23-24 - Programme de saison - Grand Théâtre de Genève

Jeux de pouvoir

Politique, jeux de pouvoir et antagonisme saison

23 — 24

Chantal Mouffe

Politics, Power Games and Antagonism

Season 23 — 24

Pour comprendre la nature des jeux de pouvoir et leur rôle dans la société, il faut distinguer deux conceptions opposées de ce qui constitue la spécificité du politique. Il y a d'un côté ceux pour qui le politique fait référence à un espace de liberté, de consensus et d'agir en commun et ceux qui y voient le lieu du pouvoir et de l'antagonisme. C'est dans cette deuxième perspective que je me situe. J'ai proposé de distinguer entre le politique qui est lié à la dimension d'antagonisme qui existe dans les rapports humains –antagonisme qui se manifeste sous forme politique dans la construction du rapport ami/ennemi et qui peut émerger à partir d'une grande diversité de rapports sociaux – et la politique qui elle vise à établir un ordre, à organiser la coexistence humaine dans des conditions qui sont toujours conflictuelles car traversées par le politique.

C'est uniquement lorsqu'on prend en compte le politique dans sa dimension de pouvoir et d'antagonisme que l'on peut saisir le défi que doit affronter la politique démocratique. Les questions proprement politiques impliquent toujours des décisions qui exigent de faire un choix entre des alternatives qui sont indécidables d'un point de vue strictement rationnel. La vie publique ne pourra jamais faire l'économie du pouvoir et de l'antagonisme car elle concerne l'action publique et la formation d'identités collectives. Elle vise à constituer un nous dans un contexte de diversité et de conflit. Or, pour constituer un nous, il faut le distinguer d'un eux. La question cruciale d'une politique démocratique ce n'est pas d'éliminer le pouvoir, c'est de parvenir à établir la discrimination nous/eux d'une manière qui soit compatible avec le pluralisme.

Selon le modèle de 'pluralisme agonistique' que je propose dans mes travaux, ce qui caractérise la démocratie pluraliste

Two opposing conceptions of what constitutes the specificity of the political can be distinguished. On the one hand, there are those for whom the political refers to a space of freedom, consensus and common action, and those who see it as a place of power and antagonism. It is in this second perspective that I place myself. I have proposed to distinguish between the political which is linked to the dimension of antagonism that exists in human relationships – an antagonism that manifests itself in political form in the construction of the friend/enemy relationship and that can emerge from a great diversity of social relationships – and the political which aims to establish an order, to organise human coexistence in conditions that are always conflictual because they are crossed by the political.

It is only when we consider the political in its dimension of power and antagonism that we can grasp the challenge facing democratic politics. Political questions as such always involve decisions that require a choice between alternatives that are undecidable from a strictly rational point of view. Public life can never be free of power and antagonism because it is about public action and the formation of collective identities. It aims at constituting an us in a context of diversity and conflict. In order to constitute an us, it must be distinguished from a them. The crucial question of democratic politics is not to eliminate power, but to achieve the discrimination between us and them in a way that is compatible with pluralism.

According to the model of ‘agonistic pluralism' that I propose in my work, what characterises pluralist democracy is the distinction between the categories of enemy and adversary. This means that within the us that constitutes the political

c'est d'instaurer une distinction entre les catégories d'ennemi et d'adversaire. Cela signifie qu'à l'intérieur du nous qui constitue la communauté politique, l'opposant ne sera pas considéré comme un ennemi à abattre mais comme un adversaire dont l'existence est légitime. Ses positions seront combattues avec vigueur mais son droit à les défendre ne sera jamais mis en question. La tâche de la politique démocratique ne consiste pas à instaurer un consensus inclusif qui aurait évacué les jeux de pouvoir, ce qui est impossible, mais à établir les institutions permettant de transformer l'antagonisme (opposition ami/ennemi) en un agonisme (confrontation entre adversaires). Une fois que l'on a ainsi distingué entre antagonisme et agonisme , on est en mesure de comprendre pourquoi l'affrontement agonistique entre jeux de pouvoir, loin de représenter un danger pour la démocratie, est en réalité sa condition même d'existence. La démocratie doit permettre au conflit de s'exprimer et cela requiert que les citoyens aient vraiment la possibilité de choisir entre de réelles alternatives.

Pour appréhender le politique comme possibilité toujours présente de l'antagonisme, il est nécessaire de reconnaître l'absence d'un fondement ultime et l'indécidabilité qui imprégne tout ordre. C'est à cela que fait référence la catégorie d'hégémonie qui indique que toute société est le produit de jeux de pouvoir qui visent à instituer un ordre dans un contexte de contingence. Tout ordre résulte de l'articulation temporaire et précaire de pratiques contingentes. L'ordre social est donc de nature hégémonique et son origine est politique. Les choses auraient toujours pu être différentes et tout ordre est instauré à travers l'exclusion d'autres possibilités. Il est toujours l'expression d'une structure particulière de rapports de pouvoir, d'où son caractère politique.

Ce qui est en jeu dans la lutte politique c'est la configuration même des jeux de pouvoir qui structurent un ordre social et le type d'hégémonie qu'ils construisent. Il s'agit d'une confrontation entre des projets hégémoniques qui ne peuvent jamais être reconciliés rationnellement. La dimension antagoniste est donc toujours présente mais elle est mise en scène à travers une confrontation dont les procédures sont acceptées par les adversaires. L'espace public, loin d'être envisagé comme le terrain privilégié pour la recherche du consensus est le champ de bataille où des jeux de pouvoir s'affrontent à travers des projets hégémoniques, sans aucune possibilité de réconciliation finale.

Penser la démocratie en termes agonistiques permet aussi de rendre justice au rôle des affects en politique. En effet, une carence des différentes conceptions de la démocratie qui la conçoivent comme orientée à l'obtention du consensus, c'est

community, opponents will not be seen as enemies to be eliminated but as adversaries whose existence is legitimate. Their positions will be vigorously opposed but their right to defend them will never be questioned. The task of democratic politics is not to build an inclusive consensus, which is impossible, but to establish the institutions which transform antagonism (friend/enemy opposition) into agonism (confrontation between adversaries). Once we have thus distinguished between antagonism and agonism, we can understand why agonistic confrontation, far from representing a danger for democracy, is in fact its very condition of existence. Democracy must allow conflict to express itself and this requires that citizens have a real possibility to choose between real alternatives.

To understand the political as an ever-present possibility of antagonism, it is necessary to recognise the absence of an ultimate foundation and the undecidability that permeates all order. This is what we mean by the category of hegemony, which indicates that every society is the product of power practices that aim to institute order in a context of contingency. All order results from the temporary and precarious articulation of contingent practices. Social order is therefore hegemonic in nature and its origin is political. Things could always have been different, and any order is established through the exclusion of other possibilities. It is always the expression of a particular structure of power relations, hence its political character.

What is at stake in the political struggle is the very configuration of the power relations that structure a social order and the type of hegemony they construct. It is a confrontation between hegemonic projects that can never be rationally reconciled. The antagonistic dimension is therefore always present, but it is staged through a confrontation whose procedures are agreed upon by the adversaries. The public space, far from being envisaged as the privileged terrain for the search for consensus, is the battlefield where hegemonic projects clash, without any possibility of final reconciliation.

Thinking of democracy in agonistic terms allows us to do justice to the role of affects in politics. Indeed, a shortcoming of the different conceptions of democracy that conceive it as consensus-oriented is that they require the elimination of passions from the political space in order to reach a rational agreement. In doing so, they neglect the crucial role that common affects play in the construction of political identifications, which are always constructed in an us/them relationship. The political is necessarily of a partisan nature and democratic politics must offer thanks to an agonistic

qu'elles requièrent d'expulser les passions de l'espace politique en vue d'arriver à un accord rationnel. Ce faisant, elles négligent le rôle crucial que jouent les affects communs dans la construction des identifications politiques qui sont toujours construites dans un rapport nous/eux. La politique a nécessairement un caractère partisan et une politique démocratique doit offrir avec la lutte agonistique la possibilité de mobiliser les passions vers des objectifs démocratiques. Si les sociétés démocratiques font face aujourd'hui à une grave crise de représentation, c'est parce qu'y domine l'idée qu'il n'y a pas d'alternative à la globalisation néo-libérale. J'ai montré dans mes travaux comment le consensus qui s'est établi à ce sujet entre partis de centre-droit et de centre-gauche empêche l'émergence d'un débat agonistique qui fournirait aux citoyens l'occasion de s'identifier à des projets différents. C'est cette absence qui explique le succès des partis populistes de droite qui sont souvent les seuls à rejeter le consensus « post-politique » et à s'adresser aux affects. J'affirme que la seule façon d'enrayer leur progression, c'est d'adopter une problématique agonistique qui ne fasse pas l'impasse sur les jeux de pouvoir et la dimension d'antagonisme qui sont propres au politique. C'est une telle conception qui est au cœur de la stratégie de populisme de gauche que je defends.

struggle the possibility of mobilising passions towards democratic goals. If democratic societies today face a serious crisis of representation, it is because the idea that there is no alternative to neo-liberal globalisation dominates. I have shown how the consensus that has been established on this subject between centre-right and centre-left parties prevents the emergence of an agonistic debate that would give citizens the opportunity to identify with different projects. It is this absence that explains the success of right-wing populist parties, which are often the only ones to reject the 'post-political' consensus and to address affects. The only way to halt their progress is to adopt an agonistic problematic that does not ignore power relations and the antagonistic dimension specific to the political. This is at the centre of the strategy of left populism that I advocate.

Chantal Mouffe est professeur émérite de théorie politique au Centre for the Study of Democracy de l'université de Westminster à Londres. Elle a enseigné et mené des recherches dans de nombreuses universités en Europe, en Amérique du Nord et en Amérique du Sud. Elle est membre correspondant du Collège international de philosophie à Paris. Sa réflexion s'articule principalement autour de l'idée de démocratie radicale et des concepts de démocratie plurielle et de pluralisme agonistique.

Elle a influencé autant des artistes que des mouvements politiques.

Elle est l'éditrice de Gramsci and Marxist Theory (Routledge and Kegan Paul, London, 1979), Dimensions of Radical Democracy. Pluralism, Citizenship, Community (Verso, London, 1992), Deconstruction and Pragmatism (Routledge, 1996) et The Challenge of Carl Schmitt (Verso, London,1999) ; co-auteur avec Ernesto Laclau de Hegemony and Socialist Strategy. Towards a Radical Democratic Politics (Verso, London, 1985) et l'auteur de The Return of the Political (Verso, London, 1993), The Democratic Paradox (Verso, London, 2000), On the Political (Routledge, London, 2005), Agonistics. Thinking the World Politically (Verso, 2013), avec Iñigo Errejon, Podemos. In the Name of the People (Lawrence & Wishart, 2016), For a Left Populism (Verso, 2018) et Vers une révolution démocratique verte. Left Populism and the Power of Affects (Verso, Londres, 2022).

Chantal Mouffe is Emeritus Professor of Political Theory at the Centre for the Study of Democracy at the University of Westminster in London. She has taught and researched in many universities in Europe, North America and South America and she is a corresponding member of the Collège International de Philosophie in Paris. Her work focuses on the idea of radical democracy and the concepts of plural democracy and agonistic pluralism. She has influenced both artists and political movements.

She is the editor of Gramsci and Marxist Theory (Routledge and Kegan Paul, London, 1979), Dimensions of Radical Democracy. Pluralism, Citizenship, Community (Verso, London, 1992), Deconstruction and Pragmatism (Routledge, 1996) and The Challenge of Carl Schmitt (Verso, London,1999); the co-author with Ernesto Laclau of Hegemony and Socialist Strategy. Towards a Radical Democratic Politics (Verso, London, 1985) and the author of The Return of the Political (Verso, London, 1993), The Democratic Paradox (Verso, London, 2000), On the Political (Routledge. London, 2005), Agonistics. Thinking the World Politically (Verso, 2013), with Iñigo Errejon, Podemos. In the Name of the People (Lawrence & Wishart, 2016), For a Left Populism (Verso, 2018) and Towards a Green Democratic Revolution. Left Populism and the Power of Affects (Verso, London, 2022).

Marc Asekhame

Artiste et photographe des visuels de la saison

Extrait du livre Double Positive en collaboration avec Sylvie Fleury, publié par JRP Ringier, 2022

Yves Tumor, 2022 Lyzza, 2022

Enantios pour Alizee Quitman, 2022

Marc Asekhame est un photographe qui vit et travaille entre Zurich et Paris. La dimension collaborative de sa pratique alimente ses recherches et expérimentations sur les codes esthétiques et le vocabulaire de la photographie publicitaire, de mode et leurs relations avec d'autres genres comme la photographie documentaire. Par l'emploi de formats hybrides et variés, son travail fait dialoguer fiction et réel et interroge la présence de l'image dans l'espace public et la vie quotidienne.

Marc Asekhame is a photographer who lives and works in Zurich and Paris. The collaborative dimension of his practice feeds his research and experimentation on the aesthetic codes and vocabulary of advertising and fashion photography and their relationship with other genres such as documentary photography. Through the use of hybrid and varied formats, his work creates a dialogue between fiction and reality, and questions the presence of the image in public space and in everyday life.

BRIGITTE LESCURE

Direction générale Aviel Cahn

SUBVENTIONNÉ PAR

AVEC LE GÉNÉREUX SOUTIEN DE POUR LE PROGRAMME PÉDAGOGIQUE

ALINE FORIEL-DESTEZET

GÉNÉREUX DONATEUR CONSEILLÉ PAR CARIGEST SA

GRANDS MÉCÈNES

CAROLINE ET ÉRIC FREYMOND

FONDATION

ALFRED ET EUGÉNIE BAUR

DANCE REFLECTIONS BY VAN CLEEF & ARPELS

HYPOSWISS PRIVATE BANK GENÈVE SA

MKS PAMP SA

FAMILLE SCHOENLAUB FONDATION VRM

RÉMY ET VERENA BEST

MÉCÈNES

FONDATION FAMSA ANGELA ET LUIS FREITAS DE OLIVEIRA

FONDATION INSPIR '

MONA LUNDIN-HAMILTON

EMIL FREY

FONDATION

LÉONARD GIANADDA MÉCÉNAT

BLOOMBERG CARGILL INTERNATIONAL SA FONDATION COROMANDEL FONDATION

FRANCE MAJOIE LE LOUS

JAN MICHALSKI

FONDATION DU DOMAINE DE VILLETTE ADAM ET CHLOÉ SAID

RTS TV & ESPACE 2 LE TEMPS

CINESIS

DEUTZ

SOCIETE GENERALE PRIVATE BANKING

PARTENAIRES MÉDIA

LÉMAN BLEU LE PROGRAMME.CH

PARTENAIRES D'ÉCHANGE

FLEURIOT FLEURS

PARTENAIRE MÉDICAL OFFICIEL

MANOTEL

CENTRE DE MÉDECINE DU SPORT ET DE L'EXERCICE

HIRSLANDEN CLINIQUE LA COLLINE

MANDARIN ORIENTAL

Que les jeux commencent !

Let the games begin!

Placée sous l'enseigne des « Jeux de pouvoir », on peut sans difficulté tisser le fil de cette nouvelle saison, de Don Carlos de Giuseppe Verdi ou la Trilogie Tudors de Gaetano Donizetti qui se conclut avec Roberto Devereux, et sera donnée en fin de saison, à l'Ariodante de Haendel. Le lien est certes quelquefois de nature plus spirituelle avec Saint François d'Assise de Messiaen. Quel est-il avec la création de Justice du compositeur Hèctor Parra et du metteur en scène Milo Rau ?

aviel cahn Justice, c'est certainement la pièce centrale de notre saison. Inspirée du travail que Milo Rau a entrepris avec son format de théâtre-tribunal (Le Tribunal du Congo, Les Procès de Moscou), la pièce prend comme élément dramaturgique principal un accident survenu dans la région des mines du Katanga dans lequel est impliqué une multinationale qui a son siège en Suisse. L'opéra fait entendre toutes les parties prenantes au drame : les victimes, les proches, les populations locales, les politiciens, les responsables de la multinationale, les ONG, les communautés chrétiennes, etc.

With a catchphrase like 'Power Games', one can easily imagine the warp and weft of this new season: beginning with Don Carlos and concluding with Roberto Devereux and the Tudors Trilogy of Donizetti's operas, given in full at the end of the season, with Handel's Ariodante along the way. The power at play Messiaen's Saint François d'Assise is however of a more spiritual nature. What is the connection with the world premiere of Justice by the composer Hector Parra and director Milo Rau?

aviel cahn Justice is definitely the central piece of our season. Inspired by Milo Rau's work with his courthousetheatre format (The Congo Tribunal, The Moscow Trials), the play takes as its main dramaturgical device an accident in the mining region of Katanga involving a multinational company based in Switzerland. The opera gives voice to all the parties involved in the drama, victims, relatives, local populations, politicians, managers of the multinational, NGOs, Christian communities, etc.

Une conversation avec Aviel Cahn, directeur général du Grand Théâtre de Genève, Sidi Larbi Cherkaoui, directeur du Ballet et Clara Pons, dramaturge.

A conversation with Aviel Cahn, General Manager of the Grand Théâtre de Genève, Sidi Larbi Cherkaoui, the Geneva Ballet's director and Clara Pons, house dramaturge.

De gauche à droite Clara Pons, Aviel Cahn et Sidi Larbi Cherkaoui

clara pons L'opéra cherche à dépasser la dimension « anecdotique » de l'événement pour toucher à un récit plus universel. C'est une forme de tribunal où chacun raconte sa version des faits. Il n'y a pas de jugement, mais un examen de la complexité d'une telle situation. Le poète congolais Fiston Mwanza Mujila, qui a écrit le livret avec Milo Rau, le nourrit d'un rapport très fort aux mythes et légendes liés à la terre, aux pierres précieuses, aux manières de vivre et de mourir dans cette région.

Autre perle rare, María de Buenos Aires, l'opéra-tango d'Ástor Piazzolla que mettra en scène Daniele Finzi Pasca, qui avait déjà signé la production d'Einstein on the Beach au début de votre première saison.

ac Cet ouvrage attirera au Grand Théâtre des publics qui en ont moins l'habitude. Le monde lyrique se régénère aujourd'hui avec l'ouverture à d'autres répertoires. L'opéra de Piazzolla a été très peu joué après sa création à la fin des années 60. Mais depuis quelques temps, il rentre peu à peu dans la programmation artistique des maisons lyriques.

Un autre aimant pour renouveler les publics, c'est la présence de personnalités connues, comme le comédien Christoph Waltz, qui met en scène Le Chevalier à la Rose de Richard Strauss…

ac Oui, cette production de 2013 à l'Opéra des Flandres sera reprise avec une nouvelle distribution ainsi que de nouveaux costumes. Elle sera dirigée par le directeur musical de l'Orchestre de la Suisse Romande, Jonathan Nott. Il dirigera également Saint François d'Assise d'Olivier Messiaen, qui n'a jamais été donné à Genève. L'effectif d'orchestre est si important que nous devons le placer sur la scène. L'artiste visuel Adel Abdessemed a dû intégrer cette dimension dans sa conception de l'œuvre.

Dans cette nouvelle saison, Sidi Larbi Cherkaoui, vous ne créez pas de nouvelle chorégraphie mais mettez en scène un opéra, Idomeneo de Mozart.

sidi larbi cherkaoui Dans ma conception de la création, mise en scène et chorégraphie sont imbriquées. Il se trouve par ailleurs que le Ballet sera beaucoup en tournée puisqu'il a un répertoire nouveau qu'on souhaite montrer.

ac J'ai voulu, dès la première saison, développer les relations entre ballet et opéra. Plusieurs spectacles en témoignent : Les Indes galantes de Rameau, Pelléas et Mélisande de Debussy bien sûr, Didon et Enée par Peeping Tom, puis la saison passée Atys de Lully par Angelin Preljocaj. Idoménée poursuit cette volonté. Pour toi, Larbi, ce sera un challenge car tu n'as pas encore abordé l'opera seria, n'est-ce-pas ?

clara pons The opera seeks to go beyond the anecdotal to touch on a more universal story. It is a kind of courtroom where everyone tells their version of the facts. There is no judgment, but an examination of the complexity of such a situation. The Congolese poet Fiston Mwanza Mujila, who wrote the libretto with Milo Rau, nourishes it with a strong connection to the myths and legends linked to the land, the precious stones, the ways of living and dying in this region.

Another rare gem is María de Buenos Aires, the tango opera by Ástor Piazzolla, which will be directed by Daniele Finzi Pasca, who had already produced Einstein on the Beach at the beginning of your first season.

ac This work gives us the opportunity to attract to the Grand Théâtre audiences that are less used to it. The opera world is regenerating itself today by opening up to other repertoires. Piazzolla's opera was rarely performed after its premiere in the late 1960s. But for some time now, it has been performed everywhere and is gradually becoming part of the artistic programming of opera houses.

Another magnet for new audiences is the presence of wellknown personalities. Like Christoph Waltz, the actor, who is directing Richard Strauss's Der Rosenkavalier...

ac Yes, it is a Flanders Opera production that dates from 2013, and which will be revived with a new cast and new costumes. It will be conducted by the music director of the Orchestre de la Suisse Romande, Jonathan Nott. He will also conduct Olivier Messiaen's Saint François d'Assise, which has never been performed in Geneva. The orchestra is so huge that we have to put it on stage. The visual artist Adel Abdessemed, who is designing the production, had to integrate this dimension into his work.

In this new season you are not creating a new choreography for the Ballet, but instead you will be staging an opera, Mozart's Idomeneo.

slc In my conception of creation, staging and choreography are intertwined. It so happens that the Ballet will be touring a lot this season, since it has a new repertoire that we want to show.

ac From the first season I wanted to develop the relationship between ballet and opera. Several performances bear witness to this: Rameau's Les Indes galantes, Pelléas et Mélisande of course Dido and Æneas choreographed, danced and directed by the Peeping Tom collective, then last season Lully's Atys by Angelin Preljocaj. Idomeneo follows this intention. For you, Larbi, it will be a challenge because you haven't yet tackled opera seria, have you?

slc J'avais touché, en montant Alceste de Gluck, à la question du pouvoir des dieux sur les humains, si centrale dans Idoménée aussi. Comment négocier son destin et tenter de l'infléchir, c'est la question très quotienne et humaine qui m'intéresse, que ce soit dans le ballet ou l'opéra.

Comment faites-vous pour travailler avec des chanteurs ? Cherchez-vous à les faire bouger comme des danseurs ?

slc Que ce soit un chanteur, un danseur, un musicien, peu importe : la discipline du corps m'intéresse moins que l'humain que ce corps révèle. Je tente de faire en sorte que l'inconscient de la personnalité s'exprime dans son mouvement. Chaque fois, j'ose aller un peu plus loin. Et beaucoup de chanteurs de la jeune génération sont des artistes qui savent que la transdisciplinarité leur permet d'approfondir leur art.

Parlez-nous alors des ballets de cette saison.

slc Damien Jalet, artiste associé du Ballet avec qui je travaille depuis plus de vingt ans, présente Planet [wanderer], un spectacle inspiré par les images de la catastrophe de Fukushima. Nous reprenons, avec Damien Jalet également, Boléro, où nous désarticulons les rapports de hiérarchie entre les danseurs pour permettre à tous de briller en créant des constellations toujours changeantes. Nous complétons la soirée avec la reprise de Noetic et de Faun, avec l'Orchestre de la Suisse Romande en fosse. Il y a enfin une soirée confiée à des chorégraphes féminines, notamment Sharon Eyal, dont le style est très rythmique, presque envoûtant et qui va emporter les danseurs vers un nouveau langage, car c'est ce plurilinguisme que je cherche à développer avec et pour le Ballet du Grand Théâtre.

ac Je crois que l'arrivée de Sidi Larbi Cherkaoui, le succès de ses propres spectacles, les collaborations avec Château Rouge à Annemasse, avec l'Usine ou le Musée d'art et d'histoire à Genève, ont donné une nouvelle présence dans la région au Ballet du Grand Théâtre. C'était notre objectif. L'enthousiasme du public est très encourageant et nous remplit de confiance pour la suite.

cp À La Plage, nous profitons aussi de l'occasion pour mettre le Ballet à l'honneur. Nous invitons le chorégraphe Rachid

Ouramdane qui intégrera des non-danseurs dans sa création. Puis, toujours dans le même esprit, nous continuons à collaborer avec d'autres institutions (culturelles) genevoises, à apporter ailleurs notre savoir-faire. Nous retournerons ainsi à Vernier pour la troisième fois avec une production invitée. Et nous inviterons aussi tous les publics à franchir le seuil de notre bâtiment pour y découvrir nos activités, parfois inattendues et souvent très loin des a priori !

slc When I was directing Gluck's Alceste, I touched on the question of the power of the gods over humans, which is also central to Idomeneo. How we negotiate our destiny and try to change it, is the basic human question which interests me, whether in ballet or opera.

How do you work with singers? Do you try to make them move like dancers?

slc It doesn't matter whether it's a singer, a dancer or a musician: I'm less interested in the discipline of the body than in the human being that this body reveals. I try to make the unconscious of the personality express itself in its movement. Each time, I dare to go a little further. And many singers of the younger generation are artists who know that transdisciplinarity allows them to deepen their art.

So tell us about this season's ballets.

slc Damien Jalet, the Ballet's associate artist with whom I have worked for more than twenty years, presents Planet [wanderer], a piece inspired by the images of the Fukushima disaster. The characters seem to evolve on another planet, like aliens. Also with Damien Jalet, we revive Bolero, where we disarticulate the hierarchical relationships between the dancers to allow all of them to shine by creating everchanging constellations. We complete the evening with a revival of Noetic and Faun with the Orchestre de la Suisse Romande in the pit. Finally, there is an evening entrusted to female choreographers, notably Sharon Eyal, whose style is very rhythmic, almost entrancing. She will take the dancers into a new language, because it is this multilingualism that I am trying to develop with and for the Ballet du Grand Théâtre.

ac I believe that the arrival of Sidi Larbi Cherkaoui, the success of his own shows, the collaborations with Château Rouge in Annemasse, with L'Usine or the Musée d'art et d'histoire in Geneva, have given the Geneva Ballet a new presence in the region. This was our objective. The enthusiasm of the public is very encouraging and fills us with confidence for the future.

cp At La Plage, we are also taking the opportunity to put the Ballet in the spotlight. We are inviting the choreographer Rachid Ouramdane who will include non-dancers in his creation. And then, always in the same spirit, we continue to collaborate with other Geneva (cultural) institutions, to bring our know-how elsewhere. We will return to Vernier for the third time, with a guest production. And we will also invite all audiences to cross the threshold of our building to discover our activities, which are sometimes unexpected and often very far from preconceptions!

Xavier Oberson

Sami Kanaan

Conseiller administratif en charge du Département de la culture et de la transition numérique Administrative councillor in charge of the Department of Culture and digital transition

Le Grand Théâtre de Genève est ravi de vous annoncer sa nouvelle saison « Jeux de pouvoir » qui présentera de manière approfondie, et sous des formes variées, le lien entre pouvoir et pauvreté, noblesse et misère et se penchera également sur les inégalités dans le monde. Aviel Cahn nous propose un programme magnifique qui alterne des grands classiques et des productions plus audacieuses, avec notamment une création mondiale sur un thème qui m'est cher avec l'opéra Justice qui verra la venue de musiciens congolais. Fidèle à l'esprit désormais bien ancré du Grand Théâtre, cette saison s'annonce donc dans la continuité de la tradition classique avec la combinaison de nouvelles expériences artistiques, culturelles, musicales, ouvertes au public le plus large. Je me réjouis beaucoup de vous retrouver pour cette nouvelle saison à la fois passionnante, stimulante et de haut niveau artistique.

The Grand Théâtre is delighted to announce its new season 'Power Games', which will explore in depth and across different genres, the link between power and poverty, nobility and misery, and the inequalities at work in our world. Aviel Cahn offers us a magnificent programme that alternates between the great classics and more daring productions, including a world premiere on a theme that is close to my heart with the opera Justice, featuring Congolese musicians. In keeping with the spirit of the Grand Théâtre, this season promises to be a continuation of the classical tradition with a combination of new artistic, cultural and musical experiences open to the widest possible audience. I am very much looking forward to seeing you again for this new season, which promises to be exciting, challenging and of a high artistic level.

« Jeux de pouvoir », mais quel pouvoir ? Celui de l'artiste sur le public, quand il le fait basculer dans des univers de peurs et de passions ? Celui de l'autorité reconnue, bienveillante ou abusive, sur des subordonné·e·s ? Celui de la richesse qui provoque tant d'inégalités ? Pour cette saison, le Grand Théâtre de Genève choisit ce thème qui sous-tend les rapports humains depuis la nuit des temps. Thème passionnant s'il en est dans cette période de remise en question du pouvoir dont bénéficient les figures tutélaires, les metteurs et metteuses en scène, les réalisateurs et réalisatrices. La programmation proposée impressionne justement par les noms des metteurs en scène comme des chefs d'orchestre, des talents que nous nous réjouissons d'admirer dans des propositions originales et inédites. Mais presque tous des hommes. Il est donc à parier que cette question des jeux de pouvoir restera une question ardemment discutée tout au long de la saison ! Bons spectacles !

"Power Games" indeed, but what power do we mean? The power of artists over the audience, as they push them into worlds of fears or passions? The power of an acknowledged authority, benevolent or abusive, over subordinates? The power of wealth that causes so much inequality? For this season, the Grand Théâtre de Genève has chosen this theme, which has underpinned human relationships since the dawn of time. It is a fascinating theme, even more so now when the power enjoyed by creative executives, directors and producers is under question. A list of renown directors and conductors makes for impressive reading. Original and unprecedented productions featuring a wealth of exciting talent. Almost only men. There is no doubt that the question of power games will remain an hotly debated issue throughout the season! Enjoy the shows!

Président de la Fondation du Grand Théâtre de Genève Chairman of the Fondation du Grand Théâtre de Genève

Opéra

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Don Carlos

Opéra de Giuseppe Verdi

Livret de Joseph Méry et Camille du Locle d'après Don Carlos de Friedrich Schiller Version française en cinq actes, créée le 11 mars 1867 à Paris

Dernière fois au Grand Théâtre de Genève dans la version parisienne en 1962-1963

Nouvelle production

Direction musicale Marc Minkowski

Mise en scène Lydia Steier

Scénographie et vidéos Momme Hinrichs

Costumes Ursula Kudrna

Lumières Felice Ross

Dramaturgie Mark Schachtsiek

Direction des chœurs Alan Woodbridge

Don Carlos, infant d'Espagne Charles Castronovo (15, 17, 21, 24 & 26 septembre 2023)

Leonardo Capalbo (28 septembre 2023)

Philippe II, roi d'Espagne Dmitry Ulyanov

Élisabeth de Valois Rachel Willis-Sørensen

Rodrigue, marquis de Posa Stéphane Degout

La Princesse Éboli Ève-Maud Hubeaux

Le Grand Inquisiteur Liang Li

Thibault Ena Pongrac

Un moine William Meinert

Le Comte de Lerme Julien Henric

Une voix céleste Giulia Bolcato

Les Députés de Flandre Raphaël Hardmeyer

Avram Benjamin Monfolean

Joé Bertili

Edwin Kaye

Marc Mazuir

Timothée Varon

Chœur du Grand Théâtre de Genève

Orchestre de la Suisse Romande

15, 21, 26 & 28 septembre 2023 — 18h

17 septembre 2023 — 17h

24 septembre 2023 — 15h

Don Carlos à La Plage Éclairage 12.9.23

En coulisse 24.9.23

Intropéra 45 minutes avant chaque représentation

Avec le soutien de

Partenaire de l'ouverture de saison

On ouvre la saison avec le Verdi de la maturité, le Verdi politique puisque c'est avec Don Carlos qu'on attaque. Guidés par le chef Marc Minkowski, pour continuer ensemble l'exploration du continent du Grand Opéra français après Les Huguenots (2020) et La Juive (2022). Même si la dernière œuvre parisienne de Verdi aura rencontré le succès surtout dans sa forme italienne, elle-même traduite en grande partie du français. Cependant la version originale retrouve de plus en plus sa place dans le répertoire des maisons lyriques montrant un Verdi qui s'empare avec génie du style de l'opéra français. En 1867, Giuseppe Verdi est au faîte de sa carrière ; il a déjà plus d'une vingtaine d'opéras derrière lui et accepte à contrecœur cette nouvelle commande de l'Opéra de Paris. Après une période très difficile de création, où la pièce ne semble pas trouver sa maturité finale, le maître nous laisse le choix des multiples versions de cet opus magnum. C'est la pièce de Friedrich Schiller, Don Karlos, Infant von Spanien, créée 80 ans plus tôt, qui servit de trame au compositeur et à ses librettistes successifs. Pays de l'honneur et de la démesure, l'Espagne de Philippe II, dominée par l'Inquisition omniprésente, sert de décor aux personnages de l'idéal esthétique du Sturm und Drang de Schiller. Entre sentiments et idéologies, Verdi s'empare de ces personnages pour écarteler les coulisses du pouvoir et dénoncer le fanatisme religieux, mais aussi rendre plus humaines leurs contradictions sinon leurs actions.

La metteure en scène Lydia Steier, qui nous avait offert Les Indes galantes en 2019, revient cette fois armée d'une fresque sur l'absolutisme et la culture du secret. Dans une société dystopique où chaque fait, chaque geste est enregistré et rapporté et peut être utilisé à tout moment contre chacun, les personnages survivent en teintes jaunes. Loin de la vérité et de tout idéalisme, ils sont habités par la peur dans cet univers sombre et claustrophobique où même le roi Philippe II, incarné par la basse russe Dimitry Ulyanov (que l'on retrouve après Guerre et Paix, La Juive et Lady Macbeth de Mtsensk), ne semble pas être seul au pouvoir. Le Marquis de Posa, le célèbre baryton français Stéphane Degout, se transforme en un dangereux politicien chez qui l'opportunisme semble avoir dévoré toute trace d'optimisme, de même que chez l'intrigante Princesse Éboli de la mezzo Suisse romande Ève-Maud Hubeaux, étoile montante du firmament lyrique. Le malheureux couple Don Carlos / Élisabeth de Valois sera interprété sous ces auspices funèbres par les Étasuniens Charles Castronovo et Rachel Willis-Sørensen.

Our season opens with a very grown-up Verdi, a political Verdi, the Verdi of Don Carlos. Led by conductor Marc Minkowski, we continue our exploration of the continent of French Grand Opera after Les Huguenots (2020) and La Juive (2022), even if Verdi's last Parisian work was especially successful in its Italian version, itself largely translated from the French one. In 1867, Giuseppe Verdi was at the height of his career; he already had more than twenty operas under his belt and reluctantly accepted this new commission from the Paris Opera. After a very difficult period of composition, during which the piece did not really reach its final maturity, il maestro left us the choice of multiple versions of his magnum opus. Friedrich Schiller's play Don Karlos, Infant von Spanien, created 80 years earlier, served as the framework for the composer and his successive librettists. Land of honour and hubris, the Spain of Philip II, dominated by the omnipresent Inquisition, is the backdrop for the characters sprung from Schiller's aesthetic ideal of Sturm und Drang. Between emotion and ideology, Verdi employs these characters to expose the backstage of power and denounce religious fanaticism, but also to present their contradictions, if not their actions, as more human.

