Beauty in Detail - Japanese Art Dolls by Ohno Hatsuko

森 美可

ギリシャ国立コルフ・アジア美術館

大野初子 人形展

Beauty in Detail

Japanese Art Dolls by Ohno Hatsuko at the Corfu Museum of Asian Art

Mori Mika

大野初子人形展

ギリシャ国立 コルフ・アジア美術館

森 美可

Beauty in Detail

Japanese Artistic Dolls by Ohno Hatsuko at the Corfu Museum of Asian Art

Mori Mika

Published in conjunction with the exhibition

Beauty in Detail: Japanese Dolls of Ohno Hatsuko exhibition

held at the Museum of Asian Art, Corfu

8 June 2013 - 21 February 2014

Exhibition

8 June 2013 - 21 February 2014

Museum of Asian Art, Corfu Palea Anaktora, Corfu, 491 00

Greece

with support from Sainsbury Institute for the Study of Japanese Arts and Cultures

All rights reserved. No part of this book may be reprinted or reproduced or utilised in any form or by any electronic, mechanical or other means, now known or hereafter invented, including photocopying and recording, or in any information storage or retrieval system, without permission in writing from the publishers or artist.

Measurement of artworks are given in centimetres, height before width

Japanese names are given in the Japanese ordersurname followed by name

Translation into English: Sainsbury Institute for the Study of Japanese Arts and Cultures

Cover: Letter, doll by Ohno Hatsuko

Back cover: Outing, doll by Ohno Hatsuko

Photography Takemi Art Photos

Sugaya Moriyoshi

Designed by Sainsbury Institute for the Study of Japanese Arts and Cultures

Printed by Henry Ling Ltd.

© Sainsbury Institute for the Study of Japanese Arts and Cultures, 2015

大野初子 人形展

ギリシャ国立 コルフ・アジア美術館

素晴らしい人形展会場

その会場に一歩入った時からこれは大野初子人 形展の白眉だと確信した。聖ジョージ及び聖ミカ エル宮殿と呼ばれる美術館の一階の天井は高く、 内装は堂々としている。人形展に充てられた部屋 は大きな一室を間仕切って二部屋になっていたが、 一部屋ごとに充分な広さがあった。今までに経験 した人形展の中でもっとも立派な会場だったので ある。

2013年6月、ギリシャのコルフ島にある国立ア ジア美術館で、亡母の大野初子の人形展が長期に 及び行われることになったため、私は友人達８人 とはるばる海を渡った。ヨーロッパでは１０か国 目になる人形展だ。

あらかじめセインズベリー日本藝術研究所の諸 橋和子さんからのメールで、人形を飾るためのガ ラスケースは新設されると知らされていた。大中 小合わせて５個のガラスケースが、すでにふたつ の部屋の壁に設置されていた。日本に居る時、ど のケースにどの人形を飾るか、メールに添付され た青写真をもとに構想を出すようにと求められて いた。ギリシャの決まりで展覧会の計画は、事前 に文化庁に具体案を提出するようになっていたか らである。会場も見ないでディスプレイを決める のは乱暴な話だが、ガラスケースの大きさに従い、 人形を五つのグループに分け、パソコン上で適当 に配置しておいた。今はそれを実地に移すわけだ。 まず、最初の部屋に置かれた一番大きいケースに は、私が「綺麗どころ」と呼んでいる若い人形を １０体並べる予定。

「作者のポートレートは館長さんのご希望でこの お写真にしました。とてもお綺麗な方ですね」　諸 橋和子さんにいわれて振り返ると、入口に近い壁 に、若いころの母の写真が掛けてあった。私の母

大野初子は後年やや気難しい性格になったが、若 いころは類稀なる美貌の持ち主であった。写真は 人形を作り始めた昭和初８年ごろのもので、セピ ア色に変色し、姿は幻のようにぼやけている。そ

の頃の母は銀座の洋装店で仕事をしていたから、

垢ぬけた洋服に最新流行のヘアスタイルをして、 まるで外国の女優のようだ。そしてその当時、趣 味で彼女が手掛けていた人形は、婦人雑誌の付録 を参考に作った中原淳一ばりのフランス人形だっ

た。一方、コルフ・アジア美術館に展示する人形は、 戦後、母が中年に至って作るようになった桐塑技 術の衣裳人形だから、写真と作品にはズレがある。

私は少し考えたのち、母の人形のうち、私が「綺 麗どころ」と呼んでいるもっとも美しい作品をそ

の部屋のケースに並べるため、あえて作者の写真 も美しい方が良いだろうと判断した。

「反対側の壁にはコルフ美術館秘蔵の浮世絵を並 べました。これも館長のデスピナさんのご指示で す」歌麿、豊国など、秀逸な美人画が並んでいる。

２００５年１１月に、ポーランドでの人形展で出

会ったアンジェイ・ワイダ監督は、母の人形を一 目見て「なんと美しい、これは立体浮世絵だ」と 叫んだが、事実初期の作品は浮世絵からイメージ をとっている。だから版画と人形は互いに呼応し ている。第一展示室はこうしてすでに環境が整っ ていた。

第二展示室には残りの４個のガラスケースが、 向かい合って設置してあった。大野初子の作品の 特徴は、バリエーションの豊かな事だ。46歳か ら67歳まで、２０年の間に様々な模索を繰り返 し、彼女は納得の境地に到達しないままに逝って しまった。残された作品は僅か30体、しかし５つ のグループにわけると、それぞれは塩梅良くまと まっている。その内の第一展示室に飾ったグルー プを除き、残りの歌舞伎シリーズ、中高年の女性、 子供、洋物のグループを、第二展示室の４個のケー スに収める。色彩や姿形のバランスを考え、日本 に居る時のバーチャルな構想と、現場との違いを 確認しつつ立ち位置を決めるのだ。しかし人形は どこの国に行っても、美術館の静謐な環境の中で、

ギリシャ国立コルフ・アジア美術館

優雅に鎮もるのである。まるではるか以前からそ こに存在していたかのように。

母のアトリエ

「これは作者のアトリエです」と諸橋和子さんが 事もなげにいう。展示室の奥に障子で囲った小さ な一隅があった。私はひとめ覗いて仰天した。母

が人形を作った仕事部屋らしいものが再現されて いるのである。ほんの２畳ばかりの小さなスペー スだが、小机が置かれ、鏡台と桑の小箪笥がある。

箪笥の引き出しは半ば開けられ、中には私があら かじめ日本から送った人形の衣装のハギレが納め てあった。しかも傍らには、人形作りの参考にす る画集が開かれていた。

「机の上に制作途中の人形を置いたらいかがで しょう」と諸橋和子さん。なるほどそれでアトリ エはいかにもそれらしく完成する。だがそもそも、

私の母は広い洋室で人形を制作していたのである。

実家は目黒駅近くの高台にあり、西南に面して自 然林の茂る崖が斜面を下り、庭からの眺めはまる

で箱根か軽井沢のようだった。西日を遮るため作 られたテラスの藤棚は、毎年見事な花房をつけ、

一年の半分、室内に爽やかな緑陰が影を落とす。

家具は母の好みでイギリス製が置かれ、古いベネ チアン・グラスの鏡が壁を飾っていた。それは明 治期に横浜で貿易商を営んでいた曾祖父の遺品で ある。母の美意識は徹底していたので、事業しか

興味のない父は苦笑していた。いつの間にか、本 物とは全く違うアトリエが、私に相談も無く出来 上がっていたのだが、訪れる人達は、人形を見て、

日本間を見て、その日本的な雰囲気に納得するか

も知れない。なにしろここはギリシャなのだ。私 は呆気にとられながらも、若い諸橋和子さんのア

イディアに感心した。彼女は絵本作家でもあるアー チストで、しかも母の人形展は昨年イギリスで経 験済みであるため、コルフ・アジア美術館での展 示にはすばらしい手腕を発揮して呉れたのである。 　アトリエの隣はビデオスペースになっていた。

人形作品の全てと母の写真、かつて私と撮った写 真も含めて次々に流れるしくみになっていた。さ らに展示室全体には、美術館のデザイナーが制作 した大野初子の人形の写真をモチーフにした洒落 たポスターがいくつも飾られ、一層の雰囲気を盛 り上げていた。今回の人形展はコルフ・アジア美 術館の特別展で、夏のバカンスでヨーロッパ各地 から訪れる観光客を当て込んだ企画だそうだ。さ すがにヨーロッパは観光地にも、異文化を紹介す る手堅い美術館が控えているのである。

人形はマスターピース

私の母大野初子は無名の人形作家だった。生涯 に渡って無数の人形を手掛けたが、中年に至って 習得した桐塑技術で作った衣裳人形が、秀逸な作 品になった。母が師事したのは堀柳女の高弟家里 美智子であったから、堀柳女系の衣裳人形を習得 したことになる。家里塾に入門したのは1960年 だが、1950年ごろ一時家里先生に自宅に来て貰い、 桐塑技術の基礎を習っていたことがあった。だか ら二度目の入門の後、たちどころに上達した。そ

コルフ美術館プロデュースの作者の「アトリエ」

もそも人形作りは、先にも述べたように10代から フランス人形を作っていたし、戦時中には沢山の 商業人形を制作した。そのいきさつは別項で述べ るとして、人形制作の腕はすでに確かなものを持っ

ていたのである。

1960年代と70年代は、創作人形がブームだっ た時代で、伝統工芸展を始め、現代人形展、女流

人形展と、主にデパートを舞台に各種の人形展が 華やかだった。伝統工芸展を別にすると、デパー トで行われる人形展の出展作品は商品だった。家 里先生に勧められて初めて出展した母の作品は、 アッという間に買い手がついた。作品を売るつも りのない彼女は慌てて買い戻したものだった。母 が無名だったのは、一般的にという意味で、以後

