Steve Kaufman Y La Pop Art by Leslie Gonzalez

Universidad de Trieste Grado en conservación de los Bienes Culturales Especialidad histórica-artística

STEVE KAUFMAN Y LA POP ART

Tesis de Doctorado Estudiante: Serena Bobbo Director: Prof. Massimo Degrassi Codirector: Prof. Maurizio Lorber

Curso 2013/2014

Tradotto in Lingua Spagnola da DE STEFANO CIRO Studente del CIELS – GORIZIA MEDIAZIONE LINGUISTICA 1

Tablas de contenido Introducción Capítulo 1: El Pop Art Los orígenes Los precursores ingleses El signo y el mito del consumo La serialización Capítulo 2: Andy Warhol y la “Factory”

La teoría La masificación El erotismo Transgresión y destrucción Los símbolos

Capítulo 3: la segunda “Factory” y la “Second Generation” (“Neo Pop Art”) Arte y personajes ¿“Qué hay que decir”? Capítulo 4: Steve Kaufman Nacido en South Bronx Los Graffitis En el taller de Andy Warhol El compromiso social Adiós a Nueva York: el éxito, el arte de retratar y el mundo de Hollywood Las citas de obras famosas Los últimos años: el legado Conclusiones Apéndice: los exponentes del Pop Art (los principales) 2

Bibliografía

Introducción «El Pop Art pretende destruir el arte (o, al menos, convertirlo), pero el arte se renuirá con ella: el arte se contrapone a la fuga por el arte» (Roland Barthes)1 «Entre otras cosas, en aquellos tiempos no le daba a la palabra Pop Art el significado que se le atribuye hoy. Yo la utilizaba, como la expresión ‘pop culture’, para calificar los productos de los mass media y no las obras de arte que daban voz a los elementos de esta ‘cultura popular’. En cualquier caso, el término se volvió de uso común en un momento indeterminado, entre el invierno de 1954 y 1957»2 (Lawrence Halloway)

«Hubo un momento, a mediados del siglo XX, en el cual el mundo mismo en el que la gente vivía se convirtió en arte»3. Se trata de una definición apasionante, que desvela gran parte del secreto del éxito del Pop Art y de su seguimiento en el tiempo (quizá sólo el surrealismo puede rivalizar con el Pop Art en amplitud y profundidad de influjo): de los primeros días de los años cincuenta en Gran Bretaña, a la explosión de popularidad en América, a su difusión más allá del océano y en Europa hasta llegar a Australia y Japón, con los artistas de la segunda generación como Steve Kaufman, Jeff Koons, Richard Prince, Cindy Sherman y otro que cogieron la idea y estética que Andy Warhol había dado a conocer reinterpretando y contextualizando en el momento histórico que estaba cambiando y sigue cambiando. Ningún movimiento artístico internacional que dure tanto y se extienda a todos los tipos de instrumentos, géneros y media conocidos –desarrollando al mismo tiempo también estilos nuevos y formas de expresión– puede resumirse en pocas frases o simplemente excluirse.

Roland Barthes, L’ovvio e l’ottuso, Saggi Critici, Einaudi, Torino 1982

Lucy R.Lippard, Pop Art, Mazzotta Milano 1967

Wayne Radcliffe, precedentemente curatore della sezione Arte Contemporanea e ora Sezione Arte Australiana dell’

Art Gallery NSW – Australia http://www.artgallery.nsw.gov.au/).

Los grandes artistas siempre se han expresado con sencillez y claridad con respecto a las propias obras y las ideas contenidas en ellas, pero rara vez se les ha prestado atención.

Agradecimientos Prof. Massimo Degrassi Prof. Maurizio Lorber

Por la ayuda para conseguir libros, fuentes, datos e instrumentos que he utilizado en mi tesis, y por su aportación a mi trabajo y a mis investigaciones: Diana Vachier – presidente de “Steve Kaufman Art Licensing, LLC” y “American Pop Art, Inc.” Alberto Panizzoli – Co-presidente de “Steve Kaufman Art Licensing, LLC” y director de “American Pop Art, Inc.” Leslie Gonzalez – Media Relations, comunicación y estrategia de “Steve Kaufman Art Licensing, LLC” y “American Pop Art, Inc.”

Roberto Srelz – periodista y escritor, director de “centoParole Magazine” por haber creído en mí.

Quiero agradecer a las personas a las que les tengo más cariño: Elena, Lorenzo y Marco – mi familia.

A Steve Kaufman.

Capítulo 1: El Pop Art Los orígenes ¿Qué es el Pop Art? El significado del término va mucho más allá de la simple traducción ‘arte popular’. Andy Warhol dijo: «Una vez que te hayas ‘convertido’ en Pop, no puedes ver más un signo del mismo modo que antes... una vez que has empezado a pensar Pop, no puedes ver más América del mismo modo que antes»4. (Es importante, en las palabras de Warhol, el decir ‘Convertido’ Pop, que implica una verdadera transformación en la manera de sentir). Roy Lichtenstein dijo: «El Pop Art mira hacia el mundo. No parece una pintura de algún tipo, que retrata algo: parece ese algo mismo».5 Sin embargo, aunque los grandes maestros de ese arte y de cualquier definición aparecen como sinónimos de ‘América’ (en especial Estados Unidos) para el espectador, el público receptor, el Pop Art tuvo origen en el viejo (por tradición y escuela) Continente, en la mundana Londres de 1950: el término Pop Art se introdujo durante los debates del colectivo de artistas conocido como “Independent Group” en el London Institute of Contemporary arts. Uno de estos artistas independientes era Richard Hamilton, ampliamente reconocido como el primer artista pop, y su definición del término Pop Art era era diferente y articulada: «Popular (entendida como ‘destinada a la masa’): efímera (entendida como ‘solución de corto plazo’ e inmediatamente aprovechable); reemplazable (arte fácilmente olvidable); de bajo coste (nada de obras colosales o costosas); producida en masa (mediante la aplicación de

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La filosofía de Andy Warol, Costa & Nolan, Genova 1983 L’arte, questa vecchia cosa…., in Pop Art. Evoluzione di una generazione, catalogo, Electa, Milano 1980

técnicas industriales ya muy extendidas); joven (arte destinada en primer lugar a la juventud); graciosa; sexy; ingeniosa; fascinante; y... un gran negocio»6 Hamilton se menciona a menudo por la creación de la primera obra Pop Art, el collage: Just what is it that makes today’s home so different, so appealing? (1956; el título, traducido de manera no literal, significa: ¿”Quién sabe qué es lo que hace la casa de hoy tan diferente, tan?”). En la obra, en un cuadro doméstico imaginario y fascinante, lleno de objetos de consumo, un hombre y una mujer (como iconos) se enfrentan al preguntarse qué es lo que ‘tan diferente de lo habitual’: la respuesta una piruleta gigante que el hombre aprieta en la mano, del que la letra ‘Pop’ (ese tipo particular de una piruleta, rellena de chocolate o de licor, nació en los años treinta y se le llama en inglés ‘Toosie Pop’) ‘sale’ literalmente del marco (‘Pop en este caso como ‘explosión’, como en ‘Pop corn’, no como ‘Popular’). El comienzo de todo: en la obra Hamilton combina imágenes de peliculas, carteles, revistas e historia del arte. Lo suyo es un mix de técnicas de representación, materiales y sujetos – que se pueden utilizar inmediatamente: un hombre al centro del ambiente que parece avanzar hacia nosotros, pero es un hombre fuera de escala en relación con los objetos que lo rodean y no está representado per una figura realista; una mujer desnuda sentada en el sofá que parece ofrecer su seno como objeto entre los objetos, también esta no realista, fuera de escala, fuera de proporción. Si en un primer momento, el espacio que se non presenta nos parece acogedor porque está lleno de los mismos objetos de que somos rodeados también nosotros, objetos que hacen parte también de la nuestra vida diaria, la falta de proporción entre el hombre y su ambiente nos hace percibir un sentido de claustrofobia, nos hace percibir un espacio repleto, un espacio colmo de amuletos, entre los que destaca la piruleta que se transforma en el elemento más importante de la escena: el objeto que consumiremos y que cambiará el día de nuestra casa – y que, fuertemente alude. «Un collage de Richard Hamilton no se entiende solo recurriendo a la Mythologies de Roland Barthes, pero acordándose de que el autor podía ver el retrato de los esposos Arnolfini colgados a una pared de la Nation Gallery de Londres»7

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Richard Hamilton, Collected Words, Thames & Hudson, London 1982 Alessandro del Puppo, L’arte contemporanea. Il secondo Novecento, Einaudi Editore. Torino 2013

La obra se expuso por primera vez el 9 de agosto de 1956 en ocasión de la célebre exposición This Is Tomorrow (“Esto es el mañana”) realisada en la Whitechapel Gallery de Londres. La exposición fue organizada por el “Indipendent Group” y estaba dedicada a temas como la ciudad, los mitos de la cultura de masas y las nuevas tecnologías. En los Estados Unidos, mientras tanto, los artistas estaban comenzando a crear un puente hacia el Pop. Influidos de manera especial por “dada” y por su énfasis respecto a la apropiación y los objetos de cada día, los artistas trabajaban cada vez más con el collage, los productos de consumo, y una fuerte dosis de ironía. El Dadaismo (“Dada”) es un movimiento artístico nacido en 1916 en Zurich, Suiza, en un momento histórico muy dramático: la Primera Guerra Mundial. Nace gracias a un grupo de intelectuales que se refugiaron precisamente en Zurich para huir de la guerra misma. El grupo fue formado principalmente por Hans Arp, pintor escultor y poeta francés, Tristan Tzara, poeta y ensayista rumano de lengua francesa y rumana; Richard Huelsenbeck, escritor alemán y finalmente Hans Richter, cineasta y pintor alemán. En 1924 el Dadaismo dejó el lugar a otra corriente artística: el Surrealismo. Precisamente es ese año, el escritor francés Andrè Breton publicó el primer manifiesto del Surrealismo en el que lo definió “Automatismo psíquico puro”. Formarán parte de esta corriente Han Arp (ya presente en la corriente dadaísta), Joan Mirò, pintor, escultor y ceramista español: Renè Magritte, pintor belga y finalmente Salvador Dalì, pintor, escultor, escritor, cineasta, diseñador y guionista español. También el artista Emmanuel Radnitzky (1890 – 1976), conocido como ‘Man Ray’, se considerará, durante el periodo en que produce, un puente entre el Dadaísmo y formas de arte posteriores, aunque artísticamente no se puede insertar en una categoría específica o en un determinado movimiento. Man Ray permanece inclasificable: no es dada, no es pop, no está adentro de ninguna corriente precisa: grabador, dibujante, cartógrafo formado en Nueva York, conoce la libertad expresiva y escapa a las técnicas académicas, y se aventura en la experimentación continua y en la vanguardia. ‘Man Ray es un fotógrafo y veremos cómo la fotografía siempre será importante dentro del Pop Art y los desarrollos posteriores. Los dos movimientos del Dadísmo y Surrealismo, compartieron la búsqueda de un nuevo modo de hacer arte con una actitud irónica, de forma provocadora reclamando la “ausencia de cualquier control ejercido por la razón”: en el Dadaísmo se luchó contra los significados tradicionales 7

atribuidos a las palabras, y la poesía oficial. En el Surrealismo, en cambio, se analizó la relación entre lenguaje e imagen (baste pensar en la famosa “pipa” de Magritte donde bajo la imagen de la pipa aparece la inscripción “esta no es una pipa”), y se reflexiona sobre la realidad que nos rodea y su representación, en particular sobre el límite no siempre claro entre los dos. Fue Marcel Duchamp, dadaísta, la personalidad más contundente para los futuros artistas Pop, en particular con sus “Ready Made” (“listos para su uso”). Marchel Duchamp, que desde Suiza llegó a New York donde se estableció definitivamente en el trascurso de la Segunda Guerra Mundial (1942), y había realizado su famosa rueda de bicicleta invertida, el primer “Ready Made”, dada la gran revolución conceptual del Novecientos, símbolo de la contemporaniedad. Rueda de bicicleta (1913) es un primer paradojo lógico: movimiento – la rueda – y estancamiento, el taburete. Industria y manualidad, la vida cotidiana, que entrará en el arte. “Ready Made” es precisamente esto: tomar los objetos de uso común aislados de su contexto, resaltarlos y elevarlos de forma provocadora al papel de una obra de arte. Algúnos años más tarde, en 1917, realizará la escultura titulada Fontana: un urinario masculino en loza blanca que Duchamp volcó y colocó en un pedestal de madera. Duchamp convirtió por lo tanto un objeto, un urinario, en una obra de arte con pequeños retoques (la disposición al revés, la firma, la fecha) definiéndolo y enmarcándolo públicamente como tal (lo hizo fotografiar por un famoso fótografo y coleccionista de arte, Alfred Stieglitz, y la obra tan reproducida fue comentada en una publicación editada para la ocasión). Un escándalo, el rechazo asegurado: y Duchamp que había usado el seudónimo Richard Mutt, dimitió clamorosamente del comité organizador. En aquella ocasión dio una definición importante de su pensamiento: “No tiene ninguna importancia el hecho de que Mutt haya fabricado la fuente con sus propias manos o no. Él la ha elegido. Ha tomado un elemento común de la existencia y lo ha dispuesto de tal manera que el significado utilitario desaparece bajo el nuevo punto de vista: él ha creado un nuevo pensamiento para este objeto” 8 12. ¿Es el rescate de los objetos banales de nuestra vida cotidiana?

André Breton, Manifesto del Surrealismo, 1924 André Breton, Manifesto del Surrealismo, 1924 10 Renè Magritte, Ceci n’est pas une pipe, 1926 11 Octavio Paz, Apparenza nuda. L’opera di Marcel Duchamp, Abscondita(collana Carte d’Artisti) 9

La idea era desbordante, y el arte nuca sería como antes, fue un punto de no retorno en su historia. Fragmentos de la vida real entraron en el tejido del arte. Otra idea recuperada posteriormente por el arte Pop fue la de citar obras famosas, como en el caso de la obra de Duchamp L.H.O.O.Q, un “Ready Made” de 1919. Se trataba de la reproducción fotográfica de la obra de Leonardo Da Vinci La Gioconda. Arte que menciona arte y no arte cualquiera, sino la obra maestra pictórica por antonomasia, el icono del arte mundial. Las operaciones de Duchamp eran la puesta en escena de una estrategia articulada de comunicación y meta-comunicación que tenían como objetivo la enunciación de un discurso, ambiguo y a distintos niveles, sobre el arte: «Os estoy diciendo con esta operación, que basta con definir sobre cualquier cosa como obra de arte porque ella se convierta en obra de arte a todos los efectos, pero quizás lo que os estoy diciendo es una tomadura de pelo»9. ¿Cómo nació la contemporaneidad? El acontecimiento decisivo que transformó las vanguardias en lo que son todavia hoy en día fue, paradójicamente, su disolución a causa de la crisis europea que desembocó en la Segunda Guerra Mundial. Obligados al exilio en Estados Unidos, Expresionistas y Surrealistas recrearon una especie de Bohéme en Nueva York y Los Ángeles y fueron adoptados como clásicos de una cultura artística que se fosilizó en realismo social, ajena a las evoluciones modernistas europeas. El exilio a Estados Unidos de las vanguardias trasladó definitivamente a Nueva York el corazón de la escena artística: este giro es decisivo para el arte contemporáneo. La crítica se convirtió en la protagonista de la escena, mostrándose capaz de crear desde cero a los artistas, asociarlos a un movimiento y proyectarlos como su expresión. En sustancia fue la crítica americana la que llevó al éxito el Expresionismo abstracto, haciendo de figuras como De Kooning, Kline, Rothko y principalmente Pollock los auténticos continuadores de las vanguardias europeas. La operación teórica de reclasificación de los artistas aplicada por críticos como 12

Octavio Paz, Apariencia desnuda. Lao obra de Marcel Duchamp, Abscondita (collana Carte d’Artisti)

Alfred Barr, Clement Greenberg, Harold Rosenberg y otros se desarrolló en dos momentos: imponer a la opinión pública americana las vanguardias históricas europeas como verdadero arte moderna, y luego hacer que los nuevos pintores americanos fueran los únicos capaces de superar a los maestros. La invención del Expresionismo abstracto y de su leyenda no fue solo el resultado de una compleja operación crítica (tanto de ideas, como de promoción): era necesario que la valorización encontrara el gusto del público, y en este plano se cumplió la alianza entre críticos y artistas, se presenció a la especifica reformulación de la relación social entre comitente y artista. El crítico se convirtió ahora en autor, mientras que el mercader proporcionaba el espacio físico en que se desarrollaría la acción artística. Claro que el artista tenía que existir, pero su papel se hacia menos importante, como meramente exterior era el del público, ahora consumidor pasivo de un producto elaborado en todo y para todo fuera de su juicio.

