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Nº1 · ABRIL DE 2011 · 5,99€

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La intuición en diseño

Memorias del “Made in Italy”

EL TRIUNFO de lo sencillo y útil

EL ZAPATO ESPAÑOL se hace mundial

ISIDRO FERRER: CARTELES CON UNA HISTORIA DETRÁS

EL SEÑOR DE PRADA


4 Redacción Índigo c/ Limón, 13, 5ºD 28015 Madrid Teléfono: (+34) 610 88 90 77 Email: info@indigo.es www.indigomag.es Directora: Estrella Mera Hernando Redactor jefe: Marcos Díaz Martín Colaboradores Habituales: Eva Larbah, Sergio Pérez-Chirinos, Elena Parra, Vanessa Inestroza, Adriana Jiménez, Nicolás Santos. Colaboran en este número: Inés Muñoz Martínez-Mora, Isabel Lafont, Nerea Pérez, Conrad Stain, Alejandra Torres de Carvalho, María Fort, Alan Mass, Juan Sánchez, Fernándo Mora, Almudena Puig de la Bellacasa, Inés López, Javier Tormo, John de la Rue, Gabriela Pastor, María Luengo, Ewan Kennedy, Noelia López, Ake Ericcson. Imágen de portada: Ilustración de Estrella Mera Jefa de Publicidad: María Sánchez Torregrosa Teléfono: (+34) 662 98 45 32 email: mstorregrosa@indigo.es Documentalista: Elena Parra Teléfono: (+34) 682 39 55 68 email: elena@indigo.es Jefa de Maquetación: Eva Larbah Teléfono: (+34) 644 55 31 98 email: eva@indigo.es Jefe de Producción: Sergio Pérez-Chirinos Teléfono: (+34) 654 87 55 21 email: sergio@indigo.es Editorial: TF editores c/ Aragoneses, 2. Acceso 11. 28108 Madrid. Teléfono: (+34) 91 332 45 77 Suscripciones: c/ Limón, 13, 5ºD 28015 Madrid Teléfono: (+34) 610 88 90 77 Email: info@indigo.es Impresión: TF Artes Gráficas c/ Aragoneses, 2. Acceso 11. 28108 Madrid. Teléfono: (+34) 91 332 45 78 Distribución España: Dispaña, S.L Avda. Llano Castellano 43, 2º. 28043, Madrid. Teléfono: (+34) 91 417 59 73 Depósito Legal: M-53289-2011 ISSN: 1933-1342

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EDITORIAL

&

Revistas sucias

a mucha honra

"Hablar de lo feo hace las cosas más interesantes",

dice Rem Koolhas

c

uando el pasado junio se presentó el logo olímpico de Londres 2012, sus propios creadores, Patrick Cox y Brian Boylan, de la poderosa agencia de identidad corporativa Wolf Ollins, lo describieron como "poco amable". ¿Están ustedes diciendo que lo han diseñado feo ex profeso?, les preguntó alguien. "Es un logo que no pide gustar", respondieron. Mientras, 26.000 personas ya se habían puesto de acuerdo online para pedir su retirada. También por esas fechas, la revista cultural alemana 032c cambiaba de maqueta. Sus contenidos (un variado de ensayos sobre geopolítica, entrevistas a arquitectos o editoriales de moda) ya no lucían pulcros entre muchos espacios en blanco y tipografías elegantes. Lo hacían entre titulares escritos en Helvética expandida y Times New Roman condensada. El responsable del rediseño, Mike Meiré, había deformado las tipografías a su antojo. Por

teléfono, cuenta: "Empezaba a estar un poco harto de ese status quo purista. Cualquier publicación con una maqueta minimalista puede parecer sofisticada". Un estado de las cosas del que hasta entonces él era estandarte. Su anterior proyecto, la revista económica Bran Eins, es un ejemplo de corrección, sofisticación y respeto por las convenciones tipográficas. "Buscaba que 032c fuera elegante, pero de manera brutal". "Sólo puedo describirla usando una palabra: fea", fue la opinión que el diseñador Jeremy Leslie expresó a Jörg Koch, editor de la revista. "Justo lo que queríamos", cuenta él. Y haciendo suya una frase de Rem Koolhaas, añadió: "Hablar de lo bello sólo te lleva a conclusiones aburridas. Con lo feo las cosas se ponen mucho más interesantes". En enero de este año nacía Super Super, revista inglesa para jóvenes de entre 14 y 24 años. Fotos satu-

radas de color, un total rechazo al espacio en blanco, el mínimo texto... Su maqueta parece el colorido vómito de un payaso. Podría haberla hecho un despistado amateur, incluso un niño pequeño. No, según David Slocombe, su director creativo. "Hay armonía y hay ritmo. Nada se ha dejado al azar", cuenta por teléfono. Cada uno a su manera y sin ponerse de acuerdo entre ellos, este grupo de diseñadores (y algunos otros, como el equipo de la también británica Another Magazine) ha roto algún tabú gráfico. Sus pequeños sacrilegios deliberadamente feístas harían que a ortodoxos de la materia como Müller-Brockmann les recorriera un escalofrío reaccionario. A ellos les ha valido que esta herejía sea catalogada de estilo: el New ugly (nuevo feo), en el término acuñado por Patrick Burgoyne, editor de la revista sobre diseño Creative. INÉS MUÑOZ MARTÍNEZ-MORA

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[8-9] BRIEFING [10-11] ACTUALIDAD · Diseño Anticrisis

[12-13] NEWS [14-15] PERSONAJE · Isidro Ferrer: Carteles con una historia detrás

[16] OBITUARIO · Ray Lowry, diseñador e ilustrador

ESPECIAL MODA [18-19] NEWS · El alma punk toma Cibeles

[20-25] ENTREVISTA · Patrizio Bertelli: El señor de Prada

[26-27] REPORTAJES · El madridaje de la cocina y la moda

[28-29] EMER_GENTES · Nuevos valores de la moda española

[32-35] REPORTAJE · El zapato español se hace mundial

[31] VISIONES · El triunfo de lo sencillo y útil

[36-37] EXPO · Memorias del “Made in Italy”

[38-39] APUNTES · Valencianos en grandes centros de investigación

[40-41] ECO-DESIGN · Diseño responsable más allá del reciclaje

[42-43] LIBROS [44-45] ESTILOS


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BRIEFING

EXPOSICIONES Cosmocaixa Madrid | 30/04/2009

Ecodiseño

Obra destacada de la exposición Del 29 de enero al 29 de marzo

Obra destacada de la exposición

Hipótesis Urbana Exposición ddi • CBA

20/04/2009

Nowhere_ Now Here Del 9 de octubre de 2008 al 20 de abril de 2009. Exposición NOWHERE_NOW HERE. Explorando nuevas líneas de investigación en el diseño contemporáneo. Convocan y organizan: LABoral Centro de Arte y Creación Industrial y Máster en Gestión del Diseño Industrial de la Universidad de Oviedo.

En la Sala Juana Mordó del Círculo de Bellas Artes de Madrid Hipótesis Urbana: Investigación sobre diseño contemporáneo. Las actuaciones públicas y privadas, en relación con el entorno urbano, atañen cada vez a más ciudadanos y tienen crecientes repercusiones económicas, sociales y medioambientales. Se impone, por tanto, darle al tema la importancia que merece y tratarlo desde sus diversas facetas y aspectos, entre ellas el diseño. Comisariado y Diseño expositivo: Waskman

De abril a julio de 2009 Museo del Traje

Elio Berhanyer

50 años de moda

Museo del Traje Avda. Juan de Herrera, 2 Madrid

Vestido de Elio Berhanyer

La larga trayectoria del diseñador, su prestigio y el profundo respeto del colectivo profesional hacia su figura justifican la realización de esta exposición retrospectiva, que estudia pormenorizadamente su biografía y evolución profesional. La exposición contará con fondos del propio Museo del Traje no exhibidos anteriormente, así como con numerosos préstamos

de clientas fieles al diseñador a lo largo de toda su trayectoria –entre ellas, S.M. la Reina Doña Sofía–, que generosamente han sacado estos tesoros de sus armarios para que puedan ser contemplados por todos. Del 4 de diciembre de 2008 al 22 de febrero de 2009 Prorrogada hasta el 19 de abril de 2009 Comisario: Pedro Mansilla

empresas españolas o extranjeras que entren en producción no más tarde del día 1 de abril del 2009. Los diseñadores y las empresas podrán presentarse a los premios por propia iniciativa o bien por invitación de ADI-FAD. Sólo podrán participar productos que hayan sido comercializados en España entre las dos últimas convocatorias y la actual. Los productos que hayan participado en convocatorias anteriores no podrán presentarse de nuevo. Fecha límite de presentación: Prorrogada hasta el 30 de abril

(EESC), está organizando un concurso de diseño, para crear y después producir un producto innovador y sostenible, incluyendo el packaging, con un fuerte mensaje social. En marzo será el lanzamiento oficial.

La exposición presenta 6 soluciones para el mobiliario urbano realizadas todas ellas por diseñadores de prestigio, además, se informa de los inconvenientes que presenta el actual mobiliario urbano, desde su fabricación hasta su posible reciclaje, y expone los elementos del nuevo diseño reseñando cuáles son sus ventajas. Ecodiseño informa al ciudadano sobre la necesidad de un cambio en nuestra forma de actuar, bajo la máxima «piensa globalmente, actúa localmente», y a las administraciones y profesionales del diseño de que su implicación es absolutamente necesaria porque las soluciones son factibles. El ecodiseño busca una mejora funcional en el uso de materiales más respetuoso con el entorno, las mejoras en el transporte y el uso, así como en la gestión final de los residuos. Tiene en cuenta todo el ciclo del producto. Del 20/05/2008 al 30/04/2009 CosmoCaixa Madrid C/ Pintor Velázquez, s/n Alcobendas (Madrid)

CONCURSOS Adobe + Icograda | 5/06/2009

Instituto de Análisis de Intangibles

Adobe Design Achievement Awards (ADAA)

Premios de Investigación sobre el estudio de los intangibles en la empresa

Los premios Adobe® Design Achievement Awards están dedicados a los logros de los estudiantes, que reflejan la potente convergencia de la tecnología y de las artes creativas. El concurso, en el que se exponen proyectos individuales y en grupo creados con el software creativo líder en el sector de Adobe, honra a los estudiantes de diseño gráfico, fotógrafos, ilustradores, animadores, cineastas digitales, desarrolladores y artistas que trabajan con ordenador más prometedores y con mayor talento de las principales instituciones del mundo de educación superior.

El IAI, Instituto de Análisis de Intangibles convoca la 3ª edición de estos premios, cuya iniciativa parte de una decidida apuesta del Instituto por la investigación científica como medio para la generación de conocimiento empresarial en España. La convocatoria permanecerá abierta desde el 16 de marzo hasta el 16 de julio (ambos inclusive). Organiza ADI-FAD | 30/04/2009

Comité Económico y Social Europeo | Marzo 2009

Premios Delta 2009

Concurso de Diseño

Se pueden presentar a los Premios Delta los productos de diseñadores españoles y extranjeros producidos y distribuidos por

Con ocasión de la celebración del 2009 Año Europeo de la Creatividad y la Innovación, el Comité Económico y Social Europeo

Organiza di_mad

best_ed Premio Europeo de Diseño y Medio Ambiente La Asociación de Diseñadores de Madrid, di_mad, organiza este Premio, con el objetivo de impulsar y dar a conocer buenas prácticas en las que el diseño incorpore en los procesos de producción y en los productos mismos valores medioambientales y pautas de sostenibilidad ejemplares, que contribuyan a mejorar los hábitos sociales y de consumo así como

los procesos productivos actuales. Inscripciones hasta el 30 de junio de 2009. Más información: www.best-ed.org Jugar en un medio de transporte

5º Concurso Internacional de Diseño de Juguetes El Instituto Tecnológico del Juguete AIJU convoca la 5ª edición de este concurso bajo la temática Jugar en un medio de transporte. Fecha límite de inscripción: 2 de junio de 2009.


BRIEFING

CURSOS Y SEMINARIOS

Cámara de Comercio de Madrid I 05/03/2009

Curso de especialización

Jornada monográfica de diseño industrial

Instalaciones efímeras

“Diseño para competir: El diseño industrial como factor estratégico y diferenciador en la empresa” Fecha: 5 de marzo de 2009 Lugar: Escuela Industrial (Instituto de Formación Empresarial) C/ Pedro Salinas, 11 28043 Madrid Horario: de 16,00 a 19,00 hrs

Este curso tiene como objetivo que los alumnos inscritos adquieran un aprendizaje especializado para llevar a cabo proyectos completos de instalaciones efímeras, desde su planteamiento y gestión hasta su realización y ejecución. Dirigido a Licenciados, Ingenieros, Arquitectos, Diplomados, Ingenieros Técnicos o Arquitectos Técnicos, que posean titulación oficial otorgada por una universidad española o extranjera. Organiza: Departamento de ideación Gráfica Arquitectónica, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, Universidad Politecnica de Madrid Directora: Carmen Blasco Rodríguez Titulación: Título Propio de la UPM. Titulo de Especialista en Instalaciones Efímeras, Emitido por la Universodad Politecnica de Madrid 15 créditos europeos ECTS

16/03/2009

El circuito del diseño

Debates sobre la imagen y orientación del diseño desde sus instituciones. 16 de marzo de 2009. Facultad de Ciencias de la Información, Universidad Complutense de Madrid. 9.00 h. Inauguración y presentación 9.30 h. "La Academia: Enseñanza pública y privada" Manuel Jiménez Malo. Jefe de estudios del IED Rodrigo Alonso. Diseñador y Profesor en la Universidad Carlos III 11.00 h. "La difusión: Posicionamiento editorial en las revistas" José María Faerna. Director Revista Diseño Interior Pier Luigi Cattermole. Director Revista Experimenta 12.30 h. "La exhibición: Exposiciones celebratorias y promocionales" Carlos Sendín. Sendín y Asociados Marcelo Leslabay. Comisario de exposiciones 16.30 h. "La sanción: Premios públicos y privados" Pedro García-Ramos. Macua &García-Ramos Álvaro Sobrino. Editor Revista Visual y Eds. Blur 18.00h. "El museo: Artes mayores o menores" Tachy Mora. Periodista El País Agustín Martín Francés. Facultad de Bellas Artes Universidad Complutense de Madrid

Ciclo de seminarios 12/03/2009

Gestión Práctica de la Innovación

La realización de este Ciclo de Seminarios formativos permitirá la presentación de diversas herramientas para la Gestión de la Innovación de una forma sencilla y sintética, dando a conocer la factibilidad de llevar a cabo acciones innovadoras en el marco económico y legal actual y, fundamentalmente, las ventajas que las mismas ofrecen para las empresas que las realizan. Próximos Seminarios: Seminario 4: "Gestión del Conocimiento" Jueves, 12 de Marzo de 2009 Seminario 5: "Identificar, Definir y Redactar un Proyecto de I+D+i" Jueves, 26 de Marzo de 2007 Seminario 6: "Innovación: Turismo, Ocio y Restauración" Jueves, 2 de abril de 2009 Seminario 7: "Creatividad. Cómo generar ideas innovadoras" Jueves, 16 de abril de 2009 Seminario 8: "La I+D+i en 10 pasos" Jueves, 30 de abril de 2009 Seminario 9: "Políticas Europeas de la Innovación" Jueves, 14 de mayo de 2009 Seminario 10: "Normalización de la I+D+i" Jueves, 28 de mayo de 2009 Más información e inscripciones: Telf. 985 18 20 09 www.innovasturias.org info@innovasturias.org

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ACTUALIDAD

Diseño

ANTICRISIS

La crítica situación de la economía mundial pone el diseño en su sitio. Entre los creadores, unos optan por seguir del lado del arte y otros dan un nuevo aire a productos de supermercado. POR: ANATXU ZABALBEASCOA ILUSTRACIÓN: ESTRELLA MERA

