ART ANTHOLOGY VII 2024

Con el apoyo de: With the endorsement of:

ANTOLOGÍA DE ARTE VII

Edición Madrid

ART ANTHOLOGY VII

Madrid Edition

Guto Ajayu Culture

Editado por / Edited by MARZO 2024

MARCH 2024

CRÉDITOS/CREDITS:

ANTOLOGÍA DE ARTE VII: Edición Madrid

ART ANTHOLOGY VII: Madrid Edition

Dirección de proyecto/ Project direction: Augusto Mendoza Mendieta

Gestión cultural/ Cultural Management: Zdenka Mendoza Mendieta

Revisión y corrección de textos en español/ Review and correction of texts in Spanish: Javier Gómez Ariel Santibáñez Ojeda

Revisión y corrección de textos en inglés/ Review and correction of texts in English: Nisbat Shaw

Pintura de portada y contraportada/ Cover and back cover painting: Augusto Mendoza Mendieta

Introducción/ Introduction: Eduardo Jáudenes de Salazar

Trabajo curatorial/ Trabajo curatorial: Guto Ajayu Culture

ISBN: 978-84-10040-18-2

D.L: M-595-2024

Editado por/ Edited by: LIBER FACTORY www.liberfactory.com

Trabajo editorial/ Editorial work: Grupo Editor Vision Net S.L.

C./ San Ildefonso 17, local, 28012 Madrid. España.

Tlf: 0034 91 3117696 // Email: pedidos@visionnet.es

www.visionnet-libros.com

Agradecimientos/

ÍNDICE/ CONTENT

Prólogo de Eduardo Jáudenes de Salazar

Prologue by Eduardo Jáudenes de Salazar ...............................................................................................................................................11

Artistas/

Volker

Prudence

Joseph

Ben

Viktor

Wilko

Jelbert Karami

Jeannette

Josette Wecsu

Miltiadis Myteletsis

Marcela Faccini

Jóhannes

Luana Stebule .........................................................................................................................................................................................................130

Sara Martín López

Ömö Ribeiro

João Vejam................................................................................................................................................................................................................136

Pablo

Letra

Georgina

AGRADECIMIENTOS

En esta edición, agradecemos a todos los artistas y amantes del arte que hacen posible una vez más que nuestra pasión sea una gran y duradera aventura, a través de tinieblas y borrascas, hacemos lo que amamos.

Augusto Mendoza Mendieta Director Guto Ajayu Culture

THANKS

In this edition, we extend our gratitude to all the artists and art enthusiasts who, once again, make it possible for our passion to be a grand and enduring adventure. Through darkness and storms, we continue to do what we love. Thank you.

Augusto Mendoza Mendieta Director Guto Ajayu Culture

PRÓLOGO

Por Eduardo Jáudenes de Salazar (crítico de arte)

Este libro que tienen en sus manos y que lleva por título “ANTOLOGÍA DEL ARTE VII: Edición Madrid”, constituye una imprescindible herramienta de trabajo, para los amantes del arte.

Este anuario contiene la obra de artistas de países de todo el mundo.

Los textos, como no puede ser de otra manera para su adecuada difusión hoy en día, se encuentran en español y en inglés.

Será enviado en versión digital a varios países de habla hispana.

El libro recoge un amplio muestrario de temáticas, habilidades y las técnicas de los artistas que aquí aparecen son muy diversas, fotógrafos, collage, pintura, escultura, tanto la abstracción, como lo figurativo.

El criterio de selección ha sido la calidad de las obras de arte y su fin el ayudar a los artistas en sus carreras

No solo para los amantes del arte es importante este libro, también para dar a conocer a los artistas, cosa imprescindible para abrirse camino en el mundo del arte. Lo que no se conoce no existe.

En su obra el artista objetiviza su espíritu. Para llegar a comprender la obra hay que conocer al artista.

Conocer al artista es importantísimo, por eso en este gran anuario junto con la reproducción de los trabajos a todo color, se aporta detallada información sobre datos biográficos, bibliográficos, currículums y explicaciones de sus obras.

En este gran anuario se dan cita futuras promesas y también artistas consolidados en sus carreras.

El libro también sirve a los investigadores para que tengan una amplia referencia de artistas contemporáneos.

El lector pueda apreciar las creaciones artísticas que aquí aparecen y encontrar la obra que más le gusta.

“ANTOLOGÍA DEL ARTE VII: Edición Madrid” debe estar en todas las bibliotecas de los que, de un modo u otro, tienen relación con el arte.

PROLOGUE

By Eduardo Jáudenes de Salazar (art critic)

The book you have in your hands, titled “ART ANTHOLOGY VII: Madrid Edition,” constitutes an essential working tool for art enthusiasts. This annual compilation features the works of artists from countries around the world. The texts, crucial for proper dissemination in today’s context, are presented in both Spanish and English. It will be distributed digitally to various Spanish-speaking countries.

The book showcases a diverse array of themes, skills, and techniques employed by the featured artists, ranging from photographers, collage artists, to painters and sculptors, encompassing both abstraction and figurative art. The selection criterion has been the quality of the artworks, aiming to support artists in their careers.

This book is not only significant for art enthusiasts but also plays a crucial role in introducing artists to the world, an essential step in the art industry where visibility is paramount. What is unknown does not exist. In their work, artists objectify their spirits, and understanding the work requires knowing the artist.

Hence, this comprehensive anthology not only provides vibrant reproductions of artworks but also detailed information on biographical and bibliographical data, resumes, and explanations of the artists’ works. Within this expansive anthology, emerging talents and established artists in their careers converge.

The book serves as a valuable reference for researchers seeking an extensive overview of contemporary artists. Readers can appreciate the artistic creations presented here and find the works that resonate with them. “ART ANTHOLOGY VII: Madrid Edition” deserves a place in the libraries of those who, in one way or another, are connected to the world of art.

ARTISTAS ARTISTS

VOLKER DITTBERNER (Alemania/

Germany)

ESPAÑOL

“Me llamo Volker Dittberner. He aprendido la profesión de albañil, pero trabajo desde hace 6 años como enfermero en un hospicio

El arte y ser creativo yo mismo siempre ha sido mi propósito en la vida.

Contar historias e inventar ya sea como líder de una banda punk o desde hace 3 años en el lienzo, la fascinación del color me ha atraído bajo su hechizo.

Mis pensamientos, imágenes y emociones con los materiales óleo, acrílico, acuarela y tinta para expresarme muy satisfecho. Crear imágenes, preservar historias, no es sólo mi misión. Es mi vida”.

Volker Dittberner

ENGLISH

“My name is Volker Dittberner. I have learned the construction profession, but I’m already working 6 years as a nurse in a hospice. Art and being creative myself has always been my purpose in life.

To tell stories and to invent whether as a front man of a punk band or for 3 years on canvas, the fascination of color has drawn me under its spell.

My thoughts, images and emotions with the materials oil, acrylic, watercolor and ink to express me very satisfied.

To create images, to preserve stories, is not only my mission. It is my life.”

Volker Dittberner

Instagram: @volkerdittberner.artist

Email: ruegenrocker@web.de

13 x 18 cm

1. Verlorenes Gewissen (conciencia perdida)

Acrílico sobre tabla/ Acryl auf Malpappe

2. Romantische Explosion (explosión romántica)

Óleo sobre lino/ Öl auf Leinen

50 x 20 cm

3. Fließendes Verständnis (entendimiento fluido)

Acrílico sobre lino/ Acryl auf Leinen

20 x 20 cm

Acrílico sobre lino/ Acryl auf Leinen

80 x 20 cm

4. Der letzte Film (La última película)

5. Gefühle in Aufruhr (Sentimientos agitados)

Acrílico sobre madera/ Acryl auf Holz

45 x 42 cm

6. Der Betrachter des anderen (El espectador del otro)

70 x 100 cm

Acrílico sobre lino/ Acryl auf Leinen

37

58 cm

7. Vergangenes vergeht (El pasado se desvanece)

Acrílico sobre madera/ Acryl auf Holz

x

PRUDENCE AU (Hong Kong)

ESPAÑOL

Las cotizadas creaciones de Prudence, artista de Hong Kong, gozan de reconocimiento mundial. La obra de Prudence refleja su amor por la naturaleza y su visión artística de las materias en su estado primitivo. Todas y cada una de las líneas de sus obras están pintadas a mano alzada con un alto grado de precisión para mantenerse fiel al trabajo de la madre naturaleza más que a una representación objetiva. Desde 2022, ha sido seleccionada como artista expositora en renombradas galerías de arte en el Carrousel du Louvre y Porte de Versilles en Francia, Suiza, Luxemburgo, España, Italia, Alemania, Malta, etc. En 2023, Prudence ha sido reconocida por un número creciente de instituciones internacionales que le han concedido varios premios internacionales de artistas de renombre en Europa, como el “Premio Universal de Artista Leonardo Da Vinci”, el “Premio Internacional Miguel Ángel - El Genio de Italia” y el “Premio Top de Artistas”, etc.

PREMIOS INTERNACIONALES PARA ARTISTAS:

2023 Universal Artist Award, Leonardo Da Vinci

2023 Top Artists Award, Los Protagonistas del Arte Contemporáneo

2023 Premio Internacional Artista PEGASUS

2023 Premio Internacional, Miguel Ángel - El Genio de Italia

2023 Premio Estrella del Arte y del Mercado

2023 Premio Arte de Carrera

2023 Art Dimond - Museum Artists Award

2023 Most Successful Women - Artista del año - Jessica Magazine, Hong Kong

ENGLISH

Prudence is a highly sought-after creations of the Hong Kong artist enjoy worldwide recognition. Prudence’s work reflects her love for nature and signature artistic vision in matters in its primitive state. Every single line on her artwork is painted free-handed with a high degree of precision to remain grounded to the work of mother nature rather than by objective depiction.

Since 2022, she selected as exhibiting artist to represented in renowned art galleries in Carrousel du Louvre & Porte De Versilles in France, Switzerland, Luxembourg, Spain, Italy, Germany, Malta etc. In 2023, Prudence has been recognized by a growing number of international institutions that she won various renowned International Artist Awards in Europe such as “Universal Artist Award, Leonardo Da Vinci”, “International Award, Michelangelo – The Genius of Italy” and “Top Artists Award” etc.

INTERNATIONAL ARTIST AWARDS:

2023 Universal Artist Award, Leonardo Da Vinci

2023 Top Artists Award, The Protagonists of Contemporary Art

2023 International Artist PEGASUS Award

2023 International Award, Michelangelo – The Genius of Italy

2023 The Star of Art and Market Award

2023 The Career Art Award

2023 Art Dimond – Museum Artists Award

2023 Most Successful Women – Artist of the Year - Jessica Magazine, Hong Kong

Instagram: @gallerpru

Email: prudence@gallerpru.com

Web: www.gallerpru.com

70 x 70 cm

2023

1. Dragon dancing in the sea (Dragón bailando en el mar)

Óleo, acrílico, técnica mixta sobre lienzo/ Oil, acrylic, mixed media on canvas

80 x 60 cm

2023

2. Blue dremscape (Escapada azul)

Óleo, técnica mixta sobre lienzo/ Oil, mixed media on canvas

80 x 60 cm

2023

3. Aqua glacial reverie

Óleo, acrílico, técnica mixta sobre lienzo/ Oil, acrylic, mixed media on canvas

50

2023

4. Blue hole (Agujero azul)

Tinta sobre papel/ Ink on paper

x 40 cm

Tinta sobre papel/ Ink on paper

50 x 40 cm

2023

5. Mountains (Montañas)

50

2023

6. Aquamarine (Acuamarina)

Tinta sobre papel/ Ink on paper

x 70 cm

50 x 70 cm

2023

7. Miracle in life (Milagro en la vida)

Tinta sobre papel/ Ink on paper

JOSEPH BOUTROS AGAPE (GHABI)

(Líbano/ Lebanon)

ESPAÑOL

Soy un exingeniero, banquero, y he estudiado y trabajado en el desarrollo de negocios internacionales. Soy un experto numerólogo del Blueprint, maestro sanador y líder espiritual. Hablo sobre temas que van desde relaciones y la Ley de la Atracción hasta el propósito de vida e historias pasadas.

Soy un artista autodidacta. Mis pinturas se descargan directamente de lo Divino con muchas energías divinas positivas. Cualquier hogar u oficina puede utilizar una de mis pinturas para llevar positividad al espacio donde se coloca. Provienen de la luz y les gusta estar en un lugar luminoso para activarse, llevando transformación a través del arte.

El arte transformó mi vida y me llevó en una nueva dirección y fase. Siento la libertad de expresarme y no siempre estoy seguro de lo que va a surgir cuando me siento a pintar. Descubro las vastas posibilidades y dónde puedo utilizar mi conciencia con energía, vibración y frecuencia a lo largo de mi vida. Se trata de unir nuestra fisicalidad y nuestra espiritualidad, creando un nuevo potencial de posibilidades conscientes y siguiendo el ritmo de lo posible. Esto permite que mi conexión con la inteligencia suprema fluya y cree la perfección de una pintura para un Alma Humana específica o incluso Almas Humanas que colaboran entre sí al mismo tiempo y forman parte de un grupo de Almas.

Como artista hoy, aspiro a que mi trabajo lleve la Curación Divina Cuántica al entorno donde se coloca, y como mi compromiso de liberar el Alma Humana.

“Agape”, una palabra griega y el origen de mi apellido, significa Amor Universal.

Nací en Líbano y ahora vivo en Vancouver, BC, Canadá, con mis 2 hijos.

ENGLISH

Joseph Boutros Agape (Ghabi)

I am a former engineer, banker, and have studied and worked in international business development. I’m an expert Blueprint Numerologist, master healer and spiritual leader, I speak on topics ranging from relationships and the Law of Attraction to life purpose and past histories.

I am a self-taught Artist. My paintings are downloaded directly from Divine with lots of positive Divine energies. Everyone’s home or office can use one of my paintings to bring positiveness into the space where they are placed. They came from light, and they like to be placed in a light place to activate them, bringing transformation through art.

Art transformed my life and has taken me into a new direction and phase in my life. I feel the freedom to express and I’m not always sure what is going to show up when I sit down to paint. I discover the vast possibilities and where I can utilise my awareness with energy, vibration, and frequency throughout my life. It is about bridging our physicality and our spirituality, creating new potential of conscious possibilities, and picking the rhythm of what is possible. This allows my connection with supreme intelligence to flow and create the perfection of a painting to a specific Human Soul or even Human Souls who are collaborating with each other at the same time and are part of a group of Souls.

As an artist today, I aspire for my work to bring the Quantum Divine Healing in the environment where it is placed, and as my commitment to freeing the Human Soul.

Agape which is a Greek word, and the origin of my last name. It means Universal Love.

I was born in Lebanon and now I live in Vancouver BC Canada with my 2 kids.

