PROYECTOR2021. Catálogo

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22 de diciembre 2021, Madrid 22nd December, 2021, Madrid Coordinación / Coordination KREÆ [Instituto Creación Contemporánea]

Maquetación / Layout

Cris Alonso Pardo

Supervisión / Supervision

Carlos Clemente, Mario Gutiérrez Cru

Imágenes / Pictures

Araceli López, Cris Alonso Pardo, Helena Palomares, Julien Rose, Natalia Lasso, Sergio Cáceres Fotografías y fotoframas cedidos por los artistas y los espacios Pictures and frames lended by the artists and venues

Corrector de estilo y revisión de textos

Araceli López

Impresión / Printed

Canal Alfa

Traducciones / Translations

Cris Alonso Pardo, Daniel San Andrés, Begoña Moreno-Luque

Copy editor & Proofreader


Equipo Team

Dirección / Direction Coordinación / Coordination Coordinación Recorrido OFF / PROYECTOR OFF Coordination LAP (Laboratorios Arte PROYECTOR) / (Art Laboratory PROYECTOR) Coordinación de Producción / Production Coordination Equipo Producción / Production team

Coordinación de Comunicación / Communication Coordination Equipo de Comunicación / Communication Team

Coordinación Documentación / Documentation Coordination Equipo Documentación / Documentation Team Protocolo y Mediación / Protocol and Mediation Comisariados / Commissaries Coordinación Imagen Audiovisual / Audiovisuals Coordination Equipo Diseño Gráfico / Graphic Design Team Web Asesoría y Estrategia de Mercado / Counseling and Marketing Strategy Asesoramiento legal / Legal Consulting Textos / Texts

2021

Mario Gutiérrez Cru Araceli López Gonzalo de Benito Ariadna Arce María Jáñez Adrián M. Abellán, Cris Alonso Pardo, Ángela Castro, Eloi Costilludo, Raúl Guillamón, Giovanna Fernández, Pablo Jiménez, Miguel Lagarejos, Natalia Lasso, Rebeca Marín, Julien Rose, Joaquín Madera, Fuensanta Ramón Alvaro, Eva Salas Elena Peña Irene Bretón, Elena Burgos, María Duarte, Saray-Ling Fernández, Marina Jiménez, Diego Prior, Natalia Puebla, Gabriela Tinoco, Verónica Vargas, Victoria Velasco, Moshan Zhu Qiu Sergio Cáceres Cris Alonso Pardo, Sergio Cáceres, Génesis Meza, Helena Palomares, Julien Rose, Julia Tazreiter Fuensanta Ramón Álvaro, Maite Vaquero Gonzalo de Benito, Joana Groba, Federica Iizzia, Araceli López, Begoña MorenoLuque, Mario Gutiérrez Cru, María Jáñez, Ágata Sánchez, Julia Tazreiter Sergio Cáceres, Mario Gutiérrez Cru Cris Alonso Pardo, Elena Burgos, Saray-Ling Fernández, Ana Guedan Irene Bretón, Marina Jiménez, Natalia Lasso, Fuensanta Ramón Alvaro Eva Ruíz Alberto González Pulido Ariadna Arce, Gonzalo de Benito, Luis Cemillán, Joana Groba, Federica Iizzia, Araceli López, Inés Molina, Begoña Moreno-Luque, Manu Palomo, Lidia Persano Bordone, Julia Tazreiter


El videoarte lleva con nosotros casi sesenta años. La expansión del arte hacia los nuevos medios era un hecho inevitablemente contemporáneo. PROYECTOR/Festival de Videoarte nace en el año 2008 con la apremiante necesidad de dar a conocer los nuevos materiales, herramientas, medios y soportes que en la escena cultural contemporánea vienen tomando asiento. Así, un año más, entre el 8 y el 15 de octubre de 2021, se celebra el Festival de Videoarte PROYECTOR acabando en el I. Français. Unas 100 obras de videoarte experimental, videoinstalaciones monocanal y multicanal, videoperformance, piezas interactivas u obras creadas en exclusiva para el festival, serán expuestas en distintas galerías, salas independientes y centros de arte repartidos por la ciudad de Madrid. El festival se hace presente en 25 espacios muy distintos y colabora con colectivos y proyectos sociales y medioambientales activos en la comunidad. Como novedades este año: Casa Árabe y Espacio SOLO, este último con el apoyo a la producción de obra nueva site specific, el taller con Itziar Okariz y los comisariados centrados en los levantamientos de latinoamérica. También destacamos la incorporación de un nuevo Recorrido OFF al que se suman otras tantas galerías y espacios independientes de la ciudad. 4

Dentro de nuestra programación, además de la heterogeneidad de las sedes y piezas expuestas, acontecen unos 22 eventos entre presentaciones, talleres, encuentros, y actividades -todos ellos gratuitos– que enriquecen la experiencia y aportan nuevos conocimientos, promoviendo la comunicación y sinergias entre público, profesionales, artistas, coleccionistas, docentes, estudiantes y amantes de este sector. Los nuevos medios -y no tan nuevos- nos permiten alcanzar cualquier espacio y perdurar en el tiempo. Gracias a ellos el festival se retransmite vía streaming, dispone de un archivo online y de un catálogo anual impreso en papel que recogen toda la programación. Este festival, multisede y descentralizado, ofrece obras de carácter nacional e internacional de distintas temáticas que, en su recorrido, formarán parte de otras muestras internacionales, comisariados y festivales con los que tejemos una red de difusión del videoarte y de la imagen en movimiento que trata de dar voz a las nuevas corrientes o tendencias, situaciones o realidades, espejismos o ficciones que en nuestros días emergen, nos desbordan o se estancan. En cualquier caso, trata de generar diálogo ofreciéndole al público la posibilidad


de formular preguntas o expresar su punto de vista durante los talleres, encuentros de artistas y agentes culturales, en los foros y debates online, o durante las presentaciones y acciones performáticas y de artes vivas que se llevan a cabo. La tecnología no es solo un medio, otras veces es parte de la obra y se transforma en un material frágil o extremadamente firme. La tecnología muda, evoluciona; inmersa ya en lo cotidiano, nos vincula al entorno, nos traslada a nuestro tiempo; es una herramienta o un espacio dispuesto a ser intervenido; es un vacío, un cobijo, un resorte o un gatillo, una ventana abierta donde el emisor, el receptor y el mensaje se contienen, contenidos. Destacamos la colaboración y el patrocinio de asociaciones, galerías, fundaciones, empresas privadas y embajadas que nos apoyan y, sobre todo, a los artistas que lo hacen posible. Seguimos esperando una amplia acogida. Araceli López

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Video art has been with us for almost sixty years. Art´s expansion into new media was inevitably contemporary. PROYECTOR/ Festival de Videoarte was born in 2008 with the urgent need to share the new tools, means, methods and materials that have been settling in the contemporary cultural scene. Thus, for another year, between September 8th and October 15th, 2021, PROYECTOR Video Art Festival will be held, lasting at I. Français of Madrid. About a 100 works of experimental video art, video installations single and multichannel, video performance, interactive pieces or site-specific works created exclusivelly for the festival, will be shown at different galleries, independent spaces and museums throughout the city of Madrid. The festival in present at 25 different venues and collaborates with social and enviorment committed collectives. Our latest launches: Casa Árabe and Espacio SOLO, supporting site-speciffic new works, Itzial Okariz´s workshop and the curatorial program about Latin America insurgency. We added the new PROYECTOR OFF tour in wich more galleries are included. In our program, in addition to the heterogeneity of the venues and works, about 22 events happen as presentations,

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workshops, meetings and activities -all for free- that will enrich experiences and provide knowledge longing to communication and synergies between the audience, professionals, artists, collectors, teachers, students and art lovers. New media, and not that brand new, allow to achieve any space and last in time. Thanks to that, the festival is broadcast online via streaming, have an online archive and an annual printed catalog that collects all the program. This multi-site and decentralized festival offers national and international art works about different subjects or topics that will be part of other international exhibitions, curatorships and festivals with which we knit a video art and moving image exhibition network that raise the voice of new trends or movements, situations or realities, mirages or fictions that, nowadays emerge, overwhelm or stagnate us. In any case, we try to generate dialogue and share different points of view, offering the possibility to the audence of asking questions or express themselfs during the workshops, artists and cultural agents meetings, in forums and online debates, or during the presentations and live performing actions that take lace during the festival.


Technology is not only a mean, sometimes is part of the art piece and it becomes a fragile or extremely firm material. Technology evolves;, shed skin; drowned in dayly life, knit us to the surroundings, it takes us back to our time; it is a tool or a space willing to be intervened; it is a void, a shelter, a spring or a trigger, an open window where the sender, the receiver and the message are contain, contained. We highlight the collaboration of associations, galleries, foundations, private companies and embassies that support us and, especially, the artists who make it possible. We keep on expecting a wide wellcome. Araceli López

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Artistas

Artists

Artistas seleccionados / Selected artists:

Felipe Rojas Faúndez (chi), Albert García-Alzórriz (esp), Thomas Georg Blank (ale) & Isik Kaya (tur), Pablo-Martín Córdoba (arg), Jorge Moneo Quintana (esp), Clara Rodríguez Arasanz (esp) & Laia Suru Valverde (esp), Raquel Durán Illanes & Rut Briones Ruibal (esp), Roberto Santaguida (can), Velvett Void (chi), Paula Rubiano Aza (col), Victoria Maréchal (sui), Román Corbato (esp), Osvaldo Cibils (uru), Jesús Hdez-Güero (cub), Gabriele Stellbaum (ale), Dominique Suberville (fra) & Alejandro de la Garza (mex), Özgür Demirci (tur), Renata Poljak (cro), Juan José Pereira (par), Christian Lagata (esp), Przemek Węgrzyn (pol), Julia Lucesole (arg) & Amelia Orden (arg) & Vanessa Salamanca Vázquez (col), Bob Bicknell-Knight (ing), Eugenio Merino / INDECLINE (esp/col), Joacelio Batista (bra), Anna Gimein (eeuu), Sara Carneiro (por), Alexander Isaenko (ucr), Marie Ouazzani & Nicolas Carrier (fra), Rubén Darío Díaz Chávez (ecu), Enar de Dios Rodríguez (esp)

Jurado / Jury:

Francisco Ruiz de Infante (arg), MagiaeNaturalis (esp), Federico Daza (col)

Artistas invitados / Invited artists:

Anna Watzinger (aus), Bárbara Fluxá (esp), Bouchra Khalili (marr/fra), Cristina Garrido (esp), Democracia (esp), Ding ChienChung (twn), Fernando Llanos (méx), Gabriela Golder (arg), Julia Tazreiter (aus), Lía Letícia (bra), Lukas Marxt (aus), Maha Maamoun (egi), María Jerez & Silvia Zayas (esp), Mohammad Shawky Hassan (egi), Nada Hasan (egi), Salma Shamel (egi), Sarah Ibrahim (egi), Sara Padilla Grimalt (esp), Sergio Cabrera (esp), Sergio Cáceres (esp), Tânia Dinis (por) 8


Aparador Monteleón Carlos Monleón (esp)

Artistas

Artists

OFF

Centro de Cultura Contemporánea Condeduque Marina Abramovic (yug), Teresa Correa (esp),

Regina José Galindo (gua), Shirin Neshat (ira), Itziar Okariz (esp), Jürgen Klauke (ale), Matt Mullican (eeuu), Sigalit Landau (isr)

Espacio SOLO – ONKAOS Mario Klingemann (ale), Egor Kraft (rus), Wong Ping (chi), Nikita Diakur (rus),

Cassie MacQuarter (eeuu), FAES + FLAN (esp), Cool 3D World (eeuu), David Lewandowski (eeuu), Smack (eeuu), Sholim (ser)

Galería Aural José Maldonado (esp)

Galería La Caja Negra Emanuel Tovar (méx) Galería Freijo Concha Jerez (esp)

Galería Nieves Fernández Daniela Libertad (méx) Galería Nueva Eleanor McLean (ing)

Galería Pradiauto Lina Lapelyte (lit)

Galería Silvestre Rebecca Glover (ing)

Galería Intersticio Adrián Balseca (ecu), Paz Encina (para), Julieta Gil (méx), Alberto Martín Menacho (esp) Obertura Carabanchel

Juvenal Barría (chi), Irene Cruz (esp), Alex Doménech (esp), Nicolás Guzmán (chi), Enrique Marty (esp), Monica Mura (itl), Verónica Vicente (esp)

Loops Expanded 2020 - 2021 Ariel Uzal & Julieta Caputo (arg), Catherine Radosa (fra), Emanuele Dainotti (ita), Francisco Pradilla Barrero (esp), Hasan Daraghmeh (pal), Juan-Ramón Barbancho (esp), Kika Nicolela (bra), Marc Clemente (esp/mar), Nacho Recio (esp), Shahar Marcus (isr), Tseng Yu Chin (twn), W. Mark Sutherland (can)


El Águila

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Casa Árabe

Centro de Cultura Contemporánea Condeduque

Cruce

¡ésta es una PLAZA!

Extensión AVAM

Institut Français de Madrid


Sedes Medialab Prado

Sala Equis

Venues

Quinta del Sordo

Sala Alcalá 31

Secuencia de Inútiles

White Lab

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SARAH IBRAHIM SALMA SHAMEL NADA HASAN MAHA MAAMOUN BOUCHRA KHALILI MOHAMMAD SHAWKY HASSAN 12


Casa Árabe Esta edición Casa Árabe es la sede de dos comisarios invitados, el primero para la sala de exposiciones comisariado por Habibi Collective y el segundo para el auditorio comisariado por Contemporary Image Collective.

In this edition Casa Árabe host two guest curatorships: Habibi Collective´s, asite at the exhibition room, and Contemporary Image Collective, curatorialship that will be shown in the auditorium.

El de Habibi Collective ha sido programado por su directora y se trata de una exposición que nos acerca al trabajo de Bouchra Khalili (marr) representada por ADN galería a través de dos obras que, como explica Róisín Tapponi, utilizan material de archivo local para re-imaginar narrativas visuales de revueltas políticas.

The Habibi Collective´s is an exhibition that allows us to get closer to the Bouchra Khalili (morr) work epresentate by ADN galería through two videoart pieces that, as Róisín Tapponi explains, use local archival material to re-imagine visual narratives of political revolts.

Por otra parte en formato auditorio, To Preserve a Revolution el comisariado de Ahmed Refaat de Contemporary Image Collective (Cairo) nos presenta las obras de los artistas: Sarah Ibrahim (egi), Salma Shamel (egi), Nada Hasan (egi), Maha Maamoun (egi) y Mohammad Shawky Hassan (egi).

Moreover, on a auditorioum format, To Preserve a Revolution, curated by Ahmed Refaat from Contemporary Image Collective (Cairo) show us the works of the following artists: Sarah Ibrahim (egy), Salma Shamel (egy), Nada Hasan (egy), Maha Maamoun (egy) and Mohammad Shawky Hassan (egy).


Róisín Tapponi, founder of Habibi Collective and Shasha, presents two works by renowned Moroccan visual artist Bouchra Khalili. In Foreign Office (2015), Bouchra Khalili maps the political landscape in Algiers, the capital city of Algeria, from 1962-1972. This was a period when Algiers became the “capital of the revolutionaries” following Algeria’s independence from French colonialism in 1962. The city was an international mainstay for political liberation groups such as the Black Panther Party, the ANC (African National Congress) led by Nelson Mandela, the PAIGC (African Party for the Independence of Guinea and Cape Verde) led by Amilcar Cabral, and the Popular Front for the Liberation of Oman and the Arab Gulf. 14

This fragmented history is recounted by two young Algerians, who ask: why has this period been forgotten by a young generation of Algerians? Drawing on material culture such as oral histories, testimonies and archival images, the film attempts to map this alternative historiography of international liberation movements gathered together in Algiers. In her latest film Back to Abnormal (2020), commissioned by the Wexner Centre for the Arts, Khalili meditates on the healthcare worker strike in Paris from March to May 2020. In the wake of COVID-19, the film is a document of the anger felt by many, due to poor conditions for healthcare workers, such as meagre pay and inadequate staff numbers for the surging cases.

The film interrogates the event through a historical lens: the social and political upheaval in Paris during 1968. This was immortalised by French New Wave filmmakers including Jean-Luc Godard, Chris Marker and Alain Resnais in their compilation of 41 documentary short films, Cinétracts. Khalili takes this film as inspiration, and mediates on the evolution of public sentiment and protest culture in Paris.


Comisaria / Curator: Róisín Tapponi de / of Habibi Collective. Róisín Tapponi, fundadora de Habibi Collective y Shasha, presenta dos obras de la reconocida artista visual marroquí Bouchra Khalili. En Foreign Office (2015), Bouchra Khalili mapea el paisaje político de Argelia, la ciudad capitalina de Argelia, desde 1962 -1972. Este fue un período en el que Argel se convirtió en la “capital de los revolucionarios” después de la independencia de Argelia del colonialismo francés en 1962. La ciudad fue un pilar internacional para grupos políticos de liberación como el Partido Pantera Negra, el ANC (Congreso Nacional Africano) liderado por Nelson Mandela, el PAIGC (Partido Africano para la Independencia de Guinea y Cabo Verde) liderado por Amilcar

BOUCHRA KHALILI Cabral, y el Frente Popular para la Liberación de Omán y el Golfo Árabe. Esta historia fragmentada es relatada por dos jóvenes argelinos, que se preguntan: ¿por qué un joven argelino ha olvidado este período? Basándose en la cultura material, como historias orales, testimonios e imágenes de archivo, la película intenta mapear esta historiografía alternativa de los movimientos internacionales de liberación reunidos en Argel. En su última película Back to Abnormal (2020), encargada por el Wexner Centre for the Arts, Khalili medita sobre la huelga de trabajadores sanitarios en París de marzo a mayo de 2020. A raíz del COVID-19, la

película es un documento del enojo que sienten muchos debido a las malas condiciones de los trabajadores de la salud, como los escasos salarios y el número inadecuado de personal para los casos en aumento. La película interroga el acontecimiento a través de una lente histórica: la agitación socio-política en París durante 1968. Esto fue inmortalizado por cineastas franceses de la Nueva Ola como Jean-Luc Godard, Chris Marker y Alain Resnais en su compilación de 41 cortometrajes documentales, Cinétracts. Khalili toma esta película como inspiración, y media en la evolución del sentimiento público y la cultura de protesta en París.

