Arte Hoy María Eréndira Ayala Medina

ÍNDICE

01-02 .......... ¿ Qué es arte?

03-04.......... ¿ Cómo nos afecta el arte?

05-06.......... Arte en la actualidad 07-08.......... Importancia y Beneficio 09-10.......... Frida Kahlo 11-12.......... Camile Pissarro 13-14.......... Diego Rivera 15-16.......... Félix Torres Gonzáles 17-18.......... Em Niwa 19-20.......... Gustav Klimt 21-22.......... Vincent Van Gogh 23-24.......... Pierre Auguste Renoir 25-26.......... Marianne Von Werefkin 27-28.......... Holly Warburton 29-30.......... Remedios Varo

¿QÚE ES ARTE?

Las artes buscan representar, a través de medios diferentes el universo de inquietudes humanas, sean reales o imaginadas, mediante el uso de símbolos o alegorías.

La expresión arte se usa también para referir a todos aquellos procesos manuales que requieren de la aplicación de reglas o técnicas específicas, orientadas al disfrute de los sentidos. Por ejemplo, las artes culinarias.

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Arte también es una palabra utilizada para indicar la capacidad o habilidad para hacer algo con excelencia y pericia. Por ejemplo, el arte de la guerra o el arte de la política.

También se usa para hacer referencia a algo que debe estar bien hecho o a algo que debe aprenderse o hacerse con atención y cuidado: “Ejercitar bien tiene su arte”. “Amar es un arte”.

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¿Cómo nos afecta el arte?

En el ámbito de las artes visuales, el concepto de espectador res-

ponde a una actitud pasiva por parte del público, que se caracteriza por una contemplación abocada principalmente al deleite perceptivo de la persona frente a la obra.

El arte está estrechamente relacionado con la naturaleza humana.

Las diferentes formas de representación artística corresponden a la necesidad o, más bien, a la característica fundamental de expresarse que poseen los seres humanos. El arte desempeña un papel mediador y motor de la comunicación, ya que el artista a través de su creación transmite no solo emociones, sino también mensajes, y nos hace reflexionar sobre nuestra existencia, los problemas sociales o la vida en general. Desde esta perspectiva, se convierte en una herramienta que puede cambiar o educar a una sociedad.

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Como terapia, el arte puede brindar paz, felicidad, amor, esperanza a los seres humanos: por ejemplo, en situaciones donde las personas necesitan escuchar la música para curar su tristeza, ver comedias teatrales para reír, ver películas para soñar o simplemente para divertirse, aprender a conocer el pasado o contemplar obras artísticas para apreciar su belleza.

El arte es el reflejo de la cultura humana, por eso sirve para conservar el patrimonio cultural de un pueblo y transmitirlo de generación en generación.

Además, es subjetivo, se expresa en un lenguaje universal y comprensible para cualquier ser humano, ya que apela a nuestros sentidos, emociones y facultad de pensar.

La educación, hoy en día, se sigue basando en obras artísticas del pasado, porque estas -en sus diferentes manifestaciones- nunca han perdido su importancia para la sociedad.

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Arte en la Actualidad El siglo XXI, caracterizado por aquilatar todo tipo de expresión artística, se debate entre la herencia de su valor cultural y la comunicación de sus individuos entre nuevos caminos sumergidos en un estilo vanguardista, críptico y, a veces, hasta incomprensible o discordante con los conceptos y preceptos del arte.

¿Cuál es la función del arte en la actualidad?

El arte desempeña un papel mediador y motor de la comunicación, ya que el artista a través de su creación transmite no solo emociones, sino también mensajes, y nos hace reflexionar sobre nuestra existencia, los problemas sociales o la vida en general.

ARTIVISMO Quizás hayas escuchado esta palabra o visto este tipo de manifestaciones, pero no le habías puesto un nombre.

Artivismo es la contracción de las palabras arte y activismo para denominar al grupo de actividades artísticas que se desarrollan con el propósito de promover o impulsar un cambio en la sociedad.