Los optimistas dicen que la crisis va a servir para aclarar las cosas. Los pragmáticos confían en que acabe con las frivolidades. Y los diseñadores esperan que consiga explicar, de una vez para siempre, qué es el diseño. Quien crea que una crisis acaba con el diseño es que no sabe lo que es. El bueno, por definición, es superviviente: eternamente rompedor o eternamente clásico. Este año, el primer premio Nacional de Diseño de España, Miguel Milá, recibió en Turín el Compasso d'Oro. Nunca antes un español se había hecho con ese galardón. Entre sus credenciales: la lámpara TMM, una pieza sencilla que, con más de cuarenta años, sigue estando a la última. Eso es el diseño. Creérselo le ha permitido a Milá sobrevivir en épocas de crisis, económicas o estéticas. Hay que creer en el diseño para no recortar, ahora, su partida presupuestaria. Se necesita haber comprobado cómo funciona “no como valor añadido sino como valor intrínseco”, señala el arquitecto Juli Capella, que fundó en los ochenta la primera revista del género en España: De Diseño. La mayor exportadora española de sillas puede hacerlo. Andreu World comenzó hace medio siglo sin electricidad, pero hace dos décadas descubrió el diseño. Su primera silla famosa tenía tres patas, era una pieza cara y de escaparate. Les ganó un nombre, pero les hizo acumular pérdidas. Hasta que decidieron combinar los reclamos con asientos sobrios de larga vida. Su suerte cambió radicalmente. Salieron al mundo y no sólo a vender. Se fijaron en el estilo de Milán y en la maquinaria alemana. Compraron bosques en Navarra para no quedarse sin madera y poder asegurar además su reforestación, el sello FSC que exigen en muchos países. Aseguran que el diseño les ha llevado a exportar el 60% de su producción. Hoy, ésa es su baza ante la crisis. Más allá de la variedad de los mercados, la diversidad de productos es otra clave del éxito empresarial. Y otra cuestión de diseño. El alemán Rolf Fehlbaum sabe que producir para hogar y oficina permite llegar a más lugares. Por eso, en lugar de un sello de

autor, defiende una identidad plural en los muebles que fabrica su empresa, Vitra: de sillas de Frank Gehry a los clásicos del matrimonio Eames. Con todo, Fehlbaum afirma que la crisis sí va a afectar a su catálogo: “Desaparecerán las piezas más extremas. Es un proceso saludable en el que uno no se mete cuando las cosas van bien. Necesitamos reducir el riesgo. Y eso limita las nuevas producciones a lo verdaderamente necesario. Una crisis reduce la voluntad de arriesgar y probablemente la de experimentar. Por un tiempo eres más crítico con lo que haces. Eso no es malo, pero la innovación y la creatividad quedarían muy dañadas si durante mucho tiempo uno se prohibiera soñar”. Esa doble oración, con una vela a Dios y otra al diablo, es un clásico del diseño. Y del mundo en general: del exceso a la contención hasta que, hartos de la austeridad, vuelve a estallar el exceso. Fehlbaum, de 67 años, ha visto renacer alguna de sus sillas, como la Panton, un modelo de plástico de los años sesenta. Esa pieza incombustible demuestra que no sólo lo funcional puede ser eterno. Así, la receta detrás del diseño de esta empresa sale del ámbito económico: diversificar el riesgo. No apostarlo todo a una carta, pero apostar. Un banco que no invierte termina por perder su capital. Lo mismo sucede con el diseño. Hasta los clásicos, como la empresa austriaca Thonet, que lleva 150 años produciendo sillas, discute cambios de color para mantener al día a sus clásicos. La vieja sentencia de Lampedusa “que todo cambie para que nada tenga que cambiar” es la receta de los que llevan décadas apostando por el diseño. Lejos de sillas y mesas, las estanterías de los supermercados son el lugar donde se mide la relación entre diseño y sociedad. “Que el diseño vende es algo que experimentan antes las marcas blancas que las grandes marcas. Los productos establecidos tienen miedo, una fama que conservar, y no quieren arriesgar”. Habla Pati Núñez. La grafista es la última premio Nacional de Diseño y acaba de firmar una gama de body sprays para los supermercados

Mercadona. En plena crisis, esta cadena está haciendo que el buen diseño llegue a nuevos consumidores. La apuesta es la misma que la de Ikea: cosmética actual accesible para todos. El diseño es para ellos la tarjeta de presentación de un producto del que no se hace publicidad. Gemma Martínez, directora de marketing de RNB, la firma que produce esa cosmética, insiste en que la clave está en que, una vez adquiridos, el perfume o la crema no defrauden. El diseño no puede ser papel de regalo. Los números lo avalan. Desde que sus cremas cambiaron de fórmula, y embalaje, las ventas han aumentado un 60%. La marca blanca permite ahorrar en publicidad y distribución, pero “reduce la oportunidad de comunicación con el consumidor al encuentro en el supermercado”, señala. Cuando no hay publicidad, el diseño decide la primera compra. La calidad asegura la segunda. Que el diseño no es maquillaje es algo que tiene claro la directora general adjunta de Ikea Ibérica, Monste Maresch. Ella habla de reto, de la gran oportunidad de la crisis. En sus tiendas ha aumentando el número de visitantes un 10%. Cree que se está produciendo un redescubrimiento de la marca: “Son muchos los que llegan por primera vez, tal vez porque ahora

Pati Núñez: “Que el diseño vende es algo que experimentan antes las marcas blancas que las grandes marcas”

Rolf Fehlbaum: “La innovación y la creatividad quedarían muy dañadas si durante mucho tiempo uno se prohibiera soñar”


ACTUALIDAD los precios importan más”. Esta empresa sueca abrió su primera tienda hace cincuenta años con la idea de hacer el diseño accesible a todos. Hoy tiene 260 repartidas por el mundo. Hace décadas que al funcionalismo nórdico añadió la línea IKEA PS, un estilo bicéfalo entre la sostenibilidad y la diversión. Es decir, lo que interesa a la gente: buena vida con conciencia tranquila. Con todo, su diseño más importante es invisible: “Es el que permite a los usuarios montar sus productos y limita el volumen de los bultos. Transportar aire encarece”. Ése es el secreto de los bajos precios de Ikea, que continúa su expansión por el mundo. Este año abrirán tiendas en Jerez de la Frontera, Granada y San Fernando de Henares, la cuarta en el perímetro madrileño. Entonces ¿dónde se vive la crisis en el diseño? ¿Acabará acaso con los diseños más extravagantes? Aunque mueven otra industria, la de las revistas especializadas, buena parte de esos productos ni siquiera llega a fabricarse. Son piezas de pasarela: se ven en las ferias pero no en las casas. “Tienen los días contados. La crisis pone fin a las tonterías y a la ostentación”, dice Juli Capella, que durante años fue responsable de diseño de la revista DOMUS. Capella conoce bien el caso italiano. Allí las empresas sobreviven invirtiendo, precisamente, en diseño. “Crisis anteriores les obligaron a globalizarse y eso les dio un nombre en el mundo”. Por eso insiste en que de las crisis se sale reforzado. El desaparecido Ettore Sottsas lo declaraba así durante la recesión de 1993: “Hay que hacer productos caros para la gente pobre y darles dinero para que los puedan comprar. No hay que hacer caridad, ni objetos de segunda”.

Ésa podría ser la clave de este momento: rebajar el capricho, pero no la calidad. Son muchos los que opinan que la venta fácil termina por volverse contra uno mismo. Por eso es ahora cuando el diseño tiene sentido. “En épocas de bonanza puedes saltártelo y hacer locuras. O contratar a cualquiera y si no funciona, adiós. Pero ahora es táctico introducir buenos diseños que ofrezcan novedad, sencillez, funcionalidad y belleza a coste bajo”, dice Capella. Eso lo logra el buen diseño. Sin embargo, resulta curioso que con el mismo objetivo, salir de la crisis, haya empresas que utilicen esta herramienta para reducir los productos a su mínima expresión y otras que la usen para arropar los suyos de extravagancia. Así, a mayor crisis mayor fantasía es la receta de algunos de los grandes del diseño, como la centenaria marca austriaca de cristal tallado Swarovski, con más de 22.000 empleados por el mundo, o la italiana Bisazza, productora de teselas decorativas. Ellos han apostado por mantener su gama alta de producto exponiéndola en mobiliarios de serie limitada que encuentran comprador entre coleccionistas de arte. Con el mercado artístico saturado, el design art, como se llama, invade ferias como la de Miami porque las grandes productoras no están dispuestas a perder su amplio margen de beneficio. “El arte empezó siendo la frontera del diseño y hoy se ha convertido en un territorio más”, corrobora Capella. “En parte este diseño existe por el desmadre del propio arte, en el que todo vale y, en parte, por la voluntad del diseño de indagar en nuevas expresiones”. Pero ni ese diseño cumple con una de las ideas fundacionales del diseño industrial -ser útil- ni la

fantasía tiene por qué ser tan excesiva. Ni tan cara. Lo sabe Alberto Alessi. Su familia, fabricante de cafeteras, sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial produciendo tornillos. Luego despegó gracias al diseño. Pasó de fabricar cafeteras “de las que compraban una cada seis años, cuando se estropeaba la que tenían”, a convertir las cafeteras en objetos de regalo. “Nuestro secreto es el diseño. Gracias a él no producimos menaje, producimos regalos”. Es decir, han pasado de apelar a la razón a apelar a la emoción. ¿La crisis no limitará esos caprichos? Alessi cree que regalar forma parte de la condición humana: “¿Conoce algún momento de la historia de la humanidad en el que los caprichos hayan desaparecido de la imaginación del hombre?”. No sabe cómo reaccionarán ante una crisis que todavía no les roza. Pero tiene claro por qué tipo de diseño va a apostar: “Por el más extremado”. “Ahora no es el momento de frenar. Debemos apretar el acelerador”, continúa. El diseño es para él un camino sin retorno. Y el mundo, un lugar plural en opiniones y opciones, por eso “el regreso a una época austera y funcional es una fantasía que, aunque me gusta, no preveo en absoluto”, concluye. Fehlbaum, por su parte, disiente. Recuerda el objetivo seminal del diseño: encontrar soluciones realistas para problemas reales. Para él la crisis del diseño se da “cuando éste se convierte en una mera herramienta de marketing”. Y eso sucede sólo en épocas en las que todo vale. Por eso se muestra optimista: “Los tiempos difíciles son buenos para el diseño. Ofrecen la oportunidad de crear la cultura material para una nueva era económica y social”. -

Lejos de sillas y mesas, las estanterías de los supermercados son el lugar donde se mide la relación entre diseño y sociedad

ANATXU ZABALBEASCOA

Conran ha hablado El gurú del diseño británico, el hombre que inventó el prêt-à-porter del mobiliario, al frente de la cadena Habitat, ha hablado. Sir Terence Conran ha desvelado su posición frente a la crisis. Y lo ha hecho, a sus 77 años, como siempre: abriendo un nuevo negocio. Además de las Conran Shops inglesas, este hombre tiene en su haber algunos de los restaurantes más emblemáticos de la capital británica: el Bibendum, en Chelsea, o el Quaglino's, en St. James. Y a pesar de que la crisis ha detenido varios de sus proyectos por el mundo, sigue construyendo The Boundary se sitúa en unas de las zonas más exclusivas de londres

locales en Japón y en Cuba, donde levanta un hotel. Con todo, su gran gesto llega desde su nave nodriza: la vida nocturna londinense que, durante décadas, él se ha encargado de dibujar. El nuevo local, el restaurante que acaba de abrir, al que espera añadir 17 habitaciones de hotel en marzo, se llama The Boundary (La Frontera). Y más que marcar un límite lo desdibuja. La paradoja es un gesto característico del gurú Conran, capaz de darle la vuelta a cualquier argumento. Ubicado en una vieja imprenta de un barrio obrero del este de Londres, Shoreditch, el restaurante es a la vez cómodo y local, fascinante y chic. Está decorado con fuentes de plata colgadas como cuadros, sobre

muros de ladrillo visto. Las fuentes son todas distintas, pero juntas componen un caos ordenado muy del estilo Conran, que ha sabido sacar lo singular de lo industrial. La crisis de 1992 le pilló inaugurando Quaglino's y las reservas para ese restaurante han llegado a venderse. Su optimismo puede ser fruto de haber capeado cuatro crisis. Parece preparado: recicla y cocina restos, cultiva las verduras de sus restaurantes en el jardín de su casa y anima a la gente a usar las dos caras de un folio. Como ha declaró al Daily Telegraph el sábado pasado: "Tal vez creer en el buen diseño sea como creer en Dios: te convierte en un optimista". ANATXU ZABALBEASCOA

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NEWS

Arnal

Ballester

obtiene el Nacional de Ilustración Aturdido aún, el dibujante Arnal Ballester, premio Nacional de Ilustración 2008, aseguraba ayer, horas después de conocerse la decisión del Ministerio de Cultura, que la impresión que le había producido la noticia era lo más parecido a "un puñetazo en la boca del estómago". Es la primera vez que se concede este galardón, dotado con 20.000 euros, a un ilustrador de literatura infantil y juvenil. Anteriormente se reconocía esta actividad con el Premio a las Mejores Ilustraciones de Libros Infantiles y Juveniles que, por cierto, también ganó Ballester (Barcelona, 1955) en 1993. Según el comunicado del ministerio, "el objetivo de elevarlo a la categoría de Premio Nacional es darle un mayor reconocimiento social nacional e internacional". El galardón no puede quedar desierto ni concederse a título póstumo.

El premiado, licenciado en Historia, se define autodidacta. "Siempre he dibujado y a los 15 años empecé a publicar en revistas emblemáticas del tardofranquismo, como Por Favor o El Papus". A los 30 años desplazó su actividad hacia la ilustración editorial. También ha trabajado como ilustrador de periódicos, colaborando en diarios como EL PAÍS y El Mundo. En la actualidad, sigue ilustrando libros para niños y realiza carteles y animación. También es profesor de ilustración en la Escola Massana de arte y diseño de Barcelona y en la Escola Professional de la Dona. ISABEL LAFONT

Ilustración de Arnal Ballester

Jornadas sobre la relación

&

foto artística

periodismo

ERREQUERRE vende ilusión La diseñadora donostiarra Eva Villar ha hecho una carrera de lujo. Empezó en el diseño gráfico con Enric Aguilar y Emilio Saliquet. Pronto dio su primer gran salto: Swatch en Milán, que además de dedicarse a los relojes le ayudó a descubrir su otra pasión, la moda. Desde entonces no ha parado. Trabajó codo con codo con el equipo de Tom Ford, "maravilloso", en Gucci, Londres. Y de ahí, con la niña mala de la moda ("o el lujo con un toque rockero"), Stella McCartney. "Funciono mejor con imágenes y la moda me permite desarrollar la creación, lo abstracto, la mezcla del arte con el diseño, exposiciones, desfiles..., vender más una ilusión", cuenta. Cuando volvió a España, en 2007, fundó la agencia Errequerre (R&R) en San Sebastián, con vocación nómada: una pequeña infraestructura móvil que le permite trabajar con un pie aquí (en el rediseño de la imagen de las bodegas Muga) y otro en Londres, como cazadora de tendencias para Marks & Spencer (www. errequerre.es).

JOSÉ DIAZ

Obra ganadora de los últimos premios Laus

LA ESTÉTICA DE LOS SESENTA inspira los últimos Premios Laus Ya sea en su aspecto más formal o, en su ausencia, el espíritu rebelde clásico y los aires de la década de 1960 parecen inspirar a los galardonados con los Premios Laus, que anoche concedió en Barcelona la Asociación de Directores de Arte y Diseñadores Gráficos del Fomento de las Artes y del Diseño (ADG-FAD). En Diseño Gráfico, el galardón recayó en la estética bien sesentista de los pósters para la promotora musical Only Espectacles, de Miquel Polidano. En Interactivos, Contrapunto ganó con una web para Amnistía Internacional. Vitruvio

Leo Burnett hizo doblete: en Comunicación Gráfica, con su campaña para el Festival de Cine de San Sebastián y, en Publicidad Audiovisual, con un anuncio de dos hermanos en una montaña rusa. La videoinstalación de Paul Freeth, para la exhibición Barcelona Sensaciones, logró el de Audiovisuales, y Minnim, el de Comunicación Institucional. Por primera vez, la participación catalana fue inferior a la del resto de España.

BERNARDO ESPAÑOLETO

El proyecto cultural KREA analizará esta semana la relación entre la fotografía artística y el periodismo en unas jornadas que va a dirigir Mónica Allende, editora gráfica de The Sunday Times Magazine desde 2002. En las jornadas de tres días que se abrirán hoy, Allende profundizará en la compatibilidad entre la fotografía artística y el trabajo editorial, haciendo hincapié en los cambios apreciados en la fotografía de prensa y en el perfil que se busca en un fotógrafo en la actualidad. Además, en este curso, analizará los portafolios individuales de cada participante para intercambiar impresiones sobre sus aspiraciones e ideas y ofrecerá información a cerca de la presentación de los mismos a editores gráficos, festivales y certámenes. Mónica Allende fue editora, entre otros medios, de Pearson y APA. Su trabajo ha sido galardonado en múltiples ocasiones, como con el Premio de los editores gráficos a la Mejor Revista de 2006, el Premio de Amnistía Internacional en la categoría de fotoperiodismo o el Mejor Uso de la Fotografía en los premios de diseño gráfico. JULIA HEREDIA


NEWS

Escribir en

diagonal Fotografía destacada del Pontevedra debut

La cultura de la moda emerge con

PONTEVEDRA

DEBUT Cuadernos de Jaime Narváez

Un cuaderno de notas pasa de objeto cotidiano a pequeña obra de arte portátil gracias a un gesto tan sencillo como jugar con sus tramas, renglones o cuadrículas. Así, tomar apuntes, escribir una novela o llevar un diario es mucho más que ir de izquierda a derecha en línea recta. Sin siquiera leer el contenido, el texto se convierte en una experiencia estética. El propósito del diseñador gráfico manchego Jaime Narváez,

de 33 años, ha sido crear algo que "pudiera encontrarse en papelerías o en librerías especializadas en arte". Tres cuadernos con la portada estampada en plata y dibujos generados por las tramas en sus 32 páginas, donde casi da apuro escribir. "No quiero que suene pedante, pero yo pensaba todo el tiempo en las fugas de Bach; aunque el resultado sea así de sencillo. La idea era que pareciese un objeto un poco

básico, aunque sea producto de un proceso bastante laborioso de síntesis". BORJA BAS

Los ha publicado la editorial Belleza Infinita (www.bellezainfinita.org) a un precio de 17,10 euros el pack con los tres cuadernos (también se venden por separado).

La Escuela de Estudios Superiores de Diseño Textil y Moda de Galicia (Esdemga), que acoge la facultad de Bellas Artes de Pontevedra, convertirá a la ciudad en el epicentro del diseño textil durante una semana a partir del lunes. Pontevedra Debut abarca un extenso programa de actividades organizadas en torno al desfile Debut'08, que llega a la segunda edición con la ayuda de entidades públicas y privadas. El pase, que se celebrará en el Museo de Pontevedra el jueves, permitirá a 18 estudiantes exhibir sus proyectos por primera vez. El lunes comenzarán los talleres y un ciclo de conferencias sobre ilustración de moda, diseño gráfico, estilismo y alta costura. Poti Poti, José Luis Merino y Casimiro Fernández serán los ponentes. El miércoles se abrirán las puertas de la exposición Fotografía de Moda, de François Kollar. El Museo del Traje de Madrid trasladará además parte de su colección hasta Galicia para dar vida a una segunda muestra, Mulleres en branco.

