15 de agosto de 1964. Actualmente su herencia estética forma parte de importantes colecciones privadas y toda su obra ha sido declarada monumento histórico. Fuentes consultadas: ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, pp. 22-25 y MANRIQUE, Jorge Alberto et ál. Dr. Atl. Obras maestras. Dibujos y bocetos. México. Turner, 2012, pp. 27-56.

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“En efecto, no nací pintor. Pero nací caminante. Y el caminar me ha conducido al amor por la naturaleza y al deseo de representarla”. Dr. Atl, fragmento del ensayo “El paisaje”, 1933.

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GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Autorretrato

Firmado y fechado 1958 Atl colors y pastel sobre masonite 56 x 43.5 cm - Con documento del Instituto Nacional de Bellas Artes-Extensión cultural UNAM, especificando la solicitud de préstamo de la obra a la exposición “Dr. Atl: conciencia y paisaje”, octubre de 1984; carta de agradecimiento por el préstamo de la misma y actas del Museo Nacional de Arte especificando la devolución, abril de 1985. - Con documento del Museo Biblioteca Pape, especificando el préstamo de la obra a la exposición “Retrospectiva del Dr. Atl”, junio de 1985. - Con documentos del Museo Colección Blaisten y del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, especificando el préstamo de la obra a la exposición “Dr. Atl: Obras Maestras”, noviembre del 2011 y marzo del 2012. Publicado en: - PELLICER, Carlos et ál. Dr. Atl. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1974, Pág. 55. - ROURA, Alma Lilia et ál. Dr. Atl: conciencia y paisaje. México. MUNAL, 1985. Pág. 21, catalogado 82. - ROURA, Alma Lilia. Dr. Atl, paisaje de hielo y fuego. México. CONACULTA, 1999, Pág. 51. - MANRIQUE, Jorge Alberto et ál. Dr. Atl. Obras maestras. Dibujos y bocetos. México. Turner, 2012, Pág. 255. - La Jornada, sección Cultura, apartado F, domingo 6 de agosto del 2006. Exhibido en: - “Dr. Atl: conciencia y paisaje”, muestra presentada en Museo Nacional de Arte y en el Palacio de Minería en la Ciudad de México, de diciembre de 1984 a marzo de 1985. - “Retrospectiva del Dr. Atl”, muestra presentada en el Museo Biblioteca Pape en Monclova, Coahuila, de junio a septiembre de 1985. - “Dr. Atl: Obras Maestras”, muestra presentada en el Salón Juárez del Centro Cultural Universitario Tlatelolco en la Ciudad de México, de diciembre del 2011 a abril del 2012 y en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, de mayo a septiembre del 2012. Con etiqueta del Museo Nacional de Arte. Esta obra fue seleccionada para ser la imagen de un timbre postal conmemorativo de Correos de México en 1975, impreso por el taller de estampillas y colores de H. Domínguez como un homenaje al terreno de la cultura y las artes en México. $1,000,000.00-$1,500,000.00 M.N. USD $56,180-$84,270

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Detalle 113


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ARTURO RIVERA

(Ciudad de México, 1945 - ) Exorcismo en la ciudad de Añatán, autorretrato

Firmado y fechado 96 Óleo sobre tela sobre madera 150 x 100 cm Exhibido en: “Arturo Rivera: Bodas del cielo y del infierno”. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, MARCO, de junio a noviembre de 1997 y en “México eterno: arte y permanencia”. Museo del Palacio de Bellas Artes, diciembre de 1999 a marzo del 2000. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes y del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey. Presenta ligeros detalles de conservación. La obra formó parte de la exposición “Arturo Rivera: Bodas del cielo y del infierno” título basado en la obra con el mismo nombre del poeta y pintor inglés William Blake. Vivió en Nueva York durante ocho años, donde realizó por un 114

periodo labores que no estaban ligadas al quehacer artístico, sin embargo regresó a México, donde actualmente vive y trabaja, atendiendo la invitación del Museo de Arte Moderno donde expuso por primera ocasión. Su obra se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey en México, en el Instituto Cultural Mexicano en Washington y colecciones privadas en Houston y Nueva York, en Estados Unidos. Además en el Museo de la Tertulia de Cali en Colombia y en el Banco Central de Quito en Ecuador, en el Haus der Kunst de Munich en Alemania, la Casa de las Américas en Cuba y en el Instituto para la Cultura Puertorriqueña. “[…] Arturo Rivera propone que la razón y la energía son opuestas. Aquella proviene del “cielo” y ésta del “infierno”. El equilibrio entre las dos se media en el matrimonio o las bodas del cielo y del infierno”. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.arturorivera-pintor.com y sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, MARCO www.marco.org.mx

$900,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $50,570-$67,420


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CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Autorretrato

Firmado y fechado 1969 Óleo sobre tela 100 x 80 cm Exhibido en: “Compulsivamente YO”. Biblioteca Central de la Universidad de Monterrey, de septiembre a octubre de 1994. Con etiqueta de la Biblioteca Central de la Universidad de Monterrey. Presenta ligeros detalles de conservación. Entre tantas pinturas realizadas por Orozco Romero, además del paisaje, fue el retrato uno de sus géneros más solicitados; pintaba autorretratos y casi exclusivamente retratos de mujeres y los ejecutaba principalmente por encargo. Cuando se enfrentaba a una modelo, aunque tenía en mente su formación realista, se olvidaba de las modalidades tradicionales y simplemente interpretaba; dejaba fluir la influencia contemporánea, revelando una creación espontánea, sintetizando los principales rasgos físicos y subrayando el porte y carácter de la modelo, dando como resultado retratos de gran calidad artística. Fuente consultada: NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, pp. 29 y 30.

$260,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,600-$19,670 115


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LUIS CRUZ AZACETA

(La Habana, Cuba, 1942 - ) Self portrait: throwing the devil out and keeping an ear on my muse

Firmado y fechado May 1981 New York al reverso Acrílico sobre tela 170 x 170 cm Presenta ligeros detalles de conservación La violencia urbana, el aislamiento personal, los abusos y las presiones de los gobiernos han sido temas determinantes en la obra del cubano Luis Cruz Azaceta. Realizó sus estudios en Cuba y Nueva York, donde vivió algunos años estudiando el estilo figurativo y abstracto. En la década de los 80, sus composiciones de colores sombríos resaltaron estados de ánimo de las figuras distorsionadas. Poco a poco fue creando su personalidad artística, la cual resultó ser rebelde e hiperactiva, con la cual desarrolló su arte no solo con fines de satisfacción estética, sino como una manera de enfrentar el mundo. Las obras de Azaceta han sido apreciadas en más de 100 exposiciones individuales en Estados Unidos y diversos países de Europa y América Latina. Actualmente el Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, el Museo Smithsonian American Art en Washington, los Museos de Bellas Artes de Boston y de Caracas, y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en México, albergan obra de este reconocido artista. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luiscruzazaceta.net

$300,000.00-$500,000.00 M.N. USD $16,860-$28,090 116


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ARNALDO ROCHE RABELL

(San Juan, Puerto Rico, 1955 - ) Autorretrato, You leave me empty

Firmado y fechado ’93 Óleo sobre tela 153 x 214 cm Inició su formación artística en la Escuela Superior Lucchetti, posteriormente ingresó en la Escuela de Arquitectura en la Universidad de Puerto Rico donde estudió diseño e ilustración y realizó la Maestría en Bellas Artes en la School of the Art Institute of Chicago, en esta ciudad continuó su carrera como pintor. En la década de los setenta realizó pinturas expresionistas y pasteles donde predomina la figura humana y autorretratos en gran formato. Su obra forma parte de las colecciones más importantes a nivel internacional: The Metropolitan Museum of Art y Bronx Museum of Art en Nueva York, Museum of Fine Arts en Houston, The Art Institute of Chicago, Virginia Museum of Fine Arts, University of Texas, Miami Art Museum en Estados Unidos. En cuanto a Puerto Rico albergan su obra en el Museo de Arte Contemporáneo, Museo de Arte de Bayamón, Museo de Arte de Ponce y Museo de Historia, Antropología, por mencionar algunos. “La obra de Roche Rabell es una de fuerte contenido psicológico, en la que acomete temas relacionados al hombre y su naturaleza. El artista trabaja mayormente los géneros del retrato, el autorretrato y el paisaje en composiciones de tamaño heroico. El color y las múltiples texturas logradas a través del uso de técnicas como el frottage y el impasto, así como el empleo de otros recursos como la escritura, resultan en una propuesta fuertemente expresiva y de gran intensidad”. Fuentes consultadas: sitios oficiales de la Colección Blaisten www.museoblaisten.com y del Museo de Arte de Puerto Rico www.mapr.org

$750,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $42,150-$56,180 117


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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título

Firmado y fechado México 1977 al reverso Óleo sobre tela 100 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, febrero del 2005. Procedencia: perteneció a la colección de Andrés Blaisten, con documentos de sesión de derechos; colección particular, México. $3,800,000.00-$5,000,000.00 M.N. USD $213,490-$280,900 118


Pedro Coronel se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional a partir de los años 60 para tomar un camino más personal, a lo cual contribuyeron sin duda sus prolongadas estancias en el extranjero. Residió en París y Roma un tiempo, y a su regreso a México presentó una exhibición en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, en la cual los críticos pudieron admirar ese cambio personal, donde la obra muestra un olvido por las texturas, el uso de planos lisos, una vivencia fuerte del color que fluye sin ataduras ni intenciones anecdóticas, una pintura mucho más espacial, sin perspectivas y engaños superficiales. Sobre aquellas obras, Justino Fernández mencionó: “Pedro Coronel ha dado en el clavo, a mi parecer, en la hora presente, retrayendo la pintura a su dos componentes esenciales, la línea y el color; en ellas esta su fuerza, su bravura, su pasión”. Así comenzaron los años 70 para Pedro Coronel, lleno de exposiciones y buenas críticas. En 1975 exhibió su obra en el homenaje póstumo a Justino Fernández en el Museo del Palacio de Bellas Artes y al año siguiente realizó la escenografía y el vestuario de la obra “Tempestad” de William Shakespeare dirigida por Juan Ibáñez. En 1978 ejecutó algunos murales en la Ciudad de México y el estado de Zacatecas lo acredita como Hijo Predilecto de Zacatecas. En 1983, a unos años de su fallecimiento, se inauguró el museo que lleva su nombre, con la donación de su colección de arte universal, ubicado en el Ex-Colegio de San Luis Gonzaga de la ciudad de Zacatecas. Fuente consultada: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 183 y 185.

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GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Tótem

Firmada y fechada 95 Escultura en bronce 5 / 6 105 x 110 x 18 cm Con certificado de Impronta Editores México, junio de 1996. Publicada en: TOVAR DE TERESA, Rafael et ál. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 148, 156 y 157. Esta obra forma parte del grupo escultórico con el que Gunther Gerzso participó en el proyecto “Libertad en bronce 2000”, una exposición planeada en 1998 y la cual puso al alcance de la ciudadanía 88 esculturas de 11 renombrados artistas en el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México. Gunther Gerzso nació en el seno de una familia multicultural, hijo de un inmigrante húngaro y una cantante y pianista berlinesa. A pesar de haber sido educado en Europa, su formación artística se estructuró a su llegada a México, donde inició haciendo escenarios para obras de teatro; no obstante, su mayor producción de estos diseños se desarrolló en 1935 cuando obtuvo una beca para estudiar en Cleveland Playhouse. Para la década de los 40, a su regreso a México, participó en diversas actividades cinematográficas, trabajando con Luis Buñuel, John Ford e Yves Allegret, entre otros. Estas actividades fueron objeto de un homenaje póstumo en el año 2000 al entregarle el Ariel por su aportación al cine mexicano. La pintura y la escultura fueron para él un amor secreto, trabajos que realizó inspirados en el surrealismo y objetos geométricos. En 1950, Inés Amor le organizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano, lugar donde expuso periódicamente con gran éxito; fue la época en la que decidió dedicarse por completo a la pintura. En 1970, el Museo de Phoenix, Arizona, le dedicó una exposición retrospectiva y en 1973 recibió la beca Guggenheim. Posteriormente, su trabajo fue expuesto, además de en galerías mexicanas, en destacadas instituciones de Nueva York y París. Fuente consultada: “Inmigración y diversidad cultural. Los mexicanos que nos dio el mundo”. México. Nación Multicultural UNAM, 2001.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $28,090-$39,330 120


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GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Ventana, Estudio número 3

Firmado y fechado 1976 Acrílico sobre papel 41 x 61 cm Agradecemos a la Galería de Arte Mexicano por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2013. Publicado en: EDER, Rita. Gunther Gerzso. El esplendor de la muralla. México. CONACULTA, Ediciones Era, 1994, catalogado 70. A pesar de que el sentido del arte surrealista entró en su lenguaje plástico por sus amistades, entre ellas Leonora Carrington y Remedios Varo, encontró un estilo bastante personal, realizando cuadros con un gran valor artístico e interesantes claves iconográficas. No obstante, sin renunciar a la realidad como lo requería el surrealismo, encontró en el movimiento cubista todas las posibles trasformaciones que su imaginación requería. Estas fueron piezas celosamente resguardadas, ya que con estas características plásticas creó piezas que son testigos de movimientos y estilos importantes durante la primera mitad del siglo XX. “Creo que gracias a la aprehensión indirecta, si no inmediata, de los logros del cubismo, que Gerzso consiguió crear obras inexorablemente uniformes y conscientes de la superficie y, al mismo tiempo, profundamente impregnadas de emotivos efectos espaciales […]”. John Golding. Fuente consultada: EDER, Rita. Gunther Gerzso. El esplendor de la muralla. México. CONACULTA, Galería Colección Arte Mexicano, 1994, pp. 22 y 23.

$440,000.00-$500,000.00 M.N. USD $24,720-$28,090 121


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MYRA LANDAU

(Bucarest, Rumania, 1926 - Países Bajos, 2018) Sin título

Firmada Mixta sobre papel 43 x 69.5 cm Procedencia: perteneció a la colección de Tere Pecanins. Con etiqueta de Galería Pecanins. “De origen rumano, naturalizada brasileña y mexicana, Myra Landau llegó a México en 1959. A partir de 1963 destacó como pintora dentro de la corriente del geometrismo mexicano, trabajando el pastel y el óleo sobre lino crudo. Ejecutó murales para la Universidad Veracruzana en los años setenta y se presentó en varias exposiciones individuales en la Galería Pecanins de la Ciudad de México, entre 1967 y 1972. Participó en el XI Salón Esso de Artistas Jóvenes de América Latina celebrado en 1964 en el Museo de Arte Moderno de México y en el primer Salón Independiente de 1968; asimismo en el II Salón Independiente que se celebró en el Museo Universitario de Ciencias y Artes de la UNAM y para la tercera edición del Salón de los Independientes participó con un relieve de pintura sobre madera de 2 x 4 metros titulado Homenaje a Octavio Paz. El crítico de arte Jorge Alberto Manrique ha definido su trabajo como brutal y refinado a la vez”. Luis-Martín Lozano, abril del 2014. $26,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,460-$2,250 122


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GABRIEL RAMÍREZ

(Mérida, Yucatán, 1938 - ) Sombrero

Firmado y fechado 98 Acrílico sobre tela 180 x 170 cm Procedencia: perteneció a la colección de Tere Pecanins. Con etiqueta de Galería Pecanins. Es pintor, escritor e investigador de cine, fue miembro fundador del Salón Independiente, es considerado uno de los artistas que conforman la segunda generación o representantes de la generación de la Ruptura, al lado de artistas como Arnaldo Coen, Gilberto Aceves Navarro, Pedro Coronel y Manuel Felguérez. Ha sido acreedor a distinciones y reconocimientos como la Medalla al Mérito Artístico del Instituto de Cultura de Yucatán, fue becario del FONCA, obtuvo el Premio Literario Antonio Mediz Bolio así como la Medalla al Mérito Artístico del Instituto de Cultura de Yucatán. Su obra se encuentra en colecciones y museos como: Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo José Luis Cuevas, el Salón de la Plástica Mexicana y el MUCA en México. Fuera del país en el Museo de la Revolución en Managua, Nicaragua, en Casa de las Américas en La Habana, Cuba y en el Museo de Bezabel en Jerusalén. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Fernando García Ponce www.macay.org

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,110-$14,050 123


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JUAN MELÉ

(Buenos Aires, Argentina, 1923 - Buenos Aires, Argentina, 2012) Invención 278, de la serie Negra

Firmado Acrílico sobre cartón 46 x 65 cm Publicado en: SIRACUSANO, Gabriela. MELÉ. Fundación Mundo Nuevo, 2005, Pág. 144. Asistió a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en la Asociación Arte Concreto-Invención y en la École du Louvre de París con una beca del gobierno francés. En 1950 regresó a Argentina donde fue docente, publicó varios artículos y continuó con su carrera artística. Fue uno de los artistas argentinos que participó en la exposición “Artistas Latinoamericanos del siglo XX: selecciones de la exposición”, en The Museum of Modern Art en Nueva York, con grandes artistas como Armando Reverón, Rafael Pérez Barradas, Diego Rivera, Cándido Portinari, María Izquierdo, Wifredo Lam, Roberto Matta, Carmelo Arden Quin, Edgar Negret y Antonio Berni, por mencionar unos pocos. Participó en una exposición colectiva de la colección Patricia Phelps de Cisneros en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia que aborda un periodo del arte moderno latinoamericano. Exhibió su obra en Cayman Gallery, Arch Gallery, Rachel Adler Gallery, The Americas Society en Nueva York, el Museo de Arte Moderno de Sevilla, Haus Für Konstruktive und Konkrete Kunst en Suiza y en Abstract Art from Río de la Plata, en Buenos Aires. Fuente consultada: sitio oficial de Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, MACBA www.macba.com.ar

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,620-$10,110 124


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KAZUYA SAKAI

(Buenos Aires, Argentina, 1927 - Dallas, E.E. U.U., 2001) Sin título, de la serie Genroku #35

Firmado y fechado 1985 / 86 al reverso Acrílico sobre tela 101 x 119 cm Procedencia: perteneció a la colección de Tere Pecanins. Con etiqueta de Galería Pecanins. Presenta ligeros detalles de conservación. Kazuya Sakai fue un artista que transitó entre varios estilos durante su carrera, que abarcan desde elementos del Pop Art, el uso del color como elemento discursivo, el collage y aspectos musicales que aluden al jazz. Su producción es extensa ya que realizó portadas de discos, escenografías y vestuarios, así como diseño editorial. Ya siendo un artista consagrado en Argentina, decidió dejar atrás Buenos Aires y luego de una breve estancia en Nueva York, se instaló en México hasta 1977. Su siguiente traslado fue a Dallas, Texas, donde vivió y trabajó hasta su muerte en 2001. Genroku fue una serie de pinturas al acrílico pintadas entre 1985 y 1987 inspiradas en el siglo XVII japonés. Fuente consultada: GARCÍA HERNÁNDEZ. Roberto. “Geometrías sonoras: Kazuya Sakai”. México. Revista GATOPARDO, sección Portafolio, 21 de diciembre del 2016.

$180,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,110-$16,860 125


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EDGAR NEGRET

(Popayán, Colombia, 1920 - Bogotá, Colombia, 2012) Deidad

Firmada y fechada 1991 Escultura en aluminio laqueado 8 / 40 35 x 24 x 24 cm “Cuando Negret abandonó la representación y construyó sus aparatos y máquinas metálicas, empezó uno de los procesos más interesantes de la escultura contemporánea. Negret no es un escultor compositivo ni un escultor geométrico en sentido estricto. Negret crea máquinas. Y las crea con la misma materia de las máquinas: metal, tuercas, tornillos… y las pinta con colores brillantes como se pinta un barco, un automóvil, una máquina: rojo, negro, amarillo. No las pinta, como piensan algunos críticos, para ocultar el material. Si quisiera ocultarlo suprimiría las tuercas y los tornillos que lo delatan constantemente. La pintura es parte integrante de la función y estética de la máquina: protege el metal y lo embellece, y le confiere una temperatura precisa a cada escultura”. Samuel Vásquez. Fuente consultada: BUENAVENTURA, Julia. “Edgar Negret”. Bogotá. ARCADIA. Obituario, noviembre del 2012.

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,990-$12,360 126


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MIGUEL ÁNGEL GIOVANETTI (Buenos Aires, Argentina, 1984 - ) Pentágonos 4, 2014

Sin firma Acrílico sobre tela 190 x 120 cm “La serie de operaciones plásticas que se ponen en acción en estos dibujos y pinturas pueden describirse como una búsqueda de esas posibilidades de la figura donde se ponen a prueba sus cualidades dinámicas”. Luis Espinosa. Fuente consultada: ESPINOSA, Luis. “Miguel Ángel Giovanetti. Proyecto Pentágono”. Buenos Aires. RO Galería de Arte, mayo del 2014.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,750-$10,110 127


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MIGUEL ÁNGEL GIOVANETTI (Buenos Aires, Argentina, 1984 - ) Pentágonos 2, 2013

Sin firma Acrílico sobre tela 190 x 120 cm El artista busca con esta serie de piezas explorar la línea y la figura del pentágono y sus posibilidades expresivas como dinamismo, movimiento y armonía. Su obra forma parte de importantes colecciones, destacan las de The Museum of Modern Art en Nueva York, The Museum of Art Fort Lauderlade, en Florida, Lowe Art Museum en Miami, Stockhausen Museum, Goethe Institut en Colonia, Alemania, Museo Emilio Caraffa y en el Museo Timoteo Navarro en Argentina. 128

“El pentágono en su quinto lado supera la estabilidad del cuadrado generando un dinamismo que a la vez que impone un movimiento comunica armonía. Al girar sobre el plano, por momentos se apoya en uno de sus lados, por momentos se apoya en un vértice, pero siempre se impulsa como si tuviera en su interior una fuerza motora”. Luis Espinosa. Fuente consultada: ESPINOSA, Luis. “Miguel Ángel Giovanetti. Proyecto Pentágono”. Buenos Aires. RO Galería de Arte, mayo del 2014.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,750-$10,110


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EDGAR NEGRET

(Popayán, Colombia, 1920 - Bogotá, Colombia, 2012) Deidad

Firmada y fechada 1991 Escultura en aluminio laqueado 22 / 40 35 x 24 x 24 cm Es reconocido como uno de los escultores colombianos más importantes a nivel internacional. A lo largo de su trayectoria fue acreedor a diversos premios, entre los que destacan: el primer lugar en el XV Salón Nacional de Artistas Colombianos, el Gran Premio de Escultura en la XXXIV Bienal de Venecia y la medalla de plata de la VIII Bienal de São Paulo. En 1984 se fundó la Galería Casa Negret en Bogotá y en 1985 la Casa Museo Negret en su natal Popayán, Colombia. Fuente consultada: BUENAVENTURA, Julia. “Edgar Negret”. Bogotá. ARCADIA, sección Obituario, noviembre del 2012.

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,990-$12,360 129


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ÁGUEDA LOZANO

(Cuauhtémoc, Chihuahua, 1944 - ) Sin título

Firmado y fechado 1991 Óleo sobre tela 81 x 81 cm “En la obra de Águeda Lozano la perfección del acabado y la armonía alcanzada eluden la rigidez del modelo, involucrándose más bien con la operación de un dominio singular: el de la creación en libertad que, sin dejar de pensar y sentir, trasciende los motivos evidentes. La estructura narrativa está abierta, no remite a ningún planteamiento en particular. Fuerza y suavidad funcionan como límites del corpus compositivo, entre tales extremos se desplaza ‘la mano’ e interviene ‘la mente’, en aras de resolver una urgencia expresiva: la de la artista, quien también oscila en el espacio de maniobra que establecen dichos polos. Su propia personalidad se aviene a la perfección, embona, con su obra: de un modo, precisa e implacable; de otra manera, tersa y fluida”. Luis Ignacio Sáinz. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,750 130


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GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - ) De la serie Planos de casa paisaje

Firmado y fechado 85 al frente. Firmado y fechado Marzo 85 al reverso Óleo sobre tela 200 x 150 cm Procedencia: perteneció a la colección de Tere Pecanins. Con etiqueta de Galería Pecanins. Presenta oxidación y desprendimiento de capa pictórica. Es un pintor, escultor, editor y escenógrafo mexicano destacado por su participación en concursos, bienales y asiduas participaciones en exposiciones individuales y colectivas. Inició sus estudios en La Esmeralda y complementó su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en el taller del maestro Gilberto Aceves Navarro. En

1980 obtuvo el Premio de Adquisición del II Salón Anual de Pintura del INBA y Mención Honorífica en la I Bienal de Cuenca, Ecuador. En 1986, realizó una muestra individual en la afamada Galería Pecanins titulada “Macotela: 10 años en la Galería”, la cual fue una especie de homenaje por los años de trabajo y colaboración con las hermanas Pecanins y para 1989 participó en las muestras colectivas “Cruce de caminos” y “Pinto mi calaverita”. Un año más tarde su obra fue exhibida en la exposición colectiva “7 de los 70’s” y en 1988 montó la exhibición individual “Las chimeneas”, en la cual se mostró una serie de pinturas y esculturas.

Fuentes consultadas: LAMBARRY MARTÍNEZ, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 396 y 397.

$220,000.00-$320,000.00 M.N. USD $12,360-$17,980 131


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ADOLFO NIGRO

(Rosario, Santa Fe, Argentina, 1942 - Buenos Aires Argentina, 2018) La red

Firmado y fechado 95 al frente. Firmado y fechado 1995 al reverso Óleo sobre tela 100 x 100 cm Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano en 1960 y dos años más tarde estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en Buenos Aires. Al término se mudó a Montevideo, donde se vinculó con los que habían sido discípulos e integrantes del Taller Torres García. En aquel tiempo recibió el legado constructivista y la visión del arte como un campo de la cultura inscrito dentro del humanismo. A principio de los 70 realizó una serie de trabajos en cerámica y algunos tapices y a su regreso a Buenos Aires en 1974 se dedicó de lleno a la pintura, comenzando a plasmar en sus producciones el tema de la ciudad. También, durante un tiempo ilustró libros de importantes poetas y escritores de calibre internacional. En 1989 recibió el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Bellas Artes y en 1994 el Premio Trabucco de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina, principales reconocimientos que se otorgan a destacados artistas plásticos argentinos. A lo largo de los años se comprometió con la causa de los derechos humanos, formando parte del grupo Artistas Plásticos Solidarios, su lucha proponía terminar con el hambre, la desocupación y la exclusión. “Para Adolfo Nigro la obra de arte siempre fue un artificio complejo, una incrustación hecha de citas, memorias, retazos autobiográficos, objetos perdidos, recuperados o atesorados. Desde tal punto de vista, el arte sería el resultado de la destilación de una experiencia de vida”. Fabían Lebenglik. Fuente consultada: LEBENGLIK, Fabián. “Una experiencia de vida a través del arte”. Argentina. Página12, sección Plástica, 15 de mayo del 2018.

