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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 31 / Febrero 2015


Editorial

espués de estar cerrado desde hace más de una década, el Real Hospicio del Ave María y San Fernando, uno de los edificios más emblemáticos de Madrid, abrió sus puertas el pasado mes de diciembre esta vez como Museo de Historia de Madrid. Con este flamante museo se recupera para la ciudad un edificio que ha sido a lo largo de la historia víctima de todo tipo de escarnios y avatares. Fue víctima de las mordaces y crueles críticas realizadas por el gran cronista de la villa Mesonero Romanos, se salvó del derribo de puro milagro y más recientemente, su fachada ha sido infinidad de veces víctima de todo tipo de actos vandálicos. Afortunadamente, todo aquello quedó en el olvido y, contra todo pronóstico, el viejo hospicio se ha convertido en el guardián de una parte del importante legado histórico y cultural de la ciudad de Madrid. Por este motivo, hemos dedicado el tema central de este número a este edificio por el que nos asomamos ya desde la portada de esta revista con la ilustración realizada por el artista Pedro Sega, comenzando así nuestro recorrido por Madrid y su comunidad.

D

Ramón Rivas

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Sumario

NOTICIAS

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8

Reportaje. DE HOSPICIO A MUSEO

16

Madrid Comunidad. EL CASTILLO DE AULENCIA

30

Madrid Natural. EL BUITRE LEONADO

34

Viajar. CORNEXIÓN NORUEGA

42

Personajes. ADÁN BLACK

48

Arte. GIL GIJÓN

58

Fotografía. ÁLVARO LAIZ

70

Cine. 29ª EDICIÓN PREMIOS GOYA

84

Escena. OBRAS EN CARTEL

90

Música. VARGAS BLUES BAND

96

Libros

100

Héroes en silencio. LEOPOLDO PÉREZ

102

Tiendas. 99 DESIGNERS SHOP

106

Comer. VIVA MADRID

110

AGENDA

118


16 30 48 58 70 96

Reportaje. DE HOSPICIO A MUSEO

Madrid Comunidad. EL CASTILLO DE AULENCIA

Personajes. ADÁN BLACK

Arte. GIL GIJÓN

Fotografía. ÁLVARO LAIZ

Música. VARGAS BLUES BAND

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual

ES Madrid NO MadriZ

web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com

Magazine

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

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Número 31 / Febrero 2015

COLABORADORES Antón Pérez

Magazine

Carmen Martínez de Artola Marco Alom Ócar Bethencourt Pilar Sarro

IMAGEN DE PORTADA:

MAQUETACIÓN

Diseño para EMNMM cortesía de Pedro Sega www.pedrosega.es

Maite Rivas

FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

AGRADECIMIENTOS Visita nuestra fanpage en Facebook o síguenos en Twitter

Aires News RV Edipress Museo Municipal de Madrid Ayto. Villanueva de la Cañada Pedro Sega Ifema Avalon Borderline Music

Es Madrid no Madriz Magazine es una publicación independiente y mensual, editada en Madrid (España), orientada a la cultura, el ocio y el espectáculo.

Óscar Izcara Ayto. Covarubias Turismo de Burgos

Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846

Ministerio de Educación y Cultura

Apdo. Correos 14.544

Comunidad de Madrid

28080 Madrid (España)

Bar Villa de Verín

Si deseas colaborar y formar parte de nuestro equipo o dar a conocer tu trabajo, visita www.esmadridnomadriz.com para más información. ADVERTENCIA El contenido de esta publicación está protegido por copyright. Todas las imágenes y textos publicados en Es Madrid no Madriz Magazine son propiedad de sus autores y están sujetos a copyright. Ninguna imagen o texto puede ser reproducido, editado, copiado o distribuido sin el expreso permiso de sus propietarios legales. Es Madrid no Madriz Magazine no se hace responsable de las opiniones vertidas y de los puntos de vista expresados por las personas que aparecen en este número.

Ayuntamiento de Madrid


ARCO 2015

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La Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid demuestra cada año su ímpetu y audacia a la hora de rastrear los últimos gritos en arte contemporáneo. Una de las citas más importantes a nivel mundial con los creadores más innovadores y reconocidos especialistas del sector. La feria sirve como termómetro de las últimas tendencias artísticas del planeta en una cita que cada año convoca a más de 150.000 visitantes de todas las nacionalidades y cuya celebración convierte a Madrid por unos días en ineludible foco de atención de artistas, galeristas, comisarios y coleccionistas. La 34ª edición de Arco Madrid, que se celebrará entre el 25 de febrero y el 1 de marzo de 2015, pondrá el foco en Colombia, que será el país invitado, e intentará acercar a Madrid la producción artística contemporánea de este mercado emergente. Colombia se está convirtiendo en un punto clave para el arte no solo en Latinoamérica sino en el resto del mundo, experimentando en la última década un boom con el nacimiento de nuevas galerías de arte, museos públicos y privados, ferias de arte, bienales, espacios culturales impulsados por artistas, coleccionistas y comisarios, instituciones dedicadas a las artes plásticas y casas de subastas.

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En esta edición de ARCOmadrid 2015 servirá de puente privilegiado entre Europa y América Latina. Galerías de arte, coleccionistas, comisarios y directores de museos de ambas regiones tendrán la oportunidad de compartir información y establecer diálogos e intercambios creativos: nuevas galerías de Francia, el norte de Europa o Italia serán capaces de conocer a profesionales de Brasil, Perú o México; mientras que las galerías de Argentina, Brasil y #ArcoColombia intercambiarán ideas con directores de museos de Berlín, Londres o España. Además, continuando su línea de investigación de artistas y de su obra, ARCOmadrid vuelve a dar cabida a las presentaciones individuales o en diálogo en sus diferentes programas. Así, más de 100 artistas serán presentados bajo este formato fomentando investigaciones que reforzarán, el rol de ARCOmadrid como plataforma de apoyo a la creación.

ARCO Del 25 de febrero al 1 de marzo de 2015 Visita profesional: Miércoles 25 y jueves 26, de 12 a 20 h. Abierto al público: Viernes 27, sábado 28 y domingo 1, de 12 a 20 h.


Noticias Gastrofestival, la gran cita de la gastronomía y la cultura

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En Madrid todo el mundo es bienvenido. Por supuesto, la máxima también es aplicable a la gastronomía. De hecho, a juzgar por la diversidad de la oferta presente, quizás sea el asunto culinario lo que mejor responda a esa expresión. Pintar el actual panorama hostelero resulta una empresa titánica, más aún ante la vitalidad de la que está haciendo gala el sector en los últimos años. Los exploradores gastro, ya firmen en blogs especializados, medios generalistas, revistas de estilo de vida o ya sean anónimos bon vivants, llevan meses corriendo arriba y abajo para seguir las novedades hosteleras y los place to be entre tanta e interesante apertura. Y Gastrofestival, evento integral promovido por Madrid Fusión y el Ayuntamiento de Madrid a través de Madrid Destino, tiene el doble objetivo de dinamizar el consumo en los sectores de alto valor añadido de la hostelería y la restauración así como fomentar la cultura gastronómica en Madrid, en la que encuentra una de las ofertas culinarias más atractivas y diversas del mundo. Durante más de dos semanas, más de 400 establecimientos madrileños participan en este evento pensado para disfrutar la gastronomía con los cinco sentidos. Restaurantes, coctelerías, escuelas de cocina, tiendas gourmet, de ropa y complementos, instituciones culturales, galerías de arte y museos forman parte de un completo programa compuesto por seis grandes categorías: Madrid Gastronómico, Experiencias Sensoriales, Gastrocultura, Gastrofashion, Gastrosalud y Diseño y Gastronomía ofrecerán propuestas y actividades para todos los gustos y bolsillos. Dentro de las experiencias sensoriales encontraremos ópera en vivo con un buffet salado, un concierto de jazz con degustación de quesos, instalaciones efímeras. El programa gastrocultural incluye en esta VI edición un variado catálogo de las últimas tendencias cinematográficas ligadas a la gastronomía, los menús de García Márquez y el acercamiento total de comida y arte en los museos de la ciudad. Madrid Gastronómico permitirá a madrileños y visitantes acercarse a la gastronomía de la capital desde todos los puntos de vista posibles, desde tapas y botellín de Mahou por 3 euros a menús

GASTROFESTIVAL MADRID Del 31 de enero al 15 de febrero www.gastrofestivalmadrid.com

exclusivos por 40 euros, sin olvidarnos de auténticas experiencias gastronómicas en los Mercados de Madrid. Moda y Gastronomía se unen en Gastrofashion donde podremos ver de cerca la más que consolidada relación entre la moda y la gastronomía. En las actividades de Gastrosalud se podrá comprobar que es más que posible comer sano, y en Diseño y Gastronomía invitarán a comer sombreros. Gastrofestival es una oportunidad única para descubrir las últimas tendencias gastronómicas así como la estrecha relación entre literatura, pintura y arte en general con la gastronomía pero es, sobre todo, una oportunidad para descubrir una ciudad que respira cultura gastrónomica por los cuatro costados. Calles con olores a guisos de toda la vida y otras con los aromas que emiten los restaurantes que han puesto Madrid en la cima de la gastronomía mundial. Madrid es infinita y Gastrofestival demuestra que el arte de comer y beber es universal, para todos los bolsillos y, quizá, lo mejor de toda una vida.

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Franqueados 0.15

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FRANQUEADOS es un proyecto generado por el espacio de arte independiente LaCasaFranca, entidad que lleva años incitando un cambio perceptivo en la forma en la que el arte y la cultura es entendida en España, más concretamente en Madrid. LaCasaFranca apuesta por un cambio necesario en el sector del arte y aboga por erigirlo desde la sinceridad en la praxis de las dinámicas culturales. Rutas guiadas

Franqueados vuelve un año más para dar a la ciudad de Madrid una alternativa cultural estimulante y divertida de la forma más novedosa. Durante 10 días de febrero, y coincidiendo con las ferias más importantes de Arte en España (ARCO Madrid, JustMAD, ArtMadrid), convertimos Madrid en un enorme recorrido de arte. 25 escaparates de comercios repartidos por los barrios de Malasaña, Chueca y Conde Duque expondrán la obra de otros tantos artistas para el disfrute de los viandantes. El slogan de Franqueados es: “la ciudad es nuestraaaa”. FRANQUEADOS es un evento definido por tres principios fundamentales: CALIDAD. su máxima es la calidad artística. La selección de obras se hace atendiendo a la calidad física y conceptual de la pieza, sin importar la temática, disciplina, nacionalidad del artista, edad o reconocimiento. ACCIÓN. Traslada el arte al espacio cotidiano de la gente, la calle, e involucra a los artistas y a los comercios para que participen activamente del evento y de las actividades en paralelo, como charlas o rutas guiadas. COHERENCIA. La idea que FRANQUEADOS promueve se construye sobre la necesidad de una cultura y una difusión gratuita sin negar una sostenibilidad económica artística, la visibilidad de talentos ocultos junto con otros consagrados y una cercanía real y viva con el público. Con todo esto FRANQUEADOS logra una interacción hábil entre sociedad, cultura y comercio.

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Amplia programación de recorridos con guía por parte de varios monitores especializados en historia del arte y didáctica. Las rutas comenzarán desde la entrada del Centro de Arte Conde Duque, podrán verse horarios, guías y recorridos en la página web de Franqueados 0.15. Encuentros con artistas Las charlas con los artistas participantes son uno de los grandes estímulos para el público, que no sólo podrá presenciar gratuitamente las conferencias sino que tendrán la oportunidad de preguntar directamente al autor acerca de cualquier duda. Estos encuentros se organizan en una dinámica de conferencias individuales de unos 10 minutos por artista en donde hablará de su producción, proceso creativo e inquietudes, y una ronda de preguntas. Fiesta FRANQUEADOS 0.15 Como en ediciones anteriores nos gusta reunirnos con todos los participantes de este gran festival y celebrarlo juntos. Música a cargo de un Dj invitado, copas, amigos y nuestra entrega de premios de los diferentes seleccionados en las categorías del concurso Franqueados 0.15. Sala de conciertos Café La Palma. Jueves 26 de febrero, de 20:00 a 1:00h.

Fechas: 19 al 28 de Febrero Zona: Malasaña, Chueca y Conde Duque (Madrid) Precio: todo el evento es gratuito para el público. Número de escaparates: 25. www.franqueados.es


Art Madrid 2015. 10 años de Arte Contemporáneo

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Art Madrid cumple 10 años compartiendo con los profesionales del arte y con todo el público lo mejor del arte contemporáneo y emergente de nuestro país. Por esto, Art Madrid´15, edición que se celebra entre el 25 de febrero y el 1 de marzo de 2015, será muy especial, con más galerías, más propuestas y más arte que nunca. Tras el éxito obtenido en la pasada edición de 2014, en la que convocó a cerca de 20.000 visitantes, arranca Art Madrid´15 con el mismo equipo, el mismo entusiasmo y en el mismo magnífico escenario, la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles, para convertir, un año más, el corazón de Madrid en hervidero cultural y artístico durante la Semana del Arte. Art Madrid’15 contará con unas 50 galerías nacionales e internacionales dedicadas a la pintura, la escultura, la obra gráfica, la fotografía o el vídeo-arte del siglo XX en adelante que participan en dos programas diferenciados: el Programa General, destinado a galerías del ámbito nacional e internacional especializadas en arte contemporáneo y emergente, sin olvidar algunas referencias a las vanguardias históricas; y el programa One Project, selección comisariada para la difusión y promoción de proyectos inéditos, multidisciplinares y específicos. Art Madrid se reafirma como una feria realista, dinámica, abarcable y humana y mantiene su programa de actividades paralelo, un programa que acerca el arte contemporáneo a todos los públicos, sean recién iniciados en el mundo del arte como profesionales del galerismo y el coleccionismo. Art Madrid´15 sigue apostando por el trabajo en equipo y la colaboración con diversas instituciones y agentes culturales de nuestra ciudad, sinergias esenciales para que este décimo aniversario sea inolvidable.

ART MADRID Del 25 de febrero al 1 de marzo www.art-madrid.com

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61ª edición de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid

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-3 ya presentes en ediciones anteriores y 6 nuevos-; la presencia de la diseñadora turca Lug Von Siga, en el marco del premio Mercedes Benz Fashion Talent, y el desfile del diseñador Gómez, abriendo el calendario del desfiles del día 11, como ganador de la tercera edición del premio Samsung EGO Innovation Project. Junto a todo ello, destaca la cifra récord de marcas patrocinadoras en esta edición, con un total de 22 marcas líderes en sus respectivos sectores.

Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (MBFWM), organizada por IFEMA, y considerada el mejor exponente de la moda española y su diversidad creativa, celebra del 6 al 11 de febrero su 61ª edición y sus primeros 30 años de trayectoria. Durante seis días, la Moda con mayúsculas volverá a ser la gran protagonista de este evento, que se desarrollará como es habitual en el pabellón 14.1 de Feria de Madrid. En esta ocasión, la pasarela acogerá las propuestas para el Otoño-Invierno 2015/16 de 41 creadores españoles y, como novedad, de tres destacados diseñadores portugueses, que participan en esta plataforma en el marco de la iniciativa Portugal, País Invitado. Junto a los 44 creadores y marcas con desfile indicados, quince talentos emergentes del diseño exhibirán sus propuestas en el Showroom de SAMSUNG EGO, en el CIBELESPACIO, con venta directa al público. Novedades de esta edición En el capítulo de novedades de esta convocatoria en la que la gran pasarela española cumple 30 años, destacan la incorporación de los diseñadores The 2nd Skin Co., Leandro Cano y Esther Noriega, y la presentación de Portugal, como País Invitado, con un desfile triple en el que mostrarán sus colecciones tres importantes creadores lusos: Miguel Vieira, Anabela Baldaque y Júlio Torcato. Ya en la jornada de SAMSUNG EGO resultan relevantes la participación de 9 jóvenes talentos españoles del diseño

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Asimismo, al igual que en la anterior edición, MBFWM mantiene la apertura de la pasarela a la ciudad. Sus desfiles se retransmitirán en las pantallas situadas en multiespacio de ocio gastronómico Platea Madrid, en la plaza de Colón. Del mismo modo, esta edición de MBFWM coincidirá con Momad Metrópolis, Salón Internacional de Textil, Calzado y Complementos -del 8 al 10 de febrero- la gran feria multisectorial de Moda en España, donde se reúnen más de 900 empresas de textil, calzado y complementos. Por tercera vez consecutiva, ambos eventos, organizados por IFEMA, coincidirán en fechas y lugar de celebración, con el objetivo de continuar generando sinergias con compradores y prensa nacional y extranjera, y reforzar a Madrid como uno de las principales capitales de la moda. Su celebración conjunta permitirá ofrecer al profesional visitante la mayor plataforma dedicada a la Moda de la Península Ibérica. Tres destacadas incorporaciones Esta edición de MBFWM incluye tres destacadas incorporaciones (The 2nd Skin Co, Leandro Cano y Esther Noriega) que aportan valor y riqueza creativa a esta plataforma. The 2nd Skin Co es una firma de moda creada por Antonio Burillo y Juan Carlos Fernández, ambos con largo recorrido en el sector textil. Afines por una complementariedad estética y socios por una pasión, pusieron esta empresa en marcha en el 2006, que se caracteriza por ofrecer una versión contemporánea de un lujo cercano y versátil, apto para un amplio rango de mujeres, con distintos gustos y estilos de vida, pero atraídaspor la sofisticada sencillez de sus diseños. Entre los personajes que han llevado sus creaciones, destacan internacionalmente Jennifer López, Adeleide Kane, Jamie King, Jennifer Morrison, Erin Richards y Bella Thorne, entre otras, y


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en España, Eugenia Silva, Eva González, Lola Marceli, Isabel Preysler, Carolina Bang y Natasha Yarovenko, entre otras. Por su parte, Leandro Cano pertenece a la generación de jóvenes procedentes de la pasarela SAMSUNG EGO, que con una corta trayectoria ha demostrado ya su elevado talento creativo dentro y fuera de nuestras fronteras. Jienense de nacimiento, su nombre es ya conocido en las pasarelas de Zagreb y Berlín. En esta última resulto ganador del certamen “Designer for tomorrow”, que le permitió tener como mentor a Marc Jacobs en la producción de una nueva colección realizada en cuero, plástico, pelo y cerámica. Gran parte de sus diseños se encuentran actualmente expuestos en un museo en Francfort, junto a creaciones de prestigiosos diseñadores internacionales como Margiela o McQueen. En febrero 2014 presentó en MBFWM la colección 083º como ganador de la primera edición del premio Samsung EGO Innovation Proyect. Recientemente ha sido galardonado con el premio Dedal de Oro 2014 y nombrado finalista de los Premios Nacionales de la Moda que otorga el Ministerio e Industria en la categoría de Joven Valor. Esther Noriega es una joven diseñadora afincada en Valladolid, que antes de crear su propia firma, pasó por los talleres de Amaya Arzuaga, Petro Valverde y Pronovias. Los elementos de costura en las prendas del día a día y un cuidado patronaje para resaltar la silueta femenina son los principales rasgos que definen sus creaciones. En las últimas temporadas ha presentado colección en el calendario off de MBFWM. Tres diseñadores con tres concepciones distintas de la moda, pero en todos los casos llenas de actualidad, creatividad y buen hacer, que respaldan y refuerzan el objetivo de MBFWM de reunir en sus convocatorias, como viene ocurriendo desde hace casi tres décadas, a los más relevantes nombres de la moda española en cada momento.

La creación en febrero de 1985 de la Pasarela Cibeles, hoy denominada Mercedes-Benz Fashion Week Madrid y organizada por IFEMA, sirvió para sentar las bases de la creación y el diseño en España y, al mismo tiempo, para promocionar y dar a conocer el talento emergente en nuestro país. En todo este tiempo, cada edición de la pasarela española ha supuesto un paso adelante en su evolución, mostrando siempre innovaciones, que han aportado singularidad y han permitido enlazar con acierto, tradición, presente y futuro, sin perder la perspectiva de la creatividad, la sofisticación y la modernidad, que la han caracterizado desde sus inicios. En definitiva, su existencia ha forjado con éxito la trayectoria de la Moda española, promocionando sus valores más destacados y poniendo de manifiesto la diversidad creativa del país Además, la pasarela ha servido para desarrollar a lo largo de estos años en España una cultura fuerte de moda, a la altura de la de otros países con mayor tradición en este ámbito. Por todo ello, Madrid y su pasarela MercedesBenz Fashion Week Madrid son el gran símbolo de la moda española dentro y fuera de nuestras fronteras y punto de referencia clave del diseño español en el mundo. Hasta el momento, son cerca de 300 los diseñadores españoles que han presentado sus colecciones en ella desde su creación en el año 1985. Cerca de 45.000 visitantes en la 60ª edición En septiembre 2014, la 60º edición de la pasarela madrileña recibió 44.897 visitantes -entre compradores, prensa e invitados-. Asimismo fue seguida por cerca de 1.200 profesionales de la comunicación, de los que cerca de un centenar fueron extranjeros, procedentes de Alemania, Francia, Italia, Reino Unido, Rusia, Turquía, Portugal, Eslovaquia, Bulgaria, Estados Unidos, Colombia, Chile, Venezuela, Perú, México, Brasil, Argentina, China, Korea y Hong Kong.

30 años de pasarela La pasarela cumple 30 años. Tres décadas de trayectoria, en las que la pasarela madrileña ha venido demostrando ser la plataforma de promoción indispensable para el sector de la moda española en su conjunto, convirtiendo a Madrid en una de las grandes capitales internacionales de la moda.

En la presente convocatoria, IFEMA también ha organizado un programa de prensa invitada extranjera, que permitirá atraer a la pasarela de moda española a una destacada selección de periodistas de importantes publicaciones internacionales.

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El Museo Sorolla amplía su colección

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características, también vestida de negro sobre fondo claro. El valor de esta adquisición ha sido de 135.000 €. Retrato de Don Juan Antonio García del Castillo El lienzo, realizado en 1887, representa al cuñado y amigo del pintor, al que va dedicado: “A mi querido amigo Tono”. Ambos fueron condiscípulos en la Escuela de Bellas Artes de Valencia. El elegante joven aparece vestido con el traje de etiqueta que llevó en su boda con María Banús. Tanto en la técnica como en las referencias visuales, el retrato muestra el interés de Sorolla por las últimas tendencias en el género. La figura, de nítido dibujo en el rostro, utiliza su mejor carácter pictórico en el tratamiento de tonalidades del traje negro y en el fondo claro que inunda de luminosidad el cuadro y que recuerda a la retratística de Emilio Sala y la estética fin de siglo. Otras obras de Sorolla en depósito Igualmente se han presentado otros cinco cuadros de Sorolla que recientemente han sido depositados en la institución por varios coleccionistas particulares y que permanecerán expuestos temporalmente en el Museo.

Retrato de Don Juan Antonio García del Castillo

El pasado mes de enero el director general de Bellas Artes y Bienes Culturales, y de Archivos y Bibliotecas, Miguel Ángel Recio, ha presentado en el Museo Sorolla la obra de Joaquín Sorolla y Bastida, Retrato de Don Juan Antonio García del Castillo recientemente adquirida por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte para el Museo. El lienzo, expuesto al público hasta el 1 de febrero, será sometido a un tratamiento de conservación y restauración. Esta obra enriquece la importante colección de retratos familiares que conserva el Museo, y se relaciona especialmente con el retrato que Sorolla hizo en 1890 a Clotilde, su mujer y hermana del retratado, de similares

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Los lienzos El bote blanco. Jávea; Sombra del Puente de Alcántara. Toledo; y Playa de Valencia, procedentes de una colección privada estadounidense, depositados en el Museo Sorolla en la exposición “Sorolla y Estados Unidos”. Después se incorporarán a la exposición “Sorolla en París” que se celebrará sucesivamente en la Kunsthalle de Munich, el Musée des Impressionnismes de Giverny y finalmente en el propio Museo Sorolla. El bote blanco. Jávea (1905) pertenece a uno de los momentos más apasionantes de la obra de Sorolla: el verano en que pinta deslumbrado por la limpieza de las aguas de Jávea y la intensidad de los colores que adquieren los reflejos sobre el fondo oscuro de las rocas: su paleta se enriquece con verdes, turquesas o anaranjados insólitos en su producción, y azules ultramar particularmente profundos, y el pintor se apasiona con el desafío de pintar bajo las aguas transparentes el doble movimiento de los cuerpos infantiles que juegan y de las olas que descomponen y recomponen sus siluetas.


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Después del baño

Sombra del Puente de Alcántara. Toledo (1906) es un magnífico ejemplo de la táctica con que Sorolla escoge sus encuadres para poner al espectador ante un espectáculo de pura pintura: eliminando el cielo y el horizonte, el lienzo se cubre de largas y rápidas pinceladas cargadas de color que nos hacen disfrutar con el placer mismo de la imagen casi abstracta de luces y reflejos, antes de permitirnos reconocer el motivo representado, la sombra del puente -que no está en la propia imagen-, proyectándose en el agua del rio que fluye: el objeto representado por su sombra en un medio transparente y en movimiento es una vuelta de tuerca en el proceso que tanto apasionaba a Sorolla: el de convertir los objetos en efectos visuales. Playa de Valencia (1908) fue pintado durante el verano y forma parte de un conjunto de obras con el tema de barcas y muchas figuras en la playa. Reúne algunos de los temas favoritos de Sorolla: las airosas siluetas de las velas, el bullicio de los niños jugando entre las olas, el brillo de los cuerpos empapados, los reflejos en el agua. Motivos y escenas estudiadas con anterioridad pero que ahora plasma con mayor virtuosismo y que resuelve con un estudio de la totalidad del conjunto. Las obras Después del baño y Elena en la Playa, también procedentes de una colección privada, han sido depositadas por un periodo de 5 años en el Museo Sorolla de Madrid.

Playa de Valencia

Después del baño (1892) es una pieza excepcional, especialmente importante para el Museo, ya que tanto por su tipología, un desnudo, como por su fecha de ejecución, llena un hueco en la colección, que carece de obras de entidad de la primera época de Sorolla. Es seguramente su mejor desnudo académico, en la línea de evocación idealizada de la antigüedad clásica cultivada en las mismas fechas por algunos pintores célebres como Lawrence Alma Tadema. Junto a la impecable corrección académica del dibujo, llama la atención el alarde técnico con que Sorolla matiza distintas texturas y blancuras de la piel, el mármol y la tela. Elena en la playa (1909) entra en la categoría de retratos de familia, en este caso de su hija menor. Como el anterior, cubre un vacío en la colección del museo, que carece de retratos individuales de Elena (si exceptuamos uno, Elena con una muñeca, que la representa con dos años). Este es contemporáneo del Paseo a la orilla del mar, que se muestra en la misma sala y al que parece completar (el Paseo a la orilla del mar representa a Clotilde con la hija mayor, María). Ambos pertenecen al momento de plenitud de la carrera de Sorolla, cuando tras el formidable éxito de crítica y público en su periplo norteamericano, pasa el verano junto a su familia en Valencia, en cuya playa realizará algunos de los cuadros más logrados, personales y representativos de su carrera.

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Reportaje

De Hospicio a Museo


El pasado mes de diciembre se reinauguró, tras casi una década de obras, el Museo de la Historia de Madrid en el viejo Real Hospicio del Ave María y San Fernando, un edificio del siglo XVIII, obra de Pedro de Ribera que destaca por su fachada barroca de estilo churrigueresco, considerada obra cumbre del arquitecto y joya del barroco madrileño. Pese a que este estilo fue objeto de crítica y mofa ya desde su construcción, es uno de los elementos más llamativos y característicos del edificio. Texto y Fotos: Ramón Rivas

HISTORIA DE LA INSTITUCIÓN El origen de esta institución se remonta a la regencia de Mariana de Austria gracias a la iniciativa de la Congregación del Ave María. Nació con el fin de crear un registro de personas sin hogar para darles cobijo, con especial interés en las personas que padeciesen trastornos psicológicos, pues eran consideradas como un peligro social. De las 1.900 personas censadas en aquel momento, sólo 800 fueron consideradas como verdaderamente necesitadas y merecedoras de auxilio. El hospicio, fundado en 1668, en su origen ocupaba unas casas de la calle de Santa Isabel hasta que se trasladó definitivamente al solar de la calle Fuencarral en el año 1674. Del primitivo edificio solamente se conserva la capilla, ya que en 1722 fue renovado casi en su totalidad durante las reformas impulsadas por el marqués de Vadillo.

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El edificio que actualmente se conserva es obra de Pedro de Ribera. Se trata de una construcción muy popular en Madrid que destaca por su colorida fachada y en la que llama la atención los escudos de armas de Galicia, Castilla, Toledo, Granada y Aragón, entre otros, situados en los balcones aunque lo más sobresaliente es la portada barroca que sirve de acceso al edificio. Fue realizada en 1724 y está tallada en granito, cuenta con numerosos detalles, como el escudo de armas reales situado en el nicho central, así como la imagen de San Fernando situada encima del escudo. La portada está considerada como una joya del barroco madrileño, aunque personajes como el cronista Mesonero Romanos fue uno de los mayores críticos con este estilo arquitectónico. Hasta el siglo XIX el edificio fue ampliándose para poder dar cabida a las personas necesitadas y, según se cita en la obra Colección de tratados sobre todos los conocimientos humanos Tomo II publicado en 1852, el edificio contaba con “cinco fuentes de agua potable y siete de una abundante noria de la que se hace un uso constante”. En esta misma obra se habla de la manera en la que estaba distribuido el edificio, con dos departamentos separados para “la indispensable separación de sexos y edades”. También se hace referencia a la procedencia de las personas pues, para poder ingresar en el hospicio y recibir ayuda, debían ser hijos de Madrid o de su provincia o llevar diez años residiendo en ella, tal y como se reflejaba en la antigua Ley de Beneficencia. Sin este requisito nadie, por muy menesteroso que fuera, podía acceder al asilo, ni al vestido que ofrecían anualmente. La asistencia alimenticia a la que podían acceder los pobres, según se recoge en esta publicación, constaba de un desayuno compuesto por cuatro onzas de pan por persona y tres libras de aceite a repartir entre 103 personas para hacer el caldo de la sopa. La comida constaba de ocho onzas de pan, tres de garbanzos y cuatro de patatas. En las cenas se servían tres onzas de pan y, dependiendo del día de la semana, el menú incluiría patatas guisadas, lentejas, arroz, alubias guisadas o en vinagre.

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El hospicio estuvo en funcionamiento hasta el año 1922, fecha en la que pasó a manos del Ayuntamiento de Madrid. A lo largo de toda su historia ha sufrido numerosas reformas y modificaciones, incluso estuvo a punto de ser demolido, algo que se pudo evitar gracias a la acertada intervención de la Real Academia de las Artes de San Fernando y a la iniciativa de la Sociedad Española Amigos del Arte que contribuyeron de forma importante para que fuese declarado en 1919 como Monumento Histórico Artístico. Tras una restauración, en 1926 se organizó la Exposición del Antiguo Madrid. Debido a su éxito, el Ayuntamiento propone la creación en este edificio del primer Museo Municipal de la ciudad que no vería la luz hasta unos años más tarde, en 1929. Durante la Guerra Civil el museo tuvo que cerrar sus puertas y no se pudo retomar su actividad hasta el año 1942. Por aquel entonces el edificio estaba en muy mal estado y en 1955 volvió a cerrar sus puertas, permaneciendo cerrado hasta 1977, que fue cuando finalizaron las obras de restauración oportunas. Hoy el viejo hospicio, tras haber estado cerrado durante casi una década, abre sus puertas convertido en un flamante museo no exento de críticas, esta vez por la horrenda vaya perimetral que a nadie gusta y que las autoridades municipales justifican por su utilidad a la hora de evitar actos vandálicos en la fachada del edificio, tan habituales durante los años ochenta y noventa del siglo pasado.

Fuentes: Antiguo Madrid / Mesonero Romanos Guía de los palacios y edificios singulaes / Pozuelo J.L. Ayuntamiento de Madrid

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Foto: CortesĂ­a Museo de la Historia de Madrid

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EL MUSEO El Museo, situado en el antiguo Hospicio de Madrid reúne una importante colección patrimonial que recorre la evolución de la ciudad, desde la instalación de la Corte en 1561 hasta las primeras décadas del siglo XX. El centro muestra su colección permanente después de una reforma integral no sólo del edificio que lo alberga, sino también del discurso museográfico y museológico. En el año 2000 se puso en marcha el proyecto de reforma, la más importante intervención arquitectónica desde su fundación, que ha permitido rehabilitar el edificio, renovar sus instalaciones y adecuar y ordenar sus espacios creando nuevos núcleos de acogida, de actividades didácticas y de muestras temporales. La intervención se ha desarrollado en tres frases y ha hecho posible que el Museo se haya mantenido abierto parcialmente al público la mayor parte del tiempo en que han transcurrido las obras, manteniendo su actividad en materia de conservación, difusión e investigación. Al mismo tiempo, el equipo del museo ha abordado la elaboración de un nuevo proyecto museológico, reestructurando sus colecciones para plantear un nuevo discurso de la exposición permanente de carácter innovador que permita mostrar la evolución urbanística, histórica y social de Madrid. La intervención realizada incluye la ampliación en el patio, configurado como nuevo eje de la visita, y que incorpora una superficie útil aproximada de 2.100 metros cuadrados.