Instagram: @Agapedivineart/ @soulvisionawakening

Email: agapedivineart@gmail.com

Web: https://SoulVisionAwakening.com/ https://AgapeDivineArt.com

Boutros Agape (Ghabi)

Joseph

1. Heaven Rays (Rayos del cielo)

Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas

91.44 x 91.44 cm

2. Ascension (Ascensión)

Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas

91.44 x 91.44 cm

3. Ecstasy Rays (Rayos de éxtasis)

Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas

60.96 X 91.44 cm

4. Feeling Joy (Sentir alegría)

Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas

91.44 X 91.44 cm

5. Up-Levelling Yourself (Subiendo de nivel)

Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas

91.44 X 91.44 cm

BEN KERSAAN

(Países Bajos/ The Netherlands)

ESPAÑOL

Me eduqué en forma y técnicas tradicionales entre 1979 y 1984 y empecé como pintor y dibujante de bodegones y paisajes al óleo y a lápiz. Se dice que pertenezco a un grupo holandés denominado por algunos críticos los “Noordelijke Realisten”, Realistas del Norte. En su mayoría son pintores que fueron profesores y sus alumnos de la Academie Minerva de Groningen, en el norte de los Países Bajos. Con el tiempo, mi obra ha ido cambiando cada vez más hacia la abstracción, pero la observación, el mirar, el reaccionar ante lo que se ve sigue siendo muy importante. Un fuerte accidente en marzo y la posterior operación en junio de 2020 de una vértebra cervical rota, provocaron una alteración en el tamaño y la elección de materiales en mi obra. Ya no podía hacer mis grandes “Esmaltes” en acrílico, ni los diminutos dibujos de insectos en pluma y tinta; no encontraba la postura adecuada para hacerlos. Tenía que sentarme en mi cómodo sillón y, mientras veía la tele, tomaba ‘notas’ de los fondos borrosos en ‘post-its’ y los elaboraba con coloridos pasteles al óleo Sennelier, de pie junto a la mesa. Pasaron dos años antes de que pudiera volver a trabajar a mayor tamaño: en el pasado había coleccionado marcos viejos de segunda mano, había hecho paneles en ellos para pintar y además había pintado sobre los propios marcos con acrílico. Algunos de los cuadros están inspirados en la guerra de Ucrania, que comenzó en febrero de 2022. En mis páginas de esta antología me gustaría presentar al espectador sólo algunas obras de estos dos o tres últimos años.

Ben Kersaan

ENGLISH

I was educated in traditional form and techniques between 1979 and 1984 and started as a painter and draftsman of still-lives and landscapes in oil and pencil. I was said to be belonging to a Dutch group named by some critics the ‘Noordelijke Realisten’, Northern Realists. They are mostly painters that were professors and their students from Academie Minerva at Groningen in the Northern part of the Netherlands. Over time my work changed more and more to abstract, but observation, looking, reacting on what is seen is still very important.

A heavy accident in March and following surgery in June 2020 on a broken neck-vertebra, caused an alteration in size and choice of materials in my work. I could not make my large ‘Glazes’ in acrylic anymore, nor the tiny drawings of insects in pen and ink; I couldn’t find the right posture to make them. I had to sit in my comfortable chair and while watching TV I made ‘notes’ of the blurred backgrounds on ‘post-its’ and worked them out with colorful Sennelier oil pastels, standing at the dinner table. It took two years before I could work some larger again: in the past I had collected old, secondhand frames, made panels in them to paint on plus on the frames themselves with acrylic. Some of the paintings are inspired by the war in Ukraine, that started february 2022.

On my pages in this anthology I’d like to introduce the viewer to just a few works from over these past two or three years.

Ben Kersaan

Instagram: @benkersaan.art

Email: benkersaan@gmail.com

Web: www.benkersaan.nl

1. In Conversation with Morandi, Albers, Wada and Tissing (En conversación con Morandi, Albers, Wada y Tissing)

Pastel al óleo sobre cartón/ Oil pastel on cardboard

8 x 12 cm

2021

Pastel al óleo sobre cartón/ Oil pastel on cardboard

21 x 15.5 cm

2021

2. Untitled: greens, red, gold, light blue and white (Quaker 23odk) (Sin título: verde, rojo, dorado, azul claro y blanco (Quaker 23odk))

van de

,

good King’s

Acrílico + lápiz pastel sobre panel MDF + marco/ Acrylic + pastel pencil on MDF-panel + frame 36.5 x 32 cm

2022

3. ‘De kroon

goede koning’

‘The

Crown’ (La corona del buen Rey)

4. ‘De geschroeide gronden’ , ‘The Scortched Grounds’ (Los terrenos esculpidos)

Acrílico sobre panel de MDF + marco/ Acrylic on MDF-panel + frame

63 x 53 cm

2022

5. ‘Het klaprozenveld’ , ‘The Poppy Field’ (El campo de amapolas)

Acrílico sobre panel de MDF + marco/ Acrylic on MDF-panel + frame

84.5 x 69.5 cm

2022

“¿Sabes cómo pinta el alma...?

Pinta con impulso y emoción.

VIKTOR VINICHENKO

(Ucrania/ Ukraine)

ESPAÑOL

Tiene el poder mágico de sumergir al espectador en su espacio energético, distrayéndole del alboroto habitual, haciéndole pensar y sentir.

Al crear un nuevo cuadro, vivo una vida aparte, una vida llena de amor y alegría, dolor y tristeza... Así fijo estos sentimientos en el cuadro, dejando en él una parte de mi alma”.

Participante en numerosas exposiciones nacionales e internacionales, entre ellas la BIENAL DE VENECIA - 2022.

En mayo de 2022, sus cuadros se expusieron en 15 capitales europeas en el marco del proyecto “UCRANIA - ¡SIMBOLO DE VOLUNTAD Y DIGNIDAD!”

Viktor Vinichenko

ENGLISH

“Do you know how the soul paints...? It paints with impulse and emotion.

It has the magic power to immerse the viewer in its energetic space, distracting from the usual fuss, making him think and feel

Creating a new painting, I live a separate life, a life filled with love and joy, pain and sadness... Thus I fix these feelings in the painting, leaving a part of my soul in it”.

Participant of many national and international exhibitions, including the BIENNALE IN VENICE - 2022.

In May 2022, his paintings were exhibited in 15 European capitals as part of the project “UKRAINE - A SYMBOL OF WILL AND DIGNITY!”

Viktor Vinichenko

Instagram: @vinichenko.art

Facebook: Viktor Vinichenko

Email: fitboom@ukr.net

80 x 80 cm

1. Self-portrait (Autorretrato)

Lienzo, óleo y acrílico, técnica mixta/ Canvas, oil and acrylic, mixed media

2. Intuitive art (Arte intuitivo)

Lienzo, óleo y acrílico, técnica mixta/ Canvas, oil and acrylic, mixed media

80 x 80 cm

3. Intuitive art (Arte intuitivo)

Lienzo, óleo y acrílico, técnica mixta/ Canvas, oil and acrylic, mixed media

80 x 80 cm

4. The search for black (La búsqueda del negro)

Lienzo, óleo y acrílico, técnica mixta/ Canvas, oil and acrylic, mixed media

60 x 50 cm

5. Intuitive art (Arte intuitivo)

Lienzo, óleo y acrílico, técnica mixta/ Canvas, oil and acrylic, mixed media

80 x 80 cm

CHRISTINA PHELPS (Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL

Christina es una pintora autodidacta, fotógrafa de bellas artes y artista lapidaria afincada en las montañas de Los Ángeles, California, donde nació y creció. Se ha pasado la vida buscando salidas creativas para satisfacer una necesidad de expresión profundamente arraigada. “He descubierto que a través de la exploración, la experiencia y la experimentación puedo alcanzar la máxima expresión de mi creatividad. Debido a la naturaleza experimental de mi arte, está en constante cambio y evolución, convirtiéndose en una joya polifacética de nuevos estilos, métodos y técnicas.”

Christina ha tenido recientemente su primer hijo y disfruta pasando los días creando con su hija. “Tener a mi hija me da una excusa para sentirme maravillada y asombrada por el mundo que me rodea. Hay una alegría absoluta en ello”.

Christina Phelps

ENGLISH

Christina is a self taught painter, fine art photographer and lapidary artist based in the mountains above Los Angeles, CA where she was born and raised. She has spent her life searching for creative outlets to satisfy the deeply ingrained need for expression. “I have found that through exploration, experience and experimentation I am able to achieve the ultimate expression of my creativity. Because of the experimental nature of my art, it is constantly shifting and changing, evolving into a multi-faceted gem of new styles, methods and techniques.”

Christina recently had her first child and enjoys spending her days creating with her daughter. “Having my daughter gives me an excuse to be in the childlike wonder and awe about the world around me. There is absolute joy in it.”

Christina Phelps

Instagram: @christina_phelps_808

Facebook: @christina.phelps.77

Email: phelpsphotography808@gmail.com

Web: christinaphelpsfineart.com

76.20

Studio profile / Perfil de la galería

1. Eyes that sparkle (Ojos que brillan)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

x 121.92 cm

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

91.44 x 91.44 cm

Studio profile / Perfil de la galería

2. Crossing (Cruzando)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

91.44 x 121.92 cm

Studio profile / Perfil de la galería

3. Garden spheres (Esferas de jardín)

91.44 x 121.92 cm

Studio profile / Perfil de la galería

4. Fleural pathways (Caminos florales)

Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas

5. Garden surrealism

Acrílico sobre tabla/ Acryl auf Malpappe

13 x 18 cm

ANJO VIVATO (Israel)

ESPAÑOL

Anjo Vivato comenzó su vida artística como bailarina y coreógrafa.

Apasionada desde siempre por la pintura, estudió arte en la escuela Betzal’el de Tel Aviv (Israel). Esto le permitió desarrollar técnicas pictóricas específicas.

Tras pasar varios años entre Israel y Nueva York, eligió París para ampliar su campo de especialización al diseño de interiores

Desbordante de energía y creatividad, Anjo Vivato explica que cada obra nace de un pequeño detalle, un sentimiento, una sensación y se convierte en un nuevo universo.

La especificidad de sus cuadros se traduce en los elementos ocultos que descubrimos al observar la obra.

Anjo Vivato sitúa el amor en el “corazón” de sus obras.

La omnipresencia de sus corazones refleja tanto las almas como el amor que es, según el artista, el motor de todos los seres y les da la fuerza para cambiar el orden de las cosas. La diversidad de la forma de los corazones traduce esta idea: están desollados, reventados, desgarrados, pero también pueden estar completos y bien trazados.

“Los corazones son y seguirán siendo el símbolo perfecto del amor y los haré evolucionar como me hago evolucionar a mí misma. “

ENGLISH

Anjo Vivato began her artistic life as a dancer and choreographer.

Having always been passionate about painting, she studied art at the Betzal’el school in Tel Aviv (Israel). This allowed her to develop specific painting technics

After several years between Israel and New York, she chose Paris to expand her area of expertise to interior design.

Overflowing with energy and creativity, Anjo Vivato explains that each work is born from a small detail, a feeling, a sensation and becomes a new universe.

The specificity of his paintings results in the hidden elements that we discover as we observe the artwork.

Anjo Vivato put love at the “heart” of his works.

The omnipresence of his hearts reflects both the souls but also the love which is, according to the artist, the motor of all beings and gives them the strength to change the order of things. The diversity of the shape of the hearts translates this idea: they are flayed, exploded, torn but can also be complete and well traced.

“Hearts are and will remain the perfect symbol of love and I will evolve them as I evolve myself. »

Instagram: @anjo_vivato

Email: anjovivato@gmail.com

Web: www.anjo-vivato.com

Anjo Vivato

Anjo Vivato

1. Ken & Lo

Acrílico, óleo sobre lienzo/ Acrylic, oil on canvas

100 x 100 cm

2. Sunny Day (Día soleado)

Técnica mixta, óleo, acrílico, aerógrafo sobre lienzo/ Mixed technique, oil, acrylic, aérographe on canvas

120 x 120 cm

3. Jarre Amour (Tarro del amor)

Hielo, acrílico, aerógrafo/ Glace, acrylique, Aérographe

80 x 120 cm

EVERITA PUKINSKA (Letonia/

Latvia)

ESPAÑOL

“Me llamo Everita Pukinska. Nací en un pequeño pueblo del norte de Letonia hace 46 años. Cuando miras más tu vida, dejas hablar al alma, y cuando la oyes susurrar, empieza una vida que tiene otro sabor, pinta de otra manera y disfrutas de cada momento. Me llevó más de 40 años comprender las sencillas reglas de la vida. Lo más difícil fue dar pasos reales para responder a la llamada de mi alma. Pero al superar mis miedos, la falta de confianza en mí misma, las dudas, me adentré paso a paso en el mundo del arte, que dura ya casi 5 años. Ha habido múltiples exposiciones de mis cuadros y he participado en concursos. Los cuadros que he creado no sólo adornan el interior y lo hacen más atractivo y acogedor, sino que tienen un efecto positivo e inspirador en el ser humano.

El elemento más importante en la creación de obras de arte es la energía invertida en ella, la inspiración, la confianza, la positividad, la armonía y el amor... amor por mí misma, por la vida, por los demás... eso es exactamente lo que transmito a través de mi creatividad. Y respondiendo a la pregunta de por qué hago todo esto, por qué hago cuadros, la respuesta es muy sencilla: simplemente no puedo evitar hacerlo. Es mi vida como inhalar y exhalar.

Quiero animar a la gente a avanzar hacia sus sueños. Y cuando los sueños sean más fuertes que el miedo, empezarán a hacerse realidad”.

ENGLISH

“My name is Everita Pukinska. Born in a small town in northern Latvia 46 years ago. When you take a greater look at your life, you let the soul speak, and when you hear it whisper, a life begins that has a different flavor, paints play differently, and you enjoy every moment. It took me over 40 years to understand simple rules of life. The hardest part was taking real steps to meet the call of my soul. But as I overcome my fears, lack of self-confidence, doubts, I moved step by step into the world of art, which has been going on for almost 5 years. There have been multiple exhibitions of my paintings and I have taken part in competitions. The paintings I have created not only adorn the interior and make it more attractive and cozy, but have a positive and inspiring effect on the human being.

The most important element in creating artworks is the energy invested in it, inspiration, confidence, positivity, harmony and love... love for myself, for life, for others … that’s exactly what I transmit through my creativity. And answering the question why am I’m doing all of this, why am I making paintings, the answer is very simple - I just can’t help but do it. It’s my life as breathing in and breathing out. I want to encourage people to move towards their dreams. And when dreams become stronger than fear, they will begin to come true!”

Everita Pukinska

Instagram: @everitapukinskaart

Facebook: Everita Pukinska

Email: everita.pukinska@inbox.lv

Everita Pukinska

Acrílico

90 x 90 cm

2023

1. In own light (Con luz propia)

sobre lienzo, espátula/ Acrylic on canvas, palette knife

2. Let’s meet by the horizon (Encontrémonos junto al horizonte)

Acrílico sobre lienzo, espátula/ Acrylic on canvas, palette knife

80 x 80 cm

2023

3. When sun falls in the sea (Cuando el sol cae en el mar)

Acrílico sobre lienzo, espátula/ Acrylic on canvas, palette knife

70 x 70 cm

2023

MAX ARAUJO (Argentina)

ESPAÑOL

Nacido en Buenos Aires, Argentina.

