Revista Keyboard Brasil número 38

Edmundo

Villani-Côrtes: A escola sou eu!

TROPICÁLIA: UM CALDEIRÃO CULTURAL:

EXPOMUSIC:

Entrevista com o autor Getúlio Mac Cord

O que precisa melhorar na maior feira da América Latina

FREDDIE MERCURY: JULIANA D’AGOSTINI: E o projeto de música popular

Homenagem aos 70 anos da lenda do Rock

Revista

Keyboard ANO 3 :: 2016 :: nº 38 ::

:: Seu canal de comunicação com a boa música!

Brasil

Editorial Mês de Expomusic é uma loucura! Correria para lançar a edição desse mês e os preparativos para os 5 dias de muito trabalho. Com a pior crise econômica dos últimos tempos e o pouco interesse dos visitantes na feira anterior, era de se esperar uma posição dos organizadores da maior feira do segmento musical da América Latina. Por isso, este ano ela chega assim, mais encorpada, trazendo muitas novidades para os músicos e profissionais do setor. Ponto positivo para a Abemúsica e a Francal. E o que os leitores encontrarão na edição desse mês? Através do grande trompista e maestro Angelino Bozzini, a edição de número 38, traz na capa uma merecida homenagem a Edmundo Villani-Côrtes, maestro, pianista, doutor em Música, vencedor de 7 prêmios APCA e possuidor da cadeira de número 11 da Academia Brasileira de Música. E o que mais?

Sabendo que nosso objetivo é divulgar os bons sons e o melhor do mundo da música, preparamos uma matéria especial para recordar uma das lendas do Rock mundial que faria 70 anos caso estivesse vivo: Freddie Mercury.

Além dessa homenagem, apresentamos o trabalho de grandes músicos, de estilos diferentes, como é o caso dos brasileiros Tom Drummond, Carlinhos Fofão e Juliana D'Agostini, do norte-americano Charly Coombes e do cubano Luis Lugo. Seguimos com a segunda parte dos músicos de vanguarda brasileiros e, de presente, um CD link. As dicas para montar um home studio, abordando os monitores. A volta da coluna de Sergio Ferraz discorrendo sobre o Nacionalismo na Música Erudita. O que precisa ser melhorado na Expomusic na visão de Luiz Uhlik.

Interessante também é o tema da coluna de Hamilton de Oliveira, trazendo Tina Turner e os sintetizadores da

sky iela Tavian Capa: Dan

Expediente

Heloísa Godoy Fagundes - Publisher

década de 1980. As dicas de leitura com o maestro Osvaldo Colarusso e uma entrevista com o escritor do livro Tropicália: um caldeirão cultural. São 124 páginas de informação e muita música! E, se você também acredita em Miles Davis - autor da célebre frase “existem apenas dois tipos de música, a boa e a ruim” -, continue com a gente.

Desejo a todos uma excelente leitura!

Setembro / 2016

Revista

Keyboard

Brasil

Editora Musical

Revista Keyboard Brasil é uma publicação mensal digital gratuita da Keyboard Editora Musical.

Diretor: maestro Marcelo D. Fagundes / Publisher: Heloísa C. G. Fagundes Capa: Daniela Taviansky / Caricaturas: André Luiz / Marketing e Publicidade: Keyboard Editora Musical Correspondências / Envio de material: Rua Rangel Pestana, 1044 - centro - Jundiaí / S.P. CEP: 13.201-000 / Central de Atendimento da Revista Keyboard Brasil: contato@keyboard.art.br As matérias desta edição podem ser utilizadas em outras mídias ou veículos desde que citada a fonte.

Matérias assinadas não expressam obrigatoriamente a opinião da Keyboard Editora Musical.

04 / Revista Keyboard Brasil

Ulik não concordo com seu artigo, o que falta para estudar e aprender música é o aluno ter paciência! Um instrumento musical qualquer que seja requer paciência e treino. Você não precisa inventar a roda, tem que aprender teoria musical, escolher o instrumento do seu gosto, sua afinidade e se dedicar treinando todo dia. Como um idoso consegue aprender a escrever no celular? Ele consegue porque faz isso o dia todo!

Se ele fizer um acorde maior ou menor junto a uma pequena melodia o dia inteiro, no dia seguinte ele estará tocando perfeitamente aquela música! Então, não tem que inventar um a metodologia extremista, abolindo a teoria musical, usando cores, usando símbolos, sendo que os símbolos já estão inventados, estes são as notas musicais. A metodologia que não é furada é a tradicional. Como Beethoven aprendeu música??? Com cores?? Graças ao conhecimento musical temos guardado praticamente toda a obra musical da Bossa Nova! Pois seus compositores sabiam escrever música. Já outras composições brasileiras musicais se perderam no tempo por não terem tido um registro físico. A partitura é a poesia no papel. É fácil falar que a metodologia aplicada não funciona, mas vá para a China e veja como os pianistas aprendem a tocar! É do mesmo jeito há mais de 200 anos. O que faz a diferença? O povo chinês tem paciência. Como diria o saudoso professor e filósofo Ricardo Rizeque "um jogador de vôlei que não quer usar a bola, está fora do jogo! Na música, é a mesma coisa, com aquele indivíduo que não quer aprender teoria da maneira certa".

Game off. (Referente ao artigo Por que as pessoas não se interessam mais por música, de Luiz Carlos Rigo Uhlik, edição de agosto, numero 37). maestro e professor Marcelo Dantas Fagundes – via email Não sou muito fã da Cássia Eller, mas respeito a memória dela. Lembro que regravava várias músicas do saudoso Cazuza e as cantava muito melhor do que o próprio, tanto que fez um belíssimo disco só com músicas dele "Veneno Antimonotonia" (1997), para mim o melhor disco de tributo a um artista brasileiro em todos os tempos. (Referente à matéria da sobre Cassia Eller, escrita por Marina Ribeiro, na edição de julho, número 36).

Igor Maxwel – via G+

Espaço do Leitor Matéria bacana de um cara mais bacana ainda!!!

(Referente à matéria da seção Perfil com Rogério Rochlitz, na edição de julho, número 36).

Gisele Brandão Ribeiro Mendes – via Facebook Gostaria aqui de agradecer imensamente ao Amyr Cantusio Jr., por ter incluído meu trabalho na sua matéria da Revista Keyboard Brasil sobre a música eletrônica vanguardista brasileira me colocando em meio a Eloy F. Fritsch, Arthur Joly, o próprio Amyr, Edgar Franco, Gustavo Jobim entre outros... Valeu demais !!!! Leiam a revista on line no link. (Referente ao artigo sobre a música de vanguarda, escrita por Amyr Cantusio Jr. na edição de agosto, número 37).

Sergio Ferraz – via Facebook QUE REVISTA MARAVILHOSA!!!! Ah, como gostaria de estar nela também...

Aloysio Rachid – via Facebook Amigo Hulik, concordo com você. Sou professor de música e comecei a tocar acordeon de ouvido.

Mais tarde passei para o teclado arranjador e, bem mais tarde, resolvi estudar música. Hoje, toco de ouvido, leio e escrevo partituras. Meu sistema de ensino começa pelo ouvido e se o aluno deseja tocar por partitura deixo a critério dele, hoje tenho somente uma aluna que é pianista concertista formada em conservatório, ela adora os arranjos que faço de ouvido e após ministrar as aulas de ouvido, escrevo as partituras. Realmente amigo, o pessoal não está interessado em tocar um instrumento musical, veja que 2 anos atrás, eu tinha 50 alunos hoje tenho somente um, também estou preocupado, acho que os tempos mudaram, não se ouve mais boas músicas melódicas, não temos mais Tom Jobim, Emilio Santiago, os que estão por aí ainda não lançam mais nada de verdadeira música, é muito triste mesmo, estamos vivendo anos de chumbo. (Referente ao artigo Por que as pessoas não se interessam mais por música, de Luiz Carlos Rigo Uhlik, edição de agosto, numero 37).

Prof. Danilo Bittencourt – via Blog A Revista Keyboard Brasil agradece a todos os comentários. Sua opinião é muito importante, seja em nossa página do facebook, no site da editora Keyboard, no blog da Revista ou por e-mail.

Revista Keyboard Brasil / 05

Índice 08 MATÉRIA DE CAPA: Edmundo Villani-Côrte - por Maestro Angelino Bozzini

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LANÇAMENTO: Andarilho e o poeta Tom Drummond - por Heloísa G. Fagundes

REVOLUÇÃO MUSICAL: Psycothronic II - por Amyr Canusio Jr.

MEMÓRIA: Tina Turner e os sintetizadores da década de 1980 - por Hamilton de Oliveira

SOBRE OS SONS: Nacionalismo na música erudita, parte 3 - por Sergio Ferraz

PERFIL: Carlinhos Fofão - por Rafael Sanit

94 HOMENAGEM: Freddie Mercury, 70 anos - por Heloísa G. Fagundes & Amyr Cantusio Jr.

A VISTA DE MEU PONTO: E então chegou a Expomusic novamente! - por Luiz Carlos Rigo Uhlik

66

72 POR DENTRO: Jualiana D’Agostini e o projeto de música popular por Virtuosi Brasile

84

82

APRENDA AGORA: Home Studio: Monitores por Murilo Muraah

54

46

60

76

06 / Revista Keyboard Brasil

AGENDA MUSICAL: O pianista Luís Rabello e a Filarmônica de Piracicaba por Virtuosi Brasile

42

ACONTECEU: VITRINE: Maximus Festival e a banda Tropicália: Um Rammstein - por Amyr caldeirão cultural - por Cantusio Jr. Heloísa G. Fagundes

58

30

26 MUSICANDO: Charly Coombes por Victoria Arari & Thaís Pimenta

OPINIÃO: Motivação Musical - por Roberto Reis

116 CRÍTICA MUSICAL: Concerto Ecos do Tempo, de Luis Lugo e Jezz Milner - por Heloísa G. Fagundes

90 NOVIDADE: Nelson Bonfin volta à Roland - Redação

120 DICA DE LEITURA: Harmonia, de Schoenberg: essencial e esquecido nas estantes - por Osvaldo Colarusso

www.beatlesparacriancas.com

Foto: Daniela Toviansky

MatĂŠria de Capa

08 / Revista Keyboard Brasil

Edmundo Villani-Côrtes A escola sou eu!

Revista Keyboard Brasil / 09

MESTRE EM MÚSICA PELA ESCOLA DE MÚSICA DA UNIVERSIDADE FEDERAL DO RIO DE JANEIRO E DOUTOR EM MÚSICA PELO INSTITUTO DE ARTES DA UNESP, O AUTODIDATA EDMUNDO VILLANI-CÔRTES OCUPA A CADEIRA DE NÚMERO 11 DA ACADEMIA BRASILEIRA DE MÚSICA E COLECIONA PRÊMIOS, ENTRE ELES, 7 VITÓRIAS NA APCA (ASSOCIAÇÃO PAULISTA DE CRÍTICOS DE ARTE), ALÉM DE SER DONO DE UM ACERVO COMPOSICIONAL COM MAIS DE 300 OBRAS ESCRITAS.

* Por Maestro Angelino Bozzini

O

aprendizado musical do compositor, pianista, maestro e arranjador Edmundo Villani

-Côrtes, 85, não obedeceu ao critério e à regularidade acadêmica. Mineiro, natural de Juiz de Fora, seu jeito de compor sempre esteve ligado à sua vida. “A

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composição surgiu para mim como forma de expressão”. afirma ao ser entrevistado pelo maestro e trompista Angelino Bozzini, para a Revista Keyboard Brasil, em uma tarde de domingo regada a lembranças, aprendizados e boas histórias.

As condições em casa o talharam para este caminho. Seu pai era contador e tocava flauta nas orquestras que faziam o fundo para os filmes do cinema mudo e em serestas, enquanto a mãe tocava piano. Ainda pequeno, Edmundo viu o pai ficar muito doente, o que abalou as finanças da família e fez com que eles tivessem de vender o piano. Mesmo assim a música continuou presente.

Foto: Angelino Bozzini

O Início...

Autodidata, Villani-Côrtes iniciou seus estudos por volta dos 8 anos de idade com um cavaquinho, observando o irmão tocar. Sua inclinação para o piano foi tardia, por volta dos 17 anos, na casa de uma tia, e ocorreu em função do nível de dificuldade e exigência artístico musical de suas obras. “Tinha vontade de fazer umas coisas e no violão não dava,” argumenta o maestro.

O convívio com o panorama musical na juventude, ocorreu principalmente através do rádio e do cinema. Naquela época as orquestras eram presentes nas rádios, nos cinemas. A música era primordial. Contudo, apesar das influências que recebeu ouvindo radionovelas onde teve contato com os clássicos como Ravel e Stravinsky como fundo, sua principal referência sempre foi ele mesmo, marca absoluta da sua personalidade.

“Naquela época, a pessoa que tocava um instrumento musical acústico tinha muito mais oportunidades para trabalhar. Os discos estavam começando a aparecer, isso na década de 1940, 1945. As orquestras eram muito importantes, as rádios tinham orquestra e cantores contratados! Havia grande oportunidade de emprego. Quando fui morar no Rio de Janeiro, em 1951/52, aos 21 anos, toquei em casas de segunda categoria. Quando fui morar em São Paulo nós, músicos, ficávamos na esquina da Ipiranga com a São João a partir das 19 horas, porque através do bate-papo saberíamos onde trabalhar.

Então era assim que conseguíamos ganhar dinheiro. Quando cheguei aqui, o cine Olido possuía uma sala onde a orquestra tocava entre uma sessão e outra! Ouvi 'Rapshodia in Blue'!

Olha como era antigamente!”

Revista Keyboard Brasil / 11

Nunca foi uma criança prodígio e começou tarde no piano...

“Nasci em Juiz de Fora, Minas Gerais.

Uma coisa muito interessante em minha vida e que é importante citar, é que a maioria esmagadora dos músicos que consegue se projetar na área, principalmente, na área de composição, são geralmente meninos que desde criança estudaram e que tiveram uma chance de bolsa de estudos no exterior, enfim. E eu não tive nada disso. Primeiro que eu tocava de ouvido cavaquinho observando os outros tocarem quando eu tinha 9, 10 anos, mas não

era nenhum fenômeno musical. Depois passei para o violão. Aos 17, 18 anos comecei a estudar piano sem ter o instrumento. Eu estava tentando aprender música bem mais tarde do que a grande maioria, aos 20 anos de idade. Nunca fui uma criança prodígio e nem tive ajuda de ninguém. Nunca tive bolsa, nunca estudei no exterior. Tudo o que estudei eu mesmo paguei. Então, minha carreira

começou de uma maneira diferente.

Foi uma carreira destinada a não ser bem sucedida.”

A ida ao Rio...

Ainda muito jovem, por volta dos 22 anos, foi para o Rio de Janeiro estudar piano no Conservatório Brasileiro de Música.

Entretanto, estava longe de se encaixar no perfil padrão dos alunos de piano da referida instituição. “Como tinha uma boa vivência musical auditiva, foi possível contornar as dificuldades iniciais. Porém, os professores não gostavam de me dar aulas

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porque eu perguntava muito e gostava de tocar música popular”. Dessa forma, a convi-

vência com regras, imposições e metodologias tradicionais, nunca foram bem acolhidas pelo compositor. “Sempre tive dificuldade de seguir rigorosamente um determinado esquema, seja no aprendizado ou na composição.”

Nessa época, estudou com Guilherme Mignone, irmão do Francisco Mignone, pianista, compositor, regente e amigo de Mário de Andrade. Por volta de 1952, deu início à sua atividade profissional como pianista em casas noturnas. Também tocou em orquestra na Rádio Tupi no Rio de Janeiro, onde trabalhou com o maestro Bernardo Federowski.

Em 1954, formou-se em piano pelo Conservatório Brasileiro de Música, retornando à sua cidade Natal, onde concluiu, em 1958, o curso de bacharelado em Direito. Em 1959 casou-se com Efigênia Guimarães Côrtes (1936).

A ida a São Paulo...

Na década de 60 mudou-se para São Paulo e, neste período, desenvolveu intenso trabalho como arranjador em trilhas e jingles. Paralelamente, atuou como pianista nas Orquestras de Osmar Millani (1927) e Luiz Arruda Paes (19261999). Também estudou piano com José Kliass (1960-63), e composição com Camargo Guarnieri (1963-65), guru dos nacionalistas da época.

A dificuldade econômica e a oportunidade que surgiu para acompanhar a cantora Maysa Matarazzo em uma turnê pela Argentina e Uruguai em 1963, foram fatores decisivos que fizeram o

compositor interromper seus estudos com Camargo Guarnieri. Esta experiência lhe abriu novos caminhos, participando também de turnês internacionais como pianista do cantor Altemar Dutra (19401983) no ano de 1968. Neste mesmo ano o compositor teve a sua primeira experiência na arte do cinema, como autor da trilha sonora do filme “O Matador”, de Amaro César e Egídio Éccio (1929-1977).

Em 1965 ocorreu a estreia de seu primeiro Concerto para piano e orquestra com a Filarmônica local regida pelo maestro Max Gefter.

O desejo de criar quase virou trauma...

“Eu tive minha primeira aula de harmonia com uma professora que olhava o que eu fazia e dizia: - Isso está tudo errado! Ela sempre reclamava! Mas um professor chamado J. Otaviano tomou conhecimento sobre minhas músicas e acreditou que eu tinha talento e me arrumou outra professora. Mas eu fiquei traumatizado com aquilo. Eu não queria mais mostrar minhas músicas para ninguém.

