form 250. Design Quo Vadis

form 250 Design Quo Vadis?

Design Quo Vadis?

Design Magazine No 250, Nov/Dec 2013 Established 1957 6/2013

DE €16.90 AT €17.90 CH CHF 25 BE €19.50 ES € 22.90 FIN € 25.50 41 94 2 0501 6 907 06

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Experiment Glas Experiments with Glass

Straßen der Zukunft Roads of the Future

Stifte Pens

Experiment Glas Experiments with Glass

Inline Fonts

Christian Haas

Hyperloop Mettis Digitale Verkehrsregelung/ Digital Traffic Management Skytran Bernard Rudofsky

K-60 Slända Ghostly Stamp Pen

Mark Braun Arik Levy Michaela Tomišková Louise Lang, Franca Tasch

Mexico 1968 Oskar (Carré Poster) FS Conrad

Quo Vadis?

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Wohin der Wege?

Design 2013

Questions to

In drei Richtungen weiter Forwards in Three Directions

Ken Garland Nils Holger Moormann Petra Eisele Marco Spies

Text: Stephan Ott

Text: Harald Taglinger

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Immer in Bewegung Alexandre Wollner: Design Visual

Ein Leben für das Porzellan Barbara Schmidt at the Bauhaus-Archiv, Berlin

Cohen Van Balen The Experimenters

Archive: Am Anfang war die Form Asger Jorn

Text: René Spitz

Text: Claudia Simone Hoff

Discourse: Zum Stand von Designtheorie On the State of Design Theory Text: Hans Ulrich Reck

Text: Angharad Lewis

Text: Ruth Baumeister

Filter 16

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St. Petersburg

Hang Tags

Research:

Perky Bros Lotta Nieminen Parafina

Fraunhofer-Institut IPA Uniqul Von B und C Fraunhofer-Institut IOSB-AST Otto Bock Mobility Solutions

Fairs: Messe K Düsseldorf

Scene

Loft Project ETAGI Dachexkursionen/Roof Trips New Holland Island Puschkinskaja-10 (Kunstzentrum/Art Centre) Borodabar

28 Agenda: Exhibitions Conferences Events Competitions

Specials Cello 2.0 Kunststoffofen / Plastics oven BASF – Steron

Focus 52

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Stromaufwärts Automobile Design for New Concepts

Caroline Seifert So denken wir nicht mehr

Questions to Leanne Shapton Misha Simakov Joanna Górska and Jerzy Skakun Franziska Thurner Thomas Feichtner

Interview: Stephan Ott

Text: Hans-Ulrich von Mende

Files 88

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Carte Blanche: Superéquipe in form

Local Projects Interactive Storytellers in America

Material: Origami für Fortgeschrittene Self-folding Structures

Media:

Text: Mareike Gast

RLF, Friedrich von Borries Revolution mit Goldauflage Gold Plated Revolution

Text: Zahid Sardar

New Books, DVDs, Magazines, Websites and Apps

Text: Thomas Edelmann

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Imprint / Credits Outtakes Index Preview

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Filter Christian Haas – Focus the Unknown christian-haas.com

Farne wachsen empor, ein Papageien­ vogel breitet majestätisch seine Flügel aus, ein Orang-Utan schwingt zwischen Ästen, eine Venusfliegenfalle klappt ihr Fangblatt auf. So ungewöhnlich die Motive, so interessant die Idee hinter der limitierten Glaskollektion Focus the Unknown, die Christian Haas für die bayerische Kristallglasmanufaktur Theresienthal entworfen hat. Vier Objekte in tiefem Grün und Rot, Pink und Hellgrün – drei Vasen und ein Becher – ergeben zusammengesetzt ein erzählerisches Ganzes, dessen Grundthematik das Verwunschene und Unbekannte des Urwalds ist. Haas nutzt die Transparenz von Glas, um durch die Kombination der einzelnen Objekte Dreidimensionalität zu erzeugen. Es ist eine für den Designer exemplarische Arbeit: Handwerkskunst gepaart mit klaren Linien, reinen Formen und Emotionalität. „Mir schwebte von Anfang an eine Kollektion mit Wow-Effekt vor, die Begehrlichkeit und Entdeckerlaune weckt", sagt Christian Haas. CSH • Christian Haas – Focus the Unknown Ferns grow skywards, a parrot majestically spreads its wings, an orang-utan swings from branch to branch, a Venus flytrap opens its leafy jaws. These unusual motifs are an integral part of the interesting idea behind Focus the Unknown, a limited edition designed by Christian Haas for the Bavarian crystal glassware manufacturer Theresienthal. Taken together, four objects in deep green and red, pink and pale green (three vases and a cup) add up to a narrative whole on the theme of the enchanted and mysterious quality of the primeval forest. Haas uses the transparency of glass to create three-dimensionality when the individual objects are displayed together. This is typical of his work: skilled craft paired with clear lines, pure forms and emotionality. “From the start,” he says, “I was thinking of a collection that would wow people, that would awaken desire and curiosity.” CSH

Photo: Hans Hansen

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Experiment Glas Kaum ein Material, das so vielfältig ist. Kaum ein Material, das so schwer zu bearbeiten ist. Kaum ein Material, das so zerbrechlich ist. Vielleicht ist Glas deshalb so beliebt bei Designern, weil das Material eine einzige Herausforderung ist – technisch und gestalterisch. CSH

Experiments with Glass Few materials are so versatile, so hard to work with, or so fragile. Perhaps this is what makes glass so popular with designers – it is a huge challenge, both technically and aesthetically. CSH

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1 Mark Braun – Branntwein-Flasche markbraun.org

Mark Braun mag eigentlich gar keinen Alkohol. Doch seit der Berliner Designer für die Edelobstbrennerei Stählemühle arbeitet, weiß auch er einen guten Tropfen zu schätzen. Stählemühle brennt seit Mitte des 19. Jahrhunderts Schnaps und wurde 2004 von Christoph Keller und Christiane Schöller „von einer bäuerlichen Kornbrennerei in eine experimentelle Brennerei für Edelobstbrände der Spitzenklasse“ verwandelt, wie sie es nennen.

Passend zum inzwischen vielfach ausgezeichneten Konzept hat Mark Braun nun eine Branntwein-Flasche entworfen.

Die sechseckige, extrem dickwandige Flasche aus klarem oder braunem Glas wird mit einem Korken verschlossen und erinnert an alte Apothekerflaschen.

Das ist Absicht, passen deren einpräg­ same, archetypische Formen und die Analogie zu wertvollen Essenzen doch perfekt zum hochprozentigen Inhalt. „Beim Entwurf habe ich bewusst auf altmodische Reliefstrukturen verzichtet, um die markant zeitgenössische Formensprache der Flasche zu betonen“, so der Designer.

• Mark Braun – Brandy bottle Mark Braun doesn’t really like alcohol. But since the Berlin designer started working for the luxury distillery Stählemühle, he can appreciate a snifter once in a while. There has been a distillery at the Stählemühle site since the mid-19th century. In 2004, Christoph Keller and Christiane Schöller transformed it from a “rural liquor still into an experimental distillery for top-quality fruit brandies,” as they put it. Braun has now designed a brandy bottle to fit this multiple-prize-winning concept. The hexagonal bottle in thick clear or brown glass is closed with a cork and recalls oldfashioned apothecary bottles. This is deliberate, as the striking, archetypal forms and the analogy to precious essences are a perfect match for the high-proof contents. “For this design,” he explains, “I consciously avoided old-fashioned reliefs as a way of emphasizing the bottle’s contemporary lines.”

2 Arik Levy – Jar RGB ariklevy.fr

Rot, Grün oder Blau? Der in Paris ansäs­ sige Designer Arik Levy hat für den tschechischen Hersteller Lasvit die poetische Hängeleuchte Jar RGB entworfen.

Die fein gearbeiteten, flaschenähnlich gestalteten Glaskörper verströmen ihre Wirkung jedoch erst in der Gruppe.

Denn, was man auf den ersten Blick nicht sieht: Die Leuchten in den drei Grund­ farben Rot, Grün und Blau (RGB) ergänzen einen ebenfalls flaschenförmigen Körper aus weißem, transluzenten Glas. Er ist die eigentliche Lichtquelle, die das ganze skulpturale Gebilde zum Leuchten bringt und gestalterisch zusammenhält.

• Arik Levy – Jar RGB Red, green or blue? Paris-based designer Arik Levy created the poetic Jar RGB lamp for Czech manufacturer Lasvit. But the finely worked, bottle-like glass objects only have their full impact when seen together. On second glance, one notices that the jar in the three basic colours red, green and blue (RGB)

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encloses a similarly bottle-shaped object in translucent white glass. This is the actual light source that brings the sculptural structure as a whole to life and gives it coherence as a design.

3 M ichaela Tomišková/ Made by Forest michaelatomiskova.com

Böhmen ist ungemein waldreich und deshalb seit jeher traditionell das Land der Glasbläser und -macher. Kein Wunder also, dass sich in Tschechien so viele junge Designtalente tummeln, die mit dem fragilen Material arbeiten. Dabei entsteht manchmal Überraschendes, zuweilen Poetisches. Michaela Tomišková vom avantgardistischen Designerkollektiv Made by Forest beispielsweise spielt in ihrer Arbeit Forest Story mit den Formen und Texturen von Baumstämmen und Tannenzapfen, die sie direkt in Glas übersetzt. Mal wird das flüssige Material in den ausgehöhlten Baumstamm geblasen, mal ein Jahresring oder Tannenzapfen wie ein Stempel verwendet. So entstehen wunderschöne Objekte aus Glas: Schalen, Becher und Vasen. Jedes von ihnen ein unvorhersehbares Einzelstück, an dem der Prozess der Glasherstellung ablesbar ist.

• Michaela Tomišková / Made by Forest Bohemia is exceptionally rich in woodland and has thus always been a country of glass-blowing and glassmaking. No wonder, then, that the Czech Republic has such a profusion of young designers working with this fragile material. Some of the results are surprising, even poetic. In her Forest Story series, for example, Michaela Tomišková of avant-garde designer collective Made by Forest plays with the forms and textures of tree trunks and pine cones, translating them directly into glass. In some cases, the liquid material is blown into the hollow trunk, in others a cross section or pine cone is used as a stamp, forming beautiful glass objects – dishes, cups and vases – each one an unpredictable unique piece that bears legible traces of the glassmaking process.

4 Louise Lang, Franca Tasch – Weiberwalz weiberwalz.de

Weiberwalz – so haben Louise Lang und Franca Tasch ihr außer­ gewöhnliches Projekt genannt. Die Freundinnen reisen um die Welt, arbeiten bei berühmten Glashandwerkern, erkunden Museen und suchen nach Inspiration. Seit über einem Jahr sind die zwei Glasmacherinnen, die beide an der Glasfachschule Zwiesel studiert haben, nun schon unterwegs. Wir haben sie auf Hawaii abgefangen und ihnen ein paar Fragen gestellt.

