PERSONAL DE LA ORQUESTA
Violín I
Isabella Lippi
Concertina
Eleanor Bartsch** Concertina asociada
Gerald Loughney
Kate Carter
Eric Pidluski
Joseph Malmquist
Susan Carlson
Carol Dylan
Helen Kim Lee
Wendy Evans
Carmen Abelson
Jennifer Leckie
Violín II
Daniela Folker
Principal
Robbie Herbst Principal adjunto
Caroline Slack
Maria Arrua
Susan Thorne
Steve Winkler
Cristina Buciu
Elizabeth Huffman
Kelvin Lin
Meg Lanfear
Kathryn Siegel
Viola
Rebecca Swan
Principal
Loretta Gillespie
Principal adjunta
Josef Fischer++
Jason Butler
Erin Rafferty
Sava Velkoff
Susan Posner
Violonchelo
Matthew Agnew
Principal
Nazar Dzhuryn
Principal adjunto
Kerena Fox
Mark Kuntz
Robert Weber
Elizabeth Start
Sara Sitzer
Controbajo
Timothy Shaffer** Principal
Jeremy Attanaseo
Principal adjunto
Susan Sullivan
Greg Heintz
Jason Niehoff
Adam Attard++
**En Licencia 2024-2025
++Sustituto de Temporada
Flauta
Jean Bishop
Principal
Scott Metlicka
Piccolo
Scott Metlicka
Oboe
James Kim
Principal invitado
Joseph Claude
Corno inglés
Joseph Claude
Clarinete
Gene Collerd
Principal
Trevor O’Riordan
Fagot
Vincent Disantis
Principal Collin Anderson
Trompa
Greg Flint
Principal
Steven Replogle
Sharon Jones
Mary BuscanicsJones
Trompeta
Ross Beacraft
Principal
Michael Brozick
David Gauger
Assistant Principal
Trombón
Reed Capshaw
Principal
Adam Moen
Trombón bajo
Mark Fry
Tuba
Charles Schuchat
Principal
Timbales
Robert Everson
Principal
Percusión
Brian Oriente
Principal
Michael Folker
Arpa
Lillian Lau
Principal invitada
Directores de escena David Goldman y Eric Block
Músicos adicionales
Violín I & II
Sam Battista, Julia Evans,
Betty Lewis, Erik Liljenberg, Pamela Lutter, Jinty McTavish, Joanna Nerius, Andrea Tolzmann, Sherri
Zhang
Viola
Becky Coffman, Mark Djordjevic, Roz Green, Kelly Larson, Nick Munagian, Jacqueline Scavetta Violonchelo
Richard Yeo
Contrabajo
Doug Johnson, Lauren Pierce
Flauta
Eliza Bangert, Eliza Chu
Oboe
Will Stevens, Hannah Fusco
Clarinete
Barbara Drapcho, Michael Tran
Fagot
Josh Fleming, Karl Rzasa
Trompa
Dan O’Connell, Peter Jirousek, Emma Sepmeier, Renée Vogen
Trompeta
Christian Anderson, Matt Lee Trombón
David Becker
Timbales
ADMINISTRACIÓN
Director Ejecutivo, Marc Thayer
Vicepresidente de Planificación y Operaciones Artísticas, Eric Gaston-Falk
Director de Marketing, Chuck Kocal
Directora de Desarrollo, Leslie Antoniel
Bibliotecario de Orquesta y Gerente de Marketing Digital, Macauley Manzano
Gerente de Personal de Orquesta y Asociaciones Comunitarias, Greg Heintz
Responsable de Atención al Cliente y Oficina, Luiza Moraes
Gerente de Relaciones Públicas, Donna Lake
Gerente de Desarrollo Corporativo, Betty Briceño
Coordinador de Desarrollo, Jonathan Horn
Coordinadora del Programa In Harmony, LaTrisha Williams
Asistente de Taquilla, Nicolas Urich
Traductora, Elsa Jiménez
Joseph LaPalomento Percusión
Tina Laughlin, Richard Janicki
Arpa
Julie Spring rgano
Jeff Neufeld
DIRECTOR MUSICAL
Chad Goodman ha recibido elogios generalizados por su emocionante dirección que combina "precisión, agilidad y fervor" (N. Stanić Kovačevic, South Florida Classical Review) y por mostrar la "combinación perfecta de abandono y sutileza" (L. Budman, South Florida Classical Review). La temporada 2024/25 marca la 2ª temporada de Goodman como director musical de la Orquesta Sinfónica de Elgin, solo el quinto líder en las prestigiosas siete décadas de historia de la orquesta. Los conciertos con ESO incluyen la Sinfonía n.º 6 de Tchaikovsky; el Concierto para violín de Beethoven con Stella Chen; la Sinfonía n.º 5 de Sibelius, junto con el Con-cierto para violín de Tchaikovsky, interpretado por Samuel Vargas; y la obra maestra de Holst, Los Planetas. Goodman tiene una licenciatura en música de la Eastman School of Music y una maestría en música de la Universidad Estatal de San Francisco. Sus mentores incluyen a Michael Tilson, Thomas y Alasdair Neale.