Depois de um tempo, vim morar em São Paulo e estudei com Camago Guarnieri que me dava

contraponto a partir das melodias folclóricas de Mário de Andrade e também apagava o que eu escrevia... Até que o maestro Bernardo Federowski um dos produtores da Tupi me disse que estavam precisando de um professor de contraponto e me convidou. É claro que eu estava apreensivo, então fui pesquisar umas apostilas da Berkeley e eu vi que tudo o que eu fazia era o que estava escrito ali. Ali eu vi que eu estava certo”.

Sobre sua informação musical...

“Eu tive informação musical.

Eu procuro no instrumento aquilo que eu tenho vontade de achar. Nunca estudei nada de folclore. Nunca pesquisei nada e não me considero um Nacionalista. Eu uso tudo, porque acho que se você se prende a uma escola, você é

a escola, não você. A escola sou eu!

Também não faço música com o intuito de ser renovador! Meu clima é outro. Eu vou pela emoção e recorro sempre à minha experiência.

Então acredito que eu sou um experimentalista”.

Revista Keyboard Brasil / 15

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Sobre o enorme lirismo sentido em suas peças...

“Sempre fui meio sonhador e apaixonado pela natureza, subia em árvores, queria saber voar como os pássaros, eu queria ser um urubu, porque ninguém pega um bicho desses para engaiolar e comer. Minha inveja é por pássaros! Eu sempre tive essa

ligação muito grande com a natureza e descobri que com palavras eu não conseguia descrever isso. Quando eu ouvia determinadas músicas me passava

essa sensação, essa emoção estética. Então, quando eu comecei a escrever, pensava em transmitir essa sensação estética em minhas composições. Através do som, do tipo de nota, harmonia, eu entro em um mundo diferente, mais leve e esqueço dos problemas. Naturalmente, quando eu faço música, acredito que isso é passado para quem a ouve. Ou seja,

encontrei na música a ferramenta para que isto fosse possível”.

Nas obras de Bach, a questão da fé.

Nas obras de Camargo Guarnieri, um conteúdo folclórico.

Para Edmundo Villani...

A linguagem musical de VillaniCôrtes é resultante de sua eclética formação musical que abarca os mais diversos universos: de Chopin a Shostakovich, passando por Debussy e Ravel, Puccini, Gershwin e o jazz, além da música popular brasileira, sobretudo urbana. Sua música só faz revelar esta vivência anterior de forma integral; a música brasileira, sendo parte substancial deste processo, manifesta-se de forma natural, espontânea e irreprimível. Ao

expressar-se através dela, não pretende seguir em direção a alguma corrente ou contrariar qualquer outra que seja. Sem constrangimento, Villani-Côrtes confessa jamais ter lido o Ensaio Sobre a Música Brasileira, de Mário de Andrade, ou ter tido a preocupação prioritária de estudar o folclore, ambas as atitudes inadmissíveis para um compositor que professe o Nacionalismo.

A coerência do compositor com suas origens vai ainda mais longe. Se o seu

ouvido foi o único canal que lhe revelou a riqueza sonora das manifestações musicais às quais podia ter acesso, extraindo o máximo de informações do limitado universo em que se formou, a partir do momento em que começou a compor, tornou-se o ouvido seu principal guia – ao lado dos conhecimentos adquiridos em longos anos de estudos – aquele que lhe passou a mostrar os caminhos a seguir e dar-lhe a última palavra em qualquer tomada de decisão durante o processo de composição. Talvez seja esta a razão pela qual a música de Villani-Côrtes tenha se tornado uma unanimidade quanto à sua beleza sonora e por esta razão, tenha sido alvo de tantos “pedidos” de composição por parte dos instrumentistas.

“No meu caso, em especial, a música que eu faço é brasileira por natureza. Nunca estudei no exterior. Se num determinado momento da música eu tenho que colocar um ritmo de xaxado, eu Revista Keyboard Brasil / 17

coloco. Se num determinado lugar eu quero fazer um efeito de cluster ou um acorde atonal, eu vou fazer. Eu uso tudo, porque acho que se você se prende a uma escola, você é a escola, não

você. E, para mim, a escola sou eu. A escola é o que eu acho que devo fazer e a escola é o que eu sei, porque eu uso os recursos que eu tenho”.

Muitas obras foram determinadas pelas condições em que os compositores viviam. Bach era organista, por isso escreveu muita coisa para órgão. Mahler escreveu tudo o que escreveu porque tinha uma orquestra em suas mãos. Para Edmundo Villani...

Concerto nº 3 (A 3ª visão) para o maestro Roberto Farias.

“Bom, aparecem oportunidades. Por exemplo, quando fui convidado a dar aulas em Tatuí, em 1990/91, tive contato com Roberto Farias e lá o pessoal é muito ligado em sopros.

Pediram-me para escrever uma peça para banda sinfônica! Coisa que eu nunca tinha feito. Então, o Roberto Farias me ajudou explicando como funcionava uma banda sinfônica. Eu tinha uma razoável prática porque trabalhei durante muito tempo na Tupi. Mas eu tinha em mente uma coisa: não queria que ficasse parecendo aquelas músicas de bandinhas de coreto. E aí fiz uma peça para piano e banda sinfônica. Essa peça foi estreada lá comigo ao piano. Outro exemplo, é que, em 2002, mais ou menos, escrevi um concerto para trompa. Foi tocado naquele mesmo ano, estreado pelo filho do maestro Ficarelli, no Municipal. Tenho uma versão para banda 18 / Revista Keyboard Brasil

sinfônica e tocada também pelo super trompista chamado Adauto Soares. Por esses dias, Adauto me falou que farão um concurso de trompas, liderado por Radegundis Tavares, em Salvador (Bahia) e a peça de confronto será esse “Concertino para Trompa e Orquestra de Câmara”. Esse concurso é financiado por Marcus Bonna (MB Cases) e se chama “Concurso MB para jovens trompistas”. Essa é a terceira edição. Atualmente é o concurso mais importante relacionado especificamente a trompa no Brasil. Na primeira fase seis candidatos de várias partes do país foram aprovados para a semifinal que acontece durante o IV Encontro Brasileiro de Trompistas de 18 a 21 de setembro agora. Então, para mim, o que conta são as oportunidades que me são oferecidas”.

Sobre a escolha dessa obra,

Radegundis Tavares, professor de Trompa e Música de Câmara da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN) diz: “Escolhemos essa obra de Villani com o intuito de motivar os alunos a interpretar o repertório brasileiro, já que a trompa é um instrumento predominantemente presente no mundo da música de concerto, especialmente na música até o início do século XX. Nesse sentido, a obra

tem vários elementos da música brasileira popular, especialmente no sentido rítmico, apesar de ter um caráter mais erudito. Pessoalmente, considero essa peça uma das mais bonitas para o instrumento no repertório brasileiro, inclusive cheguei a interpretá-la no 47º Simpósio da Associação Internacional de Trompistas no ano passado, em Los Angeles. ”

A vida acadêmica...

Em 1973 assumiu como docente na Academia Paulista de Música como professor de harmonia funcional e, posteriormente, arranjo e improvisação.

Desta atividade como docente, nasceu o seu contato com o compositor alemão Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005).

Villani-Côrtes, que sempre preservou a sua singularidade, diz que foi estudar

com Koellreutter não apenas para aprender coisas novas, mas, também, para “ver o que não deveria fazer”.

O contato com Camargo Guarnieri e Koellreutter permitiu ao compositor vivenciar dois movimentos que polarizaram a música nos anos 40 e 50: o Nacionalismo e a Escola Dodecafônica.

Em 1982 passou a fazer parte do corpo docente da Universidade do Estado de São Paulo (UNESP) nas disciplinas Contraponto e Composição. Esta atividade profissional permitiu ao compositor a dedicação que almejava ao processo composicional. “Apesar de ter uma obra razoavelmente grande, eu realmente só pude

me dedicar à composição depois dos meus cinquenta anos de idade.”

Em 1985, iniciou seu trabalho de mestrado em composição pela Universidade Federal do Rio de Janeiro, defendendo sua dissertação com o título “O uso do sintetizador na composição musical de um Concertante para clarineta, sintetizador, piano acústico e percussão”, obtendo a nota máxima. “O Henrique Molerenbaun foi um dos responsáveis por eu fazer o mestrado no Rio. Kollereuter e

Guarnieri não me ensinaram tanto quanto o maestro Molerenbaun.”

Entre sua vida acadêmica, no período de 1988 até 1991 fez parte da equipe musical do programa “Jô Soares Onze e Meia” no SBT. Ao mesmo tempo, junto ao maestro Ciro Pereira (1929), organizou e selecionou os componentes da Orquestra Jazz Sinfônica, atuando também como regente nos anos de 1990 e 1991.

Em 1998 defendeu sua Tese de Doutorado no Departamento de Música do Instituto de Artes da Unesp, intitulada: “A utilidade da prática da improvisação e a sua presença no trabalho composicional do Concertante Breve para quinteto e banda sinfônica de Edmundo Revista Keyboard Brasil / 19

Villani-Côrtes.”

“Fiz minhas teses de mestrado e doutorado a partir das peças que compus.

Essas peças foram feitas a partir do que aprendi na prática.”

Estreias de profunda importância...

O ano de 2000 foi marcado por duas estreias de profunda importância na vida do compositor: o Concerto para Flauta e Orquestra dedicado ao seu pai, Augusto

de Castro Côrtes (1900-1974) e a peça “Te Deum”, obra de caráter religioso composta em homenagem aos 150 anos da cidade de Juiz de Fora.

Obras catalogadas...

“No Instituto de Artes da UNESP os professores tinham que fazer um relatório anual de atividades e mostrar o que havia sido feito e, desse modo, fui obrigado a registrar minha produção musical. Uma aluna da USP, chamada Veronique de Oliveira Lima,

orientada pelo Prof. Régis Duprat, fez uma monografia em que reunia meus dados biográficos e a relação das minhas obras. Eu recomendava o trabalho dela quando as pessoas precisavam de uma informação mais específica sobre mim.”

Maestro Villani e sua esposa Efigênia Côrtes: décadas de companheirismo.

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Conquistas...

“Por incrível que pareça, muitas coisas que eu nunca almejei ter eu tenho, como um acervo musical bem grande, que passa de 300 obras mas, se contar o número de versões e arranjos passam de 700. Mas eu só consegui me dedicar mais à composição a partir dos meus 52 anos, quando fui convidado a dar aulas na UNESP e passei a ser professor

universitário. Nessa época, fiz mestrado e, aos 69 anos de idade, fiz doutorado! Há 2 anos fui convidado a ocupar a cadeira numero 11 da Academia Brasileira de Música. Recebi 7 prêmios APCA. Então foram coisas

que aconteceram em virtude somente de uma coisa: muito trabalho.”

Recado aos futuros compositores: Não esperem!

Compositor de obras de música orquestral, de câmara, de música instrumental e vocal, além de música eletroacústica, sua principal reflexão aos estudantes de música que manifestam interesse pela composição é que, na hora de fazer qualquer tipo de música “não tenham medo ou vergonha, façam! Não esperem. Porque, se você compõe e

aquilo que escreve representa seu estado de espírito, não espere fazer um curso, uma universidade, porque as primeiras peças que escrevi tem a mesma força ou até mais do que determinadas peças

que compus mais maduro, mais sábio. Vou dar um exemplo que aconteceu comigo: Ulisses Castro pegou uma série de prelúdios que eu compus e fez um álbum. O meu prelúdio número 9 tinha sido editado pela Vitale. Para eu tê-lo nesse álbum disseram que eu teria de comprar de volta. Então me aconselharam a fazer um outro parecido para poder incluir.

Veja bem, esse prelúdio eu fiz em 1957! E, em 1998, tentei fazer um prelúdio com aquele clima, aquele ambiente e não consegui fazer!

Era para ser um prelúdio melhor mas eu não consegui! Fiz outro completamente diferente.”

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Gratidão...

No alto de seus 85 anos, VillaniCôrtes se diz grato pela relação generosa que conseguiu obter com a música.“Eu só tenho que agradecer. Tenho a grata surpresa de ser recompensado e reconhecido acima das minhas expectativas. É muito bom eu poder

viver como músico e continuar vivendo assim.

Hoje em dia não leciono mais, porém vivo como compositor, aparecem encomendas e recebo pelos direitos autorais.”

Obrigado maestro!

FONTES: D'AMBROSIO, O. Edmundo Villani-Côrtes - Músico por intuição. Revista Unespciência 6. Maio de 2011.

RODRIGUES, L. Música de Câmara de Edmundo Villani-Côrtes. Artigo da coletânea “Música Contemporânea Brasileira – em Registro na Discoteca Oneyda Alvarenga” Centro Cultural São Paulo – álbum E. Villani-Côrtes . 2006.

ARAUJO FILHO, A. R. de. E. Villani-Côrtes. Universidade Estadual de Campinas. Doutorado em Musicologia. SIMPOM: Subárea de Musicologia.

* Angelino Bozzini é psicanalista, maestro e trompista.

24 / Revista Keyboard Brasil

Agenda musical

30 / Revista Keyboard Brasil

P I A N I S TA LUÍS RABELLO E FILARMÔNICA DE PIRACICABA HOMENAGEIAM A MÚSICA BRASILEIRA O premiado pianista Luís Rabello e a Camerata Filarmônica interpretam peças de Villa Lobos, Radamés Gnattali e Ernst Mahle. * Por Virtuosi Brasile

N

o dia 1º de outubro, sentação acontecerá no Teatro o premiado pianista Unimep em Piracicaba, às 20 Luís Rabello e a horas. A entrada é franca.

O repertório escolhido Camerata Filarmônica do Projeto Jovens Músi- para o concerto faz grande cos , sob a regência do homenagem a alguns dos maestro Anderson de Oli- nossos principais composiveira, executarão um pro- tores. Além do talento e

grama com três grandes nomes da música nacional: Radamés Gnattali, Ernst Mahle e Villa-Lobos. A apre-

das grandes obras, VillaLobos, Mahle e Gnattali reconheciam a grande variedade de ritmos e Revista Keyboard Brasil / 31

Anderson de Oliveira é maestro e atual coordenador do projeto Jovens Músicos e da Filarmônica Jovem de Piracicaba.

Foto: Divulgação

culturas existentes no Brasil e incluíram em suas obras elementos da música popular, o que deu à música deles uma característica nacionalista.

Segundo o maestro Anderson de Oliveira, Villa-Lobos é um

Foto: Charo Aymerich

O brasileiro radicado na Holanda Luís Rabello é reconhecido pela imprensa europeia como “Embaixador da Música Brasileira”.

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dos maiores nomes da música brasileira no exterior. Nascido no Rio de Janeiro, Heitor Villa- Lobos (1887 – 1959) foi considerado ainda em vida o maior compositor das Américas.

Estima-se que ele tenha composto mais de mil obras e sua grande contribuição tenha sido reformular o conceito brasileiro de nacionalismo musical, dando à sua música características peculiares, com nuances regionais e populares.

Radicado na Holanda e tendo estudado na UFRJ e nos Conservatórios de Moscow e Rotterdan, o pianista Luís Rabello atualmente se dedica à pesquisa da obra de Radamés Gnattali (1906 - 1988). O musicista já lançou um cd com peças do compositor para piano solo e em maio deste ano fez a estreia do Concertino nº1, peça que será executada em Piracicaba. Rabello conta que desde que conheceu o sobrinho, Roberto Gnatalli, teve acesso a um rico acervo, com manuscritos e gravações do próprio Radamés ao piano. “Em pouco tempo percebi que estava diante de um tesouro que havia sido pouquíssimo explorado.” Considerado um dos grandes gênios da música brasileira do século XX, Gnattali foi

O compositor, arranjador, professor e maestro alemão Ernst Mahle, têm aproximadamente 2000 obras para várias formações musicais, além de três óperas.

Tornou-se cidadão brasileiro em 1962.

Radicado em Piracicaba, SP, fundou a Escola de Música de Piracicaba Ernst Mahle (EMPEM). Membro da Academia Brasileira de Música, ocupando a cadeira de número 6, é o único dos compositores homenageados ainda vivo.

pianista e arranjador e é reconhecido por sua atuação tanto no erudito quanto no popular. Sua obra é extensa, mas grande parte dela ainda é desconhecida do público.

De acordo com a viúva de Gnattali, o Concertino – que será executado no próximo dia 1° – era a “menina dos olhos” do compositor e o seu grande sonho era ver seus concertos executados pelos palcos do mundo. Para Rabello, é uma peça interessante para o pianista, a orquestra e, principalmente, para o público: “A obra apresenta uma textura bastante transparente, onde o pianismo é explorado de maneira que remonta ao classicismo. Ritmos brasileiros, politonalismo e muitos elementos jazzísticos fazem parte da receita desta deliciosa obra. ”

O programa conta ainda com obra de Ernst Mahle, compositor alemão radicado há décadas no Brasil.

Segundo o maestro Anderson Oliveira, “no campo artístico, sua criação se destaca pela versatilidade, obras para diferentes formações e principalmente pela sonoridade. Além disso, ele se dedicou ao desenvolvimento de material didático para crianças nos mais diversos instrumentos”, conclui.