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BOUCHRA KHALILI Back to Abnormal

BOUCHRA KHALILI

Foreign Office


TO PRESERVE A

REVOLUTION To try and Preserve A Revolution is hard work. It’s an investigation in collective memory, an exercise in longing for something unattainable as well as an exploration of a medium’s limit. A limit cannot be seen, it’s by definition experienced in retrospect. In a way this is a program about a revolution in retrospect. To Preserve A Revolution presents works by five Egyptian filmmakers and artists that both look at an event and the impossible ways of representing it. They address the experience of living through such an event as an active participant, a distant witness and a recollector.

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The works in the program map affects through diaries, photographs, testimonies, TV archives, mobile phone footage and texts. The artists intervene with the image/audio sync, dismantling the power that documents of truths hold in their original form. By doing so, they reintroduce a context that goes way beyond informing a viewer. The works seek to reveal how memories are kept and how they can be re/membered through the moving image. It’s not a conclusion that they’re after, more like an open investigation for an ongoing historical process that tries to defy forgetfulness.


Comisario / Curator: Ahmed Refaat de / of Contemporary Image Collective.

Intentar crear y preservar una revolución es un trabajo duro. Es una investigación en la memoria colectiva, un ejercicio de anhelo de algo inalcanzable así como una exploración del límite de un medio. Un límite no se puede ver, por definición se experimenta en retrospectiva. En cierto modo, éste es un programa sobre una revolución en retrospectiva. To Preserve A Revolution presenta obras de cinco cineastas y artistas egipcios que miran un evento y las formas imposibles de representarlo. Abordan la experiencia de vivir un evento, así como el hecho de ser, en

PRESERVAR UNA

REVOLUCIÓN

él, un participante activo, un testigo distante y un recolector. Las obras que traza el programa se ven afectadas a través de diarios, fotografías, testimonios, archivos de televisión, imágenes de teléfonos móviles y textos. Los artistas intervienen con la sincronización imagen/audio, desmontando el poder que los documentos de la verdad tienen en su forma original. Al hacerlo, reintroducen un contexto que va mucho más allá de informar al espectador. Las obras buscan revelar cómo se guardan los recuerdos y cómo pueden ser recordados a través de la imagen en movimiento.

No buscan una conclusión, es más, buscan una investigación abierta para un proceso histórico en curso que trata de desafiar el olvido.


MAHA MAAMOUN Night Visitor 20


SARAH IBRAHIM Master of Sleep

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SALMA SHAMEL

Those Who Tremble As If They Were Mad

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MOHAMMAD SHAWKY HASSAN

And On a Different 23 Note


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Róisín Tapponi Mario Gutiérrez Cru

Charla

Talk

Con presentación de Nuria Medina (coordinadora de programas culturales Casa Árabe) Presentation done by Nuria Medina

(Casa Árabe cultural program coordinator)


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FERNANDO LLANOS

MARINA ABRAMOVIC

DEMOCRACIA​

TERESA CORREA

FELIPE ROJAS

REGINA JOSÉ GALINDO

EUGENIO MERINO / INDECLINE

SHIRIN NESHAT

JOACÉLIO BATISTA

ITZIAR OKARIZ

ANNA GIMEIN

JÜRGEN KLAUKE

LÍA LETÍCIA

MATT MULLICAN

GABRIELA GOLDER

SIGALIT LANDAU


Centro de Cultura Contemporánea

Condeduque

Este año contamos con un doble comisariado:

This year we count on two different curatorialships:

En la programación oficial del festival la muestra en la Sala Polivalente “Cuerpos atravesados: la memoria lacerante” con los artistas: Fernando Llanos (méx), DEMOCRACIA​ (esp), Felipe Rojas (chi), Eugenio Merino / INDECLINE (esp/col), Joacélio Batista (bra), Anna Gimein (eeuu), Lía Letícia (bra) y Gabriela Golder (arg).

“Crossed Bodies: lacerating memory”, part of the official festival´s program exhibited in the Multipurpouse Hall, with the artists: Fernando Llanos (mex), DEMOCRACIA (sp), Felipe Rojas (chi), Eugenio Merino / INDECLINE (sp/col), Joacélio Batista (bra), Anna Gimein (usa), Lía Letícia (bra) and Gabriela Golder (arg).

Y por otra, en la Sala de Bóvedas, comisariado por Adonay Bermúdez la muestra “Desobediencias y resistencias” con las artistas: Marina Abramovic (yug), Teresa Correa (esp), Regina José Galindo (gua), Shirin Neshat (ira), Itziar Okariz (esp), Jürgen Klauke (ale), Matt Mullican (eeuu) y Sigalit Landau (isr).

Besides, in the Sala de Bóvedas, curated by Adonay Bermúdez, the exhibition “Disobediences and resistances” with the artists: Marina Abramovic (yug), Teresa Correa (sp), Regina José Galindo (gua), Shirin Neshat (ira), Itziar Okariz (sp), Jürgen Klauke (ger), Matt Mullican (usa) and Sigalit Landau (isr).

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BODIES CROSSED:

THE LACERANT MEMORY Any valuable selection lead us to a difficult choise: we need conductive threads that interconnect pieces that were not created to dialogue. These artifacts that you will see talk about violence, revolutions and many other insurgencies. They all look similar, they are all different. How can it be? The standardized and normalized ideas dismantle thousand possibilities that nuances weave to understand reality fthrough others ´eyes, sounds and languages ... These video art pieces with different lengths, use of the camera, differences in narrative codes, voices -or their absences-, give us an opportunity: to get away from art as decoration and plunge into the revulsion of consciousness.

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On a wall, police power violence in the USA will be the narrative (Anna Gimein); you will watch a soccer game in a peripheral neighborhood played with a recreation of a human head instead of using a ball (Eugenio Merino / INDECLINE); a childish song as the soundtrack of a van licked by flames (Fernando Llanos); ten steps from a nonsense guerrillas´manual (Joacelio Batista); understand a father ´s abduction at the hands of a dictatorship as a matter of love (Felipe Rojas Fernández); a proposal for analysis and change of course of tactical power (DEMOCRACY); the thousand faces of violence and its choreographies through images (Lia Leticia); and the steps that have to be crossed in order to raise an

arm with a meaning beyond a unique context (Gabriela Golder). What happens to what is seen? Tell me. Or not. Manu Palomo


CUERPOS ATRAVESADOS:

LA MEMORIA LACERANTE Toda selección que se precie nos pone ante una gran tesitura: precisamos hilos conductores que interconecten piezas que no fueron creadas para dialogar. Estos artefactos que verá hablan de violencias, de revoluciones y de otros tantos levantamientos. Todos se parecen, todos son distintos. ¿Cómo puede ser? La generalización y normalización de los discursos rompen las mil posibilidades que los matices tejen para conocer la realidad desde otros ojos, sonidos y lenguajes… Estos videoartes que son diversos en duración, uso de la cámara, diferencias de códigos narrativos, voces -o sus ausencias-, nos bridan una oportunidad: alejarse del arte como decoración y adentrarse a la revulsión de conciencia. En un muro le

narrarán la violencia que ejerce el poder policial en EE.UU. (Anna Gimein); verá un partido de fútbol con la recreación de una cabeza a modo de balón en un barrio periférico (Eugenio Merino / INDECLINE); una cancioncilla de corte infantil como banda sonora de un camión lamido por las llamas (Fernando Llanos); los diez pasos de una manual para guerrilleros sin sentido (Joacelio Batista); entender la desaparición de un papá a manos de una dictadura como una cuestión de amor (Felipe Rojas Fernández); una propuesta de análisis y cambio del rumbo de los poderes tácitos (DEMOCRACIA); las mil caras de la violencia y sus coreografías a través de imágenes (Lia Leticia); y de los pasos que se han de atravesar para

alzar un brazo con significado mas allá de un contexto único (Gabriela Golder). ¿Qué le ocurre con lo visto? Cuénteme. O no. Manu Palomo


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ANNA GIMEIN

Escrito en el muro


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DEMOCRACIA Order Act I, Eat the rich/Kill the poor 33


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EUGENIO MERINO / INDECLINE Freedom kick: Brazil


FELIPE ROJAS

Tengo un sueño recurrente

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FERNANDO LLANOS

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Un soldado en cada hijo


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GABRIELA GOLDER

Instancias de lucha 39


JOACELIO BATISTA

40 Nonsense Guerrila´s Manual


LÍA LETICIA Per Capita

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ÖZGÜR DEMIRCI DOMINIQUE SUBERVILLE - ALEJANDRO DE LA GARZA RENATA POLJAK

La humanidad es la palabra que nos define y absuelve, pero ¿qué significa? Estamos todos incluidos en ella. El plural nos barre la piel para redefinir nuestras fronteras, haciendo que espacio y tiempo se amplifiquen hasta alcanzar un estado que nos sitúa en el mismo centro de aquello que nos trasciende e incluye a partes iguales. Aún no dejamos de hacernos preguntas. Preguntas que crecen y ensanchan, que se plasman y asoman, ya para quedarse, convertidas en piezas de videoarte donde el reflejo de lo que somos, llegado este presente, trasciende nuestra lectura, nuestro recuerdo; trasciende las propias paredes del espacio CRUCE donde se recogen y acompañan estas 3 obras de Videoarte con mayúsculas.

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“Somos” es un verbo que nos expande, nos engrandece y ensalza, pero también nos reduce… nos acorrala, nos pesa, nos hiere… Herida en la que ahonda y se sumerge la pieza de Özgür Demirci (tur) The things I want to tell you, donde mar, cuerpo y tierra se acompañan, ofreciéndonos un viaje a través de la voz que allí se presenta, que nos pregunta y narra. Nos invita a dejar atrás el peso del ser que ya no existe, a fundirnos con el presente que nos habita. Nos pregunta quiénes somos, nos hurga el pensamiento y rememora la esencia que poseemos y que nos compromete con la vida que atesoramos. ¿Qué puede explicar lo que somos, hemos sido y seremos? Las mismas preguntas son distintas porque solo el presente existe y sobre él se derraman. Y así, en Cuerpos Habitados, Dominique Suberville y Alejandro de la Garza (fra-méx) se preguntan ¿cuál es la respuesta?, ¿cuál la pregunta? En ella, una voz nos va


Cruce

HUMANIDAD: TESORO Y ESPINA deshilvanando partes del libro antropológico Body, The Ultimate Symbol: Meanings of the Human Body Through Time and Place de Olivia Vlahos, escrito en 1979. La atemporalidad con la que el texto nos relata como especie llega hasta el tuétano, y vertebra una mirada honesta con la que enfrentarnos a nosotros mismos proyectando nuestras entrañas sobre el manto infinito de lo colectivo. En parte somos nuestra historia, y Porvenir es prueba y huella, es territorio que amplifica la esencia del hombre que consigo engendra el nuevo mundo. Porvenir de Renata Poljak (croa), no sólo es el título de la pieza, sino también el nombre de la ciudad extrema en la Provincia de Tierra del Fuego donde se muestra la infinita belleza que encierra la expansión de la vida, que con crudeza se dibuja y conecta al entorno, entorno que con ella se mezcla, pendula y agita. Nos empapa de la poesía

que hay en el paisaje frío y áspero, nos sumerge en sus tonos tenues escondidos tras la niebla y la calima, nos recita una vida que se formula desde la esperanza que alumbra el inmigrante que se reconstruye e instala, fijándose en el paisaje. Somos parte de éste y a él estamos trenzados, con él fundidos, ambos transformados con efecto recíproco. La conciencia nos permite entender el plural que nos inmortaliza, ya que el hombre, al fin y al cabo, de forma objetiva, somos todos. Araceli López


ÖZGÜR DEMIRCI DOMINIQUE SUBERVILLE - ALEJANDRO DE LA GARZA RENATA POLJAK

Humanity is the word that defines and absolves us, but what does it mean? We are all included in it. The plural sweeps our skin to redefine our borders, making space and time amplify until we reach a state that places us at the very center of what transcends us and includes us in equal parts. We still haven´t stopped asking questions. Questions that grow and widen, that are reflected and appear, now to stay, turned into pieces of video art where the reflection of who we are, when this present arrives, transcends our reading, our memory; it transcends the very walls of the CRUCE where these 3 works of Videoart are collected and accompanied with capital letters.

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“We are’’ is a verb that expands us, magnifies and praises us, but also reduces us… it corners us, weighs us down, hurts us… Wound in which Özgür Demirci (tur) The things I want to tell you, where sea, body and land go hand in hand, offering us a journey through the voice that is presented there, that asks and narrates us. It invites us to leave behind the weight of being that no longer exists, to merge with the present that inhabits us. He asks us who we are, our thoughts delve into us and recall the essence that we possess and that commits us to the life that we treasure. What can explain what we are, have been and will be? The same questions are different because only the present exists and is spilled over it. And so, in Cuerpos Habitados, Dominique Suberville & Alejandro de la Garza (fra-mex) wonder what the answer is, what is the question? In it, a voice unravels


Cruce

HUMANITY: TREASURE AND THORN parts of the anthropological book “Body, The Ultimate Symbol: Meanings of the Human Body Through Time and Place” by Olivia Vlahos, written in 1979. The timelessness with which the text tells us as a species reaches the marrow, and vertebra an honest look with which to confront ourselves projecting our entrails on the infinite mantle of the collective. In part we are our history, and Porvenir is proof and trace, it is territory that amplifies the essence of the man who with himself engenders the new world. Porvenir by Renata Poljak (croa), is not only the title of the piece, but also the name of the extreme city in the Province of Tierra del Fuego where the infinite beauty contained in the expansion of life is shown, which is crudely draws and connects to the environment, an environment that mixes, swings and shakes with it. It soaks us in the poetry that is in the cold and harsh

landscape,drowns us in its light tones hidden behind the fog and haze, recites a life that is formulated from the hope that illuminates the immigrant who rebuilds and installs himself, paying attention to landscape. We are part of it and we are twisted into it, mixed with it, both transformed with reciprocal effect. Consciousness allows us to understand the plural that immortalizes us, since human, after all, objectively, we are all. Araceli López

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DOMINIQUE SUBERVILLE - ALEJANDRO DE LA GARZA

Cuerpos habitados

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ÖZGÜR DEMIRCI

The things I want to tell you


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RENATA POLJAK Porvenir


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GEOGRAFÍA DE LA MEMORIA:

RECUERDOS INTERMITENTES

ALBERT GARCÍA-ALZÓRRIZ SERGIO CABRERA ANNA WATZINGER THOMAS GEORG BLANK

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PABLO-MARTÍN CÓRDOBA

Performances

JORGE MONEO QUINTANA

TÂNIA DINIS

CRISTINA GARRIDO

WATZINGER & TAZREITER


El Águila La memoria es un flujo perturbador, no es un simple almacén de recuerdos, se construye cada vez que se vuelve a abrazar un recuerdo; los hechos se modifican, tal vez se superponen fantasías e historia. En psicología, la memoria se define como el proceso de codificar, almacenar, consolidar y recuperar información y experiencias derivadas del entorno y de la actividad del pensamiento. El ser humano se empeña en conservar información y volver a utilizarla para enfrentarse con sus luchas diarias, también para jugar con las rendijas del tiempo, estar aquí y allí, buscando alegría y consuelo. Se trata de una continua labor de construcción -no necesariamente de una recreación fiel- vuelta a tener juntas las distintas facetas de una historia universal o más bien personal. Es difícil establecer dónde queda el límite, individual aquella sutil línea de demarcación entre las preguntas de ayer y los silencios del hoy. Por ello, Pablo-Martín Córdoba (esp) en su pieza Substance recupera frases de Aristóteles tejiendo un diálogo muy actual entre el filósofo y una mujer francesa del siglo XX que añora

la pérdida de una fotografía querida, único recuerdo del padre muerto por la tiranía de la guerra. La mujer consigue replicar la foto por medio de las modernas tecnologías, pero nunca la pieza original acariciando con los dedos su papel rugoso y amarillento por el paso del tiempo. De fondo, los techos de París que ofrecen cobijo a centros de datos mimetizados en el entorno urbano, objetos reales que almacenan recuerdos efímeros. Números en nubes. Es un contraste que hace reflexionar sobre la desmaterialización de muchos aspectos de la sociedad actual y el curioso equilibrio entre la esperanza del uso de la tecnología como aliciente de la emancipación humana y las dictaduras egocentristas de las megacorporaciones. Se trata de un tema complejo bien retratado por la sugerente obra When looking at stones I get sucked into deep time, when looking at my harddrive I’m afraid that it will break de Thomas Georg Blank (eeuu) y Isik Kaya (eeuu). Los autores trasforman unas torres de datos en edificios misteriosos y elegantes invadidos por una inquietante cuanto cautivadora poesía: la fría solidez de algoritmos humanos. 53