Los precursores ingleses El Pop Art se desarrolló solo en los años sesenta, cómplice indiscutible el periodo de fuerte revolución cultural que se estaba viviendo en todos los aspectos de la sociedad. Los artistas Pop (todos norteamericanos de nacimiento) expuestos en 1962 en el túnel Janis di New York eran Andy Warhol, Jim Dine, Robert Indiana, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, George Segal. Ellos proponían un tipo de arte totalmente abierta a las formas más populares de comunicación de los tebeos a la publicidad. Jasper Johns imaginaba los iconos de la gente común como las ‘estrellas y franjas’ (la Bandera Americana); Robert Rauschenberg a utilizar la serigrafía y ponía en sus obras los objetos más dispares, producidos en masa: ambos son considerados precursores americanos del pop (siempre Warhol dijo: «Eran estilos únicos: no era Expresionismo Abstracto, y no era Pop, estaban en medio»10). Duchamp, su pensamiento y lo que siguió tienen para nosotros un valor inestimable, porque permitieron definir, independientemente del complejo problema de las periodizaciones, qué distingue la contemporaneidad de formas anteriores de arte. 13

Andy Warhol, POPism: the Warhol’ 60s, 1980

Algunas obras de Andy Warhol, a partir de Duchamp, serán objetos de los cuales el artista se adueña ya que están separados de su uso [como veremos: Brillo Box, nada más que la confección reproducida de un detergente]; otras serán manipulaciones fotográficas, de Mao Tse Tung o Marilyn Monroe, y las diferentes Electric Chair).

El signo y el mito del consumo Concebir un arte creado para el momento, sin un compromiso de inmortalidad y de eternidad, o al menos sin una pretensión de este compromiso, habría parecido monstruoso. Si la antigüedad había creado sus mitos y sus fetiches a menudo utilizando elementos tomados del mundo natural (rocas antropomórficas, plantas sagradas imágenes de rituales), o los había vuelto a presentar explotando las imágenes simbólicas en afloramientos a la conciencia y derivadas de creencias y sensaciones, nuestro período histórico por el contrario crea sus mitos y sus fetiches tomándolos prestados de elementos prefabricados, a menudo mecánicos o industriales, productos en serie, creados por el hombre, pero ya deshumanizados, convirtindos en los simulacros de una visión del mundo artificial pero no por ello menos real. En 1964, Roy Lichtenstein afirmaba, durante una conferencia, que el «Pop es un arte de la anti-sensibilidad»11: «El Pop es un producto de dos tendencias del siglo XX. Un exterior (el sujeto) y un interior (la sensibilidad estética). El sujeto está identificado en el mercantilismo y en el arte comercial, pero su contribución consiste en el aislamiento y en la exaltación de la “cosa”. El arte comercial no es nuestro arte es nuestro sujeto. La sensibilidad estética a que me refiero es una forma de anti-sensibilidad.»12

Andrea Mecacci, Introduzione ad Andy Warhol, Editori Laterza, Bari 2008 La dichiarazione di Lichtenstein è contenuta nel catalogo New York Renaissance. Dal Whitney Museum of American Art, Electa, Milano 2002 15

Lichtenstein utilizaba la técnica de impresión por puntos (la ‘Ben-Day’, inventada por Henry Day en 1879, es una técnica que utiliza puntos de colores o blancos y negros de la misma medida espaciados o superpuestos, para crear la ilusión óptica de los colores y los medios tonos dejando espacios en blanco) y gráfica de las historias en comic para crear paneles de grandes dimensiones. Oldenburg se especializaba cada vez más en los objetos, exagerando hamburguesas hasta dimensiones atroces y exponiendo esculturas que representaban comida y géneros de consuelo. Rosenquist explotaba su experiencia de pintor de letreros publicitarios para imaginar caras sonrientes, coches color caramelo, o publicidad verdadera. Era el espejo de la sociedad. El Pop Art quería reflejar los valores sociales y el medio ambiente en que se desarrollaba, no subvertir o destruirlos (no había, en los años del Pop Art, la atmósfera de la masacre de la primera o la Segunda Guerra Mundial y el consiguiente horrorizado rechazo de ese tipo de sociedad; la guerra estaba presente – no había desaparecido, y no habría desaparecido nunca, pero se sentía de forma más distante). Y así, los artistas ‘pop’ se concentraban en las preocupaciones de la mayoría de los americanos: comida, coches, sexo. Lo hacían utilizando imágenes fuertes y fuertemente satíricas, y –si eran criticados por haberlo hecho - podían permitirse el lujo de responder que no habían hecho otra cosa que tener en mano un espejo frente a la realidad que veían con sus ojos (un espejo puesto frente a la sociedad moderna – Un mundo preocupado por la búsqueda de la satisfacción material y comprometido exclusivamente con ella). El Pop Art era, y lo eran los artistas Pop, el reflejo fiel de una situación de crisis, fetichismo que América era sumisa, pero sin ser consciente de ello. Esto más allá de la voluntad de los intelectuales y de quien quería aprovecharse de la obras ‘en cualquier caso’, porque el arte no puede no ser espejo de la situación ética y social del país en que se manifiesta, pero no puede ser usada y programada para este fin, de lo contrario pueden perder toda su autonomía expresiva y rebajarse a ser menos elementos de propaganda política.

La serialización El 9 de julio de 1962 Warhol expone la obra Campbell’s Soup Cans a Ferus Gallery de Los Ángeles. La obra consistió en una serie - treinta y dos - de marcos que representaban todos el mismo sujeto: latas de las sopas Campbell. La disposición de los marcos recordaba vagamente, y quizás intencionadamente, estanterías de un supermercado: «... Si lo imaginamos, los grandes almacenes son una especie de museo...»13 Con la obra, Warhol propuso el antiguo dilema mimético entre copia y original, mostrando en una sola vez la industrialización de la estética y la reprodución estética del producto industrial. Marcel Duchamp comentó la obra con estas palabras: «Si un hombre coge cincuenta latas de sopa Campbell y las pinta sobre una tela, lo que nos interesa no es la imagen retínica, pero el concepto que impulsa a poner cincuenta latas de sopa Campbell sobre una tela»14. Warhol volverá sobre este tema varias veces creando una serie: en Big Campbell’s Soup Can agrandará la lata, en Small Campbell’s Soup Can, lo disminuirá, etcétera. Realizará también 200 Campbell’s Soup Cans, Big Torn Campbell’s Soup Can, Campbell’s Soup Can with Can Opener. Unos años más tarde hizo lo mismo con una botella de CocaCola, representada con las mismas variantes de la sopa Campbell: repetida en serie, infinitas veces para reforzar su estatuto icónico, de icono y perder su determinación real, su contacto con la realidad. La revolucionaria 'Factory' de Andy Warhol habría procedido a redefinir el arte de una era, arrojando nueva luz sobre ideas relacionadas con la producción masiva de las obras, a la fama, y al artista entendido como personaje público. La 'Factory de Warhol ponía en marcha líneas de producción de serigrafías realizadas con métodos industriales mientras músicos, actores y escritores vagaban alrededor de las pinturas, a menudo rodeados por un humo en muchos sentidos narcotico; La 'Factory' producía las Marilyn Monroe y los Elvis (que se hallan entre las más conocidas obras de arte del Siglo XX). Al triunfo de la confección, la caja, la botella del contenedor, de la superficie que plasma al consumidor en cliente el cual ha familiarizado con ese objeto-mercancia se presentó otra virtualidad: el vínculo afectivo de los fans hacia la Estrella a través de la sobreexposición de la imagen de esta última. 16

Andy Warhol, America, Harper & Row, New York 1985 Marcel Duchamp, intervista su Herald Tribune, 1964

En el Pop Art la obra de arte se ha homologado al sistema-objeto, y el artista es él mismo consumidor, un 'consumidor ya consumido’ que interviene todavía creando algo estético: la suya es una operación artística que pasa también por recuperar los objetos ordinarios. La consumación artística del Pop Art es invocado por la difusión, en ella, los productos de consumo y todo se ha catapultado en una dimensión donde todo ya ha sucedido y, continuamente, el presente vuelve a ser pasado. La novedad del presente se involucra en el mito de nuevo en el pasado, todo ya ha ocurrido y ha consumido - continuamente, en un continuo recomenzar. El tiempo ya no existe, y la popularidad de los objetos aparece como la repetición de un signo. La cita es la forma Pop de difusión de obras de arte y la circulación de objetos de consumo, que se remiten mutuamente, como la Coca-Cola, famosa como la Gioconda). « El valor de objeto del consumo se halla en el signo de consumo, no en su valor de uso »15

Capítulo 2: Andy Warhol y la “Factory” Cuando el 22 de febrero de 1987 Andy Warhol murió, el artista Keith Haring dijo: «Fue el primer verdadero artista público en el sentido global, y su arte y su vida han cambiado el concepto de "arte y Vida" en el siglo XX. »16.

Carolina CARRIERO, El consumo de la Pop Art. Presentación del objeto y crisis de la objetivación, Jaka

Book, Milán 2003 19

Keith Haring, Diarios, Mondadori, 2001

P.Hackett, I diari di Andy Warhol, De Agostini, Milano 1990 22 Ibidem

Andy Warhol, cuyo verdadero nombre es Andrew Warhola, nace el 6 de agosto de 1928 en Pittsburg de una familia de inmigrantes eslovacos. El padre, Ondrej Warhola trabaja en los Estados Unidos y la mujer y los hijos lo alcanzan en 1921. Andy entrará en el Carnegie Institute of Technology de Pittsburgh en 1945 donde se diplomarà en arte publicitario en 1949. Posteriormente se traslada a Nueva York donde, en los años cincuenta, emerge como uno de los más buscados ilustradores y gráficos de la publicidad y de las principales revistas. Ya desde los primeros años su carrera parece aparecer como una ininterrumpida sucesión de éxitos. A comienzos de los años sesenta Andy parece inspirarse para sus obras por el universo de los tebeos, la publicidad y los productos de la industria alimentaria, pero lo que consagra la entrada de Andy en el universo Pop es sin duda una de sus obras más conocidas: el 9 de julio de 1962 presenta al mundo la serie Campbell’s Soup Cans. Sobre Warhol existen muchos mitos, de los que emerge la figura de un artista que necesitaba el contacto humano y que buscaba siempre algo con sus ojos, al punto de presentarse a casi todas las fiestas con la máquina fotográfica al cuello y llamarla a menudo 'su chica'. Una 'chica' con que creaba primeros planos, fotos sin fondo y retratos directos y fuertes de los rostros más conocidos de su tiempo - fotos a menudo consideradas, quizás de forma errónea - preparatorias para sus pinturas: John Lennon, Sylvester Semental, Dennis Hopper, Liza Minnelli, Diana Ross. Los transexuales de Nueva York.

Sus mismos autorretratos. En su pintura, Warhol raramente incluía la presencia humana, mientras que en su fotografía la incluía continuamente. Antes de Warhol, muchísimos artistas habían tenido asistentes que bosquejaban las obras, preparaban el fondo, trabajaban como peones o incluso participaban en la realización de la obra. Pero en la 'Factory', el grupo creció hasta las dimensiones de una pequeña empresa. Fue visto como una especie de entourage, pero Warhol echó esa idea por su mente y trató de la disiparla la mente de la gente: «Pensaban que yo fuera la persona, en la Factory, alrededor de la cual giraban todos… pero es absolutamente lo contrario. Era yo quien estaba en torno a todos los demás. Yo pagaba solo el alquiler »17. Aunque la idea de la Factory atrapó la imaginación pública, Warhol, más tarde, trataría de minimizarla. Para él era la 'oficina', una sociedad de arte en la que él y los 'chicos' trabajaban. La Factory permitía crear pinturas y películas, publicar un relato y un libro de filosofía, poner en escena una representación, dibujar portadas para álbumes musicales, hacer publicidad en TV y vídeos, trabajar con las modelos.

La teoría La dimensión multimedial que caracterizaba las intuiciones estéticas de Warhol ( pintura, cine, libros, revistas, televisión) tenía un único denominador común, es decir, su fuente icónica principal: América. Más que cualquier otro artista de aquel período Warhol hecho que la reconocibilidad fuera el interrogante continuo sobre el arte y la realidad que nos rodea: «¿Lo que vemos es solo realidad o es también arte?", invirtiendo así el concepto clásico, como si quisiese: "lo que hace arte lo que no son tanto sus productos, sino sus marcos »22 A comienzos de los años sesenta, el Expresionismo abstracto había perdido vigor. Para ser eficaz, la rebelión contra la ortodoxia habría tenido que adoptar formas diferentes, y esta rebelión había comenzado con una serie de artistas que representaron para Warhol los modelos ideales: Robert Rauschenberg y Jasper Johns.

La primera forma externa de inspiración que atrajo la nueva dirección de Warhol fue el cómic. Los héroes de los Comics llevaron Warhol a su infancia solitaria, introversa, y al mismo tiempo lo llevan hacia esa estética fría y distanciada que había visto en las soluciones "Dadas” (“New Dada” caracterizado por el uso de materiales modernos, por sujetos del imaginario popular acercado de forma absurda) de Johns y Rauschenberg. Los personajes de tebeos elegidos por Warhol revelan en su aparente banalidad la aguda tensión psicológica del artista en busca de su identidad. Son héroes que hacen de la transformación, del paso de sí a otro, su centro simbólico: Batman, Superman, Popeye, Dick Tracy son además todos hombres, proyecciones sublimadas del deseo físico homosexual.

Andy Warhol, La filosofia di Andy Warhol, Costa & Nolan, Genova 1983

La masificación La posibilidad de reproducir la obra infinitas veces estaba ya en las bases del Pop Art, pero sería la 'Factory' de Andy Warhol lo que consagraría definitivamente este cambio. Seres humanos y objetos, sobre todo americanos, fueron invertidos pues por un proceso de exaltación, un proceso que implicaba su contemporaneidad en todo su aspecto. El Pop parecía la única realidad posible: « El Pop para esta nueva generación no representaba más un problema o una elección: era la única cosa que conocíamos »18 . Andy Warhol era el único en no mostrar una actitud de defensa ante la crítica. Afirmaba: « Sería maravilloso si se utilizara más a menudo la impresión 22

Ibidem Pop art 68, pp. 68 69.

serigráfica, así nadie podría decir si un cuadro es realmente mio de otra persona »24. Cuando le respondían, a menudo escandalizados, que semejantes prácticas habrían revolucionado toda la historia del arte, se limitaba a decir: «es cierto». Elevando las Brillo-box y las latas de Campbells en objetos únicos, Warhol hizo que toda una clase de nuevas celebridades, a través de su arte, pudieran volverse inconos porque hicieron suya la idea de que si hubiesen tenido un retrato hecho por Warhol su fama, a veces fugaz, temporal, se solidificaría para siempre. El mejor ejemplo viene de una pintura de Warhol titulada The American Man, el retrato de un director de seguros (Watson Powell) que fue uno de los primeros clientes en encargar a Warhol un retrato.

« La razón por la cual pinto de esa manera », dijo durante una entrevista, « es porque quiero ser una máquina »19 « Si pinto así es porque quiero ser una máquina, y tengo la clara sensación de que si funciono como una máquina, cualquier cosa que yo haga, habré alcanzado mi objetivo. ...» « En mi opinión sería grandioso si también los otros artistas empezasen a hacer serigrafías, así nadie sería capaz de afirmar que una obra sea realmente mía y no de otro »20

Warhol resume en la superficie ("surface") la complejidad de la unión entre el sujeto y el mundo a él contemporáneos: comenzó, de forma angustiosa, a pasar de un medio artístico a otro, a ocultar los lenguajes y la identidad de los sujetos. Warhol fue un pionero del uso de la fotografía en el Pop Art y transformó las imágenes fotográficas tomadas de la publicidad y el periodismo en sus celebérrimas obras en serigrafía; sus fotografías sirvieron como punto de partida de una obra de arte en una época en que la foto no era considerada otra cosa que algo efímero, no puede vender y no es digno de atención en las galerías. La máquina fotográfica, la máquina de toma han acompañado a Warhol a lo largo de toda su carrera. Sus fotos, normalmente poco conocidas, marcan una etapa importante en la historia de la fotografía. Fue director y productor, e implica en una especie de juego todos los que estaban en torno a él y todos los personajes de ese momento cultural con que entró en contacto. De esa vida cultural, aprovechó para sus objetivos, mecanismos y leyes.

El erotismo Marilyn Monroe muere, oficialmente suicida, el 5 de agosto de 1962: es la muerte de un símbolo, que impactó el mundo de una manera que hoy es difícil de comprender (igualmente la impactará, en un contexto muy diferente, por un juego del destino, la muerte de John Fitzgerald Kennedy). Los artistas del pop Art comenzaron a elaborar el duelo en un continuo tributo, y será Warhol el que retratará su imagen más fiel. La comparación de Warhol con el icono de Marilyn se desarrolla en su pesimismo social: ningún ser humano, en la filosofía y en el sentir de Warhol, jamás podrá conocer a otro ser humano: nunca se podrá conocer a la Marilyn real, sino solo su imagen y su ser un símbolo sexual, del mismo modo en que conocemos un producto, o sea por su confección, por su marca. Al centro de la reflexión está el mantenerse constantemente lejos de sí y la edificación de la belleza a través de la transformación real, tangible de un 'yo': el nombre, los cabellos, la voz, la imagen. Traslucen los mecanismos del dominio de la imagen (de la estetización') del mundo contemporáneo, donde

las estrellas, donde los personajes son conceptos e imágenes más que personas reales, seductores, eróticas, que se pueden poseer pero que son inasibles. Entre 1962 y 1964 Warhol realizó treinta serigrafías con la imagen de Marilyn, siempre la misma: que le sacó Frank Powolny y fue utilizada como foto de promoción para la película "Niagara". La 'persona Marilyn’ en esa foto no está: es plenamente y absolutamente reconocible, pero no es ella, es el icono. Warhol se centra solo en el rostro de la actriz y de esta manera desplaza la atención, no sobre el cuerpo, sino sobre el símbolo: posteriormente reducirá aún más la representación de la actriz a un solo elemento, los labios (Marilyn Monroe Lips), de los cuales contaba no el modo de besar sino la forma de fotografiar («Las personas son más besables cuando no están maquilladas. Los labios de Marilyn no eran besables, pero eran muy fotografiables » 21 ) – el interés, lo erótico, se dirigía no solo al rostro de la actriz, pero en particular al maquillaje, la superficie, pues de ese rostro. Es por esto que adoptará innumerables variantes cromáticas que la transformarán en una máscara con los rasgos que se perciben apenas porque están deformados por los colores.