ARTISTA INVITADO
El Elgin Master Chorale (EMC) es una piedra angular cultural de Elgin y del Valle de Fox. Bajo la dirección del Director Musical Andrew Lewis, el EMC está compuesto por aproximadamente 90 cantantes adultos, admitidos solo por audición, que comparten una pasión por las obras maestras corales y otros repertorios corales de calidad. El EMC fue formado en 1947, bajo el nombre de Elgin Choral Union, cuando cantantes de quince coros locales se unieron para interpretar el Réquiem Alemán de Brahms. El EMC crea colaboraciones con organizaciones locales de artes escénicas como la Orquesta Sinfónica de Elgin, el Cuarteto de Cuerdas Maud Powell, Chamber Music on the Fox, Ballet Folklorico Huehuecoyotl, el Coro de la Segunda Iglesia Bautista y muchos otros que elevan y energizan la comunidad.
El EMC produce un concierto anual de divulgación educativa, gratuito, para estudiantes de cuarto a sexto grado del área, creado específicamente para su participación, educación y disfrute artístico. De esta manera, los estudiantes del área aprenden a valorar las artes como una parte integral de su crecimiento y como un camino para alcanzar su máximo potencial.
El EMC realiza muchos conciertos gratuitos cada año en la Biblioteca Pública Gail Borden, en la observancia del Día de los Caídos en Elgin y en la Ceremonia de Reconocimiento a los Nuevos Ciudadanos del Concejo Municipal de Elgin. Celebraciones cívicas como estas inspiran y unen a la comunidad, y son especialmente significativas para los miembros. El EMC, en su 78ª temporada, se enorgullece de su rica historia, cantantes dedicados y su impulso por sobresalir. El EMC ha crecido desde sus valiosas raíces como una "unión" de coros y está dedicado a la misión de ser el principal conjunto vocal en el Valle de Fox.
Escrito por - Daniel Maki
Lontano
György Ligeti (1923-2006)
El siglo XX fue, sin lugar a dudas, el periodo más revolucionario en la historia de la música, presentando a los compositores una vasta y a veces desconcertante gama de estilos y técnicas de los cuales elegir. Un sentido de esta diversidad puede obtenerse simplemente con una lista de algunos de los "-ismos" de la época, como el impresionismo, el expresionismo, el neoclasicismo, el serialismo y el minimalismo. Si bien los compositores intentaron escapar de las ortodoxias del pasado, la vanguardia presentó sus propias ortodoxias rígidas. Sería difícil nombrar a alguien que ilustre más claramente el dilema al que se enfrentaban los compositores que el compositor húngaro György Ligeti. El propio Ligeti resumió de manera concisa el problema: “Debemos encontrar una manera de no regresar ni continuar con la vanguardia. Estoy en una prisión: una pared es la vanguardia, la otra pared es el pasado, y quiero escapar”. Ligeti, de hecho, escapó, y al encontrar su propia voz única, se convirtió en una de las mentes musicales más importantes y originales de la segunda mitad del siglo XX.
