Katalog 69. Internationale Kurzfilmtage Oberhausen

Katalog Catalogue

CIP-Kurztitelaufnahme in der Deutschen Bibliothek

Fiehn, Anne/Lailach, Christian (Redaktion)

Katalog der 69. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen

26.4. – 1.5.2023

Herausgeberin Editor

Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH

Grillostraße 34

46045 Oberhausen, Deutschland Germany

Tel +49 208 825-2652

Fax +49 208 825-5413

info@kurzfilmtage.de kurzfilmtage.de

Verlag Publisher

Karl Maria Laufen, Oberhausen

ISBN 978-3-87468-498-9

Redaktion Editorial staff

Anne Fiehn, Christian Lailach

Übersetzungen Translations

Pia Duve, Timothy Jones, Nele Kirstein, Anja Schulte, Katja Schulten, Lisa Woytowicz

Korrektur Proofreading

Vera Belowski, Mary Dobrian

Gestaltung Layout

PUBLIC DESIGN OFFICE, Hamburg

Satz Setting

Christian Lailach

Druck Printing

Brochmann GmbH, Essen

Vertrieb Distribution

Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH

Bildnachweis Picture credits

Verleihe, Archive, Filmemacher

Distributors, archives, filmmakers

Anzeigen Advertising

NETZKULT by MaschMedia Marketing & PR e. K. Marcus Schütte, Anja Keienburg

Verantwortlich für die Durchführung der 69. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen ist die Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH. Träger der Kurzfilmtage ist die Stadt Oberhausen, Hauptförderer das Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen.

The Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH is responsible for the management and organisation of the 69th International Short Film Festival Oberhausen. The City of Oberhausen and the Ministry of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia bear the main financial responsibility for the Festival.

Nachdruck (auch auszugsweise) nur mit schriftlicher Genehmigung der Herausgeberin bzw. der Autoren. Reprinting (also in extract) only by written permission of the editor resp. authors.

© Internationale Kurzfilmtage Oberhausen gGmbH 2023

Inhalt Content

Daniel Schranz

Die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen feiern in diesem Jahr ein Jubiläum: Sie waren 1999 das erste Filmfestival weltweit, das einen eigenen Festivalpreis für Musikvideos auslobte. Damals spielte der TV-Sender MTV noch eine große Rolle beim Thema Musikvideos –doch längst finden sich das Genre und seine Fans im Internet. Dort aber finden sie sich weiter – und bei den Kurzfilmtagen in Oberhausen: Zum 25. Mal vergeben wir diesen Preis für neue Musikvideos, deren Regie oder Produktion in Deutschland ansässig ist.

Die Kurzfilmtage sind aber auch das erste große Filmfestival, das in diesem Jahr einen umfangreichen Überblick über das relativ junge Genre Machinima bietet: Mehr und mehr Künstlerinnen und Künstler nutzen Videospiel-Engines als visuelles Werkzeug für ihre Kurzfilm-Experimente, greifen Methoden aus der Gaming-Szene auf, um Kunst zu produzieren.

Diese Offenheit für junge Strömungen, für Experimente, für noch nicht Arriviertes, aber eben auch für bewährte filmische Wege, Geschichten gut zu erzählen, machen die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen aus. Mit dieser Mischung aus Tradition und Erneuerung begehen wir schon das 69. Festival.

Gut drei Jahre nach Ausbruch der Corona-Pandemie werden Sie, liebe Besucherinnen und Besucher, hunderte kurze Kunstwerke wieder ausschließlich gemeinsam im Kino sehen. Wir freuen uns sehr, dass Sie wieder persönlich bei uns sind, und hoffen, dass Sie Ihren Besuch in unserer Stadt als genauso bereichernd erleben wie wir. Herzlich willkommen in Oberhausen!

This year, the International Short Film Festival Oberhausen is celebrating an anniversary: in 1999, it was the first film festival in the world to award a specific prize for music videos. At the time, the TV channel MTV still played a big role in the field of music videos, but the genre and its fans have long since moved to the internet.

Oberbügermeister der Stadt Oberhausen

Lord Mayor of the City of Oberhausen

They are still to be found there – and at the Short Film Festival in Oberhausen. For the 25th time, we are awarding this prize for new music videos that are directed or produced in Germany.

Oberhausen is, however, also the first big film festival that is featuring a comprehensive overview of the relatively young machinima genre this year: more and more artists are using video game engines as a visual tool for their short film experiments and adopting methods from the gaming scene to produce art. This openness for recent trends, for experiments, for things that are not yet fully established, but also for tried and proven ways of telling stories well in the cinema, is what makes the International Short Film Festival what it is. It is with this mixture of tradition and innovation that we are holding what is already the 69th edition of the festival.

A good three years after the coronavirus pandemic broke out, you, dear visitors, will once again see hundreds of short artworks solely together in the cinema. We are delighted that you are once again with us in person and hope that you find your visit to our city as enriching as we do. A warm welcome to Oberhausen!

© Kerstin Bögeholz

Ina Brandes

Einmal mehr haben die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen in den vergangenen Jahren Geschichte geschrieben: Das Festival hat im Jahr 2019 die AG Filmfestival gegründet, in der sich bis heute bereits rund 120 Veranstaltungen vernetzen. Zu Beginn der Pandemie im März 2020 gelang es den Kurzfilmtagen zudem innerhalb weniger Wochen eine komplett digitale Ausgabe ins Netz zu stellen. Zusätzlich wurde ein eigener Festival-Channel entwickelt, der seither ganzjährig Themen der kurzen filmischen Form aufbereitet. Für ein siebzigjähriges Festival ist das zusammengenommen eine ziemlich sportliche Leistung, die deutlich macht, dass ein historisches Fundament, Professionalität und ein Gespür für virulente Themen herausragende Ergebnisse hervorbringen können.

Die Rahmenbedingungen der Festivalarbeit haben sich allerdings stark verändert: Nach der Pandemie kämpfen die Kinos um ihr Publikum, Streamingdienste haben sich weiter konsolidiert. Wir erleben einen Wettstreit um Aufmerksamkeit zwischen analogen und digitalen Angeboten. Kinos sind wichtige Orte kultureller Praxis, der Begegnung und des Austauschs über Filmkunst. Deshalb ist es gut, dass die Filmfestivals ihren unschätzbaren Beitrag dazu leisten, die Kino- und Filmkultur zu erhalten und zu stärken.

Die gleichzeitige Weiterentwicklung der Kurzfilmtage im Internet steht dazu nicht im Widerspruch. Im Gegenteil bietet sie eine einmalige Chance, sich ein neues Publikum über alle Grenzen hinweg zu erschließen – ganz im Sinne des Leitspruchs der Kurzfilmtage aus den ersten Festivaljahren: „Weg zum Nachbarn“. Once again, the International Short Film Festival Oberhausen has made history in the past few years: in 2019, the festival founded the AG Filmfestival, in which around 120 events are already linked up. At the start of the pandemic in

Ministerin für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen

Minister of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia

March 2020, the festival also succeeded in putting a completely digital edition online within just a few weeks. In addition to this, it developed its own festival channel, which since then has engaged throughout the year with topics related to short film. For a 70-year-old festival, all this is quite an athletic achievement that clearly shows how a historical basis, professionalism and a flair for picking out edgy topics can produce outstanding results. The conditions under which the festival’s work is carried out have, however, greatly changed. Since the pandemic, cinemas have been fighting for their audiences and streaming services have become even further established. We are experiencing a competition for attention between analogue and digital services. Cinemas are important places of cultural practice, for encounters and for exchanges about cinematic art. For this reason, it is good that film festivals make their invaluable contribution to preserving and strengthening cinematic and film culture.

The simultaneous development of the Short Film Festival in the internet does not contradict this. On the contrary, it offers a unique chance to gain a new audience that transcends borders – very much in the spirit of the festival’s motto in the first years of its existence: ‘Way to the neighbour’.

Claudia Roth

„Ich habe immer versucht, das zu machen, was es nicht schon gibt. Wenn es was schon gibt, kann man es bleiben lassen“, sagte einmal JeanLuc Godard. Er hielt stets Wort und wurde so zu einem der wichtigsten und stilprägenden Filmregisseure unserer Zeit. Ganz in diesem Sinn agieren auch die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen. Offen für alle Genres und Formate sucht das Festival unermüdlich die Werke, die mit neuen formalen Ansätzen und mit fantasievollen persönlichen Handschriften aufwarten. Die kontinuierlich hohe Anzahl an Einreichungen zeigt auf beeindruckende Weise, welch große Sogwirkung diese visionäre Kraft der Kurzfilmtage für alle künstlerisch anspruchsvollen Filmschaffenden weltweit hat. An den Festivaltagen können die Kreativen, die vielen Besucherinnen und Besucher aus der Branche und das interessierte Publikum pausenlos vor Ort den filmischen State of the Art rezipieren, sich hierüber unmittelbar austauschen und neue Ideen und Projekte entwickeln. Vielen Dank an das Team um Lars Henrik Gass, das die Kurzfilmtage mit großem Engagement erneut zu einem der Aushängeschilder des Kurzfilms in Deutschland und darüber hinaus macht. Allen Besucherinnen und Besuchern wünsche ich viel Inspiration und Freude an der Kunstform Kurzfilm!

Jean-Luc Godard once said: ‘Let’s do what has not been done’, and pointed out that if something had already been done, then one might as well leave it. He always stayed true to his word, and it made him one of the most prominent and influential directors of our time. And the

International Short Film Festival in Oberhausen has captured this very spirit. Open to all genres and formats, the Festival searches tirelessly for works that present new forms, with imaginative and personal signature styles. The constantly high number of submissions is impressive, and it shows the strong pull that this visionary Film Festival has on all ambitious film creators across the world. The Festival offers creatives, industry experts and the general public the chance to see non-stop state-of-the-art films, to discuss these directly with like-minded people and to gather ideas for new projects. I would like to thank Lars Henrik Gass and his team for their hard work and for once again making this Festival a showcase for the art of short film, both in Germany and on the world stage. I hope all visitors enjoy this artform at the Short Film Festival and leave feeling inspired.

© J. Konrad Schmidt

Lars Henrik Gass

Als erstes großes Filmfestival präsentieren die Kurzfilmtage in diesem Jahr einen umfangreichen Überblick über ein relativ junges Genre: Machinima. Definiert als „die Kunst, animierte Filme mit Hilfe einer virtuellen Echtzeit-3D-Umgebung zu machen“, nutzt Machinima Videospiele oder Spiele-Engines, um Bewegtbilder zu produzieren. Seine Wurzeln liegen in der Gaming Community, wo Machinima ein weitverbreitetes Phänomen ist. Kuratiert von Vladimir Nadein und Dmitry Frolov, besteht das Thema aus acht Filmprogrammen, darunter eine LivePerformance, und einer Podiumsdiskussion. „Against Gravity“ bietet Gelegenheit, ein Genre zu erleben, das über die Gaming-Subkultur hinausgewachsen ist und sich zu einem neuen künstlerischen Medium entwickelt hat.

Ganz ähnlich haben wir vor 25 Jahren das Kino für das Musikvideo geöffnet, indem wir sagten: „Die Kurzfilmtage zeigen die Clips in einem neuen Kontext, der ihre künstlerische Qualität wahrnehmen lässt und dem unmittelbaren Werbe- und Verwertungsinteresse entzogen ist. So werden die Clips aus ihrem vertrauten Zusammenhang des Musikfernsehens gerissen und in den unerwarteten Zusammenhang der unterschiedlichen Genres, Formate und künstlerischen Absichten gestellt, die sich auf einem Festival darstellen.“ So entstand der MuVi-Preis, der als erster Preis für Musikvideos Festivalgeschichte geschrieben hat. Ihm widmen wir in diesem Jahr eine Retrospektive und ein Podium.

Ich danke allen, die dieses Festival ermöglicht haben und dafür sorgen, es zu erhalten. This year, Oberhausen will be the first major film festival to present a large-scale overview of a relatively young genre: machinima. Machinima is defined as ‘the art of making animated films within a real-time virtual 3D environment’. Makers of machinima use video games or game engines to extract or produce moving

Festivalleiter Festival Director

images for their artistic purposes. Having emerged from a grassroots gaming community, machinima has become not only a huge phenomenon among gamers. Curated by Vladimir Nadein and Dmitry Frolov, ‘Against Gravity. The Art of Machinima’ will consist of eight sessions, including one live performance, and a panel discussion, and offer an opportunity to experience a genre that has evolved from the gaming subculture to become a new artistic medium. In a very similar way, 25 years ago we have opened the cinema to the music video by saying: ‘The Short Film Festival shows the clips in a new setting that allows their artistic quality to be perceived and is free of any direct interest in advertising or commerce. The clips are torn from their familiar context of music television and thrown into the unexpected context of the different genres, formats and artistic objectives represented at a festival.’ This is how the MuVi Award was born, which made festival history as the first award for music videos and to which we are dedicating a retrospective and a podium this year.

I would like to thank all those who have made this festival possible and who make sure that it remains so.

© Kurzfilmtage / Daniel Gasenzer

Förderer und Partner Supporters and partners

Förderer und Partner Supporters

Hauptförderer Main supporter

Förderer Supporters

Projektförderer und Sponsoren Project supporters and sponsors

Medienpartner Media partners

Partner Partners

MuVi-Partner MuVi partners

Club Oberhausen

Belgien Belgium

Brussels Short Film Festival

ECFA European Children’s Film Association, Brüssel

China

Beijing Film Academy

Beijing Youth Film Studio

China Academy of Art, Hangzhou

Communication University of Zhejiang, Hangzhou

Shanghai Institute of Visual Arts, Shanghai

Deutschland Germany

Adolf-Feld-Schule Oberhausen

AG Kurzfilm, Dresden

Arbeitskreis Filmarchivierung NRW, Münster

Bauhaus-Universität Weimar

Bertha-von-Suttner-Gymnasium Oberhausen

Blicke. Filmfestival des Ruhrgebiets, Bochum

Buchhandlung Karl Maria Laufen, Oberhausen

Deutsche Bischofskonferenz, Bonn

Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin

European Film Academy, Berlin

European Media Art Festival, Osnabrück

Fachhochschule Bielefeld

Fachhochschule Dortmund

Filmakademie Baden-Württemberg, Ludwigsburg

Filmbüro NW, Köln

Filmfest Düsseldorf

Filmgeflacker, Oberhausen

Filmpalette Köln

Filmtheaterbetrieb H. Pesch, Oberhausen

Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF, Potsdam

Filmwerkstatt Düsseldorf

Folkwang Universität der Künste Essen

Fraunhofer-Institut für Umwelt-, Sicherheits- und Energietechnik UMSICHT, Oberhausen

Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf

Hochschule Düsseldorf

Hochschule für Bildende Künste Braunschweig

Hochschule für bildende Künste Hamburg

Hochschule für Fernsehen und Film, München

Hochschule für Gestaltung Offenbach

Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig

ifs Internationale Filmschule Köln

Japanisches Kulturinstitut Köln

Kasseler Dokumentarfilm- und Videofest

Kinemathek im Ruhrgebiet, Duisburg

Kino im Walzenlager, Oberhausen

Kunstakademie Münster

Kunsthochschule für Medien Köln

Kurzfilm Agentur Hamburg

Manfred Durniok Foundation, Berlin

Kultursekretariat, Wuppertal

Öko-Institut, Freiburg

OWT Oberhausener Wirtschafts- und Tourismusförderung

Robert Schumann Hochschule Düsseldorf

Rotary Club Oberhausen

Ruhr-Universität Bochum

SBO Servicebetriebe Oberhausen

STOAG Stadtwerke Oberhausen

Universität Bayreuth

Universität Bremen

Universität der Künste, Berlin

Universität Hildesheim

Universität Paderborn

Verein für aktuelle Kunst Ruhrgebiet, Oberhausen

Video Rodeo Essen

Westart-Redaktion, Köln

Zentrum Altenberg, Oberhausen

Zentrum für schulpraktische Lehrerausbildung Oberhausen

Zonta Club Oberhausen

Finnland Finland

Finnish Film Foundation, Helsinki

Frankreich France

Arte, Straßburg

Clermont-Ferrand International Short Film Festival

Unifrance, Paris

Georgien Georgia

Kutaisi International Short Film Festival

Japan

Aichi University of Arts, Nagoya

Art Space Kimura ASK ?, Tokio

IAMAS Institute of Advanced Media

Arts and Sciences, Gifu

Image Forum, Tokio

Interlink Student Moving Image Exhibition, Tokio

International Student Creativity Award, Osaka

Nagoya University of Arts and Science

Nihon University the college of Arts, Tokio

Pia Film Festival, Tokio

Tama Art University, Dept Graphic Design, Tokio

Tokyo Eizo Brig

Unijapan, Tokio

VIDEO PARTY, Tokio

Niederlande Netherlands

Filmchief, Nijmegen

Go Short International Short Film Festival Nijmegen

Nederlandse Film en Televisie Academie, Amsterdam

The One Minutes Foundation, Amsterdam

Österreich Austria

Vienna Shorts, Wien

Polen Poland

Short Waves Festival, Poznań

Schweden Sweden

Nordisk Panorama, Malmö

Swedish Film Institute, Stockholm

Schweiz Switzerland

Fantoche Internationales Festival für Animationsfilm, Baden

Spanien Spain

Arriaga Theatre, Bilbao

Basque Audiovisual-Basque Government, San Sebastián

Culture Department of Bilbao City Council, Bilbao

Etxepare Basque Institute, San Sebastián

KIMUAK Filmoteca Vasca, San Sebastián

ZINEBI Festival Internacional de Cine

Documental y Cortometraje de Bilbao

Südafrika South Africa

Goethe-Institut Südafrika, Johannesburg

Südkorea South Korea

DMZ International Documentary Film Festival, Goyang

Korean Independent Animation Filmmakers Association, Seoul

Vereinigtes Königreich United Kingdom

British Council, London

Festivalorte

Festival venues

Lichtburg Filmpalast

Elsässer Straße 26

Tel +49 208 824290

lichtburg-ob.de

Kino im Walzenlager

Zentrum Altenberg, Hansastraße 20

Tel +49 208 8597877

walzenlagerkino-ob.de

Besucher müssen, ausgenommen im Kinder- und Jugendkino, das 18. Lebensjahr vollendet haben.

Visitors must be over 18 years of age, except for Children’s and Youth Cinema.

Festival Café

Zentrum Altenberg, Hansastraße 20

Nur für geladene Gäste Invited guests only

27.4.–30.4. 12:00–20:00 Uhr noon–8:00 pm

1.5. 12:00–18:30 Uhr noon–6:30 pm

Festival Bar

Zentrum Altenberg, Hansastraße 20

27.4.–1.5. ab 23:00 Uhr from 11:00 pm

Festival Space

Elsässer Straße 21

Verein für aktuelle Kunst/Ruhrgebiet e. V.

Hansastraße 20

Festivalzentrum Festival centre

Bert-Brecht-Bildungszentrum, Langemarkstraße 19–21

Gästebüro Guest office

26.4.–30.4. 10:00–21:30 Uhr 10:00 am–9:30 pm

1.5. 10:00–19:00 Uhr 10:00 am–7:00 pm

Finanzen Cash desk

Öffnungszeiten vor Ort beachten Note opening hours on site

Pressebüro Press office

26.4.–30.4. 12:00–18:00 Uhr noon–6:00 pm

Video Library

26.4. 14:00–18:30 Uhr 2:00 pm–6:30 pm

27.4.–30.4. 10:00–21:30 Uhr 10:00 am–9:30 pm

1.5. 10:00–18:00 Uhr 10:00 am–6:00 pm

Reservierung erforderlich, nur für Akkreditierte

Reservation required, accredited visitors only

Kopienverwaltung Print administration

Villa der Kurzfilmtage, Grillostraße 34

Tel +49 208 825-2463

26.4.–1.5. 10:00–18:00 Uhr 10:00 am–6:00 pm

Video Library

1989 richteten die Kurzfilmtage erstmals einen Kurzfilmmarkt ein, der von Anfang an auf positive Resonanz stieß. In der Video Library können die mittlerweile jährlich über 7.500 eingereichten Arbeiten online und vor Ort gesichtet werden, dazu Titel aus den aktuellen Screenings, den Profilen und dem Themenprogramm. Die Nutzung ist ausschließlich akkreditierten Besucher*innen vorbehalten.

In 1989 Oberhausen set up its first short film market, a welcome addition from the start.

The Video Library offers online and on-site access to the more than 7,500 works submitted each year, as well as titles from the current screenings, the profiles and the thematic programme. The Video Library is available for accredited visitors only.

Kontakt Contact

Hilke Doering, doering@kurzfilmtage.de

Archiv Archive

Seit Ende der 1950er-Jahre kaufen die Kurzfilmtage Filmkopien aus den Wettbewerben an. In mehr als fünf Jahrzehnten ist ein einzigartiger Schatz von derzeit über 2.000 Titeln mit über 4.000 Kopien entstanden. In manchen Fällen besitzen die Kurzfilmtage die einzig noch vorhandene Kopie eines Films. Since the end of the 1950s, the Festival has been buying prints from the competition programmes. Over more than five decades, this has led to a unique treasure holding more than 2,000 titles with more than 4,000 copies. In the case of some works, the Festival owns the only surviving film print.

Kontakt Contact

Carsten Spicher, spicher@kurzfilmtage.de

Verleih Distribution

Jährlich erweitern die Kurzfilmtage ihr nichtgewerbliches Verleihprogramm um rund 50 neue Titel aus den Wettbewerben des jeweiligen Festivals. Mittlerweile ist es Kinos, Museen, Kultureinrichtungen, Goethe-Instituten und anderen Spielstätten aus aller Welt somit möglich, auf eine Auswahl von über 1.000 Kurzfilmen zuzugreifen. Es können einzelne Titel oder individuell gestaltete Programme ausgeliehen werden, bei deren Zusammenstellung die Kurzfilmtage gerne behilflich sind.

Every year, the Short Film Festival adds around 50 new titles from the competitions at each respective festival to its non-commercial distribution programme. Cinemas, museums, cultural institutions, Goethe Institutes, and other venues throughout the world now have access to a range of more than 1,000 short films. Single films or individually compiled programmes can be borrowed; the Short Film Festival will be glad to help with such compilations.

Kontakt Contact

Carsten Spicher, spicher@kurzfilmtage.de

Das 40-Euro-Ticket*

Ab dem 26. April 2023

Zeitplan Timetable

Internationaler Wettbewerb

International Competition

Deutscher Wettbewerb

German Competition

NRW-Wettbewerb

NRW Competition

Kinder- und Jugendkino

Children’s and Youth Cinema

MuVi

*Unser Entlastungspaket: Zehn Programme oder zehn Freund*innen www.kurzfilmtage.de

Das 40-Euro-Ticket*

Ab dem 26. April 2023

Thema Theme

Profile Profiles

re-selected

Labs, Expanded, Podium

Andere Programme

Others programmes

Verleihe Distributors

Rahmenprogramm

Framework programme

*Unser Entlastungspaket: Zehn Programme oder zehn Freund*innen www.kurzfilmtage.de

Wednesday 26 April

Thursday 27 April

Friday 28 April

Festivalleitung und Geschäftsführung

Festival Director and Managing Director

Lars Henrik Gass

Internationaler Wettbewerb International Competition

Hilke Doering

Auswahlkommission Selection committee

Madeleine Bernstorff, Vassily Bourikas, Christiane Büchner, Melissa de Raaf, Hilke Doering, Lars Henrik Gass

Berater Advisors

Zhou Fei, Kate MacKay, Aki Nakazawa, Phoebe Pua, Shireen Seno

Deutscher und NRW-Wettbewerb

German and NRW Competition

Carsten Spicher

Mitarbeit Assistant

Laura Deja

Auswahlkommission Selection committee

Sarah Adam, Lars Henrik Gass, Susanne Heinrich, Herbert Schwarze, Carsten Spicher

Kinder- und Jugendfilmwettbewerb

Children’s and Youth Film Competition

Samina Gul

Mitarbeit Assistant

Aileen Mombour

Auswahlkommission Selection committee

Franziska Ferdinand, Samina Gul, Barbara Kamp, Jens Schneiderheinze, Herbert Schwarze

Trailer

Jamil Al Jallab, Güven Üker, Ilenia Carcione, Laurin

Richarzhagen, Gerrit van de Straat, Charlotte

Grubenbecher, Schüler*innen der Adolf-FeldSchule und des Bertha-von-Suttner-Gymnasiums

MuVi

Jessica Manstetten

Mitarbeit Assistant

Kathrin Stange

Auswahlkommission Selection committee

Lars Henrik Gass, Hans-Christian Grimm, Jessica Manstetten

MuVi 14+

Samina Gul, Jessica Manstetten

Thema Theme

Against Gravity. The Art of Machinima.

Katharina Schröder

Mitarbeit Assistant

Kathrin Stange

Kuratoren Curators

Vladimir Nadein, Dmitry Frolov

Profile Profiles

Katharina Schröder

Mitarbeit Assistant

Kathrin Stange

Kuratorin Curator Alexandra Gulea

Madeleine Bernstorff

Kuratorin Curator Lynn Sachs

Cíntia Gil

Kuratorin Curator Chikako Yamashiro

Keiko Okamura

re-selected

Katharina Schröder

Kurator Curator

Tobias Hering

Labs

Vassily Bourikas

Kristina Henschel

Expanded

Kristina Henschel

Länderfokus Country Focus

Hilke Doering

Verleihe Distributors

Jessica Manstetten

Mitarbeit Assistant

Kathrin Stange

Channel

Katharina Schröder

Redaktion Marktkatalog

Market catalogue editorial board

Thomas Doberstein, Hilke Doering

Video Library

Hilke Doering

Gästebüro Guest office

Konrad Neiße

Mitarbeit Assistant

Sabina Kindlieb

Organisationsleitung Head of organisation

Susannah Pollheim

Mitarbeit Assistant

Rahel Knobbe, Petra Okolowitz

Finanzen Finances

Petra Okolowitz

Eugenija Quast

Pressebüro Press office

Sabine Niewalda

Mitarbeit Assistant

Lennart Schlottbohm

Öffentlichkeitsarbeit Public relations

Andrea Richter

Mitarbeit Assistant

Eileen Sahler, Louisa Schön

Sponsoring, Anzeigen Sponsoring, advertising

Marcus Schütte

Anzeigen Advertising

Anja Keienburg

Online Marketing

Christoph Remmetz, Marcus Schütte

Europäisches Kurzfilmnetzwerk

European Short Film Network

Online Portal THIS IS SHORT

Koordination Oberhausen Coordination Oberhausen

Hilke Doering

Kopienverwaltung, Versand, Zoll

Print administration, shipping, customs

Martin Gensheimer, Barbara Schulz, Christian Schön

Kopieneingabe Print registration

Barbara Schulz

Oberhausen Seminar

Salla Tykkä

Lichtburg Filmpalast

Jürgen Pesch

Theaterleitung des Lichtburg Filmpalast

Director of Lichtburg Filmpalast

Petra Rockenfeller

Mitarbeit Assistants

Sabrina Cannarozzo-Dzuik, Anna-Lena

Celentano, Erich Pannier, Vanessa Kornelius

Kartenverkauf Ticket Office

Daniele Hagge, Michelle Piecha, Tugce Yilmaz, James Pannier, Linda Peters, Tugba Yilmaz

Paltzanweiser*innen Ushers

Elif Dikmen, Rinoa Jacobs, Felix Laumann, Josina Müller, Timo Powalla Lukas Rumpf, Luca

Schmidt, Mina Telli, Michael Zwänger

Technische Leitung Technical supervision

Sebastian Hilscher

Projektion Projection

Turgay Gerbaga

Kino im Walzenlager

Jörg Kluge

Mitarbeit Assistants

Kilian Bartsch, Alexander Chmiel, Fabian Franken

Technische Leitung Technical supervision

Martin van Broekhoven

Mitarbeit Assistants

Martin Gensheimer, Alissa Larkamp

Datenorganisation, Datenverarbeitung, DCP-Mastering

Data organisation, data handling, DCP mastering

Christian Schön

Projektion Projection

Mirjam Bromundt, Tina Guckenhan, Frank Haushalter, Daniel Kundi, Peter Sprenger, Alex Viktorin, Christian Zagler

Übersetzungen Translations

Lisa Woytowicz

Mitarbeit Assistants

Sabine Bellert, Indra Deckers, Pia Duve, Eva Hartmann, Leona Hömberg Drovandi, Timothy Jones, Nele

Kirstein, Jonas Lunte, Anja Schulte, Katja Schulten

Moderation Kinder- und Jugendkino

Moderation Children and Youth Cinema

Peter Dirmeier

Festivalbar, Abendmanagement

Festival bar, Evening management

Einar Fehrholz

Booking

Einar Fehrholz, Jessica Manstetten

DJs, Live-Acts

Acid Maria, Cradlebrat, exc (About Repetition), Frau Kraushaar, illythekidd!, Thor on 45, Tolouse Low Trax

Festival Café

Christiane Koch

Gestaltung Corporate design

PUBLIC DESIGN OFFICE, Hamburg

Gestaltung Website Online design

PUBLIC DESIGN OFFICE, Hamburg

Bildmaterial Footage

Alice Bucknell, Careof Milano, David Gašo, Rebecca Moccia, Gladys Ng, Ella Rocca

Festivaltrailer

Christian Schön

IT Management

Thomas Doberstein

Technische Betreuung der Webseite

Technical support of the website

Patrick Wiermann, Hamburg

Webmasters

Thomas Doberstein, Andrea Richter

Mitarbeit Assistants

Martin Gensheimer, Eileen Sahler, Louisa Schön, Barbara Schulz

Dank Acknowledgements

Dietmar Adler, Bad Münder

Elia Albrecht-Mainz, Oberhausen

Katja Birnmeier, Straßburg

Nicole Bitter, Oberhausen

Alexander Bothe, Bonn

Christiane Büchner, Köln

Rubén Corral, Bilbao

Magnus Dellwig, Oberhausen

Anja Dornieden, Berlin

Boris Dresen, Oberhausen

Vanesa Fernández Guerra, Bilbao

Manfred Flore, Oberhausen

Xavier García Bardón, Brüssel

Cíntia Gil, Lissabon

Katharina Harten, Oberhausen

Bärbel Höhn, Oberhausen

Sonja Hofmann, Köln

Sebastian Karge, Oberhausen

Ulli Kuhnert, Berlin

Kate MacKay, Toronto

Heike Meyer-Döring, Düsseldorf

Teramoto Michiko, Berlin

Katrin Mundt, Osnabrück

Aki Nakazawa, Köln

Misa Nishihara, Hiroshima

Suzuki Nonoho, Tokio

Dennis Pasveer, Nijmegen

Siddharta Perez, Singapur

Jürgen Pesch, Oberhausen

Phoebe Pua, Singapur

Petra Rockenfeller, Oberhausen

Maki Satake, Sapporo

Ruben Jonas Schnell, Hamburg

Ruth Schiffer, Düsseldorf

Daniel Schranz, Oberhausen

Shireen Seno, Quezon City

Petra Sprenger, Dinslaken

Simone-Tatjana Stehr, Oberhausen

Dirk Steinkühler, Köln

Giovanna Thiery, Stuttgart

Apostolos Tsalastras, Oberhausen

Jan Wagner, Düsseldorf

Thomas Willecke, Oberhausen

Fei Zhou, Hannover

Preise Prizes

Zahlen und Tendenzen Trends and figures

Elene Abashidze, Georgien Georgia

Elene Abashidze wurde 1987 in Tiflis geboren und ist Kuratorin und Autorin und lebt und arbeitet in Tiflis, Georgien. Sie arbeitet als unabhängige Ausstellungsmacherin, Publizistin und Autorin und ist seit 2019 Leiterin des E.A. Shared Space – mit dem Schwerpunkt auf zeitgenössischen Kunstpraktiken. Sie ist Mitbegründerin und Mitherausgeberin des Danarti Magazine. Sie hat einen BA in Kunstgeschichte und -theorie an der Staatlichen Universität Tiflis und einen MFA in Curating Contemporary Art am Goldsmiths, University of London gemacht.

Elene Abashidze was born 1987 in Tbilisi and is a curator and writer living and working in Tbilisi, Georgia. She works as an independent exhibition-maker, publisher and writer, and since 2019 she has been the director of E.A. Shared Space – focusing on contemporary art practices. She is a co-founder and co-editor of Danarti Magazine. Abashidze received her MFA in Curating Contemporary Art from Goldsmiths, University of London and BA in Art History and Theory from Tbilisi State University.

Guilherme Blanc, Portugal

Guilherme Blanc ist Intendant des Batalha Centro de Cinema. Von 2014 bis 2017 war er Abgeordneter für Kultur in Porto und von 2017 bis 2021 Verantwortlicher für zeitgenössische Kunst und Film in der Stadt. Über die Jahre arbeitete er als unabhängiger Kurator für Kino und bewegte Bilder und arbeitete schon mit Institutionen wie dem ICA London und dem Barbican Centre zusammen. Seit 2017 lehrt er auch im Bachelor- und Masterstudiengang der Filmwissenschaften an der Universidade Católica – Escola das Artes.

Steven Cairns, Vereinigtes Königreich United Kingdom

Steven Cairns ist Autor und Kurator für Künstlerfilm und Bewegtbild am Institute of Contemporary Arts in London.

Cairns hat sich auf die Kultur des bewegten Bildes spezialisiert und international Projekte und Ausstellungen kuratiert, oft in Zusammenarbeit mit Künstler*innen und anderen Fachleuten.

Als Autor hat er Texte zu Bewegtbild und Archivierungspraktiken veröffentlicht. Er beschäftigt sich in seiner Forschungspraxis vorrangig mit zeitgenössischer Kunst und Kultur.

Steven Cairns is a writer and curator of Artists’ Film and Moving Image at the Institute of Contemporary Arts, London. With a specialisation in moving image culture, he has curated projects and exhibitions internationally, often in collaboration with artists and other practitioners. As a writer, he has published on moving image and archival practices. He has an ongoing research practice informed by contemporary arts and culture.

Guilherme Blanc is Artistic Director of Batalha Centro de Cinema. From 2014 to 2017 he was Deputy for Culture in Porto, and between 2017 and 2021 he was head of contemporary art and film for the city. He has worked over the years as an independent cinema and moving image curator, collaborating with institutions such as the ICA London and the Barbican Centre. He has lectured in film for the BA and MA programmes at Universidade Católica – Escola das Artes since 2017.

Jury des Internationalen Wettbewerbs Jury of the International Competition

Mats Stjernsted, Schweden Sweden

Mats Stjernsted wurde 2017 zum Leiter der Malmö Konsthall ernannt. Zuvor arbeitete er als Direktor des Kunstnernes Hus in Oslo und Index in Stockholm. Nebenher kuratierte Stjernstedt Ausstellungsprojekte für IASPIS, das Swedish Institute und für europäische Institutionen wie Museo Reina Sofia, Madrid, Tate Liverpool, KunstHalle Sankt Gallen, CAPC Bordeaux, und Kunsthalle Bern. 2017 fungierte er als Kurator des Nordischen Pavillions bei der Biennale in Venedig. Mats Stjernsted was appointed Director of Malmö Konsthall in 2017. Before this, he was Director of Kunstnernes Hus in Oslo and Index in Stockholm. Alongside these positions, Stjernstedt has curated exhibition projects for IASPIS, the Swedish Institute and with European institutions such as Museo Reina Sofia, Madrid, Tate Liverpool, KunstHalle Sankt Gallen, CAPC Bordeaux, and Kunsthalle Bern. In 2017, he was curator of the Nordic Pavilion at the Venice Biennale.

Alexandra Gulea, Deutschland/Rumänien Germany/Romania

Alexandra Gulea wurde 1970 in Bukarest, Rumänien, geboren. Nach dem Studium der Freien Kunst an der Fine Art Academy in Bukarest zog sie nach Frankreich, wo sie 1997 mit cum laude an der Pariser Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts abschloss. 1999 studierte sie Dokumentarfilm an der Hochschule für Fernsehen und Film München. Ihre Arbeiten als Autorin, Regisseurin, Editorin und Visual Artist umfassen Dokumentarfilme, Fiktion und Experimentalfilme.

Alexandra Gulea was born in 1970 in Bucharest, Romania. After studying fine arts at the Bucharest National University of Arts she moved to France where she graduated in 1997 cum laude with a diploma at the Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts in Paris. She then studied documentary film at the University of Television and Film Munich in 1999. As an author, director, visual artist and editor, she has made documentary, fiction and experimental films.

© Andreas Omvik

Soso Dumbadze, Georgien Gerorgia

Soso Dumbadze, geboren 1981, ist Absolvent der Kunsthochschule für Medien Köln. Er promovierte an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Er ist Professor am Georgian Institute of Public Affairs. Sein Film Sunny Night von 2017, Co-Regie Lea Hartlaub, wurde auf dem DOK Leipzig Festival uraufgeführt. 2006 gründete er Sa.Ga. Publishing for Society und veröffentlichte Autoren wie Walter Benjamin, Pier Paolo Pasolini, Harun Farocki, Chris Marker und andere. Soso Dumbadze, born in 1981, is a graduate of the Academy of Media Arts Cologne. He received his doctorate from the University of Fine Arts of Hamburg. He is a professor at the Georgian Institute of Public Affairs. His 2017 film Sunny Night, co-directed by Lea Hartlaub, premiered at the DOK Leipzig Festival. In 2006, he founded Sa.Ga. Publishing for Society and published authors such as Walter Benjamin, Pier Paolo Pasolini, Harun Farocki, Chris Marker and others.

Bernd Brehmer, Deutschland Germany

Bernd Brehmer erhielt seine éducation cinématographique im Münchner Filmmuseum. Er wurde Teil des Werkstattkino-Kollektivs und widmete sich fortan Schätzen der filmhistorischen B-Seite. 2003–06 war er Geschäftsführer der Exit Film Distribution, schrieb regelmäßig Festivalberichte für die Süddeutsche Zeitung und fungiert als Programmberater internationaler Festivals. 2006 gründete er gemeinsam mit Dunja Bialas das Underdox Film Festival, das sie gemeinsam bis heute leiten. Bernd Brehmer received his éducation cinématographique at the Munich Filmmuseum. He participated in the Werkstattkino collective, where he appreciated the lost flip sides of film history. 2003–06 he was CEO of Exit Film Distribution, he regularly contributed texts on film for the Süddeutsche Zeitung and works as programme advisor for several international film festivals. In 2006, he founded the Munich based Underdox Film Festival together with Dunja Bialas, which the two of them still direct.

Angelika Lepper, Deutschland Germany

Angelika Lepper studierte Medienkunst und Philosophie und Ästhetik in Karlsruhe und Hamburg. Sie lehrte an der Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF im Studiengang Montage und als Gastprofessorin an der Bauhaus-Universität Weimar. Ihre filmkünstlerischen Arbeiten wurden international gezeigt. Sie ist Gründungsmitglied des Netzwerks female:pressure, das sich seit den 1990er-Jahren für Gendergerechtigkeit in den elektronischen Künsten einsetzt. Heute arbeitet sie als Filmeditorin, DJ und Künstlerin in München. Angelika Lepper studied media art and philosophy and aesthetics in Karlsruhe and Hamburg. She taught editing at the Film University Babelsberg KONRAD WOLF, and as a visiting professor at the Bauhaus University in Weimar. Her artistic films have been shown internationally. She is a founding member of the network female:pressure, which has been working for gender equality in electronic art since the 1990s. Today, she works as a film editor, DJ and artist in Munich.

Jury des Ministeriums für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen

Jury of the Ministry of Culture and Science of the State of North Rhine-Westphalia

Ruth Schiffer, Deutschland Germany

Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, Referat Visuelle Künste, Provenienz, Schwerpunkt Film- und Medienkunstförderung. Zuvor Regierungsplanung und Presse in der Staatskanzlei Nordrhein-Westfalen und journalistische Arbeit. Studium der Literatur und Philosophie in Düsseldorf, Brüssel (VUB) und University of California, Davis.

Ministry of Culture and Science of the Land of North RhineWestphalia, department for visual arts, provenance, focus on film and media art promotion. Previously, government planning and press work in the premier’s office of North RhineWestphalia, and journalistic work. Studied literature and philosophy in Düsseldorf, Brussels (VUB) and at the University of California, Davis.

Ulrike Sprenger, Deutschland Germany

Ulrike Sprenger, geboren 1965, ist Professorin für Romanische und Allgemeine Literaturwissenschaft an der Universität Konstanz. Ihre Forschungsschwerpunkte sind die französische Erzählkunst des 19. Jahrhunderts (Proust ABC, 1996) und die religiöse Kultur des spanischen Barock (Stehen und Gehen, 2013). Ab 1993 war sie regelmäßig Interviewpartnerin in Alexander Kluges Kulturmagazinen zu literatur- und kulturwissenschaftlichen Themen.

Ulrike Sprenger, born in 1965, is professor for Romance and general literature studies at the University of Konstanz. Her research focuses are French storytelling of the 19th century (Proust ABC, 1996) and religious culture during the Spanish Baroque (Stehen und Gehen, 2013). From 1993 onward, she was a regular interview partner in Alexander Kluge’s magazine shows on literary and cultural topics.

Jury der Internationalen Filmkritik (FIPRESCI)

Jury of the International Federation of Film Critics (FIPRESCI)

Elaine Guerini, Brasilien Brazil

Elaine Guerini hat als Filmkritikerin und Reporterin in den letzten 25 Jahren über die wichtigsten Filmfestivals weltweit berichtet. Seit 2001 schreibt sie für die Kulturbeilage von Valor Econômico, der führenden Fachzeitung für Wirtschaft und Finanzen in Brasilien. Sie hat zwei Bücher veröffentlicht, All in the Family, die Biografie einer brasilianischen Schauspielerfamilie, und Backstage, eine Sammlung ihrer Interviews mit Persönlichkeiten aus dem Weltkino. Sie ist die brasilianische Korrespondentin

für Screen International

Elaine Guerini has worked as a film critic and reporter for the last 25 years, covering the major film festivals around the world. Since 2001, she writes for the cultural supplement of Valor Econômico, the leading newspaper specialist in business and finance in Brazil. She has published two books: All in the Family, a biography of a Brazilian family of actors, and Backstage, a collection of her interviews with world cinema personalities. She is the Brazilian correspondent for Screen International.

C.J. Johnson, Australien Australia

C.J. Johnson ist Präsident des Film Critics Circle of Australia, hält Vorträge über Kino an der Art Gallery of New South Wales und anderen Institutionen, ist stimmberechtigt bei der Vergabe der Golden Globes und ist Mitglied von FIPRESCI, dem internationalen Filmkritikerverband. Er ist der Filmkritiker von Mornings bei ABC Radio Australia, Kolumnist für das Metro Magazine und Hauptdozent für Screen Storytelling an der Sydney Film School. 2019 war Johnson Mitglied der Jury des 47. Internationalen Filmfestivals von Norwegen.

Hannes Wesselkämper, Deutschland Germany

Hannes Wesselkämpfer studierte Literatur, Kunstgeschichte und Medienwissenschaft an der Universität Konstanz und Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF. Seit vielen Jahren arbeitet er als freier Journalist und Kurator für Kurzfilme bei verschiedenen Filmfestivals, insbesondere dem Filmfestival Max Ophüls Preis. Des Weiteren ist er als wissenschaftlicher Mitarbeiter bei der Kolleg-Forschungsgruppe Cinepoetics tätig. Dort beendete er sein Dissertationsprojekt zu filmischen Oberflächen und der Begrifflichkeit von Spektakel. Hannes Wesselkämpfer studied literature, art history and media studies at the Universität Konstanz and Filmuniversity Babelsberg KONRAD WOLF. For many years, he has been working as a freelance journalist as well as a short film curator for various film festivals, most notably at the Filmfestival Max Ophüls Preis. He also works as a researcher at Cinepoetics –Center for Advanced Film Studies, where he completed his PhD project on cinematic surfaces and the notion of spectacle.

C.J. Johnson is President of the Film Critics Circle of Australia; he lectures on cinema at the Art Gallery of New South Wales and other institutions and is a Golden Globes Voter and a member of FIPRESCI, the International Federation of Film Critics. He is the film critic for Mornings on ABC Radio Australia, a columnist for Metro Magazine, and Head Lecturer in Screen Storytelling at Sydney Film School. He served on the jury of the 47th Norwegian International Film Festival in 2019.

Ökumenische Jury Ecumenical Jury

Polina Kundirenko, Ukraine

Polina Kundirenko, geboren 1997, studiert Filmregie an der Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF, arbeitet aber auch an Kurzfilmen. Zuvor schloss sie ihr Studium an der Nationalen Taras-Schewtschenko-Universität in Kyjiw mit einem BA in Philosopie ab. Ihr Hauptinteresse gilt dem fiktionalen Film, vor allem dem surrealistischen Kino. Sie arbeitete für das Molodist Festival Kyiv und war Mitglied der ökumenischen Jury im Jahr 2020.

Polina Kundirenko, born in 1997, is studying film directing at Film University Babelsberg KONRAD WOLF, while also working on short movies. Previously she graduated from the Taras Shevchenko National University of Kyiv with a BA in Philosophy. Her main area of interest is fiction movies, predominantly surrealist cinema. She worked for Molodist Festival Kyiv and was a member of the ecumenical jury in 2020.

Christian Gürtler, Deutschland Germany

Christian Gürtler, geboren 1993, ist Medienwissenschaftler an der christlichen Publizistik der FAU Erlangen-Nürnberg. Seine Forschungsschwerpunkte sind: Social Media im Spannungsfeld Medienethik, Spiel- und Medienpädagogik und kulturelle Bildung. Er ist zudem examinierter Theaterpädagoge und leitet zwei Theatergruppen an einem deutschen Gymnasium. Freischaffend erstellt er Video und Foto Content für Kultureinrichtungen und universitäre Projekte auf Sozialen Medien. Er ist Mitglied von INTERFILM.

Christian Gürtler, born in 1993, is a media scientist at the Christian Journalism Department of FAU Erlangen-Nuremberg. His research interests are social media in the field of media ethics, play and media pedagogy and cultural education. He is also a certified theatre pedagogue, and leads two theatre groups at a German high school. As a freelancer, he creates video and photo content for cultural institutions and university projects on social media. He is a member of INTERFILM.

Christian Murer, Schweiz Switzerland

Christian Murer legte nach einer Lehre als Schriftsetzer die Matura Kantonsschule Alpenquai Luzern ab. Er studierte Theologie in Chur und München und Medienpädagogik in München. Er absolvierte das Reallehrerseminar in Zürich und arbeitete als Reallehrer im Schulhaus Moosmatt in Urdorf. Christian Murer war Filmjournalist bei der Zoom-Filmberater und ist Fotograf und Journalist bei CH Media. Er arbeitete mehrere Male in der Ökumenischen Jury mit.

After an education as a typesetter, Christian Murer passed the Matura at the Alpenquai Cantonal School in Lucerne. He studied theology in Chur and Munich and media education in Munich. He graduated from the Reallehrerseminar in Zurich and worked as a schoolteacher at the Moosmatt school in Urdorf. Christian Murer was a film journalist at ZoomFilmberater and is a photographer and journalist at CH Media. He has served several times on the ecumenical jury.

Jury des Deutschen Wettbewerbs Jury of the German Competition

Eren Aksu, Deutschland Germany

Eren Aksu wurde 1987 in Istanbul geboren und ist Regisseur. Er studierte Film in Istanbul und Kunst und Medien an der Universität der Künste Berlin. Seine Filme wurden bei den Kurzfilmtagen Oberhausen, dem Sarajevo Film Festival und anderen internationalen Filmfestivals gezeigt. Sein neuester Film

Other Than That, I’m Fine gewann den 3sat-Förderpreis bei den Kurzfilmtagen Oberhausen.

Eren Aksu was born in Istanbul in 1987 and is a Director. He studied Film in Istanbul and Arts and Media at the University of Arts Berlin. His films have been screened at the Short Film Festival Oberhausen, Sarajevo Film Festival and other international film festivals. His latest film Other Than That, I’m Fine won the 3sat-Promotional Award at the Short Film Festival Oberhausen.

Anne Bitterwolf, Deutschland Germany

Anne Bitterwolf studierte Neuere deutsche Literatur, Kunstgeschichte, Publizistik und Kommunikationswissenschaften in Berlin und Neapel. Seit 2013 ist sie Kuratorin für Videokunst an der Berlinischen Galerie. Kooperationen mit Festivals wie Creamcake oder Videoart at Midnight. Kuratorische Mitarbeit an zahlreichen Ausstellungen und Publikationen, u. a. von Nina Canell, Monica Bonvicini, Carsten Nicolai, Raphaela Vogel. 2016 Gastkritikerin bei Residency Unlimited, New York. Lehrbeauftragte an der Humboldt Universität, Berlin.

Anne Bitterwolf Studied modern German literature, art history, journalism and communications in Berlin and Naples. Since 2013, curator for video art at the Berlinische Galerie. Cooperation with festivals such as Creamcake and Videoart at Midnight. Curatorial involvement in many exhibitions and publications, including by Nina Canell, Monica Bonvicini, Carsten Nicolai, Raphaela Vogel. In 2016, guest critic at Residency Unlimited, New York. Lecturer at Humboldt Universität, Berlin.

Istvan Gyöngyösi, Deutschland Germany

Istvan Gyöngyösi ist Kurator, Autor und Filmemacher. Er lebt und arbeitet in Berlin. Studium der Publizistik und Kommunikationswissenschaft und Germanistik in Salzburg. Programmarbeit u. a. für Zeitfluss-Festival Salzburg, Sommerszene Salzburg, Diagonale Graz, Donaufestival Krems, Woche der Kritik Berlin. Redaktionsmitglied bei Revolver, Zeitschrift für Film. Istvan Gyöngyösi is curator, author and filmmaker. He lives and works in Berlin. Studied journalism, communications and German studies in Salzburg. Programme work for the Zeitfluss-Festival Salzburg, Sommerszene Salzburg, Diagonale Graz, Donaufestival Krems, Berlin Critics’ Week, among others. Editorial staff member at the film magazine Revolver.

Jury des NRW-Wettbewerbs Jury of the NRW Competition

Birgit Hauska, Deutschland Germany

Birgit Hauska ist Kuratorin in den Kontexten Kurzfilm und Medienkunstvermittlung. Sie initiierte in den 1990er-Jahren die Tanzfilmsammlung für das Deutsche Tanzarchiv. Bis 2004 arbeitete sie in internationalen Programmbeiräten und Wettbewerben für Tanz in den Medien mit. 2003–04 war sie CoKuration von tanzmedial. Heute leitet sie die Medienkunstvermittlung der SK Stiftung Kultur in Köln. Die Ergebnisse wurden zuletzt mit dem Team-Award des Deutschen Generationenfilmpreis 2022 ausgezeichnet.

Birgit Hauska is a curator in the contexts of short film and media art education. In the 1990s, she initiated the dance film collection for the German Dance Archive. Until 2004, she worked on international programme advisory boards and at competitions for dance in media. 2003–04 she was co-curator for tanzmedial. Today she head the media art education programme at the SK Stiftung Kultur in Cologne. The Results recently received the Team Award of the German Generations Film Award 2022.

Hilde Hoffmann, Deutschland Germany

Hilde Hoffmann ist Medienwissenschaftlerin. Sie lehrt und forscht am Institut für Medienwissenschaft, Ruhr-Universität Bochum. Freie Tätigkeiten im Filmfestival-, Kunst- und Kulturbereich. Sie war Gastprofessorin an der University of Minnesota, USA und der Universität Wien, Österreich. Arbeitsschwerpunkte: Visuelle Kultur und Film/AV-Medien, Medien und Geschichte/Gedächtnis, Rassismus, Antiziganismus und Postkoloniale Theorie.

Hilde Hoffmann is a media scientist. She teaches and researches at the Institute for Media Studies, Ruhr University Bochum. Does freelance work in the areas of film festivals, art and culture. She has been a visiting professor at the University of Minnesota, USA and the University of Vienna, Austria. Main fields of work: Visual culture and film/AV media, media and history/memory, racism, antiziganism, and postcolonial theory.

Dirk Steinkühler, Deutschland Germany

Dirk Steinkühler wurde 1969 in Bielefeld geboren. Gelernter Buchhändler, Studium der Film- und Fernsehwissenschaften, Theaterwissenschaften und Publizistik in Bochum, Magisterabschluss zum Thema Titelsequenzen. Seit 2004 Geschäftsführer der Filmpalette Köln, seit 2021 im Filmhaus Kino Köln. Seit 2006 zudem Organisation und Leitung diverser Projekte u. a. Stranger Than Fiction, Kino Latino Köln. Seit 2015 im Vorstand von KINOaktiv, dem Zusammenschluss der Freien Kölner Filmszene.

Dirk Steinkühler was born in Bielefeld in 1969. Qualified book dealer, film and television, theatre and journalism studies in Bochum, master’s degree on title sequences. Since 2004, managing director of the Filmpalette cinema in Cologne, since 2021 of Filmhaus Kino Köln. Since 2006, organisation and management of various projects such as Stranger Than Fiction, Kino Latino Köln. Since 2015 on the board of KINOaktiv, representing the independent film scene in Cologne.

Jury des Kinderfilmwettbewerbs Jury of the Children’s Film Competition

Mara Dörge, Deutschland Germany

Ich heiße Mara. Ich bin 9 Jahre alt. Ich wohne in Deutschland und spreche Deutsch. Ich interessiere mich für Filme und neue Sachen und gehe gerne schwimmen. Ich mache bei der Kinderjury mit, weil ich Filme liebe und sie cool finde.

My name is Mara. I’m nine years old. I live in Germany and speak German. I’m interested in new films and new things and like going swimming. I’m taking part in the children’s jury because I love films and think they are cool.

Isabell Wientgens, Deutschland Germany

Ich heiße Isabell, bin 9 Jahre alt und wohne in Oberhausen. Meine Muttersprache ist Deutsch. Ich gehe gerne schwimmen und schaue gern Serien und Filme. Außerdem backe ich gerne zusammen mit meiner Mutter. Ich habe mich als Jurymitglied beworben, weil ich gerne Filme im Kino anschaue und auch gerne neue Menschen kennenlerne.

My name is Isabell. I’m nine years old and live in Oberhausen. My first language is German. I like going swimming and watching series and films. I also like baking with my mother. I applied to be a jury member because I like watching films in the cinema and getting to know new people.

Maxim Kappes, Deutschland Germany

Ich bin Maxim und 10 Jahre alt. Ich wohne in Oberhausen. Meine Muttersprache ist Russisch. Ich spiele gerne Fußball und interessiere mich für Sport. Ich bin stolz, dass ich bei der Kinderjury dabei sein kann. Ich mag Filme jeder Art. Ich bin gespannt, was sie uns zeigen werden. Auf jeden Fall freue ich mich sehr.

I’m Maxim and I’m ten years old. I live in Oberhausen. My first language is Russian. I like playing football and am interested in sport. I’m proud that I can be on the children’s jury. I like films of all sorts. I’m excited about what they will show us. At any rate, I’m really happy.

Max Passmann, Deutschland Germany

Hallo, ich heiße Max und bin 9 Jahre alt. Ich wohne in Oberhausen, spreche Deutsch. Meine Hobbys sind Kickboxen und Mathematik. Meine Lehrerin hat mich gefragt, ob ich in der Kurzfilmjury mitmachen möchte und ich habe ja gesagt. Ich mache mit, weil ich mich für Filme interessiere.

Hello, my name is Max and I’m nine years old. I live in Oberhausen, speak German. My hobbies are kickboxing and maths. My teacher asked me if I wanted to be on the children’s jury and I said yes. I’m doing it because I’m interested in films.

Nele Rebs, Deutschland Germany

Mein Name ist Nele und ich bin 9 Jahre alt. Ich wohne in Oberhausen. Meine Muttersprache ist Deutsch. Ich interessiere mich für Sport. Mein Hobby ist Cheerleading. Ich bin gespannt auf die Filme. Wir wurden aus mehreren Bewerbern ausgelost und ich freue mich sehr, dass ich in der Kinderjury sein darf. Danke!

My name is Nele and I’m nine years old. I live in Oberhausen. My first language is German. I’m interested in sport. My hobby is cheerleading. I’m looking forward to the films. We were chosen from among several applicants and I’m very happy that I can be on the children’s jury. Thanks!

Isabell, Mara, Max, Maxim und Nele besuchen die 4. Klasse an der Adolf-Feld-Schule Oberhausen.

Isabell, Mara, Max, Maxim and Nele attend the 4th grade at the Adolf-Feld-Schule Oberhausen.

Jury des Jugendfilmwettbewerbs Jury of the Youth Film Competition

Max Steyvers, Deutschland Germany

Ich heiße Max Steyvers und bin 16 Jahre alt. In meiner Freizeit mache ich gerne Sport und treffe mich mit Freunden. Für die Jugendjury habe ich mich gemeldet, da ich es spannend finde, Filme zu verstehen und herauszufinden, was die Macher des Films bei denen, die ihn sehen auslösen wollen. Ich freue mich darauf, verschiedenste Filme zu sehen und mich mit ihren Hintergründen auseinanderzusetzen.

My name is Max Steyvers and I am 16 years old. In my free time, I like doing sports and meeting up with friends. I applied to be on the youth jury because I find it really interesting to understand films and what the makers of a film wanted to provoke in the people watching it. I am looking forward to watching a big variety of films and looking at their backgrounds.

Artem Protsenko, Ukraine

Mein Name ist Artem Protsenko. Ich bin 18 Jahre alt und komme aus Zaporizhzhya, der Partnerstadt von Oberhausen. In meiner Freizeit spiele ich gerne ukrainische Lieder auf der Gitarre. Ich habe mich als Teilnehmer für die Jugendjury beworben, weil mich besonders interessiert, wie man über das Kino inhaltliche Ideen, Gefühle und Geschichten vermitteln kann.

My name is Artem Protsenko. I am 18 years old and come from Zaporizhzhia, Oberhausen’s partner city. In my free time, I like to play Ukrainian songs on the guitar. I applied to take part in the youth jury because I am especially interested in how you can use cinema to convey concepts, feelings and stories.

Thea Riesmeier, Deutschland Germany

Ich heiße Thea Riesmeier, bin 16 Jahre alt. In meiner Freizeit mache ich viel Sport, lese, höre Musik und treffe mich mit Freunden. Für die Jugendjury habe ich mich gemeldet, weil ich gerne Filme schaue, deren Bedeutung und Aussagekraft mich bewegen oder zum denken anregen. Ich mag am meisten Filme, die mit Humor wichtige Themen übermitteln. Ich freue mich darauf mit anderen Jugendlichen eine schöne Zeit zu haben und gute Filme zu sehen.

My name is Thea Riesmeier. I am 16 years old. In my free time, I do a lot of sport, read, listen to music and meet up with friends. I applied for the youth jury because I like looking at films whose meaning and message move me or get me thinking. Most of all, I like films that convey important topics with humour. I am looking forward to having a good time with other young people and watching good films.

Constanze Lamert, Deutschland Germany

Ich heiße Constanze Lamert und bin 16 Jahre alt. In meiner Freizeit lese ich gerne und treffe mich mit Freunden. Für die Jugendjury habe ich mich gemeldet, weil ich schon immer Interesse an Filmmedien hatte und es mir Spaß macht, mich mit solchen auseinanderzusetzen. Am meisten freue ich mich auf die Zusammenarbeit und den Meinungsaustausch mit den anderen.

My name is Constanze Lamert and I am 16 years old. In my free time, I like reading and getting together with friends. I volunteered for the youth jury because I have always been interested in film media and enjoy engaging with them. Most of all, I am looking forward to working with the others and exchanging opinions with them.

Mariella Engelbrecht, Deutschland Germany

Ich heiße Mariella Engelbrecht und bin 17 Jahre alt. In meiner Freizeit spiele ich gerne Schach, lese und gehe ins Fitnessstudio. Ich habe mich für die Jugendjury gemeldet, da ich gerne jegliche Art von Filmen schaue und mich im Anschluss über diese austausche. Ich liebe es, mich in die einzelnen Charaktere hineinzuversetzen. Am meisten freue ich mich auf die Zusammenarbeit im Team und dass die gesehenen Filme im Anschluss besprochen werden.

My name is Mariella Engelbrecht and I am 17 years old. In my free time, I like to play chess, read and go to the gym. I volunteered for the youth jury because I like watching all kinds of films and discussing them afterwards. I love putting myself in the shoes of the different characters. Most of all, I am looking forward to working as a team and discussing the films we have seen.

Artem, Constanze, Mariella, Max und Thea besuchen die 10. Klasse am Bertha-von-Suttner-Gymnasium Oberhausen.

Artem, Constanze, Mariella, Max and Thea attend the 10th grade at the Bertha-von-Suttner-Gymnasium Oberhausen.

Jury der European Children’s Film Association Jury of the European Children’s Film Association

Tessa van Grafhorst, Niederlande Netherlands

1999 gründete Tessa van Grafhorst De Kinderbioscoop in Amsterdam, ein Theater speziell für jüngere Kinder. Später war sie Mitbegründerin von Taartrovers, einem Kollektiv aus Designer*innen und Kunstpädagog*innen. Taartrovers hat es sich zur Aufgabe gemacht, kleine Kinder mit allen Sinnen mit Film und ihrer Fantasie spielen zu lassen. Als Vortragende gibt sie ihr Wissen an Fachleute weiter; als (Film-)Kunstpädagogin unterrichtet sie Vorschulkinder; und sie entwickelt spielerische Konzepte, Programme und Installationen.

In 1999, Tessa van Grafhorst founded De Kinderbioscoop in Amsterdam, a theatre especially for young children. She cocreated Taartrovers, a collective of designers and art teachers. It is the mission of Taartrovers to let young children play with film and imagination with all their senses. As a lecturer, she shares her knowledge with professionals; as a (film)art teacher, she teaches preschoolers; and she develops playful concepts, programmes and installations.

Laura Laas, Estland Estonia

Laura Laas ist Koordinatorin für Marketing und Partnerschaften beim Jugend- und Kinderfilmfestival Just Film, dem größten Unterfestival des Tallinn Black Nights Film Festival, einem Festival der A-Kategorie. Sie verfügt über Berufserfahrung in den Bereichen Journalismus, Veranstaltungskoordination und Filmfestivalprogrammierung. Für Laura Laas sind Filme ein machtvolles Instrument, um Einigkeit und Verständnis auf breiter Ebene zu fördern und durch Empathie, Kreativität und Aufgeschlossenheit eine bessere Welt zu schaffen.

Laura Laas is a Marketing and Partnerships Coordinator at the Youth and Children’s Film Festival Just Film, the biggest subfestival of the A-category Tallinn Black Nights Film Festival. She gained experience in journalism, event coordination and film festival programming. Laura believes movies are powerful tools for promoting unity and enhancing comprehension on a broader scale, creating a better world through empathy, creativity, and open-mindedness.

Isotta Regazzoni, Schweiz Switzerland

Isotta Regazzoni hat einen Masterabschluss in Filmgeschichte und ist Filmprogrammgestalterin, Festivalkoordinatorin und Kuratorin. Sie arbeitet mit mehreren Schweizer Filmfestivals zusammen, darunter das Festival Cinéma Jeune Public, das Lausanne Underground Film & Music Festival und das Locarno Film Festival. Seit 2022 ist sie auch als Kuratorin für die Cinémathèque suisse und die Kunstgalerie La Rada tätig. Isotta Regazzoni holds a master’s degree in film history and is a film programmer, festival coordinator and curator. She collaborates with several Swiss film festivals, including Festival Cinéma Jeune Public, Lausanne Underground Film & Music Festival and Locarno Film Festival. In 2022, she also joined the team of the Cinémathèque suisse as well as the art gallery La Rada as a curator.

© Juliette Henrioud

Ökumenische Kinder- und Jugendjury Ecumenical Children’s and Youth Jury

Anna Grebe, Deutschland Germany

Dr. Anna Grebe, geboren 1983, arbeitet als jugendpolitische Beraterin in Berlin und Duisburg. Nach einem Studium in Konstanz und Córdoba/Argentinien promovierte sie 2015 in Medienwissenschaft. Neben Lehraufträgen in Berlin, Wien, Linz, Braunschweig und Valparaíso, Chile ist sie ehrenamtlich u. a. im Bereich Jugendmedienschutz tätig. Sie ist Mitglied der Filmkommission der Deutschen Bischofskonferenz und war 2019 Präsidentin der Ökumenischen Jury der 69. Berlinale. Dr Anna Grebe, born 1983, works as a consultant for youth politics in Berlin and Duisburg. She graduated from the University of Konstanz and the Universidad Nacional de Córdoba/Argentina and obtained her PhD in Media Studies in 2015. She is also a university lecturer at several universities, such as in Berlin, Vienna, Linz, Braunschweig and Valparaíso, Chile and volunteers in the area of youth media protection. She is a member of the Film Commission of the German Bishop’s Conference and chaired the ecumenical jury of the 69th Berlinale in 2019.

Suzana Kokalj, Slowenien Slovenia

Suzana Kokalj wurde 1987 geboren und hat Kunstgeschichte an der Kunstfakultät/Ljubljana und Videoproduktion am Institut und der Akademie für Multimedia/Ljubljana studiert. Sie war als Kuratorin in einer Kunstgalerie und in der Filmproduktion tätig. Seit 2022 arbeitet sie mit dem Studio Siposh zusammen. Ihre Leidenschaft ist das Drehbuchschreiben. 2022 erhielt sie einen Sonderpreis beim Hypewriter Pitching Forum. Suzana ist außerdem Mitbegründerin von #FLIF, einem unabhängigen Kurzfilmfestival in Tržič, Slowenien.

Maxime Pouyanne, Frankreich France

Maxime Pouyanne, geboren 1986, ist Fotograf, Filmemacher und hat einen Abschluss in Schnitt und einen Master in Drehbuchschreiben von der Pariser Filmhochschule (ESRA). Er hat als Fernsehredakteur gearbeitet und schreibt und dreht Kurzfilme. Er arbeitet unabhängig an verschiedenen Projekten in den Bereichen Bild- und Videobearbeitung und Fotografie. Er ist Mitglied der Toulouser Gruppe Pro-Fil und schreibt Filmkritiken. Seit 2022 ist er auch Mitglied des Redaktionsausschusses von Vu de Pro-Fil.

Maxime Pouyanne, born in 1986, is a photographer, videographer and has a degree in editing and a master’s degree in scriptwriting from the Paris Film School (ESRA). He has worked as a television editor and makes short films, which he also writes. He works independently on a number of different projects from framing and video editing to photography. As a member of the Toulouse group Pro-Fil, he has been writing film reviews. He has also been part of the editorial board of Vu de Pro-Fil.

Suzana Kokalj, born in 1987, studied art history at Faculty of Arts in Ljubljana and video production at the Institute and Academy for Multimedia in Ljubljana. She worked as an art gallery curator and in film production; since 2022 she has been collaborating with Studio Siposh. She is passionate about screenwriting. In 2022, she received a special prize on Hypewriter Pitching Forum. Suzana is also a founder of #FLIF, an independent short film festival in Tržič, Slovenia.

© Paz Olivares Droguett

Jury des MuVi-Preises Jury of the MuVi Award

Lori Felker, USA

Lori Felker ist Filmemacherin, Lehrerin, Programmerin und Darstellerin. In ihren Filmen untersucht sie die frustrierenden und chaotischen Eigenarten menschlicher Interaktion und erforscht Empathie, Diskontinuität, Trauer und vielschichtige Dimensionen. Sie vermeidet irgendeine Art von Stil oder Genre und lässt stattdessen den Inhalt und die Intention über die Form bestimmen. Ihre preisgekrönten Filme werden international gezeigt und sie hat verschiedene Förderungen erhalten. Sie lebt in Chicago und ist Assistant Professor an der DePaul University.

Lori Felker is a filmmaker, teacher, programmer and performer. Her films study the frustrating and chaotic qualities of human interaction and have explored empathy, discontinuity, grief and multiple dimensions. She eschews any particular style or genre in favor of letting content and concerns guide form. Her awardwinning films screen internationally, and she is the recipient of various grants. She lives in Chicago and is an Assistant Professor at DePaul University.

Thomas Venker, Deutschland Germany

Thomas Venke ist Mitherausgeber und Co-Chefredakteur des Kaput – Magazin für Insolvenz & Pop. Vorher war er 14 Jahre lang Chefredakteur des Intro Magazins. Er schreibt regelmäßig für Zeitschriften und Tageszeitungen, moderiert Panels und Symposien für kulturelle Einrichtungen, unterhält das Kunst-Schallplatten-Label Edition Fieber und gehört zum kuratorischen Team der Monheim Triennale. Er lehrt Musikjournalismus und Künstlermarketing an mehreren deutschen Universitäten.

Thomas Venker is the co-publisher and co-editor-in-chief of Kaput – Magazine for Bankruptcy & Pop. Before that he was the editor-in-chief of Intro Magazin for 14 years. He writes regularly for magazines and dailies, moderates panels and symposiums for cultural institutions, maintains the art record label Edition Fieber and is part of the curatorial team for the Monheim Triennale. He teaches music journalism and artist marketing at several German universities.

Tolouse Low Trax, Frankreich France

Detlef Weinrich studierte von 1994 bis 1999 Bildhauerei an der Kunstakademie Düsseldorf. Seit 2020 lebt er in Paris. Er war Mitglied der Elektro-Formation Kreidler. Seine Arbeiten umfassen bisher u. a. 15 veröffentlichte Alben, weltweite Konzerte, darunter Auftritte im MoMA New York. Mit seinem Soloprojekt Tolouse Low Trax hat er seit 2004 fünf Alben und 20 weitere Stücke veröffentlicht. Gründungsmitglied und musikalischer Programmleiter des Salons des Amateurs in Düsseldorf von 2004 bis 2021.

Detlef Weinrich studied sculpture at the Düsseldorf Art Academy from 1994 to 1999. Since 2020 based in Paris. He was a member of the electronic formation Kreidler. His work so far includes 15 published albums and concerts all over the world, including performances at the MoMA New York. Since 2004, solo project Tolouse Low Trax with five albums and about 20 further releases. Founding member and musical programme director of the Salon des Amateurs in Düsseldorf from 2004 to 2021.

What the Soil Remembers

Südafrika, Ecuador South Africa, Ecuador 2022

29'53"

Farbe Colour

Englisch, Afrikaans, Xhosa mit englischen Untertiteln English, Afrikaans, Xhosa with English subtitles

Regie Director

José Cardoso

Kamera Camera

María Fernanda García

Schnitt Editor

José Cardoso

Musik Music

Jethro Louw

Tongestaltung Sound design

Santiago Landivar

Produktion Production

Azania Rizing, Jiráfica

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

José Cardoso

Ecuador

jose@jirafica.com

jirafica.com

Das Trauma einer entwurzelten Gemeinschaft zu Zeiten der Apartheid, die den Weg für eine Bildungseinrichtung ebnete, die synonym für die Grundlagen der Ideologien weißer Vorherrschaft stehen würde. Der Film begleitet eine Gruppe älterer Menschen, die mit ihrer Herangehensweise an das Problem die Leinwand erhellen. Die kollektive Weisheit, Spiritualität und Geduld in ihren Handlungen ist das, was ein nationalistisches Regime vor Jahren gewaltsam versuchte, ihnen zu nehmen.

José Cardoso, Vater von Seydú, Filmemacher, Illustrator und Grafikdesigner, hat in Spanien, Mexiko, Südafrika und derzeit in Ecuador gelebt und Spiel-, Animations- und Dokumentarfilme zu Themen wie Surrealismus, Gewissen und Antikolonialismus entwickelt. Seine Werke wurden auf Festivals international gezeigt.

The trauma of a community uprooted during the Apartheid regime, making way for an educational institution that would become synonymous with the foundations of white supremacist ideologies. The film follows a group of elders who light up the screen with their approach to the problem. Collective wisdom, spirituality, and patience embedded in their actions is what a Nationalist regime tried violently to remove from them years before.

José Cardoso, father of Seydú, filmmaker, illustrator and graphic designer, has lived in Spain, Mexico, South Africa and currently in Ecuador, developing feature films, animation and documentaries on themes that revolve around surrealism, conscience and anti-colonialism. His works have been shown at festivals internationally.

Conexión Débil (2021), Iwianch, the Devil Deer (2020), Outspoken (2019), ñaña (2018), The mysterious masked chilanga woman (2014), Guión. (2014), Mr. Hummingbird (2011), Ancestral Song (2010), Un maravilloso estado de mísera y morbosa no felicidad (2009)

Garten sprengen

Österreich Austria 2022 12'

Farbe Colour

Englisch mit englischen Untertiteln

English with English subtitles

Regie Director

Veronika Eberhart

Kamera Camera

Veronika Eberhart, Chloe Reyes

Schnitt Editor

Veronika Eberhart

Tongestaltung Sound design

Veronika Eberhart

Produktion Production

Veronika Eberhart

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

sixpackfilm

Gerald Weber

Österreich Austria

gerald@sixpackfilm.com sixpackfilm.com

„Are you familiar with American poetry?“ Eine Frage wie eine Anklage. Hanns Eisler stellt sie in Englisch mit breitem deutschem Akzent im Zuge einer Befragung vor dem „House Committee on Un-American Activities“ 1947, während auf der Bildebene von Veronika Eberharts Garten sprengen ein Mann (performed von Ian F. Svenonius) durch einen schier endlosen Hotelflur wandelt.

Veronika Eberhart wurde 1982 in Bad Radkersburg geboren und ist bildende Künstlerin, Filmemacherin und Musikerin. Sie studierte Soziologie in Wien und Kopenhagen, bildende Kunst an der Akademie der bildenden Künste Wien und an der Schule Friedl Kubelka für unabhängigen Film. Ihre Filme wurden in diversen Ausstellungen und auf Filmfestivals gezeigt.

‘Are you familiar with American poetry?’ The question sounds like an accusation as posed by Hanns Eisler in a heavy German accent during his interrogation by the ‘House Committee on Un-American Activities’ in 1947. Simultaneously, Veronika Eberhart’s Garten Sprengen shows a male performer (Ian F. Svenonius) wandering down a virtually endless hotel corridor.

Veronika Eberhart was born in Bad Radkersburg in 1982 and is a visual artist, filmmaker and musician. She studied sociology in Vienna and Copenhagen, visual arts at the Academy of Fine Arts Vienna and at the School Friedl Kubelka for Independent Film. Her films have been shown in various exhibitions and film festivals.

9 is one and 10 is none (2017), Hit like a Girl (Drums for two) (2016), By the nape of your neck (2016)

Xiuhtecuhtli

Mexiko Mexico

2023

15'49"

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white ohne Text without text

Regie Director

Colectivo Los Ingrávidos

Musik Music

Lluvia de Palos

Produktion Production

Colectivo Los Ingrávidos

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Colectivo Los Ingrávidos

Mexiko Mexico

colectivolosingravidos@gmail.com

losingravidos.com

Ein rhythmisches Heraufbeschwören des Urfeuers, in dem lodernde Flammen Knochen und natürliche Elemente wiederbeleben. Dies ist der Glanz von Farbe.

Colectivo Los Ingrávidos ist ein mexikanisches Filmkollektiv, das 2012 gegründet wurde, um die kommerzielle und unternehmerische audiovisuelle Grammatik und die darin eingebettete Ideologie aufzubrechen. Das Kollektiv ist inspiriert von den historischen Avantgarden und ihrem Engagement, Form und Inhalt gegen entfremdende Realitäten einzusetzen. Ihre Methoden kombinieren digitale und analoge Medien, Interventionen in Archivmaterial, Mythologie, Agitprop, soziale Proteste und dokumentarische Poesie. This is a rhythmic invocation of the ancestral fire, in which dazzling flames reanimate bones and natural elements. This is the shining of colour.

Colectivo Los Ingrávidos is a Mexican film collective founded in 2012 to dismantle the commercial and corporate audio-visual grammar and the ideology embedded in it. The collective is inspired by the historical avant-gardes and their commitment to using both form and content against alienating realities. Their methods combine digital and analogue media, interventions in archival materials, mythology, agitprop, social protests and documentary poetry.

Filmauswahl Selected works Tierra en Trance (2023), Tonalli (2021), El Nido del Sol (2021, in Oberhausen 2022), Notes for a Deja Vu (2021), Danzas lunares (2020), Dresden Codex (2019, in Oberhausen 2020), Eroded pyramid (2019), The Sun Quartet (2017), Coyolxauhqui (2017), Have you see? (2017), Dry blodd (2017), Impressions for a Light and Sound Machine (2014)

Pha-Yar-Sin The Altar

Myanmar 2022 10'10"

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white Birmanisch mit englischen Untertiteln

Burmese with English subtitles

Regie Director

Moe Myat May Zarchi

Buch Script

Moe Myat May Zarchi

Ton Sound

Itö

Schnitt Editor

Moe Myat May Zarchi

Musik Music

Itö

Animation

Moe Myat May Zarchi

Produktion Production

3-ACT

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Moe Myat May Zarchi

Myanmar moemyatmayzarchi@gmail.com

moemyatmayzarchi.com

Eine buddhistische, fabelartige Geschichte über die Schuld an einem Kindheitsereignis, bei dem eine Ameise während des Händewaschens zu Tode kam. Animiert durch fotografische Sequenzen, gemalt in Gold- und Grautönen, gehen zen-artige Bilder ineinander über mit geflüsterten Monologen und Störgeräuschen, die Machtbereiche, Schuld, Gebete und Existenz widerspiegeln.

Moe Myat May Zarchi wurde 1994 in Myanmar geboren und ist Filmemacherin, Musikerin und Medienkünstlerin mit dem Objektiv. Ihre Kurzfilme wurden auf internationalen Festivals gezeigt und mit Preisen ausgezeichnet. Sie gründete das Cinema Magazin und die Organisation 3-ACT zur Förderung der Filmbildung in Myanmar.

A Buddhist, fable-like story about the guilt of a childhood incident of killing an ant while washing hands in the sink. Animated through photographic sequences painted with golds and greys, the Zen-like visuals sweep into one another with whispering monologues and glitching noises reflecting the realms of power, guilt, prayers and existence.

Moe Myat May Zarchi was born in Myanmar in 1994 and is a filmmaker, musician and lens-based media artist. Her short films have been screened at international festivals and won awards. She founded the cinema magazine and organisation 3-ACT to support film education in Myanmar.

Moon Landing (2022), February 1st (2021), Freedom of Clouds (2021), Tomorrow I Will Get Back to the World (2021), Her Mirrors (2019)

Musornaya Golova Garbage Head

Belarus

2022

18'07"

Schwarzweiß Black-and-white

Russisch mit englischen Untertiteln

Russian with English subtitles

Regie Director

Yuri Semashko

Buch Script

Yuri Semashko

Kamera Camera

Yuri Semashko

Ton Sound

Yuri Semashko

Schnitt Editor

Yuri Semashko

Musik Music

Anton Korzhenevsky

Produktion Production

Yuri Semashko, SINGO

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Yuri Semashko

Belarus semashko.yuriy@gmail.com

Yura ist ein schüchterner Müllmann und aufstrebender Filmemacher. Prokhor ist sein treuer Hund und einziger Freund. Eines Tages findet Yura einen Fake-Kopf im Müll und nimmt ihn mit nach Hause. In der Nacht wird der Kopf lebendig und bietet Yura an, ihm einen beliebigen Wunsch zu erfüllen.

Yuri Semashko ist 29 Jahre alt und ein autodidaktischer Regisseur aus Minsk, Belarus. Während seiner Schulzeit erstellte er Animationsfilme in PowerPoint. Seit 2017 hat er mehrere kurze Spielfilme gedreht. Bei allen seinen Filmen ist er Regisseur, Drehbuchautor, Kameramann, Tontechniker und manchmal auch Schauspieler.

Yura is a shy garbageman and an aspiring filmmaker. Prokhor is his faithful dog and only friend. One day Yura finds a fake head among the garbage and decides to take it home. That night the head comes to life and offers to grant Yura any wish he may have.

Yuri Semashko is 29 years old and a self-taught director from Minsk, Belarus. During his school years, he created animated films in PowerPoint. Since 2017, he has made several short feature films. In all his films he is director, screenwriter, cinematographer, sound engineer and sometimes actor.

When I Was a General (2021), Ultra Short Stories (2020), Prisoner of Dirt (2019), Body (2019), It won’t hurt (2017)

Revue Kroky The Steps Revue

Tschechien Czech Republic

2022

35'

Schwarzweiß Black-and-white Tschechisch mit englischen Untertiteln Czech with English subtitles

Regie Director

Jiří Havlíček

Buch Script

Jiří Havlíček

Schnitt Editor

Jan Daňhel

Musik Music

Martin Ožvold

Tongestaltung Sound design

Martin Ožvold

Produktion Production

MasterFilm

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

MasterFilm

Dagmar Sedláčková

Tschechien Czech Republic

dagmar@masterfilm.cz masterfilm.cz

Requiem für den Sozialismus, den es nicht gab. Ein filmisches Porträt einer Fernsehsendung aus den späten 1970erJahren. Als Jiří Lábus (72) eines Nachts aufwacht und sein jüngeres Selbst im Fernsehen die Sendung Kroky (Schritte) moderieren sieht, wird er unfreiwillig in die tschechoslowakische Sendung der späten 1970er-Jahre teleportiert. Verloren im Unbewussten der Fernsehwelt treibt er zwischen den TV-Kanälen umher.

Jiří Havlíček ist ein bildender Künstler und Kurator. Seine Arbeiten befassen sich mit Erinnerung und dem bewegten Bild. Er ist Autor mehrerer kurzer Animationen und Filme. Er ist Co-Autor des Kurzfilms Reconstruction, der im Wettbewerb des Locarno Film Festival 2018 uraufgeführt wurde und für die European Film Awards 2019 nominiert war. Requiem for the socialism that wasn’t. A cinematic portrait of a television show from the late 1970s. When Jiří Lábus (72) wakes up one night and sees himself on the TV screen as the young host of the television series Kroky (Steps), he is involuntarily teleported into the Czechoslovak broadcast of the late 1970s. Lost in the unconscious of the television world, he drifts between two television channels.

Jiří Havlíček is a visual artist and curator. His work deals with memory and the moving image. He is the author of several short animations and films. He is the co-author of the short film Reconstruction, which premiered in competition at Locarno Film Festival 2018 and was nominated for the European Film Awards 2019.

Reconstruction (2018), Film Week (2016), The Captives of Movies (2012)

Let’s be friends

Niederlande Netherlands

2022 5'26"

Farbe Colour

Englisch English

Von By Arno Coenen, Rodger Werkhoven

Produktion Production

Arno Coenen

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

li-ma

Ruth Timmermans

Niederlande Netherlands

ruthtimmermans@li-ma.nl

li-ma.nl

Wir sehen und hören synthetische Schauspielende, die über „KI-Schauspielerei“ reden und auf die Ängste vieler Kunstschaffender eingehen, aufgrund aufstrebender KI-Technologien ihre künstlerische Exklusivität zu verlieren. Synthetische Schauspielende – generiert mit DALL•E 2 – erklären die Unterschiede zwischen „herkömmlichen“ 3-D-animierten Charakteren und ihnen selbst, KI-generierten Schauspielenden, und wie KI Schauspielkarrieren schon bald beeinflussen wird.

Arno Coenen hat sich mit monumentalen Kunstwerken im öffentlichen Raum einen Namen gemacht, in denen er altes Handwerk wie Glasmosaik mit moderner Computergrafik verbindet. Er genießt hohes Ansehen, weil seine Kunstwerke oft mithilfe von lokalen Anwohnern und anderen direkt Beteiligten entstehen.

Rodger Werkhoven ist ein in Amsterdam ansässiger Creative Director mit einer angeborenen Neugierde für ALLES, was wissenschaftlich, kulturell, künstlerisch und nerdig ist. Er berät auch Werbe- und Designunternehmen zu KI und deren Auswirkungen auf die Kreativbranche. Let’s be friends ist Ihr erster gemeinsamer Film.

See and hear synthetic actors talk about ‘AI-acting’, addressing many artists’ fears – namely, losing artistic exclusivity because of emerging AI technology. Synthetic actors, generated with DALL•E 2, explain the differences between ‘traditional’ 3D-animated characters and them, AI-generated actors, as well as how artificial intelligence will affect acting careers in general soon.

Arno Coenen has built a reputation for monumental works of art in public spaces, combining old crafts such as glass mosaic with contemporary computer graphics. He is greatly appreciated because his artworks are often created with the help of local residents and others directly involved.

Rodger Werkhoven is an Amsterdam-based creative director with an innate curiosity for ALL things scientific, cultural, artsy and nerdy. He also advises advertising and design companies on AI and its impact on the creative industry. Let’s be friends is their first film together.

Apostles of Cinema

Tansania Tanzania

2022

16'20"

Farbe Colour

Swahili mit englischen Untertiteln

Swahili with English subtitles

Regie Director

Darragh Amelia, Gertrude Malizana, Jesse Gerard Mpango, Cece Mlay

Musik Music

Mc Kadilida

Tongestaltung Sound design

Lorenz Fischer

Produktion Production

WeTransfer / WePresent, Ajabu Ajabu

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Darragh Amelia

Tansania Tanzania

ajabuajabuhouse@gmail.com

ajabuajabu.com

Apostles of Cinema (oder Tenzi za Sinema) begleitet Frank, DJ Black und Rehema – drei engagierte Filmschaffende –auf einer Reise durch das Labyrinth informeller Bibliotheken, Studios und Kinos, deren Existenz Film und Filmkultur in Tansania aufrechterhält. Ein Beleg für den tiefgreifenden, kulturellen Wert von Film, wenn er Menschen wirklich zugänglich gemacht wird.

Ajabu Ajabu ist ein Kollektiv von audiovisuellen Kunstschaffenden mit Sitz in Dar es Salaam, Tansania. Sie arbeiten an der Erhaltung, Produktion und Präsentation audiovisueller Kunst. Ihre Arbeit konzentriert sich auf kuratorische Untersuchungen zur Dekonstruktion von Vorurteilen in verschiedenen Filmkulturen, zur Förderung unterrepräsentierter Erzählungen und zur Unterstützung von Amateurformen und experimentellen Ansätzen des Geschichtenerzählens.

Apostles of Cinema ist der erste Film, den das Kollektiv produziert und inszeniert hat.

Apostles of Cinema (or Tenzi za Sinema) follows Frank, DJ Black, and Rehema – three devoted film workers – on a journey through the labyrinth of informal libraries, studios and cinemas that exist to keep film and film culture alive in Tanzania. A testament to the profound cultural value of film when made truly accessible.

Ajabu Ajabu is a collective of audiovisual artists based in Dar es Salaam, Tanzania. They work on the preservation, production, and presentation of audiovisual art. Their work focuses on curatorial investigations to deconstruct biases in different film cultures, promote underrepresented narratives and support amateur and experimental forms of storytelling. Apostles of Cinema is the first film produced and directed by the collective.

Neuseeland New Zealand

2022

5'

Farbe Colour

Samoanisch Samoan

Regie Director

Pati Tyrell

Animation

Tanu Gago

Produktion Production

FAFSWAG

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Mark Williams

Neuseeland New Zealand director@circuit.org.nz circuit.org.nz

Eine visuelle Interpretation von „alagaupu“ (Sprichwörtern), die in samoanischen Trauergesängen und -reden vorkommen, unter Verwendung einer Bildsprache aus dem persönlichen Fotoarchiv des Künstlers.

Pati Tyrell ist ein samoanischer interdisziplinärer Künstler mit einem starken Fokus auf Performance. Er nutzt Medien mit Objektiv, um visuelle Ergebnisse zu schaffen, die sich um urbane, pazifische und queere Identität drehen. Seine Arbeiten wurden in Museen weltweit ausgestellt und waren für den Walters Prize 2018 nominiert. Er ist Mitbegründer des queeren Pasifika-Kunstkollektivs FAFSWAG, das eingeladen wurde, auf der documenta15 im Jahr 2022 auszustellen.

A visual interpretation of ‘alagaupu’ (proverbs) used within Samoan funeral chants and speeches, utilizing imagery from the artist’s personal photographic archive.

Pati Tyrell is a Samoan interdisciplinary artist with a strong focus on performance. He uses lens-based media to create visual outcomes that revolve around urban, Pacific and queer identity. His work has been exhibited in museums worldwide and was nominated for the 2018 Walters Prize. He is co-founder of the queer pasifika art collective FAFSWAG, which has been invited to exhibit at documenta15 in 2022.

Fāgogo (2016)

Niska trava Short Cut Grass

Kroatien Croatia

2023

25'45"

Farbe Colour

Kroatisch mit englischen Untertiteln

Croatian with English subtitles

Regie Director

David Gašo

Buch Script

David Gašo

Kamera Camera

Tin Ostrošić

Schnitt Editor

Marta Bregeš

Tongestaltung Sound design

Dino Ljuban

Produktion Production

Academy of Dramatic Art, University of Zagreb

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Marta Eva Mećava

Kroatien Croatia

marta.eva.mecava@gmail.com

Ein früher Sommerabend beginnt mit einem Spiel. Während ein Kind bis 3.000 zählt, verstecken die anderen sich im Garten. Indessen verbringt ein junger Vater den Rest des Tages mit dem Kind einer anderen Person, wartet ein alter Mann auf einen Anruf, der sein Leben verändern wird, und steht die Zukunft einer jahrelangen Freundschaft auf einmal auf der Kippe. Das Spiel endet, als Mücken sich aus dem Gras erheben.

David Gašo wurde 2000 in Osijek, Kroatien, geboren. Er schloss sein BA-Studium in Film- und Fernsehregie in Zagreb ab. Er hat an der Akademija Dramske Umjetnosti in Zagreb bei mehreren Kurzfilmen Regie geführt, vor allem bei seiner preisgekrönten Kurzautobiografie Laci’s Great Escape und Incendiary, seinem zweiten Kurzfilm, der auf dem 19. Zagreb Film Festival uraufgeführt wurde.

An early summer evening begins with a game: while one kid counts to three thousand, the others hide in a row of suburban gardens. During that time, a young father spends the rest of his day with someone else’s child, an old man awaits a call that will change his life and the future of a year-long friendship becomes uncertain. The game ends when mosquitos start rising from the grass.

David Gašo was born in 2000 in Osijek, Croatia. He completed his BA in film and television directing in Zagreb. He has directed several short films at the Academy of Dramatic Art in Zagreb, most notably his award-winning short autobiography Laci’s Great Escape and Incendiary, his second short film, which premiered at the 19th Zagreb Film Festival.

Thicket (2023), Incendiary (2021), Laci’s Great Escape (2020)

Nameless Syndrome

Südkorea South Korea

2022 24'

Farbe Colour

Koreanisch mit englischen Untertiteln

Korean with English subtitles

Regie Director

Jeamin Cha

Ton Sound

Seyeon Oh

Tongestaltung Sound design

Guenchae Kim

Produktion Production

Jeamin Cha

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Jeamin Cha

Südkorea South Korea

jeaminchaemail@gmail.com jeamincha.info

Nameless Syndrome handelt von der ständigen Reduzierung des Selbst durch die Digitalisierung. Oft werden unidentifizierbare Erkrankungen als unbedeutend oder psychisch abgestempelt, dennoch gibt es immer mehr Frauen, die an Krankheiten leiden, die von der Gesellschaft übersehen werden, da diese medizinische Forschung als die ultimative Wahrheit auffasst. Anstatt sich auf die Bildgebung während der Diagnosen zu verlassen, ist es wichtiger, dem spezifischen Sprachgebrauch der Betroffenen zuzuhören. Die medizinische Bildgebung ist nicht immer eine Garantie für empirische Wahrhaftigkeit.

Jeamin Cha lebt und arbeitet in Seoul. Ihre Arbeiten bestehen nicht aus synthetisierten Bildern und hinterfragen die Möglichkeiten und die Hilflosigkeit der bildenden Kunst und des Dokumentarfilms. Sie nähert sich der Realität von Individuen durch Interviews und Feldstudien und hält fest, wie die Gesellschaft deren Leben durchdringt.

Nameless Syndrome concerns the constant reduction of the self through digitisation. Often unidentifiable illnesses are dismissed as trivial or psychological, yet there is a growing number of women suffering from conditions that are overlooked by a society that holds medical science as the ultimate truth. Rather than relying on body imaging during diagnoses for such patients, it is more important to listen to the patients’ particular use of language. Medical imaging does not always guarantee empirical veracity.

Jeamin Cha lives and works in Seoul. Her works are not constituted of synthesised images and question the possibilities and helplessness of visual art and documentaries. She approaches the reality of individuals through interviews and field studies, noting how society permeates their lives.

Filmauswahl Selected works Maneuver in Place (2022), Working on the Chairs (2020, in Oberhausen 2021), Ellie’s Eye (2020), Sound Garden (2019), On Guard (2018), Twelve (2016)

Secondary Action

Vereinigtes Königreich United Kingdom

2023

16'38"

Schwarzweiß Black-and-white ohne Text without text

Regie Director

Jayne Parker

Schnitt Editor

Jayne Parker

Musik Music

John Lely, Anton Lukoszevieze

Animation

Jayne Parker

Produktion Production

Jayne Parker

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Jayne Parker

Vereinigtes Königreich United Kingdom jayne.parker@virgin.net

Secondary Action ist eine Reihe aufeinanderfolgender Zeichnungen aus dem Jahr 1977. Sie zeigen eine Welt voller unerwarteter Gefahren, Ängste und Übergriffe. Es gibt keine Grenzen. Der Film wird von John Lelys Komposition The Harmonics of Real Strings, III, begleitet, gespielt vom Cellisten Anton Lukoszevieze. Ein langsam gestrichenes Glissando über die gesamte Länge einer einzelnen Saite. Der Film ist eine Allegorie für die Zeiten, in denen wir leben.

Jayne Parker wurde 1957 in Nottingham geboren. Sie ist eine Künstlerin und Filmemacherin, deren Werke in großen Kunstinstitutionen, in Überblicksvorführungen, im Fernsehen und auf Film- und Musikfestivals gezeigt wurden. Viele ihrer Arbeiten spiegeln ein tiefes Interesse an der Struktur von Musik und ihrem Ausdruck im Verhältnis zum Bild wider. Sie unterrichtet an der Slade School of Fine Art, University College London. 2004 wurde sie mit einem Profil in Oberhausen geehrt.

Secondary Action is a series of sequential drawings made in 1977. The drawings show a world of unexpected danger, anguish and invasion: there are no boundaries. The film is accompanied by John Lely’s composition The Harmonics of Real Strings, III, performed by cellist Anton Lukoszevieze, a slowbowed glissando along the full length of one string. The film is an allegory for the times we live in.

Jayne Parker was born in Nottingham in 1957. She is an artist and filmmaker whose work has been widely shown in major art institutions, in survey screenings, on television and at film and music festivals. Much of her work reflects a deep interest in the structure of music and its expression in relation to the image. She teaches at the Slade School of Fine Art, University College London. In 2004 she was honoured with a profile in Oberhausen.

Filmauswahl Selected works Triforium (2021, in Oberhausen 2021), Amaryllis – a study (2020, in Oberhausen 2020), The Oblique (2018, in Oberhausen 2018), Trilogy: Kettle’s Yard (2008), Stationary Music (2005, in Oberhausen 2005), The World Turned Upside Down (2001, in Oberhausen 2003), Foxfire Eins Series (2000), Crystal Aquarium (1995, in Oberhausen 1997), Cold Jazz (1993), The Pool (1991), K. (1989), I Dish (1982)

Swerve

USA

2022

7'28"

Farbe Colour

Englisch, Tagalog mit englischen Untertiteln

English, Tagalog with English subtitles

Regie Director

Lynne Sachs

Buch Script

Paolo Javier

Kamera Camera

Sean Hanley

Schnitt Editor

Rebecca Shapass

Tongestaltung Sound design

Kevin T. Allen

Produktion Production

Lynne Sachs

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Lynne Sachs

USA

lynnesachs@gmail.com

lynnesachs.com

Mit den verräterischen Masken unserer beängstigenden Gegenwart im Gesicht suchen fünf Darstellende aus New York City auf einem Markt in Queens nach einer Mahlzeit und sprechen dabei in Versform. Der Film wird zu einer ars poetica/cinematica, einer Meditation über das Schreiben und das Produzieren von Bildern im Grenzbereich zwischen einer globalen Pandemie und dem, was danach kommen könnte. Inspiriert von den Original Brown Boy-Gedichten von Paolo Javier, Amerikaner mit philippinischen Wurzeln.

Lynne Sachs ist eine Filmemacherin und Dichterin, die ihre frühen, experimentellen Arbeiten auf Zelluloid in San Francisco drehte, wo sie einen feministischen Ansatz verfolgte. Sie macht Filme, Installationen, Performances und Webprojekte. Sie lehrt an der Princeton University und lebt in New York.

Wearing the tell-tale masks of our daunting now, five New York City performers search for a meal in a Queens market while speaking in verse. The film itself transforms into an ars poetica/cinematica, a meditation on writing and making images in the liminal space between a global pandemic and what might come next. Inspired by Filipinx-American Paolo Javier’s Original Brown Boy poems.

Lynne Sachs is a filmmaker and poet who made her early, experimental works on celluloid in San Francisco where she took a feminist approach. She makes films, installations, performances and web projects. She teaches at Princeton University and lives in New York.

Filmauswahl Selected works Figure and I (2021), Girl is Presence (2020, in Oberhausen 2021), Film About a Father Who (2020), A Month of Single Frames (2019, in Oberhausen 2020), Carolee, Barbara & Gunvor (2018, in Oberhausen 2018), Tip of My Tongue (2017), Starfish Aorta Colossus (2015), Drift and Bough (2014), Same Stream Twice (2012), Sound of a Shadow (2011), Wind in Our Hair (2010), The Last Happy Day (2009)

I think of silence when I think of you

Schweden Sweden

2022

9'

Farbe Colour

Englisch mit englischen Untertiteln

English with English subtitles

Regie Director

Jonelle Twum

Kamera Camera

Jonelle Twum, Bro Sammy, Addo

Schnitt Editor

Matilda Lind

Musik Music

Javad Safari

Tongestaltung Sound design

Tove Lidman

Produktion Production

Jonelle Twum

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Jonelle Twum

Schweden Sweden

jonelle.twum@gmail.com

I think of silence when I think of you ist das lyrische Porträt der Verlobung einer Frau in Ghana und ihrer bevorstehenden Auswanderung in den späten 1990er-Jahren. Der Film zeigt, wie sich eine Frau durch die Welt navigiert in Bezug auf die Stille, die ihren Wünschen und Träumen von Europa entgegensteht.

Jonelle Twum ist eine Filmregisseurin aus Malmö, Schweden. Ihr Kurzfilm A mother’s body aus dem Jahr 2020 wurde international und in Schweden gezeigt und für mehrere Preise nominiert. Derzeit entwickelt sie den letzten Film ihrer Trilogie über Mutterschaft, Arbeit und Träume.

I think of silence when I think of you is a lyrical portrait of a woman’s engagement in Ghana and her impending migration in the late 1990s. The film depicts a woman’s navigation through the world in relation to silence, set against her desires and dreams of Europe.

Jonelle Twum is a film director from Malmö, Sweden. Her short film A mother’s body from 2020 was screened internationally and in Sweden and nominated for several awards. She is currently developing the last film in her trilogy about motherhood, work and dreams.

A mother’s body (2020)

C-TV (Wenn ich Dir sage, ich

habe Dich gern…) C-TV (If I Tell You I Like You…)

C-TV ist fiktiver Fernsehkanal, Literaturverfilmung sowie Entwurf inklusiven Filmschaffens. Nach einer Explosion im Fernsehstudio ist die Welt barrierefrei. Die Gäst*innen der Talkshow werden zu ihrer künstlerischen und politischen Arbeit interviewt. Ein Hamster, poetische Zitate, Furry-Wesen, Werbepausen mit Zombie und Studio-Band sind Elemente dieser Doku-Fiction.

Österreich Austria

2023

30'

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Regie Director

Eva Egermann, Cordula Thym

Buch Script

Eva Egermann, Cordula Thym

Kamera Camera

Magdalena Fischer, Caroline Bobek

Ton Sound

Theda Schifferdecker, Sophie Wasserburger

Schnitt Editor

Eva Egermann, Cordula Thym

Musik Music

Armin Lorenz Gerold, Katharine Appleton, Riverworn, Radio Night, Steven Andolf

Tongestaltung Sound design

Lenja Gathmann

Produktion Production

Eva Egermann, Cordula Thym

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Eva Egermann

Österreich Austria

evamariaegermann@gmail.com

Eva Egermann, 1979 in Wien geboren und im Burgenland aufgewachsen, ist Künstlerin und arbeitet künstlerisch-forschend in verschiedenen Medien und kollektiven Zusammenhängen. Im Jahr 2011 hat sie das Zeitschriftenprojekt Crip Magazine ins Leben gerufen. Sie war zuletzt an Ausstellungen in Bergen, Wien, Graz, Stuttgart und Istanbul beteiligt. C-TV (Wenn ich Dir sage, ich habe Dich gern…) ist ihr erster Film.

Cordula Thym wurde 1977 in Tirol geboren und ist Filmemacherin, Editorin und Tonfrau. Gemeinsam mit Katharina Lampert realisierte sie die beiden abendfüllenden Dokumentarfilme verliebt verzopft verwegen und FtWTF –female to what the fuck. 2017 wurde sie mit dem Diagonale-Preis für die beste künstlerische Montage ausgezeichnet.

C-TV is a fictitious television channel, a screen adaptation and a blueprint for inclusive filmmaking. After an explosion in the TV studio, the world is barrier-free. The guests on the talk show are interviewed about their artistic and political work. A hamster, poetical quotes, furry beings, commercial breaks with zombie and studio band are all elements of this docu-fiction.

Eva Egermann, born in Vienna in 1979 and raised in Burgenland, is an artist and works artistically, researching in various media and collective contexts. In 2011, she started the magazine project Crip Magazine. She has recently been involved in exhibitions in Bergen, Vienna, Graz, Stuttgart and Istanbul. C-TV (If I Tell You I Like You…) is her first film.

Cordula Thym was born in 1977 in Tyrol and is a filmmaker, editor and sound engineer. Together with Katharina Lampert, she realised the two featurelength documentaries verliebt verzopft verwegen and FtWTF – female to what the fuck. In 2017 she was awarded the Diagonale Prize for best artistic montage.

Cordula Thym Schweiffels – Mein Herz (2020), Inclusive Allstars Band (2019), Flash Crew – Not Ashamed (2017), FtWTF – female to what the fuck (mit with Katharina Lampert 2015), verliebt, verzopft, verwegen (mit with Katharina Lampert 2009)

Ozr el wezzah The Goose’s Excuse

Ägypten, Vereinigtes Königreich

Egypt, United Kingdom

2023 25'15"

Farbe Colour

Arabisch mit englischen Untertiteln

Arabic with English subtitles

Von By

Mahdy Abo Bahat, Abdo Zin Eldin

Produktion Production

GRAVEGOOD

Production

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Mahdy Abo Bahat

Vereinigtes Königreich United Kingdom mahdy@gravegood.com

Eine spirituelle Inquisition kommt in ein Dorf, um die Träume eines Bauern und seiner abtrünnigen Gans zu untersuchen. Geleitet vom eifrigen Brummen eines göttlichen Spektralapparats werden fremdartige Frequenzen aufgespürt. Eine „spirituelle Realität“, verborgen in der Alltäglichkeit des Bauernhauses, führt zur Stadt der Toten in Kairo.

Mahdy Abo Bahat und Abdo Zin Eldin sind Künstler und Filmemacher aus Kairo, ansässig zwischen Ägypten und dem Vereinigten Königreich. Das Duo blickt auf eine zehnjährige Praxis zurück, die in Ton und Bild in Form von AudioFeldaufnahmen und Straßenvideografie verwurzelt ist. Ihre Fixierung auf das bewegte Bild entspringt dem Bedürfnis zu dokumentieren, da sie die ägyptischen Unruhen von 2011 miterlebten. Ozr el wezzah ist Ihr Debütfilm.

A spiritual inquisition lands in a village to inspect the dreams of a peasant and his renegade goose. Led by the zealous hums of a divine spectral apparatus, the visitation detects estranged frequencies, a ‘spiritual reality’ cloaked in the mundaneness of the peasant’s home, leading to Cairo’s City of the Dead.

Mahdy Abo Bahat and Abdo Zin Eldin are artists and filmmakers from Cairo, based between Egypt and the UK. The duo have a ten-year practice rooted in sound and image in the form of audio field recordings and street videography. Their fixation on the moving image stems from a need to document as they witnessed the Egyptian upheavals of 2011. The Goose’s Excuse is their debut film.

and so it came about (A Tale of Consequential Dormancy)

USA

2023

13'

Farbe Colour

Englisch English

Regie Director

Charlotte Pryce

Buch Script

Charlotte Pryce

Kamera Camera

Charlotte Pryce

Schnitt Editor

Charlotte Pryce

Musik Music

Silfra

Tongestaltung Sound design

Charlotte Pryce

Produktion Production

Charlotte Pryce

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Charlotte Pryce USA

charlotte@charlottepryce.net

charlottepryce.net

Ein mythologisches Märchen – die Geschichte von Persephone – wird neu erzählt, umgestaltet und an den Rand eines Gemeindelands verlagert. Die komplizierten Intrigen des Sichtbaren und des Unsichtbaren enthüllen eine Unterwelt, die zugleich verlockend und bedrohlich ist. Aber was sind die Folgen eines solchen Übertretens zwischen den Welten? Der Titel bezieht sich auf einen ökologischen Prozess, bei dem Organismen als Reaktion auf ungünstige Bedingungen in eine Ruhephase eintreten.

Charlotte Pryce wurde in London geboren und stellt seit 1986 experimentelle Filme, Fotografien und optische Objekte her. Sie erwarb einen BFA an der Slade School of Fine Art, University College London, und absolvierte einen MFA in Bildender Kunst/Film an der School of the Art Institute of Chicago. Ihre Filme wurden auf zahlreichen Festivals und in Kunsthäusern gezeigt. Sie hat internationale Preise und Stipendien erhalten.

A mythological tale – the story of Persephone – is retold, recast and relocated to the periphery of a common. The entangled intrigues of the seen and the unseen conspire to disclose an underworld at once enticing and threatening. But what are the consequences of such trespassing between worlds? The title refers to the ecological process that occurs when organisms enter a dormant phase in response to adverse conditions.

Charlotte Pryce was born in London and has been making experimental films, photographs and optical objects since 1986. She earned a BFA from the Slade School of Fine Art, University College London, and completed an MFA in Fine Art/Film at the School of the Art Institute of Chicago. Her films have been screened at numerous festivals and art centres. She has received international awards and grants.

Filmauswahl Selected works Of this Beguiling Membrane (2021), Pwdre Ser the rot of stars (2019), Prima Materia (2015), A Study in Natural Magic (2013, in Oberhausen 2013), Looking Glass Insects (2012), Curious Light (2011), The Parable of the Tulip Painter and the Fly (2008, in Oberhausen 2009), Discoveries on the Forest Floor 1-3 (2007, in Oberhausen 2008), Concerning Flight: Five Illuminations in Miniature (2003), X (1986)

Ekstaasi Ecstasy

Finnland Finland

2022

9'48"

Farbe Colour

Finnisch mit englischen Untertiteln

Finnish with English subtitles

Regie Director

Matti Harju

Buch Script

Matti Harju

Kamera Camera

Matti Harju

Ton Sound

Matti Harju, Petrus Rapo

Schnitt Editor

Matti Harju

Musik Music

Jarmo Kämäräinen, Asko Lintunen

Produktion Production

humble pony

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Matti Harju

Finnland Finland

matti.harju@outlook.com

mattiharju.com

Ein Film im Fieberwahn zur dunkelsten Zeit des Jahres über eine kleine, ständig schrumpfende Insel innerhalb – irgendwo zwischen der Suche nach Genuss und den inhärent zerstörerischen Kräften des Kapitalismus – der Ekstase.

Matti Harju wurde 1978 in Finnland geboren und lebt als Filmregisseur in Kouvola, Finnland. Er wurde zunächst am Lahti Polytechnic Institute of Design in Finnland ausgebildet und besuchte dann die britische National Film and Television School. Im Jahr 2021 schloss er sein Studium an der Kunstakademie in Helsinki mit einem MFA ab. Er hat mehrere Kurzfilme gedreht, die auf Festivals weltweit gezeigt wurden.

Set in the darkest time of the year, a feverish and delirious film about a small and ever-shrinking island within – located somewhere between the search for pleasure and the inherently destructive powers of capitalism – the Ecstasy.

Matti Harju was born in Finland in 1978 and is a film director based in Kouvola, Finland. He was first educated at Lahti Polytechnic Institute of Design in Finland and then attended the National Film and Television School in England. In 2021, he graduated from the Academy of Fine Arts Helsinki with an MFA. He has made several short films that have been screened at festivals worldwide.

Filmauswahl Selected works Kolme päivää sadetta (2021, in Oberhausen 2022), Born to Feel (2021, in Oberhausen 2022), El centro (2021), Aliens (2020), Nueva era (2018), Afrikka (2011), One in Four (2008), Mies etsii miestä (2004)

meest rongis ja keegi veel

Two Men on Train and Someone Else

Estland Estonia 2022 19'57"

Farbe Colour

Estnisch mit englischen Untertiteln

Estonian with English subtitles

Regie Director

Jaan Toomik

Buch Script

Jaan Toomik

Kamera Camera

Rein Kotov

Ton Sound

Ivo Felt

Schnitt Editor

Jaak Ollino Jr

Musik Music

Rainer Jancis, Maria Faust, Johann Sebastian Bach

Tongestaltung Sound design

Ivo Felt, Seppo Vanhatalo

Produktion Production

Ivo Felt

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Allfilm OÜ

Ivo Felt

Estland Estonia

ivo@allfilm.ee allfilm.ee

Gespickt mit elegischen Untertönen nimmt uns diese Abschiedsgeschichte mit in eine Welt alter Männer, die sich darauf vorbereiten, dieser Welt Lebewohl zu sagen. Alle auf ihre eigene bizarre Art und Weise. Nicht tragisch, aber das Überschreiten der Schwelle zur Ewigkeit ist ihnen immer noch ein Rätsel – ebenso wie das Leben selbst.

