Mondo Sonoro noviembre 2022

7/Mondo freako

Tras dos años de fenómeno mediático, ha llegado el momento de la verdad para Depresión Sonora, el proyecto de Marcos Crespo, que reconfirma su relevancia en la farándula pop con “El arte de morir muy despacio” (Sonido Muchacho, 22), su primer álbum. En las líneas que vienen a continuación, el propio Marcos nos adentra en las entrañas de tan magnético universo de nihilismo vitalista.

TEXTO Marcos Gendre FOTOS Sharon López

Depresión Sonora Nihilismo vitalista

PARA EMPEZAR, ¿por qué “El arte de morir muy despacio”?

Al final, el disco ha sido un proceso algo extraño que no se lo he visto hacer a nadie. A finales de 2020 tuve una revela ción, quería hacer un disco que se llamara “El arte de morir muy despacio”. A raíz del título, fui desarrollando la idea. Al divi dir el disco, lo quise hacer en tres actos, en plan obra griega clásica. Quería una intro ducción, que es la primera parte, cuando uno es pequeño. Es la introducción a la entropía. De repente, te sueltan aquí y a ver qué te pasa. Es una parte de descubrimien to, muy inocente, en la que te enamoras. Las melodías son más bonitas, más dulces. Luego, acabas llegando al final de esa parte, como que te desencanta la realidad, que es la de estos dos adolescentes en su primer amor. El desamor es cuando te comienzas a desencantar de la adolescencia. De repente, empiezas a descubrir un nihilismo súper profundo, que te hace llegar a la segunda parte, que es oscura y negativa. Es muy des encantada y acaba con la autodestrucción, que es la última parte. Todos llegamos a un punto oscuro en nuestra vida, en el que decimos: ya hemos tocado muy bajo, ¿no?

¿Qué haces aquí? En “Voy explotar”, hablo de una persona que vuelve muy demacra da de por ahí, que se ha despertado en un portal, que ha vomitado. Vuelve a casa, no ve nada. Y a lo mejor es el momento de cambiar, de resucitar, de comenzar a hacer otras cosas. Ahí la represento con la propia muerte de la persona. Dentro de todo este nihilismo, llega la tercera parte. “Muerte y resurrección” es una reflexión. Las dos primeras estrofas son mucho más negativas y luego empieza un sinte con una especie de campanitas arriba y ahí comienzo a hablar desde una perspectiva mucho más positiva. Es como, dentro de lo malo, ser capaz de ver lo bueno. Esto es así, el mundo tiene cosas malas, pero no nos podemos quedar con eso. Hay que comenzar a ver las cosas de otra forma, verlo de una forma mucho más positiva.

La tercera parte es la del aprendizaje, más que nada. Como son tres partes, son tres sentimientos que se pueden extrapolar a una historia vital, un ciclo que se va repi tiendo muchas veces. Aprendes algo, te desencantas, lo asumes. Vuelven a pasar cosas. Lo veo como un ciclo vital. Por eso, casi lo que más me gusta es el nombre del disco y cómo conseguí englobar todo esto a través de este título.

3De hecho, acabas con “Como todo el mundo”, que es una especie de oda a esa normalidad que buscas dentro del entor no vital.

Justo, como en cualquier etapa en la que te crees único, cuando piensas que estos pro blemas solo te pasan a ti, que cómo soy yo, que qué he hecho o cómo la he liado así.

Este nexo conceptual no es nada habi tual en la música de hoy en día. De hecho, en este álbum rompes con una de las pre misas más habituales en la actualidad, y no haces colaboraciones con nadie. Luis, de sonido Muchacho, me insistió muchísimo, en plan: “tío, colaboración con no sé quién, con el otro. Metemos la colabo ración de esta gente en el disco”. Y yo, “que no Luis. Este es mi primer disco y quiero que sea mío”. No quiero contaminarlo. tam poco “contaminarlo”, pero al final cuando trabajas con alguien dejas entrar parte de su esencia y su mensaje en tu canción y ya no es tan tuyo. Yo quería conseguir este sonido, que ha sido un trabajazo: pasar de ese sonido que hice en mi casa, súper do it yourself, que tenía mucha esencia, pero no sonaba bien, a lo que hemos conseguido, que siga sonando lo-fi, también oscuro. Que tenga esa aura, pero que suene bien.

Hablando de esto, ¿qué ha cambiado en la grabación de este disco respecto a tus primeros dos EPs? ¿Cómo fue el proceso, fue algo más sobre la marcha? Todo empezó como los otros dos, en mi casa. Me gusta componer solo. Cuando compongo para otra gente, no me im porta hacerlo acompañado. Pero para lo que es mi música y mi mensaje, al final lo veo como algo muy personal y muy mío. Me da igual que esté mal. Quiero que mi mensaje sea puro. Esto al final surge en mi habitación, con mi guitarra, el ordena dor y probando. De ahí, preparé las once maquetas. Hablé con Miguel Grimaldo, el gran rapero, que es muy amigo mío, que viene como mi técnico de sonido. Estuvimos unas dos semanas en su casa arreglando y buscando nuevos sonidos de batería. Para componer me gusta ir rápido, tener la canción en dos días máxi mo. Buscamos sintetizadores. Hicimos un trabajo más de preproducción antes de entrar al estudio. Luego, fuimos a Metro pol a regrabarlo todo. En realidad, el disco suena mejor de lo que yo quería que sona ra. Me convencieron de muchas cosas. Por

ejemplo, yo quería dejar las voces mucho más oscuras y atrás. Pero me dijeron: “No, Marcos. Hablas mucho. Se te tiene que entender. No puedes pretender soltar este texto en una canción y que no se te entien da”. Hicieron un gran trabajo. Sobre todo Harto Rodríguez, que es un mixer genial.

Tras tus dos primeros epés, en este primer largo se palpa una evolución en tu sonido hacia derivas más sintetizadas y también más atmosféricas. Hay cosas que me recuerdan a Depeche Mode en “Parte I: introducción a la entropía”, a Durutti Column en las guitarras de “Parte II: la abrazo con fuerza (carta a la soledad)”. Y, personalmente, mi favorita del disco: “Parte III: muerte y resurrección”. Pero ¿qué concepto instrumental había en tu cabeza antes de ponerte con él? Justo el principio de la tercera parte es algo que quería hacer como en reverso, porque realmente lo que suena al princi pio, que es lento y pesado, se trata del final de la canción anterior, al darle la vuelta. Es como que cuando lo escuchas, termina, y vuelve a reenganchar del revés. Como que termina en “Voy a explotar”, en la que ha explotado todo, todo ha reventado, todo está en el absoluto suelo. Has muerto. Y cuando estás ahí, comienza con la canción del revés, cuando empieza a resurgir, con otro sinte, con otra batería y empiezo a recitar. Que es como el título, “Muerte y resurrección”. Personalmente, esa parte es de lo que más me gusta del disco. Me flipa. En cuanto a lo de las tres partes, desde pequeño siempre he escuchado un mon tón de discos y también era muy rapero. He escuchado muchas óperas-rock de The Who, Pink Floyd. Y todas las movidas que había antes. También me molaba mucho el rollo skit de los raperos, como de recitar y decir movidas. Como que quería hacer eso y vertebrar el disco en torno a tres par tes diferenciadas en las que poder contar una historia con unos skits en medio que las uniera.

En tu actuación del Atlantic Fest, había pú blico de Rojuu y también Nacho Canut, diferentes gene raciones, a priori, antitéticas que demuestran que Depresión Sonora es un proyecto capaz de fundir generacio nes post-punk y de música urbana. La verdad es que cuando hago mi música no pienso en nadie. Sólo pienso en mí. Pero sí veo una movida generacional, y que directamente hay un hueco en medio. O son chavales de dieciséis a veintipocos años o de cuarenta y tantos y cincuenta años. En medio, parece que se sienten o muy mayores o muy pequeños para escu char lo que hago.

En cuanto a Rojuu, ¿cómo surge esta alianza discográfica puntual y en directo, como banda?

Yo trabajo con Rojuu porque él también empezó a hacerlo con Sonido Muchacho hace año y medio, o así. Trabajé en alguna canción para su disco. Aparte de lo mío, también hago canciones para otra gente. Me gusta hacer música. Yo no conocía a Rojuu. Estuve buscando cosas sobre él y me llamó mucho la atención que fuera un ico no de su generación. Como una imagen que también expresa muy bien esa sensación que tiene la gente joven de ahora mismo, ese negativismo. Todo muy emo.

“A raíz de sacar Depresión Sonora, me he ido enterando de lo que significan Joy Division para mucha gente”

“

Ese negativismo es un vacío que notaba en estos últimos años en el pop español y que en tu disco llevas a una nueva dimen sión, un poco como hacer bailar el negati vismo De hecho, en directo, te atreves con una versión de “Disorder”. ¿Qué significa para ti interpretar un corte como este? A lo mejor debo de ser un poco incons ciente con el tema. Nunca me planteé que pueda ser una mala idea. Nunca he idola trado a Joy Division. Me gustan, igual que me gustan otras cosas. Al no haber vivido ciertas cosas, nunca he tenido a Joy Di vision como padres del post-punk, como una cosa de culto. A raíz de sacar Depre sión Sonora, me he ido enterando de lo que significan Joy Division para mucha gente. Y quería hacer “Disorder”, Pensé en hacer algo de Parálisis Permanente, pero me pareció que eran demasiado punk para lo que yo hacía. No me cuadra ba. Y quería hacer una canción movida.

LA MÍA

El corsé de lo correcto ENVEJECER

Vigo

noviembre. Sala Rouge

A Coruña

noviembre. Playa Club

Zaragoza

noviembre. Sala por determinar

Barcelona

noviembre. Sala Wolf

Bilbao

noviembre. Stage Live

San Sebastian

noviembre. Dabadaba

Valencia

noviembre. Loco Club

Murcia

noviembre. Sala Rem

Salamanca

diciembre. Sala Potemkin

Valladolid

diciembre. Sala Cientocero

Granada

diciembre. Sala Planta Baja

Sevilla

diciembre. Sala X

Málaga

diciembre. La Cochera Cabaret

ES UNA PUTADA. Una gran putada. El primer síntoma que te golpea en la cara de esta enferme dad se la lleva uno en un festival. Ves a toda la chavalada a tu alrededor domi nada por una gran algarabía y tú lo único que deseas es volverte a casa. El segundo es cuando te das cuenta que últimamente solo asistes a conciertos de viejas glorias que re presentaron algo en tu glorioso pasado, y te auto-engañas como un chino diciéndote que sí, que el bolo ha valido la pena. Te mientes y lo sabes. En el fondo tienes la certeza, oculta certeza, de que el concierto no ha pasado de correcto. Que la banda, vieja como tú, ha ido con el piloto automático y la excitación ha sido producto de tu imaginación, junto a ciertos trucos escénicos tan manidos como bien dispuestos. Y todo esto ¿a cuento de qué viene? Pues que estoy harto. Estoy can sado de ir a conciertos de grupos como Red Hot Chili Peppers o The Black Crowes y salir del recinto intentado autoconvencerme de que me lo he pasado en grande. ¡Una mierda! En el fondo me solidarizo más con las lágri mas de Hetfield que con todos estos enga ña-viejos vende humos del mundo. Aunque igual soy yo el que lucha en vano contra los molinos del tiempo. No lo sé. El caso es que añoro y envidio aquella sensación de liber tad y desenfreno que me producía asistir a un concierto de verdad. Un concierto en lo que nada estaba preparado de antemano, en el que cualquier cosa podía suceder porque el guión no estaba escrito. Actuaciones que sabías cómo empezaban, pero nunca cómo finalizaban. Hoy en día todo está medido al milímetro. Sobre todo en las grandes plazas ocupadas por los grandes grupos. Por eso me voy a hacer un favor a mi mismo. Voy a volver al garito, al grupo que inicia su andadura y voy a abandonar el corsé de lo correcto. A ver si con esta huída de lo establecido, encuen tro la ansiada fuente de la juventud y recu pero la excitación de la fe. A ver si vuelvo creer en el poder de la música. El mismo que despierta emociones, te sacude y te voltea aunque seas un calcetín viejo. Además ese regreso auto-impuesto a la sala pequeña es ya casi un hecho militante. Ideológico. En esta época de grandes fastos volver al garito es volver a lo auténtico, lo real. Es volver a apoyar a la música de base, la que se hace con la pretensión de la juventud, con ganas locas de liarla. Igual con mis canas canto más que una almeja, pero me da igual. Me apostaré tras una columna y me sumergiré en el ambiente. Hay que volver a los garitos. Hay que ir a ver a todas esas bandas que empiezan o nunca dieron el ansiado salto festivalero o que si lo dieron no han olvida do regresar a los cuarteles de invierno. Vol vamos pues a los garitos.

DON DISTURBIOS

Björk la hemos conocido un poquito más con cada uno de sus discos. Gracias a “Fossora” (One Little Independent, 22) nos adentramos en su vida como hija y como madre al mismo tiempo a través del homenaje que le dispensa a su propia madre, Hildur Rúna Hauksdóttir.

TEXTO Joan S. Luna FOTOS Vidar Logi

ADORO EL OPTI MISMO que destila Björk incluso en los momentos más difí ciles. Lo desprenden sus canciones y lo desprenden tanto su tono al contestarme en nuestra charla vía Zoom. Hemos con certado la entrevista para hablar sobre “Fossora” aunque mi guion se queda prác ticamente virgen conforme se desarrolla la conversación. Lo que más me preocupa antes de empezar a charlar con ella es convencerla de que no importa lo intrinca dos o experimentales que sean sus discos, porque conforme uno se sumerge en ellos con unos buenos auriculares se olvida del mundo. Y es que, aunque nos ponga las cosas difíciles en algunas ocasiones, Björk mantiene intacta esa capacidad tan suya de emocionarnos con una cascada de sonidos electrónicos, arreglos de cuerdas y vientos, piruetas vocales y sentimientos que requie

o “Cover Me”, mientras que “Debut” (93) tenía algunas como “The Anchor Song” o “Aeroplane”. Así que creo que siempre ha habido la misma cantidad de pop y de experimentación en todos mis discos. Diría que he sido bastante consistente a la hora de experimentar, incluso cuando estaba en bandas. El balance ha sido muy parecido y creo que lo sigue siendo a día de hoy.

Lo que sí creo es que tus discos cada vez han girado más alrededor de un concep to. Antes primaban las canciones y diría que ahora priman los sentimientos tras las canciones. ¿Lo ves de una forma pare cida? Y hablo incluso de cuando estabas en Kulk o The Sugarcubes. Bueno, creo que los sentimientos que ma nejaba en The Sugarcubes eran similares en cuanto a profundidad de los que manejo en la actualidad. Como decía antes había un porcentaje de experimentación y de pop, pero también de canciones alegres, de canciones con las que quisieras bailar

Precisamente en “Ovule” hablas sobre la decepción relacionada con el amor. Es una canción a corazón abierto. ¿Alguna vez has tenido miedo de abrirte tanto a los desconocidos que te escuchamos al otro lado?

Creo que lo que la mayor parte de los ar tistas aprenden muy rápido, teniendo en cuenta que yo empecé a los doce o trece años de edad, es que hay un momento en el que puedes ser muy sincero y abrirte mucho en un concierto y transmitiendo tus sentimientos personales y sea cuando la gente más se emocione. Porque, aunque parezca una contradicción, el momento en el que eres más universal es el momen to en el que eres más personal. Y eso es algo que la mayoría de artistas quieren alcanzar. No hay garantía de que consigas alcanzar nunca ese momento y mucho menos de que lo puedas repetir, porque no es algo que se pueda replicar. Nunca es lo mismo dos veces, así que no tienes otra salida que seguir intentándolo una y

Björk

La mujer del norte

ren precisamente eso, que nos bajemos del mundo durante prácticamente una hora y nos centremos de forma exclusiva en lo que nos está contando. Solo así disfrutaremos de canciones como “Ovule”, “Ancestress”, “Fossora”, “Fungal City”, la asfixiante “Vic timhood” o la emotiva “Her Mother’s Hou se”, en la que confluyen tres generaciones de mujeres islandesas, como merecen.

Me encanta “Fossora”. Requiere tiempo, pero una vez entras en él es un gran mun do en el que disfrutar. La única etiqueta que le encaja eres tú misma. No haces pop, no haces estrictamente música expe rimental. ¿Alguna vez piensas en ello? No es nada importante para mí. Creo que mi carrera ha girado siempre alrededor de los mismos ejes. Estuve en bandas cuan do era una teenager, luego llegaron mis primeros álbumes y, por ejemplo, “Post” (95) tenía canciones como “Headphones”

o baladas. Para resumirlo, digamos que el conjunto es bastante parecido.

Puede que te suene estúpido, pero las canciones que escribías hace años me hacían sentir feliz, querer bailar y mu chas otras cosas, mientras que ahora, al margen de lo que cantes en ellas, me hacen pensar en algo tan abstracto como las posibilidades que nos da la música para expresarnos de una forma comple ja. “Ovule”, por ejemplo, me hace sentir más humano.

Eso es algo que he intentado siempre en cada uno de mis discos. Por ejemplo, “Venus As A Boy” en “Debut” o “Yoga” en “Homogenic”. Mi perspectiva siempre ha sido parecida porque lo humano es algo que siempre me ha interesado, y claro, a todos nos interesa eso, nuestras vidas. In tentamos descifrar cómo somos los seres humanos.

otra vez hasta encontrar ese instante en el que lo personal y lo universal confluyen. Oh, perdona... [Contesta a alguien que le está haciendo una pregunta y retoma la conversación]. Si revelas demasiado es posible que rompas la magia, si revelas demasiado poco es posible que rompas la magia. Si eres demasiado universal lo que ocurrirá es que pierdas la conexión con lo íntimo, y si no eres lo bastante universal también puedes perderla. Así que es un balance muy complicado de conseguir, pero es muy excitante seguir intentando mantenerlo.

Hace unos años entrevisté al escritor Sjón, con quien también has trabajado en diversas ocasiones, y me dijo que erais buenos amigos. ¿Crees que tu familia y tus amigos pueden descubrir más sobre ti escuchando tus canciones? Sí, obviamente. Sí.

“

3¿Qué importancia tiene la parte artística en tu vida diaria?

¿Qué quieres decir? No entiendo bien tu pregunta.

Me refiero por ejemplo a ser pri mero hija, luego madre y artista al mismo tiempo. Oh, eso es realmente muy fácil. Muy fácil.

¿Isadora es consciente de que su madre es una artista de fama mun dial, reverenciada por millones de personas?

Creo que a ella no le preocupa demasia do. No solemos hablar mucho sobre ello en nuestra casa [risas].

Espero que no te importe que mis preguntas sean más bien generales. Podría preguntarte más sobre “Fosso ra”, pero me interesa más saber si te reflejas en el disco, ahora que ya está en la calle. ¿Te reconoces en las can ciones que has escrito a lo largo de los años o en algunas ya no?

