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ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 41 / Enero 2016


| EDITORIAL |

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ay muchas formas de contemplar la ciudad de Madrid, la más habitual es paseando por sus calles y sus plazas pero hay otra forma muy diferente de disfrutar del horizonte

urbano de la ciudad y es contemplándola desde las alturas. Disfrutar de la ciudad desde las alturas no es una tarea fácil, no siempre se tiene la oportunidad de subir a los edificios más altos del centro histórico para contemplarla, aunque existen algunos que son accesibles para el público y que ofrecen unas espectaculares y curiosas postales de Madrid desde el aire. En este número, el primero de 2016, nos asomamos a un nuevo año contemplando el horizonte urbano de Madrid y desde las alturas, cogeremos aire para comenzar un nuevo año repleto de proyectos y desafíos que esperamos poder compartir con todos vosotros, no sin antes desearos un feliz y próspero año 2016.

Ramón Rivas

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NOTICIAS

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MADRID. Madrid desde el aire

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MADRID COMUNIDAD. Navalcarnero. La Plaza de Segovia

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MADRID NATURAL. Las gaviotas de Madrid

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LUGARES. La Basílica del Sagrado Corazón en Bruselas

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PERSONAJES. Carlos Villarías

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ARTE. Erika Harrsch

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FOTOGRAFÍA. Andrea Santolaya

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CINE Y TV. En el corazón del mar

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ESCENA. Obras en cartel

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MÚSICA. Myriam Latrece

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LIBROS

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HÉROES EN SILENCIO. Luis Quiñones Cervantes

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EXTRAÑO Y CURIOSO. Museo de la magia y brujería de Halmavik

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ESPACIOS. Moon Diamonds

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COMER. Ôven Mozarella Bar

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AGENDA

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| CONTENIDOS – ENERO 2016 |

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com Número 41 / Enero 2016

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COLABORADORES Antón Pérez

IMAGEN DE PORTADA: Fotografía: Callejera

Carmen Martínez de Artola RJ Jaime de la Torre Ócar Bethencourt Pilar Sarro

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MAQUETACIÓN Maite Rivas

FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

AGRADECIMIENTOS Cultura Inquieta Universal Pictures Ríos & Thot Ministerio de Educación y Cultura Ayuntamiento de Madrid Es Madrid no Madriz Magazine es una publicación independiente y mensual, editada en Madrid (España), orientada a la cultura, el ocio y el espectáculo.

Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846 Apdo. Correos 14.544 28080 Madrid (España) Si deseas colaborar y formar parte de nuestro equipo o dar a conocer tu trabajo, visita www.esmadridnomadriz.com para más información. ADVERTENCIA El contenido de esta publicación está protegido por copyright. Todas las imágenes y textos publicados en Es Madrid no Madriz Magazine son propiedad de sus autores y están sujetos a copyright. Ninguna imagen o texto puede ser reproducido, editado, copiado o distribuido sin el expreso permiso de sus propietarios legales. Es Madrid no Madriz Magazine no se hace responsable de las opiniones vertidas y de los puntos de vista expresados por las personas que aparecen en este número.

Comunidad de Madrid Bar Villa de Verín


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Bicentenario del Teatro Real

En este mes de enero comienzan oficialmente los tres años de programación y actos conmemorativos con los que el Teatro Real celebrará, a nivel nacional e internacional, una doble efeméride: los 200 años de su fundación, en 1818, por orden del rey Fernando VII; y los 20 años de su reapertura en 1997, después de una rehabilitación arquitectónica compleja y pionera, que convirtió el escenario del Real en un referente entre sus símiles, tanto por su sofisticada tecnología teatral, como por su orgánica funcionalidad. La conmemoración de ambas efemérides, declaradas “acontecimiento de excepcional interés público” por la Ley de Presupuestos del 2015, supone un reconocimiento al papel histórico del Teatro Real y contribuye a fortalecer su presencia nacional e internacional, llevando la ópera a todo el territorio español como punto de encuentro cultural y artístico. Dos ejes vertebrarán la programación de los próximos tres años: la ampliación del repertorio operístico del Teatro Real y el desarrollo de diversos proyectos de difusión social y de popularización de la ópera en España, así como la recuperación de su patrimonio. 8 - EMNMM

De las 43 óperas que se ofrecerán en los próximos tres años −2016, 2017 y 2018−, cerca de una treintena se presentarán por primera vez en su escenario, engrosando la nómina de títulos del Teatro Real y colmando algunas lagunas en su repertorio, marcado por las vicisitudes de su historia discontinua y accidentada, reflejo de la idiosincrasia política, social y cultural de cada período de su actividad. El amplio programa artístico y de actividades conmemorativas reafirma el compromiso del Teatro Real con la vocación transformadora de la ópera, capaz de irradiar su espectro a todos los rincones de España y del mundo, llevando emoción, placer, belleza, reflexión y debate a un público cada vez más diversificado y participativo. Cuatro siglos de ópera Siguiendo la estela de su historia, la nueva programación pretende enriquecer el repertorio del Teatro Real con títulos imprescindibles que todavía no figuran en su acervo musical, sobre todo clásicos del siglo XX. Se alternarán con las grandes óperas románticas, obras menos conocidas del barroco y del clasicismo e importantes es-


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trenos mundiales del siglo XXI, que ofrecerán una perspectiva multiforme de la creación musical actual.

randon y Sean Penn. En el Real tendrá como protagonista a la mezzosoprano Joyce DiDonato.

Estrenos en el Teatro Real

La gran compositora finlandesa Kaija Saariaho (1952) debutará en el Real con dos nuevas óperas cortas inspiradas por el teatro Nō japonés -Always Strong y Feather Mantle-, unidas bajo el título Only the Sound Remains, que da nombre al espectáculo concebido por Peter Sellars y protagonizado por el contratenor Philippe Jaroussky. En el mismo escenario tendrán lugar dos esperados estrenos mundiales de compositores españoles. La ciudad de las mentiras, de la sevillana Elena Mendoza (1973), parte de relatos del escritor uruguayo Juan Carlos Onetti para articular la historia de cuatro mujeres músicas con existencias distorsionadas por una realidad opresiva y viciada, en la imaginaria ciudad de Santa María. En El abrecartas, sexta ópera de Luis de Pablo (1930), el octogenario compositor vuelve a colaborar con el escritor Vicente Molina Foix, en esta ocasión para dar voz a los artistas, escritores e intelectuales durante el estallido de la Guerra Civil. Por su ópera coral desfilarán, además de seres anónimos, el niño Federico García Lorca, Miguel Hernández, Eugenio d’Ors y Vicente Aleixandre, cuyos dramas, desasosiego y la zozobra marcaron profundamente la literatura española.

Así, se estrenarán en el escenario del Teatro Real dos obras señeras y monumentales del siglo XX: Moses und Aron, de Arnold Schönberg (1874-1951) -que se ofrecerá por primera vez en versión escénica con la lectura conceptual de Romeo Castellucci y dirección musical de Lothar Koenings- y Die Soldaten, de Bernd Alois Zimmermann (1918-1970), con puesta en escena de Calixto Bieito y dirección musical de Pablo Heras-Casado. Del siglo XX harán también su debut en el Real El gallo de oro, de Nikolai Rimski-Kórsakov (1844-1908), Jeanne d’Arc au bûcher, de Arthur Honegger (1892-1955) -que se presentará junto con el poema lírico La damoiselle élue, de Claude Debussy (1862-1918)- y dos muy distintas obras de Benjamin Britten (1913-1976): Billy Budd y Gloriana. El estreno en España de dos clásicos de la producción operística latinoamericana enriquecerán el patrimonio del Real con el sabor y ardor de la música mestiza de Bomarzo -ópera del argentino Alberto Ginastera (1916-1983)- y la orquestación desvariada y tórrida de Yerma, de Heitor Villa-Lobos (1887-1949) del drama homónimo de Federico García Lorca.

Obras de vanguardia en los Teatros del Canal

El emperador de la Atlántida, del malogrado Viktor Ullmann (1898-1944), y su contemporánea Street Scene, de Kurt Weill (1900-1950), creadas ambas en 1943 por compositores judíos víctimas del horror nazi, reflejan distintos caminos expresivos de la ópera marcados por los desvaríos de la guerra: la primera fue escrita en el campo de concentración de Terezín y la segunda creada en el exilio neoyorquino como un rabioso alegato contra la injusticia, impregnado de ritmos afroamericanos y de la voluptuosidad de las melodías de Broadway.

El próximo año se retoma la colaboración con los Teatros del Canal, que se consolida como un espacio fundamental para la presentación de espectáculos de vanguardia integrados en la programación artística del Teatro Real. Durante esta temporada se presentarán las dos obras ya anunciadas -El caballero de la triste figura, de Tomás Marco (1930), y 2 Delirios sobre Shakespeare, de Alfredo Aracil (1954)- inspiradas en textos de Miguel de Cervantes y William Shakespeare, respectivamente, y unidas por la conmemoración del IV centenario de la muerte de ambos escritores, en 2016.

El mismo soplo de crítica social alienta la ópera Dead Man Walking, del compositor estadounidense Jake Heggie (1961), cuyo relato homónimo, de la hermana Helen Prejean, originó la oscarizada película Pena de muerte, de Tim Robbins, protagonizada por Susan Sa-

Otros interesantes espectáculos, de muy distinto cariz y perfil, utilizarán las salas polivalentes de los teatros dirigidos por Albert Boadella: Powder her Face, la primera y osada ópera del compositor londinense Thomas Adès (1971), carga con descaro contra la doble moral EMNMM - 9


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de la alta burguesía británica, en su condena a una duquesa libertina, envilecida por un escándalo sexual. La obra se estrenará en España después de su éxito en varios teatros europeos desde su sonada première en 1995. Wilde, del barcelonés Hector Parra (1976) y Le malentendu, del argentino Fabián Panisello (1963), también se estrenarán en España; mientras Picasso, de Juan José Colomer (con libreto de Albert Boadella) tendrá su estreno mundial auspiciado por el Real en el marco de la colaboración con los Teatros del Canal. El gran repertorio Alternando con estas y otras obras contemporáneas, se incorporarán a la historia del Real óperas de los siglos XVII y XVIII, como Giasone, de Francesco Cavalli (16021676), Rodelinda, de Georg Friedrich Händel (16851759), Catone in Utica, de Leonardo Vinci (1690-1730) y Lucio Silla, del joven Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Del genio salzburgués se ofrecerán también dos óperas concluidas el año de su muerte: La clemenza di Tito y La flauta mágica. Aparte de los títulos ya mencionados, el grueso de la programación estará conformado por óperas inmortales del siglo XIX, ofrecidas con lecturas, enfoques y perspectivas renovadoras, alentadas por la grandísima calidad de los directores de escena que trabajarán en el Real, entre los que destacan David Alden, Hugo de Ana, Calixto Bieito, Romeo Castelucci, Mariame Clément, Leonardo Foglia, John Fulljames, La Fura dels Baus, Mario Gas, Claus Guth, Kasper Holten, Thomas Houseago, Richard Jones, Davide Livermore, David McVicar, Laurent Pelly, Emilio Sagi, Peter Sellars, Robert Wilson, Gustavo Tambascio o Deborah Warner. A lo largo de los próximos tres años desfilarán por el escenario del Real I puritani y Norma, de Vincenzo Bellini (1801-1835), Lucia di Lammermoor y La favorite, de Gaetano Donizetti (1797-1848); La prohibición de amar, El holandés errante y Parsifal, de Richard Wagner (1813-1833); Macbeth, Aida y Otello, de Giuseppe Verdi (1813-1901); Faust, de Charles Gounod (18181893) y Carmen, de Georges Bizet (1838-1875) y, finalmente, tres títulos de Giacomo Puccini (1858-1924) 10 - EMNMM

que dan paso al siglo XX: La bohème, Madama Butterfly y la inacabada Turandot. Siguiendo el halo de las grandes voces que dieron fama y proyección internacional al Teatro Real desde su inauguración en 1850, estas óperas traerán a su escenario a los más importantes cantantes de la actualidad, como Ainhoa Arteta, Maria Agresta, Cecilia Bartoli, Piotr Beczala, Javier Camarena, Diana Damrau, Ildebrando d’Arcangelo, Joyce Di Donato, Michael Fabiano, René Fleming, Juan Diego Flórez, Plácido Domingo, Philippe Jaroussky, Ermonela Jaho, Ismael Jordi, Jonas Kaufmann, Simon Keenlyside, Gregory Kunde, Francesco Meli, Bejun Mehta, Liudmila Monastyrska, Olga Peretyatko, Franz-Josef Selig, Nina Stemme, Krassimira Stoyanova, Violeta Urmana, entre tantos otros. Estos grandes intérpretes, a los que se irán uniendo nuevos nombres en el trascurso de las conmemoraciones, actuarán junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, reconocidos por el rigor, profesionalismo y entrega de sus interpretaciones. Con ellos trabajará asiduamente el Director Musical del Teatro Real, Ivor Bolton y su Principal Director Invitado, Pablo Heras-Casado, seguidos por otros grandes directores, muchos de ellos especializados en un tipo de repertorio, como Roberto Abbado, David Afkham, Marco Armiliato, Semyon Bychkov, James Conlon, Pedro Halffter, Nicola Luisotti, Daniel Oren, Renato Palumbo, Evelino Pidò, Josep Pons, Marc Piollet, Christophe Rousset o Tim Murray. Esta diversidad de perfiles, adecuados a cada título, contribuirá a aumentar la alabada ductilidad de los cuerpos estables del Teatro Real, a los que se debe, sin duda, el creciente prestigio del Teatro. Finalmente, en esta programación conmemorativa se ha tenido en cuenta la historia pasada y reciente del Teatro Real, con guiños y homenajes a su memoria y a su púbico. Así, se presentarán La favorite -que inauguró su sala en 1850- y Aida, la ópera más representada en el Real durante el período previo a su reapertura. Con Parsifal, se hará un homenaje al primer director artístico del Teatro Real, Luis Antonio García Navarro (1941-2001), que se despidió con unas memorables in-


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terpretaciones de esta ópera en Marzo de 2001. Gerard Mortier (1943-2014) será recordado con una de sus producciones fetiche, que presentó en todos los teatros y festivales que dirigió: La clemenza di Tito, concebida por Ursel y Karl-Ernst Herrmann, cuya producción pertenece desde 2012 a los fondos del Teatro Real. Las reposiciones de Aida, dirigida por Hugo de Ana, Madama Butterfly, con puesta en escena de Mario Gas, y El gato con botas, de Xavier Montsalvatge (19122002), concebida por Emilio Sagi y Agatha Ruiz de la Prada, recuperan tres producciones propias del Teatro Real especialmente queridas por su público -adulto e infantil-, al que también se quiere rendir un homenaje con los fondos del Teatro. El Teatro Real internacional La gran mayoría de las obras programadas en los próximos tres años están coproducidas con los más prestigiosos teatros de ópera de Europa y de América, lo que refleja el excelente posicionamiento internacional del Teatro Real entre sus congéneres. Así, se han unido al Real algunos de los más representativos e influyentes teatros de ópera, destacando el vínculo especial con la Opéra national de París y la Royal Opera House de Londres, con las que hay firmados varios proyectos comunes. También hay importantes coproducciones con los teatros europeos English National Opera, Théâtre Royal de La Monnaie de Bruselas, Opernhaus Zürich, Komische Oper de Berlín, Oper Frankfurt, De Nationale Opera de Ámsterdam, Theater an der Wien, Opéra de Lyon, Kungliga Opera de Estocolmo, etc; con los teatros americanos Metropolitan Opera de Nueva York, Lyric Opera de Chicago, Canadian Opera Company de Toronto, Teatro Colón de Buenos Aires, Teatro Municipal de Santiago de Chile; y los teatros españoles Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia y Teatro Maestranza de Sevilla, entre otros. Muchas de estas producciones operísticas serán grabadas y/o retransmitidas en directo en la plataforma de ópera en streaming del Teatro Real www.palcodigital.com, en cines y se distribuirán en todo el mundo tanto en DVD

como en televisión o a través de diferentes ventanas digitales. Teatro abierto En el ámbito de las efemérides del Teatro Real, se reafirma su compromiso con la protección y difusión de su patrimonio, la rehabilitación de su memoria y, sobre todo, el propósito de abrir sus puertas a todos, intentado seducir a aquellos que todavía no han descubierto y vivido la emoción de la ópera. Las nuevas tecnologías permitirán retransmitir las óperas más populares del Teatro Real en cines de toda España y en pantallas instaladas en plazas, auditorios, polideportivos, museos o universidades con la complicidad de las instituciones culturales y municipales interesadas y con el apoyo de Hispasat, en el marco del convenio firmado el pasado mes de noviembre. Para el próximo año están previstas las retransmisiones en directo de I puritani, de Gaetano Donizetti, en cines de España y del resto del mundo y Otello, de Giuseppe Verdi, en plazas de todo el territorio español. A estas retransmisiones se unirán otros proyectos creativos, atractivos e interactivos, dentro y fuera del teatro, para estimular la participación activa del público en las propuestas artísticas del Teatro Real. Además, con independencia de la programación de sus temporadas, el Teatro Real abrirá su escenario a diferentes tipos de música -pop, rock, jazz, flamenco, etc- llenando su sala con nuevos públicos y estimulando el diálogo entre diferentes expresiones artísticas. En este marco proseguirá el ciclo de conciertos Universal Music Festival, que durante el mes de julio traerá al Real a artistas de reconocido prestigio nacional e internacional. Dentro de los proyectos impulsados por las celebraciones, se llevarán a cabo varias iniciativas para dar a conocer el Teatro Real, su historia, su vida y su repertorio.