Jaan Toomik, geboren 1961, ist ein estnischer Videokünstler, Maler und preisgekrönter Filmemacher, der oft als der bedeutendste estnische zeitgenössische Künstler in der internationalen Szene bezeichnet wird. Er hat an mehreren großen Ausstellungen teilgenommen, darunter die Biennale São Paulo, ARS ’95, Manifesta 1, Biennale di Venezia und die 4. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst. 2017 wurde er mit einem Profil in Oberhausen geehrt.

Peppered with elegiac undertones, this farewell story takes us to the world of old men getting ready to say their goodbyes to this world. Each in their own bizarre way. Nothing tragic, but the crossing of the threshold of eternity is still an enigma for all of them – just as is life itself.

Jaan Toomik, born in 1961, is an Estonian video artist, painter and award-winning filmmaker, often described as the most recognised Estonian contemporary artist on the international scene. He has participated in several major exhibitions, including the São Paulo Biennale, ARS ’95, Manifesta 1, the international Venice Biennale and the 4th Berlin Biennale of Contemporary Art. In 2017 he was honoured with a profile in Oberhausen.

Fish (2018, in Oberhausen 2018), Landscape with Many Moons (2014), Oleg (2010, in Oberhausen 2010), Communion (2007, in Oberhausen 2008), Liina (2003, in Oberhausen 2004), Isa ja poeg (1998, in Oberhausen 2000)

Saya di Sini, Kau di Sana (a

Tale of the Crocodile’s Twin)

I’m Here, You’re There (a Tale of the Crocodile’s Twin)

Krokodile und Menschen müssen sich innerhalb der roten Zone (dem Tsunami-Risikogebiet) Lebensraum teilen. Dort leben sie in gegenseitigem Misstrauen.

Taufiqurrahman Kifu ist ein interdisziplinärer Künstler. In seiner künstlerischen Praxis verwendet er verschiedene Medien wie Zeichnung, Fotografie, Ton, Video, Film und Performancekunst. Im Jahr 2016 war er Mitbegründer des Forum Sudut Pandang, eines Kunstkollektivs mit Sitz in Palu. Im Jahr 2022 initiierte er eine Plattform namens MUTUALS als Raum für Kunst und interdisziplinäre Experimente, um die Stadt durch Zeichnung, Sound und Performancekunst zu erfassen.

Crocodiles and humans must share living space within the red zone (tsunami-prone zone). There, they live suspiciously of each other.

Indonesien Indonesia 2022

18'26"

Farbe Colour

Indonesisch mit englischen Untertiteln

Indonesian with English subtitles

Regie Director

Taufiqurrahman Kifu

Ton Sound

Muh. Andi Fikri

Schnitt Editor

Ammar Dzakwan

Tongestaltung Sound design

Yusuf Radjamuda, Fera Lonardy

Produktion Production

Sinekoci, Forum Sudut Pandang

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Sinekoci Palu

Indonesien Indonesia

emailsinekoci@gmail.com sinekoci.org

Taufiqurrahman Kifu is an interdisciplinary artist. In his artistic practice, he uses various media such as drawing, photography, sound, video, film and performance art. In 2016, he co-founded Forum Sudut Pandang, an art collective based in Palu. In 2022, he initiated a platform called MUTUALS as a space for art and interdisciplinary experiments to record the city through drawing, sound and performance art.

Rotation (2021)

USA

2022

19'50"

Farbe Colour

Englisch mit englischen Untertiteln

English with English subtitles

Regie Director

Lori Felker

Buch Script

Lori Felker

Kamera Camera

Lori Felker, Nk Xiong, Liz Sunday

Ton Sound

Spencer Tye

Schnitt Editor

Lori Felker

Produktion Production

Lori Felker

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Lori Felker

USA

lorifelker@gmail.com

FelkerCommaLori.com

Fiktion, Realität, Privates und Performance überschneiden sich an einem routinierten sowie emotionalen Tag in einem medizinischen Zentrum.

Lori Felker ist Filmemacherin und Performerin und unterrichtet und kuratiert Programme. Ihre Filme erforschen die unausgesprochenen, frustrierenden und chaotischen Qualitäten menschlicher Interaktion, wobei sie Empathie, Diskontinuität, Trauer und multiple Dimensionen entdeckt. Sie liebt alle Facetten des Filmemachens und hat als Kamerafrau, Editorin und/oder Schauspielerin gearbeitet und für Festivals und Galerien programmiert. Sie hat internationale Stipendien erhalten und ist Assistenzprofessorin an der DePaul University in Chicago.

Fiction, reality, the private and the performed overlap on a routine but emotional day at a medical centre.

Lori Felker is a filmmaker and performer and teaches and curates programmes. Her films explore the ineloquent, frustrating and chaotic qualities of human interaction and discover empathy, discontinuity, grief and multiple dimensions. She loves all facets of filmmaking and has worked as a cinematographer, editor, and/or actor and programmed for festivals and galleries. She has received international grants and is an assistant professor at DePaul University in Chicago.

Filmauswahl Selected works Bubblin’ (2022), Partners (2021), Look Down & Find It (2021), I Can’t (2020), Larila (2019), FUTURE LANGUAGE: The Dimensions of VON LMO (2018), A Trip to Always Falls (2015), Struggle Is Enough (2014), Scattered in the Wind (2013), Across & Down (2012), The Mirrored Curtain (2011), Imperceptihole (2010), This Is My Show (2009)

Untitled

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

8'45"

Farbe Colour

Englisch mit englischen Untertiteln

English with English subtitles

Von By

Sweatmother

Produktion Production

S Brown

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

S Brown

Vereinigtes Königreich United Kingdom visualsweats@gmail.com

Paul B. Preciado sagt: „Trans Körper (…) sprechen durch ihre Existenz unterschiedliche Sprachen, die den Kolonist*innen unbekannt sind, sie haben Träume, von denen Psychoanalytiker*innen nichts wissen.“ Durch das Werk präsentiert Sweatmother eine Live-Performance der Synthese einer „Frau“.

Sweatmother ist ein in London lebender Künstler und Filmemacher. Seine Bewegtbildarbeiten kombinieren Performance, selbst aufgenommene Dokumentarfilme, Internet- und Archivmaterial, um queere Lebenserfahrungen zu erforschen und sichtbar zu machen. Er ist visueller Resident der Londoner Clubnacht INFERNO, Mitorganisator der Londoner Trans+ Pride und Gründer des Otherness Archive, eines digitalen Archivs, das queere Filme und deren Pioniersarbeit dokumentiert und auch zeitgenössischen Filmschaffenden einen Raum bietet.

Paul B. Preciado says ‘Trans bodies (…) though living, speak in languages unknown to the coloniser, they have dreams psychoanalysts are unaware of’. Through creation, the artist does a live performance of synthesizing a ‘woman’.

Sweatmother is a London-based artist and filmmaker. His moving image work combines performance, self-recorded documentation, internet and archive footage to explore and make visible queer life experiences. He is a visual resident of the London club night INFERNO, co-organiser of London’s Trans+ Pride and founder of the Otherness Archive, a digital archive documenting queer films and their pioneers, as well as providing a space for contemporary filmmakers.

Femme Cowboy (2021), Other Voices (2020), Soft Exits (2019)

Kirgisistan Kyrgyzstan

2023

24'

Farbe Colour

Kirgisisch mit englischen Untertiteln

Kyrgyz with English subtitles

Von

By

Alizhan Nasirov

Produktion Production

Aisuluu

Amitova

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Alizhan

Nasirov

Kirgisistan Kyrgyzstan

alijannasirov@gmail.com

Der Film erzählt die Geschichte eines 22-jährigen, jungen Arztes, der beschloss, unter harten, klimatischen Bedingungen in einem Tal zu arbeiten, in dem kein anderer Arzt arbeiten wollte.

Alizhan Nasirov wurde 1980 in Kirgisistan geboren und ist Regisseur und Drehbuchautor. Von 2003 bis 2009 studierte er an der Fakultät für Kommunikation der Kyrgyz-Turkish Manas University im Fachbereich Radio, Fernsehen und Kino und machte dort seinen Abschluss. Von 2012 bis 2014 arbeitete er im staatlichen kirgisischen Filmstudio. Er ist Mitglied des Verbands der kirgisischen Kameraleute und Preisträger von rund 40 internationalen Filmfestivals. This film tells the story of a young, 22-year-old doctor who decided to work in a valley with severe climate conditions, where no other doctor agreed to work.

Alizhan Nasirov was born in 1980 in Kyrgyzstan and is a director and screenwriter. From 2003 to 2009 he studied and graduated at the Department of Radio, TV and Cinema in the Communication Faculty at Kyrgyz-Turkish Manas University. From 2012 to 2014 he worked at the Kyrgyz state film studio. He is a member of the Union of Kyrgyz Cinematographers and a laureate of about 40 international film festivals.

Ata Beyit (2015), The Old Maid (2013), Father (2012), Water (2011), Cattle Camp (2010)

Kanada, Frankreich Canada, France

2022

13'

Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white stumm silent

Von By Alexandre Larose

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Alexandre Larose

Kanada Canada

alexandre.larose.1@gmail.com

Erster Teil eines Triptychons, das sich um die Gestalt meines Vaters dreht, die in häuslicher Umgebung verschiedene, bekannte Gesten durchführt.

Alexandre Larose ist ein französisch-kanadischer Künstler, der in Montreal lebt. In seiner Praxis des bewegten Bildes untersucht er Phänomene der Erscheinung und Repräsentation, die durch die Medien der Optik und Zelluloid übersetzt werden. Sein Ansatz beruht auf einem methodischen Abtragen von Schichten, die sowohl in den lebenden Subjekten als auch in der Technologie, die sie in visuelle Artefakte übersetzt, eingebettet sind.

First piece of a triptych centred around my father’s figure, performing familiar gestures in the domestic environment.

Alexandre Larose is a French-Canadian artist based in Montreal. His moving image practice investigates phenomena of appearance and representation as translated through the media of optics and celluloid. His approach relies on a methodical stripping away of layers embedded in both the living subjects and the technology that translates them into visual artefacts.

Filmauswahl Selected works I. / II. / III. — tryptich (2022), Saint Bathans Repetitions (2016), brouillard #14 (2013), Ville Marie (2009), 930 (2006)

Dongarachya Kushit In the Lap of the Mountain

Indien India

2022

20'04"

Farbe Colour

Marathi, Hindi mit englischen Untertiteln

Marathi, Hindi with English subtitles

Regie Director

Adhiraj Kashyap

Kamera Camera

Sejal Kothari

Schnitt Editor

Somprakash Sahu

Tongestaltung Sound design

Sneha Sundar

Produktion Production

Film and Television Institute of India (FTII)

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Adhiraj Kashyap

Indien India

kashyapadhiraj@gmail.com

Aufgrund der anhaltenden Kastendynamiken und -hierarchien in Golegaon ebenso wie im Rest des Landes fällt es den Adivasi im Dorf schwer, an ihren Traditionen festzuhalten und ihre individuelle Identität als Gruppe an genau dem Ort zu bewahren, der ihnen seit Generationen gehört.

Adhiraj Kashyap ist ein Filmemacher, der aus der indischen Stadt Guwahati stammt. Nach einem Abschluss in Physik assistierte er bei einigen Dokumentar- und Spielfilmen und versuchte sich als Amateurfilmer. Anschließend studierte er Regie und Drehbuch am Film and Television Institute of India, wo er auch heute noch studiert.

Due to the caste dynamics and hierarchy prevailing in Golegaon as in the rest of the country, the Adivasi people in the village struggle to hold onto their traditions and assert their own individual identity as a community in the very place that has belonged to them for generations.

Adhiraj Kashyap is a filmmaker hailing from the Indian city of Guwahati. After graduating in physics, he assisted in a few documentaries and feature films and tried his hand at amateur filmmaking. He then studied directing and screenwriting at the Film and Television Institute of India, where he still studies today.

The Fragrance of Fallen Parijats (2022), Brocken Spectre (2018)

Return Belong Prosper

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2023

34'32"

Farbe Colour

Englisch mit englischen Untertiteln

English with English subtitles

Regie Director

Katie Davies

Kamera Camera

Dave Joddrell, Darren Horsnell, Steve Butterworth, Jamie Comer, Elizabeth Landesberg

Ton Sound

Katie Davies, Dave Joddrell, Darren Horsnell, Steve Butterworth

Schnitt Editor

John Renney, Dave Joddrell, Darren Horsnell, Steve Butterworth

Musik Music

Mike Exarchos, Rob Toulson

Animation

Wojciech Rusin

Tongestaltung Sound design

Mike Exarchos, Rob Toulson

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Katie Davies

Vereinigtes Königreich United Kingdom katiecathrynanne@hotmail.com katiedavies.com

Vertrieben aus einer Kultur, in die sie nicht zurückkehren können, und frustriert mit der Kultur, in der sie leben, erdenken, malen und verwirklichen drei Kriegsveteranen eine neue Welt der Freundlichkeit und des Mitgefühls für weitere von ihnen und ihre Community. Return Belong Prosper wurde von Veterans in Communities als Teil des Projekts The Stories in Transition co-produziert.

Katie Davies ist eine Bewegtbildkünstlerin und Senior Lecturer, die kritisches Denken durch Filmemachen lehrt. Sie arbeitet mit 16 mm, 4K und Installationen und erforscht die Konstruktion von kollektiven Identitäten und das bewegte Bild mit Gruppen und Gemeinschaften. Sie interessiert sich dafür, wie bewegte Bilder neue imaginäre Gemeinschaften schaffen und Orte und Identitäten zurückgewinnen können. Displaced from a culture that they can’t return to and frustrated with the one they are in, three veterans imagine, paint and make real a new world of kindness and compassion for fellow veterans and their community. Return Belong Prosper was co-produced with Veterans in Communities as part of The Stories in Transition Project.

Katie Davies is a moving image artist and Senior Lecturer who teaches critical thinking through filmmaking. Working with 16 mm, 4K and installation, she explores the construction of collective identities and the moving image with groups and communities. She is interested in how moving images can create new imagined communities and reclaim places and identities.

Turn To The Wind (2023), Leave No One Behind (2023), Divided by Law (2021), The Separate System (2017, in Oberhausen 2017), Sleeping in Public (2017), The Lawes of the Marches (2015, in Oberhausen 2015), The Separation Line (2012), Commonwealth (2009), 38th Parallel (2008)

A Bear Named Jesus

Kanada Canada 2023

5'29"

Farbe Colour

Englisch English

Regie Director

Terril Calder

Buch Script

Archer Pechawis

Animation

Terril Calder

Produktion Production

One Foot Tapping Media Inc.

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Daniel Northway-Frank

Kanada Canada

northwayfrankconsulting@gmail.com

Bei Tante Gladys’ Beerdigung hörte Archer Pechawis ein Klopfen am Fenster – es war ein Bär namens Jesus. Eine Allegorie für religiöse Einflussnahme mit einem schmerzhaften und gleichzeitig humorvollen Blick auf Entfremdung und Trauer um eine verlorene Person, die noch lebt.

Terril Calder ist eine Métis-Künstlerin, die in Fort Frances, Ontario, geboren wurde und derzeit in Toronto lebt. Angetrieben von ihrer Liebe zu hybriden Medien und Fusionskunst experimentiert sie mit dieser Verschmelzung in ihren Stop-Frame-Animationsfilmen, die sie schreibt, inszeniert, gestaltet und animiert. Ihre Filme wurden auf nationaler und internationaler Ebene gezeigt.

At Aunty Gladys’s funeral, Archer Pechawis heard a tap on the window – it was a bear named Jesus… an allegory for religious interference, with an aching yet humorous look at estrangement and mourning for the loss of someone still living.

Terril Calder is a Métis artist who was born in Fort Frances, Ontario and currently resides in Toronto. Driven by a love of hybrid media and fusion art, she experiments with the merging in her stop-frame animated films, which she writes, directs, designs and animates. Her films have been screened nationally and internationally.

Keewaydah (2017), Snip (2016), The Lodge (2014), Choke (2010, in Oberhausen 2011)

gewesen sein wird will have been

Österreich Austria

2022

17'30"

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Regie Director

Sasha Pirker

Kamera Camera

Ortrun Bauer

Schnitt Editor

Sasha Pirker

Tongestaltung Sound design

Stefan Nemeth

Produktion Production

Sasha Pirker

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

sixpackfilm

Gerald Weber

Österreich Austria

gerald@sixpackfilm.com

sixpackfilm.com

Ein poetischer Streifzug durch die Wohnung von Heinz Frank, Wiener Künstler und Architekt, der seine Wohnung zu Lebzeiten in ein Kunstwerk verwandelte. Seine Tochter Lilli Breuer kämpft seit seinem Tod für den Erhalt dieses kleinen Schatzes.

Sasha Pirker wurde 1969 in Wien geboren. Sie studierte Sprachwissenschaft in Wien und Paris. Seit 2006 unterrichtet sie an der Akademie der bildenden Künste Wien im Bereich Film, Video und Kunst. The film is a poetic ramble through the apartment of Heinz Frank, Viennese artist and architect, who transformed his apartment into a work of art during his lifetime. His daughter Lilli Breuer has been fighting for the preservation of this little treasure since his death.

Sasha Pirker was born in Vienna in 1969. She studied linguistics in Vienna and Paris. Since 2006, she has been teaching at the Academy of Fine Arts Vienna in the fields of film, video and art.

Filmauswahl Selected works Me and Ma and Everything and Nothing (2022), Real Time (2021), 60 Elephants. Episodes of a Theory. (2018, in Oberhausen 2019), DONALD JUDD and I (2016), If I had land under my feet (2016), Höhenrausch (2015), Es gibt Bilder, weil es Wände gibt – Ein Prolog (2013, in Oberhausen 2014), It looks like a Japanese film (2011), The Future will not be Capitalist (2010), Angelica Fuentes, The Schindler House (2008), John Lautner, The Desert Hot Springs Motel (2007)

Noita miettien Thinking about that

Finnland Finland

2023

20'48"

Farbe Colour

Finnisch mit englischen Untertiteln

Finnish with English subtitles

Von By Mox Mäkelä

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

AV-arkki

Tytti Rantanen

Finnland Finland

programme@av-arkki.fi

av-arkki.fi

Was erklärt sie? Spricht sie für sich selbst? Ihr Mantel ist aus Popeline und ihr Halstuch ist gelb wie ein Kanarienvogel. Niemand weiß, ob sie sich irgendwo gestoßen hat, als sie aus dem Paradies des Markts kam, aber eine Gruppe Torsos weiß aus eigener Erfahrung, dass so etwas passiert. Mox Mäkelä wurde 1958 geboren und ist seit 1978 als Konzeptkünstlerin tätig. Ihre Kunst wurde an verschiedenen Orten und in verschiedenen Kontexten sowie auf internationalen Film- und Kunstfestivals gezeigt. In ihren ökokritischen Filmen und Installationen erforscht sie den Clash von Natur und Mensch innerhalb des maritimen Milieus. Ein weiterer Teil ihrer Arbeit ist idiot ibidem, ein Langzeitprojekt, das eine literaturgeschichtliche Ereigniskette mit voller methodischer Freiheit und Vielfalt erforscht. What does she explain? Does she speak for herself? Her coat is poplin and its neckerchief is yellow like a canary. Whether she bumped into something when she came from the paradise of market, no one knows, but a group of torsos knows based on their own history that such a thing happens. Mox Mäkelä was born in 1958 and has been a conceptual artist since 1978. Her art has been shown in various venues and contexts, as well as at international film and art festivals. In her ecocritical films and installations, she explores the clash between nature and human beings in the marine environment. Another part of her work is idiot ibidem, a long-term project that explores a literary-historical chain of events with full methodological freedom and diversity.

Filmauswahl Selected works Andjust Audio (2021), Andjust (2020), Host Sapiens (2018), Strange (2018), Hospitality –Menu (2016), Hospitality Fin€ (2016), Mermaid’s Vomit – Boxes Next Life (2016), Levitation on a Concrete Surface (2015), Shepherd’s Bank – Night Ship (2015), A Kind of (2015), Status (2013), Mermaid’s Vomit (2010), Shepherd Load (2010), Shepherd’s Bank – Norway (2010), Visitors (2010)

Bildwerden

Österreich Austria

2022

9'15"

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Von By Christiana Perschon

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

sixpackfilm

Gerald Weber

Österreich Austria

gerald@sixpackfilm.com

sixpackfilm.com

Isolde Maria Joham – die Frau im Bild – steigt auf ein Rollgerüst. Ganz sachte nimmt sie eine Stufe nach der anderen, bis sie fast ganz oben steht, dann streckt sie ihren Daumen hoch und blickt verschmitzt lächelnd in die Kamera. In streng kadrierten Bildausschnitten zeigt Christiana Perschon die 90-jährige Künstlerin, wie sie mit diesem Gerüst performt, immer wieder durch seine Verstrebungen hindurch in die Kamera blickt.

Christiana Perschon wurde 1978 in Baden bei Wien geboren und ist Künstlerin und Regisseurin. Sie studierte an der Akademie der bildenden Künste Wien und arbeitete für den Österreichischen Rundfunk, das Filmarchiv Austria und als Kuratorin. Ihre Filme wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und auf internationalen Festivals gezeigt.

Isolde Maria Joham – the woman pictured – steps onto a mobile scaffolding. She very gradually climbs up one step at a time before nearly reaching the top, when she stops to give a thumbs-up and mischievously smiles at the camera. Christiana Perschon presents the 90-year-old artist in austerely framed shot segments. Joham performs with the scaffolding, time and again peering through its struts to gaze into the camera.

Christiana Perschon was born in Baden, near Vienna, in 1978 and is an artist and director. She studied at the Academy of Fine Arts Vienna and worked for the Austrian Broadcasting Corporation, the Filmarchiv Austria and as a curator. Her films have won numerous awards and have been shown at international festivals.

Sekundenarbeiten (2021, in Oberhausen 2022), Sie ist der andere Blick (2018), das bin nicht ich, das ist ein bild von mir (2018), Double 8 (2016), Ghost Copy (2016), Noema (2014)

Yuen

ninaoyuen@gmail.com ninayuen.info

Eine Frau erfindet eine Reihe von Technologien, mit denen sie die physischen Grenzen ihres Körpers und die ihr vom Voranschreiten der Zeit auferlegten Einschränkungen überwinden kann.

Nina Yuen wurde auf Hawaii geboren. Sie hat einen BA von der Harvard University in Cambridge, einen MFA vom Bard College in New York und war Stipendiatin der Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam. Ihre Arbeiten wurden international auf Filmfestivals, in Kunstmuseen und Kunstgalerien gezeigt. Seit 2009 werden ihre Filme regelmäßig bei den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen gezeigt. 2017 wurde sie mit einem Profil in Oberhausen geehrt. Sie lebt und arbeitet in New Haven, Connecticut. A woman invents a series of technologies that allow her to transcend the physical limitations of her body and the constraints imposed by the forward march of time.

Nina Yuen was born in Hawaii. She received a BA at the Harvard University in Cambridge, an MFA from Bard College in New York and completed a residency at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam. Her works have been shown internationally in film festivals, art museums and art galleries. Since 2009, her films have frequently been presented at the International Short Film Festival Oberhausen. She was honoured with a Profile in Oberhausen in 2017. She lives and works in New Haven, Connecticut.

Filmauswahl Selected works Evelyn (2019, in Oberhausen 2019), Britney (2018, in Oberhausen 2018), Narcissus (2016, in Oberhausen 2016), Raymond (2015, in Oberhausen 2015), Hermione (2014, in Oberhausen 2014), Lea (2014), Juanita (2012), Don (2006)

Gankyu no Hito The Eyeball Person

Japan

2023

11'42"

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white

Japanisch mit englischen Untertiteln

Japanese with English subtitles

Von By

Yuri Muraoka

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Yuri Muraoka

Japan

fkmsy@alpha.ocn.ne.jp

vimeo.com/user39211107

Ein Film über Blicke und Abschiede. Ein Versuch, Bilder mit Worten zu verweben und ein Gedicht mit Bildern. Mir wird bewusst, dass Leben bedeutet zu leiden, wenn ich sehe, dass meine Tochter Nemu sich im Kampf windet und Sonnenblumen sich winden, um zu blühen.

Yuri Muraoka wurde 1981 in Tokio geboren. Sie brach die Oberschule ab und machte ihren Abschluss in der 26. Klasse des Image Forum Institute of the Moving Image. Sie schafft fortlaufend bewegte Bilder und fotografische Werke der „Selbstdarstellung“. Alle ihre Arbeiten sind selbst geschaffen und selbst inszeniert. Ihr Film Transparent, I am. gewann den Großen Preis der Stadt Oberhausen bei den 67. Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen. This film is about gazes and goodbyes. An attempt to weave images with words and to weave a poem with images. I realise that living is suffering to see that Nemu, one of my daughters, squirms with the struggle, and sunflowers squirm to try to bloom.

Yuri Muraoka was born in Tokyo in 1981. She dropped out of high school and graduated from the 26th class of the Image Forum Institute of the Moving Image. She continues to create moving images and photographic works of ‘self-portraiture’. All her works are self-created and self-performed. Her film Transparent, I am. won the Grand Prix at the 67th International Short Film Festival Oberhausen.

Transparent I am (2020, in Oberhausen 2021), IDEA (2019), Transparent, the world is. (2019), Schizophrenia (2016), Origin of flowers (2008), yuRi=paRadox -Sleep is equal to awake (2006), L’INTERDIT II (2003), The Miracle (2003), The reason why I do not eat meat I (2002)

Every Sunday, GrandMa

Frankreich, Belgien France, Belgium

2022

7'17"

Farbe Colour

Englisch English

Regie Director

Laure Prouvost

Schnitt Editor

Tom Denoyette

Musik Music

Tsar B, Singing Molenbeek, Paul

Buck, Roman Hiele, No Bra

Produktion Production

Dune Productions

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Laure Prouvost

Belgien Belgium

prouvostandsons@gmail.com

laureprouvost.com

Großmutter wachsen Flügel und sie wird zu einem menschlichen Vogel. Sie tritt aus der Dunkelheit eines Tunnels in eine verwüstete, neblige Landschaft. Über den Wolken schwebt sie dort, wohin Vögel aufsteigen, über dem Boden als Körper im Schwebezustand. Das Video kitzelt unsere Sinne und Gefühle bis zum Verlust der Schwerkraft.

Laure Prouvost arbeitet mit Video, Zeichnung, Wandteppichen, Keramik, Fotografie, Performance und vor allem mit Sprache. Sie schafft immersive Installationen, die den Betrachter in einen Zustand der persönlichen und kollektiven Introspektion versetzen. Worte, Bilder, Erinnerungen, die fünf Sinne – alles, was greifbar und verlässlich erscheint, wird durch die fantastische Natur der von der Künstlerin eingeführten mehrdeutigen Erzählungen auf den Kopf gestellt. Im Jahr 2013 wurde sie mit einem Profil in Oberhausen geehrt.

Grandma grows a pair of wings and transforms into a human bird. She steps out of the darkness of a tunnel into a desolate, misty landscape. She is above clouds, floating into where birds soar, above ground as bodies in levitation. The video tickles our senses and emotions towards losing our sense of gravity.

Laure Prouvost works with video, drawing, tapestry, ceramics, photography, performance and, above all, language. She creates immersive installations that put the viewer in a state of personal and collective introspection. Words, images, memories, the five senses – everything that seems tangible and reliable is inverted by the fantastic nature of the ambiguous narratives introduced by the artist. In 2013, she was honoured with a profile in Oberhausen.

Filmauswahl Selected works No More Front Tears (2022), The long waited, weighted gathering (2021), Re-dit-en-un-in-learning (2020), Shed a Light (2018), Bruegel Girls (2017), If It Was (2015, in Oberhausen 2016), We Know We Are Just Pixels (2014, in Oberhausen 2015), Grandma’s Dream (2013),The Artist (2010, in Oberhausen 2011), Monolog (2009, in Oberhausen 2010), OWT (2007), Abstraction Quotidienne (2005)

Dohvatiti sunce: El Shatt

Chasing the Sun: El Shatt

Kroatien Croatia

2023

19'30"

Farbe Colour

Englisch, Kroatisch mit englischen Untertiteln English, Croatian with English subtitles

Regie Director

Ana Bilankov

Buch Script

Ana Bilankov

Kamera Camera

Boris Poljak

Ton Sound

Ana Bilankov

Schnitt Editor

Denis Golenja

Tongestaltung Sound design

Yiannis Loukos

Produktion Production

Filmska udruga Šuma

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Filmska udruga Šuma

Vedran Šuvar

Kroatien Croatia

vedran.suvar@gmail.com

Der Film thematisiert historische Fakten zum größten Geflüchtetenlager El Shatt in der Wüste Sinai in Ägypten während des Zweiten Weltkriegs. Er basiert auf Material aus kroatischen und internationalen Archiven und verknüpft es mit den Bildern dieses wüstenhaften Nicht-Orts. Ein Versuch, bruchstückhafte Erinnerung unbekannter Migrationsgeschichte im Mittelmeerraum als transtemporale, filmische Reise zu rekonstruieren.

Ana Bilankov ist eine in Berlin und Zagreb lebende bildende Künstlerin und Filmemacherin, die in den Bereichen Experimentalfilm, Fotografie und Videoinstallation arbeitet. Sie studierte Kunstgeschichte und Germanistik in Zagreb und Mainz und schloss ein Postgraduiertenstudium an der Universität der Künste Berlin ab. Sie hat ihre Arbeiten u. a. in Ausstellungen und Filmfestivals gezeigt, wo sie mehrere Preise gewann.

The film touches on some historical facts about the largest refugee camp El Shatt in the Sinai desert in Egypt during the WWII, based on materials from Croatian and international archives and intertwined with the visuals of this desert nonplace now. An attempt to reconstruct a fragmented memory of unknown history about migration in the Mediterranean as a transtemporal filmic journey.

Ana Bilankov is a visual artist and filmmaker working in the fields of experimental film, photography and video installation based in Berlin und Zagreb. She studied art history and German literature in Zagreb and Mainz and completed postgraduate studies at the Berlin University of the Arts. She has shown her work in exhibitions and participated in film festivals, where she has won several prizes.

Filmauswahl Selected works Three Women Under the Clouds (2019), New Town Future Film (2015), Night Riders (2011), Blue Black Berlin (2009), A Story (2008), Revolutinary Reality Show (2007), Pleasure (2005), Waiting (2004), Sweet Home (2002)

Shàng Xià Up and Down

Von By Yi Lian

Sicherheitskräfte laufen jeden Tag durch mehrere Räume. Der Künstler ließ sich vom Arbeitsalltag von Sicherheitsleuten inspirieren, nachdem er erfuhr, dass diese nach einem Unwetter mit Reparaturarbeiten und dem Schließen von Lecks beschäftigt waren. Er filmte, wie ein Sicherheitsmann durch verschiedene Räume läuft, auf der Suche nach der unbekannten Erfahrung, die ein Raumwechsel mit sich bringt. Yi Lian wurde 1987 in Yichun, China, geboren. 2012 erhielt er seinen MA von der School of Intermedia Art at China Academy of Art und lebt und arbeitet heute in Hangzhou. Seine Werke umfassen Videos, Filme, Kunstinstallationen, Fotografie, Malerei usw. und wurden auf zahlreichen Festivals, in Galerien und Museen weltweit ausgestellt.

The security guards walk through various building spaces every day. The artist got inspiration from the daily work of the security guard after learning about the event of collective repair and leak stoppage after a rainstorm, and filmed the experience of a security guard walking in different spaces, looking for the unknown experience brought by the change of space.

Yi Lian was born in 1987 in Yichun, China. He completed his MA at the School of Intermedia Art at China Academy of Art in 2012 and now lives and works in Hangzhou. His works include videos, films, art installations, photography, painting, etc. and have been exhibited at numerous festivals, galleries and museums worldwide.

Filmauswahl Selected works The Captain Blowed by the Wind (2021), Superfluous Light (2020), Myth Practice (2019), The Big Empty Mountain and The Small Empty Mountain (2018–21), Cinema Paradiso (2017–18),The Palace (2016), HIBERNATION (2014), The Waking of Insects (2013), Seeds Of Fire (2012), UNDERCURRENT 2012 (2012), YELLOW LIGHT DISTICT (2011), BREATHING EARTH (2010)

415998823@qq.com

Lopte Balls

Serbien, Slowenien Serbia, Slovenia

2022

22'30"

Farbe Colour

Serbisch, Kroatisch, Bosnisch, Englisch mit englischen Untertiteln Serbian, Croatian, Bosnian, English with English subtitles

Regie Director

Gorana Jovanović

Kamera Camera

Lev Predan Kowarski

Ton Sound

Bare

Schnitt Editor

Gorana Jovanović

Tongestaltung Sound design

Bare, Luka Barajević

Produktion Production

Bare

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Gorana Jovanović

Serbien Serbia

gorana@bare.rs

Seit Langem sind Fußballstadien ausgewiesene Orte von Eskalation und Konflikt. Jeder entsprechende Vorfall bei einem Spiel wird zur brandaktuellen Schlagzeile. Unterdessen treffen sich seit mehr als einem Jahrzehnt die Armeen sechs ehemaliger jugoslawischer Teilrepubliken jedes Jahr zu einem Futsal-Turnier im Zeichen des Friedens, begleitet vom fast vollständigen Schweigen der Medien.

Gorana Jovanović ist eine Filmemacherin aus Belgrad. Ihr Kurzfilm Armadila aus dem Jahr 2020 war einer der European Film Awards Short Film-Kandidaten 2021. Ihr neuester Kurzfilm, Lopte, hatte seine Weltpremiere auf dem 75. Locarno Film Festival und wurde in die Auswahl der IDFA Best of Fests aufgenommen.

Football stadiums have long been the designated places for the escalation of conflicts, and every incident during a football match makes for a fire-starting headline. Meanwhile, the armies of six former Yugoslav republics have been getting together every year for over a decade for a futsal tournament in the name of peace, in almost complete media silence.

Gorana Jovanović is a filmmaker from Belgrade. Her short film Armadila from 2020 was one of the European Film Awards Short Film Candidates in 2021. Her latest short film, Balls, had its world premiere at the 75th Locarno Film Festival and was included in the IDFA Best of Fests selection.

Mir (2021), Armadila (2020), Smoke (2015)

Dos amigos vuelven a casa solos de noche

Two Friends Walk Home Alone at Night

Es wird wieder Nacht in der Stadt. Zwei junge Menschen schauen sich auf einem Handy Gesichter an. Sie entscheiden gemeinsam: „Der ist heiß, der auch.“ Die Entscheidung fällt vor Sonnenaufgang – ein Biologiestudent mit wunderschönen Locken und glänzender Haut.

Marlon Weber studiert Film an der Hochschule für bildende Künste Hamburg und an der Unversidad del Cine in Buenos Aires. Sie ist Stipendiatin der Studienstiftung des deutschen Volkes und Teil des Filmkollektivs Geister Film.

Argentinien, Deutschland

Argentina, Germany

2023

9'

Farbe Colour

Spanisch mit englischen Untertiteln

Spanish with English subtitles

Regie Director

Marlon Weber

Buch Script

Marlon Weber

Kamera Camera

Marlon Weber, Manuel Muñoz

Ton Sound

Lina Gomez

Schnitt Editor

Marlon Weber

Tongestaltung Sound design

Angeles Lopez

Produktion Production

Marlon Weber

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Marlon Weber

Deutschland Germany

marlonweber@geisterfilm.com

Once again, the night sets in the city. Two young people look through faces on a phone, deciding and agreeing. ‘He’s hot, him too.’ The decision is made before sunrise – a biology student with beautiful curly hair and shiny skin.

Marlon Weber studies film at the University of Fine Arts of Hamburg and the Unversidad del Cine in Buenos Aires. She is a scholarship holder of the German Academic Scholarship Foundation and part of the filmmaker collective Geister Film.

Rio (2022), Carta a Eduardo (2020)

Ghosts

Südafrika South Africa

2023

7'30"

Farbe Colour

Englisch, Afrikaans mit englischen Untertiteln English, Afrikaans with English subtitles

Regie Director

Teboho Edkins

Kamera Camera

Samuel Lahu

Tongestaltung Sound design

Denis Elmaci

Produktion Production Day Zero Film & Video

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Teboho Edkins

Deutschland Germany

tebohoedkins@gmail.com

Ghosts ist ein kurzer Dokumentarfilm, in dem echte und eingebildete Gespenster das Leben der Menschen in einer kleinen Stadt auf dem Land im Post-Apartheid-Südafrika heimsuchen.

Teboho Edkins wurde 1980 in Tennessee, USA, geboren und wuchs im südlichen Afrika auf. Er lebt und arbeitet heute in Kapstadt und Berlin. Seine Filme wurden auf über 500 Filmfestivals gezeigt, sowie in diversen Gruppen- und Einzelausstellungen, darunter im Centre Pompidou, Paris und in der Tate Modern, London. Seine Filme wurden auch von mehreren öffentlichen und privaten Kunstsammlungen erworben. Ghosts is a short documentary film in which ghosts, both real and imagined, haunt the lives of a rural community in their small town in post-apartheid South Africa.

Teboho Edkins was born in Tennessee, USA, grew up in southern Africa and lives and works in Cape Town and Berlin. His films have shown at over 500 film festivals as well as various group and solo exhibitions, including at the Centre Pompidou, Paris and Tate Modern, London. His films have also been acquired by several public and private art collections.

Filmauswahl Selected works The Orphanage (2021), Shepherds (2020, in Oberhausen 2020), Days of Cannibalism (2020), I am Sheriff (2017), Initiation (2016, in Oberhausen 2016), Coming of Age (2015), Gangster Backstage (2013, in Oberhausen 2014), Gangster Project (2011), Thato (2011), Kinshasa 2.0 (2008, in Oberhausen 2008), Gangster Project 1 (2006), True Love (2005), Ask Me I’m Positive (2004)

Portugal, Schweiz Portugal, Switzerland

2023

24'44"

Farbe Colour

Portugiesisch, Kreolisch mit englischen Untertiteln Portuguese, Creole with English subtitles

Regie Director

Basil da Cunha

Buch Script

Basil da Cunha

Ton Sound

Rafael Cardoso

Schnitt Editor

Basil da Cunha

Produktion Production ARQUIPÉLAGO FILMES

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Emanuel Oliveira

Portugal emanuel@curtas.pt

Ein illegales Stadtviertel in Lissabon erfährt am Morgen von einer gewaltsamen Polizeirazzia am Vorabend. Die siebenjährige Camila begibt sich auf die Suche nach ihrem Bruder. Sie macht sich Sorgen. Zur gleichen Zeit hat Jysone es besonders eilig. Nach sechs Jahren Gefängnis und fünf Wochen in Freiheit hat er endlich Arbeit gefunden und weiß, dass er sich nicht verspäten darf. Er sucht nach einer Mitfahrgelegenheit.

Basil da Cunha wurde 1985 geboren und ist ein Schweizer Regisseur portugiesischer Herkunft. Neben seinem Studium der Politikwissenschaft und Soziologie drehte er mehrere selbst produzierte Kurzfilme. Im Jahr 2009 begann er seine Filmausbildung an der Haute école d’art et de design Genève, deren Team er 2013 beitrat. Seine Filme wurden auf zahlreichen internationalen Festivals gezeigt und ausgezeichnet. A clandestine neighbourhood in Lisbon wakes up to the news of a violent police raid, which took place the night before. Camila, a seven-year-old girl, goes in search of her brother. She’s worried. At the same time, Jysone is in a hurry: after six years in jail and five weeks free, Jysone has finally found work and knows he can’t be late. He is looking for someone who can give him a ride.

Basil da Cunha was born in 1985 and is a Swiss director of Portuguese origin. Alongside his studies in political science and sociology, he has made several self-produced short films. In 2009, he began his film training at Geneva University of Art and Design, whose team he joined in 2013. His films have been screened and awarded at numerous international festivals.

The End of the World (2019), Nuvem Negra (2014, in Oberhausen 2015), After the Night (2013), Os Vivos Também Choram (2012), Nuvem (Sunfish) (2011), A Côté (2009), La Loi Du Tailon (2008), Le Mur (2007)

Flora

Mexiko Mexico

2022 10'36"

Farbe Colour

Spanisch mit englischen Untertiteln

Spanish with English subtitles

Regie Director

Nicolás Pereda

Buch Script

Nicolás Pereda

Kamera Camera

Nicolás Pereda, Mariel Baqueiro

Ton Sound

Pablo Cervera

Schnitt Editor

Nicolás Pereda

Produktion Production

Nicolás Pereda

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Nicolás Pereda

Mexiko Mexico

nicopereda@gmail.com

Flora ist eine Reflexion über Repräsentation und den anhaltenden Drogenkrieg in Mexiko. Der Film zeigt Schauplätze und Szenen der Mainstream-Komödie El Infierno aus dem Jahr 2010 über Drogenkartelle und untersucht das Paradoxe an der Darstellung des Drogenhandels im Film: seine Tendenz, sowohl zu romantisieren, als auch zu verschleiern.

Nicolás Pereda ist ein Filmemacher, dessen Arbeiten das Alltägliche durch gebrochene und elliptische Erzählungen erforschen. Sein Werk war Gegenstand von mehr als 30 Retrospektiven und wurde auf den meisten großen internationalen Filmfestivals sowie in Galerien und Museen präsentiert. Seit 2020 ist er Assistenzprofessor in der Abteilung für Film und Medien an der University of California, Berkeley. A reflection on the nature of representation and the ongoing drug war in Mexico, Flora revisits locations and scenes from the mainstream 2010 narco-comedy El Infierno, exploring the paradoxes of depicting narco-trafficking on film – its tendency both to romanticise and to obscure.

Nicolás Pereda is a filmmaker whose work explores the everyday through fractured and elliptical narratives. His work has been the subject of more than 30 retrospectives and has been presented at most major international film festivals, as well as in galleries and museums. Since 2020, he has been an Assistant Professor in the Department of Film and Media at the University of California, Berkeley.

Dear Chantal (2021), Fauna (2020), My Skin, Luminous (2019), Tales of Two Who Dreamt (2016), Minotaur (2015), The Absent (2014), The Palace (2013), Killing Strangers (2013), Greatest Hits (2012), Summer of Goliath (2010), All things were now overtaken by silence (2010), Perpetuum Mobile (2009), Juntos (2009), Interview with the Earth (2008, in Oberhausen 2009), Where are their stories? (2007)

Camino de lava Roads of lava

Kuba Cuba

2022 27'48"

Farbe Colour

Spanisch mit englischen Untertiteln

Spanish with English subtitles

Regie Director

Gretel Marin Palacio

Buch Script

Gretel Marin Palacio, Afibola Sifunola

Kamera Camera

Gretel Marin Palacio, Claudia García, Claudia Remedios

Ton Sound

Gretel Marin Palacio, Claudia

Martínez Díaz, Carla Valdés

Schnitt Editor

Gretel Marin Palacio, Adelaida Sancristóbal

Musik Music

Nulyra

Produktion Production

Gretel Marin Palacio

Deutsche Festivalpremiere German festival premiere

Gretel Marin Palacio

Kuba Cuba

caminodelava22@gmail.com

Afibola ist afrofeministisch, queer, aus Kuba und leistet aktivistische Arbeit. Afibola versucht dem eigenen Sohn Olorun beizubringen, wie er trotz der sie umgebenden Hürden ein freier, afrokubanischer Mann sein kann. In der Intimität des eigenen Zuhauses reflektiert Afibola über die Schwierigkeit, ein schwarzes Kind in einer rassistischen und diskriminierenden Gesellschaft großzuziehen.

Gretel Marin Palacio hat einen MA in Dokumentarfilm von der Université Paris Diderot und einen BA in Audiovisueller Medienregie vom Instituto Superior de Arte, Havana. Ihre Dokumentarfilme wurden von internationalen Festivals ausgewählt. 2014 bis 2018 arbeitete sie bei der Produktionsfirma Geração 80 Produções in Luanda, Angola, und produzierte für die Menschenrechtsorganisation Mosaiko.

Afibola is an Afrofeminist and queer Cuban activist, trying to teach their son Olorun how to grow up to be a free Afrocuban man despite the obstacles around them. In the intimacy of their community home spaces, they reflect on the difficulty of educating a black child in a racist and discriminatory society.

Gretel Marin Palacio holds a master’s degree in Documentary Film from the Université Paris Diderot and a bachelor’s degree in Audio-visual Media Direction from the Higher Institute of Arts, Havana. Her documentaries have been selected by international festivals. 2014 to 2018, she worked with the production company Geração 80 Produções in Luanda, Angola, producing for the human rights organisation Mosaiko.

Um sopro no quintal (2021), El Último País (2018), A persistente fragilidade da memória (2015), Le myrte dans la vallée (2013), Pero la noche (2011)

Ora Tutto è Silenzio All is silence now

Frankreich, Deutschland France, Germany

2022

10'10"

Farbe Colour

Französisch mit englischen Untertiteln

French with English subtitles

Regie Director

Gustavo de Mattos Jahn

Buch Script

Gustavo de Mattos Jahn

Kamera Camera

Gustavo de Mattos Jahn

Ton Sound

Sébastien Jamain

Schnitt Editor

Gustavo de Mattos Jahn

Produktion Production

CaSk films, Distruktur

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Gustavo de Mattos Jahn

Frankreich France

gustavo@distruktur.com distruktur.com

Die 12-jährige Lilu beschließt, nach der Schule nicht nach Hause zu gehen, und begibt sich auf eine einsame Reise. Während sie durch die Straßen ihrer Stadt streift, kommt es zu seltenen Begegnungen, die ihr einen Ausblick auf das geben, was vor ihr liegt.

Gustavo De Mattos Jahn wurde 1980 in Florianópolis, Brasilien, geboren und begann 2001 als Autodidakt Filme zu machen. Nach seinem Umzug nach Berlin im Jahr 2006 gründete er mit Melissa Dullius das Künstlerduo Distruktur und war an der Gründung des Kollektivs LaborBerlin beteiligt.

12-year-old Lilu decides not to go home after school and embarks on a lonely journey. As she wanders the streets of her town, she makes rare encounters that may give her a glimpse of what lies ahead.

Gustavo De Mattos Jahn was born in Florianópolis, Brazil in 1980 and began making films as a self-taught filmmaker in 2001. After moving to Berlin in 2006, he founded the artist duo Distruktur with Melissa Dullius and was involved in founding the collective LaborBerlin.

Les images oú tu n’es pas (2022), Tous les fleuves s’appellent le Nil (2021, in Oberhausen 2022), Oráculo (2020), Levantado Do Chão (2020, in Oberhausen 2021), Kinograph (2020), El Meraya (2018), Muito Romântico (2016), Passeio Noturno (2015), Máquina Do Tempo (2014), In The Traveler’s Heart (2013), Don’t Look Back / Labirinto (2012), Cat Effekt (2011), Triangulum (2008), Éternau (2006), Abril (2002), Ele Vai Perguntar Das Coisas Que Eu Gosto (2001)

BéGouf Rishon Blueprint

Israel

2022

11'13"

Farbe Colour

Französisch mit englischen Untertiteln

French with English subtitles

Regie Director

Dan Robert Lahiani

Kamera Camera

Dan Robert Lahiani

Ton Sound

Dan Robert Lahiani

Musik Music

Michal Karniely

Tongestaltung Sound design

Dan Robert Lahiani, Rotem Dror

Produktion Production

Dan Robert Lahiani

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Dan Robert Lahiani

Israel

dan.lahiani@gmail.com

danrobertpaul.com

Kurz bevor der Künstler Dan Robert Lahiani für eine osteopathische Behandlung im zwölften Stock des Clal-Centers in Jerusalem ankommt, verstrickt sich seine persönliche Suche nach Verbundenheit, Heimat und Heilung mit den Ängsten, Schmerzen und der Vernachlässigung des verfallenen und bröckelnden Gebäudes. Lahiani zieht eine Verbindung zwischen den Behandlungsterminen und dem Bedürfnis des Gebäudes nach Versorgung und Heilung.

Dan Robert Lahiani wurde 1987 in Frankreich geboren und ist ein israelisch-französischer Künstler, der in Jerusalem lebt und arbeitet. Er machte 2017 seinen Abschluss an der Abteilung für bildbasierte Kunst der Bezalel-Akademie für Kunst und Design. Seine Werke wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen in Galerien und Museen in Israel und Übersee gezeigt. Seine Videoarbeiten waren Teil internationaler Filmfestivals.

Shortly after the artist Dan Robert Lahiani arrived at the 12th floor of the Clal Building in Jerusalem for an osteopathic session, his personal quest for connection, home and healing became entangled with the dilapidated and crumbling building’s angsts, aches, and neglect. Lahiani draws lines between the series of treatments he experienced and the building’s need for care and healing.

Dan Robert Lahiani was born in France in 1987 and is an Israeli-French artist living and working in Jerusalem. He graduated from the Screen Based Art Department of the Bezalel Academy of Arts and Design in 2017. His works have been shown in solo and group exhibitions in galleries and museums in Israel and overseas. His video works have been part of international film festivals.

Ergonomie (2022), En Danseuse (2022), The Floor I Left (2020), Exit (2019), Printed Circuit (2018), The Orphan’s Gift (2018), Jeu Claques (2015)

Finnland Finland

2022

6'47"

Farbe Colour

Englisch English

Von By Eero

Tammi

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Eero Tammi

Finnland Finland

eerotammi@gmail.com

Ein Bild der Geschichte des Universums aus der Perspektive eines einsamen Menschen, der in einer Einzimmerwohnung lebt und einen Geburtstag damit verbringt, sich alte Diabilder von Filmen anzusehen.

Eero Tammi wurde 1983 geboren und hat einen MA der Aalto-Universität in Helsinki. Seinen ersten Film als Regisseur drehte er 2012 mit On Private Ground. Er hat mehrere Kurzfilme produziert, als Drehbuchautor an Veiko Õunpuus Spielfilm The Last Ones mitgearbeitet und Filme u. a. für Saara Ekström, Zaida Bergroth und Mika Kaurismäki geschnitten.

An image of the history of the universe, from the perspective of a solitary human being living in a single room apartment, passing a birthday while going through slide photos of movies.

Eero Tammi was born in 1983 and holds an MA from Aalto University in Helsinki. He made his first film as a director in 2012 with On Private Ground. He has produced several short films, worked as a screenwriter on Veiko Õunpuu’s feature film The Last Ones and edited films for directors such as Saara Ekström, Zaida Bergroth and Mika Kaurismäki.

Antti Peippo – Tourist (mit with Juha-Veli Äkräs 2020), Biblion (mit with Saara Ekström 2019), See You Some Bloody Day (mit with Anssi Mänttäri 2016), Hannes Blank (2015), On Private Ground (2012)

Chornobyl 22

Ukraine

2023

20'

Farbe Colour

Russisch, Ukrainisch mit englischen Untertiteln Russian, Ukrainian with English subtitles

Regie Director

Oleksiy Radynski

Kamera Camera

Max Savchenko, Anonymous

Schnitt Editor

Taras Spivak

Tongestaltung Sound design

Andriy Borysenko

Produktion Production

Kinotron Group

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Oleksiy Radynski

Ukraine

oleksiy.radynski@gmail.com vimeo.com/oleksiyradynski

Während der russischen Besetzung der Sperrzone um Tschernobyl zu Beginn des Jahres 2022 filmt ein lokaler Informant heimlich die russischen Truppen. Die Angestellten des Kernkraftwerks Tschernobyl besprechen ihre Erlebnisse während der Übernahme ihres Arbeitsplatzes durch das russische Militär – ein nuklearer Terrorakt, mit dem eine weitere globale Katastrophe an diesem Ort riskiert wurde. Vergangene und aktuelle Katastrophenszenarien werden in diesem makaberen Kapitel der russischen Invasion der Ukraine miteinander verwoben.

Oleksiy Radynski ist Filmemacher und Autor in Kyjiw. Seine Filme wurden auf internationalen Filmfestivals und in Kunstinstitutionen gezeigt und erhielten eine Reihe von Festivalpreisen.

During the Russian occupation of the Chernobyl Zone in early 2022, a local informant is clandestinely filming the Russian troops. We hear the workers of the Chernobyl Nuclear Power Station discuss their experiences during the Russian military takeover of their facility – an act of nuclear terror which threatened another global disaster at this site. Past and present catastrophic scenarios intertwine in this macabre episode of the Russian invasion of Ukraine.

Oleksiy Radynski is a filmmaker and writer based in Kyiv. His films have been shown at international film festivals and in art institutions and have received a number of festival awards.

Filmauswahl Selected works Infinity According to Florian (2022), Circulation (2020), Facade Colour: Blue (2019, in Oberhausen 2019), The Film of Kyiv. Episode One (2017, in Oberhausen 2018), Integration (2014, in Oberhausen 2015)

China

2023

6'47"

Farbe Colour

ohne Text without text

Von By Zhongsu

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Zhongsu

China

chiazhongsu@me.com

Dies ist mein zweites VR-Projekt, bei dem Bildsprache, Tanz und Installation miteinander kombiniert werden, um eine Art Dialog zu schaffen. Es ist der Versuch eines Regieansatzes, der irgendwo zwischen Film und Theater liegt. Alle Szenen sind Gemälden von Edward Hopper entnommen. Diese Version ist die Kinofassung. Zhongsu ist ein Künstler aus China, der sich seit 2011 der Produktion persönlicher audiovisueller Bilder widmet. This is my second VR project, which combines imagery, dance and installation to create a kind of dialogue. It is an attempt at a directorial approach that falls somewhere between film and theatre. All of the scenes are taken from the paintings of Edward Hopper. This version is specifically designed for theatrical release.

Zhongsu is an artist from China who has focused on producing personal audiovisual works since 2011.

2022 (2022, in Oberhausen 2022), 8‘28‘‘ (2021, in Oberhausen 2021), Phoenix (2020, in Oberhausen 2020), Sky City (2019, in Oberhausen 2019), Magnificent Obsession (2018, in Oberhausen 2018), The Book of Sand (2017), Animal Year (2016, in Oberhausen 2017), Forever (2015), Perfect Conjugal Bliss (2014), Empty Fort Strategy (2013)

AI Realism. Qantar 2022

Kasachstan Kazakhstan

2022

25'

Farbe Colour

Englisch mit englischen Untertiteln

English with English subtitles

Von By Almagul Menlibayeva

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Almagul

Menlibayeva

Kasachstan Kazakhstan

almagul2@gmail.com

Die Filmanimation untersucht die Zusammenarbeit zwischen der Künstlerin und Künstlicher Intelligenz in Zeiten politischer Unruhen. Eingeschränkter Zugang zu Kommunikationsmitteln und Internet zwangen die Künstlerin, bruchstückhafte Informationen zu sammeln, um eine fesselnde Animation zu erschaffen, welche die Macht von KI bei der Rekonstruktion von Erinnerungen hervorhebt. Der Film zeigt außerdem die Gefahr durch Propaganda und Fake News.

Almagul Menlibayeva wurde 1969 in Almaty, Kasachstan, geboren und ist eine zeitgenössische Künstlerin und Kuratorin. Sie arbeitet hauptsächlich mit Mehrkanal-Video, Fotografie und Multimedia-Installationen. Ihre Arbeiten wurden international auf verschiedenen Biennalen und Triennalen sowie in Galerien und Museen ausgestellt und sie wurde mit dem Hauptpreis beim Kino der Kunst in München und mit dem L’Ordre des Arts et des Lettres des französischen Kulturministeriums ausgezeichnet. Sie lebt in Deutschland und Kasachstan.

Film animation explores the collaboration between an artist and artificial intelligence during political unrest. Limited communication and internet access forced the artist to gather fragments of information to create a captivating animation that highlights the power of AI in reconstructing memory. The film also exposes the dangers of propaganda and fake news. Almagul Menlibayeva was born in 1969 in Almaty, Kazakhstan, and is a contemporary artist and curator. She works mainly with multi-channel video, photography and multimedia installations. Her work has been exhibited internationally at various biennials and triennials, as well as in galleries and museums, and she was awarded the top prize at the Kino der Kunst in Munich and the L’Ordre des Arts et des Lettres of the French Ministry of Culture. She lives between Germany and Kazakhstan.

Filmauswahl Selected works The Tongue and Hunger. Stalin’s Silk Road. (2023), Nomadizing Water: Lines/Nets vs Blocks (2022), Ulugh Beg: Intrinsic Futuristic Machine of Central Asia (2020), Gathered in Moscow (2016–18), Tokamak (2016), Kurchatov 22 (2012), Milk for Lambs (2010), Exodus (2009, in Oberhausen 2010), Headcharge (2007, in Oberhausen 2008), Appleblossom (2006), Jihad (2004), Steppen Baroque (2003), Eternal Bride (2002)

Shang Hai zhi Chun Shanghai in the Spring

China

2022

11'

Farbe Colour

Englisch English

Regie Director

Sun Xun

Ton Sound

Duan Zhiyu

Musik Music

Jing Wang

Animation

Sun Xun, Zhao Liang

Produktion Production pi Animation Studio

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Sun Xun

China

G362005@163.com

en.sunxunandp.com

Shanghai war ab dem 1. April 2022 für zwei Monate im Lockdown. Damals baute Sun Xun seine Einzelausstellung in Shanghai auf. Auf diese Bedingungen war niemand vorbereitet. Sun Xun war in einem Hotel in Quarantäne. Er nutzte jegliches Material, das ihm im Hotel zur Verfügung stand, um einen Animationsfilm abzuschließen. Dieser Film darf in China nicht öffentlich gezeigt werden. Die Regierung verbietet es ausdrücklich, Themen zur Sprache zu bringen, die sich auf den Lockdown beziehen.

Sun Xun wurde 1980 in Fuxin, China, geboren. Er schloss 2005 sein Studium an der Abteilung für Druckgrafik der China Academy of Art ab. 2006 gründete er das pi Animation Studio. Seine Arbeiten wurden weltweit gezeigt und ausgestellt. Im Jahr 2016 wurde er mit einem Profil in Oberhausen geehrt. Er lebt und arbeitet in Peking, China.

Shanghai was in lockdown for two months since 1 April 2022. At the time, Sun Xun was setting up his solo exhibition in Shanghai. Under the circumstances, everyone was unprepared. Sun Xun was also quarantined in a hotel. He used all the materials available in the hotel to complete an animation film. This animation film is banned from public display in China. The government strictly forbids people from discussing any topic related to the period of lockdown.

Sun Xun was born in 1980 in Fuxin, China. He graduated from the Printmaking Department of the China Academy of Art in 2005. In 2006 he founded pi Animation Studio. His work has been shown and exhibited worldwide. In 2016, he was honoured with a profile in Oberhausen. He lives and works in Beijing, China.

Filmauswahl (alle in Oberhausen) Selected works (all in Oberhausen) What Happened in Past Dragon Year (2014), Magician Party and Dead Crow (2013), People’s Republic of Zoo (2009), Coal Spell (2008), Requiem (2007), Shock of Time (2006)

Muttitelefon Mom Telephone

Deutschland Germany

2022

5'12"

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white

Englisch English

Regie Director

Dagie Brundert

Kamera Camera

Dagie Brundert, Jochen Müller

Ton Sound

Dagie Brundert

Schnitt Editor

Dagie Brundert

Musik Music

Dagie Brundert

Produktion Production

Dagie Brundert

Dagie Brundert

Deutschland Germany

dagie@t-online.de dagiebrundert.de

Da sind Pilze unter mir, da sind Mikroben unter mir, es vibriert, es ist irre! Guck mal, Licht oder Pilzgewitter? Und ich hab die selben in mir drin: Legionen von wohlgesonnenen, arbeitenden Mikroben, Sporen, Vitaminen, Bakterien und Tierchen, die meine tägliche Entschleimung vorantreiben, die mich aufrechterhalten. Ohne die wäre nur ein hohles Ego da.

Dagie Brundert ist seit vielen Jahren dem Zufall, der Schönheit im Banalen und dem Wabi-Sabi auf der Spur. Ihre Super-8-Filme entwickelt sie meist in gesundheitlich unbedenklichen und angenehm duftenden Substanzen. There are fungi beneath me, there are microbes beneath me, it vibrates, it is freaky! Look: light or fungal thunderstorm? And I have the same inside me: legions of well-disposed, working microbes, spores, vitamins, bacteria and animalcules that carry out my daily de-gumming, that sustain me. Without them, there would just be a hollow ego.

Dagie Brundert has been on the trail of chance, beauty in the banal and wabi-sabi for many years. She usually develops her Super 8 films in substances that are harmless to health and pleasantly fragrant.

Filmauswahl Selected works i am a (2022), Moi et le Boff Zen (2022), So Sachen (2022), Von allem nichts (2021), Yksi Kaksi Kolme (2020), Die Perfektion der Mücke (2020), Smilestone and the Sea (2020), Kartoffel (2013, in Oberhausen 2014), Der höchste Spiegel der Welt (2001, in Oberhausen 2002), Ja, die Schönste auf der Welt ist meine Bar (1998, in Oberhausen 1999)

Frau Michels dreht die Zeit zurück

Mrs. Michels Turns Back Time

Frau Michels ist auf dem Weg zu ihrem Physiotherapeuten, der das Herz der verheirateten Frau höher schlagen lässt. Doch von ihm fehlt jede Spur.

Sophia Groening wurde 1994 in Düsseldorf geboren. Sie studierte Philosophie und Bildwissenschaften an der Universität Witten/Herdecke. Anschließendes Diplom-Studium an der Kunsthochschule für Medien Köln. Ihr letzter Kurzfilm wurde im Deutschen Wettbewerb der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen uraufgeführt und mit dem Deutschen Kurzfilmpreis 2022 sowie mit dem Preis der deutschen Filmkritik ausgezeichnet. Sie lebt und arbeitet in Köln.

Frau Michels is on the way to her physiotherapist, who makes the heart of this married woman flutter. But there is no trace of him.

Deutschland Germany

2023

12'

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Regie Director

Sophia Groening

Buch Script

Sophia Groening, Jan Bonny

Kamera Camera

Jakob Berger

Ton Sound

Timo Hein

Schnitt Editor

Niklas Luhmann

Produktion Production

Kunsthochschule für Medien

Köln, Sophia Groening

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Kunsthochschule für Medien Köln

Ute Dilger

Deutschland Germany

ute.dilger@khm.de khm.de

Sophia Groening was born in Düsseldorf in 1994. She studied philosophy and cultural sciences at the University of Witten/Herdecke. She then studied for a diploma at the Academy of Media Arts Cologne. Her last short film premiered in the German Competition of the International Short Film Festival Oberhausen and was awarded the German Short Film Award 2022 and the German Film Critics’ Prize. She lives and works in Cologne.

Muss ja nicht sein, dass es heute ist (2022, in Oberhausen 2022), Die Hungrigen aber wandern aus (2020), Happiness has no history (2019)

Turtleneck Phantasies

Deutschland Germany

2022

17'46"

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white

Englisch English

Regie Director

Gernot Wieland

Buch Script

Gernot Wieland, Lars-Erik Hjertström Lappalainen

Kamera Camera

Konstantin von Sichart

Ton Sound

Andrea Parolin

Schnitt Editor

Alice Dalgalarrondo

Musik Music

Konstantin von Sichart, Joseph Varschen

Produktion Production

Gernot Wieland

Gernot Wieland

Deutschland Germany

gewieland@gmail.com

gernotwieland.com

Turtleneck Phantasies kombiniert historische Berichte mit persönlichen Erinnerungen. Dabei werden Dokumentation und Fiktion miteinander vermischt. So entsteht ein komplexes Werk, das scheinbar beiläufig und gleichzeitig spannend und oft tragikomisch den Zustand einer Gesellschaft skizziert und Erinnerungen an unterdrückte, ungehörte und vergessene Stimmen darstellt.

Gernot Wieland studierte an der Universität der Künste Berlin und an der Akademie der bildenden Künste Wien. Im Jahr 2022 gewann er den Deutschen Kurzfilmpreis, den Preis für den besten Film beim Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris und eine lobende Erwähnung bei Cannes Shorts.

Turtleneck Phantasies combines historical accounts with personal memories, merging the documentary and fiction. This results in a complex work that seemingly incidentally, yet excitingly and often tragicomically, sketches the state of a society, representing remembrances of suppressed, unheard and forgotten voices.

Gernot Wieland studied at the Berlin University of the Arts and the Academy of Fine Arts Vienna. In 2022 he won the German Short Film Award, the Best Film Award at the Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris and an honourable mention at Cannes Shorts.

Bird in Italian is Uccello (2021), Ink in Milk (2018), Thievery and Songs (2016), ‘Hello, my name is…’…and…‘Yes, I’m fine.’ (2016), Portrait of Karl Marx as a young god (2011)

Mourning Stage

Deutschland, USA, Kolumbien

Germany, USA, Colombia

2022

16'29"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Simon(e) Jaikiriuma Paetau, Carlos Motta

Buch Script

Simon(e) Jaikiriuma Paetau, Carlos Motta

Kamera Camera

Lola Gómez Castello

Ton Sound

Jesus Guevara

Schnitt Editor

Simon(e) Jaikiriuma Paetau, Carlos Motta

Musik Music

Isabel González Toro

Animation

Fernando Gregório

Produktion Production

Paetau & Motta, Goethe-Institut Bogotá, Wexner Center for the Arts, Weltfilm

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

ATELIER // la paetau

Lucía González García

Kolumbien Colombia

studiomanagerlapaetau@gmail.com lapaetau.com

In Mourning Stage werden in einer Reihe von Zeichnungen verschiedene Darstellungen des Teufels in der Hölle gezeigt. Neben den Dämonen sind feminisierte Charaktere abgebildet, die sexuelle Perversionen im Verständnis der katholischen Kirche andeuten. Pateau interagiert mit den Zeichnungen und nutzt Körper und Mimik für eine rituelle Performance, bei welcher der Körper, fetischisiert und kolonialisiert durch die Moral, betrauert wird. Simon(e) Jaikiriuma Paetau ist ein*e kolumbianisch-deutsche*r interdisziplinäre*r Künstler*in und arbeitet zwischen Film, Videoinstallation und Performance mit einer queeren dekolonialen Perspektive. Die Arbeiten wurden u. a. bei der Cannes Directors’ Fortnight, der documenta14, dem New York Film Festival und dem British Film Institut Film Festival London uraufgeführt.

Carlos Motta ist ein in New York lebender kolumbianischer multidisziplinärer Künstler, der die sozialen und politischen Kämpfe sexueller, geschlechtlicher und ethnischer Minderheiten dokumentiert. Seine Arbeiten sind Teil der ständigen Sammlung des MET, des MoMA und des Guggenheim Museums. In Mourning Stage, a series of drawings depicts different renditions of the devil in hell. Among these demons there are feminised characters that suggest sexual perversions as typified by the Catholic imagination. Performer Paetau interacts with the drawings using her body and facial expressions to create a ritualistic performance where the body, fetishised and colonised by morality, is mourned.

Simon(e) Jaikiriuma Paetau is a Colombian-German interdisciplinary artist working between film, video installation and performance with a queer decolonial perspective. Their work has premiered at Cannes Directors’ Fortnight, Documenta14, New York Film Festival and British Film Institute Film Festival London, among others.

Carlos Motta is a New York-based Colombian multidisciplinary artist who documents the social and political struggles of sexual, gender and ethnic minorities. His work is part of the permanent collection of the MET, MoMA and the Guggenheim Museum.

Simon(e) Jaikiriuma Paetau ARIBADA (2022, in Oberhausen 2022), Mojana (2021), Trying to forget you (2019, in Oberhausen 2019), The Whisper of the Jaguar (2017), Cruising in High Heels (2014), Posh (2012), Mila Caos (2011, in Oberhausen 2011), Oury Jalloh (2008)

Carlos Motta When I Leave This World (2022), Legacy (2019), Corpo Fechado – The Devil’s Work (2018), Inverted World (2016), Nefandus (2013), Naufragios (2013), La visión de los vencidos (2013)

The Last Hit!

Deutschland Germany

2022

32'15"

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Regie Director

Adrien Lamande

Kamera Camera

Adrien Lamande

Schnitt Editor

Adrien Lamande

Musik Music

Fetisch

Tongestaltung Sound design

Luise Hoffman

Produktion Production

Lost Feathers Corp.

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Lost Feathers Corp.

Adrien Lamande

Deutschland Germany

casperomnie@gmail.com

Es ist noch nicht Mittag und Casper, das menschliche Rätsel, zieht durch die Straßen Berlins. Der Verkehr hämmert in seinem Gehirn, während Black Pearl und Dora zur Arbeit gehen. Sie weiß, wie man Menschen hilft, sich dieses schmutzigen Lebens zu entledigen! Sieh! Etwas Menschliches fliegt über Berlin!

Adrien Lamande, geboren 1981, arbeitete von 2001 bis 2010 als Theaterregisseur, auf der Suche nach ästhetischer und institutioneller Unabhängigkeit. Im Jahr 2011 verließ er Frankreich in Richtung Deutschland und arbeitete für Bühne und Film mit Frank Castorf, Khavn De La Cruz, Michael Klier und David Marton. The Last Hit! ist sein Debütfilm. Noon has not yet struck, and Casper, the human enigma, hits the streets of Berlin. Traffic is pounding his brain, while Black Pearl and Dora go to work. She knows how to help people get rid of this filthy life! Look! Something human is flying over Berlin!

Adrien Lamande, born in 1981, worked as a theatre director from 2001 to 2010, in search of aesthetic and institutional independence. In 2011 he left France for Germany and worked for stage and film with Frank Castorf, Khavn De La Cruz, Michael Klier and David Marton. The Last Hit! is his debut film.

Sensitive Content

Deutschland Germany

2022

8'48"

Farbe Colour

Persisch mit englischen Untertiteln

Persian with English subtitles

Regie Director

Narges Kalhor

Kamera Camera

Menschen im Iran People in Iran

Schnitt Editor

Narges Kalhor

Tongestaltung Sound design

Philipp Hutter

Produktion Production

Oasysdigital

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Narges Kalhor

Deutschland Germany

narges@oasysdigital.com

nargeskalhor.de

Hinter dem Begriff „sensibler Inhalt“, hinter diesem Symbol der durchgestrichenen Augen, in diesem Deep Blur sind zwei echte Augen durch die Gewalt im Nahen Osten ausgelöscht worden.

Narges Kalhor ist eine Regisseurin und Filmkünstlerin, geboren und aufgewachsen in Teheran. Sie studierte Filmregie an der Hochschule für Fernsehen und Film München. Ihr Abschlussfilm In the Name of Scheherazade feierte seine Weltpremiere 2019 beim Festival Visions du Réel. Der Film wurde ebenfalls im Juni 2021 im Berlinale Forum gezeigt. Behind the term ‘sensitive content’, behind this symbol of the crossed-out eyes, in this Deep Blur, two real eyes have been erased by the violence in the Middle East.

Narges Kalhor is a director and film artist, born and raised in Tehran. She studied film directing at the University of Television and Film Munich. Her graduation film In the Name of Scheherazade had its world premiere at the Visions du Réel festival in 2019. The film was also screened at the Berlinale Forum in June 2021.

SuperEnki from Osterwald (2022), In the Name of Scheherezade (2019), Gis (2016), Lavashak (2014), Kafan (2014), SHOOT ME. (2013), Munich-Tehran (2011)

RESOLUTION

Deutschland Germany

2023

18'48"

Farbe Colour

Englisch mit deutschen Untertiteln

English with German subtitles

Regie Director

Bjørn Melhus

Buch Script

Bjørn Melhus

Kamera Camera

Ann Oren

Schnitt Editor

Bjørn Melhus

Produktion Production

LIMBOLANDproductions

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Bjørn Melhus

Deutschland Germany

info@melhus.de

melhus.de

Eine Referenz an die Todesszene von Sol Roth, gespielt von Edward G. Robinson, im Film Soylent Green aus dem Jahr 1973. Ein alter Mann in einem Krankenhausbett bewegt sich durch einen endlos langen Flur und reflektiert in einem Monolog die 112 Jahre seines Lebens und wie Menschen ihr eigenes Aussterben vermeiden konnten.

Bjørn Melhus lebt in Berlin und macht Filme, Videos und Installationen, die international auf zahlreichen Festivals sowie in Gruppen- und Einzelausstellungen gezeigt wurden. Seit 2003 ist er Professor für Virtuelle Realitäten an der Kunsthochschule Kassel.

Referencing the death scene of Sol Roth, played by Edward G. Robinson, in the 1973 movie Soylent Green, an old man on a hospital bed moves through an endless hallway and reflects in a monologue on the 112 years of his life and how humans were able to avoid their own extinction.

Bjørn Melhus lives in Berlin and makes films, videos and installations that have been shown internationally at numerous festivals and in group and solo exhibitions. Since 2003, he has been a professor for Virtual Realities at the Kunsthochschule Kassel.

Filmauswahl (alle in Oberhausen) Selected works (all in Oberhausen) HOMESICK (2022), Doors of Reception (2021), SUGAR (2019), Moon Over Da Nang (2017), Freedom and Independence (2014), Sudden Destruction (2012), Das Badezimmer (2011), Murphy (2008), The Meadow (2007), Happy Rebirth (2004), Auto Center Drive (2003), No Sunshine (1997)

St. Mickeyland

Deutschland Germany

2023

12'54"

Farbe Colour

Englisch English

Regie Director

Ulu Braun

Buch Script

Ulu Braun

Ton Sound

Ulu Braun

Schnitt Editor

Ulu Braun

Animation

Ulu Braun, Jelena Milunović, Edoardo Pasquini

Tongestaltung Sound design

Kai Herrmann

Produktion Production

Ulu Braun

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Ulu Braun

Deutschland Germany

film@ulubraun.com

ulubraun.de

Willkommen in St. Mickeyland! In gemäldeartigen Tableaus wird ein von Cartoon und Medien-Ikonen bewohntes Reservat gezeigt. Die versammelten Figuren sind auf der Suche nach Lebenssinn und reflektieren dabei ihre Schöpfung im Honigtopf des Kapitals. Während Schneewittchen das Stand-Up-Paddling erlernt, gebärt Winnie Puh einen Nachfahren und verleiht der fiktiven Hülle eine Prise Menschlichkeit.

Ulu Braun, geboren 1976, lebt und arbeitet in Berlin und Lieksa, Finnland. Er studierte Malerei und Film in Wien, Helsinki und Potsdam. Seine hybriden Arbeiten bewegen sich zwischen Collage und narrativem Film und werden regelmäßig auf Filmfestivals und in Kunstinstitutionen gezeigt. Welcome to St. Mickeyland! In painting-like tableaus, a reservation inhabited by cartoon and media icons is displayed. The assembled characters are in search of meaning in life, reflecting on their creation in the honeypot of capital. While Snow White learns stand-up paddling, Winnie-the-Pooh gives birth to a descendant, adding a dash of humanity to the fictional shell.

Ulu Braun, born in 1976, lives and works in Berlin and Lieksa, Finland. He studied painting and film in Vienna, Helsinki and Potsdam. His hybrid works range between collage and narrative film and are regularly shown at film festivals and art institutions.

Das Glitzern im Barbieblut (2021), Saturne (2021), Burkina Brandenburg Komplex (2018), Die Herberge (2017, in Oberhausen 2017), Architektura (2015), Birds (2014, in Oberhausen 2014), Forst (2013), Westcoast (2009), Die Flutung von Viktoria (2004)

An Apple From a Tree

Deutschland Germany

2023

27'

Farbe Colour

Russisch mit englischen Untertiteln

Russian with English subtitles

Von By

Tina Daurova

Produktion Production

Tina Daurova, Hochschule für bildende Künste Hamburg

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Tina Daurova

Deutschland Germany

daurovatina@gmail.com

Heimatstadt, Russland. Abblätternde Tapeten, die Wohnung meiner Großeltern. Jetzt leben meine Eltern hier. Einbis zweimal im Jahr besuche ich sie. / Wie meine Mutter sagt: „Für Eltern bleibt ihr immer Kinder.“ Und etwas daran stimmt. Ich denke nach und versuche präsent zu sein.

Tina Daurova ist eine in St. Petersburg geborene Filmemacherin, die zunächst Musik studierte, bevor sie sich dem Film zuwandte. Ihr kommender Dokumentarfilm porträtiert die Kultur und Geschichte von Nordossetien-Alanien. Im Sommer 2023 wird sie ihr Studium an der Hochschule für bildende Künste Hamburg abschließen. Hometown, Russia. Flaking off wallpaper, grandparents’ flat. Now my parents live here. Once or twice a year, I come to visit them. / Like my mother says: ‘For parents, you always stay children’, and there is truth in her words. I wonder and attempt to be present.

Tina Daurova is a St. Petersburg-born filmmaker who studied music before focusing on film. Her upcoming documentary portrays the culture and history of North Ossetia-Alania. She will graduate from the University of Fine Arts of Hamburg in the summer of 2023.

Sul (2021), First of January (2019), Sněžka (2018), Polyphon (2017), Equinox (2013)

When He Leaves

Deutschland Germany

2023

11'26"

Farbe Colour

Serbisch mit englischen Untertiteln Serbian with English subtitles

Regie Director

Andrea Laušević

Buch Script

Andrea Laušević

Kamera Camera

Andrea Laušević

Ton Sound

Roland Vajs

Schnitt Editor

Andrea Laušević

Produktion Production

Andrea Laušević, Vladimir Vulević, Marvilla Studios, Hochschule für bildende Künste Hamburg

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Andrea Laušević

Deutschland Germany andrea.lausevic@gmail.com andrealausevic.com

Eine alleinerziehende Mutter erlebt ein komplexes Zusammenspiel aus Einsamkeit, Verlangen, Angst, Langeweile und traumähnlichen Zuständen, während sie auf die Rückkehr ihres Kindes wartet, das gerade seinen Vater besucht. Die Tage vergehen, die Mutter wird zunehmend unruhig. Sie versucht sich abzulenken, beschäftigt sich mit alltäglichen Hausarbeiten und gibt sich romantischen Fantasien hin.

Andrea Laušević ist eine in Belgrad geborene Filmemacherin, die einen MA in Film an der Hochschule für bildende Künste Hamburg absolviert. In ihrer Arbeit beschäftigt sie sich mit den Themen Identität und Mutterschaft. Zuvor erwarb sie Abschlüsse in Design und Soziologie und arbeitete als Art Director und Wissenschaftlerin in New York City. A single mother experiences an intricate interplay between loneliness, desire, anxiety, boredom, and dream-like states as she waits for her child to return home from a visit with their father. As the days pass, the mother becomes increasingly restless. She tries to distract herself by engaging in mundane domestic tasks and indulging in fantasies of romantic connection.

Andrea Laušević is a Belgrade-born filmmaker who is completing an MA in Film at the University of Fine Arts of Hamburg. Her work explores themes of identity and motherhood. Previously, she earned degrees in design and sociology and worked as an art director and researcher in New York City.

Island (2023), Urn (2022), Bodies intertwined (2021)

Blind Date 2.0

Österreich, Deutschland Austria, Germany

2022

7'46"

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Von By

Jan Soldat

Produktion Production

Jan Soldat

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

sixpackfilm

Gerald Weber

Österreich Austria

gerald@sixpackfilm.com sixpackfilm.com

In Blind Date 2.0 empfängt Paul den Filmemacher abermals zuhause – diesmal zum Dreh eines Sex-Dates. Soldat setzt Maßstäbe im filmischen Umgang mit Privatheit und zeigt in unverstellter Begegnung einen Mann, der Sorge trägt, im Ganzen wie im Detail.

Jan Soldat wurde 1984 in Karl-Marx-Stadt (jetzt Chemnitz), ehemalige DDR, geboren. Seine bis dato über 100 zumeist dokumentarischen Arbeiten setzen sich mit der Darstellbarkeit diverser sexueller Praktiken und Vorlieben auseinander. In Blind Date 2.0, Paul again receives the filmmaker at home – this time, to film a sex date. Soldat sets standards in the cinematic treatment of privacy and shows, in a frank encounter, a man who takes care of both the big and the little things.

Jan Soldat was born in Karl-Marx-Stadt (now Chemnitz), former East Germany, in 1984. His more than 100 mostly documentary works deal with the representability of diverse sexual practices and preferences.

Filmauswahl Selected works Staging Death (2022), Blind Date (2022, in Oberhausen 2022), Nullo (2021), Zumindest bin ich draußen gewesen (2021), Wohnhaft Erdgeschoss (2020), Erwin (2020), Protokolle (2017), Happy Happy Baby (2017), Coming Of Age (2016, in Oberhausen 2016), ZUCHT und ORDNUNG (2012, in Oberhausen 2012)

Letzte Nacht Last Night

Deutschland Germany

2023

10'24"

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Regie Director

Stella Rossié, Nicola Gördes

Buch Script

Stella Rossié, Nicola Gördes

Kamera Camera

David Füsgen

Schnitt Editor

David Füsgen, Stella Rossié, Nicola Gördes

Tongestaltung Sound design

Fion Pellacini

Produktion Production

Nicola Gördes, Stella Rossié

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Nicola Gördes, Stella Rossié

Deutschland Germany

nicolagoerdes@stellarossie.de

In einer nicht allzu fernen Zukunft kommen unterschiedliche Gruppen in einer längst geschlossenen Bar zusammen, um sich vor der gegenwärtigen Hitze zu schützen und sich hemmungslos zu betrinken. Aus einem harmlosen Discofox entwickelt sich eine gefühlvolle Polonaise, die alle Nerven reißen lässt und den Abend in eine ungeahnte Wendung manövriert.

Nicola Gördes wurde 1987 in Lennestadt geboren. Sie studierte an der Kunstakademie Münster als Meisterschülerin von Aernout Mik, wo sie 2017 ihr Diplom erhielt, sowie an der Kunstakademie Düsseldorf als Meisterschülerin von Marcel Odenbach.

Stella Rossié wurde 1989 in Bochum geboren. Sie studierte an der Goldsmiths, University of London. 2017 erlangte sie einen Bachelor- und Masterabschluss bei Andreas Slominski und Ceal Floyer an der Hochschule für bildende Künste Hamburg.

In a not-too-distant future, different groups gather in a bar that has already been closed for a long time, in order to protect themselves from the present heat and to get drunk without restraint. A harmless disco fox develops into a soulful polonaise that tears the nerves and manoeuvres the evening into an unsuspected turn.

Nicola Gördes was born in Lennestadt in 1987. She studied at the University of Fine Arts Münster as a master student of Aernout Mik, where she received her diploma in 2017, and at the Kunstakademie Düsseldorf as a master student of Marcel Odenbach.

Stella Rossié was born in Bochum in 1989. She studied at Goldsmiths, University of London. In 2017, she completed a bachelor’s and master’s degree programme with Andreas Slominski and Ceal Floyer at the University of Fine Arts of Hamburg.

Gemeinsame Filme Joint works Welcome to the World of a Billion € Fraud (2022), Welcome to the World of Winterberg (2021), DAISY CHOUPETTE (2020), 2017 – The chicks would dig it and we’d get laid a lot (2017), YES GOODBYE (2017), 911 (2017), This is Not (2015), KOMET (2014), Supbar (2013)

Zwei Stunden pro Tag Two Hours a Day

Deutschland, Israel Germany, Israel

2023

12'

Farbe Colour

Hebräisch, Deutsch mit englischen Untertiteln Hebrew, German with English subtitles

Regie Director

Maya Klar

Kamera Camera

Maya Klar

Schnitt Editor

Alon Sahar, Maya Klar

Musik Music

Asher Goldschmidt

Tongestaltung Sound design

Keren-or Biton

Produktion Production

Alon Sahar, Maya Klar

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Maya Klar

Deutschland Germany

mayaklar@gmail.com

Wegen einer mysteriösen Erkrankung muss Maya während ihrer Schwangerschaft ins Krankenhaus. Als neu Zugewanderte in Deutschland versucht sie mit den beschränkten Besuchszeiten und ihrer Einsamkeit zurechtzukommen. Zwischen medizinischen Untersuchungen werden Anrufe ihres Partners und Cellphone Meditationen mit digitalen Halluzinationen verwoben.

Maya Klar ist Regisseurin, Filmeditorin und Wissenschaftlerin. Sie ist Absolventin des MFA der Film- und Fernsehabteilung der Tel Aviv University. Derzeit arbeitet sie an ihrer Doktorarbeit im künstlerisch-wissenschaftlichen Programm der Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF.

A mysterious illness sends Maya to the hospital during pregnancy. She tries to overcome the time-limited visiting hours and her loneliness as a fresh immigrant in Germany. Between medical check-ups, phone calls from her partner and cellphone meditations are intertwined with digital hallucinations.

Maya Klar is a director, film editor and scholar. She is an MFA graduate of the Film and Television Department at Tel Aviv University. She is currently working on her doctoral thesis in the artistic-scientific programme of the Film University Babelsberg KONRAD WOLF.

Koniec (2022), The Girl Who Didn’t Know What to Do (2021), Phantomstühle (2019), Abyss (2017), The Road to Guoliang (2017), Great Waters (2013)

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Deutschland Germany 2022

Farbe Colour

Italienisch mit englischen Untertiteln

Italian with English subtitles

Regie Director

Jeanne Faust

Buch Script

Jeanne Faust

Kamera Camera

Stephan Rosche, Jeanne Faust

Ton Sound

Jörn Zehe

Schnitt Editor

Jeanne Faust

Produktion Production

Jeanne Faust

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Jeanne Faust

Deutschland Germany

jeannefaust@gmx.de

Andrea hat keinen Ort, an dem er wohnen kann. Er hat jedoch das Geld seiner Cousins. Betrunken fährt er mit einem Fahrrad durch einen abgesperrten Bereich und trifft dort einen Hund. Dieser führt ein vielversprechendes Leben, aber braucht er überhaupt einen Gefährten?

Jeanne Faust studierte von 1993 bis 1999 Film und Kunst an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Seit 1999 ist sie als Künstlerin tätig. Ihre Filme wurden in mehreren internationalen Ausstellungen gezeigt, u. a. 2006 auf der Bienal de São Paulo, auf der Manifesta 4, 2007 im Hamburger Bahnhof, 2018 in der Hamburger Kunsthalle und auf Filmfestivals wie den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen, der Berlinale und dem International Film Festival Rotterdam. Seit 2006 unterrichtet sie eine Videoklasse an der Hochschule für bildende Künste Hamburg.

Andrea doesn’t have a place to live, but he does have his cousins’ money. Drunk, riding a bicycle through a restricted area, he comes across a dog. This one seems to lead a promising life, but does he need a companion?

Jeanne Faust studied film and art at the University of Fine Arts of Hamburg from 1993 to 1999. She has been working as an artist since 1999. Her films have been shown at several international exhibitions such as the Biennale São Paulo in 2006, Manifesta 4, Hamburger Bahnhof in 2007, Hamburger Kunsthalle in 2018 and at film festivals such as the International Short Film Festival Oberhausen, Berlinale and the International Film Festival Rotterdam. Since 2006 she has taught a video class at the University of Fine Arts of Hamburg.

Filmauswahl Selected works in rom (2014–15), strauß.ok (2012), Reconstructing Damon Albarn in Kinshasa (2010, in Oberhausen 2010), said death to passion (2008), Excuse me brother (2007, in Oberhausen 2007), IV (2005), the mansion (2004), Interview (2002), Rodeo (1998, in Oberhausen 1998), Taubentag (1994, in Oberhausen 1995)

KANAL 82 –

Pazar Sabah

Kuşağı KANAL 82 – Sunday Morning Program

Ein ganz normaler Sonntagmorgen. Beim kleinen Lokal-Sender KANAL 82 irgendwo in der Türkei läuft das einstündige Kinderprogramm. Doch plötzlich geschehen im Studio verrückte Dinge. Sind da etwa unbekannte Wesen am Werk? Gibt es im Fernsehen etwa Gespenster? Eine für sich stehende Folge der kommenden Comedy-Serie KANAL 82 über die Medienzensur in der Türkei.

Deutschland Germany

2022

10'15"

Farbe Colour

Türkisch mit englischen Untertiteln

Turkish with English subtitles

Regie Director

Zeynep Tuna, Nino Klingler

Buch Script

Zeynep Tuna, Nino Klingler

Kamera Camera

Bruno Derksen

Ton Sound

Melih Sarigöl

Schnitt Editor

Zeynep Tuna, Nino Klingler

Musik Music

Zeynep Tuna, Nino Klingler

Animation

Zeynep Tuna, Nino Klingler

Produktion Production

Dilara Çatak, Einstein Stiftung Berlin, Universität der Künste Berlin

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Nino Klingler

Deutschland Germany

nino.klingler@googlemail.com

Zeynep Tuna ist eine Found-Footage-Filmemacherin und Medienwissenschaftlerin und lebt in Berlin. Sie studierte an der Universität der Künste Berlin, wo sie auch ein Stipendium für die Graduiertenschule erhielt. Zurzeit schreibt sie ihre Doktorarbeit über das zeitgenössische türkische Fernsehen und die Interaktion des Publikums.

Nino Klingler wurde 1984 geboren und lebt und arbeitet als Filmemacher und Kritiker in Berlin. Seine stets kollaborativ realisierten Arbeiten wurden unter anderem in Berlin, Hof, Paris, Nijmegen und São Paulo gezeigt. Neben dem Filmemachen arbeitet er im Kulturmanagement.

Just another Sunday morning. It’s children’s hour in the programme of the tiny local TV channel KANAL 82, somewhere in Turkey. But then weird things occur in the studio. Could there be unknown entities at work? Are there ghosts in the television? – A self-contained episode from the upcoming comedy series KANAL 82, on media censorship in Turkey.

Zeynep Tuna is a found footage filmmaker and media researcher living in Berlin. She studied at Berlin University of the Arts, where she also held a fellowship at the Graduate School. She is currently writing her doctoral thesis on contemporary Turkish TV and audience interaction.

Nino Klingler was born in 1984 and lives and works as a filmmaker and critic in Berlin. His works, always realised collaboratively, have been shown in Berlin, Hof, Paris, Nijmegen and São Paulo, among others. In addition to filmmaking, he works in cultural management.

Zeynep Tuna Nachleben (2015), Broken Sensuality (2013), Cooking Step by Step (2009)

Nino Klingler Endlich wieder möglich (mit with Frédéric Jaeger, 2023), Nur der Fortschritt (mit with Frédéric Jaeger, 2016)

SSRC

Deutschland Germany

2022

20'09"

Farbe Colour

Englisch mit deutschen Untertiteln

English with German subtitles

Regie Director

Yalda Afsah

Kamera Camera

Oli Cohen, Alecia Denegar, Seth MacMilan

Ton Sound

Harlow Price, Alex Bologna, Gahyae Ryu

Schnitt Editor

Yalda Afsah, Janina Herhoffer

Tongestaltung Sound design

Steffen Martin

Produktion Production

Rosenpictures Filmproduktion, Yalda Afsah

ROSENPICTURES Filmproduktion

Stephan Helmut Beier

Deutschland Germany

info@rosenpictures.com rosenpictures.com

Yalda Afsahs Kurzfilm wurde in den Vororten von South Los Angeles gedreht und handelt von der artübergreifenden Beziehung zwischen dressierten Tauben und ihren Züchter*innen. Eine Auseinandersetzung mit Fragen nach Co-Abhängigkeit und Pflege, Domestizierung und Dominanz und letztlich nach menschlichem und nicht menschlichem Willen.

Yalda Afsah wurde 1983 in Berlin geboren und ist eine deutsch-iranische Künstlerin und Filmemacherin. Sie setzt sich in ihren Arbeiten fortlaufend damit auseinander, inwieweit der abgefilmte Raum durch filmische Mittel zur Konstruktion wird.

Shot in the suburbs of South LA, Yalda Afsah’s short film focuses on the interspecies relationship between trained pigeons and their breeders, negotiating questions of codependency and care, domestication and dominance, and ultimately, both human and non-human will.

Yalda Afsah was born in Berlin in 1983 and is a German-Iranian artist and filmmaker. In her work, she continuously explores the extent to which the filmed space becomes a construction through cinematic means.

Centaur (2020), Vidourle (2019), Tourneur (2018), Bacha Post (mit with Ginan Seidl, 2016), BOY (mit with Ginan Seidl, 2015), Ferferak (2013), Atlanten (2013), Kabatas (2013), Fillmore (2013)

The Severed Tail

Deutschland Germany

2022

21'53"

Farbe Colour

Englisch English

Regie Director

Marianna Simnett

Buch Script

Marianna Simnett

Kamera Camera

Robbie Ryan

Schnitt Editor

Marianna Simnett

Musik Music

Colin Self

Tongestaltung Sound design

Brendan Feeney

Produktion Production

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Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Marianna Simnett

Deutschland Germany

info@studiosimnett.com

mariannasimnett.com

The Severed Tail folgt einem Ferkel, das sich auf eine surreale Reise durch eine fetischistische Unterwelt begibt, nachdem sein Schwanz von einem Landwirt abgeschnitten wurde. Unter der Führung eines Welpen erleidet das Ferkel einen Fiebertraum voller Qualen: Es wird ausgepeitscht, abgeleckt und an einen Seepferdchenschwanz festgebunden. Der Film nutzt Fantasie und Spiel als einen sicheren Ort, an dem man Trauma in einem Meer des Schmerzes in Angriff nehmen kann.

Marianna Simnett ist eine renommierte Künstlerin und Filmemacherin, die in Berlin lebt und arbeitet. Ihre psychologisch aufgeladenen Arbeiten imaginieren radikale neue Welten voller ungezähmter Gedanken, seltsamer Geschichten und Sehnsüchte.

The Severed Tail follows a piglet who embarks on a surreal journey through a fetishistic underworld after her tail has been cut off by a farmer. With a puppy as her guide, the piglet is subjected to a fever dream of torments – being whipped, licked and bound into a seahorse tail. The film embraces fantasy and play as a safe space for taking possession of trauma amidst a sea of pain.

Marianna Simnett is an acclaimed artist and filmmaker living and working in Berlin. Her psychologically charged works imagine radical new worlds filled with untamed thoughts, strange tales and desires.

Blue Moon (2022), Prayers for Roadkill (2022), The Bird Game (2019), Blood in My Milk (2018), Worst Gift (2017), The Needle and the Larynx (2016), Blood (2015), Blue Roses (2015), The Udder (2014)

Herkules Hercules

Deutschland Germany

2023

23'11"

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Regie Director

Felix Bartke, Nils Ramme

Kamera Camera

Fabian Martin Anger

Schnitt Editor

Felix Bartke

Tongestaltung Sound design

Maximilian Blaß, Valentin Idel

Produktion Production

Felix Bartke, Nils Ramme, Fabian Martin Anger

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Felix Bartke

Deutschland Germany

ikaruskaligari@gmail.com

Herkules reist von Krefeld am Niederrhein mit dem Fahrrad zum Olymp, dem Thron antiker Gottheiten. Dabei wird der Herkules-Mythos, als Ur-Mythos männlicher Wirkmacht durch biografische Reflexionen und Inszenierungen mythologischer Echos befragt. Die dramaturgische Struktur der Heldenreise zerfällt in multimaterieller Perspektive in Fragen über männliche Identität, Ideale und Reue.

Felix Bartke wurde 1995 in Mönchengladbach geboren. Von 2015 bis 2016 Script Continuity bei Fernsehproduktionen. 2016 bis 2017 arbeitete er als künstlerische Assistenz beim Künstlerinnenduo Gossing/Sieckmann. Seit 2017 studiert er an der Kunsthochschule für Medien Köln und erhielt das Stipendium der Studienstiftung des deutschen Volkes in der Sparte Kunst.

Nils Ramme wurde 1993 in Bielefeld geboren. Von 2012 bis 2017 Studium der Theaterwissenschaft an der Freien Universität Berlin. Seit 2012 diverse Regiepraktika bei Filmproduktionen, unter anderem bei Rosa von Praunheim. Seit 2017 studiert er an der Kunsthochschule für Medien Köln.

Hercules travels by bike from Krefeld in the Lower Rhine region to Mount Olympus, the throne of ancient deities. In the process, the legend of Hercules, as a primal myth of masculine power, is interrogated by means of biographical reflections and stagings of mythological echoes. The dramatic structure of this hero’s journey breaks up, in multi-material perspective, into issues of male identity, ideals and remorse.

Felix Bartke was born in Mönchengladbach in 1995. From 2015 to 2016 he worked in script continuity in television productions. From 2016 to 2017 he worked as an artistic assistant for the artist duo Gossing/Sieckmann. Since 2017 he has been studying at the Academy of Media Arts Cologne and has received the scholarship of the German Academic Scholarship Foundation in the category of art.

Nils Ramme was born in Bielefeld in 1993. He studied Theatre Studies at the Freie Universität Berlin from 2012 to 2017. Since 2012, he has held various directing internships at film productions, including with Rosa von Praunheim. Since 2017 he has been studying at the Academy of Media Arts Cologne.

Felix Bartke Cruiser (2022, in Oberhausen 2022), Hardgainer (2020), Alruna (2017)

Nils Ramme Cruiser (2022, in Oberhausen 2022), Kalter Hund (2017)

Paddled Pandemic Paradise

Deutschland Germany

2023

14'

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white Englisch English

Regie Director

Lisa Domin-Alouane

Kamera Camera

Lisa Domin-Alouane

Ton Sound

Johanna Pigors, Lisa Domin-Alouane

Schnitt Editor

Lisa Domin-Alouane, Rita Schwarze

Produktion Production

Kunsthochschule für Medien

Köln, Lisa Domin-Alouane

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Kunsthochschule für Medien Köln

Ute Dilger

Deutschland Germany

ute.dilger@khm.de khm.de

„Wenn du dich verliebst, fahre besser zur Hölle.“ Surfen ist das vom Westen erzeugte, männlich dominierte Freiheitsideal. Für marokkanische Surflehrer ist es auch mehr als ein Job. Das Paradies hat Anziehungskraft. Aber jetzt sind die Grenzen geschlossen. Wir sehen nicht nur Bilder, sondern verfolgen auch den intimen Austausch per Chat zwischen Filmemacherin und Surflehrern über Landesgrenzen hinweg. Lisa Domin-Alouane studierte Freie Kunst mit den Schwerpunkten Film und Fotografie in Braunschweig und Budapest bei Dörte Eißfeldt, Hannes Böhringer, Viola Vahrson und Guy Ben-Ner. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit arbeitet sie auch in der Filmbildung sowie als Kamera- und Tonfrau. Von 2017 bis 2022 absolvierte sie ein Postgraduiertenstudium der Medialen Künste an der Kunsthochschule für Medien Köln.

‘If you fall in love, you better go to hell.’ Surfing is the iconic, male-dominated ideal of freedom generated by the Western world. For Moroccan surf instructors, it’s also more than a job. The paradise provides its attraction. But now the borders are closed. Beside the images, you follow the distant but intimate chat between filmmaker and surf instructors. Lisa Domin-Alouane studied fine arts with a focus on film and photography in Braunschweig and Budapest with Dörte Eißfeldt, Hannes Böhringer, Viola Vahrson and Guy Ben-Ner. In addition to her artistic work, she also works in film education and as a camerawoman and sound artist. From 2017 to 2022, she completed a postgraduate programme in Media Arts at the Academy of Media Arts Cologne.

Filmauswahl Selected works Faxen (2018, in Oberhausen 2019), Sonne auf Erden (2018), Neutrales Gebiet (2017), It’s so sad the giraffe is dead (2016), Car Care (2015), E.1027 (2014), Steppen (2013), Rot (2012), o.T. (2011), Cowboys (2011), Carpet (2010)

About a Mutual Acquaintance

Deutschland Germany

2023

37'45"

Farbe Colour

Persisch mit englischen Untertiteln

Persian with English subtitles

Regie Director

Rasam Noori

Buch Script

Rasam Noori

Kamera Camera

Ali Taghaddosi

Schnitt Editor

Rasam Noori

Musik Music

Siavash Heydari

Tongestaltung Sound design

Siavash Heydari

Produktion Production

Kunsthochschule für Medien

Köln, Rasam Noori

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Kunsthochschule für Medien Köln

Ute Dilger

Deutschland Germany

ute.dilger@khm.de khm.de

Javad hat an einer abgelegenen Straße den letzten Bus verpasst und trifft zufällig auf Gholamhossein, einen Mann, der ein enger Freund seines Vaters war. Gholamhossein erzählt ihm Dinge von seinem Vater, von denen er noch nie gehört hat.

Rasam Noori wurde 1992 in Isfahan, Iran, geboren. Er studierte Drehbuch in Isfahan. Seit 2018 studiert er im Aufbaustudium an der Kunsthochschule für Medien Köln mit dem Schwerpunkt Spielfilmregie.

Javad, on a remote road having missed the last bus, happens to meet Gholamhossein, a man who was a close friend of his father. Gholamhossein tells him things about his father that he never knew.

Rasam Noori was born in Isfahan, Iran, in 1992. He studied screenwriting in Isfahan. Since 2018, he has been a postgraduate student at the Academy of Media Arts Cologne, with a focus on feature film directing.

Außergewöhnliche Träume (2018), A Short Film About Time (2017)

.. und der Sünder bereut Heimatfilm

28. April 20:00 Uhr 28 April 8:00 pm Lichtburg

29. April 20:00 Uhr 29 April 8:00 pm Walzenlager

Deutschland Germany

2023

16'24"

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Regie Director

Marion Kellmann

Buch Script

Marion Kellmann

Schnitt Editor

Marion Kellmann

Musik Music

Justin Robinson

Produktion Production

Marion Kellmann

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Marion Kellmann

Deutschland Germany

mkellmann@posteo.de marionkellmann.de

Der Kompilationsfilm .. und der Sünder bereut zeigt die Essenz des deutschen Heimatfilms. Die Handlung ist eine Liebesgeschichte, die nach dem Auftritt eines Bösewichts am Ende gut ausgeht. Erzählt aus 50 Filmen.

Marion Kellmann ist eine Kölner Filmemacherin. Sie studierte Drehbuch an der Filmakademie Baden-Württemberg und schloss ihr Studium an der Kunsthochschule für Medien Köln mit Auszeichnung ab. Ihre Filme wurden weltweit auf Filmfestivals gezeigt und mehrfach ausgezeichnet.

The compilation film Heimatfilm encapsulates the essence of the German Heimatfilm. The plot is a love story that, after the appearance of a villain, ends happily. Recounted from 50 films.

Marion Kellmann is a filmmaker from Cologne. She studied screenwriting at the Filmakademie Baden-Wuerttemberg and graduated with distinction from the Academy of Media Arts Cologne. Her films have been shown at film festivals worldwide and have won several awards.

Ekstase (2019), Endre Tót – I’m glad if I’m happy (2017), Die siderische Nacht (2012), Trinkhallen (2010), Die Umschulung (2006)

sounds for a wounded landscape –Activities on the Ground

28. April 20:00 Uhr 28 April 8:00 pm Lichtburg

29. April 20:00 Uhr 29 April 8:00 pm Walzenlager

Deutschland Germany

2023

10'57"

Farbe Colour

Englisch mit deutschen Untertiteln

English with German subtitles

Regie Director

Oliver Gather, Frauke Berg

Buch Script

Oliver Gather, Frauke Berg

Kamera Camera

Oliver Gather

Ton Sound

Frauke Berg, Anja Lautermann

Schnitt Editor

Oliver Gather

Musik Music

Frauke Berg, Anja Lautermann

Tongestaltung Sound design

Tom Blankenberg

Produktion Production

Oliver Gather

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Oliver Gather

Deutschland Germany

o.gather@gmx.de olivergather.de

Zwei Soundkünstler*innen spielen und hören als Selbstexperiment in das große Loch des Tagebaus Garzweiler hinein. Die Kamera beobachtet den Konflikt am Loch, sieht und hört zu. Fragil, hilflos und vielleicht sogar vergeblich scheinen alle Versuche, die Verwundung der Landschaft zu lindern oder aufzuhalten.

Oliver Gather studierte von 1985 bis 1991 Bildhauerei an der Kunstakademie Düsseldorf und hat seitdem zahlreiche installative, performative und filmische Projekte im urbanen und ländlichen Raum realisiert. Er lebt und arbeitet in Düsseldorf.

Frauke Berg ist bildende Künstlerin und experimentelle Musikerin. Installationen und Performances sind in verschiedenen Kollaborationen und Kontexten entstanden. Ihr Hauptinteresse gilt dabei der Arbeit in-situ und der Kommunikation mittels Klang. sounds for a wounded landscape – Activities on the Ground ist ihr Debütfilm.

Two sound artists play and listen into the large hole of the Garzweiler opencast mine as a self-experiment. The camera observes the conflict at the hole, looks and listens into it. All attempts to alleviate or stop the wounding of the landscape seem fragile, helpless and perhaps even futile.

Oliver Gather studied sculpture at the Kunstakademie Düsseldorf from 1985 to 1991 and has since realised numerous installation, performance and film projects in urban and rural spaces. He lives and works in Düsseldorf.

Frauke Berg is a visual artist and experimental musician. She has created installations and performances in various collaborations and contexts. Her main interests are working in-situ and communication through sound. sounds for a wounded landscape – Activities on the Ground is her debut film.

Oliver Gather Heim Suchen (2022), Hoch Sitzen (2021, in Oberhausen 2021), Dampf & Dunst (2020), Gowanus Ballet (2018), Die kleine Bucht, vom Ufer aus kaum wahrzunehmen (2018), Hühner in der Kurve (2017)

Ich darf sie immer alles fragen

I may always ask her anything

28. April 20:00 Uhr 28 April 8:00 pm Lichtburg

29. April 20:00 Uhr 29 April 8:00 pm Walzenlager

Niederlande, Deutschland

Netherlands, Germany

2023

15'

Farbe Colour

Deutsch mit englischen Untertiteln

German with English subtitles

Regie Director

Silke Schönfeld

Kamera Camera

Tommy Scheer, Silke Schönfeld

Ton Sound

Tommy Scheer, Silke Schönfeld

Schnitt Editor

Silke Schönfeld

Tongestaltung Sound design

Volker Hennes

Produktion Production

Rijksakademie van beeldende

kunsten, Silke Schönfeld

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Silke Schönfeld

Deutschland Germany

SchoenfeldSi@aol.com

silkeschoenfeld.de

Ein Kirschbaum wird zum Startpunkt eines intimen filmischen Dialogs über transgenerationales Trauma zwischen Mutter und Tochter. Die Grenze zwischen dem Bedürfnis nach Aufklärung und dem Wunsch nach Heilung verschwimmt, während die beständige Kamera das Fällen des Kirschbaums im Garten dokumentiert.

Silke Schönfeld ist bildende Künstlerin und Filmemacherin und lebt in Dortmund und Amsterdam. Indem sie persönliche Geschichten mit historischen und sozialen Strukturen verwebt, taucht sie in spezifische Kontexte ein und setzt sich mit ihren eigenen Vorurteilen auseinander.

The cutting down of a cherry tree becomes the starting point for an intimate dialogue about transgenerational trauma between mother and daughter. The line between the need for investigation and the desire for healing becomes blurry when a persistent camera depicts the felling of the tree.

Silke Schönfeld is a visual artist and filmmaker based in Dortmund and Amsterdam. By interweaving personal stories with historical and social structures, she immerses herself in specific contexts and confronts her own biases.

Nothing in this world can take the place of persistence (2021, in Oberhausen 2022), Die sehen ja nur, die wissen ja nichts (2020, in Oberhausen 2020), Mönchszüge – invented traditions part two (2019), Mainacht – invented traditions part one (2019), Ein Prozent – imagined communities (2019), Kommt und guck selber (2015)

Olive Planet

Deutschland Germany

2022

14'

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white

Arabisch, Deutsch mit englischen Untertiteln

Arabic, German with English subtitles

Regie Director

Shehab Fatoum

Buch Script

Shehab Fatoum

Animation

Yann Le Bot

Tongestaltung Sound design

Tioma Tchulanov

Produktion Production

Shehab Fatoum

Wind Cinema

Ahmad Alhaj

Frankreich France

distribution@windcinema.com

windcinema.com

Ein Junge versucht mit allen Mitteln der Schrecklichkeit seines Lebens zu entfliehen.

Shehab Fatoum wurde 1994 in Salamiyah, Syrien, geboren. Er wurde durch den Aufstand in Syrien im Jahr 2011 stark geprägt. Als die ersten russischen Soldaten kamen, ging er nach Deutschland. Er absolvierte ein Schauspielstudium an der Folkwang Universität der Künste.

A young man tries by any means necessary to escape the horribleness of his life.

Shehab Fatoum was born in Salamiyah, Syria, in 1994. He was strongly marked by the uprising in Syria in 2011. When the first Russian soldiers came, he went to Germany. He graduated in acting at the Folkwang University of the Arts.

The Fuss behind us (2019), On a Trip (2019)

Feel What You’re Feeling

Deutschland Germany 2022 18'

Farbe Colour

Deutsch, Englisch mit deutschen, englischen Untertiteln German, English with German, English subtitles

Regie Director

Ale Bachlechner, Elsa Artmann, Samuel Duvoisin

Kamera Camera

Marie Zahir

Ton Sound

Martin Paret

Schnitt Editor

Ale Bachlechner

Musik Music

Annie Bloch, Jonathan Kastl

Produktion Production

Ale Bachlechner, Elsa Artmann, Samuel Duvoisin

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Ale Bachlechner

Deutschland Germany

ale.bachlechner@gmail.com alebachlechner.com

Wenn du davon träumst, dein Potenzial auszuschöpfen, träumst du dann davon, es auszugießen, auszulöffeln, herauszukratzen, oder eher davon, es wie eine gefaltete Decke auszubreiten? / Ich habe ein reiches Innenleben und betreibe einen gut laufenden inneren Bergbau. / Der Konflikt ist: durchlässig sein wollen und schlucken müssen.