Asonancias con este tema se encuentran en la obra de Anna Watzinger (aus), Living_ image_delete, donde la autora busca trazas del cuerpo entre las apariencias analógicas y digitales. El resultado es asociar la presencia física (de ϕύσις = naturaleza) a un flujo analógico retratado por otro digital en una superposición de planos donde la existencia se expande por medio de en un juego de espejos hasta derretirse como un bloque de hielo, ya que el “principio de todas las cosas es el agua; todo viene del agua, y al agua todo vuelve” (Tales de Mileto). Imágenes borradas, olvidadas, recuperadas. Edificios derrumbados, relatos dormidos bajo las ruinas, palabras rescatadas en la esquina de una fotografía descolorida. Del polvo y las ciudades extintas nace IN ICTU OCULI, de Jorge Moneo Quintana (esp), un salto en un parpadeo por siete siglos de historia para recuperar la belleza perdida de Vitoria. El autor convierte su ciudad natal en el símbolo de todas las ciudades desaparecidas, asimiladas por otras o convertidas en plataformas logísticas con el objetivo de recuperar fragmentos de vidas perdidas en el devenir de las cosas. La tensión hacia la investigación y la recuperación de archivos personales caracteriza también la obra Imágenes ahogadas del madrileño Sergio Cabrera Aparicio (esp) que crea una pieza alrededor de las historias acontecidas en Vallecas durante su infancia y adolescencia. El autor habla de un barrio obrero, de una deriva utópica común y del sentido de pertenencia enraizado a una identidad territorial y sociocultural. Fragmentos de memoria 54

para honorar el paso de los antepasados y construir lugares de encuentro y practicar nuevas formas de construir relatos. Historias, mitos y leyendas, desde la lechera de Vallecas a Prometeo que desobedece a los dioses desvelando sus secretos a los hombres. Existe una versión firmada por Kafka donde el personaje mitológico se convierte progresivamente en una estatua. OJOS / OJOS / OJOS / OJOS de Albert García-Alzórriz (esp), tomando como punto de partida el Prometeo del escritor austrohúngaro se centra precisamente en la intensa relación de los seres humanos con las estatuas, en concreto en los actos de destrucción y adoración hacia las imágenes. La acción se desarrolla en un placido ambiente de estudio y catalogación alterado por unos disparos y fuertes temblores generados por explosiones lejanas. Vislumbra la dicotomía entre el acto de conservar y estudiar trozos de estatuas y la violencia de la destrucción de los humanos y de los animales reiterando en patrón de vendedor-vencido. El autor abre interrogantes sobre la forma subvertir esta simplificación y sobre las maneras de representar la violencia sin recurrir a las imágenes de sus consecuencias. Por otro lado, es posible manipular las imágenes procedentes de archivos, recortarlas, ensamblarlas a medidas de un documental de ficción como Boothworks de Cristina Garrido (esp). El eje de la obra es apuntar los reflectores sobre el “arte de la cabina” que consiste en el convertir el stand de las galerías durante las ferias como un medio artístico performativo. El narrador presenta las


ventajas de la idea innovadora, pero al mismo tiempo reflexiona sobre la relación con el capitalismo y el impacto general sobre el mercado del arte y sus profesionales. La exposición se complementa con dos acciones performativas site specific creadas por la portuguesa Tânia Dinis y el dúo vienés formado por Anna Watzinger & Julia Tazreiter. Sobrepostos es una intervención creada por Tânia Dinis a partir de los materiales guardados en el Archivo Regional de la Comunidad de Madrid. La artista desvela un almacén de recuerdos, un recuento colectivo y universal, compuesto por historias sobre la capital española y sus habitantes. Dinis aprovecha las cualidades físicas de las fotografías pertenecientes al archivo deslizando unas transparencias bajo la luz de un proyector: de la unión de gestos e imágenes nacen relatos -creados por yuxtaposiciónque ofrecen una nueva forma de relacionarse con los valiosos documentos aportados por los ciudadanos. De hecho, la colección “Archivo Fotográfico de la Comunidad de Madrid. Madrileños” nace con la finalidad de recuperar las fotografías disparadas por particulares entre los años 1839 y 2000. En cambio, la performance LUCY forma parte de un proyecto a largo plazo finalizado a la constitución de un archivo de sueños sirviéndose de las herramientas de Telegram para intercambiar y almacenar los datos. El dúo Watzinger & Tazreiter anota diariamente sus sueños (de febrero a junio de 2020) para convertirlos en la base de acciones performativas llevadas a cabo a través de Zoom. Las artistas se sirven de

objetos específicos, constituidos por material transparente o reflectante, para recrear sensaciones y situaciones espaciales de ascendencia onírica. Las autoras, suspendidas entre realidad y ensueño, crean un espacio donde los límites entre el contexto virtual, el real y sus reflejos se pierden; todo se vuelve fluido. Espejos y ventanas se transforman en un lugar simbólico donde el BLICK (mirada) se convierte en acción consciente, y precisa de un marco cocteauiano para centrar la atención del espectador sobre el cuerpo de las artistas y su punto de vista temporal cuanto efímero. Lidia Persano


GEOGRAPHY OF MEMORY:

INTERMITTENT MEMORIES

ALBERT GARCÍA-ALZÓRRIZ SERGIO CABRERA ANNA WATZINGER THOMAS GEORG BLANK

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PABLO-MARTÍN CÓRDOBA

Performance

JORGE MONEO QUINTANA

TÂNIA DINIS

CRISTINA GARRIDO

WATZINGER & TAZREITER


El Águila Memory is a disturbing flow, it is not a simple store of memories, it is built each time a memory is embraced; the facts are modified, maybe fantasies and history overlap. In psychology, memory is defined as the process of encoding, storing, consolidating, and retrieving information and experiences derived from the environment and from the activity of thought. The human being insists on conserving information and reusing it to face his daily struggles, also to play with the cracks of time, to be here and there, looking for joy and comfort. It is a continuous work of construction - not necessarily a faithful recreation - putting together the different facets of a universal or rather personal history. It is difficult to establish where the limit is, to identify that subtle line of demarcation between the questions of yesterday and the silences of today. For this reason, Pablo-Martín Córdoba (sp) in his piece Substance recovers phrases from Aristotle weaving a current dialogue between the philosopher and a twentiethcentury French woman who longs for the loss of a beloved

photograph, the only memory of the father killed by the tyranny of war. The woman manages to replicate the photo through modern technologies, but never the original piece of her, caressing with her fingers the rough and yellowish paper of her by the passage of time. In the background, the roofs of Paris that offer shelter to data centers camouflaged in the urban environment, real objects that store ephemeral memories. Numbers in clouds. It is a contrast that makes one reflect on the dematerialization of many aspects of today’s society and the curious balance between the hope of the use of technology as an incentive for human emancipation and the self-centered dictatorships of megacorporations. It is a complex subject well portrayed by the suggestive work When looking at stones I get sucked into deep time, when looking at my harddrive I’m afraid that it will break by Thomas Georg Blank (eeuu) and Isik Kaya (eeuu). The authors transform data towers into mysterious and elegant buildings invaded by a haunting and captivating poetry: the cold solidity of human algorithms.


Atonements with this theme are found in Anna Watzinger’s (aus) work, Living_ image_delete, where the author looks for traces of the body between analog and digital appearances. The result is to associate the physical presence (of ϕύσις = nature) to an analog flow portrayed by a digital one in a superposition of planes where existence expands through a set of mirrors until it melts like a block of ice, since the “The beginning of all things is water; everything comes from the water, and to the water everything returns “(Thales of Miletus). Images deleted, forgotten, recovered. Collapsed buildings, stories asleep under the ruins, rescued words in the corner of a faded photograph. From the dust and the extinct cities IN ICTO OCULI, by Jorge Moneo Quintana (sp) is born, a leap in a blink through seven centuries of history to recover the lost beauty of Vitoria. The author turns his hometown into the symbol of all the disappeared cities, assimilated by others or turned into logistics platforms with the aim of recovering fragments of lives lost in the course of things. The tension towards research and the recovery of personal files also characterizes the work In Process by Madrid-born Sergio Cabrera Aparicio (sp), who creates a piece around the stories that took place in Vallecas during his childhood and adolescence. The author speaks of a working class 58

neighborhood, of a common utopian drift and of the sense of belonging rooted in a territorial and sociocultural identity. Memory fragments to honor the passing of ancestors and build meeting places and practice new ways of building stories. Stories, myths and legends, from the Vallecas milkmaid to Prometheus who disobeys the gods by revealing his secrets to men. There is a version signed by Kafka where the mythological character progressively turns into a statue. EYES / EYES / EYES / EYES by Alberto García-Alzórriz (sp), taking as a starting point the Prometheus of the Austro-Hungarian writer focuses precisely in the intense relationship of human beings with statues, specifically in acts of destruction and worship of images. The action takes place in a placid environment of study and cataloging altered by some shots and strong tremors generated by distant explosions. He glimpses the dichotomy between the act of preserving and studying pieces of statues and the violence of the destruction of humans and animals, reiterating the seller-defeated pattern. The author raises questions about how to subvert this simplification and about the ways to represent violence without resorting to images of its consequences. On the other hand, it is possible to manipulate the images from archives, cut them out, assemble them to measures of a


fiction documentary like Boothworks by Cristina Garrido (sp). The axis of the work is to point the spotlight on the “art of the booth” which consists of converting the gallery booth during fairs as a performative artistic medium. The narrator presents the advantages of the innovative idea, but at the same time reflects on the relationship with capitalism and the general impact on the art market and its professionals. The exhibition is complemented by two performative site specific actions created by the portuguese Tânia Dinis and the viennese duo formed by Anna Watzinger & Julia Tazreiter. Sobrepostos is an intervention created by Tânia Dinis from the materials stored in the Regional Archive of the Community of Madrid. The artist reveals a store of memories, a collective and universal account, composed of stories about the Spanish capital and its inhabitants. Dinis takes advantage of the physical qualities of the photographs belonging to the archive by sliding transparencies under the light of a projector: from the union of gestures and images are born stories -created by juxtaposition- which offer a new way of relating to the valuable documents provided by citizens. In fact, the collection “Archivo Fotográfico de la Comunidad de Madrid. Madrileños” was born with the purpose of recovering the photographs shot by individuals between the years 1839 and 2000.

On the other hand, the LUCY performance is part of a longterm project completed with the creation of a dream archive using the Telegram tools to exchange and store the data. The duo Watzinger & Tazreiter notes their dreams daily (from February to June 2020) to make them the basis for performative actions carried out through Zoom. The artists use specific objects, made of transparent or reflective material, to recreate sensations and spatial situations of oneiric ancestry. The authors, suspended between reality and dream, create a space where the boundaries between the virtual context, the real and its reflections are lost; everything becomes fluid. Mirrors and windows are transformed into a symbolic place where the BLICK (look) becomes conscious action, and requires a cocteauiano frame to focus the viewer’s attention on the body of the artists and their temporary point of view as ephemeral. Lidia Persano


ALBERT GARCÍA-ALZÓRRIZ Eyes/Eyes/Eyes/Eyes 60


ANNA WATZINGER

living image_deleted


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JORGE MONEO QUINTANA In Ictu Oculi


CRISTINA GARRIDO Boothworks

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PABLO-MARTÍN CÓRDOBA Substance


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SERGIO CABRERA APARICIO Imágenes ahogadas


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THOMAS GEORG BLANK & ISIK KAYA When looking at stones I get sucked into deep time, when looking at my harddrive I’m afraid that it will break


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Videoperformance

TÂNIA DINIS WATZINGER & TAZREITER


WATZINGER & TAZREITER Lucy

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TÂNIA DINIS

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Álbumes de Tierra V


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ROBERTO SANTAGUIDA VELVETT VOID PAULA RUBIANO AZA CLARA RODRÍGUEZ ARASANZ - LAIA SURU VALVERDE RAQUEL DURÁN ILLANES - RUT BRIONES RUIBAL

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¡ésta es

una Plaza! Identidad: Un proceso de / en construcción ¿De qué hablamos cuando hablamos de identidad? ¿Por qué hablar de identidad? ¿De qué identidad estamos hablando? La identidad es una constante en la filosofía, en la estética y en las expresiones del arte contemporáneo. Es un tema recurrente en los medios de comunicación, es un argumento político, es una búsqueda incesante en el ser humano. Intentar abordar genéricamente el concepto de IDENTIDAD significa hoy y desde hace décadas, un descenso al caldo espeso de la confusión y al fracaso de las buenas intenciones. La identidad puede estar definida por el grupo de edad, por las relaciones, por la cultura, por la misma política, por la religión, por afinidades intelectuales. La identidad psicológica mira al “self” como un mismo constructo compuesto de dos

identidades intrínsecas: la personal y la social… Son muchos los ámbitos de la identidad y no podemos pensar en ella sin aplicar cada uno de estas posibilidades (y muchas más), sin fragmentar el concepto mismo de identidad, sin adjetivarla. Y además debemos hacerlo de manera transversal y poliédrica. Pero catalogar la identidad es etiquetarla, y en la actualidad el abordaje se considera más un problema epistemológico, un proceso en continuo cambio, en construcción. Lo podemos comprobar desde los enfoques de la filosofía clásica, en Nietzsche, o en el planteamiento de Saussure de que no existe un significado único para cada significante y que la relación entre ambos es contextual e histórica. Diferentes autores han profundizado en los procesos de construcción de la identidad reconociendo su carácter 77


polimorfo, líquido y específico. Bourdieu y Dubet han expresado la necesidad de revisión del concepto identidad porque no designa el término para el que fue creado. PROYECTOR en su 14ª edición, en ¡ésta es una Plaza! muestra la visión de distintos artistas/ grupos creativos en una suerte de realidad fragmentada como la propia identidad de sus personajes y el contenido de sus propuestas. Con Clara Rodríguez Arasanz (esp) y Laia Suru Valverde (esp) asistimos al proceso mental y vital de las protagonistas de [B]ellas, compartiendo la evolución de sus identidades y las experiencias que conforman un universo cómplice, matriarcal, de reivindicación ética (derechos, género) y estética fuera de los cánones que glorifican la juventud, haciendo visibles arrugas y cicatrices. Conciencia y empoderamiento. El mejor de los mundos de Raquel Durán Illanes (esp) y Rut Briones Ruibal (esp), es una pieza que nos inquieta por su carácter dramático y surrealista. Nos identificamos en una línea de vida representada a través del juego obsesivo entre la imagen proyectada y la deseada del individuo social, un mosaico de relatos que incide en su yo público “presionado” y “cuantificado”: Esperamos. Contamos. Esperamos. Contamos. Identidades que conviven en conflicto.

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El universo según Dan Buckley de Roberto Santaguida (can). Desvela una entidad sutil y expresiva donde el yo se extraña de sí mismo, dificultando el entendimiento del mundo que nos rodea y de las relaciones del individuo con el entorno. Una “extrañeza” que se autopercibe como “holograma” algo muy común en nuestras interacciones con las tecnologías. Devenir virtual de Velvett Void (chi) se autoproyecta en una representación posible de convivencia entre la representación del mundo material y el virtual. Un espacio donde la señal de vida puede ser la señal de wifi, el algoritmo, el software… Otra Habitación Propia de Virginia Wolf explorando una identidad que podría pertenecer a un nuevo Mujeres y ficción, dentro de una realidad- red: Instagram, Facebook, Tinder, Google Earth… donde se mezcla para siempre apariencia, ficción, deseo y vulnerabilidad. Un nuevo holograma. Mujeres migrantes: diálogos de ida y vuelta de Paula Rubiano Aza (col) presenta una visión de la identidad más analógica que las anteriores. Vivencias que conforman una realidad cotidiana de racismo, discriminación de género, xenofobia, enfrentando al yo-vivido con el yo-percibido y al proceso de construcción de nuevas vidas en nuevos lugares y culturas. Por lo tanto, de identidades.


[Las] identidades nunca están unificadas y, en los últimos tiempos modernos, progresivamente fragmentadas y fracturadas; nunca singulares sino construidas múltiplemente a través de diferentes discursos, prácticas y posiciones, frecuentemente entrecruzadas y antagónicas (Hall, 2000:227). Joana Groba

* Hall, Stuart (2000). “¿Quién necesita la identidad?”, en Buenfil, R. N. (coord.) En los márgenes de la educación, Ciudad de México: Plaza y Valdés Editores, pp. 227-254.