Max Araujo ha desarrollado su carrera viviendo en Argentina, Nueva York, Brasil y Madrid. Sus estudios artísticos abarcan desde el teatro hasta la música, pero paradójicamente en las artes plásticas es autodidacta. “Mis influencias provienen del Surrealismo, Street Art y el Comic y decantan en una nueva corriente artística llamada “Alucinismo” El “Alucinismo” sigue las formas del universo en donde todo es multidimensional. El tiempo no es sólido como tampoco lo es la realidad.

Un tema fundamental en mi obra es el mensaje, creo que el arte tiene que estar en el presente y debe ser una herramienta de transformación, reflejar las bellezas y las problemáticas cotidianas de la sociedad en que vivimos.”

Max Araujo

ENGLISH

Born in Buenos Aires, Argentina, Max Araujo has developed his career living in Argentina, New York, Brazil, and Madrid. His artistic studies range from theater to music, but paradoxically, in the visual arts, he is self-taught. “My influences come from Surrealism, Street Art, and Comics, culminating in a new artistic movement called “Alucinism (Hallucinism)” “Alucinism (Hallucinism)” follows the forms of the universe, where everything is multidimensional. Time is not solid, just like reality. A fundamental theme in my work is the message; I believe that art must be in the present and serve as a tool for transformation, reflecting the beauties and everyday problems of the society we live in.”

Max Araujo

Instagram: @maxartpainting

Email: maxpaintingart@gmail.com

1. Descolgando la luna (Taking down the moon)

42 x 29,7 cm

Acrílico, rotulador, hilo y lienzo sobre papel/ Acrylic, marker, thread and canvas on paper

2. Cultivando el amor (Cultivating love)

150 x 100 cm

Chapa, tornillos, hilo, pintura acrílica y rotulador sobre lienzo/ Metal sheet, screws, thread, acrylic paint and marker on canvas

Lienzo, hilo, pintura acrílica y rotulador sobre papel/ Canvas, thread, acrylic paint, and marker on paper

28,3 x 20,7 cm

3. Basura Sórdida (Sordid trash)

GEMA MUÑOZ JANDRA

(España/ Spain)

ESPAÑOL

La cámara me acompañó desde muy temprana edad, hasta que con diecinueve años terminé mis estudios de imagen y sonido.

TÉCNICA

Cursé mis estudios de Imagen y Sonido en el IORTV (Instituto de RTVE) y CICI, durante este tiempo realicé prácticas como operador de cámara y foto fija. El inicio en el mundo de la imagen llegó de la mano de productoras de publicidad y las televisiones privadas, desde 1990 a la actualidad desarrollo mi trabajo como editora de postproducción de vídeo en Mediaset, lo que me ha permitido colaboraciones en campañas publicitarias como foto fija y ayudante de fotografía. Miembro de AFM (Asociación Fotográfica de Madrid).

He llamado a mi fotografía “FOTOGRAFÍA DE SENTIMIENTOS” porque quiero transmitir la diversidad de reacciones que provocan los sentimientos a través de imágenes, a veces dentro del campo de la fotografía creativa, imágenes serenas, hablar con el blanco y negro... etc. El retrato y la plasticidad de la luz es lo que quizá más me guste manejar, si mi fotografía consigue no dejar indiferente habré dado un gran paso en este camino que tanto me completa.

En éste libro presento tres de mis collages:

“COLLAGE 10” dulce Halloween, fotografía en formato digital papel mate montado en aluminio.

“COLLAGE 11” dulce Halloween. Formato digital papel mate montado en aluminio. “COLLAGE 15” dulce Halloween, Formato digital papel mate montado en aluminio.

ENGLISH

The camera accompanied me from a very early age, until I finished my studies of image and sound at the age of nineteen.

TECHNIQUE

Gema Muñoz Jandra

I studied Image and Sound at the IORTV (RTVE Institute) and CICI, during this time I made practices as a camera operator and still photographer. The beginning in the world of the image came from the hand of advertising production companies and private television. From 1990 to the present I have developed my work as a video post production editor in Mediaset, which has allowed me to collaborate in advertising campaigns as a still photographer and assistant photographer. Member of AFM (Photographic Association of Madrid).

I have called my photography “PHOTOGRAPHY OF FEELINGS” because I want to convey the diversity of reactions that provoke feelings through images, sometimes within the field of creative photography, serene images, talk to the black and white ... etc.. The portrait and the plasticity of light is perhaps what I like to handle the most, if my photography manages not to leave indifferent I will have taken a big step in this path that completes me so much.

In this book I present three of my collages

“COLLAGE 10” sweet Halloween, photography in digital format matte paper mounted on aluminum.

“COLLAGE 11” sweet Halloween. Digital format matte paper mounted on aluminum.

“COLLAGE 15” sweet Halloween, digital format matte paper mounted on aluminum.

Instagram: @gemamjandra

Email: gemag28@gmail.com

Gema Muñoz Jandra

Formato digital papel mate montado en aluminio/ Digital format matte paper mounted on aluminum

54.80 x 36.58 cm

1. “COLLAGE 10”

Formato digital papel mate montado en aluminio/ Digital format matte paper mounted on aluminum

54.86 x 36.58 cm

2. “COLLAGE 11” dulce Halloween (“COLLAGE 11” sweet Halloween)

Formato digital papel mate montado en aluminio/ Digital format matte paper mounted on aluminum

54.15 x 33.59 cm

3. “COLLAGE 15” dulce Halloween (“COLLAGE 15” sweet Halloween)

JASPER BORUP (Dinamarca/ Denmark)

ESPAÑOL

Jasper Borup, nacido el 5 de noviembre de 1973, es un artista autodidacta danés con sede en Copenhague. Jasper descubrió la alegría y la libertad del arte cuando era niño. Anteriormente carpintero y arquitecto de construcción, regresó a la pintura como una actividad liberadora, divertida y creativa. En 2018, se unió a un grupo de arte y expuso en importantes galerías de arte como Zenith Art & Fashion en Miami, FL, EE. UU., VAN GOGH Art Gallery en Madrid, España, y Capital Culture House en Madrid, España. Ha sido destacado en la Galería de Arte M.A.D.S en Milán, Italia, Artifact en Nueva York, EE. UU., Artio Gallery en Nueva York, EE. UU., HMVC Gallery New York en Nueva York, EE. UU., y World of Crete en Grecia. También se presenta en línea en PLOGIX Art Gallery en Londres, Reino Unido, Artavita en Santa Bárbara, CA, EE. UU., y TRiCERA Art Gallery en Tokio, Japón. Ganó el codiciado premio internacional Donatello en Florencia, Italia, y fue reconocido como uno de los principales artistas en The Protagonists of Contemporary Art en Venecia, Italia. Participó en la Guía de Arte Europeo 21/22, Bellamonti Art en Helsingborg, Suecia, y en ART ANTHOLOGY III 2021, Guto Ajayu Culture en Madrid, España. En 2020, fue entrevistado por la Revista de Arte Contemporáneo, The MoCA en Los Ángeles, CA, EE. UU. En 2020, tomó el control de la cuenta de Instagram @10011mag durante 24 horas, donde compartió sus obras de arte personales, experiencias y su estudio a través de historias en vivo y publicaciones en Nueva York, EE. UU.

Declaración artística

Manifiesto mis pensamientos, sueños y frustraciones en forma de colores y formas. Hago hincapié en rasgos como la honestidad, la empatía y el amor más que en el elogio del trabajo. El amor ha estado ausente de mi relato de la existencia. Nací en un mundo en el que los hombres son egocéntricos, malvados, estúpidos, duros y falsos. No se me permitió desplegar esto me cambio de amoroso y feliz a enojado, frustrado y ansioso. Esto hizo que de niño le tuviera miedo a las mujeres. El proposito del hombre en la vida es anhelar sexo con mujeres, por muchos sueños dejados. Esto lleva a la envidia y a las malas intenciones, cuando no hay amor. A través de la imaginería de las apariencias falsas, las máscaras vivientes, las actuaciones chulas y el ser uno mismo, quiero que la gente se vuelva real, tolerante, cariñosa y audaz. El modo de vida tribal es muy similar a un modo de vida amoroso, pero con amor habrá paz, amor y armonía, y la gente se sentirá feliz, y quiero que estas cosas se junten de alguna forma. Con imágenes de pueblos tribales, fomento la libertad, la sencillez, la tolerancia, la tranquilidad, la capacidad de ser uno mismo, así como una revolución del amor. Erradico el mal y el miedo para que haya más amor y sexo en aras de la paz, el amor y la armonía para una humanidad feliz y contenta.

Jasper Borup

ENGLISH

Jasper Borup, born on 5th November, 1973, is a self-taught Danish artist based in Copenhagen, Jasper discovered the joy and freedom of art as a child. Formerly a Carpenter, and Constructing Architect. He was back to painting as a liberating, fun and creative craft. In 2018 joined an art group, He exhibited at major art galleries such as Zenith Art & Fashion in Miami, FL, USA, VAN GOGH Art Gallery in Madrid, Spain, and Capital Culture House in Madrid, Spain. He has been featured at the M.A.D.S Art Gallery in Milan, Italy, Artifact in New York, USA, Artio Gallery in New York, USA, HMVC Gallery New York in New York, USA, and World of Crete in Greece. He is featured online on PLOGIX Art Gallery in London, United Kingdom, Artavita in Santa Barbara, CA, USA, and TRiCERA Art Gallery in Tokyo, Japan. He won the coveted International prize Donatello in Florence, Italy, and Top Artists The Protagonists of Contemporary Art in Venice, Italy. A participant in The European Art Guide 21/22, Bellamonti Art in Helsingborg, Sweden, and in ART ANTHOLOGY III 2021, Guto Ajayu Culture in Madrid, Spain. He has been interviewed in 2020 by The Magazine of Contemporary Art, The MoCA in Los Angeles, CA, USA. He took over in 2020 @10011mag Instagram accounts for 24 hours where he shared his personal artworks, experiences and studio via live stories and posts in New York, USA.

Art Statement

I manifest in my thoughts, dreams, and frustrations as colors and forms. I emphasize traits such as honesty, empathy, and love rather than work praise. Love has been missing from my tale of existence. I was born in a world where men are self-centered, evil, stupid, hard, and untrue. I was not allowed to unfold this change from loving and happy to angry, frustrated, and anxious. This made me scared of women as a child. Man’s purpose in life is craving sex with women, for many left dreams. This leads to envy and evil intentions, when there is no love. Through the imagery of fake looks, living masks, cool performances, and being oneself, I want people to become real, tolerant, loving, and bold. The tribal way of life is very similar to a loving way of life, but with love, there will be peace, love, and harmony, and people will feel happy, and I want these things to be placed together in some form. With imagery of tribal people, I encourage freedom, simplicity, tolerance, tranquility, the ability to be oneself, as well as a love revolution. I eradicate evil and fear in order to have more love and sex for the sake of peace, love, and harmony for happy and contented humanity.

Jasper Borup

Instagram: @jasper_art_

Email: jspborup@gmail.com

88

2019

1. Be Happy (Sé feliz)

Rotulador sobre papel/ Marker on paper

x 65,5 cm

Técnica mixta sobre papel/ Mixed media on paper

53 x 73 cm

2018

2. Cool Dancer (Bailarín genial)

Técnica mixta sobre papel/ Mixed media on paper

47 x 37 cm

2020

3. The Mind (La mente)

WILKO VON PRITTWITZ (Alemania/ Germany)

ESPAÑOL

Wilko es un talentoso y galardonado artista de origen Alemán, con una amplia trayectoria tanto artística como académica. Es doctor en Socioeconomía, MBA, Máster en Macromedia, en Dirección de Empresas. Además, es licenciado en Bellas Artes y Estudios en el área de grabado. Cuenta con numerosas exposiciones en Madrid y por toda Europa. Fue ganador del Premio de Calcografía de la villa de Madrid (2002). Propone en su magnífica obra, elementos sombríos que armonizan con la representación de la muerte, demostrando su audacia y calidad como pintor virtuoso.

«Desde pequeño me gustó mucho dibujar y pintar. En Bellas Artes comencé a trabajar con todo tipo de materiales, los que cultivo: temple al huevo, óleo, caseína, etcétera. Actualmente, mi obra es variada, empleo todo tipo de técnicas. Valoro la diversidad de los temas y extiendo mi amor hacia el arte como principio, el orden como sistema y el progreso como fin. Defiendo mi versatilidad y no sigo ninguna línea en concreto. He hecho marinas, comic, pop, arte erótico, collages con billetes de banco... me gusta hoy deshacer lo hecho, aprendí a dejar de querer gustar. Para ello, transformo una obra antigua, puentes volados en nuevas obras con procedimientos como grabado, serigrafía, monotipias, pintura… en versatilidad personal. Soy un artista de series como marinas, calaveras, y de proyectos de vidas muertas con sillas “ Stuhl-Leben”, Artivismo, el último: Kunstkapital (Capital Arte), crítica social al dinero, con mi web “www.billetesmunicipales.com” de bancos españoles intervenidos. El primero lo hice en colaboración con Norman Foster en 1988. Sacrifiqué un billete de 1000 pesetas, en una cara pinté yo, en la otra, Norman. No me importa mostrar toda esta trayectoria polifacética. Me enorgullece haber seguido las Bellas Artes hasta sus últimas consecuencias. Así quiero hacer con el Arte. De esta forma creo en el Arte “integral”, como corolario para sacar lo mejor de nosotros mismos y denunciar lo que puede empeorar este hermoso mundo de tod@s. Por ello mis obras van desde mi conciencia hasta el mundo.»

Wilko von Prittwitz

ENGLISH

Wilko is a talented and award-winning artist of German origin, with an extensive artistic and academic career, doctor in Socioeconomics, MBA, MASTER in Macromedia, business management, Bachelor of Fine Arts, and studies in engraving, in addition to having numerous exhibitions in Madrid and throughout Europe.

In his magnificent work, he proposes dark elements that harmonize with the representation of death, demonstrating his audacity and quality as a virtuous painter.

“Since I was little, I have really liked drawing and painting. In Fine Arts, I began to work with all kinds of materials, which I grow: egg tempera, oil, casein. Currently, my work is varied. I use all kinds of techniques. I value the diversity of subjects and extend my love for art as a principle, order as a system, and progress as an end. I defend my versatility and I do not follow any specific line. I have done marine, comic, pop, erotic art, and collages with banknotes... I’d like today, to undo what I have done. I learned to stop wanting to like it. To do this, I transform old work, blown bridges, into new works with procedures such as engraving, serigraphy, monotypes, and painting... into personal versatility. I am an artist of series such as seascapes, skulls, and projects of dead lives with chairs “Stuhl-Leben,” Artivismo, the last: Kunstkapital (Capital Arte), social criticism of money, and with my website “www.billetesmunicipales. com.” Spanish banks intervened. The first I did in collaboration with Norman Foster in 1988. I sacrificed a 1000 pesetas note; I painted one side, Norman painted on the other. I don’t mind showing all this multifaceted trajectory. I am proud to have followed the Bellas Arts to their last consequences. This is how I want to do art. This is how I believe in “integral” art, as a corollary to get the best out of ourselves and denounce what can make this beautiful world worse for everyone. This is how I will act, from my consciousness to the world.”

