Catálogo 5 Cordillera Galería by Cordillera Galeria

5 12

Cordillera Galería Catálogo 5 de 12 Editado en Chile 2016 Todos los textos y fotos pertenecen a los artistas salvo: P5/P7 cuyo autor es Johan Mijail. Editado por: Cordillera Galería | Gimena Castellón Arrieta. PH P7 Diego Argote Ph P60 y 65 por Cristián Belano. Para reproducción de las imágenes solicitar permiso o pedir contacto con los artistas a escuela.de.vuelo@outlook.com Daniel Fitte (AR) Ezequiel Montero Swinnen (AR) Patricio Dalgo (EC) Israel Matus (CL) Virginia Guilisasti(CL)

http://cordilleragaleria.tumblr.com/

Cordillera es un espacio virtual de arte actual que busca dar visibilidad a proyectos y expresiones relacionadas con lo contemporĂĄneo. Cordillera nace entre Chile y Argentina y se extiende a todo el mapa. Cada artista nuevo es un punto que expande la cartografĂa.

5 12

Daniel Fitte (AR) Ezequiel Montero Swinnen (AR) Patricio Dalgo (EC) Virginia Guilisasti (CL) Israel Matus (CL)

ProctopoĂŠticas: Amor vegetal. El ano solar latinoamericano.

Texto por Johan Mijail (RepubĂąica Dominicana)

l amor vegetal es una cita que va del texto al sexo. Es una detención, un rescate analético. El cholerío. Es un carnaval latinoamericano, un pliegue. Es este tiempo donde aprendo el calendario maya desde mi culo, intentando, contradictoriamente, producir conocimiento del cielo, del universo completo. El ano solar de Bataille reescrito desde un juego textual que aspira a cambiar la ruta hacia un ciclo sagrado de 260 días. Entonces es el espacio que ocurre en la distancia que hay entre la tierra de las flores y el cielo de los pájaros, la tierra de todas las plantas, donde pongo los pies: donde los pones. El cielo de todas las aves, de cualquier organismo con alas. Mi ano también es el lugar donde ocurren eventos astronómicos, una fiesta de sensaciones y astros, el lugar de una cosmología kuir que te está diciendo: llámame indígena, negrona. El ano solar latinoamericano es una escritura glífica, donde sobresales en el tiempo. Una escritura glífica que no es heterosexual ni de occidente, sino logogramas que te van describiendo dónde está la próstata para que la estimules: es latinoamericana, también. Como un mapa de lecturas rotas que va reconstruyendo claves performativas, porque esto

es sobre todo una performance que desde su propia performatividad no hace más que contribuir a la imaginación transfeminista. Es por ello que apuesta a lo plural, a la metáfora de la apertura del espacio anal, del cuerpo. En vez de escribirse sobre cerámicas, el ano solar latinoamericano del amor vegetal se escribe en un cuerpo logosilábico que espera a ser interpelado, cuestionado. Aquí, tú también eres el sol, y debería de ocurrirte un frenesí amoroso, deberías de ocurrir de la misma manera que un volcán en erupción. Aquí, es otro momento: ya no circula sangre debido a que el ventrículo izquierdo del corazón te ofrece savia y un vehículo donde todo se transforma en paradoja aunque estamos más cerca de poder experimentar procesos fotosintéticos, lograr una quietud. Ahora, las plantas no solamente se elevan al ritmo del sol, sino que salen de un ano que no es pasivo, que no es homosexual, sino un posicionamiento que resiste a una violencia epistemológica, a la historia, a la diferencia sexual. “Y su coito polimorfo está en función de la uniforme rotación terrestre”, marina. El amor vegetal es entonces la negación de que las plantas son fálicas ya que devienen al menos en estas

