Mondo Sonoro julio-agosto 2022

Nº 308 Julio-agosto 2022 www.mondosonoro.com

Rocío Márquez y Bronquio Volando GUITARRICADELAFUENTE, MÅNESKIN, NATALIA LACUNZA, BELLE & SEBASTIAN, LOS ESTANQUES Y ANNI B SWEET LA PEGATINA, !!!, SIGRID, BAD RELIGION, BEN HARPER, TRIBADE, KENDRICK LAMAR, LÁGRIMAS DE SANGRE, SUU

ÚNICO CONCIERTO EN EUROPA

BIFFY CLYRO / STEREOPHONICS / VETUSTA MORLA / YEARS & YEARS LOS PLANETAS / RUN THE JEWELS / GLASS ANIMALS / MICHAEL KIWANUKA WOLF ALICE / PAOLO NUTINI / AURORA / DELAPORTE / KEVIN MORBY KURT VILE & THE VIOLATORS / MARÍA JOSÉ LLERGO / 091 / NIKKI HILL VIVA BELGRADO / GUS DAPPERTON / LOS ZIGARROS / SPORTS TEAM / LUCY DACUS MORGAN / YARD ACT / INSTITUTO MEXICANO DEL SONIDO / JAVYPABLO / NOVA TWINS NIÑA COYOTE ETA CHICO TORNADO / SOFÍA VALDÉS / LIFE / GHOULJABOY NIÑOS MUTANTES / MONTELL FISH / SYLVIE KREUSCH / JOEY VALENCE & BRAE ADIÓS AMORES / LAS DIANAS / WASABI CRU / THE DIP / GOA / LA PERRA BLANCO SPIRITUAL CRAMP / NIÑOS LUCHANDO ¡ENTRADAS YA A LA VENTA! / andaluciabigtickets.com

10 DE SEPTIEMBRE MADRID

SUPERORGANISM World Wide Pop CD | LP | LP Ltd | K7 Disponible: 15 de julio

MARTIN COURTNEY Magic Sign CD | LP | LP Ltd Ya disponible

FLASHER Love Is Yours CD | LP | LP Ltd Ya disponible

DC GORE All These Things CD | LP | LP Ltd Disponible: 29 de julio

dominomusic.com

7/Mondo freako

Flequillo, lírica tradicional, accesible pero con peso, guitarra, voz ‘redondica’.

Guitarricadelafuente se bastó con unos pocos ‘singles’ y otras tantas colaboraciones para estar en boca de todos.

Pero no se quedó en lo evidente. Con Raül ‘Refree’ publica su álbum debut, “La cantera” (Sony, 22). Más vanguardia para la canción.

U

N DISCO con expectativa, ¿es un arma de doble filo?

He podido decidir y tomarme el tiempo que he querido. Me vine a Barcelona para dedicarme al disco, para ir todos los días a casa Raül Refree [productor] e ir probando cosas. Me he podido preguntar: ¿Qué es lo que quiero ser?

—¿No lo sabías?

Me vino todo muy de sopetón. Tenía doce canciones bajo el brazo, nada más: hice tres giras con esas canciones… Al final sentía que estaba engañando a la gente, y engañándome a mí mismo. Sentía que esas canciones ya no me representaban. Pero cuando la patata está caliente, lo está.

Guitarricadelafuente A mi manera

—Has hecho lo que has querido… Lo que querías, se parece bastante a lo que ya hacías, ¿no? No veo un salto abismal.

En un principio era yo y la guitarra y mis canciones nacían a partir de ella; para mí eso era lo más fácil. Pero necesitaba probar otras formas de componer. Y sí que es verdad que en el disco hay un buen balance entre lo que “era” y lo que soy: los singles que han salido, que no están muy producidos, se inspiran en el folclore. Pero Raül me ayudó a sentirme seguro y que podría dejar la guitarra y cantar a la gente de igual forma. Antes era como una simbiosis; si me quitaban la guitarra, me moría de vergüenza. Me impedía decir muchas cosas.

—Te has alejado de tu folclore... Pero creo que te has abierto a otros.

“Vidalita” es una canción que a mucha gente le ha parecido alejada de lo que hacía, pero al mismo tiempo mucha otra me ha dicho que es muy “yo”. Como todo el disco, está inspirada en los cantes de ida y vuelta, ¿sabes? La inspiración… La inspiración es simplemente la ida y venida de músicas entre Sudamérica y la Península. Y

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de ahí, muchas, muchas más músicas: está Aragón, está la jota, están las alegrías... El disco, a nivel narrativo y de imaginario, tiene partes de toda esta historia.

—¿Siempre te ha atraído la música con tanto peso?

Densa.

—¡Nada densa, pero tiene un peso!

La música te cala. Y las músicas populares lo hacen con cuatro palabras arcaicas, cuatro estrofas que se repiten y que te dicen “voy a la fuente a llenar el cántaro para llevártelo a tu ventana”.

Es algo tan básico, pero que te da tantas cosas… Una demostración de amor.

Es la música que más me ha llegado.

La más honesta, ¿sabes? La más clara y menos pretenciosa.

—¿Le has dado muchas vueltas para no sentirte impostando cantándola?

Cuando terminé el disco, ni siquiera Sony sabía lo que estaba haciendo.

Hay imaginarios que me parecen más impostados que otros, me centro en lo que las imágenes transmiten, las palabras, que la historia tenga sentido.

—Has introducido más instrumentación. ¿Tenías miedo de que la cosa quedara demasiado grandilocuente?

En “Las alturas” fue la primera canción en la que trabajé con Raül. No teníamos mucha confianza y empezamos a hacernos preguntas muy diferentes. Yo estaba acostumbrado a ser excesivamente perfeccionista, como que me gusta ir con todo al milímetro y al final cuando yo producía, me gustaba tenerlo todo bajo control. Pero si has ido a ese productor para trabajar con él es porque confías en lo que hace. Al principio era muy reticente a cambiar las cosas que yo tenía fijas en la cabeza. Pero ahora, mirándolo con Raül, en el último tramo, ya acabando el disco, cada tema que salía era lo contrario a algo conservador...

—Seis meses más y hubieras acabado haciendo electropop...

Sí, sí [risas].

—Y cuando viniste aquí a trabajar con Raül, ¿te tiraste a la piscina al cien por cien en plan ‘me mudo de ciudad y me dedico” o tenías colchón?

Nací en Benicassim. Y me mudé a Madrid cuando empecé a girar y me dedicaba ya plenamente a la música.

Pero Madrid realmente lo tenía como un sitio dormitorio. Decidí meterme de pleno en el proyecto en Barcelona.

Y Raül aquí me ha servido de padrino, me ha acogido muy bien… Hemos esta#8 julio-agosto 2022

do en su casa estos dos años y ha sido un proceso muy bonito; hemos podido probar cosas sin ningún tiempo límite.

—¿Por qué quisiste hacerlo con él?

En un principio el disco iba a ser acústico, guitarra y voz, y dije “pues quién mejor que Raül”; no se me ocurre aún ahora, de hecho. Pero cuando vi que quería hacer algo más producido, más pop, no pop, pero con un balance interesante entre lo que tenía yo y a lo que quería ir, todavía vi más claro que era él.

—Lo tuyo es un folclore de contradicciones: origen, juventud, aprendizaje, tierra, ciudad… Instagram.

Es algo que todos llevamos dentro en nuestra generación. Influencias y modas rápidas. Algo que, a la vez, deja a nuestras generaciones sin referentes, sin sustancia, sin fundamento. Al final creo que todos damos valor por eso a la comida de la abuela y a todas estas cosas, porque nos hacen ver cuál es nuestro hogar o dónde nos sentimos cómodos: nuestra tierra. Vale, yo vivo

CRITICANDO La cantera Sony Music

8 CANCIÓN / La fórmula guitarra y voz lle-

va encandilando al público desde que Julio Iglesias paraba cañonazos en el Real Madrid. Es seguramente la versión más longeva, rentable y eficaz del pop.

Es solemne pero asumible, desnuda y bella. Álvaro Lafuente ha hecho fortuna en los últimos cuatro años, desde aquel inesperado “Guantanamera”, gracias al candor de su cantar junto a unos pocos arañazos a las cuerdas. Estaba por ver si esa comunión entre instrumento y pecho aguantaría un disco entero. En realidad, nunca se sabrá. Lafuente ha hecho trampas. A su habitual gravedad, ha sumado nuevas músicas de raíz a su obra. Acompañado por Raúl Refree a la producción, Guitarricadelafuente ya no es solo guitarra y voz. En “La cantera” se funden la chicharra mediterránea de su Benicàssim natal, las raíces aragonesas y muchas otras cosas. De aquí y del otro lado del Atlántico. —Y.S.I.

“

“La música popular es la más honesta.

La más clara y menos pretenciosa”

MONDO FREAKO en Barcelona, soy una moderna, pero sé que tengo eso ahí, ¿sabes?

—Es lo poco que nos salva.

Soy lo que soy y lo que canto. Estoy a gusto conmigo mismo y siento que soy honesto y que hago lo que lo que realmente me nace.

—Antes de ir a Madrid. ¿Te proyectabas en el punto en el que estás?

Desde que empecé a tener “engagement” de la gente, fui trabajando; buscándome bolos, yendo a Valencia por bares, a picar y decir “Oye, ¿me pasas cervezas y a un concierto y vienen mis amigos y más gente…?”. A día de hoy sigo sin tener ninguna expectativa de lo que va a ser el año que viene o cómo va a ser dentro de tres, ¿sabes? Pero es cierto que no pensaba poder dedicarme a la música ni que estaría ahora en Barcelona haciendo un disco con Raül.

—¿Cuál era tu plan B? El plan B… No tenía ni idea. Es que… este era el plan B. ¿Sabes? Y lo luché.

—Pero con veinte años, ¿qué estabas haciendo? ¿Estudiando?

Empecé a estudiar arquitectura.

—¡Menudo plan A! Vaya bachillerato te tuviste que pegar “para nada”…

Siempre había estado volcado en lo artístico. Pero no sabía qué...

—¿Tampoco tenías un entorno del rollo? Hermano, hermana, padre, madre… ¿Músicos?

Mi familia es aragonesa, y mi abuela es de un pueblo de Teruel al que yo sigo yendo, a donde me voy la semana que viene de hecho, Las Cuevas de Cañart, lugar al que está dedicada “Guantanamera”. Allí mi abuela y su padre y mi familia en general están muy vinculados a la música… ¡La bandurria! Nos han inculcado bien la música de antes.

—La música como recurso.

Recurso. Para acabar de comer y con mis primos y con mi tío, ¡a tocar…! Ahora uno de los músicos con los que voy de gira es un chico con quien tocaba de pequeño la guitarra. Ahora lo estoy poniendo a trabajar con sintes [risas].

—Érais la cantera.

¡La cantera! Cuando de pequeños íbamos por Cuevas, nos decían “Mira la cantera”, Para mí es como volver a mi pueblo. Lo llevo por bandera indiscutiblemente… Siento que le debo algo. Mi forma de contribuir a que un pueblo así siga con vida y no desaparezca es esta. Un relevo generacional que demuestra que la gente de ahora,

los jóvenes de ahora, tienen que poner más la mirada en el pasado. Dejando a un lado el imaginario castizo. En plan el botijo. El punto de vista romántico de los pueblos es su decadencia.

—¿Los convierte en un cuadro de costumbres?

Eso. Y alguien que vive en Cuevas, o en cualquier pueblo rural, tiene que tener las mismas posibilidades. Me encantaría que una familia de cinco miembros se pudiese mudar a Cuevas, que tuviese un Internet que funcionase bien, que tuviese los recursos necesarios para hacer vida “normal”.

Creo que hay que reivindicar todo esto de alguna manera. Para mí, a nivel visual, en los videos, como que ya no está tan españolizado nada de esto... Tan coplero. Tiene que ser más actual para que nos lleve a ese punto de “normalidad”. Todo el arte del disco lo hicimos con un ilustrador que se llama Fernando Moreno, y en lo visual hay muchos elementos tradicionales, como un porrón, pero combinado con cosas robóticas, futuristas. Eso ayuda a alejar la decadencia.

—¿A la hora de llevarlo al directo seguirás la misma lógica? ¿Dejar de lado lo castizo?

Una mezcla. Me gusta que sea muy electrónico, pero con un toque clásico y que ese elemento clásico se pueda “loopear”. Y que se pueda a partir de ahí meter panderos cuadrados. Y bandurria. O sea que estos elementos tradicionales en el directo se manipulen. En ese aspecto está siendo un poco complicado, pero complicado por encontrar el sonido, más que por que no se pueda llegar a hacer.

—¿Mucha autoexigencia, como co-

mentabas?

Nunca he pensado en ir a clases de canto; qué más da que afines si emocionas.

Pero con el resto de cosas, sí que soy muy autoexigente. —YERAY S IBORRA

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EN CONCIERTO l Vilanova i la Geltrú 01 julio. Vida Festival l Barbastro 02 julio. Polifonik Sound l Córdoba 05 julio. Gran Teatro l Torre del Mar 07 julio. Weekend Beach l Madrid 09 julio. Mad Cool Festival l Benicàssim 15 julio. FIB l Barbate 23 julio. Cabo de Plata l Santander 05 agosto. Santander Music l Sant Feliu de Guixols 14 agosto. Portraferrada l Alp 15 agosto. Cerdanya Music Festival l Benidorm 18 agosto. Boombastic Festival

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Blackpanda y Vangoura en El Sol FOTO Jorge Ferrer

Domino’s Live Mu Primavera Music en Madrid Medalla en Galileo Galilei FOTO Jorge Ferrer

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PUBLIRREPORTAJE

Madrid ha vuelto a la plena actividad. A las fiestas populares de la Comunidad y San Isidro, se han sumado infinidad de propuestas en salas de la capital. Pero si una ha destacado en el ámbito musical por encima de las demás ha sido Domino’s Live Music, una iniciativa de Domino’s Pizza que une música en directo, diversión y la que probablemente sea la comida más popular del mundo.

Q

ué mejor colofón puede haber para una sudorosa noche viendo un concierto de tu grupo favorito que degustar una suculenta pizza rebosante del mejor queso fundido? Una afortunada conjunción que ha hecho más brillante el cielo madrileño durante varias semanas a través de Domino’s Live Music.

Cora Yako en Siroco FOTO Jorge Ferrer

A ello, este año, se suma además un valioso mensaje de fondo: el apoyo a las salas de conciertos, uno de los eslabones imprescindibles de la industria cultural y musical y al mismo tiempo uno de los más afectados por las restricciones ocasionadas por la pandemia. Por ello, esta edición primaveral ha comenzado con cuatro bolos repartidos entre mayo y junio con algunos de los grupos más destacados de la nueva escena independiente. Y todos ellos en las salas más míticas de la capital.

Vangoura y Blackpanda inauguraron la edición de 2022 del Domino’s Live Music en la Sala Sol, en un inicio fulgurante por partida doble cuyo momento álgido fue la unión de ambas bandas sobre el escenario. Si las salas se caracterizan por algo, es por ser el lugar de encuentro de todos los protagonistas del universo musical, y eso incluye a artistas, medios, industria y público. En este caso, fue la energía de éxitos como «Un paso atrás” –el que no dieron Vangoura ni Blackpanda– lo que catapultó los ánimos del público que disfrutó desde el minuto uno. Fue un éxito que sirvió de auténtica punta de lanza para que las expectativas de los siguientes conciertos del ciclo se dispararan.

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Motown Live Ensemble en Clamores FOTO María Alfonso

La segunda cita tuvo como protagonistas a Medalla en una sala legendaria como la Galileo Galilei. La banda barcelonesa llegó con su energía habitual y ofrecieron un show muy especial, que difería por completo del que brindaron hace apenas unos meses en la misma sala. Medalla se ganaron el respaldo de todo el público asistente de principio a final de su actuación. La iniciativa

Domino’s Live Music empezaba a definirse como el gran evento que ha sido.

La sala Siroco, una de las más icónicas de todo el recorrido de Dominos’ Live Music, fue el enclave en el que los mallorquines Cora Yako demostraron su buen momento musical; están en plena forma y son uno de los grupos a tener en cuenta para los próximos años. Las expectativas estaban colmadas, y todavía no habíamos llegado al final…

Si hablamos de conciertos, el ciclo se cerró con uno de los más especiales. El de Motown Live Ensemble, quienes fueron capaces de recoger el espíritu mítico de las canciones de la legendaria Motown en un cierre de ciclo en la sala Clamores, que sirvió para despedir el regreso de esta celebración de las pizzas y la música en directo. Aunque aquí no acaba la aventura. Domino’s Live Music promete convertirse en uno de los ciclos de referencia en Madrid y no nos cabe duda de que lo conseguirá.

Además, y por si no hubiera suficiente, esta edición ha ampliado su reivindicación de las salas de conciertos con una serie de cuatro podcasts en formato Música + Charla de Spotify de la mano de Mondo Sonoro. En ellos, la reputada periodista y fotógrafa Wilma Lorenzo ha entrevistado a los grupos participantes y a algunos de los profesionales que llevan décadas al pie del cañón haciendo que las salas funcionen y mantengan su posición como eslabones imprescindibles de la industria musical. En este aspecto, se ha querido homenajear a las salas haciendo un emotivo recorrido sonoro por cuatro de sus lugares clave: La entrada (El Sol), la barra (Galileo Galilei), el escenario (Siroco) y el backstage (Clamores).

En estos cuatro episodios se ha contado con la participación de artistas de la talla de Eric Jiménez (Los Planetas), Dani Martín o Laura Gómez Palma (bajista de Joaquín Sabina).

Domino’s Live Music ha vuelto a lo grande, con energías renovadas y con las mejores pizzas para cargarlas de nuevo. n

Escucha aquí los podcasts Especiales Domino’s Live Music: Sala El Sol #1

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Sala Galileo Galilei #2

Sala Siroco #3

Sala Clamores #4

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MONDO FREAKO “Tiene que ser para mí” (Universal, 22) es el nuevo trabajo de Natalia Lacunza, esta vez trabajando mano a mano con Pau Riutort. El resultado supone un notable paso adelante en la trayectoria de la pamplonica.

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stamos acostumbrados a presenciar involuciones artísticas que parten de un impecable reducto de pureza que termina derivando en una catastrófica adaptación con calzador a un medio innatural e impuesto en favor de una salvaje venta al mejor postor. No es de extrañar que no sean muchos los y las artistas que deciden emprender el camino a la inversa, y mucho menos después de haber degustado las mieles del éxito convencional por excelencia. Sin embargo, cada vez parece menos infrecuente toparnos con figuras del pop que rompen los arquetipos establecidos en favor de una renovada imagen del manido mainstream, ampliando con ello el catálogo de recursos referenciales que las nuevas generaciones tienen a su disposición. En medio de este notable cambio de dirección, ha aparecido en los últimos años el discurso de una joven navarra llamada Natalia Lacunza, a la que muchos recordaremos por ser una de las caras con más carisma y sello propio de las nuevas generaciones emanadas del fervor mediático de Operación Triunfo, pero cuya carrera a día de hoy dista mucho de lo que acostumbramos a ver salir de la famosa Academia. Sobre este giro de los acontecimientos en las artistas de su generación, Natalia especula sobre las posibles razones que causan este cambio en el perfil de los artistas. “Gracias a Internet mi generación tiene acceso ahora a mogollón de referencias que antes era impensable.

Incluso hacer música es ahora mucho más fácil, con cuatro tutoriales de YouTube. Ese flujo de información nuevo ha cambiado definitivamente el juego para siempre”.

SENTIRSE CÓMODA en un terreno más comedido y alternativo es algo que a la artista de Pamplona le ha resultado sorprendentemente natural y fácil, hallando en este particular territorio las herramientas y los recursos útiles para dar con su mejor sonido hasta la fecha, como bien demuestra en “Tiene que ser para mí”, su más reciente lanzamiento y consagramiento profesional. “Poco a poco, creo que he encontrado mi sitio. Sin ir más lejos, la seguridad con la que hablo ahora de mi música no tiene nada que ver con la forma en la que solía hacerlo antes. Pero más allá de saber cuál es mi sitio o saber si lo he encontrado o no,

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Natalia Lacunza

Todo va a cambiar CRITICANDO Tiene que ser para mí Universal Music

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POP / Natalia Lacunza al fin ha lanzado su álbum debut después de hacerse de rogar con los epés “Otras alas” (19) y “EP2” (20).

