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ES Madrid NO MadriZ Magazine

Época VII / Número 70


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n el corazón del primigenio Madrid, bajo tierra, y bajo los pies de la Catedral de la Almudena, se encuentra uno de los templos más curiosos y desconocidos de la ciudad, la Cripta de la Almudena, un bosque de columnas de piedra que, además de las

funciones eclesiásticas propias de un templo de estas características, es un mausoleo donde reposan los restos mortales de numerosos personajes de la aristocracia y nobleza española. En los últimos meses, la cripta de la Almudena ha cobrado un inusitado protagonismo tras la decisión del gobierno español de trasladar los restos mortales del dictador Francisco Franco a otro lugar, fuera de la basílica del Valle de los Caídos. Entre los lugares propuestos para el nuevo enterramiento, está la cripta de la Almudena, pues en una de sus capillas, propiedad de la familia del dictador, es donde reposan los restos mortales de su hija, Carmen Franco Polo y los de su esposo, Cristóbal Martínez-Bordiú. Mientras gobierno, instituciones y la propia familia del dictador se encuentran enzarzadas en complejas disputas legales, a día de hoy, no se sabe si finalmente Franco acabará en la cripta de la Almudena o no. En caso de autorizar el enterramiento en este lugar, la cripta pasaría de ser uno de los templos más desconocidos y bellos de Madrid, a un lugar de enfrentamiento y discordia que no aportaría nada bueno, ni a Madrid ni al conjunto de la sociedad española. La legislatura se agota y, posiblemente, Franco seguirá en la basílica del Valle de los Caídos de forma indefinida pero, si finalmente los restos de Franco son exhumados y removidos de la basílica, sería deseable que reposen en otro lugar y no en el corazón de España. Ojalá que así no sea y que reine el sentido común, por el bien de todos y para que la cripta siga siendo eso, un lugar de descanso eterno, oración y un lugar para disfrutar de su arquitectura y de sus sorprendentes obras de arte.

Ramón Rivas

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NOTICIAS

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MADRID. La cripta de la catedral de la Almudena

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MADRID COMUNIDAD. Piedra seca

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MADRID NATURAL. La gineta

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LUGARES. La dehesa de la Albufera

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PERSONAJES. Juan Miguel Baquero

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ARTE. Eva González Morán

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FOTOGRAFÍA. Diego Moreno

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CINE Y TV. Estrenos de cine

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ESCENA. Obras en cartel

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MÚSICA. Red Beard

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LIBROS

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EXTRAÑO Y CURIOSO. PinkCuenca

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ESPACIOS Y PROPUESTAS. V Club Feat. Arola

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COMER. Gaman

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| CONTENIDOS – ENERO-FEBRERO 2019 |

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

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Época VII / Número 70

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Huevo

Jaime de la Torre Óscar Bethencourt

Jaime de la Torre www.jaimedelatorreart.com

MAQUETACIÓN Maite Rivas

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FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

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Bar Villa de Verín


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38ª Edición de ARCO rente latinoamericano en Europa. De hecho, Latinoamérica será una de las principales representaciones internacionales de la Feria. Con ello, del 70% que alcanza en esta edición la participación internacional, el 29% lo acapara la presencia artística del continente americano, con la participación de 40 galerías de 12 países de la región, a las que se unen contenidos latinoamericanos en galerías de otras naciones, posicionando una vez más a ARCOmadrid como punto de encuentro e intercambio entre Europa y Latinoamérica.

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo, organizada por IFEMA se celebrará del 27 de febrero al 3 de marzo en Madrid. Una nueva convocatoria que tendrá como principal novedad la participación especial de Perú como País Invitado y su proyección en la capital española a través de distintas iniciativas en los principales museos y centros de arte de la ciudad. ARCOmadrid 2019 reunirá a un total de 203 galerías de 30 países, de las cuales 165 integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: Perú en ARCO, con una selección de 23 artistas de 15 galerías; Diálogos, con 13 y Opening, con 21. Un programa que tendrá como eje la calidad y singularidad del artista, impulsando la exploración de nuevos talentos y contenidos para coleccionistas y profesionales. Así, del total de galerías seleccionadas por el Comité Organizador y por los comisarios de los diferentes programas, cerca de un 40% participa con programas enfocados a la presentación de uno o dos artistas de distintos entornos, reforzando a ARCOmadrid como espacio para el conocimiento de la obra de artistas de distintas generaciones. La participación de Perú como País Invitado viene a consolidar la proyección de ARCOmadrid como refe-

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En este contexto, Madrid en febrero será un excepcional momento para celebrar el coleccionismo en Latinoamérica con la coincidencia de diferentes proyectos que podrán verse en los principales centros de arte y museos de la capital. El Instante Fundación acogerá una muestra promovida por CIFO Europa con artistas peruanos de la colección de Ella Fontanals-Cisneros, Alberto Rebaza Torres, Armando Andrade de Lucio, Juan Carlos Verme Giannoni y Carlos Marsano. La Sala de Arte Santander exhibirá la colección Teixeira de Freitas; la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la colección Eduardo y Mariana Hochschild, y Casa de América, la colección Jan Mulder. A estas exposiciones se sumarán otras del programa que Perú en ARCO está preparando en la ciudad, coordinado por Fietta Jarque, así como otras acciones que se desarrollarán en el marco del Foro Perú, organizado por Miguel A. López, y con la participación de artistas, historiadores y comisarios que analizarán las particularidades del arte contemporáneo peruano. GALERÍAS Y ARTISTAS La calidad de las nuevas galerías participantes en ARCO 2019 será una de las particularidades de la próxima edición, que incorpora un total de 43 nuevas galerías. El eje principal de la Feria, el Programa General, estará formado por 165 galerías seleccionadas por el Comité Organizador, de las cuales 19 son nuevas. Además, ARCOmadrid sigue apostando por la presentación de proyectos de artistas individuales o en diálogo de


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manera que vuelve a dar cabida a la propuesta SOLO/DUO. De las galerías del Programa General, 25 dedicarán su stand a uno o dos artistas entre los que se encuentran Miriam Cahn; Marcius Galan; Lia Perjovschi o Cinthia Marcelle. También las secciones comisariadas incluirán presentaciones individuales o en diálogo. Perú en ARCO, con la participación de 23 artistas de 15 galerías seleccionadas por Sharon Lerner –curadora de arte contemporáneo del Museo de Arte de Lima -, presentará artistas reconocidos internacionalmente. ARCOmadrid volverá a incorporar las voces de los profesionales de arte contemporáneo, consolidándose como punto de encuentro, de intercambio y de conocimiento esencial para críticos, comisarios, directores de instituciones y otros profesionales. La asistencia de coleccionistas y otros agentes vinculados al arte permite el desarrollo de un intenso programa de debates que constituyen una plataforma de reflexión. En esta ocasión, el Foro arranca con la participación de Mario Vargas Llosa, para dar paso al ya consolidado Foro de Coleccionismo que, con la colaboración de la Fundación Banco Santander, contempla sesiones dirigidas por Jean-Jacques Aillagon; George Stolz y Dani Levinas,y otras, con el apoyo de Ámbito Cultural de El Corte Inglés, por Judith Benhamou-Huet. También se reflexionará sobre nuevo coleccionismo, dentro del Foro Coleccionismo Joven en una charla dirigida por Bea Espejo. A éstas se suma la sesión del Foro Artistas, dirigida por Agustín Pérez Rubio, comisario de la Bienal de Berlín. ARQUITECTURA Y DISEÑO EN ARCOmadrid La arquitectura y el diseño, vuelven a cobrar protagonismo en esta edición. En esta ocasión el estudio Burgos & Garrido será responsable del diseño de ARCOmadrid, al que se suman las arquitectas peruanas Mariana Leguía y Maya Ballén que diseñarán el espacio de galerías de Perú en ARCO. La Sala VIP será un espacio creado por Lázaro Rosa Violán Studio, en colaboración con la revista AD. En su inte-

rior, el espacio Audemars Piguet acogerá la pieza ganadora del Premio a la Producción de una Obra que será anunciado próximamente. Del mismo modo, la Sala Fundación ARCO, que acogerá obra del artista Armando Andrade Tudela, contará con la intervención especial de The Nave, y la Sala 38 será diseñada por Casa Josephine. APOYO DE LA INICIATIVA PRIVADA Un año más, ARCOmadrid tiene el apoyo de la iniciativa privada y de importantes corporaciones e instituciones a través de acciones de patrocinio de distintas áreas o iniciativas presentes en la Feria. De esta manera, esta edición cuenta con la colaboración institucional de AC/E Acción Cultural Española; AECID; así como de la Fundación Banco Santander; Audemars Piguet; Fundación Banco Sabadell; Ruinart; illy caffè; Caixabank; Cervezas Alhambra; Ron Zacapa; KUNA; NH Collection; BEEP y Loewe, entre otros

ARCOmadrid 2019 IFEMA, pabellones 7 y 9 de Feria de Madrid Del 27 febrero al 3 de marzo www.ifema.es

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Geometría del azar, de Javier Campano ximación que pone de manifiesto el “componente mágico” que la fotografía tiene para Campano. “Parar el tiempo y después volverle a dar vida con la ayuda de la luz, una cámara cualquiera, y con el corazón, porque para mí las fotografías son corazonadas que te brinda el azar”, como indica. Esa combinación entre las atmósferas en blanco y negro y su aproximación a las ciudades en las que se pierde para realizar sus fotografías crean una atmósfera poética que rescata el vuelo de una bandada de pájaros, fachadas, sombras y personajes anónimos. SOBRE JAVIER CAMPANO La Fábrica presenta la exposición Geometría del azar, de Javier Campano. La muestra reúne una veintena de fotografías realizadas por el artista en el último cuarto del siglo XX. Las imágenes fueron tomadas con película de 35 mm, a excepción de tres fotografías de la serie Pinturas de paso, que, hechas con una cámara digital, simbolizaban el cambio de siglo. Javier Campano se define así mismo como un “fotógrafo callejero”. Como señala: “Me gusta mucho pasear por las ciudades, y hacer fotos de lo que veo: viandantes, atmósferas, momentos, detalles, gente que habita las ciudades…”. Madrid, Roma, Coimbra, Lisboa, Rennes, Génova, Mallorca, Tánger, Valencia, Florencia y Praga, son las ciudades a las que el fotógrafo mira en esta muestra captando detalles, habitantes, rincones y fragmentos que ponen al espectador en una perspectiva mucho más íntima y detallista de esos grandes núcleos urbanos. La mayoría de las imágenes de la exposición son en blanco y negro. No en vano, el autor muestra preferencia por él ya que, como indica: “a mi me parece más irreal y poético”. Así mismo la geometría, la composición y el encuadre, que nunca altera, son elementos muy significativos del lenguaje de Campano. Una apro-

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Javier Campano (Madrid,1950), autodidacta, comenzó a dedicarse a la fotografía en 1975, época de transición política y efervescencia creativa. Siempre estuvo en contacto con otros artistas: fotógrafos, pintores, músicos de esa generación que trataba de renovar el panorama artístico nacional con propuestas más libres y subjetivas. Su primera exposición individual tuvo lugar en la pionera escuela y galería Photocentro de Madrid en 1979, y colaboró activamente con revistas de vanguardia como Nueva Lente, Poesía o Buades. Las ciudades y los interiores urbanos han sido desde el inicio los protagonistas de sus fotografías. Es autor de una docena de libros y ha realizado numerosas exposiciones entre las que destaca Javier Campano. Hotel Mediodía que el MNCARS le dedicó en 2004 o Campano en color en la Sala Canal de Isabel ll en 2017. Ha sido galardonado con el Premio Cultura 2013 en la categoría de Fotografía concedido por la Comunidad de Madrid”.

La Fábrica Hasta el 3 de febrero www.lafabrica.com


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Pilar Albarracín. Que me quiten lo bailao estado marcados de forma global por el movimiento “Me too” de lucha por el empoderamiento de la voz femenina en el mundo. También en el contexto de nuestro país, el debate sobre la identidad nacional se encuentra de lleno puesto en cuestión. La obra de Pilar Albarracín veinticinco años después de su inicios, sigue analizando cuestiones absolutamente actuales, desde una radical y personalísima belleza formal y de profundo calado.

Viva España, 2004. Acción, Documentación videográfica Pilar Albarracín

La exposición Que me quiten lo bailao se articula en base a una selección de 60 obras de Pilar Albarracín (Sevilla, 1968) producidas desde los años 90 hasta la actualidad. En estos 25 años de creación, Pilar Albarracín plantea una mirada polisémica de la sociedad española y de su cultura, en un trabajo comprometido en la lucha por la conservación de las tradiciones y códigos, a través de su necesario entendimiento desde prismas contemporáneos. La crítica hacia las desigualdades, los prejuicios y el maniqueísmo, conviven junto al humor, el color o la belleza en paralelo a la defensa de nuestra y de otras culturas. A partir de las tradiciones culturales y artísticas populares, la artista defiende la modernidad entendida a través de la libertad de pensamiento, despojada de prejuicios geográficos, culturales, sociales, económicos, de género o religión. Este proceso se alcanza mediante una labor de introspección y revisión de nuestra historia, liberando nuestras tradiciones y rituales, de clichés establecidos en otras épocas por cuestiones políticas e históricas. La artista trabaja con registros radicalmente opuestos desde el esteticismo formal de sus dibujos, bordados, mandalas y fotografías, a la belleza salvaje de sus vídeos, performances e instalaciones, todos ellos presentes en esta muestra. Los años 2017 y 2018 han

El trabajo de Pilar Albarracín goza de una importante presencia nacional e internacional. Su obra se ha presentado en exposiciones personales en las Reales Atarazanas de Sevilla Pilar Albarracín 2004, La Maison Rouge París Mortal cadencia, 2008, Musée National Pablo Picasso, La Guerre et La Paix, Vallauri, Asnería, 2014, Théâtre National de Chaillot París Coreografías para la salvación, 2e Biennale d’Art Flamenco, 2015, el CAC Málaga Ritos de fiesta y sangre, 2016 o en el MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires Viva España, 2016. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en prestigiosas instituciones de todo el mundo entre las que cabe destacar el MOMA PS1 (NY) 2003, Brooklyn Museum (NY) 2008, Instituto Cultural Cabañas, México 2010, Museu Colecção Berardo 2010, American University Museum at the Katzen Arts Center Washington 2011, German Historical Museum 2012, Palazzo Reale, Milán, Kumu Art Museum, Tallin 2013, Schrin Kunsthalle Frankurt, Guggenheim Bilbao, Louisiana Museum, 2014, Moscow Museum of Modern Art 2015, Fondation Louis Vuitton París 2015, Maison Européenne de la Photographie París 2017, Musée National Picasso París 2018. Pilar Albarracín ha participado también en numerosas bienales como la de Sevilla 2004, Venecia 2005, Moscú 2005, Santo Tomé 2008, Busan-Corea 2014 o Quebec en 2017. Hasta el 27 de enero Tabacalera. La Principal - Embajadores 51. Madrid

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República Dominicana, socio FITUR 2019 Esta colaboración contribuye, además, a crear un estrecho vínculo con la suma de la marca República Dominicana a la Feria Internacional del Turismo, lo que le permitirá al nuevo Socio FITUR, país de larga y consolidada participación en la Feria, aprovechar y rentabilizar, aún más, el magnífico potencial promocional del evento. De este modo, y bajo el eslogan “Lo Tiene Todo” el país caribeño contará con una importante vitrina internacional para promover el destino. FITUR 2019 será el punto de encuentro global para los profesionales del turismo y volverá a convertirse también un año más en feria líder para los mercados receptivos y emisores de Iberoamérica. En su pasada edición congregó a 251.000 participantes y se llevaron a cabo más de 6.800 encuentros de negocio. Durante cinco días, 23 al 27 de enero, este gran evento global del turismo que organiza IFEMA en Feria de Madrid, ofrece un amplio despliegue de contenidos, secciones especializadas, encuentros B2B y B2C, así como variadas actividades, orientadas a impulsar la mejora de la gestión turística, la promoción de los destinos y las experiencias del viajero. La progresiva especialización del turismo tiene, así mismo, su mejor referente en las distintas secciones que conforman la oferta de FITUR. Entre ellas, la nueva sección FITUR CINE/SCREEN TOURISM, que se suma a los contenidos que ofrecen los espacios monográficos FITUR FESTIVALES, en el que se enmarca por primera el festival musical FITUR ES MUSICA; FiturtechY; Fitur Know-How & Export; FITUR SALUD, y FITUR LGBT. La próxima edición de la Feria Internacional del Turismo, FITUR 2019, presenta a República Dominicana como país socio, un destino que no ha parado de crecer en los últimos años y que en la actualidad se sitúa como líder en turismo en el Caribe con una llegada de turistas internacionales de 6,2 millones en 2017, según el Banco Central de República Dominicana. La presencia de República Dominicana como país Socio FITUR establece un amplio campo de actuación conjunta en los ámbitos de promoción y comunicación más significativos de este gran evento de la industria turística que, organizado por IFEMA.

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Los fuertes vínculos idiomáticos, culturales e históricos con España, así como las buenas relaciones comerciales y conectividad aérea, hacen de República Dominicana un destino lleno de oportunidades y en constante crecimiento para la industria turística. Un sector que representa del 60 al 70% del total de la inversión española en la isla, con proyección de aumentar en los próximos años, y que impacta de forma positiva en la economía y desarrollo turístico del país. La iniciativa de ‘Socio FITUR’ fue implementada en 2016 y brinda a los participantes en la Feria la oportunidad de integrarse en un programa de partenariado, ofreciéndoles a través de su estrategia de comunicación la máxima difusión y proyección hacia su destino. LÍDER DEL TURISMO DEL CARIBE INSULAR La afluencia de turistas no ha parado de crecer hasta convertir a República Dominicana en el país líder en turismo del archipiélago de Las Antillas. Entre los meses de enero y noviembre de 2018, se contabilizaron 5,9 millones de turistas, cifra que supone un incremento interanual del 6,2%. Asimismo, el turismo de cruceros atraviesa una época de desarrollo y bonanza tras registrar la cifra récord de 546.444 cruceristas en 2017, con buenas expectativas. En 2017 un total de 173.065 turistas españoles viajaron hasta este destino, que ocupa los dos tercios orientales de la isla que Cristóbal Colón fundó como La Española. El incremento en la oferta complementaria, excursiones y atracciones turísticas, así como la notable mejora de las comunicaciones internas terrestres, aéreas y maríti-


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mas justifican no sólo el crecimiento interanual del turismo, sino también el interés de los inversores internacionales por el destino. El aumento y mejora de la planta hotelera es uno de los indicadores más significativos. A lo largo de 2018 más de 7.000 nuevas habitaciones se han incorporado a la oferta alojativa de República Dominicana. Es por ello que se estima cerrar el año superando las expectativas en cuanto al número de turistas. Los grupos españoles son de los mejor posicionados en el destino y tanto los proyectos acometidos como las inversiones en curso indican con claridad que República Dominicana es una apuesta en firme para el futuro. DESTINO TOP PARA EL “ECOTURISMO” Los visitantes de la Feria descubrirán que este destino bañado por las aguas del océano Pacífico y el mar Caribe posee un corazón verde. Más allá de sus espectaculares playas, República Dominicana se postula como un destino top para el ecoturismo, a la altura de las expectativas de los incondicionales del turismo de aventura y naturaleza.