www.teatro-real.com

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FITUR 2016

La trigésimosexta edición de la Feria Internacional de Turismo, FITUR, se celebrará del 20 al 24 de enero de 2016 en Madrid. El Certamen, que como es tradicional, inaugura el circuito internacional de citas del sector de los viajes, volverá a destacar por su capacidad como punto de encuentro privilegiado para la industria turística global y como herramienta de negocio para favorecer sinergias e impulsar acuerdos y contactos comerciales. IFEMA, institución organizadora de FITUR 2016, intensifica su edición con expectativas muy positivas, en la línea de los resultados de su última convocatoria, que marcaron un récord de participación en la trayectoria del Salón, constituyendo así el mejor punto de partida para la que será la primera gran cita del año con la industria turística mundial. Efectivamente, en FITUR 2015, que reunió la oferta turística de 9.419 empresas de 165 países, se registraron 222.551 visitantes, de los cuales 125.084 eran profesionales, con un incremento del 12% de visitantes profesionales internacionales. Así, la apuesta y confianza de las empresas turísticas y organismos oficiales en FITUR se ha desarrollado en sintonía al buen momento que atraviesa el turismo tanto a nivel global como específicamente, en España. En 12 - EMNMM

este sentido, según las previsiones de la OMT, España alcanzará los 68 millones de turistas internacionales en 2015, incrementándose un 6,2% los turistas extranjeros que nos visitan, lo que permite que nuestro país mantenga la tercera posición del mundo por el número de llegadas, y la segunda, por ingresos. Una de las claves que ha marcado la evolución de FITUR ha sido la capacidad que el Salón ha demostrado para reconocer las tendencias del mercado y reflejarlas en su oferta. Con esta premisa a lo largo de los últimos años se han incorporado a la Feria nuevas secciones monográficas, acorde a creciente segmentación del mercado y la aparición de nuevas oportunidades de negocio. Las últimas incorporaciones, FITUR SHOPPING y FITUR SALUD, que se pusieron en marcha con éxito en la pasada convocatoria –reuniendo las propuestas de 24 y 15 empresas, respectivamente- se espera consoliden una mayor participación en la siguiente edición, tanto de empresas como de público. En continuidad con esta línea, la Feria proporcionará un año más una zona expositiva diferenciada para FITUR LGBT, que celebra su sexta convocatoria. En este espacio estará localizada la particular oferta y demanda


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turística del segmento GAY-LGBT, un sector que representa en España 6.100 millones de ingresos, según LGBT Capital, y cuyo potencial de desarrollo y crecimiento ha ido en paralelo a la celebración de FITUR LGBT, que desde su primera edición ha experimentado un crecimiento del 300% de empresas participantes. En esta ocasión, además, tendrá protagonismo especial el segmento lesbian. Plataforma de negocio y networking El resto de secciones se muestran igualmente eficaces a la hora de ayudar a los profesionales del turismo a encontrar las claves para afrontar con éxito el reto de la innovación, la tecnología y la sostenibilidad en toda la cadena de valor del sector y de la gestión turística. En este sentido, FITUR KNOW HOW & EXPORT, promovido por FITUR y SEGITTUR, celebrará su cuarta edición con el objetivo de potenciar la proyección internacional del conocimiento y la gestión de las empresas turísticas españolas. Por otra parte, organizadas por el Instituto Tecnológico Hotelero, ITH, en colaboración con FITUR, destacan FITURTECH, que reunirá las últimas propuestas en el ámbito tecnológico, así como en el terreno de las aplicaciones turísticas, en una clara apuesta por el turismo de tercera generación, y FITURGREEN, con el apoyo de la OMT, que fomentará la sostenibilidad a través de medidas de ahorro energético y eficiencia en la gestión hotelera y turística. Igualmente, dado los buenos resultados de la pasada edición, -con más de 5.000 citas de negocio pre-establecidas en los encuentros B2B y 200 compradores internacionales-, el Salón acogerá el FITUR B2B Workshop Hosted Buyer. Con ello, los participantes dispondrán de una agenda de citas individualizadas y previamente programadas, que facilitará las posibilidades de intercambios y acuerdos comerciales entre las empresas participantes y la amplia selección de compradores internacionales invitados por la Organización.

ción para aquellas compañías españolas e internacionales interesadas en invertir en proyectos en el continente africano, desde la perspectiva de promover un modelo turístico sostenible que sirva como motor de desarrollo para esta región. En esta ocasión, además, FITUR, Casa África y la OMT, organizadoras del encuentro, cuentan con el apoyo de la Confederación Española de Agencias de Viajes, CEAV, que invitará a su red minorista y mayorista a participar en el foro, y así valorar las posibilidades de negocio en África, un área en pleno desarrollo turístico que el pasado año recibió a 56 millones de turistas y generó unos ingresos de 36.500 millones de dólares. Grandes encuentros del sector turístico FITUR continúa perfilando un intenso programa de jornadas y encuentros profesionales, que reunirá a expertos de turismo en las distintas materias, para analizar en profundidad la situación por la que atraviesa la industria turística y explorar nuevas posibilidades y espacios de negocio. Así, entre los eventos que se celebrarán en el marco de FITUR destacan, entre otros, el octavo Foro de Liderazgo Turístico organizado por EXCELTUR, que abordará el tema de las “Políticas innovadoras para conectar con el turista digital”; la XIX Conferencia Iberoamericana de Ministros y Empresarios de Turismo (CIMET); los actos convocados por la OMT, entre los que se encuentra la ceremonia de entrega de los XII Premios de la OMT a la Excelencia y la Innovación en el turismo, además del conjunto de foros de conocimiento e innovación vinculados a las diferentes secciones monográficas de la Feria. www.ifema.es

En FITUR 2016 volverán a celebrarse iniciativas de consolidada trayectoria como el Foro de Inversiones y Negocios Turísticos en África, INVESTOUR, que cumple su séptima edición como escenario de obligada participa-

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Pacífico. España y la aventura de la Mar del Sur en su interior entrevistas a historiadores especialistas en el Pacífico con algunas de las claves de los temas tratados a lo largo de la exposición. El descubrimiento de la Mar del Sur y otras rutas de vuelta La primera parte de la exposición introduce al visitante en el descubrimiento de la Mar del Sur, a través de una serie de piezas de culturas precolombinas de las áreas que fueron exploradas inicialmente, así como grabados y documentos relacionados con la empresa de Tierra Firme. Un facsímil que el visitante puede manipular, le ofrece un elenco de documentos que ilustran el interés de los españoles por conocer aquellas nuevas costas, reuniendo a Hernán Cortés, Francisco Pizarro, Vasco Núñez de Balboa y otros tantos exploradores.

El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, a través del Archivo General de Indias, y Acción Cultural Española (AC/E), han presentado en el Museo de América la exposición Pacífico. España y la aventura de la Mar del Sur que se centra en el descubrimiento y la exploración del Océano Pacífico para darlo a conocer en el Viejo Continentey el interés que despertó en los exploradores españoles el conocimiento de aquellas nuevas costas y el desarrollo de la navegación en el siglo XVI. La exposición, comisariada por Antonio Fernández Torres y Antonio Sánchez de Mora, pretende difundir el rico fondo documental sobre el Océano Pacífico contenido en los archivos estatales españoles, con el Archivo General de Indias de Sevilla a la cabeza, e invita al visitante a un viaje extraordinario por la transformación de este océano en una vía de comunicación para los pueblos. El montaje expositivo gira en torno a una gran escenografía central con imágenes ambientales de la navegación en el siglo XVI realizadas por aventureros españoles contemporáneos. Este ‘paisaje’, que acompaña al visitante a lo largo de toda la muestra, contiene

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La exposición continua adentrándose en su ámbito central: la exploración del Océano Pacífico. Facsímiles, mapas, modelos navales y una selección de piezas etnográficas de los Pueblos del Pacífico narran las aventuras y desventuras de los navegantes españoles en el océano Pacífico.La expedición capitaneada por Magallanes será la primera de una larga relación de empresas descubridoras, que convirtieron un espacio hasta entonces desconocido en un océano navegable. En unas pequeñas fichas que acompañan a los documentos, el visitante puede conocer los principales hitos de cada expedición, descubriendo cómo los imponderables; los temporales, el escorbuto, los motines y la inmensidad, convirtieron la exploración del Pacífico en una empresa humana de extrema dureza. Así lo atestiguan documentos y piezas destacables como el derrotero de Magallanes y Elcano, cartas entre Urdaneta y Felipe II, una maqueta de canoa de las islas Marshall o una máscara de Papúa Nueva Guinea. Abiertas las rutas de ida y vuelta a través del Pacífico y establecidos los primeros contactos con el mundo isleño, la exposición se detiene en el Galeón de Manila en una sección denominada De la estela al camino, el Pacífico puente entre continentes, en la que a través de dos faros que representan las ciudades de Manila y


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Acapulco, se analizarán las características y dificultades de la ruta y el comercio transoceánico que durante 250 años mantendrían unidos estos dos puertos. De las colecciones del Museo de América se presentan piezas procedentes de la India, Japón o Filipinas realizadas en plata, marfil y carey que ilustran la balanza comercial y el intercambio cultural entre dos continentes.

Museo Provincial de Huelva y el Archivo de Bogotá y, posteriormente, recibieron el relevo el Museo Nacional de Arqueología Subacuática de Cartagena e, internacionalmente, la Casa de Cultura Ecuatoriana de Quito (Ecuador). Valencia y Vigo participaron de este proyecto internacional de forma simultánea con la exhibición de Pacífico en el Centro Cultural de España en México D.F.

La exposición pone rumbo al Sur del Pacífico. La búsqueda de la Terra Australis, las Islas Salomón y el reconocimiento de la costa pacífica americana protagonizan la última parte de la exposición. Las fichas de los viajes se acompañan ahora de las curiosas armas indígenas elaboradas con dientes de tiburón de las Islas Gilbert o utensilios de pesca de Tierra de Fuego.

Tras un recorrido de dos años por ciudades de España, América y Asia, la exposición Pacífico.España y la aventura de la Mar del Sur abre sus puertas en el Museo de América de Madrid con un doble objetivo: despertar el interés del público general por la historia de España en el Océano Pacífico y divulgar el patrimonio documental y museístico del Pacífico hispano custodiado en los archivos y museos estatales.

La exposición Pacífico. España y la aventura de la Mar del Sur tiene la peculiaridad de haber sido diseñada con un doble montaje para ser expuesta en dos países de forma simultánea. Tras un avance en Trujillo (España), las primeras sedes fueron el Archivo General de Indias (Sevilla) y el Museo Nacional de Filipinas (Manila); el

Pacífico. España y la aventura de la Mar del Sur Museo de América Hasta el 13 de marzo

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Nueva expedición de Álvaro de Marichalar Álvaro de Marichalar, que es descendiente de Don Francisco Miguel de Marichalar, Gobernador de Panamá en 1671, superó dos tramos muy difíciles en mar abierto: Cruzando desde Florida a Cuba, 100 Millas (180Km) y navegando desde Cuba a México 120 Millas. Esto supuso navegar sin ver tierra y en riguroso solitario; siete y 12 horas respectivamente. Tras Panamá, prosiguió rumbo a Colombia para rendir homenaje a Blas de Lezo en Cartagena de Indias, con ocasión del 325 aniversario de su nacimiento. El homenaje a Don Blas de Lezo y Olavarrieta se realizó frente a su Monumento en el Castillo de San Felipe. El aventurero navega en pie, en solitario y sin barco de apoyo, a bordo de una pequeña embarcación de 3 metros de eslora (moto acuática). La embarcación se llama Numancia y cuenta con una autonomía es de 150 Millas Náuticas (270 Km.) gracias a los cuatro bidones suplementarios de combustible que transporta a bordo de su embarcación.

El navegante español Álvaro de Marichalar está conmemorando el Quinto Centenario del Descubrimiento europeo de Florida y del Océano Pacífico. Para ello navegó desde Puerto Rico a Florida reproduciendo exactamente la misma travesía que hiciera Juan Ponce de León en 1513 quien navegó desde Puerto Rico hasta San Agustín (Florida) descubriendo los actuales Estados Unidos de América, así como la Corriente del Golfo de México. Tras completar ese primer recorrido, el deportista navarro navegó desde Florida a Panamá donde rindió homenaje a Vasco Núñez de Balboa; descubridor europeo del Océano Pacífico en 1513. El homenaje se realizó frente al Monumento a Balboa en la Ciudad de Panama.

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Esta es la expedición número 40 del deportista, 12 veces récord del mundo de navegación, y Académico de la Real Academia de la Mar de España. La Expedición, ayuda a la ONG de Puerto Rico “HAITÍ SE PONE DE PIÉ” y a la Campaña End Polio Now. El objetivo ahora es acometer la Tercera etapa: Colombia - Puerto Rico, para ello zarpó el pasado día 12 de diciembre desde Cartagena de Indias hacia el norte de Colombia (recalando en Barranquilla). Ahora debe proseguir a Santa Marta; Río hacha; Cabo de la Vela (La Guajira). Desde las costas del Parque Nacional Macuira (Colombia) navegará rumbo a la Península de Paraguaná (Venezuela) cruzando el Golfo de Venezuela, para proseguir rumbo a Aruba, Curacao y Bonaire, desde donde seguirá a las islas Las Aves (Venezuela); Los Roques; Isla La Orchila; Isla La Blanquilla; Isla Los Testigos y desde ahí a Trinidad y Tobago, Granada, San Vicente y Las Granadinas, Barbados, Santa Lucia, Martinica, Dominica, Guadalupe, Montserrat, Antigua, Barbuda, San Cristobal (Saint Christopher and Nevis), San Bartolomé, San Martín, Anguila, Islas Vírgenes y Puerto Rico.


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Zonians, por Matías Costa

Matías Costa (Argentina, 1973) vuelve a interesarse en esta exposición por el territorio, la identidad y la memoria, temas recurrentes en su obra fotográfica. Con este cuerpo de trabajo, asume una investigación casi antropológica sobre una comunidad de personas que vivieron durante todo el Siglo XX en la Zona del Canal de Panamá. Hoy día algunos jóvenes Zonians están volviendo al hogar de su infancia en Panamá, un siglo después de la construcción de la arteria que unió dos océanos. Estas imágenes, tomadas entre 2011 y 2013 en el Canal de Panamá y Florida, siguen las huellas de los Zonians y los últimos momentos de su existencia como comunidad. Conocidos como Zonians, los estadounidenses que habitaron esta región selvática fueron despojados de sus privilegios en 1999, cuando su tierra dejó de ser territorio norteamericano. Así terminaba casi un siglo de existencia colonial en un espacio construido a medida, donde los Zonians vivían en una burbuja autosuficiente,

practicando una especie de socialismo sostenido por el gobierno más capitalista del mundo. Tras ayudar a Panamá a conseguir su independencia de Colombia a principios del Siglo XX, el gobierno norteamericano se aseguró los derechos a perpetuidad de una lengua de tierra de 16 km de ancho, a la que llamó la Zona del Canal de Panamá..Comenzó entonces la construcción de una de las obras de ingeniería más ambiciosas de la historia, convirtiendo la región en una zona estratégica para la política intervencionista estadounidense en Latinoamérica. Desde su partida, la Sociedad del Canal de Panamá organiza una convención anual en Florida para los antiguos habitantes de la Zona, que rememoran con nostalgia su paraíso perdido.

