Mondo Sonoro mayo 2021-1

Nº 295 Mayo-1 2021 www.mondosonoro.com

HIJOS DE LA RUINA, GRETA VAN FLEET, PEACH TREE RASCALS, ZAHARA, MARC SEGUÍ, 31 FAM, GUADALUPE PLATA, ZOÉ, QUENTIN GAS

Squid Ritmo

♥ No volem renunciar a res del que hem après

2♥21

4/06 5/06

10/06

12/06

13/06

Estadi Olímpic Barcelona

18/06

3/06

4/06

MAESTRO OJETE CALOR CEPEDA ZOO SOfiA ELLAR MISS CAffEINA

20/06

25/06

26/06

30/06

25/07

JOAN MIQUEL OLIVER RDERUMBA & PORCEL “FUNK EXPERIENCE LIVE” SPECIAL GUESTS: SHO-HAI & XHELAZZ

5/06 6/06 by

10/06

Disseny Hub Barcelona

10/06

4/06 5/06 5/06

6/06

6/06 11/06

Antiga Fàbrica Estrella Damm Barcelona Patrocinador principal:

Amb el suport de:

12/06

12/06

Col.laborador especial:

Patrocinadors:

12/06

13/06

ROMEROMARTÍN DOLLAR SELMOUNI RODRIGO LEÃO JEDET

sala barts

JAZZWOMAN TRAU ARIANA ABECASIS DAN PERALBO COMANDANTE TWIN B1N0 RAMON CUGAT maren Col·labora:

11/06

17/06

18/06

19/06

20/06

13/06 13/06 18/06

19/06 19/06 20/06

20/06

cruillabarcelona.com

flASHY iCE CREAM & P.A.W.N. GANG & 31 FAM VÍCTOR MANUEL RELS B ISMAEL SERRANO ANA TORROJA QUERALT LAHOZ LOS PILOTOS 12TWELVE MARIA JAUME MIQUEL SERRA BRIGITTE LAVERNE CHICO BLANCO

& Yung Prado

THE TYETS OCATA ALEX SERRA & TOTIDUB JUNCO Y MIMBRE DIAMANTE NEGRO PAULA CENDEJAS VERLAAT Mitjans:

Greta Van Fleet ROCK

Los hermanos Josh, Jake y Sam Kiszka y Danny Wagner forman uno de los grupos de rock y guitarras más exitosos de la escena musical actual. Con amantes y detractores (quiene les consideran una copia descafeinada de Led Zeppelin) a partes iguales, han tenido una acogida enorme y se han conseguido hacer con un Grammy por su EP “From The Fires”. Charlamos con Danny Wagner a propósito de su segundo largo, “The Battle At Garden’s Gate” (Republic/ Universal, 21), producido por el archiconocido Greg Kurstin.

T

HE BATTLE At Garden’s Gate” se publica tres años después de “The Anthem Of The Peaceful Army”, vuestro primer largo. ¿Cuándo sentís como artistas que es momento de volver a entrar al estudio y grabar nuevas canciones?

Este álbum en específico es el producto de girar durante años y años. Llegó un punto en el que teníamos unas cuantas canciones escritas y estábamos preparados para empezar a grabarlas. Las giras refrescaron de alguna forma nuestras habilidades como músicos y compositores. Habíamos evolucionado y descubierto este nuevo sonido “Greta Van Fleet”. Te diría que fue en verano de 2019, sí, ese fue el momento en el que dijimos “estamos preparados”.

—¿Vuestros momentos de inspiración llegan en medio de las giras?

En las giras no tenemos demasiado tiempo para nosotros y para tocar libremente. A veces ocurre en pruebas

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

de sonido antes de tocar una noche.

Ensayamos y si tenemos un poco más de tiempo nos gusta hacer alguna jam y probar ideas nuevas. Además de eso, siempre tenemos guitarras acústicas en los vestuarios. Es diferente cada vez, nunca lo forzamos. A veces ocurre y a veces no.

—Os produce Greg Kurstin. ¿Cómo describirías vuestro proceso colaborativo en estas nuevas doce canciones?

Amamos a Greg. En cuanto le conocimos congeniamos con él tanto musicalmente como a nivel personal y es alguien con quien nunca tienes un momento aburrido. Cuando comenzamos a grabar nos dimos cuenta de que era un experto en la grabación. Tiene todas las referencias e ideas que te puedas imaginar y sabe lo que hay que hacer. Se sienta con nosotros y nunca es intrusivo. Es una fuerza positiva en la habitación y sabe tanto del proceso compositivo que nunca nos deja chocarnos contra la pared.

—¿Os habéis encontrado con alguien

FOTO: ARCHIVO

7/Mondo freako

intrusivo durante vuestra carrera?

Definitivamente. Nosotros mismos lo hacemos a veces entre nosotros y con los años nos hemos dado cuenta de que es tan contraproducente. Cuando escribes todo tiene que ser artístico, libre y deberías estar abierto a experimentar los caminos por los que quieres ir. No nos ha pasado tanto como para que ello nos cause problemas, pero sí que nos ha ocurrido. Es por eso que fue una bendición que Greg supiera en todo momento lo que estaba ocurriendo y no atravesara ningún límite. Mantuvo perfectamente la energía.

—Además de ser músico, Greg Kurstin ha trabajado con figuras mastodónticas del rock como Paul McCartney o Dave Grohl. ¿Cómo enfrentasteis una grabación con alguien que tiene tanta experiencia en el sector? ¿Es intimidante?

Esa era precisamente una de las mejores cosas de Greg, que podía ser al mismo tiempo un productor y un amigo. Confiábamos en él y él confiaba en

3

mayo 2021 #3

MONDO FREAKO

LA MÍA Dancing On My Own

E rá, pero “El rock siempre existie salir a a veces habrá qu buscarlo”

3

nosotros. Eso es muy importante desde un principio. Nunca había nada que nos diera miedo decirle y nunca había nada que a él le diera miedo decirnos. Era una relación de apoyo y eso es muy positivo. Y no es un misterio que haya trabajado con Paul McCartney o Dave Grohl, ya que ellos son también personas buenas y genuinas. Tiene sentido, encaja con ellos perfectamente.

—Paul McCartney dijo hace unos años que erais algo así como los “revividores del rock de la generación Z”. ¿Os veis identificados con ese papel?

Nos gusta ese papel, aunque nunca fue uno de nuestros objetivos cuando decidimos ser artistas. Crecimos escuchando y tocando rock‘n’roll y es así como nos expresábamos todo el tiempo. Nuestro sueño era salir ahí fuera y hacer giras, y eso no es algo que le guste a mucha gente, a pesar de que sea así como uno se labra una carrera actualmente. A nosotros nos encantaba, pero entonces no pensábamos en “revivir el rock”. Para nosotros aún estaba y está bastante vivo, pero significa mucho para nosotros que alguien nos dé esa clase de reconocimiento. Nos hemos dado cuenta de que solo somos cuatro individuos con figuras enormes del pasado a nuestros hombros y que seguimos hacia adelante.

—Acabas de decirme que crees que el rock sigue vivo. Conocemos el pasado y el presente de este género, pero ¿cuál crees que es su futuro?

Creo que los músicos van a continuar y prevalecer, pero el asunto está en que hay una cantidad de música muy grande en la actualidad.

Cualquiera puede hacer música y publicarla, y eso es genial, pero a la vez es duro porque hay muchos géneros ensombrecidos y no todo el mundo recibe la misma atención. Creo que el rock, las guitarras y la música instrumental siempre existirán. Simplemente creo que en algunos momentos será más difícil de encontrar y habrá que salir a buscarla.

—En estos últimos cuatro años de éxito y aventura habéis hecho muchas cosas. ¿Cuál #4 mayo 2021

fue el momento en el que visteis que esto no iba en broma y que estábais triunfando?¿Fue antes del Grammy en 2019?

La nominación al Grammy fue realmente muy significativa y nos pilló con la guardia baja. Pero creo que la primera vez que nos dimos cuenta de que habíamos conseguido algo realmente increíble fue cuando hicimos nuestra primera gira por los cinco continentes del mundo en 2018. Básicamente viajamos por todo el mundo en un año, y eso es bastante guay.

—¿Cómo crees que, como músico, ha cambiado tu forma de tocar y de enfrentar las canciones desde que publicasteis el EP “From The Fires” en 2017? ¿Cómo ha cambiado el sonido de tu set de batería?

Ciertamente ha cambiado mucho. Cuando grabamos ese EP fue la primera vez que cualquiera de nosotros había estado en un estudio de verdad grabando. En ese EP no tenía mucho conocimiento y simplemente tocaba lo que en ese momento sentía correcto. Ahora, después de años de giras y experiencia en el estudio, me he dado cuenta de que utilizo mucho más mi cerebro cuando estoy tocando. Soy muy consciente de lo que hago y saco el sonido que quiero de la batería en vez de simplemente darle todo lo fuerte que puedo.

Así es como mucha gente empieza y está bien, es divertido, pero si realmente quieres conseguir ciertos tonos en tu instrumento debes ser delicado y dejar espacio entre tus notas. Este último álbum lo hemos grabado en cinta y sin metrónomo, que es algo que no habíamos hecho antes. Greg quería que sonáramos como sonamos en nuestras giras, y eso nos empujó a convertirnos en mejores músicos. Aunque sea díficil en el momento la recompensa es muy gratificante y sales de allí mucho más fuerte que antes. Después de este disco soy un batería ligeramente diferente.

Siempre estoy cambiando. —HUGO SÁNCHEZ

R

n una de las entrevistas que incluimos en este mismo PDF –concretamente la que Pablo Tocino le hace a Zahara–, se habla sobre “bailar llorando”, sobre esa idea de que podemos bailar con el corazón hecho trizas, sin que la tristeza tenga por qué abandonarnos mientras nos balanceamos en la pista. Se habla de canciones como la fantástica “Dancing On My Own” de Robyn, una arrolladora composición de pop electrónico con una letra llena de lágrimas de desamor y casi un referente moderno en lo suyo. Pero podrían haber sido muchas otras, porque es algo habitual desde que el pop es pop. Lo que ocurre es que, de algún modo –y es muy posible que se deba a lo complicado de la situación actual (económicamente, sanitariamente, políticamente)–, a uno le da la impresión de que sigue mermando el poco optimismo que todavía le quedaba a la música pop, incluyendo a la más bailable.

El pop siempre ha combinado melodías alegres con lágrimas y dolor, eso es evidente y no le voy a descubrir nada a nadie con una aseveración tan obvia. Pero, pecando de generalista, me aventuraría a decir que cada día son más las canciones de éxito internacional que reflejan las heridas interiores de sus compositores, tengan estas o no que ver con el amor y el desamor. Cada vez son más los singles con millones de streams que nos hablan sobre la ansiedad, la tristeza, la depresión, el pesimismo, las pesadillas, los traumas internos... Y cada vez menos los que hacen gala del hedonismo aquel que marcó a alguna que otra generación pretérita. No tengo ni idea de si eso es malo o bueno, ni siquiera me lo había planteado demasiado, pero aceptaré que es el signo de los tiempos. Podría entenderse como algo generacional, por mucho que no todos los artistas se muevan en una misma y estrecha franja de edad. Podría ser el reflejo de la ansiedad que nos genera el pensar en el futuro en este mundo moderno que quema etapas a la velocidad del rayo. Podría.

Las enfermedades mentales afectan a más gente cada día que pasa, y que eso se transmita en las canciones quizás sea lógico. Se han normalizado, han dejado de ser tabúes.

Pero me planteo si eso es bueno o malo en lo personal. Me pregunto si compartir esas experiencias entre artistas y oyentes nos ayuda a superar nuestros baches o en realidad no. ¿Somos más felices sabiendo que nuestros artistas favoritos andan tan jodidos o jodidas como nosotros mismos?¿Nos sirve para levantar cabeza con mayor facilidad?¿Nos ayuda a superar los golpes emocionales que destrozan nuestras cabezas como bolas de demolición desbocadas?

Depende. Hay quien, al tocar fondo, escucha canciones que le hagan sentir incluso más miserable, pero también hay quien, en los peores momentos, prefieren evadirse de sus problemas y bailar sin control. Así que, ni para unos ni para otros, bailemos llorando.

Pero bailemos, ostias. — JOAN S. LUNA

Más en www.mondosonoro.com mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FEAKO

Vuelve La Demoscópica (by ibis) de Mondo Sonoro El año pasado a estas alturas estábamos preparando la nueva edición de nuestra Fiesta Demoscópica, con los nombres más prometedores de la escena independiente española, pero llegó la pandemia. En Mondo Sonoro queremos volver al momento en que nos quedamos. Será los días 7 y 8 de mayo en Sala Berlanga (Madrid), esta vez en colaboración con Hoteles ibis, Levi’s®, Fundación Sgae, AiE y Onerpm.

I

MAGINAMOS que nuestros lectores y lectoras conocerán bien lo que son las Fiestas Demoscópicas, tras más de veinte ediciones. En ellas damos apoyo a nuevas y muy prometedoras bandas a la hora de enfrentarse al público. A lo largo de los años de artistas –cuando todavía no habían publicado su primer disco– como Triángulo de Amor Bizarro, Novedades Carminha, Supersubmarina, Lori Meyers, Russian Red, La Maravillosa Orquesta del Alcohol, La Bien Querida y muchísimos más. Pero, como bien decíamos al principio, la pandemia se llevó por delante la que tenía que ser la edición de 2020. Así que ahora queremos volver al punto en el que tuvimos que dejarlas, pero creemos firmemente que esta “nueva normalidad” requiere cambios, duplicar esfuerzos y no perder nunca la visión de futuro. Por eso este año La Demoscópica by ibis se renueva y cambia de nombre, de imagen y, lo más importante, de formato. Se celebrará en Sala Berlanga, un espacio polivalente en el céntrico barrio de Argüelles, durante los días 7 y 8 de mayo.

El formato presencial (con aforo limitado a cien personas, con todas las entradas agotadas desde hace semanas) se combinará con la retransmisión en streaming con la mejor calidad de imagen y sonido a través de Banister. Además, habrá una apuesta clara por ofrecer un espacio profesional para artistas y bandas emergentes en el que encuentren soluciones para impulsar su carrera. La Demoscópica Pro contará con reconocidos profesionales de la industria musical que protagonizarán diferentes workshops durante dos jornadas dinámicas y, sobre todo, útiles para los jóvenes.

El viernes 7 de mayo –a partir de las 16h– podremos asistir a “Cómo gestionar tus composiciones: Marco legal, propiedad

intelectual y negocio editorial” (con Luis Yáñez, presentado por SGAE), “Introducción a la producción musical” (By Levi’s® Music Studio, presentado por Oswaldo Terrones, ingeniero de sonido), “El arte del videoclip” (con Willy Rodríguez, presentado por Big Story House), “La promoción, el press kit y la importancia del mensaje en tu comunicación” (con Sofía Cuevas y Laura Estudillo, presentado por Panorámica). El sábado 8, serán “Plataformas Online: Distribuye tu música y gestiona los datos que genera” (con Ramiro McTersse “Ramiroquai, presentado por Onerpm), “El directo: Carretera y manta. Crea tu equipo de trabajo y tu rider” (con Mónica Merino, presentado por Asociación Apporte), “La retransmisión a tiempo real: Guía de buenas prácticas para directos online” (con Garabatto, presentado por Banister) y “Introducción al ticketing: Vende tus entradas y conoce a tu público” (con Rosa Fernández, presentado por Dice).

Aunque, como siempre, la música en directo es una parte fundamental de nuestra Demoscópica, y en esta ocasión no va a ser diferente. Contaremos con cuatro artistas que participarán con actuaciones en formato entrevista y showcase. Los protagonistas serán De Los Santos y Biela (el viernes 7) y Aiko El Grupo y Carolina Durante (el sábado 8). Las breves entrevistas estarán presentadas por Magüi de Ginebras y Joan S. Luna, jefe de redacción de Mondo Sonoro. Todo el contenido ofrecido en esta nueva edición de La Demoscópica by ibis podrá verse en streaming gracias a la plataforma Banister Live . Descarga tu código invitación en: www.banisterlive.com.

Las invitaciones para asistir presencialmente al evento están agotadas. Las actuaciones y entrevistas empezarán a las 20:50h. —MS

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

De arriba a abajo Carolina Durante, De Los Santos, Biela y Aiko El Grupo.

mayo 2021 #5

ENTREVISTA

El colectivo musical californiano Peach Tree Rascals está viviendo una gran temporada. Más de cuatro millones de oyentes mensuales en plataformas, sencillos virales y ahora, además, la publicación de su primer EP, “Camp Nowhere” (Homemade Projects/Music As Usual, 21).