Prodigioso

HAYÓN

No es común que a un español de 34 años le anticipen que será uno de los diseñadores internacionales más influyentes a la vuelta de la esquina. Ni es común que le dediquen una monografía sobre su obra, como acaba de hacer la editorial alemana Die Gestalten Verlag. A Jaime Hayón (Madrid, 1974) le ha ocurrido. Todo en su vida va veloz. Después de estudiar diseño industrial en Madrid y París, atrajo el interés de Luciano Benetton y Oliverio Toscani. A los 30, comenzó su carrera en solitario. Le pone arte a casi todo: juguetes, muebles, piezas de baño, diseño de interiores... Entre las creaciones que se recogen en la obra James Hayon Works se puede ver el exclusivo interior del restaurante La Terraza del Casino, en Madrid, y piezas más creativas. Algunas han sido encargos para empresas como Coca-Cola, Danone, Adidas, Camper, Metalarte o Benetton. La monografía también contiene nuevos proyectos y muestra algunas de las facetas del talento de Hayón por vez primera. Jaime Hayón disfrazado

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PERSONAJE

Carteles con una historia detrás

ISIDRO FERRER el al servicio de la literatura & teatro pone la ilustración

POR: MARÍA JOSÉ DÍAZ TUESTA


PERSONAJE Eligió premeditadamente Huesca para vivir, por ser un lugar alejado de la vorágine. No tiene móvil porque prefiere ser dueño de sus silencios. Y trabaja solo en su casa. A pesar de este "recogimiento", las obras de Isidro Ferrer (Madrid, 1963) gozan de cierta difusión. Hasta viajan pegadas a los autobuses de Madrid. Tal es el caso del esqueleto de una mano, uno de los sorprendentes y originales carteles de la programación de 2007-2008 del Centro Dramático Nacional (CDN), que hizo con Nicolás Sánchez. Al igual que él, vive en Huesca. Sánchez, que proviene de la pintura, posee una visión periférica y una riqueza visual impresionante, según Ferrer. Sánchez, por su parte, dice de su colega, "que es quien tiene la última palabra". Esa mano negra anuncia la tragedia Rey Lear, de William Shakespeare (que se representa en el teatro Valle-Inclán) en la que el viejo Lear se vuelve loco por una decisión injusta. Cómo se llega a esa abstracción lo explica así Ferrer: "La mano tiene que ver con la carnalidad, la esencia del hombre, con sus miserias, son huesos, estructura básica del hombre. Luego está el azar, el juego que se representa en el rey del ajedrez. La falange se convierte en el dedo que señala, que es el propio rey, la figura que abre y cierra el juego". Luego está el cartel con la pistola roja cuya empuñadura acaba en forma de grifo, que anunció en 2007 Un enemigo del pueblo, de Ibsen. Cuenta cómo en un pueblo que vive de las aguas de un balneario, que acaban contaminadas, no queda títere con cabeza. Y al final aparecen

las pistolas. "La idea es que el agua es la riqueza y también la provocadora de la tragedia". Sus carteles remiten a las portadas que Daniel Gil diseñó para la innovadora colección de bolsillo Alianza Editorial. En ellas, la ilustración se pone al servicio del texto y multiplica sus significados. Ferrer dice que hasta mucho más tarde no fue consciente de su influencia. Antes empezó con quien es su gran maestro, Peret, de quien aprecia "un discurso muy ligado a la semántica, a la filosofía. Sus imágenes están muy bien construidas y conceptualmente bien argumentadas". En la lista de sus filias están también los carteles de cine hechos en Polonia en los años sesenta y setenta, "se trabajaba con la mezcla de intenciones distintas, es el juego de los contrarios, crear algo nuevo a partir de dos cosas diferentes, a veces antagónicas", explica este diseñador que ha recibido dos premios nacionales de disciplinas que para algunos son también contrarias: el de Diseño Gráfico en 2002 y el de Ilustración en 2006. Así pues se considera ¿ilustrador o diseñador gráfico? "Ninguno de los dos gremios me consideran de los suyos. Los diseñadores me ven como un ilustrador que hace diseño y los ilustradores como un diseñador que hace ilustraciones. Yo no lo separo. Es algo que va más allá de la ortodoxia". Como en sus diseños. ¿O en sus ilustraciones?

Los diseñadores me ven como un ilustrador y los ilustradores como un diseñador

MARÍA JOSÉ DÍAZ DE TUESTA

Cartel para la Fundación Rodríguez Acosta

Detalle del estudio de Isidro Ferrer

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OBITUARIO

RAY LOWRY, diseñador e ilustrador

Diseñador, ilustrador y sobre todo uno de los más grandes del humor gráfico británico, el nombre de Ray Lowry ha quedado fijado en la legendaria portada de un disco, London Calling, que concibió para arropar el tercer álbum de la banda The Clash. Su figura trasciende, sin embargo, esa mera etiqueta, tal como han recordado a raíz de su muerte prematura los muchos admiradores del espíritu ácido y anarquista que impregnaba sus tiras, publicadas en un ramillete de revistas, diarios y fanzines. Lowry fallecía el pasado 15 de octubre, a causa de una hemorragia, cuando contaba 64 años. Hijo de la clase obrera de Manchester, un entorno deprimido que, según sus palabras, "afiló mi sensibilidad frente a los elementos más siniestros de la vida", Lowry inició su carrera como ilustrador en varias agencias publicitarias. Las tiras que dibujaba en su tiempo libre pronto tuvieron acogida en la emergente prensa underground. Aquellas colaboraciones en Oz e Internacional Times dieron paso a un espacio semanal en New Musical Express, cuyo título (Only Rock'n'Roll) recogía su tremenda pasión por la música. El trabajo de Lowry anticipaba el clima de descontento y de rebe-

lión que dominaría a principios de los ochenta, cuando Margaret Thatcher pasaría a convertirse en uno de sus filones creativos. Conoció a los miembros de The Clash como teloneros de los Sex Pistols en su Anarchy Tour (1976), y tres años más tarde les acompañaba ya como protagonistas de su propia gira por Estados Unidos. Allí nació su diseño gráfico más famoso, que en realidad no se apoya en una imagen realizada por él mismo. La fotógrafa Pennie Smith tomó una instantánea del bajista de The Clash, Paul Simonon, golpeando su instrumento contra el suelo en el Palladium de Nueva York. La autora quiso descartar la foto por considerarla demasiado granulosa, pero Lowry, inspirándose en la carátula del álbum debut de Elvis Presley, la eligió para la portada del nuevo disco de la banda, en la que insertó el título con las letras en verde y rosa. London Calling figura en el número ocho de la lista elaborada por la revista Rolling Stone sobre los mejores álbumes de la historia. Tras su etapa más comercial de los ochenta, en la que trabajó para un sinfín de revistas y periódicos, su interés se volcó en la pintura, que no abandonó en sus últimos años a pesar de su precaria salud. Publicó cuatro colecciones de dibujos e ilustraciones, objeto de la avidez de seguidores y coleccionistas, algunos tan célebres como la cantante Patti Smith o el artista Damien Hirtst. El mismo día de la muerte de Ray Lowry, el músico Noel Gallagher aprovechaba un concierto de los Oasis para dedicar una canción a su paisano, "el artista más grande que ha dado Manchester". PATRICIA TUBELLA

Creó la portada de 'London Calling', de The Clash

Ray Lowry, por Estrella Mera


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NUEVOS VALORES DE LA MODA ESPAテ前LA

EL SEテ前R DE PRADA EL TRIUNFO DE LO SENCILLO Y UTIL

EL MADRIDAJE de la cocina y la moda

EL ALMA PUNK TOMA CIBELES


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NEWS

El alma punk TOMA CIBELES Lydia Delgado y Carmen March exprimen el lado oscuro de la moda Un chute de perversión femenina inyectó interés a la pasarela Cibeles Madrid Fashion Week en su tercer día. Dos mujeres muy distintas, Lydia Delgado y Carmen March, se dejaron aconsejar por el lado oscuro y les sentó bien. En un momento en que sólo lo verdaderamente sustancial parece tener sentido, ¿entiende mejor una mujer lo que otra secretamente anhela? Por la mañana, Delgado sacó las uñas con concisos abrigos y bordados sobre tul de un erotismo francamente tenebroso. "Mi hija dice que tengo un lado muy punk que no enseño", explicaba la diseñadora catalana. "Esta vez, he decidido hacerlo". La colección terminó con ela-

boradas golas de Pierrot, pero toda su radicalidad estaba ya contenida en el sobrio traje de chaqueta gris que la abrió, casi idéntico al de la película Vértigo de Alfred Hitchcock. "Solía molestarme que me tacharan de nostálgica, pero ahora lo acepto. Siento que la fuerza y la autenticidad de las actrices de los años treinta y cuarenta es algo que merece la pena recuperar". Otro cliché sobre la mujer de carácter inspiró la colección de Carmen March, embarazada de siete meses. Empezó fijándose en la decadente excentricidad de Diana Vreeland, pero su imaginación viajó luego al invierno en Cuba en los años

Combinación de chaqueta y falda de Lydia Delgado

El veterano Antonio Alvarado revivió de un letargo con la colección 'Expreso'

Detalle del estudio de Carmen March

cuarenta. La ropa tiene fuerza en todas sus costuras: un vestido negro se confunde con una armadura gracias a un elaborado bordado de lentejuelas mate en dos direcciones. Todo es exagerado y ostentoso, con turbantes, bolsos de pitón y cangrejos tallados en hueso, pero posee la cualidad innegociable de aquello que ahora mismo desee destacar: generar deseo. En esta jungla, sólo lo irresistible sobrevivirá. También es verdad, como cualquier madre enseña a su hija, que el lado oscuro entraña peligros. Lo demostró la tercera colección de Ana Locking (proyecto en solitario de Ana González, antes mitad de Locking Shocking), que apelaba a una anárquica estética futurista, pero la ciencia ficción exige una ejecución impecable en los

efectos especiales si no quiere acabar en peli de serie B. En todo caso, se podrá comprobar pronto si sus creaciones poseen ese poder de atracción irremediable: a partir de hoy se venden en Yoox.com. A González hay que reconocerle al menos la valentía de apostar por algo hasta el final. Algo que no hizo Miriam Ocáriz. Metió el pie en el agua de lo aguerrido con cueros y rojo sangre, pero lo mezcló con lazos y cascadas de volantes y todo se quedó en inconexa tierra de nadie: ni en tu casa ni en la mía. Las mujeres se llevaron el protagonismo, pero también hubo hombres. El veterano Antonio Alvarado revivió ayer de un letargo. Lo consiguió gracias a Expreso, una colección inspirada en el tren de Alicante que le traía a Madrid en su infancia

y la primera en la que cuenta con el respaldo de una empresa de confección industrial (cuyo nombre prefiere no revelar). Recursos y oficio se notaron en la factura de un abrigo-sahariana con los inevitables hombros marcados. Se trata de un punto de inf lexión en la convulsa carrera de un diseñador que encarnó la movida madrileña, que en los noventa vendió "como churros" y que sabe lo que es estar arriba y abajo. "Para mí esto supone volver a la calle: la colección por fin se va a producir y distribuir bien. Ya estaba harto de hacer las cosas como en los ochenta".

EUGENIA DE LA TORRIENTE

Ana Locking naufraga al apostar por una anárquica estética futurista


NEWS

El mundo onírico de Delfín se estrena en Nueva York La nueva colección se inspira en las fotos de Diane Arbus Enfundada en un traje de lana gris claro y alzada sobre unos altísimos tacones de Laboutin, Bimba Bosé abrió con decisión el primer desfile de David Delfín en Nueva York. Eran cerca de las 16.20 del pasado viernes. Se cerraba así una semana de angustias en la que el diseñador y su equipo buscaban cajas perdidas en aeropuertos y ultimaban los detalles de la presentación. El suelo de cemento del Eye Beam Atelier, centro tecnológico y artístico situado en el corazón de Chelsea, hizo las veces de pasarela. Como si se tratara de una hoja de contacto o de fotogramas, ocho focos abrían sobre ella las ventanas de luz que cruzaron los modelos. Al fin y al cabo, la nueva colección, Revelations, estaba inspirada en el trabajo de Diane Arbus, la fotógrafa neoyorquina que con su cámara atrapó un mundo raro poblado por forzu-

dos, jorobados y gigantes. En su debut neoyorquino, el modisto presentó 33 modelos, 20 para mujer y 13 para hombre. Los colores sobrios definieron la colección: blanco, negro, gris, marrón y rojo oscuro. Una paleta que contrastaba con el rojo chillón pre San Valentín que inundaba los escaparates de Nueva York. Pero el amor no estaba excluido del programa. En él, el diseñador explicaba su cambio de localización como una cuestión de corazón: "Porque amo Nueva York. Es una elección intuitiva e irresistible, la misma que te lleva a preferir a un amante en vez de a otro". En su colección de líneas depuradas, no faltó un guiño sofisticado a su Andalucía natal. Pero los volantes que adornaban la pechera del primer vestido estaban detenidos por costuras, congelados, sin movimiento; los

pantalones de inspiración torera, con cintura alta, cortados por encima del tobillo no tenían brillo dorado, y el sombrero cordobés parecía el accesorio sacado de un sueño. Delfín trajo su mundo onírico y surreal a Nueva York y dejó de lado la polémica que ha marcado algunas de sus colecciones. Jugó con sus faldas: tubo y a la rodilla o muy cortas. Cinco vestidos lanzaron el largo hasta el suelo y lo cargaron de vuelo y movimiento. Los jerséis de punto exageraron los flecos hasta convertirlos en una melena de lana que alargaba mangas y cinturas. Las cremalleras metálicas cerraron las chaquetas con bolsillos multiplicados por cuatro. Y el tul con rayas de lana se convirtió en el pantalón de un forzudo de circo o en la atrevida falda de un extraña y sugerente vedette. El cuero de plástico, la lana y el algodón mandaron hasta

Fotografía de Diane Arbus

casi el último momento cuando las lentejuelas negras pusieron el broche final. El modista saludó entonces y en cuanto regresó al backstage se oyeron gritos de celebración. Junto a la pasarela se encontraban algunos incondicionales: Miguel Bosé, Elvira Lindo y Kike Sarasola, que ofreció su nuevo hotel para la fiesta.

Dominaron los colores sobrios y algunos guiños a su Andalucía natal

ANDREA AGUILAR

Cultura crea el PREMIO NACIONAL

DE MODA El Ministerio de Cultura anunció ayer la creación de un Premio Nacional de Diseño de Moda que se convocará por primera vez en 2009. Dotado con 30.000 euros, el galardón reconocerá el trabajo anual de un creador español, teniendo en cuenta "la originalidad y calidad de su obra, su innovación y aportación a la vida cultural". Esta iniciativa, que anticipó este periódico el martes, pretende equipar el reconocimiento a la moda con el de otras

disciplinas. La dotación económica es la misma que se destina al grueso de los premios nacionales, como cine, teatro, danza o artes plásticas. El objetivo del ministerio, que ansía subrayar su apoyo a la moda, es racionalizar con este nuevo premio su política de concesión de galardones: la labor anual de los creadores españoles opta a los Premios Nacionales; la trayectoria profesional, a las Medallas de Oro al Mérito del Trabajo, y el reconocimiento a los que contribuyen a la difusión internacional de la cultura, a la Orden de las Artes y las Letras de España. El jurado estará presidido por el director general de Bellas Artes y contará con seis vocales: el ganador del año anterior y cinco elegidos por diversos actores de la industria. Entre ellos, el Instituto Superior de Empresas de Moda, la Asociación Creadores de Moda de España y dos medios de comunicación especializados. E. DE LA TORRIENTE

Ilustración de Juan Duyos

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REPORTAJE

El señor de

Patrizio Bertelli es la mitad de Prada. El hombre que lleva las riendas con mano de hierro. unió su destino a Miuccia, la heredera del negocio, hace 30 años. Juntos han hecho de la firma un mito del lujo que vale millones. POR: JESÚS RODRÍGUEZ ILUSTRACIONES: ESTRELLA MERA