Professor, compositor e maestro, Ernst Mahle nasceu na Alemanha em 1929, mas mudou-se para o Brasil em 1951. Único dos compositores homenageados ainda vivo, Mahle vive em Piracicaba, onde desenvolveu intenso trabalho didático sendo o co-fundador da Escola de Música de Piracicaba Maestro Ernst Mahle. Em 1965, recebeu o título de “Cidadão Piracicabano”, por sua contribuição para a educação. Influenciado pela música popular, o maestro trouxe temas do folclore e da cultura brasileira para suas composições e seu talento foi reconhecido em concursos nacionais e internacionais.

Serviço: Data: 01/10/2016 Horário: 20h Local: Teatro Unimep Endereço: Rodovia do Açúcar, 156.

Piracicaba / SP Informações: (19) 3124 Ingressos: Entrada fra

-1603

nca* *Os ingressos podem ser retirados uma hora antes do espetác ulo

VIRTUOSI PRODUÇÕES¹ – Situada em Belo Horizonte, é uma das principais agências de produção cultural do Brasil com ampla atuação no país e no exterior.

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Aconteceu

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Amyr Cantusio Jr e Michael Liszt Cantusio: atração principal, a banda alemã Rammstein mostrou uma performance incrível. um som robusto, extremamente pesado, melódico e sofisticado.

OVERDOSE ONÍRICA. O MAXIMUS FESTIVAL REALIZADO NO INÍCIO DO MÊS EM INTERLAGOS/ SÃO PAULO FOI UM ESPETÁCULO INESQUECÍVEL. ESTIVEMOS ALI ASSISTINDO VÁRIAS BANDAS, DAS QUAIS A AT R A Ç Ã O P R I N C I PA L (E MAIOR) FOI O GRUPO ALEMÃO RAMMSTEIN. ANTES DE FOCAR NO SHOW DESTA BANDA SENSACIONAL, DISSERTAREI SOBRE TODA A ORGANIZAÇÃO — IMPECÁVEL E LINDA, INCLUINDO CENÁRIOS FANTÁSTICOS, ESTÁTUAS COLOSSAIS E PORTAIS DE CASTELOS CUSPINDO FOGO GIGANTES! * Por Amyr Cantusio Jr.

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Em sua terceira apresentação no Brasil, o grupo alemão de Heavy Metal Rammstein não decepcionou o público presente em Interlagos. Com um show impecável, a banda foi o grande nome da noite, mesmo dividindo a atenção com Marilyn Manson e cantando em alemão.

Formada em Berlim no início de 1994, muitas de suas músicas são cantadas em alemão, porém também cantam em inglês, espanhol, francês e russo. A banda é formado por Till Lindemann (Vocal), Richard Z. Kruspe (Guitarra e Backing vocals), Paul H. Landers (Guitarra e Backing vocals), Oliver "Ollie" Riedel (Baixo), Christoph "Doom" Schneider (Bateria e Percussão eletrônica) e Christian "Flake" Lorenz (Teclados). Suas performances ao vivo são conhecidas por serem teatrais e pirotécnicas, ganhando premiações na categoria em diversos países.

O nome da banda vem do desastre de Ramstein, um grave acidente aéreo

acontecido na pequena cidade alemã de Ramstein em 1988, durante uma exibição de acrobacia aérea, na qual três aviões italianos colidiram e caíram na plateia, provocando a morte de 70 pessoas e ferimentos em cerca de 599. A banda decidiu então pôr um "M" a mais no nome, causando um trocadilho com Rammen, que significa bater, cravar, entrechocar-se.

Das bandas que cantam em alemão é a que atingiu maior sucesso fora da Alemanha, principalmente com o segundo álbum Sehnsucht (1997, cuja capa foi considerada uma das mais controversas de todos os tempos, figurando em nono lugar na classificação do site Gigwise), depois com Mutter (2001) e Reise, Reise (2004). Em 2003 houve uma apresentação da música "Mein Herz Brennt" pela Orquestra Sinfônica de Dresden. Em 2009, já haviam vendido cerca de 20 milhões de álbuns no mundo todo.

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Q

uem foi não se arrependeu. Uma bela tarde fria e ensolarada, e muita, muita gente. Maximus

Festival: o maior Festival da América Latina. Um dos melhores que assisti

no Brasil, superando o Monster of Rock.

Os dois enormes palcos, lado a lado — Marylin Manson (um show inesquecível) e Rammstein — são do porte do Festival de WACKEN OPEN AIR (Alemanha).

Coisa de cair o queixo. Iluminação, fumaça, pirotecnia, etc... Mas, acima de tudo, a performance dos grupos, que foi excelente.

Em uma área com infra-estrutura de barracas com alimentos, bebida, montada ao redor dos palcos. A Imprensa tinha seu camarote privado com um serviço de bar agradável e organizado.

Fomos muito bem recebidos e tratados.

O Rammstein, que foi a atração principal e detonou logo de cara. A plateia se concentrou ao lado direito do palco II e, tudo começou e terminou pontualmente.

Indescritível a performance dos alemães. Som robusto, extremamente pesado, melódico e sofisticado. Enfoco para a Revista Keyboard Brasil, o tecladista Chritian “Flake” Lorenz,

maluco, figura engraçada, porém competente nas camas e atmosferas fabulosas do grupo.

A seguir, o equipamento de Christian que, segundo pude ver pelo telão, também utilizou um Synth NORD ELECTRO-5 ou um LEAD 4... o que pude distinguir!

Enfim, nota 10! Com a penas uma ressalva para os banheiros públicos com suas filas quilométricas!! Para o evento, faltou muito banheiro químico!

Equipamentos do tecladista Christian "Flake" Lorenz: ROLAND VR-760 ENSONIQ ASR-10 VIVER

ROLAND VR-760

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Em concerto, “Flake” toca com dois teclados usados no estúdio também, posicionados um em frente do outro. O maior deles é o Roland VR-760, (à sua direita quando você olha da multidão), e o menor é o Ensoniq ASR-10. Ambos são pintados de cinza para que eles se encaixem na atmosfera do palco.

Flake toca com dois teclados, posicionados um em frente do outro. O maior deles é o Roland VR-760, (à sua direita quando você olha da multidão), e o menor é o Ensoniq ASR-10. Ambos pintados de cinza para que eles se encaixem na atmosfera do palco.

ENSONIQ ASR-10

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O teclado portátil usado é um Qx49 Alesis. ·

Absynth da Native Instruments

·

Maciça da Native Instruments

·

FM8 da Native Instruments

“Flake” usa uma variedade de bibliotecas de amostras e pré-ajustes para seus softwares sintetizadores. Entre eles: — “Symphony of Voices” biblioteca de amostra de Spectrasonics —preset “Absynth Beach” em Absynth da Native Instruments —preset “DXologie” na maciço da Native Instruments —preset “Telepath” na FM8 da Native Instruments —Roland PC-180 A (Reise, Reise tour: teclado portátil, também disfarçado em acordeon, como um substituto para o Roland FR-5 V-Accordion na segunda parte da turnê) —Roland FR-5 V-Accordion (teclado portátil durante o Reise, Reise tour) —Oberheim MC 1000-1076 (Reise, Reise tour) —MicroKORG (video oficial Keine Lust) —Korg X5D (Mutter tour) —Roland A-33 (Herzeleid tour & Sehnsucht tour).

E que venham mais shows grandiosos como este! *Amyr Cantusio Jr. é músico (piano, teclados e sintetizadores) compositor, produtor, arranjador, programador de sintetizadores, teósofo, psicanalista ambiental, historiador de música formado pela extensão universitária da Unicamp e colaborador da Revista Keyboard Brasil.

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Vitrine

Tropicalia UM CALDEIRÃO CULTURAL 30 ANOS. ESSE FOI O TEMPO DEDICADO POR GETÚLIO MAC CORD, RADIALISTA, COMPOSITOR, PESQUISADOR DE MPB E ENGENHEIRO, AO ESCREVER O LIVRO TROPICÁLIA,

UM

CALDEIRÃO

CULTURAL

–

UMA

PESQUISA SOBRE O MOVIMENTO QUE SACUDIU O AMBIENTE DA MÚSICA POPULAR E DA CULTURA BRASILEIRA ENTRE 1967 E 1969. * Por Heloísa Godoy Fagundes

D

e autoria do pesquisador, músico, radialista e engenheiro carioca Getúlio Mac Cord, o livro

Tropicália – Um Caldeirão Cultural, lançado pela Editora Ferreira, traz mais de 40 entrevistas e depoimentos colhidos com os próprios participantes do movimento e com pessoas ligadas direta ou indiretamente ao assunto como Rogério Duprat, Jorge Mautner, Jards Macalé, Capinan, Guilherme Araújo, Sérgio Dias, Sérgio Ricardo, José Ramos Tinhorão, Caetano Veloso, Gilberto Gil e Tom Zé, somando mais de 50 horas de conversas, gravadas em mais de 55 viagens e quase 5 mil shows.

Segundo o autor, o Tropicalismo, embora tenha sempre sido associado à política foi, em sua essência, um Movimento Cultural a altura da Semana 42 / Revista Keyboard Brasil

de 22 e do movimento antropofágico de Oswald de Andrade. E, apesar da curta duração, deixou raízes marcantes. O movimento, sem dúvida, estava em sintonia com as ideias que se formavam no meio cultural brasileiro da década de 60. Diretores de teatro, cinema, artistas plásticos e músicos geraram férteis debates. Isso criou um momento rico de questionamentos com a descoberta de uma linguagem da arte brasileira. Essa linguagem incorporava tudo que havia no Brasil, mais os acontecimentos da cultura mundial, incluindo a integração com a cultura latino-americana.

“Tropicália: um caldeirão cultural” é mais do que um livro é referência para pesquisa de uma parte importantíssima sobre a cultura brasileira.

Entrevista Revista Keyboard Brasil: 30 anos de pesquisa foi o tempo que você levou para a realização dessa obra. Por que levou tanto tempo?

Getúlio Mac Cord: Na verdade basicamente foram três os elementos que compõem e aumentaram o tempo dessa saga (que vai virar outro livro depois).

Primeiro, recolher todo tipo de informação que agregasse valor daquela riquíssima época. Segundo, escrever, verificar todas as informações para ter o máximo de veracidade no que digo na publicação.

Como eu não trabalho em nenhuma rede de televisão, rádio ou jornal, eu não tive nenhum facilitador para efetivar entrevistas com as pessoas envolvidas com tropicalismo, fui procurando entrevistar as pessoas à medida em que os conhecia.

Apesar disto ter sido muito prazeroso, e intelectualmente muito rico, foi também um exercício de persistência. Caetano Veloso, por exemplo, eu levei 15 anos para entrevistar. Quando o fiz, ele me honrou com uma entrevista exclusiva que durou 2 horas de duração! E sem nenhuma interrupção, nem de telefone, nada. Para entrevistar um dos mentores do tropicalismo, Rogério Duarte, eu levei 17 anos.

Mas, quando finalmente marcamos, gerou uma entrevista de 6 horas de duração! Para se ter uma ideia, quando eu recolhi todo esse material da entrevista, eu estava com contrato assinado com uma grande editora do mercado e ela me exigia que o trabalho fosse reduzido em volume.

Isso me deixou embatucado. Mesmo assim, perguntei a Rogério: “Mas Rogério,

Autor: Getúlio Mac Cord Editora: Ferreira Páginas: 250

eu preciso reduzir o material total escrito do livro”. Aí ele foi sintético e genial dizendo: “Deixe só o ouro!”, o que significa que eu poderia tirar o extrato, o supra-sumo de seu depoimento para por em meu Livro. E o resultado é que o depoimento de Rogério Duarte ficou uma maravilha, uma bomba atômica cultural de informações relevantes. A terceira circunstância que me levou à tão longa duração para fazer este Livro foi a questão editorial.

Este Livro passou na mão de várias editoras, mas a coisa não se resolvia. Tudo isso será alvo de um Livro que pretendo decupar toda esta saga.

Revista Keyboard Brasil: Por que escolheu falar sobre a Tropicália?

Getúlio Mac Cord: Essa pergunta me leva ao início de tudo, tudo. Começou com 17 anos quando eu queria saber quem eu era, Revista Keyboard Brasil / 43

para onde eu iria, qual era a minha e a desse país maravilhoso com tanta informação diversa culturalmente, tão imenso, falando português... Detectei que a Tropicália possuía algumas ligações interculturais: daria-me a possibilidade de descobrir muitas áreas do mundo cultural como cinema, teatro, artes plásticas, televisão, moda, o aspecto de empreendedorismo e, claro, a música. Ao concluir meu Livro, vi que tinha chegado a uma conclusão, uma descoberta, qual seja, a de um país que dá certo, um pais da vanguarda, um país do experimento em todas as áreas que eu falei!!!!!

‘ ‘

Havia sim uma insatisfação com a ditadura e os horrores dos militares na época. Mas a Tropicália ultrapassou essa questão. Foi além. Tratou de repensar a nossa cultura, uma reflexão cultural 40 anos depois da semana de 22.

‘ ‘

– Getúlio Mac Cord

O autor e Fernanda Montenegro, uma das maiores damas dos palcos e da dramaturgia brasileira.

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Revista Keyboard Brasil: Algum depoimento, de alguma maneira, te deixou surpreso?

Getúlio Mac Cord: Legal essa pergunta sobre os depoimentos importantes ou que me surpreenderam. Eu diria com muita emoção que todos: cada entrevista descortinando um aspecto do Brasil, ou uma área da cultura me trouxe informações relevantes. E tudo foi importante àquela época. Era muita informação relevante, aliás. Este também - respondendo à sua primeira pergunta - foi um ponto que dispendeu muito tempo, difícil na hora de filtrar, e enxugar o material bruto, a pedra bruta, para a pedra preciosa já polida!!!

Revista Keyboard Brasil: O movimento tropicalista trouxe várias inovações ao cenário cultural brasileiro do final da década de 60 como um todo. Não foi apenas um movimento ocorrido na área musical, mesmo sendo esse o mais lembrado. Pode nos dizer sobre isso?

Getúlio Mac Cord: Acho que eu respondi, de certa forma, a esta pergunta no final da primeira. Mas aproveito para dar alguns exemplos muito interessantes como a sacada de Gilberto Gil já impregnado com as informações do Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - o disco genial e tropicalista dos Beatles. Aí deu-lhe um estalo ao ouvir a Banda de Pífanos de Caruaru, passando por Pernambuco, quando lançou o seu primeiro disco, Louvação. E o estalo foi este: o Brasil é isso vem desde lá das mais arcaicos e ricas

O Tropicalismo foi um movimento de ruptura que sacudiu o ambiente da música popular e da cultura brasileira entre 1967 e 1968. Seus participantes formaram um grande coletivo, cujos destaques foram os cantores-compositores Caetano Veloso e Gilberto Gil, além das participações da cantora Gal Costa e do cantor-compositor Tom Zé, da banda Mutantes, e do maestro Rogério Duprat. A cantora Nara Leão e os letristas José Carlos Capinan e Torquato Neto completaram o grupo, que teve também o artista gráfico, compositor e poeta Rogério Duarte como um de seus principais mentores intelectuais.

bandas cabaçais até a influência d'Os Beatles e da vanguarda mundial, inclusive com a música erudita. Daí traçou-se um paralelo com o que os tropicalistas estavam já preparando, articulando. Praticamente, nesse mesmo momento, Caetano tem a sacada genial entre outras - ao conhecer o trabalho de arranjo e de musicalização de uma peça de teatro feito pelo maestro Júlio Medaglia.

Caetano enxergou a possibilidade de se unir a formação e a informação erudita à popular. O primeiro resultado não podia ter sido melhor: a canção Tropicália, arranjada pelo maestro Júlio Medaglia, que ampliou mais ainda os horizontes ao chamar seus colegas, os maestros Rogério Duprat, Damiano Cozzella e Sandino Hohagen. As maravilhas de frutos musicais resultantes desses encontros seriam escutadas não só em todos discos dos tropicalistas Caetano, Gil, Tom Zé, Gal, Mutantes, etc bem como nos discos

de Ronnie Von, por exemplo, onde os experimentos foram igualmente radicais, essenciais, e absolutamente extraordinários também! E é por isso que a Tropicália é tão forte e tão importante como movimento musical até hoje!!!!

Revista Keyboard Brasil: Como está a vendagem de seus livros? Soubemos que está se esgotando...

Getúlio Mac Cord: Sim! A primeira edição de meu livro já está se esgotando.

E, por isso, quero deixar uma pergunta para vocês, da Revista Keyboard Brasil, e seus leitores: Com a chamada crise do livro de papel e a facilidade de transporte e manuseio do livro digital, o que vocês acham? A segunda edição - revista e ampliada - do Livro Tropicália, Um Caldeirão Cultural, que trata de certa forma de tradição e da vanguarda, deveria vir apenas no formato livro ou no formato digital. O que vocês acham?!!!!!

* Heloísa Godoy Fagundes é pesquisadora, ghost Writer e esportista. Amante da boa música, está há 10 anos no mercado musical de revistas. Já trabalhou na extinta Revista Weril e atualmente é publisher e uma das idealizadoras da Revista Keyboard Brasil.

Revista Keyboard Brasil / 45

Memória

T I N A TURNER e os sintetizadores da década de 1980

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Fotos: Divulgação

ROGER DAVIES FOI O GRANDE RESPONSÁVEL POR TRAZER TINA TURNER DE VOLTA À VIDA DEPOIS DE CONTURBADA SEPARAÇÃO COM IKE TURNER, TOMANDO UM RUMO DEFINITIVO AO ESTRELATO, AO LADO DE GRANDES MÚSICOS E SEUS PODEROSOS SINTETIZADORES PASSANDO A ACOMPANHAR AQUELA QUE SE TORNARIA A RAINHA DO ROCK/POP E LENDA DA MÚSICA, ATÉ SE APOSENTAR DEFINITIVAMENTE DOS PALCOS.