Ale Bachlechner ist eine Künstlerin, die mit Performance und Video arbeitet. Sie studierte Vergleichende Literaturwissenschaft in Innsbruck und Mediale Künste in Köln. Zu ihren Arbeiten gehören eine Partnervermittlung, ein Coaching-Institut und eine Online-TV-Serie.

Elsa Artmann und Samuel Duvoisin arbeiten seit 2015 an performativen und installativen Formaten im Kontext von Tanz und bildender Kunst. Themen ihrer Arbeit sind Formate und Konzepte des gesellschaftlichen Zusammenlebens wie die Kleinfamilie, Wohnen und Arbeit. Feel What You’re Feeling ist ihr Debütfilm.

When you dream of exhausting your potential, do you dream of pouring it out, spooning it out, scraping it out, or rather spreading it out like a folded blanket? / I have a rich inner life and sustain some profitable inner mining. / The conflict is: wanting to be permeable and having to swallow.

Ale Bachlechner is an artist who works with performance and video. She studied comparative literature in Innsbruck and media art in Cologne. Her work includes a dating agency, a coaching institute and an online TV series. Elsa Artmann and Samuel Duvoisin have been working on performative and installation formats in the context of dance and visual arts since 2015. Themes of their work are formats and concepts of social coexistence such as the nuclear family, housing and work. Feel What You’re Feeling is their debut film.

Ale Bachlechner Just Want You To Be (2021), Like You Really Mean It (2020, in Oberhausen 2021), Studio Hallo (2018), This Is Not a Competition (2016), Saturn Return (2014), Twelve Roses (2013)

Children’s and Youth Cinema

Kinderund Jugendkino

Schleudergang Spin Cycle

Deutschland Germany

2022

7'10"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Gurli Bachmann

Buch Script

Gurli Bachmann

Ton Sound

Arzu Saglam

Musik Music

Tiago Tobias Cabral Fernandes

Animation

Gurli Bachmann, Leonard Ermel

Tongestaltung Sound design

Arzu Saglam

Produktion Production

Gurli Bachmann

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Gurli Bachmann

Deutschland Germany

info@gurlibachmann.ch

gurlibachmann.ch

Während des Schleudergangs in der Waschmaschine wird ein Paar Socken getrennt, und eine Socke fühlt sich zunächst schrecklich. Als sie jedoch zum ersten Mal auf andere Kleidungsstücke trifft, stellen die neuen Bekanntschaften die Freundschaft der Socken auf die Probe. Schließlich gelingt es dem Sockenpaar zu akzeptieren, dass beide ihre eigenen Interessen haben, und ihre Freundschaft setzt sich durch.

Gurli Bachmann gestaltet und zeichnet Zeichentrickfilme und arbeitet als Illustratorin. Aufgewachsen ist sie in Luzern, Schweiz, wo sie an der Hochschule Luzern – Design & Kunst ein BA-Studium in Illustration absolvierte. 2018 schloss sie ihren MA in Visueller Kommunikation an der Weißensee Kunsthochschule Berlin ab. Sie arbeitet mit Pinsel, Bleistift und digitalem Stift an verschiedenen Film- und Illustrationsprojekten.

During a spin cycle in the washing machine, a pair of socks gets separated, and one sock feels terrible at first. However, as it meets other garments for the first time, their new acquaintances put the socks’ friendship to the test. Eventually, the sock couple manages to accept that they both have their own interests, and their friendship prevails.

Gurli Bachmann designs and draws cartoons and works as an illustrator. She grew up in Lucerne, Switzerland, where she completed her BA in Illustration at the Lucerne School of Art and Design. In 2018, she did her MA in Visual Communication at the Weißensee Academy of Art Berlin. She works with brush, pencil and digital pen on various film and illustration projects.

(2019)

Deutschland Germany

2023

3'07"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Sonja Rohleder

Ton Sound

Michal Krajczok

Musik Music

Jens Heuler, Silke Büscherhoff

Animation

Sonja Rohleder

Tongestaltung Sound design

Michal Krajczok

Produktion Production

Talking Animals Animation Studio

Sonja Rohleder

Deutschland Germany

film@sonjarohleder.de

sonjarohleder.de

26./27. April 11:00 Uhr 26/27 April 11:00 am Lichtburg

28. April 9:00 Uhr 28 April 9:00 am Lichtburg

30. April 10:30 Uhr 30 April 10:30 am Star

Die Sonne geht unter und die Augen fallen zu. Von einem grünen Blatt zum nächsten schaukelnd, gleitet das Äffchen sanft in den Schlaf. In der Welt der Träume wird es dunkler, bunter und wilder. Geheimnisvolle Gewächse, Kreaturen und Formen säumen die Flugbahn durch die Nacht. SOMNI ist ein cineastisches Schlaflied.

Sonja Rohleder ist eine in Berlin lebende Filmemacherin. 2009 schloss sie ihr Animationsstudium an der Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF ab und gründete mit einer Gruppe von Absolvent*innen und Freund*innen das Talking Animals Animation Collective. Seitdem hält sie Vorträge, arbeitet im Bereich der Animation für Kurz- und Spielfilme, Dokumentarfilme und Installationen. Ihre Kurzfilme wurden auf zahlreichen internationalen Festivals gezeigt und haben mehrere Preise gewonnen.

The sun sets and the eyes are closing. Rocking from one green leaf to the next, the little monkey glides gently to sleep. Suddenly the world of dreams gets darker, more colourful and wild. Mysterious plants, creatures and shapes line the trajectory through the night. SOMNI is a cinematic lullaby.

Sonja Rohleder is a filmmaker living in Berlin. 2009 she graduated in animation from the Film University Babelsberg KONRAD WOLF and co-founded the Talking Animals Animation Collective with a group of fellow graduates and friends. Since then, she has been giving lectures, works in the field of animation for short and feature films, documentaries and installations. Her short films have been shown at numerous international festivals and have won several awards.

Nest (2019), Quiet (2019), Dame Mit Hund / Walk The Dog (2014), Kolumbus (2009), Coccoon Child (2009)

Suis mes pas Follow my Steps

26./27. April 11:00 Uhr 26/27 April 11:00 am Lichtburg

28. April 9:00 Uhr 28 April 9:00 am Lichtburg

30. April 10:30 Uhr 30 April 10:30 am Star

Frankreich France

2022

4'23"

Farbe Colour

Französisch mit englischen Untertiteln

French with English subtitles

Regie Director

Nils Balleydier

Ton Sound

Gilles Sprecher

Schnitt Editor

Antoine Rodet

Musik Music

Pierre Oberkampf

Tongestaltung Sound design

Gilles Sprecher

Produktion Production

Annick Teninge

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

La Poudrière Animation School

Annick Teninge

Frankreich France

assist.direction@poudriere.eu poudriere.eu

Die siebenjährige Chloé imitiert ihren älteren Bruder Théo, der auf einem verschneiten Feld Tai Chi übt, während einige Stare ihnen dabei zuschauen.

Nils Balleydier wurde 1998 geboren und ist ein Animationsregisseur. Er schloss sein Studium am Institut Sainte-Geneviève im Jahr 2020 ab, wo er bei Partir Regie führte. Im Jahr 2022 machte er seinen Abschluss an der La Poudrière École du film d’animation in Valence.

Seven-year-old Chloé copies her older brother, Théo, who is practising taï-chi in a snowy field while a group of starlings looks on.

Nils Balleydier was born in 1998 and is an animation director. He graduated from the Institut Sainte-Geneviève in 2020, where he directed Partir. In 2022, he finished his course at La Poudrière Animation School in Valence.

The Flower and the Dung Beetle (2022), The Love of Risk (2022), My Best Friend for the Espoirs de l’Animation (2022)

NAERIS The Turnip

26./27.

11:00 am

Estland Estonia

2022

7'12"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Piret Sigus, Silja Saarepuu

Buch Script

Piret Sigus

Schnitt Editor

Piret Sigus, Silja Saarepuu, Ragnar Neljandi

Musik Music

Ramo Teder

Animation

Marili Sokk

Produktion Production Animailm

Piret Sigus

Estland Estonia

animailm.film@gmail.com

Die Geschichte des Films basiert auf einem slavischen Märchen, das seit Ewigkeiten aus der Perspektive von Kleinbäuer*innen erzählt wird. Der Film zeigt die schon oft verarbeitete Geschichte aus einer unterirdischen Perspektive. So erfahren wir, was wirklich geschah, während die Bäuer*innen damit beschäftigt waren, ihr Gemüse anzubauen. Ein Film über Eigentum, Zusammenarbeit und Verrat.

Piret Sigus, geboren 1976, ist eine unabhängige estnische Animationskünstlerin und Regisseurin. Sie schloss 2004 ihr Studium an der Eesti Kunstiakadeemia ab und ist Gründerin und Geschäftsführerin des Animationsstudios Animailm.

Silja Saarepuu, geboren 1973, ist eine Künstlerin und Filmemacherin. Sie schloss 2004 ihr Studium an der Eesti Kunstiakadeemia ab. Jetzt arbeitet sie als freischaffende Künstlerin im Bereich der interdisziplinären Kunst und kreiert und verwendet Geschichten von kleinen Leuten, die auf der Erde leben und Steine auf Feldern verschiedener Realitäten rollen.

The film’s story is based on the Slavic folktale, which has been told for ages from the peasants’ point of view. The film shows the over-exploited story from an underground angle – showing what really happened while peasants were engaged in the cultivation of vegetables. It is also about property, collaboration and betrayal.

Piret Sigus, born in 1976, is an independent Estonian animation artist and director. She graduated from the Estonian Academy of Arts in 2004 and is the founder and owner of the animation studio Animailm.

Silja Saarepuu, born in 1973, is an artist and filmmaker. She graduated from the Estonian Academy of Arts in 2004. Now she works as a freelance artist in the field of interdisciplinary art, creating and using stories of little people living on earth and rolling stones on fields of different realities.

Piret Sigus Leelo and Wolf (2015), Wedding Game (2015), The Pipe Piper (2014), One By One! (2011), Curious Ox Sale (2004), Tiit and Selma (2000)

The Goose

26. April 9:00

27. April 8:30 Uhr 27 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Star

30. April 12:45 Uhr 30 April 12:45 pm Star

Tschechien, Frankreich

Czech Republic, France 2022

12'31"

Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white ohne Text without text

Regie Director

Jan Mika

Buch Script

Jan Mika

Kamera Camera

Ivan Vít

Ton Sound

Mirek Šmilauer

Schnitt Editor

Tomas Vrana

Musik Music

Viliam Béreš

Animation

Alfons Mensdorff Pouilly, Maxime

Leclerc, Sylvain Rohart, Petr Charvát

Produktion Production

Animation People Studio, Autour de Minuit

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Ilana Bak

Frankreich France promofilms.ilana@gmail.com

Ein Junge träumt davon, ein berühmter Fußballer zu werden und in großen Stadien zu spielen – aber zuerst muss er in einem kleinen Hinterhof ein Spiel gegen eine Gans gewinnen. Jan Mika wurde 1979 in der Tschechischen Republik geboren. Er machte seinen Bachelor-Abschluss in Regie an der Filmová a televizní fakulta Akademie múzických umění v Praze und seinen Master-Abschluss in visuellen Effekten und klassischer Animation an der Filmová akademie Miroslava Ondříčka v Písku. Er konzentriert sich hauptsächlich auf Animations- und Hybridfilme.

A boy fantasises about becoming a famous footballer, playing in big stadiums –but first he has to win a match in a small backyard against a goose.

Jan Mika was born in the Czech Republic in 1979. He received his bachelor’s degree in directing from the Film and TV School of the Academy of Performing Arts in Prague and his master’s degree in visual effects and classical animation from The Film Academy of Miroslav Ondricek in Pisek. He focuses mainly on animation and hybrid films.

We’re Human, After All (2016)

Tangerine Jam

26. April 9:00 Uhr 26 April 9:00 am Lichtburg

27. April 8:30 Uhr 27 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Star

30. April 12:45 Uhr 30 April 12:45 pm Star

Italien Italy

2022

3'35"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Anya Ru

Musik Music

Axletree

Animation

Masha Rumyantseva

Produktion Production

Project 54

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Anya Ru

Italien Italy

anyarudesign@gmail.com

Eine kurze, überraschende Story über eine nie endende Verbindung zu denen, die wir lieben.

Anya Ru ist Animationsregisseurin, Grafikdesignerin und Handmade-Künstlerin. Sie führte 2010 bei ihrem ersten Kurzfilm Regie und begann 2013 eine berufliche Laufbahn als Grafikdesignerin. In ihrer Arbeit kombiniert sie erfolgreich Animation mit Grafik und handwerklichen Materialien. A short and surprising story about never-ending connection with the ones we love.

Anya Ru is an animation director, graphic designer and handmade artist. She directed her first short film in 2010 and started a professional career as a graphic designer in 2013. In her work, she successfully combines animation with graphics and craft materials.

Papa is big, I am small (2021, in Oberhausen 2022), ZOT (2021)

Naissance des oasis

Birth of the Oases

26. April 9:00 Uhr 26 April 9:00 am Lichtburg

27. April 8:30 Uhr 27 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Star

30. April 12:45 Uhr 30 April 12:45 pm Star

Frankreich France 2022

9'17"

Farbe Colour

Französisch mit englischen Untertiteln

French with English subtitles

Regie Director

Marion Jamault

Buch Script

Marion Jamault

Ton Sound

Antoine Martin

Musik Music

Yan Volsy Animation

Celia Tocco, Rémi Soyez

Tongestaltung Sound design

Lucien Richardson

Produktion Production PHENOMENES FILMS

Miyu Distribution

Luce Grosjean

Frankreich France festival@miyu.fr miyu.fr

Eine kaltblütige Schlange und ein heißblütiges Kamel schließen Freundschaft.

Marion Jamault ist Animatorin und Illustratorin. Nach ihrem Studium des Schnitts am Institut national de l’audiovisuel absolvierte sie eine Ausbildung in Animation am Diplôme des métiers d’arts de Clermont Ferrand und anschließend an der École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre in Brüssel. Seit 2018 lebt und arbeitet sie in Paris. A cold-blooded snake and a hot-blooded camel become close friends.

Marion Jamault is an animator and illustrator. After studying editing at the National Audiovisual Institute, she trained in animation at the Diplôme des métiers d’arts de Clermont Ferrand and then at the École Nationale Supérieure des Arts Visuels de La Cambre in Brussels. Since 2018, she lives and works in Paris.

Le loup boule (2016)

Kočky jsou tekuté Cats are liquid

26. April 9:00 Uhr 26 April 9:00 am

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Star

30. April 12:45 Uhr 30 April 12:45 pm Star

Tschechien Czech Republic

2023

1'11"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Natálie Durchánková

Buch Script

Natálie Durchánková

Ton Sound

Natálie Durchánková

Schnitt Editor

Natálie Durchánková

Produktion Production

FAMU Film and TV School of the Academy of Performing Arts

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Alexandra Hroncova

Tschechien Czech Republic

alexandra.hroncova@famu.cz

Ein Film voller witziger Szenen, die beweisen, dass Katzen (anders als generell angenommen) eigentlich nicht fest, sondern flüssig sind.

Natálie Durchánková ist eine Studentin der Animation. Sie studierte zunächst Animation im Bereich der interaktiven Grafik an der Vyšší odborná škola a Střední umělecká škola Václava Hollara. Im Jahr 2020 gewann ihr Abschlussfilm In Your Dreams in der Kategorie Animation beim Noc filmových nadějí. Derzeit studiert sie an der Filmová a televizní fakulta Akademie múzických umění v Praze.

A film filled with multiple silly scenes that prove that cats are (contrary to popular belief) not in fact solid but liquid instead.

Natálie Durchánková is a student of animation. She first studied animation in the field of interactive graphics at the Václav Hollar College and Secondary School of Fine Arts. In 2020, her graduation film In Your Dreams won in the animation category at Noc filmových nadějí. She is currently attending the Film and TV School of the Academy of Performing Arts in Prague.

Rising Above (2023), Chained (2021), Shrooms (2020), In your Dreams (2020), Dog and Wolf (2017)

La Poule noire The Black Hen

26. April 9:00 Uhr 26 April 9:00 am Lichtburg

27. April 8:30 Uhr 27 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Star

30. April 12:45 Uhr 30 April 12:45 pm Star

Frankreich France

2022

13'

Farbe Colour

Französisch, Korsisch mit englischen Untertiteln French, Corsican with English subtitles

Regie Director

Marion Clauzel

Buch Script

Marion Clauzel

Kamera Camera

Théo Reynal

Ton Sound

Colin Favre-Bulle

Schnitt Editor

Ann-Sophie Wieder

Musik Music

Benjamin Guigue-Rodet

Tongestaltung Sound design

Armin Reiland

Melocoton Films

Frankreich France

hello@melocotonfilms.com

In der Wärme des Ferienhauses fühlt sich die vierjährige Auguste von ihrer Mutter vernachlässigt und wendet sich der schwarzen Henne zu. Jeden Morgen geht sie möglichst früh zum Hühnerstall, um als erste das Ei einzusammeln. Eines Tages bleibt das Nest jedoch leer.

Marion Clauzel war jahrelang als Journalistin im Norden Frankreichs tätig, als sie mit dem Schreiben von Fiktion begann und 2018 das Atelier Scénario an der französischen Filmschule La Fémis besuchte. Am Ende des Kurses schrieb sie ihren ersten Kurzfilm La Poule Noire mit Blick auf ihren Spielfilm La Station.

In the warmth of the holiday home, four-year-old Auguste feels abandoned by her mother and turns her attention to the black hen. She goes to the henhouse every morning, as early as possible, to be the first to pick up the egg. But one day, the nest remains desperately empty.

Marion Clauzel was a journalist in the north of France for years when she started writing fiction and joined the Atelier Scénario at the French film school La Fémis in 2018. At the end of the course, she wrote her first short film, La Poule Noire, with her feature film La Station in mind.

La Station (2022), Foodingue (2022)

Barra Nova

26. April 10:30 Uhr 26 April 10:30 am Gloria

27. April 9:00 Uhr 27 April 9:00 am Lichtburg

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Gloria

30. April 15:15 Uhr 30 April 3:15 pm Star

Brasilien Brazil

2022 11'38"

Farbe Colour

Portugiesisch mit englischen Untertiteln

Portuguese with English subtitles

Regie Director

Diego Maia

Buch Script

Diego Maia, Natália Parente

Ton Sound

Lucas Coelho

Musik Music

Cozilos Vitor, João Victor Barroso

Animation

Diego Maia

Produktion Production

Diego Maia

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Diego Maia

Brasilien Brazil

maia3d@gmail.com

Barra Nova ist ein Strand im Nordosten Brasiliens, wo Meer und Fluss aufeinandertreffen, um jeden Tag die Landschaft zu verwandeln. Ein Eintauchen in den Kreislauf des Lebens aus der Perspektive eines kleinen Mädchens, das immer mehr Erfahrungen sammelt, bei denen ihre Gefühle auf Natur treffen.

Diego Maia wurde 1983 in Fortaleza, Brasilien, geboren. Seit fast 20 Jahren erstellt er Illustrationen für die Film-, Spieleund Animationsbranche. Er untersucht die Verbindungen zwischen figurativer Malerei, Animation und Musik, indem er Bezüge zur brasilianischen Kultur herstellt, wie die reiche Küste und die Ghettos der Stadt, und oneirische Universen oder solche, die mit Game Fiction zu tun haben, imaginiert. Barra Nova ist sein Debütfilm.

Barra Nova is a beach located in the Brazilian northeast, where sea and river meet to transform the landscape daily. It’s a dive into the cycle of life through the eyes of a little girl, living growing experiences, where her emotions meet nature.

Diego Maia was born in Fortaleza, Brazil in 1983. He has been creating illustrations for the, games and animation industries for almost 20 years. He investigates the connections between figurative painting, animation and music, making references to Brazilian culture such as the rich coastline and the ghettos of the city, and imagining oneiric universes or those related to game fiction. Barra Nova is his debut film.

Nanitic

Kanada Canada 2022

14'23"

Farbe Colour

Vietnamesisch, Englisch mit englischen Untertiteln Vietnamese, English with English subtitles

Regie Director

Carol Nguyen

Buch Script

Carol Nguyen

Ton Sound

Giulio Trejo-Martinez, Andrés Solis

Schnitt Editor

Carol Nguyen

Musik Music

Arie Van de Ven

Produktion Production COOP VIDÉO

Pierre Brouillette-Hamelin

Frankreich France

festival@travelingdistribution.com

Die neunjährige Trang findet langsam etwas mehr Beachtung, während ihre Tante Ut sich um ihre Großmutter kümmert, die auf ihrem Sterbebett im Wohnzimmer liegt. Wie kann ein einziger Körper so viel Platz einnehmen? Was wird passieren, wenn Großmutter fort ist?

Carol Nguyen ist eine vietnamesisch-kanadische Filmemacherin, die in Toronto geboren und aufgewachsen ist und jetzt in Montreal lebt. Ihre Filme beschäftigen sich häufig mit den Themen kulturelle Identität, Schweigen und Erinnerung. Derzeit schreibt und inszeniert sie mehrere Projekte, darunter zwei Spielfilme und einen animierten Kurzfilm. Nine-year-old Trang starts to shift out of oblivion as her aunt Ut tends to Grandma, who lies in her deathbed in the living room. How can a single body occupy so much space? What will happen when Grandma is gone?

Carol Nguyen is a Vietnamese-Canadian filmmaker who was born and raised in Toronto and now lives in Montreal. Her films often explore the subjects of cultural identity, silence and memory. She is currently writing and directing several projects, including two feature films and an animated short.

No Crying at the Dinner Table (2019), Tundra (2018), Every Grain of Rice (2017)

Vacht Fur

26. April 10:30 Uhr 26 April 10:30 am Gloria

27. April 9:00 Uhr 27 April 9:00 am Lichtburg

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Gloria

30. April 15:15 Uhr 30 April 3:15 pm Star

Niederlande Netherlands

2022

5'21"

Farbe Colour

Niederländisch mit englischen Untertiteln

Dutch with English subtitles

Regie Director

Madeleine Homan

Buch Script

Madeleine Homan

Kamera Camera

Niels Lelieveld

Schnitt Editor

Madeleine Homan

Musik Music

Annelotte Coster

Tongestaltung Sound design

Max van den Oever

Produktion Production

Timeman studios

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Lara Lookeren

Niederlande Netherlands

lara@kapiteinkort.nl

Ein Mädchen versucht alles Mögliche, aber es gelingt ihr nicht, die graue, haarige Schale ihrer Schwester zu durchbrechen. Ihre Schwester zieht sich immer weiter in ihr schützendes Fell zurück, als hätte sie Angst vor der Welt. Wie kann das Mädchen seine Schwester nur erreichen?

Madeleine Homan ist eine halb niederländische, halb schottische Animationsregisseurin. Nach dem Besuch der Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten Den Haag absolvierte sie die Nederlandse Filmacademie mit ihrem ersten Stop-Motion-Kurzfilm Swimming to the Moon. Derzeit macht sie ihren Master in Animation an der University of the West of England Bristol.

A girl tries all sorts of things but can’t break through her sister’s grey, hairy shell. Her sister withdraws further and further into her protective fur as if she were scared of the world. How can the girl reach her sister?

Madeleine Homan is a half-Dutch, half-Scottish animation director. After attending the Royal Academy of Art The Hague, she studied at the Netherlands Film Academy and graduated with her first stop-motion short film Swimming to the Moon. She is currently completing her master’s degree in Animation at the University of the West of England Bristol.

Elsewhere (2020), Swimming to the Moon (2018)

Siostra Sister

26. April 10:30 Uhr 26 April 10:30 am Gloria

27. April 9:00 Uhr 27 April 9:00 am Lichtburg

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Gloria

30. April 15:15 Uhr 30 April 3:15 pm Star

Polen Poland

2022

12'

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Kasia K. Pierog

Buch Script

Kasia K. Pierog, Alice Gambara

Ton Sound

Kacper Zamarło

Schnitt Editor

Kasia K. Pierog

Musik Music

Hubert Zemler

Animation

Kasia K. Pierog, Jakub Baniak, Agnieszka

Czachór, Alicja Grotuz, Michalina Musialik, Dudek Pulit, Karolina Kajetanowicz, Przemysław Świda, Adrianna Matwiejczuk

Produktion Production

Anna Waszczuk

Yellow Tapir Films

Anna Waszczuk

Polen Poland

ania@yellowtapirfilms.com

Zwei Schwestern reisen durch das Reich der Wolken auf der Suche nach dem großen Baum. Ihr Weg ist geprägt von Rückschlägen, Selbstaufopferung, Trauer und auch Freude. Auf ihrer ereignisreichen Reise kommen sie dem Ziel und einander immer näher. Der Film zeigt eine mulitdimensionale Dynamik und das wachsende, emotionale Band zwischen zwei Schwestern.

Kasia K. Pierog wurde 1995 in Świecie nad Wisłą, Polen, geboren und ist Regisseurin und Animatorin, spezialisiert auf 2D-Charakteranimation. Sie schloss ihr Studium an der Uniwersytecie Artystycznym im. Magdaleny Abakanowicz w Poznaniu ab. Sie lebt und arbeitet in Poznań.

The two sisters travel across the Realm of Clouds, looking for the Big Tree. Their way will be full of setbacks, self-sacrifices, sadness, and yet filled with joy. Across their eventful journey, while getting closer to their destination, they will become closer to each other as well. The film pictures a multidimensional dynamic and growth of an emotional bond within a sisterhood’s relationship.

Kasia K. Pierog was born in 1995 in Świecie nad Wisłą, Poland, and is a director and animator specialising in 2D character animation. She graduated from Magdalena Abakanowicz University of the Arts Poznan. She lives and works in Poznan.

My Franciszek (2018)

La Vérité sur Alvert le dernier dodo The Truth about Alvert, the Last Dodo

26. April 10:30 Uhr 26 April 10:30 am Gloria

27. April 9:00 Uhr 27 April 9:00 am Lichtburg

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Gloria

30. April 15:15 Uhr 30 April 3:15 pm Star

Schweiz Switzerland

2022

16'29"

Farbe Colour

Kreolisch, Pidgin mit englischen Untertiteln

Creole, Pidgin with English subtitles

Regie Director

Nathan Clement

Kamera Camera

Nathan Clement

Ton Sound

Nathan Clement

Schnitt Editor

Nathan Clement, Emilio Anatriello

Musik Music

Nathan Clement, Georges ‘zyz’ Razafintsotra

Tongestaltung Sound design

Emilio Anatriello

Produktion Production

HEAD Genève

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Nathan Clement

Frankreich France

nathanjulesclement@gmail.com

Auf der Insel La Réunion versuchen der kleine Four Eyes und sein Opa, ein Huhn in einen Dodo-Vogel zu verwandeln, dessen magische Federn die kranke Mutter des Kindes retten könnten.

Nathan Clement wurde 2002 geboren. Er ist ein auf der Insel La Réunion aufgewachsener Filmemacher und Musiker. Derzeit studiert er Film an der Haute école d’art et de design Genève.

On Reunion Island, little Four Eyes and his grandpa try to turn a chicken into a dodo bird, whose magic feathers might save the kid’s sick mother.

Nathan Clement was born 2002. He is a Reunion Islandraised filmmaker and musician. He currently studies Cinema at Geneva University of Art and Design.

Max et les étranges (2021, in Oberhausen 2022), La Promenade sous les arbres (2020, in Oberhausen 2021), Transparences acidulées (2019), Mer de corail (2019), Something Simple (2018), Les Montagnettes (2016)

Niederlande Netherlands

2023

14'55"

Farbe Colour

Niederländisch mit englischen Untertiteln

Dutch with English subtitles

Regie Director

Luca Meisters

Buch Script

Nena van Driel

Kamera Camera

Roy van Egmond

Ton Sound

Tim Marsman, Coen Bruins

Schnitt Editor

Tessel Flora de Vries

Musik Music

Annelotte Coster

Tongestaltung Sound design

Coen Bruins

Produktion Production

Bart Costeris

Ijswater Films

Bart Costeris

Niederlande Netherlands

bart@ijswater.nl

ijswater.nl

Esras Welt wird auf den Kopf gestellt, als ihr Vater aufgrund eines Motorradunfalls pflegebedürftig wird und sie umziehen müssen. Esra hat Schwierigkeiten mit den Einschränkungen ihres Vaters und hat das Gefühl, dass er nicht mehr derselbe ist. An ihrer neuen Schule verbreitet Esra eine Lüge, um Aufmerksamkeit zu bekommen, aber die Konsequenzen überfordern sie.

Luca Meisters wurde 1996 in Maastricht geboren. Sie machte 2019 ihren Abschluss als Regisseurin an der Toneelacademie Maastricht. Sie faszinieren Themen wie Jugend und der Schmerz des Erwachsenwerdens. Sie möchte intime, sphärische Geschichten mit viel Liebe zum Detail erzählen. Ihr Abschlussfilm Elf hatte seine internationale Onlinepremiere bei den 66. Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen. Esra’s world is turned upside down when her father becomes disabled after a motorcycle accident and they have to move to a new place. Esra struggles with her father’s limitations and feels like he is not the same person. At her new school, Esra tells a lie for positive attention, but the consequences are more than she can handle.

Luca Meisters was born in Maastricht in 1996. She graduated as a director from the Maastricht Academy of Dramatic Arts in 2019. She is fascinated by such themes as youth and the pain of growing up. She likes to tell intimate, spherical stories with attention to detail. Her graduation film Elf had its online international premiere at the 66th International Short Film Festival Oberhausen.

Nova (2021), Elf (2019, in Oberhausen 2020)

Frankreich France

2023

4'41"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Osman Cerfon

Buch Script

Osman Cerfon

Ton Sound

Arnauld Kalmes, Denis Vautrin

Schnitt Editor

Catherine Aladenise

Tongestaltung Sound design

Arnauld Kalmes, Denis Vautrin

Produktion Production

MIYU Productions

Miyu Distribution

Luce Grosjean

Frankreich France

festival@miyu.fr

miyu.fr

26./28. April 10:30 Uhr 26/28 April 10:30 am Star

27. April 8:30 Uhr 27 April 8:30 am Star

29. April 15:15 Uhr 29 April 3:15 pm Star

Aaah ! kann Schmerzen, Überraschung, Angst, Freude, Musik, Nörgelei, Lachen, Ärger … Ausdruck verleihen. Aaah ! ist die Ausdrucksform der Kinder, diese authentischen und unschuldigen Wesen leben in einer Gemeinschaft, eingerahmt durch das Pfeifen der Erwachsenen.

Osman Cerfon wurde 1981 geboren und ist ein französischer Animationsfilmregisseur. Nach dem Grafikdesignstudium und einer Ausbildung an der École Supérieure d’Art de Lorraine in Epinal schloss er sein Studium an der La Poudrière École du film d’animation in Valence ab. Anschließend arbeitete er als Drehbuchautor oder Techniker an verschiedenen Projekten. Nach der Geburt seines ersten Kindes nahm er die Regie bei mehrerer Auftragsfilmen an, um Windeln und das Kindermädchen bezahlen zu können.

Aaaah ! is a cry of pain, surprise, fear, joy, songs, grumbling, laughter, anger… Aaaah ! is the expression with which children, these primary and innocent beings, experience life in a community, framed by the whistles of adults.

Osman Cerfon was born in 1981 and is a French animation film director. After studying graphic design and training at the École Supérieure d’Art de Lorraine in Epinal, he completed his studies at La Poudrière Animation School in Valence. Subsequently, he collaborated on various projects as a screenwriter or technician. Since the birth of his first child, he has accepted the direction of several comissioned films to pay for the diapers and the nanny.

Je sors acheter des cigarettes (2018, in Oberhausen 2019), Dans un jardin anglais (2015), Vaudou Miaou (2014), Best Bugs (2013), Comme des lapins (2012), Pas de peau pour l’ours (2010), Tête à tête (2005–07)

Every Floor Looks the Same

26./28. April 10:30 Uhr 26/28 April 10:30 am Star

27. April 8:30 Uhr 27 April 8:30 am Star

29. April 15:15 Uhr 29 April 3:15 pm Star

Singapur Singapore 2022

22'22"

Farbe Colour

Englisch, Mandarin mit englischen Untertiteln English, Mandarin with English subtitles

Regie Director

Gladys Ng

Musik Music

Louie Zong

Tongestaltung Sound design

Amelia Sai

Produktion Production

Gladys Ng

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Gladys Ng

Singapur Singapore

donna.gladys@icloud.com

gldysng.com

Ein junges Mädchen fühlt sich träge. Daher beschließt sie auf der Suche nach einem verlorenen Vogel durch die Großstadt zu ziehen. Every Floor Looks the Same beobachtet die kaleidoskopisch-klaustrophobische Natur des menschengemachten Lebens in Singapur aus der Perspektive einer ermatteten Osmanthüs, die nur einen spaßigen Tag verbringen möchte und sich dann damit beschäftigen muss, wo sie hingehört und was ihrem Leben Sinn gibt.

Gladys Ng ist eine Filmemacherin aus Singapur. Ihre Arbeiten sind ihrem Naturell treu – nuanciert, sanft, durchsetzt mit ironischem Humor und oft experimentell in ihrem Ansatz. Ihre früheren Kurzfilme sind in der Objectifs Film Library zu sehen.

A young girl’s feelings of inertia leads her to wander the urban city in search of a lost bird. Every Floor Looks The Same is an observation of the kaleidoscopic, claustrophobic nature of man-made life in Singapore, seen through the eyes of a languishing Osmanthüs who seeks to fill her day with fun, only to grapple with finding her place and reason in this world.

Gladys Ng is a filmmaker from Singapore. Her work is true to her nature – nuanced, gentle, interspersed with wry humour and often experimental in its approach. Her earlier short films can be seen in the Objectifs Film Library.

Prophecy (2020), Under the Same Pink Sky (2020), Still Is Time (2018), The Pursuit of a Happy Human Life (2016), My Father After Dinner (2015)

Le Garçon et l’eléphant The Boy and the Elephant

26./28. April 10:30 Uhr 26/28 April 10:30 am Star

27. April 8:30 Uhr 27 April 8:30 am Star

29. April 15:15 Uhr 29 April 3:15 pm Star

Frankreich France

2022

6'40"

Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white

Französisch mit englischen Untertiteln

French with English subtitles

Regie Director

Sonia Gerbeaud

Buch Script

Sonia Gerbeaud

Ton Sound

Manu Vidal

Schnitt Editor

Nikita Fraysse

Animation

Tom Chertier, Jon Boutin

Produktion Production

Xbo Films

Mikhal Bak

Frankreich France

mikhal.bak@gmail.com

Das neue Kind in der Klasse hat einen Elefantenkopf, was für Spott und Sarkasmus sorgt. Eines der anderen Schulkinder scheint von diesem eigenartigen Kind fasziniert und gleichzeitig verwirrt zu sein.

Sonia Gerbeaud wurde 1984 in Frankreich geboren. Nach fünf Jahren an der École européenne supérieure de l’image in Poitiers führte sie gemeinsam mit Mathias de Panafieu Regie bei ihrem ersten kurzen Animationsfilm Oripeaux. Sie setzt ihre Reise fort, reist, illustriert und schreibt. Im Jahr 2020 arbeitet sie an Mathias de Panafieus animiertem Dokumentarfilm It wasn’t Bourgogne. Le Garçon et l’eléphant ist der erste Film, den sie selbst geschrieben und gedreht hat.

The arrival of a new elephant-headed student in class triggers mockery and sarcasm. One of the students seems captivated and disturbed by this strange child.

Sonia Gerbeaud was born in France in 1984. After five years at the European School of Visual Arts in Poitiers, she co-directed her first short animated film Oripeaux with Mathias de Panafieu. She continues her journey, travelling, illustrating and writing. In 2020, she worked on Mathias de Panafieu’s animated documentary It wasn’t Bourgogne. The Boy and the Elephant is the first film she has written and directed herself.

Oripeaux (2014)

L’Avenir The Things to Come

Spanien Spain

2022

19'11"

Farbe Colour

Katalanisch mit englischen Untertiteln

Catalan with English subtitles

Regie Director

Santiago Ráfales

Buch Script

Santiago Ráfales

Tongestaltung Sound design

Daniel Miranda, Iosu Martínez

Produktion Production

ESCAC Films

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Gerard Vidal

Spanien Spain

gerard.vidal@escac.es

Biel und Sara sind zehn Jahre alt und genießen gerade die letzten Sommertage. Doch plötzlich ändert sich alles, als ihre Freundschaft bei einem Spiel auf die Probe gestellt wird. Die Welt, von der Biel dachte, dass er sie unter Kontrolle hätte, wird auseinanderfallen und er wird nicht mehr wissen, was er denken oder fühlen soll.

Santiago Ráfales wurde 1997 in Zaragoza, Spanien, geboren und ist Drehbuchautor und Regisseur. Im Jahr 2017 erhielt er ein Stipendium für ein Filmstudium an der L’Escola de Cinema i Audiovisuals de Catalunya, wo er seinen Abschluss in Filmregie machte. 2020 begann er Regie zu führen mit dem Kurzfilm Hivern.

Biel and Sara are ten years old and are enjoying the last few days of summer. However, everything changes when in a game their friendship is put to the test. The world that Biel thought he had under control will break, and from this moment on, he will no longer know what to think or feel.

Santiago Ráfales was born in Zaragoza, Spain, in 1997 and is a screenwriter and director. In 2017, he received a scholarship to study film at The Film and Audiovisual School of Catalonia, where he graduated in film directing. He began directing in 2020 with the short film Hivern.

Nido (2021), Hivern (2020)

Color-ido

Color-less

28.

29.

Kolumbien Colombia

2022

12'41"

Farbe Colour

Spanisch mit deutschen Untertiteln (HG)

Spanish with German subtitles (SDH)

Regie Director

Estefanía Piñeres

Buch Script

Estefanía Piñeres

Musik Music

Camilo Rojas

Animation

Manuel D’Macedo

Produktion Production

Isabel Cuadros

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Letrario

Isabel Cuadros

Kolumbien Colombia

isabelcuadros@proimagenescolombia.com

In einer schwarz-weißen Welt, die Menschen in die beiden Kategorien Wir und die Anderen unterteilt, ruft die neugierige Violet unfreiwillig ein geheimnisvolles Wesen herbei, das sie mit auf eine spannende Reise nimmt. An deren Ende trifft sie Red, einen „Anderen“. Zusammen entdecken Violet und Red, dass zwischen Schwarz und Weiß ein magisches Geheimnis verborgen liegt: jede einzelne Farbe.

Estefanía Piñeres ist eine kolumbianische Schauspielerin, Drehbuchautorin und Regisseurin. Für ihre Filme hat sie zahlreiche Preise, Stipendien, Förderungen und Pitches erhalten.

In a black and white world divided into two types of people – Us and the Others – Violet, a curious girl, inadvertently summons a mysterious being who takes her on a thrilling journey that will end with her meeting Red, an ‘Other’. Together, Violet and Red will discover that between black and white hides a magical secret: every single colour.

Estefanía Piñeres is a Colombian actress, screenwriter and director. She has received numerous awards, scholarships, grants and pitches for her films.

I’m not coming back (2023)

Métisse

26. April 8:30 Uhr 26 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Gloria

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Sunset

29. April 12:45 Uhr 29 April 12:45 pm Sunset

Deutschland Germany

2023

7'52"

Farbe Colour

Deutsch mit deutschen Untertiteln (HG)

German with German subtitles (SDH)

Regie Director

Odessa Choi

Buch Script

Odessa Choi

Schnitt Editor

Odessa Choi, Bin Chuen Choi

Animation

Odessa Choi

Produktion Production

Odessa Choi

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Odessa Choi

Deutschland Germany

odessachoi@outlook.de

Die 17-jährige Odessa Choi stellt sich der Frage, was für Auswirkungen das Aufwachsen mit drei Kulturen haben kann. So untersucht sie das Fehlen einer eindeutigen Zugehörigkeit, aber auch die positiven Seiten der Multikulturalität, indem sie ihr eigenes Aufwachsen reflektiert.

Odessa Choi wurde 2004 in Berlin geboren. Sie machte 2022 Abitur am John-Lennon-Gymnasium und absolvierte 2023 ein Praktikum in der Filmgalerie 451. Métisse ist ihr Debütfilm.

Seventeen-year-old Odessa Choi asks herself what sort of consequences growing up with three cultures can have. By reflecting on her own life, she examines the lack of a clear sense of belonging but also the positive aspects of multiculturalism.

Odessa Choi was born in Berlin in 2004. She graduated from John Lennon High School in 2022 and completed an internship at Filmgalerie 451 in 2023. Métisse is her debut film.

Goldilocks

26. April 8:30 Uhr 26 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Gloria

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Sunset

29. April 12:45 Uhr 29 April 12:45 pm Sunset

USA

2023

20'09"

Farbe Colour

Englisch mit deutschen Untertiteln (HG) English with German subtitles (SDH)

Regie Director

Meryl Jones

Kamera Camera

Cory Fraimon-Lott

Ton Sound

Vera Quispe

Schnitt Editor

Shannon Fitzpatrick

Musik Music

Rogelio Ramos

Animation

James Thacher

Produktion Production

Blossom Street Films, Sweet Potato Productions

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Meryl Jones

USA

meryl.joneswilliams@gmail.com goldilocksthefilm.com

Zwei Geschwistern wird eine schmerzhafte Lektion erteilt, als das eine Kind dem anderen in den Wald folgt, um dort nach einem scheuen Berglöwen zu suchen. Ein Genres vermischender 16-mm-Film mit handgezeichneten, animierten Elementen übers Erwachsenwerden im Vor-Internet-Zeitalter, der die Verbundenheit mit der Natur, die Zerstörung des inneren Kindes und queeres Verlangen untersucht.

Meryl Jones macht experimentelle narrative Filme, Musik und schauspielert. Zum Filmemachen kam Meryl Jones wegen der Fähigkeit, verschiedene Selbstdarstellungen zu vermischen und zu verkomplizieren. In den Arbeiten erforscht Meryl Jones die Überschneidung von queerer Sehnsucht, Naturverbundenheit und dem inneren Kind.

Two siblings learn a painful lesson when one follows the other into the woods in search of an elusive mountain lion; a genre-blending 16 mm film featuring hand-drawn animated elements about growing up in the pre-internet era, exploring natural connectedness, the destruction of our innerchild, and queer longing.

Meryl Jones is an experimental narrative filmmaker, musician and actor. They came to filmmaking for its ability to blend and complicate multiple self-expressions. Their work explores the intersection of queer longing, connectedness with nature, and the inner child.

The Love Spell (2021), Dom (2019)

Yomoyama tanpen shū Yomoyama Short Stories

26. April 8:30 Uhr 26 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Gloria

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Sunset

29. April 12:45 Uhr 29 April 12:45 pm Sunset

Japan

2022

3'43"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Fuka Katayama

Musik Music

Kakeru Goto

Animation

Fuka Katayama

Tongestaltung Sound design

OtoLogic

Produktion Production

Isaku Kaneko

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Isaku Kaneko

Japan

tamagraanimation@gmail.com

Der Film spielt in einem Café und zeigt den ungewöhnlichen Alltag der Angestellten und Gäste. Eine Sammlung von Kurzgeschichten. Jeden Tag kommt es an diesem Ort zu mysteriösen Ereignissen, aber niemanden interessiert’s.

Fuka Katayama wurde in Japan geboren. Sie ist in der Abteilung für Grafikdesign an der Tama Art University in Tokio eingeschrieben. Yomoyama tanpen shū ist ihr Debütfilm. Set in a certain cafe, the unusual daily life of the staff and customers. A collection of short stories. Mysterious events happen on a daily basis in the place, but no one cares about them.

Fuka Katayama was born in Japan. She is enrolled in the Department of Graphic Design at Tama Art University in Tokyo. Yomoyama Short Stories is her debut film.

Le Jour commence au bord de la nuit

Days are Falling Nights

26. April 8:30 Uhr 26 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Gloria

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Sunset

29. April 12:45 Uhr 29 April 12:45 pm Sunset

Frankreich France

2022

12'33"

Farbe Colour

Französisch, Arabisch, Persisch mit deutschen Untertiteln (HG) French, Arabic, Persian with German subtitles (SDH)

Regie Director

Laura Garcia

Buch Script

Laura Garcia

Ton Sound

Damien Favreau

Schnitt Editor

Sarah Dinelli, Lucas Marchina

Musik Music

Louis Machto

Tongestaltung Sound design

Grégoire Chauvot

Produktion Production

Antoine Garnier

Internationale Festivalpremiere International festival premiere

Orphée Films

Antoine Garnier

Frankreich France antoine@orpheefilms.fr orpheefilms.fr

Über Bagnolet, einer Kleinstadt außerhalb von Paris, geht die Sonne unter. Drei Jungen spielen Fußball. Einer von ihnen schießt den Ball über die Stadionmauer, sodass er auf dem angrenzenden Friedhof landet. Nur einer der Jungen ist bereit, den Ball zurückzuholen. Er begibt sich damit auf eine Reise, die ihn für immer verändern wird.

Laura Garcia machte 2018 ihren Abschluss als Regisseurin an der La Fémis. Sie führte Regie bei Rouge Amoureuse, der im selben Jahr beim Entrevues Festival international du film de Belfort, ausgezeichnet wurde. Ihr Abschlussfilm, Fragment de Drame, wurde für die Cinéfondation in Cannes ausgewählt.

The sun is setting on Bagnolet, a small town on the outskirts of Paris. Three boys are playing soccer. One of them shoots the ball over the stadium wall; it lands in the adjacent cemetery. Only one of them is up to getting it back. And he sets off on a journey that will change him forever.

Laura Garcia graduated from La Fémis as a director in 2018. She directed Rouge Amoureuse, which won an award at Entrevues Belfort International Film Festival in the same year. Her graduation film, Fragment de Drame, was selected for the Cinéfondation in Cannes.

Fragment de Drame (2018), Rouge Amoureuse (2017)

Ana Morphose

26. April 8:30 Uhr 26 April 8:30 am Gloria

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Gloria

28. April 8:30 Uhr 28 April 8:30 am Sunset

29. April 12:45 Uhr 29 April 12:45 pm Sunset

Portugal 2023 9'47"

Farbe Colour ohne Text without text

Regie Director

João Rodrigues

Kamera Camera

Jorge Quintela

Ton Sound

Pedro Marinho

Musik Music

Fátima Fonte

Animation

João Rodrigues, Jasper Kuipers, Patrícia Rodrigues

Tongestaltung Sound design

Pedro Marinho, Vasco Carvalho

Produktion Production

Joao Macedo

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Bando à Parte

Joao Macedo

Portugal sales@bandoaparte.com bandoaparte.com

Ein kleines Mädchen liest sich in den Schlaf. Während sie einschläft, verschmilzt die physische Welt mit einer alternativen Realität, in der die Gesetze der Physik durch den Inhalt ihres Buches bestimmt werden. Ana muss den überwältigenden Anhäufung von gedrucktem Wissen entkommen und ihren eigenen Platz in einer Welt finden, in der nichts so ist, wie es scheint.

João Rodrigues wurde 1981 in der Stadt Porto geboren. Sein Abschlusskurzfilm Black&White wurde für über 50 Filmfestivals von Kuba bis Indien ausgewählt. Er gründete die Instant Tanz Company und das Tanzstück Leben! und schrieb und fotografierte das Buch The Last Craftspeople of the Paiva Valley mit. Im Jahr 2014 führte er bei dem Kurzfilm Fortunato – D’aqui até S. Torcato für die Kulturhauptstadt Guimarães Regie.

A little girl reads herself to sleep. As she dozes off, the physical world starts melting into an alternate reality where the contents of a book rule over the laws of physics. Ana has to escape being swallowed by the overwhelming accumulation of printed knowledge and find her own space in a world where nothing is what it seems.

João Rodrigues was born in the city of Porto in 1981. His graduation short film Black&White was selected for over 50 film festivals from Cuba to India. He founded the Instant Tanz Company and the dance piece Leben! and co-wrote and photographed the book The Last Craftspeople of the Paiva Valley. In 2014, he directed the short film Fortunato – from here to S. Torcato for Guimarães Capital of Culture.

Fortunato – D’aqui até S. Torcato (2013), The Tile-Jail ToiletTale (2008), Alexandrino (2006), Black&White (2004)

Motër Sister

Schweiz Switzerland

2022

12'58"

Farbe Colour

Albanisch, Deutsch mit deutschen Untertiteln (HG) Albanian, German with German subtitles (SDH)

Regie Director

Dorentina Imeri

Buch Script

Dorentina Imeri

Kamera Camera

Aurelio Ghirardelli

Ton Sound

Kathleen Moser

Schnitt Editor

Valentin Raeber

Tongestaltung Sound design

Katharina Pfennich

Produktion Production

Zürcher Hochschule der Künste

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Dorentina Imeri

Schweiz Switzerland

dorentina_imeri@hotmail.com

Eine albanische Familie ringt darum, sich über Wasser zu halten und sich in der Schweiz zu integrieren. Damit der Faden nicht reißt, übernimmt die ältere Tochter jegliche Verantwortung.

Dorentina Imeri wurde 1993 in Solothurn als Tochter albanischer Einwanderer*innen geboren. Ihr Interesse an Kunst und Theater führte sie zum Film. Sie studierte von 2017 bis 2022 an der Zürcher Hochschule der Künste und schloss mit einem Bachelor of Arts in Film mit Schwerpunkt Drehbuch ab. Ihr erster abendfüllender Dokumentarfilm Mjegull befindet sich derzeit in der Postproduktion.

An Albanian family struggles to stay afloat and integrate in Switzerland. To prevent the thread from breaking, the older daughter takes on all the responsibility.

Dorentina Imeri was born in 1993 as the daughter of Albanian immigrants in Solothurn. Her interest in art and theatre led her to film. She studied at the Zurich University of the Arts from 2017 to 2022 and graduated with a Bachelor of Arts in Film with a focus on screenwriting. Her first feature-length documentary, Mjegull, is currently in post-production.

Abseits (2022), Tomboy (2020), Drüviertel (2018)

‘CEREMONY’ by ATARASHII GAKKO!

26. April 10:30 Uhr 26 April 10:30 am Sunset

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Sunset

29. April 15:15 Uhr 29 April 3:15 pm Sunset

Japan 2022 7'35"

Farbe Colour

Japanisch mit deutschen Untertiteln (HG) Japanese with German subtitles (SDH)

Regie Director

Yoshihiro Haku, Sachiko Hiraoka

Kamera Camera

Nagao Yumi, Yagura Akari

Schnitt Editor

Yoshihiro Haku, Sachiko Hiraoka

Tongestaltung Sound design

Sato Noriyuki, Sato Makiko

Produktion Production

Yoshihiro Haku

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Yoshihiro Haku

Japan

hakuxhiraoka@gmail.com otamirams.com

Ein Märchen, in dem die Mitglieder von ATARASHII GAKKO! den Titel des Gottes ihrer Vorfahr*innen erben. Die vier Sprüche für „Reflexion“, „Anstrengung“, „Zweck“ und „Wertschätzung“ bedeuten die „Schwüre“ der Welt. Sie erlernen „Mutterliebe“ in ihren Ritualen und werden dynamisch.

Yoshihiro Haku, geboren 1983 in Japan, und Sachiko Hiraoka, geboren 1987 in Japan, sind das kreative Team hinter „OTAMIRAMS“. Neben der Filmregie umfasst die Arbeit des Duos auch Animation, Illustration, Bilderbücher, Grafikdesign und Editorial Design.

A fairy tale in which the members of ATARASHII GAKKO! inherit the title of god from their ancestors. The four spells of ‘Reflection’, ‘Effort’ ‘Purpose’ and ‘Appreciation’ signify the ‘Vows’ of the world. They master ‘Mother Love’ in their rituals and become dynamic.

Yoshihiro Haku, born 1983 in Japan, and Sachiko Hiraoka, born 1987 in Japan, are the creative team behind ‘OTAMIRAMS’. In addition to film directing, the duo’s work also includes animation, illustration, picture books, graphic design and editorial design.

‘TA-TA TOSY TiT’ (2009)

Summer Nights

26. April 10:30 Uhr 26 April 10:30 am Sunset

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Sunset

29. April 15:15 Uhr 29 April 3:15 pm Sunset

Kanada Canada

2023

14'22"

Farbe Colour

Französisch mit deutschen Untertiteln (HG)

French with German subtitles (SDH)

Regie Director

Virgile Ratelle

Kamera Camera

Virgile Ratelle

Schnitt Editor

Jordan Choinière

Tongestaltung Sound design

Christophe Voyer

Produktion Production

Virgile Ratelle

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Welcome Aboard

Marc-Olivier Blackburn

Kanada Canada

distribution@wlcmaboard.com wlcmaboard.com

Im Schatten der Nacht erobern Skater*innen die Straßen zurück.

Virgile Ratelle wuchs in der Skateboard-Community auf und fühlte sich schon immer von der Kamera und der Idee angezogen, den gegenwärtigen Moment zu dokumentieren. Er schwankte zwischen dem Filmen von Skateboarding und Nordic Surfing und entschied sich, seine Zukunft dem Kino zu widmen. Seinen Bachelor-Abschluss in visueller Produktion an der Université du Québec à Montréal schloss er 2021 mit seinem Abschlussfilm Lost Dans l’Paradise ab. Under the cover of night, skaters claim back the streets. Virgile Ratelle grew up in the skateboarding community and was always drawn to the camera and the idea of documenting the present moment. Vacillating between filming skateboarding and Nordic surfing, he decided to dedicate his future to cinema. He completed his bachelor’s degree in visual production at Université du Québec à Montréal in 2021 with his graduation film Lost Dans l’Paradise.

Lost Dans l’Paradise (2021), Dog Breath (2018)

PLSTC

26. April 10:30 Uhr 26 April 10:30 am Sunset

27. April 10:30 Uhr 27 April 10:30 am Sunset

29. April 15:15 Uhr 29 April 3:15 pm Sunset

Frankreich France 2022

1'37"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Laen Sanches

Buch Script

Laen Sanches

Ton Sound

Stainless Sound

Schnitt Editor

Laen Sanches

Musik Music

PremiumProductionTracks by Pond5

Animation

Laen Sanches

Tongestaltung Sound design

Magnus Monfeldt, Nick Smith

Produktion Production

Laen Sanches

Mikhal Bak

Frankreich France

mikhal.bak@gmail.com

Willkommen in der Welt von PLSTC, einer Unterwasserdystopie, die uns in die verstörende Realität der Plastikverschmutzung eintauchen lässt. Durch eine Reihe anschaulich einschneidender, KI-generierter und handgefertigter Bilder konfrontiert dieser Animationsfilm uns mit den zerstörerischen Konsequenzen unserer Gewohnheiten für Meerestiere und lässt uns nach Luft schnappend zurück.

Laen Sanches, geboren 1972, ist ein in Amsterdam lebender französischer Filmemacher und multidisziplinärer Künstler. Er studierte angewandte Kunst und hat ein Postgraduierten-Diplom in Produktion sowie Regie von Animationsfilmen. Heute arbeitet er freiberuflich als Creative und Motion Director für internationale Kommunikationsagenturen und globale Marken. Gleichzeitig produziert und inszeniert er persönliche Projekte.

Welcome to the world of PLSTC, an undersea dystopia that submerges you in the disturbing reality of plastic pollution. Through a series of graphically confronting AI-generated and hand-composited images, this animated film confronts you with the devastating consequences of our habits on marine life and leaves you gasping for breath.

Laen Sanches, born in 1972, is a French filmmaker and multidisciplinary creative based in Amsterdam. He studied applied arts and has a postgraduate diploma in producing such as directing animated films. Today he works freelance as a creative and motion director for international communication agencies and global brands, while producing and directing personal projects.

Way Too Long (2022), Moby Dick (2017), Zamarat (2011), Balada Catalana (2010), Miss Daisy Cutter (2010)

Waˇng shén zhī yè A Night with Moosina

Taiwan 2022

25'48"

Farbe Colour

Taiwanisch mit deutschen Untertiteln (HG)

Taiwanese with German subtitles (SDH)

Regie Director

Tsai Shiu-Cheng

Buch Script

Tsai Shiu-Cheng

Ton Sound

Chuo Cheng

Musik Music

Chang Zion, Liang Yen-Jen

Produktion Production

The Graduate

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

Mandarin Vision Co., Ltd.

Desmond Yang

Taiwan

desmond@mandarinvision.com

mandarinvision.com

In einer Vollmondnacht wird ein zehnjähriges Mädchen in einem entlegenen Dorf von Moosina in eine Höhle in den Bergen gelockt. Dort entdeckt sie, warum der Bergdämon Kindern immer böse Streiche spielt.

Tsai Shiu-Cheng gewann den Grand Prize bei den Tokyo Anime Awards 2013 für Time of Cherry Blossoms, der später in den Kinos in Japan gezeigt wurde. Seine anderen Arbeiten wurden für verschiedene Filmfestivals auf der ganzen Welt ausgewählt. Er widmet sich der Schaffung unverwechselbarer Original-Animationen in Taiwan.

On a full moon night, a ten-year-old girl in a remote village is lured by Moosina into a cave in the mountains, where she discovers the secret about why the mountain demon always plays dirty tricks on children.

Tsai Shiu-Cheng won the Grand Prize at the 2013 Tokyo Anime Awards for Time of Cherry Blossoms, which was later shown in cinemas in Japan. His other works have been selected for various film festivals around the world. He is dedicated to creating distinctive original animations in Taiwan.

The Zen World In Fingers (2020), The Wolfdog (2015), Time of Cherry Blossoms (2011), After the Raining Day (2005), Artificial Sun (2004)

Le Jour de gloire A Glorious Day

28. April 10:30 Uhr 28 April 10:30 am Sunset

29. April 19:45 Uhr 29 April 7:45 pm Sunset

Frankreich France

2022 21'46"

Farbe Colour

Französisch mit deutschen Untertiteln (HG) French with German subtitles (SDH)

Regie Director

Romuald Rodigues Andrade, Ludovic Aklil Piette

Kamera Camera

Mathieu Gaudet

Ton Sound

Laurent Lombart

Schnitt Editor

Laurent Lombart

Musik Music

Sébastien Damiani

Tongestaltung Sound design

Frédéric Bielle

Produktion Production

Films de Force Majeure

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

Jérôme Nunes

Frankreich France

contact@films-de-force-majeure.com films-de-force-majeure.com

Der 20-jährige Kamel hat ein Projekt für sein einkommensschwaches Stadtviertel im Süden Frankreichs. Er ist engagiert und idealistisch und wird dazu eingeladen, seine Idee vor dem Minister für Stadtplanung persönlich zu pitchen. Zusammen mit seinen Kumpels Hichem und Youssoufa steckt er bis zum Hals in Schwierigkeiten, verwickelt in ein politisches Spiel …

Romuald Rodigues Andrade wurde 1986 als Sohn von Eltern geboren, die aus dem Senegal eingewandert sind. Zehn Jahre lang war er bei einer Jugendorganisation in benachteiligten Gebieten für Videoprojekte und Berufsausbildung zuständig. Er ist Autodidakt und wurde 2016 für seinen ersten Kurzfilm Trace ta route für einen CNC Talents en court Workshop ausgewählt. Er lebt und arbeitet in Südfrankreich.

Ludovic Aklil Piette wurde 1981 geboren und ist algerischer Herkunft. Er gründete den Verein Vatos Locos Vidéo im Südosten Frankreichs, der Videoworkshops mit Jugendlichen aus benachteiligten Gebieten durchführt. Im Jahr 2010 wurde er vom Atelier Scénario de La Fémis unter der Leitung von Nadine Lamari ausgewählt, um sein erstes Spielfilmdrehbuch zu schreiben. 20-year-old Kamel has a project for his low-income neighbourhood in the South of France. Committed and idealistic, he is invited to pitch it to the Minister of Urban Planning in person. Together with his sidekicks Hichem and Youssoufa, Kamel finds himself in over his head, caught up in a political game…

Romuald Rodigues Andrade was born in 1986 to parents who immigrated from Senegal. For 10 years he was responsible for video projects and professional training at a youth organisation in underprivileged areas. He is selftaught, and in 2016 was selected for a CNC Talents en court workshop for his first short film Trace ta route. He lives and works in the South of France. Ludovic Aklil Piette was born in 1981 and is of Algerian origin. He founded the association Vatos Locos Vidéo in the southeast of France, which runs video workshops with young people from underprivileged areas. In 2010, he was selected by Atelier Scénario de La Fémis, directed by Nadine Lamari, to write his first feature film script.

Romuald Rodigues Andrade Trace ta route (2018)

Ludovic Aklil Piette Passion Mécanique (2012)

INSIDE

26./27. April 8:30 Uhr 26/27 April 8:30 am Sunset

28. April 10:30 Uhr 28 April 10:30 am Sunset

29. April 19:45 Uhr 29 April 7:45 pm Sunset

Japan

2022

3'06"

Farbe Colour

Japanisch, Englisch mit deutschen Untertiteln (HG) Japanese, English with German subtitles (SDH)

Regie Director

Ryoji Yamada

Musik Music

Dust Cell

Animation

Ryoji Yamada, Yasuhiro Tomita, Taishin

Minami, Takuto Kawakami, Kana Fukudome

Produktion Production

Taori Shinoda

Internationale Festivalpremiere

International festival premiere

mimoid.inc

Taori Shinoda

Japan

shinotao@mimoid.inc

Worüber denkt ein junger Mann, gefangen in seiner eigenen Welt, dort nach? Rennsport ist eine Metapher für eine Wettbewerbsgesellschaft und eine Projektion seiner selbst. Beides fördert die Abhängigkeit von der Welt im Innern. Der junge Mann schaut immer wieder in seinen eigenen Abgrund, um sich mit anderen zu messen oder wegzurennen. Eine Allegorie für die innere Welt eines jungen Mannes.

Ryoji Yamada wurde 1987 geboren. Er ist der Mitbegründer von mimoid.inc. Nach seinem Abschluss an der Tama Art University in Tokio im Fachbereich Grafikdesign arbeitete er als Animator. Im Jahr 2018 studierte er an der Filmakademie Baden-Württemberg und kehrte im folgenden Jahr nach Japan zurück. Neben seiner Arbeit an Musikvideos und Werbespots dreht er weiterhin Filme zu Themen wie dem Wahnsinn der Gesellschaft.

What does the young man, trapped in his own inner world, think there? Racing is a metaphor for a competitive society and a projection of himself. They encourage dependence on the inner ring world. The young man continues to look into his own abyss, to compete, or to run away. This is an allegory of a young man’s inner world.

Ryoji Yamada was born in 1987. He is the co-founder of mimoid.inc. After graduating from Tama Art University in Tokyo in the Department of Graphic Design, he worked as an animator. In 2018, he studied at the Filmakademie Baden-Wuerttemberg and returned to Japan the following year. In addition to his work on music videos and commercials, he continues to make films on topics such as the madness of society.

It’s all for us (2022), Trepanation (2021), Juuku-Gatsu (2021), Philip (2020), HOPELESS ROMANTIC (2020), Firehead (2019), PrayerX (2018), Change Just One (2018), Hunter (2017), Mad Love (2017)

CRUSHED

Schweiz Switzerland

2022

8'

Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white Deutsch, Englisch mit deutschen Untertiteln (HG) German, English with German subtitles (SDH)

Regie Director

Ella Rocca

Kamera Camera

Samira de Mena Fernández

Ton Sound

Pascal Bolzern

Schnitt Editor

Ella Rocca

Musik Music

Beni Mosele

Tongestaltung Sound design

Maya Baur

Produktion Production

Volko Kamensky

Ella Rocca

Schweiz Switzerland

ella.rocca@bluewin.ch

Ella Rocca ist – mal wieder – hoffnungslos verliebt. Es ist an der Zeit, die Crushes damit zu konfrontieren. Mit reflektierter Selbstironie wird in diesem Film unerwidertes Verlangen thematisiert, indem Fantasie und Tatsachen auf dem Desktop vermischt werden, was zu einer überraschenden Erfahrung führt.

Ella Rocca wurde 1999 in der Schweiz geboren. Ella Rocca ist in der Region Zürich aufgewachsen und besuchte den Vorkurs für Gestaltung an der F+F Schule für Kunst und Mediendesign. Seit 2020 BA-Studium in Video an der Hochschule Luzern Design & Kunst. CRUSHED ist der Debütfilm. The filmmaker is, once again, hopelessly in love. Time for them to confront their crushes. With reflective self-irony, the director takes on unrequited desire and by mixing imagination and fact at their desktop, creates a surprising experience.

Ella Rocca was born in Switzerland in 1999. They grew up in the Zurich region and attended the preparatory course in design at the F+F School of Art and Design. Since 2020, they have been studying for a BA in Video at the Lucerne School of Art and Design. CRUSHED is their debut film.

Río River

Argentinien Argentina

2023

16'

Farbe Colour

Spanisch mit deutschen Untertiteln (HG)

Spanish with German subtitles (SDH)

Regie Director

Matías Herrera Córdoba

Kamera Camera

Marcos Rostagno

Schnitt Editor

Mateo Castellani y M. Herrera Córdoba

Musik Music

Mauricio Griott, Valdés, Mori, Nauel

Tongestaltung Sound design

Débora Velazco

Produktion Production

Viviana De Rosa

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Matías Herrera Córdoba

Spanien Spain

matiasherreracordoba@gmail.com soymatiashc.com

Ale (16) lebt mit seiner Mutter in einer kleinen Stadt in Córdoba in Argentinien. Seine einzige Freundin ist eine 40-jährige Transfrau namens Diana. Ale chattet per Dating-App mit einem älteren Mann, dessen Identität ihm ein Rätsel ist. Handelt es sich um einen Freund seiner Mutter? Erwachsenwerden hört nie auf, sowohl schmerzhaft als auch erfreulich zu sein.

Matías Herrera Córdoba ist ein argentinischer Drehbuchautor und Regisseur. Er gründete die Produktionsfirma El Calefón in Córdoba, mit der er neun Spielfilme und sechs Serien drehte. Im Jahr 2009 stellte er seinen ersten Dokumentarfilm, Criada, fertig, der auf internationalen Festivals aufgeführt wurde. Er lebt und arbeitet in Madrid.

Ale (16) lives with his mother in a small town in Córdoba, Argentina. His only friend is a 40-year-old trans woman named Diana. Ale is chatting on a dating app with an older man, whose identity is a mystery for him. Is he one of his mother’s friends? Growing up never ceases to be both painful and pleasurable.

Matías Herrera Córdoba is an Argentine screenwriter and director. He founded the production company El Calefón in Córdoba, with which he made nine feature films and six series. In 2009 he completed his first documentary film, Criada, which premiered at international festivals. He lives and works in Madrid.

El grillo (2013), Good Shepherd, a flight of women (2013), Cradia (2009)

Body Image

Deutschland Germany

2023

1'30"

Farbe Colour

ohne Text without text

Regie Director

Fee Fuchs

Buch Script

Fee Fuchs

Musik Music

Clemens Gutjahr

Animation

Fee Fuchs, Angelina Damm

Tongestaltung Sound design

Timo Kleinemeier

Produktion Production

Filmakademie Baden-Württemberg

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Hannah Buhr

Deutschland Germany

hannah.buhr@filmakademie.de

Body Image ist ein vollständig von Hand animierter sozialer Spot. Der Film thematisiert Körperbildstörungen und die verzerrte Art und Weise, wie wir uns wahrnehmen, im Vergleich dazu, wie uns die Welt wahrnimmt.

Fee Fuchs wurde 1994 in Nürnberg geboren, wo sie bis 2019 an der Technischen Hochschule Nürnberg Georg Simon Ohm Illustration, Typografie und Computer Generated Imaging studierte. Danach arbeitete sie zwei Jahre als freiberufliche Designerin. Seit 2021 ist sie Teil des Diplomaufbaustudiengangs Motion Design an der Filmakademie Baden-Württemberg. In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit Fluidität, Körpern, Schönheit und Seltsamkeit. Body Image ist ihr Debütfilm.

Body Image is a fully hand-animated social spot. It addresses the topic of body image disorders and the distorted ways in which we perceive ourselves compared to how the world perceives us.

Fee Fuchs was born in Nuremberg in 1994. She studied illustration, typography and Computer Generated Imaging at the Nuremberg Institute of Technology until 2019 and subsequently worked for two years as a freelance designer. Since 2021, she has been part of the postgraduate programme in motion design at the Film Academy BadenWuerttemberg. Her work deals with fluidity, bodies, beauty and strangeness. Body Image is her debut film.

A menos que bailemos Unless we dance

26./27. April 8:30 Uhr 26/27 April 8:30 am Sunset

28. April 10:30 Uhr 28 April 10:30 am Sunset

29. April 19:45 Uhr 29 April 7:45 pm Sunset

Kolumbien Colombia

2023

14'34"

Farbe Colour

Spanisch mit deutschen Untertiteln (HG)

Spanish with German subtitles (SDH)

Regie Director

Hanz Rippe Gabriele, Fernanda

Pineda Palencia

Buch Script

Hanz Rippe Gabriele, Fernanda

Pineda Palencia

Kamera Camera

Hanz Rippe Gabriele, Juan Sebastián Rincón

Schnitt Editor

Juan Sebastián Rincón

Musik Music

Colacho Exótico, Ricardo Gallo

Tongestaltung Sound design

Angel Alonso Sarmiento

Produktion Production

Páramo Films

Deutsche Festivalpremiere

German festival premiere

FilmsToFestivals Distribution Agency

Gisela Chicolino

Argentinien Argentina

info@filmstofestivals.com

In Quibdó, einer Stadt in Kolumbien mit einer sehr hohen Mordrate, treffen sich Jonathan und hunderte junge Menschen, um gemeinsam zu tanzen und sich ihrem brutalem Schicksal voller Gewalt zu stellen. A menos que bailemos ist eine Hommage an ihren Akt des Widerstands und an alle Leben, die auf dem Weg verloren gingen.

Hanz Rippe Gabriele ist Filmregisseur und Kameramann. Als Mitbegründer von Páramo Films widmet er sich der Produktion von Dokumentarfilmen in Lateinamerika, die die Realitäten und sozialen, kulturellen und humanitären Probleme der Region beleuchten.

Fernanda Pineda Palencia ist Fotografin, Regisseurin, Produzentin und CoDirektorin von Páramo Films. Sie ist Absolventin des Centro de Investigación Cinematográfica in Argentinien. Mit mehr als acht Jahren Erfahrung im Dokumentarfilm hat sie sich indigenen, afroamerikanischen und ländlichen Gemeinschaften genähert und Geschichten im Kontext des kolumbianischen Konflikts und der Nachkriegszeit erzählt.

In Quibdó, a city with the highest homicide rates in Colombia, Jonathan and hundreds of young people come together through dance to face the brutal fate of violence. Unless We Dance is a tribute to their act of resilience and to all the lives that have been lost along the way.

Hanz Rippe Gabriele is a film director and cinematographer. As co-founder of Páramo Films, he is dedicated to producing documentaries in Latin America that highlight the realities and social, cultural and humanitarian problems of the region.

Fernanda Pineda Palencia is a photographer, director, producer and codirector of Páramo Films. She is a graduate of the Cinematographic Research Center in Argentina. With more than eight years of experience in documentary film, she has approached indigenous, African-American and rural communities, telling stories in the context of the Colombian conflict and the postconflict period.

Gemeinsame Filmauswahl Selected joint works Paramos and Forests of Colombia (2023), The Mountain that weeps (2023), Apalaanshi, People of the Sea (2022), Balanta (2022), Inside (2021)

Geschulte Blicke Trained Eyes

Das Filmvermittlungsprojekt Geschulte Blicke schließt an einen Kernbereich der filmpädagogischen Arbeit der Kurzfilmtage an: Blicke schulen, Kino als Ort für herausragende Filme nutzen, den Kurzfilm in seinem besonderen Potenzial für die Filmbildung stärken und zugänglich machen. Geschulte Blicke, gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, holt den Kurzfilm in die Schule und die Schüler*innen ins Kino. Fünf Schulklassen der Jahrgangsstufen 7 und 8 aus Oberhausen, Bielefeld, Ratingen und Troisdorf nehmen seit Mai 2022 an dem Pilotprojekt teil. Den Startschuss gab der Festivalbesuch der Oberhausener Klassen bei den 68. Internationalen Kurzfilmtagen. Im Kino wählte jede Klasse ihren Lieblingsfilm aus dem Wettbewerbsprogramm für die Altersstufe 12+ aus. Nach dem Kinobesuch folgte für alle Klassen eine Phase intensiver Auseinandersetzung mit diesem Kurzfilm in den jeweiligen Schulen. Dabei vollziehen die Schüler*innen einen Rollenwechsel: Sie sind nicht bloß Rezipient*innen einer (film)bildenden Erfahrung, sie werden selbst zu (Film-)Forscher*innen und Vermittler*innen. Beim Kinder- und Jugendkino der 69. Internationalen Kurzfilmtage am 27. April im Lichtburg Filmpalast Oberhausen werden die Resultate präsentiert. The film education project Trained Eyes links into a core area of Oberhausen’s educational work: training eyes, using cinema as a place for watching outstanding films, strengthening short film in its particular potential for film education and making it accessible. Trained Eyes, sponsored by the NRW Ministry for Culture and Science, brings short film into schools and school pupils into the cinema. Five Year 7 and 8 classes from Oberhausen, Bielefeld, Ratingen and Troisdorf have been participating in the pilot project since May 2022. This was launched with the visit by the Oberhausen classes to the 68th edition of the International Short Film Festival. In the cinema, each class chose its favourite film from the competition programme for the 12+ age group. After the cinema visit, all classes had a phase of intensive engagement with this short film at the respective schools. The pupils undergo a change of roles in the process: they are not just the recipients of an educational experience, but themselves become (film) researchers and educators. The results will be presented in the Children’s and Youth cinema of the 69th International Short Film Festival on April 27 in the Lichtburg Filmpalast Oberhausen.

© Daniel Gasenzer

Station Wunderland Station Wonderland

28. April 10:30 Uhr 28 April 10:30 am Gloria

29. April 10:30 Uhr 29 April 10:30 am Sunset

Der Zug der Kinogeschichte bimmelt durch Stationen des Experimentalfilms und der Videokunst im Wunderland: Dort wird die Welt auf den Kopf gestellt, die Wahrnehmung von Zeit und Raum neu gedacht und Realität und Projektion schließt eine neue Freundschaft. Zwischen Verwandlungskunst und radikaler Umschreibung der Nutzung von Alltagsgegenständen und der Bedeutung von Ritualen entfalten sich Sehnsüchte auf analogem Film. Der Zug der Kinogeschichte fährt mit einer Geschwindigkeit von 24 Träumen pro Sekunden im Dienste der vielfältigen und mutigen Realitätsmöglichkeiten!

The train of cinematic history rattles along through stations of experimental film and video art in Wonderland: there, the world is turned on its head, the perception of time and space is reconceived, and reality and projection form a new friendship. Amid transfigurations and radical paraphrasings of the use of everyday objects and the meaning of rituals arise yearnings for analogue film. The train of cinematic history travels at a speed of 24 dreams per minute at the service of the diverse and daring possibilities of reality!

L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat

Frankreich France 1896

1', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Auguste Lumière, Louis Lumière

Der Zug der Kinogeschichte beginnt bei der ersten öffentlichen Kinovorführung in einem Café in Paris, die die Gebrüder Lumière mit der Vorführung des einminütigen Films über der Ankunft eines Zuges feierten.

The train of cinema history starts at the first public cinematic screening in a café in Paris, which the Lumière brothers celebrated with the presentation of a one-minute film about the arrival of a train.

Ah! La Barbe (La Barba Rebelde)

Frankreich France 1905

1'54", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Segundo de Chomón

Beim Rasieren wird ein Mann Opfer der Verwandlungskunst des Films: Plötzlich wird sein Spiegelbild durch eine Reihe von grotesken und schrecklichen Gesichtern ersetzt, sehr zum Ärger des Protagonisten.

While shaving, a man becomes a victim of film’s metamorphic abilities: his reflection is suddenly replaced by a series of grotesque and horrible faces, much to the protagonist’s anger.

La linea – Episodio 1

Italien Italy 1972

4'26", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Osvaldo Cavandoli

Die nörgelnde Zeichentrickfigur La Linea stößt auf Hindernisse und spricht mit einer Sprache aus Gesten, Mimik und englisch-italienisch Grammelot den Zeichner an, damit dieser ihm eine Lösung zeichnet, mit unterschiedlichem Erfolg.

The captious cartoon figure La Linea meets with obstacles and speaks to the artist in a language of gestures, facial expressions and Anglo-Italian grammelot to get the latter to draw him solutions, with varying degrees of success.

Tortenfilm

Deutschland Germany 2004

5'47", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Katharina Wimber, Musik Music Helga Pogatschar

Die Schokotorte schmeckt so lecker! Schnell ist sie aufgegessen. Auf der leeren Tortenplatte spielen nun Gummibärchen und Schokoküsse altbekannte Kinderspiele.

The chocolate cake tastes so nice! It is eaten up quickly. Now, gummy bears and chocolate marshmallows play familiar old children’s games on the empty cake plate.

Refreshment

Niederlande Netherlands 2014

2'56", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Johan Rijpma, Tongestaltung Sound design Mark IJzerman

Ein poetisches Werk über Spuren: Ein Wasserfleck trocknet ein, schrumpft und verändert seine Form. Kurz bevor das Wasser vollständig verdunstet ist, wird der Prozess gestoppt. Die neue Form des Flecks wird vergrößert und mit neuem Wasser wiederhergestellt.

A poetic work about traces: a spot of water dries up, shrinks and changes its shape. Just before the water has evaporated completely, the process is stopped. The new shape of the spot is enlarged and restored with new water.

Game with stones

Österreich Austria 1965

8'30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Jan Svankmajer

Ein Gerät, das aus einer Uhr, einem Pendel, einem Wasserhahn und einem Eimer besteht, löst eine Reihe von Ereignissen aus, wenn die Uhr schlägt. Ein Tanz der Steine beginnt und wiederholt sich mit immer mehr Konsequenzen. A device consisting of a clock, a pendulum, a tap and a bucket triggers a series of events when the clock strikes. A dance of the stones begins, repeating itself with growing consequences.

Night Music

USA 1986

30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Stan Brakhage

Night Music versucht, die Schönheit der Traurigkeit einzufangen, wie sie die Augen haben, wenn sie in der Meditation über den Kummer geschlossen sind. Night Music tries to capture the beauty of sadness, like that of eyes when they are shut in meditation on the particular heartache.

Tomatenköpfe Tomato Heads

Österreich Austria 2002

6', Farbe Colour, Deutsch German

Regie Director Paul Horn, Harald Hund

In Tomatenköpfe passiert zunächst nichts Ungewöhnliches: ein Paar bei stereotypen Tätigkeiten. Jedoch geschehen dann Dinge, die sich der Zuseher nicht erklären kann. Die Welt scheint zunehmend auf den Kopf gestellt.

At first, nothing unusual happens in Tomato Heads: a couple is involved in stereotyped activities. But then, things occur that the viewer can’t explain. The world seems increasingly turned upside-down.

Down to Earth

Österreich Austria 2014

7', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Anna Vasof, Kamera Camera Peter Regner, Renate Mihatsch, Suchart Wannaset, Tongestaltung Sound design Kyriakos Tsoukalas

Es ist kein Geheimnis, dass Schuhe viel über den Charakter ihrer Träger*innen aussagen: den sozialen Status, den Charakter und nicht zuletzt über eventuelle Begierden. Anna Vasof referiert auf diese Bedeutungen und verleiht dem Begriff „Schuhwerk“ noch einen besonderen Dreh.

It is no secret that shoes say a lot about the character of their wearers: their social status, their personalities and, not least, their possible desires. Anna Vasof explores this significance and gives a very new slant on the potential functions of footwear.

Allegretto

USA 1943

2'30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Oskar Fischinger

Ein Orchester aus Formen und Linien spielt die Musik von Ralph Rainiger in einem Feuerwerk der Liebe zwischen Bild und Ton.

An orchestra of shapes and lines plays the music by Ralph Rainger in a fireworks of love combining image and sound.

Around the world

Frankreich France 1997

3'58", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Michel Gondry, Musik Music Daft Punk

Gondry entwickelt eine roboterhafte und sich wiederholende choreografierte Filmsequenz, die von Bianca Li kreiert wurde, wobei jede der Figuren einen Klang verkörpert. Wenn das Ziel war, die Welt zu umrunden, hätte das Ergebnis nicht besser sein können!

Gondry develops a robot-like, repetitive choreographed film sequence that was created by Bianca Li, where each of the figures embodies a sound. If the aim was to go round the world, the result could not have been better!

28. April 11:00 Uhr 28 April 11:00 am Lichtburg

1. Mai 12:45 Uhr 1 May 12:45 pm Star

Achtzehn internationale Musikvideos – wild, witzig und widerständig. Unterschiedliche Spielarten des Performancevideos als Selbstermächtigung gegen Stereotype und Erwartungshaltungen. Ob animiert, dokumentarisch oder inszeniert: ein Programm mit unerwarteten Wendung.

Eighteen international music videos – wild, funny and resistant. Different varieties of performance video as self-empowerment against stereotypes and expectations. Whether animated, documentary or staged: a programme with an unexpected twist.

In Der Natur In Nature

Deutschland Germany 2022

4'47", Farbe Colour, Deutsch German

Regie Director Timo Schierhorn, UWE, Musik Music Deichkind, Produktion Production Mädchenfilm, Label Sultan Günther

Ein Waldspaziergang mit dem Roboterhund, eine Spritztour mit dem mattschwarzen Kettenrollstuhl, Wildtiere in die Kamerafalle gelockt, Seuchenschützer desinfizieren den Wald. Apocalypse Now. In den komischen Bildern schwingt unweigerlich etwas Bedrohliches mit. Wer ist gefährlicher, der Mensch oder die Natur?

A forest stroll with a robot dog, a joyride with a matte black all-terrain wheelchair, wild animals lured into the camera trap, disease control personnel disinfect the woods. Apocalypse Now. There is inevitably a menacing element in the humorous images. Who is more dangerous, humans or nature?

Done (Let’s Get It)

Vereinigtes Königreich, Südkorea United Kingdom, South Korea 2023

3', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Yaeji, Musik Music Yaeji, Produktion

Production Yaeji, Label XL Recordings

Yeaji und ihr Großvater performen gemeinsam in Hasenkostümen, während die südkoreanisch-amerikanische Produzentin vom Fluch der unreflektierten Weitergabe von Verhaltensmustern von Generation zu Generation singt. Yeaji and her grandfather perform together in rabbit costumes while the South Korean-American producer sings about the curse of unthinkingly passing on behaviour patterns from generation to generation.

Eleanor

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

3'52", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Alice Kong, Musik Music Hot Chip, Produktion

Production Partizan, Label Domino Records

Die mit Knete animierte Eleanor läuft nach einigen unglücklichen Zwischenfällen gegen einen Pfahl vor einem Optiker, was ihr … die Augen öffnet! Clay animated Eleanor, who, after a series of unfortunate events, hits a pole in front of an eye glass shop that will… open her eyes!

Unconditional I (Lookout Kid)

Kanada, USA Canada, USA 2022

4'55", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Benh Zeitlin, Musik Music Arcade Fire, Produktion Production Elysian Fields Independent Productions, Label Sony Music Entertainment / Columbia Records

Das Video dreht sich um eine Schar aufblasbarer Schlauchmänner, die herumtanzten, während die Band den Song vor Kurzem bei Shows beim Coachella, in New York und im KOKO in London spielte.

The video centres around a host of inflatable tube men, which have also danced around while the band played the song at a number of recent shows at Coachella, in New York and at London’s KOKO.

Nothing Left To Lose

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2023

3'51", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Charlie Di Placido, Musik Music Everything But The Girl, Produktion Production Edwin Brawn, Label Buzzin’ Fly Records

Ein Paar inmitten eines großen Cafés. Beide werden vom Beat hinweggefegt und beginnen mit der energetischen Vorführung einer Choreografie.

A couple in the middle of a large café, who are swept up by the beat and launched into an energetic display of choreography.

Cracker Island

USA 2022

3'38", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Jamie Hewlett, Fx Goby, Musik Music Gorillaz, Thundercat, Produktion Production

Gorillaz, Nexus Studios, Label Warner Music

2-D, Noodle und Russel Hobbs treffen aus unbekannten Gründen im Los Angeles County Hospital aufeinander. 2-D hat offenbar mit Visionen einer geheimnisvollen Sekte zu kämpfen. Jamie Hewlett und Fx Goby arbeiteten zusammen an dieser Verschmelzung von Live-Action und Animation.

2-D, Noodle, and Russel Hobbs reunite in the Los Angeles County Hospital after all three members show up for unknown reasons. 2-D seems to be troubled by visions of a mysterious cult. Jamie Hewlett and Fx Goby teamed up for this blend of live action and animation.

Driving With My Eyes Closed

Deutschland Germany 2022

3'14", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Franz Impler, Musik Music Zouj feat. Sahareya, Produktion Production Franz Impler, Label City Slang

Der Protagonist macht per VR-Brille einen Ausflug und endet dabei in einem Chaos aus zahlreichen Schichten von (virtuellen) Realitäten und Fragmenten vager Erinnerungen.

The protagonist takes a ride through his VR glasses, ending up in a mess of various layers of (virtual) realities and fragments of vague memories.

Swing (In a Dream)

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2023

5', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Yoonha Park, Musik Music Squid, Produktion Production Claes Nordwall, Label Warp Records

Alles beginnt mit zwei Männern, die in einer Sporthalle Basketball spielen. Ein Mitarbeiter malt Linien auf dem Spielfeld, dann läuft ein Mann durch die Halle. Jetzt geht es richtig los, und die Halle wird zum Schauplatz des alltäglichen Lebens – kontrolliertes Chaos.

It all starts with two men playing basketball in a gym. An employee draws lines onto the playing field, then a man runs through the hall. Now things really get going, and the gym becomes the arena of everyday life – controlled chaos.

Shittin’ Me

USA 2022

2'49", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Dan Streit, Cole Kush, Musik Music A$AP

Rocky, Produktion Production Andy Ruse, David Kim, Label A$AP Worldwide, Polo Grounds Music, RCA

„Wir wollten etwas erschaffen, das die Geschichte einer albernen Komödie aus den 1980er- bis 1990er-Jahren mit einem bizzaren sowie frenetischen Mashup experimenteller KI-Bilder kombiniert.“

‘We set out to make something that somewhat combined a goofy ’80s–’90s comedy movie narrative, told through a bizarre and frenetic mashup of experimental AI visuals.’

Don’t Get It

USA 2022

3'13", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Naomi Alligator, Musik Music Naomi Alligator, Produktion Production Hope Lawson, Label Carpark Records

Eine Freundesgruppe mit Kiss-Make-up hängt im Park herum und beginnt später einen heftigen Streit, der letztlich zu einer Prügelei in einer Gasse führt. A group of friends in Kiss makeup experiencing a hang-out in a park, then evolves into a spiteful argument which eventually leads to a fistfight in an alleyway.

Hate

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

4', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Loyle Carner, Greg Hackett, Musik Music Loyle

Carner, Produktion Production Spindle, Label EMI Music

Als er den Song schrieb, war Carner wütend und verängstigt. Im Video, bei dem er selbst Regie führt, sitzt er am Steuer und rappt sich die Wut aus dem Leib. Dabei wird er von mehreren Kopien seiner selbst drangsaliert. Klaustrophobisch und sehr intensiv.

When he wrote this song, Carner was angry and anxious. In the video, which he directs himself, he is sitting at the steering wheel and raps out his rage. In the process, he is harassed by several copies of himself. Claustrophobic and very intense.

I’m Tight

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

7', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Louis Cole, Musik Music Louis Cole, Produktion Production Louis Cole, Label Brainfeeder

Was ist dein liebster Tanz-Move? Vielleicht stehst du auf die Einfachheit der „RIDLEY SCOTTZ“ oder mehr auf die kinetischere Variante, die „STEPPIN’ RIDLEYZ“. Oder vielleicht bist du mehr der konzeptionelle „HEIMLICHZ“-Typ. Louise Cole and seine Crew habe sie alle auf Lager.

What’s your favourite dance move? Perhaps you’re partial to the simplicity of the ‘RIDLEY SCOTTZ’, or its more kinetic variation, the ‘STEPPIN’ RIDLEYZ’. Or maybe you’re more of a conceptual ‘HEIMLICHZ’ type. Louise Cole and his crew have them all.

Happenstance

USA 2023

3', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Alex Free, Musik Music Shalom, Produktion

Production Angela Media x Prolovevisuals, Label Saddle Creek

Zu einem treibenden Beat singt Shalom aus Brooklyn über ihre eigenen Probleme, „seinen Platz in der Welt, in der wir leben, zu finden“, und darüber, wie sie „sichtbarer sein und gleichzeitig verschwinden möchte“. Alle Anzeichen von Trübsal werden wohl durch das Drücken der Play-Taste verschwinden. Over a driving beat, Brooklyn-based Shalom sings about self struggles ‘to find your place in the world that we live in’ and ‘wanting to be visible while also wanting to disappear’. Any signs of feeling blue will likely be banished by pressing play.

Caution

USA 2022

3', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Cole Kush, Musik Music Cuco, Produktion Production Dan Streit, Christopher Rutledge, Label Interscope Records

Caution beschreibt die Erfahrung, seine mentalen Gesundheitsprobleme für sich zu behalten. Die visuellen Elemente im Video zeigen, wie sich Emotionen und Gedanken im Inneren aufbauen und explodieren können, wenn man sie nicht kontrollieren kann.

Caution describes how it feels to keep your mental health problems to yourself. The visual elements in the video show how emotions and thoughts build up inside and can explode if you can’t control them.

Will We Ever Get This Right

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

3'38", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Flowerovlove, Musik Music Flowerovlove, Produktion Production Flowerovlove

Wenn du wahnsinning besessen von einem Mann bist und er nur in deinen Tagträumen lebt. Floweroflove machte aus ihren Gefühlen der Frustration ein wunderschönes Lied. Rückwärts hüpft sie zu Will We Ever Get This Right durch die historische Markthalle in Brixton. When you are crazy obsessed with a man and they just live in your daydreams. flowerovlove turned her feelings of frustrations into a beautiful song. Skipping in reverse Will We Ever Get This Right through the historic Brixton market.

La Quête

Frankreich France 2022

3'54", Farbe Colour, Französisch French

Regie Director Victor Haegelin, Musik Music Orel San, Produktion

Production Wizz, Label Wagram Music, 3ème Bureau

Die Lebensgeschichte des französischen Rappers OrelSan wird mithilfe von Stop-Motion-Animation erzählt.

French rapper OrelSan’s life story is told through the medium of stop motion animation.

Feel Good

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2023

2'27", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director The Rest, UNCANNY, Musik Music slowthai, Produktion Production Andy Picton, Label Method Records

Im Dezember startet slowthai einen Call für sein neues Video. Fans sollen gefilmt werden, wie sie in ihren Zimmern den Song zum ersten Mal hören. Aus über 4.200 Einreichungen werden 35 ausgewählt. Und für die gibt es dann noch eine besondere Überraschung.

In December, slowthai starts a call for his new video. Fans are to be filmed while they hear the song for the first time in their rooms. From more than 4,200 entries, 35 are chosen. And for those, there is a special surprise.

Oceans Niagara

Frankreich France 2023

4'28", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Yann Gonzalez, Musik Music M83, Produktion

Production La/Pac, Label Virgin Music, Mute

Ein merkwürdiges, fremdes Wesen beobachtet drei junge Charaktere, die eine halluzinogene Traumwelt erkunden.

A curious alien being watches three young characters explore a hallucinogenic dreamworld.

Short Film

Nominees

Die European Children’s Film Association ist eine Netzwerkorganisation für Fachleute, die eines eint: Interesse an und Leidenschaft für hochwertige Kinderfilme. Der ECFA Short Film Award wurde 2017 auf Anregung der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen initiiert, um den Kurzfilm als wertvollen Aspekt der europäischen Kinderfilmkultur zu stärken. Das Programm bildet die für den ECFA Short Film Award 2023 nominierten Filme ab und gibt einen Einblick in das, was der europäische Kurzfilm für ein junges Publikum ganz aktuell zu bieten hat.

The European Children’s Film Association is a networking organisation for professionals who share a common interest and passion for quality children’s films. The ECFA Short Film Award was initiated in 2017 at the suggestion of the International Short Film Festival Oberhausen in order to strengthen short film as a valuable aspect of European children’s film culture. The programme presents the films nominated for the ECFA Short Film Award 2023 and gives an up-to-date insight into what European short film for young audiences has to offer.

Kiki la plume Kiki the Feather

Frankreich France 2020

6', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Julie Rembauville, Nicolas Bianco-Levrin

Der Kanarienvogel Kiki kennt nur seinen Käfig und die alte Dame, die ihn füttert. Er träumt davon, draußen mit den anderen Vögeln zu fliegen. Als die Tür des Käfigs eines Tages offen steht, entwischt er und entdeckt die große weite Welt, in der man fliegen können muss. Ein freier Vogel zu sein, ist ganz schön beängstigend.

Kiki the canary only knows his cage and the old lady who feeds him. He dreams of flying with the free birds from outside. When at last the door of the cage stays open, he escapes and discovers the big outside world where it’s necessary to know how to fly. Finally, being a free bird, it’s scary.

Luce et le Rocher Luce and the Rock

Belgien, Frankreich Belgium, France 2022

13', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Britt Raes

Luce lebt auf einer kleinen Insel im blauen Meer in einem friedlichen Dorf, wo alles seinen gewohnten Gang geht. Doch eines Abends löst sich ein Felskugelmonster vom Berg und stört das friedliche Leben. Mutig stellt sich Luce dem Ungeheuer, aber es entfernt sich nur durch einen Trick.

Luce lives on a small island in the blue sea in a peaceful village where all takes its wonted course. But one evening, a spherical rock monster breaks off from the mountain and disrupts this peaceful life. Luce bravely confronts the monster, but only a trick makes it go away.

Zuza v zahradách Suzie in the Garden

Tschechien, Slowakei Czech Republic, Slovakia 2022

13'19", Farbe Colour, Tschechisch mit englischen

Untertiteln Czech with English subtitles

Regie Director Lucie Sunková

Suzie ist ein kleines Mädchen, das mit seinen Eltern in einen Schrebergarten außerhalb der Stadt fährt. Eines Tages begegnet sie dort einem schwarzen Hund und entdeckt einen geheimnisvollen Garten. Wer nur dort lebt? Suzie hat ein wenig Angst. Aber was macht man nur, wenn man Angst vor jemandem hat, dessen Schlüssel man auf dem Boden findet?

Suzie is a little girl who goes with her mother and dad to an allotment outside the city. One day she meets a black dog and discovers a mysterious garden. Who is it that lives there? Suzie is a little afraid. But what to do when you are afraid of someone, but you find their key on the path?

Mónoi sto Asansér Elevator Alone

Griechenland Greece 2021

3'38", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Anastasia Papadopoulou

Vier Personen und die Zeit, die sie in einem Aufzug verbringen. Inspiriert von Alltagssituationen und dem unterschiedlichen Verhalten von Menschen, wenn sie allein sind im Vergleich zu dem sozial akzeptieren Verhalten, das Menschen in der Öffentlichkeit und insbesondere in der beengten und unbehaglichen Umgebung eines Aufzugs annehmen.

Four people and the time they spend in an elevator. Inspired by everyday life and by the difference in people’s behaviour when they are alone, in contrast to the socially acceptable behaviour that individuals adopt when in public space, and especially in the confined and always awkward setting of an elevator.

NAERIS The Turnip

Estland Estonia 2022

7'12", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Piret Sigus, Silja Saarepuu

Die Geschichte des Films basiert auf einem slavischen Märchen, das seit Ewigkeiten aus der Perspektive von Kleinbäuer*innen erzählt wird. Der Film zeigt die schon oft verarbeitete Geschichte aus einer unterirdischen Perspektive. So erfahren wir, was wirklich geschah, während die Bäuer*innen damit beschäftigt waren, ihr Gemüse anzubauen. Ein Film über Eigentum, Zusammenarbeit und Verrat.

The film’s story is based on the Slavic folktale, which has been told for ages from the peasants’ point of view. The film shows the over-exploited story from an underground angle – showing what really happened while peasants were engaged in the cultivation of vegetables. It is also about property, collaboration and betrayal.

A point The Right Time

Frankreich France 2021

20', Farbe Colour, Französisch mit englischen

Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Aurélie Marpeaux

Die junge Ana steht vor einer schwierigen Entscheidung: Soll sie ihr aktuelles Leben mit Familie, Freunden und ihrer großen Liebe fortsetzen oder ein Praktikum in einem Edelrestaurant weit weg von allem beginnen?

Young Ana is facing a choice: her current life with family, friends and love or the future: an internship far away, in a palace restaurant.

Channidae

Belgien Belgium 2021

7', Farbe Colour, Französisch mit englischen

Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Pauline Morel

Die drei Kinder Colin, Charlie und Martin treffen sich im Park, um miteinander zu spielen. Colin möchte mit Masken „Familie“ spielen. Er spielt seine Rolle mit immer mehr Überzeugung, bis er zu weit geht. Im Spiel so zu tun als ob, kann schnell zur Realität werden.

Colin, Charlie and Martin are three children who meet in a park to play together. Colin suggests playing ‘family’ with masks. He becomes more and more convincing in his role, until he goes beyond the limits. Therefore, playing pretend can become more than real.

Haut les Coeurs The Right Words

Frankreich France 2021

14', Farbe Colour, Französisch mit englischen

Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Adrian Moyse Dullin

Kenza, 15, und ihr kleiner Bruder Madhi, 13, demütigen sich regelmäßig gegenseitig in den sozialen Medien. Im Bus stellt Kenza ihren naiven und romantischen kleinen Bruder auf die Probe: Er soll seine Liebe zu Jada, dem Mädchen, das Madhi liebt, erklären, obwohl sie ihn nicht kennt.

Kenza, 15, and her little brother Madhi, 13, regularly humiliate one another on social media. On the bus, Kenza puts her naive and romantic little brother to the test: to profess his love for Jada, the girl that Madhi loves, even though she does not know him.

Yallah!

Frankreich France 2021

7'03", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Nayla Nassar, Edouard Pitula, Renaud de Saint Albin, Cécile Adant, Anaïs Sassatelli, Candice Behague

Beirut 1982: Nicolas versucht, Naji, einen entschlossenen Teenager, der mitten im Krieg schwimmen gehen will, zu schützen. Ein surrealer Wettlauf gegen den Krieg, um die Freiheit des Schwimmens.

Beirut, 1982. Nicolas tries to protect Naji, a determined teenager who wants to go swimming amidst the war. A surreal race against war for the simple freedom of swimming.

Orchester z krajiny ticha Orchestra from the Land of Silence

Slowakei Slovakia 2020

30'40", Farbe Colour, Persisch, Englisch mit englischen Untertiteln Persian, English with English subtitles

Regie Director Lucia Kasova

Das erste rein weibliche Orchester Afghanistans, Zohra, bereitet sich auf eine Reise vor, um in Europa ein Konzert zu geben. Durch die Augen der 16-jährigen Marzia erleben wir ihren Alltag im heutigen Afghanistan. Doch nach ihrer Ankunft in Europa geschieht etwas Unerwartetes und vier Mitglieder des Orchesters beschließen zu fliehen.

Afghanistan’s first all-female orchestra, Zohra, is preparing to travel to give a concert in Europe. Through the eyes of 16-year-old Marzia, we experience her everyday life in contemporary Afghanistan. But after their arrival in Europe, something unexpected happens, and four members of the orchestra decide to flee.

Filme aus dem diesjährigen thematischen Schwerpunkt für ein Publikum ab 14 Jahren. „Machine“, „Animation“ und „Cinema“, das ergibt „Machinima“. Eine Kunstform, die sich Videospiele zu eigen macht, ob Minecraft, Red Dead Redemption oder Grand Theft Auto. Die Filme, die in den Spielen entstehen, erforschen, was die Nebencharaktere in den Spielen den ganzen Tag tun, warum sich Polizisten nicht gegenseitg bekämpfen können, wie es möglich ist, das Fliegen zu erlernen, welche Geschlechter Charaktere haben können und welche nicht. Mit Filmen vom Kollektiv Total Refusal, David Blandy, Nick Tyson & Catarina de Sousa, Grayson Earle und Chris Brandt.

Films from this year’s thematic focus for an audience aged 14 and up. ‘Machine’, ‘animation’ and ‘cinema’ go to make up ‘machinima’, an art form that appropriates video games, whether Minecraft, Red Dead Redemption or Grand Theft Auto. The films that are created within the games look at what the secondary characters in the games do all day, why police officers can’t fight each other, how it is possible to learn to fly, what genders characters can have and which ones they can’t. With films from the collective Total Refusal, David Blandy, Nick Tyson & Catarina de Sousa, Grayson Earle and Chris Brandt.

How To Fly

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2020

6'23", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director David Blandy

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

David Blandy nutzt die Form des Online-Videotutorials zur Untersuchung von Mustern in der Natur und im Leben. Der Film wurde während der Pandemie in Auftrag gegeben und erklärt, wie man online und mit auf einem Computer verfügbaren Tools, Videoschnitt-Software und Spielen fliegen kann.

David Blandy utilises the form of online video tutorials to explore ideas around patterns in nature and existence. Commissioned during the coronavirus pandemic, his film explains how to fly using the tools available via a computer, including the Internet, video editing software and games.

Hardly Working

Österreich Austria 2022

20'30", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Total Refusal (Robin Klengel, Susanna Flock, Leonhard Müllner, Michael Stumpf)

Basiert auf Based on Red Dead Redemption 2

Nicht-Spieler-Charaktere, die normalerweise im Hintergrund des Videospiels bleiben, stehen in diesem Essayfilm im Zentrum. Den Anschein von Normalität erweckend, erscheinen sie als Sisyphos-Maschinen, deren Arbeitsroutinen, Aktivitätsmuster und Störungen eine anschauliche Analogie zur Arbeit im Kapitalismus zeichnen.

Non-player characters, which normally remain in the background of video games, are put in the spotlight in this essay film. Creating a semblance of normality, they appear as Sisyphus machines, whose labour routines, activity patterns as well as malfunctions paint a vivid analogy for work under capitalism.

Dance, Voldo, Dance

USA 2002

3'43", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Chris Brandt

Basiert auf Based on Soulcalibur

Voldo ist ein Charakter im Kampfspiel Soulcalibur. Die choreografierten Bewegungen zweier gleichsam komischer Voldos in dieser Aufnahme sind alle aus dem eigentlichen Videospiel. Dieses frühe Machinima entstand im Laufe einer Woche mit zahlreichen Trainingseinheiten und Performances. Voldo is a character in the fighting video game Soulcalibur. The choreographed moves of two equally freaky Voldos in this recording are all actual game play. This early machinima was made during a week of full-time training and performance.

Tracing Utopia

Portugal, USA Portugal, USA 2021

27', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Catarina de Sousa, Nick Tyson

Basiert auf Based on Minecraft

Eine Reise in die Träume einiger queerer Jugendlicher in New York, die sich eine bessere Welt vorstellen. Sie durchschreiten die Zeit, indem sie flüchtige Blicke auf eine Utopie werfen, die sich auf der Straße, in gemeinsamen Räumen und online zeigt. Dieser kollaborative Film verwebt ihre vergangenen Träume mit ihren zukünftigen und fordert Veränderung.

An odyssey into the dreams of a group of queer teens in New York City who envision a better world. They transcend time through glimpses of a utopia manifested in the streets, community spaces, and online. This collaborative film weaves their past and future dreams together, calling for change.

Why don’t the cops fight each other?

Deutschland Germany 2021

9'40", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Grayson Earle

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

Dieser Desktop-Dokumentarfilm untersucht die Beziehungen zwischen Polizeikräften im Spiel GTA V. Durch eine umfassende forensische Analyse des Quelltexts des Spiels zeigt er, in welchem Ausmaß kulturelle Bildsprache in Bezug auf die echte Polizei in den Raum des Spiels übertragen wird.

This desktop documentary investigates the relationships between police officers in GTA V. Through an exhaustive forensic analysis of the game’s source code, it demonstrates the extent to which the cultural imaginary concerning the real world police is projected into the game space.

Die EU ist keine gesichtslose Maschine, sondern die Vertretung von 447 Millionen Menschen und ermöglicht es uns, einen ganzen Kontinent so zu nennen wie etwas, das sonst viel kleiner wäre: Heimat. The One Minutes Jr. bringt junge Menschen aus der ganzen Welt zu Video-Workshops zusammen, um ihnen eine Stimme zu geben. In 42 One Minutes werden die besten aktuellen One Minutes Jr. zusammengestellt, um Produktionen aus der Europäischen Union hervorzuheben.

The EU is not a faceless machine but the representation of 447 million people, and allows us to call a whole continent something which would otherwise be much smaller: home. The One Minutes Jr. brings together young people around the world for video workshops to give them a voice. In 42 One Minutes the best recent One Minutes Jr. are compiled to highlight productions from the European Union.

Moonlanding

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, ohne Text without text Regie Director Adil

The Dream Train

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Roy Boekschoten

My Wish

Niederlande Netherlands 2018

1', Schwarzweiß Black-and-white Regie Director Reza

Untitled

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Saifeddine

The difference between seeing and looking

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Emre

My name is Tsikivy

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Madagassisch Malagasy

Regie Director Tsikivy

Jojo

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Arabisch Arabic Regie Director Sara

My new friends!

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Vivian

Ik & Mijn Vader My Father and I

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, Arabisch Arabic Regie Director Abdulrahman

Munde

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Pita

Home Again

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Hala, Zainab

Maatjes

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Mehmet

My Wish

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, Arabisch Arabic Regie Director Mohammed Louai Midany

Atletiek

Niederlande Netherlands 2021

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Blessin Uiterwijk

Should One Moment Define My Life

Niederlande Netherlands 2021

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Carine Ngouwa

Healing Part I

Niederlande Netherlands 2021

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Sampa Westerlaken

Healing Part II

Niederlande Netherlands 2021

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Sampa Westerlaken

The Bible, Koran and Tora

Niederlande Netherlands 2009

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Glebbeek & Krijl

New Generations

Niederlande Netherlands 2015

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Aytac Semedli

Op zoek Seeking

Niederlande Netherlands 2015

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Timo Rodermond

The awful nightmare

Niederlande Netherlands 2015

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Zainab, Felix, Dorcas

Race action

Niederlande Netherlands 2015

1', Farbe Colour, ohne Text without text Regie Director Jowell, Justin

Kidnapping

Niederlande Netherlands 2015

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Rian

Pixel

Niederlande Netherlands 2015

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Felix

Friend.Go

Niederlande Netherlands 2016

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Jackie Chan

My Music

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Alan Alahmed

Who influences us?

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Helen ‚LB‘ Tesfamarian

Struggles

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Michael Asmerom

Smile

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Mohammed

A tribute to my father

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Helena

social outcast

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Marcel

My Way

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Carine

Disclosure

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Tim

Weet je wie ik ben? Do you know who I am?

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Kelly

Mijn reis

Niederlande Netherlands 2015

1', Farbe Colour, Arabisch Arabic Regie Director Ahmed

Tell me

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, ohne Text without text Regie Director Ali

Inside Out

Niederlande Netherlands 2016

1', Farbe Colour, ohne Text without text Regie Director Cyprus Vincent

The right choice

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Hasan

My Horse

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, Afar Regie Director Melat

Peace

Niederlande Netherlands 2015

1', Farbe Colour, Afar Regie Director Mulugeta

I love learning

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Parisa

The End

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, ohne Text without text Regie Director Martin den Boer

MuVi

Almost Puppet

Deutschland Germany

2022 5'15"

Farbe Colour

Englisch English

Von By

Maxim Franks

Musik Music

Puppet Ginger

Produktion Production

Maxim Franks

Label

OE Office Editions

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Maxim Franks

Deutschland Germany

maxfranks44@gmail.com

linktr.ee/puppetginger1

Mit einem experimentellen Ansatz für den Greenscreen schuf Maxim Franks einen kaleidoskopischen Film für den Song Almost Puppet. Video und Song untersuchen Themen wie Identität und das Ich aus der Perspektive der Katzenpuppe Puppet Ginger mit besonderem Augenmerk auf der Zerbrechlichkeit des Bewusstseins.

Maxim Franks wurde 1990 geboren. Maxim Franks ist nicht binär, Musiker*in, Künstler*in und Filmemacher*in, derzeit in Berlin lebend und arbeitend. Seit 2020 kreiert Maxim Franks experimentelle Popmusik und Videos als anthropomorpher Charakter Puppet Ginger. Using an experimental approach to green screen, Maxim Franks has created a kaleidoscopic film for the song Almost Puppet. Together, the video and song explore the themes of identity and self through the perspective of the cat puppet Puppet Ginger, with particular emphasis on the fragility of consciousness.

Maxim Franks was born in 1990. Maxim Franks is a nonbinary musician, artist and filmmaker currently living and working in Berlin. Since 2020, Maxim Franks has been creating experimental pop music and videos as the anthropomorphic character Puppet Ginger.