PRADA


REPORTAJE El único restaurante que hace perder el juicio a Patricio Bertelli es Castellucci, una discreta casa de comidas en Montevarchi, a media hora de Florencia. No figura en las guías. Pero en sus rústicas mesas de madera se come, según Bertelli, la mejor Fiorentina de la Toscana. Unos enormes chuletones de buey a la parrilla arrebatados por fuera y casi crudos por dentro, espolvoreados de sal gruesa y pimienta negra, que se cortan como mantequilla y apenas sangran. A veces Bertelli se pone al frente de los fogones y prepara su carne tras elegir un tinto supertoscano para darle la réplica. Está como en casa. Los toscanos somos los mejores. Los tres poetas italianos que todos reconocen, Dante, Boccaccio y Petrarca, eran toscanos. Ellos hablaban mi idioma, el toscano; nos hemos impuesto al resto de Italia. Somos los más inteligentes y nuestra comida y nuestros vinos y nuestro aceite son buenísimos. Y los mejores artesanos están aquí. ¿Necesita algo más?. La Toscana es territorio Bertelli. El que domina. Nació muy cerca de aquí, en Arezzo, bajo los Apeninos coronados de nieve, en 1946. Y aquí empezó a labrarse su leyenda empresarial. Bertelli es el sumo pontífice de Prada; el hombre que transformó una exquisita y caduca firma milanesa de artículos de piel, que hasta 1983 sólo contaba con una tienda, en la primera marca global del lujo a través de 220 tiendas propias, ventas en 2007 de 1.600 millones de euros y una influencia en el mundo de la moda que nunca antes se había visto. En 1977 Bertelli conoció a Miuccia Prada, la heredera del negocio. Ambos estaban en la treintena. Inteligente, extravagante, de belleza atípica; licenciada en Políticas, feminista, adicta al mimo, Miuccia militaba en el Partido Comunista, leía filosofía y vestía de Saint Laurent. El perfecto exponente de la izquierda divina. Quería que Prada diese un paso adelante. No sabía cómo. Bertelli era apenas uno de sus proveedores. Un segundón. Dueño de varios talleres de marroquinería que trabajaban para Prada. Eficaz y ambicioso. Había tenido problemas con Miuccia por fusilar algunos de sus diseños. Pero era listo y arrogante. Y con una inmensa seguridad en sí mismo. Lo que ella necesitaba. Unieron sus intereses económicos y sentimentales. Fusionaron sus empresas. Cada uno de ellos cuenta hoy con un tercio del capital de Prada (el otro tercio se reparte entre la familia y el Banco Sanpaolo). Se fueron a vivir juntos sin casarse. Iban a enseñar a los ricos del mundo a vestirse con un nuevo minimalismo elegante y de calidad. Convirtieron una mochila de nailon negro en el anhelado y caro símbolo de una época y pulieron la marca Prada hasta convertirla en un referente que valía más de 3.000 millones de euros. Desde 1989, Miuccia dictaría lo que se iba a llevar. Sus tiendas del Soho neoyorquino y Tokio dejarían de ser tiendas para convertirse en espectaculares centros de cultura, arte y comunicación firmados por los arquitectos más mediáticos: Rem Koolhaas y Herzog & De Meuron. Prada era el mito. Bertelli dirigía con mano de hierro. Y Miuccia, liberada de la gestión, aportaba silenciosa una creatividad arrolladora. Eran dos caracteres imposibles. Pero el tándem funcionaba. Ganaron mucho dinero. Y apostaron por ser los árbitros del lujo mundial. A finales de los noventa, la pareja adquirió participaciones en algunas de las firmas de moda más apetecibles: Gucci, Helmut Lang, Jil Sander, Fendi, Alaïa. Las viejas marcas estaban en crisis. Devaluadas y ahogadas por las deudas. La receta para reflotarlas era la que Bertelli había aplicado con éxito en Prada: rigor y disciplina. La pareja Miuccia-Bertelli jugó en las grandes ligas. Bertelli se convirtió en un tiburón. Pero carecía de músculo financiero. Se había expandido demasiado rápido. Necesitaba capitalización. La inesperada crisis del lujo tras el 11-S le impediría financiarse en Bolsa, donde esperaba captar 1.000 millones de euros. El traspié chapuzaría de humildad a la pareja. Terminarían liquidando sus antiguas compras en un doloroso goteo de ventas. Y se harían fuertes en Prada. Hoy, con una

En mi casa nunca se habla de trabajo. Es sencillo, mi casa no es una oficina

crisis económica global sobre sus cabezas y la imposibilidad de salir a Bolsa, su futuro no está claro. Como en todo el sector del lujo. Pero Miuccia y Bertelli aún son otra cosa. Ricos pero discretos. Al margen. El mejor ejemplo de vida del distante universo Prada. O más bien Prada sea el reflejo de su estilo de vida. Son los últimos indies. Presumen de ello. Bertelli apenas concede entrevistas. No sale en televisión. No posa con famosos. No vende el nombre de Prada a coches ni hoteles. No tiene mansiones. Colecciona arte contemporáneo, pero pocos han visto su colección. Navega, pero pocos han subido a bordo de su velero Ulysse. Le gusta cocinar para los íntimos; es un erudito del cine y la literatura, y rara vez sale de noche. Y no conoce a Berlusconi. Poco más se sabe de Bertelli. La vida del matrimonio y sus dos hijos es de una opacidad absoluta. Como su cuartel general en Milán. La imagen del edificio gris del número 21 de la impersonal Vía Bérgamo está entre ministerio y monasterio. Lo lógico es pasarlo de largo. El nombre de Prada no figura por ningún lado. Es una antigua fábrica. Dentro tiene la frialdad del cemento desnudo y los tonos desvaídos. Una imagen que se repite al dictado en cualquier edificio de Prada a lo largo del mundo. La tercera planta está dividida entre Miuccia y Bertelli. Hay jardines interiores de aire oriental y grandes ventanales para robar el mínimo rayo de sol al sombrío Milán. Los pasillos están desiertos. Los empleados visten de negro. Hablan a media voz. En su ala del edificio, Miuccia realiza el diseño de la marca. En la suya, Bertelli lleva las riendas del negocio. Su despacho es desnudo, blanco y enorme. Con gélidas instalaciones de arte contemporáneo, una mesa sin papeles y maquetas del velero Luna Rossa, con el que compitió en la Copa América. El despacho que se supone debe tener el patrón de Prada. Sin embargo, tiene un aspecto tan impecable que da la sensación de que todo es un mero decorado. Los empleados se preguntan de qué humor estará hoy el signore Bertelli. Tiemblan. Llega puntual. Es un tipo grande, de aire profesoral, nariz de rapaz, dientes de crío, vientre de bon vivant y pelo que muta del gris al blanco. Tiene una elegancia más próxima a Prodi que a Berlusconi. De progresía acomodada de la Italia del norte. Estricto gris y azul. Zapatones negros de Church?s (una de las pocas marcas de las que no se han desprendido) y gafas rectangulares de la casa. Está de buen humor. Pero deja claro desde el primer momento que él manda. Y no se hable más.

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REPORTAJE

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“Tengo un carácter fuerte, pero soy muy democrático” aplicar a todas las marcas y que produce necesariamente una reacción positiva, sea Fendi, Vuitton o Gucci. Y no es cierto: la reacción puede ser positiva o negativa. Es como decir que todo es positivo si el crecimiento produce beneficios y negativo si no los hay. El gran problema estos años han sido algunos analistas financieros, que han acuñado el concepto de que si una marca no gana dinero en un año es que lo está haciendo mal. Había que crecer a toda costa.

1 1. Camisa estilo marinero combinada con vestido floreado 2. Vestido con motivos florales combinado con bolso verde 3. Vestido floral naranja y negro combinado con gafas vintage 4. Variante del vestido anterior combinado con bolso a rayas

Imagine que yo soy un extraterrestre y no conozco Prada. ¿Cómo me explicaría lo que es? Una casa histórica cuya marca siempre ha sido propiedad de la misma familia, pero que en la última generación decidió hacer un desarrollo empresarial en el sector de la moda. Desde el primer momento pensamos que la distribución de nuestros productos debía hacerse a través de nuestro propio canal de ventas y, además, decidimos completar nuestra identidad con iniciativas como la fundación y el velero Luna Rossa, que aportan unos elementos que hacen de Prada una marca actual. Cuando una persona compra un producto de Prada, compra la pertenencia a un estilo de vida. ¿Cómo han logrado conjugar tradición y modernidad? El problema de las marcas es cómo ser progresistas y, al mismo tiempo, no desvincularte de tu historia, de la calidad del producto, la coherencia de los diseñadores y la capacidad, incluso en un producto pobre, de ofrecer una identidad clara. El concepto del lujo a menudo se considera un problema de precio. Para mí, un bolso de cocodrilo no es de lujo porque sea caro; el lujo ha de aplicarse también a conceptos más sencillos. Es su identidad lo que hace que un producto sea realmente de lujo. ¿Hubo un momento en que Miuccia y usted se pusieron delante de una pizarra y diseñaron cómo convertir esa pequeña marca familiar en una gran marca dirigida a la globalidad, con un estricto control comercial, sin franquicias ni licencias? Podría ser vulgar, pero no me gusta serlo? Nunca en la historia se ha visto que alguien haga un diseño previo de algo y triunfe; siempre que se ha hecho primero un diseño y luego se ha aplicado, ha fracasado; en política, en literatura? Si tomamos cualquier expresión de cine, desde Buñuel hasta Bergman, no creo que ninguno diseñara previamente sus proyectos. Un proyecto nace cuando se trabaja en él. La tensión que se vive en un plató es igual a la que se vive en Prada: no nos sentamos alrededor de una mesa y decimos: ?Ahora vamos a diseñar el futuro?. Va surgiendo. Ustedes empezaron casi de cero en los ochenta. Y otros copiaron su modelo. Su error fue pensar que existe una fórmula general que se puede

¿Se arrepiente de las adquisiciones que hizo entre 1998 y 1999? Te puedes arrepentir de una compra cuando sólo piensas en el aspecto financiero, pero en el ámbito estratégico puede ser interesante. Nuestras adquisiciones han sido muy útiles para entender cómo puedes moverte en el mercado e integrarte en otros grupos y cuál es tu capacidad de comunicación. Y los bancos y el sistema financiero han querido participar en este desarrollo poniendo a nuestra disposición capitales, pero la actividad empresarial no puede compararse con la actividad financiera. Son cosas diferentes. Usted adquirió y después tuvo que vender Fendi, Helmut Lang y Jil Sander. ¿Me puede hacer un análisis de esas adquisiciones? Las tres eran marcas con una gran identidad, con debilidades en su distribución y que tenían personalidad. El único problema era cómo hacer que crecieran. En el caso de Helmut Lang y Jil Sander, ¿fue un error comprar la marca con el antiguo propietario dentro, aunque fuera el diseñador? Yo aconsejaría que antes de comprar una marca de moda se comprobara que existe una alquimia entre el nuevo propietario y el diseñador y ex propietario. ¿Usted la tuvo con Jil Sander y Helmut Lang? He tenido buenas relaciones con ellos. Pero la cuestión no es que sus relaciones fueran buenas conmigo, tenían que serlo con la nueva estructura. Si alguien se ve obligado a vender su empresa, es que no ha tenido unos buenos procesos empresariales ni un buen control de gestión. Si hubiesen tenido ese capital empresarial, ni Helmut Lang ni Fendi ni Jil Sander habrían vendido a Prada. Pero cuando venden es que existe la voluntad de ese diseñador / propietario de apoyarse en un grupo más grande para desarrollarse. El problema es que esos antiguos propietarios deseaban continuar con sus propias estrategias cuando ya no tenían el control de sus marcas, cuando ya no eran los dueños. Usted tiene fama de tener un carácter muy fuerte. Lo tengo. Y eso significa que soy democrático. ¿Democrático? Ser fuerte no quiere decir que sea antidemocrático. La palabra fuerte no va unida a autoritarismo. Uno puede ser fuerte y democrático, fuerte y autoritario, fuerte y fascista. Yo soy fuerte y democrático. Hablo con mis trabajadores. Y si acaso, cuando me canso, más bien autoritario. Dicen que la mezcla ideal del padre es estricto pero cariñoso.


REPORTAJE

“La cuestión no es ganar dinero; la cuestión es durar”

El cariño es una forma democrática de relación. Pero no es mi caso, yo en mi vida he ido de vacaciones con mis colaboradores. Nunca. Bueno, con su esposa, que es su socia. Con ella sí, pero le hablo de vacaciones con los diseñadores y esas cosas. Siempre he separado mi vida privada de la profesional. No por secretismo, sino por libertad. ¿Es complicado trabajar con su mujer? En casa no se habla de trabajo. ¿De verdad? Hablamos de la fundación, de la Copa América. Los hijos ya son mayores, pero antes no hablábamos de trabajo ni un minuto. Mi casa no es una oficina. ¿Cuál ha sido la clave del éxito de Prada? Trabajo, calidad, no pensar en el dinero, sino en hacer un producto bien hecho y considerar que la competencia no es tonta; hay que mirar siempre lo que hacen los otros? Dentro de cada realidad siempre existe algo positivo. ¿La cuestión no era ganar dinero? La cuestión era durar. Si uno sabe durar en el tiempo, tarde o temprano habrá repercusiones positivas en el ámbito económico. La gran cuestión es decidir si quieres durar en el tiempo, como nosotros, o resistir al tiempo con una conducta pasiva. Cuando un producto de Prada lo tienen millones de personas, ¿no deja de ser exclusivo? La exclusividad no consiste en ser el único propietario de un objeto. ¿Entonces? Es como un libro. Cuando lo han leído millones de personas, ¿piensa

Casi un siglo Prada nació en Milán en 1913. Era una exquisita firma de artículos de viaje. A partir de 1977 llegaría la revolución. En el sentido de las agujas del reloj: Bertelli, al timón del “Luna Rossa”; Carla Bruni, en la pasarela en 1992; Miuccia, al final de un desfile; la elegancia

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REPORTAJE

Con la crisis, la sociedad volverá a unas relaciones menos histéricas Usted iba para abogado. Mi familia era una familia de abogados. Mi padre era abogado, mi abuelo Michele Bertelli también, y mi bisabuelo. Yo estudié en el Liceo Científico, luego me fui a vivir a Bolonia, que es la mejor universidad de Italia para la ingeniería. No acabé porque empecé a trabajar. ¿Quería montar un negocio? A los 19 años ya tenía seis empleados. A los 21, sesenta.

usted que deja de ser un objeto exclusivo? Cuando Buñuel hace una película, quiere que la vea mucha gente. Para mí es lo mismo: literatura, arte, pintura, moda? Para mí lo que cuenta es la aceptación del público. Si quieres ser exclusivo, haces un traje con diez botones y ya está. Para mí es un concepto equivocado. Lo que quiere un artista hoy es tener sus obras en un museo y que todo el mundo las vea. Para tomar el pulso a Prada hay que ir un poco más allá de los fríos espacios de la Vía Bérgamo donde reinan Miuccia y Bertelli. Es necesario visitar la mítica tienda de la Galleria Vittorio Emanuele, en Milán, donde todo empezó en 1913. Aquí está el ADN de la firma. Bajo estas arcadas emplomadas se conserva

la elegancia ajedrezada de entreguerras hoy animada por pantallas de vídeo y música dance de pasarela. Todo brilla. Hay pocos clientes. Los precios son caros. La crisis aprieta. El otro polo de la firma en Milán es la Fundación Prada. El camino entre uno y otro supone cruzar la ciudad desde la optimista belle époque de la galleria a un nebuloso neorrealismo de posguerra. La antigua fábrica de licores del Largo Isarco donde está situada la fundación limita con la vieja estación de ferrocarril, entre vías y almacenes, en un ambiente desolado. Miuccia y Bertelli quieren convertir este espacio en el referente cultural de la ciudad. En su Guggenheim. Su arquitecto de cabecera, Rem Koolhaas, ha imaginado un proyecto con tres edificios y una torre de 60 metros que albergará exposiciones temporales, instalaciones de nuevos artistas, espacios para cine experimental y obras audiovisuales. ?Lo que nunca será es un museo construido para mostrar nuestra colección de arte como han hecho otros. La fundación es una forma de evasión sin salir del trabajo?, aclara Bertelli. Miuccia y él son diferentes. El tercer polo de Prada son las fábricas. A tres horas de Milán. Aquí nadie discute las órdenes de Bertelli. Conoce a muchos trabajadores por su nombre. Algunos llevan a su lado desde 1978. Los más viejos relatan aquellos primeros años en que Bertelli metía mano en todo. No había ordenadores. Y sobre la vieja mesa de dibujo controlaba la estructura, el volumen, el logotipo, los materiales y hasta la calidad de cada hilo de algodón. Uno de los artesanos muestra el prototipo número uno de la era Miuccia / Bertelli realizado en cartulina rosa: una pequeña mochila de lona negra con un logotipo triangular. Una reliquia.

¿Cómo empezó? De forma casual. Con artículos de piel. Enseguida empecé a vender, tenía obreros y un montón de clientes. Fabricaba un producto que no había en el mercado: cinturones de caballero más anchos de lo normal. Nadie los hacía. Entonces tenían dos centímetros. Los míos eran de cuatro y no había ninguna otra fábrica que los hiciera. ¿En qué pensaba, en hacerse rico, en tener una gran marca, en cuidar la materia gris artesanal de la Toscana? En divertirme. Era una forma de libertad: libertad económica; liberarme de los vínculos familiares; era una forma de experimentación. ¿Ganaba dinero? Desde el principio. ¿Cómo recuerda la vieja casa Prada? En los sesenta, ni siquiera la conocía. La conocí en los setenta. En los sesenta tenía veinte años y me fui a Carnaby Street. O me iba a Berlín, a París, a Saint Germain. Mi generación iba a ver esas cosas, no a ver Prada. Creo que conoció a la señora Prada en una feria en 1977. Nos conocimos por trabajo. ¿Llegaron al negocio a través del amor o al amor por el negocio? Son cosas que nunca se sabe cuál es el principio o el final. Son situaciones que se crean luego. ¿En qué momento dicen ?vamos a hacer algo juntos?? A finales de los setenta. El desafío era cómo realizar productos clásicos en


REPORTAJE

Zapato presentado en Milán este 2011

clave actual. El esfuerzo fue convertir en moda los bolsos de piel; en aquel momento se llevaban el nailon, el plástico... Miuccia se ocupa del diseño y Bertelli de los números. ¿Es tan fácil como todo eso? Es cierto. Las competencias están repartidas: yo la gestión y Miuccia el estilo. ¿Quién tiene la última palabra? Aquí no existe la última palabra. En una empresa como la nuestra hay aspectos industriales, de desarrollo, de coste, de funcionamiento. No existen la cabeza y la cola, es un trabajo de conjunto. Pero dicen que usted provoca a Miuccia en el diseño. ¿Eso dicen? Será que estoy envejeciendo y se nota. ¿Se siente mayor? No. La media de edad ha aumentado quince años desde la Segunda Guerra Mundial. Por tanto, si antes la media de edad eran los 55 años, ahora son los 70, así que un hombre de 60 años, respecto a un hombre de los años cuarenta, tiene diez años menos. ¿Eso se lo aplica sólo a usted porque no se quiere jubilar o en Prada la gente mayor tiene un sitio? Me gusta contratar a personas mayores; a veces contrato a personas que dejan otras fábricas y se jubilan. Creo que una buena empresa tiene que tener un equilibrio entre jóvenes y mayores. No es cierto que los jóvenes sean la fuente de desarrollo. Y además, ¿quién enseña a los jóvenes? Un autodidacta no llega muy lejos. A mí me han enseñado mis obreros: yo era tan joven que mis obreros tenían como mínimo diez años más que yo. Ellos me enseñaron. Pero hoy Prada está irremediablemente unida a la imaginación de la señora Prada y a la gestión del señor Bertelli. Para nada. ¿Y algún día la señora Prada estará cansada y el señor Bertelli estará navegando? Hay una estructura y hay personas que saben interpretarla. Y además las personas no tienen que ponerse delante el biombo de la edad. Yo he visto a muchos empresarios muy buenos que han decidido jubilarse. Decían: Yo con 50 años quiero jubilarme. Y vendieron la empresa. No entiendo a esta sociedad que en los últimos años ha querido dar una identidad a la capacidad del ser humano basándose en la edad. Es un error. Debe nacer una corriente que ponga en el centro del pensamiento la capacidad de la persona y no su edad. Esa opinión sobre la edad de los empresarios la han acuñado algunos analistas financieros de 20 o 25 años y baja cultura que utilizan herramientas de alquimia financiera y están equivocados. ¡Cretinos! Esos mismos gurús dicen que la crisis económica no tiene por qué afectar directamente a la industria del lujo. Eso es una bobada. A nosotros, la recuperación nos llegará antes porque somos más rápidos, cambiamos más rápido que el resto. Damos cada seis meses una nueva visión del mundo. Y los otros van detrás. Pero el problema es otro: esta crisis es de posicionamiento. Es como si usted cogiera un ascensor para subir al piso noveno y antes de llegar arriba alguien pulsa el botón y para en el quinto. Es un ascensor muy grande donde caben muchas personas: pocas han conseguido salir en el noveno y la mayoría se han tenido que bajar en el quinto. En el Purgatorio de Dante. Siempre Dante. Siempre el Purgatorio. Segundo año de instituto. Ahora el problema es