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La colección El Museo de Historia (antiguo Museo Municipal) ha sido y es el Museo de la ciudad de Madrid en su doble papel de memoria y testigo activo de su evolución en el tiempo y está dividido en tres grandes áreas temáticas: Madrid, Villa, Corte y capital de dos mundos. Comprende desde el establecimiento de la Corte hasta el siglo XVIII y muestra la ciudad del Antiguo Régimen como centro decisorio del imperio de los Austrias. Madrid, Centro ilustrado del poder. Abarca todo el siglo XVIII hasta la Guerra de Independencia. La nueva dinastía de los Borbones introduce importantes cambios en el modo de gobierno y trata de transformar la ciudad en un escenario áulico mediante la ejecución de grandes operaciones urbanísticas. Madrid, El sueño de una ciudad nueva. Acoge el siglo XIX hasta el estallido de la primera Guerra Mundial. Se centra en los cambios que se producen con la llegada de la Revolución Industrial y su incidencia en la ciudad, que refuerza su perfil urbano, llegando a convertirse en una gran capital europea. Este recorrido está sustentado en las colecciones que posee el museo: pinturas, estampas, dibujos, fotografías y postales, porcelanas, abanicos, entre otros, que muestran la evolución histórica y urbanística de la ciudad, las artes, la vida cotidiana y las costumbres de los madrileños. Entre las obras maestras que se pueden admirar figuran la colección de Porcelana del Buen Retiro, la colección de cartografía histórica, una importante representación de la “Escuela pictórica madrileña del siglo XVII”, la Alegoría de la Villa de Madrid, de Francisco de Goya; el Modelo de Madrid, de León Gil de Palacio o la colección de fotografías históricas, entre otras piezas únicas. Además del Archivo de la Villa de Madrid, la exposición se nutre de piezas aportadas por otras instituciones, como el Museo Nacional del Prado, el Museo Arqueológico Nacional, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y el Ministerio de Defensa. El nuevo Museo de Historia es también el principal centro de documentación de la memoria de nuestra ciudad, en el que se está llevando a cabo la digitalización y el catálogo informatizado para que sus fondos puedan ser vistos desde cualquier lugar del mundo.

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Foto: CortesĂ­a Museo de la Historia de Madrid


Foto: CortesĂ­a Museo de la Historia de Madrid

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Joyas de la colección El Museo Municipal atesora numerosas obras de gran valor artístico y cultural, entre ellas destaca un curioso y poco conocido cuadro de Francisco de Goya llamado, llamado Alegoría de la Villa de Madrid. Este cuatro fue pintado en 1810 por un encargo del Ayuntamiento al genial pintor aragonés. En esta pintura aparece representada una figura femenina coronada, que representa a la Villa de Madrid, sujetando el escudo de la ciudad y a sus pies aparece un perro como símbolo de fidelidad. En el cuadro también aparece un óvalo y en su interior se puede leer “Dos de Mayo”, una fecha cuyo significado es bien conocido por los madrileños, pues fue el dos de mayo de 1808 cuando se produjo el levantamiento popular contra las tropas napoleónicas. Lo curioso de este cuadro no es su simbología sino su historia porque ¿cómo es posible que Goya pintase un cuadro en el que apareciese una fecha tan señalada en 1810 si por aquel entonces en España reinaba José I Bonaparte, hermano de Napoleón? La respuesta es muy sencilla, el cuadro de Goya ha sido retocado en numerosas ocasiones, más concretamente el óvalo en el que aparece esta fecha. Originalmente en el óvalo aparecía la imagen de José Bonaparte hasta que en 1812 los franceses, huyeron de Madrid ante el avance del ejército inglés. Inmediatamente después, el cuadro fue modificado y en el óvalo desapareció la efigie de José Bonaparte y se puso la palabra “Constitución”. Con la vuelta de José Bonaparte, ese mismo año a Madrid, se volvió a retocar el cuadro, quitaron la palabra constitución y pintaron nuevamente el retrato de Bonaparte. Posteriormente, con la expulsión definitiva de los franceses de España, el cuadro volvió a modificarse y una vez más en el óvalo volvió a figurar la palabra “Constitución”. No pasó mucho tiempo desde la última modificación cuando el cuadro volvió a ser modificado, fue en 1823 y esta vez vuelve a desaparecer la palabra “Constitución” para sustituirla por un retrato del rey Fernando VII, el mismo que desaparece en 1843 y es sustituido por el lema: El Libro de la Constitución. Pasaron los años y en 1872 el cuadro se modifica una vez más y esta vez de forma definitiva, por orden el alcalde, el marqués de Sardoal, que decide que en el óvalo apareciese la fecha que hoy podemos ver, Dos de Mayo.

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Madrid Comunidad

El Castillo de Aulencia Rincones secretos de Madrid

Uno de los castillos más desconocidos de la provincia de Madrid es el Castillo de Aulencia, esta fortaleza se encuentra situada a 30 kilómetros de la ciudad de Madrid, en el municipio de Villanueva de la Cañada. Poco se sabe de los orígenes de este castillo, se desconoce la fecha exacta de su construcción aunque se aprecian dos estilos constructivos bien conocidos y estudiados que hacen suponer que su origen sea musulmán. La primera referencia escrita de la que se tiene constancia data de 1450, aunque también existen otras referencias anteriores que hacen alusión a esta fortaleza. Texto: Ramón Rivas

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El Castillo de Aulencia o también conocido como Castillo de Villafranca -nombre dado por la desaparecida aldea que se ubicaba en su entorno, hoy convertida en una moderna urbanización-, se ubica sobre una suave colina cerca de la desembocadura del río Audencia. El castillo es de propiedad privada y se encuentra en un estado de ruina progresiva aunque milagrosamente se mantiene en pie casi en su totalidad. Curiosamente, el castillo se mantuvo en muy buen estado durante siglos, paradójicamente, sufrió los mayores daños en el siglo XX, durante la Guerra Civil española, cuando esta fortaleza fue utilizada por los soldados soviéticos que lucharon en el bando republicano. Debido a ello, el castillo fue asediado y bombardeado incesantemente por parte del bando sublevado provocando graves daños y dejándolo en el estado de ruina en el que se encuentra en la actualidad. El castillo, construido en piedra y mampostería, se divide en tres partes claramente diferenciadas; el recinto exterior que conserva ocho torres desmochadas y que servía de barrera, el recinto principal y la torre del homenaje. El recinto interior, o lo que se podría considerar como el propio castillo, es una fortaleza rectangular que cuenta con un patio de armas. Los materiales constructivos de esta parte de la fortaleza muestran claramente dos épocas bien diferenciadas, la más antigua posiblemente sea del siglo XII y la más moderna se podría datar en el siglo XV. La enorme torre del homenaje probablemente sea el elemento más llamativo de esta construcción. Adosada al muro nordeste del castillo tiene una altura aproximada de 20 metros y está dividida en cinco niveles. El primer nivel cuenta con dos cáma-

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ras abovedadas que posiblemente fueron utilizadas como almacén. El segundo nivel fue la propia entrada a la torre y estaba comunicada con los niveles superiores por una escalera. Los niveles tercero y cuarto están en muy mal estado y su acceso no es posible. Cuentan con algunas ventanas que dan al exterior y se sabe que sus suelos eran de madera, también hay vestigios de varias estancias y una chimenea. La quinta planta de la torre fue una gran terraza almenada y se encuentra en un estado ruinoso. Como es habitual en todos los castillos, la torre del homenaje era el lugar más protegido y el más importante, pues allí tenían su residencia el señor y también, su parte inferior, se utilizaba para el almacenamiento de víveres. El caso de la torre del Castillo de Aulencia no era diferente y sirvió de morada para sus inquilinos hasta épocas recientes. Los grandes muros que en algunas secciones miden más de un metro de grosor han logrado mantener en pie, aunque desdibujada, la fisionomía de esta desconocida fortaleza madrileña que, como tantas otras, no vive sus mejores tiempos. Aunque el Castillo de Aulencia es de propiedad privada y no está permitido su acceso, es uno de los bienes culturales que poco a poco están desapareciendo por la desidia, la dejadez y la falta de dinero. Todo el mundo sabe que Madrid es Castilla, tierra de castillos que le dieron nombre a esta región, un motivo más que suficiente para que se evite la desaparición de los mismos y con ellos el importante legado histórico y cultural de la Comunidad de Madrid. Fuentes: Castillos de Madrid / Amador Ruibal Foto: Cortesía Ayto. Villanueva de la Cañada


El Buitre Leonado

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Madrid Natural

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E

l sol perezoso de las mañanas de invierno empieza a calentar por fin la mole rocosa de La Pedriza. En sus

posaderos, visibles desde lejos por los churretones de guano, los buitres leonados Gyps fulvus se desperezan mientras esperan a que, ya entrada la mañana y con el aumento de la temperatura, el aire más caliente empiece a ascender pegado a la ladera. Y cuando estas corrientes ascendentes se hacen lo suficientemente fuertes, uno a uno se dejan caer y, ascendiendo sin esfuerzo gracias a sus grandes alas, toman altura para dispersarse luego y salir a buscar el desayuno: la desgracia de otros les salvará a ellos el día. El buitre leonado, por abundante y por volar por terrenos despejados, es sin duda de las aves rapaces más fáciles de ver. La combinación de sus enormes y anchas alas (dos metros y medio de envergadura de media) y su aspecto bicolor, con las plumas del cuerpo y de los “brazos” de color ocre pálido, y las plumas largas de las alas marrón oscuro, hacen que bien visto resulte inconfundible: el buitre negro, que lo iguala y aún supera en tamaño, es de color uniformemente oscuro, y las águilas dicen en comparación más pequeñas, oscuras y colilargas. Vistos de cerca destaca además el cuello pálido recubierto de plumón aterciopelado, rodeado en la base de un collar de plumas blanquecinas que es más pardo en los jóvenes.

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Los buitres leonados son aves sociables, a los que es raro ver en solitario. Las carroñas escasean y no son fáciles de encontrar, pero un gran mamífero muerto, ya sea silvestre o doméstico, puede alimentar a muchos buitres. Los buitres patrullan así por el cielo, separados pero pendientes los unos de lo que hacen los otros mientras escudriñan con su agudísima vista el terreno, atentos al revuelo de urracas y demás córvidos que suele acompañar a las carroñas. Y en cuanto uno localiza algo e inicia el descenso, allá que se van los otros, juntándose en ocasiones por decenas allí donde hay comida. Y con ser tan sociales, son los buitres muy desconsiderados con sus semejantes cuando de comer se trata, abundando en torno a la mesa las peleas según el hambre apriete más o menos. También se juntan los buitres para criar, cosa que empiezan a hacer muy pronto en el año, de modo que por estas fechas son ya mayoría las parejas que están echadas incubando en sus nidos, unos acúmulos de palitroques y lana en las repisas de los cortados. Las parejas de buitres, que suelen guardarse fidelidad de año en año, invierten buena parte del año en la reproducción, pues la incubación de su único huevo se alarga durante unos 50 días, y el pollo depende luego de sus padres durante cerca de cuatro meses. Aunque los buitres adultos son mayormente sedentarios, tras independizarse y antes de empezar a criar a eso de los cuatro años de vida, los jóvenes vagabundean por toda la piel de toro, saltando de colonia en colonia y cruzando muchos el estrecho de Gibraltar en invierno.

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Tras pasar horas malas a mediados del S. XX, cuando en España se pagaba a los que mataban aves rapaces, la población de estas aves se recuperó hasta estabilizarse en torno a las 20.000 parejas, asentadas por casi toda la Península allí donde haya cortados rocosos que les permitan establecer sus colonias. En Madrid son fáciles de ver por toda la Sierra; y también en el monte de El Pardo, donde aunque no crían se juntan muchos juveniles que duermen allí sobre las encinas, atraídos por la abundancia de piezas de caza mayor. En cualquier caso, en sus desplazamientos a la procura de alimento es posible ver buitres por toda la Comunidad. Muchos sobrevolarán incluso el corazón de las urbes, donde acostumbrados a ver buitres de otra calaña, se agradece contemplar uno de verdad. Basta con mirar de vez en cuando al cielo…

Por: Antón Pérez Fotos: Sergio García Muñoz

Para saber más: Ficha del buitre leonado de la Enciclopedia de las Aves de España de SEO/BirdLife www.seo.org/ave/buitre-leonado

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Viajar

CONEXIÓN NORUEGA Érase una vez una princesa que vivía en un reino de la lejana y fría Noruega. Kristina, que es así como se llamaba, era hija del rey Haakon IV, un sabio monarca que logró acabar con las guerras civiles que asolaban el país y consolidar la monarquía noruega con su definitiva unificación y pacificación. Como buen negociador y estratega que era, el rey quiso estrechar lazos con otros reinos de Europa, por esta razón, su hija Kristina tuvo que afrontar responsabilidades de estado y a los 24 años la bella princesa fue obligada a marchar a un lejano reino al sur de Europa para casarse con Felipe de Castilla. Cuatro años después de la boda la princesa muere sin dejar descendencia y dejando una promesa incumplida, un deseo que no pudo realizarse hasta ochocientos años después, esta es su historia.

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En la provincia de Burgos, en la Comarca del Arlanza, se encuentra la hermosa villa de Covarrubias. Este histórico rincón de Castilla fue durante el siglo X uno de los señoríos monásticos más importantes, además de ser la capital del Infantazgo de Covarrubias, motivo por el que este municipio es considerado como “La cuna de Castilla”. Covarrubias es conocido internacionalmente por su belleza, su incesante actividad cultural y por Kristina, la princesa noruega cuyos restos mortales reposan en esta villa. La historia de la princesa noruega era bien conocida aunque, como otras tantas historias medievales se fueron olvidando con el paso del tiempo, convirtiéndose en casi una leyenda. En 1958 cuando se estaban realizando unas obras de restauración en la Colegiata de San Cosme y San Damían en Covarrubias se produjo un importante hallazgo, un sepulcro del siglo XIII que contenía los restos mortales de Kristina de Noruega, con este descubrimiento se “resucitó” a la exótica princesa y ello provocó un nuevo hermanamiento entre España y Noruega. LA PRINCESA Kristina de Noruega fue la hija del rey Haakon IV, un importante personaje de la monarquía noruega que se caracterizó por la pacificación y consolidación de la monarquía de aquellas tierras. Tras ello, el rey quiso lograr nuevas alianzas con otros reinos de Europa y comunicó al rey Alfonso X “el sabio” su deseo de sellar una alianza política castellana que, finalmente, se consolidaría con el matrimonio de su hija Kristina con Felipe de Castilla, hermano menor de Alfonso X.

nunca pudo adaptarse al clima ni a las costumbres hispanas y ello le produjo la muerte por melancolía aun-

Una mañana de 1257 la princesa kristina parte de la

que, por los estudios realizados durante el descubri-

localidad noruega de Tönsberg con destino a la penín-

miento del sarcófago donde reposan sus restos, se cree

sula ibérica. Tras un agitado periplo por las tierras cas-

que la causa de su muerte fue por meningitis.

tellanas la princesa Kristina y Felipe se unen en santo matrimonio en Valladolid el 31 de marzo 1258. Tras la

Su esposo, que había sido abad de Covarrubias antes

boda, los recién casados se trasladan a Sevilla con el

del matrimonio, lo organizó todo para que sus restos

objetivo de fijar allí su residencia. Cuatro años después,

reposaran en el claustro de la Colegiata de San Cosme

la princesa, fallece sin dejar descendencia. No se sabe

y San Damián pero se olvidó de una cosa, cumplir con

exactamente las causas, hay quien dice que la princesa

el deseo de la princesa para que se construyese una

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capilla en honor al patrón de Noruega, San Olav.

la villa castellana y la villa noruega. Desde entonces las

Aunque el Infante accedió a sus pretensiones prome-

relaciones entre España y Noruega no sólo han mejo-

tiéndole la construcción de dicho edificio, nunca se

rado, más si cabe, también se han enriquecido cultu-

llevó a cabo.

ralmente gracias al trabajo y los esfuerzos de la Fundación Princesa Kristina de Noruega.