En cuanto hago contacto con la banda formada por Dominic Pizano, Isaac Pech, Joseph Barros, Jasper Barros, Tarrek Abdel-Khaliq y Jorge Olazaba, sospecho que estoy entre un estrecho grupo de amigos.

—TEXTO Hugo Sánchez Ruiz

P

EACH TREE RASCALS no son solamente un grupo de pop, también elaboran todo su material visual (muy influido por su punto de encuentro, la ciudad de San José), son muy activos en Internet e incluso suben vídeos humorísticos cocinando en su canal de YouTube. Mis sospechas sobre su vínculo se confirman cuando, al comenzar nuestra conversación telemática, me encuentro con seis jóvenes que sienten verdadera admiración entre ellos y que, sobre todo, se lo pasan infinitamente bien con lo que hacen. No empiezan la entrevista hasta estar todos.

—En el sonido y la estética de “Camp Nowhere” hay una especie de brisa de verano que casi puede respirarse. ¿Estáis de acuerdo con esa definición de vuestro sonido?

(Isaac) Sí, es como un respiro de aire fresco respecto a la realidad.

Todo el mundo quiere escapar de la realidad de una forma u otra. Ya sea de un trabajo molesto, problemas de familia… Creo que “Camp Nowhere” es un descanso del mundo de fuera y una forma de pasar tiempo contigo mismo y encontrar respuestas en tu cabeza.

—En las canciones hay muchas influencias distintas como ya habéis dicho en otras entrevistas. Os gustan The Beatles, Frank Ocean, Kanye West e incluso bandas de heavy metal…

(Jasper) ¡Ese soy yo! (ríen todos).

—… pero en el fondo Peach Tree Rascals es realmente un grupo de pop. ¿Cuál es para vosotros el secreto de la canción pop perfecta?

(Isaac) Creo que no existe. Lo que engancha engancha. Cuando ves el top 40 de éxitos hay tantos géneros distintos que se están haciendo camino en el mainstream. Algunas canciones tienen tanto éxito que se convierten en pop automáticamente.

—Me alegra que menciones la música de las listas de éxitos. ¿Qué pensáis de afirmaciones como “nací en la generación equivocada” #6 mayo 2021

Peach Tre

En la cr

o “ya no se hace música como la de antes”?

(Joseph) No es verdad. Hay tanta música ahí fuera que es nueva para todos, uno solamente tiene que salir a buscarla.

(Isaac) Si te gusta la música de los ochenta habrá una banda por ahí que hace música como si estuvieran en los ochenta. Si te gusta el rap de los noventa también se sigue haciendo. La música es ahora tan buena como siempre lo ha sido porque la gente lo está haciendo todo, música de cualquier época. Y las influencias están empezando a mezclarse.

—Vuestra canción de 2019 “Mariposa” fue uno de vuestros primeros éxitos y tuvo una gran repercusión en redes sociales como Tik Tok. ¿Cuál creeis que es el rol de las redes en la actualidad respecto a la promoción musical?

(Tarrek) Lo es todo. Ha cambiado completamente la forma en la que solía ser antes de la era de Internet. Nosotros todavía no hemos llegado a tocar en directo y todo nuestro éxito se ha cosechado a partir del marketing en Instagram, Twitter, Tik Tok… Es la forma en la que se supone que debes hacerlo ahora. Todo el mundo está en las redes sociales y las usa cada día. Antes de lanzar nuestra primera canción en 2018 estuvimos trabajando durante dos o tres años hasta que tuvimos una

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FREAKO

ee Rascals hay “Un grupo en el que no a de amistad tiene fech caducidad”

resta de la ola

buena cantidad de música en la que creíamos. Fue entonces cuando empezamos una gran campaña en redes sociales.

(Isaac) A principios de los 2000 y en los noventa había muchos gatekeepers en la música que decidían qué iba a ser popular y qué no. Ahora Internet ha tenido una influencia tan enorme en la industria que se ha convertido en algo esencial.

—Y hablando de Internet, hace unos días lanzasteis en YouTube el segundo episodio de vuestra serie “Camp Food In The Kitchen”. ¿Cómo surgió aquello? Para mí, como espectador, parecía como si estuviera cocinando y haciendo el tonto con amigos.

(Tarrek) Queríamos mostrar que tenemos personalidades y muchas más cosas además de la música. Es una forma de conectar con los fans a un nivel más profundo y mostrarles que somos personas reales y que nos lo pasamos muy bien. Cuando interactuamos con los fans y creamos esta relación las actuaciones en directo se convierten en algo mucho más personal. Ellos nos conocen y nosotros les conocemos.

—Verlo me hizo recordar que, además de compañeros, sois amigos y que lleváis juntos desde el instituto, como ya habéis explicado en muchas ocasiones. ¿Recordáis aquellos tiempos? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

¿Recordáis la primera vez que hicisteis música juntos?

(Isaac) Recuerdo la primera canción que hice con Joseph. Tuve que forzarle a grabar (ríe). Él y unos amigos vinieron a casa y tuve que echar a todos de mi habitación porque era muy tímido. Después Dominic empezó a producir y nos pasábamos todas las noches en el cobertizo que construyó su padre. Más tarde apareció Tarrek y Jasper vino para “Mariposa” (tararea una de las guitarras de la canción).

Ese sonido icónico es de Jasper.

(Tarrek) Aún recuerdo cuando todavía no hacíamos música y simplemente estábamos en el instituto. Jugábamos al baloncesto, íbamos a casa de Joseph a relajarnos, fumábamos hierba… Esas eran las cosas que hacíamos. Isaac y yo solíamos hacer freestyle encima de vídeos de YouTube. Todavía somos así, pero ahora lo que empezó por diversión se ha convertido en nuestra carrera, en algo que nos tomamos muy en serio. Si no fuera por esa conexión que creó nuestra amistad seguramente no estaríamos en el lugar en el que estamos.

—¿Creeis que un grupo que no tiene esa conexión puede tener un futuro?

(Tarrek) Sí, pero no será tan divertido (Isaac) Las bandas que no se formaron de la forma en que lo hicimos nosotros tienen fecha de caducidad. Si no son buenos amigos antes de comenzar esta misión es posible que rompan después de alcanzar un gran éxito.

(Tarrek) Un ejemplo enorme es One Direction. No se conocían y les juntaron, y ,a pesar de haber conseguido forjar una amistad y amasar un éxito inigualable, sintieron que debían dejarlo. Creo que esa conexión es la que hace que algo perdure.

—Y esa conexión se contagia en la música y se siente en “Camp Nowhere”. En este nuevo trabajo hay muchas canciones que tratan sobre escapar y desconectar del mundo con alguien a quien quieres. ¿Tuvo esto algo que ver con la pandemia?

(Isaac) Realmente las canciones tratan sobre el constante conocimiento de que, a veces, tienes que desaparecer de la realidad. El mejor escenario para ello es hacerlo con alguien a quien quieres o ir al bosque con estos chicos. Ahí me siento seguro, en casa y de alguna forma libre como creador.

(Tarrek) No hablamos de ello específicamente en la música, pero es algo que se puede sentir en las canciones y en nuestra energía cuando creamos.

—También procedéis de áreas distintas, ya que os definís como “colectivo” antes que como “grupo”. ¿Dónde está para vosotros la diferencia?

(Jorge) Estar en un colectivo significa que todo se hace en casa. En lugar de utilizar recursos externos, como por ejemplo visuales, lo puedo hacer aquí. Tenemos control completo sobre ello y no dependemos de nadie. Nos comunicamos entre nosotros para saber qué nos gusta y qué queremos, y es así como sale el mejor resultado.

(Isaac) Y es por eso que preferimos eso al término “banda”, porque “banda” implica que…

(Tarrek) Es solamente música. Una banda hace solo música y nosotros como colectivo lo hacemos todo. Creamos las canciones, la promoción, el arte, los vídeos… Hay un rol para cada uno.

—En cuanto a la música, Dominic es el principal productor del álbum pero no es el único. ¿Cómo se trabajaron las colaboraciones con Johan Lenox o BOYCO? (Dominic) Nuestro manager contactó con BOYCO y nos conocimos. A partir de ahí hicimos muy buena música juntos.

(Jasper) También con Ryan Raines y Gabe Reali.

(Isaac) Johan hizo las cuerdas en “Oh Honey! (I Love You)”, “Pockets“ y OOZ. (Tarrek) Dom es el principal visionario del sonido y la dirección de Peach Tree Rascals, pero todo lo que hemos hecho lo hemos hecho entre todos en el jardín o el cobertizo. Nuestro plan era hacer lo mejor que pudiéramos hasta que tuviéramos un éxito suficiente.

Muchas veces cuando trabajábamos solos sabíamos que el resultado podía ser mejor, pero no sabíamos cómo o qué instrumentistas nos faltaban. —H.S.R.

R Más en www.mondosonoro.com

mayo 2021 #7

31 FAM La familia del número 31

MONDO MEDIA

de que el día 11 yo dormí en el estudio.

El día 12 teníamos el concierto, pruebas y todo, y de repente dicen: “tú, se ha cancelado”.

—Ahora, un año después tenéis nuevo lanzamiento.

Es un álbum. Se llama “Jet Lag” y le tenemos mucho cariño porque es lo que te he dicho. Al ser seis cada uno ha puesto su granito ahí. El que le gusta, el que le gusta, el que le gusta y se ha juntado y lo hemos sacado. Y estamos muy orgullosos, la verdad.

—Os quería preguntar también por los cambios de sonido y demás que se están viendo ahora en la música urbana. ¿Para el álbum os habíais planteado algún cambio o solo mante-

de todo que se hizo viral… En ese momento creo que era Musica.ly. Se pegó por ahí, por esa plataforma. Empezó a subir, empezó a subir y nosotros: “¿Pero qué está pasando?”. Pues no estaba registrada y dijimos bueno, no va a llegar tampoco a mucho. Ahora hemos hecho más de diez millones, pero claro, si no eso no está registrado...

—El otro Disco de Oro es por “Valentina”.

Sí, sí. Es una canción que todos los del grupo tenemos ralladísima, es normal, pero a la vez le tengo un cariño… Porque es el hit, tío. Siempre deja buen gusto sacar un trabajo que has hecho tú y que has hecho desde cero y ver que llega tan lejos, ver que te ha servido para algo.

—Y el anterior disco apareció la semana antes del cierre.

Sí. Teníamos fecha en Razzmatazz. Íbamos a hacer sold out y todo. Me acuerdo

ner vuestro estilo que, en realidad, es bastante personal?

En “Valhalla” empezamos un poco con el tema del acústico y todo esto, y creo que en este también hay bastante cosas con guitarras y eso. Después también piano rollo como muy “happy”, algo tipo Cupido ¿sabes? Pero no dejamos de salir de nuestro género urbano. Hemos puesto hasta dembow.

—¿Qué influencias habéis tenido?

Al ser seis, también hay una alimentación continúa de música todo el rato.

Hay gente a la que, a lo mejor, le puede gustar más el trap italiano o la música italiana o latinoamericana... De todo ¿sabes? Pero podemos escuchar desde un Future al Canelita. Oímos de todo.

No nos cortamos, ¿sabes? Luego Tomeu Peña, de todo… —LUIS M. MAÍNEZ

FOTO: ARCHIVO

31 FAM son uno de los grandes de la música urbana en Catalunya, aunque ahora están ampliando su radio de acción. Les entrevistamos tras su concierto en Madrid a propósito del lanzamiento de su nuevo álbum, “Jet Lag” (Picap, 21) y para charlar sobre su momento actual.

Hace dos años no nos imaginábamos que pudiéramos hacer un concierto en Madrid, pero yo qué sé. Es que pasa tan rápido que tampoco lo valoras mucho, ¿sabes? A lo mejor no tanto como alguien que lleva muchos años, pero al mismo tiempo lo valoramos porque es bueno. Lo valoramos ahora. Cuando empezamos a subir era algo como “¡Hala, mira, cien mil visitas! ¡Hala, cinco millones!”. Hasta que dijimos “bueno, chavales, pies en el suelo, que esto es serio”.

—Ya dos Discos de Oro, uno oficial, y otro extraoficial…

No nos han dado ese disco porque la canción esa de “Sincero” no estaba registrada ¿sabes? Porque era al principio

P

ARA EL PÚBLICO que no estaba familiarizado todavía con vosotros, ¿quién son 31 Fam y cuál es vuestra trayectoria?

31 Fam es un grupo de Cataluña, de chavales de Sabadell, al lado de Barcelona, y básicamente hacemos música de todo tipo. No nos gustan las etiquetas y hacemos un poco de todo… Música urbana básicamente. Y mezclamos catalán, castellano e inglés a veces, y poco más...

—Hacéis música urbana, pero, a diferencia de otros muchos artistas, no habéis llegado a hacer nunca música muy de la calle, de barrio...

No. Somos gente legal a la hora de hablar. Yo no te voy a decir que he hecho esto y esto y esto como hacen la mayoría si no lo he hecho. Si he hecho esto y esto y esto es porque me ha pasado.

Por eso creo que la gente dice “¡Buah, me siento identificado con esta gente porque dicen cosas que se nota que son verdad!”. Se nota mucho cuando un chaval dice “Te robo quinientos kilos…” y no ha visto un kilo en su vida. Son cosas así que… No vivimos ninguna película ni nada, la verdad. Es nuestra vida y hablamos de temas típicos: desamores y lo típico que le pasa a la gente. Nuestro día a día, la verdad, lo que nos pasa.

—Siempre, cuando hay grupos con tanta gente, me llama la atención cómo debéis hacer para trabajar.

Aparte de ser seis, somos muy jóvenes todos, nos gusta mucho la fiesta, a lo Ronaldihno. Pero como además de ser artistas somos colegas también, como siempre los veo… A lo mejor un día estamos en un bar haciendo unas birras, después vamos al estudio y hacemos música. Lo bueno es que antes que compañeros de trabajo, somos amigos.

#8 mayo 2021

s “Lo bueno es que ante de que compañeros ” trabajo, somos amigos —Otra cosa que me llama la atención es vuestra relación con el mainstream. En cuanto a sonido no renunciáis a él, pero luego no estáis en un supersello, ni con grandes agencias.

Sí. Yo creo que es lo bueno de empezar como muy random. Te lo encuentras de golpe. Porque bueno, a esa edad…

Porque ahora van a hacer ahora cuatro años de esto, que ha pasado rápido el tiempo ¿sabes? Piensa que a esa edad nosotros éramos niños. Tampoco es que ahora seamos tan grandes. Éramos niños y no nos podíamos fiar de nadie, porque eso va por intereses. Y nos daba miedo. Al principio nos decíamos” “tú, que nos están poniendo un contrato en la cara y no tenemos ni puta idea de lo que pone realmente”.

—¿Cómo conjugáis la visión que tenéis al girar por España, fuera de Cataluña?

Pues la verdad es que es un privilegio.

R Más en www.mondosonoro.com

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Escenarios

Bisonte 06 de mayo Rockville

Verónica Romero

Fabulosa Matinal 50's

08 de mayo Fulanita de Tal

30 de mayo Gruta 77

Kuqui Alegre

Ricardo Lezón (McEnroe)

09 de mayo Siroco

Luis Ramiro

Dan Milson

15 de mayo Contraclub

05 de junio El Sol

Los Vinagres

Red House Revival

22 de mayo El Sótano

05 de junio Hangar 48

Soulmama

Kurt Baker + Gong Show

23 de mayo Tempo

#VuelvealaSalas Más información en mahou.es/vibra

30 de mayo Vesta

12 de junio Gruta 77 Mahou recomienda el consumo responsable 5,5º

Hijos de la Ruina

Reunión en la cumbre

#10 mayo 2021

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

a

e

ENTREVISTA

C

Hijos de la Ruina vuelven con “Volumen 3” (Autoeditado, 21) cuatro años después y logra convertirse en el disco de hip-hop más escuchado en España en su primer día. Natos y Waor y Recycled J lo han conseguido erigiéndose como los líderes incontestables del rap en nuestro país. Charlamos con los tres sobre este nuevo lanzamiento.

—TEXTO Luis M. Maínez —FOTOGRAFÍA Jeosm

ÓMO HABÉIS VIVIDO el paso del tiempo? ¿Cómo han sido estos diez años de carrera, de curro juntos y de curro por separado?

La verdad es que si te pones a verlo con perspectiva desde que hicimos esas canciones hasta el día de hoy ha cambiado todo, desde los métodos de trabajo a las pretensiones que a lo mejor teníamos en aquel entonces de lo que era a lo que es a día de hoy y yo creo que son canciones a las que les tenemos mucho cariño ¿sabes? Han cambiado muchísimas cosas, pero nosotros nos mantenemos juntos, que es lo bonito de esto, haciendo música que es lo que nos unió en un primer momento, y acompañando a mucha gente.

