Subasta de Arte Latinoamericano

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Lote 66



Lote 46



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CONSEJO DE ADMINISTRACIÓN Don Luis López Morton Ing. Sergio Autrey Maza Lic. José Calderón Muñoz de Cote Lic. Flavio J. Díaz Tueme Mtro. Carlos Noriega Arias Ing. Dan Ostrosky Shejet

DIRECTORIO

Director General

. . . .

Luis C. López Morton

.

eorozco@mortonsubastas.com

Directora Comercial Vivian Gorinstein

vgorinstein@mortonsubastas.com

Director de Operaciones y Expansión de Negocios Rafael Perusquía

rperusquia@mortonsubastas.com

Administración y Finanzas Rosalía Madrigal

rmadrigal@mortonsubastas.com

Autos y Camiones Aída Alanís Lara

aalanis@mortonsubastas.com

CONSIGNACIÓN Antigüedades

Fernanda Becerril

Arte Moderno y Contemporáneo Pilar Alfonso

Joyería y Relojes

Alejandra Rojas

Libros Antiguos y Contemporáneos Jesús Cruz

Vinos de Colección y Uso Diario Antonio Villa

Oportunidades Adrianna Navarro

Monterrey

Samuel Campillo

DEPARTAMENTO DE ARTE MODERNO

Gerente de Departamento

LA SUBASTA ES CONDUCIDA EN PESOS MEXICANOS. LOS ESTIMADOS EN ESTE CATÁLOGO SE PRESENTAN EN PESOS Y DÓLARES AMERICANOS. Los precios publicados en este catálogo fueron establecidos tomando en cuenta el tipo de cambio de $19.50 (diecinueve pesos 50/100 M.N.) por dólar americano. En caso de que el tipo de cambio mencionado se incremente en un porcentaje equivalente o mayor al 10% (diez por ciento), se hará un ajuste de manera tácita a los estimados de los precios de venta publicados, el día de la subasta. Morton Subastas toma el tipo de cambio oficial, emitido por el Diario Oficial de la Federación.

De acuerdo a la ley monetaria de los Estados Unidos Mexicanos, no podemos recibir moneda extranjera en efectivo. Si usted desea pagar en moneda extranjera, el tipo de cambio será acordado previamente con Morton Subastas, S.A. de C.V. Para mayor información, consulte con nuestro departamento de finanzas: Gerardo González: ggonzalez@mortonsubastas.com, o bien al teléfono 5283 3140, ext. 3395. La mercancía será entregada una vez que nuestro banco confirme la recepción de pago (puede tomar hasta 15 días).

Pilar Alfonso

Especialistas Constanza Infante Sofía Duarte

Catalogadoras Odette Paz María Fernanda Serrano

Atención a Clientes Ana Baños

INFORMES Tel. + 52 (55) 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición. La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento. Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

Si desea un reporte de condición de alguna pieza incluida en esta subasta, por favor contacte al Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo: Pilar Alfonso | palfonso@mortonsubastas.com | Tel. 5283 3140 ext. 6881

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Subasta de Arte Latinoamericano Salón Candiles del Club Naval Norte

Fernando Alencastre 310, Col. Lomas de Virreyes, Ciudad de México

j u e v e s 18 d e m ay o d e 2017, 7:00 p . m .

Nos complace invitarle al cocktail, el martes 16 de mayo a partir de las 7:00 p.m. EXPOSICIÓN Domingo 14 de mayo de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. Lunes 15 a miércoles 17 de mayo de 10:00 a.m. a 7:00 p.m. Salón Candiles del Club Naval Norte

INFORMES Ana Baños Tel. (55) 5283 3140 ext. 3146 abanos@mortonsubastas.com

VISITAS PRIVADAS Y ASESORÍA EN ARTE Citas: Pilar Alfonso Tel. (55) 5283 3140 ext. 6881 • palfonso@mortonsubastas.com

PORTADILLA: Lote 121 PORTADA: Lote 67 CONTRAPORTADA: Lote 58

Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo, Saturnino Herrán, Frida Kahlo, José María Velasco y Dr. Atl, forman parte del grupo de pintores mexicanos cuyas obras son consideradas monumentos históricos. Si usted requiere mayor información, contacte a nuestro Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, puede consultarlo con Pakmail dentro de nuestras oficinas.

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¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? ¡BIENVENIDO! Usted está entrando al mundo de las subastas, un mundo donde es emocionante adquirir antigüedades, arte, joyas, muebles y muchas cosas más. Algunas personas creen que la subasta es un proceso complicado... ¡sorpresa! entrar a comprar a una subasta es muy sencillo y no se requiere invitación, inscripción, ni nada de eso. Únicamente acuda, disfrute el momento y dese el placer de llevarse eso que tanto le gusta. Aquí le damos unos consejos para que lo disfrute desde la primera vez...

¿LA SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO? Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, incluso si no está seguro de que adquirirá un lote. (Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente).

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA? Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición, donde podrá ver las piezas que se van a subastar. Es muy recomendable comprar el catálogo, porque en él se encuentra la descripción detallada y fotos de cada lote. El día de la subasta, al registrarse en la recepción le entregarán un número de paleta para hacer posturas; es decir, una paleta de plástico con un número que será levantada cada vez que usted quiera ofrecer una cantidad para adquirir un lote. En el registro se le solicitará su nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (en efectivo o tarjeta).

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS PRECIOS ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO? Generalmente el catálogo muestra dos precios: un estimado bajo y uno alto. El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA LA SUBASTA? Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir, simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote. El último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo es el precio de martillo, y esa es la cantidad más la comisión (20%), más el IVA de la comisión, lo que usted pagará por el lote adquirido.


¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN? ¿SE PUEDEN HACER OFERTAS SIN ASISTIR AL SALÓN DE SUBASTAS?

El formato de ofertas en ausencia se encuentra en la última página de este catálogo

Sí, existen dos sencillas formas de hacer ofertas en ausencia: • Por escrito. Usted llena el formato de ofertas en ausencia, indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros representantes estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. • Por teléfono. Previamente a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted y así estará pasando sus ofertas al subastador.

OFERTAS EN AUSENCIA El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores, sin ningún cargo para el licitador y de acuerdo a las siguientes reglas: 1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com, el formato está a su disposición en nuestras oficinas así como en el catálogo de la subasta. 2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador, señalando un monto máximo como límite de cada puja. 3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, se autoriza a Morton a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. 4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 5. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala. 6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta. 7. Morton NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar. 8. Morton NO acepta ofertas sin límite.

OFERTAS POR TELÉFONO 1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el desarrollo de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregada a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas, son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com 2. No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni menores a $10,000.00


INFORMACIÓN IMPORTANTE • El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. •

El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• El transporte es por cuenta del comprador. •

Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda no compre.

Todas las piezas incluidas en este catálogo, están revisadas y muchas de ellas autentificadas tanto por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16, de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 37 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-005 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

• Los precios estimados son en pesos mexicanos. • En los lotes que no llevan estimado, la salida está por abajo de $2,000.00 M.N. •

Si por alguna razón no puede pasar a liquidar en el tiempo ya mencionado, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, más su porcentaje correspondiente.

Compras por debajo de $50,000.00 M.N., se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito más su porcentaje de comisión de la subasta.

• Morton Subastas le proporciona factura por el Premium y el IVA correspondiente. • Una vez hecha la factura no hay cambio de nombre. • Si se le asigna un lote en la subasta no hay devoluciones ni reclamaciones.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec: Lunes 22 de mayo de 9:30 a.m. a 7:00 p.m.

Martes 23 de mayo de 9:30 a.m. a 7:00 p.m.

Miércoles 24 de mayo de 9:30 a.m. a 7:00 p.m. Si no son recogidos en este plazo tendrán un cargo del 10% mensual sobre la reserva.


LA SUBASTA 1. Al iniciar la subasta, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la Subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida. 2. La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor. El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores. 3. Para que el martillero adjudique un lote, será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador. 4. Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto a la postura anterior o al precio de salida, se regirán dentro de los siguientes parámetros: PRECIO DE SALIDA

INCREMENTO DE LA PUJA

DE:

A:

$100

$1,000

$100

$1,000

$5,000

$200 $500 $800

$5,000

$10,000

$500

$10,000

$20,000

$1,000

$20,000

$50,000

$2,000

$50,000

$100,000

$5,000

$100,000

En adelante

$10,000

5. La persona a la que el martillero adjudique el lote, se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente: a. El precio de venta o de martillo del lote subastado. b. La cantidad equivalente al 20% del precio mencionado en el punto (a) por concepto de comisión (Premium). c. El Impuesto al Valor Agregado sobre la comisión. d. En caso de que el pago se efectúe con tarjeta de crédito bancario o American Express, se agregará el 6.6% sobre el monto total, por concepto de comisión por el uso de tarjeta de crédito. 6. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación y un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

7. El transporte corre por cuenta del comprador. 8. Compras menores de $50,000.00 (cincuenta mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta, el I.V.A. correspondiente. 9. Si requiere factura a nombre de su Compañía, favor de solicitar al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Causantes. NO habrá cambios en las facturas. 10. Una vez adjudicado un lote no se aceptan reclamaciones ni cancelaciones. 11. La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés.


GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS

Lote 15

Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia). Tipos de soporte: Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formica. Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente. Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc. Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay. Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades. Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor. Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas. Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos. Técnicas bidimensionales: Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado. Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera. Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.


Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas. Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo. Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos. Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones. Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición. Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla. Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas. Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta. Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas. Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black). De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja. Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra. Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras. Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos. Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes. Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial. Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma. Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos. Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal. Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua. Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua. Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso. Técnicas de obra gráfica: Grabado: Conjunto de técnicas de arte gráfico cuya característica común es la creación de imágenes a partir de los cortes o tallas que un grabador efectúa sobre una matriz de madera o metal. Este corte o incisión puede ser realizado utilizando instrumentos cortantes, punzantes o soluciones químicas mordientes. La clasificación más simple de las técnicas de grabado es la que introduce dos categorías, dependiendo del sistema de impresión correspondiente a cada una de ellas: estampación en hueco o en relieve. Hay dos tipos en relieve: Grabado calcográfico: Su matriz de incisión es una lámina de metal. Grabado a fibra: Xilografía, linografía, etc.


Estampa: Es un soporte (generalmente papel) al que se ha transferido la imagen contenida en una matriz trabajada previamente mediante alguno de los procedimientos de arte gráfico. La imagen del soporte original pasa a la estampa tras entintar aquél, poner en contacto ambos y someterlos a presión. La estampa es el producto final del arte gráfico y la multiplicidad su característica más genuina. Recibe este nombre porque el proceso de impresión se denomina estampación. Es importante aclarar que grabado no es sinónimo de estampa; el grabado es una operación técnica y estampa es un producto artístico, el resultado del proceso de estampación de una matriz trabajada previamente, que puede estar grabada o puede no estarlo, sino estampada o impresa. Acrilografía: Creada por Byron Gálvez, en ella se utilizan placas de acrílico que poseen texturas creadas a base de resinas y cargas de polvo de mármol o carbón. Aguafuerte: Utiliza una plancha de metal recubierta de barniz sobre la cual el artista traza el dibujo con un punzón y dejando así el metal al descubierto al sumergir la plancha en una solución de ácido nítrico, este graba únicamente las zonas que quedaron sin barniz. Aguatinta: Técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea resina de pino pulverizada que actúa de aislante, así, al sumergirla en ácido, éste sólo ataca los intersticios entre los puntos de resina. Al azúcar: Técnica alternativa al aguatinta, en la que se espolvorea azúcar en lugar de resina. Fotograbado: Técnica que utiliza una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y transferirla a la placa de impresión. Gofrado: Proceso que consiste en producir un relieve sin tinta en el papel por el efecto de la presión a un mordido muy profundo. Giclée: Impresión por inyección de tinta de gran calidad sobre papeles de algodón, lienzo y papeles de acabado fotográfico. Impresión digital: Se realiza con un dispositivo periférico a un ordenador, permite producir gráficos almacenados en formato electrónico, imprimiéndolos en medios físicos utilizando cartuchos de tinta o tecnología láser. Impresión offset: Método de reproducción de documentos e imágenes, consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica. Linograbado: Recibe su nombre porque el material utilizado como matriz es el linóleo: formado a partir de una pasta de aceite de linaza, resinas de pino, corcho en polvo e ingredientes colorantes prensada y laminada sobre tela de yute. Es flexible, impermeable, ligero y fácil de cortar con gubias. Litografía: La matriz es una plancha de piedra sobre la cual se dibuja la imagen con una materia grasa. La piedra se humedece y las superficies no dibujadas absorben el agua mientras que las dibujadas la rechazan. En seguida se aplica tinta grasa que es repelida por la humedad y se deposita únicamente en la zona dibujada. Mixografía: Procedimiento a partir de un cliché de cobre fundido en relieve negativo que permite la producción de estampas texturadas con detalles muy refinados en la superficie. El cliché es entintado utilizando los colores elegidos para esa impresión y en él se extiende pasta de papel mojado para después introducir los dos elementos en una prensa. A causa de la presión, la tinta queda absorbida por el papel, lo que le confiere cualidades pictóricas. Piezografía: Impresión digital de inyección de tinta que tiene la virtud de proporcionar una extraordinaria calidad, similar incluso a la fotográfica. Permite la impresión sobre sustratos que la fotografía convencional no puede, tales como papeles de algodón 100% libres de ácido. Emplea tintas pigmentadas a base de carbón con diversidad de tonos, desde fríos hasta sepias. Pochoir / esténcil / estarcido: Técnica en la que se corta una plantilla que permite reproducir en serie una imagen. Esta se sitúa sobre un soporte y se aplica pintura de modo que la forma trasferida quede limitada por la plantilla. Punta seca: Técnica que se basa en la utilización de una punta de acero afilada con la que el grabador dibuja directamente sobre la superficie del metal. Ruleta: Ruedecilla giratoria dentada que se utiliza para crear texturas de forma directa o sobre barniz a la cera. Serigrafía: Se interviene sobre una malla de seda, tejido sintético o metal, tensada en un marco. Se obturan ciertas zonas de su trama, ya sea aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película recortada en las áreas donde no habrá imagen, quedando libre la zona por donde pasará la tinta. También existen sistemas de obturación fotomecánicos. Para estampar se esparce tinta que se filtrará sólo por las partes no obturadas. Xilografía: La plancha es de madera, en ella se talla un relieve con la imagen deseada con una gubia o buril.


Las obras gráficas se numeran de acuerdo al tiraje que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas: E.E.

Edición Especial. Tienen alguna particularidad especial o superior.

H.C. Hors Commerce (fuera de comercio). Estampa definitiva de una tirada, no incluida en la edición venal numerada. P.A.

Prueba de artista. Estampas definitivas reservadas para la colección personal del artista.

P.C.

Prueba de color. El artista las lleva a cabo para comprobar el resultado de las tintas, tipo de papel y método de estampación más adecuado.

P.E.

Prueba de estado. En ellas el artista hace una revisión de la composición de la imagen, construcción de luces y sombras. Varían considerablemente de una a otra y por lo tanto cada una de ellas es única.

P.T.

Prueba de taller. Reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la estampa, generalmente conservan al menos una de cada edición.

BAT

Bon à tirer. Con la que el artista queda satisfecho y sirve de modelo de la tirada.

Fotografía: Las técnicas fotográficas permiten capturar imágenes mediante un dispositivo sensible a la luz. Analógica: La fotografía tradicional, para cuyo revelado es necesario un proceso fisicoquímico que involucra el uso de un material fotosensible activo (aplicado sobre placas de vidrio o sobre una película flexible de material traslúcido) y su revelado, para la obtención y el procesado de las imágenes. Digital: Se utilizan dispositivos dotados de una serie de fotodetectores electrónicos. Instantánea: Se obtiene con una cámara que utiliza una película que contiene los químicos necesarios para revelar y fijar la fotografía al momento, se les conoce como “Polaroid” por la compañía pionera en su desarrollo. Plata sobre gelatina: Imagen fotográfica desarrollada a partir de una emulsión de gelatina y plata, que se encuentra aplicada sobre un papel de composición definida que muestra la imagen a través de una sustancia reveladora. Puede ser a color (cromógena) o en blanco y negro. Técnicas tridimensionales: Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material. Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal. Las técnicas más comunes son: Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena. A la cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla. A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches. Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad. Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma. Modelado: técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina. Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo. Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos. Talla: Técnica sustractiva que parte de un bloque generalmente de madera, el cual se va extrayendo y puliendo con mazas y gubias hasta alcanzar la forma deseada. Vaciado: Se vierte el material, que puede ser metal, plástico, resina, yeso o cerámica en un molde.


Lote 84 101 Lote



Lote 126 83 Lote


Subasta de Arte Latinoamericano

¿Para qué encasillar aquello que no puede ni quiere ser encasillado? Abarcando la figuración y la abstracción, lo político y lo social, los formatos monumentales y los pequeños, todo tipo de temáticas, de lenguajes y de referencias, el arte latinoamericano captura la atención de los coleccionistas alrededor del mundo. D e a c u e rd o a i n d i c a d o re s d e M e i M o s e s A r t I n d e x , e l m e rc a d o d e s u b a s t a s d e a r t e latinoamericano a nivel inter nacional mostró un crecimiento del 11% durante el 2015, representando el año de mejores ventas para el sector desde el 2008. Esto se debe, en parte, a la extraordinaria calidad que puede adquirirse en precios comparativamente accesibles, lo cual lo hace una alternativa de inversión de alto retorno y bajo riesgo. Por otro lado, cada vez más museos y galerías de renombre dedican espacios de exhibición, publicación y adquisición para el arte latinoamericano. En esta edición de la Subasta de Arte Latinoamericano, Morton se complace en reunir para usted 205 obras de los maestros latinoamericanos modernos y contemporáneos más importantes de la región: Cuba, Perú, Chile, Colombia, Argentina, Venezuela, Uruguay y, por supuesto México, cuyos artistas han dominado el mercado de las subastas de arte latinoamericano en los últimos años. Destaca de forma especial "La chaise Le Corbusier", un óleo pintado en la década de los setenta por Claudio Bravo, así como una magnífica pintura que representa un bosque tropical coronado por una nube, del maestro cubano Tomás Sánchez. De igual forma, una importante pieza del gran surrealista latinoamericano Roberto Matta y también un bodegón de Joaquín Torres García, cuya obra ha experimentado el mayor crecimiento anual de todos los artistas del continente. Por otro lado, la selección incluye obras de artistas mexicanos dignas de cualquier museo o colección privada, como el estudio para el mural “Ciencia y técnica” de Jorge González Camarena que tuvo como modelo a Victoria Dorantes; dos autorretratos sobre papel de Roberto Montenegro; y piezas de algunos de los representantes más destacados del arte oaxaqueño como Francisco Toledo, Rodolfo Nieto y Sergio Hernández. Lo invitamos a conocer todas las obras que conforman la Subasta de Arte Latinoamericano asistiendo a la exposición previa en el Club Naval Norte. Los especialistas del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo se sentirán honrados de ofrecerle asesoría personalizada y acompañarlo en cada paso del proceso de compra en subasta. Cada una de las 205 obras que usted recorrerá en las páginas de este catálogo son resultado de la investigación, la creatividad, el ingenio, el talento y la emoción de los artistas, de su momento y del poder transformador del arte que cobra su máximo sentido cuando el espectador se hace cómplice.

Morton Subastas


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JUAN O'GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982)

Autorretrato a la edad de 52 años Firmado y fechado 1957 Carboncillo sobre papel 41 x 25 cm Con dedicatoria. Procedencia: adquirido directamente al artista. Exhibido en: "Dibujos y estudios preparatorios de Juan O'Gorman", exposición presentada en el Museo de Historia Mexicana de Monterrey de septiembre a noviembre de 1997. Con etiqueta del Museo de Historia Mexicana de Monterrey. Juan O'Gorman reunió en su obra todas y cada una de las contradicciones y pasiones del quehacer humano en una vida larga, a veces atormentada, siempre comprometida con su tiempo y circunstancia. A la más desbordante fantasía en sus paisajes, se opone la construcción totalmente rigurosa de los bocetos y croquis; los retratos del más puro raigambre académico conviven con personajes satirizados, populares; en sus murales se despliega una galería de retratos y acontecimientos históricos documentados y en su obra de caballete, la recreación arquitectónica fidedigna es desbordada por edificaciones oníricas en espacios enigmáticos. En el arranque de su desempeño como arquitecto, le negó a la arquitectura toda condición de "obra de arte" para realizar ingeniería eficaz dentro de los esquemas de un purismo formal propio de las "máquinas de habitar". O'Gorman realizó una serie de autorretratos entre 1949 y 1963 en los que pueden apreciarse algunos ejemplos de diversos medios y expresiones del dibujo. En el caso del autorretrato de 1957, las tonalidades son cálidas y el esquema de gradación es propio de la suavidad del carboncillo, sin duda de carácter más propio para el claroscuro y el modelado. Fuente consultada: VALLARINO, Roberto et ál. Juan O'Gorman. 100 años. Temples, dibujos y estudios preparatorios. México. Fomento Cultural Banamex, 2005, pp. 77 y 94.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,150-$9,250 20


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2

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Sin título Firmado con monograma Carboncillo y gouache sobre papel 83 x 49 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Durante el periodo denominado la Belle Époque a finales del siglo XIX y principios del XX, nació una corriente artística moderna denominada en francés como Art Nouveau. Influyente pero limitada, esta corriente se extendió de manera profusa alrededor del mundo, llegando a México en 1898. Además de Julio Ruelas, Montenegro fue un espléndido exponente de esta corriente. Colaboró con obras en "Revista de México", la primera revista que canalizaba las inquietudes literarias del grupo modernista. Para esta benemérita publicación, realizó espléndidas viñetas y dibujos al estilo Art Nouveau; también diseñó vitrales y escenografías para teatro por encargo. Es muy probable que los lotes 2 y 3 de esta subasta fueran precisamente, proyectos para vitral. "Mujeres, toreros, marquesas, estatuas, flores, bellezas japonesas y africanas, bajo el rigor del Art Nouveau y otros con la libertad del creador, son el testamento ideal de Roberto Montenegro: uno de los grandes pintores del México de ayer y hoy". Alfonso de Neuvillate. Fuente consultada: MOYSSEN, Xavier. Roberto Montenegro. Exposición de homenaje MAM. México. INBA, 1970, pp. 24 y 25.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,650-$7,700 22


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ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Sin título Firmado con monograma Carboncillo y gouache sobre papel 83 x 49 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. La influencia del arte japonés, los estudios incesantes durante sus años en Europa, la ópera y las obras literarias fueron para Montenegro la iniciativa para apropiarse de las atmósferas del Art Nouveau. De esta etapa, el gusto fantástico que creó se ve expresado en algunas imágenes en las que lo erótico y lo sensual no son un mero accidente. Construyó una especie de cuento de hadas en cada obra, con presentimientos y sensaciones emocionantes acerca de caballeros orientales y damas carnavalescas que se difuminan en jardines bucólicos, deslumbrando su pasión por la teatralidad. Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP, Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, Pág. 13.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,650-$7,700 23


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ANTONIO RUIZ "EL CORZO"

(Texcoco, Estado de México, 1892 - Ciudad de México, 1964)

Ropero de hotel Firmado y fechado Real M. 1954 Lápiz de grafíto sobre papel 29 x 23 cm Con dictamen de autenticidad de la Mtra. Luisa Barrios, curadora y nieta del artista, abril de 2017. Exhibido en: exposición póstuma de Antonio Ruiz "El Corzo" organizada por Inés Amor y presentada en el Palacio de Bellas Artes, 1965. Presenta ligeros detalles de conservación. Antonio Ruiz, mejor conocido como "El Corzo" o "El Corcito", fue un pintor satisfecho de su trabajo, siempre trabajando bajo sus propias reglas y aunque no formó parte de ningún movimiento, se guió por algunas ideas renovadoras que trajeron consigo personajes como Dr. Atl y las Escuelas al Aire Libre. Constantemente se veía motivado por las composiciones de espacios, por lo que la arquitectura fue una línea presencial en su trabajo. Los reflejos fueron recurrentes en algunas obras del autor, donde captaba la dimensionalidad a partir de una percepción atípica. En esta obra representó objetos reflejantes con un efecto trompe l'oeil. La luz también juega en este esquema compositivo de reflejos, produciendo sombras insólitas, no obstante se trata de una escena realista y realizada in situ. Quienes conocieron a "El Corzo" comentaban que su obra hablaba de su simpatía por la fusión de culturas; Juan O'Gorman por ejemplo, llegó a expresar en sus escritos la admiración por la magnífica técnica del maestro Antonio Ruiz, a quien conoció por casualidad mientras le daba consejos para pintar. Las exposiciones que realizó fueron pocas, sin embargo en cada una de ellas las obras fueron vendidas casi en su totalidad. Actualmente, sus obras pertenecen a colecciones y acervos de museos y galerías privadas en México y Estados Unidos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 35, noviembre de 1997, pp. 10-12.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $$2,850-$3,600 24


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ANTONIO RUIZ "EL CORZO"

(Texcoco, Estado de México, 1892 - Ciudad de México, 1964)

Vista desde la ventana en San Francisco CA, ca. 1938 Firmado Lápiz graso sobre papel 28 x 21.5 cm Con dictamen de autenticidad de la Mtra. Luisa Barrios, curadora y nieta del artista, abril de 2017. Exhibido en: exposición póstuma de Antonio Ruiz "El Corzo" organizada por Inés Amor y presentada en el Palacio de Bellas Artes, 1965. Esta obra es una vista de una calle aledaña a Union Square en San Francisco, Califormia, ciudad donde Antonio Ruiz colaboró con Miguel Covarrubias en la realización de mapas murales, encomendados con motivo de la inauguración del Golden Gate, hacia 1938.

"Las virtudes de Antonio Ruiz 'El Corcito' radican en su oficio, en haber incorporado con sabiduría las tradiciones populares, pero hay pocas reflexiones sobre el sentido de estas imágenes; más allá de sus incuestionables virtudes formales, de la maestría en el dibujo, hay en Ruiz una gran originalidad en su manera de dotarlas de varios significados en términos visuales; todo concurre hacia ello: el color, la arquitectura, las perspectivas, el lugar que ocupan las figuras, la composición: puede decirse que las imágenes están cargadas de imágenes". Rita Eder. Fuente consultada: HERRÁN GUDIÑO, Saturnino et ál. Antonio Ruiz El Corcito. México. Ediciones Landucci, Grupo Protexa, 1998, Pág. 52.

$55,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,850-$3,600 25


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AGUSTÍN LAZO

(Ciudad de México, 1896 - Ciudad de México, 1971)

Sin título Firmada Acuarela sobre papel 26 x 33.5 cm Agustín Lazo fue un pintor y dramaturgo mexicano cuya obra es considerada la pionera del surrealismo mexicano. Su formación inició en 1913 en la Escuela de Pintura al Aire Libre, en Santa Anita, Iztacalco, fundada por Alfredo Ramos Martínez; cuatro años más tarde, asistió a la Escuela Nacional de Bellas Artes junto con Julio Castellanos, Rufino Tamayo y Gabriel Fernández Ledesma. En 1922, complementó sus estudios en Francia, Italia, Alemania y Bélgica. A su regreso a México, la crítica lo comenzó a considerar como el máximo representante del aspecto europeo en la pintura mexicana. En la gran exposición surrealista de 1940 en la Galería de Arte Mexicano, se incluyeron obras de Lazo, junto con obras de Carlos Mérida, Manuel Álvarez Bravo, Guillermo Meza, Antonio Ruiz "El Corzo" y Xavier Villaurrutia como dibujante, poeta con quien tuvo una relación amorosa. Después de la muerte de Villaurrutia, Lazo dejó de pintar y de escribir. Además de los retratos, dibujos a lápiz y acuarela que realizaba, trabajó como diseñador escénico para algunos teatros de la Ciudad de México y Chihuahua. Escribió algunos dramas, impartió clases de pintura en La Esmeralda y en el Instituto Nacional de Bellas Artes y perteneció al "grupo sin grupo" de los Contemporáneos. Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. "Agustín Lazo: surrealismo". México. La Jornada, sección Opinión, 3 de febrero de 2010 y sitio de Latin Art Museum Fundación Ureña Rib www.latinartmuseum.com

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,060-$3,100 26


7

AGUSTÍN LAZO

(Ciudad de México, 1896 - Ciudad de México, 1971)

Sin título Firmada Acuarela sobre papel 33 x 24 cm

"La obra de Agustín Lazo se emparenta con lo mejor de la tradición pictórica mexicana. Tradición que bajo el ejercicio de sus manos adquiere dimensiones inusitadas, porque es Lazo quien rapta en sus lienzos el espíritu mexicano de principios del siglo veinte y quien retrata como ningún otro la ruda y tantas veces cruda realidad, del hombre común, del campesino, del olvidado. "Con todo, la obra de Lazo tiene características muy personales, dentro de una formalidad universal y de una tradición europea. Con los años, la obra de Agustín Lazo no desmedra. Al contrario, profundiza en algunos aspectos que ciertamente trascienden la realidad y la iluminan". Fernando Ureña Rib. Fuente consultada: sitio de Latin Art Museum Fundación Ureña Rib www.latinartmuseum.com

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,060-$3,100 27


8

ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946)

Le soulier delacé Firmada y fechada 1926 Tinta sobre papel 27 x 21 cm Procedencia: proviene de la colección particular del Conde Philipon, quien fuera mecenas del Maestro Zárraga. En la década de los años 20 y 30, la obra de Ángel Zárraga era muy cotizada en París y se exhibía con frecuencia en diversas galerías de arte del país. El estilo cubista con el que había estado trabajando lo rezagaba y regresó a su fuente original de inspiración. Así, comenzó a realizar obras que no estaban en las temáticas comunes de un pintor, siendo el deporte el que dominó su imaginario colectivo y la salvación de esta etapa de crisis. En los años previos a los Juegos Olímpicos de 1924 en París inició su interés por los cuerpos atléticos. Fue fanático del futbol, así que retrató a jugadores de equipos franceses y de otros países, ninguno latinoamericano. Con un lenguaje artístico moderno, estas obras acentuaron su conocimiento anatómico, captando con precisión, fuerza y dinamismo el movimiento de los músculos de los jugadores en plena acción; este desarrollo plástico le dio una pauta artística para llegar al muralismo. Pintó tanto hombres como mujeres futbolistas. La primera esposa de Zárraga, Jannette Ivanoff, fue jugadora del equipo de futbol francés, lo que lo inspiró a pintarla varias veces; la retrató en plena acción en el cuadro "Las futbolistas" y a Angelina Beloff en la obra "Futbolista rubia" sosteniendo un balón. En su momento, sus futbolistas fueron bien aceptados por las críticas y a él se le calificó como el primer gran pintor del futbol. Él mismo comentó: "A los hombres se les capta mejor donde trabajan, donde juegan y donde rezan".

Fuentes consultadas: GREET, Michele et ál. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México. CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pp. 83 y 84 y RAMÍREZ, Javier. "La pintura latinoamericana y el futbol". México. La Prensa, suplemento La Prensa Literaria, 17 de junio de 2006.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700 28


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ALFONSO X. PEÑA

(Ciudad Victoria, Tamaulipas, 1903 - Cuernavaca, Morelos, 1964)

Sin título Firmado y fechado Mex 1951 Lápices de color sobre papel 57.5 x 62.5 cm A finales de la década de los años 30, se trasladó a Nueva York en busca de mayor aprendizaje y oportunidades. Es allí donde conoció a artistas como Rufino Tamayo y Miguel Covarrubias, insertándose en un ambiente artístico que le aportó mucho, ayudándolo a perfeccionar su técnica y sus ideas. Al volver a México, instaló su taller en la capital, el cual rápidamente se convirtió en un espacio especial donde se reunieron numerosos artistas y poetas. Presentó su trabajo en diversos países de Europa y América Latina, además de México y Estados Unidos, tanto en exposiciones como pintando murales. En 1950 recibió la medalla José Clemente Orozco y más tarde la medalla de oro como muralista tras la Exposición Internacional de París. Fuente consultada: QUINTANAR, Beatriz. "Alfonso X. Peña, pintor y bohemio de corazón". México. Revista Tips de Aeroméxico, No. 30, primavera de 2004.

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,570-$3,600 29


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10

JESÚS HELGUERA

(Chihuahua, 1910 - Ciudad de México, 1971)

Serenata, Poco a poquito, ca. 1940 Firmado Óleo sobre tela 123 x 153 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Publicado en: calendario conmemorativo 2015, editado por la apertura del Museo del Calendario (MUCAL). Presenta ligeros detalles de conservación. La imagen de "Serenata, Poco a poquito" fue la primera que se reprodujo en calendario por la ya desaparecida empresa editora La Enseñanza Objetiva. Actualmente su reproducción en calendario se encuentra expuesta en el Museo del Calendario (MUCAL) en Querétaro, el cual cuenta con la colección más completa y la exclusividad de la reproducción de las obras de Jesús Helguera pertenecientes a la colección de Calendarios Landin. Entre el romanticismo, la fantasía, el erotismo y el folclore, nace la obra de Jesús Helguera, conocido como uno de los pintores más representativos del arte calendárico en México. A la edad de 7 años emigró junto con su familia a España, allí recibió su formación artística inicial en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y posteriormente en la Academia de San Fernando. En esta etapa aprendió el gusto por la pintura de historia estudiando las obras del Museo del Prado, lo que le abrió paso a la ilustración. Al estallar la Guerra Civil Española, Helguera regresó a México en 1938, encontrando rápidamente un trabajó en la revista "Sucesos para todos". Con el tiempo recorrió gran parte del territorio nacional conociendo las costumbres y tradiciones mexicanas. De estos viajes nació la primera versión de "La leyenda de los volcanes" en 1949, un famoso lienzo que le valió un contrato exclusivo con la compañía cigarrera La Moderna. Entre 1954 y 1970 trabajó para la empresa Galas de México, la principal editora de calendarios e imágenes comerciales del siglo XX en México. La obra de Helguera abarcó paisajes, retratos, desnudos y escenas históricas, mitológicas y cotidianas, como es el caso de "Serenata, Poco a poquito". Mediante pinceladas sueltas y colores contrastantes, "Serenata, Poco a poquito "es un cuadro lleno de vitalidad en el que fluye la iconografía y expresividad teatral mexicana. Parece ser una inspiración salida de una película de la época de oro del cine mexicano, donde la actriz María Elena Marqués entonaba con mariachi la canción "Poco a poquito, canción ranchera" o incluso el actor Pedro Infante cantando la "Serenata Huasteca" a su enamorada. No obstante, a pesar de haber trabajado con modelos naturales y fotografías, el maestro Helguera idealizó a los personajes de acuerdo a su propio gusto y formación académica hasta lograr una escena que a pesar de ser kitsch, representa una sublime historia de unos de los géneros tradicionales de la cultura popular mexicana. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 138. ESPINOSA, Elia. Jesús Helguera y su pintura, una reflexión. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2004, pp. 17-24. Sitio del Museo del Calendario www.mucal.mx

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $18,000-$23,100 31


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JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Mercado en la plaza Firmado y fechado 77 Óleo sobre tela 99.5 x 120 cm Para José Chávez Morado, el arte no debía llegar a definiciones tajantes ni ser condenado en un campo. Fue un pintor que gustaba de dialogar con el pueblo y las tradiciones. A lo largo de 50 años realizó centenares de dibujos y pinturas que recaudaron los simbolismos de la mexicanidad, ponderando el mestizaje de diversos grupos sociales. Su obra es considerada por muchos como prototípica del realismo, con abundantes antecedentes del arte popular, tanto en lo cromático como en la representación de productos artesanales. Singular, diferente y exquisita es la compleja producción artística del guanajuatense. "Echó raíces en un piso fecundado, grato a sus sentimientos: el arte popular. Retablos, enseres, vestimentas, leyendas, dichos, juguetes, adornos, mercados, cantares e instrumentos. No armó con ellos apariencias pintorescas, los usó para transparentar idiosincrasia, para rendir una pintura clara, emotiva, fácil de leer, trasminada de tradiciones vivas aún en sectores numerosos". Raquel Tibol. Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones la Rana, 2001, pp. 33, 68 y 69.

$450,000.00-$550,000.00 M.N. USD $23,100-$28,210 33


12

JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Dos mujeres sentadas, 2000 Firmada Escultura en bronce 6 / 9 43 x 84 x 44 cm Con certificado de autenticidad del artista, julio de 2000. José Chávez Morado fue uno de los artistas plásticos militantes más importantes del siglo XX junto con Juan O'Gorman, Alfredo Zalce, Raúl Anguiano y su esposa Olga Costa. Fue parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular. Su carrera se fortaleció en su labor como empleado del Estado, creando campos de acción cultural muy fructíferos, contribuyendo en la promoción cultural y educativa. Su arte siempre tuvo un enfoque preocupado por compartir temas nacionalistas con una gran madurez creativa y con una carga emocional con temas que simbolizarían su visión folclórica e histórica de México. Fuente consultada: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado: vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones la Rana, 2001, pp. 55 - 57.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700 34


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OLGA COSTA

(Leipzig, Alemania, 1913 - Guanajuato, Guanajuato, 1993)

Niño con perro Firmado y fechado 1956 Óleo sobre tela 80 x 60 cm Con documento de autenticidad y cesión de propiedad de José Chávez Morado. Presenta restauración. A principios del siglo XX, comenzó la oleada de persecuciones de judíos rusos por órdenes de las autoridades zaristas, desplazando a cierta parte de la población rusa a otros países. Los padres de Olga, el violinista y director de orquesta Don Jacobo Kostakowsky y su esposa Ana Frabricant, ambos originarios de Ucrania, huyeron hacia Alemania, donde nació Olga en 1913. A causa de los ideales políticos de Don Jacobo, la familia Kostakowsky decidió viajar posteriormente a México en calidad de emigrantes en 1925, pues habían escuchado de la libertad que se respiraba en América. Una vez establecidos en la capital mexicana, Olga comenzó un brusco cambio cultural, pues después de una oleada de violencia social, logró

adaptarse rápidamente. Además de tener el amor por las artes en las venas, su admiración por México la llevó a ingresar en 1933 a la Academia de San Carlos, donde tuvo como maestro a Carlos Mérida. En esos días, conoció a José Chávez Morado con quien contrajo matrimonio en 1935. Sus años juntos fueron felices y productivos, hicieron varios proyectos en conjunto y en todos ellos Olga expresaba su amor por su segunda patria. Siempre pintó y dibujó todo lo que la rodeaba, hasta que en los años 50 su producción alcanzó una madurez artística. Los retratos, naturalezas, flores y algunas escenas urbanas fueron los principales temas en su obra y en cada uno buscó plasmar la emoción del momento y el ambiente que envolvía al lugar. Olga siempre dedicó tiempo a perfeccionar su pintura y a cuidar sus amistades como lo fueron la galerista Inés Amor, Frida Kahlo, Raúl Anguiano y la fotógrafa Lola Álvarez Bravo.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 202 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 33, septiembre de 1997, pp. 5-8.