様々な人形展に出展するたびに、彼女の知名度は 関係者の間で上がっていった。都会的なキレのよ

い立ち姿は、江戸の粋を現代に蘇らせる特異な技 といってよい。センスの良さが際立っていた。16

歳の時、画家を志望して大阪から上京した彼女は、 しばらく岡田三郎助の洋画研究所で学んでいたこ

とがある。画家志望は挫折したが、後年の人形作 りは趣味ではなく、彼女が藝術表現の媒体として

みずから選んだ生の証しなのである。

諸橋和子さんが携帯を手に、そろそろ人形設営 が終わるようでしたらデスピナさんに連絡しま しょうか、といった。コルフ・アジア美術館館長 のデスピナ・ゼルニオティ女史とはまだ会ってい ないので、是非にと私。床に広げた人形の空き箱 をトランクに納め、手伝いの助手の人達に日本か ら持参した小さなお土産を手渡す。彼らが喜んで 呉れるので、私は結構これを楽しみにしている。 日本に居る時、アレコレと面白いものを選んで持っ て行くのである。

デスピナ館長は、目の大きな大柄な女性で精力 的な印象があった。２００９年にギリシャのコル フ・アジア美術館の展覧会が、江戸東京博物館で 行われた時、館長として来日している。その時の 展覧会の呼び物は、写楽の肉筆による扇面画で、 これはコルフ・アジア美術館と関係の深いイギリ スのセインズベリー日本藝術研究所の所長ニコル・ クーリッジ・ルマニエール教授や岡田美術館館長 の小林忠先生や千葉市立美術館館長の河合正朝先 生達によって２００７年に当美術館で確認された。

長年続いた写楽の正体を巡る論争は、この貴重な

第一展示室内の様子

発見によりひとまず決着を見たわけだが、江戸東 京博物館で行われた展覧会が人々を驚かせたもう ひとつの理由は、見事な日本美術を収集する美術 館がギリシャにもあるという事実だった。 　セインズベリー日本藝術研究所は、イギリスの ノリッジにあり、ヨーロッパにおける各種の日本 研究をサポートしている。東芝国際交流財団の支 援もあり、お陰でその前年の２０１２年に、私が ノリッジで行った大野初子の人形展も援助を受け た。その折私が、ギリシャのコルフ・アジア美術 館での人形展を希望したところ、翌年ふたたび、 セインズベリー日本藝術研究所のサポートで実現 した。つまり今回の人形展示のために新しいガラ スケースが新設されたのも、展示室のきめ細かい 設備も、すべて研究所の援助によるものである。

その担当をしたのが研究所所長の水鳥真美さんと 広報担当の諸橋和子さんの二人だった。

デスピナ館長は部屋を一巡すると人形の配置に 満足の意を表して呉れた。「あなたのお母様の人形 はマスターピースです。写真で見るより本物の方 が一層素晴らしいですね」私は館長の言葉に感動 しお礼をいった。美術館の館長が女性の場合、大 野初子の人形はすこぶる高い評価を得る。そして 館長は女性の場合が多い。館長が男性の場合もほ ぼ同じだが、基本的に彼らは刀剣や武具の美によ り敏感なのではないか。ヨーロッパの美術館の来 館者は日本ほどではないが、やはり女性が多い。 ひとつひとつの作品が珠玉の美しさを持つ大野初 子の人形は、日を追うごとに来館者を増やすのが 常のようだ。いくぶんなりとも経済効果があると したら、人形展を取り上げて呉れた美術館に貢献 することになるのだから、私の心の荷が軽くなる。 何よりも母の鎮魂になるのではと思う。人形を通 して、母はまた沢山の新しい人達と出会うだろう。

そして今、デスピナ館長の大きな瞳に出会い、彼 女の言葉を聞いただろう。あなたの作品はマスター ピースです・・・その言葉が母の魂に響かない筈 はない。

人形創作

「生きることは自分を表現すること・・」仕事机 に身を屈めて熱心に人形を作り続ける母の姿を見 て、私はよくそう思った。彼女は孤独を好み、人 と交わるより自分一人の作業に集中する時間を愛 した。遠くはるかな自分自身の世界に沈んでゆく。 どこにも出会う事の出来ない、誰にも求めること の出来ない、不在の対象。自身の想いの全てを受 け止めてくれる相手を、あるいは自分自身を・・・ みずから創造する。人の姿を模した人形は、彼女 の指先から理想の容姿を持って立ち現われる。そ れは若く美しいなよやかな女性から、円熟した大 人へ、慈愛に満ちた存在へ、静かに黙想する女へ と、時間とともに変化した。難しい作業では無かっ たのかも知れない。小さき人達はすでに彼女の中 に存在し、魂の呼びかけに応じてこの世に目を醒 ます。ひっそりと静かにアトリエの仕事机に浮か びあがり、含羞のまなざしで光の中に立つ。言葉

を超えて無限に語る作品を求める寡黙な作者、そ れが私の母大野初子。今、限りない想いを込めて 我が母を思い出す。

私に不思議なのは、作品が出来上がると、母は それを和紙に包み箱に入れ戸棚にしまってしまう ことだった。誰にも見せない。来客があり、友人 が来ても、めったなことでは人形を箱から出すこ とはなかった。その理由を彼女は、人に見せ、自 慢をするために作ったのではないといった。展覧 会のたびに家里先生から出展要請があった。「優れ た作品でないと出せませんから、大野さんの作品 は家里塾でも指折りですから、ぜひ出展して頂か ないと私が困るので」そう穏やかな家里先生から いわれて渋々出展する。母が期待して出展するの は伝統工芸展だけで、あとの展覧会には興味を示 さなかった。それは作品を商品として売るデパー トの展覧会が主だったからだ。売るために作った のではないからと母はいった。今思うと彼女の考 えは正しかったのだが。

コルフ・アジア美術館

デスピナ館長の案内で美術館を見学することに なった。日本から来た友人達８人も加わり、賑や かな団体になった。ちょうどイギリスから水鳥真 美さんも到着した。ギリシャのコルフ島は、アド リア海の入口に位置する風光明媚な島である。歴 史は古く、ホメロスのオデッセイに登場するナウ シカ伝説が有名だ。２００７年にユネスコ世界遺 産に登録されている。アジア美術館は、コルフ市 の中央広場正面の少し高みに位置し、横長の立派 な建物がよく目立つ。一階前面にドリス様式の柱 廊と広いアーチのある道が作られ、そのアーチの ひとつに天井から床まで、大野初子人形展のバナー が下げられていた。来る途中、遠目にも人形の写 真が目立つそのポスターを見た時、胸が熱くなっ た。美術館のある建物は、コルフ島がイギリスの 統治下にあった19世紀初期の建築で、聖ミカエル 及び聖ジョージ宮殿という。外観はくすんだ灰褐

展覧会会場の入り口で来客を迎える英語とギリシャ語の案内

色だが、中は荘厳な内装が美しく、建物のみなら ず家具までが建築家により充分に吟味された作り であるため統一感が有り、それがこの宮殿の品位 を高めている。現在は美術館の他に外交上の公式 会場としても使われており、欧州連合サミットや ユネスコ世界遺産会議などが行われたそうだ。

「美術館のコレクションは二階にあります。残念 ながら改修中で全部はお見せできませんが」とい

いつつ、館長は広間正面の、洒落た手すりのある 幅の広い階段を上って行った。二階には、寄木張 りの床の円形大広間が有り、どこもかしこも手入

れが行き届いていた。グレゴリオ・マノスの肖像 画が壁に掛かっている。美術館のコレクションは 日本、中国、韓国、ネパール、チベット、パキス タン、インドに及ぶ。そのうち、グレゴリオ・マ ノスが集めた日本と中国の美術品が中核になって いるそうだ。それぞれが専用の収蔵庫を持ち、各 種展示品特有の保存状態に合わせて設計されてい る。ギャラリーの展示は分かりやすく工夫が凝ら

され、ギリシャでは初めての東洋美術専門の設備 の整った美術館になっている、とそんな説明があっ た。デスピナ館長は高い理想を持った人なのだろ う。

日本の美術工芸品は、屏風、浮世絵、陶磁器、漆器、 印籠などが納められている。浮世絵は前期、中期、 後期とも充実しており、さらに狩野克信、興信筆 および狩野山楽筆による秘蔵の二つの屏風が自慢 だそうだ。私達は陶磁器の質と量に驚かされた。 古九谷、鍋島、柿右衛門、野々村仁清、尾形乾山 などなど、目を見張る逸品揃いでため息が出る。 漆器も工芸美術の粋を極めたものが多い。

作りかけの茶室も見学した。作業状況は暗くて 見えなかったが、日本の部屋をぜひ再現したいと 館長がいう。日本の美術品は日本間との密接な関 係がある。出来れば庭園も欲しいところだがそれ はやはり無理だろう。さらに私達はデスピナ館長 の特別な計らいで、保管庫にある写楽の扇面画を 見学した。世界に二つしかない貴重な写楽の肉筆 画である。ギリシャの美術館に埋もれていたのは 奇跡のような気がする。作品としてそれほど魅力 的には思えないが、素人のうがった見方かもしれ ない。中国美術のコレクションも充実しており、 さすがは藝術の総本山ギリシャならではの異国文 化尊重なのだと感動した。改修が済むまでもなく、 コルフ・アジア美術館はヨーロッパ有数の東洋美 術館であることに間違いないだろう。

美術館を見学したあと街に出て昼食を摂った。

日本から来た全員とイギリスから来た二人、そし て館長も加わり賑やかなランチになった。長くベ ネチアの支配を受けていたコルフ島の料理はイタ リアンの影響が濃い地中海料理だ。タコやエビの 溢れる食卓を囲んで、初めての地元の味に一同満 足した。その後私一人、ひとまずホテルに帰る。

人形設営は神経のいる作業で、終わるとしばらく は休息が必要になる。その日は夕方から人形の文 化講演が控えている。静かな部屋でホッとしなが ら休んでいると、ふいにさっき美術館で見たグレ ゴリオ・マノスの肖像画が脳裏に浮かんできた。