Marylin representará para Warhol las dos nociones fundamentales de su estética, entre ellas estrechamente ligadas: la Belleza y la Máscara. «Para mí la Monroe no es otra cosa que una persona entre muchas otras. Y respecto a la cuestión de si pintar a la actriz en tonos de colores tan vivaces representa un acto simbólico yo sólo puedo responder que a mí me interesaba su belleza: y la Monroe es hermosa. Para un buen

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Andy Warhol, La filosofia di Andy Warhol, Costa & Nolan, Genova 1983 Honnef, Warhol cit., p. 59.

sujeto hacen falta finalmente colores hermosos. Eso es todo. La historia se comporta más o menos del mismo modo»22

Transgresión y destrucción Warhol sintetiza con la noción de "superficie" (Surface) la complejidad simbiótica del sujeto y del mundo contemporáneos. Nace la ansiosa vocación de pasar de un medium artístico a otro, de disfrazar los lenguajes y consecuentemente las identidades de los sujetos de estos lenguajes. La superficie permite a Warhol llegar a la cultura pop y fundar un sentido común estético de todo un decenio, como una especie de tierra de nadie, en que el arte recupera una dimensión mimética tout court. Warhol reduce Marilyn en símbolo del cuerpo-fetiche, satisfaciendo de este modo la necesidad del público del mito popular de la belleza y del éxito. Reduce su cuerpo a signo exterior, a marca, máscara, maquillaje, ojos y boca, no menos deseables. La boca entreabierta que remite a la seducción del cuerpoobjeto, y los ojos que aluden a una sexualidad ya consumida, ojos y boca se ofrecen como allusivos del consentimiento de la disponibilidad de la oferta de sí, pero Marilyn se ofrece como mercancía ya destruida porque ser como ella, es decir, una estrella significa ser destrozado, reducido a marca, signo. El Pop Art destaca con las pinturas un hecho inapelable: no se podrá nunca más conocer a la Marilyn real, sino solo su imagen. No habrá nunca más Norma Jeane Mortenson, para nadie y por ningún motivo en absoluto, sino solo Marilyn Monroe. Con la reproducción en lienzo de las fotografías de Marilyn, Warhol ha fundado el estereotipo de la Estrella más que su esplendor, y eso es precisamente lo que el espectador - el consumidor - busca. En ese producto el consumidor - usuario - encuentra su recompensa, su compensación psicológica.

El artista Andy Warhol ha declarado siempre, hasta la desfachatez, las íntimas relaciones de su arte con el mundo de los negocios y del dinero. Dibujante publicitario en su juventud, luego pintor, luego director de la vanguardia, descubridor de talentos artísticos y promotor de grupos Rock,

fotógrafo transgresivo, personaje televisivo - Warhol ha sido mucho más que un artista, fue una especie de "protagonista del arte", de creador de arte a trescientos sesenta grados, capaz de moverse entre cultura alta y baja, personajes de la elite y Underground, pinacotecas y realizadores de graffitis, publicitarios y disc jockey. Un personaje, comoquier a que lo juzgues, que constituye una especie de ideal artístico en la cultura contemporánea: es en la obra de Warhol que surgen de manera más transparente que en otros países las Implicaciones del arte de vanguardia con la cultura de masas y la dimensión simbólica de la sociedad con la económica. Antes de Warhol, que la obra de un artista contemporáneo se tradujera casi inmediatamente en un acontecimiento mediático, más interactivo, y en dinero es algo que no entraba en una idea convencional de arte. 26

Andy Warhol, La Filosofía de Andy Warhol, Costa & Nolan, Genova 1983

Los símbolos Mientras trabajaba como dibujante publicitario, por muy apreciado que fuera, Warhol fue ajeno al mundo del arte contemporáneo, aún dominado, a comienzos de los años sesenta, por el expresionismo abstracto. Fue el encuentro con Leo Castelli, el más importante galerista americano de la época, quien cambió su arte: Warhol eligió deliberadamente reinventar su actividad, convirtiéndose en "artista contemporáneo". Naturalmente algunas obras que le impusieron la escena (pensemos en las reproducciones de las sopas Campbell) eran una cita evidente del mundo de la publicidad de donde provenía: pero era el hecho de haber sido expuestas como piezas únicas en las galerías de Nueva York lo que hacia las obras de arte, y no viceversa. Transfiriendo su trabajo a una esfera social diferente, Warhol, luciendo deliberadamente un cierto papel, se convirtió en un personaje, y esto hace todavía hoy de él el exponente principal o en cualquier caso más conocido del Pop Art. Hay un vínculo natural entre el artista y el espectador y, en el caso de Warhol, la existencia de este vínculo contribuyó sin duda en el proceso que lo convirtió en protagonista y luego en el icono de la época. Warhol conocía las mismas cosas que su público, y las mismas cosas que lo excitaban a él excitaban también a su público. Warhol dijo: «Hoy Eres considerado también si eres un tramposo. Puedes escribir libros, ir a la televisión, conceder entrevistas: Eres una gran celebridad y nadie te desprecia, incluso si eres un tramposo. Eres una estrella. 22

Esto sucede porque la gente necesita a las estrellas más que cualquier otra cosa»23. El espectador satisface su necesidad de confundirse circulando como un producto reconocible por todos y al mismo tiempo desea ocultar a sí mismo el precio de esta circulación. «… Debemos comprender que, si el Pop Art ha despersonalizado, no ha convertido en anónimo: nada es más identificable que Marilyn, la silla eléctrica, un telegrama, o un vestido así como los ve el Pop Art; ellos son en realidad nada si no eso precisamente. Inmediata y exhaustivamente identificables, enseñándonos que la identidad no es la persona. El mundo futuro corre el riesgo de ser un mundo de identidad (con la proliferación computerizada de los archivos de la Policía), pero no de personas»24

Warhol, con la lucidez que supo tener en el momento en que depositaba la peluca (la máscara), puso fin a la convicción según la cual el arte fuera del dinero y del comercio era un indicio infalible para reconocer el arte superior: «El arte no comercial nos ha dado la Grande Jatte de Seurat y los sonetos de Shakespeare, pero también muchas otras cosas convertidas en impenetrables por su esoterismo. Por otra parte, el arte comercial ha sido a menudo vulgar y ostentosa hasta la saciedad (son dos caras de la misma moneda), pero también le debemos los grabados de Durer o los dramas de Shakespeare» 25 Warhol fue, para el arte, el barquero de una época a otra.

Capítulo 3. La segunda ‘Factory’ y la ‘Second Generation’ (“Neo Pop Art”) El Pop Art no terminó con los años sesenta: en los años ochenta se renovó el interés por Andy Warhol mismo y sus contemporáneos, se entró en la segunda generación. No se trató de un nuevo movimiento artístico, pero consistió (y consiste) en una forma revisada del Pop Art de los predecesores, 27

Roland Barthes, L’ovvio e l’ottuso, Saggi Critici, Einaudi, Torino 1982

Erwin Panofsky, Still und medium im Film & Die ideologischen Vorlaufer, Francoforte 1999. Il saggio è apparto per la prima volta nel 1936.

definida también "Neo Pop Art", un renacimiento de obras basadas en nuevos objetos reconocibles y celebridades de la cultura popular con iconos y símbolos de la contemporaneidad no más de los años sesenta, sino del nuestro mundo de cada día.

Arte y personajes Más que a un movimiento artístico, en cualquier caso, hablando de Neo Pop Art se hace referencia a una manera útil de catalogar a estos nuevos artistas, que se inspiran también en el minimalismo, el arte conceptual, el fotorealismo, las instalaciones y el Performance Art. El Movimiento Pop original representó una ruptura y el comienzo de una época nueva, de vanguardia, mientras que el Neo Pop Art no es un nuevo estilo, sino una evolución de la generación anterior, a veces dramática y controvertida. En los primeros años del Neo Pop Art fue común recurrir a temas del mundo animal, especialmente a los trabajos de Jeff Koons, Keith Haring y Damien Hirst: la obsesión hacia la representación (o incluso el uso) de animales en sus obras nace de los perros de Haring, los conejos y perros inflables de Koons, o en las disecciones en formaldehido de Hirst. Otra característica de la segunda generación Pop es la evaluación psicológica que se halla a menudo en la obra realizada, tanto con el reconocimiento de las intenciones (como en Koons y en el enorme 'Cachorro'), tanto con el uso de sujetos que perturban al espectador de la obra, como en el caso de Hirst (donde el artista proclama después abiertamente su intención mediante el uso de certificados pesimistas y sujetos a menudo disgustosos): el Vieja Pop Art no era tan provocador (por lo que Warhol había explorado ese territorio con sus obras Death and Disaster - Muerte y desastre traducido también como Morir en América, 1962-1963). Nacido en 1958, también Keith Haring es considerado un artista pop, aunque sus trabajos no aparecieron antes de finales de los años setenta y

comienzos de los ochenta. Sus paredes se alimentaban con fuerza con el legado de sus predecesores, su revolución, y la característica llanura de sus trabajos, a menudo similares a los Cartoon, estaba llena a menudo de mensajes políticos y sociales, que abrían el camino (literalmente) a una nueva forma de expresión popular: el Street Art, hecho por 'soldados': artistas jóvenes, que comenzaban a pintar los muros de las carreteras - para los cuales estar en las carreteras era una batalla que combatían con mucho gusto. Soldados que habían aprendido de los pioneros y los primeros, convertido en sus maestros, y que combinaban el Pop Art con las ideas contenidas en los graffitis, para tratar de acumular fuerza de ideas suficientes mediante la repetición de las imágenes cargadas de un mensaje a menudo social. El objetivo último era interactuar con la gente, y tener un lugar en las galerías era algo que a menudo se podía soñar.

¿“Qué hay que decir”? El Neo Pop Art evoluciona ampliando aún más la idea del "Ready Made" como base para crear el producto final, y recurriendo ampliamente a los iconos culturales contemporáneos (Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Paris Hilton …). El uso que los artistas Neo Pop Art hacen de los mass media es sí de búsqueda de inspiración e influencia, pero también de promoción de su trabajo. El Neo Pop Art tiende a criticar la cultura occidental y a poner en entredicho sus valores, relaciones e interacciones, tomáandole el pelo a menudo a las celebridades y abrazando abiertamente ideas que son a menudo controvertidas y provocantes. Por primera vez, con el Pop Art, la cultura popular (películas, televisión, tebeos, publicidad) había sido no solo un tema de la obra de arte, sino su estética, buscada por los artistas; con la segunda generación el Neo Pop Art, en algunos casos, tras el 2000 parece haber evolucionado en un tono marcadamente siniestro que critica de manera fuerte nuestro modo de vivir y hace palanca sobre nuestros miedos y nuestras obsesiones.

Capítulo 4: Steve Kaufman Nado en el South Bronx « Soy Steve Kaufman. Crecí en el South Bronx. Hacíamos Graffitis Art. Me arrestaron cuando tenía quince años, y el juez como pena me hizo limpiar nueve vagones de metro …»26 «Steve era un hombre muy alto, sobre los dos metros de altura y con un cuerpo robusto. Internamente, no era tan fuerte como parecía en el exterior: alguna vez le gustaba jugar ese papel de gigante que infunde respeto pero era un hombre dulce, generoso, que llevaba siempre consigo algo del niño que había sido. El acento de Steve era terrible, con una fuerte influencia del habla del Bronx y Brooklyn. Hablaba de manera muy coloquial y no prestaba mucha atención a las formas. Y no cambió nunca - no experimentó nunca a cambiar y no quiso cambiar nunca. No intentó nunca ser o parecer algo diferente de lo que era. Y pensaba

Steve Kaufman, Coffee Table Book , Steve Kaufman Art Studio – 2009, pag.17

siempre fuera de los esquemas. Yo lo conocí en el 2000, y seguí trabajando en estrecho contacto con él hasta 2010, el año de su muerte »27.

1960 - Steve Alan Kaufman nace en 1960 en Nueva York, en el barrio del Bronx. Su infancia, aunque con el afecto de la familia, será difícil a causa de las condiciones económicas y sociales en que se encuentra. Con la familia mantendrá siempre una relación muy buena pero muy reservada. Steve Kaufman fue una especie de 'hijo del arte', ya que diversos exponentes de su familia eran aficionados de arte, ya fuese figurativa (la madre), la escultura (el tío), o la música. «Me dijeron que ser un artista quería decir cambiar continuamente, así lo hice... He probado todas las diferentes formas de arte con las cuales entré en contacto y hoy trabajo con quince estilos diferentes. El arte debería ser siempre concebida como un cambio; muchos artistas trabajan con un solo método y a través de un único medio para toda su carrera, pero yo no quisiera nunca aburrido. Me han enseñado que el lienzo no es la única cosa en la que puedes pintar»28

1968 - Con el apoyo de una comunidad judía en el Bronx, y del templo, Steve Kaufman realiza unas pinturas sobre el holocausto; que posteriormente serán donados al Museum of Jewish Heritage de Brooklyn. «Tenía veintitrés o veinticuatro años ... creo que Steve había ocho años, la primera vez que lo conocí. Probablemente. Concedí mi disponibilidad para estar con Él cada dos fin de semana, durante dos años . Iba a hasta el Bronx; él vivía en el Bronx en un apartamento muy pequeño en Riverdale. Un buen lugar. Tomé metro sobre hasta la 231a, caminaba en este increíble colina, recuerdo Johnson Avenue, hasta su casa y veía su mamá, su hermana, su hermano y él. Steve y yo luego iríamos vía por nuestra cuenta. Si cierro los ojos, es como si estuviera de nuevo allí. Si lo pienso - y han pasado un montón de años - en cierto modo me pregunto dónde dormían su mamá y su hermana. Creo que en algún sofá, o en una

Diana Vachier , Presidente de Steve Kaufman Art Licensing, LLC and American Pop Art,

Inc.; www.americanpopartinc.com, noviembre 2014 31

Steve Kaufman, Coffee Table Book , Steve Kaufman Art Studio – 2009, pag.17 32

All'interno del programma americano di volontariato e assistenza "Big Brother’s Big Sister's” (programma creato con l’intento di dare una figura adulta di riferimento a chi ha perso un genitore, www. bbbs.org)

habitación de la cual no me había dado cuenta. Steve y su hermano han dividido una pequeña habitación de cama. Eran chicos muy altos: aun cuando eran pequeños estaban ya muy altos»29;

1972 - Doce años, trabaja para Macy's, la gran cadena de distribución estadounidense, para la cual pinta perros y gatos en Pet Rock 36.

Los Graffitis 1975 - participa en una exposición colectiva de Graffitis Art el Whitney Museum of American Art de Nueva York. El Graffitis Art es la primera forma de arte mediante la cual se expresará concretamente; tiene quince años.