SOBRE REPÚBLICA DOMINICANA El país está formado por 32 provincias que ocupan una superficie total de 48.760 kilómetros cuadrados y una población de más de 10 millones de habitantes. Limita al norte con el océano Atlántico, al sur con el mar Caribe, al este con el Canal de la Mona, que lo separa de Puerto Rico, y al oeste con la República de Haití. República Dominicana es en la actualidad uno de los países con mayores atractivos turísticos, que hacen que cada año sea visitado por millones de personas. Entre los lugares más famosos se encuentran Bávaro-Punta Cana, Santo Domingo, Boca Chica, Juan Dolio, Bayahibe, Puerto Plata, Sosúa, Cabarete, Samaná, Las Terrenas, Las Galeras, Jarabacoa y Constanza. FITUR 2019 IFEMA Del 23 al 27 de enero www.ifema.es

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ARTMADRID 2019

Art Madrid Feria de Arte Contemporáneo celebra su decimocuarta edición del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019, y lo hace por sexto año consecutivo en un espacio y ubicación inigualables, la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles. Abrimos el plazo de solicitud para participar en el Programa General. Art Madrid cumple 14 años de compromiso con el arte contemporáneo y en esta nueva edición promete interesantes novedades. Art Madrid, siempre pionera en el mercado del arte, ha sabido responder a las demandas del sector con una fuerte apuesta por la presencia digital y por eso incorpora ahora Art Madrid Market, una plataforma de difusión y venta online que estará a disposición de los expositores antes, durante y después de la feria. Esta iniciativa ayudará a dar gran visibilidad a galerías y artistas, eliminando barreras y expandiendo horizontes. Art Madrid es ya un referente dentro de la Semana del Arte de Madrid, reuniendo cada mes de febrero a más de 20.000 visitantes, entre los que se encuentran profesionales, coleccionistas y amantes del arte. Cada año, Art Madrid trabaja para ampliar su presencia más allá de nuestras fronteras, lo que ha atraído a un número

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considerable de galerías extranjeras que ya son fieles a esta propuesta. En el empeño por reforzar la apertura de la feria al mercado del arte exterior, en esta edición se destinarán 15 stands a galerías internacionales con cerca de 2800m2 expositivos, Art Madrid reúne las creaciones más recientes de artistas de larga y media carrera, así como de jóvenes talentos. La Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles es el escenario perfecto para hacer del corazón de la ciudad un lugar de referencia en arte contemporáneo. Como en las cinco últimas ediciones, Art Madrid’19 contará con un artista invitada y con un Programa de Actividades paralelas dedicado a diferentes líneas temáticas y su relación con el arte contemporáneo, como ha sido la relación entre arte y la tecnología, el género y la educación, áreas de trabajo en ediciones anteriores. ARTMADRID 2019 Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles Del 27 febrero al 3 de marzo www.art-madrid.com


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Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador, Goya de Honor 2019 mi universidad, mis antepasados”, en sus propias palabras– descubrió que la dirección y la escritura le atraían más que la actuación, convirtiéndose en lo que él denominó “autor que dirige” o “autor que realiza”.

Creador de películas de culto del cine de género como ¿Quién puede matar a un niño? y La residencia, Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador, el hombre que contribuyó a popularizar el cine de terror y fantástico en España, recibirá el Goya de Honor 2019. La Junta Directiva de la Academia de Cine acordó reconocer al cineasta, realizador de televisión, guionista, director teatral y actor con el galardón honorífico de los premios del cine español por ser un creador de pesadillas único y original, abrir el camino a toda una generación de cineastas españoles, que siempre han reconocido su influencia, y por su contribución al fantástico, el suspense y el terror. Narciso Ibáñez Serrador (1935, Montevideo, Uruguay) es el hijo único de la pareja de actores Narciso Ibáñez Menta y Pepita Serrador. Criado entre giras y escenarios, debido a una enfermedad que padeció de niño se convirtió en un ávido lector y desarrolló su vocación intelectual. En la década de los cincuenta, ya en España, trabaja como actor en la compañía de teatro de su madre y, poco después, pasa a la dirección teatral. En 1957 regresa a Argentina y, junto a su padre, inicia una exitosa colaboración en teatro, radio y televisión. Ibáñez Serrador se convirtió en un reputado profesional como actor, realizador y guionista en la televisión argentina, firmando muchas veces sus textos con el seudónimo Luis Peñafiel. Siendo el teatro sus orígenes, –”mi escuela,

Llegó en 1963 a España, con cintas de sus trabajos en Argentina que presentó en Televisión Española, a la que trasladó todo lo que había aprendido en América, revolucionando y modernizando la televisión de los sesenta en nuestro país con series como Mañana puede ser ver­ dad o La historia de Saint Michel, pero especialmente con Historias para no dormir (1966). A estas se suman los títulos para la pequeña pantalla El último reloj, El asfalto, Historias de la frivolidad y El televisor (1974). Especializado en adaptaciones literarias y biografías de personajes célebres, sobre todo en su etapa argentina, fueron sin embargo sus historias de ciencia ficción y de terror las que más impactaron al público. Este género también lo cultivó en el cine, alumbrando emblemáticos títulos del fantástico y el terror español: La residen­ cia (1969) y ¿Quién puede matar a un niño? (1976), de las que fue guionista y director. Su sello de identidad también incluyó el humor, con las presentaciones previas que hacía en Historias para no dormir o en los ciclos de Mis terrores favoritos, a los que aportó un toque de ironía y comedia. En la carrera de este divulgador de los clásicos del género, también figuran novelas radiofónicas y las obras teatrales Apro­ bado en castidad, El agujerito y El águila y la niebla. Fundó la productora Prointel en 1970 para desarrollar sus propias producciones en cine, televisión, teatro y publicidad, entre las que se encuentran el mítico programa Un dos, tres, responda otra vez. La trayectoria del hombre “tímido” que asustó, divirtió e hizo pensar al público fue reconocida con el Premio Nacional de Televisión en 2010, el Premio Maestro del Fantástico del Festival Nocturna, el Premio Ondas al Mejor Programa por Hablemos de sexo, premios Antena de Oro, Premio Iris y Premio Feroz de Honor, entre otros galardones, a los que ahora se suma el Goya de Honor 2019.

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URVANITY teur podrán admirar y adquirir piezas de artistas de renombre escogidas tras un largo y exhaustivo proceso de selección. En palabras del director de la feria Sergio Sancho, “aunque el Nuevo Arte Contemporáneo está ya muy consolidado en países europeos como Francia, Alemania o Inglaterra así como en Norteamérica, en nuestro país sigue siendo un mercado pequeño, aunque con un potencial de crecimiento increíble. Tenemos grandísimos artistas trabajando por todo el mundo y, poco a poco, se van sumando más galerías que empiezan a programar este tipo de contenidos. Es por ello que pensamos que Urvanity es una feria necesaria en la semana del arte de Madrid”. NUEVO ARTE, NUEVOS ESCENARIOS

Tras el éxito de sus dos anteriores ediciones -en cuyas programaciones brillaron nombres como Banksy, D* Face o Shepard Fairey (Obey)- URVANITY vuelve a Madrid entre los días 28 de febrero y 3 de marzo. URVANITY es la única feria en nuestro país dedicada al Nuevo Arte Contemporáneo, cuya apuesta consiste en reivindicar propuestas que, con fundamento en la expresión artística desarrollada en el contexto urbano a partir de los años 70, construyen hoy un diálogo con la modernidad, ofreciendo un escenario donde explicar el mundo que nos rodea. “El llamado Nuevo Arte Contemporáneo comprende a artistas que empezaron en la calle, haciendo grafitis o pintando murales, y que fueron llevando ese arte al mercado a través de galerías”, señala Sergio Sancho director de la feria. Urvanity es también un punto de encuentro en el que tanto coleccionistas y expertos como el público ama-

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La feria tiene como objetivo explorar e imaginar posibles escenarios para este Nuevo Arte Contemporáneo, gracias a la complicidad con otras iniciativas y con los diferentes agentes culturales de la ciudad. “Se trata de difundir el arte contemporáneo y el coleccionismo entre el gran público gracias al atractivo que ofrece la práctica artística desarrollada en el contexto urbano”, dice Sancho. Tras la gran acogida de su anterior edición, con presencia de 20 galerías nacionales e internacionales y un notable aumento en el número de visitas, este año el evento vuelve a celebrarse en LASEDE COAM (Hortaleza, 63). Un espacio vivo, accesible y proactivo con la cultura, el arte, la sociedad y la arquitectura, situado entre los efervescentes barrios de Chueca y Malasaña. Una ubicación inmejorable y en completa sintonía con la visión joven, novedosa y fresca de esta feria. Entre los artistas internacionales cuyas obras podrán verse en esta edición destacan nombres como la afamada artista urbana francesa Miss Van, el pintor realista y pionero del movimiento street art neoyorquino Dan Witz; el dúo italiano Miaz Brothers, conocidos por su rompedora técnica retratista; el interventor de espacios Hendrik Czakainski, el muralista ruso Marat Morik,


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el exponente del grafiti 3D Jan Kaláb o el colectivo belga de lowbrow Hell’O. También, la ilustradora surrealista kazaja Dilka Bear o el artista estadounidense del stencil Logan Hicks. De nuestra geografía, contaremos con piezas del mallorquín Grip Face, el artista multidisciplinar Mario Mankey, la pintora abstracta Anna Taratiel, el gafitero y pintor jienense Belin o los muralistas figurativos Daniel Muñoz y Sfhir, entre muchos otros. Las galerías internacionales confirmadas hasta la fecha en la tercera edición de URVANITY son The Roger Project (EEUU), Wunderkammern (Italia), Urban Spree (Alemania), Doppelgaenger (Italia), RuArts (Rusia), Balneario (México), Antonio Colombo (Italia), Martina’s Gallery (Italia), StolenSpace Gallery (Reino Unido), Pantocrátor Gallery (China), NextStreet Gallery (Francia), Galo Art Gallery (Italia) y Magma Gallery (Italia). Participan, además, las galerías españolas Durán Online Gallery (Madrid), My Name’s Lolita Art (Madrid), Yusto / Giner (Marbella), Fousion (Barcelona), SC Gallery (Bilbao), Swinton Gallery (Madrid) y Galería Manuel Ojeda (Las Palmas de Gran Canaria), entre otras por confirmar. CHARLAS, INTERVENCIONES Y NUEVAS SECCIONES COMISARIADAS

El comité está compuesto por Sabina Chagina (cofundadora de la Bienal de Arte Urbano Contemporáneo ARTMOSSPHERE, en Moscú), Sergio Pardo (arquitecto y comisario) y Juan Peiró (Doctor en Bellas Artes y Catedrático de Universidad en la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València). Los artistas Dan Witz, Miss Van, Jan Kaláb, y Sam3 son los seleccinados para la sección de solos shows, donde se podrá contemplar la obra de cada uno de ellos en un contexto propio y de manera independiente. Un año más, URVANITY vuelve a apostar por el arte emergente a través la convocatoria del concurso Tuenti-URVANITY ART Nuevo Arte Contemporáneo, dirigida a estudiantes de Bellas Artes del territorio español. Al igual que en la anterior edición, la feria contará con un espacio dedicado a los ganadores, quienes expondrán sus obras junto a la del resto de artistas, formando parte del circuito profesional de galeristas, artistas y coleccionistas. URVANITY New Contemporary Art Fair 28 Feb – 3 Mar 2019 LASEDE COAM Hortaleza 63, Madrid www.urvanity-art.com @urvanityart

La programación incluye además un programa de charlas y mesas redondas comisariado por el proyecto neoyorquino y revista de arte urbano Brooklyn Street Art (BSA). Una de las novedades de esta tercera edición es la puesta en marcha del Special Curated Program, un programa de actividades comisariadas por un comité de comisarios independientes, que abarca tres secciones: solo shows, instalaciones específicas y murales tanto dentro como fuera del recinto, que tienen como fin de difundir el arte contemporáneo y el coleccionismo entre el gran público.

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JUSTMAD cumple 10 años

La feria JUSTMAD celebra su décimo aniversario y lo hará con más de 60 expositores de países como Austria, Brasil, Cuba, España, Estados Unidos, Francia, Italia, México, Portugal, Reino Unido, Uruguay y Venezuela, entre otros y estrenando ubicación en el centro de Madrid, en el Palacio de Neptuno. Dirigida por Semíramis González y Daniel Silvo, la feria busca celebrar una décima edición que incida en la calidad de las propuestas artísticas, tal y como señalan sus directores: “JUSTMAD es la cita con el arte emergente y los descubrimientos, tanto de nuevos artistas como

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de galerías con proyectos distintos e innovadores y de calidad. La próxima edición será importante por todo, por las galerías que se han incorporado, los artistas que acuden a la feria, así como por la nueva sección Solo Portugal”. Esta calidad artística está avalada por el comité de selección, integrado por los galeristas Nathaniel Pitt (Pitt Studio, Londres), Norberto Dotor (Fúcares, Almagro), Rui Brito (Galería 111, Lisboa) y las coleccionistas Oliva Arauna, Pilar Ciloter y Basola Vallés.


| NOTICIAS |

SOLO PORTUGAL JUSTMAD contará con una importante presencia de galerías portuguesas en la sección SOLO PORTUGAL, comisariada por Lourenço Egreja, comisario de JustLX, que celebró en mayo, con gran éxito, su primera edición. La sección SOLO PORTUGAL busca fortalecer la presencia portuguesa en la décima edición de JUSTMAD y estrechar lazos entre los contextos artísticos de estos dos países. Algunas de las galerías que participan en SOLO PORTUGAL son Ratton – Lisboa, Sala 117 - Oporto, Galería das Salgadeiras – Lisboa, Periférica – Lisboa, Perve – Lisboa, Sao Mamede – Lisboa, y Sete – Coimbra. Es destacar que de las galerías internacionales que asisten a la feria, de Portugal vienen doce galerías entre el programa comisariada y el programa general. INSTITUCIONES Y PUBLICACIONES Entre las instituciones participantes en JUSTMAD se encuentra el Cabildo de Lanzarote, que apuesta por un stand, poniendo de relieve el trabajo de distintos y destacados artistas de la isla; el Institut d’Estudis Baleàrics– Illenc, que presenta el trabajo de artistas de Baleares con un stand comisariado, cuyo fin es la difusión y acercamiento al trabajo de estos y la Universidad Francisco de Vitoria, cuyo programa EMERGE repite en JUSTMAD, con artistas comisariados por Francisco Carpio y que busca la profesionalización de estos estudiantes y su acercamiento al mercado del arte. En cuanto a publicaciones, acuden a la feria Libros del Zorro Rojo y Fueradcarta, entre otras. JUST RESIDENCE CON EUGENIO AMPUDIA En el décimo aniversario JUSTMAD vuelve con el programa de residencia de artistas. En esta sexta edición será Eugenio Ampudia, el artista encargado de seleccionar y comisariar los artistas que pondrán su foco en el arte digital, la tecnología, el audiovisual y los nuevos medios, protagonistas de esta convocatoria. Artistas y comisarios como Carlos Garaicoa, Asier Mendizábal y

Andrea Pacheco han sido responsables de la selección de los artistas en ediciones anteriores. Eugenio Ampudia, es uno de los video artistas españ̃oles más reconocidos internacionalmente. Su trabajo multidisciplinar recibió en 2008 la beca The Delfina Foundation (Londres) y ha expuesto recientemente sus últimas producciones en una gran muestra individual en la sala Alcalá 31 de la comunidad de Madrid comisariado por Blanca de la Torre. Su trabajo indaga, bajo una actitud crítica con el sistema establecido del Arte, en la idea misma del proceso artístico, tanto del significado de la obra en sí, como de los mecanismos tradicionales de promoción, contemplación e interpretación de esta. La selección de artistas residentes de esta edición de JUSTMAD sera: Olalla Gómez (Madrid, 1982), por la galería Antonia Puyó (Zaragoza), Diogo Tudela (Oporto, 1987), por la galería Sala 117 (Oporto), Varvara Guljajeva & Mar Canet (Estonia y Barcelona, 1981), por Alalimón Gallery (Barcelona) y Jonathan Notario (León, 1981), por la galería Eldevenir (Málaga). El lugar elegido este año para el trabajo de los artistas es Espacio Oculto, destacado espacio independiente de Madrid Como en ocasiones anteriores, durante la feria se fallarán y entregarán diferentes premios que valoran la calidad de los artistas participantes y que pasan a engrosar importantes colecciones.

JUSTMAD 26 febrero al 3 marzo 2019 Palacio Neptuno Calle de Cervantes, 42, Madrid www.justmad.es

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LA CRIPTA DE LA CATEDRAL DE LA ALMUDENA Un desconocido y bello mausoleo


| MADRID |

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_______ POR RAMÓN RIVAS

La cripta de la Catedral de la Almudena de Madrid es uno de los templos más curiosos y desconocidos de la ciudad. Posiblemente, el hecho de que sea un lugar tan desconocido, incluso para los propios madrileños, sea debido a que su acceso pasa desapercibido al estar situado en la calle Mayor, justo en el lado opuesto a la entrada principal de la catedral bajo la que se asienta. En los últimos meses, la impresionante cripta de la Almudena ha cobrado un inusitado protagonismo tras la decisión del gobierno español de trasladar los restos mortales del dictador Francisco Franco a otro lugar fuera de la basílica del Valle de los Caídos. Entre los lugares propuestos para el nuevo enterramiento, está la cripta de la Almudena, pues en una de sus capillas, propiedad de la familia del dictador, es donde reposan los restos mortales de su hija, Carmen Franco Polo y los de su esposo, Cristóbal Martínez-Bordiú. Pese a que no se permiten enterramientos en las iglesias, en este lugar sí se pueden realizar, algo que viene siendo habitual desde principios del siglo pasado, pues no son pocas las personas de la aristocracia que están enterrados en la cripta. Aunque la Ley actual no permite enterramientos en las iglesias, el Código de Derecho Canónico establece que “los derechos adquiridos, así como los privilegios hasta ahora concedidos por la Sede Apostólica, tanto a personas físicas como jurídicas, que estén en uso y no hayan sido revocados, permanecen intactos a no ser que sean revocados expresamente por los cánones de este Código”. Actualmente, en la cripta de la Almudena hay alrededor de 1.500 personas enterradas y todavía quedan algunos espacios libres, no muchos, para poder albergar algunas personas más. Curiosamente, para poder realizar un enterramiento en este lugar, se ha de contar con un requisito indispensable; que los cuerpos sean embalsamados y cerrados en una caja de zinc.