ドリス様式の柱廊と広いアーチのひとつに下げられた大野初子人形展のバナー

グレゴリオ・マノス

グレゴリオ・マノスは、コルフ・アジア美術館

の設立を支えた偉大なコレクターである。ギリシャ 貴族出身の彼は外交官として生きたが、生涯をか けて日本・中国の美術工芸品の収集に努めた。マ ノスは独身を通し、しかも財産はすべてコレクショ ンに費やしてしまったという。ギリシャに第一級

の東洋美術館を作ろうと政府を動かし、すべての コレクションを国に寄贈して、聖ジョージ及び聖

ミカエル宮殿というりっぱな器に華麗な花々を 盛った。マノスは宮殿のような建物を美術館とし て要求したからだ。彼自身は宮殿の一室で、終身 館長という肩書を保持しつつ、貧乏なまま亡くなっ

たそうである。

東洋美術収集家としての彼の特異な経歴は、一 度もアジアを訪れたことが無いという事実だ。 １９世紀の後半から２０世紀の初頭にかけて、マ ノスはウィーンやパリで、ビング兄弟や林忠正か ら美術品を購入したそうである。明治初期の日本 はさしたる産業は無かったが、皮肉なことに封建

時代に咲いた精華、手工芸による美術品あるいは 日常品が、欧米という市場で外貨を稼ぐ格好の商 品になった。彼の地で陶磁器、漆器、浮世絵、屏風、 彫金、染色、印籠、根付が人気を博し、日本の美 術品を持つことや日本文化について語ることが、 ステータスにもつながるという信じがたい状況が あったらしい。ビング兄弟や林忠正らは、精力的 に日本の美術品を売りさばいたが、同時に、その 奥深い藝術的真価をヨーロッパ人に啓蒙すること も忘れなかったという。マノスは同時代の文化人 として、彼らと交流しつつ、遠く江戸を離れてな お江戸を懐かしむ品々を、その懐に抱いたのだろ う。

パリやウィーンにくらべ、辺境ともいえるギリ シャは、日本と同じように１９世紀半ばようやく 近代国家の仲間入りをした。しかし、古代ギリシャ の燦然たる文明は、あまねくヨーロッパを照らし ていたから、そこにはギャップがある。そんな故 国に、マノスはギリシャ文化の対極の東洋美術の 粋をもたらして、文化的前進の一助として美術館 建設を考えていたのだろうか。マノスのあとさら に篤志家から沢山の寄贈があり、今日のコルフ・ アジア美術館に至っている。

聖地巡礼

とにもかくにも還暦を過ぎてからの私の巡礼だ。 志なかばで逝ってしまった母の作品に導かれて、 ヨーロッパの東洋美術館という聖地をいくつか歴 訪した。その度に日本の至宝がガラスケースのむ こうで沈黙の佇まいを見せている。饒舌なのは、 館長であり、キュレターであり、時にはすでにこ の世を去ったコレクターだったりする。彼らは情 熱をこめて日本美術を愛し、その収集、展示、保存、 修復に腐心する。まるで美の殿堂に奉仕する導師 か聖者のようである。彼らとの出会いは私の心に 深い感銘をもたらす。私はなぜか浄化されてゆく ような気がするのだ。この巡礼はいつか母のもと に至る道なのかも知れない。

「道行き」

今にして思えば、なぜ彼女が人形を容易に人には 見せなかったのか分かるような気がする。真贋を見 分けて美の本質を理解する人達に、彼女はメッセー ジを送っていたのだ。ここにそのメッセージを受け 止めて呉れる人達がいる。だから人形は居場所を見 つけて鎮っている。遠い日の母のアトリエの静けさ が、ここにはある。そう、母は個展を夢見ていた。

自分の作品だけを展示して、大野初子の藝術はここ

にありと人々に主張したかったのだ。それには作品 数が足りない。余人にはない独自のオリジナリティ をまだ模索していた。

母には自分を超える女流作家は野口園生だけだ と密かな自負があった。園生の人形は江戸の飄々と した軽みを現代に蘇らせていた。初子は江戸町人の 粋を、洗練された今日的表現に蘇らせる。それは、 初代武原はんの匂い立つ禁欲の地唄舞に似ている。

凝縮された緊密な表現法だ。完全無欠。一切の妥協 を許さない厳しい追及。後ろ姿さえも、溢れる美の 化身になる。人形がそのうなじで彼女の心を表現す る。初子の限りない情熱はまだ創作への意欲を駆 り立てていたが、病気が行く手を阻んでしまった。

そこには悲痛なものがあった。

オープニングの準備

束の間の午睡をとり夕方目を覚ました。人形展 は明日から始まる。前日の夜はささやかなオープ ニングが行われ、美術館に人々が集まる。私は「日 本の人形文化と人形藝術運動について」という講演 を行うことになっている。美術館に行くと、日本か ら同行した８人の仲間の１人、洗心流五代目鳥居茜

月家元が、一階の大広間に花を活け終わっていた。

そこが講演会場になる。会場の大きさに見合う格好 の枝ものが花市場に見当たらなかったと、家元は残

念がっていたが、それでも青々とした姿の良い枝も のが花と共に、日本から持参した大ぶりの信楽に生 けられ、会場を引き締めていた。茜月家元はスラリ とした若い女性で語学が堪能である。

隣の部屋では、これも同行の裏千家師範の内野

宗訓先生がお茶の準備に余念がなかった。驚いた 事に美術館の蔵品である見事な屏風が正面に立て られていた。それがその部屋の雰囲気と、淑やか な宗訓先生の淡い桜色の和服とすべてに調和して、 講演後に予定されている茶会への期待を盛り上げ ていた。人形、茶道、華道を通して日本文化紹介 をするのが私達のテーマである。

他の友人達も街の見学を終えて戻って来ていた。

昨日アテネからコルフ島にローカル機で来る途中 見た機内誌に、コルフ・アジア美術館の人形展と 講演会の記事が人形の写真入りで大きく掲載され ていた。だから今日は観客が多いのではと皆で話 し合っている。いつも人形展のたびに応援して呉 れる仲間達に感謝。水鳥真美さんが美術館のスタッ フや諸橋和子さんと事前の打ち合わせをしていた。

初めにデスピナ館長の挨拶、ついでセインズベリー 日本藝術研究所の水鳥所長の挨拶が続き、茜月家 元による華道の簡単な説明、そして私の講演が続 く。講演後は立礼だが宗訓先生の茶のお点前が披 露される。諸橋和子さんのご主人のラルフ・パプ リツキ氏が今日の写真を撮って下さるとのこと、 私達は感謝して握手をした。

人形は藝術表現の媒体になるか

日本は世界で唯一、人形を工芸美術として公認 している国である。その理由は、昭和の初期に人

第二展示室内の様子

形藝術運動が興り、それが功を奏したからだ。私 の講演はいつもそんなところから始める。人形藝 術運動とは、人形の質的向上と人形の作り手の社 会的地位の向上、合わせて人形に対する世間の認 識の改変を期待したものだった。具体的には、文 部省所轄の帝国美術院が行ういわゆる帝展の美術 工芸部門に、人形を入選させることが目的になっ ていた。1936年、運動の成果は実を結び、人形の 帝展進出は成功した。晴れて人形藝術が国家及び 社会から公的に認められたのである。だが西欧で は人形は玩具雑貨の類に過ぎない。だから人形を テーマに文化論をとなえる人はいないだろう。そ んなところに素人の私がのこのこ出てゆくのであ る。「はたして人形は藝術表現の媒体になるでしょ うか」それが私の講演の主な設問になっている。 大野初子の作品を見て、また私の講演を聞いて、 各人に何か感じるものがあれば幸いである。

人形は彫刻と共に人体造形だ。人形も彫刻も当 初は宗教に属していたが、時代を経るに従って、 大人の観賞の対象や、子供の玩具になる。古代ギ リシャ人は彫刻を鑑賞の対象にし、その流れがヨー ロッパに伝わり、彫刻は絵画と共に藝術の中核に なる。その点日本では、仏像彫刻は礼拝の対象で あって、鑑賞の対象にはならなかった。日本で発 達したのは人形を鑑賞する独自の文化であった。 いわば彫刻は、堅牢な西欧の石の文明に実った豊 かな果実であり、人形は、茶室のような木と藺草 による畳と障子紙で構成された植物性の空間に咲 いた可憐な花にも似ている。

人形の歴史、ヒトガタ

日本の人形の歴史を振り返ってみると、古代の 日本人は、土偶や埴輪といった興味深い人体造形 を残したが、人形の直接の祖先は5世紀あたりか ら用いられたらしいヒトガタに遡る。ヒトガタは 人の形をしたもので、神や人の身代わりになった。 現在でも大きな神社では、祓の日に、人々に紙の ヒトガタを配り、病気やケガレをこれに移して海

喜多川歌麿　「歌撰恋之部　深く忍愛」　ギリシャ国立コルフ・アジア美術館所蔵

や川に流す儀式を行う。神官が白い装束を着て祓 いを行い、ヒトガタを藁舟に乗せ水辺へ運ぶ。ヒ トガタが人の身代わりとなって厄災を防ぐのであ る。或いはヒトガタは神の依代となり、山車の上 に飾られて祭りの主役になる。講演のおり、その 様子をパワーポイントで写しだすと会場の人達は 皆驚く。現代日本には古代から続くヒトガタにま つわる伝統が結構残っているのである。

ヒトガタは、平安時代にヒイナ遊びに使われ、 玩具に転用される。鎌倉時代には人形と呼ばれる ようになり、次第に形も整えられてゆく。室町時 代以降、公式文書に御所や将軍の四季折々の儀式 や客のもてなしに人形を用いた記録が散見され、 その役割が重要であったことが分かる。だが何と いっても人形が一般的になったのは、江戸時代の 中・後期である。指折り数えれば、ほんの三百年 たらず以前のことだ。

江戸時代の節句人形

江戸の文化といえば、歌舞伎や浮世絵が有名だ が、人形の流行もかなりのものだったらしい。そ れは幕府が公的に制定した祝日ともいうべき五節 句のうち、雛と端午のふたつの節句が人形祭りだっ