Del 21 enero 2016 - 27 febrero 2016 Centro de Arte Alcobendas www.centrodeartealcobendas.org

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MADRID DESDE EL AIRE _______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

Hay muchas formas de contemplar la ciudad de Madrid, la más habitual es paseando por sus calles y sus plazas pero hay otra forma muy diferente de disfrutar del horizonte urbano de la ciudad y es obserándola desde las alturas. Disfrutar la ciudad desde las alturas no es una tarea fácil, no siempre se tiene la oportunidad de subir a los edificios más altos del centro histórico para contemplarla, aunque existen algunos que son accesibles para el público que ofrecen unas espectaculares y curiosas postales del Madrid desde el aire. En este artículo mostraremos los cinco lugares que, posiblemente, ofrezcan las mejores vistas de Madrid y que son de acceso público, como son la famosa terraza del Círculo de Bellas Artes, el torreón de Ayuntamiento de Madrid, la cúpula de la catedral de La Almudena y las terrazas de los hoteles Santo Domingo y Vincci Capitol.

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| MADRID |


LA TERRAZA DEL CBA En el número 42 de la calle Alcalá se encuentra el Círculo de Bellas Artes, un magnífico edificio obra del arquitecto Antonio Palacios, construido entre 1919 y 1926. Se trata de un auténtico edificio multifuncional que acoge a una de las entidades culturales más importantes de Europa, el Círculo de Bellas Artes. Además del carácter cultural del edificio, el Círculo de Bellas Artes es un referente por sus fantásticas fiestas de Carnaval, las mejores de todo Madrid. Otro de sus atractivos está ubicado en su azotea, donde se realizan infinidad de actos culturales y lúdicos bajo la atenta mirada de la imponente Minerva. Este es uno de los lugares de fácil acceso más conocidos de Madrid por sus espectaculares vistas, que se magnifican en los atardeceres, ofreciendo una imagen fantástica de la ciudad.

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LA TERRAZA DEL AYUNTAMIENTO Otro de los edificios singulares de Madrid es el Ayuntamiento, el antiguo Palacio de Comunicaciones, también diseñado por Antonio Palacios y Joaquín Otamenti. Está ubicado en el número 50 de la calle Alcalá y es de fácil acceso para el público. El edificio, que es una maravilla arquitectónica, alberga desde el año 2011 el nuevo Ayuntamiento de Madrid y fue construido inicialmente para la creación de un centro que englobase todos los servicios de Correos y Telégrafos. Las obras comenzaron en 1907 y no fue inaugurado hasta el 14 de marzo de 1919. Este imponente edificio fue puesto de nuevo en valor, no sin polémica, con el anuncio en 2003 de su cambio de uso por el anterior alcalde de Madrid, Alberto Ruiz Gallardón. Fue así como el viejo Palacio de Comunicaciones pasó a ser el flamante Ayuntamiento de Madrid, tras un laborioso y muy costoso proceso de reformas. El edificio cuenta con un fantástico torreón cuya terraza es accesible para el público, desde ella se puede contemplar una fantástica panorámica de Madrid, sobre todo de uno de sus ejes más importantes; el Paseo de la Castellana y el Paseo de Recoletos, además de uno de los tramos más hermosos de la calle Alcalá y la entrada a la Gran Vía precedida por el icónico edificio Metrópolis.

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CÚPULA DE LA CATEDRAL DE LA ALMUDENA Sobre el Madrid Medieval se levanta la catedral de La Almudena, sede episcopal católica de la Archidiócesis de Madrid. Se trata de un templo de estilo neoclásico en su exterior, situado a pocos pasos del Patio de Armas del Palacio Real. Su construcción es relativamente reciente, pues aunque ya existía un templo en este lugar, no fue consagrado como catedral hasta el año 1993, siendo el papa Juan Pablo II quien en su cuarto viaje a España consagrase dicho templo, convirtiéndose en la única catedral española consagrada por un papa. La catedral cuenta con una imponente cúpula de fácil acceso que está custodiada por las esculturas de los doce apóstoles realizadas por el escultor Luis Sanguino. Con la compañía de los apóstoles, los visitantes que acceden al exterior de la cúpula pueden contemplar una de las imágenes panorámicas más inusuales de Madrid, pudiendo disfrutar de todo un horizonte de tejados de tejas rojas del viejo Madrid, salpicados por los torreones y chapiteles de las viejas iglesias, hasta el Madrid contemporáneo y, ya en la lontananza la serranía madrileña. El acceso a la cúpula está incluido en el precio de entrada al Museo Catedralicio, donde se pueden admirar numerosos objetos, documentos y maquetas de la catedral.

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TERRAZA DEL HOTEL SANTO DOMINGO Desde hace ya unos cuantos años, los hoteles madrileños han empezado a poner en valor sus azoteas, convirtiéndolas en estupendas terrazas para disfrutarlas sobre todo en las noches veraniegas de la ciudad, ofreciendo además servicios extras a sus clientes, como piscinas. Este es el caso del Hotel Santo Domingo, ubicado en la calle San Bernardo, junto a la plaza de Santo Domingo. Esta terraza ofrece unas vistas singulares de Madrid y en ella se encuentra el que fuera el jardín vertical más grande del mundo, título reconocido por el Record Guiness en 2011. Sin duda, un auténtico oasis en pleno centro de la ciudad. El jardín se encuentra en el patio interior del hotel y se proyectó con la idea de crear un ambiente único y original, además de proporcionar unas estupendas vistas a las habitaciones que dan al patio interior. Tiene una superficie de 844 m² y está realizado sobre una estructura de andamios, logrando un aspecto de jardín colgante, pues los míticos jardines colgantes de Babilonia fueron los que sirvieron de inspiración a la hora de realizar este jardín. Junto al jardín vertical se puede contemplar una fantástica vista del Madrid glamuroso de la Gran Vía y la Plaza de España. También del Madrid de los Austrias, cuajado de los pináculos y los chapiteles tan característicos de las iglesias de Madrid.

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TERRAZA DEL HOTEL VINCCI CAPITOL El Edificio Carrión, más conocido popularmente como el Edificio Capitol, por el nombre de la sala de cine situada en sus bajos, es uno de los edificios más emblemáticos del tercer tramo de la Gran Via. Su peculiar forma, que muchos comparan al mítico Edificio Flatiron de Nueva York, y su ya castizo luminoso de Schweppes, hacen que sea uno de los edificios más conocidos y queridos por los madrileños. El edificio fue promovido por Enrique Carrión, marques de Melin, y proyectado por los arquitectos Luis Martínez-Feduchi y Vicente Eced. Fue construido entre los años 1931 y 1933 y desde su inauguración, ha sido uno de los referentes arquitectónicos de la Gran Vía y todo un referente popular. Su azotea fue durante la Guerra Civil uno de los observatorios para la defensa de Madrid y hoy forma parte de los atractivos que ofrece el hotel de la cadena Vincci que, por su ubicación, hace que sea uno de los mejores lugares para contemplar la Gran Vía, así como el rico patrimonio escultórico de los edificios adyacentes que rara vez son contemplados por los madrileños.

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| MADRID COMUNIDAD |

NAVALCARNERO La Plaza de Segovia

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_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS Navalcarnero es un municipio situado a 27 kilómetros de la capital de España, en la llamada Zona Suroeste de la Comunidad de Madrid y es uno de los municipios madrileños que más se ha posicionado en los últimos años como destino turístico interior, potenciando dos de sus atractivos: su patrimonio arquitectónico y su estupenda gastronomía castellana. Son muchos los lugares que atraen al turista a Navalcarnero, pero quizás el más importante sea la histórica plaza de Segovia, centro neurálgico de la población, y epicentro de la vida social y cultural desde sus orígenes. La plaza de Segovia es una de las plazas mayores más hermosas de la Comunidad de Madrid. Es un espacio irregular, delimitado por toda una serie de casas asimétricas de arquitectura típicamente castellana, algunas con hermosas balconadas de madera y otras con curiosas fachadas de llamativos colores, todo ello en su conjunto la convierte en una joya de la arquitectura popular castellana, única en su género. A lo largo del tiempo la plaza ha sufrido numerosos cambios, sobre todo en su denominación. Originalmente fue llamada plaza Pública para después llamarse plaza Real, plaza de la Constitución, plaza del 14 de Abril y ya desde 1937 rebautizada como plaza de Segovia, nombre que ha conservado hasta la actualidad y que le viene dado por la vinculación que ha tenido este

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municipio desde sus orígenes con Segovia. Uno de los elementos más llamativos de esta plaza son los vistosos colores de algunas de sus casas, colores que fueron incluidos en la última reforma realizada en el año 2000. La elección de los colores fue realizada de forma casual, pues cuando comenzaron las obras de restauración, se descubrió que algunas casas tenían en sus fachadas restos de pintura de diferentes colores. Tras un minucioso estudio, se descubrió que, al menos hasta finales del siglo XVIII, algunas casas habían sido pintadas con colores llamativos y no con el tradicional color blanco, tan típico de las casas castellanas. Este hecho hizo que se modificase el proyecto original de restauración y se recuperase la totalidad de la plaza con los elementos y colores que tuvieron en el pasado. Esta gran labor restauradora se hizo merecedora del Premio Europa Nostra en 2001. En la actualidad la plaza de Segovia de Navalcarnero sigue siendo un espacio público y uno de los atractivos turísticos del municipio donde hoy como antaño, se celebran todo tipo de actividades culturales y festivas, además de ser uno de los mejores escenarios para disfrutar de una buena comida o de un café en alguno de sus establecimientos diseminados por los pórticos de la plaza. www.turismo-navalcarnero.com


LAS GAVIOTAS DE MADRID

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| MADRID NATURAL |

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______ TEXTO: ANTÓN PÉREZ | FOTOS: VERÓNICA LÓPEZ RODRÍGUEZ

Se hartaron de recordarnos Los Refrescos que a Madrid no llega el mar. Y no llegará, pero esto no impide que cada invierno los madrileños podamos compartir nuestras aventuras y desventuras con las aves que mejor lo representan: las gaviotas. “Pero ¿en Madrid hay gaviotas?” Sí las hay, y muchas, pues aunque mentalmente las asociemos con la playa y la costa, ni todas las gaviotas viven en el mar, ni las que lo hacen lo necesitan todo el año. Intentemos pues acercarnos en estas líneas a las que, de hecho, probablemente sean de las aves más abundantes de la Comunidad durante la mitad invernal del año.

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Tras la sorpresa por saber que se pueden ver gaviotas en Madrid, suele llegar la ocasionada al saber que las “gaviotas” no son todas iguales, sino que hay más de una especie; de hecho, bastantes más. Pero por simplificar, quedémonos con los nombres de las dos que, con muchísima diferencia, suman el grueso de las observables en Madrid: la gaviota sombría Larus fuscus y la reidora Larus ridibun-

dus. Ambas son fáciles de distinguir por el tamaño: de las dos, la sombría es la grande, mayor tamaño que viene además acompañado de una estructura, de una forma corporal, mucho más robusta. El color, por supuesto, también ayuda a distinguirlas, pero se complica un tanto por el hecho de que las gaviotas cambian de apariencia a medida que crecen: los pollos de ambas especies son básicamente marrones moteados, y a medida que crecen van adquiriendo el aspecto adulto merced a mudas sucesivas, empezando por las plumas del cuerpo, y siguiendo por las alas. Este proceso es mucho más rápido en la reidora, que con año y medio de vida ya luce el plumaje adulto, mientras que a la sombría le llevará aún tres años más.

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Las gaviotas reidoras adultas son blancas, con el dorso y alas gris claro, éstas con la punta blanca y el borde de fuga negro. Patas y pico son naranjas, éste con la punta oscura. El color de la cabeza varía mucho entre verano, cuando está cubierta por un capuchón color chocolate, e invierno (el aspecto normal cuando las vemos), cuando del capuchón únicamente queda una marca oscura tras el ojo. Las gaviotas sombrías adultas son de color blanco y dorso gris oscuro, tanto más oscuro cuanto más norteño y oriental es el origen de las aves, llegando casi hasta el negro. Negro con unas pocas motas blancas es el extremo de las alas, mientras que patas y pico son amarillos, éste con una mancha roja cerca de su extremo inferior.

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Gaviota reidora (Larus ridibundus)


Gaviota sombrĂ­a (Larus fuscus)


Muy bien, dos especies de gaviota. Pero ¿cuántas son, de dónde vienen y qué las trae por Madrid? La primera respuesta: son muchas. Aunque los números totales varían entre años, cada invierno nos visitan de media unas 100.000 gaviotas sombrías y 50.000 reidoras. Vienen mayormente del centro y el norte de Europa, donde crían sobre todo en zonas de matorral cercanas a la costa (las sombrías) y entre la vegetación de la orilla de grandes ríos y lagos (las reidoras). Y como tantos visitantes centroeuropeos, vienen buscando buen clima, tranquilidad y comida. Buen clima, porque aunque en invierno haga frío, éste es más llevadero que más al norte. Tranquilidad, la que le brindan los embalses de la Sierra (sobre todo el de Santillana) y graveras del sureste (en especial las de El Porcal), donde beben, se bañan y descansan cada noche. Y comida fácil y abundante, casi ilimitada: la que encuentran en los vertederos de la Comunidad, principalmente en el de Valdemingómez.

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La rutina habitual de las gaviotas en Madrid no es tan distinta de la de muchos madrileños de dos patas: dejan cada mañana sus embalses-dormitorio y, siguiendo el curso del Manzanares o el Jarama, vuelan hasta los vertederos para pasar el día comiendo, y volver a casa al caer la tarde. Vuelan en general en bandadas separadas por especies, y en pulcra formación en “V”. Muchas, sobre todo al caer la tarde, se detienen en su viaje en el Manzanares a su paso por la capital, en especial entre el puente de Segovia y el Vicente Calderón. Allí se las puede contemplar sin ninguna dificultad, e intentar además distinguir, entre las abundantes sombrías y reidoras, alguna gaviota de las otras ¡catorce! especies distintas citadas en la Comunidad, incluyendo varias que son divagantes americanas o de las regiones polares… No está nada mal, para no tener playa.

Para saber más, los siguientes blogs suelen ofrecer información actualizada sobre el número y especies de gaviotas presentes en Madrid:

Birding Madrid-Río (http://birdingmadrid-rio.blogspot.com.es) Madrid Gull Team (http://madrid-gull-team.blogspot.com.es)

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| LUGARES |

sílica del Sagrado Corazón Una joya del Art Déco en Bruselas


_______ TEXTO Y FOTOS: EMNMM La basílica del Sagrado Corazón de Bruselas se levanta majestuosa sobre una suave colina en el barrio de Koekelberg. Este gigantesco templo es la quinta iglesia más grande del mundo y el mayor edificio construido en el estilo Art Déco. La construcción de esta joya de la arquitectura europea se inició a principios del siglo XX para conmemorar el 75 aniversario de la independencia de Bélgica, siguiendo la idea del Sagrado Corazón de París. La primera piedra fue colocada en 1905 por el rey Leopoldo II, pero su construcción fue interrumpida por numerosos problemas técnicos, económicos y por el estallido de las dos guerras mundiales, acabándose en su totalidad en 1970. La construcción de la basílica fue financiada en parte con el dinero obtenido en el Congo, cuando este país africano era una colonia de Bélgica. El tiránico trato dado a los congoleños por parte del rey Leopoldo II y el expolio de los recursos naturales del país africano, han sido siempre motivo de polémica y en cierta medida esta basílica y otras construcciones de aquella época se han visto salpicadas por los terribles hechos acaecidos en el Congo. La fachada principal del templo destaca por los materiales de construcción, ladrillo y piedra caliza. Por sus dos torres circulares y por la imponente cúpula verde situada a 90 metros de altura, que cuenta en su base con un mirador a 58 metros de altura que es accesible para el público y que ofrece unas espectaculares vistas de la ciudad, siempre que no llueva, porque disfrutar de un día despejado y sin nubes es algo bastante raro en esta ciudad. El interior de la basílica es impresionante por su tamaño y por la combinación de elementos y materiales constructivos, donde predomina el mármol, creando una atmósfera mágica que, en ocasiones, recuerda a los decorados futuristas de la película Metrópolis de Fritz Lang. La basílica del Sagrado Corazón es en la actualidad uno de los reclamos turísticos de la ciudad de Bruselas, aunque su ubicación, algo alejada del centro de la ciudad, hacen de este templo uno de los rincones menos conocidos. www.basilicakoekelberg.be

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| PERSONAJES |

CARLOS VILLARÍAS El Drácula español


_______ POR EMNMM | ILUSTRACIÓN: JAIME DE LA TORRE

Carlos Villarías es un actor español nacido en

meros éxitos. Más tarde se traslada a Italia para

Córdoba un 7 de julio de 1892. Aunque su

probar fortuna, logrando grandes éxitos hasta

nombre ha sido prácticamente olvidado por

que, finalmente, decide marcharse a las Amé-

todos, su recuerdo se mantiene vivo gracias a

ricas, embarcando en el puerto de Génova junto

sus películas, especialmente la versión española

a los cientos de europeos que huían de la

de Drácula, rodada en 1931 en los mismos

empobrecida Europa.

estudios y con los mismos decorados que el Drácula interpretado por el mítico y siempre

Con muchas ilusiones y mucha incertidumbre

recordado Béla Lugosi.

en su maleta, Villarías pisa los Estados Unidos el 13 de marzo de 1915. No se conoce prácti-

Poco se sabe de la vida de este personaje, salvo

camente nada de cómo fueron sus primeros días

que era hijo de un militar y que, por esta con-

en esta aventura americana, salvo que logró

dición, pasó gran parte de su infancia y adoles-

aprender inglés con una dicción casi perfecta en

cencia en diferentes puntos de España, debido

muy poco tiempo, algo imprescindible para

a los continuos traslados de su familia.

forjarse un futuro en el mundo de la interpretación en aquel país. Sus primeras apariciones

Carlos Villarías, siempre se sintió atraído por

en los escenarios americanos llamaron la aten-

las Artes Escénicas, aunque decidió estudiar

ción de un empresario llamado Lou Tellegen

una carrera que le pudiese dar un futuro seguro

que se sorprende al verle actuar y le contrata

y sin muchos sobresaltos, formándose en la ca-

para la compañía que dirigía. En poco tiempo,

rrera de Derecho. Acabados sus estudios abrió

Carlos Villarías se hace un hueco importante

un bufete de abogados que pronto abandonó

en los escenarios americanos llegando a ser uno

para dedicarse a lo que realmente le hacía feliz,

de los fundadores del Teatro Español de Nueva

subirse a las tablas de los teatros.