SU LEGADO En 1975, para celebrar el milenario de la firma del

LA FUNDACIÓN

Infantado de Covarrubias, el pueblo de Tönsberg obse-

En 1992 se constituye la Fundación Princesa Kristina de

quió a la villa castellana con una réplica exacta de la

Noruega por representantes de empresas relacionadas

estatua de Kristina que se encuentra frente al mar en

con el intercambio comercial e industrial hispano-

Tönsberg. Este regalo fue una muestra del lazo que une

noruego, representantes de la Real Embajada de

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Noruega en Madrid y personas interesadas en el

como centro de culto ecuménico y como centro cultu-

desarrollo e intercambio cultural entre ambos países.

ral, para ello, el interior de la capilla cuenta con un am-

El objetivo de la fundación es mejorar las buenas rela-

plio escenario y en ella se realizan eventos de todo tipo.

ciones entre Noruega y España, fomentando, preservando, incentivando y divulgando aspectos culturales,

ACCIONES CULTURALES

sociales, y económicos, comunes y los específicos de

Durante todo el año se realizan infinidad de proyectos

los dos países mediante la promoción de cualesquiera

culturales en Covarrubias pero es durante el mes de

actividades y eventos.

septiembre cuando se organiza la Semana Noruega, organizada por la Embajada de Noruega en España y el

Otro de los objetivos de la fundación es hacer suya la

Ayuntamiento de Covarrubias. Esta celebración llena

promesa que el Infante Felipe de Castilla hizo a su

las calles de la localidad de todo tipo de eventos cultu-

esposa, erigir en Castilla una capilla en memoria del rey

rales que ensalzan el folclore y que combinan sonidos

San Olav de Noruega. Por ese motivo, en abril 2002 la

noruegos con la música típica de España. Todo ello ha

Fundación Princesa Kristina de Noruega en colabora-

hecho crecer de manera exponencial el turismo

ción con el Excmo. Ayuntamiento de Covarrubias, la

noruego a esta villa castellana, pasando de los casi un

Escuela de Arquitectura de Oslo y la Escuela de Arqui-

centenar de visitantes en 2007 a los casi setecientos en

tectura de Valladolid, auspiciados por la Real Embajada

2013.

de Noruega en España, convocó un concurso para el diseño de una capilla en honor de Olav el Santo en

Además de todo esto, en abril de 2012 se inauguró el

Covarrubias. Los estudiantes de último curso de ambas

Camino de San Olav español. La asociación Tierra de

escuelas participaron en el concurso y se recibieron un

Lara es la instigadora del proyecto. Inspirado en el

total de 32 proyectos.

Camino de San Olav que ya existía en el norte de Europa decidieron crear uno en Castilla que se inicia en

LA ERMITA DE SAN OLAV

la Catedral de Burgos, pasa por Tierras de Lara y finaliza

La selección fue llevada a cabo por un jurado com-

en la Capilla de San Olav. El camino español tiene unos

puesto por renombrados arquitectos de ambos países,

60 km. Aunque los inicios fueron algo tímidos cada vez

y presidido por Miguel Fissac. Finalmente el Patronato

son más los senderistas y peregrinos tanto españoles

de La Fundación Princesa Kristina de Noruega decidió

como noruegos que se interesan por dicho recorrido.

que el proyecto que mejor respondía a los fines de la capilla, era el realizado por Pablo López Aguado y Jorge González Gallego de la Escuela de Arquitectura de

Por EMNMM

Valladolid. El edificio no sólo cumple la promesa realizada a la princesa Kristina sino que es una firme apuesta para incrementar el, ya de por sí, rico patrimonio de Covarrubias con una arquitectura de vanguardia. La obra se realizó en el Valle de los Lobos cedido por el Ayuntamiento de Covarrubias. La Capilla de San Olav, inaugurada en 2011, se encuentra a escasos tres kilómetros del casco histórico de Covarrubias. Se trata de la primera ermita que se ha construido en España en el siglo XXI. Está concebida

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Fotos: Diputación de Burgos Agradecimientos: D. Óscar Izcara (Alcalde Excmo. Ayto. de Covarrubias) y la Fundación Princesa Cristina Enlaces de interés: www.covarrubias.es www.fundacionprincesakristina.com www.capilladesanolav.com www.caminodesanolav.es


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Personajes

Adán Black Artesanía teatral

Por R.J. Fotos: Gabriela Triffiletti

Actor, escritor, director, profesor… Adán Black es un madrileño que es todo eso, aunque la definición más acertada con la que se le podría denominar es artesano del mundo de la escena, un arte al que llegó por casualidad y por el que abandonó una brillante carrera profesional en el deporte de élite. Después de pasar media vida en los Estados Unidos, donde fundó su propia compañía de teatro, Adán regresa a Madrid y crea la escuela Theatre for the people, un verdadero atelier de las artes que va mucho más allá de ser una escuela de teatro, es su centro de creación y centro receptor de los mejores textos de la escena contemporánea anglosajona. Adán Black es un personaje inspirador que cree que el teatro es una herramienta para aprender, para romper las barreras del silencio y cambiar el mundo. De todo ello y más hemos hablado en esta entrevista.

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— EMNMM. Adán, aunque eres madrileño has vivido mucho tiempo en Estados Unidos ¿no es así? — A. Black. Sí, nací en Madrid, soy de aquí de toda la vida aunque mi madre es americana. Desde niño, las Navidades y las vacaciones de verano las pasábamos en Estados Unidos, además, he vivido muchos años allí, por lo tanto me considero mitad americano y mitad español. — Aunque te dedicas al mundo de la escena, tu carrera profesional estaba orientada al mundo del deporte, incluso fuiste campeón de España de natación. — Sí, fui campeón de España en natación, también jugué al tenis profesionalmente… El deporte surge en mi vida por varios motivos, porque mi padre ha estado muy ligado al mundo del deporte y también porque mi padre quiso que mi hermano y yo no estuviésemos en la calle, ¡eran los años ochenta! (risas) Así que me metieron en el Club de Natación Canoe y me fue muy bien la verdad, también a mi hermano le fue muy bien, llegó a ser campeón de España, tiene un récord de natación. Después me empecé a interesar por el tenis, sobre todo después de ver un partido de McEnroe y Bjorn… — ¡Aquellos míticos partidos! — ¡Exactamente! (risas) cuando lo vi me dije que eso era lo que yo quería hacer y, afortunadamente, al lado de mi casa estaba el Club de Tenis de Chamartín, así que acabé allí y empecé a jugar al tenis, precisamente fue el tenis el que me llevó a Estados Unidos. Yo estaba deseando irme a jugar allí y por suerte logré una beca, me fui a Miami y la verdad es que aquello fue una de las mejores experiencias de mi vida. Coincidió, además, que en aquella época estaban todos los grandes del tenis, que por entonces eran juniors, era la época dorada del tenis y me sirvió de mucho tanto a nivel profesional como personal. — Y después de esa experiencia ¿cómo llegaste al teatro? — Por casualidad, en Miami descubrí que se

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podía estudiar teatro o cine cuando empecé a interesarme para ingresar en las universidades americanas. Me acuerdo un día que me iba con el hijo de Bolletieri para hacer surf y él tenía un libro de la Universidad de Miami y de Pricenton, empecé a mirar y vi que se podía estudiar cine, fue toda una sorpresa, seguí mirando y descubrí que también tenían un conservatorio de arte dramático… No sé si fue en este momento cuando me decidí a estudiar arte dramático pero sí fue cuando se me encendió la bombilla. — Pero dejar el deporte para dedicarse a la interpretación es un cambio brutal y muy vocacional, ¿cómo fue el cambio? ¿Qué te impulsó a ello? — El mundo de la interpretación tampoco me era muy ajeno, en mi familia el cine siempre ha estado presente y nos ha servido de válvula de escape. Cuando descubrí que se podía estudiar cine vi que ahí había una posibilidad, aunque no me atrevía a decir que sí pero, en un momento en el que estaba estudiando fotografía, empecé a darme cuenta de que aquello no era lo que creía en un principio y el tenis tampoco lo era… Ya en la universidad me di cuenta de que el nivel que había era muy diferente al nivel de la universidad española de aquella época, recuerdo que los primeros años de la universidad estaba dando temas que se daban en España en el instituto, era algo deprimente la verdad… Durante el primer semestre de la universidad hice una clase de improvisación y ahí me encontré con mi primera profesora, una señora judía de Nueva York, de teatro de toda la vida… que me inspiró mogollón, me acuerdo que desde el primer día que entré en el teatro me sentía como si estuviese en casa y recuerdo que en la prueba final, que era un monólogo de la obra Un tranvía llamado deseo, le dije a mi profesora: “si ves algo de talento en mí dímelo por favor” y ella me dijo: “¡por supuesto que hay algo! yo que tú lo haría”. A partir de ese momento lo vi clarísimo, entonces, sin saber qué era un monólogo, qué era una prueba, qué era nada, me apunté a las audiciones para entrar en el


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“

Hay que trabajar mucho, duro y ser humilde, por descubre a cada paso y cada dĂ­a que nos levantamos que se aprende hay que devolverlo


conservatorio de arte dramático e hice las pruebas y me aceptaron. Recuerdo que la primera mañana que fui me quedé en la puerta paralizado durante cinco minutos, ¡no sabía dónde me metía! dudaba de todo… pero una vez que abrí esa puerta ya no hubo marcha atrás. — Y de Miami marchaste a Nueva York… — Sí, por aquel entonces tenía una novia y le salió un trabajo en Nueva York, así que ese verano como no iba a jugar ningún torneo de tenis me fui con ella y a la tres semanas y después de vivir una historia muy rocambolesca, conocí a mi profesor, Harold Guskin. Aquello me cambió la vida, dejé la universidad y me quedé en Nueva York diez años.

rque la vida se s, todo aquello a los demás

— Una vez en Nueva York creas tu propia compañía ¿cómo fue aquello? — Allí fundé mi primera compañía de teatro, hicimos cuatro obras originales escritas por mí, dirigidas, interpretadas y producidas por mí también (risas). Todo ello fue porque había firmado con William Morris, una de las grandes agencias del mundo y con una manager muy importante, estuve un tiempo en el que no me salía trabajo, así que pensé que ya que sabía escribir, también podría intentar dirigir y por supuesto actuar, necesitaba actuar y a partir de allí comencé a producir una serie de obras que llamaron mucho la atención. Con una de las obras surgió la posibilidad de llevarla a ¡un festival cultural en Cuenca! Acepté ir al festival, hicimos la obra y gustó. En esa época me di cuenta de que tal vez en España había posibilidad de hacer algo potente con el teatro, porque yo tenía una visión muy diferente a lo que yo veía que estaba pasando en la escena teatral española, de hecho, antes de volver a Estados Unidos, después de hacer las funciones de Cuenca, me vino un amigo que hacía años que no veía y me ofreció la posibilidad de dar clases de acting en un apartamento en la zona de Ventas, por todo eso volví a Madrid con

idea de quedarme. Como aquí ya tenía el trabajo que quería porque… una promesa que me hice cuando volví a España fue la de no trabajar en nada que no sea el teatro, pero de repente salió esta oportunidad y sin pensarlo mucho dije que sí y ¡dejándome todo en Nueva York! pero sí vi una buena oportunidad de aportar algo diferente aquí. — ¿Qué echabas de menos en el teatro que se hace aquí? — Pasión y lifeness, que viene a ser como que el trabajo esté vivo y que el teatro realmente sea para la gente, de ahí Theatre for the people. El teatro debe comprometerse para romper con todos los convencionalismo teatrales, ha de ser un trabajo que sirva al texto y que sirva al público y que la práctica del teatro sirva para traer vida, tanto a lo que ocurre en escena como lo que ocurre fuera de escena. Para mí esas son las prioridades y eso tiene que ver con “relación” veo muy poca relación real entre actores en escena, lo importante es servir a ese texto y servir al público. El problema del actor es universal, mucho de ello tiene que ver con uno mismo, con darse demasiada importancia y que haya poca… transferencia, digamos que tiene muy poco que ver que realmente te importe el otro y que te importe impactar, bien sea al compañero de escena o al público, ahí es donde yo creo que aporto algo diferente. Tanto en mí como en el trabajo de los demás, veía que era para el otro y que había un sufrimiento terrible haciendo este arte y yo me niego a ver el arte como una causa de sufrimiento más, la práctica del arte a cualquier nivel, tiene que servir para mejorar tu calidad de vida y para humanizarte, si no sirve para eso no tiene ningún sentido. Cuando hay un proceso de humanización profundo y sabes a ciencia cierta que no tienes todo contigo y que todos estamos en el mismo barco, entonces es cuando empiezas a mirar al otro de forma diferente, cuando te plan-

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teas que todo lo que hagas ha de beneficiar a la persona que tienes delante y aquellos que vienen a ver una obra, porque ¡no vienen a verte a ti! Es por ello que no puedo ver el teatro de otra manera que no sea para aportar algo a los demás y cambiar este mundo. — Y una vez instalado en Madrid pasas de dar clase en el apartamento de Ventas al Theatre for de people ¿cómo se gestó este proyecto? — Pues seis meses después de volver a Madrid ya tenía más de treinta alumnos metidos en el salón de un apartamento, eso empezaba a desbordarse. Propuse a la gente que me contrató que era necesario alquilar un espacio más grande para poder dar clases pero eso no ocurrió… TFTP fue un sueño que yo ya tenía en Nueva York pero digamos que en un contexto totalmente diferente porque me imaginaba a mí mismo dando clases de acting pero ¡con 50 años por lo menos! (risas). Cuando vivía en Nueva York soñé una vez que me encantaría poder tener un espacio donde poder ensayar mis obras y no tener que depender del establishment, por eso, cuando surgió lo de Ventas pensé que igual en Madrid podría realizar este sueño y montar mi propia escuela. Así que me puse a buscar un local y en el primer Segundamano que abrí vi un anuncio que decía: “dúplex, garaje de motos, calle Pez, centro de Madrid”. Yo no sabía ni dónde estaba la calle Pez ni nada, sólo vi que estaba en el centro y fui a verlo. Al llegar vi la plaza, entré en este local y me encantó, sobre todo por la localización y la posibilidad de remodelar el local. Sin mirar mucho más me trasladé aquí y de esto hace ya 14 años y muy feliz, me siento un privilegiado por hacer lo que realmente amo, ganarme la vida con ello y beneficiar a todo el mundo que pasa por aquí. — Una de las cosas por las TFTP llama la atención es porque aquí traes lo mejor de

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la escena contemporánea anglosajona, algo poco común en la salas madrileñas. — Traigo lo mejor de lo mejor, es verdad que mi motivación es el teatro anglosajón y lo que he tratado de hacer en estos 14 años es que los actores españoles entren en contacto con la potencia que tiene esta tradición. Los textos los selecciono y los traduzco, digamos que en la escuela divido lo que es el año educacional en dos, por una parte trabajar lo mejor que haya del teatro contemporáneo inglés o americano y el resto de los meses del año lo dedicamos a trabajar con los clásicos. — ¿Qué marca la diferencia en TFTP? ¿Cuál es el motor principal de la escuela? — Una manera muy diferente de entender el teatro, la enseñanza es radicalmente diferente a todas las escuelas de teatro que hay en Madrid. La gente con la que he trabajado durante estos 14 años, que son la razón por la que seguimos trabajando, porque son gente muy valiente que han podido reconocer algo que les beneficia, aunque la forma de trabajar aquí sea muy diferente a las demás. Lo que sí aportamos son unos valores muy potentes, todos los alumnos que vienen a esta escuela siempre trabajan con un texto, con alguien y si hacen su trabajo lo más probable es que trabaje delante del publico en dos o tres meses, eso es fundamental, porque el actor necesita trabajar delante del público para poder refinar todo lo que está aprendiendo y para sentirse actor. — The Flick es una genial obra de Annie Baker, una jovencísima autora que ha ganado el premio Pulitzer y que recientemente la estrenaste en TFTP, como siempre gratis. ¿Por qué gratis? Annie Baker, aunque es muy joven, lleva escribiendo varios años. Es estupendo ver que la gran dramaturgia de los últimos años es obra de mujeres tanto en EE.UU como en Inglaterra, están escribiendo


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algo a los demás “No puedo ver el teatro de otra manera que no sea para aportar y cambiar este mundo ”