Anuncio de Prada

quién tiene recursos y capacidades para subir del quinto al noveno. El ejemplo del ascensor es interesante también para la industria del lujo: yo estoy en el ascensor y subo hasta el noveno y tengo dentro un millón de euros. Y cuando el ascensor baja al quinto, no es que alguien me haya robado el millón, lo sigo teniendo, pero antes con ese millón compraba un reloj y ahora me lo guardo porque antes quiero ver qué pasa. Eso es lo que está pasando. No es cierto que las personas se hayan vuelto pobres; quien tiene dinero, lo sigue teniendo y volverá a consumir, pero el que no lo tenía se vuelve más pobre. ¿Y su previsión? Cada vez serán más pobres. Me refiero a la crisis. Yo quiero que la sociedad alcance una humildad general; una sociedad en la que las personas vuelven a trabajar sabiendo que, por ejemplo, la Constitución italiana dice en su primer artículo: La República italiana se basa en el trabajo. Es necesario un examen de conciencia. Quien quiera comprar una casa, la conseguirá a un menor precio, pero no todo el mundo podrá irse cuatro semanas de vacaciones, tendrá que irse dos semanas; los restaurantes no podrán costar 150 euros, tendrán que costar algo menos. Es un cambio de vida. ¿Positivo? Para mí, sí. También por los hábitos éticos, morales y de comportamiento de la sociedad. Se volverá a unas relaciones menos histéricas y más humanas y en las que la cultura debe tener un valor fundamental. ¿Al mundo del lujo también se le bajarán los humos? Usted ya abrió el debate de fabricar en China. Prada tiene que ser hecho en Italia en cuanto a marca. Nosotros no producimos en China, producimos semiacabados en el extranjero. Es nuestra forma de trabajar. Y es muy probable que de aquí a 20 años las plantillas de las fábricas italianas estén formadas por extracomunitarios. Lo absurdo es que alguien diga: Yo tengo una fábrica en Italia en la que el 60% del personal está compuesto por africanos. Y entonces, ¿qué es lo made in Italy, el diseño, el producto, la fábrica, la mano de obra? Habrá que aclararlo. Esto es made in international, no fabricado en Italia. ¿Si Prada hubiera salido a Bolsa en el año 2001, hoy estaríamos hablando de otro modelo de empresa? Puede ser, pero cada vez que decimos que salimos a Bolsa se derrumba algo. ¿Cuántas veces lo han anunciado? Formalmente lo hemos anunciado dos veces, en 2001 y ahora. Pero se ha hecho mucho ruido. Un amigo mío dice que les avise antes de salir y así saben que va a pasar algo gordo en esas fechas. La segunda fue en verano. Sí, en junio. Y la primera, en torno al 11-S. El 11 de septiembre yo estaba en París negociando y teníamos que hacer la presentación de la marca para cotizar en Bolsa el 18 de septiembre. Nadie estaba preparado para el 11-S. En nuestro sector, nada ha vuelto a ser lo mismo. ¿Y en Prada? Nos encontramos con una deuda que surgió porque nos íbamos a financiar en Bolsa, si no, habríamos hecho menos adquisiciones. En aquel momento nos encontramos en una situación en la que hacer adquisiciones tenía una lógica. Nadie se imaginaba lo que iba a pasar. Como nadie habría imaginado la situación actual. ¿Fue un error por su parte? Visto a posteriori, creo que fue un error de riesgo, no empresarial. ¿Usted asume que ha cometido errores? Claro que sí. ¿Por ejemplo? Concederle a usted una entrevista. Pero algunos errores son positivos.

JESÚS RODRÍGUEZ

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REPORTAJES

El maridaje

&

de la

COCINA LA MODA

Una veintena de cocineros y modistas españoles se unen en el proyecto 'Cook and Fashion', que se podrá ver en el Museo Chillida Un vestido ideado a partir de un plato de cocina o una receta creada a partir de una prenda de vestir es la base del proyecto Cook and Fashion, en el que participan una veintena de prestigiosos cocineros y modistas españoles, que será presentado la próxima semana en el Museo Chillida Leku. Arzak, Subijana, Arbelaitz, Martín Berasategui, Ferrán Adriá, Sergi Arola, Isaac Salaberria, José Carlos García, Manuel de la Osa y Toño Pérez son los maestros de los fogones que han aceptado participar en este maridaje junto a los diseñadores Agatha Ruiz de la Prada, Ion Fiz, Ángel Schlesser, Miguel Palacio, Miriam Ocáriz, Lydia Delgado, David Delfín, Jesús del Pozo, Ailanto, y Victorio & Lucchino. "Dos necesidades vitales como el comer y el vestir elevadas a la categoría de arte a través de la sensibilidad de los profesionales de la cocina" es la definición del proyecto Cook and Fashion, cuyos impulsores quieren darle una "proyección internacional" a su idea y por ello trabajan ya para presentarla en países como

Francia, Italia, Estados Unidos y Japón. Se trata de una iniciativa privada, que cuenta con ayudas de la Diputación de Guipúzcoa y el Ayuntamiento de San Sebastián, que tendrá lugar el jueves 9 de diciembre en caserío Zabalaga del museo Chillida de Hernani, donde se improvisará una pasarela en la que se exhibirán los modelos confeccionados para la ocasión.

VESTIRSE DE ENSALADA TIBIA Los platos cocinados para este proyecto se mostrarán en grandes fotografías, aunque también se podrá ver alguno en vivo y en directo, según han explicado hoy los organizadores en una rueda de prensa, a la que han asistido representantes del consistorio donostiarra y del ente foral, Martín Berasategui y Luis Chillida, director de Chillida-Leku.

El Bulli Food. Copa de caviar

"Ensalada tibia de tuétano de verduras crudo" es el nombre, algo resumido, que Berasategui le ha dado a su plato, basado en un vestido de Ailanto (firma de los diseñadores vascos Aitor e Iñaki Muñoz), en el que el bogavante, las hierbas y las flores tienen cierto protagonismo. En este mismo caso, el de crear desde la prenda, están Isaac Salaberria, Sergi Arola, José Carlos García, Manuel de la Ossa y Toño Pérez, que han trabajado en la cocina inspirados en los diseños de Ángel Schlesser, Miguel Palacio, Miriam Ocáriz, Jesús del Pozo y Victorio & Lucchino. En la situación contraria están Agatha Ruiz de la Prada, Ion Fiz, Lydia Delgado y David Delfín, que han tenido que desarrollar su imaginación a partir de platos de Hilario Arbelaitz, Pedro Subijana, Ferrán Adriá y Juan María Arzak. Las instituciones que avalan Cook and Fashion ven también en esta propuesta una forma de promoción de San Sebastián y Guipúzcoa y por ello han aportado cada una de ellas 8.700 euros a este proyecto, cuya presentación el jueves concluirá con una cena de gala.

Ensalada de lentejas, lo último

Un cocinero en el evento


REPORTAJES

La confusión corona Cibeles Desconcierto y lucidez se citan en el último día de desfiles Con un olor a mantequilla industrial que revolvía el estómago y un martilleante hilo musical capaz de provocar la peor jaqueca, cerraba ayer sus puertas Cibeles Madrid Fashion Week. Entre palomitas y Pisando fuerte, ese hit de Alejandro Sanz de 1991, las fauces del gigante Ifema -que mima el amplio Cibelespacio habilitado para patrocinadores y anunciantes que regalan revistas, tabletas de chocolate, caramelos, botellas de agua y café, maquillaje, masajes y otras variantes de lo exprés- engullen con sus atracciones color rosa al supuesto protagonista: la moda.

Vestido de noche de Jesús del Pozo

Luis Eduardo Cortés, presidente de Ifema, celebraba ayer el bullicio de esa zona de recreo y publicidad: "Hemos conseguido ambiente y ésta es la manera de atraer más inversión privada en estos tiempos difíciles". Total: 700.000 euros de anunciantes. La última jornada, la de los desfiles dobles, la del batiburrillo, arrancó ayer con El Delgado Buil y Krizia Robustela. Directos al techo de Europa con las primeras y al extrarradio nacional, con la segunda. Robustela, que se define como "sport de luxe", juega al glamour del universo choni: "Yo domingueo", se lee en lentejuelas en una camiseta mientras las modelos pasean barras de pan y bolsas de patatas

fritas, cadenas doradas y calzas de baloncesto. La gracia rapera frente a la ensoñación de las pieles y las lanas de los atardeceres polares. Un primer desfile que a pesar del inevitable cansancio de las modelos ("estoy agotada", confesaba una de ellas a primera hora) levantó el ánimo decaído de una edición que ha ofrecido más de lo mismo y en la que destacaron pocos nombres (Carmen March, José Castro o Lydia Delgado).

ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS

BANDOLERAS DE PREMIO Nicolás Vaudelet para El Caballo lograba ayer uno de esos escasos momentos y se llevaba el Premio L'Oréal a la mejor colección. Aires camperos, militares y rockeros. Mujeres bandoleras con amenazantes tacones navaja, chaquetas de cuero que sustituyen las tachuelas por exvotos. "Me encontré con la fotografía de un bandolero, al parecer, robaban los uniformes a las tropas de Napoleón y luego los reutilizaban a su modo", explica el diseñador francés. El resto fue un menú de degustación imposible de digerir por excesivo, empachoso e inconexo. Trece desfiles que, en algunos casos, se hicieron eternos. Entre los nuevos invitados, Toni Francese y María Barros. Con arpas y f lautillas, Francese ofreció una empanada bucólica adornada con ramas en las cabezas de las modelos y éstas palabras suyas: "Huir a un estado metafísico de nuestras visiones personales y adentrarnos en las profundidades del alma". Luna llena y aspirantes a Lady Halcón. María Barro se adentró en un barroquismo de arlequines y tramoyistas donde del rosa al amarillo hay un paso. Y Juana Martín remató la confusión con un desfile que mareaba con tanto volumen, tanto vuelo y seda. Jan iu Mes y Josep Abril (para hombre) y Sita Mur recordaron la versatilidad del punto y Carlos Díez, que la tela de camuf laje también funciona plisada y que las lentejuelas amortiguan el efecto de las estridentes pieles sintéticas. Cibeles cerró sus puertas. Más desfiles, más visitantes (50.000) y el desconcierto de siempre.

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EMER_GENTES

Nuevos valores de la

MODA

ESPAÑOLA La moda en España se encuentra en continuo proceso de renovación con muchas caras nuevas que tratan de hacerse un hueco en el difícil mundillo del prêt à porter. A pesar de todo, la creatividad y la frescura que transmiten los nuevos valores españoles consiguen mantener a nuestro país entre los grandes del diseño de moda en el mundo. Ion Fiz

La casita de Wendy

Matrícula de Honor

Un mundo de fantasía

Ion Fiz, bilbaino de 28 años, estudió en la Escuela de Moda vasca con la diseñadora Miriam Ocariz como tutora y se graduó con matrícula de honor al mejor alumno. Desde ese momento su carrera ha sido imparable, hasta convertirse en la actualidad en uno de los diseñadores de la casa Pertegaz para la línea joven de mujer en la temporada de invierno 20042005. Una vez terminados sus estudios comenzó a trabajar para otros como Zara o Karhu, hasta que creó su propia firma de ropa en 1999, Ion Fizó. Su meteórica carrera se vio recompensada en 2002 cuando recibió el premio al mejor diseñador del FAD. La mezcla de colores llamativos y las formas adaptadas al cuerpo de la mujer son las normas básicas de sus creaciones.

TRAStornados Pura diversión Los canarios José Enrique García y Paco Navarro forman el proyecto de moda TRAStornados, que destaca por su visión juvenil, desenfadada y sobre todo muy divertida para la moda dedicada a la mujer. Sus estudios en Arquitectura y Filología combinados con la música y el arte les han conducido a una mayor diversificación de sus proyectos artísticos, que no se reducen sólo al diseño de ropa. No han parado de trabajar y su paso por las pasarelas –Gaudí, SIMM, Cibeles...- les ha abierto las puertas para vender en toda Europa e incluso en mercados tan exclusivos como el japonés.

Inés Aguilar (1975) e Iván Martínez (1972) forman La Casita de Wendy. Estos diseñadores madrileños comenzaron haciendo ropa para amigos, como un hobbie, y poco a poco están alcanzando las más altas cimas de la moda española e internacional, a pesar de haber guiado sus pasos académicos por el mundo de la arquitectura y la ingeniería agrícola. La cantante Björk se fijó enseguida en sus diseños y los ha lucido en multitud de ocasiones, lo que les ha ayudado a conseguir una mayor difusión pública. Los cuadritos, las estrellas y en general el mundo de ensueño de los cuentos, son la fuente de inspiración para sus colecciones, que ya se exponen en la Pasarela Cibeles y en la Semana de la Moda de París. Su ropa se vende en tiendas tan prestigiosas como Barneys (Nueva York) o Tokio. En la actualidad ambos imparten clases en la escuela Europea de Diseño.

Juan Duyos

su carrera ha sido imparable, hasta llegar en la actualidad a hacerse cargo de la dirección artística de la firma Don Algodón. Artistas tan famosas como Candela Peña o Elena Anaya son asiduas de sus diseños, que se caracterizan por poseer un aire desenfadado lleno de estampados y color.

Locking Shocking Vuelta al estilo beat La firma Locking Shocking está compuesta por la pareja de diseñadores Oscar Benito y Ana González. Se conocieron estudiando Bellas Artes y se introdujeron en el mundo de la moda con el diseño de complementos. El éxito cosechado en este campo les llevó a interesarse en la ropa. Su gran oportunidad les llegó con la posibilidad de participar en la Pasarela Cibeles, en la que recibieron el premio L’Oréal a la Mejor Colección Joven de la edición. La atención a los detalles y el cuidadoso acabado de todas sus prendas son sus marcas de diseño, cuyas creaciones suponen un regreso a la generación beat.

Carrera Imparable

Rafael López Juan Duyos comenzó su andadura junto al ya desaparecido Manuel Piña. Poco después creó su propia firma junto a la también diseñadora Cecilia Paniagua, con quien hacía colecciones para tiendas y conocidos. La oportunidad de trabajar con el consagrado Antonio Pernas que le llegó poco después, le abrió muchas puertas y en 1999 se produjo su primera aparición en la Pasarela Cibeles, donde recibió el premio a la mejor colección. Desde ese momento

Moda para la mujer latina Rafael López es una de las grandes promesas del diseño español que ha conseguido llegar a las esferas internacionales más selectas. El diseñador murciano, que reside en Inglaterra, ofrece una visión de la ropa muy ceñida y pensada para una mujer latina, que desee provocar, llamar la atención. El hecho de que la cantante australiana Kylie Minogue llevara un traje

suyo en la gala Top Of The World, en la que resultó premiada como la mejor artista pop, le ha dotado de una proyección internacional que sin duda está aprovechando.

Miriam Ocariz El arte del buen hacer Natural de Bilbao, Miriam Ocariz se graduó en Diseño de Moda por la Escuela Internacional Lanca de Bilbao y también en Bellas Artes. Su primera colección en solitario la realizó en la Pasarela Gaudí en 1996, pero su consagración como diseñadora le llegó en la edición de 2002 de la Pasarela Cibeles donde recibió el premio L’Oreal a la mejor diseñadora. Su trabajo se adapta a diferentes corrientes artísticas, como el expresionismo o el pop. Los estampados son esenciales en sus prendas, que se convierten en objetos únicos.