$160,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,990-$11,240 132


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GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Estudio para mural en el Museum of Modern Art Río de Janeiro, Brasil

Firmado y fechado august 49 Lápiz de grafito sobre papel 27 x 20 cm Con constancia de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, diciembre del 2017. Por error el certificado fecha la obra en 1969. Al tratarse de un boceto para mural, presenta ligeros detalles de conservación normales por el uso. Esta pieza es un boceto que Gunther Gerzso realizó como ejercicio para la ejecución de un mural que pintaría en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1953. A finales de los años 40 y principios de los 50, participó en un sinfín de exposiciones a nivel internacional, destacando las exhibiciones individuales en la Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México, la muestras en la Universidad de Illinois y en el Carneige Institute de Pensilvania en Estados Unidos, así como su participación en la Tercera Exposición Internacional de Arte en Tokio y en la exposición colectiva “Gulf-Caribbean Art Exhibition” en el Museo de Bellas Artes de Houston, Texas. Fuente consultada: DU PONT, Diana et ál. El arte de Gunther Gerzso. España. Artes Gráficas Palermo, 2003, Pág. 301.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,650-$4,450 133


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GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - ) Acta

Firmado al frente. Firmado y fechado Dic 87 al reverso Óleo sobre tela 140 x 120 cm Procedencia: perteneció a la colección de Tere Pecanins. Exhibido en: “20 pintores contemporáneos mexicanos”, muestra colectiva presentada en la Casa de las Américas en La Habana, Cuba en 1980. Con etiquetas de Galería Pecanins y del Foro de Arte Contemporáneo. “Es un pintor de temas urbanos, de su problemática cotidiana, de sus protagonistas y sus ambientes en una propuesta con nuevas visiones, plasma la ciudad en colores ocres, arena, verdes y naranjas, apoyados en líneas que se tornan representaciones, todo envuelto en un lenguaje simplificado que nos lleva a una indagación a través de las formas”. Margarita Martínez Lámbarry.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. Colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 398.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,430-$14,050 134


98

HIROYUKI OKUMURA

(Kanagawa, Japón, 1963 - ) Castillo de agua

Firmada y fechada 01 Escultura en mármol travertino blanco, pieza única 47 x 74 x 23 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2018. Publicada en: Hiroyuki Okumura. Percepción. México. Arte Hoy Galería, 2017, Pág. 24. Desde finales de la década de los ochenta vive y trabaja en Xalapa, donde decidió desarrollar su carrera artística inspirado en el arte prehispánico de la zona. Su obra se encuentra en las colecciones de la Universidad de Bellas Artes, de Kanazawa en Japón, Universidad Autónoma de Chiapas, Centre Culturel Franco-Japonais en París, Oficina Corporativa de Grupo Chedraui en la Ciudad de México y Foundation Art Center Ilindentci, en Bulgaria. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Xalapa, Chiapas, Puebla, Guadalajara y Guanajuato, así como en Estados Unidos, Francia y Japón. “Trabaja escultura en piedra; el mármol y la cantera son sus materiales predilectos para crear unas piezas que resultan enigmáticas y perturbadoras. Enigmáticas por sus formas y texturas; perturbadoras por esa tranquila belleza que altera la racionalidad y el sentido que predomina el arte contemporáneo”. Blanca González Rosas. Fuente consultada: GONZÁLEZ ROSAS, Blanca et ál. Hiroyuki Okumura. México. Arte Hoy Galería, 2014, pp. 20-31.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430 135


99

BENJAMÍN MANZO

(Ciudad de México, 1939 - Aguascalientes, 2002) Trapiche

Firmado y fechado 94 al frente y al reverso Óleo sobre tela 71.5 x 80 cm Con certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, julio de 1994. Benjamín Manzo fue un destacado artista plástico mexicano cuya obra se caracteriza por contener un gran sentido abstracto permeado por formas y juegos cromáticos. A manera de homenaje, el Instituto Cultural de Aguascalientes inauguró en 2007 la Galería Benjamín Manzo, la cual se dedica a apoyar exposiciones de artistas dedicados a las artes plásticas y la fotografía. Fuente consultada: “Galería Benjamín Manzo, inauguración oficial”, comunicado de prensa Instituto Cultural de Aguascalientes, 14 de agosto del 2007.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $3,090-$3,940 136


100

GILBERTO ACEVES NAVARRO (Ciudad de México, 1931 - ) Retrato de familia y obrero # 4

Firmado y fechado 74 Óleo sobre tela 120 x 110 cm Estudió en La Esmeralda y trabajó como asistente de David Alfaro Siqueiros cuando este pintaba los murales de la Rectoría de la UNAM en la década de los cincuenta. Desde entonces ha realizado más de cuarenta exposiciones individuales en las entidades culturales más relevantes como el Museo de Arte Moderno, en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara, en el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, en el Antiguo Palacio del Arzobispado, en el Museo Universitario del Chopo, en la Galería Metropolitana de la Universidad Autónoma Metropolitana y participó en varias ocasiones de manera individual y colectiva en la galería de las hermanas Pecanins. En 2003 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes y es miembro de la Academia de Artes desde 2003. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.ganpintor.com y sitio oficial de la colección Blaisten.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,750 137


101

TOSHIO IEZUMI

(Ashikaga, Tochigi, Japón, 1954 - ) M.160501, 2016

Firmada y referida 160501 en la base Escultura en vidrio plano, pegado, tallado y pulido con base de aluminio, pieza única 61.5 x 12 x 9 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2016. Publicado en: HAGINO, Miho. Espejos de Tierra. Kunio Iezumi y Toshio Iezumi. México. Arte Hoy Galería, 2016, Pág. 46. Aprendió a trabajar en vidrio en el Tokyo Glass Institute y posteriormente ha enseñado este arte en la Universidad de Kurashiki de Ciencias y Artes. Es un gran admirador de la obra de Constantine Brancusi y de Donald Judd, artistas que plantearon cuestionamientos que lo han llevado a profundizar en el desarrollo teórico y técnico de su propia escultura. Su obra forma parte de las colecciones del National Museum of Modern Art en Tokio, en el Hokkaido Museum of Modern Art en Sapporo, el Corning Museum of Glass, el Museum of Art and Design de Nueva York y el Boston Museum of Fine Arts en Estados Unidos. Su trabajo ha sido reconocido con importantes premios como el segundo lugar en la 19° Fugaku Biennale Shizuoka Prefectural Museum of Art y el Silver Prize de la International Exhibition of Glass Kanazawa y el Staff Choice Prize for Sculpture en Sídney. $130,000.00-$150,000.00 M.N. USD $7,300-$8,430 138


102

BEATRIZ ZAMORA

(Ciudad de México, 1935 - ) El negro #2207

Firmada y fechada 1999 al reverso Mixta sobre tela 150 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero. Ha realizado más de 60 exposiciones individuales en México y en el extranjero entre las que destacan la presentada en Jaspers Gallery en Nueva York, en Hall D’entree de la cité en Montreal, en el Museo del Palacio de Bellas Artes, en la ENAP, en el Museo Metropolitano de Monterrey y en el Museo de la Ciudad de México. Su obra ha sido donada a distintas instancias artísticas y culturales como El Colegio de México, el Museo Universitario de Artes MUCA y la Universidad Pedagógica.

Ha sido acreedora a diversos reconocimientos y distinciones, obtuvo la Medalla Legión de Honor de la Academia de Bellas Artes, es fundadora de la Academia de Bellas Artes, obtuvo el Premio Omnilife en 1999, recibió la beca Pollock-Krasner Foundation de Nueva York en E.E. U.U., y es miembro del Salón de la Plástica Mexicana. “El Negro es un estado de libertad, de pureza...no tiene nada de feo, su misterio es mucho más bello que lo obvio”. Beatriz Zamora. Fuentes consultadas: RUBIO, Eduardo. Beatriz Zamora. Historia de una artista excepcional. México. Ediciones Castillo Pág. 85 y sitio oficial de la artista www.beatrizzamora.com

$180,000.00-$260,000.00 M.N. USD $10,110-$14,610 139


103

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - ) Azar 5

Firmada y fechada 2016 Escultura en bronce 1 / 3 27 x 27 x 27 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 77, catalogada 26. Presenta ligero desprendimiento de pátina. Licenciado en Diseño de la Comunicación Gráfica por la Universidad Autónoma Metropolitana, forma parte de los artistas de la galería Aldama Fine Art en la Ciudad de México, donde realizó la exposición “Estructuras infinitas”, conformada por esculturas y pinturas, cuyo hilo conductor es el azar de las líneas y formas, entre ellas esta obra. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en el Salón de la Plástica Mexicana en 2004, en el Centro Cultural Universitario, Tuxtla Gutiérrez, Chiapas en el 2000 y en el mismo año en el Museo de la Ciudad de México. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México, Aldama Fine Art, 2017, Pág. 12.

$150,000.00-$180,000.00 M.N. USD $8,430-$10,110 140


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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Mensaje

Firmado y fechado 1965 al reverso Acrílico y clavo sobre madera 65 x 65 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, abril del 2017. Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, 2018. Procedencia: perteneció a la colección del artista Herman de Vries. Mathias Goeritz perdió a su esposa en 1958, acontecimiento lamentable que lo hundió en una desoladora depresión. Este hecho tan doloroso lo llevó a crear una serie de obras en las que enfatizaba la tristeza; afortunadamente lo ayudaron a desahogar sus sentimientos, una catarsis que cobró forma en la serie “Mensajes”. La mayoría de estas piezas, eran constelaciones rítmicas logradas a través de clavos superpuestos o perforaciones en hojas de metal. Con el uso de esa técnica, el artista lograba una gran variedad de expresiones. La primera vez que exhibió los “Mensajes” fue en la Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México, en 1959, muestra que causó extrañeza entre el público, quienes apenas acostumbrados a sus propuestas anteriores, esto era nuevo. La Carstairs Gallery, de Nueva York, repitió esa exposición en marzo de 1960, acontecimiento que fue ampliamente discutido dentro de los círculos artísticos de esa ciudad.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 11, No. 80, marzo-abril del 2006, pp. 4-27 y KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, INBA, 2007, Pág. 137.

$500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $28,090-$33,710 141


105

FRANCISCO CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1954 - ) Desplazamientos yuxtapuestos blanco

Firmado Acrílico sobre tela 190 x 150 cm Su obra pictórica ha ido del collage y la composición de elementos constructivos hacia una purificación geometrista bidimensional. Apoyado en los valores de espacio apenas significado por franjas a manera de vestigios constructivos y un colorido austero donde el sujeto resulta ser el mero equilibrio formal, su tendencia a una minimalización geometrista a manera de tableros donde las diferencias de tonos de trazos rectos azarosos sugieren superposiciones de dos o tres planos o más, parece confrontar el anhelo de una idealidad 142

pictórica autónoma, pero adulterada por manchas y chorreados tenues, como si la mano humana lo impidiera a todo trance. Además de ejercer como artista plástico, ha practicado la docencia, guiando a varias generaciones de alumnos en la Academia de San Carlos. A lo largo de su carrera, su trabajo ha sido presentado en importantes recintos, como el Museo de las Américas de Puerto Rico, Museo Rufino Tamayo, Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y The Hudson River Museum en Nueva York, entre otros.

Fuentes consultadas: EMERICH, Luis Carlos et ál. Nueva plástica mexicana. México. Grupo Jumex, 1997, Pág. 33 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2009, No. 100, Pág. 163.

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $11,240-$14,050


106

ARMANDO MORALES

(Granada, Nicaragua, 1927 - Miami, Florida, 2011) Sin título

Firmada y fechada 66 Mixta sobre tela 92.5 x 73.5 cm Agradecemos a Alejandra Morales, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. En su época abstracta, Armando Morales ya no solo incluía un valor geométrico de las formas, sino que, ante todo, gestaba un valor figurativo en ella, apoyado a través del empleo del color y de los tonos, de la cualidad de la textura y de los espacios divididos. Su fascinación recurrente por los estilos de las obras de Antoni Tàpies y Robert Motherwell fue una fuerte influencia para él, ya que en ellos encontró un sentido profundo del espacio, en el cual pudo incluir elementos geométricos que funcionaron como elementos ordenadores. Otra estructura que predominó en su obra fue el arco, aprendido de Dore Ashton, cuya fuente provenía de la inspiración de estructuras arquitecturales. Armando Morales compuso sus arcos de texturas crudas y fuertes donde el lenguaje es firme y de calidad; además, en ocasiones, incorporaba otras telas, formando un collage con cortes y arrugas que contrastan como volúmenes y formas bajo un ritmo armonioso y poético del espacio. “…Superficies cromáticas muy austeras formando rectángulos encastrados los unos en los otros, los cuales resultan interferidos por pespunteados tan irreverentes. La materia contribuye al sobresalto de la geometría […] Morales empasta como si pegara collages y permite que ciertos pedazos gocen de una relativa autonomía”. Marta Traba. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Morales. Italia. Americo Arte Editores, pp. 38-41.

$550,000.00-$800,000.00 M.N. USD $30,900-$44,500 143


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ARMANDO MORALES

(Granada, Nicaragua, 1927 - Miami, Florida, 2011) Venecia de noche: La Dogana

Firmado y fechado 91 Óleo sobre tela 54 x 80 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, noviembre del 2009. Publicado en: KASSNER, Lily. Morales. Italia. Americo Arte Editores, Pág. 176, catalogado 152. “Con sus paisajes venecianos, la suerte de operación anímica que realiza Morales, la sublimación de imágenes reales, se nos presenta en dos horarios diversos: San Giorgio Maggiore, coronado por los últimos celajes del crepúsculo; mientras que La Dogana, vista de noche, magnifica la serenidad de sus líneas arquitecturales en el plácido reflejo de un cielo tormentoso. La belleza de la obra paisajística de Morales sobre Venecia, cuya admiración por sus edificaciones es evidente, nos permite recordar uno de los mayores elogios que se han escrito sobre la urbe marina, de Anthony Burgess: ‘Si los seres humanos pudieron construir una ciudad como esta, sus almas merecen ser salvadas’”. Lily Kassner. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Morales. Italia. Americo Arte Editores, Pág.131.

$700,000.00-$900,000.00 M.N. USD $39,330-$50,570 144


108

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 -) Aquella orilla tranquila

Firmado al frente. Firmado y fechado 2017 al reverso Acrílico sobre tela 150 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, agosto del 2017. Carlos Ríos Rodríguez es un sobresaliente paisajista cubano egresado de la Licenciatura de Arquitectura en el Instituto Superior Politécnico de La Habana, Cuba. De 1965 a 1977 participó en diversos cursos realizados en destacadas casas de cultura de la enseñanza cubana. En 1975 comenzó a exponer en la provincia de La Habana y en algunas otras ciudades, sobre todo en salones de paisaje. Llegó a México en 1994, lugar donde decidió residir definitivamente. Tras un año de su llegada a nuestro país, logró presentar su obra en museos y galerías de gran importancia, las cuales lo apoyaron para que su obra fuera también exhibida en exposiciones colectivas en Caracas, Bogotá, Ciudad de México, Hidalgo, Morelia, Monterrey, Miami y Córdoba en España. “Heredero de una tradición paisajista cubana, Carlos Ríos ha demostrado ser uno de los grandes exponentes de la pintura de su generación […] Sus paisajes nos recuerdan la perfección, siempre cambiante en sobrevivencia, de los santuarios entramados de vida y libertad, que poco a poco están siendo destruidos por los hombres […] En propias palabras de Carlos: ‘es el lugar en el que somos uno con el todo, y donde en la más holística de las contemplaciones el alma humana superando lo bello se sublima’”. Viridiana Gutiérrez Tejeda. Fuente consultada: GUTIÉRREZ TEJEDA, Viridiana. Texto curatorial para la exposición “Imaginarios” presentada en el Centro Cultural El Nigromante, 2017.

$210,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,800-$15,730 145


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RAY SMITH

(Brownsville, Texas, E.E. U.U., 1959 - ) Pensamientos

Sin firma Ă“leo sobre madera, polĂ­ptico de 5 paneles 2.76 x 10.020 metros, medidas totales $980,000.00-$1,200,000.00 M.N. USD $55,020-$67,420

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Nació en Estados Unidos pero creció en México. Después de estudiar pintura al fresco con artesanos tradicionales, Smith recibió educación formal en diferentes escuelas de arte en México y Estados Unidos. Más tarde, se instaló en la Ciudad de México. A menudo se asocia su obra con el surrealismo debido a sus yuxtaposiciones irreales, también se caracteriza por poseer un tipo único de realismo mágico. Crea escenarios ilógicos que están llenos de sorpresas y efectos especiales, plenos de fantásticos seres antropomorfos. Ray Smith considera que un animal es una “entidad de la figura humana”. El artista ha tenido más de 50 exhibiciones alrededor del mundo, principalmente en Estados Unidos y México, pero también en Japón, Europa y Sudamérica. En un texto de la Galería Joan Prats de Barcelona escrito por David G. Torres, crítico de arte español, se menciona que para Ray Smith: “La pintura aparece como un medio con el cual especular sobre la imagen y que refiere a las diferentes capas de realidad que se esconden bajo lo real. La pintura le ofrece la posibilidad tanto de penetrar en profundidad en la apariencia de los objetos y las cosas, como el lugar desde el qué realizar una crítica radical hacia la supuesta seguridad que ofrecen. Un desmembramiento de la realidad que reclama una vía distinta para observar el mundo”. Fuentes consultadas: “Ray Smith como dios”. España. Diario Ideal, 23 de diciembre del 2006 y sitio oficial de Mana Contemporary www.manacontemporary.com

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WUERO RAMOS

(Ciudad de México de 1979 - ) Lago dorado

Firmado y fechado 2009 Méx DF al reverso Óleo sobre tela 150 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et ál. El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 54, catalogado 9. Miguel Ángel “Wuero” Ramos es un artista visual egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas con Maestría en Pintura por la Academia de San Carlos. Su participación en bienales y certámenes ha sido extensa, sobresalen su selección en la Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera, la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce y en la Bienal de Pintura Pedro Coronel. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA. “Más que buscar la belleza en los lugares, he tenido la fortuna de encontrarme con ella y sucumbir ante sus extrañas revelaciones. Después he querido compartir mi gozo ante tal hallazgo mediante mi pintura, precisamente, con la conciencia de que estos y otros sitios son repudiados o van quedando en el abandono, por algo que yo no llamaría civilización. Si bien no considero mi pintura como denuncia, sí procuro contar historias a través de ella, señalar cosas y hechos que inventen a la reflexión”. Wuero Ramos. Fuente consultada: DRIBEN, Lelia et ál. El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos. México. Aldama Fine Art, 2014, Pág. 39.

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,750-$8,990 148


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RENÉ MARTÍN

(La Habana, Cuba, 1952 - ) Éxtasis

Firmado Acrílico sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. René Martín estudió Arquitectura y Diseño Gráfico, carreras que lo influenciaron a dedicarse al arte e ingresar a la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro en La Habana, Cuba. A la par de sus estudios, comenzó a pintar paisajes, los cuales vendía en las plazas públicas y por encargos a particulares, hasta que finalmente tuvo la oportunidad de presentar su trabajo en exposiciones, muchas de ellas con gran éxito. El paisaje ha sido su principal temática, siendo la naturaleza tropical el centro de su marco artístico; no obstante a este estilo le ha agregado con el tiempo un toque de personalidad, un distintivo que se caracteriza por el uso constante de metáforas y simbologías mediante la inclusión de elementos que crean ambientes surrealistas como: túneles y espacios abiertos entre las malezas, árboles que emergen del agua y estructuras arquitectónicas fusionadas con la flora y fauna. Llegó a México en 1996, país donde su carrera maduró y creció aún más. Actualmente vive y trabaja entre México y Miami, ha expuesto en más de 65 muestras colectivas e individuales en museos, galerías e instituciones públicas y privadas de Cuba, México, Costa Rica y Estados Unidos. Además, su obra ha sido publicada en destacados periódicos, revistas y libros, en los cuales se describe a su pintura como una gestora de la tendencia del surrealismo-tropical y promotora de la conservación de la naturaleza, así como del medio ambiente con un gran sentido profesional. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ SOTO, Francisco Javier y MARTÍN, René. Art & Golf Collection. México. Soto Editores, 2016, Pág. 187 y ESQUIVEL ALATORRE, Gerardo. “Cuando el golf se convierte en arte”. México. Mundo Ejecutivo, sección First Class, junio del 2018, No. 473, pp. 102-104.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,430-$11,240 149


112

NICOLÁS MORENO

(Ciudad de México, 1923 - Ciudad de México, 2012) Amate y muro caído

Firmado y fechado 1987 Óleo sobre lino 120 x 70 cm Con certificado de autenticidad de Alicia Moreno, 2018. Exhibido en: Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, en 1991. Con etiqueta del Museo Palacio de Bellas Artes. “Trato con mi pintura de mostrar las diferencias que nos da el mismo paisaje: la pobreza, la riqueza, el abandono, porque mi pintura tiene muchos aspectos, no me pongo a hacer un lugar bonito y ya, trato de expresar algo con eso”. Nicolás Moreno. Fuente consultada: “Falleció el paisajista y grabador Nicolás Moreno”. México. La Jornada, sección Cultura, 8 de febrero del 2012.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. UDS $6,750-$11,240 150


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JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Camino a Juchitepec

Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo sobre lino 100 x 160 cm Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2018. Publicado en: Catálogo de la Primera Bienal Nacional de Pintura “Luis Nishizawa”. México. Secretaría de Cultura-Impresos Blanquel, 2017. Exhibido en: “Primera Bienal Nacional de Pintura ‘Luis Nishizawa’”, muestra colectiva presentada en el Museo Taller Luis Nishizawa en Toluca, Estado de México, en junio del 2017. Jorge Obregón es un destacado paisajista mexicano, egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fue distinguido con la Medalla Gabino Barreda al Mérito Universitario y obtuvo Mención Honorífica por su tesis “Volcanes de México, una experiencia al aire libre”. A lo largo de su carrera ha realizado más de 20 exposiciones individuales y 50 colectivas en importantes museos, instituciones y galerías de México y el extranjero; además, su obra se encuentra en destacadas colecciones públicas y privadas de países como España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y Japón. Actualmente, su trabajo paisajístico más reciente puede ser apreciado en la exposición “Grand Canyon, Zion and Sedona Experience”, presentada en Inverarte Art Gallery en San Antonio, Texas, y la cual podrá ser visitada hasta enero del 2019. “El gusto por pintar al aire libre lo conozco desde la licenciatura, posteriormente con el maestro Luis Nishizawa y a partir de él todos los proyectos que he realizado han sido in situ. El pintar al aire libre genera en uno un estado de ánimo y percepción de la naturaleza tan profundo que ayuda a plasmarlo en el lienzo, cabe también señalar que tengo el gusto por el ascenso a montañas y volcanes, el montañismo es un deporte que realizo y disfruto mucho combinándolo con la pintura”. Jorge Obregón. Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio et ál. Jorge Obregón. México, tierra de volcanes. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 3 y Jorge Obregón. Grand Canyon, Zion and Sedona Experience. México. Inverarte Art Gallery, 2018, Pág.8.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 151


114

NICOLÁS MORENO

(Ciudad de México, 1923 - Ciudad de México, 2012) Tepoztlán

Firmado y fechado 1980 Óleo sobre tela sobre madera 60 x 130 cm Con certificado de autenticidad de Alicia Moreno, octubre del 2018. Presenta detalles de conservación. Nicolás Moreno fue un pintor, grabador, dibujante y muralista mexicano considerado entre los mejores dentro del género de paisaje en la segunda mitad del siglo XX. Aunque no nació en el campo, sino en la Ciudad de México, su vasta producción recrea los escenarios naturales de pueblos, valles, bosques, volcanes y praderas de sus múltiples viajes por la República Mexicana y otros países. Ceferino Palencia escribió en “México en la cultura”, el 19 de junio de 1955, una síntesis para insistir en la importancia del género paisajístico, y el artículo se lo sugirió la obra de Nicolás Moreno: “Todas estas superficiales divagaciones nos las ha sugerido la bella colección paisajística presentada por Moreno; quizás a la paleta de este pintor, en cuanto a riqueza de color, puede ponérsele a la tilde de ser un tanto monótona, pero como compensación a esa igualdad, poseen sus paisajes un especial lirismo, un activo cautivador, en el que la placidez lo invade todo”. Fuente consultada: PELLICER, Carlos. El arte de Nicolás Moreno. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1990, Pág. 21.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,060-$8,430

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MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - Ciudad de México, 2017) Tlayacapan, 2005

Firmado Óleo sobre tela 70 x 90 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 7, catalogado 4. Su inclinación por el paisaje y la pintura al aire libre se hizo evidente desde los siete años, cuando pintaba acuarelas en días de campo acompañando a José Bardasano, Armando García Núñez, Ignacio Rosas y otros pintores de aquella época. Con una clara vocación por las artes, a la edad de doce años ingresó en la academia de pintura del maestro José Bardasano, donde perfeccionó su destreza en el dibujo. Después de tres años dejó los estudios formales para depurar su técnica de manera independiente y quedó en manos de su padre, Pablo Almela, quien restauraba cuadros antiguos, oficio que Almela aprendió a la par de la pintura. A los veinte años realizó su primera exposición individual. Desde entonces ha recorrido la vastedad del paisaje mexicano, cuyas costas, selvas, valles y montañas han quedado plasmados en sus lienzos. Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 4 y ORTÍZ MACEDO, Luis. Mario Almela. Luz y sol. México. La Cartuja, 1997, Pág. 4.

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,620-$6,750

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ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 82 x 101 cm Agradecemos a Harry Jacobson, nieto del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, junio del 2018. Presenta ligeros detalles de conservación. “Si resultara obligatorio rotular de alguna manera la riqueza y variedad de la pintura de Souto lo más adecuado sería llamarla romántica. Es decir, una variedad moderna, muy española, de un romanticismo expresionista que nunca llegó a agotar su sed de imaginación creadora”. Miguel Cabañas Bravo. Fuente consultada: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 150.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860

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ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964) Vieux-Port

Firmado al frente y referido Espaigne al reverso Óleo sobre tela 139 x 161 cm Con etiqueta del Carnegie Institute Pittsburgh, E.E. U.U. Presenta desprendimientos de capa pictórica, oxidación en las orillas y craqueladuras. En su juventud se inspiró en los paisajes rurales y marinos de los viajes que realizaba con su familia en Galicia. Para realizar sus acuarelas se enfocó en los ambientes bohemios de la época especialmente en las cafeterías o burdeles. De manera especial trabajó sobre la figura femenina y el desnudo.

En 1922 se mudó a Madrid donde ingresó a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y tres años más tarde realizó su primera exposición. En 1926 viajó a París, motivado por las vanguardias francesas y la obra de Giorgio de Chirico. Fue becado en 1928 por la Diputación de Pontevedra. A finales de la década de los veinte y principios de los treinta volvió a España donde participó en varias exposiciones colectivas. Arturo Souto fue un artista que dominó el trabajo con pastel, acuarela, óleo y gouache. Transitó en numerosas etapas durante su carrera artística influenciadas por Toulouse-Lautrec en cuanto a pintura francesa, el arte japonés y una etapa inspirada por el muralismo indigenista, las fiestas populares o la mitología.

Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 150 y sitio de la colección Afundación www.afundacion.org

$420,000.00-$600,000.00 M.N. USD $23,600-$33,710

155


118

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968) Payaso con pájaro

Firmado Óleo sobre tela 78 x 59 cm En 1904 entró a la antigua Academia de San Carlos para estudiar arquitectura pero pronto decidió dedicarse a la pintura. Al año siguiente recibió una beca junto con Diego Rivera para estudiar en Europa donde conoció las vanguardias y la obra de artistas como Gauguin, van Gogh, Cézanne, Matisse y Picasso, también ahí conoció a Carlos Mérida. A finales de la primera década del siglo XX le suspendieron la beca y comenzó la Revolución Mexicana. Este periodo fue primordial, ya que realizó una carpeta de dibujos con los que demostró creatividad e imaginación, en ellos abundaban figuras humanas desnudas en un entorno misterioso. Durante la Primera Guerra Mundial se mantuvo en Mallorca, donde pintaba paisajes y realizó un friso para el Casino sobre la industria pesquera. Así mismo, elaboró ilustraciones de estilo oriental de La Lámpara de Aladino. “En lo más íntimo de su gusto y afinidades, venía de la corriente fantástica de William Blake, de Aubrey Beardsley y de otros, como Julio Ruelas en México. Por una parte representaba la última etapa del romanticismo; por otra, se anticipaba al ‘surrealismo’, con el que en cierto modo aquella corriente entroncaría más tarde”. Justino Fernández. Fuente consultada: FERNÁNDEZ, Justino. Montenegro. México. UNAM, 1962, pp. 7-12.