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Origen de la cripta Hasta épocas recientes, la ciudad de Madrid no contaba con una catedral propia por depender jurisdiccionalmente de la archidiócesis de Toledo. No fue hasta 1885, tras el fallecimiento del cardenal primado, Juan Ignacio Moreno y Maisanove, cuando se crea la Diócesis de Madrid-Alcalá, auspiciada por la reina Isabel II quien instó al papa León XIII la creación de una diócesis independiente a la de Toledo. Hasta ese momento, la ciudad de Madrid contaba con la Colegiata de San Isidro que, sin serlo, ejercía funciones catedralicias. Como no podía ser de otra manera, cuando se proyectó la catedral de Madrid, se tenía muy claro que debía estar bajo la advocación de la Virgen de la Almudena, patrona de la ciudad, cuya imagen estuvo escondida en uno de los cubos de la muralla árabe y que, según la tradición, apareció el 9 de noviembre de 1085, tras la reconquista de Madrid por el rey Alfonso VI. La cripta de la Almudena, aunque forma parte del complejo catedralicio, es un espacio totalmente independiente. Está considerada como una de las mayores criptas que hay en España y en ella está ubicada la parroquia de Santa María la Real de la Almudena. El origen de la construcción de este templo se remonta al año 1868, cuando el Ayuntamiento de Madrid decide derribar la parroquia de Santa María, ubicada en la calle Mayor, dicha parroquia fue un antiquísimo templo de origen visigodo que era el más antiguo de Madrid. De esta iglesia no queda nada, salvo los restos de sus cimientos conservados bajo una cristalera. La pérdida de un templo tan importante para los madrileños hizo que la sociedad se movilizase, por este motivo solicitaron a la reina María de las Mercedes, quien era muy devota de esta virgen, la cesión de un solar para la construcción de un nuevo templo para poder venerar a la Virgen de la Almudena.

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Desgraciadamente, la reina falleció prematuramente en 1878, pero su esposo, el rey Alfonso XII, hizo suyo el proyecto con el objeto de dar sepultura en este templo a la desdichada reina. Fue entonces cuando se encarga la construcción de la nueva parroquia a Francisco de Cubas, quien proyecta un magnífico templo de estilo románico, costeando los gastos en un principio la propia familia real. Tras unos años de acondicionamiento y nivelación del escarpado terreno, a las tres de la tarde del 4 de abril de 1883 se coloca con gran solemnidad la primera piedra en presencia del rey Alfonso XII y de otros miembros de la familia real. La piedra, que llevaba la siguiente inscripción “Templum domino. Dei Struchera est. Dei edifitio est. 1883”, fue bendecida por el arzobispo de Toledo, el cardenal Moreno, y en ella fue colocada dentro de una caja, lo que hoy llamamos una “cápsula del tiempo”, con algunos periódicos, monedas de la época y un pergamino con versos escritos a mano por la infanta doña Paz, princesa de Baviera. Dos años más tarde, cuando todavía no había finalizado la construcción, el papa León XIII dictó una bula para la creación del obispado Madrid-Alcalá y con ella, se acuerda que el templo de la Almudena que se estaba levantando, pasase a ser la catedral de Madrid. Por este motivo, la construcción de la iglesia sufrió importantes modificaciones, proyectando sobre la propia cripta la construcción de una catedral de estilo neogótico que, tras muchas vicisitudes, se terminó en los años noventa del siglo XX, eso sí, en un estilo totalmente diferente al proyectado inicialmente. Por desgracia, Francisco de Cubas no pudo ver su proyecto terminado, en 1899 fallece y el proyecto pasa a manos del arquitecto Miguel Olavarría hasta su fallecimiento en 1904. Finalmente, el proyecto fue abordado de forma gratuita por el arquitecto Enrique Repullés y Vargas, y rematado con las intervenciones posteriores de Juan Moya y Luis Mosteiro.

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La Cripta Tiene la misma planta que la propia catedral que se encuentra encima de ella, cuenta con cinco naves y dieciocho capillas. De estilo neorrománico, la cripta de la Almudena es un magnífico templo que impresiona por sus robustas columnas, más de 400, que tienen la particularidad de tener todos sus capiteles con tallas diferentes. También de estilo románico son la cubierta, con bóvedas de arista y los clásicos arcos de medio punto. Bien es cierto que la estructura del templo es puramente románica aunque, sin salirse de la norma, las pequeñas capillas que circundan la construcción, que además de servir como lugar de descanso eterno de diversos personajes de la aristocracia, son todo un derroche de creación artística donde han trabajado grandes artistas como Mariano Benlliure. En ellas se mezclan en perfecta armonía diferentes elementos decorativos, como los mosaicos de estilo bizantino, las esculturas clásicas o las magníficas vidrieras realizadas por el artista francés Jules Pierre Maumejean. De todas las capillas, especialmente llamativa es la del Santísimo, presidida por una imagen sedente de San Fernando III que, inicialmente, estuvo destinada para el descanso eterno de la reina María de las Mercedes. La reina, al morir prematuramente por tuberculosis, no dejó descendencia y por eso fue enterrada en una de las capillas de la Basílica del Monasterio de El Escorial y no en el Panteón Real. Por su relación con este templo, en el año 2000 sus restos fueron trasladados a la Catedral, y hoy reposan en una capilla situada en el crucero del altar mayor de la catedral. Una de las joyas artísticas que se encuentran en la cripta es la Virgen de la Flor de Lis, una pintura que data del siglo XI que es la representación pictórica de la Virgen más antigua de Madrid. Esta singular pintura estuvo oculta en la capilla mayor de la desaparecida parroquia de Santa María hasta 1623, cuando se retiró un retablo de la Virgen de la Almudena que la mantuvo oculta durante siglos. También procedente de este templo desaparecido, es el Cristo de el Buen Camino, una magnífica talla policromada del siglo XVI que se encuentra en otra de las capillas de la cripta.

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En el altar mayor, junto a otras imágenes religiosas, se encuentra una copia de la Virgen de la Almudena. La imagen de esta virgen, muy venerada en Madrid, estuvo inicialmente en la desaparecida iglesia de Santa María de la Almudena hasta su derribo en 1868. Con la desaparición del templo, la talla de la Virgen fue trasladada a la cercana parroquia de Santa María, la actual Iglesia Catedral de las Fuerzas Armadas. Hasta que de allí salió finalmente, en solemne procesión, el 29 de mayo de 1911 para ser colocada en el altar mayor de la cripta de la futura catedral de la Almudena. En 1948, tras la coronación de la Virgen, la talla fue trasladada a la actual Colegiata de San Isidro hasta 1993, cuando fue traslada, una vez más, a su emplazamiento definitivo en la catedral de la Almudena, tras la consagración de la catedral por San Juan Pablo II, colocando una copia exacta de la talla en el altar mayor de la cripta de la Almudena. A lo largo del tiempo la cripta de la Almudena ha sido un bello lugar de oración y descanso eterno, solo interrumpido durante la Guerra Civil, cuando esta se transformó en un depósito de intendencia militar abastecido por las donaciones privadas para el equipamiento de las milicias republicanas. Paradójicamente, en este siglo XXI puede abrirse un nuevo capítulo vinculado a la desgraciada Guerra Civil si finalmente en la cripta se depositan los restos mortales del dictador Francisco Franco, una ocurrencia preocupante, pues el templo se convertiría de la noche a la mañana en un lugar donde las heridas del pasado volverían a sangrar. A día de hoy no se sabe si finalmente el dictador acabará en la cripta de la Almudena o no. En el caso de que se le diera sepultura en este lugar, la cripta pasaría de ser uno de los templos más desconocidos y bellos de Madrid, en un conocido lugar de enfrentamiento y discordia. Ojalá que reine el sentido común y la cripta siga siendo eso, un lugar de descanso eterno, oración y un lugar para disfrutar de su arquitectura y de sorprendentes obras de arte. Fuentes: Archidiócesis de Madrid

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PIEDRA SECA Patrimonio inmaterial


| MADRID COMUNIDAD |

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_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

Piedra seca es un término con el que se denominan a las construcciones, generalmente vallados y refugios rústicos, cuya técnica constructiva se basa únicamente en la colocación de piedras sin utilizar argamasa alguna, solo en algunas ocasiones se emplea algo de arena con el fin de acomodar unas piedras sobre otras. El pasado mes de noviembre, la UNESCO ha inscrito esta técnica constructiva en su Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Este reconocimiento ha sido gracias a la candidatura presentada por los países donde tradicionalmente se emplea esta técnica en el medio rural. Estos países, la mayoría ubicados en la cuenca mediterránea son: España, Chipre, Croacia, Francia, Grecia, Italia, Eslovenia y Suiza. Las construcciones en piedra seca se pueden encontrar por toda España, también en la Comunidad de Madrid, donde es muy frecuente encontrar en el medio rural kilométricos muros que, generalmente, no superan el metro y medio de altura y que, sirven para delimitar terrenos y proteger cultivos. También es habitual encontrar otro tipo de construcciones realizadas en piedra seca como son las chozas o refugios que, todavía hoy, sirven para que los pastores y su ganado puedan refugiarse de las inclemencias del tiempo.

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El uso de esta técnica se remonta a la noche de los tiempos, se podría decir que es la técnica de construcción más antigua que se mantiene en activo. Es un tipo de construcción surgido de la necesidad y muy típica de la región mediterránea pues, a diferencia de otras regiones rurales, como por ejemplo el Reino Unido, donde se delimitan las tierras con barreras vegetales, en España y en el resto del Mediterráneo, el uso de barreras vegetales se haría imposible por sus tórridos veranos y los habituales incendios. La construcción en piedra seca es un método totalmente sostenible, pues no daña en absoluto al medio natural y no solo eso, además, estas barreras pétreas son el hábitat de numerosas especies, sobre todo reptiles. También sirven para la prevención de desastres como pueden ser los incendios y evitan la erosión del suelo. Por toda la Comunidad de Madrid podemos encontrar estas construcciones en piedra seca, la misma técnica con piedras diferentes, pues la geología madrileña es muy rica y, dependiendo del lugar en que nos encontremos, podemos descubrir muros en granito, caliza, gneis, pizarra, etc. Posiblemente, la variedad geológica más llamativa de toda la región madrileña se encuentra al noroeste, donde podemos inventarnos una ruta, porque todavía no existe, donde descubrir en muy pocos kilómetros la riqueza mineral de las construcciones en piedra seca. La ruta comenzaría en Patones, con sus muros de pizarra, hasta llegar a Torrelaguna donde la piedra es caliza. Después podemos dirigirnos al vecino municipio del El Berrueco donde las rocas son de gneis y acabar en La Cabrera, donde el granito es el mineral por excelencia. Una ruta de menos de 20 kilómetros donde la diversidad geológica y natural está hilvanada por una construcción común, sostenible y milenaria, la piedra seca.

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| MADRID NATURAL |

LA GINETA Una sombra entre las ramas EMNMM - 39


____________ POR ANTÓN PÉREZ

Los días cortos y plomizos del invierno, en los que incluso los pocos ruidos que hay en el monte (las hojas que caen y se revuelven con el aire, los trinos de pájaros que no tienen tiempo para entretenerse en cantar…) refuerzan la sensación de que todo está en silencio y en suspenso; parecen especialmente propicios para las apariciones fantasmagóricas. Y es en estos días, que más que días son noches algo claras, cuando con suerte podremos ver fuera de su cubículo un pequeño carnívoro que es apenas una sombra sigilosa más: la gineta. La gineta (o jineta; Genetta genetta) tiene poco que ver con el resto de los mamíferos carnívoros españoles: es el único vivérrido peninsular; una familia que se desgajó hace mucho del tronco de la vida que conducía a los felinos, a los que sin embargo recuerdan. Del tamaño de un gato, las formas alargadas y el pelo espeso de la cola de la gineta, recuerdan un tanto a un zorro. El pelaje, gris claro moteado de negro, le ayuda a camuflarse en el claroscuro de las zonas arboladas. Las uñas retráctiles y la gran agilidad del animal nos hablan de que es eminentemente trepador, y sus pupilas verticales de que se mueve sobre todo de noche.

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Las ginetas están acostumbradas a desplazarse en tres dimensiones: pueden vivir en zonas donde los escarpes rocosos suplan la poca vegetación, pero se las encuentra sobre todo en áreas boscosas, donde durante el día buscan refugio en huecos de troncos, entre las raíces de los árboles o en el corazón de una mata espinosa. Al caer la luz, se activan y comienzan a recorrer buscando alimento las ramas y recovecos de sus territorios, cuyos bordes mantienen netamente definidos con marcas olorosas. Aunque eminentemente depredadoras, las ginetas son de dieta muy caótica, y aprovechan lo que sea que abunde más en cada época del año. Así, y aunque pequeños mamíferos como ratones o lirones forman la base de su dieta, esta incluye además muchos polluelos en primavera, insectos en verano o mucha fruta en otoño. Los restos de esta alimentación tan variada suelen hacerse evidentes al examinar sus excrementos, que suelen depositar siempre en los mismos lugares formando letrinas que, junto con las pequeñas huellas de aspecto gatuno que puedan dejar en el suelo blando, suelen ser los únicos rastros visibles de estos discretos animales. Cada año al acercarse el final del invierno, los límites de los territorios de las ginetas se tornan más permeables, y los machos visitan los de las hembras más cercanas. Transcurridos dos meses y medio tras las cópulas, las hembras parirán unas tres o cuatro crías en refugios bien forrados de pelo; crías que comenzarán a aventurarse en el mundo exterior junto a sus madres antes de cumplir dos meses. Llegado el invierno estarán ya listas para emprender vidas separadas, y alcanzar hasta diez años de edad, si el hombre o el hambre (la propia, y la de aves rapaces o zorros) no se cruzan en su camino.

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Si las ginetas son los únicos vivérridos europeos (viven, además de por toda la Península, en la mitad sur de Francia; y además en todo el continente africano) no es por voluntad propia, sino porque llegaron aquí de la mano del hombre en tiempos pretéritos: genéticamente se distinguen en las ginetas europeas varias introducciones históricas, algunas antiguas, achacables al comercio de fenicios y otros pueblos, y otras más recientes, de la época de las invasiones árabes. Los pueblos norteafricanos mantenían ginetas como animales semidomésticos para que, al estilo de los gatos, mantuviesen barcos y despensas libres de roedores. El gato, también domesticado en África, la sustituyó más tarde en estos menesteres por ser más tolerante al contacto humano y no desprender un olor tan fuerte. Las ginetas viven por toda España, Madrid incluida, salvo en las zonas más abiertas y en las localidades situadas a mayor altura, pues gustan de los climas más bien cálidos. Aunque no son escasas ni mucho menos, desgraciadamente, la mayor parte de los encuentros entre humanos y ginetas se dan en las carreteras, y con desenlace fatal. Estos días en que amanece tarde y anochece pronto aumentan las posibilidades de cruzarse con estas fascinantes criaturas; razón de más para andar con los ojos bien abiertos, atentos a los fantasmas que se mueven en las sombras.

Para saber más: Ficha de la gineta en la Enciclopedia Virtual de los Vertebrados Ibéricos www.vertebradosibericos.org/mamiferos/gengen.html

Fotos: Pablo Serrano http://pabloserranofotografia.blogspot.com

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LA DEHESA DE LA ALBUF Una joya salvada por el pueblo


| LUGARES |

ERA

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_______ TEXTO Y FOTOS: EMNMM

La Albufera de Valencia es uno de los espacios naturales más importantes de España y una de las joyas de la Comunidad Valenciana. Pese a ello, en este parque natural, la presión humana ha sido un factor importante desde tiempos remotos, de hecho, la propia albufera que hoy podemos contemplar, es mucho más pequeña que la que existió en el pasado. La desecación y los cultivos, como el de los arrozales, tan importantes en Valencia, redujeron la laguna en gran medida. Además de todo eso, las malas prácticas agrícolas del pasado también provocaron una gran concentración de fosfatos y nitratos en el agua, contaminándola y poniendo en peligro este importante ecosistema mediterráneo, además de poner en riesgo la salud y la forma de vida tradicional de los lugareños.

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A los problemas de contaminación, se sumaron otros, mucho más dañinos, en los años 60 y 70 del siglo XX, cuando la Albufera valenciana estuvo a punto de desaparecer para convertirse en uno más de los macrocomplejos urbanísticos que por aquel entonces invadían con impunidad y sin escrúpulos el litoral español y muy particularmente el litoral valenciano. Uno de los enclaves más interesantes del parque natural es la Dehesa de la Albufera, una paradisíaca franja litoral que cuenta con valiosos ecosistemas, además de sus fantásticas playas. Por este motivo, en 1965, el ministro, Manuel Fraga Iribarne, con el apoyo de por aquel entonces alcalde de Valencia, Adolfo Rincón de Arellano, aprobaron un plan urbanístico con el que se pretendía urbanizar la zona con numerosos bloques de apartamentos, hoteles y edificios de viviendas. También se aprobó la construcción de un gran lago artificial para convertirlo en puerto exclusivo para las embarcaciones privadas. El gobierno franquista publicitó el proyecto de construcción de este macrocomplejo turístico como un gran avance de progreso para Valencia, con la promesa de generar grandes beneficios económicos. Lo que no se dijo, es que el precio a pagar sería incalculable, pues la pérdida de un entorno natural único, como es el de la Albufera, provocaría un daño irreparable. En los años setenta se iniciaron las primeras obras de construcción, de la noche a la mañana se levantaron varias torres de alojamientos turísticos y un lago artificial, el denominado L’estany de Pujol, con el fin de crear en él un exclusivo puerto privado. Mientras todo esto ocurría, un pequeño grupo de personas que se negaban a perder esta joya natural, unieron sus fuerzas para detener semejante tropelía y se embarcaron en un movimiento ciudadano, uno de los primeros en España y, posiblemente, el primer movimiento ecologista, que se atrevió a plantar cara a las autoridades franquistas. Poco a poco se fueron sumando más personas a este movimiento hasta que El Saler per al Poble, se transformó en un movimiento con cierta autoridad capaz de remover conciencias. Su lucha fue como la de David contra Goliat, lo arriesgaron todo, tenían mucho que perder y, no sin miedo, lucharon hasta las últimas consecuencias hasta que, finalmente, lograron lo que parecía imposible, paralizar un proyecto urbanístico que pudo acabar con uno de los rincones más importantes y hermosos de España. En 2017 se cumplieron treinta años de la declaración del Parque Natural de la Albufera de Valencia. Desde entonces, los daños ocasionados en el entorno natural han sido subsanados en cierta medida, aunque todavía quedan pendientes farragosas disputas judiciales para acabar con algunas de las edificaciones que ponen en riesgo la salud del parque.