Wilko von Prittwitz

Instagram: @wilkoart

Facebook: Wilko Von Prittwitz

Email: wilkoart@yahoo.es

Web: www.wilko.tv

1. 1,2,3 ... Collares (detalle) (1,2,3...Necklaces (detail))

Óleo y collares con joyas sobre tela/ Oil painting and necklaces with jewels on canvas

300 x 300 cm

Óleo y collares con joyas sobre tela/ Oil painting and necklaces with jewels on canvas

300 x 300 cm

2. 1,2,3 ... Collares (1,2,3...Necklaces)

3. Gran Vía madrileña. Autorretrato tomando una foto desde el Corte Inglés (Madrid’s Gran Vía. Self-portrait taking a photo from the Corte Inglés)

Óleo sobre tabla entelada/ Oil on canvas board

80 x 60 cm

JELBERT KARAMI

(Irán / Iran)

ESPAÑOL

“Soy Jelbert Karami. Nací en Teherán (Irán) en 1985. Mi amor y mi pasión por la pintura comenzaron a los 14 años, después de ver los hermosos cuadros de uno de los mayores poetas y pintores iraníes, Sohrab Sphere, en el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán. Empecé a aprender pintura, dibujo e historia del arte con maestros de Teherán, donde monté mi primera exposición individual en 2005. A los veinte años, dediqué mi vida al arte y empecé a pintar profesionalmente, impartiendo talleres en clubes privados de la ciudad. Los retos de ser artista en Irán incluyen una censura extrema de los temas, y aunque un artista puede llegar a ser muy conocido, siempre hay ojos sobre él. Hice varias exposiciones individuales y colectivas en Irán, y estuve activo. Sin embargo, en 2015 me fui de mi país a Viena, me quedé unos meses y llegué a Estados Unidos en 2016. También había realizado varias exposiciones en Estados Unidos, y pinto todos los días. Aunque hay muchos problemas y dificultades en la inmigración, siempre he intentado mantenerme activo. Hoy, diferentes cuestiones han ocupado mi mente. Ya no es solo la presencia de seres humanos en mi obra, sino que también trabajo sobre diversos temas. La colección Tree of Life es una de las más fascinantes en mi opinión. Los árboles fragmentados, solitarios y desmoronados, parecen referirse a los mismos seres humanos de mi pasado, y esto es totalmente involuntario. Lo mismo se repite en la colección de botellas de agua o en las obras de collages. En mi caso, algunas colecciones incluyen cuatro o cinco obras; y algunas de mis colecciones pueden llegar incluso al centenar de obras; y eso varía mucho. Mis obras reflejan tanto mi espiritualidad como mi amor por la nación, así como mi interés por la cultura de Oriente Medio y las cuestiones de derechos humanos. Ser testigo de la desaparición de mi historia es devastador, pero creo que, en última instancia, la humanidad puede convertirse en una verdadera comunidad si busca la luz más allá de la oscuridad, y “para mí, esa luz llegó a través del arte”.

Jelbert Karami

ENGLISH

“I am Jelbert Karami. I was born in Tehran, Iran, in 1985. My love and passion for painting started at the age of 14 after seeing the beautiful paintings by one of the greatest Iranian poets and painters, Sohrab Sphere, at the Tehran Museum of Contemporary Art. I started learning painting, drawing and art history with masters in Tehran, mounting my first solo exhibition there in 2005. At the age of twenty, I committed my life to art, starting to paint professionally, holding workshops in private clubs in the city. The challenges of being an artist in Iran include extreme censorship of subject matter, and while an artist can become well known, there are always eyes on him or her. I had several solo and group exhibitions in Iran, and I was active. However, I left my homeland for Vienna in 2015, stayed a few months, and came to the United States in 2016. I had also held several exhibitions in the United States, and I paint every day. Although there are many problems and difficulties in immigration, I have always tried to be active. Today, different issues have occupied my mind. It is no longer just the presence of human beings in my work, but I am working on various topics as well. The Tree of Life collection is one of the most fascinating collections in my opinion. The fragmented trees, lonely and crumbling, seem to refer to the same human beings of my past, and this is completely unintended. The same thing is repeated in the collection of water bottles or in the works of collages. For me, some collections include four or five works; and some of my collections may even reach a hundred works; and that varies greatly. My artworks reflect both my spirituality and my love for the nation, as well as my interest in Middle Eastern culture and human-rights issues. Witnessing my history disappear is devastating, but I believe that humanity can ultimately become a true community by reaching past darkness for light, and “for me, that light came through art.”

Jelbert Karami

Instagram: @jelbert_karami

Facebook: Jelbert Karami

Saatchi Art: www.saatchiart.com/jelbertkarami

Email: Jelbert.karami@yahoo.com

Web: www.jelbertkarami.com

20

2021

1. The Look (La mirada)

Pluma sobre papel/ Pen on paper

x 25 cm

50 x 40 cm

2021

2. My Hands (Mis manos)

Pluma sobre papel/ Pen on paper

76

2023

3. Untitled (Sin título)

Pluma sobre papel/ Pen on paper

x 56 cm

JEANNETTE M. TRZEBINER

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL

Jeannette M. Trzebiner nació y creció en Giessen (Alemania). A los 25 años se trasladó a Frankfurt para trabajar en una empresa de publicidad. En su tiempo libre aprendió español porque su sueño era vivir en el extranjero. Afortunadamente, se quedó cuatro años en España. Vivió en Benicalap, Valencia, junto a sus amigos Salomé y Jorge. Salomé estudió Bellas Artes y enseñó a Jeannette los primeros pasos en linograbado y a coser papel para proyectos de encuadernación en su galería “La Base Gráfica”. Unos años más tarde, Jeannette M. Trzebiner quiso crear su propio papel a partir de tejanos azules reciclados de algodón 100% y acudió a un taller para aprenderlo todo.

“En esta galería presento mis obras de papel tituladas “Hojas de otoño y otros seres”. Las dos obras se basan en la observación de cómo las hojas, antes verdes, van cayendo de los árboles al suelo, coloreadas según la estación, y se quedan tendidas unas encima de otras. Utilizo hojas secas cortadas como plantillas o (alternativamente) utilizadas como incrustaciones (por ejemplo, hoja de arce), que luego se bañan con pasta de fibra (pulpa) coloreada o blanca. En el posterior desarrollo y trabajo con la fina pulpa que se vertía con facilidad, finalmente evolucionaron extraños seres fantásticos. ¿Qué tipo de seres? Esto queda abierto a la interpretación”.

Jeannette M. Trzebiner

ENGLISH

Jeannette M. Trzebiner was born and raised in Giessen, Germany. At the age of 25 she moved to Frankfurt to work for an Advertising Company. In her spare time she learned Spanish because her dream was to live abroad. Fortunately she stayed in Spain for four years. She also lived in Benicalap, Valencia, next to her friends Salomé and Jorge. Salomé studied Fine Arts and taught Jeannette the first steps in linocut and how to stitch paper together for bookbinding projects in her gallery „La Base Gráfica“. A few years later Jeannette M. Trzebiner wanted to create her own paper from recycled blue Jeans of 100% cotton and she went to a workshop to learn everything.

“In this gallery, I present my paperworks called „Autumn leaves and other beings“.

Two pieces of work are based on the observation of how the formerly green leaves are falling down from the trees and to the ground, coloured according to the season, and remain lying there one in top of the other. I used dried leaves cut as templates or (alternatively) used as inlays (e.g. maple leaf), which are then showered with coloured or white fibre mash (pulp).

In the later development and work with the thin pulp which was poured easily, finally bizarre phantastic beings evolved. What sort of beings? This remains open to interpretation.“

Jeannette M. Trzebiner

Instagram: @catchthekatschke

Email: catchthekatschke@gmail.com

Web: catchthekatschke.com

1. “Tiefenwirkung” (Efecto de profundidad)

42

Pasta de color sobre pasta azul/ Coloured pulp over blue pulp

x 30 cm

2. “Tanzendes Ahornblatt” (Hoja de arce danzante)

Pasta de color y hoja de arce sobre pasta blanca/ Coloured pulp and maple leaf over white pulp

42 x 30 cm

3. “Das Wesen” (El ser)

Pasta negra sobre pasta azul/ Black pulp over blue pulp

42 x 30 cm

JOSETTE WECSU

(Canadá/ Canada)

ESPAÑOL

Es un honor participar en la séptima edición de la Antología de Arte Contemporáneo Internacional. Soy una artista visual de Montreal, Canadá. Comencé mis estudios en l’Ecole des Beaux-Arts de Montreal a los diecisiete años y completé una Licenciatura en Bellas Artes en Concordia University. Durante los últimos dos años, he trabajado en mi tríptico llamado “La Evolución de la Especie Humana”, que consta de tres lienzos idénticos pintados al óleo. Cada lienzo representa dos especies diferentes, describiendo pictóricamente la evolución de seis especies.

Canvas #1; Izquierda: HOMO HABILIS, el primer homínido, evolucionó en África hace más de dos millones de años. Utilizaba herramientas rudimentarias y se extinguió hace aproximadamente 1.65 millones de años.

Canvas #1; Derecha: HOMO ERECTUS evolucionó en África hace 1.8 millones de años, migrando ampliamente. Desarrollaron herramientas complejas, cazaron grandes animales y usaron fuego para cocinar.

Canvas #2; Izquierda: HOMO HEIDELBERGENSIS descendió de Erectus hace aproximadamente 875,000 años. Desarrollaron herramientas avanzadas, cazaron en grupos y practicaron rituales funerarios.

Canvas #2; Derecha: HOMO FLORESIENSIS vivió en la Isla de Flores en Indonesia desde hace 100,000 hasta 17,000 años. Conocidos como “Enanos”, desarrollaron herramientas sofisticadas.

Canvas #3; Izquierda: HOMO DENISOVAN descendió de Homo Heidelbergensis hace 800,000 años en Asia y Europa. Eran inteligentes, crearon herramientas avanzadas y dejaron un legado genético en poblaciones actuales.

Canvas #3; Derecha: HOMO NEANDERTHAL, igual al Homo Sapiens, fue inteligente y adaptativo. Convivieron con Homo Sapiens, crearon herramientas complejas y se destacaron como los primeros artistas, según evidencia en pinturas rupestres. Se extinguieron hace unos 35,000 años, posiblemente debido a desastres ambientales.

(Para ver el texto completo: www.Josettewecsustudioart.com)

ENGLISH

Josette Wecsu

I am pleased to participate in the seventh edition of the Anthology of Contemporary International Art. I’m a visual artist from Montreal, Canada, with a background from l’Ecole des Beaux-Arts de Montreal and a Bachelor of Fine Arts from Concordia University. For the past two years, I’ve focused on my Triptych, “The Evolution of Human Species,” consisting of three identical oil paintings. Each canvas depicts two species, illustrating the evolution of six in total.

Canvas #1; Left Side: HOMO HABILIS, the first hominin, evolved over two million years ago in South and East Africa. Known as “Handy Man,” they used rudimentary stone tools and became extinct around 1.65 million years ago.

Canvas #1; Right Side: HOMO ERECTUS evolved in Africa 1.8 million years ago, migrating widely and developing complex tools. They hunted large animals and used fire for cooking, contributing to brain development.

Canvas #2; Left Side: HOMO HEIDELBERGENSIS, descended from Erectus around 875,000 years ago, created advanced tools, hunted in groups, and practiced cultural rituals. They evolved into Homo Neanderthal.

Canvas #2; Right Side: HOMO FLORESIENSIS lived on the Island of Flores in Indonesia from 100,000 to 17,000 years ago. Known as “Dwarf” species, they developed sophisticated tools in isolation.

Canvas #3; Left Side: HOMO DENISOVAN descended from Homo Heidelbergensis 800,000 years ago in Asia and Eastern Europe. Intelligent and creative, their genetic legacy persists in current populations.

Canvas #3; Right Side: HOMO NEANDERTHAL, equal to Homo Sapiens, was intelligent and adaptable. Coexisting with Homo Sapiens, they created complex tools and are considered the world’s first true artists, as seen in cave paintings. They became extinct around 35,000 years ago, possibly due to environmental disasters.

(For complete text see: www.Josettewecsustudioart.com)

Instagram: @josettewecsu

Email: Josette.wecsu@gmail.com

Josette Wecsu

1. Canvas #1: Homo Habilis/ H.Erectus

Oléo sobre lienzo/ Oil on canvas

76.2 x 76.2 cm

2. Canvas # 2: H. Heidelbergensis/H. Floresiensis

Oléo sobre lienzo/ Oil on canvas

76.2 x 76.2 cm

3. Canvas #3: H. Denisovan/H. Neanderthal

Oléo sobre lienzo/ Oil on canvas

76.2 x 76.2 cm

LLUI CARBÓ (España/ Spain)

ESPAÑOL

Llui nace en Barcelona en 1958 , ya desde pequeña se apasionó por el dibujo, la pintura y el arte matérico. Sus obras han evolucionado desde el realismo figurativo hacia el arte abstracto, prescindiendo de la realidad para llegar a la emoción, donde la pintura crea de manera casi intuitiva formas, movimiento y pinceladas con energía; creando una serie de cualidades y características emotivas, como la armonía, la belleza, la fuerza, el poder, el equilibrio y la sensación de libertad de expresar los sentimientos, las emociones y las ideas con total libertad.

La artista parte desde una delicada sensibilidad, que la lleva al camino de la experimentación, utilizando una amplia variedad de técnicas mixtas que incluyen collage, tintas, colores, pasteles, acrílicos, y otras texturas diversas.

Este mundo fascinante lleno de sensaciones la hace vibrar y le permite crear de manera muy personal.

Lo abstracto de Llui no obedece a los cánones de las técnicas, lanza sus pinceladas y se unen en armonía, interviniendo colores saturados y neutros, bajos y altos, y patrones de luz y sombra sobre el espacio.

El arte abstracto de Llui va en busca de esa conexión necesaria para unir la vida, a través de los sentimientos que surgen en ella.

Para Llui, la inspiración viene del pasado, de lo vivido, lo añorado, lo disfrutado, pero siempre con la visión del presente. Cuando crea una obra, se transporta a un mundo aparte donde encuentra la plenitud y la alegría. Es el lenguaje de su alma y la inspiración de su corazón.

Ella cree que el arte , en cualquiera de sus formas, es un regalo maravilloso que aporta buenas vibraciones al mundo.

