Cordillera Galería - Cambio de eje - 1 edición - 2018

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Cordillera Galería Catálogo 1 serie nueva 2018 Editado Chile 2018 Todos los textos pertenecen a los artistas salvo P3 y P5-7 cuyo autor es Cordillera Galería P13 a P18 cuyo autora es Claudia Cofré Cubillos p41 cuyo autor es Joaquín Sánchez Editado por: Cordillera Galería | Gimena Castellón Arrieta Gestión Cordillera: Mónica Sepúlveda Para reproducción de las imágenes solicitar permiso o pedir contacto con los artistas a escuela.de.vuelo@outlook.com Jimena Croceri(ARG) Constanza Alarcón Tennen(CL) Liliana Zapata(BO) Constanza Giuliani(ARG) Paz Sandoval Fuentes(CL) Nelda Ramos(AR) http://cordilleragaleria.tumblr.com/

Cordillera es un espacio virtual de arte actual que busca dar visibilidad a proyectos y expresiones relacionadas con lo contemporĂĄneo.

Cordillera nace entre Chile y Argentina y se expande a todo el mapa.

Cada artista nuevo es un punto que expande la cartografĂ­a.

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Jimena Croceri(ARG) Constanza Alarcรณn Tennen(CL) Liliana Zapata(BO) Constanza Giuliani(ARG) Paz Sandoval Fuentes(CL) Nelda Ramos(AR)

Cordillera y la energĂ­a que hace aparecer las cosas.

Hace tres años y medio que vine a vivir a Santiago de Chile dejando la ciudad de Buenos Aires atrás, luego de vivir por 14 años en la calle Pringles.

En 2016, me enteré que estaba embarazada.

Estaba sorprendida, feliz y asustada también.

Muchísimas cosas en la cabeza y en el corazón, y además lejos de mi familia, amigos, país. Con mi pareja decidimos fortalecer esa decisión de estar juntos dándole la bienvenida a Greta en nuestras vidas. A partir de ahí, para mi: madre, artista, migrante, ni tan joven ni tan promesa, el panorama laboral en lo artístico empezó a generarme miedos. Creo que si preguntara cualquier mujer podría salir a responder fácilmente, cuál es el miedo si es una decisión feliz mente tomada: El MIEDO ES A ------------.

Miedo a desaparecer. A que ya nadie te tenga en cuenta, porque tener hijos en el arte es un lío, para las mujeres. Porque te pausas por lo menos

dos años, porque estas “desconcentrada” y dejan de confiar que vas a poder, porque al no visibilizar las situaciones familiares y los niños en los ámbitos artísticos parece que no existieran o no fueran compatibles.

Hay situaciones lógicas que ameritan que la madre pase más tiempo a cargo en algunas etapas de la crianza, pero en general toda actividad puede ser compartida. Pero atención, al suceder que la mujer en general está peor paga que el hombre, a la hora de elegir quién saldrá a hacer frente a lo laboral para traer sustento al hogar, la mujer cae en pausa y es el hombre el que sale. Y así se construye un círculo vicioso de desaparición y desvalorización.

Esta imagen me perseguía y comencé a idear una manera de estar activa incluso en esa pausa. Tenía en ese momento casi diez años de trabajo en las artes y había conocido a muchas personas, viajado, residido, generado

puentes. Se me ocurrió generar trama entre los contactos que había recolectado con los años en mi propio trayecto. Decidí realizar un encuentro virtual de todas esas voces. Así apareció la galería, Cordillera, que significaba que no solo iba a estar activa sino que esa energía que ponía en movimiento podía servir a muchos más.

Cuando pensé en Cordillera como mi proyecto postnatal para no desaparecer, siento que algo se me olvidó. La cantidad de hombres en el primer número ya hablaban de que nos cuesta. Nos cuesta tener accesible en la memoria las artistas mujeres. Porqué?

Porqué en la escuela, en la prensa, en la radio, en los consejos de los tutores artistas, en los libros de historia del arte y en las elecciones de curadores siempre suenan más nombres de hombres. Y ahí estaba yo replicando un modelo en mi flamante proyecto surgido de

una problemática, netamente femenina: la desaparición postnatal.

En el tercer ciclo del proyecto me siento a reformular todo y a hacerme cargo de la génesis de Cordillera. Cordillera nace de ser mujer en el arte actual, con todo su degradé, y para eso trabajará en adelante. Sin borrar al Otro, pero ganando cancha. Para qué empiecen a sonar más próximos los nombres de todas las increíbles mujeres que el arte contemporáneo hace trabajar aceleradamente antes de los treinta por temor a dejar de ser atractivas para la escena. Accionemos sobre ese temor, reescribámoslo, mastiquémoslo y como siempre hacemos, hagamos que eso sirva para algo.

Desde la primera muestra la web de la galería cuenta con una sección editorial donde se cuelgan todos los catálogos digitales que se van generando en cada edición. Ahora a este

catálogo se le sumarán los statements de los artistas, para que sabiendo sus intenciones para con el arte, pueden seguirlos y convocarlos para otras acciones.