páginas una realidad horizontal, una siesta. Además, se constituye en la siguiente opinión: el falo es una hipótesis del pene. Pene no es sinónimo de falo. El cuerpo del ano solar latinoamericano está de forma horizontal para dejar que todas las ideas, que toda la imaginación, que todas las palabras circulen aligerando el espesor de esta inflamación, de esta forma de hacer política desde la pordiosería. Las plantas acostadas, saliendo de un ano esperando mitosis ahí donde la escritura se te mete por la piel, también y te afecta el ánimo, las células, tu vida. La escritura de la disidencia sexual que propone el cuerpo del ano solar latinoamericano como un sistema inmunológico que en vez de funcionar como defensa, te empeora para bien, te abre la herida: dejando el dolor interior al descubierto. Plantas acostadas como aquella mujer¹, que escribe un manifiesto preguntándonos a todas cuál es el lugar del cuerpo activista cuando ella no se podía levantar de su cama. Como Onetti, claustrofóbico cambiando el mundo mientras hacía de su universo imaginativo un lugar nunca común, de esa cama donde casi no quiso o no pudo levantarse.

¹ Esa mujer a la que hago referencia es Johanna Hedva. Una activista norteamericana que escribe un profundo manifiesto y análisis cuestionando el lugar del cuerpo activista y como ella a pesar de estar aquejada por un problema de salud, levanta su puño, desde la cama cuando escucha las protestas relacionadas al “Black Lives Matter” (Las vidas negras importan). Llegué a ella gracias al texto que leyó Hillary Hiner el lunes 5 de diciembre para una presentación que hicimos junto a Jorge Díaz de nuestro libro “Inflamadas de retórica: escrituras promiscuas para una tecno-decolonialidad” (Editorial Desbordes, 2016) en la biblioteca Nicanor Parra de la Universidad Diego Portales en Santiago de Chile. Puede leerse ese manifiesto en el siguiente link http://www.maskmagazine.com/not-again/struggle/sick-woman-theory

Johan Mijail (Santo Domingo, República Dominicana, 1990) Escritor y performer. Estudió periodismo. En 2011 publica el libro de poesía ilustrada Metaficción y participa en la película Sister del colectivo Lewis Forever en la ciudad de Berlín. En 2014 publica Pordioseros del Caribe y en 2016 Inflamadas de retórica: escrituras promiscuas para una tecno-decolonialdad junto a Jorge Díaz del Colectivo Universitario de Disidencia Sexual (ambos por Editorial Desbordes, Santiago). Ha participado en festivales de performance en Chile, República Dominicana, Alemania y Estados Unidos. Ha presentado ponencias en mesas relacionadas con arte contemporáneo, performance, Caribe, identidades sexuales críticas y transfeminismos en universidades y galerías de arte. Beneficiario de la Beca Migrante (2015) en el Museo Nacional de Bellas Artes (Chile) y en 2016 participó en el 10° Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política “eX-céntrico: Disidencias, soberanías, performance (U. de Chile y la U. de Nueva York). Textos suyos han sido publicados en revistas de Argentina, Venezuela, Estados Unidos, México, España, Chile, Ecuador y República Dominicana. Es columnista en el Desconcierto.cl +info: http://johanmijailcastillo.tumblr.com/

Sala 1- Daniel Fitte| Mi pueblo es mi taller Sala 2- Virginia Guilisasti| Ave Fenix Sala 3- Patricio Dalgo| EL HORIZONTE INACCESIBLE… Sala 4- Ezequiel Montero Swinnen| Conversación (la distancia más corta entre dos personas) Sala 5- Israel Matus | Panificadora de los estadios humanos