Director Lydia Steier, who brought us Les Indes galantes in 2019, comes back to Geneva with a grandiose portrayal of absolutism and the culture of secrecy. In a dystopian society where every move is recorded and reported and can be used against anyone at any time, the characters survive in shades of yellow. Distanced from truth and idealism, they are creatures of fear in a dark and claustrophobic universe where even King Philip II, played by the Russian bass Dimitry Ulyanov, (who we see again after War and Peace, La Juive and Lady Macbeth of the Mtsensk District) is apparently not the only one to hold power. The Marquis de Posa, sung by the renowned French baritone Stéphane Degout, turns into a dangerous politician whose opportunism has devoured any trace of optimism, as does the scheming Princess Eboli –Swiss mezzo Ève-Maud Hubeaux, a rising star of the opera skies. The unhappy couple Don Carlos/Élisabeth de Valois, doomed to a tragic fate, is sung by two US artists, Charles Castronovo and Rachel Willis-Sørensen.

María de Buenos Aires

Opéra-tango d'Ástor Piazzolla

Livret de Horacio Ferrer

Créé le 8 mai 1968 à Buenos Aires

Première fois au Grand Théâtre de Genève

Nouvelle production

Direction musicale Facundo Agudin

Mise en scène Daniele Finzi Pasca

Scénographie Hugo Gargiulo

Costumes Giovanna Buzzi

Lumières Daniele Finzi Pasca & Marzio Picchetti

Vidéos Roberto Vitalini

Chorégraphie María Bonzanigo

Direction chœur du Cercle Bach Natacha Casagrande

María Raquel Camarinha

La voz de un payador Inés Cuello

El Duende Melissa Vettore & Beatrix Sayard

Acrobates et acteurs de la Compagnia Finzi Pasca

Cercle Bach de Genève et Chœur de la Haute école de musique de Genève

Orchestre de la Haute école de musique de Genève complété par des solistes du tango

27 octobre & 3, 4 novembre 2023 — 20h

29 octobre 2023 — 18h

31 octobre & 1er novembre 2023 — 19h

5 novembre 2023 — 15h

Représentation « Glam Night »

María à La Plage Brunch 8.10.23

Éclairage 17.10.23

Apéropéra 19.10.23

Cinéopéra 21.10.232

En coulisse 3.11.23

María de Buenos Aires sous les étoiles en juin 2024

Intropéra 45 minutes avant chaque représentation

Avec le soutien de

ALINE FORIEL-DESTEZET

Née « un jour où Dieu était ivre » dans une banlieue pauvre de Buenos Aires, María se dirige vers le centre de la métropole argentine, où elle est séduite par la musique du tango et devient une travailleuse du sexe. Voleurs et tenanciers de bordels, réunis lors d'une messe noire, se résolvent à la tuer. Après sa mort, elle est condamnée à un enfer, qui est la ville elle-même ; son Ombre se promène maintenant dans la ville. Elle est redevenue vierge, est fécondée par la parole du duende et, sous le regard de trois mages ouvriers du bâtiment et des femmes qui pétrissent les pâtes, elle donne naissance à une enfant, María, qui est peut-être elle-même. Non, ceci n'est pas une nouvelle de Victoria Ocampo ni même un poème de Jorge Luis Borges, c'est l'opéra-tango María de Buenos Aires, une histoire surréelle sud-américaine qu'après Einstein on the Beach en 2019 reviennent nous raconter les duendes tessinois et internationaux de la Compania de Daniele Finzi Pasca, créateurs de la dernière édition de la grandiose Fête des Vignerons.

María de Buenos Aires est un opéra-tango sur une partition d'Ástor Piazzolla. La musique s'inspire de l'idiome nuevo tango pour lequel Piazzolla est célèbre. La chanteuse folklorique Amelita Baltar, une star de boîte de nuit fréquentée par Piazzolla, à la beauté et à la présence scénique captivante, créa le rôle. Cette operita en deux parties de chacune huit chansons est composé par le compositeur pour son quintette de l'époque constitué de lui-même au bandonéon, d'un violon, une guitare, un piano et une contrebasse. Piazzolla ajouta à l'orchestration une autre guitare, un alto, un violoncelle, une flûte et des percussions.

Avec l'Argentin Hugo Gargiulo à la scénographie, la Compania Finzi Pasca se transpose dans le patrimoine bâti fabuleusement Belle-Époque de la mégapole rioplatense. On sera donc face à une vision de Buenos Aires plus qu'authentique : vécue, rêvée, extrañada 1 et surtout mise en mouvement et – allez, on vous le divulgue – sur glace, par les acrobates, danseurs, funambules et diseuses qui vous avaient émerveillés avec leur relecture de Einstein on the Beach. Tous les rôles solistes seront attribués à des femmes, hommage inversé à la tradition qui raconte que le tango se dansait entre hommes, un tango travesti ou tout simplement un tango queer qui cherche à s'affranchir des codes de genre imposés. La soprano portugaise Raquel Camarinha, dont la pureté vocale transperce et émeut, prendra le rôle-titre, Inés Cuello, star de la scène du tango en Argentine et l'Orchestre de la Haute école de Musique de Genève, augmenté de quelques éléments choisis tel le bandonéoniste Marcelo Nisinman, mèneront la milonga mystique et mystérieuse de María sous la direction du chef portègne Facundo Agudín.

1 Qui vous manque, regrettée

Born "on a day when God was drunk" in a shantytown on the outskirts of Buenos Aires, María heads for the heart of Argentina's metropolis, where she is entranced by the music of the tango and becomes a sex worker. Thieves and brothel owners, gathered at a black mass, resolve to kill her. After her death, she is condemned to Hell, which is the city itself; her Shadow now haunts the city. Once again a virgin, she is impregnated by the word of the duende and, under the eyes of the Three Wise Men who work in the building industry and the women who knead pasta, she gives birth to a child, María, who may be herself. No, this is not a short story by Victoria Ocampo or even a poem by Jorge Luis Borges, this is the tango-opera María de Buenos Aires. After Einstein on the Beach in 2019, the Swiss-Italian and international duendes of Daniele Finzi Pasca's Compania, creators of the last edition of the spectacular Fête des Vignerons, have come back to tell us this surreal South American story

María de Buenos Aires is a tango operetta with a score by Ástor Piazzolla. The music is based on the nuevo tango idiom for which Piazzolla is famous. The folk singer Amelita Baltar, a nightclub star frequented by Piazzolla, with her captivating beauty and stage presence, crête the role. This operita in two parts of eight songs each was composed by the composer for his quintet of the time consisting of himself on bandoneon, violin, guitar, piano and double bass. Piazzolla added another guitar, viola, cello, flute and percussion to the orchestration.

With Argentine native Hugo Gargiulo as stage designer, the Compania Finzi Pasca moves into the fabulously Belle Époque architecture of the River Plate megalopolis. The set will be a more than authentic vision of Buenos Aires, since it has been lived, dreamed, extrañada 1 and above all put into motion and – spoiler alert! - on ice, by the acrobats, dancers, tightrope walkers and storytellers who amazed you with their retelling of Einstein on the Beach. All the solo roles will be played by women, an inverted homage to the tradition that tango was originally danced between men. Our María is a cross-dressing tango or simply a queer tango that seeks to free itself from imposed gender codes. Portuguese soprano Raquel Camarinha, whose vocal purity pierces and moves the heart, will take on the title role, Inés Cuello, star of the tango scene in Argentina, and the Orchestre de la Haute école de musique de Genève, along with a few guest stars such as the bandoneon player Marcelo Nisinman, will perform María's mystical and mysterious milonga of under the direction of the porteño conductor Facundo Agudín.

Ariodante

Opéra de Georg Friedrich Haendel

Livret d'après Antonio Salvi et L'Arioste

Créé le 8 janvier 1735 à Londres – Covent Garden

Dernière fois au Grand Théâtre de Genève en 2007-2008

En version semi-scénique

Direction musicale William Christie

Mise en espace Nicolas Briançon

Costumes Michel Dussarat

Lumières Jean-Pascal Pracht

Création vidéo Olivier Simola

Ariodante Lea Desandre

Ginevra Ana María Labin

Dalinda Ana Vieira Leite

Polinesso Hugh Cutting

Lucarnio Krešimir Špicer

Odoardo Moritz Kallenberg

Il Re di Scozia Renato Dolcini

Orchestre des Arts Florissants

Coproduction avec la Philharmonie de Paris et l'Opéra de Dijon

5 octobre 2023 — 19h

Publié pour la première fois en 1516, on ne compte pas les adaptations de ce best-seller du XVIe siècle et suivants : Orlando furioso du Toscan Ludovico Ariosto, dit L'Arioste. L'influence qu'il a eu sur la culture européenne fit naître des opéras tout au long de sa route, de l'Italie du Rinascimento à l'Angleterre de l'Enlightenment en passant par le Grand Siècle français. Jacopo Peri, Francesca Caccini, Jean-Baptiste Lully, Marc-Antoine Charpentier, André Campra, les compositeurs ne cessent de se réapproprier le motif : Antonio Vivaldi compose deux Orlando, Joseph Haydn un Orlando paladino.

À lui seul, Georg Friedrich Haendel compose trois opéras directement dérivés de ce paradigme du poème épique chevaleresque : Orlando, en 1733, Ariodante en janvier 1735 et à peine quelques mois plus tard, en avril son Alcina, sans doute le plus connu des trois.

Si l'œuvre a grandi et s'est métamorphosée à travers le temps et l'espace, on pourrait aussi voir et entendre cette parabole / géographie mouvante à travers la vie de Haendel. Né à Halle, dans ce qui était alors la Saxe, ce contemporain à un mois près de Johann Sebastian Bach compose ses premiers opéras, à peine âgé de vingt ans, à Hambourg. Ayant appris tout ce qu'il pouvait de ses pairs germaniques, il se rend en l'Italie où il remplira ses valises pendant cinq années avant de les poser pour presque le reste de sa carrière à Londres, où il est d'ailleurs aussi imprésario d'opéra. Ce dramma per musica en 3 actes, adaptation de l'opéra de Giacomo Antonio Perti de 1708 Ginevra, Principessa di Scozia pour lequel Antonio Salvi avait écrit le livret, reprend les chants IV, V et VI du livre de L'Arioste, au sujet d'un autre chevalier amoureux que Roland. Un spin-off donc, avec des caractéristiques importées de l'opéra-ballet de Versailles, puisque pour plaire au public londonien de la toute nouvelle salle de Covent Garden, le compositeur intégra dans chaque acte des occasions de danser.

Si la mode était alors aussi aux castrats, depuis la reprise dans les années 1970 des œuvres baroques au répertoire, leur rôle est désormais attribué à des contre-ténors ou des mezzos. La jeune et fascinante mezzo-soprano Lea Desandre sera pour un soir cet Ariodante désespéré, accompagnée d'une palette de chanteurs et chanteuses souvent passés par le Jardin des Voix, plus de 20 ans maintenant la célèbre manufacture des grandes voix baroques, le tout sous la direction d'un des plus grands maîtres de la renaissance baroque, William Christie, avec son Orchestre des Arts Florissants. Nicolas Briançon se chargera de mettre en espace cet Ariodante avec simplicité et dénuement afin d'en faire apparaître toute la force dramatique, faite d'intériorité et de violence, de passion et de compassion.

Since it was first published in 1516, there have been countless adaptations of this 16thcentury best-seller: Orlando furioso by the Tuscan Ludovico Ariosto. The influence it had on European culture made operas spring up all along its route, from Rinascimento Italy to Enlightenment England and the French Grand Siècle. Jacopo Peri, Francesca Caccini, Jean-Baptiste Lully, Marc-Antoine Charpentier, André Campra, and many other composers never tired of using it as a subject: Antonio Vivaldi composed two Orlandos, Joseph Haydn did an Orlando paladino. George Frideric Handel alone composed three operas directly derived from this paradigm of the chivalric epic poem: Orlando, in 1733, Ariodante in January 1735 and just a few months later, in April, his Alcina, undoubtedly the best known of the three.

Just as Ariosto's epic grew and mutated through time and space, Handel's life was also a journey through cultures and epochs. Born in Halle in Saxony, this contemporary of Johann Sebastian Bach composed his first operas in Hamburg when he was barely twenty years old. Having learned all he could from his German peers, he took off for Italy, where he spent five years filling his suitcases with musical ideas before setting them down for almost the rest of his career in London, where he was also an opera impresario. This dramma per musica in three acts, an adaptation of Giacomo Antonio Perti's 1708 opera Ginevra, Principessa di Scozia for which Antonio Salvi wrote the libretto, is based on Cantos IV, V and VI of Ariosto's poem, about another amorous knight, but this time not Orlando. A spin-off, as it were, with characteristics imported from the Versailles opera-ballet, since the composer made sure there were opportunities for dancing in every act to please the London audience of the brand-new Covent Garden.

Although castrati were also in fashion at the time, since the revival of Baroque works in the 1970s their roles have been assigned to countertenors or mezzos. The young and fascinating mezzo-soprano Lea Desandre will be our desperate Ariodante for one evening, accompanied by a range of singers, many of them alumni of the Jardin des Voix, the famous factory of great baroque voices, all under the direction of one of the greatest masters of the baroque renaissance, William Christie, with his Orchestre des Arts Florissants. Nicolas Briançon stages this Ariodante with simplicity and sobriety to highlight all its dramatic power, its inner violence, its passion and compassion.

Le Chevalier à la Rose

Der Rosenkavalier

Comédie en musique de Richard Strauss

Livret de Hugo von Hofmannsthal

Créée le 26 janvier 1911 à Dresde

Dernière fois au Grand Théâtre de Genève en 2011-2012

Nouvelle production, basée sur une production créée à l'Opera Ballet Vlaanderen en 2013

Direction musicale Jonathan Nott

Mise en scène Christoph Waltz

Scénographie Annette Murschetz

Costumes Carla Teti

Lumières Franck Evin

Direction des chœurs Alan Woodbridge

La Maréchale, princesse Werdenberg Maria Bengtsson

Octavian Michèle Losier

Le Baron Ochs von Lerchenau Matthew Rose

Monsieur de Faninal Bo Skovhus

Sophie de Faninal Mélissa Petit

Valzacchi, un intrigant Thomas Blondelle

Annina Ezgi Kutlu

Demoiselle Marianne Leitmetzerin, duègne Giulia Bolcato

Un ténor italien Omar Mancini

Un commissaire de police Stanislas Vorobyov

Le majordome de la Maréchale Louis Zaitoun

Le majordome de Faninal Marin Yonchev

Un notaire William Meinert

Un aubergiste Denzil Delaere

Et autres

Chœur du Grand Théâtre de Genève

Orchestre de la Suisse Romande

13, 15, 19, 21, 23, 26 décembre 2023 — 19h 17 décembre 2023 — 15h

Le Chevalier à La Plage Cinéopéra 2.12.23

Apéropéra 7.12.23

Atelier public 9.12.23

Brunch 10.12.23

Éclairage 12.12.23

En coulisse 17.12.23

Intropéra 45 minutes avant chaque représentation

Avec le soutien de

ALINE FORIEL-DESTEZET

Les costumes de cette production ont été réalisés dans le cadre d'une collaboration généreuse avec les prestigieuses maisons de tissus fins Rubelli et Luigi Bevilacqua à Venise.

L'acteur viennois et star internationale du cinéma Christoph Waltz, bien connu pour ses rôles dans Inglorious Basterds et Django Unchained de Quentin Tarantino, a fait sa première incursion dans le monde lyrique avec cette production de Der Rosenkavalier en 2013 pour l'Opéra des Flandres. Les perruques poudrées et l'ambiance viennoise rococo de cette comédie dont Stefan Zweig disait qu'elle appartenait au « monde d'hier » sont des identifiants bien ancrés du Chevalier à la rose. La collaboration entre le poète et dramaturge Hugo von Hofmannsthal et un Richard Strauss revenu de l'époque des décompensations sonores et scéniques d'Elektra et de Salome a donné lieu à un livret d'une telle facture qu'il met cet opéra parmi les rares œuvres lyriques qu'on pourrait jouer sans la musique et s'en émouvoir tout autant. L'opéra compte quatre personnages principaux : l'aristocrate Maréchale ; son très jeune amant, le Comte Octavian Rofrano ; son cousin malotru, le Baron Ochs ; et la future fiancée d'Ochs, Sophie von Faninal, la fille d'un riche bourgeois. À la suggestion de la Maréchale, Octavian apporte à Sophie la proposition de Maríage d'Ochs en lui offrant une rose d'argent. Les deux jeunes gens tombent amoureux sur-le-champ et imaginent bientôt une intrigue comique pour libérer Sophie de ses fiançailles. Ils y parviennent avec l'aide de la Maréchale, qui cède son amant à la jeune femme. Bien qu'il s'agisse d'une Komödie für Musik, l'œuvre aborde des thèmes très sérieux, en particulier à travers le prisme de la Maréchale, notamment l'infidélité, le vieillissement, la prédation sexuelle et l'altruisme en amour (ou son absence, l'amour pour la fortune).

Les attentions infinies que Strauss et Hofmannsthal ont porté à leur œuvre se traduisent en un foisonnement de didascalies souvent mises en scène de manière extrêmement pompeuse et dans un bain rococo surdécoré. C'est en revanche la précision psychologique de l'œuvre que Christoph Waltz passe au filtre de sa lecture épurée. Il met, comme on peut s'y attendre, une attention particulière à la direction d'acteur. En se gardant de présenter l'opéra « exactement comme cela se faisait du temps de Strauss et Hofmannsthal », Christoph Waltz met le doigt sur la résonance contemporaine très grave des ressorts comiques d'autrefois : le Baron Ochs surpris en mauvaise posture dans une auberge de la banlieue de Vienne renvoie à un certain scandale dans un Sofitel de New York en 2011 et à une cascade de mots-dièse qui n'ont pas fini de défier le pouvoir masculin.

La distribution rassemble, sous la baguette de Jonathan Nott, les plus belles voix straussiennes du moment, avec María Bengtsson, la rayonnante Suédoise, reprenant le rôle de la Maréchale qu'elle tint à Anvers, la Canadienne Michèle Losier en Octavian et la basse lyrique anglaise Matthew Rose, au nom prédestiné, qui campera le truculent Baron Ochs, avec une apparition du grand Bø Skovhus en Monsieur de Faninal.

The Viennese actor and international film star Christoph Waltz, well known for his roles in Quentin Tarantino's Inglorious Basterds and Django Unchained, made his first foray into the operatic world with this production of Der Rosenkavalier in 2013 for the Flanders Opera. The powdered wigs and Viennese rococo atmosphere of this comedy, which Stefan Zweig said belonged to "yesterday's world", are strong identifiers of the Knight with the Rose. The collaboration between the poet and dramatist Hugo von Hofmannsthal and a Richard Strauss recovering from the sonic and scenic tantrums of Elektra and Salome resulted in a libretto of such high quality that it places the piece one of the few operas that could be performed without music and be equally moving. The opera has four main characters: the aristocratic Marschallin; her very young lover, Count Octavian Rofrano; her oafish cousin, Baron Ochs; and Ochs' future fiancée, Sophie von Faninal, the daughter of a wealthy bourgeois. At the Marschallin's suggestion, Octavian brings Sophie a silver rose as a token of Ochs' proposal of marriage. The two youngsters fall in love at first sight and quickly devise a comic plot to free Sophie from her engagement. They succeed with the help of the Marschallin, who gives up her lover to the young woman. Although it is a Komödie für Musik, the work deals with very serious themes, especially through the prism of the Marschallin, such infidelity, aging, sexual predation, and altruism in love (or its opposite, love for money).

The infinite care that Strauss and Hofmannsthal took with their work is reflected in a profusion of stage directions, which often translate in extremely pompous productions swimming in an overdecorated rococo bath. Christoph Waltz, on the other hand, filters the psychological precision of the work through his refined reading. As one would expect, he pays particular attention to the direction of the actors. By refraining from presenting the opera "exactly as it was done in the time of Strauss and Hofmannsthal", Christoph Waltz puts his finger on the very serious contemporary resonance of the comic devices of yesteryear: Baron Ochs caught in flagrante at an inn on the outskirts of Vienna points to a certain scandal in a New York Sofitel in 2011 and to a cascade of hashtags that keep on challenging masculine power trips.

Under the baton of Jonathan Nott, the cast brings together the finest Straussian voices of the moment, with the radiant Swedish soprano María Bengtsson reprising the role of the Marschallin that she sang in Antwerp, Canadian mezzo Michèle Losier as Octavian, and the English lyric bass Matthew Rose, of the a predestined name, will play the truculent Baron Ochs, and as a special treat, an appearance by the great Bø Skovhus as Monsieur de Faninal.

Justice

Opéra de Hèctor Parra

Livret de Fiston Mwanza Mujila d'après un scénario de Milo Rau Création mondiale

Nouvelle production en coproduction avec le Festival Tangente St. Pölten

Direction musicale Titus Engel

Mise en scène Milo Rau

Scénographie Anton Lukas

Costumes Cedric Mpaka

Lumières Jürgen Kolb

Vidéos Moritz von Dungern

Dramaturgie Clara Pons

Direction des chœurs Mark Biggins

Le Directeur Peter Tantsits

Femme du Directeur Idunnu Münch

Chauffard Katarina Bradić

Prêtre Willard White

Jeune Prêtre Simon Shibambu

Garçon Serge Kakudji

Voix Lauren Michelle

Mère Axelle Fanyo

Librettiste Fiston Mwanza Mujila

Chœur du Grand Théâtre de Genève

Orchestre de la Suisse Romande avec la participation de Kojack Kossakamvwe

22, 26 janvier 2024 — 20h

24 janvier 2024 — 19h

28 janvier 2024 — 15h

Justice à La Plage Atelier public 13.1.24

Éclairage 16.1.24

Apéropéra 18.1.24

Brunch 21.1.24

En coulisse 26.1.24

Intropéra 45 minutes avant chaque représentation

Avec le soutien de

La deuxième incursion dans l'opéra du plus connu des metteurs en scène suisses Milo Rau – après une Clémence de Titus donnée en streaming pendant la pandémie – ne pouvait pas échapper à sa recherche de la forme théâtrale comme discours politique sur le monde actuel. Nous sommes en République démocratique du Congo. Février 2019. Un camionciterne transportant de l'acide percute un bus sur une route du Katanga, entre Lubumbashi et Kolwezi. Résultat : plus de vingt morts et de nombreux blessés. L'acide coule jusqu'à la rivière avoisinante, ce même acide qui est utilisé dans le traitement des minerais tandis que l'infrastructure routière de cette région minière au sud du Congo est, soit en mauvais état, soit inexistante. Choisissant un événement impliquant une multinationale suisse en RDC, voici une œuvre chorale et élégiaque sur le destin de ce village, de ces destins étripés et, au-delà, une réflexion sur les forces du bien et du mal et les intérêts des uns et des autres. Entre ONG et multinationales, pouvoirs politiques et populations locales, l'imbroglio de la responsabilité semble bien raffiné... Fantômes et victimes, coupables et faux-coupables se mêlent aux mythes et légendes de cette terre aussi riche en récits qu'en minerais dans cette danse macabre animée par le livret de l'écrivain congolais Fiston Mwanza Mujila et du metteur en scène.

Quant au compositeur catalan Hèctor Parra, on ne compte plus ses adaptations si fournies musicalement d'ouvrages littéraires vers la forme lyrique. Citons comme exemple Les Bienveillantes, opéra basé sur le roman homonyme de Jonathan Littell, créé à Anvers en 2019. Sa musique résiste à incorporer le bruit à l'état pur et se construit à la limite du plaisir et de la douleur. Sa force vous prend aux tripes tandis que sa capacité évocatrice et expressive s'écrit dans un langage poli et une architecture compacte. Les créations de Milo Rau, essayiste, réalisateur et metteur en scène, sont nourries d'enquêtes sociohistoriques et documentaires. Il a fondé son propre format théâtral entre le genre du théâtre narratif et le tribunal. En 2015, Rau a ainsi réuni 60 témoins et experts dans la zone de la guerre civile congolaise pour son Tribunal du Congo, un de ses projets de théâtre politique les plus ambitieux.

Aux côtés du ténor étasunien Peter Tantsits, qui avait déjà chanté le rôle de Max Aue dans Les Bienveillantes du même Parra, on trouve des chanteurs castés sur mesure pour cette création, depuis la légende Willard White jusqu'au jeune contre-ténor congolais – originaire de Kolwezi – Serge Kakudji, connu, entre autres, pour son spectacle avec Alain Platel Coup fatal. Le Zurichois Titus Engel, grand spécialiste de musique contemporaine, qui avait conduit avec brio la machine Einstein on the Beach en 2019, fera sans nul doute scintiller cette nouvelle partition, accompagné de quelques accents de rumba congolaise...

The second foray into opera by Switzerland's best-known theatre director Milo Rau - after a streamed production of La clemenza di Tito during the pandemic - could not escape his quest for a theatrical form as a political discourse on the world today. We are in the Democratic Republic of Congo. February 2019. A tanker carrying acid collides with a bus on a road in Katanga, between Lubumbashi and Kolwezi. The result: more than twenty dead and many injured. The acid flowed into a nearby river, the same acid that is used in the processing of minerals by industry, in a mining region of Southern Congo where the road infrastructure is either in poor condition or non-existent. Milo Rau chooses an event involving a Swiss multinational in the DRC and delivers a choral elegy on the destiny of this village, of destinies torn to pieces and, beyond that, a reflection on the forces of good and evil and general interests. Between NGOs and multinationals, political powers and local populations, the entanglement of responsibility and of what is called "development" seems to be very sophisticated... Ghosts and victims, culprits and false culprits mingle with the myths and legends of this land as rich in stories as it is in minerals in this dance of death, brought to life by the libretto by a Congolese writer Fiston Mwanza Mujila, in collaboration with Milo Rau.

The Catalan composer Hèctor Parra is also known for his musically rich adaptations of literary works into opera form. One of his most recent operas is Die Wohlgesinnten, based on the novel The Kindly Ones by Jonathan Littell, which premiered in Antwerp in 2019. Parra's music is a music that steers clear of pure noise and is built on the edge of pleasure and pain. Its power hits you in the guts while its evocative and expressive capacity is written in a polished language and compact architecture. The creations of Milo Rau, essayist, director, and producer, are based on socio-historical and documentary research. He has created his own theatrical format between the narrative theatre genre and the courtroom. In 2015, Rau gathered 60 witnesses and experts in the Congolese civil war zone for his Congo Tribunal, one of his most ambitious political theatre projects.

Alongside the US tenor Peter Tantsits, who had already sung the role of Max Aue in Die Wohngesinnten by the same Parra, are singers specially cast for this creation, from the legendary Willard White to the young Congolese countertenor - he comes from Kolwezi - Serge Kakudji, known, among other things, for his show with Alain Platel Coup Fatal. Conductor Titus Engel from Zurich, a great specialist in contemporary music, who skillfully drove our Einstein on the Beach machine in 2019, will undoubtedly make this new score sparkle, perhaps also adding a few touches of Congolese rumba...

Idoménée

Idomeneo, re di Creta

Dramma per musica de Wolfgang Amadeus Mozart

Livret de Giambattista Varesco

Créé le 29 janvier 1781 à Munich

Dernière fois au Grand Théâtre de Genève en 2003-2004

Nouvelle production en coproduction avec le Dutch National Opera Amsterdam et les Théâtres de la ville de Luxembourg

ALINE FORIEL-DESTEZET

Mécène principale

Direction musicale Leonardo García Alarcón

Mise en scène / Chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

Scénographie Chiharu Shiota

Costumes Yuima Nakazato

Lumières Michael Bauer

Dramaturgie Simon Hatab

Direction des chœurs Mark Biggins

Idomeneo, roi de Crète Stanislas de Barbeyrac

Idamante, son fils Lea Desandre

Elettra, fille d'Agamemnon Federica Lombardi

Ilia, fille de Priam, roi de Troie Giulia Semenzato

Arbace, confident d'Idomeneo Omar Mancini

Grand-Prêtre de Neptune Luca Bernard

L'Oracle William Meinert

Chœur du Grand Théâtre de Genève

Orchestre composé de l'ensemble Cappella Mediterranea et de L'Orchestre de Chambre de Genève

Avec des danseuses et danseurs du Ballet du Grand Théâtre et d'Eastman

21, 23, 29 février & 2 mars 2024 — 19h30

25 février 2024 — 15h

27 février 2024 — 19h

Recommandé famille

Idoménée à La Plage Apéropéra 8.2.24

Cinéopéra 10.2.24

Éclairage 13.2.24

Atelier public 17.2.24

Brunch 18.2.24

En coulisse 25.2.24

Intropéra 45 minutes avant chaque représentation

Avec le soutien de

Partenaire de l'art contemporain à l'opéra

Partenaire du Ballet du Grand Théâtre

INDOSUEZ WEALTH MANAGEMENT Mécène pour la Cappella Mediterranea

FAMILLE SCHOENLAUB

Commencée en 2019 avec Les Indes galantes de Rameau, suivi d'Atys de Lully en 2022, la croisière du Grand Théâtre de Genève dans les eaux rarement naviguées de l'opéra-ballet et sous la baguette de Leonardo García Alarcón se poursuit avec cette nouvelle production dont le capitaine n'est autre que le directeur du Ballet du Grand Théâtre de Genève, Sidi Larbi Cherkaoui. Et nous n'avons pas fini d'aligner les métaphores maritimes car l'œuvre sur laquelle il met le cap est Idomeneo, écrit pour la cour de l'Électeur de Bavière par un jeune homme de 25 ans, Wolfgang Amadeus Mozart. Un opéra construit, pour ainsi dire, autour d'une effroyable tempête en mer, résultat de la lutte entre le dieu des flots Neptune, qui favorise Ie roi de Crète Idoménée à son retour de la guerre de Troie, et le Destin, qui l'oppose.

Le Destin, ou comme on l'identifie autrement et ailleurs, dans cet ailleurs est-asiatique où Sidi Larbi Cherkaoui aime à lancer ses filets, le karma. L'un des termes désignant le karma, 緣 en chinois yuan et en japonais en, contient le radical du fil de soie 糸 et peut aussi signifier la bordure ou l'ourlet d'un vêtement. Le fil et ses avatars – cordes, câbles, lacets et filins – sont la marque de fabrique de la plasticienne japonaise Chiharu Shiota, qui signe la scénographie de cette production. Le plus souvent de couleur rouge, car le fil rouge est un talisman karmique puissant au Japon et dans les pays d'Asie de l'Est. Elle en tisse performances, art corporel et installations dans un processus protéiforme explorant la temporalité, le mouvement, la mémoire et le rêve, exigeant l'implication à la fois mentale et corporelle du spectateur.

Pour la scénographie, Chiharu Shiota et Sidi Larbi Cherkaoui impliqueront les forces vives des danseurs du Ballet du Grand

Théâtre de Genève, rejoint par la compagnie Eastman, ainsi que des solistes pour actionner un décor monumental où les fils rouges formeront en mouvement continu palais, océan déchaîné, jardin ou monstre marin. Trois récits s'entrelaceront : un triangle amoureux entre le fils d'Idomeneo, Idamante, la princesse troyenne Ilia et la princesse d'Argos, Elettra ; le duel entre un père traumatisé par la guerre de Troie et son fils qui cherche l'apaisement et la réconciliation ; et enfin, l'affrontement susmentionné entre dieux et destinées humaines. Avec Stanislas de Barbeyrac en rôle-titre, Lea Desandre dans le rôle de son fils Idamante, Federica Lombardi en Elettra et Giulia Semenzato en Ilia, le Grand Théâtre réunit un quatuor de solistes de haut vol qui sous la direction de Leonardo García Alarcón enchanteront sans aucun doute ce spectacle accompagné par une Cappella Mediterranea renforcée cette fois par les musiciens de L'Orchestre de Chambre de Genève.

Beginning in 2019 with Rameau's Les Indes galantes, followed by Lully's Atys in 2022, the Grand Théâtre de Genève's cruise through the rarely sailed waters of opera-ballet under the baton of Leonardo García Alarcón continues with this new production whose captain is none other than the director of the Geneva Ballet, Sidi Larbi Cherkaoui. And to keep lining up the maritime metaphors, he will be steering his course towards Idomeneo, written for the court of the Elector of Bavaria by a young man of 25, Wolfgang Amadeus Mozart. An opera built, so to speak, around a terrible storm at sea, the result of the struggle between the god of the oceans Neptune, who favours the king of Crete Idomeneo on his return from the Trojan War, and Fate, who opposes him.

Fate, or as it is otherwise known in other parts, notably in the cultural waters of East Asia where Sidi Larbi Cherkaoui likes to cast his nets, karma. One of the terms used for karma, 緣 in Chinese yuan and in Japanese en, contains the silk thread radical 糸 and can also mean the border or hem of a garment. Thread and its avatars – ropes, cables, laces and tethers –are the trademark of Japanese visual artist Chiharu Shiota, who will design the sets for this production. The threads she uses are red ones, a red thread being a powerful karmic talisman in Japan and East Asia. With these threads, she weaves performances, body art and installations in a protean process exploring temporality, movement, memory and dreams, that demand mental and physical involvement from the viewer.

Chiharu Shiota and Sidi Larbi Cherkaoui will muster the forces of the Geneva Ballet, joined by Cherkaoui's Eastman company along with soloists, to activate a monumental set where the red threads will form a palace, a raging ocean, a garden or a sea monster in continuous movement. Three stories are intertwined: a love triangle between Idomeneo's son, Idamante, the Trojan princess Ilia and the princess of Argos, Elettra; the duel between a father traumatised by the Trojan war, and his son who seeks appeasement and reconciliation; and finally, as mentioned, the confrontation between the gods and human destiny. With Stanislas de Barbeyrac in the title role, Lea Desandre as his son Idamante, Federica Lombardi as Elettra and Giulia Semenzato as Ilia, the Grand Théâtre brings together a quartet of high-flying soloists who, under the direction of Leonardo García Alarcón, will make for a stellar performance, accompanied by García Alarcón's own Cappella Mediterranea, whose ranks will be augmented for the occasion by the musicians of the Orchestre de Chambre de Genève.