«Me arrestaron cuando tenía quince años y el juez como pena me hizo limpiar nueve vagones de metro … nos llevaron encapuchados y encadenados, a cierta galería, donde un viejo nos habría gritado que construyéramos marcos de madera para su artista. Bueno, desde aquel día en adelante, entendí qué era el arte. Quiero decir: estaba creando arte y simplemente no me había dado cuenta» 30

En el estudio de Andy Warhol 1978-1981 - Se inscribe la School of Visual Arts en Nueva York (SVA). Aquí conoce Andy Warhol y se convierte en su ayudante oficial de la Factory, Andy Warhol le da el sobrenombre 'SAK', con el cual posteriormente se firmará. Organiza eventos sobre el tema de las populares discotecas de Nueva York, como Studio 54 y The Mudd Club; vende sus obras a nombres de la moda tan importantes como Calvin Klein y Steve Rubell. La School Of Visual Arts encuentra Keith Haring con el cual participa en consecuencia a una exhibición

Robert (Bob) Michelson, intervista inedita, curata assieme ad "American Pop Art". Bob Michelson – il ‘fratello maggiore’ fu, assieme a Bob Womack – amico e assistente dell’artista, e artista a sua volta – la persona esterna alla famiglia più vicina a Steve Kaufman. 36 Oggetto di consumo affine al Pop lanciato da Gary Dahl nel 1970; ebbe un notevole successo ed è stato attualmente riproposto, www.petrock.com. 34 por: “Año 2000”, en Coffee Table Book , Steve Kaufman Art Studio - 2009

ante el Club 57; Steve y Keith se convierten en amigos, en ese período se frecuentan muy a menudo y comparten muchas opiniones.31

Steve Kaufman, Van Gogh & Andy,

«Hice mi primera exposición con ocho años, pero no sabía qué era arte. Lo hacía simplemente para ganar los cien dólares. Acabé trabajando con un tío que se llamaba Andy Warhol. Le dije, "Señor Warhol." él dijo: "Oh, 'D. Warhol'. Finalmente has descubierto quién soy, eh?". Le dije, "Sí lo, he descubierto. Lamento mucho haberle dado tanto dolor»32

«Sabía que había trabajado para Andy Warhol: preparaba el material para las serigrafías de Warhol y las preparaba para la prensa. Era muy rápido y muy bondadoso, y Andy lo apreciaba mucho, precisamente por la velocidad con que conseguía recortar y montar el material (…) Steve me dijo que al principio no había entendido bien quién era Andy: Steve era muy joven, tenía diecisiete, quizás dieciocho años, y Andy no era muy conocido. Luego las cosas cambiaron; para Steve fue una gran experiencia, y aprendió mucho sobre la técnica serigráfica. Trabajó con Andy Warhol por dos años, quizá algo más, y estuvo siempre muy orgulloso de ese período y de haber trabajado codo con codo con Warhol. Mucho más tarde, tras la muerte de Andy, la sociedad Warhol puso en duda que Steve Kaufman hubiera sido realmente asistente de Andy pero Steve lo demostró: muchas personas podían testimoniarlo, y existe un documento oficial que lo atestigua. »33

1982 - realiza la gráfica para el programa televisivo Saturday Night Live en onda en la NBC y licenciatura en la School of Visual Arts obteniendo el título BFA. Tendrá exposiciones en la Air Gallery de Londres y prepara, siguiendo las huellas de otros maestros (como Dalì), los escaparates de White Freud y Fiorucci en Nueva York. 1983-1985 - es detenido junto a manifestantes contra el SIDA por haber protestado contra el alcalde de Nueva York y Koch. Organiza la exposición Sex, Rock & Roll ante la Off-Centre Gallery De Londre. 35

Dalle Inverviste con Diana Vachier, “American Pop Art”,y Robert (Bob) Michelson, www.americanpopartinc.com,

dicembre 2014 36

da: “Anno 2000”, en Coffee

Table Book , Steve Kaufman Art Studio - 2009

1986-1988 - abre el SAK Estudio; inicia una campaña para la sensibilización hacia el SIDA. Las exposiciones Condom Art son una obligación en el Main Fine Art de Glasgow, en Edinburgh College of Art, la Smith Gallery de Sacramento por citar algunos de los acontecimientos relacionados con la iniciativa. “No se sentía para nada excluido de la Comunidad de los otros artistas solo por no haber asistido una escuela específica; no nos pensaba, no se planteaba nunca similares dudas. La amistad con Keith Haring fue algo importante, pero no hablaba mucho. Steve era arrollador, en su humor, pero era reservado en cuanto a sus cosas personales. Era una persona muy sencilla, para nada ostentosa - era el tipo de hombre al que le gustaba vestir con el mismo tipo de camiseta blanca cada día, que mostraba la sonrisa siempre de manera abierta y con un calor comprometedora. No sé decir qué habría ocurrido si se hubiera mudando a Europa, quizá para tratar de promover su arte a través de los museos franceses o alemanes. Probablemente no lo habrían entendido. El hombre les habría gustado, era imposible no dejarse cautivar, pero quizás no habrían tomado en serio –lo habrían considerado demasiado excéntrico, seguramente nunca habrían puesto en duda su valor como artista, pero viéndolo en un modo un poco extraño, todo el tiempo. Esto es lo que yo pienso.”34

1989-1990 - Contrata, en su estudio, algunos sin techo de Nueva York, continuando así el compromiso social que enseguida lo había caracterizado. Realiza los retratos de tres “sin hogar” que se exponen en los espacios publicitarios de los autobuses en más de cuarenta ciudades estadounidenses. Lleva a término los retratos incompletos de Andy Warhol para algunos clientes. Pinta el primer mural Racial Harmony (Armonía Racial) en Harlem para sensibilizar a la opinión pública. Tendrá una exposición en la White Gallery donde todas las obras aparecen cubiertas por un paño negro para recordar a las víctimas del sida. Tiene además una exposición en la Loft Gallery de Tokio.

Intervista a Bob Womack, socio e assistente di Steve Kaufman, www.americanpopartinc.com, dicembre

Diana Vachier, www.americanpopartinc.com,

octubre 2014

Steve Kaufman, Double Crying Girl gets married

1991-1992 - Utilizando cuatro coches en desuso del metro de Nueva York, las paredes de edificios abandonados y los muros circulares realiza en Nueva York cincuenta y cinco murales Racial Harmony con imágenes de Malcolm X. Es huésped en Fox TV, MTV y varios canales de radio; recibe el premio Underground Artist of the Year. Se crea Sida Memorial en Nueva York. Colabora con muchos personajes muy conocidos en el mundo televisivo, musical y cinematrográfico americano, como Eddie Murphy y Larry Mullen del grupo musical U2.

1993-1994 - Steve Kaufman transferirá el Art Studio en Los Ángeles y abriendo el estilo Comic Book Pop Art cuyos iconos son los dibujos de los superhéroes como Superman, Batman, Spiderman. Contrata en su estudio a más de cien chicos que formaban parte de las pandillas de Los Ángeles. Apoyará muchísimas organizaciones de beneficencia y recibirá, posteriormente, un premio por el alcalde de Los Ángeles Richard Riordan.

El compromiso social «Me he desplacé a Los Ángeles hace quince años. Y, en cuanto llegué aquí, noté la luz del sol y todo el resto. Y en ese período había contratado a chicos de South Central, yo qué sé, de East L.A. Ellos tenían un carácter muy fuerte, yo tenía un carácter muy fuerte, y se daban cuenta de que no interfería. Y después, se tranquilizaban. Esta es casi la última parada para esos chicos. Han estado dentro y fuera de la prisión una vez o dos, y por tanto, cuando el oficial de vigilancia les deja aquí, o sus mamás o sus primos o nadie les dejan aquí, es realmente la última parada. Tengo a ciertos jóvenes, aquí para mí, que nadia contrataría nunca. Y la realidad es que es el motivo por el que los tengo … yo pinto … pide, y te será dado. Quiero decir, es una especie de cosa tal como lo que hacemos con los chicos. Los coges, y te dan algún pequeño problema. Te ponen a prueba. Tú los pones a trabajar. Y este es el objetivo de todo: dar. Tener, y hacer. Queremos crear otros lugares como este de Los Ángeles, en las Vegas, en Chicago, donde llevamos a los chicos y los ponemos a trabajar. Si a punto de morir mañana, estoy ciertamente benedito. Este es el objetivo de todo: devolver»35 «Teníamos a muchos chicos en nuestro laboratorio de North Hollywood: chicos difíciles, y también jóvenes de la calle que no tenían casa ni familia. Steve se preocupaba siempre por los chicos: teníamos un cesto de basket en el patio, Steve ponía los anuncios en la calle: "Si vas a la escuela, juegos de basket!" - y cosas de este género, para estimular a estos chicos a que estudiaran y luego a que vinieran con nosotros si no tenían familia. A los chicos les gustaba mucho »36

Steve Kaufman estuvo comprometido en actividades sociales durante toda su carrera y vida como artista: las mismas fueron la realización de obras de denuncia (como la Condón Art para la sensibilización respecto del SIDA, o las campañas en favor de la tolerancia racial, o la obra dedicada al 11 de septiembre) en la intervención directa en favor de chicos, a menudo muy jóvenes, que habían estado en prisión y que tenían dificultades de reinserción. « Recuerdo que una vez habíamos acordado para la venta de una de sus chaquetas pintadas a mano - era una de las formas de arte que promovía, una forma de expresión que le gustaba y que utilizaba también para … promover a sí mismo (¡Imagínense un hombre alto dos metros mientras da vueltas dentro de una feria de arte con encima una chaqueta blanca totalmente pintada con elementos Pop!). He encontrado un buen cliente para esta chaqueta, y había llamado Steve para los detalles relativos a la venta, como de acuerdo - y él me respondió: "Tú me matarás… No tengo más esa chaqueta. La he regalado a un muchachito. No me ha 39

Nel 1993-1994 da: “Anno 2000”en Coffee Table Book , Steve Kaufman Art Studio - 2009 41 Intervista a Bob Womack, socio e assistente di Steve Kaufman, www.americanpopartinc.com, diciembre 40

pedido… pero le gustaba tanto.” Steve había participado en un evento de beneficencia para chicos con dificultades físicas, se había dado cuenta del deseo de aquel muchachito, y se la había regalado. Steve era así: te preguntaba constantemente si estabas bien, si tenías dinero y si necesitabas algo.»37

Steve Kaufman creó y mantuvo siempre operativa "Give Kids a Break", una fundación que tenía como objetivo arrebatar a la carretera o a la cárcel chicos sin asistencia y darles un trabajo en el estudio artístico. A los chicos se les asignaba la tarea de preparar los marcos, las telas, preparar los colores: eran los 'jovencísimos asistentes de Kaufman. "Give Kids a Break" ayudó en quince años, a más de mil chicos.38

Adiós a New York: el éxito, los retratos y el mundo de Hollywood 1995 - Realiza obras para Martin Lawrence Limited Editions: se trata de pinturas en edición limitada que confieren un nuevo significado a las decoraciones a mano (Hand Embellishment) que anteriormente había desarrollado. Pinta ediciones limitadas de Beethoven y de Marilyn Monroe. Retrata a Muhammad Ali y John Travolta. Trabaja con Stan Lee39. 1996 - Steve Kaufman contacta a la familia de Sinatra para realizar un retrato de Frank Sinatra. La Campbell pide a Kaufman que realice una edición limitada para celebrar el cien aniversario de la Campbell's Soup, convertido en inmortal por Andy Warhol. Pinta el rostro de Muhammad Ali en quinientos guantes de boxeo, confirmando que el arte no debe por fuerza ser realizada sobre lienzo. De Ali realizará un retrato con ocasión de los Juegos Olímpicos de Atlanta de 1996, que por primera vez Ali firmará tanto con su nombre musulmán, Muhammad Ali, como con su nombre de

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Diana Vachier, www.americanpopartinc.com, ottobre 2014

www.americanpopartinc.com, novembre 2014 44 Fumettista, editore, produttore cinematografico e televisivo statunitense. È stato presidente della casa editrice di fumetti Marvel Comics.

nacimiento, Cassius Clay, como signo de reconciliación y de pertenencia a dos culturas40.

Jimi Hendrix, Collage

«... Y he pintado a Picasso, Superman y Batman. En estos días estoy pintando Rock and Roll - Jimi Hendrix, John Lennon - y también sofás y Guitarras eléctricas… cuando tenía doce años y sobre Pet Rock, por Macy's. Imaginen como era con doce años: la gente me traía fotografías de sus cachorros, y yo pintaba su gato o su perro, las piedras, y la convertí en su cachorro. Quiero decir, de niño iba a tiendas de agencia de recambios, tomaba los parabrisas rotos y pintaba encima las caras de mis amigos como si hubieran golpeado aquel parabrisas. O pintaba los cubos de la basura de basuras. O los troncos de los árboles. Mi primera exposición fue sobre los troncos de los árboles, fue mi tío quien me ayudó. Parecía ser una especie de genio, con ocho años y diciendo que había pintado el Holocausto, representado la tragedia de los judíos… explicándolo a un adulto. Tocaba como un genio, pero yo no sabía de qué estaba hablando. Tenía ocho años …»41

1996 - Kaufman rinde homenaje a Beethoven y Mozart, con la creación de una serie de pinturas a mano, en edición limitada, con la técnica del óleo sobre lienzo. En una de estos pinturas, Mozart, se muestra en el museo ReissEngelhorn, en Mannheim (Alemania); una segunda versión del Mozart, State II 1997, forma parte de la colección permanente de la Mozart Wohnhaus en Salzburgo (Austria). «... Y por qué no? Crecí en el South Bronx sin tener nada. Soy todavía ese chico… nos han sido tantas fases. Cuando era pequeño conocí a Picasso; lo intentó con mi madre… cuando fui al Museo Van Gogh, pintaba como Van Gogh. Tienen un restaurante, en Amsterdam - un lugar muy extraño, pero pintan las paredes cada dos días. Van los artistas; se desafían entre ellos, a quien pinta la cosa más ultrajante. Y si eres el artista mejor coma gratis. Cuando llego yo, inmediatamente dicen: 'Oh, ha vuelto el americano." Y yo pinto a Marilyn Monroe o Albert Einstein. Y pinto con comida, ni siquiera con los colores - froto el alimento en los muros. Y la gente va fuera de cabeza. Y nunca he tenido que pagar el almuerzo, allí dentro42».

45 Debe

recordarse que Ali, personaje que es recordado en la historia del deporte como el más grande boxeador viviente en la categoría de los pesos máximos, se había negado al alistamiento en el ejército de los Estados Unidos a raíz de su credo religioso, y había sido arrestado por haber declarado que "podría ir a la guerra si Allah le hubiera pedido que lo hiciera: sus posiciones como objetor de conciencia lo transformaron en un icono de controcultura de aquella generación. 46 47

da: “Anno 2000”en Coffee Table Book , Steve Kaufman Art Studio – 2009, pag. 18 Ibidem

2000

- Steve Kaufman de repente sufre un ataque cardíaco. Tras haberse recuperado, también vuelve a pleno ritmo a trabajar, casi ignorando lo sucedido, y realiza numerosas obras: retratos de los Rat Pack y Sinatra, Al Pacino en el papel del padrino y Scarface, Howard Stern, Barbie, y dos nuevas ediciones de Marilyn Monroe . Publica las ediciones de Van Gogh y Picasso con un estilo nuevo: las obras son realizadas a mano totalmente.

Icone ed icone: il dipinto di Marilyn Monroe nuda realizzato per Hugh Hefner (il magnate di “Playboy”) e da lui autografato: lo show televisivo americano “The Girls Next Door” presentava la “Playboy Mansion”, la casa di Hefner, nella quale erano esposte settantasei opere di Steve Kaufman, che Hefner aveva scelto per i colori e per l'energia e l'allegria che portavano nella sua casa.

Steve Kaufman, Marilyn Monroe

2001 - Kaufman por el número de estilos utilizados, puede ser comprado con pocos artistas: en 2001 crea en efecto obras utilizando su decimocuarto y decimoquinto estilo, respectivamente Portrait Collage y Museum Art. El estilo Portrait Collage consiste en añadir un collage de imágenes al retrato principal que se exaltó en los retratos de los Rat Pack, Hollywood Marilyn, de Van Gogh y Jackie Kennedy.

Museum Art incluye una obra conmemorativa del 11 de septiembre, un tributo a los héroes de los ataques al World Trade Center. Realiza una serie de pinturas de 6 metros por 153 metros que celebran el 35 aniversario del Caesar's Palace de Las Vegas43 « Hasta hace poco tiempo, estas 'edad' [arquitectura] eran consideradas como el pico del Kitsch, pero ahora se han convertido en historia. Las colecciones de “adorno perfecto” y 'memorabilia' se pueden ver en los hoteles-casinos, como la serie de murales del artista Steve Kaufman que decoran el interior del Caesars Palace …44

2002 - Dona el retrato de la princesa Diana a Elton John AIDS Foundation. Inicia un nuevo proyecto: sitúa pinturas de sus iconos en lugares públicos en todos los Estados Unidos para que todos puedan admirarlos. Entre estos hay un retrato de Muhammad Ali, uno de Sinatra en la Hofstra University, uno de Marilyn Monroe en la Foundation Fighting Blindness de Columbia.

«... Hace tres años tuve un infarto… ¿saben una cosa? Cada día te despiertas y te sientas diciéndote: "Hoy es un buen día" … me divierto muchísimo. Quiero decir, no voy allá y digo: "Okay, este vende, hago otros diez".No me interesa … yo atrapo iconos. Yo pinto a gente... he pintado el 11 de septiembre. Y he puesto a todos los nombres de las personas que murieron allí. No se trata siempre de 'hacer algo popular'. Es hacer algo que salga del corazón… uno que se rinde no gana nunca. Y uno que gana no se rinde nunca»45

2003 - Después de la Art Expo de Nueva York Steve Kaufman sufre un grave ictus; una vez más , tan pronto como se recupera, tendrá una nueva exposición en a Las Vegas, hospedada por Robin Leach, y recibe los honores por el alcalde Oscar Goodman que el 21 de mayo de 2003 sumario el Steve Kaufman Day. Encuentra al presidente estadounidense Bill Clinton en ocasión de una fiesta para los artistas cuyas obras están expuestas en la colección de la oficina privada del presidente. 2004 - realiza y presenta el retrato de Bill Clinton. Da en beneficencia varias obras y las ganancias de las ventas a Give Kids a Break, fundación benéfica fundada por él. A 49

le opere sono esposte all'interno del Caesar's Palace – il famoso casinò di Las Vegas - affinché tutti possano ammirarle. Non si limita all’arte su tela o pannello: realizza una chitarra Fender alta tre metri per la Rock and Roll Hall of Fame di Cleveland 50 Giovanna Franci “The Myth of the Grand Tour and Contemporary Mass Tourism Imagination: the Example of Las Vegas” Università di Bologna 51 Steve Kaufman, Coffee Table Book , Steve Kaufman Art Studio – 2009, pag.28 52 Steve Kaufman, Coffee Table Book , Steve Kaufman Art Studio – 2009, pag. 7

causa de los problemas de salud, que siguen empeorando, Steve Kaufman se ve obligado a reducir su trabajo y las exposiciones en el programa. 2005 - Crea Uniques, una serie de originales de sus iconos más famosos: Marilyn, los Rat Pack, Frank Sinatra, los Beatles, Einstein y otros. Papa Juan Pablo II acepta su retrato que cuelga en su oficina en el Vaticano. Pinta luego marcos en edición limitada para recoger fondos para las víctimas del huracán Katrina. Realiza los cuadros de grandes dimensiones de la Mercedes SLR McLaren para celebrar el cien aniversario de la Mercedes-Benz. «… He creado los 'únicos', imágenes especiales de mis iconos favoritos de Marilyn a Frank Sinatra a los Beatles a Las Vegas … No me gusta nunca crear los originales utilizando la misma imagen y cambiando solo la dimensión. En cambio, quiero poner juntos el mayor número posible de mis estilos para crear una imagen que sea realmente un original. En los años, he trabajado duramente para diferenciarme, y hacer cosas que sean diferentes: pintar los guantes de boxeo, pintar a mano las motocicletas, pintar las puertas, los muros de las oficinas … las cajas de cigarros, los coches, las chaquetas...»46

2006 - Una mejora en las condiciones de salud permite a Kaufman aumentar de manera exponencial el número de sus exposiciones que se celebran en Nueva York, Las Vegas, Washington. Regala los Mini-Heart Paintings a todos los niños que participan en sus exposiciones y las incisiones enmarcadas a todos aquellos que compran una obra. 2007 - Steve Kaufman sigue con su programa de exposiciones en Nueva York,

Washington, Denver, Maui, Toronto y en Europa. Crea una serie de "únicos", pinturas originales que representan RedBull, en el reconocimiento de la bebida energética más popular del mundo.