Filmauswahl Selected works Puppet Ginger: Oslo (2022), Puppet Ginger: Certain Farms (2022), History cycle (2018)

Anima Overdrive

Deutschland Germany

2022

4'18"

Farbe Colour

Englisch English

Regie Director

Stefan Panhans, Andrea Winkler

Musik Music

Gregor Heinze, Luke Huelsmann

Buch Script

Stefan Panhans, Andrea Winkler

Kamera Camera

Lilli Thalgott

Schnitt Editor

Lilli Thalgott

Ton Sound

Luke Huelsmann

Tongestaltung Sound design

Emanuel Uch

Mit With

Lisa Marie Janke

Produktion Production

Stefan Panhans, Andrea Winkler

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Stefan Panhans

Deutschland Germany

studio@stefanpanhans.com stefanpanhans.com

„Deliver, deliver, deliver, deliver, I’m your delivery deliver delivery, I deliver everything!“, rappt die „Delivery Heroine“Antiheldin im angezählten Quarterback Dress allein in einer Art Kellerlagerraum. Ihre Performance „delivered“ den Sound einer Erschöpfung in einer Welt, die zunehmend von Algorithmen und KI im Dienste eines turbo-beschleunigten Plattform-Kapitalismus bestimmt wird.

Stefan Panhans und Andrea Winkler arbeiten zusammen an Filmen und Videoinstallationen, die international bei Filmund Medienfestivals und in zahlreichen Solo- und Gruppenausstellungen gezeigt werden.

‘Deliver, deliver, deliver, deliver, I’m your delivery deliver delivery, I deliver everything!’ raps the ‘delivery heroine’ (or anti-heroine) in a worn-out quarterback jersey, alone in a kind of basement storage room. Her performance ‘delivered’ the sound of exhaustion in a world that is increasingly dominated by algorithms and AI in the service of a turbo-speed platform capitalism.

Stefan Panhans and Andrea Winkler work together on films and video installations that are shown internationally at film and media festivals as well as in numerous solo and group exhibitions.

Gemeinsame Filmauswahl Selected joint works Border Control (2021), DEFENDER (2021), If You Tell Me When Your Birthday Is (2020)

Auch im Bentley wird geweint People Cry in Bentleys Too

Ein Rapvideo, gedreht mit der Rückfahrkamera eines Bentley Continental GT. „Wir wollten mit der teuersten, schwersten und umständlichsten Kamera der Welt drehen, die zudem nicht besonders gut ist“, heißt es dazu in der Pressemitteilung der Band. Ein schickes Filmstudio, ein Dolly und Schienen für das tonnenschwere Statussymbol, und immer den Rückwärtsgang eingelegt lassen. Geld macht nicht glücklich und Not erfinderisch. So führt man Klischees ad absurdum.

Timo Schierhorn und Christian UWE Hartmann sind Teil von AUGE ALTONA, einer Gruppe Filmschaffende mit Sitz in Hamburg. Sie arbeiten gemeinsam und unterstützen sich gegenseitig bei individuellen Projekten. In den Bereichen Musikvideo, Bildende Kunst und Film hat AUGE ALTONA mit einer Reihe national und international bekannter Künstler*innen zusammengearbeitet. Insbesondere ihre Zusammenarbeit mit der deutschen Band Deichkind hat ihnen viel Aufmerksamkeit beschert. Seit 2011 kreieren sie das gesamte visuelle Artwork der Band.

Deutschland Germany

2023

3'15"

Farbe Colour

Deutsch German

Regie Director

Timo Schierhorn, UWE

Musik Music

Deichkind & Clueso

Kamera Camera

Tom Otte

Creative Director

Henning Besser

Produktion Production

Mädchenfilm

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Timo Schierhorn

Deutschland Germany

mail@timoschierhorn.de timoschierhorn.de

A rap video, filmed with the back-up camera of a Bentley Continental GT. ‘We wanted to film using the dearest, heaviest and most inconvenient camera in the world, one that is also not especially good to boot,’ the band’s press release says. A stylish film studio, a dolly and tracks for the heavyweight status symbol and reverse gear left in throughout. Money doesn’t make you happy, and necessity is the mother of invention. This is how clichés are taken ad absurdum.

Timo Schierhorn and Christian UWE Hartmann are part of AUGE ALTONA, a group of filmmakers based in Hamburg. They operate as a unit, but also support each other on individual projects. In music video, visual arts and film, AUGE ALTONA has collaborated with a number of nationally and internationally known artists. Especially their liaison with the German group Deichkind has brought them a lot of attention. Since 2011, they have been exclusively creating all visual content for the band.

Timo Schierhorn Filmauswahl Selected works DER ANDERE TAG (2023), Deichkind: Wer sagt denn das? (mit with UWE 2019, in Oberhausen 2020), Die Goldenen Zitronen: Nützliche Katastrophen (mit with Schorsch Kamerun, Mense Reents 2018, in Oberhausen 2019), Die Goldenen Zitronen: Der Investor (mit with Katharina Duve, Ted Gaier 2013, in Oberhausen 2014), Die Vögel: Fratzengulasch (mit with Katharina Duve 2011, in Oberhausen 2012) UWE Filmauswahl Selected works Junge Milliardäre (2020, in Oberhausen 2021), Deichkind: Wer sagt denn das? (mit with Timo Schierhorn 2019, in Oberhausen 2020), Deichkind: Richtig Gutes Zeug (2019), Tocotronic: Zucker (2015), Deichkind: Denken Sie Groß (mit with Timo Schierhorn, Till Nowak 2015, in Oberhausen 2015)

Das eigensinnige Kind The Headstrong Child

Der Song entstand als Prolog zur Ravel-Oper Verzauberte Welt, deren Libretto die französische, sehr frühe Frauenrechtlerin Colette als surreale Anti-Autoritäts-Fantasie schrieb. Mit dem Schauspieler Fabian Hinrichs, selbst ein großer Zweifel-Solitär, haben wir versucht, einen wogenden One-Take-Clip zu spielen, zwischen zündelkindlichem Befreiungsschlag und dessen ambivalenter (peinlicher?) Überschreitung.

Deutschland Germany

2022

4'51"

Farbe Colour

Deutsch German

Regie Director

Schorsch Kamerun

Musik Music

Raison

Kamera Camera

Stephanie von Beauvais

Schnitt Editor

Stephanie von Beauvais

Mit With

Fabian Hinrichs

Produktion Production

PC Nackt und Mense Reents

Label

Buback Tonträger

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Friederike Meyer

Deutschland Germany

friederike@buback.de

Schorsch Kamerun ist einer der 23 besten Menschen, Theatermacher, Autor, Pudel-Club-Gründer und Sänger der Band-Kollektive Die Goldenen Zitronen und Raison, für die er bei mehreren Clips – immer auch gemeinsam mit allen anderen Beteiligten – Regie führte.

This song was written as a prologue to the Ravel opera L’enfant et les sortilèges (The Child and the Spells), whose libretto was written by the French author Colette, a very early feminist, as a surreal anti-authoritarian fantasy. With the actor Fabian Hinrichs, himself a great doubting loner, we have tried to make a swaying one-take clip combining an edgy, childish bid for freedom and its ambivalent (embarrassing?) transgression.

Schorsch Kamerun is one of the 23 best people, theatre maker, author, Pudel Club founder and singer of the band collectives Die Goldenen Zitronen and Raison, for which he directed several clips – always together with all the other participants.

Filmauswahl Selected works Raison: Driften (mit with Timo Schierhorn 2022), Die Goldenen Zitronen: Nützliche Katastrophen (mit with Timo Schierhorn, Mense Reents 2018, in Oberhausen 2019), Die Goldenen Zitronen: If I Were a Sneaker (mit with Ted Gaier, Katharina Duve, Timo Schierhorn 2015, in Oberhausen 2016), Die Goldenen Zitronen: Positionen (2009, in Oberhausen 2010)

Der Stoff aus dem Legenden sind

That’s the Stuff Legends Are Made of

Ein alternder Rockstar, den eigenen Zenit im Rückspiegel, isoliert lebend zwischen Ludwig II und Ludwig XIV, weniger Sonne, mehr Untergang. Rocko Schamoni als Rocko Schikano und die Frage, was hätte gewesen sein können.

Kay Otto lebt (Kater, Katze, Hündin) und arbeitet als Regisseur und Produzent in Hamburg. Dort betreibt er seit 2015 die clipper Filmproduktion.

An ageing rock star, his own zenith in the rear-view mirror, living isolated between Louis II and Louis XIV, less sun, more sunset. Rocko Schamoni as Rocko Schikano and the question of what might have been.

Deutschland Germany

2022

3'54"

Farbe Colour

Deutsch German

Regie Director

Kay Otto

Musik Music

Bobby Fletcher & Koljah

Kamera Camera

Daniel Schua

Schnitt Editor

Aron Krause-Arlt

Mit With Rocko Schamoni

Produktion Production

clipper Film

Label

Antilopen Geldwäsche / Sony

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Kay Otto

Deutschland Germany

kay@clipper-film.com

clipper-film.com

Kay Otto is a director and producer based in Hamburg (two cats, one dog). He has been a director of music videos for many years. In 2015 he founded clipper Films.

Filmauswahl Selected works Erobique, Oliver Polack: Forever Corona (2021, in Oberhausen 2021), Jupiter Jones: Atmen (2021), Dead Cross: Skin of a Redneck (2020), Niklas Liepe: GoldBergHain (2020), Miu: Moving Out (2019), Brett: Das mit dem Hund tut mir leid (2018), Turbostaat: Wolter (2016), Beatsteaks: Mad River (2015)

Deutschland Germany

2022

6'47"

Schwarzweiß Black-and-white Englisch English

Regie Director

Duc-Thi Bui

Musik Music

Laima Adelaide

Buch Script

Duc-Thi Bui, Laima Adelaide

Schnitt Editor

Marc Engenhart

Animation

Marc Engenhart

Tongestaltung Sound design

Nils Edte

Produktion Production

Duc-Thi Bui Films

Label

Predawn Records

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Duc-Thi Bui

Deutschland Germany

t@thibui.de

thibui.de

Gravity von Laima Adelaide. – Drehbuch von Laima Adelaide und Duc-Thi für ein Musikvideo, das das Musikvideo ist, designt von Marc Engenhart. Denn es geht um die Geschichte … und die Musik!

Duc-Thi Bui, geboren in Vietnam, kam als Bootsflüchtling nach Deutschland. Er studierte zunächst Architektur in Stuttgart und später Film und Drehbuch in Köln. Heute vereint er beide Abschlüsse in seinen vielseitigen Tätigkeiten als Autor, Filmemacher und Künstler.

Gravity by Laima Adelaide. – Screenplay by Laima Adelaide & Duc-Thi for a music video that is the music video, designed by Marc Engenhart. Because it’s all about the story… and the music!

Duc-Thi Bui, born in Vietnam, came to Germany as part of the boat people. He first studied architecture in Stuttgart and later film and screenwriting in Cologne. Today he combines both degrees in his multifaceted activities as an author, filmmaker, and artist.

Filmauswahl Selected works Fehlfarben: Der letzte Traum (2022), Der Plan: Fanuks: I Want To Sing Like Ella (mit with Marc Engenhart 2021, in Oberhausen 2021), Kaufmann Frust: Hinter unbewohnten Häusern (2020), Oliver Earnest: Morningfrost (2020)

In The Dark

Deutschland Germany

ein schwarz-weiß-graues visual music lichtspiel für bild und nichtbild.

Markus Wambsganns wurde 1974 in Landau geboren. Von 1998 bis 2003 studierte er Medienkunst an der Bauhaus-Universität Weimar. Von 2004 bis 2007 absolvierte er ein Postgraduiertenstudium Film an der Kunsthochschule für Medien Köln. In den Jahren 2010 und 2011 war er Meisterschüler bei Prof. Thomas Arslan an der Universität der Künste Berlin. Er lebt und arbeitet in Berlin. a black-white-grey visual music film for image and nonimage.

Markus Wambsganns was born in Landau in 1974. From 1998 to 2003 he studied media art at the Bauhaus University Weimar. From 2004 to 2007, he studied postgraduate film at the Academy of Media Arts Cologne. In 2010 and 2011 he was a master student with Prof. Thomas Arslan at the Berlin University of the Arts. He lives and works in Berlin.

Schwarzweiß Black-and-white ohne Text without text

Von By Markus Wambsganss

Musik Music

Frank Bretschneider & Giorgio Li Calzi

Produktion Production

Markus Wambsganss

Label Umor Rex

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Markus Wambsganss

Deutschland Germany

markus@kaliber16.com

kaliber16.com

Filmauswahl Selected works Opal (2017), The Exact Color Of Doubt (2013, in Oberhausen 2013), Where In This World (2008, in Oberhausen 2008), Lightning Bolts and Man Hands (2004, in Oberhausen 2005), Perpendicular/Vector (2002, in Oberhausen 2003)

La Vita

Deutschland Germany

2023

5'08"

Farbe Colour

Englisch English

Von By

Oliver Pietsch

Musik Music

Beverly Glenn-Copeland

Produktion Production

Oliver Pietsch

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Oliver Pietsch

Deutschland Germany

oliver.pietsch@posteo.de oliverpietsch.com

Der Clip beginnt mit einem Monolog aus Paul Schraders Film First Reformed, in dem ein engagierter Umweltaktivist die Klimakatastrophe und das nahende Ende beschwört. In der Folge versammelt das Musikvideo Filmmaterial von verzweifelten Menschen und setzt die Bildebene in Bezug zu dem Song La Vita des amerikanisch-kanadischen Songwriters und Filmkomponisten Beverly Glenn-Copeland.

Oliver Pietsch wurde 1972 in München geboren. Von 1996 bis 2003 studierte er an der Akademie der Bildenden Künste in München. Er lebt und arbeitet in Berlin.

The clip begins with a monologue from Paul Schrader’s film First Reformed, in which a committed environmental activist evokes the climate catastrophe and the approaching end. After this, the music video gathers film material from despairing people and puts the images in relation to the song La Vita by the US-Canadian songwriter and film composer Beverly Glenn-Copeland.

Oliver Pietsch was born in Munich in 1972. From 1996 to 2003 he studied at the Academy of Fine Arts Munich. He lives and works in Berlin.

Filmauswahl Selected works The Pure and the Damned (2021, in Oberhausen 2021), Limerence (2018, in Oberhausen 2018), Tales of Us (2014), Blood (2011, in Oberhausen 2012), From Here to Eternity (2010), Love Comes to Me (2008, in Oberhausen 2008), Because (2008, in Oberhausen 2009), The Shape of Things (2008, in Oberhausen 2009), Domin, Libra Nos (2006, in Oberhausen 2007), The Conquest of Happiness (2006), Maybe Not (2005, in Oberhausen 2006)

Lamentierendes Schwein Lamenting Pig

Deutschland Germany

2022

3'18"

Farbe Colour

Deutsch German

Regie Director

Helena Wittmann

Musik Music

Frau Kraushaar

Kamera Camera

Helena Wittmann

Schnitt Editor

Helena Wittmann

Mit With

Anaïs Renac

Produktion Production

Silvia Berger

Label

Staatsakt

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Helena Wittmann

Deutschland Germany

liebe.helena@gmail.com

helenawittmann.de

Ein Tag mit Weltschmerz.

Helena Wittmann wurde 1982 in Neuss geboren und ist eine in Hamburg lebende Filmemacherin und bildende Künstlerin. Ihre Filme, darunter ihr Debütspielfilm DRIFT und ihr aktueller Spielfilm Human Flowers of Flesh wurden international auf Filmfestivals und in Ausstellungen gezeigt und mehrfach ausgezeichnet. Neben ihren eigenen Filmen arbeitet sie als Kamerafrau für andere Filmemacher*innen und in Kollaborationen, wie mit der Musikerin und Künstlerin Nika Son.

A day with Weltschmerz.

Helena Wittmann was born 1982 in Neuss and is a filmmaker and visual artist living in Hamburg. Her films, including her feature debut DRIFT and her current feature Human Flowers of Flesh, have been screened internationally at film festivals and exhibitions and have won several awards. In addition to her own films, she works as a cinematographer for other filmmakers and in collaborations, for example with the musician and artist Nika Son.

Filmauswahl Selected works Human Flowers of Flesh (2022), Ada Kaleh (2018), Drift (2017), 21,3°C (2014), Wildnis (2013, in Oberhausen 2013)

Maschinenbauergemetzel Machine Builder Massacre

Deutschland Germany

2022 2'58"

Farbe Colour

Deutsch German

Regie Director

Julian Paul

Musik Music

Paul Sies

Kamera Camera

Julian Paul

Mit With Amelie Kriss-Heinrich

Produktion Production

Paul Sies

Label

unserallereins

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Paul Sies

Deutschland Germany

paul.m.sies@googlemail.com paulsies.com

„Clubs sind nicht scheiße, Männer machen Clubs scheiße“ – es gibt gewaltfreie Kommunikation, und es gibt Maschinenbauergemetzel. Das Video ist ein leidenschaftlicher Ausbruch, ein blutiger Kommentar zum Patriarchat, ein Fest des Überreagierens: kompromisslos, brutal, lustvoll und ambivalent. Außergewöhnlich in einem One-Take gespielt von Amelie Kriss-Heinrich.

Julian Paul wurde 1986 in Herne geboren und lebt als Fotound Filmkünstler in Berlin und Bochum. Er absolvierte einen BA in Fotodesign an der Fachhochschule Dortmund. Derzeit absolviert er einen MFA in Fotografie und einen BA in Film in Dortmund. Er arbeitet als freischaffender Fotograf mit den Schwerpunkten Porträt-, Stillleben- und Konzeptfotografie sowie als Regisseur und Kameramann bei verschiedenen Spiel- und Dokumentarfilmprojekten.

‘Clubs aren’t crap; men make clubs crap’ – there is violencefree communication, and there is Maschinenbauergemetzel. This video is a passionate outburst, a bloody commentary on patriarchy, a fest of overreaction: uncompromising, brutal, sensual and ambivalent. Played by Amelie Kriss-Heinrich in an unusual single take.

Julian Paul was born in Herne in 1986 and lives as a photo and film artist in Berlin and Bochum. He completed a BA in photo design at the University of Applied Sciences and Arts Dortmund. He is currently studying for an MFA in Photography and a BA in Film in Dortmund. He works as a freelance photographer specialising in portrait, still life and concept photography, and as a director and cameraman on various feature and documentary film projects.

Filmauswahl Selected works Juni im Februar (2023), SOG (2022), Marius Müller Westernhagen: Ich will raus hier (2022), Westpark (2022), Zustra: Walking on the Moon (2021), Dino Noir (2021), Pin Up (2013), Residential (2009)

Time Travellers

Deutschland Germany

2023

7'

Farbe Colour

ohne Text without text

Von By

Christine Gensheimer

Musik Music

The Bomb (Jaakko Eino Kalevi)

Produktion Production

Christine Gensheimer

Label JEKS viihde

Festival-Weltpremiere

Festival world premiere

Christine Gensheimer

Deutschland Germany

gensheimer.christine@gmail.com

christinegensheimer.de

Mittelalterliche Zeitreisende auf Stippvisite in der Zukunft, der sogenannten Gegenwart und der gar nicht so grauen Vorzeit treffen auf Burger, SUVs, Esoteriker und ein Mammut, um danach (Spoiler) wieder in die Vergangenheit zurückzukehren.

Christine Gensheimer wurde in Frankfurt am Main geboren und studierte Zeichnung und Illustration an der Fachhochschule Bielefeld. Sie lebt und arbeitet als freischaffende Künstlerin und Filmemacherin in ihrer Wahlheimat Bielefeld. Medieval time travellers on a short visit to the future, socalled present and not-so-grey prehistory encounter burgers, SUVs, esoterics and a mammoth before (spoiler alert) returning to the past.

Christine Gensheimer was born in Frankfurt am Main and studied drawing and illustration at the Bielefeld University of Applied Sciences. She lives and works as freelance artist and filmmaker in her adopted home of Bielefeld.

Filmauswahl Selected works Lovers of all kinds (2022, in Oberhausen 2022), The Source of the Absolute Knowledge (2021, in Oberhausen 2021), Chico Crew I (2020, in Oberhausen 2020), Musterhaus (2018, in Oberhausen 2019), Die Amsel (2014, in Oberhausen 2015), Dying in the Garden (2014, in Oberhausen 2015), Plasticbag (2013), The Old Castle (2012), Tonight Something Was at My Door (2010), Golden Phone (2008), Autokino (2007, in Oberhausen 2007)

Was du gesehen haben wirst What you will have seen

Ein performativer Poesiefilm über das, was niemand gesehen haben will. Kindische Puppen aus Papier und Tableaus, Collagen-Ästhetik, der Symbole für Krieg, Politik und Religion gegenübergestellt werden. Ideologien und Meinungen werden wie Kleidungsstücke anprobiert. Ein Gedicht über die Belagerung von Leningrad. Die Farben der Suffragetten, die Verherrlichung von Aileen Wuornos und prächtige Landschaften kombiniert mit Naziuniformen.

Katia Sophia Ditzler wurde 1992 geboren und lebt in Berlin. Sie studierte literarisches Schreiben, Ethnologie und Schattenpuppentheater in Leipzig, Kyjiw, Moskau, Yogyakarta und Berlin. Sie arbeitet interdisziplinär zwischen Text, Klang, Video, Performance und digitalen Medien. 2022 erschien ihr erstes Buch, ein multimedialer Gedichtband mit dem Titel Lieder der Dreistigkeit.

Deutschland Germany

2022

2'59"

Farbe Colour

Deutsch German

Von By

Katia Sophia Ditzler

Musik Music

Katia Sophia Ditzler

Produktion Production

Katia Sophia Ditzler

Festival-Weltpremiere Festival world premiere

Katia Sophia Ditzler

Deutschland Germany

katiasophiaditzler@gmail.com

katiasophiaditzler.com

A performative poetry film about what nobody will want to have seen. Childish paper dolls and tableaus, collage aesthetics juxtaposed with symbols of war, politics, religion. Ideologies and opinions tried on as one would try on clothes. A poem about the Leningrad siege. The colours of the suffragettes, Aileen Wuornos glorification, and glorious landscapes combined with Nazi uniforms.

Katia Sophia Ditzler was born in 1992 and lives in Berlin. She studied literary writing, ethnology and shadow puppet theatre in Leipzig, Kyiv, Moscow, Yogyakarta and Berlin. She works interdisciplinarily between text, sound, video, performance and digital media. In 2022 she published her first book, a multimedia poetry collection entitled Lieder der Dreistigkeit.

Filmauswahl Selected works Dead Water (2023), Offenbarung (2021), Visitation I-V (2020), Dass wenn wir in die Wüste gehen (2020), Tribut (2020), Trockenzeit (2019), Regenzeit (2018), Boden I (2016)

Through the Looking Glass

Was bedeutet es, wahrgenommen zu werden? Wirklich gesehen, erfasst und verstanden zu werden? In unserem digitalen Zeitalter gibt es auf diese Frage unzählige Antworten. Die Art, wie Menschen, Ideen und Dinge – sowohl physische als auch nichtphysische – interpretiert werden, ist in Millionen verschiedene Richtungen zersplittert, alle geleitet vom Versprechen neu entdeckter Möglichkeiten und Akzeptanz.

Heutzutage haben wir alle Zugang zu dem komplexen Tool der künstlichen Manipulation, der Fähigkeit, etwas so lange zu verzerren, bis jegliche ursprüngliche Bedeutung verlorengeht oder eine neue Bedeutung geschaffen wird. Was wäre, wenn wir in dieser düsteren Ära, geprägt von der Automatisierung von Geschäftsprozessen, grausamen Kriegen und unangebrachter moralischer Panik, diese invasiven Instrumente nutzen würden, um Freiheit und Mitgefühl eine Plattform zu bieten? Die diesjährige Musikvideo-Auswahl zeigt auf kühne Weise, was Kunst sein kann, wenn wir die Türen der Wahrnehmung eintreten, um die durch uns selbst geschaffenen Realitäten zu enttarnen.

Manchmal zeigen sich diese Realitäten und universellen Wahrheiten in unerwartet düsteren Gefilden. Für den Lo-FiTrap-Cut f1 racer hat die bei Warp unter Vertrag stehende Band Mount Kimbie die Kompetenzen einer ganz neuen Kollegin in Anspruch genommen: KI. Ein Kopfsprung in das unheimliche Tal, ein Video, in dem jedes verdrehte Bild eine direkte algorithmische Antwort auf ein Wort oder einen Satz im Text darstellt. Die verzerrten Gesichter strahlen eine spürbare menschliche Wärme aus, als würde den Betrachtenden vor Augen geführt, dass Schönheit subjektiv und nie weit weg ist.

Für Strangers schließen sich Danger Mouse, Black Thought, Run the Jewels und A$AP Rocky mit dem Regie-Duo UNCANNY zusammen, um ein Reel selbst gedrehter iPhoneVideos zu produzieren. Indem sie ihre Kunst buchstäblich in die eigene Hand nehmen, untersuchen sie Konzepte von Eigentum, zeitgenössische Missstände und wie wir uns online präsentieren. „Er ist in seiner Villa und zockt auf seiner XBOX / Und sieh dich an, sieh dich an, wo du bist.“

Dieser allgegenwärtige Blick wird Iris Luzs augenzwinkernden Visuals zu Dance Forever direkt gegenübergestellt. Im Video verfolgen wir die beunruhigenden Aufzeichnungen einer jungen DIY-YouTuberin, bevor es in einen Camcorder-Slasher-Film ausartet. Während die Content-Creatorin Clown-Make-up aufträgt und über ihre blutige Reise durch New-Age-Wellness vloggt, blitzen blutverschmierte TikTokTänzer*innen auf, Mohawke selbst blendet schelmisch die Audiospur von Cbat ein, seinem eigenen viralen TikTok-Hit.

What does it mean to be perceived? To be truly regarded, absorbed and understood? In our digital age, the definitions can be endless. The ways that people, ideas and things – both physical and non-physical – are interpreted have splintered into a million different directions, each guided by the promise of newfound possibility and acceptance.

Today, we all have access to the complicated tool of artificial manipulation – the ability to distort something until all original meaning is lost. Or a new one is created. In our dark era of corporate automation, gruesome warfare and misplaced moral panic, what if we used these invasive instruments to platform freedom and empathy? This year’s music video selections are a bold display of what art can be if we kick down the doors of perception to uncover the realities of our own making.

Sometimes these realities and universal truths reveal themselves in unexpectedly murky territories. For the lo-fi trap cut f1 racer, Warp signees Mount Kimbie enlist the skills of a new kind of collaborator: AI. Diving headfirst into the uncanny valley, each twisted image featured in the video is a direct algorithmic response to a word or phrase in the lyrics. There’s a palpable human warmth running through the warped faces, as if viewers are being shown that beauty is subjective, and never far.

On Strangers, Danger Mouse, Black Thought, Run the Jewels and A$AP Rocky link up with UNCANNY to make a reel of self-shot iPhone videos. Literally taking their art into their own hands, they examine concepts of ownership, contemporary ills and how we present online. ‘He is in his mansion, playin’ his XBOX/ And look at you, look at where you are.’

This pervasive gaze is confronted head-on in Iris Luz’s tongue-in-cheek visuals for Dance Forever, which follow the unsettling record of a young DIY YouTuber, before descending into a camcorder slasher film. As the content creator applies clown make-up and vlogs her gory journey through new-age wellness, flashes of bloodied TikTok dancers beam past, Mohawke himself puckishly fading in the audio for Cbat, his own viral hit on the app.

These videos play out as self-aware meditations on social media, appearances, and how people tend to reveal only certain pieces of themselves in public life. But they’re also an exercise in world-building and self-determination; proof that performance can be the greatest expression of autonomy. On the other hand, the video for Le Couloir du Soir for Leipzig post-punks Maraudeur does away with self-image entirely. A stop-motion animated character sits in their tiny studio,

Diese Videos sind selbstbewusste Meditationen über Social Media, Äußerlichkeiten und darüber, wie Menschen dazu neigen, öffentlich nur bestimmte Teile von sich preiszugeben. Sie üben sich aber auch in Weltenbau und Selbstbestimmung; ein Beweis dafür, dass Performance der beste Ausdruck von Autonomie sein kann. Das Video zu Le Couloir du Soir der Leipziger Postpunks Maraudeur verzichtet dagegen gänzlich auf ein Selbstbild. Eine in Stop-Motion animierte Figur sitzt in ihrem winzigen Studio, kocht Abendessen und liest online eine schlechte Nachricht nach der anderen. Das ist die Art von gesichtslosem Grauen, mit dem sich alle identifizieren können.

Manchmal zeigen sich diese abstrakten Konzepte in konkreteren, realeren Begriffen. „Bin ich Schwarz oder weiß, bin ich hetero oder schwul? / Die Leute nennen mich unhöflich, ich wünschte, wir wären alle nackt / Ich wünschte, es gäbe kein Schwarz und weiß / Ich wünschte, es gäbe keine Regeln“, lautet der erste Refrain von COMMANDOs Prince, einem berührenden Spoken-Word-Stück, das die persönliche Reise eines Prince-Fans nachzeichnet. Biracial und queere Paare, Genderfuckers, der Schrecken der AIDS-Krise: COMMANDO und Regiesseur Daniel Foerste drehen das Narrativ um und vermenschlichen diejenigen, die in der Gesellschaft als Sonderlinge wahrgenommen und gesellschaftlich sowie politisch immer wieder systematisch im Stich gelassen werden. Mit diesem Blickwinkel entdecken wir die Freude an der radikalen Liebe und den existenziellen Trost durch lebensbejahende Musik.

Der aus Compton stammende Rapper und Songwriter Kendrick Lamar wird jedoch von der Macht der Selbstwahrnehmung getragen. Wie sehen wir uns selbst und unsere Kunst, wenn wir sie laut aussprechen? Wie können wir unsere innersten Gedanken und Gefühle ehrlich zum Ausdruck bringen, ohne Angst zu haben, missverstanden zu werden? In dem bewegenden Video zu Count Me Out, in dem auch die visionäre Helen Mirren mitspielt, versucht Lamar, diese Fragen anhand der Beziehung zwischen Therapeutin und Patient zu beantworten. Zu trägen Gitarrenklängen und schwermütigem Hintergrundgesang zeichnet er ein Bild seines farbenfrohen und gequälten Innenlebens, indem er Schichten von sich selbst abblättert, bis er den Kern freilegt. „Ich mache mir zu viele Gedanken, möchte zu viel teilen / Bin zu sehr in meinem Kopf, verschließe mich auch / Ich bin oft nicht richtig da, ich bin eine komplexe Seele.“

Diese Komplexität ist die Essenz der menschlichen Erfahrung mit Musik und Kultur sowie mit lebhaften Gefühlswelten, die diese bahnbrechenden Künstler*innen einfangen. Nur indem wir die Grenzen der Wahrnehmung überschreiten, gelangen wir zu vollkommener Kunst. Beim Erzählen dieser visuellen Geschichten, beflügelt von Mitgefühl und Fantasie, wird eine Botschaft deutlich: Radikale Kreativität wird die Welt retten.

Rachel Grace Almeida

Rachel Grace Almeida ist eine venezolanische Autorin, Redakteurin und Musikkuratorin, die derzeit in Berlin lebt. Sie ist stellvertretende Herausgeberin des Crack Magazine und DJ bei NTS Radio.

makes dinner and doomscrolls the miserable news. This is the kind of faceless dread everyone can relate to.

Sometimes these abstract concepts appear in more concrete, real-world terms. ‘Am I black or white, am I straight or gay? / People call me rude, I wish we all were nude / I wish there was no black and white / I wish there were no rules’ goes the opening refrain of COMMANDO’s Prince, an affecting spoken-word piece that follows the personal journey of a Prince fan. Biracial queer couples, genderfuckers, the horrors of the AIDS crisis; COMMANDO and the director Daniel Foerste flip the narrative, humanising those who are perceived as society’s misfits, those who are systematically failed socially and politically, time and again. Through this lens, we discover the joy of radical love and the existential comforts of life-affirming music.

Compton rap auteur Kendrick Lamar, however, is sustained by the power of self-perception. How do we view ourselves, and our art, when we’re speaking it out loud? How do we genuinely express our innermost thoughts and feelings without fear of being misunderstood? In the moving video for Count Me Out, which stars fellow visionary Dame Helen Mirren, Lamar attempts to answer these questions through a therapist-patient relationship. Over languid guitar strums and mournful backing vocals, Lamar paints a picture of his colourful and anguished interiority, peeling back layers of himself until he reaches the raw core. ‘I care too much, wanna share too much / In my head too much, I shut down too / I ain’t there too much, I’m a complex soul.’

This complexity is the essence of the human experience. Of music and culture, and the vivid emotional worlds captured by these trailblazing artists. Only by pushing past the limitations of perception is can we accomplish total art. In telling these visual stories, fuelled by compassion and imagination, one message becomes clear: radical creativity will save the world.

Rachel Grace Almeida

Rachel Grace Almeida is a Venezuelan writer, editor and music curator currently living in Berlin. She is Deputy Editor of Crack Magazine and a resident DJ on NTS Radio.

Strangers

USA 2022

4', Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English

Regie Director UNCANNY, Musik Music Danger Mouse & Black Thought ft. A$AP Rocky & Run The Jewels, Label BMG

Black Thought, A$AP Rocky, El-P und Killer Mike filmen sich selbst mit einem iPhone im Portraitmodus und reflektieren gesellschaftliche Zustände, Leben im Online-Modus. UNCANNY – George Muncey und Elliott Elder – hat für die „Selfies“ eine spezielle Vorrichtung an das iPhone angeschlossen, einfach wie effektiv.

Black Thought, A$AP Rocky, El-P and Killer Mike film themselves with an iPhone in portrait mode and reflect social conditions, life in online mode. UNCANNY – George Muncey and Elliott Elder – connected a special device to the iPhone for the ‘selfies’, simple as effective.

Philip

Niederlande Netherlands 2022

4'25", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Mitchel van Dinther, Musik Music Jameszoo, Produktion Production Mitchel van Dinther, Label Brainfeeder

Der niederländische Maler Philip Akkerman konzentriert sich auf ein einziges Projekt: das Selbstporträt. Seit 1981 hat Philip mehr als 10.000 Selbstporträts gezeichnet bzw. gemalt. „Was ich male, ist unsere Fähigkeit, als Menschen über Existenz nachzudenken“, sagt er. Mitchel van Dinther aka Jameszoo schuf ein rasantes Video mit Akkerman-Porträts aus den frühen 1980er-Jahren bis in die Gegenwart.

Dutch painter Philip Akkerman focusses on one sole subject: the self-portrait. Since 1981, Philip has drawn and painted more than 10,000 self-portraits. ‘What I paint is our ability as human beings to contemplate existence,’ he says. Mitchel van Dinther aka Jameszoo has created a fast-paced video with Akkerman portraits range all the way from the early 1980s up to now.

Prince USA 2022

5'09", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Daniel Foerste, Musik Music COMMANDO, Produktion Production The Living Earth Show, COMMANDO, Label Kill Rock Stars

Wir erwachen wie nach einem Todesfall in der Familie. „Oh, es regnet und der Welt fehlt immer noch das Stück, das aus ihr in seiner Form herausgeschnitten wurde.“ Wo ist meine Prince-Sammlung hin? Sie wurde abtransportiert, als ich in den 80ern so richtig verkackt hatte und mein Zeug von genervten Freundinnen auf die Straße geworfen wurde. Die Sammlung wurde nie ersetzt, denn er war immer da, im Radio, seine zierlichen Arme um mich gelegt. Wieso bin ich nie zu einem Prince-Konzert gegangen? Es gab immer wieder eine After-Party in der DNA Lounge, während ich die Leute herumfuhr, die ins Auto stiegen und sagten: „Ich habe ihn gesehen!“ Eines Tages kommt der Tod zu uns und wir werden nie sein kleines, privates Vergnügen gewesen sein, aber er unseres, und das wird genug sein.

We wake up like after a death in the family, ‘Oh. it’s raining and the world still has this piece cut out of it in the shape of him.’ Where did my Prince collection go? It was carted away when I fucked up in the ’80s and my shit got thrown in the street by annoyed girlfriends and never replaced cuz he was always there, on the radio, his fine arms around me. How did I never go to a Prince show? It was always an after party at the DNA while I was driving people around and they would get in the car and say, ‘I saw him!’ Death will come for us one day and we will never have been his little private joy, but he will have been ours and that will be enough.

Dance Forever

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

5'37", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Iris Luz, Musik Music Hudson Mohawke, Produktion Production Tilly Price, Label Warp Records

Eine aufstrebende Beauty-Vloggerin namens Sarah Grace wird in ihrem Streben nach Optimierung ihres Körpers und Anerkennung online zunehmend wahnsinnig. Als Opfer einer hirnfressenden Amöbe, ausgelöst durch die vom „Liver King“ inspirierte Rohkostdiät, erlebt Sarah Grace eine Interpretation von Dantes Inferno des 21. Jahrhunderts, voller tanzender Bodybuilder, einem breakdancenden, maskierten Mörder und ihrer sanftmütigen, besten Freundin Millie Windsor, die ein trauriges, aber virales Schicksal ereilt. Der Song und das Video sind im Stil eines Mr. Beast-Videos geschnitten und sind ein Spiegel der heutigen ADHS-Epidemie und unseres ständigen Verlangens nach neuem schockierenden Content.

A budding beauty vlogger named Sarah Grace descends into madness, in her pursuit of physical betterment and online validation. The victim of a braineating amoeba, triggered by her raw ‘Liver King’ inspired diet, Sarah Grace experiences a 21st century interpretation of Dante’s Inferno, filled with dancing bodybuilders, a break-dancing masked murderer, and her meek vlogger best friend Millie Windsor, who meets a sad but viral fate. All edited in the style of a Mr. Beast video, the song and video echo the ADHD epidemic of today and our constant need for new shock-inducing content.

I’m Tight

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

7', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Louis Cole, Musik Music Louis Cole, Produktion Production Louis Cole, Label Brainfeeder

Was ist dein liebster Tanz-Move? Vielleicht stehst du auf die Einfachheit der „RIDLEY SCOTTZ“ oder mehr auf die kinetischere Variante, die „STEPPIN’ RIDLEYZ“. Oder vielleicht bist du mehr der konzeptionelle „HEIMLICHZ“-Typ. Louise Cole and seine Crew habe sie alle auf Lager. What’s your favourite dance move? Perhaps you’re partial to the simplicity of the ‘RIDLEY SCOTTZ’, or its more kinetic variation, the ‘STEPPIN’ RIDLEYZ’. Or maybe you’re more of a conceptual ‘HEIMLICHZ’ type. Louise Cole and his crew have them all.

Create A Lifestyle Around Your Problems

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022 4'50", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director William Markarian-Martin, Musik Music Richie Culver, Produktion Production William Markarian-Martin, PARTICIPANT, Label REIF

William Markarian-Martin filmt den ikonoklastischen Außenseiter-Künstler Richie Culver im Haus seiner Mutter in der Nähe von Hull, als dieser seine Heimatstadt besucht, in der er als junger Erwachsener lebte und der er immer entkommen wollte. Gedreht mit einer schonungslosen sowie ergreifenden Verbindung von grauer Nostalgie und sanfter Katharsis beschwört Create a Lifestyle Around Your Problems seine Vergangenheit herauf, die vom Regen, von persönlichen Kämpfen und der Tory-Sparpolitik erschüttert wurde.

William Markarian-Martin captures iconoclast outsider artist Richie Culver in his mother’s house near Hull, revisiting the home town he spent his entire young adult life trying to escape. Captured with an unflinching and poignant fusion of grey nostalgia and tender catharsis, Create A Lifestyle Around Your Problems evokes a past battered by the rain, shaken by personal struggle and ransacked by Tory austerity.

The Girl Is Crying In Her Latte

USA 2023

3', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Ron Mael, Russell Mael, Richie Starzec, Musik Music

The Sparks, Produktion Production Sue Harris, Label Island Records

In diesem One-Shot-Video wird Cate Blanchett von Ron Mael und Russell Mael von der Band Sparks flankiert. Durchweg unaufgeregt und ausdruckslos sind ihre Bewegungen eine direkte Reaktion auf die Gefühle und Musikalität des Tracks.

Cate Blanchett is flanked by Sparks’ Ron Mael and Russell Mael for this oneshot video. Deadpan and expressionless throughout, her movement is a direct reaction to the emotions and musicality of the track.

Thin Thing

Chile 2022

4'38", Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English

Regie Director Cristóbal León, Joaquín Cociña, Musik Music The Smile, Produktion Production Diluvio, Pista B, Label XL Recordings

Thin Thing kombiniert frenetische, durch Maschinen strömende Flüssigkeiten, menschliche Körperteile und das Pflanzenreich mit einem Traum, den Thom Yorke dazu veranlasste, diesen Song zu schreiben. Yorke ist Teil von The Smile, die anderen Mitglieder sind Jonny Greenwood und Tom Skinner.

Thin Thing combines frenetic fluids flowing through machines, bits of human bodies and the plant kingdom with a dream Thom Yorke had that made him write the song. Yorke is member of The Smile, together with Jonny Greenwood and Tom Skinner.

Three Minutes to Midnight

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

2'54", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Mike Skinner, Musik Music The Streets ft. Manga St Hilare, Produktion Production Mike Skinner, Label Universal Music

Three Minutes to Midnight, mit Grime-Künstler Manga Saint Hilare, ist getrieben von einem pulsierenden Beat, der die drohende Angst vor den nihilistischen, dystopischen Themen des Tracks widerspiegelt. Skinner führt gewohnt pragmatisch wie effektiv durch die britische Szenerie.

Three Minutes to Midnight, which features grime artist Manga Saint Hilare, is driven by a pulsing beat that mirrors the imminent anxiety of the track’s nihilistic, dystopian themes. Skinner leads through the British scenery in his usual pragmatic and effective manner.

f1 racer

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

2'26", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Duncan Loudon, Musik Music Mount Kimbie & Dom Maker ft. Kučka, Produktion Production Dom Maker, Label Warp Records

Alle Bilder wurden von einer KI erstellt. Jedes Bild ist die Antwort der KI auf ein vorgegebenes Wort oder einen Satz, die rechts im Video zu sehen sind. Duncan Loudon gießt das Ganze in eine ästhetische Form.

All the images were produced by an AI system. Each image is the response of the AI to a word or a sentence that can be seen at the right in the video. Duncan Loudon moulds it all into an aesthetic form.

Count Me Out

USA 2022

3'26", Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Englisch English

Regie Director Kendrick Lamar, Dave Free, Musik Music Kendrick Lamar, Produktion Production pgLang, project3, Label Interscope, Top Dawg Kendrick Lamar in einer Therapiesitzung mit der Schauspielerin Helen Mirren, die seine Therapeutin spielt. Das Video beginnt mitten in der Sitzung mit einer von Lamar erzählten Anekdote, ehe der Musiker sein Herz ausschüttet, begleitet von einer visuellen Collage.

Kendrick Lamar in a therapy session with actress Helen Mirren playing his therapist. The video starts in the middle of a session with an anecdote told by Lamar before the musician unloads his feelings with an accompanying visual collage.

south florida sky

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

7'24", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Laila Majid & Louis Blue Newby, Musik Music Jennifer Walton, Dan S. Evans, Produktion Production Laila Majid & Louis Blue Newby, Jennifer Walton, Dan S. Evans, Alice Bloomfield south florida sky stellt sich die Comicfigur Swamp Thing in ihrer physischen Form vor, flüssig gemacht, verwoben mit dem biologisch vielfältigen Raum des Sumpfes. Das Werk reanimiert eine Comicwelt, indem es dem handgezeichneten Kontext Tribut zollt und die Figur aus queerer Perspektive auseinandernimmt. Dieser Prozess der Disidentifikation stellt sowohl den Sumpf als auch den Körper als einen Ort radikaler Interkonnektivität dar. Das Werk verkörpert José Esteban Muñoz’ Forderung nach utopischer Performativität: „eine Beschwörung von Zukunft und Vergangenheit, um die Gegenwart zu kritisieren“.

south florida sky imagines the comic hero Swamp Thing, present in it’s physical form; rendered fluid, enmeshed within the biologically diverse space of the swamp. The work reanimates a comic frame, paying homage to the handdrawn context and providing a queered unravelling of the character. This process of disidentification portrays both the swamp and the body as a site of radical interconnectivity. The work embodies José Esteban Muñoz’s call for utopian performativity: ‘a conjuring of both future and past to critique presentness.’

Crazy USA 2022

3'12", Farbe Colour, Englisch English Regie Director C Prinz, Musik Music Doechii, Produktion Production Field Trip Media, Label Top Dawg Entertainment

Dieser Film ist eine ausgedehnte Metapher, welche die Schwierigkeiten zeigt, mit denen Frauen auf ihrem Weg zur Macht konfrontiert werden. Er fordert das Publikum heraus, sich stigmatisierende Bildsprache anzusehen und über den ersten Eindruck hinaus die weibliche Form nicht in Momenten der Sexualität zu sehen, sondern in Momenten der Wahrheit, der Intensität und der Macht; eine Frau, die eine Waffe führt; eine Frau, die lebendige, aufrichtige Emotionen ausdrückt.

This film is an expansive metaphor embodying the hardships women go through in their ascension to power. It’s a piece that challenges the viewer to look at stigmatised imagery and asks them to see beyond their first impression, to see the female form not in moments of sexuality but instead in moments of truth, intensity and power; to see a woman wielding a gun; to see a woman express vivid, honest emotions.

Le couloir du soir

Schweiz Switzerland 2022

1'44", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Charlotte Mermoud, Céline Ducret, Musik Music Maraudeur, Label Feel It

In ihrem winzigem Wohnraum liest eine junge Frau einen Artikel, der sie auf eigenartige Weise beeinflusst.

In her tiny living space, a young woman reads an article that affects her in a strange way.

Nice Idea

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2023

3', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Kwake Bass, Musik Music Kae Tempest, Produktion Production The Room Studios X Love wins X Dem 1ns, Label Republic Records

Ein Song über den Wunsch mit der Person, die man liebt, den ganzen Tag im Bett zu bleiben und die ganze Welt dabei außen vor zu lassen. Das Video wurde in einem Park in South East London, wo Kae Tempest aufwuchs, von Kaes Kindheitsfreund Kwake Bass gedreht; Tempest liefert eine souveräne wie warmherzige Performance.

A song about wanting to stay in bed all day with the person you’re in love with, and shut the whole world out. Shot outside in a park in their native South East London by Kae’s childhood friend Kwake Bass, Tempest is delivering a confident, warm-hearted song performance.

Preis: Zur Rettung der Popkultur 25 years MuVi Award: Saving pop culture

„Die Kurzfilmtage zeigen die Clips in einem neuen Kontext, der ihre künstlerische Qualität wahrnehmen lässt und dem unmittelbaren Werbe- und Verwertungsinteresse entzogen ist. So werden die Clips aus ihrem vertrauten Zusammenhang des Musikfernsehens gerissen und in den unerwarteten Zusammenhang der unterschiedlichen Genres, Formate und künstlerischen Absichten gestellt, die sich auf einem Festival darstellen.“ – Ein Auszug aus dem Katalogtext von Festivalleiter Lars Henrik Gass zur Einführung des weltweit ersten Festivalpreises für Musikvideos 1999. Das Musikfernsehen starb bereits wenige Jahre später, erst nach einer orientierungslosen Phase wurde das Musikvideo im Internet wiedergeboren, ohne ästhetische oder inhaltliche Vorgaben des Musikfernsehens. Clips werden heute fast ausschließlich im Internet präsentiert, Filmfestivals sind die Ausnahme. Der MuVi-Preis hat sich im Laufe der Jahre zu einem eigenen Format entwickelt und eigene Persönlichkeiten hervorgebracht. Nirgends sonst kann man Musikvideos auf großer Leinwand sehen. 25 Jahre MuVi-Preis sind daher für uns Anlass für eine Bestandsaufnahme: Wie hat sich das Musikvideo in Deutschland entwickelt? Welche Bedeutung hat es noch? Wo und wie wird es rezipiert? Und wie wird es sich weiter entwickeln? Diese und andere Fragen diskutieren wir mit Wegbegleiter*innen des MuVi-Preises.

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‘The Short Film Festival shows the clips in a new setting that allows their artistic quality to be perceived and is free of any direct interest in advertising or commerce. The clips are torn from their familiar context of music television and thrown into the unexpected context of the different genres, formats and artistic objectives represented at a festival.’ – An extract from the catalogue text by festival director Lars Henrik Gass on the introduction of the first festival award for music videos in the world in 1999. Music television died just a few years later; the music video was reborn on the internet only after a phase of disorientation – without any prescriptions from music television as to aesthetics or content. Today, clips are presented almost solely on the internet; film festivals are the exception. Over the years, the MuVi Award has developed into its own format and produced its own personalities. Nowhere else can you watch music videos on the big screen. The 25th anniversary of the MuVi Award is thus an occasion for us to take stock: How has music video in Germany developed? What significance does it still have? Where and how is it viewed? And how will it develop further? We discuss this and other questions with people who have accompanied the MuVi Award on its journey.

Teilnehmende

Myriam Brüger, 1993 in einer Hamburger Kneipe für die Plattenfirma L’Age D’Or rekrutiert, arbeitete in Folge vornehmlich als PR- und Produktmanagerin für viele Hamburger Musikgruppen und strickte an dem Phänomen „Hamburg Schule“. Nach deren Ende war sie Regieassistentin an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz und ist seit 2013 als Product Coordination Manager digital bei Universal Music. Thomas Venker ist Mitherausgeber und Co-Chefredakteur des Kaput-Magazin für Insolvenz & Pop. Bevor er 2014 Kaput gründete, war er 14 Jahre lang Chefredakteur des Intro Magazins. Er schreibt regelmäßig für ein Portfolio von Zeitschriften und Tageszeitungen, moderiert Panels und Symposien für kulturelle Einrichtungen, unterhält das Kunst-Schallplatten-Label Edition Fieber und gehört zum kuratorischen Team der Monheim Triennale. Neben seiner journalistischen Arbeit lehrt er Musikjournalismus und Künstlermarketing an mehreren deutschen Universitäten, unter anderem am Institut für Pop-Musik der Folkwang Universität der Künste.

UWE wurde 1980 geboren und ist Musiker und Regisseur aus Hamburg. Als Produzent, Livemusiker und Komponist arbeitet er mit Künstlern wie Deichkind, 2raumwohnung oder Buddy Buxbaum. Seit 2012 ist er auch als Regisseur tätig, insbesondere im Bereich Musikvideo.

Timo Schierhorn wurde 1979 in Winsen/Luhe, Deutschland, geboren. Er ist Videokünstler und Filmemacher.

UWE und Timo Schierhorn sind Teil von AUGE ALTONA, einer Gruppe Filmemacher mit Sitz in Hamburg. Ihre Zusammenarbeit mit der deutschen Band Deichkind hat ihnen viel Aufmerksamkeit geschenkt. Seit 2011 kreieren sie das gesamte visuelle Artwork der Band.

Moderation

Für die Hamburger Musikjournalistin Liz Remter stand schon früh fest, dass sie in ihrem Leben auf die eine oder andere Art etwas mit Musik machen wird. Nach einem kurzen Abstecher ins Praktische, vertiefte sie ihr musikalisches Wissen durch das Studium der Systematischen Musikwissenschaft. Seit 2020 ist sie für den musikjournalistischen Radiosender ByteFM tätig und verknüpft dort unter anderem Kunstwerke mit Musik.

Participants

Myriam Brüger, recruited for the record company L’Age D’Or in a Hamburg pub in 1993, subsequently worked primarily as a PR and product manager for many Hamburg music groups and knitted together the ‘Hamburg Schule’ phenomenon. After it ended, she was assistant director at the Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz and has been Product Coordination Manager digital at Universal Music since 2013.

Thomas Venker is the co-publisher and co-editor-in-chief of Kaput – Magazine for Bankruptcy & Pop. Before he founded Kaput in 2014, he was the editor-in-chief of Intro Magazin for 14 years. He writes regularly for a number of magazines and dailies, moderates panels and symposiums for cultural institutions, maintains the art record label Edition Fieber and is part of the curatorial team for the Monheim Triennale. Alongside his journalistic work, he teaches music journalism and artist marketing at several German universities, including the Institute for Pop Music at the Folkwang University of the Arts. UWE was born in 1980 and is a musician and director from Hamburg. As a producer, live musician and composer, he works with artists such as Deichkind, 2raumwohnung and Buddy Buxbaum. Since 2012 he has also been working as a director, especially in the field of music videos.

Timo Schierhorn was born in Winsen/Luhe, Germany, in 1979. He is a video artist and filmmaker.

UWE and Timo Schierhorn are part of AUGE ALTONA, a group of filmmakers based in Hamburg. Especially their liason with german group Deichkind has earned them a lot of attention. Since 2011 they exclusively create all visual content for the band.

Moderation

For the Hamburg music journalist Liz Remter, it was clear early on that she would do something music-related in her life. After a short excursion into the practical field, she deepened her musical knowledge by studying systematic musicology. Since 2020, she has worked for the music journalism broadcaster ByteFM, among other things connecting artworks with music.

Ein Viertel Jahrhundert deutscher Musikvideogeschichte: Der MuVi-Preis für das beste deutsche Musikvideo wird in diesem Jahr 25 Jahre alt. Die Kurzfilmtage feiern das Jubiläum mit einer Retrospektive aller ersten Preise seit 1999. 29 Arbeiten zeigen die formale Bandbreite der vielfältigen künstlerischen Ansätze.

A quarter century of German music video history: The MuVi Award for the best German music video turns 25 this year. The Short Film Festival celebrates the anniversary with a retrospective of all the first prizes since 1999. 29 works show the formal range of the diverse artistic approaches.

Star Escalator (Sensorama)

Deutschland Germany 1998, 4'20"

Regie Director Oliver Husain, Michel Klöfkorn

Prowler (Bohren & der Club of Gore)

Deutschland Germany 1999, 3' Regie Director Mark Sikora

Der Mond (Rocko Schamoni)

Deutschland Germany 1999, 4' Regie Director Svenja Rossa

Why (Donna Regina)

Deutschland Germany 2000, 4' Regie Director Graw/Böckler

Take me to Broadway (Gonzales)

Deutschland Germany 2001, 4' Regie Director Nina Rhode

It Never Was You (Thomas Brinkmann)

Deutschland Germany 2003, 4' Regie Director Sandeep Mehta

Perpendicular/Vector (Anti-Pop Consortium)

Deutschland Germany 2002, 4'30" Regie Director Markus Wambsganss

Let’s Push Things Forward (The Streets)

Deutschland Germany 2004, 3'30"

Regie Director Martin Sulzer, Andi Triendl, Julia Weiger

The Zoo (Funkstörung)

Deutschland Germany 2004, 1' Regie Director Zeitguised

It’s All Blooming Now Mt. Heart Attack (Liars)

Deutschland Germany 2006, 3' Regie Director Markus Wambsganss

Black Lead (Death in Vegas)

Deutschland Germany 2006, 7' Regie Director Corine Stübi

Domin, libra nos (The Space Lady)

Deutschland Germany 2006, 4' Regie Director Oliver Pietsch

Ich bin der Stricherjunge (Stereo Total)

Deutschland Germany 2007, 2' Regie Director Simone Gilges

Pasajeros peregrinos pilotos (Porter Ricks)

Deutschland Germany 2008, 3' Regie Director Thomas Köner

Lightning Strikes (Felix Kubin)

Deutschland Germany 2009, 4' Regie Director Sönke Held

One Minute Soundsculpture (Ryoji Ikeda)

Deutschland Germany 2010, 1' Regie Director Daniel Franke

uni acronym (alva noto ft. Anne-James Chaton)

Deutschland Germany 2011, 6'30"

Regie Director Carsten Nicolai

Therapeutikon (The Schwarzenbach)

Deutschland Germany 2012, 5'30" Regie Director Heike Aumüller

Palimpsest (Smog)

Deutschland Germany 2012, 6'30" Regie Director Željko Vidović

Moth Race (Kreidler)

Deutschland Germany 2013, 4' Regie Director Heinz Emigholz

Der Investor (Die Goldenen Zitronen)

Deutschland Germany 2013, 4' Regie Director Timo Schierhorn, Ted Gaier, Katharina Duve

Lost and Found (Mouse on Mars & Eric D. Clark)

Deutschland Germany 2014, 4' Regie Director Klaus Lemke

All Day (Drunken Masters feat. Tropkillaz)

Deutschland Germany 2015, 4' Regie Director Andreas Hofstetter

Second Chance Man (Tindersticks)

Deutschland, Frankreich Germany, France 2016, 4'30" Regie Director Christoph Girardet

Limerence (Yves Tumor)

Deutschland Germany 2018, 5'32" Regie Director Oliver Pietsch

Trying to forget you (Aérea Negrot)

Deutschland Germany 2019, 7'56" Regie Director Simon(e) Jaikiriuma Paetau, Aérea Negrot

Eurydike (Kreidler)

Deutschland Germany 2020, 4' Regie Director Andreas Reihse, Zaza Rusadze

Junge Milliardäre (UWE)

Deutschland Germany 2020, 4'30"

Regie Director UWE

Flourish (Lotic)

Deutschland Germany 2021, 3'30" Regie Director Julia Crescitelli

Against Gravity. The Art of Machinima.

Thema Theme

Kuratiert von Curated by

Vladimir Nadein, geboren 1993 in Moskau, ist ein in Taipei, Taiwan, lebender Kurator, Künstler und Filmproduzent. Seine Arbeiten wurden in der Einzelausstellung Deep Play, im VT Artsalon und auf der Greater Taipei Biennale gezeigt. Er produzierte den preisgekrönten Film Detours, gefördert vom Hubert Bals Fund, der beim Les Arcs Filmfestival mit dem Eurimages Lab Project Award ausgezeichnet wurde und unter anderem bei der Woche der Kritik in Venedig, der Viennale, beim Thessaloniki Filmfestival, der Woche der Kritik in Berlin, FICUNAM, Jeonju Filmfestival, IndieLisboa, Beldocs, FILMADRID, Camden Filmfestival, TFAI und im Barbican Centre gezeigt wurde. 2016 war Nadein Mitbegründer des Moscow International Experimental Film Festival, das er fünf Ausgaben lang leitete. Er kuratierte unter anderem Filmprogramme für die 17. Architekturbiennale Venedig, das Hamburger Kurzfilmfestival, die Moscow International Biennale for Young Art, das Garage Museum und die University of California. Nadein lehrte an der Moscow School of New Cinema und ist Teil eines Regieduos mit Dina Karaman.

Dmitry Frolov, geboren 1988 in Kaliningrad, ist ein in Izmir, Türkei, lebender Kunst- und Filmkurator und -wissenschaftler. Er hat einen BA in Cultural Studies der Russian State University for the Humanities und einen MA in Film Programming and Curating der Birkbeck, University of London. Er kuratierte eine Reihe von Filmprogrammen, Diskussionen, Performances und Ausstellungen zu Künstler*innen wie Maya Deren, Chris Marker, Tony Conrad, Vladimir Kobrin, Yoko Ono, Michael Snow, Annabel Nicholson, James Benning, Alain Cavalier, Aura Satz, Cao Fei, Ana Vaz, Cyprien Gallard und anderen. Seine Texte sind unter anderem in Iskusstvo Kino, Spectate, Colta.ru, Syg.ma erschienen. Seit 2017 arbeitet er als Kurator für das Moscow International Experimental Film Festival (MIEFF), außerdem ist er aktuell Filmkurator des Pushkin House in London.

Vladimir Nadein, born 1993 in Moscow, is a curator, artist and film producer based in Taipei, Taiwan. His works were presented at the solo exhibition Deep Play, VT Artsalon and Greater Taipei Biennale. He produced an award-winning film, Detours, supported by Hubert Bals Fund, received the Eurimages Lab Project Award at Les Arcs Film Festival and was shown at Venice Critics’ Week, Viennale, Thessaloniki IFF, Berlin Critics’ Week, FICUNAM, Jeonju IFF, IndieLisboa, Beldocs, FILMADRID, Camden IFF, TFAI, Barbican Centre, among others. In 2016, Nadein co-founded the Moscow International Experimental Film Festival and directed it for five editions. He curated special programmes and screenings for the 17th Venice Architecture Biennale, Hamburg Short Film Festival, Moscow International Biennale for Young Art, Garage Museum, University of California, Los Angeles and other venues. Nadein tutored at the Moscow School of New Cinema and is a member of a filmmaking duo together with Dina Karaman.

Dmitry Frolov, born 1988 in Kaliningrad, is an art and film curator and researcher based in Izmir, Turkey. He holds a BA in Cultural Studies from the Russian State University for the Humanities and an MA in Film Programming and Curating from Birkbeck, University of London. He has curated a variety of screenings, panels, performances and exhibitions dedicated to such artists as Maya Deren, Chris Marker, Tony Conrad, Vladimir Kobrin, Yoko Ono, Michael Snow, Annabel Nicholson, James Benning, Alain Cavalier, Aura Satz, Cao Fei, Ana Vaz, Cyprien Gaillard, etc. His texts have been published in Iskusstvo Kino, Spectate, Colta.ru, Syg.ma and other media. Since 2017, he has been working as a curator at the Moscow International Experimental Film Festival (MIEFF). Currently, he is also working as a film curator at Pushkin House, London.

Mit besonderem Dank an With special thanks to

Milan Machinima Festival

Matteo Bittanti

Gemma Fantacci

Luca Miranda

Riccardo Retez

And Now For Something

Completely Machinima Podcast

Ricky Grove

Tracy Harwood

Phil Rice

Damien Valentine

Hava Aldouby

Isabelle Arvers

Théo Déliyannis

Alexander R. Galloway

Ben Grussi

Kara Güt

Jamie Janković

Henry Lowood

Stefano Miraglia

Jenna Ng

Michael Nitsche

Ippolito Pestellini Laparelli

The Internet Archive

Wir danken allen Verleihen und Filmemacher*innen für ihre freundliche Unterstützung.

We would like to thank all the distributors and filmmakers for their kind support.

Against Gravity. The Art of Machinima.

Für diese Filme braucht man keine Schauspielerinnen, Set-Designer, Kameraleute, CateringServices, Lichttechnikerinnen oder Key Grips. Sie können von einer Person am Computer gemacht werden. Das ist revolutionär.

— Roger Ebert

Machinima, ein schwer zu fassendes und dynamisches Medienphänomen, setzt sich zusammen aus den Begriffen „machine“, „animation“ und „cinema“ und gilt allgemein als eine Form des Filmemachens, bei der Videospiele oder Game-Engines zur Erstellung von Animationsfilmen verwendet werden. Das Genre kam Ende der 1990er-Jahre auf, gewann Anfang der 2000er an Popularität und entwickelte sich im Laufe der Jahre von einer Hobbybeschäftigung zu einer legitimen Kunstform. Mittlerweile wird Machinima für Werbespots, Musikvideos und sogar für Filme in Spielfilmlänge oder auch beliebte Fernsehserien verwendet. Als ergiebige Mischung zwischen verschiedenen Formen – unter anderem Film, Videospiel, Performance, Puppenspiel – entwickelte es sich auch zu einer bedeutenden Form von künstlerischem Bewegtbild, die schon von Natur aus multidisziplinär ist. Doch auch wenn es Machinima bereits seit fast 30 Jahren gibt, erobert sich das Genre erst allmählich seinen Platz auf den großen Filmfestivals. Against Gravity erhebt nicht den Anspruch, einen umfassenden Überblick über Machinima zu liefern, sondern möchte vielmehr dessen interessanteste Aspekte, wie sie von Künstler*innen bevorzugt erkundet und entwickelt werden, hervorheben.

Inspiriert wurden Titel und Kern des diesjährigen Themenprogramms von dem amerikanischen Avantgarde-Filmemacher Phil Solomon. Solomon, der ohne jede Erfahrung mit

These movies do not require actors, set designers, cinematographers, caterers, best boys, or key grips. They can be made by one person sitting at a computer. This is revolutionary.

— Roger Ebert

Being a very evasive and dynamic media phenomenon, machinima is a portmanteau of ‘machine’, ‘animation’ and ‘cinema’ and commonly known as a type of filmmaking that uses video games or game engines to create animated movies. Emerging in the late 1990s and gaining popularity in the early 2000s, it has evolved over the years from a hobbyist pursuit to a legitimate form of art. Machinima is used today for commercials, music videos, and even feature-length films and popular TV series. Being a fruitful intermix between various forms – film, video game, performance, and puppetry, among others – it also became a prominent kind of artists’ moving image, which is multidisciplinary by its nature. It has existed for almost 30 years, but it is still slowly gaining its place in the space of major film festivals. Against Gravity does not claim to be a comprehensive overview, but rather seeks to outline the most compelling aspects of machinima, which artists explore and develop.

The title and the essence of this year’s Theme programme is inspired by the renowned American avant-garde filmmaker Phil Solomon. Finding refuge in machinima by accident without any experience in contemporary video games or this type of filmmaking, he managed to combine the uncombinable: the aesthetics of the photochemical avant-garde cinema with the capabilities of the real time 3D animation. In his own words, this can be a truly liberating experience, ‘especially for one who has been weighed down by the increased gravity of age and illness in the present, and rather cumbersome camera equipment in the past’. What exactly liberates machinima, and what are the specifis of this art form? In order to indicate the special place it occupies in the modern media landscape, it is necessary to talk about its context, history and most important features.

While the term ‘machinima’ may sound unfamiliar and strange for the film audience, the crossover between cinema and the video game industry is considerably well-known and has been evolving in two ways: with movies based on video games and vice versa. For example, the Resident Evil film franchise or the The Last of Us TV series are based on

zeitgenössischen Videospielen oder dieser Art von Filmemachen zu Machinima fand, gelang es, das Unvereinbare zu vereinen: die Ästhetik des fotochemischen Avantgardefilms und die Möglichkeiten der 3D-Echtzeitanimation. Wie er selbst sagte, kann dies eine wahrhaft befreiende Erfahrung sein, „insbesondere für jemanden, der gegenwärtig das zunehmende Gewicht von Alter und Krankheit spürt und den früher eine ziemlich sperrige Kameraausrüstung belastet hat“. Was genau ist das Befreiende an Machinima und was das Besondere an dieser Kunstform? Um deutlich zu machen, welch besonderen Platz sie in der modernen Medienlandschaft einnimmt, muss man über ihren Kontext, ihre Geschichte und ihre wichtigsten Eigenschaften sprechen.

Auch wenn der Begriff „Machinima“ dem Filmpublikum ungewohnt und seltsam vorkommen mag, ist das Crossover zwischen Film und Videospiel doch ziemlich gut bekannt und hat sich in zwei Richtungen entwickelt: Filme, die auf Videospielen basieren und umgekehrt. So handelt es sich bei dem Film-Franchise Resident Evil oder der Fernsehserie The Last of Us um Adaptionen beliebter Computerspiele, während das Echtzeit-Strategiespiel Star Wars: Empire at War auf dem gleichnamigen Filmuniversum von George Lucas beruht. Darüber hinaus gibt es einige Spiele, die dank sogenannter „Cutscenes“ – vorab aufgezeichneter oder geskripteter Zwischensequenzen, die die Handlung vorantreiben, einen Kontext oder eine Erklärung liefern oder neue Figuren oder Schauplätze einführen – oft wie reines Kino aussehen. Für seine filmartigen Zwischensequenzen in Death Stranding castete der Entwickler Hideo Kojima Schauspielstars wie Léa Seydoux. Zugleich hält die Gaming-Logik Einzug in Mainstream-Filme. So erinnert die Erzählstruktur in der Verfilmung des beliebten Kampfspiels Mortal Kombat manchmal an das Menü, in dem die Spieler*innen aufgefordert sind, Figuren und Schauplätze auszuwählen. An dieser Stelle geht es nicht so sehr darum, eine überzeugende Geschichte zu liefern, denn die Protagonist*innen können einfach angeben, gegen wen und wo sie kämpfen wollen, und der Film wechselt sofort zu der vorgeschlagenen Actionszene. Diese beiden Crossover-Trends sind ein deutliches Zeichen für die Konvergenz der verschiedenen Medien im digitalen Zeitalter, in dem Spiele zunehmend an Bedeutung gewinnen. Interessanterweise folgt Machinima diesen Trends nicht einfach, sondern nimmt als fließendes Medium bei diesem Prozess eine einzigartige Nische ein: kein Film im eigentlichen Sinne, aber auch kein Videospiel.

Die Anfänge von Machinima lassen sich in zwei Teile aufteilen, die jeweils von einem technologischen Meilenstein gekennzeichnet waren: Demo-Replay und Videoaufnahme. In seinen Ausführungen zur Geschichte von Machinima schreibt der Medienwissenschaftler Henry Lowood, Ego-Shooter wie Doom und Quake hätten in den 1990er-Jahren ein Werkzeug für Demo-Aufnahmen geboten, die technisch gesehen noch keine Filme waren. Die Software speicherte Tastatur- und Mausbewegungen der Spieler*innen während des Spiels, und dieser gespeicherte Code ließ sich später nur im gleichen Spiel genau wiederholen und zeigte die bisher erreichte Leistung der Spieler*innen. Der erste Machinima-Film, auch wenn er noch nicht so genannt wurde, entstand 1996 als 1,5-minütiges Demo-Replay und wurde von einem Quake-Gamer*innenClan namens „The Rangers“ produziert. In Diary of a Camper geht es um einen Insiderwitz über den Quake-Designer. Der Unterschied zu gewöhnlichen Demo-Replays bestand darin, dass der Code gehackt und die subjektive Kamera so aufgerüstet wurde, dass sie eine Beobachterperspektive bot. Dieser Perspektivwechsel kann als erste bedeutende Entwicklung in

popular computer games, while the real-time strategy game Star Wars: Empire at War rests upon George Lucas’s eponymous cinematic universe. Moreover, there are certain games that themselves quite often look like pure cinema due to socalled ‘cutscenes’ pre-recorded or scripted sequences that advance the plot, provide context or exposition, or introduce new characters or settings. In order to create cinemalike cutscenes for Death Stranding, developer Hideo Kojima casted star actors including Léa Seydoux. At the same time, gaming logic finds its way into mainstream movies. For example, in the 2021 adaptation of the popular fighting game Mortal Kombat, the very structure of the narrative sometimes resembles the menu, where players are asked to select characters and locations. It is not so important to make the story convincing here, because the protagonists can just announce who and where they want to fight, and the film will immediately cut to the proposed action scene. These two crossover trends are clear signs of the convergence of different media in the digital age, in which games become more and more important. Interestingly, machinima does not just follow them, but rather occupies a unique in-between area in this process by being a fluid medium: not a cinema in the full sense of the word, but not a video game either.

In the early days of machinima, its development can be divided into two parts marked by respective technological milestones: demo replay and video capture. Describing the history of machinima, media researcher Henry Lowood claims that in the 1990s, first-person shooters like Doom and Quake provided a tool for demo recording, which technically were not films yet. The software remembered the gamer’s keyboard and mouse movements during the play, and this saved code could be precisely repeated later only within the same game, demonstrating the gamer’s performance. The first machinima, although not yet called by this term, was born in 1996 as a 1.5-minute demo replay that was produced by a clan of Quake gamers known as ‘The Rangers’. It was called Diary of a Camper and revolved around the in-joke about Quake’s designer. What distinguished it from regular demo replays was that the code was hacked, and the firstperson camera was upgraded to get an observational point of view. This spectator’s shift could be seen as the first major development of machinima technology. If demo replays were essentially more of a gaming phenomenon, then Diary of a Camper could already be considered a form of cinema or animation.

The second stage, which extends up to the present day, is marked by the capture technology. As game developer Matt Kelland writes, the significant turning point was made in 2000 by Joe Goss, who not only created the first feature-length machinima, Quad God, but also captured the on-screen footage by video camera, introducing this core technique of virtual filmmaking. He then edited the footage with simple

Resonant Flesh

der Machinima-Technologie betrachtet werden. Wenn DemoReplays im Wesentlichen mehr ein Gaming-Phänomen waren, dann kann Diary of a Camper bereits als eine Art von Film oder Animation gelten.

Die zweite Phase, die bis heute andauert, ist durch die Videoaufnahmetechnologie geprägt. Wie der Spieleentwickler Matt Kelland schreibt, geht der bedeutende Wendepunkt auf Joe Goss zurück, der im Jahr 2000 mit Quad God nicht nur den ersten Machinima-Film in Spielfilmlänge schuf, sondern auch das Geschehen auf dem Bildschirm mit der Videokamera aufnahm und damit erstmals eine zentrale Methode des virtuellen Filmemachens verwendete. Anschließend bearbeitete er das Material mit einem einfachen Schnittprogramm und vertrieb es als Videodatei, sodass es im Gegensatz zu Demodateien, für die das jeweilige Videospiel erforderlich war, von allen angesehen werden konnte. Dies führte zu einigen Diskussionen in der Machinima-Community, die in diesem Vorgehen ein Abweichen von ihren etablierten Methoden sah. Im Laufe der Zeit wurde dieser filmische Ansatz, der neue künstlerische Möglichkeiten eröffnete, jedoch von vielen Machinima-Macher*innen übernommen.

Schließlich wurde die Technologie auch von professionellen Filmemacher*innen und Künstler*innen aufgegriffen, doch dieser Prozess erfolgte in kleinen Schritten. Anfänglich wurden Machinima-Filme, sei es als Demo-Replay oder als Videodatei, in erster Linie von Gamer*innen für Gamer*innen erstellt und vertrieben. Diese frühen Werke kamen über Disketten, CDs, Internetforen, Messageboards und E-Mails in Umlauf. Im Jahr 2000 gründete der Machinima-Pionier Hugh Hancock die wegweisende Onlineplattform Machinima.com, die zu einem wichtigen Motor des Mediums und der gesamten Community werden sollte. Die Plattform war, wie er es formulierte, „Vorzeigeprojekt und Zentrum der Revolution“, sie diente dazu, alles, was mit dem Genre zu tun hatte, zu sammeln, zu archivieren und aufzulisten, sodass alle Interessierten einfach darauf zugreifen konnten. Spezielle Filmfestivals gehören in den USA und in Großbritannien mittlerweile fest zur Szene. Das erste Machinima-Filmfestival fand 2002 als bescheidene Nebenveranstaltung der Gaming-Convention QuakeCon statt. 2006 hatte es sich jedoch schon zu einer zweitägigen Veranstaltung entwickelt, die im Museum of the Moving Image in New York stattfand und von MTV News als „Sundance für Videospiele“ gefeiert wurde. Die Academy of Machinima Arts & Sciences wurde gegründet, um an der Organisation von Machinima-Festivals mitzuwirken und den Academy Awards in Hollywood einen eigenen Preis

editing software and distributed it as a video file, allowing anyone to watch it, unlike the demo files that required the video games. This caused certain debates among the machinima community, who saw it as a deviation from their established methods. However, over time, many machinima makers came to embrace this cinematic approach, which offered new artistic possibilities.

Professional filmmakers and artists eventually picked up this technology, but the process of appreciation took place gradually. Initially, machinima films both in the form of demo replays and video files were primarily created and distributed by and for the gamers. These early works were circulated via floppy discs, CDs, internet forums, message boards and emails. In 2000, machinima pioneer Hugh Hancock founded the seminal online platform Machinima.com, which became a significant driver of the medium and the community as a whole. In his own words it was ‘the showcase and the hub of the revolution’, for collating, archiving, and listing everything related to the genre so that it was easily accessible to anyone interested. After that, dedicated film festivals arose and have become an integral part of the US and UK scene. The first Machinima Film Festival was held in 2002 as a modest collateral event of a gaming tournament called QuakeCon. By 2006, however, it had evolved into a two-day event taking place at the Museum of the Moving Image in New York, and was celebrated as ‘Sundance for the Video Game Set’ by MTV News. The Academy of Machinima Arts & Sciences was established to take part in organising machinima festivals, as well as countering the Hollywood Academy Awards with the Mackies’ own award. Game developers have also played a vital role in bringing this medium out of the community towards a wider audience by implementing accessible filming tools into video games like The Sims, The Movies or today’s ground-breaking GTA V Director’s Mode. Thanks to these initiatives of gaming community enthusiasts, today, a big number of machinima works are published regularly on YouTube or Vimeo. Perhaps the most striking example demonstrating the expansion of the machinima audience is The ­Mandalorian,

The Grannies

The Martian Word for World is Mother

der „Mackies“ entgegenzusetzen. Spieleentwickler*innen hatten auch einen großen Anteil daran, das Medium jenseits der Community einem größeren Publikum näherzubringen, indem sie einfach zugängliche Filmtools in Videospiele wie Die Sims, The Movies oder, aktueller, den bahnbrechenden Regisseur-Modus im Grand Theft Auto V integrierten. Diesen Initiativen von engagierten Fans aus der Gaming-Community ist es zu verdanken, dass mittlerweile eine große Zahl von Machinima-Werken regelmäßig auf YouTube oder Vimeo veröffentlich wird. Das auffälligste Beispiel für die Erweiterung des Machinima-Publikums ist möglicherweise die Fernsehserie The Mandalorian, die mit der Unreal Game-Engine für den Streamingdienst Disney+ produziert wurde.

Die Anfänge von Machinima, wie sie oben kurz beschrieben werden, veranschaulichen die Entwicklung von einer Gaming-Subkultur zu einem Mainstream-Genre für Internetvideos. Wie bei jedem anderen modernen Medium entwickelten sich parallel dazu auch zeitgenössische Kunstpraktiken. Bereits Ende der 1990er-Jahre experimentierten Künstler*innen wie Eddo Stern, JODI und Cory Arcangel mit Computerspielen und nutzen sie für ihre Zwecke. Die Vielfalt des Marktes und einfach zugängliche Spiele-Hardware wie die PlayStation haben viele Künstler*innen dazu animiert, auf verschiedene Weise mit den virtuellen Welten zu experimentieren, z. B. in Form von Online-Dauerperformances, Reenactments in Spielen, Glitch Art und kritischer Analyse. Wie etliche Wissenschaftler*innen in diesem Gebiet sind auch wir der Ansicht, dass Machinima in seinen interessantesten Ausprägungen aus zwei Gründen vor allem ein Medium für Künstler*innen geworden ist.

Zunächst einmal ist die heutige Medienlandschaft sehr vielfältig, was die Produktion von Inhalten im Videospielkontext angeht. Video-Hosting-Plattformen sind voll mit Rezensionen zu Neuveröffentlichungen, mit Tutorials, Speedruns etc. Einer der bekanntesten Blogger*innen auf YouTube, PewDiePie, wurde durch seine Let’s-Play-Videos berühmt, in denen er Spieldurchläufe kommentiert. Außerdem gibt es Twitch, einen Live-Video-Streamingdienst, der besonders unter Gamer*innen sehr beliebt ist. All diese Bewegtbilder erfüllen in formaler Hinsicht die grundsätzliche Definition von Machinima, da sie mithilfe von Videospielen erstellt wurden. Und da es viele verschiedene Möglichkeiten gibt, diese Art von Content relativ einfach zu produzieren, ist Machinima in gewisser Weise in der Flut der Onlinemedien aufgegangen. So gesehen ist die Zugänglichkeit, von der Roger Ebert im Epigraph zu diesem Text schrieb, keine einzigartige und revolutionäre Eigenschaft von Machinima mehr.

Ein weiterer bedeutender Trend, der das Spezifische von Machinima als Medium zum Verschwinden bringt, hat mit den Produktionsmitteln zu tun. Seit Kurzem gibt es immer mehr Filme, die nicht mithilfe von Videospielen an sich, sondern mithilfe von Game-Engines entstanden sind. Mit Software

television series made with Unreal Engine for the streaming service Disney+.

The early days of machinima, briefly described above, illustrate its evolution from a gaming subculture to a mainstream Internet video genre. Any medium that gains popularity, however, becomes interesting for avant-garde artistic practices. Already since the end of the 1990s, artists such as Eddo Stern, JODI and Cory Arcangel have been experimenting with computer games, hijacking them for their purposes. The diversity of the market and accessible gaming hardware, such as the PlayStation, have encouraged many art professionals to experiment with the virtual worlds in various ways including online durational performances, in-game re-enactments, glitch art and critical analysis. Following a number of researchers in this field, we believe it is this area of cultural production that has become defining in the concept of machinima for two major reasons.

First of all, today’s media landscape is very diverse in regards to the production of content related to video games. Video hosting platforms are filled with reviews of new releases, tutorials, speedruns, etc. One of the most noted bloggers on YouTube, PewDiePie, has become famous thanks to his Let’s Play videos, i.e. playthroughs with comments. There is also Twitch, a video live streaming service that is particularly popular among gamers. All these moving images formally meet the loose definition of machinima, as they are created by means of video games. And since there are many different ways to easily produce this kind of content, machinima, in a sense, has dissolved in the online media ocean. In this respect, the accessibility that Roger Ebert wrote about in the epigraph to this text is no longer the unique and revolutionary property of machinima.

Another significant trend that blurs the medium-specificity of machinima has to do with the means of production. Recently, there are more and more films created not with the help of games as such, but with the help of game engines. Such software as Unity or the most recent version of Unreal Engine which are real-time 3D creation tools. These have been widely used not only for the development of new video games, but across industries like cinema, architecture, life simulations, automotive and transportation, to name a few. Becoming more efficient and easy-to-use, these computer programmes made the creation of virtual worlds cheaper, faster and most importantly more realistic. A film made using a game engine might not be considered ‘pure’ machinima, because ontologically it is no different from any

Still Raining, Still Dreaming

wie Unity oder der neuesten Version von Unreal Engine, bei denen es sich um Echtzeit-3D-Erstellungstools handelt. Sie werden nicht nur für die Entwicklung neuer Videospiele eingesetzt, sondern auch in anderen Branchen wie Kino, Architektur, Lebenssimulationen, Automobil und Transport, um nur einige zu nennen. Diese Computerprogramme werden immer effizienter und benutzerfreundlicher und haben die Entwicklung virtueller Welten kostengünstiger, schneller und vor allem realistischer gemacht. Ein Film, der mithilfe einer Game-Engine entstanden ist, gilt möglicherweise nicht als „reiner“ Machinima-Film, weil er sich ontologisch nicht von anderen mit spezieller Software erstellten Echtzeit-3D-Animationen unterscheidet. In einer technologisch so fortschrittlichen Umgebung sind die Grenzen dieses Mediums noch schwerer zu fassen.

Was also bleibt für Machinima? Die Medienwissenschaftlerin Jenna Ng meint, dass es sich dabei „weniger um eine eigenständige, unterscheidbare Medienform handelt als um einen fließenden Dialog von und zwischen Medien … eine lebendige Konversation“. So betrachtet liegt der Unterschied zwischen Machinima und verschiedenen GamingVideos oder Animationen eher in der Absicht der jeweiligen Schöpfer*innen und den Besonderheiten des Inhalts. Wir neigen dazu, dieses digitale Phänomen als eine zeitgenössische Kunstpraxis zu verstehen, die vielfältig sein und unterschiedliche Ziele verfolgen kann, aber von ihrem Wesen her experimentell bleibt. Es ist interessant, sich die ersten MachinimaMacher*innen als Avantgarde-Künstler*innen vorzustellen, die eine neue Bildsprache und neue ästhetische Codes entwickelten. Heutzutage, wo die technischen Möglichkeiten der Erstellung derartiger Werke sich erweitert haben und Machinima als Medium weniger leicht abzugrenzen ist, findet sich dieses avantgardistische Anliegen auch weiterhin im Bereich künstlerischer Bewegtbilder. Wir wollten den Fokus dieses Programms auf Filmschaffende legen, die in dem interdisziplinären Raum zwischen Film und Videospiel neue Facetten entdeckt haben und diese weiterhin entdecken. Sie sind sich bewusst, dass Machinima keine klaren Grenzen hat, und nutzen dies, um die stetig wachsende virtuelle Realität zu erkunden.

Against Gravity besteht aus mehreren Sessions, die wie bei einem Videospielmenü aufgerufen werden, das bestimmte Aktionen anbietet. Den Anfang macht eine Lecture Performance, die als eine Art Tutorial-Level funktioniert und verschiedene in GTA V erstellte Kunst-Machinimas präsentiert. Dann widmet sich das Programm verschiedenen Themen, darunter Beziehungen und Interaktionen zwischen virtuellen Avatar*innen und physischen Körpern, Counter-Gaming und kritische Machinima, Erinnerung, Geschichte und Konservierung in digitalen Umgebungen, utopisches Denken und Gestaltung alternativer Welten, Fotorealismus und eine neue Form von Cineastik in Videospielen. Die letzte Vorführung ist als eigenständige Veranstaltung Phil Solomon gewidmet, einem der einflussreichsten und außergewöhnlichsten Machinima-Macher. Er hat dieses Programm nicht nur inspiriert und ihm einen Titel gegeben, sondern ist auch ein anschauliches Beispiel für einen Künstler, der die Verwendung des Begriffs „Cinema“ (Kino) im Wort „Machinima“ rechtfertigt.

Vladimir Nadein und Dmitry Frolov

other real-time 3D animation created in specialised software. In such an advanced technological environment, the boundaries of this medium become even more difficult to grasp.

So what’s left for machinima? Media scholar Jenna Ng argues that it is ‘less a discrete, distinguishable media form than a fluid dialogue of and between media… a vital conversation.’ From this perspective, the distinction between machinima and various gaming videos or animation lies rather in the intention of the creator and the specifics of the content. We tend to understand this digital phenomenon as a contemporary art practice which can be diverse and pursue different goals, but remains experimental by its nature. It is interesting to think of the early machinima makers as avant-garde artists who developed new visual language and aesthetic codes. Today, as the technical possibilities for creating such works have grown more and machinima becomes less distinguishable media, the avant-garde aspiration is still to be found in the field of the artists’ moving image. In this programme, the focus has been placed on filmmakers who have discovered and continue to discover new facets of the interdisciplinary space between cinema and video games. Understanding the fluid nature of machinima, they use it to explore the evergrowing virtual reality.

Against Gravity consists of several sessions which are styled like a video game menu that suggests certain actions. It begins with a lecture performance that serves as a kind of tutorial level and showcases various art machinimas created in GTA V. The programme then delves into various topics, including the relationships and interactions between virtual avatars and physical bodies; counter-gaming and critical machinima; memory; history and preservation in digital environments; utopian thinking and alternative world-building; photorealism; and a new form of cinephilia in video games. The final screening is a stand-alone event that is dedicated to Phil Solomon, one of the most influential and extraordinary machinima makers. Not only did he inspire the creation of this programme and give it the title, but he also became a vivid example of an artist who justified the use of the term ‘cinema’ in the word ‘machinima’.

Vladimir Nadein and Dmitry Frolov

Los Santos – Hauptlocation in Grand Theft Auto V – gehört zu den virtuellen Städten, die von Machinima-Künstler*innen besonders gern gefilmt werden, genau wie das reale Vorbild Los Angeles bei Filmemacher*innen beliebt ist. Warum das so ist? Dafür lohnt sich eine Tour durch diese virtuelle Riesen-Metropole. Everyday Daylight ist eine Neuauflage der Let’s-Play-Performance der Künstlergruppe Total Refusal, die sich mit kritischen Dekonstruktionen und dem Upcycling von Videospielen einen Namen gemacht hat. Bei der Fahrt durch Los Santos werden in einem spielerischen Vortrag unterschiedliche Filme, Performances und Projekte vorgestellt, die hier entstanden sind. Dadurch entsteht ein Porträt der Stadt, welches nicht von ungefähr an Thom Andersens Unterfangen aus seinem Essay-Film erinnert: Los Angeles Plays Itself. Wo Andersen allerdings über den Einfluss von Hollywood-Filmen auf unsere Wahrnehmung des realen Raums reflektierte, befasst sich Total Refusal mit der Welt der totalen Simulation – wiederum auf Basis dieser Filme und bekannter (popkultureller) Darstellungen von Los Angeles. Das diesjährige Themenprogramm startet mit einer Erkundung dieser Welt. Dabei kommt das allseits diskutierte Feld des Hyperrealismus zur Sprache, wodurch Grand Theft Auto V zu einem der faszinierendsten Machinima-Creation-Tools unter Künstler*innen und Gamer*innen aufgestiegen ist.

Los Santos – the main location in Grand Theft Auto V – is one of the virtual cities most filmed by machinima artists, much like its real-world counterpart Los Angeles with filmmakers. To understand why this is so, it may be useful to take a tour of this digital megapolis. Everyday Daylight is a new iteration of the Let’s Play performance by the art group Total Refusal famous for critical deconstruction and upcycling of video games. In the form of a playful lecture, they drive through Los Santos introducing various movies, performances and other projects made in it. The collective creates a portrait of the city, slightly reminiscent of Thom Andersen’s gesture from his essay film Los Angeles Plays Itself. But if Andersen argues about the influence of Hollywood movies on the perception of real space, then Total Refusal deals with the world of total simulation, which is itself based on these movies and other popular representations of Los Angeles. They start this year’s Theme programme by exploring this world and addressing the widely debated notion of hyperrealism, which makes Grand Theft Auto V one of the most compelling machinima creation tools among artists and gamers alike.

Everyday Daylight

Österreich Austria 2020/23 60', Farbe Colour, Englisch English Performance Performers Total Refusal (Leonhard Müllner, Susanna Flock, Robin Klengel, Michael Stumpf, Jona Kleinlein, Adrian Jonas Haim)

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

Das pseudomarxistische Medienguerilla-Kollektiv Total Refusal erforscht und nutzt Strategien für künstlerische Intervention in zeitgenössischen Computerspielen. Die Gruppe arbeitet mit Werkzeugen der Aneignung und Umwidmung von Spielressourcen. Ihre Filme liefen u. a. auf der Berlinale 2020, in Locarno 2022 und im MoMA in New York.

The pseudo-Marxist media guerrilla Total Refusal explores and uses strategies for artistic intervention in contemporary computer games. They work with tools of appropriation and rededication of game resources. Their films were presented at the Berlinale in 2020, Locarno in 2022 and the MoMA in NYC, among other venues.

Machinima wird oft mit Marionettentheater verglichen, nur, dass die Akteur*innen hier nicht physisch sind, sondern im virtuellen Raum als Spielfiguren bestehen. Diese „digitalen” Marionetten geben umfassende performative Möglichkeiten an die Hand, die andernfalls uns Menschen nicht zur Verfügung stünden – den begrenzten Kapazitäten unserer physischen Körper sei Dank. Dennoch gibt es einige Überschneidungen zwischen Spieler*innen und ihren Avataren. Immerhin sind es nicht einfach Spielzeuge, sondern Figuren, in denen sie sich in aller Regel persönlich wiederfinden. Viele Videospiele ermöglichen es den Spieler*innen, sich zu verwandeln, beispielsweise in ein Tier, oder sie können ihre Geschlechtsidentität spielerisch anpassen – und zeitgleich mit anderen Gamer*innen online kommunizieren. Doch inwiefern können Menschen auf das Spielgeschehen Einfluss nehmen und welche Rolle spielen dabei die Spieler*innen? Vor dem Hintergrund, dass solche Spiele einen immer größeren Platz einnehmen, zeigt sich, dass sie sowohl befreiend als auch repressiv wirken können. Das Verhältnis zwischen Körper, Identität und der Spielmaschinerie ist den Machinima-Künstler*innen schon lange eine Herzensangelegenheit. In diesem Zusammenhang bekommt Shakespeares bekanntes Zitat „Die ganze Welt ist eine Bühne und alle Frauen und Männer bloße Spieler” eine allzu wörtliche Bedeutung.

Machinima is often compared to a puppet theatre, except that the actors in it are not material, but ephemeral, as they are computer game characters. These digital marionettes provide extended performative possibilities that are inaccessible to human beings, limited by the boundaries of physical bodies. But there is a certain splitting between the avatar and the player who manipulates it. This is not only a toy in the hands of the puppeteer, but also something to strongly identify with. Many video games allow a person to become someone else, for example turn into an animal, or play with gender roles, all while communicating with other people online. But to what extent are humans in control of what is going on in the video games, and how far does it act back on the player? As they occupy an increasing place in our lives, such virtual experiences can be both liberating and repressive. This question of the relationship between the body, identity and the game apparatus has been of great interest to many machinima artists for a long time. In this context, Shakespeare’s famous saying that the ‘All the world’s a stage / And all the men and women merely players’ takes on a literal meaning.

How To Fly

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2020

6'23", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director David Blandy

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

David Blandy nutzt die Form des Online-Videotutorials zur Untersuchung von Mustern in der Natur und im Leben. Der Film wurde während der Pandemie in Auftrag gegeben und erklärt, wie man online und mit auf einem Computer verfügbaren Tools, Videoschnitt-Software und Spielen fliegen kann.

David Blandy utilises the form of online video tutorials to explore ideas around patterns in nature and existence. Commissioned during the coronavirus pandemic, his film explains how to fly using the tools available via a computer, including the Internet, video editing software and games.

A Woman on the Internet (or, The Eternal Scream)

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021

22'28", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Jamie Janković

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V, Dead or Alive Xtreme Beach Volleyball

Dieser experimentelle Dokumentarfilm untersucht die holprigen Gegenüberstellungen von Reibung, Toxizität, Freude und Befreiung, mit denen Transpersonen, Queere und Femmes konfrontiert werden, wenn sie in Videospielräumen ihre eigens konfigurierten Charakterkreationen spielen. This experimental documentary explores the jarring juxtapositions of friction, toxicity, joy and liberation that trans people, queers and femmes experience when playing as their own custom character creations in video game spaces.

Dance, Voldo, Dance

USA 2002

3'43", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Chris Brandt

Basiert auf Based on Soulcalibur

Voldo ist ein Charakter im Kampfspiel Soulcalibur. Die choreografierten Bewegungen zweier gleichsam komischer Voldos in dieser Aufnahme sind alle aus dem eigentlichen Videospiel. Dieses frühe Machinima entstand im Laufe einer Woche mit zahlreichen Trainingseinheiten und Performances. Voldo is a character in the fighting video game Soulcalibur. The choreographed moves of two equally freaky Voldos in this recording are all actual game play. This early machinima was made during a week of full-time training and performance.

My Own Landscapes

Frankreich France 2020

19', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Antoine Chapon

Basiert auf Based on Arma 3

Cyrille ist ein ehemaliger Spieleentwickler für Militärvideospiele und Veteran. Bevor er in den Krieg zog, arbeitete er an Szenarien, die Soldat*innen auf Kulturschocks und geheilte Traumata vorbereiten. Nach seiner Rückkehr änderte sich sein Verhältnis zur eigenen Identität, zum Leben und zum Spiel. Cyrille is a former military video game designer and a veteran. Before going to war, he worked on scenarios that prepared soldiers for cultural shocks and healed trauma. Once back from the war, his relationship with his identity, life and the game changed.

Resonant Flesh

USA 2018

8'20", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Kara Güt, Justin Majetich

Basiert auf Based on Skyrim, Fallout 4, Dark Souls III, Grand Theft Auto V, Superhot VR, Elder Scrolls III: Morrowind

Das Werk vermischt Gaming-Footage mit YouTube und Archivvideos als Reflexion über den Zustand des digitalen Avatars als Resonanzkammer für unsere Manipulationen. Eine Zusammenarbeit von Kara Güt und Komponist

Justin Majetich, die sich einminütige Schnipsel von Audio- und Videomaterial hin- und herschickten und aneinanderreihten.

The work mixes game footage with YouTube and stock video to reflect on the condition of the digital avatar as a resonance chamber for our manipulations. Kara Güt made it with composer Justin Majetich through back-and-forth correspondence, adding 1-minute fragments of audio or visual material at a time.

but i wanna keep my head above water

Italien Italy 2022

10'30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Federica di Pietrantonio

Basiert auf Based on The Sims 4

Die Gestalt einer Nymphe erscheint in einem fremden, post-apokalyptischen Ökosystem, das einem Badezimmer ähnelt. In dieser verschlossenen, dysfunktionalen Realität wird alles fließend, adaptiv und wandelbar. Begleitet von Momenten der Ekstase entwickelt sich die Nymphe weiter und verschmilzt mit dem privaten Raum, sodass ein neuer Naturzustand entsteht.

The figure of a nymph appears in a strange post-apocalyptic ecosystem resembling a lavatory. In this closed and malfunctioning reality, everything becomes fluid, adaptive and transformable. Along with moments of ecstasy, the nymph evolves and merges with the domestic space, creating a new state of nature.

We are such stuff as dreams are made on Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021

9'59", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Sam Crane

Basiert auf Based on Grand Theft Auto Online

Sam Crane spricht andere Gamer in GTA Online an und versucht, Shakespeares Der Sturm vorzutragen. Werden alle, die er trifft, ihn verprügeln? Oder kann er eine Person finden, die den vor über 400 Jahren verfassten Worten lauschen möchte und in dieser Welt aus Chaos und extremer Gewalt einen Funken Menschlichkeit zeigt?

Sam Crane approaches other gamers in GTA Online and tries to perform Shakespeare’s The Tempest. Will everyone he meets try to blow him up? Or can he find someone to listen to these words written over 400 years ago and perhaps reveal a glimmer of humanity inside this world of chaos and extreme violence?

Code ↲

Machinima wurde in einer Community von Hardcore-Gamer*innen geboren, die sich bis ins kleinste Detail mit Videospielen beschäftigen – von Codes bis zur Hardware Base. Durch Hacken oder sogenanntes Modding sind erste Kreationen in diesem Medium entstanden. Mittlerweile sind die Technologien für Machinima zugänglicher geworden, leichter in der Handhabung, und es ist nicht mehr zwingend notwendig, jede Facette der Game-Engine zu verstehen. Doch der ursprüngliche subversive und kritische Ansatz besteht auch weiterhin und zeigt sich oft in Werken, die die Codes der digitalen Welt knacken oder ihre versteckten Ideologien offenlegen. Der Philosoph Alexander Galloway prägte den Terminus des „counter-gaming”, um die verschiedenen Techniken des Détournements in der Gaming-Szene zu beschreiben, wie das Manipulieren und Transformieren älterer Videospiele, sodass ihre Leitlinien und Prinzipien untergraben oder zumindest in Frage gestellt werden. Machinima ist eines der bekanntesten Beispiele dieser künstlerischen Konfrontation mit etablierten Regeln.

Machinima was born in a community of hardcore gamers who usually dive into the deepest levels of video games, down to the code or hardware base. It was with the help of hacking or modding that many of the first works in this medium were created. While the technologies of machinima-making have become more accessible and easy-to-use, the need to know how the very core of a game engine operates is no longer a must. But this initial subversive approach, with its critical potential, has survived to this day and often manifests itself in works that either crack the codes of digital worlds or reveal the ideologies often hidden in them. Philosopher Alexander Galloway coined the term ‘counter-gaming’ to describe different practices of détournement in gaming culture, i.e. utilising existing video games and subverting or transforming them in ways that challenge or critique their assumptions and principles. Machinima is one of the most prominent examples of this playful artistic method resisting established rules.

Windshield Baby Gameboy Movie

Kanada Canada 2009

1'47", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Clint Enns

Basiert auf Based on GameBoy Camera

Ein Autounfall wird unter Nutzung einer Kamera für den Nintendo Game Boy digital interpretiert und so auf Pixel und Töne reduziert. Dieses Video ist ein Versuch, die inhärent entmenschlichte Natur digitaler Bilder aufzuzeigen.

A car crash is digitally interpreted using a Nintendo Game Boy camera that reduces the accident to pixels and blips. This video is an attempt to demonstrate the inherently dehumanised nature of digital images.

Adam Killer

USA 2000

9'47", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Brody Condon

Basiert auf Based on Half Life

Ein Dokumentarfilm, in dem der Künstler mehrere Ausführungen des gleichen 3-D-Porträts angreift, das auf einem weißen Flugzeug steht. Dieses frühe Machinima ist ein Beispiel für Game-Modifizierung, die einen Glitch ausnutzt, um einen brutalen Folgeeffekt zu schaffen, sodass ein Chaos aus blutigen, zertrümmerten Strukturen entsteht.

A documentation of the artist assaulting multiple copies of the same 3D portrait standing on a white plane. This early machinima is an example of game modification that exploits a glitch to create a harsh trailing effect, creating a chaotic mess of bloody, fractured textures.

Why don’t the cops fight each other?

Deutschland Germany 2021

9'40", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Grayson Earle

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

Dieser Desktop-Dokumentarfilm untersucht die Beziehungen zwischen Polizeikräften im Spiel GTA V. Durch eine umfassende forensische Analyse des Quelltexts des Spiels zeigt er, in welchem Ausmaß kulturelle Bildsprache in Bezug auf die echte Polizei in den Raum des Spiels übertragen wird.

This desktop documentary investigates the relationships between police officers in GTA V. Through an exhaustive forensic analysis of the game’s source code, it demonstrates the extent to which the cultural imaginary concerning the real world police is projected into the game space.

It’s in the Game ’17

USA 2017

16'32", Farbe Colour, Englisch English Regie Director Sondra Perry

Basiert auf Based on NCAA Basketball

Sondra Perry zeigt, wie Gaming aus der Simulation von Körpern und Gegenständen Kapital schlägt. Sie konzentriert sich dabei auf ihren Bruder Sandy, dessen physische Daten ohne sein Einverständnis vom Spielentwickler EA Sports lizenziert wurden. In diesem Kontext stellt sich die Frage nach Eigentum und Handlungsfähigkeit in Bezug auf digitale Körper.

Sondra Perry looks into how gaming can capitalise on the simulation of bodies and objects. She focuses on her brother Sandy, whose physical statistics were licensed, without his consent, to game developer EA Sports. This raises the question of ownership and agency in relation to digital bodies.

It’s in the Game ’17

Mit freundlicher Genehmigung von Courtesy of Electronic Arts Intermix (EAI), New York

Ain’t Free

Australien Australia 2019

5'07", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Georgie Roxby Smith

Basiert auf Based on Second Life

Second Life, eine virtuelle Welt, die seit 15 Jahren online ist, hat mehr als 800.000 aktive User. Diese haben beinahe 5 Millionen US-Dollar auf dem Marketplace der Plattform ausgegeben, um ihre digitale Haut, Haare, Körperform, Kleidung und Wohnung upzugraden. Der Wunsch, die beste Version seiner selbst zu präsentieren, treibt das Ego in eine Endlosschleife des Konsumismus. Second Life, a virtual world that has been online for over 15 years, has more than 800,000 active users. They spend nearly $5 million a year on the marketplace upgrading their digital skins, hair, bodies, apparel and homes. This desire to present the best self drives the ego into the endless loop of consumerism.

Hardly Working

Österreich Austria 2022

20'30", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Total Refusal (Robin Klengel, Susanna Flock, Leonhard Müllner, Michael Stumpf)

Basiert auf Based on Red Dead Redemption 2

Nicht-Spieler-Charaktere, die normalerweise im Hintergrund des Videospiels bleiben, stehen in diesem Essayfilm im Zentrum. Den Anschein von Normalität erweckend, erscheinen sie als Sisyphos-Maschinen, deren Arbeitsroutinen, Aktivitätsmuster und Störungen eine anschauliche Analogie zur Arbeit im Kapitalismus zeichnen.

Non-player characters, which normally remain in the background of video games, are put in the spotlight in this essay film. Creating a semblance of normality, they appear as Sisyphus machines, whose labour routines, activity patterns as well as malfunctions paint a vivid analogy for work under capitalism.

Forget to Save ↲

Einer der größten Vorzüge von Machinima ist die Fähigkeit, ein einzigartiges virtuelles Erlebnis zu konservieren. Digitale Veranstaltungen, Räume und Objekte werden dokumentiert und menschlich wie artifiziell generiertes Verhalten im virtuellen Raum wird festgehalten. Das ist besonders wichtig im Zuge sich ändernder Formate und Softwareversionen, wenn teilweise im selben Spiel mit dem nächsten Update Umgebungen verschwinden. Das unerbittliche Fortschreiten der Zeit erzeugt eine gewisse Nostalgie, die sich deutlich sichtbar vor dem Hintergrund des rapiden technologischen Wandels abzeichnet. Machinima-Künstler*innen befassen sich oft mit dieser Obsoleszenz und suchen nach den Geistern der Vergangenheit in der Hoffnung, Erinnerungen offenzulegen. Dadurch entsteht ein Geschichtstableau von Videospielen und Dokumente der öffentlichen Geschichtsschreibung werden geschaffen; Dokumente, die gesellschaftliche Ungleichheiten oder Kolonialverbrechen unter das Mikroskop legen. Wie die Geschichte in der digitalen Zukunft aussehen mag, kann man hingegen nur erahnen. One of the most important properties of machinima is the ability to preserve a unique virtual experience. It can document digital events, spaces and objects, as well as capture the behaviour of both human and non-human characters that take place in the virtual world. This characteristic is especially important in the context of changing formats and versions of software, when even in the same game part of the environment may disappear after the next update. The inexorable passage of time evokes a sense of nostalgia, so clearly visible against the backdrop of rapid technological progress. Machinima artists often reflect on such obsolescence and search for the ghosts of the past exposing the workings of memory. But in doing so, they also write the histories of popular video games, thereby creating documents for public history. Today they may scrutinise representations of class inequality or colonial violence, but one can only imagine what history would look like in our digital future.

Codes of Honor

Kanada Canada 2011

13'49", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Jon Rafman

Basiert auf Based on Second Life, Street Fighter, Metal Gear Solid, Tetris Der Chinatown Fair gewidmet, einer der letzten Videospielhallen der USA. Der Film folgt einem Erzähler durch eine virtuelle Welt, während dieser in Erinnerungen an seine Tage als Profi-Gamer schwelgt. Er zeigt das Spannungsfeld zwischen Reue, so viel Zeit mit erfolglosem Spielen verbracht zu haben, und einem Gefühl der Nostagie für den Nervenkitzel des Spiels. A dedication to Chinatown Fair, one of the last video game arcades in America. The film follows a narrator in a virtual world who reminisces about his days as a pro gamer. It portrays the tension between regret for the time spent playing in vain and nostalgia for the thrill of the game.

Le Moment Fabriqué

Irland Ireland 2017

4', Farbe Colour, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Alan Butler, Produktion Production Mary Conlon

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

Der Film gehört zu Alan Butlers Reihe Down and Out in Los Santos, welche die Armut und Wohnungslosigkeit innerhalb des Spiels dokumentiert. Er greift die Form und das lose Narrativ von The Decisive Moment auf, einem Kurzfilm aus dem Jahr 1973 mit Henri Cartier-Bresson, und untersucht künstlerisches Schaffen in simulierten Welten.

The film is part of Alan Butler’s Down and Out in Los Santos series, which documents poverty and homelessness within the game. It revisits the form and loose narrative of The Decisive Moment, a 1973 short film featuring Henri Cartier-Bresson, and explores the creation of art in simulated worlds.

Another Day of Depression in Kowloon

Hongkong Hong Kong 2012

15'30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Ip Yuk-Yiu

Basiert auf Based on Call of Duty: Black Ops

Der Film erschafft ein neues Bild von Hongkong aus der Sicht eines Videospiels, in dem aus einem gewalttätigen Schützen eine unheimliche, „gefundene“ Landschaft wird. Er untersucht kulturelle Repräsentation in den Medien und beschwört die postkoloniale Geschichte der Stadt durch sinnträchtige Metaphern herauf.

This film reimagines Hong Kong through the lens of a video game, transforming a violent shooter into an uncanny, ‘found’ landscape. It explores cultural representation in media and evokes the city’s post-colonial history through evocative metaphors.

The Grannies

Australien, Vereinigtes Königreich Australia, United Kingdom 2021

16'34", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Marie Foulston

Basiert auf Based on Red Dead Online

Eine Gruppe Gamer wagt sich, die Grenzen des Spiels zu verlassen, und entdeckt einen faszinierenden, himmlischen Ort, der die Menschlichkeit und Materialität digitaler Kreationen zeigt. Mit diesem Blick hinter den Vorhang der virtuellen Welt wird eine einzigartige Erfahrung festgehalten, die über das Spiel selbst hinausgeht.

A group of players venture beyond the game’s boundaries and discover a captivating, ethereal space that reveals the humanity and materiality of digital creations. This peek behind the curtain of the virtual world allows us to capture a unique experience that transcends the game itself.

End Time and The Trajectories of Ancestors

Hongkong Hong Kong 2022

34'26", Farbe Colour, Englisch, Deutsch mit englischen

Untertiteln English, German with English subtitles

Regie Director Edwin Lo Yun Ting

Basiert auf Based on Far Cry 5

Als eine tiefgreifende Analyse des amerikanischen Bodens, wie er im Videospiel Far Cry 5 dargestellt wird, untersucht dieser facettenreiche Essayfilm die Schnittmenge von religiöser Überlebenskunst, digitalen Landschaften und Aussagen der indigenen Bevölkerung Nordamerikas. Er wirft Fragen auf zu Themen wie Kolonialisierung, Land, Hautfarbe, Gewalt und kultureller Aneignung in Videospielen.

Going deep into the American soil conveyed in the video game Far Cry 5, this multifaceted essay film explores the intersection of religious survivalism, digital landscapes, and Native American testimony. It raises questions of colonisation, land, race, violence, and cultural appropriation in video games.

Map ↲

Das meistverkaufte Videospiel der Geschichte – Minecraft – ist ein Beispiel für ein Sandbox-Computerspiel: Spieler*innen können sich in einer Open World frei bewegen und mit ihr interagieren. Die Plastizität solcher Sandbox-Spiele macht sie zum idealen Spielplatz für Machinima. Nutzer*innen können eine große Palette an Geschichten erstellen, bei denen der Fantasie keine Grenzen gesetzt sind. Diese Freiheit zeigt sich vor allem in Filmen, die nicht innerhalb dieser Spiele entstanden sind, sondern in Game-Engines wie Unreal oder Unity. Dank der Zugänglichkeit und der Fähigkeiten dieser Tools eignen sie sich besonders für das Worldbuilding, insbesondere von kritischen Utopien wie der spekulativen Fiktion von Ursula K. Le Guin. Anstelle von Darstellungen einer idealen Welt der Zukunft der Bourgeoisie werden diese Narrative als ein dynamischer Ideensatz gesehen, der sich mit den großen Fragen unserer Zeit befasst. Utopisches Denken, mit Machinima als antreibender Kraft, kann einen Fahrplan für eine bessere Welt liefern.