Daniel Fitte (AR) Nací, vivo y trabajo en Sierras Bayas,un pueblo ubicado en el centro de la Provincia de Buenos Aires, Argentina. Me formé con el Maestro Miguel Angel Galgano en la ciudad de Olavarría, en Capital Federal con los Maestros Jorge Melo y Diana Aisenberg. He participado además, desde el año 2001, de diversas Clínicas de Análisis de Obras con otros referentes de la plástica nacional. Como gestor y artista organicé y participé en el año 2012 la Residencia Cantera, en Sierras Bayas. En el año 2016 formé parte de la Residencia de Producción Artística en Coronel Suárez coordinada por Isidoro Espacio de Arte, ambas dirigidas por Diana Aisenberg. Este modo de convivencia fortalece los vínculos y hace visible el tejido necesario que nutre mi trabajo. Realizo muestras desde 1985, considerando cada una de ellas un mojón donde mirarme,más trabajo de taller compartido con el público. Algunos lugares donde exhibí mi obra son: Museo Municipal Dámaso Arce, Olavarría, “Encuentro Arte sin Fronteras”, Uruguay, Cámara de Diputados de la Nación, Universidad de Buenos Aires “Salón Nunca Más”, Salón de los Pasos Perdidos, La Plata, Palacio Nacional de Guatemala, Galería Kunsthaus, Olavarría, Museo Municipal de Arte López Claro, Azul, Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, República Dominicana, gestión Embajada Argentina, Teatro Argentino, La Plata, Galería Wussmann, Capital Federal, Oliva Drys Espacio de Arte, Azul, Museo de Bellas Artes de Tandil, Centro Cultural Islas Malvinas, La Plata,

Isidoro Espacio de Arte, Coronel Suárez, Espacio de Arte AMIA, Capital Federal, Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, La PLata, Centro Cultural Recoleta, Capital Federal, Centro Cultural Municipal San José, Olavarría, Centro Cultural Necochea, MAC Bahía Blanca. En 1990 recibí una distinción de la Municipalidad de Olavarría por mi aporte a la cultura olavarriense, posteriormente una beca de la Fundación TRAMA destinada a artistas gestores, actividad que me ha servido en diferentes ocasiones. Hoy los artistas necesitamos herramientas para concretar nuestros proyectos. Desde el año 1995 me desempeño como docente y director de la Escuela Municipal de Artes Plásticas de Sierras Bayas, dictando además talleres y clínicas en diversos lugares de la Provincia de Buenos Aires. La docencia es mi trabajo y a la vez pilar fundamental para dinamizar mi obra. El mismo compromiso y urgencia las fusionan. Junto a artistas locales y zonales formé el Grupo Sámago Arte Vivo y DNI. Publiqué con el escritor Guillermo Del Zotto los libros Alma Rusa y El Espectador Inmortal. realizando las ilustraciones, Realicé en el año 2010, a través de un proyecto comunitario con el Rotary Club local y el apoyo de instituciones, empresas y particulares, el “Monumento Homenaje al Trabajador del Cemento” en Sierras Bayas y en 2011 la obra “Sendero de la Memoria” para la Facultad de Ciencias Sociales,

Universidad Nacional del Centro, emplazada en el Campus Universitario de Olavarría. Autor y coordinador del proyecto en forma participativa junto a docentes, alumnos y no docentes de la Facultad. En 2014 realizo la obra “Cuidadores del camino” instalada en Sierras Bayas, con la gestión del Jardín Nª 911 y el auspicio del Gobierno Municipal, reivindicando a los pueblos originarios. En el año 2012 la Municipalidad de Olavarría adquiere mi obra “Guantes usados por obreros de una fábrica productora de cal”. La misma fue realizada con guantes que me cedieron los obreros, cuando pasó a formar parte del patrimonio cultural de los olavarrienses sentí que se completaba un ciclo: La obra, construida con materiales de los trabajadores, volvía a la comunidad.

Ese mismo año participé del V Seminario Internacional de Arte y Memoria en el Espacio de Arte Haroldo Conti, junto a los artistas Eugenia Bekeris, María Paula Doberti y Eduardo Molinari Al año siguiente formé parte del Encuentro Internacional de Arte y Naturaleza, Viejo Paraná, en el Islote Benito, Entre Ríos,organizado por el colectivo Arte in-situ. En el 2014, con la misma dinámica, fui convocado por el mismo grupo a trabajar en el Proyecto Terroir, en Coronel Suárez., gestión realizada por Isidoro Espacio de Arte. Mi relación con el paisaje y la naturaleza se imantan a mi obra, lo imprescindible se hace presente