Las dos cosas. A veces me veo reflejada en las canciones que he hecho aunque haya pasado el tiempo y otras veces no. Eso es algo que se plantea mucho cuan do los artistas interpretamos canciones antiguas en nuestros conciertos. En algunas ocasiones descubres un nuevo punto de vista sobre lo que habías escri to hace muchos años, algo que te puede sorprender, porque sigues siendo tú. Pero también sucede que interpretes una canción y te lleve al mismo senti miento que tuviste cuando la escribiste. No puedo contestarte solamente una cosa, porque pueden ocurrir muchas cosas distintas cuando vuelves a tus canciones.

El otro día entrevistamos a Dave Lovering de Pixies y nos dijo que aho ra hacían mejor música que nunca porque son mejores músicos. No sé qué pensarás tú al respecto de esa afirmación, sobre todo teniendo en cuenta que siempre te has dedicado a romper tus propias reglas a la hora de hacer discos. Bueno, yo creo que cada vez que haces música tienes unas herramientas y unas ideas. Cuando tienes ochenta años las manejas de un modo, pero también las manejas de forma distinta cuando tie nes veinte, treinta, cuarenta, cincuenta, sesenta o setenta años. Debes saber en qué áreas eres más fuerte y en cuáles

lo eres menos, pero al final del día todo tiene que ver con cuánto tiempo debes dedicarle a cada elemento para con seguir lo que buscas transmitir. Pero creo que es un cambio muy lento al que debes ir adaptándote, así que... [duda durante unos segundos]. Sí, eso.

Cambiando de tema, una cosa que siempre me ha gustado de ti es que siempre sabemos con quien colabo ras en cada disco. Tus colaboradores nunca son anónimos. Los coros, la orquesta, Mark Bell, Arca, El Guincho, Gabber Modus Operandi, Serpentwi thfeet... Les cedes siempre parte del protagonismo.

Oh, me tomo eso como un gran cum plido.

¿Que importancia tiene para ti tra bajar con gente de diferentes países y de diferentes culturas?

La música para mí es algo, obviamente, muy importante. Lo que hago es de jarme guiar por mi oído. Me fijo en las cosas que me parecen más excitantes y ese es el camino que quiero seguir, el que me parezca más excitante. Sí, me guío por eso fundamentalmente.

¿Aprendes cosas de todos ellos?

Por supuesto. Eso es un hecho. Trabajar con otros músicos es algo que me enri quece mucho como artista.

¿Se sorprenden mucho cuando les contactas? ¿Tienen miedo de empezar a trabajar contigo?

Uhm... yo creo que... realmente no.

¿Entonces crees que es fácil trabajar con Björk?

¡Esa es otra pregunta! ¿No? [risas].

Sí, lo es.

Vale, entonces por lo que respecta a la pregunta anterior... ¿Si la gente se sor prende cuando les pregunto si quieren colaborar conmigo? Pues no lo sé.

Mejor se lo pregunto a El Guincho, ¿entonces?

EL APUNTE

Discografía élfca

TRAS FORMAR PARTE de diversas bandas, podríamos establecer en “Debut” (93) el nacimiento de la Björk tal y como la conocemos. Coproducido junto a Nellee Hooper y vivificado por el patchwork de sonidos de la escena underground de clubes londinen ses, la islandesa investigó y celebró el espectro emocional en su totalidad y su fascinación ante las posibilidades que el mundo ofrece se abre como base para el resto de su carrera. La artista continuó concretando su visión con la romántica y vibrante odisea trip-hop de “Post” (95): una ins tantánea borrosa de una chica en una metrópolis, enamorada del caos. Pero pronto regresaría a su Islandia natal para canalizar los extremos de su naturaleza, simultáneamente volcánica y glacial, en los paisajes de su mágnum opus, “Homogenic” (97), cuya instrumentación casa arreglos orquesta les de cuerda gélidos y electrónica cortante junto a –entre otros– Mark Bell (LFO) en una armonía sorprendente.

A MENUDO se ha etiquetado a Björk y su canon como “alienígenas” –algo que abrazó en el ecléc tico y divisivo “Volta” (07). Su obra, sin embargo, siempre ha sido profundamente humana: desde el suave despertar sensual que describe en “Ves pertine” (01), con su producción intrincadamente delicada y sus capas de voces melódicas; hasta el desgarrador duelo que narra en “Vulnicura” (15), entre las lúgubres cuerdas y los sintetizadores mutantes que conjura con la ayuda de Arca. Su peculiar manera de cantar es primitiva, y sus pre ocupaciones son siempre reconocibles y sinceras. En lugar de “alien”, es más apropiado usar otras figuras fantásticas para condensar el aura mística de Björk –el hada, el elfo o la bruja–, ya que repre sentan su habilidad sobrenatural para explotar lo fundamental: las texturas de “Medúlla” (04) están construidas casi exclusivamente a partir de samples vocales; canta a y desde los cielos en el potente y empíreo “Biophilia” (11); diseñó su “Uto pia” (17), de nuevo junto a Arca, espaciosa y radian te, con flautas y arpas y auténticos reclamos de pájaro; y en su álbum más reciente, “Fossora” (22), se inspira en la esencia resiliente e impredecible de los hongos y la transmuta en una paleta de gabber y clarinete. A pesar de algunos esfuerzos irregulares, Björk ha demostrado una sensibilidad elevada para percibir y comprender sus propias pulsaciones internas, las de otras personas y las del universo. Es una efigie de vanguardismo pop que ha desafiado y cambiado radicalmente lo que la música puede ser y significar, para siempre.

SALOMÉ LAGARES

“Siempre ha habido la misma cantidad de pop y de experimentación en todos mis discos”

Mejor, sí. Piensa que para mí no es algo sor prendente.

Entonces volvamos a lo de si es fácil o difí cil trabajar con Björk... Uhm, diría que... Bien, depende de a quién le preguntes. Creo que para los músicos es fácil trabajar conmigo. Entran en mi ambiente. [Vuelve a dudar durante unos segundos] Es como mi casa. Entran allí y son como mis invitados. Así que imagino que te dirán que es fácil. Pero si por ejemplo le preguntas a los técnicos, a veces, cuando estoy de gira, si la gente no me da buen sonido y no hace bien su trabajo... Yo reclamo disciplina, que sean disciplinados. Porque para mí es muy impor tante proteger mi música y mi espectáculo. Todo debe funcionar. Así que si me encuentro con que no cuentan con el equipo necesario y cosas así, se lo hago saber. Puedo ser disci plinaria si tengo que serlo. Al margen de eso suelo tratar bien a la gente. Acostumbro a agradecerles que hagan bien su trabajo, pero estoy hablándote de técnicos, no de músicos.

Imagino que los músicos estarán encanta dos de trabajar contigo. ¿Les das libertad? Bueno, sí y no. Les doy mucha libertad, pero al mismo tiempo soy muy específica con lo que quiero, porque no estoy haciendo discos de free jazz. Por ejemplo, esta vez he trabajado con Gabber Modus Operandi, quienes me enviaban beats. Yo elegía el beat que me gus taba, lo editaba y lo incluía en mi canción. Así que... tienen libertad, pero al mismo tiempo soy muy particular. Habitualmente escribo mi disco y pongamos que lo tengo acabado en un ochenta por ciento, es entonces cuando empiezo a contactar con los colaboradores y entran cuando queda alrededor de un diez por ciento por hacer. Las canciones ya existen previamente.

¿Cómo les descubres?

A algunos les he descubierto online, a otros... de formas muy distintas.

Y para acabar me gustaría preguntarte algo directamente. ¿Por qué te gusta tanto trabajar la imagen, los vestidos, la estéti ca...? Es algo muy definitorio de tu universo y que, personalmente, me encanta.

Creo que la gente que me sigue sabe que el tipo de música que hago requiere de unas cuantas escuchas para disfrutarse, así que intento trabajar con una parte visual que se acerque a los sonidos que van a encontrarse en el disco. Pueden ser una especie de atajo visual para que la gente pueda entender de una forma más rápida cada canción. J.S.L.

R

Blasfem A los mandos

Blasfem, uno de los mayores talentos en forma de beatmaker de los últimos años en el rap nacional, presenta su primer disco, “Basfem On Air” (Autoeditado, 22), reivindicando la figura del productor en la música.

ANTIGUAMENTE, aunque no hace tanto tiempo, era habitual que productores o DJ’s de rap publica sen discos. Trabajos llenos de co laboraciones en los que el beatmaker daba a conocer su estilo personal y reivindicaba su importancia en la música. Hoy en día ese tipo de tra bajos son cada vez menos habituales. “Supongo que porque cuesta mu cho trabajo hacerlos”, explica Blasfem, quien ha retomado

esta idea para dar vida a “Blasfem On Air”. “Hace tres años empecé a plantear este proyecto. Al principio no tenía ni idea de cuáles iban a ser los artistas, pero en la cuarentena tuve tiempo de encerrarme a producir y de empezar a materializar todas las ideas. Ha sido difícil crearlo ya que es complicado cuadrar los tiempos y agendas de los artistas y al final tienes que adaptarte tú”, cuenta el productor, “y no es fácil cuan do además tienes una gira como DJ y otros proyectos abiertos” añade. Pero el resulta do “ha valido la pena”.

EL RESULTADO ES UN DISCO, este “Blas fem On Air”, en el que junto al granadino afincado en Madrid participan muchos de los artistas más importantes de la escena rap actual, véase Fernando Costa, Foyone, Ayax, Las Ninyas del Corro, Juan cho Marqués, Bejo, Geni Colegui, Don Patricio, Sitton, Ivancano, Nadal015, Recycled J, J Dose, Homer El Mero Mero, Easy-S y Hard GZ. “Pero yo no he inventado nada. Se llevan haciendo discos de productores desde siem pre. Sí que es verdad que los pro ductores pueden tener un papel más importante para ciertos

“De pequeño, Mala Rodríguez y Manu Chao me impactaron”

grupos mientras que hay otros artistas que no les dan tanta importancia y les va bien. Pero en realidad es una figura muy importante y yo creo que la verdad es que se nota mucho cuando hay trabajo de un productor dentro de un grupo”. Como decíamos, son muchos los artistas que participan en este proyecto, pero el verdadero protagonista es Blasfem, un artista que descubrió pronto su amor por crear música. “Todo empezó cuando yo tenía doce o trece años con mis amigos en Granada. Los programas informáticos me han gustado desde pequeño y me in teresaba la composición musical, así que me preguntaba cómo se hacía la música de los videojuegos o cómo se grababan los casetes. Me gustaba curiosear en ese ámbito. Y ya de bien chico escuchaba a Mobb Deep, aunque tengo un recuerdo que me quedó marcado. De pequeño, un día en mi pueblo mi tío me enseñó unos casetes de Mala Rodríguez y de Manu Chao que me impactaron bastante, así que me los regaló. De hecho todavía los tengo. Ahí empecé a crecer hasta que me di cuenta de que se empezaba a solapar con los estudios. Empecé a tener muchos trabajos de producción entre medias y también cada vez más conciertos junto con Ayax y Prok, con lo que se me hacía cada vez más difícil compaginarlo con las clases. Eso me hizo darme cuenta de que podía dedicar mi vida a la música con lo que cuando finalicé mis estu dios me dediqué plenamente a ello”.

Fue entonces cuando empezó a de sarrollar su talento como productor y como DJ. “Aquí, si eres parte de un grupo, lo importante es tener buena relación con ellos y aportar siempre ideas para que el show sea lo más explosivo posible. Y si eres un DJ que hace sesiones tienes que estar constan temente descubriendo nueva música y pendiente de todas las actualidades. Un buen DJ es el que está en constante conexión con el mainstream o con el tipo de música que pinche y que siempre está intentando innovar en cada uno de sus shows”.

CONCIERTO

GIL

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Los elegidos de Girando por Salas

A

TRAVIS BIRDS EN ROCKOLLECTION

GPS 2021)

HUGO LÓPEZ SARASA

La decimotercera edición del Circuito Estatal de Músicas Populares Girando Por Salas (GPS) ya tiene a sus seleccionados. Son veintiséis nombres de estilos muy diferentes y recorrido diverso, que tendrán la oportunidad de dar a conocer su música más allá de su lugar de origen.

Desde 2010 GPS ha venido apoyando algu nas de las propuestas emergentes más interesantes de nuestra geografía, de Trián gulo de Amor Bizarro a La MODA o León Benavente. Es una iniciativa del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), entidad colaboradora la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares (FCMP), que ha consolidado un circuito muy atractivo para que artistas con un míni mo de un EP y un máximo de tres LPs publicados den a conocer su propuesta. Se trata de potenciar la difu sión de su música, haciendo posible su profesionali zación. GPS también les facilita ayudas económicas para la producción y promoción discográfca. De los seiscientos setenta y seis candidatos seleccionables se han elegido veintiséis que actuarán en salas de di versas ciudades españolas entre el uno de diciembre de 2022 y el treinta y uno de mayo de 2023.

Aiko El Grupo es un cuarteto de Madrid que forma parte de la familia de Elefant Records, y cuyo espíri tu, entre el punk pop y la agitación riot grrrl remite a bandas como Veronica Falls o Bikini Kill. También entre el indie y el punk están los catalanes Annabel Lee, cuyas infuencias remiten al punk británico y la new wave, y que en 2021 publicaron un primer LP homónimo. Los integrantes del trío Ballena tienen sobrada experiencia en bandas como Cecilia Ann, Ne groazulado o Notes To Myself. Tras grabar su debut “Navarone”, el sello madrileño Subterfuge Records no dudó en fcharles. También en los confnes del pop independiente, Confeti de Odio es una de las apuestas del sello Sonido Muchacho, que acaba de publicar su segundo LP, “Hijos del divorcio”.

Con nombre inspirado por “Regreso al futuro”, el cuarteto vasco Lorreine practica un pop bailable lleno de energía positiva. Desde Málaga La Trini dad apuestan por un rock rabioso y acelerado que llevaron a buen puerto en un debut publicado por Sonido Muchacho en 2020. Tres madrileñas y una catalana forman Faneka, con infuencias del folk y americana y la energía eléctrica del grunge, pero con instrumentos acústicos. La compositora y cantante gallega Dani se inspira en voces femeninas exquisi tas del pop de los 60 como Jeanette o Jane Birkin para dar forma a una propuesta con un ojo puesto en los sonidos contemporáneos. También prometedora es la joven catalana Kora, cuya elegante combinación de R&B y pop moderno ha trascendido los límites de su habitación. La barcelonesa Queralt Lahoz es otra artista joven que despunta: sonidos latinos, copla, soul, hip-hop y dancehall confuyen en unas composi ciones en las que dialogan las raíces y la modernidad urbana. Desde Madrid Nat Simons apuesta por la americana y el rock alternativo. Su celebrado disco “Felina” de 2020 viene apadrinado por Edu Baos, de León Benavente.

La asturiana Marisa Valle Roso también se inspira en la música tradicional. Con su primer disco de 2011 recibió el premio a la Mejor Canción Asturiana del Año, y recorrió España acompañando a Víctor Ma nuel. Desde Huelva, Dani Botillo superó el millón de reproducciones en 2019 con una versión de “Despa cito”: fue el impulso que necesitaba para tomarse en serio su vocación.

Caracterizado por su descaro y el surrealismo, Tacho combina ritmos urbanos con funk y electrónica y se dispone a lanzar su segundo LP en 2023. El gallego Luis Fercán inició en 2016 una carrera en solitario que le ha convertido en uno de los cantautores más personales de la nueva hornada. Otro solista es el zaragozano Johnny Garso, que grabó de forma in dependiente su debut “REDTIMELINE” en California, bajo la mirada del productor Joe Marlett (Foo Fighters, Blink-182). Por su parte, el navarro Razkin acaba de sacar su segundo LP bajo el título “Norte”, una colec ción de canciones en las que coexisten rock, funk y metal, y que ha presentado junto a M-Clan.

Desde Euskadi Arima Soul combinan la fecunda tradición del R&B y el funk de los sesenta y setenta con una reinterpretación contemporánea de estos sonidos. También mira al futuro la cantante, com positora y productora murciana Carmen Alarcón (AA Mama), con su proyecto Hoonine. Apuesta por las canciones de alto voltaje emocional que huyen de lo superfcial. MALAFÉ vienen de la Comunidad Valen ciana y combinan disco funk con pop contemporáneo electrónico. De la misma comunidad son Nativa, proyecto de los integrantes de La Raíz que lanzan en 2019 un primer álbum que respalda un directo ex plosivo. Los Mejillones Tigre es un sexteto andaluz que se ha fogueado en directo también apostando por la variopinta colección de infuencias de su debut “Tropical y Salvaje”.

El rock contundente está también representado: Bourbon Kings es una banda navarra de rap metal formada en 2014, cuyos miembros proceden de la escena metal y hip-hop de su zona y que rescatan planteamientos del metal noventero. Por su parte, en cinco años de actividad el septeto de Pontevedra Furious Monkey House se ha hecho un hueco en la escena rockera con un estilo que bebe del rock alter nativo de los 90 y el emo melódico, sin olvidarse de su sello personal.

La Ganga Calé lleva años mostrando en los escena rios su fusión de salsa, rumba, funk y reggae, que les dio para un primer álbum de 2018 “Cosquillas en la azotea”. Por último, los sevillanos Vera Fauna reco gen la sensibilidad callejera de las orillas del Guadal quivir con un toque muy personal que les ha hecho ganarse ya su base de seguidores. n

SANTERO

Pixies Más viejos que diablos

DAVE LOVERING es un tipo encantador, afable, locuaz y empático. Esa clase de entrevistado que llama al periodista por su nombre varias veces durante los veinte minutos –ta sados– de conversación. Que no rehúye ninguna cuestión. Que las contesta con una amplia sonrisa, como si estuviera en uno de sus shows de magia. Ocurre que quien escribe las canciones de la banda es un tipo llamado Black Francis (Charles Thompson, para los amigos), y que llega un momento en el cual Lovering ya no es capaz –porque ni puede ni le correspon de– de contestar a muchas de las cues tiones que atañen a la escritura de temas como los que dan forma a “Doggerel” Pese a ello, Lovering (y en menor medida el guitarrista Joey Santiago, que en este disco firma por vez primera dos cancio nes para Pixies: la música de una y la letra de otra) sigue capitalizando la gran mayoría de entrevistas, como ya ocurrió hace tres años. Vayan ustedes a saber por qué. Quizá porque es un excelente vendedor ante la prensa de las mejores virtudes de un disco que, como los tres

anteriores, palidece por completo frente a sus obras maestras de los ochenta y noventa, cuando eran la mejor banda del rock del planeta. Aquí hay folk, algo de surf rock, algo de pop ensoñador (al esti lo de clásicos como “Havalina” o “Ana”) y un tono general mucho más crepuscular que visceral. Una versión madura, algo otoñal, de Pixies, que Lovering, un ca ballero intachable, defiende por Zoom desde su casa de Los Ángeles como –lite ralmente– uno de los discos mejor inter pretados, producidos y grabados nunca por el cuarteto que completa la bajista Paz Lenchantin.

EL ARGUMENTO PRINCIPAL es que aho ra son mejores músicos, al menos en lo técnico. “En primer lugar, las canciones son diferentes, son más eclécticas o más pop; en segundo lugar, creo que ahora tocamos extremadamente bien, en com paración con otros discos; y en tercer lugar, creo que la calidad de la grabación es mejor que en discos anteriores”, expo ne de forma esquemática y sucinta, como si fuera un listado de razones que ya tiene preparado para cada una de las entrevis tas promocionales.