Entonces Cordillera ahora se transforma también, mes a mes, en un archivo que va siendo alimentado por la trama que se extiende en cada sala de la galería. Para cada muestra se editará un catálogo descargable en pdf y que dará cuenta de un estado de la cuestión respecto de artistas trabajando. Sus investigaciones, sus proyectos, sus ideas, estarán al alance de un clic, para no volver a quedar regulando cuando nos preguntan: qué artista mujer me recomiendas o si sabes de alguna artista mujer que esté trabajando con tal o cual tema.

Cordillera abraza la idea de un archivo accesible que refleje el trabajo de muchas, de a poco, generando en su devenir material

de consulta gratuito en su formato pdf y se proyecta como un libro coleccionable que será lanzado durante 2018.

Desde Cordillera, extendiendo la cartografía del inmenso territorio de mujeres de todas las edades activas en las artes, los invitamos a la próxima inauguración para ver los trabajos de: Constanza Giuliani (AR) Constanza Alarcón Tennen ( CL) Jimena Croceri (AR) Liliana Zapata (BO) Paz Sandoval (CL) Invitada especial: Nelda Ramos ( AR)

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Claire Fontaine: artistas ready-made y huelga humana

Para Claire Fontaine no es relevante individualizar a cada miembro del grupo, dado que Claire Fontaine funciona como una subjetividad en sí misma. Con su nombre hace referencia por un lado a la conocida marca francesa de libretas y útiles escolares del mismo nombre y alude también a Fontaine, el famoso ready made de Duchamp. Claire Fontaine también es un nombre de mujer, por esta razón, nos referiremos al colectivo como Claire, siempre en femenino. Claire Fontaine es una práctica colectiva, donde todos son ayudantes, la dirección es un centro vacío.

Claire Fontaine no puede separar las formas del contenido, que en la mayoría de los casos atiende a un cuestionamiento constante sobre la impotencia política y la crisis de la singularidad que están muy presentes en el arte contemporáneo. Claire Fontaine se declara como una “artista ready made” ¿qué significa esto? Significa que tanto ella, como otros artistas contemporáneos son el equivalente

subjetivo de un “urinario” o una “caja de Brillo”, es decir, el artista en sí mismo se ha desplazado hacia un objeto que tiene un valor intercambiable, al igual que sus obras. Claire aborda la cuestión del “artista ready made” no desde la perspectiva de la muerte del autor, sino desde los procesos de subjetivación y su relación con el poder. La artista observa una crisis de la singularidad, citando a Foucault que postulaba que el poder produce más que reprime, y su producto más relevante son las subjetividades, como sabemos nuestros cuerpos están atravesados por las relaciones de poder y nuestros devenires están orientados en función de los medios con los que nos oponemos a ese mismo poder o con los que abrazamos sus flujos.

La cuestión, para Claire, no es tanto investigar el cambio en las formas en que las obras han sido creadas en las últimas décadas, sino lo que ha cambiado en la estructura de las subjetividades de los artistas como resultado

de la propagación del mercado del arte. Una demanda importante de Claire Fontaine es que el artista contemporáneo se ha convertido en una singularidad cualquiera (Whatever-singularity), término utilizado por Giorgio Agamben, es decir, subjetividades uniformes, intercambiables, que producen obras difícilmente diferenciables, se crean genéricos de arte a favor de la explotación económica. Hombres sin cualidades, desde un diagnóstico histórico se ha ido empobreciendo la subjetividad, desembocando tristemente en la proliferación del “yo” en todos los productos de consumo, incluidos los del espíritu. El intento del poder democrático en los últimos años por producir una equivalencia entre seres que los separaba todo: la clase, la raza, la cultura, etc., ha valido para que en definitiva se transforme todo esto en un universalismo de grandes superficies. Esta crítica, de alguna manera, estaba presente en la estética relacional, como dispositivos recientes, dinámicas micropolíticas, que recrean una y otra vez una instancia de

acercamiento participativo (“democrático”) con el espectador, pero que en definitiva legitima el consenso, configura un paisaje de lo visible y lo pensable, pero no interrumpe esa configuración de un orden dado.

Claire Fontaine afirma: “todos somos artistas ready made”, igual que cuando en mayo del 68 se decía en Francia que “todos somos judíos alemanes”, pero ¿qué quiere decir realmente esto?. Si en términos de subjetividades, los seres contemporáneos formamos parte de una estandarización, sometida a todo tipo de formateo, no hay lugar para cultivar la “excepción propia”. El contexto actual relacionado con el poder, la economía y el control, donde las ciudades se han convertido en centros comerciales o parques temáticos, y donde participamos de un riesgo globalizado, que aumenta la incertidumbre y por tanto el control. Resulta complicado en este contexto generar un laboratorio de subjetividades fuera del entorno normalizado. No obstante mediante

el arte se podría intentar algo. Está claro que el arte no cambia el problema, pero si puede acompañar un proceso de cambio.

Claire, es un nombre femenino, es evidente que las mujeres están poco representadas en cualquier contexto creativo, por lo cual la artista tiene en cuenta algunos movimientos feministas que se encuentran entre las expresiones políticas más importantes de nuestro tiempo.

Claire menciona las revueltas del año 77 italiano que irrumpen en la escena, sacando a la luz un montón de problemas heredados del mayo del 68, donde en vez de llevarse a cabo una verdadera revolución, se vio como aumentaban de manera enmascarada los fascismos, el machismo, el colonialismo, etc.

No se consiguió una “emancipación real”, sino más bien un pack caducado del American way of life de los años ’50 norteamericanos.