—HDLR “Vol. 3” se ha creado en un Camp intensivo con Pablo Gareta y KIDDO. ¿Cómo fue la experiencia?

Pasar veinticuatro horas juntos, dormir juntos, levantarnos, desayunar y ponernos a hacer música hasta que te vas a dormir, hasta las cuatro o cinco de la mañana y que el único objetivo sea pasarlo bien y crear todas las canciones desde cero, la verdad es que ha sido una experiencia brutal que repetiremos seguro porque gran parte del disco salió de esos días que estuvimos ahí. Como bien dices estuvimos con Gareta, que es nuestro productor de cabecera, con KIDDO, a quien nos presento Jorge, que también ha puesto su grano de arena al proyecto, y con Jack Stone que es un guitarrista con el que habíamos trabajado antes, que en este proyecto tiene muchísimo peso y que es una de las personas más talentosas que he conocido en mi vida y que nos aporta muchísima musicalidad.

Ha sido muy bonito todo el proceso de creación y el resultado creo que ha estado a la altura de las expectativas.

—¿Cuáles han sido las experiencias más interesantes a la hora de crear? ¿Qué os ha sorprendido más de veros sobre ritmos y sobre músicas a las que no estabais acostumbrados?

Creo que eso lo que nos hace es que nos divirtamos y nos pongamos… No sé si retos, porque salió muy natural todo, pero ya cuando nos juntamos con Ikki en el segundo volumen hicimos cosas que no habíamos hecho antes, ¿no? Y siempre que hacemos algo los tres nos salimos un poco de la línea que solíamos hacer, tanto de Natos y Waor como Recycled J. De esa fusión han nacido cosas muy guays. No sólo estas siete canciones, que no tienen nada que ver unas con otras, sino que había otros temas que se han quedado por el camino y que tampoco tenían nada que ver con estos. En este disco yo creo que la premisa ha sido empezar a crear sin ningún tipo de prejuicio y ver a dónde nos llevaba cada nuevo experimento y cada nueva aventura. Tanto, por separado, en “Cicatrices” como en “City Pop” todas las canciones son dispares entre sí, que es lo que buscamos: dentro de un concepto, hacer diferentes estilos. Pero sí que es verdad que juntos lo más arriesgado que habíamos hecho quizás era “Speed”, y ahora a lo mejor lo escuchas y sigue siendo un temazo porque son canciones que al final, gracias a Dios, se vuelven atemporales. En ese momento era muy innovadora. Igual que cuando empezamos el trabajo había ideas como la de hacer un tema más rockero, aunque no hagamos ni rock, ni reggaeton, ni techno, pero dentro de nuestro estilo queremos bañarnos de esas influencias y darles el toque de Hijos de la Ruina. Creo que eso es importante, que da igual el ritmo sobre el que nos hemos subido, porque la esencia es exactamente la misma, ¿sabes? Por eso no hemos querido ponernos muy estrictos a la hora de vetar ritmos de ningún tipo porque al final lo que transmitimos es lo mismo y nos ha divertido más hacer un poco lo que nos ha salido de los huevos, la verdad. Además, no creemos en hacer discos lineales. Nos gusta que sean eclécticos, entretenidos. Como oyentes, no nos gusta escuchar la misma canción diez veces seguidas, es aburrido. Pero si, en cambio, estás todo el rato sorprendiendo, te queda la intriga de qué va a ser lo siguiente. No imaginas qué te puede esperar en la siguiente canción, y eso está guapo.

3

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

mayo 2021 #11

ENTREVISTA

CRITICANDO Hijos de la Ruina

Hijos de la Ruina Vol. 3 Autoeditado

CASI UNA DÉCADA después del “Volumen 1” de Hijos de la Ruina y con decenas de referencias y de éxitos a sus espaldas, entre las que se incluye un primer comeback del grupo (el también mítico “Volumen 2”, a las puertas del estallido de la música urbana en España, y que incluye hits como “Carretera” o “Speed”), los madrileños vuelven con “Hijos de la Ruina Vol. 3”, un álbum en el que las dos constantes que han marcado sus carreras –tanto juntos como en solitario– se mantienen: autenticidad e innovación. “Hijos de la Ruina Vol. 3” (en adelante, “Volumen 3”) es un álbum que ha nacido en un camp de trabajo intensivo, entre Natos y Waor, Recycled J, KIDDO y Pablo Gareta. Fuerte y bien elaborado, como disfrutar una copa de un licor caro y alto en graduación. La legitimidad que atesoran les permite volver a aventurarse en nuevos sonidos y propuestas musicales en lugar de quedarse cómodos en un lugar agradable y seguro. Por eso, en este “Volumen 3”, encontramos un tema que mira sin miedo al rock nacional como “Más Alcohol”, una de las canciones que el trío cree que quedarán para siempre entre sus seguidores y que cuenta con un Natos genial; una vuelta a la electrónica, en un tono mucho más cercano al garage o al house de Recycled que al tarketeo de referencias anteriores de Natos y Waor, en la espectacular “Sudores fríos”; o un acercamiento al reggaeton de malianteo (no esperes encontrarlo en muchas discotecas) como “Fuego, fuego”. Innovaciones que, junto a canciones de corte más clásico como “Nosotros” o “Cuestión de fe”, en las que Waor juega con ventaja, valdrían para completar un álbum que entraría por derecho en el top nacional del año. Sin embargo, HDLR se han propuesto hacer de este trabajo algo más. En especial Recycled J, que siempre encuentra su mejor versión de la mano de Natos y Waor. (Re)escuchen el disco atentos a todas las genialidades que se ha sacado de la manga el de Carabanchel. En cuanto a melodías –por ejemplo en la ya citada “Sudores fríos”-, y, sobre todo, con las mejores letras de su carrera. El final de disco que nos ha brindado Jorge Escorial son palabras mayores: “A la tumba” y “Dime que sí”. Esta última, además de contar con un locurón de instrumental, que funciona como una noche entera y larga hasta llegar al breakbeat final, completa siete temas como las siete estrellas de la bandera madrileña. —LUIS M. MAÍNEZ

#12 mayo 2021

3

—Como comentabais, creo que hay un espíritu co-

mún a todo lo que hacéis como Hijos de la Ruina. Un espíritu que, como el nombre, se mantiene vigente casi diez años después.

A nosotros, creo que hablo por todos, como paréntesis entre nuestros proyectos y nuestras carreras, nos viene muy bien hacer una movida nueva y retroalimentarnos los unos a los otros y aprender todos. Ha dado la casualidad que estos proyectos los hemos ido haciendo cada cuatro años, y en este tiempo nos ha dado tiempo a aprender muchísimo, a mejorar un montón, así que cuando nos volvemos a juntar ponemos en común. Y al volver a nuestras carreras independientes nos hemos enriquecido y lo plasmamos en el siguiente trabajo. Hijos de la Ruina es como los tatuajes, que te los hacer por un motivo y, al menos yo, van pasando los años y les doy otro sentido.

Lo de Hijos de la Ruina nos salió súper natural, pero, visto con perspectiva después de unos cuantos años, lo entiendo como que nos hemos hecho a nosotros mismos partiendo de que somos chavales criados en una generación a la que no le han dado alternativas.

O trabajar para alguien por un sueldo de mierda o buscarte la vida, ¿sabes? Y esa es la ruina que nosotros teníamos. Por suerte hemos sabido buscarnos la vida y desde luego hemos evolucionado mucho desde el primer volumen. Hemos aprendido a ganarnos bien la vida y hemos cambiado, pero es que no cambiar sería un fracaso. Si tú fueras el mismo que hace ocho años, ¿para qué estás viviendo? Nosotros también lo reflejamos en la música y creo que eso es realmente honesto.

Sabemos que si siete temas estrictamente raperos, con una guitarrita rollo “Carretera” o rollo “Nosotros”, que nos gusta hacerlo, a nuestro público va a gustarle y quedarse encantado, pero ¿dónde queda nuestra satisfacción y plenitud artística?

Como con “Más alcohol”. Es lógico que algunas personas, algunas, que solamente han sido algunas, digan: “¡Ostias!”. Y les choque un poco, pero es que eso era exactamente lo que nos apetecía hacer en ese momento.

A ver, yo creo que el público, al menos una gran parte de nuestro público, ha crecido con nosotros y lo entienden. Todo el mundo que nos quiera bien se alegrará de que estemos mejor y de que seamos honestos y de que lo que te cuento ahora no es lo mismo que lo que te contaría hace ocho años. Te estaría mintiendo si te contara lo mismo.

—Creo que esa honestidad se transparenta a la hora escuchar las canciones y es importante.

En el primer volumen también rompimos un poco con lo que se venía haciendo, precisamente por pecar de honestos, ¿no? Nosotros veníamos como Natos y Waor, de hacer dos maquetas interesantes, que eran más macarras: chulear y vomitar, pero es que en ese momento estábamos pasando por una época de mierda.

Entonces, no te podíamos seguir cantando de chulear y de vomitar, al menos en todos los temas, porque es que no era eso lo que sentíamos. Porque en ese momento nos sentíamos pequeñitos. Sufríamos por otras cosas y precisamente creo que ahí también rompimos un poco. Hasta entonces pocos raperos que tuvieran asumido en sus letras ser vacilones, macarras, como éramos nosotros y seguimos siendo en parte, se abrieran en canal y te contaran que no lo estaban pasando bien. En ese momento creo que conectamos con bastante peña que dijo: “¡Joder! es que yo tampoco soy las veinticuatro horas del día un chuleta”. Hay para todo

Natos (Gonzalo Cidre), Recycled J (Jorge Escorial) y Waor (Fernando Hisado).

¿sabes? y estos chavales lo están pasando mal y no les da vergüenza quitarse la careta y abrirse en canal y decir: “Oye, que también sentimos, que no pasa nada”. Cuando te muestras tal y como eres, nadie te puede decir nada. Y es así. Nosotros al final cada uno tenemos un estilo y lo desarrollamos como queremos, pero esa es la base, que cuando estábamos en ese momento en un momento malo, nos abrimos en canal, tal y como éramos, y yo creo que la gente conectó. Cuando tú te muestras al natural la gente empatiza, además aquí no hay mentiras, ni trampa ni cartón. Cuando te haces el chulo siempre hay algo de hacerte el gallito.

Cuando te abres en canal ¿qué necesidad tienes de estar llorándole a la gente? Si no es de verdad, no lo vas a hacer. Ese es un poco el resumen.

—Ese reflejar lo real está presente en esos inicios que hablabais y también ahora, en el video de “Más alcohol”.

La idea era esa precisamente, el mostrarnos a nosotros teniendo un curro normal, con problemas más típicos de un trabajo, de tener que aguantar a tu jefe y aguantar a un cliente maleducado con el que te tienes que tragar las palabras que le dirías si estuvieras en la calle; el estar puteao porque tu jefe te paga poco, o te engaña o te tiene con malas condiciones y toda la transformación de salir de tu curro, ponerte la chupa mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Pues es la hostia. Es un orgullo porque no hacemos música comercial. Y que sin hacerla estemos de número uno es algo para lo que realmente no hay más explicación. No sé cuál es, que a la gente le gusta y que nuestro público es la polla, porque nuestra música lo tiene todo para no triunfar, ¿sabes?, pero triunfa. Nosotros no tenemos una canción que sea la canción estrella de nuestro directo. Nosotros tenemos seguidores a los que les encantan todas o casi todas y que empezamos con la primera nota del directo y hasta la última se lo cantan todo. Es una puta maravilla, la verdad.

Estoy eternamente agradecido. El que nos sigue, nos sigue de verdad porque le interesa lo que hacemos. No tenemos seguidores que…. O sea, nosotros no hacemos el payaso en redes sociales. No te contamos nuestra vida privada ni estamos haciendo el idiota. Si nos sigues sabes que no te vamos a estar dando carnaza, te vamos a dar música. Al final creo que eso es muy importante porque es gente que conecta de verdad, y luego los números lo avalan. ¿Os acordáis de la previa del video de “Nosotros”? Era cosa nuestra, y ya estaba todo, estaba ready y fue sacarlo y era como: “tú, venga que son las tres, que son las tres…”. Y ¡Boom! Boom, en todos los sentidos. Y con “Más alcohol” prácticamente lo mismo. Entonces, es como ahí ves realmente que la gente está porque es algo totalmente orgánico. Hay cero euros puestos en promoción.

“

de tu grupo de rock y creerte una estrella del rock aunque realmente te vean cuatro o cinco, pero ahí es cuando realmente te sientes feliz y estás haciendo eso para lo que has nacido. Tu puta vía de escape.

Yo creo que lo guay, y el otro día lo estaba pensando con respecto al video de “Más alcohol”, es que todos nosotros hemos pasado por eso. Yo he estado puteado en Londres currando, él (Natos) ha sido camarero, tú (Waor) curraste en el cole, y que a cada uno nos gusta lo que estábamos haciendo porque es o esto o nada. Pero que, al final, el vídeo de “Más alcohol”, tiene un toque cómico aunque lo que estamos contando no tiene gracia ninguna. Es la realidad de muchísima gente y que incluso a lo mejor no ha tenido la suerte o el camino de otros que sí han podido pelear por sus sueños. Entonces es guay que la gente lo vea y empatice. Tiene un toque de humor, pero a la vez estamos hablando de una cosa que es jodida. Ahí está un poco la gracia.

Podríamos que Hijos de la Ruina son embajadores de Madrid en el resto de España y del Mundo.

Eso es un orgullo. Por supuesto, por supuesto. Y que haya gente en la otra punta de España o en otros países que diga algo de Aluche pues yo siento que soy el embajador de mi barrio en ese momento, que lo estoy llevando al mundo, y siento orgullo, ¿sabes? Al final son imágenes y sentimientos universales de los que estamos hablando y por mucho que el sitio del que te estoy hablando no sea donde tú vives, también puedes entenderlo y en tu barrio puede pasar algo parecido.

—¿Cómo vivís ser número uno cuatro años después de vuestro último trabajo?

“Si fueras el mismo que hace ocho años ¿para qué estarías viviendo?”

—L.M.M.

R

Más en www.mondosonoro.com

mayo 2021 #13

Tras varios adelantos, Quentin Gas ha vuelto con disco. Sin Los Zíngaros, a cara descubierta y con un valiente “Nada ni nadie” (Autoeditado, 21). Un ejercicio actual y totalmente distinto a lo hecho por el artista sevillano en ninguna de sus anteriores vidas.

T

Quentin Gas Dejadme solo

escuchado a Frank Ocean, James Blake o C. Tangana por citar algunos nombres. No me va a salir un disco a The Strokes. Quizás el título del disco deje bastante claras mis intenciones. Crecer y reflejar mi estado en cada momento de mi vida. Quizás en la música, en lo audiovisual o en la carpintería si un día me diera por ella. Ni el inmovilismo ni el conformismo nunca serán mis opciones.

—Entonces, para advertir a las masas, ¿no has grabado un disco de trap?

No, pero si lo hubiese hecho, no hubiese pasado nada. El trap es un giro del hip hop. Una evolución. En el disco, de hecho hay recursos o arreglos puntuales de autotune muy asociados al trap. Pero es que el trap, por ejemplo, forma parte de esa música pop del siglo XXI a la que me refiero. No es nada malo ni de peor calidad que otras músicas.

—Siglo XXI, año 2021. ¿Cómo te enfrentas a esta situación tan jodida?

Intentando no parar. He sacado cuatro sencillos, hemos hecho videos y quiero no parar de soltar música durante todo el año. El tema de los conciertos está muy complicado. Haré algunas presentaciones puntuales con todas las medidas de seguridad, pero lo difícil será entrar en algún festival o programación. La gente va a ir por los nombres seguros y yo ahora mismo empiezo a intentar atraer a un público. Y puede que haya espantado a todo el de antes (risas). —J. CARMONA MONTOYA

“Dejar las guitarras es un ejercicio de simbolismo”

R Más en www.mondosonoro.com

FOTO: ARCHIVO

OCA SER DIRECTO, ¿todo por la pasta? ¡Qué va, hombre! (risas). Puedo decirte que en la época de “Caravana”, con Quentin Gas y los Zíngaros tuve más pasta por giras y meter el tema “Deserto Rosso” en la serie de Paco León “Arde Madrid”. Ahora, más allá del Covid, toca defender y dar visibilidad a este nuevo proyecto.

—¿Hay algún motivo para este cambio?

Soy una persona que siempre se cansa de hacer lo mismo. Soy muy inquieto y desde pequeño me ha gustado todo tipo de música. Pertenezco a una generación que se crió con la radio, cuando en Los 40 ponían de todo y te grababas tus cintas con canciones de distintos tipos de música. Eso ha marcado mi vida.