ENGLISH

Llui was born in Barcelona in 1958, since childhood she was passionate about drawing, painting and material art. His works have evolved from figurative realism to abstract art, dispensing with reality to reach emotion, where painting creates almost intuitively shapes, movement and brushstrokes with energy; creating a series of qualities and emotional characteristics such as harmony, beauty, strength, power, balance and the feeling of freedom to express feelings, emotions and ideas with total freedom.

The artist starts from a delicate sensibility, which leads her to the path of experimentation, using a wide variety of mixed techniques that include collage, inks, colors, pastels, acrylics, and other diverse textures.

This fascinating world full of sensations makes her vibrate and allows her to create in a very personal way.

The abstract of Llui does not obey the canons of the techniques, he throws his brushstrokes, and they unite in harmony, intervening saturated and neutral colors, low and high, and patterns of light and shadow on the space.

Llui’s abstract art goes in search of that necessary connection to unite life, through the feelings that arise in it.

For Llui, inspiration comes from the past, from what has been lived, longed for, enjoyed, but always with the vision of the present. When he creates a work, he is transported to a world apart where he finds fulfillment and joy. It is the language of your soul and the inspiration of your heart.

She believes that art, in any of its forms, is a wonderful gift that brings good vibes to the world.

Instagram: @LLUI58

Email: LLCARBO@HOTMAIL.COM

Web: www.lluicarbo.com

90 x 75 cm

1. Gratitud (Gratitude)

Acrílico técnica mixta sobre tela/ Acrylic mixed media on canvas

of the future)

90 x 70 cm

2. Semillas del futuro (Seeds

Acrílico técnica mixta sobre madera/ Acrylic mixed media on wood

Acrílico técnica mixta sobre tela/ Acrylic mixed media on canvas

75 x 90 cm

3. Lapiaz

ALEXANDRA KORDAS

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL

A principios de 2018, en un momento emocionalmente difícil para la artista, comenzó de repente a pintar -desencadenada por una enfermedad banal de larga duración de su hijo entonces pequeño- para crear innumerables cuadros, esculturas e instalaciones en formas y materiales clásicos hasta el día de hoy.

“Me cayó literalmente un rayo y de repente redescubrí un mundo que había estado oculto en lo más profundo de mí durante tanto tiempo, que una vez estuvo tan vivo para mí como alumna de la escuela Waldorf y que con toda su creatividad fue una parte indispensable de mi vida”, dice Alexandra . Desgraciadamente, tuvo que abandonar esta escuela debido a un envenenamiento que le infligieron deliberadamente desde el exterior y a la larga enfermedad resultante, y años más tarde aprobó el bachillerato en otro lugar. Intentó algunas cosas en la vida, siempre sabiendo: ¡¡¡¡”Que!!!! no es eso”.

“¿Pero qué era? No lo sabía. Sin embargo, una cosa sabía y sentía con exactitud: Tenía que ver con las profundidades de mi alma, con mi infancia y juventud a veces traumáticas, y con la felicidad y la alegría que había experimentado y los contrastes resultantes entre la alegría y la tristeza. Sufrimiento que al mirar de cerca o iluminar el dolor se ha convertido o se convertiría en mi mayor tesoro, el oro interior de mi creatividad. Hoy, después de lo que me ha tocado en suerte en 2018, sé que mi inspiración viene de lo más profundo de mi alma, que se inspira en mi propia experiencia pero también en las influencias espirituales, intelectuales, sociales y políticas actuales de nuestro mundo.”

Discurso

Entre el cielo y el infierno, la vida y la muerte, la alegría, la felicidad y el dolor, mis obras tematizan los opuestos de nuestro ser, la agitación entre la salvación y la condenación. Nuestro ser está determinado por los polos opuestos, por los opuestos del bien y el mal, el sufrimiento y la alegría tanto en la vida privada como en la pública. Mi necesidad más profunda es abrir los ojos del espectador para esto. Llevarle a una confrontación consigo mismo y con el mundo, con la esperanza no sólo de hacer del mundo un lugar mejor para todos nosotros, sino también de conducir nuestras almas, en última instancia, a la salvación.

Alexandra Kordas

ENGLISH

At the beginning of 2018, at an emotionally difficult time for the artist, she suddenly began to paint - triggered by a banal long-term illness of her then small son - in order to create countless pictures, sculptures and installations in classical forms and materials till this day. “I was literally struck by lightning and suddenly rediscovered a world that had been hidden deep inside me for so long, which was once so alive for me as a student at the Waldorf school and with all its creativity was an indispensable part of my life,” says Alexandra . Unfortunately, she had to leave this school due to poisoning deliberately inflicted on her from outside and the resulting long illness, and years later she passed her higher school diploma somewhere else. She tried a few things in life, always knowing: “That!!!! Is not it.”

“But what was it? I did not know it. However, one thing I knew and felt exactly: It had to do with the depths of my soul, with my sometimes-traumatic childhood and youth, and with the happiness and joy I had experienced and the resulting contrasts between joy and sorrow. Suffering that by looking closely at or illuminating the pain has turned or would turn into my greatest treasure, the inner gold of my creativity. Today, after what was so fortunate for me in 2018, I know that my inspiration comes from the depths of my soul, which is inspired by my own experience but also by current spiritual, intellectual, social and political influences in our world.”

Statement

Between heaven and hell, life and death, joy, happiness and pain, my artworks thematize the opposites of our being, the turmoil between salvation and damnation.

Our being is determined by the opposites of the poles, by the opposites of good and evil, suffering and joy in private as well as in public life. My deepest need is to open the eyes of the viewer for this. Bringing him to a confrontation with himself and the world, in the hope not only to make the world a better place for all of us, but also lead our souls ultimately to salvation.

Alexandra Kordas

Instagram: @alexandrakordasart

Email: art@alexandrakordas.com

Web: alexandrakordas.com

53 x 41 x 41 cm

1. The world is falling apart (El mundo se desmorona)

Hierro/ Iron

2022

2. Destiny (Destino)

Lienzo con acrílico sobre fotograbado con técnica mixta/ Canvas with acrylic on fotoprint with mixed media

110 x 82 cm

2023

Instalación - Acrílico sobre lienzo con técnica mixta/ Installation - Acrylic on canvas with mixed media

115 x 100 x 25 cm

2019

3. Torture me (Tortúrame)

LUCIANA FREMAUX

(Francia/ France)

ESPAÑOL

¡TE INVITO A UN VIAJE CÓSMICO Y ESPIRITUAL!

“Nací en Brasil y vivo en París desde hace más de 25 años. Soy una artista autodidacta, empecé a pintar por mi cuenta con fines terapéuticos hace unos años y rápidamente se convirtió en una pasión, ¡como una revelación para mí! Mi nombre artístico es “Painting by Intuitive Soul” porque mi proceso pictórico es intuitivo, siempre pinto sin un objetivo concreto, como en modo “piloto automático”, simplemente jugando con los colores, las formas, las texturas. Es el propio cuadro el que se me revela, y lo descubro al final, a menudo asombrado, al igual que su título. Mis cuadros son una invitación a un viaje cósmico y espiritual, son como fotografías instantáneas de los mensajes que capto en esos momentos de intensa conexión conmigo misma, recuerdos de otras galaxias, planetas y diferentes dimensiones del alma. Cuando miro mis cuadros, siempre los veo en movimiento ¡como si estuvieran vivos! Por eso animo mis cuadros para compartir mi visión con el público. Recibí el Certificado al Mérito Artístico por mi participación en el concurso Luxembourg Art Prize 2022 (organizado por LA PINACOTHEQUE de la ciudad de Luxemburgo) y dos de mis cuadros fueron publicados por la revista ARTIST TALK en marzo de 2023.”

Luciana FREMAUX

ENGLISH

I INVITE YOU TO A COSMIC AND SPIRITUAL JOURNEY!

“I was born in Brazil and have lived in Paris for over 25 years. I am a self-taught artist, I started painting on my own for therapeutic purposes a few years ago and it quickly became a passion, like a revelation for me!

My artist’s name is “Painting by Intuitive Soul ‘’ because my painting process is intuitive, I always paint without a specific goal, like in “autopilot” mode, just playing with colors, shapes, textures. It is the painting itself that reveals itself to me, and I discover it at the end, often amazed, as well as its title. My paintings are an invitation to a cosmic and spiritual journey, they are like instant photographs of the messages that I capture in these moments of intense connection with myself, memories of other galaxies, planets, and different dimensions of the soul. When I look at my paintings, I always see them in movement as if alive! This is why I animate my paintings to share my vision with the public. I received the Certificate of Artistic Merit for my participation in the Luxembourg Art Prize 2022 competition (organized by LA PINACOTHEQUE of the city Luxembourg) and two of my paintings were published by ARTIST TALK magazine in March 2023.”

Luciana FREMAUX

Instagram: @paintingbyintuitivesoul

Email: lucianafremauxcontact@gmail.com

Web: www.lucianafremaux.com

41 x 33 cm

2023

1. Soul of the forest (Alma del bosque)

Acrílico sobre papel/ Acrylic on paper

2. Moment of inspiration (Momento de inspiración)

Acrílico sobre papel/ Acrylic on paper

50 x 65 cm

2022

Transformación)

70 x 50 cm

2023

3. The Transformation (La

Acrílico sobre cartón/ Acrylic on cardboard

MARK JEFFREY WEISS

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL

Mark Jeffrey Weiss: Artista y geógrafo outsider

Mark Jeffrey Weiss es un consumado artista outsider y geógrafo, cuyas cautivadoras obras han obtenido reconocimiento en galerías de todo el mundo. Nacido y criado en Newport News (Virginia, EE.UU.), su trayectoria artística se ha visto profundamente influida por sus diversos orígenes y experiencias. El arte de Weiss se inspira en un rico tapiz de movimientos artísticos, como el expresionismo, el minimalismo y el surrealismo. Esta ecléctica mezcla de influencias es evidente en sus obras, que exhiben una fusión única de emoción, simplicidad y lo insólito. Cada pieza es un testimonio de su exploración creativa de la experiencia humana.

Aunque reside en la serena belleza del valle de Snoqualmie, el arte de Mark Jeffrey Weiss ha llegado mucho más allá del noroeste del Pacífico. Su participación en exposiciones colectivas en galerías de importantes centros artísticos como Berlín, Roma, Madrid, Nueva York y Miami ha permitido que su talento resuene en el público a escala internacional. Las obras de Weiss invitan al espectador a un mundo en el que las fronteras entre la realidad y la imaginación se difuminan, dejando un impacto duradero en quienes tienen el privilegio de contemplar sus creaciones.

Mark Jeffrey Weiss es un testimonio del poder del arte que trasciende las fronteras y desafía las convenciones. Su compromiso con la superación de los límites de la expresión y la exploración de las profundidades de la psique humana le han convertido en una figura prominente en el mundo del arte contemporáneo. Como artista outsider y geógrafo, sigue inspirando y cautivando al público, invitándole a embarcarse en un viaje a través de los paisajes de su imaginación y los entresijos de su perspectiva única.

Mark Jeffrey Weiss

ENGLISH

Mark Jeffrey Weiss: Outsider Artist and Geographer

Mark Jeffrey Weiss is an accomplished outsider artist and geographer, whose captivating works have garnered recognition in galleries across the globe. Born and raised in Newport News, Virginia USA, Weiss’ artistic journey has been deeply influenced by his diverse background and experiences. Weiss’s artistry draws inspiration from a rich tapestry of artistic movements, including expressionism, minimalism, and surrealism. This eclectic blend of influences is evident in his works, which exhibit a unique fusion of emotion, simplicity, and the uncanny. Each piece is a testament to his creative exploration of the human experience.

While residing in the serene beauty of the Snoqualmie Valley, Mark Jeffrey Weiss’s art has reached far beyond the Pacific Northwest. His participation in group exhibitions with galleries in major art hubs like Berlin, Rome, Madrid, New York City, and Miami has allowed his talent to resonate with audiences on an international scale. Weiss’s artworks invite viewers into a world where the boundaries between reality and imagination blur, leaving a lasting impact on those who have the privilege of engaging with his creations.

Mark Jeffrey Weiss is a testament to the power of art transcending boundaries and defying convention. His commitment to pushing the limits of expression and exploring the depths of the human psyche has made him a prominent figure in the world of contemporary art. As an outsider artist and geographer, he continues to inspire and captivate audiences, inviting them to embark on a journey through the landscapes of his imagination and the intricacies of his unique perspective.

Mark Jeffrey Weiss

Instagram: @markjeffreyweiss

Email: mark@valleystudio.net

Web: markjeffreyweiss.com

1. Piet Loves Helen (Piet ama a Helen)

Óleo sobre lino/ Oil on linen

76 x 76 cm

2. Richard Loves Helen (Richard ama a Helen)

Óleo sobre lino/ Oil on linen

76 x 76 cm

76

3. Borderlands (Tierras fronterizas)

Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas

x 76 cm

MILTIADIS MYTELETSIS

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL

“Nací en Alemania ,Schwenningen en 1967 y en 1982 nos fuimos a Grecia, Doxato-Drama. Terminé el liceo en 1986 y me fui a Atenas a estudiar Ingeniería de Software. Hasta 1988 en una escuela privada. Después fui a la Fuerza Aérea Griega hasta 2002. Despues trabaje donde pude y como pintor por supuesto. En 2007 me fui a Austria y en 2009 a Alemania. Y todavía vivo y trabajo en Alemania Yo estaba desde mi infancia fascinado con el ahogamiento y la pintura. Soy un pintor autodidacta (artista) en mi tiempo libre. Cuento mi propia historia sobre mí y la forma en que percibo el mundo desde mi punto de vista”.

Miltiadis Myteletsis

ENGLISH

“I was born in Germany ,Schwenningen in 1967 and 1982 we went to Greece, Doxato-Drama. I finished lyceum in 1986 and I went to Athens to study Software engineering. Till 1988 in a private school. After then I went to the Greek Airforce till 2002 . After then I worked where ever I could and as a painter of course. At 2007 I went to Austria and 2009 to Germany. And I still live and work in Germany I was from my childhood fascinated with drowning and painting. I’m a self-taught painter (artist) in my spare time. I tell my own story about me and the way I perceive the world from my point of view.”

Miltiadis Myteletsis

Instagram: @myteletsis

Email: miteletsis@gmail.com

1. Archon Azrael (Arcón Azrael)

Acrílico sobre lienzo/ Acryl on canvas

100 x 100 cm

50

2. Exodus (Éxodo)

Acrílico sobre lienzo/ Acryl on canvas

x 60 cm

100

3. Man playing Violoncello (Hombre tocando el violonchelo)

Acrílico sobre lienzo/ Acryl on canvas

x 70 cm

MARCELA FACCINI (Argentina)

ESPAÑOL

“Mi arte se configura como una búsqueda incansable y continua de un lenguaje con el mundo de las emociones. Estas pueden ser personificadas a través de una mirada seductora, cargada de melancolía o incluso plasmadas en una sonrisa; de esta manera, logro adentrarme en las profundidades de la mente del espectador y estimular su ser interno. Hallar inspiración en lo vivido, en lo cotidiano y en las vivencias gratificantes es mi motor creativo.Esta pasión me impulsa a persistir, ya que en cada obra resurgen vívidamente mis recuerdos y sensaciones. Mi objetivo es formar parte de ese mundo: el mundo de la espontaneidad y la autenticidad”.