Afortunadamente si se observó en esos años un intenso desarrollo del trabajo intelectual colectivo y la propuesta de nuevas formas de

vida, para Claire el movimiento feminista fue clave en el desarrollo de estas nuevas formas de vida colectivas. “Basta de madres, basta de mujeres, basta de hijas, destruyamos las familias” se escucha gritar en las calles. Ya no se protestaba frente al estado o en contra del empleador, simplemente querían estar fuera de cualquier aparato político de dominación, aquellos movimientos eran manifestaciones de la huelga humana. Dentro de la teorización que hace Claire al respecto del tema de las estrategias, encontramos la idea de “huelga humana”, inspirada justamente en las feministas italianas de los años ’70. En una entrevista realizada por John Kelsey, le pregunta, a propósito de la idea de huelga humana ¿Cómo funciona en el trabajo de Claire Fontaine la no-producción? ¿O es que no funciona? Y Claire contesta que funciona a modo de un horizonte omnipresente, pero al que no se llega nunca (It functions like an omnipresent horizon one never reaches). El concepto de huelga

Claire Fontaine: artistas ready-made y huelga humana

humana surge en un contexto militante, en un contexto donde se movilizaban para paralizar la movilización total (eran los silencios agresivos de las feministas). La huelga humana constituye una forma de conducta individual o colectiva que vendría a romper una dinámica nociva y políticamente reaccionaria, y cambia según las circunstancias, no siempre la noproducción o la interrupción son opciones posibles, se supone que la huelga humana revelaría las formas en que la temporalidad oficial supedita y restringe la temporalidad de las luchas y también todo lo relacionado con los efectos, las conductas y la existencia cotidiana. Por tanto la huelga humana no es una solución, sino un problema complementario tanto para quienes la practican como para quienes la sufren, es una forma de desplazar el problema. Pero ¿qué ocurre en el arte? Es difícil pensar hoy en día en una interrupción o una paralización en el arte contemporáneo, como sabemos el arte circula a una velocidad simultánea a los flujos del mercado y la información. Sin embargo estos síntomas se habían manifestado

anticipadamente en el arte, tal es el caso del arte dadá, del urinario de Duchamp y sus demás ready made, más adelante el arte pop y algunas expresiones del arte conceptual, todas estas manifestaciones del arte influyeron en la transformación de la producción del objeto de arte, y también en cuanto a la producción de artistas. Los artistas experimentaron cierta lucidez en la relación con los objetos de la vida y de consumo, produciéndose un énfasis en la relación que tenemos con los objetos, incluidos los objetos de arte, se transforma la relación entre el artista y su práctica. Ya no se puede hablar de la obra de arte en la época de su reproductividad técnica, entendida en una época fordista de producción, Claire Fontaine propone ahora hablar de la obra en la época de su singularidad cualquiera, en una época calificada de posfordista, en la que la producción a la carta, inmediata, ha sustituido el almacenaje de existencias, los únicos bienes que siguen produciéndose en cadena, dice Claire, sin saber ni por qué ni para quién, son los trabajadores, incluidos los artistas.

Existe en el arte contemporáneo una crítica compartida sobre la homogeneización de nuestras condiciones de vida, la estética relacional de Bourriaud presenta ejemplos de prácticas revolucionarias de artistas que deberían fomentar y propiciar una especie de antiuniformización de los comportamientos mediante la creación de “utopías de proximidad”.

Si bien se activan ciertas micropolíticas que llaman la atención sobre algunas cuestiones que no funcionan del todo bien, no terminan de ser un dispositivo contundente que genere realmente un disenso. Es interesante el análisis que hace Claire para mostrar la oposición entre el artista relacional y el artista ready made, aunque es válida la pregunta ¿si el público del urinario habría reaccionado de la misma manera que lo hace hoy el público de la estética relacional? La gran diferencia es que el ready made no pretendía la interacción con el espectador, sino lo contrario, mostrar un objeto desposeído de su valor de uso, que concierne a la vida y no al arte. Lo que Claire señala es que hoy en día se indica como inapropiado no

el objeto que el artista descontextualiza o la instalación que crea con elementos cotidianos, sino el lugar que ocupa él mismo como artista.

En el afán de encontrar la originalidad, se genera un múltiple de singularidades cualquiera.

Para Claire el artista es un proletario más y como tal, también le han expropiado el uso de la vida, parece ser que el único uso que el artista podría hacer de su vida se reduce a su trabajo artístico. Pero el trabajo es una parte de la vida y con diferencia no la más importante.

En el régimen estético de Rancière todo está en un plano de igualdad, todo es igualmente representable, la libertad absoluta del arte se identifica con la pasividad absoluta de la materia sensible. Pero frente a esa potencia que dormita, inquieta bajo la superficie de lo real, un despliegue de mensajes publicitarios y una cantidad de tareas estúpidas saturan el tiempo y el espacio. Mientras no se produzca una interrupción, seguiremos siendo “extranjeros” para nosotros mismos, seguiremos siendo “parientes” de las cosas.