Saint François d'Assise

Opéra d'Olivier Messiaen

Livret du compositeur

Créé le 28 novembre 1983 à Paris

Première fois au Grand Théâtre de Genève

Nouvelle production

Direction musicale Jonathan Nott

Mise en scène, scénographie, costumes et vidéo

Adel Abdessemed

Lumières Jean Kalman

Dramaturgie Christian Longchamp

Direction des chœurs Mark Biggins

Saint François Robin Adams

L'Ange Claire de Sévigné

Le Lépreux Aleš Briscein

Frère Léon Kartal Karagedik

Frère Massé Jason Bridges

Frère Élie Omar Mancini

Frère Bernard William Meinert

Frère Sylvestre Joé Bertilli

Frère Rufin Anas Séguin

Chœur du Grand Théâtre de Genève

Le Motet de Genève

Orchestre de la Suisse Romande

11, 16, 18 avril 2024 — 18h

14 avril 2024 — 15h BRIGITTE

Saint François à La Plage Brunch 17.3.24

Apéropéra 21.3.24

Atelier public 23.3.24

Cinéopéra 6.4.24

Éclairage 10.4.24

En coulisse 14.4.24

Intropéra 45 minutes avant chaque représentation

Avec le soutien de

LESCURE

Partenaire de l'art contemporain à l'opéra

GÉNÉREUX DONATEUR CONSEILLÉ PAR CARIGEST SA FAMILLE SCHOENLAUB

François d'Assise est une figure aimée du monde entier. Croyants ou non-croyants ne l'admirent pas moins que les catholiques. Son esprit ensoleillé et plein d'espoir, son doux amour pour toutes les créatures, sa préoccupation du prochain, son esprit fidèle à l'Évangile, l'audace de sa démarche, la résistance persistante dont il fit preuve contre toute norme étouffante appartiennent aujourd'hui au mythe de saint François. Le livret du seul opéra d'Olivier Messiaen Saint François d'Assise, créé à Paris en 1983, décrit la vie de cet immense chercheur de la vérité de Dieu et fondateur de l'ordre franciscain. Construite en trois actes, en référence à la trinité du monde chrétien, articulée autour de huit tableaux, nombre symbolisant le renouveau spirituel et le commencement d'un temps nouveau, Messiaen considéra cette pièce comme la somme de son œuvre. Dans cet opéra, toutes les particularités qui sont la signature de ce croyant, compositeur et catholique trouvent une résonance et une profondeur inégalée : le principe des leitmotifs, la création de tonalités et de modes, que Messiaen voyait de manière synesthétique, la complexité rythmique, dérobée à l'écoute des oiseaux et le geste d'un romantique tardif français, tout cela trouve sa place et son refuge dans la gloire du divin et non comme geste d'un art musical sophistiqué. Une œuvre par ailleurs d'une taille extraordinaire : d'une durée de plus de quatre heures, les musiciens de l'orchestre, les choristes et les solistes ne se comptent plus par dizaines mais par centaines.

La mise en scène ainsi que toute la création visuelle de cette pièce redoutable par ses ambitions et ses proportions seront orchestrées par Adel Abdessemed : cet artiste de renommée mondiale de l'art contemporain se retrouve pour la première fois aux manettes d'une œuvre scénique. Son œuvre englobe des sculptures et installations aux proportions gigantesques, des peintures, des dessins et des films. Les thèmes qui l'habitent sont la terreur, la migration, la violence, la douleur, la mort et la perte de la civilité. L'œuvre d'Adel Abdessemed déchire les contraires : entre paix et adoration, entre espoir et damnation, entre enfer et ciel. L'enfer pénètre chaque particule de la cellule de l'être en société et, dans le propos de l'artiste, seul le ciel est là comme antidote contre tous les phénomènes barbares de notre temps.

Cette première romande sera dirigée par Jonathan Nott. De 1995 à 2000 à la tête du fameux Ensemble intercontemporain, son rapport étroit à l'univers de la musique française du XXe siècle fait de lui le chef idéal pour diriger son Orchestre de la Suisse Romande, les forces du Chœur du Grand Théâtre de Genève et l'ensemble des solistes dans la création magique de Messiaen. Dans le rôle principal, on saluera le baryton anglais Robin Adams, remarqué dans le répertoire contemporain, qui incarnera pour la première fois le rôle.

Francis of Assisi, a figure known and loved throughout the world. Believers and unbelievers admire him perhaps just as much as Roman Catholics. His hopeful, sunny disposition, his tender love for creation and for humanity, his spirit rooted in the Gospel, the audacity of his vocation and the tenacity of his struggle against the stifling norms of his time are all part of the mythical image we have of Saint Francis of Assisi today. Olivier Messiaen's only opera Saint François d'Assise, which premiered in Paris in 1983, recounts the life of this great seeker of God's truth and founder of the Franciscan Order. The threeact structure of the work mirrors the Christian Trinity, and its eight tableaux are the numerical symbol of spiritual renewal and the beginning of a new time. Messiaen considered it the apex of his work. The opera resonates deeply and singularly with all the characteristics of the believer, composer and committed Roman Catholic that was Messiaen. The systematic use of leitmotif, the composer's synaesthetic conception of modal and tonal creation, the rhythmic complexity he gleaned from his passionate love of birdsong and the grandeur of his Late French Romantic dramatic gesture: it all finds its place and refuge in the greater glory of God, being far more than the mere expression of sophisticated musical artistry. Moreover, the work is of extraordinary dimensions: lasting over four hours, with not just dozens but almost hundreds of performers among the instrumentalists of the orchestra, chorus and soloists.

The staging of Saint François d'Assise, in all its awe-inspiring ambitions and proportions, will be world-famous contemporary visual artist, Adel Abdessemed's first foray into the world of stage direction. His work is comprised of sculptures and installations of gigantic dimensions, film, paintings and drawings. The work of this artist is rooted in the turmoil of our planet; it is inspired by terror, migration, violence, suffering, death and the loss of civility. Adel Abdessemed's work rips up polarities; between peace and adoration, hope and damnation, hell and heaven. Hell is found in every particle of every cell of human beings in society and Heaven is the only antidote against the barbarity of our times.

This French Swiss premiere will be conducted by Jonathan Nott. From 1995 to 2000 he was at the head of the famous Ensemble Intercontemporain, and his close relationship with the world of 20th century French music makes him the ideal conductor to lead his Orchestre de la Suisse Romande, the forces of the Grand Théâtre de Genève Opera Chorus and the ensemble of soloists in Messiaen's magical creation. In the lead role, English baritone Robin Adams, noted for his commitment to the contemporary repertoire, will make his debut in the role..

Roberto Devereux

Tragédie lyrique de Gaetano Donizetti

Livret de Salvatore Cammarano

Créé le 28 octobre 1837 à Naples

Première fois au Grand Théâtre de Genève

Nouvelle production

3e épisode de la Trilogie Tudors de Donizetti

Direction musicale Stefano Montanari

Mise en scène Mariame Clément

Scénographie / Costumes Julia Hansen

Lumières Ulrik Gad

Dramaturgie et vidéo Clara Pons

Direction des chœurs Mark Biggins

Roberto Devereux, comte d'Essex Edgardo Rocha (31.5, 4.6, 23.6 & 30.6)

Mert Süngü (2.6 & 6.6)

Elisabetta, reine d'Angleterre Elsa Dreisig (31.5, 4.6, 23.6 & 30.6)

Ekaterina Bakanova (2.6 & 6.6)

Sara, Duchesse de Nottingham Stéphanie d'Oustrac (31.5, 4.6, 23.6 & 30.6)

Aya Wakizono (2.6 & 6.6)

Lord Duc de Nottingham Nicola Alaimo

Lord Cecil Luca Bernard

Sir Gualtiero Raleigh William Meinert

Un page Ena Pongrac

Chœur du Grand Théâtre de Genève Orchestre de la Suisse Romande

31 mai 2024 — 20h

2 juin 2024 — 15h

4 & 30 juin 2024 — 19h

6 juin 2024 — 20h

23 juin 2024 — 19h30

Représentation « Glam Night »

Roberto à La Plage Brunch 12.5.24

Recommandé famille

Apéropéra 23.5.24

Atelier public 25.5.24

Éclairage 28.5.24

En coulisse 4.6.24

Intropéra 45 minutes avant chaque représentation

Avec le soutien de

Pour refermer la trilogie des Tudors, quoi de mieux qu'une troisième tragédie lyrique où l'on retrouve Élisabeth Ière d'Angleterre, cette fois au crépuscule de sa vie. Il y a bien sûr un complot, celui de son favori Robert Devereux, 2e comte d'Essex et dans la réalité historique son petit-cousin par la sœur de sa mère Mary Boleyn et de plus ou moins 30 ans son cadet. Ajoutons en passant, pour que le tableau soit complet, que le deuxième mari de la mère de Devereux n'était autre que Robert Dudley, le comte de Leicester, personnage autour duquel est triangulé Maria Stuarda, le 2e épisode de notre trilogie. Ici, sur fond de tensions entre catholiques et protestants, le favori rentre, de manière inautorisée par la Reine, de son poste dans la catholique Irlande. Bref, le gaillard qui se croit tout permis sera en 1601 le dernier à être décapité (à la hache) à la Tour de Londres, comme quoi les mœurs semblent tout de même sinon évoluer, du moins changer.

Composé et terminé de force en 1837, après que Gaetano Donizetti eut perdu et son père et sa mère, son deuxième enfant et puis sa femme après la mort du troisième enfant à qui elle venait de donner naissance, l'opéra remporte un franc succès à Naples et puis est joué un peu partout en Italie et en Europe jusque dans les années 1880 avant de disparaître du répertoire des maisons lyriques. Jusqu'à la renaissance Donizetti dans les années 60 avec les divas belcantistes Leyla Gencer, Beverly Sills ou plus récemment Edita Gruberova. La partition, comme dans Anna Bolena, est étroitement liée à l'action dramatique, soulève et accentue chaque soupir ou geste de colère d'Élisabeth, enfin personnage principal de cette pièce. Avec une profondeur de caractère qui ne lui est pas attribuée dans Maria Stuarda par exemple, on descend dans les désirs d'amour les plus intimes de cette femme solitaire, monarque en fin de vie et de règne.

Continuant leur plongée dans le personnage fictif de la reine dite vierge, Mariame Clément et la scénographe Julia Hansen enquêtent sur les entrailles du pouvoir et l'ambiguïté entre les raisons d'état et les raisons privées. Mettant en avant les enjeux contemporains des personnages, elles les sortent du fossé romantique où le XIXe siècle bourgeois les avait parqués. Voici qu'ils peuvent se donner tout entiers, malgré les apparences qui restent sauves, à la tragédie. On retrouvera le chef passionné Stefano Montanari auprès de la distribution : Elsa Dreisig en vieille Reine, Stéphanie d'Oustrac en sa rivale, Sara Nottingham, et le ténor Edgardo Rocha en éternel favori. Ils seront rejoints par l'impressionnant baryton Nicola Alaimo dans le rôle du puissant Lord Nottingham.

To close our Tudor trilogy, what better than a third lyrical tragedy in which we find Elizabeth I of England, this time in the twilight of her life. There is, of course, an intrigue, led by her favourite Robert Devereux, 2nd Earl of Essex and in historical fact her great cousin by her mother's sister Mary Boleyn and more or less 30 years her junior. Let us add in passing, for accuracy's sake, that the second husband of Devereux's mother was none other than Robert Dudley, the Earl of Leicester, the character around whom Maria Stuarda, the second episode of our trilogy, is triangulated. Here, against a background of tensions between Catholics and Protestants, the royal favourite returns unauthorised by the Queen from his post in Catholic Ireland. In short, the reckless earl was the last to be beheaded (with an axe) in the Tower of London in 1601, which goes to show that morals do seem to be if not changing, then at least evolving.

Composed and finished by force in 1837, after Gaetano Donizetti lost both his father and mother, his second child and then his wife after the death of the third child she had just given birth to, the opera was a great success in Naples and was performed throughout Italy and Europe until the 1880s before disappearing from the repertoire of opera houses. Until the Donizetti revival in the 1960s with Belcanto divas such as Leyla Gencer, Beverly Sills and more recently Edita Gruberova. The score, as in Anna Bolena, is closely linked to the dramatic action, lifting and accentuating every sigh or gesture of anger of Elizabeth, finally cast as the main character. Donizetti gives an in-depth psychological account, absent from Maria Stuarda, of the innermost desires for love of this solitary woman, a monarch at the end of her life and reign.

Continuing their exploration into the fictitious character of the so-called Virgin Queen, Mariame Clément and set designer Julia Hansen investigate the entrails of power and the ambiguity between state and private reasons. By bringing the contemporary issues of the characters to the fore, they take them out of the romantic ditch where the bourgeois 19th century had parked them. Here they can give themselves fully, whilst keeping up appearances, to tragedy. The passionate conductor Stefano Montanari will be back with the cast that has been with us for three years now: Elsa Dreisig as the old Queen, Stéphanie d'Oustrac as her rival, Sara Nottingham, and tenor Edgardo Rocha as the eternal favourite. They will be joined by the impressive baritone Nicola Alaimo as the powerful Lord Nottingham.

Trilogie Tudors

Anna Bolena

Enrico VIII, roi d'Angleterre Alex Esposito

Anna Bolena, sa femme Elsa Dreisig / Ekaterina Bakanova

Giovanna Seymour, demoiselle d'honneur Stéphanie d'Oustrac

Ricardo Percy Edgardo Rocha

Smeton, page d'Anne Lena Belkina

Lord Rochefort, frère d'Anne William Meinert

Sir Hervey, officier du roi Julien Henric

18 juin 2024 — 19h30

26* juin 2024 — 19h

Reprise de la production de 2021

* Spectacle bénéficiant d'une audiodescription

Maria Stuarda

Maria Stuarda, reine d'Écosse Stéphanie d'Oustrac

Elisabetta, reine d'Angleterre Elsa Dreisig

Roberto, comte de Leicester Edgardo Rocha

Giorgio Talbot Nicola Ulivieri

Lord Guglielmo Cecil, grand trésorier Simone Del Savio

Anna Kennedy, nourrice de Marie Ena Pongrac

20 juin 2024 — 19h30

28 juin 2024 — 19h

Reprise de la production de 2022

Coproduction avec l'Opéra Royal du Danemark, Copenhague

Roberto Devereux

distribution → voir page 54

Dans le cadre de la Trilogie Tudors

23 juin 2024 — 19h30

30 juin 2024 — 19h

Chœur du Grand Théâtre de Genève

Orchestre de la Suisse Romande

Direction musicale Stefano Montanari

Mise en scène Mariame Clément

Scénographie / Costumes Julia Hansen

Lumières Ulrik Gad

Dramaturgie et vidéo Clara Pons

Direction des chœurs Mark Biggins

Une trilogie c'est l'occasion de raconter une histoire en plusieurs épisodes. Ici, c'est en plus l'occasion de trouver des points communs entre les personnages et de pouvoir les connaître de près, de grandir et de vieillir avec eux, en tout cas pour ceux qui ne se font pas décapiter en cours de route. Agençant dès le début Anna Bolena, Maria Stuarda et Roberto Devereux comme un tout, Mariame Clément et Julia Hansen se sont appliquées à faire des liens ainsi que des variations, mais surtout à créer des sas entre ces pièces. Maintenant qu'on pourra parcourir ce décor de fantômes à souhait d'un temps à l'autre, est-ce que les miroirs s'inverseront ? En tout cas, pouvoir expérimenter ces trois opéras, comme un Ring de Wagner, l'un à la suite de l'autre pendant une semaine, est une occasion très rare. Pour les solistes, ce sera certainement un labyrinthe de virtuosité, de mémoire et d'endurance. Un événement lyrique à ne pas manquer donc : evviva Donizetti et longue vie au belcanto !

A trilogy is an opportunity to tell a story in several episodes. Here, it is also an opportunity to find similarities between the characters and to get to know them closely, to grow up and grow old with them, at least for those who do not get their head chopped off along the way. From the outset, Mariame Clément and Julia Hansen have worked to create links and variations, but above all to create portals between these pieces, by assembling Anna Bolena, Maria Stuarda and Roberto Devereux together as a whole. Now that we will be able to walk through this haunted set at will from one period to another, will the mirrors be reversed? In any case, to be able to experience these three operas, one after the other for a week like a Wagner Ring, is a very rare opportunity. For the soloists, it will certainly be a labyrinth of virtuosity, memory and endurance. An operatic event not to be missed: evviva Donizetti and long live bel canto!

Les Tudors à La Plage Brunch 9.6.24

Avec le soutien de

Ballet

Éléments

Noetic

Sidi Larbi Cherkaoui

Créé en 2014 à Göteborg pour GöteborgsOperans Danskompani

Faun

Sidi Larbi Cherkaoui

Créé en 2009 à Sadler's Wells, Londres

Boléro

Damien Jalet et Sidi Larbi Cherkaoui

Créé en 2013 à l'Opéra de Paris

Noetic

Chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

Scénographie Antony Gormley

Lumières David Stokholm

Costumes Les Hommes

Musique Szymon Brzóska

Percussions Shogo Yoshii

Chant Ana Vieira Leite

Faun

Chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

Scénographie, lumières et vidéo Adam Carrée

Costumes Hussein Chalayan

Musique Claude Debussy et Nitin Sawhney

Boléro

Concept et chorégraphie Damien Jalet et Sidi Larbi Cherkaoui

Concept et scénographie Marina Abramović

Lumières Urs Schönebaum

Assistants chorégraphiques Aimilios Arapoglou et James O'Hara

Costumes Riccardo Tisci

Musique Maurice Ravel

Ballet du Grand Théâtre

Orchestre de la Suisse Romande

Direction musicale Yannis Pouspourikas

18, 21 & 22 novembre 2023 — 20h 20 novembre 2023 — 19h

Recommandé

Éléments à La Plage Apéropéra 9.11.23

Atelier public 11.11.23

Répétition publique 11.11.23

Brunch 19.11.23

En coulisse 21.11.23

Avec le soutien de

Plus qu'un chorégraphe, Sidi Larbi Cherkaoui est un maître. La défense et l'illustration des styles de danse, des musiques d'ici et d'ailleurs, de maintenant et d'antan, et son goût pour la parole autant que pour le mouvement font de ses spectacles un moment d'entre-connaissance mathématique, mystique ou métaphysique dont on sort comme après une conférence TEDx next level. L'enseignement de Sidi Larbi (est-il besoin de rappeler que sidi vient de l'arabe سيدي Sayyīdī, « maître » ?) est réuni ce soir en trois phases qui pourraient évoquer trois éléments de la cosmologie taoïste. En Occident, les éléments sont quatre, on le sait, mais en Asie de l'Est, la tradition en dénombre cinq, tout comme les points cardinaux, les saveurs, les planètes, etc.

Dans Noetic, créée en 2014 pour la GöteborgsOperans

Danskompani, Sidi Larbi Cherkaoui est à la recherche de rien de moins qu'une « forme chorégraphique qui parle le langage de l'univers ». Académique et introspectif, Noetic (du grec νόησις noēsis, « intellect ») ce sont dix-neuf danseurs, en costumes noirs et robes de cocktail noires sur fond blanc, manipulant les bandes de fibres de carbone flexibles du plasticien Antony Gormley dans une transformation géométrique. Chaussures à talons aiguilles, vogueing et hip-hop en filigrane, musique allant de l'apocalyptique au néo-baroque ou au néo-médiéval, entre les mains du fidèle Symon Brzóska, tout en Noetic dessine la sagesse, la mémoire et la fluidité de l'Eau.

Dans Faun, Sidi Larbi Cherkaoui réinvente miraculeusement la sensualité innocente et farouche de L'Après-midi d'un faune de Nijinski, en préservant ses signifiants iconiques : la chaude après-midi, la forêt, les deux créatures mythiques, la nymphe et le faune. La musique est celle du fameux Prélude de Debussy, avec quelques ajouts contemporains de Nitin Sawhney. Mais là où Nijinski n'osait montrer que le désir ardent, Sidi Larbi plante résolument ses intentions dans l'éveil sexuel et la rencontre charnelle. Les pas serpentins et imaginatifs des danseurs ancrent ce duo dans une indéniable physicalité : douce, parfumée, estivale et moite, comme la Terre.

Boléro (2013) créé pour l'Opéra de Paris est une collaboration avec le chorégraphe franco-belge Damien Jalet, artiste associé du Grand Théâtre de Genève. Inspirés depuis leurs débuts par le travail de l'artiste serbe Marina Abramović, Cherkaoui et Jalet l'ont invitée à se joindre à eux pour développer le concept et la scénographie de ce ballet. Sur le gigantesque crescendo de Ravel, le motif passant d'un instrument à l'autre de l'orchestre sur un ostinato de caisse claire, les danseurs vêtus de noir et aux visages lourdement peints tournent et culbutent, doublés par un miroir géant placé derrière eux. Les capes noires tombent et s'engage une danse macabre tantrique, d'une puissance viscérale, à laquelle seule la Mort peut donner le coup de grâce d'une dissolution dans le néant, la joie parfaite, le nirvana, la consommation totale, le Feu. Peut-être qu'un jour Sidi Larbi nous enseignera le Bois et le Métal qui restent pour achever le pentagramme élémentaire du Tao…

More than a choreographer, Sidi Larbi Cherkaoui is a master. His championing of dance styles and music from here and elsewhere, from now and from the past, and his taste for words as much as for movement make his shows a moment of mathematical, mystical or metaphysical learning that you come of as if you'd attended a next level TEDx conference. Sidi Larbi's teaching (need I remind you that Sidi comes from the Arabic سيدي Sayyīdī, "master"?) is brought together this evening in three phases that could evoke three of the elements in Taoist cosmology. In the West, as we know, there are four elements, but in East Asia, things come in fives: elements, cardinal points, flavours, planets, etc.

In Noetic, created in 2014 for the GöteborgsOperans Danskompani, Sidi Larbi Cherkaoui is searching for nothing less than a "choreographic form that speaks the language of the universe". Academic and introspective, Noetic (from the Greek νόησις noēsis, 'intellect') is nineteen dancers, in black suits and black cocktail dresses on a white background, manipulating the flexible carbon fibre strips of visual artist Antony Gormley in a geometric transformation. Stiletto heels, vogueing and hip-hop are in the background, with music ranging from apocalyptic to neo-baroque or neo-medieval, in the hands of Sidi Larbi regular Symon Brzóska, everything in Noetic illustrates the wisdom, memory and fluidity of Water.

In Faun, Sidi Larbi Cherkaoui miraculously reinvents the innocent and fierce sensuality of Nijinsky's L'Après-midi d'un faune, preserving its iconic signifiers: the warm afternoon, the forest, the two mythical creatures, the nymph and the faun. The music is Debussy's famous Prelude, with some contemporary additions by Nitin Sawhney. But where Nijinsky only dared show ardent desire, Sidi Larbi resolutely plants his intentions in sexual awakening and carnal encounter. The serpentine and imaginative steps of the dancers anchor this duet in an undeniable physicality: soft, perfumed, summery and moist, like the Earth.

Boléro (2013) created for the Paris Opera is a collaboration with the French-Belgian choreographer Damien Jalet, associate artist of the Grand Théâtre de Genève. Inspired since their beginnings by the work of Serbian artist Marina Abramović, Cherkaoui and Jalet invited her to join them in developing the concept and set design of this ballet. As Ravel's gigantic crescendo swells, the motif passing from one instrument to another in the orchestra over a snare drum ostinato, the dancers dressed in black and with heavily painted faces spin and tumble, doubled by a giant mirror placed behind them. The black capes fall and a tantric danse macabre of visceral power begins, which only Death can mercifully dissolve into nothingness, perfect joy, nirvana, total consumption: Fire. Perhaps one day Sidi Larbi will teach us the Wood and Metal that remain to complete the elementary pentagram of the Tao...

Planet [wanderer]

Production invitée

Damien Jalet et Kohei Nawa Créé en septembre 2021 à Chaillot – Théâtre national de la Danse, Paris

Chorégraphie Damien Jalet

Scénographie Kohei Nawa

Lumières Yukiko Yoshimoto

Costumes Sruli Recht

Musique Tim Hecker

Collaborateur à la création sonore Xavier Jacquot

Assistanat à la chorégraphie Alexandra Hoàng Gilbert

Regard extérieur Catalina Navarrete Hernández

Danseuses et danseurs Shawn Ahern

Kim Amankwaa

Aimilios Arapoglou

Francesco Ferrari

Vinson Fraley

Christina Guieb

Astrid Sweeney

Ema Yuasa

Production du Théâtre National de Bretagne

En partenariat avec Chaillot – Théâtre national de la Danse, Producteur délégué de la création 2021

Coproduction : Charleroi Danse ; Sandwich Inc. ; Théâtre National de Bretagne ; Festspielhaus St Pölten ; Tokyo Metropolitan Theatre ; Rohm Theatre Kyoto ; Opéra de Rouen Normandie ; Theater Kampnagel Hamburg ; Ballet du Grand Théâtre de Genève ; Staatstheater Darmstadt ; Nagelhus Schia Productions (sous réserve).

Coopération : Université des arts de Kyoto - Projet ULTRA SANDWICH #14 #15 #16 #17, Université de Kyoto - Laboratoire Takenaka

Ce spectacle bénéficie du soutien de Grand Marble et MATSUSHIMA HOLDINGS CO., LTD. Remerciements à Théo Casciani et Prabda Yoon.

8 & 9 mars 2024 — 20h

10 mars 2024 — 15h

Avec le soutien de

Partenaire de l'art contemporain

ADAM ET CHLOÉ SAID

Artiste associé du Ballet de Genève, le chorégraphe francobelge Damien Jalet et le plasticien japonais Kohei Nawa se sont rencontrés pour la première fois autour de Vessel afin de fusionner, confronter et transcender leurs moyens d'expression respectifs. Entre sculpture mobile et performance sculpturale, Planet [wanderer] répond en écho à Vessel comme le second volet d'un diptyque. Partant du mot « planète » et de son étymologie (πλανήτης planētēs « qui erre, qui s'égare ») Jalet et Nawa plongent un groupe de huit danseurs dans une réflexion chorégraphique aux allures de promenade initiatique. Dans cette œuvre, ils partent du constat que le monde en tant que réalité planétaire est un corps à la dérive et, inversement, être à la dérive est le premier attribut de tous les corps de cet univers.

C'est peut-être pour mieux mettre en évidence cette errance que Damien Jalet et Kohei Nawa imaginent comme cadre de leur exploration une réinterprétation contemporaine des jardins secs de Kyoto. C'est dans cette ville que le plasticien est basé et que le duo explore son langage commun depuis 2015. La scénographie est ici espace métaphorique et métamorphique, où tout semble interagir.

Dans la continuité de Vessel, qui créait un autre monde à partir de l'anatomie des danseurs, Planet [wanderer] s'engage sur un territoire intermédiaire, entre laboratoire scientifique et conte mythologique. Dans le Kojiki, l'antique récit japonais de genèse du monde, le monde où nous habitons est appelé Ashihara-no-Nakatsukuni, littéralement « la terre centrale des roseaux ». Coïncidence avec les « roseaux pensants » de Pascal, les humains de Planet [wanderer] oscillent dans un équilibre fragile entre pouvoir et vulnérabilité, harmonie et survie, destruction et évolution.

Du corps humain comme continuité d'un paysage, au paysage perçu comme la continuité du corps humain, Planet [wanderer] explore de façon abstraite différentes phases de connexion et de déconnexion, harmonieuses et fragiles, violentes et ravageuses. En confrontant le corps humain à divers matériaux expérimentaux, aux éléments et à la gravité, Planet [wanderer] est une évocation physique et poétique de la nature migratoire de la vie et de la relation à la fois puissante et fragile qui nous relie à ce nomade sphérique qu'est notre planète.

Associate artist of the Geneva Ballet, Franco-Belgian choreographer Damien Jalet and the Japanese visual artist Kohei Nawa met for the first time around Vessel in order to merge, confront and transcend their respective means of expression. Between mobile sculpture and sculptural performance, Planet [wanderer] reflects Vessel as the second part of a diptych. Starting from the word "planet" and its Greek etymology (πλανήτης planētēs "that wanders, that gets lost") Jalet and Nawa plunge a group of eight dancers into a choreographic reflection which looks and feels like an initiation journey. In this piece, they start with the observation that the world, as a planetary reality, is a body adrift and, conversely, being adrift is the first attribute of all bodies in this universe.

To better highlight this wandering, Damien Jalet and Kohei Nawa imagine a contemporary reinterpretation of the dry gardens of Kyoto as the setting for their exploration. The visual artist city is based in this city and Kyoto is where the two of them have been exploring their common language since 2015. The scenography here is a metaphorical and metamorphic space, where everything seems to interact.

In the continuity of Vessel, which created another world from the anatomy of the dancers, Planet [wanderer] moves into an intermediate territory, between scientific laboratory and mythological tale. In the Kojiki, the ancient Japanese account of the genesis of the world, the world we inhabit is called Ashihara-no-Nakatsukuni, literally "the central land of reeds". In a strange coincidence with Pascal's ‘thinking reeds', the humans in Planet [wanderer] oscillate in a fragile balance between power and vulnerability, harmony and survival, destruction and evolution.

From the human body as the continuity of a landscape, to the landscape perceived as the continuity of the human body, Planet [wanderer] abstractly explores different phases of connection and disconnection, harmonious and fragile, violent and devastating. Through the confrontation of the human body with various experimental materials, elements and gravity, Planet [wanderer] is a physical and poetic evocation of the migratory nature of life and of the powerful and fragile relationship that connects us to this spheric nomad that is our planet.

Outsider

Rachid Ouramdane Création mondiale

Nouvelle production en coproduction avec Chaillot – Théâtre national de la Danse Production La Plage

Chorégraphie Rachid Ouramdane

Scénographie Rachid Ouramdane & Sylvain Giraudeau

Lumières Stéphane Graillot

Costumes Rachid Ouramdane & Gwladys Duthil

Musique Julius Eastman

Ballet du Grand Théâtre de Genève

Avec des étudiant·e·s de la HEM sous la direction de Stéphane Ginsburgh

Avec sportif·ve·s de l'extrême

3 mai 2024 — 19h

4 mai 2024 — 20h

5 mai 2024 — 15h

Outsider à La Plage Brunch 21.4.24

Apéropéra 2.5.24

Avec le soutien de

Habitué des projets à la croisée des disciplines, Rachid

Ouramdane, depuis avril 2021 directeur de Chaillot – Théâtre national de la Danse, s'empare des danseurs et danseuses du Ballet pour un inédit La Plage. Équilibriste, à la recherche non pas de la perfection mais d'une maîtrise du geste juste, voici qu'il mêle des sportifs de l'extrême aux fugues du groupe chorégraphié, étendant le pouvoir des uns et des autres par le croisement de leurs personnalités. Travaillant sur l'essaimage, la nuée, cette horizontalité du mouvement, Rachid

Ouramdane est fasciné par le moment de la chute, où cette ligne se brise… ou presque. Ces lignes enchevêtrées se retrouveront aussi dans la scénographie et de manière immatérielle dans la musique. Ce seront les compositions pour quatre pianos du compositeur américain Julius Eastman qu'on resortira pour cette rencontre de l'armoire. Figure marginale – marginalisée ? – et mystérieuse de la scène minimaliste new-yorkaise, Eastman était engagé politiquement, poète solitaire dont la mélancolie a influencé son génie ainsi que son destin tragique : pendant l'hiver 198182, il fut expulsé de son appartement par la police, qui détruisit la plupart de ses biens, dont des partitions et des enregistrements. Il fut retrouvé mort en 1990, dans les rues de Buffalo, après des années de vagabondage.

Rachid Ouramdane is used to working on transdisciplinary projects. Since April 2021 director of France's ChaillotThéâtre national de la Danse, he will be taking on the dancers of the Geneva Ballet for a La Plage special edition. A balancing act, not after perfection but the mastery of the right gesture, here he is mixing extreme athletics with the counterpoint of a choreographed group, extending the power of all and sundry through the crossing of their personalities. Using the idiom of the swarm, the cloud, the horizontality of movement, Ouramdane is fascinated by the moment of the fall, when a line breaks... or almost. Expect these entangled lines in the scenography and, immaterially, in the music. The compositions for four pianos by the American composer Julius Eastman will be brought out of oblivion for this occasion. A marginal – or marginalised? - and mysterious figure of the New York minimalist scene, Eastman was politically actice, a figure of queer culture and a solitary poet whose melancholy influenced his genius as well as his tragic destiny: during the winter of 1981-82, he was evicted from his flat by the police, who destroyed most of his belongings, including scores and recordings. He was found dead in 1990 on the streets of Buffalo after years of vagrancy.

Forces

BUSK

Aszure Barton

Créé en 2009 pour Aszure Barton & Artists, Sarasota, Florida

STRONG

Sharon Eyal

Créé en décembre 2019 pour le Staatsballett Berlin, Allemagne

BUSK

Chorégraphie et arrangements musicaux

Aszure Barton

Costumes Michelle Jank

Lumières et scénographie Nicole Pearce

Musique Daniel Bélanger

Slava Greigoryan

Moondog

Camille Saint-Saëns

August Soderman

David Wikander

Lev « Ljova » Zhurbin

STRONG

Chorégraphie Sharon Eyal

Co-chorégraphie Gai Behar

Scénographie Sharon Eyal & Gai Behar

Musique Ori Lichtik

Lumières Alon Cohen

Costumes Rebecca Hytting

Ballet du Grand Théâtre de Genève

12, 14 & 15 juin 2024 — 20h 16 juin 2024 — 15h

Bâtiment des Forces Motrices

Forces à La Plage Répétition publique 08.06.24

Avec le soutien de

Le double programme Forces réunit deux œuvres puissantes de deux femmes à l'avant-garde chorégraphique de notre temps, qui ont été invitées à recréer ces programmes emblématiques de leurs répertoires respectifs avec le Ballet du Grand Théâtre de Genève.

La Canadienne Aszure Barton, ancienne élève de l'École nationale de ballet du Canada, travaille comme créatrice de danse depuis plus de 25 ans. Régulièrement invitée à collaborer avec des institutions prestigieuses, du English National Ballet au Nederland Dans Theater, en passant par la Martha Graham Dance Company et le Alvin Ailey American Dance Theater, ses œuvres ont été interprétées, entre autres, sur la scène du Palais Garnier, du Lincoln Center de New York et du Théâtre Mariinski de Saint-Pétersbourg. Dans BUSK, créée en 2010 pour le Baryshnikov Arts Center de New York, Aszure Barton nous invite à apprécier la fragilité, la tendresse et la résilience qui existent dans l'expérience humaine. BUSK est une attentive observation du déploiement physique de la psyché humaine. Toutes les facettes du corps et de l'esprit des danseurs y sont mises à contribution. Les danseurs doivent puiser dans le collectif – l'esprit de ruche – pour exécuter les structures chorégraphiques stratifiées et complexes de Barton, qui cèdent ensuite la place à la nuance de chaque individu. Dérivant leur titre énigmatique autant du mot espagnol pour chercher (buscar) que du verbe anglais pour le spectacle de rue, les interprètes de BUSK se présentent tels qu'ils sont et invitent le public à entrer avec eux dans la recherche de la sagesse inhérente des corps.