* Por Hamilton de Oliveira

Revista Keyboard Brasil / 47

Q

uem nunca ouviu uma voz grave e poderosa cantando músicas dançantes e baladas

dos bailinhos da década de 1980 já se perguntou quem é a voz poderosa por trás dela. Pois vou responder quem é a dona dessa voz: Anne Mae Bullock, a nossa querida Tina Turner, cuja carreira se iniciou há mais de cinquenta anos. Ela é considerada uma diva da música e, pelo canal norte-americano MTV como uma das mais dinâmicas cantoras da história.

Tornou-se conhecida pelas famosas e

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explosivas apresentações como membro da banda Ike & Tina Turner nas décadas de 60 e 70.

Em 1983, Tina Turner iniciou sua carreira solo, no qual lançou o álbum que a tornaria uma das maiores cantoras do Rock and roll mundial. “Private dancer” foi marcado por clássicos como “Let's Stay Together” (uma regravação de Al Green), “Better Be Good to Me”, “Private Dancer” e “What's Love Got to Do with It”, sendo que este último alcançou o número 1 na

Billboard Hot 100 dos Estados

Aclamada no mundo inteiro, as coreografias sempre acompanharam Tina Turner, que fez duetos com David Bowie, Mick Jagger, Brian Adams, Eros Ramazzotti, Rod Stewart, Eric Clapton e muitos outros.

Unidos.

O grande responsável por essa transformação na carreira de Tina Turner foi o produtor Roger Davies em 1979, que segundo ela, o trouxe de volta à vida, depois de sua separação com o músico e produtor Ike Turner

Em meados de 1982 deu-se início a preparação do primeiro álbum solo “Private Dancer”, no qual participaram grandes músicos e arranjadores como: Gary

Barnacle – saxophone, Jeff Beck – guitarra, Terry Britten – guitarra, vocais, vocais de fundo, Graham Broad – bateria, Alex Brown – vocais de fundo, Alexandra Brown – vocais, Bob Carter – percussão, Leon “Ndugu” Chancler – bateria, Alan Clark – percussão, teclado, Mel Collins – saxophone, David Cullen – cordas, Cy Curnin – vocais, Julian Diggle – percussão, David Ervin – sintetizador, Gwen Evans – vocais, Charles Fearing – guitarra, Wilton Felder – baixo, saxophone, Nick Glennie-Smith – teclado, Glenn Gregory – vocais, Rupert Hine – baixo, percussão, teclado, vocais, John Illsley – baixo, Graham Jarvis – bateria, Hal Lindes – guitarra, Billy Livsey – teclado, Trevor Morais – bateria, Simon Morton – percussão, Tessa Niles – vocais, Nick Plytas – sintetizador, piano, Frank Riccotti – percussão, Ray Russell – guitarra, Joe Sample – sintetizador, piano, Nick Smith – teclado, David T. Walker – guitarra, Greg Walsh – sintetizador, Martyn Ware – sintetizador, vocais, Jamie WestOram – guitarra, Terry Williams – bateria, Richie Zito – guitarra, além dos produtores : Terry Britten, Bob Carter, Leon “Ndugu” Chancler, Wilton Felder, Rupert Hine, Joe Sample, Greg Walsh e Martyn Ware.

Grandes teclados famosos na época foram usados na gravação e podem ser ouvidos no álbum como o famoso piano, a harmônica e as flautas do DX7 na música “What´s love got to do with” gravados por Billy Livsey, o minimoog nas músicas “Let´s stay together” e “Private dancer”, os pads do Yamaha CS-80 e o órgão Hammond em várias faixas do disco.

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Tina Turner...

Simplesmente a melhor!

A

vida desta lenda viva da música, que tem hits que atravessaram décadas, não foi nada fácil. Ícone Black, Pop e do Rock, Tina que é chamada de The Acid Queen e Rainha do Rock , foi abandonada pelos pais aos 15 anos de idade, e aos 16 passou a cantar em boates para se sustentar.

Em uma das apresentações, conheceu Ike Turner com a banda The Kings of Rhythm. Tina, ou melhor, Anna Mae insistiu por um lugar de backing vocal e em pouco tempo se tornou uma das vozes principais. Com as Ikettes, grupo de backing vocals de apoio, Tina inventou as coreografias.

As músicas logo começaram a fazer sucesso e Ike e Anna Mae decidiram formar uma dupla também fora dos palcos.

Com o casamento, marcado por brigas e escândalos, ela adotou o n o m e a r t í s t i c o Tina Turner e, ao lado do marido, dominou o cenário

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da música soul nos anos 60 e 70. Alcóolatra e viciado em drogas, Ike culpava Tina pelo declínio da dupla, agredindo-a violentamente, além de humilhála e traí-la constantemente.

E, somente depois de 18 anos Tina decidiu abandonar o marido. Na justiça, propôs abrir mão de todo o patrimônio em troca de poder manter o sobrenome Turner.

Tina recomeçou do zero. Sem dinheiro, morou com uma amiga e abriu shows para outros grupos famosos, como os Bee Gees. Para voltar ao cenário musical, apostou no rock, influenciada pelos Rolling Stones e por David Bowie e, com o produtor Roger Davies ao seu lado, Tina começou a ganhar notoriedade e, performances ao lado de nomes como Rod Stewart e The Rolling Stones puseram-na no mercado de rock que ela tanto queria seguir.

Tina adotou também um novo estilo, com roupas ousadas e cabelos loiros espetados.

O título de rainha do rock surgiu aos 45 anos. Ela exibia as belas pernas, cantava e dançava sem perder o fôlego, levando a multidão ao êxtase.

Os trabalhos de Tina Turner não ficaram restritos à música. Ela estreou nos cinemas em 1975 no filme 'Tommy' e, em 1985, participou do filme 'Mad Max – Além da cúpula do trovão'. Foi responsável também pelo tema do longa-metragem, que dominou as paradas de sucesso. A cantora gravou a trilha de muitas outras produções, incluindo '007 contra Golden Eye'.

Em 1986, lançou a biografia 'Eu, Tina: a história da minha vida', que conta a trajetória profissional e pessoal com o ex-marido, além de revelar as constantes agressões. O livro virou filme em 1993, estrelado por Angela Basset e Laurence Fishburne. Ike morreu em 2007, afundado em dívidas.

Tina entrou para o Guiness Book através de um show realizado no Maracanã em 1988, onde reuniu nada menos que 184 mil pessoas em uma única apresentação.

No início dos anos 90, lançou a música 'The best', que chegou a ser tema de alguns atletas. Um deles foi Ayrton Senna, que subiu no palco em Adelaide, na Austrália, setembro de 1993, ao lado de Tina durante a apresentação enquanto ela o chamava de “The Best”.

A cantora vive há duas décadas com o marido, Erwin Bach, na Suíça e renunciou a cidadania americana.

Revista Keyboard Brasil / 51

Tina Turner ganhou 8 Grammys e vendeu 100 milhões de cópias no mundo.

Nos álbuns seguintes a linha de teclados e sintetizadores foram bem exploradas acompanhando o que tinha de mais moderno na época. Clássicos como M1 Korg, D-50 Roland, Roland Jupiter-4, Roland JX-3P, entre outros foram utilizados e eternizados nas músicas da grande diva do rock and roll mundial.

Hoje, Tina Turner mora em Zurique, na Suíça e é casada com o produtor alemão Erwin Bach, seu companheiro há 28 anos. Está aposentada dos palcos e está escrevendo um musical sobre sua carreira.

Até breve!

* Hamilton de Oliveira iniciou seus estudos no Curso de MPB/Jazz no Conservatório de Ta t u í , f o r m o u - s e e m Licenciatura pela UNISO no curso de Música e Pós-graduouse pelo SENAC em Docência no Ensino Superior. É maestro, tecladista, pianista, a c o r d e o n i s t a , a r r a n j a d o r, produtor musical, professor e colaborador da Revista Keyboard Brasil.

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A vista do meu ponto

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E, ENTÃO, CHEGOU A EXPOMUSIC NOVAMENTE! COM A PROXIMIDADE DA EXPOMUSIC NADA MELHOR DO QUE DISCORRER SOBRE A MAIOR FEIRA DO SEGMENTO MUSICAL DA AMÉRICA LATINA, AOS NOSSOS OLHOS, MÚSICOS BRASILEIROS. PARA A PRÓXIMA EDIÇÃO, DAREI CONTINUIDADE AO NOSSO ASSUNTO “METODOLOGIA DO ENSINO MUSICAL”! * Por Luiz Carlos Rigo Uhlik

Q

uando terminou a Feira do ano passado, a mais barulhenta dos últimos anos, fiz uma série de indagações sobre o evento. Aliás, dei a denominação

de “Exponoise”, de Exposição de Barulho, mesmo! Alguns itens que abordei: 1. Excesso de barulho, inclusive na montagem e desmontagem; 2. Homenagem à Bezerra da Silva. Nada contra Bezerra da Silva. Mas, o evento é Expomusic, não Exposinger. Temos que valorizar os músicos; 3. Valor do Estacionamento do Center Norte; Revista Keyboard Brasil / 55

4. Falta de acesso gratuito ao metrô; 5. Qualidade das demonstrações dos equipamentos; 6. Pontos para vendas de chopes e cervejas, próximos aos stands; 7. Eventos paralelos, como o Rock in Rio, na mesma semana. Pior, sem um “espaçozinho” da Expo neste grande evento... E, assim vai.

Este ano, pelo que vi, muita coisa está mudando. E é preciso. Vamos para o Anhembi, temos translado gratuito do Metrô até o Centro de Exposições, vamos ter uma “Rodada de Negócios”, e algumas atrações sem muito atrativo....

Um evento como este, na situação econômica difícil que enfrentamos, precisa atiçar o interesse de um público novo.

Já temos a turma do autógrafo e da “tietagem” na quantidade ideal para nos testar a paciência! Agora, o público

hobista precisa se sentir encantado e conhecer as maravilhas que nos são comuns: 1. A facilidade de se aprender música; 2. A qualidade e tecnologia dos Instrumentos Musicais; 3. O acesso simples e fácil de gravações de boa qualidade; 4. A forma simples como a tecnologia e os Instrumentos Musicais podem transformar qualquer pessoa num verdadeiro astro.

5. e assim por diante, também!

Por outro lado, quem expõem precisa: 1. Fazer pedidos e vender; 2. Conhecer e Pesquisar sobre o concorrente; 3. Se informar sobre as tendências do mercado; 4. Gerar negócios futuros, ou, pelo menos, alavancar o futuro; 5. Identificar possíveis fornecedores; 6. Fortalecer a aliança com os Dealers e com os clientes; 7. Divulgar a marca; 8. Promover boas demonstrações de produtos para atiçar o interesse do público alvo; 9. Aumentar a visibilidade da empresa dentro do setor.

Todos os anos, basicamente, encontramos as mesmas pessoas, o mesmo público, as mesmas propostas. Acho que está na hora de inovar, não é verdade? O telefone celular começou há pouco mais de 20 anos e está dando um baile em nosso setor. Vamos ficar parados?

Quando você tem um bom produto ou serviço, o que é que você faz? Divulga! Divulga para quem? Para o seu público ideal.

Onde está a divulgação da Expomusic?

Somente nos porões do setor e nas “frentes de interesse da Abemúsica”.

Onde isso vai chegar? Perto, perto, muito perto, pertinho, logo ali, dez passos...

Queremos e precisamos ir mais longe!

Avante!

*Amante da música desde o dia da sua concepção, no ano de 1961, Luiz Carlos Rigo Uhlik é especialista de produtos e Consultor em Trade Marketing da Yamaha do Brasil, além de colaborador da Revista Keyboard Brasil.

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Lançamento

O jovem poeta

TDRUMMOND OM DESDE MUITO PEQUENO, O MULTI-INSTRUMENTISTA TOM DRUMMOND MOSTROU TER APTIDÃO NA COMPOSIÇÃO DE MÚSICAS E APROVEITOU SUA FORMAÇÃO PARA PRODUZIR UM TRABALHO MAGISTRAL, COM COMPOSIÇÕES BEM ARRANJADAS. TOM DRUMMOND É FILHO DA MÚSICA. UM DOS POUCOS A ESCREVER LETRAS COM TAMANHO ENCANTAMENTO, TAMANHA PERFEIÇÃO.

* Por Heloísa Godoy Fagundes 58 / Revista Keyboard Brasil

Tom Drummond Andarilho (2015)

D

e s d e m u i t o c e d o Tom Drummond mostrou aptidão para a música. Filho da musicista Elvira Drummond, o cantor e compositor cearense começou seus estudos em 1993, aos seis anos de idade, através do piano no Conservatório de Música Alberto Nepomuceno, e não parou mais: flauta, violão e, finalmente, no ano de 2001, o violoncelo, sua paixão atual. Nesse instrumento, teve aulas com o professor brasileiro, residente na França, Fernando Lage; Jorge Lima, componente da orquestra Eleazar de Carvalho e Walter-Michael Volhardt, violoncelista da filarmônica de Friburgo (Alemanha).

Seu bacharelado em Música pela UFPB (Universidade Federal da Paraíba) foi dedicado ao violoncelo.

“Nem me arrisco a dizer onde começou ou terminou a influência da minha família no meu trabalho, porque desde pequeno estou neste ambiente musical”, disse certa vez.

Foi vencedor dos prêmios 1º Festival de Música da Rádio Universitária FM (2010) na categoria Música com Letra com a canção “Seu Santo” e, em 2012, a música “Ai de Mim” de sua autoria foi premiada com o 2º lugar do 1º Festival de Música da Assembleia Legislativa do Ceará.

Lançou seu primeiro trabalho intitulado Andarilho em 2015, onde aproveita sua sólida formação musical e produz canções que se diferenciam pela rica delicadeza de detalhes nas harmonias, melodias, letras e arranjos.

Além de grande compositor, o jovem Tom toca violoncelo na Orquestra Sinfônica da Universidade Federal da Paraíba.

‘ ‘

[...] Andarilho não seria a beleza que é se letra e música não se equilibrassem em esmero. É como se o Drummond zelasse pela poesia, e o Tom, pelas melodias [...] Tom Drummond faz-me pensar no jovem Chico Buarque. Faz-me pensar nos primeiros discos do Boca Livre.

Faz-me pensar no trovador inglês Nick Drake, que cometeu suicídio aos 26 anos, em 1974. Três exemplos bem distintos de complexidade de formas e profundidade de sentimentos em música popular [...]

‘ ‘

– Arthur Dapieve, jornalista e crítico musical para O Globo.

* Heloísa Godoy Fagundes é pesquisadora, ghost Writer e esportista. Amante da boa música, está há 10 anos no mercado musical de revistas. Já trabalhou na extinta Revista Weril e atualmente é publisher e uma das idealizadoras da Revista Keyboard Brasil.

Revista Keyboard Brasil / 59

Revolução Musical

PSYCOTHRONIC II BRASILIAN ELECTRONIC MUSIC DANDO CONTINUIDADE À DIVULGAÇÃO

DE

INCLUSO CD LINK

ARTISTAS DESCONHECIDOS E DO UNDERGROUND BRASILEIRO, AQUI VAI A SEGUNDA COLETÂNEA DO CD PSYCOTHRONIC II. HARE!! * Por Amyr Cantusio Jr.

S

ão 11 faixas maravilhosas de

música bem feita, metafísica num estilo entre a Berlin School, a Dusseldorff School e o experimentalismo Techno/Progressive Rock.

Não confundir com trabalhos de DJ ou mixadores de vitrolas.

Aqui há a participação de construtores de sintetizadores modulares como o Vinicius Brazil, ou de painéis e sistemas analógicos como Márcio Prata (conhecido com o codinome de Antonio das Mortes) possivelmente inspirado no grande cineasta Glauber Rocha. Aliás, as músicas 01 / Revista Keyboard Brasil 60

aqui são uma parceria que fiz com ele rara!!

Temos Marcel Rocha de Campinas, Alan Flexa, Patrick Wishrowski, Plastic Noir do norte e José D'Elboux que fundou a banda progressiva Tau Ceti, um ótimo tecladista com muitos trabalhos lindos.

Todos estes músicos são relevantes na arte de vanguarda nacional. Peço a todos que contribuam compartilhando e divulgando a obra dos mesmos. Também contratando e estimulando eventos onde eles possam mostrar sua magnífica arte ao povo viciado da mídia!!

MARCEL ROCHA O produtor musical Marcel Rocha faz música desde os anos oitenta em uma vasta gama de estilos tais como a música eletrônica, música brasileira, música experimental, gótica, ambient music e Live Looping. Mestre e Doutor em Música, Marcel já se apresentou em grandes festivais internacionais.

Em sua discografia se destacam lançamentos pelos selos Sucu Music (Itália), Aural Films (EUA) e Mind Plug Records da Alemanha, bem como vários lançamentos independentes.

Tendo também trabalhado com trilhas musicais para curta, games, teatro, dança e blog, Marcel possui uma vasta gama de influências e as combina sempre de maneira particular e inédita.

ALAN FLEXA Nascido em Macapá, Alan Flexa é compositor, produtor e tecladista de música instrumental.

