PROYECTOR2019. FESTIVAL

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PROYECTOR PROYECTOR ​es una ​plataforma destinada a la difusión del ​videoarte haciendo énfasis en su carácter más experimental, contemporáneo y de compromiso.

Nuestra vocación es generar relaciones con artistas, centros de arte, comisarios, coleccionistas y profesionales del sector permitan la visibilidad, las actividades formativas y la producción a los creadores.

La plataforma incluye 5 ejes de trabajo: ​Festival / LAP / Comisariados / Creación y Restauración de Obra / Catálogo Online​.

PROYECTOR/ ​FESTIVAL cuenta con la participación de artistas, comisarios y festivales de gran parte del mundo. Su programación está compuesta por videoinstalaciones (monocanales, multicanales, interactivas), intervenciones, proyecciones en el espacio público, ​performances​, charlas, encuentros, talleres y conferencias. Por él han pasado artistas de la talla de ​Francesc Torres, Gary Hill, Zbigniew Rybczyński, Isidoro Valcárcel Medina, Eugenio Ampudia, Fernando Sánchez Castillo, Santiago Sierra, Regina José Galindo, Concha Jerez, Irit Batsry, Pavel Büchler, Carolee Schneemann, Faycal Baghriche, Hans Breder, Olga Roriz, y Elena Córdoba,​ entre muchos otros invitados. Así como los coleccionistas​ Alfredo Hertzog, Alain Servais, Haro Cumbusyam y Teresa Sapey​.

PROYECTOR/ ​LAP ​(Laboratorios Arte PROYECTOR). Desde los inicios apostamos por proyectos que reflexionen sobre las artes visuales y su relación con el cuerpo, el espacio que los acogen y el espectador. Somos ​productores​, no sólo de ​contenidos audiovisuales sino de algo mucho más valioso: de ​conocimiento​.

Desde nuestros inicios hemos realizado los ​Encuentros Profesionales de Videoarte donde hemos reunido a coleccionistas, festivales, ferias, artistas y demás agentes involucrados en la producción, distribución, venta y exhibición del videoarte en la actualidad. Así como Talleres, Charlas, ​Master Class y Publicaciones donde una línea de pensamiento articulaba una propuesta que permitía acercar este ​media al público especializado, ​amateur o simplemente ciudadanos curiosos.

En la actualidad estamos trabajando para articular las actividades educativas anteriores en una nueva y triple vía: durante el ​festival con los ​LAPs; una segunda mantenida a lo largo del año dirigida a centros de arte para un público profesional y, una última, destinada a los centros de formación, dirigidos a estudiantes y docentes.

PROYECTOR/ ​COMISARIADOS. Somos un equipo de artistas y gestores culturales con una visión amplia y actual del videoarte internacional. Esta visión es el resultado de una formación y experiencia profesional consolidada durante años que se materializa en el Festival con la organización de distintas propuestas comisariales haciendo corresponder ejes temáticos y conceptuales con espacios artísticos (centros, museos y galerías). Son contenidos ágiles que se adaptan a la sede y al contexto donde se pueden incluir artistas más o menos emergentes junto con otros de larga trayectoria. Colaboramos con la mayoría de instituciones de Madrid, así como con ferias como ​Loop Barcelona, Art Lima, Art Madrid y con más de 20 festivales internacionales de países como Francia, Italia, Portugal, Holanda, Inglaterra, Noruega, Alemania, Grecia, México, Argentina, Colombia, Venezuela, Perú, EEUU, Marruecos, India, Taiwán, China...

PROYECTOR/ ​CREACIÓN Y RESTAURACIÓN DE OBRA 1. ​Residencias​. PROYECTOR quiere ofrecer a los artistas participantes espacio de trabajo y alojamiento que permita crear piezas nuevas ​site specific ​para nuestras sedes, así como compartir durante la duración del festival junto con otros artistas, comisarios y el propio equipo esos días, creando así lazos, redes de trabajo, intercambio… ​El Instante Fundación​, ​Extensión AVAM, Medialab Prado, Ranchito Matadero Madrid, ​A B I E R T O Theredoom e ​Intercambiador ACART ​han posibilitado la creación de artistas como ​Maia Navas, Irit Batsry, Márcia Beatriz Granero, Elena G. Lavellés, Magiae Naturalis, Chen Wan Jen, Yuan Goang-Ming, Chia-Yun Wu, Lien-Chen Wang, Huang I-Hsiang y Amaya Hernández Sigüenza.

2. ​Producción de obra nueva​. Contamos con embajadas, empresas privadas como​ ​CNP Partners​ y con coleccionistas que permiten crear obras nuevas.

3. ​Restauración de obra​. Debido a la demanda de nuestros convenios con colecciones de instituciones y de particulares estamos ofreciendo la Restauración y Archivo profesional a nuestros clientes, gracias a convenios con profesionales como ​Diego Mellado​ o la empresa ​NIIO​ con la que colaboramos hace años.

PROYECTOR/ ​CATÁLOGO ONLINE​. Es un proyecto que pretende plantear circuitos alternativos a la venta, alquiler, distribución y visionado ​del videoarte, de modo que un mayor número de creadores tenga acceso al mercado, se facilitan además transacciones, contactos y el acceso a públicos dinámicos acordes a nuestros días. Otro objetivo importante es generar una estructura de asesoría en red donde se incluyen coleccionistas, galerías, museos y centros de arte.

PROYECTOR/​FESTIVAL 2019

La 12ª edición de ​PROYECTOR/Festival de Videoarte tendrá lugar del ​11 al 22 septiembre 2019 en Madrid. 14 sedes acogerán una extensa selección de piezas del mejor videoarte contemporáneo nacional e internacional. ​CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Colección INELCOM, Conde Duque, Cruce, El Instante Fundación, ¡ésta es una PLAZA!, Extensión AVAM, Instituto Cervantes, Medialab Prado, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala Equis, Sala El Águila y Secuencia de Inútiles son los centros receptores de las mismas, cuyo acceso será totalmente gratuito durante el festival hasta completar aforos.

Como novedades de esta edición, la programación está compuesta por más de un centenar de obras de diversas tipologías: piezas interactivas, videoarte experimental, videoinstalaciones monocanal y multicanal, obras creadas ​site specific ​en exclusiva para el festival. Por ello hemos llegado a acuerdos con ​Conde Duque​,​ ​El Instante Fundación​,​ ​Medialab Prado​ y​ Extensión AVAM​ ​para que sus espacios sean centros receptores y dinamizadores de estas obras.

Las piezas han sido producidas por más de 40 artistas, algunos de ellos seleccionados mediante una convocatoria abierta, y contaremos con la participación de artistas invitados consagrados directamente por el propio festival: figuras clave nacionales e internacionales que tienen la capacidad de redefinir constantemente los límites del videoarte que se inició en los años 60 del siglo XX. Además profesionales provenientes de Inglaterra, Norte de África, Grecia, India, Pakistán, Japón y Taiwán, nos ofrecerán una visión del videoarte en el Sudeste.

Las obras estarán agrupadas por temáticas en los espacios, lo cual permitirá a los asistentes trazar rutas en función a sus intereses de reflexión, al mismo tiempo que conocer nuevos espacios de arte. “El miedo”, “La comunicación e interacción del ser humano en redes sociales”, “La relación entre lo social y lo político” o “La construcción del espacio”, son algunas de estas temáticas; puntos críticos claves para entender el contexto actual que nos envuelve. Los comisariados de esta edición se mostrarán durante todo el año en otras ciudades de España, Italia, Portugal, México, Francia, Colombia, Perú, Marruecos…

Destacamos también la colaboración con la ​Colección INELCOM comisariada por ​Javier Quilis y asesorada por ​Vicente Todolí,​ más de 4.000 metros cuadrados donde podrán visitarse 53 piezas audiovisuales. ​Març Rabal r​ ecibirá el ​Primer Premio Teresa Sapey de la coleccionista y jurado de esta edición. Y el ​CA2M Centro de Arte Dos de Mayo​ que ofrece su espacio para su exposición y encuentro.

Se espera la visita de unas 30.000 asistentes y aproximadamente unas 600.000 interacciones en RRSS. Desde PROYECTOR, tenemos el compromiso de profesionalizar el sector, otorgar la visibilidad y el reconocimiento merecidos a artistas noveles, y al mismo tiempo generar vínculos profesionales entre instituciones, comisarios, coleccionistas y artistas. PROYECTOR es un punto de encuentro, de debate público y político, de contienda, de empoderamiento ciudadano a través del videoarte.

PROYECTOR/​EQUIPO Organiza: ​KREÆ [Instituto de Creación Contemporánea] Dirección: ​Mario Gutiérrez Cru Coordinación: ​Araceli López​ y ​Clara Leitão Coordinación de Producción: ​María Jáñez Equipo Producción: ​Ricardo Párraga​, ​Simon Guiochet​,​ ​María Suárez de Cepeda​ y Coordinación de Equipos: ​Víctor Colmenero Lap (Laboratorios Arte PROYECTOR): ​Sami Khalaf​, ​Pedro José Trujillo ​y ​Mario Gutiérrez Cru Asesoría y Estrategia de Mercado:​ ​Eva Ruíz Coordinación de Comunicación: ​Marisa Folgado Visitas guiadas: ​Ismael Cabrera ​y​ Entresijos Coordinación Documentación y Visuales: ​Sami Khalaf Equipo Documentación y Visuales: ​Sergio Cáceres, C ​ arlos Clemente​, ​Alina Marín Imagen: ​Carlos Clemente Asesoramiento legal: ​Alberto González Pulido Web: ​Alberto Tovar, Suyi Yuan Colaboradores: ​Patricia Gárgoles​, Leyre González,​ ​Viviana Gormaz, ​Jimena Vila​, ​Sol Párraga​, ​Jean Solis​,​ Diego Prior ​y​ ​Nuria Sánchez Textos: ​Joana Groba, Begoña Moreno-Luque​, ​Miguel Álvarez Fernández​,​ Inés Molina​, ​Manu Palomo ​y​ Coral Nieto

SEDES 2019 MADRID CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, Colección INELCOM, Conde Duque, Cruce, El Instante Fundación, Ésta es una Plaza!, Extensión AVAM (Matadero Madrid), Instituto Cervantes, Medialab Prado, Quinta del Sordo, Sala Alcalá 31, Sala Equis, Sala El Águila y Secuencia de Inútiles

ARTISTAS*

Invitados: Mateo Maté (esp), ​Gonzalo Puch (esp), ​Lukas Marxt (aus), ​Elena G. Lavellés (esp), ​Bárbara Fluxá (esp), ​Elke Andreas Boon (bel), ​Catherine Radosa (che), ​Labo K (Simon Guiochet + Frank Lawrence)​, ​Marco Godoy (esp), ​Magiae Naturalis (esp), ​Chen Wan-Jen (twn), ​Yuan Goang-Ming (twn), ​Chia-Yun Wu (twn), Wan ​Lien-Cheng (twn), ​Huang I-Hsiang​ (twn), ​Ángel Núñez Pombo​ (esp), Raúl Guillamón (esp), ​Andrés Denegri​ (arg) y Iván Puñal (aka The Pleasant View).

Seleccionados en la convocatoria: ​Renata ​Poljak (cro), ​Nuno Lacerda​ ​ (por), ​Ida ​Schmutz (ale), ​Elsa Brès (fra), ​Amaya Hernández Sigüenza (esp), ​Hiroya Sakurai (jap), Claudia Valente & Nic Motta (arg), ​John Kelley (eeuu), ​Su Yu Hsin (twn), ​María Alcaide (esp), ​Paula Lafuente (esp), ​Javier Olivera (arg), ​Francisco José Fargas García (esp), ​Kika Nicolela (bra), ​Ricardo Moreno (col), ​Michela de Mattei (ita), ​Març Rabal (esp), ​Marc Vilanova Pinyol (esp), ​Julieta Caputo y Ariel Uzal (arg), ​Fenia Kotsopoulou (gre), ​Ángel García Roldán (esp), ​Anna Gimein (eeuu), ​Michael Lyons (can), ​Rogério Paulo da Silva (por), ​Blanca Gracia Gallego (esp), ​Francesca Leoni (ita), ​Adrian Replanski​ (arg), ​Naween Noppakun​ (tail), ​Belangtelon Initiative (Cahyo Prayogo, Chairul Arifin & Fiky Daulay)​ (indon) y ​Rick Niebe​ (ita)

Jurado: ​Jorge La Ferla​ (arg), ​Teresa Sapey​ (ita) y​ Simon Guiochet ​(fra).

Colección INELCOM: ​Alexandre Estrela (por), ​Álvaro Laiz (esp), ​Anthony McCall (ing), ​Antoni Muntadas (esp), Artur Heras (esp), Bruce Conner (eeuu), Candice Breitz (sud), Ceal Floyer (pak), Claire Harvey (ing), Erwin Olaf (hol), Eugenio Ampudia (esp), Fiona Tan (ind), Francis Alÿs (bel), Gabriel Abrantes (bra), Gusmão / Paiva (por), Hiraki Sawa (jap), Ignasi Aballí (esp), Jack Goldstein (can), Joan Jonas (eeuu), José Val del Omar (esp), Julião Sarmento (por), Laure Prouvost (fra), Liliane Lijn (eeuu), Marijke van Warmerdam (hol), ​Miroslaw Balka (pol), Muntean / Rosenblum (aus/isr), Macchi / Rudnitzky (arg), Ólafur Eliasson (din), Pavel Büchler (che), Pieter Geenen (bel), Raha Raissnia (ira), Rosa Barba (ita), Steve McQueen (ing) y Willie Doherty (irl)

PROYECTOR/LAP ​(Laboratorios Arte PROYECTOR)

Hasta la fecha ​PROYECTOR​ ​ha llevado a cabo ​4 líneas de presentación e intercambio con el público:

1. ENCUENTROS DE ARTISTAS Siempre hemos querido dar voz a los artistas para que sean ellos mismos los que presenten su trabajo: ​Enrique Ramírez (chi), Democracia (esp), Mateo Maté (esp), Cristina Garrido (esp), Juan Carlos Bracho (esp), Elena Córdoba (esp), Cristian Guardia (ven), Andrés Montes (méx), Rosell Meseguer (esp), Márcia Beatriz Granero (bra), Irit Batsry (EEUU), Maia Navas (arg), Karl Ingar Roys (nor), Francesca Fini (ita), Samuel Bianchini (fra)...

2. TALLERES y MASTER CLASS PROYECTOR continúa su labor para ser una referencia, un motor para que el conocimiento en relación con el videoarte aumente progresivamente. Esta función de vital importancia es la que explica la realización de los talleres y las charlas que posibilitan que los alumnos (posean o no un conocimiento del medio) se adentren y profundicen en este tipo de creaciones de la mano de profesionales. Para ello PROYECTOR invita a artistas para que impartan clases y, en ellas, hablen de sus metodologías, de las investigaciones a las que les ha conducido su obra. Destacamos a ​Concha Jerez, Federico Daza, Josu Rekalde y Rogelio López Cuenca​.

3. ENCUENTROS PROFESIONALES Estos encuentros reúnen a ​coleccionistas, galeristas, festivales, ferias, artistas ​y demás agentes involucrados en la ​producción, distribución, venta y exhibición de videoarte en la actualidad. El objetivo es constituir un ​espacio de reflexión y debate donde los protagonistas del panorama profesional se pongan en juego permitiendo el planteamiento de nuevas cuestiones y propuestas de acuerdo a los nuevos paradigmas sociales y creativos. Las características intrínsecas al videoarte y las reflexiones que suscita son los elementos particulares que lo convierten en un medio único.

PROYECTOR ​considera de vital importancia insertar este tipo de contenidos en su programación de modo que: - se generen espacios de reflexión y debate en relación al videoarte; - se fomente la creación de redes profesionales; - se reflexione sobre la muy necesaria profesionalización en el sector; - se creen espacios de visibilización para nuevas propuestas.

Los encuentros nacieron por la urgente necesidad que tenían agentes culturales internacionales de unirse para reflexionar. La idea era la de crear un ciclo continuo de duración anual que se repitiera año tras año, un lugar permanente donde encontrarse para compartir errores y aciertos acometidos en este ​media​.

Entre otros hemos contado con: ​Teresa Sapey, Ana Longoni por MNCARS, Enrich Abogados, Marta Pérez Ibáñez, José Vieira por FONLAD, António da Câmara por FUSO (Portugal), Simon Guiochet por OODAAQ (Francia), Alain Servais (bel), Rob Anders por NIIO (isr), Mª Isabel Niño por NIAL Art Law (esp), Cristina Cámara por MNCARS (esp), Samuel Bianchini (fra), Thierry Destriez - Heure Exquise! (fra), Haro Cumbusyan (tur), Margarita Aizpuru, Fernando Castro Flórez, Tania Pardo, Diego Mellado, Alberto González, e ​ ntre otros.

LABORATORIOS El trabajo que estamos desarrollando consiste en aunar varios de estos proyectos: ​Encuentros Profesionales,​ T ​ alleres y Master Class. ​El fin consiste en crear un proyecto más crítico y coherente con nuestras políticas​: ​LABORATORIOS​. Un espacio donde poder generar unidades de pensamiento, crítica, educación, etc. y por tanto, técnicos audiovisuales visionarios. Los laboratorios tienen una meta concreta: facilitar el conocimiento crítico, teórico y práctico de los artistas a los participantes quienes tendrán una inmejorable posibilidad para desarrollar, no un trabajo final sino, un proceso, una idea abierta. Teniendo siempre presente que los resultados pueden materializarse en una exposición, una presentación audiovisual o, incluso, en un libro teórico.

1.1 PROYECTOR/ ​ENCUENTRO DE ARTISTAS

13 SEP 2019. ​17:30-19:30h CONDE DUQUE

Siempre hemos querido dar voz a los artistas para que sean ellos mismos los que presenten su trabajo. Éste año contaremos con Elena Lavellés (esp), Bárbara Fluxá (esp), Març Rabal (esp), Amaya Hernández Sigüenza (esp), Anna Gimein (eeuu), Chen Wan-Jen (twn), Wu Chia-Yun (twn), Wang Lien-Cheng (twn), Huang I-Xiang (twn).

Modera:​ Inés Molina​.

Se realizará toda en castellano. Contaremos con una traductora de mandarín a castellano gracias a la​ Oficina Económica y Cultural de Taipei​.

1.2 PROYECTOR/ ​ENCUENTROS “TEJIDO MADRID” DE PROFESIONALES DE LA DANZA, AUDIOVISUAL Y TECNOLOGÍA*

14 SEP 2019. ​16-19:30h CONDE DUQUE

Colaboración con el festival de videodanza FIVER ​y ​BAC – Bienal de las Artes del Cuerpo, Imagen y Movimiento de Madrid ​en el encuentro de ​“Tejido Madrid”, al que invitamos a los artistas: ​Gonzalo Puch​ (esp), Ricardo Moreno (col) y ​Marco Godo​y (esp).

1.3 PROYECTOR/ ​VISITA GUIADA POR DELICIAS

14 SEP 2019. ​12-14h EL INSTANTE FUNDACIÓN

Visita guiada por el circuito de Delicias a cargo de ​Ismael Cabrera​. La salida será desde El Instante Fundación y acabará en la Sala El Águila.

Todos las actividades son gratuitos y con ​inscripción previa​.

2. PROYECTOR/ ​TALLERES

15 SEP 2019​. 11-14h.

CONDE DUQUE Magiae Naturalis​ (cámara oscura, física y videoarte)

16-19 sept 2019​. 11-14h SALA EL ÁGUILA Mateo Maté

Todos las actividades son gratuitas. Para acceder a ellas es necesario ​inscripción previa​.

3.1 PROYECTOR/ ​ENCUENTROS PROFESIONALES I

18 SEP 2019. ​12-14h.

INSTITUTO CERVANTES Mesa “Videoarte, Cine expandido y Nuevos Medios”​. ​Andrés Negreri​, ​Blanca de la Torre​, ​Javier Olivera​ y ​Laura Baigorri​. Moderador: ​Pablo Useros​ (esp)

3.2 PROYECTOR/ ​ENCUENTROS PROFESIONALES II 19 SEP 2019. ​17:30-19:30h.

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo Encuentro con ​Paloma Polo

3.3 PROYECTOR/ ​ENCUENTROS PROFESIONALES III

20 SEP 2019.​12-14h y 17-19h.

ALCALÁ 31 Una mirada al sureste Elisabeth Piskernik​ y ​Gabrielle Camuset ​(norte África), ​Menene Gras​ (Asia), ​Lucia King​ (India-Pakistán) y ​Cristóbal Catalán​ (Asia)

Una mirada al territorio nacional Nekane Aramburu ​comisaria independiente, ​Berta Sichel ​del ​Reina Sofía,​ ​Oliva Arauna g ​ alerista y coleccionista. Moderador: ​Pedro José Trujillo

PROYECTOR/ ​COMISARIADOS INTERNACIONALES

14 y 15 SEP 2019.​ 17h Sala El Águila

Se muestran distintos comisariados de Festivales de relevancia internacional que forman parte de la RED PROYECTOR y colaboran con el Festival a través del intercambio de contenidos. Para este año estamos trabajando para presentar comisariados bajo la temática “Europa mira al Este” con los países: ​India, Pakistán, Taiwán, Japón, Grecia ​y ​Norte de África.

14 SEP 2019.​ 17h Elisabeth Piskernik​ ​y ​Gabrielle Camuset​ ​de ​Le Qube​ ​presenta videoarte de artistas del norte de África Gioula Papadopoulou​ del festival ​Miden​ ​de Grecia Cristóbal Catalán​ ​presenta cine experimental asiático Lucia King​ ​presenta videoarte de India y Paquistán

15 SEP 2019.​ 17h Zoe Yeh​ ​comisaria de ​Hong-Gah Museum​ y ​Frankie Su​ ​director de ​Taiwan International Video Art Exhibition (TIVA)​ ​presenta videoarte taiwanés Kentaro Taki ​de ​VCT/Videoart Center Tokyo​ presenta videoarte japonés Merlin Ebenezer ​de ​Indus Art Collective*​ ​presenta videoarte de la India Menene Gras​ de ​Casa Asia​ ​presenta cine y videoarte de artistas europeos realizado en residencias en Asia

CALENDARIO

INAUGURACIONES - EVENTOS 11 SEP 2019. 19:30h ​El Instante Fundación ​Inauguración 12 SEP 2019. 19:30h ​Cruce ​Inauguración 12 SEP 2019.​ ​21:30h ​¡ésta es una PLAZA! ​Proyección 13 SEP 2019.​ ​17:00h ​Conde Duque ​Performance Inaugural y Encuentro de Artistas 13 SEP 2019.​ ​19:30h ​Conde Duque ​Inauguración 14 SEP 2019.​ ​12:00h ​Delicias ​Visita guiada ​(El Instante Fundación y Sala El Águila) 14 SEP 2019​. ​17:00h ​Sala El Águila ​Comisariados I 14 SEP 2019​. ​19:00h ​Sala El Águila ​ Entrega Premio PROYECTOR - Teresa Sapey y Presentación 14 SEP 2019.​ ​21:30h ​Medialab Prado ​Presentación 15 SEP 2019.​ ​11:00h ​Conde Duque ​LAP I ​- Taller con Magiae Naturalis 15 SEP 2019.​ ​12:00h ​Extensión AVAM ​Presentación 15 SEP 2019​. ​17:00h ​Sala El Águila ​Comisariados II 16-19 SEP19.​ ​11:00h ​Sala El Águila ​LAP II ​- Taller con Mateo Maté 17 SEP 2019.​ ​19:30h ​Sala Equis ​Presentación 18 SEP 2019.​ ​12:00h ​Instituto Cervantes ​Encuentros Profesionales I ​- Videoarte, Cine experimental y New Media 19 SEP 2019. 17:30h ​CA2M ​Encuentro con Paloma Polo y presentación 20 SEP 2019. 12:00h ​Alcalá 31 ​Encuentros Profesionales II ​- Una mirada al sureste 20 SEP 2019. 17:00h ​Alcalá 31 ​Encuentros Profesionales III​ - Videoarte en el panorama nacional 20 SEP 2019.​ ​19:30h ​Secuencia de Inútiles ​Presentación 21 SEP 2019. 12:00h ​Colección INELCOM​ Visita guiada y presentación 21 SEP 2019. 19:30h ​Quinta del Sordo ​Presentación

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20/09/19

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22/09/ 19

> EL INSTANTE FUNDACIÓN

19:30h Presentación

> CRUCE

19:30h Presentación

> ÉSTA ES UNA PLAZA!

ESPACIOS

> CONDE DUQUE

21:30h Proyección

11-14h.

11-14h.

LAP II LAP II Mateo Maté Mateo Maté

17:00h Encuentro 19:30h Presentación

11-14h. LAP I Magiae Naturalis

> SALA EL ÁGUILA

17h.

Comisariados 19:00h Presentación

> MEDIALAB PRADO

21:30h Proyección

> EXTENSIÓN AVAM

12h Presentación

> SALA EQUIS

19:30h Presentación

> INSTITUTO CERVANTES

> SECUENCIA DE INÚTILES

> QUINTA DEL SORDO

17:30h Encuentro

> ALCALÁ 31

> COLECCIÓN INELCOM

12h.

Encuentros Profesionales

> CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

11-14h.

11-14h.

LAP II LAP II Mateo Maté Mateo Maté

12-19h​.

Encuentros Profesionales

19:30h Presentación

12h Visita guiada

19:30h Presentación

TALLERES

2. PROYECTOR/ ​TALLERES

15 SEP 2019​. 11-14h.

CONDE DUQUE

Magiae Naturalis - ​Taller Cámara Oscura (Eva Mónica de Miguel Sanz & Enrique Corrales Crespo)

Público Nº de Alumnos: 10-15 alumnos de todas la edades Horas: 3 horas.

Horario: 11 a 14h.

Idioma: Español Dirigido a familias

El nombre cámara oscura (del latín camera obscura) fue acuñado por Johannes Kepler en su tratado Ad Vitellionem Paralipomena de 1604. En él, expone el funcionamiento de la cámara oscura que servirá para desarrollar el invento del telescopio. Consiste básicamente en un habitáculo asilado a la luz en el cual por un pequeño agujero entra un rayo de luz procedente del exterior, este rayo proyectado en la pared producirá una imagen invertida del exterior. Estas cámaras oscuras originales (cámaras estenopeicas) fueron desarrolladas adaptando al estenopo lentes. La principal característica de incluir este elemento óptico es que nos lleva inevitablemente a hablar de planos de proyección, distancias focales, diafragmas, profundidad de campo….

Desde Magiae Naturalis proponemos un taller de construcción y desarrollo de cámaras oscuras para toda la familia. De forma lúdica y divertida realizaremos una introducción al funcionamiento, mecánica y desarrollo de la cámara. Los asistentes podrán comprender el origen, principios básicos y naturaleza de los dispositivos ópticos mediante la utilización de maquetas que mostraremos en primicia para esta ocasión.

Con nuestra ayuda, y de un modo sencillo, cada participante construirá su propia cámara oscura.

Además, combinaremos estás con nuestros teléfonos móviles para realizar vídeos y fotografías, y poder así, conseguir imágenes con unos acabados realmente especiales, que nos remitirán al origen de la fotografía.

Es una oportunidad para pasar un gran rato con tus hijos mientras todos aprendemos los principios básicos de la imagen, de la óptica y de la fotografía. Una manera muy diferente de realizar fotos y vídeos combinando la tecnología del dispositivo móvil con las antiguas técnicas del origen de la fotografía.

MAGIAE NATURALIS magiaenaturalissum@gmail.com #magiaenaturalissum

Todos los laboratorios son gratuitos y con ​inscripción previa

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2. PROYECTOR/ ​TALLERES

16-19 SEP 2019​. 11-14h SALA EL ÁGUILA

Mateo Maté -​ Taller del dicho al hecho hay un buen trecho

El refrán se refiere a los artistas que hablan sobre las cosas que van a hacer, pero solo hablan y no las ponen en práctica. La mayoría de las veces hay una gran diferencia entre lo que uno piensa o dice y lo que luego hace en realidad.

Público Nº de Alumnos: 10-15 alumnos mayores de 18 años Horas: 12 horas. 3 horas diarias del 16 al 19 de septiembre 2019 Horario: 11 a 14h.

Idioma: Español Dirigido a jóvenes artistas visuales.

El espacio es el poder, el tiempo es la guerra Mateo Maté utiliza objetos cotidianos, incluso a menudo ligados a su propia rutina doméstica, para explorar cómo en la modernidad tardía los espacios que habitamos están atravesados por tensiones y violencias en las que lo íntimo y lo social, lo político y lo existencial, lo individual y lo colectivo se entremezclan y confunden. Interesado por el potencial simbólico de la metáfora cartográfica, Maté crea espacios escultóricos y performativos que, a la vez que nos resultan familiares, nos generan un profundo desconcierto, como si estuvieran plagados de peligros latentes, de enigmas perturbadores. En sus trabajos, el artista madrileño plantea que en un contexto como el actual, en el que nuestros entornos más inmediatos se han convertido en geografías indescifrables y llenas de amenazas e incertidumbres, tenemos que repensar y reinventar la noción de habitar, ser capaces de desbordar nuestra mirada y devolver la concreción a los espacios y objetos que nos rodean.

Con frecuencia, el artista recurre a la ironía y busca la implicación crítica de los espectadores junto con una cierta presencia del azar. Las obras de Mateo Maté abordan cuestiones como la construcción identitaria, la progresiva militarización del ámbito doméstico, la experiencia del desarraigo, la relación entre arte y vida, la emergencia de la video vigilancia como nueva narrativa de la contemporaneidad o la interiorización y naturalización de los dispositivos de poder.

Todos los laboratorios son gratuitos y con ​inscripción previa

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ARTISTAS

EL INSTANTE FUNDACIÓN

EL ​FOBOS​ COMO ELEMENTO SUBVERTOR DE LA REALIDAD 11.09.2019. 19:30h

Artistas: ​Renata ​Poljak ​(cro), ​Lukas Marxt ​(aus), ​Nuno Lacerda​ ​(por), ​Ida ​Schmutz ​(ale), ​Huang-I-Hsiang ​(twn) y ​Yuan Goang-Ming​ (twn) Videoperformance fílmica de ​LABO K (Simon Guiochet y Frank Lawrence)

EL ​FOBOS​ COMO ELEMENTO SUBVERTOR DE LA REALIDAD El miedo se relaciona con lo impredecible, la repetición de los hechos y la seguridad del resultado de los procesos que proporcionan sosiego, continuidad, paz. Desde este punto de vista el desorden puede devenir en miedo. La paradoja con la que juega PROYECTOR 2019 hace propia la idea de Becket: “El único medio de renovación consiste en abrir los ojos y contemplar el desorden.

No se trata de un desorden que quepa comprender.

He propuesto que lo dejemos entrar porque es verdad” O, mirado desde Lacan, hemos trabajado con la materia que exhibimos. Los medios culturales utilizan ¿utilizamos? la pulsión del ​Tánatos p ​ ara apaciguar la pulsión misma y permitir la vida en sociedad, un exorcismo de la realidad. La realidad subvertida.

Lukas Marxt con ​Two Skies ​nos expone a un horizonte imposible, un juego paradójico de infinitos que conecta con los miedos a peligrosos vórtices, no de la realidad terrestre, sino del alma humana. Ruido blanco, surrealismo, el alejamiento de espacios posibles desde esta orilla de la realidad.

Yuan Goang-Ming a través de ​Dwelling ​juega con nuestras seguridades cotidianas a través una premonición en ​loop d ​ e implosión-explosión que nos obliga a enfrentarnos a las fisuras de construcción de nuestro propio Yo, o de los miedos de no poder alcanzar las satisfacciones sociales. La atracción de los opuestos.