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Otras construcciones, como el propio L’estany de Pujol, se han integrado perfectamente en el medio natural. Este estanque artificial, en cuyas orillas se aprecia la mano del hombre, se han convertido en fantásticos refugios para la fauna, sobre todo aves. Especialmente llamativos los pequeños grupos de flamencos y otras aves zancudas que deambulan por sus aguas salobres y que parecen ignorar a los visitantes que se acercan al estanque. La Devesa La Devesa de la Albufera, con sus 10 kilómetros de largo y 1 de ancho, cuenta con cinco ecosistemas muy bien conservados: la playa salvaje -una de las mejores de Europa-, el conjunto dunar exterior, las depresiones interdunares, el conjunto dunar interior y la ribera de la Albufera. En estos cinco ambientes, se concentran infinidad de especies animales y vegetales componiendo un increíble mosaico de biodiversidad. Para poder descubrir algunas de las especies más emblemáticas de este lugar, existe una ruta botánica, bien señalizada, donde se destacan algunas de las especies dominantes, como son los pinos carrascos, los palmitos, una de las dos únicas especies de palmeras europeas o los brezos arborescentes. Las especies dominantes de fauna son, sin lugar a dudas, las aves, aunque también campean a escondidas especies como la huidiza gineta y reptiles muy amenazados, como la tortuga mediterránea. Se podría decir que la Dehesa de la Albufera es una historia de lucha ciudadana con final feliz, aunque todavía hoy son muchos los factores que ponen en peligro este espacio único. La presión turística y la contaminación son, posiblemente, los más importantes y todos somos responsables de evitar en mayor o menor medida esos daños. También es importante no bajar nunca la guardia y tomar el ejemplo de El Saler per al Poble, aquel valiente movimiento que, contra todo pronóstico, lograron parar los pies a todo un régimen dictatorial para legar a las generaciones venideras este espacio natural. Fuentes Generalitat Valenciana

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JUAN MIGUEL BAQUERO Las fosas de la memoria

Foto: Patricia G. GarcinuĂąo


| PERSONAJES |

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_______ POR RAMÓN RIVAS La Guerra Civil es, sin lugar a dudas, el episodio más doloroso de la historia contemporánea española. Fue un conflicto cruel donde se mataban hermanos contra hermanos, desgarrando familias enteras y a todo un país. En 1939, finalizada la contienda, el general Francisco Franco se alzó victorioso y durante cuarenta años estuvo dirigiendo con mano dura un país empobrecido, aislado del mundo y de una Europa que se empeñaba en cerrar sus propias heridas, las de II Guerra Mundial. El fascismo italiano y el nazismo fueron enterrados y los responsables de aquella barbarie, los que no se suicidaron, fueron juzgados y, en la mayoría de los casos, ejecutados. Mientras todo eso ocurría al otro lado de los Pirineos, en España, el nacionalcatolicismo, la principal seña de identidad de la ideología franquista, se mantuvo como una anacronía durante cuarenta años en el ideario político y social de los españoles hasta la muerte del dictador. Con la llegada de la democracia en la década de los años setenta del siglo pasado, las Cortes promulgaron una Ley de Amnistía y un “pacto de olvido” con el objeto de cerrar definitivamente las heridas de la guerra y de la dictadura. Si bien es cierto que estas medidas fueron útiles para comenzar un nuevo capítulo de la historia de España, no lograron cerrar definitivamente las heridas, pues todavía hoy siguen abiertas. Una de las heridas que todavía no ha sido cerradas, son las fosas del franquismo. Por toda la geografía española hay diseminadas cientos de fosas con los restos mortales de miles de personas ejecutadas durante la represión franquista. Unas tumbas “sin nombre” que albergan los restos de unas personas cuyos familiares y descendientes, esperan poder recuperar algún día para poder darles una sepultura digna y así poder honrar su memoria. Una de las personas que más ha trabajado en el estudio y documentación de las denominadas “fosas del franquismo” es el periodista Juan Miguel Baquero, colaborador habitual de eldiario.es y autor de numerosos anuarios y artículos relacionados con la represión franquista, centrando gran parte de su trabajo en su tierra natal, Andalucía. Juan Miguel Baquero también es el autor de libros como Las huellas en la tierra y Que fuera mi tierra, con este último, obtuvo el Premio Chaves Nogales al mejor libro periodístico del año 2016. En febrero de este año verá la luz el último de sus trabajos editoriales, un libro en clave periodística titulado El país de la desmemoria, con el que el autor pretende recuperar la memoria de aquellos españoles que poco a poco van saliendo del olvido y de las fosas sin nombre donde fueron arrojados. Juan Miguel Baquero es, en definitiva, uno de los personajes que mejor conoce este capítulo aún no cerrado de la historia de España y que todavía hoy resulta polémico en algunos sectores de la sociedad. Por este motivo, nos hemos entrevistado con él, para conocer y comprender mejor la historia de las víctimas del franquismo.

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Foto: Patricia G. GarcinuĂąo


Foto: Ayuntamiento de Sevilla


Juan Miguel, además de tratar temas relacionados con los derechos humanos, gran parte de tu trabajo se centra en la Memoria Histórica, concretamente en las denominadas “fosas del franquismo”. ¿Por qué te has interesado en tratar este tema? Mi interés por estos temas empezó hace muchos años, pero desde que empecé en eldiario.es como colaborador habitual desde el principio, comencé a escribir temas sobre memoria histórica por un interés personal y poco a poco me especialicé en este tema y ahí sigo. Cuando hablas de interés personal, ¿a qué te refieres concretamente? Bueno, digamos que la represión franquista también afectó a mi familia, pero como en otras tantísimas familias españolas. A mi bisabuelo, Mariano Baquero, lo ejecutaron simplemente por tener una ideología de izquierdas. Mi interés personal digamos que es memorialista, para poder comprender lo que pasó en este país, algo que, incomprensiblemente, no se enseña en las escuelas ni en el ámbito académico. Es un tema que casi no se toca y que se pasa casi de puntillas, es una forma de educar en el olvido. En mi caso, tuve la suerte que en mi familia siempre se habló sin tapujos de lo que le pasó a mi bisabuelo, fue algo que me provocó mucho interés por saber qué es lo que ocurrió, mucho antes de que empezase a escribir sobre este tema. Más tarde, cuando empecé a escribir sobre este episodio de la historia, ya tenía un cierto bagaje y conocimientos que, a lo mejor, otras personas no tenían. Hay que recordar que en España hay miles de fosas comunes con, al menos, 114.000 víctimas, muchos de ellos fueron desaparecidos forzados porque no se sabe dónde están. Mucha gente desconoce

que estas víctimas fueron asesinadas en un lugar donde prácticamente no hubo guerra, es decir, que no son víctimas del propio enfrentamiento bélico, sino de una represión brutal. Existe mucha literatura sobre las víctimas de la guerra y, casi siempre, los datos que ofrecen los estudiosos de este tema, difieren, parece que no hay consenso, mucho más cuando se habla de las “fosas del franquismo”. En este caso, cuando se habla de estas fosas comunes ¿a qué episodio histórico nos referimos, a la guerra o a la dictadura? La mayoría de estas ejecuciones fueron realizadas en los años de la Guerra Civil. Hay que tener en cuenta que los golpistas tenían un plan sistemático que era el de ejercer una violencia extrema y de terror. Solo hay que ver los discursos de los gestores del golpe de estado, como los de Emilio Mola o el general Yagüe, conocido por el apodo del Carnicero de Badajoz, que ejecutó a miles de prisioneros en Extremadura. El propio Franco, en una entrevista que dio a un corresponsal del Herald Tribune le preguntaron que si pensaba fusilar a media España y Franco respondió que “si lo tenía que hacer lo haría”. También el propio Queipo del Llano, responsable de la represión en Andalucía, animaba a la violación sistemática de mujeres y al asesinato. Los golpistas tenían una estrategia, la de atemorizar a través de la represión, ejerciendo la violencia extrema. Esto ocurre en los primeros años de la guerra y, sobre todo, en la “represión caliente”, desde julio de 1936 hasta aproximadamente febrero de 1937. Durante este periodo, es cuando se produce el gran volumen de asesinatos masivos. Después de febrero de 1937, termina esa represión caliente y comien-

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zan a justificar esos asesinatos amparándose en una justicia que no fue más que una farsa judicial. Con todo ello, podemos decir que el gran bloque de asesinatos ocurre durante la Guerra Civil. También hay crímenes franquistas una vez finalizada la guerra, yo mismo he descubierto fosas comunes en la sierra de Córdoba donde se encontraban los restos de maquis que fueron literalmente cazados en el monte, ya en el año 1949. Aparte de los cuerpos recuperados a lo largo de estos años, actualmente, ¿cuántas personas se estima que quedan enterradas en fosas comunes? El problema que hay es que no existe un censo oficial, la única cifra, que es la que más se aproxima, es la que aportó el proceso que abrió el juez Baltasar Garzón cuando intentó juzgar los Crímenes del Franquismo. Garzón solicitó datos a las asociaciones, colectivos y administraciones autonómicas, y fue así como se pudo obtener la cifra de 114.226 víctimas, todas ellas con nombres y apellidos. Este es el único dato, más o menos oficial, que tenemos para conocer el número exacto de víctimas. También contamos en el Mapa de Fosas Nacional, en el que aparecen más de 2.500 fosas. También hay que tener en cuenta que, desde el año 2011, este mapa no se actualiza. Desde entonces, se han documentado nuevas fosas en Valencia y en otras regiones. En Andalucía, por ejemplo, hasta 2011 figuraban 614 y con la nueva actualización se eleva el número de fosas a 708, con 45.566 víctimas estimadas, con nombres y apellidos. En el caso andaluz, hablamos de un tercio de la represión a nivel nacional, una represión pura y dura, normalmente ejercida contra población civil, por eso hablamos de crímenes contra la humanidad.

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En un contexto de guerra, y más cuando se trata de una guerra civil, ¿técnicamente podemos calificar estos asesinatos como crímenes contra la humanidad? Estamos hablando de un contexto en el que la mayoría de las víctimas fueron personas secuestradas de sus domicilios, detenidas ilegalmente y ejecutadas, simplemente por tener una ideología. Por ejemplo, en Sevilla, Cádiz o Huelva, no hubo un enfrentamiento bélico, más allá de cuatro escaramuzas, no hubo frentes de batalla. Todas estas zonas caen al día siguiente del golpe de estado. En estas provincias se produjo una represión abrumadora, con verdaderas matanzas realizadas con carácter ejemplarizante. Los golpistas emplearon una violencia extrema con el fin de atemorizar. Las cifras, además, son muy elocuentes, porque si las comparamos con las víctimas de la dictadura argentina, hablamos de 30.000 asesinados, pues solo entre Sevilla, Huelva y Granada, el número de víctimas supera esta cifra, ahí podemos ver la magnitud de este genocidio fundacional del franquismo. En los trabajos de investigación que has realizado, ¿te centras en el ámbito andaluz o a nivel nacional? Casi todo mi trabajo ha sido realizado a nivel andaluz, porque es en Andalucía donde trabajo, aunque por mi trabajo en eldiario.es, también cubro temas de memoria histórica a nivel nacional. Lo que es mi trabajo, digamos que a pie de fosas, la mayoría ha sido en suelo andaluz. Tu trabajo a “pie de fosa” ¿en qué consiste? Es un trabajo en unión a los equipos técnicos; los arqueólogos y antropólogos. Ellos se encargan de hacer el tra-


Foto: Junta de AndalucĂ­a


Foto: Juan Miguel Baquero


bajo de campo y yo les acompaño en todo ese proceso. Estoy literalmente metido en las fosas, tomando material gráfico y documentando todo lo que van haciendo, basándome siempre en sus estudios y sus análisis científicos. Después, todo este trabajo arqueológico y científico, lo acompaño a las historias de vida, es decir, investigo a las personas que hay en las fosas, quiénes eran, qué les ocurrió a ellos y qué ocurrió en esa localidad. Todo esto, además, se complementa también con las historias de los familiares, los testimonios orales de las personas que todavía viven, y que son desgarradores. Aunque los trabajos arqueológicos que se realizan en estas fosas son similares a los realizados en otro tipo de entornos, como puede ser una necrópolis medieval o una romana, es de suponer que el impacto emocional debe ser brutal, tanto para el equipo como para ti, pues trabajáis con unos restos que tienen nombre, apellidos, una historia dramática y una familia detrás. Imagino que los sentimientos estarán a flor de piel y debe ser duro llegar a casa con todo eso en la cabeza ¿no es así? Son vivencias a nivel humano muy profundas, por eso mismo que dices, tienen nombre, cara y familiares que están alrededor. Los mismos arqueólogos y antropólogos que trabajan en el equipo tienen una sensibilidad especial en estos casos. Son historias dramáticas recientes que son terribles por la crueldad con la que fueron tratadas esas personas. Muchas veces he vuelto a casa muy tocado y he llorado en más de una ocasión. El otro día, una arqueóloga que lleva trabajando en este tipo de fosas desde hace diez años, me hablaba sobre esto, me decía que para trabajar en este tema hay que

tener la cabeza muy bien amueblada para poder seguir y no derrumbarte. Es algo muy duro, es verdad, pero también tiene una ventaja, la recompensa de ver las caras de los viejitos y viejitas cuando por fin les devuelves la memoria y la dignidad, para mí esa es la mayor recompensa. También soy consciente de que este es el trabajo más importante que he hecho en mi vida. Has mencionado la existencia de un mapa de fosas nacional, que no está completo. ¿Cómo es el proceso de localización de las fosas todavía no catalogadas? Existe ese mapa y otros más, como el Mapa de Fosas de Andalucía. La mayoría de estas fosas han sido localizadas gracias a los testimonios de la gente, de las personas que han conservado la memoria de la tierra. También hay casos concretos donde puede haber documentación que certifique dónde están las fosas comunes. Estos casos son habituales en asesinatos posteriores, no de los que hablamos anteriormente sobre la represión en caliente, sino en casos como el de los maquis asesinados en los años cuarenta de los que he hablado, en estos casos, incluso hay documentación asociada en los expedientes y una autopsia de los cuerpos. Cuando tienes uno de estos expedientes todo es más fácil porque se sabe dónde capturaron a esas personas, cómo les mataron y dónde están exactamente enterrados. En cuanto a la dificultad de hallar los cuerpos, depende del terreno donde estén, por ejemplo, si las fosas están ubicadas en un cementerio suele ser menos complejo, por estar ubicadas en un terreno acotado, no así otras fosas que se encuentran en mitad de un monte o en una cuneta.

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A todas estas dificultades, habría que añadir una mayor, el coste económico que supone la exhumación de estos cuerpos, su estudio y sus correspondientes pruebas genéticas de identificación. ¿Cómo se asume este gasto? Efectivamente tiene un coste que, digamos, es elevado, y asumirlo depende de cada comunidad autónoma. No hace mucho hice un reportaje sobre las comunidades que aportan dinero para estos temas y yo creo que estamos a medias; hay comunidades que tienen un presupuesto para estos temas y otras que no cuentan con ningún presupuesto, ni tampoco querían saber nada del tema. Creo que en estos casos de memoria historia, no debería haber disputas y habría que estar por encima de ideologías. Es un tema de estado y, el propio estado está obligado a asumir la reparación a las víctimas del franquismo, es un deber democrático. No es extraño que durante la dictadura, las víctimas del franquismo hayan estado abandonadas. En cierta medida, también resulta comprensible que durante los primeros años de la democracia no se haya hecho nada pero, a día de hoy, no hay justificación alguna para que todavía permanezcan todas esas víctimas abandonadas en fosas comunes. En tu opinión, ¿por qué crees que esto no se ha hecho antes? ¿Crees que hay miedo a reabrir las heridas del pasado? Yo creo que es porque no hay una petición social unánime. Si la gente fuera realmente consciente de que vivimos pisando fosas comunes, hablando metafóricamente, la cosa sería diferente. El pueblo español es empático por naturaleza, lo vemos todos los días, con los casos de personas desaparecidas, la gente se mueve para encontrar a esas personas

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desaparecidas ya sean vivas o muertas. Con las fosas del franquismo no pasa eso, además, durante toda la democracia, los gobiernos, todos, han pasado de puntillas por este tema y, en algunos casos, despreciando a las víctimas del franquismo porque no hay una presión social. ¿Por qué crees no hay una presión social unánime? Pues porque a la sociedad española se le ha domesticado para crecer en el olvido, para sumir la impunidad del franquismo y no exigir la verdad, la justicia y la reparación. En España se da un caso curioso, todos los años se publican infinidad de libros relacionados con la Guerra Civil y el franquismo, es un tema que interesa porque, en cierta medida, todos, incluso las generaciones que no hemos vivido la guerra, estamos marcados por ella, porque en nuestras familias se ha vivido este drama, tanto en un bando como en el otro. Pese a todo ello, llama la atención que un tema como el de las fosas del franquismo, en el que todos tenemos la responsabilidad moral de dar sepultura a esas víctimas, siga siendo objeto de polémica. ¿Por qué? Porque mucha gente cree que no les afecta por ser algo del pasado. Muchas veces me han preguntado el por qué hago este trabajo si es algo ya cerrado, una cosa del pasado, y por qué no me olvido de ello y miro al presente o al futuro. Esto lo preguntan, seguramente, porque no entienden que esto es algo del presente. Rescatar esos cuerpos y entregar esos restos a sus familias para que los entierren dignamente, es una obligación con nuestro pasado, con nuestro presente y con el futuro. Las


Foto: Juan Miguel Baquero


Foto: Juan Miguel Baquero


generaciones futuras deben conocer lo que ha ocurrido en nuestro país. Cosa diferente ha ocurrido en otros países como Alemania, donde los responsables del nazismo fueron juzgados, aquí en España todavía no se ha juzgado a nadie del franquismo. La Ley de Memoria Histórica, promovida por el entonces presidente del gobierno, José Luis Rodríguez Zapatero, en algunos casos ha sido objeto de duras críticas y comparada con la famosa Causa General que, durante el franquismo, se realizó para ensalzar a las víctimas del denominado bando nacional. ¿Qué opinas de esta comparación? Pues si se les pregunta a las víctimas del franquismo y a las asociaciones de derechos humanos, todos ellos dicen que esta ley se quedó corta. En este sentido yo pienso igual. Fue una ley valiente y necesaria, porque rompió un techo de cristal que impedía que estos temas se tocaran a nivel de estado pero, efectivamente, se quedó corta y es mejorable. ¿En qué sentido? Pues por ejemplo en que esta ley no tiene una memoria económica unida al texto, que garantice que se puedan hacer cosas y que no deje en manos del gobierno de turno la asignación presupuestaria. Tampoco asume las exhumaciones de las fosas comunes. También la definición de víctima del texto es muy mejorable. Hay también un dato curioso y es que en ninguna parte del texto aparece la palabra mujer, cuando las mujeres tuvieron que padecer la represión por partida doble, no son pocas las que quedaron viudas, con varios hijos a su cargo, y que, además, tuvieron que vivir

señaladas por ser calificadas como “rojas”. También considero que la Ley se queda corta porque no habla de ninguna reparación a los colectivos LGTBI. También se queda corta en los temas relacionados con la simbología franquista, que queda al arbitrio de cada administración. Algunos partidos políticos son bastante críticos con esta ley, uno de ellos es VOX, una formación política que ha irrumpido con fuerza en las pasadas elecciones andaluzas y que, seguramente, serán un reflejo de lo que ocurrirá en España en las próximas elecciones generales. ¿Cómo crees que puede afectar esto? ¿Puede pasar que todo el trabajo realizado hasta ahora quede en el olvido? Sí, ellos directamente han pedido que se derogue la Ley de Memoria Histórica y el Partido Popular le compra el discurso porque es lo que proponía el propio Pablo Casado, cuando promovía una ley de concordia. En su día, tanto PP como VOX, propusieron esto, derogar la ley y crear una ley de concordia. Esto significaría un palo tremendo para los movimientos de recuperación histórica de Andalucía porque hay muchas fosas comunes por abrir y que, si no hay una implicación de las Administraciones Públicas, las familias de las víctimas no podrán recuperar a sus desaparecidos, algo que, como dice Naciones Unidas, es un deber del Estado. En cualquier caso, si esto ocurriera, las asociaciones y las familias de las víctimas no tirarán la toalla, porque no tienen miedo. Sería una suerte de venganza ideológica con la que se despreciaría a las víctimas del terrorismo franquista.