Seu trabalho tornou-se notório dentro do estilo New Progressivo por conta de vários álbuns voltados à meditação, relaxamento e trilhas produzidos ao longo de sua carreira. Entretanto, suas músicas possuem elementos de vários outros estilos: Rock, Jazz, Clássica, World, Eletrônica e Minimalismo.

Influenciado pela música de Luciano Alves, Rick Walkeman, Patrick Moraz,Vangelins, kitaro, Jam Corcioli, entre outros e fascinado pelas possibilidades sonoras dos sintetizadores eletrônicos, aos 13 anos, iniciou seus estudos musicais no instrumento passando, em seguida, para a música popular e o Jazz.

Em 1998, Flexa inaugurou o selo Symphony, alterando o nome para Zarolho Records (bastante conhecido pelas bandas do underground amapaense).

Revista Keyboard Brasil / 61

Patrick wishrowski O carioca Patrick Wichrowski é tecladista, compositor e pesquisador sonoro (sintetista).

Começou a desenvolver seus projetos pessoais de música eletrônica após abandonar o curso de teclado, aos 15 anos. Tornou-se autodidata e passou a estudar as obras de Johann Sebastian Bach, Vangelis, Rick Wakeman, Jean Michel Jarre e diversos outros músicos do rock progressivo. Sua música pode ser definida como “Rock Progressivo Eletrônico Sinfônico” e faz muitas referências aos “medalhões” do estilo da década de 70. Sem soar uma cópia ou um “genérico” destes, Patrick sempre procurou deixar evidente a sua personalidade musical e a sua coragem em não enveredar por caminhos sonoros óbvios. Em seus trabalhos procura resgatar sonoridades que se perderam na música atual. Sonoridades estas que remetem a um mundo onírico, mágico e a uma conexão com o Cosmos.

D’ELBOUX O paulistano J. Eduardo D'Elboux é engenheiro automobilístico e tecladista de rock progressivo, cujas tendências retomam a estética dos progressivos clássicos da década de 70, como Emerson, Lake & Palmer e U.K. Fundador da banda progressiva TAU CETI, D'Elboux também foi tecladista do grupo Moonshadow. A banda TAU CETI original, que era apenas instrumental, lançou um CD em 1995 pela Faunus Records/Brasil, numa produção i n d e p e n d e n t e . Ta m b é m e m p r o d u ç ã o independente, D'Elboux lançou em 1999, junto a banda Moonshadow, um CD independente, chamado Tales from Soul. D'Elboux não é músico profissional mas a música é sua principal vocação.

62 / Revista Keyboard Brasil

ANTONIO DAS MOLRTES Márcio Prata conhecido como Antonio das Mortes, começou a produzir sons experimentais eletrônicos, com o desejo de viabilizar na música experimental, a exemplo de grandes músicos e projetos, a mudança de percepção, provocada pelo som, o que possibilita revelar uma identidade oculta em todos nós, como a psicopatia, mostrando o vislumbre destas alterações. Desde 1996 vem produzindo sons experimentais solo, os quais ele denomina Psychedelic Down.

VINICIUS BRAzIL Vinicius Brazil é engenheiro eletrônico e consultor, contando com mais de trinta anos de experiência nas áreas de Comunicação, Telefonia, Controle & Testes Industriais, Áudio Analógico e Digital assim como projetos especiais. Criador do “VBrazil Systems”, iniciativa única e pioneira no país que se dedica ao desenvolvimento de sintetizadores analógicos e modulares no formato tipo “eurorack”.

Revista Keyboard Brasil / 63

PLASTIQUE NOIR

O Plastique Noir é uma banda de Fortaleza que abrange os gêneros póspunk, gothic, darkwave, indie e rock, cuja formação atual conta com Airton S (voz e eletrônicos), Danyel Fernandes (guitarras e synths) e Deivyson Teixeira (baixo).

Rapidamente ganhou projeção tendo sido convidada, já em seus primeiros meses, para a abertura da tour nacional da banda The Cruxshadows (EUA) e excursões pelo Nordeste e Centro-Oeste.

Naquele ano de estreia, a banda lançou dois trabalhos: o CD-R demo “Offering” (item bastante raro) e o EP “Urban Requiems” (hoje distribuído pelo selo alemão AF Music). Este EP ganhou elogiosas resenhas em prestigiados veículos de seu gênero, como a revista portuguesa Elegy Iberica e o site do crítico e pesquisador inglês Mick Mercer, referência mundial no universo gótico.

Em 2007, o Plastique Noir recebeu seu primeiro convite para um festival internacional (Wave Gotik Treffen, em Leipzig-Alemanha), dando início à produção do seu primeiro álbum oficial, intitulado “Dead Pop” (Pisces Records-SP), lançado no ano seguinte. Realizou uma grande tour que durou quase três anos, por quase todas as regiões do Brasil (capitais e interior), tendo passado por inúmeros festivais renomados .

Em 2010, a banda abriu a única data do Frozen Autumn (Itália) no Brasil e, no fim daquele ano, deu início à produção de seu segundo álbum, intitulado “Affects”, com lançamento em 2011 pela Wave Records (SP) e distribuição internacional.

Em 2014, dão início à produção de seu terceiro álbum, intitulado “24 Hours Awake”, com lançamento em fevereiro de 2015, novamente pela Wave Records.

*Amyr Cantusio Jr. é músico (piano, teclados e sintetizadores) compositor, produtor, arranjador, programador de sintetizadores, teósofo, psicanalista ambiental, historiador de música formado pela extensão universitária da Unicamp e colaborador da Revista Keyboard Brasil.

64 / Revista Keyboard Brasil

Sobre os sons

NACIONALISMO NA

Música erudita - Parte 3

O Reflexo Nacionalista na Música Erudita no Brasil 66 / Revista Keyboard Brasil

AQUI NO BRASIL, ATÉ O SÉCULO XIX, NO ÂMBITO DA MÚSICA ERUDITA, NÃO SE PODE AINDA FALAR EM UM NACIONALISMO NOS MESMOS TERMOS QUE VIMOS POR EXEMPLO NA RÚSSIA COM O GRUPO DOS CINCO, NEM COMO NA HUNGRIA DE BARTÓK. OS ACONTECIMENTOS NO ÂMBITO SOCIAL E POLÍTICO DO BRASIL, COMO A TRANSIÇÃO DO IMPÉRIO PARA REPÚBLICA, TAMBÉM O FATO DE SER NAQUELA ÉPOCA AINDA UMA RECENTE EX-COLÔNIA PORTUGUESA, A QUESTÃO ABOLICIONISTA E UM PAÍS COM DIMENSÃO CONTINENTAL COM CADA REGIÃO TENDO SUAS PARTICULARIDADES SÓCIO-CULTURAIS, FIZERAM COM QUE NO BRASIL O NACIONALISMO NA MÚSICA ERUDITA CHEGASSE DE FORMA MAIS LENTA E COMPLEXA. TENTAREI AQUI DAR AO LEITOR UMA VISÃO GERAL DESSE PROCESSO, DESTACANDO OS PRINCIPAIS COMPOSITORES. * Por Sergio Ferraz

Revista Keyboard Brasil / 67

Século XIX – O Nacionalismo romântico

E

m 1857, durante o governo do Imperador D. Pedro II, foi criada a

Academia de Música e

Ópera Nacional com o objetivo de criar

condições para o desenvolvimento da música brasileira, preparando e aperfeiçoando artistas nacionais, realizando concertos e espetáculos em língua portuguesa. No Teatro Provisório, que era destinado a apresentações de Óperas de companhias italianas, começaram também a ser apresentadas óperas brasileiras, todas compostas evidentemente ainda dentro dos moldes da ópera italiana.

Antonio Carlos Gomes (18361896), o maior compositor brasileiro do século XIX, reconhecido internacionalmente sobretudo na Itália, onde estreou em 1870 a ópera Il Guarany no Teatro Scala de Milão, foi certamente o primeiro compositor brasileiro a buscar conscientemente uma ligação nacionalista em sua obra, embora essa ligação nacionalista em

Carlos Gomes seja apenas no sentido ideológico-literário e não estéticomusical. Em Il Guarany (1870), Carlos Gomes usa como libreto o romance de José de Alencar(1829-1877), uma das primeiras manifestações do brasileirismo literário. Em Lo Schiavo (1889), o esboço inicial do libreto, de autoria do Visconde de Taunay, tratava do problema da escravatura negra. Mas como falamos, em Carlos Gomes o nacionalismo limita-se ao aspecto ideológico-literário, sua música está fortemente baseada na da ópera Italiana, vez por outra flertando com Wagner.

A ideia de uma música erudita brasileira se desenvolveu a passos lentos.

Os compositores pós Carlos Gomes comumente empregavam temas folclóricos em suas composições que eram tratados segundo métodos harmônicos europeus, tal qual fazia a geração romântica europeia de meados do século XIX.

A Geração pré Villa-Lobos O impulso seguinte, na direção da música nacionalista é dado por Alexandre Levy (1864-1892) e Alberto Nepomuceno (1864-1920). Levy, antes da sua partida para a Europa em 1887, interessa-se pela temática nacional, compondo as Variações Sobre um Tema Brasileiro, originalmente para piano e depois orquestrada. Essas variações, baseadas na canção infantil, Vem cá Bitu, é a primeira obra nacionalista depois de Cayumba de Carlos Gomes, e A Sertaneja, de Brasílio Itiberê da Cunha 68 / Revista Keyboard Brasil

(1846-1913). Outras peças de Levy como a Sinfonia em mi menor de 1889, já mostra elementos do nacionalismo mais objetivo buscado pelo compositor, que atinge seu ponto máximo na peça, Tango Brasileiro e na Suíte Brasileira, composta de quatro movimentos: “Prelúdio”, “Canção Triste”, “À Beira do Regato” e “Samba”.

Lamentavelmente Alexandre Levy morreu aos 24 anos , sem tempo suficiente de amadurecer musicalmente e levar a cabo seus projetos mais ambiciosos.

Alberto Nepomuceno é considerado por alguns pesquisadores como sendo o pioneiro no nacionalismo brasileiro.

Nepomuceno, depois de estudos no Brasil, viaja a Europa, onde estudou inicialmente em Roma e depois em Berlin. A sua estada em Berlin pôs o compositor em contato direto com as técnicas composicionais mais recentes. Durante essa época, o compositor pôde também ter contato com o nacionalismo nas escolas europeias.

A obra mais importante de Nepomuceno é Série Brasileira de 1892; trata-se de uma suíte de quatro partes: “Alvorada na Serra”, “Intermédio”, “A Sesta na Rede” e “Batuque”.

Nessa obra o compositor também fez uso de temas infantis tradicionais, ritmos de maxixe, e células rítmicas tomadas diretamente de danças afro-brasileiras. Outra obra de Nepomuceno que se liga ao nacionalismo é o prelúdio de O Garatuja , escrito para a comédia musical de José de Alencar, no qual o compositor emprega como tema um lundu.

Alberto Nepomuceno abriu o caminho nacionalista para as gerações seguintes, que viram em sua obra a riqueza do emprego de material de origem folclórica e popular .

Outra figura que marcou seu nome na história da música erudita brasileira foi Francisco Braga (18681945). Braga, diferentemente dos

seus contemporâneos, teve origem pobre.

Iniciou seus estudos de música no Asilo de Meninos Desvalidos. Em 1890 ele ganha uma bolsa de estudos do novo governo republicano por sua participação no concurso destinado à escolha do novo hino nacional e parte para estudar na Europa.

Suas composições no período em que estudou na Europa revelam uma tendência ao estilo impressionista e também uma certa influência Wagneriana.

Francisco Braga também foi sensível à causa nacionalista. Diferentemente de Nepomuceno, Braga não faz uso Revista Keyboard Brasil / 69

de temas folclóricos nem emprega uma instrumentação étnica à orquestra. Braga tinha algo que podemos chamar de sensibilidade nacional combinada a uma música elegante e bem acabada.

As obras de Francisco Braga de caráter nacionalista são o Poema Sinfônico Marabá, baseado em poemas de Gonçalves Dias. A ópera Jupirá, baseada no romance de Bernardo Guimarães, a música incidental Prelúdio, Interlúdio, Danças e Coros escrita para o drama O Contratador de Diamantes, de Afonso Arinos. Também, Variações Sobre um Tema Brasileiro (baseado no Gavião de Penacho), Canto de Outono (para orquestra de cordas), o poema sinfônico Insônia e os poemas com coros Paz e Oração.

Continua na próxima edição...

* Sergio Ferraz é violinista, tecladista e compositor. Bacharel em música pela UFPE, possui seis discos lançados até o momento. Também se dedica a composição de músicas Eletroacústica, Concreta e peças para orquestra, além de colaborador da Revista Keyboard Brasil.

70 / Revista Keyboard Brasil

Foto: Divulgação

Por dentro

PIANISTA JULIANA D'AGOSTINI LANÇA PROJETO DE MÚSICA POPULAR 72 / Revista Keyboard Brasil

TOCANDO PIANO DESDE OS CINCO ANOS DE IDADE A PREMIADA PIANISTA JULIANA D'AGOSTINI ACABA DE LANÇAR SEU MAIS NOVO PROJETO: UMA SÉRIE DE VÍDEOS DE MÚSICA POPULAR NA C O M PA N H I A D E C O N V I D A D O S ESPECIAIS. UM REPERTÓRIO VARIADO E MUITO ESPECIAL!

* Virtuosi Produções

C

onsiderada um dos principais nomes do piano no Brasil, Juliana D'Agostini acaba

de lançar seu mais novo projeto: uma série de vídeos de música popular na companhia de convidados especiais. Os vídeos irão ao ar sempre às terças-feiras no canal do YouTube da pianista e o público pode esperar um repertório variado, preparado com cuidado para agradar diferentes gostos musicais.

Já foram lançados dois vídeos e, no primeiro, D'Agostini faz uma versão de “Pra sempre com você” – canção da dupla sertaneja Jorge e Mateus – com a participação da cantora e youtuber Gabi Luthai. No segundo, Juliana faz uma versão para piano solo de “All of me”, um dos sucessos do cantor norte-americano John Legend. A pianista explica que a ideia da série surgiu do desejo de produzir música, independente do gênero: “Senti necessidade de compartilhar música através de um canal plural, reunindo

artistas e gêneros diferentes. Quebrando preconceitos, nosso objetivo é emocionar através de experiências sonoras”, define.

Formada pela Universidade de São Paulo, com especializações na Europa e Estados Unidos e três discos lançados, a pianista transita com elegância entre o erudito e o popular. Ao longo de sua carreira, ela se apresentou em diversos países e em grandes salas, como o Carnegie Hall de Nova York e as Salas São Paulo e Cecília Meirelles. Ela também foi solista de grandes orquestras, como as Sinfônicas da Rádio e TV da Bielorrússia, da Paraíba, de Campinas, de Sergipe, da Bahia e de muitas outras, como a Orchestra Femminile Italiana. Recentemente, foi solista da turnê europeia da Kazakhstan State Orchestra.

Na música popular, a musicista já integrou iniciativas como o Projeto Tribos da Brasil Piano Masters, que produziu oito videoclipes que associavam música clássica à arte popular. Para o projeto Revista Keyboard Brasil / 73

Juliana D'Agostini e o rapper Projota interpretando composição sobre o tema de Rachmaninov Preste atenção. O projeto "Tribos" é composto de oito videoclipes que associam as linguagens da música clássica, interpretadas por jovens e promissores pianistas, com a da arte popular.

74 / Revista Keyboard Brasil

D'Agostini se juntou ao rapper Projota interpretando “Preste atenção”, composição sobre o tema de Rachmaninov. Outro projeto da artista foi a gravação do vídeo “Rach crossover”, parceria com o guitarrista Paul Pesco, conhecido por tocar com a popstar Madonna.

Elogiada por grandes nomes da música erudita como os maestros João Carlos Martins e Isaac Karabtchevsky, Juliana D'Agostini conta que a escolha do repertório se dá de formas variadas: “A escolha do repertório e as parcerias acontecem de maneiras diferentes. Há desde o acaso, por exemplo, quando encontro um artista em estúdio e fazemos uma jam session, até algo imaginado, sonhado por mim e transformado em um convite.” A pianista conta que o público pode esperar parcerias muito especiais, como Luíza Possi, Rappin Hood, Fafá de Belém, Nuno Mindelis, Robinho Tavares, Mc Garden, Toquinho e outros. “Espero que as pessoas acompanhem o canal, se emocionem com os vídeos e com as parcerias mais que especiais”, completa.

VIRTUOSI PRODUÇÕES – Situada em Belo Horizonte, é uma das principais agências de produção cultural do Brasil com ampla atuação no país e no exterior.

Revista Keyboard Brasil / 75

Aprenda agora

HOME STUDIO

M O N I T O R E S A ESCOLHA DO NOSSO SISTEMA DE MONITORAÇÃO É MUITO IMPORTANTE PARA O FUTURO DAS NOSSAS PRODUÇÕES. CONHEÇA MAIS SOBRE ESTE ASSUNTO NA COLUNA DESTE MÊS. * Por Murilo Muraah

76 / Revista Keyboard Brasil

A

escolha do nosso sistema de monitoração deve levar em consideração diferentes aspec-

tos: a sonoridade da nossa sala, quais serviços executamos, gosto pessoal, tamanho, espaço disponível, sua realidade financeira, etc. Uma dica que é sempre bom ser lembrada: às vezes é melhor investir em bons fones de ouvido do que em monitores quando trabalhamos em uma sala com acústica problemática. Nessa situação, mesmo os pares de monitores mais transparentes resultariam em um som com grandes alterações, enganando os ouvidos do técnico durante uma mixagem, por exemplo.