Mientras estaba en Los News seguía escuchando a Dylan, pero es que cuando giraba con Los Zíngaros ya tenía los ojos puestos en Tyler The Creator. Ese es mi motor.

—En “Sinfonía Universal” ya veíamos un acercamiento a la electrónica y muchos creíamos que por ahí irían los

tiros de su próximo trabajo. Acercar el flamenco a la electrónica.

Efectivamente tenía algunos temas maquetados que podían sonar a eso. Sin embargo pensé que era lo que la gente esperaba de mí y no tiré por ese camino. Hay ya algunos artistas que lo están recorriendo y lo están haciendo genial.

Yo aposte por un giro de ciento ochenta grados, un cambio total. Y sinceramente no por una mera provocación sino porque es en lo que estoy metido ahora, en lo que ahondo y lo que quiero mostrar.

Si en 2021 sacase un disco de guitarras estaría engañando. Ese no es mi momento hoy por hoy. Dejar las guitarras, de hecho, es un ejercicio de simbolismo.

—¿Cuál es su momento?

Me veo viviendo una nueva etapa. Componiendo pop, viviendo en Madrid y enamorado.

—¿Pop? Pero no pop entendido de la manera clásica del término.

Bueno, podemos hablar de pop del siglo XXI o de música popular actual.

Las canciones han nacido con un piano que me dejaron y el trabajo junto a dos productores, Enzoleep y Future Ark, que me mandaban bases para unas letras preconfinamiento. Es un disco de pop del siglo XXI por bases y producción, por instrumentos electrónicos, por recursos de nuestros días. Pero en él hay muchas melodías sesenteras y ochenteras de artistas que en su época ya eran distintos.

—¿Ser distinto es su máxima en “Nada ni nadie”?

No tanto ser distinto como reflejar mi momento creativo actual. Yo estoy

#14 mayo 2021

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MONDO FREAKO

Marc Seguí es un joven artista mallorquín que empezó hace tan solo un año en el mundo de la música, con poco más de veinte años. Su primera canción se viralizó y el resto es historia.

Ahora presenta su primer EP de cinco temas titulado “Thermo Mix”.

do “La música es demasiar ta bonita como para es siempre haciendo lo mismo”

H

as presentado tu primer EP “Thermo Mix”, un trabajo que has ido desvelando single a single. Un proyecto de cinco canciones que cuenta con distintas colaboraciones. ¿Cómo surge la idea de “Thermo Mix”?

La verdad que es una idea con la que llevaba mucho en mente. Me apetecía mucho sacar un trabajo, pero los singles que quería incluir no tenían sentido entre ellos, ni en letra, ni en género musical... Entonces me vino a la cabeza una Thermomix. En una Thermomix metes muchas cosas diferentes y sale algo exquisito y rico.

—Tu entrada en el panorama musical es en el año 2019 cuando públicas “Si nos vamos”, que se coloca quinta en la lista de más virales de Spotify España. ¿En qué momento decides empezar tu carrera musical? ¿Por qué escoges lanzar esa canción?

Decido empezar mi carrera musical a raíz de conocer a Xavibo y empezar a crear con él mis primeras canciones.

Fue la primera persona que me abrió los ojos y me empujo a dedicarme más en serio a la música. Le debo mucho a este tipo. Empezar con “Si nos vamos” no fue una decisión muy meditada. De las canciones que tenía en ese momento era la que más me llamaba la atención y la que más me apetecía sacar.

—Ese mismo año te subes a los escenarios con Xavibo, con el que también has compartido varios temas. Podríamos decir que te apadrinó al inicio de tu carrera. ¿Cómo os conocéis? ¿En qué punto él te dice que le acompañes en su gira?

Pues conocí a Xavibo haciéndole los coros a su telonero en su primera gira.

Xavi y yo conectamos desde el primer momento, nos pusimos a currar juntos y bueno, creamos un equipo muy guay y sano. Por eso decidió que nos fuéramos juntos de gira.

—Actualmente, tienes catorce canciones en Spotify, casi la mitad superan el millón de reproducciones y casi todas llegan al medio millón de escuchas. En los créditos podemos ver que mayormente tú eres el intérprete,

Marc Seguí Vacaciones compositor y productor. ¿Cómo haces tus canciones? ¿Sigues algún patrón o cada una tiene su propio proceso?

Cada canción es un mundo, no hay un patrón a seguir. Antes curraba en casa buscando bases en YouTube ya que no tenía medios, gracias a dios ahora estoy currando con productores muy, muy guais y tengo un sitio más decente para grabar, aunque en el armario de casa grabando también estaba genial.

—Como hemos dicho antes, tu prime-

ra canción llega al top cinco de más virales de España. Después de esto tu fama se ha ido incrementando, pero ¿en qué momento te das cuenta de que es real? ¿Cuándo dices “ahora puedo empezar a vivir de esto”?

No sabría decirte un momento exacto, todo paso muy rápido, de hecho, todavía no he asimilo muy bien del todo el poder estar dedicándome cien por cien a esto. Supongo que cuando “Si nos vamos” se coló en virales y vi que mi músi-

ca estaba gustando empecé a creérmelo de verdad, aunque sinceramente siempre he confiado mucho en mi proyecto.

Lo que piensas, lo atraes.

—Compartes agencia con artistas como, por poner dos ejemplos, Natos y Waor o Don Patricio, grandes referentes de la escena urbana actual. A ti te hemos visto en registros indies, de rap, de lo-fi, pero ¿en qué estilo te sientes más cómodo?

Nunca voy a encasillarme en ningún estilo. La música es demasiado bonita como para estar siempre haciendo lo mismo. Si tuviera que definir mi música con un estilo, pues sería... mmm… ¿Indie pop? No sé, esta respuesta os la dejo a vosotros (risas).

—Investigando hemos podido ver que dijiste que te gustaba mucho Alice Wonder, has subido temas de Natalia Lacunza o Justin Bieber, pero ¿cuáles son tus referentes musicales de toda la vida? ¿Y los más actuales?

Natalia Lacunza y Alice Wonder me parecen increíbles las dos, la personalidad que tienen, su voz, todo... Son brutales. Nunca he tenido un referente en concreto, pero si me tengo que quedar con alguien me quedo con la música de Jarabe de Palo. De pequeño mi padre me ponía todos sus discos y sus canciones me transmiten una nostalgia muy especial. La muerte de Pau Donés me dejo destrozado. ¿Música que consumo ahora? De España a Sen Senra, Cupido, Recycled J, Cariño, Kimberley Tell... A nivel internacional Justin Bieber, Joji, Omar Apollo…

—Te hemos visto colaborar con Xavibo en varias ocasiones, pero es la primera vez que compartes tema con Pol Granch, Sule B y Çantamarta. ¿Qué te ha aportado cada uno de ellos y que les has aportado tú?

Ha sido un gustazo colaborar con ellos.

Todos los temas los compusimos cara a cara en un estudio y todos aportaron cosas muy guays. Los que más me sorprendieron fueron los chicos de Çantamarta. Tenían ideas muy diferentes.

Son unos chicos muy especiales, no les quitéis el ojo de encima. Aunque al que más admiro sin duda es a Xavi. Su capacidad para escribir es de otro mundo.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

R Más en www.mondosonoro.com

“Fue como una hostia en la cabeza con una botella de Jerez”

Guadalupe Plata y Mike Edison, ex Raunch Hands y The Pleasure Fuckers, escritor, editor y crítico musical, han logrado una simbiosis casi perfecta en “The Devil Can’t Do You No Harm” (ME/Everlasting, 21). Hicimos el experimento de hablar por separado con ellos y plantearles preguntas similares, sin que conocieran las respuestas de la otra parte, y este fue el resultado con Carlos Jimena actuando de voz de los jienenses.

C

ÓMO SURGIÓ la idea de este disco?

(Mike Edison) Ya sabes, “érase una vez cuando viví en Madrid”, tocando en con The Pleasure Fuckers... Tres años sin dormir mientras viajábamos a todos lados, desde el País Vasco a Cádiz, tocamos en todos los pueblos, desde Barcelona a Las Canarias, y bueno, supongo que nunca me fui. Mi hogar está en Nueva York,

pero estoy viviendo en una “Iberia of the Mind”, un lugar existencial que he creado que existe entre mi cerebro y la mesa de mi cocina. La última vez que estuve allí para tocar fue para hacer una gira en solitario en 2004, pero solo toqué en Barcelona y Valencia.

Fue en ese momento que las personas con las que estaba se dieron cuenta de que realmente puedo hablar español y ser un tipo de Nueva York. Cuando se sugirió la idea de una colaboración con Guadalupe Plata –no estoy seguro si fue idea mía o de Mark de Everlasting Records, su sello en España– fue como un rayo de relámpago. Fue como si le hubieran dado una hostia en la cabeza con una botella de Jerez muy buena. Vi toros bailando, guitarras volando, estrellas... Y escuché nuestro disco.

—¿Conocíais previamente el trabajo uno de otros?

(Mike Edison) Sí, era un gran admirador –cualquiera que haya escuchado su música lo sería– y la idea de trabajar con ellos me inspiró mucho.

Obviamente, teníamos muchas de las mismas influencias: blues crudo, Bo Diddley, Captain Beefheart, música country y folk, psicodélica africana...

Todos escuchamos mucha música.

Me encantó que ellos pensaran que

las posibilidades de hacer música son ilimitadas.

(Guadalupe Plata) Mike era un desconocido para nosotros hasta que Mark (Everlasting Records) nos habló de él. Pudimos compartir algunos mensajes con él antes de que aterrizara en Úbeda para los ensayos de lo que sería la grabación del disco. Pasamos unos días en Úbeda donde ya pudimos entrar en materia con él y ver que su propuesta se anillaba a nuestro dedo de una forma natural y perfecta.

—¿Cómo fue trabajar juntos en el estudio?

(Guadalupe Plata) Era un momento muy esperado por mí. La visita al estudio es un remanso de música: ideas, concentración y, cómo no, diversión.

Estuvimos con Raúl en La Mina (Sevilla, por ahora) y bueno, no era nuestra primera visita, con lo cual sabíamos con quién nos jugábamos los cuartos.

Las sesiones donde tocábamos las canciones propuestas por Mike discurrían a veces de una manera directa y tajante y otras veces nos dejábamos llevar intentando que el estilo, la idea elemental, predominase ante todo.

Pero no todo era grabar, también compartíamos el tiempo charlando, bebiendo bourbon y haciendo espaguetis putanesca, Mike es un pozo de conocimientos y daba gusto verlo hablar en español de todas sus vivencias, que no tienen desperdicio.

(Mike Edison) ¡Me subí a un avión con un par de guitarras y me presenté en Úbeda, donde ellos viven! Bueno, había algo más que eso. Como dije, nos comunicamos telepáticamente. Pero tuve que venir a España para hacer

este disco. No se pudo hacer en Nueva York. Eso siempre fue parte del plan.

Y ya sabes, siempre me siento genial cuando aterrizo en España. Tomé un carajillo en el aeropuerto en Madrid, y tomé el tren rápido a Sevilla, y luego a Úbeda. Solo hicimos un día de ensayo, escuchamos nuestros viejos discos secretos favoritos, y luego bebimos un poco del bourbon que traje del Nuevo Mundo. Y ya estábamos listos. Todos vibrábamos exactamente a la misma frecuencia. De todos modos, no puedes planear nada demasiado con Guadalupe Plata, son muy subvsersivos...

—¿Cómo escogisteis las canciones del disco? Porque se mezclan temas propios con versiones.

(Guadalupe Plata) El repertorio fue propuesto por Mike, las versiones y los temas propios. Pedro y yo siempre que planteamos hacer una versión, intentamos traerla hacia un lado oscuro, hacer nuestra propia interpretación de la canción y llevarla al pantano.

Con las versiones que propuso Mike no fue diferente: hacer una versión, trabajarla y que te sirva de inspiración para poder crear algo nuevo. Esa la razón de ser de las versiones, no entendería otra cosa. Con los temas propios de Mike, fue algo parecido. Él venía con un arsenal de canciones, y entre todos logramos llevarlas a medio camino entre Brooklyn y la ciudad de los cerros, que olieran a iglesia cerrada y a la mezcla de sudor de John Henry con el olor del hierro de su martillo.

—EDUARDO IZQUIERDO

R Más en www.mondosonoro.com

FOTO: ARCHIVO

Mike Edison & Guadalupe Plata

MONDO FREAKO

SQUID

EN PORTADA

El ritmo del futuro

Pocos discos más esperados que “Bright Green Field” (Warp/Music As Usual, 21), debut de este joven quinteto de Brighton que se pone en vanguardia de la enésima nueva ola del rock británico más imaginativo.

“El ritmo es un ingrediente fundamental de toda la música buena” “Como banda no somos pesimistas, sino realistas”

#18 mayo 2021

E

l ubicuo Dan Carey (Fontaines D.C., Black Midi, Goat Girl) es el responsable del sonido de un festín de inventiva futurista, capaz de poner de acuerdo el ritmo propulsor de Can y Neu! con el minimalismo de Steve Reich, el funk punk, el post-punk y la vehemencia vocal desaliñada de Isaac Brock. Por encima de todos estos ecos, su destilado es rabiosamente personal y contemporáneo. Conectamos por videoconferencia con unos entusiasmados Louis Boriase (guitarras y voces) y Arthur Leadbetter (Teclados, cuerdas y percusión). Podremos verles por aquí, si la pandemia afloja, los días 28 de octubre en Barcelona (Upload), 29 de octubre en Madrid (Independance) y 30 de octubre en Vigo (MasterClub). Recemos para que así sea.

—Vuestro primer disco ha levantado muchas expectativas. ¿Cómo os hace sentir esto, tenéis que soportar algún tipo de presión?

(Arthur) La verdad que no, sinceramente. A lo hecho, pecho. Ahora mismo estamos concentrados en tantísima nueva música que no nos preocupa lo que hemos hecho antes. Simplemente estamos muy emocionados de que la gente lo pueda oír en casa. Yo estoy contentísimo de que salga, pero toda la presión que pudiera ha-

—TEXTO JC Peña —FOTOGRAFÍA Holly Whitaker ber hace mucho tiempo que ya no está. Es como una cosa del pasado.

(Louis) De acuerdo completamente. Lo único, el tema de las críticas y las reseñas, pero de momento parece que están siendo bastante buenas.

—Hay mucho funk punk, pero también pasajes muy experimentales, como ese final de sintetizador ambiental de “Boy Racers”. ¿Cómo fue la grabación y qué retos tuvisteis que superar?

(Arthur) No recuerdo que hubiera algo extremadamente complicado… Todo fue como normalmente lo hacemos. Nos esforzamos en materializar esa idea o visión de un mundo sonoro con el que nos sintamos cómodos, felices y orgullosos de él. Por supuesto, eso era un reto en sí mismo, pero no era algo que no estuviéramos esperando. Al contrario, era algo que esperábamos. Eso tiene que ver, supongo, con grabar un disco, y era la primera vez. Por lo tanto, lo que teníamos que hacer es intentarlo con todas nuestras fuerzas.

(Louis) Hubo muy pocos obstáculos o retos que se interpusieran una vez ya estábamos en el estudio trabajando con Dan (Carey). Todos hemos pasado por lo mismo: nuestro mayor reto fue hacer un disco durante una puñetera pandemia (risas). Nos dimos cuenta de que iba a haber un montón de circunstancias inevitables. No podías meterte en la sala con cientos de personas, ese tipo de cosas. Pero ya habíamos aprendido un montón de no vernos físicamente. Antes de 2020, los cinco nos veíamos todos prácticamente cuatro o cinco veces a la semana, y cuando todo se complicó, empezamos a vernos y mandarnos cosas por Internet. Eso facilitó las cosas.

—¿Qué tiene este hombre, Dan Carey, para que tantos artistas y mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

grupos interesantes del momento grabéis con él?

(Louis) Tiene el entusiasmo de un niño: eso es fundamental.

(Arthur) Y es un artista visionario. Es único en cuanto a cómo se imagina los sonidos y los mundos sonoros, y te permite tener un espacio que nunca te habías dado cuenta de que podría existir.

(Louis) Así es. Y si piensas en la gente legendaria y músicos con la que ha colaborado, las historias que puede contarte, lo flipas, pero jamás lo saca a no ser que tú le preguntes directamente. Siempre nos había preocupado un poco qué podría salir cuando hiciéramos un disco con un productor; teníamos miedo de que dijera en un momento dado: “he trabajado con éste y aquél, y éste es un disco de éxito, por lo tanto vamos a hacer lo mismo”. No hubo nada de eso, y creo que esto habla muy bien de cómo se concentra exclusivamente en el presente. Mientras estuvimos en el estudio no se habló de nada de cosas que hubiera hecho antes o que pudiera hacer después. Sólo estábamos nosotros.