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obras brutales y, según salen, las pillo, las traduzco y nos ponemos a trabajar, Flick es una de ellas. Después de mucho trabajo estrenamos las obras en la escuela, para mí es fundamental estrenar las obras aquí y siempre las estrenamos gratis, eso es muy importante. A partir de ahí, si podemos vender la obra, fantástico, y si no… hacemos otras (risas). — Uno de los montajes vuestros que más impacto ha tenido en la escena madrileña fue Los últimos días de Judas Iscariote, que se representó en Matadero y que tuvo una crítica excelente y corrió de boca en boca por todo Madrid por su calidad y su puesta en escena ¿cómo surgió el proyecto? — Los últimos días de Judas Iscariote fue un montaje que se gestó en la escuela, es una obra de un autor americano llamado Stephen Adly Guirgis, un escritor consagrado americano. Este escritor era digamos que íntimo de Philip Seymour Hoffman, dirigió todas sus obras hasta que murió, juntos crearon una compañía de teatro que se llama LAByrinth Theater que, de hecho, nace originalmente por actores latinos que no encontraban trabajo en Nueva York. Un día leí una entrevista que le hicieron en el New York Times y me llamó la atención que había escrito una obra sobre Judas Iscariote. Ese mismo año, en Navidad estaba en Nueva York y allí me encontré con esta obra, compré el libro y al leer la introducción descubrí que tenía una conexión brutal con sus palabras y me obsesioné en hacer esta obra. Empecé a trabajar en ello en 2015 con actores de TFTP, vi que funcionaba y unos años más tarde junté a una serie de actores profesionales y les entregué el texto, les encantó y comenzamos a trabajar. Empezamos hacer las funciones en junio de 2010, fue cuando la obra empezó a llamar la atención, seguimos haciendo montajes aquí con la motivación de llegar a Matadero porque para mí la sala 1 del matadero era el lugar donde se podía hacer esta obra, o se hacía ahí o no se hacía… Lo que habíamos creado aquí era muy potente, además con 13 actores muy potentes conocidos dentro de lo que es el mundo del teatro. Por aquí comenzaron a pasar personajes como Miguel Ángel Solá,

Juan Carlos Plaza… Por aquí pasó mogollón de gente y se quedaron alucinados con el trabajo de Judas. Justo en el momento en el que ya pensábamos que ya no había salida para la obra nos llamaron del Matadero y nos propusieron montar la obra allí para la Semana Santa de 2012 y fue una experiencia brutal. No sólo por el trabajo y lo que hicimos tanto mi director artístico, Javier Ruiz alegría y yo, también por cómo utilizamos e iluminamos el espacio, de una manera que nunca se había visto antes, fue todo un éxito. — ¿Consideras el teatro como un compromiso? — Total y absolutamente, sirve para romper las barreras del silencio, por eso he creado este centro, para poder aprender a vivir y ser mejor persona. — ¿Sigues aprendiendo? — ¡Todos los días! Mis alumnos y la gente con la que trabajo son mis mayores maestros, nunca paro de aprender, yo esto no lo tengo realizado ni por asomo y espero que nunca lo tenga y, sobre todo, no dar por sentado nada ni pensar que lo sé todo. Hay que trabajar mucho, duro y ser humilde, porque la vida se descubre a cada paso y cada día que nos levantamos, todo aquello que se aprende hay que devolverlo a los demás. — ¿Qué te ha dado el teatro? — El teatro me ha salvado la vida y es a lo que dedico todo lo que tengo, afortunadamente, junto a mi mujer, el arte es nuestra vida, el arte no hace daño. — ¿Cuáles son tus metas profesionales? — ¡Cambiar el mundo! (risas) Lo que realmente quiero es que TFTP se conozca globalmente, creo que tenemos algo muy importante que aportar, importante porque funciona, creo que aporta a la gente una forma diferente de entender el teatro y de entender la vida... Quiero que la práctica del teatro sea una causa de libertad, de placer, satisfacción y de humanización y que esto no sólo sea en Madrid, poco a poco conseguiremos esa meta. www.theatreforthepeople.com

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Arte

Gil Gijón Talento en estado puro Gil Gijón es un jovencísimo artista que actualmente reside en la provincia de Ciudad Real. Durante el último año y tras finalizar sus estudios y complementar su formación, ha comenzado su incipiente carrera artística pisando fuerte. Hasta hace relativamente poco tiempo y por cuestiones obvias, su nombre sólo era conocido por algunos entendidos en el mundo del arte y de forma muy local. Esto comienza a cambiar y es que no resulta en absoluto aventurado afirmar que en muy poco tiempo Gil Gijón será uno de los nombres más relevantes en mundo del arte contemporáneo. Para ello cuenta con poderosas herramientas, talento y una genialidad desbordante con la que sorprender y emocionar. Gil Gijón es un artista con un potencial inmenso y con mucho que contar al que hemos querido conocer en esta entrevista. Por EMNMM

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— EMNMM. Gil, háblanos de tu formación profesional — G. Gijón. Comencé la licenciatura de Bellas Artes en Sevilla en el 2008. La verdad es que fue casi como una suerte, estoy muy satisfecho con la formación que recibí allí. Por cercanía hubiese tenido más facilidades para acudir a la facultad de Cuenca (aunque mi DNI pone que soy de Madrid, vivo desde los tres años en Puertollano, un pueblo cerca de Ciudad Real), pero me decanté por la opción de Sevilla porque me la recomendaron algunos de mis antiguos profesores. Aun así, no quería terminar la carrera sin ver qué otras cosas me podían aportar centros y profesores diferentes, así que en cuarto pedí tanto la beca Erasmus como la Sicue-Seneca para realizar mi último año fuera. Me concedieron las dos, pero evidentemente tenía que decidir entre una u otra y al final me fui con la beca Sicue-Seneca a la Universidad Politécnica de Valencia. La elegí porque me habían hablado muy bien tanto de los profesores como de las instalaciones y talleres que la facultad de Bellas Artes tiene, y es verdad, tanto me gustaron que decidí quedarme un año más cursando el Máster en Producción Artística. En esos dos últimos años de formación consolidé mucho mi propia obra, profundicé mucho más en su parte más teórica y experimenté con la técnica creativa desarrollando un modo de expresión personal. Además, a lo largo de estos seis años de licenciatura y máster, he intentado completar mi formación universitaria con cursos que me han enriquecido también mucho, como los de pintura que realicé con Antonio López y Golucho, o los de escultura en bronce que hice en Córdoba. Este año finalmente, he decidido dedicarme más profesionalmente y por completo al mundo del arte. Estoy produciendo mucha obra nueva, tanto para presentarla a concursos y becas como para mostrarla en exposiciones y así ir dando a conocer mis trabajos. — ¿Cuáles son tus principales influencias? — Esta es una pregunta compleja. No creo tener una influencia clara de algo en concreto. Consumo mucho arte, me gusta informarme todo lo que puedo de lo que se está haciendo cerca de mí, buscar en qué trabajan otros artistas, voy a exposiciones siempre que puedo y, de todo eso, hay muchas cosas que me gustan, pero no es algo que influya directamente en mi trabajo, o quizás sean demasiadas cosas que influyen a la vez.

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— A la hora de realizar un proyecto ¿cómo te planteas cada trabajo? — Lo más importante para mí es el por qué antes que el qué o el cómo hacerlo. Es a partir de una idea, algo que me interesa o me preocupa, desde donde comienzo a construir. Además, cada proyecto lleva consigo una investigación previa. Leo bastante antes de que esa idea inicial acabe tomando cuerpo como proyecto, por lo que muchas veces, una idea puede quedar mucho tiempo sólo plasmada en una frase o un dibujo rápido en mis libretas. Es llegado este punto cuando puedo empezar a intuir realmente qué acabará siendo o el aspecto que tendrá. El inicio de un proyecto siempre es un buen momento para ponerte a prueba. — En tus trabajos utilizas y experimentas con todo tipo de recursos, como la pintura, escultura o la fotografía, ¿con qué técnicas y disciplinas te sientes más cómodo? — Mi especialidad se supone que es la escultura, pero nunca he dejado que una técnica o un material se conviertan en mi único medio de expresión. Hay conceptos que son más fáciles de tratar y de que lleguen al público con un video en vez de con una pintura, por ejemplo. Así que, dependiendo del proyecto, tengo desde pinturas, esculturas, grabados, fotografías, hasta videos, acciones, piezas conceptuales o como lo último en lo que ando trabajando, retratos con polvo y pelusa. Es muy caprichoso. — ¿Hay alguna disciplina concreta con la que quieras centrar tu trabajo o prefieres la experimentación? — Sin duda prefiero la experimentación, centrarme en algo concreto sería imposible. Acabaría cansándome. — También has realizado algunas piezas muy interesantes con materiales tan poco usuales como el polvo, háblanos de ello ¿cómo surgió la idea? — El tema del polvo llevo desarrollándolo como tres años, al principio no de una forma tan continuada, pero al final este último año se convirtió en el tema de mi tesina para el máster. Aunque parezca broma, la idea surgió mirando al suelo, como no podía ser de otro modo (risas). No, realmente se presentó como cualquier otra. Ya estaba trabajando el tema de la identidad, la memoria y el paso del tiempo antes, pero aún no había encontrado una manera de representarlo y mostrarlo de la manera en que yo lo quería hacer. Al final descubrí que sólo necesitaba tiempo,


Dulce Nombre retratada con la cรกmara estenopeica (2013) Polvo sobre acetato. 5 x 3,5 cm


Primera Comuni贸n (2014) Polvo adherido sobre PET. 125 x 94 cm


el mismo del que yo quería hablar, para que apareciese el material de mis obras por sí solo. El polvo y la pelusa de una casa está formado por infinidad de partículas que provienen de la suciedad que arrastramos bajo nuestros zapatos, la polución del ambiente, el desgaste de los objetos que tenemos en casa, fibras de la ropa que usamos y un tanto por ciento, nada despreciable, de piel muerta y desechos de las personas que viven allí. Me pareció que nada podía representar mejor que eso la degradación continua que produce el tiempo. Al fin y al cabo, como dijo Ortega y Gasset: “yo soy yo y mis circunstancias”. A raíz de ahí centré mi atención en la memoria, en reconstruir el recuerdo a partir de ese desecho, de ese excedente que la acción del tiempo va dejando como rastro. Comencé a rescatar fotografías antiguas de álbumes familiares, instantes cargados de huellas, y a reproducirlas empleando simplemente un adhesivo y el polvo recogido de los hogares de las personas allí representadas. Es un trabajo minucioso, con retratos que van desde los poco mas de 4 cm a otros de 1,5 m en los que poco a poco voy dándole forma al polvo hasta configurar el claroscuro de la fotografía lo más fielmente posible al original para no alterar el recuerdo que encierra. — Memorias particulares es el título de una impresionante y fantástica exposición en la que has participado con una selección de piezas que fueron expuestas en Córdoba recientemente, háblanos de este proyecto. — El proyecto surgió gracias a la amistad que mantengo con el comisario de la exposición, Pablo Allepuz. Él estudia Historia del Arte en Córdoba y en su plan de estudios tenía una asignatura, “museología”, para la que tenía que plantear un trabajo académico en relación a la temática de la asignatura. Por mi parte, en el plan del máster tenía la asignatura “proyectos expositivos” para la que tenía que proponer un trabajo de exposición, así que pensamos crear un proyecto conjunto de colaboración entre universidades como trabajo para ambas asignaturas. Aunque al final, por diversos motivos, no se pudo sacar adelante esta propuesta pensamos aprovechar el trabajo ya realizado para plantear una exposición en el espacio de las “Galerías Cardenal Salazar”. Ha sido una muy buena experiencia el trabajo de organizar la exposición, los traslados, la edición del catálogo y fue muy fácil trabajar con los alumnos de la Universidad de Córdoba. El resultado se ha podido ver desde el 25 de noviembre hasta el pasado 16 de enero.

— También has expuesto hace muy poco en la Kir Royal Gallery de Valencia donde además has recibido un premio a la mejor obra ¿qué ha supuesto para ti este reconocimiento? — Estoy muy contento de la apuesta que ha hecho por mí la galería Kir Royal. El contacto con ellos surgió a partir del Máster de Producción Artística de la UPV y el proyecto Selecta que desarrolla dentro de él el profesor Pepe Miralles. Todos los años organiza jornadas con profesionales del mundo del arte, críticos, comisarios y galeristas, donde los alumnos tenemos la oportunidad de enseñar nuestros trabajos. A raíz de ahí, la galería se interesó por mi trabajo y me organizaron una exposición individual, donde acabaron dándome el premio a la mejor obra. Recientemente me incorporaron a la lista de artistas con los que trabajan y estaré con ellos y otros dos artistas en la feria Setup Artfair 2015 de Bolonia. — ¿Qué planes tienes para futuro próximo? — Como ya he mencionado, mis planes de futuro más inmediatos son los de continuar creando obra nueva y aprovechar las buenas oportunidades para darse a conocer que representan las convocatorias de premios, residencias y exposiciones para un artista joven como yo. — ¿Dónde podemos ver tus trabajos? ¿Cuándo podremos ver tu trabajo por Madrid? — A parte de la feria en Bolonia y la Galería Kir Royal en Valencia, en mayo participaré en una exposición colectiva en Puertollano en la que me enorgullece estar junto con un antiguo profesor que tuve antes de comenzar la carrera y uno de sus más jóvenes y prometedores alumnos. Se articula de esta forma una muestra de obras creadas por tres generaciones distintas, con las que quedarán representadas cada una de las etapas creativas que se producen en la vida de un artista: la formativa, la de evolución profesional y la madura. Promete ser interesante. En cuanto a Madrid, aún no lo sé, de momento me he movido más por Córdoba, Sevilla y Valencia, pero espero pronto tener la oportunidad de exponer en alguno de los espacios que Madrid tiene. Sería una gran experiencia. www.gilgijon.com

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Jesús, Gabriel, Visitación y Ramona en Valdepeñas (2014) Polvo adherido sobre PET. 105 x 150 cm


Gafas (2014) Escultura de polvo. 23 x 28 x 23 cm.


Ramona y sus nietos frente a la ventana de su casa en la Calle Tarragona (2014) Polvo adherido sobre acetato. 15 x 7,5 cm


MarĂ­a del Carmen con coleta (2014) Polvo adherido sobre acetato. 15 x 9 cm


Foto: Andrea Santolaya Š


Fotografía

Álvaro Laiz Documentando la vida Por EMNMM

Álvaro Laiz es un fotógrafo leonés afincado en Madrid que un buen día decidió cambiar el rumbo de su vida, dejó a un lado su trabajo como periodista y se enroló en una aventura que le ha llevado por diferentes rincones del planeta documentando y, sobre todo, dando voz a las personas y comunidades en riesgo de exclusión. Ha colaborado con diversas organizaciones como Cruz Roja o Médicos sin Fronteras y sus trabajos han sido publicados en importantes medios como National Geographic, Sunday Times Magazine, Forbes o El Mundo y está considerado como uno de los treinta mejores fotógrafos emergentes del mundo. En 2010 cofundó la ONG An-Hua, con el objeto de generar cambios, sensibilizar a la sociedad a través de diversos trabajos como la producción de ensayos documentales y también mediante proyectos como el que se está desarrollando en estos momentos en Uganda, un orfanato con el que se pretende dar cobijo e independencia a

niños que han quedado huérfanos y que sin ayuda podrían ser víctimas de las mafias y de la explotación infantil. Además de la publicación de sus trabajos en diferentes medios de comunicación y su participación en exposiciones, el trabajo de Álvaro ha sido reconocido en diferentes certámenes de fotografía, como el prestigioso premio Magnum Photos & IdeasTap, en el que ha sido elegido finalista en la categoría internacional y en el que próximamente se decidirá el nombre del ganador. Entre sus trabajos documentales destaca el realizado en Tanzania sobre los niños albinos, la transexualidad en pequeñas comunidades de las selvas de Venezuela o las estepas de Mongolia, o el último proyecto en el que está embarcado en el extremo oriente ruso, una apasionante historia sobre tigres y cazadores en la que la leyenda, la superstición y la magia se mezclan, documentando así una forma de vida y de supervivencia tan antigua como efímera.