Ida Schmutz nos transporta a un mundo aséptico ¿real o artificial? Tal vez no importa. ​Welcome to the first World r​ etrata los deseos de una sociedad agorafóbica. La construcción de un mundo estéril que apacigua nuestras inseguridades, el cuestionamiento de nuestra esencia (en este caso de la sociedad alemana) dual, basada como sociedad posmoderna, en los falsos horizontes y seguridades del consumismo.

Renata Poljak entra en una partida surrealista polisémica, ​Yet another departure ​representa ​una realidad hundida, submarina, que esconde la memoria de uno de los miedos más ancestrales del ser humano. Oxímoron: Guerra Fría. Peluches y personajes de acero. El hundimiento, no solo oligárquico, y la atracción de las ruinas del imperio bajo las aguas.

Nuno Lacerda llega a ​Samarra como a un no-lugar que ha perdido su esencia, a la misma leyenda de donde no es posible escapar. Un laberinto de posibilidades que configuran una realidad de ficciones posibles desde las leyes de la combinatoria. Donde la angustia también nos mira, sondeando nuestros recuerdos sin encontrarlos y sin lograr el orden narrativo que nos devuelva la seguridad.

Huang I-Hsiang nos encontrará agazapados para tratar de descubrir el trampantojo digital, efímero​, site specific y​ , por lo tanto, impredecible. La duda, un ​fake continuo que puede ser poético y delicado si el artista está decidido a transportarnos hacia lo sensible. Siempre el miedo del desorden en la percepción de nuestra realidad.

Texto: ​Joana Groba

> Yuan Goang-Ming ​(twn)

Dwelling 5:00 2014

Yuan Goang-Ming titles this looping video work Dwelling (2014), referencing a 1951 speech “…Poetically Man Dwells…” by German philosopher Martin Heidegger (1889-1976), who titled his text after a verse from Romanticpoet Friedrich Hölderlin (1770-1843). With severe housing shortage in Germany after World War II, Heidegger delivered two renowned philosophical texts with regards to architecture and dwelling that same year. It was in his view, despite living problems caused by housing shortage, to be at peace was a more important issue.

According to Heidegger, “When the poetic appropriately comes to light, then man dwells humanly on this earth…”1 In another text on mind settling, he further elaborates, “To dwell, to be set at peace, means to remain at peace within the free, the preserve, the free sphere that safeguards each thing in its nature.” 2 He continues to state that mortals exist between the sky, the eart h, and the divinities; only when all four are in harmony can peaceful dwelling be fulfilled3.

With “…poetically man dwells…” as a starting point, Heidegger speculates on modern mankind’s failure to dwell poetically. In other words, the “unpoetic dwelling” has become the norm. Heidegger believes that poetry is what really let us dwell, and that contemplating the nature of dwelling is contemplating human existence. In response to the philosopher’s inquiry, Yuan applies violence as an aesthetic means in Dwelling, conveying his apprehension of life and living, and his fear of annihilation.

In recreating a common scene of “poetic dwelling,” Yuan gives a microcosmic warning, magnifying the unforeseen explosion, and forcing the viewer to witness a catastrophe. The irony is that there is nothing poetic in the “poetic dwelling” but ruthless extermination. This inevitable mental breakdown unfolds in his other new pieces.

With the exhibition title “An Uncanny Tomorrow,” Yuan undoubtedly refers to the bleak present, even with indignation. Furthermore, in works Indication (2014) and Prophecy (2014), Yuan unusually expresses his discontent with the present political climate and status quo in Taiwa n with straightforward body language.

Text by Chia Chi Jason WANG, ...Unpoetically We Dwell...Yuan Goang-Ming “An Uncanny Tomorrow” Solo Exhibition (Excerpt)

1 Martin Heidegger, “…Poetically Man Dwells…,” in Poetry, Language, Thought, trans. by Albert Hof stadter (New York: Harp & Row, Publishers, 1971), p. 229.

2 Martin Heidegger, “Building Dwelling Thinking” in Poetry, Language, Thought, p. 149.

3 Ibid., pp. 149-51.

https://drive.google.com/file/d/0Bx61XNPDH5JhUnVjV1o5QWNjMEU/view

https://www.youtube.com/watch?v=ILUHuHFXErA https://vimeo.com/128986965 https://www.youtube.com/watch?v=nvtb5WN-M6M

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> Renata ​poljak ​(cro)

Yet Another Departure 15:45 2018 3 canales

En el 22 de mayo de 2016, el buque insignia de la marina yugoslava "Vis" fue hundido en la ensenada de Polje cerca de la aldea de Premantura en la península de Istria, cerca de las islas Brijuni.

Desde 1947 hasta 1980, el presidente y mariscal Josip Broz Tito convirtió a las islas Brijuni en su residencia oficial de verano.

Casi 100 jefes de estado extranjeros y estrellas de cine lo visitaron en estas islas.

A mediados de julio de 1956, el presidente de Egipto, Gamal Abdel Nasser, el primer ministro de India, Jawaharlal Nehru, y el presidente de Yugoslavia, Josip Broz Tito, se reunieron en el lugar para discutir su oposición a la Guerra Fría. Estas ideas más tarde llevaron al Movimiento No Alineado.

En Brijuni también hay una colección de historia natural relacionada con este período con unos doscientos animales de peluche de todo el mundo, que los visitantes de las islas donaron a Tito.

"Vis" se construyó en 1953 en el astillero Uljanik, en él residiría el comandante supremo de la marina: el almirante y los principales funcionarios del gobierno, incluido Tito.

“Vis” tiene 58 m de largo y 8,5 m de ancho. El casco está hecho de acero, mientras que la cubierta está hecha de aluminio y cubierta con hasta seis pulgadas de teca.

La nave tiene dos motores de mil caballos de fuerza que permiten que la nave alcance una velocidad máxima de 17 nudos.

Después de que “Vis” estuviera en un amarre fijo en la Bahía de Kotor, en 2002 un empresario de Pula lo compró con la intención de redecorarlo en un lujoso yate para alquilarlo a turistas adinerados. Sin embargo, después de 10 años, debido a una situación financiera cada vez más desfavorable, el empresario abandonó su plan inicial y decidió hundir el barco, lo que de esta manera se convertiría en una atracción turística.

The flagship of the Yugoslav navy our“Vis” was sunk on 22 May 2016 in the cove Polje near Premantura village on the Istrian peninsula, near the Brijuni islands.

From 1947 to 1980 president and marshal Josip Broz Tito made the Brijuni Islands his personal official summer residence.

Almost 100 foreign heads of state as well as film stars visited him on these islands.

In mid-July 1956, President of Egypt Gamal Abdel Nasser, Prime Minister of India Jawaharlal Nehru, and President of Yugoslavia Josip Broz Tito met on the spot to discuss their opposition to the Cold War. These ideas later led to the Non aligned Movement.

On Brijuni there is also a natural history collection relating to this period with about two hundred stuffed animals from all over the world, which visitors to the islands donated to Tito.

“Vis” was built in 1953 in the shipyard Uljanik, on it the supreme commander of the navy – admiral would reside as well as the top government officials including Tito.

“Vis” is 58 m long and 8.5 m wide. The hull is made of steel, while the deck is constructed of aluminium and covered with up to six inches of teak. The ship has two thousand-horsepower engines which allow the ship to reach a maximum speed of 17 knots.

After “Vis ”was on a fixed mooring in the Bay of Kotor, in 2002 an entrepreneur from Pula bought it with the intention of redecorating it into a luxurious yacht to be rented to wealthy tourists. However after 10 years, due to increasingly unfavourable financial situation, the entrepreneur abandoned his initial plan and decided to sunk the ship, which would in such a way become a tourist attraction. https://www.youtube.com/watch?v=4Br_Fy7utRA

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> Lukas Marxt​​ (aus)

Exzerpt Two Skies 4:25 2013 20x3,74m ó 13x2,4m

Dos Cielos no permite ningún cambio de perspectiva y muestra dos horizontes de un campo de gas, filmado desde una plataforma de perforación en el área de Tampen en la parte sur del Mar de Noruega en dos momentos diferentes del día: amanecer y atardecer. Un paisaje surrealista que se aleja de la dimensión de la realidad terrestre se extiende por todo el ancho del espacio.El sonido monumental amortiguado, el azul penetrante y las ondas blancas intermitentes transportan al espectador a un lugar que no puede existir de esta manera. Dos superficies oceánicas desde el suelo y el cielo, estrictamente separadas por un horizonte dinámico.

Quizás este horizonte sea una entrada a otros alrededores, a paisajes que nos alejan de este escenario. Lukas Marxt emplea los elementos del agua y el viento aquí como herramientas en la producción de su imagen. La energía eólica mueve las profundidades del océano azul que aparentemente pueden convertirse en un vórtice peligroso en cuestión de segundos.

Two Skies disallows any and all shift in perspective and shows two horizons of a gas field, filmed from a drilling platform in the Tampen area in the southern part of the Norwegian Sea at two different times of day: dawn and dusk. A surreal landscape that departs from dimension of terrestrial reality extends across the whole width of the space. The muffled monumental sound, the penetrating blue and the flashing white waves transport the viewer to a place that cannot exist in this way. Two ocean surfaces from ground and sky, strictly separated by a dynamic horizon. Perhaps this horizon is an entrance to other surrounding, to landscapes that lead away from this scenario. Lukas Marxt employs the elements of water and wind here as tools in the production of his picture. Wind power moves the deep blue ocean surfaces that seemingly can become a dangerous vortex within a matter of seconds.

https://vimeo.com/86460003 http://lukasmarxt.com/en

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> Nuno Lacerda​ ​(por)

Samarra 2017-18 Interactiva

Samarra es una instalación de video interactivo que consiste en una caja negra con una sola proyección. Un dispositivo señalador (ratón) sobre un zócalo ligeramente iluminado permite al espectador disparar y superponer varias secuencias de video (un total de 75) ocultas en las diferentes áreas de la pantalla. Este paisaje y las narraciones que lo transforman se construyen a partir de fragmentos de videos grabados a lo largo del año 2017 cerca de una playa que lleva el mismo nombre: Samarra también es el nombre de la ciudad donde, según la leyenda árabe hecha famosa por John O ' Hara, un esclavo intenta escapar de la muerte. Físicamente y virtualmente artificial, este paisaje centrado en una cantera abandonada en el borde de un acantilado, representa una isla, un lugar atemporal donde, al igual que en la leyenda árabe, nada puede encontrarnos, ni siquiera los recuerdos que se encuentran dentro del océano circundante.

Mostrado en 2017 en el Premio Sonae Media Art Award - Museu Nacional de Arte Contêmporanea, Lisboa;

Samarra is an interactive video installation consisting of a black box with a single projection. A pointing device (mouse) over a slightly illuminated plinth allows the viewer to trigger and overlap several video sequences (total of 75) hidden in the different areas of the screen. This landscape and the narratives that transform it are built from fragments of videos shot along the year 2017 nearby a beach that has the same name - Samarra is also the name of the city to where, according to the arab legend made famous by John O'Hara, a slave tries to escape from death. Physically and virtually artificial, this landscape centred on an abandoned quarry at the edge of a cliff, represents an island, a timeless place where, just like in the arab legend, nothing can find us, not even the memories lying inside the surrounding ocean.

Shown in 2017 at Sonae Media Art Award - Museu Nacional de Arte Contêmporanea, Lisbon;

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> Ida ​Schmutz ​(ale)

Welcome to the first world 11:21 2018 Bienvenido al primer mundo, una promesa que brilla en el horizonte. Un intento de invitarte a sumergirte en el océano azul profundo de 1,35 m. Olas falsas y selva tropical cultivada, una promesa de autenticidad en un desierto ficticio. La mayor selva tropical cubierta del mundo, las "islas tropicales", se encuentra en Brandeburgo, en el corazón de la antigua RDA. La entrevista y la película de esta película se filmaron en el parque de vacaciones para investigar las experiencias de ultramar y los aspectos sociales y económicos que representan. Las conversaciones cuestionan la relación entre el trabajo y el miedo y el insaciable deseo de seguridad.

Welcome to the first world, a promise shining on the horizon. An attempt to invite you to dive into the 1,35m deep blue ocean. Fake waves and cultured rainforest, a promise of authenticity in a fictive wilderness. The biggest indoor-rainforest of the world „Tropical Islands“ is located in Brandenburg, in the heart of the former GDR. The interview- and filmfootage for this film was shot in the vacation park to research on oversea experiences and the social and economical aspects they represent. The conversations query the relationship of work and fear and the insatiable desire for safety.

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> ​HUANG I SHIANG​ ​(twn)

Animism

Obra específica para El Instante Fundación

La imagen es más considerada como un medio temporal. Sin embargo, cuando la imagen es puesta en una galería de arte, las cosas cambian. La imagen ya no es solo un medio de temporalidad, sino también un medio de espacialidad. Al igual que un fantasma en una película es un trabajo ​site specific que explora la relación entre imagen en el espacio y espacio en la imagen.

Image is most considered as a temporal medium. However, when the image was put into an art gallery, things changed. Image is no longer just a medium of temporality, but a medium of spatiality as well. Like a ghost in a movie is a work with site-specificity which explores the relationship between image in the space and space in the image.

Exemple: https://vimeo.com/user72934625

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CRUCE

Memoria y trauma 12.09.2019. 19:30h

Artistas: ​Javier Olivera​ (arg), ​Francisco José Fargas García​ (esp) y ​Kika Nicolela​ (bra)

Memoria y trauma

Las tres obras expuestas en este espacio conjugan una suerte de conexiones significativas sobre la irrupción con o sobre algo que persigue, atormenta y enclaustra al individuo. De esta manera la memoria se confiere en la capacidad de descender a los infiernos particulares de cada autor, haciendo consigo reflexionar al espectador sobre las problemáticas acuciantes que giran en torno a echar la vista atrás.

Las remembranzas más oscuras e incubadas por la psique son diseccionadas y usadas como punto primigenio a la hora de construir un discurso que está tanto en el mensaje más inmediato como en la forma o la materialidad que lo hacen posible. ​Javier Olivera utiliza así el impacto generado hacia el observador debido al contraste de tamaño, y por ende a la investigación en el asunto espacial, de las proyecciones. Un juego espacial que incumbe tanto el ojo que mira, como los ojos que son proyectados, la joven confinada en el cubo sólido e inmóvil donde es violada por Acteón. ​Francisco José Fargas nos limita también, nuestra mirada se encierra por lamas horizontales en una persiana veneciana. ¿Por qué el ciervo?, ¿por qué el hombre?, ¿por qué la mujer?; ¿y la gallina?, los andares por esa escalera a los recuerdos que da ​Kika Nicolela son a trompicones, desiguales, impredecibles, la gallina carente de gracilidad nos hace reír moviéndose de forma impredecible y así tornándose la síntesis más fidedigna de nuestra forma común y mundana de articular nuestro discurso del trauma, algo que pesa tanto que es casi imposible crear una linealidad formal. ​Nicolela ​se permite cloquear tal y como se entiende, de manera desigual y confrontada, el humor y la desgracia son puntos disonantes que viven en ese pequeño y rupestre espacio, ¿por qué no? ¿acaso el acercamiento a nuestra propia memoria tiene normas preestablecidas? ¿hay algo eminentemente correcto en el momento de esta aproximación?

Hay un ejercicio de destrucción, la energía donde emana el surgir, el cambio; el poder del padre omnisciente cuya unión freudiana con el ​statu quo cobra cada vez más peso en el universo de significación contemporáneo. Este convive en el espacio del patriarcado, la mirada sin represalias y la impunidad de marcar tu evolución y habitar en tu memoria. Frente a todo estos los autores viven y desviven en la huella bajo la agonizante búsqueda de la emancipación de los demonios que con cornamentas de ciervo les subyugan.

Texto:​ Ismael Cabrera

Javier Olivera nacido en la cosmopolita ciudad de Buenos Aires en 1969 se interesó por la pintura cuando joven gracias a sus maestros Luis Felipe Noé y Eduardo Stupía. Pero, fue el cine su futura y principal vía de expresión, creando así importantes obras de ficción como El visitante (1999) o El camino (2000). Actualmente se encuentra en una fase de experimentación audiovisual sobre la memoria, su obra Monumentos (2019), surge directamente de su aclamado documental La sombra (2015).

Francisco José Fargas García formado en el Instituto del Cine Madrid es realizador audiovisual y profesional en grabación y edición de vídeo. Se define como un enamorado del arte y esto se ejemplifica en su obra más reciente La Femme Cerf (2018) la cual lleva consigo una larga lista de festivales de renombre.

Kika Nicolela es una de las artistas y directoras brasileñas más relevantes en el panorama del arte experimental. Licenciada en cine y video por la universidad de Sao Paulo, Nicolela utiliza la cámara como herramienta para el discurso de la identidad. Gracias a su multidisciplinariedad ha creado obras que abarcan el video, la videoinstalación o la performance, algunos de sus trabajos más destacados son Tropic of capricorn (2005), Desesmetak (2010) o Tidelands (2010-2016).

> Javier Olivera​ ​(arg)

Monumentos 7:00 2019

La video instalación MONUMENTOS es una propuesta vinculada al cine, el documental expandido, la intervención espacial y el trabajo con archivos de mi historia personal. El abordaje instalativo refuerza la operación de desmontaje del material fílmico y gráfico, redimensionando su valor original para así explorar su valor estético y documental. Sobre dos pantallas alineadas pero levemente anguladas, se ven distintos registros en Super 8 de monumentos y espacios de diferentes lugares del mundo, algunos emblemáticos. En un monitor a la altura del suelo, ocupando el centro de la instalación, se suceden imágenes de un niño, primeros planos en cámara lenta. La diferencia en escala entre las pantallas y el monitor dan dimensión al discurso de la obra: los monumentos como alegoría de la figura del padre en contraste con la imagen pequeña e inocente del niño.

The installation of video is a proposal related to film, expanded documentary, spatial intervention and work with archives of my personal history. The installation approach reinforces the dismantling of graphic and graphic material, resizing its original value to explore its aesthetic and documentary value. On two aligned but slightly angled screens, there are all records in Super 8 of monuments and spaces from different parts of the world, some emblematic. On a monitor at ground level, occupying the center of the installation, there are images of a child, close-ups in slow motion. The difference in climbing between the screens and the monitor gives dimension to the discourse of the work: the monuments as an allegory of the figure of the father in contrast with the small and innocent image of the child.

https://vimeo.com/301894756 monumentos001

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> Francisco José Fargas García​ ​(esp)

La Femme Cerf 7:52 2018

Turbada por lo que le rodea, trata de salir de ese espacio al que no recuerda cómo ha llegado. Mientras camina por las frías y silenciosas salas, recuerdos que creía olvidados, regresan para abrirle nuevos caminos.

Disturbed because of what she is surrounded by, she tries to leave from the space where she is not able to remember how she got there. While she walks by the cold and silence rooms, a memories stirs in her, memories she believed forgotten.

Official Selection: 2019 - Festival Internacional de Cinema de Cerdanya (Girona España) 2019 - Festival Internacional de Videoarte de Camagüey (Cuba) 2019 - Sanfinci (Colombia) 2019 - Festival Psicodália (Brasil) 2019 - Patio de Salvataje (Argentina) 2018 - Cefalù Film Festival (Italia) 2018 - Galacticurt (Lleida, España) 2018 - Kiné- Muestra Internacional de Cortometrajes (México) 2018 - Festival de Cine Independiente de Sogamoso (Colombia) 2018 - Festival da Bienal Internacional de Curitiba (Brasil) 2018 - Salón Internacional de la Luz en Bogotá (Colombia) 2018 - Fem Tour Track (España, Itinerante) 2018 - Sarna 3 Festival de artes experimentales (Chile) 2018 - Policromía Informal (Colombia) 2018 - FENACIR (México) 2018 - Paraná Internacional Films Festival (Argentina) 2018 - Festival de cortometrajes Cine de la Culata (Ecuador) 2018 - Festival Ícaro (Guatemala) Awarded.

2018 - Festival Cinetoro Film Festival (Colombia) 2018 - Festival Mundial de Cine Extremo de Veracruz (México) 2018 - Proyecto Aquelarre (Perú) 2018 - PROSPE(C)TIVA B.R.I.O. (Italia)

Awards 2018: -Mejor cortometraje en la categoría Experimental Internacional del Festival Ícaro.

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> Kika Nicolela​ ​(bra) The Chicken and Her 5:00 2017

Ella tiene una historia que contar, con el pollo como testigo.

Usando el humor negro, un monólogo afilado y clichés femeninos desplazados, THE CHICKEN AND HER se sumerge profundamente en temas difíciles como el abuso sexual y la violencia contra las mujeres.

Esta película es parte de DOLLHOUSE, un proyecto de colaboración multidisciplinario entre Manon fait de la Danse (Canadá), Bye Bye Princesse (Canadá) y Kika Nicolela (Brasil / Bélgica).

She has a story to tell, with the chicken as witness.

Using black humor, a sharp monologue and displaced feminine cliches, THE CHICKEN AND HER dives deeply into the difficult issues such as sexual abuse and violence against women.

This film is part of DOLLHOUSE, a multi-disciplinary collaboration project between Manon fait de la Danse (Canada), Bye Bye Princesse (Canada) and Kika Nicolela (Brazil/Belgium).

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¡ÉSTA ES UNA PLAZA! político, social 12.09.2019. 21:30h

Artistas: ​Elke Andreas Boon​ ​(bel), ​Marco Godoy (esp), ​Francesca Leoni (ita), ​Blanca Gracia Moreno (esp), ​Chen Wan-Jen (twn), ​Yuan Goang-Ming (twn) y Naween Noppakun​ (tail), ​Belangtelon Initiative (Cahyo Prayogo, Chairul Arifin & Fiky Daulay)​ (indon) Videoacción de ​Catherine Radosa​ (che/fra) Miniconcierto con audio improvisado sobre vídeo generativo de ​Iván Puñal​ (aka The Pleasant View)

Político, social

En Ésta es una Plaza!, lugar de memoria latente, el festival presenta nueve piezas que buscan ser intervenciones en lo “político, social”; esto es, en los asuntos de la ciudad o del Estado (“πολιτικός”), en los asuntos de la comunidad (“sociālis”). En medio de su heterogeneidad temática, geográfica y estética, estas obras logran hilarse entre sí a través de una estrategia común: la utilización del videoarte como medio expresivo capaz de hacer coincidir, en un mismo lugar, la imaginación individual con la imaginación colectiva o política, iluminando de esta forma acercamientos insospechados a nuestro presente.

Nos encontramos con una formulación explícita de esta problemática en las obras de ​Elke Andreas Boon o ​Francesca Leoni​. ​En ellas se nos propone reflexionar sobre la interacción del sujeto y su entorno; la construcción, siempre recíproca, del individuo y la colectividad; los vínculos sociales como anclaje y cemento de la subjetividad. En la obra de Boon​, ​Me and My Sister (2015), la artista belga nos presenta el rotundo retrato de dos mujeres que dialogan corporalmente a través del gesto de fumar y protegerse los ojos del humo, en lo que busca ser un apunte visual sobre las relaciones familiares y sus consecuencias en la construcción de la identidad. Por su parte, en ​Ego-crazia (2017), Leoni nos muestra la teatralización de un juego tradicional, las sillas musicales, con el fin de desplegar un simulacro de las relaciones de poder subyacentes a los grupos humanos.

¿Cuál es el papel de la imaginación y la fantasía en la entraña de un mundo roto y convulso? En este conjunto de obras también localizamos juegos, situaciones construidas, animaciones cargadas de resonancias poéticas que pretenden rasgar un orden social esclerótico. Es el caso de la pieza ​Rues de l’Égalite (​ 2013)​, ​de Catherine Radosa​, donde se documenta el paseo de un ciclista por París, quien porta consigo la señal, devenida bandera, de la Calle de la Igualdad, reactivando la historia republicana de una ciudad marcada por la especulación y la turistización. También el de la exquisita ​Hipnosis para encontrar tu lugar en el Mundo (2018), de Blanca Gracia Gallego​, en la que se nos propone un recetario para recuperar la magia y la utopía en el violento momento actual; o el de ​Reclamar el eco (2012), de Marco Godoy​, donde se ficciona la interpretación de las consignas coreadas durante el 15M por parte del coro Solfónica. En esta última, Godoy adapta los lemas de los Indignados a las composiciones del compositor barroco Henry Purcell, quizás en un intento de hacer converger la Historia del Arte con el instante de empoderamiento colectivo vivido en 2011.

Al mismo tiempo se nos pregunta sobre el poder y la función de las imágenes en el mundo social, ensayando algunos puntos de fuga. En ​We love me (2017), ​Naween Noppakun nos ofrece un vertiginoso y hermético collage de retazos audiovisuales recogidos de la cultura popular y mediática tailandesa, en un intento de retener su propia memoria en una suerte de “cápsula” de imágenes. Sin establecer un hilo narrativo o argumental, la pieza de Noppakun problematiza el fenómeno de la memoria en su dimensión puramente visual, desbordando lo decible o inteligible, con el fin de imprimir una huella afectiva en las personas que la contemplamos. Esta estrategia es recuperada por ​Chen Wan-Jen ​en ​Platform 2 (2006) donde, combinando imágenes analógicas e imágenes construidas digitalmente, recrea una escena típicamente urbana, la espera en una estación de tren, planteando la delicada interrelación entre ficción y realidad, así como su impacto en nuestra experiencia sensible.

Por último, también hallamos obras que exploran las posibilidades del videoarte a la hora de representar y, por tanto, repensar el mundo. En ​The Strangers (2018), Yuan Goang-Ming ​introduce un potente foco lumínico y una cámara de alta velocidad en la estación de Zhongli, ubicada en la ciudad taiwanesa de Taoyuan, retratando los rostros de todas las personas que esperan la llegada del tren, en su mayoría migrantes provenientes del Sudeste asiático. De este modo, Gong-Ming trata de congelar la presencia de esos “extraños”, presentes pero invisibles, que habitan la sociedad taiwanesa. Por su parte, el colectivo​, ​Belangtelon Initiative ensaya en ​Windswept ​(2017) una visión aérea inédita del paisaje urbano, instalando una pequeña cámara de vídeo en el cuerpo de una paloma. Retomando la práctica de las carreras de palomas (“​adu doro​”), propia de las clases suburbanas indonesias, la pieza retrata la reconversión del paisaje en las periferias de la ciudad portuaria de Surabaya, enlazando esta memoria afectiva y política con las transformaciones desatadas por la globalización en el país.

En todas ellas se nos ofrece una ventana de experiencia en diálogo con el mundo social que nos contiene y nos conforma. Una ventana de experiencia que, en último término, problematiza este mundo social, abriendo el campo de lo político al terreno de las imágenes y la imaginación.

Texto: ​Inés Molina

> ELKE ANDREAS BOON​ ​(bel)

Me and My Sister 10:30 2015

Dos mujeres muy similares, enfrentadas a corta distancia en un escenario neutral donde lo que destaca es la expresión y la belleza de sus rostros. Ocurre una sola acción en un bucle sin fin: los movimientos lentos de la mujer que fuma y exhala el humo del cigarrillo en la cara del otro, provocando irritación hasta que las lágrimas acuden a sus ojos. La tensión que se siente durante los diez minutos y medio del video Yo y mi hermana es tan fuerte como está contenido. No se puede decir por qué, pero en medio del silencio, hay un cierto impulso sensual, una especie de antagonismo, una especie de erotismo ... Lo que podría suceder entre ellos se deja a la imaginación de los espectadores: las alternativas son todas su propia Elke Andreas Boon presenta la condición humana, la singularidad del individuo, como la cuestión central de su trabajo. Ella aborda este tema a través del interrogatorio y la inquietud y planteando situaciones abiertas. Ella no da soluciones, como es evidente en el video, sino que multiplica las preguntas, dejándolas sin respuesta. Por eso son fértiles, generando matices imprevistos.

El enfoque único del artista en este video expone una de las dificultades fundamentales en la construcción de la subjetividad y las identidades individuales. Mi hermana y yo nos ocupamos de dos hermanas gemelas y señala la relación entre "Yo" y el "Otro". A través de un juego personal de espejos, plantea preguntas sobre la noción de identidad y vínculos, aborda uno de los temas más importantes de una persona y el vehículo principal para significados múltiples y complejos: el amor filial y las raíces familiares.

Boon va más allá en esta articulación al alterar el orden de las palabras del título de la pieza. La colocación de la primera persona al principio podría sugerir una exploración del "yo" individual, ya que surge de una relación con el "otro". Nadie sabe cuál de las dos hermanas es el "Yo": la que mira fijamente, fuma y se inunda con humo de cigarrillos, o la que mira hacia otro lado, impasible ante las acciones de la otra. Cualquiera que sea, esta pieza es una forma sugerente de abordar la dificultad de pensar en nosotros mismos por separado de nuestros entornos familiares, así como de cómo hacer que esto sea visible o representarlo. Estas preguntas coinciden con la naturaleza de los medios elegidos: video. La cámara, un solo ojo que mira, se enfrenta a los demás, que piensan de sí mismos en referencia a ella.

Two very similar women, facing each other at a short distance in a neutral setting where what stands out is the expression and the beauty of their faces. A single action in an endless loop happens: the slow movements of the woman who smokes and exhales the cigarette fumes in the other’s face, provoking irritation until tears come to her eyes. The tension felt during the ten and a half minutes of the video Me and my sister is as strong as it is contained. One couldn’t say why, but in the midst of the silence, there is a certain sensual drive, a sort of antagonism, a kind of eroticism… What might happen between them is left to the viewers’ imaginations: the alternatives are all their own.

Elke Andreas Boon presents the human condition, the singularity of the individual, as the central question of her work. She takes on this topic through interrogation and uneasiness and by posing open situations. She does not give solutions, as is evident in the video, but instead multiplies the questions, leaving them unanswered. This is why they are fertile, generating unforeseen nuances.

The artist’s unique approach in this video exposes one of the fundamental difficulties in the construction of subjectivity and individuals’ identities. Me and my sister is about two twin sisters and points to the relationship between “Me” and the “Other”. Through a personal game of mirrors, she poses questions about the notion of identity and bonds, addressing one of a person’s most pivotal issues, and the main vehicle for multiple and complex meanings: filial love and family roots.

Boon goes further in this articulation by altering the word order of the piece’s title. Placing the first person pronoun at the beginning might suggest an exploration of the individual “me” as it springs from a relationship with the “other”. No one knows which of the two sisters is the “Me”: the one who stares, smokes, and inundates with cigarette fumes, or the one who looks away, remaining impassive to the other’s actions. Whichever one it is, this piece is a suggestive way of addressing the difficulty of thinking about ourselves separately from our family environments, as well as how to make this visible or represent it. These questions coincide with the nature of the chosen media: video. The camera —a single seeing eye— faces the others, who think of themselves in reference to it.

Blanca del Río

https://www.youtube.com/watch?v=bsYSjflkVnY http://www.elkeandreasboon.com

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> MARCO GODOY​ (esp) Reclamar el eco 5:25 2012

En este trabajo, los lemas que se cantan en las manifestaciones en España se han adaptado en una pieza musical, utilizando las partituras del compositor Henry Purcell como referencia. Desde que comenzó la crisis, “lo llaman Democracia pero no lo es”, “No tenemos miedo” y “Estas son nuestras armas” son frases comunes en las manifestaciones, cantadas de manera monótona por miles de personas como protesta. En el video, un coro llamado Solfonica canta la pieza en un teatro vacío.