York.

Al principio comenzó a trabajar en pequeñas

A mediados de los años veinte el cine mudo era

compañías musicales por España y poco tiempo

una de las atracciones más populares no sólo en

después decidió abandonar el país para insta-

América, también en todo el mundo y Carlos

larse en París, donde comenzó a tener sus pri-

Villarías quiso probar fortuna en el incipiente

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mundo del cine llegando a participar en varias

Muchos críticos de cine han manifestado que

películas, compartiendo escenas con mitos del

el Drácula de Carlos Villarías supera con creces

cine como el mismísimo Rodolfo Valentino.

en calidad interpretativa al de Béla Lugosi, aunque el reconocimiento mundial se lo llevó el

Años más tarde, la llegada del cine sonoro en

actor húngaro por el hecho de haber utilizado

los años treinta supuso toda una revolución en

la lengua inglesa. ¿Qué hubiera pasado si Car-

la industria del entretenimiento y Hollywood

los Villarías hubiese interpretado a Drácula en

se convirtió en una nueva mina de oro califor-

inglés? ¿Qué habría sido del mítico Lugosi?

niana a la que todo el mundo quería ir para con-

Son preguntas que nunca se podrán responder.

vertirse en una estrella. Las grandes productoras de cine se afanaban en producir películas no

Carlos Villarías trabajó hasta 1935 en los estu-

sólo para el público anglosajón, también para el

dios cinematográficos de Hollywood, después

público hispano, rodando las películas dos

se trasladó a México y regresó a España en

veces, una en inglés y otra en castellano. En

1949 donde continuó su carrera como actor de

algunos casos los propios actores hacían las

cine, utilizando en algunos casos otros nombres

dos versiones, surgiendo así el denominado

artísticos como el de Charles Villar o Carlos

“Hollywood Hispano” y abriendo las puertas de

Villar. Poco queda de su legado cinematográ-

la Meca del cine a infinidad de actores iberoa-

fico, la mayoría de sus películas han sido vícti-

mericanos deseosos de formar parte del estre-

mas del olvido, salvo Drácula que, tras haber

llato cinematográfico.

estado durante muchos años desaparecida, pudo ser recuperada y con ella, la memoria de

Carlos Villarías, que ya llevaba un tiempo ins-

este aventurero y magnífico actor español.

talado en California, tuvo la oportunidad de trabajar en una de estas producciones bilingües.

Carlos Villarías falleció en 1976 en su casa de

En 1931 firma un contrato con la productora

Los Ángeles y pocas veces ha sido reconocido

Universal para la versión hispana de la película

su trabajo, pese a ser uno de los grandes actores

Drácula, un calco de la interpretada por Béla

españoles. Sirva este artículo para rendirle

Lugosi y rodada en los mismos estudios y en los

nuestro humilde homenaje a esta estrella olvi-

mismos decorados. Mientras que Lugosi

dada del cine español.

rodaba por el día, por la noche lo hacía Villarías, uno en inglés y el otro en español,

Fuentes:

compartiendo el mismo guión, aunque no la

Hollywood Gothic David J. Skal

fama.

Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes

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| ARTE |

ERIKA HARRSCH EMNMM - 65


_______ POR EMNMM

Nacida en la ciudad de México, Erika Harrsch es una artista multidisciplinar que en 2001 quiso dar un cambio radical a su vida y a su producción artística, trasladándose a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente. Allí es donde su obra adquiere una identidad propia y donde encuentra mayor repercusión a nivel mundial. Las mariposas forman parte de su identidad artística y con ellas ha viajado por todo el mundo en numerosas exposiciones donde, además de poner de manifiesto sus grandes dotes artísticas, ha removido conciencias. Una de sus series artísticas más conocidas mundialmente es Imagos, donde, una vez más, las mariposas adquieren protagonismo, dotándolas de género e identidad gracias a la inclusión en las mismas de genitales femeninos. Esta serie también ha servido para denunciar prácticas aberrantes como la mutilación genital femenina que todavía hoy está presente en algunos países, generando alguna que otra controversia. Erika Harrsch es una artista fascinante con un universo personal y artístico fabuloso que hemos querido conocer en esta entrevista.

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Serie Imagos


Erika, desde muy joven has destacado por tu talento en las artes aunque se podría decir que tu estancia de Nueva York, ciudad en la que resides, ha sido determinante en tu obra, tanto por la repercusión como por la producción creativa. A nivel artístico, ¿cómo valoras esta experiencia en esta ciudad? La decisión de haber ido a vivir a Nueva York en el 2001 fue muy acertada y definitivamente determinante. Soy originaria de la ciudad de México y pintora de formación. Durante el primer año en NY estuve pintando en mi estudio, obra similar a lo que hacía antes en México, el proceso fue solitario y no me estaba llevando a ningún lugar. Decidí entonces dejar la pintura unos meses, trabajé con fotógrafos, continué con mi interés de conocer artistas de otras disciplinas, para absorber todo lo que hacían, conversar sobre ideas, conceptos y distintos procesos creativos. Los procesos daban forma a los proyectos y se iban densificando las ideas. De ahí empecé a hacer experimentos con video, fotografía e instalación, de esa experimentación, surgen mis primeros proyectos multidisciplinarios que se exhibieron inmediatamente en museos en México, Suecia y EUA. Durante tus primeros años en Nueva York trabajaste en la sección de entomología del Museo de Historia Natural, una absoluta fuente de inspiración para tus obras ¿no es así? En realidad no trabajé en el museo, colaboré independientemente con un científico entomólogo durante varios años. La mariposa ha sido esencial en mis proyectos y como en todo proceso creativo, hay trabajo dedicado, metodología e investigación, por ello decidí contactar a uno de los entomólogos mas importantes de ese momento en la ciudad de Nueva York, Eric Quinter, quien fuera por 25 años el encargado de la colección de lepidópteros del Museo de Historia Natural. Museo que cuenta con una de las más grandes colecciones de mariposas y polillas del mundo: mas de cinco millones de especímenes. Mi relación de investigación con el Dr. Quinter ha sido vital desde el primer día cuando me citó en su laboratorio en el museo. Me mostró parte de la colección y compartió aspectos y procesos de la práctica entomológica. Al inicio de nuestro encuentro se generó un vínculo importantísimo para ambos, gracias a un dibujo que hice para él y que le llevaba de regalo. Este dibujo con aspecto científico, representaba el genital de una mujer incorporado a las alas de una mariposa. Este dibujo fue parte del inicio de mi proyecto Imagos para abordar temas de género e identidad. Él me enseñó ilustraciones entomológicas de genitales disectados de mariposas. Los

entomólogos disectan el órgano genital de las mariposas, los observan a través del microscopio y a partir de esa observación, clasifican a los insectos. La morfología de los genitales disectados les permite generar hipótesis filogenéticas, es decir, las relaciones evolutivas entre diferentes especies de mariposas para su taxonomía. Fue entonces cuando establecí una justificación paralela de mi concepto en la serie Imagos con la entomología, “genital=identificación=identidad”. Durante los meses consecutivos y tras horas de conversaciones y prácticas de laboratorio, fui incorporando métodos de observación, análisis e investigación del entomólogo en mi propia práctica como artista en el estudio. Fui estableciendo analogías y paralelismos entre el mundo de las mariposas y el nuestro, entre planteamientos entomológicos y los míos artísticos. ¿Cuáles son las ideas que te inspiran? La identidad, el erotismo, la existencia, la libertad y la diversidad cultural. El ser artista visual te vuelve como una esponja en que absorbes todo y todo inspira, hasta lo aparentemente insignificante, después, a partir de la investigación, la experiencia personal y profesional, es cuando se procesa y se filtra toda esa información. Utilizas todo tipo de soportes para tu trabajo, dando la impresión de que todos y cada uno de ellos ha sido minuciosamente trabajado y seleccionado para la ocasión, aunque es en la instalación donde tus obras se magnifican y se apoderan del espectador. A la hora de crear un proyecto, ¿trabajas en él ya pensando en un formato concreto? Mi obra se ha ido definiendo como multidisciplinaria, utilizo una variedad de lenguajes para articular mis conceptos e intereses. La idea es la que va a dictarme la representación formal de los proyectos, las herramientas y el medio a utilizar serán los adecuados de acuerdo a cada obra en particular. Empleo disciplinas tradicionales así como nuevos medios y tecnología, actualizando constantemente algunos temas, que se van vinculando continuamente con proyectos previos. El estilo y aspecto formal de la obra es heterogéneo, la diversidad de lenguajes empleados, ha ido generando un trabajo híbrido que enlaza el goce de la experiencia visual e interactiva. Una amplia reflexión sobre el cuerpo y la identidad, el deseo, el espacio que nos define y el que anhelamos, las limitaciones y la libertad vertiginosa que conduce a una constante migración corporal e ideológica. Ser pintora ha sido esencial a lo largo de todos los años y esa esencia es visible en la factura de cada proyecto. Casi todos ellos se informan de mi pintura, sin embargo, siempre buscando un balance entre lo formal y lo concep-

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tual. Mi trabajo se filtra siempre desde la imagen, la representación del objeto, el espacio y el color, que brotan desde la experimentación y los procesos, articulándose posteriormente. ¿Qué importancia le das a la interacción del público con tus obras? Siempre me ha interesado la experiencia multisensorial e interdisciplinarias en las instalaciones, la participación del espectador y el componente lúdico como detonador para abordar temas serios; los medioambientales, socio-políticos, de sistemas de valores, condicionamientos económicos y migratorios. Desde el proceso de la experiencia provocar en una actitud analítica y comparativa sobre diferentes formas de percepción del objeto o del concepto. El público completa el significado de la pieza y decide la forma en que se integra en la obra de arte, muchas veces puede salir con una parte de la obra en sus manos como presa. Con los años me he topado alrededor del mundo con personas que conservan piezas obtenidas en las distintas instalaciones y me comentan a partir de ese momento los temas abordados en estas, tuvieron un significado distinto para ellos, que les cambió la suerte o la forma de percibirlos, que les generó curiosidad e investigaron a profundidad sobre los mismos tomando una mayor conciencia. Las mariposas son uno de los elementos que están presentes en gran parte de tu obra, en el proyecto Imagos te centras en este insecto dotándole de una identidad y un género con la inclusión de imágenes de genitales femeninos. Háblanos de este proyecto y de cómo surgió esta idea. En la serie Imagos, la mariposa es un eje visual poderosamente icónico que sirve como metáfora de la mujer. Fotografías donde vulvas de mujeres enmarcadas por las alas, sustituyen al cuerpo del insecto. Imagos propone una interpretación de las mujeres como objeto de deseo, concepto que involucra representaciones de sus cuerpos, sus afectos, sus experiencias psicológicas y sociales. Para las mujeres, la comprensión de su propio deseo, así como saberse deseadas, es un componente esencial en la constitución de su identidad y el desarrollo de su personalidad, la cual será una integración de su sexualidad y su psique. Los griegos antiguos representaban la psique (el alma y la mente) como una mariposa. Las fotografías de este proyecto son una nueva forma de retrato que revela y expone los rasgos más íntimos de estas mujeres, mientras que su fisonomía e identidad permanecen anónimos. Cada imago tiene por título el nombre científico de una mariposa. Imago en latín

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significa retrato, copia o imitación; es también un término psicológico para nombrar una imagen idealizada del otro (o del ser) y, en términos entomológicos, describe el estado final de un insecto después de su metamorfosis, con alas y en la plenitud de su vida sexual. ¿Cuál ha sido la parte más complicada de este proyecto? Sin duda conseguir a las mujeres modelos que quisieran dejarse fotografiar los genitales, tarde dos años en encontrar aproximadamente a 20 mujeres provenientes de los mismos países que los de las mariposas. Con este tema también has tratado la horrible práctica de la mutilación genital femenina, ¿cómo surgió la idea y qué ha supuesto para ti este trabajo? La serie incluye una mariposa de Nigeria que tiene sobrepuestos los genitales de una princesa nigeriana, a quien se le practicó una ablación del clítoris a los siete años como parte de un ritual de iniciación. Ella llegó a mi estudio y antes de la sesión fotográfica me confesó la práctica espantosa que sufrió cuando su propia madre y abuela le cortaron el clítoris. El haber sido fotografiada le generó una catarsis muy positiva y en sus propias palabras: “Ahora voy a tener alas en mis genitales, ahora podrán volar y ser libres”. En este momento el proyecto adquirió un nuevo significado siendo una representación poética de un tema


obscuro y tabú y poder abordar el tema de la identidad sexual con base en herencias culturales e ideológicas diversas. Esta serie ha recorrido diversos países con gran expectación por parte del público aunque también has tenido problemas como ocurrió en Siria. ¿Cómo valoras esta experiencia? El proyecto se ha enriquecido por la acumulación de información, investigación, citas, datos, reflexiones, anécdotas, conversaciones, situaciones vivenciales, consecuencias y las reacciones de las personas que han interactuado con la obra en los diferentes países donde se han presentado. Tanto Imagos como Eros-Thanatos han pasado por la tijera de la censura. Imagos solo en Siria y Eros-Thanatos dos veces en Estados Unidos. En octubre de 2010, durante el octavo Festival Internacional de Arte de Mujeres en Alepo, en Siria, la obra de Imagos fue censurada y confiscada. Oficiales de seguridad aparecieron de improviso para desmontar seis de las fotografías de gran formato (100 x 90 cm). Gracias a negociaciones cuidadosas con las autoridades y la policía secreta, recuperé las fotografías. La intención del festival era ser una plataforma para el diálogo abierto y la libertad de expresión, donde se pudieran plantear controversias sobre el género en la sociedad siria. Resulta paradójico que esta re-

acción extrema y de censura en contra de las Imagos, fuera iniciada por un grupo de mujeres que declaró: “Estamos avergonzadas de estas obras y debemos proteger a todas las mujeres de Alepo de esta vergüenza”. Los periódicos y blogs sirios mostraron imágenes de las mariposas con puntos rojos y negros cubriendo los genitales en medio de las alas. Durante meses, recibí insultos y amenazas por correo electrónico, aunque también elogios y agradecimientos. También las mariposas han sido las protagonistas en proyectos como Eros-Thanatos o Cash Cube. Llama la atención la capacidad de utilizar estos seres hermosos y frágiles como objeto de reflexión y de compromiso social, “denunciando” incluso los aspectos más duros de la vida ¿cómo es posible compaginar estas dos caras de una misma moneda manteniendo la belleza y la dureza en un mismo nivel? En cada proyecto la mariposa se ha ido transformando para abordar temas sobre la condición humana. Dicha transformación ha incorporado factores determinantes que dan forma a nuestra vida: genero, nacionalidad y circunstancias económicas. Evidentemente, estos condicionamientos determinantes tienen la posibilidad de transmutarse en relación a las decisiones y necesidades del individuo. Justo ahí, en esa posibilidad de transformación, es donde mi lenguaje encuentra terreno fértil y se expande. Las dimensiones humanas del ser racional, libre, individual, social, sexuado,