$420,000.00-$460,000.00 M.N. USD $21,550-$23,600 35


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ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - )

Autorretrato, 1945 Firmado Óleo sobre masonite 36 x 27.5 cm Con etiquetas del Museo del Palacio de Bellas Artes, Museo Nacional de Arte y Museo de Arte Moderno. Publicado en: México eterno: arte y permanencia. México. Espejo de Obsidiana Ediciones, CONACULTA, 1999, Pág. 213. Exhibido en: "México eterno: arte y permanencia", muestra presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes de diciembre de 1999 a febrero de 2000. Imágenes de calles, rostros, paisajes, vida cotidiana, indígenas, así como pinturas de gran colorido han sido la esencia de sus obras, las cuales han recorrido países como Rusia, China, Polonia, Rumania y Francia. "Considero que sin falsa modestia he logrado contribuir al enriquecimiento del imaginario del arte mexicano del siglo XX". Arturo Estrada. Fuentes consultadas: JIMÉNEZ BERNAL, Gabriela. "Arturo Estrada, 'Frido', se rebela". México. El Universal, sección Cultura, 31 de marzo de 2003. ESTRADA HERNÁNDEZ, Arturo. "Pasión por el arte: Principios". México. Revista UNAM, No. Especial, pp. 253-255. Sitio del Museo Nacional de Antropología www.mna.inah.gob.mx

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,300-$15,400 36


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ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - )

Retrato de Diego Rivera en su estudio Firmado y fechado 30 de Mayo de 1955 San Ángel M. D.F. Óleo sobre tela 75.5 x 95 cm Tiene la leyenda: "Retrato del Maestro Diego Rivera gran amante del pueblo de México y de la paz, incansable luchador en contra de la desigualdad social y del Imperialismo Yanqui agresor de nuestra cultura nacional. Pintado en su estudio por Arturo Estrada el 30 de mayo de 1955, San Ángel M. D.F." Arturo Estrada tuvo grandes maestros como José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, quienes lo influenciaron en su incursión al muralismo. En su ejecución descubrió que pintar un muro es convertir al pintor en un obrero visual, donde la labor pictórica obliga a estar en constante movimiento, observando la ubicación del trazo, la proporción y los efectos formales del color, la luz y la sombra. Fuente consultada: "Arturo Estrada revalora el espíritu social del muralismo". México. INAH, boletín No. 96, 14 de abril de 2016.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,300-$15,400 37


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DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Figura en blanco y negro o Venus de televisión, de la serie Estampas de la cárcel Firmada y fechada C.P. 12-63 Tinta sobre papel 35 x 25.3 cm Con ensayo documental de la Dra. Irene Herner, julio de 2016. Esta obra forma parte de una serie de tintas sobre papel que conformaban un cuaderno, firmadas y fechadas por Siqueiros en la cárcel preventiva en diciembre de 1963. Fotos de varias de estas se encuentran en el archivo de la Sala de Arte Público Siqueiros. La leyenda "C.P." refiere precisamente a la cárcel preventiva, esta obra cuenta además con una anotación al reverso que la ubica como la tinta número 37 del cuaderno y la intitula "Venus de televisión". A Siqueiros le fascinaba la fuerza expresiva del negro, especialmente las texturas que podía lograr con la piroxilina, pero que en su celda hacía lucir con tinta obscura sobre el papel blanco. Varias de esas tintas representan bailarinas, mismas que su admirado Edgar Degas legó extraordinarias.

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Siqueiros recordaba: "Los dos primeros premios que recibí en mi vida como pintor, fueron en relación con dos grandes bailarinas. El primer dibujo con que obtuve una recompensa en efectivo fue el de la Pavlova. "En el caso particular de esta tinta me parece que se trata de un close-up de la cara de una de las bailarinas de la serie. Su expresión es triste, sus ojos miran hacia adentro. Como una esfinge sus ojos ciegos traspasan al espectador, su mirada está hecha de recuerdos, identificada con el artista preso. "Es un acercamiento a sus facciones enmarcadas por los rizos del perímetro de su cara, montada sobre un largo cuello. Actualiza a otra de las bailarinas del México de los primeros 25 años del siglo, misma que Siqueiros admiraba desde su infancia: María Conesa, a la que retrató, saliendo de la cárcel, en 1964, danzando frente al dictador Porfirio Díaz en el mural del Castillo de Chapultepec. "La firme estructura de la composición de esta tinta de Siqueiros es una sobresaliente síntesis formal, de trazos tan precisos como si fueran huesos, elaborados con su característica caligrafía. En este caso Siqueiros no ensaya la dinámica de la danza, sino que muestra una expresión quieta, reflexiva, detenida en el tiempo ¿mirando al tiempo?" Dra. Irene Herner. Fuente consultada: HERNER, Irene. "Ensayo documental 'Figura en blanco y negro'". México. Julio de 2016.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250-$12,850


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FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983)

Pensando en Roma Firmada y fechada 68 Mixta sobre papel 24.5 x 31.2 cm Con dedicatoria: "para Miguel de su amigo Francisco Corzas". Procedencia: adquirida directamente al artista. Al concluir sus estudios en La Esmeralda, a fines de 1956, se embarcó rumbo a Italia. Se estableció en Roma donde asistió a los cursos de pintura al fresco impartidos por el maestro Ciotti en la Academia de San Giacomo. En 1958 obtuvo la medalla de plata en la Feria Internacional Via Margutta y realizó estudios en la Academia de Bellas Artes. Concluyó ese periodo de suma importancia vital tres años después, a los que después se referiría como definitorios, pues "moldearon parte de mi pintura y de mi vida": conoció a su esposa Bianca Dall'Occa Osti y la obra de Caravaggio. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín et ál. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero BITAL, 2001, Pág. 186.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250-$12,850 39


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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Cabeza de niña Firmada y fechada 98 Escultura en bronce 4 / 8 32 x 17 x 22 cm Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017.

"Temperamento versátil y juguetón, desempeña en la pintura mexicana el papel del niño terrible, cuya misión es componer absurdos que sostengan a su público constantemente asustado o sorprendido. Tiene ingenio o inventiva y así lo ha demostrado en sus pinturas, esculturas, ilustraciones y escenografías. Es el más original, el menos imitativo de los abstraccionistas mexicanos". Raquel Tibol.

Fuente consultada: TIBOL, Raquel. Historia general del arte mexicano. Época moderna y contemporánea. México. Editorial Hermes, 1969 en sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700 40


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GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

La doncella elegida Firmado, fechado 1979 y con monograma al frente y al reverso Óleo sobre tela 86 x 71 cm Con dedicatoria "A Pepita". Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Oficina de registro de obras. Publicado en: "Sección anual de invitados: Fernando Castro Pacheco, Guillermo Meza, Luis Nishizawa, Carlos Orozco Romero, Francisco Zúñiga". México. Catálogo de la muestra presentada en el Salón Nacional de Artes Plásticas, Instituto Nacional de Bellas Artes, 1980, catalogado 21. A la edad de 20 años, Guillermo Meza era alumno de Santos Balmori, con quien colaboró en Morelia, Michoacán, dando clases a los niños refugiados españoles; allí conoció a Pepita, quien sería

su protegida y esposa. Con los ingresos obtenidos por este trabajo inició sus estudios de pintura en la Escuela España-México. Poco tiempo después comenzó a ser aprendiz de Diego Rivera, quien lo recomendó con la prestigiosa galerista Inés Amor, quien a su vez reconoció el excepcional talento de Meza para la pintura y el dibujo. En 1940 logró exponer en la Muestra Surrealista, desde entonces y hasta los años 60, la Galería de Arte Mexicano vendió y difundió su obra. A lo largo de su vida, sus exposiciones colectivas e individuales tanto en México como en el extranjero recibieron siempre buena crítica. Participó en las Bienales de Tokio, Venecia, São Paulo y México; y actualmente los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, San Francisco y Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Filadelfia, entre otros, preservan obra suya en sus acervos.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 418.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250-$12,850 41


20

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011)

Retrato de Federico Canessi Firmado y fechado 72 Óleo sobre tela 120 x 100 cm Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza, por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2017. José Reyes Meza ingresó a la Academia de San Carlos en 1938 e, interesado por la cultura mexicana, estudió también en la Escuela de Antropología. A pesar de haber sido un apasionado de los toros, se inclinó por el arte y su estilo estuvo entonces caracterizado por el quehacer de las actividades cotidianas. En su pintura de caballete se refleja una tendencia realista, en la que abunda sobre escenas costumbristas, bodegones y retratos, 42

exaltando la soltura de la pincelada y la calidad del dibujo. Durante su carrera, ejerció también en el medio teatral realizando durante 25 años escenografías para el INBA, la UNAM, el Instituto Mexicano del Seguro Social y algunos teatros de la ciudad. Además, colaboró en diversos proyectos colectivos, entre ellos el mural tallado en piedra en la montaña que divide a la presa de Raudales en Malpaso, Chiapas, obra que fue dirigida por el escultor mexicano Federico Canessi (1906 - 1977), quien fue jefe de Exposiciones y Galerías del INBA en 1946 y también fue diseñador de máscaras, vestuario y escenografía para ballet y teatro, al igual que José Reyes Meza.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 582 y sitio de la Academia de Artes www.academiadeartes.org.mx

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250-$12,850


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JOSÉ BARDASANO

(Madrid, España, 1910 - Madrid, España, 1979)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 63 x 54 cm José Bardasano fue un pintor y dibujante madrileño que cultivó su arte en diversos países, convirtiéndose en uno de los artistas más relevantes de su época. Comenzó su formación como aprendiz del pintor Marceliano Santa María, posteriormente viajó a Londres, París, Bruselas y La Haya gracias a la beca Conde de Cartagena que le fue concedida en 1935. Durante la Guerra Civil Española, colaboró como cartelista e ilustrador en diversas publicaciones. En 1939, llegó a México junto con otros refugiados de la guerra en Europa. Pronto se identificó con las ideas de los muralistas, pero optó por un camino propio. Su fuerte personalidad le permitió conservar su identidad española durante su estancia, se sobrepuso a todas las influencias y ambientes para mantener su estilo. Realizó paisajes de volcanes y praderas, marinas, bodegones, así como temas de festivales latinos.

Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 106. CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 71. Sitio del Museo del Prado www.museodelprado.es

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,160-$10,260 43


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BENJAMÍN DOMÍNGUEZ

(Ciudad Juárez, Chihuahua, 1942 - Ciudad de México, 2016)

Monja coronada Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela 80 x 70 cm En los años setenta, Benjamín Domínguez puso pausa a su carrera como artista plástico; al paso de unos años decidió retomarla y eligió la temática virreinal de las Monjas Floridas o Monjas Coronadas para hacerlo. Las Monjas Coronadas representaban un terreno en el que podía manejar varios conceptos a la vez: retrato psicológico, uso de símbolos, misticismo, religiosidad, uso de texturas y ambientación escénica fueron algunos de los factores que cautivaron al artista. Durante el virreinato este tema rendía homenaje a las mujeres que ingresaban en los conventos. Los retratos se mandaban a hacer cuando destacaban por su religiosidad y se les coronaba con flores como un reconocimiento a su posición, además de ello Domínguez agregó motivos que representaban la atmósfera de la vida doméstica de los conventos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, julio-agosto, 1999, pp. 19-24.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700 44


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JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011)

Sin título Firmado y fechado 77-78 Óleo sobre tela 150 x 120 cm Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Como miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana y con la herencia de la Escuela Mexicana de Pintura, el lenguaje iconográfico que impregnó José Reyes Meza en su extensa producción artística, provenía de la influencia de los cuadros de Diego Rivera, Guillermo Meza, Julio Castellanos y Jesús Guerrero Galván. Su selección de

motivos provenía de la vida popular en todas sus manifestaciones; en ocasiones rescató el género del bodegón de formación novohispana para revivir la naturaleza muerta mexicana y, a la vez, evidenció su admiración por la pintura de Van Gogh, recurriendo a las flores y la gama de colores icónica del pintor neerlandés. Además de su pintura de caballete, sobresale su obra mural, la cual se encuentra en edificios e instituciones públicas y privadas en México y Estados Unidos. En 2008, se fundó en la ciudad de Nuevo Laredo un museo que lleva su nombre. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 142.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,260-$15,400 45


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JOAQUÍN TORRES-GARCÍA

(Montevideo, Uruguay, 1874 - Montevideo, Uruguay, 1949)

Naturaleza muerta con pimientos Firmado y fechado 1926 Óleo sobre tela 55 x 38 cm Con certificado de autenticidad de Cecilia de Torres, mayo de 2014. Publicado en: DE TORRES, Cecilia. "Joaquín Torres-García Catalogue Raisonné" con el número 1926-52, www.torresgarcia.com Joaquín Torres-García fue un destacado pintor, escultor y teórico de arte uruguayo. Creador del Universalismo Constructivo, un sistema estético-filosófico creado en base a los principios de proporción, unidad y estructura. Fue uno de los principales impulsores de la vida intelectual de Barcelona y participante junto con Antonio Gaudí del movimiento Noucentista Catalán, basado en un retorno al clasicismo y arraigo a la tradición mediterránea. En los años 20, comenzó su travesía por Nueva York, Italia, Barcelona y París, un período de gran riqueza artística donde se rodeó de artistas que cada noche hacían tertulias de pintura. En 1926, expuso en diferentes galerías y su arte comenzó a ser reconocido, vendiendo todo lo que producía. En 1934 regresó a Uruguay con el ideal de impulsar el arte de su nación, fundando la Asociación de Arte Constructivo. En 1942 formó el Taller Torres-García, un taller exclusivo de trabajo y enseñanza colectiva donde daba clases de pintura a jóvenes artistas, forjando una escuela latina con identidad propia. Sus primeras pinturas fueron influenciadas por el mundo antiguo greco-romano, así como del arte español y renacentista italiano. Normalmente, su obra se caracterizó por una moderada gama cromática y una pincelada de estilo modernista. No obstante, tras su llegada a París, comenzó a integrar la abstracción geométrica, la cual desarrolló el resto de su producción artística. Hoy en día, Torres-García es considerado uno de los protagonistas del desarrollo del arte moderno latinoamericano. Fuentes consultadas: sitio oficial del artista www.torresgarcia.com, sitio del Museo Torres García www.torresgarcia.org.uy y sitio del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es

$600,000.00-$750,000.00 M.N. USD $30,800-$38,465 46


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GABRIEL FERNÁNDEZ LEDESMA

(Aguascalientes, 1900 - Ciudad de México, 1983)

Sin título Sin firma Óleo sobre madera 155 x 155 cm Presenta detalles de conservación. En 1917 llegó a la Ciudad de México, becado por el gobierno de su estado natal para estudiar en la Academia de San Carlos donde fue alumno de Leandro Izaguirre, Carlos Lazo y Saturnino Herrán. En 1922, viajó a Río de Janeiro como ayudante de Roberto Montenegro, a quien habían comisionado la decoración del Pabellón de México en Brasil. A su regreso, el ministro de educación José Vasconcelos lo nombró director artístico del Pabellón de Cerámica de la Facultad de Ciencias Químicas. Opuesto a la formación impresionista que se impartía en las Escuelas de Pintura al Aire Libre, rechazó la dirección que Alfredo Ramos Martínez le había ofrecido de una de ellas. En lugar de eso, Fernández Ledesma, sus hermanos y Guillermo Ruiz concibieron la creación de la Escuela de Escultura y Talla Directa; en esa escuela se buscaba abolir la idea del arte por el arte, impulsar el arte popular e impartir la enseñanza a obreros y niños. Paralelamente creó un taller de grabado con el cual impulsó el desarrollo de la gráfica en México. En 1929, fue comisionado para viajar a España y llevar una exposición de las Escuelas de Pintura al Aire Libre y de los Centros Populares a la Feria de Sevilla. Fue miembro fundador de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) en 1934 y jefe de la oficina editorial de la Secretaría de Educación Pública al año siguiente. En 1940 colaboró con Miguel Covarrubias en la realización de la exposición "20 siglos de arte mexicano" que se presentó en Nueva York. En 1969, obtuvo la beca de la Guggenheim Foundation y en 1975 recibió en Aguascalientes la medalla José Guadalupe Posada. En 1982, un año antes de su muerte, se presentó la importante exposición "Artista y promotor cultural. Gabriel Fernández Ledesma" en el Palacio de Bellas Artes.

Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 396 y MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita et ál. La Colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 260.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $18,000-$23,100 48


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MARCO ANTONIO PALOMEQUE (Tonalá, Chiapas, 1973 - )

Naranjas y transparencia Firmado al frente. Referido "Puebla" al reverso Óleo sobre tela 90 x 130 cm Con certificado de autenticidad de Ginocchio Galería firmado por el artista, noviembre de 2009. Estudió en la Facultad de Arquitectura de la UNAM, su formación como pintor fue en los talleres de los maestros Fidel García y Carlos Oviedo. Su obra se ha presentado en diversas exposiciones en espacios como Galería Oscar Román, Galería Divart y Galería Alfredo Ginocchio.

"Los cuadros de Palomeque parecen competir con la realidad. Sus naturalezas muertas están vivas. Inmersas en el color, la textura y el volumen, sus frutas intentan salirse del cuadro. Sus pinceladas, a la vez sutiles y precisas, rebosan de sensualidad. Junto a una técnica impecable, el artista realiza un trabajo minucioso a partir de las formas, el color, las luces y las sombras. Su discurso plástico parece competir con la realidad; sin embargo, Palomeque logra entrar en la naturaleza y fundirla en obra de arte. En su obra, la referencia a los elementos sensitivos acierta y capta la mirada del espectador. A partir de su trabajo compositivo y expresivo nos acerca los olores, el gusto y el tacto de sus representaciones realizadas en óleo sobre tela". Ricardo Pau Llosa. Fuente consultada: PAU LLOSA, Ricardo. "Palomeque". Argentina. Revista Arte al Día International. No. 95, febrero / marzo de 2003.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,650-$6,160 50


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GABRIEL FERNÁNDEZ LEDESMA

(Aguascalientes, 1900 - Ciudad de México, 1983)

Sin título Sin firma Óleo sobre madera 155 x 155 cm Presenta detalles de conservación. Fernández Ledesma fue pintor, muralista, grabador, fotógrafo, escritor, editor, diseñador e investigador de las artes populares. Además, se dedicó al diseño escénico, al teatro de marionetas y la fotografía y fue uno de los más prolíficos en el arte moderno mexicano. "Gabriel Fernández Ledesma nunca vivió al margen de los acontecimientos que lo rodeaban; fue un hombre inmerso en su tiempo y de este registró todas sus ventajas y contradicciones". Judith Alanis Figueroa, 1985. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995, Pág. 396.

$350,000.00-$450,000.00 M.N. USD $18,000-$23,100 51


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ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985)

Uvas y manzanas Firmado y fechado 49 Óleo sobre tela 48.5 x 62.5 cm Presenta craqueladuras y ligeros detalles de conservación. Antonio Rodríguez Luna entró de lleno a la vida artística en los años en que España sufría la Guerra Civil, una crisis sumamente dramática que marcó al pueblo de manera física y material. Fue una etapa complicada, pero que para Rodríguez Luna fue transcendental para la realización de su obra, trabajando temáticas referentes a lo social mediante bodegones, interiores y animales. Tras el desenlace de esa guerra y el inicio de la Segunda Guerra Mundial, llegó a México en 1939, en un contingente de exiliados intelectuales, artistas y científicos españoles. En un principio se avocó a la temática mexicana de tipo indigenista para estar a tono con la Escuela Mexicana, sin embargo nunca quiso abandonar su lenguaje de formación europea. A poco menos de dos años de su arribo a nuestro país tuvo su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano. Así, tras buenas críticas, se convirtió en pionero del éxodo artístico europeo en nuestro país, pues siendo un pintor que poseía una clara y definida conciencia de su arte, fue fácil para él ingresar en el medio mexicano. Posteriormente, logró exponer en importantes museos mexicanos, entre ellos el Museo de Arte Moderno en 1980. Poco después, entró en contacto nuevamente con su tierra natal, realizando donaciones de obras de su última etapa, inaugurándose con ellas el Museo Antonio Rodríguez Luna en una de las salas del Museo Municipal de Montoro, en España. Más tarde fue nombrado "Hijo predilecto" de Montoro y se le concedió la Medalla de Oro de la ciudad. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 200 y sitio del Museo Municipal de Montoro www.museodemontoro.es

$70,000.00-$120,000.00 M.N. USD $3,600-$6,160 52


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LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

Naturaleza muerta Firmado y fechado 83 al frente y al reverso Acrílico sobre tela 74 x 109.5 cm Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Presenta detalles de conservación. La obra de Nishizawa no se reduce a una corriente estética y, como él mismo señaló, sus inicios se remontan a la Escuela Mexicana de Pintura, donde obtuvo un estilo realista de contenido social muy marcado, del que poco a poco se fue separando. Pasó por varias etapas: expresionismo, gestualismo, hasta llegar al abstraccionismo y de vuelta a la figuración. Dentro de estos estilos utilizó diversas técnicas pictóricas, tanto en el caballete como en muralismo. Las representaciones plásticas privilegiadas por nuestro pintor mostraban una marcada simpatía por aquellos seres que deben realizar pesadas tareas para poder subsistir; entre ellos, los hombres de campo y las comunidades indígenas. Las naturalezas muertas fueron otro de sus temas favoritos y las trabajó con gran maestría, representando los frutos de la tierra y los del mar: camarones, langostas y diversos peces. Fuente consultada: VILLA GUERRERO, Guadalupe. "El arte de Luis Nishizawa". México. Revista Bicentenario, Instituto Mora, 2007, pp. 72 y 78.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $12,850-$18,000 53


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FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013)

Naturaleza muerta #2 Firmado y fechado 59 Óleo sobre tela 70 x 89 cm Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra, abril de 2017. En 1934 inició sus estudios profesionales en la Escuela de Pintura y Artes Plásticas de Mérida, Yucatán; en un principio centró su aprendizaje en las técnicas de estampa como la xilografía y la litografía. En 1941 fundó la Escuela Libre de Artes Plásticas en la misma ciudad y en 1943 viajó a la Ciudad de México, donde radicó hasta 1973. En 1963, comisionado por el INBA, viajó a España, Italia, Francia, Inglaterra, Holanda y Bélgica. Aunque Castro Pacheco no inició su carrera pintando al óleo, es innegable la importancia que para él tuvo esta técnica. No exageraríamos al afirmar que la parte contundente de su producción la ejecutó al óleo. Los formatos que abordó Fernando Castro Pacheco a lo largo de su producción variaron según sus deseos de expresión y fue en sus óleos en los que encontramos resueltos un mayor número de temas, así como una mayor gama de colores y de exploración compositiva; también en esta técnica hallamos aspectos desbordantes de toda su obra: búsqueda de síntesis, del dominio de la técnica y la forma como se planteaba plásticamente. La producción de Castro Pacheco puede entenderse como una evolución en la que no hay que pensar en un progreso, sino en un sentido de cambio en el que la síntesis sustituye a lo anterior. Lo puro niega una y otra vez las formas experimentales que parecen concluidas en cada cuadro que realizó. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et ál. Fernando Castro Pacheco. Color e Imagen de Yucatán. México. Universidad Autónoma de Yucatán, 1994, pp. 140, 143 y 235.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,100-$4,110 54


31

JOSÉ ANTONIO FARRERA (Ciudad de México, 1964 - )

Flores rojas Firmado y fechado 2016 al reverso Óleo sobre tela 180 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Cursó la Licenciatura en Arte en La Esmeralda y la Maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos. Su laureada trayectoria incluye numerosos premios y distinciones desde 1992, cuando obtuvo la mención honorífica en el Primer Concurso de Pintura Ramón Alva de la Canal. En 2010 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte, una de las más notables distinciones otorgadas por el CONACULTA a través del FONCA. Su obra puede encontrarse en importantes colecciones institucionales y privadas, como las del Museo de Arte Moderno, la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Museo Pedro Coronel, la Fundación Cultural Omnilife, el Instituto Cultural Domecq y Nestlé. La serie "Bouquets", que ha desarrollado a la par de los retratos y desnudos, comenzó como un ejercicio en torno al color y la composición mediante una paleta específica, explosiva y contundente. Le ha permitido crear metáforas en torno a la naturaleza, que exacerbada se expande infinitamente por el sustrato; el crecimiento de los elementos es referente de la fuerza brutal de la naturaleza misma. "José Antonio Farrera usa el virtuosismo técnico que le permite manejar luces, sombras, proporciones y texturas a su antojo para un interesante propósito que no consiste en expresar visualmente un discurso filosófico cuya estructura oculta debemos indagar, sino en crear una tensión constante dentro y fuera del cuadro". Rafael Muñoz Saldaña. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. José Antonio Farrera. Óleos. México. Aldama Fine Art, 2012, pp. 7 y 92.

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,160-$8,210 55


32

JUAN CARLOS DEL VALLE (Ciudad de México, 1975 - )

Barra rellena de cereza, Tart Firmado y fechado 2013 al reverso Óleo sobre tela 40 x 30 cm Agradecemos al Maestro Juan Carlos del Valle por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2016. Publicado en: BORJA HINOJOSA, Clara et ál. Temptation / Tentación. Juan Carlos del Valle. México. Secretaría de Relaciones Exteriores, Museum of Biblical Art, The Mexico Institute, 2013, pp. 47 y 118. Exhibido en: "Temptation", exposición individual presentada en el Museo de Arte Bíblico de Dallas, Texas, de noviembre de 2013 a junio de 2014. "Al mirar la obra de Juan Carlos del Valle, las formas familiares de la comida, común y fabricada, son fáciles de reconocer. Pintadas con pinceladas espesas y rápidas al impasto, los colores vivos y brillantes captan enseguida la atención. Una de las asociaciones inmediatas es con los bodegones del siglo XVII neerlandés [...] "Uno recuerda detalles de Velázquez, como si fragmentos de las pinceladas rápidas de ese maestro o del rico impasto lleno de colorido de Joaquín Sorolla se agrandaran para llenar el lienzo como recurso para llamar la atención sobre estas obras. "Aunque las referencias a las tradiciones históricas de los bodegones y el legado de la pintura española moderna son pertinentes, es evidente que Juan Carlos es un artista del mundo contemporáneo de las ideas". Lyle Novinski, agosto de 2013.

Fuente consultada: BORJA HINOJOSA, Clara et ál. Temptation / Tentación. Juan Carlos del Valle. México. Secretaría de Relaciones Exteriores, Museum of Biblical Art, The Mexico Institute, 2013, pp. 13 y 14.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700 56


33

ARTURO SOUTO

(Pontevedra, España, 1902 - Ciudad de México, 1964)

Naturaleza muerta Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 60 x 80 cm Con etiqueta de Galerías Iturbide S.A. Agradecemos al Sr. Agustín Cristóbal por la revisión de esta obra, abril de 2017. Presenta desprendimientos de capa pictórica. El primer maestro de arte de Souto fue su propio padre, un magistrado y pintor de arte. A causa del trabajo de su padre, conoció gran parte de España hasta que en 1920 se establecieron en Sevilla, pero Souto era impaciente y quería conocer más, así que se fue a Madrid e ingresó a la Academia de San Fernando, donde coincidió con Salvador Dalí y otros artistas. En 1938, siendo ya un hombre adulto y un artista casi forjado, partió al exilio junto con otros migrantes a causa de la Segunda Guerra Mundial. Su primera parada fue en La Habana, donde logró exponer al poco tiempo; después viajó a Nueva York, Los Ángeles y Filadelfia, hasta que en 1945 se trasladó a México. Durante su estancia en nuestro país, tuvo diversas fases pictóricas, parte de ellas fue neutralizar su paleta de color y aprender sobre el muralismo. No obstante sus vivencias migratorias fueron más determinantes en su producción que la influencia mexicana. Con el tiempo, tanto sus bodegones, desnudos y composiciones libres, como praderas y bosques se extendieron por el mundo con gran éxito. Actualmente su obra figura en importantes museos de España, Francia y diversos países de América.

"Los mejores cuadros de Souto, las más logradas fases de su pintura, son aquellas en que, libres de reflexiones sobre la teoría de la pintura, expresa con autenticidad una fantasía, un estado de ánimo, una vivencia o un sueño, sea cual fuere su naturaleza". Arturo Souto Alabarce.

Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, pp. 44-46 y 149 y sitio de la Colección de Arte Afundación www.coleccion.afundacion.org

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,700-$10,260 57


34

ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA

(Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 160 x 88 cm Antonio Rodríguez Luna es considerado uno de los pintores españoles del siglo XX que poseía la más clara y definida consciencia de su arte: de lo que su arte suponía como propósito, como responsabilidad y como medio de comunicación entre el artista y el hombre. Su obra pictórica fue diversa en la temática y unívoca en el sentimiento. Tomaba como referencias aquellos fenómenos vitales que más conmovían su sensibilidad y después los exponía directamente al lienzo. 58

La pintura de Rodríguez Luna parte de una sólida formación clásica con un extenso conocimiento de la tradición figurativa, que le llevó a dominar, de manera magistral, el dibujo de líneas firmes y composiciones sólidas con colores negros y tonos sombríos. Como influencia de la pintura española, nunca se olvidó del dramático elemento de la luz. "En la pintura de interiores, Luna ha realizado algunas obras de una delicadeza y un encanto que linda con lo mágico. Por ello, sin duda, se le ha considerado, como un pintor de tono romántico, más que al estilo, a su cierta disposición de espíritu". Juan Rejano. Fuente consultada: REJANO, Juan. Antonio Rodríguez Luna. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1971, pp. 20-26.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250-$12,850


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VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009)

Sin título Firmado Acrílico sobre tela 100 x 120 cm Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, Vda. de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz, adquirido directamente al artista. Vicente Gandía fue un artista español de corazón mexicano, siempre fiel a su estilo y esencia, considerado como uno de los más versátiles de su generación. Llegó a México en 1951, con su hermana y con su madre. Rápidamente se adaptó a la cultura mexicana, pues deslumbrado por el paisaje y la vegetación optó por dejar a un lado su interés por la arquitectura para dedicarse a la pintura. Su formación fue autodidacta, aún así, poco a poco fluyeron en sus lienzos las emociones y el carácter de lo que sería su estilo, estructurando una carrera que se extendió por más de 50 años. Logró hacer de la realidad algo excepcional, aplicando la luz con diferentes matices y poniendo el color de manera exuberante como el protagonista de las emociones dramáticas de las escenas. No sólo ejerció los oficios de pintor y dibujante, sino que también experimentó con la técnica del grabado. En general, su obra se distinguió de cualquier otra por su inigualable forma anímica de pintar los paisajes, su casa, las casas de sus vecinos, invernaderos, laberintos, floreros, frutas y hasta temas mitológicos y juegos abstractos. A lo largo de su carrera también trabajó como diseñador gráfico y comercial en algunas revistas mexicanas y fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana. Participó en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero. Actualmente, su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, del MoMA de Nueva York, del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, de la Biblioteca P. Arango en Bogotá, del Instituto de Cultura Puertorriqueña y de la Colección Banamex, entre otros. Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 268.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250-$12,850 59


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SYLVIA ORDÓÑEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1956 - )

China con flores Firmado y fechado 91 Óleo sobre tela 55 x 55 cm

"Ordóñez siente confianza de componer cromáticamente cuando ya ha trazado el andamiaje sobre el cual construye sombras virtuales, también frontales, con la libertad de iluminarlas a su antojo, para dar sensación de una leve profundidad de campo, suficiente para que parezcan volúmenes lo que son meros esquemas abstractos rectilíneos". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: EMERICH, Luis Carlos. "Sylvia Ordoñez. Laconismo y suculencia".

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,060-$3,100 60


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SYLVIA ORDÓÑEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1956 - )

Alacena 1 Firmado y fechado 89 Óleo sobre tela 112 x 92 cm Mediante un aprendizaje autodidacta, Sylvia Ordóñez logró conseguir un estilo personal que se retroalimenta constantemente. En sus primeros cuadros, ella transmitía sus recuerdos de casa y su primer taller instalado junto al de su padre Efrén Ordóñez. Es una artista libre, espontánea y sencilla cuya obra es imaginería sofisticada y llena de narrativas de un surrealismo meditado e intelectual.

Sus temas abarcan el paisaje urbano, la naturaleza muerta y los autorretratos. Desde 1977, ha participado en diversas exposiciones colectivas y privadas en ferias, galerías y museos de Monterrey, la Ciudad de México, Bogotá, Washington, Nueva York, San Antonio y Madrid.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. 200 artistas mexicanos. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 100, julio-agosto de 2009, Pág. 172 y EMERICH, Luis Carlos. "Sylvia Ordoñez. Laconismo y suculencia".

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,600-$5,150 61


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ROGER MANTEGANI

(Córdoba, Argentina, 1957 - )

Figura con sombrero gris Firmado y fechado 2008 Óleo sobre tela 50 x 40 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, junio de 2008. Su formación académica fue en la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta, de allí egresó con el título de Maestro de Artes Plásticas. En 1981 viajó a París para estudiar un año con el profesor Lucio Loubet. Desde entonces ha expuesto en numerosas instituciones oficiales, así como en galerías privadas en Argentina, México, Venezuela, Estados Unidos, etc. Roger Mantegani ha creado una obra que alude a tradiciones pictóricas, pues en su obra es posible captar esa facilidad con que su imaginación se mueve entre los grandes maestros del Renacimiento y los pintores del Barroco Europeo, encontrando sutiles comentarios acerca del siglo XX desde el post-impresionismo hasta la abstracción. "En su imaginería los objetos forman parte de un repertorio visual teatral, conectado íntimamente, con lo onírico. La figura humana es como una brisa de aire que recorre estas emociones dormidas que acaricia directamente lo espiritual para dar paso a lo mundano. Es por todo esto que la realidad es silenciosa y atemporal en el registro de toda su obra". Alfredo Ginocchio. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.mantegani.com

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,650-$6,160 62


39

DARÍO ORTIZ

(Ibagué, Colombia, 1968 - )

La edad dorada, 2014 Firmado y referido CDMX Óleo sobre fibracel 70 x 50 cm Con certificado de autenticidad del artista. Artista autodidacta, escritor e investigador. Fue miembro de la Academia de Historia de Tolima y en 2003, presidente fundador del Museo de Arte del mismo departamento colombiano. Ha publicado siete libros, así como numerosos ensayos y artículos sobre arte; desde 1984 ha realizado más de un centenar de exposiciones en países de América, Asia y Europa. Actualmente vive entre Madrid y la Ciudad de México. Entre sus muestras individuales sobresalen las presentadas en el Museo de Antioquia en Medellín, Colombia, Museo Civico di Abano Terme en Italia, Sala Terenna del Palacio presidencial de Eslovaquia, Gallery Bandi Trazos de Seúl, Guan Xiang Art Gallery en Taipei y el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas en Colombia, Italia, Francia, Argentina, Ecuador y Estados Unidos.

"En la obra de Darío Ortiz se pueden apreciar dos núcleos claramente definidos: la conformación de escenas teatralizadas y el trabajo donde el protagonista es el modelo en el taller, ambas son elaboradas bajo un orden fundado en construcciones metódicas con raíces en la realidad pero sin un idealismo formal como antiguamente se hacía con el academicismo pictórico. En las composiciones, los personajes narran situaciones actuales a través de una escenificación teatral derivada de lo performativo [...] Asimismo, cada escena es construida a partir de variaciones de personajes existentes en el entorno del artista a los que asigna roles con claro conocimiento de motivo, y en ocasiones él mismo se autorretrata, no como sujeto observador, sino como un partícipe de la acción performática que se convierte en una representación pictórica". Rafael Pérez y Pérez.

Fuentes consultadas: AGUILAR ARRIAGA, Irma Patricia. Darío Ortiz. Fábula del pintor ciego. México. Museo de Arte Moderno del Estado de México, 2017, Pág. 16 y PÉREZ Y PÉREZ, Rafael et ál. Darío Ortiz. Retratos de cuerpo. México. Museo Felipe Santiago Gutiérrez, 2015.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $12,850-$18,000 63


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JOSÉ MANUEL SCHMILL (Ciudad de México, 1934 - )

Las arañas Firmado Óleo sobre papel 49.7 x 65 cm Con certificado de autenticidad del artista.

"Existen dos tendencias básicas en mi pintura, como en la vida existen también: lo positivo y lo negativo; la vida y la muerte. Estas dos tendencias surgen espontáneas, algunos hombres las ignoran y otros, como yo, las afrontan. "El instinto de deformar surge de un capricho momentáneo, pero no pesimista, ni anímico, sino muy intelectual; no trato de expresar sensaciones vulgares de amor, odio, pasión, etcétera, sino que, por el simple juego con mis materiales y texturas, surgen figuras grotescas. "Mi tendencia básica, como lo muestran mis desnudos femeninos, retratos y paisajes, es clásica y en lograrlo he puesto todo mi entusiasmo y dedicación. Los monstruos surgen de una especulación psicológica divertida y caprichosa, simplemente. "Si reside alguna gloria en no ser comprendido o serlo muy poco, puedo decir sin vanidad que, gracias a estos cuadros, me he hecho acreedor a ella de golpe". Adaptación libre de José Manuel Schmill del escrito "Proyectos de prólogos para 'Las flores del mal' y consejos a los jóvenes escritores" de Charles Baudelaire, fragmento. Fuente consultada: NELKEN, Margarita et ál. José Manuel Schmill. México. Producciones Educación Aplicada, 2015.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110-$6,160 64


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JOSÉ MANUEL SCHMILL (Ciudad de México, 1934 - )

El cardenal Firmado y fechado 2011 Óleo sobre fibracel 40 x 30 cm Publicado en: GONZÁLEZ LAPORTE, Verónica. "José Manuel Schmill. Belleza y monstruosidad". México. Revista de la Universidad de México, UNAM, Núm. 148, junio de 2016, Pág. 50. Su formación como pintor comenzó en el taller de José Antonio Grana y posteriormente en el de José Bardasano; cuando sintió que ya no podía enseñarle más, Schmill se dedicó a aprender solo, libre de toda autoridad, a través de la contemplación de los cuadros de John Singer Sargent, Abram Arkhipov, James Whistler y Max Liebermann. En 1964 fue acreedor a la beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Su obra se ha exhibido en importantes recintos como la Galería Antonio Souza, el Palacio de Bellas Artes, el Salón de la Plástica Mexicana, el HR Giger Museum, Musée d'Art Moderne de la Ville

de París, Weyhe Gallery en Nueva York, Galería Misrachi y el Instituto Mexicano de Cultura en San Antonio, Texas. Además, forma parte de la colección permanente de instituciones como el MoMa de Nueva York, Museum of Modern Art en San Luis Misuri, Texas University, Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y el Palacio de Bellas Artes. ¿Un cuadro es un escape de la realidad? "No, más bien es pintar la realidad, no puede ser un escape de la realidad. Al pintar estás en la mera realidad, fregado, luchando, es una batalla tenaz… y otra vez, y no te queda y lo vuelves a ver… y le vuelves a dar. Te agarras como un perro rabioso hasta que el cuadro te queda como se te da la gana porque no te va a domar la materia. Yo tengo que domarla a ella y hacer que haga lo que a mí se me antoja, dentro de sus cánones, me lleva para acá, me lleva para allá, siguiendo sus leyes, pero al final tiene que hacer lo que yo quiero. Si la primera idea se rehusó a ser lo que tenía en mente, en su lugar surge algo mejor". José Manuel Schmill. Fuente consultada: SOLOGUREN, Margarita et ál. José Manuel Schmill. México. Producciones Educación Aplicada, 2015.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110-$6,160 65


Detalle

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ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

Un hombre con una mujer en la cabeza, 2010 Firmada Escultura en bronce 6 / 16 185 x 31 x 32 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta ligeros detalles de conservación. Por su singular personalidad artística, Roberto Cortázar se ha desempeñado no sólo como pintor, sino también grabador, dibujante y como escultor, oficios que ha ejecutado casi con los mismos ideales que sus óleos, donde las figuras parecen estar aprisionadas, literalmente atrapadas dentro del tipo de materia, ya sea papel, madera, tela, bronce, etc. Su evolución artística lo ha llevado a desarrollar un carácter muy particular, un estilo único que bien podríamos llamar neo-modernista. El lenguaje universal de su obra lo ha colocado entre los artistas contemporáneos más sobresalientes de Latinoamérica. En los últimos años, ha realizado exposiciones individuales en Estados Unidos, países de Europa y América Latina. También, ha sido colaborador de diversas instituciones académicas impartiendo clases, conferencias, seminarios y asesorías. Ha participado en ferias internacionales y su nombre aparece en artículos de revistas como The New York Times, ARTnews y Art in America. Colecciones públicas y privadas cuentan con obra suya en sus acervos; por ejemplo, entre las primeras adquisiciones de la Colección Jumex se encuentra una de sus obras.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 21, septiembre de 1996 y sitio oficial del artista www.robertocortazar.com

$230,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,800-$14,360 66


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ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

Saturno devorándose a sí mismo, Chi l'anima mi lacera, 1990 - 1991 Sin firma Óleo y hoja de oro sobre madera 190 x 130 cm Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 1991. Exhibido en: "Don Giovanni. Los artistas celebran a Mozart", muestra presentada en el Museo de Arte Moderno de noviembre de 1991 a enero de 1992. Incluye documento de solicitud de préstamo, octubre de 1991. Estudioso de la historia del arte y la filosofía, Roberto Cortázar es un implacable artista, riguroso en su dibujo y en su composición. Desde la primera vez que dibujó una figura humana jamás la abandonó, porque para él, es una de las formas más densas para representar lo que podríamos llamar autoconciencia. La preocupación de Roberto Cortázar por representar la figura humana lo

llevó a experimentar con diversas técnicas, fusionando el carbón, el grafito, el óleo y los pigmentos con papeles y madera. Además, como buen conceptualista, gusta jugar con elementos abstractos, balancea las luces y sombras de los cuerpos para acentuar el mensaje principal. Pinta con una paleta casi monocromática que invade con toques de colores vivos, utilizando tonos como el negro, blanco, amarillo, verde y rojo. Este desafío anatómico también concibe conceptos, temas y ambientes en los que se observa desolación, delirio y aislamiento, sin dejar atrás la formación indudable de una narrativa. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 21, septiembre de 1996, pp. 18-21 y TIBOL, Raquel. "Roberto Cortázar visto por Luis Valdez". México. Proceso, 15 de octubre de 1994.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,260-$15,400 67


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GUSTAVO ACEVES

(Ciudad de México, 1957 - )

Sin título Firmado y fechado 1998 al reverso Óleo sobre tela 190 x 110 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, marzo de 2017. Presenta ligeras craqueladuras. La pintura de Gustavo Aceves está a la vanguardia del arte europeo contemporáneo y se caracteriza por una personal "revisitación" de los grandes maestros de la tradición pictórica occidental, como Rembrandt y Bacon, patente en la obsesiva disección del cuerpo humano. Entre sus últimos proyectos destaca la exposición "Lapidarium" que se inauguró en 2014 en Pietrasanta, Italia. Se trata de una exposición itinerante de esculturas monumentales que se irá enriqueciendo en las sucesivas ciudades en las que se presente. Entre los lugares donde se mostrará se encuentran Berlín, Roma, Venecia, Atenas, París, Estambul y en 2018, la Ciudad de México, donde se espera se muestren 100 obras. La exposición aborda la temática de la migración. Fuentes consultadas: RODRÍGUEZ, Ana Mónica. "Un artista mexicano desarrolla un ambicioso conjunto escultórico en Italia". México. Periódico La Jornada, 17 de mayo de 2014 y "Escultor mexicano Gustavo Aceves conquista el Coliseo". México. Periódico El Universal, sección Cultura, 15 de septiembre de 2016.