Os serviços que executamos influenciam em nossas escolhas de equipamentos devido às grandes diferenças entre os equipamentos disponíveis no mercado de áudio profissional.

Um home studio utilizado para ensaios pede caixas de som bem diferentes de um home studio de gravação e mixagem, por exemplo. Além disso, os gêneros de música com os quais trabalhamos podem influenciar bastante na hora de escolher nossos equipamentos.

É claro que em home studios pequenos, principalmente de quem está começando a montar seu sistema, nem sempre será possível ter à disposição os equipamentos que julgamos ser ideais. Nesse caso, como sempre ressalto aqui, é fundamental o planejamento baseado na realidade de cada situação. E para que esse planejamento possa ser feito com maior consciência, vamos conhecer um pouco mais sobre os monitores utilizados em estúdios de gravação e mixagem.

Os monitores são caixas de som que utilizamos durante nossas produções de áudio. Home studios que realizam produções Revista Keyboard Brasil / 77

KRK RP5 G3: monitor de 5 polegadas da KRK que possui ótima relação custo- benefício.

res, mas com tamanhos diferentes, pode-se esperar que os modelos com falantes

maiores

oferecerão

uma

resposta de graves mais estendida, ou seja, serão capazes de reproduzir frequências mais graves do que os de menor tamanho. Apesar disso parecer ser uma boa ideia em um primeiro momento, já podemos imaginar que, dependendo da em estéreo geralmente terão um par de

sala, um par de monitores de 5 polegadas

monitores - alguns utilizam ainda um

será mais adequado do que os de 8 polega-

subwoofer para ter melhor resposta de

das, por exemplo.

Tendo definido o tamanho aproximado dos monitores de acordo com a sua sala e com uma ideia de quanto deseja investir neles, é hora de começar a pesquisar os modelos disponíveis. Vale olhar as especificações fornecidas pelos fabricantes, consultar a opinião de técnicos mais experientes, visitar estúdios e home studios de conhecidos para ouvir

graves. Aqui é necessário lembrar novamente da acústica da sala: colocar um subwoofer ou um par de monitores com resposta de graves estendida em uma sala mal tratada que já possui sobra de graves pode gerar problemas e ser um enorme desperdício.

O espaço que temos em nossa sala para posicionar os monitores é muito importante, assim como o próprio tamanho da sala. Em home studios geralmente trabalhamos com monitores “near-field”, ou seja, monitores planejados para serem posicionados próximos ao técnico - ter monitores imensos em uma sala minúscula provavelmente não será uma boa ideia.

Os monitores near-field geralmente possuem duas vias: um falante que costuma variar entre 5 e 8 polegadas e um tweeter, ou seja, um falante para as frequências mais agudas. Se um fabricante oferece o mesmo modelo de monito78 / Revista Keyboard Brasil

Genelec 8010A: monitor de apenas 3 polegadas da Genelec, marca que é referência de qualidade de monitores de estúdio.

A série HS da Yamaha: com monitores que variam entre 5 e 8 polegadas, além de um subwoofer de 8 polegadas.

seus equipamentos e suas opiniões, ouvir

monitores oferece uma resposta de graves

diferentes modelos em lojas especiali-

exagerada, um técnico experiente

zadas, etc. Lembre-se que um bom par de

acostumado

monitores nem sempre será o que te

sistema saberá o que fazer para deixar

agrada mais em um primeiro momento,

a mixagem apropriada para ser executada

mas sim o que te oferecerá maior

em diferentes sistemas.

De qualquer maneira, é sempre aconselhável, ao finalizar uma mixagem, ouvir o arquivo final em diferentes sistemas: caixas de som amadoras, fones de ouvido, no som do carro, da televisão, do computador, do celular, em sistemas mono, etc. Dessa forma, a chance de sua música soar bem nos sistemas de outras pessoas será ainda maior.

Após a escolha do seu par de monitores, o posicionamento deles na sala será fundamental para que te ofereçam a sonoridade mais transparente possível.

Conhecimentos de acústica, diferentes medições e consequente tratamento acústico da sala irão te ajudar a tirar o máximo do seu sistema, mas essas duas dicas básicas já são um bom começo: 1) Posicione os monitores de forma que a posição do técnico forme um triângulo equilátero com eles.

transparência para a realização de suas mixagens.

Aquele par de monitores com uma resposta de graves exagerada pode ser ótimo para ouvir música em momentos de lazer, mas pode acabar te fazendo pensar que suas mixagens têm mais grave do que elas realmente terão, fazendo com que outras pessoas, ao ouvirem as músicas que você mixou, sintam falta justamente daquilo que parecia sobrar em seu sistema.

Claro que não só a resposta de frequência dos monitores deve ser considerada, mas também a experiência do técnico, o conhecimento que tem dos monitores que utiliza e das ferramentas disponíveis para ajudá-lo a melhor interpretar suas mixagens. Na situação citada anteriormente, onde o par de

a

trabalhar

com

e esse

Revista Keyboard Brasil / 79

‘ ‘

O espaço que temos em nossa sala para posicionar os monitores é muito importante, assim como o próprio tamanho da sala.

‘ ‘ - Murilo Muraah

2) Evite posicionar os monitores em posições acima ou abaixo da linha dos seus ouvidos - posicione-os na linha da sua cabeça.

Na dúvida, explore diferentes posicionamentos, perceba como a sonoridade será alterada de acordo com as superfícies abaixo dos monitores ou de sua proximidade com a parede, isso sem falar nos próprios controles de volume e filtros de graves e agudos presentes em alguns modelos. Faça seus testes ouvindo músicas que você já conhece bem até chegar ao melhor setup possível dentro da sua sala.

*Murilo Muraah é Bacharel em Comunicação Social pela FAAP e proprietário da Muraah Produções, onde atua como professor de áudio analógico e digital, produtor musical, compositor de trilhas sonoras e músico. É também supervisor dos cinco estúdios de gravação e mixagem das Fábricas de Cultura das zonas norte e sul de São Paulo além de colaborador da Revista Keyboard Brasil.

80 / Revista Keyboard Brasil

Av. Jorge Amado, Rua Jaime Simas 26 Imbui Salvador - BA (71) 9-9901-5383

Perfil

CARLINHOS

~

FOFAO RAFAEL SANIT TRAZ NO PERFIL DESSE MÊS, O TECLADISTA E PRODUTOR MUSICAL CEARENSE CARLINHOS FOFÃO – CRIADOR DO IG@TOPTECLADISTAS (INSTAGRAN QUE DIVULGA O TRABALHO DE TECLADISTAS BRASILEIROS).

* Por Rafael Sanit 82 / Revista Keyboard Brasil

N

atural de Fortaleza (Ceará), José Carlos Feitosa aos 29 anos é carinhosamente conhecido co-

mo “Carlinhos Fofão” , sendo destaque como tecladista e produtor musical. Ganhou seu primeiro instrumento através de sua mãe, começando seus estudos musicais aos 8 anos de idade com a professora de piano Lizita Nogueira e com o maestro Marcus Rogzillo, atualmente professor de música da UECE (Universidade Estadual do Ceará), sendo influenciado por suas raízes familiares, grandes músicos do interior do Ceará. Aos 10 anos formou sua primeira banda com amigos do colégio e fez sua primeira apresentação pública. De lá para cá passou por diversas bandas do cenário nordestino tendo como destaque a banda Aviões do Forró, entre outras, com a qual gravou 3 DVDs sendo 1 transmitido ao vivo pelo Canal Multishow.

Em estúdio, participou como tecladista de álbuns de cantores nacionais e regionais. Durante o tempo de estrada, Carlinhos teve a oportunidade de tocar em grandes feiras e festivais nacionais, tendo dividido o mesmo palco por diversas vezes com grandes nome: Thiaguinho, Luan Santana, Tânia Mara, Dominguinhos, Cristiano Araújo, Bell Marques, Waldones, Gusttavo Lima, Grupo Molejo, Thiago Abravanel, J.

Quest, Cláudia leitte, Ivete Sangalo, Harmonia do Samba, Wesley Safadão, Alexandre Pires, Luan Estilizado, Latino, CPM22, Saulo, SPC entre outros, sempre fazendo amizade com músicos e equipe técnica, trocando experiências e conhecimentos.

Carlinhos Fofão tocou em grandes festivais como o Festival de Verão, FestVerão Brasília, Fortal, Vila Mix, Forró Cajú, São João de Caruaru, ExpoCrato, Carnaval de Salvador... Gravou diversos programas nacionais como Música Boa, Raul Gil, Domingo da gente, Domingo Legal, Programa da Sabrina, Fátima Bernardes...

No ano de 2013, ainda no grupo Aviões Do Forró, procurou uma forma de divulgar os amigos de instrumento, sentia que de alguma forma poderia e deveria fazer algo para ajudar outros tecladistas e tomou essa responsabilidade para si, foi ai que surgiu a ideia de criar o IG @toptecladistas onde divulga matérias sobre outros tecladistas do Brasil. E, como não poderia ser diferente, logo a ideia se tornou um sucesso no IG. Com 19 anos de carreira, Carlinhos é casado com a cantora Marjory Yasmin, tem 2 filhos e atualmente é tecladista da cantora Márcia Fellipe, cantora amazonense de grande reconhecimento nacional.

* Rafael Sanit é tecladista, Dj e produtor musical, endorsee das marcas Roland, Stay Music, Mac Cabos e Jones Jeans. Também trabalha como demonstrador de produtos Roland onde realiza treinamentos para consultores de lojas através de workshops e mantém uma coluna na Revista Keyboard Brasil.

Revista Keyboard Brasil / 83

Opinião

MOTIVAÇÃO

MUSICAL MOTIVAÇÃO É UM TEMA MUITO IMPORTANTE PARA SE OBTER SUCESSO EM QUALQUER PROFISSÃO. VAMOS ABORDAR A MOTIVAÇÃO NA MÚSICA! BAIXISTA, VIOLINISTA, TECLADISTA...

SEJA QUAL FOR SUA ÁREA DE ATUAÇÃO, O IMPORTANTE É SEMPRE ESTAR MOTIVADO! * Por Roberto Reis

84 / Revista Keyboard Brasil

P

ara iniciarmos, coloco em destaque as seguintes perguntas:

“Como você se sente fazendo aquilo que não gosta?”

“Como você reage quando não é reconhecido?”

“Qual é a sua atitude diante de um resultado negativo?”

“Como você lida com os empecilhos?”

“Você é uma pessoa persistente?”

Bom, agora acenda um palito de fósforo e responda essas perguntas antes que o fogo consuma o palito e queime seus dedos! Ok? Let's do it!

E aí? Conseguiu? Se você conseguiu responder à essas perguntas nesse espaço de tempo, já é um bom começo!

Porém, se não atingiu essa meta, você precisa melhorar...

Essa atividade permite a você repeti-la, tentar novamente. No entanto, na vida, as chances e oportunidades nem sempre poderão te oferecer tempo de sobra para fazer a coisa certa, e você não deve se enfraquecer por isso.

Embora, as perguntas acima sejam diferentes entre si e possam estar inseridas em contextos diferentes, elas orbitam em uma mesma temática, pela qual se torna possível responder a todas elas. Mas, como responder a todas essas perguntas? Observe o conceito a seguir:

Segundo Idalberto Chiavenato (1999): “a motivação é o desejo de exercer altos níveis de esforço em direção a determinados objetivos organizacionais, condicionados pela capacidade de satisfazer objetivos individuais.

A motivação depende da direção (objetivos), força e intensidade do comportamento (esforço) e duração e persistência. ”

Durante nossa vida, pessoal e profissional, nem tudo será fácil em nossa trajetória e nem sempre faremos aquilo que gostaríamos de fazer. O incrível é que, mesmo dentro da nossa área, das nossas especialidades, dentro de tudo aquilo que gostamos de fazer, você SEMPRE encontrará algo que detestará fazer. Para os músicos, podemos dizer que são aqueles exercícios mirabolantes, cheios de detalhes e de tempos “quebrados”, para os baixistas isso se figura em exercícios maçantes, exaustivamente explorados, para os violinistas isso tem sinônimo de “etudes” longos, cheios de bémois na “ida” e sustenidos “na volta”, para os administradores (ou para alguns deles) seria discutir filosofia, sociologia e outras disciplinas que aparentemente não tem nada a ver com o curso ou mesmo com a profissão.

A verdade é que, mesmo parecendo chato ou sem sentido, precisamos realizar essas atividades para obtermos uma boa formação, tanto no sentido técnico, como no sentido conceitual, sem mencionar ainda as habilidades humanas.

E, de acordo com a definição acima, de Idalberto Chiavenato, se temos um objetivo de vida, seja ele profissional ou pessoal, temos que nos esforçar para o atingirmos.

Segundo Balaguer e Atienza (1994), “motivação é o desejo de iniciar e persistir numa atividade. É o 'motor' de t o d o s o s c o m p o r t a m e n t o s . Sem Revista Keyboard Brasil / 85

Foto: Hulton Archive/Stringer / Getty Images

Thomas Edison ao lado de uma de suas maiores invenções, o fonógrafo, primeiro aparelho da história capaz de gravar e reproduzir sons.

motivação não há ação.”

Fazer aquilo que gostamos, é fácil, pois nos sentimos dispostos, sentimos prazer em realizar tal atividade. Agora “meu patrão”, fazer aquilo que não gostamos só é possível se tivermos um objetivo grande, vontade de vencer e chegar ao topo e muita, muita garra e força de vontade, e, todas essas vertentes vêm de uma única nascente, que é aquilo que chamamos de motivação.

Também, há situações onde fazemos tudo certo, procurando fazer cada vez melhor. Contudo, por mais que seja feito, não obtemos o reconhecimento merecido, e isso faz com que “murchamos” e nos tornemos os famosos “bolas 86 / Revista Keyboard Brasil

murchas”. Mais uma vez entra o fator chamado de motivação! E, então, você se pergunta: – “Como se manter motivado em meio à falta de reconhecimento?”. Bom, caro leitor, a motivação se manifesta de duas maneiras: através da motivação externa (exógena/extrínseca) e da motivação interna (endógena/intrínseca).

A motivação externa, como o próprio nome sugere, é a motivação que obtemos a partir de incentivos de terceiros, do ambiente em que estamos inserido. Bons exemplos são: elogios, títulos, prêmios, benefícios, dinheiro, entre tantas outras coisas. Porém, a motivação externa é controlável, pois seu foco incide sobre o “ter” e o “possuir”, e

são coisas que não dependem de você e, sim, daquilo que o cerca.

Já a motivação interna é algo incontrolável e que só depende de você, não importa a situação, seja ela positiva ou negativa. Ela está diretamente ligada ao seu “eu” interior! Podem se constituir vários fatores motivadores para esse tipo de motivação, que vão desde as necessidades básicas de um ser humano, como fome, sede, segurança, afetividade até a autorrealização. A motivação interna é duradoura e é independente dos fatores externos, dos resultados obtidos, dos incentivos. A pessoa auto-motivada desconhece limites, quebra barreiras e matem dentro de si a “chama acesa” da “boa vontade”, do “querer fazer” e principalmente do “ser”.

A maioria das pessoas vêem os problemas e dificuldades como barreiras, como razão de dar um “stop” na trajetória. Não podemos deixar jamais que o medo, a falta de crença das pessoas e os problemas atrapalhem a realização de nossos objetivos! E você, músico, baixista, violinista, tecladista, administrador, seja lá qual for sua profissão, como você enxerga as dificuldades do dia-a-dia, os problemas do caminho e os empecilhos da sua trajetória? Bem, eu aprendi a enxergálos não como coisas negativas, mas como uma OPORTUNIDADE de melhorar, de corrigir o que não foi bem feito e prevenir proativamente para que tais erros não se repitam no futuro. Seja sempre otimista, acredite, mesmo que a situação não seja as das mais favoráveis. Lógico, que devemos estudar aquilo que nos propomos a fazer,

devemos analisar a viabilidade, e não medir esforços para que possamos realizar aquilo que nos propomos a fazer.

Mas, nessa hora os pessimistas levantam a mão (¬¬') e dizem: – “Vivo tentando, buscando, mas sempre dá algo errado!”. Para você que pensa assim, deixo alguns conselhos: 1 - Revise seu planejamento; 2 - Faça uma análise crítica de seus métodos; 3 - Certifique-se de que está empenhado realmente; 4 - Verifique se está trabalhando ou se associando às pessoas certas (o que não é motivo para colocar a culpa nos outros...); 5 - Reveja seus conceitos; 6 - Faça uma auto-avaliação e comprove que já tentou todas as possibilidades possíveis e imagináveis.

Lembre-se que Thomas Edison – um dos maiores inventores que a humanidade concebeu, e que tem registrado em seu nome mais de 1.000 patentes, era um ser humano persistente e insistente (não desistia fácil de seus objetivos). Sua contribuição mais importante para o problema da luz elétrica foi no projeto do filamento. Ele tentou mais de 6.000 materiais de filamentos alternativos durante dois anos e gastou US$40,000 conduzindo mais de 1.200 testes.

Deixo para reflexão frases ilustres desse ser humano fantástico, que era um pouco ou muito mesmo! (risos) de tudo, que nos deixou, além de suas invenções, grandes lições de vida!