Nació en Transilvania, que en ese momento formaba parte de Rumanía pero pronto sería recuperada por Hungría. Su familia era de judíos húngaros altamente educados, incluyendo un abuelo pintor y una prima, Agnes Heller, filósofa respetada. También estaba emparentado lejanamente con el eminente violinista y pedagogo Leopold Auer. La Segunda Guerra Mundial tendría un efecto devastador en su vida. Su educación musical, que había comenzado en el conservatorio local, así como con lecciones privadas en Budapest, fue bruscamente interrumpida cuando, en 1944, fue reclutado para una brigada de trabajo forzoso. Cuando los nazis tomaron el control, comenzaron las deportaciones a campos de concentración, pero de alguna manera Ligeti pudo escapar. Lamentablemente, su familia no tuvo tanta suerte. Su padre, hermano, tío y tía murieron en los campos. Milagrosamente, su madre sobrevivió.
Después de la guerra, Ligeti se inscribió en la Academia de Música Franz Liszt en Budapest y, tras graduarse, fue nombrado
profesor de teoría musical en la facultad. Al mismo tiempo, realizaba investigaciones musicológicas sobre la música folclórica húngara y componía principalmente música coral. En su propia música, fue comprensiblemente influenciado por el gran compositor modernista húngaro Béla Bartók. El nuevo régimen comunista impuso severas restricciones sobre el tipo de música que se podía escribir, y dos meses después de la supresión comunista de la Revolución Húngara de 1956, huyó a Viena, convirtiéndose finalmente en ciudadano austriaco. Después de haber estado aislado del occidente, ahora era libre para explorar las técnicas musicales más nuevas. Inequívocamente, llegarían a él las ciudades de Darmstadt y Colonia en Alemania, que se habían convertido en centros del modernismo musical de vanguardia, dirigidos por compositores como Karlheinz Stockhausen y Pierre Boulez. Allí aprendería las técnicas más recientes de música atonal y electrónica, pero también desarrollaría un escepticismo saludable hacia la noción de métodos sistemáticos para la composición. “No me gustan los gurús,” dijo en una ocasión.
Finalmente desarrolló un estilo ecléctico que tomaba prestado de estilos tan diferentes como el romanticismo del siglo XIX y la música coral del Renacimiento. También lo influenció la música no europea, incluida la de África, Asia y el Caribe, sin mencionar el jazz estadounidense. Su estilo único, lleno de un puro deleite por el sonido y la exploración de nuevas texturas y patrones sonoros, le otorgó renombre internacional. Su música llegó a la cultura popular a través del cine. Stanley Kubrick era un fanático de su música y la usó en sus películas 2001: A Space Odyssey, The Shining y Eyes Wide Shut.
Lontano fue escrita en 1967 y se ha convertido en una de las obras más interpretadas de Ligeti. Emplea la técnica que él llamó "micropolyphony", una superposición de muchas líneas diferentes que se mueven en ritmos distintos para crear una textura densa de sonido. El crítico Alex Ross ha dicho que la obra tiene el carácter de un objeto oculto, o de un paisaje onírico “en el cual el sonido se convierte en una superficie tangible.” Lontano es la palabra italiana para "distante", y la obra ciertamente crea una atmósfera de remota extrañeza. Se utilizaron partes de Lontano en la película The Shining de Kubrick, así como en Shutter Island de Martin Scorsese.
Sinfonía No. 31 en Re mayor, K. 297, “Paris”
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-91)
Mozart ya había estado en París antes, primero como un prodigio de siete años en un viaje que sus padres habían planeado para mostrar la extraordinaria precocidad de Wolfgang y su hermana mayor, Maria Anna. Ese viaje fue un gran éxito, ya que los jóvenes fueron mimados y adorados en varias capitales europeas por reyes, reinas y aristócratas de todo tipo. Este viaje de 1778 sería diferente. El compositor de veintidós años viajaba con su madre, que estaba en mala salud, y buscaba algo que, lamentablemente, nunca encontraría: una posición segura y estable que estuviera a la altura de su enorme talento. Aunque sus intentos de encontrar patrocinio en las casas aristocráticas fracasaron, el viaje no fue del todo una pérdida. Joseph Legros, director del famoso Concert Spirituel, una de las series de conciertos más antiguas de Europa, lo invitó a escribir una sinfonía que se interpretaría el día del Corpus Christi, el 18 de junio de 1778.
A pesar de haber desarrollado un gran desdén por la vida musical francesa, se puso a trabajar de inmediato y produjo una sinfonía que lo complació. Pero, ¿le gustará al público? Como escribió en una carta a su padre: "A decir verdad, no me importa mucho... Los pocos franceses inteligentes que haya allí lo disfrutarán... En cuanto a los estúpidos, no veo que sea una gran desgracia no agradarles."