Ancienne danseuse de la Batsheva Dance Company, Sharon Eyal en a été la directrice artistique associée et chorégraphe résidente, avant de fonder sa propre compagnie L-E-V à Tel Aviv avec Gai Behar en 2013. Trépidation, solitude, force et résilience sont les quatre caractéristiques qui dominent la chorégraphie de Strong de Sharon Eyal, créée avec le Staatsballett Berlin en 2019, une œuvre qui porte les mouvements caractéristiques et la musique distinctive de ses pièces : une bande-son techno alternée par la batterie et la basse alors que les lumières et le mouvement projettent une expérience extatique pour dix-sept danseurs envoûtés. Strong développe entre les danseurs un magnétisme des corps qui, en se rapprochant, augmentent la force éponyme de ce spectacle. Strong est une composition faite de mouvements nerveux, en apparence épuisants mais légers et souples. La force est dans le groupe, mais aussi dans l'aliénation et la solitude. Le résultat est emblématique de la cohésion qui dérive d'une mission ou d'une croyance commune. Le travail de Sharon Eyal est fait du plaisir partagé qui découle parfois de la douleur, comme les danseurs le savent bien, ou du plaisir de lutter avec la même force pour les mêmes objectifs.

Forces is a double dance bill that brings together two powerful works by two women at the choreographic forefront of our time, who have been invited to recreate these iconic programmes from their respective repertoires with the Geneva Ballet Company

Aszure Barton, an alumna of Canada's National Ballet School, has been creating dances for over 25 years. She has been guest choreographer in prestigious institutions, such as the English National Ballet to the Nederland Dans Theater, the Martha Graham Dance Company and the Alvin Ailey American Dance Theater. Her works have been performed at the Paris Opera, New York's Lincoln Center and the Mariinsky Theatre in St. Petersburg, among others. In BUSK, created in 2010 for the Baryshnikov Arts Center in New York, Aszure Barton invites us to enjoy the fragility, tenderness, and resilience that exist within the human experience. BUSK is an attentive gaze cast on the physical unfurling of the human psyche to a spirited score. Every facet of the dancers' bodies and minds are engaged. The dancers must tap into the collective – a hive mind – in order to execute Barton's layered and intricate choreographic structures which then give way to the nuance of each individual. Deriving its title as much from the Spanish word for search (buscar) as from the English verb for street performance, the performers of BUSK present themselves as they are and invite the audience to enter with them in the search for the inherent wisdom of the body.

First a dancer with the Batsheva Dance Company, Sharon Eyal became its associate artistic director and later resident choreographer. She founded her own company L-E-V in Tel Aviv with Gai Behar in 2013. Trepidation, loneliness, strength and resilience are the four characteristics that dominate Sharon Eyal's choreography of Strong, created with Staatsballett Berlin in 2019, a work that carries the characteristic movements and distinctive music of Eyal's pieces: a techno soundtrack alternated by drums and bass as lights and movement project an ecstatic experience for seventeen spellbound dancers. Strong develops a magnetism of bodies between the dancers which, as they come closer together, increase the eponymous strength of this performance. Strong is a composition of nervous movements, seemingly exhausting but light and supple. The strength is in the group, but also in the alienation and solitude. The result is emblematic of the cohesion that derives from a common mission or belief. Sharon Eyal's work is about the shared pleasure that sometimes comes from pain, as the dancers know well, or the pleasure of fighting with the same strength for the same goals.

Idoménée

distribution → voir page 46

L'Idomeneo de Mozart est le seul de ses opéras à faire figurer un véritable ballet. Les racines françaises d'une œuvre inspirée par l'Idoménée d'André Campra, crée en 1712 à Paris à l'Académie royale de musique, devenue aujourd'hui l'Opéra, expliquent en partie la nécessité pour le jeune Wolfgang d'inclure des éléments dansants dans sa partition. Le public aristocratique du Théâtre de la Résidence de Munich, le joyau de François de Cuvilliés, avec ses yeux rivés sur Versailles, ne s'attendait pas à moins. Mais on peut aussi croire que Mozart, danseur enthousiaste, ne s'est pas privé de laisser aller sa verve chorégraphique pour soutenir le drame d'Idomeneo et ses péripéties sur terre et sur mer par une action de ballet qui n'aurait rien à envier à Paris. Pour se première mise en scène d'opéra en tant que directeur du Ballet de Genève, Sidi Larbi Cherkaoui, dont a pu voir en streaming en 2021 le Pelléas et Mélisande qu'il façonna avec Damien Jalet et Marina Abramović, s'associe à une autre grande plasticienne, Chiharu Shiota. Ensemble, avec les danseurs du Ballet de Genève et les solistes de la compagnie Eastman de Sidi Larbi Cherkaoui, ils lieront et délieront corps, cordages et cœurs blessés pour faire une proposition à la fois insolite et dramatiquement vraisemblable de cet opéra de Mozart, peu représenté parce que si immense de nature.

Mozart's Idomeneo is the only one of his operas to feature a full-scale ballet. The French roots of a work inspired by André Campra's Idoménée, premiered in 1712 in Paris at the Académie Royale de Musique, now the Paris Opera, partly explain the need for the young Wolfgang to include dance parts in his score. The aristocratic audience at the Munich Residenztheater, the masterpiece of Franz de Cuvilliés, with its eyes fixed on Versailles, expected no less. But one can also believe that Mozart, an enthusiastic dancer, felt free to let his choreographic inspiration flow to support the drama on land and sea in Idomeneo with a ballet every bit as good as what was being seen in Paris. For his first opera production as director of the Geneva Ballet, Sidi Larbi Cherkaoui, whose Pelléas et Mélisande created with Damien Jalet and Marina Abramović we streamed in 2021, is teaming up with another great visual artist, Chiharu Shiota. Together, leading the dancers of the Geneva Ballet and soloists from Cherkaoui's own Eastman Company, they will thread and unthread bodies, ropes, and wounded hearts to propose an unusual, yet dramatically plausible, reading of a Mozart opera that is rarely performed because it is so immense in nature.

Quelques dates clés du Ballet du Grand Théâtre de Genève en tournée

Ukiyo-e

chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

6 et 7 septembre 2023

Festival RomeEuropa, Auditorium

Parco della Musica

Rome, Italie

Ukiyo-e

chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

11, 12, 13, 14, 16, 17, 18 et 19 septembre

2023

La Biennale de Lyon, Maison de la Danse

Lyon, France

Ukiyo-e

chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

29 et 30 septembre 2023

Torino Danza Festival, Fonderie Limone

Turin, Italie

Faun

chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

Ukiyo-e

chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

11, 12, 13 et 14 octobre 2023

Theatro Real

Madrid, Espagne

Skid

chorégraphie Damien Jalet

Thr(o)ugh

chorégraphie Damien Jalet

19, 20 et 21 janvier 2024

De Singel

Anvers, Belgique

Faun

chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

Noetic

chorégraphie Sidi Larbi Cherkaoui

27, 28, 29 février et 1er mars 2024

Gran Teatre del Liceu

Barcelone, Espagne

Outsider

chorégraphie Rachid Ouramdane

21, 22, 23 et 24 juin 2024

Théâtre La Villette

Paris, France

Avec le soutien de

Retrouvez toutes les tournées du Ballet du GTG sur gtg.ch

Avec le soutien de

Récital & Concert

La culture avec des grands C

récital & concert

84 Lawrence Brownlee & Levy Sekgapane

85 Matthias Goerne

86 Sandrine Piau

87 Aleksandra Kurzak & Roberto Alagna

88 Concert de Nouvel An

20 septembre

2023 — 20h

Lawrence Brownlee & Levy Sekgapane

Comme le public genevois le sait bien, depuis ses interprétations mémorables de Ramiro et Lindoro / Almaviva chez nous, Lawrence Brownlee est l'un des ténors rossiniens exceptionnels de notre époque. Et pour son retour très attendu sur la scène de Neuve, il est accompagné d'un jeune collègue et ils vont nous épater avec un double programme de pur plaisir belcantiste. Moins connu que son collègue étasunien, Levy Sekgapane, né en Afrique du Sud en 1991, a remporté en 2015 le premier Prix Belvedere à Amsterdam, la même année le Prix Montserrat Caballé, et en 2017 le Concours Operalia. Voilà donc deux chanteurs d'égale virtuosité, qui s'apprécient, se respectent et entretiennent sans doute une forme de relation mentor-mentoré... mais qui sont deux artistes très différents. Chez Levy, nous avons l'énergie de la jeunesse, la vivacité, la fantaisie, l'éclat, le chant comme exaltation ; chez Lawrence, l'expérience, le sens du drame, l'intensité, la musicalité de premier ordre, le chant comme partage de l'émotion. Tour à tour en solo ou ensemble, nos compères nous réservent une soirée de grande virtuosité vocale et de ravissement musical, entièrement italienne, qui restera dans les mémoires.

As Geneva audiences well know from his memorable performances here of Ramiro and Lindoro/Almaviva, Lawrence Brownlee is one of the exceptional Rossinian tenors of our time. And for his much-awaited return to the Place de Neuve stage, he brings with him a young colleague, to wow us with a double bill of sheer bel canto enjoyment. Less known than his American colleague, Levy Sekgapane, born in South Africa in 1991 won in 2015 the first Belvedere Prize in Amsterdam, the same year the Montserrat Caballé Prize, and in 2017 the Operalia Competition. Here are two equally virtuosic singers, who appreciate and respect each other and no doubt entertain a form of mentor-mentee relationship… but who are two very different artists. In Levy, we have the energy of youth, liveliness, fantasy, brightness, singing as elation; in Larry, experience, sense of drama, intensity, musicality of the highest order, singing as a sharing of emotion. Taking turns at going solo or joining forces, this allItalian evening of musical rapture and virtuoso vocal pyrotechnics is going to be something to remember.

Lawrence Brownlee & Levy Sekgapane ténors

Giulio Zappa piano

Belcanto et mélodies, avec airs et duos de Gaetano Donizetti, Gioacchino Rossini, Vincenzo Bellini et Giuseppe Verdi

Avec le soutien de FONDATION VRM

15 octobre 2023 — 20h

Matthias Goerne

Matthias Goerne baryton

Alexander Schmalcz piano

Franz Schubert – Die schöne Müllerin (« La Belle Meunière »), op. 25 / D 795

« Il me semble parfois que je n'ai pas du tout appartenu à ce monde. » Ces paroles de Schubert, souvent citées, sont peutêtre apocryphes, mais elles pourraient bien servir d'épigraphe au récital d'un seul service du baryton allemand et grand seigneur du lied Matthias Goerne : Die schöne Müllerin. Avec son timbre sombre et profond et son penchant pour les tempi lents, Goerne propose une relecture pleine de discernement de l'histoire tragique du compagnon meunier. Il nous chantera des visions d'une intense mélancolie où le jeune rêveur introverti, dangereusement hypnotisé par le ruisseau du moulin, est déjà à moitié amoureux de la mort secourable. La gamme des émotions est large - l'exaltation, la fureur frénétique, l'amertume d'un cœur stoïque - et les couleurs hantées et l'intensité hypnotique de la ligne de chant de Matthias Goerne sont la marque de son amour profond pour la beauté des mélodies de Schubert. Son compagnon de la soirée est Alexander Schmalcz, dont la partie de piano porte une grande partie de la charge expressive de l'œuvre et ne saurait être qu'un simple accompagnement du chanteur. En effet, la musicalité d'Alexander Schmalcz va bien au-delà du piano : il a été l'orchestrateur de Goerne pour son récent album Schubert Revisited avec la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, un ajout remarquable à la collection de nombreux enregistrements du grand baryton.

"It sometimes seems to me as if I did not belong to this world at all." These oft-quoted words of Schubert's may be apocryphal, but they could well stand as an epigraph to German baritone and master of the German art song Matthias Goerne's one-course recital of Die schöne Müllerin. With his deep, sombre timbre and penchant for slow tempi, Goerne proposes a world-wise retelling of the journeyman miller's tragic story. He will sing us through his visions of intense melancholy where the introverted young dreamer, dangerously mesmerised by the stream, is already half in love with easeful death. The gamut of emotions runs wide –elation, frenzied fury, bitterness, and stoical heartbreak – and Goerne's haunted colourings and hypnotic intensity of line are the hallmark of his deep love for the beauty of Schubert's melodies. Matthias Goerne's companion along the mill stream is Alexander Schmalcz, whose piano part bears much of the expressive burden of the work and is only seldom a mere accompaniment to the singer. Indeed, Alexander Schmalcz's musicianship is much more than pianistry : he was Goerne's orchestrator for his recent album Schubert Revisited with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, a remarkable addition to the numerous recordings made by this exceptionally talented baritone.

Avec le soutien de FONDATION VRM

1er mars 2024 — 20h

Sandrine Piau Voyage intime

Sandrine Piau soprano

David Kadouch piano

L'une des voix de sopranos françaises les plus élégantes et radieuses, l'une des plus aimées certainement, celle de la soprano Sandrine Piau, vient nous raconter ce « Voyage intime » qui est le parcours d'une longue et brillante carrière et d'un apprentissage sans cesse renouvelé de l'art et de la vie. Trop rarement présente à Genève, c'est son premier retour au Grand Théâtre depuis un Mitridate, re di Ponto en 1997. Avec son complice David Kadouch, elle trace un itinéraire dont les principaux jalons sont la persistance du désir, l'arbitraire de la mort et un désir existentiel d'échapper à l'ici et au maintenant, incarné par la juxtaposition entre « Kennst du das Land » de Schubert et « L'invitation au voyage » de Duparc, entre la « Lorelei » de Clara Schumann et l'envoi mélancolique du « Comment, disaient-ils » de Liszt. Sandrine

Piau aime citer ces vers du philosophe Clément Rosset : « Je viens je ne sais d'où, Je suis je ne sais qui, Je meurs je ne sais quand, Je vais je ne sais où, Je m'étonne d'être aussi joyeux » qui semblent avoir été écrits comme épitaphe de l'étoile filante de la musique française du XXe siècle que fut Lili Boulanger, dont plusieurs pièces, trop peu souvent jouées, figurent à ce programme.

One of the most elegant and radiant French voices, certainly one of the most beloved, that of the soprano Sandrine Piau, comes to tell us about this "intimate journey", where she retraces the path of a long and brilliant career and the lessons she never ceases to learn from art and life. An all-too rare presence in Geneva, this is Piau's first return to the Grand Théâtre since a Mitridate, re di Ponto in 1997. With David Kadouch at the keyboard, she takes us on this journey whose principal milestones are the persistence of desire, the arbitrary inevitability of death and an and an existential yearning to escape the here and now, embodied in the juxtaposition between Schubert's "Kennst du das Land" and Duparc's "L'invitation au voyage", between Clara Schumann's "Lorelei" and the casual send-off of Liszt's "Comment, disaient-ils". Sandrine Piau likes to quote these verses by the philosopher Clément Rosset: "Where I come from I know not, Who I am I know not, I die I know not when, I go I know not where, I am surprised to be so happy", which seem to have been written as an epitaph for the shooting star of twentiethcentury French music that was Lili Boulanger, several of whose pieces, alas too seldom played, are included in this programme.

Œuvres de Franz Schubert, Clara Schumann, Franz Liszt, Lili Boulanger, Henri Duparc et Claude Debussy

Avec le soutien de FONDATION VRM

26 mai 2024 — 20h

Aleksandra Kurzak & Roberto Alagna

Aleksandra Kurzak soprano

Roberto Alagna ténor

Airs, duos et mélodies du grand répertoire lyrique italien et français

Aleksandra Kurzak et Roberto Alagna se sont rencontrés en tant que premiers rôles d'une production de L'elisir d'amore de Donizetti à Covent Garden. Quelques années plus tard, dans le cadre d'une production de la même œuvre à l'Opéra de Paris, ils ont aujourd'hui décidé de former un couple glamour aussi bien sur scène qu'à la ville et qui envoûte le public du monde entier. Depuis ses débuts dans le rôle d'Alfredo dans La traviata de Verdi (en 1988 au Glyndebourne Touring Opera), le ténor français Roberto Alagna campe à peu près tous les rôles-clés de ténor des opéras de Verdi, Donizetti, Gounod, Massenet et Puccini sur les plus grandes scènes lyriques. Il a acquis le cœur d'un très large public avec ses enregistrements de chansons populaires et ses apparitions sur les plateaux de télévision. Aleksandra Kurzak a commencé comme soprano colorature mais chante aujourd'hui surtout le répertoire vériste et de la fin du XIXe siècle. Pour leur premier album en commun, en 2018, ils avaient choisi les duos d'amour de Puccini : un répertoire dans l'ADN d'Alagna, qui le chante depuis toujours, dans lequel la grande tragédienne du répertoire belcanto et vériste qu'est son épouse le rejoint tout naturellement. En concert, ils marient avec finesse et justesse leurs deux timbres et expriment une générosité musicale qui ne peut que susciter l'enthousiasme.

Roberto Alagna and Aleksandra Kurzak met as the lead roles in a production of Donizetti's L'elisir d'amore at Covent Garden. A few years later, in a production of the same work at the Paris Opera, they have now decided to form a glamorous couple both on stage and in the city, captivating audiences around the world. Since his debut as Alfredo in Verdi's La traviata (1988 at Glyndebourne Touring Opera), French tenor Roberto Alagna has performed just about every key tenor role in the operas of Verdi, Donizetti, Gounod, Massenet and Puccini on the world's greatest opera stages. He has won the hearts of a very large audience with his recordings of popular songs and his appearances on television. Aleksandra Kurzak started out as a coloratura soprano, but nowadays she sings mainly verismo and late 19th century repertoire. For their first album together, in 2018, they chose Puccini's love duets: a repertoire in Alagna's DNA, who has always sung it, in which the great tragedienne of the bel canto and verismo repertoire that is his wife joins him quite naturally. In concert, they marry their two timbres with finesse and accuracy and express a musical generosity that can only arouse enthusiasm.

Avec le soutien de FONDATION VRM

31 décembre 2023 — 19h30

Concert de Nouvel An / Une soirée à Broadway

Simon Keenlyside baryton

David Greilsammer direction musicale

Geneva Camerata

Mélodies et airs américains de George Gershwin, Cole Porter, Richard Rogers & Oscar Hammerstein et autres

Saviez-vous que Simon Keenlyside, l'un des barytons d'opéra les plus charismatiques et les plus recherchés au monde, adore aussi les chansons des comédies musicales de Broadway et du West End ? Vous n'avez manifestement pas écouté son CD, Something's Gotta Give, sorti en 2014, un album consacré à des chansons de comédies musicales - des chansons qui requièrent tout autant d'attention au texte et à l'interprétation qu'un lied et souvent la même maîtrise de la technique vocale que les airs d'opéra. Il parvient à adapter sa voix sans aucun complexe, et il en ressort un fabuleux sens de la ligne lyrique, un magnifique timbre crémeux, une caractérisation aiguë et une superbe diction, toutes les chansons étant interprétées avec un style et un flair auxquels il est impossible de résister. Pour notre gala de la SaintSylvestre, il est rejoint par David Greilsammer, un autre artiste classique qui aime les croisements et qui a prouvé à maintes reprises ses talents de jazzman au clavier, mais qui, pour l'occasion, dirigera son Geneva Camerata dans une soirée pleine de grands succès et de torch songs des plus grands compositeurs on- et off-Broadway et un adieu spectaculaire à l'année 2023.

Did you know that Simon Keenlyside, one of the world's most charismatic and sought-after operatic baritones, has a side gig in songs from Broadway and West End musical comedies? You obviously haven't listened to his CD, Something's Gotta Give (2014), an album devoted to songs from musicals songs that require every bit as much attention to text and interpretation as lieder, and often the same mastery of vocal technique as operatic arias. Sir Simon manages to adapt his voice without any self-consciousness, and what comes across is a fabulous sense of lyrical line, a gorgeous creamy tone, acute characterization and superb diction, all the songs performed with a style and flair that is impossible to resist. For our New Year's Eve gala, he is joined by David Greilsammer, another classical artist who loves to cross-over and who has proven time and time again his jazz talents on the keyboard, but who for the occasion will lead his Geneva Camerata in an evening full of the greatest hits and torch songs by the greatest on- and off-Broadway composers and a spectacular farewell to 2023.

Avec le soutien de FONDATION VRM

Gros plan sur les artistes

Mise en scène,

Artiste français d'origine berbère, Adel Abdessemed est né à Constantine, en Algérie, en 1971. Il vit et travaille désormais à Paris. Dans un contexte de censure culturelle, il fréquente l'École supérieure des beaux-arts d'Alger. Il devra quitter son pays natal pour la France en 1994, alors que la peur des attentats s'intensifie dans son entourage. La France représentera une sorte de seconde naissance pour l'artiste. C'est là qu'il peut véritablement développer son art, sans censure. Inscrit à l'École nationale des Beaux-Arts de Lyon, il élargit son utilisation des matériaux, il explore les possibilités de la vidéo et de la collaboration avec une communauté d'artistes. Depuis sa première exposition personnelle en 2001, plusieurs autres lui ont été consacrées, notamment au MoMA P.S.1, à New York ; au San Francisco Art Institute ; au Mathaf (Musée arabe d'art moderne) de Doha, et bien d'autres encore. L'artiste a eu droit à une grande rétrospective au Centre Pompidou, à Paris, en 2012, et est représenté dans de nombreuses collections internationales, tant publiques que privées.

Marina Abramović, née en 1946 à Belgrade, en Yougoslavie, est sans conteste l'une des artistes les plus importantes de notre époque. Depuis le début de sa carrière en Yougoslavie, au début des années 1970, où elle a fréquenté l'Académie des Beaux-Arts de Belgrade, Marina Abramović a été la première à utiliser la performance comme forme d'art visuel. Le corps a toujours été à la fois son sujet et son support. Explorant les limites physiques et mentales de son être, elle a résisté à la douleur, à l'épuisement et au danger dans sa quête de transformation émotionnelle et spirituelle. La préoccupation d'Abramović est de créer des œuvres qui ritualisent les actions simples de la vie quotidienne comme s'allonger, s'asseoir, rêver et penser ; en fait, la manifestation d'un état mental unique. En tant que membre essentiel de la génération des artistes pionniers de la performance, dont Bruce Nauman, Vito Acconci et Chris Burden, Abramović a créé certaines des premières pièces de performance les plus historiques et est l'une des rares à réaliser encore d'importantes œuvres de longue durée.

Le baryton Robin Adams est connu pour ses interprétations de musique contemporaine. Il s'est produit dans la plupart des grands opéras et festivals, notamment à la Scala de Milan, au Teatro Colon de Buenos Aires, au Royal Opera House de Londres, au Staatsoper de Stuttgart, à l'Oper Frankfurt, à l'Opernhaus de Zurich, à La Monnaie Bruxelles, au Concertgebouw Amsterdam, et bien d'autres encore. Il chante également la plupart du répertoire de baryton, y compris Don Giovanni, Eugène Onéguine, Macbeth, Wozzeck, Billy Budd et Marcello (La bohème). Il est nommée par Opernwelt et aussi par Opus Klassik comme meilleur chanteur 2021 pour son interprétation de Der Prinz von Homburg au Staatsoper Stuttgart. Adams entretient une longue relation avec le Konzert Theater Bern où il a débuté dans plusieurs rôles importants. Il est également un pianiste de jazz accompli et a créé plusieurs projets personnels.

Prix Abbiati 2016, Nicola Alaimo se produit sur les grandes scènes lyriques internationales (Metropolitan Opera, La Scala de Milan, Teatro Regio de Turin, Festival de Salzbourg, La Monnaie, Concertgebouw, Royal Opera House de Londres, Teatro Real de Madrid, Deutsche Oper de Berlin) et est régulièrement invité au Festival Rossini de Pesaro, ou il interprète notablement le rôletitre de Guillaume Tell. Parmi ses engagements récents, citons une tournée de La Cenerentola, Simon Boccanegra (rôle-titre) à Anvers, Adriana Lecouvreur à Palerme, La forza del destino au Metropolitan Opera, La bohème à Bologne, Le Comte Ory et Il pirata à La Scala de Milan. Il s'est produit aux Arènes de Vérone dans Il barbiere di Siviglia puis dans Simon Boccanegra à l'Opéra national de Paris. Il s'est produit en tournée et a récemment enregistré son CD d'airs de Rossini, « Largo al factotum », publié par Bongiovanni. Ses engagements futurs comprennent Falstaff à Venise et Tokyo, L'italiana in Algeri et La Cenerentola à Zurich, I due Foscari à Chicago et Guillaume Tell à Liège.

ADEL ABDESSEMED

décor, costumes et vidéo Saint François d'Assise

MARINA ABRAMOVIĆ Concept et scénographie Boléro

ROBIN ADAMS Baryton (Saint-François) Saint François d'Assise

NICOLA ALAIMO Baryton (Duc de Nottingham) Roberto Devereux

Née en Suède, María Bengtsson fait ses études à la Staatliche Hochschule für Musik de Freiburg. De 2000 à 2002, elle fait partie de l'Ensemble du Volksoper de Vienne et, de 2002 à 2007, de celui du Komische Oper de Berlin. Depuis lors, elle s'est produite sur les grandes scènes internationales, comme le Royal Opera House de Londres, La Scala de Milan, le Staatsoper de Vienne et l'Opéra national de Paris. Ces dernières saisons, elle a interprété des rôles tels que la Comtesse (Le nozze di Figaro), la Maréchale (Der Rosenkavalier) et la Comtesse (Capriccio) au Staatsoper de Vienne, Blanche (Dialogues des carmélites) à l'Opéra de Francfort, Pamina (Die Zauberflöte) à Berlin ou encore la partie de soprano du Requiem de Verdi mis en scène par Calixto Bieito au Staatsoper de Hambourg. En tant que concertiste et chanteuse de lied, elle s'est notamment produite sous la direction de Simone Young, de Kirill Petrenko, de Bertrand de Billy et, à l'occasion de l'inauguration de l'Elbphilharmonie, sous celle de Thomas Hengelbrock dans le Lobgesang de Mendelssohn.

Né à New York, Charles Castronovo fait ses débuts au Metropolitan Opera de New York dans le rôle de Beppe (Pagliacci). Il aborde très vite les œuvres de Verdi, Mozart et Donizetti, avant de s'attaquer à des rôles tels que Faust (rôletitre), Rodolfo (La bohème), Nadir (Les Pêcheurs de perles), Tom Rakewell (The Rake's Progress) sur les scènes américaines mais aussi dans les grandes maisons d'opéra du « vieux continent ». En 2010, il crée à Los Angeles le rôle-titre de l'opéra de Daniel Catán Il postino aux côtés de Plácido Domingo. Depuis, il se produit aux Festivals de Salzbourg, Aix-en-Provence et Verbier, ainsi qu'aux opéras de Chicago, Vienne, Berlin ou encore Zurich, dans des œuvres telles que La traviata, Die Zauberflöte, La Damnation de Faust, Manon et Carmen Plus récemment, il intègre les rôles-titre de Werther et Roberto Devereux, de même que Oronte (I Lombardi alla prima crociata, Verdi) et Hoffmann (Les Contes d'Hoffmann) à son répertoire.

Claveciniste, chef d'orchestre, musicologue et enseignant, William Christie a joué un rôle pionnier dans la redécouverte de la musique baroque en révélant à un large public le répertoire français des XVIIe et XVIIIe siècles. Sa carrière prend un tournant décisif lorsqu'il crée en 1979 Les Arts Florissants. À la tête de cet ensemble, en 1987, il connaît une véritable consécration avec Atys de Lully à l'Opéra Comique puis dans les plus grandes salles internationales. En tant que chef invité, il dirige souvent dans des festivals tels que Glyndebourne ou des maisons d'opéra comme le Metropolitan Opera, l'Opernhaus de Zurich ou l'Opéra national de Lyon. Soucieux d'approfondir son travail de formateur, en 2002 il fonde l'Académie du Jardin des Voix et en 2012, il crée le festival Dans les Jardins de William Christie à Thiré, en Vendée, où il réunit Les Arts Florissants, ses élèves de la Juilliard School et les lauréats du Jardin des Voix. En 2018, il donne tout son patrimoine à la Fondation William Christie – Les Arts Florissants.

Diplômée en lettres et histoire de l'art de l'École normale supérieure de Paris, Mariame Clément achève un doctorat sur la miniature médiévale persane tout en effectuant ses premiers stages au Staatsoper Unter den Linden. Elle signe sa première mise en scène en 2004 avec Il signor Bruschino/Gianni Schicchi à l'Opéra de Lausanne, avec des décors et costumes de Julia Hansen. Depuis, le binôme enchaîne les mises en scène, de l'Opéra de Paris au Covent Garden, en passant par Dresde, Berne et Athènes, dans des créations comme Les Pigeons d'argile de Philippe Hurel (Toulouse, 2014) à des redécouvertes comme Barkouf d'Offenbach (Opéra National du Rhin, 2018), prix de la meilleure redécouverte aux Opera Awards 2019. En 2020, sa production de Don Quichotte pour le Festival de Bregenz remporte le prix de la meilleure production de l'année au Österreichischer Musiktheaterpreis. Elle a récemment mis en scène Maria Stuarda au Grand Théâtre de Genève, deuxième volet d'une trilogie entamée avec Anna Bolena en 2021.

MARÍA BENGTSSON

Soprano (La Maréchale) Le Chevalier à la Rose

CHARLES CASTRONOVO Ténor (Don Carlos) Don Carlos

WILLIAM CHRISTIE Direction musicale Ariodante

MARIAME CLÉMENT Mise en scène Trilogie Tudors

Inés Cuello est une interprète de musique argentine dont la polyvalence et le talent lui permettent de passer d'un genre musical à un autre, avec discernement et sensibilité. Inés chante avec un style unique dans lequel elle montre son engagement envers son métier : pour elle, être chanteuse ne signifie pas se marier à un genre mais faire un pacte avec la musique, explorer toutes ses possibilités et jouer avec ses textures, respecter et améliorer chaque œuvre qu'elle interprète. En avril 2022, elle présente son dernier album, « Gardel », qui propose un voyage musical à travers les œuvres les plus remarquables du répertoire classique gardélien, à partir d'une esthétique fraîche et moderne, qui respecte et honore l'essence sobre, élégante et charismatique de la référence maximale du tango argentin dans le monde : Carlos Gardel. Récemment, Inés découvre une nouvelle passion pour l'enseignement et depuis, elle se consacre à donner des cours collectifs et individuels de chant et d'interprétation tout en développant, en parallèle, ses prochains projets et tournées.

Après ses études au Conservatoire de musique de Bordeaux, Stanislas de Barbeyrac intègre en 2008 l'Atelier Lyrique de l'Opéra national de Paris. Il reçoit de nombreuses distinctions et est élu Révélation artiste lyrique aux Victoires de la musique en 2014. Il fait des débuts remarqués au Festival d'Aix-en-Provence dans le rôle de Tamino (Die Zauberflöte), puis au Royal Opera House de Londres en Arbace (Idomeneo) ; il interprète Narraboth (Salome) à São Paulo et Pâris (La Belle Hélène) à Avignon. En 2015, il fait ses débuts au Festival de Salzbourg dans Davide penitente de Mozart. Plus récemment, il chante le Chevalier de La Force (Dialogues des carmélites) sur plusieurs grandes scènes européennes, Léandre (Le Médecin malgré lui) à Genève, Macduff (Macbeth) à Marseille, Don Carlos et Damon (Les Indes galantes) à Paris, Alfredo Germont (La traviata) à Dresde et encore Don Ottavio (Don Giovanni) au Metropolitan Opera, à Munich et à Paris. Il interprète le rôle d'Hylas dans l'enregistrement des Troyens dirigé par John Nelson (Erato).

Stéphane Degout est diplômé du Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon et a été membre de l'Atelier Lyrique de l'Opéra de Lyon. Ses débuts dans le rôle de Papageno (Die Zauberflöte) au Festival d'Aix-en-Provence le lancent sur la scène internationale. Dès lors, il se produit sur les plus grandes scènes lyriques : Opéra de Paris, Théâtre des ChampsÉlysées ou Opéra Comique, mais aussi Berlin Staatsoper, La Monnaie, le Theater an der Wien, le Royal Opera House Covent Garden, le Lyric Opera Chicago, le Metropolitan Opera de New York, le Teatro alla Scala, le Bayerische Staatsoper, le Nationale Opera à Amsterdam, l'Opernhaus Zürich, ainsi qu'aux festivals de Salzbourg, Glyndebourne, Édimbourg et Aix-en-Provence, à Tokyo et Los Angeles. Stéphane Degout est « chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres » et « artiste lyrique de l'année » en 2012 et en 2019 pour les Victoires de la musique classique. Il est désigné « Personnalité musicale de l'année 2018 » par l'association professionnelle de la critique de théâtre, musique et danse.

D'origine franco-italienne, Lea Desandre étudie à Venise auprès de Sara Mingardo et intègre le Jardin des Voix de William Christie en 2015. Elle est la révélation lyrique des Victoires de la musique classique en 2017 et nommée dans la catégorie artiste lyrique en 2021. Ses 12 années de danse classique viennent compléter sa formation. En 2021, Lea Desandre rencontre un grand succès dans sa prise de rôle de Cherubino (Le nozze di Figaro) au Festival d'Aix-en-Provence. Rôle repris depuis à l'Opéra de Paris, à l'Opéra de Zurich, au Liceu Barcelona et à l'Opéra de Lausanne.Plus récemment, elle chante Cherubino (Le nozze di Figaro) lors des Salzburger Festspiele, Stéphano (Roméo et Juliette) à l'Opéra de Paris, Dido (Dido & Aeneas) au Teatros del Canal ou encore Annio (La clemenza di Tito) en tournée européenne. Son premier récital enregistré, Amazone (élu Gramophone Editor's Choice 2021) a été enregistré en exclusivité pour Erato Warner avec l'Ensemble Jupiter dirigé par Thomas Dunford avec Cecilia Bartoli, Véronique Gens et William Christie en invités.

INÉS CUELLO (La voz de un payador) María de Buenos Aires

STANISLAS DE BARBEYRAC

Ténor (Idoménée) Idoménée

STÉPHANE DEGOUT

Baryton (Rodrigue) Don Carlos

LEA DESANDRE

Mezzo-soprano (Idamante) Idoménée

De nationalité francodanoise, Elsa Dreisig fait ses études au CNSM de Paris et à la Hochschule für Musik de Leipzig. En 2016, elle remporte le « Premier Prix féminin » au concours Operalia-Plácido Domingo. Elle est par ailleurs nommée « Jeune artiste de l'année » par le magazine Opernwelt et « Révélation artiste lyrique » aux Victoires de la musique classique. De 2015 à 2017, elle est membre de l'Opéra Studio du Staatsoper de Berlin où l'opportunité lui est offerte d'aborder des rôles tels que Pamina (Die Zauberflöte) et Eurydice (Orphée et Eurydice) et de participer à la nouvelle production de Juliette de Martinů aux côtés de Rolando Villazón et Magdalena Kozená, sous la direction de Daniel Barenboim. Elle fait aussi ses débuts à l'Opéra national de Paris (Pamina), à l'Opéra de Zurich (Musetta, La bohème) et au Festival d'Aix-en-Provence (Micaëla, Carmen) ainsi qu'avec l'Orchestre philharmonique de Berlin et Sir Simon Rattle à Berlin, Salzbourg, Lucerne et Paris (La Création de Haydn). La saison passée, elle illumine la scène du Grand Théâtre dans le rôle-titre d'Anna Bolena.