$100,000.00-$200,000.00 M.N. USD $1,150-$10,260

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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Lumpini, 2016 Firmada Escultura en bronce 4 . 8 79 x 133 x 50 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2017. Publicada en: sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx En la mitología plástica de Marín, es común encontrar figuras aladas, seres inclinados sobre su propio peso, presentándose como una alusión a la acción del vuelo. A través de sus obras, busca provocar en el espectador una profunda reflexión. Desde noviembre de 2016 y hasta el pasado mes de abril, la escultura "Alas de México" de Jorge Marín se presentó en un importante parque ubicado en Lumpini, un subdistrito de Bangkok. La escultura interactiva causó un gran revuelo con el público que podía posar y tomarse fotos como si fueran ángeles o la diosa de la Victoria.

"Sacar al espectador de su zona de confort, de ese catálogo que le dice cómo vivir, qué sentir, qué pensar, cómo actuar y hasta cómo morir. Hacer que el espectador viva una experiencia que lo haga pensar en sí mismo como persona, individuo, y como ser social que lo lleve a descubrir qué tantas alas tiene o qué tan roto está… tal vez esta es la auto-reflexión que busco inspirar". Jorge Marín. Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. "Jorge Marín". México. IdeArte, julio de 2015, sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx y "Tailandia acoge la escultura 'Alas de México' del artista Jorge Marín". España. Agencia EFE, 23 de noviembre de 2016.

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $19,500-$25,650

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ALFREDO ALCALDE GARCÍA (Chimbote, Perú, 1961 - )

Desfile de otoño Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo sobre tela 135 x 200 cm Con certificado de autenticiad del artista, marzo de 2017. Alfredo Alcalde estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lima donde tuvo de maestro al pintor expresionista peruano Víctor Humareda. Su estilo ha transitado del impresionismo y expresionismo hasta el realismo simbólico con temas irónicos relacionados a la reflexión y denuncia social. Alfredo ha expuesto en museos y galerías de Perú, Chile, México, Tokio, Suiza y Francia, además fue distinguido con la placa "Sol del Cuzco" otorgada por el Museo de la Nación y el Instituto Nacional de Cultura del Perú a la mejor exposición de arte del año 2000.

"Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] Hay en su manejo del color algo así como una sugerencia de ecuación de nueva dimensión cósmica: esta corporeidad sólida se convierte en puente entre los orígenes y el final de la existencia". Jorge Villacorta Chávez.

Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. "Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos". Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto de 2016.

$800,000.00-$1,000,000.00 M.N. USD $41,050-$51,300

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ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946)

Retrato de mujer Firmado y fechado 1912 Pastel sobre papel 41.5 x 34 cm Agradecemos al Sr. Louis Stern por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. Será incluida en el Catálogo Razonado de obra en papel, a ser publicado por Alfredo Ramos Martínez Research Project. Durante las dos primeras décadas del siglo XX, pintó al pastel retratos de personajes de sociedad en los que plasmó la moda barroca e idealizó los rostros de sus modelos. Sus arquetipos femeninos parecían ataviadas para una fiesta de disfraces, lucían una pureza criolla: piel muy blanca y oscuros ojos sombreados. Algunas estaban estilizadas en un sentido modernista, con sus caras ovales y sus figuras alargadas. Influyó en su manejo de este género, su interés en generar una iconografía nacionalista que remitiera al mestizaje cultural, tendencia que tuvo sus raíces en el Ateneo de la Juventud. En contraste con el tono cosmopolita que marcaban estos pasteles, realizó obras sobre papel de formato reducido que se acercaban mucho más en temática y estilo al tono rural y antiacadémico de la producción de las Escuelas de Pintura al Aire Libre. Fuentes consultadas: GARCÍA DE GERMENOS, Pilar et ál. Alfredo Ramos Martínez. Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, CONACULTA, 1992, pp. 65 y 66 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 120.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700 72


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"DR. LAKRA"

(Ciudad de México, 1972 - )

Sin título (Kiss me quick), 2007 Sin firma Tinta y collage sobre litografía vintage 32.5 x 28.5 x 3.5 cm Con certificado de autenticidad de Kurimanzutto firmado por el artista. Hijo del famoso artista mexicano Francisco Toledo y de la poetisa y antropóloga Elisa Ramírez Castañeda, Jerónimo López Ramírez, mejor conocido como Dr. Lakra, es un destacado artista tanto en el contexto del arte contemporáneo como en el arte del tatuaje. Adquirió su seudónimo cuando se inició como tatuador por traer un maletín de doctor, posteriormente él agregó la palabra "Lakra", cuyo significado tiene que ver con la temática de su trabajo artístico (lacra refiere a un vicio físico o moral que marca a quien lo tiene). Su obra se caracteriza por crear imágenes irreverentes y bastante provocativas, que transgreden las normas academicistas. Interviene con sus dibujos, estampillas, pósters, revistas y postales. La mayoría de las mujeres que aparecen en su obra son de épocas pasadas, generalmente de la década de los 50, generando en estas piezas un congruente erotismo mezclado con lo popular y el humor negro. Ha experimentado con los tabúes y fetiches provenientes de sus intereses por la antropología y etnografía. Dr. Lakra ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en México, Reino Unido, Filipinas, Estados Unidos, Japón, Dinamarca, España y Francia. Fuente consultada: "Dr. Lakra", micrositio de la exposición presentada de mayo a septiembre de 2011 en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $ 9,250-$11,300 73


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ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999)

La reina de los chorizos Firmado y fechado P. 77-78 Óleo y aplicaciones de hojalata y madera sobre tela sobre madera 172 x 134 cm Con etiquetas de galería OMR, Museo Tamayo, Museo del Palacio de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y de INBA Oficina de registro de obras. Publicado en: PAZ, Octavio et ál. Alberto Gironella. México. Grupo Financiero Bital, Landucci Editores, 2002, Pág. 145 y en XIRAU, Ramón et ál. Alberto Gironella. Barón de Beltenebros. México. Editorial RM, Museo del Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, INBA, 2003, Pág. 179. Exhibido en: "Alberto Gironella: Esto es gallo", muestra individual presentada en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo de agosto a octubre de 1984; y en "Alberto Gironella. Barón de Beltenebros", primera gran retrospectiva póstuma presentada en el Museo del Palacio de Bellas Artes, de noviembre de 2003 a febrero de 2004. Alberto Gironella fue hijo de un mercader catalán y su madre era yucateca. Estudió Letras Españolas en la UNAM porque deseaba ser escritor, pero pronto descubrió que su pasión era la pintura. Su formación artística estuvo marcada por el contacto con los exiliados españoles en nuestro país, quienes lo influyeron en la ideología y técnicas vanguardistas. En su producción se conjugaron la literatura, la poesía y la música o como él mismo lo llamaba: "el loco intento de atrapar el tiempo". Vivió absolutamente dedicado a la lectura reflexiva de sus autores de cabecera (Quevedo, Cervantes, Nietzche, Paz, Lowry, etc.) y a la práctica de su arte, en muchos casos inspirado por sus grandes referentes artísticos: Velázquez, El Greco, Rembrandt, Goya y Picasso, entre otros. En 1959 presentó su primera exposición individual en Estados Unidos y ese mismo año pintó su primera Reina Mariana en Nueva York. Al respecto, Gironella mencionó: "Yo estoy en Nueva York; voy al Metropolitan Museum. Quiero ver la Reina Mariana de Velázquez, pero me

impide verla una señora de pelo rojo zanahoria que está delante del cuadro; yo espero que se mueva para dejarme verla, pero ella hace un giro de 180 grados y se me queda mirando: ¡y es una negra con un tocado como el de la Reina Mariana y con el pelo color zanahoria! Le dije a Bartolí: 'Vamos a tu casa, que quiero dibujar lo que acabo de ver'. Hice el dibujo y sentí que allí, detrás de esa ocurrencia, había algo que me atraía. Y empecé a hacer reinas Marianas, obsesionado por esa especie de tocado en forma de hongo. Fue un cuadro automático, producto de un encuentro fortuito, pero que empezó a fascinarme. Y luego empiezo a considerar que esa reina, aparte de estar pintada por Velázquez, tiene una historia, es la madre de Carlos II, y la mujer de Felipe IV, y madre de la infanta, y que de una manera velada forma parte de Las meninas (ella se refleja en el espejo en el fondo del cuadro). Y empiezo a ver que allí hay todo un mundo, todo un drama, toda una ópera". Durante décadas, Gironella creó centenares de obras de semejante temática e inspiración, una multitud de formas deformadas y ensamblajes caprichosos, un conjunto estético realmente original y significativo. En noviembre de 1962, presentó en la galería Bellechasse en París su exposición "Muerte y transfiguración de la Reina Mariana". Dos días después de ser inaugurada la exposición, el encabezado del periódico Paris-Pres fue "Surrealism pas mort" (el surrealismo no ha muerto) y estaba ilustrado con uno de sus cuadros de la Reina Mariana. Ese artículo también decía que André Breton había escrito en el libro de oro de la galería: "Gironella es admirable". Estuvieron en contacto hasta 1966, cuando falleció quien había sido el líder teórico del movimiento surrealista. Las obras de Gironella acompañaron a Bretón en su domicilio particular, una de ellas forma parte del acervo del Centre Pompidou de París. Gironella fue considerado por la crítica especializada como un epígono del surrealismo. "Velázquez es una constante en mi trabajo… es como los lunares que tengo, mi estatura o mi manera de hablar. Velázquez es para mí como el aire que respiro". Alberto Gironella, 1977. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 276-278. RICO, Pablo. Los Parra-Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, pp. 50, 184 y 325. PAZ, Octavio et ál. Alberto Gironella. México. Grupo Financiero Bital, Landucci Editores, 2002, pp. 180 y 188.

$700,000.00-$900,000.00 M.N. USD $35,900-$46,150

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50

GEORGINA QUINTANA

(Ciudad de México, 1956 - )

Gramófono y máquina Firmado y fechado 87 Óleo sobre tela 100 x 125 cm Con documento de la II Bienal Internacional de Pintura, certificado por la artista y adherido al reverso de la obra. Publicado en: sitio oficial de la artista www.georginaquintana.com Exhibido en: II Bienal Internacional de Pintura, presentada en el Museo de Arte Moderno en febrero de 1989. Con etiquetas de Mora & Castelltort & Quintana subastas y arte y de galería OMR. El interés de Georgina por el orden del universo y la manera en cómo el ser humano lo inventa y construye, es el principal objetivo de su obra. Su formación interdisciplinaria abarcó la pintura, el dibujo, la escultura y la literatura oriental. Con el tiempo, conformó un vocabulario estético, en el que relacionó la naturaleza vegetal y animal con el pensamiento filosófico, científico y las referencias de la propia historia.

"Para Georgina Quintana el mundo es un jardín que crece sin límites, lleno de formas que atesoran una belleza única, propia, incluso distinta a la de su progenie. Cada objeto, planta, insecto, animal y humano realiza su designio en este lugar. El jardín de la artista contiene una variedad ilimitada de formas vivas cuyo potencial supera su tamaño. Es un universo en el que cada existencia, animada o inanimada, aporta peso a la balanza y contribuye al crecimiento". Stephen Vollmer. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.georginaquintana.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,600-$5,150 76


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ALBERTO GIRONELLA

(Ciudad de México, 1929 - Ciudad de México, 1999)

La mariposa o Noche fantástica Firmado y fechado 80 al frente y al reverso Óleo sobre tela 80 x 100 cm Agradecemos a la Maestra Carmen Parra y a Emiliano Gironella Parra por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2013. Publicado en: PAZ, Octavio et ál. Alberto Gironella. México. Grupo Financiero Bital, Landucci Editores, 2002, Pág. 173. Con etiquetas de Galería Juan Martín y Museo Tamayo. Alberto Gironella fue un artista completo: un intelectual, interesado en la poesía, la filosofía y la música además de la obra plástica, se considera por ello un importante representante del arte del siglo XX en México. Dominando la pintura, la escultura y el collage, integró elementos de la cultura posmoderna con lo que aprendió en Europa en sus viajes durante los años 60, donde pudo ver las obras de artistas que admiraba profundamente, tales como Velázquez y Goya. La influencia de estos artistas españoles es tangible en las obras de Gironella, pues podemos ver personajes que recuerdan a las meninas, caballeros soñadores y otros íconos. Así mismo, mezcló esta iconografía con otra gran influencia en su vida: el surrealismo, conformando así un estilo único que resalta en la historia del arte en México. Fuente consultada: RICO, Pablo. Los Parra - Gironella, un collage familiar. México. Gobierno del Estado de San Luis Potosí, Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, El Aire Centro de Arte, 2012, Pág. 325.

$220,000.00-$300,000.00 M.N. USD $11,300-$15,400 77


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GEORGINA QUINTANA

(Ciudad de México, 1956 - )

El abismo Firmado y fechado 87 Óleo sobre tela 153 x 123 cm Con etiqueta de galería OMR. Georgina Quintana estudió Letras Hispánicas en la UNAM, posteriormente ingresó a La Esmeralda y al término trabajó en los talleres de Luis Nishizawa y Gilberto Aceves Navarro. La formación final de su trabajo se consolidó en distintos países, entre ellos España, China, India y Nepal. Ha sido distinguida con constantes reconocimientos, entre los que destacan su selección como miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA y la mención honorífica en la XII Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Desde 1979 ha realizado más de 80 exposiciones individuales y colectivas en México 78

y el extranjero. Además, actualmente obra suya se encuentra en colecciones públicas y privadas de museos y galerías de Querétaro, Guadalajara, Monterrey, Oaxaca, Ciudad de México, Barcelona y Nueva York. "En los tres últimos lustros del siglo XX la obra de la pintora Georgina Quintana fue ganando un sitio tan destacado como personal en el creciente impulso de voluntaria feminización del arte. Sus cuadros pueden ser apreciados como implícitos autorretratos o como segmentos de una autobiografía, pues la materia de su iconografía es su propia subjetividad, abordada con discreto o nulo narcisismo […] La sabiduría de los libros védicos produjo en ella un profundo cambio espiritual que reorientó su arte y su existencia". Raquel Tibol. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.georginaquintana.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700


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ROBERTO CORTÁZAR

(Tapachula, Chiapas, 1962 - )

Atardecer Firmado y fechado 89 Óleo sobre tela 150 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Divart Galería de Arte, noviembre de 2011. Con una sólida formación artística, estudió un año en la Escuela Nacional de Iniciación Artística, posteriormente ingresó a La Esmeralda y tres años después obtuvo su primera beca por parte del INBA. Al término de sus estudios mantuvo una constante disciplina en su quehacer artístico, sintió una libertad de experimentar aún más con materiales y técnicas, madurando la propuesta artística por la cual hoy es reconocido. A finales de los años 80 realizó paisajes, vistas urbanas y comenzó a trabajar con más precisión la figura humana, la cual fue desarrollando

poco a poco con gran maestría. La evolución de su arte siguió su curso y en 1988 logró presentar una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México intitulada "Anatomías", misma que presentó en Monterrey y Guadalajara. Mientras se abría paso en el mundo del arte, la base de su talento compositivo en la figura humana se fue consolidando. Además de su relación con las estructuras clásicas, su principal influencia provino del trabajo de José Clemente Orozco, de quien analizó los puntos más expresivos y las líneas de sus cuadros para enfatizar el ritmo de la figura más allá de lo tradicional. Fue el inicio de su experimentación con la deformación del cuerpo humano. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, No. 21, septiembre de 1996, pp 18-21, LÉSPER, Avelina. "El Milenio visto por el arte. Roberto Cortázar." México. Periódico Milenio, sección Cultura, agosto de 2013 y sitio oficial del artista www.robertocortazar.com

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $7,700-$12,850 79


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BENITO CERNA

(Trujillo, Perú, 1960 - )

Amarillo y rosa Firmado al frente. Firmado y fechado abril 24-2012 al reverso Óleo sobre tela 147 x 111 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, junio de 2012. De origen peruano, Benito Cerna es un artista autodidacta que completó su formación en talleres de restauración y conservación. Ha participado en diversas exposiciones, tanto individuales como colectivas en Perú, México, Colombia, Panamá y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones como las de Fundación Cultural del Banco de la Nación de Trujillo, Perú y la del Museo El Castillo en Medellín, Colombia. "En su figura humana la sensualidad de la mujer desborda en la placidez de la piel, lograda con un efecto que hace recordar la pintura flamenca . La excelencia es la búsqueda cotidiana de este artista, que nos visita con una carga de la llamada 'pintura inmortal'". Charles Nevott. $200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,260-$12,850 80


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SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - )

Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz, 2016 Firmada Escultura en bronce P / A 60 x 36 x 28 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, diciembre de 2016.

"Si hay una anatomía es porque hay una realidad. Me gusta hablar de la mujer y de lo femenino en general. Sus posiciones le otorgan la calidad de una deidad totémica. Digna de rezos, de adoración, de sacralización. Es un homenaje a lo femenino sin lo sexual. A lo femenino tal cual. A lo femenino en el mundo". Santiago Carbonell. $200,000.00-$280,000.00 M.N. USD $10,260-$14,360 81


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FELIPE CASTAÑEDA

(La Palma, Michoacán, 1933 - )

Sin título Firmada y fechada 1974 Escultura en mármol blanco 45 x 37 x 38 cm Agradecemos al Maestro Felipe Castañeda por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. Presenta detalles de conservación. Originario de Michoacán, Felipe Castañeda es un escultor modesto, sensible y alegre cuyo tema principal se centra en la mujer. Durante su formación artística, trabajó en el Museo Nacional de Antropología y fue asistente de Francisco Zúñiga, quien fue una fuerte influencia para su trabajo posterior, al igual que la obra de Benito Messeguer, Raúl Anguiano y Fidencio Castillo. Concentrado en la figura femenina, Castañeda estudió bien la anatomía humana y con una sensualidad moderada ha capturado todos los estados de ánimo de sus modelos, representándolas casi desnudas, de rodillas, en cuclillas, sentadas, paradas, reclinadas o en estiramiento. Inició moldeando con yeso y arcilla, hasta que perfeccionó su estilo 82

para emprender el camino con el bronce y otros materiales como el mármol y ónix. Con una trayectoria de más de 55 años, actualmente la obra de Castañeda ha logrado un lugar importante entre los más destacados artistas de su generación. Por su implacable disciplina artística, su obra se ha hecho presente en importantes galerías de México y el extranjero, además de tener excelentes resultados en subastas a nivel internacional. "Felipe Castañeda hace nacer de la quietud de sus figuras un latido vital inconfundible. Los rostros enigmáticos de esas mujeres, la línea armónica con que han sido estructuradas, el ritmo impuesto a la composición, mucho tiene que ver con la vida que nos rodea. Son el testimonio de un artista que cree en la existencia de un mundo real y que manifiesta en esas imágenes un hondo sentido de la belleza". Alí Chumacero. Fuentes consultadas: "Reconocimiento a una trayectoria". México. La Voz de Michoacán, sección Cultura, 18 de diciembre de 2013 y "Felipe Castañeda Jaramillo." Gobierno del Estado de Michoacán, 2005, www.cultura.michoacan.gob.mx

$110,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,650-$9,250


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RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006)

Desnudo de una joven Firmado y fechado 61 Temple sobre papel 100 x 69.5 cm Agradecemos a Marina y Pablo Anguiano por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Raúl Anguiano fue un pintor y muralista mexicano, explorador incesante de la expresividad humana. Enfocó su obra principalmente en el México rural e indígena, la gente y sus fiestas, tradiciones y religión. Su obra ha sido reconocida como un símbolo de identidad nacional. La técnica y calidad de su trabajo lo convirtieron en uno de los artistas mexicanos más importantes del siglo XX.

"En tono campechano, a Anguiano le gustaba recalcar su admiración por la figura femenina, diciendo que pintaba: 'mujeres morenas, llenitas y de pelo obscuro porque, como dijo Diego Rivera, es lo que encuentro más interesante desde el río Bravo hasta el Suchiate. Es decir, la fuerza plástica de las etnias mexicanas es extraordinaria. Pero no sólo pinto indias, también he hecho negras, blancas y marfilinas porque me gusta la mujer de todos los colores. Pinto voluptuoso porque siempre me he inspirado en lo clásico, como la Venus de Milo, una mujer que representa la fuerza y el vigor femenino'". Sylvia Navarrete. Fuente consultada: NAVARRETE, Sylvia et ál. Raúl Anguiano 1915-2006. México, Antiguo Colegio de San Ildefonso, CONACULTA, UNAM, 2006, Pág. 107.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700 83


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JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980)

Victoria Dorantes, estudio para el mural Ciencia y técnica, ca. 1970 Sin firma Óleo y acrílico sobre tela 220 x 160 cm Con certificado de autenticidad de Jorge A. González Camarena Barre de Saint-Leu, hijo del artista. Presenta ligeras manchas blancas y una rasgadura en la parte superior izquierda. Durante muchos años, Jorge González Camarena pintó a su ideal de mujer mexicana: ojos profundos, cabello azabache, piel morena, bien formada, un tanto corpulenta, segura de sí misma, majestuosa. Sucedió, que el pintor se encontró en la realidad con ella, su nombre: Victoria. Ella fue la mujer que posó como modelo para numerosas de sus obras, entre ellas la famosa Patria de los libros de texto escolares de la SEP. Se dice que su nombre completo era Victoria Dorantes, aunque no hay datos en el registro civil, ni familiares que corroboren esa información en su natal Tlaxco, Tlaxcala, incluso algunos investigadores afirman que su apellido era Dorenlas. Cuando él le propuso que fuera su modelo, ella tenía 18 años y siendo adolescente se había casado con un pistolero al servicio de un político. "Olvídese" dijo la muchacha al pintor, "si mi marido descubre que estoy posando para usted, al día siguiente habría dos entierros". Pero su esposo murió en una refriega y ella quedó viuda a los 19 años. Después de respetar el luto de la hermosa indígena por 40 días, González Camarena nuevamente la cortejó. De ahí en adelante, la inmortalizó y ella se convirtió en su modelo privilegiada y su amante. Marcel González Camarena, nieto del artista, afirmó "Me imagino el impacto que le causó conocer a su ideal de mujer, porque las facciones de Victoria son idénticas a las de las mujeres que pintó mucho antes de conocerla". Victoria fue, sin lugar a dudas, la modelo preferida de Jorge González Camarena. No sólo la pintó como la Patria o en obras de caballete; Victoria está en varios de sus más emblemáticos murales, entre los que destacan: “Presencia de América Latina” pintado en Chile en 1965, “Las razas y la cultura” ubicado en el Museo Nacional de Antropología y “Ciencia y técnica”, que actualmente se puede apreciar en el Instituto Mexicano del Petróleo. Esta obra es precisamente un boceto para el mural “Ciencia y técnica”, fue realizada por Jorge González Camarena en el último estudio que construyó en las faldas del Ajusco, el cual fue diseñado para pintar murales de grandes dimensiones y pinturas de caballete. “La mujer de la izquierda, la del cuerpo en blanco, nos muestra pureza y luz del día. Está en disposición de recibir los recursos que la tierra nos da, su postura es de actitud receptiva y con gran interés mira hacia la refinería. La segunda, de espaldas frente a la mujer blanca, observa el mismo lugar, ambas con similar inquietud simbolizan a México, ya que están entrelazadas con la bandera nacional”. Jorge A. González Camarena Barre de Saint-Leu. Fuentes consultadas: “En la portada de los libros, una mujer olvidada”. México. Proceso, 5 de septiembre de 1992. FAVELA FIERRO, María Teresa. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, Pág. 78. MATEOS-VEGA, Mónica. "La patria se llamaba Victoria Dornelas". México. Diario La Jornada, sección Cultura, 24 de marzo de 2008. GONZÁLEZ CAMARENA BARRE DE SAINT-LEU, Jorge. Evocaciones de Jorge González Camarena. México. Instituto Politécnico Nacional, 2016, Pág. 81.

$2,200,000.00-$3,500,000.00 M.N. USD $112,825-$179,500 84


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Mural "Ciencia y técnica", 1974. Instituto Mexicano del Petróleo.

“Su valor como pintor queda fuera de toda discusión. Como ser humano comprometió su vida con el arte. Era caballeroso en su trato, sereno y enérgico cuando era menester. Su canto estético transmitió una calidez y fuerza a sus obras y transfiguró su gran bagaje plástico, técnico y cultural a sus lienzos, a los muros, al papel, a la piedra”. María Teresa Favela Fierro.

González Camarena, en su último estudio, con el mural "Ciencia y técnica".

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ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946)

El arcángel y la pescadora, ca. 1920 Firmado Óleo sobre madera 33 x 23.5 cm Procedencia: colección particular del Conde Philipon, quien fuera mecenas del Maestro Zárraga. Ingresó a la Academia de San Carlos donde desarrolló y perfeccionó sus aptitudes para la pintura. Influido por su maestro Julio Ruelas, quien le transmitió una refinada sensibilidad artística, a los diecisiete años de edad se embarcó con destino a Francia. A pesar de haber visitado en varias ocasiones México, Zárraga siguió establecido en Europa hasta que el 2 de junio de 1940 fue bombardeada la ciudad de París. Ante el riesgo que suponía esta situación para su seguridad y la de su familia, decidió regresar a México, fue ayudado por la Secretaría de Relaciones Exteriores. En 1941 se instaló definitivamente en una finca en la Ciudad de México, inmediatamente fue buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura de nuestro país. Durante las dos primeras décadas del siglo XX, la obra del pintor osciló constantemente entre la experimentación vanguardista y el realismo formal; entre lo religioso y lo mundano; entre el color y la forma. Fueron años de búsqueda y cuestionamiento que se vincularon con su devoción por las artes y su fe cristiana las cuales, al finalizar la Primera Guerra Mundial, lo llevaron a abandonar el cubismo en aras de un "retorno al orden", fenómeno que se presentó en el ámbito cultural en todo el continente europeo como parte de una reconstrucción social. El cuerpo humano es uno de los ejes que definió la obra de Zárraga y permitió advertir la evaluación técnica y estilística del pintor, así como su gradual perfeccionamiento formal. Asimismo, por medio de la figura humana logró materializar sus cuestionamientos y creencias religiosas, al hacer del cuerpo una suerte de proyección en su búsqueda de la perfección espiritual. Fuentes consultadas: NOVELO, María Luisa et ál. Zárraga. México. Américo Arte Editores, Grupo Financiero Bital, 1997, Pág. 26. ECHEGARAY, Miguel Ángel et ál. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006. GARAY, Claudia et ál. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México. CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pp. 19-21.

$650,000.00-$800,000.00 M.N. USD $33,350-$41,050 88


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FERNANDO LEAL ORTIZ

(Ciudad de México, 1896 - 1964)

Presentación de la Celestina Firmada con monograma Tinta y acuarela sobre papel 17 x 33 cm Fernando Leal fue un pintor y muralista mexicano de la primera mitad del siglo XX. Estudió en la Academia de San Carlos y después ingresó en la Escuela al Aire Libre de Coyoacán, compartió clases con Gabriel Fernández Ledesma, Ramón Alva de la Canal y Fermín Revueltas. Como muralista, fue uno de los primeros, cuando José Vasconcelos vio una de sus obras en la escuela de Coyoacán lo invitó a pintar para el gobierno junto con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Su primer mural fue realizado en la Escuela Nacional Preparatoria, hoy Colegio de San Ildefonso, posteriormente pintó en el Anfiteatro Simón Bolívar, en la estación de tren de San Luis Potosí y en la capilla del Tepeyac en la Villa de Guadalupe. Fue fundador del grupo ¡30-30!, escritor de críticas de arte y docente. Los temas principales de sus obras eran el contexto social, político y cultural, así como personajes bíblicos. Fue un artista complejo, con una gran visión de la época, siempre atento en el discurso de su obra y la reflexión que provocaba.

"La pintura es por sí misma un medio de expresión suficiente, y de una realidad. La misión de un pintor termina cada vez que acaba un cuadro". Fernando Leal Ortiz. Fuente consultada: AGUAYO HUERTA, Ivonne y KASIS ARICEAGA, Anuar. "Fernando Leal Ortiz, entre el ser y el hacer". México. Revista Universitarios Potosinos, año. 3, No. 2, junio de 2007, pp. 54-59.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,570-$4,110 90


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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Salvador de Auschwitz, ca. 1952 Firmada MG Escultura en plata montada en una superficie de madera 42 x 26 x 1.5 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, octubre de 2016. Uno de los libros de cabecera de Mathias Goeritz fue La Biblia, de la cual extrajo fragmentos que hablan sobre el dolor y la pasión de Cristo. De igual manera, durante su estancia en España en 1945, obtuvo inspiración de los cuadros con temas de la crucifixión que, luego, en México expresaría tridimensionalmente en la serie de los Salvadores de Auschwitz. En estas obras la espiritualidad de Goeritz recurre al tema cristiano con fines de restablecer el alma judía, la cual había sido recientemente trastocada por la guerra.

Algunos de los pilares de la obra religiosa de Goeritz, además de la Biblia, fueron la filosofía del pensador judío Martin Buber y el libro "La huida del tiempo" del poeta y escritor alemán Hugo Ball, el cual leía todas las noches, y fue influencia para que retomara la desintegración intelectual, estética y moral que desembocó en la guerra. Las obras dedicadas al arte religioso, fueron parte medular de la creación artística de Goeritz, mismas que acabarían por convertirse en plegarias visuales, estructuras casi sagradas y divinas que son únicas e irrepetibles para los coleccionistas del también llamado "arquitecto de emociones".

Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz: Una biografía. México. UNAM, INBA, CONACULTA, 2007, pp. 161-170 y JÁCOME MORENO, Cristóbal Andrés. "Composiciones visuales: Mathias Goeritz en Guadalajara". México. El Colegio de Jalisco, Revista Estudios Jaliscienses. No. 81, agosto de 2010, Pág. 52.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,700-$10,260 91


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ANTONIO RUIZ "EL CORZO"

(Texcoco, Estado de México, 1892 - Ciudad de México, 1964)

Hacienda con fuente Firmada y fechada 1927 Acuarela sobre cartón 29 x 36 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, febrero de 2012. Era conocido por sus amigos como "El Corzo" o "El Corcito", a causa de su parecido con el célebre torero Manuel Corzo Andaluz. Antonio Ruiz ingresó en 1912 a la Academia de San Carlos, donde fue alumno de Saturnino Herrán y Germán Gedovius. Dos años más tarde solicitó su cambio a la Escuela de Arquitectura, época en la que trabajó como ayudante de dibujo en la Secretaría de Comunicación y Obras Públicas. En 1925, viajó a Hollywood, California, para estudiar las estructuras de los sets cinematográficos; sin embargo, más tarde regresó a México y comenzó a dar clases en La Esmeralda, donde también fue director, y diseñó escenografías para cine y teatro. Nunca le interesó formar parte de los grupos de las vanguardias artísticas de la época, aun así, su trabajo mural fue bien recibido al igual que sus dibujos y pintura de caballete, en los cuales destacaban los temas costumbristas, en especial la vida de los barrios de la Ciudad de México. En general, su producción no fue abundante, por lo que cada una de sus obras tienen un indiscutible trabajo artístico, consideradas por muchos como reliquias nacionales, de hecho, María Izquierdo lo elogió diciendo: "Dibuja con precisión de arquitecto y con imaginación

de poeta".

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 35, noviembre de 1997, pp. 6-11.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,110-$5,150 92


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RAÚL ANGUIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1915 - Ciudad de México, 2006)

Desnudo en rojo, Betsy Firmado y fechado 1964 al frente y al reverso Óleo sobre tela 80 x 100 cm Agradecemos a Marina y Pablo Anguiano por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Con etiqueta de Galería de Arte Plástica de México. Raúl Anguiano realizó sus primeros estudios en la Escuela Libre de Pintura de Guadalajara, posteriormente se trasladó a la Ciudad de México, donde ingresó a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios en 1936. Dos años después, junto con Alfredo Zalce, Leopoldo Méndez, Pablo O'Higgins y Fernando Castro Pacheco fundó el Taller de la Gráfica Popular; ese mismo año realizó su primera exposición individual en el Palacio de Bellas Artes. Fue profesor en el Salón de la Plástica Mexicana, en La Esmeralda y en la UNAM. En 1949 formó parte de la primera expedición a Bonampak, participación que fue fundamental para su desarrollo de la apreciación estética. En 1985, el Banco Internacional de México le organizó una retrospectiva en la Galería Vincent Price de Los Ángeles, California titulada "Raúl Anguiano: pintor de la leyenda mexicana", en celebración de sus 70 años. Además del paisaje y las naturalezas muertas, fue el retrato el género más productivo para Anguiano. Con un sentido autobiográfico, inició con modelos de su primer entorno, posteriormente al crecer su círculo social su repertorio de retratos y desnudos femeninos se amplió. Las influencias más perceptibles en estas obras provienen de artistas europeos, el ideal del movimiento surrealista, el espíritu realista academicista y la tendencia de la belleza mexicana. "Con limpia visión, sin rebuscamientos, desarrolló su obra, que por la claridad y aplomo de sus formas se relaciona con el clasicismo moderno. Un retratista de gran calidad, puede decirse que fue un pintor realista; logró una forma poética, sin necesidad de abandonar un medido objetivismo". Justino Fernández. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 78 y VIDAL DE ALBA, Beatriz et ál. Raúl Anguiano 1915-2006. México, Antiguo Colegio de San Ildefonso, CONACULTA, UNAM, 2006, pp. 107-112.

$220,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,300-$14,360 93


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CLAUDIO BRAVO

(Valparaíso, Chile, 1936 - Tarudant, Marruecos, 2011)

La chaise Le Corbusier Firmado y fechado MCMLXXVII Óleo sobre tela 97 x 130.2 cm Con etiqueta de Marlborough, New York. Publicado en: sitio del artista www.claudiobravo.com con el título "La silla de Le Corbusier". $5,000,000.00-$6,000,000.00 M.N. USD $260,000-$310,000

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"Su obra es exitosa por la sensibilidad que tenía de capturar la realidad. Objetos simples como melones, alcachofas, paños o muebles alcanzaban majestuosidad con su pincel". Milan Ivelic.