Solfonica es un coro asambleario que canta en manifestaciones en Madrid, es un “coro de protesta” que surgió tras el 15M y la ocupación de la Plaza de la Puerta del Sol de Madrid. Las canciones que fueron compuestas para el video más tarde fueron usadas por Solfónica como parte de su repertorio en protestas.

In this work the slogans that are sung at demonstrations in Spain have been adapted into a musical piece, using the composer Henry Purcell’s scores as a reference.

Since the crisis started, “It’s called a Democracy but it’s not a Democracy”, “We are not scared” and “These are our weapons” are common phrases at demonstrations, sung in monotone by thousands of people. In the video a choir called Solfonica sings the piece in an empty theatre. Solfonica is an assembly-based choir that sings only at demonstrations in Madrid, its a “protest choir”. The songs that were composed for the video are now used on by Solfónica as part of their repertoire.

https://vimeo.com/52884962 http://loop-barcelona.com/videocloop/video/reclamar-el-eco/

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> FRANCESCA LEONI​ (ita) Ego-Crazia 8:25 2017

The dynamics and search of power inside oneself and inside society. What pushes someone in the search of personal and social power and how it transforms human beings.

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> Blanca Gracia Gallego​ ​(esp)

Hipnosis para encontrar tu lugar en el Mundo 4:18 2018

La animación “Hipnosis para encontrar tu lugar en el mundo” es un reflejo de nuestra contemporaneidad que invita al espectador a reflexionar sobre la actualidad socio-política al mismo tiempo que le insta a huir de ella. El escapismo es un tema recurrente en la obra de Blanca Gracia. En este caso, se propone un manual de instrucciones delirante compuesto por distintos planes de fuga que van desde la ataraxia a la búsqueda de utopías, y que funcionan como alternativas a un mundo caótico y absurdo. Los personajes de este proyecto buscan un significante-amo para este mundo atonal en el que nos encontramos inmersos. Levantar la tela celeste del Flammarion, “el fin del mundo”, cruzar esta Tierra plana y descubrir si en efecto (como indicaban todos aquellos mapamundis del medievo) al otro lado habitan los dragones o si por el contrario se trata solo de nuestras propias sombras.

The animation "Hypnosis to find your place in the world" is a reflection of our contemporaneity that invites the viewer to reflect on socio-political news at the same time as the need for it. The escape is a recurring theme in Blanca Gracia's work. In this case, we propose a delirious instruction manual composed of different planes of escape that range from ataraxia to the search for utopias, and that act as alternatives to a chaotic and absurd world. The characters of this project seek meaningful meaning for this world in which we find ourselves immersed. Raise the celestial fabric of the Flammarion, "the end of the world", cross this earth and discover if indeed (as indicated by all medieval maps of the Middle Ages) the other side inhabit the dragons and on the contrary it is only our own shadow shadows.

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> CHEN WAN-JEN ​(twn)

Platform 2 3:36 2006

When everything no longer goes forward, all we need is waiting.

In a time of image explosion, people are influenced by images. What images bring to us even changed our life style and attitude. We can't help asking: what could images tell people? It shows a world that more realistic than a real one. A complete world is built and constructed out behind the screen. It seems to tell the spectators that things already happened, you have seen it, no doubt of it!

With the enormous anxious that images brought (to me), I focused the questions on the things that I care about, and reconsidered my relation with the images. Between the artistic practice and digit media, all sorts of complicated and delicate relations, I tried to develop some possibilities in it. That is, I combined the realistic and fictitious things with the invention shown of digit technology and imitating ability, created new scenery, like the one who created the universe.

In a certain image that I wanted to present is, returning to the original me, the artist. Meanwhile, I acted as God, let true people and fictitious railway platform being built and constructed again utilizing digital treatment in this work. Then a scene appears, invites you to join in the space between realities and imaginings, and makes you feel familiar but strange also. You are just like a transient guest in the journey, opening your own memory. The role people act themselves with no dialogue. “Waiting” is the only thing that becomes possible in this fictitious space.

The left part, I prefer to leave the work to answer for me.

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> Yuan Goang-Ming ​(twn)

The Strangers 6:24 2018

On weekends or holidays, the Zhongli train station in Taiwan is always filled with migrant workers. The voices and odors in the station almost trick someone into thinking they’re in another train station in some Southeastern Asian country.

The total population of migrant workers in Taiwan has exceeded that of Taiwanese aborigines. They migrate for better economic or living conditions, a not-so-uncommon phenomenon that can be found throughout history. Today the world sees a surging wave of war refugees, from Afghanistan, Somalia, to Libya, from Myanmar's Rohingya people to five million refugees of Syria. If we think about the millions of Mainlander troops and civilians who retreated to Taiwan after the Kuomintang lost the 1949 Chinese Civil War, these immigrants, my father included, are regarded as “displaced persons” under the category of sociology. And my father would be considered a refugee during the Chinese Civi l War, a stranger away from home.

For The Strangers, I use a high-speed camera and a high-lumen spotlight to shoot from the passenger car through the window. As the train approaches the platform, I turn on the spotlight, and the high-speed camera begins filming the passengers waiting on the platform at a speed of 1,200 frames per second. The eight seconds of filming become eight minutes when played at a normal speed. As the camera captures each foreign face in high speed, these strangers turn into sculptures, frozen in time, on a platform that morphs into a spotlighted stage where one by one they appear to be in a somber portrait that looks us in the face.

https://drive.google.com/open?id=1b3lD5AinpPgTdyIFlxcQl8hN4iJb4B3M

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> Naween Noppakun​ ​(tail) We Love Me 13:18 2017

El tiempo y el espacio fuertemente comprimidos donde viven todas las imágenes de supervivencia de mi memoria. Después del viaje, lo que permanecerá podría ser algo con lo que no podamos hablar, pero que percibamos.

The heavily compressed time and space where all survival images from my memory live in. After journey, what will remain could be something we cannot talk to, but perceive.

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> Belangtelon Initiative (Cahyo Prayogo, Chairul Arifin & Fiky Daulay)​ ​(indon)

Windswept 5:17 2017

Sapu Angin takes off as a modest attempt in framing city narrative through adu doro (pigeon race gambling) in Surabaya. Childhood memory, dilemmas of pigeon racing events which, to date, are still affirmed as a gambling practice for urban working class society. Sapu Angin endeavours to respond the displacement of urban peripheries in dealing with a battlefield of ownership using a pigeon’s body perspective By attaching a surveillance camera on the racing pigeon’s body flew back home to the pegupon (pigeon house). Through the camera, the change of suburban landscape of Surabaya is vividly visible, in which how Surabaya as a city is now beautifying itself under the shadow of infrastructural development in the name of “future ideal housing”.

Sapu Angin comienza como un intento modesto de enmarcar la narrativa de la ciudad a través de adu doro (juego de palomas) en Surabaya. Memoria de la infancia, dilemas de los eventos de carreras de palomas que, hasta la fecha, todavía se afirman como una práctica de juego para la sociedad de la clase trabajadora urbana.

Sapu Angin se esfuerza por responder al desplazamiento de las periferias urbanas al lidiar con un campo de batalla de la propiedad utilizando la perspectiva del cuerpo de una paloma al unir a la cámara de vigilancia en el cuerpo de carrera de la paloma voló de regreso a casa en el pegupon (paloma). A través de la cámara, el cambio de paisaje suburbano de Surabaya es vívidamente visible, en el cual Surabaya como ciudad se está embelleciendo a la sombra del desarrollo infraestructural en nombre de "vivienda ideal en el futuro".

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> Catherine Radosa​ (che/fra) Rue de L´Égalite (calles de la igualdad) ..

2013 Acción en el espacio público y proyección de video HD (7'54 '')

En su bicicleta, el artista maneja una gran bandera que lleva la imagen de un letrero parisino: Rue de l'égalité. La imagen sigue su curso en París, un evento solitario o un paseo soñado.

La bandera, anclada en la realidad de la ciudad, deja a los transeúntes perplejos, interrogativos, serios y divertidos por esta forma dinámica y móvil de identidad topográfica y cultural compartida.

La pieza se presenta como una proyección exterior (Nuit Blanche Paris 2013) o sala de exposición (Galería Gabrielle Maubrie: la bicicleta está asociada con la proyección).

En la bicicleta, el artista lidera una gran bandera con la imagen de un cartel parisino: la calle de la igualdad. La imagen sigue su curso en París, evento solitario o paseo soñado. La bandera, anclada en la realidad de la ciudad, deja perplejos a los transeúntes, interrogativos, serios y divertidos ante esta forma dinámica y dinámica de identidad topográfica y cultural compartida.

La paz se presenta como una proyección (Paris White ninght 2013) o espacio de exhibición (la bicicleta con la bandera está asociada con la proyección).

On his bicycle, the artist handles a large flag bearing the image of a Parisian sign: Rue de l'égalité. The image follows its course in Paris, a lonely event or a dream trip.

The flag, the communication in the reality of the city, the trips, the perplexed, the interrogative, the serious and the amusing in this dynamic and mobile form of shared topographical and cultural identity.

The piece is presented as an exterior projection (Nuit Blanche Paris 2013) or showroom (Gabrielle Maubrie Gallery: the bicycle is associated with the projection).

On the bicycle, the artist a large flag with the image of a Parisian poster: the street of equality. The image continues its course in Paris, solitary event or dream trip. The flag, anchored.In the reality of the city, leaves out the media, interrogative, serious and fun.

Peace is presented as a projection (Paris, white 2013) or the exhibition space (the bicycle with the flag is associated with the projection).

https://vimeo.com/136440224 http://catherineradosa.net/rues_de_l_egalite.html

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> Iván Puñal (aka The Pleasant View )​ ​(esp)

Miniconcierto con audio improvisado sobre vídeo generativo 2019

El proyecto audiovisual "Universo 25" nos habla de los experimentos realizados por el Dr. John Calhoun durante más de 2 décadas en los años 50. En ellos estudiaba el comportamiento de ratas en espacios cerrados, en los cuales existían recursos ilimitados para que estas viviesen sin competir por recursos naturales.

En todos sus experimentos descubría que los efectos de la sobre población terminaban por conducir a la extinción de la colonia, a pesar de contar con todo lo aparentemente necesario para una convivencia y desarrollo pacíficos y normales. Los estudios de Calhoun se usan actualmente en sociología urbana moderna para analizar el comportamiento del ser humano en grandes ciudades. El proyecto "Universo 25" nos muestra por tanto una visión distópica del mundo y los efectos a largo plazo.

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CONDE DUQUE

Luces, Polvo, materiales: la construcción del espacio 13.09.2019. 19:30h

Artistas: ​Mateo Maté ​(esp), ​Elsa Brès ​(fra)​, Amaya Hernández Sigüenza ​(esp), ​Elena Lavellés​ ​ (esp), Bárbara Fluxá ​(esp), ​Magiae Naturalis ​(esp), ​Hiroya Sakurai (jap),​ Julieta Caputo y ​Ariel Uzal​ (arg) y ​Chia-Yun Wu​ ​(twn)

Luces, Polvo, materiales: la construcción del espacio 13.09.2019. 19:30h

Y sí, todo es espacio: la distancia entre las cosas, así como el lugar que estas ocupan o son. Construir un espacio, por tanto, no consiste en crearlo ​ex nihilo o rellenar un improbable vacío sino, más bien, en conquistar un área de coordenadas físicas o simbólicas para atribuirles un nuevo significado y, en su caso, desterrar otro.

Encontramos a los artistas de esta muestra a lo largo del espectro de tareas que implica esta labor: recorriendo, seleccionando, inventariando, demarcando, reconociendo y reconociéndose, cartografiando, anhelando, juntando, transformando, trazando, y, permitiendo o deseando a su vez la otra cara de la moneda, esto es, el derrumbe, la disolución o la destrucción, aunque sea de la propia destrucción.

Sirviéndose de una variedad heterogénea de elementos de señalización, como medios digitales, utensilios cotidianos, materia orgánica, sucesos físicos, así como el material en el que consisten sus propios afectos, memoria y anhelos, somos convocados a estos espacios con capacidad de identidad, de contemplación, de búsqueda, de espera, de estupefacción, de resistencia, que son al tiempo internos y externos, íntimos y comunes a todos, espacios-refugio y espacios-trampolín, espacios del ahora, del entonces y del ojalá, puntos de llegada y a su vez de partida, en los que también ahora nosotros nos debemos situar y construirnos.

Texto: ​Begoña Moreno-Luque

> Mateo Maté ​(esp)

Viajo para conocer mi geografía Instalación 2001

Viajo para conocer mi geografía es un proyecto en proceso en el que reflexiono sobre la existencia individual a partir de una serie de elementos que conforman mi entorno doméstico. Un cochecito de juguete recorre, con una cámara en su lomo, mi universo íntimo, magnificándolo a su vez en una pantalla. Un autorretrato a través de mis objetos cotidianos. Una obra por la que transita un sentimiento de melancolía provocado por las ausencias de aquello que ya ha tenido lugar. “Si consideramos que no disponemos de nada más allá de nuestras sensaciones, son éstas las que debemos explorar como si fueran parajes desconocidos”.

El sociólogo ​Michel de Certeau describe en La invención de lo cotidiano: “Lo cotidiano se inventa con mil maneras de cazar furtivamente”. Creatividad cotidiana contra las luchas de poder ejercidas en nuestro entorno más familiar.

Los restos de una cena, una mesa, una colilla, una lámpara, una manta, un juguete con ruedas… Son algunos de los objetos que conforman mi geografía, muchos de ellos me han acompañado siempre y con ellos he recreado mi memoria y viajes pasados.

I travel to know my geography is a project in process in which I reflect on the individual existence from a series of elements that make up my domestic environment. A toy car travels, with a camera on its back, my intimate universe, magnifying it in turn on a screen. A self-portrait through my everyday objects. A work that transits a feeling of melancholy caused by the absence of what has already taken place. "If we consider that we do not have anything beyond our sensations, it is these that we should explore as if they were unknown places".

The sociologist Michel de Certeau describes in The invention of the everyday: "The everyday is invented with a thousand ways to poach." Daily creativity against the power struggles exercised in our most familiar environment.

The remains of a dinner, a table, a cigarette butt, a lamp, a blanket, a toy with wheels ... These are some of the objects that make up my geography, many of them have always accompanied me and with them I have recreated my memory and past trips .

https://mateomate.com/obra/viajo-para-conocer-mi-geografia/

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> Elsa Brès ​(fra)

STELLA 50.4N1.5E 14:40 2016

Un mar de dunas. Un balneario desocupado. Manos juntando un montón de documentos. El paisaje es una arquitectura.

A sea of dunes. An unpopulated seaside resort. Hands putting together a heap of documents. The landscape is an architecture.

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> Amaya Hernández Sigüenza ​(esp) Tiempo virtual Instalación site specific

La video instalación es una pieza site specific donde un vídeo en 3D es proyectado y mappeado sobre un edificio concreto, en este caso el Conde Duque. Se realizará tras investigar cómo eran las antiguas vidrieras del espacio y cómo incidía la luz en ese lugar. Con este gesto se quiso recuperar la memoria arquitectónica del edificio.

Se propone dialogar con una arquitectura concreta, generando una nueva video instalación site specific que ponga en valor la memoria del edificio.

The video installation is a specific site where a 3D video is projected and mapped on a specific building, in this case the Conde Duque. It is about finding out what the old stained-glass windows of space were like and how the light shone in that place. With this gesture the architectural memory of the building is recovered. It is proposed to dialogue with a concrete architecture, generating a new video installation specific site that puts in value the memory of the building.

Ejemplo: https://vimeo.com/202210091

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> Elena Lavellés​​ (esp)

Expanded Stratigraphy 2019 vídeoinstalación ​site specific Expanded Stratigraphy explora la intersección de diversos estratos sociales con capas geológicas a partir de una experiencia espacial que incluye vídeo, sonido y materiales.

Expanded Stratigraphy explores the intersection among several social strata by using geological layers inside a spatial experience which comprises video, audio and materials.

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> Bárbara Fluxá ​(esp)

El capítulo de los áridos (CaCO3) Instalación pluridisciplinar (proyección audiovisual, video holograma 3D y cartografías pictóricas)

El capítulo de los áridos (CaCO3) f​ orma parte de la serie de creación artística con título ​Capital natural ​que reflexiona sobre uno de los grandes debates de la sociedad actual: las problemáticas existentes en las relaciones humanidad, tecnología y naturaleza. Nadie duda que los grandes retos del siglo XXI son el ​agotamiento de los recursos naturales y la sobreexplotación del territorio por parte del sistema económico hipercapitalist​a. ​Capital natural ​se divide en varios capítulos, cada uno de los cuales se centra en una materia prima como eje de reflexión crítica y simbólica sobre los distintos paisajes culturales, hoy, en crisis. Los distintos capítulos, se formalizan como instalación artística multidisciplinar, compuesta por material audiovisual, fotográfico, dibujos, modelos digitales 3D, esculturas, documentos de archivo, publicaciones y las distintas materias primas: sal, roca o madera. Por el momento, están en proceso los dos primeros: ​El capítulo del mar (NaCl+H2O) ​y ​El capítulo de los áridos (CaCO3).

El capítulo de los áridos (CaCO3) b ​ usca el señalamiento de la sorprendente capacidad técnica del ser humano contemporáneo para hacer desaparecer del mapa geológico, en tan solo unos segundos, enormes espacios rocosos de millones de años de antigüedad. Cientos de montañas explotadas para la extracción de materias primas como la piedra caliza, conforman hoy la morfología de nuestro paisaje contemporáneo a nivel global. A lo largo de la segunda mitad del siglo XX, ha existido una ingente demanda de recursos áridos –en nuestro país sobre todo la Cordillera Cantábrica– generada por parte de la industria y la ingeniería civil, ya que es materia prima indispensable para la construcción de carreteras, edificios, presas, etc. ¿Cómo estas industrias transforman el paisaje?¿Cuándo o dónde está el límite de su actividad?¿Es la única salida?

Como ejemplo paradigmático de este complejo panorama, la instalación audiovisual tiene como protagonista una pequeña cantera del Concejo de Salas, en Doriga, Asturias. Un paisaje familiar para la artista, aldea de nacimiento de su familia, y donde ella misma ha vivido de primera mano la llegada del proyecto de desarrollo moderno: explotación de cantera, construcción de autopista y radiales de carreteras. ​El capítulo de los áridos (CaCO3) q ​ uiere funcionar como una herramienta crítica de reflexión hacia la explotación del territorio; pero también es una herramienta de resarcimiento emocional, un espacio utópico donde recuperar el espacio/tiempo perdido o donde revisar el devenir de los acontecimientos a través de la fusión de imágenes y sonidos de la cantera. Un palimpsesto visual y sonoro de las distintas morfologías vacías del paisaje contemporáneo astur en conflicto, un espacio rural, industrial, urbano y natural en constante transformación en la era del Antropoceno.

The chapter of the aggregates (CaCO3) is part of the series of artistic creation entitled Natural capital that reflects on one of the great debates of today's society: the existing problems in the relations humanity, technology and nature. No one doubts that the great challenges of the 21st century are the depletion of natural resources and the overexploitation of the territory by the hypercapitalist economic system. Natural capital is divided into several chapters, each of which focuses on a raw material as the axis of critical and symbolic reflection on the different cultural landscapes, today, in crisis. The different chapters are formalized as a multidisciplinary artistic installation, composed of audiovisual material, photographs, drawings, 3D digital models, sculptures, archival documents, publications and the different raw materials: salt, rock or wood. At the moment, the first two are in process: The chapter of the sea (NaCl + H2O) and The chapter of the aggregates (CaCO3).

The chapter on aggregates (CaCO3) seeks to point out the surprising technical capacity of the contemporary human being to make huge rocky spaces of millions of years old disappear from the geological map in just a few seconds. Hundreds of mountains exploited for the extraction of raw materials such as limestone, today make up the morphology of our contemporary landscape on a global level. Throughout the second half of the 20th century, there has been a huge demand for arid resources -in our country, especially the Cantábrica Coordillera- generated by industry and civil engineering, as it is an essential raw material for construction of roads, buildings, dams, etc. How do these industries transform the landscape? When or where is the limit of its activity? Is it the only way out?

As a paradignative example of this complex panorama, the audiovisual installation has as its protagonist a small quarry of the Salas Council, in Doriga, Asturias. A familiar landscape for the artist, the village where her family was born, and where she herself has experienced the arrival of the modern development project: quarry exploitation, highway construction and road radial. The aggregate chapter (CaCO3) wants to function as a critical tool for reflection towards the exploitation of the territory; but it is also a tool of emotional restitution, a utopian space where to recover lost space / time or where to review the evolution of events through the fusion of images and sounds from the quarry. A visual and sound palimpsest of the different empty morphologies of the contemporary Astur landscape in conflict, a rural, industrial, urban and natural space in constant transformation in the Anthropocene era.

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> Magiae Naturalis ​( Enrique Corrales Crespo & Eva Mónica de Miguel Sanz ) (esp) Cámara oscura 2019 Instalación Site specific

Usando una gran tienda de campaña del ejército francés, Magia Naturalis desarrolla un enorme dispositivo óptico de naturaleza inmersiva en el que se combina dos modos de formación de imagen, la imagen con lente y la imagen estenopeica.

El interior de la carpa se divide en dos estancias, en la primera un dispositivo de lentes simples con distintas distancias focales proyecta imágenes sobre una superficie esmerilada. Un conjunto de cámaras oscuras generan, a tiempo real, imágenes de una plasticidad pictorialista, en donde el visitante podrá explorar e interactuar con el dispositivo.

La segunda estancia se trata de una gran cámara oscura sin lente, cámara estenopeica. A través de una serie de agujeros en la lona de la tienda (estenopos), se proyecta una imagen invertida del exterior, un dispositivo óptico que genera una imagen casi natural de una sencillez y poética asombrosa. La instalación permite modificar el tamaño del estenopo que forma la imagen lo que posibilita la espectador experimentar con cómo la variación del diámetro del agujero hace variar las características de la imagen.

La instalación permite al visitante capturar las imágenes producidas en el interior de la tienda con sus cámaras y dispositivos móviles.

Using a large French army’s tent, Magiae Naturalis develops a huge immersive optical device.

Inside the tent, images are formed using two different ways. Lens images and pinhole image are combined.

The space is divided into two rooms. In the first one, a simple lens device with different focal lengths projects images on a surface. Some cameras obscura depict the outside landscape in a pictorialist mode. Visitors can explore and interact with the device.

Second room is a huge pinhole camera without lens. Through different holes, a reversed image is projected. The camera generates an almost natural image so simply and poetics. The visitor modifying the size of the pinhole can experiment changes in the characteristics of the image.

The images inside can be shooting with cameras and mobile devices.

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> Hiroya Sakurai ​(jap) The Stream VIII 7:00 2017

En los cursos de agua artificiales de los arrozales, el agua en la naturaleza debe seguir reglas artificiales. De esa manera, la naturaleza se hace abstracta, dando lugar a una nueva forma de belleza distinta del estado natural. El tema de este trabajo es la vivacidad del agua, ya que sigue el curso hecho por el hombre.

Este trabajo es un ballet que utiliza el sonido y el movimiento de las algas y el agua. Con el canal como teatro, filmé la coreografía de las algas que fluyen en el agua.

En el episodio VIII de The Stream, me enfoco en el origen del arroyo en la vía fluvial en el campo de arroz. La corriente es producida por una bomba hecha por el hombre, que extrae agua subterránea a la superficie y la lleva al campo de arroz. El agua en el campo de arroz luego se drena a través de una enorme estación de bombeo de drenaje que alimenta un gran río.

Al editar la grabación, conservé solo la frecuencia que suena como la voz de una persona. El sonido resultante que el público escucha es como un coro.

In the man-made waterways of rice paddies, the water in nature must follow artificial rules. In that way, nature is made abstract, giving rise to a new form of beauty distinct from the natural state. The theme of this work is the liveliness of the water as it follows the man-made course.

This work is a ballet using the sound and the movement of the algae and water. With the waterway as the theater, I filmed the choreography of the algae that flows in the water.

In episode VIII of The Stream,I focus on the origin of the stream in the waterway at the rice field. The stream is produced by a man-made pump, which draws underground water to the surface and carries it to the rice field. The water in the rice field then drains through a huge drainage pump station that feeds into a large river.

When editing the recording, I retained only the frequency that sounds like a person’s voice. The resulting sound that the audience hears is like a chorus.

Previous screenings​2018 "the 2018 Short Film Corner",71st Festival de Cannes,France.

"21st Japan Media Arts Festival",The National Art Center, Tokyo "Aperture: Asia & Pacific Film Festival ",The Horse Hospital, London "12th San Francisco Frozen Film Festival”,Roxie Theater and PianoFight,San Francisco “The 6th Moonrise Film Festival”,Canada "11th Mosaic World Film Festival”,Rockford,IL,USA "OFF THE WALL 2018",Madison,USA "Strano Film Festival”,Capestrano, Italy "22nd International Video Festival VIDEOMEDEJA”,Museum of Contemporary Art of Vojvodina, Serbia "11th Strangloscope, Experimental Film,Audio & Performance International Festival”,Florianópolis, Brazil "BIDEODROMO 2018 International Experimental Film and Video Festival" ,Bilbao, Spain "3rd Pile of Bones Underground Film Festival",Regina, Saskatchewan, Canada "28th The International Film Festival «Message to Man» ",St. Petersburg, Russia "23ard Split Film Festival ",Croatia "17th Innsbruck Nature Film Festival 2018",Austria "16th The International Festival SIGNES DE NUIT (SIGNS OF THE NIGHT) ", Paris "21st Antimatter[Media Art]",Deluge Contemporary Art,Canada Award: 2018 “Audience Choice Award for Best Experimental Film” and “Best International Film” at The 6th Moonrise Film Festival in Canada. "Special Mention" at "BIDEODROMO 2018 International Experimental Film and Video Festival" in Bilbao, Spain. "Special Jury Mention"at "30th Girona Film Festival" in Girona,Spain

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> Julieta Caputo y Ariel Uzal​ ​(arg)

Un derrumbe posible 4:00 2018

Un derrumbe posible es una videoinstalación que presenta un espacio configurado por cuatro proyecciones de video. Cada canal consta de una fotografía intervenida mediante animaciones; éstas simulan la deconstrucción estructural de los objetos fotografiados. La forma visual y la cadencia de las animaciones está vinculada a una sucesión de eventos sonoros. Cada sonido es una grabación directa de un suspiro de los artistas. La obra explora la posibilidad de la caída, construye un espacio donde vincularse con el desarme, la pérdida del exoesqueleto y la tregua. Es una representación visual y espacial que nace del encuentro, de la chance improbable de soltarse en y sobre otro. De esta forma, la instalación configura un refugio, un asilo, un derrumbe posible.

A possible collapse is a video installation that presents a space configured for four video projections. Each channel consists of a photograph intervened through animations; Keep simulated the structural deconstruction of the objects photographed. The visual form and the cadence of the animations are linked to a succession of sound events. Each sound is a direct recording of an artists artist. The work explores the possibility of falling, builds a space where it is linked to desire, the loss of the exoskeleton and the truce. It is a visual and spatial representation that is born of the encounter, of the improbable possibility of letting go in and over another. In this way, the installation configures a refuge, an asylum, a possible collapse.

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> Chia-Yun Wu​ ​(twn)

darkness within darkness 5:50 / Video installation / Dimensions variable / 2019 “Darkness within darkness” (oscuridad dentro de la oscuridad) es un vídeo de papel que combina imagen digital y material físico. Con esta pieza el artista trata de investigar la esencia de la imagen en movimiento tratando de transformar el medio para deducir aquella.

Puesto que las tiras de película son transparentes y lisas, la realidad puede representarse por medio de una proyección, lo que hace que el paso el tiempo sea imperceptible al público, sin embargo con el desarrollo de la tecnología digital la imagen ya no se muestra sobre materiales físicos como la película o el papel fotográfico sino que puede existir en la memoria de un ordenador. Desde entonces la imagen se ha convertido en data virtual. Por otro lado, debido a la persistencia de la visión humana es posible interpretar una cantidad abundante de imagen fija continua como imagen en movimiento. De acuerdo con esto el artista ha dividido el video digital entre el ratio de 24 fotogramas por segundo y mediante un proceso de impresión en papel y escaneo como archivos digitales, ha logrado que el video recompuesto incorpore la textura de los papeles. La pieza no es solo data virtual sino que existe físicamente. El contraste entre lo que está fijo y lo que está en movimiento y entre lo virtual y lo físico, ha llevado al artista ante el concepto taoista de “cuerpo con dos caras”, “darkeness within darkness” aspira, al igual que el Tao a abarcar el contraste entre el vacío y lo inagotable, lo oculto y lo siempre presente, lo instaurado y lo abstracto.

Darkness within darkness is a paper made video combined with digital image and physical material. Through the work, I was trying to investigate the essence of moving image, and attempted to transform the medium in order to deduce.

As the film strips are transparent and smooth, the reality can be re-presented through projection, which makes the passing of time unnoticeable to viewers. However, with the development of digital technology, image no longer only displays on physical materials such as film or photo, and can exist within computer memory. From then on, image has become virtual data. In addition, as the persistence of vision of human eye, we’re able to read the abundant amount of continuous-still-image as moving image. I thus divided the digital video into the film ratio of 24-frame-per-second, and through the process of printing on papers and scanning as digital files, the re-composed video has carried the texture of the papers. The work is not only a virtual data but also a physical existence. According to the contrast between stillness and movement, virtual and physical, I’ve been led to the concept of “one body with two sides”.

Throughout the experiment of medium transforming, I started to trace the origin of the “one body with two sides”, whose concept is based on Chinese philosophy of Taoism. Tao is a formless natural law that yet informs a way of life whilst eternally resisting description. It’s empty yet inexhaustible; hidden but always present; a way of life yet not a locatable truth. I used the fundamental and abstract substances from nature as image elements so as to visualize the mysterious Oriental time. darkness within darkness seeks, in the same way, to be comprised of the very contrast between the established and the abstract.

https://youtu.be/f51G9n5JdrI Work: ​http://chiayunwu.com/darkness-within-darkness Website: ​chiayunwu.com

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SALA EL ÁGUILA Hacia una breve historia de la música (en cinco piezas de videoarte) 14.09.2019. 19:30h

Artistas: ​Gonzalo Puch ​(esp), ​Març Rabal​ (esp), ​Marc Vilanova Pinyol​ (esp), ​Ricardo Moreno​ (col) y ​Ángel Núñez Pombo​ (esp)

Esos extraños objetos que habitualmente denominamos instrumentos musicales recaban una notable atención en las piezas reunidas estos días por el festival PROYECTOR en la Sala El Águila. Aunque, si se presta más atención, en estas cinco obras la importancia recae —sobre todo— en las relaciones de determinados sujetos con esos objetos. Así que quizás convendría hablar, más que de extraños objetos, de extrañas relaciones. Pero, ¿alguien aquí ha experimentado, alguna vez, una relación que no tenga algo de extraño?

Para muchas personas —algunas con cierto criterio respecto a otras manifestaciones artísticas— la Historia de la Música, escrita así en mayúsculas, comienza con Johann Sebastian Bach. Esa misma gente puede tener una cierta noción de que antes del siglo XVIII —en el que brilló “el cantor de Leipzig”— hubo, necesariamente, otras músicas. Pero tal es la fascinación ejercida por el legado bachiano que numerosos programadores apenas dejan entrar en sus auditorios sonidos previos al Barroco. Así que tiene cierto sentido que nuestra abreviada historia de la música —nosotros preferimos las minúsculas— comience con ​Miho​, de ​Ángel Núñez Pombo​, donde resuena la interpretación, por parte de una violinista, de una transcripción del Preludio de la segunda Suite para violonchelo solo. En Madrid ya habíamos tenido la oportunidad de disfrutar de este trabajo cuando, en octubre de 2010, se filtraron por vez primera nada menos que en el Auditorio Nacional de Música de Madrid algunas piezas de videoarte (más bien de “arte contemporáneo” en general, pues en el programa de “Longitudes de onda”, comisariado por Chema de Francisco para la Feria ESTAMPA, también figuraba alguna ​performance)​ . Ahora los latidos y las respiraciones de la citada violinista —que, como la música de Bach, permanece eternamente joven— dialogan no sólo con los fragmentos de la suite (a los que interrumpen continuamente, como si de un canto responsorial se tratase), sino también con las otras cuatro piezas aquí reunidas.