The best-selling video game in history – Minecraft – is an example of a sandbox game in which players are placed inside an open world and given a certain degree of freedom to interact with it as they want. The plasticity of sandbox games makes them ideal for machinima, allowing users to create a wide variety of stories, no matter how fantastic they may be. This freedom is especially visible in those films that are made not in the games themselves, but in game engines such as Unreal or Unity. The accessibility and capabilities of these tools make them particularly convenient for world-building practices, including critical utopias, a prime example of which is Ursula K. Le Guin’s speculative fiction. Instead of depicting the ideal world of the bourgeois future, these narratives are seen as a dynamic set of ideas that focus on key problems of our time. Utopian thinking, enhanced by the power of machinima, can help chart a roadmap for a better world.

Tracing Utopia

Portugal, USA 2021

27', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Catarina de Sousa, Nick Tyson

Basiert auf Based on Minecraft

Eine Reise in die Träume einiger queerer Jugendlicher in New York, die sich eine bessere Welt vorstellen. Sie durchschreiten die Zeit, indem sie flüchtige Blicke auf eine Utopie werfen, die sich auf der Straße, in gemeinsamen Räumen und online zeigt. Dieser kollaborative Film verwebt ihre vergangenen Träume mit ihren zukünftigen und fordert Veränderung.

An odyssey into the dreams of a group of queer teens in New York City who envision a better world. They transcend time through glimpses of a utopia manifested in the streets, community spaces, and online. This collaborative film weaves their past and future dreams together, calling for change.

The Martian Word for World is Mother

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

47'30", Farbe Colour, Englisch, fiktionale

Sprache English, fictional language

Regie Director Alice Bucknell

Basiert auf Based on Unreal Engine 4.27

Der Film vermischt Sci-Fi mit einem kritischen Ansatz zu aktuellen Vorschlägen, den Mars zu besiedeln. Er präsentiert drei mögliche Mars-Welten, wurde mithilfe des Sprachverarbeitungsmodells GPT-3 produziert und ist inspiriert von Weltraumökologien, interplanetarem Recht, nicht menschlichen Zeichensystemen und Data Science.

The film merges sci-fi with a critical approach to contemporary proposals for the habitation of Mars and explores three possible Martian worlds. It was made with a help of the Language AI GPT-3 and inspired by outer space ecologies, interplanetary law, nonhuman sign systems and data science.

Der renommierte deutsche Künstler und Filmemacher Harun Farocki widmete Videospielen sein letztes Werk Parallel I–IV. Er verfolgte insbesondere die Tatsache, dass die technisch aufwändigsten Spiele die Vorstellung von Mimese, also Imitation, untergraben, mit großem Interesse. Seine geistreiche Analyse der Geschichte der PC-Grafik verdeutlichte, dass die heutige Realität nicht länger als Maßstab für bewegte Bilder und ihre Authentizität herhalten kann. Im Gegenteil, digitale Simulation gewinnt immer mehr die Oberhand im Vergleich zur unvollkommenen realen Welt; sie ist nicht länger eine Kopie derselben. Am Ende von Parallel I fragt Farocki, ob der Zusammenbruch der Mimese den Film befreien kann. Ob nun Machinima eine Folge dieser Befreiung ist oder nicht – man erkennt darin auf jeden Fall Vorboten einer neuen Art von Kino. Immer mehr Werke stellen ein authentisches Narrativ und Fotorealismus zur Schau, die nicht beim Dreh außerhalb oder in einem Studio vor Green Screen entstanden sind, sondern zuhause, ganz ohne den Einsatz einer Videokamera. Machinima stellt uns gezielt die Frage, ob digitale Bilder dokumentieren und als Beweis gelten.

Renowned German filmmaker and artist Harun Farocki dedicated his last completed work Parallel I–IV to video games. He was especially interested in how the most technically advanced of them undermines the idea of mimesis, i.e. imitation. His witty analysis of the history of computer graphics showed that reality today no longer serves as a referent for moving images and a measure of their authenticity. On the contrary, digital simulation is gaining more and more power over the imperfect real world, instead of serving as a copy of it. At the end of Parallel I, Farocki wonders if this collapse of the mimetic function can liberate film for other things. Whether machinima is one of those things or not, one can definitely see signs of a new type of cinema in it. There are a growing number of works in which authenticity of the narrative and photorealism are created not during outdoor shooting and not even in the studio with a green screen, but at home without a camera at all. Machinima pinpoints a question about whether digital images can be documented and serve as evidence.

Parallel I

Deutschland Germany 2012

15'53", Farbe Colour, Englisch English Regie Director Harun Farocki

Basiert auf Based on Mystery House, Pitfall, King’s Quest, The Legend of Zelda, Archipelagos, Secret of Mana, The Elder Scrolls: Arena, Anno 1602, Anno 1701 und anderen and others

Der vierteilige Zyklus Parallel beschäftigt sich mit dem Bildgenre der Computeranimation. Die Reihe thematisiert die Konstruktion, die visuelle Landschaft und die inhärenten Regeln von computeranimierten Welten. Parallel I erzählt eine Geschichte in Computergrafiken und ist eine Meditation über die aktuelle Orientierung hin zum Fotorealismus.

The four-part cycle Parallel deals with the image genre of computer animation. The series focuses on the construction, visual landscape and inherent rules of computer-animated worlds. Parallel I opens up a history of styles in computer graphics and meditates on the current orientation towards photorealism.

The Analogy of Space

Ukraine 2022

12'02", Farbe Colour, Ukrainisch, Englisch mit englischen Untertiteln Ukrainian, English with English subtitles

Regie Director Oleksandr Hoisan

Basiert auf Based on Grand Theft Auto: San Andreas

Der Gamer beobachtet die nicht-spielbaren Charaktere ausgiebig und wird Zeuge bestimmter dokumentarischer Ereignisse, die sich im Spiel ereignen. Sie sind durchdrungen von gemeinsamen Themen: exzessive Grausamkeit und menschliche Gleichgültigkeit. Gibt es eine Rettung vor der Willkür der Straße oder ist sie ein integraler Bestandteil der virtuellen Welt?

Observing non-playable characters at length, the player witnesses certain documentary events that take place in the in-game space. They are permeated by common themes: excessive cruelty and human indifference. Is there a salvation from street arbitrariness, or is it an integral part of the virtual world?

Hypertimelapse GTA V

Frankreich France 2014

2', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Benoit Paillé, Schnitt Editor Benoit

Lerouze, Musik Music Flat Earth Society Orchestra

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

Dieses Video gehört zu Crossroads of Realities, einer fotografischen Performance in GTA V, die produziert wurde, um eine materielle Realität mit einer virtuellen zu überdecken, sodass die Grenze zwischen den beiden Welten ausgelöscht wird.

This video is a part of Crossroads of Realities, a photographic performance in GTA V that was conceived to overlay a material reality with a virtual one, erasing the border between the two worlds.

Descent Into Hell

Niederlande, USA Netherlands, USA 2022

37'54", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Jacky Connolly

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

Eine Frau ist allein in ihrer Wohnung in einer leeren, verlassenen Welt. Die Szene leitet eine Geschichte ein, in der eine Frau in einer alternativen Zeitachse durch Kalifornien reist. Sie fährt auf Güterzügen mit, erkundet verborgene Ecken der Stadt und macht unterwegs ungewöhnliche Erfahrungen. A woman is alone in her apartment in an empty, abandoned world. This opens onto a story of a woman in an alternate timeline, on a journey through California. She rides freight trains, explores hidden corners of the city, and encounters strange happenings along the way.

Zwischen Film und Videospiel Between Cinema and Video Games

Über das schwer zu fassende Medium

Machinima

Exploring the Elusive Medium of Machinima

Seit fast 30 Jahren stellt Machinima, bei dem Animationsfilme und andere Formen visueller Medien mithilfe von Videospielen oder Game-Engines erstellt werden, eine innovative und im ständigen Wandel befindliche Form des Filmemachens dar. In dieser Zeit ist ein gewisser Bestand an wissenschaftlichen Texten entstanden, in denen die wichtigsten Eigenschaften und Entwicklungsstadien dieses Genres beschrieben werden. Doch sowohl der Begriff selbst als auch das Spektrum der künstlerischen Produktion, auf das er sich bezieht, sind nach wie vor schwer zu definieren und beim Filmpublikum kaum bekannt.

In Rahmen dieser Podiumsdiskussion erkundet eine Reihe von Machinima-Wissenschaftler*innen und Künstler*innen die Ursprünge, die Herausforderungen und die Chancen, vor denen die Kunstform aktuell steht. In dem Versuch, die Grenzen dieses Mediums abzustecken, werden sie sich unter anderem mit den wichtigsten historischen Meilensteinen im Hinblick auf die Gaming-Community befassen. Hugh Hancock, ein Pionier des Formats,, führte den Begriff „Machinima“ ein und verband damit die Welten von Computerspieltechnologie und Kino. Aber welchen Platz nimmt das digitale Phänomen in der aktuellen Medienlandschaft ein, im Verhältnis zu dem, was auch in der Post-Kino-Ära noch als Kino bezeichnet wird? Ist es ihm gelungen, im Bereich der traditionellen Filmfestivals, Kinos und Archive Fuß zu fassen?

Bei den Schöpfer*innen von Machinima handelt es sich um Filmliebhaberinnen, Gamer und zeitgenössische Künstlerinnen und damit um eine äußerst vielfältige Gruppe aus kreativen Persönlichkeiten. Durch diese Interdisziplinarität bietet sich die Möglichkeit, verschiedene Blickwinkel zu präsentieren. Es wird im Rahmen der Diskussion auch um die Frage gehen, welche Rolle Machinima bei der Entstehung neuer Kunstformen spielt und wie es politisches und soziales Engagement vereinfachen kann. Wenn jedes Medium über ihm eigene Narrative, Themen und Genres verfügt, welche könnten es dann bei dieser Praxis des Filmemachens in Videospielen sein?

Machinima erlebt gegenwärtig eine bemerkenswerte Renaissance und Reifung und erweist sich als wichtiges Thema, wenn es um die Zukunft der künstlerischen virtuellen Produktion und des Kinos als solches geht.

Employing video games or game engines to create animated movies and other forms of visual media, machinima has been an innovative and ever-changing form of filmmaking for almost 30 years. During this time, a certain body of academic texts was formed, describing the main properties and stages of development. However, both the definition of the term itself and the spectrum of artistic production to which it refers remain elusive and little known among film audiences.

This podium discussion brings together a group of machinima scholars and artists to explore the origins, challenges and opportunities facing the art form today. In an attempt to delineate the boundaries of this medium, we will address the major historical milestones associated with the gaming community among other things. Introducing the very term ‘machinima’, one of the pioneers, Hugh Hancock, connected the worlds of computer game technology and cinema. What, then, is the place of this digital phenomenon in the current media landscape in relation to what we continue to call cinema, even in the post-cinema era? Has it managed to gain a foothold in the field of traditional film festivals, theatres and archives?

The creators of machinima are cineastes, gamers and contemporary artists, which is a very diverse group of creative personalities. This interdisciplinarity opens up the possibility for multiple points of view. As part of the conversation, we will try to raise the question of what role machinima plays in the emergence of new forms of art and how it can facilitate political and social engagement. If every medium has narratives, themes and genres that are unique to it, what might they be to this practice of making films in video games?

Undergoing a period of a remarkable renaissance and maturation, machinima turns out to be an important subject in the discussion about the future of artistic virtual production and film as such.

Teilnehmende

Alice Bucknell ist nordamerikanische Künstlerin und Autorin und lebt in London und Los Angeles. Mithilfe von GameEngines erstellt sie spekulative Spielfilme, in denen es um Verbindungen zwischen Architektur, Ökologie, Weltraum, Magie sowie nicht menschliche und Maschinenintelligenz geht.

Gemma Fantacci arbeitet im Rahmen ihrer Promotion in Bild- und Medienwissenschaften an der IULM-Universität in Mailand an einem Forschungsprojekt über Counter-GamingPraktiken. Sie ist Kommunikationsbeauftragte des Mailänder Machinima-Festivals, Ko-Kuratorin von VRAL und arbeitet regelmäßig mit der Galerie Metronom in Modena zusammen. Ip Yuk-Yiu ist experimenteller Filmemacher, Medienkünstler, Kunstpädagoge und unabhängiger Kurator. Seine Arbeiten reichen von Experimentalfilmen, Live-Performances und Medieninstallationen bis zu Videospielen. Derzeit ist er außerordentlicher Professor an der School of Creative Media der City University of Hong Kong.

Tracy Harwood ist Professorin für digitale Kultur. Sie war Leiterin des ersten europäischen Filmfestivals für Machinima, ist Ko-Autorin von Pioneers in Machinima: Grassroots of Virtual Production (2021) und Ko-Moderatorin des internationalen Podcasts And Now For Something Completely Machinima

Moderation

Vladimir Nadein und Dmitry Frolov

Participants

Alice Bucknell is a North American artist and writer based in London and Los Angeles. Using game engines, she makes speculative fiction films that explore interconnections of architecture, ecology, outer space, magic, and non-human and machine intelligence.

Gemma Fantacci is a PhD student in Visual and Media Studies at IULM University in Milan, with a research project focused on counter-gaming practices. She is Communication Manager of the Milan Machinima Festival and co-curator of VRAL, and collaborates regularly with Metronom Gallery in Modena. Ip Yuk-Yiu is an experimental filmmaker, media artist, art educator and independent curator. His works range from experimental films, live performances and media installations to video games. Currently he is Associate Professor at the School of Creative Media, City University of Hong Kong.

Tracy Harwood is a Professor of Digital Culture. She directed the first European Machinima Film Festival, is co-author of Pioneers in Machinima: The Grassroots of Virtual Production (2021) and co-host of the international podcast And Now For Something Completely Machinima.

Moderation

Vladimir Nadein and Dmitry Frolov

Die historische Komponente, die den Forscher*innen bei Machinima sofort ins Auge sticht, ist die der Fanwelt. Ein Großteil der Filme in diesem Medium wurde für Fans von leidenschaftlichen Gamer*innen gemacht. Sie stellen Szenen nach oder entwickeln Narrative aus ihren Lieblingsspielen, wie World of Warcraft. Machinima hat jedoch auch eine gewisse Cineastik in Gang gesetzt. Zu den Pionier*innen gehört Hugh Hancock, der mithilfe der Half-Life GameEngine Szenen aus dem Film Matrix (1999) nachgedreht hat. Seitdem dient es als beliebtes Mittel, um kanonische Kunstwerke spielerisch zu reproduzieren oder referenzieren. Im Gegensatz zu anderen cineastischen Huldigungsformen, wie den Videoessays, die aus Fragmenten bereits bestehender Filme zusammengesetzt werden, lädt Machinima seine Macher*innen dazu ein, eine Zeitlang im Regiestuhl Platz zu nehmen. Das wiederum wirft altbekannte Fragen auf hinsichtlich des Copyrights oder der Zukunft des Filmtheaters. Aber es zeigt auch vor allem eins: Kino erobert weiterhin die Herzen, sogar im virtuellen Raum.

The historical property of machinima that most researchers notice is the fandom dimension. A significant part of the films in this medium is created for fans and by avid players, often re-enacting or developing narratives from their best-loved video games, such as, for instance, World of Warcraft. It is not surprising that machinima has also sparked a certain cinephilia, and already one of its pioneers, Hugh Hancock, re-shot several scenes from the Wachowskis’

The Matrix in 1999 using the Half-Life game engine. Since then, it has been an appealing form for reproducing or referring to canonical art works or styles in a playful way. In contrast to other cinephilic practices, like video essays compiled from fragments of already shot movies, machinima provides authors with a more enticing opportunity to sit in their favourite director’s chair for a moment. This raises many old questions about copyright or the future of filmgoing, but above all proves that cinema continues to win the hearts of many people, even in virtual worlds.

The Bowl (La Jatte)

Italien Italy 2019

9'58", Schwarzweiß Black-and-white, Fiktionale Sprache Fictional language

Regie Director Luca Miranda

Basiert auf Based on Assassin’s Creed: Origins, Deus Ex: Mankind Divided, Fallout 4, Half-Life 2, Resident Evil 7: Biohazard, und anderen and others Ein konzeptionelles Remake und eine kritische Rekonstruktion von Chris Markers La Jetée mit einem Remix aus Originalstimme, Geräuschen und Musik. Dies ist kein Klonversuch, sondern das Bestreben, das Wesen und die Kultur der missbrauchten Medien sowie die ihnen zugrunde liegende Rhetorik und ihre oberflächlichen Narrative aufzuzeigen.

A conceptual remake and critical reconstruction of Chris Marker’s La Jetée with a remix of original voice, sound, and music. Rather than cloning, it aims to reveal the nature and culture of abused media and their underlying rhetoric and surface narratives.

Rotterdam Tower

Kanada Canada 2010

16'10", Farbe Colour, stumm silent Regie Director Clint Enns

Basiert auf Based on Grand Theft Auto IV

Das Machinima-Remake von Andy Warhols Empire spielt in Liberty City, dem virtuellen Pendant von New York in GTA IV. Der Film zeigt den Rotterdam Tower, einen Art-déco-Wolkenkratzer, dessen Design auf dem Empire State Building basiert.

The machinima remake of Andy Warhol’s Empire is set in Liberty City, a virtual counterpart of New York in GTA IV. The film features Rotterdam Tower, an Art Deco skyscraper whose design was based on the Empire State Building.

Sidings of the Afternoon

Kanada Canada 2021

4'34", Farbe Colour, Deutsch German

Regie Director Gina Hara

Basiert auf Based on Minecraft

„Jedes Zeitalter verlangt seine eigene Form.“ (Hannes Meyer) Gina Hara machte den Film während einer Pandemie. Es ist ihr Versuch, über die sich verschiebende Wahrnehmung des sie umgebenden urbanen Raums und über ihr Verhältnis zur Natur zu reflektieren. Als Inspiration dienten ihr ein Maya Deren Film, Lászlo Moholy-Nagys Lichtarbeiten und das Bauhaus-Stadtdesign.

‘Each age demands its own form.’ (Hannes Meyer). Gina Hara made this film during a pandemic, trying to reflect shifting perception of the urban space around her as well as her relationships with nature. She drew inspiration from a Maya Deren film, Lászlo Moholy-Nagy’s light works and Bauhaus urban design.

Porcile

Italien, Schweiz Italy, Switzerland 2023

8', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Sid Iandovka

Basiert auf Based on Unreal 4.27 Weder eine Hommage, noch ein Remake, noch eine Aneignung. Dies ist eine Untersuchung der (Un-)Möglichkeit von narrativen Strategien, die prä-/postindustriellen/rationalen Welten zu repräsentieren. Jenseits visueller Anspielungen besteht eine tiefgreifende Affinität zu Pasolinis poetischem „anderorts“, dessen Glanz in seinem radikalen Anderssein liegt.

Neither homage, remake, or appropriation, this is an investigation of the (im)possibility of narrative strategies in representing the pre/post-industrial/ rational worlds. Beyond visual allusions, there is a profound affinity with Pasolini’s poetic ‘elsewhere’, whose splendour resides in its radical otherness.

Marlowe Drive

Frankreich France 2017

33'56", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Ekiem Barbier, Guilhem Causse, Quentin L’Helgoualc’h

Basiert auf Based on Grand Theft Auto V

Die Hauptfigur aus David Lynchs Mulholland Drive, der Regisseur Adam Kesher, reist nach Los Santos in GTA V, um das Potenzial des Ortes als Kontext für einen Dokumentarfilm zu überprüfen. Er möchte das digitale Hollywood erkunden, um einen Film nicht über das Spiel, sondern im Spiel zu machen. The lead character from David Lynch’s Mulholland Drive, film director Adam Kesher, ventures to Los Santos in GTA V to explore the potential of this space as a context for making a documentary. He plans to explore the digital Hollywood in order to make a film not about the game, but in the game.

Phil Solomon. Interplay

Against Gravity endet mit einer Hommage an Phil Solomon, prominente Figur der amerikanischen Film-Avantgarde und Gewinner des Hauptpreises der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen 1990. Sein Beitrag im Wettbewerb war damals Remains to Be Seen, in dem Found Footage, wie Amateurfilme oder medizinische Aufnahmen, durch chemische und optische Verfahren bis fast zur Unkenntlichkeit zerstört wurden. Solomon produzierte bis zum Jahr 2005 fast ausschließlich Filme dieser Art. Dann schwenkte er um auf Machinima. So eine Entscheidung scheint überraschend, gerade für ein Mitglied der Experimentalfilm-Community, das sich hauptsächlich mit Zelluloid befasste. Doch weniger überraschend scheint es, wenn man sich seine Machinima einmal näher anschaut. Sein erstes In-Game-Werk Crossroad entstand in Zusammenarbeit mit einem guten Freund, dem Filmemacher Mark Lapore, der kurz darauf verstarb, und dem Solomon die nachfolgende Trilogie widmete (Rehearsals for Retirement, Last Days in a Lonely Place und Still Raining, Still Dreaming). Die Trauer, die er in diesen Filmen zum Ausdruck bringt, überschneidet sich mit der Sehnsucht nach fotochemischem Kino, das durch digitale Codes verdrängt wurde, wie der Kritiker John Powers bemerkte. Viel wichtiger noch: Solomon proklamierte keinen Bruch mit dem obsoleten Medium. Vielmehr fusionierte er filmische Codes und Avantgarde mit der „einzigartigen digitalen Ästhetik von Grand Theft Auto“. Dadurch erweiterte und transformierte er sein Schaffen und verdeutlichte das faszinierende Zusammenspiel zweier Filmtechnologien.

Against Gravity ends with an homage to Phil Solomon, a prominent figure of American film avant-garde and the winner of the First Prize at the International Short Film Festival Oberhausen in 1990. That year, he participated in the competition with his Remains to Be Seen, in which found materials, such as home movies or medical footage, were dissolved almost to abstraction by chemical and optical processing. Solomon was producing exclusively analogue films of that kind until 2005, when he made a radical transition to machinima. Such a decision seems surprising for a member of the experimental film community of his generation that was primarily occupied with celluloid. But it becomes clearer if you see what sort of machinima Solomon did. He created his first in-game work Crossroad with his close friend, filmmaker Mark Lapore, who died shortly afterwards, and to whom Solomon dedicated the subsequent In Memoriam trilogy (Rehearsals for Retirement, Last Days in a Lonely Place and Still Raining, Still Dreaming). In these films, the grief for the departed friend turned out to be consonant with the longing for the photochemical cinema, displaced by the digital code, as noticed by critic John Powers. But most importantly, Solomon did not proclaim a break with the obsolete medium. Instead, he brought cinematic codes and avant-garde techniques to the ‘singular digital aesthetic of Grand Theft Auto’. By doing so, he managed to extend and reinvent his practice and demonstrated the captivating interplay between two film technologies.

The Secret Garden

USA 1988

16 mm, 17', Farbe Colour, stumm silent

Regie Director Phil Solomon

„… ein Verlangen nach einer überirdischen Erfahrung, nach Geheimnissen, steht für mich im Zentrum des Filmemachens.“ (Phil Solomon) Dieser traumartige 16-mm-Film verwebt handverarbeitete Aufnahmen aus Hollywood-Filmen mit fotografiertem Material, um über die archetypische Idee der Vertreibung aus dem Paradies zu sinnieren.

‘…a longing for a transcendental experience, for mystery, is absolutely at the heart of filmmaking for me.’ (Phil Solomon) This dreamlike 16 mm film weaves together hand-processed footage from Hollywood movies and photographed material to meditate on the archetypal idea of expulsion from the Garden.

Twilight Psalm II: Walking Distance

USA 1999

16 mm, 23', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Phil Solomon

Phil Solomon beschreibt seinen 16-mm-Film als einen archäologischen Fund aus der Bronzezeit, „ein Kino aus Äther und Erz“. Wie ein Alchemist löst er Bilder auf und verkocht sie, um die traumatische Geschichte des 20. Jahrhunderts genauer zu betrachten.

Phil Solomon described his 16 mm film as an archaeological find from the Bronze Age, ‘a cinema of ether and ore’. Like an alchemist, he dissolves and coagulates images in order to look into the traumatic history of the 20th century.

Rehearsals for Retirement

USA 2007

11', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Phil Solomon

Basiert auf Based on Grand Theft Auto: San Andreas

„Wie könnte man diese Bilder betrachten und etwas anderes sehen als Verlust.“ (Michael Sicinski) Dieses elegische Machinima ist die erste Würdigung an den tragisch verstorbenen Mark Lapore. Solomon sucht nach Spuren seines Freunds in den schummrigen Tunneln und der zugewachsenen Einöde der nebligen virtuellen Welt, die sie einst gemeinsam durchstreiften.

‘How could one look at these images and see anything but loss?’ (Michael Sicinski) This elegiac machinima is the first dedication to the tragically deceased Mark Lapore. Solomon is looking for traces of his friend in the dim tunnels and weedy wastelands of the foggy virtual world, where they were once together.

Last Days in a Lonely Place

USA 2007

12', Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English Regie Director Phil Solomon

Basiert auf Based on Grand Theft Auto: San Andreas Solomon beklagt den schwindenden Reiz von Filmtheatern und dem traditionellen Kinoapparat. Er betrachtet die apokalyptischen, noir-artigen Räume durch einen Kamerasucher innerhalb des Spiels. Dort sucht er nach gespenstischen Figuren aus den Lieblingsfilmen seines Freundes, The Last Days und In A Lonely Place.

Solomon laments the fading allure of movie theatres and the traditional cinema apparatus, looking over the apocalyptic, noir-like spaces through an in-game camera view finder. In them, he looks for ghostly figures from his friend’s favourite films, The Last Days and In A Lonely Place.

Still Raining, Still Dreaming

USA 2008

12', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Phil Solomon

Basiert auf Based on Grand Theft Auto IV

Die Straßen von Liberty City, für gewöhnlich belebt und geprägt von Gewalt, sind verlassen und geplagt von Melancholie. Zum Soundtrack von Basil Wrights ethnografischen Dokumentarfilm The Song of Ceylon, von dem Mark Lapore unbedingt ein Remake machen wollte, führt Solomon uns langsam durch das Straßennetz.

The streets of Liberty City, usually busy and filled with violence, are deserted and riddled with melancholy. Solomon slowly guides us through them, accompanied by the soundtrack from Basil Wright’s ethnographic documentary The Song of Ceylon, which Mark Lapore dreamed of remaking.

Profile  Profiles

als Objekte Poems as Films as Objects

„Ich glaube nicht an das Kino oder an irgendeine andere Kunst.

Ich glaube auch nicht an den einzelnen Künstler oder das einzelne Werk.

Ich glaube an Phänomene und an Menschen, die Ideen zusammenbringen.“[1]

— Marcel Broodthaers

Als Dichter, der im Alter von 40 Jahren beschloss, bildender Künstler zu werden, schuf Marcel Broodthaers in relativ kurzer Zeit ein faszinierendes Gesamtwerk aus Texten, Zeichnungen, Gemälden, Publikationen, Fotografien, Skulpturen, Installationen und Filmen. Seine eigenwillige Ästhetik ist geprägt von seinem Interesse für die Spannungen zwischen Objekt, Bild und Text, seinem subtilen Einsatz von Rhetorik, seinem einzigartigen Sinn für Humor und seiner kritischen Auseinandersetzung mit den Protagonisten des zeitgenössischen Kunstsystems – letztere machte ihn zu einem einflussreichen Wegbereiter der Institutionskritik als Bewegung.

Der Titel seines ersten veröffentlichten Gedichts von 1948 – Projet pour un film (Projekt für einen Film) – machte deutlich, dass Broodthaers das Medium Film in sein eigenes künstlerisches Schaffen aufnehmen musste. Nachdem er 1957 seinen ersten Film realisiert hatte, folgten zwischen 1967 und 1975 fast 50 weitere. Mit begrenzten finanziellen wie technischen Mitteln entwickelte Broodthaers seine ganz eigene Auffassung vom Kino. Inspiration fand er in den Arbeiten von René Magritte und Kurt Schwitters (zwei bildenden Künstlern, die auch mit Sprache arbeiteten) und in Schriftstellern wie Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé und Jean de La Fontaine. Fasziniert von den archaischen Formen des Kinos ignorierte Broodthaers bewusst dessen weitere Entwicklung (oder tat zumindest als ob) und schuf kurze Filmsequenzen ohnegleichen.

Auf einer inszenierten Schwarzweiß-Fotografie aus dem Jahr 1971 erscheint Broodthaers als geheimnisvolle Figur: mit einer Augenmaske, rauchend in die Kamera blickend, in der linken Hand ein Exemplar des Buches L’Invention du cinéma von 1946, dem ersten der sechs Bände von Georges Sadouls monumentaler Histoire générale du cinéma, einem der frühesten Versuche, die Geschichte des Mediums von seinen Ursprüngen bis zum Ende der Stummfilmzeit zu erfassen. L’Invention du cinéma widmet sich den Jahren 1832 bis 1897 – also der Ära vor und zu Beginn des Kinos, die viele von

‘I don’t believe in the cinema, any more than in any other art.

Nor do I believe in the individual artist or the individual work.

I believe in phenomena and in men bringing together ideas.’[1]

— Marcel Broodthaers

A poet who resolved to become a visual artist at the age of 40, Marcel Broodthaers built in a relatively short time a fascinating body of work incorporating texts, drawings, paintings, publications, photographs, sculptures, installations and films. His idiosyncratic aesthetic is defined by a sustained interest in the frictions between object, image and text, a subtle use of rhetoric, a unique sense of humour and a persistent questioning of the figures of the contemporary art system – which made him an influential pioneer of the so-called institutional critique movement.

The title of his first published poem in 1948 – Projet pour un film (Project for a film) – made clear that Broodthaers had to incorporate the film medium into his own artistic programme. Having made his first film in 1957, between 1967 and 1975, Broodthaers shot close to 50 other titles, developing with limited means (both economically and technically) a peculiar take on cinema. Inspired by the work of René Magritte and Kurt Schwitters (two visual artists who also worked with language) and by such writers as Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé and Jean de La Fontaine, fascinated by archaic forms of cinema and deliberately ignoring most of its further evolution (or feigning to do so), Broodthaers imagined short sequences that resemble no other.

In a staged black-and-white photograph taken in 1971, Broodthaers appears as a mysterious character: eye-masked, smoking and looking at the camera, he holds in his left hand a copy of the 1946 book L’Invention du cinéma, the first of the six volumes in Georges Sadoul’s monumental Histoire générale du cinéma, one of the earliest attempts to cover the history of the medium from its origins until the end of the silent film era. Dedicated to the 1832–97 period, L’Invention du cinéma focuses on the pre- and early cinema years, an era that inspired many titles in Broodthaers’s filmography: The Last Voyage (1973/74) is based on hand-coloured magic lantern slides; La Pluie (Projet pour un Texte) (1969), another silent film in which the artist tries to write a text while the rain

Broodthaers Werken inspirierte: The Last Voyage (1973/74) basiert auf handkolorierten Dias der Laterna Magica; der Stummfilm La Pluie (Projet pour un texte) (1969), in dem der Künstler versucht, einen Text zu schreiben, während der Regen seine Bemühungen zunichte macht, ist von der Slapstick-Komödie inspiriert und zeigt Broodthaers als Schauspieler mit todernstem Gesicht. Diese Fähigkeit sollte er bis zu seinen letzten Tonfilmen Eau de Cologne (1974) und Berlin oder ein Traum mit Sahne (1974) noch perfektionieren. Gerade um einen Raum für Erfindungen zu schaffen (um an Sadoul anzuknüpfen), reiste Broodthaers in der Zeit zurück.

Ganz so, als wollte er das Reich des Films neu definieren, stellte Broodthaers dessen Konventionen ständig infrage –was zu paradoxen bis hin zu unmöglichen Formen des Kinos führte.[2] Ein eindrucksvolles Beispiel dafür ist Un film de Charles Baudelaire (1970), von dem Broodthaers einmal behauptete, er sei im 19. Jahrhundert gedreht worden – bevor Muybridge, die Brüder Lumière und Edison überhaupt geboren waren.[3] Broodthaers verknüpfte in seinen Filmen immer wieder vermeintlich widersprüchliche Begriffe. Une Seconde d’éternité (1970) dauert nur eine Sekunde und ist damit ein kaum wahrnehmbarer Film. La Pluie (Projet pour un texte) stützt sich auf die Idee des Kinos als „ein eigenartiges Werkzeug der gleichzeitigen Einschreibung und Auslöschung“[4], wie Eric de Bruyn es ausdrückte.

Broodthaers wehrte sich gegen die gängige Annahme, Kino sei die Kunst der Bewegung: Viele seiner Filme bestehen aus Standbildern – sie unterstreichen die Spannung zwischen Bewegung und deren Abwesenheit. Histoire d’amour (1971), Chère Petite Sœur (La Tempête) (1972), Paris (1972), Mauretania (1972) und Ah que la chasse soit le plaisir des rois (1972) basieren auf Postkarten. Analyse d’une peinture (1973) vereint mehrere statische Aufnahmen eines einzelnen Meeresgemäldes, die wiederum in A Voyage on the North Sea (1973/74) mit zwei Fotografien kombiniert werden.[5] In Projet pour un poisson (Projet pour un film) (1970/71) erscheint die Bewegung nur in Form des leichten Flimmerns auf der Oberfläche der Linie, die die Zeichnungen und Wörter nachzieht. Dieser Eindruck ist auf das gewählte Herstellungsverfahren zurückzuführen: Bilder und Textzeilen wurden mit einer Maschine in das Zelluloid geätzt, die früher zur Erzeugung von Untertiteln verwendet wurde. Exercice (1971) wurde mit der gleichen Technik hergestellt. In diesem Fall wurden jedoch nur Wörter und Zahlen auf den Film gedruckt, um eine weitere Strategie des Künstlers hervorzuheben: die Präsenz von Text.

Broodthaers spielte mit den Regeln und Werkzeugen des Kinos und hinterfragte so immer wieder deren übliche Anwendung. So präsentierte er einige seiner Filme auf eigens produzierten speziellen Leinwänden, die mit Text und/ oder Bildern bedeckt waren. Die Leinwand erscheint dabei als aktives Objekt, dessen Oberfläche die vom Lichtstrahl übertragenen visuellen Informationen nicht nur neutral aufnimmt, sondern plötzlich in den Prozess eingreift und Teil des Kunstwerks wird. Ein ikonischer Film dieser Art ist Le Corbeau et le Renard (d’Après La Fontaine) (1967), den Broodthaers als „Versuch, sowohl die Bedeutung des Wortes als auch die des Bildes so vollständig wie möglich zu leugnen“, beschrieb. Weiter erklärte er: „Damit Text und Objekt eingebunden werden konnten, musste die Leinwand mit denselben typografischen Zeichen bedruckt werden wie der Film.“[6] Ein weiteres solches Objekt ist die Leinwand Fig. 1, Fig. 2, auf der die mit Schablonen gedruckten Worte „Fig. 1“ und „Fig. 2“ (eine wiederkehrende Bezeichnung in Broodthaers gesamtem Werk) sich mit den projizierten Bildern überlagern. Mit solchen Ideen griff Broodthaers die Auseinandersetzung mit

counters his efforts, takes its inspiration from slapstick comedy, revealing Broodthaers as an deadpan-faced actor, a skill he would keep on developing until his latest sound efforts Eau de Cologne (1974) and Berlin oder ein Traum mit Sahne (1974). It is precisely to establish a platform for invention (to pick up on Sadoul) that Broodthaers goes back in time.

As if he were trying to redefine film’s territory, Broodthaers constantly challenged its conventions, resulting in paradoxical if not impossible forms of cinema.[2] A striking example of this is A Film by Charles Baudelaire (1970), which he once introduced as having been shot in the 19th century – before Muybridge, the Lumière brothers and Edison were even born. [3] In his films, Broodthaers repeatedly on the combination of contradictory notions. Une Seconde d’éternité (1970) only lasts for one second, making it a barely perceptible film. La Pluie (Projet pour un texte) relies on the idea of cinema considered as ‘a curious device of simultaneous inscription and erasure’[4], as Eric de Bruyn put it.

Tackling the common assumption that cinema is the art of movement, many of his films are composed of still images, underlining the tension between motion and the absence of it. Histoire d’amour (1971), Chère Petite Sœur (La Tempête) (1972), Paris (1972), Mauretania (1972) and Ah que la chasse soit le plaisir des rois (1972) are based on postcards. Analyse d’une peinture (1973) combines several static shots of a single marine painting, which are in turn combined with two photographs in A Voyage on the North Sea (1973/74). [5] In Projet pour un poisson (Projet pour un film) (1970/71), the movement only appears in the slight simmer on the surface of the line tracing the fixed drawings and words – an impression created due to the chosen reproduction process: images and text lines were etched into the celluloid employing a machine formerly used to generate subtitles. Exercice (1971) was made using the same technique, this time in order to print solely words and numbers, simultaneously highlighting another strategy of the artist: the presence of text.

Playing with the codes and tools of cinema, Broodthaers often subverted their standard use. This led him to produce special screens, covered with text and/or images, in order to present some of his films. In these instances, the screen appears as an active object whose surface, instead of neutrally receiving the visual information conveyed by the light beam, suddenly interferes in the process and becomes part of the artwork. An iconic film in this respect is Le Corbeau et le Renard (d’Après La Fontaine) (1967), which Broodthaers described as ‘an attempt to deny as fully as possible both the meaning of the word and that of the image’, stating that ‘[f]or the text and object to be integrated the screen had to be imprinted with the same typographical characters as those in the film.’[6] Another such object is the Fig. 1, Fig. 2. screen whose stencilled ‘fig. 1’ and ‘fig. 2’ lines (a recurring label throughout Broodthaers’s whole body of work) are superimposed with the projected images. Such ideas renewed Magritte’s concern with the relationship between object, image and language.

Pushing the envelope of the film form, Broodthaers’s work paralleled the development of the experimental cinema of the 1960s and ’70s, with which he shared some screening occasions. Nevertheless, Broodthaers always carefully refused any classification of his films, especially avoiding the labels ‘avant-garde’ and ‘experimental’. In an announcement for a screening organised in 1972, he felt the need to clarify: ‘The terms “essential complements to his visual work” or even “experimental films” have appeared in the advertising for this session. They don’t seem to me to be suitable for qualifying

der Beziehung zwischen Objekt, Bild und Sprache von Magritte neu auf.

Broodthaers lotete die Grenzen des Films neu aus. Seine Arbeit verlief parallel zur Entwicklung des Experimentalfilms der 1960er- und 1970er-Jahre, mit dem er häufig gemeinsame Vorführungen teilte. Dennoch lehnte Broodthaers jede Klassifizierung seiner Filme stets strikt ab. Insbesondere vermied er die Kategorien „Avantgarde“ und „experimentell“. In einer Ankündigung für eine 1972 organisierte Vorführung verdeutlichte er dies wie folgt: „In der Werbung für diese Veranstaltung sind die Begriffe ‚wesentliche Ergänzungen zu seinem visuellen Werk‘ und sogar ‚experimentelle Filme‘ gefallen. Sie scheinen mir nicht geeignet zu sein, die Filme, die ich zeigen möchte, zu qualifizieren … Das ist keine Filmkunst, es ist … Nicht mehr und nicht weniger Gegenstand der Diskussion als ein Gemälde von Meissonier oder Mondrian, das sind Filme …“[7] „Ich bin kein Filmemacher“, sagte Broodthaers 1967 in einem Interview. „Für mich ist der Film die Erweiterung der Sprache. Ich habe mit Poesie begonnen, dann bildende Kunst und schließlich Film gemacht. Das Kino bringt verschiedene Elemente der Kunst zusammen. Das heißt: die Schrift (Poesie), das Objekt (bildende Kunst) und das Bild (Film). Das Schwierige dabei ist natürlich die Harmonie zwischen diesen Elementen.“[8]

Broodthaers wollte einen Raum schaffen, in dem er seine Filme in ihrem eigenen Kontext einsetzen konnte: In der Section Cinéma seines Musée d’Art Moderne, Département des Aigles arbeitete er an der Inszenierung unmöglicher Filmgeschichten – als wollte er Formen des Kinos materialisieren, die nie existierten, und seine Fantasie Wirklichkeit werden lassen. Die Section Cinéma, die Broodthaers 1971 an seinem Wohnort in Düsseldorf eröffnete, umfasste eine Sammlung von Objekten aus der Filmgeschichte, z. B. Regiestühle, leere Filmrollen, einen Rückspultisch, ein Klavier und andere Artefakte, die wie ausrangierte Überbleibsel einer anderen Ära wirkten. In diesem Zusammenhang entstand auch das bereits erwähnte Foto des Künstlers, auf dem er das Buch von Sadoul in der Hand hält (markiert mit „Fig. 1“).

Dieses Programm konzentriert sich auf die Arbeit des Künstlers als Filmemacher. Es lässt bewusst Werke aus, die eher als visuelle Dokumentation von Ausstellungen oder performativen Momenten fungieren, z. B. Objet (1967), Une Discussion inaugurale (1968), MTL (DTH) (1970), Un Jardin d’Hiver (A B C) (1974) oder Un Voyage à Waterloo (1969) und Speakers Corner (1972) – obwohl gerade die beiden letzteren es Broodthaers ermöglichten, seine Präsenz auf der Leinwand zu stärken. Auch Variationen wurden nicht berücksichtigt, so zum Beispiel Deux films (1973), der aus Analyse d’une peinture und einer frühen Version von A Voyage on the North Sea besteht, und Le Poisson est tenace (1971), der aus Ausschnitten von Projet pour un poisson entstand.

Die gewählte Reihenfolge ist größtenteils (aber nicht streng) chronologisch und gibt uns einen Überblick über die Entwicklung der Auseinandersetzung des Künstlers mit dem bewegten Bild. Kreative (und geografische) Phasen treten hervor, wiederkehrende Themen tauchen auf, spezifische Strategien entwickeln sich und gipfeln in ehrgeizigen Projekten, bei denen Ausstellungsräume zu Filmsets („décors“) werden, in denen reale Ereignisse mit inszenierten Situationen verschmelzen, wie in dem vielschichtigen La Bataille de Waterloo (1975).

In seiner Auseinandersetzung mit dem Kino und dem weiteren Kontext der Kunst hat Broodthaers die Entwicklung der Künste und die heutige Stellung des Kinos vorausgesehen. Doch trotz der Anerkennung des Künstlers werden seine

the films I want to show… It’s not cinematographic art, it’s… Not more and as much as an object of discussion as a painting by Meissonier or Mondrian, these are films…’[7] ‘I am not a filmmaker,’ said Broodthaers in a 1967 interview: ‘For me, film is the extension of language. I began with poetry, then visual art, and finally cinema which brings together several different elements of art. Which is to say: writing (poetry), the object (visual art), and the image (film). The difficult thing, of course, is the harmony between these elements.’[8]

Broodthaers sought to create a space in which to deploy his cinema in its own context: in his Musée d’Art Moderne, Département des Aigles, Section Cinéma, he worked on the mise-en-scène of impossible film histories, as if he were trying to materialise cinemas that never existed and make his fictions a reality. Section Cinéma, which Broodthaers opened at his home in Düsseldorf in 1971, brought together a collection of objects relating to film history, such as typical director’s chairs, an empty film reel, a rewinding table, a piano and other artefacts that appeared as the discarded remnants of another era. It is in this context that the aforementioned photograph of the artist holding Sadoul’s book (marked ‘fig. 1’) was taken.

This programme focuses on the artist’s work as a filmmaker. It deliberately omits titles which function more as visual documentation on exhibitions or performative moments, such as Objet (1967), Une Discussion inaugurale (1968), MTL (DTH) (1970), Un Jardin d’Hiver (A B C) (1974) or even Un Voyage à Waterloo (1969) and Speakers Corner (1972) – two titles which nonetheless allowed Broodthaers to develop his onscreen presence. Variations have been omitted too, such as Deux films (1973) which consists of Analyse d’une peinture followed by an early version of A Voyage on the North Sea, and Le Poisson est tenace (1971), made with outtakes of Projet pour un poisson.

The chosen order is mostly (but not strictly) chronological, allowing for an overview of the evolution of the artist’s approach towards the moving image. Creative (and geographical) phases stand out, recurring themes appear, specific strategies develop, culminating into ambitious projects where exhibition settings become filmsets (‘décors’) in which real life events merge with staged situations, such as in the richly-layered La Bataille de Waterloo (1975).

In confronting cinema and the art context, Broodthaers envisioned the evolution of the arts and the current position of cinema. Yet, despite the artist’s recognition, his films are still rarely presented, some of them having not screened publicly in a long time. As research progresses, newly discovered titles also regularly expand the artist’s filmography: La Lune (1972), The Last Voyage, Mauretania and Ah que la chasse soit le plaisir des rois, for instance, were not mentioned in the catalogue Marcel Broodthaers: Cinéma, deemed as exhaustive in 1997.[9]

Few other artists have approached the film medium in such a stimulating way as Broodthaers did, simultaneously arching back to its archaic forms and speculating on its future endeavours. It is as if Broodthaers had tried, and managed, to pick up film history at earlier stages of its evolution in order to develop alternative trajectories. To look at cinema’s past and at its possible futures at the same time, is there any better prospect?

Xavier García Bardón

Filme noch immer selten gezeigt. Einige von ihnen wurden schon lange nicht mehr öffentlich vorgeführt. Mit dem Fortschreiten der Forschung wird die Filmografie Broodthaers regelmäßig durch neu entdeckte Werke erweitert: La Lune (1972), The Last Voyage, Mauretania und Ah que la chasse soit le plaisir des rois wurden zum Beispiel im Katalog Marcel Broodthaers: Cinéma, der 1997 als vollständig angesehen wurde, nicht erwähnt.[9]

Nur wenige andere Künstler haben sich dem Medium Film auf so anregende Weise genähert wie Broodthaers: Während er sich auf die archaischen Formen des Kinos zurückbesann, spekulierte er gleichzeitig über dessen zukünftige Bestrebungen. Es ist, als hätte Broodthaers versucht – und es geschafft –, die Filmgeschichte in früheren Stadien ihrer Entwicklung aufzugreifen, um alternative Wege zu erschließen. Kann es eine bessere Perspektive geben, als die Vergangenheit des Kinos und seine mögliche Zukunft parallel zu betrachten?

Xavier García Bardón

Xavier García Bardón ist Kurator, Wissenschaftler und Autor und lebt in Brüssel. Er lehrt an der École de Recherche Graphique und der Université Libre de Bruxelles. Als ehemaliger Programmer bei BOZAR hat er Filmvorführungen, Veranstaltungen und Ausstellungen für zahlreiche Festivals und Institutionen kuratiert, darunter das Internationale Filmfestival Rotterdam, die Cinémathèque française, das WIELS, das Centre Pompidou, das Centro de Arte Dos de Mayo, CINEMATEK und das National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea.

Xavier García Bardón is a curator, researcher and writer based in Brussels. He teaches at École de Recherche Graphique and Université Libre de Bruxelles. A former programmer at BOZAR, he has curated screenings, events, and exhibitions for numerous festivals and institutions, including the International Film Festival Rotterdam, Cinémathèque française, WIELS, Centre Pompidou, Centro de Arte Dos de Mayo, CINEMATEK and the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea.

Wir danken Maria Gilissen Broodthaers herzlich für die großzügige Zusammenarbeit und dafür, dass sie dieses Projekt ermöglicht hat. Ein weiterer Dank geht an CINEMATEK und an Raf Wollaert für ihre Unterstützung.

We wish to warmly thank Maria Gilissen Broodthaers for her generous collaboration and for making this project possible. Additional thanks go to CINEMATEK and to Raf Wollaert for their help.

[1] ‘Je ne crois pas au cinéma, pas plus qu’à un autre art. Je ne crois pas non plus en l’artiste unique ou à l’œuvre unique. Je crois à des phénomènes et des hommes qui réunissent des idées.’ ‘Interview de Marcel Broodthaers’, Trépied, No. 2, February 1968, p. 5.

[2] To paraphrase Bruce Jenkins, who wrote about ‘The Impossible Cinema of Marcel Broodthaers,’ in Graeme HARPER, Rob STONE (ed.), The Unsilvered Screen: Surrealism on Film, London, Wallflower Press, 2007.

[3] ‘Un film de Charles Baudelaire n’est pas un film destiné aux cinéphiles. Pourquoi? Parce qu’il a été tourné au XIXe siècle. Et que les cinéphiles n’ont jamais vu de bobines datées d’un temps où Muybridge, les frères Lumière et Edison n’étaient pas encore nés ou faisaient leur premiers pas sous l’œil vigilant des mamans et des papas industriels.’

[‘Un film de Charles Baudelaire is not a film intended for cinephiles. Why? Because it was shot at the turn of the 19th century. And that cinephiles have never seen reels dated from a time when Muybridge, the Lumière brothers and Edison were not yet born, or were taking their first steps under the watchful eye of industrial mums and dads.’]: Marcel Broodthaers announcing a 1974 screening organised at the Brussels Studio Arenberg, as an extension of the exhibition he was part of – together with Carl André, Daniel Buren, Victor Burgin, Gilbert & George, On Kawara, Richard Long and Gerard Richter – at the Palais des Beaux-Arts in January–February 1974. Manuel J. BORJA-VILLEL, Michael COMPTON (ed.), Marcel Broodthaers: Cinéma, Barcelona, Fundacio Anton Tàpies, 1997, p. 121.

[4] Eric DE BRUYN, ‘The Museum of Attractions: Marcel Broodthaers and the Section Cinéma,’ in Tania LEIGHTON (ed.), Art and the Moving Image, London, Tate/Afterall, 2008, p. 112.

[5] The same painting provided the material for the 80-slide projection piece Bateau Tableau (1973).

[6] ‘C’est un essai pour nier autant que possible le sens du mot comme celui de l’image.’ ‘Il fallait pour intégrer texte et objet que l’écran soit impressionné par les mêmes caractères typographiques que ceux du film.’ ‘Interview de Marcel Broodthaers’, op. cit., p. 4.

[7] ‘Sont parus dans la publicité pour cette séance les termes “compléments essentiels à son œuvre plastique” ou encore “films expérimentaux”. Ils ne me paraissent pas convenir pour qualifier les films que je veux montrer… Ce n’est pas de l’art cinématographique, c’est… Pas plus et autant qu’un objet de discussion comme pourrait l’être un tableau de Meissonier ou de Mondrian, ce sont des films…’. Announcement for the screening organised by Jeunesse et Arts Plastiques at the Brussels Palais des Beaux-Arts on 7 December 1972, reproduced in Manuel J. BORJA-VILLEL, Michael COMPTON (ed.), op. cit., p. 210.

[8] ‘[…] je ne suis pas cinéaste. Le film pour moi, c’est le prolongement du langage. J’ai commencé par la poésie, puis la plastique et finalement le cinéma qui réunit plusieurs éléments de l’art. C’est-à-dire: l’écriture (la poésie), l’objet (la plastique) et l’image (le film). La grande difficulté, c’est évidemment l’harmonie entre ces éléments.’ ‘Interview de Marcel Broodthaers’, op. cit., p. 4.

[9] Manuel J. BORJA-VILLEL, Michael COMPTON (ed.), op. cit.

Marcel Broodthaers

‘Moi aussi, je me suis demandé si je ne pouvais pas vendre quelque chose et réussir dans la vie. Cela fait un moment déjà que je ne suis bon à rien. Je suis âgé de quarante ans…’

Invitation to Marcel Broodthaers’s exhibition at Galerie Saint-Laurent, Brussels, 10–25 April 1964.

Marcel Broodthaers, 1924 in Brüssel geboren, war ein belgischer Dichter, bildender Künstler und Filmemacher. Er gilt als einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Nachdem Broodthaers 1942 sein Chemiestudium abgebrochen hatte, konzentrierte er sich zunächst auf das Schreiben. Er veröffentlichte Gedichtbände im Selbstverlag und versuchte sich als Journalist und Fotograf. Im Jahr 1946 lernte er den Maler René Magritte kennen, dessen Werke er sehr bewunderte. Ende 1963 beschloss Broodthaers, selbst als bildender Künstler tätig zu werden. Der einleitende Text zu seiner ersten Ausstellung im Jahr 1964 gab dabei den Ton an: „Auch ich habe mich gefragt, ob ich nicht etwas verkaufen und im Leben Erfolg haben könnte. Seit einiger Zeit bin ich zu nichts mehr zu gebrauchen. Ich bin vierzig Jahre alt …“[1] Sein symbolträchtiges erstes Werk schuf Broodthaers, indem er unverkaufte Exemplare seines Gedichtbandes Pense Bête mit Gips umhüllte. Bis 1968 zählten Eierschalen, Muscheln, Kohle und Ziegelsteine zu seinen bevorzugten Materialien; ab 1972 wurden Palmen zu einem weiteren wiederkehrenden Motiv. Sprache, Poesie und soziales Bewusstsein standen im Mittelpunkt seines Schaffens. Von 1968 bis 1972 entwickelte Broodthaers in den zwölf Editionen seines Musée d’Art Moderne, Département des Aigles eine komplexe Kritik an der Kunstinstitution. Mit der Section Cinéma, die 1971 in Düsseldorf eröffnete, wurde auch das Kino Teil dieses Projekts. Für Broodthaers war der Film gleichermaßen Inspirationsquelle und eigenständiges Medium. Er drehte nahezu 50 Filme in Brüssel, Paris, London, Berlin, Düsseldorf und Köln, wo er 1976 starb.

Born in Brussels in 1924, Marcel Broodthaers was a Belgian poet, visual artist, and filmmaker. He is regarded as one of the most influential figures in 20th century art. Having dropped out of his chemistry studies in 1942, Broodthaers initially focused on writing. Self-publishing poetry books, he tried to make a living as a journalist and a photographer. In 1946, he met the painter René Magritte, whose work he admired. By the end of 1963, Broodthaers decided to become a visual artist as well. The introductory text to his first exhibition, in 1964, set the tone: ‘I, too, I wondered if I couldn’t sell something and succeed in life. For some time I have been good for nothing. I am forty years old…’[1] Symbolically, Broodthaers made his first object by embedding a number of unsold copies of his book Pense-Bête in plaster. Egg shells, mussels, coal and bricks were among his favourite materials until 1968; palm trees became another recurring motif from 1972. Language, poetry and social awareness were at the core of his practice. From 1968 to 1972, through the 12 sections of his Musée d’Art Moderne, Département des Aigles, Broodthaers developed a complex critique of the art institution. Cinema was part of this project with the Section Cinéma, which opened in Düsseldorf in 1971. For Broodthaers, film acted both as a source of inspiration and as a medium in itself. Broodthaers made close to 50 films, shot in Brussels, Paris, London, Berlin, Düsseldorf and Cologne, where he died in 1976.

Filmauswahl Selected works

La Clef de l’Horloge (Poème cinématographique en l’honneur de Kurt Schwitters) (1957–58), Le Corbeau et le Renard (d’Après La Fontaine) (1967), Ceci ne serait pas une pipe (Un Film du Musée d’Art Moderne) (1968–71), La Pluie (Projet pour un texte) (1969), Une Seconde d’éternité (d’Après une idée de Charles Baudelaire) (1970), A Voyage on the North Sea (1973–74), Berlin oder ein Traum mit Sahne (1974), La Bataille de Waterloo (1975)

Défense de fumer

Belgien Belgium 1967–70

16 mm, 28", Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent

Regie Director Marcel Broodthaers

In diesen vier Takes erscheint ein maskierter Marcel Broodthaers, der raucht. Ursprünglich gefilmt für La Pipe Satire.

A masked Marcel Broodthaers smoking appears in these four takes, originally filmed for La Pipe Satire.

La

Clef de l’Horloge (Poème cinématographique en l’honneur de Kurt Schwitters)

Belgien Belgium 1957/58

16 mm, 8', Schwarzweiß Black-and-white, Französisch French Regie Director Marcel Broodthaers

Broodthaers’ erster Film wurde produziert, ehe er selbst Kunstobjekte herstellte. Der Film wurde während der Schließzeiten der Ausstellung von Kurt Schwitters im Palais des Beaux-Arts de Bruxelles im Jahr 1957 gedreht und basiert auf Schwitters Kunst, angestrahlt von einer Taschenlampe.

Broodthaers’s first film was produced before he started making objects himself. Shot during the closing hours of the Kurt Schwitters exhibition that took place at the Brussels Palais des Beaux-Arts in 1957, the film is based on Schwitters’s artworks, lit up by a handheld torch lamp.

Ceci ne serait pas une pipe (Un Film du Musée d’Art Moderne)

Belgien Belgium 1968/71

35mm, 2'20", Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Zwischen 1968 und 1971 machte Broodthaers eine Filmreihe zum Thema „la pipe“, die mit dem zentralen Element des berühmten Gemäldes von René Magritte aus dem Jahr 1929 spielt, La Trahison des Images (Der Verrat der Bilder), weitaus bekannter unter dem Titel Ceci n’est pas une pipe (Dies ist keine Pfeife).

Between 1968 and 1971, Broodthaers made a series of films on the theme of ‘la pipe’, playing with the central element of the famous 1929 painting by René Magritte, La Trahison des Images (The Treachery of Images), more widely known as Ceci n’est pas une pipe (This is not a pipe).

La Pipe Satire

Belgien Belgium 1969

35mm, 3', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Ein weiterer Film aus der Reihe von Variationen, die Broodthaers rund um Magrittes Pfeife ersann. Dieser Film ergänzt das Thema um eine erotische Dimension.

Another film in the series of variations imagined by Broodthaers around the Magrittean figure of the pipe, this one adds an erotic dimension to the topic.

[1] ‘1 seconde pour Narcisse c’est déjà le temps de l’éternité. Narcisse a répété indéfiniment le temps de 1/24e de seconde. La persistance rétinienne chez Narcisse avait une durée éternelle. Narcisse est l’inventeur du cinéma.’ Marcel Broodthaers in Manuel J. BORJA-VILLEL, Michael COMPTON (ed.), op. cit., p. 126.

La Pluie (Projet pour un texte)

Belgien Belgium 1969

16 mm, 3', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Gefilmt im Garten des Musée d’Art Moderne, Département des Aigles (das Broodthaers in seiner Brüsseler Heimat gründete), zeigt La Pluie den Künstler als keatonesken Charakter, der versucht, einen Text zu schreiben, während die Tinte immer wieder vom Regen weggewaschen wird.

Filmed in the garden of the Musée d’Art Moderne, Département des Aigles (the institution founded by Broodthaers at his Brussels home), La Pluie shows the artist as a Keatonesque character trying to write a text while the ink is constantly washed away by the rain.

Une Seconde d’éternité (d’Après une idée de Charles

Baudelaire)

Belgien Belgium 1970

35mm, 1", Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

„Eine Sekunde ist für Narziss bereits die Dauer der Ewigkeit. Narziss wiederholte ewig die Dauer von 1/24-Sekunde. Die Beständigkeit der Netzhaut war für Narziss unendlich lang. Narziss ist der Erfinder des Kinos.“[1] (Marcel Broodthaers) „Broodthaers’ kürzester Film dreht sich um seine ersten Ideen in Bezug auf die Unterschrift des Künstlers, Zeichnung, Animation und Zeit.“ (Maria Gilissen Broodthaers)

‘One second for Narcissus is already the time of eternity. Narcissus repeated forever the time of 1/24th of a second. Retinal persistence, for Narcissus, was of eternal duration. Narcissus is the inventor of cinema’[1] (Marcel Broodthaers) ‘Broodthaers’s shortest film condenses around his initials ideas relating to the artist’s signature, drawing, animation and time.’ (Maria Gilissen Broodthaers)

Projet pour un poisson (Projet pour un film)

Belgien Belgium 1970/71

35mm, 9', Schwarzweiß Black-and-white, stumm mit französischem Text silent with French text Regie Director Marcel Broodthaers

Der gesamte Film wurde mit Ausnahme des Vorspanns ohne Kamera produziert. Broodthaers’ Zeichnungen von Fischen, Filmstreifen, Filmframes und Wörtern wurden unter Verwendung einer alten Untertitelungsmaschine direkt in das Zelluloid gebrannt. Die winzigen Funken auf der Oberfläche dieser statischen Bilder entstehen aufgrund dieser besonderen Technik. The entire film was made without using a camera, except for the opening credits. Broodthaers’s drawings of fish, film strips, film frames and words were directly etched into the celluloid using an old subtitling machine. The tiny sparkles on the surface of these static images are due to this specific technique.

Exercice

Belgien Belgium 1971

35mm, 2', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Im Umgang mit dem Begriff des Geldes wurde Exercice mit der gleichen Technik gemacht wie Projet pour un poisson (Projet pour un film): Das Filmmaterial wurde mit einer alten Untertitelungsmaschine bearbeitet, was dem Werk eine einzigartige Do-it-yourself-Dreidimensionalität verleiht.

Dealing with the notion of money, Exercice was made with the same technique as Projet pour un poisson (Projet pour un film), engraving the film stock with an old subtitling machine, and adding a unique do-it-yourself tridimensionality to the work.

A Film by Charles Baudelaire

Belgien Belgium 1969/70

35mm, 6'30", Farbe Colour, Englisch English Regie Director Marcel Broodthaers

Ein Beitrag zu Lucien Goldmanns Seminar zu Charles Baudelaire an der Université Libre de Bruxelles in 1969/70. Der Film wurde von Broodthaers so präsentiert, als hätte Baudelaire ihn 1850 (Kino gab es da noch nicht) gedreht, in Erinnerung an seine (wirklich zurückgelegte) Reise über den Pazifik im Jahr 1841.

Made as a contribution to Lucien Goldmann’s seminar on Charles Baudelaire at Université Libre de Bruxelles in 1969–70, the film was presented by Broodthaers as having been shot by Baudelaire in 1850 (cinema hadn’t been invented yet) in memory of his (actual) 1841 voyage across the Pacific.

La Lune

Belgien Belgium 1972

35mm, 2'40", Farbe Colour, stumm mit englischem Text silent with English text

Regie Director Marcel Broodthaers

Nahaufnahmen einer gedruckten Karte des Mondes – begutachtet durch eine Lupe, die auf einige der geologischen Standortnamen fokussiert – im Wechsel mit handgeschriebenen Worten: „Midnight Scurvy Death, Beauty Eternity Museum, Dream Shark Death.“ Laut seinen Vorbemerkungen wollte Broodthaers diesen Film ebenfalls als Werk Baudelaires präsentieren.

Close shots on a printed map of the moon – examined through a magnifying glass, focusing on some of its geological site names – alternate with handwritten words: ‘Midnight Scurvy Death, Beauty Eternity Museum, Dream Shark Death.’ In preparatory notes, Broodthaers also intended to present this film as having been made by Baudelaire.

Au-delà

de cette limite

Frankreich, Deutschland France, Germany 1971

16 mm, 7'30", Schwarzweiß Black-and-white, stumm mit französischem Text silent with French text

Regie Director Marcel Broodthaers

Spekulierend über die zahlreichen Bedeutungen der Warnschilder in der Pariser U-Bahn kombiniert diese Arbeit dokumentarische Aufnahmen mit der erfinderischen Nutzung von Untertiteln durch den Künstler (darunter auch, in der zweiten Version des Films, einige Anspielungen auf psychoanalytische Konzepte).

Speculating on the multiple meanings of the warning signs filmed in the Parisian metro, this work combines documentary shots with the artist’s inventive use of the subtitles (including, in this second version of the film, some allusions to psychoanalytical concepts).

3 Cartes Postales

Histoire d’amour

Belgien Belgium 1971

16 mm, 3', Farbe Colour, Französisch French Regie Director Marcel Broodthaers

Chère Petite Sœur (La Tempête)

Belgien Belgium 1972

16 mm, 4', Farbe Colour, stumm mit französischem Text silent with French text Regie Director Marcel Broodthaers

Paris

Belgien Belgium 1972

16 mm, 1', Farbe Colour, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

In Broodthaers Filmografie sind Postkarten ein wiederkehrendes Motiv. In Histoire d’amour und Chère Petite Sœur (La Tempête) sehen wir stürmische Meeresansichten in Nahaufnahme im Wechsel mit Nachrichten, die auf die Rückseite von Karten geschrieben wurden. Im dritten Teil, Paris, sehen wir Stadtansichten im Wechsel mit dem Wort „Postkarte“, übersetzt in mehrere Sprachen.

Postcards are a recurring motif in Broodthaers’s filmography. In Histoire d’amour and Chère Petite Sœur (La Tempête), stormy sea views are seen in close shots, alternating with the messages written on the back of the cards. In the third part, Paris, city views alternate with the word ‘postcard’ translated into several languages.

Mauretania

Belgien Belgium 1972

16 mm, 2', Farbe Colour, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers Ein weiterer Postkartenfilm, der sich mit Meeresthemen befasst. Mauretania basiert auf einem Foto des berühmten britischen Überseedampfers aus dem 20. Jahrhundert, damals das größte Schiff der Welt. Another postcard film dealing with a sea-related topic, Mauretania is based on a photograph of the famous early 20th-century British ocean liner, once the world’s largest ship.

Ah que la chasse soit le plaisir des rois

Belgien Belgium 1972

10', Farbe Colour, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Bilder ab 1900 bis in die 1970er-Jahre von Hunden, Vögeln und Raubtieren, Zielen, Bedienungsanleitungen für Waffen, vom Kamerasucher und weiterem gedruckten Material zum Thema Jagd, gefilmt in Nahaufnahme, wobei dem Druckkorn ebenso viel Aufmerksamkeit geschenkt wird wie den abgebildeten Elementen.

1900s to 1970s images of dogs, birds and animals of prey, targets, gun operating instructions, the viewfinder of a camera, and other printed material relating to hunting practice, filmed in close shots, with equal attention to the printing grain as to the pictured elements.

Slip Test (Dissolves)

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1975

16 mm, 6", Farbe Colour, stumm silent

Regie Director Marcel Broodthaers

Found Footage eines Ringkampfes wird hier so arrangiert, dass der Eindruck rutschender und springender Bilder entsteht.

Found footage from a wrestling match is arranged here in such a way as to give the impression that images slip and jump.

Analyse d’une peinture

Belgien Belgium 1973

16 mm, 6', Farbe Colour, stumm silent

Regie Director Marcel Broodthaers

Broodthaers verwies einmal auf die Ähnlichkeit zwischen den beiden französischen Wörtern für „Boot“ (bateau) und „Gemälde“ (tableau). Das Laiengemälde eines Bootes auf dem Meer ist der Ausgangspunkt der beiden Filme Analyse d’une peinture und A Voyage on the North Sea. Im ersten zeigen statische Aufnahmen das gesamte Gemälde, zahlreiche seiner Details und seinen Rahmen (mit und ohne die Leinwand).

Broodthaers once pointed at the similarity between the French words for ‘boat’ (bateau) and ‘painting’ (tableau). An amateur painting of a boat at sea is the starting point for both Analyse d’une peinture and A Voyage on the North Sea. In the first, static takes show the whole painting, numerous details of it, as well as its frame (with and without the canvas).

A Voyage on the North Sea

Belgien, Vereinigtes Königreich Belgium, United Kingdom 1973/74

16 mm, 4', Farbe Colour, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Ein Film in Form eines Buches oder einer Diashow von Bildern des oben erwähnten Gemäldes, dieses Mal in Kombination mit von Broodthaers fotografierten Jachten am Strand von Ostende. Ein gleichnamiges Buch aus dem gleichen Material wurde im gleichen Jahr produziert, ebenso eine Diaprojektion.

A film in the form of a book or a slide show, made from images of the abovementioned painting, this time combined with photographs of yachts at sea off Ostende, taken by Broodthaers. A book bearing the same title and composed with the same material was produced the same year, as well as a slide projection piece.

The Last Voyage

Belgien, Vereinigtes Königreich Belgium, United Kingdom 1973/74

16 mm, 4', Farbe Colour, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Ein sterbender Mann erwartet die Ankunft des Bootes, das seine Seele mitnehmen wird. The Last Voyage wurde, basierend auf in London erworbenen Laterna-Magica-Dias, in Brüssel gedreht und erst nach Broodthaers’ Ableben verarbeitet (ohne nachträglich geschnitten oder bearbeitet zu werden). Der Film spiegelt das Interesse des Künstlers an Projektionsgeräten aus der Vor-Kino-Zeit wider.

A dying man awaits the arrival of the boat that will take his soul away. Based on magic lantern slides acquired in London, The Last Voyage was shot in Brussels and only processed after Broodthaers’s death (without any subsequent cutting or editing). The film reflects the artist’s interest in pre-cinema projection devices.

Monsieur Teste

Belgien, Frankreich Belgium, France 1974

35mm, 2', Farbe Colour, stumm silent

Regie Director Marcel Broodthaers

Eine kleine mechanische Puppe im Anzug liest das französische Nachrichtenmagazin L’Express. Statische Kameraarbeit wird der Kamerabewegung von links nach rechts gegenübergestellt, die die Bewegung des Kopfs der Puppe nachahmt, während sie das Magazin liest.

A little mechanical dummy wearing a suit reads the French newspaper L’Express. Static camera work is juxtaposed with the movement of the camera from side to side, echoing the motion of the figure’s head as he reads the journal.

Crime à Cologne

Deutschland Germany 1971

35mm, 1'30", Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English

Regie Director Marcel Broodthaers

Der Film wurde in der Galerie Michael Werner während der Art Cologne 1971 gedreht. Er zeigt ein Mädchen, das ein Buch von John Blackberry liest, ehe es von einem Mann angeschossen wird. Im Hintergrund läuft kontinuierlich Orphée aux Enfers (Orpheus in der Unterwelt) des in Köln geborenen Komponisten Jacques Offenbach.

In this film shot at Galerie Michael Werner during the 1971 Cologne Art Fair, a girl reads a book by John Blackberry before being literally shot by a man. Orphée aux Enfers (Orpheus in the Underworld) by the Cologne-born composer Jacques Offenbach plays throughout.

Eau de Cologne

Deutschland Germany 1974

35mm, 2', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Marcel Broodthaers

Broodthaers sitzt vor dem Kölner Dom und hält eine Topfpalme (ein weiteres wiederkehrendes Motiv in Broodthaers’ Gesamtwerk). Dieser Film im Slapstick-Stil beginnt und endet mit einer Kinderstimme, die den Titel und das Datum 1974 auf Französisch, Englisch und Deutsch so wiederholt, dass das Gesagte mit der Zahl 4711 des berühmten Kölner Parfüms verwechselt werden könnte.

With Broodthaers sitting in front of the Cologne Cathedral holding a potted palm tree (another recurring motif in Broodthaers’s œuvre), this slapstickstyle film begins and ends with the voice of a child repeating its title and the date 1974 in French, English and German, in such a way that it could be confused with the number 4711 of the famous Eau de Cologne scent.

Berlin oder ein Traum mit Sahne

Deutschland Germany 1974

35mm, 10', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Marcel Broodthaers

Ein Film aus dem Jahr 1974. Er wurde gedreht, als Broodthaers DAAD-Stipendiat des Artist-in-Residence-Programms war, und zeigt Berliner Stadtszenen, die von Slapstick-Szenen unterbrochen werden, die den Künstler beim Rauchen, Lesen, Essen oder Tagträumen zeigen. Für den Soundtrack spielte Maria Gilissen die Melodie Parlami d’amore, Mariú auf dem Akkordeon.

Made in 1974 while Broodthaers was an artist in residence under the DAAD programme, the film depicts Berlin scenery, intercut with slapstick scenes of the artist smoking, reading, eating and daydreaming. On the soundtrack, Maria Gilissen plays the tune Parlami d’amore, Mariú on the accordion.

Figures of Wax (Jeremy Bentham)

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1974

16 mm, 16', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Marcel Broodthaers

Figures of Wax wurde in London gedreht. In einer Szene spricht Broodthaers mit der Wachsfigur von Jeremy Bentham, die am University College ausgestellt wird. Der Dialog erscheint nur in den Untertiteln. Für den Soundtrack spielte Broodthaers Beethoven und Chopin, während ein gesprochener Kommentar dem Film eine weitere Bedeutungsebene verleiht.

Shot in London, Figures of Wax includes a scene in which Broodthaers converses with Jeremy Bentham’s waxwork figure displayed at University College. The dialogue only appears in the form of subtitles. On the soundtrack, Broodthaers plays Beethoven and Chopin, while a spoken commentary adds another layer of meaning.

La Bataille de Waterloo

Vereinigtes Königreich United Kingdom 1975

35mm, 10', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Marcel Broodthaers

Für die Ausstellung Décor am ICA London im Jahr 1975 platzierte Broodthaers als Anspielung auf Konflikte des 19. und 20. Jahrhunderts (napoleonische Ära und der Vietnam-Krieg) in zwei Räumen Möbel, Pflanzen und Schusswaffen. Dieser ambitionierte Film kombiniert Aufnahmen der Ausstellung mit Szenen der „Trooping the Colour“, einer Militärparade, die jedes Jahr vor dem ICA stattfindet, und dem Vorspiel der Oper Tristan und Isolde.

For the exhibition Décor held at the ICA London in 1975, Broodthaers set up two rooms with furniture, plants and firearms, alluding to 19th- and 20thcentury conflicts (the Napoleonic era, the Vietnam War). This ambitious film combines views of the Décor with scenes recorded during the ‘Trooping of the Colour’, a military parade that happens every year in front of the ICA, and the Prelude of the opera Tristan und Isolde.

In einigen wenigen Fällen veränderte Broodthaers die eigentlich neutrale Projektionsfläche. In jeder dieser Expanded Cinema Arbeiten (die er wahrscheinlich nicht als solche bezeichnet hätte) ist die Leinwand ein integraler Bestandteil des Werks und interagiert mit dem projizierten Bild. In diesem außergewöhnlichen Programm werden all diese Projekte auf drei speziellen Leinwänden präsentiert.

On a few occasions, Broodthaers altered the usually neutral projection surface. In each of these expanded cinema pieces (that he probably wouldn’t have named as such), the screen is an integral part of the piece, interacting with the projected image. For this exceptional screening, all of these projects will be presented, with three special screens installed.

L’Œuf Film

Belgien Belgium 1965

Les Œufs

Belgien Belgium 1967

Nicht umgesetzte Projekte Unrealised projects Rund um das Jahr 1965 schrieb Broodthaers zusätzlich zu seinen visuellen Arbeiten mit Eiern einige Texte zu ähnlichen Themen, die als Gedichte oder als nicht verwendete Drehbücher betrachtet werden können, darunter L’Œuf Film und Les Œufs. Mit diesen wollte er den klassischen Kinoapparat modifizieren. Die Projekte werden beschrieben.

Around 1965, in addition to many visual works with eggs, Broodthaers wrote a few texts around the same topic which might be considered equally as poems or as unrealised film scripts such as L’Œuf Film and Les Œufs, for which he planned to modify the classic cinematic apparatus. These projects will be described.

Le Corbeau et le Renard (d’Après La Fontaine)

Belgien Belgium 1967

16 mm, 7', Farbe Colour, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Projiziert auf Leinwand Projected on screen

Le Corbeau et le Renard (161 x 218 cm)

Eine der zahlreichen Arbeiten, die Marcel Broodthaers im Hinblick auf die Fabel des französischen Dichters Jean de La Fontaine mit demselben Titel aus dem 17. Jahrhundert produzierte. Eine Erzählung, in der Sprache und Rhetorik eine tragende Rolle spielen. „Mein Film ist ein Rebus, das man entziffern wollen muss. Er ist eine Leseübung.“[1] (Broodthaers)

One of the many works produced by Marcel Broodthaers in relation to the fable of the same title by 17th-century French poet Jean de La Fontaine, a tale in which language and rhetoric are central. ‘My film is a rebus that you need to want to decipher. It is an exercise in reading.’[1] (Broodthaers)

[1] ‘Mon film est un rébus qu’il faut avoir envie de déchiffrer. C’est un exercice de lecture.’ ‘Interview de Marcel Broodthaers’, op. cit., p. 4.

Alle Filme All films

Mit freundlicher Genehmigung von Maria Gilissen Broodthaers und CINEMATEK Cinémateque royale de Belgique / Koninklijk Belgisch Filmarchief Courtesy of Maria Gilissen Broodthaers and CINEMATEK Royal Film Archive of Belgium

Charlie als Filmstar

Deutschland Germany 1970

16 mm, 2'30", Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Brussel Teil II

Deutschland Germany 1970

16 mm, 2'30", Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Belga Vox – Mode – XX Century Fox

Belgien Belgium 1970

16 mm, 8'30", Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Projiziert auf Leinwand Projected on screen Fig. 1 Fig. 2

Drei Found-Footage-Filme aus dem Programme Section Cinéma, die auf die Leinwand Fig. 1 Fig. 2 zu projizieren sind: eine Zusammenstellung von Sequenzen aus einem Chaplin-Film; ein Dokumentarfilm über Brüssel, den Broodthaers in einem Fotoshop gekauft hat; ein Film aus kurzen Enden und Fragmenten von Nachrichtensendungen von damals.

Three found footage films from the Section Cinéma programme, to be screened on the Fig. 1 Fig. 2 screen: a compilation of sequences from a Chaplin film; a documentary about Brussels bought by Broodthaers in a photoshop; a film made of short ends and fragments from period newsreels.

Musée Museum Haut/Bas Fragile

Belgien Belgium 1968/69

16 mm, 1', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

La Promenade

Belgien Belgium 1968/69

16 mm, 1', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Regie Director Marcel Broodthaers

Projiziert auf Leinwand Projected on screen Carte du Monde Politique

In Section Cinéma zeigte Broodthaers diese Werke auf einer Weltkarte – ein Thema, das er auch in Un Film de Charles Baudelaire untersuchte. Musée Museum Haut/Bas Fragile besteht aus Fragmenten des Films Une Discussion inaugurale (1968), der die Eröffnung von Broodthaers’ Section XIXe siècle (der ersten Erscheinungsform seines Musée d’Art Moderne) dokumentiert und mit Interpunktionsstudien kombiniert. La Promenade zeigt, wie der Künstler unruhig rauchend durch den Museumsgarten geht.

In Section Cinéma, Broodthaers used to screen these titles on a world map – a topic he also explored in Un Film de Charles Baudelaire, among others. Musée Museum Haut/Bas Fragile consists of fragments from Une Discussion inaugurale (1968), a film documenting the inauguration of Broodthaers’s Section XIXe siècle (the first manifestation of his Musée d’Art Moderne) combined with punctuation studies. La Promenade shows the artist anxiously walking and smoking in the Museum’s garden.

sich wandelnden Landschaft

Living in the shifting landscape

Die Künstlerin Yamashiro Chikako ist in Okinawa geboren und aufgewachsen, einer aus Inseln bestehenden Präfektur im äußersten Südwesten Japans. Yamashiro hat mal gesagt: „Als ich mich auf die Zweifel und das Gefühl des Unbehagens konzentrierte, das ich im Alltag empfand, spiegelten sich die Probleme Okinawas ganz selbstverständlich in meiner Arbeit wider.“ So setzt sie sich seit den 2000er-Jahren in ihrem künstlerischen Schaffen, das in erster Linie aus Fotografie und Video besteht, mit der Geschichte und den geopolitischen Problemen ihres Heimatlandes auseinander. In Yamashiros Filmen besteht jedoch ein ausgewogenes Verhältnis zwischen der Macht und Poesie der Bilder, die die Sinne des Betrachters ansprechen, und einem kritischen Blick auf soziale Fragen.

Yamashiro sinniert über ihr Verhältnis zu den Problemen Okinawas und bringt die Stimmen, Körper und Seelen zum Ausdruck, die übersehen und überhört wurden. Sie sagt häufig, dass ihr kurz vor dem Beenden einer Arbeit Visionen (oder Bilder) für ein anderes Werk in den Kopf kommen und sie auf eine Reise führen, deren Ziel sie nicht kennt. Die starke Präsenz, die von Yamashiros Werken ausgeht, ist tief verwurzelt in ihrer Verbundenheit mit der Landschaft Okinawas und ihrem Engagement für die spezifischen Themen der Region; zugleich sind sie jedoch offen für eine Interpretation und lassen sich auch in einem breiteren Kontext deuten.

Die Region, die einst Teil des Königreichs Ryūkyū war und ihren kulturellen Reichtum der Seefahrt zu verdanken hatte, wurde Ende des 19. Jahrhunderts von Japan annektiert. Während des Pazifikkrieges war Okinawa Schauplatz heftiger Kämpfe, und viele Soldat*innen und Zivilist*innen ließen ihr Leben, um das japanische Festland zu schützen. Da sich Okinawa an der Seeroute für Militärtransporte zwischen Ost- und Südostasien befindet, spielt die Präfektur eine wichtige strategische Rolle. Aus diesem Grund wurde die US-Besatzung auch nach Beenden der Besetzung Japans 1952 fortgesetzt. Auch heute noch, Jahrzehnte nach der „Rückgabe“ an Japan im Jahr 1972, befinden sich auf Okinawa rund 70 Prozent aller US-Militärstützpunkte in Japan.

BORDER (2002) ist eines von Yamashiros ersten Statements dazu, was es heißt, stets von Zäunen umgeben zu sein. Beginnend mit der Eröffnungssequenz fängt die Kamera das Meer und die Berge Okinawas ein, gelegentlich unterbrochen von Szenen, in denen Yamashiro barfuß um ein großes Grabmal im Stil eines Schildkrötenpanzers hüpft, das für Okinawa typisch ist. Die Kamera folgt der Künstlerin auf ihrem Weg den Zaun entlang. Die gleiche Art von Grabmal findet sich auch

Yamashiro Chikako is an artist born and raised in Okinawa, a prefecture of islands in the southernmost and westernmost part of Japan. As Yamashiro once said, ‘As I focused on the doubts and sense of discomfort I felt in everyday life, the problems of Okinawa naturally came to be reflected in my work’. She has confronted her homeland’s history and geopolitical issues through her art production using photography and video as primary media since the 2000s. The films Yamashiro creates, however, delicately balance the fertility and poetry of images that appeal to the viewer’s physical senses with a critical gaze on social issues.

Yamashiro reflects on her relationship to the problems of Okinawa, conveying the voices, bodies, and souls that have been overlooked and overheard. She often said that as she comes to finish one work, the visions (or images) for another work will come and lead her to continue a journey without knowing the goal. The strong presence that Yamashiro’s works exude is deeply rooted in her attachment to the landscape of Okinawa and commitment to the issues specific to the region, while they are open to interpretation and can be read in a broader context.

The region, once ruled by the Ryukyu Kingdom, had developed its rich culture as a maritime nation and was annexed by Japan in the late 19th century. During the Pacific War, Okinawa became a fierce battleground where many military and civilian lives were taken as a shield for the Japanese mainland. Located along the marine transportation route connecting East and Southeast Asia, Okinawa has been considered a critical point for military strategy. For this reason, the U.S. occupation continued even after the Allied occupation of Japan was lifted in 1952. Today, decades after its ‘return’ to Japan in 1972, Okinawa is still home to approximately 70% of U.S. military bases in Japan.

BORDER (2002) is one of Yamashiro’s first statements about living surrounded by fences. From the opening, the camera captures the ocean and mountains of Okinawa, occasionally interspersed with the scenes of Yamashiro hopping barefoot around a large turtle’s shell-style tomb peculiar to Okinawa. The camera follows the artist walking along the fence. The same kind of tomb can be found in the background across the fence. It suggests that the land beyond the border was taken away from the original habitants, and they cannot visit their family graves. In due course, the fence extends from the beach to the sea. Although the film does not directly refer to it, the area the film documented is the very site of political conflict for constructing a new military

im Hintergrund auf der anderen Seite des Zaunes. Dadurch wird angedeutet, dass das Land jenseits dieser Grenze den ursprünglichen Bewohner*innen weggenommen wurde und diese ihre Familiengräber nicht mehr besuchen können. Letztlich erstreckt sich der Zaun vom Strand bis zum Meer. Dies wird zwar im Film nicht direkt angesprochen, aber es handelt sich bei dem darin gezeigten Gebiet um den Schauplatz politischer Konflikte um die Errichtung eines neuen Militärstützpunkts, für den die wunderschöne Natur entlang der Küste von Henoko aufgeschüttet werden soll.

In I Like Okinawa Sweet (2004) aus der dreiteiligen Serie Okinawa Tourist leckt eine unter der tropischen Sonne schwitzende junge Frau (Yamashiro) im bunten Kleid ein Eis nach dem anderen, das ihr vor dem Zaun eines Militärstützpunktes der US Army gereicht wird. Die Eiscreme lässt sich hier als Symbol für die verschiedenen „Überredungsmaßnahmen“ deuten, die von den USA und von Festland-Japan eingesetzt werden (z. B. in Form wirtschaftlicher Anreize als Gegenleistung für die Ansiedlung von US-Militärstützpunkten). Mit ihren sehr sinnlichen Gesten vermittelt die Szene ein Bild, das Okinawa mit einer Frau in der Falle vergleicht. Sie scheint eigentlich bereit zu sein, Süßigkeiten in Empfang zu nehmen, wirkt aber zunehmend verzweifelt und unzufrieden mit der Situation.

Den Filmarbeiten zu Anata no koe wa watashi no nodo wo tōta (2009) ging eine Arbeit voraus, bei der Yamashiro von einer Lokalzeitung beauftragt wurde, ein Fotoessay darüber zu schreiben, wie Kriegserlebnisse von den Älteren weitergegeben werden. Yamashiro organisierte einen Workshop mit älteren Menschen in einer Gemeinschaftseinrichtung und bat sie, über sich selbst zu sprechen, in der Hoffnung, dass sie über den Krieg reden würden. Einer der älteren Männer, der als kleiner Junge in Saipan gelebt hatte, berichtete, mitangesehen zu haben, wie seine Familie während der heftigen Kämpfe im Krieg von einer Klippe in den Tod sprang. Yamashiro, die das Geständnis auf Video aufnahm, gelang es beim Anhören dieser tragischen Geschichte nicht, sich die Szene bildlich vorzustellen. Sie hatte Schuldgefühle, weil sie den Mann dazu gebracht hatte, sich an dieses Ereignis zu erinnern, ohne dass sie selbst in der Lage war, es angemessen wahrzunehmen. Dieses Schuldgefühl sollte Yamashiro lange begleiten und sie dazu bringen, das Material nach einem Jahr des inneren Kampfes zu überarbeiten. In dem Film versucht Yamashiro als Sprecherin, ihre Lippen synchron zum O-Ton des alten Mannes zu bewegen. Sie hat diesen mechanischen Vorgang viele Male wiederholt und hatte irgendwann bildlich vor Augen, was er als Junge mitansehen musste (zumindest fühlte es sich in diesem Moment so an), sodass ihr die Tränen kamen. Das sei ihr nur einmal passiert, sagt sie. Durch die Einblendung von Aufnahmen der Regale eines Archivs deutet Yamashiro an, wie schwierig, aber auch wie wichtig es ist, mit dem Einsatz all unserer Sinne den Stimmen anderer zu lauschen, die alleingelassen wurden.

Ihrer Besessenheit von den Stimmen anderer geht sie auch in Shizumu koe, akai iki (2010) nach, einem eher metaphorischen Film. Bereits zu Anfang hatte sie die Vorstellung von einem Bündel in der Tiefsee treibender Mikrofone, die ungehörte Stimmen übertragen. Die vom Meeresboden aufsteigenden Blasen könnten die Stimmen der Toten darstellen (vermutlich derer, die in Kriegszeiten ihr Leben verloren haben). Yamashiro überlässt die Interpretation dem Publikum. Das benommene Gemurmel einer älteren Dame, die Yamashiro zufällig auf der Straße getroffen hat, steht für die Schwierigkeit, das Aufkommen gemischter Gefühle angesichts der harten Realität der Ausgegrenzten zu akzeptieren

base by landfilling the beautiful nature along the coastal line named Henoko.

In I Like Okinawa Sweet (2004), one of the three-part series Okinawa Tourist, sweating under the tropical sunlight, a young woman (Yamashiro) in a colourful dress keeps licking ice cream, which someone hands her one after another in front of the fence of the U.S. Army base. Here, ice cream can be read as various kinds of ‘cajolery’ employed by the U.S. and the Japanese mainland (such as economic stimulation measures as compensation for accepting U.S. bases). With her act of rather sensual gestures, the scene can be viewed as Okinawa being a woman in a trap. She is seemingly willing to receive sweets, but as time passes, she looks desperate and fed up with the situation.

Before filming Your Voice Came Out Through My Throat (2009), Yamashiro got a commission from the local newspaper to write a photo essay on the theme of how to inherit the wartime experience of the elders. Yamashiro organised a workshop with older people at a group facility and asked them to talk about themselves, expecting they might share their wartime stories. One of the older men who lived in Saipan as a young boy confessed that he witnessed his family jump off the cliff and lose their lives during the fierce battle during the war. While video recording and listening to his tragic story, Yamashiro could not picture the scene in her mind and felt guilty about forcing him to revisit such a memory and yet being unable to receive it properly. This sense of guilt has stayed in Yamashiro for a long time, leading her to rework the footage after one year of struggle. In the short film, Yamashiro is a talking head trying to lip-sync the older man’s speech. She repeated that mechanical process many times and, at one point, came to picture the boy’s vision (at least she felt so at the very moment) and found herself tearing up. It happened only once, she said. By inserting shots of the shelves of an archive, Yamashiro suggests how difficult but important it is to listen to the voices of others left abandoned by using our bodily senses entirely.

Her obsession with others’ voices was explored in a rather metaphorical film, Sinking Voices, Red Breath (2010). At the starting point, she already had a vision of a bouquet of microphones floating in the deep sea carrying unheard voices. The bubbles coming up from the bottom of the sea could represent the voices of the dead (presumably ones who lost their lives in wartime). Yamashiro leaves it open to how the viewers see them. The dopey murmuring of an older lady, whom Yamashiro accidentally met on the street, symbolises the dif-

Nikuya no onna

und zu verstehen. Die einsame Dame könnte uns als Vermittlerin das Unsichtbare vor Augen führen.

Mud Man [Einkanal-Version] (2017) ließe sich als Höhepunkt der bisherigen Arbeiten Yamashiros zur „Vererbung von Erinnerungen/Stimmen“ betrachten. In dem ursprünglich als Dreikanal-Videoinstallation konzipierten Werk werden Szenen von zwei Orten in Okinawa (Henoko und die Insel Ie-jima), der Insel Jeju in Südkorea und Gedichte in drei Sprachen (Japanisch, Ryūkyū und Koreanisch) vermischt.

Inspiriert von den Menschen, die sich aus Protest vor das Tor der Baustelle in Henoko legten, ist Mud Man eine Metapher für Menschen, die es müde wurden, sich gegen die absurde Realität zu wehren. Sie waren schon zu lange da und haben vergessen, gegen was sie kämpfen. Eines Tages jedoch werden sie durch die Saat der aus verschiedenen Orten stammenden Poesie geweckt. Im Film kommt Yamashiros Sehnsucht nach einer Kunst zum Ausdruck, die die Leidenden vereint, während sie gleichzeitig andeutet, dass es auch hier keine unmittelbare Lösung gibt.

Yamashiro, die unter anderem den griechischen Filmemacher Theo Angelopoulos verehrt, hegt noch immer den Wunsch, einen narrativen Film in Spielfilmlänge zu drehen, obwohl ihre Aktivitäten bisher hauptsächlich im Bereich der zeitgenössischen Kunst angesiedelt waren. Allerdings hat sie bereits einige Versuche unternommen, um dieses selbstgesteckte Ziel zu erreichen. Das zweite Programm von Yamashiro zeigt ihre Annäherungen an das dramatische Genre.

Der jüngste Film von Yamashiro, Belau no Hana (2023), zeigt einen älteren Mann bei einem Spaziergang und einer Busfahrt durch die Stadt und das ländliche Gebiet der Hauptinsel von Okinawa. Zu sehen ist auch eine eher tropische Umgebung (aufgenommen in der Republik Palau) mit einem kleinen Jungen, der am Strand sitzt. Es gibt keinen Dialog, aber eine auf 8-mm-Film aufgenommene traumartige Textur vermittelt eine vage Vorstellung möglicher Narrative: Der alte Mann erinnert sich an seine Kindheit, ein Großvater und ein Kind an einem anderen Ort etc. (In Wirklichkeit handelt es sich um den Vater und den Sohn der Künstlerin.)

Nikuya no onna [Einkanal-Version] (2016), zunächst ebenfalls als Dreikanal-Videoinstallation ohne Ton konzipiert, verfügt über mehrere Story-Ebenen, die sich unterschiedlich lesen lassen.

Bei den Fleischstücken, die zu Beginn des Videos an die Meeresoberfläche steigen, handelt es sich in Yamashiros Vorstellung um eine Reinkarnation der Blasen (Atem, Stimmen), die am Ende von Shizumu koe, akai iki aus dem Mikrofonbündel hervorquellen. Das Fleisch wird schließlich an der Küste in der Nähe einer Baustelle angetrieben. Ein Mädchen findet es im Gebüsch und bringt es an den Stand eines illegalen Marktes vor einem US-Militärstützpunkt. Eine Frau im roten T-Shirt, die den Metzgereistand betreibt, serviert Bauarbeitern Berge von Fleisch. Die ausgehungerten Männer sind nie satt und stürzen sich schließlich auf die Frau, um sie zu verschlingen. Seltsamerweise taucht eine weitere Frau im roten T-Shirt auf und führt den Stand weiter. Die zweite Frau müht sich mit den Fleischstücken ab und fällt schließlich in Ohnmacht, aber eine dritte Frau erscheint und kümmert sich um sie, und es zeigt sich, dass sich im Untergrund eine Menge Frauen in roten Shirts befindet. Arbeiter haben den Marktstand zerstört. Hand in Hand kommen die Frauen aus der Höhle und gehen ins Wasser. Beide Gruppen, Männer und Frauen, können als nicht menschliche Wesen interpretiert werden, die metaphorisch ihre organischen Funktionen als Kollektiv gegenüber der gegebenen Umwelt repräsentieren.

ficulty of accepting and comprehending the mixed feelings with the harsh reality of the marginalised. The lonely lady could be a mediator to let us envision the invisible.

Mud Man [Single channel version] (2017) could be called the culmination of Yamashiro’s previous works on the ‘inheritance of memories/voices’. Created initially as a three-channel video installation, scenes from two locations in Okinawa (Henoko and Ie Island), Jeju Island in South Korea, and poetry in three languages (Japanese, Okinawan, and Korean) are orchestrated into one.

Inspired by the people protesting by lying on the ground in front of the gate to the construction site in Henoko, Mud Man is a metaphor for the people who became too exhausted from resisting the absurd reality. They have been there too long and have forgotten what they were fighting against. But one day, the seeds of poetry delivered from different places will wake them. In the film, Yamashiro’s longing for art to unite those who suffer is expressed while she also suggests that there is no instant solution, either.

Adoring the Greek filmmaker Theo Angelopoulos, among many others, Yamashiro has kept her ambition to direct a feature-length narrative film, although her activities have been mostly connected to the contemporary art field. Having not yet reached that stage, she has been making some trials. The second programme of Yamashiro introduces her approaches to drama-making.

Yamashiro’s most recent film, Flowers of Belau (2023) shows an older man walking and taking a bus trip around the city and the rural area of the main island of Okinawa. It also depicts the more tropical environment (shot in the Republic of Palau), where you see a little boy sitting by the seaside. There is no dialogue, but a dream-like texture shot on 8 mm film gives you only a hint of possible narratives: the older man recalling his childhood, a grandfather and a little one in a different location, and so on. (In reality, they are the artist’s father and son.)

A Woman of the Butcher Shop [Single channel version] (2016), also made initially as a three-channel video installation without dialogue, has more layers of stories that can be read differently.

The chunk of meat that rises to the ocean’s surface at the beginning is, in Yamashiro’s imagination, a reincarnation of the bubbles (breaths, voices) that have spilled from the bundle of microphones at the end of Sinking Voices, Red Breath. The meat eventually washes up on a shore near a construction site. A girl found it in bushes and took it to a stall at an illegal market outside a U.S. military base. A woman in a red shirt runs the butcher shop and serves mountains of meat to

Chinbin Western: Kazoku no Hyosho

Yamashiro war früher häufig auf diesem Markt, denn sie schätzte den illegalen Markt als neutralen Ort, an dem die Einheimischen ihr Land zurückfordern konnten. Er befand sich in der Nähe der Baustelle für einen neuen Stützpunkt der US-Armee. Mittlerweile wurden alle Märkte geräumt, und die Landschaft wurde durch das Bauprojekt weiter verändert.

In Chinbin Western: Kazoku no Hyosho (2019) geht es um die Darstellung von zwei Familien. Yamashiro bedient sich hier auf gelungene Weise des Formats eines allegorischen Stücks mit Dialogen aus Oper und Ryūka (Okinawische Lieder oder Gedichte in einer vorgegebenen Form) und Uchina shibai (okinawisches Theater), um die fortlaufenden Veränderungen in der Landschaft am Rande Okinawas darzustellen.

Eine vierköpfige Familie, bestehend aus einem Ehepaar und zwei kleinen Kindern, genießt ihr Leben in einem gemütlichen Zuhause dank des regelmäßigen Einkommens, das der Mann nach Hause bringt. Er verdient sein Geld damit, aus umgepflügten Feldern und Bergen in der Gegend Material für die Landaufschüttung auf dem Gelände eines neuen US-Militärstützpunktes zu beschaffen. Die andere Familie besteht aus einem älteren Mann und seiner Enkelin. Sie lebt in einem leeren Haus, ohne die restlichen Familienmitglieder (die vermutlich in die Stadt oder auf das Festland gezogen sind, um dort ihren Lebensunterhalt zu verdienen). Wegen der Armut der örtlichen Gemeinschaft sieht sich eine Familie gezwungen, die Landschaft ihrer Heimat zu zerstören, während die andere Familie nicht überleben kann. Yamashiro liefert keine abschließende Antwort oder Lösung. Sie zeigt die „Verödung“ der Landschaft (und der dortigen Gemeinschaft).

Der als Epilog hinzugefügte Film Anata (2022) zeigt eine einfache, aber eigentümliche Landschaft, die von der Natur geschaffen wurde. Sie mag gespenstisch und beunruhigend wirken, da der Boden so instabil geworden ist, dass er wabbelige Wellen bildet. Betrachtet man sie jedoch als Energie der Erde, die alles Lebendige nährt, könnten die Wellen auf eine alternative Zukunft hindeuten, die uns erwartet.

Okamura Keiko

Okamura Keiko lebt in Tokio, Japan, und ist seit 1995 als Kuratorin für zeitgenössische Kunst tätig. Zu den von ihr kuratierten Ausstellungen gehören Ishida Takashi and Genealogy of Abstract Animation (2009/10), Fiona Tan – Terminology (2014), Her Own Way – Female Artists and the Moving Image in Art in Poland: From 1970s to the Present (2019) und Yamashiro Chikako. Reframing (2021), alle im Museum für Fotokunst in Tokio. 2009 gründete sie das International Festival for Art & Alternative Visions in Yebisu, ein jährlich stattfindendes, interdisziplinäres Festival für Bewegtbilder mit einer thematischen Ausstellung, Vorführprogrammen, Performances, Diskussionsrunden etc. Sie war von der ersten bis zur 13. Ausgabe als Direktorin bzw. Kuratorin tätig. Seit 2021 arbeitet Okamura im Museum für zeitgenössische Kunst in Tokio, wo sie für die Sammlungsabteilung des Museums zuständig ist.

feed construction workers. The starved men are never satisfied, eventually grabbing the woman to devour her. Strangely enough, another woman in a red shirt appears and continues to operate the shop. After working hard to handle blocks of meat, the second woman faints, but the third woman appears and cares for her, and there turn out to be multiple women in red shirts existing underground. Workers tear down the stall. Women, hand in hand, come out from the cave and go into the water. Both groups of men and of women can be read as non-human beings metaphorically representing their organic functions as a collective to the given environment.

Yamashiro used to visit the market often as she cherished the existence of the illegal market as a neutral space for the locals to claim their land back. It was located near the construction site of a new U.S. army base. Now all the markets have been cleared out, and the construction went on to change the landscape.

Chinbin Western: Representation of the Family (2019) revolves around two constructing families, and Yamashiro effectively uses the format of an allegorical play featuring the dialogue of opera and ryūka (Okinawan fixed-form songs or poems) and Uchina shibai (Okinawan theatre) actors to depict the ongoing changes in the landscape around the periphery of Okinawa.

A family of four consisting of a husband and wife and two young children enjoy life in a cosy home thanks to the regular income the husband earns by carving up local fields and mountains to provide materials for land reclamation at the site of a new U.S. military base. The other family consists of an older man and his granddaughter who lives in an empty house, the rest of whose family members are missing (presumably left to make a living in the city or the mainland). Because of the poverty of the local community, one family needed to choose to destroy the landscape of their homeland, and the other family may not be sustained. Yamashiro does not conclude the story with any answer or solution. She portrays the ‘desertification’ of the landscape (and the community within).

Added as an epilogue, Beyond (2022) is a simple but peculiar scenery created by nature. It may look spooky and disturbing, as the ground has become so unstable that it makes wobbly waves. Yet if you see it as an energy of the earth that nurtures all the living, the waves may suggest that an alternative future may come.

Okamura Keiko

Okamura Keiko, based in Tokyo, Japan, has been a contemporary art curator since 1995. Exhibitions she curated include Ishida Takashi and Genealogy of Abstract Animation (2009–10), Fiona Tan – Terminology (2014), Her Own Way – Female Artists and the Moving Image in Art in Poland: From 1970s to the Present (2019) and Yamashiro Chikako: Reframing (2021) all at the Tokyo Photographic Art Museum. In 2009, she founded the Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions an annual cross-disciplinary festival of moving images consisting of a thematic exhibition, screening programmes, performances, talk sessions, etc. She was the director/curator from the first to the thirteenth editions. Since 2021, Okamura has worked at the Museum of Contemporary Art Tokyo, overseeing the museum’s collection division.

Yamashiro Chikako

In Okinawa geborene Videokünstlerin. Yamashiro Chikako macht ihre Heimat Okinawa zum Gegenstand ihrer Kunst, die vorrangig aus Video- und Fotoarbeiten besteht. Zu ihren jüngsten Ausstellungen zählen die Einzelausstellung Reframing the Land / Mind / Body-Scape (Tokyo Photographic Art Museum, 2021), Chinbin Western, Dundee Contemporary Arts (Dundee/UK, 2021) und die Gruppenausstellung One Escape at a Time, 11th Seoul Mediacity Biennnale (Seoul Museum of Art, Seoul, Korea, 2021). Weitere Ausstellungen: From Generation to Generation: Inherited Memory and Contemporary Art (Contemporary Jewish Museum, San Francisco, USA, 2016–17), The Beginning of Creation: Abduction / A Child (Yumiko Chiba Associates Ausstellungsraum, Tokio, Japan, 2016), Aichi Triennale 2016 (im ehemaligen Meiji-ya Sakae Gebäude, Nagoya, Aichi, 2016), The 8th Asian Pacific Triennial of Contemporary Art (Queensland Art Gallery and Gallery of Modern Art, Brisbane, Australien, 2015–16), MAM Project 018:Yamashiro Chikako (Mori Art Museum Gallery 1, Tokio, Japan, 2012). Ausgewählte Publikationen: Circulating World The Art of Yamashiro Chikako (Yumiko Chiba Associates, 2016), Yamashiro Chikako (Yumiko Chiba Associates, 2012), MAM Project 018: Yamashiro Chikako (Mori Art Museum, 2012). Ausgewählte Preise: Preis für zeitgenössische Kunst Tokio, 2020–22, ZONTA-Preis der 64. Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen (2018). Ausgezeichnet mit dem 72. New Face Award für Bildende Kunst des japanischen Bildungsministeriums, Abteilung für kulturelle Angelegenheiten. Contemporary video artist. Born in Okinawa. Yamashiro Chikako takes her native Okinawa as subject of her art to create video and photographic work. Recent exhibitions include: a solo show, Reframing the land / mind / bodyscape (Tokyo Photographic Art Museum, 2021), Chinbin Western, Dundee Contemporary Arts (Dundee/UK, 2021) and a group show, One Escape at a Time, 11th Seoul Mediacity Biennnale (Seoul Museum of Art /Seoul, Korea, 2021). From Generation to Generation: Inherited Memory and Contemporary Art (Contemporary Jewish Museum, San Francisco, USA, 2016–17), The Beginning of Creation: Abduction / A Child (Yumiko Chiba Associates viewing room, Tokyo, Japan, 2016), 2016 Aichi Triennale (the former Meiji-ya Sakae Building, Nagoya, Aichi, 2016), The 8th Asian Pacific Triennial of Contemporary Art (Queensland Art Gallery and Gallery of Modern Art, Brisbane, Australia, 2015–16), MAM Project 018:Yamashiro Chikako (Mori Art Museum Gallery 1, Tokyo, Japan, 2012). Selected publications include: Circulating World The Art of Yamashiro Chikako (Yumiko Chiba Associates, 2016), Yamashiro Chikako (Yumiko Chiba Associates, 2012), MAM Project 018: Yamashiro Chikako (Mori Art Museum, 2012). Selected Awards include: Tokyo Contemporary Art Award, 2020–22, ZONTA Prize at 64th International Short Film Festival Oberhausen (2018). Awarded The 72nd new face award of Minister of Education Award for Fine Arts, Agency for Cultural Affairs, Government of Japan.

Filmauswahl Selected works

Chinbin Western: Representation of the Family (2019, in Oberhausen 2020), Mud Man (2017, in Oberhausen 2018), Beginning of Creation, Abduction / A Child (2015), A Woman of the Butcher Shop (2012), Choros of the Melodies (2010), Sinking Voices, Red Breath (2010), Your Voice Came Out Through My Throat (2009), Inheritance Series (2008–10), Seaweed Woman (2008), Connivance Shore Series (2007), Graveyard Series (2004–07), OKINAWA TOURIST (2004)

BORDER

Japan 2002

8'30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Yamashiro Chikako

Eine schwarz gekleidete Frau tanzt mit zielstrebiger Intensität vor einem Grab. Schließlich führen ihre Schritte sie vom Grab weg und am Zaun des US-Militärstützpunkts entlang, der sich über die Insel zieht. Dieses fast schon nach Gefühl gedrehte Video, mit dem Yamashiro versucht, die wahre Natur des Zweifels und der Krankheit, die sie im Alltag begleiten, zu ergründen, endet am Strand von Henoko in Nago, dem Schauplatz einer heftigen Kontroverse um den Bau eines neuen amerikanischen Stützpunktes.

A woman in black dances with single-minded intensity before a grave. Eventually her steps lead her away from the grave and along the US military base fence strung across the island. A video shot almost by feel, as Yamashiro attempts to pin down the true nature of the doubt and disease she harbours in everyday life, BORDER ends on the beach at Henoko in Nago, a location rocked by controversy over construction of a new American base.

I Like Okinawa Sweet

Japan 2004

7'35", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Yamashiro Chikako

An den Zaun eines US-Militärgeländes gelehnt, isst eine Frau fröhlich ein Eis, das jemand ihr gegeben hat. Wer über den Status quo in Okinawa informiert ist, wird erkennen, dass das Eis sowohl Fördermaßnahmen im Ausgleich für die genehmigten Stützpunkte als auch ein einseitig auferlegtes Tourismusimage symbolisiert. Die Filmemacherin selbst spielt die Rolle der Frau, die die Rolle (der Menschen) von Okinawa selbst spielt, das (die) von diesen Realitäten abhängig ist (sind). Durch Simulationismus verkörpert der Film die Gegenwart des Verschwindens der lokalen Kultur, die Verwandlung in Touristenattraktionen sowie die rasche Homogenisierung.

Leaning over a fence surrounding a U.S. military base, a woman is happily eating ice cream someone gave her. Those who know the status quo of Okinawa will realise that the ice cream symbolises both a promotion policy in compensation for the accepted bases and an image of tourism unilaterally imposed. The filmmaker herself plays the role of the woman who plays the role of (the people in) Okinawa itself (themselves) relying on such realities. Through simulationism, the film embodies the present tense of the local culture’s disappearance, transformation into tourist attractions and rapid homogenisation.

Anata no koe wa watashi no nodo wo tōta Your Voice

Came Out Through My Throat

Japan 2009

7'20", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Yamashiro Chikako

„Kann unsere Generation, die den Krieg nicht miterlebt hat, die Erinnerungen daran erben?“ Das ist für alle von uns ein wichtiges Thema, mit dem wir immer wieder konfrontiert werden. Wenn ich mir die Berichte jener anhöre, die den Krieg erlebt haben, und sie meinen Körper durchwandern lasse, wie kann ich dann „in meinen eigenen Worten“ darüber sprechen? Das ist die Perspektive, aus der ich die Frage nach der „Vererbung“ von Kriegserfahrungen betrachten möchte. (Yamashiro Chikako)

‘Can our generation who have not experienced the war inherit the memories of it?’ is always confronting each one of us as an important theme. Listening to the testimonies of those who have experienced it and letting them pass through my body, how can I talk about them in ‘my own words’? From such a perspective I would like to consider the question of ‘inheriting’ war experiences. (Yamashiro Chikako)

Shizumu koe, akai iki Sinking Voices, Red Breath

Japan 2010

5'55", Farbe Colour, Japanisch mit englischen

Untertiteln Japanese with English subtitles

Regie Director Yamashiro Chikako

Eine nicht näher bezeichnete, weggeworfene Stimme wird mit einer Reihe von Mikrofonen unter dem Meer assimiliert. Das Kunstwerk erzeugt ein ambivalentes Gefühl beim Publikum – das Bemühen, der auf der Welle treibenden singenden Stimme zuzuhören, und ein Gefühl der Resignation, dass sie niemanden erreichen wird.

A voice not addressed and thrown away is assimilated to a bunch of microphones under the sea. The artwork throws an ambivalent question to the audience – striving to listen to the singing voice drifting on the wave and the mind of resignation that it won’t reach to anyone.