Was hat Euch auf Eurer Reise bisher am meisten beeindruckt?

Hervorragende Handwerker wie Jan-Erik Ritzmann (Schweden), Matteo Gonet (Schweiz) und Joe Cariati (USA). Sie arbeiten innovativ und grenzüberschreitend. Als Land hat uns Tschechien sehr gefallen.

Die Glasdesigner dort sind nicht nur handwerklich sehr talentiert, offen und neugierig, sondern auch produktiv und geschäftstüchtig.

Bringt Euch die Walz handwerklich und gestalterisch weiter?

Wir sind meist direkt in die Arbeitsprozesse unserer Gastgeber integriert und lassen uns spontan auf Situationen ein. Doch weil wir immer nur kurz in einem Studio verweilen, ist es auch schwierig, an eigenen Projekten zu arbeiten. Die Walz ist aber vor allem Honig für den Geist, der spontaner, sicherer und stärker wird. Wir lernen unglaublich viele verschiedene Möglichkeiten kennen, wie man die Dinge gestalterisch und handwerklich umsetzen kann. Über­ raschenderweise lernen wir auch viel über das Geschäftliche, welche Dinge sich beispielsweise gut verkaufen lassen.

Wie wird deutsche Glasgestaltung im Ausland wahrgenommen?

Von einigen Ausnahmen abgesehen, wird deutsche Glasgestaltung leider nur sehr wenig wahrgenommen. Die meisten kennen Erwin Eisch, Franz Höller, Schott und vielleicht Riedel aus Österreich.

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Louise Lang, Franca Tasch – Weiberwalz Weiberwalz (Journeywomen) is the name given by Louise Lang and Franca Tasch to their unusual project. The two friends are travelling around the world, working with famous craftspeople, exploring museums and seeking inspiration. The two women, who both studied glassmaking at Zwiesel Technical College, have been on the road for more than a year now. We caught up with them in Hawaii and asked a few questions.

What has impressed you most on your journey so far?

Outstanding craftspeople like Jan-Erik Ritzmann (Sweden), Matteo Gonet (Switzerland) and Joe Cariati (USA). They work innovatively, across borders. A country we liked was the Czech Republic. The glass designers there are not only technically skilled, open-minded and inquisitive, but also productive and efficient.

Is your Journeywomen’s tour helping you progress in terms of craft and design?

In most cases, we’re directly involved in our hosts’ work processes, adjusting to situations as they arise. But because each stay at a particular workshop is short, it’s difficult to work on projects of our own. Above all, the traditional craftsperson’s journey is good for the mind, you become stronger, more spontaneous, more selfassured. We’re getting to know an unbelievable variety of different possibilities, both technical and artistic. Surprisingly, we’re also learning a great deal about the business side, like which things sell well.

How is German glass design perceived abroad?

Unfortunately, with a few exceptions, German glass design has a very low profile. Most people know Erwin Eisch, Franz Höller, Schott and maybe Riedel from Austria.

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Fairs

Specials

1 6 – 2 3 Oct 2013

1 6 – 2 3 Oct

Sonderschau Eröffnung 16. Oktober 2013, 10:30 Uhr (Vortrag des ehemaligen Außenministers Joschka Fischer) Opening on October 16th 2013, 10.30 am (Address by Germany’s former Foreign Minister Joschka Fischer)

Messe K Düsseldorf Täglich von 10:00 bis 18:30 Uhr Daily from 10 am to 6.30 pm k-online.de

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Um das Thema „Kunststoff bewegt“ dreht sich eine Sonderschau in Halle 6 (C40).

Behandelt werden die „bewegenden“ Bereiche persönliche Mobilität, Emotion (Sport und Kunst), Design (Werkstoffe) und Zukunft (Innovationen). Im Rahmen der Sonderschau halten herausragende Persönlichkeiten Vorträge, zum Beispiel der Schweizer Wissenschaftler Bertrand Piccard über sein neues Projekt Solar Impulse oder Yoshiyuki Sankai aus Tokyo, der seit zwei Jahrzehnten an einem Roboteranzug arbeitet.

• The special show “Plastics Move the World” in Hall 6 (C40) will cover intrinsically dynamic areas such as personal mobility, emotion (sport and art), design (materials) and the future (innovation).

There will also be talks by key figures such as Swiss scientist Bertrand Piccard, who will talk about his new Solar Impulse project, and Yoshiyuki Sankai from Tokyo, who for two decades has been working on a robotic suit.

kai – Kunststoff-Ausbildungsinitiative / Plastics Training Initiative Antworten auf die Frage, wie interessierte Azubis, Schüler und Studierende erfolgreich in die Kunststoffbranche einsteigen können, werden an den mit dem kai-Logo gekennzeichneten Ständen gegeben.

Dort warten neben den Ansprechpartnern auch Ausstel­l ungen, Diskussionsrunden und Experimentiershows, die Hilfe­ stellung für die Karriere geben.

• Stands bearing the kai logo will have answers to the question of how to attract apprentices, school-leavers and students to the plastics industry. The research stands have promised special exhibits, panel discussions and demo experiments and will have plenty of experts on hand to advise those considering a career in the industry.

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Science Campus

Bioplastics Business Breakfast 2013

Eine Sonderfläche in der Halle 7.0 ermöglicht den Austausch zwischen Forschung und Wirtschaft. Insgesamt 16 Hoch­ schulen, Institute und Fachagenturen präsentieren die neuesten Ergebnisse und beantworten zentrale Fragen der Kunststoff- und Kautschuktechnologien.

Im Kommunikations- und Diskussions­ forum im Zentrum des Science Campus werden aktuelle Schwerpunktthemen wie Oberflächen, Funktionsintegration, Leichtbau und Scientific Education behandelt.

• The Science Campus in Hall 7.0 aims to facilitate discourse between science and industry. Here, a total of 16 universities, institutes and agencies will present their latest results and answer key questions about plastics and rubber-making technologies. The communication and discussion forum at the centre of the Science Campus will address a number of topical issues such as surfaces, functional integration, lightweight engineering and scientific education.

1 7 Oct Bioplastics in Packaging 1 8 Oct PLA, an Innovative Bioplastic 1 9 Oct Bioplastics in Durable Applications

1 Cello 2.0

Das Magazin „Bioplastics“ veranstaltet beim Osteingang der Messe K an ins­ gesamt drei Vormittagen jeweils von 08:00 bis 12:30 Uhr eine Konferenz mit dem Schwerpunkt Bioplastik. Die Teil­ nahme ist kostenpflichtig (ab 249 Euro), die Registrierung vorab online möglich.

• On three days during the show, “Bioplastics” magazine will host a conference on bioplastics to be held at the East Entrance from 8 am to 12.30 pm.

Admission starts at €249. Online registration is available.

Bayer MaterialScience und Partner präsentieren in der Halle 6 am Stand A75 den ersten Prototyp eines außergewöhnlichen elektrischen Violoncellos. Es ist durch den transparenten Rumpf aus kristallklarem Polyurethan-Gießharz ein Leichtgewicht und eröffnet zugleich Möglichkeiten für eine ganze Reihe optischer Effekte. Denn in der senkrechten, ergonomisch typischen Achse können LEDs, Mini-Beamer den vorderen transparenten Teil mit Grafiken oder Videos bespielen.

Cello 2.0 At stand A75 in Hall 6, Bayer MaterialScience and partners will be presenting the first prototype of a most unusual electric violoncello. With its transparent body made of crystal-clear polyurethane-cast resin, the instrument may be lightweight, but it also opens up all kinds of opportunities for optical effects because the LEDs and mini-beamers built into the ergonomically typical vertical axes can be made to project graphics or videos onto the transparent front of the instrument.

2 1 / 2 2 Oct

Design Chain Conference Printed Electronics Mit geeigneter molekularer Konfigu­ ration können Kunststoffe auch als elektrische Leiter und Halbleiter fungieren und werden für kunststoffbasierte Drucktechnologien als auch funktionalisierte Oberflächen wie RFID-Lösungen, flexible Displays und OLEDs eingesetzt. Diese neuartige strukturelle Vielseitigkeit von Kunststoff zeigen Unternehmen anhand einiger Beispiele im Pavillon Printed Electronics Products and Solutions (PEPSO) beim Eingang Nord B. • With the right molecular configu­ ration, plastics can also function as electrical conductors and semiconductors and so can be used for plastic-based print technologies as well as functionalized surfaces such as RFID solutions, flexible displays and OLEDs. The corporations showing off this new kind of structural versatility will be located in the Printed Electronics Products and Solutions Pavilion (PEPSO) at North Entrance B.

Messe K, die Messe für Kunststoff und Kautschuk, feiert dieses Jahr ihr 60-jähriges Jubiläum und ist mittlerweile einer der Marktführer in der Branche. Im Dreijahreszyklus finden Aussteller und Fachbesucher die neusten Produkte und Prozesse, die die Marktentwicklung der Kunststoff- und Kautschukindustrie in den nächsten Jahren nachhaltig bestimmen werden.

K, the international trade fair for plastics and rubber, celebrates its 60th anniversary this year, having become one of the leading events in the industry. Held every three years, it assembles all the latest products and processes expected to define the development of the plastics and rubber industry in the years to come.

Anhand von Fallstudien stellen Designer und Werkstoffunternehmen den Prozess der Kunststoffverwendung, die Her­ stellung, die Lieferkette, aber auch das Projektmanagement von innovativen Design­p rodukten vor. Unterteilt nach Marktsektoren werden an den zwei Konferenztagen unter anderem Beispiele aus der Automobil- und Medizinbranche, der Verbraucherelektronik, aus dem Bereich der Verbrauchsgüter, dem Baugewerbe, der Verpackungsindustrie sowie aus dem 3D-Druck präsentiert.

Karten sind online für 285 Euro erhältlich.

• Here, designers and producers of materials will showcase their production and use of plastics as well as their supply chain and project management for innovative design products using various case studies. The examples presented at the two-day Design Chain Conference will be broken down according to market segment and will include some from the automotive industry, medical engineering, consumer goods, building, packaging and 3D printing. Admission tickets are available online and cost €285.

materialscience.bayer.com

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2 Kunststoffofen celanese.de

Celanese präsentiert in diesem Jahr den ersten platz- und energiesparenden Ofen, der aus Hochtemperaturkunststoffen hergestellt wird. Der Backraum wird – eine Weltneuheit – in einem Stück spritzgegossen, was Energie und Material einspart. Der brasilianische Designer des Ofens, Guto Indio da Costa, ist am 17. Oktober ab 9 Uhr am Stand A07/B07 in Halle 6 (Celanese) anwesend.