Los bostonianos Pixies están de vuelta con “Doggerel” (BMG, 22), octavo álbum del grupo y cuarto de esta segunda etapa. Para descubrir más sobre él charlamos con su batería, Dave Lovering.

TEXTO Carlos Pérez de Ziriza

FOTO Tom Oxley

“Podemos hacer reggae, ska o lo que nos dé la gana”

“DOGGEREL” ES EL CUARTO ÁLBUM que publican desde que se volvieran a re unir en 2004: como les pasa a The Dream Syndicate, por ejemplo, ya son los mismos discos que los que contaron en su prime ra época, aunque (a diferencia de los de Steve Wynn y compañía), estos no salgan precisamente bien parados de la inevita ble comparación. “Sí, da un poco de mie do”, asiente riendo, ya que le parece “un poco surreal” que el lapso de tiempo en el que ya estaban reunidos de nuevo pero solo para el directo, de 2004 a 2011, “ya fuera más del que habíamos durado como banda en un primer momento”. Explica que “ahí es cuando tomamos conciencia de que debíamos hacer algo nuevo, pero nunca hubo un plan al respecto, más allá de hacer lo que nos gusta”. La responsabi lidad, el miedo a no estar a la altura de su imponente pasado, podía pesar cuando se disponían a publicar “Indie Cindy”(14), pero luego dejó de tener razón de ser. “Era obvio que la gente iba a comparar ‘Indie Cindy’ con los anteriores, y era lógico sen tir inquietud ante esa percepción, pero desde entonces, ese temor no ha vuelto a asomar: somos Pixies y podemos hacer reggae, ska o lo que nos dé la gana”, dice al tiempo que esboza una carcajada.

TODO APUNTA A QUE DAVE LOVERING, quien califica el tiempo pasado en pande mia como “no tan duro como para mucha otra gente, más allá de la decepción inicial”, se ha convertido en el principal portavoz de la banda, no ya solo en entrevistas, sino también en sus redes sociales. “Como soy mago, una de las cosas más bonitas que he podido hacer es concentrarme más en mis shows y también encargarme voluntaria mente de las redes sociales de Pixies, para las que me saqué de la manga los lunes má gicos, hasta que agoté mi catálogo de recur sos, y ahora es Magia Mensual [risas]”, dice. Se congratula de que, pese a las idas y veni das que comporta la vida en carretera, ya que “ha sido la primera vez que he estado sin girar durante dos años”, su matrimonio aún aguante.“Afortunadamente, no me he divorciado, aún estoy casado, todo va bien”, dice mientras se troncha, aunque no me queda claro si el riesgo para su estabilidad sentimental deriva de los dos años en casa con su mujer o del tiempo transcurrido fuera de ella con las giras anteriores. Un matiz que tiene su importancia.

LO QUE ME RESULTA AÚN MÁS enigmá tico que la vida familiar del señor Lovering es cómo se las apaña el cuarteto para pro

longar durante tanto tiempo la vida en la carretera sin las rencillas ni las tensiones de antaño. Parece que todo derivaba del puesto de bajista, al que –tras Kim Deal y Kim Shattuck– la argentino-estadouniden se Paz Lenchantin se ha amoldado como un guante. “Lo único que puedo decir es que somos más viejos y más sabios y que nos llevamos muy bien, más aún desde que entró Paz, y tenemos diferentes persona lidades, lo suficiente como para no salir juntos siempre a tomar algo y respetar nuestro espacio vital: hemos hecho esto muchas veces antes, sabemos cómo debe funcionar”, corrobora con serenidad. C.P.Z.

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marzo. Sant Jordi Club

WiZink Center

Coliseum

De izquierda a derecha Paz Lenchantin, David Lovering, Black Francis y Joey Santiago.

El británico Central Cee se ha convertido en uno de los raperos del momento en las islas gracias a su personal mensaje. Y su onda expansiva ha llegado hasta nuestro país, territorio en el que agota las entradas de sus conciertos. Conciertos en los que suenan hits como “Loading” y “Doja”, además del repertorio desplegado en las mixtapes “Wild West” (Autoeditado, 21) y “23” (Autoeditado, 22).

TEXTO Luis M. Maínez

LA IRRUPCIÓN de las can ciones de Central Cee en las playlist de favoritos del público general, aquel que poco sabe de la esce na drill londinense, se ha materializado con dos golpes de viralidad en los últimos tiempos: “Loading” pri mero, una canción que se cuenta entre lo mejor que ha visto la luz en el género y que ha sido capaz, gracias a su sampleo nostálgico y a un delivery espectacular, de romper con el techo de cristal. Después, ya este verano de 2022, su hit “Doja” le ha lanzado al estrellato internacional vía Tiktok (como tantos otros a día de hoy) e Instagram. Su primera barra: “How can I be homobophic, my bitch is gay” conecta profundamente con varias corrientes culturales a día de hoy. Desde una posi ción poco dada a las declaraciones sobre los colectivos LGTBI como es el mundo del drill europeo, Central Cee ha conse guido ese punto justo entre la picardía y la sobriedad. El resultado: la figura del londinense de ascendencia marroquí ha dado el salto a la escena internacional. Hablamos con él en una de las pocas en trevistas que da, poco después de haber sido cabeza de cartel del Festival Cova leda, donde pude disfrutar de un directo minimalista pero con más fuerza del que he visto en la mayoría de raperos o drille ros nacionales. Central Cee resuelve con la misma picardía y sobriedad mi prime ra pregunta sobre aquel concierto: “No es una decisión demasiado consciente, pero por el hecho de que mi carrera haya despegado tan rápido, hay ciertas cosas que no hemos tenido tiempo de hacer. Supongo que no le doy demasiada impor tancia porque sé que el principal objetivo del show es verme a mí”. El concierto en este festival reunió a todo el público frente a un hombre solo en el escenario junto a su DJ, con un fondo blanco con un logo. No hacía falta nada más. ”El show

fue bueno, pude encontrarme con unos fans geniales, con un cartel guay y tatua jes increíbles, así lo recuerdo. Y pude ver a Morad actuar por segunda vez, lo que estuvo bien”. Morad compartió cartel con Central Cee y también lo hizo Beny Jr. Ambos aparecen –junto a otros– en “Eurovision”, uno de los temas insignia del género, que por su propia naturaleza mira directamente al otro lado del medi terráneo. Sin embargo, lo más especial de aquel momento fue verle interpretar “Doja” en directo para cerrar. Uno tiene pocas veces la oportunidad de asistir a un momento fundacional de la carrera de un artista.

TIEMPO. EL ÉXITO DE CENTRAL CEE no puede entenderse sin un concepto clave en una sociedad cultural que consume a toda velocidad una canción tras otra. Su ascenso llegó después de años de cantar y de venir desde muy abajo. En sus inicios ni siquiera contemplaba la posibilidad de vivir de la música. “Empecé a hacer mú sica probablemente sólo para desahogar me; sólo para sacar lo que llevaba dentro. No fue para hacer negocios, era algo que hacer, como la terapia cuando era joven. Eso lo transformé en hacer música más que en un negocio”. Desde entonces dos trabajos como “23” y “Wild West” que cuentan con millones de reproducciones en todo el mundo gracias a un estilo que rompe con lo establecido de forma evi dente.

EN ESPAÑA, EL RECORRIDO de Central Cee le ha llevado a ganar dosis de popu laridad muy importantes. Sin embargo, nada de esto hubiera sido posible sin el estallido de la propia escena nacional: Central Cee confiesa que está “al tanto de un entorno pequeño como el de los artistas con los que he trabajado ya como Morad, Beny y esos chicos. La música del barrio. Me gustan, y también estoy

Central Cee

intrigado por saber más, por descubrir más. Quiero empezar a trabajar con más artistas españoles y pasar más tiempo por ‘ahí fuera’, no sólo España, sino in cluso en otros países de habla hispana en Sudamérica. Creo que sería genial hacer eso”. Ocurre que, a diferencia del trap, del que Central Cee es evidente deudor como nos comenta durante nuestra charla (“si no fuera por los raperos de mi ciudad que hacían trap rap, como Krept y Konan, o los otros artistas que estaban haciendo grime antes del trap, entonces el drill no sería lo que es), que el drill no ha logrado entrar en los circuitos mainstream de nuestro país, como si consiguió su predecesor. En Reino Uni do, sin embargo, sus artistas encuentran una respuesta diferente de las radios. El caso de “Doja” es curioso precisamente por eso. Después de su rápida popu larización, las radios querían hacerlo sonar a todas horas. Central Cee tuvo que grabar una versión clean cuando la gracia de la canción es una de esas frases prohibidas para la difusión radiofónica convencional. Aún así, esto demuestra la posibilidad de extensión de un género que en el mundo de habla hispana no ha encontrado todavía las mismas puertas abiertas. “La ciudad está más avanzada. Quizá más adelantada, más abierta. Es algo que acaba de nacer, hace cinco o diez años no era posible, pero de la mis ma manera que en España es difícil para los chicos ahora, tal vez en cinco o diez años o menos podría notarse un avance. Se trata de que la gente rompa las barre ras. Esto llevará tiempo. Tampoco en el Reino Unido fue siempre así”. L.M.M.

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Cargado y listo

Madrid 30 y 31 octubre. La Paqui

Barcelona 01 noviembre. Razzmatazz

“Empecé a hacer música probablemente sólo para desahogarme"

Editors y su amigo

Nunca se han caracterizado por quedarse precisamente en su zona de confort, y su séptimo álbum de estudio, “EBM” ([PIAS], 22) es la prueba empírica de ello. Elliott Williams, miembro de Editors desde 2012, nos atiende para explicarnos la naturaleza de este nuevo disco.

TEXTO Fran González

y dividir esta responsabilidad con Ben [Blanck Mass y anteriormente en Fuck Bu ttons]. Como amante de la música electró nica ha sido genial poder evidenciar esas referencias de manera tan clara en el disco. De hecho, el álbum tiene una doble con notación, por un lado puede ser entendido como el acrónimo de ‘Editors And Blanck Mass’, pero por otro es un guiño directo y descarado a la Electronic Body Music de los ochenta, la cual aunaba varios géneros dentro de un mismo sonido, y que es exacta

“

EBM” ES UN TRABAJO fuerte mente influido por esa urgencia de conexión humana que todos los presentes desarrollamos durante la pandemia. “Todo comenzó con la gira de ‘Black Gold’, cuando en un festival se nos pidió que hiciéramos un set totalmente distinto al habitual; nos lo tomamos como un reto del que aprender y optamos por re-ima ginar nuestras canciones favoritas, con un rollo mucho más techno, electrónico y hasta industrial”, explica Williams. “No obstante, la pandemia aconteció y tuvimos que poner en espera este proyecto. Pero la semilla de lo que queríamos hacer para el futuro ya estaba plantada”. Poco a poco esa semilla comenzó a germinar y, aunque la incertidumbre pandémica no permitía ver mucho más allá, las raícea de “EBM” comenzaron a crecer. “No sabíamos si real mente estábamos componiendo el nuevo disco de Editors o simplemente tratando de aferrarnos a nuestra rutina para no volver nos locos. Pero, por otra parte y teniendo en cuenta el momento tan incierto en el que nos encontrábamos, sabíamos que el álbum tenía que acabar representando esa necesidad de unión y ese optimismo grupal que tanto echábamos de menos”, apunta el artista. “No sé si líricamente se tratará de nuestro trabajo más optimista, pero definitivamente el confinamiento nos hizo desarrollar esa urgencia por volver a estar rodeados de gente y formar parte de esa conexión humana”.

EL CUERPO LES PEDÍA MARCHA, y la electrónica se apoderó definitivamente de su técnica. “Fue una tarea apasionante apoderarse de la producción del álbum

Ben

mente lo que Editors hemos tratado de hacer en este álbum”.

AUNQUE DESGRACIADAMENTE, a lo lar go de estos dos años de gestación, también se han dado circunstancias en el marco socio-político del globo que han salpicado, irremediablemente, el discurso de Editors. “Nunca hemos sido una banda con un dis curso político demasiado evidente, eso es obvio. Y tampoco es nuestra intención em pezar a serlo ahora, ya que nunca nos ha gustado sentir que teníamos una influencia adoctrinadora sobre nuestros seguidores. Pero definitivamente, en el mundo en el que vivimos ahora

mismo, es muy complicado no acabar posicionándose políticamente”, sentencia Williams. “Todo lo que nos rodea está teñi do por la política. Nuestras discusiones del día a día, sin ir más lejos. Echa un vistazo al sentir en las calles de Reino Unido, y pregúntale a quien quieras: te dirán que este país está del todo dividido”. Un pos tulado directo, demostrado a través de los carismáticos versos de “Strawberry Lemo nade”. “Creo que Tom [Smith] hace un gran trabajo en esta canción, porque en ningún momento le dice a la gente lo que tiene que pensar o sentir, simplemente lanza de manera muy genérica un clamor popular percibible entre la ciudadanía”, comenta el artista sobre la mencionada pista. “Por cul pa del Brexit la música acabará siendo solo cosa de señoritos y de gente de alta cuna, que serán los que puedan costearse giras a gran escala. La música debería ser para todo el mundo, y cada vez se siente como algo menos cercano al pueblo llano”.

NO OBSTANTE, SU ACTIVIDAD este vera no ha sido de lo más animada, si tenemos en cuenta que les hemos podido ver en festivales tales como Mallorca Live Festival, Mad Cool, Cruïlla o Low Festival. “No te exagero si te digo que creo que hemos te nido el mejor verano en España desde que Editors existimos. El público español lo ha dado todo con ‘Karma Climb’, por ejemplo, y uno de mis momentos favoritos del año ha sido la presentación de las canciones de ‘EBM’ en Mad Cool. Es increíble la forma en la que vivís la música allí. Además, nos dimos cuenta de que este año había una gran cantidad de artistas nacionales tocan do en los festivales a los que fuimos, proba blemente más que en nuestras anteriores visitas, y pudimos ver lo mucho que estos conectaban con el público. Es muy agra dable ver ese tipo de apuestas por parte de las promotoras, en lugar de convertir los festivales en refritos de otras cosas que se hacen fuera de tu país”.

CON UNA ELEVADA DOSIS de madurez, la que casi dos décadas de formación apor tan, Editors saben bien cuál es la clave para mantenerse imperecederos al paso del tiempo. “Con el tiempo hemos aprendido que a medida que los miembros de una banda se van haciendo mayores, los egos empiezan a desaparecer, y el ambiente dentro del grupo también tiende a ser más sano. Empiezas a incluso encontrarle el punto a esos momentos de tensión en los que tú y tus compañeros diferís en algún aspecto. Una banda debe ser una democra cia y hay que navegar hacia un bien común que nos satisfaga a todos”.

G

R

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CRITICANDO

INDIE POP / A Editors le ha caído injustamen te el sambenito de que a sus discos las falta inspiración desde aquel ya lejano y fan tástico debut, “The Back Room”, de 2005, pero soy de quienes opinan que el grupo está redondeando una de esas discografías en las que los hits se van acumulando uno tras otro de forma modesta. Se han converti do en personajes secundarios de la historia del pop oscuro actual, cierto, pero en unos secundarios de lujo.

S LUNA

EBM Play It Again Sam

VIVA SUECIA andan de enhorabuena. Apenas unos minutos antes del inicio de nuestra charla, acaban de recibir la noticia de que su flamante nue vo álbum, “El amor de la clase que sea”, se ha convertido en número uno de ventas en España y aunque era algo que se veía venir, dada la evolución siempre ascendente del grupo, no por ello es menos celebrado. Nueve años después de su primer ensayo, los murcianos es tán recogiendo los frutos más dulces de lo sembrado durante todo este tiempo. Porque, aunque lo haya podido parecer, lo suyo no ha sido resultado de un pelotazo inesperado. (Rafa Val, cantante) “Me alegra muchísimo que digas esto porque, al prin cipio, se nos tomó como una banda que iba a pegar el pelotazo muy rápido y, aunque es verdad que nos fue muy bien ya desde el principio, en realidad nosotros lo hemos vivido como que todo ha ido pasito a pasito. Cada disco un poquito más, cada gira otro poquito más. Y cuando llegó ‘El Milagro’ (Subterfuge, 19) que sí estábamos en ese momento en el que parecía que íbamos a pegar, llegó la pandemia y... Pero sí, ha sido una suerte que todo haya tenido este proce so, porque el éxito repentino debe ser algo muy difícil de digerir”. Un triunfo que viene flanqueado además de grandes canciones o de lo contrario sería muy difícil de sus tentar. Porque si algo tiene este “El amor de la clase que sea” son temas ganadores como “Justo cuando el mundo apriete”, “No hemos aprendido nada”, El bien” o “El rey desnudo”. Canciones que se quedan grabadas a fuego y nos invitan a corearlas. Melodía, guitarras, épica y un tono general con grandes dosis de esperanza. La misma de la que andamos todos muy necesitados en los tiempos que corren. (Rafa) “Es ver dad que, a cada disco que hemos hecho, hemos ido añadiendo gradualmente unas cucharaditas más de esperanza. Ya ‘El Mi lagro’ era un disco mucho más luminoso que los anteriores, pero ahora es un disco que si lo comparo con ‘El amor de la clase que sea’, hasta me parece oscuro”. (Alberto Cantúa, guitarra) “Ese era un mensaje que dimos a todo el mundo que ha colaborado en el disco de una manera u de otra, tanto en el arte, como los productores, discográ fica... Todo el mundo tenía ese mensaje de aferrarse a lo bueno. Y es que, después de tanto palo, sacar un disco bajonero hubiera sido muy duro”.