y trascendente, que conllevan a la posibilidad de experimentar libertad y empoderamiento. La mariposa es un símbolo para acceder a estas condiciones del ser, donde este se reconoce vulnerable, mutable, y que se adapta a las circunstancias. Eros-Thanatos es una recreación del santuario de las mariposas monarca en Michoacan (México). Representa el ciclo de la vida en la tierra, la creación, las fuerzas devastadoras de la naturaleza y de la civilización sobre el medio ambiente. Cash Cube apela a la circulación de capitales al juego, el concepto de fortuna y la ilusión de posesión. En el caso de esta obra, mil billetes de distintos países recortados en forma de mariposa, vuelan dentro de una cabina de aire y el espectador puede adentrarse en ella para atrapar el espécimen premiado. Los especímenes tan frágiles como preciados, preservados en un contenedor semejante a un mariposario, se convierten en objeto de deseo. El jugador es seducido por la posibilidad de acumular y atrapar el billete-espécimen ganador, convirtiéndose así en parte integral de la pieza, mientras el público lo contempla con placer. Si contemplamos toda tu obra, de una forma retrospectiva, da la impresión de que, en cierta medida, toda tu obra es un proceso que se retroalimenta y que, como las mariposas, parece renacer y transformarse en nuevos proyectos, cada vez más grandes y hermosos. ¿Crees que existe en tu obra un componente de retroalimentación? Definitivamente todos los proyectos están vinculados y cada uno ha inspirado, alimentado y dado vida al siguiente. Imagos dio vida a Eros-Thanatos, no podía hablar de mujeres y mariposas de tantos países sin tocar de fondo mi propia identidad como mexicana y a la mariposa monarca que se identifica con el territorio mexicano. Una vez en tierra de monarcas e investigar sobre el proceso migratorio de la especie, es imposible no vincularlo a mi propia experiencia como migrante. La mariposa monarca en su proceso migratorio recorre los territorios de Canada, EUA y México. Al hacer Eros-Thanatos me surgió la idea de hacer el pasaporte de los Estados Unidos de Norteamérica con la mariposa monarca como emblema de un continente norteamericano libre de fronteras. Dicho pasaporte como documento de identidad, inspira las mariposas de billetes como los euroespecímenes, cashcube, los cometas de dólares en forma de mariposas y así sucesivamente. Justo ahora terminé el proceso de casi un año de trabajo en mi libro, coedición de Conaculta y el Nevada Museum of Art. El libro es una revisión de 15 años de quehacer artístico en Nueva York, con 180 páginas, casi 300 imágenes, bilingüe,

con textos críticos, entrevistas y descripciones sobre cada proyecto. Ha sido un análisis profundo sobre cada proyecto, de como se recontextualiza y vincula el primer proyecto con el último incluido. Room 35 es un magnífico proyecto en el exploras casi todas las posibilidades artísticas, convirtiéndolo en un excelente proyecto sensorial. ¿Cómo surgió la idea y cómo fue el proceso creativo? Es un performance multidisciplinar que explora las posibilidades de la expresión artística por medio de imágenes en movimiento: instalación y música. Es el resultado de más de dos años de colaboración con la compositora Paola Prestini, la Violonchelista Maya Beiser y un equipo de casi veinte personas entre un director de escenario, un diseñador de vídeo y un ingeniero experto en tecnología, responsable del 60% de las pantallas LED en Times Square en NY. Concebí esta pieza como un collage escénico, para el cual elaboré 15 videos que establecen una narrativa no lineal y que seducen al espectador a sumergirse en una experiencia multisensorial. Imágenes en movimiento y colores que eclosionan como parte de esa narrativa en continua transformación, todo articulado estrechamente con los sonidos instrumentales. El escenario incluye videoanimaciones, elementos escultóricos y el Erika Harrsch LEDCello, un instrumento de alta tecnología que combina vídeo, luz y sonido. El proceso de creación de los vídeos fue sumamente complejo, combina dibujos, pinturas, fotografías, película y animación. ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente? Estoy trabajando en algunas instalaciones que abordan el complejo tema de la reforma migratoria en Estados Unidos. Uno de ellos es una instalación que recrea un centro de detención para menores indocumentados en la frontera de Mex-USA. Esta reflexiona sobre el Dream-Act, (Acto de Sueño) que es la legislación federal propuesta que ayudaría a los estudiantes trabajadores ilegales a realizar el sueño de legalizar su estatus migratorio. ¿Tienes programada próxima alguna exposición en España? Tenía una exposición en un museo en mayo del 2016 junto con cinco artistas mexicanos, pero, tristemente, se canceló debido a que era parte de la programación y proyecto del ex director/curador quien fuera destituido hace unos meses. www.erikaharrsch.com

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Serie Eros Thanatos


Room 35


Serie Euroespecimens


_______ POR EMNMM La fotógrafa Andrea Santolaya (Madrid, 1982) comenzó su formación artística estudiando Bellas Artes. Después estudió fotografía en la prestigiosa School of Visual Arts de Nueva York, ciudad donde desarrolló el proyecto Around, uno de sus primeros trabajos, una serie de retratos de boxeadores. Con este trabajo expuso por primera vez en Madrid de forma individual en Marlborouh Gallery. La fotografía de Andrea Santolaya se caracteriza por la atemporalidad, el uso del blanco y negro y la búsqueda psicológica con los personajes que ella retrata, pues considera imprescindible realizar todo un ejercicio de involucración con cada uno de los personajes que aparecen en sus trabajos. Destacados son sus trabajos realizados con los bailarines del Teatro Mijailozsky de San Petersburgo, las mujeres de la etnia warao y más recientemente el trabajo con los jugadores de rugby del Biarritz Olympique. También ha trabajado en otros proyectos como el largometraje El Honor de las Injurias (2007), dirigido por Carlos García-Alix, donde realizó el making off.

Foto: Álvaro Laiz 80 - EMNMM


| FOTOGRAFÍA |

ANDREA SANTOLAYA EMNMM - 81


Andrea, estudiaste Bellas Artes pero finalmente decidiste dedicarte a la fotografía, realizando un máster en la prestigiosa School of Visual Arts de Nueva York, donde no lo tuviste nada fácil y tuviste algún problema ¿no es así? Sí (risas) fue un problema fuerte, la verdad. Estaba en una escuela muy competitiva. Estuve durante dos años empeñada en hacer los trabajos a mi manera y poder dar forma a un trabajo interesante y personal. Trabajaba en blanco y negro, en película y los proyectos que quería desarrollar eran más documentales, más ligados a la fotografía europea que a lo que estaba de moda en Estados Unidos en ese momento, eso generó una falta de empatía con los profesores muy grande. Pero al final todo salió bien... Sí, al final me gradué, de hecho, en la tesina, cuando presenté mi trabajo al jurado, que el que me tocó era muy complejo, de toda mi promoción fui la única que aprobé. Una de las cosas que llaman la atención de tu trabajo es que siempre utilizas el blanco y negro. ¿Por qué? Bueno, la atemporalidad es quizás una de las virtudes del blanco y negro, digamos que no te posiciona en una época determinada pero, más que la atemporalidad, me gusta esta parte “histórica” y esa parte figurativa que te obliga a fijarte en las formas que da el blanco y negro. Trabajo muy bien en blanco y negro, digamos que uno de los sellos que definen el trabajo de cada fotógrafo es el uso del color o el blanco y negro, por ejemplo, cuando trabajo en color creo que no logro expresarme de la misma manera que con el blanco y negro. También puede que sea parte de la influencia que he tenido de grandes fotógrafos como Alberto García-Alix, al que quiero mucho porque me ha enseñado a muchos maestros, sin embargo, adoro la fotografía en color. También utilizas mucho la película fotográfica ¿no utilizas el formato digital? Utilizo los dos, pero el digital muy poco, prefiero usar la película, aunque ello supone mucho más trabajo y ver el resultado es menos inmediato. Respecto a la luz, ¿siempre utilizas luz natural? Normalmente trabajo sola, no cuento con asistentes e intento que siempre sea con luz natural, a veces utilizo algún reflector para llenar un poco de luz determina-

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das escenas pero sí, prefiero utilizar siempre la luz natural. ¿Cómo te planteas el desarrollo de cada proyecto? Lo principal es tener una idea, buscar la forma de desarrollarla y poder entrar, en la vida, la comunidad o en el lugar concreto donde quiero trabajar. Alguna vez has dicho que para poder fotografiar necesitas involucrarte de alguna manera con el personaje que vas a retratar, háblanos de ello. Lo que intento con mi fotografía no es dar una imagen que se quede sólo en lo superficial, si no consigo tener una relajación interior, conociendo a una persona para poder retratarla de una determinada manera, como que no consigo llegar a ese clímax, es la manera que tengo de entender las cosas. Por ejemplo, hace tiempo estuve realizando un trabajo con boxeadores en Nueva York, estuve boxeando con ellos, bajo esa experiencia el trato ya era muy diferente, quise mostrar a los boxeadores de una manera diferente a lo habitual, buscando la parte psicológica, sin la típica pose de boxeador con los puños en alto y eso era algo que resultaba difícil para los personajes porque se sentían como desnudos con los puños bajados y no en posición de combate o de defensa. ¿Boxeaste con ellos? Sí, no tengo mucha facilidad con los puños (risas) pero la verdad es que me movía muy bien. Es que es un deporte que lo echo mucho de menos, porque estoy en España, pero si viviese en Nueva York me apuntaba otra vez al gimnasio, sólo por el hecho de coger el gancho. El gimnasio donde trabajaste es el mismo que el de la película Million dollar baby ¿no es así? No, es el Gleason’s Gym, allí fue donde entrenó la protagonista de la película y es el gimnasio más antiguo de Estados unidos. Esta serie fotográfica tiene un aire muy cinematográfico, ¿cómo te planteaste este proyecto? Me basé mucho en el cine y en la literatura, un trabajo distinto no podía ser porque no había nada distinto, son imágenes que todos, de alguna manera, ya las tenemos en mente. Mi preocupación no era mostrar algo que ya haya visto, sino mostrarlo a mi manera, desde un punto de vista muy personal. Quedé muy contenta porque pude hacer un proyecto con una firma.


Serie Waniku. Donde retumba el agua. Alkaid (Ursae Majoris) Dia Medina


Serie XV+I. Biarritz Olympique Tanguy Molcard


Después de este proyecto vino Prelude, un fantástico trabajo con bailarines del Teatro Mijailozsky de San Petersburgo, que en cierta medida guarda algo de relación con el boxeo. Háblanos de este trabajo. Sí, en cierta medida es una coreografía, de hecho, el trabajo del ballet fue justo después del que realicé con el boxeo, fue como una continuación. Toda la serie está basada en el poema Prelude, que es el comienzo del poema de Mallarmé que, con la Siesta del fauno, digamos que fue la ruptura entre el ballet clásico y el contemporáneo. Entré en este teatro gracias a la invitación de Nacho Duato, que estaba dirigiendo e introduciendo lo contemporáneo dentro de lo que es la cuna del ballet ruso en Teatro Mijailovski de San Petersburgo. A mí me interesó mucho este proyecto, no tanto retratar al bailarín dentro del estereotipo de lo que es un bailarín, sino escindirle de lo que es la figura de un bailarín y centrarme en el retrato, en el exceso de maquillaje, el dolor, el cansancio y centrándome en los momentos previos a la entrada en escena y los posteriores, que son uno de los momentos psicológicos más interesantes que me parecía captar. ¿Cómo fue tu día a día con los bailarines? Estuve casi tres meses viviendo en el teatro, compartiendo habitación con una solista y compartiendo absolutamente todo con ella. Creo que esa convivencia era la única manera posible para romper con el estereotipo. También es cierto que me gusta mucho la danza, he bailado, aunque no con mucha facilidad (risas) digamos que tengo el gusto por la danza y por todo lo que genera y eso me ayudó bastante a la hora de realizar el proyecto. ¿Qué fue lo que más te atrajo? Con el trabajo del ballet me pareció interesante anclarlo en una época postsoviética. El Lago de los Cisnes, que es una obra que a mí me gusta mucho, según me dijeron los bailarines, a ellos les recordaba a una época muy mala de Rusia, porque era una de las obras que ponían constantemente en televisión, digamos que para no mostrar lo que realmente estaba pasando en el país, por eso era interesante entender el mensaje desde ellos, los bailarines. Perteneces a la plataforma Anhua, junto a otros grandes fotógrafos. Con esta plataforma realizaste el proyecto Waniku en el Amazonas, háblanos de este proyecto.

En Anhua somos cuatro fotógrafos que desarrollamos varios proyectos, uno de ellos lo hice con Álvaro Laiz en el Amazonas, él hizo Wonderland, que era sobre indígenas transgénero y yo estuve haciendo durante casi tres meses una serie sobre mujeres warao, una etnia venezolana. Más que documentar su día a día, quise involucrarme más y basarme en la mitología warao para recrear la creación de su mundo y de cómo llegaron allí. Las mujeres warao llevan una curiosa vestimenta que fue traída por los monjes capuchinos y que ellas han adoptado como parte de su indumentaria, esta etnia se la conoce como la “gente del agua”. En el proyecto fotográfico aparecen siete mujeres y cada una tiene el nombre de una de las estrellas que conforman la Osa Mayor. Cuenta la tradición warao que ellos vivían por encima de las nubes y que había un indígena, que se llamaba Brazo Fuerte, que tiró una flecha intentando cazar un pájaro, erró, no le dio al pájaro pero hizo un agujero en las nubes, se asomaron por el agujero y vieron aquella zona apartada del mundo donde viven. Por este agujero fueron bajando todos, uno a uno, a excepción de una mujer que se quedó atrapada por el muslo y allí se quedó eternamente vigilando a los que bajaban a la tierra en forma de constelación. A través de ese mito hice siete estrellas, representadas por siete mujeres con sus trajes capuchinos dentro del entorno que es el agua. ¿Cómo descubriste esta historia? Leyendo mucho sobre mitología warao y también gracias a una antropóloga que me facilitó mucha información sobre esta etnia. ¿Fue fácil trabajar con las mujeres warao? Fue complejo porque, de alguna manera, estás recreando una idea. Los warao, aunque viven sobre el agua, en palafitos etc, lo que más me costó de ellas es que se metiera la primera en el agua, eso sí, una vez que se metió la primera todas quisieron meterse en el agua. También había una parte de trueque, nos llevamos una pequeña impresora, quería hacerles partícipes de alguna manera entregándoles su propia foto a cada una de ellas. El último proyecto en el que has estado trabajando ha sido con el equipo de rugby del Biarritz Olympique, háblanos de este trabajo y de cómo surgió la idea. No es un proyecto sobre deporte, tampoco es un proyecto sobre el día a día de un equipo, es un proyecto

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sobre un equipo centenario que llegaron en 2007 y 2008 a las finales y que fue el equipo de oro, la élite. Llegaron a un momento en el que han tenido que bajar a segunda y el equipo se ha desmembrado completamente, sigue existiendo pero ahora ya son otros jugadores. El equipo era como una familia muy unida que por circunstancias se han separado. La idea surgió porque, además de que me gusta el rugby, es un deporte fuerte, muy intelectual y el Biarritz Olympique son un equipo muy entrañable. Me pareció interesante el poder acceder a ellos y poder retratar su último trimestre de su época de oro, justo cuando el equipo cumplía cien años. En este caso, ¿qué es lo que intentabas captar de los jugadores? Intenté buscar una imagen arquetípica, como la de un guerrero que remonta, el de un grupo, un equipo que se desmembra para poder seguir adelante. Me parecía muy interesante la danza dentro de lo que es el deporte, siempre intentando acceder a los momentos más íntimos y a los que normalmente no se puede acceder, como es antes de salir a jugar, en los descansos, en el momento en el que se encuentran en el estado mental de unión. ¿Cómo fue trabajar con ellos? ¿se sentían intimidados por la cámara? Estuve tres meses con ellos y eso crea un vínculo de confianza en el que los personajes se acostumbran y posan sin sentirse forzados y con naturalidad. Además de los personajes, el entorno juega un papel importante en la fotografía, ¿cuáles son tus intereses? Cuando hago una serie de retrato me gusta utilizar una especie de lienzo distinto, por ejemplo, con el boxeo utilicé una de las paredes del gimnasio, en la serie warao el agua, que es su medio vital. En el caso de la serie de ballet, el lienzo utilizado allí fue la residencia de los bailarines y en el caso del equipo de rugby utilicé el antiguo estadio. ¿Cuando podremos disfrutar de esta exposición? Será en abril y se hará en el Instituto Francés de Madrid, un marco ideal para esta exposición que, además, tengo la suerte de contar con un texto escrito por Carlos García-Alix. ¿Tienes algún nuevo proyecto en marcha? Sí, será fuera de España, un poco lejos, lo tengo todo organizado y empezaré en primavera. No quiero decir mucho todavía porque faltan cabos por atar pero va en linea con los temas que suelo tocar en mi fotografía. www.andreasantolaya.com

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ParaĂ­so perdido


Serie Prelude. El Ballet Mikhailovsky Dasha y Evgencia. Giselle


Serie Prelude. El Ballet Mikhailovsky En el Lago de los Cisnes


Con motivo del estreno de En el coraz贸n del mar, drama que cuenta la historia real que inspir贸 Moby Dick el pasado 4 de diciembre, Es Madrid No Madriz Magazine tuvo la oportunidad de entrevistar a dos de sus protagonistas: Chris Hemsworth y Tom Holland. Por Pilar Sarro


| CINE Y TV |

EN EL CORAZÓN DEL MAR

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CHRIS HEMSWORTH Esperando en una de las salas de un céntrico hotel de lujo de Madrid, lo primero que llama la atención de Chris Hemsworth cuando entra es su presencia: 1,90 metros de altura que imponen fácilmente debido a la seguridad que emana. Su humildad y educación hacen que la entrevista sea una charla distendida que no quieres que termine y que en realidad, ha pasado en un suspiro. En la película, Chris Hemsworth deja a un lado a Thor y se convierte en Owen Chase, un primer oficial que experimenta un gran cambio físico y emocional. Todo un reto.