たからだという。節句とは季節の変わり目に行わ れる行事で、無病息災を祈って季節の神に供え物 が捧げられ、農作業は休みになった。秋に行われ る収穫の祭りと相まって、人形はこうした行事に 欠かかせない役割を持っていた。歌舞伎や浮世絵 は大人だけの文化だが、人形を祭る節句は家庭の 祭りで、大人も子供も参加した。人々は人形を見 るため互いの家を訪問し、子供は菓子をもらい、 大人は俳句などを交換する社交の場にもなってい

た。ここで注目すべきは、このふたつの節句は子 供の健康と成長を願う祭りだが、節句人形は子供 の玩具ではなく、むしろ鑑賞用の人形だったとい

う事だ。日本で鑑賞用の人形が発達した理由はこ の節句人形に負うところが大きいと思われる。

講演では、江戸時代のバラエティーに富んだ数々

の人形の写真を流す。人形の流行は人形産業の発 達を促し、人形師や人形商人の集団が成立し、都 市には定期的に人形市がたった。商品経済の発達 に伴い、京や江戸で作られた人形は全国的に普及 した。人々の人形に対する鑑賞眼が発達し、ゆえ に美術的に優れた人形が作られるようになった。 上は天皇家から下は農民まで、節句における人形 祭りは盛んになった。特に雛人形は女性の重要な 嫁入り道具の一つでもあり、人形を見るとその家 の富や格がわかった。なぜならそれらは、本物そっ くりの家具調度を持っていたからだ。だから次第 に派手になる。そのため江戸幕府は人形を贅沢禁 止令の対象にしたほどである。こうした説明は、 近代以前の江戸の町人文化の豊かさを伝える一助 になるだろう。いずれにしろ人形は平和で安定し た江戸文化の華のひとつだった。

近代の人形・人形藝術運動

近代に入ると、先にも述べたように人形藝術運 動がおこり、人形の藝術化が行われる。その理由は、 明治以後誕生した新しい市民層が、新しい人形を 求めた結果ともいえるし、人形表現の幅が広がっ たためともいえる。しかしそれだけでは、商品や 手芸品としての人形に過ぎず、藝術的覚醒には至 らないだろう。注目すべきは、当時多くの藝術家 や文化人がこの運動に参加したことだ。

明治以降、日本に流入した西欧の藝術思潮は、 絵画と彫刻を純粋美術、やや遅れてその他の工芸 を工芸美術として公認し、帝展への出展を制度化 した。しかし人形はその中に公認されなかった。

なぜなら人形は西欧では玩具であり、工芸美術に は入らない。ゆえに日本における人形の社会的地 位も、西欧に倣って低くみられたのである。だが それを潔よしとしない人形を愛好する文化人達が 当時少なからずいたことが、人形藝術運動を推進 する要因のひとつとなった。この運動では、人形 師、藝術家、工芸家、アマチュアなど多くの人達が、 新しい人形作りに挑戦した。そして、時の評論家

や文化人の間でも、人形の藝術化の是非が活発に 論議され、その様子はマスコミの取り上げるとこ

ろになった。

人形藝術の勧め

１９３５年の「人形制作」というパンフレットの 中で、人形師の猪谷春峰が次のように述べている。

「人形藝術は絵画や彫刻と異なるところなく、作者 の主観的あるいは客観的観念を他人に伝達する一 つの媒介の使命を持っている。そこには藝術的な美 的要素がなければならない。また、他人の模倣で なく、どこまでも自己の表現でなければならない。

｛藝術は｝自然を模倣してもまた自然を理想化して も、自己というものを通してでなければならない。

個性の現れのないものは価値が無いのである。そ して人形には人形としての特異性がある。人形独 自の境地があるべきで、見る者は人形からのみ享

ける感動が無ければならない。さらに、人形の古 典的美を尊重しつつも、新しい時代思想を盛り込 み、これを現代化してこそ、人形藝術の意義が有る」

ここでは、人形藝術について重要なことがおおむ ね指摘されている。加えて猪谷春峰は「良き藝術 は国民を向上せしめ国家を興隆し、低俗な藝術は 国民を堕落せしめ国家は衰亡する」とまで論じて いる。戦前の日本人の高い理想が人形文化にも及 んでいたことが分かる。こうした思想は当時の人 達の心を動かした。

人形藝術への批判

しかし人形の藝術化には様々な批判が有った。も とより人形は、江戸時代すでに美術的に優れた作 品が作られていたのである。最上級の布を用いた

衣裳や入念に作られた頭｛かしら｝は、天皇や貴族、 将軍や大名、そして大富豪達の屋敷を飾るのに相 応しい品格を有していた。しかし人形は、人間な らざるもの、異界の存在であるためか、その美に はともすれば一種の凄味があった。そのため、人

形はその背景に呪術や玩具性を持つから、理知的 で近代的な鑑賞に堪えないという指摘があった。

また、伝統的な日本美術においては、人形も絵 画も、顔や衣裳の美的表現にとどまり、身体は二 次的とされる場合が多い。解剖学的裏付けを持た ない人形は、平坦で類型的であるとも批判された。 何よりも伝統的な人形制作は、頭と衣裳を別々の職 人グループが、商品として作る分業制であり、個 人の作家が、ひとつの人形を、彼自らの意匠に沿っ て作品として創作するためには、発想の転換が必 要だった。人間ならざるものの表現から、人間そ のものの表現へと、ここでも意識の飛躍は必要だっ たのである。

人々の人形をめぐるイメージ

しかし時代と共に人形をめぐる考えは自由に なった。人々は人形に対して様々なイメージを重 ね、豊かな可能性を求めるようになったのである。 人形に生と死、光と影のダブルイメージを投影す る、静と動のあわいを浮遊する人形の姿に、アフ ターイメージを感じる、人形は永遠の一瞬、一瞬 の永遠を生きる旋律であり、人形に流れる風は人 の心に詩をもたらす・・・などなど、人形のイメー ジは人々の感性に多彩に働きかける。そして人形 を愛好する知識人の中には「人形創作は、人間性 への深い洞察が必要である。人形は、様々なテク ニックや素材を使って作る総合藝術であり、時に は絵画的、彫刻的、工芸的であり、ファッション 性も高く、多様性のある藝術である。それこそが、 人形が他の工芸作品と異なる点でもあり、また魅 力のあるところだ」と主張をする人もいる。

人形作家達は次のように述べている。人形師出 身の平田郷陽は｢人形は単に何かを描写するので はなく、それ自身の意味を持つ存在である｣と語っ た。人形作家でアララギ派歌人でもあった鹿児島寿 蔵は「人形は文学である」という。アマチュア出 身の女流作家堀柳女は「人形に心あり」という有 名な言葉を残したが、それはヒトガタの持つ呪術

的な魂ではなく、現代人としての精神を意味して いる。柳女の弟子でやはり女流作家の野口園生は 「心の中の苦しみや、憂いや、哀しみを、人形で詠 いたい」といった。舞台人形作家の辻村寿三郎は｢ 人形は耳も聞こえず、口もきけず、目も見えない、

そのまっくら闇で嘘をつく｣と、真実を喝破して いる。こうした自由な発想は、斬新で現代的な作 品を生む原動力になった。

人形はまた彫刻と比較された。彫刻は、本質に 向かう求心的な藝術だとも、ダイナミックな表現 藝術だともいわれる。プロポーションは余分を削 ぎ落とし理知的である。全体のバランスとハーモ ニー、筋肉の緊張とリラックスした部分の的確な 表現が作品にリズムを与え、モデルの心理をも描 写する。一方人形は、髪の毛や衣服の襞や指先など、 細部の表現によりその美と存在感が高まる。しか

し、彫刻が空間に起立する男性的な量塊藝術だと したら、人形は水辺に降り立つニンフの軽やかさ にも似た女性的な表現が可能だ。それは日本の風 土が育んだ繊細で優美な、趣｛おもむき｝の美意 識や情緒を表現するのに適した藝術だといえよう。

古代のギリシャ人が、大理石で理想の人間をあ らわしたように、現代の日本人は、木や布や紙を 用いた装飾的な人形に、豊かな精神性を表現する。

それが現代創作人形のテーマであり、伝統の人形 にはなかった新しい課題ではないだろうか。人形

と彫刻は違うベクトルを持っている。だからこそ、 人形として他のものではあらわすことの出来ない 独自の美があると考えられたのだ。

大野初子の人形

私の母大野初子は、彼女自身が人形作家だった が、よく人形の“たたずまい”ということをいって いた。これは外国語に翻訳するのは難しい言葉だ。 直接的意味は雰囲気のある姿といえるだろう。例 えていえば、静止した姿の持つ動的リズムという 矛盾した表現になる。そのリズムが人形の鼓動で あり、命といえる。作者は細い目鼻を描くことに より、顔の表情を押さえ、全身にメッセージを置く。 すると喜怒哀楽の感情がおこり、ドラマが生起す るのである。人形が恋をし、子供を愛し、四季の 訪れを喜び、時には瞑想する。その小さな体に美 が宿る。もはや人形は表面的な美を超えて、精神 的存在になる。そのような人形を作るところに限 りない喜びが有る、と母は語っていた。

果して人形は藝術的表現の媒体になるだろう か・・・。以上の講演に続けて、近代から現代に かけての代表的な創作人形の写真を流す。江戸時 代の伝統人形とはガラリと違う新しい人形に、会 場の人達は心底興味を覚えるようである。講演は いつものように大好評の内に終わった。日本の人 形が、単に可愛くエキゾチズムに満ちた飾り物で はなく、近代に至って創作人形として、人間の心 象を写す自立した藝術作品として昇華しているこ とを、世界はまだ知らない。

講演の後、人々は人形展会場を巡る。私は片隅 に立って来館者達を見ていた。作品にスポットが あたり、ひとつひとつの人形が浮かび上がる。人々 は真面目に、嬉しげに見入っている。さっきから ガラスケースをよぎる影・・・母かもしれない。 私は黙っていつものように会場を出た。

森美可

２０１４年、６月

大野初子

Beauty in Detail

Japanese Artistic Dolls

by Ohno Hatsuko

Mori Mika

The exhibition space

The moment I set foot inside the Corfu Museum of Asian Art, I know it’s a venue that’ll enable us to hold the finest exhibition of Ohno Hatsuko dolls. The ground floor of the Museum, which is the Palace of Saint Michael and Saint George, has a high ceiling with an airy, regal feel, and an understated yet stately interior, and the area reserved for the Ohno Hatsuko Doll Exhibition is a sizeable gallery that has been split into two spacious and connected rooms. It’s the most impressive space in which I have ever had the privilege of holding an exhibition.