Plastics Oven This year, Celanese will be presenting the first space- and energy-saving oven to be made of high-temperature plastics. To save both energy and materials, the oven itself is injection-cast all in one piece, making it a world first. The Brazilian designer of the oven, Guto Indio da Costa, will be present at stand A07/B07 in Hall 6 (Celanese) from 9 am on October 17th.

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3 BASF – Steron steron.basf.com

Eine innovative Oberflächenveredelung, die nahezu unbegrenzte Gestaltungsmöglichkeiten bietet, geht weltweit in die ersten Serienanwendungen. Die Technologie kann auf verschiedenen Träger­ substraten wie Leder, Kunstleder, Textil und Soft-Touch-Materialien in der Automobil- und Modeindustrie eingesetzt werden und verspricht außergewöhnliche haptische und optische Effekte. Zudem ist die Veredelung luftdurchlässig, kratzfest und schmutzabweisend.

Informationen sind in Halle 5 am BASF-Stand C21/D21 erhältlich.

BASF – Steron About to go into serial production worldwide, Steron is an innovative transfer-coating technology offering virtually unlimited scope for design. The technology can be applied to a wide range of flexible substrates, such as leather, artificial leather, textiles and the soft-touch materials used in the automotive and fashion industries, and promises a unique visual appearance and feel. It also has the advantage of being breathable, scratchresistant and dirt-proof. More information can be found at the BASF stand at C21/D21 in Hall 5.

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Text: Monika Schreiber

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Focus

Photo: SCHMOTT

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Quo Vadis?

Wohin der Wege?

Text: Stephan Ott

Wohin gehst du, Design? Reicht diese Frage aus, um eine Antwort darauf zu geben, auf welchem Weg sich die Disziplin derzeit befindet? Befindet sich das Design überhaupt auf einem einzigen Weg? Und, auf welchem Trip ist eigentlich der längst nach Konsumer, Prosumer und Desumer zu unter­ scheidende Kunde unterwegs? Welchen Kurs geben die neuen Technologien vor? Drohen sich Designerin und Designer in ihrer eigenen Disziplin zu verlaufen? Fragen über Fragen, deren Liste sich lange fortsetzen ließe und auf die es keine ein­ deutige Antwort geben kann. In seiner auf zwei Teile angeleg­ ten Betrachtung wirft Chefredakteur Stephan Ott zunächst ei­ nen Blick auf das Design selbst, im zweiten Teil (in form 251) dann auf dessen Protagonisten, die Designerinnen und Designer.

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Design 2013 Where are you going, design? Is this question sufficient to derive an answer as to what path the discipline finds itself on? Is design really on a single path? And what journey is it actually, that has for some time now already been leading from consumer, prosumer and desumer to distinct customer?

What course do the new technologies prescribe? Are designers threatening their own discipline? Questions about questions, the list of which could long be continued, and to which there can be no exact answer. In his two-part discus­ sion, editor-in-chief Stephan Ott first focuses on design itself, and in the second part (coming in form 251) on its protagonists, the designers.

Design – eine Disziplin?

Es ist von jeher das Problem geisteswissenschaftlicher und kultureller Disziplinen, dass dort – anders als beispielsweise in den Natur- oder Rechtswissenschaften – die Grenzen zwischen Laien- und Expertentum nicht hermetisch sind. Kaum ein Mensch käme ohne die entsprechende Ausbildung oder Qualifikation auch nur auf die Idee, chirurgische Operationen durchzu­ führen oder juristisch wasserdichte Schriftstücke zu verfassen. Nicht so in der Designzunft. Hier fühlen sich auch Fachfremde berufen oder werden gar auf­ gefordert, zu gestalten, sobald ihr eigenes Gewerk nur Berührungspunkte mit dem Design aufweist: Vertreter des Marketings respektive der Werbung liefern neben der Markenberatung das Logo gleich mit, parallel zum Engineering formen die Ingenieure gerne auch das Maschinengehäuse, Architekten gestalten mit großer Selbstverständlichkeit das passende Interieur für ihre Hochbauten. „Ich würde immer den Dipl. Ing. beauftragen“, kommentierte kürzlich im Rahmen eines iF-Workshops1 der Wirtschaftsethiker Nils Ole Oermann die begrifflichen Unschärfen des Designs und seiner Qualifikationen. Damit trifft Oermann offenbar einen sehr wunden Punkt. In seiner 2012 – ein Jahr vor seiner Emeritierung – vorgelegten Dissertation „Design – auf dem Weg zu einer Disziplin“2 geht zum Beispiel Bernhard E. Bürdek, Professor an der Hochschule für Gestaltung Offenbach, noch einmal ausführlich der viel diskutierten Frage nach, ob Design überhaupt (schon) eine Disziplin sei. Ausgehend von Betrachtungen seines Doktorvaters Burghart Schmidt konstatiert Bürdek, „dass es ,Fachwissen‘, also ,disziplinäres Wissen‘ erst einmal geben muss, von dem aus der Überschritt von Grenzen erfolgen kann. Dieses Problem ist im Design evident.“3 Und im weiteren Verlauf konstatiert er: „Insbesondere im Kontext von High Tech Projekten ist diese Professionalität überlebensnotwendig, denn sonst verkommt Design zum Dilettantismus.“4 Dass eine fächerübergreifende Professionalität heute in anderen Diszip­ linen erwartet wird, deren Vertreter jedoch nicht erst darauf warten, bis die Protagonisten des Designs dann einmal dessen Position definiert und besetzt haben, zeigt sich etwa bei der Methode des Design Thinking, das die Über­ tragung von aus dem Design bekannten ästhetischen Gestaltungsprinzipien auf den gesamten interdisziplinären Innovationsprozess vorsieht. So hat das Design Thinking zwar potente Fürsprecher im Marketing und in der Informatik gewonnen und es auch innerhalb kürzester Zeit zu entsprechenden Ausbildungsstätten gebracht, unter anderem zum 2005 gegründeten Hasso Plattner Institute of Design an der Stanford University in Palo Alto (unter der Leitung von IDEO-Gründer David Kelley) und 2007 zur, dem Hasso-Plattner-Institut für Softwaresystemtechnik angeschlossenen, HPI School of Design Thinking in Potsdam; Kritiker wie die Designforscherin Gesche Joost, Professorin am Design Lab der Universität der Künste Berlin, bemängeln dabei jedoch die Reduzierung der Designer auf die „hippen Kreativen, die in BrainstormingSessions die total tollen Weltverbesserungsvorschläge machen“5.

Es handelt sich also – das wäre ein erstes Zwischenfazit – im Grunde um nichts anderes als einen aus der Stadtsoziologie hinlänglich bekannten Fall von Gentrifizierung: Angehörige statushöherer Disziplinen mischen das statusniedrigere Design auf, wobei höherer Status nicht unbedingt mit höherem Ansehen oder Image gleichzusetzen ist, sondern mit einer höheren Kompetenzund Qualifikationsschärfe. An allgemeiner Reputation hat es dem Design 1 iF Industrie Forum Design e. V., Workshop „Quo Vadis Design?“, Fraueninsel im Chiemsee, 14. September 2013.

2 Bernhard E. Bürdek, Design – auf dem Weg zu einer Disziplin, Hamburg, 2012.

3 Ebd., S. 80.

4 Ebd., S. 81.

5 Vgl. „Die Design-Rhetorikerin – Gesche Joost“, Interview, in: form 249, S. 39.

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Translation: Emily J. McGuffin

Design – A Discipline?

There has always been the problem within the humanities and cultural disciplines that — unlike, for example, in the sciences or in law — the boundaries between laypeople and experts are not hermetically sealed. Without the appropriate training or qualification, hardly anyone has just happened upon the idea of performing surgical operations, or composing imperviously intricate legal documents. Not so in design craft. Here even trades outside of the discipline feel prompted or actually invited to engage in design, as soon as their own work reaches points of contact with design: those in marketing or advertising supply the logo along with brand consultation; besides engineering, engineers also shape the machine housing; architects design the appropriate interior for their buildings as a matter of course.

“I would always commission the engineering gradu­ ate,” the business ethicist Nils Ole Oermann recently commented in the context of an iF Workshop,1 regarding the conceptual blurring of design and its qualifications.

Oermann is admittedly touching on a very tender spot here. For example, in his 2012 – a year before his retirement – dissertation “Design – auf dem Weg zu einer Disziplin” (Design – on the way to a discipline),2 Bernhard E. Bürdek, professor at Hochschule für Gestaltung Offenbach (University of Applied Arts), once again addresses in detail the much-discussed question as to whether design is (yet) a discipline.

Starting from the musings of his doctoral thesis supervisor Burghart Schmidt, Bürdek noted “that ‘expertise,’ in other words, ‘disciplined knowledge,’ must only be present, when from out of itself limits can be exceeded. This problem is evident in design.”3 And later he states: “in particular in the context of high tech projects this professionalism is necessary for survival, in that otherwise design degenerates into dilettantism.”4 That an interdisciplinary professionalism is expected today in other disciplines, whose representatives, however, are not waiting for the protagonists of design to define and occupy its position, is reflected in the method of Design Thinking, which envisages the transfer of aesthetic principles known from design onto the entire interdisciplinary innovation process. Accordingly Design Thinking has won potent advocates in marketing and computer science, and has recently also led to appropri­ ate training facilities, including the Hasso Plattner Institute of Design at Stanford University in Palo Alto, founded in 2005 (under the direction of IDEO founder David Kelley) and to the HPI School of Design Thinking in Potsdam, an affiliate of the Hasso-Plattner-Institut für Softwaresystemtechnik / Hasso-Plattner Institute for Software Systems Engineering, founded in 2007.

However, critics such as the design scientist Gesche Joost, professor at the University of the Arts (UdK) Design Lab in Berlin, bemoan the reduction of the designer to “the hip creatives who make the most awesome suggestions for improving the world during brainstorming sessions.”5 1 iF Industrie Forum Design e. V., Workshop “Quo Vadis Design?,” Fraueninsel, Lake Chiemsee, 14 September 2013.

2 Bernhard E. Bürdek, Design – auf dem Weg zu einer Disziplin, Hamburg, 2012.

3 Ibid., p. 80.

4 Ibid., p. 81.

5 cf. “Die Design-Rhetorikerin (The design rhetorician) – Gesche Joost,” interview in: form 249, p. 39.

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Computer werden kleiner, leistungsfähiger und stehen in ihrem Design vor einer Weggabelung. Sie verschwinden ganz aus dem Sichtkreis der Nutzer, erhalten einen Upgrade zum Konsumfetisch oder folgen einer neuen Metapher.

As computers get smaller and more powerful, their design faces a choice: recede from view, upgrade to consumer fetish, or adopt a new metaphor.