Marcela Faccini

ENGLISH

“My art is configured as a tireless and continuous search for a language with the world of emotions. These can be personified through a seductive look, charged with melancholy or even captured in a smile; in this way, I manage to enter the depths of the viewer’s mind and stimulate his inner being. Finding inspiration in the lived, everyday and rewarding experiences is my creative engine; this passion drives me to persist, since in each work my memories and sensations vividly resurface. My goal is to be part of that world: the world of spontaneity and authenticity.

Marcela Faccini

Instagram: @faccinimarcela

Email: marcelacbidegain@gmail.com

Brillantina, piedra molida sobre goma Eva y acrílico/ Glitter, crushed stone on Eva rubber and acrylic

24 x 21 cm

1. Intrigante (Intriguing)

25

2. Actitud (Attitude)

Acrílico sobre goma Eva/ Acrylic on Eva rubber

x 26 cm

Acrílico sobre goma Eva/ Acrylic on Eva rubber

20.5 x 26.5 cm

3. Estilo (Stylishness)

MARCUS AHMAD STEWART

(Estados Unidos/ United States)

ESPAÑOL

Nacido en Killeen, Texas, Marcus es un artista autodidacta publicado internacionalmente que disfruta utilizando diferentes medios para crear su obra. También es un marido y padre de cuatro hijos al que le encanta aventurarse en nuevas culturas para experimentar diferentes formas de vida. Se unió a las fuerzas armadas poco después de la escuela secundaria en 2011 y se alistó como jefe de tripulación en aviones B-52h. A través de este esfuerzo adquirió nuevas habilidades, abrazó nuevas culturas y diversificó su paleta. Después de 8 años de servicio y pequeños contratiempos en la vida, reorientó su viaje. En 2023 se graduó en Ciencias de la Salud en el Temple Community College y actualmente cursa estudios superiores en Sonografía Médica de Diagnóstico. El arte, sin embargo, siempre ha sido su primer amor y su forma de expresión y meditación. “Trabajar en aviones me ha ayudado a entrenar mi vista y mi mente para comprender cómo las pequeñas piezas intrincadas pueden desempeñar un papel importante en el funcionamiento de un sistema. Esta ideología puede encontrarse en cada parte de la vida misma, así que intento trasladar este concepto a mi arte haciendo que cada pieza del cuadro tenga una profunda correlación con la historia que intento retratar”.

Declaración del artista:

Todos pasamos por cosas en la vida, vemos y vivimos en diferentes ámbitos de la vida. Gracias a ello aprendemos cosas nuevas, adquirimos sabiduría y evolucionamos. Me encanta ver la belleza que ofrece la vida misma: El caos, la pasión, la resistencia y todos los matices subyacentes de la realidad. A través del arte intento desgarrar los tejidos de la humanidad y analizar esos hilos en un esfuerzo por retratar las emociones que encontramos para ilustrar la belleza que puede hallarse en ellas. Por mucha maldad que haya en este mundo, hay belleza en lo que somos y en el entorno que nos rodea. Creo que cuanto más nos detengamos a oler las rosas, más capaces seremos de encontrar la paz en un mundo plagado de guerras.

Marcus Ahmad Stewart

ENGLISH

Born in Killeen, Texas, Marcus is a self-taught internationally published artist that enjoys using different media in creating his work. He is also a husband and a father of four that loves to venture into new cultures to experience different ways of life. He joined the military shortly after Highschool in 2011 and enlisted as a Crew Chief on B-52h aircrafts. Through this endeavor he gained new skills, embraced new cultures, and diversified his palette. After 8 years of service and minor setbacks in life he refocused his journey. In 2023 he graduated from Temple Community College with a degree in Health Science and is currently pursuing higher education in Diagnostic Medical Sonography. Art, though, has always been his first love and his form of expression and meditation. “Working on aircraft has helped train my eye and mind towards grasping an understanding into how little intricate pieces can play a large role in the operation of a system. This ideology can be found in every part of life itself so I try to translate this concept into my art by making every piece of the picture have a deep correlation to the story that I’m trying to portray.”

Artist Statement:

We all go through things in life, we see and live in different walks of life. Through this we learn new things, gain wisdom, and evolve. I love to see the beauty that life itself has to offer: The chaos, the passion, the resilience, and all the underlying tones of reality. Through art I try to tear apart the fabrics of humanity and analyze those threads in effort to portray the emotions we encounter to illustrate the beauty that can be found within them. With as much evil there is in this world there is beauty in who we are and in the environment around us. I believe the more we stop and smell the roses, the more we will be able to find peace in a world ridden with war.

Marcus Ahmad Stewart

Instagram: @_d.stew_

Email: marcusstewart12.ms@gmail.com

mixed media paper

76 x 60 cm

1. The Nightingale’s Song (El canto del ruiseñor)

Óleo, grafito y carboncillo sobre papel de técnica mixta/ Oil, graphite, and charcoal on

CHRISTIAN GROSS AKA. CHRIS KAOS

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL

Desde la infancia, he estado involucrado en el dibujo y siempre he tenido un gran interés en temas creativos en general. Mi enfoque se centra en dibujos clásicos, así como en arte híbrido y digital, y ahora también en diseño gráfico. En mi trabajo principal actual como cambiador de carrera en la gestión de proyectos, ya he completado con éxito varios proyectos. Además de mi carrera académica y profesional, siempre he perseguido actividades creativas y, en 2023, completé una formación a tiempo parcial como diseñador gráfico para ampliar mis habilidades en esta área. De esta manera, pude no solo desarrollar mi talento, sino también adquirir técnicas y conocimientos en el entorno creativo. Además, también me interesa la producción de música electrónica y ritmos instrumentales, así como temas de tecnología y desarrollos tecnológicos, pero también estoy muy cerca de la naturaleza y me gustan las actividades al aire libre. De esta manera, surgen muchas sinergias entre mis ideas y su implementación. Ni mis imágenes ni mi música pueden clasificarse como convencionales. En general, clasificaría mis obras en las áreas de surrealismo, arte abstracto, cómic y arte urbano y callejero. La mayoría de mis obras surgen libremente de mi mente y, en la selección de motivos, en principio, me dejo las manos libres. Además, me gustaría expresar mi gratitud a mi familia, mi mejor amiga y mis amigos por su apoyo inquebrantable. ¡Gracias por estar allí para mí!

Christian Gross aka. Chris Kaos

ENGLISH

I have been involved with drawing since childhood and have a great interest in creative subjects overall. The focus for me is on classical drawings as well as hybrid and digital art, and now also graphic design. In my current main job as a career changer in project management, I have already successfully completed several projects. In addition to my school and professional career, I have always pursued creative activities and in 2023 completed a part-time training as a graphic designer to expand my skills in this area. Thus, I could not only develop my talent, but also acquire techniques as well as knowledge in the creative environment. Furthermore I’m also interested in electronic music production and instrumental beats as well as IT topics and technological developments, but I’m also very close to nature and like outdoor activities. Thereby, many synergies between my ideas and implementations arise. Neither my pictures nor my music can be assigned to the mainstream. Overall, I would classify my works in the areas of surrealism, abstract art, comic and urban & street art. Most of my works arise freely from my head and in the selection of motifs I leave me in principle free hand. Further, I would like to express my gratitude to my family, best girlfriend and friends for their unwavering support. Thank you for being there for me!

Instagram: @chriskaos84

Facebook: @c.kaos84

Web: kaos84.net

Christian Gross aka. Chris Kaos

1. Mind Space (Espacio mental)

Dibujado de forma totalmente clásica con lápices y rotuladores de tinta y coloreado con rotuladores de alcohol y aquarell y pinceles/ Fully classically drawn with pencils and ink markers and coloured with alcoholic and aquarelle markers and brushes

59.4 x 42 cm

2023 exclusivo para Art Anthology VII/ 2023 exclusive for Art Anthology VII

LINCOLN HOWARD

(Canadá/ Canada)

ESPAÑOL

“Nací en Vancouver B.C. Canadá, el 23 de febrero de 1970. Actualmente resido en Port Coquitlam B.C. Soy un artista abstracto intuitivo. He creado mi estilo y mi proceso a base de ensayo y error. Suelo incorporar una cuadrícula en mis obras. La cuadrícula representa la matriz de nuestras vidas. Los muchos giros, vueltas y millones de decisiones que tomamos y que dan forma a nuestras vidas. También utilizo una pasta que da a mis obras más profundidad y textura, un efecto tridimensional. Empecé a pintar tarde, a los 48 años. Asistí a una clase de pintura y me enganché. Me entró el gusanillo de la pintura y no he dejado de pintar desde entonces. Inmediatamente me sentí atraído e influenciado por el expresionismo abstracto y los artistas e imágenes de ese movimiento. Mi objetivo es traspasar los límites de la abstracción y crear imágenes originales e interesantes. A veces incorporo objetos a mis cuadros, como cristal, espejos o piezas de ordenador. A veces, pintar es como meditar. A veces, cuando acabo un cuadro, me pregunto cómo lo he hecho.”

Lincoln Howard

ENGLISH

“I was born in Vancouver B.C. Canada, on February 23, 1970. I presently reside in Port Coquitlam B.C. I’m an intuitive abstract artist. I’ve created my style and process through trial and error. I usually incorporate a grid pattern in my art. The grid represents the matrix of our lives. The many twists, turns and the millions of decisions we make that shape our lives. I also have a paste I like to use that gives my art more depth and texture with a 3D effect. I began painting late in life at the age of 48. I took a painting class and was hooked. I caught the painting bug and haven’t stopped painting since. I was immediately drawn and influenced by abstract expressionism and the artists and imagery from that movement. My goal is to push the boundaries of abstraction, to create interesting original images. I sometimes incorporate objects into my paintings like glass, mirrors or computer parts. Painting at times is like a meditation to me. Sometimes when I finish a painting I wonder how did I do that?”

Lincoln Howard

Instagram: @lincolnhowardart

Email: lincolnhowardart@hotmail.com

(Propulsión)

Técnica mixta sobre lienzo/ Mixed media on canvas

76.2 x 60.9 cm

2021

1. Propulsion

MANUEL LANGSTADLINGER (Austria)

ESPAÑOL

Manuel Langstadlinger, el tercero de cuatro hermanos, nació en Neulengbach, Baja Austria, y sigue considerando esta ciudad como su hogar. Creció como hijo de un gitano, rodeado de la creatividad de la música y las artes visuales. Su temprano talento artístico, inspirado por su padre, lo llevó hacia el realismo. Durante sus años formativos, Langstadlinger exploró diversos motivos, centrándose especialmente en escenarios imaginativos dentro de retratos. El arte se convirtió en su refugio, permitiéndole sobrellevar los desafíos familiares, las presiones externas y las experiencias emocionales, sirviendo como un ancla vital para su bienestar. En 2006, inició sus primeras exposiciones, y en 2008, emprendió una formación avanzada en pintura y gráficos bajo la tutela de Mag.art Maria Savchenko-Terzinsky. Aunque comenzó sus estudios de diseño gráfico en la New Design University en 2010, eventualmente abandonó el programa. Posteriormente, trabajó como diseñador gráfico profesional e ilustrador para diversas empresas. A pesar de su pasión por las exposiciones, Langstadlinger decidió pausarlas en 2012. La última, celebrada en el Club B72 de Viena, contó con colaboraciones con los artistas Marcin Glod, Belinda Swoboda y Melanie Morawetz. En los años siguientes, se sumergió intensamente en su propio arte, buscando una educación adicional en diseño y arte, y hoy en día posee títulos en diseño gráfico e historia del arte. En 2019, Langstadlinger regresó triunfalmente con una exposición en Viena, inaugurada por MBA Franz Erhard Lerch, presidente de los Foros de Arte de Viena. Esto fue seguido por una exposición conjunta con el artista Michael J Masata en la misma galería. Actualmente, trabaja como diseñador gráfico independiente y artista, haciendo apariciones ocasionales en exposiciones internacionales y siendo destacado en diversas publicaciones. “Veo mi trabajo como una expresión física de mis propios pensamientos, sentimientos, meditaciones y reflexiones sobre la vida. Proceso mis experiencias y sentidos. Mi arte es mi hogar, mi santuario, mi escape. Invito al espectador a mi mundo como un invitado. También se podría decir que mis obras representan un vistazo a la psique íntima de mí mismo. Prefiero crear mis representaciones a nivel gráfico y en un estilo expresivo, porque siempre me he sentido más cómodo con ello. Utilizo lápices y lápices de colores con pasión y dejo que mi forma generalmente caótica de pensar se exprese libremente y sea visible”.

Manuel Langstadlinger

ENGLISH

Manuel Langstadlinger, the third of four siblings, was born in Neulengbach, Lower Austria, and continues to call this town home. Growing up as the son of a Roma, he was surrounded by the creativity of music and visual arts. His early artistic talent, inspired by his father, led him towards realism. During his formative years, Langstadlinger explored diverse motifs, particularly focusing on imaginative scenarios within portraits. Art became his refuge, allowing him to navigate family challenges, external pressures, and emotional experiences, serving as a vital anchor for his well-being. In 2006, he embarked on his first exhibitions, and in 2008, he pursued advanced training in painting and graphics under Mag.art Maria Savchenko-Terzinsky. Although he initially began graphic design studies at the New Design University in 2010, he eventually discontinued the program. Subsequently, he worked as a professional graphic designer and illustrator for various companies. Despite his passion for exhibiting, Langstadlinger decided in 2012 to put a pause on exhibitions. The last one, held at Club B72 in Vienna, featured collaborative efforts with artists Marcin Glod, Belinda Swoboda, and Melanie Morawetz. In the ensuing years, he delved intensively into his own art, pursuing further education in design and art, and today holds degrees in graphic design and art history. In 2019, Langstadlinger made a triumphant return with an exhibition in Vienna, inaugurated by MBA Franz Erhard Lerch, Chairman of the Vienna Art Forums. This was followed by a joint exhibition with artist Michael J Masata at the same gallery. Presently, he works as an independent graphic designer and artist, making occasional appearances at international exhibitions and being featured in various publications.