«Nos encontramos navegando muy juntos. Inglaterra, Escocia, Japón. Suiza, Holanda, Alemania. Steve fue también en París, en Irlanda. En Canadá. Siempre para exposiciones, nunca por placer personal, sino para mostrar su arte. En Japón lo acompañé solo una vez, pero él fue por lo menos cinco o seis veces (…) la gente me veía como el amigo de Steve, lo de siempre, y no estábamos nunca separados. Trabajábamos juntos y nos encontramos navegando juntos (…) en el trabajo, siempre Steve y yo.»47

2008 - Todas las obras de Steve Kaufman aparecen expuestas a octava Annual Exhibition la Centaur Art Galleries de Las Vegas junto con las de Neiman, Rockwell, Picasso, Chagall, y Dali. La "Las Vegas Convention and Visitors Authority" organiza una exposición de las suyas. En Las Vegas durante una ceremonia para el 4 de julio, Día de la Independencia, Kaufman presenta por primera vez sus obras en vidrio coloreado, para la nueva campaña publicitaria de Coca-Cola y de Apple iPod. 2009 - Steve Kaufman da una serie de pinturas de Coca-Cola al "Pop Culture Gallery al The World of Coca-Cola", en Atlanta, Georgia. Participa en una exposición de seis días en la Galería de Stanfiel After Hours durante el Sundance Film Festival, donde los niños ayudan a pintar el piso de la galería con un tema Pop Art: el acontecimiento es grabado por una producción cinematográfica independiente para el Sundance Film Festival 2010. Preparará luego una exposición para la galería de arte de Tyson Corner, en Virginia. En ocasión de los Academy Awards, Kaufman crea una serie de dibujos inspirados en la película El curioso Caso de Benjamin Button, El duelo, Milk, The Reader y The Millionaire.

«Steve firmaba siempre las obras en el reverso. No sé por qué, sé que me dijo: 'es el arte lo que quieres ver, no la firma del artista. Firmaba 'SAK' que eran las iniciales de su nombre -Steve Alan Kaufman - sino

Intrevista a Bob Womack, socio e assistente di Kaufman, www.americanpopartinc.com, dicembre 2014

también el sobrenombre que le había dado Andy Warhol. Alguna vez firmaba dos veces, porque la gente quería verlo firmar la obra en directo.»48

2010 - El 12 de febrero Steve Kaufman sufre un infarto mortal en Vail, Colorado, mientras, una vez más, se está preparando para una exposición. Desde hace tiempo las condiciones de salud no le permitían más trabajar por sí solo, sin embargo, incapaz de pararse, seguía tratando de hacerlo, de luchar, reír, enfrentarse a la vida y crear. Kaufman no se va en silencio y casi por casualidad, como Warhol, pero conscientemente y en voz alta, dejando por escrito: « Eso es lo que yo vivo, he tenido una buena vida, por tanto, por favor, no lloréis por mí. He tenido la vida de cien hombres »49.

Después de su muerte, el arte de Steve Kaufman es representada en una exposición histórica en mayo de 2012, "Writing as an Image, Writing within an Image" en la Andy Warhol Museum of Modern Art en el noreste de Eslovaquia, que se encuentra en la ciudad natal de Warhol. Después se inserta también en "This is Pop Art!", una gran exposición de noventa obras de artistas Pop de todo el mundo ante el "Museum of Passion" en Valladolid, España.

Intrevista a Bob Womack, socio e assistente di Kaufman, www.americanpopartinc.com, diceembre 2014

Steve Kaufman , testamento olografo (“American Pop Art”, Inc)

En 2013, el arte de Steve Kaufman está presente en "Como Pop Art", una exposición de grandes obras de artistas de fama mundial entre los que se encuentran Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Robert Indiana en Marcos Valcárcel Centro Cultural a Ourense, Galicia, España.

En julio del 2014, el marco de Steve Kaufman Mozart State II, un retrato de Wolfgang Amadeus Mozart, creado en 1997, es acogido en la exposición permanente de la Internationale Stiftung Mozarteum, El museo oficial Mozart y su residencia en Salzburgo, Austria. Steve Kaufman es el primer artista americano en obtener este reconocimiento. En Italia, precisamente en Trieste, una pintura de Steve Kaufman "Rat Pack" está fue expuesta en 2013 en el foyer del teatro Politeama Rossetti - Sala Assicurazioni Generali de Trieste en el debut del espectáculo musical "Christmas with the Rat Pack Live from Las Vegas". Al año siguiente el Municipio de Trieste con American Pop Art Inc (titular de los derechos del artista desaparecido) presenta la muestra "Pop Art en Trieste: Steve Kaufman, the Former Assistant to Andy Warhol" en la Sala Veruda, Palazzo Costanzi. La exposición presenta treinta obras procedentes de importantes colecciones: introduce el acontecimiento el crítico Vittorio Sgarbi. En noviembre del mismo año se presenta "Icons of Pop Art, then and Now", una convergencia de los mejores coches deportivos de época con obras prestigiosas de Steve Kaufman y otros artistas pop en el Museo Casa Enzo Ferrari (Casa del Museo Ferrari) a Modena (Steve Kaufman dipinse su serie Ferrari en 2006); el acontecimiento fue introducido y comentado por el crítico Philippe Daverio. En mayo del 2014, Barbie 1997 de Steve Kaufman, uno de sus "únicos", se inserta en "Barbie around the world", una exposición dedicada a la muñeca más famosa del mundo, en el Barbara Frigerio Contemporary Art de Milán. En el verano del mismo año quince pinturas originales de Steve Kaufman dedicadas a iconos de la música se ponen en la exposición por el Ayuntamiento de grado a la Casa de la música en el evento: "Icons of Music: Then and Now".

Warhol then and Now esposto al Museo Casa Enzo Ferrari

Las citas de obras famosas En las pinturas Pop, la característica inicial era la de tener sujetos arrancados de su tiempo y su contexto: existían en un espacio vacío donde no significan nada más que ellos mismos. El sujeto retrato (atractivo, interesante; si mujer, siempre deseable) se convertía en un símbolo para halagar (de nuevo: un icono), para colgar y mirar cada día. Si se trataba de un objeto, se convertía en el icono que había que comprar en cuanto conocida, famosa, que 'todos debían tener. Kaufman humaniza estos sujetos; los acerca a quien mira a través de algo - un elemento gráfico, un color - que arranca el sujeto al vacío y lo proyecta en el periódico. Estamos en Florencia a comienzos del s.XV, el marco es el Nacimiento de Venus de Botticelli. En el centro está Afrodita que nace de la espuma del mar ('Afros en griego significa espuma del mar). Venus, es la diosa del amor y la belleza. A su derecha hay dos figuras volantes que son Eolo, el Dios de los vientos y Borea, viento del norte: dos vientos que soplan hacia la diosa y la empujan hacia la orilla en una gran concha. A la izquierda de la diosa hay una ninfa (probablemente una de las doce horas) que lleva un manto para acoger y cubrir la desnudez de la venere. Tema clásico, antiguo, mitológico. La Venus de Steve Kaufman no está desnuda, el desnudo generalmente en el Renacimiento era signo de lejanía de los bienes terrenos pero es una Venus que esconde su desnudez, su pureza detrás de algunas bolsas modernas, firmadas, contemporáneas. Y es una Venus sofisticada. Dentro de los bolsos que tiene

entre sus manos y la concha podemos imaginar qué pueden contener: maquillajes, celular y todo lo que hay dentro del bolso de una mujer del siglo XX. Otra de Venus, esta vez pero el marco citado es de William Adolphe Bouguereau, es uno de las más famosos pinturas de éste: no representa el nacimiento, pero el transporte de Venus a bordo de una concha del mar abierto hacia la isla de Chipre. Aquí encontramos los nuevos elementos: el delfín y los amorcillos en el cielo, los colores son claros y destacan entre ellos el blanco que destaca el candor a la sensualidad del cuerpo de Venus, que es una diosa en "carne y hueso" y el azul del cielo donde pululan una legión de amorcitos. La Venus de Steve Kaufman es claramente una cita, un homenaje, pero quita ese halo mítico, divino e inserta un elemento moderno, contemporáneo, el símbolo de su modernidad: la Coca- Cola. Steve Kaufman acentúa la componente giocosa ya presente en el marco de Bouguereau, insertando las botellas de Coca-Cola dentro del marco, la Venus misma tendrá una entre las manos, no para beberla sino para exhibirla. La "marca" Coca Cola sobresale de un rojo llameante dentro del marco donde el equilibrio entre blanco y azul es roto definitivamente y roto la armonía ha dejado lugar a la vivacidad, el Pop.

“Ella es la que ha hecho este horror?" "No, es obra vuestra”50

Cambiamos sujeto, cambiamos período: Cubismo. Estamos hablando de Guernica, uno de los trabajos más famosos de Picasso dedicado al bombardeo alemán ocurrido el 26 de abril de 1937 en la ciudad vasca de Guernica durante la guerra civil española. Una tela que pulsa, intensa, violenta. Una obra que testimonia la participación apasionada de Picasso al sufrimiento humano y una reflexión sobre la violencia realizada por el hombre. Durante este bombardeo aéreo, uno de los primeros de la historia, la ciudad fue arrasada y murieron cientos de civiles, la cifra se gira en torno a las mil seiscientas personas. Guernica es la pintura de una matanza, y es la pintura de un compromiso social que nunca se había visto antes en las obras de Picasso. La obra pertenece a la Corriente artística del Cubismo de la que Picasso formaba parte: el sujeto se propone y se nos ha mostrado simultáneamente por varias opiniones, desmontado, discreto, deconstruido, es una perspectiva en crisis, una prospección desquiciada y desintegrada, Picasso nos hace sentir la crisis.

Risposta di Picasso all’ambasciatore tedesco Otto Abetz in visita al suo studio, di fronte ad una fotografia di

Guernica

Steve Kaufman realizará una copia fiel del pintura de Picasso. Es una cita literal de Picasso, que quiere ser un homenaje a Picasso, es una cita "literal", la letra. El sujeto es el mismo, también los colores, como Picasso emplea exclusivamente los tonos grises, colores muy apagados como unas fotos en blanco y negro, como las fotos en blanco y negro que documentaban la tragedia. Es un homenaje a un grade artista que sin duda ha fascinado Steve Kaufman, es un homenaje a las víctimas de aquella matanza, para no olvidar.

La Monna Lisa, otro homenaje, por supuesto al autor de la pintura, Leonardo da Vinci. Citada en varias ocasiones por artistas tales como: Duchamp, Dalì y naturalmente su maestro, Andy Warhol. Estamos en el Renacimiento, ella es la Monna Lisa, es una de las obras más conocidas de ese período y probablemente del arte italiano. El encanto de esta pintura está encerrado probabelmente en la sonrisa que Lisa Gherardini, la Gioconda precisamente, dirige al

observador. Una sonrisa de esfinge, que alude a un secreto a lo no conocible. Steve Kaufman no hace nada de todo esto, como en el caso del marco de Botticelli y Bouguereau inscribe dentro del marco elementos modernos, para él contemporáneos. Encontramos en efecto, la Coca-Cola y entre las manos tiene un lector mp3, un Ipad. La suya es una Gioconda que bebe Coca-Cola y escucha música moderna.

«El marco representaba un paisaje cerca de Port Lligat, cuyas rocas eran iluminadas por una lente y melancólico crepúsculo. En primer plano se veían los olivos con los brazos cortados y sin hojas. Sabía que el ambiente que había conseguido crear en el tramo servía como ambientación para alguna idea, por alguna imagen sorprendente, pero no sabía aún de qué se hubiera tratado. Iba a apagar la luz cuando instantáneamente "vi" la solución. Vi a dos blandos relojes, uno de los cuales era colgado dolorosamente a ramas de olivo. »51

La persistencia de la memoria, relojes blandos. Un marco-sueño. Es una pintura al óleo sobre lienzo realizado por Salvador Dalì en 1931, que fue expuesto en enero de 1932. Esta pintura representa el flujo del tiempo, representado con tres relojes como objetos inesperados, sustraídos de la realidad cotidiana. El marco de Dalì es el absurdo de nuestros sueños y la dimensión onírica, el suyo es un mundo donde se manifiestan las situaciones absurdas e inquietantes. Dejar de ver con los ojos de todos los días, negar y rechazar el funcionamiento habitual de la mirada, ir al de las normas habituales, la percepción. Era una invitación a una mirada diferente, ver lo que no existe. A veces no todo es lo que parece, no es un reloj lo que está sobre una rama como si fuera un simple 57

Marco di Capua, Salvador Dalì, la vita e l’ opera, Mondadori, 2002, p.118

pajarito, viéndolo bien es un reloj y se está derritiendo. Es una invitación a mirar el mundo con ojos nuevos. Como en el caso de Guernica también en esta pintura Steve quiere rendir homenaje a un pintor que lo ha fascinado, intrigado, inspirado. Y lo enmarca dentro del marco, como había hecho con Picasso. Pero los colores de Kaufman no son los mismos utilizados por Dalì, son más cargados, más fuertes, incisivos, rojos y azules alucinados y alucinantes, casi expresionistas (recuerdan vagamente el rojo del cielo y el azul del fiordo del marco de Munch, El grito). No son colores realistas, no son los colores de la naturaleza, no provienen del exterior, sino de adentro. No son colores visuales pero visionarios, simbólicos, se cargan de significados adicionales. El frío, el azul y el rojo, caliente, la vida como conflicto de las fuerzas contrarias: Eros y Thanatos, es decir deseo de posesión y el deseo de potencia. Estos impulsos actúan en el inconsciente, en la parte oscura del yo. Estos deseos no satisfechos afloran a la conciencia, afloran en los signos, afloran en la memoria y la memoria; y aquí volvemos al sueño. El Pop Art como sueño.

«El conocimiento no está hecho solo de bibliotecas llenas de papel y tinta, también está hecho por los volúmenes de conocimiento que están escritos en el corazón de los hombres, modelado sobre espíritu humano y grabados en la psique de todos nosotros. »52 58

Del arte pictórico a una forma artística: la música. Un gran artista: Michael Jackson. Una nueva técnica: El collage. 58

Alanis E. Leona Kory, Michael Jackson, interviste e discorsi, Michael Jackson, pag. 70

Michael Jackson es uno de los artistas de mayor éxito de todos los tiempos, es el rey del Pop. Un icono de la música. Steve ha elegido pintarlo antes de la transformación, antes de la intervención de cirujía. Steve nos muestra su lado auténtico, el Michael original. Y nos lo presenta con dos técnicas: la serigrafía y el collage. En efecto, la chaqueta y los cabellos están formados por el collage de portadas de algunos de sus álbumes que se resaltan por la imagen en blanco y negro del cantante. La música es color, la música es POP. Pop Art.

“ Para no luchar siempre habrá muchos pretextos en cada época y en cualquier circunstancia, pero nunca, sin lucha, se podrá tener la libertad.” (Fidel Castro)

Steve Kaufman pintó con los motivos de 'Cohiba’, una motocicleta HarleyDavidson, y posteriormente solicitó al líder que la firmara, como testimonio de la existencia de un puente cultural entre las dos Américas representadas por los Estados Unidos y Cuba - tan alejadas políticamente. Fidel Castro aceptó.

Kaufman no se ocupó de fotografía, ni se acercó a la gráfica digital o la informática gráfica, aunque tengamos a disposición instrumentos, pero no se consideraban adecuados a su manera de expresarse.

Evento a Times Square, original de Steve Kaufman «Hoy, con Internet, la futura generación de los aficionados de arte puede ser servida y alcanzada tocando un teclado. Internet revoluciona, sin lugar a dudar, también el mundo del arte: el nombre de 'Andy Warhol' tiene 24.100.000 de correspondencias en Google, 'Steve Alan Kaufman' 765.000 , 'Roy Lichtenstein' 940.000 … 'Marcel Duchamp' 1.170.000; 'Salvador Dalì', 493.000.»