In drei Richtungen weiter

Forwards in Three Directions

Text: Harald Taglinger Illustration: Michael Willis

Translation: Nicholas Grindell

Morgens um 11 Uhr in Seattle sitzt Ralf Groene an seinem Computer. Das Videobild zeigt einen fensterlosen Raum, hier in Zürich hat die Dunkelheit eingesetzt. Die Verbindung stockt anfangs und die Wörter ruckeln ein wenig.

Wir haben 40 Minuten.

Ralf Groene: geboren 1968, über seine Arbeiten für Interform, Frog Design und IDEO kommt er nach dem Entwurf des Rocket eBook Readers nach Redmond und gestaltet ab 2006 für Microsoft die Arc Mouse, das Arc Keyboard und die LifeCam. Stephen Sinofsky, damals noch für Windows im Konzern zuständig, beauftragt ihn mit der Leitung des Designs eines ersten Microsoft Tablets, das heute unter dem Namen Surface erfolgreich im Markt lanciert ist.

Derzeit befinden sich neue Geräte in der Entwicklung.

Nichts, was einen Computer der Zukunft ausmacht, entsteht ohne Vergangenheit. Was als tischgroßer Sur40 Surface Computer mit berührbarer Oberfläche beginnt, gemeinsam von Samsung und Microsoft entwickelt (http://www.youtube.com/watch?v=ef-Oylw890c), steht heute, mit Surface, für etwas ganz anderes (http://www.microsoft.com/surface), das – mit einer per Touch Cover abnehmbaren Tastatur – eigentlich nur aus IN- und OUTKomponenten zu bestehen scheint. Der Surface ist scheinbar ein TouchBildschirm, auf dem Windows 8 läuft. Und wer nicht tippt, der kann die bunte Tastaturklappe darum abnehmen. So stellt sich eigentlich eine komplette Umdrehung dessen dar, was immer noch unter der Kategorie Computer läuft.

Der eigentliche Rechner ist so weit miniaturisiert, dass er fast nicht mehr ins Gewicht fällt. Nur die Ein- und Ausgabe seiner Daten bildet scheinbar das Gerät. Fast scheint es so, als würde der Rechner verschwinden, gäbe es nicht – noch – das Bedürfnis nach Tasten und einem Bildschirm vor den Augen.

Dem Verschwinden von zimmergroßen Mainframes folgt die Reduktion des Personal Computers, der bereits die Maus zum Opfer gefallen ist. „Atoms to Bit Migration“ nennt Ralf Groene diesen Weg. Die industrielle Herstellung eines Computers ist durch die digitale Revolution seit 30 Jahren auf den Kopf

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At 11 in the morning in Seattle, Ralf Groene is sitting at his computer. The video image shows a windowless room; here in Zurich it is already dark. The connection is unstable at first, the words slightly chopped. We have 40 minutes.

After working for Interform, Frog Design and IDEO, and having designed the Rocket e-book reader, Ralf Groene (born 1968) came to Redmond in 2006 and designed the Arc mouse and keyboard and the LifeCam for Microsoft.

Stephen Sinofsky, in charge of Windows at the time, asked him to direct design of Microsoft’s first tablet, now on the market as Surface. New devices are also being developed.

The computer of the future never emerges without a past. What began as a table-sized SUR40 Surface computer with a touch screen, co-developed by Samsung and Microsoft (http://www.youtube.com/watch?v= ef-Oylw890c), now stands, as Surface, for something completely different (http://www.microsoft.com/ surface) with a detachable Touch Cover keyboard accessory, seeming to consist only of in and out compo­ nents. The Surface looks like a touch screen running Windows 8. And for those who don’t type, the coloured Touch Cover keyboard flap can be removed. This actually represents a complete reversal of what is still catego­rized as a computer. The computer itself is miniaturized to such a degree that it carries precious little weight.

The input and output of data alone seem to make up the device. It is almost as if the computer would disappear if there was not (still) a need for a keyboard and a screen to look at.

The disappearance of room-filling mainframes was followed by the PC and its reduction, a process to which the mouse has already fallen victim. “Atoms-to-bit migration” is Groene’s term for this trajectory. Over the past 30 years, the digital revolution has turned the industrial manufacture of computers on its head. As well

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Stromaufwärts

Automobile Design for New Concepts Text: Hans-Ulrich von Mende

Montag, 29. Juli 2013 – Aufregung bei BMW in drei Städten: New York, London und Peking. Grund: BMW zeigt offiziell letzte formale Details eines Autos, das alle kennen. Es ist groß und flott wie ein Škoda Fabia RS, so schwer wie ein Polo Diesel, hat aber alle Batterien an Bord. Die hinteren Türen öffnen sich wie beim Mazda RX 8 oder dem Mini Clubman. Was ist also neu? Die Form? Der Antrieb? Das Carbon-Rückgrat?

Der modische Name i3? Zur Erinnerung: Hyundai hat einen konservativen i20 und i30 im Programm. Wer noch weiter zurückblickt, bleibt gelassen.

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Monday, July 29th 2013: Excitement at BMW events in New York, London and Peking. The reason: BMW is officially presenting the final design of a car that everyone knows.

It is large and sleek like a Škoda Fabia RS, as heavy as a Polo Diesel, but with all its batteries on-board. The rear doors open like a Mazda RX 8 or Mini Clubman. So what’s new? The outline? The engine? The carbon backbone? The trendy name i3? Just as a reminder: Hyundai has a conservative i20 and i30 in its range. If we look back further still, there’s little cause for excitement.

Translation: Nicholas Grindell

1899, ein gewisser Camille Jenatzy reitet auf einem Raketenkörper mit vier frei stehenden Rädern über die 100km/h-Marke, der Antrieb ist elektrisch. Der junge Ferdinand Porsche kon­ struiert ein Jahr später auf Basis des LohnerAutomobils, optisch mehr Kutsche als Auto, den elektrischen Nabenantrieb, was zu fast moderner Felgenform geriet. Fünf Jahre später baut Deutschland 22.000 Autos, viermal mehr als die USA. Aber anstatt frisches Texas-Öl zu verbrennen, ist damals der Elektroantrieb der bevorzugte. Warum sich alles änderte, liegt an der bis heute kaum gelösten Aufgabe der Energie­ speicherung. Noch haben Batterien keine Energiespeicherdichte wie die volumengleiche Menge Benzin – was sich ändern wird. Sieger bleibt der extrem unwirtschaftliche Explosionsmotor, nur ein knappes Drittel des zugereichten Benzins kann das Auto mit Explosionsmotor antreiben, der Großteil verpufft im Wortsinne in Wärme. So kommt das Auto auf den Kühler und damit zur ersten und einfachen Identifikation als Antwort auf die Frage: Wer bin ich?

Heute sind jene Marken glücklich, die die Form, nicht aber die Funktion des Kühlers bewahren. Sei es Mercedes, BMW, Rolls-Royce oder Audi. Die Unglücklichen kämpfen um die Wiedererkennung der eigenen Marke. Dann schwärmen Designchefs vom Erhalt der „DNA“ ihrer Marke, wenn das Premierentuch von der Haube des Neulings gleitet. Heute zeigen

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Automobil-Testberichte über die wichtigsten Marken die technische Qualität auf, dass neben einem guten After-Sales-Geschäft, dem all­ täglichen Werkstattservice, nur noch das Design den großen Unterschied macht – oder machen soll. Dumm nur, wenn Designer, modisch infiziert, neu gefundene Motive so attraktiv machen, dass jeder glaubt, sie übernehmen zu müssen.

So gerät die DNA zu einer Chromosomensoße, die wahre Unterscheidbarkeit erschwert. Dieses Dilemma wird bekämpft mit der Suche nach besten Talenten. Die Folge: Kaum eine Führungsposition wird so oft neu besetzt wie die der Designchefs. Und diese lassen die Griffel so führen, dass die wenigsten eine langfristige Designsprache einer Marke schaffen, ohne geschwätzig zu werden.

Wir kennen die Ausflüge in formales Neuland bei BMW mit Chris Bangle, wir haben die Unsicherheit bei Mercedes gesehen und sehen sie teilweise noch. Wir hoffen auf klarere Linien bei Peugeot und können den Japanern keine langfristige Stilsicherheit bescheinigen. Besser der VW-Konzern, sein Chefdesigner Walter de Silva sagt zur Konkurrenz, manche Modelle hätten so viel Linien, dass man daraus zwei Autos hätte machen können.

Welche Linien aber kann ein elektrisch betriebenes Auto haben? Kein Kühler, aber Platz für Kühlluft von Bremsen und Batterien, für Frischluft des Innenraumes, was sich elegant

In 1899, a certain Camille Jenatzy, riding a rocket body with four protruding wheels, became the first person to travel over 100km/h – powered by electricity. A year later, based on the Lohner automobile (more carriage than car), the young Ferdinand Porsche created the electric wheel hub motor with a design that anticipated modern wheels. Five years later, Germany built 22,000 cars, four times more than the United States. But instead of burning fresh Texan oil, electricity was the preferred fuel of the day. Why all this changed is down to the still largely unsolved problem of energy storage. Today, batteries still fall short of the energy storage density found in the same volume of petrol – but this will change.

Ultimately, victory went to the extremely uneconomical combustion engine, where only one-third of the petrol used actually drives the vehicle, the rest being squandered as heat.

Hence the need for a radiator – providing the first and simplest form of identification in response to the question: Who am I? Today, the fortunate brands are those that have kept the form but not the function of the radiator – such as Mercedes, BMW, Rolls-Royce or Audi. The unfortunate ones are struggling for brand recognition. Designers-in-chief enthuse about preserving the “DNA” of their brand when the veil is lifted from their new model. Automo­ bile test reports on the major brands show that

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Leanne Shapton

New York City, leanneshapton.com

Leanne Shapton (born in 1973) is an illustrator, author and publisher. In 2011, she posted an illustrated series entitled “A Month Of…” to The New York Times opinion page website. Currently she contributes a food and culture column to Flare Magazine. “Sunday Night Movies,” a book of paintings from movies, is forthcoming from Drawn & Quarterly, fall 2013. Education: McGill University, School of Visual Arts, did not graduate

and publisher. Looking back: what part of your training has benefited you most for your current work? • Probably just learning how to read and love books as a child. My love of images, stories and writing has been the one consistent thing throughout the different kinds of work I do.

Q What development/event currently influences/is changing design the most in your view? • For me, Google image search. I can find images and references so quickly.

I love it.

Moscow

Misha Simakov (born in 1981) has been senior infographic designer for Moskovskiye Novosti newspaper (Moscow News) since 2010. Education: Moscow University of Radio Electronics and Automation, Faculty of Cybernetics, 2004; Moscow University of Printing Arts, Artistic & Technical Design of Printing Products, 2006

Q Today you work as a information designer.