—Supongo que por eso no tiene nada ver cómo suena vuestro disco si lo comparas, por ejemplo, con el de Goat Girl.

(Louis) Sí, suenan muy distintos. Conocemos a Goat Girl y son un grupazo, respetamos muchísimo su música, pero ellas y nosotros sabemos que somos completamente distintos; tenemos otros intereses y virtudes. Y lo que hace que Dan y su técnico tengan tanto éxito en su trabajo es su capacidad camaleónica para cambiar los colores según a quién estén grabando, pero conservando las mismas habilidades técnicas y artísticas.

—El álbum tiene muchísimas capas y matices; me pregunto si cuando formasteis el grupo compartíais influencias o una base común desde la que empezar a trabajar.

(Arthur) Creo que la base común era el “jazz de dormitorio” (risas). Algo medianamente accesible, bastante libre e improvisado, pero teniendo en cuenta que no somos músicos de jazz y nos queremos divertir cuando estamos tocando y nos estamos oyendo unos a otros.

Un sonido un poco ambient y ligeramente post-rockero…Todo eso era lo que teníamos en común. Y luego claro, éramos cuatro lanzándonos diversas opiniones y experiencias, y pasamos a ser cinco con diferentes puntos de vista. Según pasaba el tiempo, esa base común se hizo mayor.

(Louis) Fue también muy simple, ¿verdad? Está bien que hayas mencionado lo de “jazz de dormitorio”, porque si unos compañeros de cuarto hacen jazz el resultado debe ser una música “intensamente privada”.

Tocamos muchísimo nosotros solos antes de tocar delante de nadie, más allá de nuestros amigos. Y es una pregunta muy interesante, porque cuando ves los niveles de complejidad del disco, y todas las capas que tiene, como decías… Recuerdo que, cuando empezamos a tocar, pensé que el buen rollo ya estaba ahí, y la amistad que sentía por esos cuatro colegas era tan fuerte que quería seguir tocando con ellos. Pero tam-

3

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

mayo 2021 #19

EN PORTADA

“Nuestro mayor reto fue grabar un disco durante una puñetera pandemia”

3

bién pensaba en la idea de que si llegábamos a conocernos tan bien y a ser muy buenos oyéndonos unos a otros, quizá pudiéramos hacer algo bastante complejo en cuanto a estructura y texturas.

—Hay algo enigmático en el título del disco y el arte de la portada. ¿A qué os referís?

(Arthur) El disco entero es la visión de un lugar que representa sitios reales e imaginarios. Es un término amplio que nos permite capturar todo ello, en contraste con la ciudad, y una especie de visión esperanzada de hacia dónde nos vemos yendo. No queríamos parecer tan tristes como para titularlo “Dirty Back Alley” (“callejón sucio y oscuro”) (risas).

(Louis) Cuando lees el nombre del álbum impreso o lo lees por ahí, de repente te puede sonar satírico.

Si miro por la ventana no puedo ver ningún campo verde. Hubo una decisión consciente en este sentido, pero creo que como banda no somos pesimistas sino realistas, y en la realidad que vivimos hay atisbos de esperanza dentro de una especie de distopía. Parece que todo esto encaja.

—En cuanto a la inspiración, hay bastante de ciencia ficción de los sesenta y setenta, películas de culto… Es algo que puedo ver en el alucinante vídeo de “Narrator”, que te lleva a una especie de mundo extraño y fracturado. Y habéis dicho que es así.

(Louis) Sí, creo que la ciencia ficción y las películas son influencias que nos han ayudado a dar forma al álbum. Pero creo que hay algo aún más presente: el hecho de que en nuestros días ya existan elementos de ciencia ficción en la realidad dondequiera que vayas. #20 mayo 2021

Hay muchos conflictos de interés y narrativas contradictorias que hasta ahora existían exclusivamente en la literatura de ciencia ficción de los sesenta y setenta.

No hace falta más que vivir en una casa para que te bombardeen con estas narrativas que te convierten en un miembro confuso de la sociedad. Cuando ves una película de estas, con una versión más extrema y confusa de todo esto que pasa, dices que es alucinante, pero en realidad puedes ver algo similar con sólo salir a la calle.

—Volviendo a “Narrator”, que me parece una de las canciones de lo que va de año, me pregunto cómo llegasteis a ese desarrollo alucinógeno.

(Arthur) Bueno, nos limitamos a dejar que las cosas pasen. Creo que según hemos ido progresando como grupo nos hemos dejado de preocupar de a dónde van, cómo terminan o cómo cambian. Eso nos ha dado más confianza para, en lugar de fijarnos en algo concreto, ver qué sucede. También está bien tener una canción que es como un cuento de dos partes: nunca lo habíamos hecho.

(Louis) Nos encontrábamos de vacaciones. Tenemos un amigo que tiene un pequeño estudio en Margate, no muy lejos de Londres, y estábamos trabajando en esta idea. Nuestra amiga Martha (Skye Murphy), que canta en “Narrator”, es un elemento vital de lo que esa canción significa y es. Vino al estudio y estábamos con una estructura bastante por definir, y cuando empezó a cantar vimos que la canción se empezaba a completar.

Hubo muy pocos cambios cuando la grabamos. Creo que es uno de los temas más libres del álbum, cada vez

que la tocamos es un poco diferente, y estamos muy contentos con ella.

—Estamos viendo una especie de explosión de bandas jóvenes de guitarras en Londres y en todo el Reino Unido. Digo “de guitarras” porque son bandas completamente distintas. En vuestra opinión, ¿por qué están saliendo tantos grupos justo ahora? ¿Os sentís parte de una especie de escena?

(Arthur) Si hay una escena en Reino Unido de “nueva música de guitarras” no es como las escenas que se daban en el pasado, cuando claramente se definían por el género. Ahora se trata de algo mucho, mucho más amplio. A la gente que tenemos la misma edad (Black Country, New Road, Black Midi, Porridge Radio, nosotros y tantos otros) lo único que nos une es que somos la primera generación que ha crecido con Internet. ¿Me equivoco? Y eso, potencialmente, tiene mucho sentido, porque las fronteras de los géneros se están diluyendo. Ahora mismo puedes escoger online lo que te dé la gana y oírlo inmediatamente. Hemos crecido haciendo eso.

—Lo que veo que os une a muchos es el interés por la música rítmica, con una importancia capital del bajo y la percusión. ¿Por qué disfrutáis tanto de este aspecto funk?

(Louis) Cuando nos juntamos por primera vez a tocar había cierto tipo de bandas progresivas alemanas de los sesenta y setenta que nos interesaban mucho.

Eran como una especie de progresión natural del pop y el rock hacia algo mucho más confuso. Veía el otro día un vídeo de Kraftwerk tocando, creo que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

CRITICANDO Squid

Bright Green Field Warp/Music As Usual

era 1974, y por la expresión de las caras del público estaba claro que estaban haciendo un gran esfuerzo por entender aquello. Algunos estaban muy confundidos, con la cabeza entre las manos… Esa década fue crucial. Y fue una de las primeras décadas que los cinco escuchamos un poco colectivamente. Discos de Neu!, Kraftwerk… Creo que eso se infiltró naturalmente en nuestra música y nos llevó a centrarnos en música basada en el groove y el ritmo. Mucho más que en cosas del punk o la new wave, precisamente porque el ritmo es difícil de definir: es catártico y casi automático. Pero también nos gusta el minimalismo de Philip Glass y Steve Reich. Lo respetamos un montón. Y era música que se estaba haciendo al mismo tiempo. Pero sí, no hay un estilo particular asociado al ritmo. Es un ingrediente fundamental de toda la música buena.

—Quería también que me hablarais de la importancia de la sala Windmill de Londres en toda esta explosión de grupos. Imagino que su situación es complicada, como la de tantas salas y artistas que no pueden tocar en directo.

(Arthur) Sí, este año está siendo muy duro para Windmill. Es una de las salas más importantes de Londres.

Creo que cuando tocamos allí la primera vez hace unos cuatro años no nos dábamos cuenta de la suerte que teníamos de disponer de esa plataforma. O de lo importante que es para la ciudad y todo el país. Esa sala es una de las mejores cosas del país. Es como una semillita que va creciendo y si no la riegas, no crece.

Tristemente, el gobierno de aquí, los que mandan mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

y deciden a dónde va el dinero, no lo entienden, no creen en ello, o desconocen su importancia. Así que un montón de bandas, empresas y artistas se lo están currando mucho para ayudar a Tim (Perry), el que la lleva. Yo quiero creer que van a seguir adelante: no me puedo imaginar a nuestra comunidad sin el Windmill.

Sería tristísimo.

—¿Qué significa para vosotros estar en un sello como Warp y cuáles son vuestros artistas favoritos de la casa?

(Arthur) Significa todo. Es un sello épico. En cuanto a mis favoritos…¿tú qué dices, Louis?

(Louis) Yo tengo que mencionar a Aphex Twin, que es una de mis mayores inspiraciones musicales.

(Arthur) Y por supuesto, hemos estado bastante obsesionados últimamente con Oneohtrix Point Never.

(Louis) Es difícil hablar de otros grupos, porque no es el sello que tenga más “bandas”. Me pareció guay que, en su momento, Broadcast sacaran aquellos discos.

No es que Warp se apuntaran a la música electrónica o de baile, tiene más que ver con eso que hablábamos antes del “post-género”, un interés por la música que va más de un solo propósito, se funden cosas diferentes. Siempre estamos aprendiendo de otros artistas de Warp. Oyendo por ejemplo las bandas sonoras de Oneohtrix te das cuenta de que puedes combinar diferentes modos de componer. Es muy emocionante y nos inspira mucho. —J.C.

R

ALGO DEBE TENER el agua del grifo del sur de Londres para haber generado este brote de estupendas bandas de post-punk airado, que están tomando por asalto los cielos de la música más vivaz, ardiente y definitoria del malestar generacional generado por la sangrante desigualdad social y la patraña del Brexit en las islas británicas. Eso y la condición de mago en la sombra de Dan Carey, el productor (también al servicio de Kae Tempest o Fontaines DC) que mejor está sabiendo canalizar la hirviente expresividad de un puñado de músicos sajados por la llaga de trabajos que son pura alienación turbocapitalista y el estancamiento de un ascensor social tan gripado que no tiene ni fecha para revisión en al menos un par de quintas.

Salieron Fat White Family, luego Shame. Salieron también Black Country, New Road, Black Midi o Goat Girl, entre otros. Y ahora lo hacen Squid. Son los más inquietantes del lote. Los más esquivos, los que detentan canciones más asimétricas, más conscientemente alejadas de cualquier patrón convencional. Sí, comparten los bajos musculosos, las guitarras afiladísimas, la dicción histriónica a lo Mark E. Smith. Pero sus cambios de ritmo, sus mudas de humor en cuestión de segundos, su esquizoide manera de modular canciones (por llamarlas de alguna forma) que se sabe cómo empiezan pero nunca cómo acaban, como las buenas noches de farra sin fin, les dan el punto diferencial.

Los tres EP’s previos ya daban buenas pistas, pero su debut largo está concebido como un álbum en toda regla, y no como uno de esos discos primerizos que se nutren de canciones previas, cada una de su padre y de su madre. Aquí hay un propósito.

Una meta. Una finalidad, aunque el camino para llegar a la línea final casi nunca sea recto. Igual pueden empezar un corte (“Peel St.) como si fueran Parquet Courts para luego sabotearse a sí mismos con un desvío del guion en clave de ambient deshuesado e insalubre –algo similar ocurre en “Boy Racers”– que bien puede ser el retrato de una sociedad irremediablemente enferma.

Otros momentos inciden en una dinámica algo más funk (es el caso de “Narrator”), en la que la voz de Martha Skye Murphy pone el contrapunto al protagonista, un tipo –la voz de Ollie Judge, claro– que acaba por no discernir entre realidad e imaginación, y quizá por eso lo que nació como un single se alarga hasta los más de ocho minutos. Sin remilgos. Prevalece la sensación, en la mayoría de cortes (“G.S.K.”, “Paddling” o “Documentary Filmmaker”), de que el quinteto británico domina el arte del caos controlado, la combinación del traqueteo cinético de Neu! con las erupciones coléricas de This Heat, haciendo valer el propio universo de referentes que ellos asumen. “Bright Green Field” es un disco de personalidad turgente, pero con tantos cabos sueltos y tantos enigmas que da la impresión de ser solo el –prometedor– primer capítulo de un trayecto que podría marcar una época. Atentos.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Más en www.mondosonoro.com

mayo 2021 #21

23/Mondo VINILOS

Kaydy Cain

Brockhampton

El juguete de tu muñeca Honey Money Records

8

El disco más pop de Zoé Zoé

Sonidos de Karmática Resonancia Universal

9

POP ROCK / ¿Es el séptimo disco de los mexi-

canos Zoé el mejor de su carrera? Todavía es pronto para responder a esa pregunta. Los discos hay que dejarlos reposar para que con el paso del tiempo vayan cogiendo su propio peso y se sitúen por ellos mismos en el casillero que les toca. Lo que sí me atrevería a decir es que es el disco de Zoé más homogéneo, el mejor basculado, incluso tocado, y el que tiene un mayor número de canciones con un poder melódico que engancha. ¿Su disco más pop? Sin duda. Solo hay que dejarse atrapar por melodías envolventes de temas que se graban a fuego como “El duelo”. Canción que a simple vista parece facilona, pero que no lo es en absoluto, gracias a unos arreglos que le dan personalidad propia, aupada por la forma arrastrada y chulesca con la que canta León Larregui, sin duda, otra de las grandes bazas del álbum. Y es que el cantante y letrista de la banda se ha soltado a la hora de usar de nuevo ese falsete tan característico, pero sobre todo da la impresión que le ha dedicado más tiempo a la hora de escribir unas canciones repletas de mensajes directos, mucho más explícitos que en ocasiones anteriores. Solo hay que escuchar temas como

“Popular”, “Karmadame” o esa maravilla dedicada a su hijo que es “Tepoztlán” para darse cuenta de ello. Cuentan los propios Zoé que, en el pasado, habían confundido el grabar un disco con hacer una celebración a la que invitar a los colegas a participar de ella. Sin embargo, sentían que para este trabajo había que hacer algo más focalizado en el auténtico significado de pertenecer a una banda.

Algo más serio añadiría yo. Y parece que la figura del nuevo productor, Craig Silvey (Arcade Fire, The National, Arctic Monkeys), con el que ya grabaron cuatro temas de “Atzlán” (18), ha resultado clave a la hora de encarar el proceso. Por lo pronto este ha sido un álbum en el que han tocado todos juntos a la vez en busca de la magia. Ese intangible que te hace pensar que tienes algo especial entre manos.

Solo hay que escuchar una delicada balada como “Canción de cuna para Marte” para darte cuenta de que todo suena cómo y dónde debe. Lo mismo sucede con la envolvente magia progresiva de “SKR”, el pop sintetizado de la fantástica “Karmadame” o en la más percusiva y oscura “Ese cuadro no me pinta”.

Canciones que evidencian la total implicación de todos los miembros, a la búsqueda de lograr algo único partiendo del característico, solvente y cotizado sonido de la banda. No se trataba de realizar un giro radical, sino de profundizar en aquello que han demostrado a lo largo de más de dos décadas que saben hacer muy bien: aunar emoción y fuerza en una impecable colección de canciones.

—DON DISTURBIOS

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

REGGAETON / Como si toda-

vía tuviera algo por demostrar, llega el del sur de Madrid y firma un trabajo sobresaliente, con la frescura de un álbum debut. “El juguete de tu muñeca” es un disco breve de siete canciones y menos de veinte minutos que demuestra su vinculación definitiva con los sonidos latinoamericanos y su habitual devoción por el reggaeton con mayúsculas.

De la mano de GARZI, que produce cinco de los siete temas del álbum, Kaydy Cain demuestra que está en un momento magnífico.

Fruto de un trabajo mano a mano desde cero, la construcción de los temas demuestra solidez y una unión perfecta entre beat y voces.

El mejor Kaydy de siempre se une a un productor en un momento dulce para dejarnos una colección de temas divertidos, bailables, cantables y disfrutables.

—LUIS M. MAÍNEZ

Roadrunner: New Light, New Machine Question Everything/ RCA

8

RAP / Brockhapton ha sido

uno de los colectivos más singulares, con más personalidad, y con una historía más que curiosa en los últimos años del rap. Para este anunciado como penúltimo trabajo, han cogido lo mejor de cada época del grupo para este disco: el rap más duro de la trilogía de “Saturation”, las canciones pop compactas de “Ginger” (19) y la combinación de momentos más experimentales con canciones sencillas para el atardecer de verano adolescente, habituales de la banda. También han subido el nivel de las colaboraciones (A$AP Rocky, JPEGMAFIA, Danny Brown...) y, como siempre, no se han mordido la lengua en nada. El resultado es, sin lugar a dudas, el mejor trabajo del grupo.