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— EMNMM. Álvaro, eres periodista y un buen día decidiste dejarlo por el mundo de la fotografía ¿qué te llevó a ello? — A. Laiz. Sí, soy periodista, estudié comunicación en Salamanca, después de licenciarme estuve haciendo prácticas en el diario El Mundo, allí me di cuenta que el tema de información que se trataba allí no me interesaba, se trataban mucho temas de política y digamos que no le vi el camino. Un buen día me vine a Madrid para estudiar fotografía y especializarme y así tras mucho ir de un lado para otro… me fui para Uganda. — ¿Uganda? ¿Cómo fue eso? — Pues que hubo un momento de mi vida en el que necesitaba dar un giro, vi las opciones que tenía y por una serie de casualidades me fui para allá, no hubo grandes razones para ello, necesitaba dar un gran cambio y allí que me fui. Al año siguiente volví, esta vez con algunos proyectos concretos. Conocí a David Rengel -que es con quién fundé después una ONG- y decidimos hacer un viaje más largo por África, desde Zanzíbar hasta las fuentes del Nilo y bueno… ese fue el comienzo de toda esta aventura que a lo largo de casi tres años estuvimos viajando por medio África. En este viaje nos pasó de todo, nos quedamos sin dinero, caducaron los visados… — ¿Fue así como descubriste que la fotografía documental era lo que más te interesaba? — Sí, la clave de ese viaje fue la forma de entender la fotografía, no entenderla bajo una forma más de estilo fotoperiodístico sino la de hacer fotografía documental, el convivir con la gente… Todo eso era algo que desconocía y era justo lo que yo andaba buscando. A partir de entonces la forma de buscar y plantear los proyectos de largo recorrido es otra, igual tienes que ir a una zona dos o tres veces, dependiendo de cada proyecto, suelo hacer uno al año más o menos. — Uno de tus grandes trabajos se ha desarrollado en Mongolia, un país lejano, con muy pocos habitantes y bastante desconocido ¿qué te llevó a Mongolia? — Al año siguiente, después del viaje por África, entre 2009 y 2010 me fui a Mongolia. En aquel entonces no era el país emergente que es hoy, en

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la actualidad, aunque no lo parezca, tiene mucho turismo, sobre todo procedente de Israel y, además, cuenta con ricos yacimientos de minerales preciados y escasos. Era un país con muchas zonas que están por descubrir, por eso me parecía interesante que un país que está entre dos grandes potencias como China y Rusia, que estaba dejando un pasado comunista y entrando de lleno al capitalismo, retratarlo a través de un colectivo que justamente también está en tránsito como son los transexuales, me parecía algo apasionante. — Por extraño que parezca, la transexualidad todavía hoy es incomprendida en algunos rincones de Occidente ¿cómo es la vida de los transexuales en Mongolia? — Hay un trasfondo histórico dentro de este tema que es el chamanismo, Mongolia es considerada como la cuna del chamanismo, aunque durante la época soviética se intentó aniquilar todos los vestigios del mismo. La transexualidad en Mongolia, en algunos estratos, se considera que está relacionada con el chamanismo, creen que tienen una gran capacidad para contactar con los espíritus y, lejos de ser considerado como una aberración o un tabú, como ocurre en otras sociedades, en este caso eran considerados como “seres especiales”. — También has documentado la transexualidad en otras comunidades, ¿se trata de un proyecto que todavía no ha finalizado? — Es un proyecto de largo recorrido, al principio pensaba centrarlo de una manera local sólo en Mongolia pero al descubrir estas tendencias me ha llevado a una búsqueda casi antropológica y visual a otras regiones, como en las selvas de Venezuela donde también documenté la transexualidad en algunos grupos. — Este proyecto es uno de los que forman parte de los trabajos que se desarrollan en Anhua, una ONG que fundaste junto al fotógrafo David Rengel ¿cómo surgió la idea de crear esta organización y qué objetivos tiene? — En 2010 surgió el proyecto Anhua es una ONG y un colectivo, en la ONG estamos David Rengel y yo como fotógrafos y la editora Nuria Mayoral. En el colectivo somos 4 fotógrafos, la idea surgió en 2010 de forma muy natural, después de mi


segundo viaje a Uganda conocí el proyecto Memory Books, que está realizado por una cooperativa de mujeres de Uganda que 1996 se juntaron para darse apoyo mutuo y evitar el desarraigo de los huérfanos, era la época en la estaba muriendo mucha gente por VIH y entonces un problema muy grave era la orfandad y los niños eran víctimas del desarraigo o las mafias, esta mujeres se juntaron y daban apoyo tanto moral como económico a las familias. Crearon un sistema que era una especie de libritos de fotografías que recopilaban un poco la historia de cada familia, del padre, la madre, quiénes eran, cuáles eran sus voluntades de futuro, quiénes eran su familia, en quién podían confiar… Es una cosa muy básica, dejar claro cuál es la herencia de los huérfanos porque, en el caso de Uganda, las casas funcionan como una dote y si se mueren los progenitores la familia puede reclamar la casa y echar de ella a los descendientes que se habían quedado huérfanos. Conseguimos financiación con la venta de libros o de copias de fotografía y, a través de diversos premios, hemos logrado fondos para la construcción de un orfanato, una casa escuela para unos 350 huérfanos. Estamos ya en plena fase de construcción de este proyecto que servirá para dar albergue a los niños con el objetivo de que sea un orfanato sostenible y que autoproduzcan sus propios alimentos. Se financia con el esfuerzo propio y con los premios de fotografía que logramos. — Es un proyecto muy interesante pero ¿crees que con la fotografía se puede cambiar el mundo? — En mi segundo viaje a Uganda descubrí que con la fotografía se puede cambiar la realidad, no se va a cambiar el mundo con una foto pero si con esa foto consigues llegar a la persona adecuada que tiene ese poder para cambiar las cosas, sí que se logran buenos resultados. — Normalmente las ONG´s realizan campañas con fotos impactantes y dramáticas para llamar la atención, en vuestro caso, vemos personas que luchan por tener una vida digna ¿por qué utilizas este recurso? — Es una cuestión de impacto, en los años 70 y 80 se buscaba llamar la atención con fotos de niños desnutridos para crear un impacto emocional, nosotros funcionamos de otra manera, quere-

mos dar una imagen de esperanza, decir que esa gente no te necesita para sobrevivir sino para poder crecer y prosperar. El proyecto nació con esa idea, la de no mostrar fotos dramáticas de gente pidiendo ayuda, sino de gente que había tomado las riendas de su vida, que lo único que quiere es que les echen una mano para continuar. Nosotros, además, desarrollamos proyectos que ya están en marcha junto con otras organizaciones no gubernamentales, no creamos estructuras, apoyamos las que están funcionando. — También has trabajado en otras zonas, con temas diferentes pero siempre relacionados con temas de derechos humanos como es el caso de los albinos de Tanzania que has documentado, háblanos de ellos. — Eso fue en Tanzania, en la zona de los grandes lagos, allí ocurren dos cosas, por un lado los albinos están considerados como portadores de mala suerte que los convierte en una especie de parias, no tienen acceso a la educación ni a los servicios más básicos. Por otra parte, existe la creencia, según algunos ritos, de que la piel, los órganos de los albinos o ciertos miembros, tienen propiedades mágicas una vez que han muerto, esto es una cosa bastante extendida y no precisamente entre las clases bajas como se podría pensar, es algo que está muy extendido en toda la sociedad. Muchos albinos han tenido que ser realojados en una especie de centros para protegerles, porque sufrían ataques horrorosos que nosotros documentamos, como el caso de una mujer que fue asesinada a manos de su propio marido. Todos los casos son parecidos, según un estudio, existen mafias que se dedican a “esto”, hay gente que viene de “fuera”, paga y “alguien”, local o de la zona, hace el “trabajo” para después huir a la frontera a otro país. — Todo esto es terrible, imagino que psicológicamente, documentar todo esto debe ser duro ¿cómo te enfrentas psicológicamente a estas historias? — Hombre, lógicamente empatizas con la gente que tienes delante pero hay que tener en cuenta que ellos te están dando su tiempo, que es algo muy valioso, y nosotros estamos centrados en utilizarlo de la mejor forma posible para que podamos transmitir todo lo que te están contando de

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la manera más entendible que se pueda. Te vienes abajo después, cuando te pones a pensar en todo ello… Al fin y al cabo yo soy una persona que va allí y luego me voy, ellos son los que se quedan y los que tienen que vivir con esas duras realidades. — ¿Cómo te preparas a la hora de fotografiar una situación dramática? — Con mucho respeto y prestando mucha atención a lo que te cuentan porque tú eres la correa de transmisión que se encargará de contar lo que allí pasa al mundo. — En estos momentos estás inmerso en un proyecto que te llevó el año pasado al lejano oriente ruso, con una historia fascinante en la taiga a la que vuelves en febrero para continuar de documentar, háblanos de ella. — Desde muy pequeñito las historias de exploradores me volvían loco, hace un par de años leí un libro que se llamada El Tigre que me dejó impactado, se desarrollaba en la misma zona de Rusia que voy a visitar en febrero, en el oriente ruso, en la frontera de Corea del Norte y China. Es una zona llena de leyendas indígenas en la que la mitad del año tiene temperaturas bajo cero y la otra mitad temperaturas casi tropicales, allí hay desde grandes osos hasta tigres… La historia es que, según la leyenda Udegei, existe un acuerdo tácito entre el Amba, el tigre que es el espíritu del bosque, y el ser humano, pues esta historia se remonta a 1997, después de la caída del Muro de Berlín y la desintegración de la Unión soviética, en esta zona la economía comenzó a irse a pique y el furtivismo se convirtió en una fuente de ingresos para algunas personas. Uno de estos cazadores quiso matar un tigre para venderlo en el mercado negro, cuando lo encontró quiso matarlo pero tuvo un fallo y no lo mato, simplemente lo hirió… Hay una creencia popular en la zona que dice que el Amba tiene memoria, que si tú le haces mal, el Amba te lo devolverá, en este caso fue así. El tigre fue tras los pasos del cazador y de toda la gente que le ayudó durante la cacería y se vengó, destrozó su cabaña, mató a sus perros, y mató al cazador y a otro chico que le ayudó en la caza. — ¿Pero todo esto es cierto o es una leyenda? — Sí, todo esto ocurrió y está documentado. Estos

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hechos fueron recogidos primero por Yuri Trush, responsable de una especie de patrulla para la caza de tigres conflictivos así como para controlar a los cazadores furtivos. Más tarde John Vaillant lo relató en su libro El Tigre, una historia de venganza y supervivencia. En él se narran los detalles que rodearon la muerte del cazador, es como la historia de Moby Dick en versión tigre (risas). A mí esa historia me llamó mucho la atención y más compro-


bar que en un mundo como en el que estamos ahora en el que la naturaleza y el hombre chocan y casi siempre la moneda cae en el lado del hombre, es cuando descubres que también hay muchas posibilidades de que esto no sea así, por eso me pareció muy interesante. — ¿Y el pobre tigre finalmente murió? — Sí, al tigre lo mataron, al pobre… bueno, pobre…

(risas). Aunque el tigre es un animal en peligro de extinción, su población en Rusia está repuntando. Durante la época soviética la población cayó en picado pero ahora está protegido, de hecho Rusia fue el primer país en proteger a los tigres. — ¿En qué fase se encuentra este proyecto? — Está digamos que al 70% del proyecto, este proyecto forma parte de una beca que la Fundación

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Magnum me ha dado hace poquito y es un trabajo complicado porque ya no queda nada de la cultura indígena y antropológicamente, el único reducto que queda de esa cultura se encuentra en la caza, en los rituales previos y el leitmotiv. El tigre es la excusa en este trabajo pero en realidad la historia va de esta religión del cazador ancestral de la taiga y de su sostenibilidad. — La dureza del clima y más en febrero será uno de los grandes inconvenientes ¿no es así? — Las temperaturas allí son extremas y a 30 bajo cero el material no funciona bien, a ver cómo se porta el equipo. Normalmente la duración de una batería es de tres o cuatro horas y allí se reduce a 15 o 20 minutos como mucho, necesito llevar muchas baterías, pero es un reto más tecnológico que otra cosa. — Has dicho que este proyecto forma parte de una beca de la Fundación Magnum, precisamente Magnum ha sabido reconocer tu trabajo y no sólo ellos, en estos últimos años has recibido infinidad de premios y reconocimientos como el British Journal of Photography Ones to Watch en 2014, medalla de oro en el China International Photographic Art Exhibition, estás nominado en los finalistas del prestigioso premio Magnum Photos & IdeasTap y, además, estás considerado como uno de los 30 mejores fotógrafos emergentes del mundo ¿cómo se lleva eso? ¿Qué importancia le das? — Bueno, hay listas para todo, mejores restaurantes, mejores cocineros, mejor equipo de fútbol… Lógicamente es mejor estar que no estar, pero todo esto de las listas sirve durante una etapa muy limitada, esto es un trabajo de largo recorrido en el que necesitas estar trabajando durante tiempo. En realidad el tema no es que te digan lo bueno que eres sino que puedas conseguir financiación para poder tener el control de tu trabajo, tampoco voy a negar que esto me alegra y me ayuda y abre muchas puertas, tampoco me quejo. Sólo quiero hacer bien mi trabajo y que sea útil a la sociedad. — Álvaro, muchas gracias por tu tiempo y te deseamos mucho éxito en todos tus proyectos. — Gracias a vosotros. www.alvarolaiz.com www.an-hua.org

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Looking for time (mom in loft) (2007)


La Gran Fiesta del Cine Español El 8 de febrero se celebra la 29 edición de los Premios Goya® en el Centro de Congresos Príncipe Felipe, bajo la dirección de Juan Luis Iborra y la producción ejecutiva de Emiliano Otegui. La gala tendrá como conductor al popular actor Dani Rovira. En esta edición optan un total de 109 películas estrenadas en España entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2014, 25 películas menos que en la edición anterior. De estas producciones 64 películas son de ficción, 42 documentales y 3 de animación. También concurren este año 118 filmes europeos y 35 cortometrajes. Por EMNMM

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Cine


En esta nueva edición se presentan 44 operas primas, 86 guiones originales y 16 guiones adaptados, estructurados en 28 categorías a las que hay que sumar el Goya® de Honor, que este año recogerá el actor, director y productor Antonio Banderas quien, además, participa como actor y productor en la película Autómata, que está nominada en cuatro apartados técnicos. Este año las películas que parten como favoritas son dos thriller: La isla mínima, de Alberto Rodríguez, y El Niño, de Daniel Monzón, que acumulan 17 y 16 candidaturas respectivamente. Magical Girl, es otra de las películas favoritas, una cinta que ya ha logrado la Concha de Oro en el pasado Festival de Cine de San Sebastián, con siete nominaciones. La gala Los Premios Goya o Premios Anuales de la Academia son los galardones que anualmente otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, con el objeto de premiar a los mejores profesionales en cada una de las distintas especialidades del sector. La gala está organizada por la Academia, cuya Junta Directiva elige cada año al equipo que se encargará de la dirección, del guión, de la presentación y del contenido artístico de la Gala. La primera edición de los Goya tuvo lugar el 17 de marzo de 1987 en elTeatro Lope de Vega de Madrid y el preciado galardón, en su origen, era una estatuilla obra del escultor Miguel Ortiz Berrocal. Se trataba de una escultura desmontable y bastante pesada con la imagen del pintor aragonés Francisco 86 - EMNMM

de Goya con una cámara cinematográfica adosada. El diseño del premio fue objeto de muchas críticas, motivo por el que ya en la segunda edición entregaron otras estatuillas realizadas por el escultor José Luis Fernández, esta vez sin la criticada cámara cinematográfica, sólo un busto de Francisco de Goya en bronce, más pequeño y menos pesado. El motivo de elegir un personaje como Francisco de Goya para la creación de estos galardones fue porque Goya, además de ser un nombre corto como lo son los Oscar americanos, la figura y la obra de este personaje es mundialmente conocida y un excelente representante de la cultura española. Desde la entrega del primer Goya a hoy estos galardones han ido consolidándose hasta convertirse en los premios más importantes del cine español y la gala uno de los acontecimientos más seguidos por los medios de comunicación, precisamente por ello, en los últimos años la gala también se ha convertido en el altavoz de protestas ciudadanas de todo tipo logrando, en determinados casos, un efecto no deseado y contraproducente para la industria del cine español, sustituyendo el glamur y el brillo que un evento de estas características debería tener por la crítica y, en algunos casos, la burda y poco ingeniosa protesta. Actualmente el cine español empieza a levantar cabeza y las perspectivas a corto y largo plazo son mejores que hace unos años. La gente quiere ver cine, buen cine hecho en España porque el cine siempre es y será la excusa para adentrarnos en ese lugar mágico donde podemos escapar de la propia realidad.