$270,000.00-$370,000.00 M.N. USD $15,170-$20,790 156


119

JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 81 x 81 cm José Bardasano fue un destacado pintor y un importante cartelista. Comenzó su formación de mano del pintor Marceliano Santa María quien lo descubrió haciendo dibujos en la calle, e interesado por su futuro procuró que entrara a estudiar a la Escuela de Artes y Oficios de Madrid, institución en la cual destacó como pintor y dibujante. Gracias a la beca Conde de Cartagena que le fue concedida en 1935, viajó a Londres, París, Bruselas y La Haya. Durante la guerra participó en numerosas exposiciones y obtuvo la segunda medalla en la Nacional de Bellas Artes de 1934 y tres años más tarde fue galardonado con el primer premio de carteles en el concurso convocado por la Cámara Oficial del Libro. No obstante, tras el advenimiento de la Guerra Civil Española y haber pasado por el campo de concentración francés de Argelès, se trasladó a México como refugiado. En nuestro país, con el apoyo de la familia de unas antiguas amigas de juventud, comenzó a trabajar en una imprenta y enseguida empezó a impartir clases gratuitas de dibujo, así como la realización de una larga serie de encargos oficiales, tales como retratos, paisajes e ilustraciones para libros y calendarios de Galas, empresa que fue la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 106 y sitio oficial del Museo del Prado www.museodelprado.es

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,360-$16,860 157


120

JOSÉ MANUEL SCHMILL

(Ciudad de México, 1934 - Ciudad de México, 2018) El enigma

Firmado y fechado 2001 al frente y al reverso Óleo sobre fibracel 17 x 22 cm Con dedicatoria. Es considerado por el medio artístico como uno de los pintores más radicales que han existido en México, un observador insaciable cuya obra despierta emociones contradictorias a causa de su afición por el horror en la pintura, la música, la literatura y el cine. Su obra se ha exhibido en importantes recintos como la Galería Antonio Souza, el Palacio de Bellas Artes, el Salón de la Plástica Mexicana, el HR Giger Museum, Musée d’Art Moderne de la Ville de París, Weyhe Gallery en Nueva York, Galería Misrachi y el Instituto Mexicano de Cultura en San Antonio, Texas. Además, forma parte de la colección permanente de instituciones como el Museum of Modern Art en San Luis Misuri y Nueva York, Texas University, Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y el Palacio de Bellas Artes. Actualmente se presenta una exposición homenaje, dentro del XLVII Festival Internacional Cervantino. $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,810-$3,940 158


121

SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura que se esconde tras el advenimento de su propia luz

Firmada Escultura en mármol, pieza única 32 x 18 x 18 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, enero del 2018. “Reconocidos profesionales de la crítica pictórica, al explorar por los intricados caminos recorridos por este artista notable, nos muestran que en pleno siglo XXI Carbonell ha hecho suyos a los clásicos; ha recuperado y transformado paletas que se creía habían pasado al olvido, enriqueciendo con su oficio los lenguajes pictóricos puestos al servicio de su indeclinable posición contemporánea. Así, merecedor absoluto de este esfuerzo intelectual, los estudiosos de la obra de Santiago analizan su técnica, interpretan su pensamiento revisando minuciosamente los caminos de la luz que transita los complejos planos de sus composiciones plásticas, lo emparentan con Caravaggio y Velázquez, entre otros. El afán por descubrir sus influencias, para concluir que su obra es rotundamente innovadora. “Voltean las miradas y esconden la vergüenza, apenas descubierta al otro día del ‘mordisco de la manzana’. Elevan la mirada en el olvido de la desesperanza. Descansan los ojos en el recuerdo de la tranquilidad recuperada, después del desorden de la noche anterior. Ensombrecen la mirada del fatigado o acrecentan nuestra resignación a la mirada del hombre curtido por el tiempo. Conviven personajes es una escena que convoca todos los tiempos. Ahí, pues, estamos todos”. Eduardo Morales. Fuente consultada: MORALES, Eduardo. “En los lienzos de Carbonell”. México, mayo del 2007, en el sitito oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $14,050-$16,860 159


122

MIGUEL ÁNGEL GARRIDO (Ciudad de México, 1982 - ) Futuros papás

Firmado y fechado 13 Óleo sobre tela 120 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Es un artista que utiliza la pintura y la fotografía como herramientas para producir sus imágenes, al retratar aspectos de la vida cotidiana con carga anecdótica. Los lienzos son una suerte de toma fotográfica hecha con poca luz y baja velocidad para congelar el momento, mientras la pincelada le da movimiento a los personajes que pueden o no devolver la mirada o posar para el artista dentro de una alberca, reposando en la habitación, de sobremesa, generalmente en sitios que invitan al espectador a sumergirse dentro de los grandes formatos con cálidos ambientes. “En efecto estamos, estamos ante un pintor que confunde el lienzo con la cámara fotográfica, o la cámara fotográfica con la pintura, o el arte con un diario, de esos que antiguamente se escribían a mano en un cuaderno, el cual él a su manera nos muestra página por página, cuadro por cuadro, y al hacerlo, nos abre, no sin cierta impudicia su vida”. Gonzalo Vélez. Fuentes consultadas: VÉLEZ, Gonzalo. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014. pág. 2 y sitio oficial del artista: www.miguelangelgarrido.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430 160


123

JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - ) Bacante en reposo

Firmado y fechado 2018 al reverso Acrílico, óleo, carboncillo y lápiz de color sobre tela 120 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Farrera es un artista que se ha desarrollado en el ámbito pictórico de gran formato y la figura humana, en su serie de retratos femeninos utiliza la fotografía como pre-registro, así como bocetos para la obra final, él define sus óleos como “apuntes del natural”, donde la pintura dialoga con la fotografía. De forma permanente se preocupa por la perfección en sus piezas así como el goce estético de las mismas por parte del espectador. “En mis óleos el ‘eterno femenino’ es un ícono polisémico, las mujeres representadas a veces son Venus erotizantes, a veces son referencias a la historia del arte y a veces son vírgenes adolescentes, todas son representaciones contemporáneas construidas desde la más primitiva necesidad del matriarcado, ídolos, fetiches, amuletos cuya potestad es la vida y con ello la ontología cultural”. José Antonio Farrera. Fuentes consultadas: ALDAMA, José Ignacio et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art, 2013, Pág. 27.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $7,300-$10,110 161


124

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título, 2009

Firmado al reverso Óleo sobre tela 300 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta detalles de conservación. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,860-$22,470 162


125

GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - ) Sin título, 2009

Firmado al reverso Óleo sobre tela 300 x 140 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta detalles de conservación. La pintura de Gustavo Aceves está a la vanguardia del arte europeo contemporáneo y se caracteriza por una personal “revisitación” de los grandes maestros de la tradición pictórica occidental como Rembrandt y Bacon, patente en la obsesiva disección del cuerpo humano. En 2008, Gustavo Aceves fue invitado a participar en la primera Bienal de Arte Contemporáneo de Pekín, China y en 2010 develó el mural “Nombres pro pi o s” , e n e l M u s eo Mem o r i a y Tolerancia de la Ciudad de México. En julio de 2011, asistió al Vaticano, como el único pintor latinoamericano convocado al evento en el que 60 artistas de distintas nacionalidades con el jefe de la Iglesia católica, entre otros figuraron Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Peter Greenaway, Bob Wilson y Arvo Pärt. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Ana Mónica. “Un artista mexicano desarrolla un ambicioso conjunto escultórico en Italia”. México. Periódico La Jornada, 17 de mayo del 2014 y “Gustavo Aceves, invitado de lujo de la galería Vértice”. México. Diario El Informador, 2 de febrero del 2009. Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,860-$22,470 163


Obra montada en el caballete del artista

126

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Mujeres, ca. 1980

Sin firma Óleo sobre tela sobre caballete de madera 170.5 x 200 cm Con caballete original del artista. Procedencia: perteneció a la colección de Bianca Dall’Occa, viuda del artista. Con folleto de información sobre el artista y la obra “Mujeres”. “Francisco Corzas nombró ‘Flores del mal’ a varios desnudos de mujeres, la mayoría pintados sobre grandes lienzos en que imperan los tonos aduraznados en contraste violento con el negro de las cabelleras y del vello púbico de mujeres tristemente bellas, cuyos lánguidos cuerpos yacen o se yerguen en el espacio pictórico, que estalla en rojos, verdes, amarillos, azules, que sugieren el diván, la cortina, la seda o el terciopelo y mejor destacan el desamparo de la desnudez. El arte de Corzas cuestiona en cada una de sus pinturas la existencia de nuestras emociones. Fue un pintor obstinadamente pintor. Se expresó por medio de trazos y colores desde que tuvo memoria y lo hizo todos los días de su vida, entrenándose sin descanso para dominar una técnica que manifestó su vocación plástica”. Fragmento del texto “Mujeres”. $1,800,000.00-$3,000,000.00 M.N. USD $95,500-$168,540 164


165


127

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Esposa No. 3

Firmada Escultura en bronce patinado 182 x 30 x 30 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, octubre del 2018. $230,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,920-$16,860 166


128

ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Horizontal con 3 figuras

Firmado y fechado 82 al frente. Firmado y fechado 82 al reverso 82 - VII Óleo sobre tela 150 x 200 cm Presenta craqueladuras y detalles de conservación. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860

167


Anverso

Reverso

129

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Pintor y su modelo

Firmada y fechada 66 Tinta barnizada, lápices de grafito y acuarela sobre papel 28 x 30.5 cm Intervenida al reverso. Procedencia en: adquirido en Sotheby’s, Nueva York, 28 de mayo de 1985, lote 426. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes. $150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,430-$14,050 168


130

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - ) Sin título

Firmada Mixta sobre papel 100 x 70 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. “Al pintor le atrae lo fantástico y extraño de los atuendos, no cabe duda. Pero además le seduce dar corporeidad a las telas en que envuelve sus figuras. ¡Cómo se deleita pintando el brillo del satín, los pliegues con sus sombras profundas, con qué fidelidad reproduce esas telas lustrosas y corrientes! Pero sobre todo le interesa la expresión de los rostros y los cuerpos. Y este es otro de los ingredientes de su realismo: lo psicológico. Estos rostros, cada uno de ellos, muestran, con gran conocimiento del alma humana, una gama de expresiones en que falta una sola cosa: la alegría. Y este estado de ánimo, de desolación se hace evidente asimismo en el lenguaje de sus manos y de sus cuerpos encorvados”. Fernando Gamboa. Fuente consultada: GAMBOA, Fernando. Rafael Coronel. El rostro anónimo. Acrílicos recientes. México. INBA, Museo de Arte Moderno, 1979.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,430-$14,050 169


131

JOSÉ LUIS CUEVAS

(Ciudad de México, 1934 - Ciudad de México, 2017) El prostíbulo de las monstruas #2

Firmada y fechada 4 sept. 1977 al frente. Fechada París 4 de septiembre 1977 al reverso Acuarela y tinta sobre papel 50 x 65 cm Publicada en: ULLÁN, José Miguel et ál. José Luis Cuevas. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 1998. Incluye ejemplar. Exhibida en: "José Luis Cuevas" muestra presentada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofría en Madrid, España, de enero a marzo de 1998. Estudioso de la figura humana y el lenguaje corporal, fue pintor, dibujante, escultor, artista gráfico e ilustrador de libros. A edad prematura ingresó a la ENAP y fue acreedor a numerosos premios de dibujo. Su obra es resultado de la observación y un alto grado de sensibilidad, contiene una gran carga narrativa de los acontecimientos alejados en todo momento de un estilo clásico o nacionalista, aspecto que otorga un valor trascendente, definida como realismo pictórico. Fuente consultada: LARA ELIZODO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte mexicano, 2011, Pág. 5.

$90,000.00-$130,000.00 M.N. USD $5,060-$7,300 170


132

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985) Sin título

Firmada y fechada 60 Acuarela y tinta sobre papel 77 x 56 cm Llegó a México en 1939 como un exiliado entre muchos; dos años después de su arribo a nuestro país tuvo su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano. En un principio se avocó a la temática de tipo indigenista para estar a tono con la Escuela Mexicana, pero pronto retomó su lenguaje y decidió continuar con su trabajo buscando la mayor pureza una vez recuperada la libertad espiritual que, como todo exiliado, vio alguna vez coartada. Rodríguez Luna fue nombrado “Hijo Predilecto” de Montoro, se le concedió la Medalla de Oro de la ciudad y expuso en algunos museos mexicanos, entre ellos el Museo de Arte Moderno. “Pinto desde antes de saber leer y escribir. Pintaba en la acera de mi casa en Montoro, con tiza y con picón, cuando tenía cinco o seis años. Pinté, detrás de la hostería con una ramita de adelfa, en las esquinas, en el papel de estraza que mi madre tiraba después de echar el azúcar o la sal a las orzas. Creo que nací del vientre de mi madre pintando hasta que a los diez años partí para Sevilla a estudiar, donde empecé a usar los pinceles y colores”. Antonio Rodríguez Luna. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, nota 32, Pág. 156 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 200.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,940-$5,620 171


133

SANTIAGO CARBONELL

(Quito, Ecuador, 1960 - ) Figura tocada por la fragilidad de una nube

Firmada Escultura en bronce P / A 86 x 52 x 40 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, abril del 2018. En su obra de tinte hiperrealista está siempre presente la figura humana, el retrato con gestos, miradas y manos. Importa poco el fondo de las imágenes, es el lienzo que enmarca a los personajes en determinadas actitudes y poses, en una atmósfera teatral e imaginaria que forman parte de su iconografía: pinturas de gran formato, recursos luminosos que recuerdan la época tenebrista, con sus protagonistas ataviados en capas o túnicas acorde a ese periodo. Es notable el dominio de Santiago Carbonell para representar el cuerpo humano, no solamente de manera bidimensional, el artista ha sido capaz de plasmar en la escultura, provocando la impresión de que los personajes de sus pinturas han decidido formar parte del mundo de los objetos, no necesariamente de las imágenes. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $14,050-$16,860 172


134

FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Sin título

Firmado y fechado 73 Óleo sobre tela 106 x 80 cm Presenta pequeño golpe y ligeras craqueladuras. Estudió en La Esmeralda donde fue alumno de Carlos Orozco Romero y años más tarde entabló amistad con Rafael Coronel y Gilberto Aceves Navarro. A finales de la década de los cincuenta viajó a Roma en compañía de Humberto Kubli y asistó a clases de pintura al fresco con el maestro Ciotti en la Academia de San Giacomo. En su estancia participó en la exposición colectiva en Palazzo Venezia y obtuvo una medalla de

plata. A su regreso a México, colaboró en el Primer Salón Nacional de Pintura en el Palacio de Bellas Artes. En los sesenta participó en exposiciones de distintos países: Estados Unidos, India, México, Israel Francia, Austria, Brasil, Canadá y Bélgica. El universo corsiano está habitado por seres misteriosos, con una iconografía y estética que se aleja de lo costumbrista y las condiciones sociales, su obra refleja a personajes de la urbe, le interesaba de modo especial reflejar la historia de las mentalidades de su época.

Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pp. 63, 186-189.

$750,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $42,140-$56,180 173


135

CLAUDIO GALLINA

(Buenos Aires, Argentina, 1964 - ) La fiesta

Firmado y fechado 97 Óleo y acrílico sobre tela sobre madera 80 x 90 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, agosto del 2018. Claudio Gallina es uno de los artistas más destacados de nuestra época. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, trabajó como escenógrafo del Teatro Colón, así como en cine y televisión. Su obra se ha presentado en bienales y ferias de arte internacionales como arteBA, Art Miami, Art Madrid, PINTA New York, ARTBO en Colombia y la Bienal de Arte de Panamá. A lo largo de su carrera ha realizado más de 30 exposiciones individuales entre las que destacan las presentadas en el Museum of Latin American Art en Los Ángeles, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte del Tolima en Ibagué, Colombia, Galería Alfredo Ginocchio en la Ciudad de México y Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires. También ha exhibido en muestras colectivas en Argentina, México, Colombia, Puerto Rico, Estados Unidos, Perú, España, Chile, Inglaterra y Panamá. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.claudiogallina.com

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,060-$6,750 174


136

BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - ) Damas en el taller

Firmado al frente. Firmado y fechado 2018 al reverso Óleo sobre tela 166 x 120 cm Benito Cerna es un destacado pintor que ha participado en diversas exposiciones tanto individuales como colectivas, en su natal Perú y en países como Colombia, Panamá y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones como la de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo en Perú y la del Museo El Castillo en Medellín, Colombia. ”Su tema varía según su emoción: bodegones, desnudos, paisajes, muestran la versatilidad de un alma inquieta queriendo atrapar la fugacidad del tiempo, que detenido en la retina de su ojo toma la magia del instante para atraparla en el lienzo que es la continuidad de su propia emoción lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca. La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista”. Charles Nevott. $220,000-$260,000 M.N. USD $12,360-$14,610 175


137

LINO ENEAS SPLIMBERGO

(Buenos Aires, Argentina, 1896 - Unquillo, Córdoba, Argentina, 1964) Estudio de cabeza de mujer, ca. 1950

Firmada Sanguina sobre papel 70 x 55 cm Procedencia: adquirido en Christie’s, Nueva York, 29 de mayo del 2013, lote 176 y el 19 de mayo del 2017, lote 15. Con etiqueta de Christie’s, Nueva York. Ingresó en 1915 a la Academia Nacional de Bellas Artes y egresó dos años más tarde con el título de Profesor Nacional de Dibujo. En esa década realizó su primera exposición individual en la provincia de San Juan. La iconografía de su obra está conformada por la figura humana, el paisaje o naturalezas muertas, alegorías y aspectos sociales. Realizó varios murales y colaboró con David Alfaro Siqueiros en la realización del mural “Los Granados”, en 1944 fundó el Taller de Arte Mural. Obtuvo el Primer Premio de grabado en el Salón Nacional, en dicha técnica logró un gran desarrollo en cuanto a la elaboración de monotipos, en 1932 participó en la Exposición de Grabadores Argentinos en Nueva York y obtuvo la medalla de oro en el rubro de grabado en la Exposición Internacional de París. Fue un personaje activo en su época, ya que ejerció como profesor de dibujo en el Instituto Superior de Arte de la Universidad Nacional de Tucumán. En 1955 fue nombrado miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes. Fundó el Sindicato de Artistas Plásticos en 1933 al lado de Antonio Sibellino y Luis Falcini. Participó en el Salón Anual de Pintores Modernos en la Sala de Exposiciones de la Asociación Wagneriana de Buenos Aires. Encabezó la cátedra de dibujo de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Fuente consultada: sitio del Centro Virtual de Arte Argentino www.cvaa.com.ar

$85,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,780-$5,620 176


138

SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - ) Autorretrato

Firmado Pastel sobre papel 41 x 39 cm “El hecho de que Carbonell no solo prescinde de objetos y elementos innecesarios sino que se atiene, la mayoría de las veces, a una o dos figuras dotadas de centralidad y de jerarquía compositiva. El pintor no ha hecho entonces más que crear un espacio, visión que tiene por nexo y aglutinante la luz tenebrista dirigida con doble intención: dotará las formas de energía plástica, y la visión lumínico atmosférica”. Jorge Juanes. Fuente consultada sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430 177


139

ROBERTO FABELO

(Camagüey, Cuba, 1951 - ) Muñeca del pensamiento

Firmado y fechado 1990 Crayón sobre papel 94 x 72 cm Con certificado de autenticidad de Galería Nina Menocal, diciembre de 1999. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Ilustrador de numerosos libros, entre los que destacan las obras de Gabriel García Márquez. Ha realizado exposiciones en más de 20 países, entre ellos Cuba, Alemania, Argentina, España, Francia, E.E. U.U., Japón, México, Panamá, Suiza, Italia y Venezuela. Por su destacada trayectoria artística el estado cubano le ha conferido la Medalla por la Cultura Nacional y la Medalla Alejo Carpentier. Fuente consultada: DÍAZ, Estrella. “Roberto Fabelo: Abriendo Puertas”. Cuba. La Jiribilla, número 04, 2003.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,750 178


140

ANTONIO BERNI

(Rosario, Argentina, 1905 - Buenos Aires, Argentina, 1981) Ramona en escena

Firmado y fechado 66 Grabado en relieve y xilografía 6 / 25 63 x 47 cm Exhibido en: “Conjugaciones: Arte Contemporáneo Latinoamericano en la Colección FEMSA”, muestra presentada en el Museo de los Pintores Oaxaqueños en Oaxaca, en 2009. En 1914 fue aprendiz en el taller de vitrales Buxadera y Cía y vivió en Roldán con sus abuelos. Desde su juventud realizó exposiciones de pinturas al óleo de naturalezas muertas y paisajes, visiblemente influenciados por el impresionismo. A mediados de la década de los veinte llegó a Madrid donde realizó numerosos paisajes y temáticas españolas. El contacto con artistas lo acercó al surrealismo y a la obra de André Bretón, Giorgio de Chirico y Magritte, quienes lo influenciaron de modo considerable para realizar piezas de este género, posteriormente conoció a Tristán Tzara y posteriormente entró en su periodo de realismo social donde representó las problemáticas bélicas a partir de retratos. En 1976 se mudó a Nueva York donde comenzó a realizar grabados y collage, en las que manifestó preocupación en aspectos de la vida cosmopolita de la época. También trabajó algunos murales en la capilla del Instituto de San Luis Gonzága en la Provincia de Buenos Aires. $90,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,060-$8,990

141

ANTONIO BERNI

(Rosario, Argentina, 1905 - Buenos Aires, Argentina, 1981) El confesor de la Ramona

Firmado y fechado 64 Grabado en relieve y xilografía 5 / 25, 2° estado 92.5 x 58 cm Exhibido en: “Conjugaciones: Arte Contemporáneo Latinoamericano en la Colección FEMSA”, muestra presentada en el Museo de los Pintores Oaxaqueños en Oaxaca, en 2009. Con etiqueta de la galería Window South. A lo largo de los años sesenta desarrolló la saga de sus dos personajes, ya icónicos, Juanito Laguna, un niño de una villa pobre y Ramona Montiel, una prostituta; con ellos dio testimonio de los márgenes de la realidad del país, ejerciendo artísticamente los derechos de la misma sociedad que los excluye. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires Malba www.malba.org.ar

$90,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,060-$8,990 179


142

GERMÁN VENEGAS

(Puebla, México, 1959 - ) Rubia con espejo

Firmado y fechado 97 Temple sobre tela 100 x 80 cm Con etiqueta de Fomento Virtual de las Artes, A.C. Desde sus inicios, su obra se caracterizó por la avidez hacia la vanguardia, pero también por una cierta mirada nostálgica hacia lo mexicano. A su trabajo, de corte expresionista, incorporó la talla en madera aprendida en sus años tempranos y junto con su constante exploración con el color, le imprimieron un carácter muy particular y personal a su propuesta plástica que lo llevó a estar presente en centenares de exposiciones colectivas en museos de gran importancia a nivel internacional. De igual manera, su obra se encuentra en destacadas colecciones, como el Museo de Arte Moderno y la Galería OMR en la Ciudad de México, el Museo Metropolitano en Nueva York, el Museo de Ponce en Puerto Rico y el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo en Badajoz en España. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Germán Venegas. Coatlicue. México. Aldama Fine Art, CONACULTA, FONCA, 2016, Pág. 18.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 180


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ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) Cuadro No. 2

Firmado Óleo y hoja de oro sobre madera 190 x 130 cm Presenta desprendimientos de capa pictórica y detalles de conservación. “Una vez que el óleo tomó la primacía, apareció una gama nueva de su expresión. Figuras solitarias, casi siempre sobre fondos obscuros, las cuales hablaban de temas abstractos como si se tratara de sueños. A finales de los ochenta aparecieron los paisajes, los cielos, las nubes vistas de ciudades lejanas que no se integran con la figura humana, sin embargo, invitan a disfrutar su correlación. La evolución siguió su curso, aclarando algunos fondos integrando algunas sutilezas, hablamos de las obras de principio de los años noventa”. Lupina Lara Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 21, septiembre de 1996, Pág. 20.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 181


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TOSIA MALAMUD

(Vínnytsia, Ucrania 1923 - Ciudad de México, 2008) Maternidad, 1970

Firmada y fechada 1970 Escultura en piedra xaltocan 70 x 48 x 55 cm Publicada en: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. CONACULTA. 2007, Pág. 148. Llegó a México en su infancia acompañada de su familia, en su juventud conoció a personalidades del medio artístico y acudió a la Academia de San Carlos con maestros como Ignacio Asúnsolo, Francisco Goitia y Luis Ortiz Monasterio, es considerada la artista más importe en el género escultórico. Trabajó con distintos materiales como barro, arcilla, piedra, madera y acrílico, inspirada en las esculturas del México prehispánico, la música y el ballet. Tuvo distintas etapas creativas y temáticas, en ellas realizó autorretratos y retratos, bailarines y momentos musicales, máscaras o personajes fantásticos, numerosas piezas acerca de la maternidad y la familia que se encuentran exhibidas en espacios públicos, la figura y sensibilidad femenina pueden definirse como parte de su iconografía. Su obra forma parte de la colección del Instituto Nacional de Bellas Artes, del Instituto Mexicano del Seguro Social, Museo Casa León Trotsky, Museo de Arte Moderno, Museo Nacional del Virreinato y Museo Universitario de Arte Contemporáneo en México. En colecciones en el extranjero su obra se encuentra en el Museo Betzalel en Jerusalén, Museo Contemporáneo de Pintura HispanoAmericano en Zaragoza, España, Museo de Toronto y la Universidad de Tel Aviv.

Fuente consultada: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, 2007, pp. 11-14 y 206-201.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $22,470-$28,090

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ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - ) De la Patología #1

Firmado y fechado 82 con lápiz al frente. Firmado y fechado 80 - VII al reverso Óleo sobre tela 180 x 130 cm Presenta detalles de conservación. Nació en Tapachula, Chiapas, sin embargo, fue registrado en la Ciudad de México. De su familia, especialmente de su abuela quien realizaba copias de obras que veía en libros e ilustraciones, y de su tío que era un buen dibujante, heredó el interés, y desarrolló un alto grado de sensibilidad desde la infancia. Su formación como pintor fue autodidacta hasta que ingresó en la Escuela de Iniciación Artística del INBA. 184

La figura humana y la composición de las obras dan como resultado una iconografía excepcional y distintiva en la obra de Cortázar. “Roberto es un buen conceptualista, habla de la pintura en términos de lenguaje, y por tanto se refiere con frecuencia a sus contenidos. Parte de la idea que los artistas poseen cultura, un entorno o un sentido propio de la realidad y que se mantienen en constante comunicación con sus circunstancias; así van enriqueciendo sus propios conceptos los cuales más tarde serán transformados al lenguaje artístico. En base a ello, es posible hablar de los contenidos que se encierran en una obra”. Lupina Lara Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 21, septiembre de 1996, Pág.19.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,110-$14,050


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TOSIA MALAMUD

(Vínnytsia, Ucrania 1923 - Ciudad de México, 2008) Madame

Firmada y fechada 1999 Escultura en bronce en base de madera 35 x 50 x 33.5 cm medidas de la escultura Publicada en: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. CONACULTA. 2007, Pág. 100. “En la obra escultórica de Tosia Malamud, como en su personalidad, todo es paradoja: la riqueza de su imaginación, la fuerza deliberada con la que se expresa en cada una de sus obras, su permanente búsqueda de la estética, así como su sensibilidad innata. Las relaciones que se han establecido entre su imaginación, su creatividad y su obra hablan de una artista original, dotada de un talento singular”. Sergio Nudelstejer. Fuente consultada: NUDELSTEJER, Sergio y FABELA FIERRO, María Teresa. Tosia Malamud. La materia tras la forma. México. Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, 2007, Pág. 11.