Se podría decir que ha desvelado todas sus vivencias en este disco, dejando plasmadas las lecciones que ha aprendido de la vida en estas canciones. Lacunza habla en primera persona durante todo el disco de experiencias propias e historias que quiere dejar atrás con una sensibilidad que deja patente en unas letras sinceras y cargadas de emotividad. Aunque no todo es decep-

ción y tristeza en este “Tiene que ser para mí”. Basculando entre el nuevo pop y las sonoridades dream pop, hay tiempo para la luz, la positividad e incluso el baile. Lacunza consigue que nos sumerjamos en las historias que nos está contando, que las hagamos nuestras.

Trabajado mano a mano con Pau Riutort (Beach Beach, Extraperlo), consiguiendo un disco de pop claro, cristalino, consistente y maduro. —ELENA MARTÍNEZ

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sas “Sigo haciendo las co ora he con el corazón, pero ah eña desarrollado una pequ coraza alrededor” lo que sí que tengo claro ahora es la manera en la que quiero que se hagan las cosas”. Un salto cualitativo que ya veíamos venir en su anterior trabajo, “EP2” (20) y que la cruda honestidad de su nuevo disco nos confirma sin atisbo de dudas. “Diría que siempre he sido bastante abierta en mi discurso.

Lo que he hecho en esta ocasión es apostar por un storytelling más personal y por letras que son menos interpretables y más directas. Con ese punto autobiográfico que menciono, muchas canciones ahora parecen más brutalmente honestas que nunca”. Una actitud, desprovista de palos en la rueda y marcada por el autocuidado, que obviamente no se consigue de la noche a la mañana, como la propia artista pamplonesa nos confiesa: “Somos una generación marcada por la insatisfacción personal, por la culpa, y por el complejo de inferioridad. Vivimos con demasiadas cargas sobre nuestros hombros, preguntándonos constantemente si seremos suficiente o si tiene algún sentido trabajar tan duro para algo que será olvidado a los cuatro días. Alcanzar ese nivel de paz interior en el que te convences a ti misma de que un proyecto tiene sentido para ti, por el mero hecho de ser tuyo, no es algo que se alcance con facilidad”. Y por ello, nada como las propias palabras que una pueda dirigirse a sí misma. “‘Tiene que ser para mí’ es como un mantra que me he estado repitiendo cuando esas cargas pesaban demasiado. Se trata de encontrar esos momentos particulares entre el frenetismo regular en los que debes detenerte y darte una palmadita en la espalda porque te lo mereces, en lugar de focalizarte solo en lo que te falta o en lo que aún no has logrado”.

GRACIAS A LA FUNDAMENTAL ayuda de Pau Riutort (ex Beach Beach y Extraperlo y mano derecha de El Guincho en trabajos para Rosalía o FKA Twigs) a los mandos de la producción, Natalia ha logrado que desdibujemos por completo nuestro recuerdo de su paso bajo aquellos impúdicos focos televisivos y solo tengamos ojos para su propuesta presente. “Creo que sigo siendo la misma chavala, aunque ahora, indudablemente y gracias a las experiencias, filtro más a quien le regalo mi tiempo. Digamos que sigo haciendo las cosas con el corazón, pero ahora he desarrollado una pequeña coraza alrededor de ese corazón”. —FRAN GONZÁLEZ

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EN CONCIERTO l Málaga 01 julio. Ojeando Festival l Barcelona 09 julio. Share Festival l Villaviciosa 14 julio. Riverland Fest l Tudela 15 julio. Ribera Sound l San Javier 26 julio. Fan Futura Fest l Ciudad Real 29 julio. Oasis Sound l Soria 05 agosto. Covaleda Fest l Alcalá de Henares 25 agosto. Gigante

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LA MÍA

La voz de los lectores

H

E INSISTIDO en diversas ocasiones en que no soy un tipo nostálgico, o por lo menos no me considero como tal. Es obvio que al mirar atrás siento mayor empatía o mayor desagrado con distintas etapas de mi vida, pero me encanta vivir en el presente y mirar hacia el futuro. Una vez dicho esto, se entenderá por qué le dedico este mes esta columna de opinión a uno de nuestros lectores, un tal Seigar, quien apunta que no solamente sigue Mondo Sonoro con asiduidad, sino que está suscrito a la revista de papel (Gracias por la confianza). No le conozco personalmente, pero debo reconocer que me ha alegrado encontrarme con su escrito. Por un lado, porque creo que tiene mucha razón y, por otro, porque veo en sus palabras esa idea de la que hablaba al principio. El pasado, pasado está. Ahora bien, al mismo tiempo debo reconocer que, en su intento por huir del ayer, me ha hecho volver casi involuntariamente muy atrás en el tiempo. No me refiero a los tiempos previos a la pandemia, sino aquellos en los que a la gente le encantaba enviar cartas a las secciones de correo de los medios y a nosotros, los periodistas, recibirlas. De vez en cuando había inquina, claro está, es inevitable, pero a años luz de la fiereza depredadora y prepotente de las redes sociales en los tiempos actuales. Quizás he sentido una nostalgia momentánea al respecto porque, de chaval, había escrito no una, sino posiblemente un par de decenas de cartas que enviaba a medios diversos y secciones de correo, manuscritas y cándidas.

PERO DECÍA al principio que considero que Seigar tiene mucha razón en lo que nos recrimina. “Me gustaría apuntar algo que lo mejor no sois conscientes de ello, pero emocionalmente nos afecta a todos los que leemos la revista. ¿De verdad es necesario recordar en cada artículo ‘la pandemia’, ‘el confinamiento’ y lo mal que lo hemos pasado estos dos años? No sería más agradable seguir hablando de música y vivir el momento sin recordarnos en cada artículo y en cada crítica ‘lo que ha pasado’. De corazón os lo pide un lector que os lee siempre con muchísima atención, pues para mí significáis alegría y vida. La música nos llena y nos aporta”. Lo dicho, más razón no puede tener. Empecemos a cambiar todos el chip lo hayamos pasado bien, mal o peor.

Inundemos de optimismo nuestro momento actual, que bastante jodido está todo ya. Y no estoy hablando de fingirlo, sino de saber disfrutar de lo que tenemos y de que estemos aquí leyéndonos unos a otros.

—JOAN S. LUNA

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ENTREVISTA

E

MPEZAR UNA ENTREVISTA con una pregunta típica nunca parece la mejor opción, pero en este caso no hay alternativa y urge preguntar a ambos protagonistas, en conexión vía zoom y al otro lado de la pantalla, cómo, cuándo y dónde surgió este proyecto conjunto entre Los Estanques y Anni B Sweet. “Yo había escuchado las canciones de Los Estanques y me gustaban muchísimo. Vi que Íñigo había subido una story con un tema mío y pensé que igual a ellos también les podía molar lo que yo hago. Así fue como hablamos de hacer una colaboración. Empezamos con la idea de esa colaboración única y acabamos haciendo un disco entero, porque fue una conexión muy guay y nos lo pidió el cuerpo de manera natural.

No tuvimos que hablarlo mucho [risas]”.

Por su parte, Íñigo Bregel, líder de Los Estanques, aclara cómo fue la forma de trabajar en las canciones que ahora componen el presente álbum. “Al principio lo hicimos mandándonos temas. Y luego ya directamente grabándolos: las mismas demos son el disco. Después, a medida que Ana vino más y en verano, que estábamos todos más liberados, ya le dimos caña todos juntos”. En la práctica, la autoría de las letras del elepé es compartida o alternada según el corte, siendo más personales en el caso de la andaluza.

“

“Hemos tenido la suerte de conectar, pero podría no haber ocurrido así”

“Las mías son bastante autobiográficas.

Aunque haya metáforas o en una misma canción líe diferentes historias (que es algo que también hago mucho), hablan de lo que siento, de lo que veo y por lo que estoy pasando en cada momento”. Bregel apostilla su parte. “En mi caso no son autobiográficas, pero al final con lo que te expresas es un poco lo que eres ¿no?

Pero no hablan de nada puntual o que me esté pasando o me haya pasado, es más el subconsciente”.

ave

Los Estanq

EL RESULTADO DE ESTA SINERGIA incluye rock progresivo, psicodelia, pop, y también tiene un perfil muy setentero. “A los dos nos gusta la música de los sesenta y setenta, así que había como un pequeño camino claro que nos guiaba, pero, al mismo tiempo y gracias a la imaginación de Íñigo, cabían muchas posibilidades.

Se ha abierto un mundo muy chulo, estilísticamente hablando”. “Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado” tiene tanto sentido conjunto, que casi puede llegar a entenderse como un álbum conceptual.

“El disco está pensado como tal, con las canciones en el lugar en el que creíamos que debían estar, y musicalmente se de-

EL APUNTE

Los directos

E

N EL MOMENTO de contactar con Íñigo y Ana, ambos se encontraban en el local de ensayo preparando junto al resto de Los Estanques lo que serán los conciertos presentación de “Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado”. “Va a haber conciertos y va a haber gira. Estamos ahora en plenos ensayos. Está siendo muy duro, pero a la vez estamos viendo cómo van saliendo las cosas y para mí está siendo muy satisfactorio ver cómo estamos llevando al directo un disco que tiene un millón

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de detalles. Estamos currando mucho y creo que esto va a tener una recompensa encima del escenario. Lo que no podemos controlar es qué pasará con el público, pero ojalá les llegue y se diviertan mucho también. Llevar esto al directo va a ser una recompensa muy bonita. Además, el disco va de arriba abajo, una canción tras otra. Y en directo va a ser igual: el disco entero del tirón y de arriba abajo”. Íñigo Bregel certifica la afirmación para cerrar también la entrevista: “Estará todo ahí, no nos dejaremos nada”. —R.J

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Bien enidos

ques y Anni B Sweet Los Estanques y Anni B Sweet unen fuerzas en lo que a priori podía antojarse como una de esas alianzas inesperadas y llamativas.

Una perplejidad que se disipa de inmediato con la escucha de “Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado” (Inbophonic, 22).

—TEXTO Raúl Julián —FOTOS Sergio Albert

sarrolla como una historia. Tiene gracia porque las letras han sido un poco batiburrillo de aquí y de allá y el disco tiene bastante sentido conjunto. Eso lo hemos visto a posteriori”. Lo cierto es que, a lo largo de toda la referencia, se palpa la complicidad. Tanto que sorprende que, siendo el primer paso de la colaboración, la obra luzca tan sólida y asentada. “Mi sensación, cuando conocí a Iñigo, es que ya había una especie de conexión entre ambos. Creo que nos entendimos muy bien y conectamos como personas. Y eso también fue suerte, porque podría no haber ocurrido así”. “Las ideas de Ana me molaban mucho y veía muchas posibilidades. Eso es una motivación y resulta clave”. Otro elemento que funciona muy bien a lo largo de todo el asunto es el relativo a las voces. “Mi ilusión era que Íñigo cantase conmigo. En Anni B Sweet canto yo y por eso aquí quería esa mezcla. Me flipa la forma en la que él canta, porque creo que tiene muchísima personalidad y sabe hacer lo que quiere con la voz. Pero me costó muchísimo convencerlo y al final hemos repartido.

Hay una mezcla y creo que eso tiene gracia”. Hablamos de dos artistas, Los Estanques y Anni B Sweet, que a estas alturas cuentan ya con un importante bagaje artístico, pero que sin embargo han encontrado, en esta colaboración, motivadores inéditos. “Para mí ha sido una liberación. Ha sido el momento de confiar en otra persona y ver qué pasa si te abres. Me ha salido muy bien la jugada, porque confiar en Íñigo es fácil. Esto es otro proyecto, no es Anni B Sweet. Allí tenía más marcado el caminito y aquí el caminito está por marcar: podemos hacer algo nuevo e imaginar lo que queramos”. —R.J

EN CONCIERTO l Santander 06 agosto. Santander Music l Burgos 17 septiembre. Tribu Festival l Valencia 14-15 octubre. Love To Rock

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julio-agosto 2022 #15

MONDO FREAKO

Sigrid Déjalo ir identidad durante la pandemia, porque su identidad como artista y la personal estaban muy mezcladas. Al parar, se preguntó de repente quién era en realidad. “Creo que me he dado cuenta, aunque en parte ya lo sabía, de cuánto amo ser artista, estar de gira... No haber podido hacer lo que amo durante casi dos años me ha hecho darme cuenta de cuánto lo quiero y cuánto agradezco poder dedicarme a esto. Recuerdo que leí muchos artículos sobre la necesidad que había de “aprender algo” en todo este tiempo, tanto a nivel mental como de habilidades y tal. Yo me propuse por ejemplo aprender solos de guitarra... y no ocurrió [risas]. Quizás debería haber aprendido más, aunque intento no ser muy dura conmigo misma en eso”.

Después de dejarnos maravillados con su debut, “Sucker Punch” (19), había mucha expectación por el nuevo disco de la noruega Sigrid, alimentado además por singles tan certeros como “Mirror” o “Burning Bridges” durante prácticamente un año. Y lo cierto es que no ha defraudado: “How To Let Go” (Universal, 22) es otra colección de bops, incluyendo esta vez momentos más downtempo, que sientan divinamente a la noruega. En julio formará parte del cartel del madrileño Mad Cool.

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E

“Es bastante difícil escribir pop”

MPIEZO PREGUNTÁNDOLE si hay algún tema alrededor del que gire el disco. Y lo tiene claro. “Hay un tema clarísimo... Mi vida [risas].

Es que al final siempre acabo escribiendo sobre mi vida. A veces intento escribir sobre cosas que no tienen que ver conmigo, pero vuelvo a lo mío. Aunque, bueno, lo veo bien. Es una manera de soltar lo que tienes dentro. De hecho, el disco se llama ‘How To Let Go’, y es más una pregunta que unas instrucciones, porque... No lo sé [risas].

No sé cómo soltar lo que te hace mal, pero estoy intentando aprenderlo. Creo que hay canciones en este disco que son como recordatorios, tanto para mí como para quienes las escuchen, me encanta escribir pequeños recordatorios. Hay canciones que te recuerdan a ti mismo que vale la pena correr riesgos, que hay recompensas que merecen absolutamente la pena... El simple hecho de ser artista es una de ellas”.

Pese a ello, en una entrevista reciente Sigrid comentaba haber sufrido una crisis de

PARECE QUE LA PUGNA alimentada por los medios por ser la “Reina del Pop” ha disminuido un poco, o al menos hay mucho más espacio para artistas pop que no están tan en primera línea como Ariana Grande o Dua Lipa, pero tienen muchos fans: tú, pero también Lorde, Tove Lo, Lizzo, Rina Sawayama, Charli XCX... ¿Está cambiando eso para mejor? ¿O sigue habiendo mucha presión especialmente en las cantantes femeninas de pop? “Ser una chica en la industria del pop puede ser un poco un nicho. Solo puedo hablar por mi propia experiencia, y no sé cómo es ser un chico en esta industria, pero sí creo que las expectativas que se le ponen a las chicas son mucho mayores, y el camino es también mucho más estrecho. También me gustaría ver a más chicas en los carteles de festivales, la verdad”. Entre las que sí están podemos citar a girl in red y Dagny, ambas compatriotas de la propia Sigrid. “Sí, las he seguido... No es que seamos muchas en la música noruega, así que nos conocemos entre nosotras, solemos quedar y tal [risas]. Me encanta su música, y es una motivación bastante fuerte para mí. Me inspira mucho ver el éxito de mis compañeras”. —PABLO TOCINO

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PUBLIRREPORTAJE

Descubre Burgos en 72 horas El próximo fin de semana del 16 al 18 de septiembre se llevará a cabo en Burgos el San Miguel Tribu Festival, pero la ciudad tiene muchos más secretos que descubrirte y no puedes perdértelos.

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l San Miguel Tribu Festival es un excitante evento musical en el que podremos disfrutar de los directos de una larga lista de artistas internacionales, nacionales e incluso locales. Pero sería un error pensar que eso es lo único que ofrece Burgos, una urbe moderna, pero capaz de mantener un ritmo sin agobios y sin prisas, escenario ideal para paseos por parques, jardines, monumentos y centros de cultura.

Para que exprimas al máximo la experiencia

te proponemos un plan de 72 horas, perfectamente compatible con el festival. El primer día podrías seguir el trazado jacobeo pasando Plaza de San Juan, la iglesia de San Lesmes y la Catedral de Burgos. Puedes redondear la jornada de compras por El Espolón y acabar en la legendaria Plaza del Cid. El segundo día apuesta por combinar monasterios y naturaleza, pasándote por el monasterio de Las Huelgas Reales y la Cartuja de Miraflores. Y no te olvides de disfrutar de las mejores vistas

desde el Mirador del Castillo. No te preocupes por el cansancio acumulado, porque la tercera jornada será la de los tesoros escondidos. Eso significa pasarte por el Museo de Burgos a descubrir hallazgos arqueológicos y concluir la jornada sumergiéndote en la prehistoria en el referencial Museo de la Evolución Humana de Burgos, hogar de los fósiles homínidos originales de Atapuerca.

Descubre Burgos. Dale la oportunidad y te sorprenderá mucho más de lo que imaginas. n

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“¡Dejadnos hacer lo que nos gusta!”

A BANDA CATALANA La Pegatina se ha ganado el prestigio a base de crear auténticas fiestas en cada concierto en diversas partes del mundo. Empezaron hace diecinueve años siendo tres y ya son nueve en el escenario. Pero nunca han dejado de girar aquí y allí, acumulando más de mil doscientos conciertos en treinta y cinco países (desde China hasta Japón, desde Australia hasta infinidad de ciudades de Europa y Latinoamérica). En “Hacia otra parte” nos regalan diez hits instantáneos, pegadizos y coreables, que han compuesto para hacernos viajar por el mundo, pensando en el territorio físico y musical de cada una de las formaciones a las que han invitado a colaborar con ellos. ¿Podemos considerar este trabajo como el disco de las colaboraciones internacionales? Se lo pregunto directamente a Adrià, Rubén y Miki, quienes se encargan esta vez de las tareas de promoción. “Para nosotros es así.

Todo empezó con una petición de Crystal Fighters para hacer un single. Pero desaparecieron y no se llegó a hacer. Por otro lado teníamos el compromiso de hacer un tema con la banda holandesa Chef’ Special. Y, por otro, los alemanes Querbeat nos habían invitado a un festival que ellos mismos organizan y acordamos también hacer un tema juntos. Sin darnos cuenta teníamos tres temas con bandas europeas, que nos iban a ayudar cuando giráramos por sus países. Así que nos dijimos que por qué no hacerlo también con bandas latinoamerica-

#18 julio-agosto 2022

nas cuando viajáramos por allí. Pensamos en grupos que han sido referentes para nosotros y les lanzamos la propuesta. Bandas míticas como Los Auténticos Decadentes, Panteón Rococó, La Vela Puerca o La Santa Cecilia. Cuando nos dijeron que sí, fue como un sueño cumplido”. Y no es de extrañar, atendiendo a que estas cuatro agrupaciones latinas que acaban de citarme poseen un poder de convocatoria gigante en cada uno de sus respectivos países de origen.

SI MUSICALMENTE La Pegatina tienen poco que demostrar, poner en valor sus letras ha sido siempre una asignatura pendiente. Ya demostraron su potencial en aquel Laboratorio Sonoro en el que los textos de sus canciones tomaban el protagonismo. “No le decimos a nadie lo que tiene que hacer. Hablamos de lo que vivimos. Es inevitable que haya mensajes sociales comunes y también personales, pero siempre con positivismo. Por ejemplo, la gente de Open Arms nos invitó a su barco y vimos con nuestros propios ojos la realidad de las personas que se juegan la vida en el mar. De ahí surge ‘Culpa do mar’. En seguida pensamos en la brasileña Flavia Coelho porque es una persona muy reivindicativa y le encantó. En ‘Corea del Sur’ hablamos de que, seas del sur o del norte, los problemas son comunes y la solución pasa por resolverlos juntos. Los mexicanos Panteón Rococó lo entendieron rápido y se sumaron a la idea.