Magical Girl

Mr. Kaplan

Todos estรกn muertos


Lista de nomina Mejor película El Niño La isla mínima Loreak Magical Girl Relatos salvajes Mejor dirección Daniel Monzón por El Niño Alberto Rodríguez por La isla mínima Carlos Vermut por Magical Girl Damián Szifron por Relatos salvajes Mejor dirección novel Carlos Marques Marcet por 10.000 Km Esteban Roel, Juanfer Andrés por Musarañas Curro Sánchez Varela por Paco de Lucía: la búsqueda Beatriz Sanchís por Todos están muertos Mejor guión original Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría por El Niño Alberto Rodríguez, Rafael Cobos por La Isla mínima Carlos Vermut por Magical Girl Damián Szifron por Relatos Salvajes Mejor guión adaptado Carlos Asorey, Ignacio Vilar por A esmorga Chema Rodríguez, David Planell, Pablo Burgués por Anochece en la India Claro García, Cristóbal Ruiz, Javier Fesser por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo Anna Soler Pont por Rastres de sàndal Mejor música original Roque Baños por El Niño Julio de la Rosa por La isla mínima Pascal Gaigne por Loreak Gustavo Santaolalla por Relatos salvajes Mejor canción original Niño sin miedo de David Santisteban, India Martínez, Riki Rivera por El Niño Me ducho en tus besos de Fernando Merinero, Luis Ivars, Raúl Marín por Haz de tu vida una obra de arte Morta y File de Rafael Arnau por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo No te marches jamás de Fernando Velázquez por Ocho apellidos vascos

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Mejor interpretación masculina protagonista Javier Gutiérrez por La isla mínima Raúl Arévalo por La isla mínima Luis Bermejo por Magical Girl Ricardo Darín por Relatos salvajes Mejor interpretación femenina protagonista Bárbara Lennie por Magical Girl María León por Marsella Macarena Gómez por Musarañas Elena Anaya por Todos están muertos Mejor interpretación masculina de reparto Eduard Fernández por El Niño Antonio de la Torre por La isla mínima José Sacristán por Magical Girl Karra Elejalde por Ocho apellidos vascos Mejor interpretación femenina de reparto Bárbara Lennie por El Niño Mercedes León por La isla mínima Goya Toledo por Marsella Carmen Machi por Ocho Apellidos vascos Mejor actor revelación David Verdaguer por 10.000 Km Jesús Castro por El Niño Israel Elejalde por Magical Girl Dani Rovira por Ocho apellidos vascos Mejor actriz revelación Natalia Tena por 10.000 Km Yolanda Ramos por Carmina y amén Ingrid Garcia Jonsson por Hermosa juventud Nerea Barros por La isla mínima Mejor dirección de producción Edmon Roch, Toni Novella por El Niño Manuela Ocón por La isla mínima Julián Larrauri, Luis Fernández Lago por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo Esther García por Relatos salvajes Mejor dirección de fotografía Alejandro Martínez por Autómata Carles Gusi por El Niño Álex Catalán por La isla mínima Kalo Berridi por Ocho apellidos vascos


ados a los Goya Mejor montaje Mapa Pastor por El Niño José M. G. Moyano por La isla mínima Darío García, José M. G. Moyano, por Paco de Lucía: la búsqueda Damián Szifron, Pablo Barbieri por Relatos salvajes Mejor dirección artística Patrick Salvador por Autómata Antón Laguna por El Niño Pepe Domínguez por La isla mínima Víctor Monigote por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo Mejor diseño de vestuario Armaveni Stoyanova por Autómata Tatiana Hernández por El Niño Fernando García por La isla mínima Cristina Rodríguez por Por un puñado de besos Mejor Maquillaje y Peluquería David Martí, Noé Montes, Raquel Fidalgo por El Niño Yolanda Piña por La isla mínima José Quetglas, Carmen Veinat, Pedro Rodríguez “Pedrati” por Musarañas Marisa Amenta, Néstor Burgos por Relatos salvajes Mejor sonido Gabriel Gutiérrez por Autómata Marc Orts, Oriol Tarragó, Sergio Bürmann por El Niño Daniel de Zayas, Nacho Royo Villanova, Pelayo Gutiérrez por La isla mínima James Muñoz, Nicolás de Poulpiquet por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo Mejores efectos especiales Guillermo Orbe, Raúl Romanillos por El Niño Juan Ventura, Pedro Moreno por La isla mínima David Heras, Raúl Romanillos por Open Windows Antonio Molina, Ferrán Piquer por Torrente 5, Operación Eurovegas Mejor película de animación Dixie y la rebelión zombi (Dixie eta matxinada zonbia) La tropa de trapo en la selva del arcoíris Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo

Edificio España El último adiós de Bette Davis Paco de Lucía: la búsqueda Mejor película iberoamericana Conducta de Ernesto Daranas Kaplan de Álvaro Brechner La distancia más larga de Claudia Pinto Emperador Relatos salvajes de Damián Szifron Mejor película europea Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? de Philippe de Chauveron El abuelo que saltó por la ventana y se largó de Félix Herngren Ida de Pawel Pawlikowsky La sal de la Tierra de Juliano Ribeiro Salgado, Wim Wenders Mejor cortometraje de ficción Café para llevar de Patricia Font Loco con ballesta de Kepa Sojo Safari de Gerardo Herrero Pereda Todo un futuro juntos de Pablo Remón Trato preferente de Carlos Polo Mejor cortometraje de animación A Lifestory de Nacho Rodríguez A lonely sun story de Enrique Fernández Guzmán, Juanma Suárez García El señor del abrigo interminable de Victoria Sahores Ripoll Juan y la nube de Giovanni Maccelli Sangre de unicornio de Alberto Vázquez Mejor cortometraje documental El domador de peixos de Dani Resines, Roger Gómez El último abrazo de Sergi Pitarch Garrido La máquina de los rusos de Octavio Guerra Quevedo Walls (Si estas paredes hablasen) de Miguel López Beraza

www.premiosgoya.academiadecine.com

Mejor película documental 2014. Nacido en Gaza

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La compañía SioSi Teatro vuelve a la escena bajo la dirección de Carlos Martínez-Abarca, un clásico de William Shakespeare, Un cuento de invierno, una de las más bellas creaciones del genio inglés. Escrita en su pleno apogeo poético, parece que, con ella, hubiera querido burlarse expresamente de todas las convenciones literarias. Porque si en sus obras Shakespeare tendió siempre a reunir elementos dispares, en un Cuento de invierno se superó a sí mismo. Esta obra se distingue, también, por su carácter experimental y todavía vanguardista. Ocho actores dan vida casi a una veintena de personajes; Luis Heras, David Lázaro, Paula Ruiz, Carlos Lorenzo, Rocío Marín, Zaira Montes, Óscar Ortiz, Carlos JiménezAlfaro. Intérpretes que no sólo juegan diferentes registros y estilos, sino que generan el espectáculo desde dentro. Un cuento de invierno es seguramente la penúltima obra de William Shakespeare. Escrita en pleno apogeo poético de su

autor, parece que, con ella, hubiera querido burlarse expresamente de todas las convenciones literarias. Porque, si en sus obras Shakespeare tendió siempre a reunir elementos dispares, en ésta se superó a sí mismo. En ella coexisten fantasía y realismo, tragedia y comedia, corte y campo, nobleza y picaresca, antigüedad griega y modernidad isabelina, y contiene, además, un buen número de curiosidades y prodigios, incluida la presencia escénica de un oso y de una estatua que cobra vida. La acción se desarrolla en dos tiempos con un intervalo de dieciséis años y se alterna entre Sicilia y Bohemia. Inspirada en la tragicomedia romancesca, trata las relaciones entre padres e hijos en una trama de pérdida y recuperación, discordia y reconciliación, en la que intervienen elementos sobrenaturales. Dada la importancia que en todas sus divinas comedias tiene el espectáculo y el tratamiento artístico de sus ingredientes, esta obra se distingue, también, por su carácter experimental y aun vanguardista.

UN CUENTO DE INVIERNO Nave 73 Hasta al 22 de febrero Sábados y Domingos, 19h www.nave73.es

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Escena

Un cuento de invierno de William Shakespeare Direcci贸n: Carlos Mart铆nez Abad

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Philippe Genty regresa a Madrid con la revisión de una de sus obras más aplaudidas, Ne m’oublie pas (No me olvides), creada hace veinte años para el Teatro de la Ville de París. A cuatro manos con su cómplice de siempre, su mujer y coreógrafa Mary Underwood, Genty hace bailar los sueños y los eleva. El ingenio no envejece, y este clásico vuelve tan travieso como siempre: estos personajes que se rompen en el escenario ¿son marionetas o bailarines? ¿Son monos o personas? Dejarse engañar por Phillippe Genty siempre es un placer y esta nueva coreografía juguetona e hipnótica es un auténtico atrapa sueños. Para esta recreación, Philippe Genty y Mary Underwood emprendieron un intenso trabajo de reescritura y se

rodearon de nueve actores de la escuela de teatro gestual de Verdal en Noruega. El resultado es una odisea visual en la que actores y marionetas de tamaño humano se confunden y se mezclan, en los magníficos entornos nórdicos. Philippe Genty y Mary Underwood llevan 45 años entreteniendo a público de todo el mundo. Sus creaciones no pueden catalogarse como danza pero sí como una imaginativa y original mezcla de danza, mimo, marionetas, ilusión, música, luces y efectos de sonido. Antes de su paso por los Teatros del Canal, la compañía pasará por el Teatro Bretón de Logroño, donde actuará el 8 de febrero.

NE M’OUBLIE PAS (No me olvides) Teatros del Canal www.teatroscanal.com Estreno: 12 de febrero, dos únicas semanas Funciones: de martes a domingo Horarios: de martes a sábado a las 20 y los domingos a las 19 horas

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Ne m’oublie pas (No me olvides) de Philippe Genty

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Foto: Javier Naval


Los cuentos de la peste de Mario Vargas Llosa Dirección: Joan Ollé

El Teatro español estrena Los cuentos de la peste, última e inédita pieza teatral escrita por el Nobel Mario Vargas Llosa, coincidiendo con su publicación por parte de la editorial Alfaguara, el pasado 22 de enero. La obra estará interpretada por el propio autor que subirá a las tablas del Español acompañado, como no podía ser de otra manera, de su musa teatral, Aitana Sánchez Gijón además de Pedro Casablanc, Marta Poveda y Óscar de la Fuente, todos ellos dirigidos bajo las órdenes de Joan Ollé. Se trata de la cuarta producción del Teatro español de una obra teatral del Premio Nobel tras El loco de los balcones, protagonizada por José Sacristán, Kathie y el hipopótamo, por Ana Belén y La Chunga por Aitana Sánchez Gijón. Esta es la cuarta vez que Mario Vargas Llosa sube a un escenario en calidad de actor tras su aparición, también junto a Aitana Sánchez Gijón, en La verdad de las mentiras, Odiseo y Penélope y Las mil noches y una noche.

LOS CUENTOS DE LA PESTE Hasta el 1 de marzo de 2015 De martes a sábados 20h. Domingos, 19h. Teatro Español - Sala Principal www.teatroespanol.es

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Va


MĂşsica

argas Blues Band Una leyenda del blues latino


El madrileño Javier Vargas es un guitarrista, un virtuoso del blues al que se le podría considerar como el padre del “Blues latino”,entre otras cosas, por haber sabido captar la esencia de este género musical y adaptarlo y fusionarlo sin que por ello se perdiese el alma del blues.

El álbum, en el que colaboran Dani Wilde y Chris Jagger (hermano de Mick Jagger). Será editado en España y Portugal este mes de febrero bajo el sello Santo Grial, y estará a la venta en plataformas digitales y en grandes superficies en la segunda quincena del mes.

Javier Vargas siempre ha tenido muy clara su vocación musical, se inició a los 10 años, cuando su padre le regaló una guitarra y comenzó a dar clases de música. Ya en 1969 formó su primera banda con un grupo de amigos en Mar del Plata (Argentina) donde ya destacaba su talento innato contagiado de los ritmos de sus primeras influencias musicales, las bandas de rock y blues de finales de los sesenta y principios de los setenta. Años más tarde se traslada con su familia a Venezuela donde comienza a dedicarse al mundo de la música de forma profesional y pocos años después se forja en el mundo del blues con los más grandes en el sur de los Estados Unidos.

Este nuevo trabajo está grabado y mezclado en España por el ingeniero de sonido Alberto Seara en los estudios Cube de Madrid con la participación de Luis Mayo al bajo, el cantante inglés Gaz Pearson, Peter Kunst, batería y la producción de Javier Vargas. También contó en la grabación con el teclista Húngaro Tamas Szasz y el guitarrista acústico Argentino Roberto Daiqui, que colaboró en el tema instrumental Esperanto, luego se sumaron al proyecto Chris Jagger, además de la cantante de blues inglesa Dani Wilde.

No sería hasta principios de los años noventa y ya en España, cuando comienza la historia de la mítica Vargas Blues Band. Desde entonces, y con más veinte discos editados y numerosos éxitos cosechados por todo el mundo, la Vargas Blues Band se ha convertido en una banda de culto que ha tocado, además, con grandes de la música como Raimundo Amador, Carlos Santana o Prince, entre otros muchos. El último trabajo que acaba de ver la luz, es un nuevo álbum titulado From the Dark. Está editado mundialmente por Off Yer Rocka, sello discográfico de la promotora inglesa Hard Rock Hell.

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El arranque del tour coincide con la salida a la venta de su nuevo trabajo que se presenta después de finalizar su gira con el álbum Heavy City Blues donde, además, coincidía con el 20º aniversario del álbum Blues Latino que le llevó de gira por toda Europa y a Sudamérica para hacer un show de presentación en Argentina donde hacía más de 3 años que no actuaba. La banda liderada por el guitarrista Javier Vargas tiene por delante más conciertos programados que les llevará a numerosas ciudades de España, Reino Unido, Francia, Alemania, EE.UU y Sudamérica. Por EMNMM

www.vargasblues.com


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El Madrid de Velázquez Velázquez llegó por primera vez a Madrid en 1622, cuando contaba 23 años. Su fama como pintor de bodegones era ya reconocida, pero fue su ingreso en la Corte madrileña, al servicio del rey, lo que le dio a su carrera un impulso definitivo. Su vida y su obra se desarrollan desde ese momento en ese Madrid barroco de Felipe IV, el Rey Poeta. Un Madrid de contrastes donde los cientos de tabernas y bodegones se establecían entre los muros de numerosos conventos, donde la pobreza se codeaba con el despilfarro o donde las estrictas normas morales se entremezclaban con las grandes expresiones festivas. Un Madrid, escenario de la gran manifestación cultural que fue el siglo de Oro y que tuvo a Velázquez entre sus protagonistas. Documadrid es un equipo de investigación dedicado a la historia de Madrid. Lo forman Marisol Valcárcel, Reyes García y Ana María Ecija. Han realizado numerosas publicaciones sobre Madrid. Reyes García Valcárce Ediciones La Librería 156 Págs. 978848941145X

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Madrid, corazón de un imperio 1651 y 1601-1606 Ediciones La Librería presenta en este volumen una recopilación de textos dispersos de Alfredo Alvar sobre la historia de Madrid de los siglos XVI y XVII. Además, incluye imágenes de varios óleos sobre Madrid hasta ahora desconocidos. En 1561 la Corte se mudó de Toledo a Madrid. En 1601 de Madrid a Valladolid y en 1606 de Valladolid a Madrid. ¿Por qué todo ello?, ¿Cuáles fueron las repercusiones? ¿Cómo se fue organizando la nueva vida urbana y cortesana? Aquí se dan las respuestas a éstas y más preguntas. Alfredo Alvar Ezquerra Ediciones La Librería 192 Págs. 9788498732283


Libros

Castillos y fortalezas de la Comunidad de Madrid Una guía de viaje para conocer y visitar las principales fortalezas medievales que hoy existen en la Comunidad de Madrid. Un libro de información histórica y descripción de tipologías, ilustrado con abundancia y calidad. José Luis García de Paz / Antonio Herrera Casado Aache Ediciones 192 Págs. 9788496885745

Cómo dejar de actuar “Este libro será inestimable para todo aquel que desee apasionadamente aprender el arte de la actuación, y para los que necesitamos que nos recuerden los principios del arte al que hemos dedicado nuestra vida” (Glenn Close). Con una introducción del actor Kevin Kline presentamos la pedagogía teatral de un detractor del método Stanislavski, Harold Guskin, instructor ahora de la nueva generación de actores norteamericanos. Un título eminentemente práctico en el que se intercalan las experiencias de las grandes estrellas en su aprendizaje con las lecciones del autor. Imprescindible para todo aquél que se forme en la artes escénicas. Harold Guskin Alba Editorial 280 Págs. 9788484286936

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Héroes en silencio

Leopoldo Pérez Por Óscar Bethencourt

Decía en su momento que el “Héroe en silencio” es un alguien fascinado por la búsqueda de una pregunta que le ha hecho salir de su propia casa para seguir un camino difícil hacia su propia libertad. Para este mes de febrero, nos topamos con uno de ellos. Esta vez con un joven canario que tras su forma de hablar simple, tímida y con sonrisa siempre abierta, nos abre su espacio de búsqueda para hablar de él, y ser hablado. En cierto modo, un héroe es alguien de quien se habla. Nuestro protagonista no sólo pasa largos ratos de anonimato tras su mesa de estudio y su lámpara, sino con las botas puestas, los pinceles y reglas de medición en medio del campo.