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¿Chris, qué es lo que más te llamó la atención cuando leíste el guión de En el corazón del mar? Me gustó muchísimo que fuera una historia épica, una aventura en el mar con un drama central. Los personajes, las relaciones entre ellos, su lucha por la supervivencia y las transformaciones físicas y psicológicas que todo eso conlleva. Es tu segunda vez con Ron Howard ¿Por qué has repetido y qué es lo que más destacarías de trabajar con él? Tuvimos una gran experiencia en Rush. Me parece un director muy colaborador, no tiene un gran ego y está abierto a sugerencias de todo el mundo. Creo que todos los actores en el rodaje estábamos muy agradecidos por esta actitud. Saca lo mejor de cada personaje y a la vez asume riesgos para llegar a sitios donde no llegan otros directores. Estás acostumbrado a interpretar a Thor, un superhéroe, y ahora interpretas a Owen Chase, un superhéroe real, sobreviviendo en medio del mar, ¿qué ha supuesto para ti ese cambio de un superhéroe ficticio a uno real? No es tan difícil hacerlo creíble. No está tan basado en los efectos especiales aunque sí que tiene algunos, pero la cinta está basada en una historia real, lo cual resulta un cambio para mí también. Pero ésta vez, tenía que interpretar a un personaje real, introducirme en las relaciones más íntimas con el resto de personajes y eso es algo muy satisfactorio para mí, buscar esa profundidad en el personaje. Me encanta la experiencia de Thor y no puedo decir nada en contra de ella, pero es más satisfactorio para mí hacer este tipo de experiencias, donde puedo ahondar un poco más en el personaje y en sus relaciones. Owen Chase es un personaje muy complejo por el cambio físico y emocional que experimenta. ¿Qué has dejado tú en el personaje?

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En todos los personajes buscas identificarte de alguna manera, meterte en su piel y ver cómo actuarías en las distintas situaciones a las que se enfrenta, por supuesto, con los límites del guión. En lo que me relaciono con el personaje de Owen Chase, o creo que he dejado mi huella como persona, es en el impulso que le da volver a ver a su familia para sobrevivir. Es algo con lo que me puedo identificar perfectamente, porque no hay otra cosa que te impulse más a salir de algo que la ilusión de volver a ver a tu familia. El resto de cosas del personaje, era algo que intentaba visualizar, pero con lo que no me siento identificado. Éste ha sido tu papel más dramático hasta la fecha. ¿Crees que es una buena oportunidad para que en el futuro te den más papeles como éste y no sólo como superhéroe? ¡Por supuesto! Espero que todo lo que haga en la vida me abra puertas y si es el caso aquí, bienvenido sea. Como actor quiero explorar y me gustaría no repetir mucho el mismo género porque puedes caer en el riesgo de aburrirte. Me gustaría, la verdad, que me dieran también papeles más dramáticos. En el corazón del mar, tu personaje tiene que sufrir diversas circunstancias extremas. ¿Crees que estas circunstancias pueden sacar lo mejor y lo peor del ser humano? Sí, creo que definitivamente lo hace. La desesperación por sobrevivir hace emerger la verdad sobre cada uno, aparecen los auténticos héroes y los auténticos villanos. En situaciones así se reducen las emociones más básicas. La película está basada en el hecho real que inspiró a Herman Melville a escribir Moby Dick. ¿Con qué material documental trabajaste? Leí En el corazón del mar, la obra donde aparecen los sucesos reales que inspiraron a Herman Melville. También leí algún libro sobre


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ballenas, sobre la época, pero la que realmente fue mi Biblia fue la obra de Nathaniel Philbrick, que la utilizaba constantemente como guía, la diseccionaba para trabajar con el personaje y poder hacer sugerencias sobre él durante el rodaje. Tus últimos personajes han sido sobre todo, personajes físicos. ¿Te gustaría hacer papeles menos físicos y más emocionales? Para mí, de alguna forma, a la hora de interpretar la personalidad de un personaje, su físico acompaña mucho también. En este personaje no sentí tanto el hecho de ser fuerte porque hay un momento en la película en el que es todo lo contrario, esta delgadísimo y pierde toda su fuerza y este hecho también ayuda a transmitir lo que es el personaje. ¡Hasta que no me vuelva a poner todos los kilos no me siento como Thor! La preparación física ayuda mucho para mis personajes. Cuando alguien menciona cualquier cosa sobre adelgazamientos no quiero saber nada pero si me gustaría que me propusieran papeles en los que no me exijan tanto físicamente. ¿Cómo ha sido la experiencia de rodar en un barco? ¿Te parecías al personaje de Tom Holland los primeros días? Es agotador. No vomité pero tenía miedo porque en el pasado sí me había mareado muchísimo y no me parecía que mi personaje, que era el líder del barco, fuera a quedar muy bien si estaba vomitando por todas las esquinas. Lo que trataba de hacer era mirar al horizonte y tomar pastillas para el mareo y así conseguí no sentirme demasiado mal. Pero cuando llegaba a casa y me acostaba seguía teniendo la sensación de estar en el barco. ¿Crees que ha sido el rodaje más difícil en el que has estado? Ha sido un rodaje muy duro pero no por el tema de los mareos y del barco. Eso fue lo más

fácil, sino por la falta de comida, por los largos días de rodaje en el mar, con tormentas y muchas escenas de acción. Era un reto muy grande tanto física como emocionalmente. También nos teníamos que hacer preguntas muy difíciles para interpretar nuestros personajes. Lo mejor de todo fue la camaradería que había entre todos porque habíamos vivido la misma situación, la misma dieta… Lo mejor al final del rodaje fue poder comer. Después de todo lo que has tenido que aprender para sobrevivir en el mar durante el rodaje, ¿podrías sobrevivir ahora mismo si estuvieses en medio del mar? En cada película adquieres una gran cantidad de conocimientos, los aplicas, pero luego te deshaces de ellos para que vengan los siguientes. No almacenas toda la información. Puede que en la película parezca que sabía lo que estaba haciendo, pero en realidad no tenía ni idea (risas). En esta película se tratan dos temas: la diferencia de clases del siglo XIX y la conservación de la naturaleza. ¿Cuál te llamó más la atención a la hora de interpretar un personaje que los defiende? Ambos me sirvieron. Parecen casi como dos personajes y dos películas distintas. Veo una gran diferencia entre la primera y la segunda parte de la película. Al principio, Owen Chase está un poco avergonzado por su pasado y busca reconocimiento y respeto. En la segunda mitad de la película se da cuenta de que esto no sirve ni importa en absoluto. Es importante el momento en el que él comprende que la criatura a la que se enfrenta no es más que un ser vivo que trata de sobrevivir y el instante en el que comprende que lo más importante para él es volver a ver a su familia es lo que le hace replantearse todo.

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TOM HOLLAND Si hay dos palabras que puedan describir a Tom Holland es su cercanía y su agradecimiento por poder rodar y hacer lo que más le apasiona. Relajado, con tablas a pesar de su juventud y con los pies en la tierra. Este actor de 19 años ha rodado dos taquillazos como son Lo Imposible y En el corazón del mar y es el elegido para interpretar a Spiderman en la próxima cinta del superhéroe arácnido. Tom Holland ha llegado al panorama cinematográfico pisando muy fuerte y con la firme intención de quedarse.

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El rodaje de En el corazón del mar fue especialmente duro, ¿podrías contarnos alguna anécdota? Sí, por supuesto. Fue un rodaje realmente duro, ya que estábamos contando una historia inspirada en personas reales. Lo más duro fueron las escenas en alta mar en las que pasamos muchísima hambre. Evidentemente, la única forma de superar eso es comiendo y a nosotros no nos permitían comer. Elegían a una persona a la que le daban almendras, y si ese día te tocaba a ti, te sentías como el rey del castillo. Una escena muy difícil fue cuando me introducen en la cabeza del cachalote. ¡Además, la tuvimos que repetir! Es tu primera experiencia con Ron Howard ¿cómo ha sido rodar con él? Fue un privilegio. Imagínate lo que es para un chico de 16 años tener la oportunidad de rodar con Ron Howard. No he podido tener mejor profesor. Es una persona a la que el éxito no le ha afectado en el sentido de que no tiene un gran ego, siempre se muestra cercana y entusiasta. Tiene verdadera pasión por lo que hace y es algo muy bonito de presenciar. Es un tipo tranquilo en el que puedes confiar, nunca se estresa y cuando hay un problema sabe esquivarlo. Es una persona tremendamente preparada. ¿Qué has sacado de la experiencia de rodar En el corazón del mar? ¿Rodarla ha sido un sueño hecho realidad? Ha sido una gran oportunidad trabajar con Ron Howard en esta historia tan magnífica con un reparto tan estupendo. Es el sueño de un chaval de 16 años. Yo era nuevo en esta industria y estamos hablando de una película grande, de mucha dimensión. Es mi primera película en estudio y trabajar con Ron, con Chris, con Cillian que me han acompañado durante todo el camino ha sido fantástico.

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¿Qué es lo que más te llamó la atención de tu personaje cuando leíste el guión? Es un personaje muy valiente. Cuando haya acabado mi carrera como actor, recordaré este personaje como el más valiente de los que he interpretado. Lo que más me llamó la atención fue su instinto de supervivencia, no tiene a nadie por quién sobrevivir como Owen Chase, que tiene a su mujer. Él no tiene a nadie en casa y sin embargo, tiene ese instinto tan fuerte por sobrevivir. Luego ha sido muy bonito la unión entre mi personaje y su representación en la edad más adulta, interpretado por Brendan Gleeson, en la que vemos que es una persona que todavía no se ha curado porque no ha conseguido superar esa travesía tan dura. Cuando le cuenta la historia a Melville, comienza a superarlo, a pasar esa barrera y a lidiar con ella. Has empezado a tener éxito muy joven, serás el próximo Spiderman ¿Cómo gestionas la fama? Tengo a mis amigos y a mi familia que no me pasan ni una. En casa lavo los platos, recojo mi cuarto, paseo al perro… no soy el actor sino el mayor de los hermanos. Ellos hacen que tenga los pies en la tierra. Ahora todo suena muy glamouroso: los viajes, el jet, la ropa bonita… pero en casa soy yo y ellos me permiten seguir con los pies en la tierra. Tienes la experiencia de rodar en un escenario virtual y en uno real. ¿Qué es más difícil? En realidad ambas cosas. Cada una tiene sus desafíos. Rodar en un gran tanque de agua es agotador, las escenas de la tormenta, la caza de la ballena pero trabajar en el mar, en un set real, pasando muchísima hambre quizás fue más duro. Al fin y al cabo pasábamos entre 12 y 15 horas subidos al barco, sin comer, bajo un sol abrasador. En realidad, hemos sufrido una mínima parte de lo que sufrieron los personajes reales. Fue más duro el rodaje de las escenas en el mar.

Foto


o: Pipo Fernรกndez


Foto: Pipo Fernรกndez


¿Cómo preparaste tu personaje? Fuimos a una escuela de vela para aprender a navegar. También aprendimos a remar y a atar cabos. Ron siempre quiere hacer películas que parezcan muy reales y autenticas, no quería que pareciéramos tontos en un barco. No podríamos gobernar un barco pero sí que podemos aparentar que sabemos hacerlo. Nos preparamos mucho físicamente y también documentándonos, leyendo mucho para abrir la mente y ser capaces de imaginar o concebir lo que ellos padecieron. Cuéntanos un poco del ambiente fuera del rodaje ya que tú eras el novato entre tanto actor con mucha carrera por detrás. ¿Te gastaban bromas? En realidad un poquito de miedo sí sentía, era muy desafiante. Yo era el más joven, no de un grupo pequeño de actores sino de unos 20 actores, y tenía la motivación de no parecer el más joven del grupo. Era yo el que les hacía muchas bromas. Teníamos una broma tonta en el equipo que era el ir dándonos sustos los unos a los otros en los trailers. Ellos fueron muy amables conmigo, me dieron muchos consejos. Cuando estás en una situación así lo que tienes que hacer es mirar y aprender, solamente viéndoles trabajar, aprendes, y me siento muy agradecido. En la película eres un novato que admira al primer oficial, interpretado por Chris Hemsworth. ¿Se puede extrapolar a la vida real tu admiración por él o por Cillian Murphy? Sí, quiero decir ¡por supuesto! Casi me tenía que pellizcar para darme cuenta de que era real lo que estaba viviendo. Yo tenía 16 años, era un gran admirador de Thor y allí estaba Chris delante de mí. En realidad las primeras semanas no tenía casi ni que actuar porque estaba tan hechizado por Chris como mi personaje por el primer oficial. La verdad que es un tipo estupendo, muy trabajador y con

mucho talento. Fue fantástico trabajar con él. Nosotros estuvimos ensayando seis semanas y Chris mientras estaba rodando otra película. Cuando él se incorporó al equipo en cosa de un día ya estaba totalmente integrado en el grupo. ¿Qué es lo que más valoras a la hora de elegir un proyecto? Espero que no sea que haya agua… (Sonríe) No, cuando se te presenta una oportunidad así no puedes decir que no. Trabajar con Ron, con Chris, con Cillian, con Brendan… y el guión que me atrapó desde el principio. Me divierten las escenas en el tanque de agua, aunque son muy duras porque te zarandean y te lanzan cubos de agua. También me gustaría interpretar el papel de un chaval normal que viste ropas normales en una ciudad y quizás hacer una comedia romántica. Al final he visto tantas que me gustaría hacer una. Por tu juventud, ¿quién lee los guiones además de ti? Mis amigos, mis padres y mis agentes me ayudan y leen los guiones también. Ahora ya tengo una edad en la que lo puedo valorar mejor y decidir si la película me interesa o no. Antes lo único que quería era estar en una película y sí que necesitaba pedir esa ayuda a mis amigos y a mis padres. Chris Hemsworth ha interpretado a Thor y tú vas a ser el nuevo Spiderman ¿quién de los dos crees que ganaría una pelea? (Risas). Creo que Thor es más fuerte que Spiderman. Hay una jerarquía en la fuerza que tienen Los Vengadores: Visión, Hulk, Thor, Iron Man, Spiderman, Capitán América. Yo estoy en el quinto puesto, creo que no está nada mal.