En ‘Yo quiero bailar’, hablamos de ese ‘público’ que quiere que le des solo lo que ellos quieren. Se lo explicamos a Los Auténticos

La Pega Cualqui otra pa

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ENTREVISTA

atina ier arte

“Hacia otra parte” (Calaverita Records/ Música Global, 22) es el nuevo trabajo de La Pegatina. Un décimo disco, octavo de estudio, el que la banda catalana expande fronteras y colabora con nombres de diversos países.

—TEXTO Miguel Amorós —FOTO Pedro Walter

Decadentes, quienes han sido criticados a veces por su estilo festivo, y lo clavaron nombrando diferentes géneros musicales: bolero, cumbia, merengue, guaracha, murga, tango, rumba, etcétera. ¡Dejadnos hacer lo que nos gusta!¡Dejadnos bailar!”. Una de las canciones más sorprendentes de este trabajo es “Contigo no cuento”, en la que colabora Louta y en la que tratan un tema de actualidad como es la ansiedad. “Louta es una especie de Stromae, pero a la argentina.

Es a la vez formal y muy loco. En cuanto a la letra, a alguno de nosotros la ansiedad nos superó en algún momento en estos tiempos confusos. Y poder explicarlo ha sido terapéutico. Esa es una de las funciones de la música, que si puede ayudar a que alguien se vea reflejado, genial”.

HABLANDO DE OTRO TEMA que ha sido crucial para La Pegatina desde sus inicios, el formato. Fueron pioneros en regalar su música y son expertos investigadores en cómo se consume la música hoy en día.

Antes de editar este “Hacia otra parte” han publicado hasta seis adelantos. Nos explican el porqué. “Ahora, cuando editas una canción, Spotify, la promociona poniéndote en las listas. Si vas editando una cada mes entra en las listas y acumula escuchas. Si editas un disco completo lo hará solamente una vez y de esa forma pierde efectividad”.

Por eso se les entiende cuando dicen que este será su último CD. Funcionando así pierde sentido el formato físico. “Lo hemos sacado porque era nuestro décimo disco y queríamos hacer algo distinto. De ahí ese

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packaging especial con aires de maleta y con todas las sorpresas que hay dentro.

Todo para darle un sentido, pero casi como un objeto de coleccionista. La gente joven ya no tiene ni reproductor de CD”. Aprovechemos pues para hablar sobre futuros proyectos. “El año que viene cumplimos veinte años y habrá una celebración épica.

Editaremos una novela gráfica repleta de anécdotas vividas y Adrià ya tiene una novela acabada. Aunque para este año ya tenemos grabado un epé en catalán del cual estrenaremos alguna canción antes. Saldrá en vinilo y con colaboraciones ‘locales’”.

—MIGUEL AMORÓS

EN CONCIERTO l Valencia 8 julio. Weekend Beach Festival l Sant Sadurní d’Anoia 14 julio. Acampada Jove l Barcelona 21 julio. Clotilde Fest l Tavernes de Valldigna 22 julio. Zevra Festival l Alcúdia 23 julio. Canet Rock Mallorca l Adra 6 agosto. The Juergas Rock l Villena 11 agosto. Rabolagartija l Sitges 15 agosto l Igualada 26 agosto. Parc Central l Villagarcía d’Arousa 08 septiembre. Revenidas l Torija 23 septiembre. Plaza de Toros l Murcia 05 noviembre. Plaza de Toros

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julio-agosto 2022 #19

MONDO FREAKO

“Nos gusta machacarloño todo y no saber qué co va a salir de ahí” FOTO: ARCHIVO

!!! (Chk Chk Chk) Tu fábrica de baile La dinamo del ritmo no para.

Seguramente pocos habrían pensado en 2003 que !!! (Chk Chk Chk) estarían en pleno 2022 despachando directos tan extenuantes y discos tan solventes como “Let It Be Blue” (Warp/Music As Usual, 22).

J

USTO ENTRE SU PRUEBA de sonido y su arrollador concierto en la sala Moon de Valencia, tuvimos la ocasión de charlar en persona con su líder e incombustible vocalista, Nic Offer, y con su guitarrista en la actualidad (antes fue bajista), Rafael Cohen. El entusiasmo y la energía siguen siendo innegociables para ellos. El título del disco ya es suficientemente significativo de lo que hemos vivido a lo largo de estos últimos dos años, y de la necesidad de aceptar los claroscuros de la vida. “Sí, es algo que no puedes ni debes controlar. Pero no queríamos que nos pusieran la etiqueta de disco pandémico, simplemente es como lo sentimos, y así lo quisimos plasmar”, dice Offer. En comparación con Radio 4, The Rapture o cualquier otra banda del revival punk funk neoyorquino de principios de los 2000, cuyo eco ha ido apagándose con el tiempo, se puede decir que ellos son unos supervivientes.

#20 julio-agosto 2022

“Lo somos”, dice Rafael Cohen, “pero no en comparación con ellos. Cada banda tiene su camino. Creo que somos supervivientes y luchadores, que nos sabemos buscar la vida. Yo veo al grupo como parte de una conversación musical continua. Algunas de las bandas que mencionas forman parte de la historia de la música, pero a nosotros nos veo como parte de un diálogo que existe ahora mismo. Y con esto no quiero desmerecer a esas bandas, lo que ocurre es que nosotros formamos parte del mundo de la música actual”. Cuando les pregunto si creen que sus discos han ganado en riqueza sonora pero han perdido en filo político, es el único momento en el que disienten de partida. “Creo que lo del filo político siempre se sobredimensionó”, dice Offer, quien reconoce que “puede que en nuestros primeros tiempos los hits fueran políticos, pero había muchas más canciones que no lo eran. Y en este disco pasa lo mismo: ‘It’s Grey, It’s Grey (It’s Grey)’ es política”.

LLAMA LA ATENCIÓN el número de colaboraciones en el disco, una práctica a la que se han entregado en sus últimos trabajos, quizá como una forma de no aburrirse ni aburrir a los demás. Maria Uzor de Sink Ya Teeth, Angelica Garcia… “Siempre nos ha gustado”, dice Offer. “También tiene que ver con lo de tener nueve discos ya, es algo que necesitamos”. Y la elección tiene más

que ver con motivos artísticos que de marketing. “Siempre han sido colaboraciones como muy anti Hollywood. Artísticas, nunca las hacemos por el nombre del músico.

O funciona o no. Y esta funcionaba. A veces hay colaboraciones que son puro clickbait, luego pinchas y las escuchas, y no aportan nada. Y nunca hemos querido eso”, dice Offer. Sorprende también una versión del “Man On The Moon” de R.E.M., que entraña mucho más significado del que parece a primera vista. “Siempre he sido reacio a hacer versiones de nadie, pero nos gusta pensar que mezclamos diferentes géneros, no nos gustan las cosas que son muy fieles a los originales, nos gusta machacarlo todo y no saber qué coño va a salir de ahí y sorprendernos. Por nosotros y por la gente”, afirma Offer. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

EN CONCIERTO l Benidorm 29 julio. Low Festival l Barcelona 30 julio. Razzmatazz

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Estrellas del rock’n’rol l L “

El cuarteto italiano disfruta de las mieles del éxito global tras ganar Eurovisión contra todo pronóstico.

Su nuevo single “Supermodel” (Sony Music, 22) explora las contradicciones de la cultura del famoseo. Y versionan a Elvis Presley en el lujoso biopic de Baz Luhrmann.

—TEXTO J.C. Peña —FOTO M. Cooper

Måneskin

“Tratamos de crear algo auténtico y original, no sonar a la copia de alguien”

A INCENDIARIA interpretación de “Zitti e buoni” fue uno de esos raros momentos televisivos: una joven banda de hard rock eléctrica de potente imagen andrógina y con un punto irónico y gamberro imponiéndose al pop blandito de fórmula. Pero la anomalía del joven cuarteto no arrancó en Eurovisión: habían empezado a tocar literalmente en las calles de Roma, una de las ciudades con menor tradición rockera del mundo, como ellos mismos reconocen. De 2016 a nuestros días se han debido dejar el alma tocando, por la feroz compenetración que demuestran. Han pasado por The X Factor, colaborado con su ídolo Iggy Pop en la eléctrica “I Wanna Be Your Slave” y ganado en San Remo (justo antes de Eurovisión). Su potente imagen, que les ha llevado a asociarse con Gucci en una campaña, puede alimentar prejuicios, pero su directo es incontestable. Este verano les veremos en el Diversity Festival de Valencia (21 de julio) y es posible que haya alguna que otra sorpresa en breve. Ahora mismo preparan su desembarco en Estados Unidos. Los fans de Barcelona tendrán que esperar al 11 de abril del año próximo.

LA CONVERSACIÓN tiene lugar por Zoom. Los cuatro se aprietan en un sofá y lucen una naturalidad y cordialidad alejada de la imagen sofisticada de sus vídeos.

La voz cantante la llevan la bajista Victoria De Angelis –cuyo origen danés explica el nombre del grupo, es “Luz de luna” en

#22 julio-agosto 2022

el idioma nórdico– y el vocalista Damiano David, aunque a veces intervienen el batería Ethan Torchio y el guitarrista Thomas Raggi. Hablando de “Supermodel” la jovial bajista asegura que “pasando un tiempo en Los Angeles nos dimos cuenta de que todos los estereotipos de la gente falsa que quiere ser famosa y vivir el sueño americano son, de hecho, ciertos. Por supuesto que conocimos a mucha gente guay, pero por otro lado estaba todo ese tipo de personas, y nos impresionó un montón porque no pensábamos que fuera verdadero. Nos pareció un poco ridículo que estuvieran tan preocupados de su apariencia, de parecer guays, como si fueran famosos o celebridades. Es gente vacua y en realidad no les importa ni tienen conexión con amigos. Todo nos pareció un poco estúpido”.

Producida por el sueco –y otrora músico de hard rock– Max Martin (Adele, Taylor Swift), “Supermodel” formará parte de un tercer disco que nos adelantan que será más variado que los dos anteriores. “Max es un gran productor. Lo interesante es experimentar y no pegarte a un solo punto de vista. No hemos hecho el disco entero con él. Hemos grabado otras canciones con nuestros productores habituales, pero con él hemos intentado experimentar. Nos pareció que molaría combinar nuestra actitud rockera con lo que él hace. Tiene un estilo más pop, y queríamos ver qué salía de esa mezcla. Es otra experiencia distinta”, explica la bajista. Damiano se apresura a añadir que Martin no producirá el disco entero y que el sonido del grupo “tocando” será totalmente reconocible.

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ENTREVISTA

PARA EL VOCALISTA, atreverse con la versión de “If I Can Dream” de Walter Earl Brown, que popularizó Elvis Presley en un especial televisivo de 1968 con una interpretación legendaria ha sido “muy emocionante y todo un reto. Por encima de todo, porque es una canción importante de un artista importante. No es fácil, pero lo intentamos y creo que hemos conseguido disfrutar de la oportunidad de trabajar con un director tan enorme en un terreno tan grande. También nos dio la oportunidad de bucear en la historia y la carrera de Elvis.

Fuimos a Memphis, visitamos su estudio… construimos una conexión con todo ello.

No sólo nos ha influido a nosotros, sino a toda la industria. Elvis es básicamente el primer artista total. Es imposible que no te influyan otros artistas. Un personaje trágico, con una historia muy controvertida”. Al cantante le resbalan la etiqueta de “glam rock”, que pueden evocar algo retro. “Lo que nos hace especiales a día de hoy es que somos un grupo de guitarras, un power trio con cantante que no suele usar coros. Pero no creo que rescatemos cosas del pasado.

Es verdad que contribuimos, como otros artistas, a traer de vuelta equipo y sonidos analógicos. Otros cantantes de pop o incluso de rap suben a un escenario con una banda porque se dan cuenta de que con un grupo puedes crear un muro de sonido

más grande”. Queda claro viéndoles tocar que su poderosa química marca la diferencia. Victoria está de acuerdo, pero añade que “cada uno tenemos nuestro estilo individual. Al combinar cada estilo sale esto.

Lo que es muy único es que tratamos de crear algo auténtico y original, y no sonar a la copia de alguien. Tenemos influencias de muchos grupos, pero no creo que puedas decir que haya una banda que suene exactamente como nosotros. Tratamos de mezclarlo todo, y no copiar o aprovecharnos de otros”.

DAMIANO CREE que se beneficiaron del hecho de ofrecer una actuación tan explosiva en un escenario tan improbable para ellos como el de Eurovisión. “Por supuesto que fue un gran momento. Lo mejor fue que no pensábamos que fuéramos a ganar.

No era probable para un grupo como el nuestro, y además Italia llevaba años sin hacerlo. No estábamos en el ambiente más rockero del mundo, pero nos daba igual. Salimos concentrados en lo nuestro a hacerlo lo mejor posible. Así que ganar fue más satisfactorio. Creo que nos ayudó mucho que la gente no esperara una actuación tan cruda e intensa”. Respecto a la fama que ganaron con aquello el batería afirma que “la pasión que le ponemos a lo que hacemos no depende de la cantidad

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de gente que nos ve. Da igual tocar para diez personas que para mil. Aquello fue un trampolín, digámoslo así. Y claro que mola ir a diferentes festivales y conocer un montón de públicos y culturas”. Porque llegar al gran público no fue tan fácil como podría parecer: Thomas y Victoria tocaron en diferentes bandas hasta coincidir con Ethan y Damiano. Pero les perjudicó la “inexistente” escena local. “En Italia no existe una gran cultura de rock así en general. Ha habido muy buenos grupos, claro, pero no hay bandas jóvenes. Cuando empezamos a tocar nos costaba encontrar sitios o salas”, explican guitarrista y cantante. Les ha ayudado su agudo sentido estético, que se traslada unos vídeos cuidados al milímetro. Todo forma parte de un planteamiento muy visual con influencias cinematográficas, teatrales y del mundo de la moda que podría remontarse a las transformaciones de David Bowie, New York Dolls o Roxy Music. El cantante asegura que “mola mucho intercambiar ideas con los directores y el proceso nos funciona. Es algo muy bueno porque no sólo estás haciendo música.

No es sólo sonido, sino que estás creando imágenes. Creo que todo se hace así mucho más potente”. —J.C.P.

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julio-agosto 2022 #23

EN PORTADA

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TERCER CIELO” es un disco en el que Rocío Márquez y Bronquio han querido mudar la piel sin pausa ni fin. Esa ha sido la única norma en un juego en el que hay que perderse, una y otra vez, para encontrarse y parirse a si mismos. La mecha de la conexión la enciende un remix por encargo.

(Bronquio) “En el anterior disco de Rocío Márquez, ‘Visto en el jueves’ (19), hay una rondeña de Moreno Galván que se llama ‘Empezaron los cuarenta’, y Universal me llamó para hacer un remix de esa rondeña.

Y entonces la reinterpretación que yo hice de ese tema parece que le gustó a Rocío y a Universal, y yo también me sentí orgulloso de cómo sonó. Entonces dijimos ‘Oye, igual podemos quedar y hacer un diálogo un poco más complejo y profundo’”. Pero además, Camarón fue la celestina que terminó de unirlos y alentar esta suerte de exploración, como también nos relata Rocío. “Se dieron distintas circunstancias, del remix de Santi, al homenaje en el Monkey del Puerto de Santa María a ‘La leyenda del tiempo’ (79) de Camarón, donde disfrutamos en común desde distintas perspectivas. Esto nos ha llevado sobre todo a que nos permitiéramos la experimentación, a juntarnos y ver qué pasa”.

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UN CAMINO que parte de cero y comienza por encontrar puntos comunes entre el flamenco y la electrónica, semejanzas que se les aparecen primeramente “en lo popular, en el baile, en las fiestas, en la repetición… En todo lo que son rituales”, apunta Rocío. En esta búsqueda impulsiva y continuo perderse que los llevó de ritual en ritual, pasando por el paraíso, hasta llegar a “Tercer cielo”, ha habido dos figuras (directores artísticos) que bajaban a Rocío y Bronquio a tierra, para volver luego a emprender el vuelo. (Bronquio) “Los primeros días, para no quedarnos mirando a la pared, porque nos conocíamos muy poco, pues traíamos ya alguna cosa para enseñarnos el uno al otro. Pero es verdad que hubo ahí como un proceso de experimentación, de libertad, de ponernos vídeos en YouTube, por ejemplo, y de ahí inspirarnos para hacer algo nuevo. Y claro, como todo esto se concebía y se producía de una manera muy impulsiva, Juan Diego Martín Cabeza y Emilio Rodríguez Cascajosa eran los que nos traían todo esto a tierra, encontrando cohesión entre todas las piezas que hacíamos, y que nosotros no podíamos ver porque estábamos muy adentro del proceso creativo. Esta gente tenía una vista más periférica y decían, pues oye, yo veo aquí que el hilo conductor es este…”.

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bertad

Rocío Márquez & Bronquio Hay creadores tan inquietos y libres que, sin buscarse, están predestinados a encontrarse para seguir ensanchando el arte, explorando, arriesgando y manteniendo vivo el pasado hacia el futuro y más allá.

Desde la encrucijada del flamenco y la electrónica, Rocío Márquez y Bronquio han volado de la mano en “Tercer cielo” (Universal, 22).

—TEXTO David Pérez Marín

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julio-agosto 2022 #25

EN PORTADA

CRITICANDO Tercer cielo

Universal Music

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UN PROYECTO en el que cada uno de los dos, Rocío y Santi, ha partido y aportado el conocimiento y la sensibilidad del arte que mejor manejaba, de lo conocido, a lo “desconocido”, de lo propio a lo ajeno. Así, dentro de cada uno ha brotado la sensibilidad cultivada por el otro. (Bronquio) “Antes yo oía y sentía el flamenco, pero es verdad que nunca me había permeado bien de él. La sensibilidad la he ido desarrollando poco a poco y ha sido con esta obra, con lo que Rocío me ha enseñado, con el trabajo obligatorio que hemos tenido que hacer mutuamente, y yo también por mi parte, interiorizando todos los ritmos, todas las sensibilidades de cada palo del flamenco, aunque todavía me queda muchísimo, claro. Eso, la obligación y el gusto por construir este disco, ha hecho que mi sensibilidad hacia el flamenco la haya desarrollado y haya aprendido a disfrutarlo de una manera más completa”. Y, por otro lado, Rocío se ha dejado llevar sin miedo por la electrónica. “Ha sido sentir un montón de puertas que se #26 julio-agosto 2022

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abrían, un montón de posibilidades que se multiplicaban. Algo que ya queda para este proyecto y para todos los que vengan.

Es como un aprendizaje que me ha calado hondo. El hecho de que Santi juegue con mi voz, la filtre y varíe, me invita también a mí a buscarme, a arriesgar con nuevas posibilidades vocales”.

DE LA FRENTE al corazón, de la razón a los sentimientos, del tema de apertura por milonga, “Paraíso. Cuántos cuerpos están por venir”, al cierre por toná en “La marca”, compartiendo parte de la letra de Carmen Camacho y sumando esos versos de Mairena como colofón libérrimo. (Rocío) “Es un guiño curioso porque es una letra que hacía mucho Antonio Mairena, que es una de las figuras más representativas del cante ortodoxo, o por lo menos así lo ha entendido la historia del flamenco, yo difiero un poquito… Esa letra dice: ‘Aquel que se va, / va diciendo en el silencio: / ¡Qué grande es la libertad!’. Y la última vez que yo estuve en la Peña Flamenca

FUSIÓN / Aunque esta obra parte del juego, del azar de dejarse llevar por el mundo del otro y explorar sin miedo el mundo propio, este baile dialéctico entre el flamenco y la electrónica que han fraguado conjuntamente Rocío Márquez y Bronquio, contiene una profundidad y fluidez orgánica que, en mi opinión, hasta el día de hoy, nadie había alcanzado. Una poderosa poética diseminada por distintos cantes, regados con electrónica de lo más diversa con la voz libérrima de Rocío explorando cada milímetro de sus cuerdas vocales, limpia o corrompida, filtrada y distorsionada por Bronquio. Es cierto que se han hecho cosas muy brillantes y se ha experimentado mucho dentro de la encrucijada electrónico-flamenca, pero este “Tercer cielo” desprende una verdad y un amor tan fuerte que, como cantaba Camarón susurrado por Federico, se puede respirar en cada pista y “duele el aire, el corazón y el sombrero”. —D.P.M.