Mi pueblo es mi taller. “Botines autografiado por el obrero de la cal Oscar Chacón” 2009 “Rollo” Tinta sobre cartón 2010 “Guantes usados por obreros de una fábrica productora de cal” (detalle) 2001-2011 “Paisaje” Piedra dolomita tallada industrialmente 2009 “Revoque grueso” Concreto sobre aglomerado realizado y firmado por el albañil Antonio Cucaresse. 2013 s/t Objetos cementados 2013 “Maceta casera” Acrílico s/mdf 2010 s/t Mixta s/mdf 2010 “Aljibe” Acrílico s/cartón 2010

Nací vivo y trabajo en Sierras Bayas, un pueblo rodeado de sierras y con una actividad minera que forma parte de la identidad del lugar. Esta actividad hace mutar el paisaje de manera constante, la convivencia y la tensión que se genera es materia de mi obra. La infancia vivida en una familia obrera la llevo en mi torrente sanguíneo, inevitablemente la obra la comprende. Mi padre fue un camionero de la fábrica cementera, también buen albañil en su casa. Jubilado siguió entre canteras y caleras con el Ford 900 del primo. Los sonidos del camión, los olores a transpiración y a la mezcla de cemento, arena y cal, las luces penumbrosas del foco amarillo, los hilos tirados para nivelar, las herramientas con huellas, las paredes trabajadas, las prendas con polvo, los rollos de alambre guardados para otra atadura, son parte del inventario donde mi obra se sirve. Los patios con macetas caseras, plantas con nombres de cocina, aljibes románticos, rosas, gladiolos, helechos...aromas que no quiero olvidar, postales que en la pintura renacen con la cosquilla del recuerdo nostálgico, bello, fresco.

Las corridas y escondidas en las sierras, la visita a la virgencita de la gruta, las vistas que nos hacían dueños del pueblo, la suavidad de las piedras de color bayo, la antigüedad que les dió la fisonomía de mujer, el nombre del pueblo: tiene forma de amor. La pérdida de cerros por la explotación minera resuenan todo

el tiempo en mí, como explosivos que despedazan lo irrecuperable. El Cerro Redondo late en un recuerdo, el Cerro Largo es la acción permanente para que no lo borren. Olavarría, ciudad del cemento, así se denomina al Partido donde está mi pueblo. Este rótulo formó parte de la comunidad y en parte lo seguirá haciendo. Las cenizas y el polvo de las chimeneas de la fábrica se depositaron por años en los alambrados, en los techos de chapa, en las habitaciones de las casas, fraguándose. Cuando llovía era común escuchar: “Ahora va a estar todo verde”, la lluvia venía con color. Las capas y los colores agrisados “educaron” mi vista, las emociones se acostumbraron. ¿Alguna vez vieron un limonero gris?, yo si, acá, en los patios de acá.

Entre el homenaje sentido, la reivindicación al laburante y el paisaje encarnado, vivo. Mi obra transita estos lugares, es el modo de haber caminado, es lo que no podemos dejar a un costado, es abrazar la vida.

Virginia Guilisasti (CL) Nací el 29 de Octubre de 1979 en Chillán, Chile. Me licencié de Artes Plásticas y Pedagogía en Artes el año 2004, de la Universidad Finis Terrae, Santiago. El año 2009 egresé del Magister de Artes Visuales que imparte la Universidad de Chile y he realizado talleres de análisis de obra con Eugenio Dittborn, y BLOC, Santiago, Chile. He realizado exposiciones tanto individuales como colectivas, las que cabe destacar: “Marcapasos” en el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Chile; “Proyecto Carnes”, en el Goethe Institut, 2005, Santiago; “Soporte”, en la Sala de la APECH, 2007, Santiago; “Conservatorio” en el Centro de la Juventud de Providencia, 2008; Santiago; “Testamento”, Galería Artespacio, 2012, Santiago; “Km. 30”, Galería CECAL, Universidad de Concepción, 2013, Chillán. “Taller Eugenio Dittborn”, galería D21, Santiago, 2013 “In Situ”, Festival de Artes en Villar de los Barrios, Pontferrada, España, 2013. El 2015 realice una residencia en Quito, Ecuador bajo Línea Imaginaria, “1979”, Estudio Privado de Arte, Santiago. “La tierra caerá bajo la noche eterna”, Galería Artespacio. 2016 “Estudios de un espacio” , Estudio Aguayo, Santiago. Actualmente estoy preparando dos montajes, 2017 “Compañía 1263” y una para CCU En conjunto con

AVE FENIX. Mi trabajo se construye bajo la necesidad de hacer aparecer lo que se ha destruido por medio de la reconstrucción de restos encontrados; cada objeto construido o reconstruido lo planteo como un símbolo conceptual.