In June 2013, I travelled to Corfu to install a special exhibition of dolls made by my late mother Ohno Hatsuko at the Corfu Museum of Asian Art. This was to be the tenth show of my mother’s dolls in Europe.

A month or two before, Morohashi Kazuko of the Sainsbury Institute for the Study of Japanese Arts and Cultures, which was arranging the exhibition, had written to me in Japan, telling me that the Museum would be building custommade cases for the dolls: by the time I arrived a total of five cases, ranging in size, would be set up. She asked me to come up with placement ideas for the dolls, using a diagram sent in an email attachment, since the Greek Ministry of Culture had to confirm all exhibit arrangements ahead of time. To map out the display without seeing the space sounded a bit reckless to me, but I nonetheless grouped the dolls thematically and indicated their placement in the diagram. And now here I was in Corfu to actually place the dolls in their new surroundings. Here, in the largest case in the first room, was where I planned to place the most compelling group, which had the title ‘Beauties.’

‘The director of the museum asked to use this photograph in our Introduction to the Artist,’ Morohashi tells me. ‘What a beautiful lady your mother was.’ Just inside the doorway I see a portrait photograph up on the wall of my mother taken in her youth – indeed, startlingly beautiful. Now a beautiful faded brown, the photograph was taken in 1933, and my mother, who had just started to make dolls, seems surrounded in a sort of mysterious glow. She was working in a Western dress shop in the Ginza district at the time, and she wears an elegant dress with her hair styled in the very latest fashion, looking like a Western actress. The doll she is making – at that time as a hobby – is a French doll inspired by Nakahara Jun’ichi’s illustrations, which are often found in the supplements to women’s magazines of this period. But the dolls we are showing in this exhibition are more traditional ones that my mother made after the war in her middle years, using the time-honoured material of tōso paulownia paste – so there is something of a mismatch. I pause for a split second, then decide nonetheless that since we are starting the exhibition with the ‘Beauties,’ it is fitting that the photograph of the artist to be shown in the same room is also of a beauty.

‘And up there,’ says Morohashi, pointing at the opposite wall, ‘We have some ukiyoe, from the museum’s collection.’ This too, she explains, was the director’s idea. Looking up, I see a series of exquisite woodblock prints of beautiful women by Kitagawa Utamaro, Utagawa Toyokuni and other ukiyoe artists. The Polish film director Andrzej Wajda, I remember, took one look at my mother’s dolls during an exhibition in Poland in 2005 and exclaimed: ‘They are like ukiyoe in three-dimensional form!’

My mother’s dolls were inspired by ukiyoe, and the dolls and the prints resonate well. This first exhibition room is as perfect as I could desire.

In the second room, the remaining four cases face each other. One of the outstanding features of Ohno Hatsuko dolls is their wide range of expression. My mother spent nearly twenty years, from her late forties, trying to attain a level in her art that satisfied her. But ill health took her from this world. Her artistic legacy comprises a mere thirty dolls, which work perfectly in five groups – ‘Beauties,’ ‘Kabuki’, ‘Mature and Elderly Women’, ‘Children’, and ‘Western Dolls.’ Each group will have its own case, and every care must be taken positioning them to attain a perfect harmony in the colours of their robes and the pose, or stance, of each figure. I get down to placing the dolls in the cases, making slight changes in the plans I drew up virtually, to accord with the exigencies of the venue. How easily, how gracefully, the dolls fit in with the quiet surroundings of the museums. They look entirely at home.

My mother’s atelier

‘Over there is the “artist’s atelier”,’ Morohashi adds. On the other side of the second room I see a small alcove that has been made over to look like a traditional Japanese room with sliding doors. I am speechless: the room is an imaginative reconstruction of the place where my mother worked. A compact two-tatami mat space, it contains a small desk, a mirror and a petite chest of drawers made of mulberry wood. One of the drawers has been left half-open, and from it spill pieces of the cottons and silks that my mother used to make her dolls’ robes. I sent a supply of these remnants from Japan. Next to

the chest of drawers are some illustrated books that my mother used as references.

‘We were thinking of having a halfcompleted doll placed on the desk,’ Morohashi suggests. Of course – the perfect touch. My mother’s studio was, in fact, a spacious Western-style room. Our house was perched on a tree-covered hill in Meguro, Tokyo, and the garden had a steep drop on the southwest side with a view that was reminiscent of areas such as Hakone or Karuizawa. Wisteria planted on the terrace to protect the terrace from the strong afternoon sun came into magnificent bloom each year, the green leaves casting cool shadows over the rooms inside. The furniture in the house was mostly English since that was my mother’s taste, but I remember an old Venetian glass mirror adorned the wall that belonged to my great-grandfather who owned a trading company in Yokohama in the Meiji era (18681912). My mother had a certain determination in her aesthetic pursuits that made my father, who cared only for business, smile resignedly. Somewhat taken aback by this reconstruction, which bears little resemblance to my mother’s real atelier, I nevertheless tell myself that we are in Greece – and all this is designed to evoke a sense of Japaneseness for visitors. Despite my surprise I am impressed with the ingenuity of the museum staff. I suspect that the idea came from Morohashi, who is a book illustrator and an artist, and who helped organize the Ohno doll exhibition in England through her role at the Sainsbury Institute – clearly, she has brought her experience to bear in this exhibition as well. Next to the atelier is a space for audiovisual displays where images of the dolls and photographs of my mother, including ones I

took, will be shown on a looped video. On all the walls I see designs based on the photos done by the museum’s graphic artist that will add to the general effect. The Corfu Museum of Asian Art has packaged this as a special summer exhibition aimed primarily to appeal to visitors to Corfu who come from all over Europe and beyond. I am impressed with the attention to detail with which this museum introduces the dolls, which are, after all, from another culture.

‘The dolls are masterpieces’

My mother was not a well-known doll maker. Though she created many dolls in her lifetime, her signature works are the traditional tōso dolls she learned to make in her middle and later years. She learned tōso doll making from Iesato Michiko, the renowned pupil of the master dollmaker Hori Ryūjo (1897-1984), which makes my mother a costume doll-maker from the ‘Hori Ryūjo School.’ She began learning doll-making formally from Iesato in 1960, though sometime in 1950 she had taken some informal lessons from her in the basics of tōso techniques. Once she began taking formal lessons she progressed by leaps and bounds – she had a natural talent. As I mentioned earlier, she made French dolls in her teens, and many commercial dolls during the war – so she was already skilled in her art by the time she started lessons.

In Japan, sōsaku ningyō, or ‘artistic dolls,’ experienced a boom during the 1960s and 1970s with all kinds of exhibitions, mainly in department stores, showing traditional dolls as well as contemporary and female dolls. The dolls displayed at department stores were for sale, and the dolls that my mother put into such exhibitions on Iesato’s recommendation

sold immediately. My mother, who was not prepared to give up her dolls, had to rush out and buy them back. Even though she never became famous, the more she exhibited the more her name acquired a certain cachet among people in the doll making world, due to her dolls’ special aesthetic appeal, her ability to imbue them with a sense of Edo style and a contemporary relevance. At the age of sixteen, she had moved from Osaka to Tokyo with the desire to become a painter and for a while she studied Western painting under the famous artist Okada Saburosuke. Though she did not become a painter, the doll making she took up in her middle age was more than a hobby: it was her chosen medium for artistic expression.

Seeing that I am nearly finished with the installation, Morohashi approaches, mobile in hand, and suggests that we call the director of the museum, Despina Zernioti. This is someone I have yet to meet, and I am delighted. I quickly tidy up the empty boxes, and present the museum assistants with the small gifts I’ve brought with me from Japan. Such gifts always go down well and when I am in Japan I always make a point of keeping my eye out for suitably interesting items.

Director Zernioti arrives, a glamorous woman with large eyes and a dynamic manner. She visited Japan in 2009 to open a special exhibition at the Edo Tokyo Metropolitan Museum featuring works from the Corfu

Young Girl

Museum. The key object of that exhibition was a fan painting by the artist Tōshūsai Sharaku. Its authenticity had been confirmed by a survey involving Japanese art history experts including Professor Nicole Coolidge Rousmaniere, the Sainsbury Institute’s research director, and Professors Kobayashi Tadashi, currently director of the Okada Museum of Art, Hakone, and Kawai Masatomo, currently director of Chiba City Museum. The discovery of the fan helped resolve a long scholarly dispute about whether Sharaku actually existed, but what amazed Japanese visitors was the number of exceptional pieces of Japanese art that now reside in Greece.

The Sainsbury Institute, which is located

in Norwich, England, supports a range of Japanese art research in Europe: I held an exhibition of my mother’s dolls in Norwich in 2012 thanks to its support. I asked then about the possibility of holding a similar exhibition at the Corfu Museum of Asian Art, and the Sainsbury Institute subsequently secured the funding to enable it to happen with the generous support of the Toshiba International Foundation. I have much to thank the Sainsbury Institute for. And two people in particular: Mizutori Mami, the Institute’s executive director, and Morohashi Kazuko, the research and public relations officer.