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Identity: A process of / under construction What are we talking about when we talk about identity? Why talk about identity? What identity are we speaking of? Identity is a constant in philosophy, aesthetics and expressions of contemporary art. Is a recurring theme in the media, it is a political argument, it is an incessant search in the human being. Trying to generically address the concept of IDENTITY means today and for decades, a decrease to the thick soup of confusion and the failure of good intentions. Identity can be defined by age group, by relationships, by culture, by politics itself, by religion, by intellectual affinities. The psychological identity looks at the “self” as the same construct composed of two intrinsic identities: personal and social ... There are many areas of identity and we cannot think about it without applying each of these possibilities (and many more), without fragmenting the very concept of identity, without adjective it. And we must also do it in a transversal and polyhedral way. But to catalog identity is to label it, and at present the approach

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is considered more of a problem epistemological, a process in continuous change, under construction. We can check it from the approaches of classical philosophy, in Nietzsche, or in Saussure’s claim that there is no single meaning for each signifier and that the relationship between the two is contextual and historical. Different authors have delved into the processes of identity construction, recognizing its character polymorphic, liquid and specific. Bourdieu and Dubet have expressed the need for a revision of the concept identity because it does not designate the term for which it was created. PROYECTOR in its 14th edition, in ¡Ésta es una Plaza! shows the vision of different artists / groups creatives in a kind of fragmented reality such as the identity of their characters and the content of their proposals. With Clara Rodríguez Arasanz (sp) and Laia Suru Valverde (sp) we witness the mental and vital process of the protagonists of [B] ellas, sharing the evolution of their identities and the experiences that make up a an accomplice, matriarchal universe, o ethical


* Hall, Stuart (2000). “¿Quién necesita la identidad?”, in Buenfil, R. N. (coord.) En los márgenes de la educación, Ciudad de México: Plaza y Valdés Editores, pp. 227-254.

claim (rights, gender) and aesthetics outside the canons that gloriy youth, making wrinkles and scars visible. Awareness and empowerment. The best of the worlds by Raquel Durán Illanes (sp) and Rut Briones Ruibal (sp), is a piece that worries us or its dramatic and surreal character. We identiy ourselves in a lie line represented through the game obsessive between the projected image and the desired one o the social individual, a mosaic o stories that aects their I public “pressed” and “quantified”: We wait. We count. We wait. We count. Identities that coexist in conflict. The universe according to Dan Buckley by Roberto Santaguida (can). It reveals a subtle and expressive entity where the sel is surprised by himsel, making it difficult to understand the world around us and the relationships of the individual with the environment. A “strangeness” that is sel-perceived as a “hologram” something very common in our interactions with technologies. Becoming virtual by Velvett Void (chi) projects itself in a possible representation of coexistence between the representation of the

material and virtual world. A space where the signal of life can be the Wi-Fi signal, the algorithm, the software ... Another Virginia Wolf Room of her own exploring an identity that could belong to a new Women and fiction, within a reality- network: Instagram, Facebook, Tinder, Google Earth ... where appearance, fiction, desire and vulnerability are forever mixed. A new hologram. Migrant women: round-trip dialogues by Paula Rubiano Aza (col) presents a vision of identity more analog than the previous ones. Experiences that make up a daily reality of racism, discrimination gender, xenophobia, confronting the lived-self with the perceivedself and the process of building new lives in new places and cultures. Therefore, of identities. [The] identities are never unified and, in recent modern times, progressively fragmented and fractured; never singular but multiply constructed through different discourses, practices and positions, frequently intersecting and antagonistic (Hall, 2000: 227). Joana Groba


CLARA RODRÍGUEZ ARASANZ - LAIA SURU VALVERDE [B]ellas 82


VELVETT VOID Devenir virtual

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RAQUEL DURÁN ILLANES - RUT BRIONES RUIBAL 84 El mejor de los mundos


PAULA RUBIANO AZA

Mujeres migrantes: diálogos de ida y vuelta

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ROBERTO SANTAGUIDA

The Universe According to Dan Buckley

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Del silencio de los cuerpos Los conflictos armados y procesos de violencia política han y siguen produciendo multitud de daños contabilizados, en su vertiente más feroz, por la gran cantidad de víctimas y cuerpos deshumanizados que arrojan, despojados de toda identidad. No obstante, a estos cuerpos mutilados y masacrados se les suma otro tipo de episodios, quizás no tan fáciles de detectar: las desapariciones, ausencias, vacíos e historias deliberadamente anuladas. Y es que toda violencia, en último término, se sustenta sobre la base del miedo, la dominación y el borrado de la historia. En este sentido, la ausencia de los cuerpos supone una doble dimensión. En primer lugar, anula una práctica de duelo. Son muchas las sociedades que, aunque con distintos significados y bajo diferentes preceptos, necesitan velar la fisicidad del cuerpo al que le acompaña el entierro. Es la corporeidad del acto, la presencia de ciertos objetos, lo que parece salva a los fallecidos y deja en un lugar tranquilo a los que lloran. Por ello, la ausencia del cuerpo supone el duelo incompleto. En segundo 88

lugar, esa otra dimensión que nos habla de las desapariciones tiene que ver con la eliminación del archivo de la historia. Si la presencia de cuerpos físicos supone la evidencia hecha documento de las consecuencias de la violencia política, las desapariciones forzosas responden a un intento de propiciar un olvido e invisibilizar la causa que las produjo. Frente a esta doble dimensión, se hacen necesarias las prácticas de restitución de la memoria. Prácticas entre las que se encuentran tanto las políticas de índole institucional como la historia oral o las piezas de arte, mediante las que se pueda ocupar simbólicamente el vacío y evidenciar los silencios estructurales que lo rodearon. Las obras exhibidas en Extensión Avam se articulan en torno a estos temas. La cámara de Shahar Marcus (isr), en su pieza Dig (2019), tiembla mientras graba en detalle las manos de un grupo de hombres que tratan de excavar entre los escombros de un edificio. Las manos movidas por una nerviosa desesperación se acompañan de unas voces, también vacilantes, que retiran poco


JUAN-RAMÓN BARBANCHO SHAHAR MARCUS

a poco los escombros, quizás esperando encontrar algo, quizás precisamente esperando no hacerlo. Unos escombros que parecen no cesar y hacerse cada vez más grandes y pesados. Una escena descontextualizada y sin embargo reconocida por cualquier espectador, que podría suceder en cualquier parte, allí donde las cámaras de los telediarios se acercan para grabar y después marcharse, abandonando las historias y cuerpos enterrados para siempre bajo el peso de la violencia. Por su parte, La muerte no enterrada (2016), de Juan-Ramón Barbancho (esp) nos acerca a un contexto también cercano. Al inicio de la pieza, un hombre se hace paso con su linterna ante el amanecer de lo que parece un campo abierto. El sonido de los pájaros y la tranquilidad se asoman desde el fondo del paisaje. A medida que la figura recorre los caminos horadados en las colinas, una voz en off irrumpe sobre la imagen y realiza una lectura pausada, en la que se suceden nombres propios de personas, su edad, profesión y una fecha que, en su mayoría

Extensión

AVAM

remite al verano de 1936. La lectura que se produce no es fortuita. Se trata, como el texto de apertura del vídeo nos hace entender, de 71 personas asesinadas y silenciadas por la represión franquista durante la guerra civil en la provincia de Córdoba; represión que, alargada durante los cuarenta años de dictadura, convertiría a España en el segundo país del mundo con más fosas comunes, aún en su mayoría sin abrir. Frente al olvido institucional, el vídeo se concibe como una herramienta en sí misma de restitución del silencio, como un ejercicio de dignificación de la memoria de las, todavía, víctimas. Luis Cemillán Casis


From the silence of the bodies Armed conflicts and processes of political violence have and continue to cause a multitude of damages accounted, in its most ferocious aspect, by the large number of victims and dehumanized bodies that they throw away, stripped of all identity. However, to these mutilated and massacred bodies another type of episodes are added, perhaps not so easy to detect: disappearances, absences, gaps and stories deliberately overridden. And it is that all violence, ultimately, is sustained on the basis of fear, domination and the erasure of history. In this sense, the absence of bodies supposes a double dimension. First, cancel a practice mourning. There are many societies that, although with different meanings and under different precepts, they need to watch over the physicality of the body that is accompanied by the burial. It is the corporeity of the act, the presence of certain objects, what seems to save the deceased and leave those who mourn in a quiet place. Therefore, the absence of the body implies incomplete mourning. Second, 90

that other dimension that tells us about the disappearances has to do with the elimination of the history archive. If the presence of physical bodies supposes the evidence made document of the consequences of political violence, forced disappearances respond to an attempt to promote oblivion and make the cause that produced them invisible. In front of this double dimension, memory restitution practices are necessary. Practices including find both policies of an institutional nature such as oral history or art pieces, through the that the void can be symbolically occupied and the structural silences that surrounded it can be seen. The works exhibited in Extensión AVAM are articulated around these themes. The chamber of Shahar Marcus (isr), in the piece Dig (2019), he trembles as he records in detail the hands of a group of men trying to dig through the rubble of a building. Thehands moved by a nervous despair are accompanied voices, also hesitant, gradually removing the rubble, perhaps hoping to find something, perhaps precisely hoping not to. A rubble


JUAN-RAMÓN BARBANCHO SHAHAR MARCUS

that seems to never cease and become more and more big and heavy. A scene decontextualized and yet recognized by any viewer, who it could happen anywhere, where the news cameras come close to record and then leave, abandoning the stories and bodies forever buried under the weight of violence. On the other side, Death not buried (2016), by Juan-Ramón Barbancho (sp) brings us closer to a context also close. At the beginning of the piece, a man makes his way with his lantern before the dawn of what looks like an open field. The sound of birds and the tranquility peek out from the bottom of the landscape. As the figure travels the paths drilled in the hills, an off-voice bursts into the image and performs a leisurely reading, in which proper names of people, their age, profession and a date that mostly refers to the summer of 1936. The reading that occurs is not fortuitous. It’s about, like the opening text of the video makes us understand, of 71 people murdered and silenced by the francoist repression during the civil war

Extensión

AVAM

in the province of Córdoba; repression that, extended during the forties years of dictatorship, would make Spain the second country in the world with the most mass graves, still in its most unopened. Faced with institutional oblivion, video is conceived as a tool in itself of restitution of silence, as an exercise in dignifying the memory of the still victims. Luis Cemillán Casis


JUAN-RAMÓN BARBANCHO La muerte no enterrada


SHAHAR MARCUS

Dig



Presentación

de libro Author Talk

Andrés Senra presenta el libro de Juan-Ramón Barbancho: Arte y posmemoria. El arte como preservación de la memoria tras el conflicto. Editorial Brumaria. Andrés Senra presents the book by Juan-Ramón Barbancho: Arte y posmemoria. El arte como preservación de la memoria tras el conflicto. Brumaria Editorial.


LUKAS MARXT MARIE OUAZZANI-NICOLAS CARRIER

ENAR DE DIOS RODRÍGUEZ

RUBÉN DARÍO DÍAZ CHÁVEZ

BIENALSUR

BÁRBARA FLUXÁ

Performance SARA PADILLA GRIMALT

SERGIO CÁCERES 96

Proyecciones LUKAS MARXT


Institut Français de Madrid

La humanización de la Naturaleza naturaleza

sustantivo femenino 1- Conjunto de las cosas que existen en el mundo o que se producen o modifican sin intervención del ser humano. 2- Principio creador y organizador de todo lo que existe.

El concepto plantea un enfrentamiento: el ser humano frente a la totalidad de lo que existe. Pero también plantea una reconciliación, o quizá un sometimiento: el ser humano como parte de ese todo. Y he aquí la paradoja. ¿Cómo controlar aquello que todo lo controla? ¿Por qué esta pretensión titánica, ciega? La exposición del Institut Français de Madrid ahonda en estas cuestiones. El ser humano, pozo insaciable, parece haber aprendido a dominar la naturaleza antes de aprender a dominarse a sí mismo. Reducida a un mero instrumento al servicio de

nuestras necesidades, la verdadera esencia de la naturaleza se nos escapa de las manos. Pero, ¿de dónde vienen estas necesidades? ¿Realmente se orientan hacia nuestro bienestar? Inmersos en un ritmo de vida frenético, olvidamos plantearnos el fin último de nuestros actos, con lo que perdemos de vista sus consecuencias, devorando todo a nuestro paso al tiempo que dejamos de sentirnos parte de esa misteriosa armonía que la naturaleza entreteje. Ahora el equilibrio ha desaparecido. Si se encuentra, es aparente. La explotación sistemática de la naturaleza nos aleja de nosotros mismos, impidiendo que veamos con claridad, forzándonos a un vacío mirar. 97


Hoy más que nunca es fundamental repensar nuestra relación con el planeta que habitamos como si fuéramos desconocidos. El canto de los pájaros, el caer de las hojas en otoño, la lluvia golpeando contra el cristal… todo ello se nos escapa. Sólo cuando es demasiado tarde, cuando las especies se extinguen, los árboles se marchitan, el agua escasea, somos conscientes del abismo que nos rodea. Y a veces ni esto es suficiente. Decía Aristóteles que el ser humano desea, por naturaleza, saber. Hoy sabemos que nuestros deseos están acabando con la naturaleza. ¿Qué postura tomar ante el enfrentamiento que nos ocupa? —enfrentamiento que, con todo, no tendrá ganadores ni vencidos más que nosotros. Planteémonos entonces a dónde nos conducirá este sometimiento de la naturaleza a parámetros humanos, esta reducción aniquiladora que, en su delirante y desbocado proceder nos aleja más y más de nosotros mismos, de nuestros entorno, futuro y raíces, humanizando lo que no debe ser humanizado puesto que, en el fondo, ello nos aboca a la deshumanización de nuestro porvenir. Federica Iozzia

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The humanization of Nature nature

femenine noun 1- Set of things that exist in the world or that are produced or modified without the intervention of being human. 2- Creative and organizing principle of everything that exists.

The concept raises a confrontation: the human being versus the totality of what exists. But, also it proposes a reconciliation, or perhaps a submission: the human being as part of that whole. And here is the paradox. How to control which controls everything? Why this titanic pretense, blind? The exhibition of the Institut Français of Madrid delves into these questions. The human being, an insatiable well, seems to have learned to dominate nature before learning to control yourself. Reduced to a mere instrument at the service of our needs, the true essence of nature escapes from our hands. But where do these needs come from? Are they really oriented towards our well-being? Immersed in a hectic pace of life, we forget to consider the end last of our acts, with which we lose sight of its consequences, devouring everything in our path to time we stop feeling part of that mysterious harmony that nature weaves. Now the balance has disappeared. If it is found, it is apparent. The systematic exploitation of nature alienates us of ourselves, preventing us from seeing clearly, forcing us into an empty gaze.

Today, more than ever, is essential to rethink our relationship with the planet we live in as we were unknown. The song of birds, the fall of autumn leaves, the rain beating against the glass... everything escapes from us. Only when is too late, when species become extinct, trees wilt, water scarce, we are aware of the abyss that surrounds us. And sometimes this is not enough. Aristotle said that human beings by nature want to know. Today we know that our wishes are destroying nature. What side should we take in the confrontation that concerns us? -confrontation that, however, will not have winners or losers other than us. Let us then consider where this subjugation of nature to human parameters will lead us, this annihilating reduction which, in its delirious and unbridled proceeding takes us further and further away from ourselves, from our environment, future and roots, humanizing what should not be humanized since, deep down, this leads us to dehumanization of our future. Federica Iozzia


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BÁRBARA FLUXÁ

El capítulo del mar (NaCl+H2O)


RUBÉN DARÍO DÍAZ CHÁVEZ

Rapaka Sapara (Territorio Sapara)


LUKAS MARXT​

Imperial Valley (cultivated run-off)


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MARIE OUAZZANI - NICOLAS CARRIER Impression météo

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SERGIO CÁCERES Amanecer de salón

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Proyecciones Projections 16 SEP 2021 15 OCT 2021

LUKAS MARXT ENAR DE DIOS RODRÍGUEZ 109


16 SEP 2021

LUKAS MARXT Nella Fantasia


ENAR DE DIOS RODRÍGUEZ

Vestiges (an archipelago)


Beyond the canon

The display device, and particularly the museums, often choose to crystallize objects, to contain them in a homogeneous time and spaces, sort them according to criteria that anchor them to a pre-established order. Thus, caricatured, we can say that the objects that are ment to be part of anthropology spaces are pulled apart from those that are ment for art spaces in search of controlling the senses and stories that, from the combinations of these elements, can emerge.

These documentaries can be placed between ethnography and visual studies, shedding light on socio-cultural practices, processes of recovery, appropriation and resignification that activate polemics around concepts such as “art”, “crafts”, “tradition”, “change”, “aesthetics”, “politics”, often thought an antinomic way so that we believe that keeping them in parallel, allows to identify some terms of the dilemma about the places and uses of art and its (sustained) contemporary condition.

Thinking with symbolic productions beyond the mental corsets installed by the canon is part of the purpose of BIENALSUR. That is why, seeking to expand and complicate the dimension of time imposed by the canonical tales, we return to the affirmation that all art is ´contemporary´ to rethink it from different perspectives and place this set of documentary videos that we choose to present in art venues thinking with them, ´beyond the canon´.

The three pieces focus on the encounter between subjects who identify themselves as the “world of art” and subjects who are part of what are referred to as “ethnographic civilizations”. Caminantes and La escucha y los vientos, are two works that records aspects of the convergence between these two universes in the birth of new productions and rituals. Pin Pin Ñanderco records the contemporary ritual by which a community tries to critically review the colonial past.

These are three works that exhibit the meeting of points of view that respond to different cultural horizons, although in both one and others, we can recognize the presence of a common visual culture that we define as ´contemporary´.

Diana Wechsler


BIENALSUR Más allá del canon

El dispositivo exhibición y particularmente los museos, eligen con frecuencia cristalizar objetos, detenerlos en un tiempo y espacios homogéneos ordenándolos según criterios que los anclan a un orden preestablecido. Así, caricaturizadamente, podemos decir que se separan los objetos que están destinados a los espacios de antropología de los que se reconocen como destinados al espacio de arte en busca de controlar los sentidos y relatos que de las combinaciones de estos elementos puedan emerger. Pensar con las producciones simbólicas más allá de los corsés mentales instalados por el canon forma parte del propósito de BIENALSUR. Es por eso, que buscando expandir y complejizar la dimensión de tiempo impuesta por los relatos canónicos, retomamos aquella afirmación que señala que todo arte es contemporáneo para repensarla desde distintas perspectivas y situar a este conjunto de videos documentales que elegimos presentar en sede artística pensando con ellos, más allá del canon. Se trata de tres trabajos que exhiben el encuentro de miradas que responden a horizontes culturales diferentes, aunque en unas y otras, pueda reconocerse la presencia de una cultura

15 OCT 2021

visual común a la que definimos como contemporánea. Estos documentales pueden ubicarse entre la etnografía y los estudios visuales arrojando luz sobre prácticas socioculturales, procesos de recuperación, apropiación y resignificación que activan polémicas en torno a conceptos como “arte”, “artesanía”, “tradición” , “cambio”, “estética”, “política”, muchas veces pensados de manera antinomica por lo que creemos que mantenerlos así en paralelo, permite identificar algunos términos del dilema acerca de los lugares y usos del arte y su (sostenida) condición de contemporáneo. Las tres piezas enfocan el encuentro entre sujetos que se identifican como del “mundo del arte” y sujetos que forman parte de lo que se señala como “pueblos etnográficos”. Caminantes y La escucha y los vientos, son dos obras que registran aspectos de la convergencia entre estos dos universos en el alumbramiento de nuevas producciones y rituales. Pin Pin Ñanderco registra el ritual contemporáneo por el que una comunidad trata de revisar críticamente el pasado colonial. Diana Wechsler 113


CARLOS MASOTTA 114

Caminantes


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Videoperformance 16 SEP 2021

SARA PADILLA GRIMALT

Modo condicional / Tiempos que corren

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MARIO KLINGEMANN


Medialab

Prado Producida por Colección SOLO - ONKAOS

Produced by Colección SOLO - ONKAOS

La pieza creada por Mario Klingemann (ale) es una enorme cara animada de StyleGAN2 en tiempo real que reacciona a la gente en la plaza antes de la proyección. Intenta seguir a algunas personas seleccionadas y también cambiar sus expresiones.