Soy recolectora e investigadora de experiencias que vivo en torno a espacios abandonados o arruinados. Hago acciones con restos de cosas que conviven dentro de ellas; recojo pedazos, cosas inanimadas, de distintas procedencias, formas, tamaños, y épocas y las uno reconstruyendo con ellas estructuras frágiles. La materia encontrada para mi funciona como una energía contenedora y protectora; entonces cada trabajo que construyo lo vivo como un acto espiritual, un ritual personal. El espacio abandonado se presenta ante mí y aún puedo percibir un rincón, un suelo, un techo, una ventana, un subterráneo, un pilar, un papel mural de decoración, objetos, todo aún sigue ahí, con sus marcas propias, es como si estuvieran resistiendo, esa resistencia me inspira, mirándolo en profundidad pienso que a pesar de que ya esta todo perdido hay

fenómenos, los más sagrados que siempre resisten para que exista evolución.

Es por eso que cuando me encuentro con restos de materiales que indicaron vida y, que de alguna manera aún la tienen, me los apropio y produzco con ellos. Me refiero a materiales precarios que fueron parte de la estructura de una casa como restos de vidrios, espejos, papel mural, madera, astillas, clavos, suelos, adobe, etc. -

+ info: www.virginiaguilisasti.cl

“Si asumes que no existe esperanza, entonces garantizas que no habrá esperanza. Si asumes que existe un instinto hacia la libertad, entonces existen oportunidades de cambiar las cosas”. Noam Chomsky

Ave Fénix Integran AVE FENIX: Julieta Gallardo (Presidenta)- Scheraza de Madina (Secretaria) - Claudia Vargas (Tesorera)-Verónica Vargas - Yarella Pacheco - Hortensia Ascencio - Verónica ReyesJuanita Jofre - Yuri Torres - Ligia Ramírez Elvira Fernández - Luisa Pinto - Erika Farfán - Doris García - Jessica Carbajal - Betty Abarca - Eduviges Lorcas- María Gallardo - Gladys González - Lorena Orellana - Daniela Vásquez - Ada Orellana - Leticia Céspedes.

Ave Fénix es un grupo de 23 mujeres que viven en el Cerro Merced en Valparaíso. Todas ellas sufrieron la pérdida de sus hogares en el pasado incendio del 12 de Abril del 2014; sus casas fueron quemadas y perdieron prácticamente todo “Ave Fénix nació de la solidaridad espontánea, la necesidad de auto convocarse y elaborar lo que en ese momento se estaba viviendo, y mostrar nuestro surgir desde las cenizas.”(Ave Fénix, 26 de agosto 2016) Hasta ahora no han tenido respuestas del Gobierno, y para sobrevivir, todos los días se juntan a tejer en una mediagua muy precaria, sin luz ni agua, y una vez a la semana también gracias a la generosidad de vecinos de una iglesia, se reúnen en la Capilla del Cerro Merced. Conocer la situación de Ave Fenix y ver en el estado en que viven luego a dos años del incendio, me pareció ver el abandono de un grupo de personas que lo perdió todo producto de las llamas del incendio. Me contacté con ellas y preparamos una muestra en el Edificio Dinamarca, Cerro Panteón en Valparaíso, donde, las señoras tejieron imágenes de cosas personales que perdieron para el incendio, fue un trabajo íntimo y personal; cosas como ropas de cama, ropa interior, animales, utensilios de cocina, recuerdos de familia, entre muchas pertenencias. Luego recolecté dentro de sus terrenos restos y construí una estructura con palos quemados y alambres la que me sirvió de soporte para esta gran manta creada por ellas llena de energía. Este proyecto amplió mi trabajo a un campo social y real de historias humanas con emociones,