Zernioti walks through the exhibition rooms, clearly pleased with the displays. ‘Your mother’s dolls are masterpieces!’ she says. ‘Even more

Grandchild and Grandmother (left); The Birth of a Grandchild (right)

beautiful than I imagined.’ I am deeply touched, and thank her. The dolls are always received well by women directors of museums, and the directors I deal with do tend to be women. Of course men are enthusiastic too, but I can’t help suspecting that swords and armour might excite them more. In Europe, I notice, women visitors to museums seem to outnumber the men, though not to the same degree as in Japan. At exhibitions of my mother’s dolls, each an exquisite work of art, the number of visitors usually increases daily. This makes my heart feel easier – It’s a relief if a little financial benefit can accrue to the museums that show my mother’s work. More importantly for me, it helps me to honour my mother’s memory. Look how many new people we are getting to know

through these encounters. Can my mother see me with Zernioti now – did she hear her warm words? Mother, the director of this museum said your dolls are ‘masterpieces’… Surely such praise must touch my mother’s soul.

Doll making

‘Her life is her art,’ I would think to myself when I observed my mother absorbed in doll making at her desk. My mother always loved solitude, much preferring her own company to the company of others, wanting nothing other than to spend time making her dolls. Immersing herself in her own world, a place where she needed nothing else, and nothing else existed – a special space where she could express every emotion and thought – and even, perhaps, create a new self. The dolls would spring forth from her hands, perfectly idealized, graceful creatures shaped in the form of human beings. Her creations varied over the years – the earlier ones young, beautiful, delicate women, the later ones older, more mature women of compassion, women with a certain quietness and contemplative grace. And perhaps these creations came easily to my mother. The little figures already existed in her imagination and just needed to be brought to life through a process of dialogue with her own soul. Quietly, discreetly, they took shape on her desk, to stand there shyly in the light. An artist who enjoyed silence, who sought to create works of art that could communicate in a way that was beyond words, telling limitless stories… That is who my mother Ohno Hatsuko was. As I write these words, countless memories of her flood my thoughts.

But strange to say, when my mother finished

Hand Mirror

a doll, she would simply wrap it in paper, put it in a box, and store it away in a closet. Only rarely did she take a doll out of its box to show to friends or visitors. When I asked her why this was, she replied that she wasn’t making her dolls in order to show them off to people or to get compliments. When she did exhibit, she would do so quite reluctantly, at the fervent pleading of her teacher Iesato. The only exhibitions in which my mother took an interest were the traditional Japanese crafts exhibitions, which were of a different order to the usual department store exhibitions. ‘I did not make my dolls so they could be objects of commerce,’ she would say, and on reflection I understand her qualms.

Corfu Museum of Asian Art

Director Zernioti takes us on a guided tour of the Museum. The group includes eight friends who have travelled with me from Japan, as well as Mizutori Mami, executive director of the Sainsbury Institute, who has just arrived from the UK. Corfu is an island of superb natural beauty situated at the mouth of the Adriatic Sea. It is associated with the legend of the Phaeacian princess Nausicaa in Homer’s Odyssey, and has a rich history. The historic old town of Corfu city was designated a UNESCO World Heritage Site in 2007. The Museum of Asian Art is hard to miss as it is housed in a magnificent building atop a small hill in the heart of the old town. The frontage boasts a Doric colonnade and grand archways which form a passageway along one whole side of the building. In one of those archways hangs a huge banner announcing our exhibition – I saw it on my way up to the museum. The palace originally served as the

residence of the Lord High Commissioner but was also home to the Ionian Senate in the early nineteenth century, when Corfu was under British rule. While its stone exterior has weathered to a greyish tone, its interior remains grand and beautiful, with tasteful furniture and fittings. It has been a venue for several important official diplomatic events, including a summit meeting of the EU and a meeting of the UNESCO World Heritage Committee.

Zernioti explains, as she takes us up the ornate staircase in the grand entrance hall, that the main art collections are on the first floor, but some of the rooms are being refurbished and are therefore closed to visitors. The first floor comprises a single large circular parquet-floored room, the Rotunda, with adjoining rooms. Every feature in the rooms is superbly well preserved. The collection includes works from Japan, China, Korea, Nepal, Tibet, Pakistan and India. But at its heart, as Zernioti explains, is the collection named after Gregorios Manos, the man who first provided many thousands of artefacts for the museum, mainly Japanese and Chinese works of art. This is the first and only national museum in Greece dedicated to East Asian art. Each and every one of the artefacts is catalogued, and the display environments are fitted with equipment carefully monitoring temperature and humidity. The collection speaks of the highest standards.

Folding screens, prints, ceramics, lacquerware, inrō… Ukiyoe prints are especially abundant, with examples from the early, mid and late Edo period. Particularly noteworthy are two sets of folding screens: one by Kanō Katsunobu and Kanō Okinobu, the other by Kanō Sanraku. The range and quality are breathtaking. The

ceramics include superb examples of Kokutani, Nabeshima, and Kakiemon ware, as well as pieces by Nonomura Ninsei and Ogata Kanzan. The lacquer ware is also exquisite.

We get a sneak preview of a new Japanese tearoom that is currently being installed, though the dimness prevents us from seeing it in much detail. Zernioti tells us that she is determined to create an authentic Japanese space, since Japanese objects have an intimate relation with their environment. Ideally, her wish would be to build a Japanese garden as well, but that will probably be impossible. At the end of the tour we get a special viewing of one of two paintings that have been confirmed as the work of Sharaku, recently miraculously discovered here. The painting seems less than overwhelming to my untrained eye. The Chinese art collection in the museum, however, is truly striking – the evident respect shown to Chinese civilisation only to be expected, perhaps, in Greece, the fountainhead of art in Europe. Even without seeing the completed renovations, we are left in no doubt that the Corfu Museum is one of the top museums in Europe dedicated to Asian Art.

Once we finish the tour, we stroll into the old town for lunch – a lively affair, with my eight friends from Japan, the two members of the Sainsbury Institute, Zernioti and myself. Corfu’s traditional cuisine is Mediterranean with a strong Italian flavour due to historical ties with Venice. Sitting around a table cluttered with dishes of octopus and prawns, we delight in our first taste of the local flavours. After lunch I return for a short while to the hotel, to rest. Installing dolls is very mentally taxing. In just a few hours I will be giving my presentation on the doll culture of Japan. As I relax in my quiet hotel room, the

portrait of Gregorios Manos that we saw in the museum floats up in my mind.

Gregorios Manos

Gregorios Manos, a prodigious art collector, was the man who was the inspiration behind the founding of the Corfu Museum. Born into an aristocratic family, he worked as a diplomat, and was the Greek Ambassador to Austria. All his life he collected art from Japan and China, never marrying and spending his entire fortune on collecting. Donating his entire collection to the Greek State, he asked the government in return to establish a museum of Asian art in Greece – insisting that the beautiful Palace of Saint Michael and Saint George be opened as a museum, and requesting that he become the first director and live in one wing. He died penniless.

What is interesting about Manos is that he never set foot in Asia despite his obsession with Asian art. He obtained his objects at auctions and from dealers such as Siegfried and Michael Bing and Hayashi Tadamasa in Vienna and Paris over several decades at the turn of the nineteenth century into the twentieth century. At the start of the Meiji period in Japan, there was little industry to speak of, but ironically what generated foreign-currency income were art objects, including vernacular items, produced during the flowering of culture in the Edo period (1615-1868). Ceramics, lacquerware, folding screens, metal sculptures, textiles, and accessories such as inrō and netsuke were all the rage in the West. Owning objects of art and knowing about the culture of Japan was a mark of high culture in Europe at this time – a curious idea to consider, perhaps, as a contemporary

The different expressions of Hatsune

Japanese. Though the Bing brothers and Hayashi Tadamasa were busy selling Japanese art works, they also tried to teach Europeans how to appreciate the artistic value of the objects.

As a person of culture Manos mixed with art dealers as a matter of course, but he must also have had a particularly strong personal attachment to these beautiful objects that came from a faraway place that he never visited. Greece was a country that occupied a peripheral position in Europe and it only joined the ranks of nations in the mid nineteenth century (rather like Japan, which did so just a little later), even though ancient Greek civilization had shed its light over all European culture. Perhaps Manos was inspired to create an art museum out of the desire to contribute to the cultural progress of his country by introducing artefacts from a completely different culture to his own. After Manos donated his collection to the museum, it received gifts from numerous philanthropists to become what it is today.

Sacred pilgrimage

I began my own journey in art after reaching the age of sixty. Inspired by my mother’s dolls, I have been travelling, like a pilgrim, to the sacred places of Asian art in Europe, to pay my respects to all the great treasures from Japan that sit in dignified silence inside glass cases. In such silence I seem to find myself surrounded by words – sometimes the words of museum directors and curators, sometimes the words of collectors who have long since passed away – all lovers and devotees of Japanese art, passionately collecting, exhibiting, protecting and conserving, like monks or saints

who dedicate themselves to serving a chapel of beauty. My encounters with these people always leave me with a deep feeling of admiration. They purify me. And perhaps, ultimately, these pilgrimages I make bring me closer to my mother.

Nowadays, I feel as if I can understand why she was so unwilling to show her dolls. She wanted them to be shown only to people who could understand their beauty, who could truly distinguish between the genuine and the spurious. And surely in these places, these museums, there are people who can understand what she was about. Perhaps this is why her dolls seem to fit in these places so quietly and easily. Here I feel the same kind of calmness and quiet that used to exist in my mother’s atelier all those years ago. My mother must have dreamt of showing her work, she must have wanted to hold a solo exhibition, she must have wanted to show what exactly was unique about her artistry.

What stopped her were doubts about whether she had sufficient numbers of dolls, a sense of uncertainty about the originality of her art – and there may also have been a certain complexity of feeling regarding Noguchi Sono’o, the only contemporary artist she saw as a rival. But while Noguchi imbued her dolls with a sense of karumi, or lightness, prized by artists and poets in Edo times, Ohno gave her dolls iki, an elegance and stylishness associated particularly with the ‘floating world’ of Edo, as well as a refined contemporary feeling. There is something subtle and understated in Ohno Hatsuko dolls, like the jiuta-mai of the renowned traditional Japanese dancer Takehara Han. Both Noguchi and Ohno pursued a highly concise,

rigorous mode of expression, which brooked no compromise. Even when seen from the back, the dolls had to project a vision of beauty –the line of the neck and the back collar being particularly important. Ohno’s deep passion for dolls continually pushed her to create, but her efforts were tragically cut short by illness. There is a certain poignancy in her story.