Tsuchi no hito – 2017 gekijyoban Mud Man – 2017 Film

Ver.

Japan 2017

26', Farbe Colour, Japanisch, Ryūkyū, Koreanisch Japanese, Ryukyu, Korean Regie Director Yamashiro Chikako

Ein Zugvogel lässt Kot fallen. Ein Mann hört eine Stimme, die aus dem Kot erklingt. Darin befindet sich ein Samen, der aus einem Gedicht entstand. Der Mann versucht, ein Loch zu graben, um den Samen einzupflanzen, doch er fällt mit lautem Krach selbst ins Loch. Angelockt von Gefechtslärm kommt der Mann auf ein Schlachtfeld. Es sind die Erinnerungen an den Krieg.

A migratory bird drops droppings. A man listens to a voice sounding from the inside of the dropping. A seed made of poem is inside. He tries to dig a hole to plant the seed, but falls down into it with a rumbling of the ground. Led by the approaching sound of a gun battle, the man arrives at a battlefield. The memory of war appears.

Alle Filme All films

© Yamashiro Chikako / Mit freundlicher Genehmigung von Courtesy of Yumiko Chiba Associates

Belau no Hana Flowers of Belau

Japan 2023

8', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Yamashiro Chikako

Wie sieht ein alter Mann die Landschaft, die vor ihm liegt? Um sich ein Bild von dem alten Mann zu machen, machte Yamashiro in Palau, wo der alte Mann seine Kindheit verbrachte, Fotos. Mit der Kamera folgte sie den Erinnerungen des alten Mannes in Palau und überlagerte diese dann mit ihrem eigenen Blick. Die Bilder sind nicht die Erinnerungen eines alten Mannes, sondern eine neue, von Yamashiro geschaffene Erinnerungsfiktion.

How does one old man see the landscape in front of him? In order to get a clue to imagine the old man, Yamashiro took photographs in Palau, where the old man spent his childhood. She follows the old man’s memories of Palau with a camera, and then overlays her own new eyes on the images. The images are not the memories of an old man, but a new fiction of memory created by Yamashiro.

Nikuya no onna A Woman of the Butcher Shop

Japan 2017

27', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Yamashiro Chikako

Männer und Frauen sehnen sich verzweifelt nach einem Stück Fleisch. Als sie das Fleisch verschlingen, zerbricht die Schale ihres Körpers, schmilzt und wird zu einer Masse von Substanz: „Fleisch“. Woher kommen wir und wohin treiben wir als Fleisch?

There are men and women who are desperate for a piece of meat. While they gobble meat, the shells of their bodies break, melt and become mass of substance; ‘meat’. Where do we come from and where do we drift away as meat?

Chinbin Western: Kazoku no Hyosho Chinbin Western: Representation of the Family

Japan 2019

32', Farbe Colour, Japanisch mit englischen Untertiteln Japanese with English subtitles

Regie Director Yamashiro Chikako

Eine Geschichte über zwei Familien in Henoko, Nago, auf Okinawa in Japan, wo eine neue US-Militärbasis errichtet werden soll. Doch die Planung stockt und es geht nicht recht voran. Wir sind Zeuge des komplizierten Seelenlebens zweier Familien, die dort leben. Höhepunkt des Films ist das Duett zwischen Opern- und Ryuka-Sängern, einer traditionellen Liedart, die auf Okinawa beheimatet ist.

A story centres around two families in Henoko, Nago City, in Okinawa, Japan, where plans for construction of a new US military base are ongoing, yet unsettled and in an unstable stage. The complicated feelings of two families in the area are depicted. A must-see is a duet of Opera and Ryuka (traditional Okinawan song) singing.

Anata Beyond

Japan 2023

5', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Yamashiro Chikako

Kleine Steine füllten die Welle zur Welle. / Deine wogende Stimme hallt durch den sanften Horizont. / Dein Körper steht noch immer da, und deine Stimme wandert über das Meer und lädt mich ein. (Yamashiro Chikako)

Small stones filled out the wave to wave. / Your voice undulates, echoing through the gentle horizon. / Your body still stands there, and your voice walks the sea, inviting me. (Yamashiro Chikako)

BODY OF THE BODY, BODY OF THE MIND

Der Titel dieser Retrospektive stammt aus dem Film The House of Science: a museum of false facts (1991) von Lynne Sachs. Darin geht es um ein Experimentierfeld, das Sachs’ Werk durchzieht und das Filmemachen als Praxis der Verlagerung von Worten, Gesten und Seinsmodi in offene Ontologien begründet. Was kann eine Frau, ein Wort, eine Farbe, ein Farbton, eine Linie, eine Regel oder ein Objekt sein? Die Verhandlung zwischen dem Körper des Körpers und dem Körper des Geistes ist eine andere Art, zum Ausdruck zu bringen, dass Dinge ebenso als Affektionen wie als Bedeutungsprozesse existieren, und dass Filmemachen die Kunst ist, sich für keine Seite der Gleichung zu entscheiden. Aus diesem Grund ist die Arbeit von Lynne Sachs untrennbar mit den Ereignissen des Lebens verbunden, obwohl sie entschieden nicht biografisch ist. Es handelt sich um eine geschlossene, dynamische Praxis der Übersetzung und Wiederverbindung dessen, was getrennt zu sein scheint.

Es gibt viele Möglichkeiten, sich dem Gesamtwerk von Lynne Sachs zu nähern, und entsprechend wären im Rahmen dieser Retrospektive viele verschiedene Programme möglich gewesen. Es besteht eine Resonanz zwischen den Filmen. Die Themen ziehen sich als roter Faden durch unterschiedliche Zeiten. In der Art, wie Bilder, Orte, Menschen und Ideen immer wieder aufgegriffen werden, zeigt sich eine konstante Besessenheit von Wiederholung und Transformation. Bei der Suche nach einem Ansatz für dieses Programm habe ich versucht, mir die Fäden anzuschauen, die mir in den Filmen als die beständigsten erschienen, auch wenn sie zum Teil verborgen waren. Die drei Programme sind nicht systematisch über Themen verbunden oder nach Typologien geordnet. Es

The title of this retrospective quotes Lynne Sachs in her 1991 film The House of Science: a museum of false facts. It speaks of a zone of experimentation that crosses Sachs’s work and grounds filmmaking as a practice of dislocating words, gestures and modes of being into open ontologies. What can be a woman, a word, a colour, a shade, a line, a rule or an object? The negotiation between the body of the body and the body of the mind is another way of saying that things exist both as affections and as processes of meaning, and that filmmaking is the art of not choosing sides in that equation. That is why Sachs’s work is inseparable from the events of life, while being resolutely non-biographical. It is a circular, dynamic practice of translation and reconnection of what appears to be separated.

There are many ways of approaching Lynne Sachs’s full body of work, and many different programmes would have been possible for this retrospective. Films resonate among each other. Like threads, themes link different times. Repetition and transformation are a constant obsession in the way images, places, people and ideas are revisited. While looking for an angle for this programme, I tried to look at some of the threads that seem to me the most constant, even if sometimes subterraneous, throughout the films. The three programmes are not systematically bound by themes or built around typologies. There are three different doors to the same arena where body (and the ‘in-between’ bodies) is the main ‘topos’: translation, collaboration, and the inseparability of the affective and the political. Yet, none of these terms seems to truly speak of what’s at stake here.

Lynne Sachs knows about the disequilibrium that happens between words and concepts, and about the difference between the synchronicity of life and the linearity of discourse. She also knows that words can be both symptoms and demiurgic actors. That is maybe why she writes poems, and why this programme was inspired by her book, Year By Year Poems[1].

The House of Science: a museum of false facts

gibt drei verschiedene Zugänge zu einem Bereich, in dem der zentrale „Topos“ der Körper ist (und die Körper „dazwischen“): Übersetzung, Zusammenarbeit und Untrennbarkeit des Affektiven und des Politischen. Und doch scheint keiner dieser Begriffe wirklich zum Ausdruck zu bringen, um was es hier geht.

Lynne Sachs weiß um das Ungleichgewicht zwischen Worten und Begriffen und um den Unterschied zwischen der Synchronizität des Lebens und der Linearität von Diskursen. Sie weiß auch, dass Worte zugleich Symptome und demirugische Akteure sein können. Vielleicht ist das der Grund, warum sie Gedichte schreibt und warum dieses Programm von ihrem Buch Year by Year Poems inspiriert wurde.[1]

1975 [girls with fast lane dreams]

Teachers push us to the precipice –trick us with conundrums we mistake for algorithms catch us in a maelstrom of dizzying numbers.

Searching for the exit door

I discover quick methods for finding north –solace in the gravitational pull of geography and head for the first opening from a school with too many ambitions penalty points and girls with fast-lane dreams.

Im Gespräch über die Entstehung von Which Way is East sagt Lynne Sachs: „Am interessantesten sind die Filme, die uns dazu bringen, über Wahrnehmung nachzudenken und uns nicht einfach nur neues Material präsentieren.“[2] Sowohl Lynne Sachs als auch ihre Schwester Dana, eine Schriftstellerin, erlebten den Vietnamkrieg durch das Fernsehen – eine Mittelschichtskindheit, die gelegentlich von Bildern dieses Krieges heimgesucht wurde, der zwar weit weg zu sein schien, ihre Generation jedoch nachhaltig prägte. Als Dana Anfang der 1990er-Jahre nach Vietnam zog, besuchte Lynne sie einen Monat lang, und sie machten zusammen einen Film. Der Film beginnt mit einer Reihe von Bewegungsaufnahmen, Farben und flüchtigen Formen, unterbrochen von einem bekannten vietnamesischen Sprichwort über einen Frosch und den Horizont. In den drei Ebenen, die hier zusammenkommen, klingt bereits eine der stärksten Eigenschaften von Lynne Sachs’ Arbeit an: die Welt, die durch den Rhythmus eines sich bewegenden Körpers gesehen wird, und der Dialog zwischen verschiedenen Arten von Fühlen und Denken.

[Lynne Sachs’ Kindheitsbilder aus dem Vietnamkrieg waren schwarz-weiß, auf den Kopf gestellt; 1991 wird die vietnamesische Landschaft auf einem Motorrad durchquert, und die Natur ist Bewegung und Fremdheit; „ein Frosch, der am Grunde eines Brunnens sitzt, denkt, der gesamte Himmel wäre nur so groß wie der Deckel eines Topfes“.]

Ein Reisebericht aus Vietnam wurde zu einem Dialog aus aufmerksamen Entdeckungen und bedeutsamen Einblicken, vor allem in die vielen Möglichkeiten, einfach im Hier und Jetzt zu sein, zusammen, im Angesicht von Abgründen, die uns nicht lebendig auffressen sollten. Doch wie kann man nicht von den unendlichen und überwältigenden Abgründen des Lebens lebendig aufgefressen werden?

1975 [girls with fast lane dreams]

Teachers push us to the precipice –trick us with conundrums we mistake for algorithms catch us in a maelstrom of dizzying numbers.

Searching for the exit door

I discover quick methods for finding north –solace in the gravitational pull of geography and head for the first opening from a school with too many ambitions penalty points and girls with fast-lane dreams.

Talking about the making of Which Way is East, Lynne Sachs said: ‘the most interesting films are the ones that ask us to think about perception, that don’t just introduce new material.’[2] Both Lynne Sachs and her sister Dana, a writer, lived the Vietnam War through television – a middle-class childhood sometimes haunted by images of that war that seemed both far away and fundamental to their generation. When Dana moved to Vietnam in the early 1990s, Lynne visited for a month, and they made a film. The film begins with a sequence of movement shots, colours, fleeting forms, interrupted by a popular Vietnamese saying about a frog and the horizon. Three layers come together, predicting one of the strongest traits of Lynne’s work: the world seen through the rhythm of

A Month of Single Frames

Girls with fast-lane dreams ist ein anderer Ausdruck für den Drang nach Freude.

Mädchen, die Mädchen anschauen, Mädchen, die mit Mädchen spielen, Lynne Sachs und Barbara Hammer, die gemeinsam an einem unmöglichen Film arbeiten. Wie kann man Schönheit darstellen, ohne sie zu einem Monument zu erheben? Wie kann man den Tod darstellen, ohne das Leben darin einzufrieren?

Ein Kind hat mir einmal gesagt: „Du musst es durch dein Inneres gehen lassen und durch dein intelligentes Auge wieder rauslassen“. Ist das Übersetzung? Ist A Month of Single Frames nicht die Übersetzung eines Ortes und eines Körpers, die Bedingungen des Lichts, das durch verkörperte Einsamkeit gesehen wird?

Es gibt eine Art radikaler Positionierung im Blick von Lynne Sachs (ein Blick ist ein Tempo und eine Geste, und darin besteht seine Politik): den Dingen zu erlauben, sich so zu entwickeln, wie sie sind, in dem Wissen, dass ihr Werden aus dem eigentlichen Akt des Filmens besteht. Noa wird zum Spiel mit Licht. Maya zu Zeit und zu unüberwindlicher Individualität. Der Central Park wird zu einer durchlässigen Membran für den Austausch zwischen einer musikalischen Bewegung und dem Ereignis einer emotionalen Form.

1997 [Another baby girl drops down] (for my daughter, Noa)

Again, nine full moons leave bare the dust against the sky. Air fills up with brightness. Another baby girl drops down. Dice on a betting table or rich, ripe fruit atop worn grass.

Das Politische kommt zum Vorschein, wenn die Dinge aus dem ihnen zugewiesenen Platz herausgelöst und wortgewandt werden. Wenn ein Feld von Möglichkeiten durch unterschiedliche Zeitlichkeiten problematisiert wird, erhalten die gleichen Worte unterschiedliche Bedeutungen. Neue Symptome (nicht Symbole) werden von den gleichen Mythen hervorgebracht. Auf die Territorialisierung des Körpers antwortet Lynne Sachs mit den unaussprechlichen Ebenen des Begehrens, in einer Untermauerung der Geschichte des Körpers.

a moving body, and the dialogue between different modes of feeling and thinking.

[Lynne’s childhood Vietnam War images were black and white, upside down; the Vietnam landscape in 1991 is crossed on a motorbike, and nature is motion and strangeness; ‘a frog sitting on the bottom of a well, thinks the whole sky is only as big as the lid of a pot’.]

A travelogue in Vietnam became a dialogue of perceptive discoveries, glimpses of meaning and, most importantly, of the many ways of being just here and now, together, facing abysses that should not eat us alive. How to not be eaten alive by life’s infinite and sublime abysses?

Girls with fast-lane dreams is another way of referring to an impulse for joy.

Girls looking at girls, girls playing with girls, Lynne Sachs and Barbara Hammer collaborating on an impossible film. How to work on beauty without monumentalising it? How to work on death without freezing the life within?

A kid once told me: ‘you have to pass it through the inside, and let it out through your smart eye’. Is that translation? Isn’t A Month of Single Frames the translation of a place and a body, the conditions of light seen through embodied solitude?

There is some kind of radical positioning of Lynne Sachs’ gaze (gaze is a pace and a gesture, and that is its politics): allowing things to unfold as they are, knowing that it is the very act of filming them that constitutes their becoming. Noa becomes play with light. Maya becomes time and unsurmountable individuality. Central Park becomes a porous membrane for the circulation between a musical movement and the event of an emotional form.

1997 [Another baby girl drops down] (for my daughter, Noa)

Again, nine full moons leave bare the dust against the sky. Air fills up with brightness. Another baby girl drops down. Dice on a betting table or rich, ripe fruit atop worn grass.

The political comes forward when things are dislocated from their assigned places, becoming eloquent. When a field of possibilities is problematised by different temporalities, different meanings attach to the same words. New symptoms (not symbols) emerge from the same myths. To

A Biography of Lilith

Auf die Typisierung der Identität antwortet das Kino mit der Geschichte der Geste.

Der Feminismus im Werk von Lynne Sachs entspringt einer Besessenheit von ontologischer Fluidität – Frauen als Möglichkeiten, die eine Erinnerung an das mit sich bringen, was von der Politik nicht erfasst wurde, das Versprechen von freundlicheren politischen Orten. Eine derartige Erfindung erfordert die Dekonstruktion des Blicks, die Transformation der Sprache durch die Macht eines denkenden (kollektiven) Körpers. Kollektiv als Dazwischen, im Umlauf, im Übergang mit anderen: die Liliths in A Biography of Lilith, die Mütter werden können oder auch nicht, der umhüllende Körper in Drawn and Quartered, die Collage in The House of Science: a museum of false facts, durch die alte Maßstäbe unbrauchbar werden.

Die Materialität ist ein wesentlicher Aspekt dieser Filme, sie unterstützt die Entstehung einer filmischen Geste. Die Präsenz der Dinge in ihrer konkretesten Form, sei es eine Geburt, eine Hand, die bei der Umsetzung einer Idee hilft, Lichtsprengsel auf einem Gesicht, das Staunen eines Babys vor einer Kamera. Die Dinge nehmen einen bestimmten Raum ein, bewegen sich auf eine bestimmte Weise, und ihre Sinnlichkeit wird nie sublimiert oder in Metaphern gezwängt. Es ist ihre materielle Präsenz, die sie vor den ihnen zugewiesenen Rollen und Bedeutungsketten bewahrt und ihre Vitalität als Prinzip für eine politische Imagination offenbart.

„Brandstiftend, aber keine Brandstiftung.“[3]

2009 [scars muscles curves of the spine]

I hold the mirror just inches away and look shy

detached

brave

I touch myself with knowledge

Scars muscles curves of the spine

I trace a path across my chest

searching for surprises I’d rather not find –knots in the fabric

Übersetzung ist somit eine Bewegung zwischen überlieferter Erinnerung, verkörperter Erfahrung, affektivem Vokabular und der nie vollendeten Arbeit der Form. Nichts bleibt innerhalb eines Feldes von Möglichkeiten festgelegt, aber das Feld selbst ist in ständiger Bewegung, gibt jedem Aspekt eine neue Bedeutung, verbindet jeden Moment in der Zeit, jeden Blick auf ein Bild neu.

the territorialisation of body, Lynne Sachs responds with the unspeakable layers of desire, underpinning the history of the body. To the typification of identity, cinema responds with the history of gesture.

Feminism in Lynne Sachs’s work comes from an obsession with ontological fluidity – women as possibilities, bringing with them the memory of what has not been captured by politics, the promise of kinder political places. Such invention requires the deconstruction of the gaze, the transformation of language through the power of a thinking (collective) body. Collective as in-between, in circulation, in transition with others: the Liliths who may or not become mothers in A Biography of Lilith, the enfolding body in Drawn and Quartered, the collage that renders old measures useless in The House of Science: a museum of false facts

Materiality is a key aspect in this cinema, it sustains the emergence of a filmic gesture. The presence of things in their most concrete form, be it a birth, a hand helping to translate an idea, a splash of light on a face, the astonishment of a baby in front of a camera. Things occupy a certain space, move in a certain way, and their sensuality is never sublimated or forced into metaphors. It is their material presence that saves them from their assigned roles and chains of meaning, revealing their vitality as a principle for a political imagination.

2009 [scars muscles curves of the spine]

I hold the mirror just inches away and look shy detached brave I touch myself with knowledge

Scars muscles curves of the spine

I trace a path across my chest searching for surprises I’d rather not find –knots in the fabric

Translation comes, then, as a movement between transmitted memory, embodied experience, affective vocabulary and the never accomplished labour of form. Nothing stays determined within a field of possibilities, but the field itself is in a constant motion, resignifying every aspect, reconnecting every moment in time, every glimpse of an image.

Die Arbeit zu Sándor Lénárd, einem entfernten Cousin, scheint der Schlüssel zur Betrachtung ihres Gesamtwerks zu sein. The Task of the Translator präsentiert drei Studien, drei Arten, nach dem Körper zu suchen. Es beginnt mit der Zuordnung von Knochen toter amerikanischer Soldaten aus dem Zweiten Weltkrieg durch Sándor Lénárd, in einer Sequenz, die in The Last Happy Days wieder auftauchen wird. Hier ist die Übersetzung sowohl ein Versuch, die Materialität von Zeit und Geschichte zu erklären, als auch eine Frage nach der Übersetzbarkeit derselben. Wie in Which Way is East: Wie lässt sich Geschichte durch die Gesten der Gegenwart, der Lebenden, übersetzen? Ist es die Art und Weise, wie die Drawn and Quartered

‘Incendiary, but not arson.’[3]

Vergangenheit der Linearität entkommt und ihre Vitalität zum Ausdruck bringt?

Die zweite Studie in The Task of the Translator zeigt eine Gruppe Wissenschaftler*innen bei der Übersetzung eines Artikels zu irakischen Bestattungsritualen ins Lateinische. Zaghafte Worte und Artikulationen um einen Tisch herum, Hände, die Bedeutung durch Gesten unterstreichen. Ist Latein eine tote Sprache? Sándor Lénárd übersetzte nach seinem Umzug nach Brasilien Pu, der Bär ins Lateinische. Welches Paradox liegt in der Geste, eine Kindergeschichte in eine tote Sprache zu übersetzen? Übersetzung ist ein Spiel mit der Materialität, mit der Verlagerung der Welt in ein anderes Regime aus Formen und Bewegungen, und erlaubt es der Sprache, die Materialität der Gegenwart zu durchdringen.

In The Last Happy Day erzählen Kinder die Geschichte von Sándor Lénárd, während sie Pu, der Bär als Theaterstück einstudieren. Übersetzbarkeit durch Körper und Gesten, Vitalität: Man schaut nicht einfach nur auf die Vergangenheit, sondern erfindet vielmehr einen Dialog verkörperter Zeit. In The Task of the Translator wendet sich die Kamera plötzlich von den Wissenschaftler*innen ab, um die Regentropfen an einem beschlagenen Fenster und die Gesten einer Hand zu filmen, bis wir dann im Radio Nachrichten über menschliche Überreste nach einem Attentat hören.

Übersetzung hält alle Dinge gleichzeitig am Leben – auch die Sache mit dem Tod.

Cíntia Gil

Die Portugiesin Cíntia Gil hat an der Escola Superior de Teatro e Cinema (Theater- und Filmhochschule Lissabon) studiert. Sie hat einen Abschluss in Philosophie von der Faculdade de Letras da Universidade do Porto (Fakultät für Kunst und Geisteswissenschaften der Universität Porto). Von 2012 bis 2019 war Gil zunächst stellvertretende Direktorin und dann Direktorin des Internationalen Filmfestivals Doclisboa in Lissabon. Von 2019 bis 2021 leitete sie das Sheffield DocFest in England. Sie ist Teil des Programmteams der Directors’ Fortnight von Cannes. Gil kuratierte eine Vielzahl von zeitgenössischen und historischen Filmreihen, Retrospektiven und Ausstellungen. Außerdem hat sie Artikel in verschiedenen Publikationen veröffentlicht. Darüber hinaus gibt sie Seminare, Vorträge und Workshops in verschiedenen Institutionen.

The work done around Sándor Lénárd, a distant cousin, seems key to consider her full body of work. The Task of the Translator presents three movements, three ways of looking for the body. It starts with the reassemblage of bones of dead American soldiers during WWII by Sándor Lénárd, in a sequence that will come back in The Last Happy Day. Here, translation is both an effort to make sense of the materiality of time and history and a question about the translatability of such. Like in Which Way is East, how can history be translated through the gestures of the present, of the living? Is it the way the past escapes linearity and expresses its vitality?

The second movement in The Task shows a group of scholars translating an article on Iraqi burial rituals into Latin. Tentative words and articulations around a table, hands helping meaning through gestures. Is Latin a dead language? Sándor Lénárd, after moving to Brazil, translated Winnie the Pooh into Latin. What paradox lies in the gesture of translating a children’s story into a dead language? Translation is a game of materiality, of dislocating the world into another regime of forms and movements. Allowing language to pass through the materiality of the present time.

In The Last Happy Day, children tell the story of Sándor Lénárd while rehearsing Winnie the Pooh. Translatability through bodies and gestures, vitality: one does not simply look at the past, but rather invents a dialogue of embodied time. In The Task of the Translator, suddenly the camera leaves the scholars and focuses on the drops of rain on a foggy window, and on the gestures of a hand before we start hearing radio news about human remains after an attack.

Translation keeps all things alive at the same time – even the matter of death.

Cíntia Gil

Born in Portugal, Cíntia Gil studied at the Escola Superior de Teatro e Cinema, Lisbon and holds a degree in Philosophy from the Faculdade de Letras da Universidade do Porto. She was co-director and then director of Doclisboa – International Film Festival, Lisbon and has directed Sheffield DocFest in England. She is part of the programming team of Cannes Directors’ Fortnight. Gil has curated a variety of contemporary and historical film series, retrospectives and exhibitions, besides publishing articles in various publications. In addition, she has taught seminars, lectures and workshops in different institutions.

[1] Lynne Sachs, Year by Year Poems, Tender Buttons Press, NY, 2019

[2] ‘Observe and Subvert’, interview by Inney Prakash for Metrograph, December 2021

[3] In The House of Science: a museum of false facts.

Lynne Sachs

Lynne Sachs ist Experimental- und Dokumentarfilmerin und lebt in Brooklyn, New York. In ihren frühen Arbeiten auf Zelluloid wird ein feministischer Ansatz an die Entwicklung von Bild und Text deutlich – eine Perspektive, die sie in ihrem Werk seither beibehalten hat. In ihren Projekten geht sie der impliziten Verbindung zwischen dem Körper, der Kamera und der Materialität des Films selbst nach und erkundet in ihren Filmen das komplexe Verhältnis zwischen persönlicher Beobachtung und umfassenderen historischen Erlebnissen, häufig mit Elementen von Essay, Performance, Poesie und Collage. Die Themen, die sie behandelt, stammen mal aus dem näheren Umfeld, mal aus einem entfernteren Kontext. Häufig geht es dabei um die Herausforderung der Übersetzung – von einer Sprache in eine andere oder vom gesprochenen Wort ins Bild. Diesen Spannungen spürt sie in Filmessays nach, die sie nach Bosnien, Deutschland, Israel/Palästina, Italien und Vietnam führten – Orte, die von einem internationalen Krieg betroffen waren. Hier untersuchte sie den Raum zwischen dem kollektiven Gedächtnis einer Gemeinschaft und ihren eigenen subjektiven Wahrnehmungen. Lynne Sachs’ 45 Spiel- und Kurzfilme wurden in Museen, Theatern und auf Festivals wie dem New York Film Festival, Sundance, Punto de Vista, dem International Film Festival Rotterdam, der Viennale und Doclisboa gezeigt. Retrospektiven ihrer Arbeit waren im Museum of the Moving Image, New York, beim BAFICI in Buenos Aires, beim Cork Film Festival, beim Internationalen Filmfestival Costa Rica und beim China Women’s Film Festival zu sehen. Ihr jüngstes Buch, Year by Year Poems, ist bei Tender Buttons Press erschienen.

Lynne Sachs is an experimental and documentary filmmaker living in Brooklyn, New York. Her early works on celluloid offer a feminist approach to the creation of images and writing – a commitment which has grounded her vision ever since. With each project, she investigates the implicit connection between the body, the camera and the materiality of film itself. Lynne’s films explore the intricate relationship between personal observations and broader historical experiences, often including elements of the essay, performance, poetry and collage. She has tackled topics near and far, often addressing the challenge of translation – from one language to another or from spoken word to image. These tensions are investigated in essay films that took her to Bosnia, Germany, Israel/Palestine, Italy and Vietnam – sites affected by international war – where she looked at the space between a community’s collective memory and her own subjective perceptions. Lynne’s 45 features and shorts have screened at museums, theatres and festivals including the New York Film Festival, Sundance, Punto de Vista, Rotterdam, Viennale and Doclisboa. Retrospectives of her work have been presented at the Museum of the Moving Image, Buenos Aires International Festival of Independent Cinema, Cork Film Festival, Costa Rica Film Festival and China Women’s Film Festival. Her recent book Year by Year Poems was published by Tender Buttons Press.

Filmauswahl Selected works

Swerve (2022 , in Oberhausen 2023), Figure and I (2021), E•pis•to•lar•y: letter to Jean Vigo (2021), Maya at 24 (2021), Orange Glow (2020), Visit to Bernadette Mayer’s Childhood Home (2020), Girl is Presence (2020, in Oberhausen 2021), Film About a Father Who (2020), A Month of Single Frames (2019, in Oberhausen 2020), The Washing Society (2018), Carolee, Barbara & Gunvor (2018, in Oberhausen 2018), A Year in Notes and Numbers (2018), And Then We Marched (2017), Tip of My Tongue (2017), Starfish Aorta Colossus (2015), Drift and Bough (2014), Your Day is My Night (2013), Same Stream Twice (2012), Sound of a Shadow (2011), The Task of the Translator (2010), Wind in Our Hair (2010), The Last Happy Day (2009)

A Month of Single Frames

USA 2019

14', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Lynne Sachs

2018 leitete Barbara Hammer ihren eigenen Sterbeprozess ein und ging durch ihr eigenes Archiv. Ihr Duneshack-Material übergab sie Lynne. „Die Worte auf der Leinwand kamen im Traum zu mir. Ich habe wirklich versucht, einen Weg zu finden, um Barbaras Erfahrung mit Einsamkeit auszudrücken, wie man irgendwie bei ihr sein könnte durch die Zeit, die wir alle damit verbringen würden, sie und den Film anzuschauen.“

In 2018, Barbara Hammer began her own process of dying by revisiting her archive. She gave her Duneshack materials to Lynne. ‘The words on the screen came to me in a dream. I was really trying to figure out a way to talk to the experience of solitude that Barbara had had, how to be there with her somehow through the time that we would all share together watching her and the film.’

Noa, Noa

USA 2006

8', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Englisch English Regie Director Lynne Sachs

Über drei Jahre hinweg arbeitete Sachs zusammen mit ihrer Tochter Noa (als diese fünf bis acht Jahre alt war) und zog mit ihr kreuz und quer durch die waldreichen Teile Brooklyns mit einer Kamera und Kostümen in der Hand. Noas großes Finale ist ihre eigene Interpretation des Bluegrass-Klassikers Crawdad Song.

Over the course of three years, Sachs collaborated with her daughter Noa (from 5 to 8 years old), criss-crossing the wooded landscapes of Brooklyn with camera and costumes in hand. Noa’s grand finale is her own rendition of the bluegrass classic Crawdad Song.

Drift and Bough

USA 2014

6', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Lynne Sachs

Ein Wintermorgen, der Central Park ist mit Schnee bedeckt. Grafische Explosionen von Dunkelheit und Licht, hin und wieder ein Wolkenkratzer. Die schwarzen Linien der Bäume auf weiß werden zur emotionalen Zeichnung. Stephen Vitiellos feiner und gleichzeitig sich erhebender Musiktrack scheint sich seinen Weg durch den gefrorenen Boden zu bahnen, die Stämme hinauf, bis in den Himmel.

A winter morning in a Central Park covered in snow. Graphic explosions of dark and light and an occasional skyscraper. The black lines of the trees against the whiteness become an emotional drawing. Stephen Vitiello’s delicate yet soaring musical track seems to wind its way across the frozen ground, up the tree trunks to the sky.

Alle Filme All films

Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und des Kino Rebelde (María Vera) mit Unterstützung von The Film-Maker’s Cooperative und Canyon Cinema

Courtesy of the artist and Kino Rebelde (María Vera) with support from The Film-Maker’s Cooperative and Canyon Cinema

Which Way is East: Notebooks from Vietnam

USA 1994

33', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Lynne Sachs

Lynne und ihre Schwester Dana reisten von Chi Minh City nach Hanoi. Ihre Unterhaltungen mit Fremden und Freund*innen zeigen ihnen die Kehrseite einer gemeinsamen Vergangenheit. Lynnes und Danas Reisetagebuch schwelgt in Geräuschen, Sprichwörtern und Bildern des Alltags. Ihr Film wird zu einer warmen Landschaft, in der Geschichten von den Menschen, denen sie begegneten, mit ihren eigenen Kindheitserinnerungen an den Krieg im Fernsehen verwoben werden.

Lynne and her sister Dana travelled from Ho Chi Minh City to Hanoi. Their conversations with strangers and friends reveal to them the flip side of a shared history. Lynne and Dana’s travel diary revels in the sounds, proverbs, and images of daily life. Their film becomes a warm landscape that weaves together stories of people they met with their own childhood memories of the war on TV.

The House of Science: a museum of false facts

USA 1991

30', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Lynne Sachs

Eine Kombination aus Heimvideos, persönlichen Erinnerungen, inszenierten Szenen und Found Footage. Das Ergebnis ist eine verworrene visuelle und aurale Collage. Der Film erforscht die Repräsentation von Frauen und die Konstruktion femininen Andersseins. Die für ein Mädchen manchmal etwas schwierigen Rituale auf dem Weg des Erwachsenwerdens werden in ein mächtiges Netz für Bestätigung und Wachstum verwandelt.

Combining home movies, personal remembrances, staged scenes and found footage into an intricate visual and aural collage, the film explores the representation of women and the construction of the feminine otherness. A girl’s sometimes difficult coming-of-age rituals are recast into a potent web for affirmation and growth.

Drawn and Quartered

USA 1986

4', Farbe Colour, stumm silent

Regie Director Lynne Sachs

Bilder aus einem optischen Printer, die einen Mann und eine Frau zeigen, zerstückelt von einem Frame, der in vier verschiedene Bereiche unterteilt ist. Ein Experiment zu Form-/Inhaltsbeziehungen, die für das Medium eigenartig sind. Eine Erklärung des Verlangens nach und durch Kino.

Optically printed images of a man and a woman fragmented by a film frame that is divided into four distinct sections. An experiment in form/content relationships that are peculiar to the medium. A declaration of desire of and through cinema.

Maya at 24

USA 2021

4', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Lynne Sachs

„Meine Tochter heißt Maya. Man hat mir gesagt, dass dies in der hinduistischen Philosophie ‚Illusion‘ bedeutet. Mir wurde bewusst, dass ich ihre Kindheit kaum zu fassen bekomme, sie ist eher wie der Wind, etwas, das leicht meine Wangen streichelt.“ Lynne filmte Maya im Alter von sechs, 16 und 24 Jahren und rannte dabei im Kreis um sie herum, als ob sie sich in die gleiche Richtung wie die Zeit bewegen würde, vorwärts.

‘My daughter’s name is Maya. I’ve been told that the word maya means “illusion” in Hindu philosophy. I realised that her childhood was not something I could grasp but rather – like the wind – something I could feel tenderly brushing across my cheek.’ Lynne filmed Maya at ages 6, 16 and 24, running around her, in a circle – as if propelling herself in the same direction as time, forward.

A Biography Of Lilith USA 1997

35', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Lynne Sachs

Unkonventionelle Erzählung, Collage und Memoir, die den Schöpfungsmythos durch die Geschichte der ersten Frau aktualisiert. Liliths Verrat durch Adam im Garten Eden und ihr anschließender Racheschwur wird als moderne Geschichte neu erzählt. Indem sie mystische Texte aus der jüdischen Folklore mit Interviews, Musik und Poesie verwebt, reklamiert Sachs diese kabbalistische Parabel für sich, um ihre eigene Rolle als Mutter zu gestalten.

Off-beat narrative, collage and memoir, updating the creation myth by telling the story of the first woman. Lilith’s betrayal by Adam in Eden and subsequent vow of revenge is recast as a modern tale. Interweaving mystical texts from Jewish folklore with interviews, music and poetry, Sachs reclaims this cabalistic parable to frame her own role as a mother.

The Task of the Translator

USA 2010

10', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Lynne Sachs

Drei Studien des menschlichen Körpers bilden eine Hommage an Benjamins

The Task of the Translator. Die Grübelei eines Arztes in Kriegszeiten, der sich der Aufgabe eines kosmetischen Eingriffs an Leichen widmet. Eine Gruppe von Altphilolog*innen, konfrontiert mit der Aufgabe, einen Artikel zu irakischen Beerdigungsritualen ins Lateinische zu übersetzen. Ein Nachrichtenbericht im Radio zu menschlichen Überresten.

Three studies of the human body compose an homage to Benjamin’s The Task of the Translator. Musings of a wartime doctor grappling with the task of a kind of cosmetic surgery for corpses. A group of classics scholars confronted with the task of translating an article on Iraqi burial rituals into Latin. A radio news report on human remains.

The X Y Chromosome Project

USA 2007

11', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Mark Street, Lynne Sachs

Sachs und ihr Partner Mark Street nutzen den Split Screen, um das Ursprüngliche mit dem Vermittelten zu verbinden. Ihre Diptychon-Struktur verwandelt sich von einem Boxkampf in einen Pas de deux. Wochenschau-Material trifft auf handgemalte Filme, heimische Räume und Filmtrailer. Gemeinsam bewegen sich Sachs und Street von der Oberfläche in die Tiefe und wieder zurück. Sachs and her partner Mark Street use the split screen to cleave the primordial to the mediated. Their diptych structure transforms from a boxing match into a pas de deux. Newsreel footage brushes up against hand painted film, domestic spaces, and movie trailers. Together, Sachs and Street move from surface to depth and back again.

Starfish Aorta Colossus

USA 2015

4'43", Farbe Colour, Englisch English Regie Director Lynne Sachs

Poesie schaut Film. Film liest Poesie. Paolo Javiers Text ist ein Katalysator für das digitale Formen einer 8 mm Kodachrome-Leinwand. Syntaktische Brüche und ein Fest der Substantive. Paolo Javier lud Lynne ein, einen Film zu machen, der eines seiner Gedichte behandelt. Sie reist durch 25 Jahre ihrer 8-mm-Filme. Poetry watches film. Film reads poetry. Paolo Javier’s text is a catalyst for the digital sculpting of an 8 mm Kodachrome canvas. Syntactical ruptures and the celebration of nouns. Paolo Javier invited Lynne to create a film that would speak to one of his poems. She travels through 25 years of her 8 mm films.

The Last Happy Day

USA 2009

37', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Lynne Sachs

1938 floh der ungarische Arzt Sándor Lénárd vor den Nazis nach Rom. Kurz darauf nahm ihn die U.S. Army unter Vertrag, um Knochen gefallener amerikanischer Soldaten zu rekonstruieren. Schließlich ging er nach Brasilien, wo er Pu, der Bär ins Lateinische übersetzte. Der Film verwebt persönliche Briefe mit abstrahierten Kriegsbildern, Heimvideos, Interviews und der Vorstellung eines Kindes.

In 1938, Sándor Lénárd, a Hungarian doctor, fled from the Nazis to Rome. Shortly thereafter, the U.S. Army hired him to reconstruct the bones of dead American soldiers. Eventually he moved to Brazil where he embarked on the translation of Winnie the Pooh into Latin. The film weaves together personal letters, abstracted war imagery, home movies, interviews, and a children’s performance.

Zwischen verschiedenen

Kulturen Between different cultures

Susanne Touw Du bist in Tennessee geboren, hast einen großen Teil deiner Kindheit in Lesotho, im südlichen Afrika, verbracht, bist einige Jahre in Freiburg zur Schule gegangen, hast in Frankreich studiert und wohnst heute in Berlin und in Kapstadt. Zu einem deiner Filme gehören Fotografien, von denen eine dich als sechsjährigen Jungen zeigt, gekleidet wie ein Hirtenjunge aus Lesotho. Wie hast du es als Kind und Jugendlicher empfunden, in so unterschiedlichen Kulturen aufzuwachsen und was bedeutet Heimat für dich?

Teboho Edkins Das Foto, das du ansprichst, zeigt mich in einer Verkleidung bei einem Kostümfest in der Grundschule in Lesotho. Ich glaube mich zu erinnern, dass ich der Einzige war, der ein Kostüm trug, während alle Basotho-Kinder ihre besten Sonntagskleider trugen. Ich war der einzige weiße Junge in der Klasse und hatte mich für das Kostüm eines Mosotho-Hirten entschieden. Das war sehr seltsam. Wahrscheinlich ist mein Verständnis von „Heimat“ deshalb eher eine Frage danach, wohin ich gehöre und was meine Identität ist. Diese Suche war schon immer ein Teil von mir, und als ich an der Universität von Kapstadt bildende Kunst studierte, drehten sich schließlich alle meine Arbeiten um dieses Thema. Ich studierte Fotografie, fotografierte hauptsächlich meine Freund*innen und filmte meine Streifzüge. Bald begann ich, ausschließlich zu filmen. Video wurde für mich zum perfekten Medium, es bot mir die Möglichkeit, in meinen Filmen die Welt um mich herum zu erkunden.

Susanne Touw Du hast einmal gesagt, „I have one foot in each culture”. Du kannst kurzfristig von den Gegebenheiten einer Kultur in eine andere wechseln und hast dennoch den Blick von außen darauf. Die Konventionen im südlichen Afrika, die du anschaulich zeigst, sind uns in Europa in der Regel nicht vertraut. Das macht dich zu einem Vermittler und Übersetzer zwischen den Kulturen. Ist es das, was dich motiviert?

Teboho Edkins Ein Vermittler ist im Englischen ein „mediator“. Man könnte aber auch „agent“ sagen. Wenn ich meine Filme drehe, schlüpfe ich in die Rolle eines Übersetzers, manchmal eines Vertreters und manchmal auch in die eines (Geheim-)Agenten – einem Mittelsmann zwischen den Menschen, mit denen ich die Filme drehe, und dem Bild von ihnen auf der Leinwand. Mich motiviert es, mich in Situationen zu begeben, in denen diese Übersetzungsarbeit notwendig, komplex und auch ein bisschen spannend ist. Wenn ich einen Film mit Menschen mache, versuche ich, ihnen ohne Vorurteile und mit einem ehrlichen Interesse daran zu begegnen, wer sie sind. Die Kunst besteht dann darin, ihre Realität in das Bild auf der Leinwand zu übersetzen. Ich versuche, nicht zu sehr an das Publikum zu denken, sondern mich darauf zu

Interview mit Teboho Edkins

Interview with Teboho Edkins

Susanne Touw You were born in Tennessee, spent a large part of your childhood in Lesotho in southern Africa, went to school in Freiburg for some years, studied in France and now live in Berlin and Cape Town. One of your films includes photographs, one of which shows you as a six-year-old boy dressed like a shepherd boy from Lesotho. As a child and teenager, how did you feel about growing up in such different cultures, and what is ‘Heimat’ (home) for you?

Teboho Edkins The photograph you refer to was a costume I wore for a dress-up-day at primary school in Lesotho. I seem to remember, though, that I was the only one in costume while all the Basotho children wore their Sunday best clothes. I was the only white boy in the class, and I chose to wear the outfit of a Mosotho shepherd. It was very strange. This is probably why my understanding of ‘Heimat’ is more a questioning of where I belong and of my identity. This search has always been part of me, and when I went to study fine arts at the University of Cape Town, eventually all my work was about this. I studied photography and mostly photographed my friends and filmed my explorations. Soon I started working exclusively with video, which became the perfect medium for me as I began making films exploring the world around me. Susanne Touw You once said, ‘I have one foot in each culture’. You can swap from the realities of one culture to the other while still being able to look at them from the outside. The conventions in southern Africa, which you vividly depict, are not familiar to us in Europe as a rule. This makes you a ‘Vermittler’ and translator between the cultures. Is it this that motivates you?

Teboho Edkins A ‘Vermittler’ in English is a mediator. But it could also be an agent. In fact, I find that my role when I make my films moves between being a translator, sometimes a representative and at times a kind of (secret) agent between the people I make the films with and the image of themselves on screen. What motivates me when I am making my films is placing myself into situations where this translation work is necessary, complex and also a bit exciting. When I make a film with people, I try to meet them without judgement and with an honest interest in who they are. And the art is then making the translation from their reality into the image of them on screen. I try not to think too much about the audience but focus rather on making this translation or transition onto the screen a true one for me.

Susanne Touw The focus of one of the programmes in Oberhausen is your ‘gangster’ films. For Gangster Project, you went to the criminal districts of Cape Town to talk with gang members and understand how their world works. Everyone

konzentrieren, dass diese Übersetzung bzw. dieser Transfer auf die Leinwand für mich authentisch ist.

Susanne Touw Der Fokus eines der Programme in Oberhausen liegt auf deinen „Gangster“-Filmen. Für Gangster Project bist du in die kriminellen Viertel Kapstadts gefahren, um dich mit Banden-Mitgliedern zu unterhalten und zu verstehen, wie ihre Welt funktioniert. Unter den Begriffen „Gangster“ und „Gangsterism“ kann sich in Südafrika jeder etwas vorstellen. Könntest du erläutern, was es mit den Banden auf sich hat, wie dieses System zustande kam und warum du dir ausgesucht hast, darüber Filme zu machen?

Teboho Edkins Die vielen Gangs in Kapstadt sind berühmtberüchtigt, weil sie ein fester Bestandteil der Kultur in den Cape Flats sind. In diesem riesigen Gebiet hatte das Apartheid-Regime die sogenannten “Coloureds” (eine Bevölkerungsgruppe, die weder schwarz noch weiß ist) zwangsangesiedelt. Da diese Gebiete nicht von der Polizei überwacht wurden, entwickelten sich Bandenstrukturen, um die Communitys zu organisieren und für ihre Sicherheit zu sorgen. Die Gangs haben heute vertrackte Gründungsmythen und komplexe Rituale und sind in den Communitys immer noch tief verwurzelt. Ich wollte zunächst vor allem einen Film über sie bzw. mit ihnen machen, weil ich einfach fasziniert, verängstigt und ein bisschen ehrfürchtig vor dem war, was ich mir unter einem echten Gangster vorstellte. Im Laufe der Dreharbeiten wurde daraus dann aber vielmehr eine Coming-of-AgeGeschichte für mich persönlich – es gibt doch das deutsche Märchen Von einem, der auszog, das Fürchten zu lernen. Ich entwickelte ein Verständnis für meine Rolle als privilegierter weißer Junge in meinem Land und lernte, die Macht der Kamera zu nutzen, um in meinen Filmen von Klasse und Ethnie in Südafrika zu erzählen.

Susanne Touw In Gangster Backstage führst du Interviews mit Kriminellen und lässt sie aus ihrem Leben, von ihren Verbrechen und ihren Erfahrungen im Gefängnis berichten. Zunächst wird noch das Bild des glamourösen, respektierten Gangsters gezeigt, aber es wird schnell deutlich, dass der Alltag von der Angst um das eigene Leben und das der Familie geprägt wird. Auch die Eintönigkeit und der Schrecken des Gefängnisalltags kommen eindringlich zur Sprache. Der Film vermittelt dem Betrachter das Gefühl, den Menschen selbst gegenüber zu sitzen, es gelingt ihm, dass man den Kriminellen mit Empathie begegnet. Wie war es möglich, ihr Vertrauen zu gewinnen, sodass sie derart offen mit dir gesprochen haben?

Teboho Edkins Gangster Backstage war nach Gangster Project mein zweiter Film mit Gangstern. An Gangster Project hatte ich mehrere Jahre gearbeitet und als ich dann Gangster Backstage drehte, war ich mit den Gangstern und ihrer Kultur in diesem bestimmten Viertel von Kapstadt bereits vertraut. Ich verstand mich gut mit ihnen. Ich hatte es geschafft, mir einen guten Ruf aufzubauen und ihr Vertrauen zu gewinnen, indem ich einigen Gangmitgliedern einen Rohschnitt von Gangster Project gezeigt hatte, den sie anschließend kopierten und in ganz Kapstadt verteilten. Als die Gangster also zu den Castings für Gangster Backstage kamen, hatten die meisten von ihnen bereits von mir gehört. Auch der Ort der Castings half uns, eine gewisse Vertrautheit zu schaffen: Die Castings fanden in Schulen statt, weil das die einzigen relativ sicheren und neutralen Orte in der Gegend sind. Die Szenen im Theater wurden in einem ganz anderen Viertel gedreht. Dass wir die Gangster von ihrer Straßenecke geholt und auf eine Schulbank gesetzt oder in ein leeres Theater gestellt haben, hat sicherlich dazu beigetragen, dass sie sich leichter öffnen konnten.

in South Africa has an idea of what the terms ‘gangster’ and ‘gangsterism’ mean. Can you explain what the gangs are about, how this system came into being and why you chose to make films about it?

Teboho Edkins The many gangs in Cape Town are famous because they are a deep part of the culture in the Cape flats – which is a huge area which the Apartheid regime reserved for, and where it forcibly settled, what it classified as ‘the coloured’ population (neither black nor white). Because these areas were not policed, gang structures developed to help organise and provide security to the communities. The gangs today have complicated founding myths and intricate rituals and are still extremely widespread within the communities. I chose to make a film about them or, rather, with them, because at first I was simply fascinated, scared and slightly in awe of what I imagined a real gangster to be. As I began making the films, though, in parts it became a coming-of-age story for me personally (in German there is the fairy tale of Von einem der auszog, das Fürchten zu lernen [The Boy Who Went Forth to Learn Fear]) and an understanding of my place as a privileged white boy in my country, understanding how to negotiate the power of the camera lens, class and race while making films in South Africa.

Susanne Touw In Gangster Backstage, you hold interviews with criminals and get them to talk about their lives, their crimes and their experiences in prison. At first, there is still the image of the glamorous, respected gangster, but it quickly becomes clear that their everyday lives are dominated by fears about their own safety and that of their families. The monotony and horror of prison life is also talked about vividly.

Susanne Touw Der wachsende chinesische Einfluss auf die ursprünglichen Kulturen in Afrika ist ein Phänomen, das hier eher nicht bekannt ist. Von den komplexen Problemen, die dies mit sich bringt, handeln mehrere deiner Filme. Könntest du davon berichten?

Teboho Edkins Nachdem ich Guangzhou in China besucht hatte, begann ich mit einem Projekt, das den Spielfilm Days of Cannibalism und eine Reihe von Kurzfilmen über die Beziehungen zwischen China und Afrika (insbesondere Lesotho) umfasste. Ich hatte in Guangzhou in einem Viertel übernachtet, in dem ausschließlich afrikanische Händler*innen lebten. In diesem Viertel ist ein ganzes Ökosystem für Menschen aus Afrika entstanden. In den chinesischen Bars wird afrikanische Musik gespielt und afrikanisches Essen gekocht. Dieser Besuch war der Startschuss für ein Projekt über die chinesischen Händler*innen in Lesotho, die mich schon lange faszinierten. Während meiner Kindheit und Jugend in Lesotho begegnete ich in den entlegensten Gegenden immer wieder chinesischen Händler*innen, die kaum Sotho und noch weniger Englisch sprachen und mir sehr exotisch und irgendwie fehl am Platz vorkamen. Besonders prägnant zeigte sich mir die entstehende Beziehung zwischen Chines*innen und den Basotho im Zentrum von Lesotho, wo ich mit einem chinesischen Clan drehte, der dort eine Reihe kleiner Geschäfte eröffnet hatte. Für die Basotho sind Rinder traditionell das wichtigste Wirtschaftsgut. Sie betreiben die Rinderzucht seit Generationen. Rinder haben aber nicht nur einen monetären Wert, sondern auch einen sozialen – sie halten die Community zusammen. Eine Person, die viele Rinder besitzt, ist viel angesehener als jemand, der reich an Besitz ist, weil die gesamte Community von den Tieren profitieren kann. Kürzlich jedoch hatte die chinesische Familie, mit der ich gefilmt habe, angefangen, in Rinder zu investieren, und plötzlich wurde der Wert des Tieres nur noch in Kilogramm Fleisch gemessen. Dieser langsame Zusammenbruch der lokalen Wirtschaft, der Tod der alten Götter und der Beginn von etwas Disruptivem und Unbestimmtem zeigt uns die Auswirkungen der Globalisierung ganz deutlich.

Susanne Touw Du hast sowohl an Kunst- als auch an Filmhochschulen studiert. Deine Filme bewegen sich an der Grenze zwischen Dokumentation und künstlerischem Film, sie werden auf Filmfestivals, aber auch in Museen als Installation gezeigt. Was sind für dich die Beweggründe, die reine Dokumentation zu verlassen? Was interessiert dich am künstlerischen Film?

Teboho Edkins Ich nehme mir nicht bewusst vor, den Dokumentarfilm zu verlassen und zum Spielfilm oder zur

The film gives viewers the feeling that they are themselves sitting opposite the people and gives them a sense of empathy with the criminals. How was it possible to gain the criminals’ trust so they talked that frankly with you?

Teboho Edkins Gangster Backstage was the second film with gangsters after the first film called Gangster Project Gangster Project had taken me several years to complete and so by the time I made Gangster Backstage I was familiar and on good terms with the gangsters and their culture in a particular area of Cape Town. What also really helped my reputation and to build trust with the gangs was that I had taken a rough cut of Gangster Project for some gang members to view, and they subsequently made copies and distributed it all over Cape Town. So, by the time the gangsters came to the castings we had organised for Gangster Backstage, most of them had already heard of me. The setting of the castings was also helpful in creating intimacy. We organised them in schools because those are the only relatively safe and neutral territories in the area, while the theatre scenes were filmed in another neighbourhood all together. The displacement of a gangster from his street corner to a school bench or an empty theatre certainly helped to create a space in which they could open up.

Susanne Touw The growing Chinese influence on the native cultures in Africa is a phenomenon that is relatively unknown here. Several of your films look at the complex problems this causes. Could you say something about that?

Teboho Edkins I started making a project which included a feature-length film, Days of Cannibalism, and a number of short films on the China-Africa (in particular Lesotho) relationship after visiting Guangzhou in China and staying in hotels in a neighbourhood that were reserved exclusively for African traders. An entire ecosystem for Africans is built in this neighbourhood, with the Chinese bars playing African music and cooking African food. The visit helped launch a project about the Chinese traders in Lesotho that had fascinated me for a long time. Growing up in Lesotho, I would come across Chinese traders in the remotest areas who spoke very little Sotho and even less English, who seemed very exotic and out of place to me. A defining expression of the evolving ChineseBasotho relationship came to me in the very centre of Lesotho while filming with a Chinese clan that had set up a number of small shops there. For the Basotho, cattle are traditionally the basic economic coin that has been used for many generations. Cows have a value whose function isn’t simply monetary but also a social value that keeps a community together.

Gangster Backstage

Videokunst zu wechseln. Ich bin mir nicht einmal sicher, ob ich diesen Prozess so sehr kontrolliere. Jedes Filmprojekt, das ich beginne, findet irgendwann seine eigene Form und Sprache. Ich verwende verschiedene Werkzeuge, um zu einer endgültigen Form zu gelangen. Manchmal mische ich Dokumentar- und Spielfilme, manchmal funktioniert eine Arbeit besser als Kurzfilm in einer Installation denn als einzelner Langfilm, der ein erzählerisches Werkzeug braucht. Deshalb freue ich mich, dass meine stark dokumentarisch geprägten Filme in der Kunstwelt gezeigt und gesammelt werden. Das ist ein ziemlich neues Phänomen. Vielleicht ist es ein bisschen so wie damals, als die Fotografie in der Kunstwelt Einzug hielt. Es ist interessant, wie unterschiedlich ein und derselbe Film wirkt, wenn er im weißen Ausstellungsraum einer Galerie oder im dunklen Kinosaal gezeigt wird. In der Galerie kann ich ihn mit anderen Objekten wie Fotografien verbinden. Ich kann den Raum manipulieren, indem ich Kurzfilme auf verschiedenen Wänden und Monitoren kombiniere. Im Kino sieht man einen Film von Anfang bis Ende unter perfekten technischen Bedingungen – das ist ein völlig anderes Erlebnis.

Susanne Touw ist Kunsthistorikerin und Kuratorin. Seit 2011 ist sie für die Abteilung Medienkunst in der Sammlung Goetz, München, verantwortlich.

A person who owns many cows is much more respected than someone who is rich in property because the entire community can benefit from the animals. Recently, though, the Chinese family I was filming with had started investing in cattle, and suddenly the cow’s worth was simply measured in kilograms of meat. This slow collapse of the local economy, the death of the old gods and the beginning of something disruptive and undefined is one way of understanding the ripple effects of globalisation.

Susanne Touw You have studied at both art and film schools. Your films are at the interface between documentary and art film; they are shown at film festivals but also in museums as installations. What are the reasons that have prompted you to depart from pure documentaries? What interests you about the genre of art film?

Teboho Edkins I don’t consciously think of moving from documentary to fiction and then into video-art filmmaking. I am not even sure I control it that much. Every film project I begin eventually finds its own form and language, and I use different tools to arrive at a final form. Sometimes I will mix documentary and fiction, sometimes a work will function better as a short film in an installation than as a single long film which needs a narrative tool to help carry it. That is why I am happy that my films, which have a strong documentary identity and are born in a documentary environment, are being shown and collected in the art world. It is a fairly new phenomenon. Perhaps it is a bit similar to when photography first began to arrive in the art world. It is interesting how the same film has very different effects if shown in the white cube of a gallery or the black box of a cinema. In the gallery I can combine it with other objects such as photographs and can manipulate the space, combining short films on different walls and monitors, whereas in the cinema a film is watched from beginning to end in perfect technical conditions, which gives a different experience.

Susanne Touw is an art historian and curator. Since 2011, she has been responsible for the media art department at the Goetz Collection, Munich, Germany.

Teboho Edkins

Teboho Edkins, geboren 1980 in Tennessee, USA, wuchs im südlichen Afrika auf und lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Fotografie und bildende Kunst an der Michaelis School of Fine Art, Universität Kapstadt, Südafrika, und Film am Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains in Tourcoing, Frankreich. Es folgte ein Regie-Studium an der Deutschen Film und Fernseh-Akademie in Berlin. Teboho Edkins’ Filme wurden auf vielen Festivals sowie in Gruppen- und Einzelausstellungen gezeigt, unter anderem in Centre Pompidou, Paris; Tate Modern, London; South London Gallery, London; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt; Berlinische Galerie, Berlin; Weserburg-Museum für Moderne Kunst, Bremen; Museum of Modern Art, New York City. Zu den über 500 Filmfestivals, auf denen seine Filme präsentiert wurden, gehören die Internationalen Filmfestspiele Berlin, die Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen und das Internationale Filmfestival in Rotterdam. Seine Filme wurden auch von mehreren öffentlichen und privaten Kunstsammlungen erworben, darunter die Sammlung Goetz in München, die Sammlung von Kelternborn in Frankfurt und die KAI 10 | Arthena Foundation in Düsseldorf.

Teboho Edkins, born 1980 in Tennessee, USA, grew up in southern Africa and lives and works in Berlin. He studied photography and fine arts at the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, South Africa, and film at the Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains in Tourcoing, France. This was followed by directing studies at the German Film and Television Academy Berlin. Teboho Edkins’ films have been shown at many festivals and in both group and solo exhibitions, including at the Centre Pompidou, Paris; Tate Modern, London; South London Gallery, London; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt; Berlinische Galerie, Berlin; Weserburg-Museum für Moderne Kunst, Bremen; Museum of Modern Art, New York City. His films have been presented at more than 500 film festivals, including the Berlin International Film Festival, the International Short Film Festival Oberhausen and the International Film Festival Rotterdam. Several public and private art collections have also purchased Edkins’ films, including the Goetz Collection in Munich, the Kelterborn Collection in Frankfurt and the KAI 10 | Arthena Foundation in Düsseldorf.

Filmauswahl

Selected works

The Orphanage (2021), Shepherds (2020, in Oberhausen 2020), Days of Cannibalism (2020), I am Sheriff (2017), Initiation (2016, in Oberhausen 2016), Coming of Age (2015), Gangster Backstage (2013, in Oberhausen 2014), Gangster Project (2011), Thato (2011), Kinshasa 2.0 (2008, in Oberhausen 2008), Gangster Project 1 (2006), True Love (2005), Ask Me I’m Positive (2004)

Initiation

Südafrika, Deutschland South Africa, Germany 2016

11', Farbe Colour, Sotho mit englischen Untertiteln

Sotho with English subtitles

Regie Director Teboho Edkins

Hoch in den Bergen von Lesotho wartet Mosaku ungeduldig auf die Rückkehr seines Bruders, der an einem entlegenen, geheimen Ort eine fünfmonatige Initiationszeremonie durchlebt hat. Welche Rituale dort vollzogen werden, wissen nur die Initiierten. Doch eines wissen alle: Die Jungen kehren als erwachsene Männer zurück.

High in the mountains of Lesotho, Mosaku is anxiously awaiting the return of his older brother from an initiation ceremony. The initiates spend five months in a remote secret location. What rituals are performed is only known to those who have taken part. But when the boys return, they are grown men.

Ma China

Frankreich, Deutschland, Südafrika France, Germany, South Africa 2020 3'37", Farbe Colour, Sesotho mit englischen

Untertiteln Sesotho with English subtitles

Regie Director Teboho Edkins

In Ma China geht es um den Radiomoderator eines winzig kleinen Radiosenders in den Bergen Lesothos und um das Lied eines Musikers, der aufgrund des Songtexts über Handeltreibende aus China im ganzen Land große Bekanntheit erlangte. Ein Intermezzo zwischen dem optimistischen Radiomoderator und dem frustrierten Musiker zeigt, wie komplex die Globalisierung in einem kleinen Binnenstaat ist.

Ma China features a radio host of a tiny radio station deep in the mountains of Lesotho and a song performed by a musician who became famous countrywide for his lyrics about traders from China. An intermezzo, with the optimistic radio host and the frustrated musician reflecting on the complexities of globalisation in a small, land-locked country.

Gangster Film

Frankreich, Deutschland, Südafrika France, Germany, South Africa 2020 5'51", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Teboho Edkins

Mein Filmteam und ich sowie die kleine Tochter eines chinesischen Ladenbesitzers werden bei einem brutalen Raubüberfall auf einen chinesischen Supermarkt als Geiseln genommen. Der Angriff wird von den Überwachungskameras des Geschäfts aufgezeichnet und wirkt nun wie ein befremdliches Theaterstück. Gangster Film ist der letzte Film in meiner Trilogie von Gangsterfilmen. Sie alle schwanken zwischen Dokumentarfilm und Fiktion. Dieses Werk steht im Kontext des weitreichenden Einflusses chinesischer Siedler*innen in Lesotho. (Teboho Edkins)

My film crew and I, as well as the small daughter of a Chinese shopkeeper, are taken hostage during a brutal robbery on a Chinese supermarket. The attack is captured by the shop’s CCTV camera and now has the effect of a strange theatre piece. Gangster Film can be seen as the final film in a trilogy of Gangster Films I have made. They all move between documentary and fiction. The background of this one is the far-reaching influence of Chinese settlers in Lesotho. (Teboho Edkins)

The Orphanage

Südafrika, Deutschland South Africa, Germany 2021

8'27", Farbe Colour, Mandarin

Regie Director Teboho Edkins

The Orphanage spielt in den ländlichen Flachebenen Lesothos und dokumentiert einen Tag im Leben von Kindern, die dort in einem buddhistischen Waisenheim leben – eine Untersuchung der sich verändernden Machtverhältnisse und moralischen Wertesysteme.

Set in the rural plains of Lesotho, The Orphanage documents a day in the life of children living in a Buddhist orphanage, leading to an exploration of shifting power relations and moral value systems.

Shepherds

Frankreich, Südafrika, Deutschland France, South Africa, Germany 2020 27', Farbe Colour, Sotho mit englischen

Untertiteln Sotho with English subtitles

Regie Director Teboho Edkins

Shepherds zeigt, wie konstitutiv Rinder für das gesamte gesellschaftliche Leben in Lesotho, einem mitten in Südafrika liegenden Kleinstaat, sind. Kühe haben eine weitreichende symbolische und materielle Bedeutung, deshalb ist ihr Besitz von extrem hohem Wert. Gedreht wurde der Film in einem Gefängnis, in dem Viehdiebe einsitzen. Sie berichten aus ihrem Leben und warum sie hierhergekommen sind. Für jede gestohlene Kuh werden sie ein Jahr inhaftiert.

Shepherds demonstrates how cattle are constitutive for the entirety of social life in Lesotho, a small state in the middle of South Africa. Cows have deep symbolic as well as material significance, and their possession is therefore of extremely high value. The film was shot in a prison where cattle thieves are imprisoned. They talk about their lives and why they came here. For every cow stolen, they face one year in prison.

Gangster Project

Deutschland, Südafrika Germany, South Africa 2011 53', Farbe Colour, Englisch, Afrikaans mit englischen

Untertiteln English, Afrikaans with English subtitles

Regie Director Teboho Edkins

In Kapstadt, Südafrika, einem der gewalttätigsten und ungleichsten Länder der Welt, verlässt ein junger, weißer Filmstudent die Geborgenheit seines geschützten Viertels, um einen Gangsterfilm mit echten Gangstern zu drehen. Er findet die perfekte Gang, passt sich deren Alltagsrhythmus an, doch die Realität holt ihn bald ein. Das klaustrophobische Gangsterleben entspricht nicht so ganz den Erwartungen.

In Cape Town, South Africa, one of the world’s most violent and unequal societies, a young white film student leaves the comfort of his protected neighbourhood to make a Gangster Film, with real gangsters. He finds the perfect gang, settles into their everyday rhythm but the reality soon catches up. The claustrophobic gangster life doesn’t exactly fit to the expectations.

Gangster Backstage

Frankreich, Südafrika France, South Africa 2013 37'30", Farbe Colour, Englisch, Afrikaans mit englischen Untertiteln English, Afrikaans with English subtitles

Regie Director Teboho Edkins

Gangster Backstage ist ein Dokumentarfilm, der in Kapstadt, Südafrika, gedreht wurde. Mit Voranschreiten der Geschichte, angefangen bei einem Casting-Interview bis zu verschiedenen Szenen in einem leeren Theater, entsteht ein greifbares Gefühl von Einengung: Gefangen in einem angst- und zigarettenerfüllten Fegefeuer bleibt man mit wirbelnden Gedanken zurück, über das Wesen der Freiheit, Gefangenschaft und darüber, was die Seele im Leben nach dem Tod erwartet.

Gangster Backstage is a documentary film shot in Cape Town, South Africa. As the narrative progresses from a casting interview through scenes in an empty theatre, a palpable sense of confinement builds: trapped in a fear- and cigarette-filled purgatory, one is left with swirling thoughts about the nature of freedom, imprisonment and what awaits the soul in the afterlife.

Ask Me I’m Positive

Südafrika South Africa 2004

48', Farbe Colour, Sesotho, Englisch mit englischen Untertiteln Sesotho, English with English subtitles

Regie Director Teboho Edkins

Thabo, Thabiso und Moalosi sind junge, urbane Basothen auf einer Mission. Sie reisen mit einem mobilen Kino durch die Berge von Lesotho und zeigen ihre Filme in weit entlegenen Dörfern. In einem Land, in dem beinahe ein Drittel der Bevölkerung HIV-positiv ist, sind sie der Kern einer winzig kleinen Gruppe, die offen mit dem Virus lebt.

Thabo, Thabiso and Moalosi are young, urban Basotho men on a mission. They travel with a mobile cinema unit through the mountains of Lesotho, screening their film to very remote communities. In a country where almost a third of the people are HIV+ they are the nucleus of a tiny group that are living openly with the virus.

I am Sheriff

Südafrika South Africa 2017

28', Farbe Colour, Sesotho mit englischen Untertiteln Sesotho with English subtitles Regie Director Teboho Edkins

I am Sheriff folgt einem jungen Transmann auf seiner Reise durch das Bergkönigreich Lesotho, bei der er seinen Film in entlegenen Dörfern, Schulen und Communitys zeigt. „Ich heiße jetzt Sheriff“, sagt er, „wenn ihr wollt, dass ich nach Hause komme und mein Heimatdorf besuche, müsst ihr lernen, mich bei meinem Namen zu nennen.“

I am Sheriff follows a young trans-man as he travels the mountain kingdom of Lesotho showing his film in remote villages, schools and communities. ‘My name is Sheriff now’, he says, ‘if you want me to come home and visit my home village you have to learn to call me by my name.’

Alexandra Gulea lernte ich 2001 in Oberhausen anlässlich der Premiere ihres Films Anonym kennen. Schon bald erzählte sie mir von den vielen streunenden Hunden in Bukarest. Damals waren die Hunde-Meuten noch in der Innenstadt von Bukarest präsent. Immer wieder tauchen sie in ihren Filmen auf, beobachtet auf nächtlichen Streifzügen, analog fotografiert oder in griseligem Videomaterial. Als Zwölfjährige begann Gulea zu malen. Ihr Studium der Malerei an den Akademien Beaux Arts in Rouen und Paris schloss sie mit der Ausstellung einer monumentalen Hundebilder-Serie ab, die auf ausführlichen Recherchen mit der Fotokamera beruhten. Ihr Studium, das sie 1999 an der Hochschule für Fernsehen und Film in München aufnimmt, lässt sie in Helmut Färbers Filmgeschichtsunterricht, zu dem umfassende Filmsichtungen im Kino und am Schneidetisch gehören, die 35-mm-Kopie von Robert Bressons Mouchette in den Händen halten.

Anonym (2000) ist Guleas erster Übungsfilm an der Dokumentarfilmabteilung der HFF München, entstanden unter der – bis zur Schließung der Kopierwerke praktizierten – Vorgabe, auf 16 mm s/w-Material zu drehen und am Steenbeck zu schneiden. Zur Verfügung stehen vier Rollen 16 mm ORWO und eine ungeblimpte Arri SR. Der Fotograf Frank Stürmer macht die Kamera. Anonym handelt von drei migrantischen Personen, deren Alltag fragmentarisch in dichten Miniaturen angespielt wird: in einer Großküche, einem Kinderzimmer, einem Wohnheim, einem Boxstudio, in transitären Räumen. Situationen der Arbeit, der Ruhe, Porträts in der kleinen Form, gegen- und zueinander geschnitten. Es geht um Haltungen, Bewegungen und um die Anonymität, die diese drei Personen umgibt, außen und innen. Einmal, an einer U-Bahn-Station, spiegelt sich das kleine Filmteam auf dem Bahnsteig im Fenster der abfahrenden U-Bahn, und eine bayerische Kleinfamilie blickt aus dem Zug heraus auf das Team, amüsiert, neugierig. Für einen kurzen Moment ergibt sich der Eindruck, beguckt

I first got to know Alexandra Gulea at the premiere of her film Anonymous in Oberhausen in 2001. She soon told me about the many stray dogs in Bucharest: at the time, plenty of these dogs were still present in the inner city. They repeatedly turn up in her films, observed during their nocturnal wanderings using analogue photography or caught on grainy video. Gulea began painting as a 12-year-old. She concluded her study of painting at the Fine Arts Academies in Rouen and Paris with the exhibition of a monumental series of dog paintings based on comprehensive research she conducted with a still camera. She began studying at the University of Television and Film Munich (HFF München) in 1999, which allowed her to attend Helmut Färber’s lessons on film history. These included many film viewings in the cinema and at the editing table; and holding the 35 mm print of Robert Bresson’s Mouchette in her hands.

Anonymous (2000) is Gulea’s first practice film in the documentary film department of the HFF München and was made under the specification – which was habitually imposed before film laboratories were closed – of having to be filmed on 16 mm b/w filmstock and edited on a Steenbeck flatbed. She had four reels of ORWO material and an unblimped Arri SR at her disposal. Photographer Frank Stürmer did the camerawork. Anonymous is about three migrant persons whose everyday lives are fragmentarily alluded to in condensed miniatures: in a restaurant kitchen, a child’s room, a hostel, a boxing gym, in different transitory spaces. Situations at work, at rest, portraits on a small scale, edited to contrast or harmonise with each other. The focus is on attitudes and movements and on the anonymity that surrounds these three people, externally and internally. Once, at an underground station, the small film crew on the platform is reflected in the window of the departing train, and a Bavarian nuclear family looks at them from the train, amused, curious. For a short moment, there is the impression of being gawked at, and also, once again, of what it means not to belong.

In 2001, The Fourth Wall was made during a directing workshop with Werner Schroeter. Camera and lighting: Thomas Ciulei; dialogue: Alexandra Gulea. The setting of this studio chamber drama is simple: a prison cell – the prison guards have long departed –, two white, metal beds, two men (the filmmaker Werner Schroeter as ‘Werner Schroeter’ and Gulea’s fellow student Stanislav Güntner as ‘The Russian’). The two are flinging film titles around: rosselinipasolinifassbinderfellini. Layers of images in the intro, layers of voices from off-screen. Werner Schroeter teeters on his bed. Stanislav recites a poem by Ossip Mandelstam in

Die vierte Wand

zu werden, aber auch einmal mehr, was es heißt, nicht dazuzugehören.

2001 entsteht in einem Regieworkshop mit Werner Schroeter Die vierte Wand. Kamera und Licht: Thomas Ciulei, Dialoge: Alexandra Gulea. Das Setting des Studio-Kammerspiels ist einfach: eine Gefängniszelle – die Wärter sind schon lange weg –, zwei weiße Metallbetten, zwei Männer (der Filmemacher Werner Schroeter als „Werner Schroeter“ und Guleas Kommilitone Stanislav Güntner als „Der Russe“). Die beiden werfen sich Filmtitel an den Kopf: „rosselinipasolinifassbinderfellini“. Stimmenschichten aus dem Off, Bildschichten im Intro. Werner Schroeter wippt auf seinem Bett. Stanislav spricht auf Russisch ein Gedicht von Ossip Mandelstam und stirbt im graublauen Licht. „Schlaf schön. … Du liebe Scheiße. Was mach ich mit ihm. … Hoffentlich fängst du nicht an zu stinken,“ sagt Werner Schroeter. Er küsst Stanislavs Hand. Stanislav ist gestorben und stirbt dann eben doch nicht: Die beiden Männer tanzen innig. Alexandra erzählt: „Ich habe den Werner sehr gemocht und mir sehr gewünscht, mit ihm etwas direkt zu machen. Ihn nicht als Betreuer, sondern ihn als Figur, etwas von ihm im Film zu behalten. Er hat sich ganz eingelassen … Werner hat diese Art von Arbeit geliebt. Dass man zusammen viel Zeit verbringt, gemeinsam spricht und entdeckt.“ Ganz kurz taucht Alexandra Gulea selbst auf, als „der Tod“ in einem (von der Bavaria geliehenen) weißen Brautkostüm. Es war ihr wichtig, im Film zu sein, Teil dieses Dokuments zu werden. Dumnezeu la Saxofon, Dracu’ la Vioara (2003). Die offizielle Bezeichnung der seit 1985 bestehenden Psychiatrie im rumänischen Gura Ocnitei als „Zentrum für Rehabilitation, Erholung und Re-Integration in das Arbeitsleben für Erwachsene mit neuro-psychiatrischen Erkrankungen“ spricht der Situation in diesem Krankenhaus Hohn. Die Zimmer sind überfüllt mit eng gestellten Metallbetten. Die gekachelten Gänge, Korridore und Treppenabsätze scheinen die einzigen Aufenthaltsräume zu sein. Die „Insassen“-Ökonomie dieser Institution funktioniert über Zigaretten und Kaffee, über Botengänge und Schulden. Gulea erzählt den klaustrophobischen Ort in kleinen Serien, Mikroporträts, gemeinschaftlichen Situationen und Gesprächen, in denen das grün gekleidete Klinikpersonal kaum im Bild auftaucht, aber mit Befehlen den Rhythmus von Essen, Schlafen, Warten, Medikation, Auslauf, Kleidungs- und Geldverteilen bestimmt. Der deutschsprachige Titel Die Daumendreher greift diesen Stillstand auf. Die Kameraarbeit von Thomas Ciulei und Frank Stürmer ist zurückhaltend und den Psychiatrierten deutlich zugewandt. Die Kadragen beschreiben den disziplinierenden Raum, ohne

Russian and then dies in the greyish-blue light. ‘Sleep well. … Shit almighty. What do I do with him. … Hopefully you don’t start to stink,’ says Werner Schroeter. He kisses into Stanislav’s hand. Stanislav has died but doesn’t die after all: the two men dance intimately. Alexandra relates: ‘I liked Werner a lot and wanted very much to make something that would involve him directly. With him not as a mentor but as a character, to keep something from him on film. He took part wholeheartedly … Werner loved this kind of work. Where you spend lots of time together, talking and discovering things together.’ Alexandra Gulea makes a very short appearance herself as ‘The Death’ in a white bridal costume (borrowed from Bavaria film studios). It was important to her to be in the film, to be part of this document.

God Plays Sax, the Devil Violin (2003). The official name of the psychiatric institution in the Romanian town of Gura Ocnitei, ‘Centre for Rehabilitation, Recovery and Reintegration into Working Life for Adults with Neuro-Psychiatric Illnesses’, is a mockery of the situation in this clinic, founded in 1985. The rooms are overcrowded, with metal beds squeezed next to each other. The tiled hallways, corridors and landings appear to be the only recreational spaces available. The ‘inmate’ economy of this institution runs on cigarettes and coffee, errands and debts. Gulea narrates this claustrophobic place in small series, micro-portraits, collective situations and conversations in which the green-clad clinic personnel are barely seen but nonetheless, with their commands, dictate the rhythm of eating, sleeping, waiting, medication and distribution of clothing and money. The German title Die Daumendreher (The Thumb Twiddlers) refers to this state of stagnation. The camerawork by Thomas Ciulei and Frank Stürmer is reticent and clearly caring towards the psychiatric patients. The framings depict this disciplinary space without taking the side of power and creating victims. The inmates sing of their situation in improvised songs full of sarcastic humour and poetic rigour. The film recalls Forough Farrokhzad’s Khaneh Siah Ast (1962) in its intensity.

Wooden Boy (2017). This film essay by Nicu Ilfoveanu and Alexandra Gulea starts out from the wooden simpleton Pinocchio. His nose, which grows after every lie, forces him to mature, to self-reflect. A small boy tells the story in simple words. But for him (and Gulea), Pinocchio is the imageturned-wood of a child who has been made submissive and who here encounters a cosmos of sclerotic creatures: stuffed animals, pointed ears, gaping jaws, fixed gazes from glass eyes, bared teeth: animals that can’t even look at us anymore,

sich viktimisierend auf die Seite der Macht zu schlagen. In Stegreif-Liedern besingen die Insassen ihre Situation voll mit sarkastischem Humor und poetischer Rigorosität. In seiner Eindringlichkeit erinnert der Film an Forough Farrokhzads

Khaneh Siah Ast (1962).

Baiat de lemn (2017). Der Filmessay von Nicu Ilfoveanu und Alexandra Gulea nimmt das Holzdummköpfchen Pinocchio zum Ausgangspunkt. Seine nach jeder Lüge wachsende Nase zwingt ihn zu einem Reifungsprozess, zur Selbstreflexion. Ein kleiner Junge erzählt die Geschichte in einfachen Worten. Doch für ihn (und Gulea) ist Pinocchio das holzgewordene Bild eines gefügig gemachten Kindes, das hier auf einen Kosmos erstarrter Kreaturen trifft: ausgestopfte Tiere, gespitzte Ohren, aufgerissene Mäuler, starre Blicke aus Glasaugen, gefletschte Zähne: Tiere, die uns nicht einmal mehr ansehen können, in Plastikplanen verpackt in der erzieherischen Institution Museum.

Als „invited artist“ ist bei Valea Jiului – Notes wieder der Kameramann Nicu Ilfoveanu dabei. Seiner affektiven Kameraarbeit, Stéphane Karos atmender Trompeten-Improvisation und Alexandra Guleas beeindruckender Montage und ihrer Stimme – unemotional und affiziert zugleich – verdankt der Film seine ästhetische und empathische Tiefe. Wir fahren in einem phantom ride durch Tunnel, hinein in eine spätwinterliche bergige Landschaft. Blattlose Bäume im Dunst. Aus dem Off ruft die Stimme suchend mehrere Kindernamen. Dünnes Schneetreiben, Dörfer, Schornsteine, ziegelfarbene Dächer, Industrieruinen des stillgelegten Kohlebergbaus, Gebäude aus der Stalinzeit. „Sie war ein sehr introvertiertes Kind. Sie hat sich nie beklagt.“ Ein anderes Kind: „Er vermisste seine Mutter, die zum Arbeiten nach Italien gegangen war.“ Eine „personnage collectif“, so Gulea, wird spürbar, ein Kind, viele Kinder, die über das Arbeitsexil ihrer Eltern zu kindlichen Selbstmördern wurden.

Guleas jüngster Essay Ńeale Azbuirătoare widmet sich in vielen Bild- und Ton-Schichten den Aromunen oder Mazedorumänen, einer ursprünglich nomadischen Minderheit, deren flüchtige Geschichte sich seit 2000 Jahren über Griechenland, Rumänien, Albanien, Bulgarien, Mazedonien und Serbien erstreckt, von der Ägäis bis in den Pindus und zum Schwarzen Meer. Gulea kennt den Dialekt, der einige griechische Elemente enthält, aus ihrer eigenen frühen Kindheit. Die Erzählungen ihrer Tante begleiten die filmischen Passagen durch Orte und Zeiten. Jumpcuts und taktile Bildschichten, Flüstern und polyphoner Gesang, das Auftauchen und Verschwinden von Stimmen, Inszenierungen und Projektionen – Guleas Malerei und flüchtige Skulpturen erzeugen einen mitreißenden Sog, desorientierend und bewegend. Jahreszahlen und Orte fliegen dahin, so wie die Schafe, ursprüngliche Lebensgrundlage der Arumonen, schon längst angefangen haben zu fliegen.

Alexandra Guleas ausdrucksstarke Filme ziehen seit über 20 Jahren ihre eigenwillige Spur eher neben als in der Neuen Rumänischen Welle. Die Kuratorin und Kunsthistorikerin Ruxandra Balaci (Gründerin und künstlerische Leitung des MNAC in Bukarest) hebt die „außergewöhnlichen und unverwechselbaren Charaktere (Gulea ergreift immer Partei für zarte Seelen und Außenseiter)“ ihrer Filme hervor sowie „ungewöhnliche Themen zwischen der zerbrechlichen Welt des Oneirischen und der härtesten Realität, eine besondere Ästhetik des Bildes, Mysterium und esprit de finesse, Recherche und metaphorische Interviews“.

Eher implizit untersucht Alexandra Gulea institutionelle und gesellschaftliche Zwänge, denen Individuen – oft sind

wrapped in plastic covers in the educational institution that is called Museum.

In Valea Jiului – Notes, the cinematographer Nicu Ilfoveanu is once again present as ‘guest artist’. The film owes its aesthetic and empathetic depth to his emotional camerawork, to Stéphane Karos’s breathful trumpet improvisations and to Alexandra Gulea’s impressive editing and voice which is unemotional and moving at the same time. We take a phantom ride through tunnels into a mountain landscape in late winter. Leafless trees in the mist. From off-screen, the voice eagerly calls several children’s names. Fine flurries of snow, villages, chimneys, brick-coloured roofs, industrial ruins from the abandoned coal mine, buildings from the Stalin era. ‘She was a very introverted child. She never complained.’ Another child: ‘He missed his mother, who had left for work in Italy.’ A ‘personnage collectif’ according to Gulea, a collective character becommes tangible: one child, many children, who became suicidal children because of the working exile of their parents.

Gulea’s most recent essay, Flying Sheep, is devoted in many layers of image and sound to the Aromanians or Macedo-Romanians, an originally nomadic minority whose fleeting 2,000-year history extends over Greece, Romania, Albania, Bulgaria, Macedonia and Serbia, from the Aegean to the Pindus and the Black Sea. Gulea knows the dialect, which contains some Greek elements, from her own early childhood. The tales of her aunt accompany the passages of the film through places and times. Jump cuts and tactile layers of images, whispers and polyphonic singing, the appearance

Ńeale Azbuirătoare

es Kinder – unterworfen sind. Formal ist ihre Herkunft aus der Malerei fundamental für ihren filmischen Ansatz. Ihre Arbeiten zeugen insgesamt von ihrem bildnerischen Interesse an gleichsam bewegten wie bewegenden Bildern. Die Malerei findet sich in Ausstattungen und Szenenbildern genauso wie in den „pikturalischen“ Bildschichten, die sie erstmals bei der Arbeit an Die vierte Wand am Avid-Schnittcomputer entdeckte und entwickelte. Ihr Schnitt ist intuitiv und im besten Sinne experimentell, ein nie vorhersehbarer Rhythmus trägt die Erzählungen. Auch die ganz eigensinnige, nicht illustrative musikalische Ebene gehört dazu, die in Zusammenarbeit mit den Musikern Stéphane Karo, Stephan Dunkelman und Vlaicu Golcea entstanden ist, deren Background in der experimentellen oder der Roma-Musik-Szene liegt. Als deutlich kollektive Form sind Guleas Filme geprägt vom inspirierenden Zusammenarbeiten und Erleben mit vielen Kolleg*innen.

Madeleine Bernstorff

Madeleine Bernstorff arbeitet als Autorin, Filmkuratorin, Lehrende sowie in der Auswahlkommission der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen. madeleinebernstorff.de

Dank an Ruxandra Balaci, Andreas Bolm, Stanislav Güntner, Nicu Ilfoveanu, Tina Janker, Kristina Konrad, Boris Schafgans, Katharina Schröder. Und avant tout Alexandra Gulea.

and disappearance of voices, stagings and projections, Gulea’s paintings and transitory sculptures produce a powerful pull, disorienting and moving. Years and places fly past, just as the sheep, the original mainstay for the Aromanians’ livelihood, have long before begun to fly.

For more than 20 years, Alexandra Gulea’s expressive films have been leaving their maverick trace alongside the New Romanian Wave rather than as part of it. The curator and art historian Ruxandra Balaci – also Founder and Artistic Director MNAC Bucharest – highlights the ‘remarkable and inoubliables characters (Gulea always taking sides of the delicate souls and the underdog)’ in her films as well as ‘strange topics caught in between the fragile oneiric realm and most harsh realities, aestheticism of image, mystery and esprit de finesse, research and metaphor interviewing’.

Alexandra Gulea’s examination of the institutional and social constraints to which individuals – often, children – are subjected is rather implicit than explicit. On a formal level, her roots in painting are fundamental to her cinematic approach. Altogether, her works bear witness to her artistic interest in, as it were, moved and moving images. Painting is to be found in décor and production designs, as well as in the ‘pictural’ layers of images that she first discovered and developed while working on The Fourth Wall on the Avid editing workstation. Her editing is intuitive and experimental in the best sense of the word; the stories are carried by a rhythm that is never predictable. The very idiosyncratic, non-illustrative musical level, created in collaboration with the musicians Stéphane Karo, Stephan Dunkelman and Vlaicu Golcea, who have backgrounds in the experimental or in the Roma music scene, also plays its part. Gulea’s films, as clearly collective endeavours, are marked by inspiring collaborations and shared experiences with many colleagues.

Madeleine Bernstorff

Madeleine Bernstorff works as an author, film curator, teacher and in the selection commission of the International Short Film Festival Oberhausen. madeleinebernstorff.de

Thanks to Ruxandra Balaci, Andreas Bolm, Stanislav Güntner, Nicu Ilfoveanu, Tina Janker, Kristina Konrad, Boris Schafgans, Katharina Schröder. And avant tout Alexandra Gulea.

Chiens dans la ville 230 x 170, 1997, Öl auf Leinwand oil on canvas

Zusammen arbeiten

„Ich mag den Film Die vierte Wand sehr. Jedes Mal, wenn ich den Film sehe, pocht mein Herz. Ich weiß nicht weshalb. … Er ist nicht einfach, nicht leicht zugänglich, so ephemer. Ich habe damals nicht darüber nachgedacht, was ich spiele. Ich habe nur versucht zu reagieren, so ehrlich und natürlich wie ich es nur konnte. Jetzt, 20 Jahre später, verstehe ich mehr und bin unendlich froh, dass es diesen Film gibt. … Der Werner [Schroeter] hat sehr spartanisch gelebt, er hatte keine Wohnung … Der hat so gespielt, wie er war. Hat die Sprache sehr kontrolliert, Bewegung und Dialoge, seine Diktion. Er ist sehr transparent. … Ich erinnere mich an die Szene, wo er wirklich weint, und du [Alexandra] bist auf ihn zugekommen und du hast gesagt: Werner, womit habe ich das verdient? Er hat mich als eine Projektionsfigur gesehen für die Freunde, die er verloren hat, die er in den Armen hielt. Er hat im Spielen einen Abschied gelebt.“

— Stanislav Güntner, Filmemacher und Protagonist Die vierte Wand

„Dumnezeu la Saxofon, Dracu’ la Vioara, der zweite Film von Alexandra, bei dem ich den Ton aufgenommen habe, war für mich die wohl eindringlichste Erfahrung in unserer nun fast 20-jährigen Zusammenarbeit. Wir filmten und lebten mehrere Wochen – vielleicht waren es auch Monate – zusammen mit den Bewohnern einer psychiatrischen Einrichtung in Rumänien. Alexandra öffnete eine Tür zu ihrem Reich und ließ mich jeden Winkel mit dem Mikrofon abtasten, fasziniert vom Ton, von der Musikalität des Ortes, der aus vielen verschiedenen Instrumenten und ihren Klängen zu bestehen schien: das Singen der Bohrtürme, das Schlurfen der Schritte und Klappern der Zähne, das Rascheln der Pillentütchen, das Atmen, Flüstern und Summen…. Ein Chor, ein ganzes Orchester, das sich in ihrer Hand zu einer Komposition oder vielmehr dichten Collage zusammenfügte. Dieser sehr bildhafte Ansatz ist es, der mich an ihrer Arbeit am Ton fasziniert, auch in ihren weiteren Filmen. Die Plastizität, die sie herausarbeitet – fast wie kleine Ton-Skulpturen.“

— Andreas Bolm, Filmemacher und Musiker, Ton Anonym, Die vierte Wand, Dumnezeu la Saxofon, Dracu’ la Vioara, Ńeale Azbuirătoare

„Bird Watching. Es gibt diese Geschichte aus der analogen Zeit, als lokale Fotografen aus einem Konfliktgebiet von hochgelobten Fotojournalisten angeheuert wurden, um Bilder für sie zu schießen. Die Ersteren überließen den Letzteren, die in ihren Hotelzimmern warteten, einfach die unentwickelten Rollen und mit Gottes Hilfe ein geglücktes Bild. Später dann wurde ich von Alexandra eingeladen, Aufnahmen für ihren ersten langen Spielfilm zu machen. Mir wurde eher die Szenerie als das Drehbuch erklärt, und bald darauf fand ich mich dort mit einer Kamera und vielen Rollfilmen wieder, die ich dann abgeben musste. Meine entwickelten Filme kamen jeden zweiten Tag zurück, aber ich erkannte meine Aufnahmen nicht wieder, während ich gleichzeitig das starke Gefühl hatte, dass Alexandra mir das Filmmaterial eigentlich schon vorbelichtet hatte.“

— Nicu Ilfoveanu, Fotograf und Kameramann Baiat de lemn, Valea Jiului – Notes, Ńeale Azbuirătoare

Collaborations

‘I like the film The Fourth Wall a lot. Every time I see the film, my heart pounds. I don’t know why. … It is not simple, not easily accessible, so ephemeral. At the time, I didn’t think about what I was playing. I only tried to react as honestly and naturally as I could. Now, 20 years later, I understand more and am infinitely happy that this film exists. … Werner [Schroeter] led a spartan life, he didn’t have an apartment. … He acted just the way he was. He had great control of the language, movement and dialogues, his inflection. He is very transparent. … I remember the scene where he really cries, and you [Alexandra] went to him and you said: Werner, what did I do to deserve that? He used me as a projection figure for friends he had lost, whom he had held in his arms. He lived out a farewell while acting.’

— Stanislav Güntner, filmmaker and actor The Fourth Wall

‘God Plays Sax, The Devil Violin, Alexandra’s second film, for which I recorded the sound, was probably the most powerful experience for me during our now almost 20 years of working together. For several weeks – it might have even been months – we filmed and lived together with the residents of a psychiatric institution in Romania. Alexandra opened a door to their realm and let me sound out every corner with the microphone, fascinated by the musicality of the place, which seemed to be made up of many different instruments and their sounds: the singing of the oil derricks, the shuffling of feet and chattering of teeth, the rustling of pill sachets, the breathing, whispering and humming. … A choir, a whole orchestra, that in her hands came together in a composition or, rather, dense collage. This very visual approach is what fascinates me about her work with sound, in her other films as well. The plasticity that she brings out – almost like small sculptures in sound.’

Andreas Bolm

—

, filmmaker and musician, sound Anonymous, The Fourth Wall, God Plays Sax, the Devil Violin, Flying Sheep

‘Bird Watching. There is this story from the analogue era, when the local photographers from a conflict zone were hired by highly praised photojournalists to shoot pictures for them. The former were simply offering the latter, waiting in their hotel rooms, the undeveloped rolls and God help with a lucky picture. Later in the days I was invited by Alexandra to take shots for her first long feature film. I was told the scenery, rather than the scenario and soon after found myself there with a camera and lots of reels to be given back. My dailies would return to me every other day, but I would not recognise the stuff I’ve shot, while having the strong feeling that she actually gave me the film stock already impressed.’

— Nicu Ilfoveanu, photographer and cinematographer Wooden Boy, Valea Jiului – Notes, Flying Sheep

Alexandra Gulea wurde 1970 im rumänischen Bukarest geboren. Nach einem Studium der bildenden Künste an der Nationalen Kunsthochschule in Bukarest zog sie nach Frankreich, wo sie 1997 an der Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts in Paris ihren Abschluss mit „cum laude“ machte. Anschließend ging sie nach München, wo sie ab 1999 Dokumentarfilm an der Münchner Hochschule für Fernsehen und Film studierte. Nach der Teilnahme an mehreren Gemäldeausstellungen in Bukarest und Paris arbeitete sie als Regieassistentin für Terminus Paradis von Lucian Pintilie. Als bildende Künstlerin nimmt Alexandra Gulea an Einzel- und Gruppenausstellungen teil. Sie schuf Dokumentar- und Spielfilme sowie experimentelle Filme, in denen sie für Buch, Regie und Schnitt verantwortlich zeichnete. Derzeit arbeitet sie an der Fertigstellung eines mehrjährigen Projekts für einen essayistischen Spielfilm, der 2023 erscheinen soll. Aktuell bereitet sie außerdem eine Einzelausstellung in Berlin vor. Alexandra Gulea arbeitete als Cutterin an mehreren Filmen unter der Regie von Thomas Ciulei und Stere Gulea. Ihre Filme wurden auf verschiedenen Festivals und in Museen gezeigt, darunter: Internationale Kurzfilmtage Oberhausen, IFF Rotterdam, Cinéma du Réel Paris, Festival dei Popoli, Florenz, MoMA New York und MNAC Bukarest. Sie hat mehrere Preise gewonnen. Alexandra Gulea was born in Bucharest, Romania in 1970. After studying fine arts at the Fine Arts Academy of Bucharest, she moved to France where she graduated ‘cum laude’ from the Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts in Paris in 1997. She then moved to Munich, where she began studying documentary film at the University of Television and Film in Munich in 1999. After participating in several painting exhibitions in Bucharest and Paris, she worked as assistant director on Terminus Paradis, directed by Lucian Pintilie. She also works as a visual artist, participating in solo and group exhibitions. As an author, director and editor, she has made documentary, fiction (including a feature) and experimental films which she wrote, directed and edited herself. She is currently working on an essayistic feature film that has been in progress for several years and is scheduled for release in 2023. She is preparing a solo exhibition in Berlin. She worked as an editor on several movies directed by Thomas Ciulei and Stere Gulea. Her films have been featured at festivals such as the International Short Film Festival Oberhausen, IFF Rotterdam, Cinéma du Réel Paris and Festival dei Popoli Florence, and in museums like the MoMA New York and MNAC Bucharest. She has won several prizes for her work.

Filmauswahl Selected works

Maia – Portret cu maini (2023), Ńeale Azbuirătoare (2022), Valea Jiului –Notes (2018), Baiat de lemn (2017), Matei Copil Miner (2013), Azi eram frumoasa, juna (2007), Dumnezeu la Saxofon, Dracu’ la Vioara (2003), Die vierte Wand (2001), Anonym (2000)

Anonym Anonymous

Deutschland Germany 2000

16 mm, 11', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Dialoge without dialogue

Regie Director Alexandra Gulea

Der Film zeigt kurze Sequenzen aus dem Leben von drei Ausländer*innen, die in München leben. Drei Momente, die die Außenwelt nicht kümmern. Drei Geschichten über die Unmöglichkeit von Kommunikation, über Gefangensein im eigenen Ich.

The film shows short sequences from the life of three foreigners living in Munich: three moments to which the outside world seems indifferent. Their stories are about the impossibility to communicate, about being caught in one’s own self.

Baiat de lemn Wooden Boy

Deutschland Germany 2017

9'05", Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Rumänisch mit englischen Untertiteln Romanian with English subtitles

Regie Director Alexandra Gulea, Nicu Ilfoveanu

Die übermütige Holzpuppe Pinocchio wird in einen Menschen verwandelt, nachdem sie ihr leichtsinniges Leben hinter sich gelassen hat und vernünftig geworden ist. Zuerst ist Pinocchio mit dieser Belohnung zufrieden. Doch eines Tages entdeckt er in einem Museum präparierte Tiere.

Finally, the jovial wooden puppet Pinocchio is turned into a human after having stopped his reckless life and getting some common sense. First, he is happy with this reward. But one day, Pinocchio sees some mounted animals in a museum.

Dumnezeu la Saxofon, Dracu’ la Vioara God Plays Sax, the Devil Violin Die Daumendreher

Deutschland Germany 2003

16 mm, 43', Farbe Colour, Rumänisch mit englischen Untertiteln Romanian with English subtitles

Regie Director Alexandra Gulea

Schlafen, essen, Pillen einnehmen. Dies sind die einzigen Aktivitäten im Leben der ca. 300 Menschen, die im Heim für psychisch Kranke in Gura Ocnitei, Rumänien, leben. Die meisten von ihnen leben schon über zehn Jahre hier. Die meisten von ihnen wissen, dass sie hier auch sterben werden … Sleeping, eating, taking pills. These are the only activities in the lives of the about 300 people living in the home for mentally disturbed patients in Gura Ocnitei, Romania. Most of them have been living here for more than ten years. Most of them know that they’ll die here, too …

Die vierte Wand

Dumnezeu la Saxofon, Dracu’ la Vioara

Dank an die Hochschule für Fernsehen und Film

München für die Möglichkeit, die Filme für dieses Projekt zu nutzen

Thanks to the University of Television and Film

Munich for the opportunity to use the films for this project

Valea Jiului – Notes

Deutschland Germany 2018

13'30", Farbe Colour, Rumänisch mit englischen Untertiteln Romanian with English subtitles

Regie Director Alexandra Gulea

Im Jiu-Tal, einst ein traditionelles rumänisches Industriegebiet, nehmen die Eltern nun lange Wege auf sich, um in den Westen zu gelangen, wo immer sie Arbeit finden. Sie kommen zu selten zurück. Sie schicken Geld. Ihre Kinder sind wie Waisenkinder. Viele von ihnen leiden unter Depressionen. Manche wählen den tödlichen Weg ins Paradies oder in die Hölle. Vielleicht mit der Hoffnung, in ein freundlicheres Tal zurückzukehren.

In the Jiu Valley, once a traditional Romanian industrial area, parents now take long journeys to get to the West wherever they find work. They return too rarely. They send money. Their children are a lot like orphans. Many of them suffer from depression. Some choose the deathly path to paradise or hell –perhaps hoping to return to a friendlier valley.

Die vierte Wand The Fourth Wall

Deutschland Germany 2001

35mm, 17', Farbe Colour, Deutsch, Russisch German, Russian Regie Director Alexandra Gulea

Meine Geschichte spielt zwischen vier grauen Wänden und auf zwei weißen Metallbetten. Die zwei Gefangenen Werner Schroeter und Stanislav Güntner befinden sich seit knapp einem Monat in der Nähe der mazedonischen Stadt Velles. Stanislav stirbt, Werner wird das feststellen und nichts dagegen unternehmen können.

My story is set between four grey walls and on two white metal beds. For almost a month, the two prisoners, Werner Schroeter and Stanislav Güntner, have been in prison near the Macedonian city of Velles. Stanislav is going to die. Werner is going to realise that without being able to do anything about it.

Ńeale Azbuirătoare Flying Sheep

Rumänien, Deutschland Romania, Germany 2022

24', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Rumänisch mit englischen Untertiteln Romanian with English subtitles Regie Director Alexandra Gulea

Die Großeltern der Autorin waren Aromunen, eine balkanische Minderheit von nomadischen Hirten, ohne Territorium und Schriftsprache, zwischen Bergen und Meeren umherziehend. Ihre Geschichte wird aus der subjektiven Sicht der Künstlerin erzählt, die in inszenierten Szenen diese immerwährende tragische Wanderschaft, die auch voller Lebensmut und Hoffnung ist, leidenschaftlich wiedergibt.

The author’s grandparents were Aromanians, a Balkan minority of nomadic shepherds without territory or written language, wandering between mountains and seas. Their story is told from the subjective point of view of the artist, who passionately reproduces in staged scenes this perpetual, tragic wandering, also full of hope and courage to live.

re-selected ist ein gemeinsames Projekt der Kurzfilmtage mit dem Arsenal – Institut für Film und Videokunst im Rahmen von „Archive außer sich“, in Kooperation mit dem Haus der Kulturen der Welt, gefördert im Rahmen von „Das Neue Alphabet“ durch die BKM auf Grundlage eines Beschlusses des Deutschen Bundestages.

re-selected is a joint project of the International Short Film Festival Oberhausen and Arsenal – Institute for Film and Video Art within the framework of ‘Archive außer sich’, in cooperation with the Haus der Kulturen der Welt, funded as part of ‘The New Alphabet’, which is supported by the Federal Government Commissioner for Culture and the Media due to a ruling of the German Bundestag.

Seit 2018 dient das Archiv der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen der Sektion re-selected als materielle Grundlage für Recherchen und kuratierte Programme. Im Mittelpunkt steht dabei die Filmsammlung, die über fast 70 Jahre zusammenkam, indem von Preisträgerfilmen regelmäßig Archivkopien erworben wurden. Zur Archivkonstellation in Oberhausen gehören aber auch die Festival-Publikationen und -Drucksachen, einige hundert Ordner mit Korrespondenzen, interner Kommunikation und „grauer Literatur“, die Einsicht in die Umstände geben, unter denen Filme nach Oberhausen kamen und in denen natürlich auch Filme ihre Spuren hinterlassen haben, die nicht im Festivalarchiv verblieben sind. Die vier re-selected Programme auf den 69. Kurzfilmtagen sind erneut in Zusammenarbeit mit mehreren Ko-Kurator*innen entstanden, die das Archiv und die darin dokumentierte Festivalgeschichte mit ihren eigenen Fragestellungen und Recherchen konfrontiert haben. Durch die entstandenen Programme zieht sich als eher loser Faden ein Interesse für die Beziehungen, die die Kurzfilmtage ab den 1970erJahren zu Ländern und Filmemacher*innen der damals sogenannten Dritten Welt aufbauten. Ein verbindendes Anliegen der Programme ist auch in diesem Jahr, die Begegnung mit dem Archiv zum Ausgangspunkt für einen Dialog mit der Gegenwart zu machen.

Tobias Hering

Tobias Hering ist freier Kurator und Publizist und leitet seit 2018 bei den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen die Sektion re-selected. Er lebt in Mecklenburg und Berlin.

Since 2018, the archives of the International Short Film Festival Oberhausen have served as a material basis for research and curated programmes in the section re-selected. The mainstay for this is the film collection, which has been put together over almost 70 years by regularly purchasing archive prints of prize-winning films. But the archive in Oberhausen also contains festival publications and printed materials, some one hundred binders with correspondence, internal communications and ‘grey literature’, which provide insights into the circumstances under which films came to Oberhausen and in which those films that have not remained in the archive have, of course, also left their traces. The four re-selected programmes at the 69th edition of the festival have once more been compiled in collaboration with several cocurators who have confronted the archive and the festival history it documents with their own questions and research. The programmes thus created are rather loosely connected by an interest in the relationships that the festival built up from the 1970s to countries and filmmakers in what was then called the Third World. Again this year, the programmes also all aim to make the encounter with the archive a basis for a dialogue with our present moment.

Tobias Hering

Tobias Hering is a freelance curator and writer. Since 2018, he has headed the re-selected section at the International Short Film Festival Oberhausen. He lives in Mecklenburg and Berlin.

Colombia 70

Kolumbien Colombia 1970

16 mm, 4', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text Regie Director Carlos Álvarez

Das Jahr 1970 ist im Verständnis der bürgerlichen Wirtschaft das Jahr der Modernisierung Kolumbiens. Die Hauptstadt bekommt breite Straßen, neue Gebäude und Hotels mit Zentralheizung und Klimaanlage… Im Gegensatz dazu drehte ich Colombia 70. (Carlos Álvarez)

The year 1970 is the year of Colombia’s modernisation, as the bourgeois business world sees it. The capital received broad streets, new buildings and hotels with central heating and air conditioning … In contradiction to this, I made Colombia 70. (Carlos Álvarez)

Los hijos del subdesarollo

Kolumbien Colombia 1975

16 mm, 45', Schwarzweiß Black-and-white, Deutsch German Regie Director Carlos Álvarez

Los hijos del subdesarollo war einer von drei kolumbianischen Filmen auf den Kurzfilmtagen Oberhausen 1976, bei denen der Kampf gegen die autoritären Regime Lateinamerikas ein bestimmendes Thema war. Der Film beschreibt Ursache und Wirkung der Unterernährung von kolumbianischen Kindern in fünf Kapiteln und hat die Form eines Schwarzbuchs des Kapitalismus. „Der Tenor des Films ist aggressiv… Der Projektor nagelt die Gesichter und Taten des Gegners auf die Leinwand, macht sie zu Zielscheiben einer Kamera, die sich als Gewehr versteht.“ (Willi Karow, Oberhausen 1976)

Los hijos del subdesarollo was one of three Colombian films at the 1976 Short Film Festival Oberhausen in which the fight against the authoritarian regimes in Latin America was a dominant theme. The film describes the cause and effect of the undernourishment of Colombian children in five chapters and has the form of a black book of capitalism. ‘The tenor of the film is aggressive… the projector nails the faces and deeds of the enemy to the screen, makes them targets of a camera that sees itself as a weapon.’ (Willi Karow, Oberhausen 1976)

La lucha continúa: Carlos Álvarez

Im Archiv der Kurzfilmtage gibt es drei Filme des 2019 verstorbenen kolumbianischen Dokumentarfilmers Carlos Álvarez: Colombia 70 (1970), Que es la democracia? (1971) und Los hijos del subdesarollo (1975). Ihre Existenz verweist auf die Bedeutung, die Álvarez während der 1970er-Jahre für die Kurzfilmtage hatte, als das Festival eine prominente Plattform für politische Dokumentarfilme aus Lateinamerika wurde, die autoritäre Regime und staatliche Gewalt anprangerten und oft unter äußerst prekären Bedingungen entstanden. Auch Carlos Álvarez und seine Frau Julia de Álvarez wurden 1973 zeitweilig in Haft genommen, nachdem ihre ersten Filme in Oberhausen und auf anderen Festivals mit Preisen versehen worden waren. Als Reaktion auf ihre Verhaftung stand die Eröffnung der 19. Kurzfilmtage 1973 unter dem Motto „Freiheit für Carlos Álvarez“.

Über die gesamte Dekade der 1970er-Jahre blieben die Kurzfilmtage geprägt von Filmen, die die „Kamera als Waffe“ einsetzten und nicht nur aus Lateinamerika, sondern bald auch aus Indien, Nordafrika und den palästinensischen Gebieten kamen. Es wurde dem europäischen Publikum zunehmend „schwer gemacht, sich nicht mit der Militanz dieser Filme einverstanden zu erklären“, wie es im Festivalbericht 1976 über Carlos Álvarez’ Los hijos del subdesarollo hieß. Der Kontakt zu Álvarez, der nach seiner Haftentlassung zeitweise im mexikanischen Exil lebte, blieb bestehen. Als er 1979 als Mitglied der internationalen Jury nach Oberhausen kam, wurden seine Filme in der Retrospektive „Möglichkeiten des Dokumentarfilms“ gezeigt und in die Tradition von John Grierson, Joris Ivens, Santiago Álvarez und anderen gestellt.

Im Archiv in Oberhausen findet sich auch eine Korrespondenz mit den Herausgebern der mexikanischen Filmzeitschrift Octubre, ein Exemplar der Ausgabe 4 vom Dezember 1975, in der ein Text von Carlos Álvarez mit dem Titel Sobre la censura (Über die Zensur) erschien, sowie, daran geheftet, eine deutsche Übersetzung dieses Textes. Die Absicht war, diesen Text im Rahmen der Kurzfilmtage 1976 zu veröffentlichen, was aber vermutlich nicht geschehen ist. Der folgende Beitrag von Daniel Bejarano ist eine aktuelle Replik auf Álvarez’ Text.

Zu Gast

Filmemacher und Aktivist Daniel Bejarano, der derzeit für einen längeren Rechercheaufenthalt in Berlin lebt und der in Bogotá eine der letzten Vorführungen dieser Filme zu Lebzeiten von Carlos Álvarez organisierte.

The festival archive contains three films by the Colombian documentary filmmaker Carlos Álvarez, who died in 2019: Colombia 70 (1970), Que es la democracia? (1971) and Los hijos del subdesarollo (1975). Their existence points to the importance that Álvarez had for the festival in the 1970s, when Oberhausen became a prominent platform for political documentary films from Latin America that denounced authoritarian regimes and state violence and were often made under extremely precarious conditions. Carlos Álvarez and his wife, Julia de Álvarez, were themselves temporarily imprisoned in 1973 after their first films won prizes in Oberhausen and at other festivals. As a reaction to their detention, the opening of the 19th Short Film Festival in 1973 was held under the motto ‘Freedom for Carlos Álvarez’.