Claire sospecha que el régimen estético de

Rancière que se dice democrático sea más bien una pantalla. El proceso de extrañamiento está en estrecha relación con el arte, pero con el arte como fuente, como el dispositivo que produce una interrogante, y no con el arte como lugar de realización de los efectos esperados. Para Claire esto se explica porque el arte es un espacio de desfuncionalización de las subjetividades. Las singularidades surgen en él, emancipadas de toda utilidad. Como espacio puramente estético, el mundo del arte, entraña una crítica potencial de la organización de la sociedad en general y de la organización del trabajo en particular. A pesar de la crítica a Rancière sobre el régimen estético del arte, la idea de la singularidad que surge en el arte como espacio puramente estético es parte de una eficacia estética que se produce -tal como advertía Rancière- por una discontinuidad entre las formas sensibles de producción artística y las formas sensibles a través de las cuales es aprehendida por el espectador. La ruptura estética entre forma sensible, significado y efectos, son la eficacia de un disenso, que

produce una reconfiguración de la experiencia común de lo sensible.

Para Claire Fontaine, las ideas de Benjamin son bastante relevantes y están presentes en las obras que desarrolla. Una de ellas, la idea sobre el devenir extranjero como acto revolucionario, presente en el texto de Benjamin crítica de la violencia (1920) habla de que los trabajadores organizados son, aparte de los estados, el único sujeto de derecho que posee el derecho a ejercer la violencia. Pero ¿puede llamarse violencia a la huelga? ¿Puede una simple suspensión de la actividad, una no-acción, ser asimilada a un gesto violento? Después de todo, no, contesta Benjamin, porque equivale a una simple “ruptura de relaciones”. Ocurre una interrupción del curso habitual de las cosas, una movilización, una llamada que sigue a una desmovilización. Foucault señalaba que la reivindicación implícita de toda revolución es “tenemos que cambiarnos nosotros mismos”, de esta manera el proceso revolucionario se convierte en medio a la vez que en meta de ese cambio, dado que esta transformación

tiene que crear para sí un contexto posible persistencia. En este sentido Benjamin dice que una huelga verdaderamente radical sería un “medio sin fin”, un espacio donde toda organización jerárquica ligada a la burocracia política se derrumbaría frente a la fuerza de los acontecimientos. En el arte este “medio sin fin” nos recuerda a la “libre apariencia” de la obra ligada a la indeterminación estética, esta obra sin voluntad, muda, que sin embargo produce un efecto en el otro, debido a su propio silencio. Por un lado, la voluntad del autor deja de tener poder competente para determinar el significado y los efectos de la obra, y por el otro lado, el espectador, que puede ser cualquiera, adopta el carácter de sujeto anónimo. No hay jerarquía entre la inteligencia y la sensibilidad.

La obra ociosa no tiene ningún fin, no puede ser instrumento para ningún propósito, no obstante según Rancière, siguiendo a Schiller, la libre apariencia contiene la promesa de una nueva comunidad libre. Y de ahí la paradoja que la conquista de esta promesa implica, en la medida que el arte recupere su funcionalidad,

es decir, anular la distancia estética y con ella la libertad y la autonomía propia del arte.

Claire Fontaine se pregunta ¿si habría alguna manera de llevar a cabo una huelga que no sea ni corporativa ni sindical, sino más amplia y ambiciosa? Advierte que el asunto es complejo, pero tal vez y precisamente a causa de nuestra carencia de singularidad, donde la pregunta por la esencia del ser tiene un carácter más inmediato: “Decididamente, el hombre tiene que ser alguna cosa —escribe Agamben—, pero esa cosa no es una esencia, no es ni siquiera una cosa: es el mero hecho de su propia existencia como posibilidad o potencia.” Claire señala que ya las feministas italianas habían soñado con una huelga que fuese una interrupción de todas las relaciones que nos identifican y nos someten mucho más que cualquier actividad profesional.

Las feministas italianas entendían en qué consistía una acción radical que verdaderamente alterara el orden establecido más allá del trabajo e incluso de lo material.

Su reivindicación partía de un cambio de

actitud con respecto a su propio cuerpo y con las relaciones tradicionales con las que el poder domina de forma silenciosa. Este tipo de huelga que interrumpe la movilización total y que “permite cambiarnos a nosotros mismos” es lo que Claire Fontaine define como huelga humana. Porque es más general que la huelga general y porque tiene como meta la transformación de las relaciones sociales informales que están en la base de la dominación. El carácter radical de este tipo de revuelta es que no conoce ningún resultado reformista con el que podría satisfacerse. Esta manifestación no contiene ninguna solución, simplemente contiene la idea de -sea como sea- acude a la llamada, ¡movilízate!

CLAUDIA COFRÉ CUBILLOS Claudia Cofré Cubillos Investigadora PhD en Bellas Arte

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Jimena Croceri | El primer peine fue una mano Constanza Alarcón Tennen | Colección de vistas indirectas Liliana Zapata| Constelaciones Constanza Giuliani| Todos los yo. Escenas periféricas Paz Sandoval Fuentes | Los entundados-Juguemos en el Bosque BONUS TRACK- Nelda Ramos | Abrigo

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Jimena Croceri (ARG)

Jimena Croceri nació en 1981 en Cutral Có, Argentina. Se graduó en la Lic. de Artes Visuales en la Universidad Nacional de las Artes y participó del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella en el año 2013. Durante el 2014 fue becaria del Centro de Investigaciones Artísticas de Buenos Aires.