$150,000.00-$180,000.00 M.N. USD $8,430-$10,110 185


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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán el Grande, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949) Desnudo, ca. 1940

Firmado Carboncillo sobre papel 47 x 62 cm Procedencia: perteneció a la colección del ex-director del Fondo de Cultura Económica, el Sr. Emigdio Martínez Adame. José Clemente Orozco fue un pintor y grabador mexicano perteneciente al movimiento muralista. Estudió en la Escuela Nacional de Agricultura y tomó clases de matemáticas y dibujo arquitectónico. Sus primeros murales muestran sus trazos limpios, escueto a las lecciones bien aprendidas, en cambio, reservó la caricatura política, retratos, dibujos y diversos trabajos en caballete para una mayor libertad de expresión y movimiento. En 1943, fue miembro fundador de El Colegio Nacional, en 1946 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes de México y al año siguiente expuso en el Palacio de Bellas Artes. “José Clemente Orozco fue un hombre que atravesó el siglo XX con todo este bagaje de conocimientos, vivencias, problemáticas bélicas y revolucionarias ideológicas que fueron transformando el siglo XX; él fue un hombre de este siglo, quien supo hacernos ver, a través de su obra, todo este cúmulo de circunstancias por las que atravesó el hombre contemporáneo”. Laura González Matute. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-39 y sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.gob.mx/cultura

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,750-$8,990 186


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JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - ) El paseo

Firmado y fechado 1987 en el panel derecho. Fechado México D.F. 1987 al reverso Acrílico y pastel sobre tela sobre madera, tríptico 164.5 x 75 cm cada uno 164.5 x 225 cm medidas totales Piezas: 3 Con certificado de autenticidad de Terreno Baldío Arte, firmado por el artista, septiembre del 2017. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas de México y el extranjero, entre ellas: la del Museo de Arte Moderno, en la Ciudad de México; la del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey; la del Santa Barbara Museum of Art, en California, y la del Latin American Museum, en Florida; la Colección Blake-Purnell, en Nueva York, y la Colección de Arte del Príncipe de Mónaco. Con una trayectoria activa que rebasa los treinta años, algunas de sus muestras individuales realizadas durante 2018 se han llevado a cabo enespacios como Place du Louvre, en París; The San Diego Museum of Art en California, y el MUDEC-Museo delle Culture en Milán. En años anteriores, en la Pinacoteca Comunale Casa Rusca, en Locarno, Suiza; el Museo d’Arte Contemporanea Roma Testaccio, en Roma; Les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, en Bruselas; el Museo di Palazzo Reale, en Milán; el Espace Pierre Cardin, en París, entre muchos otros. Ha expuesto dos veces como parte de la Bienal de Venecia: en la Piazza de San Marco, en la edición 49 (2001), y en la Sala Santo Tommaso, en la edición 50 (2003). En 2008 expuso en la Bienal Internacional de Beijing. También ha exhibido su trabajo en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, el Palacio de Iturbide, el Centro Cultural Banamex, el Museo del Palacio de Bellas Artes, en la Ciudad de México, y el Museo Amparo en Puebla, por mencionar algunos recintos. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,850 187


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ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - ) Isla del espejo

Firmado y fechado 76 Carboncillo y crayón sobre papel 58 x 33 cm Con etiqueta de Galería Juan Martín. “La obra de von Gunten es extremadamente sutil, de gran elaboración y sobre todo natural. Sus cuadros son irónicos, como una especie de sueño en la realidad que permanece siempre única e indivisible”. Juan García Ponce. Fuente consultada: GARCÍA PONCE, Juan. Nueve pintores mexicanos. México. UNAM, colección Pértiga, 2006, Pág. 62.

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,590-$3,370 188


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ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - ) Dafne

Firmada y fechada 96 Escultura en bronce 2 / 6 173 x 163 x 60 cm Con certificado de Impronta Editores México, junio de 1996. Agradecemos al Maestro Roger von Gunten por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Publicada en: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Libertad en bronce. México. Impronta Editores-Agua tinta A.C., 1999, pp. 183, 192 y 193. Esta obra forma parte del grupo escultórico con el que Roger von Gunten participó en el proyecto “Libertad en bronce 2000”, una exposición planeada en 1998 y la cual puso al alcance de la ciudadanía 88 esculturas de 11 renombrados artistas en el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México. En aquel proyecto participaron artistas nacionales e internacionales, como Leonora Carrington, José Luis Cuevas, Manuel Felguérez, Joy Laville, Brian Nissen, Irma Palacios, Vicente Rojo, Roger von Gunten, Juan Soriano y Gunther Gerzso. “La obra habla por sí misma, aunque ahí puedes encontrar una mitología personal que, en mi caso, está poblada de música, literatura, paisajes y cosas que me suceden, que integro a mi obra; es un proceso intuitivo que no puede justificarse con razones”. Roger von Gunten. $350,000.00-$500,000.00 M.N. USD $19,670-$28,090 189


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JOY LAVILLE

(Wight, Inglaterra, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 2018) Florero magenta

Firmado y fechado 1988 Acrílico sobre tela 60 x 50 cm Con etiqueta del Museo de Arte Moderno. México fue para Joy Laville la cumbre de su crecimiento como artista, tanto que entre los años 60 y 70 su trabajo fue considerado por la crítica al mismo nivel que las obras de Pedro Coronel, José Luis Cuevas, Francisco Toledo y Rufino Tamayo. A pesar de haber realizado varios viajes a Europa, nuestro país fue una gran influencia para su estilo artístico, el cual se caracterizó por el uso de colores matizados y las constantes figuras solitarias en grandes paisajes, así como también la presencia de gatos, palmeras y flores en jarrones, elementos que amaba admirar en 190

su casa de San Miguel de Allende, pueblo donde conoció a su amado esposo el escritor mexicano Jorge Ibargüengoitia. Tras casi veinte años de matrimonio, Jorge murió en un accidente aéreo en España, en ese momento residían en París, así que posterior a su fuerte pérdida, Joy decidió regresar a México y se estableció definitivamente en Cuernavaca. Su vida fue un subibaja de emociones y experiencias, por lo que sus cuadros fueron un reflejo de ello. “[…] Si bien, sus figuras provienen de la realidad y se apropian de esa realidad, sumiéndolas en un clima onírico y dándonos la impresión de que la materia de sus cuadros estuviera hecha de sueños”. Lupina Lara Elizondo. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 6, No. 52, julio-agosto del 2001, Pág. 26 y GAMBOA, Fernando et ál. Joy Laville. Un mundo luminoso y transparente. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1977, Pág. 5.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,360-$16,860


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JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Sin título

Sin firma Anilina sobre papel de china 143 x 48 cm Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. El contexto histórico en la vida de Chucho Reyes está rodeado de importantes acontecimientos en México y en el mundo: el arte estaba definido por los cánones y el academicismo europeo. El gobierno de Porfirio Díaz traía consigo la construcción de vías férreas, alumbrado eléctrico y se presenciaban importantes síntomas de la Revolución Mexicana. Así como los movimientos armados revolucionarios y la Guerra Cristera, surgió el estridentismo, y el muralismo se consideró como la actividad artística más importante del país. Dr. Atl comenzó a impartir clases en la Academia de San Carlos, la que sería la primera generación de muralistas y en 1913 se inauguró la primera Escuela de Pintura al Aire Libre. Como consecuencia de las nuevas manifestaciones artísticas, Chucho Reyes conoció a poetas como Salvador Novo y Carlos Pellicer, al historiador Justino Fernández e intelectuales y artistas como la galerista Inés Amor, Luis Barragán, Juan Soriano, Raúl Anguiano y Juan O’Gorman por mencionar algunos. Participó en proyectos arquitectónicos, fue uno de los integrantes del Salón Independiente y se le han realizado numerosos homenajes, en 2018 el Museo del Palacio de Bellas Artes presentó la exposición “Chucho Reyes. La fiesta del color” en el marco de su 40 aniversario luctuoso. Fuente consultada: sitio oficial del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.gob.mx

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,110-$14,050 191


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GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Manzanas

Firmado Óleo sobre tela 50 x 60.5 cm Su carrera artística está dividida en dos vertientes, el periodo academicista y el neorrealista. En la primera realizó bodegones, retratos, naturalezas muertas a través, de pintura y dibujo. Realizó sus estudios en la Academia de San Carlos teniendo como profesores a Germán Gedovius, Leandro Izaguirre, Mateo Herrera y Roberto Montenegro. Su etapa neorrealista estuvo influenciada por las visitas a galerías y museos de Europa, especialmente por el abstraccionismo, Juan Rulfo comentó al respecto de esta novedosa etapa: “Gustavo Montoya descubre otros mundos: aquellos que escondidos en el subconsciente, no había percibido hasta entonces: los mundos alucinantes de la memoria y, por añadidura las percepciones más recónditas de la mente, tales como el apesumbrado temor a los muchos temores de que está rodeado el hombre: agonías, pesares, sueños y alucinaciones, todos ellos llenos de una ineludible fatalidad desesperada”. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 372.

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $7,300-$10,110 192


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VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009) Mesa con florero

Firmado Acrílico sobre tela 120 x 140 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, Vda. de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Fue un pintor de abundante producción y creatividad la cual mantuvo hasta sus últimos días. En su obra se aprecian sus distintas etapas, comenzó con estilo figurativo, entre la década de los setenta y ochenta, configuró el formato de sus obras y desarrolló distintos aspectos expresivos con elementos poéticos o narrativos y con interés por lo espacial y lo matérico. En su producción se encuentran paisajes, bodegones, elementos arquitectónicos y de interiores a través de pintura, gráfica y escultura. Destacan en sus exposiciones las presentadas en el Columbia Museum of Art en Estados Unidos, en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, el Museo Español de Arte Contemporáneo en Madrid y en Kimberly Gallery de Washington. “La experiencia artística de Vicente Gandía es una experiencia de los límites y, en cierta manera, un intento de interrelación o de trasgresión de los mismos. Un estilo que se baña en la simplicidad de los objetos, en la eliminación de los excedentes retóricos de la pintura; en su obra destaca la modulación de los espacios y la orquestación de lo no dicho, de lo descubierto a través de sus cuadros, el espacio del universo”. Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Vicente Gandía. (1935-2009) la memoria de la luz”. México. UAM. Casa del Tiempo, agosto del 2010, pp. 48 - 52.

$240,000.00-$320,000.00 M.N. USD $13,490-$17,980 193


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JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - ) Hot dog

Firmado y fechado 2009 al reverso Óleo sobre tela 30 x 40 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Publicada en: sitio oficial del artista www.jcdelvalle.com.mx “No debemos apresurarnos a categorizar el trabajo de Juan Carlos dentro del género decorativo de los bodegones. Su intención interior es relacionarse con el lenguaje simbólico de estos alimentos considerados como objetos dentro del mundo contemporáneo y, por ende, cuestionar nuestro uso del lenguaje simbólico en este ámbito. Aunque las referencias a las tradiciones históricas de los bodegones y el legado de la pintura española moderna son pertinentes, es evidente que Juan Carlos es un artista del mundo contemporáneo de las ideas”. Scott Peck, director de Museum of Biblical Art, Dallas. Fuente consultada: BORJA HINOJOSA, Clara et ál. Temptation / Tentación. Juan Carlos del Valle. México. Secretaría de Relaciones Exteriores, Museum of Biblical Art, The Mexico Institute, 2013, Pág. 101.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430 194


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JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 90 x 75 cm “Maravillosas y envidiables facultades posee Reyes Meza, como pintor. Puede pintar todo lo que quiera, y del modo que a él le venga en gana. Paisaje, flores, pescados, naturalezas muertas, toros, retratos”. Antonio Rodríguez. $80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,450-$5,620 195


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GUSTAVO PÉREZ

(Ciudad de México, 1950 - ) Sin título

Firmada G.P. Vasija en cerámica a la alta temperatura 14 x 37 x 37 cm Referida: #03-788. Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, noviembre del 2009. A lo largo de su trayectoria de 40 años como ceramista, Gustavo ha desarrollado series técnicamente diferenciadas que él mismo ha definido como “forma abierta”, “dibujo en la cerámica”, “heridas”, “cortes”, “reconstrucción”, “pliegues” y “comprensión”. Cada caso ha surgido de una investigación sistemática, pero también lúdica, sobre las infinitas posibilidades de manipular la arcilla a partir del torno. Este proceso de desarrollo sigue abierto, enriqueciéndose y ramificándose según sus experiencias porque, en efecto, es interminable. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Fernando García Ponce www.macay.org

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,590-$3,370

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GUSTAVO PÉREZ

(Ciudad de México, 1950 - ) Sin título

Firmada G.P. Escultura en cerámica a la alta temperatura 24 x 37 x 37 cm Referida: #4-103. Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, noviembre del 2009. Estudió en la Escuela de Diseño y Artesanías EDA y dos años en la Academia de Saint Joost en Breda, Holanda por medio de una beca. De 1982 a 1983 trabajó en el taller de Sint Paulusabdij en Oosterhout y desde 1994 es miembro de la Academia Internacional de la Cerámica, formando parte de su consejo en 2016. Entre los premios y reconocimientos que ha recibido destaca el Premio Nacional de cerámica en 2012. En 2011 expuso en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Fernando García Ponce www.macay.org

$40,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,250-$2,810

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Manuel Fontanals, Diego Rivera, Columba Domínguez, Emilio “El Indio” Fernández y Manuel Parra

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MANUEL PARRA

(Ciudad de México, 1911 - Ciudad de México, 1997) Sin título

Sin firma Escultura en madera con base de hierro 109 x 33 x 33 cm medidas con base Con certificado de autenticidad de El Aire Centro de Arte. Agradecemos a la Maestra Carmen Parra y a Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Publicada en: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. Fue un arquitecto atemporal en sus diseños, un escultor nato, un pintor excepcional, un diseñador de muebles original y un escenógrafo considerado por el medio como uno de los más destacados de la época del cine de oro mexicano. Se casó por primera vez con María del Carmen Rodríguez Peña con quien tuvo a su hija Carmen Parra y con quien compartió e instruyó años más tarde su amor al arte. Como arquitecto construyó capillas posas y participó en la restauración del altar de la Virgen del Carmen realizado en el siglo XVII por el arquitecto Fray Andrés de San Miguel, quien fue una de sus primeras inspiraciones. Con el tiempo, su estudio y conocimiento sobre la historia de la construcción lo condujeron a crear su propio estilo, sintetizando su admiración por el estilo prehispánico, español y árabe en uno solo. Tras establecer importantes amistades, logró ejecutar diversos proyectos en algunas zonas de la Ciudad de México, como lo fue Lomas de Chapultepec, el Pedregal, Chimalistac, Coyoacán y San Ángel, zona en la que llegó a ejecutar alrededor de 40 casas cuyo valor intrínseco radica en la historia; también realizó obras en Morelos, Guanajuato, Monterrey, Acapulco y algunas ciudades de Estados Unidos, España e Italia. Entre las casas más representativas de su estilo arquitectónico está la del cineasta y amigo de la familia Emilio “El Indio” Fernández, en Coyoacán. “Manuel Parra, hijo pródigo de su arquitectura, atrapó lo que él más quería de su mundo para preservar aquello que amaba y admiraba a la manera de un mago o un chamán. Era un creador, un artista; armaba sus casas en su imaginación y en su vida fue un personaje romántico”. Carmen Parra. Fuente consultada: sitio oficial del Instituto Nacional de Antropología e Historia www.inah.gob.mx

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,750-$10,110

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ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999) Estudio para El entierro de Zapata, ca. 1972

Sin firma Óleo sobre tela 100 x 80 cm Con certificado de autenticidad de El Aire Centro de Arte. Agradecemos a la Maestra Carmen Parra y a Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Exhibido en: “El entierro de Zapata y otros enterramientos”, muestra individual presentada en noviembre de 1972 y en “Alberto Gironella. Barón de Beltenebros” en octubre del 2003, ambas muestras presentadas en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México. Con etiquetas del Instituto Nacional de Bellas Artes y de El Aire Centro de Arte. Estudió Letras Españolas en la UNAM porque deseaba ser escritor, pero pronto descubrió que su pasión era la pintura. Su formación artística estuvo marcada por diversas influencias, destacando su estudio por las obras de Diego Velázquez, El Greco, Rembrandt, Francisco de Goya y Pablo Picasso, así como el contacto que tuvo con los exiliados españoles en nuestro país, de quienes aprendió la ideología y técnicas vanguardistas.

La década de los 70 fue bastante productiva para Alberto Gironella ya que realizó un sinfín de exposiciones en importantes recintos, tal fue el caso de la muestra “El entierro de Zapata y otros enterramientos”, realizada en la Sala Nacional del Museo del Palacio de Bellas Artes en 1972. Para las obras realizadas exclusivamente para aquella exhibición, estudió determinadamente el libro “Zapata” de John Womack y se influenció en el estilo de Francisco de Goya y en las fotografías de Héctor García, Manuel Álvarez Bravo, así como en la serie fotográfica “La silla” de la cual tomó como base la icónica imagen de Agustín Víctor Casasola, inmortalizando con ella el encuentro de Emiliano Zapata y Francisco Villa en diciembre de 1914. La muestra se inauguró el 8 de noviembre con gran éxito, habiendo el día anterior vivido el nacimiento de su tercer hijo, a quién nombró Emiliano en honor al afamado líder revolucionario y centro de admiración en su obra. Con aquella exposición, se autoproclamó “enterrador de nuestro tiempo”. Actualmente, algunas obras relacionadas al tema de Zapata, forman parte de la exposición “Pop America”, la cual se exhibe en el McNay Art Museum en San Antonio, Texas, y que estará abierta al público hasta enero del 2019.

Fuentes consultadas: PAZ, Octavio et ál. Alberto Gironella. México. Grupo Financiero Bital, Landucci Editores, 2002, pp. 185 y 186 y SÁNCHEZ, Antonio. “La silla presidencial”. México. Algarabía, 20 de noviembre del 2014.

$320,000.00-$500,000.00 M.N. USD $17,980-$28,090 199


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EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) Marina

Firmado y fechado 2012 Óleo, tinta y acuarela sobre papel 108 x 118 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Agradecemos a Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. No se puede decir que la formación humanista-artística de Emiliano Gironella Parra haya sido autodidacta, en el estricto significado del término, ya que siempre tuvo maestros cercanos y significativos: en primer lugar sus padres, Carmen Parra y Alberto Gironella, también su abuelo, el arquitecto Manuel Parra, y desde luego todos los personajes y artistas que frecuentaban su círculo familiar, desde Octavio Paz y Luis Buñuel hasta los fotógrafos Manuel Álvarez Bravo, Héctor García y Graciela Iturbide. Bajo el aprendizaje de estos grandes maestros, comenzó a interesarse por la fotografía y el cine, no obstante, su práctica artística se decantó por la pintura, el grabado y las tallas directas en planchas de madera. Entre los temas que circulan su obra, destacan el boxeo, la fiesta brava y las peleas de gallos, las mujeres, la muerte y la violencia. Así mismo, una constante en su producción son los homenajes a personajes sociales y nacionales como a José Alfredo Jiménez, a Sor Juana Inés de la Cruz, así como a las greguerías de Ramón Gómez de la Serna, al poema “Muerte sin fin” de José Gorostiza y a la obra “Pedro Páramo” de Juan Rulfo. Fuentes consultadas: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí-El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 327 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,810-$3,940 200


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EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - ) Nocturna ave

Luis Buñuel, Alberto Gironella y Emiliano Gironella

Firmada y fechada 2011 al reverso Mixta sobre tela 80 x 140 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. Agradecemos a Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. Emiliano se graduó de la Interlochen Arts Academy en Michigan y actualmente cuenta con una larga trayectoria artística, con un sinfín de exposiciones individuales y colectivas, así como colaboraciones con numerosos artistas y publicaciones de proyectos propios. Uno de ellos es “Manos Manchadas de Pintura”, el cual utiliza el arte como un catalizador del dolor en apoyo a los hijos de elementos policiales fallecidos durante estrategias federales. Por este proyecto, el pasado mes de julio recibió un reconocimiento del presidente Enrique Peña Nieto. Con estos ideales, Emiliano Gironella Parra demuestra cómo es que el arte puede ser una poderosa herramienta para modificar paradigmas e historias preconcebidas, un instrumento clave para cambiar la visión que se tiene en el exterior sobre México e inspirar un cambio radical y educativo dentro del país. En 2016, el Comisionado Nacional de Seguridad presentó en el Museo Soumaya el libro “Artempatía”, el cual reune pinturas y arte hecho por Emiliano Gironella y los hijos de policías federales caídos en el cumplimiento de su deber y para 2017 presentó “Artempatía / Empathy Art”, su primera exhibición individual en Estados Unidos, realizada en colaboración con The Getty Museum’s Pacific Standard, la muestra se presentó en la galería Jason Vass en Los Ángeles con gran éxito. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,750-$10,110 201


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CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) Arcángel San Rafael, 2018

Firmado Acrílico sobre tela 207 x 148 x 5 cm medidas totales con marco El marco es parte de la obra. Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Agradecemos a la Maestra Carmen Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. Su padre era el reconocido arquitecto Manuel Parra, quien con frecuencia compartía con ella sus actividades. Gracias a él conoció a Diego Rivera, Juan O’Gorman, “El Indio” Fernández y Chucho Reyes, entre otros importantes intelectuales de la época. Estuvo casada con el artista Alberto Gironella, en una época en la que él tuvo múltiples exposiciones y era reconocido como uno de los grandes representantes de la generación de La Ruptura. En alguna ocasión, cuando el maestro Fernando Gamboa vio la obra de Carmen en una reunión del grupo, le propuso y persuadió a que presentara su 202

trabajo, idea que concluyó en una exposición en el Museo de Arte Moderno, la cual la impulsó a que comenzara su gran repertorio de exhibiciones individuales en importantes instituciones culturales y galerías de arte. Parte de la construcción de su estilo artístico proviene de la gran pasión de su padre por el arte colonial, admiración que la llevó a visitar frecuentemente conventos e iglesias. Sus estudios por el Centro Histórico de la ciudad la condujeron a ser una amante del estilo pictórico y arquitectónico de la Catedral Metropolitana, donde conoció a Jaime Ortiz, quien se encontraba restaurando el inmueble y quien le abría las capillas en secreto para que ella entrara a dibujar. Al respecto, en una entrevista ella comentó: “Tuve el gran privilegio de conectarme emocional y directamente con el arte sacro mexicano y con la devoción que hizo posible todos esos altares y toda la Historia que hay en los 400 años de la Catedral de México”. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, noviembre de 1996, año 2, No. 23, pp. 14-21 y sitio oficial de Colección Milenio Arte www.coleccionmilenioarte.milenio.com

$160,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,990-$11,240


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CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - ) El vuelo del águila

Firmado al frente. Fechado 2010 al reverso Óleo sobre tela 200 x 200 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. Agradecemos a la Maestra Carmen Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Publicado en: - RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 123. - QUIRARTE, Vicente. Carmen Parra. República del aire: el águila contra la patria en extinción. México. UNAM, Coordinación de Difusión Cultural, 2011. - En el sitio oficial de de la artista www.carmenparra.com.mx Exhibido en: “República del aire: el águila contra la patria en extinción”, muestra presentada en la Casa del Lago Juan José Arreola de la Universidad Nacional Autónoma de México en 2011.

“A lo largo de su vida su producción artística se ha visto enriquecida por diversos factores, los cuales se han plasmado en la selección de su temas, destacando su idea de plasmar la mexicanidad bajo un sentido antropológico, como lo ha sido: la migración de la mariposa monarca, la pintura barroca de la Catedral de México, los hallazgos del Templo Mayor y la figura del águila real como emblema mexicano. De este último, y para defender su valor de símbolo histórico, Carmen Parra emprendió una campaña contra la extinción de la patria mediante la figura del águila real, realizando la exposición ‘República del aire: el águila contra la patria en extinción’, la cual exhibió 27 cuadros de gran formato para los cuales tuvo el privilegio de contar con un ejemplar vivo como modelo llamado ‘Inka’, un águila de alas rotas que fue adoptada por un amante de la especie tras un decomiso. Sobre su encuentro con el águila real, la pintora mencionó: ‘Creo que ningún artista del mundo ha tenido el privilegio de que le traigan un águila real a posar. Es un animal muy difícil de ver […] traté de pintar el vuelo del águila casi del tamaño natural, en telas de dos por dos metros, ya que ‘Inka’ tiene una envergadura de dos metros de ancho’”. Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Carmen Parra enarbola el águila real contra la extinción de la patria”. México. La Jornada, sección Cultura, 18 de agosto del 2011.

$210,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,800-$16,860 203


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CARMEN PARRA y EMILIANO GIRONELLA PARRA al alimón

Mariposas y calaveras Firmada por ambos artistas y fechada 2006 Mixta sobre tela con marco de madera, políptico enmarcado junto 20 x 20 cm medidas de cada mixta 168 x 133 x 4 cm medidas totales Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por los artistas. Agradecemos a la Maestra Carmen Parra y a Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Publicada en: RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 123 y en el sitio oficial de la artista www.carmenparra.com.mx Con etiqueta de El Aire Centro de Arte. Carmen y Emiliano han seguido sus fructíferas carreras artísticas con gran éxito y han sabido cuidar su herencia, la cual va más allá de sólo un vínculo personal. Juntos han estructurado aspiraciones, realizado obra y gestionado proyectos de arte y difusión cultural, dando como resultado la apertura en 1997 del recinto El Aire Centro de Arte, que hasta hoy en día, salvaguarda su colección y cumple como un espacio alternativo e independiente que abre sus puertas a ideas de arte innovadoras y educativas. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.carmenparra.com.mx

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,430-$11,240 204


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ALBERTO GIRONELLA (Ciudad de México, 1929 Ciudad de México, 1999) De la serie Pudridero

Firmado y fechado 63 Óleo sobre madera y madera teñida y pirograbada sobre madera 77.5 x 84.4 cm El marco es parte de la obra y original del artista. El Escorial fue la residencia de la Familia Real Española, un complejo que fungió como palacio real, basílica, biblioteca y panteón, el cual sirvió como cripta únicamente para los restos de los miembros de la familia, tanto de la dinastía de los Habsburgo como de los Borbones; no obstante, anteriormente al morir un familiar, no eran sepultados directamente en el panteón, previamente y durante unos años sus cuerpos debían descansar en una sala cercana conocida con el nombre de “Pudridero”. Los frailes agustinos eran los únicos que podían entrar a aquel lugar, pues una vez que cerraban con llave el féretro, el cuerpo debía permanecer dentro entre 20 y 30 años, tiempo suficiente para que se llevara a cabo el proceso biológico de reducción natural, el cual ayudaba a que el cuerpo pudiese caber en los pequeñísimos cofres de plomo para las criptas. Aquel proceso, generaba también putrefacción a causa de la humedad, por lo cual se llamaba Pudridero. En la década de los 60, Alberto Gironella hizo un intento desencadenado por copiar la degradación de la materia, y el Pudridero fue el mejor escenario a retratar, mostrando así la áspera realidad que el poder de la muerte puede ejercer en el arte. Así fue, que ejecutó diversos cuadros con diferentes técnicas y materiales, pero en todas ellas reina cierta oscuridad que a su vez se salva por una gran presencia de luz, bárbara y sutil que presenta un drama visual con un sentido de profanación. Fuente consultada: PAZ, Octavio et ál. Alberto Gironella. México. Editorial Océano de México-Bital Grupo Financiero, 2002, pp. 155-158.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,110-$14,050

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ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999) De la serie Reina Mariana

Firmado y fechado 63 Óleo sobre madera y madera teñida y pirograbada sobre madera 85 x 75 cm El marco es parte de la obra y original del artista. “Por su misma fidelidad a las exigencias expresivas de su tiempo, la obra de Gironella nos habla siempre con un lenguaje que lo dice todo por sí mismo y no parece exigir ninguna elucidación posterior. El impacto de sus cuadros es directo e inmediato. Ante ellos, la imagen de la destrucción, el perturbador sentimiento de estar presenciando un acto vandálico precisamente en nombre de la verdad y la belleza […] Jamás puede exigírsele a un artista que tenga conciencia de las implicaciones profundas de sus obras. En el caso de Gironella el significado es demasiado evidente para suponer que trabajaba sin una plena conciencia de la intención de sus creaciones”. Juan García Ponce.

Fuente consultada: PAZ, Octavio et ál. Alberto Gironella. México. Editorial Océano de México-Bital Grupo Financiero, 2002, pp. 155-156.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,110-$14,050 205


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JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002) La historia de la electrocardiografía

Firmado y fechado 53 Óleo sobre tela 131 x 185 cm La obra de Chávez Morado ha sido considerada por el medio como prototípica del realismo, que se desarrolló paralelamente a la pintura mural posrevolucionaria, con abundantes antecedentes del arte popular. Pese a haber sido un artista a la usanza de la Escuela Mexicana de Pintura, las influencias internacionales también fueron trascendentales para la construcción de su obra, como fue el surrealismo y el cubismo. Sus contenidos temáticos, están calificados como ricos y diversificados, sustentados en sus estudios por la cultura mexicana. Así, tras la ejecución de retablos y obras de caballete, plasmó leyendas y dichos mexicanos, adornos y juguetes, instrumentos, escenas costumbristas, paisajes y retratos. Además, en ocasiones integraba ciertos caracteres que él mismo estructuró como signos, mediante los cuales creó un sistema para poder unir temáticas sociales, económicas e históricas en un solo espacio, lo que equivalía a un trabajo intenso con resultados reflexivos y con una crítica profunda y legítima. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. UNAM, 1980, Pág. 155.