Estas actividades se basan en llevar la atención a un tema ignorado o “tabú”, realizar reclamos para ocupar espacios públicos, o levantarse en contra de decisiones políticas que afectan al colectivo de la humanidad de forma directa o indirecta.

Los artivistas no se limitan a realizar solamente arte callejero en todas sus vertientes, sino que se ha producido a través del tiempo una nueva forma de comunicar un mensaje de una manera no lineal, en donde el receptor tiene la oportunidad de participar, responder y aportar al cambio social que el artista impulsa con su iniciativa.

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Aunque su denominación sea relativamente nueva, el artivismo es una actividad que se realiza desde hace tiempo, pues el arte, en infinitas ocasiones ha servido como plataforma y herramienta de expresión para realizar cambios importantes en la sociedad.

En especial en tiempos donde la libertad se hallaba reprimida, como lo han sido las luchas independentistas, la búsqueda incansable por la democracia, o la demanda por el respeto a los derechos humanos.

La represión a la que el humano ha estado sujeto a lo largo de nuestra historia ha provocado precisamente una necesidad de expresión, y el arte, aparte de buscar una estética o de servir para el escape de la realidad en forma de entretenimiento, tiene como función informar, educar, y a la vez, posee la habilidad de mover las masas y de impactar de manera colectiva a la sociedad.

Todo esto con el fin de lograr un cambio favorable deseado, o llanamente, crear conciencia sobre un tema que afecta a la humanidad.

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Si alguna vez has pensado que el arte no es algo necesario, y que sólo se trata de un capricho, te animo a que sigas leyendo. Descubrirás que el arte es la pieza clave de la cultura, y la importancia y beneficios del arte que aporta a nuestras vidas.

Todes los que se dedican a realizar algún tipo de actividad artísticas, ya sea profesionalmente o como hobby, son plenamente conscientes de su importancia y su impacto en la sociedad.

El arte existe en la sociedad desde el principio de los tiempos, nace a la vez que el ser humano, y le acompaña a lo largo de toda su existencia. A través de las diferentes épocas históricas.

Importancia y beneficio del arte 07

Cuando se está en contacto con una obra artística, sea del tipo que sea, musical, literaria, pintura… se trata de comprenderla, de interpretar lo que se quiere transmitir. El arte enseña a ver diferentes tipos de realidades, traslada a otros tiempos y otros mundos.

Nos provoca empatía y nos hace sentir emociones: el arte nos sensibiliza y nos hacer querer ser mejores.

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Frida Kahlo Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, ​ conocida mundialmente como Frida Kahlo, fue una pintora mexicana reconocida como un icono pop de la cultura de México.​Su obra gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento.

Muchos quisieron ver en su obra un primitivismo cercano a Rousseau, y desde luego se percibe esa ingenuidad e infantilismo naïf del francés, aunque Kahlo, como Rivera buscaron siempre mostrar un exaltado nacionalismo, un arte que expresara la afirmación nacional mexicana.

Autoretrato a León Trotsky Su condición de mujer también fue principal en su obra. Rompiendo tabús sobre el cuerpo y la sexualidad femenina siempre buscó con su trabajo alejarse de lo que podría hacer una mujer de su época y se mostró dura, excesiva, violenta, activa… Es por ello una especie de símbolo del feminismo en el arte.

Autorretrato con monos

Al igual que Dalí, la Kahlo creó el personaje de Frida, con su forma de vestir y arreglarse, con vestimentas y abalorios indígenas, su negativa a depilarse cejas y bigote y su pasión por la cerveza.

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Según la propia artista, usó la simbología de los colores para su obra: El verde: luz tibia, buena; marrón: hoja que va a la tierra, color del mole; amarillo: locura, miedo y enfermedad, pero también algo del sol y de la alegría; azul cobalto: electricidad, amor y pureza; negro: nada es negro; hojas verdes: tristeza, ciencia; amarillo verdoso: locura y misterio, los fantasmas usan trajes de ese color; verde oscuro: color de buenos negocios y malos anuncios; azul marino: distancia, aunque también la ternura puede ser de ese color.