Claudio Bravo nació en Valparaíso, Chile. Siendo el hijo mayor de una familia de agricultores numerosa y adinerada, su padre tenía puestas en él grandes expectativas, esperando que heredara las tierras y el ganado. A pesar de todo, logró ingresar al taller de Miguel Venegas, quien fue su primer maestro; allí copiaba la obra de grandes maestros como Vermeer, Fra Angelico y Baldovinetti. A través de libros y periódicos, Bravo estudió y se familiarizó con la obra de muchos artistas europeos; sin embargo, el artista afirmaba no haber recibido influencia de otros pintores latinoamericanos de su generación. En sus palabras: "Soy solamente sudamericano debido a mi pasaporte. Mi arte no tiene nada que ver con mi herencia. Estoy muy conectado con el pasado europeo, el arte antiguo y el renacentista". Y, a pesar de ello, Claudio Bravo es sin duda un referente en la pintura latinoamericana, influenciando así a un gran número de artistas. En su trabajo, la luz tuvo un lugar muy importante. En 1972 se trasladó a vivir a Marruecos, donde la luz mediterránea invadió sus obras: "Tánger tiene una luz mediterránea absoluta. Siempre he tratado de capturar una luz mediterránea en mi trabajo". En su momento, el escritor norteamericano Paul Bowles, otro famoso residente de Marruecos, dijo de Bravo: "Trabaja todo el día, todos los días, hasta que se acaba la luz natural. Ve el paso del tiempo en término de los cambios de luz". En 1981, la galería Marlborough organizó la primera exposición de Claudio Bravo; aquí exhibiría muchas veces más a lo largo de los siguientes veinte años. El artista también expuso en museos de la talla del Art Museum of Ateneum de Helsinki, Baltimore Museum of Art, Peter Ludwig Museum de Colony, Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Museo Internacional de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo de la Ciudad de México, Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile y el Philadelphia Museum of Art. Fuentes consultadas: ESPINOZA, D. "Fallece Claudio Bravo, el pintor chileno más famoso tras Matta". La Tercera, Cultura y Entretención, 6 de junio de 2011. CONTRERAS, Jorge et ál. Claudio Bravo. La textura de la mirada. México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 2007, pp. 23 y 50. Sitio del artista: www.claudiobravo.com

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OLGA DE AMARAL

(Bogotá, Colombia, 1932 - )

Muro de calicanto Firmado y fechado 1977 Tejido de lana y crin de caballo, sostenido por una barra de hierro para ser colgado 246.4 X 266.7 cm Al reverso tiene una etiqueta cosida con la inscripción "Amaral 258P". Agradecemos a Casa Amaral por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Esta pieza está registrada en los archivos de la artista con el número OA0257A. Procedencia: - Adquirido directamente a la artista. - Ruth Kaufmann Gallery, Nueva York. - Colección privada, Virginia Beach. - Colección privada, Ciudad de México. Publicado en: CARBONELL, Galaor. Olga de Amaral. Desarrollo del lenguaje. Bogotá, Colombia. Universidad de los Andes, Litografía Arco, 1979. Originalmente, "Muro de calicanto" fue realizado con el fin de ser colgado en el atrio de un hotel de Times Square, Nueva York; sin embargo, el proyeco hotelero no fue ejecutado y la obra fue vendida. Originaria de Colombia, Olga de Amaral es una artista plástica cuya obra se caracteriza por la incorporación de diversos pigmentos, fibras, yeso y metales preciosos para crear textiles bidimensionales. Impulsada por la cultura de su tierra natal, entrelaza la arquitectura, los paisajes y las historias del arte prehispánico y colonial en su obra; y a partir de capas orgánicas, crea complejas interacciones de tejidos que forman superficies rugosas, irregulares y porosas, dando lugar a extraordinarias encarnaciones de luz y sombra. El trabajo de Olga de Amaral juega un rol importante en la transformación de los textiles tradicionales. En 1965, fundó el departamento de textiles en la Universidad de los Andes en Bogotá. En 1973 se le concedió una beca Guggenheim y en 2005 fue nombrada "artista visionario" por el Museo de Arte y Diseño de Nueva York. A través de su larga carrera ha expuesto en instituciones de todo el mundo y su obra se encuentra en las colecciones de más de cuarenta museos, como los Museos de Arte Moderno de París, Kioto y Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Young de San Francisco, el Museo Bellerive en Zúrich, el Museo de Bellas Artes de Houston y en la National Gallery de Washington. Actualmente vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Fuente consultada: sitio oficial de la artista www.olgadeamaral.com

$700,000.00-$800,000.00 M.N. USD $35,900-$41,050

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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Sin título (maqueta) Firmado al reverso Acrílico sobre panel de madera con relieve 31 x 112 x 2.5 cm Con dedicatoria al reverso. Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, octubre de 2014. En la primera mitad del siglo XX, México experimentaba el fuerte movimiento muralista, resultado de un turbulento período revolucionario. Esta forma de expresión no se encasilló en la pintura, pues a mitad de siglo salió a la luz el relieve escultórico como un estilo para mural. Uno de los personajes considerado protagonista de la modernidad plástica mexicana fue Mathias Goeritz quien ejecutó con grandeza algunos murales de estilo escultórico. Polifacético, con un avasallante espíritu emprendedor, Mathias siempre argumentó que la arquitectura debería ser una obra de arte, por lo que habitó espacios y ocupó paredes con diversos componentes arquitectónicos con el fin de detonar la máxima emoción en el hombre. Al año siguiente de la apertura del Museo Experimental El Eco, publicó el Manifiesto de la "Arquitectura Emocional", una corriente que se caracteriza por la utilización de diseños limpios y funcionales. Teniendo este manifiesto como antecedente, Mathias realizó diversos diseños para enormes estructuras y proyectos de murales; algunos de ellos se anticiparon, alrededor de una década, a una corriente plástica de gran trascendencia: el minimalismo. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915-1990. México. UNAM, CONACULTA, 2007, pp. 78-80 y 251.

$1,400,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $71,800-$102,600 100


"La búsqueda obsesiva fue su método personal de trabajo: Goeritz concebía un tema y no lo abandonaba hasta agotar sus posibilidades de expresión tridimensional, con gran capacidad de entrega a su labor, que evidentemente disfrutaba. Su obra está nimbada por la gracia, por la alegría de su relación". Lily Kassner.

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ROBERTO MATTA

(Santiago de Chile, 1911 - Civitavecchia, Italia, 2002)

Sin título, ca. 1973 Sin firma Óleo sobre tela 104 x 100 cm Nació en Santiago de Chile el 11 de noviembre de 1911 (11-11-11), fecha que consideraba significativa debido a su fascinación por los números. Por lo mismo los plasmó en diversas ocasiones en sus obras. A los 22 años se trasladó a París, donde estudió Arquitectura y trabajó con Le Corbusier. El auge del arte en ese momento lo cautivó y lo llevó a conocer a Federico García Lorca, Salvador Dalí, André Breton y Pablo Picasso, entre otros. En 1938 se integró al movimiento surrealista, y a pesar de ser expulsado en 1948, volvió a ser admitido 11 años después. En numerosas ocasiones ha sido nombrado como el último surrealista, él se disociaba del movimiento, sin embargo en algunas ocasiones llegó a aceptar dicha clasificación: "Yo no he sido surrealista, simplemente fui amigo de

algunos surrealistas. Ser surrealista es saber que la poesía siempre tiene que ir más lejos, que la poesía no es recitar, que hay que buscar siempre más allá". Durante la Segunda Guerra Mundial se trasladó a Nueva York, donde nunca se sintió integrado con los artistas, ni la ciudad. Para él los pintores estadounidenses sólo se preocupaban por la rentabilidad económica, por lo que los siguientes años se estableció entre Francia e Italia. Matta demostró en diversas ocasiones su afinidad con el pensamiento político de izquierda, específicamente con el socialismo. Protestó contra las crueldades de la guerra de España, contra el sufrimiento de la población argelina y con la represión de los pueblos latinoamericanos, entre ellos su país natal. Durante el gobierno del presidente Salvador Allende, visitó Chile para trabajar unos murales colectivos con una brigada del Partido Comunista. En 1973, tras el golpe militar del general Augusto Pinochet, se distanció definitivamente de Chile, los murales fueron destruidos y al año siguiente su pasaporte chileno fue anulado. Cuando la democracia volvió a su país recibió el Premio Nacional de Arte. Su pintura es de protesta, un arte comprometido, pero lleno de un rico poder creador. Para expresar su crítica se sirvió de un lenguaje simbólico, tenía una gran inventiva para generar formas y colores nuevos. Para Matta, el universo giraba en torno al hombre interior, de lo que existía en su imaginación y su mente. Sus hombres tienen algo de máquina y a veces de insectos, son personajes surrealistas ya que plasmó un mundo deshumanizado. Sus trazos sugieren fuerzas y contrafuerzas que actúan en el mundo: agresión y defensa. Entre los reconocimientos que recibió destaca el Premio Príncipe de Asturias en 1992, el Praemium Imperiale en 1995 otorgado por la Asociación de Arte de Japón y el Premio Tomás Francisco Prieto en el 2000. Fuentes consultadas: GAMBOA, Fernando. Matta. Homenaje a Jorge Zalamea. México. Museo de Arte Moderno, INBA, 1975 y GALÁN, Lola. "Muere Roberto Matta, el último surrealista". España. El País, 25 de noviembre de 2002.

$3,200,000.00-$4,000,000.00 M.N. USD $164,100-$205,100 102


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MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Mensaje, ca. 1978 Sin firma Lámina perforada y dorada 71 x 71 cm Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, diciembre de 2016. En 1958 un acontecimiento lamentable hundió a Mathias Goeritz en una desoladora depresión: la muerte de su esposa Marianne Gast. Aunque el matrimonio se había separado tiempo antes, al saber que ella, estando en Alemania, enfermó y fue operada de un tumor cerebral, Mathias pasó los últimos meses a su lado. Este hecho tan doloroso lo llevó a crear una serie de obras en las que enfatizaba la tristeza; afortunadamente ayudaron a desahogar sus sentimientos, una catarsis que cobró forma en la serie "Mensajes". El retorno hacia el mundo interior lo hizo producir, en un continuo afán de salvarse como artista, unas creaciones compuestas con clavos y hojalata, cuyo significado basaba en textos bíblicos, generalmente del Viejo Testamento. El artista los definió como "clouages". La mayoría eran constelaciones rítmicas logradas a través de clavos superpuestos o perforaciones en hojas de metal. Con el uso de esa técnica, el artista lograba una gran variedad de expresiones, pero debe entenderse que el diseño abstracto sólo es la palabra en el verso bíblico; si al principio designó estos trabajos como "Paños de sudor", retiró esta denominación por parecerle demasiado efectista y los llamó simplemente "Mensajes". La primera vez que exhibió esos trabajos dentro de una exposición retrospectiva en la Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México, en 1959, provocó extrañeza entre el público apenas acostumbrado a sus propuestas anteriores. La Carstairs Gallery, de Nueva York, repitió esa exposición en marzo de 1960, acontecimiento que fue ampliamente discutido dentro de los círculos artísticos de esa ciudad. En ese marco, Goeritz escribió e imprimió una protesta contra el MoMA, se instaló frente al museo y distribuyó ese material. Esta fue su primera rebeldía pública contra el relativismo destructivo del arte contemporáneo y el primer llamamiento en pro de un arte espiritual y metafísico. Proponía una postura religiosa como única salida a aquella revolución artística. Al tomar partido contra el nihilismo de Marcel Duchamp y contra el ateísmo de los artistas modernos, señaló cuál sería su camino en el futuro. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 11, No. 80, marzo-abril de 2006, pp. 4-27. KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, INBA, 2007, Pág. 137. ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Editorial Intercontinental, 1963, pp. 41-43.

$1,800,000.00-$2,500,000.00 M.N. USD $92,310-$128,200 105


Vista A

69

ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Autorretrato Firmada en ambas caras del papel Acuarela y gouache sobre papel, pintada a doble vista 64 x 50.5 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Exhibida en: "Roberto Montenegro. 85 aniversario. Exposición-homenaje", muestra presentada en el Club Campestre de la Ciudad de México, de febrero a marzo de 1990 y en "Roberto Montenegro", Centro Cultural La Casita, Polanco, de febrero a marzo de 1991. $850,000.00-$1,200,000.00 M.N USD $43,600-$61,500 106


Vista B

Montenegro fue uno de los pioneros del movimiento muralista mexicano, sin embargo, trató muchos otros temas, entre ellos el retrato, especialidad en la que se le reconoció como uno de los mejores de su generación. Además de autorretratarse, pintaba retratos de los más distinguidos intelectuales de la época, pero también de sus amigos, familiares, así como caballeros y damas de la alta sociedad. La lista de retratos realizados durante la década de los 40 fue bastante amplia, un periodo de gran calidad artística en que se muestra la afición del artista por lo decorativo, sin duda obras merecedoras de halagos. Con un estilo manierista, académico y nacionalista, Montenegro recreó una parte de sus autorretratos y retratos en esferas, una especie de globos brillantes que reflejan el entorno del retratado pero con cierta distorsión. A veces los rostros son omitidos y evoca manos u objetos con una perspectiva guiada por la esfera, cuya presencia parece un tanto enigmática e hipnotizante. Estas esferas aparecen indistintamente en su obra de caballete, obra gráfica y mural, empleadas brillantes u opacas. En 1941 Roberto Montenegro realizó la primera versión de las esferas, un retrato de sí mismo en su estudio. Fuentes consultadas: FERNÁNDEZ, Justino. Roberto Montenegro. México. UNAM, 1962, pp. 44 y 45 y ORTIZ GAITÁN, Julieta. "La esfera en la obra de Roberto Montenegro: Un análisis iconográfico". México, Revista UNAM, Volumen XV, No. 57, 1986.

107


70

Copyright Estate of Leonora Carrington / ARS

LEONORA CARRINGTON

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011)

Batalla mitológica: unicornio y grifo, ca. 1940 Firmada Tinta sobre papel 21 x 28 cm Con etiqueta de Arvil, México, D.F.

"Todo el arte de Carrington es una batalla, alegre, diabólica y persistente, contra la ortodoxia, que vence y dispersa con la imaginación, siempre múltiple y singular, una imaginación que comunica con orgullo amoroso". Carlos Fuentes. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,100-$6,150

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ALFREDO RAMOS MARTÍNEZ

(Monterrey, Nuevo León, 1871 - California, E.E. U.U., 1946)

Marinerito Firmado y fechado 1916 Pastel sobre papel sobre tela 149 x 75 cm Agradecemos al Sr. Louis Stern por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2016. Con etiqueta del Museo Mural Diego Rivera. Aún adolescente fue premiado por el retrato que le hizo al gobernador de su estado natal, hecho que marcó su futura profesión (al obtener la beca que le permitiría estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes) y el género pictórico por el cual siempre fue distinguido. Su obra fue prolífica en la realización de retratos. A través de sus trazos, pudo expresar un caudal de emociones y supo representar los sentimientos y vivencias en cada uno de los diferentes retratados, motivo por el que tuvo gran demanda de este género a partir de 1915. Fue de los pocos artistas mexicanos que hicieron del pastel su técnica predilecta. Fuentes consultadas: GARCÍA DE GERMENOS, Pilar et ál. Alfredo Ramos Martínez. Una visión retrospectiva. México. Museo Nacional de Arte, CONACULTA, 1992, Pág. 55 y TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 120.

$280,000.00-$350,000.00 M.N. USD $14,360- $18,000 108


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JULIO RUELAS

(Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907)

Paisaje Firmado y fechado 98 Lápiz sobre papel 18 x 25 cm Con etiqueta de DIMART Con certificado de autenticidad de Rafael Matos Galería de Arte, firmado por el Lic. Rafael Matos Moctezuma y Mariana Morillo Safa, mayo de 1990. Procedencia: colección Morillo Safa. Colección privada. Presenta detalles de conservación.

"Hay artistas singulares que saben hacer de su obra un ejercicio pleno de la imaginación, reunir en una sola propuesta estética tanto el espíritu de una época, como las pulsiones individuales y la iconografía colectiva. Uno de ellos era Julio Ruelas. Su obra es tanto heredera del romanticismo alemán como del modernismo latinoamericano; representa una magnífica oportunidad para reconocer uno de los momentos más significativos del arte mexicano […] Pocas veces un creador ha logrado ahondar, con espíritu tan crítico y poco complaciente, en la tradición literaria y en los recovecos del pensamiento para traducirse en una serie de alegorías sobre el ánimo de su tiempo. La de Julio Ruelas es una mirada sui generis que revela, con claridad apabullante, la trama que enlaza a disciplinas como las artes plásticas y la literatura, y refleja el espíritu decadente que marcó el fin de un siglo revuelto en México y Europa". María Teresa Franco. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos et ál. El viajero lúgubre. Julio Ruelas, Modernista. México. INBA, MUNAL, 2007, Pág. 28.

$30,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,550-$2,570 110


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JULIO RUELAS

(Zacatecas, 1870 - París, Francia, 1907)

Retrato de Don Miguel Ruelas Firmado y fechado 1904 Óleo sobre tela 61.5 x 49 cm Con dictamen del Lic. Rafael Matos Moctezuma. Julio Ruelas fue uno de los más importantes pintores e ilustradores mexicanos de mediados del siglo XIX. Don Miguel Ruelas (1838 - 1880), su padre, fue diputado en tiempos de Benito Juárez, luego director de la Escuela Nacional de Jurisprudencia y Ministro de Relaciones Exteriores en el gobierno de Porfirio Díaz. Sus actividades laborales fueron la causa de que la familia Ruelas se trasladara a la Ciudad de México. Casi toda la familia Ruelas tuvo inclinaciones artísticas, incluso Don Miguel tenía facilidad para el dibujo. Tanto su madre, Carmen Suárez, como su padre, aprobaron la vocación que desde pequeño eligió Julio y esto le permitió tener una buena educación, iniciando sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos. Su espíritu aristócrata lo llevó a viajar a Europa varias veces, primero en 1891 para estudiar en la Universidad de Karlsruhe en Baden, Alemania donde obtuvo su mayor influencia artística, desarrolló sus habilidades técnicas, su precocidad y su afán por la literatura; después fue en París, donde aprendió las técnicas del grabado y pasó el resto de su vida.

El estilo por el cual ya era conocido se transformó poco antes de viajar a París, cuando empezó a manifestar síntomas evidentes de confusión emocional. No obstante, siempre llevó una vida desordenada y constantemente tenía desgastes físicos y sentimentales, y fue el viaje a París lo que le ayudó a poner su vida en orden. Fue en diciembre de 1904, gracias a una pensión del gobierno mexicano que realizó su segundo largo viaje, pero antes de llegar a París visitó Holanda, Bélgica y nuevamente Alemania. Su estancia en tierra francesa duró poco a causa de su enfermedad, sin embargo, para los críticos fue la época de sus mejores obras. Tal fue el caso de los retratos, caracterizados por conservar los rasgos faciales de los modelos, en los que abunda la angustia, la sombra y el tormento. Fueron tiempos difíciles, extrañó mucho a su familia y amigos de México con quienes se escribía cartas y mandaba fotografías, a partir de las cuales realizó retratos. El padre de Julio Ruelas falleció cuando él tenía 10 años, por lo que la presente obra fue realizada a partir de una fotografía que conservaba la familia. Actualmente dicha imagen se encuentra en la Secretaría de Relaciones Exteriores de la Ciudad de México.

Fuente consultada: LÓPEZ DOMÍNGUEZ, Leonor et ál. Julio Ruelas. México. Casa de Bolsa Cremi, 1987, pp. 17-20.

$150,000.00-$250,000.00 M.N. USD $7,700-$12,850 111


74

FELICIANO PEÑA

(Silao, Guanajuato, 1915 - Ciudad de México, 1982)

Paisaje Firmado y fechado 59 Óleo sobre tabla 82 x 122 cm Para Feliciano Peña el paisajismo se convirtió en una necesidad, en su modo de ordenar pictóricamente colores y formas, luces y sombras. No tuvo preocupaciones vanguardistas, lo que le importaba a este artista era la buena ejecución de su trabajo y el dominio de los materiales. Su estilo radicaba en la observación fiel de la naturaleza. En su obra el artista no inventaba ni distorsionaba, tampoco copiaba los efectos de la luz. Su proceso era clásico: proyectaba los lineamientos principales de lo que tenía ante sus ojos y sobre esto construía con luminosos y limpios tonos de color, el volumen y, sobre todo, la "atmósfera". Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 60.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110-$6,160 112


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FELICIANO PEÑA

(Silao, Guanajuato, 1915 - Ciudad de México, 1982)

Bosque Firmado y fechado 1951 Óleo sobre tela 88 x 69 cm Con etiqueta de Plástica de México Galería de Arte. Feliciano Peña estudió en la Escuela al Aire Libre de Tlalpan bajo la guía del grabador Francisco Díaz de León; posteriormente fue docente en La Esmeralda. Del ilustre pintor José María Velasco retomó la vocación por plasmar el medio natural. "Feliciano Peña no quiso poseer la naturaleza sino comprenderla en una dimensión aprehensible física y mentalmente". Raquel Tibol. Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 60.

$55,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,850-$4,110 113


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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

La casa junto al mar Firmado Óleo sobre tela 35 x 80 cm Publicado en: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, Pag. 156. Presenta ligeros detalles de conservación. Se conoce como marina a cualquier forma de arte cuyo objeto principal de inspiración es el mar. Es un género pictórico importante desde el siglo XVII y ha pasado por diversos estilos, movimientos artísticos y hasta continentes. Siendo la pintura de marinas un terreno complicado, se ha logrado mantener entre el gusto de los pintores, abriéndose paso en el mercado del arte. En México, ha habido excepcionales pintores de marinas, entre ellos Guillermo Gómez Mayorga, quien tuvo una mayor producción de cuadros marinos que Joaquín Clausell. Aunque Clausell se ocupó de pintar ríos, arroyos y manantiales también, Mayorga ejecutó con gran exquisitez la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica. Así mismo, las escenas en las que une mar y tierra tienen un juego lumínico sereno y la vegetación crea un contraste con el azul profundo del mar generando un gran agrado visual. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 104 -106.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,160-$7,700

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA (Puebla, 1887 - 1962)

Sin título Firmado Óleo sobre tela 68.5 x 98 cm Las tendencias impresionistas y postimpresionistas (principalmente la influencia de Cézanne) determinaron el sentido del estilo de Gómez Mayorga. Los tratamientos lumínicos de estos movimientos artísticos fueron puestos a prueba en sus paisajes, en especial en las pinturas de los volcanes del Valle de México. Los contenidos de los primeros planos y la atmósfera de estas obras varían, pues están realizadas desde el mismo lugar pero desde diversos ángulos y a distintas horas del día. Hacía variables en los acercamientos y con o sin laguna, uno o dos volcanes, él vertió sus propios estados de ánimo para definir el color y la propia esencia de la obra, pero siempre conservando las composiciones.

"Gómez Mayorga nos deja la impresión de un artista plástico que tuvo una relación obsesiva con la naturaleza, entre el gusto de vivir en ella y sentirla, de arrancarle los secretos de sus espacios, sus ritmos y sus fenómenos lumínicos". Hugo Covantes. Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et ál. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 58 y 59.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $12,850-$18,000

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JORGE OBREGÓN

(Ciudad de México, 1972 - )

Perfil de una mujer blanca a contra luz Firmado y fechado 2017 al frente y al reverso Óleo sobre lino 60 x 120 cm Con certificado de autenticiad del artista, marzo de 2017. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde fue distinguido con la Medalla Gabino Barreda al Mérito Universitario y obtuvo mención honorífica por su tesis "Volcanes de México, una experiencia al aire libre". Colaboró con el Maestro Luis Nishizawa en diversos cursos de técnicas de los materiales. Ha llevado a cabo tres residencias artísticas: en el Centre d'Art i Natura de Farrera en España, en The Vermont Studio Center en Johnson, Vermont, E.E. U.U. y en Montserrat College of Art, con el maestro George Nick, en Beverly, Massachusetts, E.E. U.U. También ha desarrollado proyectos de paisaje in situ con el apoyo de diversas instituciones y el gobierno de países como España, Finlandia, Ecuador, Estados Unidos, México y el más reciente en Japón invitado por la Embajada de México en Tokio. Su obra se encuentra en importantes colecciones de México, Estados Unidos, Italia, Finlandia y España. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jorgeobregon.com.mx

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,110-$5,130 116


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RAYMUNDO MARTÍNEZ (Ciudad de México, 1938 - )

Sin título Firmado y fechado 1982 Acrílico sobre tela 78.5 x 98.5 cm Agradecemos a César Martínez Rioja, hijo del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. Raymundo Martínez es un paisajista inclinado a pintar los volcanes y los valles de México. Su influencia principal proviene de los principios de José María Velasco y los paisajes del siglo XVIII. En su obra, emplea el manejo de las formas de la naturaleza, la luz y los colores con una gran calidad artística.

"Raymundo que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia". Ernesto de la Peña. $150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,700-$10,260 117


80

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Lluvia en el mar Firmado y fechado 2013 Monotipo con polvo de mármol sobre papel 116 x 105.5 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. No se puede decir que la formación humanista-artística de Emiliano haya sido autodidacta, en el estricto significado del término, ya que siempre tuvo maestros cercanos y significativos: en primer lugar sus padres, Carmen Parra y Alberto Gironella, también su abuelo, el arquitecto Manuel Parra, y desde luego todos los personajes y artistas que frecuentaban sus círculos familiares: Luis Buñuel, Pierre Alechinsky, Manuel Álvarez Bravo, Héctor García, Graciela Iturbide, Octavio Paz, los Ripstein, Paul Leduc, entre muchos otros. No obstante, Emiliano tuvo una primera formación académica en artes visuales en la Interlochen Arts Academy en Michigan. Emiliano Gironella Parra se interesó al principio por la fotografía y el cine. Pero muy pronto su práctica artística se decantó por la pintura, el grabado y las tallas directas en plancha de madera. Son temas (castizos), populares, pero también cultos y literarios: los toros, las peleas de gallos, sus homenajes a José Alfredo Jiménez, las cantinas… o sus series dedicadas a las greguerías de Ramón Gómez de la Serna, al poema "Muerte sin fin" de José Gorostiza, a Juan Rulfo y a Sor Juana Inés de la Cruz. $50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,570-$3,600 118


81

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - )

Popocatépetl, 2016 Firmado Óleo sobre tela 125 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista. Rodrigo Pimentel es un reconocido pintor michoacano, de los más talentosos de su generación. Su larga trayectoria lo ha llevado a exponer en muchas ocasiones en México y en el extranjero, en países como Estados Unidos, Panamá, Argentina, España y Francia. Su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y de otras colecciones importantes en México y el mundo. "Desde los años de la Academia, sentimos en la pintura de Rodrigo cierto vigor emotivo que se enfatiza en sus paisajes actuales, pródigos en ritmo y expresividad, las últimas obras, no exentas de esta característica, sintetizan con acierto la idea de recabar los aspectos más íntimos del paisaje, valiéndose de la forma y el color que utiliza con pureza y precisión técnica". Ernesto Guzmán, 1971. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos. "Testigos Ausentes. Rodrigo Pimentel". México. Palacio de Bellas Artes, CONACULTA, 1995.

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,210-$11,300 119


82

JOSÉ REYES MEZA

(Tampico, Tamaulipas, 1924 - Ciudad de México, 2011)

Sin título Firmado y fechado 76 Óleo sobre tela 115 x 148 cm Agradecemos a Fernanda Reyes, hija del Maestro José Reyes Meza, por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. José Reyes Meza creó un arte que traspasó los límites geográficos mexicanos gracias a su amplio bagaje cultural. Pintaba todo lo que quería, destacando las experiencias anímicas, la naturaleza y la magia de la cultura mexicana, en el que el color, la luz, los sabores y los elementos típicos de su tierra tamaulipeca resaltaran.

"Reyes Meza fue un maestro de la composición y del dibujo. Su color es certero y se volvió agresivo a veces. Pero nunca lo abandona un lirismo profundo que es muy suyo, ese amor a las cosas, ese deleite del paisaje con agua y nubes, o ese acabado moroso y amoroso de la figura". Emilio Carballido. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 142 y "Fallece el artista plástico tamaulipeco José Reyes Meza". México. Informador, sección Cultura, 31 de octubre de 2011.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,260-$15,400 120


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TOMÁS SÁNCHEZ

(Cienfuegos, Cuba, 1948 - )

Bosque con nube Firmado y fechado 86 al frente. Firmado y fechado 1986 al reverso Acrílico sobre tela 100 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. Tomás Sánchez es un pintor cubano ampliamente reconocido a nivel internacional, sus obras más emblemáticas son los paisajes; su estilo ha sido descrito por los críticos de arte como conservador, perfecto, versátil, romántico y hasta espiritual. Su formación fue totalmente académica, ingresó en 1964 a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro en La Habana y dos años más tarde se inscribió a la recién fundada Escuela Nacional de Arte, institución en la cual ejerció tiempo después como docente. Así mismo, trabajó como diseñador de escenografías y muñecos de teatro en la Dirección de Teatro del Ministerio de Cultura de Cuba y en el Grupo de Marionetas de la UNESCO. En 1980 participó en la XIX edición del Premio Internacional de Dibujo Joan Miró y al año siguiente realizó una exhibición individual en la Fundación Joan Miró en España. También recibió el Premio Nacional de Pintura en la I Bienal de La Habana y la Medalla de la V Bienal de Arte Gráfico Americano en Colombia. El universo artístico de Tomás Sánchez ha sido vasto, pues además de la pintura, incursionó simultáneamente en el grabado, la fotografía y la escultura. Su obra no puede clasificarse de forma cronológica porque todo va ejecutándose de forma paralela, tanto en el paisaje como en la serie de estilo expresionista y los conocidos como temas del basurero; de hecho, fue durante su larga estancia en México, que evocó en una serie sobre desastres ecológicos, pintando montículos de basura podrida. Su obra permanece fiel a la realidad que se observa, pero que combina con una cierta atmósfera de ensueño, que envuelve al espectador y lo lleva a lugares que pueden o no existir. Su arte parece no tener fronteras, resalta la grandiosidad de la naturaleza y la convierte en un confortante espacio que lleva a una zona de meditación. Para él, son paisajes de la mente y el alma. México, Estados Unidos, Japón, Italia y Francia han sido sólo algunos países testigos de más de 30 exposiciones individuales y colectivas del trabajo de Tomás Sánchez. Actualmente su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas, y se cotiza en importantes casas de subastas internacionales.

"En mi vida ha habido desde siempre dos intereses fundamentales: el arte y la meditación. Al pintar experimento estados meditativos; en meditación realizo mi unión con la naturaleza, y la naturaleza a su vez me conduce a la meditación. Esto me sensibiliza con todo lo que me rodea. Respeto la diversidad y la libre expresión, tanto en la vida como en el arte". Tomás Sánchez. Fuentes consultadas: CHAVES ESPINACH, Fernando. "Tomás Sánchez: el paisaje es un rincón de la mente". Costa Rica. La Nación, sección Entretenimiento, 25 de septiembre de 2016. Sitio oficial del artista www.tomassanchez.net Sitio del taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana y www.lasiemprehabana.com

$4,000,000.00-$5,000,000.00 M.N. USD $205,200-$256,410

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BENITO QUINQUELA MARTÍN

(Buenos Aires, Argentina, 1890 - Buenos Aires, Argentina, 1977)

Rincón Boquense, 1966 Firmado Óleo sobre tabla 48.5 x 58.5 cm Con certificado de autenticidad de Colección Alvear de Zurbarán firmado por el director Carlos María Pinasco, octubre de 2004. Publicado en: catálogo de la exposición "Quinquela", 2001, Pág. 25. Exhibido en: "Benito Quinquela, retrospectiva del artista", muestra realizada en Zurbarán El Arte de los Argentinos en Buenos Aires, Argentina, de julio a agosto de 2002 y en "Quinquela", muestra realizada en el Teatro Argentino de la Ciudad de Plata, Argentina, de mayo a julio de 2001 y de agosto a septiembre del mismo año en el Club Social de la Ciudad de Rioja, Argentina. Benito Quinquela es para Argentina un filántropo modelo y pintor ejemplar, uno de los más reconocidos artistas cuya obra se cotiza en el mercado internacional. Sus inicios como artista fueron complicados, desde joven tuvo que dejar la escuela para trabajar en una carbonería y como peón de descarga en el puerto de La Boca debido a la situación económica familiar; no obstante, siempre encontraba un momento para dibujar, siendo entonces los barcos y sus trabajadores, las casas humildes, las calles, los galpones y los aserraderos de La Boca parte importante de su lenguaje pictórico. Estudió en el Conservatorio Pezzini-Stiatessi, donde aprendió el impresionismo a la italiana de los Macchiaioli. Poco a poco su trabajo fue avanzando, hasta que en 1916, la revista Fray Mocho le dedicó una nota que hablaba exclusivamente sobre él, y posteriormente fue publicado en otros diarios con respuestas positivas. Más tarde, fue Eduardo Taladrid, secretario de la Academia, quien se convirtió en su amigo y mecenas, realizando con su ayuda una exposición en la galería más prestigiosa del momento: Witcomb. Ese mismo año obtuvo el 3° premio en el Salón Nacional. Posteriormente comenzó a hacer varios viajes al extranjero, conociendo Río de Janeiro, Nueva York, Madrid y París, aprendiendo y entablando grandes amistades. Sin embargo, siempre enamorado de su tierra, Quinquela decidió regresar a su país y ya con prestigio internacional, decidió retribuir al estado y donó un terreno para construir una escuela primaria, un espacio para vivienda y un taller personal. En 1935, abrió en el barrio de La Boca el Museo de Artistas Argentinos, hoy en día conocido como Museo Benito Quinquela Martín. Fuente consultada: "Museo Benito Quinquela Martín" en el sitio oficial de la ciudad de Buenos Aires www.buenosaires.gob.ar

$500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,650-$30,800 124


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RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009)

Hombre con agua Firmado y fechado 74 Óleo sobre tela 85 x 105 cm Esta obra será registrada para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-74035 Con etiqueta de Christie's. Ricardo Martínez, en su aprendizaje apasionado y solitario (él nunca asistió a escuela o academia alguna, careció incluso de compañía con quien comentar o compartir sus búsquedas y sus hallazgos), supo desde los comienzos aquellos principios fundamentales. Indagó durante años las causas y los efectos de la línea y el color y las disposiciones espaciales. Especuló, experimentó con ellos durante años de esfuerzo encarnizado y tenaz, fue despojándose en sus obras de lo que no fuera, de acuerdo con sus interiores necesidades, cabalmente esencial. "La luz se toca con la tiniebla para generar un ámbito de seres henchidos de energía que contienen la esencia de lo humano. Figuras que yacen, se yerguen y permanecen sedentes, suspendidas en el tiempo. Cuerpos de enorme contundencia y simultáneamente difusos, de una inmaterialidad rotunda, inasibles y oscuros a pesar de la inmovilidad inquietante con la que iluminan el espacio infinito". Rafael Tovar y de Teresa. Fuente consultada: BONIFAZ NUÑO, Rubén. Ricardo Martínez. México, Fondo Editorial Panorama, 1994, pp. 5 y 35.

$1,200,000.00-$1,600,000.00 M.N. USD $61,550-$82,100 127


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ALEXIS LEYVA MACHADO "KCHO" (Isla de la Juventud, Cuba, 1970 - )

Sin título Firmada y fechada 06 Tinta sobre papel 70 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, marzo de 2017. Su formación profesional la llevó a cabo en la Escuela Nacional de Arte de La Habana de 1986 a 1990. Su obra se destaca por una vertiginosa madurez iconográfica, así como por una versatilidad innata para condensar de modo peculiar las circunstancias individuales con un legado histórico y sociocultural de gran repercusión en Cuba, en el área del Caribe y mucho más allá de estos contextos específicos. Una de las cualidades que más sorprende en él es la fluidez con que logra articular todo su lenguaje en un desbordamiento constante de soportes, técnicas y disciplinas. Una febril creatividad invade el proceder cotidiano de Kcho, quien refleja la impronta de un ser sometido a los vaivenes de habitar en una isla. Él acuñó una poética del deterioro y el reciclaje, donde un universo de remos, olas, botes, balsas, regatas, velas, columnas infinitas, embarcaderos y propelas, de íconos alusivos al viaje, son la única evidencia de lo humano. Fuente consultada: NOCEDA FERNÁNDEZ, José Manuel. "Otra jungla en el paisaje cubano. Los desbordamientos de Kcho".

$100,000.00-$200,000.00 M.N. USD $5,150-$10,260

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FERMÍN REVUELTAS

(Santiago Papasquiaro, Durango, 1901 - Ciudad de México, 1935)

Sin título Firmado y fechado 1927 Óleo sobre tela 50 x 61 cm Fermín Revueltas murió a la joven edad de 34 años y, sin embargo, se le considera un importante pintor mexicano por la riqueza de sus propuestas y la calidad de su obra. Ante la inestabilidad política en México, en 1917 sus padres lo enviaron al Saint Edward's College en Austin, Texas. El año siguiente se trasladó a Chicago, ciudad que causó gran influencia en él, pues estaba repleta de arte, de vanguardia y de movimiento. Tras volver a México, en 1922 comenzó un camino enriquecedor y de muchos contrastes: por un lado, colaboró con los estridentistas; por otro, comenzó a acercarse al muralismo. Con una intuición estética tan especial, las composiciones de Revueltas desbordaban genialidad creativa. Alrededor de 1927, Revueltas abordó el tema de los embarcaderos y las barcas, donde es palpable la influencia de Diego Rivera con un manejo del color muy particular. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, No. 30, junio de 1997, Pág. 11 y SÁNCHEZ, Héctor Antonio. "Fermín Revueltas: geometría y abundancia". México. Ménades y Meninas, Casa del Tiempo, UAM, 10 de noviembre de 2014, pp. 27 y 28.

$220,000.00-$350,000.00 M.N. USD $11,300-$18,000

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88

JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Abraxas en balsa miniatura, 2011 Firmada Escultura en bronce P. A. II / IV 40 x 72 x 34 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017.

"El pájaro rompe el cascarón. El huevo es el mundo. El que quiere nacer tiene que romper un mundo. El pájaro vuela hacia Dios. El Dios es Abraxas". Hermann Hesse, "Demian". De carrera multifacética, ha experimentado con distintos materiales y técnicas, siendo el bronce su signo distintivo, pues lo considera idóneo para que las manos y los pies de sus personajes, así como las texturas de plumas, venas y telas, adquirieran la perfección de la materia viva. Además, trabaja con diversos formatos, desde la miniatura hasta la escultura monumental, con ello generando un diálogo que permite desarrollar un juego espontáneo y lúdico. "Tengo la firme convicción de que el arte tiene potencial transformador por lo que considero central la escultura en espacios accesibles a todos". Jorge Marín. Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. "Jorge Marín". México. IdeArte, julio, 2015 y sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,160-$9,250 130


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JORGE MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1963 - )

Parc, 1997 Sin firma Óleo sobre tela 100 x 200 cm Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Jorge Marín es uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo en México. Su carrera ha obtenido un reconocimiento internacional gracias a su particular estilo figurativo, sutil, dramático y sensual. Durante 25 años de trayectoria ha participado en más de 250 exposiciones colectivas e individuales y su trabajo ha sido exhibido en diversos museos, galerías y plazas públicas en países de América, Europa y Asia. Además de realizar escultura, incursionó en la pintura y la obra gráfica, generando con cada técnica un diálogo inédito entre la obra y el espectador. En su trabajo es vital la presencia del ser humano, a menudo en conceptos reflexivos y juegos de equilibrio; tal vez su inspiración provenga de su fantasía de hacer a la humanidad más grande de lo que es. Así integra en su obra, figuras rotas, que explican como el ser humano es tan bueno pero también tan frágil que se rompe y se destruye. "Para mí estas piezas son como la necesidad de presentar de forma más poética y estética, la ruptura o la decadencia del hombre… a lo mejor es el miedo a romperme". Jorge Marín. Fuentes consultadas: SOTRES MORE, Bertha Eugenia. "Jorge Marín". México. IdeArte, julio de 2015 y sitio oficial del artista www.jorgemarin.com.mx

$250,000.00-$450,000.00 M.N. USD $12,850-$23,100 131


90

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Sin título Firmado Acrílico sobre tela 90.5 x 60.5 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Rafael Coronel es un reconocido pintor y escultor zacatecano que constantemente ha mantenido las ideas sociales y culturales presentes en el siglo XIX. Estudió en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la Academia High American School y en La Esmeralda, escuela de la cual fue expulsado por conflictos con los maestros. El arte siempre corrió por sus venas, su abuelo fue decorador de iglesias, su hermano fue el pintor Pedro Coronel y estuvo casado con Ruth Rivera, hija de Diego Rivera con quien trabajó en su taller durante veinte años. El estilo de Rafael Coronel ha transitado por varias etapas, sin 132

embargo, en casi todas ellas ha presentado una consistencia en sentimientos, impregnada de fuerza e inquietudes internas por entender los estados anímicos del hombre, como la soledad, el abandono y la desesperación. El crítico de arte Agustín Arteaga se expresa sobre la obra Rafael Coronel como si fuese un reflejo del alma y al respecto menciona: "En la obra de Coronel encontramos, de manera regular, la intención de descubrir el interior de sus personajes […] la figura humana transcurre por procesos varios de deconstrucción, para llegar a la descontextualización". Su obra ha sido reconocida a nivel internacional, presentando un gran número de exposiciones colectivas e individuales en México, Brasil, Italia, Bélgica y Estados Unidos, entre otros. Actualmente, en el Ex-Convento de San Francisco, Zacatecas, se localiza el museo que lleva su nombre, en donde se exhiben interesantes colecciones de arte popular mexicano. Fuentes consultadas: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et ál. Rafael Coronel: Retrofuture. México. Talamontes Editores, INBA, CONACULTA, 2010, pp. 323-325. LÁMBARRY MARTÍNEZ, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 196. Sitio oficial del artista: www. rafaelcoronel.com

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $14,360-$20,520


91

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Reposo Firmada y fechada 11 Escultura en bronce 7 - 13 126 x 84 x 46 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre de 2011. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017.