El imaginario al que Kaufman se apoyó para su ciclo de pinturas en los mitos de la música es el de la obra clásica y de las figuras históricas, pero también de la televisión, del cine, de los acontecimientos mundanos: Steve Kaufman pintó a Mozart, Beethoven, Marilyn Monroe, Michael Jackson, los Beatles, Frank Sinatra (obtuvo, junto con Leroy Neiman, la exclusividad de la familia Sinatra para realizar varios retratos del inolvidable cantante), con el objetivo de presentarlos como si fueran personajes actuales. «Usaba reproducir un sujeto sobre cincuenta serigrafías, por ejemplo, y en cada una de las serigrafías luego pintaba a mano algún detalle, o añadía un particular; así cada una de esas cincuenta obras era diferente a las otras. Se convertía en un original. No lo hacía en todas; algunas de las ediciones son simples reproducciones del original, sin intervención a mano pero solo serigrafías. Otras, en cambio, las seleccionaba y en estas intervenía a veces también masivamente. Todavía no sabemos bien cuáles eran sus criterios de elección. Steve Kaufman había aprendido perfectamente por Andy Warhol la técnica de la serigrafía, pero había mejorado mucho mediante el uso de varios niveles, de más pasos. Quería

diferenciarse, crecer y avanzar, y las fotos de las obras el perfeccionamiento es evidente. Solía tener también las serigrafías imperfectas, las que denotaban la presencia de la mano del hombre en la obra y que tenían más valor»53

A Kaufman, indudablemente, lo fascinó siempre por el efecto que producen las grandes personalidades y estrellas de la música en la sociedad, al punto de convertir este sentimiento suyo en un hilo conductor de su arte, hasta llegar a lo que fue para él un momento de reflexión sobre la fama: Kaufman sintió la necesidad de mirar con humildad, atrás, a quien antes de él había dejado una huella, para poder luego continuar hacia nuevas direcciones. También los iconos de la música de Steve Kaufman se insertan, en efecto, en el contexto del 'mito'. El enfrentarse con estos mitos del pasado (pero también del presente: Michael Jackson, a pesar de su prematura desaparición John Lennon, Elvis Presley son una parte importante de nuestro vivir cotidiano) fue para Kaufman un proceso natural. Warhol se había desplazado de los objetos a las personas, la Campbell Soup (retomada de todas forma por Kaufman, a petición de la misma 'Campbell'), al mito de Marylin (ningún otro artista logró al igual que Warhol traducir la emoción de la famosa frase con la que Marilyn, en 1960, había definido a sí misma en una entrevista a 'Marie Claire': "soy un producto artificial"). Kaufman continuó la obra de Warhol pero sintió la necesidad de un mayor contacto personal con los iconos de la música, del cine y del espectáculo que la habían fascinado. Sintió una necesidad, por lo tanto, de nueva personalización. El pesimismo no domina en absoluto la vida de Kaufman, pero esta misma es una continua búsqueda de nuevos estímulos y en esa imagen que ve ante sus ojos (el retrato de Frank Sinatra, por ejemplo, frente al cual el anciano cantante se conmovió) busca de nuevo el alma.

Los últimos años: el legado « Soy realmente afortunado por hacer lo que siempre he querido: crear. Es una libertad difícil de describir con palabras. Me hacía siempre preguntas sobre mis proyectos: ¿que direcciones debo tomar? Ahora ya no lo pienso. Con mi pasión, voy a mi estudio y me pregunto: ¿qué crearé hoy?»54

59 60

Diana Vachier , President of Steve Kaufman Art Licensing, LLC and American Pop Art, Inc. Steve Kaufman, Coffee Table Book , Steve Kaufman Art Studio – 2009, pag.6

«Era un hombre único. El físico enorme, con una gran sonrisa, una manera de comportarse un poco de niño a veces - alguna otra vez inseguro, ingenuo, siempre cordial y afectuoso con las personas. Sonreía siempre. Steve Kaufman era un hombre con una gran imaginación y una creatividad extraordinaria, constantemente comprometido en la búsqueda de algo nuevo; su mente era brillante, y quizás fue esto lo que acercó a la muerte, porque no era capaz de ‘desconectarse’, no conseguía no trabajar y no imaginar cosas nuevas. Trabajar para él fue el compromiso más difícil de toda mi vida: 'Cielos este hombre está loco y me está volviendo loco' - lo pensaba a menudo. Pero fue la más grande oportunidad que me se me presentó y he amado aquellos años. Steve siempre estaba allí, siempre presente; lo está también ahora»55 « En el retrato que me ha hecho Steve Kaufman… me he puesto delante, he tocado y he oído fuerza, energía. Nunca he visto nada parecido antes" [Al Pacino; detrás del marco, la biografía del actor] »

El legado más radical de Warhol se refleja en Steve Kaufman y quizá en el modo en que casi todos los artistas de las generaciones posteriores han adoptado las tácticas de promoción warholianas. En su libro de 1975, "La filosofía de Andy Warhol (de A a B y viceversa), Warhol acuñó la primera de sus celebres máximas sobre la relación entre el arte y el negocio, escribiendo: « Durante la era Hippie, la gente menospreció la idea de que hubiera negocios - decían: ''El dinero es malo y 'trabajar hace daño, pero hacer dinero es arte y trabajar es arte y un buen negocio es el mejor de los artes" . Se trataba de una provocación (Warhol no dejó nunca de provocar; sus entrevistas y citas siguen siendo extraordinarias), Sobre todo con relación a su contexto y a su época - pero, precisamente, provocar había sido la especialidad de Warhol desde los primeros años Sesenta, y Warhol, que había sido artista y dibujante de publicidad, había intuido que el artista solitario en su género era una criatura de otros tiempos, tiempos más simples. Un mundo 'Corporate habría buscado

Diana Vachier , President of Steve Kaufman Art Licensing, LLC and American Pop Art, Inc.

que desde ese momento en adelante un artista 'Corporate': la cultura 'Corporate' era uno de los aspectos del mundo, y lo habría sido cada vez más y entonces - porque no, ¿ que qué había - qué hay de malo en los negocios? La verdadera sorpresa, el verdadero misterio en el arte de Andy Warhol coinciden con la revelación del periódico - sin abordar, sin nada más que hacer; en Steve Kaufman encontramos un deseo tanto de mirar atrás como de evolucionar, de continuar; un camino interrumpido de manera prematura, en 2010, por su desaparición. Steve Kaufman es recordado como un gran activista y filántropo. Kaufman, dentro de la corriente el Pop Art (Neo Pop Art pero - como hemos visto -se trata más de una subdivisión cómoda para catalogar, sobre la base de la datación y de la edad de los artistas, que de una verdadera diferencia de género artístico) es un autor todavía por descubrir y conocer: Sus obras, fuertemente ligadas a la pintura, están ligadas a un tipo de trabajo cotidiano, constante y prácticamente sin interrupciones o pausas, que les sucedió toda su carrera y, a causa de los ritmos frenéticos y de su carácter, minó su salud entregándose, luego a la muerte. Kaufman percibió, y transmitió el arte con sentimientos positivos, que suscitan normalmente alegría. Sus obras evaporan los bordes y los contrastes netos de color, a menudo convirtiendo todo en una animada alegoría de lo contemporáneo sobre el lienzo o en uno o más enormes paneles, recuperando mitos y personajes conocidos, despertando los momentos de la infancia y haciéndonos hacer un viaje a través de la historia y la cultura de una manera fascinante. Toda la parte polémica del Pop Art y el cinismo, los sentimientos a veces oscuros del Pop Art de segunda generación están ausentes en las obras de Kaufman: él relata su tiempo y sus iconos sin tener que sin embargo, construir una crítica a la fuerza, y en esto resulta original, y se caracteriza. El carácter mágico del don de la mercancía y la continua obsolescencia del producto tecnológico ocultan el proceso de fabricación y de creación artística. La Figuración Pop de un objeto en su marca (Coca-Cola) y en su imagen (fotografía de una estrella) es muy diferente del reciclado del producto o de los "Ready Made" de Duchamp. Esto, en Steve Kaufman, es evidente. El artista neoyorquino aporta siempre las modificaciones al modelo original, aunque marginales, porque este pueda sobrevivir en sus copias múltiples (la ampliación a escala sigue siendo un método muy importante y muy difundido). La tecnología entró en el Pop Art

no solo a nivel de los productos de consumo que encontramos en las obras, ofrecidos como modelos, pero sobre todo en la asunción del modelo de su público, difundido por los medios tecnológicos. «La técnica de la reproducción, así se podría formular la cosa, sustrae el que figura en el marco de la tradición. Multiplicando la reproducción, plantea en lugar de un acontecimiento único una serie cuantitativa de acontecimientos. Y permitiendo la reproducción de venir al encuentro de aquel que beneficia en su situación particular, actualiza el producto. Ambos procesos conducen a un violento cambio que se conectó a un cambio de la tradición, que es la otra cara de la crisis actual y de la actual renovación de la humanidad »56

La sonrisa con que el arte de Steve Kaufman - artista gozoso, quizás el único alegre entre los artistas Pop parece acoger en don el consumo es a menudo malinterpretada en el signo de su optimismo y no por su estudio sobre el tiempo de duración del mismo optimismo. El Pop Art es a menudo amado por la facilidad de su disfrute, a diferencia de otras modas artísticas más crípticas (y por tanto mucho menos populares), y es al mismo tiempo oculto precisamente en y por la ambigüedad de su inmediatez.. El Pop Art de Steve Kaufman parece ejemplificar este combinación mejor que cualquier otra. Steve Kaufman no fue inmediatamente incluido. Escribe Dorfles: «quiere siempre como el viejo (en lugar del nuevo) o un nuevo que sea tan fácilmente comprensible del viejo, donde la Facility sea integral y no requiera ni siquiera una pizca de Difficulty para ser descifrada. De lo dicho resulta evidente que es importante el discurso en torno a la incomprensión del arte moderno y a las oscilaciones del sabor que a menudo la determinan. Y voy por 'incomprensión es una espontánea desconfianza frente a buena parte de las manifestaciones más interesantes y vitales del arte moderno»57 En Kaufman - y más en general, la incomprensión Pop brotó de esta 'facilidad de su "nuevo" artístico, cuyo disfrute implicaba inmediatamente el espectador. La "sublimación" del objeto y del sujeto en la imagen de Kaufman produce un juego de simulación, similar al vuelco de la percepción y del recuerdo. «Aquí hay como dos lados del espejo, pero lo que está por un lado no se asemeja a lo que está por la otra ("todo el resto era tan diferente que más no sería posible.:"). Pasar por el otro lado del

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Walter Benjamin, L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica, Tr.it, Einaudi, Torino1966, p.23 Gillo Dorfles, Le oscillazioni del gusto, Einaudi, Torino 1970, p.13

espejo es pasar por la relación de designación a la relación de expresión sin detenerse en los intermediarios, manifestación, significación. Es llegar en una región donde el lenguaje no tiene más relación con los designados, pero solo con los "emitidos", es decir, con el sentido»58

En "a través del espejo" de Carroll, Alicia atraviesa la propia imagen, superando el espejo: un salto en el sueño del otro. La realidad más allá del espejo no es el simulacro de lo que se refleja, sino su doble, modificado en forma que no sea más reconocible. En sus obras Kaufman (y la Pop Art) ofrece a quien mira la posibilidad simultánea de mirarse. El sujeto que se refleja en la imagen del objeto, mediante el sistema persuasivo de la publicidad y la moda, es como si fuera mirado por el objeto POP. La mirada refleja en el objeto Pop bloquea al espectador a través de su imagen impidiendo, en virtud de la seducción ejercida por el objeto que se mira, toda posibilidad de juicio. «Entre las tarjetas escondidas una sola es la ganadora pero en este punto mundial realmente solo quien escoge de cuáles quiera deshacerse, es decir, quienes optan por no jugar consigo mismo al papel del bello Narciso desafortunado»59 «La verdad de la felicidad como necesidad hace inmediata y fácilmente la razón de ella: su contenido de la seducción de un juego fácil. La necesidad no saciada convence en efecto, con la violencia del deseo insatisfecho, de la verdad de la seducción como tensión a la felicidad, de su urgencia y la positividad de su mensaje.. ¿ Si la necesidad solicitado permaneciese insatisfecho (la verdad de la antagonista: tirar la carta) quién nunca, estamos convencidos, elegiría de abrazar tanta angustia?»60

La seducción gana la libertad mientras se queda jugando con estas imágenesdeseos. La seducción de la imagen-objeto divierte al jugador, que ya no piensa en otra cosa que en el premio, quien mete la carta se sustrae a la promesa segura de que «seducir es morir como realidad y producirse como juego de ilusión »71. En el flagelo artístico la fascinación espera al jugador seducido como premio inesperado. No es el Pop Art que decide pero que permanece en juego, este último «implode en una sobredosis de simulacro de signos».61

Gilles Deleuze, lógica del sentido, Tr.it, Feltrinelli, Milán 1975, pp.30-31 Carolina CARRIERO, Il consumo della Pop Art. Presentación del objeto y crisis de la objetivación, cit. p.117, Jaka Book, Milán 2003 67

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Jean Baudrillard, La seducción, cit., p.95 Ibidem, p.118

Y aún «iconos pop (los dulces, los cigarrillos, la lata de sopa vegetal, la lata de Coca Cola, las prendas, los detergentes) son las figuras de poco valor, en el juego por supuesto, que permiten atravesar el recorrido establecido. (...) ya que el principio estético está más allá de lo bello y feo, es decir, todo en el ámbito económico, y el valor de la realidad es todo en la imagen, se puede ilusionar de ganar con la carta-icono del dólar.»62 El artificio que mantiene el juego es la persuasión que se puede creer en el arte prescindiendo de su existencia. «Cada uno busca el propio look. No es posible extraer argumentos para la propia existencia incierta (¡ ni la miseria ni la virtud ni el trabajo ya son una prueba, no se mira más, ha terminado la seducción!), no queda más que hacer acto de apariencia sin preocuparse ni de ser ni de ser vigilados. ¡ No esisto, estoy aquí! Pero soy visible, soy imagen - look, look63» A la moda se resiste hoy tanto el consumo del signo (la Venus de Kaufman) como el signo del consumo (Coca-Cola): No cobraría mucho éxito ya apostar por la publicidad del producto. « Sobre todo el objeto popular de consumo debe ser vaciado de su banalidad, si no quiere terminar parodiado y menospreciado »64

La cantidad de las obras dejadas por Steve es enorme; su producción conocía ritmos frenéticos, Kaufman trabajaba sin interrupción, noche y día. La realización del catálogo de las obras, actualmente en curso a cargo de 'American Pop Art' y constituido por miles de imágenes (una parte de las cuales ya en soporte informático, las demás en fase de catalogación), necesitará muchos años, sobre todo en términos de exacta colocación temporal de las obras.

Carolina CARRIERO, Il consumo della Pop Art. Esibizione dell’oggetto e crisi dell’oggettivazione, cit. p.117, Jaka Book, Milán 2003 71 Jean Baudrillard, La desaparición del arte, cit., p.18 72 Carolina CARRIERO, Il consumo della Pop Art. Esibizione dell’oggetto e crisi dell’oggettivazione, cit. p.120, Jaka Book, Milano 2003 70

Conclusiones « Hoy el lenguaje del arte es el lenguaje del mundo »65

Obama - Shepard Fairey, artista e ilustrador 'Street Art', nacido en 1970; el uso de un estilo "Pop", en este caso por manifiestos que se exhiben ilegalmente, fue elegido por el artista para obtener un fenómeno mediático durante la campaña electoral y para llamar la idea del manifiesto del tío Sam y Hope de Robert Indiana. Obama (iconizado en el manifiesto) no formalizó nunca la colaboración con el artista pero envió una carta agradeciéndolo abierta y sinceramente. Recordando la voluntad de los artistas 'pop' de llamar a la mente cosas cotidianas, es interesante observar como Fairey tanto el autor del restyling del icono del navegador Web 'Mozilla', muy conocido por los usuarios más avanzados de Internet. El Pop Art es una forma artística interesada en el objeto y su puesta en escena. Es el mundo que se ofrece como "coagulado" en el espesor del objeto que avanza. La exploración cognitiva del artista en el medio ambiente recuperará los objetos de la vida cotidiana, y toda la gama de productos industriales. El sujeto no tiene nada que ver con la naturaleza; el paisaje urbano está lleno de una "vegetación de objetos" entendida como una evolución natural de la tensión del yo hacia el mundo.