Heterogéneo y marcado por el suicidio del padre de Joba, es también su disco más maduro, conciso y universal. —IGNASI ESTIVILL

Mon Laferte

First Aid Kit Who By Fire: Live Tribute To Leonard Cohen Columbia

Seis Universal

RANCHERAS / “Seis” es un disco excelente en el que está muy presente la temática amorosa, desde un lado más clásico como “Que se sepa nuestro amor” con Alejandro Fernández o “Amado mío” a la deconstrucción de “Se me va a quemar el corazón”, también con espacio destacado para la reivindicación, desde “Calaveras” al bombazo con Gloria Trevi “La Mujer”. Mon Laferte usa en este disco instrumentos de la música tradicional mexicana como el acordeón, el bajo sexto o la tuba, lanzándose de lleno a esta exploración, y lo hace después de otros géneros.

Ese eclecticismo y amplitud de miras es otro de los factores que hacen de Mon Laferte una artista tan interesante, además de su impresionante talento para la composición y la interpretación. — PABLO TOCINO

8

8

POP / Es cierto que “Who

By Fire: Live Tribute To Leonard Cohen” es un disco en directo, pero más allá de eso es un magno evento y, por encima de cualquier otra cosa, una declaración de amor. Al músico canadiense Leonard Cohen, a la poesía y a todas aquellas cosas que un día deseamos. Nina Zanjani y Maia Hansson-Bergqvist querían homenajear a Cohen y lo hicieron. Sucedió en el Royal Dramatic Theatre de Estocolmo cinco meses más tarde. Fue una ceremonia respetuosa, orquestal y con voces invitadas de lujo (Frida Hyvönnen, Loney Dear, etcétera). Al principio suena la favorita de ambas, “Suzanne”, y eso se nota, iniciando un viaje que no decepciona nunca. Ahí quedan momentos como “You Want It Darker”, “Hallelujah” o algunos emotivos recitados que salpican este sentido homenaje.

— TONI CASTARNADO mayo 2021 #23

MONDOVINILOS

Teenage Fanclub

Endless Arcade PEMA/Music As Usual

La vuelta a la introspección de L.O.L.

7

Love Of Lesbian V.E.H.N. (Viaje épico hacia la nada) Warner

8 POP / Te gusten o no, hay que reconocer que

el sonido de Love Of Lesbian y la voz de Santi Balmes son inconfundibles. Cinco años después de su última entrega, el “laboratorio emocional” de Love Of Lesbian ha regresado con “V.E.H.N.”, un trabajo más introspectivo y todavía más maduro, en el que se obvian las rutas coloristas trazadas en “El poeta Halley” (16) para volver a conectar con el tempo pausado y el aura mística del inmediatamente anterior, el doble “La noche eterna. Los días no vividos” (12). A medio camino entre la indiscutible calidad de sus tres primeras obras en español y la grandiosidad nostálgica de sus dos últimos trabajos, destacan las preciosas “El mundo” y “Cosmos (antisistema solar)”, las sosegadas “Crisálida” y “Sesenta memorias perdidas”, la trascendental “Eterna revolución” o la canalla “Los irrompibles”. Mención aparte para el potentísimo par de colabora-

Loney Dear

ciones en las que los lesbianos logran salir de su zona de confort, ofreciendo algo totalmente novedoso: Bunbury –espectacular– en “El sur” y Cristina Martinez de El Columpio Asesino en “Catalonia Bondage”. Es posible que la apariencia de uniformidad y la arriesgada escasez de estribillos coreables de “V.E.H.N.” obliguen a darle algo más de tiempo para que todo su potencial salga a la superficie, pero su aire solemne, sus letras lúcidas y su emotividad acabarán removiendo las entrañas de quienes

Auto Sacramental

A Lantern And A Bell Real World/ Music As Usual

se atrevan a degustarlo con calma. Con Love Of Lesbian vuelven las bienvenidas dosis de dramatismo pop, pero también de fiesta. No hay más que echar un vistazo a las imágenes de su vuelta a los escenarios (en un histórico concierto piloto ante 5.000 asistentes) para darnos cuenta de que el fin de la pandemia se atisba más cercano. Y “V.E.H.N.” es un antídoto sanador, un viaje reflexivo y una cuenta atrás hacia el prometido reencuentro con la música en directo. —JESÚS GARCÍA SERRANO

Cuestión de fe Miranda The Agency

but de Auto Sacramental trata temas tan castizos como la religión y el patriotismo desde la ironía. El artista toma conceptos de otra época y lo enlaza con ritmos de los ochenta. El claro ejemplo de esto es “Covadonga”, en la que combina referencias al santuario asturiano del mismo nombre con una base electrónica prácticamente new wave.

Tras “Vigilia”, junto a Caliza, el ritmo del álbum se calma y hay una transformación del sonido que se confirma con “Luz oscura”. “Alpinismo”, la canción más diferente en cuanto a sonido y mensaje, cierra el disco, habiéndonos dejado por el camino incluso canciones sobre la pandemia (“Segunda venida”, “Retiro”). Y es que “Cuestión de fe” casi podría dividirse en dos partes en cuanto a sonoridad, funcionando más la segunda y alcanzando mejores cotas. Una buena carta de presentación de un artista al que todavía le queda camino para explorar.

tante y siempre estimulante entre los surcos de “Kondaira eder hura”. Nada es lo que parece.

En muchos momentos, en esos aires de folk costumbrista, uno cree adivinar alguna semejanza, ecos lejanos de artistas familiares (Nico, ¿quizás?). Pero, cuando menos lo esperas, las canciones giran de modo extraño e incluso incómodo. Y digo esto en el mejor de los sentidos, en aquel que nos pone en guardia para prepararnos ante algo excepcional.

La música de Verde Prato suena incómoda, porque nos obliga a poner atención, confusos e incapaces de hallar asideros a los que agarrarnos. Algo que, desgraciadamente, cada día parece costarnos en este mundo de listas prefabricadas por algoritmos tan reconfortante y plano al que nos estamos acostumbrando. Ana Arsuaga aka Verde Prato, se confirma aquí como una artista única, dueña absoluta de una voz y una imagen misteriosa, delicada y poderosamente magnética.

POP / Daniel Sabater publica su primer EP, “Tenemos que quedar”. Cinco canciones nostálgicas sobre el desamor y el querer volver a tiempos anteriores. La primera es “Tenemos que quedar”, junto a DJ Parriba, un tema con un beat de pop electrónico divertido, a pesar de la tristeza que quiere transmitir.

Luego llega “Menta”, un hit bailable, pero también para llorar, que ha creado junto al colectivo Kickbombo. Junto a Roy Borland nos habla en “2010” sobre añorar los años de infancia en un tema que va creciendo y aportando riqueza a su sonido. A partir de ahí, los dos temas restantes –y más introspectivos– están firmados exclusivamente por Sabater. “El sofá” es una de las mejores canciones de su repertorio, mientras que “No me da la gana” guarda mayor relación con temas previos.

De hecho, incluye un pequeño sampleado del remix de “Calor”.

Daniel Sabater se sitúa entre las jóvenes promesas nacionales que han llegado para quedarse.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—ANTTON ITURBE

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

#24 mayo 2021

7

POP ELECTRÓNICO / El de-

8

FOLK / La sorpresa es cons-

The Fratellis Half Drunk Under A Full Moon Cooking Vinyl/Popstock!

Tenemos que quedar Helsinkipro

POP / Tenía ya siete álbumes anteriormente, pero puede decirse (de hecho, él lo afirma) que la carrera del sueco Emil Svanängen ha adquirido estatura y entidad con sus dos últimas entregas, publicadas en Real World. Peter Gabriel lo acogió en su sello diciendo de él que podría ser la respuesta europea a Brian Wilson, y aunque hay comparaciones que pueden ser más bien una losa que una bendición (más que nada por el peso), lo cierto es que el alma de Loney Dear se defiende muy bien como crooner crepuscular, músico más que dotado para melodías de aliento clásico, estilizadas y con tendencia a languidecer ante el piano. “A Lantern And A Bell” es un disco intimista, sensible y autosuficiente, un ejercicio de interiorismo con sabor a aurora boreal –pese a estar facturado en el barrio hípster de Södermalm, en Estocolmo–, que perfectamente podría hacer las delicias de los fans de Bon Iver, Ólafur Arnalds o Nick Drake.

7

de “Here” (16) llega una continuación algo más irregular, en la que Teenage Fanclub apuran espiritualidad en prejuicio del uso explícito de las guitarras de antaño y con la influencia de The Byrds imponiéndose a la de Big Star. La referencia alterna gemas incuestionables con algo de relleno que, por inhabitual en el catálogo de los británicos, motiva una sensación incómoda.

Juntas conforman una serie de doce piezas que, eso sí, prueba de nuevo las exquisiteces vocales y el intachable trato de la melodía por parte de sus autores. “Endless Arcade” es un álbum excelentemente interpretado y de sonido pulcro, pero sencillamente correcto (que no obligado) dentro de la discografía más que notable de un grupo absolutamente imprescindible, cuya sombra es tan alargada y satisfactoria que no parece admitir medias tintas. Y eso a pesar de que, aunque de forma intermitente, el quinteto prueba aquí que aún puede firmar una delicatesen. —RAÚL JULIÁN

Daniel Sabater

Verde Prato

Kondaira Eder Hura Plan B Music

8

POP / Cinco años después

POP / No deja de ser meritorio cómo The Fratellis han hecho un arte en propiedad de ese indie-pop de pub con querencia glam que llevan años tratando. La banda ha ido puliendo ligeramente su propuesta, entregando con el paso del tiempo algunas canciones que lucen más engalanadas.

Una “sofisticación” que, durante parte de “Half Drunk Under A Full Moon”, deriva además en cierta madurez creativa. El álbum incluye algunos de esos pelotazos marca de la casa, pero también temas más reflexivos y adornados con orquestación clásica que, con un perfil más tradicional, incluso remiten a The Walker Brothers y Glen Campbell. Juntas conforman un decálogo de fácil digestión en el que caben momentos de combustión más lenta, en un disco algo irregular. Los escoceses afrontan lo que bien podría ser un paso inevitable tanto por edad como para librarse del estancamiento y, aunque susciten ciertas dudas. —RAÚL JULIÁN

6

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

The Armed

ROCK / The Armed, el colectivo hardcoreta multicolor producido por Kurt Ballou de Converge, vuelve con su tercer disco de estudio “ULTRAPOP”. Este numeroso grupo de Detroit abandera la exageración como máximo estandarte: el objetivo es llevar al oyente al extremo de sus sensaciones. Este plan maestro les lleva a sonar de maneras distintas, pero con una intensidad inabarcable como denominador común.

La yuxtaposición de colores sonoros hace que de a ratos nos recuerden a una banda de garage a la velocidad de The Dillinger Escape Plan para luego parecer una orquesta grindcore formada por los personajes de “Mi pequeño Pony”. Esta última apreciación no es una crítica ni una burla: “ULTRAPOP” logra descontracturar los cimientos más rígidos que se pueden esperar de la música pesada o ruidosa, eliminando la solemnidad y endiosando al delirio. Para esta loable tarea son de importante ayuda sus vídeoclips y su propuesta estética en general. —ADRIANO MAZZEO

7

McCartney III Imagined Capitol/EMI

7

Glasvegas Godspeed Go Wow Records

Crap DSK Pop

POP ROCK / The Crab Apples

regresan con una versión totalmente renovada en “Crap”.

Ocho temas con mensajes oscuros escondidos entre sus ritmos de pop más que bailables. En su tercer proyecto discográfico consiguen desmarcarse del sonido que habían hecho hasta ahora y se consolidan como una de las propuestas más interesantes del panorama nacional. Las tres artistas catalanas se atreven a compartir sus primeras composiciones en castellano y las entremezclan con otras en inglés.

“System Overload” es uno de los grandes hits del trabajo. Aunque también hay lugar para temas más enigmáticos como “Ghost” o “Spell”. “2020” es una auténtica joya que demuestra que The Crab Apples pueden romper las fronteras que se habían impuesto y experimentar con distintos géneros y sonidos. Las catalanas han conseguido que “Crap” sea su álbum de confirmación, un trabajo que debería hacerlas despegar definitivamente.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

POP / Hubo un tiempo

el que Paul McCartney arrastraba el estigma de músico blando y facilón en un menosprecio ya revertido. La admiración y respeto de colegas de profesión derivan en la presente entrega, con varios artistas (de estilos y épocas variopintas) colaborando, versionando, remezclando y, en definitiva, reimaginando aquellas canciones que conformaron “McCartney III” (20). Una nómina que incluye a Beck, Josh Homme, Damon Albarn, St. Vincent, Blood Orange o Khruangbin, luciendo todos ellos paradigma de modernidad y vanguardia tras aportar relecturas en clave de funky, exotismo, electrónica y, por supuesto, pop. Más allá de la curiosidad, cabe entender la referencia como una reivindicación a voz alzada del autor, por parte de unos músicos que aprovechan la ocasión para exteriorizar pasiones. El resultado es un disco curioso que alterna aciertos claros con anécdotas, pero que siempre oferta una versión mutada y actualizada del ex Beatles—RAÚL JULIÁN

The Crab Apples

8

MONDOVINILOS

Paul McCartney

ULTRAPOP Sargent House

INDIE / James Allan entrega el cuarto álbum de Glasvegas cuando ya nadie lo esperaba, tras ocho años de silencio y una carrera que ha ido de más a menos. “Godspeed” insinúa buenas intenciones con la oscuridad de su primer tramo, para después mostrar los mismos vicios del pasado en temas cargados de épica y un dramatismo exasperado que densifica la escucha. Todo amparado en torno a una sobreproducción que coloniza buena parte del producto en cuestión, arrinconando a piezas acertadas como “Dying To Live”, “Dive”, “In My Mirror” o “Stay Lit”. En cualquier caso y aunque la referencia patine con los tics de ataño, sirve también para recordar (aunque sea de manera intermitente) algunas de las virtudes que hace trece largos años engancharon a no pocos aficionados en base a un notable debut homónimo. Quizá proceda conformarse con eso, sobre todo teniendo en cuenta que a estas alturas ya ni se ansiaba este retorno de la otrora prometedora banda escocesa. —RAÚL JULIÁN

6

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

La consagración de Royal Blood Royal Blood Typhoons Warner

8 ROCK / ¿Cómo se puede intuir la consagra-

ción de un artista? La respuesta podría ser amplia y confusa, pero ese momento debería llegar definitivamente con “Typhoons”.

Nada será gratis, ya que su nutrida fan base posiblemente se divida y haya quienes les crucifiquen por vendidos y tal. Pajas mentales aparte, el dúo se desmarca de su propia sombra en este nuevo disco. “Typhoons” se nutre de lo bueno que mostró este par de músicos en el pasado y, engrandeciendo su sonido, entran gloriosamente en muchas nuevas (e indefinidas) subcategorías: por momentos “Typhoons” es casi disco, casi metal, casi stoner discotequero, incluso.

Porque ese sonido pulido –que roza la perfección para luego dinamitarla al siguiente compás– da una idea muy 2021, pero también recuerda a aquellos trascendentales momentos del indie de grandes escenarios de mediados de los 2000. Así lo demuestran joyas como los adelantos “Trouble’s Coming”, “Limbo” o la bestial “Typhoons”, quería podría identificarse como una cruza impoluta de Queens Of The Stone Age, The Rapture y Justice. Los arreglos de sintetizadores y los pequeños detalles de teclas son omnipresentes y está claro que lo que aquí suena ya

no es un simple dúo de bajo megadistorsionado y batería, pero el alma de dos cabezas de la banda sigue siendo claramente Mike Kerr y Ben Tatcher. Aclaremos: Royal Blood no pretenden hacer un disco que tuerza la historia del rock’n’roll, sólo intenta recordar las bondades del riff, el groove, lo sensual y lo divertido (aunque las letras no sean del todo felices), y en esas coordenadas el disco funciona de maravilla. Volviendo a lo estrictamente sonoro hay un acierto galopante en lo que refiere al fino equilibrio entre lo que suena sintético y lo que suena orgánico.

Ejemplos: cuando las bases rectas del bajo de Kerr se sueltan en arpegios emotivos o arrebatos zeppelianos o también cuando Tatcher abandona el carácter robótico de su toque, con sólo un atisbo de humanidad te pueden dar un momento de piel de pollo.