"Somos mestizos, tenemos sangre española e indígena. Yo, soy un producto auténtico de ese mestizaje, mi pintura es así y no niego las raíces hispánicas, italianas ni las mexicanas, y en ese contexto, evidentemente mi pintura es totalmente mestiza […] Yo no pertenezco a la generación de los rompedores [refiriéndose a la Ruptura], siempre dicen que soy parte de esa generación pero soy de la Escuela Mexicana de lo que estoy muy orgulloso. He vivido en Japón, en Nueva York, en la India y numerosas ciudades y países del mundo y nunca olvido México, porque tiene tanta pureza y fuerza como los demás países". Rafael Coronel. Fuente consultada: "Se han fijado en mí más de lo que me merezco: Rafael Coronel". México. Diario El Economista, 1 de noviembre de 2011.

$650,000.00-$900,000.00 M.N. USD $33,350-$46,150

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ALFREDO CASTAÑEDA

(Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010)

Requiem Firmado y fechado 89 Óleo sobre tela 90 x 60 cm Mientras estudiaba en la Facultad de Arquitectura de la UNAM, Castañeda conoció a Mathias Goeritz, pintor y escultor alemán que lo encaminó a lo filosófico, mágico y poético del arte, conceptos que lo animaron a hacer frente a su pintura. Es así que durante tres años, interrumpió sus estudios para realizar un viaje a Europa, estancia que hizo rendir al máximo. Después de varios años de carrera artística, Castañeda afinó su técnica y comenzó a caracterizarse por un estilo muy marcado, escenarios de colores neutros y personajes imaginarios. Sus obras lograron grandes éxitos y se exhibieron en museos y galerías en ciudades como Nueva York y Miami, y en México en importantes espacios como el Museo de Arte Moderno, el Museo Nacional de Arte y el Museo del Palacio de Bellas Artes. "La obra de Alfredo Castañeda es fina en su detalle y mágica en su expresión. En sus cuadros nos encontramos con personajes imaginarios que por lo general son de edad madura y cuya vestimenta conservadora y miradas profundas, nos hacen pensar en el desvelo que puede haber provocado un estado de vigilia o concentración. En los rostros de cada uno de sus individuos se advierte cierto parecido […] Amante de la lectura de textos místicos, estudioso de poetas y filósofos, le permitió escapar de lo ordinario. De esta manera encontramos personajes fuera de su realidad. Esta diversidad de lecturas es lo que vuelve a su obra fascinante ante el espectador, ya que a través de la pintura se establece un diálogo entre el pintor y quienes se encuentran frente a ella". Lupina Lara Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 9, No. 70, julio-agosto 2004, pp. 25-38.

$900,000.00-$1,100,000.00 M.N. USD $46,150-$56,410 134


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93

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

La máscara Firmada y fechada 10 Escultura en bronce 12 - 12 150 x 59.5 x 66 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre de 2011. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. La obra de Rafael Coronel está repleta de elementos fantásticos y místicos. Uno de sus personajes más recurrentes es la imagen de un viejo, de estructura huesuda y dedos alargados, quien recuerda a la figura de un profeta o mago según lo entendemos en la cultura occidental; así, trae a la mente a personalidades como El Quijote que pinta El Greco o quizá al mismo Merlín. La narrativa que crea este personaje casi sagrado nos envuelve en un ambiente misterioso y ritual. Fuente consultada: CORONEL RIVERA, Juan Rafael et ál. Rafael Coronel: Retrofuture. México. Talamontes Editores, INBA, CONACULTA, 2010, Pág. 445.

$650,000.00-$900,000.00 M.N. USD $33,350-$46,150

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LUIS CRUZ AZACETA

(La Habana, Cuba, 1942 - )

Realidad rota / Broken realities (Hunger) XLVIII Firmado al frente. Firmado y fechado 1990-1991 al reverso Acrílico sobre varios lienzos ensamblados y con aplicaciones de alambre y pan intervenido con acrílico 229.5 x 152 cm Agradecemos al Maestro Luis Cruz Azaceta por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. Con etiqueta de Frumkin / Adams gallery, New York. De origen cubano, Luis Cruz Azaceta es un artista en cuya obra se contextualizan los temas de violencia urbana, el aislamiento personal, los abusos y las presiones de los gobiernos. Rebelde e hiperactivo por naturaleza, es un creador prolífico que utiliza el arte como escape del tiempo, de la historia, una manera de enfrentar al mundo. Durante sus estudios en Cuba y Nueva York, se forjó en él un estilo figurativo y abstracto. En la década de los 80, sus composiciones

de colores sombríos resaltaron estados de ánimo de figuras distorsionadas. En algunas obras destaca su visión sobre problemas sociales mediante personajes que constantemente están atrapados o tirados, en drogas, con hambruna, así como en plagas e incendios. En los años 90, incorporó temas del momento, como el SIDA y realizó las series de Balseros y Exiliados. A pesar de trabajar con temas fuertes para la sociedad, es un artista realista, con un gran reconocimiento internacional. Ha recibido diversos premios y becas, además su obra ha sido apreciada en más de 100 exposiciones individuales en Estados Unidos y países de Europa y América Latina. Actualmente el MoMA, el Metropolitan Museum of Art y el Whitney Museum of American Art en Nueva York, el Smithsonian American Art Museum en Washington, el Museo de Bellas Artes de Caracas y el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey albergan obra de este reconocido artista. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luiscruzazaceta.net

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $14,360- $20,520 137


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BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título Firmado y fechado 68 Óleo sobre tela 118 x 150 cm Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. Estudió en la Academia de San Carlos, donde tuvo grandes maestros, tales como Antonio Rodríguez Luna, Francisco Moreno Capdevila, Luis Nishizawa, Santos Balmori y Antonio Ramírez, quienes ejercieron una importante influencia en el artista. En vida, presentó más de 60 exposiciones individuales en Estados Unidos y América Latina, además de muchas otras colectivas. Su producción plástica forma parte de diversas colecciones privadas en México y el extranjero. Su obra al óleo se caracteriza por un dominio técnico, una capacidad inusual en el manejo de los volúmenes y los colores fríos y su temperamento rebelde ante una realidad que pretende unificar al ser humano, su conocimiento en el manejo de la simultaneidad de los planos y sus cualidades como colorista. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.byrongalvez.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150-$7,700 138


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GABRIEL RAMÍREZ

(Mérida, Yucatán, 1938 - )

Sin título Firmado Acrílico y arena sobre tela 80 x 61.5 cm Presenta una pequeña restauración. Gabriel Ramírez es un pintor, historiador de cine y escritor yucateco. En 1957 se trasladó a la Ciudad de México donde vivió hasta 1975. Realizó su primera exposición de pintura en la Galería Juan Martín en 1956 y tres años después participó como miembro fundador del Salón Independiente. Desde entonces ha participado en más de 50 exposiciones individuales y 80 colectivas. En los años 50 formó parte de la generación de la Ruptura, época en la que conoció y colaboró con importantes artistas como Manuel Felguérez, Alberto Gironella, Vicente Rojo, Roger von Gunten y Fernando García Ponce.

"Sigo creyendo que lo más valioso de mi pintura es lo fortuito, el hallazgo, el dejarse llevar por la inventiva. La capacidad de sugerir y estimular al espectador a participar de ella". Gabriel Ramírez. Fuente consultada: sitio del Museo Fernando García Ponce www.macay.org

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,060-$3,100 139


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CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, 1933 - )

Apsara, la bailarina celestial, 1995 Firmada Escultura en bronce a la cera perdida 1 / 4 84 x 49 x 24 cm Con certificado de autenticidad de la artista, diciembre de 1998. Esta edición consta de 4 ejemplares realizados en la Ciudad de México en 1995.

"Para mí, ser escultora significa ser investigadora. He curioseado en todas las culturas del orbe. Y he tratado de compaginar la historia y la mitología con la realidad humana: el amor, la ternura, la convivencia, la dedicación de los padres hacia los hijos, la devoción de las parejas entre sí; todo eso se expresa en mi producción". Carol Miller. $60,000.00-$70,000.00 M.N. USD $3,100-$3,600 140


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JAVIER VÁZQUEZ "JAZZAMOART" (Irapuato, Guanajuato, 1951 - )

Interior azul Firmado y fechado 1990 Óleo sobre tela 127 x 110 cm Con certificado de autenticidad del artista. Javier Vázquez Estupiñán adoptó en 1974 el seudónimo de Jazzamoart (jazz, amor y arte). Con estudios en la Academia de San Carlos, a partir de la década de los ochentas, su estilo definido y muy personal lo ubicaron en la escena de la plástica latinoamericana. El escritor Carlos Montemayor lo definió como el tercer grande de los pintores del Bajío, junto a Diego Rivera y José Chávez Morado, al respecto dijo: "Rivera y Chávez Morado estuvieron atentos al paisaje y a numerosos motivos del México popular, Jazzamoart también lo está, pero al paisaje social que se descubre y emerge desde un motivo central del México que sigue siendo asimismo popular: la música". En 1990 instaló un taller en París y en México expuso en el Museo de Arte Moderno y en el Museo Nacional de la Estampa. Ese mismo

año su obra fue elogiada por la crítica de arte Teresa del Conde y recibió el Premio del VI Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México. Sus improvisaciones visuales y escenografías han acompañado en el escenario a los principales exponentes del jazz mexicano y estadounidense. Como ilustrador y baterista ha trabajado en varios libros y discos. Jazzamoart ha mostrado su trabajo en más de quinientas exposiciones colectivas e individuales en museos y galerías de México, Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, Europa, Corea del Sur y Japón. Entre los reconocimientos a su trayectoria destacan haber sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA-CONACULTA y el homenaje a su trayectoria por parte de la Universidad de Guanajuato que recibió el pasado 18 de marzo, en la sala Adamo Boari del Palacio de Bellas Artes. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 303-307 y sitio oficial del artista www.jazzamoart.com

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,700-$10,260 141


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LUIS FILCER

(Zhytómyr, Ucrania, 1927 - )

Sin título Firmado Óleo sobre tela 90 x 120 cm Filcer llegó a México con su familia desde que era muy pequeño, por lo que su vida la formó en nuestro país, a pesar de su herencia judía ucraniana. Realizó sus estudios en la Academia de San Carlos y con el pintor español José Bardasano. Mediante becas, logró viajar a Londres, París y Roma y durante casi 20 años vivió en Holanda, lugar donde admiró fervientemente la obra de los grandes maestros como Goya y Van Gogh. A su regreso a México, pintó la desigualdad que veía, los problemas de pobreza y los conflictos políticos y sociales. En Guanajuato, decidió experimentar la vida de los mineros de Cata, donde dibujó lo difícil del trabajo minero. Fue un pintor notable en México por su estilo expresionista y la forma en que representó la justicia e injusticia. "Yo pinto de la vida aquello que me conmueve, que me lleva a sentir algo. De ahí que en mi obra prevalezca la presencia de lo humano en todas sus facetas". Luis Filcer. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luisfilcer.net

$40,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,060-$3,600 142


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JULIO CHICO

(Ciudad de México, 1947 - )

Mujer, perro, luna, de la serie Sueños kinéticos Firmado y fechado 2017 al reverso Acrílico sobre tela 127 x 90 cm Con certificado de autenticidad del artista. Publicado en: sitio oficial del artista www.juliochico.com La trayectoria artística de más de 30 años del Maestro Julio Chico incluye obras en las que ha desarrollado pintura, escultura, grabado, mural y escenografía, en los que su estilo impacta por la temática, el color, composición de texturas, volúmenes y geometría. Acerca de la serie "Sueños kinéticos" el maestro Chico comenta: "Me evoca a cuando un hombre empieza a soñar y a materializar esos sueños construyendo el mundo que conocemos y que abarca todo el quehacer humano".

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.juliochico.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,600-$5,150 143


101

SERGIO PAYARES

(La Habana, Cuba, 1962 - )

Sin título Firmado y fechado 04 al frente. Firmado y fechado 2004 al reverso Óleo y mixta sobre tela 180 x 110 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, marzo de 2017. En 1978 comenzó su carrera en La Habana. Realizó estudios en la Escuela Nacional de Arte y posteriormente en el Instituto Superior de Arte de La Habana y trabajó en el taller de serigrafía René Portocarrero, donde conoció a importantes figuras del medio artístico. En 1993 se trasladó a Venezuela y viajó posteriormente a Estados Unidos para establecerse en Miami, donde actualmente reside y trabaja. Su obra ha sido representada por importantes galerías en el mundo como Galería Alfredo Ginocchio, Galería Nina Menocal, Galería Forum en Lima, Casas Reigner Gallery en Miami, Glass Garage Gallery en Los Ángeles, Kim Gallery en España y Galerie Herzog en Alemania, entre otras. "El trabajo de Payares está centrado en una dimensión antropológica que se interroga sobre la existencia humana, el desplazamiento y la identidad, los mitos, el cuerpo fragmentado y los símbolos espaciales de una sublimada terrenalidad. Estos elementos temáticos aparecen codificados en formas recurrentes que, aún en sus más elaboradas metamorfosis, revelan una acentuada transparencia. Se trata de imágenes-símbolos como la casa, la cruz, la silla, la palma real, el barco, las cabezas, las piernas, la luna o el ojo que al mirar protege. Muy alejado de cualquier intención narrativa, Payares construye todo un universo de figuras solitarias y ensimismadas, en ambientes visuales carentes de un referente espacial específico [...] Una buena parte de sus obras se caracterizan por una vocación matérica que utiliza las texturas como señales del paso del tiempo, como registros desdibujados de la memoria o como formas simplificadas de un lenguaje originario hecho de marcas y trazos. En esta atmósfera de extrañamiento abundan las figuras aisladas y fragmentadas, con sus cuerpos en posición de espera, marcados con rayas de diversas tonalidades que parecen recurrir a esa antigua metáfora de que la piel es la cárcel del espíritu". Jorge de la Fuente. Fuente consultada: DE LA FUENTE, Jorge. "Sergio Payares". Cuba. Encuentro de la Cultura Cubana, 27 de diciembre de 2000, www.cubaencuentro.com

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,650-$7,700

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102

IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - )

Caminos profundos Firmado y fechado 85 Acrílico y arena sobre tela 200 x 135 cm Agradecemos a la Maestra Irma Palacios por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Procedencia: adquirido directamente a la artista.

“Pintura del silencio que nos convida el placer y la meditación. La artista escucha sus voces profundas, se expresa desde dentro, logrando transformar en materia una sensibilidad reflexiva que, con independencia de las técnicas empleadas, se impone por su valor estético: la belleza natural que esquiva el análisis y la interpretación, absorbiendo al espectador en el fluir de su existencia espiritual. La imposibilidad de proferir palabra articulada ante sus imágenes y sus formas marca el contacto de quien tiene la fortuna de verlas, acariciarlas, contemplarlas, ser unas y ser otras”. Luis Ignacio Sáinz, 2001. $200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,260-$12,850

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ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

Sin título, 2016 Firmado Óleo y arena sobre lino 60 x 100 cm Con certificado de autenticiad del artista, noviembre de 2016. Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017.

"Cuando Rolando Rojas pinta, se aleja de formalismos y de ataduras; se extrae de la realidad formal para ligarse a la ilusión de una realidad imaginaria que surge y se nutre de sí misma y de todo cuanto gira en su entorno. Por eso su trabajo ha sido catalogado dentro de esa nueva corriente plástica a la que se ha denominado surrealismo fantástico, buscando separarla, de alguna manera, del surrealismo ortodoxo propuesto en París en 1924 por André Breton". Lupina Lara Elizondo. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 14, No. 101, septiembre de 2009, Pág. 34.

$90,000.00-$130,000.00 M.N. USD $4,650-$6,700 146


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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Sin título Firmado al reverso Óleo sobre lino 100 x 80 cm Lo recaudado de la venta de esta obra será donado en beneficio de la fundación Instrumenta Oaxaca. En la obra de Sergio Hernández habitan demonios exteriores o introyectados por él a partir de su predilección por los libros antiguos, como pueden ser las figuras diablescas que aparecen en un texto original del siglo XII. Es posible deducir que dichos intereses daten de su infancia en la Mixteca oaxaqueña. La evocación de los sentimientos y sensaciones que han marcado su existencia: el amor, el júbilo, el dolor, el erotismo, la ilusión y el desencanto conforman un diálogo de ida y vuelta entre el infierno y el paraíso. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, Pág. 34.

$450,000.00-$700,000.00 M.N. USD $23,100-$35,900 147


Carpeta cerrada

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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Códice Hernandino - Mixteco Firmados Grabados intervenidos con acuarela, acrílico a base de pigmentos antiguos y lápiz de grafito sobre papel 20 x 20 área grabada, 37 x 34 cm medidas totales del papel de cada uno Piezas: 37, en caja realizada por Rayuela MR. Carpeta certificada por el artista en el colofón, 2017. Realizados en el taller de Fernando Sandoval en la ciudad de Oaxaca de Juárez, Oaxaca, México, en agosto de 2016. Incluye prólogo de Miguel León-Portilla y texto de Giorgio Antei. Al igual que Diego Rivera y Carlos Mérida, el pintor oaxaqueño Sergio Hernández fue también influenciado por las culturas prehispánicas y sus historias, leyendas y mitos. El Códice de Yanhuitlán, además del Popol Vuh, ha sido para Sergio Hernández el documento histórico más afín a sus orígenes mixtecos. Es un documento que revela importantes periodos de la colonización y Sergio Hernández realizó a base de las imágenes originales de este códice una serie de obras sobre papel.

"Doble forma de rescate se ha consumado de un antiguo manuscrito indígena, el Códice de Yanhuitlán, de origen mixteco y del siglo XVI. Se conservaba trunco y, por buena suerte, sus fragmentos se han podido reintegrar. El códice da testimonio de una demanda de justicia con imágenes y palabras de gente que sufría abusos, privaciones de la libertad y con poca esperanza de liberación. "El Códice de Yanhuitlán, reintegrado e interpretado por conocedores de la historia antigua de Oaxaca, está al alcance en cuidada reproducción facsimilar, en beneficio de todos los que quieran acercarse a la historia y las demandas que transmite. Esta ha sido la primera forma de rescate. "Y, por afortunada coincidencia, o mejor un impulso ancestral, hay también otra forma de rescate. Se debe a un descendiente de aquellos mixtecos que elaboraron el códice, un mixteco de nuestros tiempos, maestro de la antigua tinta negra, Sergio Hernández". Miguel León-Portilla. Fuente consultada: "El Códice de Yanhuitlán inspira obra plástica de Sergio Hernández". México. INAH, 29 de junio de 2015.

$400,000.00-$500,000.00 M.N. USD $20,520-$25,650 148


Lote 105

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FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - )

Animal del desierto Firmado y fechado París 63 al reverso Óleo y arena sobre tela 73.5 x 92 cm Con sello de Galerie Daniel Gervis París. Mundialmente reconocido por su trabajo y personalidad, Toledo es considerado uno de los mayores artistas mexicanos del siglo XXI. Es un artista multidisciplinario, promotor cultural y luchador social a favor de los indígenas y del medio ambiente. Experto en pintar, dibujar, esculpir y grabar, impone con frecuencia su interpretación no racional de la realidad. Por medio de Rufino Tamayo, logró realizar estudios en París y vender sus primeras obras. Habiendo experimentado las vanguardias artísticas, su obra comenzó a tener su propio estilo y aunque se le llegó a asociar con la Generación de la Ruptura, él siempre estableció su carácter autónomo. Entre los temas constantes en su obra están las figuras fantásticas, humanas y animales, el sexo, los insectos, el estudio de la escatología y las tradiciones y cultura oaxaqueñas. Su obra actúa y plantea aspectos plásticos, en ella propone texturas mediante sombreados con colores que generen una experimentación sensorial. En 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, un espacio para difundir y exhibir su colección particular de obra gráfica, así como obras de otros artistas latinos de gran importancia. En 2005 le fue otorgado el Premio Nobel Alternativo de la fundación sueca Right Livelihood Award por su labor en defensa del patrimonio cultural. Ha participado en numerosas exposiciones a nivel mundial y su obra forma parte de los acervos de los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, Filadelfia, Nueva York y París, así como de la Tate Gallery de Londres y la Kunstnaneshus de Oslo, entre otros. Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp.13-16. Sitio del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es Sitio del Museo de Arte Moderno de México www.museoartemoderno.com

$1,300,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $66,700-$92,310 154


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LEOPOLDO RICHTER

(Hesse, Alemania, 1896 - Bogotá, Colombia, 1984)

Sin título Firmado Óleo sobre tabla 65.5 x 48 cm Leopoldo Richter fue un artista de corazón alemán y alma colombiana; viajero inalcanzable que amaba pasar largas temporadas en la selva del Amazonas y en la Sierra de la Macarena en Colombia. Después de luchar en la Segunda Guerra Mundial y de haber sido profesor en una escuela alemana, Ritcher decidió viajar a Brasil a mediados de los años 30, para después llegar a Colombia, lugar donde se enamoraría de la naturaleza y sus habitantes. Durante un tiempo trabajó como entomólogo en el Instituto de Ciencias Naturales de la Universidad Nacional de Colombia. Sin embargo, no fue sino hasta los años 50 que comenzó a dar a conocer su creatividad artística. Luego de algunas exposiciones individuales, decidió adentrarse en la selva, época que lo marcó emocional y artísticamente. Por esta influencia tropical y aborigen, nacieron los colores intensos en su obra, el estilo expresionista, los toques filosóficos y líneas figurativas. Posteriormente fue eliminando la perspectiva y comenzó a experimentar con diversas técnicas. Con el tiempo, sus obras con temas de la cultura indígena, fidedignas a la cultura colombiana, comenzaron a conocerse en el medio latinoamericano. Fuente consultada: "El entomólogo y sus crayolas". Bogotá. Boletín KIEN Y KE, sección Historias, 9 de abril de 2011, www.kienyke.com

$50,000.00-$70,000.00 M.N. USD $2,570-$3,600 156


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ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

El viaje de Marías, 1999 Firmado Óleo y arena sobre tela 150 x 250 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alberto Misrachi, marzo de 2000. Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. Con etiqueta de Galería Alberto Misrachi. A los 16 años ingresó en el Taller de Artes Plásticas de la Casa de la Cultura de Tehuantepec y más tarde cursó la carrera de Arquitectura en la Universidad Autónoma Benito Juárez, mientras que por las tardes acudía a la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca. Uno de sus grandes maestros, fue Shinzaburo Takeda, quien le dejó una notable enseñanza de la técnica y la disciplina de la pintura. A menudo, Rolando Rojas trabaja con cuadros de grandes formatos; se despliega frente a su obra como coreógrafo, que apoyado en su profesión de arquitecto, guía y crea sus puestas en escena, a las cuales logra transmitir la voz del pintor. Así, en el lienzo se consuma con extrema sencillez y sin desgastadas e inusuales pretensiones, una ceremonia, un ritual de vida. Es un artista que busca generar una poesía más que sólo un efecto visual, guiado por la composición y el ritmo a través de las figuras y el color. Desde hace más de 30 años, su obra ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en México y en ciudades en el extranjero, como California, Miami, Atlanta, Montreal, Puerto Rico, Madrid, París, Milán y Tokio.

Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 14, No. 101, septiembre de 2009, pp. 29-32.

$200,000.00-$280,000.00 M.N. USD $10,260-$14,360 157


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VÍCTOR CHA'CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - )

Sin título Firmado al frente y al reverso Óleo y arena sobre tela 160 x 300 cm Con certificado de Galería db firmado por el artista. Originario de Juchitán, Oaxaca, Víctor Orozco se interesó desde niño por la pintura y el trabajo manual. Motivado de este modo, aprendió a pintar en Minatitlán para más tarde exponer y vender sus obras desde los años setenta, en una colectiva del Auditorio Nacional y en galerías de la Zona Rosa, en la Ciudad de México. 158


Se trata de un hombre sencillo, que ha procurado mantenerse en el anonimato, alejándose de los reflectores, aunque no por ello trabaje menos, al contrario, así puede concentrarse en crear esos universos de ensueño que lo caracterizan. Ha participado en más de 35 exposiciones colectivas, además de 30 exposiciones individuales en espacios importantes del país y el extranjero, convirtiéndose en el favorito de numerosos coleccionistas. Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha'ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, pp. 9-28.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150- $7,700 159


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SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Sin título Firmado y fechado 2017 al reverso Óleo y arena sobre tela 180 x 300 cm Con certificado de autenticidad del artista. Sergio Hernández creció viendo el trabajo de su padre, un carpintero y ebanista de profesión. A los 16 años decidió independizarse e ingresó a la Academia de San Carlos y, posteriormente, a La Esmeralda. Después de haber pasado un año en París conociendo las vanguardias europeas, regresó a vivir a Oaxaca, donde ha tomado un papel destacado dentro de la plástica y la cultura de esta región. A menudo en la obra de Sergio Hernández la imagen y la pincelada están en competencia, como si se tratara de una propuesta abstracta que no llega a serlo; por lo general, las formas reconocibles ganan la partida. Aún así, los movimientos poderosos del pincel, cargado de un pigmento espeso, crean una red en la que las figuras tienen que negociar su espacio; a veces reconocemos insectos o roedores. El carácter antropomorfo de estas criaturas conectan al artista con el deleite artístico-literario de representar las emociones y debilidades humanas con un aspecto animal que nos regresa a la antigüedad literaria de la cultura grecorromana. Ante una pintura de Sergio Hernádez, uno se pregunta qué ve y qué es lo que quiere ver. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 26 y 323.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $77,000- $102,600

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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Camello amarillo, ca. 1970 Firmada Laca automotiva sobre tela 96 x 130 cm Procedencia: perteneció a la Colección Andrés Blaisten. Colección privada. Presenta craqueladuras. El tiempo que Nieto vivió en Europa fue crucial para su crecimiento artístico, pues su lenguaje visual se amplió y comenzó a entrelazar texturas, colores y formas abstractas de la vanguardia con su lenguaje nativo; en esta época también experimentó con distintas técnicas como la laca automotiva, mismas que enriquecieron su lenguaje. No obstante, a su regreso a México, estudió el arte prehispánico y la cultura popular, incorporando en su obra nuevas formas.

"Nieto tendió a saturar sus composiciones, adhiriendo o rodeando la imagen principal de un sinnúmero de elementos que pueden encontrarse irregularmente geometrizados, como grecas o tableros, igualmente suele acudir a finísimos chorreados, que se antojan siempre controlados, tal que si huyera del vacío". Teresa del Conde. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. "Rodolfo Nieto: retrospectiva." México. Diario La Jornada, 20 de abril de 2010.

$1,500,000.00-$2,000,000.00 M.N. USD $77,000- $102,600

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VÍCTOR CHA'CA

(Juchitán, Oaxaca, 1948 - )

Sin título Firmado Óleo y arena sobre tela, díptico enmarcado junto 150 x 190 cm medidas totales Movido por una especie de horror al vacío, el pintor oaxaqueño vuelca en la tela una coreografía de personajes fantásticos donde el colorido es el protagonista. Así, nos muestra a modo de escenario una atmósfera repleta de figuras imposibles que nos transportan a una realidad distinta, pero plenamente oaxaqueña; plasma leyendas, mitos y animales que nos traen a la mente una sabiduría antigua. Fuente consultada: ESPEJO, Beatriz. Víctor Cha'ca: Los sueños son el principio de muchos cuentos. México. San Ángel Ediciones, 2013, pp. 9-28.

$55,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,850- $4,110 164


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JAVIER VÁZQUEZ "JAZZAMOART" (Irapuato, Guanajuato, 1951 - )

Inventor de ruidos Firmado y fechado 87 al frente y al reverso Óleo sobre tela 190 x 138 cm Agradecemos al Maestro Jazzamoart y a su esposa Nora Smith por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Jazzamoart lleva ya más de cuatro décadas de producción plástica ininterrumpida, que ha abarcado todos los materiales, géneros, técnicas y, por supuesto, opciones posibles, porque se ha caracterizado por la inquietud, la experimentación y la reflexión. De todas formas, si nos limitamos a su trayectoria pictórica, la vía por él más frecuentada, vemos que no ha dejado de cambiar sin apartarse de sí mismo; es decir, ha cambiado para mantenerse fiel a sí mismo, a su discurso estético inicial. Jazzamoart ha practicado un lenguaje semifigurativo y ha llevado a cabo una abstracción sin prescindir de

un gestualismo automático, pues nunca reprime su impulso primero. Jazzamoart entiende el arte como un ejercicio creativo constante. A mediados de los años ochenta y principios de los noventa, Jazzamoart ya había expuesto en el Museo Carrillo Gil, en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y en países como Chile, Noruega y Bélgica; sin embargo, su pintura no manifestaba relación alguna con las pautas artísticas del momento. Ya entrada la década de los noventa, la tarea de Jazzamoart comenzó a ser interpretada desde una tesitura diferente. Seguramente contribuyó a ello el reconocimiento de su trabajo a escala nacional, en Estados Unidos y en Europa, así como cierta aclaración del panorama pictórico; su obra ya se podía apreciar como un corpus total y una definición única e importante en México.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel et ál. Jazzamoart. Sólo a fuerza de pintar. México. Edición Nora Smith Castillo, Tiempo Imaginario, 2014, pp. 16 y 17.

$230,000.00-$280,000.00 M.N. USD $11,800- $14,360 165


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JOSÉ VILLALOBOS

(Ixtepec, Oaxaca, 1950 - )

Paisaje soleado Firmado y fechado 1986 al reverso Acrílico, arena y resina sobre tela 118 x 136 cm Con etiqueta de Galería KIN. Presenta ligeros detalles de conservación. Su obra es una metáfora de ideas de movimiento y transformación, asociada al paso del tiempo. Ha presentado su trabajo en exposiciones colectivas e individuales, como "Días terrenales" en Galería Kin en la Ciudad de México en 1986, "El tiempo y sus lugares" en la Galería Quetzalli de Oaxaca en 1994 y "Las tierras altas" en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca en 1998, por citar sólo algunas. "Hay pocos artistas visuales capaces de realizar obras que posean cualidades poéticas y plásticas como para ofrecer una propuesta contundente en el arte del siglo XXI en México, un dominio de la forma y de la materia. Estas cualidades se encuentran presentes, sin embargo, en algunos cuadros y dibujos de José Villalobos. Porque para Villalobos, la pintura no es sólo algo exterior, sino una especie de piel que lo mismo puede tener vida interior que transformar el espacio de la tela". Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. "José Villalobos une poesía y pintura". México. La Razón, sección Cultura, 9 de mayo de 2015.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,600- $4,650 166


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ERNESTO HUME

(Ciudad de México, 1953 - )

Lugar geométrico, 2015 Firmada Escultura en bronce a la cera perdida 1 / 7 30 cm de diámetro Con certificado de autenticidad del artista. Publicada en: sitio oficial del artista www.ernestohume.com Exhibida en: "Espacios desglosados", muestra presentada en la sala Pieza del Mes del Museo de Arte Popular en febrero de 2017. Existe una versión de gran formato (220 cm de dáimetro) de esta obra, está elaborada en acero inoxidable y también es del año 2015. Inició sus estudios en la Academia de San Carlos, interesado por la vanguardia minimalista de la escuela de Mathias Goeritz. En 1985 obtuvo mención honorífica por parte del INBA en el Salón Nacional Trienal de Escultura; en 1995 recibió la beca Mex-AM Fellowship Award del Vermont Studio Center y en 2007 obtuvo el primer lugar en la Primera Bienal Internacional de la ciudad de León. Sus obras forman parte del acervo de instituciones como el Museo Carrillo Gil, del Museo de Arte Moderno y del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, así como del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas y del Museo Antropológico de La Paz, Baja California. En su propuesta, su interés radica en la dualidad y la relación entre la ciencia y el arte. Ha realizado obra de carácter público y urbano, en su trabajo de gran escala ha explorado la capacidad de integración de la obra plástica al espacio arquitectónico, sus esculturas se caracterizan por un efecto logrado de movimiento o transformación constante. El metal ha sido el principal material de su trabajo y al respecto, el artista comenta: "El metal, por la libertad que permite de formas abiertas o muy espaciales; lo aprecio por sus cualidades acústicas". Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Ernesto Hume. México. Arte Hoy galería, 2014, pp. 4 - 7 y 11.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,110- $5,150 167


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RUBÉN LEYVA

(Oaxaca, Oaxaca, 1953 - )

El gran Merlín Firmado y fechado 2003 Óleo sobre lino 99.5 x 150 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 2014. El historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz describe el universo pictórico de Rubén Leyva como “un lugar de interferencias entre formas, pero también entre los distintos componentes de las mismas: las líneas rectas y curvas que trazan su esqueleto, los colores que rellenan sus interiores. El encuadre pictórico muestra el carácter dinámico del conjunto, dada su predominante asimetría, como si las formas quisieran desplazarse hacia unos de los lados: la plenitud cromática actúa en sentido contrario, propiciando quietud; los nítidos perfiles de las figuras geométricas terminan de anclarlas en el espacio plástico”.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. "Rubén Leyva. El juego de los espacios". México. Revista Casa del Tiempo, UAM No.48, octubre 2011, Pág. 50.

$280,000.00-$400,000.00 M.N. USD $14,360- $20,520

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JESÚS MAYAGOITIA

(Ciudad de México, 1948 - )

Encuentro de aniversario, escultura para el InstitutoTecnológico de Monterrey Firmada y fechada 12 Escultura en acero pintado 16 / 17 45 x 15 x 15 cm Con certificado de autenticidad del artista. Presenta detalles de conservación en las esquinas. Publicada en: Escultura de pequeño formato. México. Arte Hoy galería, 2014, Pág. 25. La versión de gran formato (1,200 cm de altura) de esta escultura fue realizada en 1997 y se encuentra en el Instituto Tecnológico de Monterrey, campus Estado de México; su título es "Encuentro de aniversario" y fue develada para la Conmemoración del XX aniversario del ITESM. Estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Visuales en la ENAP y ha realizado labores como docente en la misma institución. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA desde 1997. Ha presentado su obra en más de 100 exposiciones colectivas y 30 individuales. Ha recibido importantes reconocimientos en México y en el extranjero, fue el primer mexicano en ganar The Henry Moore Grand Prize por su escultura "Espacio vertical" en 1987. Su obra forma parte de relevantes colecciones entre las que destacan las del Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Museo de Arte Moderno, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, Museo Fernando García Ponce-MACAY y el museo al aire libre Utsukushi-ga-Hara en Japón. La obra de Jesús Mayagoitia se encuentra indudablemente marcada por la geometría; un purista de la línea, sus trazos se escapan del plano para materializarse en el vacío, dando color a la ausencia, proporcionando forma y figura al espacio. Esta obra pertenece a la etapa de su obra conocida como "Escultura modular" que comprende su producción de 1977 a 2000. En estas piezas, el secreto de su técnica está en la soldadura, que permite la convivencia de diversos módulos, a veces de distintos tamaños, en un equilibrio geométrico de proporciones exactas. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Jesús Mayagoitia. México. Arte Hoy galería, 2014, pp. 6, 22 y 68.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,080- $4,650

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ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - )

Estudio para la escultura La rosa Firmada 2 veces y fechada 77 Mixta sobre papel 60 x 45 cm Agradecemos a la Maestra Ángela Gurría por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz, adquirida directamente a la artista.

"La obra de Ángela Gurría está marcada por dicotomías, el suyo es un universo creativo donde los opuestos convergen; la vida con la muerte, la extrema sensibilidad con el calculado intelecto. A menudo sus esculturas obedecen a una visión dialéctica del mundo que la rodea: principio y fin, ying y yang, luz y oscuridad; forma y contenido de un cosmos en sí mismo. Como creadora, Ángela se deja seducir por la nobleza de los materiales con que trabaja ‒ya sea mármol, el fierro o la cantera‒ trasladando su humilde impronta sobre ellos, transfigurando lo inerte en formas vivas […] En su visión como artista, el legado del pasado sigue vivo, pero el presente se asume con responsabilidad moral y con sentido de la justicia. Con perspectiva habría que decir que Ángela Gurría es la última de los clásicos y la primera de los contemporáneos, pues guarda un lugar de primerísimo orden en la historia del arte moderno mexicano. Es La dama de la escultura en México". Luis Martín Lozano, marzo de 2012. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Ángela Gurría: La gran escultora de México. México. Arte Hoy galería, 2013, Pág. 12.