Jorge Vázquez Diseñador precoz La gran oportunidad para Jorge Vázquez le llegó en la Pasarela Cibeles de 2002, cuando realizó su primera colección en solitario. Pero llevaba acumulada una gran experiencia que comenzó de forma prematura cuando a los 23 años le concedieron el primer premio en la “IV Mostra de Novos Creadores de Moda”. Posteriormente, colaboró con diseñadores tan destacados como Antonio Pernas o Ángel Schlesser . Su aparición en la Pasarela Cibeles le ha permitido dar a conocer más ampliamente su trabajo, que se puede encontrar en El Corte Inglés. MARTA FERNÁNDEZ


EMER_GENTES

< La casita de Wendy

Miriam Ocariz >

Locking Shocking > TRAStornados >

TRAStornados > < Rafael L贸pez

< Ion Fiz

< Jorge V谩zquez

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EL ALMA PUNK TOMA CIBELES EL SEテ前R DE PRADA EL TRIUNFO DE LO SENCILLO Y UTIL EL MADRIDAJE DE LA COCINA Y LA MODA NUEVOS VALORES DE LA MODA ESPAテ前LA


VISIONES

El triunfo de lo

&

SENCILLO ÚTIL

One Chair, fabricada en aluminio

Algunos objetos pasan de las ferias de muebles a los museos

KEY para bicicletas

Mucho antes de que la crisis se destapara, las ferias de muebles hacían presagiar ya lo que se estaba incubando. ¿Cómo? Limitando sus apuestas o llevándolas al paroxismo: las dos caras del diseño actual. De un lado, los optimistas continúan esforzándose en mejorar la función con la forma, en inventar nuevos materiales y en cuajar muebles que acompañen y no molesten. La otra ambición quiere que el diseño sea arte. Se resiste a perder la tajada de los grandes márgenes de beneficio y ha hecho que el design art traslade el diseño de los grandes almacenes a las galerías de arte. Ambos extremos son sintomáticos. Pero sólo los trabajadores del milímetro se llevan premio este año. Así, el alemán Konstantin Grcic tuvo que esperar sólo un mes para que su silla pasara del stand de Planck en la feria de Milán a las vitrinas del MoMA de Nueva York. La idea de trabajar un nuevo material plástico para una silla flexible y económica, útil en interior y exterior apunta al futuro por todos sus poros. Menos por el sensual. En ese frente gana el diseño mediterráneo. Entre los cálidos, el decano del diseño español, Miguel Milá, recibió este año un Compasso d'oro a toda su trayectoria. Es la primera vez que un español logra un galardón así. Que Milá siga vendiendo lámparas TMM 50 años después de haberla ideado es ya un premio. Pero que ese reconocimiento, que resume lo mejor del diseño italiano desde 1954, salga de su territorio habitual para premiar a un manitas español parece darle la razón a Milá cuando afirma que el diseño sigue siempre la lógica más simple. Con todo, y entre los españoles, a Milá podría haberle salido un competidor en Mario Ruiz. Su banco Fuori (Viccarbe) ha conseguido el premio Red Dot, el de mayor peso en diseño industrial. La idea de deshacer la unidireccionalidad de un banco, dejando sus extremos sin respaldo tiene detrás al talento de este alicantino

afincado en Barcelona y curtido en la parte más técnica del diseño industrial. Ruiz proviene del diseño con menos glamour. Justo el que precisa mayor finura. Firmó el taxímetro que más se vende en el mundo. Sierras eléctricas, teléfonos... no ha habido aparato que se le resistiese. Hace dos años, arrancó con sillería para oficinas una aventura que lo está llevando, poco a poco, de la calle al hogar. El momento es el suyo: tocan aires de contención. Su tumbona Flat (Gandía Blasco) también se ha hecho con el premio Wallpaper al mejor diseño del año. Pero ni siquiera Ruiz está solo. Este ha sido un año importante para el diseño español. Por fin se reconoce una nueva generación. Nueva y directamente internacional. En ella, los valencianos Culdesac recibieron un Compasso d'oro por su reloj Neos (Lorenz) y el estudio italobarcelonés Lagranja (capitaneado por Gabriele Schiavon y Gerard Sanmartí) consiguió otro Red Dot por el aparcabicicletas Key (Santa&Cole). Se trata de un aparcamiento que no resulta duro ni visual ni físicamente, un rosco de espuma de poliuretano con alma de acero que resiste rasguños y graffitis y que puede confundirse con un juguete infantil. El donut rojo o negro sujeta la bicicleta por tres puntos y con su forma básica, pero sorprendente, es capaz de imprimir identidad a un parque público. A pesar de tan vistosa apariencia, la verdadera novedad, el gran cambio de este aparcabicicletas no está en su forma amable sino en su propuesta. Su resistencia deriva no tanto de la dureza del material como del convencimiento de que un elemento urbano simpático y útil será respetado. Y cuidado. La opción de ofrecer resistencia a las agresiones externas no con dureza sino con cercanía y flexibilidad abre un camino al diseño que merecería la pena explorar. ANATXU ZABALBEASCOA

El banco Fuori es una pieza pensada para espacios públicos

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REPORTAJE


REPORTAJE

El ZAPATO

español se hace

MUNDIAL El sector del calzado logra salir adelante en un mercado cada vez más competitivo. POR J. P. VELÁZQUEZ-GAZTELU ILUSTRACIÓN: E.MERA

En un taller de dos plantas ubicado frente la plaza de toros de Elda, Chie Mihara trabaja ya en su colección de zapatos para el verano de 2009. Desde esta ciudad alicantina, de vieja tradición zapatera, esta diseñadora de origen brasileño ha puesto en marcha, casi en un abrir y cerrar de ojos, una empresa que factura 12 millones de euros y vende sus productos desde Los Ángeles a Rihad. Artistas como Halle Berry, Sofia Coppola, Vanessa Paradis y Liv Tyler llevan sus zapatos, que llevan nombres como tortilla, vermú, peseta... Proyectos como el de Chie Mihara son el futuro de la industria española del calzado, que ha pasado de fabricar grandes cantidades a bajo precio a especializarse en productos de calidad. “España ha sido siempre más fabricante y menos creadora. Se ha preocupado sobre todo por producir y producir”, dice Mihara. Para ella, investigar e innovar es clave para fabricar un zapato de éxito. “Hace falta hacer cosas con más personalidad, perder el miedo”, afirma. La globalización ha dado un vuelco al sector del calzado. Para un país como España, lo importante ahora no es el precio, sino el diseño, la crea-

ción de marca y la apertura de nuevos mercados. A diferencia de los años del desarrollismo, España es hoy un país con una mano de obra cara, y los costes laborales han dejado de ser un factor competitivo en la industria del zapato. Se acabaron los años en que de las fábricas de Elda, Elche y Villena salían millones y millones de pares baratos para su venta en el exterior. Hoy eso lo hace China. “Hace años que un producto tan intensivo en mano de obra no puede fabricarse en un país industrializado como España sin llevar un valor añadido”, explica Rafael Calvo, presidente de la Federación de la Industria del Calzado Español (FICE), que agrupa a más de 700 empresas y al 90% de la producción. En Italia y en España -primer y segundo fabricante de Europa, respectivamente-, se mantienen sólo los trabajos especializados; los más intensivos en mano de obra se han subcontratado en países en desarrollo, principalmente asiáticos. El año pasado, España importó 352 millones de pares de zapatos y exportó 101 millones. Sin embargo, si se tiene en cuenta el valor de la mercancía, el saldo fue positivo para

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REPORTAJE

Interior de una tienda Camper

nuestro país en 140 millones de euros. Todos los expertos coinciden: el que se modernice tendrá posibilidades de sobrevivir y el que no se adapte a las nuevas circunstancias desaparecerá víctima de la globalización. Los ataques contra comerciantes chinos ocurridos en septiembre de 2004 en Elche fueron protagonizados, sobre todo, por fabricantes de zapatos baratos, frustrados por la imposibilidad de competir. Hay quienes todavía se resisten al cambio. Algunos fabricantes españoles mantienen la vieja costumbre de viajar a Italia para, a la vuelta, copiar los zapatos que ven en los escaparates. Pero también hay cada vez más gente como Chie Mihara, que confía en la inspiración a la hora de crear y que sabe que la clave está en elaborar una colección propia. “Cuando voy a París, en lugar de ver escaparates voy a librerías, a museos, a tiendas de muebles. Lo último que hago es ver zapaterías”, afirma la diseñadora, de 40 años, que en abril pasado abrió en Tokio la primera tienda con su marca. Rafael Calvo, de FICE, considera que el sector español del calzado ha conseguido sobreponerse a los cambios en el mercado mundial y subraya que su actividad gira ahora en torno a cinco ejes estratégicos: moda, diseño, innovación, cooperación con empresas extranjeras y respeto al medio ambiente. El control de la distribución es también clave: contar con una cadena de tiendas propia permite controlar mejor el producto y refuerza la marca. Camper,

Pikolinos, El Naturalista... varias empresas ya lo han hecho. La posición internacional de las marcas españolas es, en estos momentos, la mejor de la historia. Más de 100 millones de personas llevan calzado made in Spain en todo el mundo. Nombres como Pedro García, Pura López, Rebeca Sanver, Farrutx, Magrit, Sara Navarro o Ras están presentes en los mejores escaparates del planeta. Mascaró -fundada en Menorca en 1918 como un taller de zapatillas de baile- tiene nueve tiendas en Francia, cuatro en Reino Unido y una en Nueva York. Dos de cada tres zapatos de la empresa gerundense Castañer, especializada en alpargatas, se veden en el extranjero, sobre todo en Italia. Magrit hace zapatos con marca propia y también trabaja para diseñadoras como Carolina Herrera o Dona Karan. China, Japón y Australia son mercados importantes para la compañía, que recientemente ha incorporado nuevas tecnologías a su proceso de producción. Especializada en calzado de lujo de señora, Magrit fabrica 2.500 pares diarios y tiene 120 empleados. El 9 de abril de 2005, Camila Parker Bowles vistió zapatos hechos en su fábrica de Elda para casarse con el príncipe de Gales. Además de la británica, también trabajan para otras casas reales. La tendencia -en Magrit y en buena parte de los fabricantes españoles-, es hacer cada vez más zapatos de marca propia y menos de marca blanca. El sector del calzado ha sido siempre netamente exportador. Más del 70% de los zapatos hechos en España se venden

fuera de las fronteras nacionales. El negocio da empleo directo a 40.000 personas y de él dependen las economías de comarcas enteras (ver gráfico). El año pasado, el valor de las exportaciones creció un 10%, hasta alcanzar los 1.899 millones de euros. Las importaciones aumentaron un 7% y totalizaron 1.752 millones. Como ya hizo con el sector textil, Zara ha revolucionado el sector con un zapato asequible que coloca en las tiendas en tiempo récord. Su filial de calzado, Tempe, es ya la primera empresa de España en ventas. Panter es una de las primeras marcas del mundo de zapato laboral y de seguridad, mercados de gran potencial y complejidad por la estricta normativa que debe cumplir. La empresa vende zapatos profesionales para bomberos, policías, electricistas o leñadores. Su fábrica de Callosa del Segura (Alicante) está automatizada y se trabaja en tres turnos. “Nuestra obsesión es que se use la tecnología más moderna en todas las fábricas, afirma César Orgilés, director del Instituto Tecnológico del Calzado (Inescop), que vela por el desarrollo de la industria. Muchas empresas trabajan ya con diseños por ordenador, que permiten preparar patrones en tres dimensiones y dejarlos listos para el corte y el cosido posterior. Las empresas, subraya Orgilés, van interiorizando poco a poco que no tienen más remedio que contar con departamentos de diseño propios. Un factor que está ayudando a modernizar la industria es el relevo generacional que está teniendo lugar en los negocios.

Un factor que ayuda a modernizar el sector es el relevo generacional

Zapatos de ballet diseñados por Pedro García


REPORTAJE La mayoría de los jóvenes son gente con estudios especializados, que habla idiomas y que ha viajado por el mundo. Además, cada vez hay más empresas construidas por hombres hechos a sí mismos que dan entrada a consejeros ajenos a la familia para profesionalizar la gestión. Otros han dilapidado fortunas enteras ganadas en los tiempos de esplendor. Pero como sucede en otros sectores, el gran hándicap del calzado español es la endeble marca-país de España. Los zapatos españoles, se quejan los fabricantes, tienen muy difícil competir con el made in Italy. El calzado es un sector con siete vidas: ha vivido ya varias crisis y siempre ha salido adelante. “De la crisis anterior salió un sector más pequeño pero menos estructurado”, señala Rafael Calvo. “Ahora crecemos en los mejores mercados y con mejores productos”. El directivo de FICE considera que actualmente hay una clara recesión del consumo que va a afectar al sector. ¿Qué opciones hay? Buscar nuevos mercados, responde Calvo, especialmente los menos afectados por la crisis, sin abandonar los tradicionales. “Hay que tomar posiciones ahora para estar allí cuando la cosa

Lo importante ya no es el precio, sino la marca, el diseño y la distribución

mejore”. Las ventas de zapatos españoles bajan en EE UU y otros países occidentales, pero crecen en el Este de Europa, Asia y Oriente Próximo. Calvo piensa que China representa más una oportunidad que una amenaza para el fabricante español. Es partidario de la cooperación con el gigante asiático, ya que es un mercado potencial enorme. La capacidad de compra de las clases medias chinas está creciendo a un ritmo muy rápido, y son a esas capas de la población a las que van dirigidos los zapatos españoles. “Hay que ir ahora, para cuando esa clase sea mayoritaria, ya se conozcan las marcas”.

J. P. VELÁZQUEZ-GAZTELU

PIKOLINOS pisa fuerte en Una visita al polígono industrial de Elche da una buena idea de la potencia del sector del calzado español. Allí radican, en modernas instalaciones, grandes empresas como Tempe -fabricante de calzado del grupo Inditex- Camper, Kelme, 24Horas o Pikolinos. Esta última, que compró recientemente Martinelli, es un buen ejemplo del cambio experimentado por las compañías españolas de calzado. Fundada en 1984 por el carismático Juan Perán, que comenzó limpiando fábricas siendo aún un niño, Pikolinos ha desarrollado una marca con una fuerte identidad propia. Vende zapatos con un diseño muy cuidado y sin tratamiento químico alguno. La compañía, que tiene una plantilla de 400 trabajadores y divide su producción entre Asia y España, se disputa junto con Camper el segundo puesto en el ranking nacional. Pikolinos tiene actualmente 17 tiendas exclusivas de la marca y espera contar con unas 60 en el plazo de tres años. "El futuro de las marcas de calzado pasa por tener tiendas propias", dice Marcos Vega, director del departamento de comunicación. La compañía, que ha incorporado consejeros externos a su consejo, factura 100 millones de euros anuales y vende

60PAÍSES

zapatos en 60 países, por lo que espera no sufrir demasiado el impacto de la crisis actual. Este año espera vender unos dos millones de pares, el 80% fuera de España. Cuenta con un centro de distribución propio en Miami para servir al mercado de Estados Unidos, tercero en importancia después de España y Francia. "Estamos negociando acuerdos para expandirnos en China", señala Vega. La expansión internacional es clave para la supervivencia de Pikolinos, señalan sus responsables. "Hay que fabricar zapatos pensando en el mundo, no sólo en nuestro ámbito mediterráneo", dice Vega. "Tienes que innovar constantemente y adaptarte a los distintos mercados. No pide lo mismo Rusia que EE UU".

Zapatos de fiesta diseñados por Pura López

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EXPO

Portadas que

MARCARON ÉPOCA El MOMA muestra los diseños que George Lois hizo para 'Esquire' Asomarse hoy a un quiosco no suele ser muy excitante. La mayoría de las portadas de revista suelen llevar la foto de alguna celebridad ligera de ropa, con toneladas de retoques hechos en Photoshop y alguna exclamación simplona. Pero a principios de los sesenta, cuando el culto a la celebridad aún no era ley, hubo un hombre, George Lois, que revolucionó las portadas de revistas a través de su trabajo para la revista Esquire durante aquella década. El MOMA de Nueva York le de-

dica una pequeña exposición a una treintena de portadas realizadas por este maestro de la publicidad y el diseño gráfico que catapultó las ideas del interior de una publicación a las portadas de las revistas utilizando, sobre todo, la fotografía y el fotomontaje. "No se trataba de poner a alguien posando en plan clónico como se hace hoy si no de transmitir ideas. No sé por qué la industria piensa que las ideas ya no venden y sólo las celebridades sí. A la gente le

gusta pensar, le gustan los desafíos", declaró Lois a este diario durante la presentación de la muestra. Lois se atrevió a sintetizar raza, religión y guerra en una portada que hizo historia en 1968: la que ilustraba un reportaje sobre el boxeador musulmán Muhammad Ali, que se negó a ir a Vietnam y fue condenado a cinco años de cárcel, en la que aparecía como un san Sebastián atravesado por flechas. Otra de sus icónicas imágenes fue la de Andy Warhol ahogándose

en una sopa Campbell con la que se ilustró una crónica sobre el fin del arte de vanguardia. También llevó a la portada de Esquire 1a de Richard Nixon en una sesión de maquillaje y a J. F. K., Bob Kennedy y Martin Luther King, a los que situó en medio de un cementerio en octubre de 1968 -los tres habían muerto asesinados-, para un reportaje sobre la situación política de Estados Unidos. "Con aquella portada lloré", recordó Lois. BARBARA CELIS