Looking back: What part of your training has benefited you most for your current work?

• I have two degrees: mathematics and graphic design. In my infographics I use both: math helps me structuring data while my degree in design gives me perfect understanding of the correlation of interaction between a line, a spot and text. So I might say that it’s 20% math and 80% design.

Q What, in your view, is the current outstanding / most drastic development in design? • Interactivity and multi-platform approach.

Franziska Thurner

Linz, AT, system-jaquelinde.com

Franziska Thurner (born in 1984) is a media artist and editor. She has collaborated with Hanna Priemetzhofer under the pseudonym System Jaquelinde in the interface between analogue and digital art since 2005. Education: University of Art and Industrial Design Linz, 2011

Q Which part of your education has been

the most useful to you for your current activities?

• You can’t explain my work as an artist by a referring to a specific part of my education and training – rather, it is the interplay of several formative factors in my life. A central element of my education was the diversity of support that I received, covering the whole range from practical activities through to theoretical examinations. All different kinds of artistic and social issues were also the focus during my studies. For more than ten years I have been part of the Backlab Collective, an association dedicated to the support Joanna Górska and Jerzy Skakun and networking of artists in various disciWarsaw, homework.com.pl plines. As far as I am concerned, education must be seen in a wider context and in its

Since 2003, graphic designers Joanna Górska and different facets it takes place every day. The Jerzy Skakun have been the owners of Homework studio. exchange between my partner Hanna Amongst others they have won a gold medal at the Poster Biennial in Mexico and a silver medal at the International Priemetzhofer and me forms the basis of Biennial of Posters in Chicago. Their work has been our artistic work as System Jaquelinde. exhibited in Paris, Berlin, Oslo, Mexico, Sofia, Hong Kong Q What, in your opinion, is currently the most and elsewhere. Education: Fine Art Academy in Gdańsk, graphic design, about 2000 remarkable / dramatic development in design?

• System Jaquelinde loves projects that Q What role does graphic design play in Poland? transcend borders and are interdisciplinary, • We were born in the country with a great as well as artists who think not only in 64

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black and white terms but also in greyscales.

With respect to what is currently happening in design, we regard the expansion of the visual space that can be “played with” as a great new development. The change of dimension in this medium opens up a new visual dynamic context. In augmented sculptures the projection surface becomes the projected object, and in the case of “space pixel,” the two-dimensional matrix is dissolved, allowing for dynamic movement in three-dimensional space.

Q

Q Today you work as an illustrator, author

Misha Simakov

tradition of poster design, which seems to be one of the best-known parts of Polish art abroad. Now we feel there is something going on again in Polish graphic design, plenty of young talented graphic designers appearing. In jokes we call it the“New Polish Poster School.” Today, more and more clients realize that it is well worth it to pay for good design.

Q Are there any significant trends in Polish graphic design today? • We think there are a lot of people who follow the global trends.

There were many discussions in past years about the so-called “trend list” (http:// www.trendlist.org/countries/poland), where you can find plenty of Polish designers.

Q Is there a uniquely Polish style in graphic design? • We don’t think that in our modern world there is something like a national style. We think that the uniqueness in Polish design is the use of metaphors in communi­ cation. It is something that you can also find in theatre, film and literature.

Q What development/event currently influences/is changing design the most in your view? • In the past computers and the Internet, nowadays tablets and e-books.

Thomas Feichtner

Vienna, thomasfeichtner.com

Thomas Feichtner (born in 1970) has worked as a free­ lance industrial designer for numerous international clients since 1997. In 2008, he founded the Studio Thomas Feichtner in Vienna together with his wife Simone. In addi­ tion, Thomas Feichtner has been a professor of industrial design at the Muthesius Academy of Fine Arts and Design in Kiel since 2009. Education: Industrial design at the University of Art and Industrial Design Linz, 1995

Q You work as an industrial designer. In

retrospect, which part of your education and training has been the most useful to you for your current activities? • Looking back today, I was very confused as a student. When we graduated, we were given the classical job profile of “designer as saviour of the world,” which I found to be more of a burden than a motivation. It took me years to rediscover a more authentic approach to product design.

Compared to the students I have today (BA to MA) we had considerably more time back then. When it took you at least ten semesters to get your graduate degree, you could afford to blow a semester. And that also allowed you to risk a great deal more in your concepts and semester projects. You also could afford to take the time to study fine arts for a semester or take a film class, as I did.

This has certainly helped me. Today I don’t regard design as a discipline that you can confine to one specific direction.

Q Which development / which event do you think is currently influencing/changing design the most? • No doubt the new media.

Someone who had a good idea 30 years ago needed professional PR machinery to publish it on a global scale. Consequently, the history of design for the past 30 years looks different. Today a student from a village in no-man’s-land can send an idea around the world and exchange ideas with a critical professional audience in a span of 24 hours. This gives the level of design considerably more diversity and esprit. I think that when we look back 30 years from now, we will clearly perceive the networking of ideas as a new stage in the history of design.

Hexbug Nano V2 Helix 180° Der Nano V2 Helix 180° ist ein Hightech-Spielzeug, mit dem der Spieler mit Licht-, Bewegungsund Berührungssensoren ausgestattete Mikroroboter durch mehrstöckige Labyrinthe klettern lassen kann. Die Rohre, Zellen und Plattformen können individuell zusammengesteckt werden. Mithilfe von Heringen und Fahnen kann der Spieler die Wege der Bugs individuell leiten. Die abgebildete Bahn ist ab Mitte Oktober 2013 auf dem deutschen Markt erhältlich.

• The Nano V2 Helix 180° is a high-tech toy where the player moves micro-robots equipped with light, motion and touch sensors through multi-level mazes. The tubes, cells and platforms are modular and can be rearranged as desired. Using pegs and flags, the player can direct the paths of individual bugs. The track shown will be available on the German market from mid-October 2013. MS innovationfirst.com Photo: SCHMOTT

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Files

Photo: Cohan Van Balen

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Immer in Bewegung

Almir Mavignier, Otl Aicher, Alexandre Wollner und/and Eva-Maria Koch, Hochschule fĂźr Gestaltung Ulm, 1956

Alexandre Wollner: Design Visual Text: RenĂŠ Spitz

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Translation: Nicholas Grindell

Zum ersten Mal in Europa: Das Museum Angewandte Kunst in Frankfurt am Main präsentiert den Doyen des zeitgenössischen brasilianischen Designs.

• Das Schönste an Stereotypen ist, dass wir sie über Bord werfen können wie fauligen Ballast.

Zum Beispiel: Alle Designer, die an der Hochschule für Gestaltung Ulm studiert haben, sind sture Adepten der Ideologie vom rechten Winkel.

Nun bietet sich wieder einmal eine gute Gelegenheit, dieses eintönige Vorurteil zu korrigieren.

Denn die Ausstellung über Alexandre Wollner vermittelt ein differenziertes Bild seines Werks, das mehr Facetten enthält als jedes oberfläch­ liche Klischee, das über die gestalterische Praxis von HfG-Studenten kursiert.

Schon die Tatsache, dass ein Brasilianer 1954 nach Ulm kam, ist erklärungsbedürftig. Der 1928 geborene Alexandre Wollner kam nicht direkt von der Schule, wie es bei Studierenden heute üblich ist. Er hatte bereits 1951 eine künstlerische Ausbildung am Instituto de Arte Contemporânea (IAC) in seiner Heimatstadt São Paulo aufgenommen. Während dieser Zeit entwickelte er

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auch unter anderem das Signet für die Filmothek des dortigen Museu de Arte Moderna (MAM), als er plötzlich realisierte, dass er tatsächlich nicht Kunst, sondern Design lernte. Kurz darauf wurde er „von Max Bill als Stipendiat nach Ulm eingeladen und erhielt dort noch einmal eine für ihn nicht ganz neue, aber doch radikale Gestaltungsausbildung“, berichtet Klaus Klemp, der stellvertretende Direktor des Museums und verantwortliche Kurator, in seinem Beitrag für den begleitenden Ausstellungskatalog.

Das vierjährige Studium an der HfG krempelte, nach seiner eigenen Auskunft, Wollners bisheriges Leben um. Otl Aicher zählte zu seinen wichtigsten Lehrern. Gemeinsam bearbeiteten sie erst in Ulm Aufträge aus der freien Wirtschaft, aber auch nach Wollners Rückkehr nach São Paulo 1958 arbeiteten sie zusammen für brasilianische Auftraggeber.

Um die Bedeutung von Wollners Arbeit als Designer verständlich zu machen, heißt es, seine Leistung für das moderne Brasilien sei vergleichbar mit der Otl Aichers für Deutschland.

Damit ist zum Beispiel gemeint, dass es sich bei dem von ihm mitgegründeten Unternehmen „forminform“ um „das erste brasilianische

For the first time in Europe: Frankfurt’s Museum of Applied Art presents the doyen of contemporary Brazilian design.

• The nicest thing about stereotypes is that we can throw them overboard like rotten ballast.

For example: “All designers who studied at the Ulm School of Design are stubborn disciples of the ideology of the right angle.” Now we have another good opportunity to correct this dull prejudice, as the Alexandre Wollner exhibition offers a different view of an oeuvre that is far more many-sided than any superficial cliché.

The fact that a Brazilian came to Ulm in 1954 in itself needs explaining. Born in 1928, Wollner did not come straight from school, as most students do today. In 1951, he had already begun studying art at the Instituto de Arte Con­ temporânea (IAC) in his home city of São Paulo.

During this time, among other things, he developed a logo for the film library at the city’s Museu de Arte Moderna (MAM), suddenly realizing that what he was studying was in fact not art but design. Soon after this, “he was invited by Max Bill to accept a scholarship in

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Material

Self-Folding Structures

Origami für Fortgeschrittene Text: Mareike Gast Translation: Nicholas Grindell

Dass das Prinzip des Faltens von dreidimen­ sionalen Strukturen aus zweidimensionalen Plattenmaterialien ressourceneffizient ist, wunderschöne Strukturen ermöglicht und die Grundlage sowohl für extremen Leichtbau als auch komplexe Bewegungen bietet, ist bekannt.

Dass aber zeitintensive manuelle Faltungen oder komplexe Umformwerkzeuge oft von einem industriellen Einsatz abschrecken, auch. Sich selbst faltende Materialien und Prozesse schaffen jetzt Abhilfe und bieten darüber hinaus bedeutend weiter reichende Anwendungs­ möglichkeiten.

die Linien lediglich, ohne zu schneiden. Ist durch mehrmaliges Hin- und Herfahren des Lasers eine Temperatur von 130°C auf der Linie erreicht, faltet sich das Bauteil allein durch die Gravitation nach unten ab. Es entsteht eine Art passive Faltung. Um auch andere als nur rechte Winkel zu erreichen, richtet ein Stellmotor in der Halterung die Grundplatte entsprechend auf. Die Vielfalt der faltbaren Geometrien erscheint unerschöpflich. Inspiration findet Müller in Pop-up-Origamibüchern.