$35,000.00-$50,000.00 M.N. USD $1,800- $2,570

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ÁNGELA GURRÍA

(Ciudad de México, 1929 - )

Caracol 3, 1983 Sin firma Escultura en hierro, pieza única 46 x 61 x 8 cm Con certificado de autenticidad de la artista. Agradecemos a la Maestra Ángela Gurría por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Publicada en: Escultura de pequeño formato. México. Arte Hoy galería, 2014, Pág. 19. Aunque comenzó su formación como escultora de forma autodidacta, más tarde fue alumna de Germán Cueto y de Mario Zamora, además de recibir formación en la fundición de Abraham González y el taller de forja de Montiel Blancas. Ángela Gurría ocupa un lugar muy especial entre los escultores mexicanos, por el nivel de abstracción y simbolismo que alcanzan sus obras, así como por ser la primera mujer aceptada como miembro de la Academia Nacional de las Artes en 1973. Cuenta con numerosos galardones, entre los que sobresale el Premio Nacional de Bellas Artes en 2013. "El lenguaje inventado por Ángela Gurría para interpretar lo mágico y lo ritual se sustenta en un juego formal de concavidades y planos ascendentes que también evoca la espiral. Lo lleno y lo vacío: el claroscuro. Lo oculto y lo visible, la obra sienta un precedente para la libre interpretación de otros artistas que retoman el tema, muchos ojos se vuelven al pasado prehispánico con amor al interior de templos y raíces para dejar imperecedero testimonio". Milena Koprovitza. Fuentes consultadas: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Ángela Gurría: La gran escultora de México. México. Arte Hoy galería, 2013, Pág. 78 y sitio de Arte Hoy galería www.artehoy.com.mx

$220,000.00-$280,000.00 M.N. USD 11,300- $14,360 171


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FERNANDA BRUNET

(Ciudad de México, 1964 - )

FWAP! Firmado y fechado 2003 al reverso Acrílico sobre lino 180 x 240 cm Agradecemos a la Maestra Fernanda Brunet por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Con etiqueta de galería OMR. Fernanda Brunet es una artista plástica mexicana egresada de La Esmeralda, cuya obra se caracteriza por la incorporación de aspectos de la naturaleza y algunos elementos de la cultura japonesa. Su obra es híbrida y ha sido descrita como simbólica, de hecho en un principio su exploración fue de corte erótico, posteriormente comenzó a aplicar los mismos trazos enérgicos a una serie de paisajes, en los que se aprecian nubes, flores e incluso animales. Es un ofrecimiento romántico, igualmente contundente en cuanto a intensidad y emoción. A veces, sus trazos y composiciones remiten inmediatamente al lenguaje visual utilizado en cómics o manga. Actualmente su trabajo forma parte de colecciones importantes como Peter Stuyvesant Foundation, British American Tobacco, San Diego Museum of Art, Colección Jumex, The Weisman Foundation y Museo Jaureguia. Obtuvo el Premio de Adquisición en Pintura en la VI Bienal Monterrey FEMSA. Fuentes consultadas: FRANK, Sabina. "Fernanda Brunet. Alegorías híbridas". México. Cultura Colectiva, 2 de octubre de 2012. Mexican Art Data Base (MexartDB), www.mexartdb.com Patronato de Arte Contemporáneo AC (PAC), www.pac.org.mx

$160,000.00-$250,000.00 M.N. USD $8,210- $12,850

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ANTONIO SEGUÍ

(Córdoba, Argentina, 1934 - )

Alegría - Alegría Firmado y fechado 2004 al reverso Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Pablo Goebel Fine Arts firmado por el artista, agosto de 2005. También conocido con el apodo de "El Gallego Seguí", Antonio Seguí es un emblemático pintor, escultor e ilustrador argentino. Desde joven mostró dotes artísticas, así que con ayuda de su abuela emprendió un viaje a Europa, donde asistió a algunas clases en la Real Academia de San Fernando en Madrid y en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. En 1957, realizó su primera exposición individual y meses después inició su aventura de viajar por toda América Latina, llegando a México en 1958, donde entabló amistad con David Alfaro Siqueiros. Después de dos años de residir en nuestro país con su esposa, se trasladó a Buenos Aires hasta que en 1963 fue invitado a la Bienal de Pintura Joven organizada por el Museo de Arte Moderno de París. Sus constantes viajes hicieron que su estilo se formase mediante diversas influencias, practicando el informalismo, el surrealismo, el expresionismo y el arte pop. Así, poco a poco, fue construyendo su modo artístico, basado en caricaturas, historietas y textos en las que los personajes tienen humor e ironía. Desde entonces trabaja en series narrativas y críticas compuestas, poblando sus cuadros de hombrecillos vestidos a la manera de los años 20. "Los personajes que dibujo están relacionados con el mundo de mi infancia. Con la guerra, la clase de juguetes sofisticados, japoneses o alemanes, con los que había disfrutado hasta entonces, dejaron de ser importados en Argentina. Me tuve que conformar con los juguetes más modestos, de fabricación nacional, que eran expresiones de arte popular que hoy prácticamente han desaparecido. Así, los sujetos que se ven en mis pinturas provienen de allí. Lo que pinto es una reconstrucción histórica de mi infancia". Antonio Seguí. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.antonio-segui.com

$320,000.00-$400,000.00 M.N. USD $16,410- $20,520 175


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MARIO RANGEL FAZ

(Ciudad de México, 1956 - Ciudad de México, 2009)

Paisaje Firmado y fechado 1993 al reverso Óleo sobre tela 160 x 120 cm Con certificado de autenticidad de Fundación Rangel Faz A.C. Con etiqueta de la Segunda Bienal de Monterrey, 1994. Esta obra fue utilizada en la invitación de la exposición del 60 aniversario del artista. Mario Rangel Faz le dio bienvenida a todo, no descalificaba ninguna expresión artística, tuvo la capacidad de ser maestro de varias 176

generaciones y entender cada corriente. Durante su trayectoria artística tuvo una etapa de cuadros paisajistas inspirada en el creacionismo, movimiento poético de vanguardia liderado por el poeta chileno Vicente Huidobro. Al igual que el poeta, Rangel Faz rechazaba el reflejo de la realidad de una forma verosímil y creía posible crear mediante el trabajo artístico un mundo paralelo a la naturaleza. Él no quería hacer mímesis, sino mostrar sus modos de darnos un fruto, una flor, "hacer un poema como la naturaleza hace un árbol". Fuente consultada: ROJO, Vicente et ál. Mario Rangel Faz: Coordenadas. México. Museo Universitario Arte Contemporáneo, 2010, Pág. 9.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,600-$5,150


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ALDO CHAPARRO (Lima, Perú, 1965 - )

Sin título, 1996 Sin firma Escultura en madera 61 cm de diámetro Con certificado de autenticidad del artista. Pertenece a las primeras esculturas de madera hechas por Aldo Chaparro en Nuevo León, México. Aldo Chaparro llegó a Monterrey en 1991, acompañado de su amigo Moico Yaker, quien estaba invitado a participar en la exposición inaugural del Museo de Arte Contemporáneo. En esa época, Monterrey comenzó a impulsar su mercado de arte con ayuda de un pequeño grupo de coleccionistas y Aldo empezó a conocer bien aquel nuevo mercado latino cuando el de Nueva York comenzó a flaquear. Entonces, el trabajo que realizaba Aldo era mediante madera tallada, un material que había estado utilizando sus últimos años de estudios en la universidad. Hacía representaciones de objetos influenciados en las pinturas de Vanitas, porque el objetivo de esas obras era recordar que todo en la vida era vanidad. Así, con aquellas ideas, las obras de su primera etapa fueron bien aceptadas en los círculos artísticos de Monterrey, logrando exponer en museos y vender a través de galerías. Tiempo después, junto con Vanesa Fernández y Mario García Torres, formó un colectivo llamado "La Mesa", el cual era básicamente su estudio. En este lugar se detonaron varios proyectos similares a los que venía trabajando, en general se trataban de soluciones de diseño y arquitectura. No obstante, los contenidos de su trabajo no han cambiado mucho desde sus inicios, con el tiempo, Aldo estructuró su obra como algo bastante personal, manteniendo un fuerte pensamiento de que toda obra suya debe tener un proceso, una idea, un material y una resolución. Actualmente, la obra de Aldo Chaparro forma parte de importantes colecciones a nivel internacional como: Fundación/Colección Jumex, Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami, The Helga de Alvear Foundation en España, Simon de Pury en Londres, Douglas Baxter's Collection en Nueva York, Collection Guler Sabanci en Estambul, Turquía y Pierre Huber Collection en Suiza, entre otras. Fuente consultada: LEÓN DE LA BARRA, Pablo. "Una conversación entre Aldo Chaparro y Pablo León". Revista Atlántica, No. 53, www.aldochaparro.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,260- $15,400 177


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IGNACIO ITURRIA

(Montevideo, Uruguay, 1949 - )

Tira cómica Firmado y fechado 99 Óleo y acrílico sobre cartón corrugado 49.5 x 32.5 cm Procedencia: colección del historiador y crítico de arte Miguel Ángel Muñoz, adquirido directamente al artista. Exhibido en: "Ignacio Iturria. Obra en papel", exposición presentada en el Museo Regional de Guanajuato, Alhóndiga de Granaditas en el marco del 37 Festival Internacional Cervantino, octubre a noviembre de 2009. Nacido en Uruguay de ascendencia vasca, en la década de 1970 se fue a Cadaqués, España en busca de inspiración para su obra, donde permaneció 10 años. Desde la segunda mitad del siglo XX, su obra ha destacado, pues el artista ha desarrollado un estilo maduro, con un fuerte y personal 178

vocabulario de colores terrosos y personajes de ensueño y fantasía, cargados de historias y provocadores de recuerdos, que hoy conocemos como el cuño indeleble de su arte poético y humanístico. Iturria ha expuesto su trabajo en diversos lugares de América Central y del Sur, Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. "A mí la pintura me entusiasma siempre. Para mí levantarme y saber que tengo una tela en blanco y que arranca el día es toda una ilusión, es como que podés empezar de vuelta. Esa es una de las cosas que más me gusta de esto, esa posibilidad de rectificación y que cada día parezca como si fuera un domingo o una fiesta o tu cumpleaños". Ignacio Iturria. Fuentes consultadas: MUÑOZ, Miguel Ángel. "Ignacio Iturria. Obra en papel". México. Museo Regional de Guanajuato, 2009 y SALLÉ ONETTO, Andrea. "Ignacio Iturria: pinceladas de interioridad". Uruguay. El Observador, sección Seisgrados, 22 de julio de 2014.

$55,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,850- $4,110


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GABRIEL OROZCO

(Jalapa, Veracruz, 1962 - )

Balsa Firmado y fechado 88 Acrílico sobre papel 50 x 48.5 cm Con certificado de autenticidad del artista, enero de 2017. Con etiqueta de Galería Kin. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, al finalizar decidió viajar a España para explorar el arte por sus propios medios. En 1986 llegó a Madrid y entró al Círculo de Bellas Artes en donde conoció a una amplia gama de artistas de la posguerra y estableció estrechas amistades. Sus piezas fueron resultado de estas relaciones, de la exploración de la calle y de su negación por el sedentarismo. Las obras de los años 80 y 90 chocaron con las corrientes de la época, por lo que son consideradas rarezas de los inicios del arte de Gabriel Orozco. Son obras de alto contenido cultural, parteaguas de todo su trabajo, recolectoras de las historias de sus primeros encuentros artísticos y testigos de los lugares donde estuvo. Hoy en día Gabriel Orozco es el artista mexicano más cotizado en el mercado internacional del arte contemporáneo. Su obra ha sido motivo de un sinfín de exposiciones individuales en importantes recintos como el MoMA y The Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, en el Museo Reina Sofía en Madrid, Hirshhorn Museum en Washington y en el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, entre otros. Es representado por la Marian Goodman Gallery de Nueva York, la Galería Kurimanzutto de la Ciudad de México y la Galerie Chantal Crousel de París. Fuente consultada: TORRES, Jonathán. "Gabriel Orozco: crea arte sin esperar nada a cambio". México. Forbes, 2016.

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $12,850- $18,000 179


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ARNO AVILÉS

(Ciudad de México, 1971 - )

Infra 2016 Sin firma Escultura en mármol travertino y recinto, pieza única 51 x 67 x 19 cm Con certificado de autenticidad del artista. Estudió Artes Visuales en la ENAP, donde fue un alumno destacado del escultor Kiyoto Ota. Participó y pasó a la segunda ronda de selección en la Trienal de Escultura de Osaka, Japón en 1998. En 2006 tuvo lugar su primera muestra individual en el Museo Federico Silva de San Luis Potosí. A principios de 2012 presentó una muestra individual en el Museo Fernando García Ponce-MACAY. En junio del 2013 participó en la exposición colectiva "Geometrismo escultórico mexicano", al lado de artistas como Manuel Felguérez, Ángela Gurría, Vicente Rojo y Jesús Mayagoitia, así como en "Paradigmas. Una década de escultura" en el Museo Federico Silva. En marzo del 2016 participó en la exposición "E-8 escultura contemporánea, México" en el Museo Manuel Felguérez en Zacatecas, junto con: Yvonne Domenge, Pablo Kubli, Ernesto Álvarez, Ernesto Hume, Pedro Martínez, Luz Zaga y María José de la Macorra. Arno captura de su entorno más inmediato, que es la Ciudad de México, los objetos del diseño industrial, las formas arquitectónicas, el caos de los elementos urbanos y los vestigios de la naturaleza. Su obra nos habla de las formas actuales de representar la naturaleza y el mundo, desde una silla, una ventana, una rama de ahuehuete, un grafiti, hasta la acreción de un astro. Fuente consultada: ESPINOSA FERNÁNDEZ, Jorge. Arno Avilés. Escultura reciente. México. Arte Hoy galería, 2014, pp. 10 y 12.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150- $7,700 180


127

FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987)

Composición con flecha vertical Firmado y fechado 72 Óleo sobre tela 121 x 100 cm Con etiqueta de Galería Juan Martín. Originario de Yucatán, Fernando García Ponce se manifestó como uno de los artistas abstractos más importantes de México en la época de la Ruptura. En 1952 ingresó a la carrera de Arquitectura en la UNAM y tiempo después comenzó a asistir al taller de Enrique Climent. Como parte de toda formación artística, viajó a Europa dejando atrás la arquitectura para dedicarse de lleno a la pintura. A su regreso a México exhibió en renombradas galerías de arte e inició una importante transición artística. Fue precisamente en la

década de 1970 cuando su estilo se consolidó más propiamente, con elementos del collage y distintas texturas, conseguidas con técnicas como la aplicación de la materia pictórica con la espátula. En 1972, se llevó a cabo su séptima exposición en la Galería Juan Martín, donde la prensa reportó que se vendieron todas las obras el mismo día en que se inauguró la muestra. "El arte es como una fuente de agua viva. Su gran valor consiste en que permite la introspección y nos salva un poco de ser devorados por el sistema atroz y absurdo en que vivimos. Es la única posibilidad de sacar todo lo bello y grande que hay en el ser humano". Fernando García Ponce. Fuentes consultadas: BORRÁS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, Ediciones el Equilibrista, 1992, pp. 73-78 y sitio oficial del artista www.fernandogarciaponce.com

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,260- $12,850 181


128

JESÚS RAFAEL SOTO

(Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2005)

Milan écriture circulaire Firmada Serigrafía 67 / 110 75 x 66 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, abril de 2017. En la serie "Écriture (escritura)" de Jesús Rafael Soto, la superficie parece revelar un guión misterioso. Un mensaje se forma, pero luego retrocede visualmente en un bosque de líneas verticales. Al moverse a distintas distancias, las líneas curvas parecen bailar hacia el primer plano. Este dinamismo es un registro de la mano del artista y produce la sensación de animación entre la superficie plástica y el espectador. El espacio era uno de los temas universales que Soto exploró en su obra, al respecto decía que concebía al arte "como un conjunto de preguntas que debe ser resuelto por el artista, porque son problemas que se plantea a lo largo de su vida". Soto va más allá de la reorientación de las relaciones entre los elementos físicos de su trabajo. Su arte también requiere un tipo diferente de relación con el espectador, una participación activa por medio del movimiento, el cual corresponde a las vibraciones ópticas. La música era importante para Soto (tocaba la guitarra) y fue la precisión matemática de Bach y los compositores modernos donde Soto reconoció la abstracción pura que buscaba para su arte.

Fuente consultada: GINSBERG, Mimi. "Infinite possibilities: Jesús Rafael Soto's Escritura". E.E. U.U. Sitio del proyecto Constellations: Past, Present & Future Directions at the Art Museum of the Americas.

$110,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,650-$7,700 182


129

RENÉ FREIRE

(Ciudad de México, 1952 - )

Amarillo Firmado y fechado MMIII al frente y al reverso Óleo sobre tela 70 x 100 cm Con certificado de autenticidad del artista, febrero de 2016. Pintor, dibujante y grabador, fue una figura importante en el "movimiento de los grupos" de los años 70's y 80's posterior a la Ruptura con el muralismo mexicano.

"Obstinación de las paralelas, horizontales con las verticales, creación que menosprecia el regocijo mezquino. Espacios internos que se ajustan con el entramado. Confabulación secreta del reconocimiento de colores, contrastes y armonías, tonos que acompañan las distancias o las cercanías, pintura-sonora. Color, espacio, ritmo y espíritu. Su pintura lo conlleva, y él se sorprende de nuevo con pasajes que percibe infinitos". Roberto Parodi. Fuente consultada: LEGRAND-HUBERT, Dominique. "René Freire, Paisajes de oro y plata", 21 de enero de 2013.

$40,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,060- $3,100 183


130

JESÚS RAFAEL SOTO

(Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - París, Francia, 2005)

Couleur et bord noir, de Madrid series Firmada Serigrafía 97 / 100 89.5 x 69.5 cm área estampada, 91 x 71 cm medidas totales del papel Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, abril de 2017. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas. Fue un importante artista venezolano, reconocido por desarrollar un lenguaje cinético en el que lograba efectos ópticos mediante la superposición de elementos compositivos capaces de dar la impresión de movimiento en el espacio bidimensional del plano pictórico. "Generalmente los artistas se han preocupado de elementos ya situados en un espacio determinado, cuando en realidad los elementos sólo deberían servir para demostrar la existencia infinita de relaciones, no sólo en el espacio sino también en el tiempo". Jesús Rafael Soto. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.jr-soto.com

$110,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,650-$7,700 184


131

FERNANDO PACHECO

(Ciudad de México, 1959 - )

Azar 90 Firmada y fechada 2015 Escultura en bronce 1 / 3 29 x 70 x 12.5 cm medidas totales considerando la base Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicada en: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda et ál. Fernando Pacheco. Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, Pág. 74, catalogada 25. Cursó la Licenciatura en Diseño de la Comunicación Gráfica en la UAM. Su inclinación por el dibujo y la pintura se hizo evidente desde entonces y a partir de 1986 ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales. Las obras reunidas con el título "Estructuras infinitas" forman núcleos temáticos integrados por esculturas y objetos tridimensionales que discurren entre la pintura y la escultura: son esculturas colgantes y pinturas que intersectan y dividen el espacio, que sin estar basadas en lo visible, remiten a morfologías evocadoras de la naturaleza. Formaciones curvas y rectas se mueven sobre la madera o el metal, bajo un sistema organizado de engranajes y conexiones, semeja rizomas botánicos, modelos atómicos o arborescencias provocadas por reacciones electromagnéticas. Esta constante de ritmos y alteraciones encierra la paradoja del orden como generador del caos y su ciclo inverso. La armonía inconclusa de sus creaciones lleva a reflexionar sobre la fragilidad del equilibrio de un sistema sujeto a la mutación, en donde él es capaz de desencadenar un proceso de cambios progresivo e irreversible. Fuente consultada: MATOS MOCTEZUMA, María Fernanda, et ál. Fernando Pacheco: Estructuras infinitas. México. Aldama Fine Art, 2017, pp. 6 y 9.

$140,000.00-$180,000.00 M.N. USD $7,200- $9,250 185


132

GABRIEL MACOTELA

(Guadalajara, Jalisco, 1954 - )

Sin título Firmado y fechado 16 Óleo sobre tela 60 x 120 cm Macotela estudió en La Esmeralda y en la ENAP. Más tarde, ingresó al taller del maestro Gilberto Aceves Navarro en la Academia de San Carlos. Se trata de un artista polifacético que ha incursionado en la pintura, el grabado, la escultura, la edición e incluso la música. Perteneció al Grupo SUMA. Ha presentado su trabajo en diversas exposiciones colectivas en museos y galerías nacionales e internacionales, así como muestras individuales entre las que sobresalen las realizadas en el Museo Carrillo Gil en 1983 y 1997, en el Museo de Arte Moderno en 1986 y en el Museo Rufino Tamayo en 1988. "Gabriel es un gran hacedor de objetos. Los colores, las formas, las texturas son plasmados en una serie de rompimientos que asemejan telas rotas y vueltas a unir, planos que se multiplican y que dan idea de estar inconexos, pero no es así, podemos encontrar figuras que aparentemente están ocultas detrás del cuadro que vemos, al final se conjuga todo en una unidad que nos muestra a un artista que conoce su oficio". Margarita Martínez Lambarry. Fuentes consultadas: LAMBARRY MARTÍNEZ, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 396 y sitio de la Galería López Quiroga www.lopezquiroga.com

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,100- $4,650 186


133

MIGUEL ÁNGEL ALAMILLA (Ciudad de México, 1955 - )

Paisaje con faros de luz, 1987 Firmado y fechado 88 Óleo sobre tela 150 x 200 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Es un pintor y dibujante mexicano egresado de La Esmeralda, donde también ejerció el cargo de profesor durante varios años. En 1982 obtuvo una beca de producción de dibujo y gráfica del INBA y en 1986 dirigió un seminario de dibujo para artistas y maestros de Artes Plásticas en la Casa de la Cultura de Monterrey. Desde 1993 fue miembro del Sistema Nacional de Creadores. Su estilo es resultado de una generación de artistas que fue influenciada por los momentos históricos por los que pasaba el país. A lo largo de su carrera, su obra ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional. "Miguel Ángel Alamilla descubre para el observador la línea y el punto. Sin embargo, algo se perfila y se desdibuja en sus secuencias de cuadrados y rectángulos mezclados con lo gestual. Ese algo innombrable e indescifrable, viene de la elipsis donde se engarzan su propio imaginario con las siglas de la abstracción". Lelia Driben. Fuentes consultadas: DRIBEN, Lelia. "La línea y el punto", junio de 2007 y sitio del Museo Carrillo Gill www.museodeartecarrillogil.com

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,160- $7,700 187


134

MIGUEL CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1956 - )

Cuadrado en el trópico o Paisaje picudo Firmado y fechado 86 Acrílico sobre tela 200 x 140 cm Agradecemos al Maestro Miguel Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Procedencia: adquirido directamente al artista. Colección privada. Con etiqueta de Museo de Historia Mexicana. Estudió en La Esmeralda, la cual abandonó a los dos años de haber ingresado para entrar al taller de grabado del Centro de Investigaciones y Experimentación Gráfica. Su primera exposición individual fue realizada en el Museo de Arte Carrillo Gil en 1982 y cuatro años después el Museo de Arte Moderno organizó la exposición individual "Paisaje dividido". En esta época, fue galardonado con el premio de adquisición de la Primera Bienal de Pintura Rufino Tamayo en Oaxaca y el primer premio de adquisición en el II Encuentro de Arte Joven en Aguascalientes. Actualmente, Miguel Castro Leñero es uno de los principales exponentes del arte contemporáneo mexicano. Su obra ha sido expuesta en destacados museos y galerías mexicanas, y se encuentra en importantes colecciones privadas de América, Europa y Asia. "La pintura me motiva mucho y me ayudó a construirme personalmente. Es un lenguaje extremadamente rico, complejo y difícil. Implica mucha disciplina, cierto rigor, me obligó a trabajar mucho; parte de mi juventud la dediqué íntegramente a pintar, en ese sentido mantuve una disciplina muy fuerte. He tenido la suerte de tener una línea, trabajar 30 años sobre algo". Miguel Castro Leñero.

Fuentes consultadas: GARCÍA SANDOVAL, Laura. "Entrevista al pintor mexicano Miguel Castro Leñero". BlouinArtinfo, 26 de septiembre de 2013 y sitio del Museo Carrillo Gill www.museodeartecarrillogil.com

$180,000.00-$220,000.00 M.N. USD $9,250- $11,300 188


135

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010)

Domingo de jacarandas 03 03 03 Firmado al frente. Firmado y fechado Mex DF 03 al reverso Óleo sobre tela 180 x 80 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017.

"La gente tan sólo mira la ciudad desde sus ventanas de su coche, desde el metro, el camión o la casa. Y yo tengo la idea de hacer de esta visión, una cosa excepcional. Tengo esta idea de convertir lo cotidiano en algo excepcional. La gente es incapaz de ver las cosas que los rodea, ellos ven todo así, cuadrado. Por eso es que yo he pretendido hacer esto, más o menos hacer algo que tenga profundidad, movimiento; con una expansión, una tactilidad, un color y una manera de ver las cosas diferentes. Quiero hacer algo más amplio, más vivo, para que la gente no vea únicamente desde la ventana, cuadrado. Ver la ciudad". Phil Kelly. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, mayo-junio de 2005, año 10, No. 75, Pág. 18.

$220,000.00-$350,000.00 M.N. USD $11,300- $18,000 189


136

YAMPIER SARDINA

(La Habana, Cuba, 1979 - )

Descomposición, de Rain series Firmado y fechado 2015 Óleo sobre tela 91 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas 20 de Octubre y en la Academia Nacional de Artes Plásticas San Alejandro, ambas en La Habana. Fue discípulo de Arturo Montoto, con quien realizó varios proyectos murales. Vive y trabaja en Miami. "Rain Series" es un proyecto que Yampier Sardina comenzó en 2013. Para Yampier la lluvia es sinónimo de intimidad y verla detrás de un cristal le da la posibilidad de jugar con las formas y de proponer una imagen inconclusa, realista y a la vez abstracta. Al mismo tiempo brinda al espectador muchas maneras de verla y de especular incluso cuál es el lugar representado, porque, aunque parte de fotos, siempre les hace cambios y en palabras del autor: "pueden ser donde sea. Me gusta mucho jugar con el concepto de la mentira, es una mentira que lleva a un conocimiento".

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,650-$6,160

190


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SAIR GARCÍA

(Barrancabermeja, Colombia, 1975 - )

Magdalena Firmado y fechado 17 al reverso Óleo sobre acero inoxidable 80 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. En su obra, Sair García trabaja la temática de los desplazados, se trata de un arte de protesta. Tanto en Colombia, como en Latinoamérica los ríos han sido testigos de los aconteceres. Por lo mismo su producción ha girado principalmente en torno al río Magdalena en su país natal. En un principio los caudales eran medios de transporte y comunicación, pero últimamente se han transformado en observadores silenciosos de injusticias. Sair denuncia estos acontecimientos de una forma sugerente a través de la poesía, mostrando los lugares y evidenciando dichos sucesos. Esta obra replica el devenir del río y su aparentemente plácido fluir. Utiliza el acero, ya que por su cualidad reflejante y por su textura recuerda a las aguas del río; pero a la vez representa una metáfora, ya que el metal es un conductor y transmisor, al igual que su obra transmite un mensaje, una desaprobación. $90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,360-$7,700 191


138

LUIS KERCH

(Ciudad de México, 1962 - )

El lago verde, Valle Firmado y fechado 16 al reverso Acrílico sobre tela 80 x 140 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, noviembre de 2016. Publicado en: sitio oficial del artista www.luiskerch.com con el título "Velo de novia, Valle" Luis Kerch ha vivido y trabajado en Estados Unidos, Venezuela, México, Inglaterra y España, desde Tenerife hasta Madrid, donde reside actualmente. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Miami y tiene Maestría por el Pratt Institute de Brooklyn, Nueva York. En 2012 fue seleccionado como uno de los ganadores del prestigioso certamen británico "Threadneedle Prize for Painting & Sculpture". La obra de Luis Kerch representa la experiencia de percibir la luz y el mundo que nos rodea a través del uso del color. En esta obra plasmó la cascada Velo de Novia ubicada en el parque ecológico del mismo nombre; esta cascada se alimenta del arroyo San Juan ubicado en Valle de Bravo. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.luiskerch.com

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150- $7,700 192


139

JOSÉ CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1953 - )

Feria de arte, 2015 Firmado Acrílico sobre tela 110 x 135 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 2017. Proveniente de una familia de artistas, José Castro Leñero estudió Comunicación Gráfica y posteriormente Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. En 1986, colaboró en el Taller de Producción Self-Help Graphics en los Ángeles California. Su obra comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg. Las imágenes que José Castro Leñero utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y de las nuevas tecnologías para hacer, rehacer y deshacer, dibujar y desdibujar, pintar y despintar, figurar y desfigurar, sobreponer, aparecer y desaparecer. En este proceso José Castro Leñero construye un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. Actualmente, José Castro Leñero es un artista que destaca por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en museos de México y Estados Unidos. Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992 y sitio del taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com

$120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,160-$8,210 193


140

OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - )

Vestigio Firmado y titulado con vinil al frente. Firmado y fechado NYC 2014 al reverso Óleo sobre tela 69.5 x 162 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, agosto de 2014. Se graduó de la legendaria Academia de Bellas Artes San Alejandro en 1991. Al año siguiente se trasladó a la Ciudad de México, donde vivió hasta 2002. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Desde su primera exposición individual en La Habana en 1991, ha expuesto individualmente en galerías e instituciones de México y América Latina, así como en los Estados Unidos. Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: el Centro de Desarrollo de las Artes Visuales de La Habana, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, Museo de Arte Moderno de México, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Museo Nacional de Arte, México, Centro Nacional de las Artes de Nuevo León y la Fundación Merrill Lynch para las Artes en Miami.

"Como parte de una investigación con respecto a la fotografía, estoy interesado en explorar temas de contenido social y antropológico, mediante la pintura tradicional y las técnicas multimedia. La obra, en conjunto, invita al espectador a reflexionar, rodeado de un concepto espacial creado con el fin de representar el universo visual que nos circunda". Ofill Echevarría. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.ofillechevarria.com

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110-$6,160 194


141

PHIL KELLY

(Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010)

El edificio Cue Firmado al frente. Firmado y fechado Oaxaca 98 al reverso Óleo y carboncillo sobre tela 100 x 200 cm Agradecemos a la familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Presenta ligeros detalles de conservación. Phil llegó a México por primera vez en 1982 y decidió quedarse a vivir en 1989, naturalizándose mexicano en 1999. Desde su llegada a tierras mexicanas el jazz, el blues y la ópera fueron su principal atracción y apoyo para inspirarse en esta ciudad. Pero lo que lo determinó como un paisajista urbano fue el haber vivido cerca del Circuito Interior, entre avenidas principales y pasos a desnivel, así como sus largas caminatas por la calles de la ciudad. De igual forma, Kelly recorrió otras ciudades, entre ellas Oaxaca, donde realizó algunas pinturas y dibujos de edificios y monumentos históricos. Tal es el caso de la Casa Cué, localizada en el centro sobre la calle Aldama en el número 103, un inmueble con una fachada característica del Art Decó, tendencia arquitectónica poco común en Oaxaca. En esta obra, Phil Kelly logró capturar el simbolismo de la modernidad que se ve en Oaxaca, compleja y contradictoria, una propuesta reveladora sobre el ambiente metropolitano.

"En las pinturas de Kelly la ciudad es descrita como el resultado de un proyecto moderno truncado, con una cierta nostalgia por la ciudad de dimensiones humanas, e impregnada de una celebración por el color y las connotaciones subjetivas, características de los pintores postimpresionistas y los fovistas". José Manuel Springer. Fuentes consultadas: SPRINGER, José Manuel et ál. Phil Kelly. Dos horas y veinticinco años. México. Aeroméxico, American Express, 2005, pp. 56-57 y sitio oficial del artista www.philkellymexico.com

$250,000.00-$350,000.00 M.N. USD $12,850- $18,000 195


142

RODRIGO PIMENTEL

(Zináparo, Michoacán, 1945 - )

Mina de Tezontle, 2016 - 2017 Firmado Óleo sobre tela 100 x 152 cm Con certificado de autenticidad del artista.

"Rodrigo Pimentel estudió en la ENAP. Alcanzó a ser alumno de varios maestros que pugnaban todavía por la clásica enseñanza académica: Santos Balmori, Francisco Moreno Capdevila, Antonio Rodríguez Luna, Luis Nishizawa y Celia Calderón. La trayectoria de este pintor no ha sido lineal, cosa importante de señalar. Con esto quiero decir que sus cambios de 'estilo' no han ocurrido por evolución, sino por hitos que se perciben firmemente delimitados unos de otros. Pero esto no significa que rastros de sus etapas anteriores dejen de incurrir en su presente pictórico". Teresa del Conde. $150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,700-$10,260 196


143

CARLOS OROZCO ROMERO

(Guadalajara, Jalisco, 1898 - Ciudad de México, 1984)

Sin título Firmado Óleo sobre lino 30 x 45 cm A mediados de la década de 1940 irrumpió con fuerza el género del paisaje en la producción de Orozco Romero. Un buen número de estos paisajes pertenecen al ámbito de una lograda abstracción temática, siguiendo la línea de la experimentación plástica, donde Orozco Romero plasmó mediante una serie de planos diáfanos, juegos cromáticos de azules de gran intensidad, sin mayor asunto que la interacción del color.

"Sin siquiera advertirlo, la retina y sensibilidad de Carlos van almacenando formas, volúmenes, luces, sombras, que más tarde, ya sazonada su paleta, le permitirán crear esos paisajes que no son nunca trasunto directo de la realidad, y que, empero, son tan reales, que no es raro que llegue alguien y le diga al pintor 'Hoy vi un paisaje tuyo'". Margarita Nelken.

Fuentes consultadas: LOZANO, Luis-Martín. Carlos Orozco Romero. Propuestas y variaciones. México. CONACULTA, INBA, Secretaría de Cultura del Gobierno de Jalisco, 1996, Pág. 26 y NELKEN, Margarita. Carlos Orozco Romero. México. UNAM, Coordinación de Humanidades, 1994, Pág. 9.

$100,000.00-$120,000.00 M.N. USD $5,150-$6,160 197


144

ERNESTO ESTÉVEZ GARCÍA (La Habana, Cuba, 1967 - )

Retorno al alba Firmado y fechado 2016 Óleo sobre tela 130 x 150 cm Desde niño, acompañaba a su padre a los Estudios Fílmicos de las Fuerzas Armadas Revolucionarias, pues era fotógrafo. Fue de este modo que Ernesto Estévez García también incursionó en esta disciplina. En 1990 pintó su primer óleo, descubriendo un mundo nuevo donde era capaz de mostrar de la naturaleza mucho más que en una foto, expresando sensaciones; así, la fotografía se convirtió sólo en el medio para llevar a cabo su trabajo. Aprendió a pintar por su cuenta, a base de equivocarse y volverlo a intentar.

"Penetrar en los paisajes de Ernesto Estévez García resulta una experiencia repleta de bucólicas reminiscencias y familiares impresiones, con las que el creador habanero regala una muestra de su vocación y búsqueda constantes. Estos paisajes suyos, cubanos, tropicales, idílicos son pequeños fragmentos de una monumentalidad de formas y detalles que se presentan en la opacidad y contrastes cromáticos, en la elaboración de los planos y la equilibrada verticalidad en su conjunto". Toni Piñera. Fuente consultada: GRANT, María. "Ernesto Estévez. Lo divino tras la neblina". Cuba. Opus Habana, 28 de Marzo de 2011.

$350,000.00-$400,000.00 M.N. USD $18,000- $20,520 198


145

CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - )

Cascada Firmado y fechado 2000 Óleo y acrílico sobre tela 110 x 150 cm

"Para mí, siempre existen nuevos intereses para abordar el paisaje. En algunos casos existe simplemente el reto de abordar la inmensidad; en otros, el reto de competir contra la perfección de la naturaleza, sus accidentes, su belleza, su nobleza. También en este tipo de pintura se involucra el diálogo, las evocaciones, las sorpresas, la reflexión que ella misma provoca impactando en la dimensión existencial. Y a ello se suma el gusto que ella misma me despierta por la recomposición e innovación, por el interés de copiarla con perfección, de asimilarla y meterme en sus entrañas, para así compartirla con los demás". Carlos Ríos. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre-octubre de 2008, año 13, No. 95, Pág. 33.

$110,000.00-$160,000.00 M.N. USD 5,650- $8,210 199


146

MARIO ALMELA

(Ciudad de México, 1940 - )

Paisaje, ca. 2010 Firmado Óleo sobre tela 80 x 100 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Además de ser un pintor y anticuario de larga y prolífica trayectoria, Mario Almela ha ejercido la práctica del alpinismo durante años, habilidad que le ha permitido apreciar el paisaje mexicano y a su vez recrearlo en cada pintura. A diferencia de otros paisajistas, sus pinceladas rápidas y enérgicas recrean una tendencia propia sobre la luz y la sombra, amparado por un estilo que remite al impresionismo. Es así, que ha sido llamado el "Pintor de luz y sol". Su vocación por pintar valles, pueblos y volcanes, lo llevó a ejercer una relación estrecha entre naturaleza y pintura, misma que generó que su obra fuese considerada como un placer estético. "Sus paisajes son auténticos; evocan lugares y tiempos ya pasados pero también nos acercan a una cotidianidad que sigue vigente, aún cuando los habitantes de las urbes no la percibamos: las labores de los campesinos, el paseo por las orillas de las tierras cultivadas, las zambullidas en los ríos". María Guadalupe Ruíz Martínez. Fuente consultada: ALDAMA, José Ignacio et ál. Mario Almela. El paisaje y los volcanes de México. México. Aldama Fine Art, 2008, Pág. 3.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,160- $7,700 200


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CARLOS RÍOS

(La Habana, Cuba, 1958 - )

Las aguas verdes Firmado al frente. Firmado y fechado 2008 al reverso Acrílico sobre tela 145 x 200 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, diciembre de 2015. Arquitecto, pintor y amante de la naturaleza, Carlos Ríos es conocido por su obra paisajística con esencia tropical tanto cubana como mexicana. Estudió Arquitectura en el Instituto Superior Politécnico de La Habana y posteriormente se especializó en Diseño Gráfico e Industrial. Llegó a México en 1994, donde su obra comenzó un mestizaje cultural visual y emprendió un estable y definido camino como artista plástico, participando en diversas exposiciones colectivas e individuales y ferias de arte a nivel internacional. La obra de Carlos pretende rescatar a través de los detalles sus propios recuerdos. Pinta sus estudios biogeográficos con reverencia y sentimiento, resaltando la vitalidad de los bosques, selvas, lagos, ríos y montañas, creando una atmósfera que genera calidez, reflexión y libertad. Pinta una idealización sublime del paisaje. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre-octubre de 2008, año 13, No. 95, pp. 27 y 28.

$190,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,745- $12,850 201


148

JUAN EUGENIO MINGORANCE

(Jaén, España, 1906 - Ciudad de México, 1979)

Plaza Saint Joseph à Saint Jean-de-Luz, Francia Firmado y fechado 1975 Óleo sobre tela 50.5 x 60 cm Inició sus estudios en Málaga, con César Álvarez Dumont y después continuó con Antonio Muñoz Degrain; más tarde, se trasladó a Madrid para estudiar en la Academia de San Fernando y en la Academia de Bellas Artes de París, Francia, donde vivió de 1937 a 1940. En 1944, llegó a la Ciudad de México y más tarde se mudó a Monterrey. El Museo del Patrimonio Municipal de Málaga, España, cuenta con gran parte de su producción. Mingorance fue un pintor cuya búsqueda de la luz fue incansable, además de lograr comulgar en su obra la herencia de la pintura española con lo que aprendía en sus diversos viajes. Fuentes consultadas: CABAÑAS BRAVO, Miguel. Pinceladas. Dos raíces, dos tierras, dos esperanzas. México. Grupo Financiero BX+, 2014, Pág. 42 y sitio del Museo Municipal de Málaga www.museodelpatrimoniomunicipal.malaga.eu

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,100-$4,110 202


149

ROBERTO FERNÁNDEZ BALBUENA

(Madrid, España, 1890 - Ciudad de México, 1966)

Músicos huicholes Firmado y fechado 1965 Óleo sobre tela 80 x 60 cm Incluye un ejemplar del catálogo de la exposición "Roberto Fernández Balbuena, en el centenario de su nacimiento". Museo del Palacio de Bellas Artes, marzo-mayo de 1991. Fue un destacado arquitecto y pintor español naturalizado mexicano. Fue pensionado de Arquitectura en Roma por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, profesor de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y director adjunto del Museo del Prado. Era un artista diligente y activo, en 1939 lo nombraron comisionario para la Exposición Universal de Nueva York y agregado cultural de la Embajada de España en Suecia. En ese mismo año emprendió el exilio como muchos otros artistas españoles y llegó a México, donde realizó con gran éxito diversas exposiciones y fundó con Ovidio Botella la empresa constructora TASA. Como transterrado no estuvo exento de los cambios culturales y las influencias del antes y el después del arraigo. En esta etapa, cultivó la temática del paisaje y el retrato con una nueva formación llena de sentimientos de nostalgia. El colorido de su trabajo lo caracterizaron rápidamente, de hecho su amigo Ernesto Mejía Sánchez lo definió como el conquistador de colores. Las obras del artista madrileño se encuentran hoy en día en importantes colecciones públicas y privadas de museos mexicanos y españoles, entre ellos el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía.

Fuente consultada: SANDOVAL, Víctor. Roberto Fernández Balbuena, en el centenario de su nacimiento. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, marzo-mayo de 1991, pp. 10-19.

$60,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,100-$4,650 203


150

NICOLÁS MORENO

(Ciudad de México, 1923 - Ciudad de México, 2012)

De Loma a Loma Firmado y fechado 1986 Óleo sobre tela sobre madera 60.7 x 122 cm Con certificado de autenticidad de Alicia Moreno R., abril de 2017.

"Tiene algo más que talento, pues también posee como vértebra la disciplina, el trabajo y el valor. Recorrió sin cansancio la casi totalidad de la República Mexicana, viajó a otros países, capturó exitosamente diversos panoramas; paisajes tan mexicanísimos, los enormes magueyes, las cactáceas más espectaculares y aquella vegetación tanto arisca como heroica". Elisa García Barragán, Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM. Fuente consultada: "Inauguran muestra del pintor Nicolás Moreno, La contemplación del caminante: dibujos de viajes y pinturas del paisaje". México. Secretaría de Cultura, 12 de abril de 2013.