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“ de Mairena del Alcor, me llamó mucho la atención que está escrita esa frase en la puerta, antes de salir. Ese mensaje de libertad que ha estado presente durante todo el proceso y que al final yo creo que es el eje vertebrador del disco’”.

ESE QUEJÍO CEGADOR de Rocío, claro y distorsionado por Bronquio, que se te clava en la cabeza y en el pecho, es otra lucha que late en el disco, la convivencia entre razón y sentimiento, entre los cuerpos, las cuerdas vocales y las máquinas, dando a luz nuevos aprendizajes y espacios de libertad. (Bronquio) “Trabajando con Rocío, la máquina me respondía de manera que yo no sabía muy bien qué coño estaba pasando, pero sí tenía que ver con la emoción de lo que estaba cantando Rocío, de lo que yo estaba sintiendo cuando la escuchaba a ella. Y también eso es algo que me llevo del aprendizaje de la producción del disco, el dejarle un poco de libre albedrío a la máquina, teniendo coherencia con lo que está haciendo un ser humano al lado”.

“El flamenco y la electrónica tienen en común lo popular, el baile, las fiestas, la repetición…”

EL ESPÍRITU DE COLECTIVIDAD y de fundir tradición y creación que reina en “Tercer cielo”, lo encontramos también en la cuidadísima selección poética de sus textos, donde se mezcla lo popular, con letras propias, y autores actuales, con adaptaciones de clásicos universales como Lorca, San Agustín o Unamuno. Todo fluyendo como el agua clara que baja del monte. Así expresa Rocío este proceso de selección, creación y de adaptación: “Pues igual que ha ocurrido con el tema de la música, con toda la cuestión vocal, ha sido super orgánico y bonito, porque ha ido como viniendo solo. Y no había una única manera de funcionar, digamos una mecánica que siempre haya sido la misma, un mismo proceso, sino que en algunos casos han sido creaciones nuestras que han salido sobre la marcha, a partir de algo que nos hubiera inspirado o de la propia música, atendiendo a la métrica que nos iba pidiendo la melodía, y en otros casos han sido encargos a Macky Chuca o Carmen Camacho, o adaptaciones de discursos que de repente la temática y los conceptos del disco nos estaban pidiendo. Hay muchos guiños y orígenes muy distintos que, a la vez, para nosotros conformaban este ‘Tercer cielo’ y que tenía mucho sentido que fueran de la mano, y es Carmen Camacho la que ha hecho este trabajo de hilvanar, de pulir todo el material que había, para que los orígenes diversos que existen no fueran algo que chocase, sino que pudiera dar esa imagen plural que pretendemos transmitir”.

Y ENTRE TODAS LAS LETRAS, una firmada por los dos, la soleá “Prefiero la muerte”, pista que abre con un sample de Caracol y parte de un texto de Rocío: “Es una soleá por bulería, y nos inspiramos en una letra que tenía yo escrita, con métrica tradicional flamenca, que dice: ‘Peor que la soledad / es tenerte frente a frente / y no tener de qué hablar’. Y entonces, a partir de ahí, empezamos a deconstruirla para llevarla al formato más acancionado, digamos. Dándole vueltas todo el rato a este mismo mensaje del que partimos”.

Además, es una canción que rezuma un calor especial y se gesta a la vieja usanza.

(Bronquio) “Llevábamos una racha ahí muy a gustos y disfrutones, pero claro, todo lo que estábamos haciendo eran como paranoias, a nivel musical, y entonces dijimos los dos: ‘Vamos a hacer una canción con la guitarra, de toda la vida de

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Dios, sentados en el sofá, con cuatro acordes fáciles’. Entonces Rocío se acordó de la canción de Caracol, de esta letra que había escrito ella, y fue como otra capa más del proceso de composición, escaparnos un rato del ordenador, irnos para la terracita que tiene ahí en su casa y ponernos a componer con la guitarra. Por eso esta canción significa mucho para nosotros, el disco entero, pero ese fue un momento muy cálido”. Además de la instrumental “El Mengue y la Zarabanda” con Iñigo Bregel de Los Estanques inyectando psicodelia a los teclados, encontramos en la pegadiza rumba urbana “De mí”, la colaboración de Livia (41V1L). (Bronquio) “Es una amiga mía de la infancia, con la que llevo haciendo música mucho tiempo. Esta canción, ‘De mí’, la teníamos ahí muy a medio hacer, y en estos primeros encuentros con Rocío, para dar un primer empujoncito y que fueran sonando cosas, pues saqué esta demo que tenía y ya la terminamos de construir”.

AMBOS ARTISTAS logran que no haya separación ninguna entre sus dos mundos sonoros, cohabitando y fundiéndose uno con otro a lo largo de las diecisiete pistas, de una forma tan natural que parecen estar unidos desde siempre, flamenco y electrónica, por un invisible cordón umbilical. De los raverdiales “Niña de sangre”, pasando por el folclore murciano en el adictivo aguilando “Droga cara” o el clímax de resplandeciente oscuridad con “El corte más limpio”. (Bronquio) “Con ese tema he descubierto las similitudes que hay entre los discursos percusivos que tiene el flamenco y el techno alemán más oscuro, porque en ese tema, para las percusiones, es verdad que meto máquinas, pero utilizo unos taconeos, creo que de Carmen Amaya, que samplee de algún sitio, y me di cuenta de que sonaban prácticamente a Einstürzende Neubauten, ¡y no podía ser más flamenco!”.

—D.P.M.

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EN CONCIERTO l Vilanova i la Geltrú 30 junio. VIDA Festival l Málaga 09 julio. Teatro Soho l Barcelona 16 julio. Festival Grec l Calella 12 agosto. Far de Calella

julio-agosto 2022 #27

.LOS DISCOS.DE MI VIDA Brian Baker (Bad Religion)

Curtido en mil batallas y formaciones (desde Minor Threat a Fake Names, pasando por Dag Nasty o Beach Rats), Brian Baker es una de las piezas fundamentales de los Bad Religion desde hace muchos años. Conociendo su activo pasado, le hemos preguntado por sus seis discos de cabecera y aquí está la lista resultante.

The Beatles Revolver (1966) Estaba empezando a aprender a tocar la guitarra con ocho años. Mis padres eran fans de The Beatles, con lo que tenían todos sus discos en casa. “Revolver” era el que me sonaba más raro y más rock’n’roll, así que era el que más me gustaba. La primera canción que aprendí de The Beatles fue “Taxman”, escrita por George Harrison, con quien comparto fecha de nacimiento.

Black Flag Nervous Breakdown (1979) El primer disco que me volvió loco y que incluso me dio miedo. Fue algo que me transformó.

Yo tenía quince años, era muy joven y estaba aprendiendo sobre lo que era el punk rock.

Había escuchado cosas de Sex Pistols y The Clash, pero este disco era totalmente diferente.

Era puramente agresivo. No sonaba a nada que hubiese escuchado antes. A nada. Diría que “Nervous Breakdown” fue la primera canción punk rock que aprendí a tocar. Es un disco que me ha influido mucho como músico.

The Damned Machine Gun Etiquette (1979) Otro disco que fue una grandísima influencia para mí. Hay un montón de grandes canciones en “Machine Gun Etiquette”. Aprendí un montón como músico con estas canciones. Hay un montón de guitarras muy sensibles.

Es un disco muy iluminador ya que es punk pero es muy teatral para mí.

Van Halen Van Halen (1978) ¡The Big Six! Otra gran influencia para mí. Es duro decidir qué disco meter en esta selección.

Definitivamente me quedo con este porque es mágico para mí. Es un disco muy cool y al mismo tiempo con un sonido duro, porque Eddie Van Halen inventó otra manera de tocar música. Incluso tocando como tocaba, para él todo parecía muy fácil. Cuando me pongo este disco después de varias décadas, me sigue emocionando porque es fantástico. Jamás he dejado de ser fan de Van Halen.

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The Ruts The Crack (1979) The Ruts han sido una gran influencia para mi estilo musical. Es un trabajo increíble. Un punk rock muy sofisticado tanto a nivel letras como a nivel musical.

Fue una banda con una vida muy corta ya que su cantante falleció por una sobredosis de heroína después de editar su segundo disco… Tengo un tatuaje de The Ruts y no lo tengo de The Beatles. Me marcaron mucho cuando estaba metiéndome en el punk rock

AC/DC Powerage (1978) “Powerage” continúa siendo una gran influencia aún hoy en día. Es normal que te guste AC/DC cuando eres un niño, pero este disco me sigue volviendo loco en la actualidad. Es jodido rock’n’roll.

No está ni afinado. Las canciones son buenísimas y Bon Scott estaba increíble. Lo tenía todo. Era el líder definitivo.

Aprendí a tocar rock’n’roll por este disco. —MS

julio-agosto 2022 #29

Suu Joven nostalgia Hace ya cuatro años que Suu publicó su primer disco “Natural” (18) y tras pasar por su exitoso “Ventura” (20) llega “Karaoke” (Halley Records, 22), su tercer trabajo, un disco en el que la catalana toma nuevos rumbos.

C

HARLAMOS CON SUU sobre su nuevo rumbo, su madurez dentro de la industria y las pesadillas que puede provocar este mundo –a priori– tan idílico. Nos encontramos con la cantante en una de las zonas centrales de Barcelona que, como ella, se encuentra en constantes cambios. Con “Karaoke” se ha distanciado totalmente del indie para acercarse a la nueva ola del pop español. Sin duda es un cambio sustancial que hasta ella misma duda que haya llegado para quedarse. “Mis referentes han ido cambiando en cada disco y ahora me he unido a este

pop-rock más dosmilero, pero no sé si va a seguir siendo así”. Pero no solo ha cambiado en cuanto al sonido, sino también a la estética. Ha roto con todo lo que había construido hasta ahora para dar rienda suelta a una imagen que se corresponde más con este estilo y que podemos ver en sus videoclips y redes sociales. “Queríamos crear una estética y un producto guay. Es súper intencionado y se va a notar en los directos”. Aunque el principal cambio lo notamos dentro de sus canciones donde se acerca a sonidos de los 2000: pasando por algo más rockero en “Creo (que tk)”, confluyendo a la perfección con el pop más puro en “Karaoke” o bajando las pulsaciones en “De ti para mí”.

PARA DARLE FORMA a estos ocho temas ha contado con la ayuda de tres productores distintos, aunque su homogeneidad haga parecer que ha sido cosa de una misma persona. “Sin quererlo, los tres se han puesto de acuerdo y hemos hecho un trabajo uniforme, me daba miedo que se

“Es más fácil ser cursi con los BPM bajos”

RRVuelven The Mars Volta, y lo

TAN.LEJOS. Carmen Alarcón es ese diamante en bruto de la escena murciana que estaba por pulir y “Roca Roja” (Son Buenos, 22) es por fin el mineral esperado. Una veta de canciones con una poética contemporánea pero ese magnetismo ancestral que coloca a Hoonine entre uno de los hallazgos del año.

H

OONINE LLEGA tras dos proyectos que siempre estuvieron en el disparadero de la fértil huerta murciana, Estúpido Flanders y AAMama. Sin embargo, además de lo cuestionable de sus nombres,

#30 julio-agosto 2022

hacen con el arrebatador single “Blacklight Shine”, una pieza que nos anticipa a qué sonará su nuevo material. Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala reconocen la influencia del Santana de los años setenta y de sus raíces más allá de la música rock.

Peter Rock Club, Valencia) y The Soulers (15 julio, Big Rock Café, Getxo), y uno en agosto de The Soulers (18 agosto, Zahora & Magestic, Ciudad Real), pero atentos porque en septiembre volverá a toda máquina con más de quince fechas. Más información en: www. girandoporsalas.com.

RRContinúa el ciclo GPS (Girando

RREl trapero Cecilio G ha pe-

Por Salas). En julio habrá tres conciertos protagonizados por The Soulers (7 julio, Gruta 77, Madrid), Hafa Afrosweet (10 julio,

dido perdón públicamente a través de redes sociales por el altercado que tuvo al enfrentarse con el personal de seguridad

había algo que faltaba o mejor dicho, que Carmen debía dejar de lado para vislumbrar una propuesta más personal. “Lo que he dejado de lado es atarme a ciertos estilos o estructuras, todo fluye más natural en Hoonine”. Y así ha sido. “Roca Roja” luce como un despertar tras un tiempo de insatisfacciones, un símbolo de esperanza en el poema de TS Eliot al que hace referencia y que Carmen utiliza como exorcismo personal. “Estos dos últimos años de mi vida han sido muy intensos y la música ha sido el lugar al que volver para recobrar la cordura. La ‘roca roja’ era un elemento que me servía para representar una emoción en la encontrar cobijo, todo este disco se enmarca en un periodo de redescubrimiento”. El disco, en cuerpo y alma, mantiene un continuo duelo entre lo orgánico y lo sintético, la

realidad y la ficción, la inocencia y la indolencia. “El mundo empuja a la ficción y a la virtualización. Mi mente quiere quedarse en lo orgánico y lo real, mi barrio, mi casa. Todo nace de ahí, las canciones parten de ritmos y melodías sencillas y luego crecen hacia otros universos menos familiares”. Curiosamente es el último corte del disco “Vida en Moreras” el que mejor muestra ese proceso de dentro a fuera que hace Carmen en sus canciones y que es la hoja de ruta de todo el disco. Y hablando de hoja, la de promo hace referencia a Arca o FKA Twigs a la hora de situarnos en “Roca Roja”, en este caso la canción. Con ello también podemos afirmar que la exuberancia de Hoonine no es de este mundo, o por lo menos se aleja de ese unísono de la escena nacional actual.

“No creo, hay gente haciendo cosas súper

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MONDO FREAKO

CRITICANDO Karaoke

Halley Records

FOTO: ARCHIVO

quedará como un Frankenstein de disco”.

Santos & Fluren firman cinco canciones, entre ellas la más emotiva del conjunto, “Tu a Menorca i jo a l’Escala”. Uno de sus temas más románticos, situado al nivel de “Tant de bo”. “No me molesta que haya una canción dulce y azucarada, aunque sí que me costaría hacer un disco así, porque me agobiaría”. A su vez, es la más lenta del trabajo, una tónica que se repite en sus temas más emotivos, una cuestión que zanja en una sola frase. “Sí, me es más fácil ser cursi con los BPM bajos”. Lo que nos queda claro es que ha sido la vez que más libre se ha sentido, algo que se nota en las letras, en las que muestra su actual momento vital sin tapujo alguno. “Creo que es la primera vez que hago un disco y siento que he hecho todo lo que quería hacer, no me he quedado sin nada que decir”. Hay que tener en cuenta que la cantante publicó su primer álbum con apenas dieciocho años y ha estado durante cuatro años trabajando en una industria muy exigente y de constantes cambios. “Al principio fui por intuición y esta vez sí que he sido consciente de querer

del Sónar al intentar llevarse unas cervezas del backstage y con un Mosso d’Esquadra. De hecho ha lanzado un single, “Starbucks”, en el que habla sobre ello al tiempo que desmiente el caso del supuesto acoso.

RREl artista británico Mike Ro-

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

7 POP / Cuando al empezar a escuchar un disco sientes que no reconoces a la artista a la que le pertenece, puede ser una gran señal o todo lo contrario. En esta ocasión, la moneda ha caído de cara y Suu ha conseguido renovarse totalmente en este “Karaoke” en el que ha optado por sumarse al estilo de la nueva ola del pop español.

La artista catalana ha abandonado el indie que predominaba en sus anteriores trabajos y se ha desmelenado. Tras siete temas que confluyen entre el pop y el rock y el catalán y el castellano, la artista decide cerrar con una versión más actual e inclusiva de “Enamorada de la moda juvenil”, uno de los hits de Radio Futura. Un cierre cargado de simbolismo, ya que casa perfectamente con el concepto del disco. —A.C.S.

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EN CONCIERTO l Maó 08 julio. Es Claustre l Castro Urdiales 15 julio. Festival Sónica l Talarn 16 julio. Talarn Music Experience l Fontcoberta 22 julio Vadart Fest l Alcúdia 23 julio Canet Rock Mallorca l Tarragona 29 julio. Auditori Camp De Mart l Les Planes D’Hostoles 30 julio. Harmonia Festival l Roses 04 agosto. Sons Del Món l Bueu 06 agosto. SonRías Baixas l Sant Feliu de Guíxols 06 agosto. Porta Ferrada l Aranda De Duero 12 agosto. Sonorama l Villena 12 agosto. Rabolagartija l Almería 19 agosto. Cooltural Fest l Vilaxoan 08 septiembre. Revenidas

en la sala La Riviera respectivamente. Entradas en: www.doctormusic.com y entradas.com.

RRGorillaz, la banda capitaneada

por Damon Albarn, y el bajista Thundercat colaboran en un nuevo single, “Cracker Island”. Se trata de una canción producida por Greg Kurstin, Remi Kabaka Jr y Gorillaz y que además han presentado instando a la gente a que se una a “The Last Cult”, algo sobre lo que seguramente escucharemos muchas más cosas en breve. —MS

FOTO: ARCHIVO

senberg, más conocido como Passenger, volverá a nuestro país este mes de agosto para ofrecer dos conciertos en Barcelona y Madrid.

Será el martes 30 de agosto en la sala Razzmatazz y el miércoles 31

construir algo desde mi momento vital y hacerlo de forma más consciente”.

años la “En estos dos últimos r al que música ha sido el luga cordura” volver para recobrar la

Hoonine Piedra preciosa mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

interesantes que pueden acercarse a mi propuesta, aunque al mismo tiempo soy consciente de que es difícil que este sea un proyecto de masas. Tampoco es algo que me preocupe a día de hoy”. Pues verdad, escuchas ‘Fútbol’ y entre esa gente que comenta ella te vienen a la cabeza Natalia Lacunza o Sen Senra y por supuesto sus paisanos Trashi y Carmesí. Y claro, entre los colaboradores cercanos a Hoonine hay que destacar la producción de Lalo GV, el nuevo cerebro a los mandos de la escena murciana. “Trabajar con Lalo es siempre un lujo, por su capacidad de adaptarse a todo y cómo empatiza con las canciones”.

—ARTURO GARCÍA

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julio-agosto 2022 #31

MONDO FREAKO

Belle And Sebastian

La canción como principio y fin Me reúno con Stuart Murdoch y Sarah Martin de Belle And Sebastian en un hotel céntrico de Madrid. Llevan una semana viajando por Europa promocionando su undécimo disco, “A Bit Of Previous” (Matador/Popstock!, 22).

“

A BIT OF PREVIOUS” se abre con una canción llamada “Young And Stupid”, y cuando les comento que me recuerda al “Right Here” de The Go-Betweens, Murdoch no duda en darme la razón, diciendo que “tienen una paleta muy similar” y que, además, las dos sirven como apertura del disco, en el caso de los australianos de su disco de 1987 “Tallulah”, el favorito de Murdoch de entre toda su obra. En otra de las canciones del disco, “Unnecessary Drama”, la que ha servido #32 julio-agosto 2022

como sencillo de presentación del disco, el uso de la armónica me recordaba al “Hand In Glove” de The Smiths, pero Murdoch me dice que, a pesar de que a él también le recuerda un poco a esa canción, está seguro de que Bobby Kildea, el autor del tema, y Stevie Jackson, el responsable de la armónica, no estaban pensando en Morrissey y compañía, sino en algo tipo The Rolling Stones de los sesenta. Aprovechando que el nombre de Morrissey sale a colación, les comento que uno de los temas del disco es hacerse mayor y les pregunto por su opinión sobre las polémicas declaraciones de éste en los últimos años, y si eso ha hecho que cambie su opinión sobre el legado de una banda de la que son herederos. Ambos tienen claro que hay que diferenciar el legado de la banda de la deriva del cantante, como dice Murdoch, “la gente cambia”.