The piece built by Mario Klingemann (ger) is a huge realtime animated StyleGAN2 faces that reacts to people on the square before the projection. He tries to follow some selected people and also change expressions.

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MARIO KLINGEMANN Suspectacle


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Repeat after me En un mundo ya perturbado, interrumpido y agitado por un virus, surge una práctica artística desde un campo físico limitado procesando nuevas sensaciones y disyuntivas, donde estos mismos elementos se vuelven gesto, estética y discurso, haciendo hincapié en materia de lo rudimentario, el tedio, la repetición, el caos, la saturación y la escasez. El arte de las perillas es una compilación de ejercicios varios de experimentación sonora que Osvaldo Cibils (uru) realiza durante el año 2020, donde el cuerpo del artista se activa como una extensión del estruendo sonoro. Lo que vemos es un destello saturado de registros, en el cual los artefactos domésticos y cacharros electrónicos se entrelazan con el propio artista sobre el espacio limitado de su habitación. El hastío, lo absurdo, lo ordinario se vuelven lenguaje, y en ese lenguaje encontramos una cacofonía que refleja los devenires del encontrarse aislado del mundo físico. 124

Estar en un espacio o tiempo limitado se traduce también en la necesidad de retornar a esa naturaleza curiosa que nos compete. En Intentos, Román Corbato (esp) toma troncos de árboles para edificarlos en el espacio natural al que pertenecen, y es el ejercicio ensayo-error con sus procesos, realizaciones y rutinas, el juego en el que nos vemos atrapados; un tótem, un árbol o algo que nunca llega a ser más que la experiencia del individuo con ese espacio y con ese propósito de representación. Se trata ciertamente de un esfuerzo que evoca una visión dinámica o proactiva del mito de Sísifo, donde evidenciamos que la “acción se convierte en saber”, volviendo a ese gesto fundamental de la creación artística. Con Estado de alarma, Jesús Hdez-Güero (cub) nos traslada a otro gesto de intento que él superpone en una muestra de dicción oficial. Nos enfrenta al esfuerzo en vano del presidente de España, Pedro Sánchez, quien se ve atrapado en la propia gesticulación de un discurso de alarma nacional a la vista de la COVID-19. El artista corta el audio dejando la pose política como


Quinta del

Sordo único lenguaje haciendo patente el vacío que subyace en el acto. A modo de pie de página y sin intenciones concretas del artista, a los oídos de quienes experimentan la obra, el sonido del jadeo impotente no deja de generar una relación ansiosa con la falta de aire sintomática del virus. Pero ¿qué es el virus en este escenario? El enfrentamiento entre las repercusiones de la pandemia y el ámbito político también son puestos sobre la mesa en la obra Yesterday; Today; Tomorrow de Gabriele Stellbaum (ale). De hecho la mesa es una de las protagonistas en la pieza a manera de metáfora del caos, dando vueltas sin parar mientras sirve de apoyo a una radio que emite noticias sobre las disrupciones sociales y el tenso clima político que se ha tejido en este último año mientras permanecíamos aislados. En el espacio confinado, la quietud y la vorágine colisionan, sumergidos en una atmósfera gris que nos retrotrae a momentos de guerra del siglo pasado. Ariadna Arce

OSVALDO CIBILS ROMÁN CORBATO JESÚS HDEZ-GÜERO GABRIELE STELLBAUM 125


Repeat after me In a world already disturbed, interrupted and shaken by a virus, an artistic practice arises from a field limited physical process processing new sensations and dilemmas where these same elements become gestures, aesthetics and discourse, emphasizing the rudimentary, boredom, repetition, chaos, saturation and scarcity. The art of the knobs is a compilation of various exercises of sound experimentation that Osvaldo Cibils (uru) performed during the year 2020, where the artist’s body is activated as an extension of the noise sonorous. What we see is a flash of records saturated, in which household appliances and pots and pans electronic devices intertwine with the artist himself over the limited space of his room. The boredom, the absurd, the ordinary become language, and in that language we find a cacophony that reflects the evolutions of being isolated from the physical world. Being in a limited space or time also translates into the need to

return to that curious nature that is up to us. Attempts, Román Corbato (sp) takes trunks to build them in space to which they belong, and it is the trial-error exercise with its processes, achievements and routines, the game in the one that we get trapped; a totem, a tree or something that never becomes more than the experience of the individual with that space and with that purpose of representation. It is certainly an effort that evokes a dynamic or proactive vision of the Sisyphus myth, where we show that the a ̈ ction becomes know ,̈ returning to that fundamental gesture of artistic creation. With A state of alarm, Jesús Hdez-Güero (cub) takes us to another gesture of intent that he superimposes on a sample of official diction. He confronts us with the vain effort of the President of Spain, Pedro Sánchez, who is caught in the very gesticulation of a speech of national alarm in the face of COVID-19. The artist cuts the audio leaving the political pose as the only language, making clear the void that underlies the act.


Quinta del

Sordo As a footnote and without specific intentions of the artist, in the ears of those who experience the work, the sound of helpless gasping does not fail to generate an anxious relationship with the symptomatic shortness of breath of the virus. But what is the virus in this scenario? The confrontation between the repercussions of the pandemic and the political sphere are also put on the table in the play Yesterday; Today; Tomorrow by Gabriele Stellbaum (ger). In fact the table is one of the main characters of the piece as a metaphor for chaos, spinning non-stop while a radio on it broadcasts news about social disruptions and the tense political climate that has been woven in this last year while we were in isolation. In confined space, stillness and maelstrom collide, immersed in a gray atmosphere that takes us back to moments of war of the last century.

OSVALDO CIBILS ROMÁN CORBATO JESÚS HDEZ-GÜERO GABRIELE STELLBAUM

Ariadna Arce 127


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ROMÁN CORBATO Intentos

GABRIELE STELLBAUM

No Mo Generation (Generación No-Madres)

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JESÚS HDEZ-GÜERO Estado de Alarma


OSVALDO CIBILS

En el arte de las perillas (the art of knobs) compilación aleatoria marzojulio 2020


CATHERINE RADOSA

FRANCISCO PRADILLA BARRERO

ADRIÁN GUERRERO

ARIEL UZAL – JULIETA CAPUTO

HASAN DARAGHMEH

SARA CARNEIRO

ALEXANDER ISAENKO

MARC CLEMENTE (GNAWA COLLECTIVE)

Imaginary spaces

¿Qué pasa si simplemente no aceptamos nuestra estructura de tiempo? ¿Qué pasa si exploramos las posibilidades de las técnicas de vídeo, en busca de nuevas estructuras con respecto al tiempo y el espacio? ¿Podemos acercarnos más a nuestra imaginación, a nuestros sueños con eso? – ¿O por qué no simplemente repetir los momentos que nos gustan, hacer que se repitan y dejar otros fuera? En la obra de video The Door, Hasan Daraghmeh está creando una estructura arquitectónica a través de la repetición de un solo movimiento. El acto de abrir una puerta y entrar en una pequeña habitación se repite hasta el límite, hasta los bordes de nuestras mamparas. Y aunque es obvio que la relación de aspecto de pantalla ancha de 16:9 o los bordes de nuestras pantallas definirán al final el tamaño de la arquitectura, no paramos de ver el vídeo. Entonces, se trata menos del espacio específico que se crea. No esperamos que una narración


Sala

Equis emergente nos sorprenda. Se trata más del ritmo al que estamos cayendo, del sonido que está estructurando el proceso de creación y desmantelamiento de un espacio. Nos damos cuenta del efecto meditativo que puede tener la repetición. Alexander Isaenko también usa el método de repetición en su trabajo de vídeo Existo minima, pero de manera diferente. Existo mínima muestra una vista panorámica de una playa tranquila donde la gente camina. Muy pronto nos damos cuenta de que el artista deja que los caminantes desaparezcan de vez en cuando. Solo por unos segundos, la gente se desvanece en el aire, como si existieran agujeros negros en esta playa. Al principio es asombroso ver eso, pero lo realmente interesante es que al repetir el momento surrealista de dejar que las personas aparezcan y desaparezcan de forma natural, dejamos de preguntarnos. El fenómeno se vuelve normal. Los límites entre el mundo real e imaginario parecen fluidos. En el video Motherland de Catherine Radosa incluso podemos

ver dos espacios diferentes al mismo tiempo. Sabemos que el vídeo muestra un espacio muy íntimo, un primer plano del vientre de una mujer embarazada. Pero el uso de ciertas perspectivas de cámara, luces y el encuadre específico hacen posible ver otro espacio en otra dimensión al mismo tiempo, un espacio exterior en realidad, un planeta. Es el uso muy específico de técnicas de vídeo que satisface nuestro deseo de imaginar nuevos espacios que les permitan, aunque solo sea brevemente, aparecer. Julia Tazreiter

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CATHERINE RADOSA

FRANCISCO PRADILLA BARRERO

ADRIÁN GUERRERO

ARIEL UZAL – JULIETA CAPUTO

HASAN DARAGHMEH

SARA CARNEIRO

ALEXANDER ISAENKO

MARC CLEMENTE (GNAWA COLLECTIVE)

Imaginary spaces

What if we are just not accepting our structure of time? What if we explore the possibilities of video techniques instead, in search of new structures regarding time and space? Can we get closer to our imagination, to our dreams by that? – Or why not just repeat the moments we like, make them loop and leave others out? In the video work The Door Hasan Daraghmeh is creating an architectural structure through the repetition of a single movement. The act of opening a door and entering a small room is repeated to the limits, to the edges of our screens. And although it’s obvious that the widescreen aspect ratio of 16:9 or the edges of our screens will define the size of the architecture in the end, we do not stop watching the video. So, it’s less about the specific space that is created. We don’t expect an arising narration to surprise us. It’s more about the rhythm we are falling into, the sound that is structuring the process of 134


Sala

Equis creating and dismantling a space. We become aware of the meditative effect repetition can have. Alexander Isaenko also uses the method of repetition in his video work Existo minima, but differently. Existo minima shows a scenic view of a calm beach where people are walking. Very soon we realize that the artist lets the walkers disappear once in a while. Just for a few seconds, people vanish into thin air, like there would exist black holes on this beach. In the beginning it’s astonishing to see that but what’s really interesting then is that by repeating the surreal moment of letting people appear and disappear naturally we stop wondering about. The phenomenon becomes normal. The boundaries between the real and imaginary world seem to be fluid. In Catherine Radosa´s video Motherland we can even see two different spaces at the same time. We know that the video shows a very intimate space, a close-up of the belly of a pregnant woman. But the use of certain camera perspectives, lights and the specific framing make it possible to see another

space in another dimension at the same time, an outer space actually, a planet. It’s the very specific use of video techniques meeting our desire to imagine new spaces that let them –if only briefly– appear. Julia Tazreiter


ARIEL UZAL - JULIETA CAPUTO Principia, gravitational limbo

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HASAN DARAGHMEH

The door


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FRANCISCO PRADILLA BARRERO Partial Eclipse 138


ADRIÁN GUERRERO

Leuksna 139


CATHERINE RADOSA Motherland


ALEXANDER ISAENKO Existo Mínima

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MARC CLEMENTE (GNAWA COLLECTIVE) Intrusion or Resource?


SARA CARNEIRO

Chapter One: The Arrival 143


W. MARK SUTHERLAND

KIKA NICOLELA

EMANUELE DAINOTTI

MARÍA JEREZ - SILVIA ZAYAS

NACHO RECIO

Vida circular El ritmo, los tics, el tartamudeo, los «llueve sobre mojado» y no solo este: todos los refranes, los uniformes, los clichés, los latidos del corazón y las campanas, todos los «días señalados» y sus respectivas celebraciones, el arte o delito de la falsificación, la experiencia, cada especie, clasificación o categoría, todo camino, las recetas, fórmulas e instrucciones, los panales de miel, la tripofobia, la rueda y las vueltas de tuerca, los lemas, los sellos de caucho, todo lo crónico, lo pesado o lo empedernido y hasta una caja de clips, deben su existencia, de una forma u otra, a la esperanza o posibilidad de la repetición. Yo repito atuendo, tu repites curso, el ajo repite una barbaridad, nosotros repetimos natillas, vosotros repetís lo que no se ha oído, ellos repiten el estribillo de una canción y, más aún, si es la del verano. La repetición, en realidad, es o está en todas partes. Repetimos para aprender, para convencer, para mejorar, para jugar, por no haber prestado atención, porque es importante, por vicio o porque nos ha gustado mucho. Hasta el lenguaje mismo —insisto — hasta el 144

lenguaje mismo, es repetido una y otra vez, y no solo cuando su intención es la de enfatizar, sino siempre, pues está listo de antemano, como una plantilla, para ser calzado y reproducido. En este sentido, figuras retóricas como la anáfora, no harían sino proponer una reiteración a un nivel más profundo dentro de la muñeca rusa en la que el lenguaje ya se encuentra. Para bien y para mal parece que la repetición es inherente a nuestra capacidad de vivir; alojada a su vez en patrones naturales, como los movimientos orbitales de nuestros astros, que nos muestran la pauta. En nuestro caso, se desenvuelve mano a mano con la memoria: algo se repite siempre por acción u omisión de esta. «Somos un animal de costumbres», se dice; y, al margen de lo desagradablemente cursi y hecha que resulta esta frase, probablemente esté en lo cierto. La principal ventaja de esta condición, más allá del confort que procura lo conocido, sería de índole práctica: desde un punto de vista coste-efecto tiene sentido mecanizar aquello para


Secuencia de

Inútiles

lo que ya conocemos el camino más corto o consideramos resuelto, enfrentarnos al mundo de cero cada día sería irrealizable y como mínimo agotador. Por otro lado, la principal desventaja de nuestra tendencia natural a subir todo cuanto antes al tobogán de la inercia, sería la dificultad para frenar y salir del bucle cuando ello sí resulta deseable. Me viene a la cabeza este breve poema de un solo verso de Jesús Aguado para ilustrarlo: INVENTAR Sigues aquí Quizás el antídoto, como en tantas ocasiones, pueda encontrarse en la administración consciente del propio veneno, la repetición como mantra sería un ejemplo. Los vídeos que se presentan en esta muestra parecen, en efecto, haber recurrido a la repetición precisamente para reflexionar acerca de las dificultades que esta plantea cuando se manifiesta en

forma de existencia o experiencia atrapada, explorando su morfología y posibilidades y pensando estrategias hacia la diferencia que permitan sortear el perfil menos favorecedor de este eterno retorno. Begoña Moreno-Luque


W. MARK SUTHERLAND

KIKA NICOLELA

EMANUELE DAINOTTI

MARÍA JEREZ - SILVIA ZAYAS

NACHO RECIO

Circular life Rhythm, tics, stuttering, the “it never rains but it pours” and not only this: all the adages, uniforms, cliches, heartbeats and bells, all the “big days” and their celebrations, forgery´s art or crime, experience, each specie, classification or category, every path, recipes, formulas and instructions, honeycombs, trypophobia, the wheel and turns of the screw, slogans, stamps, everything chronic, heavy or inveterate and even a box of paper clips, owe their existence, in one way or another, to the hope repetition possibility. I repeat outfit, you repeat course, garlic repeat a lot, we repeat custard, you repeat what has not been heard, they repeat the chorus of a song and, even more so, if it is the song of the summer. Repetition, actually, is everywhere. We repeat to learn, to convince, to improve, to play, for not paying attention, because it is important, due to a vice or because we like it a lot. Even the language itself -I insist- even the language itself is repeated over and over again, and not only when its intention is to emphasize, but always, as it is ready in advance, as a template, to be shod and reproduced. In this sense, rethoric

figures such as anaphora, would only propose a reiteration at a deeper level within the Russian doll in which the language is already found. For better and for worse, it seems that repetition is inherent in our capacity to live; contained in natural patterns, like the orbital movements of stars, that show us the pattern. In our case, it unfolds hand-to-hand with memory: something is always repeated by its action or omission. “We are creatures of habits” it is said; and, aside from how unpleasantly cheesy cliché sounds, this sentence is probably right. The main advantage of this status beyond the comfort that provides, it would be of a practical nature: from a cost-effect point of view it makes sense to mechanize that for which we already know the shortest path or consider resolved, to face the world from nothing everyday would beimpossible and, at least, exhausting. On the other hand, the main disadvantage of our natural tendency to climb as soon as possible to the slide of inertia, it


Secuencia de

Inútiles

would be the difficulty to brake and get out of the loop when it is desirable. This short one-verse poem by Jesús Aguado comes to mind to illustrate: INVENT Still here Perhaps the antidote , as in so many occasions, can be found in the conscious administration of one’s poison, repetition as a mantra would be an example. The videos featured in this show look like, indeed, have used repetition precisely to think about the difficulties that it contain when it become existence or trapped experience, exploring its morphology and possibilities, and thinking strategies towards the difference that allows to avoid the less favorable profile of this eternal return. Begoña Moreno-Luque