Noch gearbeitet wird an der genauen Regulierung der Falttemperatur. Derzeit wird die Dauer der Erwärmung durch den Laser im Voraus berechnet – auf Erfahrungswerten Smart Materials spielen in selbst faltenden beruhend. Ziel ist, eine Infrarotkamera zu inteStrukturen oft eine Rolle – dazu später mehr –, grieren, die am Objekt die Temperatur misst, sodass der Laserprozess dynamisch gesteuert aber es geht auch ohne, wie Stefanie Müller unter Beweis stellt: Die Doktorandin des Hasso- und damit bedeutend präziser wird. Das erPlattner-Instituts störte sich an den langen möglicht neben dem reinen Falten auch ein Dehnen des Materials, um noch komplexere Wartezeiten am 3D-Drucker und suchte daher Strukturen herzustellen. nach schnelleren und vor allem direkteren Auch Christophe Guberan, Absolvent der Möglichkeiten, dreidimensionale Prototypen ECAL im schweizerischen Lausanne, ist es und Formen herzustellen. Außerdem fehlte gelungen, einen handelsüblichen Drucker so ihr die Möglichkeit, iterativ zu arbeiten und im zu manipulieren, dass dieser selbst faltende Entstehungsprozess die Geometrie anzu­ Strukturen erzeugt. Zeitungen, die ein paar passen, was im manuellen Modellbau möglich Tage herumlagen und anfingen, sich durch die ist. So entwickelte sie gemeinsam mit Bastian Luftfeuchtigkeit von allein zu wellen, boten ihm Kruck und Patrick Baudisch das Projekt LaserOrigami, wobei ein herkömmlicher 2D-Laser die Inspiration. Gar nicht auf der Suche nach auch für Herstellung von 3D-Objekten genutzt der Lösung zu einem Problem, sondern allein werden kann. Dies funktioniert wie folgt: In einer aus Neugier versuchte er, zunächst per Hand, mit einem nassen Pinsel das Wellen von Standard-Acrylplatte erzeugt der Laser zuZeitungspapier nachzustellen und vor allem nächst normale Schnitte. Wird das Werkstück zu kontrollieren. Er erreichte auf diese Weise jedoch abgesenkt und damit aus dem Fokuszwar schnell einen sichtbaren Effekt, jedoch punkt des Lasers genommen, erwärmt dieser

•

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The principle of folding three-dimensional forms out of two-dimensional sheet materials is resource-efficient, permits beautiful structures and is a basis for both extremely lightweight construction and complex movement. All this is well known. But it is also clear that time-consuming manual folding procedures or complex tools are often seen as obstacles to industrial usage. Now help is at hand in the form of self-folding materials and processes, that also offer far greater scope for applications.

• Smart materials often play a part in self-folding structures (more on that later) but they are not always necessary, as proved by Stefanie Müller, a doctoral student at the Hasso-PlattnerInstitute in Potsdam: irritated by the long waiting times for 3D printing, she began looking for quicker and above all more direct ways of making three-dimensional prototypes and forms. She also missed the possibility of working iteratively and adjusting geometries during the modelling process, which is possible when working manually. As a result, she developed the Laser Origami project with Bastian Kruck and Patrick Baudisch, allowing a conventional 2D laser to be used to create 3D objects. This works as follows: First, the laser makes cuts in a standard acrylic sheet. The workpiece is then lowered out of the focus of the laser, where the beam merely heats up the lines without cutting. After multiple passes with the defocused laser, the lines reach a temperature of 130°C and the desired segments are bent down by

waren ihm die Ergebnisse zu ungenau. Daher nahm er einen normalen Tintenstrahldrucker, verdünnte die Tinte und druckte Wasser auf Papier. Nach nur zwei Tagen gelang es ihm, Strukturen zu drucken, die das Papier dazu brachten, sich zu verformen und vor allem, sich regelmäßig zu falten. Dies war der Beginn des Projekts Hydrofold, allerdings mit der Folge, dass der Drucker nach zwei Tagen defekt war.

Rein experimentell hat Christophe Guberan es geschafft, Linienstrukturen so auf Papier zu drucken, dass sich das Papier, wenn es aus dem Drucker kommt, sehr langsam und wie magisch zu komplexen dreidimensionalen Faltstrukturen aufstellt. Beidseitiges Drucken erzeugt Bergund Talfalten. Einige Strukturen bilden sich zu Röhren aus, andere zu Domgeometrien. Alles scheint möglich. Besonders faszinieren ihn gekrümmte Faltungen, weil diese bedeutend komplexere Formen erzeugen, da hier auch die Flächen und nicht nur die Faltlinien gekrümmt sind, aber per Hand schwer zu realisieren sind. Über die Tatsache hinaus, dass sich in dem Prozess die Papierfasern mit Wasser vollsaugen, ausdehnen und dadurch verformen, ist Guberan der Vorgang jedoch noch weitgehend unbekannt. Zu viele Faktoren, angefangen bei der Luftfeuchtigkeit, spielen eine Rolle, um den Prozess hundertprozentig reproduzierbar zu machen. Guberan experimentiert beispiels­weise erfolgreich mit verschiedenen chemischen Zusätzen, die die Fließfähigkeit verbessern, ohne jedoch genau zu wissen, was in den Fasern passiert. Jetzt hat er die einmalige Gelegenheit, diese Unbekannten am Massachusetts Institute of Technology (MIT) zu erforschen.

Christophe Guberan: Hydrofold, 2012

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the force of gravity – a kind of passive folding.

To fold at angles other than 90 degrees, a positioning motor adjusts the sheet on its mount. The variety of foldable geometries seems to be inexhaustible. Müller takes inspiration from origami pop-up books.

Work continues on the precise regulation of folding temperatures. Currently, laser heating times are calculated in advance on the basis of past experience. The aim is to integrate an infrared camera to measure the temperature of the object, allowing the laser process to be dynamically controlled and thus considerably increasing precision. As well as simple folding, this also allows stretching of materials to create even more complex structures.

Christophe Guberan, a graduate of l’École cantonale d’art de Lausanne (ECAL) in Switzerland, has also managed to manipulate a standard printer in such a way that it creates self-folding structures. The inspiration for this came from some newspapers that had been lying around for a few days and had started to buckle from the humidity. Not looking for a solution to a problem, but out of pure curiosity, he used a paintbrush to apply water to paper by hand in an attempt to recreate, and especially to control, such buckling of paper.

Although he quickly achieved a visible effect, he found the results too imprecise. So he took an ordinary inkjet printer, diluted the ink and printed water onto paper. After just two days, he succeeded in printing structures that caused the paper to change shape and, most importantly, create regular folds. This was the start of the Hydrofold project, but after two

days the printer broke down. By experimenting, Guberan managed to print linear structures onto paper in such a way that, on emerging from the printer, each sheet would very slowly, as if by magic, rise up into complex, threedimensional folded structures. Duplex printing creates undulating folds. Certain structures form cylinders, some form domes. Everything seems possible. He is especially fascinated by curved folds that create far more complex forms because not only the fold lines but also the surfaces are curved – an effect that is difficult to realize by hand.

Beyond the fact that the process involves the fibres in the paper absorbing water, expanding and changing shape, Guberan knows little about what is actually going on here. Because so many factors are involved, starting with humidity, the process cannot be reliably reproduced. Guberan has, for example, experimented successfully with various chemical additives that improve fluidity, but without knowing exactly what was happening in the fibres. Now he has the unique opportunity to study these unknowns at the Massachusetts Institute of Technology (MIT). From October 2013, he will be in Boston to analyse the process and transfer it to larger machines and surfaces.

Early tests using wooden veneers, carried out on his printer at home, showed similar effects as those obtained with paper – although the grain of the wood added a new factor influencing folding behaviour. This is just one of a multitude of possibilities yet to be explored.

Guberan has received many inquiries from the printing and paper industries, but also from

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Media

accompanied by four essays exploring utopias in art and the aesthetic of the small-scale. CFT

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Architektur und Umstülpung

Paul Schatz (Hrsg./ed. Matthias Mochner) Architektur und Umstülpung: Studien zum organisch-dynamischen Raumbewusstsein Ein Schulungsweg für Architektur Deutsch/German Verlag am Goetheanum, Dornach 432 Seiten/pages, € 58 ISBN 978-3-72351-450-4

Paul Schatz’ Entdeckung der vollstän­ digen Umstülpbarkeit des Würfels, nicht zuletzt ein Ergebnis seiner unkonven­ tionellen Verbindung von Kunst, Philosophie und Technik, gilt bis heute als revolutionär. Da Umstülpung allerdings (wie er selbst schrieb) „nichts anderes ist als eine bestimmte Form der Wechselbeziehung von innen und außen“, wandte Schatz seine Überlegungen zu dieser Bewegung auch in Forschungen zur Architektur an. „Es dürfte einleuch­ tend sein, dass es die Architektur immerzu zu tun hatte und zu tun haben wird mit dieser Wechselbeziehung.“ Er setzte die physische Welt in Bezie­ hung zur geistigen und schuf eine Art Denk- und Empfindungsschule, die die Raumvorstellung aus ihrer Endlichkeit und Starrheit löst. „Der erste Schritt, der hinausführt über diese jedermann geläufige Seelenbetätigung, besteht darin, zum Beispiel einen Raumkörper […] mindestens von zwei Seiten gleichzeitig zu sehen. Wer in solchen Übungen wenig Praxis hat, kann sich aufgefordert fühlen, innerlich schielen zu sollen. Es geht aber allmählich diese Übung vom innerlichen Sehen hinweg, geht über in ein innerliches Tasten.“ Die Publikation „Architektur und Umstülpung“ präsentiert Schatz’ bisher kaum beachtete „Studien zum organisch-dynamischen Raumbewusstsein“, die sich aus Texten und mehr als 200 Zeichnungen zusammensetzen. AN • Architecture and Inversion Paul Schatz’s discovery of the complete invertibility of the cube, a discovery in which his unconventional habit of combining of art, philosophy and technology doubtless played its part, is still considered revolutionary today.

Seeing invertibility as “nothing more than another expression of the correlation between interior and exterior,” Schatz also applied his ideas on this phenomenon to architectural research.