“I see my work as a physical expression of my own thoughts, feelings, meditations and reflections About life. I process my experiences and senses. My art is my home, my sanctuary, my outlet. I invite the viewer into my world as a guest. One could also say that my works represent a glimpse into the intimate psyche of myself. I prefer to create my representations on a graphic level and in an expressive style, because I‘ve always felt most comfortable with it. I use pencils and colored pencils with passion and visibly let my mostly chaotic way of thinking run free. “

Manuel Langstadlinger

Instagram: @manschey

Email: langi1@live.at

41.09

2018

1. Life and Death (La vida y la muerte)

Lápiz sobre papel/ Pencil on Paper

x 29.05 cm

JÓHANNES KRISTJÁNSSON (Islandia/

Iceland)

ESPAÑOL

Soy de Islandia, nací en 1965. He estado pintando intermitentemente durante más de 20 años. Mis influencias e inspiraciones provienen de la naturaleza. Ya sea la fina hierba en la naturaleza o las rocas, también puede ser una pintura abstracta. Todas estas formas y figuras son lo que la luz del sol puede hacer mágicamente. Solo quiero capturar el ambiente y plasmarlo en lienzo. Soy un pintor autodidacta, pero he tomado cursos de pintura. Pinto al óleo y cada obra lleva mucho tiempo, ya que mi trabajo es delicado. A veces, hasta un mes. Dedico todo el tiempo libre a pintar, pero mi trabajo principal es como ingeniero de sonido en una estación de televisión y radio en Islandia. Obtengo mi inspiración de la naturaleza islandesa. Utilizo fotografías que he tomado yo mismo como referencia. Muchas de las obras llevan mucho tiempo, porque pinto las imágenes en varias capas.

Exposición digital:

Exposición Internacional de Arte M.A.D.S. “RGB SKY” (Cielo RGB) 2023

Participé en la Exposición Internacional de Arte Contemporáneo M.A.D.S. “Liquid Arsenal” 2022

Exposición física:

2023 Casa de Cultura Capital y Galería Santana Madrid “Sun Kingdom”. 2023 Capital Culture House en colaboración con Galería Medina de Roma “AURORA”

2023 Exposición colectiva en Gallery Göng, Islandia. 2021 Exposición colectiva Cafe Milano, Islandia 2020 Exposición colectiva en Skálholt Islandia 2013 Exposición colectiva Ayuntamiento de Reykjavik

Exposición digital:

M.A.D.S. Exposición Internacional de Arte “RGB SKY”. 2023

Exposición internacional de arte contemporáneo M.A.D.S. “Liquid Arsenal” 2022

ENGLISH

I´m from Iceland, born 1965. I have been painting on and off for over 20 years. My influences and inspirations come from nature. Whether it’s fine grass in nature or rocks, it can just as well be an abstract painting.

Jóhannes Kristjánsson

All these shapes and forms and that is what the sunlight can do magic. I just want to capture the mood and put it on canvas. I´m a self-taught painter but have taken courses in painting.

I paint in oil and each painting takes a long time to make, as my work is delicate. Sometimes up to a month. I use every spare time to paint but my main job is as a sound engineer on a television and radio station in Iceland. I draw my inspiration from Icelandic nature. I use photographs I have taken myself to use as a reference. Many of the works take a long time, because I paint the pictures in many layers.

Digital Exhibition:

The M.A.D.S. International Art Exhibition “RGB SKY” 2023 I participated to the M.A.D.S.Internatoinal Contemporary Art Exhibition #Liquid Arsenal” 2022

Physical Exhibition:

2023 Capital Culture House & Santana Gallery Madrid “Sun Kingdom”

2023 Capital Culture House in collaborating with Medina Gallery in Rome “AURORA” 2023 Group exhibition in Gallery Göng, Iceland.

2021 Group exhibition Cafe Milano, Iceland

2020 Group exhibition in Skálholt Iceland

2013 Group exhibition Reykjavik City Hall

Digital Exhibition:

M.A.D.S. International Art Exhibition “RGB SKY” 2023

M.A.D.S. International Contemporary Art Exhibition #Liquid Arsenal” 2022

Instagram: @art_by_johannes

Email: joikarl@hotmail.com

Web: apolloart.is/collections/johannes-kristjansson

Jóhannes Kristjánsson

100

2021

1. Green grass (Hierba verde)

Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas

x 100 cm

PETRA DIPPOLD-GOETZ

(Alemania/ Germany)

ESPAÑOL

Nacida cerca de Núremberg, Alemania, crecí en la ciudad de Alberto Durero y siempre he estado bajo el hechizo de este fascinante artista.

Para mejorar y perfeccionar mis técnicas estudié Bellas Artes en la Academia de Faber-Castell de 2014 a 2018. Desde 2019 fui invitada a exposiciones y ferias de arte en varias partes de Europa como Viena, Roma, Barcelona, París, Milán e incluso Nueva York y Tokio.

Mis obras son emocionales, intuitivas, evocadoras y apasionadas. Y mis declaraciones son diferentes. Con algunos cuadros sólo quiero expresar una alegría apasionada por la belleza de la vida y la belleza del arte. Otras obras tienen un trasfondo sociopolítico; quieren advertir y despertar: ¡hay que poner fin a la destrucción de nuestro planeta y a la extinción de tantos animales con fines comerciales! La búsqueda del beneficio personal nunca debe primar sobre el bien común. Nuestro objetivo más importante debe ser llegar a las generaciones futuras este maravilloso planeta intacto y digno de ser habitado.

Petra Dippold-Goetz

ENGLISH

Born close to Nuremberg, Germany I grew up in the city of Albrecht Dürer and have always been under the spell of this fascinating artist.

To improve and refine my techniques I studied Fine Arts at the Academy of Faber-Castell from 2014 to 2018. Since 2019 I was invited to exhibitions and art fairs in several parts of Europe like Vienna, Rome, Barcelona, Paris, Milan and even New York and Tokyo. My works are emotional, intuitive, evocative and passionate. And my statements are different. With some pictures I just want to express a passionate joy about the beauty of life and the beauty of art. Other works have a socio-political background; they want to warn and awaken: the destruction of our planet and the extinction of so many animals for commercial purposes must be stopped! The pursuit of personal gain must never take precedence over the common good! Our most important goal must be to pass on this wonderful planet to future generations intact and worth living in.

Petra Dippold-Goetz

Instagram: @petrapainting

Email: petra-musik@web.de

Web: www.petrapainting.com

100

2021

1. La Musica del Mare (The Music of the Sea)

Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas

x 80 cm

MARCO DONATI /MD2019

(Italia/ Italy)

ESPAÑOL

Artista autodidacta. Desde pequeño desarrolló una sensibilidad y predisposición natural para el dibujo y la escritura aprendiendo a hacerlo sobre las rodillas de su abuelo. Se acercó a la pintura en 2019 al final de un proceso artístico que le vio crecer con el dibujo, la palabra, la música, la fotografía y la infografía. Ahora se expresa a través de la pintura abstracta y el arte digital.

Su estilo artístico es dinámico y es puramente instintivo: sus obras se caracterizan por el uso de colores atrevidos, patrones abstractos y, en ocasiones, formas de cuerpos humanos o formas geométricas en contraste con fondos abstractos y coloridos. Su estilo es una expresión natural de necesidades y deseos interiores enterrados en lo más profundo de su subconsciente. Desde sus comienzos en la pintura hasta hoy, ha participado en varios concursos internacionales como el Luxembourg Art Prize y el Prisma Art Prize, mientras que sus obras se han expuesto en exposiciones colectivas en Italia y en el extranjero (Roma, Génova, Madrid, Miami) y algunas de ellas han pasado a formar parte de colecciones privadas. También ha aparecido en algunas publicaciones como la revista de arte canadiense “Observica” y la antología de arte Vol. III curada por Capital Culture House en Madrid a finales de 2021.

En sus palabras “Creo que expresarme a través de esta forma de arte tiene un efecto curativo en mí, a pesar de que sigue siendo difícil comunicarme y sacar a la luz mis necesidades y sentimientos. Puedes vivir y crear tu mundo fuera de ti, pero en tu interior hay otro mundo, un mundo diferente, a veces lleno de colores vivos y, a veces, también lleno de oscuridad. Este mundo oculto siempre ha vivido conmigo desde que nací y, en muchos casos, tarde o temprano siempre encuentra una manera de salir y toma forma a través de alguna expresión artística. Decidí firmar mi arte como “MD2019” para rendir homenaje al año en que comencé esta nueva aventura, y se ha convertido en una especie de marca registrada para mis obras.

Marco Donati /MD2019

ENGLISH

Self-taught artist. Since he was a child he developed a natural sensitivity and predisposition for drawing and writing learning to do it on his grandfather’s knees. He approached painting in 2019 at the end of an artistic process that saw him grow up with drawing, words, music, photography and computer graphics. Now he expresses himself through abstract paintings and digital art. His artistic style is dynamic and is purely instinctive: his works are characterized by its use of bold colors, abstract patterns and, sometimes, shapes of human bodies or geometric shapes in contrast with abstract and colorful backgrounds. His style is a natural expression of inner needs and desires buried inside his deepest subconscious. From his beginnings in painting until today, he has participated in several international competitions such as the Luxembourg Art Prize and the Prisma Art Prize while his works have been exhibited in collective exhibitions in Italy and abroad (Rome, Genoa, Madrid, Miami) and some of them have become part of private collections. He also has been featured in some publications including the Canadian Art Magazine “Observica” and the Art Anthology Vol. III cured by Capital Culture House in Madrid late 2021.

In his words:

“I believe that express myself through this art form has a healing effect on me, despite it is still difficult to communicate and bring out my needs and feelings. You can live and create your world outside of you but in your deep there is another world, a different world, sometimes full of vivid colors and, sometimes, full of dark as well. This hidden world is always living with me since I was born and, in many cases, sooner or later it always finds a way to come out and takes shape through some artistic expression. I decided to sign my art as “MD2019” to pay homage to the year I started this new adventure and it has become something of a trademark for my works.”

Marco Donati /MD2019

Instagram: @md_ona78

Email: md.ona78.art@gmail.com

Web: mdona78art.wixsite.com/website

Arte digital/ Digital art

80 x 80 cm

1. Flushing Away #9 (Tirando de la cadena #9 )

“Soy Sabine Katharina Windischbauer.

Artista autodidacta.

SABINE WINDISCHBAUER (Austria)

ESPAÑOL

Nací el 23 de octubre de 1962 en Linz, Austria. Mi obra se centra en la feminidad y el empoderamiento de la mujer a través de mensajes de autodeterminación, salvajismo, encanto, sensualidad y sensibilidad. Crecí en un entorno en el que a las mujeres no se les permitía mostrar toda su expresión o creatividad.

Con influencias expresionistas y un proceso intuitivo

Me encanta crear pinturas dominadas por colores fuertes. Rojo fuerte, rosa, morado. Me encanta crear con pinceladas fuertes, con una energía vehemente.

Así comunico la intensidad y la línea de mi concepto.

Mi objetivo es contribuir a la conversación contemporánea sobre las perspectivas de género y el lugar de la mujer en el mundo.

MIS EXPOSICIONES :

GUTO AJAYU CULTURE MADRID

M.A.D.S MILANO ITALIA

ITSLIQUID GROUP ITALIA VIRTUALARTISTS LONDRES

WORLDOFCRETE GRECIA

SCHLOSS TRAUN AUSTRIA

MUSA INTERNATIONAL ARTSPACE ITALIA

EL BARRIO ARTSPACEPS109 NUEVA YORK

MI PRESENCIA EN ESTOS FANTÁSTICOS LIBROS DE ARTE: ANTOLOGÍA V GUTO AYAJU MADRID ANTOLOGÍA VII GUTO AYAJU MADRID LIBRO DE ARTE DE ELISABETTA ELIOTROPIO ARTCURADORA DE M.A.D.S MILANO ITALIA EUROPEANARTGUIDE GINA u. LINUS CINNAMONI SUECIA WORLDARTGUIDE 2024 GINA u. LINUS CINNAMONI SUECIA ARTMOSPHERE MAGAZIN ALEXANDER YAYA ESPAÑA BARCELONA

GODDESSARTSMAGAZIN LENA SNOW

CONTEMPORARY Celebrity Masters Vol. IV, dirigido por el Dott. SALVATORE RUSSO INVITACIÓN ESPECIAL 2023: Galardonada con el “INTERNATIONAL MICHELANGELO PRIZE” Comisariado por FRANCESCO SAVERIO RUSSO y el Dott. SALVATORE RUSSO. ROMA, ITALIA.

ENGLISH

“I am Sabine Katharina Windischbauer.

A self-taught Artist.

Born on 23.October 1962 in Linz, Austria.

My body of work has the focus in femininity and empowerment of woman through messages of self-determination, wildness, charm, sensuality and sensitivity. I grew up in an environment where women were not allowed of showing their full expressions or creativity. With expressionist influences and an intuitive process

I love to create paintings dominated by strong colors. Strong red, pink, purple. I love to create with strong brushstrokes. With a vehement energy. So, I communicate the insensitivity and the line of my concept.

My goal is contributing the contemporary conversation in the perspectives of gender and the place of woman in the world.

MY EXHIBITIONS :

GUTO AJAYU CULTURE MADRID

M.A.D.S MILANO ITALY

ITSLIQUID GROUP ITALY

VIRTUALARTISTS LONDON

WORLDOFCRETE GREECE

SCHLOSS TRAUN AUSTRIA

MUSA INTERNATIONAL ARTSPACE ITALY

EL BARRIO ARTSPACE PS109 NEW YORK

MY PRESENCE IN THIS FANTASTIC ARTBOOKS: ANTHOLOGY V GUTO AYAJU MADRID ANTHOLOGY VII GUTO AYAJU MADRID ARTBOOK OF ELISABETTA ELIOTROPIO ARTCURATOR OF M.A.D.S MILANO ITALY EUROPEANARTGUIDE GINA u. LINUS CINNAMONI SWEDEN WORLDARTGUIDE 2024 GINA u. LINUS CINNAMONI SWEDEN ARTMOSPHERE MAGAZIN ALEXANDER YAYA SPAIN BARCELONA

GODDESSARTSMAGAZIN LENA SNOW

CONTEMPORARY Celebrity Masters Vol. IV directed by Dott. SALVATORE RUSSO

SPECIAL INVITATION 2023:

Awarded with the „INTERNATIONAL MICHELANGELO PRIZE”

Curated by FRANCESCO SAVERIO RUSSO and Dott. SALVATORE RUSSO ROM, ITALY

Instagram: @vivre1962

Email: sabine.windischbauer@liwest.at

Web: sabine-windischbauer.com

Sabine Windischbauer

Sabine Windischbauer

150

1. C O N F I D E N C E“ (C O N F I A N Z A)

Acrílico sobre lienzo/ Acrylic on Canvas

x 100 cm

LUANA STEBULE (Lituania/

Lithuania)

ESPAÑOL

Luana es una artista reconocida internacionalmente que ha recibido varios premios y reconocimientos prestigiosos. En 2023, fue destacada en el “Top 10 de Artistas Contemporáneos” por la revista World of Art y recibió el “Premio de Arte de Coleccionistas” de la revista Contemporary Art Curator. Sus obras están incluidas en la “Guía Mundial de Arte 2023” y el libro “Biografía - Arte Contemporáneo”. Sus exhibiciones recientes incluyen la Bienal de Florencia 2023, FIABCN Art Fair en Barcelona y exposiciones grupales en Florencia, Roma y más de 70 muestras de arte alrededor del planeta. Nacida en Lituania en 1962, la artista ha estado creando en el Reino Unido desde 2013. Con formación en educación artística, explora la espiritualidad y la singularidad en su proceso creativo. Utilizando diversos medios, como óleo sobre lienzo, acrílico y collages, busca lograr riqueza y destreza. La artista ha expuesto ampliamente en Europa, Inglaterra, Canadá y Estados Unidos. Su arte evoluciona con diferentes estilos y técnicas, incorporando elementos de impresionismo, puntillismo y surrealismo. La artista valora el nivel espiritual de su obra sobre los aspectos técnicos. A lo largo de los años, su estilo ha cambiado, centrándose ahora en capturar la naturaleza y objetos a través de signos. El crítico Salvatore Russo describe su arte como un laberinto visual, expresando verdades complejas con geometría de perspectiva. Desde 2018, la artista ha ganado visibilidad a nivel mundial a través de su sitio web y ha recibido numerosos premios, incluido el 3er Premio Internacional Leonardo Da Vinci y el Premio de la Ciudad de Nueva York. Sus obras se destacan en varias antologías de arte, y en 2021 recibió el “Premio Internacional Dante Alighieri”. En 2022, recibió el Premio ATIM’S Top 60 Masters y el Premio de Elección del Coleccionista en Nueva York. En 2023, sus obras fueron publicadas en el libro “Excellent Art” en Alemania y presentadas en el libro de arte “Voices of tomorrow” curado por la revista Contemporary Art Curators.