Recientemente recibió la beca de viaje de la colección Oxenford con destino Amazonas. Ha trabajado en variedad de medios, incluyendo la escultura, la performance y la instalación. Sus obras funcionan como experiencias poéticas, abiertas y orgánicas. Exhibió individual y colectivamente en Argentina, México, Alemania y Francia. En el 2018 recibió la beca Roberts para realizar una residencia en Escuela Flora Ars+Natura, en la ciudad de Bogotá (CO)

Mi práctica es una caracterizada por la intención y la resistencia, la prueba y el error. Un laboratorio donde los resultados varían en forma e intensidad pero no por eso son más o menos exitosos. Todas las partes tienen su protagonismo en la obra, sin reñirse. El tiempo, el azar, la colaboración, el acontecer de los elementos; no disminuyen la autoría pero tampoco la colocan en primer plano. Mi acercamiento a las cosas en una especie de rodeo donde la materia misma va dejando sus souvenires.

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+ info:

https://cargocollective.com/jimenacroceri_

El primer peine fue una mano

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Constanza Alarcón Tennen (CL) bio

Constanza Alarcón Tennen (Santiago, Chile.

1986) es una artista multidisciplinaria. Su trabajo incluye instalaciones sonoras, videos, esculturas y performances, entre otros.

Se graduó de la licenciatura en artes de la Universidad Católica de Chile el 2009 y de un Magíster en Escultura en la Universidad de Yale el 2015.

Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en proyecciones de video, muestras colectivas e individuales en lugares como la XIII Bienal de Artes Mediales (Chile), Museo de los Sures (Brooklyn, NY), Instituto Cervantes (NYC), The Chimney (Brooklyn, NY), Die Ecke (Chile), B.A.S.E Tsonami (Chile) y el Museo del Bronx (Bronx, NY).

Recibió una Beca CONICYT el 2013, un FONDART el año 2012 y el premio Susan H. Whedon Award for outstanding student in Sculpture al graduarse de su magíster en Yale .

Además de su práctica artística, Constanza es profesora y ha contribuido en publicaciones como O1 Magazine vol. I, Precog Magazine vol. II, CLANCCO Art and Law Blog y curó una proyección de video llamada Ojo Transamericano

en Parsons, NYC. Además, es una participante activa en proyectos relacionados a género y feminismo como Grupo < > y TRACC, y traduce textos de arte a través de VIA TRADUCCIONES. Constanza vive y trabaja en Santiago.

Trabajo con restos de eventos, fragmentos y residuos de información que resguardamos en la intimidad de nuestra memoria tanto privada como colectiva.

Me intriga lo que no se puede retener o statement representar, y lo que queda fuera del registro, (ya Me gusta pensar mi práctica artística como el sea por magnitud geológica o decisión política).

Desde el colapso entre historias ficticias, resultado de una mirada periférica.

Periférica porque se establece fuera de formas familiares y biográficas, a performances basadas normativas de contar y recordar. O quizás en la memoria acústica de terremotos, enfoco mi porque no hay otra manera de ver cuando práctica en una pregunta respecto qué hacer con vives en este lugar. Inicialmente, mi interés se la deficiencia al leer experiencias como archivos enfocó en nuestra relación con el territorio, históricos o registros numéricos. Especialmente pero progresivamente mutó hacia una mirada cuando por su naturaleza, han sido dejados fuera más personal y política respecto a cómo las de la Historia hegemónica. experiencias (incluso las del paisaje) caben en un mundo donde la subjetividad es considerada inconveniente o incluso peligrosa.

Paralelamente he desarrollado un cuerpo de obra que nunca parece quedarse quieto en una + info : posición fija o materialmente cómoda. Y tan cambiante e insatisfecho como el territorio www.alarcon-tennen.com donde vivo, mi trabajo se ha desplazado hacia www.instagram.com/alarcon_tennen la exploración de la experiencia de fenómenos vimeo.com/constanzaalarcon soundcloud.com/constanza_alarcon radicales.

Colección de vistas indirectas Un pequeño compilado sobre la insistencia en mirar a través de.

The Book of Grass, Arseny Tarkovsky. (1945)

No soy una ciudad amurallada al costado de un río, Soy el emblema de la ciudad No el emblema, la estrella sobre el escudo en el emblema de la ciudad.

No ese visitante celestial en la negrura del agua, soy el nombre de la estrella.

No una voz, no una vestimenta en esa costa lejana, sólo puedo brillar.

No un rayo de luz más allá de tu visión, soy una casa en ruinas por la Guerra.

No una casa en lo alto del murallón, Soy la memoria de tu hogar.

No tu amigo, sino alguien enviado por el destino; soy el sonido de un balazo distante.

Te guío por la estepa a lo largo de la costa. y me recuesto en la tierra húmeda.

Me convierto en el libro del pasto nuevo mientras me hundo en vientre nativo.

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Liliana zapata (BO) bio Liliana Zapata, artista visual, nace en La Paz Bolivia. Estudió en la Academia de Bellas Artes Hernando Siles en La Paz, Bolivia, egresando con una mención en Escultura. En 2008, realizó estudios en la École Supérieure des Beaux-Arts en Le Mans, Francia.

Ha participado de proyectos de residencias de arte contemporáneo nacionales e internacionales: La residencia KIOSKO en Santa Cruz, Bolivia; JUSTRESIDENCE en Madrid, España; RESIDENCIA INTERNACIONAL CAMPUS BIENAL en Buenos Aires, Argentina; RESIDENCIA MAM CHILOÉ.