sentimientos y expresiones, sacando el drama para sanar y concientizar acerca de la gran capacidad de resiliencia, utilizando el arte como un medio para llegar a un una obra colectiva. Mi propósito con AVE FENIX es que lleguen a producir tejidos de calidad y puedan vender sus propias confecciones, todo el dinero recaudado será destinado a la construcción de un espacio propio en condiciones dignas. En Mayo del 2017 realizaremos un nuevo montaje con AVE FENIX, en una de las salas de la CCU, Este será un manto de 19 metros por 3 metros, los dejo cordialmente invitados.

PATRICIO DALGO (EC) Ecuador /Quito, 1980

Patricio dalgo Toledo, artista multimedios, licenciado en Artes por la Universidad central del ecuador, ganador de la beca a creadores de excelencia Escuelab (Perú) 2009-2010, Rural Scapes (Brasil) laboratorio en residencia,2014 -2016, su obra se ha exhibido individual y colectivamente en países como Venezuela, Brasil, U.S.A., Perú, Colombia, Chile, España, Suiza, Ecuador.

Desinteresado por la verdad, e incrédulo de las certezas. Sus prácticas enfatizan las incertidumbres de la realidad y los cuestionamientos que pueden motivar el humor, lo poético y lo paradójico.

Aprovechando de su curiosidad casi infantil, realiza una intensa observación de su mundo circundante y sus lenguajes perceptivos(visuales, sonoros, táctiles, etc.), al tiempo que va reformulando desde su imaginario situaciones, experiencias, objetos, etc.

que luego se traducen en propuestas artísticas que van desde el absurdo, lo residual, lo ficticio hacia lo poético, experimental. En sus trabajos utiliza diversos medios técnicos y soportes (pinturas, piezas sonoras, acciones, videos, etc.), interesado siempre en nociones como: juego, error, tiempo, narraciones no lineales.

Planteando su trabajo como un laboratorio de experimentos constantes. Teniendo como eje una investigación en las bajas y proto tecnologías para -

+ info: www.patriciodalgotoledo.jimdo.com

EL HORIZONTE INACCESIBLE… Dibujos, Acuarelas, óleos, audios, videos 2015 - Work in progress Link: https://www.youtube.com/watch?v=_HXrHxXu0Bs&feature=youtu.be

Insular en medio de montañas ¿ una [ isla ] en el continente?,

Sustraer un paisaje, llevarlo en una maleta. La [ isla ] infinita…

No hay un fin claro en estas breves obras, contienen un horizonte aún inaccesible. Las considero apuntes, ensayos, posibilidades, hipótesis. El concepto hacia el que podrián dirigirse es difuso aún: más ideal que racional. Son en sí mismas un material, componentes para moldear, en un cierto estado de ingravidez entre lo reconocible y lo supuesto, entre lo recordado y lo imaginado. Dudas que me proponen un cúmulo de dudas aún mayores, de experiencias inciertas transversales y tangenciales. Lo aquí presentado no parte de una premisa dada, son borradores que he aglutinado a partir de un relato del que alguna vez escuché, unos realizados con anterioridad, a la conversación mencionada, otros posteriormente; en realidad son trabajos naúfragos encontrados en una deriva a través de un océano de probabilidades, en algún caso encontrándose para intentar construir una [ isla ] con los restos de un naufragio.

ezequiel Montero Swinnen (AR) (1983. Santa Rosa, La Pampa, Argentina) Artista visual, fotógrafo.

En su obra trabaja con la fotografía principalmente, recurriendo también a otros medios como el video, la instalación y el dibujo. Los temas que aparecen recurrentemente son la pausa, la suspensión, el silencio, la levedad y el magnetismo. Expuso su obra en museos y galerías de Argentina, EEUU, Canadá, Alemania, Bélgica, España, Perú, Bolivia, Panamá y Uruguay.