El tiempo vuela

Unos cuantos piquetitos

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Diego y yo

Camile Pissarro Jacob Abraham Camille Pissarro, mucho más conocido como Camille Pissarro fue uno de los miembros más prominentes del impresionismo y co-fundador del grupo, uno de los «padres del impresionismo», encargado de pintar la Francia rural Paisajista sobre todo, pintó al aire libre, como es de esperar en un barbudo miembro del grupo y pintó la luz, el instante, la atmósfera, la impresión…

Fue también una figura importante como mentor. Entre sus discípulos hay que contar nada menos que a Paul Cézanne o Paul Gauguin, con quien no tuvo muy buena relación al final.

Pissarro nació en las Antillas, que en esos años pertenecían a Dinamarca, por lo que tuvo nacionalidad danesa durante toda su vida. Su obligación familiar era ayudar en el comercio de sus padres, pero en sus momentos libres se dedicaba a dibujar, y al final eso era lo que quería hacer todo el tiempo.

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En París estudió arte y descubrió a Millet, Courbet y Corot, descubriendo además lo que amaba la vida rural. En esos años de aprendizaje conoció a sus colegas impresionistas y se unió allos.

Desde entonces se le considera, junto con Monet y Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los «problemáticos» (Degas, Cézanne).

En lo ideológico, Pissarro fue un activo anarquista.

Vivió en Londres varias veces, nutriéndose del arte de Turner y Constable, y vivió 73 años, en los que su barba creció como su talento.

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Su verdadero nombre era Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez.

Muy joven viaja a París, entrando en contacto con la vanguardia y artistas como Pablo Picasso o Paul Cézanne, que lo introducen en el cubismo.

Diego Rivera fue uno de los grandes muralistas latinoamericanos del Siglo XX. La cultura mexicana siempre estuvo presente en su obra, incluso cuando se «contamina» de Europa en sus viajes al París de las vanguardias.

Su obra influyó a cientos de artistas y su vida sigue fascinando hoy por su irreverencia en lo político, su legendario hedonismo y un inexplicable atractivo para las mujeres.

Quizás, la mujer de su vida fue Frida Khalo, con la que se casó (2 veces).

Diego Rivera 13

Marxista (algo evidente en su obra) tuvo problemas en sus viajes a Nueva York al incluir el retrato de Lenin en el mural que pintó para el Rockefeller Center, que en principio era una oda al capitalismo. La obra sería destruída (hoy hay una réplica en el Palacio de Bellas Artes de Mexico DF).

Su obra, de enorme eclecticismo, chupó de todo el arte occidental y también del precolombino (el gusto por la pintura mural, sin ir más lejos). Destaca por su monumentalidad, para poder comunicarse mejor con las masas populares. Es evidente su ideología revolucionaria, y su obra es pura propaganda, sin connotaciones peyorativas.

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Félix Torres Gonzáles

Cubano de nacimiento, Félix González-Torres, ya desde edad temprana fue un culo inquieto. A los 13 años se traslada a España y, a mediados de los 70, se instala en Puerto Rico, donde estudia Arte para, a finales de esta década, marcharse a Nueva York. En 1987 se unió a Group Material, un grupo de artistas practicantes

del activismo cultural y, así, los agitados años 80, lo encontraron radicado en la gran ciudad donde, como bomba de relojería —latino, gay y marxista— explotó.

González-Torres manejó como pocos el arte de decir mucho con casi nada y, más difícil todavía, el público lo adora. Bombillas que se van apagando, relojes que se desincronizan, montañas de caramelos que aparecen y desparecen son, en manos del artista, alegorías de la muerte, el luto y la ausencia, pero, también, una posibilidad de existir para siempre. Temas que nos tocan a todos tratados a través de objetos

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manufacturados, vulgares, que, en su obra, se tornan otra cosa.