El peso de la tradición musical también está presente en el reciente trabajo de ​Gonzalo Puch​ titulado ​Cosas que sucedieron.​ Esa carga se materializa en la enorme masa del contrabajo —otro instrumento de cuerda de larga tradición— que protagoniza esta pieza, y se contrapone a la ligereza con la que vuelan las pelotas de baloncesto a lo largo de esta fascinante fotonovela. La pieza remite a ese formato apelando a otras obras maestras —como ​La Jetée​ de ese Bach del siglo XX que fue Chris Marker—, pero también incorpora diferentes materiales, como dibujos o pequeñas secuencias de imágenes en movimiento.

Al igual que sucede en la pieza de Núñez Pombo, el discurso que nos presenta Puch está deliberadamente fragmentado, y de nuevo unos elementos interrumpen a otros continuamente. Pero ​Cosas que sucedieron​ plantea una separación, una cesura, entre imágenes y sonidos: no hay una relación causal clara entre ellos durante la mayor parte de la obra. Aparece aquí una diferencia importante entre los dos trabajos hasta ahora comentados (lo que nos permite dar un paso más en esta acelerada historia de la música). En ​Miho​ se alternaban los sonidos del violín con los latidos del corazón y la respiración de la violinista, configurando un discurso sonoro complejo —pero unificado— que podría describirse como ajeno a cualquier forma de significación “extramusical”. Allí, como en la música de Bach, los sonidos —al igual que todos los demás elementos de la obra— no pretenden representar nada más allá de sí mismos. En la obra de Gonzalo Puch, por su parte, sí se nos propone una suerte de narración, una continua tentativa —nunca clara ni transparente— de significación. El uso de material encontrado —desde fotogramas de cine clásico hasta imágenes publicitarias— inunda y tiñe un discurso nunca perfectamente inteligible, que nos invita como espectadores a un continuo ejercicio de interpretación. ¿Actúan las manchas de tinta, o las de sangre, como metáforas? ¿Qué deberíamos pensar, o sentir, cuando coincide en la pantalla la violencia de los impactos de las pelotas de baloncesto con la violencia de los golpes de arco sobre el contrabajo?

Solamente cuando apareció el concepto de “música programática” —que también nos invitaba, como oyentes, a imaginar historias y metáforas— pudo también surgir la idea de “música absoluta” —aquella que no necesita de aditamentos narrativos, más allá del ​mero​ sonido, para transmitir su mensaje—. Estamos en el Romanticismo.

El trabajo de ​Marc Vilanova​, ​Saxophone Miniature I,​ nos confronta con la interioridad de otro instrumento —en este caso inventado ya a mediados del siglo XIX—.

Las luces y las sombras activadas por el movimiento de las llaves genera un espectáculo que, más allá de lo estrictamente audiovisual, tiene algo de táctil. Este efectivo despliegue multisensorial nos recuerda, en su psicodelia estroboscópica, al viaje a Júpiter y más allá imaginado por Douglas Trumbull para la película de Kubrick. Aquello de ​2001: Una odisea del espacio​ era, paradigmáticamente, ciencia ficción, pero ¿existe —podría existir— la “música-ficción”? En ​Saxophone Miniature I,​ desde cierto punto de vista, no hay nada más allá de ese túnel imágenes y de los sonidos que nos ofrecen la pantalla y los altavoces.

Sin embargo, cuando nuestra breve historia de la música alcanza el siglo XX, debemos poner en cuestión la afirmación que cerraba el párrafo anterior. Los sonidos nunca están solos. Su significación no es, ni mucho menos, absoluta, sino que siempre está en relación con otros elementos. Los sonidos están, siempre, situados en un contexto… porque, en realidad, es su escucha la que está, siempre, situada (escuchamos ​desde​ algún lugar: desde una experiencia previa, desde unos deseos, desde una historia, desde una geografía, desde una condición socioeconómica, sociocultural, racial, sexual…). Por eso, aunque en la primera de las obras comentadas —​Miho​— tanto la música de Bach como la dimensión biológica de la intérprete que se nos hace patente a través de sus latidos y su respiración apelen a lo universal (todos latimos, todos respiramos… ¿todos admiramos —o deberíamos admirar— la música de Bach?), es el momento de reconocer que esa obra sería diferente, sería ​otra​ —en más formas de las que aquí jamás se podrían resumir— si esa intérprete (o su oyente) fuese un hombre, o si fuese una niña, si tuviese otros rasgos faciales, si vistiese de otra manera…

La música es, siempre, mucho más que los sonidos. Y los sonidos son, en consecuencia, mucho más que música. Esto nos lo enseñó, mejor que nadie, John Cage.

La videoinstalación de ​Març Rabal​ L ​ es eines i els dies​ parece un homenaje al compositor estadounidense, y en particular a una de sus invenciones más celebradas: el piano preparado. Algunos de los objetos que desfilan en esta pieza —como las gomas de borrar, los lapiceros, la cinta adhesiva…— podrían ubicarse entre las cuerdas de un piano para transformarlo, como hizo Cage, en un instrumento de percusión. Así perdió buena parte de su nobleza, a mediados del siglo pasado, “el instrumento rey”… pero se enriqueció enormemente nuestro universo sonoro, al abrir nuestra sensibilidad hacia sonidos que hasta entonces parecían menos dignos que otros. Desde este nuevo y vertiginoso punto de vista —de escucha, más bien—, todos los pequeños objetos que comparecen en ​Les eines i els dies​ podrían perfectamente ser considerados instrumentos musicales, tan nobles como los aparecidos en las tres piezas anteriormente comentadas. Y la banda sonora de esta pieza, por supuesto, una composición musical.

Concluimos, apropiadamente, con los ​Cantos de libertad​ del colombiano ​Ricardo Moreno​. La obra está compuesta por vídeos inmersivos que registran diferentes paisajes de Cartagena vistos desde una jaula (y proyectados en unas gafas de realidad virtual). Una experiencia del tiempo y de sus duraciones, a través de la insondable lengua de los pájaros. Jugando con la traducción de su apellido a nuestro idioma, de nuevo parecemos estar ante un homenaje a Cage, quien liberó nuestra escucha de diversas y aprisionadoras jaulas. Quizá nunca se lo agradezcamos suficientemente al compositor nacido el mismo año en que comenzó a edificarse la antigua fábrica de cervezas El Águila —hablando de pájaros—. Él nos invitó, siempre sonriente, a un giro copernicano que trasladaba el eje principal de la música desde la producción de sonido hacia la escucha. Esto último sería, desde entonces y para siempre, lo fundamental. Y así se reformuló —entre otras muchas cosas— la Historia de la Música, que pasó a ser una colección de minúsculas y plurales historias de las escuchas. Historias donde caben, igualmente, J. S. Bach y los pájaros.

Texto:​ Miguel Álvarez-Fernández

> GONZALO PUCH ​(esp) Cosas que sucedieron

9:33 2018

Cosas que​…es un trabajo donde el reto es la improvisación. Partiendo de dos únicos elementos: una intérprete de contrabajo y un balón de baloncesto, se organiza una historia donde la música viaja de un lugar a otro. Parte de la narración sucede en el interior de un túnel, allí se mezclan la música y el sonido de la acción del juego de pelota. La historia se extiende y entrecruza con fotos, dibujos y otros elementos desbordando los límites del género.

https://vimeo.com/269656194 http://www.gonzalopuch.com/gonzalo-puch-cosas17/

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> Març Rabal​ ​(esp)

Les eines i els dies 1:38 2017 Videoinstalación en caja de herramientas

Como en una caja de herramientas, se muestra un inventario de instrumentos de trabajo captados únicamente con un escáner doméstico. Sobre la base gris y fría de la máquina digitalizadora gana la apariencia cálida de los del objetos desgastados por el uso a lo largo del tiempo y el baile de sus movimientos.

Mediante el stop-motion se busca homenajear algunos de aquellos utensilios y objetos que día tras día, en el estudio, sirven a la mano de la artista. Focalizar no hacia la obra si no hacia las herramientas que ayudan a hacerla posible.

Radiografía animada del utillaje de un oficio al ritmo de los sonidos que su propio uso emite.

PREMIO de la ​Colección de Teresa Sapey​.

As in a toolbox, an inventory of work instruments is displayed. On the gray and cold base of the machine, the image digitalizes the warm appearance of the objects worn by the use over time and the dance of their movements.

Through stop-motion, we seek to pay homage to some of the utensils and objects that are translated in the day, to study, and to serve in the hand of the artist. Focus not on the work and not on the tools that help make it possible.

Animated X-ray of the tooling of an office to the rhythm of the sounds that its own use emits.

https://vimeo.com/298863612

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> Marc Vilanova Pinyol​ ​(esp) Saxophone Miniature I 1:15 2015

https://vimeo.com/140725034

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> Ricardo Moreno​ ​(col)

Cantos de libertad 2018 Videoinstalación Interactiva

La obra busca crear una zona de inmersión, en donde el espectador asume el lugar de un ave que vive encerrada en una diminuta jaula. El habito de coleccionar pájaros en jaulas como cajas musicales, es una practica popular que es llevada a cabo en algunos lugares del Caribe colombiano. La obra, permite experimentar las sensaciones desde la perspectiva de estos seres que pierden su libertad para convertirse en objetos de deleite estético por su canto. Esta costumbre, ha tomado una gran fuerza en el imaginario colectivo de la costa Caribe, al punto de ser motivo de inspiración de un vallenato (El Mochuelo), pieza de folclore que narra el sufrimiento de un Mochuelo (ave nativa de los Montes de María) para dar alegría a una mujer, como regalo y muestra de afecto de su pretendiente. La obra está compuesta por videos inmersivos 360 que registran diferentes paisajes de Cartagena (ciudad del Caribe Colombiano) vistos desde una jaula (proyectados en unas gafas vr), una composición sonora electroacústica creada a partir de cantos de Meriñe o rosita vieja, tumba yegua, mochuelo y canarios reproducidos en parlantes envolventes dispuestos dentro de jaulas artesanales y una activación en vivo mediante un ensamble con acordeón.

Cantos de Libertad, ha sido presentada en octubre del 2018 en el MAMU Museo de arte del Banco de la República, sede Bogotá, en el marco de la exposición Polisemia. .

The work seeks to create an area of i​ mmersion, which is transmitted to the viewer, feel the experience, live the birds, are in tiny cages, the above is a popular practice carried out in some places of the Colombian Caribbean. The work allows you to experience the sensations from the point of view of these beings. Also, this practice is a great tradition in the culture and the collective imagination of people of the Caribbean coast, the point of inspiration for a vallenato (El Mochuelo), a piece of folklore that narrates the suffering of a Mochuelo (native bird) of Montes de María) to give joy to a woman, as a gift and a sign of affection from her suitor. The work is composed of 360 immersive videos that record different landscapes of Cartagena (city of the Colombian Caribbean) seen from a cage (projected from some glasses vr), an electroacoustic composition created from songs of Meriñe or old rosita, mare tomb, backpacks and canaries reproduced in surround speakers in artisan cages and a live activation through a set with accordion by Lil Letona.

This work was presented in October 2018 at the MAMU Museum of Art of the Bank of the Republic of Bogotá, within the framework of the exhibition Polysemy.

https://www.youtube.com/watch?v=hYud6lo5A2Y

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> ÁNGEL NÚÑEZ POMBO ​(esp)

Miho videoinstalación interactiva

En esta pieza se ha grabado en vídeo digital la interpretación de una joven violinista de “Cello Suite No.2 in D Minor,:I.Prelude” de J.S. Bach. A su vez en el momento de su interpretación se ha grabado el sonido de su respiración, y el sonido de su corazón.

Se proyecta la imagen de vídeo constante que muestra un primer plano del rostro de la intérprete y mediante un sistema de detección de movimiento, se va variando la salida de sonido dependiendo de la posición del espectador en el espacio: cuando no hay nadie en la sala o el espectador se encuentra a distancia se oye la interpretación de Bach, al aproximarse el espectador se activa el sonido de su respiración cesando el sonido de la música y al aproximarse todavía más, se oye el latido de su corazón.

Esta pieza intenta indagar en cómo el sonido afecta a nuestra percepción visual, y cómo mediante un sutil cambio de éste, varía completamente nuestra sensación de lo que estamos percibiendo visualmente. El sonido se utiliza como un bisturí que permite acceder capa a capa al interior de una joven solista en el instante de una interpretación. Esta pieza se origina por el interés de realizar un retrato de un músico tocando en el que el medio fundamental para crearlo fuese el sonido.

Es también fundamental cómo cambia lo que el espectador percibe según su posición en el espacio, y de esta manera activa físicamente su atención haciéndole consciente de su propia presencia como elemento fundamental en la pieza. Esto confiere a este trabajo un aspecto performativo y una conciencia del espacio que le otorga un carácter escultórico.

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MEDIALAB-PRADO 14.09.2019. 21:30h

Artista: ​Wang Lien-Cheng ​(twn)

Smile, you are on camera

La presente instalación video-interactiva indaga la forma en que se experimenta y se percibe la sonrisa. Para ello, el joven artista Lien-Chen Wang emplea como palabra clave ​smile en el buscador de la web de Google. Las expresiones faciales recolectadas fueron capturadas desde todos los ámbitos de la vida a partir del momento en el que se registraron en esta gran compañía multinacional. El resultado es un conjunto de imágenes, accesibles y virtuales, que han sufrido un proceso de des-subjetivización, descontextualización y alienación. El programa concebido interpela al espectador en una dialéctica cibernética detectando su posición a través de una cámara. De este modo, el público se enfrenta con una sonrisa ajena convertida en una representación impersonal, sistematizada y anónima, de la existencia aparente en la que se haya.

Esta instalación permite pensar, por un lado, en el proceso mental que envuelve a una respuesta emocional como sonreír. Tras estas sonrisas “a golpe de ​chesse”​ se desvela un régimen escópico, un programa animado por algoritmos que, bajo una aparente libertad, se encargan de ajustar las imágenes automáticamente en el centro de la instalación, al tiempo que interpelan al espectador y perturban el imaginario social en términos de autonomía e individualización y consciencia colectiva.

Por otro lado, el ideal utópico que supone la creencia de alcanzar un acceso universal al enorme flujo de la información, nos confronta, sin embargo, con el entramado de datos que domina nuestra vida cotidiana. En efecto, una de las principales características del algoritmo es concebir un ​pattern ​de recomendaciones sobre aquellos segmentos del usuario con un comportamiento similar, es decir, se trata de seleccionar, reducir, normalizar y estereotipar un acto a la vez banal y primordial como es sonreír.

El carácter público e interactivo de esta instalación alimentada de experiencias comunes, tanto en su contenido como en su funcionamiento nos remite, no obstante, a la idea de una sociedad-red. Según el sociólogo y economista Manuel Castells, habitamos una “estructura social basada en redes de producción, poder y experiencia” (CASTELLS, 2012 : 132). En ella, el individuo se vincula con una realidad virtual y “unas subjetividades que se redefinen interactuando con las nuevas tecnologías de la información” (POLLOCK, 2015: 32). En este sentido, la presente instalación nos permite identificar y analizar los estados subjetivos y las conductas asociadas con la sonrisa. Si bien la expresión facial de esta experiencia se presenta como un modo natural e instintivo de la comunicación no verbal e intersubjetiva, esto es, un modo de vivir y presentarse en el mundo, un ​big tech como Google viene a determinar un comportamiento dialógico que interfiere en nuestra relación con lo real. Su dinámica se asienta en un recorte subjetivo y una pérdida experiencial, al ampararse de un lenguaje codificado compuesto por un conjunto de reglas y modos personalizados de aplicación universal. En efecto, Google delimita los pasos y la experiencia del usuario acompañándole en la navegación y aportándole verdades, en apariencia únicas y accesibles, asentadas en la creencia en una libertad extragramatical (GROYS, 2014 : 203).

Retomando el título de la obra de Rosa Maria Rodriguez Magda, ​La sonrisa de saturno, este enjambre de ​smiles vendrían, a modo de alegoría satírica, a poner en cuestión la ausencia de una experiencia personalizada al confrontarse con un molde mitológico y cibernético, cuyo sistema de funcionamiento no hace más que legitimar y establecer normas a partir de una semántica neutral y distópica.

Referencias: GROYS Boris (2014) ​Volverse público. La transformación del arte en el ágora contemporánea​, Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Caja Negra.

CASTELLS Manuel (2012) ​Redes de indignación y esperanza: los movimientos sociales en la era de Internet​, Madrid: Alianza.

POLLOCK Griselda (2015) “Modernidad líquida y análisis transdisciplinar de la cultura”, en BAUMAN, Z. (2015) ​Arte, ¿líquido?,​ Madrid: Sequitur, pp. 27-34.

Texto: ​Coral Nieto Garcia

https://www.youtube.com/watch?v=7_F-WyqJQI8&list=UU-0Bt9BERh4BeK4YzW4Ck8A

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EXTENSIÓN AVAM - MATADERO MADRID 15.09.2019. 12h

Chen Wan-Jen​ (twn)

> CHEN WAN-JEN ​(twn)

I Have Come to a Place Where Depression Caught Me out of the Blue video installation 2013-19

The artist places a wooden ladder in between the projector and the wall. The shadow of the object on the wall involves in the projection image. In the projection, there is a silhouette of a man practicing golf. He keeps swinging the club, but actually, the golf ball is placed on the wooden ladder that is not in the projection but the room.

It creates a reality: the ball will never be hit. The dialogue between the physical object and the virtual image continues: the ball is not in the projection, and the golf player is absent from the reality of the viewers. A funny interaction with suspense is intricately formed between the visible physical object and the virtual character in the projection. The shadow of the wooden ladder looks like a building under construction. With a man on the top swinging his club against the golf ball that can never be hit, it creates an absurd but interesting image.

https://vimeo.com/80068985/97aa8f207d

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SALA EQUIS Exploraciones / Experimentaciones 17.09.2019. 19:30h

Artistas: ​Michael Lyons​ (can),​ Rogério Paulo da Silva​ (por), ​Adrián Replanski​ (arg) y ​Rick Niebe​ (ita)

Exploraciones / Experimentaciones

Narraciones arriesgadas y sobre todo inseparables de su medio de expresión, la búsqueda y la reflexión, serán las protagonistas que habiten ​Sala X en esta edición de PROYECTOR Obras que nos llevarán de la mano por el videoarte actual más experimental y en las que encontraremos parte de la esencia de los comienzos de esta disciplina, de fronteras tan flexibles y en continua transformación.

Al igual que los comienzos del videoarte, esta selección de obras sigue indagando en nuevos procesos y soluciones estéticas. No persiguen la copia de ningún suceso real y experimentan con todo, desde el formato hasta las concepciones preestablecidas sobre el artista como creador. Establecen diálogos entre el audiovisual y otras disciplinas como la fotografía fija, la música, la pintura o la danza, expandiendo así los límites del propio lenguaje.

La obra de ​Michael Lyons se conecta con el nacimiento del videoarte en su interés por la experimentación con la propia técnica, así como la reflexión y el cuestionamiento de sus procesos. ​Katagami ​es una animación ​stopmotion de los patrones de un antiguo ​kimono,​ que remite a la estética del cine experimental abstracto de las vanguardias. Las fotografías han sido tomadas con Super8 y el revelado ha sido realizado con ingredientes cotidianos para el autor: polvos de té verde, vitamina C y soda.

La investigación alquímica forma, también, parte del proceso de revelado de ​Film Loop 34: Ryoanji, el segundo vídeo de Michael Lyons proyectado en ​Sala X​, en este caso confiriendo a la proyección sus característicos tonos azulados. La obra se compone de imágenes que, proyectadas por duplicado, una siempre un ​frame por detrás de la otra, relampaguean ante nuestros ojos a un ritmo cada vez más frenético. El sonido, composición de De Ponti & Moretti, termina de construir el audiovisual.

En concreto, las imágenes de este film muestran el histórico jardín Ryōan-ji al nordeste de Kioto y la performatividad social de sus observadores, idea que encuentra su continuidad en la siguiente obra.

Memento ​de ​Rogério Paulo da Silva​, nos muestra una fotografía de un complejo vacacional de los años 30 en el que un grupo de personas observa atentamente lo que está a punto de acontecer en la piscina, como una postal desgastada por el tiempo y contenedora de este a su vez. Miran a un hombre suspendido en el aire en mitad de un salto al agua; agua que, en contraste al resto de la imagen, está en movimiento. Imposible no acordarse de ​Reflecting Pool de Bill Viola. En esta ocasión el movimiento del agua y el sonido van subiendo de intensidad, captando tanto la atención de los personajes de la postal, como de los espectadores contemporáneos.

La figura del observador, el ritmo de las imágenes, la sobreabundancia y otros temas que los vídeos anteriores han dejado flotando en el ambiente, se condensan en la obra de ​Adrian Replanski​. ​Ya es usted parte de una secuencia de transformación nos lleva a mirarnos a nosotros mismo, a reflexionar sobre el valor de la mirada en el mundo en el que vivimos, las dinámicas a las que el logocularcentrismo está derivando en la actualidad y los fallos del sistema.

El quinto video, ​Graffiti ​de ​Rick Niebe​, recorre un grafitti urbano, percibiéndolo como una sucesión de composiciones y trazos, al ritmo de la melodía de una Txalaparta, un antiguo instrumento de percusión vasco. A su manera, esta danza nos devuelve el recuerdo del primer cine experimental abstracto con el que empezamos este viaje, listos para volverlo a disfrutar.

Texto: ​María Suárez de Cepeda

> Michael Lyons​ ​(can) Katagami 3:15 2016

Se fotografiaron antiguas plantillas de teñido de resistencia de kimono con película Super 8 y se procesaron a mano con té verde en polvo.

Antique kimono resist-dyeing stencils were photographed with Super 8 film and hand-processed using powdered green tea.

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> Michael Lyons​ ​(can) Film Loop 34: Ryoanji 1:30 2017

Filmado en 16 mm en el jardín Ryoanji en Kyoto y procesado a mano con té verde. Sonido de De Ponti & Moretti.

Filmed in 16mm at the Ryoanji garden in Kyoto and hand-processed using green tea. Sound by De Ponti & Moretti. https://vimeo.com/154412426

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> Rogério Paulo da Silva​ ​(por) Memento 3:28 2015

El video comienza con una imagen fija que representa una piscina en los años 30 en un centro vacacional. Algunas personas están sentadas alrededor de la estructura mirando a un hombre buceando.

La acción comienza con la transformación de la imagen estática del agua de la piscina en un movimiento de agua junto con un sonido envolvente, acentuando la presencia de una tensión creciente. Una agitación inesperada del agua anuncia el presagio de un evento visual extraño (extraño).

The video begins with a still image representing a pool in the 30’s at a vacation resort. Some people are sitting around the structure watching a man diving.

The action begins with the transformation of the static image of the pool water in a water motion along with surround sound, accentuating the presence of a growing tension. A unexpected agitation of the water announces the harbinger of a strange visual event (uncanny).

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> Adrián Replanski​ ​(arg)

Ya es usted parte de una secuencia de transmisión 3:22 2018

Históricamente la filosofía consideró la visión como el más objetivo y noble de los sentidos, lo que quizás explica que las primeras utopías de conectividad tomaran lo visual, y por extensión la cámara, como la herramienta más idónea para crear un mundo racional. Hoy, sin embargo, constatamos que la cámara se encuentra en el centro de una proliferación viral de re-presentaciones, que ha terminado por hacer explícito un deseo febril de visibilidad. ¿Pero, dónde se encuentra realmente el punto de infección?

Historically, philosophy considered vision to be the most objective and noble of the senses, which perhaps explains why the first connectivity utopias took the visual, and by extension the camera, as the most suitable tool to create a rational world. Today, however, we find that the camera is at the center of a viral proliferation of re-presentations, which has ended by making explicit a feverish desire for visibility. But, where is the point of infection really?

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> Rick Niebe​ ​(ita)

GRAFFITI 1:00 2018

Cinematic hommage to urban graffiti [An abstract exploration of urban graffiti based on a musical improvisation on txalaparta an ancient basque instrument] Mus: TTUKUNAK (Maika & Sara Gomez) Live in Grottaglie (ITALY) 1 may 2011 (excerpt)

https://vimeo.com/278521147

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SECUENCIA DE INÚTILES El cuerpo 19.09.2019. 19:30h

Artistas: ​Fenia Kotsopoulou​ (gre), ​Ángel García Roldán​ (esp), ​Anna Gimein​ (eeuu) y ​Elke Andreas Boon​ ​(bel)

> Fenia Kotsopoulou​ ​(gre) This dance has no end 10:59 2018

"Lo que sucede cuando alguien muere es que nosotros, los vivos, tenemos su memoria dentro de nosotros ... Seguirán viviendo, los celebraremos y bailaremos como si no hubiera un mañana". Diane Torr Un baile dedicado a la artista, drag rey y activista Diane Torr que falleció en 2017. Un año al día, bailo en una habitación negra: un solo disparo que fusiona hombres y mujeres como oda a la vida y la muerte. En silencio escucho las palabras de Diane "Toma espacio con todo tu ser. Posee el espacio". Levanto mis brazos y bailo como si no hubiera un mañana mientras la cámara lo sigue. El objetivo no es complacer, sino ofrecerme como sitio para la descarga colectiva.’

"What happens when someone dies is that we, the living, contain their memory within us ... They will live on in us, and we will celebrate them. And dance like there is no tomorrow". Diane Torr A dance dedicated to artist, drag king and activist Diane Torr who passed away in 2017. A year to the day, I dance in a black room : a single shot fusing male and female as ode to life and death. In silence I hear Diane's words "Take space with all your being. Own the space". I lift my arms and dance like there is no tomorrow as the camera follows. The aim is not to please but to offer myself as site for collective unburdening. https://www.youtube.com/watch?v=XOY6uyRZ0fw&feature=youtu.be

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> Ángel García Roldán​ ​(esp)

Tractatus. Der tatsachen und dingen 9:57 2018 Tractatus es una videonarrativa que pone en cuestión la solidez del tiempo y la capacidad de retroceder en él. Si los hechos pueden ser contados desde distintas perspectivas, entonces el tiempo habrá de ser una cuestión real en cada uno de los relatos que conforma la historia.

Tractatus is a videonarrativa that puts in question the solidity of the time and the capacity to go back in him. If the facts can be told from different perspectives, then there will be a real question in each of the stories that make up the story.​ http://veraiconoproduccion.wixsite.com/angelgarciaroldanart/tractatus www.angelgarciaroldan.es

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> Anna Gimein​ (eeuu) La Foto 6:30 2012

La vídeo-acción explora un único gesto, captado por mi abuelo en una foto perdida de la segunda guerra mundial, buscando su motivación interior.

The video-action explores a single gesture, captured by my grandfather in a lost photo of the Second World War, looking for his inner motivation.

https://vimeo.com/12401009

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> ELKE ANDREAS BOON​ ​(bel)

La Gargouille 2015 2 canales

El Gargouille es una instalación de video de dos pantallas. En la primera pantalla, una enfermera se acerca al espectador, se detiene justo frente a él y escupe hacia el espectador, luego desaparece para reaparecer en la otra pantalla donde atrapa el agua, se da la vuelta y se aleja.

La Gargouille is a two screen video installation. On the first screen a nurse approaches the spectator, stops right in front of him and spits towards the viewer, then she disappears to reappear on the other screen where she catches the water, turns around and walks away.

https://loop-barcelona.com/videocloop/video/la-gargouille/ http://www.elkeandreasboon.com

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QUINTA DEL SORDO A​rquetipos colectivos. Sociedades Interconectadas 21.09.2019. 19:30h

Artistas: ​Claudia Valente & Nic Motta ​(arg), J ​ ohn Kelley ​(eeuu), ​Su Yu Hsin ​(twn), ​María Alcaide ​(esp) y ​Michela de Mattei​ (ita) Videoacción ​Paula Lafuente ​(esp)

En la presente sala de exposiciones, se muestran las obras de los artistas John Kelley, Su Yu Hsin, Claudia Valente & Nic Motta, María Alcaide, Michela de Mattei y la videoacción de Paula Lafuente. Una serie de piezas que, a salvo de su heterogeneidad individual, conectan unas con otras en reflexiones en torno al proceso de la interacción: relaciones recíprocas, bien sean entre seres humanos, seres humanos y “animales”, aunque, con mayor hincapié veremos la relación entre seres humanos y máquinas contemporáneas, o, lo que se conoce mejor como “las nuevas tecnologías”. Se extiende así un juego que enlaza con las matrices de conexión y lenguaje, como bien sabemos, las que forman parte del mecanismo de comunicación, percepción e interpretación del cotidiano y de las experiencias vividas o conocimientos empíricos. En este sentido, las nuevas tecnologías han imbricado (e imbrican diariamente) con el devenir de aquellos arquetipos que una vez hubieron caracterizado al colectivo en cuanto construcción de modelos y/o principios que les identifica en tanto idiosincrasia de ​naturaleza universal (Del griego, “arjé”, origen - “Tipos”, modelos: Origen de los modelos. Como ejemplos: Madre, Padre, Persona, Sabio… Muerte, Vida… También haciendo alusión a los comportamientos de las personas).

En definitiva, el arquetipo como ​modelo de interacción​, cuya cualidad algunos aseguran ser innata, y otros la desdicen, permitía a los seres humanos establecer un vínculo bien definido tanto con el lenguaje, los conceptos, los objetos como con los seres de su propia circunstancia, y, seguidamente, reproducirlos, con el fin de fijar una continuidad en el tiempo. Incluso, permitía crear mitos de la imaginación, claro está, siempre atravesada por los símbolos que circunscribían en el entorno.

Esto es, para algunos un avance (evolutivo), para otros un atraso (social); la posibilidad de poder conectarse con otras sociedades (y otros seres) en una suerte de red globalizada e instantánea, nos ha llevado a un canal mucho más fluido en tanto traspaso de conocimientos, imágenes, significados y símbolos, que, finalmente se convierten en un acervo-nube “al alcance de todas las personas”. Es decir, un saber global, un conocimiento colectivo. Empero, uno puede pensar, si la ​naturaleza universal ha cambiado, perdió su carácter “natural”, entonces, tan sólo cabe que se haya convertido en una ​artificialidad ​universal, ya que la tecnología no es más que algo “artificial”. Luego, “fácil” de construir, pero difícil de copiar o reproducir. Por lo tanto, ¿No se ha perdido algún tipo de esencia en el camino?, por ejemplo, ¿La humana?, ¿Acaso ésta nueva forma de interacción, mediante las redes ​sociales​, ha hecho maleable la comunicación, el conocimiento, el comportamiento e, incluso, la ideología y el pensamiento?