Preparations for the opening night

I awake to find it is evening – time has rushed by. Tonight an opening reception is being held at the Museum, prior to the doll exhibition opening tomorrow, and I will be giving a talk on ‘The history of Japanese doll culture and the Artistic Doll Movement.’ When I arrive at the museum, one of my friends, Torii Akane, fifth Grand Master of the Senshinryū school of flower arrangement, has just finished arranging flowers in the grand entrance hall. She bewails the lack of suitably imposing foliage at the local florists, but the arrangement she has created in a large Shigaraki vase that she brought with her from Japan sets off the surroundings admirably. A slender young lady, Torii speaks several languages.

In one of the other rooms is another friend, Uchino Michiko, from the Urasenke tea school: she is concentrating on preparations for performing a tea ceremony, which is also to be offered to visitors. To my delight, the museum has decided to place a pair of magnificent, gold folding screens from its collection behind the place where Uchino will conduct the tea ceremony. The screens will add to the atmosphere and provide a splendid backdrop to Uchino’s graceful pale pink kimono. The sense of excitement is palpable. The aim is to

introduce Japanese culture through dolls, tea and flowers.

My other friends have also returned to the museum: on our short flight to Corfu yesterday, we saw a feature article in the inflight magazine on the doll exhibition at the Corfu Museum of Asian Art, and so we have high hopes for a large audience. I am so grateful to these friends for their moral support. Mizutori and Morohashi are in a meeting with the museum staff. The evening will begin with an introduction from Zernioti, to be followed by a short speech by Mizutori. Torii will give a talk on the practice of flower arrangement, my presentation on dolls will follow, and Uchino will then conduct her tea ceremony. To accommodate the setting, she will prepare tea for participants sitting at a table rather than on the tatami. I am introduced to Morohashi’s husband, Dr. Ralph Paprzycki who will take photographs of the evening’s events.

Dolls as artistic expression

Japan is the only country in the world where doll making is an officially recognized art. Recognition for dolls started with the Artistic Doll Movement, which arose early in the Showa period (1926-1989). This is what I usually open with in my lectures. The aim of the Artistic Doll Movement was to change people’s attitudes to dolls by both a qualitative improvement in doll making practice and more social recognition for doll makers as artists. Specifically, the aim was to get dolls included in the applied arts category of the official, state-controlled Teiten, or ‘Imperial Exhibition,’ an annual event that was hosted by the Imperial Academy of Art and under the remit of the then Ministry of Education. In 1936 these efforts yielded success, and doll making was

acknowledged both nationally and socially as an art form. However, in the West dolls tend to be regarded simply as toys, and only rarely become the subject of academic research, for example on cultural history. It is this difference that provides me with my starting point. My central question is usually ‘Are Dolls Art?’ My hope is that the combination of actually seeing my mother’s dolls and the information I give in my presentation will change people’s assumptions. Dolls, like sculptures, involve modelling media into a human form. Both dolls and sculpture had their origins in sacred contexts but over the centuries they evolved into other things: objects of appreciation by adults, and toys and playthings to be used by children. In ancient Greece, sculpture became the object of aesthetic appreciation, a way of thinking that spread all over Europe. This resulted in sculptures coming to occupy pride of place, along with painting, in art. In Japan, Buddhist sculptures were objects of religious veneration, and weren’t appreciated as art. What developed instead, rather uniquely, was a culture of appreciation of dolls. The magnificent sculptures of the Western civilization are the result of cultures accustomed to working with stone. One might compare these sculptures to hardy fruits grown on rock-solid soil. In contrast, in Japan, our dolls grew out of something more organic –more delicate and plant-like. Our dolls are like fine little flowers, growing in amongst the trees and rushes we use to make our tea-houses, tatami mats and sliding paper doors.

The history of dolls and hitogata

The history of dolls in Japan goes back to prehistoric times with the curious figurines

known as dogū and haniwa. However, the direct ancestors to dolls as we know them now are the hitogata, which appeared in roughly the fifth century. Hitogata were objects resembling human figures designed to serve as substitutes for gods or for humans. Many major shrines in Japan still hold rituals on certain festival days involving paper hitogata, which are distributed to worshippers in order for them to metaphorically transfer any ailments or impurity on to them. The hitogata are then thrown in the sea or into a river. A white-robed Shinto priest conducts a purification rite, places the hitogata on to a special boat, and takes it to the water’s edge and releases it. The idea is that the hitogata shields and protects human beings from illness and other calamities. Hitogata can also serve as a physical manifestation of a local kami, or god, and they are often placed at the top of a festival float as the central figure of worship. The photos of hitogata which I show in my PowerPoint slide show never fail to amaze my audience. In Japan many ancient traditions involving the use of hitogata are still being practiced today.

In the Heian period (794-1185) hitogata started to figure in children’s games and amusements, and they gradually metamorphosed into toys or playthings. It was in the Kamakura period (1185-1333) that people start to refer to these playthings as ningyō (literally ‘human shape’), the word that is used for ‘dolls’ today, and their forms gradually became more refined. In the Muromachi period (1333-1615), official records show that dolls were used in courtly and shogunal ritual ceremonies held at various points in the year, and also to entertain guests, to demonstrate their social importance. However, it was in

the mid- and late- Edo period (1615-1868), just about three hundred years ago, that dolls experienced their greatest rise in popularity.

Sekku dolls in Edo-period Japan

The culture of Edo is commonly associated with kabuki and ukiyoe woodblock prints, but dolls figured very prominently as well. This is mainly due to the fact that two of the five official seasonal festival holidays, or sekku, that were laid down by the Edo government – the Tango no sekku and the Hina no sekku (now Boy’s’ Day and Girls’ Day, respectively) – were doll-related. The sekku festivals were held at the change

of a season and involved making offerings to the gods associated with a particular season and praying for good health and prosperity. On the festival days, farmers would take the day off work in the fields. Dolls served an important role in the rituals that took place in these festivals, as well as in rice harvest festivities. While kabuki and ukiyoe were forms of entertainment enjoyed by adults, festivals featuring dolls could be enjoyed by the entire family, with children and adults participating. People visited the homes of their friends and neighbours to view their dolls, special sweets would be given to children, and the adults would give each other

Clockwise from top left: Mori Mika; Dame Despina Zernioti, Director of Corfu Musuem of Asian Art; Master Uchino Michiko, from the Urasenke tea school ; and Torii Akane, fifth Grand Master of the Senshinryû school of flower arrangement

poems – it would be one big social occasion. But importantly, even though these two sekku festivals were ones in which people prayed for the health and happiness of their offspring, the dolls that featured in them were not children’s toys, but were made especially for the occasion, solely for appreciation and display. The reason why Japan developed a culture of doll making specifically for visual enjoyment is largely due to the role that dolls played as visual objects in these sekku festivals.

In my presentation, I show a great number of images of dolls from the Edo period. The popularity of dolls at this time accelerated the development of doll making: doll makers and vendors formed professional groups, and certain towns and cities became famous for doll making. As the industry flourished, dolls made in Edo and Kyoto were distributed nationwide. People’s taste became more refined, and more and more dolls of high aesthetic value were created. All levels of society, from the Imperial family to farmers started to celebrate the seasonal festivals with displays of dolls. Hina dolls were an especially important part of a young woman’s dowry and symbolised the bride’s family wealth and social class – the miniature furniture and accessories accompanying the dolls supposedly mimicking actual counterparts and showing the wealth of her family. With time, these displays became even more elaborate, and the authorities had to issue edicts forbidding such unnecessary extravagance. All this gives us an idea of the rich cultural traditions of the townspeople in the Edo period. Dolls were one of the special delights arising out of the peaceful flowering of the arts at this time.

Pre-modern dolls and the Artistic Doll Movement

The twentieth century saw the rise of the Artistic Doll Movement and the recognition of dolls as an art form. The growing importance of dolls was related to the emergence of new social classes in the Meiji era, which led to more types of dolls being produced. However, these new dolls were commercial objects. What really contributed to the growing recognition of dolls’ artistic importance was the participation in the movement by numerous artists and recognised cultural figures.

At the start of the Meiji era, the waves of Western ideas on art that flooded Japan led to painting and sculpture being accorded official recognition as ‘fine arts,’ and, a little later, other crafts as ‘decorative arts.’ A system of submitting works to the Imperial Exhibitions gradually came into place. However, dolls and doll making were left out of this system – and the reason for this was that dolls were not considered a proper form of art in the West. The Japanese art establishment was basically copying the West. However, this dissatisfied many members of the intelligentsia who could appreciate dolls, and they lent their voices to the Artistic Doll Movement. This in turn stimulated numerous doll masters, artists, craftsmen, and amateur enthusiasts to try their hand at making all kinds of new dolls. The question of whether dolls and doll making should be recognised as an art form became a topic of discussion among cultural critics, artists and intellectuals, and was also taken up by the mass media.

Defining Artistic Doll

The renowned doll maker Inotani Shunpō outlined some of the most important principles of doll making in a booklet he published in 1935. ‘The art of making dolls,’ Inotani wrote, is no different from painting or sculpture. The dolls must act as intermediaries that communicate the objective and subjective idealism held by the artist to the viewers. The dolls must have artistic aesthetic elements. Further, they must have original expression rather than merely being imitations of past examples. While art can be a copy of or an idealized form of nature, it must go through the lens of the individual. A work that is without discernable individuality is worthless. In addition, the dolls must have their own unique attributes.

The dolls must possess a unique emotional condition that the viewers should be able to experience. And finally, while the practice of making dolls should exemplify classical aesthetic beauty, the dolls must also adopt contemporary ideologies and be relevant in a modern context. When we respect these aspects of artistic dolls, we find their true significance.