“EL AMOR DE LA CLASE QUE SEA” es un disco que, más allá de ese halo de esperanza y luminosidad que lo envuelve, presenta novedades en lo que al sonido de la banda se refiere. Y es

VIVA

Desde Suecia

TEXTO Don Disturbios

que la propuesta de Viva Suecia ha evolu cionado a la par que crecido en base a dos directrices que se hacen muy evidentes desde la primera escucha. Tanto la voz de Rafa como el golpeteo de la batería han ganado protagonismo y se sitúan ahora en el primer plano de la grabación, apuntalán dola con una fuerza inédita hasta la fecha. (Rafa) “Para ir hacía donde queríamos ir, esas eran dos piezas claves. Por lo general nosotros hemos enterrado mucho la voz y, aunque la hemos ido sacando disco a disco, esta vez era un elemento que tenía que quedar clarísimo. Y en cuanto al sonido de la batería este es el disco en el que con diferencia más hemos trabajado las bate rías, pero de largo”. (Alberto) “Yo creo que la batería y la base rítmica en general es lo que menos se trabaja en las producciones hechas aquí y es lo que más nos diferencia de las grabaciones que se realizan fuera. Por eso hemos estado escuchando mucho grabaciones de grupos guiris para ver de qué forma trabajan por ejemplo los platos y no solo la caja o el bombo. Y en cuanto a la voz... ¡Joder! No lo va a decir Rafa, pero tenemos una de las mejores voces de este país y daba mucha rabia ver enterrada una voz tan bonita. Era como tener a Messi sentado toda la primera parte en el banqui llo [risas]. Así que era una cosa que se tenía que hacer, una cosa ya de sentido común”. En esa búsqueda intensa de lo que se cuece ahí afuera, y a raíz también del arreglo de saxo que aparece en “El bien”, surge en nuestra charla el nombre del productor de moda en Estados Unidos y la influencia que, sin él saberlo, ha ejercido sobre “El amor de la clase que sea”. Nos referimos a Jack Antonoff quien, ya sea con su banda Bleachers o produciendo y co-escribiendo temas junto a artistas como Taylor Swift, Lorde, Lana del Rey o, de forma reciente, The 1975, está ayudando a cimentar el sonido de esta década, fusionando la tra dición indie con el universo mainstream, sin perder una pizca de autenticidad en el resultado. (Rafa) “Esto es algo que, entre

nosotros, veníamos hablando desde hace tiempo. No entendemos por qué en Estados Unidos Jack White podía hacer un tema con Beyoncé o Bon Iver trabajar con Taylor Swift y en España no se puede hacer eso. ¿Por qué? Pues porque aquí tienes que ser indie desde el primer día y morir indie, y tu carrera no puede ser una sucesión de regis tros o intereses. Mira, el otro día fui a ver el documental de Bowie [“Moonage Day dream”] y, hablando sobre la trilogía ber linesa, le preguntaban que por qué motivo quería dejar de ganar dinero y hacía discos tan raros, mientras que poco después, con ‘Let’s Dance’, le decían todo lo contrario, que por qué se había vendido de esa mane ra, haciendo concesiones. En ese contexto parecía que Bowie se había vendido, pero hoy en día todos quienes adoramos a Bowie adoramos ‘Let’s Dance’ y adoramos ‘Fame’ y adoramos ‘Golden Years’. Entonces, es un debate estúpido hasta la saciedad. Es tan fácil como escuchar una canción y que te guste o no. Ya está. Se acabó”. (Alberto) “De hecho veréis cosas nuestras más adelante en las que trabajaremos con gente más mainstream”.

ESCUCHANDO TODA esta infor mación a uno le da la impresión de que, más allá de sustituir en este disco al habitual Carlos Hernández, productor conocido por sus trabajos con Triángulo de Amor Bizarro, Los Planetas, Carolina Durante o La Habi tación Roja, por la dupla formada por los catalanes Santos y Fluren, responsables del sonido de discos de Love Of Lesbian, Sidonie o Izal, hubo la tentación de salir a grabar fuera. (Rafa) “En realidad lo hemos pensado varías veces, pero para qué hacer eso si todavía no hemos explotado todas las opciones que tenemos aquí. Hay pro ductores increíbles aquí, pero no solo en el indie o en el rock, también hay productores dentro del mainstrema que están deseando currar con una banda de rock y que son musicazos increíbles, así que hay muchas

“El amor de la clase que sea” (Universal, 22) es mucho más que el cuarto larga duración de Viva Suecia. Es el álbum con el que van a escalar los últimos peldaños de esa rockera escalera al cielo. Y todo gracias a un cambio en su sonido, más directo y nítido, junto a unos textos que desprenden esa esperanza de la que no andamos sobrados últimamente.

FOTOS Alberto Van Stokkum con amor

3opciones. Por lo tanto, gastarnos una pasta en contratar a un tipo al que va a costar convencerle de que lo que hacemos para él también es importante y tener una comu nicación entrecortada con él porque ningu no de nosotros sable hablar un inglés fluido y demás, iban a ser muchas trabas tenien do en cuenta el talentazo que tenemos en este país. Así que, de momento, la idea es seguir explotando las bazas que tenemos aquí y ojalá un día podamos hacer un disco con Antonoff. Para mí sería un sueño”. (Al berto) “De hecho, por su cumpleaños, An tonoff regaló un montón de recursos que usa en sus canciones y en ‘El bien’ hemos cogido algún sampler suyo. Además creo que Santos incluso se lo llegó a decir por que el propio Antonoff pedía que, si alguien hacía uso de ello, le mandara el resultado. Aunque parece que no hemos obtenido respuesta [risas]”.

LLEGADOS A ESTE PUNTO no puedo obviar el hecho de que el single más importante y escu chado del disco, “Justo cuando el mundo apriete”, ha estado grabado y producido con la implicación total de un músico como Leiva, que el año pasado ya demostró en esa maravilla de álbum titulado “Cuando te muerdes el labio”

“

“Para mí el pop español es una cosa muy importante y a la que le tengo mucho respeto”

INDIE / Se han desprendido de todos sus prejuicios y lo han llenado de colores, luz y, sobre todo, de amor, de ese que han recibido durante estos tiempos tan convulsos. Por que si “El Milagro” (19) parecía una conti nuidad de sus dos anteriores referencias, en este podemos comprobar una evolución mucho más clara. Empezando por las colabo raciones (Luz Casal, Dani Fernández y Leiva).

Es el álbum más luminoso y libre que han creado Viva Suecia hasta ahora. Estas can ciones son el empujón definitivo que nece sitaban los murcianos para poder asentarse como una de las bandas más importantes y referentes de la escena. Ha llegado su gran momento.

que sabe manejarse muy bien a la hora de trabajar mano a mano con otros músicos. (Alberto). “Lo de Leiva es que ha sido una forma de trabajar totalmente diferente y se nota. En esa grabación hay muchos instrumentos grabados en directo tocan do todos a la vez, cosa que no habíamos hecho nunca. Y, luego, eso nos sirvió también para cuando grabamos ‘La parte difícil’, que es la canción con Luz Casal, y hacer tomas en directo con toda la banda tocando. Son cosas que de hecho nosotros nos negábamos a hacer y casi lo hicimos a regañadientes y medio engañados [risas]. Pero fíjate, lo aprendes a hacer y hay que reconocer que le da una textura diferente a todo”. (Rafa) “El ochenta por ciento de bandas indies de este país se metería en un estudio con Leiva y fliparían. Porque es un batería increíble, es un bajista increí ble, es un guitarra extraordinario, es un gran compositor y encima es un produc tor que tiene un control absoluto de todo lo que pasa en la canción. Es que es un pla

cer meterse en un estudio con él porque solo puedes aprender. En el caso de Luz [Casal], pues es estar con un tótem, his toria viva de la música en castellano a nivel mundial. Y en el de Dani [Fernán dez], te diré que seguramente es el tipo más valiente en este país en lo musical. Hemos tenido muchísima suerte de tener a toda esta gente en nuestro disco”. Tres colaboraciones –las de Luz Casal, Leiva y Dani Fernández– que, en cierta manera, encarnan el pasado, el presente y el futuro del pop de este país. (Rafa) “Hace poco leí algo así como que Viva Suecia nos escapá bamos del indie para llegar al pop español a secas. ¡Joder a secas! [risas]. Vamos a ver, me vienen a la cabeza Radio Futura, Dun can Dhu, todos los discos de Luz. ¡Ostras, para mí el pop español no es a secas! Para mí el pop español es una cosa muy impor tante y a la que le tengo mucho respeto. Y en este caso tenemos colaborando en el disco a tres generaciones muy distin tas del pop español que son monstruos”.

CABALLERO SERRANO

El amor de la clase que sea Universal Music

(Alberto) “De hecho a Duncan Dhu les tenemos presentes un poco en ‘El mal’. Escribí a Mikel [Erentxun] explicándole que era una canción muy inspirada en él, en su trabajo y que ojalá algún día podamos tocarla juntos”.

NO CABE MANTENER UNA CHARLA con Viva Suecia, y más concreto con Rafa Val, sin hablar de otro de los puntales de su propuesta y me refie ro, claro está, a las letras de sus canciones. Sus textos tienen la capacidad de, desde lo individual e íntimo, tornarse una experiencia universal y compartida. Una forma de escribir que yo percibo como intuitiva y no maquinada. Ahora veremos si estoy en lo cierto. (Rafa) “En cierto modo sí. Es verdad que en los primeros discos me tomaba demasiado en serio cada frase, cada palabra, y acababa por volverme un poco loco. Y muchas veces, echando la vista atrás, empeora ba las cosas. Me volvía demasiado enrevesado. Y justo en este disco he empezado a hacer una cosa, que pasa en algunas canciones del disco, que es escribir lo primero que me viene de la

forma más fresca posible y ya luego corregir las cosas con las que no estoy de acuerdo. Por ejem plo ‘Justo cuando el mundo apriete’ es la canción más rápida que he escrito en mi vida. Luego tie ne correcciones, evidentemente, pero es porque necesitaba trabajar de esa manera. Luego hay otras como ‘Gracias’, que tiene mucho más tra bajo de letra y en la que se habla de algo mucho más profundo. ‘Lo siento’ también llevó mucho más trabajo, porque es una canción de amor que empieza cuando acaba la relación y termina con los inicios, con la parte bonita de la relación. Así que debía tener una estructura y estar muy bien forjada en cuanto a métrica. Pero sí, creo que lo has notado porque esa era la intención y el disco se ha visto favorecido en muchos puntos”. Pues ya no cabe más que volver a darle al play y dejar que ese amor, sea de la clase que sea, nos inunde de nuevo y nos aporte ese halo de esperanza que nos ayude a afrontar el día a día. Que buena falta nos hace. D.D.

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Bilbao

noviembre. Sala Santana 27

Corella

noviembre. Corella Music Fest

Valencia

noviembre. Sala Repvplicca

Zaragoza

noviembre. Sala Oasis

Barcelona

noviembre. Razzmatazz

Murcia

noviembre. Plaza de toros

Santiago de Compostela

diciembre. Sala Capitol

Valladolid

diciembre. Lava

Sevilla

diciembre. Sala Custom

Málaga

diciembre. Sala París 15

Madrid

29 y 30 diciembre. La Riviera

Logroño

enero. Actual Festival

Córdoba

febrero. Sala Impala

Granada

febrero. Industrial Copera

Vitoria-Gasteiz

febrero. Sala Jimmy Jazz

Santander

febrero. Escenario Santander

Murcia

abril. WARM UP

.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Suehiro Maruo

Aprovechamos el momento para descubrir cuál es la música que escucha.

El disco que escuchaba en casa con mis padres...

No hay ninguno en particular. En mi casa no había tocadiscos ni gramófono, así que desconozco qué clase de música escuchaban mis padres. Generalmente mirábamos la televisión. Por eso desco nocía el rock y el jazz de los sesenta. En aquella época, la televisión japonesa no emitía rock. Por televisión escuchá bamos kayôkyoku (música popular de la era shôwa) y las canciones de moda que sonaban por la calle en las tiendas.

El disco que suelo ponerme cuando estoy dibujando...

“Sheer Heart Attack” de Queen, de 1974. Recientemente vi la película “Bohemian Rhapsody” y me gustó. Antes, Queen me parecían un poco extravagan tes y no me gustaban mucho, pero ahora que les he vuelto a escuchar me gustan canciones como “Killer Queen”. De ban das más recientes suelo escuchar el CD de Gregorian, que encontré buscando Enigma por Internet. Hace tiempo que me gustan los cantos gregorianos.

El primer disco que compré con mi dinero...

Cuando cumplí dieciséis años (allí por 1972) me vine a Tokio y empecé a vivir solo. Fue entonces cuando me compré mi primer repro ductor estéreo. Con el dinero que ganaba tra bajando me compré el single de “Beautiful Yokohama” de Miki Hirayama. Si se trata de música occidental, cuando tenía alrededor de unos veinte años me enganché a T. Rex. Por aquel entonces, tenía mucho éxito en Japón. Por eso creo que el primer álbum que compré fue “Electric Warrior” de T. Rex.

El disco favorito de todos aquellos de los que he creado la portada..

El disco que más veces he escuchado

Creo que es el álbum más famoso del punk japonés. A mí este álbum me ayudó a llamar la atención como ilustrador, y por eso me gusta. Este álbum también fue muy conocido en Amé rica. También recuerdo “Naked City”, que me encargó John Zorn. Gracias a ese trabajo y a la mediación de John emplearon un dibujo que hice de Marc Bolan en la portada de un álbum homenaje a T. Rex. Como de joven me habían gustado T. Rex, me hizo mucha ilusión. Por este motivo también guardo un buen recuerdo.

Posiblemente el disco que más he escu chado sea “Unknown Pleasures” de Joy Division. Este álbum salió en 1979, en la época en la que yo escuchaba más mú sica, a mitad de la veintena. Acababa de convertirme en mangaka, así que pasa ba largo tiempo en casa frente a la mesa en la que tenía siempre el tocadiscos. Recuerdo que lo escuchaba constante mente. Esa imagen oscura era lo que me hacía sentir bien.

El disco japonés que debería escucharse en todo el mundo...

“Midori no chiheisen” de Masao Koga. Respecto a la canción que le da título, es más conocida la versión de Shigeo Kusunoki, pero a mí me gusta más la de Ichirô Fujiyama. De Koga Melody hay muchas canciones increíbles pero yo creo que esta es una auténtica obra de arte. Del género kayôkyoku los dos gigantes son Ryôichi Hattori y Masao Koga, los dos me gustan pero prefiero a Masao Koga. MS

Kayôkyoku dayo jinsei wa (2007)

Masao Koga. Midori no chiheisen (1950)

The Stalin Mushi (1983)

Queen Sheer Heart Attack (1974)

Miki Hirayama Beautiful Yokohama (1970)

Joy Division Unknown Pleasures (1979)

Sin lugar a dudas uno de los mangakas más personales de la historia. Sus dos últimas obras publicadas en castellano son “Yume No Q-Saku. Los sueños de Maruo” y la reedición de “Infierno embotellado”.

SUEHIRO MARUO EN SU CASA DURANTE

UNA ENTREVISTA PARA LA TELEVISIÓN FRANCESA EN 2020

Fuel Fandango Latidos de fuego compartidos

Fuel Fandango, al final de un verano en el que los festivales se multiplican, con mucha carretera y cuatro exitosos discos en su haber –“Fuel Fandango” (11), “Trece lunas” (13), “Aurora” (16) y “Origen” (20)–, vuelven con un brillante EP colaborativo bajo las alas, “Romances” (22).

NITA NOS CUENTA que estos “Ro mances”, aunque era una idea que barajaban desde hace mucho tiempo, se fraguan durante el confinamiento, cuando tuvieron que aban donar las presentaciones en directo de su exitoso “Origen” (20). “Tras las cancelacio nes y encierro forzoso, pensamos en hacer más música, seguir creando cosas, y se nos

ocurrió la idea de ‘Romances’. Y poquito a poco, porque tampoco ha sido fácil en medio de toda esta vorágine contactar con artistas y cuadrar fechas y demás, lo hemos ido sacando y ya está en el mercado, a nivel físico, que nosotros teníamos mucha ilu sión de sacarlo en vinilo también”.

CADA CANCIÓN SE HA IDO transforman do y trabajando de manera diferente, de pendiendo del artista con el que han cola borado, pero la mayoría de los temas “los hemos comenzado Ale y yo, y se los hemos ido mandando a los artistas o, en algún caso, nos hemos podido ver físicamente y juntarnos en el estudio, y los han termi nado ellos. Digamos que han hecho sus estrofas, sus letras, han hecho su parte. En el caso de Mariam [“Ruido”], por ejemplo, aparte de letra y melodía vocal, Amadou también metió guitarra; Iván Ferreiro [“Un sonido”], por ejemplo, metió sintetizadores modulares. Y la única canción que se fra

guó de la nada fue la de Juancho Marqués [“Nuevo mundo”], la primera que hicimos en la pandemia”.

LA NATURALEZA Y EL AMOR por el pla neta, en busca de paz, siempre presentes, desde la hermosísima “Mi huella”, junto a María José Llergo (“Es una chica joven con mucho talento y nos apetecía mucho hacer una colaboración con ella”), a ese “Un jun co verde quiero ser, que se mece tranquilo” en la inicial “Un sonido”. “Me parece muy bonita, la similitud entre el junco y eso, la paz y la entereza, de que aunque el río ven ga con toda su fuerza, el junco permanece estoicamente. Quería escribir una canción sobre cómo llegar a ese estado de paz”. Y tras la paz, “Ruido”, ese “tan familiar que todos tenemos, sobre todo en los países más capitalizados”. Con la colaboración del dúo maliense Amadou & Mariam: “Les gustó nuestro proyecto, les parecía muy interesante. Entonces comenzamos a tra

RR Los estadounidenses Green Day anuncian una edición espe cial de veinticinco aniversario de “Nimrod” con más de cincuenta canciones entre demos, rarezas y directos. De momento han compar tido la inédita “You Irritate Me”.

RR Whisky Caravan ya tienen su maquinaria lista para salir a la carretera con las canciones de su cuarto larga duración, “Imagi naciones”, recién publicado. En noviembre lo estarán presentan do en Madrid (5 noviembre, Sala Mon), Vigo (11 noviembre, Sala

Máser), A Coruña (12 noviembre, Sala Mardi Gras) y Bilbao (19 no viembre, Sala Azkena).

RR Mark Hoppus, Tom DeLonge y Travis Barker se han reunido de cara a nuevo disco y gira. Así que Blink-182 estará actuando en Madrid y Barcelona en 2023, con cretamente los días 3 de octubre en WiZink Center y 4 de octubre en Palau Sant Jordi.

RR El próximo 26 de noviembre el madrileño WiZink Center vol verá a recibir a LA M.O.D.A. en

PUP El poder del riff

Tres años después de “Morbid Stuff” (Rise Records, 19), los de Toronto vuelven con la misma energía, rabia y distorsión de siempre en “The Unraveling Of PUPTheBand” (Rise Records, 22), su cuarto larga duración.

“THE UNRAVELING OF PUPTHE BAND”, el cuarto largo de Stefan Babcock y compañía, ha vuelto a recordarnos a esas reflexiones sobre la autodestrucción y la depresión que ya calaron en anteriores trabajos suyos, pues

a los canadienses no les hace falta que el mundo arda o atraviese una pandemia global para desatar sus reflexiones más catárticas y hacer sangre de sus demonios más íntimos. Siempre han oscilado en esa dualidad entre no tomarse en serio a sí mismos a través de una exquisita acidez y un mordaz sentido del humor y a su vez combatir el dolor a golpe de riff y verdad. Así es como PUP han vuelto una vez más a las andadas, firmando un regreso que les urgía y que les reafirma como banda tras superar una pandemia con la que no han querido estancarse ni detener sus máqui nas. Como bien apunta su líder y vocalista, Stefan Babcock, “Nadie necesita un disco

“Volver a ver a La Mala rapear en el estudio, es una pasada”

bajar la canción a distancia y nos pudimos conocer, en el Pirineos Sur. Estuvimos con ellos dos e incluso pudimos hacer el tema en directo, y se puede ver esa actuación en vivo en Youtube”.

DE UNA MUY GUERRERA Mala Rodríguez de leyenda, rapeando como en los viejos tiempos en uno de los temas más potentes del disco, “Iballa”. “La verdad que volver a ver a La Mala rapear en el estudio, es una pasada. A mí, ella como rapera, me parece una tía espectacular. La canción ha queda do muy potente, y refleja eso, con la leyen da de la guerrera guanche de fondo, el em poderamiento de la mujer y la fuerza que tenemos todas”. Y llegan otros romances más preciosistas como “Las manos”, con el artista emergente Leo Rizzi. “La canción la enfocamos como el encuentro entre la mu jer ya madura y la niña que tiene dentro. Y colaborar con Leo en este tema ha sido estupendo, porque, además, es un chico que tiene un punto muy diferente, es un tío muy especial, con una voz muy bonita”.