ENGLISH

Luana is internationally recognized and has received various prestigious awards and recognitions. In 2023, they were featured in the “Top 10 Contemporary Artists” by the World of Art Magazine and received the “Collectors Art Prize” from the Contemporary Art Curator Magazine. Their works are included in the “World Art Guide 2023” and the book “Biography – Contemporary Art.” Recent exhibitions include the Florence Biennale 2023, FIABCN Art Fair in Barcelona and group exhibitions in Florence, Rome and more than 70 art shows around the whole planet. Born in Lithuania in 1962, the artist has been creating in the United Kingdom since 2013. With a background in art education, they explore spirituality and uniqueness in their creative process. Using various media, such as oil on canvas, acrylic, and collages, they aim to achieve richness and dexterity. The artist has exhibited extensively in Europe, England, Canada, and the United States. Their art evolves with different styles and techniques, incorporating elements of impressionism, pointillism, and surrealism. The artist values the spiritual level of their work over technical aspects. Over the years, their style has shifted, and they now focus on capturing nature and objects through signs. The critic Salvatore Russo describes their art as a visual labyrinth, expressing complex truths with perspective geometry. Since 2018, the artist has gained visibility globally through their website and has received numerous awards, including the 3rd International Leonardo Da Vinci Prize and the New York City Prize. Their artworks are featured in various art anthologies, and they were awarded the “Dante Alighieri International Prize” in 2021. In 2022, they received the ATIM’S Top 60 Masters Award and Collector’s Choice Award in New York. In 2023, their works were published in the book “Excellent Art” in Germany and featured in the Art Book “Voices of tomorrow” curated by the Contemporary Art Curators Magazine.

Instagram: @luanastebule

Facebook: Luana Stebule Paintings

Email: luanastebule@gmail.com

Web: www.luanastebulefineart.co.uk

91

1. Collobaration

Óleo sobre lienzo/ Oil on canvas

x 61 cm

SARA MARTÍN LÓPEZ

(España/ Spain)

ESPAÑOL

Sara es una fotógrafa madrileña que no concibe el arte si no es desde el activismo. Sus proyectos son el resultado de sus inquietudes y de los movimientos sociales de su entorno. Esto ha hecho que cuestione algunos de los valores controvertidos de lo que supone vivir en una ciudad cosmopolita como Madrid situando identidad, migración, género y medio ambiente en el centro de su obra.

La fotografía se convirtió en la herramienta para explorar y desarrollar construir y deconstruir discursos y llevándola a lugares que considera el epicentro de su creación,

Actualmente explorando nuevas áreas de investigación como la conexión con la naturaleza y la conservación medioambiental particularmente en las Islas Bijagós, reserva de la biosfera en Guinea Bissau.

ENGLISH

Sara is a photographer from Madrid who does not conceive of art except through activism. His projects are the result of his concerns and the social movements around him. This has made her question some of the controversial values of what it means to live in a cosmopolitan city like Madrid, placing identity, migration, gender and the environment at the center of her work.

Photography became the tool to explore and develop, construct and deconstruct discourses, taking it to places that it considers the epicenter of its creation,

Currently exploring new research areas such as the connection with nature and environmental conservation, particularly in the Bijagós Islands, a biosphere reserve in Guinea Bissau.

Instagram: @sara_martin_

Web: www.saramartinlopez.com

1. Correct Look (Aspecto correcto)

Fotografía digital en color/ Digital color photography

100 x 100 cm

ÖMÖ RIBEIRO

(Brazil/ Brasil)

ESPAÑOL

.OMO. Ribeiro (Ômega), educador artístico y artista visual multilenguaje, graduado en Bellas Artes por la UFPE, se destaca por sus prácticas educativas socio-culturales, dando valor a los conocimientos afro diaspóricos e indígenas. Fundador del colectivo “Bagaço” y del espacio “Fibrose - Oficina de Artes” en Igarassu, promueve expresiones culturales y resistencia. Como ideólogo del proyecto “Migrantes”, explora vivencias en la costa y el sertón, inspirado por el colectivo. Como realizador del proyecto “Giros”, produjo 4 cortometrajes mediante la Ley Aldir Blanc, resultando en la exposición “Giros Sankofa”. Este proyecto dialoga ancestralmente entre Seu Zezinho, Doña Georgina y los artistas .OmO. Ribeiro y Georgina Santos, manifestándose en el Mercado Eufrásio Barbosa - Olinda, Pernambuco. Una construcción dinámica de ancestralización, guiada por memorias, flujos espirales y ciclos de ancestralización. Actualmente, lidera el proyecto “Giros de Mugangas”, continuando las investigaciones sobre máscaras y expresividades del proyecto “Giros”.

ENGLISH

.OMO. Ribeiro (Ômega), art educator and multilingual visual artist, graduated in Fine Arts from UFPE, stands out for socio-cultural educational practices, valuing Afro-diasporic and indigenous knowledge. Founder of the collective “Bagaço” and the space “Fibrose - Arts Workshop” in Igarassu, he promotes cultural expressions and resistance. As the creator of the “Migrants” project, he explores coastal and hinterland experiences, inspired by the collective. As the Director of the “Giros” project, he produced 4 short films through the Aldir Blanc Law, resulting in the exhibition “Giros Sankofa.” This project engages ancestrally between Seu Zezinho, Dona Georgina, and the artists .OmO. Ribeiro and Georgina Santos, manifesting itself at the Eufrásio Barbosa Market in Olinda, Pernambuco. A dynamic construction of ancestralization, guided by memories, spiral flows, and cycles of ancestralizations. Currently, he leads the “Giros de Mugangas” project, continuing investigations into masks and expressions from the “Giros” project.

Instagram: @s._omega_ / @artesfibrose

Impresión en papel fotográfico o Fine Arte com intervenciones de diseños y collage

Serie: Giros de Feira / Printed on photographic or Fine Art paper with interventions of designs and collage

32.9 x 42 cm

Fotografía: Ytallo Barreto

2023

1. Muganga de Badoque (Muganga by Badoque)

JOÃO VEJAM

(Brazil/ Brasil)

ESPAÑOL

João “Vejam” es un destacado artista visual y graffiti writer de Florianópolis, en el sur de Brasil. Con 36 años, su carrera comenzó alrededor del año 2000, destacándose como uno de los precursores del graffiti en la ciudad. A lo largo de los años, Vejam ha perfeccionado sus habilidades, participando e ideando eventos de gran importancia a nivel nacional e internacional, como la Bienal Internacional de Graffiti Fine Art y el Art Basel. Su versatilidad se evidencia en la fusión de colores, texturas y efectos visuales en composiciones abstractas.

En 2020, celebrando 20 años de carrera, Vejam consolidó su estilo en la exposición VEJAM. SINTAM. La muestra destacó su habilidad técnica en la combinación de letreros tradicionales de graffiti con la impactante deconstrucción de formas y texturas, marcando un punto alto en su trayectoria artística.

ENGLISH

João “Vejam” is a renowned visual artist and graffiti writer from Florianópolis, Southern Brazil. At 36 years old, his career began around 2000, establishing him as one of the pioneers of graffiti in the city.

Over the years, Vejam has honed his skills, participating in and organizing nationally and internationally significant events such as the International Biennial of Graffiti Fine Art and Art Basel. His versatility is evident in the fusion of colors, textures, and visual effects in abstract compositions.

In 2020, celebrating 20 years in his career, Vejam solidified his style in the exhibition VEJAM. SINTAM. The showcase highlighted his technical skill in combining traditional graffiti lettering with the impactful deconstruction of forms and textures, marking a high point in his artistic journey.

Instagram: @vejam_

Web: www.vejam.art

100

2022

1. Fluído cósmico (Cosmic fluid)

Técnica mixta / Mixed media

x 100 cm

PABLO SANGÜESA

(España/ Spain)

ESPAÑOL

Pablo Sangüesa (Palma de Mallorca) trabaja como ilustrador. Empezó a trabajar profesionalmente en Australia, donde estuvo viviendo durante 3 años. Ahora en Madrid combina su trabajo para diferentes clientes; marcas, agencias de publicidad y editoriales, con sus trabajos personales que van desde la autoedición, animación y creación de diferentes exposiciones, que ha llevado a diferentes festivales y espacios creativos. En su trabajo combina tanto técnicas digitales como analógicas, siempre dependiendo del proyecto a trabajar y como se comunique mejor la idea a desarrollar.

ENGLISH

Pablo Sangüesa, originally from Palma de Mallorca, works as an illustrator. He began his professional career in Australia, where he lived for three years. Now in Madrid, he merges his work for various clients, including brands, advertising agencies, and publishers, with his personal projects. These projects encompass self-publishing, animation, and the creation of art exhibitions, which he has showcased at various festivals and creative spaces. In his work, Pablo blends both digital and analog techniques, always adapting to the specific needs of each project and how best to convey the intended idea.

Instagram: @pablo_sanguesa Web: www.pablosanguesa.com

1. Pág 1 del fanzine Fragmentos del desierto (Page 1 of the fanzine Fragments of the desert)

Tinta China sobre papel / Chinese Black Ink on Paper 15 x 20 cm 2023

LETRA POWER (Perú/

Peru)

ESPAÑOL

Angel UC, es fundador de Letra Power, un proyecto artístico que tiene como finalidad difundir la historia y el proceso de serigrafía artesanal del cartel chicha. Adquirió sus conocimientos como parte de su tradición familiar en el taller de serigrafía de su padre, creado en los años 80 en Lima, Perú, donde se realizaban carteles aplicando los colores de la textilería andina peruana. Actualmente, Angel UC difunde la estética del cartel chicha, como parte del arte popular peruano, a través de diversas expresiones y soportes como: carteles, murales, diseños y talleres, en los que plasma frases transversales que generan un diálogo con las personas que lo aprecian, buscando generar mayores lazos de reflexìon en la sociedad.

ENGLISH

Ángel UC is the founder of Letra Power, an artistic project with the aim of disseminating the history and process of handmade screen printing in chicha posters. He acquired his knowledge as part of his family tradition in his father’s screen printing workshop, established in the 1980s in Lima, Peru, where posters were created using the colors of Peruvian Andean textiles. Currently, Ángel UC promotes the aesthetics of the chicha poster as part of Peruvian popular art through various expressions and mediums such as posters, murals, designs, and workshops. In these endeavors, he incorporates cross-cutting phrases that engage in a dialogue with those who appreciate his work, seeking to foster deeper reflection in society.

Instagram: @letrapower

1. Sé Feliz (Be Happy)

Serigrafía Chicha – Papel Calado / Chicha Silkscreen Printing - Fretwork Paper

50 x 70 cm

GEORGINA SANTOS DA SILVA

(Brazil/ Brasil)

ESPAÑOL

Georgina Santos da Silva, nacida en Paulista, Brasil, ha vivido la mayor parte de su vida en la Isla de Itamaracá. Actualmente reside y trabaja en Madrid, España. Graduada de la UFPE (Universidad Federal de Pernambuco) en Brasil, se encuentra cursando el Máster en Educación Artística en la Universidad Complutense de Madrid. Georgina ha participado activamente en proyectos colaborativos presentados en lugares destacados como el Museo Nacional de Arte MNA en Bolivia, el Museo de la Abolición en Brasil y el Museo Reina Sofía en España. Su trabajo también ha sido exhibido en espacios como Espacio Cazumbá en Brasil, Espacio Cultural La Parcería en España, Galería Knupp en la República Checa, Galería Santana y Galería Winglet en España, Galería 10k Contemporary en Bolivia, Galería Capibaribe en Brasil y Centro Cultural Mercado Eufrásio Barbosa en Brasil. En Madrid, España, Georgina es una de las fundadoras de Cine Caipirinha, el primer cine club brasileño en Europa, y de Dos Santos Cultural Production, una empresa dedicada a la gestión cultural. Además de su labor como curadora y educadora, Georgina se destaca como investigadora, coescribiendo artículos académicos sobre multiculturalismo, cultura afrobrasileña e indígena. Como artista, se centra en la fotografía y el arte audiovisual, explorando la interculturalidad, la raza y los discursos alternativos. Su trabajo sirve como una profunda exploración y expresión de estas narrativas culturales multifacéticas.

ENGLISH

Georgina Santos da Silva, born in Paulista, Brazil in, has lived most of her life in Itamaracá Island. Currently resides and works in Madrid, Spain. A graduate of UFPE (Federal University of Pernambuco) in Brazil, she is currently pursuing a Master’s in Art Education at the Complutense University of Madrid. Georgina has actively participated in collaborative projects showcased in prominent venues such as the National Art Museum MNA in Bolivia, the Abolition Museum in Brazil, and the Reina Sofía Museum in Spain. Her work has also been seen in spaces like Espacio Cazumbá in Brazil, Cultural Space La Parcería in Spain, Knupp Gallery in the Czech Republic, Santana Gallery, and Winglet Gallery in Spain, 10k Contemporary Gallery in Bolivia, Capibaribe Gallery in Brazil, and Cultural Center Mercado Eufrásio Barbosa in Brazil. In Madrid, Spain, Georgina is one of the founders of Cine Caipirinha, the first Brazilian cineclub in Europe, and Dos Santos Cultural Production, a company dedicated to cultural management. In addition to her roles as a curator and educator, Georgina stands out as a researcher, co-authoring academic articles on multiculturalism, Afro-Brazilian, and indigenous culture. As an artist, she focuses on photography and audiovisual art, exploring interculturality, race, and alternative discourses. Her work serves as a profound exploration and expression of these multifaceted cultural narratives.

Instagram: @georginassff / @2santospro

1. Memória circular/ Fragmento (Circular memory/ Fragment)

Hilo artesanal de plástico reciclado y ganchillo / Handmade yarn from recycled plastic and crochet

2023