Recientemente seleccionado para participar de la muestra “Tucumán 200 años de Arte Argentino” por el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. El presente año fue seleccionado como finalista en el Premio Itaú Artes Visuales, en el Premio Fotografía Banco Nación y en el Premio Fundación Arte x Arte. Seleccionado por Fundación Ace para el Arte Contemporáneo y Espacio Peisa para una beca de encuentro y clínica de obra con Liliana Porter. Participó activamente del programa PAC (Prácticas Artísticas Contemporáneas) organizado por la galería Gachi Prieto con el siguiente equipo docente: Eduardo Stupía, Rodrigo Alonso, Rafael Cippolini, Gabriel Valansi, Carlos Herrera. Seleccionado por el

Fondo Nacional de las Artes para representar a la provincia de La Pampa en la muestra Pertenencia.

Realizó el Posgrado de Especialización en Medios y Tecnologías en Artes Visuales en el UNA, allí presenta su tesis: Pausa (la dialéctica del tiempo entre la imagen fija y la imagen móvil), que trata sobre la relación alquímica entre la Fotografía y el Cine. Egresado de UADE con el título de Licenciado en Diseño Gráfico. Se recibe con el título de Campo Menor en la Licenciatura en Publicidad en la misma institución. Estudió Fotografía con Jorge Mónaco en la Escuela Nacional de Fotografía.

Organiza y brinda talleres y conferencias en Argentina y en el exterior vinculados a la creatividad y las artes visuales. Es docente universitario desde 2005 en universidades, centros culturales y espacios independientes. Es creador de Hemisferio Mágico (laboratorio de experimentación creativa para artistas). Exhibiciones individuales

2016 Como sostener (por un tiempo) la eternidad. Cilindro, Tucumán, Argentina. Curaduría: Javier Soria Vásquez. 2015 La duración del instante. Casa de La Pampa en Buenos Aires, Argentina.

2015 Punto de contacto. Galería Quimera, Buenos Aires, Argentina. Curaduría: Matías Allende Contador (Chile). 2014 Limbo. Galería ABRA, Tandil, Buenos Aires. Curaduría: Milagros Del Castillo. 2013 Enciende la noche. TBone, Buenos Aires, Argentina. Curaduría: Marcelo Gurruchaga. 2012 Pausa el río. Bisagra Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina. Curaduría: Mariana Rodriguez Iglesias. 2011 Flores del aire. Centro Cultural Hogar San José, Olavarría, Buenos Aires, Argentina. Curaduría: Benjamín Aitala. 2011 El peso de la ingravidez. Bisagra Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina. 2011 Circumvolare. Museo Municipal de Bellas Artes de Luján Fernán Félix de Amador, Sala Paladino, Luján, Argentina. Curaduría: Miguel Ángel Rodriguez. 2010 Canta en silencio. Museo Provincial de Artes, Santa Rosa, Argentina. Curaduría: Miguel Ángel Rodríguez y Raúl Fernández Olivi. 2010 Cuarenta metros minutos músicos. Magna Jazz Universidad Nacional de La Pampa, Santa Rosa, Argentina.

+info: www.monteroswinnen.com

conversación

(la distancia más entre dospersonas)

corta

Video reproducción en loop 2014 L i n k : h t t p s :// w w w.y o u t u b e . c o m / watch?v=ISBdPgXa6cg

Me interesa reflexionar acerca de la experiencia subjetiva del hombre con respecto al tiempo y al espacio. Explorar el movimiento, los lazos invisibles que unen y desunen las cosas y las personas.

Trabajo mucho con el elemento aire, me apasiona la batalla entre peso y levedad -el eterno balance entre sostener y dejar ir-. Creo que en el aire, y con el viento, los elementos siempre se comportan de maneras inciertas pero genuinas: vuelan, flotan, caen, chocan, danzan, funcionan como aparatos suspendidos, escultóricos, silenciosos y pausados.