“Mostre-me um homem 100% satisfeito e Revista Keyboard Brasil / 87

Foto: @edukbrown 88 / Revista Keyboard Brasil

Roberto Reis: “Aprendi a enxergar os problemas não como coisas negativas, mas como uma OPORTUNIDADE de melhorar, de corrigir o que não foi bem feito e prevenir proativamente para que tais erros não se repitam no futuro.”

falta, olhe para tudo o que você já conquistou!

Um abraço aos músicos, administradores, entre outros profissionais que acompanham meu blog!

Fiquem na Paz!

Dedico este artigo ao meu professor Diórgenes Torres (Baixo Elétrico).

FONTES: - LARA, Leandro. Liderança e Motivação no Ambiente Organizacional. Disponível em: http://www.maurolaruccia.adm.br/trabalhos/lider1.htm - Autor Desconhecido. Thomas Alva Edison. Disponível em: http://www.ilumilar.com.br/dicas_historia.asp - F E L N E R , P e d r o . M O T I VA Ç Ã O I N T R I N S E C A E E X T R I N S E C A . D i s p o n í v e l e m : http://coachingapproach.blogspot.com/2006/11/motivao-intrinseca-e-extrinseca.html - VALDERMIR. Sinergia e Motivação x Liderança. Disponível em: http://www.administradores.com.br/informese/artigos/sinergia-e-motivacao-x-lideranca/24975/ - EDISON, Thomas A. Frases diversas de Thomas Edison. Disponível em: http://www.pensador.info/thomas_edson/ - Colaboradores da Wikipédia. Thomas Edison. Disponível em: http://pt.wikipedia.org/wiki/Thomas_Edison

* Roberto Reis vive em São Luís do Maranhão. Atualmente faz mestrado Internacional em Direção Estratégica de Marketing (EUA e Espanha)´; cursa MBA Internacional em Gestão de Projetos (EUA e Espanha); é professor do Instituto ISAN FGV (Fundação Getúlio Vargas), da Sociedade Educacional Leonardo da Vinci e da Faculdade Laboro (Pós Graduação). Possui MBA em Gestão Estratégica de Pessoas. É Analista de Sistemas e Bacharel em Administração e também atua como consultor de Micro e Pequenas empresas. No ramo da música, está concluindo o curso de Contrabaixo Elétrico com ênfase em Jazz, na Escola de Música do Estado do Maranhão Lilah Lisboa. Estuda paralelamente violino e recentemente iniciou seus estudos em violoncelo. Também é professor particular de Contrabaixo e Violino.

Revista Keyboard Brasil / 89

Foto: Arquivo Pessoal

eu lhe mostrarei um fracassado. ” “Talento é 1% inspiração e 99% transpiração. ” “Muitas das falhas da vida acontecem quando as pessoas não percebem o quão perto estão quando desistem.”

“Nossa maior fraqueza está em desistir. O caminho mais certo de vencer é tentar mais uma vez”.

“5% das pessoas pensam. 10% das pessoas pensam que pensam. Os outros 85% preferem morrer a pensar.”

Uma música excelente para ouvir lendo estas frases é “Enquanto houver sol”, dos Titãs.

E você músico, como encara tudo isso? Sabemos de muitas dificuldades em nossa carreira, tais como dificuldade ao acesso de boa instrução e formação musical, livros, instrumentos e acessórios ainda com os custos relativamente elevados, sem contar com as dificuldades cotidianas, como tempo escasso, dificuldades técnicas, entre uma série de outros fatores. No mais, não pense no que

Novidade

O BOM FILHO À CASA TORNA! NELSON BONFIM, EX-ESPECIALISTA DE PRODUTOS DA YAMAHA É NOVAMENTE CONTRATADO COMO PARCEIRO PELA ROLAND – UMA DAS MAIORES EMPRESAS DO SETOR. * Redação 90 / Revista Keyboard Brasil

N

elson Bonfim é músico multiinstrumentista e trabalha com produtos eletrônicos desde

1997, quando vendia instrumentos musicais na saudosa Gang Music na Rua Teodoro Sampaio, em São Paulo. A

parceria com a Roland inclui trabalhos de pesquisa de mercado, divulgação de produtos e desenvolvimento. Atualmente, “Nelsinho” como é conhecido, está muito contente e deseja sucesso à todos nessa nova jornada.

Entrevista Revista Keyboard Brasil – O que você poderia falar sobre as suas experiências com o teclado?

Nelson Bonfim: Primeiro gostaria de agradecer ao pessoal da REVISTA KEYBOARD BRASIL que abriu este espaço para que eu dividisse com os demais amigos das teclas que tocam na igreja, que tem banda, que tocam por hobby ou que se divertem com os maravilhosos sons que esses instrumentos nos proporcionam. O mundo das teclas é sensacional e apaixonante. Muito prazer, eu sou Nelson Bonfim, tenho 38 anos e entrei no mundo da música aos 5 anos de idade por meio de um Dom enviado por Deus e muita dedicação. Eu ouvia alguns sons e acordes de violão que eram tocados na Igreja e quando eu chegava em casa, ficava tentando imitar o que os músicos faziam lá no templo com o violão. Depois aos 9 anos, meu pai me obrigou a estudar esse instrumento. Eu tinha um professor que me ensinava música antes de tocar no violão por um método do Mário Mascarenhas, mas eu desisti depois de passar para a guitarra.

Em seguida, troquei minha guitarra por um teclado muito simples, um teclado

com auto acompanhamento simples. Aí sim, me apaixonei pelas teclas! Logo meu pai percebeu o interesse e deu um órgão Gambit de presente. A insistência de meu pai foi o que me fez chegar onde sempre sonhei. Lembro-me, também, do dia da minha primeira formatura onde uma banda de baile, dessas que tocam de tudo tocava e eu disse: “Um dia quero tocar numa banda dessas”. Depois vieram os sintetizadores, um Ensoniq SQ e aí não parei mais!

Tive um EXR-7, XP80,G70, Fantom, MOTIF. Mais tarde, veio o primeiro trabalho numa loja de instrumentos musicais na Teodoro Sampaio, o trabalho com artistas, aulas de produtos, consultoria, o trabalho na Roland, Yamaha e de volta na Roland depois de 6 anos. As histórias não param por aí. Posso contar muito mais em meus Workshops onde espero por você que está lendo isso. O mais importante é sempre estar apaixonado pela música. Para ver um pouco do que faço vejam também meu blog; www.nelsonbonfim.wordpress.com Revista Keyboard Brasil – O que você diria a quem tem certa dificuldade, mas quer aprender a tocar teclado?

Revista Keyboard Brasil / 91

NB: Insista, insista e insista. Se você se interessou pela música é porque o Dom você já tem, basta que você faça a sua parte agora. Quem é músico sabe que nada é fácil na vida e aprender música exige dedicação. Lembro que quando era criança, os músicos mais velhos pediam para eu parar de tocar porque eu era muito ruim. Hoje, alguns deles pedem para tocar comigo. Mas, o engraçado é que música não tem fim e sempre é tempo de estudar e tirar novas músicas. O importante é se apaixonar pelo que faz.

RKB – Quais teclados, especificamente, você recomenda para quem está começando a tocar?

NB: Hoje em dia existem teclados e pianos com lições internas.

RKB – O que você diria a quem vai fazer a primeira apresentação ao público?

NB: Faça o simples, a tríade de acordes e 92 / Revista Keyboard Brasil

base com 2 notas de strings é o suficiente para tocar milhares de canções e ainda, de quebra, combinar com qualquer instrumento em sua banda. Lembro-me do dia em que fui tocar com uma banda de pessoas mais velhas e eu queria fazer acordes com sétima, nona e tudo mais... E fui advertido: “Para, para, para... Está confundindo toda a banda com esses acordes”.

Ou seja, conhecer é ótimo, fazer o simples é muito superior à tudo na vida. Ouça, Ouça e estude a música antes de tocar. Só ouvir e ser bom de ouvido, não basta. Tem que ouvir e tocar junto.

RKB – Que mensagem você poderia deixar aqueles que querem se dar bem com o teclado?

NB: Não basta ficar lendo partitura todos os dias, tem que ouvir e tocar as músicas que você gosta. Exemplo: Se gosta de samba, procure um professor que toque samba e diga “Eu quero tocar aquela música,

me ensine a tocar a música que eu gosto”.

Porém, as músicas clássicas são importantes porque desenvolvem técnicas de postura, além de desenvolver suas articulações. E são extremamente bonitas.

O bom relacionamento com os amigos é a chave do sucesso de qualquer artista, mas para isso não só basta ser um cara bacana, você tem que ser dedicado e gostar de

‘

Fotos: Divulgação

‘ ‘

Já trabalhei na Roland de 2004 até final de 2010 e agora depois de toda essa jornada de conhecimentos do mercado e agora estou de volta para fazer o meu melhor. Estarei recepcionando os amigos na Expomusic 2016 – no stand da Roland e demonstrando o novo teclado ROLAND arranjador EA-7, que traz mais de 1500 sons, 600 ritmos e sampler interno com capacidade de 128Mb. Grande abraço a todos.

– Nelson Bonfim

tocar. Portanto, identifique-se com seu estilo e mãos à obra! E, quando você pensar que não está tocando tão bem, tire uma música que você goste. Não nascemos sabendo de tudo, temos que aprender! Por mim, ficaria escrevendo por horas, mas vamos parando por aqui e nos vemos nos próximos posts.

Contato: Whats (+5511) 9-8956-3003

Revista Keyboard Brasil / 93

Homenagem

FREDDIE MERCURY 70 anos

94 / Revista Keyboard Brasil

O LENDÁRIO FARROKH BULSARA FARIA 70 ANOS, O VERDADEIRO NOME DO CANTOR, PIANISTA E COMPOSITOR FREDDIE MERCURY. CONSIDERADO UM DOS MAIORES ARTISTAS DE TODOS OS TEMPOS E UMA DAS VOZES MAIS CONHECIDAS DO MUNDO. COM UMA MISTURA DE TIMIDEZ E CARISMA, O MÚSICO SE ENTREGOU À PAIXÃO PELA MÚSICA E LIDEROU A BANDA QUEEN AO LADO DE ROGER TAYLOR, BRIAN MAY E JOHN DEACON, ALCANÇANDO UM SUCESSO NOTÁVEL, VENDENDO MAIS DE 300 MILHÕES DE DISCOS AO REDOR DO MUNDO. ALÉM DE SEU TRABALHO COM O QUEEN, TAMBÉM LANÇOU ALGUNS TRABALHOS EM CARREIRA SOLO E, OCASIONALMENTE, ATUOU COMO PRODUTOR E MÚSICO CONVIDADO (PIANO OU VOZ) PARA OUTROS ARTISTAS. SUA TRAJETÓRIA MUSICAL CHEGOU AO FIM EM 24 DE NOVEMBRO DE 1991, QUANDO MORREU AOS 45 ANOS DE IDADE. SUAS PERFORMANCES INCOMUNS, INTERPRETAÇÕES EMOCIONANTES E SEU ESTILO INCONFUNDÍVEL, CONTINUAM VIVAS NA MEMÓRIA DE MILHARES DE ADMIRADORES, POR ISSO NO MÊS DE SEU ANIVERSÁRIO A REVISTA KEYBOARD BRASIL PRESTA UMA GRANDE HOMENAGEM A FREDDIE MERCURY. * Por Amyr Cantusio Jr & Heloísa Godoy Fagundes

Revista Keyboard Brasil / 95

Infância, adolescência e faculdade...

F

reddie Mercury nasceu em

Stone Town, na ilha Zanzibar, hoje território da Tanzânia, na ilha Zanzibar, hoje território da Tanzânia, na África, em 5 de setembro de 1946, sendo batizado de Farokh Bulsara.

Seus pais, Jer e Bomi Bulsara, naturais da região de Gujarati, na Índia, descendentes dos persas que para lá imigraram há mais de mil anos fugindo de perseguições religiosas, fizeram parte de um grupo étnico conhecido como Parsees, seguidores do zoroastrismo.

O principal diretor da escola notou o talento musical de Freddie e escreveu a seus pais sugerindo que pagassem um pouco mais para que o filho estudasse música. E Freddie começou a ter aulas de piano. Também se tornou membro do coral além de participar regularmente em produções teatrais escolares. Na escola começou a ser chamado Freddie pelos colegas.

Em 1958, Freddie Bulsara e seus amigos Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Irani e Victory Rana formaram uma banda de rock na escola, o Hectics, 96 / Revista Keyboard Brasil

Fotos: Divulgação

Bomi Bulsara era um funcionário do Estado, trabalhando como caixa da suprema corte do governo britânico em Zanzibar, na época uma colônia da GrãBretanha. Aos oito anos, Farrokh foi mandado para a St. Peter Boarding School, uma escola inglesa perto de Bombain, na Índia.

Imagens raras de Freddie Mercury: Foto maior, na adolescência, é o primeiro à direita. No detalhe, ainda bebê.

fazendo versões de Cliff e Little Richard, onde Freddie era o pianista. Eles tocavam em festas anuais e danças da escola.

Em 1963, no entanto, Zanzibar se tornou independente e, em 1964, estava à beira de uma revolução liderada pelo partido africano.

Muitos ingleses e indianos tiveram que abandonar a ilha por razões de segurança, entre eles a família Bulsara, que acabou se instalando em Feltham, Middlesex, um subúrbio de Londres. Freddie tinha, então, 17 anos.

Afeito aos esportes, foi campeão de tênis de mesa aos dez anos de idade, mas principalmente apaixonado pelas artes, Freddie decidiu entrar para o Ealing College of Art em setembro de 1966, e cursar design gráfico e artístico. Esse conhecimento fez com que o músico projetasse o famoso símbolo do Queen.

Revista Keyboard Brasil / 97

Queen & a rainha dos danados... (*) Em meados de 1968, Brian May (que tocava uma guitarra feita pelo seu pai) e Tim Staffel (vocalista e baixista) resolveram montar uma banda. Através de um anúncio no mural da faculdade, conheceram um estudante de biologia, Roger Taylor, que entrou na banda como baterista. O nome da banda era Smile. Chegaram a gravar uma demo com seis faixas pela Mercury Records.

Mas a banda não chamou a atenção de ninguém, a não ser de um tal Farrokh Bulsara, que viria a ser conhecido mais tarde como Freddie Mercury.

Antes de entrar para a banda Smile, Freddie passou por algumas bandas que tentavam encontrar espaço no cenário musical londrino: Ibex, Sour Milk Sea e Wreckage.

Tim Staffell resolveu sair do Smile para formar um novo grupo, Freddie não pensou duas vezes para se unir a Brian e Roger, dando uma nova cara à banda. Em 1970, já com o nome de Queen, encontraram o baixista John Deacon, para completar o som.

Em 1973, um pouco antes do lançamento do primeiro álbum intitulado Queen, Freddie decidiu mudar seu sobrenome para Mercury. No ano seguinte, saiu Queen II, seguindo da obra prima SHEER HEART ATTACK – a primeira obra musical fabulosa que daria as diretrizes do Queen, de maneira geral, nos anos 70. Seu filhote seria A Night at the Opera, lançado em 1975 que, finalmente Os integrantes: John Deacon, Freddie Mercury, Brian May e Roger Taylor. Abaixo o simbolo criado por Freddie 98 / Revista Keyboard Brasil

consagraria a banda na história entre as melhores do mundo.

Além de cantar, Freddie era o pianista da banda, porém tocava vários instrumentos. Apesar de sempre ter tido uma mente aberta com relação a novas tecnologias, e ter aprovado o uso de sintetizadores em vários discos do Queen, Freddie costumava ter aversão a pianos elétricos por achar o som deles artificial, tanto que em 1975, o cantor se recusou a tocar um piano Wurlitzer na canção "You're My Best Friend", de John Deacon, levando o próprio John a ter que gravá-lo Revista Keyboard Brasil / 99

100 / Revista Keyboard Brasil

Carreira solo...

Embora a maior parte de sua carreira se confunda com a do Queen, Freddie Mercury também lançou alguns trabalhos solo aclamados pela crítica e pelo público: os LPs Mr. Bad Guy (1985) e, com a diva Montserrat Caballé, Barcelona (1988), e participou do musical Time, de David Clark.

Mary Austin...

Ainda em 1970, Freddie conheceu Mary Austin, gerente da butique Biba no bairro de Kensington. Os dois começaram a namorar no ano seguinte, numa relação que durou até quase o final da década de 70, quando Freddie assumiu sua bissexualidade.

Apesar disso, Mary continuou sendo sua melhor amiga e pessoa de confiança. Foi para ela que Freddie deixou parte de sua fortuna.

Ballet & ópera...

Aficcionado por ballet, chegou a fazer uma apresentação beneficente, dançando Bohemian Rhapsody com o Royal Ballet de Londres, em 1979. Tanto o ballet quanto a ópera foram elementos fundamentais no desenvolvimento de sua performance, e a verdade é que Freddie nunca deixou de se aperfeiçoar.

Revista Keyboard Brasil / 101

Curiosidades...

Freddie Mercury era proprietário de uma voz potente. Contam alguns que, durante as gravações do álbum Barcelona, ele desafiou Montserrat Caballé, uma das cantoras líricas mais conhecidas no mundo, para ver quem possuía maior fôlego. Mercury

venceu com uma grande vantagem.