De hecho, hizo esfuerzos considerables para adaptarse a los gustos franceses y, a pesar de un ensayo general desastroso de lo cual dijo, "Nunca he oído nada peor en mi vida", el concierto fue un éxito.
Los franceses estaban acostumbrados a comenzar una obra con lo que se llamaba el premier coup d'archet (literalmente, “primer golpe de arco”), es decir, varios acordes tocados fuertemente en unísono por toda la orquesta. Mozart se burló de esta tradición: "¡Qué alboroto hacen estos bestias! Es una broma." Sin embargo, cumplió con el deber y proporcionó lo que podría llamarse casi una parodia de la práctica, cuatro acordes estruendosos que ciertamente atraen la atención, especialmente cuando son interpretados por la orquesta más grande que él haya utilizado. (La gran sección de vientos incluye trompetas, trompas y, por primera vez, clarinetes, un instrumento que se volvería muy importante en su obra).
Como si esos acordes no fueran lo suficientemente emocionantes para el gusto francés, Mozart añadió un truco inventado por su orquesta favorita, la Orquesta de Mannheim. Este es una brillante y rápida escala ascendente llamada "cohete de Mannheim", sin duda una forma explosiva de comenzar un movimiento. (Por cierto, el grupo de Mannheim también se hizo conocido por otros gestos musicales, incluyendo el “crescendo de Mannheim”, un espectacular crescendo para toda la orquesta). Estos efectos emocionantes se repiten varias veces y establecen un tono de brillantez y audacia a lo largo del primer movimiento, aunque también hay un tema delicado en el segundo, lleno de filigranas rococó.
Una interesante visión del comportamiento del público de la época es proporcionada por las descripciones de Mozart. No solo aplaudían entre movimientos (a veces exigiendo un bis), sino también durante la música misma. En una carta a su padre dice: "En medio del Allegro inicial hubo un pasaje que sabía que les gustaría; todo el público se emocionó, y hubo un gran aplauso. Pero sabía cuándo lo escribí qué tipo de efecto tendría, así que lo introduje nuevamente al final, con el resultado de que lo pidieron en bis." Los estudiosos han conjeturado durante mucho tiempo cuál podría ser ese pasaje, hay varias posibilidades llamativas. Invitamos a nuestra audiencia de Elgin a hacer su propia suposición, pero por favor, nada de aplausos.
El segundo movimiento es un gracioso Andantino con las maderas complementando las melodías de cuerdas. Este es el único movimiento que no recibió la aprobación de Monsieur Legros, quien pidió a Mozart que escribiera una nueva versión para la segunda interpretación, solicitud que Mozart aceptó. Los estudiosos discuten sobre cuál versión fue la primera.
A diferencia de tantas sinfonías del periodo clásico, esta no tiene un minueto como tercer movimiento, sino que pasa directamente al final. El público esperaba que el final comenzara con acordes bombásticos similares a los del primer movimiento, pero Mozart juega un truco inteligente, que describe así: "Comencé solo con violines, piano, durante las primeras ocho compases, seguidos inmediatamente por un forte; el público (como esperaba) dijo ‘Shh’ al piano, y luego vino el forte. En cuanto oyeron el forte, empezaron a aplaudir."
Para mencionar otra característica de este maravilloso movimiento, en el medio Mozart emplea un contrapunto complejo, casi bachiano, que probablemente pensó que apreciaría el
supuesto grupo de oyentes inteligentes. El exuberante movimiento salió tan bien que, como él dijo, “Estaba tan feliz que, en cuanto terminó la sinfonía, me fui al Palais Royal, tomé un gran helado, recé el rosario como había prometido, y luego me fui a casa.”
Desafortunadamente, debe añadirse que la madre de Mozart murió poco después de esa interpretación, lejos de su amada casa en Salzburgo.