REPORTAJE

Memorias del “Made in Italy” Una exposición recorre un siglo de arte y diseño de la mano de 50 marcas míticas Todo empezó a mediados del XIX. Los príncipes andaban moribundos o en fuga; los Papas habían colmado su capacidad de acaparar la desmesura, los nobles se entregaban al moderno mal del despilfarro y el mecenazgo en Italia ya no era lo que había sido. Entonces llegó, manu militari, la unificación (1861), y con ella la burocracia y el fascismo, Cinecittà y los 50 distritos industriales, los barrios burgueses y la publicidad, el cinquecento y el poderoso influjo del amigo americano. Los empresarios no perdieron el tiempo. Mientras unos exportaban la mafia, otros, más pacíficos pero no menos ambiciosos, tiraron de tradición y furbizia (agudeza), y aplicaron su genética para la invención y la creatividad a la venta (sin palabras o con muchas palabras) y el envoltorio fino. Sociedades como Perugina, Lavazza, Peroni, Barilla, Alfa Romeo y tantas otras comenzaron a elevarse sobre el resto recurriendo a los artistas para pensar, elaborar y vender sus productos. Se convirtieron en los nuevos mecenas: encargaron car-

teles y dibujos, objetos y prototipos, logos y anuncios. Crearon envases nunca vistos, macarrones de formas novedosas, diseñaron bicicletas con motor, zapatos y vestidos que parecían, y a veces eran, obras de arte. Una vez renovada la receta romana (lujo + inteligencia = buena vida), nació la marca de país más rentable jamás creada. Se llamaba Made in Italy. Éste es, a grandes rasgos, el fascinante relato cultural, social y económico que narra la exposición Logos de Italia, recién abierta en el museo nacional Castel Sant'Angelo de Roma y que puede visitarse hasta el 25 de enero. Subtitulada Historias del arte 'di eccellere' (de brillar, y también de ser excelentes), la muestra arranca con las dos empresas pioneras -ambas se daban a la bebida, la licorera calabresa Amarelli (1731) y la cervecera Peroni, fundada en 1846-; pasa por la industria alimentaria de principios del siglo XX (chocolate Perugina, ollas Lagostina, pastas Barilla...), se detiene a mitad de siglo en los muebles de Zanotta o las lámparas de Guzzini, abraza

la dolce vita de los modistos, las terrazas Martini y las divas calzadas con joyas, y acaba en las futuristas construcciones del pujante presente exportador. La muestra se divide en tres secciones: la memoria, la identidad y el futuro. Historias de marcas, Historias de nombres y Lugares de amor. El corazón es Historias de marcas, que a su vez se divide en cuatro espacios: comunicación, arte, diseño e innovación. En la primera se aprecia la riqueza de soportes y recursos empleados para seducir al cliente. Entre los éxitos, el agua efervescente natural Ferrarelle ("¿lisa, con gas o Ferrarelle?") el boom de la vespa en los años cincuenta y sesenta y las fotografías de Oliviero Toscani para Benetton. El paseo por las mazmorras y salones del antiguo castillo papal desborda talento y pasión emprendedora, solidez y finezza. El lema parece ser "esto consiste en vender, pero sin que se note (estúpidos)". Quizá de ahí, la gran variedad de formatos: de los dibujos de Emma Bonazzi (en arte Tigiù) y los carteles post románticos de

Lámpara Guzzini como parte del mobiliario de la serie Espacio:1999

Depero y Séneca, a los cartones animados de Armando Testa para los cafés Lavazza y Paulista, y, cuando toca, los documentales con cineastas y actores famosos. Tres ejemplos: Bertolucci y su filme para la petrolera Eni (La vía del petróleo, 1967); Antonioni con la espléndida Mónica Vitti vendiendo glamour, y la ironía sin prejuicios de Mina, madre soltera, cantando para Barilla, durante el Concilio Vaticano II: "Cocina para tu hombre". La parte dedicada al arte permite entender otro secreto a voces del buen patrón italiano: el talento cuesta dinero, pero se paga. Y es igual si viene dentro o de fuera: Palladino, Guttuso, Dalí (que colaboró con Alessi haciendo una escultura titulada Objeto inútil), e incluso Andy Warhol, autor de los carteles de la campaña de Martini en EE UU. En la sala Historias de nombres se cuenta la participación de personajes y familias que marcaron el camino del mecenazgo industrial. Se trataba de ser distintos y parecerlo. De ser, si no mejores, más refinados. Populares y simpáticos, eso nunca

estorba. Pero jamás vulgares. Son más de 50 empresas, presentes con 250 piezas y objetos que han recorrido el mundo. Ahí están los revolucionarios biberones y chupetes de Chicco, el logo y la madera de Alfa Romeo, el caballito rampante de Ferrari, las botellas retornables de Peroni, los zapatos-escultura de Prada, los sillones y sofás de Giovanetti donde tanto descansó Fellini, los cubos de basura alto diseño de Kartell o la futurista arquitectura de Fuksas para albergar sedes de automóviles o bodegas. La lección del fiel vendedor acaba en los lugares de las empresas con arte: los territorios que han alimentado la creatividad y que serán la excelencia del futuro. Elegancia, estética y buena vida siguen siendo sinónimos de Italia. Viendo esta exposición, sólo queda asumirlo: unos lloran la crisis, los italianos la cabalgan con estilo y un punto de nostalgia. Son 250 piezas que han recorrido el mundo, desde biberones a zapatos.

ELISA SANTOS PÉREZ


EXPO

El Centro del Diseño se perfila con trajes, carteles y turismo El Disseny Hub Barcelona no tendrá sede fija al menos hasta el año 2011 Un nuevo despliegue de la colección permanente del Museo Textil en el Palau de Pedralbes, y una exposición de carteles y la primera entrega de un conjunto de propuestas sobre el turismo, en el Palau del Marqués de Llió, constituyen la tarjeta de presentación del Disseny Hub Barcelona (Dhub, www.dhub-bcn.cat), que inauguró ayer su primera etapa en presencia del alcalde, Jordi Hereu. Hub significa centro neurálgico y, según afirmó el comisario del proyecto, Ramón Prats, fundador de la editorial Actar, el nombre resume el concepto y el objetivo del nuevo centro, que quiere impulsar una red de relaciones entre sus diversos ámbitos de acción -desde el diseño gráfico a la arquitectura y la moda- y sus agentes (consumidores, profesionales, empresas e instituciones). A la espera de que se construya su sede definitiva en la plaza de las Glòries, el Dhub pondrá en práctica esta dinámica de redes desde sus dos sedes provisionales y desde varios espacios que acogerán sus actividades, como el Colegio de Arquitectos, el FAD, la Universidad Politécnica de Cataluña, el CCCB y el Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña, entre otros. El Palau del Marqués de Llió, anterior sede del Museo Textil, cobija la propuesta principal, Turismo. Espacios de ficción, "una declaración de intenciones", según Jordi Martí, delegado de Cultura del Ayuntamiento. La exposición, abierta hasta el 24 de mayo, consiste en una serie de instalaciones que el visitante descifra a través de unos minior-

denadores. Según Prats, éstos sirven no sólo para entender lo que se está viendo, sino también para activar una multitud de enlaces que permiten construir una exposición a medida, si bien todo parece bastante complicado de usar. Componen el recorrido, entre otros elementos, pantallas táctiles con gran despliegue de datos y maquetas de proyectos futuristas y otra enorme de Dubailand, la ciudad temática que se construye en los Emiratos Árabes. La planta baja del palacio, que se reserva a los fondos patrimoniales, se estrena con una selección de 146 carteles de la colección del Gabinete de las Artes Gráficas elegidos por Raquel Pelta, que se podrán ver hasta el 15 de febrero. En el Palau de Pedralbes, donde ya se encuentra el Museo de las Artes Decorativas, se han instalado los fondos del Museo Textil, creado a partir de la colección Rocamora. Tras 10 meses de cierre y una polémica que ha involucrado nombres célebres del mundo del arte y la moda, el museo reabre con un montaje permanente de 134 piezas, que incluye nuevas adquisiciones, como un traje de Mariano Fortuny y otro de Dior. Bajo el título El cuerpo vestido, la conservadora Silvia Ventosa propone un recorrido por la historia del traje, desde el siglo XVI hasta el año 2000. El sector crítico con la iniciativa, lamenta el actual traslado y su futura integración en el Dhub.

UN LARGO RECORRIDO, PASO A PASO El Dhub reúne las colecciones de tres museos: Artes Decorativas, Textil y de la Indumentaria y Gabinete de las Artes Gráficas, que acaba de enriquecerse con 800 donaciones y 50 adquisiciones. La primera etapa durará hasta el año 2011. Acondicionar las dos sedes provisionales y el traslado de las colecciones ha costado 1,9 millones de euros. Para 2009 el Dhub cuenta con un presupuesto de 2,1 millones de euros. En el segundo trimestre de 2009 empezarán las obras de la sede de las Glòries, adjudicadas al estudio MBM, que tiene un presupuesto de 88 millones de euros, incluida la operación urbanística previa. El Ayuntamiento pagará un tercio de la suma y la Generalitat, dos tercios, ya que al final se quedará con el Palau de Pedralbes. La segunda etapa del Dhub empezará en 2011 con el traslado de todas las colecciones a la nueva sede. Aún se desconoce el destino del Palacio del Marqués de Llió, que se reconvertirá según las necesidades del momento.

ROBERTA BOSCO

Disseny Hub de Barcelona es un auténtico laboratorio de ideas

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APUNTES

Sin inglés

NOtítulo hay

Para terminar la carrera en la Universidad Politécnica de Valencia los alumnos deberán acreditar un nivel de inglés avanzado, equivalente al B2 en la terminología del Consejo de Europa (que consta de tres bloques A, B y C, con dos grados en cada uno de ellos). La medida fue aprobada por el consejo de gobierno, que introdujo tres vías para probar el conocimiento de la lengua. Primero, tener una certificación oficial (por ejemplo de la Universidad de Cambridge). Segundo, haber aprobado 30 créditos ECTS (adaptados al Espacio Europeo de Educación Superior) en asignaturas que hayan sido impartidas y evaluadas en ese idioma. Tercero, pasar al menos tres meses en una universidad extranjera y, a la vuelta, defender el proyecto fin de carrera en ese idioma, o superar la prueba de nivel realizada

por la universidad. Aunque el inglés se considera "preferente", lo anterior se aplica a cualquier otra lengua extranjera. La universidad imparte este curso 200 asignaturas en inglés, aseguró el vicerrector de Convergencia Europea Miguel Ángel Fernández Prada, y prevé aumentarlas. El consejo de gobierno aprobó, por otro lado, un presupuesto de 382 millones para el año que viene, lo que supone un crecimiento de apenas el 0,89% respecto al actual, es decir, por debajo de la inflación. La Politécnica dio vía libre, por último, a sus cinco primeras propuestas de títulos de grado. Se trata de Comunicación Audiovisual, Gestión Turística, Ciencias Ambientales, Ingeniería de la Edificación (nombre que adoptará la actual Arquitectura Técnica), e Ingeniería en Diseño Industrial.

El Shakespeare’s Globe Theatre de Londres

Valencianos en

grandes centros DE INVESTIGACIÓN Los campus envían alumnos al MIT y al CERN y acogen a otros de países pobres "Ni me lo pensé. Tenía la sensación de que todo iba tan rápido como en EE UU, pero para un ingeniero no hay nada por encima del MIT [las siglas inglesas de Instituto Tecnológico de Massachusetts]", dice José Antonio Rodríguez, estudiante de un máster en la Universidad Politécnica de Valencia. Su compañero de universidad Miguel Ángel Sánchez tampoco dudó y recuerda desde Wisconsin, donde acaba la Ingeniería Electrónica con una beca de intercambio, cómo aceptó: "Me llamaron un viernes y salí el lunes". Ninguno titubeó y marcharon a Turín, al taller de élite Vehicle Design Summit 2.0 del MIT. Miles de estudiantes y científicos valencianos parten de sus universidades cada año, pero no todas las estancias son iguales. Hay algunas sobresalientes. Y es que podemos encontrar a valencianos en proyectos del MIT, en cuyas aulas imparten clases premios Nobel, o en el CERN, el centro de investigación nuclear más prestigioso del mundo. En Turín, el trabajo de los dos alumnos de la Politécnica, únicos representantes españoles entre 30 alumnos de 13 países, consistió

Imagen de puertas abiertas del MIT de 1948


APUNTES

Ni me lo pensé: el MIT me llamó el viernes y me fui el lunes en fabricar el chasis de un vehículo eléctrico y respetuoso con el medioambiente, para China e India. Ambos coinciden en lo privilegiado de la experiencia: “Turín es la capital mundial del diseño del automóvil y en torno a ella giran Ferrari, Bertone, Alfa Romeo, Pininfarina... Como trabajábamos en el proyecto del MIT, cualquier empresa y universidad nos proporcionaba los recursos para fabricar nuestro vehículo”. Además, expusieron su prototipo en una feria junto a la flor y nata de la industria automovilística mundial. José Antonio Rodríguez confirma que le acaban de llamar del MIT para coordinar el proyecto de continuación del vehículo; Miguel Ángel Sánchez baraja varias posibilidades: continuar en América, Alemania o quizá China. “En España tal vez pudiera encontrar un trabajo adecuado en Madrid, pero la Comunidad Valenciana está perdiendo el ya insuficiente tejido industrial”. Con ellos son ya cinco los alumnos de la Politécnica que han participado en este taller del MIT. La relación entre ambas instituciones surgió hace ocho años cuando dos profesores de ambos centros, Douglas Morgenstern y Adolfo Plasencia, impulsaron un foro de intercambio educativo (http://mitupv.mit.edu) entre las instituciones en el que han participado 3.700 estudiantes y que aún continúa hoy. Por eso, cuando las directoras del Vehicle Design Summit del MIT dialogaron con tres chavales de la Politécnica (universidad que conocían por el foro) que estaban en el equipo vencedor de la competición mundial de vehículos alternativos Shell Eco-Marathon de Nogaro (Francia) con el Taronget, un bólido ecológico, no dudaron en ficharlos, y ahí empezó todo. Para David Calvo, estudiante de la Ingeniería Electrónica en la Universitat de València, la historia comenzó en agosto cuando llegó al CERN de Ginebra. Debería haber estado en Finlandia en un intercambio Erasmus, pero lo pospuso por trabajar cinco meses en el centro nuclear más potente del mundo. “Estoy encantado. Impresiona todo y he tenido la suerte de estar aquí en dos fechas muy señaladas: cuando se introdujo el primer haz de protones y cuando se inauguró el LHC, el mayor acelerador de partículas del mundo”. Pero no solo los investigadores valencianos hacen las maletas. Al rastrear en las universidades es posible encontrar la situación inversa: jóvenes investigadores de países en vías de desarrollo que acuden a nuestras universidades para actualizar sus conocimientos o desarrollar sus investigaciones. La Universitat de València dispone de un programa de formación en este sentido, en el que se concedieron 32 becas, en su mayoría para estudiantes de América Latina, el curso pasado. Esta ayuda cubre los gastos de alojamiento y manutención en el Colegio Mayor Luis Vives, el billete de ida y vuelta, y una asignación mensual de 250 euros. Tanto Liz Cristina Ysla como Darío Hermoso han venido desde Perú con esta beca. Ella, profesora de un instituto, para realizar un trabajo de investigación sobre el lenguaje oral en la etapa infantil para su doctorado; él, profesor de Matemáticas para estudiar los procesos de aprendizaje de los niños en su materia. Ambos prevén aplicar, que “no copiar”, lo que aprendan aquí, porque sus contextos son diferentes. “La vida aquí es fabulosa, pero no devolver la investigación a nuestros países sería muy egoísta”, piensa Hermosa, procedente de Huancavelica, una de las zonas más deprimidas de su país. Ha quedado sorprendido por la cantidad de recursos para la investigación: el acceso a las revistas electrónicas, la posibilidad de sacar libros de la biblioteca (allí se prestan en sala)... “En Perú hay poca oferta para especializarte y por tanto es cara”, argumenta Liz Cristina. La estancia le está sirviendo “para ampliar horizontes, personales y académicos” y asegura que “cruzar el charco” no le ha supuesto “un choque sino una adaptación”. Incluso acude a cursos de catalán de la Universitat. Los tutores valencianos que participan en este programa, lo hacen sin compensación horaria ni económica.

MAGDA R. BROX

Nuevo edificio del MIT realizado por el arquitecto Steven Holl

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ECO-DESIGN

Diseño responsable más allá del reciclaje Se imponen los envases reutilizables, baratos y ecológicos El embalaje que menos contamina es el que no se tira. Al menos no antes de un número razonable de usos. Según este principio, el mundo del diseño de packaging parece haber dado un paso más allá del uso de materiales altamente biodegradables o reciclables, los recipientes reutilizables. No hablamos de dejar la botella de vidrio en la puerta para que el lechero la rellene, aunque dada la enorme cantidad de desperdicios provocados por los embalajes excesivos, sería una buena idea. Un ejemplo de esta tendencia -ya considerada como tal en el reciente libro Create, eating, design and future of food (Gestalten)- es el del tarro de la miel Stanley Honey diseñado por el estudio inglés The Partners. Su etiqueta invita directamente al consumidor a darle nueva utilidad al envase una vez agotado

su contenido: plantar flores para que las abejas urbanas sigan haciendo miel. El chiste tiene un lado serio. Michael Paisley, portavoz de The Partners, comenta que la publicidad ha apelado tanto a la conciencia ecológica del consumidor que la estrategia comienza a perder efectividad. Hay que inventar algo nuevo. "Ya hace unos años que todo es eco y bio, pero siempre haciendo referencia al producto, no al envase, que es lo que más contamina", dice Jaime Victoria, director creativo de la empresa española La Cía Packaging, que lleva más de 10 años diseñando envases para marcas de alimentación. La pionera de lo reutilizable como valor extra en el diseño fue la firma Anya Hindmark en 2007. Su bolso de tela con la frase I'm not a plastic bag (No soy una bolsa de plástico) impresa, se comprometía orgullosamente

La tela y el cristal sustituyen a los materiales desechables

Envase reutilizable Stanley Honey en forma de maceta

a sustituir a las bolsas de supermercado, el objeto que mejor representa la invasión de la que es capaz un contenedor cuando se convierte en desperdicio (sólo se recicla el 10% de las 238 bolsas que un español usa al año). I'm not a paper cup, como su propio nombre indica, tampoco es un vaso de papel aunque lo parece. Es un recipiente de porcelana con tapa de silicona perforada de la marca Decor Craft Inc., pensado para sustituir los vasos desechables de cartón. Su volumen de ventas por Internet ha agotado el stock. Catherine Conway ha comprobado que el consumidor responde y hace un pequeño esfuerzo para reducir su huella ecológica. En Unpackaged, la tienda que abrió en Londres hace un poco más de un año, los clientes llevan sus propios contenedores de casa y compran especias, pasta, arroz o frutos secos al peso. El establecimiento recupera un hábito tradicional perdido que encaja con la alarmante realidad ecológica y con la crisis. Comprar en Unpackaged es más barato y evita la cantidad de plástico y cartón que acompaña Interior de la tienda Unpacked de Londres

los alimentos comprados en supermercados. "No podemos competir con las grandes superficies pero tampoco somos unos hippies. Pretendemos poner nuestro granito de arena para que el uso de envases reutilizables se convierta en algo generalizado", según Conway. Se trata de tímidas propuestas algo utópicas y al margen de la industria, aunque en aumento a pesar de las circunstancias. Según Jaime Victoria, en España somos poco conscientes de las implicaciones ecológicas del diseño de embalaje. "El consumidor español no está acostumbrado al packaging austero y lo reutilizable es el colmo de la austeridad". El diseñador considera las propuestas muy románticas hoy por hoy; sin embargo, cree que representan una solución hacia la que tiende el diseño industrial inteligente y sobre todo responsable.