No nos confundamos, la obra de este cubano no es sensiblera. Habla alto y claro, denuncia, es arte político de altura, pero presentado de una manera sensible, cercana y poética. Quizás, su trabajo más conocido se relaciona con la visibilización de la realidad homosexual de las décadas de los 80 y 90 en Estados Unidos donde, una ya legendaria doble moral, negaba las muertes por SIDA. La pertinencia de su obra en ese momento la encumbra, al tiempo que, el modo en que la evidencia, la mantiene vigente. Ironía y genialidad en piezas de naturaleza efímera.

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Em Niwa, una artista y tatuadora de Australia, que crea ilustraciones trascendentales y psicodélicas.

El trabajo de Niwa está basado en la ilustración y combina una variedad de escenas encantadoras para hacer su cuerpo total de trabajo. Em Niwa crea muchas imágenes poderosas de las mujeres, variando en las diferentes escenas que se desarrollan. Estas mujeres varían de guerreras a reinas, a chicas jóvenes agarrando a un tigre o sosteniendo una mariposa.

Su trabajo encarna a mujeres audaces, a la vez que abarca una paz trascendental y paciencia en general. Niwa une a estas mujeres con la belleza general de la tierra natural. El trabajo de Niwa toca un lugar mágico, con su uso de noches estrelladas o temas vívidos de la selva. Otro aspecto único del estilo de Niwa es su uso de colores psicodélicos.

Em Niwa

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En algunas de sus ilustraciones, ella jugará con docenas de colores diferentes en la pieza, usando colores brillantes y de neón. A veces, sin embargo, su trabajo se pega a un color, variando y sombreando con diferentes versiones del tono de color. El trabajo de Niwa es un reflejo del empoderamiento femenino y anima a la mente a ver el mundo de una manera diferente. Sus paisajes

se balancearán entre ser profundo y magnífico en detalle, a la pieza simple ocasional que crea un tema más de dibujos animados y delicados. Niwa se centra mucho en sus ilustraciones, y viaja desde el diseño digital a las pinturas también. Su obra encarna la belleza que se puede ver en la naturaleza mientras imagina la delicada fuerza de las hembras que crea.

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Gustav Klimt, el más célebre artista austriaco de esos tiempos (la fama de Schiele sería póstuma) y a la vez el más refinado, complejo y hermético. Eran años en los que Viena estaba empezando su decadencia como capital artística mundial, pero Klimtbrilló por su estilo entre el Simbolismo y el Art Nouveau.

Sus obras, cargadas de sensualidad, tienen un estilo pictórico absolutamente ecléctico y cada vez están más

Gustav Klimt cargadas de abstracción y plásticas innovadoras como sus extraños puntos de vista, cortes poco habituales y un valor expresivo de la línea que anuncia el expresionismo posterior.

Nació en la época dorada del Imperio austrohúngaro (la edad de oro de la seguridad burguesa), que cuidaba ante todo a sus artistas. Se formó en Viena, muy interesada en la promoción de las artes decorativas, y se codeó con artistas, arquitectos y artesanos.

Antes de cumplir los 30, Klimt era ya

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uno de los artistas más prestigiosos de Viena pero a finales de siglo entra en la Secesión (el modernismo vienés) muy interesada en todas las disciplinas creativas europeas y muy hostil con el arte académico oficial. Por ello perdería cierta seguridad económica.

Nunca se casó, pero tuvo bastantes hijos (al menos 14). Las mujeres (preferiblemente pelirrojas) eran musas, amantes y catalizadores del simbolismo de Klimt. Símbolos de la vida y de la muerte; amenazantes y seductoras al mismo tiempo (las conocidas como femmes fatales). En este sentido su obra se calificó de «pornográfica» por su lenguaje abiertamente sexual. Por esa época, por cierto, andaba el Dr. Freud por Viena.