DAVID PÉREZ MARÍN

R

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una última fecha de la gira con el repertorio de “Nuevo Cancionero Burgalés” como eje principal.

RR Después de algunas presenta ciones puntuales del espectáculo “Viaje al centro de un idiota”, Enric Montefusco pone fecha al lanzamiento de la extensión musi cal del montaje teatral del mismo nombre. Será el 18 de noviembre.

RR Tras girar por Argentina, los vascos Shinova anuncian nuevas fechas en la península. Estarán en Valencia (13 y 14 ene

ro, Sala Moon), Santiago de Com postela (3 febrero, Sala Capitol), Bilbao (4 febrero, Sala Santana 27), Madrid (1o y 11 febrero, La Riviera), Almería (17 febrero, Sala Berlín), Córdoba (18 febrero, Sala Impala), Vitoria-Gasteiz (24 febrero, Sala Jimmy Jazz) y Barce lona (25 febrero, Sala Apolo).

RR Beck ha decidido no telonear los conciertos de Arcade Fire de su tour norteamericano tras las acusaciones de conducta sexual inapropiada al líder de la banda, Win Butler. MS

pandémico ahora mismo”, aunque no pier de ocasión en remarcar la importancia que ha tenido en el resultado final del disco el hecho de que el mundo se detuviera por unos meses: “Si hay algo positivo que re conocerle a la pandemia es el tiempo que nos ha dado. El resto de nuestros álbumes fueron compuestos de forma muy rápida y entre giras, mientras que en esta ocasión hemos gozado de un tiempo infinito para darle vueltas y cuidar hasta el último deta lle, lo cual es un privilegio”. Un espacio de tiempo que ha permitido que el proyecto se afianzase y encontrase una honestidad que sus propios miembros consideran insólita en el repertorio: “Al fin y al cabo, el proceso evolutivo de estar en una banda es muy semejante al de evolucionar como persona. Poco a poco, te vas sintiendo cada vez más

cómodo contigo mismo y eso se traduce en poder acercarte álbum tras álbum a ese sonido que realmente te define mejor y con el que más te identificas. Creo que con este álbum es la vez que más cerca hemos esta do de representar fielmente quién somos como personas y como banda”, sentencia Mykula.

FRAN GONZÁLEZ APARICIO

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MONDO FREAKO

Tras soltar todos sus demonios y sanarse a través de “PUTA” (21), Zahara recupera en “REPUTA” (G.O.Z.Z. Records, 22) las canciones que cambiaron su vida para empujarlas a otros universos y liberarlas del peso que cargan a sus espaldas.

“LA VERDAD ES QUE SIENTO

que ‘REPUTA’ no es un disco de Za hara, sino que es un disco en el que yo soy como la curadora o como la maestra de ceremonias. El hilo conductor de un disco en el que algunas canciones es tán irreconocibles porque no hay nada de la original en ellas, solo partes de letras a las que te tienes que agarrar para iden tificarlas. Eso es lo que me gusta de este disco”. Hablamos con Zahara, el día des pués de la presentación oficial del álbum, desde las oficinas de su sello discográfico.

La artista hace años que eliminó cualquier tipo de prejuicio musical y este nuevo pro yecto lo demuestra. “Para mí ser viejo en la música es no entender lo que está pasando. Yo ahora, por ejemplo, estoy empezando a escuchar muchísimo trap porque hay cosas fascinantes. Primero hay una cosa en la producción de que quienes hemos venido del indie no tenemos ni puñetera idea, que es el minimalismo. Los del indie somos unos pesados de cuatrocientas capas o hemos sido, porque yo ya no me considero indie. Pero, cuando estaba ahí, era como un colchón de guitarras, con un colchón de teclados y encima vamos a meter unos colchones de voces, y sobre eso la voz prin cipal que no se va a entender porque está comida por cuatrocientas capas. Entonces, yo escucho trap y digo ‘bien, un beat, está la voz y como mucho hay un bajo. Y luego millones de mini cosas que están pasando’. Así que intento escucharlo con cerebro de Sylar de ‘Héroes’ intentando comprender esa música y ver qué me gusta para quedar me con ello también”.

CON “REPUTA” PARTE el cosmos de “PUTA” para darle dos vidas. En una de ellas, llena las canciones con cola boraciones de lujo más cercanas al pop habitual de la estrella y que surgen de la pura admiración. “El disco origen cuenta mi vida en primera persona, todas mis desgracias. Y, sin embargo, ‘REPUTA’ todo eso está contado de otra manera. A veces incluso desde el humor, dándole una vuelta de tuerca. Como por ejemplo “joker”, que me vuelve loca en lo que se ha convertido. Fue la segunda en la que pensé y dije ‘tío, debería venir Carolina

Zahara Regeneración

Durante, les quiero en esta canción’. Yo le decía a todo el mundo que hicieran la canción a su manera y creo que un disco así no se ha hecho antes. Un disco en el que ellos tomen las riendas de la canción y si no les sale, pues que no la hagan, sin presión. A mí me salió ofrecer esa liber tad como un impulso natural. Y es verdad que ahora cuando lo escucho empiezo a entender la esquizofrenia musical en la que se ha convertido este Frankens tein del otro disco. No es un disco que te puedes poner de principio a fin muchas veces, no es continuista. Pero hay cosas geniales en él”.

POR “REPUTA” PASAN GRANDES voces como las de Leire de La Oreja de Van Gogh o María José Llergo en “SANSA”, elevando la canción a otro nivel. “Ensayando el tema con ella yo no podía cantarla, porque cada vez que se me ponía al lado a cantar yo lo único que hacía era soltar lagrimones. Ade más, yo dejaba de oírme a mí porque no me importaba”. Pero lo más potente de esta primera cara de “REPUTA” es sin duda esa vena garagera que le dan Carolina Durante o Shego al disco. “A mí es que me flipan y encima la batería de ‘MERICHANE’ la gra bé yo porque Aro no podía. Habíamos re trasado esta grabación porque no paraban

FOTO: JOSÉ SEÑORÁN

“Para mí ser viejo en la música es no entender lo que está pasando”

de surgir problemas, era la última, estaba todo el disco grabado… Y claro, de repente me escriben por la noche diciendo que Aro estaba mal y que no podía ir. Me ves por la noche programando baterías, con una caja de ritmos electrónica y diciendo ‘vale, pues lo haces más electro’. Y bueno, cuando llegué allí les dije ‘móntame la batería para diestra porque voy a ir y quiero intentar hacerlo yo’. Y para mí fue una expe riencia súper bonita, porque fue la primera vez que producía un tema sin Martí, con ellas”.

LA SEGUNDA PARTE DE ESTE ÁLBUM está destina da a que Zahara dé sus primeros pasos en el mundo de la electrónica. La verdad que cuando se anunció un álbum de remixes de “PUTA” todos nos imagina mos cómo sería ese mundo complejo en un terreno electro más denso. Sin embargo, la propia Zahara nos cuenta que aunque fue una idea que se les pasó por la cabeza, no fue nada fácil hacerla realidad. “Sinceramente, es muy difícil, muy muy difícil, por que el mundo de las remezclas y de los DJ’s funciona por cariño, afecto y conocimiento. Y claro, por des gracia soy una bebé en ese mundo y conozco a quien conozco. De hecho, Cora (Novoa) para mí ha sido un privilegio increíble trabajar con ella porque fui a cu chillo. Yo le dije mira yo te hago esta propuesta, sé ya cómo funciona este mundo, porque tengo por suerte varios amigos que trabajan detrás de la electrónica y ya me han dicho cómo va esto. Ya sé que no es cues tión de ponerte un dinero sobre la mesa, sino de que tú de verdad quieras hacerlo. Así que le dije escú chate el disco y si te apetece alguna, la que quieras, la haces. Ella flipó, me dijo que es verdad que esto no se hace, es muy difícil, pero lo iba a hacer por que le apetecía, que joder había alucinado y que qué guay el disco, las letras. Y ahora claro, somos súper colegas”. Y eso que sin filtro alguno, Zahara intentó llevar esta nueva faceta de “PUTA” hasta lo más alto cargándola de nombres internacionales. “Yo entien do perfectamente que una remezcla es una cosa muy sensible y que no se puede hacer por encargo porque se nota. Pero yo llamé a todo el mundo. También te diré [risas], que llamé a Richie Hawtin. Los emails se los mandé a Arca, a Ellen Allien, a todo el mundo, hasta a Daphni de Caribou. Yo mandé los emails, todos en inglés, monísimos puestos, a todos los ma nagers, nadie me contestó… Bueno, uno me dijo que se lo pensaría, pero vamos no quedó en nada. En tonces pensé en DJ’s y productores de aquí y así fue cómo llegué a Cora, Extintor... ”. ÁLEX JEREZ

CONCIERTO

TOP VÍDEOS.

QManeskin The Loneliest

1Aunque el baladón que se han sacado Maneskin de la manga tenga mucho de pastiche, hay que reco nocer que viene acompañado por un vídeo de exce lente factura y realización perpetrado por el director Tommaso Ottomano.

QMaria Rodés Recordarte

2Sube la persiana deja que entre el sol y que María Rodés te ilumine con esta suave tonada que viene acompañada de un vídeo de factura íntima y en blanco y negro, que refleja a la perfección el sentir de la letra.

QParamore This is Why

3Los estadounidenses han vuelto con una nueva canción que es un auténtico trallazo. Va acompa ñada de un extraño vídeo de lo que parece estar desti nado a ser una especie de film de arte y ensayo.

Los Chikos Del Maíz Ecos de un futuro pasado

4

Lo mejor está por venir... y eso esperamos todos.

Valiente clip en el que Los Chikos del Maíz hacen balance, a la par que entonan más de un mea culpa, de una carrera que cerró una etapa con su ya mítico con cierto en el WiZink Center de Madrid.

QRival Sons Nobody Wants To Die

Divertido y trepidante clip de acción el que se han sacado de la manga Rival Sons para este “Nobody Wants To Die”. Contiene la ya casi obligada estética Tarantino, algún golpe de humor y los ingredientes habituales del género. MS

5

Cut Copy Resistir es vencer

La formación australiana Cut Copy ha vuelto a la carretera para recuperar el tiempo perdido y presentar las canciones de aquel lejano “Freeze. Melt” (Cutters/The Orchard, 20), que la pandemia dejó aparcado.

POR ALGUNA RAZÓN, y como si de un pájaro de mal agüero se tratase, Cut Copy supieron que en 2020 la población global iba a necesitar bajar de revoluciones y aparcar las tensiones que esta sociedad impone en nuestro día a día. Entre todo el ruido que ese fatídico año nos trajo, “Freeze, Melt”, el sexto álbum de estudio de la banda, cayó como una balsa de aceite destinada a mar car un punto de inflexión y madurez para sus miembros, gracias, precisamente, a ese giro ambiental y casi instrumental que sus cortes ofrecen.“Dan [Whitford] las pasó canutas mientras vivió en Copenhague”, nos comenta Tim HOEY, GUITARRISTA DE LA BANDA, sobre la inspiración que fun damentó este trabajo. “La pandemia estalló mientras vivía allí, completamente solo, aislado e inmerso en un confinamiento sú

per estricto, sin su familia ni amigos, y por supuesto, sin nosotros, lo que obligó a que por vez primera elaborásemos un álbum con cada miembro de la banda desperdi gado por el mundo. Sin duda, esa soledad y ese clima oscuro y gélido se acabaron vien do reflejados de alguna forma en la paleta de sonidos de ‘Freeze, Melt’”. Algo que, tal vez, se contraponga con el estilo regular que conocemos hasta la fecha de la banda australiana. “No ha sido fácil encajar estas nuevas canciones dentro del set habitual que Cut Copy acostumbra a llevar al di recto” confiesa Hoey. “Estas canciones son muy especiales, en tanto en cuanto fueron concebidas en un contexto muy específico e insólito que por descontado no se dio en el resto de nuestra discografía. Nuestro estilo en directo acostumbra a apostar por el uptempo y el baile, y sin ninguna duda fue un auténtico reto casar las vibraciones del nuevo disco con el resto de nuestras canciones, pero qué sería de hacer un nue vo álbum si no supusiera un reto para sus ejecutores, ¿verdad?”.

ES AHORA, DOS AÑOS DESPUÉS, que la banda tiene el gusto de traer a España los particulares encantos de este último tra bajo, con motivo del marco del Concert

Series de Vida Records & Friends, no sin obviar que también presentarán la re-edi ción de lujo en vinilo de sus primeros trabajos. “Siempre hemos tratado de mi rar hacia adelante y no repetir lo que ya habíamos logrado como banda, por eso ha sido guay poder rendirle este particu lar homenaje a esos discos en concreto […]. En este box set los seguidores podrán encontrar versiones inéditas en vinilo, muchas fotos, un diario con anécdotas, setlists y más material que seguramente la gente ni siquiera conozca. Se siente como una gran forma de despedir una etapa.”

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FRAN GONZÁLEZ

“fue un auténtico reto casar las vibraciones del nuevo disco con el resto de nuestras canciones”

En un disco en el que la vida y la muerte están presentes desde el mismo título, “Polvo” (Rap Solo, 22), Sho-Hai regresa más fuerte y completo que nunca. Demostrando, otra vez, que no estaba muerto, estaba de parranda

TEXTO Alfonso Gil

El renacimiento

HACE DIECISÉIS AÑOS

Hate cantaba: “Abre mi vinilo frotándolo con el vaquero, mi cara se asoma en el MondoSo noro de nuevo”. Era la canción “Vivir para contarlo”, de 2006, y es “increíble que tantos años después si gamos todos en pie, co. ¡Qué gustazo que sigamos dando guerra!”, recuerda ShoHai al inicio de nuestra charla. El zarago zano nos recibe en un bar cercano a Con de Duque, en Madrid, para hablar de su nuevo álbum. “Es el disco más alegre que he hecho. Mi primer trabajo, ‘Doble Vida’ (Boa, 11), era un disco muy oscuro. Yo es taba en una época de desamores, porque yo soy muy sensible con esas cosas, y eso se refleja en el disco. En ‘La última fun ción’ (Boa, 17) ya se nota un cambio, un álbum más positivo, con más luz. Y este sigue por esa misma línea, con un sonido cada vez más colorido, atreviéndome con nuevos ritmos y estilos”, cuenta el can tante, que en contraposición a esta luz ha titulado a su disco “Polvo”, “porque tuve una pérdida bestia de mi hermano Rebel y el polvo viene a simbolizar eso, el paso de la vida. Polvo somos y en polvo nos convertiremos. Vamos viendo cómo

gente cercana se va quedando por el ca mino y hay que disfrutar la vida. Porque no sé sabe, hoy estamos aquí y mañana igual ya sólo somos polvo”, explica. Parte de culpa de este sonido más fresco y vivo es de R de Rumba, amigo y productor de confianza de todo ex Violador del Verso que se disponga a hacer un disco. Aunque en este “Polvo” ha habido novedades. “En este disco me he involucrado más en lo musical que en los anteriores. He trabaja do mano a mano con Rumba y le iba mar cando el camino de los samplers que me gustaban o el sonido que quería, y él ya hacía la magia como siempre. También participa en el disco Carlos Porcel hacien do arreglitos y hay bases de Acción Sán chez y Hazhe, dos buenos amigos. Por eso hay canciones de varios estilos, aunque todas mantienen una misma línea que es la que buscaba”. A mantener esa línea ayudan también las voces de Kaze y Swan Fyahbwoy, así como la de Kase.O (quien también tuvo su propio “Renacimiento” por cierto) y la de Violadores del Verso al completo. Una canción, esta última, de la que hablaremos más adelante.

PORQUE EL PROTAGONISTA de este disco es Sho-Hai. Un rapero que, como

recuerda, se enamoró “de la cultura hip hop antes que del rap. Me encantaba el break dance, ese baile raro que acompa ñaba a la música rap o electro, sobre el año 84. Cuando lo vi por primera vez no sabía que era eso. Yo era un crío, pero luego fui descubriendo películas del 84 u 85 como ‘Beat Street’ o ‘Electric Boo galoo’, y empecé a ver a gente rapeando o pintando grafitis, con lo que con diez u once años me enamoré de este mundillo. Pensaba ‘no sé bien que es esto, pero me encanta’”. Y añade: “De los primeros raperos, recuerdo que uno de los que más me impactó fue Ice-T. Recuerdo que había unos scratches en el estribillo y mi hermano y yo los imitábamos con la cremallera de la sudadera [risas]. Fue el primer no-scratch que hice, con la can ción ‘Reckless’ de Ice-T. Debía ser el año 85 o por ahí. Hasta entonces, en mi casa sonaban The Beatles, que a mí me gusta ban mucho. Sonaban siempre en un ra diocassete en mi cocina. Pero, de repen te, apareció el rap y entró en mi corazón y en mi alma, y de ahí ya no salió nunca”. Así comenzó un amor por la música que fue desarrollando hasta llegar a recorrer diversos países, llenando escenarios con Violadores del Verso. Una carrera larga,

de Sho-Hai

llena de buenos momentos y canciones. Me intereso por saber cuáles son para él las tres mejores canciones que ha hecho. No sin dudas, responde: “Me quedadría con ‘Para ser un rapper’, ‘A las cosas por su nombre’ y ‘El rey de las cantinas’, que siempre ha sido mi canción más repre sentativa, aunque a mí ya me quema un poco. De hecho, estoy pensando en qui tarla de los conciertos [risas]”.

LA DE SHO-HAI es una de las voces au torizadas del rap nacional. El maño lleva en el mundo del hip hop desde práctica mente el capítulo uno. A lo largo de todo este tiempo ha sido testigo de como esta música y esta cultura evolucionaban. “Hay gente que lo sigue manteniendo muy puro. Tú puedes hacer la música que quieras, pero lo importante es que esté bien hecha. Hay canciones que se nota que están hechas en quince minutos y me da vergüenza. Pero es porque son letras pensadas para clubes o concier tos, sin pararse a pensar en lo que están transmitiendo. Todo debe tener su justa medida. A mí las canciones con mucho autotune o piano no me gustan mucho, pero un poco puede quedar guapo. Lo que importa es que hagas tu música

original y cuidada, como están haciendo Foyone, Ayax y Prok o Hoke en el nuevo disco, que lo están reventando”. Porque, pese a que en este “Polvo” haya nuevos sonidos y elementos, Sho-Hai se consi dera un MC al que “le va el rap clásico”. Fue así desde que empezó su aventura con Doble V allá por 1995. Un grupo que –ahora sí que hablamos de ello– ha regresado después de seis años con una canción, “Únicos”, con lo que tenemos algo que preguntar obligatoriamente a Sho-Hai. ¿Volverán Violadores del Verso? “Bueno, esa es la idea, que este fuese el primer ladrillo para una vuelta de Viola dores. A todos nos gustaría, pero aún hay cosas que deben solucionarse antes. Pero ya unirnos para esta canción ha sido increíble. Muchos recuerdos. Ha sido como retroceder en el tiempo y recordar aquella gran época. Hacía seis años, des de aquella colaboración de ‘El Circulo’ (Rap Solo, 16) , que no grabábamos nada juntos y era justo y necesario hacer una canción ¡ya! La gente lo quiere y nosotros también”. ALFONSO GIL

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““La idea es que'Únicos' fuese el primer ladrillo para una vuelta de Violadores”

Jon Spencer & The HITmakers Reencarnación

No es la primera vez que Jon Spencer rompe abruptamente con algo para calzarse unas botas nuevas y emprender otra aventura. Pasó con Pussy Galore y posteriormente con la Blues Explosion y Heavy Trash, Ahora le tendremos en nuestro país para presentar “Spencer Gets It Lit” (Bronzerat Records, 22), el debut discográfico de su nuevo proyecto.