$500,000.00-$700,000.00 M.N. USD $28,090-$39,330

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ARTURO RIVERA

(Ciudad de México, 1945 - ) El frasquito

Firmado y fechado 2002, DF Óleo sobre madera 24 x 34 cm Con certificado de autenticidad de Lourdes Sosa Galería, abril del 2009. Presenta mínimos detalles de conservación. “Desgarradura y espasmo, revelación siniestra y beatífica, ático del conocimiento y sótano de la pesadilla, los rituales interiores de Rivera aparecen frente a los ojos del espectador como umbrales de una posible iniciación. Asimilado el magisterio de los grandes maestros del Renacimiento italiano, el Barroco español y flamenco [...]”. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.arturorivera-pintor.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,060-$8,430 208


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JULIO GALÁN

(Múzquiz, Coahuila, 1959 - Zacatecas, 2006) La esperanza, ca. 1989

Sin firma Óleo sobre tela 132.5 x 183 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero. Con etiquetas del Instituto Nacional de Bellas Artes, de Annina Nosei Gallery y de Galería Enrique Guerrero. Julio Galán partió de Monterrey a Nueva York en 1984 después de haber estudiado la carrera de arquitectura y tras un año de estancia en la gran manzana, viajó a Francia, Holanda e Italia para poder complementar y confirmar su interés por dedicarse a la pintura. Regresó a México en 1990, ya con experiencia en el medio y un amplio reconocimiento internacional fue fácil para él colocar su obra en exposiciones e importantes colecciones, aunque muchas de ellas fueron trabajos polémicos y contradictorios que destacaron por su fuerte carga simbólica e imágenes perturbadoras. Actualmente, la crítica y la historia lo consideran uno de los más destacados representantes de la plástica mexicana contemporánea y su obra se encuentra en el Stedelijk Museum en Ámsterdam, en el Museum Boijmans Van Beuningen en Róterdam y en el Museo de Arte Contemporáneo en Monterrey, México. “Pintura engañosa y subversiva que causa adicción, que repite sus temas y los transforma hasta volverlos irreconocibles, las obras de Galán mezclan, con gracia y sabiduría, los mitos y las referencias nacionales, el teatro y la sinceridad, el transformismo y la trasparencia”. Carlos Monsiváis, fragmento del texto de la exposición “Oro poderoso”. Fuentes consultadas: PITOL, Sergio et ál. Julio Galán. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1993 y sitio oficial del Museo Amparo www.museoamparo.com

$700,000.00-$800,000.00 M.N. USD $39,330-$44,500 209


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MIGUEL CARRILLO

(Mérida, Yucatán, 1947 - ) Estudio para el sexto día

Firmado y fechado 02 Carboncillo, lápiz de grafito, tinta y collage sobre papel 123 x 214 cm Con copia del certificado de autenticidad de Galería de Arte Misrachi, octubre del 2002. Miguel Carrillo es un sobresaliente artista mexicano de formación autodidacta y cuya obra se caracteriza por su gusto en crear atmósferas mágicas, divinas, que remiten a lo antiguo y clásico pero con un estilo etéreo y vanguardista. Así mismo, sobresalen por el uso constante de cuerpos casi arquitectónicos y fondos agrietados mediante el uso de líneas sutiles. A lo largo de su carrera ha exhibido en el Museo Nacional de Historia, Museo Nacional de la Estampa y en el Museo del Palacio de Bellas Artes, así como en varios estados de la República Mexicana, Estados Unidos y Alemania. Fuente consultada: CASELLAS, Roberto. “Miguel Carrillo, pintor clásico y moderno”. México. Revista Panorama Médico, Año XXII, abril de 1992, Pág. 11.

$180,000.00-$260,000.00 M.N. USD $10,110-$14,610 210


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HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - ) Reparación II

Firmado y fechado 2018 Óleo, acrílico y hoja de oro sobre tela 180 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, julio del 2018. Hugo Lugo es un destacado artista contemporáneo mexicano, Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos, Nuevo León y en cuya obra se aprecia un constante interés por representar los aspectos más formales de la historia del arte pero con un lenguaje artístico propio. Ha desarrollado en diferentes disciplinas donde destacan proyectos de pintura, fotografía, video e instalación, y en casi todos ellos incorpora objetos que tienen cierto significado para la humanidad, extrayendo de ellos únicamente la esencia con mayor potencial, haciendo visible la sencillez y naturalidad de las particularidades de ese objeto. A lo largo de su carrera ha expuesto en diversos foros culturales dentro y fuera de México. Merecedor de diferentes premios y menciones dentro de las cuales destacan: Premio de adquisición en la IV Bienal Regional de Arte Joven, Mención Honorífica en la XIX Reseña de la Plástica de Nuevo León y el Premio Adquisición de la XIV Bienal de Pintura Rufino Tamayo en 2008. $220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,360-$16,860 211


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YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - ) Espejismo, de Rain series

Firmado y fechado III 014 Óleo sobre tela 91.5 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana. Fue discípulo de Arturo Montoto, con quien realizó varios proyectos murales. Actualmente vive y trabaja en Miami. “Rain series” es un proyecto que Yampier Sardina comenzó en 2013. Para Yampier la lluvia es sinónimo de intimidad y verla detrás de un cristal le da la posibilidad de jugar con las formas, de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta. Al mismo tiempo, brinda al espectador muchas maneras de verla y de especular incluso cuál es el lugar representado, porque, aunque parte de fotos, siempre les hace cambios y en palabras del autor: “pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento”. $100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,620-$6,750

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OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - ) Subtle

Firmado en vinil al frente. Firmado y fechado 2013 NYC al reverso Óleo sobre tela 53.5 x 107.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, firmado por el artista, diciembre del 2013. Asistió a la Escuela Primaria de Bellas Artes 20 de Octubre y a la Academia de Bellas Artes San Alejandro, ambas en La Habana. En 1991 fue invitado por el Museo Estudio Diego Rivera a la Ciudad de México donde vivió diez años, posteriormente viajó a Miami y se estableció en la ciudad de Nueva York. “El ojo de Echevarría es la perpendicular que disecciona las imágenes en movimiento. Porque no se trata de la realidad y su reflexión sino de la realidad y sus virtualidades; realidad regenerada en una pantalla donde aparecen otras pantallas, plasmas, charcos de agua continentes del paseo de un viajero que viaja en paralelo”. Emilio Ichikawa. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillarts.com

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,750

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(Isla de la Juventud, Cuba, 1970 - ) Sin título

(Isla de la Juventud, Cuba, 1970 - ) Sin título

ALEXIS LEYVA MACHADO “KCHO” Firmado y fechado 96 Carboncillo y tinta sobre papel 70 x 50 cm Procedencia: adquirido en Bonhams, Nueva York, 9 de noviembre del 2010. $60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,370-$5,060

ALEXIS LEYVA MACHADO “KCHO” Firmado Carboncillo y tinta sobre papel 70 x 50 cm Procedencia: adquirido en Bonhams, Nueva York, 9 de noviembre del 2010. $60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,370-$5,060

Es uno de los artistas cubanos más activos en Latinoamérica, es conocido por sus instalaciones en gran formato. Ha transitado entre el grabado, la escultura y el dibujo. Ha realizado decenas de exposiciones colectivas e individuales. “El mar está siempre presente en la obra de Kcho. Sus piezas se refieren al paisaje cubano y, por tanto, aluden al elemento más decisivo de la vida en la isla, el aislamiento marcado por el límite geográfico de la frontera del agua. Su trabajo evoca el viaje marítimo como territorio idóneo para la rememoración y la nostalgia”. Alicia Chillida. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía www.museoreinasofia.es

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ALEXIS LEYVA MACHADO “KCHO” (Isla de la Juventud, Cuba, 1970 - ) La Isla de la Juventud, barca, remos

Firmada y fechada 1992 Escultura en madera, pieza única 23.5 x 18 x 10.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, octubre del 2018. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas en La Habana. Su producción abarca la escultura, grabado, pintura e instalación a gran escala. En la década de los noventa se convirtió en el artista latino más joven en formar parte de la colección permanente del MoMA. De manera individual ha expuesto en la Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo en Turín, en el Museo Nacional de Bellas Artes en La Habana, Galería 106 en Austin, Texas, Galería Bárbara Gladstone en Nueva York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Casa de las Américas, en la feria ARCO en Madrid, Centro Wifredo Lam, Fundación Pilar y Joan Miró y Museo de Arte Contemporáneo en Los Ángeles, por mencionar algunos. En cuanto a exposiciones colectivas se ha presentado en el Museo Universitario del Chopo, en la Bienal Internacional de São Paulo, en el I Salón de Arte Cubano Contemporáneo en La Habana y en el Museo de Arte Contemporáneo en Chicago. $40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,250-$3,370 215


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CLAUDIO JERÓNIMO LÓPEZ CEDILLO (Huajapan de León, Oaxaca, 1959 - ) Trompo, 2016

Firmada con monograma Cerámica a la alta temperatura, óxidos y vidriado, pieza única 65 x 135 cm de diámetro Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2018. Publicada en: KARTOFEL, Graciela. Los mundos de la cerámica. México. Arte Hoy Galería, 2016, Pág. 63. En el año de 1975 comenzó a tornear y se especializó en diversos talleres de cerámica en la Ciudad de México y su trabajo se encuentra influenciado por el trabajo de Francisco Toledo. Ha colaborado con Vicente Rojo y Juan Manuel de la Rosa. Ha participado en exposiciones colectivas en Puebla, Ciudad de México, Nayarit, Jalisco, Oaxaca y Estado de México. Ha producido piezas en gran formato, entre 1998 y 1999 elaboró un mural de cerámica en la escuela Bundesgymnasium en Viena. En esta impartió una conferencia sobre técnicas de cerámica y expuso en dos ocasiones en la Escuela de Artes Aplicadas. Además elaboró un pisal de cerámica de cuarenta y dos metros cuadrados para la casa museo de los arquitectos Lola Izurieta y David Pérez Feregrino. $80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,450-$5,620

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MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - ) Casa triangular I, 2017

Firmada al frente y al reverso Mixta sobre tela 180 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Proveniente de una prolífica familia de artistas plásticos, Miguel Castro Leñero es uno de los principales exponentes del arte contemporáneo en México. Su obra pictórica ha ido del collage y la composición de elementos constructivos, hacia una purificación geometrista bidimensional. Apoyado en los valores de espacio apenas significado por franjas a manera de vestigios constructivos y un colorido austero; su tendencia va hacia una minimalización geometrista modular, a manera de tableros donde las diferencias de tonos de trazos rectos sugieren superposiciones de dos o tres planos o más. Su obra ha sido expuesta en destacados museos y galerías mexicanas, y se encuentra en importantes colecciones privadas de México, Cuba, Brasil, Colombia, Ecuador, Estados Unidos, España, Alemania, Bélgica, Polonia, Francia, Inglaterra, Italia, Suiza y Corea del Sur. Fuentes consultadas: EMERICH, Luis Carlos et ál. Nueva plástica mexicana. México. Grupo Jumex, 1997, Pág. 33 y GARCÍA SANDOVAL, Laura. “Entrevista al pintor mexicano, Miguel Castro Leñero”. Blouin Artinfo, 26 de septiembre del 2013.

$280,000.00-$360,000.00 M.N. USD $15,730-$20,220

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BORIS VISKIN

(Ciudad de México, 1960 - ) Viskin Goeritz, 2015

Firmado al reverso Óleo, encáustica, esmalte y collage sobre madera 120 x 100 cm Agradecemos al Maestro Boris Viskin por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Parte de su juventud transcurrió en Israel y posteriormente antes de regresar a México vivió tres años en Florencia, lugar donde arrancó su carrera pictórica. Regresó a la Ciudad de México en 1985 y formó parte por dos años de los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos. La experiencia multicultural que vivió al viajar ha quedado plasmada en su obra, la cual se caracteriza por el uso de figuras pequeñas devoradas por grandes espacios y elementos abstractos que se contraponen a otros figurativos. Además, ha usado la historia universal y del arte como uno de sus temas centrales, así como diversos materiales, los cuales hacen que su lenguaje artístico juegue con la integración del discurso inicial formando composiciones con tendencias al collage y relieves como si fuese algo constructivo. Desde 1984, ha expuesto individualmente en la Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Zacatecas, así como en las ciudades de Los Ángeles, Zúrich, Buenos Aires, Florencia, Jerusalén y Bolivia. Actualmente, es consolidado como uno de los creadores más destacados de su generación y las críticas de arte establecen que ha llevado la pintura hasta un punto más allá de lo tradicional. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Moderno www.museoartemoderno.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430 218


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JORGE GONZÁLEZ VELÁZQUEZ (Ciudad de México, 1966 - ) Paisaje nocturno

Firmado y fechado 2016 Acrílico sobre tela 150 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, Pág. 39, catalogado 15. Asistió a La Esmeralda del Instituto Nacional de Bellas Artes, ha trabajado en la fundición de múltiples piezas con Juan Soriano, Gunther Gerzso y José Luis Cuevas. Su trayectoria está dividida en dos vertientes: la escultura y pintura. En ambas recurre al cuerpo femenino, elementos naturales en distintos modos de abstracción. Su obra escultórica es rica en cuanto a técnicas, utilizando talla directa en cantera, bronce a la cera perdida, cerámica, en algunas ocasiones aluminio o resinas. “La geometría, implícita de manera visible o secreta en la naturaleza y en el universo entero, está presente en su conciencia estética y en la trama de toda su obra. Otro centro irradiador reside en el pasado prehispánico: la cultura, los monumentos y la esencia de sus antepasados pervive en la memoria de este autor, atravesando toda su producción. Constituyen su médula, su esencia y su más entrañable condición”. Lelia Driben. Fuente consultada: DRIBEN, Lelia et ál. Jorge González Velázquez. Origen. México. Aldama Fine Art, 2018, pp.17-19.

$130,000.00-$150,000.00 M.N. USD $7,300-$8,430 219


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RUBÉN LEYVA

(Oaxaca, Oaxaca, 1953 - ) Sin título

Firmado Acrílico y lápices de color sobre papel 75 x 110 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz. Rubén Leyva es un renombrado artista plástico mexicano, egresado de la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca, para complementar su formación estudió en el taller de cerámica de Kathy McFadden en Portland, Oregon. En 1981 inauguró su primera exposición individual, a la que han seguido numerosas muestras individuales y colectivas. La crítica afirma que la obra de Rubén Leyva encierra en sí misma mucha de la poderosa tradición artística mexicana: la dimensión fabulosa de Toledo, los colores milenarios de Tamayo, el imaginario zoomorfo de Nieto y el clasicismo parodiado de Francisco Gutiérrez. “Mi pintura me pone muy contento, simplemente porque cuando pinto soy yo y no tengo que pretender ser alguien más. Decidí apostarme a mí mismo, por supuesto con unas grandes referencias y unas grandes influencias de otros pintores como Monet, Miró y Chagall”. Rubén Leyva. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 55, febrero del 2002, pp. 18 y 19.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,060-$6,750 220


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JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Escalera al viento

Firmada Escultura de madera esmaltada con base de madera 77 x 43 x 38 cm medidas de la pieza 174 x 40.5 x 34.5 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista. Julio Chico es un sobresaliente artista plástico mexicano egresado de la Academia de San Carlos y cuyos conocimientos abarcan un gran dominio por la escultura, grabado y pintura mural y de caballete, trabajos caracterizados por su constante exploración en temas, donde los colores, texturas, formas y volúmenes adquieren vida y personalidad propia. Es miembro del Salón de la Plástica Mexicana y fundador de talleres de impresión para grabado y galerías de arte. A lo largo de más de 30 años de carrera, ha obtenido reconocimientos y premios internacionales y sus obras forman parte de importantes colecciones de galerías y museos públicos y privados en México y el extranjero. “Julio Chico es protagonista fundamental en la reinterpretación de la estética contemporánea. Para él, la emoción es el concepto planteado para fundamentar su discurso artístico y crea arte monumental con sus esculturas bajo la consigna ‘libertad de expresión y creación’. Sus obras transmiten emociones y su pasión por la geometría y las matemáticas junto con los detalles convierten su arte en algo positivo y memorable”. Marcela Evelyn Divin. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430

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ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Híbrido

Firmada y fechada 1992 Escultura en bronce con esmalte acrílico 86 x 130 x 40 cm Con certificado de autenticidad del artista, junio del 2005. Presenta desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación. “La obra de Sebastian, particularmente atractiva para los amantes de la geometría, también atrae al público en general, como lo evidencian los numerosos espacios públicos que sus esculturas adornan alrededor del mundo. Aunque es mayor la emoción al conocer a este hombre tan agradable, cálido y humilde, que cuando se le ‘provoca’, habla sobre el desarrollo de sus obras con gran entusiasmo. Sus dinámicos trabajos pueden servir de estímulo ilimitado a los estudiantes de geometría, por sus visualizaciones desafiantes y sorprendentemente inspiradoras, mientras que el público en general puede apreciar la belleza de sus obras estéticas y, al contemplarlas durante horas, tener nuevos descubrimientos personales. Nuestra civilización recibió como regalo a este genio”. Alfred S. Posamentier. Fuente consultada: TAJONAR, Héctor et ál. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, Pág. 42.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860

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GABRIEL RAMÍREZ

(Mérida, Yucatán, 1938 - ) Pintor chaparro y mal encarado

Firmado y fechado 90. Firmado y fechado 1990 al reverso Acrílico sobre tela 121 x 126 cm Procedencia: perteneció a la colección de Tere Pecanins. Con etiqueta de Galería Pecanins. $90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,060-$8,430

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HÉCTOR FALCÓN

(Culiacán, Sinaloa, 1973 - ) Sin título

Firmado y fechado 2008 Acrílico sobre tela 201 x 201 cm Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y en la Universidad de Arte y Diseño en Kioto, Japón. Su prolífica carrera en el arte contemporáneo abarca un amplio rango de soportes, empezando por pintura y escultura y pasando por video, instalación e incluso su propio cuerpo. Ha participado en más de 100 exposiciones en espacios como el Museo Guggenheim en Nueva York y el Sapporo Modern Art Museum en Hokkaidó, así como bienales y ferias de arte como Frieze, Art Bassel y Art Chicago. Ha emprendido proyectos que extienden sus inquietudes artísticas más allá de su producción. Dirigió MexArt Fest en 2002, en donde se presentaron las propuestas artísticas contemporáneas más destacadas de México en Japón. También fundó en 2011 Central Art Projects, espacio independiente para la producción, exposición y difusión de propuestas contemporáneas. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.hectorfalcon.com

$260,000.00-$360,000.00 M.N. USD $14,610-$20,230 224


187

FERNANDA BRUNET

(Ciudad de México, 1964 - ) EEEAghhh

Firmado y fechado 2004 al reverso Acrílico sobre lino 180 x 240 cm Fernanda Brunet es una sobresaliente artista mexicana egresada de La Esmeralda y cuya obra se caracteriza por la utilización de un lenguaje visual proveniente de los comics y manga. Su exploración en un principio fue de corte erótico, luego creo una serie de paisajes en los cuales aparecían voluminosas nubes cargadas de tormentas intensas y emocionantes; posteriormente realizó una serie de volcanes en erupción, llenos de movimiento y luz. Actualmente, sus obras contienen un poco de todo su repertorio, pero de una forma abstracta, quedando solo la vitalidad de la explosión del volcán y el tratamiento impetuoso de las nubes, siempre con un colorido de gran carga emocional. Su obra ha sido descrita como representaciones híbridas y dinámicas de alegorías simbólicas tomadas de diversas partes del mundo. A lo largo de su carrera ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero, y hoy por hoy su obra forma parte de colecciones importantes como Peter Stuyvesant Foundation, British American Tobacco, San Diego Museum of Art, La Colección Jumex, The Weisman Foundation y Museo Jauregia. Fuente consultada: Mexican Art Data Base (MexartDB) www.mexartdb.com

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,360-$16,860 225


188

ARNO AVILÉS

(Ciudad de México, 1971 - ) Flujo

Fechada 2000 Escultura en talla directa en granito, pieza única 55 x 40 x 30 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2018. Publicada en: OTA, Kiyoto et ál. Arno Avilés. Escultura contemporánea. México. Arte Hoy galería, 2012, Pág. 25. Estudió en la ENAP donde fue alumno del escultor Kiyoto Ota. Dentro de su trayectoria destacan las exposiciones individuales en el Museo Federico Silva de San Luis Potosí, Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán MACAY, la Galería Arte Hoy en 2012 y 2014, Museo de Arte Popular de la Ciudad de México y la exposición “Aproximaciones” en la Facultad de Ciencias de la UNAM en 2013. Respecto a exposiciones colectivas participó en “Geometrismo Escultórico Mexicano, al lado de Vicente Rojo, Manuel Felguérez, Ángela Gurría, entre otros en el Museo Federico Silva en San Luis Potosí. En 2016 en la exhibición “E-8 Escultura Contemporánea”, en el Museo Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas junto a Ivonne Domenge, Pablo Kubli, Ernesto Álvarez, Ernesto Hume, Pedro Martínez, Luz Zaga y María José de la Macorra. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430

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189

FERNANDA BRUNET

(Ciudad de México, 1964 - ) ZZZRAK

Firmado y fechado 2004 al reverso Acrílico sobre lino 180 x 240 cm Con certificado de autenticidad de Galería Enrique Guerrero. Con etiqueta de galería OMR. Presenta ligeros detalles de conservación. $200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860

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190

CISCO JIMÉNEZ

(Cuernavaca, Morelos, 1969 - ) Foset papaya

Firmado Acrílico, tinta y collage sobre papel 92 x 76 cm Realizó estudios en Diseño Industrial y Artes Plásticas, se le considera un artista iconoclasta debido al uso permanente de símbolos e íconos que hacen referencia a la cultura mexicana en cuanto a temáticas históricas o aspectos formales como la paleta de colores e incluso el uso de tipografías y textos de los tradicionales exvotos virreinales, acompañados de un lenguaje e intención crítica o subversiva respecto a los sistemas de consumo a través del collage, el dibujo y la pintura principalmente, recurre en otras ocasiones a materiales industriales. En varias ocasiones ha sido beneficiario del Sistema Nacional de Creadores FONCA, ha presentado su obra en el Museo de Arte Moderno y en el Museo de Arte Contemporáneo MUAC en la Ciudad de México. Sus obras pertenecen a la Colección del Houston Museum of Fine Arts, a la Colección Jacques y Natasha Gelman, a Pace Roberts Fundation en San Antonio Texas y en Claude Bernard Gallery en Frankfurt, Alemania. Actualmente forma parte de los artistas de la galería Yam Gallery, ha trabajado con la galería OMR. Este año fue seleccionado como ganador de la XVIII edición de la Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Fuente consultada: sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,620-$10,110 228


191

ANTONIO SEGUÍ

(Córdoba, Argentina, 1934 - ) Tecnicolor 06

Firmado al reverso Óleo y acrílico sobre tela 59 x 73 cm Registrado en los Archivos Seguí con el número 2006-142. También conocido con el apodo de “El Gallego Seguí”, Antonio Seguí es un emblemático pintor, escultor e ilustrador argentino. Desde joven mostró dotes artísticas, así que con ayuda de su abuela emprendió un viaje a Europa, donde asistió a algunas clases en la Real Academia de San Fernando en Madrid y en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. En 1957, realizó su primera exposición individual y meses después inició su aventura de viajar por toda América Latina, llegando a México en 1958, donde entabló amistad con David Alfaro Siqueiros. Después de dos años de residir en nuestro país con su esposa, se trasladó a Buenos Aires hasta que en 1963 fue invitado a la Bienal de Pintura Joven organizada por el Museo de Arte Moderno de París. Sus constantes viajes hicieron que su estilo se formase mediante diversas influencias, practicando el informalismo, el surrealismo, el expresionismo y el arte pop. Así, poco a poco, fue construyendo su modo artístico, basado en caricaturas, historietas y textos en las que los personajes tienen humor e ironía. Desde entonces trabaja en series narrativas y críticas compuestas, poblando sus cuadros de hombrecillos vestidos a la manera de los años 20. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.antonio-segui.com

$250,000.00-$300,000.00 M.N. USD $14,050-$16,860 229


192

JOSÉ BEDIA

(La Habana, Cuba, 1959 - ) No vale madriguera si tu cola queda fuera, de la serie Proverbios

Firmado y fechado 01 Acrílico y pastel graso sobre papel 97 x 127.5 cm Procedencia: adquirido directamente al artista; Galería Ramis Barquet, Nueva York, 2004. Publicado en: POWER, Kevin et ál. José Bedia. España. Turner, 2001, Pág. 79. En 2001, José Bedia realizó una serie titulada “Proverbios”, conformada por 25 dibujos en los cuales desafió con misticismo su muy personal interpretación de algunos refranes. Las obras fueron exhibidas en la galería Snitzer, promotora de su arte. “La crítica, no exenta de agobio cuando dilucida este campo, sigue leyendo en Bedia la confrontación entre el mundo industrializado y los valores primitivos de la naturaleza para esquivar el hecho cierto de que el artista es un hombre en pleno disfrute de ambos mundos, de una poética responsable y consciente pero no torturada por la filosofía apocalíptica donde se ha refugiado el fracaso rotundo de ciertas ideologías”. Alejandro Ríos. Fuente consultada: “Dos sugestivas exposiciones”. Cuba. Diario independiente de asuntos cubanos, Año III, sección Cultura, 28 de enero del 2002.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,060-$6,180

230


193

JOSÉ BEDIA

(La Habana, Cuba, 1959 - ) Nganga Ngombo, 2001

Firmada Mixta sobre tela 38 x 76 cm Con certificado de autenticidad de Galería Nina Menocal. José Bedia fue iniciador de una transformación radical del arte cubano de su tiempo. Su obra ha sido el reflejo de sus experiencias y motivaciones personales, tal es el caso de su profundo interés por las formas de culturas diversas, referencias que tiene de sus estudios antropológicos. Desde este punto de vista su proceso artístico ha implicado una compilación mágico-religiosa llena de métodos y reflexiones sobre lo divino y lo humano. Ha sido un viajero inalcanzable y gracias a ello y a sus arduos estudios, ha podido incorporar al arte contemporáneo otras perspectivas, llevando a sus lienzos e instalaciones su pasión por las manifestaciones del arte popular. Todas estas inquietudes lo llevaron a fijar su residencia fuera de su país natal, primero en México y luego en Estados Unidos, lo que a su vez le ha permitido presentar su trabajo en países como Perú, Chile, Haití, República Dominicana, Puerto Rico, Zambia, Botsuana, Kenia y Tanzania. Actualmente, su obra se encuentra en importantes colecciones como las del Museo Nacional de Bellas Artes en La Habana, así como el MoMa, The Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum of American Art, the Guggenheim Museum, Tate Modern, Smithsonian Museum, la colección Daros en Zúrich, el Museum of Contemporary Art of North Miami, entre muchas otras.

Fuentes consultadas: OLIVARES, Rosa et ál. 100 Artistas latinoamericanos 100 Latin American artists. España. Exit publicaciones, 2006, Pág. 66 y sitio oficial del artista www.josebedia.com

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,810-$4,450

231


194

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) El hombre de las guacamayas

Firmado y fechado 1967 Lápices de color sobre papel albanene 21.5 x 16 cm Procedencia: perteneció a la colección del museógrafo mexicano Mtro. Rosendo González Gómez. $85,000.00-$135,000.00 M.N. USD $4,780-$7,580

195

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Los concejales

Firmado y fechado 1963 Lápices de color sobre papel albanene 13.5 x 20 cm Procedencia: perteneció a la colección del museógrafo mexicano Mtro. Rosendo González Gómez. $75,000.00-$125,000.00 M.N. USD $4,210-$7,030

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196

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) El vuelo, ca. 1945

Firmado Gouache sobre papel 30 x 40 cm Con dedicatoria: “Para la dulce Pita Amor, con el amor de Carlos Mérida, 1970”. Procedencia: perteneció a la colección del museógrafo mexicano Mtro. Rosendo González Gómez. Presenta detalles de conservación. $90,000.00- $130,000.00 M.N. USD $5,060-$7,300

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Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

197

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - ) Personaje de la jungla

Firmado Acrílico y tinta sobre papel 34 x 24 cm Procedencia: adquirido en Galería de Arte Misrachi, México. Esta pieza es la original a partir de la cual Pedro Friedeberg realizó la litografía para el libro de sonetos “La Jungla” de Guadalupe Amor, el cual fue editado por la Galería de Arte Misrachi en 1984 y que incluía un texto introductorio de Alfonso de Neuvillate e ilustraciones de zoología de Pedro Friedeberg. “Nací como una ardillita en 1829, cerca de lo que es ahora Montevideo, Minnesota. A la edad de ocho años fui golpeado por un rayo y muerto instantáneamente. Reencarné exactamente una centuria después en la apariencia de Pedro Friedeberg, la cual he retenido desde entonces. (Todavía no me acostumbro a este nombre y debo forzosamente guardar mi tarjeta de visita cerca de mi cama, para acordarme de mi identidad, cuando me despierto)”. Pedro Friedeberg. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31, 42 y 103.