Chiloé,Chile; entre otras. Con el fin de continuar su formación y poder desarrollar sus proyectos artísticos.

En su ciudad natal, ganó el Primer Premio en la especialidad “Otros medios” del LIX. Salón Municipal de Artes Plásticas Pedro Domingo Murillo el 2011; obtuvo el Premio Joven de la Feria de Arte Emergente JUSTMAD en España el 2015; el mismo año ganó su segundo premio internacional: Emerging Bolivian Artist Award,

En cada proyecto es tan importante el final como el propio proceso que exige la materia, Entre sus exposiciones individuales destacan: siendo la contemplación final necesariamente INCISIONES, en el Museo Nacional de Arte en La Paz, más detenida para poder captar todo lo que se Bolivia el 2013; METAMORFOSIS SILENCIOSAS esconde. en la Sala Mustang Art Gallery (MAG) de Elche, España el 2015; CONSTELACIONES puntos de Considero que las pequeñas cosas a menudo fuga en NUBE Gallery, Santa Cruz, Bolivia el 2016 pasadas por alto, tiene el potencial de cambiar y RE[HABITAR] con CO galería en Montecarmelo. nuestra forma de ver el mundo.

Santiago de Chile, Chile el 2017. en Londres, Inglaterra.

statement

Como si de una misión arqueológica se tratara, me interesa indagar sobre la estructura de los objetos y los materiales que a su vez responden a condiciones de su entorno. Mis proyectos multifacéticos incluyen esculturas, dibujos, videos, acciones e instalaciones en espacio público, obras que activan una argumentación discursiva en permanente contraste y diálogo entre lo micro y lo macro, lo orgánico y lo artificial, lo natural y lo científico, lo humano y +info: el territorio. https://lilizapata.wordpress.com/ lili.zapata.zelada@gmail.com

Constelaciones Puntos de fugas

Título: CONSTELACIONES puntos de fuga Año: 2016 Soporte: Fotografía digital impresa empresa en papel sticker Dimensiones: 40 x 100 cm

Registro fotográfico de intervenciones realizadas en diferentes muros de la ciudad de La Paz – Bolivia.

Un hueco implica escavar un espacio y reorganizarlo de modo que la velocidad encuentra la quietud y un silencio, que permite sentir otro espacio que puede ser uno mismo (la respiración).

espacio de sueño; nos llama a un hueco para sentir que respiramos y para recordarnos que tenemos un corazón que late. La primera acción la realiza perforando su propia casa-estudio. Es el El trabajo de Liliana Zapata se centra en la punto inicial del proyecto; un agujero por donde observación y el compromiso con la vida cotidiana. escucha, escapa y transita por los recovecos de Sus proyectos multifacéticos incluyen esculturas, las ciudades de la Paz, Bolivia, componiendo instalaciones, vídeos, dibujos y acciones públicas, con minúsculos restos sonoros, en este viaje por obras que activan una especie de argumentación rincones insospechados, explora nuevos patrones discursiva que pone en relieve una evidente como una chispa que vuelve a activar el sonido de tensión entre la escultura y el video o entre la la propia tierra. acción y la fotografía. Esta tensión se centra Puntos perforados trazan una constelación de entre aquello que pasa en tiempo real y aquello que sucede en un tiempo imaginario, explorado metonimias, metáforas, y posibilidades de sueños en el deambular como punto de partida para re- y deseos que iluminan un nuevo camino. conocer los pliegues del universo urbano.

CONSTELACIONES Puntos de fuga

La ciudad es vivida por la artista y los puntos de inflexión son los espacios entre los muros, como una continuidad de desvíos. El orificio es un secreto que, para quien lo descubre, ofrece una posibilidad de sustraerse del ruido urbano y de la saturación de imágenes. Aislarse es una acción que transfiere toda experiencia maximalista a un silencio vital; es un ejercicio que supone la eliminación del tiempo a favor del espacio; es un refugio para la racionalidad.

Liliana Zapata busca un ángulo más esencial que permite preguntar qué es lo que mueve a la humanidad en su dimensión corporal básica. La artista nos invita a detenernos en un tiempo-

Texto por Joaquin Sánchez (Artista curador)

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Constanza Giuliani (CL) bio 1984. Mendoza Argentina. Estudia Licenciatura y Profesorado en Artes Visuales en la Universidad Nacional de Cuyo. Mendoza. Entre 2008 y 2013 codirige “Costado Galería” en Mendoza. Ganadores del Premio “En Obra” 2008 Barrio Joven. Como apéndice del proyecto de Galería crea Arte Cabeza, una clínica de arte para artistas noveles. En 2012 recibe una beca completa otorgada por YPF y U.T.D.T. para realizar el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (Buenos Aires), bajo la tutoría de la artista y pedagoga Mónica Girón. Durante 2013 participó como artista bienalista en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires y asistió a los encuentros mensuales en Mendoza de Yungas Arte Contemporáneo. Ha realizado la Residencia Palacio Piedras 2017.