Otros de los temas del disco son el budismo, la meditación y una importante capacidad de empatía. Les pregunto si es posible

mantener el optimismo en un mundo en el que la guerra ha vuelto a Europa. Me responden con claridad: “Es una responsabilidad como individuo permanecer siendo optimista y no caer en la desesperación, especialmente en tiempos como estos”.

CUANDO LES DIGO si hay alguna banda que piensen que lleve su huella se muestran evasivos, Murdoch dice que está un poco harto de que le quieran presentar a bandas que creen que suenan como ellos, pero me habla sobre Vampire Weekend, a los que les han comparado, y me dice que al principio se preguntaba cómo era posible que tuvieran tanto éxito pero que tras escuchar “This Life” se dio cuenta de que

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no “Nos han dicho que yae al nt ge podemos subir a escenario” eran capaces de componer grandes canciones. Me intereso entonces por su proceso compositivo y Stuart me dice que él se levanta con muchas de sus canciones en la cabeza, como le pasó a Paul McCartney con “Yesterday”. También me queda claro que la canción es lo más importante para ellos.

“Si eres un compositor y tienes una buena canción, eso es como un regalo, y no puedes estar pensando en si se amolda a algo, hay que hacerla lo mejor posible, estar agradecido porque te haya salido y esperar a la siguiente”, apunta Murdoch. Sobre el proceso de dar forma a esa canción, en una banda con múltiples compositores, también parece claro que el compositor es el que lleva la voz cantante en el arreglo, aunque nunca se descartan las ideas de los otros. A pesar de haber democratizado la banda desde sus dos primeros discos, en los que solo había canciones de Murdoch, él sigue siendo el claro líder, algo que se nota cuando les pregunto por cómo eligen el repertorio en directo y Martin le dice con una sonrisa en la boca: “Eso normalmente es cosa tuya”, a lo que el cantante le responde socarrón: “Pero siempre intento, sensiblemente, que todos estén representados”. Murdoch me reconoce que la única canción fija en el repertorio es “The Boy With The Arab Strap”, con la que solían terminar sus conciertos, invitando a varias personas al escenario. Algo que parece que no se repetirá en el futuro más próximo.

“Nos han dicho que ya no podemos subir a gente al escenario”, por culpa del COVID. El tiempo se va acabando y antes de despedirme les pregunto por los discos que unen a toda la banda. No son muchos, pero, desde luego, son dos de los primeros que se dirían si te preguntaran por sus influencias. Se trata de “Forever Changes” de Love y “The Velvet Underground & Nico”. Martin me confirma que, en cualquier otro, seguro que no hay consenso, así que les pregunto si hay algún disco que les guste mucho a ellos personalmente pero que cuente con el desprecio de una mayoría entre el resto de la banda, Murdoch me confiesa que él tiene muchos y me da un ejemplo, “Yes Album” de Yes, luego se vuelve a Martin y la pregunta directamente “¿Y qué hay de ti?”. Martin se lo piensa un poco y contesta riendo que posiblemente algo de Erasure, pero Murdoch le dice que no vale ya que también hay canciones de Erasure que le gustan. Martin mira divertida a su compañero y le dice que hay muchos discos de Tom Waits que no le gustan, Murdock reconoce que el autor de “Rain Dogs” no está entre sus favoritos. El tiempo se ha acabado y la pareja todavía tiene por delante una sesión de fotos, mientras nos despedimos entre risas, se acerca un cliente del bar que les ha reconocido para saludarles y decirles lo mucho que le gustan sus canciones. Se nota que lo agradecen y es que si algo me ha dejado claro mi conversación con ellos es que para Belle And Sebastian la canción es el principio y el fin. Por algo tienen un repertorio tan grande. —SERGIO ARIZA

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WALA. WALA.

“Una vez un tipo me estaba diciendo algo estúpido, Grace Jones le echó la bronca y el tipo nunca más me envió un mensaje. Fue como ‘Oh, Dios mío, es mi heroína” Sky Ferreira en NME

“Los negros en America somos las únicas personas en el mundo que tenemos que vivir con aquellos que nos esclavizaron. No es nada nuevo, solo que ahora lo podemos documentar y hay blancos de nuestra parte” Robert Glasper en Ruta 66

“Todos los cantantes de los noventa eran impresionantes. Eddie Vedder, Chris Cornell, Zack De La Rocha, Mike Patton, Lanegan, incluso Trent Reznor, todos tenían una personalidad única desde el principio” Greg Puciato en Rockzone

“Television Personalities siempre serán la mejor banda de punk de la historia” Alan McGee en Muzikalia

“LA INDUSTRIA HA VUELTO AL POP. LA PREPONDERANCIA DEL ROCK DURÓ CASI TREINTA AÑOS EXACTOS, DESDE THE ROLLING STONES HASTA LA MUERTE DE KURT COBAIN, DEL 65 AL 94.

LUEGO VOLVIMOS A LA ERA POP” Steve Van Zandt en Spin julio-agosto 2022 #33

Tribade Siempre valientes “Dyke” (Propaganda Pel Fet!, 22) es el segundo disco de las barcelonesas Tribade, con el que se consolidan en la escena rap/ urbana española a la vez que abren nuevas posibilidades de cara al futuro.

En cuanto a la nueva gira, han planteado un cambio a nivel escénico. “Hemos hecho un stage con Abel Coll, que es un director de teatro muy guay, y hemos planteado un show completamente diferente a lo que hacíamos hasta ahora. Traemos escenografía nueva e introducimos algún instrumento que nos da más juego”.

“

COMO YA SUCEDIÓ en “Las Desheredadas”, en “Dyke” encontramos muchas colaboraciones con otras artistas. “Para nosotras es algo muy del rap y que a veces se pierde un poco. Antes la gente sacaba discos o maquetas y la mitad de las canciones eran colaboraciones: a nosotras nos apetecía mucho tejer estas redes”. Bittah habla de la ilusión que les hizo poder contar con Falsalarma. “Cuando éramos adolescentes les escuchábamos y después, al cabo de diez años, tienes una colaboración con ellos y no te lo puedes creer: estamos en esto para cumplir sueños de adolescentes. Nos mola que un grupo como ellos, que son súper referentes del rap más

DYKE” ES EL PRIMER DISCO del ahora dueto tras la marcha de Sombra Alor en 2019, cuando estrenaron “Las Desheredadas” (Propaganda Pel Fet!, 19). También es el primer y último largo que Tribade han tenido que hacer en pandemia. “Hay temas que salieron durante el confinamiento y otros cuando estuvimos encerradas para crear a saco, así que en realidad llevábamos prácticamente dos años haciéndolo, aunque tuvimos una época un poco más atascadas donde no fluía la cosa”, cuenta Bittah, una de sus integrantes, con quien hemos charlado sobre las nuevas canciones y las claves del proyecto. “En este disco teníamos depositadas bastantes esperanzas porque sentíamos que habíamos hecho un buen curro. Aunque la acogida no ha sido una gran cosa a nivel de reproducciones en Internet, intentamos no obsesionarnos con esto, ya que a nivel de comentarios o de gente que en los conciertos canta las letras sí que ha tenido muy buena acogida”.

clásico y puro, puedan hacer una colaboración con Tribade, que somos un poco las raritas del panorama”. Otra de las colaboraciones destacadas es Clara Peya, con quien interpretan “Nana de Hierro”. “Nos supuso un reto a nivel musical porque ella es músico, entonces esto te enriquece mucho, te hace salir de la zona de confort y acaba saliendo un tema súper bonito. Ya la conocíamos porque habíamos coincidido mucho y era una persona a la que admiramos, nos gusta mucho lo que hace y cómo lo hace y su discurso en su ámbito. La cosa fluyó súper fácil. Pensábamos que sería un tema que quizás no lo petaría pero en realidad es el preferido de mucha gente, y esto mola porque nos podemos poner más vulnerables y desnudarnos de alguna manera y la gente lo entiende”.

AUNQUE ELLAS INTENTAN llevarlo por bandera, Bittah considera que, en general, el interés por compartir y lo colectivo no se lleva mucho en el mundo de la música.

“Cuando entran en juego intereses de visi-

uchos “Podemos fluir entre ma sigue estilos, pero la esenci siendo la misma”

CRITICANDO Dyke

Propaganda Pel Fet!

7 RAP / En su segundo álbum, las barcelonesas

vuelven a la carga con doce nuevos temas situados en la estrecha línea que separa la preservación de su esencia y el salto hacia una mejora en la producción y el sonido.

Como no podía ser de otra manera, el disco se mueve entre el rap, el pop y la música urbana, consiguiendo un buen equilibrio sostenido en estos tres pilares que se entrecruzan constantemente. Si piensas en Tribade piensas también, inevitablemente, en activismo y militancia. El feminismo, la lucha por los derechos del colectivo LGTBIQ+, el antirracismo o la libertad de los pueblos están presentes en todo el disco de una forma tan evidente como natural. —C.P.

#34 julio-agosto 2022

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EN LA MALETA

bilidad, económicos o promocionales, esta parte igual se difumina un poco. Sí que falta un poco de comunicación o unificar públicos entre grupos afines”. La integrante de Tribade cree que esto se debe al hecho de que la industria de la música es una entidad capitalista, lo que en ocasiones les hace vivir contradicciones por formar parte de ella. “Pasar de hacer música militante que llega a las casas okupas a semiprofesionalizarte y sacar un rédito económico de esto supone una contradicción en sí, pero lo relativizamos. Intentamos ponernos unas líneas rojas porque tenemos una responsabilidad como artistas primero en lo que decimos y en cómo lo decimos y segundo en participar cuando nos piden actuar en favor de alguna causa. Siempre que podemos devolvemos este favor a la colectividad”. Otra manera de hacerlo es dando visibilidad y homenajeando en sus letras a mujeres que han sido para ellas referentes feministas. “Creo que esto es importante de cara a las nuevas generaciones que se están politizando o que empiezan a militar. Quizás seguramente a algunas no les hace falta visibilidad, como a Angela Davis, pero sí sirve para que la gente te ubique a nivel discursivo”.

Sid Le Rock

Artista de personalidad múltiple, el canadiense se ha distinguido por alias como Pan/Tone, Gringo Grinde, pero sobre todo como Sid Le Rock. Aprovechando el lanzamiento de “Invisible Nation” (Beachcoma, 22), un disco místico, electrónico y bailable que rinde tributo a sus antepasados, Charlamos un rato con él.

TRIBADE SON FÉRREAS defensoras de que, aunque “la música por sí sola no puede transformar una sociedad, colocada en un contexto cultural contrahegemónico sí tiene un potencial transformador innegable. La música tiene algo que no tienen otras disciplinas artísticas, sin querer menospreciarlas, y es que cuando eres joven y empiezas a escuchar la música que tú quieres, formas tu personalidad y tu entorno en base a esto”. En uno de sus sencillos, “Las buenas”, un verso clama “somos las mismas que cuando empezamos”, algo que Bittah defiende.

“Aunque en ‘Dyke’ se deja entrever un poco más cuál es el sonido de Tribade, creo que esto de fluir entre estilos y decir las cosas de una determinada manera siempre ha estado presente. Podemos fluir entre muchos estilos, pero la esencia sigue siendo la misma”.

—CLÀUDIA PÉREZ

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N

os calientas el plato y nos pones un poco en antecedentes sobre ti?

Pues espero que la historia tras mis orígenes como músico no os resulte demasiado mundana. Como cualquier otro chaval que creciese en los años setenta u ochenta, estuve bastante expuesto –al menos en mi opinión– a las mejores bandas, actuaciones y música de esas décadas.

Pero luego las raíces de mis “males” fueron provocadas por una fuerte influencia e interés por el punk, el hardcore y el rap temprano... ¡el de la Costa Este! Toqué un poco el bajo e incluso estuve en un grupo de rap en mi etapa de adolescente. Aquello despertó definitivamente el interés de crear música por mi propia cuenta. Renuncié a mi trabajo en Toronto, hice una maleta y me compré un billete de ida a Alemania. Me fui con no más de 200 euros en el bolsillo. Me tiré todo el invierno de 2002 pasando la música que tenía hecha, hasta que firmé un contrato con Ladomat/ Mute Records para el lanzamiento de mi álbum debut como Sid Le Rock, “Written In Lipstick” (04).

—¿Qué artistas o discos te inspiraron más a la hora de profundizar en la música y desarrollar tu carrera? ¿Sonidos electrónicos, o no?

Continuando un poco el hilo de mi respuesta anterior, mis principales influencias musicales siguen siendo las mismas

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MONDO FREAKO

EN CONCIERTO l Sant Sadurní d’Anoia 14-16 julio. Acampada Jove l Cádiz 20-23 julio. Cabo de Plata l Torelló 25 agosto. Bioritme l San Critóbal de La Laguna 21 octubre. Espacio cultural Aguere

que cuando era un joven con la cara llena de granos. El espectro de lo que me inspira es bastante amplio, pero tengo sin duda un apego particular por artistas y bandas como Fugazi, MC5, Ramones, Skinny Puppy, Boogie Down Productions y Ween.

—A la hora de tocar, bien pinchando o haciendo directo, ¿Cómo de diferentes son en la propuesta y en el trato con el público Sid Le Rock y Pan/Tone?

En muchas ocasiones se vuelve muy confuso lograr separar los diferentes nombres artísticos que he ido acuñando con el tiempo. Tanto, y no es broma, que no una vez, sino en varias ocasiones ha sucedido que antes de mi set tuve que preguntarle al promotor: “¿Quién soy esta noche?”.

—Cambiando de tema. Entiendo que Sid Le Rock es un apasionado de la historia y de los orígenes propios, ¿cierto? ¿Qué importancia tienen los indígenas nativos americanos en tu nuevo trabajo “Invisible Nation”?

Yo diría que más que una mera inspiración se trata de un medio para descubrir y aprender sobre mi legado. Siempre quise componer un disco que abarcase la música tradicional que comparte muchas similitudes con la electrónica, y luego presentarlo a través de mi propio estilo y proceso creativo componiendo un álbum con un buen trasfondo y un significado importante a nivel personal.

—BRUNO GARCA julio-agosto 2022 #35

aniversario

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ANIVERSARIO

NUESTRO CARTEL ES SORPRESA

“Es un disco que habla mucho del camino, del recorrido, del viaje”

FOTO: MARC ESTIVILL

Lágrimas de Sangre Caos y equilibrio Lágrimas de Sangre han lanzado su nuevo larga duración llamado “Armónico Desorden” (Guspira, 22), primer trabajo publicado desde que la pandemia paró la gira de “Vértigo” (Guspira, 19) que retomaron entre sillas y mascarillas el pasado 2021.

Hablamos con Microbio.

L

LEVAN MÁS DE DIEZ AÑOS juntos, pero parece que no se acaban las ideas. “Siempre queda algo que decir. Estamos en movimiento constantemente. Aunque lo hayamos dicho ya, las personas cambiamos y las formas de comunicarlo también. Vaya, que a lo mejor te digo algo de lo que ya hablamos pero me apetece repetirlo [risas].” Aunque en algunas letras de canciones como “Volver” o “Perdimos” se note cierta melancolía.

“Pues... No creo que sea un disco melancólico. Siempre tendemos a mirar hacia el futuro, pero si suena así será porque también hay algo de eso. Hay que decir que, en un álbum como este, caben muchas cosas porque no es un disco que abarque solamente un concepto. Nosotros determinamos de lo que hablamos cuando nos lo vamos encontrando. Un proyecto más acotado es más

difícil de justificar y también abarca menos aspectos de la vida”. Quizás sea este el “Armonico desorden” al que se refiere el título “Es un disco que habla mucho del camino, del recorrido, del viaje… Evidentemente el contexto histórico que hemos vivido, sobre todo el tema de la pandemia ha definido bastante las letras, pero yo creo que habla de eso, del recorrido, de llegadas y partidas.

SIEMPRE HAN SIDO UNA BANDA muy comprometida y luchadora, pero quizás sea difícil mantener ese espíritu con el tiempo. “Está claro que las luchas se viven en diferentes momentos de tu vida. Sí, seguimos luchando, somos los mismos pero desde un prisma diferente. Somos mayores, ya no vemos las cosas con esa intensidad, o sí lo hacemos, pero se refleja en nosotros de otros modos. Al final todos crecemos, nos emancipamos de ciertos caminos que nos sirvieron para crecer y ahora lo expresamos también desde una distancia evidente. Aunque sí, por supuesto siempre seguimos luchando. Una vez más hacemos referencia a este “armónico desorden” del disco, del camino, de las cosas que vivimos y nos hacen ser quienes somos. Iguales pero diferentes”. El nuevo trabajo presenta dferentes colaboraciones. Alguna de ellas en principio sorprendente como la del El Pony Pisador. “Es verdad que el tipo de música que hacemos no tiene nada que ver

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[risas], pero nuestro guitarrista también es integrante en el otro grupo, así que son colaboraciones que hacemos más por afinidad personal que por otra cosa, aunque el resultado es muy bueno y, como he dicho, nosotros también queremos disfrutar con el disco, celebrarlo con nuestros colegas”.

—TANIT CORTÉS DEULOFEU

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EN GIRA l El Bonillo 09 julio. Alterna Festival l Gandía 14 julio. Pirata Beach Fest l Mataro 23 julio. Les Dissantes l La Bisbal 30 julio. L’empordà Music Festival l Ferreira De Panton 20 agosto. Trece Roeis l Alicante 02 septiembre. Sala The One l Bilbao 16 septiembre. Sala Santana l Toledo 24 septiembre. Circulo De Las Artes l Port De Sagunt 07 octubre. Festardor l Santiago de Compostela 22 octubre. Capitol l Iruña 04 noviembre. Sala Totem l Gasteiz 05 noviembre. Sala Jimmy Jazz l Sevilla 10 noviembre. Sala Custom l Granada 11 noviembre. Sala El Tren l Málaga 12 noviembre. Sala Trinchera

julio-agosto 2022 #37

MONDO FREAKO

Ben Harper & The Innocent Criminals Espiritualidad Ben Harper es uno de esos artistas capaces de transmitir tanto en sus canciones como en sus directos. Por eso es un placer que, en julio, publique nuevo trabajo, “Bloodline Maintenance” (Anti/[PIAS], 22), y que además venga a presentarlo junto a The Innocent Criminals.

B

EN HARPER HABLA más con las miradas y los silencios que con las palabras. Con una postura y un poso cada vez más espiritual y reflexivo, ha grabado un disco, “Bloodline Maintenance”, que él mismo me define: “Para mí esto es el comienzo de una nueva era. ‘Winter For Lovers’ (20) fue un paso previo en el que se empezaban a adivinar cosas. Ese disco me fue muy bien para poder dar forma a este, aunque en realidad sean álbumes muy distintos, sobre todo por concepto. Eso sí, en la forma de componerlos sí que había similitudes”. “Bloodline Maintenance” es un disco fiero, vivo, inte-

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grador, el renacer de un músico que necesita ver la luz de nuevo. En él confluyen muchas cosas, la figura de su padre y la muerte de su compañero y amigo del alma Juan Nelson. “Juan hubiese disfrutado mucho la grabación de este disco. Se lo hubiese pasado en grande. Mientras lo grababa tenía la sensación de que estaba todo el rato a mi lado. Su espíritu lo impregnaba todo”. A la hora de componer, para sentir más cerca a Juan, Ben Harper ha partido del bajo. De hecho, en la entrevista que hacemos por Zoom, me muestra orgulloso el instrumento que le ha acompañado a lo largo del proceso. La presencia de Nelson es constante en el mundo actual de Harper. Hasta puso en marcha un modesto proyecto para que su familia tuviese ingresos adicionales.

“Las camisetas de Juan que hicimos son un regalo para quienes le queríamos. Uno de los momentos más increíbles que he vivido sobre un escenario es cuando, en España, la gente daba palmas y le cantaba ‘¡Juanito, Juanito!’. Era muy emocionante”.