$34,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,900-$5,060 234


Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

198

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Astroorganismo Protohipereoclidiano, 2016

Firmada Escultura en bronce 5 / 6 35 x 35 x 35 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero del 2016. “Aunque la pertenencia de Friedeberg al surrealismo haya sido certificada por André Breton, lo más seguro es que su obra gravita en ese mencionado tercer plano que guarda imprudente distancia de cualquier tendencia en que se le encasille. Así como sus disociaciones deliberadas entre obra, título y significado, Friedeberg se disoció de la historia del arte del siglo XX, de la misma manera que un juego infantil prescinde de la lógica, porque él es un caso aparte, pese a que su obra sea legible a partir de muchos de los principios del surrealismo”. Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31 y 42.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,750-$11,240 235


199

CARLOS CRUZ-DIEZ

(Caracas, Venezuela, 1923 - ) Couleur additive I, de la serie Medellín

Firmada y fechada 12 Serigrafía 58 / 75 59 x 59 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, octubre del 2018. Esta obra fue editada y publicada por ArtNexus en 2012. Carlos Cruz-Diez es un afamado artista franco-venezolano que vive y trabaja en París desde 1960. Es uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, y sus investigaciones lo revelan como uno de los pensadores del color más prolífico del medio del arte de los siglos XX y XXI. Entre sus exploraciones por el color destaca “Couleur additive”, la cual se fundamenta en la irradiación del color, es decir, en la evidencia de que cuando dos planos de color se tocan, aparece una línea virtual más oscura en la zona de toque. La primera obra de la serie “Couleur additive”, surgió de los estudios que desde 1953 venía haciendo sobre las teorías y polémicas entre Isaac Newton y Johann Goethe, las hipótesis de James Maxwell y Johannes Itten para la Bauhaus, así como las experiencias de James Maxwell Edwin Land, inventor de la cámara Polaroid. Precisamente, mediante el estudio de este fenómeno óptico, Cruz-Diez obtuvo los llamados “módulos de acontecimiento cromático” responsables, en parte, de la continua transformación del color y por los cuales su obra y él son conocidos internacionalmente. “En mis obras nada está hecho al azar, todo está previsto, programado y codificado. Yo no me inspiro: reflexiono”. Carlos Cruz-Diez. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.cruz-diez.com

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,750 236


200

KAZUYA SAKAI

(Buenos Aires, Argentina, 1927 - Dallas, E.E. U.U., 2001) Sin título

Firmado y fechado 71 Acrílico sobre cartón 94 x 76 cm Procedencia: perteneció a la colección de Tere Pecanins. Con etiqueta de Galería Pecanins. Presenta ligeros detalles de conservación. Nacido en Argentina y de ascendencia japonesa, estudió Literatura y Filosofía en la Universidad Waseda de Tokio, Japón. Presentó su primera muestra individual en 1952, en la Galería La Cueva en Buenos Aires. En 1957 se integró al grupo Siete pintores abstractos. En 1971 montó una exposición individual en la Galería Pecanins, donde también participó en la exhibición colectiva “21 juegos 21 artistas” del Grupo Grabas junto con otros artistas argentinos en 1976, cuyo objetivo principal era la difusión masiva de sus obras eludiendo los circuitos tradicionales. $65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,650-$4,450 237


Derechos Reservados © Pedro Friedeberg

201

PEDRO FRIEDEBERG

(Florencia, Italia, 1936 - ) Estrella de doce puntas-amarilla y roja

Firmada y fechada 2012 Escultura en madera policromada 36 x 36 x 36 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo del 2017. Pedro Friedeberg es un emblemático artista plástico, diseñador y arquitecto de origen italiano nacionalizado mexicano, cuya obra se caracteriza por contener un indiscutible carácter surrealista, lleno de iconos y símbolos religiosos antiguos. Su pasión por la arquitectura inició cuando conoció la casa estudio que Juan O’Gorman construyó para Diego Rivera y Frida Kahlo, posteriormente tuvo como influencias los trabajos de Mathias Goeritz, Manuel Felguérez y José Luis Cuevas. No obstante, ya habiendo aprendido las leyes de la arquitectura, decidió que esta profesión no era para él, así que dispuso solo crear edificios y estructuras imaginativas. Estas estructuras fantásticas tienen numerosos paralelos en la historia del arte, sin embargo proponen una utopía auténtica entre manos, pies, estrellas y cubos que suponen estructuras minimalistas que reflejan la vida moderna, expresando el infinito reducido a su mínima expresión. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, pp. 31, 42 y 117.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,750-$11,240 238


202

FLAVIO GARCIANDÍA

(Caibarién, Cuba, 1954 - ) Sin título, de la serie Una cita visita al Museo de Arte Tropical # 8

Firmado y fechado 95 al reverso Óleo sobre tela 195 x 129.5 cm “La geometría, implícita de manera visible o secreta en la naturaleza y en el universo entero, está presente en su conciencia estética y en la trama de toda su obra. Otro centro irradiador reside en el pasado prehispánico: la cultura, los monumentos y la esencia de sus antepasados pervive en la memoria de este autor, atravesando toda su producción. Constituyen su médula, su esencia y su más entrañable condición”. Lelia Driben. $180,000-$ 220,000 M.N. USD $10,110-$12,360 239


203

ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN” (Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Fractal negro

Firmada y fechada 1993 Escultura en metal con esmalte acrílico 157.5 x 140 x 70 cm Presenta detalles de conservación. Enrique Carbajal, mejor conocido como “Sebastian”, es uno de los escultores mexicanos más importantes de su generación. Desde mediados de la década de los 60 inició el desarrollo de su lenguaje escultórico apoyando su quehacer con disciplinas científicas como las matemáticas y la geometría, acercándose a la topología y la cristalografía. Su obra se generó al tiempo en que se originaban tendencias artísticas tales como el cinetismo, el minimalismo, el op-art y el pop art. Aunque su vocación principal consiste en ser escultor de grandes dimensiones, su producción también abarca pequeños y medianos formatos, así como diseño arquitectónico, pintura, diseño de objetos, mobiliario, arte público, joyería, diseño de vestuario teatral, escenografías y espectáculos multimedia. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.sebastianmexico.com

$240,000.00-$300,000.00 M.N. USD $13,490-$16,860 240


204

FRANCISCO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1954 - ) Sin título, 1988

Firmado al reverso y en el bastidor Acrílico sobre tela 140 x 110 cm Procedencia: perteneció a la colección de Tere Pecanins. Con etiquetas de Galería Pecanins y Galeria de Arte Contemporáneo. “La obra de Francisco Castro Leñero se trata de una obra compleja y difícil en todas sus manifestaciones, pero que hace de la complejidad y la dificultad un resultado cuyo nombre obligado es la facilidad. Lo que ocurre es que enfrentamos una visión o, lo que es lo mismo, una interpretación de la realidad en la que no es posible separar la realidad de la realidad de la pintura”. Juan García Ponce. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos et ál. Nueva plástica mexicana. México. Grupo Jumex, 1997, Pág. 33.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,620-$10,110 241


205

MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA (Ciudad de México, 1955 - ) Paisaje con faros de luz

Firmado y fechado 88 Óleo sobre tela 150 x 200 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Es un pintor y dibujante mexicano egresado de La Esmeralda, donde también ejerció el cargo de profesor durante varios años. En 1982 obtuvo una beca de producción de dibujo y gráfica del INBA y en 1986 dirigió un seminario de dibujo para artistas y maestros de Artes Plásticas en la Casa de la Cultura de Monterrey. Desde 1993 fue miembro del Sistema Nacional de Creadores. Su estilo es resultado de una generación de artistas que fue influenciada por los momentos históricos por los que pasaba el país. A lo largo de su carrera, su obra ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional. “Miguel Ángel Alamilla descubre para el observador la línea y el punto. Sin embargo, algo se perfila y se desdibuja en sus secuencias de cuadrados y rectángulos mezclados con lo gestual. Ese algo innombrable e indescifrable, viene de la elipsis donde se engarzan su propio imaginario con las siglas de la abstracción”. Lelia Driben. Fuentes consultadas: DRIBEN, Lelia. “La línea y el punto”, junio del 2007 y sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gill www.museodeartecarrillogil.com

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,750-$8,430 242


206

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - ) Paisaje picudo, 1986

Sin firma Óleo y arena sobre tela 203 x 140 cm Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. “La pintura me motiva mucho y me ayudó a construirme personalmente. Es un lenguaje extremadamente rico, complejo y difícil. Implica mucha disciplina, cierto rigor, me obligó a trabajar mucho; parte de mi juventud la dediqué íntegramente a pintar, en ese sentido mantuve una disciplina muy fuerte. He tenido la suerte de tener una línea, trabajar 30 años sobre algo”. Miguel Castro Leñero. Fuente consultada: GARCÍA SANDOVAL, Laura. “Entrevista al pintor mexicano, Miguel Castro Leñero”. Blouin ArtInfo, 26 de septiembre del 2013.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $12,360-$16,860 243


207

GILBERTO ACEVES NAVARRO

(Ciudad de México, 1931 - ) Variaciones sobre la obra de Alberto Durero, de la serie La decapitación de San Juan Bautista

Firmado y fechado 24 02 78 al reverso Óleo sobre tela 100 x 125.5 cm En 1978 Gilberto Aceves Navarro presentó la exposición individual “La decapitación de San Juan Bautista” en el Museo de Arte Moderno, siendo ésta una de sus series más emblemáticas. “Estos cuadros son hermosos por las muy pictóricas combinaciones de colores, texturas y esgrafiados. Sensualidad a montones para deleitar la vista, superponiéndose con su irracionalidad al asunto que el artista desarrolla. Son variaciones al grabado ‘La decapitación de San Juan Bautista’ de Alberto Durero de 1510. En sus variaciones, Aceves Navarro agrega emotividad, de la composición original sólo han quedado los cuatro personajes fundamentales: Salomé, el decapitado, el verdugo fortachón y el padrastro que premia a quien le dio goce bailando la danza de los siete velos. La escena, pacificada por Durero, se convierte en lo que debió ser: un torbellino trágico”. Raquel Tibol. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “Aceves Navarro, Durero y las variaciones”. México. Semanario Proceso, 1 de julio de 1978.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,450-$6,750

244


208

ROGER VON GUNTEN (Zúrich, Suiza, 1933 - ) Visitantes

Firmado y fechado 70 Óleo sobre tela 70 x 80 cm Publicado en: ROMERO KEITH, Delmari. Tiempos de ruptura. México. Landucci Editores, 2000, Pág. 186. Con etiqueta de Galería Juan Martín. Al ser originario de Zúrich, Suiza, estudió Pintura y Diseño Gráfico en la afamada Escuela Alemana de Artes y Oficios Kunstgewerbeschule y tras pasar una temporada en Ibiza, España, se trasladó a México en 1957, donde se estableció definitivamente. En nuestro país realizó su primera exposición, la cual le abrió las puertas para relacionarse con otros artistas del medio, conociendo así a los jóvenes con quienes más tarde formarían la generación de La Ruptura. Actualmente, su obra se expone en destacados museos y galerías, y forman parte de importantes colecciones públicas y privadas de Suiza, España, Francia, Inglaterra, Estado Unidos, Canadá, Indonesia y Japón. “Yo sostengo que, contrario a lo que nos quieren hacer creer cierto filósofos posmodernos, una imagen no puede tener lectura porque no es un texto, porque no tiene principio ni fin. Todo lo que podemos hacer con una imagen es complementarla; recorrerla con los ojos y las antenas de nuestro espíritu en todas las direcciones y sin límite de tiempo, hasta que conozcamos su estructura formal y captemos su mensaje, lo que nos viene a decir. El arte enseña pero no explica”. Roger von Gunten. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Roger von Gunten. Toma de conciencia. México. Arte Hoy Galería, 2013.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,430-$12,360

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209

ANTONIO CHEMOR

(Ciudad de México, 1952 - ) Estela III (Estudio sobre tensión I), 2007

Sin firma Escultura en talla directa en basalto del Valle de México con base de madera, pieza única 80 x 19 x 17.5 cm medidas totales con base Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2018. Publicada en: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Antonio Chemor. México. Arte Hoy Galería, 2013, Pág. 19. Es un escultor autodidacta, su quehacer está fuertemente influenciado por el arte prehispánico y el trabajo de artistas como Eduardo Chillida, Henry Moore, Brancusi, Bárbara Hepworth y Jean Arp. Expuso de modo individual en Arte Hoy Galería y en colectiva en “Geometrismo Escultórico Mexicano” y en “La mirada de las piedras” en el Museo Fernando García Ponce MACAY en Mérida, Yucatán. $90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,060-$8,430

246


210

GILBERTO ACEVES NAVARRO (Ciudad de México, 1931 - ) La fiesta en la Roma

Firmado y fechado 14.10.87 México al reverso Temple y óleo sobre tela 120 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, octubre del 2018. Presenta ligeros detalles de conservación. “Creo que dibujar es un don; a mí siempre me gustó. Es una tarea endemoniadamente difícil, porque dibujar no es repetir lo que uno ve. Dibujar es otra cosa, es alimentar las formas con lo que uno tiene; es cómo ve uno, qué es lo que ve, qué le genera, qué formas le da, y esas formas que obtiene uno de su experiencia diaria y de los sueños y de todas las cosas, es lo que intenta reflejar con un lapicito y un papelito, como decía José Clemente Orozco”. Gilberto Aceves Navarro. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$60,000.00-$80,000.00 M.N USD $3,370-$4,450 247


211

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela 76 x 60 cm Con certificado de autenticidad de Art Forum firmado por Eva Beloglovsky, marzo del 2018. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. “La etapa inicial de la obra pictórica de Byron Gálvez se alimentó de los principios del expresionismo y principalmente del abstracto aunque también con fuerte influencia de artistas universales tales como Carlos Mérida, Rufino Tamayo, Santos Balmori, Kandinsky, Wifredo Lam y por supuesto Picasso […] No obstante, después de algún tiempo trabajando como expresionista, regresa definitivamente al figurativismo geometrizante alrededor de 1980. Ha sido este su tema casi exclusivo desde entonces, aunque podemos también apreciar excursiones menores a otros temas: de regreso al abstracto, de regreso al paisaje expresionista, el arte erótico, el arte taurino: todo por supuesto con un toque muy especial […] Podemos estar seguros de que la exploración de Byron Gálvez de este medio no concluyó. Y que sus figuras, planos, colores, texturas y composiciones seguirán allí: listos para estimular nuestra imaginación, deleitar nuestra vista y elevar nuestro espíritu”. Eva Beloglovksy. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,300-$11,240 248


212

BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) Sin título

Firmado y fechado 4-V-90 Óleo sobre tela 115 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Art Forum firmado por Eva Beloglovsky, marzo del 2018. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. “Para la formación plástica de Byron Gálvez ha sido fundamental el hecho de haber viajado en múltiples ocasiones al continente europeo, visitando los museos más importantes del viejo mundo, actividad que él consideró una experiencia formativa insoslayable en el crecimiento de un artista […] Desde muy temprano en su carrera artística, Byron expresó su creencia en el arte como parte fundamental de la vida diaria, y en la integración del arte como parte del ambiente humano. Cuando uno se encuentra presenciando uno de sus monumentales óleos sobre tela, uno es transportado al mundo de Byron”. Eva Beloglovksy. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com

$300,000.00-$500,000.00 M.N. USD $16,860-$28,090 249


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AGUSTÍN CASTRO LÓPEZ (Ciudad de México, 1958 - ) Pescando

Firmada y fechada 1995 al reverso Mixta sobre tela 130 x 90 cm Egresado de La Esmeralda, Agustín Castro López es un sobresaliente artista por el uso del dibujo. En sus pinturas encontramos características que se ajustan a las del neoexpresionismo figurativo, como paleta de colores intensa, pinceladas gruesas y marcadas en el lienzo. Algunas de las entidades que albergan su obra son el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo de Arte Moderno, la Colección Andrés Blaisten, el Museo de Arte de la SHCP, el Antiguo Palacio del Arzobispado y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO. Fue acreedor a la beca del FONCA, obtuvo una Mención Honorífica en la VI Bienal de Pintura Rufino Tamayo y el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas. Puede señalarse en su trayectoria la participación en exposiciones colectivas en la Galería Oscar Román y en el Museum of Latin American Art. De manera individual se presentó en la SmithKlein Gallery en Boulder, Colorado, en Artexpo en Nueva York y en la Galería del Tiempo de la UAM Azcapotzalco. Fuente consultada: sitio oficial del Museo de Arte Carrillo Gil www.museodeartecarrillogil.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430 250


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JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART” (Irapuato, Guanajuato, 1951 - ) Interior con pitos y máscaras XV

Firmado y fechado 91 al frente y al reverso Óleo sobre tela 180 x 200 cm Agradecemos al Maestro Javier Vázquez “Jazzamoart” por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Javier Vázquez Estupiñán, mejor conocido como Jazzamoart, es un pintor y escultor cuyo estilo definido y personal lo ha colocado como uno de los artistas plásticos más destacados de Latinoamérica. A través de cuatro décadas de producción plástica ininterrumpida ha practicado un lenguaje semifigurativo y ha llevado a cabo una abstracción sin prescindir de un gestualismo automático, pues nunca reprime su primer impulso. Su amor al estilo musical jazzístico, lo condujo a agregar en su obra elementos icónicos de la imaginería del jazz, como el saxofón, el cual casi siempre pinta de color amarillo brillante, con líneas enérgicas y garabateadas. Esta admiración musical no solo ha acompañado a sus innovaciones visuales, sino que también la ha implementado en la realización de escenografías, las cuales han decorado el escenario de algunos de los principales exponentes del jazz mexicano y estadounidense, y como ilustrador y baterista ha trabajado en el diseño de varios libros y discos. El escritor Carlos Montemayor lo definió como el tercer grande de los pintores del Bajío, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado, al respecto dijo: “Rivera y Chávez Morado estuvieron atentos al paisaje y a numerosos motivos del México popular, Jazzamoart también lo está, pero al paisaje social que se descubre y emerge desde un motivo central del México que sigue siendo asimismo popular: la música”. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 303-307 y sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$350,000.00-$500,000.00 M.N. USD $19,670-$28,090 251


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TOMÁS GÓMEZ ROBLEDO (Ciudad de México, 1952 - ) Encuentros

Firmado y fechado 014 Óleo sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Su formación artística inició gracias a las enseñanzas que tuvo con los maestros Vicente Gandía y Roger von Gunten, posteriormente complemento sus estudios en La Esmeralda y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Más tarde, fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, participó en la IX Bienal Iberoamericana de Arte, en la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce y en la Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel. Su actividad en la docencia ha sido extensa y su desempeñó como maestro de pintura se ha desarrollado en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Su obra forma parte de importantes colecciones, como las del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, El Colegio Nacional y la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, por mencionar algunas. Actualmente continúa con la docencia y trabaja en lienzos de gran formato en los que explora ciertos aspectos de nuestra iconografía precolombina. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio, et al. Tomás Gómez Robledo. Llamadas pérdidas. México. Aldama Fine Art, 2011, pp. 4-6.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,450-$5,620

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JAVIER VÁZQUEZ “JAZZAMOART” (Irapuato, Guanajuato, 1951 - ) Mirón y diosa del colchón

Firmado y fechado 88 al frente. Firmado y fechado Méx 88 al reverso Óleo sobre tela 146 x 179 cm Agradecemos al Maestro Javier Vázquez “Jazzamoart” por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Exhibido en: “IV Bienal de Pintura Rufino Tamayo”, muestra presentada en el Museo Tamayo en la Ciudad de México, del 25 de enero al 31 de marzo de 1989. Con etiqueta de la IV Bienal de Pintura Rufino Tamayo. “La energía asombrosa de un artista como Jazzamoart depende esencialmente de su sentido del ritmo. El ritmo domina cada uno de sus tiempos, su puntillismo, sus desenfrenados ‘drippings’, y también prevalece en su vertiginosa, y a menudo sorprendente, sensación del color. El artista muestra un impresionante sentido del ritmo que otorga autoridad a todo lo que toca, desde sus pinturas más expansivas y tropicales, hasta la gran densidad de las obras impulsadas por la nostalgia, como sumergidas en la oscuridad de una violenta tortura”. Evodio Escalante. $240,000.00-$400,000.00 M.N. USD $13,490-$22,470

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JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - ) Bañistas

Firmado y fechado 2017 al reverso Acrílico sobre tela 90 x 127 cm Con certificado de autenticidad del artista. “La narrativa de Julio Chico es una fiesta de colores, es un recorrido a través de atmósferas llenas de simbología, movimiento y ritmo, podría decir que se observan melodías que resuenan a través de las pausas y armonías conjugadas por cada pincelada que se puede escuchar si se le presta atención. “Se observa una fusión entre el alma del artista y su obra, misma que nos habla y nos cuenta esos años de trayectoria e inalcanzable búsqueda del perfeccionamiento y crecimiento conceptual que el maestro Julio Chico ha logrado, convirtiéndose en un artista de talla internacional […] El concepto de su obra viaja a través del tiempo, nos remonta a nuestros ancestros, a antiguas civilizaciones y a la vez nos puede llevar a escenarios y paisajes actuales que trascienden más allá de una neofiguración geométrica y que nacen de la espontaneidad que le da un gesto único a su obra”. Anastasia Sergeevna Fokina. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitlán, Oaxaca, 1940 - ) Cabrita Fornicadora

Sin firma Tinta sobre papel 18 x 25 cm “Toledo produce sin fatiga, entregado al deber de fijar lo que de veras le atañe, de reiterar - sin repetirse y sin modificarse, siempre igual y distinto aquello que amó y le divirtió desde niño, las atmósferas y personajes que sólo le resultan legendarias a los extraños”. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos et ál. Francisco Toledo. Obra gráfica para Arvil 1974-2001. México. Arvil - CONACULTA, 2001. Pág. 10.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,810-$3,940

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RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Sin título

Firmado en una tira de papel Collage de textiles, papeles, imágenes y aplicaciones de hilo y listones sobre papel con marco de hojalata repujado 44 x 60 cm Cuando era niño, Rodolfo Morales era algo solitario y observaba todo lo que lo rodeaba. Pronto presentó dotes para las artes y sus padres lo apoyaron para inscribirse en la Academia de San Carlos. Siendo hijo de una maestra de escuela que montaba obras de teatro y de un carpintero, Morales fabricaba toda clase de objetos lúdicos, los cuales un buen día derivaron en collages. Con estas primeras obras, creó un nuevo leguaje, con el que se dio a conocer entre amigos. Esto, sumado al bagaje cultural del arte popular que tanto amó desde pequeño, el artista oaxaqueño maduro el estilo y realizó varias obras con diferentes elementos hasta crear casi una artesanía como testimonio de la sensibilidad creativa e imaginativa de nuestros pueblos. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,650-$4,450

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RODOLFO MORALES

(OcotlĂĄn de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001) Sin tĂ­tulo

Firmado en una tira de papel Collage de textiles, papeles y aplicaciones de hilo y listones sobre papel con marco de hojalata repujado 60 x 44 cm $65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,650-$4,450

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Niña cangreja

Firmada y fechada 2014 Escultura en bronce P / A 75 x 41x 15 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Publicada en: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008. Pág. 281. El trabajo escultórico de Sergio Hernández posee cualidades visuales que provocan la sensación de inmediatez, la aspereza en lugar de acabados finos y lisos pueden aparentar poca planeación junto con los materiales tradicionales como paja y arena, recuerdan el arte primitivo e incluso infantil, sin embargo el proceso para sus obras es muy desarrollado y planeado. “El carácter antropomórfico de estas criaturas conectan al artista con el deleite artístico, literario de representar las emociones y las debilidades humanas con un aspecto animal que nos regresa a la antigüedad literaria de la literatura grecorromana”. Edward Sullivan. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26 y 27.

$250,000.00-$320,000.00 M.N USD $14,050-$17,980 258


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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Sin título

Firmado y fechado 90 Óleo y yeso sobre madera 75 x 74 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. $380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $21,350-$28,090 259


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ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Sin título

Firmado Óleo y arena sobre lino 100 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2017. Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Rolando Rojas es un sobresaliente artista istmeño, un pintor que gusta desplegarse frente a su obra como coreógrafo, que apoyado en su profesión de arquitecto, guía y crea sus puestas en escena, a las cuales logra transmitir su ideal. Se consuma en el lienzo con extrema sencillez y sin desgastadas e inusuales pretensiones, él ofrece una ceremonia, un ritual de vida a cada pintura. Es un artista que busca generar una poesía más que solo un efecto visual, regido por la composición y el ritmo a través de las figuras y el color. “Lo mío es un lenguaje más libre y comunicativo […] Lo que no me gusta es ponerle título a los cuadros, mejor dejo que la persona interesada se lo ponga; es lo maravilloso, buscar algo”. Rolando Rojas. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre del 2009, año 14, No. 101, Pág. 34 y sitio oficial del artista www.rolandorojaspintor.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,060-$8,430 260


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ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) El encuentro, 2014-2015

Firmado Óleo y tierras sobre lino, díptico Con certificado de autenticidad del artista, septiembre del 2018. 100 x 160 cm medidas totales Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Publicado en: MÉNDEZ SANTA CRUZ, Patricia. Rolando rojas. La misma luna. España. Ateneo de Sevilla, 2015. Exhibido en: “Rolando rojas. La misma luna”, muestra presentada en Sala Gonzalo Bilbao del Ateneo en Sevilla, España, en febrero del 2015. Desde joven le interesaron las artes visuales, pero se decidió estudiar una profesión que pudiera solventar sus gastos, y la más viable en relación con las artes era la arquitectura, aprendizaje que sería clave para su trabajo pictórico posterior. Cursó entonces la carrera en la Universidad Autónoma Benito Juárez, no obstante logró no abandonar la pintura, la cual practicaba en la escuela de Bellas Artes de Oaxaca, donde tuvo como maestro a Shinzaburo Takeda. Con el tiempo, fue creciendo y complementando su formación para crear su propio estilo, conjugando su afán por el constructivismo del espacio, su efusión por los colores y su fuerte herencia oaxaqueña, la cual se aprecia a través de su uso constante de elementos y símbolos provenientes de mitos de la cultura zapoteca, así como la figura humana como tema central y en torno a ella habitan soles, bicicletas y faunas diversas: cabras, vacas, armadillos, pavorreales y libélulas, entre otros. Para Rolando Rojas, la vida es un ambiente festivo, una oportunidad de goce, de esfuerzo y de logros, y esta visión es la que él recrea en su obra como una ceremonia llena de color. Su larga y exitosa carrera lo ha llevado a participar en diversas exposiciones colectivas e individuales en México y en el extranjero como California, Miami, Atlanta, Montreal, Puerto Rico, Madrid, París, Milán y Tokio. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rolandorojaspintor.com

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,110-$14,050 261


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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) El gallo

Firmada Escultura en bronce 3 / 6 57 x 76.5 x 36.5 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Publicada en: SULLIVAN, Edward et ál. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, Pág. 275. En la obra bidimensional de Sergio Hernández habitan seres antropomorfos en lo que parecieran las profundidades de la tierra, todos ellos ocupan la superficie del lienzo como si el espectador pudiese apreciar solo una fracción de lo que sucede o el artista mismo enmarca para la contemplación. Otro escenario parece un espacio onírico o en medio de una especie de ritual: seres de inframundo acompañados de bestias ancestrales que portan instrumentos musicales y objetos propios de aquellos universos. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,730-$22,470

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Casitas

Firmada al frente. Firmada y fechada 1988 al reverso Mixta sobre papel sobre lino 79 x 108 cm Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Al observar de manera general su producción se puede definir una iconografía auténtica: la elaboración de lienzos en colores monocromáticos, vibrantes primarios, grandes formatos, el uso de la escritura como parte del lenguaje visual y el arte geométrico, uso de materiales como sílica, barro, cerámica, plata, encáustica o cera, azúcar y densas capas o trozos de pigmento. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29.