“It is instructive that architecture has always needed, and will always need, to work with this correlation.” Combining the physical and intellectual worlds, he created a school of thought and perception aimed at freeing our notions of space from their limitations and rigidity. “The first step in moving beyond

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this universally familiar intellectual activity consists of viewing a spatial body […] from at least two sides at the same time. Those who have little previous experience in such practices might consider attempting to squint internally. The exercise, however, gradually moves on from internal seeing to internal touching.” The publication “Architektur und Umstülpung” (“Architecture and Inversion”) presents Schatz’s previously little-noted studies on organic dynamic spatial awareness, which comprise various texts and more than 200 drawings. AN

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Utopie beginnt im Kleinen – 12. Triennale Kleinplastik Fellbach

Yilmaz Dziewior, Angelika Nollert (Hrsg./eds.)

Utopie beginnt im Kleinen 12. Triennale Kleinplastik Fellbach Deutsch, Englisch/German, English Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln 240 Seiten/pages, € 29.90 ISBN 978-3-86335-347-6

Die seit 1980 stattfindende Triennale der Kleinplastik widmet sich in ihrer zwölften Ausgabe dem utopischen Moment im Kleinen. Denn muss nicht mit dem Scheitern der großen Utopien des 20. Jahrhunderts und dem folgenden Pluralismus der Postmoderne die Utopie im Kleinen – in einer menschen­ gerechten Größe – gesucht werden?

Dieser Frage stellen sich 55 Teilnehmer, deren Werke zum Großteil in den Umbruchsituationen Osteuropas, Lateinamerikas und Asiens wurzeln. Begleitet wird der Katalog von vier Essays, die sich mit der Ästhetik im Kleinen sowie der Utopie in der Kunst auseinander­ setzen. Über die Kunst hinaus sollen exemplarische Ansätze aus Architektur, Design und Theater herausgearbeitet werden. Darunter sind Arbeiten von Yona Friedman, BLESS, Carlos Garaicoa und Konstantin Grcic. CFT • Utopia Starts Small The Fellbach Triennial of Small-Scale Sculpture, which was established in 1980, this year takes a look at small utopias, asking whether, after the failure of the great 20th-century utopian ideals and the subsequent rise of postmodernist pluralism, utopian models are perhaps better sought at a more human level.

The exhibits presented by the 55 participants are largely rooted in the transitional environments of Eastern Europe, Latin America and Asia and include work by Yona Friedman, BLESS, Carlos Garaicoa and Konstantin Grcic, as well as examples from architecture, design and theatre. The catalogue is

Mark Lombardi – Kunst und Konspiration

Mareike Wegener Titus Kreyenberg (Produzent/producer) Mark Lombardi Kunst und Konspiration Englisch mit deutschen Untertiteln (nicht ausblendbar)/English with German subtitles (not hideable) RFF – Real Fiction Filmverleih e.K., Köln 80 min., € 20.99 EAN 4047179731287

Mark Lombardis Grafiken sind der Versuch, die Verbindungen von Finanzwelt, Wirtschaft, Politik und Terrorismus in einer narrativen Struktur zu visualisieren. Die daraus entstehenden Soziogramme sind Netzwerke, welche die Verflechtungen von Personen und Institutionen darstellen. Durch die Montage von Videomaterial (in dem Lombardi sein Schaffen selbst beschreibt), weiteren Interviewpassagen, in denen Wegbegleiter und Freunde zu Wort kommen, Nachrichtenmaterial, atmosphärischen Aufnahmen der Stadt New York sowie Aufnahmen des Werks an sich zeichnet Mareike Wegener das Profil eines Künstlers und seines Oeuvres, das sich mit den dunklen Seiten der Macht auseinandersetzt.

Weiterhin geht die Dokumentation der Frage nach, ob Lombardi den Freitod wählte oder ob er aufgrund seiner Obsession zur Zielscheibe der Personen wurde, die Grundlage seines Werks sind. CFT • Death-Defying Acts of Art and Conspiracy Mark Lombardi’s graphic art is an attempt to visualize the worlds of finance, business, politics and terrorism within a narrative structure.

The resulting sociograms are networks that show the interconnections between individuals and institutions.

Via a montage of video material in which Lombardi describes his own work, additional footage of interviews with associates and friends, news reports, plus atmospheric shots of New York City and of Lombardi’s work, Mareike Wegener paints a picture of the artist and of an œuvre that explores the dark side of power. The documentary, released in the US under the title “Mark Lombardi – Death-Defying Acts of Art and Conspiracy,” also addresses the question of whether Lombardi committed suicide or whether his obsession made him a target for the people who are the subjects of his work. CFT

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Fetishism in Fashion

Lidewij Edelkoort (Hrsg./ed. Philip Fimmano) Fetishism in Fashion Englisch/English Frame Publishers, Amsterdam 248 Seiten/pages, € 39 ISBN 978-94-91727-13-9

Seit den 1970er Jahren ist Lidewij Edelkoort eine der erfolgreichsten Trendforscherinnen der (Mode-)Design­ branche. Neben ihrer Tätigkeit als Beraterin für verschiedene internationale Firmen, saß sie von 1999 bis 2008 der Design Academy Eindhoven vor. In „Fetishism in Fashion“ widmet sie sich unterschiedlichen Erscheinungsformen des Fetischismus und deren modischer Visualisierung/Interpretation. Ihnen versuchen mehrere Autoren und Fotogra­ fen unter der Regie Lidewij Edelkoorts in über 50 Artikeln nachzuspüren. Zu sehen sind unter anderem Bilder von Christian Witte, Didier Illouz und Pieter Hugo. CFT • Fetishism in Fashion Since the 1970s, Lidewij Edelkoort, chairwoman of the Eindhoven Design Academy from 1999 to 2008, has been among the most successful trend forecasters in the (fashion) design industry, providing consultancy services to a host of international firms. In “Fetishism in Fashion,” she and her contributing writers turn their attentions to different fetishisms and their visualization / interpretation in fashion. The more than 50 articles are illustrated with photographs by the likes of Christian Witte, Didier Illouz and Pieter Hugo. CFT

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Interaction of Color

Josef Albers Interaction of Color Englisch/English Yale University Press, New Haven € 8.99 Download im AppStore

Der Maler Josef Albers experimentierte mit der Wirkung von Farben, Formen, Linien und Flächen zueinander sowie mit der Subjektivität der optischen Wahrnehmung. Seine Erkenntnisse gab er an Hochschulen in den USA und Deutsch­ land weiter. Albers selbst hatte mehrere Kunstschulen besucht und sich dem Bauhaus angeschlossen, bis er 1933 in die USA emigrierte. Sein Wissen und die Erfahrungen aus seiner Lehrtätigkeit flossen 1963 in ein Werk, das mit Analysen, Beispielen und Übungen den Blick schult. Die ursprüngliche, vollständige Ausgabe von „Interaction of Color“ wog zehn Kilogramm, kostete 200 Dollar und umfasste 150 große Siebdrucktafeln.

Jetzt, 50 Jahre später, erscheint es als interaktive App für das iPad, die Albers’ Denken, seine Herangehensweisen und Methoden endlich einem breiteren Publikum zugänglich macht. Die Inhalte des Buchs werden durch interaktive Tools (anstelle der Farbtafeln), Videound Audiomaterial von Albers, seinen Schülern sowie aktuellen Designern, Künstlern und Architekten ergänzt. Der

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Design Magazine Established 1957 Verlag form GmbH & Co. KG Holzgraben 5 60313 Frankfurt am Main T +49 69 153 269 430 F +49 69 153 269 431 redaktion@form.de form@form.de form.de Herausgeber / Publisher Peter Wesner Chefredakteur / Editor-in-Chief Stephan Ott (SO) Redaktion / Editorial Team Anja Neidhardt (AN) Carolin Blöink (CB) (Bildredaktion/Picture Desk) Monika Viviane Schreiber (MS) (Praktikum/Internship) Carl Friedrich Then (CFT) (Praktikum/Internship) Marketing & Sales Lisa Wesner Denise Dröge (Praktikum/Internship) Mitarbeiter dieser Ausgabe / Contributors Ruth Baumeister, Andrea Bebber, Marcus Büttner, Simon Cornils, Petra Eisele, Thomas Edelmann, Thomas Feichtner, Francesca Ferguson, Ken Garland, Mareike Gast, Barbara Glasner, Joanna Górska (Homework), Hans Hansen, Gesine Hillmann (Superéquipe), Claudia Simone Hoff (CSH), Miriam Lehnart (Superéquipe), Gerry Leonidas, Angharad Lewis, Kai Linke, Hans-Ulrich von Mende, Guido Mocafico, Nils Holger Moormann, Michael Ott (Schmott), Selina Pfrüner, Hans Ulrich Reck, Jan Regett (Superéquipe), Zahid Sardar, Mathias Schmitt (Schmott), Leanne Shapton, Jerzy Skakun (Homework), Misha Simakov, Marco Spies, René Spitz, Ksenia Srednyak, Tobias Stuntebeck, Harald Taglinger, Franziska Thurner, Peter Wesner, Michael Willis Art Direction Michael Heimann und Hendrik Schwantes heimannundschwantes.de Graphic Design Haig Walta Isabelle Kronenberger (Praktikum/Internship) heimannundschwantes.de Übersetzung / Translation Nicholas Grindell, Berlin Emily J. McGuffin, Leipzig Lucy Renner Jones, Transfiction, Berlin Iain Reynolds, Berlin Bronwen Saunders, Frankenthal Katja, Steiner, SATS Translation Services, Tengen Korrektorat / Proofreading Viola van Beek, Berlin Marte Kräher, Berlin Madhvi Ramani, Berlin Marian Ryan, Berlin Anzeigenleitung / Head of Advertising Stefanie Then T +49 69 153 269 446 F +49 69 153 269 447 mobile +49 163 4417 853 stefanie.then@form.de Leserservice / Subscription Service Verlag form GmbH & Co. KG abo@form.de

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Vertrieb Zeitschriftenhandel / Distribution Press Retail DPV Network GmbH dpv.de Vertrieb Buchhandel / Distribution Book Trade Verlag form GmbH & Co. KG buchhandel@form.de Bezugspreise form erscheint sechs Mal im Jahr: Februar, April, Juni, August, Oktober, Dezember.

Jahresabonnement Deutschland (inkl.

10,50 Euro Versand und der zur Zeit gültigen USt. soweit anwendbar): 93,60 Euro; Studenten: 66 Euro.

Jahresabonnement außerhalb Deutschlands (inkl. 29,40 Euro Versand zuzüglich der zur Zeit gültigen USt. soweit anwendbar): 116,40 Euro; Studenten: 86,40 Euro.

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Annual subscription Germany (incl. €10.50 postage and VAT, if applicable): €93.60; students: €66.00 Annual subscription outside Germany (incl.

EUR 29.40 postage plus VAT, if applicable): €116.40; students: €86.40 Single issue (Germany): €16.90 (excl. postage and incl. VAT, if applicable). International prices available on request.