“Boilermaker” es un viaje de adrenalina inyectada en el pecho, digno de la idea estética de Josh Homme, quien participó de la producción del tema. Canciones como “Mad Vision”, “Hold On” u “Oblivion” (posiblemente el mejor tema del disco) muestran las ganas de Royal Blood de salir de su armario original hacia barros bailables y compartir abiertamente su admiración por artistas como Daft Punk, Soulwax o Digitalism, y hacerlo con respeto e idoneidad. Lo único realmente malo que se le puede achacar a “Typhoons” es que hará un flaco favor en acallar la ansiedad reinante por la falta de conciertos: esta música fue hecha para disfrutarse en directo. —ADRIANO MAZZEO

mayo 2021 #25

ENTREVISTA No es en absoluto la primera vez que Zahara demuestra ser una artista valiente, y para muestra el botón de pasar a la autoedición.

Pero lo que hace en su último trabajo es ya increíble: la ubetense se abre en canal a lo largo de los once temas de “Puta” (G.O.Z.Z. Records, 21), exponiéndose en un disco lleno de experiencias personales, experiencias de daño sufrido pero también infligido –y no tengo claro cuál de los dos daños requiere más valentía contar.

—TEXTO Pablo Tocino —FOTOS Noemí Elías

Luces y Zahara sombras P uta” es, sin lugar a dudas, el mejor álbum de Zahara, pero también el menos accesible y el que hará que, si había alguien que aún tenía esa imagen unidimensional e idealizada de ella, se le termine de ir. Porque Zahara está harta de cubrir sus cicatrices. Y, quizás por eso, todo este (excelente) disco es el equivalente musical a una herida abierta.

—Además de los nervios que hay siempre antes de lanzar un disco, en este caso entiendo que es doble, por los temas que se tratan en él. ¿Cómo estás?

Me pasa una cosa, cuando compongo voy a muerte sin pararme a pensar qué puede pasar. Pero es verdad que... ¡uy! (ndr: paramos porque se le acerca un perro que vuelve en distintos momentos de la entrevista, no podía no mencionar este detalle)... Es verdad que ahora que empiezo a hacer entrevistas y tal, sí que digo “¡y tenía la sensación de que me estaba quedando corta!”. Tengo miedo a que no se me entienda, pero me digo a mí misma que ese no es mi problema. Yo me he expresado, y ahora es decisión del otro entenderlo, identificarse, odiarlo, amarlo...

—¿Todas las letras son de experiencias propias? Salvo en el caso de “Dolores”, claro.

“Dolores” es la historia de la copla convertida en una mujer. Es un género que ha sido maltratado, y a mí me fascina cómo la copla era un género puro y libre, que podía incluso servir para empoderarse a la clase obrera, pero Franco acabó apropiándose de todo eso. Me parece muy interesante también la contradicción de las

#26 mayo 2021

letras: “tienes que quedarte en casa, mujer”, cantado eso por una mujer que va de aquí allá, que se divorcia, que lleva el dinero a casa, etcétera. Yo quería hacer una copla y quería contar en ella la historia de la copla misma. Pero mira, es curioso porque cuando se la enseñé a mi editora me preguntó si era autobiográfica, y lo entendí: la historia de la copla es la historia de la mujer, que en cuanto son libres se les llama “putas”. Tampoco es autobiográfica –o lo es a medias– “joker”. Hablo a otro, y hablo desde un personaje que me creo, que realmente soy yo, claro [ríe]. Pero la manera en la que hablo es un personaje que me creo, les hablo usando precisamente el discurso que estoy criticando. Critico al que siempre piensa que tiene razón, y que la manera de imponer esa razón es a base de gritos... Y lo critico gritándole y en posesión de la verdad absoluta también. Me cabreo y te digo que te falta amor –cosa que creo que es cierta y que por eso estamos tan cabreados–, pero también te digo lo que tienes que hacer desde una superioridad moral, esa superioridad zen de “Yo ya sé cómo hacer las cosas, te explico”.

Realmente critico y a la vez me estoy autocriticando.

—No sé si el título “joker” tiene que ver con la película, también por el rollo incel de “el mundo me debe algo, las mujeres me deben algo” que parece tener “Cayetano” en varios de los versos. ¡Claro, claro! Cuando vi “Joker”, me dio mucha rabia cómo se justificaba la maldad del villano con una infancia de abusos. Pensaba en mí y en cómo he sufrido maltrato y abusos, cómo estoy yendo a la psicóloga para gestionar eso y mejorar mi salud mental... Si las mujeres a las que han violado de niñas se ponen a convertirse en Joker, se destruye el puto planeta, ¿sabes? Y me di cuenta del mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

error: lo que yo haga no tiene que ver con lo que hagan los demás.

Así que decidí llevarlo al extremo. Como yo estoy yendo al psicólogo, tú también. Como yo estoy cuidándome, ¡¡¡tú también!!! Me parecía muy gustoso gritar todas esas cosas. Son pensamientos que cuando los verbalizo con alguien se me van, pero en una canción me parecía muy liberador decir todo eso, hablar de “castrar” y decir lo que quisiera. Intenté trasladar eso a la canción en sí, que va con el glitch rompiéndose todo el rato. Y le decía a Martí “¡rómpelo más! ¡La canción va de eso! ¡Destrúyela! ¡Que no haya armonía, cambia el tempo!”. Mi obsesión era tratar de transmitir toda esa ira y mala hostia, que la canción te echase todo el rato.

—Comentas que “Puta” cierra la trilogía iniciada con “Santa” y continuada con “Astronauta”. ¿Siempre lo tuviste pensado así?

No tenía la intención, lo llamé “Santa” porque vi muchas metáforas religiosas. Pensé en la conexión que hay con la música y lo divino, etcétera, pero a mi siguiente disco quería llamarlo “Melodrama” porque siempre consideré que mi música pertenecía al melodrama. Pero entonces vino esta muchachita, Pablo, que no sé si conocerás, se llama Lorde... [ríe].

—Se te adelantó.

Me rompió el corazón, tío, porque era mi título perfecto. Pero bueno, viendo las canciones me di cuenta de que había mucha presencia del espacio, una canción se llamaba directamente “El Astronauta”... Y además me gustaba la conexión de lo místico y lo espacial entre “Santa” y “Astronauta”. Pensé entonces que el siguiente disco podía unirlo todo con un leit-motiv, e hicimos mogollón de coñas, en plan “Leñadora”. Yo quería llamarlo “Velocirraptora”, mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

imagínate. Pero hace dos años me vino que el disco tenía que hablar de las mujeres y que “Puta” nos unía a todas: a la más santa y a la más puta la han llamado “puta”. Aunque contase cosas mías, mi idea era contar otras historias, de grandes músicas que habían sufrido abusos, etcétera.

Pero luego llegó el confinamiento, me puse a hablar de mí y todo tenía mucho sentido. Unas semanas antes estaba en Argentina con Martí, y él, que se sabía toda mi historia, me dijo que tenía que contarla. Para mí tiene sentido la trilogía porque en las tres busco evadirme de la realidad: en “Santa” hay un álter ego divino en el plano celestial; en “Astronauta” voy descendiendo pero sigo fuera de mí, en el plano interestelar, y en “Puta” directamente me estampo contra el suelo y caigo de lleno. Aunque también puede ser al revés, porque la santa puede estar apedreada en el suelo.

Me parecía muy simbólico. En los tres discos realmente hablo de mi enajenación, de cómo me siento fuera de mí misma, pero voy siendo consciente de ello a medida que voy madurando, yendo a terapia, y ahondando.

—“Canción de muerte y salvación” no era algo anecdótico sino un aviso. Recuerdo que en la primera entrevista que te hice te pregunté por “Camino a L.A.”, que era como lo más distinto y

“Sé que estoy hecha una mierda, estoy harta de disimular y de hacer como que estoy bien”

3 mayo 2021 #27

ENTREVISTA "Cuando compongo voy a muerte sin pararme a pensar qué puede pasar... Y ahora es decisión del otro entenderlo, identificarse, odiarlo o amarlo"

3

bestia que habías hecho. Y ejem...

Sí, si no te gustó “Camino a L.A.”, toma siete tazas [ríe]. Yo enseguida entendí que era un disco narrativo, casi compuse las canciones en el orden en que suenan, y eso nunca me había pasado, Pablo.

Después en principio venía “Ramona”, pero sentía que faltaba algo, y me di cuenta de que tenía que estar ahí “berlin U5” porque si no, nadie iba a seguir escuchando y terminar el disco, te quedas devastado. Es que yo misma tiraría el disco y diría “a tomar por saco, no quiero saber más” [ríe]. Cuando pensé en los adelantos, tuve claro que “Merichane” era un saludo “amable” –aunque duro– a lo que venía después, pero igual de claro que la segunda tenía que ser “canción”, que quizás sea la más difícil de todo el disco. Precisamente por lo que dices: “ey, no te equivoques”. “Taylor” era como un adelanto más parecido a la Zahara anterior, melodías más bonitas, una voz como más en la línea de lo anterior, y “berlin U5” pues eso, como no va a haber más momentos así, pues te doy esto.

—Ya que hablas de “la antigua Zahara”, me recuerda mucho el estribillo de “Médula” (“y si al volver no me espera nadie/quizás no tengan que ver algo tan desagradable”) al de “La Gracia” (“no me abandonarán si me he marchado/no romperán mi corazón si lo he arrancado”), de “Santa”. Pero aquella me parecía mucho más oscura, y ésta más luminosa, aunque compartan el “antes de que te vayas tú, me voy yo, y además así te ahorro que tengas que ver toda la mierda que tengo”. No sé si van por ahí los tiros.

Van, van [ríe] ¿El matiz sabes por qué es? En “La Gracia” hablo desde el despecho. “Sé que no me queréis, os voy a ahorrar el tener que echarme”. Y aquí es como “mira nene, esto es lo que hay, ¿no lo quieres?, no hace falta”. Yo sé que estoy hecha una mierda, soy consciente, llevo un tiempo trabajándolo. Estoy llena de cicatrices, pero estoy harta de disimular que no las tengo, que estoy bien, que todo es perfecto. No lo es. Si luego cuando lo veas no te gusta, no me importa, pero ya no tomo la decisión yo por ti, ¿sabes? Hay un viaje personal mío: ahora quien te muestra eso soy yo. Y si no lo puedes soportar, no me importa, porque yo sí. A mí “Médula” también me conecta mucho con el pasado, es una melodía más bonita, ese final con los “ahhhh”, que es muy old Zahara también.

—En “Negronis” también está ese “éstas son mis cicatrices, si te quieres quedar, hazlo sin esperar que no las tenga”. Quizás es la canción más cercana a una relación sana que hay en el disco.

[Ríe] Probablemente.

—En ella además hablas, como en otras canciones #28 mayo 2021

de “Puta”, de cosas que tú has hecho mal, y de aprendizaje al respecto.

Cuando fui escribiendo el disco, solo era vomitar, pero una revelación que tuve a posteriori es que lo empiezo pidiendo perdón. Es como un perdón ancestral a personas que han pasado por mi vida a las que no he querido bien, porque no he sabido hacerlo, porque básicamente yo no he sabido quererme a mí misma. Entonces tampoco he sabido querer a los demás. La primera canción es como un trailer: te pido perdón porque no te he querido bien... Y ahora te voy a explicar por qué. Para mí “Negronis”, “Médula” y “joker” van unidas: “Negronis” es la búsqueda del Ser, “Médula” es la aceptación del Yo, y en “joker” directamente lo impongo a los demás. Surgen del mismo hilo, de intentar quererme a mí misma, y así poder querer en el futuro. Además me parecía importante eso que tú dices: no es que yo aquí cuente las cosas malas que me han pasado y esté libre de pecado, no. ¿Me han pasado todas estas cosas? Sí. Yo he hecho peores. ¿Me pusieron un mote? Yo puse motes. Y me acostaba con tíos y hacía que se enamoraran de mí y se volvieran locos, y a mí no me importaba. Yo no tenía relaciones sanas. Con nadie. No podía tenerlas, era imposible. Y no lo estoy justificando...

—Lo estás explicando.

Exacto. Es que las cosas tienen que ver unas con otras, no son porque sí. No estoy justificándome, estoy explicándome. Y para mí por eso es importante empezar pidiendo perdón por no haberlo sabido hacer bien. Con nadie. Ni conmigo. A partir de ese perdón es cuando puedo abrir la Caja de Pandora de la mierda, y soltarlo todo.

—Sobre “Merichane”, tengo una pregunta sobre cómo están colocadas dos frases: “metiéndome los dedos hasta el fondo”, sobre provocarte el vómito, va justo después de que hayas hablado de masturbación. No sé si es queriendo, para despistar al oyente, que en cuanto escucha “metiéndome los dedos...” piensa que se sigue hablando de masturbación. Para mí hay una relación entre el sexo y la vergüenza respecto al cuerpo, la mala relación con tu cuerpo, etcétera, entonces no sé si eso es buscado.

Totalmente. Esta canción es de las pocas que he hecho en mi vida cogiendo un leit motiv que se vaya repitiendo, el “yo estaba ahí”, porque me cuesta mucho hacer ese tipo de canción, así como sabinera, que el propio Martí hace mucho, pero a mí no me sale. Me di cuenta de que una frase tiraba inconscientemente de otra, hay una relación interna e involuntaria. Evidentemente los ejecutivos de Universal no me vieron abrazada a la taza del váter, pero sí que hay una relación con eso de ver a alguien en la mierda y no hacer nada. Vi que algo en mi subconsciente hacía que lo que me iba saliendo tenía relación con lo anterior. Entonces en esa frase que mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

dices es como lo mismo, una relación inconsciente entre mi cerebro. En el momento en que asocias algo tan bello y tan natural como es la masturbación a un pecado, a algo por lo que Dios se va a enfadar, dime tú cómo vas a tratar bien tu cuerpo, cómo vas a creer que tu propio deseo es algo digno o algo que no merece castigo.

—“berlin U5” es el mayor bop de este disco, y yo diría que de tu discografía. Es la canción con la que en los festivales –cuando vuelvan los festivales–, la gente se volverá loca. Y me parece que pega muchísimo en este disco aún así, por ese punto de “bailar llorando”.

Sí, sí, fue deliberado. Yo quería una cancíón que limpiara, que sirviese de separador entre la primera parte del disco y la segunda. Estaba escuchando todo el día a Caroline Polacheck, a Tove Lo, a Lorde, a Robyn, a Dua Lipa, a todas estas artistas enormes, y ese punto de “estoy en la pista de baile y quiero llorar” es lo que sentía yo. Quería bailar y quería llorar porque se nos ha ido a la mierda todo. Es una canción de su era, una canción pandémica, y en general apocalíptica.

—Es una canción además que se presta mucho a una futura revisión en acústico para el siguiente mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

disco de rarezas que saques.

Sí, sí, totalmente. “Llévame a bailaaaar, como si aún fuera reaaaaal”.

—Eso te lo coge Amaia y...

[Ríe] Te juro que me lo estaba imaginando. Ay, me encantaría, se lo voy a decir.

—Pues ya en serio, pensé que igual hubiese pegado en “Dolores”, pero a la vez me gusta mucho de este disco que no haya una sola colaboración vocal, que seas tú sola todo el rato.

Martí y yo teníamos claro que en este disco no. De hecho, a veces yo quería que cantara él, porque soy como muy romántica de las voces masculinas, como además tengo la voz tan aguda, pienso que pueden quedarme muy bien. Pero me dijo: “mira, necesitabas un rapero y has sido ese rapero, necesitabas una voz más lírica y tú has sido esa voz lírica, necesitabas una voz mainstream y tú has sido esa voz mainstream... No necesitas a un pavo haciéndote un coro ni a nadie echándote una mano. Es tuyo y lo estás haciendo tú”. Y pensé que si lo decía él así de bonito, pues mira. —P.T.

R Más en www.mondosonoro.com

mayo 2021 #29

Entra en Club Mondo ¿Por qué entrar en el Club Mondo?

Pese a que siempre hemos sido una revista gratuita que vive de la publicidad, hemos decidido dar un paso adelante e intentar contar con vosotros como parte fundamental de nuestra financiación. Así continuaremos siendo quienes somos, e incluso mejores. con “Me encantaría volver vid Talking Heads pero Dabor” ¿Qué ventajas tieneBy entrar en la la Mondo? porClub tá el rne no es

Contenidos exclusivos

Participa en todos nuestros sorteos

La tote bag de Mondo Sonoro

Descuentos y promociones

Recibe nuestra newsletter semanal

Disfruta de los contenidos exclusivos para miembros, o accede antes que nadie a los contenidos más importantes de Mondo Sonoro

Solo los miembros del Club Mondo podrán participar en los sorteos de entradas, viajes, reestrenos, encuentros con artistas, etc.