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En alguna ocasión, esos mismos detractores de la Ley de Memoria Histórica, argumentan que también existen fosas, con víctimas del bando republicano, a las que esta ley no ampara ¿es cierto que existen esas fosas? Después de la guerra, una de las primeras cosas que hace la dictadura franquista es reparar a sus víctimas, abre las fosas comunes de los franquistas, exhuman sus restos, las dignifican, a las familias les dan una reparación entregándoles estancos, farmacias, etc. Digamos que el estado franquista repara a sus víctimas desde el minuto uno, ahí está, por ejemplo, el Valle de los Caídos, con 30.000 víctimas de la guerra de las que aproximadamente 20.000, son víctimas franquistas que son llevadas allí, junto al dictador, digamos que para “acompañarle”. Como no tenían más víctimas de donde sacar, lo que hicieron fue expoliar fosas comunes de republicanos, de ahí que haya en el Valle de los Caídos 12.000 víctimas que están sin nombre ni apellido, y sin el permiso de sus familias. También existe, por desgracia, el paradigma de Paracuellos. Pero lo que no se puede hacer es equiparar una violencia con otra. Entonces, esos argumentos no son ciertos y se hacen para atacar esta ley. Es una forma de atacar la ley para tacharla de sectaria, como si solo fuera una ley para ensalzar las víctimas de izquierdas, las víctimas que defendían el gobierno leal de la República. No, estos argumentos no son ciertos porque el franquismo ya se dedicó a reparar y abrir sus propias fosas comunes, si realmente hubiera estas fosas, estoy seguro de que se abrirían también. Un dato que desmonta ese argumento, es que no hay peticiones para este tipo de fosas.

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Cuando se hablan de esas fosas de derechistas, supongo que en muchos casos es por desconocimiento y en otros casos lo harán por lo que los historiadores llaman “franquismo sociológico”, que es decir cosas como que todos mataron por igual, que fue una guerra entre hermanos, etc. Son lugares comunes a los que se quiere llegar y que forman parte de la memoria que construye el propio franquismo. Finalizada la guerra, sobre todo en pueblos pequeños donde se conocen todos, los perdedores tuvieron que vivir durante todo el franquismo con un pesado estigma, el de ser tachados de “rojos”, además de tener ver la cara a diario de los que, sin impunidad, asesinaron a sus padres, tíos o hermanos. A lo largo de todo este tiempo en el que te has dedicado a las fosas del franquismo, ¿has sido testigo del rencor? ¿Todavía queda ese poso de odio y rencor? Sí, claro que existe, sobre todo en pueblos pequeñitos donde el roce personal es mucho mayor que en las ciudades. He vivido situaciones en las que los viejitos no se atreven a hablar y si lo hacen, te hablan en voz baja. También he visto a gente molesta por la apertura de una fosa común. Sí, todavía ocurren cosas así. En los anuarios que has publicado con la Junta de Andalucía, recuperas dramáticas historias. De todas ellas, ¿cuál ha sido la que más te ha impactado? Todas estas historias son muy duras y trágicas, pero también hay historias que te afectan personalmente, depende mucho de la persona que tienes enfrente y te cuenta su historia. Ahora mismo me acuerdo de Luis Vega, de Paterna de Ribera, que aparece en el primer anuario.


Foto: Juan Miguel Baquero


Foto: Juan Miguel Baquero


Cuando me presentaron a este hombre, me miró a los ojos y me dijo: “¿quieres conocer mi historia? pues muy bien, te la voy a contar”. A los cinco minutos de charla este hombre hizo que se me saltaran las lágrimas. A Luis Vega le mataron a su padre, y a su madre se la llevaron delante de él cuando tenía seis años. Me contó que lo último que recuerda de su madre es como la arrastraron escaleras abajo y como gritaba “¡mis niños, mis niños!”. En este punto del relato el hombre se echó a llorar. Esto es algo que les ocurre a todos los viejitos y viejitas con los que he hablado, cuando llegan a la parte del relato en el que les rompen la vida, se echan a llorar, aunque aquello sucediese cuando eran niños. Cuando les ves llorar así, es inevitable ver a ese niño o a esa niña llorando. Recientemente has trabajado en una nueva fosa en Córdoba, una de las mayores de Andalucía. Acaban de hacerse los trabajos previos en una de las dos grandes fosas que hay en Córdoba capital. También hay otra que está a punto de abrirse en Sevilla. En el territorio andaluz, que es el que mejor conoces, ¿cuál ha sido la mayor fosa común localizada? Si no recuerdo mal, la mayor, no sólo de Andalucía, la mayor de toda España, se encontró en Málaga capital, donde se rescataron 2.844 cuerpos. En este caso se dio una curiosidad, y es que en la exhumación participaron todas las administraciones, tanto la Diputación como el Ayuntamiento, ambos gobernados por el Partido Popular. Un hecho curioso, porque el PP de Málaga colabore en la mayor fosa de España mientras que en otras regiones, el PP pide que se derogue la Ley de Memoria Histórica.

En febrero aparece tu último libro, que además está prologado por el exjuez Baltasar Garzón. ¿Qué podemos encontrar en este libro? El 14 de febrero sale a la venta mi último libro que he titulado: El país de la desmemoria. Es un relato periodístico contra en el olvido, en este país de la desmemoria que es España. Está estructurado en 12 capítulos donde se cuenta la experiencia republicana que es acogida como un avance para muchos sectores de este país. Después comienza el ensayo para la barbarie que se gesta con el golpe de estado que fracasa y provoca la Guerra Civil, de ahí viene el genocidio fundacional del franquismo y de cómo acaba un país sembrado de fosas comunes, un país donde la fortuna corrupta de Franco la siguen manteniendo sus descendientes, de cómo se sigue manteniendo la parafernalia simbólica franquista y de cómo la justicia española sigue chocando con la impunidad del franquismo. En resumen, es un relato periodístico con el que pretendo contar cómo es este país, desgranando con muchos datos y basándome en investigaciones de historiadores. Juan Miguel, gracias por hablarnos de estas fosas y ojalá pronto podamos cerrar las heridas del pasado para mirar al futuro sin rencor. Seguro, son las heridas de un país que se cerrarán cuando se acabe de revisar sin venganzas, simplemente atendiendo a los derechos humanos y mirando a la cara de estas víctimas que siguen buscando a sus familiares para poder darles sepultura.

www.eldiario.es/autores/juan_miguel_baquero

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| ARTE |

EVA GONZÁLEZ MORÁN Más allá de la propia feminidad _______ POR RAMÓN RIVAS

Eva González Morán es una artista aragonesa fuera de lo común, y no solo en su faceta artística. Es una mujer valiente que un buen día, tras haberse dedicado profesionalmente durante veinte años al mundo del marketing y la empresa, decidió dar a su vida un giro de 180º y dedicarse exclusivamente a la pintura. Su repentina aparición en el “circuito artístico” fue toda una sorpresa, también para ella, pues en muy pocos años ha logrado hacerse un hueco importante en este complejo mundo, participando en numerosos certámenes de pintura y exposiciones logrando, además, muy buenas críticas y, lo más importante, el reconocimiento del público. La acuarela y el grabado son dos de las técnicas con las que mejor se desenvuelve. Por otro lado, la figura femenina es el medio recurrente en sus trabajos, siempre cargados de una sensibilidad especial y dispuestos a contarnos grandes y pequeñas historias que logran acariciar el alma de quien las contempla. Descubrimos el trabajo de Eva a principios del 2018 en una fantástica exposición y, un año después, volvemos a encontrarnos con ella, esta vez en su casa-estudio madrileña, para conocer en profundidad a una artista excepcional.

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Eva, tu trayectoria como artista ha sido sorprendente, pues en menos de cinco años has logrado estar presente en numerosos certámenes de pintura y exposiciones. ¿Cuándo comenzaste a interesarte por la pintura? Siempre me he sentido muy vinculada al arte, no como protagonista, siempre desde el otro lado, aunque mi “yo” más íntimo es artista, yo lo siento así. También tengo el referente de mi madre, que era acuarelista, aunque no profesionalmente, para ella era un hobby y me encantaba verla pintar. ¿Te enseñó ella a pintar? No, de vez en cuando me pedía que pintase un cielo y cosas así, pero no me enseñó. Lo que tengo de ella son sus pinceles y pinturas, que los tenía en Zaragoza y me los traje a Madrid, eso me gusta mucho porque, en parte, es como si estuviera aquí conmigo. Durante toda tu vida laboral te has dedicado al mundo de la empresa y el marketing hasta que, finalmente, decidiste dejarlo todo por la pintura. ¿Por qué? ¿Tenías referencias familiares de artistas? Que va, vengo de una familia de médicos, imagínate, y como te decía, mi madre pintaba con acuarelas, aunque no profesionalmente. De jovencita yo no tenía ninguna vocación de nada en concreto. Hice empresariales por ese test típico que te hacen en el colegio (risas). Así que al final decidí estudiar empresariales y he trabajado en el mundo de la empresa durante veinte años, en un puesto de dirección que me obligaba a viajar mucho y la verdad, un trabajo así no te deja mucho tiempo libre, ¡sobre todo siendo madre! Pero hace cuatro años, por circunstancias ajenas, lo dejé un poco de lado y quise hacer algo de voluntariado y teatro, que es algo que siempre quise hacer. Fue un poco con el devenir de las cosas que acabé pintando. Lo he pasado bien trabajando en el mundo empresarial, ha sido una etapa muy importante y me satisfacía mucho, pero no era una vocación. ¿Cómo fue esa primera vez con la pintura? Cuando empecé a dibujar, fue en 1996, pero fue poca cosa, algún retrato a carboncillo pero nada más. Después, cuando nació mi hijo, hace trece años, me metí en una academia de pintura que hay al lado del colegio y allí estuve un año y… ¡oye, veía que se me daba bien! (risas). Luego lo dejé y no volví a pintar hasta que un día, tuve que hacer un regalo de cumpleaños y no tenía

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nada que regalar. Al final decidí hacer un dibujo, que a mí me gustó mucho como quedó y a la gente del cumpleaños les encantó, eso fue hace unos tres años, así que fue así cuando empecé a retomar el dibujo. ¿En solo tres años has logrado pintar con ese estilo tan personal y técnico? ¡Resulta verdaderamente increíble! ¡No me lo creo ni yo! (risas). La verdad es que al principio empecé con dibujos muy naíf, pero el cuerpo me pedía algo más adulto, más maduro, y fue así como empecé con dibujos más realistas. Dominas perfectamente la acuarela, una técnica que no es fácil en absoluto y menos en el arte figurativo. La acuarela es una técnica con la que hay que dialogar mucho ¡y tirar mucho papel! Uno de los motivos con los que me siento más cómoda con la acuarela es porque pinto en casa, todavía no tengo un estudio propio donde poder pintar y la acuarela es una técnica muy limpia, no vas dejándolo todo perdido de pintura. También haces grabado El grabado me encanta, es igual que la acuarela porque tiene ese punto que no sabes muy bien que va a pasar cuando posas el pincel porque el resultado final, depende de muchísimos factores. En el grabado pasa un poco lo mismo, entintas una plancha que te has currado mucho y, hasta que no pasas el papel, no sabes muy bien como va quedar. Es una técnica que me encanta porque tiene mucha magia. La figura femenina es una constante en tus pinturas ¿por qué? Creo que todas las mujeres tenemos una conexión especial. He viajado mucho por todo el mundo y siempre he notado esa conexión con las mujeres, daba igual la condición social o económica. Cuando las mujeres nos miramos a los ojos hay como una comunión especial que no te sabría explicar, es algo universal. Puede que sea por la maternidad y todo lo que eso conlleva, no lo sé… Todas tenemos una relación de complicidad, de entendimiento que creo que no existe entre los hombres. ¿Has pensado en pintar figuras masculinas? Mi padre es al único varón que he pintado, quizás pintaría hombres, me apetece, pero en otra faceta distinta a


Resiliencia


Interferencias


la de las mujeres, con rostros que me inspiren fuerza y pasión.

esa historia de inocencia y no veas lo que se emocionó la gente con esto.

El mundo de las exposiciones y las galerías es muy diferente a lo que es la propia creación artística, en tu caso, parece que te defiendes bastante bien en este sentido. Después de trabajar en el mundo de la empresa, el llegar a este mundo, fue algo totalmente nuevo para mí. Al principio no sabía muy bien por dónde tirar; me hice de la Asociación de Pintores y Escultores, intenté ver qué obras podían encajar para exposiciones y me presenté a un montón de certámenes. Todo esto me ayudó a para salir de mi zona de confort, y también sirvió para obligarme a trabajar en formatos o temáticas que en principio no habría hecho. Al principio fue un poco frustrante porque había cosas que no me salían, después de mucho trabajo, muchas horas y ser muy tenaz, -soy de Zaragoza- y en ese sentido soy muy cabezota (risas), creo que lo logré. Creo que si quiero ser fiel a mi misma, lo que debo hacer es esto, trabajar duro porque es una carrera de fondo en la que nada viene dado, hay mucho trabajo detrás, aunque también es verdad que tengo mucha facilidad para la pintura, me sale solo.

Todas las obras iban acompañadas con un texto, ¿también escribes? También me gusta escribir, y los textos que acompañan las pinturas son míos. Los escribí después de pintar y creo que fue un acierto incluirlos en la exposición porque la gente se ha sentido muy identificada con el texto y con la pintura, al final de lo que se trata es de contar historias.

El pasado mes de noviembre, en el Centro Cultural Galileo, realizaste una exposición que, posiblemente, haya sido una de las más importantes, sobre todo a nivel personal. Háblanos de ella. La exposición se titulaba Almas de mujer, tuvo mucho éxito y muy buena acogida por la gente. La verdad es que fue muy emocionante ver la reacción de las personas que pasaron por allí y para mí también. Una de las series más llamativas de la exposición es una de retratos de niñas, háblanos de ella. Son una serie de ocho niñas pintadas en monocromo. Cada una de ella es una historia contada desde una edad muy adulta, desde la senectud. Son niñas que cuentan su historia cuando están al final de sus vidas. La ultima que pinté fue a mi madre, que fue una mujer buenísima, le tocó vivir la guerra, se le murieron tres hijos… No tuvo una vida fácil. La idea surgió cuando vi una foto de mi madre cuando era niña, cuando la vi con esa cara de inocencia, de tabla rasa, la que tenemos todos en la infancia pues no sabes lo que te va a pasar después en la vida, me conmovió mucho. Así que decidí hacer una serie contando historias, para hacer revivir

¿No crees que al incluir un escrito, el propio texto pueda dominar a la pintura? Pues mira, eso mismo pensé en la última exposición, tenía miedo de que de pudiera dominar el texto de una manera determinada pero, no, todo lo contrario, complementan la obra y la experiencia muchísimo. Tu carrera artística ha sido tan rápida que no creo que te haya dado tiempo todavía a plantearte el futuro artístico en su vertiente profesional y económica ¿cómo lo ves en este sentido? ¿Se vende bien tu obra? Este mundo es complicado, así como en el mundo de la empresa sabes que cuando tienes un producto, con un coste de producción y un precio, sabes perfectamente cómo venderlo, a qué canal tienes que ir para venderlo y con quién hablar, en este mundo todo es diferente. Por ahora todo lo que he vendido es en España y la verdad es que no me puedo quejar. Este mundo es injusto y muy difícil, pero si trabajas duro y tienes fe en lo que haces, te tiene que revertir en algún momento, estoy segura de ello. También tienes un compromiso con quien compra tu obra y cree en ti, eso te obliga a trabajar mas y mejor. ¿Tienes alguna exposición a la vista? Tengo dos confirmadas pero todavía sin fecha, una en León y otra en Córdoba. También tengo otra que se inaugurará en marzo en la Asociación Española de Pintores y Escultores. La he titulado Surfaces y será una exposición en la que combino el retrato con algo de pintura abstracta. Últimamente he comenzado a trabajar la pintura abstracta y me interesa llevar el retrato a entornos medio desconocidos pero ligados al paisaje abstracto. www.evayvosotros.com

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Pensamientos


Ă?ndigo


Oraciรณn charra


Metamorfosis


Warm vibes


DIEGO MORENO Honestidad y rebeldĂ­a


| FOTOGRAFÍA |

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_______ POR RAMÓN RIVAS

El joven fotógrafo Diego Moreno es uno de los exponentes de una nueva generación de fotógrafos mexicanos que sorprenden por una rebeldía libre de prejuicios con la que invitan a sumergirse en un fascinante universo personal enriquecido, con lo bueno y lo malo, de un país tan culturalmente rico como es México. Gran parte de su producción fotográfica se podría considerar como un viaje a las profundidades de la cultura y de la sociedad de Chiapas, la región mexicana que le vio nacer. Un viaje en el que, además, nos adentra a las entrañas del propio fotógrafo, donde nos muestra sin tapujos y con absoluta honestidad sus miedos, sus deseos y sus esperanzas. En 2016, Diego Moreno fue seleccionado por The British Journal

of Photography como uno de los fotógrafos emergentes a seguir, un reconocimiento que ha servido para visibilizar su trabajo por todo el mundo. Ha realizado algunas exposiciones por España y el resto de Europa y, recientemente, ha publicado Huésped, un fotolibro donde él mismo explora su propia identidad. No hemos querido dejar pasar la ocasión y hemos realizado esta entrevista a caballo entre México y España para conocer el trabajo de este artista mexicano, así como su propio universo personal.