“BLOODLINE MAINTENANCE” empieza con una pieza a capella que recuerda a la época en que registraba discos junto a The

Blind Boys Of Alabama. “Es cierto. ‘Below Sea Level’ es ideal como introducción al álbum. Una especie de capella en clave doowop es perfecto. Me recuerda mucho a ‘I’ll Rise’ de mi primer disco”. A partir de ahí nos encontramos con un disco con un punto crítico. Un trabajo que se plantea hacia dónde va el mundo y, más concretamente, hacia dónde va Estados Unidos. “No sé si existe una solución para el mundo y más todavía para América. ¿La música? Ese me parece un buen camino o, por lo menos, es la herramienta que yo tengo en mis manos”. Ahora bien, ya en su día Harper escribió una canción como “Call It What It Is” en la que hablaba abiertamente de cuestiones sociales y políticas. “Lo que ocurre es que no tengo un sistema específico para escribir, ni cuando hago canción protesta ni cuando hago otras cosas. Simplemente

EN CONCIERTO l Barcelona 22 julio. Festival de Pedralbes l Roses 23 julio Sons del Món l Madrid 25 julio. Noches del Botánico @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“No sé si existe una y solución para el mundo érica” más todavía para Am

TOP VÍDEOS. Q

Viagra Boys Punk Rock Loser

cojo un lápiz o un bolígrafo y dejo que fluya”. Le comento que, desde mi punto de vista, “Problem Child” es otro de los puntales del disco, con ese saxofón que le da un aire y un cariz distintos y que él define como “punk jazz”. “Es la canción más diferente del disco con respecto al resto de material. Sirve para romper la dinámica del conjunto y eso me gusta. ¿Sabes? Me gusta catalogarla como ‘punk jazz’ [risas]”.

Puede que, por eso, Harper encuentre similitudes entre “Bloodline Maintenance” y “Mule Variations” (99) de Tom Waits, no tanto por el sonido o el estilo, sino por lo que significa en cuanto a ruptura con el pasado del propio artista. “Anteriormente nunca hacía referencia a otros discos o artistas, ni porque fuesen mejores o peores que los míos o incluso porque fuesen una influencia para mí. En cambio, creo que ha llegado el momento de reconocer ciertas cosas. Por esa razón hago esa cita a un disco capital para mí. Me vino a la cabeza ese álbum y me hizo pensar en este. Lo he bautizado como ‘new black americana’, un concepto nuevo”.

EN ESTOS ÚLTIMOS AÑOS, Harper ha combinado diferentes formatos de directo, incluso ha tocado junto a su socio Charlie Musselwhite. Ahora tendremos que esperar para ver con que nos vamos a encontrar en esta próxima gira.

De momento, en sus próximos conciertos en nuestro país actuará junto a The Innocent Criminals. “No sé si los directos cambiarán tanto, pero lógicamente la onda que tiene este disco estará muy presente. Hace poco hice unos ensayos con Ziggy Marley y otros músicos de la zona y sonaba genial. Así que sí, puede que sea distinto”. En este tramo final de la entrevista la comento cuánto me gusta “Childhood Home” (14), el disco que hizo a medias con Ellen, su madre, y parece emocionarse. “¡Gracias! Te lo digo de corazón. Ufff, madre mía, ese disco... ¡Qué recuerdos! Es difícil explicarlo con palabras”.

Para cerrar la entrevista nada mejor que una anécdota sobre una reciente colaboración. El listado de gente con la que ha colaborador es inmenso, muchos de ellos nombres ilustres.

Pero llama la atención el último, un Harry Styles con quien en principio Harper no tendría tantas cosas en común. Harper participa en la canción “Boyfriends” de “Harry’s House” (22). “Participar en un disco como músico de sesión es muy diferente a grabar tu propio material. Las sensaciones son muy distintas. Pero disfruté mucho esa colaboración. Había mucha frescura y el equipo de trabajo era extraordinario, muy profesional. —TONI CASTARNADO

R

1

El sexteto sueco vuelve a hacer gala de un excelente sentido del humor en este vídeo para el tercer single de adelanto de su próximo trabajo. En esta ocasión los chicos de la viagra hacen una divertida parodia del típico Far-West de la películas.

Q

Fontaines D. C. Roman Holiday

2

Otro divertido homenaje, en este caso a las películas de Guy Ritchie o Quentin Tarantino, el que se marcan los irlandeses Fontaines DC en su nuevo vídeo. Una banda planea el secuestro del osito de peluche Randy que , pobrecito, no acaba muy malparado.

Q

Belle And Sebastian A Bit of Previous

3

Excelente tema de adelanto de Belle And Sebastian que viene acompañado por un emotivo video de animación con el que refuerzan mensajes positivos.

Q

Lorde The Path

4

Una exaltación del neo-ruralismo, la espiritualidad y la tribu. La cantante llega ataviada con su elegante traje de urbanita a una isla desierta en la que es acogida para vivir en comunidad y de lo que ofrece la madre naturaleza.

Q

Vance Joy Catalonia

5

Bonito a la par que entrañable homenaje el que ha realizado el cantautor australiano a Cataluña que bien podría convertirse en la campaña veraniega de una conocida marca de cervezas mediterránea.

Más en www.mondosonoro.co mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

julio-agosto 2022 #39

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41/Mondo VINILOS 7

Rojuu

Starina Autoeditado

ELECTRÓNICA / Rojuu presenta por

sorpresa “Starina”, una especie de continuación extraoficial de “KOR KOR LAKE” (22), que precisamente terminaba acercándose a la electrónica oscura en sus dos últimos cortes. Continuación o cara B, lo que es evidente es que Rojuu sigue siendo una de las personalidades más importantes para la nueva música española. Aunque muchos no lo vean todavía, quizá porque no habla demasiado, ya se está convirtiendo en la voz de una generación. Tiene lo que le falta a los demás artistas para realmente renovar el estilo dosmiles: menos de veinte años. “Starina” es una autentica chaladura brillante e incisiva que pone patas arriba la imagen del Rojuu que se acercaba al indie con Sonido Muchacho y, al contrario, demuestra que representa como nadie la forma de crear típica de su generación, donde todo ha nacido líquido y no hay necesidad de mantener una línea creativa ni siquiera un par de meses. —LUIS M. MAÍNEZ

La gran ópera egipcia de Kendrick Lamar Kendrick Lamar

Mr. Morale & The Big Steppers Aftermath/Interscope

10 RAP / Que Kendrick Lamar se ha convertido

en la figura pop más relevante de esta última década es algo que ya quedó certificado en “Damn” (17), su último trabajo antes de la publicación de lo que hoy nos ha regalado: sencillamente, la gran torre de Babel del último medio siglo de música afroamericana.

Del espíritu de Nina Simone, incrustado en el corazón de “United In Grief”, arranque de este “Mr. Morale & The Big Steppers”, al recuerdo permanente del Prince de los ochenta, Lamar se ha marcado la continuación perfecta del “Stankonia” (2000) de Outkast, hasta el momento, el disco hip-hop más ambicioso del siglo XXI. Al menos, hasta que el lustro de espera que nos ha hecho sufrir el fenómeno de Compton ha llegado a su fin por

medio de esta obra, concebida como un doble álbum. Vamos, tal como Isaac Hayes concibió en su momento “Black Moses” (71), Stevie Wonder publicó “Songs In The Key Of Life” (74) o Prince su “Sign O’ The Times” (87).

El quinto largo de estudio de Lamar prosigue esta gran tradición, en torno a conformar una gran ópera egipcia de música afroamericana. Canciones insufladas por la necesidad de transcender más allá de los tiempos y el contexto de su era, siendo, al mismo tiempo, una brújula exacta del momento que nos ha tocado vivir; en el caso, de Lamar bajo la idea de portar la bandera del rap, en todas sus formas posibles, como en el exuberante híbrido soul-raggamuffin que se marca en “Die Hard”. Música sin aranceles, en la que asistimos a un cruzado mágico de referencias que nos llevan de Ghostface Killah a Portishead. Y es que la mismísima Beth Gibbons hace acto de presencia en la enorme “Mother I Sober”, penúltimo escalón de tan necesaria reivindicación del hip hop como discurso aglutinador de épocas, estilos y formas de producción. Sencillamente inabarcable. —MARCOS GENDRE

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Primus

Conspiranoid ATO Records

ROCK / Entre los efectos no esperados de la pandemia tenemos este EP de Primus en el que Les Claypool, con su voz nasal e irónica y su particular genialidad para tocar el bajo, hace propio uno de los tópicos más extendidos de los últimos dos años: la conspiranoia. En “Conspiranoid”, Primus recuperan el nervio, esa forma ridícula de amenazar que los llevó al pedestal de la música deforme.

“Conspiranoia” es el capítulo de más de once minutos que abre la trilogía de tracks y quizá la principal razón de este lanzamiento. Un brainstorming que saca provecho del talento de Claypool, pero también del de Larry LaLonde y Tim Alexander. “Follow The Fool” dice todo en su título y la pregunta aflora a cada compás: ¿Quién es más tonto? ¿El tonto original o el que lo sigue? Por último “Erin In The Side Of Caution” cierra de maravillas este EP devolviendonos a los Primus más perversos en su mejor forma. —ADRIANO MAZZEO

8

julio-agosto 2022 #41

MONDOVINILOS

The Linda Lindas

Growing Up Epitaph

PUNK ROCK / Si hay un sentimiento que parece ser un común denominador en la adolescencia es la rabia y el inconformismo hacia la autoridad imperante.

Desde esa naíf y pura naturalidad que la edad temprana otorga, este cuarteto californiano ha firmado su esperado debut tras haberse convertido inintencionadamente en todo un altavoz reivindicativo para sus coetáneos. La energía de “Growing Up” logra reunir una serie de recursos que harán las delicias de la vieja guardia: ritmos rápidos, mensajes directos, potentes riffs y versos de infeccioso gancho. Además de divertidas y sencillas piezas diseñadas directamente para agitarnos (“Nino”), Bela, Eloise, Lucía y Mila también demuestran que la conciencia va por delante en su discurso y nos hablan de inseguridad emocional (“Cuántas Veces”) y hasta de conflictos raciales (“Racist, Sexist Boy”). Si hay una palabra que defina a The Linda Lindas es esperanza. —FRAN GONZÁLEZ APARICIO

8

Caroline Spence

The Smile y la alargada sombra de Radiohead The Smile

A Light For Attracting Attention XL Recordings

8 POP ROCK / ¿El mejor disco nunca facturado por un proyecto paralelo a Radiohead o el décimo álbum de Radiohead encubierto, disfrazado bajo otro nombre? Ambas lecturas son plausibles. Y correctas. Thom Yorke y los suyos han tratado siempre (con menor o mayor fortuna) de no repetirse, y la alianza que aquí traba su núcleo central –esto es, Yorke y Jonny Greenwood, amigos y secuaces desde la infancia– con Tom Skinner, percusionista de Sons of Kemet, emerge como un nuevo blues para los tiempos que corren, aunque con un extra de repiqueteo global que remarca su carácter orgánico y propenso a un experimentalismo atenuado, siempre dentro de unos razonables límites: en pocos cortes es más patente que en el colchón afrobeat de “The Smoke”, en la batería esquizoide, deudora del free jazz, que puntúa “Thin Thing” o en

#42 julio-agosto 2022

el pulso metronómico que sostiene “We Don’t Know What Tomorrow Brings”, sobre el que las guitarras crepitan.

Hay poco de capricho, escasa auto indulgencia y sí mucho tuétano en esta sonrisa que, en realidad (no podría ser de otro modo, sabiendo quiénes están detrás), es más una mueca. Sinuosa, esquiva pero magnética.

Como un “No mires arriba” (Adam McKay, 21) sin trazo grueso: me he acordado sobre todo por “You’ll Never Work In Television Again”, su corte más rock. Hasta Nigel Godrich se suma a la causa, ratificando continuidad con el corpus central de los de Oxford. Las letanías ilustradas de Yorke rezuman ese enigmático halo –marca de la casa– con el que dar sentido al caos y resignificar un mundo a la deriva, y las atmósferas de Greenwood exudan su habitual poso cinemático, con el apoyo de la London Contemporary Orchestra (exuberante en la preciosa “Free In The Knowledge”). Es como si toda la experiencia acumulada por ambos en sus respectivas travesías, tanto en Radiohead como fuera de ellos, hubiera sido aprovechada en un acopio de clarividencia que satisfará a los fans e intrigará –como mínimo– a los no conversos.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

True North Rounder/ Music As Usual

AMERICANA / Lo que Caroline Spence nos propone con su nuevo trabajo es simple, pero no sencillo. De repente, y gracias a las sosegadas piezas de su cuarto álbum, la artista de Nashville nos invita a soltar la presión del día a día, los discursos sobrevenidos por el bullicio mediático y los fantasmas de la abrumadora modernidad en favor de abrazar su lírica preciosista, expresada bajo ese tono henchido de sueños rotos y melancolía de verano. Ya sea a partir del reflejo de su personalidad naíf, homenajeando a la desaparecida poetisa estadounidense Mary Oliver, dándole una vuelta de tuerca al country y ligándolo con broches sintéticos con sabor a pop de los dos mil (“Clean Getaway”) o directamente entregándose a las tórridas mieles del género a golpe de pedal steel (“Scale These Walls”), Spence logra dibujar un catálogo de canciones íntimas y cálidas en las que no duda en exhibir sus debilidades y proyectarlas con esperanza. —FRAN GONZÁLEZ

7

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Lykke Li

The Black Keys

EYEYE Crush Music/ [PIAS]

Dropout Boogie Nonesuch/ Warner

BLUES ROCK / Los últimos

pasos de The Black Keys, con la excepción de “Delta Kream” (21), que era un disco de versiones, no habían acabado de convencer a sus seguidores. De hecho, “Let’s Rock” (19) resultó ser un paso en falso en toda regla que no hacía sino reafirmar lo innecesario del reencuentro del dúo formado por Dan Auerbach y Patrick Carney.

Afortunadamente, “Dropout Boogie” borra esa sensación de un plumazo. ¿Y cómo lo consiguen? Pues, para empezar, siendo conscientes del lugar que ocupan en el mundo de la música y de lo que son. O, sobre todo, de lo que no son. Porque The Black Keys ya no es ese grupo que va a evolucionar el blues acercándolo al rock. Ya no son unos precursores de nada, si es que algún día lo fueron. Simplemente son una banda de blues rock, con química para hacer cosas juntos y que suenan muy, muy bien. Han reincidido en terrenos conocidos y siguen ofreciendo buenas canciones. —EDUARDO IZQUIERDO

POP / Lykke Li quiere que, al escuchar su nuevo disco, sientas la misma sensación de intimidad que experimentas cuando escuchas una nota de voz puesto de LSD. Esas han sido sus palabras literales a la hora de explicar el concepto de “EYEYE”, su quinto trabajo de estudio en el que vuelve a colaborar con Björn Yttling, cómplice de su tercer disco, “I Never Learn” (LL/Atlantic, 14). Esta vez, ambos unen fuerzas para volver a traernos la calma y la artesanía de aquel maravilloso trabajo, pero mezcladas con un poco de esa psicodelia lynchiana. Todo en este quinto disco hace referencia a la figura del círculo o de la espiral infinita. Su título es un palíndromo; las canciones empiezan donde termina la anterior, y los siete vídeos que acompañan los temas son loops visuales que no paran de crear acción y movimiento hasta que el disco llega a su fin.

7

ROCK / Segundo album tras

la vuelta a la vida en 2018.

Y aunque para la banda de Gary Stringer y Jesse Wood ha podido ser un varapalo importante la salida de su compañero a la batería desde 1993, Dominic Greensmith, los de Glastonbury nunca estuvieron a salvo de imprevistos y usarlos luego de excusa para marcarse así nuevas etapas, donde dar nuevos giros de tuerca a su rock and roll enérgico cuya fórmula es algo así como AC/DC en una orgía con Aerosmith o Ugly Kid Joe, como buena muestra esos adelantos en vídeo de “Wolfman” o “Best Of Me”, con su dosis de gamberrismo marca de la casa desde principios de los noventa. Gary Stringer sigue con su voz arenosa que te rellena al máximo la “barrita de estamina” según le oyes unos segundos. No sería exagerado afirmar que es una de las voces más infravaloradas de Inglaterra, como Reef en sí mismos, acunados en la tierra donde tiene lugar el festival más grande del Reino Unido. —RUBÉN G. HERRERA

ELECTRÓNICA / La pasión es

el motor que hace mover nuestras vidas y esto lo tiene muy claro Daniel Guijarro a lo largo de sus veinte años de carrera como productor de música electrónica, desde sus inicios en el grupo C156 a sus proyectos Atzar o Headbirds.

Músico inquieto que explora diferentes territorios entre el house, techno y el electro, mostrando siempre una parte de emoción sensible en sus composiciones.

Tras ocho epés, publica su primer larga duración en el sello Rhythm Cult, con el que ya había editado “Terance EP”. En “Kulturhaus” expande sus alas a través de nueve temas que van desde los momentos sincopados de beats elevados de “Dog Compare” o “Millon”, a otros más melódicos vocales como “Fly Away” , a ritmos rotos como “Rafagas” o “Faster Than Clark”, hasta llegar al techno espacial de “Kulturhaus” o “Lucid Dreams”. Un trabajo de momentos variados que vuela alto cuando se muestra más orgánico. —ALBERT CARRERAS ALSINA

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2 Natalia Lacunza 2 Nova Twins Tiene que ser para mí Supernova 3 Los Estanques y Anni B Sweet Burbuja cómoda y elefante inesperado 4 Cupido Sobredosis de amor 5 Dani Llamas A fuego 6 Chill Chicos Los más guapos de Madrid

9 Fernando Costa Tirititando 10 O’o Touché

3 Wilco Cruel Country 4 Let’s Eat Grandma Two Ribbons 5 Bob Vylan Bob Vylan Presents The Price Of Life 6 Real Lies Lad Ash 7 Liam Gallagher C’Mon You Know 8 Invsn Let The Night Love You 9 Avi Kaplan Floating on A Dream 10 Foals Life Is Yours

Syberia

Yawners

Statement On Death Metal Blade Records

Kulturhaus Rhythm Cult

7

1 Rocio Marquez y Bronquio 1 Angel Olsen Tercer cielo Big Time

8 The Soul Jacket Kick Radio

Headbirds

Shoot Me Your Ace Raging Sea Records

INTERNACIONAL

7 Pol Batlle Salt mortal

—ÁLVARO TEJADA

Reef

7

NACIONAL

top 10 .

7

7

ROCK / Tras una decena de

fechas por Europa, los catalanes presentan finalmente este cuarto disco de evolución hacia un post-metal con salidas tildables de sinfónicas, sin abandonar sus raíces de rock instrumental sutil y contemplativo. Buena muestra de ello fue “Nothing Inside”, el single que nos presentaron para este, un álbum carente quizá de un sentido unitario, pero que funciona como una invitación a despertar nuestra “voz interior”, a través de su desarrollo melódico y enérgico, que va expandiéndose hasta hacerse explosivo. Todo un fluir de emociones y pensamientos. Coqueteando a ratos con lo modal y con lo disonante, la banda se permite hasta cinco intentos en forma de largos cortes para seducirnos, con piezas cuya narrativa es puramente musical. Y por ello, nos invita, exige y obliga a esta especie de meditación, en la que el post-rock instrumental se nos presenta como un potente canal autoreflexivo. —RUBÉN G. HERRERA

Duplo Montgrí/ Big Scary Monsters

INDIE ROCK / Ni tres años ni una pandemia han servido para que nos olvidemos del terremoto que supuso la llegada de Yawners a nuestra escena.

Elena Nieto vuelve a sonreírnos tímidamente desde la portada, firmando su lograda reválida al frente de su proyecto personal con “Duplo”, una maravillosa colección de diez canciones con Santi García en la producción y ecuánimemente compuestas en castellano y en inglés. Con un discurso próximo a una realidad reconocible que supura olor a golden hour, bowl para patinar y tardes de verano con amigos, sus enérgicos riffs y sus galopantes ritmos de batería (firmados por Joan Delgado de Cala Vento) se abren paso a través de sentidos homenajes al sonido de una generación (“Rivers Cuomo”), colaboraciones con los mencionados (“Paranormal”) y melodías a caballo entre la melancolía y la euforia (“Honey”).