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Foto: Sergio Parra

PรNCREAS Teatro Valle-Inclรกn - Sala Francisco Nieva Del 6 al 24 de enero

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| ESCENA |

PÁNCREAS de Patxo Tellería Dirección: Juan Carlos Rubio

Pancreas es un título corto, críptico y anatómico. Empezaré por la anatomía. Busco en el diccionario y me entero de que es un órgano impar que ocupa una posición profunda en el abdomen, por detrás del estómago y que, dado que es muy difícil de palpar, sus procesos tumorales tardan en ser diagnosticados. Vaya, parece que el misterio acompaña a este proyecto. Estoy igual que al principio. Pero he aquí que me tropiezo con el subtítulo de la pieza: “Tragicomedia de vida y muerte o como juega a veces la suerte”. ¿Páncreas es tragedia, comedia, vida, muerte, juego y suerte? Eso es apuntar muy alto. Veamos. Leo el texto. No. Devoro el texto. Y compruebo que es cierto: no falta de nada en esta disparatada y divertida historia de tres amigos, número impar también, como nuestro esquivo órgano segregador de insulina, glucagón y somatostina. Sólo que aquí los segregados son Juan, Pablo y Javi, que a golpe de confesión nos irán sirviendo un fresco sobre la condición humana, sus bajezas y grandezas. ¿Qué somos capaces de hacer o no hacer por alguien querido? ¿Hasta dónde llegaría nuestra generosidad? ¿Hasta el páncreas? Quién sabe. Puede que en lo más profundo, ahí donde no se puede palpar, se

instalen ocultos sentimientos y deseos difíciles de ser diagnosticados. Y para redondear la originalidad del asunto déjenme decirles que esta obra es en verso. Como lo leen. Patxo Tellería ha rizado el rizo y se lanza a las aguas de la rima. Con un par de páncreas. Me encantan los retos. Dirigir esta obra lo es. Aunque, como no soy tonto, me embarco con todas las garantías posibles. A saber. Un reparto de lujo. Fernando Cayo, Alfonso Lara y Santiago Ramos son el sueño de cualquier director. Un equipo técnico y artístico de primera linea. Y todo ello bajo la impecable producción de Concha Busto y el Centro Dramatico Nacional. “Todo lo que puede amigos, de algún modo suceder, acaba tarde o temprano, sin remedio, sucediendo, sea noble, criminal, hermoso, oscuro u horrendo. Eso y mucho más pasó en aquel anochecer...”. Pasen y vean nuestro Páncreas. ¿Hay algo mas íntimo que les podamos ofrecer? Juan Carlos Rubio

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| ESCENA |

LA VIDA DE GALILEO de Bertolt Brecht Dirección: Ernesto Caballero Ambientada en 1609, la pieza se centra en los últimos años de vida del investigador italiano. En su hogar en Florencia, que comparte con su hija Virginia, tiene ocasión de transmitir parte de sus conocimientos a Andrea, el hijo de su casera, la Señora Sarti. Cuando Galileo hace públicos sus descubrimientos sobre el sistema solar, recibe la condena de la jerarquía eclesiástica. Ni siquiera el acceso a la silla de San Pedro del cultivado Cardenal Barberini hace disminuir la presión. Bajo presión de la Inquisicion, Galileo renuncia a propagar sus tesis. En su aislamiento, recibe la visita de Andrea, convertido ya en estudiante universitario, al que hace entrega de su documento Dos nuevas ciencias en el que resume sus descubrimientos, pidiéndole que lo difunda más allá de las fronteras de Italia. GALILEO: Durante dos mil años la Humanidad creyó que el Sol y todos los astros del cielo daban vueltas a su alrededor. El Papa, los cardenales, los principes, los sabios, capitanes, mercaderes, pescaderas y escolares creían estar inmóviles en esa esfera de cristal. Pero ahora nosotros salimos para hacer un gran viaje. Porque los viejos tiempos han pasado y ahora es una nueva época. Desde hace cien años es como si la Humanidad esperase algo. Las ciudades son pequeñas, y también lo son las cabezas. Supersticion y peste. Pero ahora se dice: que sean así las cosas no quiere decir que tengan que seguir siéndolo. Porque todo se mueve, amigo.

LA VIDA DE GALILEO Teatro Valle-Inclán Del 29 de enero al 20 de marzo


| MÚSICA |

La artista y compositora Miryam Latrece lanza su disco debut: Una Necesidad, un trabajo que reúne diversos estilos musicales como el jazz, R&B, soul y músicas del Caribe conducidos por una voz personal y resultando un sonido único y nuevo. La opera prima de esta cantante madrileña estará en la calle el 8 de enero de 2016 y se presenta en Madrid tres días después, el 11, en la mítica sala Galileo Galilei. El álbum está cargado de tintes autobiográficos de la propia autora. En él, narra su propia vida y sus experiencias más profundas. “Una Necesidad surge de mi propia necesidad de poder hacer mi música y realizarme como cantante, sacando todos mis sentimientos de adentro para convertirlos en notas y letras”, explica Latrece. El trabajo se puso en funcionamiento en la plataforma de crowdfunding, Verkami. Y una vez reunida la cantidad necesaria para poner en marcha el proyecto, el sello discográfico Litle Red Corvette Records ofreció su apoyo a la cantante. Por su parte, en el momento de la grabación, Miryam Latrece contó con la ayuda y experiencia de músicos como Ariel Bringuez, Michael Olivera, Gabri Cassanova, David Sancho, Luis Dulzaides y Roberto Pacheco. Para la madrileña, trabajar con ellos ha sido “todo un aprendizaje, y algo totalmente nuevo y enriquecedor”. Además, asegura que le han aportado a su disco una calidad enorme.

Lo que pienses de mí. Primer sigle El pasado 1 de diciembre Miryam Latrece publicaba su primer single, Lo que pienses de mí. Dirigido por Alberto Rosado, y grabado íntegramente en Londres, una de las ciudades favoritas de la artista, sirve de avance de todo lo que Latrece ofrecerá en Una necesidad. Miryam Latrece explica: “Lo rodamos en dos días y con un presupuesto limitado, pero el resultado, que salió gracias a las personas que ayudaron, es mágico. Estoy muy orgullosa de presentarlo como primer vídeo oficial en los canales de Vevo”. Los inicios Interpretación, baile y música. Desde que era pequeña, estos tres ámbitos se han alzado como pilares fundamentales en la vida de Miryam Latrece. Sin saber realmente en qué momento empezó a interesarse por ellos, la madrileña siempre supo que quería cultivarlos, siguiendo de esta manera, su propia intuición. En el mundo de la música, empezó con una banda llamada Akatupower. Junto a unos amigos del barrio, Miryam creaba canciones con mucha influencia del hip hop, un estilo completamente diferente al actual. Ahora, con tan sólo 24 años, se embarca en este viaje en solitario, pero siempre acompañada por su equipo de músicos. www.miryamlatrece.com


Madrid. 100 fotografías que deberías conocer Apostar por la valoración del patrimonio fotográfico. Divulgar cientos de imágenes de gran belleza y fuerza documental que se hallan custodiadas en decenas de archivos y centros especializados. Reivindicar la calidad y el buen hacer de una inacabable nómina de fotógrafos que a lo largo de más de ciento cincuenta años nos ofrecen un impagable testimonio de la evolución de nuestra sociedad. Estos son los objetivos de la colección.Presenta imágenes que muestran la transformación urbana de Madrid durante un siglo y medio. La llegada del agua del Canal de Isabel II, los tranvías de tracción animal, los globos, los dirigibles, las campañas electorales, la guerra civil, las penurias de la posguerra, el desarrollo de los años sesenta o la movida madrileña, conforman una galería fantástica en la que actúan tres protagonistas: los fotógrafos, las personas cuyas vidas fueron encapsuladas en un instante y, siempre de fondo, Madrid. Federico Ayala Sörenssen Editorial Lunwerg 132 Páginas 9788497856881

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500 Ideas para descubrir Madrid ¿Sabías que hay un cementerio en Carabanchel construido sobre suelo británico? ¿Dónde está la iglesia de los vascos en la capital? ¿Y qué queda de la “fuente del chorro” instalada en la Puerta del Sol en 1860? Este libro es una guía para pasear por ese Madrid siempre sorprendente, donde se pueden leer los versos de Dante en las paredes de un aparcamiento o en el que una simple puerta separa la capilla más recoleta del bullicio del barrio de Chueca. Sara Medialdea Veiga Ediciones La Librería 311 Páginas 9788498733013


| LIBROS |

Navalcarnero. Biblioteca de la provincia de Madrid

La Aves Marinas de España y Portugal

Libro perteneciente a la colección Biblioteca de la Provincia de Madrid, crónica general de sus pueblos, en el que se trata la Historia de Navalcarnero, su situación geográfica, número de habitantes, clima, historia natural, animal, vegetal y mineral, la historia orografía, la industria, su arquitectura y los hombres ilustres que nacieron o vivieron en ella.

Información detallada sobre todas las especies de aves marinas que han sido citadas en España y Portugal, incluyendo las Islas Baleares, Canarias, Madeira y Azores. Situación de la población de cada especie y citas concretas de especies escasas o raras. Incluye un completo resumen en inglés de cada especie.

Juan Francisco Gascón Editorial Maxtor 128 Páginas 9788490011799

Andrew M. Paterson Lynx Ediciones 444 Páginas 9788487334214

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| HÉROES EN SILENCIO |

LUIS QUIÑONES CERVANTES Un Cervantes de Lavapiés _______ POR ÓSCAR BETHENCOURT

Paseando por el Madrid navideño, donde resulta ya imposible transitar entre tantos reclamos consumistas, logro escaparme por la calle Ave María para distinguir otra clase de ciudad. Mientras bajo esta arteria de Lavapiés, envuelta entre olores a kebab, comida hindú, fritanga española decorada entre mesas con manteles de colores, me dirijo hacia el Café Barbieri para entrevistar a nuestro Héroe en silencio de este mes de enero. Delante de una cerveza, bajo el ambiente pintoresco de esta cafetería que posee el

encanto de esos viejos cafés que, en su decadencia, siguen manteniendo el espíritu de épocas pasadas, Luis se nos deja hablar bajo un envolvente concierto de jazz. Nuestro Héroe en silencio vive de manera apasionada e intensa la paradoja de alguien que habita entre el ser y el no ser. Su reciente novela, que será quien presidirá la entrevista, es el fruto de un escritor-profesor que quiere hacer una incisión en el mundo de la literatura, buscando justamente ese camino hacia el que está llamado en el silencio del aula y una mesa de escritorio.

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Vamos a empezar esta entrevista siendo tú mismo quien se presente. Soy un ciudadano, un tipo normal y corriente de 38 años que vive en Madrid. En realidad mi profesión es enseñar literatura y como profesor ejerzo, aunque me seducen las palabras tanto que me he atrevido a escribir tres novelas y a emular a esos grandes escritores a los que leo con pasión. ¿En ese caso te defines como profesor o como escritor? Antes que profesor o escritor soy un apasionado lector. Amo los libros, pero también los bares con amigos, dormir la siesta y trasnochar cuando puedo inventando historias. Apago el televisor con frecuencia y contemplo la vida sin nostalgia y con escepticismo. Me gusta la calle en la que vivo, el mar en invierno, la compañía de mi mujer, el cine y sueño con tener siempre una semana más de vacaciones. ¿Cómo comenzó esa vocación por la Lengua y la Literatura? Siempre he leído. Aunque me incliné por estudiar un Bachillerato de Ciencias, no me fue demasiado bien y aproveché las horas muertas de mis diecisiete años leyendo cuanto encontré. Quizás entonces fuera cuando comprendí que tenía que estudiar Filología, y así lo hice. Mis estudios universitarios me acercaron más críticamente a los libros, y llené de lecturas todos aquellos años de estudiante universitario: poesía, novelas, ensayos y libros de todo tipo. Sin embargo, y aunque había escrito algo de poesía, mi primera novela no llegó hasta el año 2008. Es posible que la novela sea un género de mayor madurez personal e intelectual, por eso esa primera novela la escribí sobrepasados ya los treinta años. ¿Cómo vive un joven profesor y escritor como tú la paradoja de Héroe en silencio? Ser escritor, efectivamente, puede llegar a convertirse en un acto metafórico de heroísmo, y sin embargo, en los tiempos que corren, sobrevivir en estos años de crisis ha convertido a mucha gente 116 - EMNMM

en héroes anónimos. Sería un poco injusto calificar la hermosa labor de la escritura de acto heroico, teniendo en cuenta que sobrevivir con los salarios de hoy en día, esquivar desahucios, o criar a una familia mientras se está en el paro son la épica de una cotidianidad lamentable. Metafóricamente, los escritores son ciertamente héroes silenciosos, por cuanto detrás de cada libro hay muchas horas de trabajo en silencio, que te sitúan en la paradoja de sentir satisfacción por las historias que creas y la frustración de no encontrarte nunca cómodo en lo que escribes. ¿Cómo describirías esa sensación de contradicción cuando escribes desde el silencio de un ordenador y bajo la lumbre de un flexo? Pues cuando escribo satisfecho e insatisfecho al mismo tiempo, emocionado y aterrado, entusiasmado cuando se acaba una novela y triste por haberla concluido. No saber cuál es el camino que recorrerá un libro que tú has escrito es también el aliciente de la escritura y la amargura que puede ocasionar su silencio. Es posible que para sobrevivir a toda esas emociones que son la escritura de una novela haya que observarse a uno mismo desde una sana distancia, con cierto escepticismo, como suelo ver casi todo. A veces, cuando miro en las librerías mis libros, tiendo a creer que no soy yo quien está ahí y que hay otros “héroes” cotidianos mucho más importantes que yo mismo. ¿Qué opinión te merece el perfil actual del lector español? En realidad, no sé si existe un perfil actual de lector. Sin embargo, sí que he observado que la literatura se ha convertido, en muchos casos, en un mero objeto de consumo, como muchos otros. Y que muchos escritores son más que escritores, conscientes de que están creando literatura, meras marcas publicitarias o productos mercadotécnicos. Cuando veo las listas de los libros más vendidos siento que muchos lectores han perdido capacidad crítica, y que eso empobrece no solo sus vidas, sino también la propia literatura. En


general, creo que vivimos en un mundo profundamente mercantilizado, en el que los libros no siempre se escapan de esa tendencia, que decía Benedetti, del “consumo y el humo”. ¿Crees que el mundo de las editoriales es un negocio? Es evidente y legítimo. La labor de las editoriales es fundamental en la producción y en la difusión de la cultura. Detrás de cada libro que leemos hay mucho trabajo y mucho esfuerzo humano y económico. El mercado editorial da trabajo a mucha gente y permite que podamos disfrutar de magníficas obras de todo tipo. El problema es que los escritores minoritarios tienen un verdadero problema para poder difundir, distribuir y vender sus obras, si no hay editoriales que estén abiertas a publicar obras de escritores que no cuentan con el favor de un público mayoritario. Y si priman exclusivamente los factores económicos, es posi-

ble que no disfrutemos nunca de grandes obras literarias que, por no pertenecer a autores “mediáticos”, jamás serían publicadas. Por suerte, todavía existen sellos editoriales dispuestos a arriesgar y a apostar por una literatura que huye de los convencionalismos y las simplificaciones de la literatura comercial. Como especialista en Lengua y Literatura, y con el nuevo fenómeno Whatsapp donde vamos poco a poco cambiando las formas del lenguaje, ¿eres de los que entienden el lenguaje como una evolución o prefieres posicionarte como un puritano del lenguaje? No creo en los puritanismos. En general no me gustan quienes apuestan por la pureza en cualquiera de sus formas. Si hubiéramos aprendido y hablado un latín puro, nunca hubiéramos hablado el castellano o español que usó Cervantes o Góngora. Aunque resulte tópico la lengua es algo vivo, EMNMM - 117


que no pertenece nada más que a sus hablantes. Pero, eso sí, no ser partidario de radicalismos lingüísticos no implica que no haya que educar en la corrección, en el uso adecuado y en la norma razonable y flexible, que permita cierta unidad del idioma. Me preocupa más que la pureza de la lengua, su pobreza. La pobreza del idioma nos reduce, adelgaza nuestras ideas y nos expone con facilidad a la manipulación de los eslóganes y del poder. Ahora quisiera que nos paráramos en tu último trabajo como escritor. En tu primera novela y en las dos anteriores el escenario normal es el Madrid de la Guerra Civil. ¿Por qué ese contexto para una novela negra? Madrid está presente siempre en casi todo lo que escribo. En el caso de El retrato de Sophie Hoffman y de Los papeles de Madrid, la ciudad es un escenario prebélico y postbélico que me permite crear el ambiente de lo que podríamos considerar que es el género policiaco, casi siempre asociado al mundo anglosajón y a las grandes ciudades norteamericanas. ¿Y por qué Madrid especialmente? Madrid es una ciudad que permite crear ambientes, sus contrastes, su propia historia, sus calles... conozco bien la ciudad y me parecía que no tenía la necesidad de inventar ningún otro espacio en el que contar las historias porque Madrid tenía esa doble función de situar históricamente los hechos y crear los ambientes de la novela. En mi tercera novela, Un hombre detrás de la lluvia, Madrid aparece más accidentalmente, porque la historia se centra en el París de los años previos a la II Guerra Mundial. ¿Qué significa la metáfora de la lluvia en este última novela? Me interesaba la metáfora de la lluvia porque me permitía hablar también sobre cómo se escribe una novela. El libro además de contar la historia de un personaje que cuenta por qué no asesinó a

quien le encomendaron, es también una novela sobre cómo se escribe una novela, y la lluvia es una especie de estadio en que se encuentra el escritor, que en este caso soy yo, novelado, y narrador al mismo tiempo. Los escritores observan, como los protagonistas de esta novela a los demás, para poder escribir. Utilizan la lluvia para no ser vistos, como hacemos quienes miramos a los demás para escribir sobre ellos. Los escritores además de héroes silenciosos somos personajes que vivimos en la oscuridad, que nos ocultamos en las sombras, que desaparecemos para dejar hablar a los personajes que creamos. Además, la lluvia representa ese lugar intermedio entre el cielo y la tierra, que es donde también estamos los escritores; en un sitio incierto que no pertenece a ningún lugar. Al leer tu novela he observado que usas el juego de los espejos entre los personajes. Háblanos un poco de ese estilo al escribir tu libro. Siempre me ha gustado la literatura realista, entendiendo la novela como Stendhal afirmó que era: un espejo junto a un camino, en el que la vida se reflejase. En Un hombre detrás de la lluvia, quiero situar el espejo frente a mí mismo, y ver reflejado en él no lo que soy, sino lo que soy gracias a los demás. Quería que la novela no hablara de mí, sino de lo que los otros hacen mientras el protagonista va reconstruyendo sus historias, que están entre la verdad y la mentira. Me gusta jugar con eso: el espejo refleja la realidad, pero lo que vemos no es la realidad, sino una imagen invertida de esta. Y en esa paradoja del espejo quería moverme: tensar los límites entre lo que es verdad y lo que no es verdad. Algo así hago también con los géneros literarios: la novela policiaca, el ensayo, la biografía, la novela histórica. Confundir los géneros como se confunde la propia realidad en las novelas. Dónde empieza la ficción es lo que tiene que descubrir el lector, que verá cómo esta novela es un imposible hecho realidad. Muchas gracias Luis, y suerte en el camino.