During the entire decade of the 1970s, the festival was marked by films that used the ‘camera as weapon’ and came not only from Latin America, but soon also from India, North Africa and the Palestinian territories. It was made increasingly difficult for European audiences ‘not to declare themselves in agreement with the militancy of these films’, as could be read in the 1976 festival report about Carlos Álvarez’s Los hijos del subdesarollo. The festival kept in touch with Álvarez, who for a time after his release lived in exile in Mexico. When he came to Oberhausen in 1979 as a member of the international jury, his films were shown in the retrospective Possibilities of Documentary Film and placed within the tradition of John Grierson, Joris Ivens, Santiago Álvarez and others.

The archive in Oberhausen also contains correspondence with the editors of the Mexican film journal Octubre, a copy of its fourth issue from December 1975, which includes a text by Carlos Álvarez with the title Sobre la censura (On Censorship) and, attached to this, a German translation of this text. The intention was to publish the text at the 1976 festival, which, however, probably did not happen. The following contribution by Daniel Bejarano is a contemporary response to Álvarez’s text.

As Guest Filmmaker and activist Daniel Bejarano, who is currently living in Berlin for an extended research project and who organised one of the last screenings of these films in Bogotá during Carlos Álvarez’s lifetime.

Selbstzensur und Armut

Still There: Censorship, SelfCensorship and Poverty

Argenteuil, Frankreich, 12. Februar 2023. Ich bin bei der Premiere des Dokumentarfilms Le Chant des oubliés des französischen Filmemachers Luc Decaster im unabhängigen Kino

Le Figuier Blanc. Ein Dokumentarfilm über die Schließung einer multinationalen Fabrik, die Notlage der Arbeiter und ihre ungewisse Zukunft. Wäre Luc ein kolumbianischer Filmemacher, würde er zensiert oder sich selbst zensieren und müsste damit rechnen, bedroht, entführt, ins Exil gezwungen oder ermordet zu werden.

Fünf Tage später bin ich in Toulouse im alternativen Kino Utopia, um die Dokumentarserie Matarife des kolumbianischen Filmemachers Daniel Mendoza Leal zu sehen. Er lebt in Frankreich im Exil, weil er aufgrund seiner Arbeit als Anwalt und Filmemacher ständig Morddrohungen erhalten hat. Die Kampagne der Angst hat dazu geführt, dass jeder, der es wagt, den bewaffneten Konflikt, die Korruption, die Armut, die staatlichen Verbrechen oder jedes andere Thema zu untersuchen, das die „Macht“ in Kolumbien infrage stellt, gezwungen ist, das Land zu verlassen oder mit dem Todesurteil zu rechnen – wie Mauricio Lezama, ein junger Community-Filmemacher, der am 9. Mai 2019 im Departement Arauca während der Produktion seines Films Mayo, der sich mit den Opfern des bewaffneten Konflikts in dieser Region beschäftigt, ermordet wurde.

Ein Filmemacher, der es wagte, die „Macht“ und die staatliche Politik in Kolumbien seit den 1960er-Jahren zu hinterfragen, war auch Carlos Álvarez (1943–2019). Er wurde inhaftiert, zensiert, zur Selbstzensur gezwungen und musste mehrmals das Land verlassen, um sein Leben zu schützen. Seine Filme prangern die soziale Ungleichheit, die Armut, das Fehlen einer echten Demokratie, den Terror, den Krieg und die Zensur an – einen gesellschaftlichen Kontext, der noch heute Bestand hat.

Zensur und Selbstzensur waren in Kolumbien „erfolgreich“. Sie haben dafür gesorgt, dass das politische Kino derzeit weder ein Publikum noch ein wirkliches Interesse seitens der öffentlichen Institutionen, der Medien, der Wissenschaft oder der Filmbranche selbst hat, ungeachtet der Tatsache, dass die „Normalisierung“ der Gewalt eines der soziokulturellen Phänomene ist, die die kolumbianische Gesellschaft zerfressen. Und dies spiegelt sich auch im Kino wider, wo die Menschen es vorziehen, Filme mit exzessiver Gewalt zu sehen, aber mit „Helden, Schurken und Happy Endings“, wie sie es aus Hollywood gewohnt sind.

Obwohl in den letzten 20 Jahren Gesetze geschaffen wurden, die das einheimische Kino „begünstigen“, sind weder die Politiker noch die Privatwirtschaft wirklich daran interessiert,

Argenteuil, France, February 12, 2023. I am at the premiere of the film Le Chant des oubliés by the French filmmaker Luc Decaster in the independent cinema Le Figuier Blanc. It is a documentary about the closure of a multinational factory, the plight of the workers and their uncertain future. If Luc were a Colombian filmmaker, he would be censored or censor himself and have to reckon on being threatened, abducted, forced into exile or murdered.

Five days later, I am in Toulouse in the alternative cinema Kino Utopia to see the documentary series Matarife by the Colombian filmmaker Daniel Mendoza Leal. He lives in exile in France, as he kept receiving death threats because of his work as a lawyer and filmmaker. This campaign of fear has meant that anyone who dares to look critically into the armed conflict, corruption, poverty, state crimes or any other topic that calls into question the ‘power’ in Colombia is forced to leave the country or expect a death sentence – like Mauricio Lezama, a young community filmmaker who was murdered on May 9, 2019 in the department of Arauca during the production of his film Mayo, which focuses on the victims of the armed conflict in this region.

One filmmaker who dared to question the ‘power’ and state politics in Columbia from the 1960s onwards was Carlos Álvarez (1943–2019). He was imprisoned, censored, forced to carry out self-censorship and had to leave the country several times to protect his life. His films denounce social inequalities, poverty, the lack of true democracy, the terror, the war and the censorship – social contexts that still exist today.

Censorship and self-censorship were ‘successful’ in Colombia. They have ensured that political cinema currently neither has an audience nor attracts any real interest from public institutions, media, academia or the film industry itself, despite the fact that ‘normalisation’ of violence is one of the sociocultural phenomena that eat away at Colombian society. And this is reflected in the cinema, where people prefer to watch either films with excessive violence or with ‘heroes, villains and happy endings’, as they are used to seeing from Hollywood.

Although laws were passed in the last 20 years to ‘promote’ local cinema, neither politicians nor the private sector are really interested in encouraging a form of cinema that contributes to the debates the country needs to expand democracy and advance peace. Many filmmakers are busier telling stories for the big distributors and festivals than making films for the Colombian public. I think that films which only correspond to international norms are a form of self-censorship and feed the inferiority complex Colombia has with regard to

ein Kino zu fördern, das zu den Debatten beiträgt, die das Land braucht, um die Demokratie zu erweitern und den Frieden voranzutreiben. Viele Filmemacher sind mehr damit beschäftigt, Geschichten für die großen Verleihe und Festivals zu erzählen, als Filme für das kolumbianische Publikum zu machen. Ich denke, dass Filme, die nur den internationalen Normen entsprechen, eine Form der Selbstzensur sind und den „Minderwertigkeitskomplex“ nähren, der in den Beziehungen zu „entwickelten“ Ländern besteht. Ich verstehe, dass für einige die internationale Anerkennung notwendig ist, um in der Branche zu überleben, auch wenn das lokale Publikum ihre Filme nicht sieht und wir dazu verdammt sind, normierten Trash zu konsumieren, zu vergessen, die Erinnerung zu löschen und uns selbst zu zensieren.

Aus diesen Gründen ist die Einladung, zwei Dokumentarfilme von Carlos Álvarez zu sehen, ein besonderer Anlass, der auch zum richtigen Zeitpunkt kommt.

Colombia 70:

Der Film zeigt uns eine Frau, die auf einem Gehweg sitzt und sich an eine Wand lehnt, ihr Gesicht voller Schmerz, Angst, aber auch seelischer Krise. Sie murmelt vor sich hin, die Menschen gehen vorbei und sind gleichgültig, aber sie versucht, den Horizont zu sehen, direkt vor den Kodak-Studios in Bogotá. Der Film zeigt uns eine Kodak-Werbung, in der wir Fragmente eines „glücklichen Lebens“ sehen. Ich denke, diese Frau steht nicht nur für die Armut in Kolumbien, sondern auch für die Zensur im kolumbianischen Kino, für die Angst, die Traurigkeit, die innere Unterdrückung und den langsamen Tod, wenn man es nicht wagt, die Realität zu hinterfragen.

Los hijos del subdesarollo:

1975 wagte es Carlos Álvarez, die dramatische Situation der Unterernährung und Vernachlässigung tausender Kinder sowie die Erprobung von Verhütungsmethoden an hunderten von armen Frauen in Kolumbien anzuprangern. Damals war die Hälfte der 24 Millionen Einwohner des Landes minderjährig, und jedes Jahr starben 90.000 Kinder in bitterer Armut. Heute, fast 50 Jahre später, leben bei einer Bevölkerung von 52 Millionen Menschen immer noch 39 % der

‘developed’ countries. I can see that for some, international recognition is necessary for them to survive in the industry, even if local audiences do not see their films and we are condemned to consume standardised trash, to forget, to wipe out memories and to censor ourselves.

For these reasons, the invitation to see two documentary films by Carlos Álvarez is a special event that also comes at the right time.

Colombia 70:

The film shows us a woman sitting on a sidewalk and leaning against a wall, her face full of pain, fear and psychological crisis. She is murmuring to herself; people walk past indifferently, but she tries to see the horizon right in front of the Kodak studios in Bogotá. The film shows us a Kodak advertisement in which we see fragments of a ‘happy life’. I feel that this woman stands not only for the poverty in Colombia but also for censorship in Colombian cinema, for the pain, the sadness, the inner repression and the slow death that occur if you do not dare to question reality.

Los hijos del subdesarollo:

In 1975, Carlos Álvarez dared to denounce the dramatic situation surrounding the undernourishment and neglect of thousands of children as well as the testing of contraceptive methods on hundreds of poor women in Colombia. At the time, half of the 24 million residents of the country were underage, and 90,000 children died each year in bitter poverty. Today, almost 50 years later, 39% of the population of 52 million people are still living below the poverty line, 50% of children under 18 years of age live in extreme poverty and more than 16,000 children were recruited for the war. Then there are the latest statistics on the internal armed conflict: more than 7.75 million displaced, 121,768 disappeared, 50,770 abducted and almost a million dead. The children of underdevelopment did not just have the chance of a dignified life taken from them; they were also censored and are still being murdered.

In this context, ‘Community Cinema’, a participatory process involving individuals and communities that make films as ‘an

Jurymitglieder Gautam Ghose und Carlos Álvarez auf den Kurzfilmtagen Oberhausen 1979

Jury Members Gautam Ghose and Carlos Álvarez at the Oberhausen Short Film Festival 1979

Bevölkerung unterhalb der Armutsgrenze, 50 % der Kinder unter 18 Jahren leben in extremer Armut und mehr als 16.000 Kinder wurden für den Krieg rekrutiert. Hinzu kommen die jüngsten Zahlen des internen bewaffneten Konflikts: mehr als 7,75 Millionen Vertriebene, 121.768 Verschwundene, 50.770

Entführte und fast eine Million Tote. Die Kinder der Unterentwicklung wurden nicht nur der Möglichkeit eines würdigen Lebens beraubt, sie wurden auch zensiert und werden weiterhin ermordet.

In diesem Kontext entsteht seit mehr als 20 Jahren das „Community Cinema“, ein partizipativer Prozess von Einzelpersonen und Gemeinschaften, die Filme machen als „eine Übung in politischer und sozialer Teilhabe in Gesellschaften, die sie oft unsichtbar machen, zensieren und marginalisieren.“ Die meisten der Initiator*innen und Filmemacher*innen sind „Kinder der Unterentwicklung“, die nichts zu verlieren haben, weil sie nie etwas hatten. Ihre verbliebene Würde und Hoffnung haben es ihnen ermöglicht, in einer Aktion des poetischen Aufstands Volksschulen, Produktionsfirmen, Filmfestivals, unabhängige Kinos und einen alternativen Vertrieb zu gründen. Wie ein „kinematografisches Wunder“ entstehen heute von New York bis Argentinien und von der Westsahara bis Südafrika fast täglich solche Gemeinschaftsfilme.

Ein Kapitel dieser Geschichte ist auch das 2008 gegründete internationale, alternative und gemeinschaftliche Filmund Videoexperiment „Ojo al Sancocho“, zu dem ein Festival, eine Schule und das Kino Potocine in Ciudad Bolivar, einem Vorort von Bogotá, gehören.

„Alles Kino ist politisch“, sagt die kolumbianische Dokumentarfilmerin Marta Rodríguez, die ebenfalls zensiert und verfolgt wurde. Derzeit veröffentlicht sie ihren neuesten Film Camilo Torres Restrepo, el amor eficaz, eine Dokumentation über den Soziologen und „Guerilla“-Priester Camilo Torres, der in den 1970er-Jahren vom kolumbianischen Staat ermordet wurde.

Daniel Bejarano

Daniel Bejarano ist Filmemacher, Community Aktivist und Journalist sowie Gründer und Leiter des Festivals „Ojo al Sancocho“ in Ciudad Bolivar, Bogotá. Er verließ Kolumbien aufgrund von Drohungen, Zensur und Selbstzensur und lebt derzeit in Berlin, Deutschland.

exercise in political and social participation in societies where they are often made invisible, censored and marginalised’, began more than 20 years ago. Most of the initiators and filmmakers are ‘children of underdevelopment’ who have nothing to lose, since they never had anything in the first place. Their remaining dignity and hope are what has made it possible for them, in an act of poetic rebellion, to found elementary schools, production companies, film festivals, independent cinemas and an alternative form of distribution. Today, such community films are made almost daily from New York to Argentina and from the Western Sahara to South Africa like a ‘cinematographic miracle’.

One chapter in this story is also the international alternative and collaborative film and video experiment ‘Ojo al Sanchocho’, founded in 2008, which includes a festival, a school and the Potocine cinema in Ciudad Bolivar, a suburb of Bogotá.

‘All cinema is political’, says the Colombian documentary filmmaker Marta Rodríguez, who was also censored and persecuted. Currently, she is releasing her most recent film, Camilo Torres Restrepo, el amor eficaz, about the sociologist and ‘guerilla’ priest Camilo Torres, who was murdered by the Colombian state in the 1970s.

Daniel Bejarano

Daniel Bejarano is a filmmaker, community activist and journalist, as well as the founder and director of the festival ‘Ojo al Sancocho’ in Ciudad Bolivar, Bogotá. He left Colombia after suffering threats, censorship and self-censorship and currently lives in Berlin, Germany.

Call for Solidarity !

We were deeply shocked to learn about the deaths of the Palestinian documentary filmmakers Ibrahim Mustafa Nasser and Abdel Hafeth al-Asmar. They died while doing their documentary film work during the Israeli assaults on South Lebanon. At the risk of their lives, the two documentary filmmakers were trying to document the resistance struggle of the National Front against the Israeli occupation in South Lebanon. They were thereby fulfilling their duties for the Palestinian Film Institute, which has already provided the international public with numerous films documenting the lives and struggles of the Palestinian people.

According to the Palestinian News Agency WAFA, Ibrahim Mustafa Nasser and Abdel Hafeth al-Asmar were wounded and killed. Israeli soldiers shot the filmmakers immediately, even though they indicated that they were unarmed and only carrying their film equipment. This happened on March 15, 1978, near the South Lebanese town of Bint Jbeil. We convey our condolences to the Palestinian Film Institute, which has lost two of its most important fighters.

The Israeli attacks have destroyed most of the already scarce technical equipment of the Palestinian Film Institute. This has jeopardised the continuation of the Institute’s instructive and humanist work. As a sign of solidarity with their Palestinian colleagues, documentary filmmakers, film directors and film journalists call for a collective donation of money in order to make possible the acquisition of new film equipment. This equipment shall enable the continuation of the Institute’s crucial work.

Oberhausen, 25th April 1978

Solidarity 1978

Kuratiert von Curated by Subversive Film (Reem Shilleh, Mohanad Yaqubi)

Subversive Film sind ein Rechercheund Produktionskollektiv. Ihre Arbeit zielt auf die Neubetrachtung historischer Filme, die sich mit Palästina und der weiteren Region auseinandersetzen, auf deren Erhalt und Einbindung in eine kritische Archivpraxis.

Subversive Film is a cinema research and production collective that aims to cast new light upon historic works related to Palestine and the region, to engender support for film preservation, and to investigate archival practices.

Das Programm ist das Ergebnis von Gesprächen, die wir mit Tobias Hering über Praktiken der Solidarität im und durch das Kino und auch auf Filmfestivals geführt haben. Die Geste der Solidarität, die uns besonders beschäftigte, war der Aufruf zur Solidarität bei den Kurzfilmtagen Oberhausen 1978, als nach der Entführung und Ermordung der beiden palästinensischen Kameraleute Omar al-Mokhtar und Motea’ Ibrahim[1] durch die israelische Armee eine Unterstützungserklärung für das Palästinensische Filminstitut abgegeben wurde. Die von deutschen Filmemacher*innen und Journalist*innen verfasste und unterzeichnete Erklärung zeugte von einem Umfeld transnationaler Solidarität, das für die Durchsetzung und Fortsetzung des palästinensischen Befreiungskampfes in den 1970er-Jahren – wie für die meisten Befreiungsund Emanzipationsbewegungen jener Zeit – von zentraler Bedeutung war. Wir haben darüber nachgedacht, wie wir im Rahmen des Festivals zu diesem Moment zurückkehren und ihn so öffnen können, dass wir die Notwendigkeit dieser solidarischen Haltung verstehen und auch derer gedenken können, die sich für eine Revolution und die Befreiung ihres Volkes eingesetzt haben. Zu diesem Zweck schlagen wir zwei Filme vor, Filistin Fil Ein von Mustafa Abu Ali und Hisar Muddad (Gegenbelagerung) von Kaiss al-Zubaidi, die beide im Rahmen der militanten Filmpraxis der palästinensischen revolutionären Bewegung der Jahre 1968–82 entstanden sind und die uns die Bedingungen dieser Filmpraxis und die daran beteiligten Personen vor Augen führen. This programme was composed as a result of the conversations we had with Tobias Hering about practices of solidarity within and through cinema, specifically film festivals. The particular moment of solidarity we had been preoccupied with was the 1978 edition of the Oberhausen Short Film Festival, when a stance of support had been taken with the Palestine Cinema Institute after the kidnapping and killing of the two Palestinian camera people, Omar alMokhtar and Motea’ Ibrahim[1] by the Israeli army. The statement written and signed by German filmmakers and journalists testified to an environment of transnational solidarity that was integral to the enforcement and continuation of the Palestinian liberation struggle of the 1970s, as it was for most liberation and emancipatory movements at the time.

We thought about how to return to this moment in the festival and how to open it up in a way that allows us to understand the necessity for this solidarity stance, and also how to remember those who have devoted themselves to a revolution and a liberation of their people. For this we propose two films, Palestine in the Eye by Mustafa Abu Ali and Counter-Siege by Kaiss al-Zubaidi, both of which were made as part of the militant film practice of the Palestinian revolutionary movement of the 1968–82 period and present us with the conditions of this film practice and the people engaged in it.

[1] Omar al-Mokhtar und Motea’ Ibrahim waren die Pseudonyme von Abdel Hafeth al-Asmar und Ibrahim Mustafa Nasser, die von ihren Freunden und Kameraden in Beirut verwendet wurden.

[1] Omar alMokhtar and Motea’ Ibrahim were the ‘noms de guerre’ of Abdel Hafeth alAsmar and Ibrahim Mustafa Nasser, respectively, and were the names used by their friends and comrades in Beirut.

Filistin Fil Ein Palestine in the Eye

Libanon, Palästina Lebanon, Palestine 1977

27', Schwarzweiß Black-and-white, Arabisch mit englischen Untertiteln Arabic with English subtitles

Regie Director Mustafa Abu Ali

Filistin Fil Ein entstand im Gedenken an Hani Joharieh, einen palästinensischen Kameramann und Mitbegründer des Palestine Film Unit (PFU), der 1976 erschossen wurde, während er ein Gefecht in den Bergen von Ein Toura im Libanon filmte. Familienmitglieder, Freunde und Kampfgenossen würdigen Joharieh als Künstler und Revolutionär mit der Kamera und es entsteht dabei gleichzeitig ein Selbstporträt des PFU, seines Ethos und seiner Kader.

Palestine in the Eye was made as a eulogy to Hani Joharieh, a Palestinian cinematographer and co-founder of the Palestine Film Unit (PFU), who was shot and killed while filming during a gun battle in the snowy hills of Ein Toura (Lebanon) in 1976. Family, friends, and comrades recount the filmmaker’s contributions to the revolution and its cinema, yet in many ways the film also operates as a self-portrait of the PFU, its ethos and cadre.

Hisar Muddad Counter-Siege

Libanon, Palästina Lebanon, Palestine 1978

22', Farbe Colour, Arabisch mit englischen Untertiteln Arabic with English subtitles

Regie Director Kaiss al-Zubaidi, Produktion Production

PLO Culture and Media Department, Democratic Front for the Liberation of Palestine (DFLP)

Aus Archivmaterial verschiedener Herkunft montiert Kaiss al-Zubaidi ein Bild vom Alltagsleben der Palästinenser*innen in der besetzten West Bank. Durch die Montage wird die ständige Latenz von Konflikt und Gewalt zu einem Verhältnis zwischen den Bildern. Hisar Muddad wurde auf den Kurzfilmtagen Oberhausen 1979 mit einem von sieben „Hauptpreisen“ der internationalen Jury ausgezeichnet.

Using film footage from various sources, Kaiss al-Zubaidi creates a description of the everyday lives of Palestinians in the occupied West Bank. Through skilful montage, the constant latency of conflict and violence becomes a relationship between the images. Counter-Siege was awarded one of seven ‘Main Prizes’ by the international jury at the 1979 Oberhausen Short Film Festival.

Foster Films

Gast Guest Scott Miller Berry

Scott Miller Berry ist ein obsessiver Filmfestival-Fan, Filmemacher und Cinephiler. Er lebt seit 2001 in Toronto, wo er von 2005–15 das Images Festival geleitet hat. Er ist Programmer der Festivals Rendezvous With Madness und re:assemblage collective/DIFFUSION.

Scott Miller Berry is a film festival obsessed cinephile and filmmaker who has lived in Toronto since 2001 and directed the Images Festival from 2005–15. He currently programs for Rendezvous With Madness Film Festival and the re:assemblage collective/DIFFUSION Festival.

Neben dem regulären Filmarchiv, das zum Großteil aus Preisträgern der fast 70-jährigen Festivalgeschichte besteht, lagert in den Archivräumen der Kurzfilmtage eine Reihe von Filmkopien, die wohl mal bewusst, mal versehentlich in Oberhausen verblieben sind und deren Herkunft und Status sich nicht mehr eindeutig rekonstruieren lassen. „Foster Films“ folgt einer Anregung von Scott Miller Berry und bringt eine Auswahl solcher Kopien zur Aufführung, die sich an den Rändern der Sammlung angesammelt haben. Scott Miller Berry: „Die Idee, zu untersuchen, was in Festivalarchiven so alles liegen geblieben ist, nahm Gestalt an, je mehr ich selber damit haderte, mit den physischen Archiven der Festivals, mit denen ich in Toronto arbeiten durfte, einen angemessenen Umgang zu finden. Die beiden Videos, die ich zu diesem Programm beisteuere, kommen aus dem Archiv des Images Festivals, für das ich seit 14 Jahren arbeite. Beide sind sie auf ihre Art liegen geblieben und haben dabei kaum eine Spur hinterlassen. Wenn ich mir klar mache, wie viel Zeit (Arbeit) und Mittel (Miete für Lagerräume) das Festival seit mehr als 30 Jahren für Archivierung aufbringt, drängt sich die Frage auf: Was ist die Aufgabe eines Festivals in Bezug auf sein Filmarchiv? Im Oktober 2021 habe ich ein kanadaweites Treffen von Filmfestivals und Abspielstätten mitorganisiert, das sich dieser Frage stellte. Die meisten Kolleg*innen sind in der gleichen Lage: Da sie die Bänder und Filmkopien nicht wegwerfen wollen, aber auch keine Vorführrechte an ihnen haben, behalten die meisten Festivals das Material für eine unbestimmte Nachwelt oder in der Hoffnung auf eine Erfolgsgeschichte, wenn zum Beispiel ein*e Künstler*in seine/ihre Arbeit selbst nicht mehr hat und eine Archivkopie zum rettenden Unikat wird. Wie können Festivals dazu beitragen, Filme im Umlauf zu halten oder ihnen einen dauerhaften Verleih zu sichern?“ … to be discussed. Zu Gast ist Scott Miller Berry. In addition to the regular film archive, which consists largely of award winners from the festival’s almost 70-year history, the storage rooms of the Short Film Festival hold a number of film copies that seem to have merely remained in Oberhausen, deliberately or accidentally, and whose origin and status can no longer be clearly reconstructed. ‘Foster Films’ follows a suggestion by Scott Miller Berry and presents a selection of such copies that have accumulated at the edges of the collection. Scott Miller Berry: ‘I came to the idea of exploring remnants from festival archives due to my ongoing failure to adequately address the state of the physical exhibition archives at the film festivals I’ve been fortunate to work with in Toronto. Both of the pieces I’m sharing come from the Images Festival, where I worked for 14 years. They are very different examples of pieces that were left behind almost without a trace. When I think about the time (labour) and resources (storage rental fees) that the Images Festival has incurred over 30+ years for its archive, I can’t help but wonder: what is the role of a film festival when it comes to their screening archive? I helped convene a three-day pan-Canadian gathering of festivals and exhibitors in October 2021 in an attempt to dig into that question with colleagues. Most are in the same position: not wishing to dispose of tapes and prints, but without screening rights, most festivals are holding on for some combination of posterity and/or for the sake of potential ‘success stories’ when an artist loses their own material and the archival copy turns out to be the saving specimen. How can festivals help to circulate films or to get them into proper distribution?’… to be discussed – with Scott Miller Berry in person.

Ars Poetica

Iran 1967

16 mm, 11', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Khosrow Sinai

Skulpturen des iranischen Künstlers Jazeh Tabatabai werden mit einfachen filmischen Mitteln zu einem dantesken Karneval animiert, begleitet von einem Stimmenchor, der alle Register zieht. Wann, wie und warum die Kopie nach Oberhausen kam, ist ungeklärt.

Sculptures by the Iranian artist Jazeh Tabatabai are animated into a Dantesque carnival with simple cinematic means, accompanied by a choir of voices, seductive and harrowing. When, how and why the 16 mm print came to Oberhausen is unclear.

The Horse

USA 1973

16 mm, 15', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Charles Burnett

Ein Minidrama, das an Kurzgeschichten von Albert Camus erinnert: Auf einer einsamen Ranch warten ein Junge und vier Männer auf einen Fünften, der einem Pferd den Gnadenschuss geben soll. Burnetts Studentenfilm lief 1979 auf den Kurzfilmtagen und war eine der ersten – wenn auch verspäteten –Begegnungen mit den Filmen der „L.A. Rebellion“. In der Folge nahm das Berliner Arsenal Burnetts Langfilme in den Verleih. The Horse erhielt in Oberhausen einen Hauptpreis, die gezeigte Kopie befindet sich regulär im Preisträgerarchiv.

A mini-drama reminiscent of short stories by Albert Camus: on a lonely ranch, a boy and four men wait for a fifth to give a horse the coup de grace. When Burnett’s student film was shown in Oberhausen in 1979, it was one of the first – albeit belated – encounters with the films of the ‘L.A. Rebellion’. Subsequently, the Arsenal in Berlin distributed Burnett’s feature-length films. The Horse received a jury award in Oberhausen; the print shown is from the festival’s archive.

The Pocketbook USA 1980

16 mm, 16', Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English Regie Director Billy Woodberry

Burnett führte die Kamera beim Debütfilm seines Kommilitonen Billy Woodberry, der auf einer Kurzgeschichte von Langston Hughes basiert. Ein Junge versucht, einer Frau die Handtasche zu klauen – anstatt nach der Polizei zu rufen, nimmt sie sich seiner an. Vermutlich kam diese 16-mm-Kopie 1993 nach Oberhausen, als der Film im Rahmen des Sonderprogramms „Konfrontation der Kulturen“ lief, und blieb versehentlich zurück.

Burnett directed the camera on the debut film by fellow student Billy Woodberry, based on a short story by Langston Hughes. A boy tries to steal a woman’s handbag – instead of calling for the police, she takes care of him. Presumably this 16 mm print came to Oberhausen in 1993, when the film was shown as part of the special programme ‘Confrontation of Cultures’ and was left behind by mistake.

Woman’s Heart

Israel 1980

16 mm, 12', Schwarzweiß Black-and-white, Hebräisch mit englischen Untertiteln Hebrew with English subtitles

Regie Director Marian Omry

Kurzporträt eines transsexuellen Sexworkers – rau, persönlich, unverblümt. Wann, wie und warum die Kopie nach Oberhausen kam, lässt sich nicht mehr rekonstruieren. Gezeigt wurde der Film in Oberhausen offenbar nie. Short portrait of a transsexual sex worker – raw, personal, unadorned. When, how and why the print came to Oberhausen can no longer be reconstructed. Apparently the film was never shown in Oberhausen.

Capitale de la douleur (aus from Minima Moralia)

Kanada Canada 2005

VHS, 8', Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English

Regie Director Robert Lee

„Die Künstler, von denen man am meisten hören möchte, sind oft die, die am wenigsten bereit sind, uns etwas zu geben.“ – Steve Reinke über Robert Lee. ‘The artists one wishes to hear from most are often the most reluctant to give anything to us.’ – Steve Reinke on Robert Lee. The project Minima Moralia finds Toronto’s venerable video and performance artist Lee remixing his shorts from the late 90s and early 00s into an omnibus feature length piece that, sadly, is rarely screened. The section ‘Capitale de la douleur’, shown here, is a time capsule unto itself – a humorous rumination on human connection and isolation in luminous black-and-white original and sampled footage.

Dacari and Donell’s Demo Tape

USA 2003

VHS, 5', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Jonnie Ross

Dieses Video wurde beim Images Festival in Toronto eingereicht und wirkt wie ein gefundenes Casting-Tape von zwei 6-jährigen Zwillingsrappern für Hammerstar Productions. Ein mitreißender Track des Duos Blood of Abraham läuft über eine Low-Fidelity-Animation, bei der sich Dacari und Donell auf magische Weise drehen und verrenken. Die VHS-Kassette hat das Festival nie wirklich verlassen, da sie als „unzustellbar“ zurückgesandt wurde; der Autor wurde erst kürzlich für diese Vorführung ausfindig gemacht. This video arrived as a submission to the Images Festival in Toronto, appearing as a found audition tape by two 6-year-old twin rappers for Hammerstar Productions. An infectious track from the duo Blood of Abraham plays over low-fidelity animation that has Dacari and Donell spinning and contorting in magical ways. The VHS exhibition copy never truly left the festival because it was ‘returned to sender’ afterward; the maker was only recently tracked down for this screening.

Global Village

Gäste Guests

Zwei sehr unterschiedliche Filme, beide jedoch mit einem engen Bezug zu den Kurzfilmtagen, eröffnen einen Raum für ein Gespräch über die Positionierung des dokumentarischen Blicks und das Verhandeln von Nähe und Distanz. 1980 wirkte Christoph Hübner am regionalgeschichtlichen Prosper/Ebel. Chronik einer Zeche und ihrer Siedlung mit. Einer der entstandenen Filme ist Hübners Grüße vom Nachbarn Karl, in dem ein älterer Bewohner der Bottroper Bergarbeiter-Siedlung Ebel über seine Erfahrungen mit Kino und Fernsehen spricht und sich Gedanken darüber macht, was Sinn und Zweck eines Kurzfilmfestivals im nahen Oberhausen sein könnte. Einige Jahre später wurde Christoph Hübner vom Goethe-Institut eingeladen, einen Film-Workshop in Dhaka, Bangladesch, zu leiten, bei dem lokale Filmemacher*innen die Möglichkeit bekamen, sich dokumentarisch mit ihrem Lebensumfeld auseinanderzusetzen. Der im Rahmen des Workshops entstandene Film Dhaka Tokai wurde auf den Kurzfilmtagen Oberhausen 1986 gezeigt und erhielt den Preis des Kinder- und Jugendfilmzentrums. Der Film porträtiert einen kaum zehnjährigen Jungen, der sich seinen Lebensunterhalt durch verschiedene Handlangerdienste auf den Straßen der Hauptstadt Dhaka verdient. Die Oberhausener Archivkopie scheint mittlerweile ein Unikat zu sein und wurde aus diesem Grund unlängst digitalisiert. Global Village setzt einen Dialog fort, der im letzten Jahr mit einem von Merv Espina kuratierten re-selected-Programm mit Filmen aus den Goethe-Filmworkshops begann. Im Anschluss: Publikumsgespräch mit Christoph Hübner, Merv Espina und Enayet Karim Babul, einem der Ko-Autoren von Dhaka Tokai.

Two very different films that both have a close association with the festival open up a space for talking about the positioning of the documentary gaze and negotiating issues of closeness and distance. In 1980, Christoph Hübner was involved in the film project Prosper/Ebel. Chronik einer Zeche und ihrer Siedlung (Prosper/Ebel: Chronicle of a Coal Mine and its Settlement). One of the films made was Hübner’s Grüße vom Nachbarn Karl (Greetings from Neighbour Karl), in which an elderly resident of the miners’ settlement Ebel in Bottrop talks about his experiences with cinema and television and gives his thoughts about the possible sense and purpose of a short film festival in nearby Oberhausen. Several years later, Christoph Hübner was invited by the Goethe Institute to head a film workshop in Dhaka, Bangladesh, that gave local filmmakers the chance to engage with their living conditions in documentary films. The film Dhaka Tokai, made during the workshop, was shown at the Oberhausen festival in 1986 and received the prize awarded by the German Children’s and Youth Film Centre (KJF). The film portrays a boy, barely ten years old, who earns his living doing various odd jobs in the streets of the capital, Dhaka. The copy in the Oberhausen archive now seems to be the only one and was recently digitalised for this reason. Global Village continues a dialogue that began last year with a re-selected programme curated by Merv Espina that contained films from the Goethe film workshops. Following the films, Christoph Hübner will be in a conversation with Merv Espina and Enayet Karim Babul, one of the co-authors of Dhaka Tokai.

Christoph Hübner, Merv Espina, Enayet Karim Babul

Grüße vom Nachbarn Karl Greetings from Neighbour

Karl

Deutschland Germany 1980

18', Schwarzweiß Black-and-white, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles

Regie Director Christoph Hübner

In nicht mehr als vier Einstellungen stellt der Film einen älteren Bewohner der Arbeitersiedlung Bottrop-Ebel vor. Er sitzt am Küchentisch und antwortet auf Fragen, die ihm Hübner aus dem Off stellt. Das Gespräch dreht sich um die Nachbarstadt Oberhausen, das dort jährlich stattfindende Kurzfilmfestival, um Erfahrungen und Erwartungen, die Karl mit Film und Kino verbindet. Seine Uraufführung hatte der Film im Eröffnungsprogramm der 26. Kurzfilmtage Oberhausen 1980.

Consisting of only four shots, the film presents an elderly resident of the Bottrop-Ebel workers’ settlement. He sits at the kitchen table and answers questions that Hübner poses from off-screen. The conversation is about the neighbouring city of Oberhausen and the short film festival that takes place there every year, about the experiences and hopes that Karl associates with film and cinema. The film had its first screening in the opening programme of the 26th International Short Film Festival Oberhausen in 1980.

Dhaka Tokai

Bangladesch Bangladesh 1986

16', Schwarzweiß Black-and-white, Bengalisch mit englischen Untertiteln Bengali with English subtitles

Regie Director Christoph Hübner, Enayet Karim Babul, Shyamal Dutta, Junaid Ahmed Halim, Dildar Hossain, Mosharraf Hossain, Ashfaq Munir, Nurannabi, Rashid-Un-Nabi, Ahsan Shariar, Santu Sarker, Masbaul Islam Talukder, Produktion Production Goethe-Institut Dhaka

Im Rahmen eines vom Goethe-Institut Dhaka organisierten Film-Workshops entstand als kollektives Projekt lokaler Filmemacher*innen unter anderem dieser Film über Kinder, die sich ihren Lebensunterhalt auf den Straßen Dhakas verdienen. Innerhalb des urbanen Settings konzentriert sich der Film auf den kaum zehnjährigen Tokai und stellt seinen Alltag aus seiner Perspektive vor: als das tägliche Meistern einer Aufgabe, nicht als ein hilfloses Leiden. Der Film wurde als bengalischer Beitrag auf den 32. Kurzfilmtagen Oberhausen 1986 gezeigt und erneut 1993 im Rahmen einer Werkschau von GoetheWorkshop-Filmen aus aller Welt.

This film about children who earn a living on the streets of Dhaka was one of those made as a collective project by local filmmakers as part of a film workshop organised by the Dhaka Goethe Institute. Within the urban setting, the film focuses on Tokai, barely ten, and presents his everyday life from his perspective: as the daily mastering of a task, not as helpless suffering. The film was shown as a Bengali entry at the 32nd Short Film Festival Oberhausen in 1986 and again in 1993 as part of a retrospective of Goethe workshop films from all over the world.

ARKFILMLAB entstand in Neapel aus dem Wunsch heraus, die kollektive Erfahrung des bereits existierenden ARKFOTOLAB, das 1994 in der dritten Etage der Universität für Architektur gegründet wurde, auf das Kino auszuweiten. Nach diesen letzten vier schwierigen Jahren nimmt ARKFOTOFILMLAB seine Aktivitäten mit derselben Form der Unabhängigkeit und Selbstverwaltung wieder auf: Die Nutzung der Dunkelkammer wird wie gewohnt für alle offen sein, ARKFILMLAB wird wieder Workshops und Vorführungen von experimentellem Kino mit Filmschaffenden aus Italien und dem Ausland organisieren, sich an der Produktion von Filmen beteiligen, die Grundausstattung für die Arbeit auf Super-8-Film bereitstellen (sehr preiswerte SW-Filme, Kameras, Entwicklungstanks und bald auch einen optischen Drucker, um Bilder von Super 8 auf 16 mm zu übertragen). Nieder mit dem Bild, es lebe die Fantasie!

ARKFILMLAB was born in Naples out of the desire to extend to cinema practice the collective experience of the pre-existing ARKFOTOLAB, which was founded in 1994 through the occupation of the third floor of the School of Architecture. After these last four difficult years, ARKFOTOFILMLAB is resuming its activities without changing its dynamics of independence and self-management: the use of the darkroom will be open to everyone as usual, and ARKFILMLAB will again organise workshops and screenings of experimental cinema with filmmakers from Italy and abroad, participate in the production of movies, provide the basic equipment for working on Super 8 film (very low cost b/w film, cameras, tanks and processing solutions, and soon, an optical printer for the conversion of images from Super 8 to 16 mm). Destroy the image, defend the imagination!

ARKFILMLAB

TerzoPianoAutogestito

Palazzo Gravina

Via Monteoliveto 3

Napoli

Italien Italy

arkfilmlab@gmail.com

arkfilmlab.wordpress.com

Das LABO L’ARGENT, gegründet im Frühjahr 2019 im Herzen von Marseille, ist ein Ort der Produktion und des Austauschs rund um das analoge Kino. Es ist ein kollektiver Ort, der Menschen zusammenbringt, die sich von den Filmaufnahmen bis hin zur öffentlichen Vorführung für das Experimentieren mit Entwicklungs- und Reproduktionstechniken beim Film interessieren. Im Labor liegt unser Hauptaugenmerk auf der Vermittlung von technischem Wissen, wobei uns z. T. andere handwerklich arbeitende Labore unterstützen, und auf der Öffnung hin zur Außenwelt mithilfe von Film-/Performance-/ Musikprogrammen, die bei uns im Labor und bei anderen mit uns kooperierenden und freundschaftlich verbundenen Orten (Videodrome 2 – Polygone Etoilé – Data) und sogar in freier Wildbahn stattfinden!

LABO L’ARGENT, a place of production and exchange around analogue cinema, was born in the spring of 2019 in the heart of Marseille. This collective gathers together those who are interested in experimenting with film, from shooting to public projection through development and reproduction techniques. At the lab, we emphasise the transmission of technical knowledge, sometimes with the support of other artisanal labs, and opening to the outside world through cinema / performances / music programs at our lab and elsewhere, in friendly and cooperative locations (videodrome 2 – Polygone Etoilé – Data) – and even in the wild!

Labo L’Argent

Grand Domaine

26, boulevard des Dames

13002 Marseille

Frankreich France

labolargent@gmail.com

Das experimentelle Filmlabor Laboratório da Torre entstand in dem Wunsch, einen gemeinsamen Raum für Experimente, Produktion und Schulung in analogen Filmmedien (Super 8, 16 mm und 35 mm) zu schaffen, der es Regisseur*innen und Künstler*innen erlaubt, in das analoge Format zu investieren und mit der Filmbearbeitung in Kontakt zu kommen. Das von Laia als kooperatives Modell geführte und für die Öffentlichkeit zugängliche Filmlabor ist in einem mittelalterlichen Turm aus dem 13. Jahrhundert im historischen Zentrum der Stadt untergebracht. Aktuell arbeitet das Filmlabor gemeinsam mit BalticAnalog Lab (Lettland), Crater-Lab (Spanien), Filmwerkplaats (Niederlande), Labor Berlin (Deutschland) und Mire (Frankreich) an dem Programm SPECTRAL: spectralcinematics.eu

The Experimental Cinema Laboratory at Torre was born out of the desire to create a shared space for experimentation, production and training in analogue film media (Super 8, 16 mm and 35 mm), which allows directors and artists to invest in the analogue format and have contact with film processing. Managed in a cooperative model by Laia and open to the public, this cinema laboratory, unprecedented in Portugal, is based in a 13th-century medieval tower in the historic centre of the city. At the moment, this lab is collaborating with BalticAnalog Lab (Latvia), Crater-Lab (Spain), Filmwerkplaats (Netherlands), Labor Berlin (Germany), and Mire (France) to develop the SPECTRAL programme: spectral-cinematics.eu

Unterstützt von Supported by Porto City Council

Batalha Centro de Cinema

Portuguese Institute of Cinema and Audiovisual

Creative Europe-EU

Laboratório da Torre

Rua de baixo 5/9

4050-086 Porto

Portugal

laboratoriodatorre@gmail.com

laia.pt

Laboratorio Experimental de Cine (LEC) ist ein von Künstler*innen geführtes Labor mit Sitz in Mexiko-Stadt. Wir haben diese gemeinnützige Einrichtung 2013 mit dem Ziel gegründet, die lokale Community für experimentellen Film mit aufzubauen und zu unterstützen. Diese Community bringt eine vielfältige und generationsübergreifende Gruppe von Kunstschaffenden, Musiker*innen, Archivar*innen, Kritiker*innen und Filmliebhaber*innen zusammen. Wir organisieren Workshops, Residencies, Filmvorführungen und -produktionen. Außerdem fördern wir einen breiten Wissensaustausch durch Aktivitäten an verschiedenen Standorten und die kontinuierliche Zusammenarbeit mit anderen Labs, Kollektiven und Kunstschaffenden im ganzen Land. Wir suchen nach Lücken in ansonsten unzugänglichen Institutionen und versuchen, diese zu öffnen, um unzureichend genutzte öffentliche Spielstätten zu erschließen und uns dafür einzusetzen, dass auch „andere Kinos“ bei öffentlichen Ausschreibungen für Produktion, Konservierung und Ausstellungsfinanzierung berücksichtigt werden.

Laboratorio Experimental de Cine (LEC) is an artist-run lab based in Mexico City. We founded this non-profit in 2013 with the purpose of participating in, building and supporting the local experimental film community, where a diverse multigenerational group of artists, musicians, archivists, critics and film lovers converge.  We do this through workshops, residencies, screenings and production of films. We encourage a wider exchange of knowledge through itinerant activities and continuous collaborations with other labs, collectives and artists around the country. Our modus operandi includes finding or opening cracks in otherwise inaccessible institutions in order to use under-programmed public venues or advocate for the inclusion of ‘other cinemas’ in public calls for production, preservation and exhibition financing.

LEC

Laboratorio Experimental de Cine

Calle 5 de Febrero, 387

06800 Ciudad de México

Mexiko Mexico

lab.exp.cine@gmail.com

laboratorioexperimentaldecine.com

Polar Film Lab ist ein Kollektiv, das einen Raum und eine Community rund um das Thema analoge Filme bietet, in Tromsø, Nord-Norwegen. Wir bieten Arbeitsplätze, veranstalten Filmvorführungen, Master Classes und Seminare, um die Möglichkeiten für Filmschaffende im Norden zu verbessern und das Wissen rund um analoge und experimentelle Filme sowohl innerhalb als auch außerhalb der Kunst-Community auszubauen. Das Ganze basiert auf einem „Do-it-yourself“-Ansatz mit dem Ziel, mehr Menschen in direkten Kontakt mit analogem Film zu bringen. Polar Film Lab ist das nördlichste Lab und wurde 2016 von der Künstlerin und Filmemacherin Emilija Škarnulytė gegründet.

Polar Film Lab is a collective providing space and community around analogue film in Tromsø, Northern Norway. We supply working facilities and hold film screenings, master classes and workshops to improve opportunities for artists working with film in the North and to expand knowledge around analogue and experimental film, both within and outside of the arts community. The collective operates with a ‘do-it-yourself’ focus, aiming to bring more people into direct contact with analogue film. Polar Film Lab is the northernmost lab in the world and was founded in 2016 by the artist and filmmaker Emilija Škarnulytė.

Polar Film Lab

Kysten Tromsø Fylkeskultursenter Strandvegen 95

9006 Tromsø

Norwegen Norway

polarfilmlab@gmail.com

polarfilmlab.com

Love and Greed and Pain and Lust

Norwegen Norway 2023

16 mm, 13'30", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Anette Gellein

Filmlabor Film lab Polar Film Lab

Love and Greed and Pain and Lust ist ein Kurzfilm von Anette Gellein, auf 16-mm-Farbfilm gedreht. Der Film erkundet die Tiefen der Liebe, der Lust und des Todes auf eine reizvolle, dunkle und mysteriöse Art und Weise.

Love and Greed and Pain and Lust is a short film by Anette Gellein shot on 16 mm colour film. The film explores the depths of love, desire and death in a sexy, dark and mysterious way.

La aparición de Tezcatlipoca

Mexiko Mexico 2018

16 mm, 15', Farbe Colour, Nahuatl mit spanischen

Untertiteln Nahuatl with Spanish subtitles

Regie Director Annalisa Quagliata

Filmlabor Film lab Laboratorio Experimental de Cine

16-mm-Kurzfilm, der mit Filmtechniken in Handarbeit ein Porträt von MexikoStadt zeichnet, indem Bilder aus vorspanischer Vergangenheit durch die Linse der heutigen Landschaft betrachtet werden.

Short film in 16 mm that uses handmade film techniques to create a portrait of Mexico City, addressing images of the pre-Hispanic past through its contemporary landscape.

Alu

Italien Italy 2020

16 mm, 10', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director 70FPS (Andrea Saggiomo)

Filmlabor Film lab ARKFILMLAB

Alu ist das erste Kapitel einer Serie mit dem Titel DOMESTICATION FILM SERIES. Der Schwerpunkt dieser Serie liegt auf dem Domestizierungsprozess, dem wir alle als menschliche Wesen entsprungen sind. Jeder einzelne Kurzfilm befasst sich mit einem anderen Thema und verwendet eine eigene experimentelle Filmtechnik: In diesem Fall wird der Film in der Kamera gedruckt und von Hand mit Bleich-Fixier-Inversion bearbeitet; der Lichtton wird von Hand auf die Kopie aufgebracht.

The first chapter of a series called DOMESTICATION FILM SERIES. The inner focus is on the domestication process we all originated from as human beings. Every single short film focuses on a different subject and uses its own experimental cinematic technique: in this case, the film is printed in-camera and hand processed using bleach-fix inversion; the optical sound is hand drawn on the print.

Xanat: a Flornographic Film

Portugal 2023

Super 8, 16', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Martha Bliss

Filmlabor Film lab

Laboratório da Torre, Nectarella

Dieser von Hand bearbeitete, sensorische Super-8-Film voller prächtiger Farben, familiengeschaffener Klanglandschaften und handwerklicher Filmtechniken erforscht den wenig bekannten Mythos von Xanat, einer mexikanischen Göttin, die ihre eigenen fleischlichen Gelüste über patriarchalische Befehle stellte und in die erste Vanille-Orchidee der Welt verwandelt wurde, die einzige Orchidee, die essbare Früchte trägt.

Full of glorious colour, family-created soundscapes and artisanal film techniques, this hand-processed sensual Super 8 film explores the little-known myth of Xanat, a Mexican Goddess who chose her own carnal desires over patriarchal orders and was turned into the world’s first vanilla orchid, the only orchid to bear edible fruit.

On the Other Side of the Spoon

Frankreich, Deutschland France, Germany 2021

16 mm, 17', Farbe, Schwarzweiß Colour, blackand-white, Englisch English

Regie Director Pierre Borel, Léa Lanoë Filmlabor Film lab Labo L’Argent, Atelier MTK

„Ist es eine Art der Aufführung oder eine Art des Seins, sich in eine fragile Lage zu begeben? – Es kommt einfach vor, dass Sie sich in einer Lage befinden, in der Sie im Dunkeln tappen, völlig im Dunkeln, und entsprechend reagieren. Dann sehen die Leute, dass Sie sich in einer fragilen Lage befinden, das ist alles. Sie wissen nicht, dass Sie es nicht wissen. Es ist in etwa so. Sie fühlen diese Fragilität.“ Dieser Film ist eine Hommage an Tristan Honsinger, eine einzigartige Gestalt der experimentellen Musik.

‘Is it a way of performing or a way of being to put yourself in the fragile position ? – It just happens that you are in a position where you’re in the dark, completely in the dark, and you react to this. So people see you are in a fragile position, that’s all. They don’t know that you don’t know. It’s kind of like that. They feel this fragility.’ This film is an homage to Tristan Honsinger, a singular figure in experimental music.

Marta en a rien à foot

Frankreich France 2023

16 mm, 48", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Remi-Luc Saulnier

Filmlabor Film lab Labo L’Argent

Am Sonntagnachmittag ist Marta gelangweilt, während Adrien grundlos Tore schießt. Marta ist Fußball absolut schnuppe …

On Sunday afternoon, Marta is bored while Adrien scores goals for no reason. Marta doesn’t give a damn about football…

3383 Soleil

Frankreich France 2023

16 mm, 2', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, stumm silent

Regie Director Cyrille. B

Filmlabor Film lab Labo L’Argent

Mehrere Versuche mit Filmaufnahmen, Bearbeitung mit der Sonne. Several shooting tests, processed with the sun.

Walking Man

Frankreich France 2023

16 mm, 5', Farbe, Schwarzweiß Colour, blackand-white, ohne Text without text

Regie Director Elsa Pennacchio, Joyce Lainé, Etienne de Villars

Filmlabor Film lab Labo L’Argent, Atelier MTK

Der Film träumt von einer Flucht und ist eine Hommage an die menschliche Gestalt, an die Dynamik eines sich frei bewegenden Körpers, der in ständigem Exil gefangen ist. Die Silhouette bewegt sich, verwandelt sich und prägt die vorbeiziehenden Landschaften.

A dream of escape, the movie is a tribute to the human figure, to the momentum of an unhindered body, permanently exiled. The silhouette moves, metamorphoses and imprints itself on passing landscapes.

Bandera Churubusco

Mexiko Mexico 2018

16 mm, 20", Farbe Colour, stumm silent

Regie Director Walter Forsberg

Filmlabor Film lab Laboratorio Experimental de Cine

Ein visueller Guide durch die Geschichte des Filmschaffens in Mexiko, entstanden anhand von Illustrationen aus Second-Hand-Büchern auf der Donceles-Straße in Mexiko-Stadt.

A visual guide to the history of filmmaking in Mexico, made with illustrations from second-hand books on Donceles Street in Mexico City.

Cumbia en la Alameda Cumbia in La Alameda

Mexiko Mexico 2021

Super 8, 5' (Ausschnitt Excerpt), Schwarzweiß

Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Pablo Cruz Villalba

Filmlabor Film lab Laboratorio Experimental de Cine, La Vena Lab

Im November 2021 hielten Passanten im größten Park von Mexiko-Stadt an, um Cumbia zu tanzen. Schwarz-Weiß-Umkehrung Kodak 4X 727.

In November 2021, passers-by stopped to dance cumbia in the main park at Mexico City. Black and white reversal Kodak 4X 7277.

Ofrenda

Mexiko Mexico 2023

Super 8, 3'50", Farbe Colour, stumm silent

Regie Director Azucena Losana

Filmlabor Film lab Laboratorio Experimental de Cine

In der Weltanschauung der Otomi (indigenes Volk in Zentralmexiko) fiel der Mais – oder die weise Saat – in Form von Tropfen vom Himmel, um die Welt zu befruchten. Die landwirtschaftlichen Aktivitäten prägen ihre Festtage und Rituale. Die Otomi bedrucken ihre traditionellen Festtags-Tortillas mit dem natürlichen Farbstoff des mexikanischen Geißblatts und bieten sie als Geschenk der Dankbarkeit an. Die Stempel zum Aufbringen der Farbe sind aus Mesquite-Holz geschnitzt und mit Illustrationen versehen, die auf die Natur oder das Heilige Kreuz anspielen. In der Gemeinschaft der Otomi gelten die Großmütter als Brücke zum Heiligen. Sie schenken ihren Töchtern oder Enkelinnen die Stempel, die sie einst selbst geerbt haben, und geben mit ihnen den Glauben an den Herd als heiligen Ort weiter. Die Tortillas, die Körper und Seele nähren, sind dabei ein Symbol der Freude.

In the Otomi worldview (indigenous people inhabiting central Mexico), corn –or the wise seed – fell in the form of drops to fertilise the world. Its agricultural activity marks their ceremonial cycles. They offer these ceremonial tortillas painted with the natural dye of the muicle weed as a gift of gratitude. The stamps are carved in mesquite wood and used with illustrations alluding to nature or the holy cross. For this community, the grandmothers are the bridge to the sacred. They give their daughters or granddaughters the stamps they once inherited, together with the belief that the stove is a sacred place, and these tortillas that feed body and soul are synonymous with joy.

Vanités

Frankreich France 2020

16 mm, 7', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent

Regie Director Laurent Reyes

Filmlabor Film lab Labo L’Argent, Atelier MTK

Meine Eitelkeiten sind Chimären, lebende Hybridformen, die unsere heutige zerstörte Welt begründen, von der wir alle ein Teil sind. Pflanzen, Tiere, Menschen, Bäume, Pilze und Flechten sind durch ein geteiltes Schicksal miteinander verbunden. Dieser 16 mm-Film wurde mit einer kleinen fotografischen Spionagekamera aus dem Jahr 1960 gedreht und ausschließlich mit analogen Verfahren bearbeitet.

My vanities are chimaera, hybrid living forms constituting the current damaged world in which we are all on board. Plants, animals, people, trees, fungus and lichen are bound together in a common fate. This 16 mm film was made with a small photographic spy camera made in 1960 and processed with only analogue methods.

Skin Deep Veil

Norwegen Norway 2023

16 mm, 4', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Ellen Vikström

Filmlabor Film lab Polar Film Lab

Sie tragen Häute und Leder, sind auf der Suche nach dem Ort, wo der Schleier zwischen den Welten dünner wird.

Wearing skin and leather, searching for where the veil between worlds gets thin.

Sticky Surfaces

Norwegen Norway 2023

16 mm, 3', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent

Regie Director Anne Lindgaard Møller

Filmlabor Film lab Polar Film Lab

In Sticky Surfaces treffen Körper auf andere Realitäten und die Realität klammert sich an eine Diskokugel.

In Sticky Surfaces, bodies are meeting other realities and reality sticks to a mirror ball.

Transparent Nature

Italien Italy 2023

Super 8, 7', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director 70FPS (Andrea Saggiomo)

Filmlabor Film lab ARKFILMLAB

Die Transparenz des Filmmaterials wird auf eine harte Probe gestellt durch den Versuch, in die Erinnerungen hineinzuschauen, tief in die Ursuppe einzutauchen, aus der alles entstanden ist und in der wir, ob wir wollen oder nicht, noch immer versunken sind.

The transparent nature of the film material is hard-tested by the will to look inside memories, deep inside the primordial broth from which everything originated and within which, like it or not, we are still immersed.

Cerca y alrededor Near and Around

Mexiko Mexico 2023

35mm, 4', Farbe, Schwarzweiß Colour, blackand-white, Spanisch Spanish

Regie Director Andrés Pulido

Filmlabor Film lab Laboratorio Experimental de Cine

Ein Notizbuch beschreibt die Beobachtung von Jacaranda in den Monaten März und April im Chapultepec-Wald in Mexiko-Stadt. Als Worte beginnen, die Bilder der Blumen auszulöschen, sucht die Erinnerung nach Referenzen in alten Ausschnitten von Aufnahmen einer Wochenschau.

A field diary describes the observation of jacarandas during the months of March and April in Chapultepec Forest in Mexico City. When words begin to erase the images of these flowers, memory searches for references in old fragments of film newsreels.

Desaparecer Disappear

Mexiko Mexico 2017

16 mm, 3', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Manuel Trujillo, Elena Pardo

Filmlabor Film lab Laboratorio Experimental de Cine

In Mexiko verschwindet jede Stunde und 50 Minuten ein Mensch, das sind 13 Menschen am Tag. Durch den Einsatz von Landschaft und Selbstporträts erkunden wir die vergängliche Natur von Bildern und physischer Präsenz. In Mexico, one person disappears every 1 hour and 50 minutes: that is 13 people a day. Through the use of landscape and self-portrait, we explore the ephemeral quality of image and physical presence.

ISOLA !

Frankreich France 2021

16 mm, 8'20", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Collectif Rébenty

Filmlabor Film lab Labo L’Argent, L’Abominable, Mire Lab

An einem verlassenen Ort gibt es noch Geister, die nachdenken, rauchen und ein wenig gelangweilt sind. Und draußen geschehen mysteriöse Dinge… A deserted place; there are still ghosts who think, smoke, and are a little bored. And outside, mysterious happenings unfold…

Mare

Portugal 2023

16 mm, 4', Farbe, Schwarzweiß Colour, blackand-white, ohne Text without text

Regie Director Mónica Baptista, Originalmusik Original music Angélica Salvi, Remix Jonathan Saldanha

Filmlabor Film lab Laboratório da Torre

Von einem Drachenbaum zum Ufer des Meeres, wo wir uns in einer Qualle verhedderten.

From a dragon tree to the seashore where we got tangled up with a jellyfish.

First Film

Portugal 2023

Super 8, 2'30", Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent

Regie Director Collective film from members

Filmlabor Film lab Laboratório da Torre

Das Filmlabor verdankt seinen Namen Torre, portugiesisch für „Turm“, der einfachen Tatsache, dass es sich in einem entsprechend schwer zugänglichen Gebäude aus dem 13. Jahrhundert befindet. Irgendetwas dorthin zu transportieren, ist ein ziemliches Unterfangen. Mit der freundlichen Spende eines schweren Kopierdruckers und eines Steenbeck-Schneidetisches durch das Cherry Kino nahm das Filmlabor seinen Anfang.

Torre means tower in Portuguese, and it gave the name to our lab, for the simple reason the lab stands in a 13th-century building that is very difficult to access. To transport anything there is an adventure. A heavy copy printer and a Steenbeck were kindly donated by Cherry Kino and became the first move for the start of this lab.

Cholecalciferol

Norwegen Norway 2023

16 mm, 5', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Ruth and Alexander Filmlabor Film lab Polar Film Lab

Das Vitamin der Sonne wird im Körper als Cholecalciferol aufgenommen. Dieser chemische Stoff ist notwendig für unsere Biologie, aber ebenso höchst giftig. Er wird in der Schädlingsbekämpfung benutzt, vor allem gegen nachtaktive, lichtscheue Tiere. Ratten, tot oder lebendig, Vitamin-D-Ergänzungsmittel, Tageslichtlampen und Projektoren; Cholecalciferol betrachtet die brutale Rolle, die Licht spielen kann.

The vitamin of the sun is absorbed in the body as cholecalciferol. This chemical is necessary for our biology, but is also highly poisonous. It’s used in pest control, primarily for nocturnal, light-averse animals. Rats, dead and alive, Vitamin D supplements, daylight lamps, and projectors; Cholecalciferol contemplates the violent role light can play.

Presentes impuros (la luz espesada) Impure Present (Thickened Light)

Mexiko Mexico 2023

35mm, 5', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Bruno Varela

Filmlabor Film lab Laboratorio Experimental de Cine

dichte Zeiten / schlecht geronnen / Verklumpt in anderen Klumpen / Sedimentierte Emulsionen, Schichten der sezierten Welt. / Schnittstellen-Formen / Austauschzonen. Zaubersprüche, Siegel / Formen der subtilen Existenz / Licht- und Zeitfallen / Das Programm gegen das Programm / Untersuchung aus den rauchenden Ruinen des großen Kinos.

dense times / badly curdled / Clotted within other clots / Sedimented emulsions, layers of the dissected world. / interface shapes / Exchange zones. spells, sigils / forms of subtle existence / light and time traps / The programme against the programme / investigation from the smoking ruins of the capital cinema.

Your

are Spectral Landscapes

Aus einer sensorischen und erlebbaren Sphäre heraus werden Medien und Dispositive beleuchtet. Filmperformance als ein Spielraum für die Erforschung der Natur, der menschlichen Weltanschauung und dem Drang, der Welt, in der wir leben, einen Sinn zu verleihen. Und wie mitunter der Impuls, zu verstehen, zwangsläufig in Steuerlogik und letztlich Zerstörung mündet. The programme revolves about the exploration of the media and dispositives from a sensorial and experiential sphere: film performance as a scope for exploration of nature, human cosmovision and the drive to give meaning to the world we inhabit. And how, sometimes, the impulse of understanding can result only in control logic and ultimately, in destruction.

No puedo ver el sexto sol I Can’t See the Sixth Sun

Spanien Spain 2019

35mm slide projectors, 16 mm, 18', Farbe, Schwarzweiß

Colour, black-and-white, ohne Text without text

Von By Luis Macías, Ton Sound Alfredo Costa Monteiro

Verleih Distributor HAMACA

Die Filmperformance No puedo ver el sexto sol erkundet die Natur, die Weltanschauung des Menschen sowie das Bedürfnis, der Welt einen Sinn zu verleihen. Zu verstehen, wie sie entstanden ist und sie dadurch zu kontrollieren … und zu zerstören. Wird dann … die sechste Sonne aufgehen?

I Can’t See the Sixth Sun is a film performance which explores nature, humans’ cosmovision and the need for a living meaning of the world to understand how it was created and thereby control it…and destroy it. Then… is the sixth sun coming?

Spectral Landscape

Spanien Spain 2016

35mm slide projectors, 15', Farbe Colour, stumm silent

Von By Luis Macías

Verleih Distributor HAMACA

Eine Landschaft. Farb- und bewegungslos. Nur eine Landschaft. „In diesem wunderbaren Augenblick zwischen Wirklichkeit und Traum löst sich eine körperlose Gestalt aus Dunkelheit und Licht. Finster, brutal und voller Selbstvertrauen zeigt sie ihre Angst vor der Verzweiflung der Natur. Doch sei unbesorgt – es ist ein Tier genau wie du. Hast du es gesehen? Wach auf. Öffne die Augen.” A landscape. Without colour and movement. Only a landscape. ‘At that beautiful moment between reality and dreaming, an incorporeal animal emerges from the darkness and light. Dark, violent and self-assured, it shares its fears of nature’s despair. But don’t be afraid – it’s an animal just like you. Did you see it? Wake up. Open your eyes.’

Saat für ein blühendes Kino Analogue Seeds for a Flourishing Cinema

Wenn wir uns das Kino als einen Garten vorstellen, erkennen wir schnell, dass dieser Garten sich in einem ungepflegten Zustand befindet und immer schneller verwelkt. Die Tyrannei der Content-Streams, unsere schrumpfenden und schwindenden Bildschirme und die entfremdeten Zuschauenden, deren Aufmerksamkeit als Ressource ausgebeutet wird, sind allesamt Ausdruck der schwindenden Erträge und der Vernachlässigung des gemeinsamen Kinoerlebnisses. Als Antwort darauf haben sechs von Kunstschaffenden geführte europäische Filmlabore – Baltic Analog Lab (Riga), Laia/Torre (Porto), CraterLab (Barcelona), Mire (Nantes), Filmwerkplaats (Rotterdam) und LaborBerlin (Berlin) – SPECTRAL ins Leben gerufen. SPECTRAL steht für Spatial Performative & Expanded Cinematics – Transnational Research at Artist-run Labs und soll neue Werke des analogen Live-Kinos unterstützen, die den Nährboden für einen blühenden Kinogarten bilden. Ab 2023 werden bei jeder der nächsten drei Festivalausgaben zwei der SPECTRAL Labs Werke aus dem Bereich des Expanded Cinema auswählen und dem Festivalpublikum präsentieren. Diese Werke werden teilweise im Rahmen von Residencies entstehen, die in den jeweiligen Städten für lokale und internationale Kunstschaffende angeboten werden. Gezeigt werden Werke, die die Grenzen des passiven Kinos überwinden und ein interaktives, gemeinsames Erleben des unvergleichlichen Spektakels von flackerndem Licht und Schatten bieten.

If we can think of cinema as a garden, it’s not difficult to see that in its present state it has been left unkept and rapidly wilting. The tyranny of content streams, our shrinking and disappearing screens and the alienated viewers with their attentions turned into an exploitable resource are all proof of the diminishing returns brought forth by the neglect of the communal cinematic experience. As a response, six European artist-run film labs – Baltic Analog Lab (Riga), Laia/Torre (Porto), Crater-Lab (Barcelona), Mire (Nantes), Filmwerkplaats (Rotterdam) and LaborBerlin (Berlin) – have partnered to develop SPECTRAL (Spatial Performative & Expanded Cinematics – Transnational Research at Artist-Run Labs), with the goal of supporting the creation of new works of live analogue cinema that will plant the seeds of a flourishing garden of cinema. Starting in 2023, for each of the next three editions, two of the SPECTRAL labs will select pieces from the field of expanded cinematic art to share with the festival’s audience. These works will be partly created in residencies offered in their respective cities to local and international artists. On show will be works that venture beyond the constraints of the passive cinema to propose an engaged, shared experience of the inimitable ritual of flickering light and shadow.

Gefördert von Co-funded by

Distant Feeler

Deutschland Germany 2022

36', Farbe Colour, Englisch English

Von By OJOBOCA (Anja Dornieden, Juan David González Monroy)

Filmlabor Film lab LaborBerlin

Der Distant Feeler vom Künstler*innenduo Goliatus & Carabida entstand in dem Versuch, ein telepathisches Kino zu erschaffen. An diesem Projekt arbeitete das Duo von 1977 bis 1997. Geblieben sind die Überreste einer Konstruktion, die sie „Distant Feeler“ nennen, und ein Manifest.

The Distant Feeler was a contraption created by the artist duo Goliatus & Carabida as the result of their attempt at creating a telepathic cinema; a project they worked on from 1977 to 1997. What is left of their project are the remnants of a device they called ‘Distant Feeler’ and a manifesto.

Plant Time

Deutschland Germany 2021

16 mm loop, 5', Farbe Colour, Englisch English

Von By Luisa Greenfield

Filmlabor Film lab LaborBerlin

Plant Time stellt eine Verbindung zwischen analogen Filmprozessen und einem Müllhaufen aus antiken römischen Amphoren her und wird getragen von Zeitkonzepten aus den Aufzeichnungen des Dichters J.H. Prynne: Plant Time Manifold von 1972.

Plant Time relates analogue filmmaking processes with a trash heap made of ancient Roman amphorae and is framed by concepts of time drawn from the poet J.H. Prynne’s Plant Time Manifold transcripts of 1972.

Inscription, Enduring, Potential

Kroatien, Deutschland Croatia, Germany 2023

Super 8 loops, 20', Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English

Von By Maja Milić

Filmlabor Film lab LaborBerlin

Im Rahmen von Milićs fortlaufendem Projekt Other, das vorgefundenes Filmmaterial als experimentelle (Auto-)Ethnografie verwendet, konzentriert sich dieser Improvisationsakt auf die Geste als Träger einer subtilen kulturellen Metasprache/Geschichte (der Körper als Archiv) und lässt „die Kristalle dieser gemeinsamen sozialen Substanz in die Situation einsinken“ (G. Agamben, Notes on Gesture).

Belonging to Milić’s continuous project Other which uses found footage as experimental (auto)ethnography, this improvisational act centers on gesture as holder of subtle cultural metalanguage/history (the body as archive), letting ‘the crystals of this common social substance sink into the situation’ (G. Agamben, Notes on Gesture).

Kuratiert von Curated by Ricardo Brunn

Ebb and Flow

Niederlande Netherlands 2021

40', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, ohne Text without text

Von By Lichun Tseng, Ton Sound Robert Kroos

Filmlabor Film lab Filmwerkplaats

Ebb and Flow ist inspiriert vom Yijing, dem „Buch der Wandlungen“, Kapitel 42: Yi (Die Mehrung). Yi ist eine Botschaft über Wachstum und Erfüllung. Yi ist ein weiterer Zyklus des Lebens – Blüte, Verfall, Wiedergeburt. Ebbe und Flut, Dunkelheit und Licht, Leben und Tod … „Das, was ist“ entspringt dem, „das nicht ist“. Lichun und Robert schaffen mit 16 mm-Filmprojektoren und analog erzeugten Wellenformen eine immersive Reise in einen Zustand der Trance. Durch das Überlagern, Konstruieren und Dekonstruieren von visuellen und auditiven Elementen streben sie nach einer sinnesübersteigenden Erfahrung, bei der das Publikum nicht mehr bewusst zuschaut oder zuhört –sondern einfach nur „ist“.

Ebb and Flow is inspired by the I Ching, the ‘Book of Changes’, chapter 42 – Yi (Increase). Yi is a message about expansion and fullness. It is simply another cycle of life as it flowers, decays, and achieves rebirth. Ebb and flow, darkness and light, life and death… ‘What is’ springs from ‘what is not’. Lichun and Robert use 16 mm film projectors and analogue generated waveforms to create an immersive, trance-inducing journey. Through layering, constructing, and deconstructing visual and auditory textures they strive for a sense-transcending experience where the spectator is no longer consciously watching nor listening. Just being.

Hue Shift

Niederlande Netherlands 2023

28', Farbe Colour, ohne Text without text

Von By Nan Wang

Filmlabor Film lab Filmwerkplaats

Hue Shift ist eine immersive audiovisuelle Performance, die mit Hilfe von DIYProjektoren und Polarisationsprüfern die verborgene Schönheit der Lichtbrechung von transparenten Materialien enthüllt. Die Komposition von Bild und Ton basiert auf dem binären System der Yijing-Hexagramme und schafft eine hypnotisierende audiovisuelle Erfahrung in einem sich ständig verändernden Zyklus.

Hue Shift is an immersive audio-visual performance that reveals the hidden beauty of light refraction of transparent materials by using DIY projectors and polariscopes. The composition of visual and sound is based on the binary system from I Ching hexagrams, creating an ever-changing cycle of mesmerizing audio-visual experience.

Other programmes

Andere Programme

Zur Einstimmung auf das Festival gibt es einen Rückblick auf einige Highlights aus dem letzten Jahr. Alle Filme stammen aus den Wettbewerben des Festivals 2022.

To set the mood for the festival, we look back at several highlights from last year. All the films are from the festival competitions in 2022.

backflip

Frankreich, Deutschland France, Germany 2022

12'30", Farbe Colour, Englisch mit deutschen

Untertiteln English with German subtitles

Regie Director Nikita Diakur

Park. Wohnzimmer. Sechskern-Prozessor. Mein Avatar lernt einen Rückwärtssalto.

Park. Apartment. 6-core processor. My avatar learns a backflip.

Boa Noite Sleep Tight

Portugal 2021

21', Farbe Colour, Portugiesisch mit deutschen Untertiteln Portuguese with German subtitles

Regie Director Catarina Ruivo

André möchte tapfer sein und in seinem eigenen Zimmer schlafen, aber jede Nacht steht er auf und macht sich auf den Weg ins Zimmer seiner Großmutter. In der Dunkelheit seines eigenen Zimmers ist das Haus voller Geräusche und er stellt sich die schlimmsten Dinge vor. Schutz findet er nur im Zimmer seiner Großmutter, wo das tiefe Geräusch ihres Schnarchens ihm verrät, dass er an einem sicheren Ort angekommen ist.

André wants to be brave and sleep in his own room, but every night he gets up and sets off for his grandmother’s room. In the dark of his own room, the house fills with noises, and he imagines the worst. He is only protected in his grandmother’s room, where the deep sound of her snoring tells him he has come to a safe haven.

Lovers of all kinds

Deutschland Germany 2022

5'30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Christine Gensheimer, Musik Music

Lovers of all kinds feat. Jaakko Eino Kalevi

Musikvideo für Jaako Eino Kalevi. John und Yoko, versunken in der Welt der Liebenden aller Art.

Music video for Jaako Eino Kalevi. John and Yoko deep in the world of lovers of all kinds.

Free as a Bird

Niederlande Netherlands 2021

15'17", Farbe Colour, Niederländisch mit deutschen

Untertiteln Dutch with German subtitles

Regie Director Annelies Kruk

Ariana (12) liebt es, mit ihrem flauschigen Freund, ihrem Hund Mikey, zu tanzen. Leider trägt sie eine tickende Zeitbombe in sich: zwei Nieren, die nicht funktionieren. Wenn sie weitertanzen möchte, muss sie einen Spender finden. Sie ist fest entschlossen, über ein selbst gepostetes Onlinevideo fündig zu werden. Aber wie soll man ein Video über etwas machen, vor dem man eigentlich Angst hat?

Ariana (12) loves to dance with her hairy friend, Mikey her dog. Sadly, she has a ticking bomb inside of her: two kidneys that are not working. If she wants to continue dancing, she must find a donor. She is determined to look for one by posting an online video. But how should you make a video about something that you’re actually so scared of?

Dancen To Dance

Rumänien Romania 2021

16', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Corina Andrian

Was sagen wir, wenn wir nicht sprechen? Dancen betrachtet die flüchtigen Impulse, die zwischen einzelnen Momenten des Tages leben. Ihr wahrer Wert liegt zwischen ruhigen Gewohnheiten, die den Raum bilden, der von Verlangen, Tagträumen und Surrealismus eingenommen wird. Wie würde ein Tag aussehen, wenn er nur aus der Bedeutung dessen bestünde, was zwischen den Zeilen steht, aus den kurzen Momentaufnahmen der Wahrheit?

What do we say when we don’t talk? Dancen looks at the fleeting impulses that live in between moments of the day. Their precise quality is situated between quiet habits: that is, the space inhabited by yearning, daydreams, surrealism. How would a day look made of just the meaning in between the lines, the momentary glimpses of truth?

anderer Festivals Award Winners of

Other Festivals

Am ersten Festivaltag zeigen die Kurzfilmtage traditionell aktuelle Kurzfilme, die bei anderen Festivals ausgezeichnet wurden. Ein Querschnitt durch die vergangene Festivalsaison.

On its first day, Oberhausen traditionally shows short films that have received awards at other festivals. A cross-section of the past festival season.

From.Beyond

Norwegen Norway 2021

13', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Norwegisch mit englischen Untertiteln Norwegian with English subtitles

Regie Director Fredrik Sundsteigen Hana

Auszeichnung Award Best Nordic Short Film, Nordisk Panorama 2022

Eine kaleidoskopische Darstellung außerirdischen Lebens auf der Erde. A kaleidoscopic depiction of alien life on earth.

Nest

Dänemark, Island Denmark, Iceland 2022

22', Farbe Colour, Isländisch mit englischen

Untertiteln Icelandic with English subtitles

Regie Director Hlynur Pálmason

Auszeichnung Award Grand Prix, Curtas Vila do Conde 2022

Die Geschichte von Geschwistern, die im Laufe eines Jahres gemeinsam ein Baumhaus bauen. Wir erleben die Schönheit und Brutalität der Jahreszeiten, während wir ihnen durch ihre Kämpfe und Momente der Freude folgen. A story of siblings building a tree house together over the course of a year. We experience the beauty and brutality of the seasons as we follow them through their struggles and moments of joy.

Oh, Butterfly!

Deutschland Germany 2022

19', Farbe Colour, Englisch, Japanisch mit englischen

Untertiteln English, Japanese with English subtitles

Regie Director Sylvia Schedelbauer

Auszeichnung Award Uppsala Grand Prix, Uppsala Short Film Festival 2022

Eine imaginäre Audiokassette wiederholt ein berühmtes Musikstück in selbstreferenziellen Loops.

An imaginary cassette tape repeats a famous piece of music in self-referential loops.

Will My Parents Come to See Me

Österreich, Deutschland, Somalia Austria, Germany, Somalia 2022

28', Farbe Colour, Somali mit englischen

Untertiteln Somali with English subtitles

Regie Director Mo Harawe

Auszeichnung Award Grand Prix, Clermont-Ferrand

International Short Film Festival 2023

Eine erfahrene somalische Polizistin begleitet erneut einen jungen Insassen durch das Prozedere des somalischen Justizwesens.

An experienced Somali policewoman once again accompanies a young inmate through the procedures of the Somali justice system.

Heterogeneous Landscapes

Trotz seiner geringen Größe zeichnet sich das baskische Kino seit jeher vorwiegend durch seine Heterogenität aus, die aus der Kombination verschiedener Stile und Arten der Filmerzeugung resultiert und erfreulicherweise seit Einführung der Demokratie viel stärker zum Vorschein gekommen ist. Vermutlich ist der Kurzfilm inmitten der nie abreißenden Produktion von Filmen, die dem Genre des Experimentalfilms, Animationsfilms, Dokumentarfilms und fiktionalen Films zuzuordnen sind, der Inbegriff dieser Vielfalt.

Was insbesondere zur Entwicklung und Etablierung des Kurzfilms beitrug, waren die audiovisuelle/künstlerische Ausbildung einer Vielzahl von Regisseur*innen, die den Sprung zum Film wagten, die Stärkung der Filmproduktion und des Filmverleihs sowie die institutionelle Unterstützung durch die baskische Regierung, die im erfolgreichen Kurzfilmverleihkatalog „Kimuak“ resultierte – ganz zu schweigen von der Unterstützung durch andere öffentliche Einrichtungen wie dem Etxepare Euskal Institutua und Zineuskadi, ohne die unser diesjähriges Programm nicht möglich gewesen wäre.

Seit seiner Gründung im Jahr 1959 hat ZINEBI – Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – den größten Anteil an der Förderung und Verbreitung des baskischen Kinos, insbesondere des Kurzfilms. Es hat Namen wie Montxo Armendáriz, Imanol Uribe, Mirentxu Loyarte und Julio Medem hervorgebracht.

Vor allem in den letzten Jahren hat ZINEBI sich zum Ziel gesetzt, einen Raum für die kreative Freiheit von Filmregisseur*innen und audiovisuellen Künstler*innen im Baskenland zu schaffen und offen gegenüber allen Arten von Projektvorschlägen zu sein. Einige davon werden bei den 69. Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen vorgeführt: Kurzfilme von führenden experimentellen Regisseur*innen wie Laida Lertxundi, Iñigo Salaberria, Koldo Almandoz oder Teresa Sendagorta, von Dokumentarfilmer*innen wie María Elorza und Maddi Barber sowie von professionellen Animationsteams unter der Leitung von Bego Vicario, Isabel Herguera und Izibene Oñederra.

In Bilbao haben wir Oberhausen immer als eine der wichtigsten Bastionen des Kurzfilms unterstützt – und dass dieses Programm nun hier vorgeführt wird, erfüllt uns mit Freude und Stolz.

Baskenland

Within the limitations of its small proportions, the main features of Basque cinema have always been its heterogeneity thanks to a combination of styles and generations that has fortunately become much more prominent since the advent of democracy. The short film is probably the epitome of this diversity, amid the incessant production of films pertaining to the genre of experimentation, animation, documentaries and fiction.

One decisive contribution to the development and consolidation of short films was the audiovisual/artistic training of a large number of directors who dared to take the plunge into films; the insistence on production and distribution activities; and also institutional support from the Basque Government – which was responsible for the successful short film distribution catalogue ‘Kimuak’ – not to mention other public bodies such as Instituto Etxepare and Zineuskadi, without whose assistance our programme this year would not have been possible.

Since it was created in 1959, ZINEBI – International Festival of Documentary and Short Film of Bilbao has been the maximum exponent of the promotion and dissemination of Basque cinema, and of short films in particular. It has featured names such as Montxo Armendáriz, Imanol Uribe, Mirentxu Loyarte and Julio Medem.

Specifically, in recent years ZINEBI has sought to transform itself into a territory welcoming the creative freedom of film directors and audiovisual artistes in the Basque Country, open to all kinds of proposals. Some of them have been presented at this 69th International Short Film Festival Oberhausen; short items by leading experimental directors such as Laida Lertxundi, Iñigo Salaberria, Koldo Almandoz or Teresa Sendagorta; documentary makers such as María Elorza and Maddi Barber; professional animation teams headed up by Bego Vicario, Isabel Herguera and Izibene Oñederra.

Here in Bilbao we have always supported Oberhausen as a leading bastion of short films: the presentation of this programme here fills us with joy and pride.

Kuratiert von Curated by Vanesa Fernández Guerra und and Rubén Corral ZINEBI – Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao

Memory Alive

Zwei Generationen von Dokumentar-, Animations- und Spielfilmemacher*innen befassen sich damit, wie das baskische Kino die Bilder seines Volkes, seiner Gegenwart und seiner Erinnerungen bewahrt.

Two generations of documentary, animation and fiction short filmmakers deal with the way Basque cinema preserves the images of its people, its present, its memories.

There Is Nothing More Modern Than Getting Old

Spanien Spain 2018

13', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Sra. Polaroiska Artistic Collective

Eine Einladung zur Betrachtung von Körpern, die gesellschaftlich geächtet sind, die aber eine innere Schönheit und eine ungewöhnliche Potenz besitzen, die unseren Blick destabilisieren. Es kann der Eindruck entstehen, dass Sinnlichkeit, Sexualität und Spaß nur der Jugend erlaubt sind. Der Film ist ein Porträt von Frauen, die über 70 Jahre alt sind und deren Körper vom Lauf der Zeit geformt wurden.

An invitation to contemplate bodies that are socially ostracised, but that paradoxically possess an intrinsic beauty and an unusual potency that destabilises our gaze. It can seem that sensuality, sexuality and fun are only permitted to youth. The film is a portrait of women over seventy years old, with their bodies sculpted by the passing of time.

Amore d’inverno

Spanien Spain 2015

8', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Isabel Herguera

Während ein Paar am Fluss entlang spaziert, verstecken sich Jäger hinter einem Hügel, und Freunde im Wald erinnern sich an die Tänzerin von Clavesana, eine Metapher der freien Liebe. Sie verschwindet langsam in der Winterlandschaft.

While a couple walks along the river, hunters hide behind a hill, and friends in the forest recall the Dancer of Clavesana, a metaphor of free love. She slowly vanishes into the winter landscape.

Ancora lucciole Still Fireflies

Spanien Spain 2018

14', Schwarzweiß Black-and-white, Spanisch, Italienisch mit englischen Untertiteln Spanish, Italian with English subtitles

Regie Director Maria Elorza

1972 sprach Pier Paolo Pasolini in einem seiner bekanntesten Artikel über das Verschwinden der Glühwürmchen. Ein paar Monate später wurde er ermordet. Seitdem verschwinden die Glühwürmchen weiterhin. Aber es gibt immer noch Menschen, die sich an sie erinnern.

In 1972, in one of his best-known articles, Pier Paolo Pasolini spoke of the disappearance of fireflies. A few months later he was murdered. Since then the fireflies have continued to disappear. But there are still people who remember them.

Luz a la deriva Drifting Light

Spanien Spain 2015

18', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Iñigo Salaberria

Island lebt die meiste Zeit des Jahres im Dunkeln. Das Gute an der Nacht ist, dass sie wie ein Hintergrund ist, der die Kulisse auslöscht und den Blick auf das Wesentliche lenkt, wie auf ein Blatt Papier, auf das man zeichnen muss. Iceland lives in darkness for much of the year. The good thing about night is that it’s like a backdrop which erases the set and leaves you looking at the bare essentials, like looking at a sheet of paper you have to draw on.

Montes bocineros Horner Mountains

Spanien Spain 2014

6', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Juan Pablo Ordúñez-Mawatres

Wieder ein Echo. Wieder ein Echo. Die Gipfel haben verschiedene Stimmen; Die Gipfel haben ferne Hörner. Sind die „voice-ineros“ Berge oder sind sie „bocineros“ Berge?

Echo again. Echo again. Summits have different voices; the summits have distant horns. Are the ‘voice-ineros’ mountains or are they ‘bocineros’ mountains?

Soroa

Spanien Spain 2014

13', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Asier Altuna

Trockener Boden, Sonne, Wind. Eine Prozession durchquert die Landschaft. Der Widerhall ihrer Gebete bringt den Regen.

Arid soil, sun, wind. A procession crosses the landscape. The echoes of their prayers bring the rain.

Areka Ditch

Spanien Spain 2017

7', Farbe Colour, Baskisch mit englischen

Untertiteln Basque with English subtitles

Regie Director Atxur Animazio Taldea

Euxebis Vater wurde während des Krieges getötet. In ihrer Jugend litt Euxebi unter den Repressionen der Francoisten, und obwohl die Diktatur längst beendet ist, hatte sie bis heute keine Gelegenheit, die Erinnerung an ihren Vater wiederzuerlangen. Als man nach vielen Jahren endlich das Grab öffnet, in dem er liegt, stellt Euxebi ein Bild neben seine Gebeine.

Euxebi’s father was killed during the war. In her youth, Euxebi suffered Francoist repression and to this day, despite the fact that the dictatorship ended long ago, she has not had the chance to recover the memory of her father. After many years, when they finally open the grave where he is, Euxebi puts a picture next to his bones.

Inner Visions

Einige der klügsten und talentiertesten zeitgenössischen baskischen Experimentalfilmemacher*innen reflektieren darüber, wie sie sich Fragmente der Geschichte oder der Gegenwartsgesellschaft zu eigen machen.

Some of the brightest and most talented contemporary experimental Basque filmmakers reflect on the way of making fragments from History or contemporary society their own.

Inner Outer Space

Spanien Spain 2021

16', Farbe Colour, Englisch, Baskisch mit englischen Untertiteln English, Basque with English subtitles

Regie Director Laida Lertxundi

Eine kurze Reflexion über die Geografie der Ideen, die zwischen Internalität und Ökologie, dem Individuum und der Gemeinschaft, gefunden werden. Einige Amateurschauspieler führen sensorische Übungen aus, darunter telepathische Unterhaltungen, Spaziergänge mit verbundenen Augen und „Pleinair-Zeichnungen“. So können sie ihrem Verlangen nachgehen, mit der Post-Lockdown-Realität in Berührung zu kommen und ein Teil von ihr zu sein. A brief reflection on the geography of ideas found between internality and ecology, the individual and the community. A group of amateur actors perform a variety of sensory exercises that include telepathic conversations, blindfolded walks and ‘plein air’ drawings in seascapes and mountain landscapes in the Basque Country. This allows them to act upon their desire to touch and be part of the post-lockdown reality.

Ikusleak Those Who See

Spanien Spain 2018

21', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles

Regie Director Jesús Mª Palacios

Im Juni 1931, zwei Monate nach der Ausrufung der Zweiten Republik in Spanien, erschien zwei Jungen in Ezquioga (Baskenland) die Jungfrau Maria. Danach kam es zu einem Spektakel von kollektiven Visionen, Trancezuständen und Ekstasen, das schließlich über 80.000 Menschen an einem einzigen Tag zusammenführte.

In June 1931, two months after the proclamation of the Second Republic in Spain, the Virgin appeared to two boys in Ezquioga (Basque Country). After that, there was a spectacle of collective visions, trances and ecstasies that eventually congregated over 80,000 people in a single day.

Lursaguak Scenes from Life

Spanien Spain 2019

12', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Izibene Oñederra

Wie Hélène Cixous sagte, leben wir in einer Zeit, in der Millionen von Wühlmäusen einer unbekannten Spezies die konzeptionelle Grundlage einer uralten Kultur untergraben.

As Hélène Cixous said, we live in a time when millions of voles of an unknown species are undermining the conceptual basis of an age-old culture.

Love Needs Time to Kill

Spanien Spain 2021

21', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Txuspo Poyo

In den letzten Jahrzehnten wurden die Internate verschiedener religiöser Orden geschlossen, und mit ihnen verschwand ein wesentliches pädagogisches Erziehungssystem. Als Teil ihrer pädagogischen Methode verfügten die Schulen über ein Herbarium und eine große Sammlung ausgestopfter Tiere aus den Missionen. Dieser Film verbindet Identität mit der Diaspora der Missionen und die vergessenen pädagogischen Systeme mit der Konstruktion des exotischen und kolonialen Imaginären.

In the last decades, boarding schools of different religious orders have been closing down, and with them, an essential pedagogical system of education and identity has disappeared. As part of their pedagogical method, the schools had an herbarium and a large collection of stuffed animals from the Missions. This film connects identity with the diaspora of the Missions, and the forgotten pedagogical systems with the construction of the exotic and colonial imaginary.

Variaciones de Winterreise Winterreise’s Variations

Spanien Spain 2018

8', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles

Regie Director Inés García

Wenige Monate vor seinem Tod schrieb Franz Schubert eines seiner wichtigsten Werke: Die Winterreise. Es ist eine Geschichte aus der Sicht eines jungen Mannes, der der Zivilisation entflieht und in die winterliche Wildnis reist. Während er sich immer weiter von der Zivilisation entfernt, lösen sein Kummer und die Natur um ihn herum Halluzinationen und Erinnerungen an die Vergangenheit aus.

A few months before his death, Franz Schubert wrote one of his most important works: Winterreise. It is a story through the eyes of a young man who escapes civilization and journeys into the winter wilderness. While getting farther and farther from civilization, his grief and the nature around him triggers hallucinations and memories of the past.

Landscapes

Baskische Filmemacher*innen dokumentieren ihre Auseinandersetzung mit verschwindenden Landschaften mit einer kreativen Perspektive. Basque filmmakers record their approaches to disappearing landscapes with a creative perspective.

It Is All Right There

Spanien Spain 2018

18', Farbe Colour, Englisch English Regie Director Teresa Sendagorta Arbeit mit Digitalisierung, Dekontext und Rekodierung, die mit kontrollierter Zufälligkeit spielt, um bearbeitete gefundene Aufnahmen von Filmmaterial und auf romantischen Romanen basierende, von künstlicher Intelligenz generierte Gedichte in Beziehung zu setzen, die die Dauer des ursprünglichen Super-8-Films (250m/24fs) „einnehmen“ und die Aktivierung von Codes und Prozessen innerhalb der Erfahrung des Betrachters ermöglichen. Der Titel bezieht sich auf einen KI-Vers und die Worte von Snow in Hollis Framptons Nostalgia.

Work with digitalisation, decontextualisation and recoding that plays with controlled randomness to relate processed found shots of footage and romantic novels based on artificial intelligence-generated poems that ‘occupies’ the duration of the original Super 8 film (250Mt/24fs) and permits the activation of codes and processes within the viewer’s experience. The title refers to an AI verse and Snow’s words in Hollis Frampton’s Nostalgia.

592 metroz goiti Above 592 Metres

Spanien Spain 2018

25', Farbe Colour, Spanisch, Baskisch mit englischen

Untertiteln Spanish, Basque with English subtitles

Regie Director Maddi Barber

An den Hängen der Pyrenäen der Provinz Navarra wurden für den Bau des Staudamms von Itoiz in den 1990er-Jahren sieben Dörfer und drei Naturschutzgebiete überflutet. Heute markiert ein kahler Landstreifen in 592 Meter Höhe die Trennlinie in der Tallandschaft. Unterhalb der Linie Wasser, darüber geht das Leben weiter.

On the slopes of the Navarrese Pyrenees, the construction of the Itoiz Dam in the 1990s flooded seven villages and three nature reserves. A strip of bare land, 592 metres above sea level, today marks a dividing line within the landscape of the valley. Below that level, the water, above it, life goes on.

Plágan Plague

Spanien Spain 2017

10', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Koldo Almandoz

Plage: Vom lateinischen Wort „plaga“, das „Schlag“, „Wunde“ bedeutet. Bedeutung: Massenhaftes, plötzliches Auftreten von Lebewesen derselben Art, die Tier- oder Pflanzenpopulationen schwer schädigen. Überfluss von etwas Schädlichem.

Plague: from the Latin word ‘plaga’ meaning ‘blow’, ‘wound’. Meaning: massive, sudden appearance of living beings of the same species that cause serious damage to animal or plant populations. Abundance of something harmful.

Ehiza Hunting

Spanien Spain 2020

5', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Hauazkena Taldea

1969 drehte der Künstler Rafael Ruiz Balerdi den kurzen Animationsfilm Homenaje a Tarzán, der mit einem rätselhaften „to be continued“ endete. Ehiza ist die Fortsetzung. Er nimmt Balerdis ästhetischen Vorschlag auf, entfernt sich aber von der kolonialen Perspektive der Filme, die dieses Werk inspirierten, um die Härte unserer eigenen Realität zu zeigen: Schikanen, Gewalt und Zerstörung.

In 1969, artist Rafael Ruiz Balerdi made the short animated film Homenaje a Tarzán, which ended with an enigmatic ‘to be continued’. Hunting is its continuation. It accepts Balerdi’s aesthetic proposal, but steps away from the colonial perspective of the films that inspired that work to depict the harshness of our own reality: harassment, violence and destruction.

In Ictu Oculi (begiak hesteko artean)

Spanien Spain 2020

15', Schwarzweiß Black-and-white, Spanisch, Baskisch mit englischen Untertiteln Spanish, Basque with English subtitles

Regie Director Jorge Moneo Quintana

Sieben Jahrhunderte aus Stein fallen ohne Nostalgie in einem Wimpernschlag zusammen. Manche nennen die unterschiedliche Häufigkeit dieses Blinzelns Geschichte, andere Klassenkampf, Fortschritt, Barbarei oder Kino. Wenn wir davon ausgehen, dass die Häufigkeit der Lidschläge im Laufe eines Lebens hoch ist, können wir daraus schließen, dass wir einen großen Teil davon wach verbringen, obwohl unsere Augen geschlossen sind.

Seven centuries made of stone collapse without nostalgia in the blink of an eye. Some call the variable frequency of this blink history, others class struggle, progress, barbarism or cinema. If we assume that the accumulation of blinks during a lifetime is high, we can conclude that we spend a good part of it awake even though our eyes are closed.

Hemen. Gaur. Berriz

Spanien Spain 2020

9', Farbe Colour, Baskisch mit englischen

Untertiteln Basque with English subtitles

Regie Director Aitor Gametxo

Bitor und Mikel lernen sich während eines Straßenfestes in Bilbao kennen. Der erste Blick ist für beide etwas ganz Besonderes, aber jeder erinnert sich auf andere Weise daran.

Bitor and Mikel meet during the Bilbao festivities. The first look is going to be special for both of them, but they will remember it in different ways.

Ausgewählte Arbeiten

Selected works

Eine Auswahl von Works-in-Progress von Regisseur*innen aus den Wettbewerben 2022, die Programmacher*innen und Kurator*innen einen ersten Blick auf kommende Kurzfilme gibt sowie den Filmemacher*innen die Gelegenheit, ihre Arbeiten zu testen.

Presenting a selection of works-in-progress by directors from last year’s competitions that will give programmers and curators a first glimpse of coming shorts and filmmakers an opportunity to test-screen their works.

Quite the Afternoon

Libanon Lebanon

Panos Aprahamian

Waiting

Deutschland Germany

Takashi Kunimoto

I HAVE NO TIME

Kroatien Croatia

Dalibor Martinis

The Shell

Griechenland, Belgien, Finnland Greece, Belgium, Finland

Thanasis Trouboukis

Tiergarten – Day for Night

Deutschland Germany

Michel Wagenschütz

We will definitely talk about this after the last air raid alert stops

Ukraine

Yuri Yefanov

Qirat

Marokko, Schweden Morocco, Sweden

Amin Zouiten

Careof ist eine gemeinnützige Organisation für zeitgenössische Kunst. Gegründet wurde sie 1987 in Mailand. Hier wird Forschung betrieben, bewegte Bilder werden produziert und gleichzeitig beherbergt sie einen Ausstellungsort und ein Filmarchiv, das historischen Wert besitzt und vom italienischen Kulturministerium anerkannt wurde. Das Archiv wächst stetig und zählt derzeit mehr als 9.000 Titel zu seiner Sammlung, die einen umfassenden Blick über die künstlerische Evolution seit den 1970er-Jahren bis zur Gegenwart ermöglichen.

Careof is a non-profit organisation for contemporary art, founded in 1987 and based in Milan. It is a centre for research and production on moving images, an exhibition space and a Video Archive, recognised as of historical interest by the Ministry of Culture. The ever-expanding archive collects over 9,000 titles and provides a privileged view of artistic evolution from the 1970s to the present day.

Ministries of Loneliness

Italien, Japan, Vereinigtes Königreich, USA

Italy, Japan, United Kingdom, USA 2023 15', Farbe Colour, Englisch, Italienisch English, Italian Regie Director Rebecca Moccia

Ministries of Loneliness ist ein Non-Fiction-Film, der die Phänomenologie der Einsamkeit im Kontext neoliberaler Gesellschaften beleuchtet. Die titelgebenden Ministerien sind hier sowohl offizielle als auch inoffizielle politische Strukturen. Das Projekt ist das Ergebnis einer langen Forschungsreise über Einsamkeit, die in unterschiedlichen Kontexten u. a. in Italien, den USA, Japan und Großbritannien durchgeführt wurde.

Ministries of Loneliness is a non-fiction film that shows a phenomenology of Loneliness in contemporary neoliberal society concerning its ‚Ministries‘ as political structures both formalised and non-formalised. The project comes out of a long research journey through Solitude carried out in different contexts including Italy, the United States, Japan and the United Kingdom.

What Has Left Since We Left

Italien, Niederlande Italy, Netherlands 2020 21'19", Farbe Colour, Deutsch, Englisch, Niederländisch, Französisch German, English, Dutch, French Regie Director Giulio Squillacciotti

Am siebten Februar 1992 wurde der Vertrag über die Europäische Union in der niederländischen Stadt Maastricht unterzeichnet. Jahrzehnte später treffen sich Vertreter*innen der letzten drei verbliebenen Staaten in Europa in dem Raum wieder, in dem der Vertrag damals unterzeichnet wurde. Doch dieses Mal geht es um das endgültige Aus der Union. Was zunächst wie eine Therapiesitzung in Dauerschleife wirkt (die drei Figuren, unterstützt durch einen britischen Dolmetscher und selbst ernannten Analytiker, versuchen mit diesem Verlust umzugehen), entwickelt sich zu einem Austausch, in dem politische und persönliche Bindungen bildlich zusammenfinden und die Teilnehmenden mit ihrer Identitätskrise konfrontiert, sie zwingt, anzuerkennen, was noch übrig ist, was verloren ging und was aus ihrer Union noch werden kann. On February 7th 1992, the Treaty on European Union was signed in the Dutch city of Maastricht. Decades later, the representatives of the last three countries left in Europe meet again in the very same room where it was signed, this time to deliberate on the permanent shutdown of their Union. In what seems to be a looped therapy session, the three characters – helped by a British interpreter as a self-appointed analyst – try to deal with their feeling of

loss. The conversation allows their political and personal bonds to be woven together metaphorically, compelling them to face their identity crisis and acknowledge what is left, what no longer is and what still could be of their Union.

The Cute and the Useful Italien, Südafrika Italy, South Africa 2021

17'29", Farbe Colour, Englisch English Regie Director The Cool Couple

The Cute and the Useful erzählt die Geschichte von Walt, einem englischen Diamantenhändler. Er steht kurz vor dem Abschluss eines Grundstückkaufs in Südafrika, das später für Ökotourismus erschlossen werden soll. Die Erzählung umfasst die kurze Zeitspanne vor und nach einer Wildtierauktion; Walt versucht nämlich wilde Tiere für sein Projekt zu ersteigern. Er steckt jedoch in Europa, um genauer zu sein, in seinem Luxusapartment in Mailand, fest, weswegen er die Auktion im Internet mitverfolgt. Bevor er jedoch sein Ziel erreicht, wird Walt sich mit seinem Vater und seiner Schwester auseinandersetzen müssen, die ihn beide von dieser Investition abbringen wollen. The Cute and the Useful tells the story of Walt, an English diamond dealer, finalises the purchase of a property in South Africa to be destined to ecotourism. The narration covers the short time span preceding and following a wildlife auction where Walt plans to get the wild animals for his project. Stuck in Europe because of his job, Walt is enclosed between the walls of a luxury apartment in Milan, while he follows the auction online. In order to achieve his goal, however, Walt must confront his father and sister, who try to dissuade him from the investment.

The Starry Sky

Italien Italy 2020

15'45", Farbe Colour, Italienisch Italian Regie Director Caterina Erica Shanta

Matera, 2. Juli. Die 24-stündige Feier zu Ehren der „Madonna della Bruna“ verbindet die Sassi der Altstadt mit den neuen Stadtvierteln, die während der 1960er- und 1970er-Jahre, der wirtschaftlichen Blütezeit Italiens gebaut wurden. Die Feier erzählt eine Geschichte, in der es stets um die großen historischen, gesellschaftlichen und technologischen Veränderungen geht. Matera 2nd JuIy. The secuIar ceIebration in honor of the ‘Bruna HoIy Mary’ in 24 hours connects the ancient city centre of the Sassi to the new city suburbs – buiIt between 1950 and 1960 during the economic ItaIian boom. More and more mediated by its storyteIIing images, the ceIebration is constantIy modeIing on great historicaI, sociaI and technoIogicaI changes.

In den letzten Jahren kamen immer wieder Geschichten auf, die Fragen aufwarfen hinsichtlich der Funktionsweise von Filmfestivals: Wer darf dabei sein? Wer nicht? Wie werden die Mitarbeiter*innen behandelt? Wie geht man mit den Filmemacher*innen um? Für wen oder für was sind Filmfestivals gemacht? Was ist mit den (teilweise) undurchsichtigen Hierarchien und Machtgefügen, die sich hinter den Kulissen verbergen? Auch wenn diese Fragen, ob des Zuschauerrückgangs nach der Pandemie, der mangelnden Zuschüsse sowie der steigenden Lebenshaltungskosten, unter denen alle leiden, kurzzeitig in den Hintergrund getreten sind, so gilt dennoch zu beantworten: Was sind die Verantwortlichkeiten von Filmfestivals? Wie können sie Relevanz und Integrität bewahren? Gemeinsam reflektieren wir den aktuellen Stand der Dinge: Wie ist es um das Herzstück des Festivals bestellt und wer kümmert sich um dessen Seele?

Moderation

Ben Cook (LUX)

Unterstützt von Supported by

Over the last couple of years there have been a number of stories which have raised concerns about how film festivals are working now; who is included and who is excluded? how do they treat their staff?, how do they treat their filmmakers?, who and what they are for and what about their (sometimes) opaque hierarchies and power dynamics? And all of this has been thrown into sharp relief by post-COVID audience decline, funding costs and a cost of living crisis. So what are the responsibilities of film festivals now and how do they maintain their relevance and integrity? Together we will think out aloud about the current state of things at the very heart of the festival and consider who takes care of its soul.

Archiv: Argentinien

The Independent Archive: Argentina

In den 1970er-Jahren war Buenos Aires eines der aktivsten und am besten organisierten Zentren für Super-8-Filme und Filmausstellungen in Lateinamerika. Während ein Großteil der Filme aus diesem Jahrzehnt verloren gegangen ist, gibt es in der Stadt noch verschiedene private Sammlungen von Schmalfilmen, die dringend erhalten und archiviert werden müssen. In dieser Präsentation werden drei gegenwärtige Projekte vorgestellt, die jeweils bestimmten Filmschaffenden gewidmet sind – Narcisa Hirsch, Marie Louise Alemann und Sergio Levin. Alle drei arbeiten daran, unabhängige (und oft experimentelle) Filme, die während der weltweiten Blütezeit des Super-8-Films entstanden sind, zu erhalten und zu sanieren. Jedes Projekt versucht, dies auf einzigartige Weise und ohne die Unterstützung lokaler, staatlich geförderter Institutionen zu erreichen. Es werden aktuelle digitale Versionen ihrer Super-8Filme gezeigt.

During the 1970s, Buenos Aires was one of Latin America’s most active and organised hubs of Super 8 filmmaking and film exhibition. While a great many of the films made during that decade have been lost, there remain in the city various privately-held collections of small-gauge cinema that are in dire need of preservation and archival attention. This presentation discusses three contemporary projects, each dedicated to a specific filmmaker – Narcisa Hirsch, Marie Louise Alemann and Sergio Levin. All three are working to preserve and remediate independent (and often experimental) films made during the global peak of Super 8 filmmaking. Each project is attempting to accomplish this in a unique manner, without the assistance of local, state-funded institutions. Recent digital versions of their Super 8 films will be screened.

Federico Windhausen ist ein in Buenos Aires lebender Filmhistoriker und Kurator. Er ist der Herausgeber von A Companion to Experimental Cinema, veröffentlicht in 2022.

Federico Windhausen is a film historian and curator based in Buenos Aires. He is the editor of A Companion to Experimental Cinema, published in 2022.

© Sergio Levin

Miriam Gossing und Lina Sieckmann arbeiten als Duo an der Schnittstelle von Film und bildender Kunst. Ihre Arbeiten werden international auf Festivals und in Museen gezeigt und wurden mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, u. a. auf dem International Film Festival Rotterdam, in den Anthology Film Archives in New York und dem Image Forum Festival Tokyo. Sie sind Gründerinnen des Kollektivs Schalten und Walten und des Blonde Cobra – Festival for Queer & Experimental Cinema in Köln. Diese Auswahl haben sie als Carte Blanche der Kurzfilmtage zusammengestellt.

Miriam Gossing und Lina Sieckmann work as a duo at the interface of film and visual art. Their work is shown internationally at festivals and museums and has received numerous awards, including at the International Film Festival Rotterdam, the Anthology Film Archives in New York and the Image Forum Festival Tokyo. They are founders of the collective Schalten und Walten and the Blonde Cobra – Festival for Queer & Experimental Cinema in Cologne. For this selection, they were given carte blanche by the Short Film Festival.

Home Stories

Deutschland Germany 1990

6', Farbe Colour, ohne Text without Text

Regie Director Matthias Müller

Eine Heimsuchung durch wiederkehrende Figuren des Hollywood-Melodrams. Eine Choreografie der Blicke und Gesten. „Oh Lana Turner we love you get up.“ (Frank O’Hara)

The protagonists of Hollywood melodramas of the 1950s and ’60s are coming home, a choreography of glances and gestures. ‘Oh Lana Turner, we love you get up.’ (Frank O’Hara)

Ocean Hill Drive

Deutschland Germany 2016

20'49", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Miriam Gossing, Lina Sieckmann

Eine falsch installierte Windkraftanlage lässt einen an den strukturalistischen Experimentalfilm erinnernden Flickereffekt in Dokumentaraufnahmen von Landschaft und Architektur einer Küstenstadt in Massachusetts erscheinen. As a result of an erroneously installed wind turbine, the flicker effect, which brings to mind structuralist experimental cinema, appears in documentary images showing the landscape and architecture of a Massachusetts coast town.

Kustom Kar Kommandos

USA 1965

3'30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Kenneth Anger

Pygmalion und seine maschinelle Geliebte. Zum Soundtrack von Dream Lover streichelt ein junger Mann sein getuntes Auto mit einer Puderquaste. Pygmalion and his machine mistress. To the soundtrack of Dream Lover, a young man strokes his customised car with a powder puff.

Life After Love

USA 2018

8'25", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Zachary Epcar

Eine Verschiebung im Licht des Schicksals, wo aus geparkten Autos Behälter für kollektive Entfremdung werden.

A shifting in the light of the lot, where parked cars become containers for collective estrangement.

Desert Miracles

Deutschland Germany 2015

11', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Miriam Gossing, Lina Sieckmann

Eine ökonomisierte Architektur der Sehnsucht. In 22 Tableaus werden die Innenräume verschiedener Hochzeitskapellen im US-Bundesstaat Nevada beleuchtet und lassen die umfassende kulturelle Organisation des Gefühls „Liebe“ erahnen.

An economy-driven architecture of yearning. The interiors of different wedding chapels in the US state of Nevada are explored in 22 tableaus, giving a glimpse of the comprehensive cultural organisation of the emotion ‘love’.

John’s Desire

Deutschland Germany 2011

4'35", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Henning Frederik Malz

Der Film John’s Desire ist ausschließlich aus animierten Firmenlogos von verschiedenen Filmverleihen und Filmproduktionen hergestellt. Er handelt von den wiederkehrenden Bildern des Weltalls und dem Wunsch, globale Bedeutung und Verbreitung für sich zu behaupten sowie Erhabenheit auszustrahlen. The film John’s Desire is entirely created out of a variety of animated movie studio and distributor logos. It deals with the recurring motif of outer space and the wish to claim global importance and dissemination, as well as radiating majesty.

Souvenir

Niederlande, Deutschland Netherlands, Germany 2018

20'50", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Miriam Gossing, Lina Sieckmann

Interviews mit Seemannswitwen bilden die Grundlage für eine lose Erzählung, die sich zwischen ferner Liebe, vorgetäuschtem Luxus und kolonialen Artefakten bewegt. Gedreht auf 36-stündigen Fährfahrten zwischen Rotterdam und Hull sowie Kiel und Oslo verbindet der Film, selbst auch ein Souvenir, Schiffe als größte Arsenale von Vorstellungskraft mit dem nautischen Raum des Kinos.