Mamá Cleme, cordero de Dios. De la serie:“Huésped” EMNMM - 89


Diego, háblanos de ti y de cómo te iniciaste en el mundo de la fotografía. Mis inicios en la fotografía fueron intuitivos. Comencé cuando tenía trece años, fotografiando a mi abuela materna y a nuestro entorno. Recuerdo perfectamente que me compré una cámara de bolsillo digital Kodak. Siempre tuve dudas del por qué no tenía fotografías mías de pequeño, y por qué los niños en las fotografías sonreían mucho. Poco a poco fui cayendo en la cuenta que mi manera de comunicarme con el mundo era haciendo fotografía, así que en uno de los periodos más fuertes y vulnerables de mi vida, en los años de preparatoria, fue cuando decidí que al terminar buscaría dónde poder estudiar fotografía. Por fortuna, en 2012, encontré una escuela independiente que había llegado a San Cristóbal de las Casas, de donde soy, el espacio se llamaba Gimnasio de Arte Chiapas y ahí me inicie formalmente a estudiar fotografía. Fue un espacio muy bondadoso conmigo. Después de muchísimo tiempo, ya no me sentía solo ni incomprendido en el mundo. Este espacio fue una gran catapulta para mí. Después me especialicé con un postgrado en fotonarrativa y nuevos medios, becado por World Press Photo y más tarde cursé otro postgrado en Fotografía contemporánea en el Centro de las Artes de San Agustín en Oaxaca y el Centro de la Imagen en Ciudad de México. ¿Qué significa la fotografía para ti? Una experiencia transformadora y una postura ante la vida. Tus fotografías dejan entrever un trabajo muy personal y muy autobiográfico, ¿cuáles son los principales temas que te mueven a la hora de trabajar en un proyecto fotográfico? Hago fotografía porque para mí es una profunda necesidad. He tenido momentos muy bajos en mi vida, y la fotografía ha sido en gran parte algo que me pudo generar un presente en el mundo como persona. Los temas que toco siempre están ligados a mi vida y al tiempo específico en el que estoy viviendo. Realmente, los tópicos que me interesan son los que nos mueven a muchos de nosotros en un amplio sentido: entender nuestra condición y nuestra complejidad humana, que en este sentido es inevitable, no recurrir y pensar en la otredad para tratar de entenderse a uno mismo. Si lo ramificamos, es demasiado extensa, somos maravillosamente complejos y universales. Para mí es fundamental reflexionar a partir del cuerpo, para comprender la necesidad del afecto, el

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deseo, los vínculos con el otro, el dolor, la violencia, la muerte, el inconsciente individual y colectivo. Uno de los elementos que hacen especial tu trabajo es la combinación de elementos culturales, sin duda, propios de la variedad y riqueza cultural mexicana, además, tienes la capacidad de transformar lo grotesco en algo realmente bello. ¿Qué importancia le das en tu trabajo a tu herencia cultural? He crecido en un entorno culturalmente rico, pero a la vez complejo y muy rudo. Hablando de mi contexto: Chiapas, es un universo muy particular con mezclas de culturas, de creencias religiosas y rituales. Me atrevería a decir que es uno de los más particulares en México. Chiapas siempre ha sido objeto de estudio por la mirada extranjera, con eventos importantes para el país y el mundo, como el Movimiento Zapatista de Liberación Nacional. Mi ciudad, San Cristóbal de las Casas, proviene de la colonización española. Es un choque entre lo indígena y los españoles, una profunda lucha identitaria constante, atrapada en dos universos densos. Esto ha dado paso a que sea uno de los estados de la república mexicana altamente complejo y fascinante. Entenderme como un ser que esta construido de distintas vertientes de pensamientos y de creencias ha sido sumamente rico para abordarlo en procesos fotográficos. Una de las cosas que mas trastocó mi vida fue la religión católica, religión impuesta por los españoles. El catolicismo pesó por muchos años en mi vida, serví durante muchísimo tiempo a la iglesia en mi infancia, fui monaguillo y como toda la vida he vivido con Clemencia, mi abuela materna, hizo que el arraigo católico fuera un tema inevitable en mi vida, que años más tarde se volvió un tema de análisis y de creación para mi trabajo como fotógrafo. Mi trabajo nace a su vez de confrontar y cuestionar todo el tiempo mi propia cultura, su arraigo, sus mitologías y creencias, porque es ahí donde entiendes la construcción colectiva de tu entorno y la de sus habitantes. Entiendes que México son muchos méxicos, y que todos ellos siempre merecen ser cuestionados y reflexionados. En 2016, The British Journal of Photography te seleccionó como uno de los fotógrafos emergentes a seguir. ¿Qué supuso este reconocimiento para ti, de forma personal y cómo afectó a tu producción artística? Realmente estos sucesos en mi carrera han sido de manera muy orgánica, al igual que mi misma produc-


Refugios . De la serie:“Huésped”

ción. The British Jourmal of Photography conoció mi trabajo gracias a Ana Casas Broda, una de las mujeres más importantes en mi vida, maestra con la que he trabajado desde hace cinco años. A ella le pidieron nominar a fotógrafos jóvenes y tuve la fortuna de ser seleccionado por el jurado de esa emisión. Fue muy interesante saber lo que pensaban de mi trabajo gente que nunca antes lo había visto. Escribieron un artículo fascinante sobre cómo leían mi trabajo, fue alentador ver el por qué era interesante para ellos. Además de este reconocimiento tan importante, mi trabajo es conocido por gente que ni siquiera hace fotografía y no está en el medio fotográfico, gracias al impulso de Internet, he recibido comentarios increíbles por ello. Gracias al reconocimiento de BJP, mucha gente me conoció, y fue una catapulta a nivel internacional que me emocionó demasiado y, sin duda, generó un impacto a mi carrera. México fue y sigue siendo uno de los países donde los fotógrafos son más arriesgados, especialmente en el aspecto de la libertad creativa, huyendo de convencionalismos. ¿Cómo se ve tu obra en tu propio país?

Me atrevo a decir que formo parte de una generación de fotógrafos que les ha tocado utilizar la rebeldía y la fotografía como una manera de resistencia. Y esto hace que te tengas que ubicar desde otro lugar para poder reflexionar lo que estás viviendo en tu país. Como mencionaba antes, México son muchos méxicos, pero hay factores comunes en todo el territorio, por ejemplo: la violencia, el choque de culturas y la religión. Hay muy pocas personas que logren reflexionar de una manera muy profunda en esos temas, pues son complejos y requieren tiempo. Algo alentador, y es lo que están haciendo muchos fotógrafos jóvenes en México y sobre todo, mujeres. Mi trabajo ha sido bien recibido, pero también rechazado en mi entorno/ciudad, aunque entiendo que es la naturalidad del contexto. Tiene mucho que ver el prejuicio y los valores negativos que le otorgamos al “cuerpo”, a lo que no encaja en lo común. Creo que muchas veces es por la ignorancia que genera la religión, por los otros. Pero no todo ha sido negativo, al contrario, creo que las personas que más me han conmovido en la manera que perciben mi trabajo, son gente de otros estados de la república mexicana que conectan EMNMM - 91


Hombres de casa. De la serie:“Huésped”

de inmediato con mi trabajo y me cuentan sus propias experiencias; son las personas que no tienen que ver con el medio fotográfico, y por eso es la potencia de la fotografía, se convierte en un vínculo de comunicación realmente universal que trastoca otros universos sin forzar nada. Resulta muy interesante que los personajes que aparecen en tus obras se muestren con una naturalidad brutal, mucho sentimiento, sin tapujos y muy alejados del posado artificial. ¿Quiénes son y cómo seleccionas a las personas que aparecen en tus fotografías? Nunca he fotografiado a nadie al que no le tenga afecto o que no quiera, desee o me importe. Para mí, la fotografía es un acto de afecto imprescindible en mi vida. La fotografía es como una fábrica de afecto y de contacto. Me permite conectarme y crear vínculos muy profundos con los otros, entender su complejidad y trastocar la mía todo el tiempo. Todos los personajes que fotografío son familia, amigos y amantes. Los fotografío porque mediante el acto fotográfico vamos construyendo una historia a través del tiempo que se transforma, se con-

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suma, se estira o se aleja, pero que no se olvida. Creo que por eso las fotografías son así, naturales, cargadas de energía y de deseos de los dos polos que se conjugan en algo matérico como en una instantánea Tú mismo también apareces en algunas de tus series fotográficas, alejado del exhibicionismo, aportando un gran contenido narrativo a la fotografía. Háblanos de ello. Creo en la fotografía como creadora de nuevas realidades pero también como portadora de pruebas tangibles de lo que somos. Uno de los aportes más imprescindibles en el acto fotográfico, fue generar una imagen de mí mismo, ya que no tengo fotografías de cuando era pequeño, siempre existió en mí ese profundo vacío y las interrogantes del por qué no tenía, si tenía padres y una familia. Eso es lo que dio pié a mi proyecto Huésped, que desarrollé durante siete años. Todo siempre proviene de una pulsión, la primera fotografía que tomé de mí mismo surgió de un hecho muy doloroso en mi vida; la primera vez que decidí retratarme fue porque tenía un dolor muy fuerte en la espalda causado por los múltiples


golpes por la violencia ejercida por mi padre sobre mí. Este hecho fue demasiado denso y confrontante, reconocí mi cuerpo maltratado, tenía toda la espalda llena de hematomas, fue muy fuerte tener esa fotografía de mí mismo, una imagen que no reconocía, pero que a la vez me dio la evidencia de lo que estaba pasando y que me posibilitó huir de ese sistema violento familiar. Partiendo de ese hecho doloroso, decidí transformar la violencia, como si para mí la cámara fuese un espejo ante Medusa, y todo ese dolor se transformaba en fotografía. Poco a poco la fotografía fue ese puente para comprobar el afecto. Cuando comencé a fotografiarme con mi abuela materna, me sentía muy deprimido y abandonado, pero mediante la creación de acciones para la cámara: ella y yo abrazados, ella y yo haciendo cosas cotidianas, pude generar evidencias de un presente alejado del dolor, todo se volvió tan performático, tan corpóreo y de contacto, fue entonces cuando me di cuenta de que la fotografía se había convertido en esa forma de querer a las personas, de acariciarlas… Pude ser partícipe del afecto y ponerlo a prueba. Creo que aparezco en las fotografías porque siempre tengo la necesidad urgente de generar una imagen de mí mismo para entender quién soy y aceptarme. La fotografía se convirtió también un acto para volver a calzar en mi propia piel y calzar en la de los otros. No se trata de un proceso de narcisismo o egolatría, creo que se trata más bien de un acto de valentía, para reconocerme y reconocer al otro en la vulnerabilidad. Al fin y al cabo, creo que todo, en las fotografías, termina siendo un autorretrato en cierta medida. La sinceridad de la desnudez, es habitual en tu trabajo ¿por qué? Porque para mí, el cuerpo es algo maravillosamente complejo y natural. Sus pliegues, su contornos, afecciones, abyecciones y fluidos nos dan un ancla en este mundo para habitarlo. Crecí en un entorno violento y lleno de prejuicios por culpa de la religión, pero también plagado de machismo. En la religión católica el cuerpo es pecado, siempre se debe ocultar, no se debe hablar del deseo porque está mal, porque te genera un lugar negativo para no alcanzar el paraíso tras la muerte. Cuando era adolescente tuve mucho sentimiento de culpa con mi cuerpo, por sus cambios. Sentía que todo lo que me pasaba en las situaciones violentas, era por mi culpa, por tocarme, pero no. Cuando profundicé en el estudio de la religión, me di cuenta que es una estructura de violencia silenciosa. Como mencionaba anteriormente, el

cuerpo fue fundamental desde que comencé a fotografiar, porque era lo que me permitía acercarme al otro en un sentido profundo, sin poses y sin pretensiones, solo cuerpos que se brindaban afecto o se afectaban por la violencia. Pero poco a poco, retratando a mi madre, hermanos, tías y primos, me di cuenta del gran universo y de la complejidad del cuerpo; el cuerpo como detonador del deseo, como cúmulo de violencia, como detonador del inconsciente, del contacto con el otro, el cuerpo que muere… Por eso me obsesioné con resignificarlo lejos del estereotipo del pecado o de la culpa. El cuerpo mediante la fotografía también se vuelve un acto de resistencia, por ello decidí fotografiarlo sin censurar mis deseos, ni el de mis compañeros retratados. El tratamiento de la luz en tu trabajo es fantástico, especialmente en el claroscuro, háblanos de cómo trabajas en este sentido. Mi visión ante el mundo esta construida en mayor medida por mi abuela materna, Clemencia. Con ella iba durante muchísimos años a la iglesia. Tengo recuerdos recurrentes de niño en donde me fascinaba y me daba terror al mismo tiempo entrar a la iglesia porque las esculturas de los santos estaban plagadas de luz y oscuridad por los filtros de luz de los ventanales de las iglesias, los mismos santos, como Cristo y la Virgen María, envueltos en terciopelo, afligidos, llorando, ensangrentados, todo era como una casa del terror de esas que ves en las películas. Después de unos años, reflexionando, me di cuenta que de ahí provenía mi fascinación por el claroscuro, de esa ambivalencia tan maravillosa de estar todo el tiempo entre la oscuridad y la luz, que en cierta manera es como me siento yo todo el tiempo. Digamos pues que mi visón técnica de la luz ha sido generada por mi vivencia con la iglesia y lo doméstico, porque también la casa de mi abuela se parece una iglesia, está llena de santos por todas partes para poder sentirnos “protegidos”, llena de ventanas y claroscuros, llena de oscuridad. Guardianes de la Memoria es una de tus series fotográficas más conocidas, háblanos de ella y de cómo fue el proceso de creación. Sí, aunque en realidad ahora se llama: En mi mente nunca hay silencio. Este proyecto surge de una anécdota familiar y está inspirada en mi tía abuela, que sufría de esclerodermia. Es una enfermedad que va haciendo que todos tus órganos se cubran de músculo, la piel se engrosa y se retienen líquidos por todo el cuerpo. Ella nació así, creía que era por algún pecado de la familia y

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que lo estaba pagando con esta enfermedad. Sufrió demasiada violencia por parte de la mayoría del núcleo familiar. Siempre se tenía que ocultar de la visitas, ella no existía en los álbumes de fotos. Su hermana, que se hacía cargo de ella, cuando se iba de viaje, la dejaba encerrada con cadenas durante días. Desde pequeño le tuve mucho cariño. Iba con frecuencia a la casa de mi abuela, sin importarme que tuviera un aspecto monstruoso o que oliera feo por su incontinencia, a mí me fascinaba pasar mucho tiempo a su lado, era muy cariñosa conmigo y siempre estaba vestida con vestidos muy grandes con estampados de flores y mandiles donde guardaba dulces que me regalaba en secreto. En 2006 la hermana que se había hecho cargo de ella y de su herencia, falleció. Ninguno de los cinco hermanos que aun vivían se quisieron hacer cargo de ella, solo mi abuela. Llegó a casa a tiempo completo y nuestra convivencia se hizo aún más entrañable. Solo pudo vivir un año con nosotros, ya que falleció debido a que su enfermedad se complicó demasiado. Murió justo cuando estaba a mi lado. Ese suceso me impactó mucho, tanto que después de su muerte, tenía una obsesión profunda por reconstruir su imagen, por volver a tenerla cerca. Fue así cuando recordé a unos personajes que salen a danzar cada 22 de septiembre anunciando la fiesta de la Virgen de la Merced, me hacían ver de niño a mi tía a cada instante. Se llaman “Panzudos Mercedarios” y son monstruos que danzan en una especie de manda o ritual, curiosamente, estos personajes simbolizan los pecados, por eso, cuanto más fea y grande sea su indumentaria, en mayor medida curarán sus pecados. Era un hecho análogo al de mi tía, ella, como te comentaba, se consideraba un pecado, y a mí me pasaba igual. Desde muy pequeño me sentía inconexo de mi propia familia, como un ser marginado. Así que aquel recuerdo fue como un cortocircuito en mi cabeza, me di cuenta que ahí había una gran posibilidad para contar una historia. Así sucedió todo y decidí empezar a construir estos personajes, tratado de reconstruirla a ella y buscar la manera de fundirlos en el espacio doméstico, buscando la manera de crear escenas cotidianas que, sin querer, se convirtieron en fotografías cargadas de simbolismo y de una profunda densidad psicológica. Al mismo tiempo, regresé a mis diarios y me di cuenta que también tenía una profunda incomodidad con el cómo se ha visto mi lugar de origen, siento que a partir del folclore se ha hecho una demagogia política y estética. Me doy cuenta en la actualidad en cómo se ve Chiapas, sigue viva esa mirada condenatoria sobre “los otros” siempre como un objeto

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de estudio, como los “raros”. Desde los sucesos históricos importantes, como el movimiento del EZLN en 1994, y muchos otros que han hecho que Chiapas sea vorazmente fotografiado, pero por la mirada extranjera. Creo que en el proceso, también ha sido fundamental el reflexionar sobre lo que me rodea, pero desde otra perspectiva. Para mí, los “Panzudos Mercedarios” han venido a representar a los habitantes de mi propio inconsciente y son un pasaje hacia otro reino. No son personas reales, ya lo sé, pero de alguna manera proporcionan un marco para entender la condición humana. Tal vez, puedo revelar verdades secretas que no son visibles en la vida cotidiana. Reflexionar sobre todos los seres incomprendidos, las criaturas y las cosas marginadas. Para mí son entrañables y me identifico con ellos profundamente. En este caso, hablemos de los monstruos: ellos no pretenden ser nada más. Los seres humanos somos falsos, siempre estamos atados a lo socialmente aceptado y estamos en una constante afirmación sobre la maldad y sobre “los otros”, siempre con repudio. Parte de la naturaleza de este proyecto es desentrañar todo lo preestablecido para resignificar y crear nuevas posibilidades de ser y estar. La idea de un “monstruo” no debe ser espantosa, debe de ser bella. De hecho, nuestro mundo sería seguramente un poco más mágico si estas figuras vivieran entre nosotros. Recientemente has publicado tu primer libro, háblanos de este proyecto. Huésped, ha sido prácticamente el proyecto más alentador de mi vida. Lo inicié cuando tenía trece años. Empecé haciendo retratos a Clemencia, mi abuela materna, y esto dio pié a transitar por el túnel de la complejidad de mi historia familiar, entender el abandono de mis padres y la densidad psicológica generada por la violencia doméstica, el hogar se volvió ese territorio de conflicto el cual se convirtió en mi terreno de reflexión y confrontación por unos años. A través de imágenes y de textos narro la complejidad de su historia familiar, caracterizada por ciclos perturbadores de violencia doméstica, machismo y apego a la religión católica. Este fotolibro, editado en formato de álbum familiar, me permitió construir un presente para encontrar su lugar en el mundo y reflexionar más profundamente sobre la fragilidad y complejidad de la condición humana y el tiempo hostil en el que vivimos. Huésped se desarrolló durante los últimos siete años, en los cuales exploré mi propia identidad a través de un intenso proceso de inmersión en la fotografía como un


El viejo caballero. De la serie:“En mi mente nunca hay silencio”

medio para vincularme con mi familia, creando y recreando escenas que permiten al espectador entrar en esta compleja red de relaciones. Ana Casas, mi editora y amiga, fue con quien desarrollé el libro mediante el programa que ella organizó en México llamado Incubadora de Fotolibros. Tu obra está prácticamente en todo el mundo ¿tienes a la vista alguna exposición en España? Que esté por todo el mundo es algo que me emociona mucho, tuve tres exposiciones individuales en España entre el 2017 y 2018 por parte del festival BFOTO, en Cataluña, Barbastro y Zaragoza. También en muchas partes de Europa. Ahora estoy gestionando otras exposiciones, pero con mi nuevo proyecto. Expondré en el mes de febrero En mi mente nunca hay silencio en el Museo de la Moda de Londres, por parte de una curaduría sobre identidad latinoamericana y con este proyecto represento a México. Espero pronto regresar Madrid, me encantaría exponer de manera individual por allá.

¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo? Seguir presentando mi libro Huésped, y publicar este año En mi mente nunca hay silencio, mi siguiente libro, que ahora estoy terminando los últimos detalles. También preparar las exposiciones de mi nuevo proyecto; Spectrum, el cual tiene que ver con la brujería, la botánica, la mitología popular y las leyendas en Chiapas. Por ahora mi proceso fotográfico se está expandiendo. Estoy ahora en un proceso más híbrido, en el que estoy escribiendo cuentos, interviniendo fotografías de archivo y haciendo vídeo. Por ultimo, también estoy trabajando en qué salida le daré a un proyecto inédito que he desarrollado por más de ocho años llamado Onán, relatos de un muchacho de pueblo, en el que hago una reflexión por medio de textos y fotografías sobre el territorio, la masculinidad, su vulnerabilidad y el deseo mediante mi tránsito entre el pueblo y la ciudad.

https://inframundo.lat/products/huesped-diegomoreno?variant=18540650692721

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El último abrazo. De la serie:“En mi mente nunca hay silencio”


Vigilante. De la serie:“Huésped”


Presagios. De la serie:“En mi mente nunca hay silencio�


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| CINE Y TV |

LA CASA DE JACK Una película de Lars von Trier


Un impresionante reparto internacional da vida a los personajes de La Casa de Jack. Matt Dillon protagoniza la película en el papel del asesino en serie Jack y le acompaña Bruno Ganz como el misterioso Verge, que reta y explora la mente de Jack mediante un diálogo constante. Uma Thurman, Siobhan Fallon Hogan, Sofie Gråbøl y Riley Keough son algunas de las desafortunadas mujeres que se cruzaron con Jack. Uma Thurman, Siobhan Fallon Hogan y Sofie Gråbøl han trabajado anteriormente con Lars von Trier, pero es la primera vez que Riley Keough colabora con el director. Uma Thurman dio vida a la interesante Sra. H en Nymphomaniac - Volumen 1 y 2 (2013); vimos a Siobhan Fallon Hogan en la aclamada Bailando en la oscuridad (2003) y a Sofie Gråbølen El jefe de todo esto (2006). Louise Vesth, de Zentropa, produce La Casa de Jack en coproducción con Film i Väst, el Fondo Cinematográfico de Copenhague, Slot Machine, y con el apoyo del Instituto de Cine Danés, Eurimages, Nordisk Film &TV Fond, Film –und Medienstiftung NRW, el Instituto de Cine Sueco, el CNC y el programa Media de la Unión Europea, en cooperación con DR, ZDF/Arte y SVT. Trust Nordisk se ocupa de las ventas internacionales y Nordisk Film de la distribución en los países nórdicos. SINOPSIS Estados Unidos, años setenta. Seguimos al brillantísimo Jack durante cinco incidentes a medida que descubrimos las muertes que marcan su recorrido de asesino en serie. Vivimos la historia desde el punto de vista de Jack. Para él, cada asesinato representa una auténtica obra de arte, pero su inadaptación le causa problemas con el mundo que le rodea. A pesar de que la policía parece estar cada vez más cerca de descubrir al autor de los crímenes -algo que le exaspera y le presiona- y contra cualquier tipo de lógica, decide arriesgarse cada vez más. A lo largo de la película, Jack nos habla de su situación personal, de sus problemas y de lo que piensa mediante conversaciones con un desconocido llamado Verge. Una mezcla grotesca de sofismas, de autocompasión casi infantil y de explicaciones detalladas de las difíciles y peligrosas maniobras de Jack.

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COMENTARIOS DEL DIRECTOR Realizados el 13 de abril de 2016, antes del rodaje de la película. La estructura básica de la película comprende cinco incidentes en el transcurso de doce años. Tengo la intención de empezar con el incidente 1 y acabar el guion con los intervalos entre cada incidente, y en parte con el epílogo, una vez estén filmados y montados los cinco incidentes. Podría decirse que la película evolucionará a partir de los cinco incidentes hasta llegar a un guión final. En la película precedente, Nymphomaniac, me moví entre numerosas digresiones incluidas en el guion desde un principio y quizá eso fue la causa de que no se incorporaran en la película de forma óptima. El tono del diálogo en off fue complicado, y más aún caracterizarlo. Mi sueño es rodar La casa de Jack en dos periodos muy diferenciados, para que los cinco incidentes sean el núcleo de una película perfectamente ensamblada. Entre cada incidente, Jack mantiene una conversación con un personaje llamado Verge. Al final descubrimos que esos intervalos hablados corresponden al camino que recorren Jack y Verge mientras este le conduce al Infierno. Verge es una versión moderna de Virgilio en La divina comedia que guía a Dante a través de las muchas manifestaciones del Infierno. Jack habla de su vida y de su desarrollo como asesino en serie. Los intervalos están poblados de recuerdos, de fábulas y de las opiniones de Verge, un hombre moral, y de Jack, un criminal. Mi objetivo es mostrar a Jack en esos intervalos como un hombre cualquiera (aunque muy culto) que sólo revela su naturaleza psicopática en breves y contadas ocasiones, en oposición a los cinco incidentes, dignos de un auténtico psicópata. El epílogo que sigue al descenso de Jack y Verge hacia los infiernos deberá ser poéticamente majestuoso y estará en parte inspirado en las últimas cien páginas de la novela La muerte de Virgilio, de Herman Broch, donde el momento de la muerte parte de la vida. En el epílogo se mezclarán imágenes mentales abstractas con la realidad. Quiero que La Casa de Jack sea mi película la más moral hasta la fecha. Es la historia de un asesino en serie, un psicópata, que acaba en el Infierno por lo que ha hecho. No puedo imaginar un castigo más adecuado. Estreno el 25 de enero Golem Distribución

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DESTROYER Una película de Karyn Kusama


| CINE Y TV |

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Destroyer, dirigido por Karyn Kusama (La invitación, Girlfight), es un árido y fascinador thriller policiaco de narrativa compleja protagonizado por la oscarizada Nicole Kidman (Lion, la serie Big Little Lies, Las horas), que encarna virtuosamente a una dura detective tremendamente desgastada por los rigores de su trabajo y por las consecuencias de una operación encubierta del FBI que resultó rematadamente mal. Atormentada por la culpa y la pérdida, una vez que reaparece un antiguo enemigo –encarnado por Toby Kebbell (La guerra del Planeta de los Simios, Un monstruo viene a verme), nada va a desviarla de su objetivo: dar con él, pues lo entiende como la última posibilidad de redimirse. Produce la película Fred Berger (La La Land, Operation Finale); el tenso y emocionalmente cautivador guión lo han escrito los guionistas y productores Phil Hay y Matt Manfredi (La invitación; Amor loco, amor prohibido). Destroyer presenta un reparto de coprotagonistas único, entre ellos, Sebastian Stan (Vengadores: Infinity War; Yo, Tonya); Tatiana Maslany (Orphan Black) y Bradley Whitford (Los archivos del Pentágono; Déjame salir). SINOPSIS Erin Bell es una detective de Los Ángeles incapaz de perdonarse sus errores del pasado. Con los años, su prioridad es reconducir la difícil relación con su hija adolescente. Cuando el líder de una banda criminal en la que ella se infiltró de joven regresa a la ciudad, Erin encontrará su última oportunidad para redimirse y garantizar un futuro mejor para su familia. COMENTARIOS DE LA DIRECTORA En el fondo, Destroyer es una película acerca de afrontar tus errores y con tal decidida valentía, responsabilizarte de tus actos. Dentro del consistente marco del thriller policíaco, también es un audaz estudio de personaje que abunda en la herida Erin Bell, detective de la policía de Los Ángeles no obstante de psique resistente. El mundo del crimen que ella investiga, junto a una estructura narrativa que permite la sorpresa en el relato, recuerda películas como Heat y Sospechosos habituales. Pero la cinta también permite acceder a la intimidad de ella en la tradición de filmes de género tan variados como Taxi Driver, Un profeta, o Nightcrawler. Resulta todavía más actual y relevante por tener a una mujer como protagonista, y no puedo pensar en otro momento en que haya adorado más a un personaje.

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El aspecto y la sensación del film refleja el mundo de extremos que éste contiene: el espejismo seductor de un Los Ángeles de luz cegadora y del fantasioso manto de la la niebla costera, alimentado por el asalto sonoro de la llamada “Escena de Palm Desert” de los 90 y las elaboraciones pop de los cuarenta principales radiofónicos de hoy. Aunque Destroyer se mueve entre dos marcos temporales distintos, principalmente evoluciona por el Los Ángeles actual, una amalgama, en el siglo XXI, de abogados corruptos y delincuentes de poca monta, traficantes de armas, y predicadores locales, trabajadores abnegados de clase media y charlatanes carismáticos. Esta enorme ciudad, conectada por sistemas de autopistas en expansión y salpicada de vecindarios tan distintos como su gente, es en sí mismo un reflejo del alma partida de Erin Bell: zumba de secretos y mentiras, se bate por encontrar qué es real en un paisaje cuidadosamente superficial. Aunque mucho del enfoque del film es innegablemente visceral y descarnado, hay ocasión para inesperados lirismo y belleza. Los momentos de redención, tanto visuales como morales, resultan escasos pero ganados a pulso.

Destroyer apunta a evidenciar todo lo que principalmente destruye: el dinero, la avaricia, el hambre, pero también desvela las pérfidas cualidades de la memoria, la negación y la mismísima e inexorable marcha del tiempo. Aunque los impulsos destructivos de la sociedad parecen haber alcanzado una cima apocalíptica, todavía es la peculiar voluntad de un individuo para destruirse a sí mismo lo que me resulta más atrayente y humano. Al presenciar la autodestrucción de Erin Bell, nos vemos obligados a enfrentarnos a nuestras propias autodestrucciones. Al fin y al cabo, ella paga un precio terrible por su redención, pero no obstante la logra. El público experimenta la espiral de arrepentimiento y vergüenza que domina su odisea en el pasado, pero también es testigo del heroico viaje de un personaje moralmente comprometido, una mujer que finalmente decide solucionar el entuerto a toda costa. Como parábola, Destroyer es una vigorizante historia sobre “una mujer contra sí misma”, un alarido sostenido cuya historia, espero, nos pertenezca a todos. Estreno el 22 de febrero A contracorriente Films

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Foto: David Ruano


| ESCENA |

Señor Ruiseñor Dirección: Ramón Fontserè

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SINOPSIS En su estudio-museo, Santiago Rusiñol pinta La morfina. Es una pintura muy significativa en su obra ya que él mismo fue adicto a esta droga. El efecto estupefaciente le sitúa ante la irrupción de unas huestes destructivas que deshacen su casamuseo. Sus objetos, pinturas y obras literarias son arrinconados o destruidos. El enfrentamiento y los conflictos se suceden con ferocidad, sarcasmo y humor. Rusiñol defiende unas formas de vida que se resisten a desaparecer ante el asalto de lo que considera la barbarie. Sin embargo, las dudas surgen muy pronto, ¿se trata del auténtico Rusiñol o de un guía –reubicado en espera de la jubilación– que actúa en la visita teatralizada del museo?, ¿es simplemente el conflicto laboral de un empleado cuyo desequilibrio le ha llevado a creerse el personaje y se resiste a cambiarlo ante la imposición de nuevos héroes y mitos revolucionarios? En cualquier caso, es la cruel realidad actual confrontada a lo que fue esta sociedad en el pasado. Una sociedad de ciudadanos holgados y juiciosos a orillas del Mediterráneo. PRESENTACIÓN Santiago Rusiñol (1861-1931), nacido en el seno de la burguesía catalana, simboliza una personalidad intensa y compleja, con una visión melancólica, amarga y desencantada de la vida. Un hombre dotado de un gran talento personal que deriva en la pintura y cuya obra figura en las más prestigiosas colecciones. También alcanza gran notoriedad como dramaturgo, escritor y poeta. Su carácter ingenioso y cosmopolita hace de el un referente de lo que los españoles consideran la Cataluña cívica, culta y abierta al mundo. Con Señor Ruiseñor queremos reflexionar sobre la destrucción de unos conceptos de vida libre, conceptos que no han sido sustituidos en la actualidad. En Cataluña se ha arrancado o falseado el pasado y de esta manera se ha podido configurar un orden inventado. Solo se utiliza la parte de conocimiento y de tradición que conviene para contar un relato sesgado. Para nosotros, Rusiñol es la antítesis de este mundo: este artista de carácter ingenioso y cosmopolita representa la inducción a la vida alegre y sensual, el gusto por la belleza, la sutileza y el conocimiento. Santiago Rusiñol –como dijo Josep Pla– fue un destructor de fanáticos que represento una sociedad de ciudadanos holgados y juiciosos a orillas del Mediterráneo. Ramon Fontsere

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Foto: David Ruano SEÑOR RUISEÑOR Del 9 al 27 de enero Teatro María Guerrero Madrid


Foto: Sergio Parra


| ESCENA |

El Sueño de la vida De Alberto Conejero A partir del acto conservado de Comedia sin título de Federico García Lorca Dirección: Lluís Pascual

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La Comedia sin título es una obra de teatro que siempre estará por escribirse. Ésa es su potencia y yo no he pretendido clausurarla. Pero durante años me asomaba a la última línea del manuscrito como quien se asoma a la marea porque oye una voz que lo llama desde adentro. El sueño de la vida no pretende dar fin a la Comedia sin título, tampoco es una reescritura. Es un nuevo texto escrito en un vacío infinito, un diálogo entre lo que fue y lo que no pudo ser. No puedo explicar mucho sobre los sentidos de El sueño de la vida. He escrito como quien atraviesa sonámbulo una habitación en llamas. Creo además que hay algo de alucinación en el centro de esta experiencia que se resiste al decir. Mucho de El sueño de la vida forma parte del misterio. No se muy bien cómo se han entrelazado las imágenes de Lorca con la propia ni por qué venían al recuerdo algunos versos y otros no. También en este proyecto hay mucho de juego, que es algo sagrado, y que algunos seguimos defendiendo ante este gobierno de lo útil, de lo necesario y de lo productivo. Si, he disfrutado mucho escribiendo El sueño de la vida. No quiero cubrir esta experiencia con la patina pesada de una falsa solemnidad. Hay más pulsiones lisérgicas que conscientes. El conflicto sobre la verdad en el teatro y en el amor que en El público sucede principalmente dentro del pecho de El director se intenta resolver aquí abriendo de par en par las puertas del teatro. Pero por esas puertas abiertas entran no sólo el optimismo revolucionario y los anhelos de un mundo más justo sino también las fuerzas más conservadoras, cínicas y agresivas. Y no nos engañemos: éstas pueden encontrarse en los despachos, pero también en los andamios. No hay síntesis apaciguadora en su resolución: porque es insufrible un teatro que de la espalda a la realidad de su tiempo (“no quiero que se derrame sangre verdadera junto a los muros de la mentira”) pero ¿qué poesía sobrevive doblegada ante la pólvora y los estrados? Como en El público nos encontramos un callejón sin salida; de ahí emerge la idea del sacrificio en este auto sacramental laico en el que creador aparece “como un agonizante de Dios” que no pertenece “ni al reino de los vivos ni al de los muertos” y, sin embargo, no puede dejar de pertenecer. He sentido la compañía de Artaud, de Angélica Liddell, de Mouawad mientras lo escribía, autores todo de pulsión trágica y entregados al misterio, de los que aprendo todos los días; y, por supuesto y en cada momento, de Lorca escribiendo estos dos actos que no pretenden dar fin a nada sino entregar al presente la intimidad con una voz. Alberto Conejero. Dramaturgia

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Foto: Sergio Parra

EL SUEÑO DE LA VIDA Del 17 de enero al 24 de febrero Teatro Español / Sala Principal www.teatroespanol.es


RED BEARD Dakota


| MÚSICA |

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Red Beard es una banda de rock sureño liderada por el canario Jaime Jiménez Fleitas, una banda de rock que se ha hecho un importante hueco en la escena nacional e Internacional desde el lanzamiento de su primer EP. Durante los últimos años, Read Beard no han dejado de dar conciertos ganándose el respeto del público, los medios y la crítica especializada. Después de firmar con la multinacional Peermusic, fundada por Ralph S. Peer en 1928, que es la editorial musical independiente más importante del mundo, acaban de lanzar su cuarto álbum titulado DAKOTA. En este trabajo, la banda endurece todavía más el sonido que los ha acompañado desde su inicio, con un álbum que está más cerca del rock y del rock sureño que los dos anteriores. Los primeros tres álbumes, Nobody’s Gonna Bring me Down vol. I, Vol.II y All or Nothing marcaron una primera etapa de la notable actividad en la historia de Red Beard. Después de una intensa gira Nacional e Internacional durante 2015, 2016, 2017 y 2018, ahora es el momento de anunciar el cuarto álbum DAKOTA, con un nuevo lanzamiento de presentación y una extensa gira que los llevó durante los últimos meses por toda Europa y Estados Unidos. La banda, con Jaime Jiménez a la cabeza, está compuesta por los músicos Fajardo Marrero (bajo), Giussepe Fabio (guitarra) y Daniel Cardenes (batería), grandes músicos a los que podremos ver y escuchar en los próximos conciertos en España, que serán durante todo el mes de marzo, tras finalizar su gira europea. www.theredbeardmusic.com

PRÓXIMOS CONCIERTOS: 08 de marzo - SALA AMBIGÚ - CÓRDOBA 09 de marzo - SALA RUTA 66 - DOS HERMANAS (SEVILLA) 15 de marzo - SALA SOUND STAGE - MADRID 16 de marzo - SALA MANERAS DE VIVIR, ALMAZÁN, SORIA