Esta muestra, partiendo de la interpretación antes mostrada, ha permitido desarrollar un discurso agrupando los proyectos en tres categorías de interacción:

Interacción de-en directo​. Dentro de la pretensión de manejar un diálogo, directo hacia un receptor, ​John Kelley y ​Michaela de Mattei muestran dos trabajos que ponen en tela de juicio las capacidades comunicativas de los seres humanos: Kelley planeta una situación al caer (si no lo hizo ya), algo que paulatinamente estremece a las sociedades contemporáneas, y corresponde al choque con la (muy esperada) inteligencia artificial. Kelley nos muestra una experiencia, que, más fue un experimento, vivida por un profesor tras instalar en su dispositivo móvil un ​chabot que bautiza con el nombre de “Guster”. Con el tiempo, ​Guster enseña al profesor lo que ha ido aprendido de él en los últimos días, semanas, meses… parece un tipo de alter ego. Esta relación fue haciéndose cada vez más y más escalofriante, pues el Profesor observa en Guster su propia creatividad, afín a la poética, al mismo tiempo, que la depresión latente (La máquina reproduce su identidad). Algo que acaba generando una relación de “malas influencias”. Ante la situación, al Profesor no le queda más remedio que “asesinar” a Guster, desinstalándolo de su dispositivo; Michaela, por su parte, desarrolla un objeto de estudio diferente, digamos, de una relación más bella. No sólo intenta traspasar la barrera de la distancia (de la que tanto sufren los amantes), sino, además, entre especies. Desde 2015, Michaela mantiene una conversación por Skype con Estée Lauder, un ave Myna nacida entre Gloucester e India. Este proyecto ha resultado en cuatro piezas, de las cuales, aquí nos muestra ​Hipnosis (2018)​, un estudio hipnótico para profundizar en los niveles comunicativos con Estée, cuestionando, a su vez, los límites sobre las condiciones del cautiverio que “sufre” el ave. No cabe duda de que los intereses de Michaela se basan en una construcción comunicativa entre la realidad y la ficción en el momento de conversar con Estée.

Lenguajes, ideas, comportamientos. ​La Red, las Redes, Internet; fenómenos de la nueva era que han ido generando lenguajes e ideales con el paso de los años, a la par que diluyendo aquellos que exponíamos en la introducción. ​My terrorist lover​, proyecto de María Alcaide, desenvuelve un relato de ficción autobiográfico donde deja ver la construcción de ideas y lenguajes que devienen de la conexión entre los seres humanos en internet, y el poder que ello tiene. De esta manera, muestra cómo una relación de amor paulatinamente se vuelve en odio, pues, tras sumergirse en las redes sociales, el mundo digital y youtuber, descubrió ciertas tensiones culturales que día a día condicionan las ideologías, como es en este caso, la islamofobia, la tendencia a la radicalización o la estética de la identidad territorial. Un universo impregnado de estereotipos, cuyos canales permiten a María Alcaide reflexionar en torno a la problemática emergente y sus considerables riesgos: de un novio argelino, a un enemigo terrorista; Paula Lafuente interviene en esta exposición con la videoacción ​Tachar_la,​ una performance que vuelve a zambullirse en cuestiones relativas a las aprisionadoras y condicionantes redes sociales. En este caso, Paula se para a pensar en que, más allá de las posibles ventajas que ofrecen, no podemos dejar a un lado la idea de una “dictadura algorítmica que se rige a base de términos y condiciones”. Esto es, en uno de sus ítems, la vida sujeta a un diario visual público (Instagram) con el que compartir, a base de corazones (​likes)​ , un estilo, valga la redundancia, de vida, siendo a su vez la presentación del individuo capitalista mediante una galería de exhibicionismo y conectividad. En ocasiones, de engaños y falsedades.

Conexiones​. Los proyectos de Claudia Valente & Nic Motta y Su Yu Hsin ponen de manifiesto el fenómeno de la conexión, y no sólo reparando en las posibilidades de la máquina tecnológica (​maps​, redes sociales, programas de acción remota…) sino, también reflexionando en la conexión ​natural,​ de origen primitivo, que guarda la evolución para los seres vivos. ​Geografía en Danza y Colisión,​ pieza de Claudia Valente & Nic Motta, extiende un estudio sobre la motricidad y el movimiento, tras observar la similitud de algunos comportamientos humanos, en tanto patrones o sistema pautados/organizados, que presentan algunas comunidades u organizaciones institucionales, por ejemplo, las fuerzas armadas, las formaciones del ejército o las líneas de policía, en relación al movimiento geométrico y sistemático de las medusas. Una suerte de conclusión en torno a la idea de un cerebro colectivo – un sistema único, que se acercaría a la teoría del “Arquetipo e inconsciente colectivo” del psiquiatra suizo Carl Gustav Jung. Aunque, aquí ampliado a todos los seres vivos; Su Yu Hsin revela el poder de la cultura visual generada del utopismo tecnológico, aquella idílica ideología basada en que los avances de la tecnología y la ciencia llevarán a la humanidad al ideal utópico. O, al menos, cerca.

Para ello, Hisn nos presenta ​Water Sleep​, cuyo objeto radica en cómo la humanidad refuerza su dominio sobre la naturaleza a través de la fotografía digital por satélite y la visualización de datos en forma de mapas, gráficos y simulaciones virtuales. Simple: Desde mi propia casa, puedo visitar Hong Kong o el Himalaya sin moverme del escritorio. Concretamente, la pieza de Hsin trataría de un caso comparativo del fenómeno del agua en Junín (Argentina) y Akiyoshidai (Japón). Es decir, mediante el elemento agua, Hsin conecta dos ciudades que se encuentran en dos lados diferentes del hemisferio.

Texto:​ ​Pedro José Trujillo

> John Kelley ​(eeuu)

Guster 4:23 2019

Through brief conversations with an adaptive chatbot, a professor sees more clearly his own creativity and depression in this animated short. "GUSTER" is based on actual messages and poetry written by the titular app.

A través de breves conversaciones con un chatbot adaptativo, un profesor ve más claramente su propia creatividad y depresión en este corto animado. "GUSTER" se basa en mensajes y poesía actuales escritos por la aplicación del propietario.

https://vimeo.com/300566368

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> Su Yu Hsin ​(twn)

water sleep 8:54 2018

“La cultura visual de los tecno-utópicos refuerza el dominio de la naturaleza de la humanidad a través de la fotografía digital por satélite y la visualización de datos en forma de mapas, gráficos y simulaciones virtuales. ” - T.J. Demos

El "dormir en el agua" es un enfoque comparativo del fenómeno del agua en Junin y Akiyoshidai. En Japón, los agricultores locales se esforzaron en la meseta de Akiyoshidai, un paisaje formado por topografía kárstica con corrientes subterráneas activas y sumideros. Desde el otro lado del mundo, Junín, una ciudad en la provincia argentina de Buenos Aires, está rodeada por cuatro lagunas que aún están creciendo en la actualidad. La carretera nacional 7 cruza Junín y une la costa atlántica con los Andes. Lagoon la Picasa cortó la Ruta Nacional 7 en 2017. "water sleep" es parte del proyecto de la Colección Junín, que es un proyecto de la comisión para la Exposición de Desbordamiento en el Museo de Arte Contemporáneo de Junín por la curadora Cecilia Medina.

“The visual culture of the techno-utopians reinforces humanity's mastery of nature through digital satellite photography and data visualizations in the form of maps, graphs, and virtual simulations. ” - T.J. Demos

"water sleep" is an comparative approach to the water phenomenon in Junin and Akiyoshidai. In Japan, local farmers strived on Akiyoshidai Plateau, a Karst-topography-formed landscape with active underground streams and sinkholes. From the other side of the world, Junín, a city in Buenos Aires Province Argentina, is surrounded by four lagoons which are still growing nowadays. National road 7 crosses Junín and links the Atlantic coast with the Andes. Lagoon la Picasa snapped the National Road 7 in 2017. "water sleep" is part of Junín Collection project which is a commission project for Overflow Exhibition in Museum of Contemporary Art Junín by Curator Cecilia Medina.

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> María Alcaide ​(esp)

My terrorist lover 25:16 2018

María Alcaide construye un relato de ficción autobiográfico a partir de una relación amorosa con un chico argelino. De esta manera, el amor toma un papel relevante en el proyecto mostrándose en este caso no tanto como una solución al odio o al miedo sino como el desencadenante de un relato épico.

El proyecto explora ciertas tensiones culturales de la actualidad como la islamofobia o la tendencia a la radicalización y estetización de la identidad territorial utilizando un lenguaje procedente del mundo digital y youtuber. Se genera así un universo impregnado de estereotipos culturales y estética hipercapitalista por medio del cual Alcaide reflexiona sobre una problemática emergente de una manera estridente, corriendo unos riesgos considerables.

María Alcaide constructs an autobiographical fiction story based on a loving relationship with an Algerian boy. In this way, love takes a relevant role in the project, showing itself in this case not so much as a solution to hatred or fear but as the trigger of an epic story.

The project explores certain current cultural tensions such as Islamophobia or the tendency towards radicalization and aestheticization of territorial identity using a language from the digital and youtuber world. Thus, a universe impregnated with cultural stereotypes and hypercapitalist aesthetics is generated through which Alcaide reflects on an emerging problem in a strident manner, taking considerable risks.

https://www.youtube.com/watch?v=f7fHWt5QKYg&t=0s&index=14&list=PLxTeMxrfCdOOnGqjaPJrxF_3wBKJR68R1

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> Michela de Mattei​ ​(ita)

ESTEE LAUDER - Hypnosis session 8:08 2018

Estée Lauder es un ave Myna, nacida en Gloucester y nacida en la India, con quien la artista Michela de Mattei ha estado conversando a través de Skype desde septiembre de 2015. Esta relación a largo plazo ha llevado a la creación de una serie de obras, entre ellas cuatro videos piezas.

Cada video de la serie está formateado como conversaciones de Skype que se desarrollan entre la ficción y la realidad. Para intentar un lenguaje compartido con el ave y reflexionar sobre las posibles conexiones entre humanos y animales, el artista adopta estrategias de tutoría en línea.

En la sesión de Hipnosis (2018), la última película de la serie encargada por Serpentine Galleries como parte del Simposio "La forma de un círculo en la mente de un pez", el artista recurre a la técnica de la hipnosis para profundizar el nivel de comunicación, cuestionando Límites sobre las condiciones de cautiverio.

Estée Lauder is a Gloucester-based, Indian-born Myna bird, with whom the artist Michela de Mattei has been in conversation via Skype since September 2015. This long-term relation has led to the creation of a number of works, including four video pieces.

Each video of the series is formatted as Skype conversations that unfold between fiction and reality. In order to attempt a shared language with the bird and reflect on possible connections between human and animal the artist adopts online tutorial strategies.

In Hypnosis session (2018), the last film of the series commissioned by Serpentine Galleries as part of the Symposium ‘The Shape of a Circle in the Mind of a Fish’, the artist draws upon hypnosis technique to deepen the level of communication, questioning limits on conditions of captivity. https://www.youtube.com/watch?v=60PERmxSZ6k

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> Paula Lafuente ​(esp)

@tachar_la 2019 Performance sonora - Videoinstalación

Vídeo en bucle proyectado o división por segmentos en una tablet o móvil (podrían ser varios en función de apoyos) La performance dura unos 20 minutos y consiste en leer parte de los textos que acompañan las imágenes a través de un estetoscopio conectado a un sintetizador polifónico. Se genera un ambiente sonoro a través de el traspaso de esa información por el cuerpo y la máquina. El vídeo/vídeos puede quedar en formato expositivo. La red social instagram está pensada como diario visual, para compartir a base de corazones un estilo de vida y una presentación del individuo capitalista a través de una galería de exhibicionismo inmediato y conectivo. Más allá de las posibles ventajas que ofrecen las redes sociales no podemos dejar de ver las dictaduras algorítmicas que se rigen a base de términos y condiciones. Tachar_la se acerca desde la corporalidad integrada de la imagen como un revelamiento del cuerpo ciborg que nos conforma en nuestra extensión tecnológica a partir del uso del móvil y de sus aplicaciones. Tachar_la es un ejercicio de resistencia, un rito contemporáneo de extrañamiento respecto a la imagen esperada, ocultismo y cuestionamiento en forma de monocromos residuo-huella de un recorrido por lo cotidiano. Rojos, negros, violetas y rosas marcan una visualidad en el log in, sign up, punto com. Un mantra o código morse que navega entre la lengua inglesa, el español y los emoticonos. Abre a través del cuerpo, y paradójicamente , la creatividad de la máquina, donde aparecen fortuitamente errores de código traducidos a imagen como glitch. Los ‘tiempos hipermodernos’, acuñados por pensadores como Lipovetsky, nos configuran como un ser cuerpo-imágen-máquina en la breve instantaneidad del ‘tecnocapitalismo transaccional y salvaje’, como comenta Fontcuberta en la Furia de las imágenes. Tachar_la cuestiona nuestro vouyerismo distanciandose de su formato de red social en la propuesta expositiva. Un ejercicio de deconstrucción de la imagen que reflexiona sobre nuestro tiempo y nuestra relación con las imágenes. Se trata entonces de un calidoscopio de píxeles que se nos aproxima desde el concepto de la postfotografía, sobre lo que Foncuberta comenta: ‘Nos interesa la postfotografía porque nos invita a extraer pensamiento de nuestras acciones en torno a la imagen, y nos lanza a un ejercicio de filosofía que tiene que ver con nuestra experiencia del mundo digital.La red social instagram está pensada como diario visual, para compartir a base de corazones un estilo de vida y una presentación del individuo capitalista a través de una galería de exhibicionismo inmediato y conectivo. Más allá de las posibles ventajas que ofrecen las redes sociales no podemos dejar de ver las dictaduras algorítmicas que se rigen a base de términos y condiciones. Tachar_la se acerca desde la corporalidad integrada de la imagen como un revelamiento del cuerpo ciborg que nos conforma en nuestra extensión tecnológica a partir del uso del móvil y de sus aplicaciones. Tachar_la es un ejercicio de resistencia, un rito contemporáneo de extrañamiento respecto a la imagen esperada, ocultismo y cuestionamiento en forma de monocromos residuo-huella de un recorrido por lo cotidiano. Rojos, negros, violetas y rosas marcan una visualidad en el log in, sign up, punto com. Un mantra o código morse que navega entre la lengua inglesa, el español y los emoticonos. Abre a través del cuerpo, y paradójicamente , la creatividad de la máquina, donde aparecen fortuitamente errores de código traducidos a imagen como glitch. Los ‘tiempos hipermodernos’, acuñados por pensadores como Lipovetsky, nos configuran como un ser cuerpo-imágen-máquina en la breve instantaneidad del ‘tecnocapitalismo transaccional y salvaje’, como comenta Fontcuberta en la Furia de las imágenes. Tachar_la cuestiona nuestro vouyerismo distanciandose de su formato de red social en la propuesta expositiva. Un ejercicio de deconstrucción de la imagen que reflexiona sobre nuestro tiempo y nuestra relación con las imágenes. Se trata entonces de un calidoscopio de píxeles que se nos aproxima desde el concepto de la postfotografía, sobre lo que Foncuberta comenta: ‘Nos interesa la postfotografía porque nos invita a extraer pensamiento de nuestras acciones en torno a la imagen, y nos lanza a un ejercicio de filosofía que tiene que ver con nuestra experiencia del mundo digital.

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Colección INELCOM

La colección nace como respuesta de INELCOM a ese convencimiento, a la responsabilidad social que las organizaciones empresariales tenemos con la sociedad civil. Se trata de un proyecto cultural de largo recorrido, materializado en la creación de la “COLECCIÓN INELCOM Arte Contemporáneo” en el que se pretende mejorar el acervo cultural español y dar una oportunidad a los jóvenes valores del panorama artístico. El asesoramiento de la colección corre a cargo de Vicente Todolí desde el año 2011, así como el Proyecto Museístico para la ampliación de la misma en la Ciudad de Xàtiva.

La COLECCIÓN INELCOM de Arte Contemporáneo está compuesta hasta la fecha de 82 artistas y 255 obras que van desde dibujo, escultura, fotografía, instalación, pintura y video.

Para PROYECTOR estará el espacio abierto con cita previa durante los días 11 al 21 de Septiembre 2019 y haremos un evento especial el sábado 21 a las 12h con la visita guiada a las piezas audiovisuales de la colección. Además nos ofrece unos autobuses gratuitos desde el centro a su sede. Saldrán enfrente del Museo Reina Sofía a las 11:15h. ​Inscripción aquí​.

Artista propuesto por ​PROYECTOR: ​Andrés Denegri​ ​(arg)

Artistas de la ​Colección INELCOM​: ​Alexandre Estrela ​(por), ​Álvaro Laiz (esp), ​Anthony McCall (ing), ​Antoni Muntadas ​(esp), ​Artur Heras ​(esp), ​Bruce Conner (eeuu), ​Candice Breitz (sud), ​Ceal Floyer ​(pak), ​Claire Harvey (ing), ​Erwin Olaf ​(hol), ​Eugenio Ampudia (esp), ​Fiona Tan ​(ind), ​Francis Alÿs ​(bel), ​Gabriel Abrantes (bra), ​Gusmão / Paiva ​(por), ​Hiraki Sawa (jap), ​Ignasi Aballí (esp), ​Jack Goldstein ​(can), ​Joan Jonas (eeuu), ​José Val del Omar ​(esp), ​Julião Sarmento (por), ​Laure Prouvost ​(fra), ​Liliane Lijn ​(eeuu), ​Marijke van Warmerdam (hol), ​Miroslaw Balka (pol), ​Muntean / Rosenblum ​(aus/isr), ​Macchi / Rudnitzky ​(arg), ​Ólafur Eliasson (din),​ Pavel Büchler ​(che), ​Pieter Geenen ​(bel), ​Raha Raissnia ​(ira), ​Rosa Barba​ (ita), ​Steve McQueen ​(ing) y ​Willie Doherty​ (irl)

> ANDRÉS DENEGRI​ ​(arg)

Bony Áyax 2015 Instalación (160 x 200 x 170 cm)

Instante Bony es una muestra que agrupa una serie de retratos del artista Oscar Bony realizados, en diferentes soportes, por Andrés Denegri. Cada obra de la muestra tiene el mismo origen: una filmación en Super 8 que registra el momento en que Bony se encontraba en su taller trabajando en la serie El triunfo de la muerte, donde balea con una pistola de 9mm sus autorretratos fotográficos. El instante al que hace referencia el título es justamente ese fragmento imperceptible de tiempo en el que sucede el disparo. El tiro es el protagonista, un gesto de muerte y destrucción que se resignifica en instancia creadora. La muestra, que incluye piezas en video y fotografía, presenta también la instalación Bony Áyax, ganadora del Gran Premio en la última edición del Salón Nacional de Artes Visuales.

Rodrigo Alonso

Curador de la muestra Instante Bony en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA)

Instante Bony is an exhibition that groups a series of portraits of the artist Oscar Bony made, in different supports, by Andrés Denegri. Each work in the exhibition has the same origin: a film in Super 8 that records the moment Bony was in his workshop working on the series The Triumph of Death, where he shoots his photographic self-portraits with a 9mm pistol. The moment the title refers to is just that imperceptible fragment of time in which the shot takes place. The shot is the protagonist, a gesture of death and destruction that is remeant in creative instance. The exhibition, which includes pieces in video and photography, also presents the Grand Prize-winning Bony’yax installation in the latest edition of the National Visual Arts Hall.

Rodrigo Alonso

Curator of the Instant Bony exhibition at the Museum of Contemporary Art in Buenos Aires (MACBA)

https://vimeo.com/132211610

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> Alexandre Estrela ​(por)

Flauta 2010 Video FULL HD, color, sonido mono en bucle y estructura de madera.

Sus filmes se entienden como video-instalaciones y proyecciones. Presentados en diversos soportes se expanden espacial y temporalmente.

En esta obra, un vídeo anaglífico muestra un tallo de bambú que vibra en respuesta al sonido del viento. Este video tridimensional se proyecta sobre una pequeña estructura de madera compuesta por dos planos paralelos. La luz fluye hacia la segunda pantalla a través de un agujero perforado en la primera pantalla, que se encuentra en la imagen proyectada del tallo de bambú.

El paso de la imagen a través del agujero y la consiguiente vibración de la luz producida en la cámara entre las dos pantallas conduce a la ilusión de que el sonido se produce en vivo, como si estuviéramos en presencia de un instrumento musical inducido por imágenes.

La interrelación entre el vídeo y el sonido producen sensaciones y emociones en el espectador que contempla la obra.

Las obras de Estrela son una problematización exhaustiva de todos los elementos que constituyen el acto de ver, el proceso que conlleva la construcción de la mirada y el posible desdoblamiento de la imagen en otras dimensiones sensoriales.

His films are consider video installations and projections. Presented on several formats, they spread out spatially and temporally.

On this work, and anaglyph video shows a bamboo stem shaking on reply to the sound of wind. This three-dimensional video is projected on a small wooden structure made of two parallel pieces. The light flows through the first screen to the second one, appearing on the projected image of the bamboo stem.

The path of the image through the hole and the vibration of the light produce on the camera between the two screens generates the illusion of a live sound, as if we were listening to a real musical instrument.

The interrelation between video and sound produces feelings and emotions on the beholder.

Estrela´s work is an exhaustive troubleshooting of all the elements that constitute the act of seen, the process taken on the construction of the gaze, and the possible unfolding of the image to other sensorial dimensions.

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> Alexandre Estrela ​(por)

O som no ar 2010 Proyección de video sobre pantalla de plexiglás.

Vídeo: HD MOV, b/w, 13”, loop, sonido mono.

Pantalla de plexiglás y papel fabriano de 200 gr.

104 x 141 x 24 cm.

O som no ar (El sonido en el aire) es una vaga interpretación del funcionamiento de la onda sónar de un murciélago. En el video, el sonido de ecolocación producido por estos micro mamíferos se reproduce sobre imágenes de una red de cables metálicos. La animación traza una cuadrícula irregular que, una vez proyectada, dibuja una cartografía sobre una pantalla sin soportes de plexiglás. La imagen y el sonido reverberan, absorbidos en parte por la propia pantalla, y por otra parte reflejados a lo largo del espacio.

O som no ar (The Sound in the Air) is a loose interpretation on how a bat sonar works. In the video, the echolocation sound produced by these micro mammal's is played over images of a network of metal cables. The animation draws an uneven grid that, when projected, maps a freestanding plexiglass screen. Image and sound rebound, being partly absorbed by the screen itself, and partly reflected throughout the space.

https://www.youtube.com/watch?v=-GWTdUD2hzk

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> Alexandre Estrela ​(por)

Le Moiré 2010 Video DVD (PAL), color, sonido mono en bucle y pantalla de cristal.

Inspirado en la película Pour le Mistral del cineasta Joris Ivens filmada en 1965 el artista intenta capturar el viento y una vez conseguido, lo libera proyectando su imagen. El video grabado en Bretagne muestra a una palmera devastada por el viento. Esta imagen se proyecta sobre una pantalla de vidrio pintado con rayas blancas.

La pantalla está instalada en una esquina. De esta manera las imágenes proyectadas forman un área cerrada.

El panel de vidrio subdivide la proyección en dos imágenes, creando así tres superficies. El movimiento y el sonido sugieren la formación de viento atrapado en una esquina. La superposición de estas imágenes crea un efecto óptico secundario llamado “moiré”.

Inspired by Joris Ivens Pour le Mistral, filmed in 1965, the artist tries to catch the wind, and once captured, he sets it free projecting its image. The video, filmed in Bretagne, shows a palm tree destroyed by the wind. The image is projected on a glass screen painted with white stripes.

The screen is located on a corner, so the images projected conform a close area.

The glass panel subdivides the projection in two different images, creating three surfaces. The movement and sound suggest the formation of wind catches on a corner. The overlap of these images generates a secondary optical effect called “moiré”.

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> Álvaro Laiz (esp) The Hunter 2016 8 videoretratos y un documental, proyecciones HD. Paisaje sonoro a cargo de José Bautista/Kanseisounds. 30:00

Dersú Uzala -el cazador- toma su título del libro autobiográfico escrito en 1923 por Vladimir Arséniev, en el que narra sus viajes por la Rusia Oriental, su experiencia en la taiga y como cartografió una gran parte de este territorio. El libro es un clásico de la literatura rusa del siglo XIX. El guía que le lleva por esos territorios se llama Dersú Uzala, un cazador nómada de la región. El escritor aprecia la manera en la que éste trata a la naturaleza, de igual a igual.

En 1975 Akira Kurosawa, gracias a la productora rusa Mosfilm, dirigió la película del mismo nombre que ganó un Oscar a la mejor película extranjera. El proyecto se desarrolla en el límite sudoriental ruso, concretamente en la zona de Primorje que limita con China, Corea del Norte y el Mar de Japón. El pueblo Udegei, una comunidad cazadora arcaica y milenaria, son los habitantes de la Jungla Boreal que desde hace cientos de años sobreviven en un entorno hostil. Debido a sus contactos con la naturaleza sus creencias están relacionadas con lo sobrenatural. La que más respeto y temor les infunde es la del tigre siberiano.

En 1997 John Vaillant narra en su obra “El tigre” la muerte de un cazador por el ataque de un tigre. La historia, un hecho real, tuvo como protagonista a un cazador furtivo llamado Markov que, movido por la codicia y la necesidad, pensó que bien valía correr el riesgo de atacar al tigre conocido por su pueblo como Amba y que para los Udegei personificaba el espíritu del bosque. El cazador falló el disparo y se convirtió en presa del tigre herido que rastreó durante días al cazador hasta que localizó su aislada cabaña de caza y esperó la llegada de su presa.

Estos dos libros que cautivaron a Álvaro Laiz fueron el motor de arranque de un proyecto audiovisual y fotográfico que contó con la colaboración de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, ubicada en la localidad leonesa de Cerezales del Condado.

Laiz pasó cuatro meses de convivencia durante los años 2014 y 2015 con cazadores Udegei para conocer su gélido entorno y su estilo de vida. Exploró a través de la fotografía, el vídeo y el audio la relación de estos cazadores con el tigre y los sucesos que han llevado a ambos a los límites de la extinción.

La creencia animalista y chamán de este pueblo es el punto de arranque para analizar y documentar el impacto que la naturaleza causa en la vida de la comunidad cazadora y en la cultura de los Udegei, que tienen que aprender a seguir el rastro de los animales para poder cazar y sobrevivir.

Esta obra se ha plasmado en un libro de edición limitada de la editorial RM presentado en junio de 2017.

Dersú Uzala –the Hunter- takes its title from the autobiographical work written in 1923 by Vladimir Arséniev, in which he narrates his journeys through Eastern Russia, his experience in the taiga and how he mapped a large part of this territory. The book is considered a classic of twentieth century literature. The guide who leads him through these territories is called Dersú Uzala, a nomad hunter from the region. The writer appreciates the way in which the latter treats nature, on equal terms.

In 1975 Akira Kurosawa, thanks to the Russian production firm Mosfilm, directed the movie with the same name that won the Oscar for the best foreign language film.

The project was filmed on the south-eastern border of Russia, specifically in the region named Primorje on the border with China, North Korea and the Japanese Sea. The town of Udegei, an archaic and millennial hunting community, have been the inhabitants of the Boreal Jungle for hundreds of years, overcoming life in a hostile environment. Owing to their contacts with nature, their beliefs are linked with the supernatural. The Siberian tiger is what inspires most fear and respect in them.

In 1997 John Vaillant tells in his story “The Tiger” the death of a hunter mauled by a tiger. The story, a true event, had as its star a furtive hunter named Markov who, motivated by greed and necessity, thought that he could overcome the risk of attacking the tiger known by the people as Amba and who for the Udegei people personified the spirit of the forest. He missed his shot and became the tiger’s prey who searched the latter for days until the beast located his isolated hunting cabin and awaited the return of its victim.

These two books that captivated Álvaro Laiz were the driving force behind the audio-visual and photographic project that featured the collaboration with the Cerezales Antonino y Cinia Foundation, located in the town of Cerezales del Condado, in Leon.

Laiz spent four months in 2014 and 2015 living with Udegei hunters to get a closer handle on their frosty environment and lifestyle. He explored through photography, video and audio, the relationship these hunters maintained with the tiger and the events that have driven both to the limits of extinction.

The pro-animal and shaman beliefs commonplace in this town is the starting point for the analysis and documentation of impact that nature bestows upon the hunting community, and the Udegei culture, who have to learn to follow the trail of these animals to be able to hunt and survive.

This work has been featured in a limited-edition book from the publishing house RM, presented in June 2017. https://www.youtube.com/watch?v=lcc7Xiaz1GU

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> Anthony McCall (rei) Leaving (with Two-Minute Silence) 2009 Ordenador, archivo QuickTime, dos proyectores de video, dos altavoces y dos máquinas para crear niebla (máquinas de humo).

Duración: 32 minutos.

Banda sonora producida en colaboración con David Grubbs. Programa Oleg Ivanov.

McCall recurre a proyecciones minimalistas de cine para crear esculturas de luz. En un espacio expositivo saturado de humo, el haz luminoso crea un volumen etéreo, una forma tridimensional. Cuando el espectador se mueve dentro de ese espacio se ve obligado a concebir de nuevo la idea creada. Representa una profunda meditación corpórea y sensual. Es su primer trabajo en el que incluye sonido compuesto en colaboración con el músico y compositor David Grubbs. La obra consiste en dos proyecciones paralelas sobre una pared. La primera forma comienza como una elipse completa, que se mueve lentamente mientras unos largos rayos se estiran a través del espacio hasta formar un volumen irregular cónico, una superficie ondulante con sombras psicodélicas. La segunda forma comienza en la nada y poco a poco se convierte en una elipse completa. El sonido reproduciendo el ruido de la ciudad acompaña y envuelve al espectador.

Crea proyecciones en formato horizontal que nos recuerda a las imágenes que percibimos en una sala de cine. Y en sus últimos años se aventura con las proyecciones en vertical, colocando el proyector en el suelo, lo que origina que el cono de luz adquiera en la retina del espectador forma de escultura. Incluso el espectador puede rodear y moverse alrededor de las formas volumétricas y sumergirse dentro de ellas consiguiendo una inquietante experiencia visual.

McCall turns to minimalist cinema projections in order to create light sculptures. In an exhibition space that is saturated in smoke, the beam of light creates an ethereal volume, a three-dimensional shape. As the spectator moves around in this space, they are forced to conceive the idea created again. This represents a profound corporeal and sensual meditation. This is the first piece where he has included sound, composed in collaboration with the musician and composer David Grubbs. The work consists of two parallel projections on a wall. The first shape starts as a complete ellipse, which moves slowly while long rays stretch across the space until they form an irregular conical volume, an undulating surface with psychedelic shadows. The second shape starts as nothing and little by little turns into a complete ellipse.

The sound reproducing the noises of the city accompanies and envelopes the spectator.

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> Antoni Muntadas (esp) La Siesta, The Nap, Dutje 1995 Videoinstalación 1 butaca de orejas, sábana blanca, 1 proyector de video, 1 DVD player, 1 equipo de sonido con dos altavoces 8:00 bucle.

Proyecto realizado para la exposición Beyond the Bridge: Joris Ivens; Source for Media Artists, – Netherlands Film Museum de Amsterdam – en la que 6 artistas multidisciplinares de distintas edades y procedencias fueron invitados a realizar una creación propia, pero referida de alguna manera a la personalidad y a la obra del cineasta holandés Joris Ivens (1898-1989).

La Siesta es un autorretrato audiovisual que combina extractos de la obra de la filmografía de Joris Ivens. El hilo conductor es la siesta como intervalo de reposo y relajación, en medio de la cual se insertan breves fragmentos de la filmografía de Ivens – los más experimentales y vanguardistas -, como si fuesen instantes soñados o recuerdos fugaces. El desenlace es el regreso a la realidad y a la actividad interrumpida. Una reflexión sobre la estética y la ética de la creación, sobre la subjetividad y la objetividad, sobre la experimentación y la comunicación. Y por ejemplo, cuando comienza a ocuparse del mundo obrero y sus luchas o de otros asuntos políticos, se advierte una preocupación formal simultánea por la imagen, la fuerza de su composición y la rítmica de la composición.