EN 2015 ZANJASTEIS Jon Spencer Blues Explosion y en 2018 lo hi cisteis oficial, con lo cual ya es tás a fondo con The HITmakers. ¿Cómo fue el proceso de grabación? Empecé en 2020 y en 2021 ya empecé a ver resultados gracias a las nuevas canciones. Al principio fue un proceso en solitario, lo cual nunca es fácil, pero después ya se incorporaron algunos miembros y, en las demos, ya pusimos percusiones y todo lo demás. Aunque siempre he tenido el sonido en la cabeza, las voces. De hecho, es un disco en el que canto más que en otros.

Eso está muy patente en el álbum, justamente en un momento en el que no se le suele dar tanta importancia a la mayor presencia de la voz. Bueno, yo creo que la mayoría aún le da importancia a eso, aunque la clave es tener una buena melodía. A partir de ahí todo empieza a fluir.

—En el disco hay rock, blues, garage, e incluso nos encontramos con hip-hop. ¿Cómo te sientes con este género? ¡Me siento genial! Además no es la pri mera vez que hago uso de ello. Ahora suelo escuchar a Kanye West, a Bad Bunny y a los clásicos, Run DM-C, Public Enemy...

Al margen de la Blues Explosion, has estado metido en muchos otros pro yectos antes y después (JSBX, Boss Hog, Heavy Trash...). ¿Qué crees que diferen cia a The HITmakers del resto?

Pues que es muy personal, y que es algo que empecé solo. Con Heavy Trash, por ejemplo, éramos dos. Reconozco que ponerse solo a escribir canciones es duro, pero musicalmente estoy muy satisfecho con lo que he conseguido. He creado algo distinto a todo lo que había hecho ante riormente.

ROCK / Evolución. Búsqueda. Riesgo. Cosas de las que últimamente oímos mucho ha blar y que servidor entiende como lo hacen Jack White o Jon Spencer. Crecer como músico no tiene porqué significar cambiar tu música como si le dieras la vuelta a un calcetín, ni cargarte de sintetizadores que no pintan nada en tu música. Otra cosa es que lo hagas con buen gusto y al servicio de la canción. La arqueología interna del artista no tiene por qué llevarle a la traición. "Spencer Gets It Lit" es un disco inclasificable, sí, pero genial. Esto es rock, es garage, es noise, es blues, es rock indus trial y es hasta hip-hop. Se mueven igual entre The Cramps, los Stooges, Son House, NWA, The Gories o The Flat Duo Jets. Y lo mejor de todo es que funcionan juntos a la perfección.

IZQUIERDO

Spencer Gets It Lit

The Red Records

Eres un músico que siempre ha sorprendido por su forma de desenvolverse en el escenario, como si fueras un Elvis.. Soy muy fan de Elvis.

Entonces habrás visto la película, ¿qué te ha pa recido?

Como te decía, soy muy fan de Elvis y la he disfrutado. Tenía ciertas expectativas previas y también algún miedo previo. Pero ahora se la recomendaría a todo el mundo. Es otra manera más de contar su historia y me parece interesante, y después está el papel del coronel Parker...

Sí, la película está muy centrada en él, no sé si en exceso. No lo creo. Fue una persona que se cruzó en su ca mino y que, a pesar de muchas otras cosas, le ayudó todo lo que pudo en unos tiempos que eran duros y muy complicados. Cuidó de su cliente, y eso siempre se agradece. Además, me encanta el enfoque que le da al personaje Tom Hanks.

WALA. WALA.

“Me he sacado un peso de encima al anunciar esta reunión. Ha sido una carga mantener esto en secreto durante tanto tiempo. Y ahora está ocurriendo: gira mundial, nuevo disco y Tom de nuevo en la banda” Mark Hoppus de Blink-182 en el podcast After School Radio

“Mi abuelo fue una de las primeras drag queens del Reino Unido. Creo que mucho del mejor arte viene de las comunidades transgresoras como la gay y las culturas de color” Matty Healy de The 1975 en NME

“MÁS PRONTO O MÁS TARDE HABRÁ UNA REUNIÓN DE BLUR. EL PRÓXIMO AÑO PODRÍA SER EL VERANO DEL BRITPOP AHORA SOLAMENTE FALTA QUE OASIS VUELVAN” Graham Coxon, ex-Blur en Evening Standard

“Creo que no veré a la gente cantando más, porque la verdad es que con los focos no suelo ver al público”

Stefanie Mannaerts de Brutus en Rockzonemag

“Desde que era ado lescente y empecé a estudiar guitarra, he prac ticado y ensayado todos los días. Es una adicción saluda ble, así que no voy a mencio narla con un terapeuta” M. Ward en Muzikalia

TONI CASTARNADO

Mil·lenni

“He creado algo distinto a todo lo que había hecho anteriormente”

41/Mondo VINILOS

PSICODELIA / La abrumadora pro ductividad de los de Melbourne puede hacernos perder la paciencia. Y es natural, porque no hay nadie ahí fue ra con ganas o capacidad de sacar tres discos a lo largo de un mes. Pero su pa sión es genuina: se nota que hacen esto porque les entusiasma hacer música juntos. Ellos mismos destacan que éste es un disco plenamente colaborativo na cido de las sesiones de improvisación y jams tan fructíferas como las que se adivinan en “Magma” y sus guitarras in cendiarias o en las texturas misteriosas de “Lava”. Poco puede sorprender a estas alturas que se atrevan con los lumino sos aires entre jamaicanos y africanos de “Mycelium”, para pasar acto seguido al irresitible acid funk retro de “Ice V”. Aquí tenemos a seis músicos pasándolo en grande y contagiando el entusiasmo por su creatividad, como prueba “Hell’s Itch”. Otra vez hay que admitir que, pese su enloquecido ritmo discográfico, en los discos de los australianos siempre hay sustancia. JC PEÑA

Arctic Monkeys en su versión más crooner

Arctic Monkeys

The Car Domino/Music As Usual

POP ROCK / El tiempo no pasa en balde, y Arctic Monkeys siguen tan instalados en la mullida placidez inaugurada con “Tranquility Base Hotel & Casino” (18) que prácticamente parece aquí otra banda distinta a la que asombró a medio mundo con su debut, hace ya dieciséis años. La plenitud vocal y compositiva de Alex Turner, más crooner que nunca, trasluce en diez cortes –grabados en la quietud del prio rato de Butley, con James Ford por cuarta vez consecutiva a la producción– que vuelven a nacer del piano, y no de la guitarra. Y que ahon dan en aquella vía.

El falsete de “Body Paint”, que arranca a lo Bowie y luego se pone Beattle para acabar recordando al soul satinado de los setenta hasta que desemboca en un estribillo de lo más quedón, es una de sus pruebas concluyen tes. También las guitarras wah wah y los coros a lo Philly soul de “I Ain’t Quite Where I Think

I Am”, o el blue eyed soul de “Jet Skis On The Moat” (uno de los dos temas coescritos con el recién incorporado guitarrista Tom Rowley), acreditan esa solvente madurez que otea la mediana edad con precocidad: es lo que ocurre cuando todo se acomete demasiado pronto.

Si algo destaca en este séptimo largo son esos arreglos de cuerda que desde que The Last Shadow Puppets permearon son una constante, exuberantes en una “Sculptures Of Anything Goes” (esta con rúbrica conjunta del otro guitarrista, Jamie Cook) que diríase salida de una banda sonora de una película de James Bond. En cualquier caso, prima de nuevo una suntuosa y contenida elegancia que si se descuida puede pasar de la ensoñación al adormilamiento (les separa esa finísima línea), apenas disipada en su segundo tramo por la vivacidad de una “Hello You” que hace de nece sario arbotante y el indisimulado guiño a Burt Bacharach que es el broche de “Perfect Sense”. “The Car” es, en resumen, una estilizada tra vesía vintage, con billete de ida y vuelta a los años sesenta y setenta del siglo pasado (el tema titular suena directamente a pop barro co) que reconforta lo suyo, pero que (de nuevo) no arrebata. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Menta Un momento extraño Sonido Muchacho

ROCK / Todas y cada una de las palabras que el debut de esta formación madrileña incluye son una fidedigna muestra de cuántos palos es tamos dispuestos a soportar y cuál es la manera más decorosa de sobrellevar este momento de la historia que nos ha tocado vivir. Cristina Mejías y compa ñía ejecutan el mejor retrato posible de una generación tristemente engañada y manipulada, sumida en la precarie dad social y el desgaste emocional. Ya bien sea a base de enojo y distorsión (“Algo incómodo”), rock’n roll arquetípi co (“Perro dolor”), punteos cristalinos y añiles (“Ya no te quiero más”), o sen tidos cortes que rozan la poesía más amarga (“Un llanto”), Menta tienen en su mano la genial habilidad para remo ver en nosotros un halo único de catar sis purgante acompañada de un mismo nexo de unión común entre sus cortes: estar hasta las narices y tener ganas de soltarlo todo.

FRAN GONZÁLEZ

King Gizzard & The Lizard Wizard Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms And Lava Virgin Music

El mejor disco de Alvvays

Alvvays Blue Rev Polyvinyl/[PIAS]

INDIE ROCK / Alvvays vuelven con el mejor disco de su carrera, “Blue Rev”, tras un largo parón desde su segundo trabajo, “Antisocia lites”, publicado en 2017. Claro que ese parón no fue a propósito, la banda ha vivido un cambio de formación, con Abbey Blackwell y Sheridan Riley reemplazando a Brian Murphy y Phil MacIsaac, además de sufrir el robo de unas demos en casa de Molly Rankin, por no hablar, de una pandemia que les impidió tocar juntos durante un tiempo. Todo ese tiempo parece haberles afectado para bien, sus grandes cualidades siguen ahí, melodías burbujeantes cubiertas de guitarras eléc tricas y una pizca de melancolía, pero ahora suenan más urgentes, densos y ruidosos que nunca, gracias a la aportación del productor Shawn Everett, conocido por sus trabajos con

The War On Drugs o Alabama Shakes. Además tienen la mejor colección de canciones de su carrera, algo que ya dejaban entrever los cinco avances que habían publicado, “Phar macist”, “Easy On Your Own?”, “Belinda Says”, “Very Online Guy” y “After The Earthquake”. El resto del disco está a la altura, sonando como un grandes éxitos, con melodías irresisti bles que parece que siempre han estado ahí, pero que es tan difícil conseguir. Además, a ellas se le suma la brillantez de las letras de Rankin, una escritora inteligente, ya sea escribiendo sobre una relación rota, su adolescencia, los listillos de Internet o esa madalena de Proust, en forma de bebida para adolescentes, que es el título del disco. Habrá quien piense que buscar pepitas de oro de una fórmula tan manoseada como la de las melodías más pop unidas a guitarras afiladas es algo anacrónico en 2022, pero “Blue Rev” demuestra que ni la fórmula está agotada, ni este es un disco cualquiera, y si alguien piensa que escribir melodías tan adictivas, con textos que no suenen estúpidos, es algo fácil que se ponga a ello, el mundo le estará esperando.

SERGIO ARIZA

8

POP / En “Stay Close To Music”, Mykki Blanco sigue sustituyendo abrasividad por vulnerabilidad. Con la ayuda del productor FaltyDL, Blanco canali za un amplio abanico de influen cias R&B, indie y pop y las concre ta en una oda al tipo de transfor mación que solo puede ocurrir mediante las tribulaciones de un corazón roto (“Steps”, “Your Love Was A Gift”) o el placer de un nue vo romance (la destacable “French Lessons”, junto a Kelsey Lu y ANO HNI). También le queda tiempo para recuperar el espíritu de sus antiguos trabajos: presume con la confianza habitual en “Lucky”, un tema de trap con un delirante estribillo pop, y acaricia el emo rap con los snares letárgicos y los ad-libs autotuneados de “Keta mine”. A pesar de que el lirismo a veces es redundante y otras dolo rosamente literal, en “Stay Close To Music” encontramos la encar nación de Blanco más equilibrada y sincera hasta ahora.

SALOMÉ LAGARES

POP / Aunque sea de pascuas a ramos, siempre que Brian Burton (Danger Mouse) y James Mercer (The Shins) se juntan nos ofrecen un álbum que no da pun tada sin hilo. “Into The Blue”, el tercer disco que firma esta dupla como Broken Bells, es un bonito abrazo a las diversas, elegantes y carismáticas influencias que han servido de base para sus respec tivos trabajos, sin caer, eso sí, ni en lo auto-paródico ni en el cliché fácil. Nos llevarán de la mano en una suerte de máquina del tiempo que hará escala en el lado más caleidoscópico de la psicodelia sesentera (“Saturdays”), en el rock progresivo más catedralicio y exuberante (“We’re Not In Orbit Yet…”) y hasta en los ritmos hedo nistas más discotequeros (“One Night”). Todo ello salpimentado con la impecable mano de ese genio que se esconde tras Danger Mouse que, con sus exquisitos arreglos, logra convertir en rele vante hasta la pista más desluci da del álbum. FRAN GONZÁLEZ

7

Broken Bells Into The Blue AWAL/ Popstock!

Mykki Blanco Stay Close To Music Transgressive

ROCK / Para esta renovación de votos tras su aclamado debut, el dúo londinense com puesto por Amy Love y Georgia South nos propone un atrevido ejercicio de quimicefa musical, metiendo en una misma probeta una pizca de punk, otra de r’n’b y otra de nu-metal de principios de los dosmiles, obteniendo como resultado una suerte de hip-hop industrial, agresivo y dinámico, que difícilmente te mantendrá inmóvil. “Supernova” hace ho nores a su nombre y explosiona sobre nosotros liberando desde el mismísimo primer segundo una inabarcable energía en cada uno de sus temas, recordándonos entre mazazos a doble bombo que toda vía sigue habiendo espacio para un buen headbanging. Dentro de esa espiral de catarsis pura, donde las etiquetas quedan definitiva mente obsoletas, se esconden ade más furtivas consignas que ensal zan su discurso, dejando claro que detrás del ruido hay también una voz mayúscula.

FRAN GONZÁLEZ

JAZZ ROCK / En este quinto largo, el grupo de Londres se propone llevarnos de la mano por un viaje de sonido impecable, ejecución genial y algunas ideas llevadas a cabo de un modo extra ño. Es cierto que el guía espiritual de la banda es el saxofonista Sha baka Hutchings (ex Sons Of Kemet) y su protagonismo será siempre parte importante del sonido del grupo, pero entiendo que en este álbum su aporte es exagerado. Porque es raro vestir unas bases con carácter y vuelo como las de “Lucid Dreamer”, “Atomic Wave Dan ce” o “Pyramids” con un arreglo de saxo que encajaría mejor como banda sonora de un reel futbolero de Tik Tok. Si la cosa funcionara más por los derroteros que nos llevan temas logrados como el pequeño interludio “Tokyo Ni ghts”, la calmada “Frequency Of Feeling Expansion”, la misteriosa “Aftermath” o la progresiva “Angel Of Darkness”, estaríamos hablando de un disco de escuchabilidad más agradable. ADRIANO MAZZEO

ROCK / Si uno tiene un pri mer acercamiento a Eterna Inocencia a partir de este disco, difícilmente se dará cuenta de que los de Buenos Aires llevan más de veinticinco años en la carretera. “No bien abran las flores” suena fresco y vital y esto tiene correla ción con la realidad, ya que esta mos ante un verdadero renacer sonoro para la banda. Cerca de un rock emocional en el que se evi dencian las influencias que más los acompañaron en su carrera (Bad Religion, Social Distorsion) pero también aparecen las de raíz (Joy Division, New Order, The Cure), el grupo entrega esta sólida placa en la que también se destacan las muy interesantes letras de amor (del bueno) y reivindicación del cantante Guille Mármol. “Somos satélites de una galaxia que quizá pronto vaya a desaparecer” canta en “La empresa del naufragio” y resume el sentir de esta música que enamorará a quien busque una expresión artística sincera.

ADRIANO MAZZEO

NACIONAL INTERNACIONAL

Bill Callahan YTILAER Drag City

POP / Birchard es el rey del plástico y el artificio; cons truye texturas y paisajes imagi narios que mezclan una estética trash-pop, con un colapso tecno lógico que arruina el presente, realiza una crítica social y añade necesarios puntos de humor. El ex ceso regresa en lo nuevo como una especie de apocalipsis dispuesto a acabar con cualquier persona cuerda que quede en el mundo. “Cry Sugar” es un viajazo de locu ra y psicodelia. Pero, a su vez, un disparo al capitalismo con olor a basura y sabor a óxido. Un trance de lujo que refleja una psicosis co lectiva y hasta tiene su puntito de glamour. El disfraz perfecto para vivir en tu propia piel lo que sen tían en sus últimos días aquellas estrellas pop en los ‘00s devoradas por los medios que poco a poco iban en picado hacia la oscuridad. Con su primer disco en solitario en siete años, el escocés firma así una de sus mejores obras con una colección electrónica tan frenética como interesante. ÁLEX JEREZ

FOLK / En estos tiempos de confusión llega una voz inesperada de esperanza, Bill Callahan. Con su inimi table voz de barítono abre su vigésimo disco diciendo “And we’re coming out of dreams, As we’re coming back to dreams”, como si nos despertara de un mal sueño, de esa pesadilla que hemos vivido. En “YTILAER” se sigue demostrando que ha sabi do conjugar a la perfección su vida doméstica con la artística, sonando más cómodo cuando adopta su actual papel como pa dre y esposo que cuando intenta volver a ser aquel que cantaba “el cielo está negro y lleno de gritos”. El disco se mueve con fluidez a través de los estados de ánimo, desde la melancolía al optimismo, en once cancio nes que vuelven a demostrar que es uno de los artesanos de canciones más interesantes de la música popular americana de los últimos treinta años.

POP / Los incombustibles malagueños reaparecen con su segundo álbum para Sonido Muchacho. Carlos Hernández vuel ve a encauzar la energía de diez cortes que transitan del power pop vibrante con toques sarcás ticos ramonianos (“Una pena lo de Mario”) al hardcore frenético (“Todo mal”) o el indie pop melan cólico (“Perros y gatos”), con los que proclaman su firme intención de no envejecer. En las letras, esa divertida lucidez que no rehúye puntuales toques tristes (“Yo no me he enamorado desde el siglo pasado”, cantan en “La marmota Phil”), siempre desde la positivi dad de sus melodías. De nuevo hay referencias cinéfilas y de serie B (la tierna “Viva John Hugues”).