8

—FRAN GONZÁLEZ julio-agosto 2022 #43

#44 julio-agosto 2022

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MONDOVINILOS

Foals y el hedonismo más entusiasta Foals

Life Is Yours Warner

6 INDIE ROCK / Reconvertidos en trío tras la marcha de Edwin Congreave el pasado año, a Yannis, Jack Bevan y Jimmy Smith se les presentaba el reto de afrontar su vuelta al foco con la responsabilidad de superarse a sí mismos, y para ello nada mejor que rascar en el fondo de armario de una discografía repleta de notables joyas para encontrar la inspiración necesaria. El séptimo trabajo de los británicos, nace de una retrospectiva casi perfecta de los inicios de la banda y por ello huele a algo que ya hemos conocido antes.

Este hecho puede dejarnos con la sensación de falta de originalidad, pero la ya icónica banda logra que compremos sin remilgos su propuesta y estemos dentrísimo de la misma desde el primer y homónimo tema. Desde una contagiosa euforia y a lo largo de sus diez

Malamute

L’Exotighost

Una gran decepción Snap! Clap!

Club/ Intromúsica

8

POP / La cántabra Irene Gu-

tiérrez y el madrileño Diego Jiménez han decidido que ya era hora de desarrollar su proyecto en formato de larga duración, y junto con Carlos Hernández y Fran J. Báez a la producción han logrado dotar de una mayor grandilocuencia a su banda y alcanzar un tono más feroz y asilvestrado que el de sus primeros aportes. A caballo entre la autodestrucción y la energía, las canciones del debut de Malamute son una exquisita prueba de que en el indie pop aún hay cantera, y gracias a su relato (que abraza desde la ansiedad, la angustia existencial, la apatía, la nostalgia y la autoparodia) convierten su personal universo en un abanico generacional de dramas triviales de inmediato flechazo a través de unos ácidos y divertidos versos que no dejan indiferente a nadie. No nos extraña que hasta la propia Ariadna Paniagua de Los Punsetes haya querido involucrarse.

—FRAN GONZÁLEZ

pistas, percibimos un palpable y constante deseo por parte de sus artífices de abrazar la recién estrenada temporada estival, como si se tratara casi de un mantra que aboga por pasar página tras la lamentable pandemia. Sin más, Foals nos lanza en brazos del hedonismo más entusiasta. No hay mensajes profundos ni trasfondos sesudos, es simplemente un disco nacido de esos días aciagos de confinamiento, durante los cuales los recuerdos de esas noches

Post Malone

Kamongo Everlasting/ Popstock!

7

EXÓTICA / L’Exotighost pu-

blican “Kamongo”, su segundo disco en formato largo tras “La Cara Oculta” (19). Los madrileños inciden en ese género tan llamativo como poco trabajado por estas latitudes como es la exótica, aprovechando para depurar su propia técnica. La nueva entrega del cuarteto muestra a una banda sensiblemente más asentada, que asume riesgos hasta crear una obra ambiciosa. Una actitud que se concreta en canciones mejor acabadas y con arreglos engalanados, incluidos los de vientos, saxo, vibráfono o clarinete. “Kamongo” es también un disco más melódico y luminoso (incluso más pop) que su antecesor, apurando al mismo tiempo mayor presencia de sonidos surf. Un trabajo ameno y muy vistoso gracias a sus cambios de ritmo, intensidades y direcciones, apto para melómanos, aficionados a los sonidos particulares y curiosos en general, que puede resultar adictivo y refrescante de cara a la temporada estival. —RAÚL JULIÁN

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de borrachera y quedadas con amigos se agolpaban en nuestras memorias mientras contábamos desde el desasosiego los días para la vuelta a la normalidad. Ese enfervorecido y esperanzador anhelo por reconquistar el exterior, el ocio y la vida se puede observar en los sencillos y vitalistas títulos de algunas de sus pistas (“Life Is Yours”, “Wake Me Up”), pero sobre todo en el filtro funk que le han pasado a su obra. —FRAN GONZÁLEZ

Wallis Bird

Twelve Carat Toothache Mercury/ Universal

7

POP / Post Malone es uno de

esos artistas cuyo éxito internacional apenas se ve reflejado en el respaldo del público de nuestro país. A pesar de un par de hits incontestables como “Rockstar” y “Congratulations”, su música no encuentra el calado necesario.

Hablábamos del público, porque entre los artistas y los especialistas, Post Malone es escuchado y, en bastantes ocasiones, venerado.

“Twelve Carat Toothache” es un álbum redondo de nuevo pop de principio a fin que carece de esos hits aptos para España (a excepción, quizá, de la colaboración con Doja Cat) pero que mejora con mucho su último trabajo, “Hollywood Bleeding” (19). Representa lo que Post Malone ha querido conservar de sus escarceos con la electrónica a principios de su carrera y con el trap y demás derivados hip hop después. Esto, unido al R&B y el pop anglosajón, le coloca como un referente del mainstream curioso, ecléctico e interesante.

—LUIS M. MAÍNEZ

Hands Caroline/ Music As Usual

8

POP / Hacer frente al bloqueo

con un nuevo salto creativo.

El último álbum de Wallis Bird, el séptimo de su carrera, es un ejemplo de evolución, aceptación y continuo crecimiento. “Hands” supone un giro algo más experimental en la carrera de la artista de la mano de Philipp Milner (Hundreds) en la producción quien casi se convierte en el guía espiritual de Bird. Deja de lado las guitarras para focalizar en teclados, percusión y bajo. Se sincera como nunca antes lo había hecho a través de melodías adictivas. Expone sus preocupaciones, saca su lado más íntimo, y problemas vitales para abrirte los ojos bailando. Al final, el principal propósito de la artista es que se te quede bien clavado el mensaje de mejora y necesidad de cambio del mundo actual y parece que lo consigue. Algo que ha ocurrido con la propia estrella que se abre en “I Lose Myself Completely” para expresar sus problemas pasados con el alcohol y exponer que es una persona nueva. —ÁLEX JEREZ julio-agosto 2022 #45

BURNING SPEAR | DAMIAN “JR GONG” MARLEY SEAN PAUL | DAVIDO

SHENGEN MAFIA&FLUXY | LUCIANO BAND | MORGAN HERITAGE ALBOROSIE &CLAN & THE | JULIAN MARLEY UPRISING BLACK UHURU | HORACE ANDY SLY DUNBAR & THE REVOLUTIONARIES w/

& DUB ASANTE BAND

FT DEAN FRASER, EARL CHINNA SMITH, LLOYD PARKS

MALA RODRÍGUEZ | NATIRUTS | ISEO & DODOSOUND THE THE SKATALITES | THE ABYSSINIANS | MAX ROMEO &CHARMAX BAND N’ZENG, TROY BERKLEY & THE RIDDIM CLINTON FEARON SOURCE | L’ENTOURLOOP & BLABBERMOUF W/

O.B.F. SR. WILSON, BELÉN NATALÍ | MELLOW MOOD FT EMETERIANS OKOUMÉ | HEMPRESS SATIVA FATOUMATA DIAWARA | MORODO &LIONS THE & ARTIKAL AFRICA UNITE | YANISS ODUA BAND | SOOM T &STONE MONKS & THE HIGH THE AZA LINEAGE TIDE BAND | THE DUALERS | NKULEE DUBE &HIGHER POWER & MARCUS GAD TRIBE | IQULAH RASTAFARI | XANA ROMEO BLAIZ FAYAH | CHILL MAFIA | LA DAME BLANCHE CONSCIOUS LIVITY | AUXILI | JAHSTA &VIBES TIWONY | LION D, RAPHAEL &BAND BAND BALKAN PARADISE ORCHESTRA FT JUNIOR ROY, CHARLIE P,

FT TRAVIS BIRDS, TRIBADE, MARUJA LIMÓN, SANTA SALUT

& ROOTS PHANGO HEAVY DUB | KT GORIQUE | NATTY | BLEND MISHKIN EVOLUTION THE & DUB PRINCESS HOTSTEPPAS | MIGHTY MYSTIC | CAPTAIN ACCIDENT &DISASTERS SOUL REBEL PROJECT | SAMORA | YOUNG ISRAELITES | MEMORIA SHAKALAB | SWEET BARRIO | IRREGULAR ROOTS DANCE HALL LADY LESHURR | RATIGAN ERA | JAZZY T RENAISSANCE | CODE RED WARRIOR SOUND | SEANI B BBC 1XTRA | FREDDIE KRUEGER | JUGGLERZ NORTHERN LIGHTS | ENGLISH FIRE & KILLA MIKE PRODIGY MOVEMENTS |SPLENDID SHABBA PARTY | FIRE WARRIOR | UNITY SOUND | DJ ALICIA HAMMER | LAMPADREAD ROYAL VIBES + ZUGU MC | GECKY HEAVY DUB 5 HOURS ACADEMY ABA SHANTI-I SESSION | AWA FALL | BADALONIANS FT MATAH CHANNEL ONE | DUBLE TROUBLE | PAOLO BALDINI DUBFILES SYSTEM EMETERIANS IN DUB |FEMENINE HI-FI | GREENLIGHT SOUND HARNY ROOTS | IRATION STEPPAS MINAS COLLECTIVE FT BRODA NELSON PETER CHAVES LIVE MIX | QUALITEX ROOTS VIBRATION SALOMON FT TENA IRIE | SASHA STEPPA | SINAI FT LASAI SYSTEM SISTA HABESHA & GUESTS | SYMBIOSE | WATTS ATTACK SOUND JUMPING GLADDY WAX NATTY BO | CHAMPIAN TIGHTEN CLUB UP CREW | CONSTANT JAMMIN SOUND LIVE SAX | KIKO NUÑEZ SAX | FAK SCRATCH | LA LVCHA MARK FOGGO LIVE NONAI SOUND | JIM MORRISOUND | MICHELE POLETTO | BIG MAFIA ...Y MÁS

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gran fest

MONDOVINILOS

Andrew Bird

Inside Problems Loma Vista/ Music As Usual POP / “Inside Problems” es ese regreso que cabía esperar por parte del bueno de Andrew Bird: un álbum que (de nuevo) destila elegancia y buen gusto en sus once piezas. Al mismo tiempo, la obra parece aportar cierta solemnidad adicional con respecto al catálogo previo de Bird. No solo porque se trate de un regreso en firme tras la colaboración con Jimbo Mathus en “These 13” (21), sino porque las propias canciones (y también el conjunto) sugieren ese asentamiento creativo de aspecto maduro y favorecedor. La enésima muestra del talento tradicional del norteamericano llega tejida entre pop, indie y folk, con premisas cristalinas en las que voz e instrumentación lucen impolutas. Así mismo, el trazo clásico del autor resulta revitalizado, ya sea apurando una faceta de cantautor que apunta a los sesenta (y a nombres como los de Donovan o Nilsson), o a través de esos pespuntes de barroquismo instrumental que son marca de agua del músico. —RAÚL JULIÁN

7

Inspira

Acaba i comença Bankrobber

POP / Si la vuelta de Inspira ya era una buena noticia, que lo hayan hecho con un álbum como “Acaba i comença” le da aún más relevancia. La banda de Jordi Lanuza regresa tras cuatro años con un disco de once temas producido por Pau Vallvé. Se trata de un viaje hacia el pasado en el que recuperan todas esas experiencias que les han hecho llegar hasta hoy. Ya solo con la primera pieza nos hacen volver “Al bar vinil”, el lugar donde comenzó la historia del grupo. Van bajando hacia sus experiencias más íntimas en canciones que viran entre el pop, el rock y el folk, destacando aquellas que tienen ritmos más lentos y logran emocionarnos como “Reflex i mirall” o “Al final”.

Y aunque parezca una referencia que evoca a épocas mejores, esconde detrás de algunas de sus piezas, como “Al final”, un mensaje totalmente vitalista y esperanzador.

7

Liam Gallagher no se desvía del clasicismo Liam Gallagher C’Mon You Know Warner Music

7 ROCK / Si hay un artista de quien no deban

esperarse grandes giros ni una revolución dentro de su obra, ese es seguramente Liam Gallagher. El empeño del ex Oasis consiste en reivindicar una y otra vez el legado de nombres clásicos del pop/rock británico (The Rolling Stones, Faces, The Beatles, The Jam…), reverdeciendo laureles ajenos en base a la presencia que destila su propia figura. Así llega el tercer álbum del icónico frontman, otro elepé atractivo sito en las coordenadas mencionadas, que mantiene pulso sobre todo en base al incuestionable carisma ejecutivo del vocalista. Un álbum que, en la práctica, incluye unas cuantas destacadas que pasarán a formar parte del repertorio de Liam Gallagher en directo. Ahí aparecen la

propia “C’mon You Know” con sus coros soul, la bonita “It Was Not Meant To Be”, “Don’t Go Halfway”, una “Oh Sweet Children” en la que vuelve a aflorar la alargadísima e inevitable sombra de John Lennon, ese clásico instantáneo que es “Everything’s Electric” o “Better Days”. Al mismo tiempo, la referencia cuenta también con piezas más intrascendentes que rebajan la euforia del tipo de “More Power”, el insulso single “Diamond In The Dark”, “I’m Free” o “Too Good For Giving Up”. “C’Mon You Know” es un buen disco que sin embargo no despierta efusividades, quizá algo más variado que sus antecesores, aunque sea en base a elementos mínimos que no resultan determinantes en el aspecto final.

Una entrega, en definitiva, tan cumplidora como en realidad algo acomodada y autocomplaciente, que en conjunto se sitúa un peldaño por debajo de “As You Were” (Warner, 17) y “Why Me? Why Not” (Warner, 19), pero que evitará decepcionar a cualquier seguidor del inglés. Un logro sin mayores complicaciones que, por otro lado, no era sino el objetivo a consensuar sí o sí.

—RAÚL JULIÁN

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

julio-agosto 2022 #47

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MONDOVINILOS

Porridge Radio y el dolor más personal Porridge Radio

Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky Secretly Canadian/ Popstock!

7 INDIE ROCK / Plasmar el preciso instante

en el que te rompen el corazón y este se desgarra mientras tu cuerpo se estremece es algo prácticamente imposible de conseguir. Excepto si hablamos de Dana Margolin, líder de Porridge Radio. Después del éxito de “Every Bad” (21), la banda indie rock británica regresa con “Waterslide, Diving Board, Ladder To The Sky”. Un disco en el que siguen demostrando que son los mejores plasmando el dolor más personal, para convertirlo en universal. De esos que son para escuchar en la intimidad de tú habitación, con lágrimas en los ojos incluidas, pero que quieres cantar a pleno pulmón en un festival. Tiene la virtud de abrir con un tema en el que prueban la guitarra y sus distorsiones, como si nos adentrára-

Joyce Manor

PUNK POP / Expertos en el

fino arte de las canciones certeras, Joyce Manor vuelven a firmar un disco sucinto. Los temas de este sexto trabajo rara vez superan los dos minutos, a excepción del tema inicial, una versión del “Souvenir” de Orchestral Manoeuvres In The Dark. Joyce Manor han pasado de emular a sus héroes punk pop (Descendents, Blink 182, Jawbreaker…) a liderar este subgénero con un estilo especial y reconocible. Los de Long Beach son muy buenos en esto de armar canciones ultrapegadizas con efecto inmediato, disparadas al corazón con la puntería de un francotirador. Pienso en la agridulce “Don’t Try”, con una estrofa melancólica y un estribillo memorable; “Did You Ever Know”, un temazo que ya le gustaría al bueno de Rivers Cuomo haber compuesto, y sobre todo “Gotta Let it Go”, con un Johnson bordando diferentes registros vocales. —LUIS BENAVIDES

Harry Styles

ROCK / Tras Maragda se

POP / El título del tercer disco de Styles hace referencia a la canción de Joni Mitchell perteneciente al álbum “The Hissing Of Summer Lawns” (75). Una conexión que, sin habernos metido en materia siquiera, marca el paisaje sonoro por el que se va a mover este Harry de 2022. Sin renegar de su faceta más pop, el británico coquetea con guitarras muy setentas y melodías muy ochentas, creando una fórmula propia que ya es marca de la casa. Harry Styles solo nos introdujo una canción previamente al lanzamiento del disco entero. Un movimiento algo arriesgado, puesto que pone en un lugar muy alto las expectativas después del hitazo que es “As It Was”, pero quizás más inteligente de lo que pensamos. Al fin y al cabo, presentar hoy en día un trabajo de trece temas no es fácil bajo las reglas de una industria musical que se rige por la brevedad y la inmediatez. —ÁLVARO TEJADA

Maragda Nafra/Spinda

Cuando se nos mueren los amores Vida Records

7

FOLK / A veces se nos olvida

be loved”. Pero al mismo tiempo, la pausa y el tempo contemplativo de estos años se ven reflejados. En los bucles, los gritos, las guitarras o las percusiones, ya no son tan frágiles, no buscan la inmediatez. No hay tanta violencia en su dolor. Todo queda impregnado de una tranquilidad que nos aleja de lo visceral, para dejar espacio a la reflexión. Tu grupo favorito para abrirte en canal cuando nadie mira. —EVA SEBASTIÁN

Maragda

Amaia Miranda

40 oz. to Fresno Epitaph Records

7

mos en la intimidad de la grabación sin prisa alguna. Inmediatamente empieza la catártica “Back To The Radio” y nos da la bienvenida por todo lo alto. La fórmula sigue siendo un poco la misma. Bucles hipnóticos en los que la voz de Margolin se va quebrando en una emoción contenida. Se desprende del sentido literal de las palabras y da paso a las sensaciones más puras, como en “Birthday Party” repitiendo incansable “I don’t want to

6

que no hace falta agrandar las canciones para que emocionen y suenen bien. Es complicado, pero Amaia Miranda lo logra con “Cuando se nos mueren los amores”. Acompañada de su guitarra, la joven va abriéndose en canal en cada una de las pistas con las que, gracias a su voz tan cálida, logra emocionarnos. Escucharlo es como adentrarse en su mente y ver esas dudas y preocupaciones que tiene en su día a día y que se representan en la canción homónima al título del disco. A la valentía de enfrentarse a este ejercicio de desnudez, se suma incluir una pieza en inglés y otra en euskera. Pero no le vale con eso, si no que hace algo totalmente insólito: dejar dos canciones sin voz. La bilbaína logra sorprendernos y se coloca como una de las jóvenes promesas a seguir en la música de autor nacional gracias a este “Cuando se nos mueren los amores”.

esconde un joven trío barcelonés que debuta con este disco conceptual; curioso cruce de caminos para la atmósfera de la psicodelia, la imaginación de rock progresivo, la dimensión expansiva del space-rock, la abrasividad del stoner e, incluso, del rock alternativo de los noventa. Lastrado por la falta de homogeneidad y algún que otro giro desconcertante, el disco consigue sobreponerse a su mayor desventaja mediante la capacidad de sorpresa: la banda sabe mantener la atención del oyente partiendo de la diversidad de las ideas a lo largo de media hora. Y si por una parte las voces dinamitan algunos pasajes que requerían mayor desarrollo instrumental, la contrapartida llega con el protagonismo de la guitarra repleta de matices de Guillem Torà. Con pinceladas que pueden recordar a The Claypool Lennon Delirium e incluso a Slift.

—ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

—TOMEU CANYELLES

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Harry’s House Columbia Records

7

julio-agosto 2022 #49

JULIO - AGOSTO

!!! (CHK CHK CHK) live · BABYNYMPH · BAVR · BRYTE · BUTTA B CEEPHAX ACID KREW live · CHICO BLANCO B2B 8KITOO · COCO BRYCE PETER VAN HOESEN live · YU SU · DJ MELL G · PARRIS ZOMBIES IN MIAMI live · DJ IBON · EDWARD · PSYK · COLOR · CONFIDENCE MAN COYU · DANGA · DAVE CLARKE · DEENA ABDELWAHED · DJ SOSA RD · DREA EL PLVYBXY · FLIGHT FACILITIES DJ SET · HARRISON DBP · JAN VERCAUTEREN KELLY LEE OWENS (DJ SET) · OBJECT BLUE B2B TVSI · SIMO CELL B2B LOW JACK JEREMY UNDERGROUND · KEVIN KOFII · KEY GLOCK · MARVIN & GUY · SVRECA LAUREN HANSOM · MOULLINEX DJ SET · RATTLESNAKKE · RONE LIVE A/V ROSA PISTOLA · SCHACKE · SECRETSUNDAZE · SNOW THA PRODUCT TOKIMONSTA · VHOOR · YIBRIL Y MUCHOS MÁS...