KIKA NICOLELA Actus 148


W. MARK SUTHERLAND America a videopoem

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NACHO RECIO Ant


EMANUELE DAINOTTI Santa María


MARÍA JEREZ - SILVIA ZAYAS The Boogie-Woogie Ghost 152



TSENG YU CHIN

CHRISTIAN LAGATA

DING CHIEN-CHUNG

PRZEMEK WĘGRZYN

JULIA LUCESOLE - AMELIA ORDEN -

BOB BICKNELL-KNIGHT

VANESSA SALAMANCA VÁSQUEZ

JUAN JOSÉ PEREIRA

Post, Distopía La propuesta audiovisual y conceptual albergada en el espacio White Lab viene definida por conceptos tan resonantes y tristemente actuales como la distopía, la ruina, el derrumbe y el abandono. Lugares desolados, naturalezas alteradas y caos en imágenes, envueltas en un aura sonoro cargado con discursos atemporales; todo ello crea un entorno algo siniestro pero a la vez atrayente para el visitante de la muestra, a la vez que le sumerge en una post-realidad digital que bien reconoce. Son piezas audiovisuales éstas que muestran imágenes crudas que nos hacen reflexionar sobre la sociedad contemporánea y el futuro -o uno de los futuros posibles- que nos espera. En Shivering wall, el artista taiwanés Tseng Yu Chin (twn) propone una escena contemplativa en la que el espectador puede ver reflejado su propio cuerpo y su espíritu. Una joven despierta en lo que parece la mañana después de una gran fiesta orgiástica. Mientras a cámara lenta algunos 154

otros personajes intentan moverse o acomodarse, ella sigue impertérrita. Un ligero destello de luz se balancea sutilmente por la imagen. La pieza nos cuestiona: ¿cuál es la conexión entre tú y los demás? Testigos en tensión, de Juan José Pereira (para), es un diálogo a tres tiempos, a veces simultáneos y a veces contrapuestos, entre los diferentes elementos y habitantes arquitectónicos de una ciudad a la vez rota y cicatrizada. Christian Lagata (esp) nos muestra en A World in Ruins la definición perfecta de distopía, la ‘antítesis de la sociedad perfecta, un lugar del todo indeseable producto de los fracasos del ‘progreso’’, en palabras que el propio autor recoge del escritor Leonardo Lippolis. Mediante un excelente montaje en el que mezcla audios e imágenes reales de dos momentos de demolición y destrucción de edificios, nos hace ver la realidad


White

Lab

del punto al que hemos llegado en nuestro afán por el control y la seguridad total dentro de las ciudades en las que vivimos. Hermosa y brutal pieza Scarcity de Przemek Węgrzyn (pol), que a modo de fábula o cuento narrado por una hipnótica voz en off, nos lleva en un viaje alrededor de lo que ha sido la entrada del hombre en el ritmo y ecosistema propio de la Naturaleza, y sus devastadoras consecuencias. Estructura, rotación y espacio. Esos son los tres conceptos que definen la instalación Vacant room de DING Chien-Chung (twn). Verdadera poesía visual, el instante del movimiento. El espacio se transforma totalmente con una acción sutil. En Inespera, la fábrica es un lugar de transformación, de deshumanización y donde puede ocurrir la revelación. Esto dicen sus creadoras, Julia Lucesole (arg), Amelia Orden (arg)

y Vanessa Salamanca Vásquez (col), y llevan mucha razón. Rompiendo esquemas y modelos impuestos, tanto en la técnica audiovisual como en la narrativa, Inespera habla de lo natural en el hombre y su relación con el medio y la arquitectura más brutalista. Cada plano de esta pieza es una obra de arte por sí sola. Por último, I Wish I’d Been Born a Balloon, de Bob BicknellKnight (ing) que es, sin más, un viaje -literal y metafórico- de un existencialista y quejoso dron, que se lamenta del uso puramente militar que le dan mientras vaga por la distópica ciudad del videojuego “Grand Theft Auto V”. Simplemente brillante. Gonzalo de Benito

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TSENG YU CHIN

CHRISTIAN LAGATA

DING CHIEN-CHUNG

PRZEMEK WĘGRZYN

JULIA LUCESOLE - AMELIA ORDEN -

BOB BICKNELL-KNIGHT

VANESSA SALAMANCA VÁSQUEZ

JUAN JOSÉ PEREIRA

Post, Distopía The audiovisual and conceptual proposal housed in the White Lab space is defined by concepts as resonant and sadly current as dystopia, ruin, collapse and abandonment. Desolate places, altered natures and chaos in images, wrapped in a sonorous aura loaded with timeless discourses; all this creates a somewhat sinister environment but at the same time attractive to the visitor, while immersing him in a postdigital reality that well recognizes. These are audiovisual pieces that show raw images that make us reflect on contemporary society and the future -or one of the possible future- that awaits us. In Shivering wall, Taiwanese artist Tseng Yu Chin (twn) proposes a contemplative scene in which the viewer can see reflected his own body and spirit. A young woman wakes up in what looks like the morning after a big orgy party. While in slow motion some other characters try to move or accommodate, she remains undaunted. A slight flash of light is subtly balanced

by the image. The piece questions us: what is the connection between you and others? Witnesses in tension by Juan José Pereira (par), is a dialogue with three times, sometimes simultaneous and sometimes conflicting, between the different elements and architectural inhabitants of a city at once broken and healed. In A World in Ruins, Christian Lagata (sp) shows us the perfect definition of dystopia, the ‘antithesis of perfect society’, a place that is completely undesirable as a result of the failures of the ‘Progress’’, words that the author takes from the writer Leonardo Lippolis. Through an excellent montage in which he mixes audio and real images of two moments of demolition and destruction of buildings, he makes us see the reality of the point we have reached in our eagerness for control and total security within the cities in which we live.


White

Lab

Beautiful and brutal piece Scarcity by Przemek Węgrzyn (pol), which as a fable or story narrated by a hypnotic voice-over, takes us on a journey around what has been the entrance of man into the rhythm and ecosystem of Nature, and its devastating consequences. Structure, rotation and space. These are the three concepts that define DING Chien-Chung’s Vacant room (twn) installation. True visual poetry, the instant of movement. Space is totally transformed by subtle action. In Inespera, the factory is a place of transformation, dehumanization and where revelation can occur’. This is what its creators, Julia Lucesole (arg), Amelia Orden (arg) and Vanessa Salamanca Vásquez (col), say, and they are right. Breaking imposed patterns and models, both in the audiovisual technique and in the narrative, Inespera speaks of the natural

in man and his relationship with the environment and the most brutalist architecture. Every shot of this piece is a work of art on its own. Finally, I Wish I’d Been Born a Balloon by Bob Bicknell-Knight (eng) is, without further ado, a literal and metaphorical journey of an existentialist and whining drone, who laments the purely military use given to him while wandering through the dystopian city of the video game “Grand Theft Auto V”. Simply brilliant. Gonzalo de Benito


BOB BICKNELL-KNIGHT

Wish I’d Been Born a Balloon


TSENG YU CHIN Shivering wall


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PRZEMEK WĘGRZYN Scarcity


DING CHIEN-CHUNG Vacant Room 162


JULIA LUCESOLE - AMELIA ORDEN - VANESSA SALAMANCA VÁSQUEZ Inespera

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CHRISTIAN LAGATA A World In Ruins


JUAN JOSÉ PEREIRA Testigos en tensión

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LAP

Laboratorios Arte PROYECTOR


Iztiar Okariz

Taller

Workshop

El registro como acontecimiento Registration as an event

C. C. C. Condeduque

El taller propuesto es una reflexión de la relación que se establece entre el vídeo y la acción, especialmente para la producción de signos y como herramienta de transformación de los mismos. Una exploración de la cualidad indicial y temporal del vídeo, el “esto ha sucedido”, la relación con la cámara, la norma del registro y su inteligibilidad. Situado esto en su tiempo social, histórico y tecnológico.

The workshop proposed was a reflection of the relationship that is established between video and action in its specificity for the production of signs and as a tool to transform them. An exploration of the indicial and temporal quality of the video, the “this has happened” the relationship with the camera, the standard of the record and its intelligibility. Located this in its social, historical and technological time.

El taller se desarrolló a partir de trabajos en proceso. Paralelamente, se propuso el visionado y lectura de materiales adicionales que contextualizan las cuestiones tratadas a través del trabajo de diferentes artistas, escritores y poetas que nos permiten acercarnos a la naturaleza del tiempo del suceso, de su registro y de su transformación en lenguaje.

The workshop developed from work in progress. In parallel, offered the viewing and reading of additional materials that contextualize the issues addressed through the work of different artists, writers and poets that allow us to approach the nature of the time of the event, of its registration and its transformation into language.

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Encuentro de

artistas Artists

meeting 170


Centro de Cultura Contemporánea

Condeduque 17 SEP 2021

Siempre hemos querido dar voz a los artistas para que sean ellos mismos los que presenten su trabajo. Este año hemos contado con Eugenio Merino (esp), Enar de Dios Rodríguez (esp), Lukas Marxt (aus), Marie Ouazzani & Nicolas Carrier (fra), Tseng Yu Chin (twn), Przemek Węgrzyn (pol), Raquel Durán Illanes y Rut Briones (esp). Moderadora: Begoña Moreno-Luque

We have always wanted to give voice to artists so that they themselves can present their work. This year we have had Eugenio Merino (sp), Enar de Dios Rodríguez (sp), Lukas Marxt (aus), Marie Ouazzani & Nicolas Carrier (fra), Tseng Yu Chin (twn), Przemek Węgrzyn (pol), Raquel Durán Illanes and Rut Briones (sp). Moderator: Begoña Moreno-Luque

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Encuentro de

agentes Agents

meeting 174

17 SEP 2021

Centro de Cultura

Condeduque Contemporánea


Comisariado / Coordinated: Lidia Persano y / and Gonzalo de Benito Se trata de un evento interno (sin público) para poner en contacto los artistas y los comisarios participantes en el festival con directores de museos, centros de arte, coleccionistas, festivales, residencias artísticas… It is an internal event (without public) to put in contact the artists and curators participating in the festival with directors of museums, art centers, collectors, festivals, artistic residencies...

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Encuentros

profesionales Professional meetings 176


Alcalá 31 18 SEP 2021

Los encuentros se han hecho tanto de manera presencial como online por streaming, gracias a las ayudas de AECID, BIENALSUR, Embajada de México y la Comunidad de Madrid. The meetings have done both in person and online by streaming, thanks to help from AECID, BIENALSUR, Embassy of Mexico and the Community of Madrid.

11-12:30h

Fernando Moure (para), Andrés Denegri (arg) Moderador / moderator: Fernando Llanos (méx)

12:45-14:15h

Miguel A. López (per), Pancho López (méx), María Belén Moncayo (ecu) Moderadora / moderator: Mar Núñez (esp) 177


Mª BELÉN MONCAYO

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FERNANDO MOURE, FERNANDO LLANOS, Y ANDRÉS DENEGRI


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Proyección

comisariados

internacionales International curatorships

screening 181


“Seeds and sprouts in America: spring always happens” One of the intentions of PROYECTOR is to continue expanding the debate on video art beyond borders and thus build strong and lasting bonds with the international artistic community. Along these lines, in the 14th festival´s edition, was decided to focus part of it´s program on building bridges with countries and contexts with which we had seldom generated such fruitful exchanges as with other parts of the world. The intention is the understanding of the video art production of other regions and the general panorama in which these artistic projects are taking place: the challenges they face and the discourse they enunciate. Since then, international curators have taken us to know the scene of video art, and more broadly of artistic practices 182

and the sector in intersection with political, economic, social, etc., in countries of Southeast Asia, North Africa and the Middle East. Ariadna Arce


Alcalá 31 18 SEP 2021

“Semillas y brotes en América: la primavera siempre sucede” Una de las intenciones de PROYECTOR es continuar expandiendo el debate sobre el videoarte más allá de las fronteras y así construir lazos fuertes y duraderos con la comunidad artística internacional. En esta línea, desde la duodécima edición del festival se decidió enfocar una parte del programa a construir puentes con países y contextos con los que pocas veces habíamos generado intercambio tan fructífero como con otras partes del mundo. La intención es la comprensión de la producción de videoarte de otras regiones y el panorama general en el que se están produciendo estos proyectos artísticos: los desafíos que enfrentan y el discurso que enuncian. Desde entonces los comisariados internacionales nos han llevado

a conocer el escenario del videoarte, y más ampliamente de las prácticas artísticas y del sector en intersección con realidades políticas, económicas sociales etc., en países del sudeste asiático, norte de África y Oriente Próximo. Ariadna Arce

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EDICIÓN 2021

Latinoamérica Latinoamérica es una región con la que, como plataforma y festival, hemos tenido siempre una cercana amistad e intercambio. Sin embargo, es una región extensa, diversa y agitada que invita a nuevos reencuentros y reflexiones conjuntas. Tras las procesos sociopolíticos convulsionando a lo largo de la región en los últimos años, hemos considerado importante redirigir la mirada a Latinoamérica dentro del marco especial de ‘Comisariados Internacionales’ y ‘Encuentros Profesionales’ de esta nueva edición, generando especial atención, aunque no exclusivamente, a países y/o contextos de poca visibilidad en el ecosistema artístico. Los ‘Comisariados Internacionales’ de la mano de comisarios/instituciones/artistas/investigadores invitados latinoamericanos nos facilitan un acercamiento a la región y concretamente a estos contextos muchas veces periféricos dentro de la hegemonía del escenario artístico latinoamericano e internacional. Los ‘Encuentros 184

Profesionales’ prometen una mesa de discusión donde se hace una revisión de estos comisariados y se aborda la escena del videoarte latinoamericano, sus discursos, obstáculos, economías, mercados y demás, comprendidos en intersección con los agitados procesos sociopolíticos y económicos que han emergido fervientemente en diversos puntos de la región en estos últimos años, así como las implicaciones actuales de la pandemia. Encontramos voces que emergen del corazón de la civilización nueva, de la actualidad presente y vívida. América latina camina despierta y avanza en el crecimiento y maduración de sus pueblos y ciudades, de sus libertades y reclamos. Su voz brota, primaveras que encontramos hechas luz en movimiento, piezas de videoarte/vídeo experimental/documental, que juntas nos abren una ventana hacia el paisaje que lorece y germina, hacia el tiempo que habitamos y en tanto que vivido, albergamos.


Comisarios / Curators:

Fernando Moure, Maria Belén Moncayo, Pancho López, Diana Wechsler, Narda Alvarado.

Este año hemos trabajado para presentar ciclos creados por los comisarios Pancho López (méx), María Belén Moncayo (ecu), Narda Alvarado (bol), Fernando Moure (para) y Diana Wechsler (arg) representando la colaboración con BIENALSUR, quienes también nos están acompañando como ponentes en los ‘Encuentros Profesionales’ junto con el comisario e investigador Miguel A. López (per). Estos comisariados permiten a los asistentes tomar conciencia de la relación entre el contexto geográfico, la situación política y social y la influencia de éstas en el videoarte. Ariadna Arce

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Latinoamerican EDITION 2021

Latin America is a region with which, as a platform and festival, we have always had a close friendship and exchange. However, it is an extensive, diverse and hectic region that invites new encounters and joint reflections. After the sociopolitical processes convulsing throughout the region in recent years, we have considered it important to redirect our gaze to Latin America within the special framework of ‘International Commissioners’ and ‘Professional Meetings’ of this new edition, generating attention to countries and / or contexts of low visibility in the artistic ecosystem broadly speaking, as well as from the European region from which we operate, approaching Latin America as a whole, but with special emphasis on countries such as Paraguay, Ecuador, Bolivia and the Spanish-speaking Central American region (ie Guatemala, Honduras, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica, Panama). The ‘International Commissioners’ led by Latin American curators / institutions / artists / invited researchers will

facilitate an approach to the region and specifically to these often peripheral contexts within the hegemony of the Latin American and international artistic scene. The ‘Professional Meetings’ promise a discussion table where a review of these curators will be made and the Latin American video art scene, its discourses, obstacles, economies, markets and others, understood in intersection with the agitated sociopolitical and economic processes that have been addressed, will be addressed. fervently emerged in various parts of the region in recent years, as well as the current implications of the pandemic. We find voices that emerge from the heart of the new civilization, of the present and vivid present. Latin America walks awake and advances in the growth and maturation of its towns and cities, its freedoms and claims. His voice sprouts, springs that we find made light in motion, pieces of video art / experimental video / documentary, which together open a window for us to the landscape that flourishes and


germinates, towards the time we inhabit and as long as we lived, we harbor. This year we are working to present cycles created by the curators Pancho López (mex), María Belén Moncayo (ecu), Narda Alvarado (bol), Fernando Moure (para) and Diana Wechsler (arg) representing the collaboration with BIENALSUR, who will also be accompanying us as speakers at the ‘Professional Meetings’ together with the curator and researcher Miguel A. López (per). These curators will allow attendees to become aware of the relationship between the geographical context, the political and social situation and the influence of these in video art. Ariadna Arce

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ALEJANDRA MASTRO

Las tablas de Moisés (Ajuste de cuentas)


AMANCAY STUMPFS Río arriba

Fernando Moure

Comisario Curator

PARAGUAY

ALEJANDRA MASTRO AMANCAY STUMPFS MARCELO MARTINESSI SEBASTIÁN BOESMI


ILICH CASTILLO

Confirmación de los acontecimientos 190


CINTHIA BODENHORST Found footage

María Belén Moncayo

Comisaria Curator

ECUADOR

ILICH CASTILLO PAÚL NARVÁEZ JUAN CARLOS LEÓN KARINA CORTEZ RUIZ MARÍA LORENA PEÑA CINTHIA BODENHORST PAREDES JOSSELYN HERRERA TASHIGUANO


PAVEL AGUILAR Type 192


Pancho López

Comisario Curator JAVIER CALVO

CENTRO AMÉRICA

Solo yo

HARKER JAVIER CALVO PATRICIA BELLI ALEXIA MIRANDA PAVEL AGUILAR REGINA AGUILAR REGINA JOSÉ GALINDO SANDRA MONTERROSO DONNA CONLON & JONATHAN HARKER