Residencia Eskff en Mana Contemporary (New Jersey, Estados Unidos) 2015 y la residencia de Curatoría Forense Social Summer Camp (Villa Alegre, Chile) 2015. Tambien fue seleccionada para el Encuentro Marabunta en 2015. En 2016 es seleccionada para realizar el programa anual de tutorías BLOC en Santiago de Chile. Realiza su primer exhibición Individual “ El Corazón de un Mundo” en Piedras Galería. Buenos Aires. En

su imagen desde la intimidad. Construyen y reconstruyen una identidad de entre-casa hacia el mundo. Esos cuerpes/ personajes son Narciso ondulando en el agua o en la pantalla de su celular.

Es el feed back y la alienacion, es la reduccion o expansion politica. Es una expresion y un gesto entre miles posibles. Las bases formales del trabajo se anclan en la práctica del dibujo y la pintura. Valiéndome actualmente del aerógrafo, herramienta que permite la hibridación de estas actividades, desarrollo un imaginario visual cercano al surrealismo, al cómic, la animación y el grafitti. Realizando pseudo cuentos, cómics y fanzines, he comenzado a investigar la escritura experimental en la pintura y en las artes gráficas.

El texto muchas veces se vuelve forma y compite statement o se mezcla con las imágenes. A través de Durante los últimos años he desarrollado un construcciones ficcionales, elementos literarios trabajo inspirado en el comportamiento del como la fábula y la poesía aparecen de forma cuerpo humano contemporáneo y sus relaciones experimental. sociales atravesadas por lo hiper conectivo de las redes. Me interesan los devenires y gestos de la personalidad que transitan desde la intimidad al universo exterior, ya sea virtual, ficcional o real. + info : Estos cuerpes /personajes mutan mientras se http://cargocollective.com/constanzagiuliani observan asimismes; retuercen y redimensionan http://instagram.com/chuliani Setiembre recibe el Tercer premio adquisición de pintura. Concurso UADE Artes Visuales 2016.

Durante 2017 realizó en México dos exposiciones individuales: Presentando en Material Art Fair su comic “ A Tear for You” en un Solo Project : “Qué te pasa ya sé que estás solx”. Y en P.A.P.I. ( Programa de Arte Público Independiente) La muestra “Primavera en el baño” con pinturas y el proyecto itinerante “Dibujos para llevar”.

2017. En 2018 Presentó su tercera muestra individual ¨Vanguardia Transformer¨ en BSAS. Ha participado en muestras colectivas en Argentina, Perú, Chile, Brasil, México, España y Estados Unidos. Actualmente vive y trabaja entre Santiago de Chile y Mendoza.Argentina.

Todos los yo.

Escenas perifericas.

Las imágenes en B/N pertenecen al cómic ¨This is me¨ . Actualmente editado por Editorial Fuerza y Posibilidad https://www.instagram. com/fuerzayposibilidad/ (Sta Fé. Arg). El mismo fué creado en la residencia Palacio Piedras en BS AS 2017. ¨This is me¨ Cuenta el discurrir de la vida de un gusano y sus mascotas; Un dia como cualquier otro, ensayan una poesía que luego transforman en canción y hasta deciden formar una banda a la que llaman Montañas de Basura. El gusano, la rata y el gato son parte de un imaginario que se articula como metáfora del dialogo interior (texto manuscrito) entre un personaje y sus personalidades. La obras a color representan escenas posibles de ¨ This is me¨ que no se encuentran en el cómic; éstas pinturas en aerografía alcanzan diversos formatos y exploran el universo de estos personajes por fuera de la vigneta.

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Paz Sandoval Fuentes (CL) bio (1984, Santiago, Chile) Tras la muerte de su padre, abandona la carrera de kinesiología para entrar en el año 2014 a la escuela de artes visuales, en el año 2017 realiza una residencia en Barcelona, lugar en que investiga sobre temas de identidad territorial.

Es licenciada de la escuela de artes visuales en el 2018. Actualmente realiza ayudantías de fotografía y es integrante del recién conformado colectivo CRUDO. En paralelo trabaja medio tiempo en una granja ubicada en la V región.

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Trabajo principalmente la biografía y el testimonio, me interesa rescatar fragmentos de vida que han tenido una carga emocional importante ya que en esos relatos las personas que narran su historia son capaces de transmitir imágenes que permiten percibir de manera cercana lo que ocurrió en su vida. Tal vez este interés viene desde muy atrás, cuando mi abuela me relataba historias que le habían ocurrido a ella y otras que habían sucedido en el pueblo donde ella vivía, éstas son las imágenes que quiero hacer mías, pero también me interesa hacer visible mis propias imágenes, no tengo aprehensiones con

esto porque siento que pueden ser de ayuda para alguien más.

Me gusta mirar a las personas, sobre todo, intentar sentir lo que sienten ellas y así poder ampliar mi campo de experiencias que considero son la base del aprendizaje. ¿Por qué quiero aprender? No es para llenarme de conocimientos, lo hago para sensibilizarme, para decir cosas que de otra manera no me atrevo, para nombrar y hacer visible aquellos temas que por temor no nombramos.

Durante mis últimos trabajos me he dado cuenta de manera más consciente que las vivencias se repiten, mi historia (que en un principio me pareció un monstruo indomable) tuvo un significado más amplio cuando coincidió con la historia de otros. Lamentablemente no empecé en este camino con una historia que contar fácil, tuve la tarea de recordar experiencias de infancia que me perturbaron por mucho tiempo: abuso y violencia. Pero como dije anteriormente, soy bucle de una situación que le ocurre a muchos más y cuando de verdad me di cuenta de eso, concluí que lo importante es lo que puedo aportar con las herramientas que he aprendido y que he aprehendido en el arte, desde entonces me considero vocera de mis propias inquietudes

y temores, espero que de alguna manera también lo sea para quién lo necesite.