Su pintura es extremadamente ornamental: abunda el oro propio del arte bizantino (era hijo de un grabador de oro), los motivos geométricos y la sensualidad con un exquisito equilibrio entre líneas curvas y rectas.

En su vida privada vestía con sandalias y túnica. Se obsesionaba artísticamente

con las mujeres que posaban para él y acabaría teniendo aventuras con muchas de ellas, desde damas de la alta sociedad a prostitutas. Tras su muerte por neumonía hubo 14 demandas de pensiones alimenticias.

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identificamos hoy en día, pasando por el inevitable influjo del impresionismo.

Tras superar las investigaciones impresionistas, Van Gogh y un puñado de otros amigos experimentadores (Gauguin, Cezanne, Toulouse-Lautrec…) crearon un nuevo estilo, que a falta de un nombre mejor se dio en llamar postimpresionismo. Los colores vivos (y muy matéricos), el abandono del naturalismo, las formas que parecen moverse o caerse… Todo ello fue fruto de una evolución artística lógica más que de los delirios de un demente.

La verdad es que Van Gogh sufrió siempre de depresiones e incluso intentó suicidarse varias veces. Es cierto que se cortó la dichosa oreja (el lóbulo en realidad), que contrajo una sífilis que dañó todavía más su cerebro, que se comía su pintura con plomo, que bebía absenta hasta quedar inconsciente, que sus relaciones sociales y sentimentales fueron desastrosas, que olía fatal, que fue un mantenido por su hermano Theo, que fue internado en psiquiátricos y que acabó pegándose un tiro en el pecho con una escopeta…

Pese a su fracaso comercial (más condicionado por su personalidad anti-comercial que por su arte) Van Gogh se codeó de tú a tú con los mejores artistas de su tiempo y gozó de su amistad y admiración. Incluso después de su muerte fue admirado y sigue siéndolo.

Su pintura es emocionante y atemporal, brutalmente sincera y muy popular (los profanos en la materia y los niños captan perfectamente la expresividad de su obra).

Muy fresca y espontánea (llegó a crear frenéticamente dos o tres cuadros al día), se percibe en su obra la necesidad imperante de pintar.

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Vincent Van Gogh Unos 900 cuadros, más de 1600 dibujos… Y eso que Van Gogh empezó su carrera seria de pintor relativamente tarde (32 años). Eso sí… Desde entonces no pararía de pintar a un ritmo frenético durante 5 años, hasta su trágica muerte.

Mucho se ha hablado de su turbulenta vida y de su locura, de la famosa oreja y de su carácter intratable. Sin embargo, y por mucho que se especule, su arte era de lo más lúcido. Van Gogh no pintaba así por «estar loco», no veía las cosas así (eso sería genial!) sino que fue un audaz experimentador y todo un erudito en la historia del arte.

Paradigma de pintor atormentado, de genio solitario que no vendió ni un miserable cuadro en vida (hoy su obra tiene un valor incalculable), es verdad que tenía serios trastornos psiquiátricos, pero lo cierto es que fue un pintor muy de su tiempo, que evolucionó de la monocromía típica de la pintura holandesa y del realismo de sus ídolos Millet o Rembrandt, al arte colorido con el que lo

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Pierre Auguste Renoir Pierre-Auguste Renoir fue uno de los pintores del grupo impresionista, centrado a diferencia de la mayoría de sus colegas paisajistas, en la figura humana. En concreto, la figura humana femenina. Y más en concreto aún, en la figura humana femenina desnuda. Aunque cierto es que ubicaba estos desnudos en paisajes, y eso da como resultado un impresionismo ornamental, sensual, hedonista.

De hecho, Renoir gustaba del rococó y su rollo picarón y hedonista. Siguió siempre la tradición, adaptándola a los nuevos tiempos de pinceladas sueltas y pintores barbudos y nunca dejó de pintar la alegría de vivir, siempre diversión, siempre fiesta.