Alessandro del Puppo, El arte contemporáneo- el segundo Novecento, Einaudi Editor, Turín 2013

El gesto artístico que en el Expresionismo abstracto encontraba sobre el lienzo blanco su natural realización cede el lugar al encuentro directo del cuerpo con el sistema de los objetos-signos de la acción humana. La denuncia realizada por el Pop Art figurativo de un gusto que se refiere a objetos de otra procedencia no es que un índice de un aspecto mucho más amplio que afecta a toda la actual "arte de consumo", y en torno a la cual se escribió los intereses de muchos estudiosos. El rechazo dirigido a los productos del arte de consumo es mucho mayor de la exaltación de la misma. En la "sociedad de masas" el hombre sufre una continua homologación al sistema cultural predominante a través de esos medios de comunicación que transmiten mensajes tan banales como alteración. El efecto sugestivo del objeto maximizado y vacío, en la obra 'pop', elimina la obviedad del trivial, limitada a sus características formales. «Un aspecto destaca la no naturalidad de los alimentos reproducidos en materiales plásticos: la continuidad, hasta la no distinción, entre los tóxicos colorantes artificiales, de los alimentos verdaderos y la pintura de los falsos (...) La pretensión de la vanguardia histórica de superar, a través del arte, los límites de la serialización de producción de consumo resulta desquiciada y el arte mismo se plantea, en consecuencia, por parte de la propia negación»66

La correspondencia entre arte y vida conduce al artista a elegir, sin ninguna distinción, los sujetos para sus propias obras, personas y objetos de consumo cuya congestión se traduce en serie de la imagen-objeto. El consumo de la fruición artística de la caja Campbell se multiplicará por la serie infinita de todas las posibles cajas similares presentes en el mercado. «Una extraña lote, la que, según la actitud pop, se viene a entretener con las cosas de todos los días, porque por un lado, estas no pierden ninguno de sus caracteres más concretos y materiales: la roya de una lata de carne, la polícromas de su etiqueta, el contorno irregular de un tapón de botella; pero al mismo tiempo estos caracteres concretos aparecen como contratados a media aire, atacados por un índice mental y idealizados.» 67

Uno de los primeros errores en que se incurre en considerar estas formas creativas es no comprender cómo una de las características principales consiste 74

Tommaso de Chiaro, Claes Oldenburg e l’iconografia del banale, Edicoop, Roma 1980, pag.16

Renato Barilli, Informale oggetto Contemporaneo,, cit. pag.182

en su transitoriedad. Muchos de los estudiosos de una obra pretenden poder definir y establecer los "valores" en un sentido absoluto, en base a alojamiento inalterables, pero esta disposición es impensable, precisamente porque el fenómeno de la Pop Art se caracteriza por una extraordinaria movilidad. La sensibilidad popular para estos productos es directa y muy susceptible de desplazarse. « La calidad, los materiales y la consistencia de los artículos definibles como 'obra de arte la han cambiado durante los últimos cincuenta años más que en todos los siglos anteriores »68

A la unicidad del acto artístico que había caracterizado todas las formas de arte anteriores, el Pop Art ha contrapuesto la réplica y la repetición mecánica del objeto de arte, sustituyendo la unicidad con su serialización. Ha tomado imágenes y signos de la realidad que lo rodea, la de una sociedad industrializada, haciendo inútil una jerarquía de arte y la cultura; ha adaptado imágenes ya existentes elevándolas a arte, ya no entendida como acto individual pero modificándola a acta común, participado. En la era de la producción mecánica, donde la reproducción parecía el único valor reconocido, la repetición parecía la única vía posible, y nacen así los cuadros reproducidos en serie. El Pop Art se distingue como un arte sobre los signos y los signos, en continua simbiosis con el mundo que o rodea, que se convierte en parte - un mundo marcado por infinitos signos (de los productos comerciales al divismo, a la persona común que aspira a convertirse en inmortal y a estar implicada en el proceso de camuflaje). «A partir del último decenio del siglo XX se ha difundido una forma de pluralismo cultural. Quizás es cierto, como se encuentra escrito en todas partes, que en aquel momento se derrumbaron las ideologías. Una, sin embargo, al menos, parece haberse quedado bien firme en pie. Al igual de cada mercancía y producción y circulación global, el arte se ha ajustado a la lógica del capitalismo financiero internacional»81

Aunque no se puede no reconocer la realidad de una explotación comercial en gran estilo y de una constante creciente maniobra publicitaria en toda la cultura popular (de "masa"), es preciso que la base haya algo de verdadero, o al menos de auténticamente vivido, visto, oído.

Alessandro del Puppo, L’arte contemporanea- il secondo Novecento, Einaudi Editore, Torino 2013

Relata Baj en "cosas del otro mundo": «Date a Leo dos latas de cerveza vacías y los ve las venderá", dijo de Kooning con poco disfrazado resentimiento en una fría noche de diciembre de 1962 a Cedar Tavern sobre University Place (...) Jasper Johns tomó la letra las palabras de De Kooning, fundidas en bronce dos latas vacías de Ballantine Ale y le dio a Castelli. Castelli las venganzas inmediatamente al coleccionista Scull, el Panza de Nueva York 99.000 dólares.»69 Se es felices en tierra de los consumos contemporánea, porque nunca nada sucede para destruir, para amenazar. Se trata de una tierra donde el moderno objeto artístico vive como moda de la misma mercancía; y hoy se está bien seguros de que su copia multiplicada y difundida por las galerías de arte no defraudará las expectativas de sus compradores. «La publicidad ha construido en torno a nosotros un nuevo paisaje: carteles y letreros al neón, impresos, televisión, etcétera (…) así casi todo el ambiente que nos rodea parece un paisaje creado al menos en parte para vender más. Es precisamente este paisaje que me interesa representar (…) no soy el único a tener este interés. El mismo paisaje comercial ha afectado otros»70

En las entrevistas concedidas, en las frases leídas resulta difícil encontrar un artista perteneciente al Pop Art de segunda generación que acepte abiertamente ser definido como tal; muchos afirman lo contrario, o prefieren otros términos, y casi a nadie le gusta definirse 'neo-algo'. Y quizás esto es correcto, porque el Pop Art, incluso después de Warhol Lichtenstein, India, Rosenquist, no si no es nunca ida, y el ser 'segundos es solo una cuestión de edad. En las ciudades de los grandes almacenes, de Internet, los grandes palacios y los grandes monumentos, la percepción visual sufre una fuerte tensión mientras que, en la ostentación de la imagen, parece casi privada de valor, la capacidad imaginativa. Cuando una obra de arte pone tan cara que a cualquiera le surge la necesidad de decir su valor de hacer oír casi a cualquiera que la necesidad de mencionar el valor, no estamos más tratando de arte, pero estamos hablando de un símbolo: se adquiere ese Koons para demostrar a todos que se tiene suficiente dinero para comprar precisamente ese Koons. Y por tanto el comprador listo,

Enrico Baj, Cose dell’altro mondo, Elèuthera, 1990

Roy Lichtenstein, www.lichtensteinfoundation.org, 24 gennaio 2015

es de talento y ciertamente muy, muy rico. Sin embargo -y es solo una aparente contradicción - se empieza, pensando que se trate en el fondo solo de dinero y de negocios, a dudar de estar efectivamente frente a una obra de arte sin embargo, no se consigue a vivir sin esa obra de arte. Y el cuidado que un artista siente, quizás, mientras realiza obras sólo para satisfacer una petición de mercado… pues bien, es tácita la constatación de cómo al final está haciendo lo que todos los artistas siempre han hecho. Sin embargo, Banham: «...the live stream of contemporary culture is Pop, and that is one of the reasons why so many of the live manifestation of other branches of culture… derive from Pop. Pop is now so basic to the way we live, and the world we live in, that to be with it… does not commit anyone to left of right, nor protest or acceptance of the society we live in. It has become common language, music, visual and (increasingly) literary, by which members of the mechanized urban culture of the Western countries can communicate with one another in the most direct, lively, and meaningful manner» «… El flujo verdadero y propio de la cultura contemporánea es Pop, y esa es una de las razones por las cuales muchas de las manifestaciones de otros aspectos de la cultura… se derivan del Pop. El Pop ya es una base para nuestro modo de vivir, y para el mundo en que vivimos, que estar con él… No acerca a nadie a la derecha o a la izquierda, ni a la protesta o aceptación de la sociedad en que vivimos.. Se ha convertido en lenguaje común, música, visual y (cada vez más) literario, mediante el cual los miembros de la cultura urbana mecanizada de las naciones occidentales pueden comunicadas entre sí en la manera más directa, animado y significativa»71 Casi treinta años después de su muerte, Warhol es todavía sin duda la figura de referencia que guía toda el arte mundial - y, por lo que esta afirmación puede ser objeto de debate, no es extremo decirlo. No hay quien, también entre el más simple de los transeúntes, no conozca la Marilyn de Andy Warhol, y esto hace que las fotos con la peluca de Warhol no choque junto al autorretrato de Leonardo Da Vinci, porque ambos son universales - se han convertido en iconos. Warhol murió antes de poder saber en qué cosa, como personaje, se habría convertido; mientras estaba en vida, parecía estar por doquier, y se usaba para hacer verdadera, práctica, la transformación de 'artista' a 'arte constituida por la presencia del artista mismo que había 79

Reyner Banham, Deserti americani, Torino, Einaudi, 2006

profetizado y en la cual creía. Su muerte no ha detenido este proceso, sino toso lo contrario, no ha hecho más que hacerlo más marcado y absolutamente no ha disminuido su popularidad. Se podría decir, en efecto, que la muerte de Warhol fue una jugada buena para su carrera, y seguramente le ha permitido realizar el sueño de una personal en el MOMA que en vida había deseado con fuerza, y que tuvo lugar en 1989. Y desde 1989 en adelante, hubo una exhibición tras otra.

¿Fue Warhol el único, el primero, en inventar esos elementos de autopromoción y esos sus actitudes que le hicieron ser famoso? Probablemente no. Salvador Dalì (el gran Surrealista), que era de casi veinticinco años más viejo, era un maestro de la publicidad que osaba utilizar su arte y su estatuto en el mundo de los artistas para … cobrar dinero, a través de anuncios televisivos, pintando los escaparates de tiendas, y vendiendo carta blanca autografada por él. Warhol simplemente llevó este enfoque aún más adelante, en el siguiente nivel, actualizando las estrategias aplicadas no solo por Dalì sino también por Duchamp. Esta herencia continúa ahora con Koons, Hirst y Murakami, y con otros muchos artistas jóvenes. Hoy en día, Warhol, Kaufman, los demás y el Pop Art son movimientos artísticos que a veces parecen tener casi el aspecto de un credo, y su influencia se ve claramente cada ocasión de exposición organizada, que es la Tate Modern o al Mozarteum de Salzburgo (donde 'Mozart State II', una pintura de Steve Kaufman, entró en exposición permanente en agosto del año pasado), en Florencia, en Bolonia, como en Estados Unidos. Todos los tipos de arte, hoy, están a la venta. La mejor defensa para ese tipo de arte que nos gustaría discutir es que el artista acepta la evidencia de este hecho con honestidad, sin buscar nuevos niveles de profundidad cultural para justificarse. El arte es dinero, y mucho dinero. El Merchandizing de Romero Britto, la colaboración de Murakami con Louis Vuitton, donde sus imágenes florales Superflat han aparecido en bolsos de lujo, parecen confirmar esa premonición de Warhol que el arte y la cultura del consumidor se unirían con fuerza: «hacer dinero es un arte y trabajar es un arte y de los asuntos buenos son el arte mejor»85. En la época que estamos viviendo, más de algún artista

contemporáneo podría declararse de acuerdo; más de algún crítico del arte podría aprobar y compartir. Y en esto, quizás, no hay escándalo.

Appendice Los exponents de el Pop Art: los principales Richard Hamilton (1922-2011) - Just What Is It that Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? (1956). El ya citado trabajo de Hamilton es considerado por los críticos e históricos del arte, como la primera obra de Pop Art. La obra afecta los sentidos humanos, en diversas maneras, y su finalidad era «provocar la aguda conciencia de las funciones sensoriales en un ambiente».

Roy Lichtenstein (1923-1997) - MMaybe (1965) . Lichtenstein fue una de las figuras más influyentes del movimiento. Su estilo obtenía origen principalmente de los tebeos, y apartó la revitalización la cultura que, en aquellos años, él consideraba endémica en la vida americana. Utilizando colores brillantes, estridentes y técnicas caricaturesca tomadas a préstamo por la industria de la prensa, Lichtenstein incorporó, con ironía, las emociones de masa y los objetos a ellas vinculados, en sofisticados referencias a la historia del arte. M-Maybe Es quizás el más famoso de sus trabajos basados en los tebeos de amor: retrata a una chica atractiva, que espera un hombre, en un ambiente vago, pero marcadamente urbano. El texto

y su expresión capturan sus continuas preocupaciones y la anticipación para el encuentro. 'M-Maybe', producto sobre superficie dura de satén utilizando tintas fuertemente pigmentados, devuelve una imagen neta, muy detallada y vívido, que revela una gran exactitud en el uso del color. Allan D’Arcangelo (1930-1998) artista y prensista americano, es conocido por sus pinturas de autopistas y señales viales. Fue reconocido como artista Pop Art en 1963 precisamente después de su serie de pinturas en las autopistas, como US Highway1.

Jim Dine (1935 - viviente) él también polifacético (pintor, escultor, prensista, ilustrador, dibujante y performer teatral), se acercó al mundo del arte con los 'Happenings del 1959-1960 ( se trató de acontecimientos teatrales en los cuales el drama era representado en el interior de un contexto intermitente, caóticamente, realizado por el artistaactor). Primero utilizó, en sus 'Ensamblajes’, materiales de recuperación, y paralelamente perfezionò el método con que habría realizado sus obras más conocidas, que representan (en forma de dibujo, pintura, escultura) imágenes muy conocidas o objetos de uso común como trajes y utensilios (corbatas, zapatos, planos, cepillos de dientes…) o objetos de su profesión como pinceles y paletas. El método de Dine consistía en repetir indefinidamente su tema, a menudo sobre media diferentes. A pesar Dine esté asociado con el movimiento de la Pop Art, no ha sido un animador y siempre ha sido lo que

hoy se define un 'moderno individualista', que posteriormente fue definido precursor del Neo-Expresionismo. Robert Rauschenberg (1925-2008) Rauschenberg es quizás más conocido por sus Combines (los vincular') de 1950, en las cuales materiales no tradicionales y objetos encontrados por carretera (Gomas de automóviles, cojines...) se utilizaban en innovadoras combinaciones. Aunque las Combines tanto pintura como escultura, él trabajó también con la fotografía, la prensa y las performances. Bed Es una de las primeras Combines de Rauschenberg: leyenda quiere que haya tomado su propio cojín y su lienzo, y que *la ha utilizado para pintar, no pudiendo permitirse el lujo de comprar una tela, en un estilo similar al del pintor expresionista abstracto Jackson Pollock. Colgado del muro como un marco tradicional, su cama, hecho aún, se convierte en una especie de autoritratto íntimo. Allen Jones (1937-viviente) pintor, escultor y prensista inglesa, ha expresado su adhesión al Pop Art y a su espíritu principalmente mediante la realización de provocantes esculturas de fibra de vidrio y en pinturas como Perfect Match, utilizando un estilo muy lineal y un medio físico para subrayar el lado táctil. Posteriormente, ha vuelto a una concepción más pittorica. Jones ha sido prolífico también en la producción de litografías.

Claes Oldenburg (1929-viviente), sueco residente estadounidense, comparten el entusiasmo de Jim Dinas y otros para los 'Happenings' (la Performance Art de finales de los años cincuenta en los cuales el artista performer producía, con la ayuda de recitación, guión, escenografía situaciones no narrativas destinadas como imágenes en movimiento y momentos oníricos). El uso de objetos y imágenes de la vida cotidiana en estas desempeño sentó las bases para el futuro desarrollo de las obras de Oldenburg - esculturas de objetos comerciales o producidos por la industria, como su Cono Helado y las demás esculturas gigantes, o las esculturas en yeso representantes comida (bocadillos, hamburguesas, dulces, carne...).

Mel Ramos (1935-viviente) es un pintor y profesor universitario ya llevándolo.. Ramos se ha especializado en los desnudos femeninos (como Velveeta, en un lado, y similares, en los cuales chicas vitales y sensuali surgen de copas de Martini, plátanos Chiquita y envolturas de caramelos) mediante las cuales, tras un primer período en que apartó (como Warhol) superhéroes y personajes de historietas, sin poner barreras entre el arte comercial (publicitaria) y la no ligada al dinero para buscar de nuevo un erotismo más refinado después de aquella que consideraba un largo paréntesis de la abstinencia debida al Abstracción. Según Ramos, la forma y la imitación perfecta de la marca del producto poseen el mismo valor estético del cuerpo de la mujer, y la amalgama absurdo de elementos lanza un mensaje cínico: la felicidad se puede encontrar sólo en el consumo de apetitosos manjares industriales, y … accesorias Pin-Up. Peter Phillips (1939-viviente) artista inglés pionero de la Pop Art, Philips realizó obras con distintas técnicas, por el aceite sobre tela las composiciones multimedia, 65

al Collage, las esculturas y arquitectura. Su obra más popular es quizás For Men Only – Starring MM and BB (1961), creada cuando aún era estudiante en el Royal College utilizando aceite, madera y collage sobre lienzo: en un panel de proporciones monumentales, los iconos de los Media y los emblemas culturales se encuentran, en forma muy dispar y marcadamente contradictorio; Phillips pone en una misma marco Brigitte Bardot y Marylin Monroe, símbolos estereotipadas del sexo de aquellos años, cerca de las puso de una desnudista de la época y a símbolos tradicionales inglesas, como la liebre, en este caso tomada por un juego Victoriano y unida a las palabras 'She's a doll' - 'es una muñeca' y el nombre de la desnudista. Una realización paralela a las obras de Peter Blake.