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— O. Bethencourt.Querido amigo, ¿Por qué no empezamos hablándonos de ti? — L. Pérez. Me llamo Leopoldo, aunque prefiero que me llamen Leo. Soy natural de la isla de Tenerife (Canarias), concretamente de un pequeño municipio llamado Santiago del Teide. Hasta no hace mucho, la mayor parte mi vida ha transcurrido en este entorno idílico de mar y montaña, lugar donde se encuentra toda mi familia, amigos y seres queridos. No obstante, desde hace algún tiempo ese sedentarismo ha ido tornándose en nomadismo, debido a que he tenido que estudiar fuera de casa, concretamente en la Universidad de La Laguna, donde cursé una licenciatura en Historia. Allí empecé a conocer nuevas cosas, ser más crítico y ver la vida de otra manera, además de consolidar mi pasión por la investigación, tanto que al poco tiempo tenía claro que tenía que apostar por hacer lo que fuera para conseguirlo. Ello me llevo hace no más de dos años a realizar un máster en Arqueología del Cuaternario en la Universidad Rovira i Virgili (Tarragona), lugar donde actualmente estoy empezando mi tesis doctoral. — ¡Perdón! ¿Arqueología del Cuaternario?, para aquellos que no estamos en este mundo, ¿por qué no nos lo explicas un poco? — En realidad es muy simple (risas). A pesar de lo pomposo que pueda parecer el nombre, Arqueología no es otra cosa que el “estudio o tratado de las cosas antiguas” siguiendo su etimología griega, aunque en la actualidad su significado ha derivado de la “historia antigua” tal y como la entendían los Clásicos al estudio de las sociedades pasadas a partir de sus restos materiales (ya sean homínidos de hace un millón de años, los habitantes de la Antigua Mesopotamia o nuestros propios antepasados de no hace más de 100 años). En cuanto al término Cuaternario, se trata de un concepto utilizado en geología como marcador temporal para determinar al último Período dentro de la Era Cenozoica (ocupando desde los 2,58 millones de años hasta nuestros días), coincidiendo con el origen y desarrollo del género Homo, al cual pertenecemos. Este periodo se divide además en dos grandes épocas: el Pleistoceno y el Holoceno. Es en esa primera se enmarcan mis estudios. — ¿Y por qué elegiste Historia? Alguna razón habrá para que haya sido la carrera a la que te sigues dedicando.

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— La razón que me llevó a elegir la carrera de Historia aún no la tengo del todo clara. Supongo que fue porque desde pequeño me apasionaban las clases que recibía sobre lo que había ocurrido en otros tiempos, al igual que el vivir en un pueblo, escuchar distintas anécdotas sobre el pasado y estar cerca del campo. Todo ello provocó en mí un profundo interés por conocer cómo hemos llegado hasta la actualidad. Creo que esa misma motivación es la que me ha llevado a preocuparme por intentar saber, o al menos aproximarme, qué ocurrió en el mundo hace miles de años. Por esa razón me dedico a la arqueología como especialización dentro de mi formación como historiador. — ¿Por qué no haberte quedado en la licenciatura, haber buscado un trabajo como profesor o algo más elemental que no te lleve a tantos quebraderos de cabeza? — Aunque pueda parecer que esa es la opción más lógica, a día de hoy con la implantación del nuevo marco europeo en los estudios universitarios, tener una licenciatura poco te ayuda a encontrar trabajo. Realmente para ser profesor ya es necesario hacer un máster de un año, por lo que dada la gran cantidad de personas que lo realizan lo veía como la salida “menos” lógica. La segunda opción, esa de buscar algo más elemental, sinceramente me ha pasado infinidad de veces por la cabeza, pero realmente quería seguir probando suerte después de haber dedicado tantos años de mi vida a estudiar una profesión que me apasiona. Soy de aquellos que piensa que si encuentras algo que realmente te gusta como para dedicarle tu vida, al menos hay que intentarlo una vez, aunque luego tropecemos, ¿no crees? — Y en la actualidad, ¿sigues vinculado a esa pasión tuya por la historia? — Afortunadamente aún no he tropezado y el camino que elegí ha tenido sus frutos. En estos momentos me encuentro iniciando mi tesis doctoral tras a obtener una beca predoctoral dentro del Programa de Formación de Profesorado Universitario (FPU) del Gobierno de España. Mi línea de estudio se enmarca dentro de una rama de la arqueología denominada zooarqueología, es decir, el estudio de la interacción entre los humanos y los animales en el pasado. En mi caso, la


temática a estudiar tiene relación con saber qué ocurrió en dicha qué ocurrió desde esta perspectiva entre los últimos grupos neandertales que habitaron la zona de los Valles de Alcoy (Alicante) y los animales de su entorno entre hace 60.0000 y 40.0000 años aproximadamente. Por cierto, muy interesante e informativo el artículo dedicado al corzo en la sección de “Madrid Natural” el número anterior de vuestra revista. — ¿Y cómo compaginas esa pasión por la Historia y la Arqueología en tu día a día? — Dado que una es totalmente dependiente de la otra, me paso todo el día leyendo y trabajando con artículos, monografías y manuales donde los temas arqueológicos e históricos van de la mano, como no podría ser de otra forma. No obstante, es cierto que al ser un trabajo tan concreto quita tiempo para poder dedicarle más horas a seguir aprendiendo sobre la Historia en términos más generales. Aun así, soy consciente de que hacer una tesis no es tarea fácil (además de que soy demasiado exigente conmigo mismo, es un problema que reconozco), por lo que en aquellos ratillos que dispongo, así como cuando mi mente me lo permite, me gusta retomar algún libro, artículo o documental sobre otras partes de la Historia que nada tienen que ver con lo que me dedico principalmente. — En la actualidad, ¿hacia dónde quieres centrar esta pasión por la arqueología? — Mis planes de futuro tampoco los tengo claro del todo, pues tal y como están las cosas actualmente puedes acabar en cualquier lugar. En principio, me encantaría seguir dedicándome a la investigación arqueológica, ampliando mis conocimientos y poder trasmitirlos. Soy consciente de que es difícil lograrlo, pero nunca hay que perder las esperanzas. Hasta ahora he logrado cumplir con esos deseos y espero poder seguir haciéndolo en un futuro. — En el fondo Leo, ¿cuál es la pretensión tuya por la arqueología: una cuestión por dar un poco de luz a la investigación o es reto personal?

— Mentiría si no dijese que el principal motivo es un reto personal, aunque también lo haría si dijera que no me interesa aportar nuevos datos que permitan comprender la vida de nuestros ancestros. Creo que es una mezcla entre ambos y que rara vez se puede desligar uno del otro. Puede que en otras ramas del saber o en profesiones de otro tipo sí que sería posible, pero no es el caso. Quizás sea un poco neandertal y mis antepasados están pidiendo que les preste más atención, ¡quién sabe! (Risas). Muchísimas gracias Leo por esta agradable charla y mucha suerte.

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Tiendas

99Designers Shop es algo más que una tienda de artículos de diseño, es un original proyecto realizado por la mallorquina Margui Mora, Hernán y 99 diseñadores más situado en pleno corazón de Malasaña.

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99Designers Shop es más que una tienda y una galería, es un local multidisciplinar con espíritu multimarca donde el diseño español es el principal protagonista. Este espacio ofrece una cuidada selección de productos de alta calidad, acabados exquisitos y extrema originalidad. Es un fantástico escaparate punto de venta para todos aquellos diseñadores, artesanos y artistas que luchan contra la competencia de las producciones masivas en un mercado en el que el precio se ha convertido en el gran enemigo de la calidad. En este lugar se da visibilidad a creadores que todavía creen que el diseño y la calidad están por encima de cualquier otro requerimiento del mercado. Una de las particularidades que hacen especial a este espacio es que en cada uno de sus productos se muestra quién está detrás de ellos, de su proceso de producción, su proceso creativo y ¡cómo no! su nombre. 99Designers Shop es una alternativa, una nueva forma de vender. La tienda está dividida en módulos que cada diseñador puede alquilar para exponer, vender, promocionar su trabajo o dar a conocer sus colecciones con un único requisito, todos los productos han de ser hechos en España, ya sea por artistas y diseñadores españoles o de cualquier nacionalidad. Este es el principal objetivo, promocionar el diseño local y qué mejor escaparate que en el corazón de Madrid, en Malasaña, posiblemente el barrio con mayor efervescencia creativa de la ciudad.

99Designers Shop www.99designersshop.com Velarde, 6 916 22 76 64

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Comer

VIVA MADRID Casticismo tabernario con aroma a tradición

Lleva toda una vida formando parte del paisaje de Madrid. Los nacidos en estos lares lo tenemos presente en nuestras retinas, en nuestra memoria. Uno de esos lugares que siempre ha estado ahí y son el que la ciudad se quedaría un poco huérfana. Sus azulejos anunciando que sí, que está aquí y que se dispone a seguir saciando sedes y hambres. Las de aquellos que buscan el momento de pasar un buen rato con la cocina casera de Viva Madrid. Por Carmen Martínez de Artola

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TRES ESPACIOS EN UNA TABERNA El local está situado en el mismo centro de la capital, muy cerca de la Plaza de Santa Ana, la calle Huertas y la Puerta del Sol. El edificio que lo acoge es la antigua Casa de Guadalajara, y en su interior conserva algunos de los elementos decorativos originales, como el alicatado de azulejos pintados a mano por Casa Mensaque, el techo artesonado, la barra de estaño y una fachada de cerámica de 1920. Esta taberna, abierta desde 1856, cuenta con tres espacios: a la entrada, una zona de barra con un carta de picoteo en la que además ofrecen vermú de grifo, cañas bien tiradas, copas y una serie de cócteles a precios moderados, además de rico tapeo a cualquier hora del día; en el interior un cómodo y agradable salón donde comer con más pausa; y finalmente una agradable terraza ideal para los días más cálidos. Este renovado Viva Madrid es el resultado del trabajo de sus recientes propietarios, Emilio González y Marisa Iglesias, un emprendedor matrimonio que apuesta por la restauración de hoy y de siempre y que, para lograr sus objetivos, se ha puesto en manos del cocinero Chema de Isidro, quien asesora su cocina.

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TRADICIÓN EN LA MESA En la carta, un poco de todo. Cocina absolutamente tradicional, bien ejecutada y de mucho sabor a casa. Para empezar entrantes como las croquetas -de cocido, jamón o bacalao-, un mini bocatín de calamares, huevos rotos, ensaladilla rusa, gambones en gabardina o un clásico, el matrimonio de boquerón y anchoas, en este caso en “Baldosa con tomate rallado”. También otras raciones tan clásicas como soldaditos de pavía, buñuelos de bacalao, tortillita de patatas con cebolla o unos estupendos callos a la madrileña. Tostas como la de queso de cabra elaborado en la región y la de jamón ibérico con tomate rallado, mientras en el apartado de la huerta encontramos varias ensaladas como la de pimientos asados con bacalao, la de boquerones y anchoas con cebollitas tiernas o la de productos de la huerta madrileña con aceite de cornicabra.

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RECETAS DEL PASADO CON FUTURO Entre los platos fuertes, especialidades de toda la vida como chipirones en su tinta, filetes rusos guisados, gallina en pepitoria o un rabo de toro estofado al vino tinto realmente delicioso. Jugosísimo y de intensa sabrosura. Entre las sugerencias del día unos cuantos arroces y hamburguesas, sepia a la plancha o una carrillera muy tierna con un rico puré de patatas. Y de postre arroz con leche, leche frita, tarta de queso o una enorme coulant con helado de vainilla al que llaman Chocolate en texturas. Un listado de platos con opciones para todos los gustos y a precios ajustadísimos, a los que se suman un menú del día por doce euros y algunos platos del día como el cocido madrileño, que sirven los jueves y los domingos. Bar, taberna, restaurante… Un lugar en el que revivir el pasado mirando al futuro mientras alimentamos el alma con míticas recetas de puchero. Testimonio de los fogones de generaciones pasadas, que siguen gustando como siempre y por las que apostamos. Sabor y oficio al servicio del buen yantar.

VIVA MADRID c/ Manuel Fernández y González 7 Madrid Tlf. 914 20 35 96 www.restaurantevivamadrid.com

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Agenda EXPOSICIONES _________________________________ – Alvin Langdon Coburn (Hasta el 8 de febrero. Fundación Mapfre) – Blanca García. Yoknapatawpha (Hasta el 1 de marzo. Espacio sin título) – Bernini y España (Hasta el 8 de febrero de 2015. Museo del Prado) – Chema Maoz (Hasta el 14 de marzo. Galería Elvira González) – Dibujos españoles en la Hamburger Kunsthalle (Hasta el 8 de febrero de 2015. Museo del prado) – Goya en Madrid (Hasta el 3 de mayo de 2015. Museo del Prado) – Itinerario de Hernán Cortés (Hasta el 3 de mayo. Centro de Arte Canal) – Janet Cardiff & George Bures Miller. El hacedor de marionetas (Hasta el 16 de marzp. Palacio de Cristal) – Jorge Molder. Rico, pobre, mendigo, ladrón (Del 5 de febrero al 17 de mayo. Círculo de Bellas Artes) – Nicola Tesla. Suyo es el futuro (Hasta el 15 de febrero de 2015. Fundación Telefónica) – Pablo Genovés. Elruido y la furia (Hasta el 22 de marzo. Sala Canal de Isabel II) – Paul Delvaux. Paseo por el amor y la muerte (Del 24 de febrero al 7 de junio. Museo Thyssen-bornemisza) – Raoul Dufy (del 17 de febrero al 17 de mayo. Museo Thyssen-bornemisza) – Reflejo del tiempo. Pintura Pablo Echevarría (Hasta el 5 de abril de 2015. Museo de Ciencias Naturales) – Roni Horn (hasta el 1 de marzo. Caixaforum Madrid) – El retrato en las colecciones reales (Hasta el 19 de abril de 2015. Palacio Real) – Sorolla. Trazos en la arena (Hasta el 29 de marzo. Museo Sorolla)

– Scott Bradlee & Postmorten Jukebox (23 de febrero. Sala Caracol) – Simple Minds (9 de febrero. Teatro Nuevo Apolo) – Skinny Molly (13 de febrero. Caracol) – Sons of Bill (27 de febrero. Boite Live) – Straitjackets & Deke Dickerson (26 de febrero. Sala Sol) – Sterling Roswell (27 de febrero. Siroco) – Sweet Adu (6 de febrero. El Junco) – Wolf eyes (15 de febrero. Siroco) ESCENA ________________________________________ – La abducción de Luis Guzmán (Hasta el 1 de marzo. Teatro Lara) – La cena de los malditos (Hasta el 30 de mayo. Teatro Bodevil) – Confesiones de Alá (Hasta el 25 de marzo. Teatro Lara) – Los cuentos de la peste (Hasta el 1 de marzo. Teatro Español) – Don Juan Tenorio (Hasta el 15 de febrero. Teatro Pavón) – El Eunuco (Hasta el 22 de marzo. Teatro La Latina) – Enrique VIII y el cisma de Inglaterra (Del 27 de febrero al 26 de abril. Teatro Pavón) – Miguel de Molina al desnudo (Hasta el 24 de febrero. Teatro Infanta Isabel) – Orphans (Hasta el 22 de febrero. Sala Galileo) – La pechuga de la sardina (Del 25 de febrero al 29 de marzo. Teatro Valle-Inclán) – La piedra oscura (Hasta el 22 de febrero. Teatro María Guerrero) – El Reportaje (Del 10 al 22 de febrero. Teatros del Canal) – Rinoceronte (Hasta el 3 de febrero. Teatro María Guerrero) – Toda la verdad sobre el oso hormiguero (Hasta el 25 de mayo. Teatro Cofidís Alcázar)

MÚSICA ________________________________________

FERIAS ________________________________________

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– ArtMadrid 2015 (Del 25 de febrero al 1 de marzo. Galería de cristal CentroCentro) – Classic Auto Madrid (20, 21 y 22 de febrero. Recinto ferial Casa de Campo) – Madrid fusión (2, 3 y 4 de febrero. Palacio de Congresos de Madrid) – Mercedes-Benz Fashion week (del 6 al 11 de febrero. IFEMA)

Banb of Skulls (27 de febrero. La Riviera) Downtown Alligators (28 de febrero. El Junco) Dropkick Murphys (16 de febrero. La Riviera) The Dustaphonics (11 de febrero. Fun House Bar) James Hunter (13 de febrero. But) Jeff Scott (12 de febrero. Caracol) John Morales (7 de febrero. Berlín café) Michel Cloup (21 de febrero. Berlín Café) Nancys Rubias + Fanforia (12 de febrero. Joy Madrid)

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esmadridnomadriz.com 8

2015. Es Madrid no Madriz

Es Madrid no Madriz Magazine  

Nº 31 Febrero 2015 Museo de Historia de Madrid / Castillo de Aulencia / Buitre leonado / Covarrubias / Adán Black / Gil Gijón / Álvaro Laiz...

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