Imposible no rendirse a “Siempre tropical” o a “Finales alternati vos”, vibrante single compartido con J que desde su arranque psicodélico y su letra de desamor parece una pieza perdida de Los Planetas. Otro disco de canciones redondas. JC PEÑA

Eterna Inocencia No bien abran las flores Discos del Sembrador

Airbag Siempre tropical Sonido Muchacho

Hudson Mohawke Cry Sugar WARP

The

Coming Hyper-Dimensional Expansion Beam Verve

Hoke & Louis Amoeba y la vieja escuela

Hoke & Louis Amoeba BBO Autoeditado

RAP / La vuelta del rap clásico a la primera línea de la escena nacional es una realidad. La experiencia de los últimos años, en los que los sonidos derivados del hip hop han alcanzado cotas de popularidad nunca an tes vista, sumado a la superación del marco estético y creativo –y sonoro– preexistente (ciertamente más limitado) que ha venido acarreado por esta misma ampliación del campo de batalla ha insuflado aire a un movimiento que, ahora sí que sí, alcanza el estatus de género histórico: a la misma altura que el rock o el pop. Trabajos como este “BBO” de Hoke y Louis Amoeba refren dan todo esto, y, en este caso, significan aún más: que es lo que pasa cuando firmas un álbum redondo, que enlaza con los códigos de una generación mientras bebes del río

de la tradición. Tan complicado como firmar un clásico en cualquier disciplina es hacerlo cuando nadie se lo espera. El terremoto que ha supuesto “BBO” en la escena musical española es un indicio de lo que puede esperarse en el futuro. Si este álbum resulta tan especial no es solo por el salto a nivel musical que supone respecto de otras referencias de un género que peca demasiado –como todos los géneros clá

sicos– de ombliguismo y falta de evolución; sino por revivir el espíritu de un rap clásico underground –subterráneo a la manera beat– donde desde hace tiempo la originali dad estaba reñida con la autenticidad. Louis Amoeba en la música y Hoke en el micro han roto con los estándares del mundo que les rodea y se han logrado colar en el campo de juego de los mayores. LUIS M. MAÍNEZ

Gogol Bordello Solidaritine Das Grand Kapital

FOLK PUNK / Un disco nuevo de Gogol Bordello siempre funciona como una alarma: un sonido de alto perfil que te recuer da lo que está mal en el mundo, pero que también tiene el poder de mostrarte una forma positiva y enérgica de enfrentar esos males. “Solidaritine” es otra muestra de dolor transformado en fuerza, otro golpe de realidad y llamado a la unión. Y también un nuevo caudal de folk-punk del que no podrás escapar si alguna vez el grupo te puso la piel de pollo. Los puntos más altos del álbum llegan con la propuesta de fiesta multicultural marca de la casa. En este apartado aparecen el crescendo de “Gut Guidance”, “Fire On Ice Floe”, la re lectura del “Blueprint” de Fugazi, el ska punk a la Rancid de “Focus Coin” y los dos mejores momentos del trabajo: “Knack For Life” con ese aire dub y el emotivo “The Era Of The End Of Eras” junto a HR de Bad Brains en lo que se constituye como un rescate histórico para el punk rock. ADRIANO MAZZEO

regresan con un tercer disco en el que muestran su versión más pomposa, dentro de una carrera de por sí cargante y con poca sus tancia. Los británicos vuelven a apostar por esa medida pose de roqueros para todos los públicos, postura que en la práctica resulta poco creíble y se derrumba ante la carencia de canciones con nervio o realmente interesantes. No pude negarse que el cuarteto tiene olfa to para melodías pegadizas, que concretan en un pop de guitarras que presume de corte indie pero se cuida mucho de resultar accesible para cualquier tipo de público.

Un álbum que les confirma como grupo predecible, por momentos incluso irritante, que se maneja entre esas coordenadas azucara das en exceso y en la línea de The Feeling, Blossoms, The Kooks o Hoosier. mientras expande todo lo grandilocuente de su propuesta y, por algún extraño motivo, disfruta de buena aceptación en su país de origen. RAÚL JULIÁN

POP / Ser autoconsciente es algo curioso. Para afrontarlo una puede hacerse una bolita abrumada por el exterior; o bien, como ha hecho Sudan Archives, ordenar cada una de tus flaque zas y virtudes y sacar uno de los mejores discos del año. “Natural Brown Prom Queen”, su segundo álbum, se ha convertido en una celebración de sí misma, de su in dividualidad y del camino que ha recorrido para llegar donde está. Un cuento sonoro perfectamente hilado. Un disco en el que no paran de pasar cosas. Mezcla soul, hip hop, r&b, pop, junto a un blueprint de los sonidos más noventas-dos miles con los que ha creado su imaginario. Todo armonizado con su violín tan “that bitch” en una producción exquisita que no tiene miedo a experimentar. Es capaz de llenar cada canción como si fueran un millón. Todas sus voces, sus dudas y sus victorias tienen cabi da en un trabajo, que demuestra que Brittney Denise Parks, “is not average”.

SEBASTIÁN

POP / Ben Lee fue aquel niño bonito del pop que Australia exportó al mundo, en base a las canciones sin complicaciones y convincentes del disco “Awake Is The New Sleep” (05). Desde entonces, el de Sidney se ha man tenido constante en su misión de publicar nuevo material cada dos o tres años. Una decisión que ahora cristaliza en “I’m Fun”, otra muesca poco disimulada en torno a las preferencias del artista que, de paso, trata de recuperar algo de terreno tirando de colaboraciones como las de Zooey Deschanel, Eric D. Johnson, Shamir o Sally Selt mann. Si bien aparece una capa adicional de madurez cubriendo el presente decálogo, lo cierto es que el autor continúa inmerso en la búsqueda de la canción pop perfecta, esa de efectos sanadores y vibraciones positivas. Todo a lo largo de un elepé que transita sin dificultad y se asimila con cierta inercia, copado por bonitas com posiciones pero que no irán más allá del aquí y ahora. RAÚL JULIÁN

INDIE POP / The Amazons

Ben Lee I’m Fun! Ten Finger

The Amazons How Will I Know If Heaven Will Find Me? Fiction

Sudan Archives Natural Brown Prom Queen Stones Throw Records

Dropkick Murphys matando fascistas

Dropkick Murphys This Machine Still Kills Fascists Dummy Luck Music/ [PIAS]

FOLK / La colaboración entre la fallecida leyenda del folk Woody Guthrie y Dropkick Murphys viene de lejos. De muy lejos. No en vano el gran éxito de la carrera de los de Massachussets, “I’m Shipping Up To Boston” tiene ahí su origen. Nora Guthrie, hija de Woody contactó con los Murphys, una banda que le encantaba, pensando que compartían muchas cosas con su padre, especialmente en lo ideológico. Eso fue hace más de veinte años, y en 2006, la citada canción, con letra del okie y música del grupo era certificada como doble platino, tras vender más de un millón de copias digitales y formar parte de la banda sonora de una película de éxito. Ahora el grupo vuelve a la carga, con un disco titulado casi como el eslogan que adornaba la guitarra de Guthrie, y canciones

cuyas letras salen de los escritos que ha segui do pasándoles Norah. Mucho más acústicos de lo habitual durante todo el álbum, para empe zar, dejemos claro que la música de “Two 6’s Upside Down” no la hizo Johnny Cash aunque lo parezca por su cadencia. Dicho esto, el tema es magnífico y el resto del disco no le anda a la zaga. “Talking Jukebox” se inicia surf y se vuelve punk. Rabiosa. Incisiva. Con una letra totalmente actual, sensación que se repite en las diez canciones aquí incluidas. “Ten Times

More” es rara, pero engancha. Mientras, “Ne ver Get Drunk No More” es más convencional, con la aparición sorpresa de una Nikki Lane que enamora desde la primera palabra. “All You Fonies” es muy The Pogues. “Cadillac, Cadillac”, una de mis favoritas, es medio The Cramps medio Flat Duo Jets, aunque la gran sorpresa está con la presencia de la voz del mismísimo Woody Guthrie en el cierre con “Dig A Hole” ¿Quieren un pero? Que solo son diez canciones. EDUARDO IZQUIERDO

Hickeys Fragile Structure Autoditado

POST-PUNK / Formado en 2018 en Madrid, el joven cuarteto consiguió atraer la atención con apenas una sola canción grabada. El secreto es taba en un directo rotundo que consiguieron llevar más allá de nuestras fronteras. Su propuesta anglófila podía homologarse a la de cualquier otro grupo de fuera. Grabado en su estudio de Navarra por el experto técnico y produc tor Hans Krüger (El Columpio Asesino, La Plata), su debut es la sólida carta de presentación de una banda sin miedo a mostrarse ambiciosa dentro de un género que en los últimos años ha vivido una especie de misterioso renaci miento global. Hickeys rehúyen las concesiones, y exploran un lenguaje anguloso y turbio a través de la química de sus voces e instrumentos, con un sonido naturalista que resalta sus virtu des. Lleno de brumas asfixiantes, disonancias y melodías este debut muestra a un cuarteto que ha hecho los deberes.

PEÑA

Jockstrap I Love You Jennifer B Rough Trade

POP EXPERIMENTAL / Georgia

7

ROCK / El título del noveno disco de Doug Martsch puede dar pistas sobre su tono melancólico y más pausado. Cierto que el enésimo cambio de forma ción, de quinteto a trío, y también de sello, no se refleja en un giro significativo en el intrincado y personal sonido del proyecto. Pero el conjunto, grabado entre Estados Unidos y Brasil con dos músicos de este país, no alcanza las cotas de intensidad de otros trabajos. Eso no quiere decir que falten momentos disfrutables. Los singles “Gonna Lose” y la magní fica “Fool’s Gold” son magníficos, aunque Martsch no tenga reparos a estas alturas en copiarse a sí mismo. En “Spiderweb” vuelve a reivindicarse como imponente y expresivo guitarrista. Al mismo tiempo, la ligera y juguetona “Roc ksteady” se queda un poco desin flada, como el final de la segunda cara. La épica guitarrera de “Comes A Day” recula en el clímax, dando la impresión de que esta vez han preferido contenerse. JC PEÑA

Ellery y Taylor Skye son la prueba empírica de que la nueva escena británica tiene muchas caras por mostrarnos, algunas de ellas del todo inclasificables. Su debut, que entra con firmeza a la carrera de rookie del año, es un aguerrido ejercicio de maridaje en el que diversas influencias confluyen entre sí con clase y soca rronería. Lejos de haberles salido rana el invento, este cancionero casi perfecto e insólito sirve a la dupla londinense para firmar un hipnótico y caótico universo que compramos entre confusión y asombro. Guiños al mundo de fantasía experimental de Caroline Polachek (“Jennifer B”), estándares de jazz lacados y elegantes (“Grea test Hits”), cortes con sabor a sci-fi sacados del imaginario de Vange lis (“Debra”), o tralla glitch al puro estilo PC Music (“50/50”) para una carta de presentación cuidada que apuesta con aplomo por desdibu jar definitivamente las etiquetas y los géneros. FRAN GONZÁLEZ

POP / Sólido, inteligente y ambicioso, pablopablo tiene todo para convertirse en uno de los grandes artistas de la próxima década. A favor tiene su herencia y su talento, y una capacidad para salir airoso de canciones en las que entra complicándose dema siado, quizá. Resultará bien, segu ro. En esta primera hornada tiene cosas realmente apetecibles, como “Mandela Place”, “París” o “San Lorenzo”, una triada geográ fica que demuestra, más que los propios singles del trabajo, que hay mucha verdad en un artista como él. Su primer álbum no ter mina de enmarcarse en ningún lugar, es alternativo y busca con ahínco no ser clásico. Sin embar go, no encuentra la vanguardia porque ahora la vanguardia cabalga a muchos más bpm’s de lo que él hace. Queda mucho por ver; parece imposible que pueda sacar algo que no sea bonito, pero también falta ver si será capaz de salirse de la estética que él mismo ha construido LUIS M. MAÍNEZ

pablopablo pablopablo Autoeditado

Built To Spill When The Wind Forgets Your Name Sub Pop/ Popstock!

Maggie Rogers Surrender Debay/ Universal

POP / Aunque todavía no es muy conocida en nues tro país, Maggie Rogers está logrando especial relevancia en los medios especializados de Estados Unidos y Reino Unido cona la edición de este segundo largo titulado “Surrender”. Disco que resulta la mar de engañoso al saber jugar muy bien sus cartas para alcanzar el éxito, pero que te deja un sabor a refrito. Es como si todo lo que nos ofrece Maggie Rogers ya se hubiera escrito antes y presentado de mejor forma. Por eso no es de extrañar que “Want Want” te recuerde a Lorde o que los dos vídeos de presentación sean tan opuestos entre sí, dando cuenta del enorme abanico que ha querido abarcar la estadouniden se. “Surrender” es un disco que simboliza muy bien los tiempos que corren. Los mismos que tie nen al eclecticismo por bandera y llevan a probar un gran número de registros, logrando un trabajo tan variado y digerible como disper so e inocuo.

DON DISTURBIOS

PUNK / Alex Edkins, guitarra y voz de la abrasiva banda canadiense Metz, sorprende gra tamente con su debut en solitario: un trabajo sólido, muy entreteni do y por momentos brillante, en el que muestra su lado más melódico y sencillo, sin olvidar la energía explosiva que le caracteriza. Salvando las baterías y alguna colaboración vocal y de sintetiza dores discretos, todo lo que suena en este debut lo ha grabado él a partir de ideas originales y algún descarte de su banda. Estamos, pues, ante una obra personal en sentido estricto. Si los singles “Searching For You” y “Lusitania” daban pistas del buen nivel que íbamos a encontrar, son joyas de punk pop vigoroso (o rock a secas) como “Wrecked” o “Sunday Driver” las que elevan el listón de una co lección de canciones con ecos que van del post-punk y el shoegaze al grunge y el rock sin aditivos, y que se benefician del pasito atrás que da Edkins en términos de disonancias. JC PEÑA

El renacimiento de Gilla Band y lo más normal

POST-PUNK / Ni el cambio de nombre consi gue alterar la airada, caótica y asalvajada doctrina que rige el pensamiento creativo del cuarteto irlandés liderado por Dara Kiely. En “Most Normal”, su tercer larga duración y el primero tras ser rebautizados, observa mos la notable ausencia de reglas y están dares arquetípicos en favor de un discurso pasivo-agresivo que lleva a un siguiente nivel los paradigmas del rock experimental. No hablamos, por tanto, de un álbum fácil mente accesible ni de un trabajo dirigido al gran público, pues Kiely y los suyos conce den pocas treguas melódicas y continuamen te les veremos hacer alarde en sus diferentes cortes de un derroche sin filtro y sin orden que jugará a encendernos en ese halo de

locura generalizada que desafía toda estruc tura lógica. Desde acoples ensordecedores reconvertidos en loops electrónicos (“The Gum”) hasta paisajes ambientales y tétricos (“The Weirds”), y entre tanto, torres de ruido y estrépito junto a un consistente uso de la electrónica –más regular que en anteriores entregas- que buscará también hacerse su particular hueco en este festival de sonori dades irregulares (“Red Polo Neck”), hasta el punto de poner a prueba la salud auditiva del más pintado (“Post Ryan”). Kiely y com pañía logran que un trabajo que contrapone de todo punto la razón acabe sintiéndose cercano, gracias a esas punzantes consignas que arremeten contra el capitalismo de estar por casa (“I spent all my money on shit clo thes”, cantan en “Eight Fivers”) o contra la iconografía irlandesa más mediática (“I hate Ryanair”, oímos en la sofocante y delirante “Capgras”), logrando con ello un liberador y catártico relato que establece puentes entre su singular expresión y los lugares comunes que forman parte del sentir de esa genera ción que necesita quejarse bien alto.

FRAN GONZÁLEZ

Weird Nightmare Weird Nightmare Sub Pop/ PopStock!

Gilla Band Most Normal Rough Trade/Popstock!

48/Mondo Media

Carlota Pereda Cine de género

HA SIDO FRANCA

MENTE agradable compartir una charla con Carlota Pereda, directora de “Cerdita” y culpable de todo este revuelo, estando ya algo alejados de esta fiesta mediterránea del cine de género. Lejos de alfombras rojas y salas abarro tadas, cada uno en una punta de España, llamo por teléfono a la realizadora para charlar sobre su película. Pero movido por un extraño síndrome de Estocolmo, no puedo evitar empezar preguntándole por Sitges, donde “Cerdita” consiguió colgar el cartel de sold out en su sala principal. Me reconoce que sintió miedo antes de la proyección. “En el Auditori he llegado a ver reacciones bastante tibias. La noche anterior lo pasé bastante mal. Tuve pesadillas y todo. Pero fue muy emocionante. Lo recordaré toda mi vida”, me cuenta entre risas.

“CERDITA” NACE DE UN CORTOMETRAJE del mismo nombre que fue galardonado con un Goya en 2019. Pereda explica que fue rodando la última secuencia del corto cuando supo que la historia de Sara no podía quedarse en el pequeño formato. “Creímos que sería interesante construir desde ahí un thriller moral sobre una persona que decide no hacer algo. A esas alturas tanto Laura Galán como yo nos habíamos enamorado del personaje principal”. La cineasta reconoce que esta película es tan de la actriz principal como suya, pues han estado ambas en todo momento mano a mano trabajando en el proceso de construcción del personaje de Sara. No puedo evitar preguntarle, con trastando bastante con la potencia dra mática y humana a la que se ve sometida Galán durante todo el metraje, por los destellos de comedia que inundan “Cer dita”. Pereda me contesta que el humor estuvo presente desde el mismo proceso

de casting. “Pilar Castro es una actriz có mica excepcional. Carmen Machi más de lo mismo. Teníamos que tenerlas porque son el tono de la peli”. Para la realizadora, lo cómico y lo terrorífico deben ir siem pre de la mano. De hecho, asegura que mucha gente no confiaba en el contraste de géneros que la película proponía. “Me decían que estas mezclas no suelen fun cionar. Eso echaba atrás a mucha gente respecto a la película. Pero, para mí, la experiencia humana no existe sin la co media. Simplemente no me la creo”. Pereda sitúa este relato rural, a medio camino entre el slasher y Gabriel García Márquez, en un pequeño pueblo de Ex tremadura. “Escribimos el corto allí. El largo tenía que ser allí. Es un lugar muy hermoso en el que pueden suceder cosas muy trágicas”, cuenta la realizadora justo antes de bromear con que, para ella, Ex tremadura es la Texas de España. Y no es de extrañar que lo piense. Al fin y al cabo

género

No son pocos los que consideran al cine español como la estrella principal de esta edición del festival de Sitges. “Cerdita” ha sido, sin lugar a dudas, una de las culpables de que el foco mediático haya estado puesto sobre el producto nacional. De hecho, estar fuera de competición no le ha impedido llevarse a casa el Méliès de Oro a Mejor Largometraje.

han sido pocos los medios que no se han dejado seducir por la tentación de nom brar a “Cerdita” como “La matanza de Texas” extremeña. Pero sabiendo a cien cia cierta que hay algo de Tobe Hopper en Carlota Pereda, quise preguntarle qué otras películas de género pudieron haber inspirado su obra. Como era de esperar, fueron muchísimas. Desde “¿Quién pue de matar a un niño?” de Ibáñez Serrador hasta “Eden Lake” de James Watkins, pa sando por “Deliverance” de John Boor man o “Trouble Every Day” de Claire Denis. Siendo el cine de terror tan esen cial para la concepción de esta película, me interesa saber si Pereda se considera una cineasta de género. “A mí me encanta el cine de género, así que yo me considero una contadora de historias. A mí lo que me interesan son las historias”.