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Empezó pintando abanicos y persianas o coloreando escudos de armas. Un buen día se pasó a los retratos. Aprobó el ingreso a Bellas Artes y sacó todo sobresalientes en la escuela. Ahí conoció a los que serían compañeros de profesión y movimiento: Claude Monet, Frédéric Bazille y Alfred Sisley… a menudo iban a pintar juntos al aire libre.

Fueron tiempos de felicidad y creatividad, pero también de miseria. No tenía ni una moneda. Suerte que contó con la ayuda de sus amigos siempre que estos podían, y además justo entonces se abrió el famoso Salón de los Rechazados,

en donde nació el arte moderno y la pintura de Renoir empezó a ser más valorada.

Poco a poco consiguió vender bastantes retratos que terminarían convirtiéndose en su principal fuente de ingresos y conoció a su primera musa, Lise Tréhot. Modelo y amiga, se convirtió en el canon de belleza femenina para el pintor.

Después vendrían Anne, Angèle, Margot… y una joven de mejillas redondas y nariz respingona que aparece en sus cuadros más famosos: Aline Charigot.

Auguste, de 40 años, y Aline, de 20, se enamoraron.

Fue la felicidad absoluta para el artista: una discreta salud, bastante dinero y demasiado amor…

Fama internacional, francos para comprar tubos y pinceles y sol para pintar al aire libre… Todo iba bien.

Sin embrago en este periodo de madurez, se sentía a veces inseguro. Había momentos en los que dudada de la calidad de su arte, y acabó abandonando su estilo típico (pincelada temblorosa para las vibraciones de la luz y de la sombra) y se volvió más sereno y estable.

Su obra desprende alegría de vivir. Vida.

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de Arte de Moscú y más tarde de la mano del impresionante Ilyá Repin, el llamado Rembrandt ruso, en la ciudad de San Petersburgo.

En el taller de Repin no sólo aprende pintura sino que además conoce a los jóvenes pintores, como a Jawlensky, con quien abordará vida y proyectos artísticos. Por esa época recibe buenas críticas y la vida le sigue sonriendo hasta que un aciago día de cacería (es lo que tiene pertenecer a la rancia nobleza rusa) sufre un accidente que le deja como recuerdo una deformidad en la mano derecha.

En 1896 se muda a Munich con Jawlens-

Marianne von Werefkin es una de las grandes representantes del expresionismo. Se podría decir que nació con estrella, al hacerlo en el seno de una familia perteneciente a la nobleza rusa, pero su suerte también sería su desgracia.

Rica de nacimiento y con una madre interesada en las bellas artes, su más prematura inclinación hacia pintura se vio estimulada por ella y reforzada por los mejores instructores. Primero en la Escuela

Marianne Von Werefkin 25

esas nuevas ideas. Quizás piensa en la mujer para esa tarea, porque en realidad piensa en sí misma. Por un lado por las grandes inquietudes intelectuales que tenía, (Kandinsky no respetaba a nadie como a ella para debatir de abstracción y es probable que haya ayudado a conformar parte de las ideas del pintor en su ensayo De lo espiritual en el arte). Por otro lado la lesión en la mano y su frustración como pintora debieron de ser ambos acicates para crear esa idea de la mujer como mediadora e impulsora de las ideas artísticas.

ky, en esta época la ciudad era un hervidero cultural y muchos artistas decidían instalarse allí. Marianne creó un centro cultural en su salón, en el que pintores, músicos, escritores y gentes de la cultura se daban cita. Marc, Kandinsky o Gabrielle Münter, fueron asiduos y con ellos formaría parte del grupo expresionista Der Blaue Reiter. Impulsora incesante del arte, ya había creado en 1891 La Asociación de Artistas de San Petersburgo, en 1909 la Nueva Asociación Artística de Munich y más tarde en Suiza, La Osa Mayor en 1924.