Em 1992, um ano depois da morte de Freddie Mercury, realizam-se os Jogos Olímpicos de Barcelona, durante os quais Montserrat Caballé intrepreta a famosa canção “Barcelona” (gravada em 1988) em dueto virtual com o cantor falecido.

Ainda hoje o dueto é recordado como um marco histórico da

música.

Em 5 de setembro de 2011, o website de busca, Google, homenageou o cantor.

Na página, existia um doodle musical, que executa a “Dont S t o p M e N o w ” , grande

sucesso da sua carreira Diz o guitarrista Brian May que, mesmo quando Freddie já estava muito doente, “sua voz, miraculosamente, se tornava cada vez melhor”.

106 / Revista Keyboard Brasil

Durante sua carreira com o Queen, Freddie realizou mais de setecentos concertos ao redor do mundo em quinze anos em todos os continentes, exceto a Antártida. O Queen foi a primeira banda europeia a fazer turnês na América do Sul, com datas na Argentina, Brasil e Venezuela, e também foi o primeiro grupo a se apresentar na África do Sul, um acontecimento que causou polêmica, pois, naquela época, se apresentar na África significava, aos olhos da política, que o indivíduo apoiava o apartheid (separatismo racial). Tais acusações foram recebidas como piada pelo grupo.

Revista Keyboard Brasil / 107

Morte...

Em 1991, após ficar muito doente, surgiam rumores de que estaria com AIDS, o que se confirmou afinal, através de uma declaração feita por ele mesmo em 23 de novembro, um dia antes de morrer.

Freddie faleceu na noite de 24 de novembro de 1991, em sua casa, chamada Garden Lodge. Sua morte causou repercussão e tristeza em todo o mundo.

Sua mansão em Kensington e boa parte de sua fortuna para Mary Austin exnamorada e grande amor, que recebeu muitos buquês de flores na época e continua a recebê-los até hoje.

O corpo de Freddie Mercury foi cremado e suas cinzas foram

espalhadas na margem do Lago Genebra, na Suíça.

Em 25 de novembro de 1992, foi inaugurada uma estátua em sua homenagem, com a presença de Brian May, Roger Taylor, da cantora Montserrat Caballé, Jer e Bomi Bulsara (pais de Freddie) e Kashmira Bulsara (irmã de Freddie), em Montreux, na Suíça, cidade adotada por Freddie como seu segundo lar.

Os membros remanescentes do Queen fundaram uma associação de caridade em seu nome, a The Mercury Phoenix Trust, e organizaram, em 20 de abril de 1992, no Wembley Stadium, o concerto beneficente The Freddie Mercury Tribute Concert, para homenagear o trabalho e a vida de Freddie.

108 / Revista Keyboard Brasil

Inigualáveis habilidades vocais...

Para estudar a voz do cantor sem a presença do próprio, os cientistas realizaram estudos com o treinador vocal Daniel Zangger-Borch, um imitador da voz de Mercury.

Um grupo de pesquisadores da Áustria, República Tcheca e Suécia conduziu uma pesquisa, com os resultados publicados na Logopedics Phoniatrics Vocology (via AlphaGalileo).

E, enquanto não conseguiram confirmar a famosa lenda urbana de que o alcance de Freddie atingia quatro oitavas (conjunto das 7 notas musicais), eles descobriram dados interessantes sobre o alcance de sua voz.

Por exemplo: apesar de ser altamente reconhecido como tenor (de canto agudo), ele era mais propício a barítono (canto grave). Eles

basearam esse pressuposto na análise das gravações de seis entrevistas, que revelaram uma frequência de fala na média de 117.3 Hz. Sabia-se que Mercury já havia, inclusive, recusado um dueto de ópera em sua época, porque temia que os fãs não reconhecessem a voz de barítono. Isso ajudou a sedimentar a conclusão de que o cantor tinha, de fato, o talento suficiente para sair do seu alcance tradicional normalmente. É bem verdade que sem o objeto de pesquisa vivo, as conclusões da pesquisa têm suas provas dificultadas. De toda forma, para chegar mais próximo da verdade, a equipe escalou o cantor de rock profissional Daniel Zangger-Borch para simular a voz de Freddie.

Eles filmaram sua laringe a 4000 frames por segundo para analisar exatamente como o frontman do Queen criava aqueles inigualáveis vocais altos e ásperos, assim como os vibratos de cair o queixo.

O que eles descobriram foi que ele provavelmente empregou sub harmônicos – um estilo de canto raríssimo onde as pregas ventriculares vibram junto com as pregas vocais. A maioria dos humanos nunca fala ou canta usando as pregas ventriculares, a menos que sejam exóticos cantores de Tuva (atualmente fazendo parte da Federação Russa), então o fato de pensar que o astro provavelmente lidava com sub harmônicos é incrível.

Revista Keyboard Brasil / 109

Estátua de Freddie Mercury com vista para o Lago de Genebra, em Montreux, Suíça. Possui 3 metros de altura.

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Vibratos de outro mundo...

As cordas vocais de Freddie se moviam mais rápido que o padrão do “homem comum”.

Enquanto um vibrato tradicional flutua entre 5.4 Hz e 6.9 Hz, o de Freddie era 7.04.

Para entender isso de uma maneira mais específica: uma onda sonora perfeita para o vibrato assume o valor de 1, o que é bem próximo do quanto o cantor de ópera Luciano Pavarotti alcançou, por exemplo.

Freddie, por outro lado, alcançou a média de 0.57 – o que significa que ele estava vibrando suas cordas numa frequência que nem mesmo Pavarotti conseguiu!

O estudo é repleto de terminologias científicas e técnicas em sua íntegra, mas a conclusão é clara desde o começo:

Freddie Mercury tinha uma voz diferente de qualquer um no mun-

do do rock'n'roll, sendo um dos cantores e performers mais singulares de todos os tempos.

Agora, imagine poder ouvir sua voz isolada dos demais instrumentos? A lista a seguir pode oferecer essa sensação incrível, com uma série de registros editados, apenas com a voz do grande e eterno Freddie.

Vale destacar que algumas das versões realmente só apresentam as vozes de Freddie Mercury, enquanto outras ainda preservam os apoios vocais feitos pelos demais músicos da banda, ou alguma linha instrumental para acompanhamento.

Confira a lista e nos envie seu comentário pelas redes sociais ou pelo email: contato@keyboard.art.br !

FONTES: Miranda, Igor. Genial: ouça a voz de Freddie Mercury isolada em clássicos do Queen. http://revista.cifras.com.br/ César, Lucas. Estudo confirma as habilidades vocais de Freddie Mercury como “inigualáveis”. http://www.tenhomaisdiscosqueamigos.com/ Martins, Beatriz. Cientistas provam através de estudos que Freddie Mercury é o melhor cantor do mundo. http://www.papelpop.com/

*Amyr Cantusio Jr. é músico (piano, teclados e sintetizadores) compositor, produtor, arranjador, programador de sintetizadores, teósofo, psicanalista ambiental, historiador de música formado pela extensão universitária da Unicamp e colaborador da Revista Keyboard Brasil. * Heloísa Godoy Fagundes é pesquisadora, ghost Writer e esportista. Amante da boa música, está há 10 anos no mercado musical de revistas. Já trabalhou na extinta Revista Weril e atualmente é publisher e uma das idealizadoras da Revista Keyboard Brasil.

114 / Revista Keyboard Brasil

Revista Keyboard Brasil / 115

CrĂ­tica musical

116 / Revista Keyboard Brasil

O DIÁLOGO PERFEITO ENTRE A VOZ DE JEZZ MILNER E O PIANO DE LUIS LUGO. DIRETO DA ARGENTINA. Por Heloísa Godoy Fagundes

A

tecnologia atual criou a possibilidade de espectadores ao redor do mundo

pudessem conhecer o trabalho de artistas que de outra forma demorariam muito mais tempo para serem conhecidos, facilitando a divulgação numa era de compartilhamento para os que comungam do mesmo gosto musical.

De uma certa forma, facilitou a maneira de chamar a atenção da mídia e da crítica global, ávida em divulgar novas tendências musicais e novos nomes.

Um músico que está chamando a atenção é o cubano Luis Lugo , conhecido como “El piano de Cuba”, que levou para a Argentina, berço do tango, uma programação musical bem diversificada. Lugo é um dos poucos artistas que transita em um mesmo concerto por obras clássicas conhecidas até o repertório mais popular, cubano e jazzístico com grande virtuosismo.

Para deleite do público e uma benção para os ouvidos, acompanhando o músico Lugo, a fabulosa Jezz Milner, cantora e compositora argentina, com uma voz suave e seu carisma, manifestaram juntos um diálogo perfeito entre voz e

piano.

As obras interpretadas foram, em sua maioria, compostas por ambos, possuem uma tessitura harmônica com vôo vocal profundo por vezes aventureiro, intenso e audaz.

Mais uma vez, a dupla comprovou toda sua capacidade, feeling e encanto.

Menção a parte para Florencia Titaro, Valeria Hamra, Zahira Oses e o bandoneon de Damian Steimberg que com seus talentos interpretativos com a música internacional através de seus efeitos sonoros, proporcionaram ao concerto um tom emocional magistral.

As canções apresentadas no concerto “Ecos en el Tiempo” , realizado no Teatro Sony, em Buenos Aires (Argentina) farão parte de seu próximo material discográfico “Discreto encanto diabólico” .

Concerto “Ecos en el Tiempo”, com Luis Lugo ao piano e Jezz Milner nos vocais.

Músicos convidados: Florencia Titaro (voz),Valeria Hamra (Flauta) Banda de suporte: Zahira Oses (Voz), Damian Steimberg (Bandoneon), Gonzalo Perez Miori (Teclados).

* Heloísa Godoy Fagundes é pesquisadora, ghost Writer e esportista. Amante da boa música, está há 10 anos no mercado musical de revistas. Já trabalhou na extinta Revista Weril e atualmente é publisher e uma das idealizadoras da Revista Keyboard Brasil.

Revista Keyboard Brasil / 117

Dica de Leitura

O LIVRO “Harmonia” DE SCHOENBERG: ESSENCIAL E ESQUECIDO NAS ESTANTES

120 / Revista Keyboard Brasil

LONGE DE SER UM LIVRO APROPRIADO PARA

SE

INICIAR

NO

ASSUNTO

“HARMONIELEHRE” (“HARMONIA” EM PORTUGUÊS) AUSTRÍACO

DO

ARNOLD

COMPOSITOR SCHOENBERG

É O MAIS COMPLETO TRATADO QUE JÁ SE ESCREVEU SOBRE O ASSUNTO E JAMAIS DEVE SER ESQUECIDO NAS ESTANTES DOS MÚSICOS.

** Por Maestro Osvaldo Colarusso

E

scrito em 1911 e dedicado à memória do compositor Gustav Mahler, o livro

“Harmonielehre” (“Harmonia” em português) do compo-

sitor austríaco Arnold Schoenberg (1874-1951) tornou-se fonte de muitos e merecidos elogios, mas se tornou uma espécie de campeão entre os livros mais esquecidos nas estantes dos músicos, sobretudo dos músicos brasileiros. Não há dúvida de que é o mais completo tratado que já se escreveu sobre o assunto, mas é importante lembrar que está longe de ser um livro apropriado para se iniciar no assunto.

Não podemos esquecer que Schoenberg foi um destacado professor no início do século XX em Viena, e o tipo de reflexão que ele faz em seu livro e no seu trabalho como professor tem a ver com a extrema

sofisticação musical e cultural da então capital do Império AustroHúngaro. Seus alunos o procuravam (neste período sempre deu aulas particulares) já detentores de uma formação não só básica, mas até mesmo de nível superior, como foi o caso do compositor Anton Webern (1883-1945), um de seus mais destacados discípulos, que o procurou quando já tinha concluído seu doutorado em música.

Em resumo, “Harmonielehre” não é um livro para iniciantes, mas não tenho dúvidas de que é um livro essencial para qualquer músico. Nas centenas de páginas do livro o autor faz uma magistral reflexão sobre cada tópico, passando com desenvoltura acentuada em cada processo da linguagem musical que dominou exclusivamente o pensaRevista Keyboard Brasil / 121

mento musical ocidental por quase três séculos. O livro chega a propor uma maneira revolucionária de prática para o aprendizado harmônico, onde não haveriam nem baixos dados e nem melodias para serem harmonizadas: tudo seria criado pelo próprio aluno, que necessitaria possuir uma desenvolvida escuta interna.

Este ambiente favorável a este tipo de proposição desaparece da vida do autor quando Schoenberg se viu forçado a mudar para os Estados Unidos, fugindo do nazismo, e sua metodologia mudou radicalmente, tornando-se muito mais pragmática. Sua aluna americana Dika Newlin no valioso livro “Schoenberg remembered” (Pendragon Press, não traduzido para o português) fala de um certo desespero do compositor austríaco frente ao nível medíocre de seus alunos americanos, e sua forçada mudança de método.

O livro “Funções estruturais da harmonia” (edição brasileira da Via Lettera) que Schoenberg escreveu em Los Angeles junto a seu discípulo Leonard Stein na década de 40, se parece muito

mais com um típico manual: prático, conciso e objetivo. Há uma certa decepção e até mesmo uma desinformação quando se pensa que o livro “Harmonia” de Schoenberg seria uma iniciação à estética não tonal. Realmente, no ano da conclusão do livro ele já tinha escrito obras totalmente atonais, mas o livro “Harmonia” está longe de ser um guia para o atonalismo. Ele chega a citar algumas incursões por soluções não tonais numa parte extremamente pequena do livro, mas ele sempre defendeu a necessidade de se conhecer muito bem o sistema tonal para que haja um alicerce em busca de outros idiomas.

O livro é muito mais esclare-

cedor e num certo sentido mais universal do que obras de outros teóricos contemporâneos de Schoenberg como Hugo Riemann e Heinrich Schenker, cujas obras a respeito de harmonia e análise musical excluem uma boa parte da produção musical não alemã.

Apesar de suas reticências, Schoenberg em seu livro elogia Debussy e Bartók, coisa que os dois teóricos que citei jamais fariam.

O livro de Schoenberg na realidade brasileira

Na insípida formação teóricomusical que temos no Brasil, estamos a anos luz de distância do ambiente em que surgiu o livro. Minha sugestão para a completa compreensão do livro de Schoenberg é sempre passar primeiro por um guia bem prático e objetivo. Neste sentido, recomendo e utilizo o livro de Walther Piston “Harmony”, em sua 122 / Revista Keyboard Brasil

Quinta edição (W. W. Norton & Company), sobretudo pelos seus excelentes exercí-cios. Além disso a nomenclatura utilizada é extremamente útil para quem pretende estudar nos Estados Unidos, por ela ser integralmente utilizada por lá. Mas ficar apenas num método como o de Piston é só andar meio caminho.

Creio ser importante citar o meu próprio testemunho: conheci o livro de Schoenberg através do professor Michel Philippot, que o estudou com René Leibowitz, um aluno de Schoenberg. Fui aluno de Philippot por quatro anos, e quando fui apresentado à metodologia de Schoenberg já tinha uma boa formação de harmonia, vinda de meus estudos com os professores Claudio Stephan e Osvaldo Lacerda em São Paulo. O próprio Philippot me contou que seu contato com o “Harmonielehre” se deu depois de estudar Harmonia com Georges Dandelot no Conservatório de Paris. Também conheci (e tive algumas inesquecíveis aulas) o composi-tor e professor Max Deutsch, austríaco natura-lizado francês, que foi aluno do próprio Schoenberg, aliás o último aluno europeu do mestre a falecer (em 1982 aos 90 anos de idade).

Pois o próprio Max Deutsch me contou que em 1913, em Viena, leu todo o “Harmonielehre” em um dia (!), e procurou Schoenberg imediatamente para ser seu discípulo. Mas creio ser importante lembrar que ele me confessou que ao ler o livro já tinha uma formação

sólida no assunto.

Para a sorte de nós brasileiros existe uma excelente tradução do livro para o português. O primoroso trabalho de tradução feito por Marden Maluf foi editado pela “Editora Unesp”, em 1999.

Por muito tempo trabalhei com a tradução para o espanhol (meus conhecimentos de alemão não me permitem compreender totalmente o original) feita por Ramon Barce (Real Musical – Madrid) e redescobri o sentido de diversas passagens na esmerada tradução da edição brasileira.

Já tive centenas de alunos de harmonia, mas com poucos fiz todo o roteiro traçado no tratado de Schoenberg. Apesar de terem sido raras as vezes, confesso que foram os momentos máximos na minha vida de professor. Cada vez que

revisito o “Harmonielehre” me alegro e chego à conclusão que Schoenberg, além de ter sido um grande compositor, foi realmente um dos maiores mestres e pensadores musicais de toda a história.

Todos os seus escritos são importantes mas em “Harmonielehre” ele se supera.

* Osvaldo Colarusso é maestro premiado pela Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA). Esteve à frente de grandes orquestras, além de ter atuado com solistas do nível de Mikhail Rudi, Nelson Freire, Vadim Rudenko, Arnaldo Cohen, Arthur Moreira Lima, Gilberto Tinetti, David Garret, Cristian Budu, entre outros. Atualmente, desdobra-se regendo como maestro convidado nas principais orquestras do país e nos principais Festivais de Música, além de desenvolver atividades como professor, produtor, apresentador, blogueiro e colaborador da Revista Keyboard Brasil. ** Texto retirado do Blog Falando de Música, do jornal paranaense Gazeta do Povo.

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