Titus Engel est nommé chef d'orchestre de l'année par le magazine international d'opéra Opernwelt en 2020. Respecté pour son expertise dans le domaine des interprétations historiques, ainsi que pour sa direction de projets contemporains complexes, le Berlinois originaire de Zurich fait également preuve d'une expérience solide de la littérature lyrique. Au cours de la saison 2023/24, il sera le chef principal du Basel Sinfonietta. Depuis ses débuts à l'opéra à Dresde en 2000, il est régulièrement invité par les opéras de Francfort, Stuttgart, Hambourg, Berlin, Munich, Lyon, Bâle et Genève, où il dirige entre autres Lohengrin de Wagner, Wozzeck de Berg, Salome de Strauss, Maskerade de Nielsen ou encore Bluthaus de Haas.

Avec Lydia Steier, il amène Donnerstag de Stockhausen sur la scène du Theater Basel en 2016. Parmi ses autres productions à Bâle, citons La traviata et Diodati. Unendlich de Michael Wertmüller. Titus a également dirigé des premières mondiales aux Festivals de Salzbourg, Berlin, Lucerne, à la Ruhrtriennale, au Teatro Real de Madrid et au Konzerthaus de Vienne.

Sharon Eyal naît à Jérusalem. Elle danse avec la Batsheva Dance Company entre 1990 et 2008 et commence à chorégraphier dans le cadre du projet Batsheva Dancers Create de la compagnie. Eyal est directrice artistique associée de la Batsheva entre 2003 et 2004, et chorégraphe attitrée de la compagnie entre 2005 et 2012. En 2009, Eyal commence à créer des pièces pour d'autres compagnies de danse dans le monde entier. En 2013, Eyal lance

L-E-V avec son collaborateur de longue date, Gai Behar. Parallèlement à leur travail avec L-E-V, Eyal et Behar reçoivent des commandes de création pour des compagnies extérieures, telles que le Nederland Dance Theatre ; le Staatsballett de Berlin, l'Opéra de Paris, France, le Ballet royal de Suède et la GöteborgsOperans Danskompani. Eyal collabore également avec de grands noms tels que Christian Dior Couture et María Grazia Chiuri pour divers défilés de mode et autres projets.

Daniele Finzi Pasca vit sur trois niveaux à la fois : celui de la direction théâtrale, des arts de la scène et de la clownerie. Née dans une famille imbibée d'art, il commence sa carrière comme gymnaste et devient un artiste de cirque avant d'entrer dans le monde du théâtre. Avec la compagnie Teatro Sunil, qu'il co-fonde en 1983, il crée et dirige une trentaine de spectacles présentés dans plus de 20 pays. En 1991, il écrit Icaro, un monologue imaginé pour un seul spectateur, interprété par lui-même environs 800 fois en 6 langues, qui est toujours en tournée. En 2011, il co-fonde la Compagnia Finzi Pasca pour laquelle il crée et dirige plusieurs spectacles dont des œuvres lyriques comme le Requiem et Aida de Verdi pour le Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, Pagliacci et Carmen pour le Théâtre San Carlo à Naples, ainsi que Einstein on the Beach à Genève et des événements de grande envergure comme trois cérémonies olympiques (Turin 2006 et Sochi 2014) et la Fête des Vignerons (2019).

ELSA DREISIG

Soprano (Anna Bolena, Elisabetta) Trilogie Tudors

TITUS ENGEL Direction musicale Justice

SHARON EYAL Chorégraphie Forces – Strong

DANIELE FINZI PASCA Mise en scène María de Buenos Aires

LEONARDO GARCÍA

ALARCÓN

Direction musicale

Idoménée

Après ses études de piano en Argentine, Leonardo García Alarcón s'installe en Europe en 1997 et intègre le Conservatoire de Genève. Il est réclamé par les plus grandes institutions musicales et lyriques, de l'Opéra de Paris au Teatro de la Zarzuela de Madrid et au Grand Théâtre de Genève, ville où il a fait ses premières armes. C'est sous l'égide de Gabriel Garrido qu'il se lance dans l'aventure baroque et il devient en peu d'années le chef d'orchestre obligé de la planète baroque. En 2005, il crée son ensemble Cappella Mediterranea, qu'il fonde pour accompagner le Chœur de chambre de Namur, dont il prend la direction en 2010. Leonardo García Alarcón redécouvre également de nombreux opéras de Cavalli comme Eliogabalo, Il Giasone et Erismena. En 2022, un nouveau chapitre s'ouvre dans sa carrière avec la création de son oratorio La Passione di Gesù, sa première grande composition contemporaine. Sa discographie prolifique est unanimement saluée par la critique. Leonardo García Alarcón est chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres.

ANTONY GORMLEY

Scénographie

Noetic

Né à Londres en 1950, Antony Gormley est largement reconnu pour ses sculptures, installations et œuvres d'art public qui étudient la relation du corps humain à l'espace. Son travail a développé le potentiel ouvert par la sculpture des années 1960 par le biais d'un engagement critique avec son propre corps et celui des autres d'une manière qui confronte les questions fondamentales de la position des êtres humains par rapport à la nature et au cosmos. Gormley tente d'identifier l'espace de l'art comme un lieu de devenir dans lequel de nouveaux comportements, pensées et sentiments peuvent apparaître.

Gormley a reçu le Turner Prize en 1994, le South Bank Prize for Visual Art en 1999, le Bernhard Heiliger Award for Sculpture en 2007, le Obayashi Prize en 2012 et le Praemium Imperiale en 2013. En 1997, il a été nommé officier de l'Empire britannique et a été fait chevalier dans la liste des honneurs du Nouvel An en 2014. Il est membre honoraire du Royal Institute of British Architects, docteur honoraire de l'université de Cambridge et membre des Trinity et Jesus Colleges de Cambridge.

ÈVE-MAUD HUBEAUX

Mezzo-soprano (princesse Éboli)

Don Carlos

De nationalité franco-suisse, Ève-Maud Hubeaux s'est formée à l'Institut Jaques-Dalcroze puis au Conservatoire de Lausanne. Elle est notamment révélation classique de l'ADAMI 2012 et premier prix au Concours de chant international Renata Tebaldi 2013. Après ses débuts à l'Opéra de Lausanne, elle est engagée par l'Opéra Studio du Rhin. Elle fait ses débuts à l'Opéra de Francfort dans le rôle de Waltraute (Die Walküre) et au Festival d'Aix-en-Provence dans L'Enfant et les sortilèges (la Mère, la Tasse chinoise et la Libellule). Elle se produit sur les plus grandes scènes d'Europe, en France, en Suisse, en Allemagne et en Belgique. En 2018, elle interprète la Princesse Eboli de Don Carlos à l'Opéra national de Lyon, puis Baba-laTurque de The Rake's Progess à Bâle, Scozzone (Ascanio de Saint-Saëns) à l'Opéra des Nations à Genève, Rinaldo (Armida) avec l'Orchestre de chambre de Bâle et Christophe Rousset. La saison passée, elle se produit notamment sur les scènes du Staatsoper unter den Linden, à l'Opéra de Paris et au Wiener Staatsoper dans Don Carlos, Dialogues des carmélites et Hamlet.

DAMIEN JALET

Chorégraphie

Planet [wanderer]

Concept et chorégraphie

Boléro

Depuis ses débuts créatifs en 2002 avec D'avant, avec Sidi Larbi Cherkaoui et al. à la Schaubühne de Berlin, la carrière du chorégraphe franco-belge est marquée par son désir de faire converger la danse avec les arts visuels, le cinéma, la musique savante, le théâtre et la mode, résultant en des créations aussi prestigieuses qu'insolites. Citons ici son Boléro, co-créé avec Cherkaoui et la plasticienne Marina Abramović à l'Opéra en 2013, son Gravity Fatigue, collaboration en 2015 avec le designer de mode Hussein Chalayan au Sadler's Wells de Londres ou le film-danse Mist en 2021 avec NDT-1. Travaillant autant avec le Bayerische Staatsoper ou la Pina Bausch Company qu'avec le cinéaste

Luca Guadagnino, l'auteurcompositeur Ryuichi Sakamoto ou Madonna, le plasticien

Kohei Nawa, les cinéastes Paul Thomas Anderson et Jacques Audiard. Damien Jalet a été nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres en 2022. Il est artiste associé du Ballet du Grand Théâtre de Genève.

FEDERICA LOMBARDI

Soprano (Elettra)

Idoménée

La soprano italienne Federica Lombardi est l'une des artistes les plus recherchées de la jeune génération spécialisée dans l'interprétation des principaux rôles de soprano dans les œuvres lyriques de Mozart. Entre 2015 et 2016, elle fait partie de l'Accademia di perfezionamento per cantanti lirici du Teatro alla Scala de Milan et prend part au prestigieux programme pour jeunes chanteurs du Festival de Salzbourg. En 2022, elle fait ses débuts au Royal Opera House Convent Garden dans le rôle de la Comtesse (Le nozze di Figaro) sous la direction d'Antonio Pappano et interprète le même rôle au Metropolitan Opera, où on l'a aussi entendue en tant qu'Elettra (Idomeneo). Récemment, elle remporte un énorme succès lors de ses débuts dans le rôle d'Amelia Grimaldi (Simon Boccanegra) à l'Opéra de Liège. En 2019, elle reçoit le prix Franco Abbiati de la meilleure chanteuse par l'Association des critiques musicaux italiens pour ses interprétations exceptionnelles des rôles des opéras de Mozart dans les plus importantes maisons d'opéra italiennes.

LAUREN MICHELLE

Soprano (Avocate / La voix de l'enfant) Justice

Originaire de Los Angeles, la soprano Lauren Michelle participe au tout premier enregistrement de From the Top au Tanglewood Music Center en juillet 1999. Lauréate du concours BBC Cardiff Singer of the World, elle devient rapidement une star internationale de l'opéra. Parmi ses rôles internationaux notables, citons Susanna dans Le nozze di Figaro, Musetta dans La bohème, Helena dans A Midsummer Night's Dream et Lauretta dans Gianni Schicchi

Elle se produit au Royal Opera House Covent Garden en tant que Jessica (Le Marchand de Venise) et réalise une saison comme membre de l'ensemble du Wiener Staatsoper. Elle chante en concert sous la baguette de Plácido Domingo au LA Opera et fait ses débuts salués par la critique au Washington National Opera aux côtés d'Eric Owens. Elle obtient la première place au concours Lotte Lenya et au concours vocal international Marcello Giordani. Lauren est apparue en 2016 dans un épisode de la série Empire sur Fox. Elle est diplômée de l'UCLA, Walnut Hill et de la Juilliard School.

STEFANO MONTANARI

Direction musicale

Trilogie Tudors

Diplômé de violon et de piano, Stefano Montanari se spécialise en musique de chambre à Florence et à Lugano. De 1995 à 2012, il est violon solo de l'Accademia Bizantina de Ravenne, dirigée par Ottavio Dantone, avec laquelle il se produit dans le monde entier. Il enseigne à l'Académie internationale de musique Claudio-Abbado de Milan et publie une méthode de violon baroque. En parallèle, il mène une carrière de chef d'orchestre au Teatro Donizetti de Bergame, à la Fenice de Venise, et dirige dès lors dans le monde entier : à Novare, Mantoue, SaintJacques-de-Compostelle, Toronto et aux Arènes de Vérone, comme au Théâtre Bolchoï de Moscou. Il se produit également au clavier, accompagnant et dirigeant du clavecin ou du pianoforte et participe à un projet d'édition critique d'opéras du XIXe siècle mené par la Haute école des arts de Berne. Il a obtenu un Diapason d'or pour son enregistrement des Sonates pour violon op. 5 de Corelli et son album « O Solitude », avec Andreas Scholl et l'Accademia Bizantina, a été nommé pour les Grammy Awards 2012.

Fiston Mwanza Mujila est un poète, écrivain et pédagogue, né à Lubumbashi, en République démocratique du Congo. Depuis 2009, il vit à Graz, en Autriche. Ses textes comprennent de la poésie, de la prose et des pièces de théâtre. Pour ses mises en scène, ou plutôt ses performances, il aime collaborer avec des musiciens, les transformant en une expérience littéraro-musicale. En plus de ses activités d'écriture, il enseigne la littérature africaine à l'université de Graz et agit en tant que conservateur pour divers projets. Son grand poème Le Fleuve dans le ventre (2014) fait référence au fleuve Congo, qui inspire fortement l'œuvre de Fiston Mwanza Mujila. Sa percée littéraire a eu lieu avec son premier roman Tram 83 (2014), qui a été traduit en plusieurs langues et pour lequel il a reçu de nombreux prix. Parmi ceux-ci figurent le Grand Prix du premier roman de la Société des gens des lettres et le Prix international de littérature de la Maison des Cultures du Monde, ainsi qu'une nomination au Man Booker International Prize. Son deuxième roman, La Danse du vilain, a été publié en version originale française en 2021.

FISTON MWANZA MUJILA Livret Justice

S'il est un chef qui retient l'attention de nos jours, c'est sans aucun doute Jonathan Nott, l'actuel directeur musical et artistique de l'Orchestre de la Suisse Romande : en l'observant et en l'écoutant, nous sommes témoins d'un talent exceptionnel qui invite les musiciens, mais également le public, à le suivre dans un parcours où des mondes a priori opposés, forment une osmose entre des émotions profondes et une réflexion intellectuelle rigoureuse. Ce sont ces qualités qui ont mené récemment à la reconduction de sa collaboration avec l'Orchestre de la Suisse Romande pour une période indéterminée. En outre, ses connaissances et sa compréhension du répertoire lyrique contribuent à renforcer les liens entre l'OSR et le Grand Théâtre de Genève, où ses interprétations se démarquent par un style musical infaillible, profondément émouvant et spirituel. Actuellement il consacre son temps libre à la réalisation d'un ouvrage multimédia autour des symphonies de Mahler, faisant état de ses recherches au travers de maints détails et de références à sa longue expérience en tant que chef.

Dès l'obtention de son diplôme au Centre national de danse contemporaine d'Angers en 1992, Rachid Ouramdane se lance dans une carrière de chorégraphe et d'interprète qui l'amène notamment à travailler en France et à l'étranger. Il réalise des pièces complexes sur les dispositifs de la représentation présentées sur la scène internationale. Il a longtemps donné une place éminente au portrait dansé. Il cultive un art de la rencontre, dont l'expérience sensible et entière requiert la mise en doute de tous les préjugés. Aujourd'hui, il oriente sa recherche vers une écriture chorégraphique basée sur des principes d'accumulation pour de grands ensembles, comme dans Tout autour pour les 24 danseurs du Ballet de l'Opéra de Lyon ou dans la pièce Tenir le temps pour 16 danseurs dont la première a eu lieu au Festival Montpellier Danse en juillet 2015 et il est régulièrement invité par des compagnies en France et à l'étranger. En parallèle de ses projets de création, Rachid Ouramdane développe un travail de transmission et d'échange en France et à l'international.

STÉPHANIE D'OUSTRAC

Mezzo-soprano (Giovanna Seymour, Maria Stuarda, Sara Duchesse de Nottingham)

Trilogie Tudors

Arrière-petite-nièce des compositeurs Francis Poulenc et Jacques de La Presle, Stéphanie d'Oustrac met un point d'honneur à interpréter leurs œuvres, que ce soit La Voix humaine de Poulenc ou Nocturne et Dédette de La Presle. Après ses débuts avec Les Arts Florissants et William Christie, elle incarne des héroïnes baroques, notamment Médée de Charpentier, Armide et Atys de Lully. Véritable tragédienne, elle s'épanouit aussi dans des rôles comme Carmen, Sesto (La clemenza di Tito), Rosine (Il barbiere di Siviglia), Charlotte (Werther), Phèdre (Hippolyte et Aricie) et Cassandre (Les Troyens). En 2002, elle est nommée « Révélation artiste lyrique de l'année » aux Victoires de la musique, en 2010, elle remporte le prix Gramophone Editor's Choice pour son CD de Haydn, elle est nommée aux International Opera Award 2022, catégorie « female singer ». Elle est l'invitée régulière des grands festivals et des grandes scènes d'opéra. En 2022, pour le Grand Théâtre, elle tient le rôle-titre de Maria Stuarda, sur une mise en scène de Mariame Clément.

Né à Berne en 1977, Milo Rau est directeur artistique de NTGent depuis la saison 2018/19. Il a étudié la sociologie, l'allemand et les langues et littératures romanes à Paris, Berlin et Zurich avec Pierre Bourdieu et Tzvetan Todorov, entre autres. Depuis 2002, il a publié plus de 50 pièces de théâtre, films, livres et actions. En 2007, il a fondé l'IIPM – International Institute of Political Murder, basé en Suisse et en Allemagne. Ses productions sont présentées dans tous les grands festivals internationaux, dont le Berlin Theatertreffen, le Festival d'Avignon, la Biennale de Venise, les Wiener Festwochen et le Kunsten festival des arts Bruxelles, et tournent dans plus de 30 pays. Rau a reçu de nombreux prix, les plus récents étant le Prix Peter Weiss 2017, le Prix 3sat 2017 et le Saarbrücken Poetics Lectureship for Drama

2017. En plus de son travail pour la scène et le cinéma, Milo Rau enseigne la mise en scène, la théorie culturelle et la sculpture sociale dans les universités et les écoles d'art.

MILO RAU Mise en scène Justice

JONATHAN NOTT

Direction musicale Saint François d'Assise

RACHID OURAMDANE Chorégraphie Outsider

CLAIRE DE SÉVIGNÉ

Soprano (L'Ange)

Saint François d'Assise

Parmi les meilleurs jeunes musiciens classiques canadiens pour la CBC (Société RadioCanada), Claire de Sévigné a été récemment nominée pour le prix JUNO du disque classique de l'année (cantates de Vivaldi avec Kevin Mallon et l'Ensemble Aradia, Naxos). Née à Montréal, elle étudie le chant à l'Université McGill et l'opéra à l'Université de Toronto, puis se perfectionne à l'Opera Studio de Zurich, ainsi que dans le cadre du projet jeunes chanteurs du Festival de Salzbourg puis dans l'Ensemble de la Canadian Opera Company à Toronto. Elle est soutenue par la Fondation Jacqueline Desmarais, une bourse de recherche Bombardier du CRSH, le Comité des amis de l'Opéra canadien et la Fondation Leanara. Elle a été récompensée lors de divers concours internationaux. Membre de l'Ensemble du Grand Théâtre de Genève durant la saison 2019-2020, elle chante Phani (Les Indes galantes), Blonde (L'Enlèvement au sérail) et la Grande Prêtresse (Aïda).

Née à Osaka, Chiharu Shiota vit et travaille à Berlin. Confrontée à des préoccupations humaines fondamentales telles que la vie, la mort et les relations, Shiota explore l'existence humaine à travers diverses dimensions en créant une existence dans l'absence, soit dans ses installations de fils à grande échelle qui incluent une variété d'objets communs et de souvenirs extérieurs, soit à travers ses dessins, sculptures, photographies et vidéos. Elle a exposé en solo dans le monde entier, notamment à Tokyo, Berlin, Shanghai, Düsseldorf ou à Washington. Elle participe également à de nombreuses expositions internationales telles que le Festival international d'art d'Oku-Noto, la Biennale de Sydney, la Triennale d'art d'Echigo-Tsumari et la Triennale de Yokohama. En 2015, Shiota a été sélectionnée pour représenter le Japon à la 56e Biennale de Venise. Depuis de nombreuses années, Shiota réalise régulièrement la scénographie d'œuvres lyriques dans le monde entier.

Née dans le Connecticut, Lydia Steier s'installe en Allemagne en tant que boursière Fulbright après ses études de chant à l'Oberlin Conservatory of Music dans l'Ohio. Elle se tourne ensuite vers la mise en scène et se voit désignée « nouvelle découverte de l'année » par la Deutschlandradio Kultur pour ses productions de Turandot de Busoni et Pagliacci de Leoncavallo. Par la suite, sa mise en scène de Donnerstag de Stockhausen est sélectionnée par le magazine Opernwelt comme « meilleure mise en scène de la saison 15/16 », tandis que ses productions de Saul (Händel) au Staatstheater d'Oldenburg et de Perela (Dusapin) au Staatstheater de Mayence sont nominées pour le célèbre prix FAUST-Theater. Ses mises en scène récentes comptent Giulio Cesare au Komische Oper Berlin, Die Zauberflöte au Salzburger Festspiele, ou encore Les Indes galantes à Genève. En juin 2021, elle connaît un succès sensationnel avec son interprétation de La fanciulla del West à Berlin. Au cours de la saison 2022/23, elle met notamment en scène Salome à Paris et Frau ohne Schatten au Festspielhaus de Baden-Baden.

Issu d'une famille de théâtre viennoise, Christoph Waltz est une star de cinéma et de théâtre internationalement acclamée et récompensée par deux Oscars. Il étudie au Max Reinhardt Seminar à Vienne et au Lee Strasberg Theatre and Film Institute à New York. Il fait ses débuts en tant qu'acteur au Theater an der Wien en 1977 avant d´être engagé notamment au Burgtheater de Vienne, aux théâtres de Zurich, Cologne, Hambourg, Bochum et Francfort ainsi qu'au Festival de Salzbourg. Depuis le début de sa carrière, il est connu du grand public pour ses nombreuses productions télévisées mais c'est dans les films Inglourious Basterds et Django Unchained de Quentin Tarantino qu'il obtient la reconnaissance internationale. Il est ensuite la némésis de James Bond dans Spectre et dans No Time to Die. Actuellement, il joue le rôle principal dans la série The Consultant sur Amazon Prime. Après Fidelio de Beethoven à Vienne et Falstaff de Verdi à l'Opéra de Flandres, il retravaillera sa production du Chevalier à la rose de Richard Strauss pour le Grand Théâtre de Genève.

CHIHARU SHIOTA Scénographie Idoménée

LYDIA STEIER Mise en scène Don Carlos

CHRISTOPH WALTZ Mise en scène Le Chevalier à la Rose

THE 4 LA NOUVELLE BMW SÉRIE 4 CABRIO.

Emil Frey SA

1211 Genève-Acacias

bmw-efsa-geneve.ch

La Plage

Bienvenue à La Plage Welcome to La Plage

La Plage est toujours là, un terrain de jeux, pour les plus forts et les plus faibles, les beaux ou alors ceux qui pensent l'être, les insouciants, les amoureux de la nature, les amoureux tout court ou les solitaires solaires ou lunaires. Au Grand Théâtre, elle n'est toujours pas de sable mais elle agrandit le seuil, même qu'on a quelquefois du mal à refermer les portes. À quoi bon, on est si bien quand ça circule ?

C'est quoi La Plage ?

La Plage, c'est où on regarde la mer, La Plage, c'est où on ferme les yeux. Il fait chaud et on sent la brise passer sur sa peau. La peau qui frémit à ce contact involontaire. Et pourtant pas désagréable, ma foi. On s'y laisse aller, on oublie le temps.

La Plage, c'est se dire pourquoi pas ? Pourquoi pas moi ? Pourquoi pas lui ? Pourquoi pas nous ? Pourquoi pas autrement ? Une fois seulement ? et qui sait ? à la folie ou pas du tout.

La Plage, c'est l'expérience d'un bain, d'un bol d'air, d'un truc un peu fou, d'un double sens.

Il y aura les heures dorées et celles du soleil couchant, celles de pleine lune et les petites heures grises ou bleues, et puis celles plus froides d'hiver qui poussent à la convivialité.

Car La Plage, c'est aussi ça, c'est comment vivre ensemble, les uns avec les autres, quelquefois plutôt seuls pour mieux réfléchir, quelquefois attentifs aux conversations des autres, aux attitudes, à la nouvelle tendance ou à la nouvelle rumeur, sentir l'air du temps et le saisir ensemble. La Plage, c'est l'écho de la cité. Venez plonger dénudés dans les résonances de la ville.

La Plage will always be there as a playground for those who can and those who can't, for the fairest of them all and those who think they are, for carefree nature lovers and for lovers in general, and for loners too, be they sun-kissed or moonstruck. The Grand Théâtre's La Plage is still not made of sand but it's so easy to access that sometimes we have trouble closing the gates. What's the point anyway, it feels so good when things are moving around…

We call it La Plage: the beach

La Plage is where you look at the sea, La Plage is where you close your eyes. Where it's warm and you feel a breeze on your skin. And your skin shivers from that unexpected touch. Not that it's un- pleasant, mind you. Somewhere you can let yourself go and forget about time.

La Plage is when you say why not? Why not me? Why not them? Why not us? Why not another way? Maybe just once? And who knows? She loves me, she loves me not.

La Plage is like taking a bath, a breath of fresh air, doing something crazy, something that can mean something else.

There will be golden times, sunset times, full moon times and little blue or grey times. There will be colder times, times to huddle together. That's also what happens at La Plage, it's where you learn to live together, one with another, sometimes more on your own because you need space to think, sometimes noticing what other people are saying, their attitudes, new trends or gossip, keeping up with the times and seizing the day. La Plage is the echo of the city. So take your kit off and plunge into the talk of the town.

Vous trouverez bien une cabine à votre mesure : Late Nights ou l'art de rentrer à l'opéra et de ne plus rentrer chez soi ; Sleepover ou l'art de dormir à l'opéra ; Apéropéra ou tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur Mozart et que vous n'avez jamais osé demander à Verdi, des tranches de vie autour de chaque production lyrique présentées avec humour ou désinvolture ; le Grand Brunch pour débriefer la semaine tout en dorures ; En coulisse pour les plus curieux d'entre vous, ceux qui regardent les making of et repèrent toujours l'erreur dans la continuité – là il a une veste, là il n'en a plus – oui, ça s'appelle une ellipse et ça on en parle avant aux Intropéras. Et puis n'hésitez pas à venir visiter la maison, que ce soit au sens littéral ou figuré : on vous attendra de pied ferme, un guide pour vous mener dans les labyrinthes du Théâtre ou un amphitryon qui vous servira un renversé et le code wifi du monde numérique – car si vous ne venez pas à nous, sachez que La Plage viendra à vous.

C'est où La Plage ?

Derrière un écran en plein air ou dans la salle de votre quartier, avec votre musée préféré ou dans votre école, on retrouvera La Plage un peu partout, selon l'humeur, quelquefois à l'intérieur du Grand Théâtre, quelquefois extramuros. Quelquefois un mode urbain et mondain, quelquefois un mode existentiel et interrogateur, toujours sous les pavés !

Alors vous l'avez trouvée votre plage ? Découvrez aussi les Ateliers publics un samedi matin par production ! L'occasion de venir jouer à être autre chose et de devenir scénographe, danseur, réalisateur, librettiste ou même critique, qui sait ?

La Plage, c'est quatre productions, une myriade d'activités, des entraides et des partenariats, des parcours scolaires et associatifs et des projets sur mesure pour tous ceux qui tentent d'accoster et qui nous permettent de les aborder.

There's bound to be a beach hut that suits you:

Late Nights, or how to go the opera and forget to go home; Apéropéra or everything you always wanted to know about Wagner but were afraid to ask Verdi, a slice of life taken from our productions and served with a hefty portion of casual good humour; Grand Brunch, or how to unwind at the end of the week under the gilt and the chandeliers of the opera; En coulisse, or "In the wings", for the enquiring minds who want to know, those that watch the "Making of" and spot the continuity editing mistakes — look, before he had a jacket, now he doesn't — yeah, it's called an ellipsis and we explain it all in our Intropéras. And please feel free to pay us a visit, literally or figuratively: we're standing at the ready, with guides to take you through the underground mazes of the Grand Théâtre, or a charming barista serving you a flat white with our Wi-Fi access code. If you won't come to the beach, then La Plage will come to you.

So, where is La Plage anyway?

Outdoors, behind a screen or in your neighbourhood community hall, in partnership with your favorite museum or in your school, La Plage can be found al- most anywhere, depending on the mood: it can be inside the Grand Théâtre or outside, it can be urban and cosmopolitan or existential and tormented. After all, life's a beach...

So have you found your spot on our beach yet? With our Public Workshops one saturday morning on each production, this is your chance to hop on board and try your hand at being a scenographer, a dancer, a director, a librettist or, who knows, maybe even a critic?

La Plage: four original shows, a host of activities, collaborations and partnerships, educational programmes for schools and organizations and bespoke projects for all those who want to come ashore and allow us to make some space for them at the beach.

Rosa et Bianca

Rosa et Bianca sont deux princesses jumelles aux caractères diamétralement opposés. Quand Rosa court, crie et trompette, Bianca rêve, lit et soupire. Quand Bianca salue la foule d'un geste gracieux, Rosa la harangue d'un ton impétueux. Mais le jour de leur dix-huitième anniversaire, le Grand Chambellan du Royaume doit annoncer qui de Rosa ou de Bianca montera sur le trône et deviendra la reine. Alors, au cours d'une série d'épreuves, elles s'affrontent et se disputent, avant de réaliser que, bien souvent, c'est l'union qui fait la force... Un spectacle musical sur une réécriture en français d'airs de Gaetano Donizetti.

Mise en scène Sybille Wilson

Scénographie et costumes Aurélie Thomas

Rosa Sophie Negoïta

Bianca Julia Deit-Ferrand

Le Grand Chambellan Arthur Noël

11, 14, 18 et 21 octobre 2023 — 15h

14 et 21 octobre 2023 — 11h

Foyer du Grand Théâtre

Rosa and Bianca are twin princesses with completely opposed characters. When Rosa runs, shouts and is generally quite loud, Bianca dreams, reads and sighs. When Bianca greets the crowd with a graceful wave, Rosa addresses them in impetuous tones. But on their eighteenth birthday, the Grand Chamberlain of the Kingdom is to announce which of Rosa or Bianca will assume the throne and become queen. So, in a series of tests, they confront each other and fight, before realising that, very often, there is strength in unity. A musical entertainment of arias by Donizetti repurposed in French.

Colorama

Aujourd'hui tout est gris. Notre chanteuse a le cafard, elle voit tout en noir. Elle a envie de bouder bien plus que de vocaliser et de faire la tête bien plus que de faire la fête. Avec l'aide d'un pianiste optimiste, les enfants et les adultes du public devront l'aider à remettre de la couleur dans sa journée mal commencée.

Après le succès de La Souris Traviata, la mezzo-soprano

Julia Deit-Ferrand conçoit ce nouvel atelier-spectacle où l'on apprend à chanter pour enchanter les jours moroses, et à peindre avec les notes un monde en couleur…

Bienvenue à Colorama !

It's a grey day today. Our singer is feeling down and sees everything in black. She feels more like sulking than singing, and instead of being cheerful just wants to feel dreadful. Along comes an optimistic pianist, and with the help of the kids and grownups in the audience, she'll have all the help she needs to put some colour back into her grey day.

After the success of La Souris Traviata, mezzo-soprano

Julia Deit-Ferrand has designed this new workshop-performance where you can learn to sing to brighten up gloomy days, and to paint a colourful world with musical notes...

Welcome to Colorama!

Atelier-spectacle

Pour les enfants de 3 à 6 ans accompagnés d'un adulte

15 et 18 novembre 2023 — 10h et 15h

13 et 16 décembre 2023 — 10h et 15h

7 et 10 février 2024 — 10h et 15h

6 et 9 mars 2024 — 10h et 15h

17 et 20 avril 2024 — 10h et 15h

15 et 18 mai 2024 — 10h et 15h

Foyer du Grand Théâtre

La Souris Traviata

Et pour ceux qui n'auraient pas encore aperçu La Souris Traviata, quelques séances de rattrapage.

Savez-vous que, la nuit, il y a dans le Foyer du Grand Théâtre une souris qui rêve de devenir cantatrice ? Quand les lumières sont éteintes et qu'il n'y a plus personne pour la surprendre, elle fait des vocalises et travaille tellement dur qu'il lui arrive de s'endormir dans la chaussure de concert de notre chanteuse ! Pour la réveiller, une seule solution : lui envoyer des bisous en chanson...

Did you know that at night there is a mouse in the Foyer of the Grand Theatre who dreams of becoming a singer? When the lights are out and there's no one around to catch her, she does her vocalises and works so hard that she sometimes falls asleep in our singer's concert shoe! To wake her up, there's only one solution: send her kisses in song...

Pour les enfants de 3 à 6 ans accompagnés d'un adulte 1er et 4 novembre 2023 — 10h et 15h

Foyer du Grand Théâtre

Dès 3 ans

Hush

La machine à rêves d'Henry

Hush, hush, chut, chut ! Tendez l'oreille et ouvrez grand les yeux pour découvrir l'extraordinaire machine à rêves de Henry. Henry qui ? Henry Purcell, le grand compositeur anglais qui vivait au XVIIe siècle à la cour des reines et rois d'Angleterre. La machine à rêve de Henry, c'est un théâtre miniature à partir duquel vont se déployer des mondes fantastiques à explorer en images et en musique, guidés par une soprano, un luthiste et une accordéoniste. Un bateau dans la tempête, des créatures fabuleuses, des jardins luxuriants, des vitraux colorés et des robes à paniers… À travers des extraits de The Fairy Queen ou encore King Arthur en passant par The Funeral of Queen Mary, laissez-vous entraîner, petits et grands, dans le baroque enchanté des rêves de Henry.

Liselot De Wilde soprano

Anne Niepold accordéon

Jan Van Outryve luth

27 et 28 janvier 2024 — 16h

Salle du Lignon

Élu meilleur opéra jeune public aux Young Audience Music Awards 2021

Une production de Zonzo compagnie

Avec Vernier Culture

En partenariat avec

Henry's Dream Machine

Hush, hush, shush, shush! Listen carefully and open your eyes to discover Henry's extraordinary dream machine. Henry who? Henry Purcell, the great English composer who lived in the 17th century at the court of the Kings and Queens of England. Henry's Dream Machine is a theatrical miniature from that opens fantastic worlds to be explored in images and music, in the company of a soprano, a lute player and an accordionist. A boat in a storm, fabulous creatures, lush gardens, coloured stained glass windows and basket dresses... Through excerpts from The Fairy Queen or King Arthur and The Funeral of Queen Mary, let all, young and old, step forth into the magical baroque of Henry's dreams.

Dès 6 ans

Outsider

La première incursion de La Plage dans la danse se fera avec le Ballet du Grand Théâtre mais pas que ! Toujours à la recherche de formes et de musiques nouvelles, La Plage intégrera dans sa démarche des voltigeurs et des apprentis voltigeurs. Entre les personnalités de l'aérien qui tendront les enchevêtrements chorégraphiques de Rachid Ouramdane, on retrouvera la recherche de l'acte funambule sous les mains des jeunes pianistes de la Haute École de musique de Genève. À quatre pianos, ils défieront la gravité à travers les empilements, soustractions, accumulations et saturations du compositeur, vocaliste et performeur minimaliste américain Julius Eastman. Décloisonnant les styles entre les musiques ainsi que les scènes musicales, Julius Eastman est actif dans les années 70 et 80 aux côtés de John Cage, Morton Feldman, ou Meredith Monk. Très politisé et, au fur et à mesure, marginalisé, il meurt dans l'oubli en 1990, âgé de 49 ans. C'est grâce à une de ses collègues compositrices, Mary Jane Leach, que sa musique commence depuis quelques années à être publiée et enregistrée. Sur la grande scène du Grand Théâtre, devenue espace lacéré en blanc et noir, Rachid Ouramdane vient greffer à ces tendres squelettes de variations organiques et colériques son approche documentaire de ce moment limite où le danger devient acte de rationalisation du risque, presque acte de foi.