Es una de las realizaciones más inclasificables de Muntadas. Supone un instante de relajación y una meditación introspectiva. El rotulo que encabeza el video dice An art work is always autobiographical y esta frase define el espíritu de la pieza aunque él no lo hubiera sostenido algunos años atrás. Esta obra ni trata de Ivens ni es exactamente un homenaje, sino que combina fragmentos de algunos de sus filmes a fin de recapacitar sobre ciertas cuestiones y actitudes por las que, tal como perseguían los organizadores del proyecto, un artista multimedia de hoy puede sentirse próximo a las inquietudes, el compromiso y las diversas etapas que caracterizan el perfil de aquel gran cineasta.

Esta vídeo-instalación que el artista realizó en 1995 se presentó en la 7ª Bienal de la Habana en noviembre del 2000 y formó parte de una exposición monográfica titulada Entre/Between que tuvo lugar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía desde el 22 de noviembre de 2011 al 26 de marzo de 2012.

Project created for the exhibition Beyond the Bridge: Joris Ivens; Source for Media Artists, – Netherlands Film Museum in Amsterdam – where 6 multidisciplinary artists of different ages and origins were invited to make a unique creation that referred in some way to the personality and the work of the Dutch film-maker Joris Ivens (1898-1989).

La Siesta is an audio-visual self-portrait that combines extracts of the filmography work of Joris Ivens. The common theme is the nap as a period of rest and relaxation, during which brief fragments of Ivens’ filmography is inserted, the most experimental and avant-garde fragments, as if they were moments from a dream or fleeting memories. The outcome is the return to reality and to the activity interrupted. A reflection on aesthetics and the ethics of creation, on subjectiveness and objectiveness, on experimentation and communication. For example, when he starts to consider the working world and its struggles or other political issues, there is a simultaneous formal concern for the image, the strength of the composition and the rhythm of the composition.

This is one of Muntadas’ performances that is most difficult to classify. It is a moment of relaxation and introspective meditation. The title at the beginning of the video states that An art work is always autobiographical and this phrase defines the spirit of the piece, although he wouldn’t have thought this way some years prior. This piece is not about Ivens nor is it exactly an homage, but rather it combines fragments of several of his films in order to reconsider certain issues and attitudes that, as desired by the project organisers, may lead a modern multimedia artist to feel close to the concerns, the commitment and the various stages that characterise the profile of that great film-maker.

This video-installation that the artist created in 1995 was presented at the 7th Havana Biennial in November 2000 and formed part of a monographic exhibition titled Entre/Between which took place in the Reina Sofía National Art Center from November 22nd 2011 to March 26th 2012.

https://www.youtube.com/watch?v=INbqNks7JCA

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> Artur Heras​ (esp) 365 + 1 2016 Técnica mixta sobre papel.

Medidas variables.

La memoria es el instrumento que determina la relación entre la espontaneidad y la medición del paso del tiempo. Hay fechas concretas cargadas de significación colectiva, fechas que quedan grabadas en los archivos de la comunidad. Pero las vivencias personales acaecidas cada día y cada hora son nuestras. De esta manera damos significado y contenido a nuestro propio tiempo. El número de dibujos corresponde al de los días del año, más uno por los años bisiestos. Las pinturas y dibujos que constituyen esta obra proceden de épocas dispares y distanciadas en el tiempo (1962-2016). Son una recopilación que busca una aproximación desde la espontaneidad de lo vivencial.

Es una colección de memoria gráfica, similar a una autobiografía, acompañada de las palabras de autores cuyos libros andan por casa. Hay en la selección de los fragmentos de texto la intención de destacar, en unos, la mirada plástica o latente en el relato, en otros, las atmósferas próximas o las voces vecinales. Un esbozo para una pequeña antología de recorrido existencial, un modo de significar que los días van pasando en silencio, pero no callados.

Memory is the instrument that determines the relationship between spontaneity and the measurement of the passage of time. There are specific dates loaded with collective significance, dates that are recorded in the community archives. But the personal experiences that take place every day and every hour are ours. In this way, we give meaning and content to our own time. The number of drawings corresponds to the number of days of the year, plus one for leap years. The paintings and drawings that constitute this work come from disparate times and distanced in time (1962-2016). They are a collection that seeks an approach from the spontaneity of the experiential.

It is a collection of graphic memory, similar to an autobiography, accompanied by the words of authors whose books are at home. There is in the selection of text fragments the intention to highlight, in some, the plastic or latent look in the story, in others, the near atmospheres or the neighborhood voices. An outline for a small anthology of existential journey, a way of saying that the days go by in silence, but not silent.

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> Bruce Conner​ (est)

Easter Morning (Mañana de Pascua) 1988/ 2008 8mm video digital, color y sonido. Restaurada digitalmente en 2017. Musica: “In C” de Terry Riley. Interpretada por la Shangai Film Orchestra. © Conner Family Trust.

10:28

Es su última obra maestra terminada. La concluyó poco antes de fallecer en julio de 2008 y resume su trayectoria profesional y su potente experiencia visual y sensual desarrollada durante cincuenta años.

El título se refiere al día que se filmó la película que coincidió con la celebración de la Resurrección de Jesucristo.

Las imágenes incluyen múltiples exposiciones caleidoscópicas de plantas, flores y luces nocturnas intercaladas con flashes de una mujer sentada desnuda -Suzanne Mowat- posando en el alféizar de una ventana en una luminosa mañana de Pascua. Estas imágenes se combinan con primeros planos de patrones gráficos en una alfombra oriental y con las imágenes de un Crucificado de piedra blanca encaramado en el horizonte azul de san Francisco. El desnudo femenino y el Cristianismo son asuntos recurrentes en sus obras y forman parte de la memoria y de los recuerdos de su infancia en el medio Oeste. La inclusión de la alfombra oriental es un leitmotiv en la obra de Conner. Por tanto esta obra se basa en un vocabulario común de motivos visuales y asuntos familiares junto con un enfoque mono lineal prolongado al tiempo cinematográfico que arrancó en el cine de la década de 1960.

La música está compuesta por el minimalista compositor Terry Riley “In C” (1964) e interpretada por la Shanghai Film Orchestra con antiguos instrumentos musicales chinos. Este sonido de tonos arcaicos producido por estos instrumentos nos sugiere y nos transmite una sensación de distanciamiento histórico y geográfico y al mismo tiempo dota a la película de una atmósfera de misterio y enigma.

A diferencia de muchas de sus películas anteriores que presentan a menudo agudas críticas contra los medios de comunicación y sus efectos nocivos sobre la cultura estadounidense, esta obra constituye un ensayo mucho más meditativo realizado gracias a un conjunto de imágenes convincentes e hipnóticas. En ella sugiere una búsqueda inagotable, a veces provisional y defectuosa, de la trascendencia de las especificidades del tiempo y el lugar, las limitaciones de la carne y las vicisitudes de cada día.

El video nos presenta una reinterpretación del metraje de su película inédita, Easter Morning Raga, realizada en 1966 con una sencilla cámara y que Conner consideró un “perfect film”. En contraste con sus obras más famosas como A Movie (1958) y Crossroads (1976) que son yuxtaposiciones de fragmentos de noticieros, pornografía de núcleo blando y películas B, las imágenes que pueblan Easter Morning sirven para reinterpretar el metraje. El artista amplía las imágenes en duración, calibre y velocidad de cuadros lo que produce una enigmática trascendencia visual o una “ausencia de imágenes” y aleja a los espectadores de sus preconceptos y de lo que están mirando. Cuando Conner decidió pasarse a lo digital fue más una cuestión de conveniencia y control que de competencia estructural o formal.

Acompañada por la música rítmica, no es solo un testimonio de la capacidad de Conner para equilibrar el orden y el caos, el control y el azar, sino que revela su interés permanente en formas alternativas de ver y de experimentar.

This is his final finished masterpiece. It was completed shortly before passing away in July 2008 and summarises his professional career path, along with his powerful visual and sensual experience acquired over fifty years in the trade.

The title refers to the day on which the movie was filmed which coincides with the celebration of Jesus Christ’s Resurrection.

The images include multiple kaleidoscopes of plants, flowers and nocturnal lighting interwoven with flashes of a seated naked woman, Suzanne Mowat, posing on the windowsill on a sunny Easter morning. These images are combined with foreground shots of graphic patterns forming an oriental rug, with the images of a crucifix made from white stone enhancing the backdrop of the blue horizon of San Francisco. The female nude and Christianism are recurring themes in his works and form part of the memory and the keepsakes of his childhood in the Mid-West. The inclusion of the o oriental rug is a leitmotiv in Conner’s oeuvre. Therefore, this piece is based on a shared vocabulary of visual motifs and family matters alongside a mono linear prolonged over cinematographic time that burst into life in the cinema of the sixties.

The music has been composed by the minimalist composer Terry Riley “In C” (1964) and performed by the Shanghai Film Orchestra with antique Chinese musical instruments. This sound featuring archaic tones produced by these suggest and transmits to us a sensation of historical and geographical distancing whilst at the same time endowing the film with an air of mystery and enigma.

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> Candice Breitz (sud)

King (A portrait of Michael Jackson) 2005 Filmado en los Estudios de Sonido UFO, Berlín, Alemania, Julio 2005.

Instalación de 16-Canales: 16 Discos Duros.

42:20

Queen, A Portrait of Madonna (2005) y King, A Portrait of Michael Jackson (2005), tratan sobre la relación entre estrella-fan. En ambas obras los dos personajes son retratados en su ausencia, a partir de las proyecciones de los fans que compran sus discos, que los veneran y que les hicieron estrellas en primer lugar. El retrato de Jackson está filmado en Berlín, el de Madonna en Milán una semana más tarde. Una serie de admiradores fervientes de ambas estrellas fueron invitados a un estudio de grabación profesional y se les dio la oportunidad de interpretar individualmente los discos Inmacullate Collection y Thriller de la primera a la última canción.

La propia artista lo explica así: “Quería reproducir la experiencia que se tiene en casa cuando se escucha un disco que uno ama y se canta entero, pero con condiciones de grabación profesionales. Aparte de esto, no hice ningún intento de dirigir a los fans, ellos eligieron lo que querían vestir, si querían traer atrezzo, y cómo querían interpretar el álbum. Algunos bailaron y cantaron como si les fuera la vida en ello. Otros se abrieron paso tímidamente a través de la experiencia”.

King, A Portrait of Michael Jackson (2005), se presentó en España por primera vez, coincidiendo con el 25 aniversario de la publicación de Thriller, el álbum más vendido en la historia de la música.

It was presented in Spain for the first time to mark the 25th anniversary of the release of Thriller, the best-selling album in music history.

It examines the star-fan relationship. The characters are drawn in their absence from the projections of the fans who buy their records, who worship them and who made the stars in the first place. The portrait of Jackson is filmed in Berlin. A group of fervent admirers of the star were invited to a professional recording studio and given the opportunity to perform Immaculate Collection and Thriller individually, from the first song to the last. The artist explains it like this: “I wanted to reproduce the sing-along experience one has at home when listening to a loved record, but under professional recording conditions. Apart from this, I made no attempt at directing these fans, they chose what they wanted to be wearing, if they required props, and how they wanted to interpret the album. Some danced and sang as though their lives depended on it. Others struggled timidly through the experience.”

https://www.youtube.com/watch?v=ZdlH2tpPF6o

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> Ceal Floyer​ (pak) H2O 2002 Dos monitores, dos Dvds y un plinto.

60:00

Consta de dos monitores: en uno se muestra un vaso de agua mineral con gas que pierde su efervescencia y en el otro una olla con agua que lentamente comienza a hervir.

Ceal Floyer describe esta obra como un intento de crear una experiencia, un punto de apoyo entre la anticipación y la retrospección, de crear una zona muerta.

This work consists of two monitors: one shows a glass of sparkling mineral water that loses it fizz and the other shows a pot of water that slowly begins to boil.

Ceal Floyer describes this work as an attempt to create an experience, a fulcrum between anticipation and retrospection in which a dead zone is created.

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> Ceal Floyer​ (pak) Overhead Projection 2006 Proyector de transparencias y bombilla.

Expuesta en la Bienal de Singapur de 2011, los objetos que componen esta obra son un retroproyector y una bombilla. Una vez más vuelve a llamar la atención sobre las cosas cotidianas. La bombilla de luz es el objeto. Utilizamos la luz para iluminar nuestro espacio.

Exhibited at the Singapore Biennale 2011, the objects used in this work are an overhead projector and a light bulb. Again, she draws attention to everyday things. The light bulb is the object. We use light to illuminate our space.

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> Claire Harvey​ (ing)

Into Place 2014 2 retroproyectores con láminas transparentes pintadas al óleo y recortes de láminas.

8 dibujos al óleo sobre papel.

2 peanas con un total de 15 cristales pintados al óleo.

En un espacio en penumbra, dos proyectores emiten dibujos realizados en transparencias de distintos tamaños sobre el muro, sobre el que, a su vez, se han dispuesto lienzos en lugares aleatorios, como para sugerir una cierta profundidad.

In a dimly-lit space, transparencies of different sizes containing drawings are projected onto a wall by two projectors, where canvases have also been randomly arranged as though to suggest a certain depth.

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> Erwin Olaf​ (hol) Annoyed 2005 Tres DVDs, varios capítulos, en una caja.

Annoyed (2005), es una instalación en tres pantallas en la que la solitaria vida de tres vecinos en un anónimo bloque de pisos es puesta bajo el microscopio: un hombre pasado de peso en su cama, una señora mayor con dolor de cabeza en su cocina y una joven tímida en el hall. En otro de los apartamentos, se celebra una fiesta que el espectador no ve; sólo se oye el trepidante ruido de los otros divirtiéndose.

Olaf afirma que el cine le permite construir escenas emocionales, crear nuevas emociones, ajustar la atmósfera y sugerir el final o crear nuevas emociones.

It is an installation on three screens where the solitary life of three neighbours in an anonymous block of flats is placed under a microscope: an overweight man in his bed, an old lady with a headache in her kitchen and a shy young woman in the hall. In another of the apartments, there is a party that the spectator cannot see; they can only hear the loud noise of the others having a good time.

Olaf affirms that the cinema allows him to construct emotional scenes, to create new emotions, to adjust the atmosphere and to suggest the end or to create new emotions.

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> Eugenio Ampudia​ (esp)

Huracán 2012 3:00 en loop y ventiladores, sonido.

Es una videocreación de tres minutos en la que el artista indaga sobre las necesidades humanas. En ella pretende reflejar, según sus propias palabras, “cómo la sociedad vive engañada por la organización interesada del mundo o por la desgracia de las catástrofes naturales». También quiere defender que el arte reduce el coeficiente de necesidad a «prácticamente cero». «Una vida sin miedo a la pérdida o con medios para integrarla en la fábula de nuestra existencia puede ser el arma más poderosa para combatir el desastre».

“No es medianoche pero el cielo se oscurece como si lo fuera, con la uniforme placa de nubes que precede a la llegada de un huracán. Un fenómeno que articula nuestra lógica de necesidad y nuestro orden de prioridades.

Atrapados por circunstancias en las que nos sabemos conscientemente traicionados, engañados por la organización interesada del mundo o por la desgracia de las catástrofes naturales, el arte reduce el coeficiente de necesidad a prácticamente cero. Una vida sin miedo a la pérdida o con medios para integrarla en la fábula de nuestra existencia puede ser el arma más poderosa para combatir el desastre”.

La videocreación es la imagen de un huracán visto desde el espacio y que se completa con un potente sonido que se escucha incluso fuera de la sala y en el que ha colaborado Juan Manuel Artero. Ampudia comenta: «Mi idea ha sido poner al espectador en una situación de riesgo, porque eso hace que las personas piensen de otra manera. Me parecía que un huracán representa una de las situaciones límites en las que el hombre pierde el control».

La metáfora con la situación actual es obvia, en un momento de crisis que también se refleja en el arte. «Estoy convencido de, que si no se apoya a la cultura con dinero, este acabará en otro sitio y eso irá en detrimento de una sociedad que poco a poco se irá quedando sin ideas, porque la cultura está para eso, para aportar ideas».

Ha participado con esta obra en la Bienal de Arte de Panamá.

This is a three-minute video creation in which the artist delves into human needs. In it he attempts in his own words to reflect “how society lives deceived by the world order with its interests or by the misfortunes of natural catastrophes.” He also wants to argue for art to reduce the coefficient of need to “practically zero”. “A life without fear of loss or with the means to include it in the fable of our existence may be the most powerful weapon to combat disaster.”

“It is not midnight, but the sky darkens as if it were, with that even blanket of clouds preceding the arrival of a hurricane. It is a phenomenon that articulates our logic of need and the order of our priorities.

A life without fear of loss or with the means to include it in the fable of our existence may be the most powerful weapon to combat disaster.”

The video creation is the image of a hurricane seen from space and it is observed with a powerful sound that can even be heard outside the hall and in which Juan Manuel Artero also collaborated. Ampudia explains: “My idea was to put the audience in a situation of risk, because that makes people think differently. It seemed to me that a hurricane represents one of the extreme situations in which people lose control.”

The metaphor with the current situation is obvious, at a time of crisis that is also reflected in art. “I am convinced that, if culture is not backed by money, it will end up somewhere else and that will be detrimental to a society that little by little is being left without ideas, because that is what culture is for: to contribute ideas.”

With this work, he has taken part in the Panama Art Biennial.

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> Fiona Tan​ (ind)

Correction 2004 Video instalación.

6 pantallas de proyección. 145 x 110 cm cada una.

Correction (2004), es una vídeo-instalación muy extensa que comprende aproximadamente 300 vídeo-retratos de prisioneros y guardias de cuatro cárceles de los estados de Illinois y California filmados en el verano de 2004. Las imágenes, acompañadas del sonido original de la grabación, se proyectan sobre seis pantallas colgantes. La idea de esta obra surge de la lectura de un artículo sobre el rápido crecimiento de la población de prisioneros en los Estados Unidos durante los últimos cuarenta años. “Mientras que al final de los 60 la población de reclusos en las prisiones norteamericanas se acercaba a los doscientos mil, actualmente este dato supera los 2.2 millones. Esto es más que cualquier otro país, y representa la cuarta parte de prisioneros del mundo entero. En la última década, se han construido más de 350 nuevas prisiones y se ha incrementado en más de medio millón el número de camas en las instalaciones penitenciarias existentes.”

Tan centra la atención en los ciudadanos que la sociedad prefiere mantener lejos de sí, marginados. Cada retrato de 40 segundos representa a un preso anónimo o a un vigilante, de pie e inmóvil frente a la cámara. Las imágenes están tomadas de la cintura para arriba, una referencia a la Amerikanische Einstellung (el disparo americano), técnica utilizada en Hollywood en los años 30, 40 y 50. Vistas en grandes pantallas colgantes, las imágenes confrontan al espectador como poderosos retratos fotográficos en movimiento. La obra revela el interés de Tan en incorporar principios sociológicos y antropológicos en las relaciones entre la imagen quieta y en movimiento.

Correction, fue producida por el consorcio formado entre el New Museum of Contemporary Art (Nueva York), el Museum of Contemporary Art (Chicago) y el Hammer Museum (Los Angeles). El Three M Project fue anunciado en Marzo de 2003 y fue concebido como un modelo innovador para producir y exponer nuevos trabajos de arte de artistas internacionales emergentes.

It is a very extensive video-installation that includes approximately 300 video-portraits of prisoners and guards from four jails in the states of Illinois and California, filed in the summer of 2004. The images, accompanied by the original sound of the recording, are projected on six hanging screens. The idea for this work came from reading an article about the rapid growth of the population of prisoners in the United States over the last forty years. “While at the end of the 60’s the population of inmates in US prisons was approximately two hundred thousand, this figure currently exceeds 2.2 million. This is more than in any other country, and represents a quarter of prisoners in the entire world. In the last decade, more than 350 new jails have been built and there are more than half a million new beds in the existing correctional facilities.”

It focuses attention on the citizens that society prefers to hold at arm’s length, isolated. Each 40-second portrait presents an anonymous inmate or guard, standing and immobile in front of the camera.

The images are taken from the waist up, a reference to the Amerikanische Einstellung (the American shot), a technique used in Hollywood in the 30’s, 40’s and 50’s.

Seen on large hanging screens, the images confront the spectator as powerful photograph portraits in movement. This work reveals Tan’s interest in including sociological and anthropological principles in relationships between still and moving images.

It was produced by the consortium created between the New Museum of Contemporary Art in New York, the Museum of Contemporary Art in Chicago and the Hammer Museum in Los Angeles. The Three M Project was announced in March 2003 and was conceived as an innovative model to produce and exhibit new works of art from rising international artists.

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> Francis Alÿs (bel)

Choques 2005-2006 Videoinstalación de 9 canales, color, sonido.

El artista ofrece distintos puntos de vista de un curioso accidente que él mismo protagonizaba al caer nueve veces al suelo por la gracia de un perro que “inesperadamente” se cruza en su camino. Pero aun en este caso donde la peripecia era provocada, “el desarrollo y la resolución de la pieza –como él mismo explicó- se inscribían en un campo de posibilidades completamente abierto”.

“Así que el estudio era, y sigue siendo en alguna media, el espacio en el que, literalmente, se estudian las posibilidades de una obra que, sin embargo, se producirá afuera”. Y producir tiene aquí el doble significado de elaborar y también de ocasionar, porque el trabajo de Alÿs depende en buena medida de lo que pueda suceder sobre la marcha. De hecho, podría decirse que con sus paseos, Alÿs ha arrojado luz sobre un viejo tema, además del propio deambular: la peripecia.

The artist offers different points of view of a curious accident he himself had when he fell nine times to the ground due to the antics of a dog that “unexpectedly” crossed his path. But even here when the occurrence had a cause, “the development and resolution of the piece,” as he himself explains, “fall within a completely open field of possibilities.”

“So the study was, and to a certain extent still is, the space in which one studies the possibilities of a piece that nevertheless took place outside it.” And the production here takes on the double meaning of preparing and also causing, because Alÿs’ work largely depends on what may happen on the fly. In fact, one could say that on his walks Alÿs has shed light on an old subject beyond the act of wandering itself: peripeteia.

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> Gabriel Abrantes​ (eeuu)

Os Humores Artificiais 2016 Película de 16 mm, transferida a video HD. Producido por Herma Films.

Con el apoyo financiero de Fundação Serralves. Bienal de São Paulo, Colección Inelcom Arte Contemporáneo e Instituto de Cine y Audiovisual ICA. Duración 30 minutos.

Es una película de ficción con un enfoque documental que estudia la antropología y analiza la inteligencia artificial como una forma de control social y una compleja forma de comunicación. La película, con toques de humor, se centra en las relaciones humanas y cuenta la historia de una chica indígena de la tribu Yawalapiti, de 16 años, llamada Jo, que vive en un pueblo en Mato Grosso, una región del Amazonas. La antropóloga Claude Laroque con la ayuda de la joven indígena comienza una investigación sobre las formas de transmitir emociones a los robots. Juntas enseñan a Coughmann, el robot, una guía para identificar una variedad de estados emocionales humanos. La inteligencia de Coughmann reconoce la ventaja de permanecer amable cuando no logra entender algo y por lo menos fingir comprensión. Y la comprensión de la naturaleza fundamental del humor ayuda a uno a entender al otro. Coughmann se enamora de Jo. El poder de su amor supera cada reinicio.

En imágenes grandiosas, Abrantes habla de este amor. Las grandes preguntas de la vida no se pueden discutir sin humor, cita a Ludwig Wittgenstein y en Os Humores Artificiais, fusiona los pensamientos sobre la antropología, el modo de vida de la comunidad indígena y la idiosincrasia de la inteligencia artificial.

La película, que utiliza cierta estética hollywoodiense fue rodada en Mato Grosso, São Paulo, Canarias y las aldeas Yawalapiti y Kamayura dentro del Parque Indígena del Xingu.

Este proyecto comenzó por el interés que el artista siempre ha demostrado por vincular el humor con la antropología, la inteligencia artificial y el contexto político. El humor es fundamental para las relaciones humanas y es una de las formas más complejas de comunicación. La película juega con el humor desde las tradiciones indígenas hasta los androides cómicos y su intersección con la política, desde los conflictos en las aldeas hasta las protestas masivas indígenas.

Guión: Gabriel Abrantes. Cinematografía: Jorge Quintela. Sonido: Marcel Costa, Carlos Abreu. Edición: Margarita Lucas. Música: Aamourocean. Producción: Hermaphrodite Films. Apoyo: Fundación Serralves, Bienal de Sao Paulo, Colección Inelcom. Cast: Margarita Lucas, Amanda Rodarte, Gilda Nomacce, Ivo Müller, Jeann Segundo, Mateus Rolim Rodrigues, Rafaela Rocha, Patricia Soso.

Fiction movie with a documentary approach that studies anthropology and analyses artificial intelligence as a means of social control social and a complex communication style. The movie, with tinges of humour, focuses on human relationships and tells the story of an indigenous girl from the Yawalapiti tribe, aged 16, called Jo, who lives in the town of Mato Grosso, a region in the Amazon. The anthropologist Claude Laroque, with the aid of the young girl, undertakes research into the way of transmitting emotions to robots. Together they teach Coughmann, the robot, a guide to identify a series of human emotional states. Coughmann’s intelligence acknowledges the advantage of remaining friendly when he does not manage to understand something and then at least feign understanding. And the understanding of the fundamental nature of humour, helps each one to comprehend the other. Coughmann falls in love with Jo. The power of love overcomes each reboot.

With grandiose imagery, Abrantes tells of this love. The great questions on life that cannot be discussed without humour, he quotes Ludwig Wittgenstein and in Os Humores Artificiais, he merges thoughts on anthropology, the lifestyle of the indigenous community and the idiosyncrasies of artificial intelligence.

The film, which uses a Hollywoodesque aesthetic, was filmed in Mato Grosso, São Paulo, Canarias and the hamlets of Yawalapiti and Kamayura located in the indigenous settlement of Xingu.

The project came into being out of the interest that the artist has always shown in linking humour with anthropology, artificial intelligence and an political backdrop.

Humour is at the fore of his work to show human relationships and it is one of the most complex forms of communication. The movie toys with humour ranging from indigenous traditions to comic androids and their intersection with the police, from the conflicts in the townships to the massive indigenous protests.

https://vimeo.com/203467518

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> João Maria Gusmão / Pedro Paiva​ (por) The horse of the prophet 2011 Película 16mm, color, sin sonido 2:02

Producida por Frac Île-de-France/Le Plateau, Paris en colaboración con Lamu Palm Oil Factory, Kenya. Edición 1/6 + 2 AP. La instalación se ha presentado en las siguientes exposiciones: Alien Theory, Frac Île-de-France, Le Plateau, Paris, France (2011), Since you have eaten the horse, you can travel to Rome bydonkey: on dwarf philosophy, Kunsternernes Hus, Oslo, Norway (2012), Superpower: Africa in Science Fiction, Arnolfi Gallery, Bristol, UK (2012), Trilemma : Over a Ghostly Conception, Fri Art – Centre d’art de Fribourg / Kunsthalle Freiburg, Switzerland (2012), 21 Artists Shortlisted for the Future Generation Art Prize (2012), PinchukArtCentre, Kiev, Ukraine (2012), The Castle in the Air. Séance of Imagination, Centre of Culture ZAMEK, Poznan, Poland (2012), Third man argument, Sies + Hoke Gallery, Dusseldorf,Germany (2013), The Encyclopedic Palace, 55th Venice Biennale -International Art Exhibition, Venice. Italy (2013).

https://vimeo.com/53189700

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> João Maria Gusmão / Pedro Paiva​ (por) Solar, the blindman eating a papaya 2011 Película 16mm, color, sin sonido 2:35

Producida por Frac Île-de-France/Le Plateau, Paris en colaboración con Lamu Palm Oil Factory, Kenya.

Edición 5/6 + 2 AP. La instalación se ha presentado en las siguientes exposiciones: Alien Theory, Frac Île-de-France, Le Plateau, Paris, France (2011), There’s nothing more to tell because this is small, as is every fecundation, Museo Marino Marini, Florence, Italy (2011), S. F. [Art, science & fiction], MAC’s – Grand Hornu, Belgium (2012), Since you have eaten the horse, you can travel to Rome by donkey: on dwarf philosophy, Kunsternernes Hus, Oslo, Norway (2012), Superpower: Africa in Science Fiction, Arnolfi Gallery, Bristol, UK (2012), Trilemma : Over a Ghostly Conception, Fri Art – Centre d’art de Fribourg / Kunsthalle Freiburg, Switzerland (2012), 21 Artists Shortlisted for the Future Generation Art Prize (2012), PinchukArtCentre, Kiev, Ukraine (2012), The Castle in the Air. Séance of Imagination, Centre of Culture ZAMEK, Poznan, Poland (2012), Third man argument, Sies + Hoke Gallery, Dusseldorf, Germany (2013), Nouvelles Impressions de Raymond Roussel, Palais de Tokyo, Paris, France (2013), The Encyclopedic Palace, 55th Venice Biennale – International Art Exhibition, Venice. Italy (2013).

https://vimeo.com/53285153

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> João Maria Gusmão / Pedro Paiva​ (por) Getting into bed 2011 Película 16mm, color, sin sonido 2:47 Producida por Frac Île-de-France/Le Plateau, Paris.

Edición 5/6 + 2 AP.

La instalación se ha presentado en las siguientes exposiciones: Alien Theory, Frac Île-de-France, Le Plateau, Paris, France (2011); Since you have eaten the horse, you can travel to Rome by donkey: on dwarf philosophy, Kunsternernes Hus, Oslo, Norway (2012), Those animals that, at a distance, resemble flies, Kunsthaus Glarus, Switzerland (2012), There’s nothing more to tell because this is small, as is every fecundation, Museo Marino Marini, Florence, Italy (2011), Voltair’s Armpit, Objectif Exhibitions, Antwerp, Belgium (2012), 21 Artists Shortlisted for the Future Generation Art Prize (2012), PinchukArtCentre, Kiev, Ukraine (2012), The Castle in the Air. Séance of Imagination, Centre of Culture ZAMEK, Poznan, Poland (2012), The Encyclopedic Palace, 55th Venice Biennale -International Art Exhibition, Venice. Italy (2013).

https://vimeo.com/53285152

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> João Maria Gusmão / Pedro Paiva​ (por) Triangles and Squares 2011 Película 16mm, color, sin sonido 1:25 Edición 1/6 + 2 AP.

La instalación se ha presentado en las siguientes exposiciones: The Encyclopedic Palace, 55th Venice Biennale -International Art Exhibition, Venice. Italy (2013).

The installation has been displayed at the following exhibitions: The Encyclopedic Palace, 55th Venice Biennale, International Art Exhibition, Venice. Italy (2013).

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> João Maria Gusmão / Pedro Paiva​ (por) Dream of a ray fish 2011 Película 16mm, color, sin sonido 2:48 Edición 4/6 + 2 AP.

La instalación se ha presentado en las siguientes exposiciones: Alien Theory, Frac Île-de-France, Le Plateau, Paris, France (2011); A Brief History of Slowness and Vertigo, Galeria GraçaBrandão, Lisbon, Portugal (2011); There’s nothing more to tell because this is small, as is every fecundation, Museo Marino Marini, Florence, Italy (2011), Since you have eaten the horse, you can travel to Rome by donkey: on dwarf philosophy, Kunsternernes Hus, Oslo, Norway (2012), Trilemma : Over a Ghostly Conception, Fri Art – Centre d’art de Fribourg / Kunsthalle Freiburg, Switzerland (2012), The Castle in the Air. Séance of Imagination, Centre of Culture ZAMEK, Poznan, Poland (2012), The Encyclopedic Palace, 55th Venice Biennale -International Art Exhibition, Venice. Italy (2013) y Film as Sculpture, WIELS, Contemporary Art Centre, Brussels, Belgium (2013).

https://vimeo.com/51056295

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> João Maria Gusmão / Pedro Paiva​ (por) Placing the fisheye 2012 Película 16 mm, color, sin sonido 2:30 Producida por Kunsthaus Glarus.