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MUSEO DE LA MAG 120 - EMNMM


| EXTRAÑO Y CURIOSO |

IA Y LA BRUJERÍA DE HALMAVÍK EMNMM - 121


_______ TEXTO: EMNMM | FOTOS: SIGURÐUR ATLASON

Islandia es un país fascinante de hielo y de fuego que cuenta con los paisajes más espectaculares de Europa y también con algunos de los museos más extraños y curiosos, como es el caso del Museo de la Magia y la Brujería de Halmavík ubicado en el municipio de Strandabyggð, en la parte nororiental de la isla. Este pequeño museo abrió sus puertas en 1996 y en él se muestran numerosas piezas relacionadas con el folclore mágico islandés. Piedras mágicas, runas y toda una colección de objetos relacionados con la brujería y sus rituales de Islandia. De todas las piezas que se exponen, hay una que es la que más llama la atención de los visitantes del museo, se trata de los “necropantalones” llamados nábrók en la lengua local. Son una especie de medias realizadas con la piel de un difunto que servían para proporcionar riqueza ilimitada al portador de estos pantalones. Como todo objeto mágico, para poder disfrutar de los beneficios de esta prenda el interesado debía realizar un extraño ritual. Manual de instrucciones Para hacerse con un nábrók y disfrutar de sus beneficios lo primero que hay que hacer es pedirle permiso a un amigo para que cuando se muera se le pueda desenterrar y despellejar de cintura para abajo, zona escrotal incluida, pues es la parte más importante. Una vez logrado el permiso y ya con la piel recién arrancada, el interesado ha de ponerse sobre su cuerpo desnudo los “pan-

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talones” de piel humana y acto seguido colocar una moneda robada a una viuda pobre en el escroto, junto con un signo mágico llamado nábrókarstafur, escrito en un pedazo de papel. Hecho esto, el portador de los necropantalones podrá disfrutar de un continuo e inagotable suministro de monedas que saldrán como por arte de magia del bolsillo escrotal de los nábrók, eso sí, jamás hay que sacar la moneda original, pues de lo contrario el hechizo perdería su efecto mágico. Como todo ritual mágico que se precie de serlo, tiene una contraprestación y es que el portador de los necropantalones no puede llevárselos a la tumba porque su alma ardería en los infiernos, por eso hay que regalárselos a otra persona que esté interesada en ellos y entregárselos realizando un curioso ritual. El procedimiento no es complicado, sólo hay que tener en cuenta una cosa y es que los nábrók han de estar en permanente contacto con la piel humana, para ello el nuevo portador ha de introducir su pierna izquierda en una de las perneras mientras que el dueño del nábrók avanza un paso hacia delante para poder liberarse totalmente de los pantalones, al mismo tiempo que el nuevo portador mete su pierna en la otra pernera. Hecho esto, el anterior dueño puede irse a la tumba tranquilo y el nuevo portador del nábrók disfrutar de los beneficios ilimitados de esta prenda tan peculiar.

www.galdrasyning.is


| ESPACIOS |


MOON DIAMONDS

La boutique de los diamantes en Madrid

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En la Milla de Oro madrileña se encuentra Moon Diamonds, una de las mayores firmas de importación y exportación de diamantes del mundo que, recientemente, ha abierto sus puertas en Madrid.

Moon Diamonds es la marca comercial, pero tras este nombre están los hermanos Carlos y Nacho Luna e Ignacio de Pilar, auténticos profesionales con más de 20 años de experiencia el sector. Moon Diamonds, además de ser la traducción literal al inglés del apellido de los fundadores, juega con la palabra Moon, con la que se hace un guiño a la Luna y todo lo que representa: el romanticismo, el amor, los enlaces y todo aquello, que al igual que un diamante, deseamos que dure para siempre y los diamantes son precisamente las piedras que mejor simbolizan todo ello. Uno de los elementos que hacen especial a Moon Diamonds es que la adquisición de los diamantes se hace directamente en el lugar de origen y sin intermediarios, algo que les hace muy competitivos, ofreciendo así diamantes de extremada pureza a precio de bolsa a joyerías y particulares. Además de la calidad y de los precios competitivos, el principal objetivo de Moon Diamonds no es otro que la satisfacción del cliente, cuidando hasta el más mínimo detalle sus exigencias y adaptándose a todo tipo de presupuestos porque, comprar en Moon Diamonds, significa invertir en un valor seguro, belleza y calidad eterna al mejor precio garantizado.

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Los responsables de Moon Diamonds están graduados por los institutos internacionales más prestigiosos del sector y ayudan en todo momento al cliente que desea comprar un diamante, tanto para inversión como para uso particular. Cuentan con un amplio y variado catálogo de modelos de diamantes que se adaptan a las necesidades del cliente, ya sea por su tamaño, como por el color y la transparencia de las piedras. No hace falta ser un experto en joyas ni someterse al abrumador proceso que a veces supone la compra de un diamante porque Moon Diamonds se encarga de asesorar al cliente de forma personalizada y, sobre todo profesional, pues está presente en todas las fases de producción del diamante, desde su extracción, el tallado y pulido, hasta su certificación. Esta casa de high couture de las joyas está especializada en piezas ad hoc, donde el cliente no elige sólo la inversión sino también el modelo.

Moon Diamonds está detrás de muchas de las transacciones más importantes que se han realizado en España en los últimos años y en sus boutiques de Marbella y Córdoba se han vendido algunas de las piezas de diamantes más valiosas del mercado. Cuenta, además, con oficinas en las principales bolsas del diamante, como son Amberes, Nueva York, Mumbai y próximamente en Panamá City. Además, posee delegaciones en Hong Kong, Dubai, Italia, Alemania, y España. www.moondiamondsmadrid.com Nuñez de Balboa, 16

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| COMER |

ÔVEN MOZARELLA BAR Lo último en Gran Vía _______ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA

La Gran Vía de Madrid está en plena ebullición. Mientras las grandes cadenas comerciales del mundo compiten por hacerse con la tienda más grande, mejor ubicada y más llamativa, los madrileños y visitantes hacen colas para cruzar sus puertas y hacerse con lo último en moda, accesorio o tecnología. Entre tanto ajetreo hace falta más que un tentempié. Los restaurantes y bares de la zona se ponen al día y las nuevas aperturas luchan por ofrecer algo diferente. El último en llegar con una propuesta joven y moderna es un italiano que promete triunfar: Ôven Mozzarella Bar.

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FÓRMULAS DE ÉXITO El amplio local se encuentra situado justo al comienzo de la céntrica calle madrileña. En la planta baja una gran cristalera con vistas, una barra y algunas mesas altas, y mesas bajas donde comer de forma más relajada. Presidiendo este salón un gran horno de piedra italiano que se alimenta de la leña de encina que dará su aroma a las pizzas. Arriba un salón más formal de moderna decoración, también con un ventanal con miras a la transitada ciudad. El negocio se basa en esas fórmulas flexibles y cosmopolitas que son siempre un acierto. Cocina abierta todo el día, música por las noches los fines de semana y opciones para todos los gustos en una carta de corte italiano que también tiene cabida para otras recetas de moda como los cebiches. Todo con un producto seleccionado con cuidado para llegar a los mejores resultados. Mozzarella de búfala es de la Denominación de Origen Controlada Campana, la pasta la elaboran con harina de grano Tritucum durum, la mortadela viene de Bolonia y las verduras de la huerta murciana.

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BURRATAS PARA TODOS LOS GUSTOS Su especialidad son las burratas, a las que dedica toda una sección de su menú. Las traen desde un pequeño pueblo del sur de Italia llamado Andria y son muy buenas. Las combinan con diferentes ensaladas como la Umbría que lleva guanciale; la del Cantábrico con anchoas de Santoña; la Mediterránea con aceitunas negras, alcaparras y tomate seco; la Nórdica con salmón ahumado; o la Clásica con rodajas de tomate. Probamos la Burrata Ôven con lechuga, tomate, uvas, fresas y pesto en una agradable combinación de sabores. Además cuentan con una serie de completas ensaladas y entrantes más tradicionales, como el queso provolone fundido con pimientos al horno o el carpaccio de buey de la siempre estupenda carne de la finca. La Tavola es también una estupenda opción para comenzar probando una serie de aperitivos con quesos como la mozzarella y el gorgonzola y embutidos como el speck, la salchicha criolla y mortadela trufada. Las berenjenas al horno con parmesano y tomate resultan sabrosas, mientras que un cebiche con wakame, a pesar de lo inesperado, resulta muy logrado.

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PASTAS AL DENTE Y PIZZAS EN HORNO DE LEÑA Las pastas, siempre cocidas al dente, van acompañadas de gustosas salsas como en el caso de unos torteilini rellenos de calabaza con foie gras y Pedro Ximénez. Otras opciones son los penne con tomates, salchichas criollas y cayena, los panzzotti rellenos de burrata con yema de huevo y guanciale, los revioli de gambas con salsa de tomate y aceituna negra o los rigatoni al horno con tomate mozzarella, champiñones, perperoni y parmesano. Las pizzas están hechas con una masa de mezcla de buenas harinas italianas que fermentan durante 48 horas antes de ser horneadas. El estilo es el romano, de masa fina y crujiente con la cantidad justa de ingredientes para que tenga enjundia sin pasar al exceso. Las sencillas Margarita con tomate, queso y albahaca, y Prosciutto, con jamón. La Gorgonzola con nueces y miel, la De la huerta con calabacín, pimiento y cebolla, la clásica de Cuatro quesos y la picante Diavola con boloñesa y peperonni. Probamos la de setas con huevo y trufa, una combinación que siempre resulta ganadora. Los postres también tienen su importante hueco en este restaurante. Dulces caseros muy tradicionales como el biscotti al horno con helado de stracciatella, un buen tiramisú o una ligera panna cotta con frutas del bosque de textura cremosa.

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ÔVEN MOZARELLA BAR Gran Vía 6 Tlf. 916 225 706 www.oven.es

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| AGENDA |

ARTE Y CULTURA

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– Álbum de familia (Hasta el 27 de febrero. Blanca Berlín Galería) – Alvar Aalto (Hasta el 10 de enero. CaixaForum Madrid) – Arte Transparente (Hasta el 10 de enero. Museo Nacional del Prado) – Baquelita (Hasta el 17 de enero. Museo de Artes Decorativas) – Bonnard (Hasta el 10 de enero de 2016. Fundación Mapfre) – Cleopatra y la fascinación de Egipto (Hasta el 8 de marzo de 2016. Centro Arte Canal) – Danh Vo (Hasta el 28 de marzo de 2016. Palacio de Cristal del Retiro) – Edvuard Munch (Hasta el 17 de enero de 2016. Museo Thyssen-Bornemisza) – Grete Stern. Sueños (Hasta el 31 de enero de 2016. Círculo de Bellas Artes) – La Ilusión del Lejano Oeste (Hasta el 7 de enero. Museo Thyssen- Bornemizsa) – Jazz, Jazz, Jazz (Hasta el 24 de enero. Círculo de Bellas Artes) – Julio Verne (Hasta el 21 de febrero. Fundación Telefónica) – Kandinsky. Retrospectiva (Hasta el 28 de febrero de 2016. CentroCentro) – Mujeres de Roma (Hasta el 14 de febrero. CaixaForum Madrid) – Oyendo con los ojos (Hasta el 17 de enero. Tabacalera) – Pedro Madueño (Hasta el 10 de enero. CaixaForum Madrid) – Pierre Bonnard (Hasta el 10 de enero. Fundación Mapfre) – Titanic. The Exhibition (Hasta el 13 de febrero de 2016. C.C. Fernán Gómez) – Upfront. Fotorreporteros de guerra (Hasta el 31 de enero. Conde Duque)

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Izal (22 y 23 de enero. Circo Price) Jenny and the Mexicats (9 de enero. Joy Eslava) Martirio (28 de enero. Circo Price) Miryam Latrece (11 de enero. Galileo Galilei) Narco (9 de enero. Sala Penélope) Revólver (14 de enero. Circo Price) Robert Foster (13 de enero. el Sol) Saratoga (9 de enero. La Riviera) Toreros muertos (30 de enero. El Sol) Ute Lemper (30 de enero. Circo Price) Nach (11 de diciembre. Palacio de Vistalegre) Nacho Vegas (23 de enero. La Riviera) Punsetes (29 de enero. Joy Eslava)

ESCENA ________________________________________ – 75 puñaladas (Hasta el 28 de enero. Teatro Alfil) – Afterwork (Hasta el 7 de enero. Teatro Nueve norte) – Cabaret de los hombres perdidos (Hasta el 31 de enero. Teatro Infanta Isabel) – Cabaret Maldito (Hasta el 10 de enero. Puerta del Ángel) – Clímax (Hasta el 26 de enero. Teatro Alfil) – El grito en el cielo (Del 13 al 31 de enero. Teatro Español) – Insolación (Hasta el 24 de enero. Teatro María Guerrero) – La Lengua madre (Hasta el 31 de enero. Teatros Luchana) – Medea (Hasta el 10 de enero. Teatro Español) – Al otro lado (Hasta el 28 de enero. Sala Off del Tearo Lara) – Páncreas (Hasta el 24 de enero. Teatro Valle-Inclán) – Una noche como aquella (Hasta el 30 de enero. Nave 73) – El Rey León (Hasta el 27 de marzo. Teatro Lope de Vega) – Sama Sama (Hasta el 24 de enero. Madrid Arena) – La Viuda Alegre (Hasta el 17 de enero. Teatros del Canal) – Yerma (Hasta el 30 de enero. Sala Off del Tearo Lara) EVENTOS ESPECIALES ___________________________

MÚSICA ________________________________________ – – – –

Asfalto (23 de enero. Sala Penélope) Bryan Adams (28 de enero. Palacio de Vistalegre) Darkness (15 de enero. Sala But) Estirpe (22 de enero. Sala We Rock)

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– FITUR 2016 (Del 20 al 24 de enero. IFEMA) – Madrid Fusión 2016 (Del 25 al 27 de enero. Palacio Municipal de Congresos) – Promogift (Del 27 al 29 de enero. IFEMA)


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2016. Es Madrid no Madriz

Es Madrid no Madriz Magazine  

Nº 41 Enero 2016 Madrid desde el aire / Navalcarnero / Gaviotas en Madrid / Basílica del Sagrado Corazón de Bruselas / Carlos Villarías /...