3 mai 2024 — 19h

4 mai 2024 — 20h

5 mai 2024 — 15h

Au GTG

La Plage's first foray into dance will be with the Geneva Ballet Company, but not only! Always on the lookout for new forms and music, La Plage will include aerialists and apprentice aerialists in this venture. In the company of the high-flyers stretching Rachid Ouramdane's choreographic entanglements, we will hear daring young pianists from the Haute École de musique de Genève at work on their own flying trapezes. Defying gravity with their four keyboards, they take on the acrobatics of stacking, subtraction, accumulation and saturation imagined by American composer, vocalist and minimalist performer Julius Eastman. Eastman was active in the 1970s and 1980s alongside John Cage, Morton Feldman and Meredith Monk, breaking down the barriers between styles and musical stages. Highly politicised and gradually marginalised, he died in oblivion in 1990 at the age of 49. It is thanks to one of his fellow composers, Mary Jane Leach, that his music has begun to be published and recorded in recent years. On the vast Grand Théâtre stage, a space slashed in black and white for the occasion, Rachid Ouramdane grafts onto Eastman's tender skeletons of organic and angry variations his documentary approach to this borderline moment where danger becomes an act of rationalisation of risk, almost an act of faith.

Passion et partage

La Fondation du Groupe Pictet est fière de soutenir le volet pédagogique du « GTJ - Grand Théâtre Jeunesse ».

En participant à ce programme de formation, nous nous engageons en faveur de la génération à venir. Nous sommes particulièrement heureux de pouvoir offrir aux talents de demain l’opportunité de découvrir les joies de l’opéra et du ballet, et peut-être même de susciter des vocations.

Les associés du groupe Pictet vous souhaitent une très belle saison 2023-2024.

Grand Théâtre Jeunesse

Écouter, voir, expérimenter et ressentir...

De la 1P à la 4e de collège Grâce à nos partenariats avec École et Culture pour les établissements du Département de l'instruction publique du Canton de Genève et avec le service culturel de l'AGEP pour les écoles privées genevoises, chaque saison plus de 100 classes de la 1P à la 4e de collège venues de tout le canton (et même parfois au-delà), découvrent l'art lyrique et le ballet avec le Grand Théâtre Jeunesse.

Partenariats, workshops, visites découvertes, projets, chaque saison nous travaillons avec des établissements de l'enseignement supérieur tels que la HEAD, la HEM, l'HETS ou encore l'Unité de musicologie de l'Université de Genève. N'hésitez pas à consulter la rubrique actualités de notre site pour découvrir ces collaborations et surtout à nous contacter pour construire de nouveaux partenariats, workhops, visites et projets !

Pour les établissements du Département de l'instruction publique du Canton, la brochure des propositions et le formulaire d'inscription en ligne seront disponibles à partir du 13 juin, ainsi que sur le site d'École et Culture. Les attributions des parcours se feront à partir du 12 septembre 2023.

Pour les établissements privés, la brochure des propositions sera disponible en ligne à partir du 13 juin, ainsi que sur le site de l'AGEP.

Avec la petite enfance en âge préscolaire

Dans les SAPE – Structures d'accueil de la petite enfance –, les activités pédagogiques et culturelles sont des moments privilégiés qui permettent de s'épanouir et de trouver ses repères. Parce que l'année avant l'entrée à l'école constitue un moment charnière pour les enfants, le Grand Théâtre a conçu en collaboration avec des professionnels de la petite enfance un programme de découverte de l'opéra spécialement adressé aux 3-4 ans, La Fabrique Opéra

Après une première rencontre avec une chanteuse dans leur établissement, les tout-petits découvriront, confortablement installés dans le foyer lyrique en compagnie de leurs éducatrices et éducateurs, la magie de ce drôle d'endroit où l'on chante et où l'on se costume.

Avec l'enseignement supérieur

Partenariats, workshops, visites découvertes, projets, chaque saison nous travaillons avec plusieurs établissements de l'enseignement supérieur tels que la HEAD, la HEM ou encore l'Unité de musicologie de l'Université de Genève. N'hésitez pas à consulter la rubrique actualités de notre site pour découvrir ces collaborations !

pedagogie@gtg.ch

Avec le soutien de

Le Grand Théâtre en balade Out and about with the Grand Théâtre

Partenaires, partenariats, voisinages, collaborations, co-programmations, alliances, parallèles, concordances, synergies, voilà bien des mots pour dire dans le fond la même chose : ne restez pas dans votre coin, sortez et allez voir l'autre, la voisine, l'ami, la sœur, le type que vous croisez à l'arrêt de bus tous les jours. Hors les murs, dans nos murs, emmurés, en ruines, en travaux, à vau-l'eau, tout est bon pour abattre les idées trop conçues, apprises ou héritées. Venez voir de vos propres yeux, venez exercer l'art de la perspective extérieure sur le monde. Comme chaque saison, voici une petite sélection de nos aventures relationnelles...

Avec les associations

Si vous travaillez dans une association ou une structure liée au handicap ou à l'intégration des requérants d'asile et que vous souhaitez faire découvrir l'opéra et le ballet à vos participants ou bénéficiaires, n'hésitez pas à prendre contact avec nous. En fonction de vos souhaits et de nos disponibilités, nous pourrons construire ensemble une proposition adaptée.

Avec de nombreuses structures genevoises

La thématique de la saison mais aussi certaines de nos productions seront au centre de projets et événements conjoints et particuliers. Avec nos partenaires de l'Orchestre de Suisse Romande et L'Orchestre de Chambre de Genève bien sûr mais aussi avec Antigel, les Bains des Pâquis, La Bâtie–Festival de Genève, les Cinémas du Grütli, Les Créatives, La Comédie, la Geneva Camerata, le Festival Electron, le Théâtre de Vidy ou bien encore Vernier Culture. Plus on est nombreux, plus on s'amuse !

Partners, partnerships, twinning, collaborations, co-programming, alliances, parallels, concordances, synergies, all these words basically mean one thing: don't stay in your corner, go out and meet the other person, your neighbour, your friend, your sister, the guy you meet at the bus stop every day. Outside the walls, within our walls, walled in, in ruins, under construction, down and out, everything is good for knocking down over-conceived, over- learned or hand-me-down ideas. Come and see for yourself, come and practice the art of taking a step back to observe the world. Like every season, we offer you a few options for adventurous encounters...

With organizations

If you work in a civil society organization or a structure linked to disability or to the integration of asylum seekers and you want to introduce opera and ballet to your participants or beneficiaries, feel free to contact us. We can build a project suited to your purpose that takes into account your needs and our availability.

In partnership with several Genevan institutions

Our "Power Games" this season will naturally be played out in our productions but will also feature in many joint and special projects and events. With our partners the Orchestre de la Suisse romande and the Orchestre de chambre de Genève of course, but also with Antigel, the Bains des Pâquis, La BâtieFestival de Genève, the Cinémas du Grütli, Les Créatives, La Comédie, the Geneva Camerata, Electron Festival, the Théâtre de Vidy or even Vernier-Culture. The more the merrier!

FOCUS

Le Grand Théâtre de Genève vous propose de continuer la saison auprès de nos partenaires genevois et romands. Retrouvez à Vidy et à la Comédie des spectacles en écho à notre saison.

Drive Your Plow Over the Bones of the Dead (Sur les ossements des morts)

Dans le froid vif de l'hiver polonais, des hommes meurent dans des circonstances étranges. Janina, jeune retraitée délicieusement excentrique, férue d'astrologie et de poésie, mène l'enquête. Très vite, elle suspecte les animaux de la forêt d'organiser leur vengeance. La Nature se serait-elle décidée à prendre les armes ? Simon McBurney adapte pour les planches Sur les ossements des morts, un polar affûté et inventif d'Olga Tokarczuk, Prix Nobel de littérature 2018. Le célèbre acteur et metteur en scène britannique déploie son génie créatif et sa verve technophile au service d'un récit, d'une langue et d'un propos des plus contemporains.

In the bitter cold of a Polish winter, men are dying in strange circumstances. Janina, a delightfully eccentric pensioner with a passion for astrology and poetry, leads the investigation. She soon suspects that the animals in the forest are planning their revenge. Has Nature decided to take up arms? Simon McBurney adapts Drive Your Plow Over the Bones of the Dead, a sharp and inventive thriller by Olga Tokarczuk, winner of the 2018 Nobel Prize for Literature, for the stage. The celebrated British actor and director brings his creative genius and technophile verve to bear on a story, language and subject matter that are as contemporary as it gets.

Théâtre de Simon McBurney

Du 11 au 21 octobre 2023

Comédie de Genève

En partenariat avec

The Grand Théâtre de Genève invites you to continue the season with our partners in Geneva and the French-speaking cultural scene in Switzerland. Here are some shows at Vidy in Lausanne and at the Comédie in Geneva that echo our season.

Extra Life

C'est la fin de la nuit. Après une fête, une sœur et un frère se retrouvent. Leur lien fusionnel, dans un contexte familial violent, s'est trouvé brutalement déchiré par un drame, 20 ans auparavant. EXTRA LIFE décortique l'expérience sensible de ce moment à travers des jeux de dissociations qui articulent minutieusement la musique, l'espace, la lumière, la chorégraphie et le jeu. En architecte des sensations, Gisèle Vienne se plaît à les déplier pour mieux en diffracter les facettes multiples. De la scène émerge alors la densité pure de l'instant.

The end of night. After a party, a sister and brother meet again. Their fusional bond, against a background of domestic violence, was brutally torn apart by a tragedy 20 years earlier. EXTRA LIFE deconstructs the sensory experience of this moment through dissociation games that meticulously articulate music, space, light, choreography and acting. An architect of feelings, Gisèle Vienne likes to unfold them to better diffract their multiple facets. And then the pure density of the moment emerges from the stage.

Théâtre

de Gisèle Vienne

Du 21 au 24 février 2024

Dans le cadre de Antigel

Comédie de Genève

Le Jardin des délices

Dialogue à cinq cents ans de distance avec le célèbre tableau de Jérôme Bosch, chef-d'œuvre de l'histoire de l'art aux interprétations infinies, Le Jardin des délices est le récit multiple et truculent d'un groupe d'humains rassemblé dans un lieu visiblement à l'écart du monde et qui entreprend de réaliser, au sens pratique et cinématographique, son utopie : une vie libre, sans séparation, sans distinction, dans laquelle les êtres et les espèces cohabitent en bonne harmonie. Comme à la fin du Moyen Âge, la fable se situe dans une période de transition, en pleine métamorphose de ses récits et de ses savoir-faire.

Le Jardin des Délices is a dialogue with five hundred years ago when Hieronymus Bosch was painting his Garden of Earthly Delights, a masterpiece of art history with infinite interpretations. Obie Award-winning French director Philippe Quesne's Le Jardin des Délices is the many-layered picaresque narrative of a group of humans gathered in a place obviously removed from the world and who busy themselves producing, literally and cinematographically, their utopia: a free life, without separation, without distinction, in which beings and species live together in perfect harmony. As in the late Middle Ages, this fable is situated in a period of transition, as narratives and know-hows are shifting.

Théâtre de Philippe Quesne

Du 26 septembre au 4 octobre 2023

Théâtre Vidy-Lausanne

Antigone en Amazonie

Pour Antigone en Amazonie, Milo Rau et son équipe se sont rendus dans l'État brésilien de Pará, où les forêts brûlent à cause de l'expansion des monocultures de soja et où la nature est dévorée par le capitalisme. Sur un terrain occupé, en collaboration avec le MST (Movimento dos Trabalhadores Sem Terra), le plus grand mouvement de travailleurs sans terre au monde, ils créent une pièce allégorique sur les violentes dévastations et les déplacements causés par l'État moderne, qui place la propriété privée au-dessus du droit traditionnel à la terre.

For Antigone in the Amazon, Milo Rau and his team traveled to the Brazilian state of Pará, where the forests are burning due to expanding soy monocultures and where nature is being devoured by capitalism. On an occupied piece of land, in collaboration with MST (Movimento dos Trabalhadores Sem Terra), the world's largest landless workers' movement, they create an allegorical play about the violent devastations and displacements caused by the modern state, which places private property above the traditional right to land.

Théâtre de Milo Rau

Du 19 au 22 juin 2024

Théâtre Vidy-Lausanne

En partenariat avec

Les Aubes Musicales

Après le succès de Julien et Jean-Paul autour du voyage et des animaux, et celui non moins grand de Chostakovitch et de ses pizzicati entrecoupés d'élégies et de course à la corde de Ré, le Grand Théâtre sort cette fois-ci ses serviettes et ses maillots pour exposer les coulisses du pouvoir et le pouvoir de la musique. After the success of Julien et Jean-Paul's animalistic expeditions, and the equally great success of Shostakovich's pizzicati interspersed with elegies and D-string races, the Grand Théâtre will lay down its beach towels and sport its swimming trunks at Bains des Pâquis to expose the corridors of power and celebrate the power of music.

Ena Pongrac mezzo-soprano

Jean-Paul Pruna piano

9 août 2023 — 6h

Bains des Pâquis

En partenariat avec

Kali Malone

Bourdons sacrés. Nouvelle érégie minimaliste, la musicienne américaine de Stockholm nous offre un concert sur l'orgue de la Cathédrale Saint-Pierre. Sa musique, riche en textures harmoniques dans des mouvements répétitifs et des durées prolongées, émet des teintes émotives d'une profondeur de champs étonnante. Préparez-vous avec son LP The Sacrificial Code qui l'a lancée en 2019 pour cette expérience jamais vue ni entendue : Bâtie-Grand Théâtre à la Cathédrale.

Sacred Drones. The new minimalist muse, an American musician in Stockholm, offers us a concert on the great organ of the Geneva cathedral of Saint-Pierre. Her music is full of harmonic textures that brood in repetitive movements and extended durations; it emits emotional colours with stunning depths of field. You can get ready for the event by listening to with début LP The Sacrificial Code (2019) for this never seen or heard experience: Bâtie joining forces with the Grand Théâtre at the Cathedral.

3 septembre 2023 — 19h

Dans le cadre de La Bâtie – Festival de Genève

Cathédrale Saint-Pierre

En partenariat avec

Cinéopéras

Si l'on n'est pas trop friand de l'opéra au cinéma et qu'on le préfère nettement sur les planches avec ses décibels d'émotions vibrantes, on aime par contre le cinéma à l'opéra. Et aussi le cinéma tout court, comme chez nos voisins des Cinémas du Grütli. Hommage et découverte à la fois, ce nouveau format propose une carte blanche à quatre personnalités du monde de l'opéra et du ballet qui hanteront notre maison au cours de la saison. Quatre personnalités, quatre professions, quatre films qui, de près ou de loin, refléteront des parcours artistiques exceptionnels d'une part et nos productions d'autre part. Une petite jouissance d'intertextualité et d'interéférentialité. Et puis qui sait : peutêtre qu'un jour vous ne saurez plus si vous êtes au cinéma ou à l'opéra ?

The truth is we aren't too fond of seeing opera at the movies. We'd rather have it live on stage in all its vibrating emotional loudness. But at the opera, we do like a good movie. In fact, we're just as keen to watch one as our neighbours at the Cinémas du Grütli, Geneva's art house cinema. So we developed this new format, Cinéopéra, as both a tribute to and a discovery of the silver screen, where four opera and ballet greats who will be on stage with us this season choose their favorite film to view and discuss. Four very different artists, all exceptional, using film to zoom in (or out) on the productions they designed for us, in an amusing play of intertextuality and inter-referentiality. And perhaps one day, it'll be hard to tell whether you're at the opera or at the movies...

Daniele Finzi Pasca

21 octobre 2023 — 18h

Lost in La Mancha, Keith Fulton et Louis Pepe, 93 min, 2002

Christoph Waltz

2 décembre 2023 — 18h

Sweet Smell of Success (Le Grand Chantage), Alexander Mackendrick, 96 min, 1957

Leonardo García Alarcón

10 février 2024 — 18h

Prova d'orchestra, Federico Fellini, 70 min, 1978

Adel Abdessemed

6 avril 2024 — 15h

Le Grand Jeu, Jacques Feyder, 110 min, 1934

Les Cinémas du Grütli

En partenariat avec

Intropéras

Vite, vite ! La cloche ne sonne pas encore mais 45 minutes avant le spectacle, on se rafraîchit la mémoire, on s'éveille au printemps de l'opéra : un petit avant-goût qui vous rapporte les clés de l'œuvre et vous guide à l'intérieur des mondes merveilleux, apocalyptiques, critiques ou hyperréalistes créés par les équipes artistiques pour chaque production. Vite, vite, le temps d'attraper un verre de bulles au passage et vous voilà assis(e) sous le plafond scintillant des mille et un opéras !

Chop chop! 45 minutes before the bells call you into the house, it's time to refresh your memory and go back to the beginnings of the opera: we offer a brief introduction to remind you what the work is all about and what kind of magical, apocalyptic, critical or hyper-realistic worlds the people behind the production have in store for you. Lickety-split, there's just enough time to grab some bubbly before you take your seats under the star-studded ceiling of a thousand and one operas!

45 minutes avant chaque spectacle d'opéra et de ballet

Entrée libre avec le spectacle

Dans le foyer du GTG ou du lieu de representation

45 minutes before each opera or ballet performance

Free admittance with performance tickets

In the main foyer of the GTG or in the foyer of the alternative performance venue

Apéropéras

Une tranche de vie, une tranche de rire, une tranche de musique : voici le canapé qui accompagnera notre apéro urbain. Venez siroter votre vermouth ou spritz en compagnie de drôles de personnages. L'occasion de (re)découvrir un compositeur, une œuvre, une thématique sous un angle frais et contemporain loin de l'énumération des dates historiques. Un format riche en anecdotes d'hier et surtout d'aujourd'hui. L'occasion en plus d'entendre un(e) soliste ou l'autre, dans un répertoire cousin de la production !

A slice of life, a slice of laughter and a slice of music to garnish the canapé that comes with our urban apéritif! Have a spritz or a vermouth while we supply the entertaining company. Apéropéra is a relaxed, fresh and unstuffy way to (re)discover a composer, a work, a topic, miles away from the usual lectures you get before the performance. Get ready for some good stories, from the past and especially the present. And in between, there'll be live music from the show (or in the same vein) performed by artists on the production!

María de Buenos Aires 19.10.2023

Éléments 9.11.2023

Le Chevalier à la Rose 7.12.2023

Justice 18.1.2024

Idoménée 8.2.2024

Saint François d'Assise 21.3.2024

Outsider 2.5.2024

Roberto Devereux 23.5.2024

Entrée CHF 25.— (premier drink compris)

Les jeudis dès 18h30

Dans les foyers du GTG

Avec le soutien de

Ateliers publics

Et si on abordait ensemble le spectacle autrement ?

Une fois par production, le samedi matin, rejoignez-nous pour un atelier de pratique artistique en lien avec la thématique de l'opéra ou du ballet à venir. Chant, danse, théâtre, écriture, arts plastiques, laissez-vous surprendre et venez mettre en voix, en scène, en mots ou en images, avec des professionnels qui vous guideront à travers l'une des facettes de cet art total qu'est l'opéra.

Let's try a different approach to opera and ballet…

With every Grand Théâtre production this season, there will be a Saturday morning of creative workshops related to the upcoming opera or ballet. Song, dance, drama, text, visual arts, it's all there waiting to surprise you and help you express yourself: voice, stage, theatre and image professionals will guide you through the many aspects of opera, the art that has everything!

Don Carlos 23.9.2023

Éléments 11.11.2023

Le Chevalier à la Rose 9.12.2023

Justice 13.1.2024

Idoménée 17.2.2024

Saint François d'Assise 23.3.2024

Roberto Devereux 25.5.2024

Entrée CHF 15.— / CHF 10.— (jusqu'à 12 ans)

Les samedis à 11h Lieu variable

En coulisse

N'avez-vous jamais rêvé de guigner de l'autre côté du rideau juste après le spectacle ? De voir comment tout l'appareil fonctionne ? De passer subrepticement en coulisse et voir les femmes et les hommes de l'ombre s'affairer à remettre la scène en état ? Et qui sait, croiser un(e) artiste de la représentation que vous venez de vivre ? Une fois par production, le rideau tombe. Non pas celui de la fin, celui qui cache les câbles et les perches de l'illusion scénique : vous voilà dans l'envers du décor. Et si tout n'y est pas rose, c'est tout de même haut en couleur derrière le rideau ! Cette visite unique n'est donc disponible que sur une seule représentation de la série, alors à vos agendas, et que ça saute ! Guidés par un des responsables techniques de la production, vous pourrez ainsi passer de l'autre côté et découvrir monts et merveilles. Profitez-en, vous pouvez poser toutes les questions qui vous passent par la tête. Et en plus c'est gratuit.

Haven't you ever wondered what it's like on the other side when the curtain falls on a performance? How does all the technical machinery work? What do the stagehands have to do to get things back into working order? Or maybe just bump into one of the stars of the show? So let us raise the curtain on all this for you. With every production, we give our patrons an opportunity to come backstage with us, raise their eyes to the flies and take a good look at what's behind the sets. It may be dark in the wings but there's a whole lot going on there! And because it's a busy place, we can't really do this more than once per performance run. You will need to book your visit beforehand, so don't delay! A member of the theatre staff who can answer all your questions and show you some of the very impressive features of our opera house takes you backstage for free.

Don Carlos 24.9.2023

María de Buenos Aires 3.11.2023

Éléments 21.11.2023

Le Chevalier à la Rose 17.12.2023

Justice 26.1.2024

Idoménée 25.2.2024

Saint François d'Assise 14.4.2024

Roberto Devereux 4.6.2024

Le visite des coulisses dure approximativement 20 minutes et démarre 15 minutes après le spectacle. Entrée libre avec le spectacle sur réservation.

The En coulisse tour lasts about 20 minutes, starts 15 minutes after the performance, is free of charge and by reservation only.

Éclairages

Les opéras de la saison 23–24 feront l'objet d'une conférence très complète sur l'œuvre, son livret, son contexte et sa musique, quelques jours avant la première représentation, toujours à la même heure, 18h30, par l'Association genevoise des amis de l'opéra et du ballet.

Toutes les conférences auront lieu au Théâtre de l'Espérance.

The operas of the 23–24 season will be the subject of a very comprehensive conference on the work, its libretto, context and music, a few days before the first performance, always at the same time, 6.30 pm, by the Association genevoise des amis de l'opéra et du ballet.

These conferences take place at the Théâtre de l'Espérance.

Don Carlos 12.9.2023

María de Buenos Aires 17.10.2023

Le Chevalier à la Rose 12.12.2023

Justice 16.1.2024

Idoménée 13.2.2024

Saint François d'Assise 10.4.2024

Roberto Devereux 28.5.2024

À 18h30

Théâtre de l'Espérance

Association genevoise des amis de l'opéra et du ballet

7D, chemin Pré-Marquis

1241 Puplinge

+41 22 349 83 60

info@amisdelopera.ch amisdelopera.ch

Late Nights

Quand le théâtre devient le spectacle et quand les acteurs du spectacle c'est vous. Accueillis dès l'entrée par une ambiance et des sons qui vous emmènent, vous voilà emportés en Cendrillon des temps modernes, de salle en salle, de longdrink en cocktail, jusqu'au bout de minuit, car chez nous trois fois par saison, le carrosse se transforme en citrouille après trois heures du matin et les pantoufles de vair laissent la place aux baskets de tout genre, de quoi affronter la piste de danse sans abîmer les beaux parquets. Un lieu atypique pour des gens curieux de tout. On sait qu'on a la réputation d'être un peu coincés-classique-ma-chère mais désormais, la fine fleur de la DJ-sphère va déchirer chez nous. Et vos préconceptions à notre sujet par la même occasion.

Trois fois par saison le Grand Théâtre ouvre ses portes à des heures pas protestantes  : novembre pour célébrer la saison, février pour faire fuir l'hiver et mai pour fêter l'été. L'occasion aussi de retisser les liens avec nos voisins et acolytes et de s'ouvrir à d'autres genres.

Or when the opera house becomes a performance and you are the performers. As soon as you step inside, you get swept up like a modern-day Cinderella in a swirl of sounds and sights that carry you from one space to the next, from a highball to a cocktail, from midnight to the wee hours, because at the Grand Théâtre, three times per season, at 3 a.m., we turn the coach into a pumpkin and the glass slippers change into sneakers that won't damage the beautiful parquet floors they're dancing on. A far-out party for people with open minds. We know that our reputation as a posh place for stuffy classical music fans precedes us. But for three nights next season, we've curated a few line-ups of badass DJs to come and rip up the house. And some of your prejudices against us, while they're at it.

Three times per season, the Grand Théâtre stays up way past its bedtime. In November, to open the season, in February to drive the winter away and in May, to celebrate summer. It'll also be a good time to invite some of our neighbours and cronies over and open up to other genres.

Late Night #1 25.11.2023

Late Night #2 2.2.2024

Late Night #3 10.5.2024

Entrée CHF 25.—

De 22h à 2h

Au GTG

Sleepover

L'espace d'une nuit, venez habiter le Grand Théâtre, on vous balade du plafond à la scène, de labyrinthe en labyrinthe, au fil des mélodies d'antan et des douces polyphonies. Venez rêver sous les lumières des lustres et des étoiles, on vous bercera jusqu'au petit matin, et alors quel réveil !

Et munissez-vous de vos affaires :

• sac de couchage ou autre couverture

• matelas ou natte plus ou moins molle

• coussin

• lampe de poche

• affaires de toilette

• doudou

•

For one night, come and live in the Grand Théâtre, we'll take you from the ceiling to the stage, from maze to maze, along the melodies of yesteryear and sweet polyphonies. Come and dream under the lights of the chandeliers and the stars, we will sing you to sleep until the early morning, and then what a wake-up call! And bring your things:

• sleeping bag or other blanket

• mattress more or less soft

• pillow

• flashlight

• toilet bag

• teddy bear

• …

Programme à venir

13.4.24

Au GTG

María de Buenos Aires sous les étoiles

Pour fêter la musique ensemble, le Grand Théâtre vous invite sous les étoiles, non pas celles de son immense plafond en voie lactée de l'artiste Jacek Stryjeński à la place de Neuve, mais bel et bien celles qui vous attendent en plein air, dès que la nuit commence à tomber, au parc des Eaux-Vives. En entrée libre, venez vivre María de Buenos Aires de Ástor Piazzolla, sur grand écran.

To celebrate the Fête de la Musique together with the Grand Théâtre, we're inviting you to sit with us under the stars. Not those that sparkle by the hundreds in Jacek Stryjeński's gold and silver ceiling in our auditorium, the real ones that await us al fresco, as night starts falling on the parc des Eaux-Vives. Come and experience, free of charge, on a giant screen, our production of Astor Piazzolla's María de Buenos Aires.

Projection de María de Buenos Aires

Entrée libre

Juin 2024

Parc des Eaux-Vives

Avec le soutien de

Journée portes ouvertes

En famille ou en flâneur·euse, les portes vous sont grandes ouvertes.

Le dimanche, le temps de passer le balai et la panosse, on aère le Grand Théâtre : portes et fenêtres ouvertes, venez passer la tête dans l'entrebâillement cacophonique et dépoussiérez votre regard : on vous convie à une répétition du Chœur ou du Ballet, à des ateliers pour enfants, des visites pour adultes, les parcours découvertes et techniques pour ceux qui veulent toujours tout savoir, bref, vous n'aurez pas assez de doigts pour compter tout ce que vous avez fait. Des festivités qui bien évidemment se prolongeront pendant la saison en réitérant certains des formats que vous venez d'expérimenter !

With the kids or just wander in, the doors are wide open.

A quick onceover with the mop and broom and we throw the windows and doors wide open to let the sounds of our busy Sunday morning out onto the street for all to hear. This is your chance to come in and check us out. You can watch the Chorus rehearsing a performance. There will be lots of activities specially designed for this opening weekend: stuff for the kids (makeup, drawing, games in the theatre), food and wine tasting and tours for grownups, discovery circuits for the eternally curious, in short, never a dull moment in our company. And this is just the trial run for other festive weekends we are planning this season along the same format!

Entrée libre

10.9.2023

De 11h à 18h

Au GTG

Grands brunchs

B pour Belcanto, B pour Bellini (accessoirement aussi un délicieux cocktail), Bartók, Bizet et Berlioz et tout naturellement, B pour Brunch ! Un brunch en solitaire, en tête-à-tête ou en groupe rhizomatique pour se détendre en compagnie ou délier sa langue entre vieux amis, dans un cadre familial mais pas trop, sous la houlette indifférente des dieux mythologiques des ors rafraîchis des foyers. Neuf dimanches par saison, neux occasions de faire la grasse matinée, neux occasions de bruncher en musique. Notre formule Gargantua mélomane du dimanche. Vu que le foyer du Grand Théâtre ne peut accueillir qu'un nombre limité de personnes, le brunch vous accueille sur réservation uniquement.

B is for Bel canto and Bellini (also a very nice drink), Bizet and Berlioz, Britten and his Billy Budd and, of course, B is for Brunch! Will you be alone or tête-à-tête, will you be a bunch of boisterous brunchers or are you looking to bring your babbling brood? The tables are set for a Grand Brunch in Geneva's most beautiful ballroom, where the gods and nymphs of legend beam their benign, but blasé, smiles down on you from above. Eight Sundays per season, eight chances for a nice lie-in, eight chances to add some beautiful music to your eggs benedict: we have a Sunday buffet ready to satisfy the hungriest opera and ballet buffs! As space is limited in our Main Foyer, we kindly ask you to reserve your table beforehand.

Entrée CHF 70.— / CHF 20.— (jusqu'à 12 ans)

Les dimanches dès 11 h

Dans le foyer du GTG

Visites guidées

Quel est le lien entre le duc de Brunswick et le Grand Théâtre ? Entre la Walkyrie et le grand incendie ? Entre une façade Second Empire et une salle de spectacle années 50-60 ?

Dix fois par an, rejoignez-nous à l'intérieur du grand vaisseau de la place de Neuve, pour naviguer entre anecdotes lyriques et curiosités patrimoniales. De l'Atrium à la Voie lactée, du marbre de l'entrée au doré des foyers, partez à la découverte de ce bâtiment emblématique, guidé par les connaisseurs de la maison qui vous en dévoileront les secrets.

What is the connection between the Duke of Brunswick and the Grand Théâtre? Between the Valkyrie and the great fire?

Between a Second Empire façade and a 50s-60s theatre?

Nine times a year, we let visitors into the bowels of the huge ship of the Place de Neuve, navigating between opera trivia and heritage curiosities. From the Atrium to the Milky Way, from the marble of the entrance to the gold of the fireplaces, discover this emblematic building, guided by our in-house connoisseurs, who will tell you all its secrets.

Apérovisites

Parce qu'on aime le Grand Théâtre en mode afterwork, place à une nouveauté cette saison. Formule hybride entre la traditionnelle Visite Guidée et l'Apéropéra : c'est l'Apérovisite. Du verre de Murano aux fresques de Léon Gaud, oui mais avec une menthe à l'eau. Du marbre de l'entrée au doré des foyers, volontiers accompagnés d'un verre de Viognier. L'Apérovisite, c'est trois rendez-vous dans l'année, à ne pas manquer. Because we love putting the Grand Théâtre in afterwork mode, we will be trying out something new this season. The Apérovisite: a hybrid between the traditional Guided Tour and the Apéropéra. Marvel at our Murano glass or Léon Gaud's gaudy frescoes, sure, but have a drink with that. Our marble halls and our gilded chimneypieces are so much more thrilling with a glass of Viognier. Apérovisite will only take place three times this season, so save those dates!

12.10.23

11.1.24

25.4.24

Tarifs sur demande

18h30

Visites privées et ateliers sur mesure

Entrée CHF 15.— / CHF 10.— (jusqu'à 12 ans)

Visite à 12h30 / Durée de la visite : 55 minutes

Rendez-vous dans le hall d'entrée du Grand Théâtre

Envie de découvrir la Voie lactée entre collègues ou les dorures des foyers entre ami·e·s ? Envie de proposer à vos collaborateurs une séance de team-building peu ordinaire ou à vos client·e·s une plongée dans l'univers de l'opéra ?

Passez de l'autre côté, avec des visites guidées privées du Grand Théâtre et/ou de ses ateliers de décors et de costumes, ou encore avec des ateliers artistiques sur mesure, encadré·e·s par des chanteurs professionnels.

Bespoke private tours and workshops

Would you like to discover the Milky Way with your colleagues or have the gilt and chandeliers in the foyer for you and your friends? How about a team-building session like no other or a taste of the world of opera? On the other side, we have all kinds of private guided tours of the Grand Théâtre and/or its set and costume workshops. Or even made-to-measure artistic workshops facilitated by professional singers.

Contact : dev.culturel@gtg.ch

Informations pratiques

Feu sacré

le podcast des entrepreneurs exceptionnels

Ils ont du succès mais, forcément, ne sont pas infaillibles. Qui sont les hommes et les femmes derrière ces personnalités qui font la Suisse romande?

A retrouver tous les mois sur letemps.ch/podcast et sur les applications d’écoute

LE SPECTACLE

HORAIRES DES REPRÉSENTATIONS

Les horaires varient en fonction du spectacle. Les horaires et les lieux de représentations sont toujours indiqués sur les billets et sur le site internet gtg.ch.

OUVERTURE DES PORTES

Les espaces publics sont habituellement ouverts une heure avant le spectacle et l'accès à la salle est possible trente minutes avant la représentation.

RETARDATAIRES

Par respect pour le public et les artistes, après le début du spectacle, l'accès à la salle se fait à la première interruption et aux places accessibles. Aucun remboursement ou échange de billet ne sera effectué en cas de retard.

VESTIAIRE

Les vestiaires payants du Grand Théâtre sont à votre disposition de chaque côté de la salle aux niveaux Orchestre, 1er et 2e balcons, et à chaque niveau de l'Amphithéâtre (CHF 2.—).

JUMELLES

Des jumelles peuvent être louées au vestiaire (CHF 5.—).

REHAUSSEURS

Des rehausseurs sont disponibles au vestiaire (service gratuit).

ENREGISTREMENTS

Il est interdit de photographier, de filmer ou d'enregistrer les spectacles. Tout·e contrevenant·e peut être soumis·e à des poursuites.

SURTITRAGE

Les spectacles font généralement l'objet d'un surtitrage bilingue français et anglais.

TÉLÉPHONES

Les téléphones doivent être éteints lors de l'entrée en salle.

BARS

Les bars du Grand Théâtre vous accueillent une heure avant les spectacles, durant les entractes et occasionnellement à l'issue des représentations. Plus d'informations concernant la gastronomie et la restauration au Grand Théâtre sur gtg.ch/restauration

AVANT LE LEVER DE RIDEAU : INTROPÉRA

45 minutes avant chaque opéra et ballet, un·e expert·e vous donne quelques clés pour mieux apprécier le spectacle.