En una época en la que se produce una revolución en los lenguajes artísticos, Marianne considera que ante la disonancia que se genera entre el público y los artistas, la mujer debe ser la portavoz de

Con el estallido de la Primera Guerra Mundial se traslada a Suiza con Jawlensky, hasta que se separan en 1921. Permanecerá en Ascona hasta su muerte, allí se dejará seducir por los paisajes con un lenguaje expresionista que también bebe de su viaje a Francia y su admiración por los nabis y los fauves.

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Holly Warburton Con una paleta cálida y saturada y marcas pictóricas, la visión de Holly Warburton en la vida cotidiana es como mirar por la ventana de un vaporoso autobús nocturno. Basado en Bath, el ilustrador y animador siempre se ha sentido atraído por el bosquejo observacional; llenando los libros con momentos y caras fugaces. Mientras estudiaba Ilustración y Animación en la Universidad de Kingston, Holly comenzó a añadir movimiento a sus dibujos y trabajar

digitalmente. Aunque cambia entre pinceles reales y digitales, su marca sigue siendo la misma, creando capas sobre capas de trazos suaves que hacen que los árboles aleteen como pelos.

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Pintando en una tableta a la David Hockney, añade profundidad y textura para crear un ambiente melancólico o nostálgico. “Es difícil identificar la sensación exacta

que produce, pero es un sentimiento familiar y reconocible”, dice a It’s Nice That.

Esta familiaridad puede deberse a tener sus raíces en los recuerdos, momentos reales que Holly trae de vuelta a la vida de sus cuadernos de bocetos. “Son algo que he presenciado en la vida real. Por ejemplo, una pareja abrazada o una figura solitaria que pasa por una calle por la noche”, dice. Una de esas piezas, Sisters, fue una escena que la cautivó cuando viajaba en el metro.

Tomando estos momentos adelante en piezas terminadas, gran parte de este proceso se reduce a su paleta: “el color juega un papel importante en el estado de ánimo y la sensación del trabajo”, señala. Manteniendo sus pinceles translúcidos y ligeros, Holly evita la planeidad con el fin de construir ca-

pas y sombras.

Esto es más obvio en su proyecto actual, una serie de ilustraciones digitales tituladas Spirit Hold, en progreso mientras ella es una artista residente en Mendip rural, Somerset. Entre la tranquilidad del campo, Holly ha estado creando imágenes etéreas y anhelantes. “Representan figuras fantasmales en vastos espacios naturales”, dice, “estoy disfrutando jugando con la vaguedad del sentimiento y el misterio de lo que está sucediendo en las imágenes”, continúa.

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Remedios Varo 29 Remedios Varo fue una pintora y escritora española perteneciente a la generación del 27 y afín al movimiento surrealista. Anglès no sólo fue su lugar de origen, sino también la materia prima y aporte de la substancia enigmática que recorrerá toda su producción artística.

La influencia paterna marcará su impronta con las enseñanzas de dibujo técnico, mientras una síntesis entre simbolismo, surrealismo y fantasía, junto a las teorías freudianas acerca de la complejidad del inconsciente, alimentarán la originalidad de una obra rica en detalles y

sugestiones. Sin duda, no podemos obviar a pintores como Goya, El Greco o El Bosco, claras constantes en la obra de Remedios, al igual que la literatura de Edgar Allan Poe o de Julio Verne.

Hasta el momento del exilio definitivo impuesto por la invasión nazi de París durante la Segunda Guerra Mundial, debemos destacar el empleo de una figuración con tintes escabrosos próxima a la estética de su contemporáneo Óscar Domínguez. Posteriormente, se decantará en favor de una iconografía más cercana al terreno de lo fabuloso –incluyendo la alquimia y el esoterismo–.

Haber pertenecido al grupo surrealista durante la estancia en París, junto el resto de influencias estéticas y personales, determinará la plena

configuración de un lenguaje propio y de vanguardia, en consonancia al carácter independiente de la mujer que fue.

Si hubiera de haber una característica, una sola palabra con la que aunar la obra y la forma de estar en el mundo de Remedios Varo, por recurrente que pueda sonarnos, sería, sin lugar a dudas: libertad.

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