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| LIBROS |

El país de la desmemoria: Del genocidio franquista al silencio interminable Un relato periodístico contra el olvido en el país de la desmemoria. La memoria histórica de nuestro país desde un enfoque periodístico. Prólogo de Baltasar Garzón. En la investigación que titula El país de la des­ memoria, Juan Miguel Baquero utiliza nuevos testimonios, incontables datos y sincera pasión para denunciar la estrategia de terror desencadenada por Franco desde que dio el golpe de Estado contra la República hasta su muerte. Y da cuenta de lo muchísimo que queda por investigar, y por juzgar, sobre las víctimas del franquismo en este país que no quiere hacer frente a la verdad. En su prólogo, Baltasar Garzón escribe: “Me conmueve el niño Alejandro cuya historia cuenta al inicio este libro; le dijeron que cuando los aviones bombardearan se tirase a la cuneta y tapara su cuerpecito con una manta. Como ese niño real, nuestra sociedad se ha cubierto durante todos estos años con una frágil colcha que, al ser retirada, deja ver la cara fea de un régimen franquista que mató, hizo desaparecer, humilló, torturó y encarceló; que robó niños; que asoló con el terror para lograr la sumisión y no levantó la bota hasta bien entrada la década de los 70.” Juan Miguel Baquero 240 Páginas Roca Editorial 9788416867967

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Populacho de París París es la ciudad de la gastronomía delicada, de la alta costura y del alarde intelectual. Pero a la sombre de estos grandes hitos latía una ciudad fascinante: la de los pobres, los excluidos, los criminales, los inconformistas. En El populacho de París, Luc Sante repite la fascinante fórmula de Bajos fondos y nos ofrece un recorrido por esta segunda ciudad, que se lee en las piedras, en los ladrillos y en las leyendas de una ciudad arrasada, como pocas otras, por el desmemoriado progreso. Apoyándose en el testimonio de literatos -desde Balzac a Víctor Hugo-, pero también en el de truhanes, situacionistas y diletantes de todo pelaje, Luc Sante nos ofrece una profunda reflexión de las dinámicas urbanas y de clases. Luc Sante 400 Páginas Editorial Libros del K.O. 9788416001989


| LIBROS |

Parásitos

Doctor Uriel

Desde las junglas húmedas de Costa Rica hasta el fétido entorno de las zonas rebeldes del sur de Sudán, Carl Zimmer nos guía a través de un viaje por el universo de los parásitos, un mundo en el que habitamos sin ser conscientes. Nos descubre que no solo son las formas de vida más exitosas de la Tierra, sino que favorecen el desarrollo del sexo, dan forma a los ecosistemas y son el motor de la evolución. Zimmer muestra cuánto han evolucionado estos organismos y describe la aterradora facilidad con que pueden devorar a sus hospedadores e incluso controlar su conducta, como el siniestro Sacculina carcini, que se establece en un desafortunado cangrejo y devora todo menos aquello que su anfitrión necesita para llevarse comida a la boca, que será consumida por él; o la criatura unicelular Toxoplasma gondii, que puede invadir el cerebro humano e influir en su conducta para asegurarse su supervivencia. Para Zimmer, la humanidad en sí misma es una nueva clase de parásito que se aprovecha de todo el planeta. Por tanto, si vamos a alcanzar toda la sofisticación que caracteriza a estas formas de vida, si vamos a fomentar el florecimiento de la vida en toda su diversidad tal como hacen ellos, debemos aprender cómo convive la naturaleza consigo misma, entender las leyes que rigen el extraño mundo de las criaturas más peligrosas de la naturaleza.

El verano de 1936, Pablo Uriel, un joven de veintidós años recién licenciado en Medicina, empezaba ilusionado su andadura profesional y se enfrentaba a su primer destino como médico. En ese momento no podía ni imaginar que, de repente, su vida y la de todo el país se iba a convertir en una terrible pesadilla. Los testimonios minúsculos, como el suyo, no suelen figurar en los grandes libros de Historia y acaban desapareciendo... Pero Sento se ha encargado de que, ochenta años después, la pequeña gran historia del doctor Uriel sea difícil de olvidar. Publicado originalmente en tres tomos Un médico novato, Atrapado en Belchite y Vencedor y vencido, Doc­ tor Uriel recopila la historia completa en este integral, cuyo primer tomo ganó el Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Sins entido en 2013. Aún en plena dictadura el doctor Uriel consiguió escribir sus memorias, que vieron la luz en una pequeña edición familiar publicada en 1988, dos años antes de su muerte. Sento Llobell, autor de la trilogía y yerno de Uriel, confiesa: Cuando leí las memorias me quedé impresionado. Siempre pensé que tenía que hacerlo. Sento Llobell 432 Páginas Editorial Astiberri 978 8416251896

Carl Zimmer 312 Páginas Editorial Capitán Swing Libros 9788494673788 EMNMM - 127


| LIBROS |

Jugarse la piel: Asimetrías ocultas en la vida cotidiana

La guerra futura: Un estudio sobre el pasado y el presente

En uno de sus libros más provocadores, el famoso pensador Nassim Nicholas Taleb redefine lo que significa comprender el mundo, tener éxito en una profesión, contribuir a una sociedad justa y equitativa, detectar el absurdo e influir en los demás. Citando ejemplos que van desde Hammurabi a Séneca, o del gigante Anteo a Donald Trump, Taleb demuestra cómo la voluntad de aceptar los propios riesgos es un atributo esencial de héroes, santos e individuos prósperos en todos los ámbitos de la sociedad. Un desafío a las antiguas creencias sobre los valores de aquellos que dirigen las intervenciones militares, realizan inversiones financieras y difunden credos religiosos.

Sir Lawrence Freedman, el más prestigioso representante actual de los estudios de estrategia, nos ofrece una visión distinta de la historia de la guerra desde fines del siglo XIX, pasando por las dos guerras mundiales y la guerra fría, hasta la actualidad. Freedman no nos habla de armas o batallas, sino de la forma en que en cada momento las sociedades que se enfrentaban a un conflicto se prepararon para él a partir de las previsiones, casi siempre equivocadas, de políticos, militares o novelistas. Ello le permite ofrecernos una visión innovadora de este presente de guerras híbridas, de robots, drones y ataques cibernéticos, en que los expertos prevén que un nuevo conflicto será distinto a todos los conocidos en la historia, para alertarnos de los riegos de volver a equivocarnos en nuestras previsiones sobre una próxima guerra futura.

Nassim Nicholas Taleb 384 Páginas Editorial Paidós 9788449335426

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Lawrence Freedman 592 Páginas Editorial Crítica 9788491990628


| LIBROS |

Ártico: La batalla por el Gran Norte

El científico loco

Desde el espacio, el Ártico se ve cada vez menos blanco y más azul: un nuevo mar está emergiendo como una Atlántida acuática, porque el calentamiento en el Gran Norte es el doble que en el resto de la Tierra. Este deshielo está provocando al mismo tiempo una auténtica lucha entre distintos países para ganar la única zona del mundo aún sin explotar y con recursos que podrían superar el valor de toda la economía de Estados Unidos. La región ártica se está convirtiendo en “una nueva África, un Congo boreal”, se advierte en el libro; es la nueva batalla global para obtener el control de rutas comerciales estratégicas, enormes fuentes de combustibles fósiles -como la mayor mina de uranio a cielo abierto- y amplias regiones marítimas con una gran producción de pescado de los caladeros de la región. Parte del destino de la humanidad se juega en el Ártico, y este libro de Marzio G. Mian desvela de forma brutal cómo la disolución del hielo ha despertado las ansias del botín de riquezas.

La literatura primero, pero también el cine y el cómic, han hecho de la figura del “científico loco” un estereotipo que reconocemos con facilidad. Sin embargo, como todos los estereotipos, se funda en una amalgama de imaginaciones y habladurías provenientes de personajes y hechos reales que les dieron pie. Nacido con la ciencia “moderna”, se nutre desde el siglo XVIII de centenares de personajes y experimentos, a veces peligrosos, a veces geniales, a veces ridículos, que, motivados siempre por el deseo de conocer, de comprender, de saber, han transitado de forma arriesgada zonas vidriosas limítrofes con la ética, con las convenciones al uso y con la ortodoxia con suerte desigual. Petrificadores, resucitadores, pesadores de almas, trasplantadores, lobotomizadores, experimentadores de drogas y otros hallan espacio en estas páginas que dan acceso a unos de los capítulos más llamativos y provocadores de la historia de la ciencia.

Marzio G. Mian 192 Páginas Editorial Ariel 9788434429512

Luigi Garlaschelli y Alessandra Carrer 288 Páginas Editorial Alianza 9788491813507

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#PINKCUENCA La laguna rosa de CaĂąada del Hoyo

Foto: By Dom Crossley - pan16_20101108, (CC BY 2.0), https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=52501078 With color alteration


| EXTRAÑO Y CURIOSO |

________ POR EMNMM En la provincia de Cuenca, concretamente en la serranía de los Palancares, se produjo a finales del año pasado un fenómeno inusual que apareció reflejado en todos los medios de comunicación, convirtiéndose en trending topic en las redes sociales. Este sorprendente fenómeno ocurrió en una de las lagunas de Cañada del Hoyo, un complejo acuífero lagunar, compuesto por cinco lagunas y dos lagunillos, que destacan por el entorno natural donde están ubicadas y, sobre todo, por las variaciones cromáticas que estas aguas tienen en cada una de las lagunas. Las lagunas de la Cañada del Hoyo pocas veces han sido noticia en los últimos años, hasta el pasado mes de noviembre, cuando las aguas del denominado Lagunillo de las Tortugas aparecieron de la noche a la mañana teñidas de un color rosa intenso, un hecho que sorprendió a los propios lugareños, pues no se tenía constancia de que este fenómeno se hubiese producido con anterioridad en este lugar. Las Lagunas de la Cañada del Hoyo se encuentran en la cuenca del río Guadazón y

todas ellas tienen forma circular, una característica común en este tipo de sistemas lagunares de tipo cárstico. Además, estas lagunas, declaradas Monumento Natural en 2007, tienen una curiosa particularidad, la pureza y la variedad crómatica de sus aguas, pues cada una de ellas tiene un color diferente, incluso la tonalidad de las aguas varía dependiendo de la hora del día o la estación del año. Esto no quiere decir que el agua de estas lagunas tenga diferentes colores, pues si se extrae una muestra de cada una de ellas, se puede apreciar que en todas, el agua es incolora. La variedad cromática del agua de estas lagunas es debida a múltiples factores; el terreno calizo donde se encuentran, la profundidad, el tamaño, la vegetación y también los microorganismos que habitan en ellas, son los responsables de provocar las diferentes tonalidades. Otro de los factores, es que algunas de estas lagunas son meromícticas, una característica poco habitual en España, en donde las aguas del fondo de la laguna y las de la superficie no se mezclan nunca. Esto es debido a la

densidad del agua provocada por una mayor y menor salinidad. Es precisamente en estos ambientes donde suelen prosperar las conocidas bacterias del azufre o cromatiales, unos organismos que cuando se dan unas condiciones meteorológicas determinadas, producen fantásticos espectáculos naturales, tiñendo las aguas de colores rosas o rojizos, como ocurrió el año pasado en esta laguna conquense. Durante algunos días, la Laguna de la Tortuga, que no es precisamente la más llamativa de todo el complejo, se convirtió en la más famosa y en lugar de peregrinación para todos aquellos interesados en disfrutar de un espectáculo natural curioso y extraño. Desgraciadamente, este espectáculo que ofrece la naturaleza, nunca avisa cuándo se va a producir, ni tampoco el tiempo que durará, no obstante, este remoto y poco conocido rincón de la provincia de Cuenca, es uno de esos tesoros naturales que se conservan intactos en España que bien merece la pena descubrir en cualquier época del año, por su espectacular entorno natural y por las, ahora ya famosas, lagunas.

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| ESPACIOS Y PROPUESTAS |

V CLUB FEAT. AROLA El regreso más esperado

V Club feat. Arola es una auténtica experiencia 360º. Se trata de un pequeño refugio albergado en un espacio “only adults”, único y exclusivo en Madrid y es una de las salas de fiestas del momento. No solo porque el laureado y transgresor chef Sergi Arola es el asesor detrás de una carta sorprendente, sino porque la sala, en las sesiones V Club, de jueves a sábado, cuenta con actuaciones de estilo circense y vodevil como el llamativo

The Greatest Showman, además de una increíble decoración que sumerge de lleno en un casino al más puro estilo de Las Vegas.

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La mano de Arola Tras la apertura del restaurante Cormorán en Santander y después de dos años de ausencia en la capital, el carismático chef vuelve a Madrid más canalla que nunca, con la idea de recuperar el espíritu del ‘97 cuando abrió el primer La Broche para dar de comer de forma divertida, con entrantes informales y segundos más “serios”. Y es que en este proyecto al que se suma, Arola vuelve a deleitarnos con su cocina prêt à porter tanto en carta como en varios menús ideales para picar y sugerencias que no dejarán indiferente. Entre los platos no fallan algunos de sus inconfundibles: las famosas patatas Bravas de Arola, su Bomba Barceloneta, el Bocata de calamares con pan de tinta o sus Alitas fritas con salsa kimchi y cebolleta tierna; y otros entrantes como su Ensaladilla rusa “a bocados”. Imprescindible saborear sus Albóndigas guisadas con chimichurri y fondue de queso Treviso. Opciones para todo tipo de comensales: desde los más sibaritas, como el Chateaubriand “V de Vegas”, el Entrecot de vacuno o el Steak Tartar marinado en soja, wasabi y aceite de jengibre hasta los más modernos que prefieran practicar el finger food con sus Mini burgers de vacuno, foie, queso y jugo reducido. Y para terminar con algo dulce, Arola ha pensado, por ejemplo, en unas Natillas con terciopelo de galleta y helado de mandarina, imaginación y vanguardia para poner la guinda a la velada. Un marco incomparable Porque, qué mejor que acompañar esta carta con alguno de los originales cócteles de la flamante barra de V de Vegas, que se sirven hasta la 1 de la madrugada y además van en sintonía con la cocina de Sergi. Barra en la cual podrán tomarse copas hasta las 04:00 h, ¿o quizás una botella de champán? Ahora sí que tenemos todos los ingredientes para disfrutar de los espectáculos que alegrarán las noches de los jueves, viernes y sábados de la mano de la actriz y coreógrafa María Hinojosa, que arranca con The Greatest Showman, pero que se irán renovando cada trimestre. La noche madrileña recobra un nuevo color y sabor gracias a la recién llegada cocina gamberra de V Club feat. Arola a V de Vegas, con sus platos de siempre junto a frescas y únicas creaciones así como el entorno, que completa la experiencia. La sala de fiestas está abierta todos los días de 17:00 a 03:00 horas; mientras que las V Club sessions se desarrollan jueves, viernes y sábados hasta las 04:00 horas. La cocina de Arola está disponible de martes a sábado para cenas hasta la 01:30 horas por un precio aproximado de 45 euros. Así mismo, hasta las 03:00 h. se podrá disfrutar de una carta más corta para picar. Otra ventaja es su ubicación, una zona menos céntrica y por tanto más tranquila de Madrid pero de fácil acceso, con aparcacoches y parking propio. Por el hecho de ser un casino, lógicamente solo para mayores de edad, es imprescindible presentar el DNI en la puerta del local. En definitiva, un lugar en el que el sabor y la diversión están aseguradas y en el que además hay que brindar por la vuelta del chef a la capital. V CLUB FEAT. AROLA Caunedo, 4. Madrid - Tel. 91 426 74 28 www.vdevegas.com

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| COMER |

GAMAN La vuelta del mejor Luis Arévalo

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___________ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA

Le conocimos y somos fieles seguidores desde hace ya muchos años. No olvidamos aquellos primeros pasos en Kabuki y 99 Sushi Bar. Tampoco el gran salto a Nikkei 225, el que fue lujoso escaparate que le puso en lo más alto. Ni la vuelta a la necesaria independencia en Kena, la que fue su casa desde 2014. Ahora ha llegado el momento de dar un paso más y desde aquí nos alegramos porque nos devuelve al Luis Arévalo más auténtico, el que vino de Perú buscando nuevos sabores y que ahora nos hace disfrutar de lo lindo en su nuevo restaurante: Gaman.

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El local, situado en un histórico local de la madrileña plaza de San Amaro, cuenta con una decoración sencilla y amable. Tiene un acogedor salón con mesas para unas 30 personas y una barra, el lugar ideal para pasar un buenísimo rato viendo a Arévalo manejar los cuchillos mientras degustamos sus creaciones. La oferta culinaria se compone de una carta en la que Japón, Perú y España de dan la mano con el sushi como principal protagonista. Pero la mejor forma de conocer el trabajo de esta casa es, sin duda, el menú omakase que cambia cada día en función de lo que ofrece el mercado por un precio de 69 euros. Una serie de entrantes fríos y calientes seguidos de una batería de nigiris de mucho nivel. En cuanto a los vinos, un listado no muy largo, pero con referencias acertadas y para todos los bolsillos, además de esos sakes que tan bien le van a este tipo de comida. Está todo dicho, así que nos sentamos en uno de los ocho taburetes de la barra y nos ponemos manos a la obra, que comienza el festín.

UN MENÚ PARA NUNCA TERMINAR El menú se abre con un aperitivo, en este caso un gustoso guiso de pescado con soja. Seguimos con una estupenda ostra con pisco sour de pepino y melón. Llegan entonces dos gyozas, la primera de langostinos con curry japonés y huacatay, la segunda de pollo, nueces y ají amarillo. Ambas de fina masa y relleno suculento. Pasamos a esa cocina fría que Arévalo borda como pocos. Usuzukuri de lubina con adobo arequipeño, caballa con mojo de escabeche y aguacate, y pez limón con tomate, leche de tigre y lulo. Combinaciones frescas y restallantes en los que cada sabor se complementa logrando un resultado redondo. A partir de este momento empieza la fiesta. Una sucesión de nigiris con un arroz impecable y originales ingredientes que se alían con inteligencia y desparpajo. Flor de calabacín con apio y tierra de pesto, erizo sin más ni menos, tartar de atún, salmón con cebolla roja y cilantro, pez limón con chile chipotle, palometa con aceite de chimichurri, corvina con salsa de ostras y chile, chicharro con jarabe de jengibre y apio… y no pararíamos nunca. Un disfrute a lo loco que se remata con un postre ligero y agradable en forma de helado de lúcuma con frutos rojos. Y sí, por desgracia terminar termina, pero repetiremos muchas veces.

GAMAN Plaza San Amaro, 8 — 28020 Madrid Tlf. 914 683 623 www.gamancocinanikkei.com

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esmadridnomadriz.com 8

2019. Es Madrid no Madriz

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Es Madrid no Madriz Magazine  

Época VII / Nº 70 - Enero - Febrero

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Época VII / Nº 70 - Enero - Febrero

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