Tal vez sonó muy ligero cuando anteriormente dije las palabras: “abuso y violencia”, pero no es mi intención significarlas así, lo que quiero es que se nombren tantas veces que ya no de miedo pronunciarlas: abuso y violencia, abuso y violencia…Mientras más fácil sea decirlas, será menos probable que sean hechos normalizados por no ser nombrados.

Intento que mis líneas de trabajo sean amplias. En pintura me he interesado en la re-interpretación de dibujos de menores que han sido abusados, en video y performance me refiero a temas relacionados con la diferencias de género, en cómo ha sido facilitado a través de la religión el menosprecio hacia la mujer. Recopilo testimonios de personas abusadas y también me interesan las relaciones que se generan en las plataformas de citas para adultos en donde se hace evidente la relación objeto-mujer.

Los entundados Juguemos en el bosque (serie)

Chillan los cardenales hambrientos “La Tunda es una bestia ignominiosa, la Tunda es un aparecido, la Tunda es un Patica, es el cuco…

Al ver de su boca rebasar albúmina espumante, es el alma en pena de una viuda filicida, la Tunda es inmunda…No se sabe a ciencia cierta, no se Los huesos del tarso perdidos en la linfa sabe. Sea lo que fuere, la Tunda gusta de llevarse percuten acero y madera lustrada, a los niños selva adentro transformándose Las sombras que forman el atrio de Dios se previamente en figuras queridas y amables para alargan y posan siete dedos en su frente, ellos. Con engaños diversos los atrae hábilmente y “los entunda”…esta es la palabra, no hay otra.”

Mientras el chantillí sale rojo.

La Tunda

1. Los Entundados 2018

Recopilación de archivos testimoniales Cajas de luz Medidas Variables 2. Juguemos en el bosque (serie) Óleo sobre tela 35x40cm Juguemos al caballito El visitante Iremos a un lugar muy bello La Mecedora El cuco

Adalberto Ortiz

…Ella nos miraba colgada al revés

La crema espesa reventando por su nariz,

Todos los niños se masturbaban frente al espejo Los pelos se mojaban y dolían

Y ellos se paseaban por detrás, con el lomo erizado La dureza, que no se ocultaba bajo la tela

Taladraba las encías de los que no tenían dientes…

Todo olía a jarabe, a romero, a cebolla, a perro mojado a mano cortada El silbido de los columpios oxidados

Las risas ajenas que vinieron verme…

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Nelda Ramos (ARG)

bio

statement

Agitadora Cultural, Performer, Artecorreista, Docente, Investigadora en Artes (cat. III MEN), Artista Visual.

Le interesa el cruce de las prácticas, su producción oscila entre la performance, la instalación, fotografía y video. En el año 2002 realiza su primera Performance y en el 2003 se inicia en el Arte Correo. Ha tomado seminarios y clínicas de obra con Regina Galindo, Hernán Marina, Rodrigo Alonso, Alicia Romero, Marcelo Giménez, Verena Stenke y Andrea Pagnes .

Artista invitada Venice International Performance Art Week y Bienal de Albania.

Organizó, co-organizó y curó, Zonadeartencción, Sale con Fritas, Intercambio de Procesos Artísticos, Sábados de Súper Acción, Amor Fraterno, Bienal Deformes entre otros.

Profesora EMBA Carlos Morel y Universidad Nacional de las Artes, docente Maestría en Teatro y Artes Performáticas, Docente y Coordinadora Académica Posgrado en Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica.

Ahora soy yo, entera Es hermoso Es terapéutico Es político

El Arte es acción – la acción de pintar, de escribir, de generar en común_unión, entonces mis proyectos, están pensados desde el cuerpo. Existe una conexión total del cuerpo, la performance me atraviesa e intento proyectarlo.

Vivo, pienso, sueño y respiro gracias al ARTE, porque no puedo separarlo de la VIDA.

_ +info: http://neldaramosperformance.blogspot.com www.facebook.com/NeldaRamosArte

Abrigo

Instructivo de Acción - Pensar/nos a la distancia... un ABRIGO para los dos, no necesitamos nada +

Videoacción, Nelda Ramos

Música – sonata e interludios para piano John Cage

INDICE cordillera 1/18

Cordillera y la energía que hace aparecer las cosas.

................................................................................. p5

Claire Fontaine: artistas ready-made y huelga humana

................................................................................. p13

El primer peine fue una mano Colección de vistas indirectas Constelaciones

................................................................................................................................................... p20 ............................................................................................................................................... p28

.............................................................................................................................................................................................

p39

Todos los yo. Escenas periféricas

............................................................................................................................ p48

Los entundados-Juguemos en el Bosque

............................................................................................................................ p57

Abrigo

............................................................................................................................ p67

Cordillera Galería _ Esta edición cuenta con el apoyo de Adrede Editora, Embajada de Argentina en Chile, Baco Batuco Arte Contemporáneo.

http://cordilleragaleria.tumblr.com/