$300,000.00-$380,000.00 M.N. USD $16,860-$21,350

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VÍCTOR CHA’CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - ) El artesano

Firmado Óleo y arena sobre tela 160 x 160 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. “Cha’ca se identificó, desde temprano, profundamente con las señales de la mexicanidad y eso le permite paradójicamente, ser más libre, buscar con más avidez. Nada imita. Se mantiene fiel a sus visiones esotéricas. Inventa sus ritmos y coreografías en una especie de barroquismo delirante al servicio de su sorprendente sentido plástico”. Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha’ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, Pág. 21.

$44,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,470-$3,940 264


228

PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985) Sin título, ca. 1962

Sin firma Mixta sobre papel 27 x 48 cm Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, julio del 2018. “¿Qué era el color para Pedro Coronel? Desde sus primeras obras, aquellas realizadas en la infancia, podemos observar que la gama cromática era un acertijo para el creador, una encrucijada que lo mantenía al borde, ya que sus propuestas colorísticas no siempre relatan lindes con tramas hegemónicas. Muchas veces cuando observamos las obras de este genial autor, nos encontramos con un código que nos presenta la relación del ser humano y el desasosiego, tema que le interesó al artista durante toda su producción, ya que la lucha de los contrarios fue siempre un estado filosófico que le asombró: vivía entre la fascinación y el insomnio. El pintor al observar la incógnita tocante a la carga afectiva de la gama cromática, que en su caso fue de origen intuitivo, interpretó con un sentido agudo, que las emociones se pueden personificar a través de las tonalidades y que con lo anterior realizaba una función expresiva que definió su estructura ideológica”. Juan Rafael Coronel Rivera.

Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Pedro Coronel. El espíritu del color. México. Gobierno del estado de Veracruz, Instituto Veracruzano de Cultura, 2012, Pág. 3.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,450-$5,620 265


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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Pez alado

Firmada y fechada 1991 Escultura en barro zacatecano policromado 41 x 51 x 24 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. El barro zacatecano se distingue por poseer una gran elasticidad, ser de excelente calidad y tener la capacidad para soportar altas temperaturas durante el proceso de cocción, lo cual facilita la posibilidad de tener múltiples resultados creativos. Jorge Marín es un artista plástico mexicano que ha sabido explorar las bondades de ciertos materiales, tales como la resina, el bronce y el barro, el cual ha manejado con gran maestría. Las obras que ha realizado con este material, son piezas que muestran un fino manejo de la forma, que a su vez expresa una delicada precisión en los detalles, los cuales estructuran la hibrides de la figura, misma que nos transporta a un mundo misterioso, mágico, místico y divertido. Las esculturas que ha realizado bajo esta técnica han sido en formatos pequeños y medianos, dejando a un lado la monumental exclusivamente para el bronce. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,430-$11,240

266


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VÍCTOR CHA’CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - ) Artífices juchitecos

Firmado Óleo y arena sobre tela 150 x 190 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Es uno de los artistas oaxaqueños más representativos de su generación, debido a las inconfundibles esculturas, cerámicas o lienzos en gran formato. Al contemplar su obra el espectador puede visualizar el imaginario del artista, de cualidades fantásticas que denotan aspectos mitológicos y criaturas de otros mundos. En la paleta del artista se identifican colores primarios brillantes así como texturas. Ha participado en decenas de exposiciones individuales, especialmente en el estado de Oaxaca: en la Casa de la Cultura de Juchitán, la Casa de la Cultura de Tabasco, en el Museo de los Pintores Oaxaqueños, en la Galería del Estado de Xalapa, en la Alianza Francesa de Polanco y en la Galería del Auditorio Nacional en la Ciudad de México. Fuente consultada: MATÍAS, Pedro. “El artista plástico zapoteca Víctor Cha’ca inaugura Génesis en Oaxaca”. México. Proceso, sección Cultura y Espectáculos, mayo del 2017.

$48,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,700-$3,940

267


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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) Paloma, 2005

Sin firma Escultura en bronce P/ A 65 x 50 x 60 cm Con certificado de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., enero del 2009. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril del 2018. Existen otras versiones en formato similar de esta obra, la primera fundición data aproximadamente de 1955 y hay otra fechada en 1989, además existe una versión en cerámica en pequeño formato y una en tamaño monumental de 6 metros que posa fuera del museo MARCO en Monterrey. Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de estas, emblemas amigables con fines de contemplación. En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Soriano. Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$320,000.00-$500,000.00 M.N. USD $17,980-$28,090 268


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ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Sin título

Firmado y fechado 1981 Óleo sobre madera 95 x 60 cm “La expresión de Zalce es siempre nítida y su color original, con frecuencia en claras tonalidades; así desarrolló su obra de caballete, con escenas de la vida mexicana en las casa, mercados, en el campo y en las costas. Nada hay en ella que no sea sabiduría y sentido de medida, de manera que sus obras trasciendan la poesía y la nobleza de su personalidad”. Justino Fernández. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, Pág.101.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,110-$14,050 269


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ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Sin título

Firmada y fechada 1943 Tinta sobre papel 61 x 77 cm “Es difícil encontrar quien posea en América esa gracia, esa soltura, esa sensibilidad para dibujar. En este campo Alfredo Zalce no tiene paralelo; dibuja siempre: con el color, con la pluma, con el lápiz, con la litografía, con el aguafuerte; siempre con acuciosidad y primor que llegan a veces hasta lo increíble”. Carlos Mérida. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, Pág.57.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430

270


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RAMÓN ALVA DE LA CANAL

(Ciudad de México, 1892 - Ciudad de México, 1985) Campesinos

Firmado y fechado 1927 al frente y al reverso Óleo sobre tela 94 x 85.5 cm Sus estudios artísticos los realizó en la Academia de San Carlos y asistió a la Escuela de Pintura al Aire Libre fundada por Alfredo Ramos Martínez. Fue miembro del Sindicato Nacional de Pintores que fue convocada por José Vasconcelos, rector de la Universidad Nacional. Formó parte de la corriente estridentista al lado de Fermín Revueltas con quien colaboró en la realización de murales, “El desembarco de los españoles y la cruz plantada en tierras nuevas” en San Ildefonso en 1922, a la par del inicio del movimiento muralista. La Universidad Veracruzana le organizó varios homenajes al igual que el Taller de Gráfica Popular y la Academia en la Secretaría de Educación Pública. “Para entender o hacer arte, se necesita antes que todo poseer, una sensibilidad, una delicadeza espiritual, una conformación nerviosa determinada y la voluntad de ir a él”. Ramón Alva de la Canal. Fuente consultada: Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 52.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $22,470-$28,090 271


Anverso

Reverso

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JUAN O’GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982) Camino a Oaxaca

Firmada dos veces y fechada 1947 Tinta y lápiz de grafito sobre papel 15 x 23 cm Doble vista. “Creo que como pintor paisajista estoy más cerca de lo que soy como artista, que cuando utilizo la figura como tema en mis composiciones. También creo que cuando trato algún tema de tipo fantástico siempre aparece el paisaje como el elemento más importante, porque el paisaje es lo que domina en mi pintura”. Juan O’Gorman. Fuente consultada: VALLARINO, Roberto et ál. Juan O’Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, Pág. 28.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,250-$3,370 272


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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014) Valle de México

Firmado Temple sobre papel 73 x 109 cm Con certificado de autenticidad del artista, agosto del 2003. “No cree en el olvido, en la desmemoria, ni pasa del expresionismo realista al expresionismo abstracto por estar de moda. Atento a las voces de la época se ha permitido articular muchas corrientes creer en un arte sin fronteras”. Raquel Tibol. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA Guillermo et ál. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 410.

$320,000.00-$400,000.00 M.N. USD $17,980-$22,470

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RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - ) Cráter

Firmado al frente. Firmado y fechado 2015 al reverso Óleo sobre tela 100 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Rodrigo Pimentel es un destacado pintor michoacano, considerado uno de los más talentosos de su generación y cuyo trabajo es conocido entre los especialistas del arte mexicano. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Además de ejercer como pintor, se ha desenvuelto como docente en el Taller de Grabado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Sección Escolar del Museo de Antropología e Historia. Actualmente, su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en el extranjero. “Las imágenes vibrantes, las referencias a tradiciones del pasado, la ironía disfrazada y, por supuesto un refinadísimo sentido del humor, constituyen diversos aspectos de su trabajo que proporcionan al espectador una experiencia enriquecedora”. Edward Sullivan. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 80.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,430-$11,240

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238

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 29.5 x 43.5 cm La obra de Carlos Orozco Romero varía según la época, pero de alguna manera cuenta con características similares. Específicamente sus paisajes forman composiciones casi arquitectónicas y recrean esencias que hacen que el espectador sienta estar en la cima de la montaña rodeado de una atmosfera casi onírica, embellecido por lo colores azules, violetas, rosas y grisáceos. Durante sus estudios conoció la obra de algunos compatriotas, de quienes pudo tener influencia para sus paisajes; los valles y volcanes de Dr. Atl, las mujeres indígenas de José Clemente Orozco y el espíritu de las tradiciones mexicanas de Roberto Montenegro. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 450.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,430-$12,360

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239

JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - ) Otoño por la mañana

Firmado y fechado 18 Óleo sobre lino 140 x 280 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre del 2018. “A la vieja usanza de los artistas viajeros, Jorge Obregón ha escalado y explorado diversos volcanes del mundo con el fin de encontrar los encuadres correctos y la perspectiva idónea que le permitan no sólo pintar volcanes sino desarrollar en su obra una experiencia estética, lumínica y espacial […] Al estar en contacto con el paisaje volcánico, lleva a cabo un intenso ejercicio de percepción que le permite aprehender toda la información que el espacio le ofrece para sintetizarla en un lienzo o papel, sin perder de vista la impresión primera que lo impulsó a seleccionar determinado encuadre o toma del panorama. El trabajo de Jorge no involucra solamente el aspecto emocional o vivencial, también recurre al estudio de aspectos topográficos, climatológicos y botánicos, renovando así el vínculo entre arte y ciencia que caracterizó a la pintura del paisaje realizada por los antiguos expedicionarios”. Tita Ochoa Rivera. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Jorge Obregón. México, tierra de volcanes. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 3.

$360,000.00-$400,000.00 M.N. USD $20,240-$22,470

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240

RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - ) Valle de México

Firmado y fechado 77 Óleo sobre tela 60 x 120 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Raymundo Martínez es un sobresaliente paisajista mexicano cuya influencia principal proviene de sus estudios sobre la obra de José María Velasco y los paisajistas del siglo XVIII. Bajo estos estudios previos, construyó su propio estilo y temática, la cual abarca tanto volcanes con vistas de los valles mexicanos, mostrando en cada uno de ellos su excelente manejo de la línea, las formas de la naturaleza, la luz y uso del color. “Raymundo que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia”. Ernesto de la Peña. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430

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241

MANUELA GENERALI (Lugano, Suiza, 1948 - ) Cobre

Firmado y fechado 1993 al reverso Óleo sobre tela 200 x 200 cm Estudió en la Wimbledon School of Arts en Londres y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma del Estado de México. Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno, del Instituto Nacional de Bellas Ates, de la Colección FEMSA y de varias instituciones bancarias como la Fundación Bancomer, del Banco de México, del Banco Santander, la Banca dello Stato y en Banca Unione di Credito, ambas en Suiza, así como Banque du Gothard en Mónaco. Recibió una Mención Honorífica en la XI Bienal de Pintura Rufino Tamayo, en el Salón de Octubre del Gran Premio Omnilife, Mención Especial en la Bienal de Monterrey y ha sido en varias ocasiones beneficiaria del FONCA. $120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,750-$11,240 278


242

JOSÉ ANTONIO FARRERA

(Ciudad de México, 1964 - ) L’insolence mysterieuse de la forêt des cinq arbres noir

Firmado y fechado 2018 al reverso Óleo sobre tela 140 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. “Se trata en todo caso de un pintor dueño de una mirada descarnada y amorosa al mismo tiempo. Su pintura es dramática justamente porque en ella hay personas, es decir, seres depositarios de historias, vivencias sujetos de virtudes y conflictos pero, sobre todo, seres confinados y acotados en el tiempo al que Farrera atrapa como cazador de grandes especies”. Santiago Espinosa de los Monteros. Fuente consultada: SALDAÑA MUÑOZ, Rafael et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art. Pág. 8.

$140,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,870-$11,240 279


243

LUIS KERCH

(Ciudad de México, 1962 - ) Lugar de los nopales, Nopales I

Firmado y fechado 16 al reverso Acrílico sobre tela 194.5 x 128 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, octubre del 2018. Publicado en: sitio oficial del artista www.luiskerch.com Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Miami y estudió la maestría en Comunicación y Diseño por el Pratt Institute de Brooklyn en Nueva York. Ha expuesto de manera colectiva e individual en España, Estados Unidos, Colombia, Reino Unido y Portugal. Destacan sus exposiciones individuales en Art Miami, en la Feria Iberoamericana de Arte en Caracas ambas con Galería Ginocchio, Preservation Art Gallery en Massachusetts, Kunsthaus Miami Contemporary Art Space en Miami

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y Graduate Gallery en Nueva York, Sala de Arte Caja Canarias en España, Galería Sotavento en Caracas, Venezuela, entre otras. Su obra en gran formato está conformada por paisajes donde la luz y su forma de percepción definen el estilo de Luis Kerch, además de la inspiración en aspectos precolombinos y coloniales. “Luis Kerch trabaja distintas sedimentaciones, memorias, experiencias pasos que diseñan en el tiempo una figura inconcebible, una poética de lo frágil. Como si la pintura fuese una metamorfosis detenida, como su expansión dejase el resto de un lado secreto. En cierto modo, diría que pinta lo que desborda su lugar, lo que reverbera. Pero no lo espectacular, sino el pequeño acontecimiento que le acerca, otra vez, al placer del objeto, de la vida”. David Barro. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luiskerch.com

$190,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,680-$14,050


244

FELICIANO PEÑA

(Silao, Guanajuato, 1915 - Ciudad de México, 1982) Valle de Tepoztlán

Firmado y fechado 72 Óleo sobre fibracel 40 x 60 cm El paisajismo fue para Feliciano Peña una necesidad, mediante el cual ordenaba pictóricamente colores y formas, luces y sombras. No tuvo preocupaciones vanguardistas, lo que le importaba era la buena ejecución de su trabajo y el dominio de los materiales. Su estilo radicaba en la observación fiel de la naturaleza. En su obra el artista no inventaba ni distorsionaba, tampoco copiaba los efectos de la luz. Su proceso era clásico, proyectaba los lineamientos principales de lo que tenía ante sus ojos y sobre esto construía con luminosos y limpios tonos de color, el volumen y, sobre todo, la atmósfera. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 60.

$30,000.00-$46,000.00 M.N. USD $1,690-$2,590 281


245

GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962) Sin título

Firmado Óleo sobre tela 80 x 100 cm Patrimonio de la Humanidad, Xochimilco fue lugar especial para pintores paisajistas, entre ellos Gómez Mayorga, quien utilizó este terreno prehispánico como laboratorio de experimentación. Colores que avivan la flora, tonos para recrear el agua del canal y elementos que se esconden entre el matorral, hacen de esta pieza una magnífica interpretación atmosférica de Xochimilco. Mayorga definitivamente logró llegar al éxtasis de la perspectiva con trazos definitivos en el horizonte, creando una poesía histórica. “Gómez Mayorga a diferencia de Clausell muestra un sentimiento de libertad diferente, construido sobre volúmenes más corpóreos, pero una rara y afortunada sensación de unidad y equilibrio”. Hugo Convantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 87-99.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $19,670-$25,290 282


246

JOSÉ MARÍA VELASCO

(Temascalcingo, Estado de México, 1840 - Ciudad de México, 1912) Sin título

Firmado Lápiz de grafito sobre papel 25.8 x 20.3 cm Con certificado de autenticidad de galerías La Granja. Es considerado el pintor paisajista más representativo de México. Así como otros datos biográficos es imprecisa la fecha en que ingresó a la Antigua Academia de San Carlos, varía de 1855 a 1888, cuando fue alumno del paisajista italiano Eugenio Landesio y discípulo de Pelegrín Clavé. Cursó las asignaturas de perspectiva, dibujo de estampa de figura y paisaje, dibujo de yeso, modelo vivo y dibujo del paisaje natural, que implicaba realizar copias al natural de rocas, montañas, ríos, nubes, flores y follaje que son los estudios previos a su gran obra pictórica. “Velasco excursionó por los alrededores de la ciudad de México, y más tarde por sitios más lejanos, siempre tomando apuntes, adiestrando la vista y la mano, como parte de un proceso de formación, que pronto habría de rendir óptimos resultados. El trazo de los dibujos de su primera época es firme, acusa una sensibilidad dispuesta para captar la belleza del paisaje […]”. Xavier Moyssén. Fuente consultada: Xavier Moyssén et ál. José María Velasco. Homenaje. México. UNAM, Instituto de Investigaciones Estéticas, 1989, pp. 1-10.

$150,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,430-$12,360 283


247 GERARDO MURILLO “DR. ATL”

(Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Sin título

Firmado Esténcil sobre papel 21 x 26 cm “No puede pasarse por alto que las raíces artísticas y políticas de la pintura mexicana moderna las sentó Dr. Atl […] Personaje notable del carrancismo, que por razones estratégicas se trasladó a Orizaba, allí fundó el periódico ‘La Vanguardia’, y encabezó numerosas tareas. Con el tiempo se adjuntó al fascismo. “Cardoza y Aragón, escribió: ‘Dr. Atl fue el primero que trabajó ardorosamente la obra mural. Trajo a México una visión más precisa del impresionismo y un fervor profundo por los Renacentistas italianos. En él se aunaban el hombre de acción y el artista. Su figura fue de primerísima importancia’. “Orozco, Siqueiros y Rivera, resaltaron la tarea esencial de Atl como el verdadero precursor. Fue parte distinguida de una generación que revolucionó la cultura mexicana. Su figura, pese a sus contradicciones políticas, es considerado un artista fundamental entre nosotros, los mexicanos”. René Avilés Fabila. Fuente consultada: ROURA, Alma Lilia et ál. Dr. Atl: conciencia y paisaje. México. MUNAL, 1985, prólogo.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,620-$10,110 284


248

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalara, Jalisco 1885 - Pátzcuaro, Michoacán 1968) Niños

Firmado Óleo sobre tela 65 x 56 cm Publicado en: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, agosto de 1996, año 2, No. 20, Pág. 6. Presenta craqueladuras. “Espíritu inquieto, Montenegro buscó en motivos mexicanos en expresión personal y nacional, una puesta al día, una renovación constante de su arte. Por eso se le ha identificado con diversas vanguardias sin que pueda inscribirse plenamente a ninguna […] En su arte tiene cabida motivos indígenas y elementos orientales, temas vanguardistas europeos y mexicanos, figuras femeninas, temas y vestimentas de tehuanas, siempre en busca de una nueva identidad y posibilidades para su arte”. Consuelo Sáizar. Fuente consultada: ECHEVERRÍA, Ester et ál. Roberto Montenegro. Fragmentos. México. CONACULTA, INBA, 2011.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860 285


249

OLIVERIO MARTÍNEZ

(Piedras Negras, Coahuila, 1901 - Ciudad de México, 1938) Primeras letras, ca. 1960

Firmada Escultura en bronce con base de madera 26.5 x 18.5 x 13 cm medidas totales con base Exhibida en: -“Ideas y volúmenes, escultura mexicana, 1910”, muestra presentada en el Museo de Pontevedra en España, en 1999. -“Escultura mexicana: de la academia al objeto”, muestra presentada en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara y en el Museo del Palacio de Bellas Artes, ambas en el 2000. -“México 1900-1950. Diego Rivera, Frida Kahlo”, muestra presentada en el Grand Palais en París, Francia, en el 2016 y en el Dallas Museum of Art en Texas, en el 2017. A los 24 años de edad se trasladó a Nueva York, ciudad donde trabajó en la oficina de los Ferrocarriles Mexicanos y dos años más tarde regresó a la Ciudad de México e ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes con la finalidad de estudiar escultura. No obstante, aunque su paso por la academia fue breve, supo aprovechar el tiempo para adquirir los conocimientos formales de la disciplina y con ello iniciar su fructífera producción plástica. Durante su estancia en la Escuela Nacional de Bellas Artes logró exponer en el patio principal de esta institución, participación que le abrió las puertas a la experiencia en el medio y lo impulsó a realizar sus propios proyectos, ganando en 1933 el concurso para realizar los motivos escultóricos del Monumento a la Revolución. Con los años, se formalizó como escultor y estructuró una reconocida carrera, elaborando obras reconocidas, con temas nacionalistas, tales como la Independencia, las Leyes Obreras, las Leyes de Reforma y las Leyes Agrarias. Fuente consultada: sitio oficial de la Secretaría de Cultura www.cultura.gob.mx

$65,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,650-$5,060 286


250

FANNY RABEL

(Polonia, 1922 - Ciudad de México, 2008) Circuito familiar

Firmado y fechado 1989 Acrílico sobre fibracel 94 x 59.5 cm Publicado en: Fanny Rabel. 50 años de producción artística. México. INBA, Museo del Palacio de Bellas Artes, 1993. Exhibido en: “Fanny Rabel. Restrospectiva 50 años”, muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, en 1993. Con etiqueta del Museo Palacio de Bellas Artes. Desde su infancia estuvo en contacto con el arte, sus padres fueron actores de teatro. Al llegar a México en 1938 ingresó a la Escuela Nocturna para Trabajadores, donde se impartían clases de grabado y dibujo. Posteriormente fue alumna en La Esmeralda, donde tomó

cursos con José Chávez Morado, Feliciano Peña así como Frida Kahlo, quien escribió una presentación para la primera exposición de Fanny Rabel en La Liga Israelita: “Fanny Rabinovich pinta como vive, con enorme valor, inteligencia y sensibilidad agudas, con todo el calor y la alegría que le dan sus veinte años. Pero lo que yo juzgo más interesante en su pintura es la raíz profunda que la liga a la tradición y la fuerza de su pueblo. No es pintura personalista sino social. Le preocupan fundamentalmente los problemas de clase, y ha observado con una madurez excepcional, el carácter y el estilo de sus modelos, dándole siempre una viva emoción. Todo esto sin pretensiones, y llena de feminidad y finura que la hacen tan completa”. Frida Kahlo.

Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “Algo sobre Fanny Rabel”. México. La Jornada, mayo del 2007.

$80,000.00-$110,000.00 M.N. USD $4,450-$6,180 287


251

JESÚS GUERRERO GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) Mujer con paloma

Firmado y fechado 1969 Óleo sobre tela 50 x 60 cm Agradecemos a Flora Guerrero y a Miguel Ángel Guerrero hijos del artista, por verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. “Hombre de su lugar y su tiempo, conciliador de modalidades, Guerrero Galván se esforzó por disciplinar su vida interior para lograr un lenguaje equilibrado, original y significativo”. Berta Taracena. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 120.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,240-$16,860

288


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ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Madre e hija en Morelia

Firmado y fechado 1987 Óleo sobre masonite 77 x 133 cm “En la obra salida del taller moreliano prepondera la búsqueda del placer; placer de la forma, de los colores, de la transfiguración de lo observado, de la materia, de la técnica, de la síntesis en el plano; placer de tomar viejos apuntes del natural y convertirlos en pinturas de estudio; placer de reunir cosas muy simples y muy vistas para conceptuar la composición, sin confiar en la profundidad de las alegorías; placer de pintar cien veces a Morelia, de madrugada, de noche, de día, con o sin gente, sus fuentes, sus cerros, calles escondidas, todo esto presentado como algo distante, más pensado que visto, filtrado en una larga gramática de despojamientos, aprendida de una vez para siempre en los años 20, cuando Diego Rivera a la cabeza se traducía en sensibilidad y modos mexicanos”. Raquel Tibol, 1981. Fuente consultada: TOVAR Y DE TERESA, Rafael et ál. Alfredo Zalce, noventa años. Recuerdo de una vida, trabajos de un pintor. México. Telmex, 1998, Pág.102.

$420,000.00-$600,000.00 M.N. USD $23,600-$33,710

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253

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Sin título, de la Carpeta Imágenes de Guatemala

Firmado y fechado Guatemala 1925 Pochoir sobre papel 25 x 30 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, 2018. Es considerado uno de los representantes del muralismo al lado de Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Desafortunadamente una gran cantidad de sus obras murales fueron destruidas, pese a que fueron realizados con materiales modernos como vinílicos, concreto y fueron precursores en su tipo. Durante su carrera se preocupó por recuperar los valores locales, aspectos prehispánicos, especialmente con elementos geométricos, fuertemente influenciado por la plástica maya, dimensiones planas, el uso del color como elemento discursivo así como el de la figura humana. “Carlos Mérida, que compartió con los muralistas sus principales preocupaciones, como la de realizar una obra eminentemente nacional y que expresara los valores autóctonos tanto en su aspecto como en su espíritu, así como la búsqueda de la adecuada realización técnica, y la correcta colocación y proporción del mural con respecto al espacio arquitectónico”. Louisse Noelle. Fuente consultada: NOELLE, Louisse. “Los murales de Carlos Mérida. Relación de un desastre”. México. Anales Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM. 1987.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,620-$10,110 290


254

FANNY RABEL

(Polonia, 1922 - Ciudad de México, 2008) Niño sentado

Firmado Acrílico sobre masonite 33 x 35 cm “En los cuadros y grabados de Fanny Rabel hay rostros inconfundibles de niños mexicanos. Esos rostros tienen expresiones que no se sabe si son el preámbulo de una risa furtiva o acaso van a descomponerse en llanto. Es el niño mexicano hijo de generaciones que no han conocido más realidad que la inicua explotación; esos rostros de millones de niños nacidos en las capas pobres de nuestra sociedad, las de clase obrera y campesina a lo largo y ancho del país”. Raquel Tibol. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “Algo sobre Fanny Rabel”. México. La Jornada, Sección Semanal, 20 de mayo del 2007.

$28,000.00-$40,000.00 M.N. USD $1,580-$2,590 291


255

RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) Madre e hijo

Firmado y fechado 90 Lápiz de grafito sobre papel 28 x 21.3 cm Con dedicatoria. Procedencia: perteneció a la colección de la artista mexicana Ángela Gurría. Esta obra será registrada para el catálogo razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-90022. Al tratarse de un boceto, presenta ligeros detalles de conservación normales por el uso. Su formación artística no fue producto de estudios académicos, ya que era renuente a cumplir con los sistemas institucionales, así que Ricardo Martínez optó por ser autodidacta y abrevar en la obra de los grandes artistas ya consagrados. En su momento, viajó a Europa y estudió la obra de los viejos y modernos maestros, sin embargo nunca se sustrajo de la influencia de la llamada Escuela Mexicana de Pintura, realizando cuadros con narrativas nacionales. Además de la pintura de caballete, creó diseños para escenarios para ballet e ilustró libros de Alfonso Reyes y Juan Rulfo. Dentro de la modernidad de su pintura, siempre siguió siendo un clásico, un artista protagonista de su tiempo que comunicó un lenguaje universal, por lo que actualmente es considerado uno de los exponentes más sólidos de la riqueza cultural mexicana.

Fuentes consultadas: BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35 y LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000, pp. 254-255.