GLAM NIGHT !

Le temps d'une soirée, on se met sur son trente et un, on se pare de ses plus beaux atours, des plus extravagants ou des plus glamour et on se presse au spectacle et à l'after gala qui s'ensuit ! C'est rare, c'est festif, c'est la Glam Night. Cette saison, marquez dans vos agendas les représentations « Glam Night » les 3.10.2023 (opéra María de Buenos Aires) et 6.6.2024 (opéra Roberto Devereux). Ces dates de représentations sont signalées par une étoile dans les pages spectacles de la brochure ainsi que du site gtg.ch.

BABYSITTING GRATUIT

Pas le temps, jeunes parents ? Vous voulez faire une petite respiration artistique le temps d'une soirée ? On se charge de tout. Avec l'achat de votre billet, le babysitting vous est offert. Plus d'info sur gtg.ch/babysitting

→ Rendez-vous sur gtg.ch où vous trouverez toutes les infos sur les horaires, les codes vestimentaires (ou pas...), les tarifs, les bars, et tout ce que vous avez toujours voulu savoir pour bien préparer votre venue au GTG.

THE SHOW

PERFORMANCE TIMES

Times may vary depending on the performances. Performance time and venues are always stated on the tickets and on the website gtg.ch.

OPENING OF DOORS

Public areas usually open one hour before the performance and access to the auditorium starts thirty minutes before curtain time.

LATE ARRIVALS

Out of consideration for the audience and the artists, once a show starts, access to the auditorium is allowed only at the first break and only to readily accessible seats. No reimbursement or ticket exchange will be made in case of late arrival.

CLOAKROOM

The Grand Théâtre paying cloakrooms are available on each side of the auditorium at orchestra level, on the 1st and 2nd circles and at every level of the upper circle (CHF 2.—)

OPERA GLASSES

Opera glasses can be hired from the cloakroom (CHF 5.—).

SEAT BOOSTERS

Seat boosters are available for free from the cloakroom.

RECORDINGS

It is forbidden to photograph, film or record performances. Offenders may be subject to prosecution.

SURTITLES

Performances are usually surtitled in French and English.

TELEPHONES

All telephones must be switched off on entering the auditorium.

BARS

Our bars are open one hour before shows, during intermissions and occasionally after the performances. Further information about catering and refreshments at the Grand Théâtre is available at gtg.ch/restauration

BEFORE CURTAIN TIME: INTROPERA

45 Minutes before each opera and ballet performance an expert offers you clues to help you better appreciate the show.

GLAM NIGHT!

For one night, dress up, put on your most beautiful, extravagant or glamorous clothes and you rush to the show and the after gala that follows! It's rare, it's festive, it's Glam Night. Mark your calendars for this season's Glam Night performances on 3.10.2023 (opera María de Buenos Aires) and 6.6.2024 (opera Roberto Devereux). These performances are tagged with a star on the show pages of this book and on gtg.ch.

FREE BABYSITTING

No time, young parents? Would you like to take a break for an evening? We'll take care of everything. With the purchase of your ticket, babysitting is provided free of charge. More info on gtg.ch/babysitting

→ Go to gtg.ch where you will find all the information you need about schedules, dress codes (or not...), prices, bars, and everything you always wanted to know to prepare your visit to the GTG.

MESURES « HANDICAP & CULTURE »

PERSONNES À MOBILITÉ RÉDUITE

Des places en nombre limité sont réservées dans la salle du Grand Théâtre. Merci de contacter la billetterie au 022 322 50 50 pour préciser la demande au moment de la réservation de vos places. L'accès au Grand Théâtre se fait par l'ascenseur situé rue Diday.

SYSTÈME AUDIO POUR PERSONNES MALENTENDANTES

Un signal audio stéréo haute qualité à votre disposition ; l'application pour téléphone portable MobileConnect de la marque Sennheiser permet d'écouter en direct la représentation au moyen de vos écouteurs personnels et ce en haute qualité audio. Pour ce faire, il suffit de se connecter au réseau Wi-Fi MobileConnect, de lancer l'application et de sélectionner AUDIO GTG.

AUDIODESCRIPTION POUR LES PERSONNES

MALVOYANTES OU AVEUGLES

Ce procédé permet de rendre des spectacles accessibles aux personnes aveugles ou malvoyantes grâce à un texte en voix off qui décrit les éléments visuels de l'œuvre. L'audiodescription est donnée en direct ; elle se place entre les dialogues ou les éléments sonores importants afin de ne pas nuire à l'œuvre originale. Ce dispositif est proposé pour Anna Bolena le mercredi 26 juin 2024. Cette représentation est signalée par le logo « audiodescription » dans les pages spectacles ainsi que du site gtg.ch.

TARIF SPÉCIAL POUR LES PERSONNES EN SITUATION DE HANDICAP

Au Grand Théâtre, pour les opéras et les ballets, les personnes à mobilité réduite peuvent être placées en catégorie C pour le prix d'un billet de catégorie D. Les personnes malentendantes peuvent être placées en catégorie B pour le prix d'un billet de catégorie C. Concernant les récitals, merci de vous référer au site internet gtg.ch. Les personnes malvoyantes, aveugles ou avec un handicap mental peuvent bénéficier d'une place gratuite pour leur accompagnant·e.

"HANDICAP & CULTURE" MEASURES

ACCESS FOR THE MOBILITY IMPAIRED

A limited number of wheelchair seats are available in the auditorium of the Grand Théâtre. Patrons requiring such seats are kindly asked to contact the box office 022 322 50 50 to specify this upon booking. Access to the Grand Théâtre is by the lift on rue Diday.

AUDIO SYSTEM FOR HEARING IMPAIRED PEOPLE

A high-quality stereo audio signal at your disposal; the MobileConnect mobile app from Sennheiser allows you to listen to the live performance through your personal earphones in high quality audio. To do this, simply connect to the MobileConnect Wi-Fi network, launch the app and select AUDIO GTG.

AUDIO DESCRIPTION FOR THE BLIND OR VISUALLY IMPAIRE

This system allows blind or visually impaired people to follow the performance based on an audio description of visual elements. The script is cued between dialogues or important musical moments, in order not to affect the enjoyment of the work. This system will be available for Anna Bolena on Wednesday the 26th of June 2024. This performance is tagged with the "audio description" logo on our dedicated web pages on gtg.ch.

CONCESSIONS FOR PEOPLE WITH DISABILITIES

At the Grand Théâtre, mobility impaired people may be placed in category C for the price of a category D. Hearing impaired people may be placed in category B for the price of a category C ticket. Blind, visually impaired people or people with a mental handicap may receive a complimentary ticket for a companion.

DEUTZ BRUT CLASSIC

CHAMPAGNE-DEUTZ.COM

Servi aux bars du Grand Théâtre

RESTAURATION

UNE VARIÉTÉ DE LIEUX POUR VOUS SERVIR

Fort de sa magnifique rénovation, le Grand Théâtre vous propose quatre lieux uniques où vous pourrez profiter d'une nouvelle offre gastronomique : à chaque étage, son univers où vous vous délecterez de mets inventifs et gourmands. Les bars du Grand Théâtre vous accueillent une heure avant le spectacle, durant l'entracte et également après la représentation.

LE CAFÉ DE LA PLAGE

Au rez-de-chaussée, accessible directement depuis l'entrée principale, le Café de La Plage du Grand Théâtre est à votre disposition. Ouvert et dynamique, son bar circulaire offre un environnement propice aux rencontres et aux discussions. Une expérience culinaire attractive en lien avec le spectacle du moment vous est proposée pendant les représentations.

LE BAR BLEU

Au sous-sol, avec son bar de 24 mètres de long (le plus long de Genève !), le Bar bleu du Grand Théâtre saura vous séduire. Dans une ambiance intime et feutrée, cette cave aux multiples voûtes et aux murs de briques est un lieu privilégié qui vous accueille pour le dîner en avant-spectacle et durant l'entracte, sur réservation.

BAR DU FOYER

Dans les dorures et les peintures nouvellement restaurées, le Grand Foyer vous accueille avant les représentations et durant les entractes. Champagne, vins, rafraîchissements et nouvelle offre gastronomique inédite feront de votre visite un moment inoubliable.

BAR DE L'AMPHITHÉÂTRE

Du champagne sous une pluie d'étoiles… Situé au 3e étage directement sous l'amphithéâtre, le bar est aujourd'hui entièrement rénové. Sa voûte scintille de mille lumières créant une atmosphère magique pour vos rafraîchissements d'avant-spectacle et à l'entracte.

Votre restaurant au cœur de Genève

Source intarissable d'inspiration, le Grand Théâtre invite l'équipe du Café de La Plage à concocter une carte évolutive au fil des saisons. Composée presque essentiellement de produits locaux, elle s'articule autour de la gourmandise et du partage. Que ce soit pour déguster un fameux classique revisité ou une des créations « signature », une seule envie nous anime, enchanter vos papilles. Nous avons créé une carte des vins juste et équilibrée qui saura ravir les amateurs comme les experts, sans oublier nos délicieux cocktails à la carte ou créés spécialement pour vous. En hiver autour du bar circulaire et son haut plafond ou en été sur notre spacieuse terrasse ensoleillée, quelles que soient vos envies, notre équipe se fera un plaisir de vous accueillir et vous conseiller pour une expérience unique et sur mesure. Le Café de La Plage a reçu de beaux éloges récemment avec la note de 15/20 décernée par le Gault & Millau et un « Bib Gourmand » du non moins célèbre Guide Michelin.

Plus d'informations sur gtg.ch/restauration

FOOD AND BEVERAGE

A VARIETY OF VENUES AT YOUR SERVICE

Thanks to its magnificent renovation, the Grand Théâtre offers you four unique places where you can enjoy a new gastronomic offer: on each floor, its universe where you will revel in inventive and gourmet dishes. On performance days, the bars of the Grand Théâtre welcome you one hour before the show, during intermissions, as well as after the performance.

THE CAFÉ DE LA PLAGE

On the ground floor, and directly accessible from the main entrance, the Grand Théâtre's new Café de La Plage is waiting for you. Open and dynamic, its round bar makes it the perfect place to meet in the heart of the city. An creative culinary experience related to the show of the moment is offered during the performances. You can now also book your table.

THE BAR BLEU

With its 24 metres long bar (the longest bar in Geneva!), the Grand Théâtre's basement bar bleu will surely appeal to you. In an intimate plush atmosphere, this vaulted exposed brick cellar has a very special charm and now welcomes you for dinner before the show and during the intermission, upon reservation.

THE BAR DU FOYER

Amongst the gilding and the newly restored paintings, the Main Foyer welcomes you before performances and during intermissions. Champagne, wines, refreshments and an original gastronomic experience to make your visit unforgettable.

THE BAR DE L'AMPHITHÉÂTRE

Champagne under a shower of stars… Situated on the third level directly beneath the upper circle the bar has been completely renovated. Its vaulted ceiling sparkling with a thousand lights creates a magic atmosphere for your refreshments before the performance and during intermission.

The place to be at the heart of the city

An infinite source of inspiration, the Grand Théâtre invites the Café de la Plage's team to create a menu that evolves with the seasons. Composed almost entirely of local products, the menu revolves around the love of fine food and sharing. Whether you want to treat yourself to one of our famous revisited classics or one of our "signature" creations, there is only one wish that drives us, to delight your taste buds. We have created a fair and balanced wine list that will delight wine lovers and experts alike, not forgetting our delicious cocktails à la carte or created especially for you. In winter around the circular bar with its high ceiling or in summer on our spacious sunny terrace, whatever your desires, our team will be happy to welcome you and advise you for a unique and tailor-made experience.

The Café de La Plage has recently received high praise with a 15/20 rating from Gault & Millau and a "Bib Gourmand" from the equally renowned Michelin Guide.

LOCATION DES ESPACES DU GRAND THÉÂTRE

Vous souhaitez organiser une soirée privée dans un cadre exceptionnel ? Dîner de gala, cocktail, afterwork ou dîner d'affaires ?

Le Grand Théâtre propose à la location des espaces uniques à Genève : ses foyers, ses bars et sa salle pour des manifestations privées. La disponibilité dépend de l'activité du Grand Théâtre à la date souhaitée et du type de manifestation. Un devis personnalisé en fonction de votre événement est établi sur demande.

LES FOYERS

Les foyers présentent un majestueux espace de style Second Empire. Le Grand Foyer, avec ses deux foyers latéraux, forme le bel étage. Les nombreux grands miroirs qui ornent ces trois salles en enfilade offrent un subtil jeu de perspectives visuelles. Ils rappellent, par leur splendeur, la célèbre galerie d'Apollon du Louvre ou encore la galerie des Glaces à Versailles. Les dorures, les fresques et peintures, et le parquet d'époque ont été rénovés en 2019.

LES BARS

Le Grand Théâtre propose plusieurs lieux de restauration disponibles séparément à la location. Selon les étages, les bars et restaurants offrent des ambiances différentes.

LA SALLE

La salle de 1 500 places, rénovée en 1962, offre une remarquable qualité acoustique et visuelle aux spectateurs. Son ciel étoilé et le rideau de feu sont signés Jacek Stryjeński. Sa mise à disposition est exceptionnelle et dépend du planning d'activités du Grand Théâtre.

LES SOIRÉES PRESTIGE : RECEVOIR AU GRAND THÉÂTRE

Lors d'un spectacle, pour soigner vos relations avec vos clients et partenaires privilégiés ou passer une soirée d'exception entre amis, le Grand Théâtre de Genève vous permet de les accueillir pour une soirée « prestige » : un univers magique pour un événement exclusif. Invitez dans l'écrin rénové du Grand Théâtre de Genève, place de Neuve, accueillez avec distinction et élégance et partagez des émotions rares. Vos hôtes se souviendront longtemps de votre événement. Nos formules sont multiples et peuvent être personnalisées sur mesure !

Demandez notre brochure ou contactez-nous à l'adresse email event@gtg.ch

RENTAL OF THE GRAND THÉÂTRE

Do you want to organize a private reception in a prestigious setting? A gala dinner, a cocktail, afterwork or a business dinner? The Grand Théâtre offers rental possibilities for venues that are unique in Geneva — its foyers, bars and auditorium. Availability depends on the activities of the Grand Théâtre on the desired date and the type of event. A personalized quote for your specific event will be established on request.

THE FOYERS

The foyers are original and constitute a majestic Second Empire style ensemble. The main foyer with smaller foyers on both sides form the piano nobile of the main façade. The many large mirrors that ornament the walls of these three adjacent rooms, offer a subtle interplay of visual perspectives. Their splendour is reminiscent of the famous Galerie d'Apollon in the Louvre or the Hall of Mirrors at Versailles. The gilding, frescoes and paintings, and the period parquet floor were also renovated in 2019.

THE BARS

The Grand Théâtre offers various dining venues available separately for rent. Each floor enjoys its own bar, restaurant and unique atmosphere.

THE AUDITORIUM

The 1 500 seat auditorium, renovated in 1962, offers the audience a remarkable acoustic and visual quality. Its starry ceiling and the fire curtain were designed by Jacek Stryjeński. The precise area of the stage available for rental depends on the activities of the Grand Théâtre on that particular day.

PRESTIGE EVENINGS

If you want to develop your relations with your customers and privileged partners or spend an exceptional evening with friends, the Grand Théâtre de Genève allows you to host them for a "prestige" evening during a performance. With luxury service, the first cultural institution in Frenchspeaking Switzerland opens the door to a magical world, the ideal ambience for an exclusive event. When you invite guests to the fully renovated setting of the Grand Théâtre de Genève, Place de Neuve, you can provide a distinctive welcome and share some rare emotions. Your guests will be enraptured and won't forget such an original soirée. Our packages offer many combinations and can be customized.

Request our brochure or contact us at event@gtg.ch

MÉCÉNAT ET PARTENARIAT

Devenez mécène ou partenaire du Grand Théâtre, soutenez l'avenir de l'opéra, du ballet et de la musique !

Vous ferez partie de la plus grande structure artistique de Suisse romande. Vous renforcerez son ancrage à Genève et son rayonnement au-delà de ses frontières. Vous participerez au déploiement des ambitions du Grand Théâtre, celles d'excellence artistique, d'innovation et d'ouverture à tous les publics. Chaque saison, le Grand Théâtre présente des productions lyriques et chorégraphiques qui évoquent les grands sujets de notre époque, destinées à faire vivre l'expérience incomparable de l'art dans toutes ses formes au plus grand nombre. Avec une compagnie de ballet menée par le grand chorégraphe Sidi Larbi Cherkaoui, à la pointe de l'expérimentation transdisciplinaire, le Grand Théâtre développe un nouveau répertoire de danse contemporaine dont les tournées feront briller Genève et la Suisse à l'étranger.

Votre don constitue un soutien vital à la réalisation de projets audacieux. Il existe un large champ d'initiatives que vous pouvez soutenir et qui vous permet de vous associer aux valeurs du Grand Théâtre : participez directement au financement d'une saison ou d'un spectacle ; contribuez à la création d'un ballet ; soutenez un projet qui rassemble plusieurs disciplines artistiques ; engagez-vous pour la jeunesse et pour la diversification des publics ; engagez-vous pour l'accessibilité à toutes et tous et à petit prix ; aidez les artistes du Grand Théâtre, sa troupe de jeunes chanteurs en résidence ou les danseurs de sa compagnie de ballet.

À titre privé, dans le cadre d'une fondation ou d'une entreprise, votre mécénat se construit selon vos souhaits en relation privilégiée avec le Grand Théâtre, pour mettre en avant des valeurs communes et enrichir votre projet d'entreprise ou personnel. Rejoignez-nous pour bénéficier non seulement d'une visibilité unique et d'un accès exceptionnel aux productions, mais aussi pour vivre des moments inoubliables en compagnie des grands artistes de notre époque !

SPONSORSHIP AND PARTNERSHIP

Become a patron or partner of the Grand Théâtre and support the future of opera, ballet and music!

You will become part of the largest artistic structure in French-speaking Switzerland. You will strengthen its roots in Geneva and its influence beyond its borders. You will participate in the deployment of the Grand Théâtre's ambitions of artistic excellence, innovation and openness to all audiences. Each season, the Grand Théâtre presents lyrical and choreographic productions that explore the major subjects of our time, designed to provide an incomparable experience of art in all its forms to as many people as possible. With a ballet company led by the great choreographer Sidi Larbi Cherkaoui, at the forefront of transdisciplinary experimentation, the Grand Théâtre is developing a new contemporary dance repertoire whose tours will make Geneva and Switzerland shine internationally. Your donation is a vital support for the realization of these daring projects.

There is a wide range of initiatives that you can support and that allow you to associate yourself with the values of the Grand Théâtre: participate directly in the financing of a season or a show; contribute to the creation of a ballet; support a project that brings together several artistic disciplines; commit yourself to youth and to the diversification of audiences; contribute to the action aimed at making the Grand Théâtre accessible at low prices; support the artists of the Grand Théâtre, its young singers ensemble in residence or the dancers of its ballet company.

In a private capacity, as part of a foundation or a company, your patronage is built according to your wishes in a privileged relationship with the Grand Théâtre, to highlight common values and to enrich your corporate or personal project. Join us to benefit not only from unique visibility and exceptional access to productions, but also to experience unforgettable moments in the company of the great artists of our time!

SOUTIEN

Ville de Genève, Association des communes genevoises, Cercle du Grand Théâtre de Genève, Aline Foriel-Destezet, République et Canton de Genève

SES GRANDS MÉCÈNES

Allianz, Généreux donateur conseillé par CARIGEST SA, Chopard, FCO Private Office SA, Caroline et Éric Freymond, Ernst Göhner Stiftung, Indosuez Wealth Management, JT International, Fondation Leenaards, Brigitte Lescure, Fondation Francis et Marie-France Minkoff, Fondation du Groupe Pictet, REYL & Cie SA, Fondation Edmond J. Safra, Famille Schoenlaub, Union Bancaire Privée, UBP SA, Stiftung Usine, Fondation VRM

SES MÉCÈNES

Fondation Alfred et Eugénie Baur, Rémy et Verena Best, Bloomberg, Cargill International SA, Fondation Coromandel, Dance Reflections by Van Cleef & Arpels, Fondation FAMSA, Angela et Luis Freitas de Oliveira, Emil Frey, Fondation Léonard Gianadda Mécénat, Centre de Médecine du Sport et de l'Exercice Hirslanden Clinique La Colline, Hyposwiss Private Bank Genève SA, Fondation Inspir', Mona Lundin-Hamilton, France Majoie Le Lous, Fondation Jan Michalski pour l'écriture et la littérature, MKS PAMP SA, Adam et Chloé Said, Société Générale Private Banking, Fondation du Domaine de Villette

INFORMATIONS & CONTACT

+ 41 22 322 50 58

+ 41 22 322 50 59 mecenat@gtg.ch

LE CERCLE DU GRAND THÉÂTRE

Investissez-vous dans l'art vivant, soutenez l'excellence artistique de la plus grande scène culturelle de la Suisse romande et entrez dans les coulisses du théâtre et de ses créations.

Depuis sa création en 1986, le Cercle du Grand Théâtre de Genève rassemble toutes les personnes et entreprises intéressées à soutenir les activités du Grand Théâtre dans le domaine des arts lyrique, chorégraphique et dramatique. Pour la saison 23-24, le Cercle soutient les productions suivantes : Don Carlos, María de Buenos Aires et Éléments.

LES MEMBRES THE MEMBERS (situation mars 2022)

Bureau

M. Rémy Best, président

M. Shelby du Pasquier, vice-président

Mme Véronique Walter, trésorière

Mme Benedetta Spinola, secrétaire

Autres membres du Comité

M. Romain Jordan

M. Antoine Khairallah

Mme Pilar de La Béraudière

Mme Marie-Christine von Pezold

M. François Reyl

M. Adam Said

M. Julien Schoenlaub

M. Gerson Waechter

Membres bienfaiteurs

M. Metin Arditi

M. et Mme Rémy Best

M. Jean Bonna

Fondation du groupe Pictet

M. et Mme Luis Freitas de Oliveira

M. et Mme Pierre Keller

Banque Lombard Odier & Cie

MKS PAMP SA

M. et Mme Yves Oltramare

M. et Mme Julien Schoenlaub

Société Générale

Private Banking Suisse

M. et Mme Pierre-Alain Wavre

M. et Mme Gérard Wertheimer

Membres individuels

S.A. Prince Amyn Aga Khan

Mme Marie-France Allez de Royère

Mme Diane d'Arcis

M. et Mme Luc Argand

Mme Gillian Arnold

M. Cesar Henrique Arthou

M. Ronald Asmar

Mme May Bakhtiar

Mme Christine

Batruch-Hawrylyshyn

M. et Mme François Bellanger

Mme Annie Benhamou

Mme María Pilar de la Béraudière

M. Vincent Bernasconi

M. et Mme Philippe Bertherat

Mme Antoine Best

Mme Saskia van Beuningen

Mme Clotilde de Bourqueney

Harari

Comtesse Brandolini d'Adda

Mme Géraldine Burrus

M. Yves Burrus

Mme Caroline Caffin

Mme Emily Chaligné

M. et Mme Jacques Chammas

M. et Mme Philippe

Chandon-Moët

Mme Claudia Ciampi

M. et Mme Philippe Cottier

Mme Tatjana Darani

M. et Mme Claude Demole

M. et Mme Guy Demole

M. et Mme Michel Dominicé

M. Pierre Dreyfus

M. et Mme Olivier Dunant

Mme Marie-Christine Dutheillet de Lamothe

Mme Denise Elfen-Laniado

Mme Diane Etter-Soutter

M. et Mme Patrice Feron

M. et Mme Éric Freymond

M. et Mme Yves Gouzer

Mme Claudia Groothaert

M. et Mme Philippe Gudin de La Sablonnière

Mme Bernard Haccius

Mme Mona Hamilton

Mme Victoria Hristova

M. et Mme Éric Jacquet

M. Romain Jordan

M. Antoine Khairallah

M. et Mme Jean Kohler

M. David Lachat

M. Marko Lacin

Mme Brigitte Lacroix

M. et Mme Félix Laemmel

Mme Éric Lescure

Mme Claire Locher

Mme France Majoie Le Lous

M. et Mme Colin Maltby

M. et Mme Thierry de Marignac

M. Bertrand Maus

THE CERCLE OF THE GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Get involved in live art, support the artistic excellence of the largest cultural scene in French-speaking Switzerland and go behind the scenes of the theatre and its creations.

Since its creation in 1986, the Cercle du Grand Théâtre de Genève brings together patrons and institutional bodies that wish to support the Grand Théâtre's activities in the fields of opera, dance and drama. For the 23-24 season, the Cercle is supporting the following productions: Don Carlos, María de Buenos Aires et Éléments.

M. et Mme Olivier Maus

Mme Béatrice Mermod

Mme Catherine Meyer Frimenich

Mme Vera Michalski-Hoffmann

Mme Brigitte Morina

M. et Mme Christopher

Mouravieff-Apostol

Mme Ingrid Nouhaud

M. Xavier Oberson

M. et Mme Patrick Odier

M. et Mme Alan Parker

M. Shelby du Pasquier

Mme Jean Pastré

Mme Sibylle Pastré

Baron et Baronne Louis Petiet

M. et Mme Gilles Petitpierre

Mme Marie-Christine von Pezold

M. et Mme Charles Pictet

M. Charles Pictet

M. et Mme Guillaume Pictet

M. et Mme Ivan Pictet

Mme Françoise Propper

Comte de Proyart

M. et Mme Christopher Quast

Mme Zeina Raad

M. et Mme Dominique Reyl

M. et Mme François Reyl

Mme Karin Reza

M. et Mme Jean-Pierre Roth

M. et Mme Andreas Rötheli

M. et Mme Jean-Rémy Roussel

M. et Mme Adam Said

Marquis et Marquise de Saint Pierre

M. Vincenzo Salina Amorini

M. Alain Saman

Mme Nahid Sappino

M. Paul Saurel

Mme Isabelle de Ségur

Baronne Seillière

Mme Nathalie Sommer

Marquis et Marquise

Enrico Spinola

Mme Christiane Steck

Mme Della Tamari

M. Riccardo Tattoni

Mme Suzanne Troller

M. et Mme Gérard Turpin

M. Olivier Varenne

M. et Mme Jean-Luc Vermeulen

M. et Mme Julien Vielle

M. et Mme Olivier Vodoz

Mme Bérénice Waechter

M. Gerson Waechter

M. et Mme Stanley Walter

M. Stanislas Wirth

Membres institutionnels

1875 Finance SA

BCT Bastion Capital & Trust

FCO Private Office SA

Fondation Bru

Fondation de l'Orchestre de la Suisse Romande

International Maritime Services Co. Ltd.

Lenz & Staehelin

Moore Stephens Refidar SA

Schroder & Co Banque SA

SGS SA

Plus d'informations et le détail complet des avantages pour les membres du Cercle sur gtg.ch/ cercle

Inscriptions

Cercle du Grand Théâtre de Genève

Gwénola Trutat

Boulevard du Théâtre 11

CH 1204 Genève +41 22 321 85 77 (8h - 12h) cercle@gtg.ch

Compte bancaire

No 530290 Banque Pictet & Cie SA

Organe de révision

Plafida SA

BILLETTERIE

OUVERTURE DE LA BILLETTERIE POUR LA SAISON 23–24 (sous réserve de modification)

16.5.2023 : priorité aux réabonnements des abonné·e·s 22–23

19.6.2023 : ouverture de la vente aux nouvelles et nouveaux abonné·e·s

10.7.2023 : ouverture de la vente des billets individuels pour les spectacles de 2023

7.11.2023 : ouverture de la vente des billets individuels pour les spectacles de 2024.

COMMENT ACHETER VOS BILLETS ?

En ligne sur notre site internet gtg.ch

Choisissez vos places et téléchargez vos billets sur votre téléphone mobile ou imprimez-les en format papier.

À nos guichets

Passez nous voir directement sur place !

Grand Théâtre de Genève

5, place de Neuve – CH 1204 Genève

Nous vous accueillons avec plaisir selon les horaires suivants :

Du lundi au vendredi de 12h à 18h. Et les jours de spectacle en weekend à partir d'une heure trente avant le début du spectacle.

Par téléphone

Contactez-nous au + 41 22 322 50 50 pendant les heures d'ouverture de la billetterie.

Par courriel ou courrier

Écrivez-nous à l'adresse email billetterie@gtg.ch ou par courrier à l'adresse :

Billetterie du Grand Théâtre

Boulevard du Théâtre 11 – CH 1204 Genève

AUTRES POINTS DE VENTE OFFICIELS

Les billets de spectacles sont également disponibles à la vente chez nos partenaires suivants : Service Culturel Migros, See Tickets et le CAGI. Liste des points de vente des partenaires disponible sur les sites internet des partenaires respectifs.

TARIFS RÉDUITS

100 billets Le Filon à 17.- tous les soirs , billet jeune 1 à 20.-, tarif étudiant·e, dernière minute, Carte 20 ans/20 francs ou encore chéquier Culture 2, retrouvez tous les détails sur nos tarifs réduits sur gtg.ch/billetterie

GRAND THÉÂTRE BOX OFFICE

BOX OFFICE OPENING FOR THE 22–23 SEASON

(subject to modification)

Priority booking for 22-23 season tickets holders: 16.5.2023

Opening for new season ticket holders: 19.6.2023

Opening for the single tickets sales of 2023 shows: 10.7.2023

Opening for the single tickets sales of 2024 shows: 7.11.2023

HOW TO BUY YOUR TICKETS?

Online at gtg.ch

Choose your seats and download your tickets to your smartphoneor print them out.

At the box office

Grand Théâtre de Genève

5, place de Neuve – CH 1204 Geneva

We welcome you during the following hours: Monday to Friday from 12 PM / noon to 6 PM.

And on performance days during the weekend an hour and a half before the start of show.

By phone

+ 41 22 322 50 50 during open hours.

By e-mail or postal mail

Send us your requests to the email address billetterie@gtg.ch or by mail at the following address: Grand Théâtre box office Boulevard du Théâtre 11, CH 1204 Genève

OTHER OFFICIAL SALE POINTS

Grand Théâtre de Genève tickets are also available for sale through the following partners: Service Culturel Migros, See Tickets, CAGI. List of the partners' points of sale available on the respective partners' websites.

SPECIAL PRICES

100 "Le Filon" tickets at CHF 17.- for every show, youth ticket 1 for CHF 20.-, student prices, last minute tickets, 20 ans/20 francs card or chéquier Culture 2, look for all the details on our special prices on gtg.ch/boxoffice

1 Avec le soutien du Département de la cohésion sociale de la République et Canton de Genève, du Département de la culture et du sport de la Ville de Genève et du Fonds intercommunal des communes genevoises.

2 Mesure subventionnée par la Ville de Genève et les communes partenaires.

1 With the support of the State of Geneva Department of Social Affairs, the City of Geneva Department of Cultural Affairs and Sport and the intercommunal fund of the communes genevoises.

2 With the support of the City of Geneva and partner municipalities.

ABONNEMENTS

POURQUOI S'ABONNER ?

S'abonner c'est obtenir la garantie de bénéficier des meilleures places dans toutes les catégories, s'offrir la liberté du changement de dates sans frais et recevoir de nombreux avantages exclusifs.

VOS AVANTAGES EN TANT QU'ABONNÉ·E

1. Choisissez vos places et les spectacles auxquels vous souhaitez assister avant même l'ouverture de la vente des billets au public.

2. Bénéficiez d'une réduction pouvant aller jusqu'à 20 % sur vos billets en plein tarif.

3. Échangez, sans frais, vos billets jusqu'à la veille du spectacle à midi. Vous pouvez choisir une autre date du même spectacle, sous réserve de disponibilité.

4. Bénéficiez d'un rabais de 50 % sur l'achat des programmes des spectacles en présentant votre carte d'abonné·e.

5. Profitez gratuitement de notre service de vestiaire, sur présentation de votre carte d'abonné·e.

6. Réglez votre abonnement en trois fois sans frais additionnels (pour les abonnements dont le montant dépasse CHF 250.— uniquement).

7. Bénéficiez d'un service de billetterie privilégié et personnalisé.

8. Bénéficiez de réduction sur les bars du Grand Théâtre de Genève en vous procurant des coupons boisson et restauration à prix préférentiel auprès de la billetterie.

9. Devenez prioritaire pour la campagne d'abonnement de la saison suivante.

10. Vous vous abonnez à la Pleine Saison ou au programme Danse ? Nous vous offrons le Passedanse 23–24 (valeur CHF 20.—).

POUR LES JEUNES - 6 SPECTACLES POUR CHF 90.—

Le Grand Théâtre est un lieu pour les jeunes ! L'abonnement Libre Jeune (également disponible pour les étudiant·e·s) est à partir de CHF 90.— et permet d'assister à 6 spectacles dont un opéra, un ballet et un récital, dans les catégories A à E.

COMMENT S'ABONNER

Sur Internet

Commandez votre abonnement par internet sur gtg.ch et soyez parmi les premiers à choisir votre place. Composez votre programme de saison en quelques clics et choisissez entre un paiement immédiat ou un paiement en trois fois. Vous souhaitez un abonnement en loge ?

Contactez-nous au 022 322 50 50 ou à l'adresse billetterie@gtg.ch.

Avec le bulletin d'abonnement

Remplissez le bulletin d'abonnement et retournez-le par voie postale à la billetterie du Grand Théâtre de Genève, ou déposez-le aux heures d'ouverture.

Besoin d'aide ?

Nos équipes sont à votre service et vous conseilleront avec plaisir pour vous aider à choisir l'abonnement qui vous convient et remplir votre bulletin d'abonnement. Pour ce faire, deux possibilités s'offrent à vous :

Par email

Notre équipe vous répond pendant les horaires d'ouverture de la billetterie, à l'adresse abo@gtg.ch.

Par téléphone

Un membre de notre équipe répond à toutes vos questions pendant les horaires d'ouverture de la billetterie au 022 322 50 50.

MISE EN VENTE DES ABONNEMENTS POUR LA SAISON 23 – 24

(sous réserve de modification)

Ouverture de la vente aux abonné·e·s de la saison 22–23 : 16 mai 2023.

Ouverture de la vente aux nouveaux et nouvelles abonné·e·s : 19 juin 2023. Toutes les demandes sont traitées par date d'arrivée. Pour le courrier postal, la date de réception fait foi. Les réabonnements sont prioritaires jusqu'au 18 juin 2023.

Rendez-vous sur gtg.ch/abo pour en savoir plus et découvrir nos formules d'abonnement !

SEASON TICKETS

WHY HAVE SEASON TICKETS ?

A season ticket guarantees having the best seats in the category of your choice throughout the whole season, be free to change the date of your shows and benefit from many exclusive advantages.

YOUR SEASON TICKET ADVANTAGES

1. Choose your seats and the shows you wish to attend before the tickets go on sale to the public.

2. Receive a discount of up to 20% off the full price tickets.

3. Change the date of your tickets, free of charge, up to noon the day before the booked show. You can choose another date of the same show, subject to availability.