Para mi, la pausa es el instante que tiene duración: el punto de cruce entre un tiempo detenido y un tiempo que transcurre en un continuo devenir. Trabajo la pausa borrando toda huella de tiempo y espacio específico. Sin contexto visible, se genera una sensación de desnudez muy ligada al vacío: desprovista de pertenencia y de mito particular, sin marca o memoria singular. Siempre encuentro referencias en el ritmo y las formas de los elementos simples y cíclicos de la naturaleza: el campo, el horizonte, el día y la noche, las estaciones, las montañas, las flores, las nubes, la nieve, las estrellas. Me interesa la geometría oculta que se descubre gracias al registro del intervalo, la posibilidad geométrica y plástica que aparece al pausar varios instantes y disponerlos yuxtapuestos en forma de secuencia. www.monteroswinnen.com www.facebook.com/monteroswinnen @ezequielmsw

Israel Matus (CL) Nacido y malcriado en Santiago de Chile, un 26 de junio de 1991 (acorde con el calendario gregoriano). Artista autodidacta en diversas y a veces contrarias disciplinas, tales como la pintura, dibujo, música y comedia. Licenciado en Comunicación Social, aunque a menudo habla pésimo. Vedetto en CLUB HYSTERIA. Finalista del concurso de ilustración, MALA MEMORIA (MMDH y Balmaceda Arte Joven) y ha hecho público un poco de su arte en eventos de corte under en plena bohemia capitalina. En resumen, se define como un hombre sano. -

+info: FIRMA DE PANES (LINK) https://www.youtube.com/ watch?v=yajRJYcyKwQ&feature=youtu.be

LINKS DEL ARTISTA -https://www.facebook.com/matusarte/ - h t t p s : // w w w . f l i c k r . c o m / p h o t o s / elartedepatomatus/ -https://telodicelanocte.bandcamp.com/ - http://elartedepatomatus.wixsite.com/sitio - https://issuu.com/revistacachamal

PANIFICADORA DE LOS ESTADIOS HUMANOS “FABRIZZIO A LA COPANNO” Acrílico sobre tubo celuloso (cartón grueso) y copa de vidrio rellena de pan rallado-molido sellada con silicona. “El Sacro Imperio Romántico-Tiránico de la Elevadura (a.k.a. MARTÍNVARGAS)” Seis kilos aproximados de diversos tipos de pan dentro de polietileno y recubierta con huincha aisladora. Sobre ella, unos guantes de box pintados con acrílico. Toda la montura está suspendida por un cordel que, en su otro extremo, está amarrada a 10 kilos aproximados de harina de trigo. “HAMBRE DE CULO OPERADO” Acrílico sobre una marraqueta rellena de silicona, pegada a un plato y este, a su vez, montado en velcro sobre madera pintada. 48 x 39 cms. “MARS PANEXPLORATION: I. Foyager 3 (El Cisne) II. Tarkus Üke 3000 (Satélite Paneiforme) III. Rover Toaster-Taste 4 (La Vigía)” Acrílico sobre sacos de harina.

A menudo relegado a sólo haber sido / ser la base o dieta alimenticia de prácticamente todas las civilizaciones, el pan remite a una idea casi arrasadora del “doble espejo” en cuanto a lo que realmente somos y para dónde vamos como humanidad. Las múltiples formas, contornos, texturas e incluso recetas de cómo hacer tipos de pan es, por ejemplo, un grado paneístico de conocer ciertas nociones de convivencia y convención social. Empero, en la actualidad, esta mezcla horneada y destinada al consumo principalmente humano, es considerada un invento casi superfluo e inagotable, ¿por qué no, entonces, considerarlo un objeto, usado, nuevo o pronto a ser? Si no es eso, el pan, por último, aspira a encontrarse a sí mismo como un medio de MASA.

INDICE cordillera 5/12

Sobre crear, romper y ocupar..

.......................................................... p5

Mi pueblo es mi taller

..............................................................................................................................................................................

Ave fénix

..............................................................................................................................................................................

p19

EL HORIZONTE INACCESIBLE… ..............................................................................................................................................................................

p32

..............................................................................................................................................................................

p43

Conversación

(La distancia más corta entre dos personas)

p50 Panificadora de los estadios humanos ..................................................................................................................................................

Cordillera GalerĂa proximamente Cordilelra Open Studio.

http://cordilleragaleria.tumblr.com/