Interviews with seamens’ widows form the basis for a loose narration between the poles of distant love, fake luxury and colonial artifacts. Shot on 36-hour ferry cruises between Rotterdam and Hull, and Kiel and Oslo, the film as a souvenir itself draws a connection between the ship as the largest arsenal of imagination and the nautical space of the cinema.

Eine einzigartige Filmauswahl, die das Ergebnis der Zusammenarbeit von neun internationalen Filmfestivals ist. Curtas Vila do Conde, Clermont-Ferrand, Tampere, Encounters, Go Short, Alciné, Brussels Short Film Festival, Short Waves Festival und interfilm Berlin sind die Kurzfilmfestivals, die seit Jahren gemeinsam die Favoriten ihres Publikums fördern. Das Publikum jedes Festivals hat einen Titel ausgewählt, was das Programm zu einem wahren Fest der Unterhaltung, der faszinierenden Bilder und der Genrevielfalt macht. Zwei Filmprogramme präsentieren die Tournee-Nominierten der Saison 2022/23. A unique film selection that is the result of a collaboration between nine international film festivals. Curtas Vila Do Conde, Clermont-Ferrand, Tampere, Encounters, Go Short, Alcine, Brussels Short Film Festival, Short Waves Festival and interfilm Berlin are short film festivals which have been collectively promoting their audiences’ favourites for years. The audience of each festival has chosen one title, turning the programme into a true feast of entertainment, intriguing images and genre diversity. Two film programmes present the touring nominees of the 2022/23 season.

Harta

Spanien Spain 2021

23', Farbe Colour, Spanisch mit englischen

Untertiteln Spanish with English subtitles

Regie Director Júlia De Paz

Nominierung Nomination Alciné Festival de Cine Alcalá de Henares 2021

Die zwölfjährige Carmela muss an ihrem Geburtstag ihren Vater in einer Familienbegegnungsstätte treffen, da dieser wegen geschlechtsspezifischer Gewalt gegen ihre Mutter verurteilt wurde.

Carmela, a 12-year-old girl, on her birthday, is forced to meet her father in a family meeting centre due to the sentence of gender violence that he has against her mother.

We Have One Heart

Polen Poland 2020

10', Farbe Colour, Polnisch, Englisch mit englischen

Untertiteln Polish, English with English subtitles

Regie Director Katarzyna Warzecha

Nominierung Nomination Short Waves Festival 2021

Nach dem Tod seiner Mutter findet Adam Briefe seiner Eltern. Wir werden Zeuge eines Liebesabenteuers in den Wirrungen des 20. Jahrhunderts, als die Welt zwiegespalten war und der Krieg zwischen dem Iran und dem Irak den Beginn tragischer Konflikte im Nahen Osten markierte. Eine Mischung aus Animation und Found Footage. Wir begeben uns auf eine Irrfahrt voller Bomben und Geheimnisse.

After his mother’s death, Adam finds his parents’ correspondence. We discover a love adventure entangled in the 20th century, when the world was cut in two and the war between Iran and Iraq marked the start of tragic conflicts in the Middle East. Mixing animation and found footage, we dive into an odyssey full of bombshells and secrets.

Nanu Tudor My Uncle Tudor

Ungarn, Portugal, Belgien Hungary, Portugal, Belgium 2020

20', Farbe Colour, Rumänisch, Russisch mit englischen

Untertiteln Romanian, Russian with English subtitles

Regie Director Olga Lucovnicova

Nominierung Nomination Go Short International Short Film Festival Nijmegen 2021

In intimen Nahaufnahmen fängt die Kamera eine idyllische Szene ein, die wie aus der Zeit gefallen scheint: reife Kirschen, Schwarz-Weiß-Fotos und ein Sommerhaus voller Erinnerungen an eine anscheinend sorgenfreie Kindheit mehrerer Generationen. Alte Tanten reden über die Vergangenheit und Onkel Tudor beantwortet ebenfalls die Fragen der Filmemacherin. Nach und nach konfrontiert sie ihn mit ihrem Trauma, für das er verantwortlich ist.

In intimate close-ups the camera captures an idyllic scene that seems to belong to a different era: ripe cherries, black-and-white photographs and a summerhouse full of memories of the seemingly carefree childhood of several generations. Old aunties talk about the past and Uncle Tudor, too, answers the filmmaker’s questions. Little by little, she confronts him with her trauma, for which he is responsible.

Partir un Jour Bye Bye

Frankreich France 2021

24'53", Farbe Colour, Französisch mit englischen

Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Amélie Bonnin

Nominierung Nomination Clermont-Ferrand

International Short Film Festival 2021

Nach seinem Schulabschluss verließ Julien die Normandie, wo er geboren wurde und aufwuchs, um sich in Paris ein größeres Leben aufzubauen. Seine Erinnerungen ließ er zurück. Eines Tages ist es jedoch an der Zeit für ihn zurückzukehren und alle Erinnerungen werden mit Macht zurück an die Oberfläche gespült.

After he graduated from high school, Julien left Normandy – where he was born and bred – to build a bigger life for himself in Paris, leaving his memories behind. But one day it is time for him to go back, and all these memories come violently back to the surface.

O Lobo Solitário The Lone Wolf

Portugal 2021

23'39", Farbe Colour, Portugiesisch mit englischen Untertiteln Portuguese with English subtitles Regie Director Filipe Melo

Nominierung Nomination Curtas Vila do Conde International Film Festival 2021

An einem Abend wie jeder andere ist Vítor Lobo, der „einsame Wolf“, live auf Viva FM, wo er eine Late-Night-Talkshow moderiert. Er nimmt Anrufe seiner Zuhörerschaft entgegen – einige sind neu, einige rufen häufiger an. In der heutigen Show geht es um Gefühle, aber so eine emotionale Nacht hat der „einsame Wolf“ nicht kommen sehen.

On a night like any other, Vítor Lobo, the ‘lone wolf’, goes live on Viva FM, where he hosts a late-night talk show, taking calls from his listeners – some regulars, some newcomers. The theme for tonight’s show was emotions, but the ‘lone wolf’ could never imagine the emotional night that awaited him.

Hanging On

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2021

10', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Alfie Barker

Nominierung Nomination Encounters Short Film and Animation Festival Bristol 2021

Ein Doku-Drama, das die Stärken einer Gemeinschaft hervorhebt, wenn diese mit Zwangsräumung konfrontiert wird. Hanging On erinnert uns an die Probleme von Menschen, die durch das gesellschaftliche Raster fallen, und was es bedeutet, ein Zuhause zu haben.

A docudrama that spotlights the strength of a community when faced with eviction. Hanging On reminds us about the struggles of people who are slipping through the cracks of society and what it means to have a home.

Mehiläiskesä Summer of Bees

Finnland Finland 2021

22'38", Farbe Colour, Finnisch mit englischen

Untertiteln Finnish with English subtitles

Regie Director Ida-Maria Olva

Nominierung Nomination Tampere Film Festival 2022

Eedi leidet an Klimaangst und möchte mit Unterstützung der eigenen Mutter Anne anfangen, Bienen zu halten. Diese hat jedoch weniger Angst vor der Zukunft und mehr vor jeder einzelnen Biene.

Eedi, suffering from eco-anxiety, decides to start beekeeping with the help of their mother Anne who, rather than fearing for the future, is scared of every single bee.

Bambirak

Deutschland Germany 2019

14', Farbe Colour, Deutsch, Dari mit englischen

Untertiteln German, Dari with English subtitles

Regie Director Zamarin Wahdat

Nominierung Nomination Interfilm International Short Film Festival Berlin 2021

Als die achtjährige Kati aus Afghanistan im LKW ihres Vaters heimlich mitfährt, muss Faruk einerseits seinen Pflichten als alleinerziehender Vater und andererseits seinem ersten Job in einem neuen Land gerecht werden. Während die Beziehung der beiden sich vertieft, stellt ein rassistischer Zwischenfall die Verbindung zwischen Vater und Tochter auf die Probe.

When 8-year-old Kati from Afghanistan stows away in her father’s truck, Faruk must juggle his responsibilities as a single dad while holding down his first job in a new country. As their relationship deepens, a brush with racism tests the bond between father and daughter.

Sprötch Squish

Belgien Belgium 2020

20'13", Schwarzweiß Black-and-white, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Xavier Seron

Nominierung Nomination Brussels Short Film Festival 2021

Flo muss berufsbedingt nach Marrakesch. Deswegen kümmert sich Tom um Sam, den gemeinsamen fünfjährigen Sohn. Flo hat eine Liste mit Aufgaben hinterlassen, die während seiner Abwesenheit zu erledigen sind. Trotzdem hat Tom Sams Gitarrenunterricht vergessen. Aus seinem Riad ruft Flo ihn an und macht ihm Vorwürfe. Tom hasst es, erwischt zu werden. Er holt Sam ab. Das Auto fährt blitzschnell aus der Garage heraus. SPRÖTCH. Tom hat etwas plattgefahren …

Flo has to go to Marrakech for work. So, it’s Tom who takes care of Sam, their 5-year-old son. Flo left him a list of tasks to complete during his absence. Despite this, Tom forgot Sam’s guitar course. From his riad, Flo calls to scold him. Tom hates being caught. He picks up Sam. The car comes out of the garage at full speed. SQUISH. Tom just crushed something…

Die Schönheit verbliebener Rätsel The beauty of remaining enigmas

Für Angela Haardt For Angela Haardt

Ein Kurzfilmprogramm besteht in der Regel aus mehreren Filmen, die meist nicht zusammengehören und nur aus Gründen einer Zeitökonomie zu einem Programm gebündelt werden. Man will niemandem zumuten, sich für einen einzigen Film von ein paar Minuten Dauer auf den Weg ins Kino zu machen. Dennoch: Ein jeder Film würde eine gesonderte Aufmerksamkeit beanspruchen dürfen. Dies ist eine grundsätzliche Schwierigkeit bei Wettbewerben, Profilen und entsprechenden Zusammenstellungen im Kino oder bei Kurzfilmfestivals.

Ein Programm machen zu dürfen, in dem die Filme sich gegenseitig kommentieren, verschiedene Facetten formaler oder inhaltlicher Qualitäten durch die Differenz zu anderen Filmen verdeutlichen oder durch Gegensätze Besonderheiten hervorheben, bedeutet Freiheit und Luxus.

Die Auswahl der Filme habe ich intuitiv getroffen. Erst als ich anfing, darüber nachzudenken, wie ich diese Filme, die mich „subkutan“ immer begleiten, unter einen Hut bringen kann, fiel mir auf, dass sie gut zueinander passen und sich auf unterschiedliche Art mit der heutigen Bildproblematik auseinandersetzen. Selbst wenn wir zugestehen, dass der genauen Beobachtung, dem fotografischen Bild, Aussagen über die Wirklichkeit gelingen können, ist es, mit diesem Überfluss an Bildern, deren Wahrnehmung auf die der Realität zurückwirkt, schwieriger geworden, sie als Abbild zu begreifen. Man kann an den ausgewählten Filmen unterschiedliche Stadien des Bedeutungsverfalls von Bildern und des Umgangs damit ablesen.

Eine Methode ist, die Bilder von Texten kommentieren zu lassen. In drei der hier gezeigten Filme werden die

As a rule, a short film programme consists of several films that mostly do not belong together and have been combined only for reasons of time economy.

Nobody expects anyone to go all the way to a cinema for a single film lasting a few minutes. Nonetheless, any film deserves the right to its share of special attention. This is a fundamental difficulty with competitions, retrospectives and other similar compilations in the cinema or at short film festivals.

Being allowed to make a programme in which the films comment on each other, highlight different facets of formal or thematic qualities by virtue of their difference from other films or underline particularities through contrasts means freedom and luxury.

I made the selection of films intuitively. Only when I started thinking about how to establish connections between these films, which have always ‘subcutaneously’ accompanied me, did I notice that they fit well with one another and engage in different ways with today’s issues concerning images. Even if we concede that precise observation, the photographic image, can succeed in saying something about reality, the overabundance of images, the perception of which influences in its turn the perception of reality, has made it more difficult to see them as replicas. The selected films allow us to trace the different stages of the decline in the significance of images and of our engagement with it.

One method is to have the images commentated by texts. In three of the films shown here, the commentary is spoken by the filmmakers themselves. Ruchir Joshi, who examines conceptions, mostly Western, of the city Kolkata (Calcutta), has the text collide with the pictures of a busy metropolis. Walid Raad, who looks at the consequences of the civil war for people, uses the combination of word and image to create the absurd. He shows a banal yet monstrous human situation that on the surface provokes constant laughter but allows one, in moments of shocked reflection, to guess at the tragedy, the deep abyss, which neither image nor text reveal on their own but rather skip lightly over. And, finally, there are Bąkowski’s radically subjective sensitivities, which he incorporates into the image. The image is a technically spatial entity whose meaning is constructed solely by assigning these sensitivities to individual components. The space is black; he descriptively constitutes his own person into the void as a floating object. For him, art is solely a place for exchanging experiences, not for intentions to change society.

If these three films are connected by their use of text as a constitutive element and their critique of images, this last

Tales from Planet Kolkata

Kommentare von den Filmemachern selbst gesprochen. Ruchir Joshi, der sich mit den Vorstellungen vor allem des Westens von der Stadt Kolkata (Calcutta) auseinandersetzt, lässt Textzitate gegen die Bilder einer geschäftigen Großstadt prallen. Walid Raad, der sich mit den Auswirkungen des Bürgerkriegs auf die Menschen befasst, schafft in der Verbindung von Wort und Bild das Absurde, zeigt eine banale, zugleich monströse menschliche Situation, die auf der Oberfläche zum beständigen Lachen reizt, beim erschrockenen Innehalten jedoch die Tragödie erahnen lässt, den tiefen Abgrund, den weder Bild noch Text jeweils für sich preisgeben, ja, über ihn locker hinwegtänzeln. Und schließlich Bąkowskis radikal subjektive Befindlichkeiten, die er in das Bild inkorporiert. Das Bild ist ein technisch räumliches Gebilde, dessen Sinn allein durch die Zuschreibung dieser Befindlichkeiten zu einzelnen Bestandteilen konstruiert wird. Der Raum ist schwarz, ins Nichts konstituiert er beschreibend die eigene Person als schwebendes Objekt. Kunst ist ihm der Ort ausschließlich für den Austausch von Erfahrungen, nicht für gesellschaftsverändernde Absichten. Sind diese drei Filme durch Text als konstituierendes Element und in der Kritik an den Bildern verbunden, so ist der letzte wiederum mit dem Film von Matsumoto Toshio durch die Konzentration auf die eigene Existenz im singulären Moment verbunden. Matsumoto schließlich ist der älteste der ausgewählten Künstler. Ihm war an der Auflösung der binären Relation von Subjektivität und Objektivität gelegen, ihn faszinierte die Beziehung von Künstler – realer Welt – Film. In Ātman ist dieses Dreieck wohl am klarsten vorgestellt. Ātman markiert eine Wende in seinem Schaffen. Nach den wilden, voller Protest gegen die politischen Verhältnisse opponierenden Filmen vom Ende der 1960er-Jahre zu den meditativen Bildern zu Beginn der 1980er steht dieser Film als radikale Befragung der Existenz, wenn die Kamera in hoher Geschwindigkeit um eine in freier Landschaft sitzende Person mit Maske (Hannya, Maske einer Dämonenfrau, frühbuddhistische Herkunft, genutzt im Nō-Theater; obere Gesichtshälfte: traurig, untere: wütend) kreist.

Angela Haardt

Geboren in Darmstadt 1942, studiert in Hamburg, München (auch Mitarbeiterin des iff internationale forum der filmavantgarde, Frauenfilmseminar 1973), Bremen (auch Mitarbeiterin am Frauenzentrum) und Warschau deutsche und polnische Literatur, philosophische Ästhetik. Von 1977 bis 1986 an der VHS in Duisburg für kulturelle Bildung, kommunales Kino und den Aufbau der Duisburger Filmwoche. Getanzt 1985 in New York, 1987 bis 1989 Tanz in der Werkstatt Düsseldorf. 1990 bis 1997 Leiterin der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen. Später freiberufliche Kuratorin (Kurzfilmbiennale Ludwigsburg; Programm für 50 Jahre Oberhausen), Organisatorin von Konferenzen (Neue Medien und Tanz, europäische Tanzarchive, Frauen in Filmberufen); gelegentliche Lehraufträge an der Universität der Künste Berlin, Hochschule für bildende Künste Hamburg oder der Weißensee Kunsthochschule Berlin.

one is, for its part, connected with the film by Matsumoto Toshio through its concentration on individual existence in a unique moment.

Matsumoto is the oldest of the filmmakers selected. He was interested in the dissolution of the binary relationship of subjectivity and objectivity; he was fascinated by the connection of artist – real world – film. This triangle is probably most clearly presented in Ātman. Ātman marks a turning point in his work. After the wild films full of protest against the political status quo from the end of the 1960s and the meditative images at the start of the 1980s, this film stands as a radical interrogation of existence, when the camera rapidly circles around a person sitting out in the open countryside wearing a mask (a hannya, mask of a female demon, early Buddhist provenance, used in Noh theatre; top face half: sad, lower face half: furious).

Angela Haardt

Born in Darmstadt in 1942, studied in Hamburg, Munich (also worked at the iff international forum of film avant-garde, women’s film seminar 1973), Bremen (also worked at the Women’s Centre) and Warsaw, German and Polish literature, philosophical aesthetics. From 1977 to 1986 at the adult education centre (VHS) in Duisburg for cultural education, community cinema and the establishment of the Duisburg Film Festival (Duisburg Filmwoche). Danced in New York in 1985, 1987 to 1989 dance at the Werkstatt Düsseldorf. 1990 to 1997 director of the International Short Film Festival Oberhausen. Later freelance curator (Ludwigsburg European Short Film Biennale, programme for 50 years of Oberhausen), organiser of conferences (new media and dance, European dance archives, women in cinematic professions); occasional teaching assignments at the Berlin University of the Arts, the University of Fine Arts of Hamburg and the Weißensee Academy of Art Berlin.

Angela Haardt For Angela Haardt

Ātman

Mit

Tales from Planet Kolkata

Indien India 1993

32', Farbe Colour, Bengalisch, Englisch, Hindi mit englischen Untertiteln Bengali, English, Hindi with English subtitles

Regie Director Ruchir Joshi

In Oberhausen 1993, 1994 Internationaler Wettbewerb International Competition

Gegen die lüsterne Elendsromantik westlicher Filmemacher setzt Joshi Bilder des städtischen Alltags von Calcutta (Kolkata), zeigt unaufhörliche Veränderung, flicht eigene Erfahrungen, persönliche Beziehungen und Gelesenes ein. Roter Faden ist der Moritatensänger, der von der Gründung der Stadt durch die Engländer singt. Am Anfang ein Verweis auf den Film Apocalypse Now. Ruchir Joshi geboren 1960 in Kolkata, Indien, lebt in Delhi und London; Schriftsteller, Journalist und Filmemacher.

Joshi sets images of everyday city life in Kolkata against the lascivious, romanticised gaze that Western filmmakers often direct at misery. He shows ceaseless change, weaves in his own experiences, personal relationships and reading. The connecting thread is the balladist who sings about the city’s founding by the English. The start contains a reference to the film Apocalypse Now. Ruchir Joshi born in Kolkata, India, in 1960, lives in Delhi and London; author, journalist and filmmaker.

The Dead Weight Of a Quarrel Hangs

Libanon, USA Lebanon, USA 1998

17', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Englisch English

Regie Director Walid Raad

In Oberhausen 1999 Internationaler Wettbewerb

International Competition, 2004 Retrospektive 50 Jahre Oberhausen Retrospective 50 years of Oberhausen

Ein dreiteiliges Videoprojekt, das sich mit den Möglichkeiten und Grenzen beschäftigt, die Geschichte des libanesischen Bürgerkriegs festzuhalten. Walid Raads Bilder sind banal, äußerst banal. Durch eine raffinierte Kontextualisierung von Alltäglichkeit im Augenblick historischer Dramatik schlägt er den Witz aus der Absurdität, die aus extrem unterschiedlichen Fallhöhen entsteht. Seine Erfindung von Szenen wirkt so authentisch, weil diese allen vertraut und nachvollziehbar erscheinen.

Walid Raad geboren 1967 in Chibaneh, Libanon; vielfach ausgezeichneter Künstler und Professor in New York, USA.

A three-part video project that looks at the possibilities and limits of recording the history of the Lebanese Civil War. Walid Raad’s images are banal, eminently banal. By artfully contextualising everyday-ness at a moment of historical drama, he draws humour from the absurdity that arises from extremely different heights of fall. His invention of scenes makes the authentic impression it does because they seem familiar and understandable to all.

Walid Raad born in Chbaniyeh, Lebanon, in 1967; multi-award-winning artist and professor in New York, USA.

The Dead Weight Of a Quarrel Hangs

freundlicher Genehmigung des Künstlers und Sfeir-Semler Gallery Beirut/Hamburg

Courtesy of the artist and Sfeir-Semler Gallery Beirut/Hamburg

Ātman

Japan 1975

11', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Matsumoto Toshio

In Oberhausen 1994 Retrospektive des japanischen Kurzfilms

Retrospective of Japanese short film, 2004 Retrospektive 50 Jahre

Oberhausen Retrospective 50 years of Oberhausen, 2009 Profil Profile

In diesem Film habe ich versucht, die Intensität des Konflikts zwischen Selbstbehauptung und Selbstlosigkeit zu verdeutlichen. Zu diesem Zweck habe ich eine starke Kreisbewegung von Kader zu Kader aufgebaut und Infrarotfilm eingesetzt. (Matsumoto Toshio)

Matsumoto Toshio, geboren 1932 in Nagoya, Japan, gestorben 2017 in Tokio; Filmemacher, Videokünstler und Professor für experimentellen Film in Kioto und Kyushu.

In this film, I tried to make clear the intensity of the conflict between selfassertion and selflessness. To this end, I built up a strong circular movement from frame to frame and used infrared film. (Matsumoto Toshio)

Matsumoto Toshio, born in Nagoya, Japan, in 1932, died in 2017 in Tokyo; filmmaker, video artist and professor of experimental film in Kyoto and Kyushu.

Suchy Pion Dry Standpipe

Polen Poland 2012

13', Farbe Colour, Polnisch mit englischen Untertiteln Polish with English subtitles

Regie Director Wojciech Bąkowski

In Oberhausen 2013 Internationaler Wettbewerb

International Competition, 2014 Profil Profile

In dieser Welt werden die Menschen und ihre Handlungen, auch der Erzähler, so banal, dass es weh tut. Als Ausgangspunkt wählt der Künstler dabei die „Realität niedrigsten Ranges“ – ein Begriff, den er von dem legendären polnischen Künstler Tadeusz Kantor übernommen hat. Die handverlesenen, verstärkten und gefilterten Elemente sollen existenzielle Erfahrung möglichst getreu vermitteln. (Lukasz Mojsak, Katalog 2014)

Wojciech Bąkowski geboren 1979 in Posen, Künstler und Musiker, lebt in Warschau.

In this world, the people and their actions, even the narrator, become so banal that it hurts. As a point of departure, the artist chooses ‘reality of the lowest order’ – a term he borrowed from the legendary Polish artist Tadeusz Kantor. The hand-picked, intensified and filtered elements aim to convey existential experience as authentically as possible. (Lukasz Mojsak, catalogue 2014)

Wojciech Bąkowski born in Poznań in 1979, artist and musician, lives in Warsaw.

Die EU ist keine gesichtslose Maschine, sondern die Vertretung von 447 Millionen Menschen und ermöglicht es uns, einen ganzen Kontinent so zu nennen wie etwas, das sonst viel kleiner wäre: Heimat. The One Minutes möchte mit der Kraft des Videos dazu beitragen, Räume für freie Meinungsäußerung, kollektive Vorstellungskraft und globale Solidarität in unseren unterschiedlichen, aber eng miteinander verknüpften Realitäten zu schaffen. Alle zwei Monate veröffentlicht The One Minutes eine neue Serie von Einminütern, die unsere Gegenwart in bewegten Bildern erkunden. In 42 One Minutes wurden die besten aktuellen One Minutes zusammengestellt, um Produktionen aus der Europäischen Union hervorzuheben. The EU is not a faceless machine but the representation of 447 million people, and allows us to call a whole continent something which would otherwise be much smaller: home. Using the forces of video, The One Minutes wants to contribute to creating spaces for free expression, collective imagination, and global solidarity in our different, yet deeply interconnected realities. Every two months, The One Minutes releases a new series of one-minute films exploring our current time in moving images. In 42 One Minutes the best recent One Minutes are compiled to highlight productions from the European Union.

also: the dichotomy of pragmatism and perversion

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Tiziana Krüger

The Great Camouflage (Excerpt)

Frankreich France 2017

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Ana Vaz

Trans-Mediterranean-Express

Frankreich France 2017

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Tristan Bera

The Past

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Pernilla Manjula Philip

Human Furniture

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Daan Couzijn

untitled

Portugal 2010

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Salomé Lamas

Ik ben een Rotterdammer

Niederlande Netherlands 2018

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Florian Braakman

Flying to Nowhere

Frankreich France 2017

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Matthew Lancit

I Still Feel Fantastic

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Natalia Jordanova

Pink LED

Niederlande Netherlands 2023

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Tianyi Zheng

Listening

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Jiyan Düyü

I touched the future

Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Ariela Bergman

Action at a distance

Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Manon Bachelier

The coyote plays the win

Frankreich France 2018

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director meng florent

first date

Italien Italy 2019

1', Farbe Colour, Italienisch Italian

Regie Director Sara Milio

Gerridae / music by Voiski

Frankreich France 2020

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Anne-Charlotte Finel

untitled

Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Lee Mc Donald

Kimchislap

Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne

Text without text

Regie Director Katharina

Sook Wilting

untitled

Niederlande Netherlands 2021

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director klaas koetje

Untitled

Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Yoohee Cha

Farfallino

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, Italienisch Italian Regie Director Adele Dipasquale

I’m having a good time here (and u?)

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Hayoung Kim

Fanfic Politics

Niederlande Netherlands 2021

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Pedro Gossler

NO MANS LAND

Spanien Spain 2021

1', Farbe Colour, Spanisch Spanish Regie Director Richard Zalduendo

Tutto a posto

Belgien Belgium 2021

1', Farbe Colour, Niederländisch Dutch Regie Director Eva Michiels

lucha canaria

Spanien Spain 2022

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Aimar

Morales, Nati Pajasgratis

Playful Fingers

Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Laura A Dima

Quarantine

Polen Poland 2020

1', Schwarzweiß Black-andwhite, ohne Text without text

Regie Director Mariusz Wirski

Les préparatifs

Frankreich France 2019

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Sarah Daria

Umbrella and praying

Frankreich France 2020

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Paulien Oltheten

Crann na Beatha Tree of Life

Irland Ireland 2022

1', Schwarzweiß Black-andwhite, ohne Text without text

Regie Director Alan Power

The Gaze

Niederlande Netherlands 2019

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Stelios Markou Ilchuk

Evidence of non-harmonious being Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Heleen Mineur

pigeon

Niederlande Netherlands 2022

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Alejandra López

homely spirits

Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Tobias Niemeyer

nightingale

Spanien Spain 2023

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director misha de ridder

Boats

Niederlande Netherlands 2023

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Mayumi Nakazaki

Untitled

Niederlande Netherlands 2023

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Radu-Mihai Tanasa

Ceci n’est pas une fleur

Griechenland Greece 2020

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Fenia Kotsopoulou

Wet Flowers

Niederlande Netherlands 2020

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Lina Bravo and Ro Buur

MUSE

Niederlande Netherlands 2017

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Elizaveta Fedemesser

Awake

Niederlande Netherlands 2021

1', Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Temo

Seit über 40 Jahren sammelt und restauriert die Kinemathek im Ruhrgebiet/ FilmArchiv für die Region historisches Filmmaterial des Reviers. Auf den Kurzfilmtagen zeigt die Initiative erneut Highlights aus den eigenen Beständen, unter anderem mit Arbeiten zur Ruhrbesetzung 1923 und zur Verlegung des Emscher-Unterlaufes bei Oberhausen Ende der 1940er-Jahre. Präsentation und Einführung durch Leiter Paul Hofmann.

For more than 40 years, the Kinemathek im Ruhrgebiet/FilmArchiv has been collecting and restoring historical film material from the Ruhr area. In Oberhausen, the initiative is again screening highlights from its own holdings, including works on the occupation of the Ruhr in 1923 and the relocation of the lower reaches of the Emscher near Oberhausen at the end of the 1940s. Presentation and introduction by its director, Paul Hofmann.

Steeler Maifeier 1921 May Day in Steele, 1921

Deutschland Germany 1921

8', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent

Kamera Camera Edmund Epkens

Es war wohl, im Jahr nach den bürgerkriegsähnlichen Unruhen im Ruhrgebiet in Folge des Kapp-Lüttwitz-Putsches gegen die junge Republik, eine Manifestation republikanischer Entschlossenheit, den 1. Mai wieder mit einem Umzug, hier durch die Innenstadt des späteren Essener Stadtteils Steele, feierlich zu begehen.

In the year following the civil-war-like unrest in the Ruhr area after the Kapp–Lüttwitz Putsch against the young Weimar Republic, it was probably a deliberate display of republican resolve that May Day was again celebrated with a procession, in this case through the inner city of the later Essen district of Steele.

L’Occupation de la Ruhr par les Troupes Francaises The Occupation of the Ruhr by French Troops

Frankreich France 1923

24', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent

Produktion Production Pathé Freres

Französischer Propagandafilm über die ersten Monate der erfolgreichen Besetzung des rheinisch-westfälischen Industriegebiets durch französische und belgische Truppen.

French propaganda film about the first months of the successful occupation of the Rhenish-Westphalian industrial region by French and Belgian troops.

Verlegung des Emscherunterlaufes Relocation of the Emscher Underflow

Deutschland Germany 1949

10', Schwarzweiß Black-and-white, stumm silent Produktion Production Werner Cramer

Seit den 1930er-Jahren war es durch zunehmende Bergsenkungen dringend notwendig geworden, dem zentralen Abwasserkanal des nördlichen Ruhrgebiets durch Verlegung seiner Mündung wieder das nötige Gefälle zu geben. 1948/49 war es dann endlich soweit, der Unterlauf des vollständig in Beton gefassten Gewässers wurde ab Oberhausen-Buschhausen um einige Kilometer rheinabwärts nach Dinslaken verlegt.

From the 1930s on, increasing subsidence caused by mining made it urgently necessary to restore the gradient needed by the central wastewater canal in the northern Ruhr area by shifting the location of its mouth. In 1948–49 this was finally done: the lower course of the completely cemented-in waterway, starting from the Oberhausen district of Buschhausen, was moved several kilometres down the Rhine to Dinslaken.

Zu meiner Zeit. Ein Porträt des Photojournalisten

Willy van Heekern In My Time. A Portrait of the Photojournalist Willy van Heekern

Deutschland Germany 1980

16 mm, 17', Farbe Colour, Deutsch German Regie Director Michael Lentz, Produktion Production OASE-Film

Der Essener Willy van Heekern (1898–1989) erinnert sich im Ruhestand, zusammen mit seiner Frau, an seinen Lebenslauf und seine Laufbahn als Pressefotograf, der vor allem im Ruhrgebiet über 50 Jahre lang historische Ereignisse und Prominenz sowie den Alltag der Menschen im Revier mit dem Fotoapparat dokumentierte.

The Essen resident and retiree Willy van Heekern (1898–1989), together with his wife, recalls his life and his career as a press photographer who, mostly in the Ruhr area, documented historical events and notables as well as the everyday life of people in the coal-mining region with his camera.

Neue Pfade Unseen Paths

Jean-Marie Straub wurde 1933 in Metz geboren. Kurz nach der Einschulung wird seine Muttersprache Französisch verboten, Deutsch die Pflichtsprache. Nach dem Krieg: Aufbau eines Filmclubs in Metz, „im November 1954: Ankunft in Paris, algerische Revolution, Begegnung mit meiner Frau Danièle Huillet.“ (Straub) „Der hat zuviel vor, der schafft das nicht alleine.“ (Huillet) Straubs Kriegsdienstverweigerung führt das Paar 1958 ins Exil nach Deutschland. Es folgen Jahre gemeinsamen Reisens auf den Spuren von Johann Sebastian Bach, an deren Ende der Film Chronik der Anna Magdalena Bach (1967) steht, eine völlige Neubestimmung dessen, was es heißt, wenn in einem Film Musik gespielt wird. Auf dem Weg dahin entstehen zwei kürzere Filme nach Texten von Heinrich Böll – Machorka-Muff (1962) und Nicht versöhnt (1964/65). Ersterer wird in Oberhausen zunächst abgelehnt, dann nach vielstimmigen Protesten „außer Wettbewerb“ gezeigt. Oberhausen und „die Oberhausener“ werden Reizwörter. Erst 1973 sind Huillet und Straub mit Einleitung zu Arnold Schönbergs Begleitmusik zu einer Lichtspielscene (1972) erstmals offiziell im Wettbewerb der Kurzfilmtage vertreten. „Die einzige Waffe, die man hat, das ist eben die Zeit. Weil die Leute, die Geld haben, die haben nie Zeit. Denn es ist ganz klar: Geld muss schnell wieder investiert werden. Da kann man keine Zeit verlieren. Wenn Sie aber Zeit haben, dann sind Sie trotzdem stärker auf die Dauer.“ (Danièle Huillet, 2004) In fast 50 Jahren gemeinsamer Arbeit realisieren Huillet und Straub rund 40 Filme in den Sprachen der Länder, in denen sie leben und arbeiten: Deutschland, Italien, Frankreich. Nach Danièle Huillets Tod im Oktober 2006 dreht Jean-Marie Straub in Zusammenarbeit mit Barbara Ulrich noch über 20 weitere, meist kürzere Filme. Nur von Wenigen wahrgenommen, sind diese vorwiegend auf Video gedrehten Filme doch konsequente Fortführungen des Werkes, grundsätzliche Befragungen des Kinos, seiner Versprechen, seiner Kompromisse, seines Kalküls. Mit Jean-Marie Straub ist im November 2022 ein leidenschaftlicher, rebellischer und zärtlicher Liebhaber des Kinos für immer gegangen. Die Kurzfilmtage sagen „à bientôt“ mit einer parteiischen Auswahl aus dem Werk. Zu Gast sind zwei der wichtigsten Begleiter*innen, Barbara Ulrich und Christophe Clavert.

Tobias Hering

Jean-Marie Straub was born in Metz in 1933. Shortly after he started school, his mother tongue, French, was banned, with German made the compulsory language. After the war, he established a film club in Metz, ‘in November 1954: arrival in Paris, Algerian Revolution, encounter with my wife, Danièle Huillet.’ (Straub) ‘He wants to do too much; he won’t manage it alone.’ (Huillet) Straub’s refusal to do military service led the couple to go into exile in Germany in 1958. Years of travel together in the footsteps of Johann Sebastian Bach followed, culminating in the film Chronicle of Anna Magdalena Bach (1967), a complete redefinition of what it means when music is played in a film. On the way, two shorter films based on texts by Heinrich Böll were also made: Machorka-Muff (1962) and Not Reconciled (1964/65). The former was initially rejected in Oberhausen, then screened ‘outside of the competition’. Oberhausen and ‘the Oberhauseners’ became critically charged terms. It was not until 1973 that Huillet and Straub participated officially in the Oberhausen competition with Introduction to Arnold Schoenberg’s Accompaniment to a Cinematic Scene (1972). ‘The only weapon we have is time. Because people who have money never have time. For it is very clear: money must be reinvested fast. You can’t lose any time. But if you have time, you are still stronger in the long run.’ (Danièle Huillet, 2004). In almost 50 years of working together, Huillet and Straub made some 40 films in the languages of the countries where they lived and worked: Germany, Italy and France. After Danièle Huillet’s death in October 2006, Jean-Marie Straub went on to make more than 20 more films, most of them shorts, together with Barbara Ulrich. Although they were noticed by only a few, these films, mostly made on video, are consistent continuations of what came before: fundamental interrogations of cinema, its promises, its compromises, its calculations. In November 2022, with the death of Jean-Marie Straub, a passionate, rebellious and tender cinema lover left us forever. The Short Film Festival is saying ‘à bientôt’ with a biased selection of works. Two of Straub’s most important companions, Barbara Ulrich and Christophe Clavert, are guests.

Tobias Hering

Hommage à Jean-Marie Straub (1933–2022)

Un héritier An heir

Frankreich France 2010

21', Farbe Colour, Französisch mit englischen

Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Jean-Marie Straub

Nach Based on Au service de l’Allemagne (In deutschen Heeresdiensten

In the Service of Germany, Maurice Barrès, 1905)

Die Geschichte eines jungen Landarztes im deutsch-okkupierten Elsass-Lothringen.

The story of a young country doctor in German-occupied Alsace-Lorraine.

Itinéraire de Jean Bricard Itinerary of Jean Bricard

Frankreich France 2007

40', Schwarzweiß Black-and-white, Französisch mit englischen Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Jean-Marie Straub, Danièle Huillet

Nach Based on Itinéraire de Jean Bricard (Jean-Yves Petiteau)

Eine Geschichte von Kindheit und Résistance auf der Loire-Insel Île Coton. A story of childhood and résistance on the Loire island Île Coton.

La Guerre d’Algérie! The Algerian War!

Frankreich, Schweiz France, Switzerland 2014

2', Farbe Colour, Französisch mit englischen

Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Jean-Marie Straub

Nach einem Bericht von Based on an account by Jean Sandretto „Ich bin gekommen, Sie zu töten.“

„Können wir nicht vorher noch ein bisschen reden?“

‘I have come to kill you.’

‘Can’t we talk a little first?’

La France contre les robots France Against the Robots

Schweiz Switzerland 2020

10', Farbe Colour, Französisch mit englischen

Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Jean-Marie Straub

Nach Based on La France contre les robots (Georges Bernanos, 1945)

„Eine Welt, die für die Technologie gewonnen ist, ist für die Freiheit verloren.“ ‘A world gained for technology is lost for liberty.’

Fantasien Analogue Imagination

Ausgewählte Arbeiten aus der Schule

Friedl Kubelka

Selected Works from School Friedl Kubelka

Die Schule Friedl Kubelka für unabhängigen Film ist ein weltweit einzigartiger Ort, an dem Menschen mit unterschiedlicher Herkunft, sozialem Hintergrund und Alter die Kunstform des analogen Films erlernen. Die Schule orientiert sich an dem Dante-Zitat „WO DAS KÖNNEN DEM WOLLEN FOLGT“, was bedeutet, dass die Fantasie, das leidenschaftliche Interesse an einem Thema und dessen Umsetzung auf analogem Filmmaterial im Mittelpunkt stehen. Seit 17 Jahren fördert die Schule die künstlerische Praxis von Filmemacher*innen, bietet Austausch mit renommierten Filmkünstler*innen und hat so eine ganze Generation von analogen Filmemacher*innen geformt. Die auf Super-8-, 16-mm- und 35-mm-Film gedrehten und vorgeführten Arbeiten zeigen ein Kino des zutiefst persönlichen und formal unabhängigen Ausdrucks.

The School Friedl Kubelka for Independent Film is a unique place in the world for people of different origins, social backgrounds and ages to learn about the art form of analogue film. The school is based on Dante’s quote ‘Where what is willed must be’, meaning that an imagination, a passionate interest in a subject and its realization on analogue film material is the main focus. For 17 years, the school has been promoting the artistic practice of filmmakers and offering exchange with acclaimed film artists, thereby shaping an entire generation of analogue filmmakers. Made and screened on Super 8, 16 mm and 35 mm film, these works show a cinema of deeply personal and formally independent expression.

Programm 1 beschäftigt sich mit der Vorstellung, dass wir im Laufe unseres Lebens viele Rollen einnehmen und in ständiger Beziehung zu anderen Menschen und unserer Umwelt stehen. Wir sind das Kind von jemandem, wir sind Eltern von jemandem, wir sind Liebhaberin von jemandem, Ex-Partner von jemandem, die Freundin von jemandem, und selbst wenn wir uns entscheiden, allein zu sein, interagieren wir mit der Welt und den Objekten um uns herum. Programme 1 deals with the idea that throughout our lives we take on many roles and are in constant relationship with other people and our environment. We are someone’s child, someone’s parent, someone’s lover, someone’s expartner, someone’s friend, and even when we choose to be alone, we interact with the world and objects around us.

Juri

Österreich Austria 2009–14

30' [Ausschnitt Excerpt], Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Johannes Schrems

Ich wollte ein Porträt von meinem zweiten Kind machen. Inspiriert vom Kino des Persönlichen, habe ich unseren neugeborenen Sohn jeden Tag zwei bis fünf Sekunden lang gefilmt.

I wanted to make a portrait of my second child. Inspired by the cinema of the personal, I filmed our new-born son for 2 to 5 seconds every day.

Am Rande Des Vorhangs At the Edge of the Curtain

Österreich Austria 2022

10', Farbe Colour, Deutsch mit englischen

Untertiteln German with English subtitles

Regie Director Antoinette Zwirchmayr

Ein Ort, der im Wesentlichen mit düsteren Erinnerungen und dem Geruch von altem Leder und Schweiß verbunden ist, wird zu einer Bühne für entrückte Aufführungen. Schauplatz und Lebensraum von Am Rande Des Vorhangs ist eine Turnhalle. Ihre Bewohnerinnen: drei Frauen, deren Beziehungen und Begehrenszustände ebenso vielfältig und ambivalent sind wie ihr Selbst amorph und fragmentiert. Die Subjektivitäten zirkulieren, aber ihre Körper verharren im Stillstand.

A place essentially bound up with dismal memories and the smell of old leather and sweat becomes a stage for enraptured performances. The setting and habitat of At the Edge of the Curtain is a gymnasium. Its occupants: three women whose relationships and states of desire are as multiple and ambivalent as their selves are amorphous and fragmented. Subjectivities circulate, but their bodies persist in stasis.

Österreich, Mexiko Austria, Mexico 2023

3', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Nigel Gavus

„Niemand passt mehr in diese Welt, am wenigsten er“, lautet der übersetzte Titel des Films, der sich auf das Zitat eines Kindes bezieht, das in den Tagen des Dezembers 2022 in den Straßen von Mexiko-Stadt spielt. Er dokumentiert Fragmente von Mustern und Strukturen der Stadt, sowie einige der urbanen Eindrücke und Landschaften.

‘Nobody fits in this world anymore, least of all him’ is the translated title of the film which refers to a quote from a child, playing in the streets of Mexico City during the days of December 2022. It documents fragments of patterns and structures of the city, as well as some of the urban impressions and landscapes.

Kind mit Mutter Child with Mother

Österreich Austria 2019

2', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Wilma Calisir

Sich im Gesicht der Mutter wiedererkennen. Sich gegenseitig sehen. Gemeinsam alt werden.

Recognising yourself in your mother’s face. Seeing each other. Growing old together.

Notes for the woodshed

Österreich, Vereinigtes Königreich Austria, United Kingdom 2022

1', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Daniel Owusu

Woodshed, ein von Jazzmusizierenden verwendeter Begriff, bezieht sich auf das private Üben an einem Ort, an dem sie von niemandem gehört werden können.

Woodshed, a term used by jazz musicians, refers to private practice in a location where they cannot be heard by anyone else.

ya nadie cabe en este mundo, y menos el no one fits in this world any more, least of all the

In Programm 2 geht es um die Sensibilitäten der filmischen Erfahrung. Die Filmkamera widmet sich Landschaften, Objekten, Architekturen und Menschen, formt und gestaltet sie. Ruhe und Langsamkeit stehen neben Intensität und Impulsivität. Die Zeit wird gedehnt oder verdichtet, der Raum beobachtet oder durchschritten. Eine Mediation über den persönlichen Blick auf die Welt durch die Möglichkeiten des Mediums Analogfilm.

Programme 2 focuses on the sensibilities of the cinematic experience. The film camera pays attention to landscapes, objects, architectures and people, shaping and forming them. Calmness and slowness stand next to intensity and impulsiveness. Time is stretched or condensed, space is observed or traversed. A meditation on personal views of the world through the possibilities of the medium of analogue film.

Sonnenfilm

Österreich, Spanien Austria, Spain 2022

17', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Antonia de la Luz Kasik

Sonnenfilm zeigt gleichzeitig den Sonnenaufgang und den Sonnenuntergang desselben Tages. Die Doppelbelichtung teilt das Bild in zwei Hälften, wobei sich der Horizont in der Mitte des Bildes trifft. Zwei Sonnen bewegen sich in entgegengesetzter Richtung durch das Bild, um es zur gleichen Zeit wieder zu verlassen.

Sonnenfilm simultaneously shows sunrise and sunset of the same day. The double exposure divides the image into two halves, with the horizon meeting in the centre of the frame. Two suns move in opposite directions through the image to leave it again at the same time.

dass steine sprechen sprechen sprechen so stones talk

talk talk

Deutschland Germany 2022

2', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Simon Dallaserra

Im April 2022 ging ich in Porto, Portugal, am Strand spazieren. Es war ein sonniger Morgen, nicht zu heiß. Ein durchschnittlicher Wochentag. Der Strand war leer. Wenn man genau hinhörte, konnte man die Steine sprechen hören. In April of 2022 I was walking on the beach in Porto, Portugal. It was a sunny morning, not too hot. An average weekday. The beach was empty. When you listened closely you could hear the stones talking.

matte study

Österreich Austria 2022

3', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Nina Porter

matte study wurde durch ein System von Schablonen oder „mattes“ komponiert, die als visuelles und räumliches Skript des Films fungieren. Die Begegnungen und verstreuten Ephemera, die durch das fluktuierende Rastersystem der Schablonen geschoben werden, wurden im Laufe eines 12-Stunden-Tages dokumentiert. Durch dieses Netzwerk aus gesammelten Bildern entsteht ein Puzzle aus visuellen Beziehungen, das die Wurzeln eines neuen Tages entstehen lässt.

matte study was composed through a system of stencils or ‘mattes’, which act as the film’s visual and spatial script. The encounters and disparate ephemera which are pushed through the stencils’ fluctuating grid system, were documented over the course of a 12-hour day. Through this network of collected images, a puzzle of visual relationships forms and encourages the roots of a new day to emerge.

t t t touch me

Österreich Austria 2019

3', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Raphael Reichl

Tippen, drücken, streichen, wischen – Fingerbewegungen, die nicht auf dem Touchscreen eines Smartphones ausgeführt werden, sondern auf nackter Haut. Raphael Reichl erforscht die Transformation von Wahrnehmung und Kommunikation im digitalen Zeitalter – auf analogem Film. Eine haptische Seherfahrung, die den Verlust von analogen Qualitäten erfahrbar macht. (Michelle Koch)

Typing, pressing, striking, swiping – finger movements that are not carried out on the touchscreen of a smartphone, but instead, on naked skin. Raphael Reichl investigates the transformation of perception and communication in the digital era – on analogue film. A haptic visual experience, which makes tangible the loss of analogue qualities. (Michelle Koch)

Tirana

Österreich, Albanien, Belgien Austria, Albania, Belgium 2020

3', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Eva Claus

Nachmittagsaufnahmen in Tirana, Albanien; Auf- und Abstieg in der Pyramide. Die Kinder werden mit bewundernden Blicken beobachtet. Stolz zeigen sie uns ihren städtischen Spielplatz, klettern auf die Spitze und beherrschen ihre Stadt.

An afternoon filming in Tirana, Albania; going up and down the pyramid. Kids are observed through an admiring gaze. They proudly show us their urban playground, climbing to the top, ruling their city.

2Heim 2Home

Österreich Austria 2018

2', Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Eva Claus

Der Schauplatz dieses Films war unsere Nachbarschaft und unser Haus am Rande von Wien. In etwa einem Jahr haben wir diesen Ort in ein Zuhause verwandelt. Dieser Film entstand in den letzten Monaten, in denen ich dort lebte; die Zeit wurde immer schneller und die Tage wurden immer kürzer. The location of this film was our neighbourhood and house on the outskirts of Vienna. In about a year we turned this place into a home. This film was made during the last months I was living there; time was speeding up and days were running out.

A proposal to project in 4:3

Österreich, USA Austria, USA 2016

2', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Viktoria Schmid

Eine selbstgebaute Leinwand inmitten einer weiten, grünen Landschaft. Die umliegenden Bäume und Sträucher erscheinen als tanzende Schatten auf der Projektionsfläche. Natürliches Kino – ohne dunklen Kinosaal, ohne künstliche Illusion, ohne Film. Platons Höhlenmensch hat sein dunkles Verlies verlassen – und ist immer noch ekstatisch. (Michelle Koch)

A homemade screen in the middle of a vast, green landscape. The surrounding trees and bushes appear as dancing shadows on the projection area. Natural cinema – without a dark movie theatre, artificial illusion, or film. Plato’s caveman left his dark dungeon – and is still ecstatic. (Michelle Koch)

W O W (Kodak)

Österreich Austria 2016

2', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Viktoria Schmid

Ein Countdown, Schaulustige, dann ein Blick auf dicke Staubwolken. Eine apokalyptische Szene der Zerstörung, die rückwärts abläuft: Der Staub fließt zurück in die Bildmitte, Trümmerteile setzen sich zusammen, ein Gebäude richtet sich auf. Fünf rückwärts abgespielte YouTube-Clips, fünf verschiedene Perspektiven. (Michelle Koch)

A countdown, onlookers, then a view of thick dust clouds. An apocalyptic scene of destruction that runs in reverse: the dust flows back into the centre of the image, bits of debris put themselves together, a building erects itself. Five YouTube clips played backwards, five different perspectives. (Michelle Koch)

Austrian Pavilion

Österreich, Italien Austria, Italy 2019

5', Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Philipp Fleischmann

Fleischmanns Film verwendet ein zeitbasiertes Flimmern, um zwei Räume in einem zu vereinen, da eine scheinbare Lochkamera den Pavillon in einer vertikalen 360°-Schwenkung um den Raum von der Decke bis zum Boden beschreibt. Durch das Flimmern „durchdringen“ Bäume die Architektur, und Licht und Dunkelheit tauschen ihre Plätze.

Fleischmann’s film uses a time-based flicker to combine two spaces in one, as what appears to be a pinhole apparatus describes the pavilion in a 360° vertical tilt around the space, ceiling to floor. Through the flicker, trees ‘penetrate’ the architecture, and light and dark exchange places.

Atlantic 35

Österreich Austria 2015

17", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Manfred Schwaba

Ein 35-mm-Kinofilm und der Atlantik – die gleichzeitige Erfüllung von zwei Sehnsüchten. Ich fragte eine Freundin, ob sie vorhabe, in den Ferien ans Meer zu fahren. Das hat sie dann auch getan – mit meiner kleinen Halbformatkamera. Der Film besteht also nur aus einer 35-mm-Schwarzweiß-Filmspule. Mit etwas Schwarz davor und danach.

One 35 mm cinema film and the Atlantic – simultaneous fulfilment of two desires. I asked a friend if she plans to go to the sea for a holiday. That’s what she did – with my small half-format camera. So the film consists of only one 35 mm black and white film spool. With some black before and after.

Verleihe Distributors

HAMACA

Carrer Emilia Coranty, 16

Can Ricart

08018 Barcelona

Spanien Spain

info@ hamacaonline.net

hamacaonline.net

HAMACA ist ein Verleih für Videokunst und experimentelle Medien, der als Plattform die Archivierung und Verbreitung von zeitgenössischen audiovisuellen Praktiken ermöglicht sowie das Wissen über diese Praktiken fördert. HAMACAs Hauptaufgaben sind der Erhalt, der Verleih und die Förderung von Videoarbeiten und Videokultur, die auf nationaler und internationaler Ebene im/mit Bezug auf den spanischen Kontext produziert wurden. Zu ihm gehört ein breites Netzwerk von Künstlerinnen und Künstlern und Kulturschaffenden im Bereich der bildenden Künste und der experimentellen audiovisuellen Medien, das es sich zum Ziel gesetzt hat, ein wirtschaftliches Einkommen für Künstlerinnen und Künstler zu generieren, indem es sich für eine gerechte Vergütung und die Professionalisierung der gegenwärtigen audiovisuellen Medien einsetzt und diese umsetzt.

HAMACA is a distributor of video art and experimental media constituted as a platform for archiving, disseminating and learning about contemporary audiovisual practices. HAMACA’s mission focuses on preserving, distributing and promoting video works and culture produced in/in relation with the Spanish context, within a national and international scope. It articulates a wide network of artists and cultural agents in the field of visual arts and experimental audiovisuals, seeking to generate an economic flow for artists, defending and contributing to fair remuneration and the professionalization of the contemporary audiovisuals.

Hailstone

Spanien Spain 2020

3'27", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Claudia Claremi

Hailstone ist eine Verdichtung von Bildern aus dem Jahr 2020 auf Super8-Film. Das Stück besteht aus Momenten, die über Bildschirme erlebt oder beobachtet wurden und verdichtet sich so zur kollektiven Erinnerung an das Jahr der Corona-Pandemie.

Hailstone is a condensation of images from 2020 on Super 8 film. The piece, composed of instants lived or seen through screens, solidifies a collective memory of the year of the COVID-19 pandemic.

Carne de mi carne: Entraña Flesh of my flesh: Entraña

Spanien Spain 2021

35'53", Farbe Colour, Spanisch mit englischen

Untertiteln Spanish with English subtitles

Regie Director María Alcaide

Feminismus, der ländliche Raum und Chancenungleichheit sind die Hauptthemen dieses Stücks, halb Dokumentarfilm, halb Familiengeschichte über Metzger. María Alcaide spricht nicht nur über Fleisch, sie erzählt uns etwas über ihr eigen Fleisch und Blut.

Feminism, the rural world and inequality of opportunities are the main themes of this piece halfway between a documentary and a family story as butchers. María Alcaide does not simply talk about meat: she tells us about her flesh.

Un viento roza tu puerta A wind brushes against your door

Spanien Spain 2021

8', Schwarzweiß Black-and-white, Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles

Regie Director Jorge Castrillo, Pablo Paloma

Eine Annäherung an die Liturgie eines kleinen andalusischen Dorfs auf Zelluloidfilm. Tradition wird mit den Liedern und Stimmen der Vergangenheit und der Gegenwart vermischt, die aus den staubigen Erinnerungen der Gewalt hervortreten, als Ankündigung oder bereits vergessen.

An approach to the liturgy of a small Andalusian village on celluloid. Tradition is mixed with the songs and voices of the past and the present, emerging from the earth like dusty memories of violence, perhaps premonitory, perhaps forgotten.

The Wife of Them All

Spanien, Vereinigtes Königreich Spain, United Kingdom 2022

24', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Englisch English

Regie Director Rebecca Close

Ein Sci-Fi-Plot über einen Raub, der den weltweiten Fruchtbarkeitsmarkt in Beziehung zu Migrationskontrolle setzt. Der Film ist eine Kreuzung aus Dokumentation, Science-Fiction und experimenteller Animation und folgt einer Familie, die irgendwo zwischen Südamerika und Europa lebt.

A sci-fi heist plot addressing the global fertility market in relation to migratory control. The film lies at the intersection of documentary, science fiction and experimental animation and follows a family based between South America and Europe.

EYE Experimental IJpromenade

1

1031KT Amsterdam

Niederlande Netherlands

Tel +31 20 5891400

experimental@eyefilm.nl eyefilm.nl

EYE ist ein nationales Institut für Filmkultur und filmgeschichtliches Erbe in den Niederlanden. EYE verfügt über eine umfangreiche und international renommierte Sammlung und wird weltweit für seine Restaurierungs- und Forschungskompetenz sowie seine umfangreiche Erfahrung im Bildungsbereich und der internationalen Förderung und Vermarktung niederländischer Filme geschätzt. Über seine Aktivitäten und Services will EYE eine lebensfähige Filmindustrie in den Niederlanden und den niederländischen Film im In- und Ausland fördern. EYE verfügt über eine große Archiv- und Verleihsammlung niederländischer experimenteller Kurzfilme, die in ihrer unkonventionellen Thematik, Arbeitsweise und Form einzigartig sind. Der Erhaltung und Förderung dieser Sammlung widmet sich EYE durch die hauseigene Programmierung der Serie Eye on Art und den Vertrieb in den Niederlanden sowie auf nationalen und internationalen Festivals durch den EYE Experimental-Katalog. EYE is the institute for film culture and heritage in the Netherlands. EYE has an extensive and internationally renowned collection and is respected worldwide for its restoration and research expertise as well as its significant experience in the areas of education and international promotion and marketing of Dutch films. Through its activities and services, EYE aims to foster a viable film industry in the Netherlands and to promote Dutch film at home and abroad. EYE has a large archival and distribution collection of Dutch experimental short films, films that are unique in their unconventional subject matter, working method and form. EYE commits to the preservation and promotion of this collection through the in-house programming of the Eye on Art series and distribution in The Netherlands and at national and international festivals through the EYE Experimental catalogue.

Half Wet

Niederlande Netherlands 2022

17'20", Farbe Colour, Englisch mit englischen

Untertiteln English with English subtitles

Regie Director Carlos Irijalba

Wuicho reinigt hauptberuflich Pools und lebt in Oaxaca, Mexiko, in einer dystopischen Zukunft. Die Meere sind übersäuert, sodass Menschen dort nicht mehr schwimmen können. Der Tourismus ist eingebrochen und es wird nur noch die indigene Sprache Chatino gesprochen.

Wuicho, a swimming pool cleaner, lives in Oaxaca, Mexico, in a dystopian future where the seas have acidified and swimming in them is no longer suitable for humans. The tourists have left and only indigenous Chatino is spoken.

Face Home View

Niederlande Netherlands 2022

16 mm, 8'40", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Raquel Vermunt

Face Home View lauscht den Echos der voranschreitenden Zeit, offenbart Spuren des Lebens, von Geräuschen und Bewegungen. Flüchtige Momente, festgehalten von den stummen Wänden des Ortes, den das Werk porträtiert. Face Home View listens to the echoes of time passing, reveals traces of life, sounds and movements. Fleeting moments captured by the silent walls of the location the work portrays.

Our Ark

Niederlande, USA Netherlands, USA 2021

12'34", Farbe Colour, Englisch mit englischen

Untertiteln English with English subtitles

Regie Director Deniz Tortum, Kathryn Hamilton

Wir erstellen eine Sicherungskopie unseres Planeten, schaffen 3D-Modelle von Tieren, Regenwäldern, Städten und Menschen. Wir archivieren, als ob der ökologische Zusammenbruch mit einer Art digitaler Arche Noah voller Tiere und Gegenstände hinausgezögert werden könnte. Our Ark ist ein Essayfilm. We are backing up the planet, creating 3D models of animals, rainforests, cities and people. We are archiving as if ecological collapse could be staved off through some digital Noah’s Ark of beasts and objects. Our Ark is an essay.

Shunyata

Niederlande Netherlands 2021

13'04", Farbe, Schwarzweiß Colour, blackand-white, ohne Text without text

Regie Director Lichun Tseng, Robert Kroos

Shunyata entsteht durch das Überlagern, Konstruieren und Dekonstruieren von Filmmaterial und analogen Wellenformen, eine immersive, sinnübergreifende Erfahrung. So wird ein Gefühl tiefer Meditation und Zeitlosigkeit durch ständigen Wandel und Chaos hervorgerufen.

Shunyata is created by layering, constructing, and deconstructing film footage and analogue waveforms into an immersive, sense-transcending experience. Evoking a sense of deep meditation and timelessness through constant change and chaos.

L’eau faux

Niederlande Netherlands 2020

15'35", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Serge Onnen, Sverre Fredriksen

Reibung im Wasser. Eine natürliche Einheit, die ständig manipuliert wird. Irgendetwas geschah, als Wasser zu einer „Sache“ wurde, die es in einer Flasche zu kaufen gibt …

There is friction in the water. An entity of nature, constantly manipulated. Something happened when water became a ‘thing’ that you can buy in a bottle…

A Perfect Storm

Niederlande, Vereinigtes Königreich Netherlands, United Kingdom 2022 3', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Karel Doing

A Perfect Storm ist ein Landschaftsfilm oder, genauer gesagt, eine Landschaft, die auf die Filmemulsion gedruckt wurde.

A Perfect Storm is a landscape film or, more precisely, a landscape imprinted on the film’s emulsion.

AV-arkki

The Distribution Centre for Finnish Media Art

Tallberginkatu 1 C 76

00180 Helsinki

Finnland Finland

Tel +358 50 4356092

distribution@av-arkki.fi

av-arkki.fi

AV-arkki ist ein nicht kommerzieller, von Künstlern betriebener Verleih für finnische Medienkunst. Wir verleihen seit 1989 international Video- und Medienkunst sowie experimentelle Kurzfilme. AV-arkki bietet eine umfassende, interessante, aktuelle und hochwertige Auswahl an finnischer Medienkunst. AV-arkki is a non-profit, artist-run association distributing Finnish Media Art. We have been distributing video art, media art and experimental short films internationally since 1989. Our selection of Finnish media art is comprehensive, interesting, up-to-date and of high quality.

Matkustusharjoituksia Travel Exercises

Finnland Finland 2022

13'10", Farbe Colour, Finnisch mit englischen

Untertiteln Finnish with English subtitles

Regie Director Elena Näsänen

Matkustusharjoituksia ist ein Kurzfilm über Träume, den Wunsch zu reisen und unsere Fähigkeit, die Realität mithilfe unserer Fantasie zu verändern. Matkustusharjoituksia is a short film about dreams, the desire to travel and our ability to alter the reality through imagination.

Metamorphosis

Finnland Finland 2022

7'19", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Hannaleena Heiska

Was passiert, wenn das Publikum und das Personal die Ausstellung verlassen haben und die Kunst beginnt, ihr eigenes Leben zu führen? Metamorphosis ist ein experimenteller Kurzfilm auf 16-mm-Schwarzweißfilm, der Malerei und zeitgenössisches Ballett miteinander kombiniert.

What happens when the audience and staff have left the exhibition hall and the art begins to live its own life? Metamorphosis is an experimental short film shot on 16 mm black and white film that combines painting and contemporary ballet.

Four Sculptures in Fifteen Pieces

Finnland Finland 2022

5'38", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Jonna Kina

Four Sculptures in Fifteen Pieces thematisiert Schöpfung und Zerstörung. Der Film präsentiert eine detaillierte Dokumentation zerbrechlicher Skulpturen, die Fragmente menschlicher Körperteile zeigen, darunter Füße, einen Rumpf, ein Stück eines Kinns, einen Arm und Teile, die nicht mehr zu identifizieren sind.

Four Sculptures in Fifteen Pieces reflects on issues relating to creation and destruction. The film presents detailed documentation of fragile sculptures depicting fragments of human figures, such as feet, torso, a piece of chin, arm, and parts which remain unrecognisable.

Preludi Op. 28 nro 2 Prelude Op. 28 No. 2

Finnland Finland 2022

8'25", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Jenni Toikka

Zwei Personen spielen Prélude op. 28 Nr. 2 von Chopin und wechseln sich dabei ab. Bei jedem Wechsel ändert sich die Interpretation des Stücks ebenso wie die Perspektive. Aus Interpretin wird Zuhörerin, aus Zuhörerin wird Interpretin.

Two people taking turns playing Prelude Op. 28 No. 2 by Chopin. But when the pianist changes, the interpretation of the song changes along with the perspective. The performer becomes the listener, and the listener becomes the performer.

Oon mä ollut paha mut oo mä ollut hyväkin I’ve been bad but I’ve been good too

Finnland Finland 2022

6'12", Schwarzweiß Black-and-white, Finnisch mit englischen Untertiteln Finnish with English subtitles

Regie Director Minna Suoniemi

Die Materialität von Film verflicht sich mit der Materialität des alternden Körpers und der generationsübergreifenden, körperlichen Erfahrung des Zu-vielSeins und von Übermaß. Die kindlichen, unheimlichen Voiceovers richten sich an die weiblichen Ahninnen der Protagonistin in direkter mütterlicher Linie und im historischen Sinne.

The materiality of film intertwines with the materiality of the ageing body and the transgenerational bodily experience of being in-excess and excessiveness. The childlike, uncanny voiceover addresses the protagonist’s foremothers, in direct maternal line and historically.

Epäonnistunut tyhjyys. Paikka Failed Emptiness. Place

Finnland Finland 2022

12'19", Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English

Regie Director Mika Taanila

Die Tage sind lang. Ihr Kern ist heiß. The days are long. Their core is hot.

Sketch for the Last Map

Finnland Finland 2022

12'50", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Lauri Astala

In Sketch for the Last Map schaffen übereinandergelegte, transluzente Indoorund Outdoorräume eine Beziehung zur vielschichtigen und ortlosen Welt unserer digitalen Ära.

In the core of Sketch for the Last Map, overlapping translucent indoor and outdoor spaces relate to the multi-layered and placeless world in our digital era.

Minims

Finnland Finland 2023

2'39", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Leda Vaneva

Minims zeigt eine große Vielfalt kleiner Dinge. Ein Gedicht über die Bestandteile unserer Umwelt und unserer Empfindungen. Ebenso wie sich die Realität Schicht für Schicht offenbart, ist das Video eine Collage verschiedener Videos kleinerer Ereignisse, die eine größere Struktur konstruieren. Minims is a multiplicity of small things. A poem about the building blocks of our environment, and our sensations. Just as reality is revealed to us in layers, the video is a collage of different videos of small events, constructing a larger structure.

sixpackfilm

Neubaugasse 45/13

1070 Wien

Österreich Austria

Tel +43 1 52609900

office@sixpackfilm.com

sixpackfilm.com

sixpackfilm wurde 1990 als Non-Profit-Organisation gegründet. Das wichtigste Ziel unserer Arbeit besteht in der Herstellung von Öffentlichkeit für das österreichische künstlerische Filmschaffen. Neben der aktiven Festivalarbeit ist sixpackfilm vor allem als Verleih tätig – unser Katalog umfasst etwa 1.900 Titel und wir vertreten gut 570 Filmemacher*innen. sixpackfilm fungiert außerdem als Veranstalter und vermittelt den Artist Film u. a. in Spezial- und Tourprogrammen oder mit dem Vod/DVD Label INDEX Edition.

sixpackfilm was founded in 1990 as a non-profit organization. The most important goal of our work is to create publicity for Austrian artistic filmmaking. Alongside its active festival work, sixpackfilm also operates as a film distributor – our catalogue includes about 1,900 titles and we represent around 570 filmmakers. sixpackfilm also acts as an organiser and mediates the artist film in special and tour programs, among others, or with the Vod/ DVD label INDEX Edition.

Prelude

Österreich Austria 2022

3'20", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Eginhartz Kanter

Ein Staccato von Lichtblitzen bricht durch die Dunkelheit der Nacht. Für einen kurzen Moment wird die Vergangenheit sichtbar.

A staccato of light flashes breaks through the darkness of the night. For a brief moment, the past becomes visible.

Upwards Tide

Österreich Austria 2022

5'30", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Daniela Zahlner

Die italienische Bezeichnung für Mond ist „la luna“. Seine feminine Form eignet sich besonders für Daniela Zahlners Upwards Tide, als Satellit, der den Haken darstellt, an dem diese magisch verträumte Experimentalfilmcollage hängt.

The Italian word for moon is ‘la luna’: its feminine form is especially apt for Daniela Zahlner’s Upwards Tide, the satellite serving as the very hook upon which this magically dreamy experimental film collage hangs.

Crater

Österreich Austria 2022

13'30", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Adina Camhy

Fundstücke aus unterschiedlichen Quellen, anhand derer über diverse Krater-Erscheinungen auf der Erde und im Weltall ein reflexiver Bogen gespannt wird: Tiefe und Abgrund als Zeugnis vergangener Gewaltmomente, visuelle Löcher als Widerparts eines vermeintlich omnipotenten Sehens. Finds from different sources that are used to draw a reflective arc between various crater phenomena on earth and in the universe: depth and abyss bearing witness to past moments of violence, visual gaps as challenges to a purportedly omnipotent vision.

Du Hund du Österreich Austria 2022

11'32", Farbe Colour, Deutsch mit englischen Untertiteln German with English subtitles

Regie Director Benjamin Laabmayr

Das dörfliche Schwimmbad als Ort alltäglicher Skurrilität. Tatsächlich spielen sich die Badegäste in Du Hund du selbst und werden damit Teil einer Milieustudie. Laabmayr beschäftigt sich humorvoll mit dem sozialen Spannungsverhältnis zwischen ländlichem und städtischem Leben.

The village swimming pool as a site of everyday absurdity. The bathers in Du Hund du play themselves and thus become part of a study of a milieu. Laabmayr takes a humorous look at the fraught social relationship between rural and urban life.

Ertrunken Drowned

Österreich Austria 2022

16 mm, 3', Schwarzweiß Black-and-white, Deutsch German

Regie Director Friedl vom Gröller

„Als sie ertrunken war und hinunter schwamm / Von den Bächen in die größeren Flüsse.“ Mit ihrer berührenden, ungeschulten Stimme singt die Filmemacherin dieses Lied von Brecht/Weill aus den 1920er-Jahren.

‘Once she had drowned and started her slow descent / Down the streams to where the great rivers broaden.’ In her touching, untrained voice, the filmmaker sings this Brecht/Weill song from the 1920s.

My Sleepless Friends

Österreich Austria 2022

20', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Englisch, Deutsch, Persisch, Slowenisch mit englischen Untertiteln

English, German, Persian, Slovenian with English subtitles

Regie Director Tara Nadj Ahmadi

Dieser kurze, experimentelle Dokumentarfilm beschäftigt sich mit Schlaflosigkeit als häufigem soziopolitischen Problem des 21. Jahrhunderts. Er stellt intime Unterhaltungen gegenüber und zeichnet so ein umfangreiches Porträt von bestimmten Rissen unserer Zeit, das allgemeine Unruhe und Unbehagen offenbart.

This short experimental documentary deals with insomnia as a common sociopolitical issue of the 21st century. It juxtaposes intimate conversations to create a wider portrait of certain cracks in our times through which general unrest and unease are revealed.

TOM & TOM

Österreich Austria 2023

8'30", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Dietmar Brehm

Touko Valio Laaksonen (aka Tom of Finland) war begeisterter Kettenraucher, bis er an Lungenkrebs verstarb.

Touko Valio Laaksonen (aka Tom of Finland) was an avid cigarette smoker until his death from lung cancer.

Dead Again

Deutschland, Österreich Germany, Austria 2023

5'55", Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Englisch English Regie Director Jan Soldat

Der Titel ist Programm: Normalerweise soll man ja „alive again“ sein. Aber gutes Kino ist nie nur vitalistisch; es fasst den Tod als Leben und im Leben, fasst Sterben als vielfältigen Prozess. In Dead Again stirbt Hollywood-Nebendarsteller Lance Henriksen gleich 70 Mal.

The title says it all: normally, you are meant to be ‘alive again’. But good cinema is never just vitalistic; it sees death as life and, in life, sees dying as a multifaceted process. In Dead Again, Hollywood character actor Lance Henriksen dies a total of 70 times.

Vtape

401 Richmond Street West / Suite 452

Toronto, ON M5V 3A8

Kanada Canada

Tel +1 416 3511317

Fax +1 416 3511509

info@vtape.org

vtape.org

Vtape ist Kanadas wichtigster von Künstlern geleiteter nicht kommerzieller Vertrieb für Video- und Medienkunst. Mit über 5.000 Videoarbeiten von über 1.000 Kunstschaffenden verfügt Vtape über eine beeindruckende Sammlung kanadischer und internationaler Werke von den frühen 1970er-Jahren bis in die Gegenwart. Zu Vtapes breit gefächertem internationalen Kundenstamm gehören Galerien und Museen, Medienkunstfestivals, pädagogische Einrichtungen, TV-Sender und verschiedene Plattformen, die im Namen unabhängiger Videokünstler aktiv sind.

Vtape is Canada’s leading artist-run, not-for-profit distributor of video art and media works. Featuring 5,000+ video works by over 1,000 artists, Vtape’s vibrant collection includes Canadian and international works from the early 1970s to the present. Vtape serves a diverse international client base of galleries and museums, media arts festivals, educational institutions, broadcasters and multiple platforms, acting on behalf of independent video artists.

The Trampled Devil

Kanada Canada 2022

13'44", Farbe Colour, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles

Regie Director Shary Boyle

Die älteste Skulptur des Teufelsmuseums in Kaunas, Litauen, zeigt zwei abgeschnittene Beine, die einen Dämon zu Boden drücken. Der Körper der oberen Figur fehlt.

The oldest sculpture at the Devil Museum in Kaunas, Lithuania, depicts two cut off legs pinning a demon to the ground. The body of the upper figure is missing.

Life Success Formula

Kanada Canada 2023

2'37", Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Englisch English

Regie Director Lisa Smolkin

Man kann nicht einfach stets positiv denken, um erfolgreich zu sein, trotz dieser belanglosen Formel, die mein Sohn online für mich gefunden hat. Es gibt systemische Faktoren, die eingreifen, um diese Formel zunichtezumachen. You can’t always just think positively to create success despite this random formula found online by my son for me. There are other systemic factors that intervene to splat on the formula.

Ouroboros

Kanada Canada 2023

6'17", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Jennifer Linton

Ouroboros spinnt eine lose Geschichte von Freude, Trauer, Tod und Wiedergeburt, alles erzählt durch sich wiederholende Bilder, die auf physische Animationsgeräte gedruckt wurden, die man Phonotrope nennt. Ebenso wie der Titel Ouroboros, eine symbolische Schlange, die ihren eigenen Schwanz verschlingt, ist alles im Leben ein Kreislauf.

Ouroboros spins a loose narrative of joy, grief, death and rebirth, all told through looping images printed on physical animation devices known as phono tropes. Much like the titular Ouroboros, a symbolic snake that devours its own tail, everything in life is a loop.

Sisters

Kanada Canada 2022

2'27", Farbe Colour, Englisch English Regie Director Marisa Hoicka

Schwestern leisten Widerstand, als ein Ereignis zeigt, dass ihre Wege sich trennen werden. Dieser ätherische Film, basierend auf Archivaufnahmen, schafft ein frisches Narrativ, das vergangene Erwartungen auf unheimliche Weise zum Einsturz bringt.

Sisters run wild when an incident unveils how their paths will diverge. This ethereal film, created using archival footage, composes a fresh narrative that eerily subverts past expectations.

The Lost Art of the Future

Kanada Canada 2022

4'08", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Tj Cuthand

In The Lost Art of the Future spricht Cuthand über ihm bekannte Künstler*innen, die mit HIV/AIDS verstorben sind, und über die Kunst, die er gerne von diesen Menschen gesehen hätte, wäre ihnen ein längeres Leben vergönnt gewesen. In The Lost Art of the Future, Cuthand talks about artists he has known who passed away while living with HIV/AIDS and the art he wishes he had been able to see them make if their lifetimes had been longer.

32 Lisgar Street

Toronto, ON M6J 0C9

Kanada Canada

Tel +1 416 5880725 director@cfmdc.org cfmdc.org

Das 1967 gegründete CFMDC vertreibt, repräsentiert und fördert Kanadas bedeutendste Sammlung von historischer und zeitgenössischer Medienkunst. Wir agieren als Botschafter für unsere Mitglieder, zu denen kanadische und internationale Künstler gehören, und pflegen Vertriebsnetzwerke und -möglichkeiten auf lokaler, nationaler und internationaler Ebene. CFMDC vertritt ca. 1.300 Mitglieder weltweit, mit über 4.500 Filmtiteln im Katalog, darunter einige der originärsten und angesehensten Kunstwerke Kanadas. Die einzigartige Sammlung des CFMDC ist vielfältig, sie reicht von den 1950er-Jahren bis in die Gegenwart und wächst stetig weiter.

Founded in 1967, CFMDC distributes, represents and champions Canada’s most significant collection of historical and contemporary media art. We act as an ambassador for our membership that includes Canadian and international artists, cultivating distribution networks and opportunities at local, national and international levels. CFMDC represents approximately 1,300 members worldwide, with over 4,500 film titles in the catalogue, including some of Canada’s most original and well respected works of art. CFMDC’s unique collection is diverse, ranging from the 1950s to the present, and continues to grow steadily.

kaua‘i

Kanada, Frankreich, Algerien Canada, France, Algeria 2023

3'35", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Samy Benammar

Hawaii 1987, der kaua‘i ‘ō‘ō zwitschert sein letztes Abendlied. Hawaii 1987, the kaua‘i ‘ō‘ō sings its final serenade.

Athar Traces

Libanon, Kanada Lebanon, Canada 2023

8'30", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Chantal Partamian

Inmitten des Schutts eines zerstörten Gebäudes liegt eine Filmrolle. Ein merkwürdiges Entwirren queerer Körper nimmt Gestalt und Form an, während die kriegsgebeutelte Stadt und ihr Spektakel toxischer Maskulinität versagen und in sich zusammenfallen.

In the midst of the rubble of a torn building, a reel of film. An unlikely unravelling of queer bodies taking shape and form, while the war-torn city around and its spectacle of toxic masculinity glitches and disintegrates.

Folds of Stone

Österreich Austria 2022

4'07", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Lisa Truttmann, Nicole Krenn

Felsen unterliegen einem ständigen Wandel. Wir sehen atmende Steine, pulsierende Rillen, zitternde Brocken, vibrierendes Material. Mikroskopische Landschaften lösen sich im Bild auf. Oberfläche, Materialität und Struktur schwanken zwischen zerklüfteten Felskanten und weichen, seidenen Stoffbrüchen.

Rock is subject to constant change. We see breathing stones, pulsating furrows, trembling rocks, material that vibrates. Microscopic landscapes dissolve in the image. Surface, materiality and structure oscillate between jagged rock edges and soft, silky fabric folds.

Canadian Filmmakers Distribution Centre

Ville – Quelle Ville?

Kanada Canada 1984

3'40", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Midi Onodera

Ville – Quelle Ville? ist eine Reflexion über einen satirischen Blick auf das Stadtleben, gewöhnlich und überflüssig. Urbanes Leben wird als eine Reihe von Ritualen porträtiert: Erwachsenwerden in einem von Generationen geformten Umfeld, verborgen von einer ständigen Barriere des Alltags.

Ville – Quelle Ville? reflects a satirical view of city life, commonplace and redundant. Urban life is portrayed as a series of rituals: coming of age in an environment shaped by generations, obscured by the constant barrage of everyday life.

C’est à qui, ce ville?

Kanada Canada 2022

3'49", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Midi Onodera

C’est à qui, ce ville? ist eine Antwort auf den Film Ville – Quelle Ville? aus dem Jahr 1984. 38 Jahre später besucht C’est à qui, ce ville? viele der Orte noch einmal und fasst eine reifere Perspektive auf urbanes Leben ins Auge.

C’est à qui, ce ville? is a response to the 1984 film, Ville, Quelle Ville? 38 years later, C’est à qui, ce ville? revisits many of the same locations and contemplates a more mature perspective on urban living.

Sad Girls In Bikinis

Kanada Canada 2022

3'48", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Omneya Tollar

Mädchen in Bikinis sind gemeinsam traurig. Girls in bikinis are sad together.

CIRCUIT

Artist Film and Video Aotearoa

New Zealand

P.O. Box 7526

Newtown 6021

Wellington

Neuseeland New Zealand director@circuit.org.nz circuit.org.nz

Die 2012 gegründete Agentur Circuit Artist Film and Video Aotearoa New Zealand unterstützt neuseeländische Künstler im Bereich Film und Video durch die Kommissionierung und den Verleih von Arbeiten, Rezensionen und Programmen für die berufliche Praxis.

Founded in 2012, Circuit Artist Film and Video Aotearoa New Zealand is an arts agency which supports New Zealand artists working in the moving image through the commissioning of works, distribution, critical review and professional practice initiatives.

Epifania

Neuseeland New Zealand 2022

8'30", Farbe Colour, Englisch mit englischen

Untertiteln English with English subtitles

Regie Director Edith Amituanai

Das Porträt einer inspirierenden, jungen Pasifika-Matriarchin, die ihre Familie großzieht. Epifania, die Rose, die aus dem Beton herauswuchs.

A portrait of an inspiring young Pasifika matriarch raising her family; Epifania, the rose that grew from concrete.

Garden of Clay

Kroatien, Neuseeland Croatia, New Zealand 2022

16'12", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Martin Sagadin

Das Porträt einer Töpferin in ihrem Studio und ein Bekenntnis zum künstlerischen Prozess als eine kreisende Geste, die mit dem Geschenk der Erde beginnt.

A portrait of a potter in her studio, and an affirmation of artistic process as a circular gesture, one that starts with gifting the earth.

And the creeper keeps on reaching for the flame tree

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

5'03", Farbe Colour, Englisch mit englischen

Untertiteln English with English subtitles

Regie Director Sriwhana Spong

Der Film animiert die Insekten, die im letzten Gemälde des balinesischen Malers I Gusti Made Rundu, dem Großvater der Künstlerin, gefunden wurden. Der Schwarm sieht Abstammung nicht als lineare Nachfolge, sondern als mit „Möglichkeiten aufgeladene Energie“.

This film animates the insects found in the last painting by the artist’s grandfather, the Balinese painter I Gusti Made Rundu. The swarm imagines ancestry not as linear succession but as an accumulation of energy ‘charged with potentiality’.

Trip After

Thailand, Neuseeland Thailand, New Zealand 2022

10'14", Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Thailändisch, Englisch mit englischen Untertiteln Thai, English with English subtitles

Regie Director Ukrit Sa-nguanhai

Ein Reise-Vlog, der mobile Kinovorführungen im Nordosten Thailands (Isan) während der 1960er-Jahre zeigt. Die Filme wurden von den United States Information Services als eine Form der Propaganda gezeigt.

A travel vlog mapping mobile cinema screenings in Northeast (Isan) Thailand during the 1960s. The films were presented by the United States Information Service as a form of propaganda.

DIZZY

Deutschland Germany 2022

11'53", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Juliet Carpenter

In einem unordentlichen, schlecht beleuchteten Schlafzimmer versucht eine Frau mit eigenartigen, mechanischen Bewegungen einen Schwindelanfall abzuwenden. Die Wahrnehmung ihrer Umgebung wird durch ein Babyphone, eine Videokamera und ihre eigene verzerrte Sicht gefiltert.

In a messy, dimly-lit bedroom, a woman begins a series of strange mechanical movements designed to ward off vertigo. Her experience of her surroundings is filtered through a baby monitor, video camera and her own distorted vision.

Filmform

The Art Film & Video Archive

Svarvargatan 2

11249 Stockholm

Schweden Sweden

Tel +46 8 6518426

info@filmform.com filmform.com

Gewidmet der Archivierung, Förderung und dem weltweiten Vertrieb experimenteller Film- und Videokunst, ist Filmform (gegründet 1950) die älteste bestehende Organisation ihrer Art in Schweden und engagiert sich oft als Beraterin für Museen, Galerien, Universitäten und Festivals. Die stetig wachsende Sammlung umfasst Werke von 1924 bis heute, darunter Arbeiten der wichtigsten Kunst- und Filmschaffenden aus Schweden. Die Arbeiten können für öffentliche Vorführungen und Ausstellungen sowie für Bildungszwecke ausgeliehen werden. Filmform wird vom Kultusministerium über den Kunstförderausschuss und den Schwedischen Kunstrat gefördert.

Dedicated to preservation, promotion and worldwide distribution of experimental film and video art, Filmform (est. 1950) is the only existing organisation of its kind in Sweden and is often engaged as an advisor to museums, galleries, universities and festivals. Constantly expanding, the distribution catalogue spans from 1924 to the present, including works by Sweden’s most prominent artists and filmmakers, available to rent for public screenings and exhibitions as well as for educational purposes. Filmform is supported by the Ministry of Culture through the Arts Grants Committee and the Swedish Arts Council.

How Pure is The Journey

Schweden Sweden 2012

4'43", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Nadine Byrne

How Pure is The Journey? führt Byrnes filmische Arbeiten fort und konzentriert sich auf die verschiedenen Teile und Funktionen des Rituals. In diesem Film führen alle Vorbereitungen zum rituellen Akt, dem wir beiwohnen. How Pure is the Journey? continues Byrne’s cinematic work focusing on the different parts and functions of the ritual. In this film, it is all the preparations leading up to the ritual act that we witness.

Otagh-ha-ye Atri Scented Rooms

Schweden, Iran Sweden, Iran 2023

30', Farbe Colour, Persisch mit englischen Untertiteln Persian with English subtitles

Regie Director Shauheen Daneshfar

Otagh-ha-ye Atri erzählt die Geschichte in einer poetischen und metaphorischen Sprache, greift die Innenarchitektur des Theaters auf und überfliegt Archivmaterial und historische Ereignisse. Der Film beobachtet zerstörte Gegenstände, die im Gebäude geblieben sind.

Otagh-ha-ye Atri narrates the story utilising poetic and metaphoric language, revisiting the theatre’s interior architecture, and skims through archive materials and historical events. The film observes ruined objects that have remained in the building.

Dagen står opp The Day Rises

Norwegen Norway 2022

7'21", Farbe Colour, Norwegisch mit englischen Untertiteln Norwegian with English subtitles

Regie Director Lene Berg

Dagen står opp ist eine Rekonstruktion von Lene Bergs Erinnerung an die Verhaftung ihres Vaters in Paris in den 1970er-Jahren, gedreht in einem Modell. Das Voiceover folgt dem Erinnerungsprozess, ihre Erinnerungen sind jedoch detailliert und konkret.

Dagen står opp is a reconstruction of Lene Berg’s memory of her father’s arrest in Paris in the mid-1970s, shot in a model. The voiceover follows the process of memorising, while her memories are detailed and concrete.

SALLE 2:118 SIRI

Schweden Sweden 2011

7'38", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Mikael Olsson, Jakob Márky

Eine filmische Studie eines Ortes durch seine Oberflächen und die Tiefen, die sich dazwischen auftun. Die Szene spielt an der Stockholmer U-Bahn-Station Östermalmstorg, wo das Werk Ristningar i betong der Künstlerin Siri Derkert in die Wand geritzt wurde.

A filmic study of a place through its surfaces and the depths that open up in between them. The scene is set at the Stockholm subway station Östermalmstorg, where the artist Siri Derkert’s work Ristningar i betong is carved.

Twerka för Jemen Twerk for Yemen

Schweden Sweden 2023

10'05", Farbe Colour, Schwedisch mit englischen

Untertiteln Swedish with English subtitles

Regie Director Tanja Holm

Eine engagierte Dokumentarfilmerin auf den Spuren des schwedischen Kultklassikers I am Curious (Yellow); sie fragt die Menschen in Stockholm, was man gegen den Krieg im Jemen unternehmen sollte.

A committed documentary filmmaker follows in the footsteps of the Swedish cult classic I am Curious (Yellow) and asks people in Stockholm what to do about the war in Yemen.

Saine «Étude»

Schweden Sweden 2022

5'05", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Rickard Eklund

Eine Collage aus Found Footage, verwoben in eine abstrakte, zyklische Erzählung über Bewegung.

A collage of found footage woven together into an abstract cyclical narrative around movement.

Arsenal Institut für Film und Videokunst e. V.

Potsdamer Straße 2

10785 Berlin

Deutschland Germany

Tel +49 30 26955100

mail@arsenal-berlin.de arsenal-berlin.de

Die lebendige Vermittlung internationaler Filmkultur ist Aufgabe und Passion des Arsenal – Institut für Film und Videokunst. Als Forschungs- und Bildungsstätte, die sowohl regional als auch national und international arbeitet, schafft die Berliner Institution ein kommunikatives Netzwerk und ermöglicht Raum für (film)kulturelle Dialoge. Kino (Arsenal 1 & 2 und seit März 2020 auch die digitale Plattform arsenal 3), Festival (Berlinale Forum und Forum Expanded), Verleih (arsenal distribution) und Archiv bilden die Arbeitsbereiche des Arsenal. Das kontinuierliche Zusammenwirken und Ineinandergreifen dieser Bereiche ermöglicht eine multiperspektivische und nachhaltige Arbeit mit Filmen. Diese Struktur ist konstitutiv für das Arsenal und weltweit einzigartig. The mission and passion of Arsenal – Institute for Film and Video Art is to promote and educate about international film culture in a vibrant manner. As a site for research and training that operates regionally, nationally and internationally, this Berlin institution creates a network for communication and a space for dialogue on (film) culture. Cinema (Arsenal 1 & 2 and, since March 2020, the digital platform arsenal 3), festivals (Berlinale Forum and Forum Expanded), distribution (arsenal distribution) and archiving are Arsenal’s areas of work. The way these areas constantly work together and intertwine enables multiperspectival and sustainable work with film. This structure lies at the heart of Arsenal and is unique of its kind in the world.

black strangers

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

8'13", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Dan Guthrie

Die Erwähnung eines „Schwarzen Fremden“ namens Daniel in einem kirchlichen Dokument aus den Archiven von Gloucestershire führt Dan in die Wälder und auf die Spur eines Mannes, der am 31. Dezember 1719 in Nympsfield beerdigt wurde.

After seeing him mentioned on a bishop’s transcript held in a Gloucestershire archive, Dan goes for a walk in the woods in search of Daniel, a man buried in Nympsfield on December 31, 1719 and described in the document as ‘a black stranger’.

A árvore The Tree

Spanien, Brasilien Spain, Brazil 2022

21', Farbe Colour, Portugiesisch mit englischen

Untertiteln Portuguese with English subtitles

Regie Director Ana Vaz

Eine filmische Meditation in 30-Sekunden-Intervallen über den Vater der Künstlerin. Der Film verkettet Geografien, Zeiten, die Lebenden und die Toten durch ein metallenes Schwert – die Montage. Ein Film im Geiste von Bruce Baillie.

A meditation film in 30-second sequences about the artist’s father that links geographies, times, the living and the dead with a metal sword – the montage. A film shot in the spirit of Bruce Baillie.

Zwischenwelt In-between World

Deutschland, Österreich Germany, Austria 2023

17'35", Farbe Colour, Bengalisch, Deutsch, Englisch mit englischen

Untertiteln Bengali, German, English with English subtitles

Regie Director Cana Bilir-Meier

Geschichten von Migrant*innen und ihren Nachfahr*innen in Deutschland: Ein Denkmal für einen pakistanischen Dichter in München, Lohnzettel eines türkischen Gastarbeiters in Kiel, drei Schwestern, die bayerischer Geschichte mit dekolonialem Blick begegnen.

Stories of migrants and their descendants in Germany: a monument for a Pakistani poet in Munich, the payslips of a Turkish ‘Gastarbeiter’ in Kiel, three sisters turning a decolonial gaze on Bavarian history.

Es gibt keine Angst Afraid doesn’t exist

Deutschland Germany 2023

31'29", Farbe Colour, Deutsch mit englischen

Untertiteln German with English subtitles

Regie Director Anna Zett

Ein pulsierender Thriller, collagiert aus Video- und Audiomaterial aus dem Berliner Archiv der DDR-Opposition: Ein vergangener Polizeistaat wird als Ursache nebulösen Horrors sowie als Schauplatz poetischer und politischer Handlungsfähigkeit erfahrbar.

Anna Zett collages mostly forgotten footage from the Berlin Archive of the DDR opposition into a pulsating short thriller. A defunct police state is experienced both as a source of nebulous horror and as a site of political and poetic self-empowerment.

ARGOS centre for audiovisual arts

Werfstraat 13 rue du Chantier

1000 Brüssel

Belgien Belgium

Tel +32 2 2290003 distribution@argosarts.org argosarts.org

ARGOS wurde 1989 gegründet und ist eine Institution für die Produktion und Förderung kritischer audiovisueller Kunst sowie deren Konservierung und Restaurierung. Sie gestaltet Ausstellungen und Programme, vertreibt Bewegtbildarbeiten und sorgt für den Ausbau, die Bewahrung und die Veröffentlichung einer bedeutenden Sammlung künstlerischer Filme und Videos. Founded in 1989 in Brussels, ARGOS is an institution and resource for the production and advancement of critical audiovisual arts, as well as for its distribution, conservation and restoration. It makes exhibitions and programmes, distributes moving image works, and builds, preserves, and discloses a prominent collection of artist films and videos.

The Lost Sail

Belgien, USA Belgium, USA 2022

8', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Englisch mit englischen Untertiteln English with English subtitles

Regie Director Justine Cappelle

The Competences ist eine Videoreihe, in der die Regisseurin die Unfähigkeit sich auszudrücken untersucht, nachdem sie eine Beziehung beendet hat. Das erste Video beschäftigt sich mit der Unfähigkeit, etwas zu zeigen. Es basiert auf einer Unterhaltung mit dem chinesischen Regisseur Zao Wang.

The Competences is a series of videos in which the artist explores the incompetences she experiences to express herself after breaking up a relationship. The first video deals with the incompetence to show based on a conversation she had with Chinese director Zao Wang.

Nature See You

Österreich, Deutschland Austria, Germany 2022

19'14", Farbe Colour, Amerikanische Gebärdensprache mit englischen Untertiteln American Sign Language with English subtitles

Regie Director Erik Bünger

Im November 2015, am Vorabend der UN-Klimakonferenz in Paris, wurde online ein Video hochgeladen, in dem Koko, ein Gorilla, dem Amerikanische Gebärdensprache (ASL) beigebracht wurde, sich direkt an die Mächtigen der Welt wendet.

In November 2015, on the eve of the UN Climate Change Conference in Paris, a video was uploaded on the internet, in which Koko, a gorilla trained in the use of American Sign Language, addresses world leaders directly.

Horaizon

Belgien Belgium 2022

11'07", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Meggy Rustamova

Horaizon ist ein Experimentalfilm, der zwischen Fotografie, Bewegtbildern und Geräuschen vermittelt. Der Titel bezieht sich auf die englische, phonetische Aussprache des Wortes „horizon“. Der Film wurde an verschiedenen Orten weltweit gedreht.

Horaizon is an experimental film moderating between photography, moving image and sound. The title refers to the English phonetic pronunciation of the word ‘horizon’. The film is shot in different locations throughout the world.

Speech for a Melting Statue

Belgien Belgium 2023

10', Farbe Colour, Französisch mit englischen

Untertiteln French with English subtitles

Regie Director Collectif Faire-part

Im Juni 2020 gingen Tausende von Menschen in Brüssel auf die Straße, um aus Solidarität mit der Bewegung Black Lives Matter gegen Polizeigewalt und institutionellen Rassismus zu demonstrieren.

In June 2020, thousands of people took to the streets in Brussels to make a fist against police brutality and institutional racism in solidarity with Black Lives Matter.

Bird in Italian is Uccello

Österreich, Deutschland Austria, Germany 2021

14'26", Farbe Colour, Englisch mit englischen

Untertiteln English with English subtitles

Regie Director Gernot Wieland

Gernot Wielands neuer Film Bird in Italian is Uccello fördert sein Interesse an psychischen Zuständen und Zugehörigkeitsverhältnissen in verschiedenen sozialen Kontexten.

Gernot Wieland’s new film, Bird in Italian is Uccello, furthers his interest in psychological states and the constitution of belonging in different social contexts.

LUX

Waterlow Park Centre

Dartmouth Park Hill

London N19 5JF

Vereinigtes Königreich United Kingdom Tel +44 20 31412960

distribution@lux.org.uk lux.org.uk

Als einzige Institution ihrer Art in Großbritannien verfügt LUX über die bedeutendste Video- und Filmkunstsammlung des Landes und ist der wichtigste europäische Verleih derartiger Arbeiten. LUX arbeitet mit zahlreichen namhaften Institutionen wie etwa Museen, Galerien, Festivals und Bildungseinrichtungen zusammen, aber auch unmittelbar mit der Öffentlichkeit und den Kunstschaffenden. LUX konzentriert sich vor allem auf Vertrieb, Ausstellungen, Publikationen, Forschung und die berufliche Förderung von Kunst- und Kulturschaffenden.

The only organisation of its kind in the UK, LUX represents the country’s only significant collection of artists’ film and video, and is the largest distributor of such work in Europe. LUX works with a large number of major institutions, including museums, galleries, festivals and educational establishments, as well as directly with the public and artists. The organisation’s main activities are distribution, exhibition, publishing, education, research and professional development support for artists and arts professionals.

Sixth Form Acid

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

2'09", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Morgan Quaintance

Miniatures ist eine fortlaufende Reihe von kompakten Filmen, die Morgan Quaintance stetig produziert. Diese kurzen Kurzfilme haben alle eine Länge von unter vier Minuten und geben Quaintance die Möglichkeit, einer einzigen formellen oder konzeptionellen Idee nachzugehen.

The Miniatures are an ongoing series of compact films Morgan Quaintance is continually producing. These short shorts are all under four minutes long and allow Quaintance to explore a single formal or conceptual idea.

I Carry It With Me Everywhere

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

18'47", Schwarzweiß Black-and-white, Englisch, Arabisch, Urdu mit englischen Untertiteln English, Arabic, Urdu with English subtitles

Regie Director Arwa Aburawa, Turab Shah

Basierend auf Informationen aus Interviews mit Migrant*innen der ersten Generation, die in Großbritannien leben, verflicht dieser Film das Leben zahlreicher Charaktere miteinander, während diese sich verschiedenen Ansätzen von Zugehörigkeit stellen.

Informed by interviews with first-generation migrants living in the UK, this short film weaves together the lives of multiple characters as they confront inherited ideas of belonging.

Xitana

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2019

6', Farbe Colour, Georgisch, Englisch mit englischen Untertiteln Georgian, English with English subtitles

Regie Director Sophio Medoidze

Der erste Film aus Medoidzes Trilogie Tusheti Xitana handelt von einem Pferderennen ohne Sattel im Tusheti-Gebirge – eine Demonstration von Maskulinität und der Zerbrechlichkeit der Gemeinschaft, die ihre kulturelle Integrität bewahren will.

The first film in Medoidze’s Tusheti Trilogy, Xitana is centred around a bareback horse race tradition in Tusheti mountains – a display of masculinity as much as of the fragility of the community trying to maintain its cultural integrity.

Nazarbazi

Vereinigtes Königreich, Iran United Kingdom, Iran 2022

19'14", Farbe Colour, Englisch, Arabisch mit englischen

Untertiteln English, Arabic with English subtitles

Regie Director Maryam Tafakory

Nazarbazi („das Spiel der Blicke“) ist ein Film über Liebe und Verlangen in einem iranischen Kino, wo Darstellungen von Intimität und Berührungen zwischen Frauen und Männern verboten sind.

Nazarbazi (‘the play of glances’) is a film about love and desire in Iranian cinema, where depictions of intimacy and touch between women and men are prohibited.

RIP

Vereinigtes Königreich United Kingdom 2022

2'53", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Morgan Quaintance

Miniatures ist eine fortlaufende Reihe von kompakten Filmen, die Morgan Quaintance stetig produziert. Diese kurzen Kurzfilme haben alle eine Länge von unter vier Minuten und geben Quaintance die Möglichkeit, einer einzigen formellen oder konzeptionellen Idee nachzugehen.

The Miniatures are an ongoing series of compact films Morgan Quaintance is continually producing. These short shorts are all under four minutes long and allow Quaintance to explore a single formal or conceptual idea.

Light Cone

157, rue de Crimée / Atelier 105 75019 Paris

Frankreich France

Tel +33 1 46590153

lightcone@lightcone.org lightcone.org

Light Cone ist eine Kooperative, die 1982 in Paris für die Förderung, den Verleih und die Archivierung von Experimentalfilmen gegründet wurde. Ihre Hauptaufgabe ist der Verleih von Arbeiten aus ihrem Bestand an verschiedene Institutionen. Die Sammlung umfasst beinahe 6.000 Filme, Videos und digitale Arbeiten. Light Cone organisiert jedes Jahr die Preview Show, fördert das experimentelle Kino durch die Filmreihe Scratch – monatliche Filmvorführungen (Scratch Projections) und Biennale-Veranstaltungen (Scratch Collection und Scratch Expanded) – und ist über ihr Dokumentationszentrum auch zugänglich für Forscherinnen und Forscher, Künstlerinnen und Künstler sowie Kuratorinnen und Kuratoren. Seit 2014 betreibt Light Cone darüber hinaus ein Artist-in-Residence-Programm namens Atelier 105 für die Postproduktion von Experimentalfilmen.

Light Cone is a cooperative founded in 1982 in Paris, France, with the aim of promoting, distributing and preserving experimental cinema. Its primary mission is to lend the works in its catalogue, to different kinds of institutions. The collection holds nearly 6,000 films, videos and digital works. Each year, Light Cone organises the Preview Show and promotes experimental cinema through the Scratch series – monthly film screenings (Scratch Projections) and biennale events (Scratch Collection and Scratch Expanded) – and thanks to its documentation centre open to researchers, artists and programmers. Since 2014, Light Cone also operates a residency programme for the postproduction of experimental films called Atelier 105.

THE WEST (SFO)

Niederlande Netherlands 2000

35mm, 10'30", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text Regie Director Gerard Holthuis

Eine endlose Fläche von Trockenfeldern, riesigen Kakteen, ungewöhnlichen Bäumen und ein Pool inmitten von Palmen. Oder ein Blick auf das Monument Valley, den Hoover Dam, den Joshua-Tree-Nationalpark und das Death-ValleyMonument aus der Perspektive eines Reisenden.

An infinite expanse of dry plains, giant cacti, unusual trees, and a swimming pool surrounded by palm trees. Or, a look at Monument Valley, the Hoover Dam, the Joshua Tree and the Death Valley Monument, through the eyes of a traveller.

EL CHINERO (Un cerro fantasma) EL CHINERO (A Phantom Hill)

Mexiko Mexico 2022

11'21", Schwarzweiß Black-and-white, Englisch English Regie Director Bani Khoshnoudi

El Chinero ist ein felsiger Hügel in der Wüste, 140 km südlich von Mexicali im mexikanischen Bundesstaat Baja California. Niemand weiß, seit wann er diesen Namen trägt, aber alle wissen um den tragischen Zwischenfall, der sich hier 1916 ereignete … oder waren es mehrere Zwischenfälle?

El Chinero is a rugged hill in the desert, 140 km south of Mexicali in the Baja California region of Mexico. Nobody knows how long it has borne its name, but everyone has heard of a tragic episode that took place here in 1916 … or were there many such episodes?

RÉMINISCENCE

Frankreich France 2022

6'23", Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Französisch French Regie Director Patrick Bokanowski

Der blaue Galopp der Erinnerung … (Apollinaire)

The blue gallop of remembrance… (Apollinaire)

GENNAIO

Frankreich France 2022

1'46", Farbe Colour, ohne Text without text

Regie Director Ira Vicari

Ein kleiner Spaziergang in einem öffentlichen Park.

A little walk in the public park.

DAUCUS BUGANVILIA

Frankreich, Argentinien France, Argentina 2022

5'28", Schwarzweiß Black-and-white, ohne Text without text

Regie Director Florencia Aliberti

Eine Sammlung natürlicher Elemente in direktem Kontakt mit dem Filmstreifen. Flechten, Waldpflanzen, getrocknete Blütenblätter und gesammelte Blätter interagieren mit dem fotochemischen Medium in einem kameralosen Filmexperiment, das die Natur in ihren kaum zu erfassenden Details offenbart. A collection of natural elements in direct contact with the film strip. Lichen, woodland plants, dried petals and found leaves interact with the photochemical medium in a cameraless film experiment that reveals nature in its most imperceptible detail.

¿SE PUEDE DELETREAR LA HOJA?

Spanien Spain 2022

8'47", Farbe Colour, Spanisch mit englischen Untertiteln Spanish with English subtitles

Regie Director Valentina Alvarado Matos

Können Sie das Blatt buchstabieren? Wie beschreibt man eine Landschaft, ein Blatt, eine Blume oder einen Sonnenuntergang, den man zum allerersten Mal gesehen hat? Über Landschaftsdarstellungen und Tagebucheinträge von weiblichen Reisenden aus Europa nach Lateinamerika.

Can you spell the leaf? How to describe a landscape, a leaf, a flower, or a sunset that you have seen for the very first time? On landscape representation and diary writing by women travellers from Europe to Latin America.

XOPIKO INTERMEDE

Griechenland, Frankreich Greece, France 2022

24', Schwarzweiß Black-and-white, Griechisch mit englischen Untertiteln Greek with English subtitles

Regie Director Maria Kourkouta

Bilder einer kleinen Werft irgendwo in Griechenland. Wasser, Körper, Seile, Ketten, Holz und Metall in einem filmischen Gedicht in schwarzweiß, 16 mm. Images from a small shipyard somewhere in Greece. Water, bodies, ropes, chains, wood and metal in a filmic poem in black-and-white 16 mm.

Video Data Bank

School of the Art Institute of Chicago

112 S. Michigan Avenue

Chicago, IL 60603

USA

Tel +1 312 3453550

Fax +1 312 5418073

info@vdb.org vdb.org

Gegründet 1976, zu Beginn der Medienkunstbewegung, ist die Video Data Bank eine führende Bezugsquelle für Videos von und über zeitgenössische Künstler. Die VDB-Sammlung befindet sich an der School of the Art Institute of Chicago und umfasst mehr als 600 Künstler und 6.000 Videokunsttitel, die kulturellen Einrichtungen über einen internationalen Verleihservice zur Verfügung stehen. Die VDB fördert ein umfassendes Verständnis der Geschichte der Videokunst durch Bewahrung, Ausstellung und Veröffentlichung von Künstlermonografien.

Founded in 1976 at the inception of the media arts movement, the Video Data Bank is a leading resource for videos by and about contemporary artists. Located at the School of the Art Institute of Chicago, the VDB collection includes more than 600 artists and 6,000 video art titles, available to cultural institutions through an international distribution service. VDB fosters a deeper understanding of video art histories through preservation, exhibition and the publication of artists’ monographs.

Life Without Dreams

USA 2022

13'30", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Jessica Bardsley

Life Without Dreams spielt im Universum des Bewusstseins, wo die Oberflächen von weit entfernten Planeten das Spielfeld für die Erforschung von 24/7-Kapitalismus, Schlaflosigkeit und dem Verschwinden der Dunkelheit darstellen.

Life Without Dreams is set in the outer space of consciousness, where the surfaces of far-out planetary bodies form the terrain for an exploration of 24/7 capitalism, insomnia and the disappearance of darkness.

the information

USA 2022

1'13", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Stephanie Barber

the information ist ein kurzes Ausrufezeichen im Videoformat, in dem Fragmente sich als ganze Autoethnografien durchsetzen.

the information is a short exclamation mark of a video, fragments asserting themselves as whole auto-ethnographies.

The Sky’s In There

USA, Kanada USA, Canada 2022

11'24", Farbe Colour, Englisch English

Regie Director Dani ReStack, Sheilah ReStack

Unter Verwendung dokumentarischen Filmmaterials, einer Reise in eine Höhle, eines nacherzählten Traums und formaler Farb-, Klang- und Bewegungsstrategien schieben die ReStacks Erfahrungen und Ideen zusammen, um zu sehen, was sie hervorbringen und offenbaren.

Using documentary footage, a journey into a cave, a dream recounted and formal strategies of colour, sound and movement the ReStacks push experiences and ideas together to see what it can yield or reveal.

What Rules The Invisible

USA 2022

10', Farbe, Schwarzweiß Colour, black-and-white, Kantonesisch, Englisch mit englischen Untertiteln Cantonese, English with English subtitles Regie Director Tiffany Sia

What Rules The Invisible stellt Amateur-Reiseaufnahmen aus dem Hongkong des 20. Jahrhunderts den Erinnerungen von Sias Mutter an Razzien der Kolonialpolizei, Abwasser und Geister im Nachkriegs-Kowloon gegenüber.

What Rules The Invisible juxtaposes amateur travelogue footage shot throughout 20th-century Hong Kong with Sia’s mother’s accounts of colonial police raids, sewage and ghosts in post-war Kowloon.

Trust Exercises

USA 2022

25'03", Farbe Colour, Englisch English Regie Director Sarah Friedland

Der letzte Film aus Friedlands Trilogie Movement Exercises, Trust Exercises, ist ein hybrider, experimenteller Tanzfilm, der das Spannungsfeld zwischen der Poesie von Gruppenbewegung und deren Instrumentalisierung für kapitalistisches Management erforscht.

The final film in Friedland’s Movement Exercises trilogy, Trust Exercises is a hybrid experimental dance film which explores the tension between the poetics of group movement and its instrumentalization for capitalist management.

Regie Directors

Länder Countries

der Sünder bereut« Marion Kellmann

8.10.– 15.10.2023

International Leipzig Festival for Documentary and Animated Film

dok-leipzig.de

YOUR SHOT OF CULTURE

DIE GEDANKEN SIND FREI

Geschichten aus der Realität Dokumentarfilme im TV und in der 3satMediathek

© Getty Images, Artem Hvozdkov, Jasper James

OCTOBER 19–31, 2023 viennale.at

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Creative Europe Desk NRW

c/o Film‐ und Medienstiftung NRW

Heike Meyer‐Döring

0211‐9305014

info@ced‐nrw.eu

www.creative‐europe‐desk.de

MASTERSTUDIENGANG FILM

Ko-Kreation und Innovation für gesellschaftlichen Wandel

Start: September 2023

Bewerbungsschluss: 1. Mai 2023

Schanzenstraße 28 | 51063 Köln www.filmschule.de Instagram: filmschule_koeln

Co-funded by the European Union

Das Feuilleton im Radio

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Rosemarie Trockel, Merryandrew (2022) © Rosemarie Trockel und VG Bild Kunst, Bonn, 2023

Courtesy: Rosemarie Trockel und Sprüth Magers

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Schauspiel

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Mischanlage, UNESCO-Welterbe Zollverein, Essen