4. Receive a 50% discount on the purchase of show programmes by presenting your subscriber's card.

5. Free cloakroom, upon presentation of your subscriber's card.

6. Pay for your subscription in three installments at no extra cost (for subscriptions over CHF 250.— only).

7. Benefit from a customized and one-to-one ticketing service.

8. Take full advantage of discounts on the small catering service at the Grand Théâtre de Genève by buying discount coupons from the ticket office.

9. Enjoy priority booking for next season's subscription campaign.

10. Do you subscribe to the Full Season or the Dance programme? We offer you the Passedanse 23–24 (value CHF 20.—).

FOR YOUNG PEOPLE

The Youth Season Tickets offer 6 shows for CHF 90.—. The Youth Season Ticket is available from CHF 90.— and offers 6 shows including an opera, a ballet and a recital in seats categories A to E.

HOW TO BECOME A SEASON TICKET HOLDER?

On Internet

Compose your season tickets simply and directly online at gtg.ch and be among the first to choose your seat.

Order your subscription online in a few clicks and choose between immediate payment or in three instalments.

Do you wish to subscribe for a box season ticket? Contact us at 022 322 50 50 or at billetterie@gtg.ch.

With the subscription form

Fill in the subscription form and send it by post to the Grand Théâtre de Genève box office or drop it off during our opening hours.

Need help?

Our team is ready to help and advise you on the subscription that will best fit your needs and fill in the appropriate form. There are two ways of doing this:

By email

Our team will answer you during the opening hours of the box office at abo@gtg.ch.

By phone

One of our team members will answer all your questions during opening hours on 022 322 50 50.

SEASON TICKETS FOR THE 22–23 SEASON ON SALE

(subject to modification)

Sales opening to the 22–23 season subscribers: 16 May 2023. Sales opening to new subscribers: 19 June 2023.

Subscription forms are processed in the order they are received. For subscriptions sent by mail, the date of reception serves as proof. Subscription forms handed in at the subscription counter are dated the following working day.

Renewals have priority until 18 June 2023.

Visit www.gtg.ch/abo to find out more and discover our subscription formulas!

DÉVELOPPER LE THÉÂTRE DURABLE DE DEMAIN

LE PROJET

S'inscrivant dans le cadre du plan action climat et de la stratégie climat de la Ville de Genève, le GTG a initié des démarches afin d'établir un état des lieux et définir une stratégie de développement durable lui permettant de promouvoir un art vivant pertinent et de qualité dont pourront bénéficier les générations futures.

LES PREMIERS PAS

• Un comité de pilotage interne a été spécialement constitué pour aborder les problématiques environnementales, sociales et économiques liées à un développement durable du GTG.

• Un état des lieux ainsi qu'une liste d'actions à mener à court et long terme ont été établis.

• Des entretiens ont été réalisés avec un panel d'acteurs externes travaillant sur le sujet du développement durable et de la responsabilité sociale et environnementale au sein d'institutions culturelles.

• Le GTG s'engage dans une démarche de bilan énergétique afin de se doter de premiers éléments de mesure d'aide à la décision et dresser un plan d'action adéquat.

LE SAVIEZ-VOUS ?

• Grâce aux travaux de rénovation entrepris sur l'enveloppe thermique du bâtiment et les installations de chauffage et de ventilation, les dépenses énergétiques sont passées de 1544 MWh de gaz à 525 MWh d'électricité et 190 MWh de gaz par an. Ces mesures contribuent fortement à réduire nos émissions de gaz à effet de serre.

• Les besoins en chaleur du bâtiment sont couverts à 85% par des énergies renouvelables à travers l'usage d'une pompe à chaleur et ont été réduits de 10%.

• Les plats préparés au Café de la Plage et à la buvette du Grand Théâtre sont élaborés à partir de produits locaux et de saison, et les surplus alimentaires sont redistribués.

• L'ensemble de l'éclairage de la salle, des lieux publics et administratifs a été remplacé par de l'équipement LED à basse consommation énergétique.

• Les publications papiers sont imprimées sur du papier certifié FSC et la brochure de saison utilise des encres bio végétales sans cobalt.

• Le GTG est ouvert à toutes et tous :

- Spectacles dès le plus jeune âge, mais aussi à destination des aînés

- Système audio spécifique pour les malentendants

- Spectacle en audiodescription pour personnes malvoyantes et aveugles

- Places réservées pour les personnes à mobilité réduite

- Plus d'info page 129

DEVELOPING THE SUSTAINABLE THEATRE OF TOMORROW

THE PROJECT

As part of the City of Geneva's climate action plan and climate strategy, the GTG has initiated a series of steps to establish an assessment of the current situation and define a sustainable development strategy that will enable it to promote a relevant and highly qualitative performing art form that will benefit future generations.

THE FIRST STEPS

• An internal committee was specially constituted to address the environmental, social and economic issues related to the sustainable development of the GTG.

• An assessment of the situation and a list of short and long-term actions were drawn up.

• Consultations were held with a panel of external actors working on the subject of sustainable development and social and environmental responsibility within cultural institutions.

• The GTG is undertaking an audit on its energy use in order to obtain elements of measurement to assist in the decision-making process and to draw up an appropriate action plan.

DID YOU KNOW?

• As a result of the recent renovation work of the thermal structure of the building and the heating and ventilation systems, the energy emissions were reduced from 1,544 MWh of gas to 525 MWh of electricity and 190 MWh of gas per year. These measures contribute significantly to reducing our greenhouse gas emissions.

• The building's heating needs are 85% covered by renewable energy through the use of a heat pump and have been reduced by 10%.

• The menus prepared at the Café de la Plage and the Grand Théâtre's cafeteria are made from local and seasonal products, and surplus food is redistributed.

• All lighting in the hall, public and administrative areas has been replaced with low energy LED equipment.

• Paper publications are printed on FSC-certified paper and the seasonal brochure uses cobalt-free, organic vegetable inks.

• The GTG is open to all:

- Tailor-made activities for all ages, from 3 years, 5 years, 10 years, and also for seniors

- High quality audio system for the hearing impaired

- Audio description of the show for the blud and visually impaired (in french)

- Reserved seats for people with reduced mobility

- More info on page 129

LES AMI·E·S DU GTG

Vous aimez l'opéra, le ballet ou tout simplement le Grand Théâtre et désirez partager des moments d'exception entre ami·e·s ? Tout au long de la saison, le Grand Théâtre offre aux ami·e·s une série de rendez-vous qui donnent le privilège de rencontrer des artistes, d'accéder en avant-première aux répétitions et d'approcher celles et ceux qui, dans la lumière comme dans l'ombre de la scène, œuvrent pour l'art lyrique et chorégraphique afin de nous faire rêver. Que vous soyez abonné·e ou non, devenez membre et rapprochez-vous de la création artistique et bénéficiez de nombreux avantages.

INSCRIPTION

Rendez-vous sur gtg.ch/ami-e-s et suivez simplement les indications. L'adhésion est valable pour la saison en cours (août 2023 à juillet 2024). Un tarif promotionnel est accordé aux adhésions en cours de saison, plus d'informations sur notre site internet.

Plus d'informations sur gtg.ch/ami-e-s amis@gtg.ch

GTG FRIENDS

Do you love opera, ballet, or simply the Grand Théâtre, and would like to become more involved and share unforgettable moments among friends? Throughout the season, the Grand Théâtre offers its friends a series of events such as meeting with artists, attending preview rehearsals and being shoulder to shoulder with those who, both in the limelight and the shadows of the stage, work for the lyric and choreographic arts in order to fire our imagination. Whether you are a subscriber or not, become a member and show your support for artistic creation and enjoy many benefits!

REGISTRATION

Head to the Friends' page on gtg.ch/friends and simply follow the instructions. Membership is valid for the current season (august 2023 to July 2024). A discount rate is available for mid-season subscription, more information on our website, just follow the instructions on the relevant page.

More information on gtg.ch/ami-e-s amis@gtg.ch

pour l'achat des billets Apéropéra

booking for Apéropéra tickets

de rabais à la boutique du GTG

discount on the GTG shop

gratuite aux conférences de l'AGAOB Free access to AGAOB lectures

Entrée gratuite à des répétitions de l'OSR (avec Intermezzo) Free access to OSR rehearsals (with Intermezzo)

TARIF INDIVIDUEL (SAISON) SINGLE TARIFF (SEASON)

un·e accompagnant·e with one guest

* sur réservation et dans la limite des places disponibles

* on reservation and subject to availability

LE GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Construit en 1879, le Grand Théâtre de Genève est la plus grande scène artistique de Suisse et abrite l'opéra et le ballet de Genève. Chaque saison, il propose neuf productions d'opéra, trois de danse et un large éventail d'événements culturels et festifs, de productions pour le public jeune et de récitals qui contribuent au rayonnement de l'institution et honorent sa mission de service public. Détruit par un incendie en 1951, le bâtiment et la façade conservent leur style Beaux-Arts d'origine, tandis que l'auditorium lambrissé, achevé en 1961, peut accueillir 1500 personnes et possède un rideau de scène sculpté et un plafond spectaculaire en métal repoussé dont les 1200 étoiles de verre assurent l'éclairage de la salle. Le Grand Théâtre de Genève emploie son propre chœur d'opéra de 40 choristes. L'Orchestre de la Suisse Romande est le partenaire artistique du Grand Théâtre de Genève pour sa saison d'opéra. Depuis 2019, Aviel Cahn est le directeur général du Grand Théâtre de Genève. Le Grand Théâtre de Genève a été nommé « Maison d'opéra de l'année » en 2020 (Opernwelt).

LES ATELIERS

Les compétences et les outils des ateliers du Grand Théâtre de Genève permettent la création de costumes, d'accessoires, de mobilier ou de chaussures pour les productions. Depuis 1996, ces ateliers se divisent en trois catégories : les décors, les accessoires et les costumes, regroupant des métiers aussi divers que menuisiers, serruriers, peintres décorateurs, tapissiers accessoiristes, costumiers, couturiers, tailleurs, décorateurs, accessoiristes costumes et cordonniers. Les talents des collaboratrices et collaborateurs sont reconnus par l'Association Suisse des Métiers d'Art (ASMA). Les équipes sont réparties sur trois sites (Sainte-Clotilde, Michel-Simon et Verntissa). Certains ateliers sont ouverts au public une ou plusieurs fois par année.

LE BALLET

En 1962, le Grand Théâtre de Genève se dote d'une compagnie de ballet permanente, composée de 22 artistes et qui propose deux spectacles chorégraphiques originales par saison. Collaborant avec des chorégraphes de renommée internationale, le Ballet est dirigé depuis la saison 22–23 par Sidi Larbi Cherkaoui. Les créations mondiales ont toujours lieu à Genève, avant de partir en tournée le reste de la saison hors des frontières suisses : France, Italie, États-Unis, Russie, Australie, Chine, Brésil, Afrique du Sud…

LE CHŒUR

Fondé également en 1962, le Chœur du Grand Théâtre de Genève se compose de plus de quarante chanteuses et chanteurs professionnel·le·s de toutes nationalités, auxquels s'ajoutent, selon les besoins de la programmation, des choristes complémentaires. Ils participent chaque saison aux productions lyriques du Grand Théâtre sous la direction d'Alan Woodbridge.

LE GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Built in 1879, the Grand Théâtre de Genève is the largest artistic stage in Switzerland and home to the Geneva opera house and the Geneva Ballet Company. Every season, it features nine performance runs of opera, three of dance and a broad range of recitals and cultural, youth-friendly or festive events to develop its audience and honour its public service mission. Gutted by fire in 1951, the building and the front of house retain its original Beaux-Arts style whereas the woodpanelled auditorium, completed in 1961, seats 1500 and boasts a spectacular metalwork security curtain that extends into the ceiling, where 1200 glass stars shine as the house lights. The Grand Théâtre de Genève employs its own opera chorus of 40 singers and has an artistic partnership with the Orchestre de la Suisse Romande for its opera season. Since 2019, Aviel Cahn is the general manager of the Grand Théâtre de Genève. The Grand Théâtre de Genève was named Opera Company of the Year in 2020 (Opernwelt).

THE WORKSHOPS

Without the skills and tools of the Grand Théâtre de Genève workshops, there could be no costumes, props, furniture or footwear for the productions. Since 1996, these workshops have been divided into three categories: sets, props and costumes, grouping trades as diverse as carpenters, locksmiths, painters and decorators, upholsterers, costume designers, tailors, decorators, props makers and shoemakers. The talents of the team are recognized by the Swiss Association of Arts and Crafts. They are spread over three sites (Sainte-Clotilde, Michel-Simon and Verntissa). Some workshops are open to the public once or several times a year.

THE BALLET

In 1962, the Grand Théâtre de Genève acquired a permanent ballet company, made up of 22 artists, offering two original choreographic creations per season. Collaborating with choreographers of international renown, over the course of its performances, it has built a worldwide reputation for itself. Today, whilst the premieres are always held in Geneva, the Geneva Ballet frequently performs outside Switzerland (France, Italy, United States, Russia, Australia, China, Brazil, South Africa…). From the 22–23 Season, the Ballet is under the management of Sidi Larbi Cherkaoui.

THE CHORUS

Founded in 1962, the Chorus of the Grand Théâtre de Genève is made up of over forty professional singers of all nationalities, plus additional choristers, depending on the needs of the programme. Every season, the chorus, led by Alan Woodbridge, takes part in the opera productions of the Grand Théâtre.

LA FONDATION DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Le Grand Théâtre est régi depuis 1964 par la Fondation du Grand Théâtre de Genève sous la forme juridique d'une Fondation d'intérêt communal, dont les statuts ont été adoptés par le Conseil municipal et par le Grand Conseil.

Principalement financée par la Ville de Genève avec le soutien de l'Association des communes genevoises et de mécènes, la Fondation a pour mission d'assurer l'exploitation du Grand Théâtre, notamment en y organisant des spectacles d'art lyrique, chorégraphique et dramatique (art. 2 de ses statuts).

Le Conseil de Fondation est composé de quatorze membres, désignés par le Conseil municipal et le Conseil administratif de la Ville de Genève, et d'un membre invité représentant du personnel.

THE FONDATION DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Since 1964, the Grand Théâtre is governed by the Fondation du Grand Théâtre de Genève in the legal form of a municipal public service foundation, whose statutes have been adopted by the Municipal Council and the Grand Council.

Mainly financed by the City of Geneva with the support of the Association of Geneva municipalities and patrons of the arts, the Foundation's mission is to ensure the operation of the Grand Théâtre, in particular by organising lyrical, choreographic and dramatic performances (art. 2 of its statutes).

The Foundation's Board of Trustees is made up of fourteen members, appointed by the Municipal Council and the Executive Council of the City of Geneva, and one Staff Representative as guest member.

CONSEIL DE FONDATION BOARD OF TRUSTEES

(situation au 31 mars 2023)

M. Xavier Oberson, Président*

Mme Sandrine Salerno, Vice-présidente*

M. Guy Dossan, Secrétaire*

M. Sami Kanaan*

Mme Frédérique Perler*

M. Claude Demole*

Mme Dominique Perruchoud*

M. Ronald Asmar

M. Marc Dalphin

M. Shelby R. du Pasquier

M. Rémy Pagani

M. Charles Poncet

M. Thomas Putallaz

Mme María Vittoria Romano

M. Juan Calvino, Membre invité représentant du personnel

M. Guy Demole, Président d'honneur

Secrétariat

Cynthia Haro fondation@gtg.ch

*Membre du Bureau

LES ÉQUIPES DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

LES SERVICES TECHNIQUES

DIRECTION GÉNÉRALE

Directeur général

Aviel Cahn

Adjointe de direction

Valérie Drechsler

SECRÉTARIAT GÉNÉRAL

Secrétaire générale

Carole Trousseau

Attaché de Direction et Chargé du contrôle interne

Swan Varano

Adjointe administrative

Cynthia Haro

DIRECTION ARTISTIQUE

Directeur artistique adjoint

Arnaud Fétique

Responsable de la planification

Marianne Dellacasagrande

Assistant-e à la mise en scène

NN

ADMINISTRATION ARTISTIQUE

Chargé de production artistique et de casting

Markus Hollop

Chargée d'administration artistique

Camille Le Brouster

Assistante de production et responsable de la figuration

Matilde Fassò

RÉGIE DE SCÈNE

Régisseur-e général-e

NN

Régisseur

Jean-Pierre Dequaire

MUSIQUE

Chef de chant principal

Jean-Paul Pruna

Chefs de chant/Pianistes

Xavier Dami

Réginald Le Reun

Responsable ressources musicales

Eric Haegi

Jeune Ensemble

Luca Bernard

Giulia Bolcato

Omar Mancini

William Meinert

Ena Pongrac

DRAMATURGIE ET DÉVELOPPEMENT

CULTUREL

Dramaturge

Clara Pons

Rédacteur-traducteur

Christopher Park

Responsable développement culturel

Sabryna Pierre

Collaboratrice jeune public

Léa Siebenbour

Coordinateur-trice administratif-ve et technique

NN

CHŒUR

Chef des chœurs

Alan Woodbridge

Chef des chœurs désigné

Mark Biggins

Régisseure des chœurs

Marianne Dellacasagrande

Assistant régie des chœurs et logistique

Rodrigo Garcia

Sopranos Fosca Aquaro

Chloé Chavanon

Nicola Hollyman

Iana Iliev

Mayako Ito

Victoria Martynenko

Martina Möller-Gosoge

Cristiana Presutti

Anna Samokhina

Iulia Elena Surdu

Altos

Elise Bédènes

Audrey Burgener

Magali Duceau

Varduhi Khachatryan

Mi-Young Kim

Céline Kot

Vanessa Laterza

Negar Mehravaran

Mariana Vassileva-Chaveeva

Ténors

Jaime Caicompai

Yong-Ping Gao

Rémi Garin

Lyonel Grélaz

Sanghun Lee

José Pazos

Terige Sirolli

Georgi Sredkov

Bisser Terziyski

Marin Yonchev

Louis Zaitoun

Basses

Romaric Braun

Nicolas Carré

Phillip Casperd

Aleksandar Chaveev

Peter Baekeun Cho

Christophe Coulier

Rodrigo Garcia

Igor Gnidii

Seong-Ho Han

Vladimir Kazakov

Sebastia Peris

Dimitri Tikhonov

BALLET

Directeur du Ballet

Sidi Larbi Cherkaoui

Directeur opérationnel du ballet

Florent Mollet

Adjoint

Vitorio Casarin

Coordinatrice administrative

Léa Caufin

Maître de ballet

Manuel Renard

Danseuses et danseurs

Yumi Aizawa

Céline Allain

Adelson Carlos

Zoé Charpentier

Quintin Cianci

Oscar Comesaña Salgueiro

Diana Dias Duarte

Ricardo Gomes Macedo

Armando Gonzalez Besa

Emilie Meeus

Juan Perez Cardona

Luca Scaduto

Sara Shigenari

Geoffrey Van Dyck

Nahuel Vega

Madeline Wong

NN

TECHNIQUE DU BALLET

Directeur technique du ballet

Rudy Parra

Régisseur plateau

Alexandre Ramos

Régisseur lumières

Sébastien Babel

Technicien son & vidéo

Jean-Pierre Barbier

Service médical (Hirslanden Clinique La Colline)

Dr Victoria Duthon

Dr Silvia Bonfanti

MÉCÉNAT ET SPONSORING

Responsable du mécénat

Frédérique Walthert

Adjointe administrative

Natalie Ruchat

PRESSE

Responsable presse et relations publiques

Karin Kotsoglou

Assistante communication

Isabelle Jornod

MARKETING & VENTES

Directeur Marketing & Ventes

Alain Duchêne

MARKETING

Responsable communication digitale

Wladislas Marian

Social media and influencer manager

Alice Riondel

Graphiste

Sébastien Fourtouill

Vidéaste

Florent Dubois

Assistante communication

Corinne Béroujon Rabbertz

Coordinatrice communication

Tania Rutigliani

Responsable développement clientèles

privées et institutionnelles

Juliette Duru

BILLETTERIE

Responsable de la billetterie et du développement des publics

Christophe Lutzelschwab

Responsable adjointe du développement des publics

Mélissa Sydler

Collaboratrices billetterie

Jessica Alves

Hawa Diallo-Singaré

Feifei Zheng

ACCUEIL DU PUBLIC

Responsable accueil du public

Pascal Berlie

Agent-e-s d'accueil

Romain Aellen

Pierre Akerib

Charlotte Aubin

Sélim Besseling

Michel Chappellaz

Laura Colun

Sam Fagnart

Arian Iraj Forotan Bagha

Victoria Fragoso

Estelle Frigenti

David Gillieron

Nathan Gremaud

Margaux Herren

Yannick Kummerling

Benjamin Lechevrel

Lili Lesimple

Yann Lodjima

Noé Lukundula

Youssef Mahmoud

Karen Maire

Marlène Maret

Enzo Mattuzzi

Sophie Millar

Laura Minarro

Eva Miranda

Ilona Montessuit

Margot Plantevin

Luane Rasmussen

Julia Rieder

Laure Rutagengwa

Kalina Schonenberger

Doris Sergy

Rui Simao

Rachel Tevaearai

Nguyen Phuong Chi Tran

Quentin Weber

FINANCES

Responsable Finances

Florence Mauron-Fort

Comptables

Paola Andreetta

Andreana Bolea

Chantal Chappot

Laure Kabashi

RESSOURCES HUMAINES

Responsable RH

Blaise Deppierraz

Gestionnaires RH

Laura Casimo

Marina Della Valle

Alexia Dubosson

INFORMATIQUE

Chef de service

Marco Reichardt

Administrateurs informatiques et télécoms

Lionel Bolou

Ludovic Jacob

ARCHIVES

Archiviste / Gestionnaire des collections

Anne Zendali Dimopoulos

CAFÉTÉRIA DU PERSONNEL

Coordinateur

Christian Lechevrel

Collaborateur buvette

Norberto Cavaco

Cuisinier

Olivier Marguin

TECHNIQUE

Directeur technique

Luc Van Loon

Adjointe administrative

Sabine Buchard

Régisseures techniques de production

Ana Martín del Hierro

Catherine Mouvet

BUREAU D'ÉTUDE

Responsable du bureau d'étude

Yvan Grumeau

Assistant

Christophe Poncin

Dessinateur-trice-s

Stéphane Abbet

Solène Laurent

Antonio Di Stefano

LOGISTIQUE

Responsable logistique

Thomas Clément

Chauffeurs / Collaborateurs administratifs

Dragos Mihai Cotarlici

Alain Klette

SERVICE INTÉRIEUR

Huissier responsable

Stéphane Condolo

Huissier-ère-s

Bekim Daci

Antonios Kardelis

Fanni Smiricky

Huissiers/Coursiers

Teymour Kadjar

Cédric Lullin

Timothée Weber

INFRASTRUCTURE ET BÂTIMENT

Ingénieur infrastructure bâtiment et sécurité

Roland Fouillerat

Responsable d'entretien

Thierry Grasset

CHEFS DE PLATEAU

Patrick Savariau

Stéphane Nightingale

MACHINERIE

Chef de service

Stéphane Guillaume

Sous-chefs

Juan Calvino

Stéphane Desogus

Daniel Jimeno

Yannick Sicilia

Sous-chef cintrier

Killian Beaud

Brigadiers

Eric Clertant

Henrique Fernandes Da Silva

Sulay Jobe

Julien Pache

Damian Villalba

Sous-brigadiers

Manuel Gandara

Machinistes

Chann Bastard

David Berdat

Philippe Calame

Vincent De Carlo

Sedrak Gyumushyan

Benjamin Mermet

Hervé Pellaud

Julien Perillard

Geoffrey Riedo

Yannick Rossier

Bastien Werlen

Machinistes-cintrier

Alberto Araujo Quinteiro

Vincent Campoy

Nicolas Tagand

Menuisier de plateau et chargé de l'entretien

Francesco Mauvis

SON & VIDÉO

Chef de service

Jean-Marc Pinget

Sous-chef

Claudio Müller

Techniciens

Amin Barka

Christian Lang

Youssef Kharbouch

Jérôme Ruchet

ÉCLAIRAGE

Chef de service

Simon Trottet

Sous-chefs de production

Marius Echenard

Stéphane Gomez

Sous-chef opérateur lumières et informatique de scène

David Martinez

Coordinateur de production

Blaise Schaffter

Techniciens éclairagistes

Serge Alérini

Dinko Baresic

Salim Boussalia

Stéphane Esteve

Romain Toppano

Juan Vera

Electronicien

Clément Brat

Opérateurs lumière et informatique de scène

Florent Farinelli

William Desbordes

Jean Sottas

Responsable entretien électrique

Fabian Pracchia

ÉLECTROMÉCANIQUE

Chef de service

Jean-Christophe Pégatoquet

Sous-chef

David Bouvrat

Électromécaniciens

Fabien Berenguier

Sébastien Duraffour

Stéphane Resplendino

Christophe Seydoux

Emmanuel Vernamonte

ACCESSOIRES

Chef de service

Damien Bernard

Sous-chef

Patrick Sengstag

Accessoiristes

Vincent Bezzola

Joëlle Bonzon

Stamatis Kanellopoulos

Cédric Pointurier-Solinas

Anik Polo

Padrut Tacchella

Silvia Werder

Pierre Wüllenweber

HABILLAGE

Cheffe de service

Joëlle Muller

Sous-cheffe

Sonia Ferreira Gomez

Responsable costumes Ballet

Caroline Bault

Habilleur-euse-s

Claire Barril

Cécile Cottet-Nègre

Angélique Ducrot

Sylvianne Guillaume

Philippe Jungo

Olga Kondrachina

Christelle Majeur

Lorena Vanzo-Pallante

Veronica Segovia

Charlotte Simoneau

Habilleuse ballet

Raphaële Ruiz

PERRUQUES ET MAQUILLAGE

Cheffe de service

Karine Cuendet

Sous-cheffe

Christèle Paillard

Perruquières-maquilleuses

Lina Frascione Bontorno

Cécile Jouen

Alexia Sabinotto

ATELIERS DÉCORS

Chef des ateliers décors

Michel Chapatte

Assistant

Christophe Poncin

Magasinier

Roberto Serafini

MENUISERIE

Chef de service

Stéphane Batzli

Sous-chef

Manuel Puga Becerra

Menuisiers

Giovanni Conte

Ivan Crimella

Frédéric Gisiger

Aitor Luque

Philippe Moret

German Pena

NN

SERRURERIE

Chef de service

Alain Ferrer

Serruriers

Patrick Barthe

Yves Dubuis

NN

TAPISSERIE DÉCORATION

Chef de service

Dominique Baumgartner

Sous-chef

NN

Tapissier-ère-s et décorateur-trice-s

Line Beutler

Daniela De Rocchi

Raphaël Loviat

Dominique Humair Rotaru

Fanny Silva Caldari

PEINTURE DÉCORATION

Chef de service

Fabrice Carmona

Sous-chef

Christophe Ryser

Peintres

Gemy Aïk

Ali Bachir-Chérif

Stéphane Croisier

Janel Fluri

ATELIERS COSTUMES

Cheffe des ateliers costumes

Sandra Delpierre

Assistant-e-s

Armindo Faustino-Portas

Carole Lacroix

ATELIER COUTURE

Costumière

Caroline Ebrecht

Tailleur-e-s

Amar Ait-Braham

Lurdes Do Quental

Lisbeth Tron-Siaud

Couturier-ère-s

Sophie De Blonay

Léa Cardinaux

Ivanna Denis

Marie Hirschi

Gwenaëlle Mury

Léa Perarnau

Yulendi Ramirez

Xavier Randrianarison

Ana-Maria Rivera

Soizic Rudant

Astrid Walter

DÉCO ET ACCESSOIRES COSTUMES

Cheffe de service

Isabelle Pellissier-Duc

Décoratrices

Corinne Baudraz

Emanuela Notaro

CUIR

Chef de service

Arthur Veillon

Cordonnier-è-s

Venanzio Conte

Catherine Stuppi

PERSONNEL SUPPLÉMENTAIRE

TEMPORAIRE

Médiamaticien

Enzo Incorvaia (apprenti)

Technique de scène

Noah Nikita Kreil (apprenti)

Ressources humaines

Elodie Samson

Anita Hasani (apprentie)

Habillage

Ann Schönenberg

Informatique

Alexandre Da Silva Martins (apprenti)

Archives

Gaia Bongi

Jérémy Collet

Dramaturgie et développement culturel

Latcheen Maslamani

Billetterie

Solana Cruz (apprentie)

Infrastructure et bâtiment

André Barros (apprenti)

Perruques et maquillage

Nicole Chatelain

Carole Schoeni

Nicole Hermann

Cristina Simoes

Delfina Perez

Mia Vranes

Nathalie Tanner

Séverine Uldry

Nathalie Monod

Léa Yvon

Eclairage

Adrien Nicolovicci

Juliette Riccaboni

Alessandra Vigna

Electromécanique

Alejandro Andion

Buvette

Abema Dady-Molamba

Stagiaires ballet

Anna Cenzuales

Léo Merrien

GTG Grand Théâtre de Genève

BFM Bâtiment des Forces Motrices

BDP Bains des Pâquis

CAT Cathédrale Saint-Pierre

GRU Cinémas du Grütli

LIG Salle du Lignon

PEV Parc des Eaux-Vives

PPL Parc de la Perle du Lac

TDE Théâtre de l'Espérance

IMPRESSUM

Photographies

Les visuels de saison sont des photos de Marc Asekhame (1re couv., 4e couv., pp. 7-11, 24, 29, 32, 36, 40, 45, 48, 53, 56, 62, 67, 71, 74)

Les autres images :

Édito

p.16

Clara Pons, Aviel Cahn, Sidi Larbi Cherkaoui © Nicolas Schopfer

p.19

Xavier Oberson © Niels Ackermann

Sami Kanaan © Sandra Pointet

Récitals et concert

p.84

Lawrence Brownlee © DR

Levy Sekapane © DR

p.85

Matthias Goerne © Marie Staggat

p.86

Sandrine Piau © Sandrine Expilly

p.87

Roberto Alagna © Philippe Gromelle

Aleksandra Kurzak © Karol Grygoruk

p.88

David Greilsammer © Yannick Perrin

Simon Keenlyside © Robert Workman

Gros plan sur les artistes

p.90

Adel Abdessemed © Radio France /

Vincent Josse

Marina Abramović © DR

Robin Adams © DR

Nicola Alaimo © DR

p.91

Maria Bengtsson © Monika Rittershaus

Charles Castronovo © Pia Clodi

William Christie © Oscar Ortega

Mariame Clément © Elisa Haberer

p.92

Inés Cuello © Carlos Furman

Stanislas de Barbeyrac © Jérôme Bellocq

Stéphane Degout © Jean-Baptiste Millot

Lea Desandre © Christine Ledroit-Perrin

p.93

Claire de Sévigné © DR

Stéphanie d'Oustrac © DR

Elsa Dreisig © Simon Fowler

Titus Engel © Kaupo Kikkas

p.94

Sharon Eyal © Hans Nilsson

Daniele Finzi Pasca © Compagnia Finzi

Pasca 2023

Leonardo García Alarcón © DR

Antony Gormley © Stephen White

p.95

Eve-Maud Hubeaux © P. Matsas

Damien Jalet © DR

Federica Lombardi © Charl Marais

Lauren Michelle © DR

p.96

Stefano Montanari © DR

Fiston Mwanza Mujila © Joergen Fuchs

Jonathan Nott © DR

Rachid Ouramdane © Benjamin Mengelle

p.97

Milo Rau © Bea Borgers

Chiharu Shiota © Sunhi Mang

Lydia Steier © Sandra Then

Christoph Waltz © DR

La Plage

pp.106-108

Illustrations © Joëlle Flumet

Informations pratiques

p.142-143 Photos d'équipes © Nicolas Schopfer

Textes

Rédaction Clara Pons

Christopher Park

Stephan Müller

Sabryna Pierre

Alain Duchêne

Christophe Lutzelschwab

Natalie Ruchat

Tania Rutigliani

Swan Varano

Traduction

Christopher Park Alain Duchêne

Imprimé sur papiers certifiés FSC issus de sources responsables avec des encres bio végétales sans cobalt

Relecture

Jessica Alves

Corinne Béroujon Rabbertz

Solana Cruz

Hawa Diallo-Singaré

Markus Hollop

Camille Le Brouster

Christophe Lutzelschwab

Wladislas Marían

Christopher Park

Tania Rutigliani

Natalie Ruchat

Mélissa Sydler

Patrick Vallon

Frédérique Walthert

Feifei Zheng

Directeur de la publication

Aviel Cahn

Conception et réalisation graphique

Pablo Lavalley

Impression

Moléson Impressions

Les informations et contenus dans cette brochure sont sujets à modification.

CONTACT & PLAN D'ACCÈS

GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

(GTG) 1

BILLETTERIE

BOX OFFICE

Grand Théâtre de Genève

5, place de Neuve

CH 1204 Genève

+41 22 322 5050

billetterie@gtg.ch

BÂTIMENT DES FORCES

MOTRICES (BFM) 2

2, place des Volontaires

CH 1204 Genève

ACCÈS

HOW TO GET HERE

Parking GTG

Plaine de Plainpalais

Uni Dufour

Parking BFM

Seujet, Hôtel des Finances

Tribune de Genève

TRANSPORTS PUBLICS

PUBLIC TRANSPORT

GTG

Arrêt Pl. de Neuve

Tram 12 · 17 · 18

Bus 3 · 5 · 20 · 36

Arrêt Théâtre

Bus 2 · 19

Arrêt Cirque

Tram 15

Bus 1 · 2 · 19 · 35

Arrêt Bovy-Lysberg

Bus 3 · 5 · 20

BFM

Arrêt Stand

Tram 14 · 15

Bus 1 · D

TRAIN LÉMAN EXPRESS

Depuis la Haute-Savoie

GTG

Arrêts Genève-Eaux-Vives-Gare ·

Genève-Eaux-Vives-Gare / Bloch ·

Genève-Eaux-Vives-Gare / Vadier

L1 · L2 · L3 · L4 · RE

+ Tram 12 · 17 arrêt Place de Neuve

+ Bus 1 arrêt Cirque

BFM

Arrêt Gare Cornavin

L1 · L2 · L3 · L4 · RE

+ Tram 14 · 15 arrêt Stand

+ Bus 1 arrêt Stand

Depuis le canton de Vaud et l'Ain

GTG

Arrêt Gare Cornavin

L1 · L2 · L3 · L4 · L5 · L6 · RE · TER

+ Tram 15 arrêt Cirque

+ Tram 18 arrêt Place de Neuve

+ Bus 1 arrêt Cirque

+ Bus 3 · 5 · 20 arrêt Place de Neuve

BFM

Arrêt Gare Cornavin

L1

+ Tram 14 · 15 arrêt Stand

+ Bus 1 arrêt Stand

ADMINISTRATION

Grand Théâtre de Genève

Case postale CH 1211 Genève 8

+ 41 22 322 50 00 info@gtg.ch gtg.ch

PRESSE

+ 41 22 322 50 55 presse@gtg.ch gtg.ch/presse

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