James Rosenquist (1933-viviente), pintor, esculturas y prensista americano. También Rosenquist comenzó como artista publicitario, pintando letreros, mientras seguía a estudiar. En 1960 utilizzò las técnicas que aprendió para realizar enormes pintados como President Elect , obra en la cual dos iconos de aquellos años, el presidente John Fitzgeral Kennedy y una máquina elegante, se mezclan, en parte a colores y en parte en blanco y negro, como en una vieja fotografía. De inspiración surrealista, el uso de Rosenquist de fuentes de inspiración como objetos producidos en masa y de personajes de revistas, películas, personajes del momento lo identificó como una de las figuras clave del desarrollo de la Pop Art en America. La utilización de algunos sujetos típicos Pop como sexo y consumismo tuvo pero poco en común con la inmediatez y los medios directos de Warhol o Lichtenstein: Rosenquist destinadas a destruir la figura, a estacionar el personaje más que duplicar su obra. Se distinguió también por su compromiso político y por el deseo de experimentar. Edward Ruscha (1937 - viviente) . Ruscha es el único artista pop (junto quizás a Cindy Sherman, de generación pero posterior y operante en otro contexto) que haya utilizado la fotografía sin piegarla a 66

otras exigencias, pero en forma original y en libros ilustrados. Ruscha (además fotógrafo, ilustrador y pintor) retrata a los aspectos de la vida americana representando logotipos muy conocidos, arquetipos de panoramas, estaciones de servicio y otras imágenes de la cultura popular, añadiendo frases o palabras lacónicas sino opciones con atención en forma de concentrar la atención del espectador sobre temas como la existencia y la vacuidad de la presencia del hombre en el mundo. Peter Blake (1932-viviente) uno de los más conocidos exponentes de la Pop Art europea, Blake se convirtió en famoso a finales de los años cincuenta. Sus cuadros cubrían en la publicidad, entretenimiento, bailes, música y luchadores, incluyendo a menudo elementos de collage. On the Balcony (1955-57) es uno de sus trabajos más conocidos, significativamente uno de los primeros considerados iconos de la British Pop Art, que demuestra el interés de Blake en acercar, combinar, imágenes de la cultura pop al arte clásica. La Obra, que parece ser un collage pero que es en realidad completamente pintada, muestra, entre otras cosas, un chico que tiene en mano el balcón de Edouard Manet, adhesivos y revistas; Blake, para este pintado, sacó inspiración de un marco de la artista americana Honoré Sharrer (1920-2009) que aparecía trabajadores que sostenían famosos pintados (workers and Paintings - MOMA) Jasper Johns (1930-viviente) célebre sobre todo para su pintado Flag - 'Bandera' - la bandera americana (1954-55). Su trabajo es a menudo descrito como 'NeoDadaista', en contraposición al Pop Art, aunque sus sujetos a menudo incluyen imágenes y objetos tomados de la cultura popular su contemporánea. 67

Muchos catálogos incluyen pero Jasper Jones entre los artistas Pop a raíz de su utilizar artisticamente, la iconografía clásica.

Wayne Thiebaud (1920-vivente) Thiebaud, Pintor americano que incluye entre sus trabajos más famosos dulces (Cakes a lado), pastas, botas, gabinetes, juguetes y pintalabios, está asociado al movimiento Pop Art a continuación, una vez más, de su interés por los objetos de masa (habiendo trabajado también en los años sesenta, en algunos casos toca, en efecto, las obras de sus predecesores). Thiebaud resulta muy interesante para el modo en que representa sus sujetos, utilizando pigmentos y colores muy fuertes, exagerados, contrapuestos a sombras muy bien definidas típicas de la ilustración publicitaria.

Tom Wesselmann (1931-2004), considerado el más elegante de los artistas pop y a veces acercado a Matisse como continuador de (en su contexto) de un clasicismo moderno, se concentrò en collage realizados por arte publicitaria representante de objetos de cada día, en nature muerte y en las instalaciones, incorporando en sus obras objetos reales: fintas fachadas de edificios, estanterías, televisores, refrigeradores, botellas prestando especial atención a la armonía de los espacios y la solidez compositiva.. Muchas de sus obras tienen un fuerte contenido sexual, y es conocido por sus Great American Nude (que figuraron entre las primeras obras 68

Pop a tener gran éxito) Y para los Smokers, este últimos fríos, intencionadamente impersonales aunque agujeros y brillantes (ejemplos de una interpretación artística del consumismo popular americano de la época). Notable es el hecho de que desde mediados de los años ochenta en adelante el artista haya optado por utilizar el láser como instrumento mediante el cual afectar sus dibujos en placas de aluminio cortadas y trabajadas con marcas coloreadas: en estas sus obras en aluminio Wesselman permanece directo 'manuale', 'cruda' - y no artificial o demasiado sofisticado. Andy Warhol (1928-1987) figura central del movimiento Pop Art. El artista ha sido tratado por separado y ampliado en el Capítulo 2.

David Hockney (1937 - viviente), conocido por sus pinturas 'al lado de la piscina’, es otro importante exponente del movimiento Pop Art en Gran Bretaña, y conoció la mayor notoriedad al finalizar los años sesenta. *Hockney, a nueva demostración de la fuerte conexión del movimiento artístico con otras disciplinas, técnicas industriales y movimientos culturales del Vigésimo siglo, es dibujante, escenográfo, prensista y fotógrafo. La obra más conocida de Hockney es quizás A Bigger Splash (1967): «Cuando llegué en California, descurbí el modo relajado y sensual de vivir la vida. El clima era soleada, la gente estaba relajada, mucho más relajada que en Nueva York… no sabía si habría encontrado un cualquier tipo de movimiento o vida artística en California, pero lo era el último de mis problemas»72. En California «todos 80

Da: www.tate.org , 7 gennaio 2015

tenían una piscina, y se podía usar todo el año sin que hubiera considerado un lujo». La piscina, pues, como objeto de cada día, y el sol: este accumuna Hockney la segunda generación de Steve Kaufman (él también trasladado a Los Angeles por motivos similares). George Segal (1924-2000), pintor y escultor americano. George Segal ha sido asociado al movimiento Pop en los últimos años cincuenta; sus esculturas, a menudo identificadas por los elementos comerciales y los objetos de cada día típicos del movimiento artístico, se distinguen de las obras de los otros artistas para una inquietud, una ansiedad subyace perceptible en los rostros de sus figuras, como en bus Riders (a lado).

Robert Indiana (1928-viviente) Robert India utiliza distintamente la ilustración publicitaria como técnica principal, mezclada al esistenzialismo, un binomio que se ha movido luego gradualmente hacia lo que India ha calificado de "poemas scultorei". A menudo las obras de India consisten en fuertes, simples iconos constituidas por palabras como EAT (come), HUG (abraza), LOVE (ama), expresadas en modo imperativo. Uno de los trabajos de India más conocidos es Love (1964-1973), muy gráfica, Creada inicialmente como postal navideña para el MOMA y convertida en sello. Y fue tomada como emblema por algunos movimientos juveniles estadounidenses como los 'Skaters' y algunos 'Rappers', también con tintes sociales y de protesta. Love, y otras imágenes similares, muy copiado y transformado en objetos de consumo (véase el ejemplo reciente del Merchandizing objetos empujado al extremo por el artista pop de segunda generación Romero Britto), mueven a la reflexión sobre el problema de los derechos de autor: Una de las componentes fundamentales de la Pop Art - la reproducibilidad en masa - se convierte ahora en uno si no el principal punto débil del arte mismo, que se encuentra impresa y vende incluso en rollos de papel higiénico y no por elección cultural o de

ruptura del autor, planteando muchas perplejidades y dudas sobre dónde está el límite. Jean-Michel Basquiat (1960-1988) encontró popularidad antes como artista de Graffitis Art en Nueva York y, después de 1980, como artista Neo Expresionista. Fue en íntimo contacto con Andy Warhol y Keith Haring. Los pintados de Basquiat siguen a influir en los artistas modernos y a obtener elevadas cotizaciones en el mercado. El arte de Basquiat se enfocava en las dicotomías como riqueza y pobreza, integración y segregación, sentimiento y sensación, sacando a la poesía y pintura del pasado y uniendo texto e imagen, abstracto y figurativa. Basquiat utilizaba el texto como lavagna sobre el que expresar las que consideraba verdad sobre el individuo, elementos de la lucha de clases o crítica social y política. Muchas de las obras de Basquiat no tienen título; muy conocidos son los 'cráneos'. Keith Haring (1958-1990) artista y activista social que ha pertenecido a la Neo Pop Art, el trabajo del cual estaba fuertemente vinculado a la cultura de la calle de Nueva York, y los años ochenta. Las imágenes de Haring se han convertido en un lenguaje *visual universalmente reconocido a finales del siglo XX. Haring en la calle trabajaba, y sin la carretera no podía vivir: falleció muy joven a causa del SIDA (enfermedad que anunció públicamente), y traspasado por una perenne inquietud, fue amigo personal de Andy Warhol y Steve Kaufman73. Haring encontró inmediatamente su estilo y se fue afianzando rápidamente gracias también al momento de gran interés para el arte contemporáneo, abriendo puntos de venta de artilugios en los cuales era posible también ver los

Intervista a Bob Womack, socio e assistente di Steve Kaufman – novembre 2014 (“American Pop Art”).

Intervista a Diana Vachier – settembre 2014.

artistas al trabajo. Los 'hombrecitos radianes' de Haring y los 'perros abbaiano son inconfundibles y colorean, por obra de sus emulatori, muchas ciudades del mundo, continuando a transmitir el sentimiento del artista. Damien Hirst (1965-vivente), artista, empresario y coleccionista de obras de arte inglés, se puso a la atención del público en 1988 a Londres, cuando ha concebido y realizado 'Standstill', una muestra en un almacén abandonado en la que ha expuesto los trabajos suyos y los demás estudiantes que colaboraban con él al Goldsmith College. En la década posterior, se ha convertido en uno de los puntos de referencia y uno de los artistas más influyentes de su generación. Hirst es un artista polémico, que a menudo ha sido el centro de atención y polémica por sus instalaciones con animales cortados o muertos: la Tate Modern se exponen obras como « La imposibilidad física de la muerte en la mente de quien vive », Que incluye un tiburón suspendido en formaldehído, o Madre y hijo divididos, constituida por animales cortados en formaldehido. El revoltijo al Pop Art es debido a las obras que utilizan objetos de cada día, en su caso, cigarrillos y medicamentos. Steve Kaufman (1960-2010) asistente de Andy Warhol a 'Factory'. El artista ha sido tratado por separado y ampliado en el Capítulo 4.

Entre los artistas de Neo Pop Art mencionamos también: Kevin Cherry los collage del cual recuerdan el trabajo de los artistas de los años sesenta, llevado pero a un nuevo nivel de desarrollo gracias al uso del arte digital (que Warhol había comenzado a rozando en los años ochenta).

Sung-Ho Bae Artista coreano que ha sido el vencedor (y esto es un elemento interesante) de un concurso patrocinado por un gran productor de software de elaboración de las imágenes por ordenador (el Adobe Design Achievement Award del 2007) con la obra nueve diversos problemas de proporciones inversa.

Romero Britto (1963-viviente) estrella del Cubismo Neo Pop, junto a Kaufman ha seguido las huellas de Warhol y Haring con un estilo colorido y animado que refleja el optimismo y la visión positiva del mundo. Britto propone colores vividi y brillantes, temas pop y composiciones que atraen a primer impacto por su fuerte poder estético y visual. Como Steve Kaufman, Britto es muy amado por las celebridades, incluye entre sus clientes personajes como Michael Jordan, Arnold Schwarzenegger, Andre Agassi, Roger Federer, Ronaldo, la Fam. Bush, y el Canciller alemá n Angela Merkel. Takashi Murakami viviente) sus obras, inspiradas en los temas y

(1962estilos 73

queridos a'iconografía de masa son iconos monumentales de la cultura y la sociedad del Japón contemporáneo y se centran también en la dicotomía de las matices culturales ( alto/bajo', 'antiguo/moderno', 'oriental/occidental'...). Murakami considera que el artista es alguien que comprende las fronteras entre los diversos mundos y que hace el esfuerzo de reconocerlos. Con su estilo, definido 'Superflat' ('muy sencillo') que utiliza técnicas refinadas técnicas de impresión japoneses para representar un mix de Pop, Animé y Otaku en un plano, se mueve, marcadamente individualista, siempre singular, en un campo estético siempre en expansión y lleno de inspiraciones culturales, a menudo incluyendo referencias religiosos a lado de los objetos mundanos. Jeff Koons (1955- Viviente), artista americano consolidado en el rico panorama cultural neoyorquino de los años ochenta y noventa, partiendo por el arte conceptual ha llevado adelante , hasta nuevas metas, al menos de negocios, antes difícilmente imaginables (una de las esculturas, de sus 'Dogs', fue vendida recientemente a 58 millones de dólares), el concepto duchampiano del 'readymade'. Koons es considerado Neo Pop en lo que, al igual que los artistas pop, utiliza las propias obras para reflexionar sobre las dinámicas de la sociedad y del mundo contemporáneo, dominado por el deseo por las imágenes narcisistas y para el ilimitado poder de compra. Puppy ("cachorro"), su Terrier alto trece metros y compuesto por un ligamento 'viviente es capaz de contener setenta mil flores y dotada de un sistema de riego interior, se ha realizado en 1992 y posteriormente reconstruido y mejorado en 1995.. Desde 1997, a parte de algún tournee, estaciona frente al Guggenheim Museum de Bilbao. Cindy Sherman (1954 - viviente), cineasta modela, fotógrafa, será considerada como uno de los artistas más importantes e influyentes del arte contemporáneo. Durante toda su carrera ha presentado una elocuente y provoque exploración de la construcción de la identidad contemporánea y de la naturaleza de la representación, basada en la ilimitada disponibilidad de imágenes procedentes 74

de películas, televisión, revistas, Internet (significativo el uso de este nuevo 'media' por parte de un artista) y historia del arte. En sus obras, fue para treinta años modela de si misma, retraendose en una amplia serie de costumbres y situaciones y personas a veces divertidas, a veces asquerosas, a veces provocantes: para realizar estas obras, principalmente fotográficas, desempeña el papel de múltiplo de fotógrafa, modela, maquilladora, estilista y dibujante de moda dotada de un arsenal de pelucas, costumbres, máscaras y accesorios. Cindy Sherman es considerada como parte del movimiento Pop en lo que ella misma el personaje y a su vez altera su aspecto físico y el medio ambiente circundante para unirse a él creando una miríada de imágenes intrigantes, y de personajes iconos del presente o del pasado clavó en el presente, restando así importancia la presencia de personajes conocidos y junto a protagonistas de la vida común como el empleado o el hogar. En Italia: Mimmo Rotella (1918-2006) después de haber estudiado a'Academia de Bellas Artes de Nápoles, desde siempre inconformista, concentrò su atención sobre las técnicas de fotografía y del Collage y del fotomontaje. Después de una estancia americano (del cual se nota claramente la influencia: Las Marilyn de muela) el recorrido artístico de muela lo llevó a imaginar nuevas formas de expresión, y tomó nueva vida por el arrancamiento de los manifiestos, que él hacía en trozos incollandoli luego de nuevo juntos y ritrasformando sus trabajos de informales a la construcción de imágenes de grandes dimensiones, también en chapa, claramente legibles, rompiendo así el límite entre la imagen bidimensional e imagen plástica, proponiendo obras que no eran más clasificables en las categorías tradicionales de pintura o escultura. Michelangelo Pistoletto (1933-Viviente) en los años sesenta, comienza a incorporar la fotografía en el interior de sus pinturas y más tarde cubrición sus figuras en tamaño natural sobre superficies de acero pulido a espejo, en el intento de introducir al espectador dentro de la imagen. 75

Utiliza también el Collage, y sus sujetos, que a menudo encuentran origen en elementos de la vida de cada día, lo asocian al Pop Art. Venus los trapos (1967) contrapone un desnudo clásico con una pila de trapos coloreados, creando así un trabajo icónico que explora las relaciones entre la tradición y lo que trasciende a ella. Posteriormente, Pistoletto se convierte en una figura guía en la corriente llamada del arte pobre (uso de materiales 'pobres' pero 'honestos' destinado a la obtención de un resultado elemental, puro). Las obras de Pistoletto han sido expuestas recientemente al Louvre y al Jardin des Tuileries; vive y trabaja en Biella, dónde nació y donde ha creado la Fundación 'Ciudad del Arte por el soporte a la creatividad y las ideas innovadoras. Hay que citar también Alighiero Boetti, Piero Gilardi, Aldo Mondino, Ugo Nespolo: en Italia, la crítica encaminadas a encerrar las obras de estos artistas dentro de las fronteras del arte pobre - a que todos, con más o menos intensidad, sin duda participaron o participan. Los artistas italianos se manifestaron en todo caso a través de modalidades que no siempre han tenido que hacer con el movimiento del arte pobre mismo: el crítico Francesco Poli ha señalado que estos artistas italianos, en su operar, a menudo eran más afines al mundo de la Pop Art más que a lo del Poverismo. « Las imágenes coloridas las diversas cartas encasillado los tapices de Boetti - escribe Poli - reconducen al artista también personas que ignoran cualquier otra obra de su amplísima y eclettica producción …»74 Él es fidelísimo al aura y canónico precepto del pop italiano consistente en devolver las cosas tales y cuales, con puntual calco, contando con la inevitable efecto de alejamiento consistente en ricostruirle con materiales artificiales y con colores violentos. Mondino es uno de los artistas italianos más eclécticos, cuyo recorrido artístico se mueve por Pop Art al lenguaje poverista los inicios, en las múltiples ensayos de técnicas y materiales. Nespolo - continúa el síndico - tiene una raíz Pop que ha mantenido inmune de sequedad conceptuales. Para Pistoletto, finalmente, el arte crea imagen, incluso si no quiere ser representativa, y los medios de difusión producen inexorablemente a la transformación de la obra en imagen, cualquier sea.

Insideart , www.insideart.eu , 10 dicembre 2014

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Tradotto in Lingua Spagnola da DE STEFANO CIRO Studente del CIELS – GORIZIA MEDIAZIONE LINGUISTICA