Inotani made the additional observation:

‘Meaningful art contributes to the prosperity of a nation, while bad art deprives a nation.’ The statement reflects the high expectations that Japanese people had of doll culture in the prewar period. This is how passionately people at the time thought about dolls.

Criticisms of Artistic Doll

The question of whethr or not to acknowledge dolls as art was, however, a fraught one. The Edo period had already seen the production of some outstandingly beautiful dolls. Costumes made from the very finest cloth, beautifully and carefully created heads – every feature about the dolls had to be of the most superb quality, capable of pleasing the most discerning clients, who included members of the Imperial family, aristocrats, shoguns, daimyo and hugely wealthy merchants who wanted to decorate their homes with exquisite objects. But such dolls often seemed strikingly otherworldly, even frightening, to modern sensibilities. Some people argued that the associations of dolls with folk belief and children’s pastimes made them unsuitable objects for modern, intellectual appreciation. Additionally, the face and costume of the dolls were often rendered in a very cursory fashion, as in traditional Japanese painting, with the body a flat, two-dimensional form. The lack of any noticeable anatomical characteristics led to the criticism that the dolls lacked individuality. Further, whereas in traditional doll making different parts of the dolls – the head, the clothing – would be made separately by different craftsmen, modern doll making assumed that a single individual would make the entire doll. For a single artist to work on a doll from start to finish, following his or her own conception, required a complete change in mental attitude. This, combined with the change in expectations about what the dolls should express – something non-human, or something human – required a huge leap of the imagination.

Demonstrating One’s Strength

Emerging attitudes

But in recent years expectations surrounding dolls have relaxed. People have begun to look for a whole array of other meanings and possibilities in them. Some people see dolls as reflecting two opposing ideas at the same time – life and death, light and shadow, while some people see dolls as occupying a space between stillness and movement, and others claim to enjoy the ‘afterglow’ that they exude. Some see dolls as conveying a sense of a single moment within eternity, others as conveying eternity within a single moment, still others see dolls as bringing a poetic breeze into people’s lives, and so on. They really seem to inspire a whole range of ideas and reactions. The most observant enthusiasts point out that doll making requires a keen sensitivity to and awareness of human nature.

It is also, they say, a total art form, one that requires the artist to use a multiplicity of different artistic skills, and a variety of quite different media. Sometimes it is pictorial. Sometimes sculptural; sometimes it involves craftwork, sometimes costume design. This is what sets doll making apart from other decorative arts, and what give it its special appeal.

So what do the doll makers themselves say?

The sculptor Hirata Gōyō, who was also a doll maker, commented that ‘Dolls are not just things that convey or portray something else. They should have meaning in and of themselves.’

The doll maker and poet of the Araragi school

Kagoshima Juzō compared dolls to literature. The largely self-taught doll maker Hori Ryūjo famously said that ‘dolls have souls (kokoro)’ – and by this she meant the contemporary notion of ‘soul’, rather than the idea of ‘spirit’ as

in black magic and similar practices. Noguchi Sono’o, another student of Hori’s, said that when she made dolls it was because she wanted to ‘write poems – poems about pain, sorrow and sadness.’ The doll and puppet maker Tsujimura Jūsaburo put it well when he said: ‘Even though the dolls live in darkness, a world where they are unable to hear, speak or see, they still spin their illusions.’ Such creative ideas have provided the impetus for all kinds of totally new dolls being created in the modern age.

Dolls are sometimes compared to sculptures, which can be either still and introspective, or dynamic and expressive. With sculptures, the proportions tend to be intellectualized, all excess pared away. What gives a work its particular rhythm is its

Grandmother, Ohno Hatsuko

overall balance and harmony, and the correct expression of muscular tension and ease, which also suggests something of the model’s state of mind. With dolls, on the other hand, the expression is in the fine details – the way the hair lies, the folds in the cloth of the doll’s robe, the movement in the fingertips – which add to the sense of beauty and presence. One might say that sculptures are a strong, masculine form of art, while dolls express something altogether lighter and more feminine – like nymphs resting briefly by a lake. Dolls are the epitome of omomuki, a sensitive, elegant, graceful aesthetic that has been nurtured in Japan from olden times.

While the ancient Greeks expressed an idealised human form in marble, contemporary Japanese use dolls to portray a range of sensibilities in materials such as wood, cloth and paper. The need for a range of emotions is probably what sets contemporary dolls apart from traditional dolls. But sculptures and dolls have progressed on completely different vectors – which is why dolls have a particular, unique beauty that cannot be expressed in any other form of art.

The dolls of Ohno Hatsuko

My mother Ohno Hatsuko was a doll maker who emphasized the tatazumai of dolls. Tatazumai is a difficult word to translate into English, but it implies an outer form that is imbued with ambience, or ‘atmosphere.’ For example, a sense of stillness that still speaks of movement, or rhythm. This rhythm is what gives the dolls their life pulse. The facial expression is kept to a minimum, the eyes and nose limited to the merest of strokes, allowing the sheer presence

Woman Coming Her Hair (top); Turning a Deaf Ear (bottom)

of the dolls to speak. If the artist succeeds, the doll comes alive, conveying a particular emotion, or a particular instant of human drama. Dolls can fall in love, they dote on children, they find joy in the changes of the seasons, or they can simply sit there in meditation… In their little forms resides a beauty that is more than physical: it is spiritual. My mother used to tell me that it was for this reason that she loved making her dolls.

So, are dolls art? In my presentation, I show a series of artistic dolls ranging from ones made in the modern period to the contemporary period. The audience seems surprised and fascinated by their sheer variety, and how different the modern dolls seem in comparison to the traditional ones. When I finish my talk, they show their great appreciation with enthusiastic applause. It seems that many people have yet to discover that Japanese dolls are not simply pretty and exotic decorative figures, but a unique form of art that is capable of conveying a whole range of human ideas and emotions.

At the end of my presentation, people in the audience make their way to the gallery to go and look at the dolls. I watch quietly as the visitors file in to the rooms. Each doll presents itself for observation, lit under a spot light. The people gaze at the dolls with warm, serious expressions on their faces. I catch sight of a shadow flitting across the glass cases. My mother, perhaps... Quietly, discreetly, without saying a word, I take my leave of the exhibition gallery.

Ohno Hatsuko

略歴

Ohno Hatsuko 大野初子

1915 大阪に生まれる

1931 東京の岡田三郎助洋画研究所に通う

1933　 銀座の洋装店にて服飾研究 １９３３年より１９４５年までさまざまな人形を作る

1935 結婚

1950 家里美智子に桐塑技術を習うが中断

1962 家里塾に再入門

1965~ 伝統工芸点、現代人形展などに多数出展

1982 他界

Biography

1915 Born in Osaka

1931 Attends the Western style Painting Academy run by Okada Saburosuke in Tokyo

1933 Studies fashion design at Western dressmaking shop in Ginza

Begins making a variety of dolls until 1945

1935 Marries

1950 Studies powdered paulownia molding doll making technique (tōso) under Iesato Michiko, but later suspends her studies

1962 Re-enters the Iesato Academy

1965 Begins participating in many traditional craft exhibitions and contemporary doll exhibitions

1982 Dies

略歴

Mori Mika 森美可

Biography

1942 東京に生まれる

1963 聖心英語専攻科卒業

1966 結婚

1984 外務省大臣賞受賞

2007 人形写真カタログ「大野初子の人形」出版

2015 エッセイ「漕ぎだす船、人形の旅」出版

役員 株式会社宗弥代表取締役

Soya International 代表 International Friendship Exchange Council 理事 日本エッセイストクラブ会員

1942 Born in Tokyo

1963 Graduates with an English degree from Sacred Heart College

1966 Marries

1984 Receives the Minister’s Award from the Ministry of Foreign Affairs, Japan

2007 Publishes Doll Collection of Ohno Hatsuko

2015 Publishes a collection of essays, ‘To set sail, the journey of dolls’

Professional Memberships

President, Soya International Company

Representative, Soya International Board member, International Friendship Exchange Council

Member, Japan Essayist Club

これまでの展覧会と講演

Past exhibitions and lectures

History of Doll exhibition and “The history of Japanese doll culture and the artistic doll movement” lecture

2004 Glass Pyramid Gallery (Budapest, Hungary)

2005 Cultural Center of Japanese Embassy (Warsaw, Poland)

2006 International Confederation of Artists Union (Moscow, Russia)

2008 Museo d’Arte Orientale di Venezia (Venice, Italy)

2008-9 Silberkammer & Sisi Museum Hofburg (Vienna, Austria)

2009 Sieboldhuis (Leiden, Netherlands)

2010 The Nippon Club (New York, USA)

2011 Musée des Arts Asiatiques (Nice, France)

2011 Maison de la culture du Japon à Paris (Paris, France)

2012 Museum of Far Eastern Antiquities (Stockholm, Sweden)

2012 The Assembly House (Norwich, UK)

2013 Museum of Asian Art, Corfu (Corfu, Greece)

2014 Museo d’Arte Orientale - Edoardo Chiossone (Genova, Italy)

2002 Residence of Japanese Embassy (Dakar, Senegal)

2003 Residence of Japanese Embassy (Hanoi, Vietnam)

2004 Residence of Japanese Embassy (Ankara, Turkey)

2008 Palace (Tirana, Albania)

2010 Tbilisi University (Tbilisi, Georgia

2010 Doll Theater of Baku (Baku, Azerbaijan)

2011 Oriental Museum (Nice, France)

2011 Gallery of Dona Maria 11 Theater (Lisbon, Portugal)

2012 Chamber of Commerce and Industry (Riga, Latvia)

2013 Residence of Japanese Embassy (Bishkek, Kyrgyz)

Mini doll exhibition and lecture

「生きることは自分を表現するこ と・・・」仕事机に身を屈めなが ら熱心に人形を作り続ける母の姿 を見て、私はよくそう思った。

‘Her life is her art,’ I would think to myself when I observed my mother absorbed in doll-making at her desk. —Mori Mika—