* * *
The Planets
Gustav Holst (1874-1934)
En estos tiempos, cuando las imágenes del espacio exterior llenan nuestras pantallas de cine y la frase “¿cuál es tu signo?” es parte de nuestro vocabulario, The Planets de Gustav Holst, estrenado en Londres en 1918, parece no solo profético sino aún sorprendentemente actual. Si la imitación es la forma más sincera de adulación, The Planets ha sido muy elogiada, sirviendo como materia prima para muchos compositores de Hollywood en busca de efectos celestiales "extravagantes". A pesar de su apellido de sonoridad germánica (la familia de su padre era sueca), Holst era muy inglés y estuvo fuertemente influenciado por la música folclórica inglesa. Tenía una mente visionaria y muchos intereses no musicales, incluyendo temas arcanos como la literatura sánscrita y la astrología, los cuales ocasionalmente encontraron expresión en su música.
The Planets es, en efecto, una serie de poemas sinfónicos, cada uno representando un planeta con su significado astrológico. Cada movimiento tiene su propio carácter y no hay conexión temática entre ellos. Aunque la música es obviamente descriptiva de alguna manera, Holst negó que estuviera escribiendo música programática. Brilliantemente orquestada para una orquesta muy grande de proporciones straussianas, The Planets se ha convertido en un fenómeno "transversal", haciendo que muchos fanáticos del rock intercambien guitarras por la espectacular sonoridad de una orquesta sinfónica completa.
La música abarca una gran variedad de estados de ánimo, y en ese sentido es interesante notar cómo la importancia emocional de los planetas está profundamente arraigada en nuestra forma de pensar e incluso en nuestro lenguaje. Nombrados según dioses clásicos, varios de los planetas tienen su propio
adjetivo, por ejemplo, Marte bélico; Júpiter o Jove, como también se le conoce jovial; Mercurio mercurial; Saturno saturnino; y, desafortunadamente, aunque la connotación suele ser negativa, Venus tiene su “venéreo.” Ya sea que esté escribiendo música programática o no, Holst captura brillantemente estos estados emocionales.
Comenzando con los sonidos obviamente siniestros del dios de la guerra Marte, la música pasa por la gentil Venus, diosa del amor, y el elfo Mercurio, entregando sus mensajes con velocidad sobrenatural. Para Holst, Júpiter era una figura al estilo de Falstaff, o como una vez dijo: “uno de esos tipos regordetes que disfrutan de la vida.” Saturno parece mostrar tanto la gravedad como la belleza de la vejez, mientras que Urano demuestra no solo magia, sino también un toque de comedia. Finalmente, mientras escuchamos el sonido misterioso de un coro femenino sin palabras, el viaje celestial termina con el inquietante silencio de Neptuno. La música se desvanece en la distancia, dejando solo el silencio del universo.
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Carolyn Kirk-Likou & Manny Likou
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Hunter
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Chiappetta
Timothy M. Wilson
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Jean K. Borre
Laura Sterba
Marc Thayer
Charles & Nancy
Zimmerman
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Anonymous-2
Brian & Melissa
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Michael and Cecilia
Anderson
Helen Anderson
Allan & Joanne Ayers
Lisa & Tim Baran
Larry Dobbs and
Madeline Beyer
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Robert & Susan
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Michael Czerwionka
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Alain DeLeon & Robert Covell
Patrick and Therese
Donoghue
Pat & Terry Dunning
Lila Fagan
Vivian Hileman
Jeanne & Larry Hintz
Jim & Pat Jocius
Allen and Janet
Kennedy
Peter & Connie
Landwehr
Sharon LeCount
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Bonnie Daniell
Hal & Karen Theis
Del and Mary Bishop
Karen Meckstroth
Tia Aagesen
Parker & Katie Shaw
Thompson
Art and Cathy Malm
Donald Bak
Anonymous
Joe Crimmins
Vilma Dydas
Gina Edgell
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Judith McDonald
Nana Oakeycampana
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Maureen A. Resheske
John Steffen & Kerry
Kelly
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Mike & Louise Sullivan
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Garth Anderson
Jacqueline Vossler
Joan Gazdic
Susan Kennedy
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Kennedy
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Royer
Richard Schwemm
Ron and Margot
Sersen
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Kahoun
Ross Beacraft
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Judy Hopkins
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Nancy Lamia
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James McNamee
Raymond & Jane
Mysliwiec
Janet Page
Mike and Robin Rothamer
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Jim and Kathy Secora
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Sicklesteel
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Murna and Bruce
Hansemann
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Bleick
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