$70,000.00-$120,000.00 M.N. USD $3,600- $6,160 204


151

EDGARDO COGHLAN

(Los Mochis, Sinaloa, 1928 - 1995)

En el llano #5 Firmada Acuarela sobre papel 53 x 73 cm

"Edgardo Coghlan fue un pintor mexicano de ascendencia irlandesa cuya temática fundamental en toda su obra fue el hombre y el paisaje de México […] Entre los paisajistas mexicanos, Coghlan es sin duda el más poético de todos; sus imágenes son un torrente de pensamientos escogidos que se entrecruzan en la mente, un sueño de colores sin ruidos. Visionario, fantasmal, abstraído, Coghlan muestra en el fondo su dominio de la línea y la esencia consumada de las cosas. "Coghlan, un colorista nato identificado con su pueblo, va pisando la soledad del día y del paisaje, la soledad de los campesinos, de los pescadores, de los indígenas y caminantes; cada uno de sus cuadros es un silencio abierto". Juan Bañuelos. Fuente consultada: BAÑUELOS, Juan. Edgardo Coghlan. Dibujos, acuarelas, óleos. México. Grupo Financiero Serfín, 1975.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,100- $4,110 205


152

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Sin título Firmado Lápiz graso sobre papel 26 x 37 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Presenta detalles de conservación en el papel y una marca de cinta adhesiva en la parte superior. Dueño de una cultura que le ofrecía una amplia visión del mundo, pintó la vida del pueblo con una profundidad que se salía de la simple ilustración, prolongándose su expresión plástica hacia el pasado prehispánico, dando continuidad a la tradición y afirmando tramos para el futuro. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, Pág. 56.

$160,000.00-$220,000.00 M.N. USD $8,210- $11,300 206


153

DIEGO RIVERA

(Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Sin título Firmado Lápiz graso sobre papel 30 x 22 cm Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo 2017.

"No puedo pintar sin ver y sin pensar; en consecuencia, pienso según lo que veo y pinto según lo que veo y pienso". Diego Rivera. Fuente consultada: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, Pág. 62.

$150,000.00-$200,000.00 M.N. USD $7,700- $10,260 207


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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

a) ¡Ah! ¿Eres tú?, ca. 1945 b) Pareja siamesa centauro, ca. 1947 Sin firma Tinta sobre papel 27.4 x 21 cm cada una Piezas: 2 Ambas certificadas al reverso de forma autógrafa por Margarita Valladares de Orozco. Las dos con dictámenes de autenticidad de la Fundación José Clemente Orozco A.C., firmados por Clemente Orozco V. Procedencia: adquiridas a la colección de la familia del artista; provienen originalmente del taller de José Clemente Orozco. Colección privada. Sobre la colección de dibujos del Maestro José Clemente Orozco incluida en los lotes 154, 156, 158, 159 y 160: "José Clemente Orozco mencionaba: ‘¿Acaso no es posible crear una obra maestra con un lápiz cualquiera sobre cualquier papel?’ Y Orozco lo demostró plenamente en la mayoría de estos dibujos. Quien quiera que sea el dueño particular va a poseer algo invaluable y singular: la creación directa, concreta de una idea estática. Ningún particular posee semejante acervo. Solamente las instituciones o los edificios donde dejó su obra mural. Por otra parte, estos dibujos que provienen del taller de Orozco y pasaron a ser propiedad de la familia, le sirvieron al pintor para realizar obras independientes de los murales y son la clave para entender el proceso creativo de estas y otras pinturas. Si tenemos en cuenta el número de coleccionistas, es claro que sería imposible que alguno de ellos poseyera siquiera alguno de estos dibujos. Se precisa de una gran sensibilidad y criterio estético para valorar lo excepcional de tener esta oportunidad". Clemente Orozco Valladares. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110- $6,160 208


155

ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Estudio Firmado y fechado 1957 Óleo sobre masonite 50 x 87 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2017. Habiendo descubierto la pintura de Diego Rivera a través de la revista Time, llegó a la Ciudad de México a los 18 años para estudiar en La Esmeralda. Después de trabajar como asistente de David Alfaro Siqueiros en los 50, empezó su labor como muralista y fue conocido como “el hijo canadiense del muralismo mexicano”. El hombre como centro de la creación, el hombre en armonía con el universo, o bien como protagonista de las grandes batallas que modelarían el curso de la historia son las constantes en la obra de Belkin, quien siempre se reveló enérgicamente en contra de las injusticias políticas y sociales. Fuente consultada: GARCÍA DE KRINSKY, Emma Cecilia et ál. Homenaje a Arnold Belkin. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1998, pp. 14-17.

$100,000.00-$180,000.00 M.N. USD $5,128- $9,250 209


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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

a) Perfil de otentote, ca. 1948 b) Nariz y boca poliédrica y oreja envolvente, ca. 1947 Sin firma Lápiz de grafito sobre papel 27.3 x 20.5 cm cada uno Piezas: 2 Ambos certificados al reverso de forma autógrafa por Margarita Valladares de Orozco. Los dos con dictámenes de autenticidad de la Fundación José Clemente Orozco A.C., firmados por Clemente Orozco V. Procedencia: adquiridos a la colección de la familia del artista; provienen originalmente del taller de José Clemente Orozco. Colección privada. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110- $6,160 210


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ARNOLD BELKIN

(Alberta, Canadá, 1930 - Ciudad de México, 1992)

Presagio # 2 Firmado y fechado 1961 al frente. Fechado al reverso Agosto 1961 Óleo sobre tela 107 x 160 cm Agradecemos a Ariela Belkin, hija del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2017. Exhibido en: "Arnold Belkin. 33 años de producción artística", Museo del Palacio de Bellas Artes, julio a septiembre de 1989. Con etiquetas de Galería Misrachi, Palacio de Bellas Artes y Oficina de Registro de obras INBA. El más antiguo de los murales de Belkin fue "El levantamiento del ghetto de Varsovia", mural portátil trabajado en México en 1959 e instalado en 1963 en un centro comunitario de la colectividad israelita de Vancouver, Canadá. Entre 1960 y 1961, sin cobrar un centavo por su trabajo, realizó en la que era entonces la nueva penitenciaria para sentenciados del Distrito Federal un mural de aliento mayor: "Todos somos culpables". En 1989 el Instituto Nacional de Bellas Artes presentó la exposición retrospectiva "Arnold Belkin. 33 años de producción artística" como parte de un reconocimiento a su larga y valiosa carrera artísitica. Dicha muestra significó un importante evento cultural que en palabras del propio Belkin: "esta gran muestra es un examen, un balance de mis quehaceres como creador de obras de carácter público e íntimo a lo largo de 33 años".

Fuente consultada: TIBOL, Raquel. "El laboratorio muralístico de Arnold Belkin". México. UNAM, Revista de la Universidad, No. 430, noviembre de 1986, Pág. 31.

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,260- $15,400 211


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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

a) Desnudo de pie inclinado y de perfil, ca. 1947 b) Gorda sin cabeza caminando en pantaletas y brassiere Sin firma Lápiz de grafito sobre papel 27.5 x 20 cm cada uno Piezas: 2 Ambos certificados al reverso de forma autógrafa por Margarita Valladares de Orozco. Los dos con dictámenes de autenticidad de la Fundación José Clemente Orozco A.C., firmados por Clemente Orozco V. Procedencia: adquiridos a la colección de la familia del artista; provienen originalmente del taller de José Clemente Orozco. Colección privada. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110-$6,160

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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

a) Modelo flaca con zapatos acostada, ca. 1940 b) Ángeles de utilería, 1946 Sin firma Lápiz de grafito sobre papel 27.5 x 20 cm cada uno Piezas: 2 Ambos certificados al reverso de forma autógrafa por Margarita Valladares de Orozco. Los dos con dictámenes de autenticidad de la Fundación José Clemente Orozco A.C., firmados por Clemente Orozco V. Procedencia: adquiridos a la colección de la familia del artista; provienen originalmente del taller de José Clemente Orozco. Colección privada. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110-$6,160

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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

a) Tres figuras, una pequeña al fondo y general de pie, 1946 b) Tres proyectos de cabezas, ca. 1948 Sin firma Lápiz de grafito sobre papel 27.5 x 20 cm cada uno Piezas: 2 Ambos certificados al reverso de forma autógrafa por Margarita Valladares de Orozco. Los dos con dictámenes de autenticidad de la Fundación José Clemente Orozco A.C., firmados por Clemente Orozco V. Procedencia: adquiridos a la colección de la familia del artista; provienen originalmente del taller de José Clemente Orozco. Colección privada. a) se encuentra enmarcado, por lo que no se puede apreciar la certificación, pero está indicada en el dictamen. $80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110-$6,160 214


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JOSÉ CLEMENTE OROZCO

(Zapotlán actual Ciudad Guzmán, Jalisco, 1883 - Ciudad de México, 1949)

La súplica, 1916 Firmada Tinta sobre papel 29 x 46.5 cm Con etiquetas del Instituto Nacional de Bellas Artes. Oficina de registro de obra y de Mexican Modern Art. INBA. La Revolución Mexicana fue el conflicto político y social más importante de principios del siglo XX en México. Orozco fue uno de los dibujantes más asiduos y puntuales que atestiguó mediante su obra los hechos sucedidos en aquella época. Su obra fue vasta y diversa, pues además de murales, trabajó la pintura de caballete, el dibujo y la gráfica sobre temas asociados al movimiento revolucionario, destacando su postura radical e inconformidad por la situación del país. Esta primera mitad de siglo fue complicada para muchos artistas; para Orozco fue una etapa de cambios familiares y el comienzo de lo que sería su extraordinaria carrera. Su padre murió en 1911, desde entonces trabajó para su sustento. En 1916 decoró el café "Los Monotes", propiedad de su hermano y realizó su primera exposición individual en la Librería Biblos de la Ciudad de México. Al año siguiente viajó a Estados Unidos, residiendo en San Francisco y Nueva York, donde trabajó pintando carteles de cines. "Orozco fue el primer gran pintor mexicano que se acercó al pueblo". David Alfaro Siqueiros. Fuente consultada: FERNÁNDEZ. Justino. José Clemente Orozco. México. Librería Porrúa, 1942, pp. 37-39.

$480,000.00-$600,000.00 M.N. USD $24,610-$30,800 215


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DAVID ALFARO SIQUEIROS

(Ciudad de México, 1896 - Cuernavaca, Morelos, 1974)

Retrato del Lic. Octavio Reyes Spíndola, 1942 Firmada Piroxilina sobre madera 82.5 x 60.5 cm Con etiqueta del INBA, Palacio Nacional de Bellas Artes. Presenta ligeros detalles de conservación. Encarcelado en México por su participación en el atentado de un grupo comunista en contra de León Trotsky, David Alfaro Siqueiros salió del país gracias a las gestiones del entonces Cónsul General de Chile en México, Pablo Neruda. Fue enviado a Chillán, contando con el apoyo del embajador Octavio Reyes Spíndola. En esta época habitó el hall de la Escuela República de México, que se encontraba en construcción, ahí pintó el mural "Muerte al Invasor". Octavio Reyes Spíndola (1887-1967) estudió abogacía con especialidad en derecho internacional y en el servicio exterior sirvió durante tres décadas como embajador en Argentina, Chile y Cuba, y como asesor de la Presidencia en estos menesteres. También fue diputado federal por Oaxaca en la XXXIV Legislatura. Reyes Spíndola afirmaba que la única y verdadera clase redentora en este país eran los estudiantes, influidos por la Revolución mexicana y sus héroes. En reconocimiento a su actuación diplomática en Cuba, rebautizaron una de las principales calles de La Habana con su nombre. Fuente consultada: LÓPEZ PORTILLO, Felícitas. "Notas acerca de las Relaciones México-Cuba durante la Revolución Septembrina de 1933". México. Centro de Investigaciones sobre América Latina y el Caribe CIALC-UNAM.

$500,000.00-$600,000.00 M.N. USD $25,650-$30,800 216


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FRIDA KAHLO

(Ciudad de México, 1907 - Ciudad de México, 1954)

Sin título (intervenciones dibujísticas sobre las páginas de un libro), ca. 1953 Firmados Seis dibujos a tinta azul y sepia e inscripciones diversas sobre papel impreso 18.3 x 14 cm cada uno 72.5 x 105.5 cm medidas totales del marco Piezas: 8, enmarcadas juntas Con ensayo documental del Profesor Luis-Martín Lozano, septiembre de 2016. Se trata de una publicación de época referente a una traducción al español de los escritos póstumos de Julio Fucik editado por el Fondo de Cultura Popular en agosto de 1952. El compendio de textos, bajo el título "Reportaje al pie de la horca" fue editado en México con una traducción del checo por Libuse Prokopova, un poema de Pablo Neruda dedicado a Julio Fucik y una portada diseñada por Diego Rivera. En las páginas del ejemplar que conforman este lote hay tres dibujos en tinta, dos de ellos realizados en tinta color azul y que ostentan las iniciales F.K. y un tercero en color sepia con una firma autógrafa que se lee "Fridu". También, consta de dos impresiones de fotografías en blanco y negro de Fucik, las cuales están intervenidas con tinta color sepia y azul, ambas con grafismos. Asimismo, en la portadilla interior hay una dedicatoria con dibujos y grafología que se lee "Querido Chong Lee. Fridu Kahlo" y por último la portada con la ilustración de Diego. Frida entabló amistad con el escritor Miguel N. Lira cuando se conocieron en la Escuela Nacional Preparatoria y a quien frecuentó como amigo de "Los cachuchas", desde entonces ambos mantuvieron un intercambio de libros sobre arte y literatura. En 1927, Frida ilustró el segundo libro de poemas de Lira. Precisamente, por aquella estrecha relación, todo indica que el libro que reúne los escritos póstumos de Julio Fucik fue un regalo de Frida a Lira en 1953; en su portadilla le escribió una dedicatoria de puño y letra, en la cual se advierte la desesperanza y estado anímico que atravesaba la pintora ese año (mismo en que sufrió la amputación parcial de la pierna derecha, lo que significó el principio del fin), junto a la dedicatoria, perfiló un rostro femenino de cuyo ojo penden lágrimas que corren a la comisura de una boca cuyos labios enmarcan la tipografía de "MEXICO" y el año 1952. Entre los tres dibujos autónomos realizados en páginas en blanco, uno refiere a una paloma de la paz que vuela hacia el signo del infinito, este tema y tipo de trazos aparecieron más de una vez en los dibujos que Frida realizó en torno a los primeros años de la década de los 50. Fue una iconografía proveniente de su estado de ánimo y convicciones políticas del momento, entre su sufrimiento físico y los difíciles enfrentamientos comunistas. Por todo lo sucedido, fue una etapa en la que Frida se preocupó intelectualmente por la historia y desarrolló interés por la paz mundial. Junto al prólogo aparece un segundo dibujo, nuevamente en trazos de tinta azul claro que fluyen juguetonamente y que muestran un retrato juvenil de Miguel N. Lira con sombrero de torero, en cuyos rasgos caricaturescos, Frida conservó las espesas cejas, labios carnosos, nariz perfilada y mentón de poeta. El tercero y último de los dibujos autónomos está realizado en tinta color sepia, es la representación de Eolo señor de los vientos, rodeado de turbulentos remolinos. El dibujo se encuentra al final del capítulo de "La 400" en el reporte de Fucik "Al pie de la horca" y alude al fortuito destino de aquellos que salvaban de sus captores pudiendo escapar de la muerte. Estos dibujos son todos claros ejemplos de cómo el trabajo artístico de Frida Kahlo se desarrollaba en la coyuntura de los avatares de su existencia; como sucede en muchas de sus obras, en los dibujos está imbricado el estilo de trabajo de la artista con su personalidad; pocos creadores en la historia del arte lograron una simbiosis tal, entre vida y obra, como Frida Kahlo. No se trata de estudios o bocetos para una obra, sino de un ejercicio creativo autónomo que fluye con la inmediatez de los dibujos y acuarelas que encontramos, por ejemplo, en las páginas del diario que escribió entre los años de 1944 y 1954. Poseen la libre espontaneidad de la asociación de ideas que detectamos en varios dibujos a partir de 1946, algunos bajo la impronta del surrealismo. Profesor Luis-Martín Lozano. Fuente consultada: LOZANO, Luis-Martín. "Estudio de la obra Intervenciones dibujísticas sobre un libro". México. Septiembre de 2016.

$1,200,000.00-$1,800,000.00 M.N. USD $61,550-$92,310 218


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RODOLFO NIETO

(Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985)

El gato de Jan, 78 Firmado Carboncillo sobre papel 46.5 x 58.5 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Rodolfo Nieto siempre siguió sus instintos y creó un estilo propio y un lenguaje artístico fusionando sus raíces oaxaqueñas con las corrientes internacionales. Su gusto y vocación por el arte, lo llevó a viajar a París, donde conoció a Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar, entre otros. En este tiempo cambió su gama de colores y comenzó a realizar animales, como una evocación al primitivismo influencia de Dubuffet. Más adelante, mediante fuertes trazos y líneas geométricas, Nieto creó situaciones y ambientes fantásticos, donde los animales no siempre estaban solos sino que se mezclaban con humanos. Estos dibujos abarcan gran parte de su corpus pictórico, siempre con excelentes críticas. Su maestría en el dibujo lo llevó a ser uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pp. 462-464 y MORENO VILLARREAL, Jaime. "Lo que era todo tiene que ser nada. Homenaje a Rodolfo Nieto". México. Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 1995.

$130,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,700- $10,260 222


Anverso

Reverso

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LEONORA CARRINGTON

Copyright Estate of Leonora Carrington / ARS

(Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011)

Sin título Firmada "Leonora" y fechada 1966 Tinta y lápiz de grafito sobre papel 25 x 38.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, marzo de 2017. Con dedicatoria en la parte posterior. Está realizada en dos papeles unidos y con dibujos en ambas caras del papel. Presenta ligeros detalles de conservación. Nacida en Lancashire, Inglaterra dentro de una familia acaudalada, Leonora Carrington convivió de primera mano con importantes personalidades de la sociedad inglesa. Desde su infancia fue incomprendida pues fue expulsada de dos internados; más tarde, estudió en la escuela de Amédée Ozenfant en Londres, donde perfeccionó su técnica. Atraída por el movimiento surrealista, conoció a Max Ernst, con quien vivió un importante romance, sin embargo, a este lo aprisionaron y ella debió huir a España. En 1942 se instaló en México, donde se rodeó de otros artistas surrealistas refugiados como Remedios Varo, Benjamin Peret y Kati Horna; también entabló amistad con el escritor Edward James. Este año se conmemora el centenario del nacimiento de Leonora Carrington, quien sin duda ocupa hoy en día un lugar muy especial dentro de los artistas mexicanos. Con su obra, envuelve al espectador en un ambiente fantástico, utilizando diversos espacios imaginarios con contrastes de luz y personajes increíbles. Su trabajo extravagante invita a la reflexión y al juego, pero sobre todo, al deleite de la imaginación. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Siglo XX 1901-1950. México. Tomo I. Promoción de Arte Mexicano. 2000, pp. 244-247.

$200,000.00-$250,000.00 M.N. USD $10,260- $12,850 223


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AGUSTÍN LAZO

(Ciudad de México, 1896 - Ciudad de México, 1971)

Sin título Firmado, sin embargo es poco legible Óleo sobre tela 64 x 49 cm Procedencia: adquirido a Teresa Padilla de García Lazo. Colección privada.

"Nacido durante la Revolución Mexicana, Agustín Lazo fue un pintor sobresaliente, dedicado también al diseño escénico y a la dramaturgia. Los viajes que el pintor realizó a Francia, donde residió hasta 1932, marcaron su trayectoria, así como su identidad estética. Sus frecuentes contactos con los círculos de vanguardia, particularmente del surrealismo, lo llevaron a transitar por un pulcro constructivismo, llegando a un intenso lirismo. "Su trabajo se respalda en sus teorías estéticas frente al realismo social, y sus obras muestran diferencias conceptuales con muchos de sus contemporáneos, que emprendieron una constante búsqueda por subrayar una identidad nacional. Lazo encontró ahí su propio lenguaje". Blanca González Rosas. Fuente consultada: AMADOR TELLO, Judith. "Agustín Lazo: entre el desdén y el reconocimiento". México. Proceso, sección Cultura, 19 de julio de 2016.

$300,000.00-$400,000.00 M.N. USD $15,400-$20,520 224


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JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

La paloma Firmada y fechada 2002 Escultura en bronce a la cera perdida 6 / 10 39 x 39 x 26 cm Con certificado de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., enero de 2012. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Existen otras versiones en formato similar de esta obra, la primera fundición data de ca. 1955 y hay otra fechada en 1989.

"Todos los pájaros del mundo le posaron a Juan Soriano. Observó a las palomas durante años y sentado en una banca del parque o frente al atrio de una iglesia, las juzgó con severidad". Elena Poniatowska. Palomas, gorriones, cenzontles y todas las aves fueron para Juan Soriano una captura que va más allá de la simple representación de la ornitología. Desde siempre, las aves fueron un asombro para Soriano, siendo uno de los motivos principales en su obra. Durante años, dedicó una atención casi exclusiva a la realización de estas aves, encerrando en cada una formas inimaginables y combinaciones singulares que hicieron de éstas, emblemas amigables con fines de contemplación. En definitiva, las aves se han convertido en el símbolo tridimensional del arte de Soriano. Todo lo que Soriano vio y estudió, también fue parte importante para la realización de las aves, como lo fue su admiración por el imaginario del arte prehispánico, y por otro lado, las delicadezas del arte tradicional japonés y chino. Ya sean pequeñas, medianas o monumentales, todas las aves de Soriano han desarrollado una presencia visual pública importante y tangible dentro del paisaje artístico urbano mexicano, las cuales podemos apreciar tanto en la Ciudad de México como en diversos estados de la República. En especial es fácil reconocer La Paloma monumental de 6 metros que posa fuera del museo MARCO en Monterrey. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena et ál. Juan Soriano. Aves de paso. España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2006, pp. 43-49 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250-$12,850 225


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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Sin título, ca. 1950 Sin firma Crayón sobre papel 70 x 47.5 cm Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2017. Presenta detalles de conservación y faltantes en las orillas.

"Siempre he pensado que la pintura es una entrega total y que el pintor debe tener la conciencia de que esta tarea es tal vez superior a sí mismo; tener la humildad de saberlo y la decisión de nunca renunciar a intentarlo todo. Creo que toda la esencia actual de la pintura debe renovarse, porque el arte es expresión de vida". Pedro Coronel. Fuente consultada: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, Pág. 31.

$80,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,110- $6,160 226


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PEDRO CORONEL

(Zacatecas, 1923 - Ciudad de México, 1985)

Dama de la noche Firmado y fechado París 65 al reverso Óleo sobre tela 35.3 x 27 cm Con certificado de autenticidad de Martín Coronel, diciembre de 2011. Agradecemos a Martín Coronel por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. Publicado en: CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Pedro Coronel. El espíritu del color. México. Gobierno del estado de Veracruz, Instituto Veracruzano de Cultura, 2012, Pág. 47. Exhibido en: "Pedro Coronel. El espíritu del color", muestra presentada en la Pinacoteca Diego Rivera en Veracruz, de julio a septiembre de 2012. En 1940 ingresó a La Esmeralda. En 1946 viajó por primera vez a Europa y residió en París, donde conoció a Octavio Paz y frecuentó los talleres de Victor Brauner y de Constantin Brancusi, quienes influyeron en gran medida en su proceso artístico. En 1965 exhibió en la Galería de Arte Mexicano, conmemorando sus 25 años como artista. Fuente consultada: CORONEL ORDIALES, Martín et ál. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 181 y 182.

$400,000.00-$600,000.00 M.N. USD $20,520-$30,800 227


170

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Payaso Firmada Témpera y anilina sobre papel de china 74 x 49 cm Publicada en: Solar Abierto, historias de silencio y osadía. Artistas del siglo XX en Jalisco. México. Talleres de Artes Gráficas Integradas, CONACULTA, 1993, catalogada 66, Pág. 70. Incluye un ejemplar. Exhibida en: "Solar Abierto, historias de silencio y osadía. Artistas del siglo XX en Jalisco" en el Museo del Palacio de Bellas Artes de noviembre a diciembre de 1993. Presenta un faltante en el papel, esta obra ya tenía los detalles de conservación actuales cuando fue solicitada por el Museo del Palacio de Bellas Artes. 228

Chucho Reyes fue un anticuario y reconocido artista plástico tapatío, representante del arte popular mexicano que, sin dejar de lado los movimientos vanguardistas, realizó obras con un cierto dramatismo proveniente de la vida cotidiana mexicana. Los conocidos caballos fantásticos, gallos humanísimos y payasos monstruosos son un ejemplo de la fuerte influencia que Chucho Reyes tuvo de los fuertes trazos de Rouault, Matisse y los colores expresivos de Kandinsky. "En la obra de Reyes el colorido es nítido: no son obras de arte en sí, son felices resultados de una tarea artesanal que, para ser de un naíf, resultan sorprendentes, son masterpieces de la inconsciencia artística". Carlos Monsiváis. Fuente consultada: REYES IRIGOYÉN, Margarita et ál. La mirada estética de Jesús Reyes Ferreira. México. Gobierno del Estado de Jalisco, CONACULTA, INBA, 2002, pp. 63 y 64.

$45,000.00-$60,000.00 M.N. USD $2,310-$3,100


171

JESÚS REYES FERREIRA "CHUCHO REYES"

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Gallo Firmado Temple y anilina sobre papel de china 74 x 49 cm Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, abril de 2017. Presenta ligeros detalles de conservación a causa de la técnica empleada. Entre las figuras zoomorfas, Reyes prefería los gallos, animales que para él podían referirse a: la Pasión de San Pedro por Jesús, a la anunciación del alba tras el canto del gallo o al apego de sus vivencias infantiles ya que solía criar aves de ornato y de pelea para palenques.

"Sus gallos revolotean y parecen desplazarse sobre el papel gracias al vistoso plumaje dinámico. En casi todos sus gallos hay un enérgico movimiento que sugiere ansiedad y furia, un gallo presumido y galante ante las hembras. Pintado con volutas y pinceladas vigorosas, expresa también júbilo y una feroz expresividad". Lily Kassner. Fuente consultada: KASSNER, Lily. Chucho Reyes. México. Editorial RM, 2001, Pág. 115.

$50,000.00-$80,000.00 M.N. USD $2,570- $4,110 229


172

MIGUEL COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1904 - Ciudad de México, 1957)

Retrato de Alexander Brooks Firmado Lápiz sobre hoja de papel de The Whitney Studio Club 22 x 13.5 cm Con certificado de Galerías Cristóbal. Procedencia: adquirido en Skinner Auctioneers, 2329 American & European Works of Art, 15 de septiembre 2006, lote 800. Colección privada. Presenta ligeros dobleces en el papel. Miguel Covarrubias fue un importante dibujante y pintor mexicano de la segunda mitad del siglo XX. En los años 20 decidió instalarse en Nueva York, donde presentó en 1924 su primera exposición de caricaturas en The Whitney Studio Club, las cuales fueron publicadas en Vanity Fair, lo que lo hizo alcanzar fama mundial. Durante su estancia entró en contacto con la sociedad afroamericana y conoció a los primeros grandes jazzistas. La música fue parte importante de su vida y los barrios de Nueva York fueron los testigos de esta admiración, pues en ellos se reunía con intelectuales y artistas para compartir descubrimientos culturales y atestiguar con humor, pasión y belleza la música. En esta etapa, ilustró libros y discos de blues y jazz y realizó diseños para Josephine Baker. "Covarrubias se involucró desde temprana edad en la caricatura y en este terreno hizo importantes aportaciones al estilo convencional como se había tratado este género durante los últimos cien años. Mediante una asombrosa síntesis de líneas, logró expresiones llenas de carácter y, sobre todo, extremadamente representativas de sus personajes. Sus trabajos involucraron rasgos físicos, del temperamento y actitudes de sus modelos, y por otro lado, el genio y la destreza para poder reproducirlo con fidelidad. Covarrubias logró un destacado lugar en este género". Lupina Lara de Elizondo. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, julio-agosto 2000, año 5, No. 46, Pág. 5 y "Miguel Covarrubias, caricaturas de la época del jazz". Londres. Blog del National Portrait Gallery, 8 de junio de 2012.

$100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150- $7,700 230


173

JAVIER ARÉVALO

(Guadalajara, Jalisco, 1937 - )

El guajiro Firmado y fechado Mex 80 Óleo sobre tela 130 x 120 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2007. Presenta ligeros desprendimientos. Javier Arévalo es un conocido artista jalisciense cuya obra se caracteriza por el realismo mágico. Estudió en la Escuela de Arte y Letras de Guadalajara, en la Academia de San Carlos y años después ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas, donde estudió con el pintor Antonio Rodríguez Luna. En 1966 fue aceptado como miembro del Salón de la Plástica Mexicana y en 1970 fue ganador del primer premio en la Bienal de Tokio. Junto con Francisco Toledo y José Luis Cuevas, los críticos de arte lo consideraron en la década

de los setenta como un notable dibujante. Para él, lo más importante en su pintura es la firmeza y perfección de los trazos y el poder de capturar la esencia mágica de cada lugar que visita. Su obra ha sido expuesta en México, Estados Unidos, Canadá, Chile, Francia, Argentina, España, Costa Rica y Colombia, entre otros países. Actualmente, obras suyas se encuentran en importantes colecciones de museos, como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, Museo de Arte de Nagaoka en Japón y en los Museos de Arte Moderno de la Ciudad de México, Lugano, Suiza y Zaragoza, España. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 100 y "El arte, una gran aventura: Javier Arévalo". México. Informador, sección Cultura, 21 de marzo de 2011.

$90,000.00-$150,000.00 M.N. USD $4,650- $7,700 231


174

FANNY RABEL

(Polonia, 1922 - Ciudad de México, 2008)

Estructura No. 1 Firmada y fechada 1965 Mixta sobre masonite 87 x 33.5 cm Con etiquetas del Salón de la Plástica Mexicana y de Galería Merkup A.C. Presenta ligeros detalles de conservación. Fue una destacada artista mexicana de origen polaco que se desempeñó en los campos de la pintura mural, de caballete, grabado y escenografía. Como alumna de Frida Kahlo, su enseñanza fue plenamente nacionalista con posturas ideológicas, políticas y sociales. Fue contratada por Diego Rivera para pintar en el Palacio Nacional y por David Alfaro Siqueiros para decorar los muros del Sindicato Mexicano de Electricistas. También fue miembro fundador del Salón de la Plástica Mexicana y trabajó en el Taller de Gráfica Popular. Su obra ha sido definida como poético surrealista, enfocada al aspecto humano. "Fanny Rabinovich pinta como vive, con enorme valor, inteligencia y sensibilidad aguda. Pero lo que yo juzgo más interesante en su pintura es la raíz profunda que la liga a la tradición y la fuerza de su pueblo. No es pintura personalista, sino social. Le preocupan fundamentalmente los problemas de clase, y ha observado con una madurez excepcional, el carácter y el estilo de sus modelos, dándoles siempre una viva emoción. Todo esto sin pretensiones, y llena de feminidad y finura que la hacen tan completa". Frida Kahlo. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, Pág. 102 y TIBOL, Raquel. "Algo sobre Fanny Rabel". México. La Jornada Semanal, sección Cultura, No. 637, 20 de mayo de 2007.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,600- $5,150 232


175

ARTURO ESTRADA

(Panindícuaro, Michoacán, 1925 - )

Sin título Firmado y fechado 65 Óleo sobre tela 95 x 59 cm Arturo Estrada estudió en La Esmeralda, donde tuvo como maestros a Feliciano Peña, Diego Rivera, José Chávez Morado y Frida Kahlo. Esta última marcó desde muy joven al artista, pues un día al entrar a su salón dijo una frase que lo influiría de por vida: "El arte no se enseña,

para pintar a México ustedes tienen que conocerlo a fondo". Estas palabras quedaron tan grabadas en el artista que a partir de ello puso toda su dedicación en conocer a fondo nuestro país, su gente, sus costumbres, y así convertirse en lo que es hoy: un artista que busca reflejar la identidad de México. Fuente consultada: JIMÉNEZ BERNAL, Gabriela. "Arturo Estrada, 'Frido', se rebela". México. El Universal. Sección Cultura, 31 de marzo de 2003.

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,350- $4,100 233


176

EMILIO BAZ VIAUD

(Ciudad de México 1918 - 1991)

Niño indígena, ca. 1938 Firmada Acuarela aplicada al pincel seco sobre papel 38.7 x 34 cm Procedencia: adquirida directamente al artista. Emilio Baz Viaud ingresó en 1938 a la Academia de San Carlos donde estudió Arquitectura, sin embargo su verdadero interés siempre fue la pintura. Durante sus estudios conoció a Manuel Rodríguez Lozano, quien lo guió a lo largo de su real vocación como artista. En esta época conoció a José Gómez Rosas "El Hotentote", con quien mantuvo una relación amorosa. En 1951 realizó su primera exhibición colectiva, junto a eminentes artistas como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera. Su vida fue totalmente bohemia, lo que lo llevó a experimentar artísticamente sin ataduras. Su meticulosa técnica "trompe-l'oeil", fue elogiada por sus colegas y críticos, un estilo logrado aplicando pintura al óleo sobre superficies secas. Su producción artística más conocida fue realizada en los primeros años de la década de los 50, ya que para el inicio de los 60 tuvo un periodo abstracto, época en la cual entró a un monasterio en Cuernavaca para recibir terapias psicoanalíticas. Fuente consultada: sitio del Museo Colección Blaisten www.museoblaisten.com

$130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$9,250 234


177

EMILIO BAZ VIAUD

(Ciudad de México 1918 - 1991)

Niña indígena, ca. 1938 Firmada Acuarela aplicada al pincel seco sobre papel Procedencia: adquirida directamente al artista. 38.7 x 34 cm $130,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,700-$9,250 235


178

GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Sandías, de la colección Niños mexicanos, 2000 Firmada Escultura en bronce 8 / 9 51.5 x 42.5 x 52 cm Con certificado de autenticidad del artista en el que valida que supervisó y aprobó la realización de la escultura, noviembre de 2000. Por error el certificado numera la obra III / IX. Las obras más conocidas de Montoya son las de niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas. La serie de "Niños Mexicanos" está vinculada con la identidad nacional, niños de tez morena y rasgos indígenas que equilibran la etapa de construcción cultural. Las frutas que acompañan a los niños son una alegoría mexicana, en este caso, las sandías son presentadas como un emblema nativo, un espejo de la pasión, frescura e inocencia de la niña sentada. Tanto pinturas como esculturas de la serie de "Niños mexicanos" fueron presentadas en repetidas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en la exposición "Retrato mexicano" en 1961 y en la exposición "Maestros de la pintura mexicana" en 1976. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et ál. Gustavo Montoya. México. Litógrafos Unidos S. A., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, julio-agosto 1999, año 4, No. 40, pp. 10-12.

$70,000.00-$90,000.00 M.N. USD $3,600-$4,650 236


179

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

Sin título Firmado y fechado 1953 Óleo sobre tela 110 x 90 cm Aprendiz de músico por parte de su padre, cargador de canastas en La Merced, amante de su tierra y dibujante nato, Guillermo Meza trabajó como tema principal la denuncia social. Tras figuras humanas distorsionadas conjugadas en fondos fantásticos llenos de ritmo, armonía y composición cromática, Meza hacía una muestra simbólica del reclamo a la ruptura sufrida en el pueblo. Era un arraigado nacionalista cuya obra ha pasado a la historia del arte mexicano por su mensaje humano y reflexivo de forma sublime.

"La obra pictórica del artista destaca por sus habilidades estéticas que revelan trazos firmes en el dibujo, solidez en el manejo del color y una visión formal diferente, la cual más que subconsciente o inconsciente es surrealista. Trata la vida indígena revestida de elementos simbólicos con recuerdos de la infancia en un ambiente romántico, evocativo y muchas veces trágico". Rebeca Monroy Nars. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita et ál. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, Pág. 418 y "Obra de Guillermo Meza pasó a la historia por su contenido universal". México. Notimex, 10 de octubre de 2007.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250- $12,850 237


180

GUILLERMO MEZA

(Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997)

La mina Firmado, fechado 1963 y con monograma al frente y al reverso Óleo sobre tela 71 x 91 cm Las obras de Guillermo Meza presentan un estado de ánimo, un universo mítico con raíces cien por ciento mexicanas. La riqueza del color de su paleta es inigualable en cada una de sus pinturas, así como su inclinación por el detalle. Durante toda su vida, tuvo influencias que iban desde el realismo, el expresionismo y el dadaísmo hasta el surrealismo, el cual fue un medio de expresión proveniente de las influencias de André Breton y Sigmund Freud. No obstante, su hábito artesanal nunca fue abandonado por las ideas europeas, al contrario, fue explotado aún más, consumándose como un pintor profesional con gran prestigio internacional.

"Su inclinación por el detalle, por los matices, por los minúsculos elementos muestran su habilidad de reproducción y su amor por una fantasía que conjugue lo onírico con lo real. Sus seres, o bien son esbozos de hombres, mujeres, cuerpos, fantasmas que flotan en fondos, en planos y espacios que a la vez los enmarcan, señalan y les otorgan vida". Alberto Dallal.

Fuente consultada: RIVERA GONZÁLEZ, Rodolfo et ál. Guillermo Meza. El instante preciso. México. Museo Universitario Contemporáneo de Arte, UNAM, 1996, Pág. 5.

$180,000.00-$250,000.00 M.N. USD $9,250- $12,850 238


181

HUGO LUGO

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Boceto para estar a salvo 2 Firmado y fechado 08 Óleo y acrílico sobre tela 142 x 111 cm Con certificado de autenticidad de Ginocchio Galería firmado por el artista, noviembre de 2008. Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de Montemorelos, Nuevo León. Ha desarrollado su obra en diferentes disciplinas donde destacan proyectos de pintura, fotografía, video e instalación.

Desde 1996 su obra ha sido expuesta en ciudades como Caracas, Ámsterdam, París, Ciudad de México, Bogotá, Hong Kong, Río de Janeiro y Singapur. Sus premios incluyen la beca Jóvenes Creadores del FONCA, el Premio Nacional de Arte Joven y el premio de adquisición de la Bienal Internacional de Pintura Rufino Tamayo. La pintura de Hugo Lugo está marcada por el protagonismo que le da a cada personaje y el significado que le otorga a los objetos. En sus palabras: "Me gusta pensar en mi trabajo como un juego serio entre los puntos de cruce del dibujo, la pintura y la fotografía". Fuente consultada: sitio oficial del artista www.hugolugo.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,150-$9,250 239


182

RICARDO ROCHA

(Ciudad de México, 1937 - Colima, 2008)

Mujer bicéfala Firmado y fechado 74 Óleo sobre tela 160 x 160 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Fue integrante de diversos grupos de trabajo colectivos, entre los que destacó SUMA. Dicho conjunto se formó a partir de que Ricardo Rocha reunió, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, un taller de experimentación plástica y pintura mural. Su intención no fue pintar muros, sino entablar un diálogo con los habitantes. Entre sus integrantes se encontraban Mario Rangel Faz, Gabriel Macotela, Santiago Rebolledo y René Freire. Pudo haberse asimilado a la generación de la Ruptura, tan es así que participó dos veces en el Salón Independiente, donde recibió aceptación y solidaridad de parte de sus colegas rupturistas. Raquel Tibol escribió que poco a poco los renglones y las líneas de su escritura que en un principio formaron su obra, se transformaron en sombreros, cuerpos y árboles. Durante la última etapa de su vida vivió en Colima. Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa. "Ricardo Rocha: in memoriam". México. La Jornada, Opinión, 29 de enero de 2008.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,650- $6,160 240


183

RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - )

Horizonte Firmada y fechada 11 Escultura en bronce con pátina negra 6 - 13 82 x 27.5 x 23 cm Con certificado de autenticidad del artista, noviembre de 2011. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. "Rafael Coronel, artista de sensibilidad mágica, intrigante, profunda, es dueño de un virtuosismo inherente a los grandes maestros de la pintura. Su interés por la naturaleza humana y preocupación por su intimidad lo ha llevado a captarla y volverla susceptible de transformación en forma plástica". Josephine Siller. Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$380,000.00-$500,000.00 M.N. USD $19,500- $25,650

241


184

LUZ LETTS

(Lima, Perú, 1961 - )

Mortales 1, 2, 3, 4, 2003 Firmadas al reverso Mixta sobre fibracel 40 x 30 cm cada una Piezas: 4 Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio, marzo de 2017. El segundo panel tiene el título “El gran salto” referido al reverso. Estudió la Licenciatura en Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha sido distinguida en certámenes como la II Bienal Nacional de Lima, el premio de Pintura Villa de Madrid, el IV Salón de Dibujo de Santo Domingo organizado por la Fundación de Arte Arawak en República Dominicana y el Concurso Nacional de Arte Michell en Perú. Actualmente es profesora en la Facultad de Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha exhibido su obra de forma individual en Perú, Honduras, México, Panamá y República Dominicana; sobresale la muestra "Luz Letts Retrospectiva 1991-2015" presentada en la Galería Germán Krüger Espantoso del Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA). 242


De manera colectiva ha participado en exposiciones en Alemania, Chile, Argentina, España, Estados Unidos, Venezuela, Francia, Ecuador, Puerto Rico, Canadá, Bolivia, Uruguay y Paraguay. Su obra pertenece a colecciones como las del Museo Municipal de Arte Contemporáneo en Madrid, Museo de Arte Contemporáneo MAC en Panamá y en su país las del Museo de Arte Contemporáneo Arequipa, Museo de Arte de San Marcos y la del Banco de Crédito de Perú. "Desde su aparición, su lenguaje plástico eminentemente figurativo ha evolucionado sin dejar de ser inconfundible, poniendo a prueba sus premisas conceptuales pues desde entonces, su propuesta ofrece diversas miradas sobre el individuo y la problemática de su comportamiento como ser social". Manuel Munive.