Edición 1/6 + 2 AP.

La instalación se ha presentado en las siguientes exposiciones: Those animals that, at a distance, resemble flies, Kunsthaus, Glarus, Switzerland, (2012), Voltair’s Armpit, Objectif Exhibitions, Antwerp, Belgium, (2012); The Castle in the Air. Séance of Imagination, Centre of Culture ZAMEK, Poznan, Poland, (2012); Third man argument, Sies + Hoke Gallery, Dusseldorf, Germany, (2013); Maçã e Darwin, Macaco De Newton, Galeria Fonseca Macedo I Ponta Delgada, Azores, (2013); Third man argument, Sies + Hoke Gallery, Dusseldorf, Germany, (2013).

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> João Maria Gusmão / Pedro Paiva​ (por) The corner edges of objects appear rounded at faraway distances 2012 Instalación de cámara oscura, proyección cinematográfica producida por el movimiento de formas geométricas de colores.

Edición 3/3 + 2AP.

Con un particular sentido del humor utilizan dispositivos ópticos y experimentos oscuros para desafiar el entendimiento humano y por tanto indagar sobre la lógica de la ilustración y al mismo tiempo reflexionar sobre la complejidad de las producciones de imagen.

Los artistas siguen este principio de la ilusión con la cámara oscura, que utilizan para producir imágenes imaginarias.

La instalación se ha presentado en las siguientes exposiciones: Those animals that, at a distance, resemble flies | Kunsthaus Glarus, Switzerland, (2012), Third man argument | Sies + Hoke Gallery, Dusseldorf, Germany (2013) y Future Generation Art Prize @ Venice I Ukrainian Collateral Event on the 55th Venice Biennale (La Biennale di Venezia) I Venice, Italy (2013).

With a particular sense of humor they use optical devices and dark experiments to challenge human understanding and therefore inquire about the logic of illustration and at the same time reflect on the complexity of image productions.

Artists follow this principle of illusion with the dark camera, which they use to produce imaginary images.

The installation has been featured in the following exhibitions: Those animals that, at a distance, flies Kunsthaus Glarus, Switzerland, (2012), Third man argument Sies + Hoke Gallery, Dusseldorf, Germany (2013) and Future Generation Art Prize – Venice I Ukrainian Collateral Event on the 55th Venice Biennale (La Biennale di Venezia) I Venice, Italy (2013).

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> Hiraki Sawa​ (jap)

Bell 2011 Pertenece a la instalación titulada Things go around, 2011.

En Bell (video monocanal en loop) un simple plano fijo de una campanilla girando eternamente como si estuviera apunto de caerse nos puede hablar del azar, la fragilidad de un instante y a la temporalidad de una conciencia que retorna a cada instante.

También forman parte de esta instalación: Sleeping machine I y II, For Saya, Did I? y Tracking, From 0.

A simple fixed shot of an endlessly rotating bell, as it were about to fall, speaks to us of fate, of the fragility of a moment and the temporality of a conscience that comes back at every moment.

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> Hiraki Sawa​ (jap)

Did I? 2011 Pertenece a la instalación titulada Things go around, 2011.

En Did i? (video monocanal con sonido) se explora el tema de la amnesia y de la devastación que produce en la mente humana la severa pérdida de memoria. A través de una serie de secuencias visuales abstractas, de un mosaico de fragmentos narrativos, de un collage, se combinan escenas de acción en vivo, con animación dibujada a mano y 3D evocando los recuerdos fragmentados y desordenados de un amnésico. Al realizarlo Sawa se basó en el caso de un amigo amnésico que había perdido por completo cualquier reminiscencia de su vida anterior. “La realidad circundante se muestra fugaz, se desvanece, intangible y fantasmal, mientras escuchamos el golpeteo de la aguja de un tocadiscos que ha terminado de reproducir una música ya ausente”. La alternancia del color y el blanco y negro, el positivo y el negativo, inciden en esa inseguridad cognitiva cercano al sueño.

También forman parte de esta instalación: Sleeping machine I y II, For saya, Bell, y Tracking, From 0.

This work explores amnesia and the devastation which severe memory loss caused to the human mind. Through a series of abstract visual sequences, a mosaic of narrative fragments, a collage, live actions scenes are combined with hand-drawn and 3D animations to evoke the fragmented and disorderly memories of an amnesiac.

This work by Sawa is based on the case of a friend who suffers from amnesia and who has no memory whatsoever of his previous life. The alternation of colour and then black & white, the positive and the negative, underscore the dreamlike cognitive insecurity.

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> Hiraki Sawa​ (jap)

For Saya 2011 Pertenece a la instalación titulada Things go around, 2011.

For Saya (video de dos canales y dos monitores LCD en caja de madera) vemos dos proyecciones que muestran la misma imagen con una pequeña diferencia de tiempo. En la pantalla de la izquierda observamos a una mujer saltando en círculos y en la de la derecha vemos la misma imagen pero la acción se muestra unos instantes después. En este trabajo Sawa introduce simultáneamente dos tiempos de una misma representación: el presente y el pasado, éste bajo la apariencia de recuerdo.

Esta obra se presenta como dos proyecciones con objetos contenidos en una maleta.

También forman parte de esta instalación: Sleeping machine I y II, Bell, Did I? y Tracking, From 0.

Two projections of the same image with a slight timing difference. On the screen to the left we see a woman jumping in circles and on the screen to the right we see the same image, but the action is delayed by a few seconds. In this work, Sawa is simultaneously representing the same event at two different times: the present and the past, the latter of which is apparently a memory.

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> Hiraki Sawa​ (jap)

Sleeping machine I 2011 Pertenece a la instalación titulada Things go around.

Sleeping machine I (video monocanal en color y con sonido) presenta un mundo desquiciado, evoca una seductora nostalgia, con ocultos rincones interiores habitados sólo por máquinas antiguas de cálculo, engranajes y otras piezas de relojería extraídos de sus estructuras habituales en movimiento sobre paisajes urbanos nocturnos. Giran y se bloquean de manera inexplicable a lo largo de las habitaciones de una casa abandonada, contando el paso lento y difícil que se tarda para alcanzar el tiempo.

También forman parte de esta instalación: Sleeping machine II, Bell, Did I?, For Saya y Tracking, From 0.

Depicts an unhinged world which evokes a seductive nostalgia, with hidden inner corners inhabited only by antique calculating machines, gears and timepieces removed from their habitual structures, moving over the night time cityscapes. They turn and lock inexplicably as they move through the rooms of an abandoned house, counting the slow and difficult passage of time. Both works are metaphors for Sawa’s innermost personal space, represented by the act of sleeping or remembering.

The artist is not interested in the landscape or everyday life as such, but rather as a transcript of his memory.

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> Hiraki Sawa​ (jap)

Sleeping machine II 2011 Pertenece a la instalación titulada Things go around.

Sleeping machine II (video monocanal en blanco y negro con sonido) presenta un mundo onírico. Junto con Sleeping machine I muestra metáforas del espacio interno más personal de Sawa, representado por el propio acto de dormir o de recordar. Al artista no le interesa el paisaje o lo cotidiano como tal, sino como trasunto de su memoria.

También forman parte de esta instalación: Sleeping machine II, Bell, Did I?, For Saya y Tracking, From 0.

Presents a world unhinged, evokes a seductive nostalgia, with hidden inner corners inhabited only by older calculation machines, gears and other timepieces extracted from their usual structures moving on night time cityscapes. They turn and blocked in inexplicable ways along the rooms of an abandoned house, counting the slow and difficult step that it takes to achieve the time. Both works are shown as metaphors of Sawa´s more personal inner space, represented by the very act of sleeping or remembering. The artist is not interested in the landscape or the everyday life as such but as a transcript of his memory.

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> Hiraki Sawa​ (jap)

Tracking 2011 Pertenece a la instalación titulada Things go around.

En Things go around, 2011 Sawa ha creado una instalación compuesta de 6 piezas, en la que sigue explorando, a través de las imágenes y del sonido, distintas formas de conocimiento a través de la memoria y de diferentes representaciones espaciales del tiempo. En ellas además encontramos una constante utilización de objetos cotidianos y paisajes de una gran carga simbólica. Dando uso de una narrativa fragmentada, Sawa juega con la simultaneidad y yuxtapone imágenes de una gran carga onírica donde se entremezcla lo real con lo ficticio, lo que es real con su propia representación. Introduce además al espectador de una forma espacial experimentando con su propio movimiento en contacto con la obra.

Estas obras se presentan como proyecciones con objetos contenidos en cajas antiguas (Hako en japonés) que acentúan un carácter romántico, dando lugar a que todos aquellos reticentes al video se acerquen a él de un modo más fácil, desde el objeto.

Tracking, From 0 (video HD transferido a un disco Blu-ray) muestra de nuevo la superposición de las imágenes y un mundo onírico, de sueños y recuerdos en blanco y negro.

También forman parte de esta instalación: Sleeping machine I y II, For saya, Bell, y Did I?.

It belongs to the installation titled Things go around.

In Things go around, 2011 Sawa has created an installation composed of 6 pieces, in which he continues to explore, through images and sound, different forms of knowledge through memory and different spatial representations of time. In them we also find a constant use of everyday objects and landscapes of a great symbolic burden. Using a fragmented narrative, Sawa plays with concurrency and juxtaposes images of a large ripple load where the real is interspersed with the fictional, which is real with its own representation. It also introduces the viewer in a spatial way by experimenting with their own movement in contact with the work.

These works are presented as projections with objects contained in old boxes (Hako in Japanese) that accentuate a romantic character, resulting in all those reluctant to video approaching it more easily, from the object.

Tracking, From 0 (HD video transferred to a Blu-ray disc) again shows the overlay of images and a dream world, of dreams and memories in black and white.

Also part of this installation are: Sleeping machine I and II, For saya, Bell, and Did I?.

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> Ignasi Aballí​ (esp)

Visiones 2014 Video FULL HD, color y sonido.

Duración: 30’ 41” en bucle.

El artista nos propone quedarnos lo más cerca posible de aquello que nos mira de manera impasiva en lo que vemos.

The artists propose to stay as close as possible to the impassive element of what we see.

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> Jack Goldstein ​(can)

The Chair 1975 Film 16 mm.

Puede considerarse entre los mejores ejemplos de trabajo postconceptual de los años setenta y ochenta. El artista deja caer confeti de colores sobre una silla cubierta con una capa de pintura negra brillante.

Jack Goldstein fue un mago que tomó la apariencia de muchas entidades diferentes: un fantasma cinematográfico, un trozo de confeti, un dibujo en papel translúcido, un rayo, una sombra, un artista experimental sin dinero, un talento prometedor, un rico pintor, un provocador, un artista maudit.

This can be considered to be one of the best examples of postconceptual work in the seventies and eighties. The artist drops coloured confetti over a chair covered with a layer of shiny black paint.

Jack Goldstein was a magician who took the guise of many different entities: a cinematographic ghost, a piece of confetti, a drawing on translucent paper, a ray, a shadow, an experimental artist with no money, a promising talent, a wealthy painter, a provocateur and an artiste maudit.

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> Jack Goldstein ​(can)

The Knife 1975 Película de 16 mm, en color, sin sonido 4:00

https://www.youtube.com/watch?v=dvYaC5rZyX4

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> Jack Goldstein ​(can)

A Ballet Shoe 1975 Película de 16 mm, en color, sin sonido 0:43

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> Jack Goldstein ​(can)

Some Butterflies 1975 Película de 16 mm, en color, sin sonido 0:30

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> Joan Jonas ​(eeuu)

In the Trees 2015 Video Green Timeline FULL HD con sonido, duración: 3´46” en bucle.

Video Mirror Timeline, FULL HD sin sonido, duración: 2´08” en bucle.

6 espejos.

64 dibujos acuarela sobre papel.

Graba en el video los objetos y posteriormente proyecta lo grabado como telón de fondo de sus instalaciones enriqueciendo el concepto de espacio y perspectiva.

En esta obra destaca la fragilidad de la naturaleza y su relación con la condición humana. Sus imágenes no son meramente descriptivas: narran a través de sugerencias y reflexionan a través de los sentidos. El hombre interviene dramáticamente en la tierra, genera cambios drásticos en la naturaleza y establece con ella una relación distante e indiferente.

Jonas, en su performance, se viste de blanco convirtiendo su cuerpo en una pantalla. Proyecta una imagen y dibuja de manera repetitiva directamente sobre la pantalla. Investiga los gestos, la narración y las imágenes en movimiento. Con su trazo firme explora la impresión que causa su presencia física en la intensa percepción del espectador. Este trabajo le permite y nos permite investigar las diferentes relaciones de las disciplinas que utiliza y lograr una síntesis entre convivencia y diálogo.

She records the video and later on is projected as a background image of her installations, enriching the concept of space and perspective.

In this work she highlights the weakness of human being. Her images are just descriptive: they relate through suggestions and think over with the senses. The mankind interferes dramatically on Earth, making drastic changes on Nature, establishing a distant and careless relationship.

Jonas, on her performance, transforms her body into a screen by dressing in white. She projects an image, drawing on a repetitive way directly on the screen. She explores the gestures, narrations and moving images. With a firm stroke she explores the effect that her presence causes on the beholder. This work allows the investigation about the relations between the different disciplines used on her work, reaching a synthesis of cohabitation and dialogue.

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> José Val del Omar​ (esp) Variaciones sobre una granada 1975 Película de 35 mm digitalizada. Bi-Standard. Color 3’ 5”. Sin sonido

Esta corta bobina constituye una especie de bodegón cinematográfico que, a partir de una composición de granadas –el fruto emblemático de Granada–, combina técnicas de animación (cinematografía fotograma a fotograma o stop-motion) y de pictolumínica. Las imágenes, figurativas o abstractas, se proyectan y acoplan anamórficamente a los cuerpos esféricos de las granadas. Las urdimbres y los relámpagos son producidos mediante la luz incidente del láser y de otros impactos lumínicos. Los elementos translúcidos actúan como filtros delante del objetivo y añaden sensaciones de relieve o peculiares texturas. Las disecciones y los detalles de las entrañas de las granadas resaltan los granos rojos, la corteza y las membranas amarillas que los envuelven. Consigue efectos caleidoscópicos y prismáticos mediante sencillos dispositivos ópticos, acercamientos y alejamientos ópticos y zooms vertiginosos sobre la naturaleza muerta y vivificada de las granadas.

Esta obra constituye uno de los mejores exponentes de los ”tientos de pictolumínica” en los que Val del Omar se enzarzó en los últimos años de su vida, junto a los registros o apuntes que filmó en super-8 de otras alquimias de luz, imágenes y objetos comunes.

This short reel is a kind of cinematographic still-life. Based on an arrangement of pomegranates, Granada’s emblematic fruit, it combines animation (single-frame and stop-motion cinematography) with picto-luminic techniques. The figurative and abstract images are projected and blend anamorphically with the spherical bodies of the pomegranates. The warping and flash effects are created by incident laser light and other impacts of light. The translucid elements act as filters in front of the lens, adding the sensation of relief and peculiar textures. The dissections and details of the pomegranates’ innards highlight the red seeds, the peel and the yellow membrane covering them. He achieves kaleidoscopic and prismatic effects via simple optical devices with dizzying zooms in and out on the pomegranates’ still-life brought to life.

This work is one of the best examples of “pictoluminic touches” into which Val del Olmo delved in his later years, together with the recordings or notes he filmed in Super 8 of alchemies of light, images and common objects.

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> Julião Sarmento (por)

Lacan´s Assumption 2003 Video transferido a DVD, color, sonido.

Duración: 12:07

Un vídeo donde una joven lee una receta de cocina portuguesa con una voz extraordinariamente erótica. Luego sólo se ven las piernas cruzadas de una mujer que está sentada en una silla de oficinista en mal estado. Lleva una falda negra y unos zapatos de tacón. Mueve las piernas, se frota levemente una con otra. A continuación nos cuenta, en inglés, una historia con cajones con la ayuda de figuras y cuando abandona la escena, la cámara le sigue con una excepcional sensualidad y finalmente ella respira ante el mar, después de nadar o después de hacer el amor. “Nadie lo sabrá. El lenguaje está inscrito en lo real y lo transforma”.

Es la instalación de un mecanismo de deseo.

La referencia que está en la génesis de la obra está inscrita en su propio título, aludiendo directamente a (Jacques) Lacan, psicoanalista que en la década de los 70 postuló sobre las órdenes del imaginario, simbólico y de lo real, con particular enfoque en la estructuración operada por el lenguaje.

A young woman reading a portuguese cooking recipe with an extremely erotic voice. Later, only the crossed legs of a woman seated on a decayed office chair can be seen. She is wearing a black skirt and high heels. She is moving her legs, lightly rubbing one with each other. Then she tells us, in English, a story with drawers with the help of some figures, and when she leaves the scene the camera follows her with a great sensuality, to finally show her breathing in front of the sea, after swimming or after having sex. “No one will know. The language is enrolled into the truth and transforms it”. Is the installation of a mechanism of desire.

The reference on the genesis of the work is written on the title itself, alluding directly to Jacques Lacan, psychoanalyst who in the seventies posited on the orders of the imaginary, symbolic and of the real, focusing on the structuring operated by the language.

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> Laure Prouvost ​(fra)

End her is story 2017 Videoinstalación

En este trabajo se presenta el lenguaje como medio. Es una completa inmersión en la oscuridad y el teatro con una instalación escultórica. La única luz disponible llega en ráfagas, aterrizando sobre objetos salpicados por la habitación. Colocados en los pedestales, da vida a las partes y piezas estáticas a través de la narración y un sistema de iluminación sincronizado. Los materiales que van desde frutas, papel de aluminio, una pantalla de computadora, ramas y mantequilla, entre muchas otras asignaciones domésticas, se convierten en personajes del suave melodrama que susurra en tus oídos. Las palabras comienzan a transformarse unas en otras y las frases se embarcan en largos senderos en los que eventualmente te pierdes. La experiencia es íntima, llevándonos al espacio de la mente, un intento de traducir un momento de curiosidad anterior.

In this work, language is presented as a medium. This is total immersion in darkness and theatre with a sculpture installation. The only light arrives in bursts, landing on the objects scattered about the room. Placed on pedestals, it gives life to the static parts and pieces through narrative and a synchronised lighting system. The materials range from fruit, aluminum foil, a computer screen, branches and butter, among many other household items, which become characters in the gentle melodrama whispering in your ears. The words begin to change into others and the phrases set off along long paths on which you eventually lose yourself. The experience is intimate, taking us to the space in the mind; it is an attempt to translate a moment of previous curiosity.

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> Liliane Lijn​ (eeuu) Liquid Reflections, Series one 1967 Tambor acrílico giratorio conteniendo agua, lámpara y bola acrílica.

Tambor acrílico que contiene: agua, plato giratorio, proyector, amplificador y bolas acrílicas.

Pertenece a la serie de obras más complejas con agua y luz. Inspirada en su interés por la astronomía y la física de la luz, fue el resultado de 5 años de trabajo experimental con plásticos y fuego, polímeros acrílicos, lentes, prismas, luz y, finalmente, agua.

Se compone de un disco acrílico hueco, que contiene agua y gira en un plato giratorio motorizado. En su superficie, dos bolas acrílicas giran, su movimiento está sujeto a fuerzas opuestas: la fuerza centrífuga del giro del disco y la fuerza centrípeta debido a la concavidad de la superficie del disco.

Cuando el agua se vierte por primera vez en el disco, se condensa en patrones que se asemejan a nubes de gas interestelares, pero pronto se contrae en gotitas esféricas precisas, vivas y temblorosas, que a su vez se vuelven cada vez más homogéneas, cubriendo toda la superficie del disco. El agua en el disco influye en el equilibrio total y es influenciada por él, ejerciendo un efecto sobre el movimiento de las bolas.

El movimiento de las bolas en la superficie del disco se rige por las leyes del momento, así como por la fuerza centrífuga y el tirón de la gravedad inducido por la concavidad del disco. Las bolas también actúan como lentes de aumento en movimiento, dándole vida a un área del disco, ahora a otra, con un extraño paisaje lunar de reflejos y sombras. Es el intento de Lijn de contemplar el universo en una escala íntima.

This belongs to a more complex series of works on water and light. Inspired by her interest in astronomy and the physics of light, it is the result of 5 years of experimental work with plastics and fire, acrylic polymers, lenses, prisms, light and finally water.

It is comprised of a hollow acrylic disc containing water and revolving on a motorised turntable. Two acrylic balls rotate on its surface, their motion subject to opposing forces: the centrifugal force of the disc’s spin and the centripetal force due to the concavity of the disc’s surface.

When the water is first poured onto the disc, it condenses into patterns resembling interstellar clouds of gas, but it soon contracts into precise spherical droplets, alive and trembling, which in turn become increasingly uniform, covering the disc’s entire surface. The water on the disc both influences the total balance and is influenced by it, exerting an effect on the movement of the balls.

The movement of the balls on the surface of the disc is governed by the laws of momentum, as well as the centrifugal force and the pull of gravity enabled by the concavity of the disc. The balls also act as moving magnifying glasses, bringing to life one area of the disc after another in a strange lunar landscape of reflections and shadows. Liquid Reflections is Lijn’s attempt to contemplate the universe on an intimate scale.

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> Marijke van Warmerdam (hol)

Light 2010 Film de 35 mm pasado a digital 1:30 Video FULL HD, color, sin sonido, en bucle.

Crea en esta obra una pura y sencilla abstracción. Refleja un momento intemporal. Quiere lograr una nueva manera de mirar el mundo que nos rodea sin narrativa ni sonido.

Muestra una ventana con persianas que bloquean la luz del día. Una mano juega con las persianas, permitiendo que los haces de luz penetren y se viertan ante nuestra mirada en una acción cotidiana que se repite una y otra vez y se conectan entre sí, sin principio no fin.

Al editar la película enfatiza el ritmo de la imagen.

This works is a pure and simple abstraction. Reflects a timeless time. Search for a new gaze of the World that surrounds us, without narration or sound.

Shows a window with shutters obstructing the sunlight. A hand is playing with the shutters, allowing the entrance to sun´s rays, on daily actions repeat over and over, connected within, without beginning or end. The post-production emphasize the rhythm of the image.

https://vimeo.com/242350153

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> Miroslaw Balka ​(pol) 104 x 73 x 72 and the moon 2018 104 x 73 x 72 and the moon Cajón de madera, jabón 0:20 bucle

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> Markus Muntean / Adi Rosenblum​ (aus/isr)

Disco 2005 HDTV, edición 7/1. Secuencia 5:05, en bucle 16:9.

“Al principio pensábamos que podríamos cambiar el mundo. Pero algo ocurrió, luego algo ocurrió, luego algo ocurrió porque algo más ocurrió.

Sí, aquellos días, aquellas tardes cuando ocurrían cosas, donde no era necesario decir nada, sino esperar algo, nunca visto y nunca oído.

Atravesamos esta tierra amortajada de niebla densa y no nos da miedo vivir ni morir, porque nos enseñaron a vivir nuestras vidas en un éxtasis de ignorancia.

Nunca sabemos cuándo somos sinceros. Quizás nunca lo somos.

Pero incluso si somos sinceros sobre algo hoy, mañana puede que lo seamos sobre todo lo contrario.

Y sabemos muy bien lo que eso significa, sabemos demasiado bien lo que es no querer nada de aquello que hacemos o decimos.

Sí, lo sabemos todo demasiado bien, sabemos que sólo somos fantasmas hechos de mentiras, sombras de espejismos, y que nuestra vida es hueca tanto por fuera como por dentro.

Y al final ya no podemos soportar más la tristeza, gritamos en la noche, en esas noches negras, tan negras, y nadie, no, nadie nos oye.”

“At the beginning we felt like we could change the world. But something happened, then something happened, then something happened because something else happened.

Yes, those days, those evenings when things happened, where there was no need to say anything, but to watch for something, unseen and unheard.

We traverse this earth shrouded by a great fog and we are not afraid of living or dying, because we were taught to live our lives in ignorant bliss.

We never know when we are sincere. Perhaps we never are.

And even if we are sincere about something today, tomorrow we may be sincere about it’s complete opposite.

And we know very well what that means, we know too well what it is to want nothing of what we do or say.

Yes, we know it all too well, we know we are just phantoms made of lies, shadows of illusions, and our life is hollow on both the outside and the inside.

And in the end we can no longer cope with the sadness, we shout in the night, all those black, black nights, and no one, no, no one hears”.

This is a film inspired by The Raft of the Medusa, a painting by Géricault in 1819. Géricault’s painting recreates the tragedy of the passengers on the Medusa that ran aground a reef near the African coast. The survivors tried to save themselves on a raft that was adrift. The pyramid of agonizing stretched figures on the improvised raft represents not only the struggle of a group in its desire to survive, but also the sentiment of a nation. The whole country was on that boat. Just 15 survivors from a crew of more than 140 saved themselves, and only 10 survived. The painting, at that time, was the description of a national tragedy and the reaction to this tragedy. This event caused tremendous shock in the discontented post-Napoleonic society.

Disco is filmed among the rubbish from a disco after a night of partying. Two figures move as they clean. The camera examines the cleaners, the dance floor, the mirrored disco ball, and the spectator begins to see, in the background, a group of people forming a pile of stylized bodies that is similar to the image of the Raft. They are the living leftovers from the experience of a close death and a certain disaster. The fact that in both Raft and Disco there are people with healthy bodies in the most disturbing circumstances, impregnates this work with a sense of achievement. Wavering between active resistance and docile pride, the voices of Haendel lead to the climactic finale.

https://www.youtube.com/watch?v=z0lfTrB0UkQ

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> Jorge Macchi / Edgardo Rudnitzky​ (arg) The Singers´ Room 2006 DVD, video proyector, amplificador, y 4 paneles de cristal y dispositivo de ventanas susurrantes.

7:00

Composición musical por Edgardo Rudnitzky.

Composición de video y edición: Gustavo Quinteiro.

Grabación de las voces en Estudio del Arco, Buenos Aires.

Grabación técnica: Osqui Amante.

Cantantes fonéticos: Karina Antonelli, Gabriela Ferrero, Micaela Piccirilli, Muriel Santa Ana y Cecilia Zabala. University Gallery, University of Essex, England.

La obra es un proyecto de Macchi y Rudnitzky y gira en torno a las ventanas susurrantes, es decir hojas de cristal usadas como altavoces. Pensaron primero crear una estructura con cuatro capas de vidrio con puntos blancos proyectados sobre ellos y produciendo un sonido cada vez que aparecieran. Se podía escuchar la pieza y percibir físicamente el espacio. El siguiente paso fue proyectar letras blancas sobre los cristales y crear un texto que se pudiera leer en cuatro niveles. El texto es un poema del poeta uruguayo Idea Vilariño.

Rudnitzky aconsejó utilizar voces femeninas. No cantan el poema sino el sonido de las letras cada vez que aparecen. Las letras aparecen y desaparecen jugando con la idea de borrar el texto.

The work is a project of Jorge Macchi and Edgardo Rudnitzky and revolves around whispering windows, a device that converts the surface of a glass panel into an amplifier. They first thought of creating a structure with four layers of glass with white dots projected on them and producing a sound whenever they appeared. You could hear the piece and physically perceive the space. The next step was to project white letters on the crystals and create a text that could be read on four levels.

The work is based on the “Good Bye” poem by Idea Vilariño, whose words, when projected onto the glass surface, generate sounds, speaking to the viewer.

Rudnitzky advised using female voices. They do not sing the poem but the sound of the lyrics every time they appear. The letters appear and disappear playing with the idea of erasing the text.

https://vimeo.com/36307974

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> Ólafur Eliasson (din) A slightly desynchronised but otherwise perfect couple 2014 Videoinstalación Espiral de acero inoxidable, filtros de cristal coloreado, proyector, madera y acero inoxidable.

Dimensiones variables.

Pieza única.

Rinde un velado homenaje al constructivismo. La dulce, hermosa y pausada danza de una espiral de acero inoxidable reflejada por filtros de cristal coloreado componen un lugar, una estancia en la que permanecer.

Video Installation.

Stainless steel coil, colored glass filters, projector, wood and stainless steel.

Variable dimensions.

Single piece.

Makes a veiled tribute to constructivism. The sweet, beautiful and slow dance in a stainless steel spiral reflected from colored glass filters make up a place, a room in which to stay.

https://www.youtube.com/watch?v=m0ge1EhU-y8

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> Pavel Büchler​ (che)

Eclipse 2009 Nueve proyectores Leitz Prado, cuerpos esféricos y un regulador de intensidad.

Inspirada en la fotografía de un eclipse total realizada en 1919 por Sir Arthur Eddington para probar la teoría de Einstein de la relatividad. Utiliza nuevo proyectores obsoletos de Leitz Prado de 1950 para crear un sistema solar luminoso proyectado en la pared. Objetos esféricos, bolas de goma, pelotas y otros objetos cotidianos, insertados en la óptica de los proyectores crean el efecto de varios eclipses que se superponen.

Para Büchler estas máquinas antiguas tienen más vida y energía que un equipo digital moderno. La luz utilizada de manera natural da mayor protagonismo a los proyectores y destaca la visión que proporciona cada uno de ellos.

Büchler está interesado en la teoría crítica de la fotografía, que pone a prueba nuestra lectura de las imágenes fotográficas como documentos neutrales de la realidad.

En Eclipse la propia instalación recuerda los experimentos de la década de 1970 “cine expandido”, así como imágenes de estudio de sus primeros proyectos fotográficos en los que explora los parámetros físicos del medio.

Inspired by a photograph of a total eclipse taken in 1919 by Sir Arthur Eddington to test Einstein’s theory of relativity. He uses nine obsolete Leitz Prado projectors from 1950 to create a luminous solar system projected on the wall. Spherical objects, rubber balls and other everyday objects are placed in the projectors’ view to create the effect of several overlapping eclipses.

For Büchler, these old machines have more life and energy in them than modern day digital equipment. The use of natural light gives the projectors greater prominence and highlights the vision that each one of them provides.

Büchler is interested in the critical theory of photography which challenges our reading of the photographic images as neutral documents of reality. With Eclipse, the installation itself recalls the “expanded cinema” experiments of the seventies as well as studio images of his first photography projects in which he explores the physical parameters of the medium.

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> Pieter Geenen ​(bel)

Relocation 2011 23:20 video 16:9 color, estéreo, HDV.

El monte Ararat, el símbolo nacional más importante de Armenia, está situado en un punto donde confluyen cuatro países (Turquía, Irán, Azerbaiyán y Armenia). Está lleno de significado mitológico y es, supuestamente, el lugar donde quedó varada el Arca de Noé. Desde el genocidio armenio de 1915, el Ararat ya no forma parte de la Gran Armenia. Hoy en día el monte Ararat se encuentra justo detrás de la frontera cerrada con Turquía, dominando el paisaje armenio. Ahora los armenios sólo pueden mirarle.

En Relocation, el sol se levanta sobre las monumentales montañas gemelas de Ararat. A partir de una imagen en negro, el paisaje se presenta lentamente, revelando la vida humana. El paisaje que observamos está visto desde Armenia, en el punto de acceso más cercano a la frontera con Turquía.