NEREA PÉREZ

En la londinense Unpackaged los clientes llevan sus contenedores


ECO-DESIGN

España está todavía muy lejos de países referenciales como Dinamarca

Un producto con sensibilidad ecológica tiene a la larga un coste menor

La obra WWW de Vik Muniz refleja el juego planteado

JUEGOS que

conciencian

El diseñador Curro Claret difunde entre futuros profesionales criterios respetuosos con el medio ambiente e imparte talleres por todo el mundo "¿En qué lugar del mundo creéis que se genera más basura?" Un grupo de estudiantes veinteañeros del Centro de Artes Plásticas y Diseño Kunsthal de Irún lanza esta pregunta a un puñado de alumnos de entre 10 y 11 años del colegio San Vicente de Paul, también de la localidad fronteriza. En el suelo del patio de Kunsthal figuran perfilados los cinco continentes con cinta aislante. Los pequeños tienen a sus pies un montón de bolsas con desperdicios y se lanzan a colocarlas allí donde les parece en los improvisados mapas. En toda América, norte, centro y sur, sólo aparece una bolsa, a la altura de EE UU. Oceanía sale peor parada, con tres. "¿Os parece que es una distribución correcta?" El tono de la pregunta hace adivinar a los chavales que algo no han hecho

bien. Se disponen a recolocar las bolsas, cuando una niña interroga mirando a América: "¿Pero éste qué continente es?" "América", responde uno de los alumnos de Kunsthal. La segunda distribución queda algo más acorde con la realidad. Los improvisados profesores felicitan a los pequeños y les invitan a generar la menor cantidad posible de basura y a practicar el reciclaje. El diseñador industrial Curro Claret (Barcelona, 1968), comprometido con la ecología y preocupado por el ecodiseño, supervisó hace unos días esta escena durante el taller que impartió en Kunsthal. Profesor en la Escuela Superior de Diseño Elisava de la capital catalana, ha impartido conferencias y talleres por numerosos países, desde España hasta EEUU, pasando por Dinamarca, Tailandia o el Amazonas brasile-

ño. Sus diseños se han expuesto también en distintos lugares. Claret empezó el taller abordando con los alumnos de Kunsthal cuestiones tan de actualidad como el deterioro del medio ambiente, el agua, la distribución de la riqueza, la globalización, los productos transgénicos,... Y luego les planteó un ejercicio: desde su posición de futuros diseñadores, cómo explicarían estos asuntos a los niños "de una manera lúdica, mediante juegos diseñados o adaptados por ellos mismos". Aunque a paso lento y a veces sólo por "una cuestión de moda", el ecodiseño se va ganando un pequeño hueco en la agenda tanto de los profesionales como de la industria y los políticos. Sin embargo, "España está todavía muy lejos de países referenciales como Dinamarca o Noruega",

apunta Claret. Para avanzar es preciso el concurso de todos, empezando por los consumidores. "Hacer un producto con sensibilidad ecológica exige opciones que no son por las que opta la industria mayoritariamente, lo que influye en el coste inicial. Pero el consumidor debe cambiar el chip y tener en cuenta que a la larga el coste es menor, porque ese producto es más respetuoso con el medio ambiente".

Y. MONTERO

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LIBROS

Un libro revisa la obra del "sembrador de letras" Ricard Giralt-Miracle Joan Brossa definió a su amigo Ricard Giralt Miracle (Barcelona, 1911-1994) como "un sembrador de letras y un jardinero de alfabetos" y, sin duda, el poeta acertó porque aún se siguen recogiendo los frutos que este diseñador gráfico, cartelista e impresor fue diseminando en el imaginario colectivo. Esta semana se ha presentado en el FAD el libro Ricard Giralt Miracle. El diálogo entre la tipografía y el diseño gráfico, del valenciano José Luis Martín Montesinos y durante el acto, que reunió a un centenar de personas, tanto Beth Galí como Enric Jardí, presidentes del FAD y ADGFAD, respectivamente, coincidieron en remarcar precisamente la vigencia de Giralt Miracle entre los diseñadores más jóvenes. El libro, publicado por la editorial Campgràfic, repasa la vida, las influencias y la trayectoria del diseñador. Desde sus trabajos en la editorial Seix y Barral y Aymà en la década de 1950 (entre ellas más de 80 portadas para las obras del belga Simenón, que firmó con el seudónimo M. Tlarig, su nombre al revés, pues estaba inhabilitado para ejercer su profesión por Franco) a la creación del laboratorio Filograf, donde diseñó cubiertas de libros, carteles e impresos de papelería para todo tipo de clientes. Tampoco olvida la creación de sus famosas plaquettes, pequeñas publicaciones que enviaba por Navidad y vacaciones a sus amigos y clientes. O, también, los calidoscopios,

su faceta más artística donde experimentó realizando auténticas creaciones pictóricas al repetir radialmente uno o varios motivos tipográficos.

VARIEDAD El libro concluye con el análisis de los alfabetos que diseñó, como el Maryland, el Helios, el Gaudí (que le valió el premio Delta de Oro de 1962) el Biblos, el Pompeya y el Xènius, entre los años 1960 y 1964, y la Gaya Ciencia en 1973. Son trabajos que muestran “la tremenda variedad de su obra y una personalidad propia, debido a su formación continuada y sus cualidades innatas”, según resaltó Martín Montesino durante la presentación del libro, fruto de su tesis sobre el grafista del que recordó que fue un “auténtico pionero” y, también, una de las personas que más ha inf luido en el diseño contemporáneo en España. Coincidiendo con la presentación del libro se presenta una pequeña exposición en la cripta de la sede del FAD de la plaza de los Àngels, con una muestra de los trabajos tipográficos realizados por Ricard Giralt Miracle que estará abierta sólo hasta el 10 de julio.

J. A. MONTAÑÉS Alfabeto imaginario de Ricard Giralt - Miracle

GRÁFICA DE ESCAPE Un libro recoge la obra menos ortodoxa de los diseñadores españoles Para conocer cómo es el diseño gráfico español actual no es suficiente con tirar de anuarios. Los anuarios suelen recoger los trabajos más representativos y correctos. Pocas veces muestran un ejercicio libre o aquellos diseños que se han hecho con luz verde a la experimentación, es decir, cuando un diseñador hace lo que realmente le apetece. Así que ni lo uno ni lo otro, sino una mezcla de los dos sería lo más aproximado. Un volumen publicado recientemente por Actar busca mostrar cómo son estos otros diseños. Se llama Esc, como la tecla del teclado del ordenador. Y va

acompañado del imperativo ¡Entra en el diseño español! Cuando uno hace caso y se adentra, descubre una serie de trabajos más ricos de lo habitual en detalles gráficos. Ideas muy trabajadas y también ideas frescas y sencillas. Rayadas de una tarde de verano o espléndidas soluciones de bajo presupuesto real o imaginario. Trabajos de escape al día a día profesional. La recopilación de los diseños de este volumen la ha comisariado el estudio Cla-se, la formación que Claret Serrahima decidió montar hace unos años integrada por diseñadores jóvenes y que funciona independiente a

la personalidad de este veterano diseñador. Por eso su nombre va oculto: Cla- de Claret y -se de Serrahima. La selección realizada por Cla-se es muy diversa. Desde estudios consagrados a estudiantes pasando por figuras independientes jóvenes y experimentadas como Base, Vasava, Un Mundo Feliz, Paco Bascuñán, Alex Trochut y Salvador Alimbau. Pero como explica Daniel Ayuso, director de proyectos de Cla-se, se trata de una recopilación un tanto sesgada en el sentido de que la selección de proyectos buscaba mostrar trabajos poco ortodoxos, arriesgados, experi-

mentales y hasta rebeldes. Hay un poco de todo: tipografías hechas con pañuelos palestinos (David Catalán), bodegones gráficos (Serial Cut e Ipsum Planet) o diseño de publicaciones como Fanzine 137 (Albert Folch). Lo más curioso es que, lejos de representar un estilo español, se ve cómo claramente convergen con el estilo internacional que impera en diseño gráfico. El libro, también diseñado por Cla-se, no podía ser de cualquier manera. Una de sus peculiaridades es que ha salido a la calle con tres cubiertas diferentes cuya complicación gráfica va in crescendo. Además, cuenta con

su propio elemento rebelde: un enorme topo inquieto que va trepando en cada hoja en una coordenada distinta. Coincide con la ficha de datos de los diseñadores, así que si se recorta por la línea de puntos funciona como tarjeta de presentación de cada estudio.

TACHY MORA


LIBROS

Diseño gráfico,

DISEÑO ACTIVISTA Si un diseñador gráfico tiene hondas preocupaciones sociales ¿puede transmitirlas a través de su trabajo? Obviamente no, si no quiere quedarse sin encargos. Una cadena de zapaterías que necesite una imagen corporativa difícilmente aceptará un logotipo que encierre un mensaje sobre la violencia contra la mujer. El diseño gráfico, en especial el corporativo, está totalmente ligado al mundo empresarial y comercial. Los diseñadores gráficos pocas veces, por no decir nunca, elaboran mensajes con un contenido de denuncia social, a no ser que formen parte de un briefing. Aquellos que sienten la necesidad vital de poner un contrapeso y mostrar su compromiso lo hacen, pues, por amor al arte: por puro activismo social gráfico. Los miembros del colectivo madrileño Un Mundo Feliz, dirigido por Sonia Díaz y Gabriel Martínez, son de los pocos diseñadores gráficos que en España realizan este tipo de gráfica-denuncia. Recientemente acaban de publicar el libro Pictopía (editado por Promopress), que reúne hasta 400 pictogramas e ilustraciones de libre reproducción y 200 pequeñas películas disponibles en un compacto que el libro lleva adjunto. Son trabajos libres en los que, si bien el mensaje gráfico es importante, también lo es el pie de foto que los acompaña. Con ellos muestran su posición ante temas como la violencia, el racismo, los derechos de los homosexuales, los presos de Guantánamo o el terrorismo. Fue en el momento de la entrada de España en la guerra de Irak cuando su activismo gráfico dejó de ser anecdótico. Desde entonces, Sonia Díaz y Gabriel Martínez llevan una especie de doble vida profesional. Por un

lado, tienen su estudio de diseño gráfico en el que, bajo la denominación LSD space, desarrollan su trabajo comercial cumpliendo con los encargos de sus clientes: logos, carteles, diseño editorial o packaging. Luego está Un Mundo Feliz, en honor de la obra literaria de Aldous Huxley. Una ONG gráfica, como la denomina Martínez, que les da muchas satisfacciones emocionales pero ni un duro. Es más, financian sus guerrillas gráficas con dinero de su bolsillo. Cuando trabajan como LSD, hay detrás un cliente y un briefing. Cuando se transforman en Un Mundo Feliz, no hay cliente ni briefing, sólo un ciudadano más que quiere expresar sus opiniones y denunciar aquello que considera injusto. Con la peculiaridad de que utilizan su destreza gráfica para expresar lo que otros sólo pueden hacer con palabras. En España es necesario llevar esta doble vida profesional para poder ejercer activismo gráfico. En otros países, como Francia, Alemania o Estados Unidos, estos diseñadores cuentan con apoyos. Algunos hasta tienen una columna gráfica en un periódico, como los holandeses De Designpolitie en la publicación De Volkskrant. Generalmente son diseñadores ligados a la producción cultural o que dan clase: éste es el caso de Sonia Díaz y Gabriel Martínez. Nombres como Alex Jordan, de Nous Travaillons Ensemble, Teresa Sdralevich o Alain Le Quernec, quien participa en el prólogo de Pictopía, forman también parte de los profesionales más relevantes de este tipo de activismo gráfico.

TACHY MORA

Impactante pieza obra del colectivo “Un mundo feliz”

El libro 'Pictopía' recoge las inquietudes sociales del colectivo Un Mundo Feliz

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ESTILOS

REVISTA de REVISTAS GRAFIK

No existen muchas revistas sobre diseño gráfico en el mundo, al menos no tantas como de moda o de diseño industrial. No obstante, pese a tener más dificultades para financiarse que el resto de publicaciones, hay algunas que pueden presumir de llevar décadas mostrándonos el trabajo de diseñadores de todo el mundo. No parece poco, ¿no?

GRAFIK Es una revista independiente, que no es decir mucho, pues la mayoría de publicaciones sobre diseño gráfico lo es. Su base está en Londres. Es mensual y los números enfocan sobre un tema monográfico.

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VISUAL

De origen japonés. Es la más preciosista entre las preciosistas. Ella misma experimenta con su propio diseño. La selección de trabajos que publica es verdaderamente insólita. También resulta insólita porque aprovecha el espacio de cada hoja hasta el último milímetro.

VISUAL El próximo año cumple su 20º aniversario. Es la publicación con más solera sobre diseño gráfico que hay en España. Crítica y mordaz, como su propio director, Álvaro Sobrino. Como la recién llegada Étapes, en su último número también dedicaba un amplio artículo a Alex Trochut.

PRINT

PRINT Una de las más veteranas. Desde 1940 llega cada dos meses a los quioscos estadounidenses. Ahora, también a Europa. Aborda los temas desde una perspectiva cultural y crítica. Publica anualmente un especial dedicado a jóvenes talentos.


ESTILOS

Nace una publicación

especializada

Portadas de la revista Pasajes de Diseño

La revista Pasajes de Arquitectura y Crítica ha parido un hijo. Se llama Pasajes Diseño y tiene el mismo formato grapado que la publicación de arquitectura. ¿Por qué sobre diseño? Pues además de por su conexión con la arquitectura porque "ser incondicional del diseño es estar de parte de la mejora del presente y de la llegada del futuro", según proclama en su primer editorial. Su contenido promete versar con una perspectiva innovadora sobre

diseño industrial, de interiores y gráfico, aunque en su número cero aparecido este mes poco o nada hay de grafismo. La revista aborda el diseño desde una perspectiva internacional alejándose de lo meramente comercial e indagando en diseñadores, productos y proyectos de interés por su concepto o su desarrollo. Será mensual y tiene un precio de venta al público de 3,90 euros. Y su primer número, de abril, está a pun-

to de salir a la calle. Mientras tanto se puede ir ojeando el número cero, cuya portada se reproduce aquí. La publicación incluye proyectos como el colorista interior de una clínica de estética en Florencia diseñada por Michael Young y Katrin Olina, así como los últimos proyectos comerciales del paulista Isay Weinfeld o la espectacular Casa de Metacrilato del arquitecto Takeshi Hosaka en las inmediaciones de Tokio. Vista interior de la revista Pasajes de Diseño

De lo volátil a lo permanente Llega a España 'Étapes', prestigiosa revista francesa de grafismo Con una portada diseñada por Alex Trochut, el diseñador gráfico revelación de los últimos tiempos, llega a los quioscos de la mano de la editorial Gustavo Gili la primera entrega de la versión en castellano de la revista Étapes. Una publicación sobre diseño que desde su aparición en 1994 se ha visto como una referencia, también al sur de los Pirineos, de todas las cosas gráficas; el diseño y la cultura visual, el cartelismo, la fotografía contemporánea o el arte urbano. "La revista nace con la vocación de ser consumida con tiempo, porque no es un producto volátil, sino para conservar", explica la editora de la versión española de la publicación, María Serrano. "Se dirige tanto a un público especializado y muy exigente como al general, porque los artículos tienen un estilo divulgativo". Estilo que en su número inaugural se emplea para convertir en manifiesto el mensaje gráfico formulado para la ilustración de portada por el joven tipógrafo e ilustrador Alex Trochut, cuyo trabajo levanta más pasiones que una estrella de rock. Trochut, de 26 años, es nieto del impresor Joan Trochut, quien creara en los años cuarenta el Súper Tipo Veloz. Su exuberante manera de trabajar la tipografía y sus ilustraciones han

enamorado hasta a los Rolling Stones. "Old is cool", lo viejo mola, dice Trochut haciendo referencia a la vieja escuela y a las fuentes anteriores a la posmodernidad. La afirmación de Trochut resume la declaración de intenciones de la revista. Una vindicación de todo aquello cuyo valor es intemporal y trasciende el mero gesto de la moda. "Significa voluntad de permanencia frente al consumo volátil de los productos culturales que se ha convertido en una norma", dice la publicación en su primer editorial. A estas intenciones sirve también el formato de la revista, que es en realidad un libro y cuesta como tal (casi 20 euros). La primera entrega ofrece, junto con contenidos específicos locales ("los artículos de tema español deberán tener un interés amplio, porque el espíritu de esta publicación es transfronterizo, algo lógico en un mundo tan globalizado como el actual", aclara Serrano), una selección de artículos de la edición madre traducidos al castellano sobre tipografía, packaging, ilustración, fotografía y figuras históricas como Paul Rand. También hay lugar para la exquisita forma de ver la literatura de la editorial, sello del escritor estadounidense Dave Eggers, la desaparición por motivos de edad de los autores más clásicos de los

carteles de Bollywood o la inabarcable variedad de envases que se puede encontrar en un conbini, tipo de tiendas japonesas que permanecen abiertas las 24 horas del día y donde se puede comprar desde chupa-chups para perros a un cosmético de lujo que ahora se vende como... ¡refresco! TACHY MORA ISRAEL PUNZANO

Detalle de portada del primer número de la revista Étapes

Interior de la revista Étapes

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Índigo  

Revista dedicada al mundo del diseño en formato A3

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