Recibirás en tu casa una exclusiva tote bag con el logo de Mondo Sonoro

Obtén descuentos y promociones de los anunciantes de Mondo Sonoro

Estate al día de la actualidad musical, de cine y series de televisión con una selección de los artículos más destacados

Cuota anual

Cuota mensual

Colabora

30 €

3€

_€

cada año (10 meses + 2 gratis)

cada mes

Colabora desinteresadamente haciendo una donación voluntaria

CINE Y SERIES Una joven prometedora

Earwig y la bruja

Emerald Fennell

Goro Miyazaki

8

6 “EARWIG Y LA BRUJA” Parece un intento, no de dinamitar lo construido hasta el momento, sino de jugar a estirar un poco el chiclé.

Lo nuevo de Goro Miyazaki es una rara avis para Ghibli, la primera transfusión de esa magia óptica ya adquirida por la compañía en el 2D al cuerpo de la imagen digital recién concebido por el estudio. Tampoco podríamos ponernos a alabar locamente este algo arcaico y tosco 3D, a años luz de la perfeccionada técnica de otras compañías de animación contemporáneas. Pero ahí se quedan esos momentos (al final son los que hacen grandes el cine del estudio Ghibli), adheridos en la retina por una inexplicable trascendencia de lo no-épico que muchos de esos otros estudios ansiarían poder conseguir.

Esta entrañable historia de realismo mágico –basada una vez más en una novela de la británica Diana Wynne Jones, de quien Miyazaki padre ya adaptó “El castillo ambulante”–, como base base de un combate implícito entre el coming of age y el síndrome de Peter Pan no tiene miedo a poner sus cartas sobre la mesa, por mucho

que sea consciente de que está lejos de tener una escalera real de color. Hay mucha valentía por parte del hijo de Miyazaki a la hora de decidir orquestar la que podríamos considerar prácticamente una antítesis de “La colina de las amapolas” (11). El cineasta decide encerrar su relato en un único espacio familiar (si es que podemos llamarlo así) laberíntico en una especie de cruce incestuoso entre “Monster House” (06) y “La familia Adams” (19).

Pero aunque el filme presenta interesantes juegos espaciales sobre habitaciones que están y no están y sobre pasillos que llevan aquí y allí a la vez, acotar la acción de “Earwig y la bruja” a un solo espacio parece limitar a la acción de golpes de efecto. Pero nadie nace aprendido, ni siquiera el icónico estudio de animación japonés. Que este primer proyecto en 3D no haya sabido encontrar la fuerza lumínica ni paisajística que la animación tradicional de la compañía erige de forma casi involuntaria no significa que un servidor no quiera ver más historias digitales de Ghibli, todo lo contrario. —DANIEL GRANDES

EL PRIMER TRABAJO tras las cámaras de Emerald Fennell se mueve por el cine exploitation y adopta el gusto por lo estéticamente visual y por la violencia física o verbal que maneja su protagonista, sin miedo al horror o a lo perverso. Pero lo interesante es que, aunque sea una mujer badass, no podría estar más lejos de la perfección y quizá precisamente por eso nos la creemos tanto. Porque por muchas artes que domine, por muy brutal que sea, no deja de ser una persona atrapada por sus propios traumas y sombras. Es, por así decirlo, marioneta de su propio juego. “Una joven prometedora” es eso que garantiza y más.

En primer lugar porque ofrece una gran denuncia sobre el acoso y el abuso sexual sistemático por parte de “hombres de bien”.

Aquellos que parecen amables, que se preocupan por la seguridad de las damas, pero que en el fondo llevan a cabo una táctica muy estudiada para llevarse a las mujeres a la cama, quieran ellas o no. Lo mejor es que se lo creen, que ayudaban a la “pobre señorita borracha”. Porque, a pesar de no saber nada de ellas, creen haber conectado, lo que

Paul W.S. Anderson

Hans Herbots, Tom Shankland

4

8 Ni el mal ni la justicia vienen representados de la manera habitual, sino plagados de claroscuros. Así, ambos, se agrandan aún más. La encarnación del bien puro y de los cuerpos diplomáticos en el personaje de Knippenberg es un contrapunto perfecto para un protagonista criminal tan carismático y repulsivo como el que interpreta (magistralmente) Tahar Rahim. Pero “La Serpiente” no solo acierta a la hora de retratar a los personajes principales, que también, sino que logra que el espectador pase ocho horas viviendo en un entorno infernal, donde cualquiera puede tropezar, caer y morir en cualquier momento, ya sea por la corrupción institucional o por los buscavidas y criminales profesionalizados. Del mismo modo la burocracia de las fuerzas del orden, así como el papel de ciertos diplomáticos en sus destinos, se dibujan no sin cierto desapego por los hombres de traje.

“La Serpiente” es una serie tan necesaria de ver como necesaria de ver con calma. Como cierta comida de la región, “La Serpiente” es una delicia pero difícil de digerir. —LUIS M. MAÍNEZ

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—JUDIT MONFERRER BARRIONUEVO

Monster Hunter

La serpiente

“LA SERPIENTE” es una de las series de lo que va de año porque trata al espectador como a un adulto y no escatima en crueldad ni peca de moralismo. La nueva apuesta de Netflix, co-producida por la BBC (garantía de calidad), y que se estrenó a principios de abril, se ha convertido en una auténtica sensación. Una narración vistosa, original y efectiva que acompaña a una trama adictiva, inquietante y sórdida.

No se equivocaban sus defensores. “La Serpiente” –y no los ochocientos biopics bienintencionados y mal ejecutados con las que las productoras nos han asediado en los últimos años– es la razón por la que existen las series y las películas basadas en hechos reales. La historia de Alain Gautier, un criminal que, junto a su pareja Monique (ambos nombres son falsos) se dedicó a estafar, envenenar, matar y robar a decenas de turistas occidentales en la década de los setenta en países del sudeste asiático y el Asia meridional como Tailandia, Nepal o India, era un diamante en bruto que en manos de un gran equipo, se ha convertido en una joya audiovisual.

demuestra cómo se autoengañan para sentirse bien después. La directora pone toda la carne en el asador en su debut cinematográfico, sin contenerse en lo más mínimo, y realiza un brillante, repugnante y desgraciadamente muy cierto retrato de la cultura de la violación en el siglo XXI. Y en segundo lugar, “Promising Young Woman” nos da lo que promete, pero no en la forma en la que esperábamos. La vendetta de Cassie no es lo que hemos visto en el cine reciente, no es el típico baño de sangre con miembros seccionados. Vamos a ver, de La Novia de “Kill Bill” sólo hay una. No, lo que encontramos aquí es diferente y, precisamente por ello, mejor, porque no es algo que se haya hecho aún. Sus métodos son incluso más efectivos, porque el tipo de violencia que emplea promueve lecciones que calan, tanto a los personajes como al público.

Después de todo, si ella es capaz de ofrecer en primer lugar su perdón ¿quién no?

COMO FAN DE LA SAGA de videojuegos, sobre todo de su entrega para Wii y su última entrega multiplataforma, “Monster Hunter Tri” y “World” respectivamente, llegaba a esta película con unas esperanzas mínimas de disfrutar con ella, pero ya los tráileres no auguraban muy buenos resultados. Y es que la cinta acumula una larga lista de críticas negativas en su palmarés en los diferentes países en los que se ha estrenado, lo que se suma a su correspondiente batacazo en taquilla y su censura en el mercado chino, uno de los potenciales para la película.

Encima llega a la cartelera española en una semana con demasiada competencia.

Y es que compartir cartelera con estrenos como la laureada “Nomadland”, uno de los grandes blockbuster del año como es “Godzilla Vs. Kong”, la familiar “Tom y Jerry” con Michael Peña y Chloë Grace Moretz, o “Libertad”, la nueva película Enrique Urbizu, hace presagiar que la película será un fracaso económico también en nuestra taquilla.

Entrando en materia, diremos que la película cuenta la historia de la teniente Artemis (Milla Jovovich) y su equipo de

soldados, los cuales se verán transportados a un nuevo mundo, un mundo lleno de peligros y monstruos de dimensiones gigantescas. En esta realidad Artemis se encontrará con un superviviente (Tony Jaa) con el que deberá aliarse para sobrevivir.

Con un inicio lento y tedioso, la película tarda en arrancar, pareciendo que su presupuesto de sesenta millones hubiese sido invertido casi en su totalidad en las espectaculares escenas finales.

Si eres fan de las películas de Paul W.S. Anderson, como la saga “Resident Evil”, “Pompeya”, “Death Race” o su fallida “Mortal Kombat” de 1995, “Monster Hunter” difícilmente te decepcionará, aunque queda claro que no se posicionará entre tus favoritas del irregular director.

En resumen, “Monster Hunter” no es la mejor adaptación que podrías esperar, la cual tarda demasiado en arrancar y puede hacerse más larga de lo que parece, aunque esconda algunos buenos momentos en varias escenas de acción, la aparición del mexicano Diego Boneta y la química y peleas entre Milla y Tony.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES mayo 2021 #31

LIBROS

CÓMICS Edita Sister Sonic, S.L.

La Rosalía: Ensayos sobre el buen querer

Leñadoras: Fuera bromas

El tatuaje

Jérôme Pierrat/Alfred Flow Press

Watters, Leyh y Nowak Sapristi

VV. AA. Errata Naturae

7 La de La Rosalía es una historia de tesón y oportunidad. Pero también de suerte y trabajo. Un fenómeno cuya cronología hemos vivido en directo. Lo que pretende este libro es darle al pause y así ir sacando (e interpretando) las capas de significado de la construcción de la imagen de la diva internacional, con el afán de comprender una identidad y una marca capaces de reflejar el espíritu de su época. Trece ensayos que abordan su relación con el feminismo, la moda, el arte de la performance, su vinculación con el flamenco, la España quinqui y poligonera o la mística de su poderío corporal, pero, por sobre todo, la fuerza poética de su viralidad: la de una fulgurante estrella que tanto tiene de Lorca o Camarón como de Instagram. Un prodigio de nuestro tiempo capaz de navegar entre la vanguardia y el mainstream. —JOSÉ DE MONTFORT Prefab Sprout: La vida es un milagro Carlos Pérez de Ziriza Efe Eme

8 El periodista madrileño afincado en Valencia Carlos Pérez de Ziriza firma un libro que cubre un vacío enorme en la bibliografía musical de nuestro país.

Nada menos que Prefab Sprout, junto a ABBA y The Beach Boys, quizá el grupo que ha buscado con mayor ahínco el ideal de la perfección pop. Al igual que los otros dos gigantes mentados, los de Paddy McAloon no solo la alcanzaron mediante prodigios como “Steve McQueen” (85) y “Jordan: The Comeback” (90), sino que hicieron apología de la misma. A partir de esta búsqueda sin fin, Ziriza articula un libro –incluyendo entrevistas con McAloon– que evita la trampa de la biografía al uso, y se erige como director de una mirada múltiple en pos de diseccionar el porqué de un milagro llamado Prefab Sprout.

—MARCOS GENDRE #32 mayo 2021

7 Este nuevo capítulo de la serie La Gran Tebeoteca del Saber tiene como autores a Jérôme Pierrat y a Alfred. Pierrat es periodista y guionista, pero sobre todo es historiador del tatuaje y responsable de una publicación y un documental al respecto. Alfred, por su parte, cuenta con diversos cómics, entre ellos el recomendable “¿Por qué maté a Pierre?”, con texto de Olivier Ka. Dicho esto, podríamos decir que “El tatuaje” es un cómic tan recomendable como los dos anteriores en castellano (“El universo” y “Los zombis”), si no más. Hemos escuchado muchas historias sobre cuándo el hombre empezó a tatuarse y por qué motivos, pero Pierrat consigue hilar una narración que nos lleva de viaje por diversos lugares y momentos históricos: desde Samoa a Siberia o desde Japón al Reino Unido.

—ESTEBAN VIVES

7 “Leñadoras” siempre ha tenido magia, y no me refiero a esa magia que ha acabado colándose en sus historias, sino a que su aparente sencillez atrapa de forma irremediable. Podría deberse a muchos motivos, pero diría que el principal es la gran capacidad de Shannon Watters y Kat Leyh para crear personajes encantadores, simpáticos, amables, capaces de empatizar entre sí, de provocar sonrisas y risas, pero también momentos muy emotivos. Y lo mejor de todo, conseguir llegar a públicos de edades muy diversas.

Además sin que la propuesta se resienta con el paso del tiempo.

“Leñadoras” es una carrera de fondo, una historia que nos permite ir acercándonos cada vez más a sus protagonistas, convirtiéndolas en seres entrañables a quienes queremos ver siempre saliendo bien paradas de sus interminables líos. —JOAN S. LUNA

Tito Andrónico

TezuComi VV. AA. Planeta Cómic

Marcos Prior y Gustavo Rico Astiberri

8 Escribe el escritor y crítico Rubén Lardín en la hoja promocional de este “Tito Andrónico” que Marcos Prior y Gustavo Rico “han logrado un libro temible y de alguna manera desolador, que no olvida señalarnos como responsables de nuestra propia calamidad”. Y Lardín no podría estar más acertado. Porque los dos autores españoles han adaptado la tragedia de Shakespeare de una forma cruda y radical, muy en sintonía con una historia en la que los hombres son lobos para los otros hombres y no hay lazos familiares, de amistad o de amores que una daga bien afilada no pueda cortar. A un Prior de lo más certero, se le suma el rojo chillón de la sangre de la que echa mano un Rico en estado de gracia, embruteciendo todavía más las traiciones de quienes convierten el destino de Roma en una atrocidad a base de venganza y muerte.

—JOAN S. LUNA

7 Osamu Tezuka fue el Dios del Manga, uno de los mangakas que más ha influido en los artistas de cómic de todo el globo terráqueo, por lo diverso de sus obras, por su estilo propio, por su increíble narrativa adelantada a su tiempo.

De ahí que, como celebración del noventa aniversario de su nacimiento, se publicase en Japón una colección de dieciocho cómics en los que autores de todo el mundo creaban historietas inspiradas libremente en su legado.

Ahora Planeta Cómic publica el resultado en tres volúmenes de cuatrocientas páginas. Y la sorpresa empieza ya con la portada, firmada por el mismísimo Paco Roca. Este primer tomo incluye trabajos de talentos del calibre de Atsushi Kaneko (que se atreve con “Dororo”) o los españoles Víctor Santos (“MW”) y Juan Díaz Canales (“Adolf”).

C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador General Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador Editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com PUBLICIDAD Director Comercial: Dani López dani@mondosonoro.com, T. 687 914 719 Coordinador Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Publicidad Madrid: Víctor Valero victor@mondosonoro.com, T. 671 084 191 Publicidad Catalunya: David Morell david@mondosonoro.com, T. 607 366 693 Administración y Contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com REDACCIÓN Redactor Jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com Diseño : Errea Comunicación Depósito legal B. 11 809-2013 Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com Edición Aragón aragon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Sergio Falces, David Chapín publiaragon@mondosonoro.com Edición Asturias-Cantabria Redacción /Publicidad Asturias: Iván Marcos Tlf. 699 514 503 (asturias@mondosonoro.com) Redacción /Publicidad Cantabria: Roberto Silva 696 617 210 (cantabria@mondosonoro.com / publicantabria@mondosonoro.com) Edición Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró Tlf. 637 447 561 Edición Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción / Publicidad: Iker Bárbara Tlf. 665 050 639 Edición Galicia-Castilla y León galicia@mondosonoro.com castillayleon@mondosonoro.com Redacción/publicidad: Nonito Pereira Tlf. 615 914 379 Edición Sur (Andalucía, Extremadura, Murcia) andalucia@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González, Tlf./Fax 699 339 245 COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Izquierdo, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes , Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jorge Obón, Jose Carlos Peña, Joseba Vegas, Luis Benavides, Marcos Gendre, Marcos Molinero, María Fuster, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raquel Pagès, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Sergio Del Amo, Tomás Crespo, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Gustaff Choos, Hara Amorós, Fernando Ramírez, Juan Pérez Fajardo, Mariano Regidor, Montse Galeano, Nacho Ballesteros

f 195.626 seguidores t 100.900 seguidores x

84.400 seguidores 71.782 seguidores 17.000 seguidores

—ESTEBAN VIVES mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

MUEC. MUSEU ETNOLÒGIC I DE CULTURES DEL MÓN

27, 28, 29 I 30 DE MAIG 2021 BARCELONA

FESTIVAL D’ARTS CONTEMPORÀNIES AL VOLTANT DE L’ETNOLOGIA Amb la col·laboració de

Hay algo que da más miedo que las vacunas

Envía VACUNAR al 28033 Con tu SMS, vacunarás a 3 niños contra el sarampión*

© PEDRO BALLESTEROS

O haz un BIZUM al 38021

No tenerlas

*

Donación íntegra del coste del mensaje, 1,20 €, a favor de Médicos Sin Fronteras. Información legal y protección de datos: www.msf.es/tus-datos-personales.