Izquierda y derecha se invierten, lo que implica que los armenios contemplen una visión imposible de la parte oeste de la montaña. De esta manera, se recuerda una época ya pasada, cuando la histórica Armenia todavía era solo una.

El texto que aparece en la pantalla es un diálogo entre ambas montañas y los demás. De hecho, este texto se basa en los testimonios de los dos lados de la montaña y se puede interpretar como un diálogo entre dos naciones, con connotaciones históricas, políticas, bíblicas y utópicas. Se remonta a principios del siglo XX y se refiere a una época turbulenta y a las tensas relaciones entre Turquía y Armenia.

Relocation reflexiona sobre la identidad en general y sobre la identidad armenia en particular. ¿Cómo y en qué medida el Monte Ararat define la identidad armenia? ¿Cuál es su valor iconológico y cómo juega con la memoria colectiva de Armenia?

Mount Ararat, the most important national symbol of Armenia, is located in a place where four countries converge: Turkey, Iran, Azerbaijan and Armenia. It is full of mythological significance and is supposedly where Noah’s Ark was stranded. Since the Armenian genocide of 1915, Ararat is no longer part of Greater Armenia. Today Mount Ararat is located just behind the closed border with Turkey, dominating the Armenian landscape. Now the Armenians can only look at it.

In Relocation, the sun rises over the monumental twin mountains of Ararat. From a black image, the landscape slowly emerges, revealing human life. The landscape we see is viewed from Armenia, at the point closest to the Turkish border.

Left and right are inverted, meaning that the Armenians see an impossible view of the western part of the mountain. This brings to mind a prior time in history when Armenia was all one country.

The text that appears on screen is a dialogue between both mountains and the rest. In fact, this text is based on the testimony of the two sides of the mountain and can be interpreted as a dialogue between two nations and between two historical, political, biblical and utopian connotations. It goes back to the early 20th century and refers to a turbulent period and the tense relations between Turkey and Armenia.

Relocation reflects on identity in general and on the Armenian identity in particular. How and to what extent does Mount Ararat define the Armenian identity? What is its iconological value and what role does it play in Armenia’s collective memory?

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> Raha Raissnia​ (ira)

Animism 2013 Film de 16 mm en bucle.

80 dispositivas de 35 mm en carrusel.

Grabación de escenas de la vida cotidiana con sonido en vivo del músico y compositor electrónico Aki Onda.

2 cuadros de 83,3 cm x 109,2 cm.

Daily activities filmed with live music made by the composer Aki Onda.

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> Rosa Barba​ (ita)

The color out of space 2015 Video HD, color, sonido estéreo, 5 cristales coloreados y base de acero.

36:00 en bucle.

Se centra en el compromiso adquirido por esta artista visual en relación con el paisaje y el tiempo. La película presenta imágenes de estrellas y planetas reunidas durante el año 2014 en el Observatorio Hirsch en el Instituto Politécnico Rensselaer proyectadas como una serie escultórica de paneles de vidrios coloreados. La obra se complementa con las voces de los científicos, escritores y artistas que reflexionan sobre la permanencia y la no permanecía y especialmente sobre el Universo o más bien sobre nuestro limitado conocimiento del vasto Universo. Los objetos se mueven y se convierten en los principales protagonistas en el espacio expositivo.

Esta obra se ha expuesto en el MIT Visual Arts Center de Boston.

She is focused on the commitment acquire by the artist with landscape and time. The film presents images of stars and planets received in 2014 at Hirsch Observatory of the Rensselaer Polytechnic Institute, projected on a sculptural series of coloured glass panels. The work is complemented with the voices of scientists, writers and artists reflection on presence and absence, primarily about Universe, and to be more precisely, about our limited knowledge of Universe. The objects move and transform into the main characters of this exhibition space.

The works has been exhibited at MIT Visual Arts Center of Boston.

https://www.youtube.com/watch?v=u_WKwxQ9XQw

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> Steven McQueen​ (ing) Current 1999 Secuencia programada de cinco diapositivas de 35mm, dos proyectores, sin sonido, 10 minutos, proyección continua.

Antes de ser realizador cinematográfico, Steve McQueen es ante todo artista, fotógrafo, escultor y videasta. Las obras de este artista ahondan en una estética contemplativa y estática, dilatando la temporalidad de unos planos herméticos y fascinantes. Al igual que ocurría en sus creaciones de videoarte, la propuesta de McQueen se presenta simplemente como una reflexión visual en la que las sensaciones y las experiencias importan más que cualquier explicación o análisis intelectual.

La retroproyección, aunque sin mostrar imágenes en movimiento, evoca una continuidad que fluye debido a la atenuación en off de cinco diapositivas de 35mm.

Vemos un cuerpo plano de agua, el Limmat en Zurich, y descubrimos una bicicleta que ha llegado a un punto muerto en el fondo del río. Las imágenes se superponen lentamente hacen que la bicicleta parece cambiar de posición un poco, ya que cada imagen se convierte en un eco reverberante en la siguiente, hasta que finalmente se desvanece. La intensidad de la luz varía de una diapositiva a otra, creando un juego de luces y sombras, la corriente y el estancamiento, la realidad y la ilusión.

Before being a film-maker, Steve McQueen is above all an artist and a video-artist. His work delves into a contemplative and static aesthetic, delaying the temporary nature of tight and fascinating images. A visual domain and a radical narrative that we could visualise in the stunning Hunger, McQueen’s first feature film. In the same way as his video-art creations, McQueen’s proposal is presented simply as a visual reflection where the sensations and experiences are more important than any intellectual analysis or explanation.

His work uses narrative and content as an element that is secondary to the physical or psychological fact of the moving image itself.

The overhead projection, though it does not show moving images, evokes a flowing continuity due to the off-screen attenuation of five 35 mm slides. We see a flat body of water, the Limmat in Zurich, and discover a bicycle that has come to a standstill at the bottom of the river. The images slowly overlap each other, making the bicycle seem to slightly change position, as each image becomes a reverberating image of the next, until finally it fades away. The intensity of the light varies from one slide to the next, creating a play of shadows and lights, the current and the stagnation, the reality and the illusion.

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> Willie Doherty​ (irl)

The Amnesiac (El Amnésico) 2014 Video HD 10:00 Color, 5:1 Sonido Dolby Digital Surround.

En este video Doherty vuelve a profundizar en su obsesión por el paisaje como almacén de recuerdos y traumas sin resolver. Adopta un estilo más narrativo aunque observamos ecos de trabajos anteriores.

El Amnésico empieza y termina con un viaje en coche donde vemos a un hombre anónimo que atraviesa un paisaje arbolado. Lo que se intuye entre los árboles puede verse como un retorno a un espacio particular, un lugar medio recordado o medio olvidado, o como una distracción momentánea surgida de la monotonía al conducir, una ensoñación o ruptura de la rutina.

En un contexto de ambigüedad moral, en el que uno se siente presionado a olvidar sucesos del pasado para construir un futuro, el concepto de amnésico de Doherty reside en los momentos espontáneos donde una palabra casual o un olor familiar nos teletransportan al pasado, a eso mismo que no podemos olvidar, a la imagen imposible de borrar.

In this video, Doherty delves deeper into his obsession with landscapes as warehouses of memories and unresolved trauma. It takes on a more narrative style, albeit with echoes of previous works.

The Amnesiac starts and ends with an unidentified man driving a car over a tree-filled landscape. We sense that what is between the trees can be seen as a return to a particular place, a place half remembered or half forgotten, or a momentary distraction from the tedium of driving, a daydream or break with routine.

In a context of moral ambiguity in which one feels pressured to forget the events of the past in order to build a future, Doherty’s concept of amnesia resides in the spontaneous moments in which a casual word or a familiar scent transports us into the past, to the thing we cannot forget, the image that is impossible to erase.

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COLABORADORES Y PATROCINADORES

COORDINA KREÆ [ Instituto de Creación Contemporánea]

APOYAN Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid y Conde Duque

COLABORAN CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, El Instante Fundación, Foro Cultural de Austria en Madrid, I-Portunus, Instituto Cervantes, Ministerio de Cultura de Taiwán, la Oficina Económica y Cultural de Taipei ​y el ​Programa de Internacionalización de la Cultura Española (PICE) de Acción Cultural Española (AC/E) en su modalidad de Visitantes​.

PATROCINIO EN ESPECIE Crambo, CASIO, NIIO, El Bosque Rojo, Bodega Cobertizo, Delicias de Yoli y Espacio Menosuno

GRACIAS AVAM, la neuronera (*), Arternativ, Entresijos, ​Teresa Sapey, Jorge La Ferla, Simon Guiochet​ y Josefa de la Roca

POR QUÉ COLABORAR CON NOSOTROS

PROYECTOR es un festival con ​12 años de trayectoria en los cuales ha desarrollado una ​amplia red profesional internacional ​dentro del videoarte contemporáneo. Esta red, formada por los diversos participantes y colaboradores de sus distintas ediciones incluye artistas, coleccionistas, galerías, espacios de producción, centros culturales, museos, festivales, universidades y espacios formativos. Cuenta con el apoyo del Ministerio de Educación y Cultura, así como de la Comunidad y del Ayuntamiento de Madrid, empresas y fundaciones privadas, embajadas, otros festivales internacionales y espacios institucionales e independientes de la ciudad de Madrid.

Lo que nos distingue de otros proyectos de formato similar es una programación singular donde predomina la ​videoinstalación ​y el videoarte expandido ​con un montaje que otorga a la pantalla una identidad propia en el espacio expositivo. Nos decantamos por una ​selección exhaustiva de artistas con ​trabajo de calidad para poder ofrecer un lugar propio de exposición a cada obra y no saturar la programación con proyecciones de larga duración. Todo esto nos convierte en un proyecto ​único ​dedicado al videoarte ​en Madrid, ​que se encuentra en un momento de expansión y crecimiento.

PROYECTOR cuenta con una programación de calidad en el ​panorama internacional ​y con una larga trayectoria. Nos encontramos en búsqueda de nuevos espacios y colaboradores con los que sentirnos afines con su propia programación y forma de hacer, de modo que el resultado de la colaboración sea un impulso mutuo hacia el objetivo de dar forma a una oferta cultural novedosa y accesible al público.

EL FESTIVAL EN CIFRAS

En su undécima edición ​PROYECTOR mostrará propuestas de ​artistas seleccionados por convocatoria y artistas invitados​, se exhibirá en ​7 países, 15 sedes y en unos ​50.000m2​.

Se espera un visita de unos ​33.000 visitantes físicos y unos ​90.000 usuarios de internet, suscritos o vinculados a nuestras redes sociales, newsletter o la de nuestros colaboradores internacionales.

PLAN DE COMUNICACIÓN

En el transcurso de los eventos de Septiembre 2018 en la ciudad de Madrid, el ​impacto mediático y de asistencia de público se prevé que sea reforzado por el apoyo institucional de las distintas sedes participantes y entidades colaboradoras, es decir, que desde ​PROYECTOR solicitamos soporte en la difusión del evento a través de sus propios medios de comunicación, redes sociales y entre su público habitual.

A lo largo de 2019 y 2020, está planificada la itinerancia del proyecto por distintas ciudades en todo el mundo. Algunas de ellas son: ​Rennes ​y Saint Malö (fra), ​Milán (ita), ​Caracas (ven), ​San José (car), ​Bogotá (col), ​Ciudad de ​México ​y Oaxaca ​(méx), ​Rabat (mar). Esta itinerancia proyecta al Festival a nivel internacional y posibilita su visibilidad en medios extranjeros.

PIEZAS DE COMUNICACIÓN - ​10.000 folletos de mano y carteles ​para su distribución en las sedes participantes y vía pública - Difusión continua de actividades en ​redes sociales​ (Facebook, Twitter, Instagram) - ​Mailing ​a contactos -​ Reportajes en vídeo y foto​ de las actividades realizadas - ​Vídeo resumen​ de la edición - ​Catálogo en PDF ​con las obras de todos los artistas participantes con ISBN

PRENSA MEDIOS DE COMUNICACIÓN Se prevé realizar un trabajo destinado exclusivamente a ​prensa y medios de comunicación ​con la intención de que el proyecto obtenga ​visibilidad a nivel local, nacional e internacional​. Los objetivos son prensa, radio y televisión de alcance local y nacional, medios web, agendas culturales y medios especializados en arte contemporáneo, videoarte, cine y audiovisuales, nuevos medios, etc.

EQUIPO MARIO GUTIÉRREZ CRU - Dirección y comisariado Soy artista, comisario y creativo. Dirijo el Festival de Videoarte PROYECTOR, 2008-19, la muestra de videoarte DVD Project, 2008-19.

Presidente de KREÆ [Instituto de Creación Contemporánea], 2009-19. He dirigido Espacio Menosuno, centro de experimentación artística, 2000-10. Así como la muestra de arte sonoro e interactivo IN-SONORA, 2005-2010. Comisario y colaborador de festivales, bienales de arte, ​workshops​, mesas redondas, ferias como Art Madrid e Hybrid en Madrid, festivales como Open Studio, Coutures en Francia, Interference en los Países Bajos, Saout Meeting en Marruecos, Sound Res en Italia, MPA, Kulturapalast en Alemania, Nit´s de Aielo i art, ARTe SONoro, Festival de Música y Arte Experimental Decibelio 06, ARTJaén 2012-16, la Bienal FotoJaén 2011, FotoGranada 2010, Abierto de Acción 2012-19, Epi​pi​derme, Encontro IMERGÊNCIA 2011, FONLAD 2011-18, FUSO 2014-16 en Portugal.

Mi labor en PROYECTOR es la de dirigir el proyecto, coordinar los equipos, comisariar, establecer relaciones entre artistas, instituciones, galerías, museos, dar talleres o ​master class.​ Así como anteriormente labores de diseño gráfico, multimedia, catálogo, grabación y edición de vídeos; documentación fotográfica...

CLARA LEITÃO - Coordinación Soy gestora cultural con experiencia en otros trabajos como locuciones, enseñanza de portugués, traducciones, etc... Tras licenciarme en Historia del Arte en Portugal vine a Madrid para estudiar un máster en Museografía y Exposiciones. Aunque mi idea inicial era permanecer dos años, han pasado ya diez.

En España fundé la asociación cultural ​El Globo de Juan coordinando todos sus eventos y dirigí la programación mensual ​Las Veladas de Inês,​ dedicada a la divulgación de la cultura portuguesa en Madrid en todas sus vertientes. Estuve vinculada a diferentes proyectos culturales como el ​Espacio Menosuno e ​In-Sonora donde me dedicaba a la producción, colaboración en el montaje de exposiciones, apoyo a la comunicación o el Festival Autoplacer coordinando los encuentros con programadores internacionales.

Desde 2014 coordino PROYECTOR donde me ocupo de la gestión de artistas, la articulación con las sedes, gestión de actividades y eventos, logística y producción.

MARÍA JÁÑEZ ÁLVAREZ - Coordinación de Producción Soy psicóloga clínica, licenciada por la Universidad Pontificia de Salamanca (1998). Inicialmente muy vinculada a la rama socio-educativa dando talleres artísticos. Posteriormente realicé la especialidad Clínica (2003) y diversos másteres en psicoterapia - sistémica (2004), psicodrama (2006) y terapia de grupo (2011). He trabajado en centros de salud mental y hospitales introduciendo talleres de arte y psicodrama como un espacio de creación y crecimiento. Además de mi experiencia sanitaria, he participado en diferentes espacios culturales (Espacio en Blanco, Residui Teatro, sala La Tortuga), educativos y sociales (Cruz Roja, Asociaciones del Barrio de Tetuán y Hortaleza) con mucho interés por la mediación intercultural.

Mi labor en PROYECTOR es la de coordinar los grupos de trabajo, asesorar sobre arte en espacio público y proyectos educativos, así como labores de producción.

EVA RUÍZ - Asesoría y Estrategia de Mercado Trabajo desde hace años en acercar el arte contemporáneo a diferentes públicos. Fui galerista, asesora de colecciones y en la actualidad, consultora de estrategia para agentes del mercado del arte. Algunos de mis clientes como embajadora de ferias internacionales son: The Armory Show NY, Arco Madrid, ArtLima o Estampa, entre otras, y está especializada en programas especiales para coleccionistas. Soy socia fundadora de Arternativ, una agencia internacional de consultoría para ferias, galerías y coleccionistas con la asesoro a PROYECTOR desde el 2016. Su leitmotiv: “Conectamos lo local en lo global”.

ARACELI LÓPEZ – Coordinación (De)Formada en el área del diseño gráfico, adiestradora canina y gestora en el sector del turismo. Ha mantenido paralela a su vida laboral la actividad como artista multidisciplinar.

Alumna de Francesc Bravo, Pau Aran o Mey-Ling Bisogno en el lenguaje de la danza contemporánea. En el campo de la pintura y el dibujo ha llevado a cabo desde hace años un proceso de investigación en el que trata de codificar y crear un lenguaje propio convirtiéndose la línea en un código cerrado, pictograma de la idea o el poema.

Su bagaje literario la ha llevado a publicar su primer libro de poemas “Mirar o parecido” en 2018 después de haber escrito en varios blogs.

Ha colaborado en programas de radio como “El estado mental”, OMCRadio o “Jazzeros” en la radio de la Universidad Nacional de Colombia UNIMEDIOS. Ha participado en diversos proyectos artísticos, como “Abierto en Acción”, o en el festival de videoarte PROYECTOR en labores de patrocinio. Desde esta edición de 2019 coordina el festival y se ocupa de la gestión de artistas, la articulación con las sedes, gestión de actividades y eventos, logística y producción.

SAMI KHALAF - LAP y Documentación Soy artista, educador y productor audiovisual (Grado en Bellas Artes y Máster en Educación Artística en instituciones sociales y culturales de la UCM). Me interesan las prácticas artísticas colaborativas y la educación en contextos no formales.

Coordino la neuronera. (*) plataforma de educación.

Mis labores en PROYECTOR consisten en el apoyo a la asistencia, a la producción y a la documentación del festival, el diseño del catálogo, asumir parte de la coordinación colectiva, la construcción del equipo LAP y sus proyectos.

CARLOS CLEMENTE - LAP y Diseño Soy artista, educador y diseñador. Graduado en Bellas Artes y postgraduado en Investigación en arte y creación, me interesa la investigación y construcción de métodos contemporáneos de educación y relación en el arte/cultura y la política a través de las herramientas y estrategias que me han sido dadas. Desde hace un tiempo colaboro en proyectos y plataformas de diferente índole tales como PROYECTOR festival de videoarte, la neuronera. (*) plataforma de educación y Jóvenes Ganar Alcorcón coalición ciudadana y colectivo político.

Mis labores en PROYECTOR consisten en el apoyo a la asistencia, a la producción y a la documentación del festival, el diseño del catálogo, asumir parte de la coordinación colectiva, la construcción del equipo LAP y sus proyectos.

MARISA FOLGADO - Comunicación​ ​y RRSS Soy publicista y realizadora audiovisual. Soy coordinadora de comunicación y jefa de prensa de PROYECTOR 2019. Compagino mi vertiente publicitaria con el mundo audiovisual. He trabajado como jefa de prensa para el Festival Ctrl Art Supr 2019, como editora de vídeo para La Cometa TV, directora creativa para Callao City Lights, y realizadora audiovisual en campañas de publicidad para marcas como Desigual, Atrápalo o Turismo de Canarias, en agencias de publicidad como Manifiesto, Apple Tree Comunications o Double You, entre otras. Soy creadora y tengo mi propio proyecto de collage digital ‘Enelacuario’, donde la voz femenina es la protagonista a la hora de contar historias. Mi cometido en la edición del festival es difundir nuestra iniciativa entre el público y liderar la estrategia de comunicación a través de diferentes medios, canales y soportes, para dar a conocer el tejido de videocreadores internacionales del festival así como las diferentes sedes donde poder visitar las piezas audiovisuales y asistir a los talleres y ponencias del proyecto.

MARÍA SUÁREZ DE CEPEDA - Coordinación talleres y equipo producción Graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y actual estudiante del máster en Gestión Cultural Internacional e Innovación Social, de la misma universidad. Mi trabajo reflexiona acerca del espacio como elemento conformador de comunidades y sobre las posibles relaciones entre identidad, memoria y territorio.

Mi formación y desarrollo profesional ha estado ligado a instituciones y asociaciones como MediaLab-Prado, Campo Adentro Inland, Acción Cultural Española (AC/E), Subdirección General de Promoción de Bellas Artes del Ministerio de Cultura, Royal College of Art y Central Saint Martins, entre otros. Actualmente, formo parte del grupo de investigación ​En los márgenes del arte​.

Mi labor en PROYECTOR es la de coordinar los talleres y colaborar en la producción del festival.

VÍCTOR COLMENERO – Producción y Coordinación de equipos Soy licenciado en escenografía, iluminación y vestuario por la RESAD. Máster de estudios artísticos transversales de la Escuela SUR con el patrocinio de la beca Acciona y el Programa Sin Créditos ’17 por la Comunidad de Madrid. En el ámbito escénico he trabajado junto a compañías como Sharon Fridman, Fabian Thomé o Constanza Macras y en el campo audiovisual en series como La pecera de Eva o Juego de Tronos y largometrajes junto a Gil Parrondo o Luis López Carrasco. Viví 4 años en Berlín donde comencé a trabajar en comunicación para festivales como Pictoplasma o PROYECTOR y plataformas artísticas como AADK Spain. En la actualidad desarrollo mis propios proyectos performativos. En la actualidad realizo los proyectos Item Perspectiva y En la Naturaleza.

En ​PROYECTOR​ realizo labores de coordinación de equipos y producción del festival.

SERGIO CÁCERES - Equipo de Documentación Inesperadamente cursé las Bellas Artes, fue allí donde conocí el diálogo que ocurre entre el interior, el exterior y viceversa, aquello que acaba por dar forma al arte. Poco a poco me interesé en explorar la relación entre lo sonoro y lo óptico. Actualmente sigo complementándome en el ámbito de la imagen en movimiento, añadiendo y ampliando conocimientos en el terreno de la postproducción audiovisual tras haber cursado un máster en motion graphics y diferentes cursos de montaje cinematográfico y etalonaje, sin dejar de lado una continua formación musical autodidacta. Abierto a participar en proyectos de dicha índole. Recientemente he expuesto en el C.A.V La Neomudéjar a través de una residencia artística becada.

Colaboro dentro de PROYECTOR desarrollando los Teaser y vídeos informativos.

PATRICIA GÁRGOLES - Equipo de Producción Soy estudiante de Comunicación Audiovisual (UC3M) e Historia del Arte (UNED). Además de haber trabajado en proyectos relacionados con el mundo de la fotografía, mis mayores intereses son la producción audiovisual y la dirección artística.

Colaboro en PROYECTOR con el equipo de producción.

SOL PÁRRAGA - Página web, marketing digital y patrocinio Soy profesional con más de 8 años de experiencia en comercio exterior y estrategia de investigación. Licenciada en Comercio Internacional, con Máster en Marketing Digital, Comunicación & E-Business. He desarrollado mi actividad en empresas de diverso rubro.

Así mismo he prestado colaboración en proyectos desarrollados en Medialab Prado y actualmente colaboro en PROYECTOR, en el desarrollo de la página web, marketing digital y patrocinio.

NURIA SÁNCHEZ - Equipo de Comunicación y Mediación Soy graduada en Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III de Madrid. He realizado la producción del videoclip My Burial Will Be Yours de C.I.A.N.U.R.O en 2016. La dirección de casting y ayudante de producción del videoclip He Venío de Mami LaQuinn en 2018 y desde 2017 estoy trabajando en YELMO FILMS S.L.

Colaboro en PROYECTOR con el equipo de comunicación, mediación y producción.

ALINA MARÍN - Documentación He estudiado Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Mi trabajo abarca desde la pintura y el grabado a la fotografía, para acabar centrándose en el mundo de la edición y el vídeo.

Actualmente trabajo en el colectivo creativo audiovisual Gommet Estudio, donde desarrollo labores de directora, productora y arte.

En PROYECTOR realizo labores de documentación y edición de los festivales y colaboraciones.

ISMAEL CABRERA – Equipo patrocinio, comunicación y producción Soy estudiante de Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III de Madrid (UC3M). Mi mayor interés es el cine, y destaco de entre todos los puntos que he tratado durante mi formación académica el estudio de la experimentación tanto a nivel narrativa como visual por haber sido bastante enriquecedor para mí, por tanto, contemplo mi trabajo en PROYECTOR como una forma de profundizar más en ello.

Actualmente en el festival colaboro con el equipo de producción, comunicación y redacción.

RICARDO PÁRRAGA - Equipo producción y montajes Tengo amplia experiencia ejerciendo como organizador y coordinador de eventos, lo que incluye el correspondiente montaje, iluminación, conexión de medios audiovisuales , supervisión de infraestructura y preparación de la logística necesaria, respondiendo a la polivalencia, organización, diligencia y perfeccionamiento demandados. Los sectores en los que me he desempeñado van desde: moda, arte, exposiciones, publicidad, encuentros políticos entre otros. Las empresas con las que he trabajado son Instituto Europeo di Design y Fundación del Diario Madrid, dentro de PROYECTOR​ c ​ olaboro en el área de montaje de las exposiciones.

ALBERTO GONZÁLEZ PULIDO – Abogado y Comisario Soy gestor cultural, técnico en gestión de empresas culturales y fundaciones y abogado especialista en propiedad intelectual, industrial y nuevas tecnologías. Actualmente miembro de la junta directiva de AICAV (Asociación Islas Canarias Artistas Visuales)

En PROYECTOR realizo labores de asesoramiento jurídico y económico.

PEDRO JOSÉ TRUJILLO – Comisario de arte, gestor cultural e investigador Graduado en Historia del arte por la Universidad Complutense de Madrid, Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual,.

Título Propio de Especialista en Arte de India por la Universidad Complutense de Madrid, y ha disfrutado de varias becas y estancias universitarias. Dentro del ámbito laboral, ha trabajado en museos, galerías de arte, fundaciones, residencias de artistas y asociaciones culturales, tanto a nivel nacional como en el extranjero. Fue miembro fundador del Equipo COMA, un colectivo de comisariado y teoría del arte que se desarrolló entre los años 2017 y 2018, con acciones como la intervención curatorial en ArtBattalion Festival de WhiteLab 2018, la performance “Intrusos” dentro del Museo Reina Sofía y el proyecto expositivo – publicación de Punctum Ludis. Secuencias de una vida del artista Ignacio Bosch (Alaró, Mallorca), entre otros. Coordinador de artes visuales en Cruce Arte y Pensamiento Contemporáneo, y a la par prepara su tesis doctoral con el objeto de estudio Arte y psiquiatría en la España de principios del siglo XX.

JIMENA REZ - Equipo de Producción Soy estudiante de cine, comunicadora, altavoz de un país chiquito al suroeste. He participado en la producción de varios festivales de cine y cortometrajes en Uruguay. Me interesa el documental creativo y el cine experimental en todas sus variantes, el que recita, el que evoca.

Colaboro en PROYECTOR en la producción del Festival.

ALBERTO TOVAR – Equipo comunicación y producción Si tuviera que definirme de alguna manera en este momento de mi vida, acudiría al concepto de cineasta en prácticas. Aunque familiarizado con los entornos cinematográficos desde hace años, mi introducción profesional y mi construcción personal en el Séptimo Arte se encuentran fraguándose a fuego lento, para de esta manera fomentar un proceso productivo firme y determinante.

Encontré mi nexo con este mundo a través de mis estudios de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Granada, a la par de diversas incursiones en la creación cinematográfica y en la crítica recorriendo algunos de los festivales de cine más importante de nuestra geografía.

En PROYECTOR realizo labores de comunicación y producción

MIGUEL ÁLVAREZ-FERNÁNDEZ – Redacción de textos Inicié mis estudios de composición en el conservatorio de San Lorenzo de El Escorial, para continuarlos posteriormente en otros centros españoles (LIEM/CDMC, Aula de Música de Alcalá de Henares, Gabinete de Música Electroacústica de Cuenca…) y alemanes (Darmstadt, Kürten -con Karlheinz Stockhausen-, Universidad Técnica de Berlín…). Completé la licenciatura en Derecho en la Universidad Complutense de Madrid y el doctorado en Historia del Arte y Musicología en la Universidad de Oviedo -con una tesis sobre filosofía de la música titulada “La voz límite”. He impartido docencia en diferentes universidades españolas, así como en Berlín (TU) y en los Estados Unidos (NYU y Harvard). Entre 2002 y 2005 viví en la Residencia de Estudiantes gracias a una beca para creadores y artistas. En 2003 fui el asistente y traductor de Alvin Lucier durante su primer viaje a España. En 2005 comisarié, junto a María Bella, Itinerarios del sonido —primer proyecto de arte sonoro público en España—. He presentado mi música en Francia, Italia, Alemania, Dinamarca, Suecia, Macedonia, Serbia, Lituania, Rusia, México, Estados Unidos, Japón… Desde 2008 dirijo en Radio Clásica/RNE el programa semanal Ars Sonora. En 2011 recibí el IV Premio Cura Castillejo, concedido en el marco del Festival “Nits de Deshielo i Art”, por Llorenç Barber. En 2015 dirigí, en colaboración con Luis Deltell, el documental No escribiré arte con mayúscula, dedicado a Isidoro Valcárcel Medina.

INÉS MOLINA – Redacción de textos Historiadora del arte e investigadora, realizo mi tesis doctoral en la Universidad Autónoma de Madrid sobre prácticas editoriales experimentales en la Transición española. Rastreo la dimensión social e histórica de las imágenes artísticas y su intersección con los movimientos sociales.

En PROYECTOR realizo textos curatoriales para las sedes del festival.

BEGOÑA MORENO-LUQUE – Redacción de textos Soy artista, poeta y alguna que otra cosa más. Vibrando en el hecho artístico en su pluralidad de manifestaciones disfruto sin temor de las posibilidades del mestizaje de disciplinas: siempre estuve en el entre y un día me di cuenta de que no era mal sitio para estar.

Independientemente del formato o soporte, en mi trabajo subyace una reflexión en torno al secuestro de la mirada por los sistemas acogidos por defecto con el fin de detectar códigos no afines y poder crear líneas de fuga que permitan a cada cual relacionarse con una realidad a la medida de sus verdaderos afectos.

Colaboro en PROYECTOR en la redacción de textos del Festival desde 201

CORAL NIETO GARCÍA – Redacción de textos Investigadora, gestora cultural y encargada de la comunicacion y difusion de eventos en el ámbito de la cultura (artes plásticas y artes escénicas), he realizado la licencia de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid (UAM) y en la Universidad Paris 1 Panthéon Sorbonne. Más tarde, he realizado el Máster especializado en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual impartido en el Museo Reina Sofía (MNCARS), orientándome a la gestión y mediación cultural. Mi memoria del máster, que tiene por título Clandestine Voices: Noli me legere. Jean Dubuffet and writing as emancipatory poetry of the homme du commun, tuvo por objetivo cuestionar la escritura, más ampliamente el lenguaje, en el dominio del arte plástico.

Actualmente me encuentro doctorando en la Ecole des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS) en Paris. La tesis a llevar a cabo, L’émergence du sens dans la poésie française contemporaine: entre performativité de la langue et action de l’écoute, plantea un cuestionamiento lingüístico del objet langagier a través del sonido y de la voz. Colaboro en PROYECTOR en la redacción de textos del Festival desde 2018.

CONTACTO

Dirección Mario Gutiérrez Cru 0034 655483911 info@​proyector.info

+ INFO: info@proyector.info http://www.proyector.info

Vídeo del especial de RTVE Metrópolis ​10 Años Catálogo 2018 Facebook Twitter YouTube Vimeo Instagram