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CINE Y SERIES Love Death & Robots (T3)

Moon Knight

Tim Miller

Jeremy Slater

8 LO DE SIEMPRE Y LO NUEVO. El título de “Love, Death & Robots” siempre me recuerda al de aquel libro de Mario Benedetti “El amor, las mujeres y la vida”, uno de los primeros que compré siendo un preadolescente que no sabía nada de ninguna de esas tres cosas. Sobre el amor sigo sin saber nada, y sobre la muerte y los robots solo sé que no me gusta ninguno, ni siquiera sé cuál me gusta menos de los dos. El naming, el título de la serie, tiene algo de microrrelato, de historia de la humanidad en veinte caracteres. La condensación de la historia, la relación de la narración contra lo inevitable, es una constante en una serie brillante en la que cuesta enhebrar constantes a lo largo de sus episodios. Si acaso, que el amor y la muerte parecen fases primigenias de nuestra relación con las máquinas, con

lo sobrenatural –literalmente– antes de que estos nos derroten por completo. ¿Por completo? ¡No! Un grupo de humanos resisten al empuje de lo sobrenatural. Es en estos momentos donde la serie encuentra lugares de luz, rendijas para la esperanza, un futuro posible para nosotros cuando todo parezca terminar. La serie se compone de episodios individuales de unos diez o quince minutos, independientes entre sí, y desarrollados por un equipo de animación diferente cada vez.

Vale la pena poner el foco en dos joyas del audiovisual: El episodio titulado “Mal viaje”, dirigido por un “joven aspirante” llamado David Fincher –también uno de los productores de la serie– y el dirigido por el español Alberto Mielgo (“Jíbaro”), recién galardonado con el Óscar a Mejor Corto de Animación. —LUIS M. MAÍNEZ

5 EN ESTA ETAPA más experimental de Marvel Studios nos encontramos con “Moon Knight”, una nueva serie que parece que va a trascender lo establecido por Marvel hasta la fecha: temática egipcia, enfermedades mentales, un protagonista que parece que su mayor enemigo es él mismo y el personaje que representa la versión marvelita de Batman. Parece un cóctel muy potente, ¿no? Pues desgraciadamente se queda a medias en todos sus aspectos y eso que tenemos a Oscar Isaac y a Ethan Hawke en los papeles de héroe y villano, respectivamente.

El problema principal de la serie es que intenta ofrecer demasiadas cosas a la vez sin acertar en ninguna. Moon Knight siempre ha sido un personaje atractivo, pero fuera del estilismo de las escenas de acción de los primeros tres capítulos y el robo que se hace de la

Todo en todas partes al mismo tiempo

Val

Daniel Kwan y Daniel Scheinert

Ting Poo & Leo Scott

9

8 ESTA ES UNA HISTORIA que no se ata a nada ni se compromete con nadie. La única norma a cumplir es, paradójicamente, la de dejarse llevar por lo imprevisible, por lo ridículo, por lo totalmente ajeno al costumbrismo. La rareza como sinónimo de comodidad, el safe place más esquizofrénico de los últimos años. Son muchísimas las cosas que se pueden decir de lo nuevo de los Daniel que quedan totalmente vacías de significado si no van acompañadas de las propias imágenes de la película.

Quizá lo que sí le pueda reconocer es lo bien que esta funciona como manifiesto contra el sueño americano, lo bien que señala la hipocresía de esos liberales con mentalidad de tiburón que aseguran que una mejor versión de tu vida y de ti mismo están a la vuelta de la esquina. “Todo es posible si te lo propones”, te dicen.

“Todo es posible si una realidad alternativa del multiverso decide viajar a la tuya para reconocerte como su elegida y darte la opción de adquirir todas las cualidades de tus otros yo de otras realidades alternativas en las que tu vida es mucho mejor”, te dicen los Daniel.

Parecen tomar prestado el alma del siempre juguetón de Takashi Miike a la hora de diseñar una obra sin miedo a lo heterogéneo.

Deambula por los géneros y formatos como un borracho de festival se desplaza de la barra al pogo.

Imposible no preguntarse cómo no se ha caído aún, cómo cada movimiento no acaba en puntos en la cabeza. Una referencia a Wong Karwai por aquí, una a David Lowery por allá, una a Pixar como guinda del pastel… Cine en el que todo vale mientras ese todo desemboque en la imagen más improbable posible. —DANIEL GRANDES

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supuesta batalla final, no aporta mucho al tema. No es “Split” de M. Night Shyamalan, ni mucho menos “Black Swan” de Darren Aronofsky. Tenemos la trama de los dioses egipcios que, en un principio, parece que nos va a introducir en una especie de “Indiana Jones” con superhéroes. Sin embargo, las escenas de investigación son incapaces de conquistarnos. Son fáciles y sin interés; las normas que encierran a los dioses son sencillas de romper y reestablecer –por lo que apenas generan tensión– y todo acaba en una gran pelea de CGI que ni es espectacular, ni aporta nada al arco de los personajes. Algo parecido ocurre con el editing. Frenético, con muchos cortes, incapaz de atraparnos. Tampoco se le hace justicia al Harrow de Ethan Hawke, aunque quien sí que brilla es, sin duda, Oscar Isaac. —LUIS DE LA IGLESIA

EL REPUTADO DOCUMENTAL “Val” está al fin disponible en nuestro país a través de la plataforma Filmin, en un proyecto motivado por el propio protagonista que apunta al autorretrato. La cinta presenta una interesantísima retrospectiva acerca de Val Kilmer que, tejida desde dentro y partiendo del momento actual, muestra sin tapujos la forma de vida del actor tras ser diagnosticado y tratado de cáncer de garganta. El californiano hizo siempre gala de una personalidad controvertida, con sus tendencias perfeccionistas granjeándole no pocas polémicas con directores, estudios y compañeros de profesión. Pero, al mismo tiempo, también se ha manifestado como un tipo inquieto artísticamente, obsesionado con la actuación, y poseedor de ese atractivo magnético que incluía una mandíbula

imbatible. El presente documento es un “acceso a todas las áreas”, que repasa la actualidad del actor y saca especial provecho de esa afición suya que en todo momento le empuja a grabar con su propia videocámara, intercalando en el metraje valiosísimas imágenes acerca de su vida personal o los entresijos de los rodajes. “Val” es, ante todo, un relato humano acerca de un tipo capaz de ejercer su trabajo con unos niveles de pasión y competitividad que en la práctica podían llegar a traducirse en pura pretenciosidad. La experiencia abierta en canal de alguien que continúa luchando, plasmada en un relato sincero y tan jugoso como impactante y desgarradoramente emocionante, acerca de un exitoso actor bajado a la tierra de la noche a la mañana por una lacra que no entiende de estrellas ni apellidos. —RAÚL JULIÁN julio-agosto 2022 #51

CÓMICS

LIBROS Besos de Alambre de Espino: La historia de J.A.M.C.

Desayuno de campeones Kurt Vonnegut Blackie Books

Zoë Howe Ondas del Espacio

9 Que Kurt Vonnegut es el autor de culto literario por antonomasia de la contracultura, lo demuestran hitos como “Matadero cinco”. Seguramente, esta sea su novela más famosa, aunque no por ello la más representativa de su estilo alucinado, capaz de hacernos escupir sonrisas a través de su desesperanza en el género humano. En este sentido, lo que tenemos aquí es, seguramente, el tratado de estilo más veraz, correspondiente a su capacidad para atraer al lector a un estado de locura transitoria y a revertir los clásicos cánones de lectura. Profusamente ilustrado, “Desayuno de campeones” es un libro para el cual el guion es lo de menos. Lo que tenemos aquí es una caja china de frases cortas, directas al mentón de la verdad asumida. —MARCOS GENDRE

9 Publicado originalmente en 2014, “Besos de Alambre de Espino: La historia de The Jesus & Mary Chain” supone una retrospectiva emocionante y documentada para la ocasión con declaraciones exclusivas de protagonistas que incluyen a Jim Reid, Douglas Hart, Bobby Gillespie o Alan McGee. De este modo, es el grupo (y sus compinches más allegados) quienes tiran de recuerdos para narrar en primera persona el devenir de los acontecimientos. Unos trazos convenientemente ordenados y completados con maestría por Zoë Howe, hasta articular esta descriptiva e implicante referencia que coloca al lector en el epicentro de aquel torbellino motivado por The Jesus & Mary Chain, una de las formaciones más influyentes y cool que jamás haya existido.

—RAÚL JULIÁN Villeneuve: La mirada salvaje

Not For You. Pearl Jam, Vivir en presente

Pau Gómez Dolmen Editorial

Ronen Givony Alianza Editorial

7

6

Un exhaustivo repaso de la carrera de la banda de Seattle a través de sus discos y sus giras, pero sin ahondar demasiado en las vidas personales de sus miembros. Y es que el autor se centra mucho más en analizar al detalle actuaciones míticas del grupo como su primera aparición en la MTV, la tragedia del festival de Roskilde en Dinamarca o su conflicto con Ticketmaster, que en enseñar esa cara íntima de un grupo que siempre ha sido celoso con su vida privada. Así, Ronen Givony tan solo menciona, como de pasada, el divorcio de Eddie Vedder o los problemas que le causó el acoso por parte de algunos de sus fans, mientras se muestra más interesado en situar la carrera de la banda dentro de la coyuntura política de su país.

“Villeneuve: La mirada salvaje” funciona a la perfección como álbum de recortes, como objeto indispensable en la estantería de todo enamorado de la obra del cineasta canadiense. Es imposible no sentir el impulso de hojear, en una especie de gesto hipnótico, un maquetado –bañado en un elegante tono monocromático– que intercambia con elegancia los comentarios de Gómez con fragmentos de guiones, fotografías e incluso críticas cinematográficas. También es de agradecer el compromiso con la actualidad, pues aún habiendo pasado poco más de medio año tras el estreno de “Dune” la cinta tiene un papel nada secundario en el repaso de la filmografía. Quizás un servidor haya echado en falta algo más de mirada autoral en el estudio de una mirada autoral.

—DON DISTURBIOS

—DANIEL GRANDES

#52 julio-agosto 2022

Grito nocturno

Borja González Reservoir Gráfica

7 Tras “La reina orquídea” y “The Black Holes”, en “Grito nocturno”, González vuelve a hacer uso de la angustia existencial como motor propulsor en su narrativa que, sumado a ese mundo tan característico de caras sin rasgos definidos, un imaginario fantasy de proximidad y una composición de página desgarradoramente extraordinaria, logra parir un libro de una belleza inusual. Todo remite a algo cuando uno lee el cómic, y eso es bueno: una pizca de Neil Gaiman, un toque de cine alternativo noventero –ese que va de Larry Clark a Kevin Smith– y su aliño al primer Tim Burton. Eros y Thanatos at his best, “Grito nocturno” te deja tristón como cuando ves un anime de Miyazaki por primera vez o cuando sales del cine a medianoche en una ciudad de provincias. —OCTAVIO BOTANA Bat Alan

Ramón Boldú Astiberri

7 “Bat Alan” –subtitulado “Biografía de un asesinato social”– es uno de esos cómics que van más allá de lo que se recoge en sus páginas –se ha adaptado ya al teatro– por el valor que supone crear una obra de estas características. El catalán Ramón Boldú se distancia una vez más de sus alocados trabajos autobiográficos para firmar un trabajo de calado emocional que nos sumerge en el triste caso de Alan, quien decidió quitarse la vida con apenas diecisiete años de edad tras sufrir bulling en la escuela por su condición de chico transgénero. Boldú acierta en el tono, puliendo su estilo gráfico habitual y descubriéndonos el suplicio con el que cargó Alan y su familia. Es acabar de leerlo y sentir rabia e impotencia al pensar que estos casos sigan sucediendo. —MARTÍ VILADOT

Jolgorio

Bretch Evens Astiberri

9 Excesiva, exuberante, monumental. Tras “Pantera”, Brecht Evens se marca un espectacular tour de force con esta obra rica y compleja que aturde y fascina a partes iguales. El autor belga nos propone un largo viaje hacia la noche y, por el camino, consigue que nos perdamos y nos abandonemos completamente al jolgorio y a la fiesta, atrapados en una bulliciosa ciudad que tiene más de selva que de urbe. Evens mezcla sin pudor estilos pictóricos muy diversos, desde la iconografía persa hasta el impresionismo, porque su dominio de la acuarela y las tonalidades es absolutamente magistral. Y todo ello lo adereza con referencias mitológicas. Una obra extraordinaria que requiere un proceso de aclimatamiento para disfrutar de una historia que nos nutre profundamente. —LAURA MADRONA La Pirámide Inmortal

Salva Rubio y Cesc Dalmases Norma Editorial

8 En “El Secreto Egipcio de Napoleón” (02) y “La Pirámide Inmortal” (14) Javier Sierra planteó la hipotética situación de que napoleón Bonaparte se hubiera quedado atrapado en 1799 en el interior de La Gran Pirámide de Egipto, en la que se encontraría con octogenarios maestros, chamanes, hechiceros... Ahora la historia se convierte en novela gráfica de la mano de Salva Rubio (“El fotógrafo de Mathausen”) y el dibujante Cesc Dalmases (“Victus”), autores con experiencia para algo que puede parecer sencillo, pero que, en ocasiones, es incluso más complicado que ofrecer algo toalmente original. Pero, como no podía ser de otra manera, todo funciona a la perfección. Los textos son fieles, y el dibujo, y sobre todo el color, adecuados a lo que se pretende. —EDUARDO IZQUIERDO

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URA

julio-agosto 2022 #53

PODCASTS MS

C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055 C/ Llull, 57-61 6º6ª 08005 Barcelona T. 933 011 200 mondo@mondosonoro.com Coordinador general Sergi Marqués sergio@mondosonoro.com Coordinador editorial Jose Macarro jose@mondosonoro.com

Riders Of The Canyon

La Casa Azul

Riders Of The Canyon está compuesto por los cantautores Joana Serrat, Roger Usart, Víctor Partido y Matthew McDaid.

La banda se formó en 2017 con la excusa de abrir para The Band Of Heathens durante el final de su gira europea, pero el proyecto ha seguido su andadura hasta publicar un Ep que Joana Serrat repasa canción a canción.

Guille Milkyway mantiene intacto su amor por la música y su necesidad de contagiarnos con canciones frescas y bailables en las que euforia y melancolía se entrelazan de una forma única e inimitable. Son ya veinticinco años de La Casa Azul, por ello es un placer tenerle como protagonista de un nuevo episodio de nuestro Música + Charla.

PUBLICIDAD Director comercial Dani López T. 687 914 719 dani@mondosonoro.com Coordinador publicidad David Morell T. 607 366 693 david@mondosonoro.com Ed. Madrid Publicidad: María Alfonso maria@mondosonoro.com T. 915 400 055 Ed. Cataluña Publicidad: David Morell david@mondosonoro.com T. 607 366 693 Ed. Comunidad Valenciana valencia@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Liberto Peiró T 637 447 561 Ed. Euskadi/Navarra/La Rioja zarata@mondosonoro.com Redacción /Publicidad: Iker Bárbara T. 665 050 639 Ed. Sur Andalucía, Extremadura, Murcia sur@mondosonoro.com Redacción: Arturo García Publicidad: Azahara González T. 699 339 245

Beach House

Glen E. Friedman

A pesar de su nombre, Beach House, puede que no haya una banda que sea menos adecuada para escuchar en una playa que este, a no ser que sea en un día lluvioso de invierno, con un jersey de cuello alto y, probablemente, de noche. Se cumplen diez años de la publicación de “Bloom” y lo celebramos revisitando un disco mágico.

Una exposición en Barcelona ha recogido las mejores fotografías del artista norteamericano Glen E. Friedman. Nombre fundamental en la historia de la cultura popular del siglo XX, sus retratos a Minor Threat, Black Flag, Beastie Boys, Public Enemy, Germs o Run DMC, han devenido el testimonio definitivo del nacimiento del skate, el hardcore punk y el hip hop.

Administración y contabilidad Vanessa Garza vanessa@mondosonoro.com

MONDO TV

ESPECIALES WEB

Edita Sister Sonic, S.L.

REDACCIÓN Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com COLABORADORES Textos: Albert Carreras, Alejandro Caballero Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Álvaro Tejada, Anaïs López, Andreu Cunill Clares, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, Cláudia Pérez, David Sabaté, Don Disturbios, Esther Rios, Eduardo Tebar, Enrique Peñas, Fernando Fuentes, Ignacio Pato, Ignacio Serrano, J. Batahola, J.C. Peña, Jorge Ramos, Jose Carlos Peña, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Marcos Gendre, Mariona Longarón Ropero, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Rojas Arquelladas, Salomé Lagares, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Víctor Naharro, Yeray S. Iborra Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros Depósito legal B. 11 809-2013

Luna Ki

Premios MIN

Luna Ki es una artista única en la escena española. Su apuesta creativa, que no solo musical, es brillante y ecléctica, nunca sabes cuál va a ser su siguiente movimiento, pero sí sabes que tendrá el espíritu de una de las artistas más auténticas que han surgido en los últimos años en nuestro país.

En este programa especial, donde se mezcla la review de la gala, varias entrevistas a los ganadores más destacados de la gala como Baiuca, María Arnal o imágenes de las actuaciones en directo, podemos mirar ya con distancia -y orgullo- la fiesta que fueron los Premios MIN de 2022.

#54 julio-agosto 2022

Impresión Rotimpres Distribución Tengo Un Trato www. tengountrato.com www.mondosonoro.com

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#GPS12 2 6 A RT I ST AS D E # G P S 1 2 Q U E P U E D E S D E S C U B R I R E ST E V E R A N O Y T E SO R P R E N D E R Á N .

A BANDA DA LOBA · CABIRIA · COLECTIVO DA SILVA · COMANDANTE TWIN · EMLAN · EVA RYJLEN · HAFA AFROSWEET · IZARO · JAVI RUIBAL · JOVEN DOLORES · KARMENTO · KOKO JEAN & THE TONICS · MARÍA GUADAÑA · MOLINA MOLINA · PABLO LESUIT · PIPO ROMERO · SALAZAR · SANTERO Y LOS MUCHACHOS · STAYTONS · SUU · THE SOULERS · TRAVIS BIRDS · TRIBADE · VENTURI · VIC MIRALLAS · ZETAK · Y EN DIRECTO EN TU SALA DE CONCIERTOS FAVORITA MUY CERCA DE TI 7 / 07

1 0 / 07

1 5 / 07

18/08

8/09

THE SOULERS

H A FA A F R O SW E E T

THE SOULERS

THE SOULERS

V I C M I R A L L AS

GRUTA 77 (MADRID)

P E T E R R O C K C LU B ( VA L E N C I A )

B I G R O C K CA F É G E T X O ( V I Z CAYA )

Z A H O R A & M A G E ST I C ( C I U DA D R E A L )

ROCK CITY ( VA L E N C I A )

9/09

10/09

16/09

9/09

V I C M I R A L L AS

E VA R Y J L E N

E VA R Y J L E N

T R AV I S B I R D S

CA F É B E R L Í N (MADRID)

L A F Á B R I CA D E C H O C O L AT E (VIGO)

M A R D I G R AS (A CORUÑA)

ROCKCOLLECTION ( PA M P LO N A )

23/09

24/09

24/09

25/09

17/09

T R AV I S B I R D S DOKA KAFÉ ANTZOKIA ( S A N S E B AST I Á N )

29/09

C O L E C T I VO DA S I LVA

K A R M E N TO

PA B LO L E S U I T

A B A N DA DA LO B A

K A R M E N TO

L A CAS A D E L LO C O ( Z A R A G OZ A )

CA F É D E L T E AT R E ( L L E I DA )

U P LOA D ( B A R C E LO N A )

B L AC K B O U R B O N (LEÓN)

LO N G R O C K (SEVILLA)

29/09

30/09

30/09

30/09

V I C M I R A L L AS

K A R M E N TO

MOLINA MOLINA

V I C M I R A L L AS

S I N AT R A C Ó C T E L B A R (VIGO)

LEMON ROCK ( G R A N A DA )

ALMO2BAR ( B A R C E LO N A )

G A R U FA (A CORUÑA)

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julio-agosto 2022 #55