$26,000.00-$36,000.00 M.N. USD $1,460-$2,020 292


256

ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946) Jeueur blessé

Firmada y fechada 1926 Tinta sobre papel 27 x 21 cm Procedencia: perteneció a la colección particular del Conde René Philipon, quien fuera mecenas del Maestro Zárraga; Subasta de la Galería Christophe Joron-Derem, 2014. El deporte fue para Zárraga uno de los temas que más dominó su imaginario colectivo y en parte la salvación de una cierta etapa de crisis. Todo inicio en los años previos a los Juegos Olímpicos de 1924 en París, pues siendo fanático del fútbol, tuvo la oportunidad de retratar a jugadores de equipos franceses y de otros países. Con un lenguaje artístico moderno, logró ampliar su conocimiento anatómico acentuando los cuerpos atléticos, captando con precisión, fuerza y dinamismo el movimiento de los músculos de los jugadores en plena acción; este desarrollo plástico le dio una pauta artística para llegar al muralismo. Pintó tanto hombres como mujeres futbolistas. La primera esposa de Zárraga, Jannette Ivanoff, fue jugadora del equipo de fútbol francés, lo que lo inspiró a pintarla varias veces; la retrató en plena acción en el cuadro “Las futbolistas” y a Angelina Beloff en la obra “Futbolista rubia” sosteniendo un balón. Fuentes consultadas: GARAY, Claudia et ál. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México. CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pp. 83 y 84 y RAMÍREZ, Javier. “La pintura latinoamericana y el fútbol”. México. La Prensa, suplemento La Prensa Literaria, 17 de junio del 2006.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,620-$8,430 293


257

FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 Ciudad de México, 1935) Paisaje fabril

Firmada Tinta sobre papel 15.4 x 16.1 cm Publicada en: LOZANO, Luis Martín et ál. Fermín Revueltas y la modernidad, de lo rural a lo urbano. México. Consejo Nacional para la Cultura y las Artes de Nuevo León. 2004, catalogado 116. Exhibido en: “Fermín Revueltas y la modernidad, de lo rural a lo urbano” muestra presentada en La Pinacoteca del Centro de las Artes de Monterrey, Nuevo León, del 18 de noviembre del 2004 al 31 de enero del 2005 y en “Fermín Revueltas y los Estridentistas” muestra presentada en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), Oaxaca, del 25 de agosto al 30 de septiembre del 2005. $22,000.00-$34,000.00 M.N. USD $1,240-$1,360

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FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 - Ciudad de México, 1935) Antorcha libertaria

Sin firma Lápiz sobre papel 16.9 x 11.2 cm Publicada en: LOZANO, Luis Martín et ál. Fermín Revueltas y la modernidad, de lo rural a lo urbano. México. Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León. 2004, catalogado 92 y MONSIVÁIS, Carlos. Fermín Revueltas: Paseo de la Revolución entre alegorías. México. 2005. Exhibido en: “Fermín Revueltas y la modernidad, de lo rural a lo urbano” muestra presentada en La Pinacoteca del Centro de las Artes de Monterrey, Nuevo León, del 18 de noviembre del 2004 al 31 de enero del 2005 y en “Fermín Revueltas y los Estridentistas” muestra presentada en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), Oaxaca, del 25 de agosto al 30 de septiembre del 2005. Perteneció a una notable familia de artistas: el músico y compositor Silvestre Revueltas, el escritor José Revueltas y la actriz Rosaura Revueltas. Los primeros estudios los realiza en el Colegio Jesuita San Eduardo en Austin, Texas y posteriormente en Chicago, donde tuvo contacto con importantes colecciones del Art Institute, experiencia que fue determinante para el artista. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II, México. Grupo Financiero Bancomer, Pág. 136.

$13,000.00-$22,000.00 M.N. USD $730-$1,240 294


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JUAN OLAGUÍBEL

(Guanajuato, México, 1896 - 1976) Diana cazadora

Firmada y fechada 1942 y 1962 Escultura en bronce No. 47 80 x 48 x 37 cm Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por el apoyo en la catalogación de esta obra, septiembre del 2018. Después de haber participado en el movimiento armado de 1910, Juan Olaguíbel ingresó a la Academia de San Carlos, donde tuvo una fuerte influencia del trabajo artístico y social del afamado Dr. Atl, así como de las corrientes artísticas de la época, siendo testigo de la transacción de la escultura clasista a la modernidad. Durante su actividad revolucionaría sufrió una herida en el brazo, accidente que le impidió viajar a Europa para complementar sus estudios en arte. No obstante, mediante un apoyo económico, logró viajar en 1918 a Nueva York, ciudad donde además de realizarse algunas operaciones para mejorar su herida, ejecutó una serie de dibujos caricaturescos que le dieron cierta fama. En aquella época trabajó con el escultor Gutzon Borglum, a quien le ayudó a esculpir las cuatro cabezas de los presidentes estadounidenses en el Monte Rushmore. Antes de regresar a México en 1921 vistió Europa, viaje que terminó de solidificar su experiencia escultórica. Los siguientes años le fueron encargadas esculturas públicas para diversos estados de la República Mexicana, destacando en 1939 el “Monumento al Pípila” en Guanajuato, en 1942 la reconocida escultura de la “Diana cazadora”, popularmente conocida como “La flechadora de estrellas del norte” localizada en la fuente del Paseo de la Reforma en la Ciudad de México y en 1952 la Fuente de Petróleos, realizada en conjunto con el arquitecto Vicente Mendiola Quezada y oficialmente denominada por sus creadores como el “Monumento a la Industria Petrolera de México”. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Diccionario de Escultores Mexicanos del Siglo XX. Tomo II. México. CONACULTA - FONCA, 1997, Pág. 116.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. UDS $5,620-$8,430 295


260

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992) Figura ecuestre

Firmado y fechado 76 Gouache, tinta y lápiz de grafito sobre papel 56 x 76 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Con etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana-Instituto Nacional de Bellas Artes. Con catálogo de la exposición “Pintura sobre papel” del Salón de la Plástica Mexicana, 4 de febrero de 1977, adherido al reverso. “Belkin fue un artista extremadamente disciplinado. Con disciplina aprendió el uso de variados materiales y herramientas; con disciplina abordó muy complejos problemas de composición; con disciplina diversificó su paleta tras una prolongada fijación por los ocres; con disciplina asimiló las teorías de Siqueiros y revisó a los neoclásicos, los románticos, los constructivistas, los futuristas, los cubistas y los expresionistas; con disciplina fue conquistando su propia e inconfundible originalidad: esas estructuras armadas con perfiles, contornos, torsos, cabezas, pilares […] Ellas fueron el soporte para hacer a un lado lo declamatorio en el tratamiento de los grandes problemas del presente. Sus soluciones plásticas por medio de sistemas interrelacionados se volvieron cada vez más audaces y con mayor densidad simbólica. Esto le permitió llegar a la pintura de progresión y al arte social”. Raquel Tibol. Fuente consultada: TIBOL, Raquel. “El laboratorio muralístico de Arnold Belkin”. México. UNAM, Revista de la Universidad de México, No. 430, noviembre de 1986.

$46,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,590-$3,370 296


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JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011) Banderillas

Sin firma Óleo sobre tela 100 x 120 cm Con certificado de Mariana Reyes Orozco, hija del artista, noviembre del 2015. Procedencia: adquirido directamente al artista. A pesar de haber sido un apasionado de los toros, José Reyes Meza se inclinó por el arte, profesión que ejerció con gran dedicación. En su pintura de caballete exaltó soltura en la pincelada y maestría en la calidad del dibujo, reflejando así una tendencia realista, en la que abundan bodegones, retratos y escenas costumbristas, de las cuales tiene como subtema la tauromaquia. De este último tema, la influencia inició con el legendario torero “Chato” Guerra, quien era amigo de su padre, además en sus andanzas se mantuvo cerca del pintor Antonio Navarrete, por lo que por un momento se le ocurrió ser torero, profesión que no ejerció para dedicarse a la pintura. “De no haber sido pintor habría sido torero, de no haber sido torero habría sido cocinero. Torero lo fui, no como razón de vida o meta, sino como realización anímica de mi otro yo razón de ser de los ‘hobbies’, eventualidad que en mi vida perduró casi quince años. En el transcurso de este tiempo, los capotes de brega, las muletas, los estoques, banderillas y bártulos de oficio táurico, se fueron integrando a los lápices, a los pinceles, a los bastidores, a las telas, a los colores y las corridas de toros acabaron en pinturas en mis cuadros”. José Reyes Meza. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582 y ROMERO-LECANDA, Héctor. ¿Quién es José Reyes Meza?, 3 de mayo del 2009.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,750-$10,110 297


262

MANUEL GONZÁLEZ SERRANO

(Lagos de Moreno, Jalisco, 1917 - Ciudad de México, 1960) Peces, ca. 1940

Firmada Acuarela sobre papel 23.5 x 15.5 cm “Activo en las décadas de los 40 y 50, Manuel González Serrano fue un artista mexicano considerado parte de la contracorriente de la formación academicista. Paisajes, naturalezas muertas y retratos fueron los temas principales utilizados por el jalisciense, todos ellos inmersos en irrealidad y nutridos por su influencia de la metafísica de Giorgio de Chirico y los matices del surrealismo”. María Helena Noval. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 292.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,020-$2,810 298


263

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) Sin título, ca. 1939

Firmado Óleo sobre cartón 46 x 39 cm “La obra pictórica del artista destaca por sus habilidades estéticas que revelan trazos firmes en el dibujo, solidez en el manejo del color y una visión formal diferente, la cual más que subconsciente o inconsciente es surrealista. Trata la vida indígena revestida de elementos simbólicos con recuerdos de la infancia en un ambiente romántico, evocativo y muchas veces trágico”. Rebeca Monroy Nasr. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 416.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,060-$8,430 299


264

SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) Sempiterno

Firmado y fechado ELC 68 Óleo sobre tela 100 x 80 cm Agradecemos a Franco Bassi, hijo de la artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, enero del 2014. Procedencia: adquirido en Christie’s, Nueva York, junio del 2008, lote 223; colección privada, México; Morton Subastas, Ciudad de México, 15 de mayo del 2014, lote 165. Exhibido en: “Exposición inaugural. MAM”, en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el 20 de septiembre de 1964. Con etiqueta del Museo de Arte Moderno. A pesar de su encarcelamiento, Sofía Bassi se mantuvo firme ante las circunstancias y gracias a su amor por la pintura, sus excelentes relaciones de trabajo y estrechas amistades con el medio del arte, fue que logró tener incentivos para mantener su producción artística activa. Toda la pintura que realizó en este periodo la firmaba con las iniciales “ELC” haciendo referencia a “En La Cárcel”. Las influencias dentro y fuera del penal, hicieron que su obra se cargara de un fuerte estilo surrealista, el cual se caracterizó por la visión poética que tenía hacia la vida, mediante figuras simbólicas que conmueven y emocionan. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 142.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,750-$8,430 300


265

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - ) Alexandro en Persia

Firmado y fechado 2006 Acrílico sobre triplay 100 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. Inició estudios en la Escuela Nacional de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, sin embargo viajó a España para ampliar sus conocimientos donde además realizó algunos murales. Su obra se encuentra en las colecciones de museos en Japón, Estado Unidos, Holanda y España. En México en el Museo de Arte Moderno y en el de Arte e Historia de Ciudad Juárez. En su imaginario antecede la obra de Julio Ruelas y Germán Gedovius. Su obra es alegórica y simbólica, con personajes de ensueño, algunos de carácter sensual o mítico en mundos oníricos e irreales, con paleta de colores intensas y vibrantes. “[…] su temática hace gala de imaginación y la desborda. Plasma en las telas y en el papel, con óleos, acrílicos, tintas de colores o bien con finísimas puntas de plata, carboncillo y sanguina, a los seres de la fantasía: faunos, ninfas, sílfides bacantes en continua orgía, Venus aterrorizadas, vampiros ecuatorianos, erinas, reyes y príncipes, dragones, amantes y jinetes apocalípticos que parecen arrancados de un cuento misterioso”. Alfonso de Neuvillate. Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. UNAM, 1969, pp. 13, 15 y 30.

$90,000.00-$130,000.00 M.N. USD $5,060-$7,300 301


266

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - ) El gallo

Firmada Escultura en bronce P. A. – II 55 x 41 x 19 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Rafael Coronel es un reconocido pintor y escultor zacatecano que constantemente ha mantenido las ideas sociales y culturales presentes en el siglo XIX. Su estilo artístico ha transitado por varias etapas, sin embargo, en casi todas ellas ha presentado una consistencia en sentimientos, impregnada de fuerza e inquietudes internas por entender los estados anímicos, como la soledad, el abandono y la desesperación. A lo largo de su carrera ha presentado un gran número de exposiciones individuales en importantes museos del mundo, tales como el Palacio Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo Real de Arte de Bruselas en Bélgica, The Museum of Modern Art de Nueva York en Estados Unidos, así como en la sala del Castello Sforzesco en Milán, Italia, y en la Bienal de São Paulo en Brasil. Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.rafaelcoronel.com

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,730-$22,470 302


267

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Caballo, ca. 1950

Firmado Gouache sobre papel de china 74 x 48 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, julio del 2016. Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Presenta desprendimientos de capa pictórica a causa de la técnica empleada. $70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,940-$5,060 303


268

JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES” (Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) La niña con flores

Firmada Anilina y gouache sobre papel 76 x 50 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, septiembre del 2016. Agradecemos al Sr. Rodrigo Rivero Lake por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre del 2018. Presenta severo desprendimiento capa pictórica a causa de la técnica empleada. “Dándose cuenta que los papeles de china que pintaba para envolver los pequeños regalos que obsequiaba a sus amistades eran a veces más admirados que el propio regalo, empezó a pintarlos para que fueran el obsequio en sí mismo. Ramos de flores, gallos con cresta y cola doradas, ángeles y arcángeles, caballos y pescados fueron saliendo de su taller en números interminables y pronto se convirtieron para Chucho en una magnífica fuente de entradas”. Inés Amor. Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto y DEL CONDE, Teresa. Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2005, Pág. 104.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,940-$5,060 304


269

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Boceto para Ballet Bonampak

Firmado Lápiz de grafito y gouache sobre papel 43 x 28 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, julio del 2017. Con leyenda: “Ballet Bonampak. Declamadoras, 2 personajes. Las dos con trajes son iguales. Llevan “cocol” a la axila para que al subir el brazo no se levante el vestido. Maquillaje rosa”. Los murales de Bonampak en Chiapas se descubrieron por Giles y Healy y Carlos Frey en el año de 1946, dos años después se realizó la primera excursión por parte de expertos de México y Estados Unidos. Carlos Mérida realizó la escenografía, el vestuario estuvo a cargo de Leopoldo y Ángeles Macías, la música de Luis Sandi. El Ballet de Bonampak se estrenó en Tuxtla en noviembre de 1951, al año siguiente en el Museo Palacio de Bellas Artes. “Contraté a 35 y me los llevé a Chiapas, donde logré juntar 140 elementos, contando entre ellos a las señoritas de sociedad. Se trataba de reproducir, de ponerle movimiento a los frescos de Bonampak; utilizaba pasos autóctonos y luego movimiento que yo inventaba”. Ana Mérida. Fuentes consultadas: MONTERO, Martha Patricia. “Ana Mérida y los murales de Bonampak”. México. Agosto del 2014 y sitio oficial del archivo de Thomás Montero Torres www.archivotomasmontero.org

$90,000.00-$100,000.00 M.N. USD $5,060-$5,620 305


270

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Sin título, de la Carpeta Imágenes de Guatemala

Firmado y fechado 1977 Pochoir sobre papel 25 x 31 cm Con constancia de opinión de la Galería de Arte Mexicano, 2018. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,060-$6,750 306


271

ERNESTO “EL CHANGO” GARCÍA CABRAL

(Huatusco, Veracruz, 1890 - Ciudad de México, 1968) Sin título, ca 1930

Firmada Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 50 x 35 cm Agradecemos al Taller Ernesto García Cabral A.C. por la verificación de autenticidad y el apoyo en la catalogación de esta obra, septiembre del 2018. Procedencia: perteneció a la colección del artista y diseñador Ramón Valdiosera. Lo recaudado de la venta de esta obra será en beneficio de Pro Museo Ramón Valdiosera A.C. Presenta mínimos detalles de conservación. Ernesto García Cabral, alias “el Chango”, fue uno de los dibujantes más destacados de una época de artistas excepcionales. La riqueza de su trabajo realizado en las décadas de 1920 y 1930 se explica por su formación y, en especial, por su habilidad para apropiarse de la cultura gráfica de la prensa mexicana y europea de finales del siglo XIX y principios del XX. Además de realizar ilustraciones y tiras cómicas para publicaciones periódicas, el Chango García Cabral también fue comisionado a realizar arte para carteles de cine y cartones publicitarios para importantes empresas como Bayer y la Lotería Nacional; entre ellas destaca la campaña realizada en la década de 1930 para coñac Martel. En esta serie de viñetas, finamente trabajadas en acuarela, hacía un diálogo con versos chuscos relacionados a la bebida espirituosa, probablemente de la autoría de Manuel Horta, gran amigo suyo y director de Revista de Revistas. -Dele usted este papel Y si al cuarto de hora suda Lo que tiene es una “cruda” porque no bebió “Martel” Fuentes consultadas: sitio oficial del Taller Ernesto García Cabral A.C. www.cabral.com.mx y BARAJAS, Rafael “El Fisgón”. “Cabral en Revista de Revistas. El dibujante más Chango de México”.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,020-$2,810

307


272

ERNESTO “EL CHANGO” GARCÍA CABRAL

(Huatusco, Veracruz, 1890 - Ciudad de México, 1968) Sin título, ca 1930

Firmada Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 50 x 35 cm Agradecemos al Taller Ernesto García Cabral A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Procedencia: perteneció a la colección del artista y diseñador Ramón Valdiosera. Lo recaudado de la venta de esta obra será en beneficio de Pro Museo Ramón Valdiosera A.C. Presenta mínimos detalles de conservación. Estudió en la Academia de San Carlos, realizó las primeras ilustraciones sobre la Revolución Mexicana y colaboró con Revista de Revistas haciendo ilustraciones. Artísticamente, sus trazos limpios, directos y refinados transformaron la imagen de la persona en la vida cotidiana, así como en los medios artísticos y políticos nacionales e internacionales. Carmen Gaitán Rojo menciona que Cabral: “fue domador de la línea en tinta sobre el papel, retratista de las mil vidas de México”. -¡Caramba!...!Mi esposa amada Con un “cuete” de cartel!... -No me puedes decir nada… ¡Me lo puse con “Martel”! Fuente consultada: GAITÁN ROJO, Carmen (Coord.). Homenaje a Ernesto García Cabral. Maestro de la línea. México. Instituto Nacional de Bellas Artes, Editorial RM, 2008, Pág. 31.

$36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,020-$2,810 308


273

ERNESTO “EL CHANGO” GARCÍA CABRAL

(Huatusco, Veracruz, 1890 - Ciudad de México, 1968) Sin título, ca 1930

Firmada Acuarela y lápiz de grafito sobre papel 50 x 35 cm Agradecemos al Taller Ernesto García Cabral A.C. por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre del 2018. Procedencia: perteneció a la colección del artista y diseñador Ramón Valdiosera. Lo recaudado de la venta de esta obra será en beneficio de Pro Museo Ramón Valdiosera A.C. Presenta mínimos detalles de conservación. “Era punta de lanza de las vanguardias por la calidad asombrosa de su trazo. Fue un artista extraordinario toda su vida y tuvo un impacto enorme en su momento. Fue promotor del costumbrismo mexicano de las primeras décadas del siglo XX y marcó a generaciones de creadores”. Rafael Barajas “el Fisgón”. Es una birria este hotel… ¡Imbécil! ¡Bruto! ¡Cric-Crac! Cuando te pidan cognac Debes de servir “Martel” $36,000.00-$50,000.00 M.N. USD $2,020-$2,810 309


Lote 77


ÍNDICE A

ACEVES, GUSTAVO ACEVES NAVARRO, GILBERTO ALAMILLA, MIGUEL ÁNGEL ALCALDE GARCÍA, ALFREDO ALMELA, MARIO ALVA DE LA CANAL, RAMÓN ANGUIANO, RAÚL AVILÉS, ARNO

B

BARDASANO, JOSÉ BASSI, SOFÍA BEDIA, JOSÉ BELKIN, ARNOLD BERNI, ANTONIO BOTERO, FERNANDO BRUNET, FERNANDA

C

CANTÚ, FEDERICO CARBONELL, SANTIAGO CARRILLO, MIGUEL CARRINGTON, LEONORA CASTRO LEÑERO, FRANCISCO CASTRO LEÑERO, MIGUEL CASTRO LÓPEZ, AGUSTÍN CERNA, BENITO CERVANTES, PEDRO CHA’CA, VÍCTOR CHÁVEZ MORADO, JOSÉ CHEMOR, ANTONIO CHICO, JULIO CLAUSELL, JOAQUÍN COGHLAN, EDGARDO CORONEL, PEDRO CORONEL, RAFAEL CORTÁZAR, ROBERTO CORZAS, FRANCISCO COSTA, OLGA CRUZ-DIEZ, CARLOS CRUZ AZACETA, LUIS CUEVAS, JOSÉ LUIS

D

DEL VALLE, JUAN CARLOS DR. ATL

E

ECHEVARRÍA, OFILL ESTRADA, ARTURO

F

FABELO, ROBERTO FALCÓN, HÉCTOR FARRERA, JOSÉ ANTONIO FRIEDEBERG, PEDRO

G

GALÁN, JULIO GALLINA, CLAUDIO GÁLVEZ, BYRON GANDÍA, VICENTE GARCÍA CABRAL, ERNESTO “EL CHANGO” GARCÍA NAREZO, JOSÉ GARCÍA OCEJO, JOSÉ GARCIANDÍA, FLAVIO GARRIDO, MIGUEL ÁNGEL GENERALI, MANUELA GERZSO, GUNTHER GIOVANETTI, MIGUEL ÁNGEL GIRONELLA, ALBERTO GIRONELLA PARRA, EMILIANO GOERITZ, MATHIAS GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO GÓMEZ ROBLEDO, TOMÁS GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE GONZÁLEZ SERRANO, MANUEL GONZÁLEZ VELÁZQUEZ, JORGE GOTOPO, JOSÉ GUERRERO GALVÁN, JESÚS GUTIÉRREZ CARREOLA, FRANCISCO

124, 125 100, 207, 210 205 29, 32 115 234 16 188

62, 65, 67, 119 58, 59, 60, 264 49, 192, 193 7, 260 140, 141 70, 71 187, 189

14 121, 133, 138 171 56 105, 204 179, 206 213 136 52 227, 230 25, 31, 68, 168 209 183, 217 76 3, 4 53, 55, 82, 228 130, 266 127, 128, 143, 145, 126, 129, 134 21 199 80 131

64, 155 77, 247

174 11, 12, 15

139 186 123, 242 197, 198, 201

170 135 54, 211, 212 17, 18, 19, 154 271, 272, 273 8 265 202 122 241 83, 84, 96 90, 91 160, 166, 167 161, 162, 165 104 245 215 30, 69 262 181 20 34, 61, 251 13

H

HERNÁNDEZ XOCHITIOTZIN, DESIDERIO HERNÁNDEZ, SERGIO

I

IEZUMI, TOSHIO

J

JAZZAMOART JIMÉNEZ, CISCO

K

KERCH, LUIS

L

LAM, WIFREDO LANDAU, MYRA LAVILLE, JOY LEYVA, RUBÉN LEYVA MACHADO, ALEXIS “KCHO” LÓPEZ CEDILLO, CLAUDIO JERÓNIMO LOZANO, ÁGUEDA LUGO, HUGO

M

MACOTELA, GABRIEL MALAMUD, TOSIA MALDONADO, ROCÍO MANZO, BENJAMÍN MARÍN, JAVIER MARÍN, JORGE MARTÍN, RENÉ MARTÍNEZ, OLIVERIO MARTÍNEZ, RAYMUNDO MARTÍNEZ, RICARDO MATTA, ROBERTO MELÉ, JUAN MENDIVE, MANUEL MÉRIDA, CARLOS MEZA, GUILLERMO MONTENEGRO, ROBERTO MONTOYA, GUSTAVO MORALES, ARMANDO MORALES, RODOLFO MORENO, NICOLÁS

N

NEGRET, EDGAR NIGRO, ADOLFO NISHIZAWA, LUIS

O

O’GORMAN, JUAN OBREGÓN, JORGE OKUMURA, HIROYUKI OLAGUÍBEL, JUAN OROZCO, JOSÉ CLEMENTE OROZCO ROMERO, CARLOS

P

PACHECO, FERNANDO PARRA, CARMEN PARRA, MANUEL PEÑA, FELICIANO PÉREZ, GUSTAVO PIMENTEL, RODRIGO

R

RABEL, FANNY RAMÍREZ, GABRIEL RAMOS, WUERO REVUELTAS, FERMÍN REYES, CHUCHO REYES MEZA, JOSÉ RÍOS, CARLOS RIVERA, ARTURO RIVERA, DIEGO ROCHE RABELL, ARNALDO RODRÍGUEZ LUNA, ANTONIO ROJAS, ROLANDO

24 42, 44, 45, 46, 221, 222, 225, 226

101

214, 216 190

S

SAKAI, KAZUYA SARDINA, YAMPIER SCHMILL, JOSÉ MANUEL SEBASTIAN SEGUÍ, ANTONIO SMITH, RAY SORIANO, JUAN SOUTO, ARTURO SPLIMBERGO, LINO ENEAS

T

243

TAMAYO, RUFINO TOLEDO, FRANCISCO TZAPOFF, ANTOINE

51 85 151 182 175, 176, 177 178 93 172

V

94, 97 144, 146 39 99 148 229 111 249 240 255 50 87 36 194, 195, 196, 253, 269, 270 57, 263 1, 2, 5, 118, 248 153 106, 107 37, 38, 219, 220 112, 114

89, 92 95 73, 236

235 113, 239 98 259 147 10, 33, 75, 79, 238

103 163, 164, 165 159 244 157, 158 237

250, 254 86, 185 110 257, 258 22, 152, 267, 268 156, 261 108 78, 169 9, 74 81 132 223, 224

VELASCO, JOSÉ MARÍA VENEGAS, GERMÁN VISKIN, BORIS VON GUNTEN, ROGER

Z

ZALCE, ALFREDO ZAMORA, BEATRIZ ZÁRATE, LUIS ZÁRRAGA, ÁNGEL

88, 200 173 120 184, 203 191 109 47, 48, 231 116, 117 137

41 218 26, 27, 28

246 142 180 149, 150, 208

6, 23, 35, 40, 72, 232, 233, 252 102 43 63, 66, 256


SUBASTA DE ARTE CONTEMPORÁNEO ABIERTOS A CONSIGNACIÓN Informes Odette Paz opaz@mortonsubastas.com Tel. 5283 3140 ext. 3394

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DR. LAKRA, Sin título (Kiss me quick), 2007, Tinta y collage sobre litografía vintage, 32.5 x 28.5 cm. Vendido en: $246,400 M.N.


SUBASTA DE AUTOS CLÁSICOS, DEPORTIVOS Y DE COLECCIÓN

DOMINGO 11 DE NOVIEMBRE DE 2018, 1:00 P.M. SALÓN CERRO DE MAYKA Informes: Antonio López Morton | almorton@mortonsubastas.com Christian Ríos | crios@mortonsubastas.com Tel. 5283 3140 ext. 3420 y 3403

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PRÓXIMAS SUBASTAS 6 de noviembre | 5:00 p.m.

Subasta de Libros de Autos de la Colección de Don Lorenzo Zambrano

22 de noviembre | 5:00 p.m.

Subasta de Documentos, Libros Antiguos y Contemporáneos del Porfiriato, Revolución Mexicana, Guerra Cristera e Historia Contemporánea.

4 de diciembre | 5:00 p.m.

Subasta de Documentos, Grabados, Fotografías y Libros Antiguos y Contemporáneos de Historia de México y Universal, Geografía, Exploradores, Artes y Literatura.

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Informes: Jesús Cruz | Tel. 5283 3140 ext. 3153 | jcruz@mortonasubastas.com

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GUÍA PARA COMPRADORES Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. GENERALES 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton Subastas, actúa únicamente como consignatario en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton Subastas.

catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton Subastas, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. LOTES

III. OFERTAS EN PRESENCIA, REGISTRO

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton Subastas indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton Subastas. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton Subastas, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton Subastas, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton Subastas, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara

ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento. 4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito o débito, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que

previamente se tomó como garantía. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. EXPORTACIÓN El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx


OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

FICHA DE REGISTRO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton. 2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

SI

NO

OFERTA POR TELÉFONO

SI

NO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $50,000.00 M.N. Subastas en Sadi Carnot y Cerro de Mayka: $7,000.00 M.N. Con esta garantía podrá participar en ambas subastas. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

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RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

México, D.F. a

de

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150


ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

NO

TELEPHONE BIDS

YES

NO

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $50,000.00 MXP Auctions at Sadi Carnot and Cerro de Mayka Gallery: $7,000.00 MXP. This gives you access to both auctions. The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

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RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150


Subasta de Arte Latinoamericano  
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