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Diana Wechsler

Comisaria Curator

BIENALSUR

EMILIANO GRASSI FERNANDA PESSOA PABLO SABANDO ABURTO - EMILIO LÓPEZ CERDÁ - MARÍA BELÉN CERDÁ EMILIANO GRASSI

Derrotar al movimiento

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JOSÉ BALLIVIAN Procesión


Narda Alvarado

Comisaria Curator

JOAQUÍN SÁNCHEZ Tejidos

BOLIVIA

ALDAIR INDRA CARLOS MUJIA IVÁN CÁCERES JOSÉ BALLIVIÁN JOAQUÍN SÁNCHEZ CLAUDIA JOSKOWICZ ALEJANDRA ALARCÓN SANDRA DE BERDUCCY DOUGLAS RODRIGO RADA ALEJANDRA DELGADO URÍA


Sedes Venues

Galería ASPA Contemporary

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Aparador Monteleón

Centro de Cultura Contemporánea Condeduque

Espacio SOLO

Galería Aural

Galería La Caja Negra

Galería Freijo


Recorrido

PROYECTOR

Galería Nieves Fernández

Galería Silvestre

Galería Nueva

Intersticio

OFF

Galería Pradiauto

Obertura Carabanchel

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Loops Expanded ARIEL UZAL – JULIETA CAPUTO

KIKA NICOLELA

EMANUELE DAINOTTI

NACHO RECIO

CATHERINE RADOSA

FRANCISCO PRADILLA BARRERO HASAN DARAGHMEH

JUAN-RAMÓN BARBANCHO 200

MARC CLEMENTE SHAHAR MARCUS TSENG YU CHIN

W. MARK SUTHERLAND


Loops Expanded Loops Expanded es una red internacional dedicada a investigar y exhibir el concepto y la forma del Loop. Nuestro objetivo es experimentar con exhibiciones descentralizadas de videoarte / imágenes en movimiento, simposios, charlas y clases magistrales. La red, fundada en 2019, expande la iniciativa original de Loops.Lisboa que comenzó en 2015. Los fundadores expandidos son comisarios y organizaciones del campo del videoarte de cinco países diferentes: António da Câmara (Duplacena / Festival Temps d’Images, Lisboa – Portugal); Mario Gutiérrez Cru y Araceli López (PROYECTOR, Madrid – España); Sandra Lischi (Ondavideo, Milán – Italia); Tom Van Vliet (WWVF, Amsterdam – Países Bajos); Cine Esquema Novo collective (Porto Alegre – Brasil), Irit Batsry y Alisson Avila (Loops.Lisboa / Festival Temps d’Images, Lisboa – Portugal).

Loops Expanded is, an international network, dedicated to research and exhibit the concept and form of the loop. Our goal is to experiment with decentralized videoart / moving image exhibitions, symposiums, talks and masterclasses. The network, founded in 2019, expands the original initiative of Loops.Lisboa started in 2015. Loops. Expanded founders are curators and organizations from the field of video art from five different countries: António da Câmara (Duplacena / Festival Temps d’Images, Lisbon – Portugal). Mario Gutiérrez Cru and Araceli López (PROYECTOR, Madrid – Spain); Sandra Lischi (Ondavideo, Milano – Italy); Tom Van Vliet (WWVF, Amsterdam – Netherlands); Cine Esquema Novo collective (Porto Alegre – Brazil) and Irit Batsry and Alisson Avila (Loops.Lisboa / Festival Temps d’Images, Lisbon – Portugal).


CARLOS MONLEÓN

Many §uns, One Darkness

CARLOS MONLEÓN 202


Aparador

Monteleón Aparador Monteleón es un espacio independiente de proyectos de arte contemporáneo en Madrid. Con el mismo espíritu de Aparador Cuchilla en CDMX, impulsado en 2010 por Aldo Chaparro Studio, este pretende dar accesibilidad a planteamientos y reflexiones en el arte y el diseño al margen de los circuitos comerciales e institucionales, que no dependa de horarios de apertura y que sirva como lugar de experimentación y divulgación.

Aparador Monteleón is an independent space for contemporary art projects in Madrid. With the same spirit as Aparador Cuchilla in CDMX, promoted in 2010 by Aldo Chaparro Studio, this pretends to give accessibility to approaches and reflections in art and design outside of commercial and institutional circuits, which doesn’t depend on opening hours and which serves as a place of experimentation and dissemination.

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1 BUTLER, Judith: El género en disputa. Paidós. Barcelona, 2013. P 85. 2 THOREAU, Henry David: Desobediencia civil. Tumbona Ediciones. México, 2012. P 30. 3 MELLA, Ricardo: Doctrina y combate. Calumnia Edicions. Mallorca, 2019. P 46.

MARINA ABRAMOVIC TERESA CORREA REGINA JOSÉ GALINDO SHIRIN NESHAT

ITZIAR OKARIZ JÜRGEN KLAUKE MATT MULLICAN SIGALIT LANDAU

Desobediencias y resistencias Una exposición comisariada por Adonay Bermúdez. Coproducida por CCA Gran Canaria. Centro de Cultura Audiovisual y Centro Cultura Contemporánea Condeduque. Colabora: CA2M, Fundación Otazu y TEA Tenerife Espacio de las Artes. Cuando el concepto del deber desaparece, somos libres, somos desobedientes frente a un sistema represor. En el momento en el que se suprime una acción robótica, nacida y alimentada desde un sistema heteropatriarcal, así sea con un acto aparentemente -y definido socialmente como banal- el sujeto abandona su origen etimológico (de sujetar) y se convierte en individuo, descripción que lo convierte en persona libre. Así hablemos de una libertad temporal o con fecha de caducidad. Numerosos estudios feministas han afirmado que hay un “hacedor” detrás de la acción. Sin un actuante, se afirma, no es posible la acción y, por lo tanto, tampoco la capacidad para transformar las relaciones de dominación dentro de la sociedad. (1) 204

La desobediencia es interesante y coherente en espacios donde el actuante puede ser escuchado. Es, por ello, que el análisis sociológico de la zona, el grado de oposición y la forma de comunicarla se sitúan como elementos fundamentales para que pueda ser efectiva. Evidenciar la injusticia, aunque sea de manera sutil, ya forma parte de la propia desobediencia, debido a que se recurre a un pensamiento contrario al impuesto. La queja siempre genera apatía porque desestabiliza los pilares de la sociedad actual, es, por tanto, que la desobediencia se postula como un ente híbrido, más allá de las relaciones originadas socialmente con la violencia. Bajo un gobierno como el actual, las personas generalmente creen que deben esperar hasta haber convencido a la mayoría para cambiarlas. Creen que, si oponen resistencia, el remedio será peor que la enfermedad. Pero es culpa del propio gobierno si el remedio es peor que la enfermedad. (2)


Centro de Cultura Contemporánea

Condeduque

Oponer resistencia, ahí está la desobediencia. Sencillo y eficaz. La revolución comienza en un acto individual que posteriormente será apropiado y repetido por otros. Desobediencias y resistencias muestra acciones individuales, materializadas en videoperformances y ejecutadas como denuncia pública pero dentro de un pseudocivismo crítico cotidiano, es decir, acciones habituales o comunes dentro de nuestro día a día pero que han sido ligeramente modificadas, ofreciendo una nueva interpretación con una carga más agresiva y de confrontación directa con el espectador. Todas las piezas que conforman este proyecto expositivo presentan primeros planos donde el/la artista cuestiona el rol de sumisión y obediencia, presentando obras abiertas al debate (individual y colectivo). Son acciones que incitan una reacción por parte del público pero sin obligarle a tener una réplica prefijada. Son acciones culturalmente definidas como íntimas que ocasionan rupturas entre lo público y lo privado (o lo socialmente

Sala de Bóvedas

catalogado como privado) y provocan una discusión en torno a ello. Son acciones cotidianas que han sido subrayadas y, por tanto, enaltecidas, y sin aparente trascendencia, pero que hacen herida. Son acciones desestabilizadoras que rompen con las narraciones tradicionales y patriarcales. Son acciones de desobediencia y resistencia. Jugar al hula hoop con un alambre de espino, vomitar mientras se canta, orinar en espacios públicos, introducir monedas en una calavera, respirar con un esqueleto, responder a base de gritos a una declaración de amor, hipnotizarse como acto creativo o disparar al espectador. ¿Qué importa que la palabra revolución no esté en sus labios, si la revolución está en sus pensamientos y en sus hechos? (3)


1 BUTLER, Judith: El género en disputa. Paidós. Barcelona, 2013. P 85. 2 THOREAU, Henry David: Desobediencia civil. Tumbona Ediciones. México, 2012. P 30. 3 MELLA, Ricardo: Doctrina y combate. Calumnia Edicions. Mallorca, 2019. P 46.

MARINA ABRAMOVIC TERESA CORREA REGINA JOSÉ GALINDO SHIRIN NESHAT

ITZIAR OKARIZ JÜRGEN KLAUKE MATT MULLICAN SIGALIT LANDAU

Disobedience and resistance An exhibition curated by Adonay Bermúdez. Co-produced by Gran Canaria Espacio Digital and Centro Cultura Contemporánea Condeduque. With the collaboration of: CA2M (Spain), Pi Fernandino Collection (Spain) and TEA Tenerife Espacio de las Artes (Spain). When the concept of duty disappears, we are free, we are disobedient facing a repressive system. At the moment in which a robotic action is suppressed, born and fed from a heteropatriarchal system, even with an apparently -and socially defined banal act- the subject abandons its etymological origin (of subjection) and becomes an individual, description that makes him a free person. So let’s talk about a temporary freedom or with an expiration date. Numerous feminist studies have claimed that there is a “doer” behind the action. Without an acting person, it is argued, action is not possible and, therefore, neither is the ability to transform relations of domination within society. (1)

Disobedience is interesting and consistent in spaces where the actor can be heard. It is, therefore, that the sociological analysis of the area, the degree of opposition and the way of communicating are positioned as fundamental elements for it to be effective. Evidencing injustice, even in a subtle way, is already part of the disobedience itself, due to resorting to a thought contrary to the tax. The complaint always generates apathy because it destabilizes the pillars of today’s society, it is, therefore, that disobedience is postulated as a hybrid entity, beyond the socially originated relationships with violence. Under a government like the current one, people generally believe that they must wait until they have convinced the majority to change them. They believe that if they resist, the remedy will be worse than the disease. But it is the government’s own fault if the remedy is worse than the disease. (2) Opposing resistance, there is disobedience. Simple and effective. The revolution begins in an individual act that will


Centro de Cultura Contemporánea

Condeduque

later be appropriated and repeated by others. Disobediences and resistance shows individual actions, materialized in video performances and executed as public complaint but within a daily critical pseudocivism, that is, habitual or common actions within our day to day but that have been slightly modified, offering a new interpretation with a load more aggressive and direct confrontation with the viewer. All the pieces that are in this exhibition project shows close-ups where the artist questions the role of submission and obedience, presenting works open to debate (individual and collective). These are actions that incite a reaction from the audicence but without forcing them to have a predetermined reply. They are culturally defined as intimate actions that cause ruptures between what is public and what is private (or what is socially classified as private) and provoke a discussion around it. They are daily actions that have been underlined and, therefore, exalted, and without apparent significance, but that hurt. They are destabilizing actions that break with traditional and patriarchal narratives.

Sala de Bóvedas

They are actions of disobedience and resistance. Playing hula hoop with a barbed wire, vomiting while singing, urinating in public spaces, inserting coins into a skull, breathing with a skeleton, responding by shouting to a declaration of love, being hypnotized as a creative act or shooting the spectator. What does it matter that the word revolution is not on your lips, if the revolution is in your thoughts and in your deeds? (3)


JÜRGEN KLAUKE

Made in Germany-Hinsetzen/Aufsteh´n/Ich liebe Dich

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ITZIAR OKARIZ

209 Mear en espacios públicos y privados


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MARINA ABRAMOVIC

Cleaning the Mirror II


TERESA CORREA

Desmesurada-mente/Unconscionable-mind

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REGINA JOSÉ GALINDO Let’s rodeo


MATT MULLICAN

Untitled (Matt Mullican Under Hypnosis: Zurich) 213


SHIRIN NESHAT Anchorage


SIGALIT LANDAU

Barbed Hula


MARIO KLINGEMANN

FAES + FLAN

EGOR KRAFT

COOL 3D WORLD

WONG PING

DAVID LEWANDOWSKI

NIKITA DIAKUR

SMACK

CASSIE MACQUARTER

SHOLIM

Still human, more human What is it that makes us human? That 1.2% difference in our DNA that distinguishes us from chimpanzees? Maybe it’s our complex and hyper-connected brains, with their amazing energy efficiency. Maybe it’s the tendency to worry about the future, the awareness of death or the sense of humor. Others will cite a simpler answer: creativity. Our imagination, ideas and the will to turn them into something tangible make us different. In short, without creation we are not human. As the anthropologist Agustín Fuentes explains, “the ability to move between‘ what is ’and‘ what could be ’has allowed us to go beyond being a successful species to become an exceptional species.”

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STILL HUMAN puts works from the SOLO Collection and invites artists into dialogue to reflect on how we relate to what is new. From painting, sculpture, sound art, new media or artificial intelligence, the tour explores how contemporary creation responds to an uncertain future horizon marked by connectivity and constant technological transformations. STILL HUMAN focuses on our ability to create, express ourselves, perceive emotions, observe and adapt to our surroundings armed with imagination. Thus, we venture that we are not only human, but we are more human than ever.


Espacio

SOLO - ONKAOS Still human, more human ¿Qué es aquello que nos hace humanos? ¿Esa diferencia de un 1,2% que en nuestro ADN nos distingue de los chimpancés? Quizá sean nuestros cerebros complejos e hiperconectados, con su asombrosa eficiencia energética. Tal vez sea la tendencia a preocuparnos por el futuro, la conciencia de la muerte o el sentido del humor. Otros citarán una respuesta más sencilla: la creatividad. Nos hace diferentes la imaginación, las ideas y la voluntad de convertirlas en algo tangible. En pocas palabras, sin creación no somos humanos. Como explica el antropólogo Agustín Fuentes, “la capacidad de movernos entre ‘lo que es’ y ‘lo que podría ser’ nos ha permitido ir más allá de ser una especie con éxito para convertirnos en una especie excepcional”.

STILL HUMAN pone en diálogo obras de la Colección SOLO y de artistas invitados para reflexionar sobre cómo nos relacionamos con aquello que es nuevo. Desde la pintura, la escultura, el arte sonoro, el new media o la inteligencia artificial, el recorrido explora cómo la creación contemporánea da respuesta a un horizonte de futuro incierto marcado por la conectividad y las constantes transformaciones tecnológicas. STILL HUMAN se centra en nuestra capacidad para crear, expresarnos, percibir emociones, observar y adaptarnos a lo que nos rodea armados de imaginación. Aventuramos, así, que no solo somos humanos, sino que somos más humanos que nunca.

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SHOLIM 218

Manchine


MARIO KLINGEMANN Memories of Passerby I 219


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SMACK

Speculum Eden 221


FÉLIX TOUZALIN

LOU LE FORBAN

Para avanzar giro sobre mí

LOU LE FORBAN ALICE GOUDON

EMILE COPELLO

NICOLAS QUIRICONI

NICOLE MERA

ORIOL ENGUANY

DIANE CHÉRY

GHYZLENE BOUKAÏLA


Galería ASPA

Contemporary Un carnaval corso rescatado del olvido, un tipo aburrido girando en su silla de oficina, una joven que se agarra a un árbol para no salir volando, mientras que otra rueda en un barril... Así, resuena la frase de Jean Tardieu "Para avanzar giro sobre mí mismo/ciclón por lo inmovil habitado." Ser en espiral, quiere decir, dar vueltas en interior hacia un supuesto centro, sin llegar a alcanzarlo. Las obras de la exposición, presentan puestas en escena adaptadas al marco humano. Sus protagonistas aparecen así en situaciones de acción, rotando de manera tan divertida como desesperada. El absurdo de estas situaciones. El aislamiento, que aparece junto a la acción, se repite incluso por el marco que impone el propio formato de vídeo. A menudo los propios artistas, son los actores, que se inscriben también en el campo de la performance y la representación de uno mismo. Ideas como el contacto de los cuerpos, la frontera del espacio personal al público y a su vez la porosidad con el espacio virtual.

A Corsican carnival rescued from oblivion, a boring guy spinning in his office chair, a young woman who grabs a tree so she won´t fly away, while another wheel in a barrel... Thus, the phrase of Jean Tardieu resounds “To advance turn on myself/ cyclone by the immobile inhabited “ To be in spiral, means, to turn inside towards a supposed center, without reaching it. The works in the exhibition present stagings adapted to the human framework. Its protagonists thus appear in action situations, rotating in a way as funny as desperate. The absurdity of these situations. The isolation, which appears next to the action, is repeated even by the frame imposed by the video format itself. Often, the artists themselves are the actors, who are also enrolled in the field of performance and self representation. Ideas such as the contact of bodies, the border of the personal space to the public and, at the same time, the porosity with the virtual space.

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JOSÉ MALDONADO Under the title Cyclops is presented a selection of video projects of image_movement made by the artist José Maldonado for more than 20 years (1998 / 2021).

JOSÉ MALDONADO

Futuro ciego (Cíclope)

The different video projects were developed as a method of reflection and analysis of the issues around which the artist has been reflecting and working for almost all his life: the problems and formalisations of language, the relationship between sign and sense, epistemological questions and, above all, the relationship of the human being with the processes and procedures of abstraction and the poetics of images. The different video projects that can be seen in this selection experience, through a diffraction relationship, the intra relations that occur between text and image and the potentials and different configurations resulting from such tension or internal product, the possible states of the same information particle and the unavoidable interlinkages resulting from such a circumstance. Some of these projects were carried out “out of focus”, treated as syntax experiments that allowed the development of works in other media and formats. They are, therefore and above all, an intimate and sincere reflection that shows the way of doing of the author.