Fuentes consultadas: sitio oficial de la artista www.luzletts.com y "Luz Letts. Obra reunida. (Retrospectiva 1991-2015)". Perú. Boletín de la muestra presentada en Instituto Cultural Peruano Norteamericano, abril-mayo de 2015.

$70,000.00-$100,000.00 M.N. USD $3,600- $5,150 243


185

CAROL MILLER

(Los Ángeles, California, 1933 - )

El dragón (Roundhouse kick), 1986 Firmada Escultura en bronce a la cera perdida 2 / 10 90 x 102 x 61 cm Con certificado de autenticidad de la artista, diciembre de 1991. Esta edición consta de 10 ejemplares realizados en la Ciudad de México en 1986. El dragón es uno de los emblemas más representativos de las artes marciales, el personaje de esta escultura está realizando una patada giratoria, uno de los tipos de ataque más utilizados en varias de las disciplinas de combate.

"La obra de Carol Miller es notoriamente femenina, al igual que la de muchas artistas tiende a la anécdota, nos trata de contar una historia completa en cada escultura o toda una forma filosófica de pensamiento y no un concepto, además de tratar los volúmenes que la componen con suavidad, esto aunado a los distintos materiales que trabaja, que producen en cada caso un resultado diferente". Horacio Castrejón Galván. Fuente consultada: CASTREJÓN GALVÁN, Horacio. "En la casa de Anáhuac. Carol Miller".

$65,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,350- $4,100 244


186

BRUNO WIDMANN

(Montevideo, Uruguay, 1930 - )

Iconos IV, 2014 Firmado al frente y al reverso Acrílico y collage sobre tela 152 x 118.5 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, octubre de 2014. Widmann es considerado por la crítica como uno de los maestros de la pintura contemporánea de América Latina. Inició sus estudios con el artista italiano Sergio Curto, posteriormente se puso en contacto con el Instituto de Arte Contemporáneo del maestro Scroppo de Turín y la Academia de Bellas Artes de Perusa, Italia. Invitado por el gobierno de Francia, viajó a París en 1973, repitiendo en los años 1975 y 1976, para culminar dicho ciclo con su participación en la 9ª Edición Internacional de Grupo, Galería Arnaud de París. Su obra se caracteriza por llenarse de formas, de sugerencias

orgánicas y en ocasiones también geométricas inscritas en un espacio infinito que no pretende representar el mundo, sino desplegarlo hasta el límite. La pintura de Widmann ha sido parte de destacadas exposiciones individuales y forma parte de los acervos museísticos más importantes a nivel internacional, entre ellos el Museo Reina Sofía en España, el Centre Pompidou en París, los Museos de Arte Moderno de Haifa y Milán y el Museo de Artes Visuales de Montevideo, entre otros. "Hay que asociarlo más con una actitud poética-pictórica que con cualquier ruptura estética y con posturas objetivas ante la obra de arte. Pintura que somete el acto plástico a una serie de investigaciones entre la figura, las líneas y los espacios. Pintura que va más allá de los límites. Cada cuadro descubre un significado independiente". Miguel Ángel Muñoz. Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. Bruno Widmann: quimeras y realidades. Chile. Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, 2007.

$210,000.00-$270,000.00 M.N. USD $10,770- $13,850 245


187

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Álvaro Bitrán, chelista del Cuarteto Latinoamericano Firmado y fechado 2012 Óleo sobre tela 150 x 100 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. De vida ambulante e inquieta juventud, su espíritu creativo se fue formando y proyectando a partir de múltiples y sucesivas experiencias vitales y artísticas: primero, la íntima influencia de su padre, el arquitecto Manuel Parra, y su entorno cultural; y luego, su primer viaje a Europa (España, París, Italia), la visita a sus museos, su formación en la Academia de Bellas Artes de Roma con Juan Soriano, y posteriormente en La Esmeralda y en el Royal College of Art en Inglaterra. 246

Su vida y producción artística se han visto enriquecidas, gracias a la amistad y cercanía con diferentes figuras del panorama artístico. Alvaro Bitrán es un reconocido violoncellista mexicano, fue condecorado por el gobierno mexicano con la Medalla de Bellas Artes en el 2000 y por el gobierno chileno con la Órden al Mérito Pablo Neruda en el 2014, máximos galardones que otorgan ambos gobiernos en materia cultural. Asimismo en el año 2012 fue premiado con el Grammy Latino en la categoría de Mejor Álbum Clásico. Actualmente divide su quehacer musical en tres vertientes principales: el Cuarteto Latinoamericano, la pedagogía y su actividad como solista. Fuente consultada: sitio del Cuarteto Latinoamericano w w w. c u a r t e t o l a t i n o a m e r i c a n o . c o m

$110,000.00-$160,000.00 M.N. USD $5,650- $8,210


188

JOSÉ GARCÍA OCEJO

(Córdoba, Veracruz, 1928 - )

Le triomphe de la mode Firmado dos veces y fechado 94 y 2008 Temple sobre tela 78 x 60 cm Con certificado de autenticidad del artista. José García Ocejo estudió Arquitectura en la UNAM y en 1953, por medio de una beca académica, viajó a Madrid y Austria. Es un artista multidisciplinario en técnicas, estudioso del humor surrealista, conocedor del dadaísmo, apasionado del arte griego, admirador de los simbolistas franceses y amante de las apariencias. Vive rodeado de objetos hindúes, japoneses, porcelanas chinas y esculturas estilo Art Nouveau que lo envuelven en una atmósfera inspiradora que se desborda con erotismo y deseos de seducción

en su arte. También tiene obra satírica y de humor negro en donde encontramos poetas muertos, mujeres en proceso de muerte y jóvenes que escapan de su alma. Sus cuadros son caprichosos, poéticos, interpretaciones libres y alucinantes. En 1968 fue distinguido por el Instituto Nacional de Bellas Artes y por el Comité di Terra Santa de Milán. En 1988, se inauguró en Córdoba, Veracruz, su ciudad natal, el Museo José García Ocejo. Sus obras se han expuesto en museos, galerías y pertenecen a colecciones privadas en México y en el mundo. "García Ocejo es un pintor sui géneris que olvida la existencia de los dictados de la vanguardia, y crea otra: la de las ideas que avanzan hacia lo imaginado". Alfonso de Neuvillate. Fuente consultada: DE NEUVILLATE, Alfonso. José García Ocejo. México. Universidad Nacional Autónoma de México, 1969, pp. 12-17.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,650- $6,160 247


189

EMILIANO GIRONELLA PARRA (Ciudad de México, 1972 - )

Ángeles de San Antonio de la Florida, 2005 Firmada Encáustica sobre madera tallada a mano 234 x 118 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por el artista. $120,000.00-$160,000.00 M.N. USD $6,160- $8,210 248


190

CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

San Juan de Dios en la Villa de Atlixco III, 2003 Firmado Acrílico sobre papel amate sobre madera 120 x 80 cm Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte firmada por la artista. A partir de 1982, su producción artística dio un giro, comenzando a tratar temas más decididamente mexicanos, con un sentido tanto antropológico como reivindicativo: la migración de la mariposa monarca, la hagiología en la pintura barroca mexicana, los hallazgos del Templo Mayor, la riqueza artística de la Catedral de México, el águila real… que intercala con otros proyectos que dan continuidad a su primera etapa artística. El estilo pictórico que identifica a Carmen Parra es una afortunada síntesis entre la tradición barroca novohispana y la modernidad pictórica, entre cuyos referentes se cuentan Picasso, Braque, Matisse y Chagall. $100,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,150- $7,700 249


191

ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

Sin título Firmado Óleo, arena y hoja de oro sobre tela 100 x 151 cm Agradecemos al Maestro Rolando Rojas por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2017. Presenta ligeros detalles de conservación. Su herencia oaxaqueña, su afán por el constructivismo del espació y su efusión por los colores, han formado una clara idea del estilo de Rolando Rojas. La riqueza de los elementos simbólicos de su obra puede apreciarse desde sus primeras piezas, algunas de ellas hacen referencia a los mitos de la cultura zapoteca y en otras aparece la figura humana como tema central y en torno a ella, soles, bicicletas o una fauna diversa: cabras, vacas, armadillos, pavorreales y libélulas, entre otros. Sus personajes participan en juegos y en situaciones que desbordan vitalidad. Para Rolando Rojas, la vida es un ambiente festivo, una oportunidad de goce, de esfuerzo y de logros, y esta visión es la que él recrea en su obra como una ceremonia llena de color. "Me gusta que las historias estén presentes en cada cuadro que pinto. Mis personajes no son lo que parecen. Lo mío es un lenguaje más libre y comunicativo […] Lo que no me gusta es ponerle título a los cuadros, mejor dejo que la persona interesada se lo ponga; es lo maravilloso, buscar algo". Rolando Rojas.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre de 2009, año 14, No. 101, Pág. 34 y sitio oficial del artista www.rolandorojaspintor.com

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,150-$9,250 250


192

RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001)

Sin título, ca. 1975 Firmado Lápiz conté sobre papel 65 x 49 cm Procedencia: adquirido directamente al artista. Rodolfo Morales fue uno de los más importantes pintores mexicanos de la segunda mitad del siglo XX. Durante mucho tiempo trabajó su obra en silencio, hasta que conoció al maestro Rufino Tamayo, quien lo impulsó a introducirse al medio artístico, promoviendo su obra y haciendo frente al mercado de los coleccionistas de la época. Poco a poco fue exponiendo en importantes galerías de México y la mayor parte de las ganancias por las ventas de sus obras fueron invertidas a favor de su pueblo. En 1992 fundó la Fundación Cultural Rodolfo Morales, la cual realizó la restauración de diversos inmuebles del siglo XVIII en el Centro Histórico de Oaxaca y templos de San Jacinto Ocotlán, entre otros. Con el tiempo, se hizo conocido en el medio del arte como "El señor de los sueños". Fue un maestro de la pintura surrealista y creó un lenguaje artístico basado en sus vivencias y estudios, plasmando en cada obra elementos mágicos provenientes de su pueblo natal. Actualmente, es considerado el alma de la Escuela de Oaxaca junto con Tamayo y Toledo. Fuentes consultadas: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997, Pág. 378 y "Rodolfo Morales. El señor de los sueños cumplidos". México. El Proceso, 16 de diciembre de 2000.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,160- $7,700 251


193

GILBERTO ACEVES NAVARRO (Ciudad de México, 1931 - )

Descendimiento con dados Firmado y fechado 94 al reverso Óleo sobre tela 140 x 160 cm Procedencia: adquirido directamente al artista.

"Si hubiera que situar dentro de la historia de las formas a la obra pictórica de este autor, una de sus anclas sería la neofiguración expresionista. Por otro lado, a veces el dibujo es un sustento visible, otras veces define las áreas verosímiles mediante una estricta circulación de manchas y colores. Asimismo, lo gestual es importante en su obra. "Hay un texto escrito por Aceves Navarro que vale la pena citar: 'veo y el esplendor de lo visto me conmueve, formas y colores no son sólo formas y colores, son algo más, algo que no alcanzo a explicarme pero que de todos modos desencadena un mecanismo secreto que me hace ver de otra forma, a lo mejor lo que quiero decir es que sin pensarlo me adentro en un territorio donde a la forma la confirmo y la formo en alguna parte de mí, un lugar donde las cosas no se explican, sólo son'". Lelia Driben. Fuente consultada: DRIBEN, Lelia. Historias compartidas. México. Impronta Editores, 2004, Pág. 40.

$120,000.00-$180,000.00 M.N. USD $6,150-$9,250 252


194

FRANCISCO CASTRO LEÑERO (Ciudad de México, 1954 - )

Zona pública, 1981 Firmada en el canto Mixta y arena sobre tela 133 x 150 cm Agradecemos al Maestro Francisco Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Procedencia: adquirida directamente al artista. Colección privada. Con etiqueta de Plástica Contemporánea. Francisco Castro Leñero es un destacado pintor y escultor mexicano, hermano de José, Alberto y Miguel Castro Leñero. Es un artista complejo, cuya obra es difícil en todas sus manifestaciones, sin embargo, conquista la materia para infundir su propio diálogo, que es una visión clara de las cargas míticas y rituales de México. Su obra nos muestra su preferencia por el color, los trazos, las formas geométricas, cercanos al minimalismo conceptual. Además, se define por el camino del abstraccionismo vinculado al geometrismo, en el que se debaten la síntesis, el equilibrio y la razón. También ha ejercido la docencia, guiando a varias generaciones de alumnos en la Academia de San Carlos. A lo largo de su carrera, su trabajo ha sido presentado en importantes recintos, como el Museo de las Américas de Puerto Rico, Museo Rufino Tamayo, Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y The Hudson River Museum en Nueva York, entre otros. "Pinto porque el arte es una actividad esencialmente humana, un testimonio del hombre para el hombre". Francisco Castro Leñero Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, 2009, No. 100, Pág. 163.

$160,000.00-$200,000.00 M.N. USD $8,210-$10,260 253


195

MIGUEL ÁNGEL GARRIDO (Ciudad de México, 1982 - )

Cortina roja Firmado y fechado 14 Óleo sobre tela 60 x 330 cm Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: VÉLEZ, Gonzalo et ál. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, catalogado 24, Pág. 33.

"En la obra de Garrido discurren dos discursos estéticos simultáneos, paralelos, ambos con una especie de intención de ir en contra de presupuestos. Por un lado, el más inmediato, el discurso de la pintura en sí misma, aquí la inversión radica en partir de la imagen fotográfica para consumar el acto pictórico, esto es: pintar no a partir de la realidad, o en su defecto de la realidad de la imaginación, sino de una imagen dada, donde la realidad es ya una mediatización. Por la otra parte, establece un discurso de la cotidianidad con una notable carga performística, o más concretamente, de arte vivencial, el cual, en sentido opuesto al espíritu del arte efímero, Garrido plasma en el medio indeleble del óleo sobre tela". Gonzalo Vélez. Fuente consultada: VÉLEZ, Gonzalo et ál. Miguel Ángel Garrido. Lo que habitamos. México. Aldama Fine Art, 2014, pp. 2 y 3.

$120,000.00-$150,000.00 M.N. USD $6,160- $7,700 254


255


196

ROBERTO PARODI

(Ciudad de México, 1957 - )

Antes y después Firmado y fechado 16 Óleo sobre lino 100 x 80 cm Con certificado de autenticidad del artista. Roberto Parodi es un pintor mexicano cuya obra se muestra ante nosotros con un lenguaje moderno, que corresponde a las inquietudes de la época en la que le ha tocado vivir. Estudió en La Esmeralda y en la ENAP, posteriormente marchó a España, estancia que le ayudó a apreciar la técnicas de la pintura antigua, adentrándose específicamente en el Renacimiento italiano, el Siglo de Oro español, la pintura flamenca y los artistas del Ottocento, continuando hasta los impresionistas y el cubismo de Picasso. No obstante, ha estudiado también la obra de José Clemente Orozco y otros artistas mexicanos. 256

Su segunda etapa, fue influenciada por el expresionismo alemán del siglo XX, estudiando la aplicación del color, la cual comenzó a trabajar con mucha vitalidad, armonía y sentimiento. Con el tiempo, logró hacer una pintura refinada, donde los volúmenes de las figuras, las texturas y profundidades de los fondos, los obtenía principalmente gracias al manejo del color. Habiendo pasado casi dos años en Europa, regresó a México, exponiendo casi de inmediato en el Museo de Arte Moderno y en el Museo del Palacio de Bellas Artes. A partir de los años 80, comenzó a hacerse notoria su evolución plástica, generando un equilibrio entre modernidad y tradición. En 1984 obtuvo la mención honorífica en el IV Encuentro Nacional de Arte Joven; en 1987 recibió otra mención honorífica en el Salón Nacional de Artes Plásticas y en 1988 obtuvo el tercer lugar en la IV Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Hoy por hoy, su obra puede encontrarse en los museos más importantes a nivel internacional, como en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, 2002, pp. 173-177.

$80,000.00-$100,000.00 M.N. USD $4,110-$5,150


197

CLAUDIO GALLINA

(Buenos Aires, Argentina, 1964 - )

Arquetipos de un territorio, 2015 Sin firma Óleo y acrílico sobre tela 118 x 92 cm Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, septiembre de 2015. Agradecemos al Maestro Claudio Gallina por su apoyo en la catalogación de esta obra, marzo de 2017. Publicado en: sitio oficial del artista www.claudiogallina.com Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Trabajó como escenógrafo del Teatro Colón, así como en cine y televisión. Su obra se ha presentado en bienales y ferias de arte internacionales como arteBA, Art Miami, Art Madrid, PINTA New York, ARTBO en Colombia y la Bienal de Arte de Panamá.

Ha realizado más de 30 exposiciones individuales entre las que se destacan las presentadas en el Museum of Latin American Art en Los Ángeles, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, Museo de Arte del Tolima en Ibagué, Colombia, Galería Alfredo Ginocchio en la Ciudad de México y Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires. También ha exhibido en muestras colectivas en Argentina, México, Colombia, Puerto Rico, Estados Unidos, Perú, España, Chile, Inglaterra y Panamá. "Un concepto que he explorado en mi obra es la desconexión del hombre. En este caso los niños de la naturaleza y de ahí el descubrimiento de estos territorios, dentro de un marco tan solemne como es el tipo de construcción arquitectónica en donde se encuentran. Me interesa también la idea del descubrimiento, del arquetipo y de emerger de la naturaleza a pesar de todo". Claudio Gallina. $110,000.00-$150,000.00 M.N. USD $5,650- $7,700 257


198

GUILLERMO CONTE

(Buenos Aires, Argentina, 1956 - )

Escalera Maco (México) Firmado y fechado Buenos Aires 2011 Acrílico sobre tela 191.5 x 146.5 cm Con fotografía de la obra certificada al reverso por el artista, San José, 2012. Presenta ligeras craqueladuras. Su obra ha participado en importantes ferias internacionales de arte, tales como: Pinta Nueva York, E.E. U.U.; ARTBO, Bogotá, Colombia; SCOPE Miami Beach, E.E. U.U.; Zona Maco, Ciudad de México, México; Art Chicago, E.E. U.U.; FIA, Caracas, Venezuela; Art Miami, E.E. U.U.; FIAC, París, Francia; ARCO, Madrid, España y arteBA, Buenos Aires, Argentina. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,650-$6,160 258


Derechos Reservados © Pedro Friedeberg 199

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Recámara pitagórica Firmada y fechada 1979 Tinta y acrílico sobre museum board 24 x 19 cm Con certificado de autenticidad del artista, 2016. Exhibida en: "La casa irracional. Pedro Friedeberg, arte y diseño", muestra presentada en el Museo Franz Mayer, de mayo a julio de 2016.

"En la obra de Friedeberg no hay más adulteración de las leyes de la perspectiva que la que éstas hacen de la realidad física para representarla bidimensionalmente, ya que el uso de un sólo punto de fuga central es una convención, un artificio que simplifica los modos de percepción humana. En las cámaras o salones de Friedeberg las escaleras no suben hacia abajo ni bajan hacia arriba, ni se tergiversan las uniones de las aristas fugadas de planos y prismas para crear paradojas visuales. Si las puertas y las ventanas de estas cámaras suelen abrirse hacia la nada, es para trastocar el transcurso del tiempo y propiciar la conjunción arbitraria de épocas e ideas distantes entre sí, implicando suspensión en el vacío total". Luis Carlos Emerich. Fuente consultada: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 30.

$60,000.00-$80,000.00 M.N. USD $3,100-$4,110 259


200

SANTIAGO CARBONELL (Ecuador, Quito, 1960 - )

De la serie Constelación Firmado y fechado 16 Óleo sobre tela 150 x 71 cm Agradecemos al Maestro Santiago Carbonell por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2017. Aunque nació en Quito, creció en Barcelona, donde la corriente estética en auge era el informalismo y Antoni Tàpies, el ídolo de los pintores jóvenes. Sin embargo, Carbonell, quien aprendía pintura de manera autodidacta, se interesaba por mejorar su técnica y admiraba a los grandes maestros de la historia del arte. En la actualidad, se le conoce como el gran maestro de la pintura académica realista. Si bien es reconocido por su obra a la cual imprime un realismo idealizado, Carbonell es un artista que explora otros estilos como experimento, realizando obras abstractas a manera de desfogue. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, No. 69, mayo de 2004, pp. 30-31.

$120,000.00-$200,000.00 M.N. USD $6,160- $10,260 260


Derechos Reservados © Pedro Friedeberg 201

PEDRO FRIEDEBERG (Florencia, Italia, 1936 - )

Extremidades metafísicas Firmada y fechada 1999 Escultura en bronce a la cera perdida 2 / 10 47 x 40 x 25 cm Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 2016. "Mi arte es para disfrutar", dice Pedro Friedeberg, y las suyas son composiciones que transitan en lo abstracto tal vez por provenir de un sueño, de un recuerdo o de lo que mira alrededor. Cuenta que una noche soñó con una figura y entonces pidió a un carpintero que materializara esa fantasía, así nació su obra emblemática: la silla-mano, en 1962. Ha vendido más de cinco mil piezas, algunas realizadas en acrílico, en madera con hoja de oro, en vidrio, en bronce, desde escala pequeña, hasta gran formato. En 1963, Alice Rahon mandó una fotografía de la silla a André Bretón, lo que le valió a Friedeberg ser aceptado en el círculo surrealista. No es sorprendente, ya que una sinécdoque del cuerpo humano como la silla-mano era un impecable símbolo surrealista que evocaba no solamente los skiapodes de la Edad Media o "El jardín de las delicias" de El Bosco, sino otros fragmentos modernos como el guante en "Un chant d'amour" de Giorgio de Chirico o los trozos de maniquí en algunas naturalezas muertas de Rufino Tamayo o las enormes esculturas de manos, diseñadas por Friedeberg mismo, que Edward James instaló en sus jardines de Xilitla. La silla-mano causó sensación y se convirtió en la portada de la revistas como Life, House and Garden, Vogue y Tropic; todo el mundo las quiso, personalidades como Jeanne Moreau, Roman Polanski y Arnold Scaasi pidieron las suyas. Las sillas-mano, ergonómicas y cómicas a la vez, así como todos los otros muebles diseñados por Friedeberg, atacan frontalmente el "buen gusto" del diseño moderno y funcionalista. Fuentes consultadas: HOLTZ, Déborah et ál. Pedro Friedeberg. México. Trilce Ediciones, 2009, Pág. 140 y ÁVILA, Sonia. "Pedro Friedeberg: sólo porque me gusta el arte". México. Excelsior, sección Expresiones, 9 de octubre de 2012.

$120,000.00-$280,000.00 M.N. USD $6,160- $14,350 261


202

RINA LAZO

(Guatemala, 1923 - )

Príncipe ataviándose Firmado Temple y óleo sobre madera 155 x 110 cm Con certificado de autenticidad de la artista, febrero de 2017. Habiendo pasado parte de su infancia en Cobán, Guatemala, donde mantuvo contacto con el pueblo maya y habiendo sido aprendiz de Diego Rivera y Frida Kahlo en México, la actividad artística de Rina Lazo se ha basado principalmente en el muralismo y las temáticas relacionadas a la cultura e historia latinoamericana. En 1996, el arquitecto mexicano Pedro Ramírez Vázquez le encomendó a Rina realizar una réplica a tamaño natural, a partir de calcas, de los murales de Bonampak. Así, Rina viajó al pleno corazón de la selva Lancadona en el estado de Chiapas para encontrarse con el Templo de los Murales de Bonampak. Este sitio maya es uno de los 262

más importantes y que en palabra maya significa "muros pintados". Además de los edificios y las estelas, los murales son los que relatan la vida religiosa y de la realeza, entre ellos Rina capturó la narración pictórica del proceso en el que se está ataviando a un príncipe, réplica que fue colocada en el templo facsímil ubicado en el jardín anexo a la sala Maya del Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México. La obra incluida en esta subasta fue realizada por la artista en base a las calcas originales del "Príncipe ataviándose". "Es un trabajo muy serio y de mucha importancia, porque cuando se limpiaron las pinturas se perdieron algunas de las líneas del perfilado. Por eso tienen tanta importancia, ya que de alguna manera podemos ver lo que ya se ha perdido". Rina Lazo. Fuente consultada: MONTAÑO GARIFAS, Ericka. "Exhiben en Guatemala calcas que hizo Rina Lazo de los murales de Bonampak". México. La Jornada, sección Cultura, 28 de febrero de 2010.

$85,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,360- $6,160


203

ROBERTO MATTA

(Santiago de Chile, 1911 - Civitavecchia, Italia, 2002)

Sin título Firmado y fechado 1965 Pastel, crayón, lápices de color y de grafíto sobre papel 49 x 66 cm Con certificado de autenticidad de Archives de l'Oeuvre de Matta firmado por Germana Matta Ferrari, viuda del artista, octubre de 2016. Procedencia: - Carone Gallery. Fort Lauderdale, Florida. - Colección privada, Pensilvania. - Colección privada, Ciudad de México. Los 60 fueron para Roberto Matta años muy productivos, su fama llegó a nivel internacional y su producción artística experimentó diversas formas de expresión. En 1965, Matta presentó la exposición "El cubo abierto" en el Kunstmuseum de Lucerna, una instalación conformada por cinco pinturas en las que representaba la tierra, el cielo, el pasado, el futuro y las fuerzas. En este mismo año publicó dos textos en los que planteaba su concepción estética. También, participó en diversas exposiciones colectivas, entre las cuales destaca la XI Exposición Internacional del Surrealismo, en la Galería L'Oeil, en París. Fuente consultada: sitio de la Casa de las Américas www.casadelasamericas.org

$200,000.00-$300,000.00 M.N. USD $10,260-$15,400 263


204

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Sin título (boceto) Firmado Lápices de color y grafito sobre papel albanene 45 x 30 cm Con constancia de autenticidad de la Galería de Arte Mexicano, marzo de 2017. De origen maya-quiché, Carlos Mérida fue un relevante pintor, escultor e ilustrador de la segunda mitad del siglo XX. Llegó a México en 1919, donde siguió los pasos del muralismo mexicano con un gran sentido nacionalista, pero a causa de las corrientes revolucionarias decidió distanciarse del territorio nacional una temporada. Así, en 1927 viajó por segunda vez a París, una estancia productiva que le generó influencias artísticas reafirmando su estilo abstracto y constructivista por el contacto que tuvo con Klee, Picasso, Miró y Kandinsky. En su obra predomina la sensibilidad por encima de sus cualidades intelectuales. Esta sensibilidad plástica se expresaba de una manera elegante, en unas cuantas líneas, en unas cuantas manchas inevitables. Había reducido la pintura a lo esencial. Su expresión se purificó a veces hasta perder su aspecto superficial, su aspecto moderno, abarcando la parte eterna en un instante y es así como cobra un sentido imperecedero: y lo cobra justamente frente a la muerte.

Fuentes consultadas: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. Carlos Mérida: Color y Forma. Ediciones Era, México, 1992, Pág. 33 y ORTIZ CASTAÑEDA, Alejandro. "¿Cuánto se conoce a Carlos Mérida?" México. La Jornada, sección Cultura, 19 de diciembre de 2014.

$90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,650- $6,160 264


205

CARLOS MÉRIDA

(Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Sin título (boceto) Firmado Lápices de color y grafito sobre papel albanene 45 x 30 cm Con constancia de autenticidad de la Galería de Arte Mexicano, marzo de 2017. $90,000.00-$120,000.00 M.N. USD $4,650- $6,160 265


Lote 19


ÍNDICE

A

ACEVES, GUSTAVO 44 ACEVES NAVARRO, GILBERTO 193 ALAMILLA, MIGUEL ÁNGEL 133 ALCALDE GARCÍA, ALFREDO 46 ALMELA, MARIO 146 ANGUIANO, RAÚL 57, 63 ARÉVALO, JAVIER 173 AVILÉS, ARNO 126

B

BARDASANO, JOSÉ BAZ VIAUD, EMILIO BELKIN, ARNOLD BRAVO, CLAUDIO BRUNET, FERNANDA

C

21 176, 177 155,157 64 120

CARBONELL, SANTIAGO 55, 200 CARRINGTON, LEONORA 70, 165 CASTAÑEDA, ALFREDO 92 CASTAÑEDA, FELIPE 56 CASTRO LEÑERO, FRANCISCO 194 CASTRO LEÑERO, JOSÉ 139 CASTRO LEÑERO, MIGUEL 134 CASTRO PACHECO, FERNANDO 30 CERNA, BENITO 54 CHA'CA, VÍCTOR 109, 112 CHAPARRO, ALDO 123 CHÁVEZ MORADO, JOSÉ 11,12 CHICO, JULIO 100 COGHLAN, EDGARDO 151 CONTE, GUILLERMO 198 CORONEL, PEDRO 168, 169 CORONEL, RAFAEL 90, 91, 93, 183 CORTÁZAR, ROBERTO 42, 43, 53 CORZAS, FRANCISCO 17 COSTA, OLGA 13 COVARRUBIAS, MIGUEL 172 CRUZ AZACETA, LUIS 94

D

DE AMARAL, OLGA 65 DEL VALLE, JUAN CARLOS 32 DR. LAKRA 48

E

ECHEVARRÍA, OFILL "EL CORZO" ANTONIO RUÍZ ESTÉVEZ GARCÍA, ERNESTO ESTRADA, ARTURO

F

140 4, 5, 62 144 14, 15, 175

FARRERA, JOSÉ ANTONIO 31 FERNÁNDEZ BALBUENA, ROBERTO 149 FERNÁNDEZ LEDESMA, GABRIEL 25, 27 FILCER, LUIS 99 FREIRE, RENÉ 129 FRIEDEBERG, PEDRO 199, 201

G

GALLINA, CLAUDIO 197 GÁLVEZ, BYRON 95 GANDÍA, VICENTE 35 GARCÍA, SAIR 137 GARCÍA OCEJO, JOSÉ 188 GARCÍA PONCE, FERNANDO 127 GARRIDO, MIGUEL ÁNGEL 195 GIRONELLA, ALBERTO 49, 51 GIRONELLA PARRA, EMILIANO 80,189 GOERITZ, MATHIAS 61, 66, 68 GÓMEZ MAYORGA, GUILLERMO 76, 77 GONZÁLEZ CAMARENA, JORGE 58 GURRÍA, ÁNGELA 118, 119

H

HELGUERA, JESÚS 10 HERNÁNDEZ, SERGIO 104, 105, 110 HUME, ERNESTO 115

I

ITURRIA, IGNACIO

J

124

JAZZAMOART 98, 113

K

KAHLO, FRIDA 163 KCHO 86 KELLY, PHIL 135, 141 KERCH, LUIS 138

L

LAZO, AGUSTÍN 6, 7, 166 LAZO, RINA 202 LEAL ORTIZ, FERNANDO 60 LETTS, LUZ 184 LEYVA, RUBÉN 116 LUGO, HUGO 181

M

MACOTELA, GABRIEL 132 MANTEGANI, ROGER 38 MARÍN, JORGE 45, 88 MARTÍNEZ, RAYMUNDO 79 MARTÍNEZ, RICARDO 85 MATTA, ROBERTO 67, 203 MAYAGOITIA, JESÚS 117 MÉRIDA, CARLOS 204, 205 MEZA, GUILLERMO 19, 179, 180 MILLER, CAROL 97,185 MINGORANCE, JUAN EUGENIO 148 MONTENEGRO, ROBERTO 2, 3, 69 MONTOYA, GUSTAVO 178 MORALES, RODOLFO 192 MORENO, NICOLÁS 150

N

NIETO, RODOLFO NISHIZAWA, LUIS

O

S

SÁNCHEZ, TOMÁS 83 SARDINA, YAMPIER 136 SCHMILL, JOSÉ MANUEL 40, 41 SEGUÍ, ANTONIO 121 SIQUEIROS, DAVID ALFARO 16,162 SORIANO, JUAN 18, 167 SOTO, JESÚS RAFAEL 128, 130 SOUTO, ARTURO 33

T

TOLEDO, FRANCISCO TORRES-GARCÍA, JOAQUÍN

106 24

VILLALOBOS, JOSÉ

114

WIDMANN, BRUNO

186

ZÁRRAGA, ÁNGEL

8, 59

V

W Z

111, 164 29

O'GORMAN, JUAN 1 OBREGÓN, JORGE 78 ORDÓÑEZ, SYLVIA 36, 37 OROZCO, GABRIEL 125 OROZCO, JOSÉ CLEMENTE 154, 156, 158, 159, 160, 161 OROZCO ROMERO, CARLOS 143 ORTÍZ, DARÍO 39

P

PACHECO, FERNANDO 131 PALACIOS, IRMA 102 PALOMEQUE, MARCO ANTONIO 26 PARODI, ROBERTO 196 PARRA, CARMEN 187,190 PAYARES, SERGIO 101 PEÑA, ALFONSO X. 9 PEÑA, FELICIANO 74, 75 PIMENTEL, RODRIGO 81, 142

Q

QUINQUELA MARTÍN, BENITO QUINTANA, GEORGINA

R

84 50, 52

RABEL, FANNY 174 RAMÍREZ, GABRIEL 96 RAMOS MARTÍNEZ, ALFREDO 47,71 RANGEL FAZ, MARIO 122 REVUELTAS, FERMÍN 87 REYES MEZA, JOSÉ 20, 23, 82 REYES, CHUCHO 170, 171 RICHTER, LEOPOLDO 107 RÍOS, CARLOS 145,147 RIVERA, DIEGO 152, 153 ROCHA, RICARDO 182 RODRÍGUEZ LUNA, ANTONIO 28, 34 ROJAS, ROLANDO 103, 108, 191 RUELAS, JULIO 72, 73

267



Lote 85


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mortonsubastas.com


Guía para compradores Si usted no ha comprado antes en nuestras Subastas, por favor lea las siguientes reglas de Subasta. En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal, que lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la Sala de Ventas. Usted puede consultarnos y responderemos a todas sus preguntas.

I. Generales 1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos previamente celebrados con estos, de quienes se presume tienen la propiedad de los mismos. 2. Los datos contenidos en el catálogo de la Subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios. 3. La Subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de dos mil pesos M.N. 6. Los lotes que se subasten se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos. 7. Para efectos de la Subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por lotes en el transcurso de la Subasta.

II. lotes

Para hacer una oferta en la Subasta usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin. 1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la Subasta, la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V. 2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 20% sobre el precio de venta, más el 16% de IVA sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 más comisión $1,000.00 más IVA $160, total de la factura a pagar $6,160.00 3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la Subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de Subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicara ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

1. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique. 2. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo que para la Subasta elabore Morton. 3. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la Subasta, por lo que el personal de Morton, estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote. 4. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentren en el momento de celebrarse la Subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la Subasta. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a Subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla. 5. Los precios estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir

III. ofertas en presencIa, reGIstro

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 20% por concepto de la contraprestación más el IVA correspondiente. Si el pago se efectúa con tarjeta de Crédito Bancario o American Express, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o los lotes que le hayan sido adjudicados, descontando lo que previamente se tomó como garantía. 5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la Subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja. 6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. ofertas en ausencIa Refiérase a las primeras páginas de este catálogo: “Cómo se compra en subasta”.

V. exportacIón El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión o devolución de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad. Para mayores informes, consulte: www.tramites.inah.gob.mx


OFERTAS EN AUSENCIA

CONDICIONES Y FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA. AVISO DE PRIVACIDAD Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga http://www.mortonsubastas.com/formatos/Aviso_de_privacidad.pdf Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos. ESTOY DE ACUERDO SI NO

FICHA DE REGISTRO

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo; las cuales se encuentran a su disposición en Morton. 2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en el presente documento, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA

3. Que no están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo, es responsable que usted logre se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

NÚMERO DE PALETA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

SI

NO

OFERTA POR TELÉFONO

SI

NO

NOMBRE COMPLETO CALLE

No.

COLONIA

C.P.

DELEGACIÓN / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

CELULAR

IDENTIFICACIÓN NÚM DE TARJETA DE CRED. NÚM DE SEGURIDAD

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton. 7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

FECHA DE VENCIMIENTO

NÚMERO SEGÚN CATÁLOGO

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

DESCRIPCIÓN

REQUISITOS

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos: a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta. b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton. c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente: Subastas en Monte Athos: $20,000.00 M.N. Subastas en Sadi Carnot: $5,000.00 M.N. El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton, con previo aviso al cliente. d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

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RECIBIÓ (REPRESENTANTE DE MORTON) NOMBRE Y FIRMA FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

CONDICIONES DE PAGO

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 20% por concepto de comisión, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Si el pago se realiza a través de tarjeta de crédito o American Express, se cargará un 6.6% adicional al saldo que resulte de restar la garantía. Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C. reembolsable en el caso que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

OFERTAS POR TELÉFONO

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

México, D.F. a

de

del año

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta.

Tel. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 y 3150


ABSENTEE BIDS ABSENT BID TERMS, CONDITIONS AND BID FORM

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton.

ABSENTEE BID FORM AUCTION TITLE

DATE

PALETTE NUMBER

WHO MAKES THE BIDS

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the "One more bid authorized" section is chosen as "Yes", you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as "No" or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton. 7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

ONE MORE BID AUTHORIZE

YES

NO

TELEPHONE BIDS

YES

NO

FULL NAME ADRESS

ZIP CODE

E-MAIL TELEPHONE

MOBILE

ID NUMBER CREDIT CARD SECURITY CODE

EXPIRING DATE

LOT NUMBER

TOP LIMIT BID

DESCRIPTION

(Mexican Pesos)

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met: a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it. b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held. c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton. Auctions at Monte Athos Gallery: $20,000.00 MXP Auctions at Sadi Carnot Gallery: $5,000.00 MXP The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer. d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

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RECEPTION (MORTON STAFF ONLY) NAME AND SIGNATURE DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

PAYMENT CONDITION

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty percent of commission fee shall be paid, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission. Payment made with credit card or any American Express card will incur an extra charge of 6.6%, added as a commission fee to the total amount to be paid for.

BIDS OVER THE TELEPHONE

SIGNATURE (Date)

MEXICO CITY

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 (55) 5283 3140 Ext. 3148, 3149 & 3150