NO QUIERO PERDER la oportunidad, antes de dar por finalizada nuestra llama da, de preguntarle a la directora por sus gustos musicales. Me asegura que se ve a sí misma como una auténtica devoradora de música. “La playlist que preparé para la película era absolutamente ecléctica. Tenía desde Ginebras hasta Camilo Ses to”. Me explica también lo esencial que es la música para ella a la hora de iniciar cualquier proyecto. “Antes de empezar escojo la música que me va a marcar el tono. Yo siempre escribo con música”.

Cobra muchísimo sentido entonces que en “Cerdita” suene la versión de Rebe de “Corazón partío” de Alejandro Sanz. Incluso en su banda sonora, la película de Carlota Pereda busca desplegarse siem pre desde el contraste. El terror y el hu mor, Extremadura y Texas, Tobe Hopper y Claire Denis, Alejandro Sanz y Rebe… No hay cine de género sin el gris, y el gris no puede aparecer si una no se atreve a mezclar el blanco y el negro. ¡Siempre a favor de la muerte del maniqueísmo!

DANIEL GRANDES

Smile Parker Finn

SÍ, SÍ Y SÍ, este es el terror que todos esperamos ver en una sala de cine. Y es que hacía tiempo que no disfrutaba tanto de una cinta del género en una gran pantalla. Si bien el tráiler que sirvió de avance se acercaba pe ligrosamente a “Verdad o reto” (18), la comercial –y mediocre–cinta de Jeff Wadlow, dentro de sus convencionalismos “Smile” se acerca al terror más autoral de cintas como la sobradamente reconocida “It Follows” (14), revelándose como una de las sorpresas del año.

La historia que se nos cuenta en “Smile” se resume básicamente en su título: una psicóloga (una espectacular Sosie Bacon) que no está pasando precisamente por su mejor momento se en cuentra con diferentes personas que le sonríen de una manera

perturbadora. Tras dicho gesto ocurren oscuras situaciones. La película sigue la investiga ción de la protagonista para descubrir qué ente o maldición la persigue. Bajo este manto de terror comercial subyace una mirada a la salud mental y a los traumas del pasado, mostrando a una persona con ansiedad y heridas sin cerrar de una manera bastante realista, ampliando los límites del género, apoyándose en buenas dosis de humor negro para dotar de personalidad pro pia a la cinta.

El resultado en un debut notable por parte de Parker Finn, plagado de sonrisas a la Joker y con una mirada a la salud mental con re miniscencias a “Saint Maud” (19), que consigue subrayar su nombre de cara a que podamos confiar en su futuro. ALEJANDRO TEIGA ROBLES

“MONSTER” NO SE DECIDE entre ser una serie sobre Jeffrey Dah mer, con todo lo que ello implica, o una serie sobre sus víctimas, un propósito muy digno y pro bablemente necesario pero que es eso, otra serie. De ser una serie independiente sobre las víctimas, probablemente funcio naría mucho mejor; aquí resulta algo bastante caótico, que para empezar no llega a darle a sus víctimas la profundidad y dig nidad que merecerían, y para colmo desdibuja lo conseguido con su protagonista llegando a ridiculizarle de manera bastante obvia.

El capítulo seis es el único mo mento en que esta mezcla fun ciona, y realmente lo digo con la boca pequeña porque –sin hacer spoilers– la historia de Tony se usa para explicar a Dahmer. Es

una joya narrativa, eso sí. Y te deja fatal, eso también. Lo cual nos lleva a esa “otra serie”, la que se supone que es la serie en sí, la centrada en Dahmer. Y esta serie es bastante mejor. No por Murphy y su equipo (esto requería de una oscuridad, una visceralidad y, en definitiva, una suciedad que Murphy nunca había mostrado en sus creacio nes, por muy perversas que fue ran), sino por Evan Peters, que entrega la mejor interpretación de su carrera hasta el momento. En su construcción del monstruo no solo hay mal rollo; hay un auto-odio y una vulnerabilidad sin los que sería imposible lue go empatizar como, para nuestra sorpresa, nos descubrimos empa tizando en algún momento, una reacción tremendamente difícil con un personaje tan oscuro.

PABLO TOCINO

DE LOS PRIMEROS DIEZ MINUTOS de “Atenea” uno no sabe si le impacta más la durísima escena inicial, en la que un grupo de jóvenes de la barriada se alza en armas contra la policía que supuestamente acaba de asesi nar a sangre fría a un menor, o la alucinante, impresionante, loquísima dirección plano se cuencia legendario mediante de Romain Gavras. Cuando quieres darte cuenta, estás parpadeando como un cervatillo en mitad de la carretera a punto de ser arro llado por el talento visual del director de culto. La posibilidad de una “Atenea” es estremecedo ra. Francia como estado golpea do por su historia y su presente. La tragedia de la familia de Abdel y Karim ante el asesinato salvaje de su hermano de trece años desemboca en una guerra en la que los rostros se desfigu

ran ante una realidad que golpea una y otra vez, de corte clásico, como el nombre del vecindario que sirve de campo de batalla. Romain Gavras se sitúa en mitad de una guerra que nos golpea y nos hace mirar nuestra vida apacible como una pompa de jabón fragilísima, que solo nos eleva aparentemente sobre la naturaleza humana, y lo hace sin contar con trincheras físicas –la cámara recorre cada recodo que la destrucción habita– pero des de una cierta trinchera estética. Pero es imposible no disfrutar de la belleza –y eso también tiene su catarsis– con la que Ga vras dibuja la descomposición de una sociedad pero más aún de unos hombres que caminan entre el dolor y la rabia y las promesas de redención, cada vez más difíciles de hacer.

LUIS M. MAÍNEZ

ES REVELADOR que en medio de un panorama cinematográfico en el que cineastas veteranos –y no tan veteranos– han decidido sumergirse en las (más o menos) reconfortantes aguas de la nos talgia para hablar de ellos o de un cierto tiempo vivido –antes, Pedro Almodóvar, Kenneth Bra nagh y Paul Thomas Anderson; ahora, James Gray, Steven Spiel berg, Alejandro G. Iñárritu o Sam Mendes– el casi octogenario David Cronenberg ha preferido echar la mirada atrás hacia sus orígenes cinematográficos. El director canadiense vuelve al largometraje después de ocho años y, lo que es más re levante incluso, reconecta con el discurso preponderante en su filmografía, la Nueva Carne, concepto que no abordaba fron talmente desde “eXistenZ” en 1999. No es casualidad, por tanto,

que “Crímenes del futuro” copie su título de una de las primeras producciones del cineasta, un film breve de 1970 –sesenta y dos minutos– del que si bien la película que nos ocupa no puede considerarse un remake, ya que, argumentalmente, la distancia entre las obras es considerable, sí hay en el nuevo film una re ordenación de elementos que aparecían en la original. Cinta oscura, tanto conceptual como visualmente, a diferencia de la luminosa película original, que devuelve al Cronenberg más vis ceral –literalmente–, provocador y explícito, la película esconde una visión pesimista de nuestra sociedad a través de la configu ración de una nueva en la que la inútil generación de órganos condena, por definición, el pro pósito de su existencia.

J. PICATOSTE VERDEJO

Dahmer Ryan Murphy & Ian Brennan

Atenea Romain Gavras

Crímenes del futuro David Cronenberg

EN DIRECTO EN NOVIEMBRE EN TU SALA DE CONCIERTOS FAVORITA

A BANDA DA LOBA

CAFÉ TEATRO MONKEY MAN (GUADALAJARA)

SALA THE ROSE ROCK BARYUNCLER (TOLEDO)

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4/11 SOUND CLUB- NAVALMORAL DE LA MATA (CÁCERES)

11/11 SALA LA CHICA DE AYER (SALAMANCA)

12/11 SALA LA RÚA (BURGOS)

19/11 SALA MUSIK (MURCIA) 24/11 LA SALÀ (VALENCIA)

JAVI RUIBAL

3/11 SUNSET JAZZ CLUB (GIRONA)

4/11 SALA NOVA JAZZ CAVA –TERRASSA (BARCELONA)

MARÍA GUADAÑA

CABIRIA

11/11

COTTON CLUB (BILBAO)

CAFÉ LA PALMA (MADRID)

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EVA RYJLEN

4/11 SALA AMBIGÚ AXERQUÍA (CÓRDOBA)

5/11 SALA HÖLLANDER (SEVILLA)

17/11 SALA INDEPENDANCE (MADRID)

25/11 SALA ROCK & BLUES (ZARAGOZA)

COLECTIVO DA SILVA

STEREO (ALICANTE)

TRIBECA LIVE (OVIEDO)

SÜMMUM (SANTANDER)

HAFA AFROSWEET

5/11 SALA DIRECTO (CUENCA)

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COMANDANTE TWIN

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SALA COTTON CLUB (BILBAO)

SALA LA LEY SECA (ZARAGOZA)

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IZARO

11/11 SALA LA VACA – PONFERRADA (LEÓN)

12/11 SALA SELVÁTIKA (ZAMORA)

17/11 SALA LONG ROCK CLUB (CÓRDOBA)

18/11 SALA LA MECÁNICA (JAÉN)

19/11 SALA INDUSTRIAL COPERA (GRANADA)

25/11 SALA TEATRO OFF CULTURA (BADAJOZ)

26/11 SALA BOOGALOO CAFÉ (CÁCERES)

JOVEN DOLORES

KARMENTO

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MUSIC

(SANTIAGO DE COMPOSTELA)

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La socióloga Elena Herrera Quintana tenía ante sí el reto de convertir su tesis doctoral en un libro apto para (casi) todos los públicos, y se puede decir que lo ha conseguido, en un completísimo ensayo en el que todas las implicaciones de raza, de sexo, de clase social e incluso de estilo musical que su figura ha proyectado son desmenu zadas, rescatando encontradas opiniones a favor de parte y también en contra, y eviden ciando las grietas argumentales de algunas de ellas. La autora, quien considera –con razón– que vivimos en sociedades aún más racistas, sexistas y clasistas de lo que parecen, tiene la gran vir tud de resaltar este rosario de connotaciones que desde Beyon cé permean en nuestra cultura popular. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

¿En serio otro libro sobre cancio nes y la relación que estas tienen en nuestras vidas?¿Le hacen falta al mundo otros cientos de páginas en las que las canciones de Dylan o Springsteen se entre lazan con lo que hemos vivido en propias carnes? Pues sí, otro, con la diferencia de que Fernando Navarro –el periodista madrileño, no el guionista de grandes filmes españoles– consigue crear con esas herramientas el que posi blemente sea el mejor libro de su trayectoria. Relato de la caída en picado de una persona normal y corriente que se agarra precisa mente a esas canciones para no sentirse tan solo y para intentar darle un sentido a la búsqueda de su lugar en el mundo. Por suer te, tras besar el suelo siempre se aprende a levantar el vuelo de nuevo. JOAN S LUNA

CÓMICS

Bautismo Kazuo Umezz Satori 8

Clamo al cielo para que mis ple garias no caigan en saco roto. Si ya están familiarizados con el trabajo del gran maestro del te rror japonés no sigan leyendo, porque “Bautismo” es un título clásico del mangaka, dibujado y escrito entre 1974 y 1976. Una suerte de “El crepúsculo de los dioses” bizarro salpicado por el Frankenstein de Shelley y ade rezado con toda la mala baba y la locura habituales en el autor de “Aula a la deriva”. El primero de los volúmenes de la serie se nos revela como un crescendo enfermizo que nos deja, en la última página, sin aliento. Una madre psicótica, una hija que... bueno, mejor dejemos abiertas las incógnitas y que sean las viñetas de Umezz las que les marquen el camino.

JOAN S LUNA

Tras dos títulos previos juntos, (“El cineasta” y “Justin”) Frey y Nadar rubrican como colofón la biografía de uno de los grandes del cine cómico mudo. Doy por hecho que la vida de Roscoe Arbuckle –Fatty– no es conocida por todos los lectores –quizás solamente por los más intere sados por la historia del cine–, pero les aseguro que tanto si les interesa el personaje –debería, recuerden que fue práctica mente el descubridor de Buster Keaton y de Charles Chaplin–como si solo sienten algo de curiosidad, van a pasar un buen rato. Porque “Fatty” tiene valor como retrato del auge y caída de Arbuckle en Hollywood, pero también como novela gráfica, si es que ambas cosas puedes disociarse, que no deberían.

MARTÍ VILADOT

Chacales

El crítico musical Ignacio Reyo firma un gran (y personal) tra bajo de investigación sobre la vida del mítico líder de Queen: desde su infancia en Zanzíbar hasta su muerte, pasando por la llegada al éxito y las turbu lencias por las que pasó a lo largo de su existencia. Un libro impresdincible para seguido res acérrimos de Mercury (y de Queen) cimentado a base de desgranar su vida, sus discos y sus giras a partir de frases del cantante, entrevistas a miem bros de la banda, a otros músi cos, periodistas e incluso fans. Aunque lo mejor es la facilidad de Reyo para revelar detalles de lo más diverso hasta ahora desconocidos de un personaje del que –presuntamente– lo sa bíamos ya prácticamente todo.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

Mente lúcida como pocas, la australiana Hannah Gadsby revolucionó el mundo de la stand up comedy –lo era, no lo era– con su fantástico, emotivo, sincero e impactante monólogo “Nanette” –disponible en plataformas ahora mismo–. En estas casi qui nientas páginas se abre todavía más al tiempo que se revela como una persona muchísimo más em pática de lo que se suele presu poner a personas diagnosticadas de autismo. En “Los diez pasos hacia Nanette” hay momentos duros y vergonzantes, pero sobre todo hay un buen puñado de lecciones de vida que deberían enseñarle a más de uno que la vida no es igual de sencilla para todo el mundo. Para que luego se ponga en duda el tema de los privilegios. Grande Hannah.

ELISA RODRIGUERA

Si “El buen padre” (Sapristi, 20) fue una declaración de inten ciones en toda regla, un “aquí estoy porque he venido” por el que Hafid se llevó además el Premio al Mejor Autor Emergente de la Asociación de Críticos de Cómic. Con “Chacales” consigue afianzar su posición como una de las narradoras más interesantes del panorama nacional. Lo es por su estilo minimalista en formas, diálogos y paleta de colores; por su manera de plantearnos la composición de sus páginas y viñetas, extrañamente ordenadas y contenidas por una geometría oculta y desconcertante; y por saber poner todos esos recursos al servicio de la soledad de esos tres personajes cuyo único vín culo, la ira, los acaba aislando en una existencia solitaria e incom prendida. LAURA MADRONA

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Nuestro mangaka chalado favo rito (“Midori”, “Dr. Inugami”, “La sonrisa del vampiro”) recopila quince relatos cortos que publicó en la década de los ochenta y donde hace gala del eroguro más auténtico, provocador y recal citrante. ¿Y de qué van? Pues de sexo, estupor y horror bien mace rados, puro subgénero más que consolidado por autores como Hino, Kago, Umezz, Ito y el que nos ocupa. Nada nuevo. O sí, porque en los ochenta la censura no estaba tan atenta a manifestaciones artísticas extremas y lo política mente correcto no era un valor en alza. Aquí los ecos de la perversi dad Ballardiana (o Cronengberes ca, por extensión), la decadencia moral y la crueldad obligan al lector a tomar descansos para asimilar el pandemónium de atrocidades. OCTAVIO BOTANA

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Beyoncé en la intersección. Pop, raza, género y clase Elena Herrera Quintana Dos Bigotes

Todo lo que importa sucede en las canciones Fernando Navarro Pepitas de Calabaza

Fatty. El primer rey de Hollywood Julien Frey y Nadar Astiberri

Freddie Mercury: Realidad y deseo Ignacio Reyo

La esfera de los libros

Los diez pasos hacia Nanette Hannah Gadsby Reservoir Books 8

Nadia Hafid Sapristi 8

Yume no Q-Saku: Los sueños de Maruo Suehiro Maruo ECC 7

PODCASTS

Misterio en La Moraleja Eva Lamarca

Es una lástima que el nivel de nuestro mundo cultural y me diático esté tan depauperado. Aquí podría terminar la reseña de “Misterio en la Moraleja”, uno de los podcast de los que más se ha hablado en los últi mos meses en nuestro país, uno de esos que traspasa el mundi llo y llega a oídos del público general. Es ruborizante pensar que tras años trabajando en una revista como Vanity Fair, Eva Lamarca, la periodista encarga da de la investigación y la na rración del “caso”, tenga tantos prejuicios y tan pocas certezas sobre la vida como las que ex presa a cada paso de su absurda investigación. Absurda en el desarrollo y en la premisa: en contrar al votante de Podemos de La Moraleja, una de las zonas más exclusivas del país.

LUIS M MAÍNEZ

Todo está en los libros Alberto Olmos

Encontrar espacios para la di vulgación literaria para un pú blico amplio, no para minorías ya convencidas, y de calidad, es cada vez más complicado en un mundo cada vez más audiovi sual. “Todo está en los libros”, el podcast del escritor y articu lista Alberto Olmos para Sonora, la nueva plataforma de audio de Atresmedia, se vale de uno de estos nuevos formatos que mu chas veces nos detraen tiempo de lectura, para hablar de libros. Pero no desde la perspectiva del crítico, sino desde la del casado con la literatura. La diferencia entre el amante de los libros y el desposado queda eviden ciada en un proyecto en el que el propio Olmos sabe sacar las virtudes infinitas de los libros y también las miserias de todo lo que los rodea.

LUIS M. MAÍNEZ

PODCASTS

Cremita

Cremita ha vuelto con fuerza esta nueva temporada. Su terce ra en antena y la segunda desde que forma parte del proyecto de podcast de Mondo Sonoro. Sin olvidar su for mato habitual, que combina música, cultura y divulgación de todo tipo, ahora presentan este segundo episodio de la temporada, en el que Ricky toma la batuta para dirigir un epi sodio centrado en los secuestros como tema.

ESPECIALES

BJörk: 25 años de “Homogenic”

Fue en 1997 cuando Björk llevó a cabo una pirueta casi imposible. En este caso, no bajar el listón de “Post” (1995), uno de los discos más relevantes de los años noventa. El resul tado de tal gesta fue “Homogenic”, un viaje consciente hasta el mismo latido de Islandia, con un despliegue sonoro en el que podemos vislumbrar la esencia de su naturaleza.

Julieta Venegas

Julieta Venegas abrió el ciclo Singulares del Teatro Cervantes de Málaga. Aprovechamos para charlar entre bastidores con ella sobre sus nuevas canciones. “Te encontré” es el último single de un disco en el que Julieta se ha reencontrado consigo misma, al igual que muchos de nosotros en este tiempo. Tan luminosa como siempre, eso no cambia.

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