Galería Aural Arte

Contemporáneo Cíclope

Bajo el título Cíclope se presenta una selección de vídeo proyectos de imagen_movimiento realizados por el artista José Maldonado a lo largo de más de 20 años (1998 / 2021). Los diferentes vídeo proyectos se desarrollaron como un método de reflexión y análisis de las cuestiones en torno a las cuales ha estado reflexionando y trabajando el artista durante casi toda su vida: los problemas y las formalizaciones del lenguaje, la relación entre signo y sentido, cuestiones epistemológicas y sobre todo la relación del ser humano con los procesos y procedimientos de abstracción y la poética de las imágenes.

potenciales y diferentes configuraciones resultantes de tal tensión o producto interno, los estados posibles de una misma partícula de información y los entrelazamientos inevitables que se derivan de tal circunstancia. Algunos de estos proyectos fueron realizados “fuera de foco”, tratados como experimentos de sintaxis que permitieran el desarrollo de trabajos en otros soportes y formatos. Son, por tanto, y ante todo, una reflexión íntima y sincera que muestra la manera de hacer del autor.

Los diferentes vídeo proyectos que se pueden ver en esta selección experimentan, a través de una relación de difracción, las intra relaciones que se dan entre texto e imagen y las 225


Infinite little poem In an effort to understand the nature of the human being, Emanuel Tovar (Guadalajara, Mexico, 1974) draw lines between the material and the spiritual dimension.

and researcher Samuel Diz (Tui, Galicia, 1986). In this action the tragedy and the silence of Lorca are framed in a new composition to be interpreted to the guitar, favorite instrument of the poet.

Emptiness, repetition, transmutation, exile and death are some of the concepts around which the exhibition revolves Infinite little poem. The title comes from a poem by Federico García Lorca. Crossing different spaces, times and disciplines, Tovar reflects on the construction of identity and the sense of existence based on the repetition of certain images and phrases that link to three great referents: García Lorca himself, Mathias Goeritz and José Clemente Orozco.

Also related to the poet, the videos Gloria suspended and Infinite word are presented. In both the cyclical character of the movement refers us to the construction of the poetic act as work of continuous attention.

The reference to García Lorca is projected in different pieces, among them a series of drawings where fragments of poems are repeated and superimposed in a line that seems to exceed the limits of the paper, pulsating before the look and generating diffuse horizons. On the other hand, from the homage that the Mexican composer Silvestre Revueltas made to Lorca in 1936, after his shooting, Tovar develops the performative action that gives title to the exhibition and in which he has the collaboration of the musician

The exhibition is completed by a set of sculptural works made from materials left over from works under construction that adhere to the space in a parasitic way and that resemble models or architectural models that are fragile and precarious. These pieces contrast, at t h e same time, with the set of paintings that confirm Cosmic Rebound where time, structure, space, light and darkness will be the main elements. Small infinite poem is a journey that blurs the ways to find the intangible and poetic features of human actions, seeking to build a moment for emotions, ideas and thought, from space and matter.


EMANUEL TOVAR

Galería La

Disobedience and resistance

Caja Negra

En un afán por comprender la naturaleza del ser humano, Emanuel Tovar (Guadalajara, México, 1974) traza líneas que transitan entre la dimensión material y la dimensión espiritual.

Samuel Diz (Tui, Galicia, 1986). En esta acción la tragedia y el silenciamiento de Lorca se enmarcan en una nueva composición para ser interpretada a la guitarra, instrumento favorito del poeta.

Vacío, repetición, transmutación, exilio y muerte son algunos de los conceptos en torno a los cuales gira la exposición Pequeño poema infinito. El título proviene de un poema de Federico García Lorca. Traslapando distintos espacios, tiempos y disciplinas, Tovar reflexiona sobre la construcción de la identidad y el sentido de la existencia basándose en la repetición de ciertas imágenes y frases que vinculas a tres grandes referentes: el mismo García Lorca, Mathias Goeritz y José Clemente Orozco.

Relacionados también con el poeta, se presentan los vídeos Gloria suspendida y Vocablo infinito. En ambos el carácter cíclico del movimiento nos remite a la construcción del acto poético como trabajo de atención continua.

La referencia a García Lorca se proyecta en distintas piezas, entre ellas una serie de dibujos donde fragmentos de poemas se repiten y sobreponen en una línea que parece rebasar los límites del papel, pulsando ante la mirada y generando horizontes difusos. Por otra parte, a partir del homenaje que el compositor mexicano Silvestre Revueltas hizo a Lorca en 1936, después de su fusilamiento, Tovar desarrolla la acción performática que da título a la exposición y en la que cuenta con la colaboración del músico e investigador

Completa la exposición un conjunto de obra escultórica elaborada con materiales remanentes de obras en construcción y que se adhieren al espacio de forma parasitaria y que asemejan maquetas o modelos arquitectónicos frágiles y precarios. Estas piezas contrastan a su vez con el conjunto de pinturas que confirman Rebote cósmico, donde el tiempo, la estructura el espacio, la luz y la oscuridad serán los elementos principales. Pequeño poema infinito es un recorrido que desdibuja las formas para encontrar los rasgos intangibles y poéticos de las acciones humanas, buscando construir un momento para las emociones, las ideas y el pensamiento, a partir del espacio y de la materia.


EMANUEL TOVAR Gloria Suspendida

© Emanuel 228 Tovar | Galería La Caja Negra


EMANUEL TOVAR - SAMUEL DIZ

Pequeño poema infinito

© Emanuel Tovar | Galería La Caja Negra


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CONCHA JEREZ

Galería

Freijo

En Galería Freijo se presentó la exposición Mediciones de Tiempos de la artista multidisciplinar Concha Jerez.

Freijo Gallery presented the exhibition Measurements of Times by the multidisciplinary artist Concha Jerez.

También formó parte del festival de PROYECTOR el artista Fernando Llanos, cuya obra se presentó en el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque.

The artist Fernando Llanos, whose work was presented at the Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, was also part of the PROYECTOR festival.

CONCHA JEREZ

¿Quieres escribir tu nombre conmigo? © Jessica Janeiro Obernyer | Freijo Gallery

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DANIELA LIBERTAD Entre el encima y el debajo is Daniela Libertad’s first solo exhibition at NF/ NIEVES FERNÁNDEZ. The show, made up of four large-format drawings, a video and two sculptures, raises various reflections that range from how Libertad constructs her images at the crossroads between the drawing and weaving until the possibility of meeting a new color. Paper seems to be an important material within this constellation of pieces; we find it drawn, woven, overflowing, resisting and yielding to the relationship with two other materials: thread and metal.

© Luis Camacho | NIEVES FERNÁNDEZ

DANIELA LIBERTAD Un nuevo color 232

Another important element in the exhibition is the presence of color, in the pieces “Dibujo tejido 4, 5, 6 and 7” (2021) – its use is evident, it is color that gives body to the drawn shapes and is what “is mixed up” when weaving the drawings. In the case of the video “Un nuevo color” (2020), color exists as a memory and possibility, the narration of the artist on the encounter with a new color that lets us see that the only possible place for its existence is the field of words.


Galería Nieves

Fernández

Entre el encima y el debajo “Entre el encima y el debajo” es la primera exposición individual de Daniela Libertad en NF/ NIEVES FERNÁNDEZ. La muestra, conformada por cuatro dibujos de gran formato, un vídeo y dos esculturas, plantea diversas reflexiones que van desde cómo Libertad construye sus imágenes en el cruce entre el dibujo y el tejido hasta la posibilidad de encontrarse con un nuevo color. El papel parece ser un material importante dentro de esta constelación de piezas; lo encontramos dibujado, tejido, desbordado, resistiendo y cediendo ante la relación con otros dos materiales: el hilo y el metal.

Otro elemento también importante en la exposición es la presencia del color, en las piezas “Dibujo tejido 4, 5, 6 y 7” (2021) – resulta evidente su uso, es el color el que da cuerpo a las formas dibujadas y es lo que “se mezcla” al tejer los dibujos. En el caso del vídeo “Un nuevo color” (2020), éste existe como recuerdo y posibilidad, la narración que hace la artista del encuentro con un nuevo color nos deja ver que el único lugar posible para su existencia es el espacio de la palabra.

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ELEANOR MCLEAN Dreams of flying

This exhibition is created as a collaboration and dialogue between the curator, the artist and the viewer. The curator Ania Sokolova invited the artists to reflect on their own vocation/obsession with creativity, on that inner force, the idea that creates their concepts and fills their works. Artists who work with the technique of drawing in traditional and experimental styles are invited to reflect on this topic. The curator only observes from outside how the works are created. The viewer has the opportunity to go to the exhibition and see works of art made by women through the most ancient and simple plastic creation technique: drawing. For the curator, the idea is to take art out of the power of the word “museum” in a space where the viewer can easily reflect on art not only as a wonderful power, but also as what it can acquire and what it will possess afterwards. Drawing is a great school of legibility and truth. In it you are closer to nature, you master the secrets of geometry, painting does not always allow it, imagination is more involved, direction is embodied, a performance is represented. The drawing forces a kind of abstraction, the discourse here is about what is hidden behind the appearance, the face and the body, and so you capture the light that emanates from them. Balthasar Kłossowski of Rola (Balthus) Artists discover their “obsessions” that make them create. Obsession, which is the inner language, connects the narrator to the viewer. The ideas in the artists’ works are very strong and reflect their inner feelings, which are in line with many others.

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Comisario / Curator: Ania Sokolova y/and Georgia Stephenson

Esta exposición se crea como una colaboración y un diálogo entre la comisaria, la artista y el espectador. La comisaria Ania Sokolova invitó a las artistas a reflexionar sobre su propia vocación/obsesión por la creatividad, sobre esa fuerza interior, la idea que crea sus conceptos y llena sus obras. Se invita a las artistas que trabajan la técnica del dibujo en estilos tradicionales y experimentales a reflexionar sobre este tema. La comisaria solo observa desde fuera cómo se crean las obras. El espectador tiene la oportunidad de ir a la exposición y ver obras de arte realizadas por mujeres a través de la técnica de creación plástica más antigua y sencilla: el dibujo. Para la curadora, la idea es sacar el arte del poder de la palabra “museo” en un espacio donde el espectador pueda reflexionar fácilmente sobre el arte no solo como un poder maravilloso, sino también como lo que puede adquirir y lo que poseerá posteriormente.

Galería

Nueva

El dibujo es una gran escuela de legibilidad y verdad. En él te encuentras más cerca de la naturaleza, dominas los secretos de la geometría, la pintura no siempre lo permite, la imaginación está más involucrada, la dirección se encarna, se representa una actuación. El dibujo obliga a una especie de abstracción, el discurso aquí trata de lo que se esconde detrás de la apariencia, el rostro y el cuerpo, y así captas la luz que emana de ellos. Balthasar Kłossowski de Rola (Balthus) Los artistas descubren sus “obsesiones” que los hacen crear. La obsesión, que es el lenguaje interior, conecta al narrador con el espectador. Las ideas en las obras de los artistas son muy fuertes y reflejan sus sentimientos internos, que están en consonancia con muchos otros. 235


LINA LAPELYTE

LINA LAPELYTE

De oro en su núcleo

Pradiauto is pleased to present the group exhibition De Oro en Núcleo. Taking the city of London and the Royal College of Art as the starting point for diverse ties between Esther Merinero, Lina Lapelyte, Alejandro Villa Durán and Frederik Nystrup-Larsen, the exhibition operates as a zone of convergence of ideas and artistic intuitions. An encounter that had already begun in time and that now materialises in space. Liquidity and fluidity are ideas present in the works from their materiality, but also from their multiple and possible connotations. The exhibition thinks of the fluid as a potential synonym for the magical, the encounter, the capacity for adaptation and empathy. Text, materialised in different formats, is present in the work of the four artists. Without paying attention to categories or genres, these texts invite to fiction, propose the choral or think from the poetic. In their anomalous structure, together, these texts generate a foreign rhythm and circulate like spells.

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Galería

Pradiauto Pradiauto presenta la exposición colectiva De Oro en Núcleo. Tomando la ciudad de Londres y Royal College of Art como el inicio de diversos lazos entre Esther Merinero, Lina Lapelyte, Alejandro Villa Durán y Frederik Nystrup-Larsen, la muestra se activa como una zona de convergencia de ideas e intuiciones artísticas. Un encuentro que ya se había iniciado en el tiempo y que ahora se materializa en el espacio.

El texto, materializado en diferentes formatos, está presente en el trabajo de los cuatro artistas. Sin atender a categorías o géneros estos textos invitan a la ficción, proponen lo coral o piensan desde lo poético. En su anómala estructura, juntos, generan un ritmo foráneo y circulan como hechizos.

Lo líquido y lo fluido son cualidades presentes en las obras desde su materialidad, pero también desde sus múltiples y posibles connotaciones. La exposición piensa en lo fluido como posible sinónimo de lo mágico, el encuentro, la capacidad de adaptación y la empatía.

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REBECCA GLOVER

To the edge of what I wasn´t, I was 238


REBECCA GLOVER

Galería

Silvestre

To the edge of what I wasn’t, I was Para su primera exposición en Galería silvestre, Rebecca Glover presenta una colección de nuevas obras inspiradas en el embarazo y la maternidad temprana. Cuando la placenta se forma por primera vez, invade el suministro de sangre del útero de forma similar a como algunas células cancerosas evitan el sistema inmunitario. Algo parecido a una “toma de posesión”. A partir de ese momento, el cuerpo de la madre deja de ser suyo y se convierte en un nuevo y curioso entorno de límites entrecruzados. Aquí el cuerpo puede experimentarse como un individuo y como un ecosistema completo. A través de esculturas, sonido, vídeo y performance, la exposición explora esta negociación de los límites entre individuos, ahondando en las redes de hongos, los oídos enraizados, la polifonía y la naturaleza interconectada y ligada de las sociedades y las especies. ¿Qué significa escuchar a través de un cuerpo compartido? ¿Qué significa tener agencia dentro de un ecosistema?

For her first exhibition at Galería silvestre, Rebecca Glover presents a collection of new works inspired in pregnancy and early motherhood. When the placenta first forms invades the uterine blood supply in a similar way as some cancer cells avoids the immune system. Something like‘taking over’. From this moment the mothers body is no longer her own and becomes a curious new environment of criss-crossing boundaries. Here the body can be experienced as both an individual and an entire ecosystem. Through sculptures, sound, video and performance the exhibition explores this negotiation of boundaries between individuals, delving into fungal networks, rooted ears, polyphony and the interconnected, bound up nature of societies and species. What’s like to listen through a shared body? What does it mean to have agency within an ecosystem? 239


Intersticio is a young art gallery based in London and Madrid, which aims to help the internationalization of the Spanish scene, connecting the younger local scene with the international and vice versa. It seeks to contribute to the visibility, in both cases, of emerging and established artists, with a critical and poetic vision of contemporaneity. Antes todo esto era campo is an audiovisual cycle curated by the collective Lejos lejos (Andrea Celda and Elisa Celda) that took place in the gallery Intersticio between September and November 2021. These are two options in which there are different ways of relating to the rural and urban environment through memory. Understood as tools for empathy, the works we present in the cycle allow us to experience other people’s memories, making them our own, thus opening up possibilities for understanding others. Memory is also encrypted in the environment: trees and rivers contain childhood memories, mountains and meadows tell legends and dogs keep ancestral fears. 240


Galería

Intersticio Intersticio es una galería de arte joven con doble sede en Londres y Madrid, que busca ayudar a la internacionalización de la escena española, conectando a la escena local más joven con la internacional y viceversa. Busca contribuir a la visibilidad, en ambas escenas, de artistas emergentes y establecidos, con una visión crítica y poética de la contemporaneidad. Antes todo esto era campo es un ciclo audiovisual comisariado por el colectivo Lejos lejos (Andrea Celda y Elisa Celda) que tuvo lugar en la galería Intersticio entre septiembre y noviembre de 2021. Se trata de dos escenas en las que existen distintas maneras de relacionarse con el entorno tanto rural como urbano a través de la memoria.

PAZ ENCINA JULIETA GIL

ADRIÁN BALSECA

ALBERTO MARTÍN MENACHO

Entendidas como herramientas para la empatía, las obras que presentamos en el ciclo permiten experimentar recuerdos ajenos convirtiéndolos en propios, abriendo así posibilidades para la comprensión del otro. En el entorno también está cifrada la memoria: árboles y ríos contienen recuerdos de infancia, las montañas y las praderas cuentan leyendas y los perros guardan miedos ancestrales.

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JUVENAL BARRÍA IRENE CRUZ

ALEX DOMÉNECH

NICOLÁS GUZMÁN ENRIQUE MARTY MONICA MURA

Obertura

Carabanchel

VERÓNICA VICENTE OBERTURA es un festival donde artistas, coleccionistas y galeristas se encuentran para disfrutar del arte contemporáneo en Carabanchel. Dentro de este festival, se programó un ciclo de videoarte el viernes 10 de septiembre. Se proyectó en la terraza, y organizó como actividad dentro del festival PROYECTOR. Durante los días de Obertura, el programa de vídeo se pudo ver en una pantalla dentro del recinto expositivo.

OBERTURA is a festival where artists, collectors and gallery agents meet to enjoy contemporary art in Carabanchel. Within this festival, a video art cycle was scheduled on Friday, September 10th. It was projected on the terrace, and organized as an activity within the festival PROYECTOR. During the days of Obertura, the video program could be seen on a screen inside the exhibition facilities.

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