Konditionen für Mitglieder Mitglieder folgender Verbände erhalten 20% Rabatt auf das Jahresabonnement (Grundpreis): AGD, BDG, DDC, DDV, Designerinnen Forum, DFJ, Icograda, ICSID, IDSA, IF, TGM, VDID Conditions for Members Members of the following associations are eligible for 20% discount on an annual subscription (basic price): AGD, BDG, DDC, DDV, Designerinnen Forum, DFJ, Icograda, ICSID, IDSA, IF, TGM, VDID Lithografie / Separation Prints Professional, Berlin prints-professional.de Druck / Printing D + L Druck und Logistik, Bocholt dul-print.de Papier / Paper MaxiSilk (300 g/m 2) LuxoSamt (115 g/m 2) BVS Glanz (150 g/m 2) ISBN: 978-3-943962-07-9 ISSN: 0015-7678 © 2013 Verlag form GmbH & Co. KG

form Gegründet 1957 als „form – Internatio-

nale Revue“ von Jupp Ernst, Willem Sandberg, Curt Schweicher und Wilhelm Wagenfeld.

1972–1998 als „Zeitschrift für Gestaltung“ von Karl-Heinz Krug (†) fortgeführt.

Founded as “form – Internationale Revue” in 1957 by Jupp Ernst, Willem Sandberg, Curt Schweicher and Wilhelm Wagenfeld. Con­ tinued 1972–1998 as “Zeitschrift für Gestaltung” continued by Karl-Heinz Krug (†).

Diese Ausgabe der Zeitschrift form, einschließlich aller ihrer Teile und Beiträge, ist urheberrechtlich geschützt. Jede Verwertung, die nicht ausdrücklich vom Urheberrechts­g esetz zugelassen ist, bedarf der vorherigen schriftlichen Zustimmung des Verlages.

Dies gilt insbesondere für Vervielfältigungen, Bearbeitungen, Übersetzungen, Mikrover­f ilmungen und die Einspeicherung und Verarbeitung in elekt­ ronischen Systemen.

Trotz sorgfältiger Recherchen konnten nicht alle Rechteinhaber der verwendeten Fotos einwandfrei ermittelt werden. Falls ein Foto ungewollt widerrechtlich verwendet wurde, bitten wir um Nachricht und honorieren die Nutzung im branchenüblichen Rahmen.

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Despite intensive research, the publishers have been unable to find all the copyright owners of the featured images: Should any image prove to have been unwittingly published in breach of copyright, we are prepared to settle legitimate claims for fees within the customary guidelines for this sector upon receiving the appropriate information.

Bildnachweis/Picture Credits: Cover: Heimann und Schwantes Filter S./p. 6–7 Focus the unknown by Christian Haas, Theresienthal / Photo: Hans Hansen S./p. 8–9 Hyperloop: © Elon Musk/ Tesla Motors; Mettis: © Van Hool NV; Digitale Verkehrsregelung: © Streetline, Inc; Skytran: © skyTran, LLC, NASA Research Park; Wieder gelesen: Residenz Verlag/ Photo: form S./p. 11 K-60: Photo: Heimann und Schwantes; Slända: © Gustav Innovation; Ghostly Stamp Pen: © Naoto Fukasawa Design S./p. 12–13 Mark Braun: © Studio Mark Braun; Arik Levy: © Lasvit; Michaela Tomišková: Photos by Tomáš Brabec Weiberwalz: Photos by Louise Lang, Franca Tasch S./p. 15 Mexico 1968: © Lance Wyman; Oskar: © Bold Monday; FS Conrad: © Fontsmith Ltd S./p. 16–17 Photos: Anja Neidhardt/ Cityguide: Egor Archipenko, Nadezhda Makarova, Svetlana Bekasova, Polina Ezh S./p. 19 Geschichtenerzähler: © Perky Bros llc; Farbgefühl: © Lotta Nieminen; Strandgut: Parafina - Trademark/ Photo: form S./p. 20–22 Research: 3D Printed Octopus: Frauenhofer IPA; Uniqul: © Uniqul; Barbara Hahn und Christine Zimmermann: © Von B und C; E-Rollstuhl: © Fraunhofer IOSB/AST, Martin Käßler S./p. 24–25 Fairs: Cello 2.0: © Teams Design Company; Designerofen: © Jana Granderath; BASF-Steron: © BASF S./p. 26 Scene: © Muji; imm 2014, Das Haus, veryround, Zanotta01; © Zumtobel Group S./p. 28 Agenda: Vintage: Photo by Regula Bearth, © ZHdK; Poesie und Industrie: Photo: © Barbara Schmidt; Image of the Studio: Craig & Karl Studio Portrait, Photo by Lacey; Typorama-Philippe Apeloig: Apeloig „bruits du monde“ S./p. 29 Calder and Abstraction: © 2013 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York, photo © Museum Associates/LACMA; Out of Hand: Courtesy of Cheryl Gold, required photo credit: Richard Dupont; Luisa Kasalicky: Courtesy Luisa Kasalicky, Photo: Ferdinand Neumüller; Lightopia: László Moholy-Nagy, © VG Bild-Kunst, Bonn 2013 S./p. 30 MAK Fashion Lab: BLESS, „N°47 The Presensation Is the Destination“, 2012 © Bless; Im Reich der Falten: Satoru Shoji, Space by white cloth 1979, Museum für Gestaltung Zürich, Kunstgewerbesammlung, Photo: FX.Jaggy/U.Romito © ZHdK; MUMOK: Bicycle inner tubes, Courtesy of the artist and Elizabeth Dee Gallery; Science Fiction in Deutschland: DEFAErfolg: Modell des Raumschiffes „Kosmokrator“ aus dem Film „Der schweigende Stern“ (DDR 1960) © Filmmuseum Potsdam/ Foto: Haus der Geschichte/ Axel Thünker S./p. 32 DDW 2013: Dutch Design Week 2013; Experimenta Design EXD 2013: © EXD13, Lisboa; Design Élysées 2013: © Design Élysées S./p. 33 Design Miami 2013: FENDI Transformations by Maarten de Ceulaer, Design Miami; Tokyo Designers’ Week 2013: Architecture Model Exhibition, TOKYO DESIGNERS WEEK; Prix Émile Hermès 2014: The Prix Émile Hermès, Catherine Zask; Designpreis Halle 2014: Designpreis Halle (Saale) e. V. Focus S./p. 35–36 Opener: © SCHMOTT S./p. 39 © Mosler Stuntebeck Müller S./p. 41 © Guido Mocafico 2013 Photos and book S./p. 42 © ACEA / Photos Ricardo Pinto, Gilles Martin-Raget S./p. 45 Hula-Hoop Bag by Chanel © Fairchild Photo Service/Condé Nast/Corbis S./p. 46–49 In drei Richtungen weiter: © Michael Willis S./p. 51© 2013 Constantin Film Verleih GmbH S./p. 52 Stromaufwärts: Camille Jenatzy S./p. 53–55 © BMW GROUP S./p. 56 Caroline Seifert: © Selina Pfrüner

S./p. 58 Peter Respondek, © Deutsche Telekom S./p. 59–60 © Selina Pfrüner S./p. 62 © SCHMOTT S./p. 65 © SCHMOTT Files S./p. 66–67 Opener: 75 Watt © Cohen Van Balen: S./p. 68 Immer in Bewegung: Photo: Hans G. Conrad, 12.2.1956; A. Wollner, Coqueiro Sardinen, Logo und Dosengestaltung, 1958, verwendet bis 2000 S./p. 69 A. Wollner,1. Internationales brasi­ lianisches Filmfestival, 1954, in Zusammenarbeit mit Geraldo de Barros; A. Wollner, 4. Biennale von São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, 1957, Supervision von Prof. Max Bill S./p. 70 A. Wollner, ohne Titel, 1953 S./p. 71 Ein Leben für das Porzellan: Styling Barbara Schmidt © Photo: KAHLA, René Buschner S./p. 72–73 Poesie und Industrie, Ausstellungsansichten © Claudia Simone Hoff; GLÜCK © Photo: Barbara Schmidt, Gunter Binsack; FAMILIE, 1997 © Photo: Barbara Schmidt S./p. 78–79 Cohen Van Balen: 75 Watt © Cohen Van Balen S./p. 80–81 Nowhere a Shadow © Cohen Van Balen S./p. 82–83 The Immortal © Cohen Van Balen S./p. 83 Kingyo Kingdom © Cohen Van Balen S./p. 84 Archive: Keramikarbeit von Asger Jorn, o.D. Quelle: Asger Jorn: „Plädoyer für die Form“, Boer Verlag, München, (1958) 1990, S. 74 S./p. 85 Ulmer Hocker in drei Positionen, Max Bill, 1954, Photo: Max, Binia + Jakob Bill Stiftung Adligenswil, kultur und kontext, © VG Bild-Kunst, Bonn 2008 S./p. 86–87 No title, 1954/ Egg-shaped Dish with Two Birds, 1953/ No title, 1953 Photos: Lars Bay © Donation Jorn Silkeborg; Portrait Asger Jorn, Silkeborg, 1953, Museum Jorn, Silkeborg, Photo: Johannes Jensen S./p. 89–90 Carte Blanche: © Superéquipe, Photo: Simon Cornils S./p 90 © Superéquipe S./p. 91–93 Local Projects: 9/11 Memorial and Museum © Local Projects S./p. 94 Gallery One © Local Projects S./p. 95 Story Corps © Local Projects S./p. 97 Materials: © Christophe Guberan S./p. 98–99 © Skylar Tibbits,The Self-Assembly Lab, MIT; © Michael Dickey S./p. 102–105 Media: Architektur und Umstülpung, Verlag am Goetheanum, Dornach; Utopie beginnt im Kleinen, Verlag der Buchhandlung Walter König; Mark Lombardi, RFF – Real Fiction Filmverleih e.K., Köln; Fetishism in Fashion, Frame Publishers, Amsterdam; Interaction of Color, Yale University Press, New Haven; Heraus­ gefordert, Christoph Merian Verlag, Basel; Bauhaus Tropen, Spector Books, Leipzig; Verortung, Christoph Merian Verlag, Basel; Schaufensterkultur, Christoph Merian Verlag, Basel; S./p. 106 RLF: Suhrkamp Verlag, Berlin; S./p. 112–113 Outtakes: ↗3 Photo: Stephan Ott; ↗15 © Lance Wyman; ↗16 Photo: Anja Neidhardt; ↗78 © Cohen Van Balen; ↗33 © SCHMOTT; ↗45 © Derek Blasberg; ↗84 form 8, 1959, S. 20; ↗46 Bildschirmphoto: Harlad Taglinger; ↗56 © Selina Pfrüner; ↗88 Superéquipe S./p. 114 Preview: Heimann und Schwantes

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